El gigante Shein acaba de cumplir su primer mes en bolsa y lo hace con su cotización, significativamente, a la baja. El gigante chino del comercio eléctrónico saltó al parqué el 1 de septiembre y, desde entonces, su acción ha reducido su valor en un 36,5%.

En concreto, la compañía cotizada en la bolsa de Hong Kong alcanza una valoración de casi 131.000 millones de dólares hongkoneses, el equivalente a 14.800 millones de euros, al cambio actual.

La multinacional cierra su primer mes en bolsa justo después de presentar resultados. En ellos, según recoge la agencia EFE,  la compañía indicó que, entre abril y junio, su beneficio neto se incrementó en un 247% hasta unos 2.398 millones de dólares, pero ese resultado se ajusta a una caída de más del 66%, principalmente debido a las ganancias en valor de mercado de acciones convertibles, aunque no aportó más detalles.

Según la citada información, Shein facturó 11.082 millones de dólares (+0,9%) y sus ingresos operativos se situaron en 235 millones (-66,3%), algo que su fundador y presidente, Chris Xu, achacó a “una fuerte subida de los precios del petróleo y los costes logísticos ante las tensiones geopolíticas en Oriente Medio”.

“Hemos tomado la decisión deliberada de absorber estos costes, los cuales vemos como transitorios, en vez de trasladarlos a los consumidores, para mantener los precios constantes y la inercia de pedidos”, agregó el directivo.

Dentro de esos datos de facturación, Shein ofrece un desglose geográfico que muestra el impacto de los aranceles y tasas impuestos en sus dos principales mercados, EEUU y Europa. En el primero, los ingresos cayeron un 6% interanual, y en el segundo, un 13,9%.

El peso del resto de destinos mundiales sobre el total de la facturación repuntó desde un 36,1% a mediados de 2025 hasta un 43,7% gracias a un repunte del 21,6% en la facturación, algo que la plataforma atribuye al “crecimiento de volumen de pedidos y la expansión de la base de clientes, especialmente en Latinoamérica”.

Una coyuntura “incierta”

En el global del primer semestre, Shein más que duplicó (+111,7%) su beneficio neto atribuido hasta 2.299 millones de dólares tras elevar su facturación en un 0,97%, aunque sus gastos operativos crecieron más, un 3,95%.

De cara a la segunda mitad del presente ejercicio, Xu espera que la coyuntura global siga siendo “incierta” debido a los “vientos en contra de los aranceles y la volatilidad de los costes logísticos”, aunque subraya que el último trimestre -con la campaña navideña y otros festivales de compras como el 'Black Friday'- es su “principal ventana de promociones”, por lo que anticipa un repunte de pedidos.

El fundador de Shein avanzó que, entre sus prioridades, figura el aumento de su inventario en Europa gracias a mejoras en sus sistemas de predicción del comportamiento de sus clientes y en automatización en sus instalaciones, así como en la transición a prendas con precios más altos para mejorar la rentabilidad de la compañía.

La moda volverá a tomar las calles de Logroño este sábado, 3 de octubre, a partir de las 18:00 horas, con la celebración de la segunda edición de la Gala CUCO de la Moda Riojana, que este año tendrá como escenario el Parque Gallarza, en pleno eje comercial de San Antón-Pérez Galdós.

El concejal de Promoción de la Ciudad, Miguel Sainz, ha presentado esta mañana la segunda edición de una iniciativa que nació el pasado año en la avenida de Portugal y que vuelve a apostar por sacar la moda a la calle, acercarla a la ciudadanía y convertirla en un elemento de dinamización de la ciudad. En la presentación ha estado acompañado por la secretaría general de la Cámara de Comercio, Cristina Quintero, y el organizador y presentador de la gala, Eduardo Viladés.

“Tras el éxito de la primera Gala de moda CUCO, hemos querido llevar de nuevo esta iniciativa a otro de los principales espacios comerciales de nuestra ciudad, el eje San Antón-Pérez Galdós y sus calles adyacentes”, ha señalado Miguel Sainz. “Por eso, en esta ocasión, la gran pasarela se instalará en el parque Gallarza, donde podremos disfrutar del trabajo de cinco diseñadores formados en la ESDIR, de 13 estudiantes del IES Hermanos D’Elhuyar y de la diseñadora logroñesa Sara Omatos”.

El concejal de Promoción de la Ciudad ha destacado que “queremos que CUCO suceda en la calle y que forme parte de la vida de Logroño”, al tiempo que ha subrayado la oportunidad de “vincular la moda con nuestros espacios comerciales y con la dinamización de la ciudad”. “Nuestro objetivo es que el público disfrute de la creatividad de nuestros diseñadores, conozca el talento que se está formando en nuestros centros educativos y descubra también el trabajo de profesionales como Sara Omatos, que ha regresado a Logroño para desarrollar aquí su proyecto”, ha añadido.

En este sentido, Sainz ha reivindicado que “este desfile es una forma de mostrar Logroño como una ciudad que crea, que tiene talento y que apuesta por sus jóvenes diseñadores y por quienes se están formando para hacer de la moda su profesión”.

Por su parte, Cristina Quintero ha destacado que “esta iniciativa tiene como objetivo impulsar el talento, la creatividad y la cultura, también desde el punto de vista de las zonas comerciales”. «Deseamos que los espacios se llenen de actividad y que todo el protagonismo que va a adquirir esta zona revierta en los establecimientos comerciales logroñeses“, ha señalado.

Asimismo, ha recordado que esta iniciativa será el punto de partida de la Semana del Comercio, que se celebrará del 3 al 10 de octubre en el marco del programa CUCO, incluido en el convenio que mantiene la Cámara con el Ayuntamiento de Logroño.

Una pasarela que mira a la Generación del 27

La segunda edición de CUCO incorpora además un marcado componente literario. Con motivo del centenario de la Generación del 27, la moda dialogará con la literatura a través de la obra de las mujeres de ‘Las Sinsombrero’.

“Este año hemos querido establecer un diálogo entre la moda y la literatura”, ha explicado Miguel Sainz. “Los cinco diseñadores formados en la ESDIR han escogido a mujeres de ‘Las Sinsombrero’ y sus poemas como hilo conductor para presentar sus colecciones. Ese encuentro entre literatura, arte y moda nos parece una manera muy especial de acercar su legado a nuevas generaciones”.

Así, Silvia González Yustes ha elegido a Josefina de la Torre y su poema ‘Agua clara del estanque’ para presentar ‘Origen’; Uxue Lucena se acercará a la obra de Cristina de Arteaga con ‘Tu poder multiplica’ como introducción a ‘Sareea’; Leyre Lázaro recurrirá a Ernestina de Champourcín y su poema ‘No fue para mí…’ para acompañar ‘Blow Up’; Naia Iturrioz tendrá como referencia a Rosa Chacel y unos versos de su obra para introducir ‘Soro’; y Bruno Langarica ha escogido a Concha Méndez y sus versos de ‘Todo, menos venir’ para acabarse como preludio de ‘Nuevo Narciso’.

El futuro de la moda también desfila en CUCO

La gala dará también protagonismo a quienes están dando sus primeros pasos en el sector. 13 estudiantes del IES Hermanos D’Elhuyar presentarán sus propias creaciones sobre la pasarela, con trabajos desarrollados durante su formación en los ciclos de Confección y Moda y Patronaje y Moda, ciclos impartidos desde el curso 2022-2023.

La participación del alumnado permitirá mostrar al público el talento y la creatividad que se están formando en Logroño y acercar las posibilidades profesionales de un sector que combina diseño, técnica, creatividad y emprendimiento.

Sara Omatos, broche de oro

El cierre de la II Gala CUCO correrá a cargo de la diseñadora logroñesa Sara Omatos, especializada en moda nupcial artesanal y personalizada.

Después de desarrollar durante años su actividad profesional en Valencia y Madrid, Omatos regresó a Logroño y abrió el pasado mes de enero su propio atelier en la calle María Zambrano, donde crea vestidos únicos y confeccionados a medida. En CUCO presentará ‘Latido’, una colección de moda nupcial que pondrá el broche de oro.

El diseñador tinerfeño Juan Carlos Armas presenta este viernes, 25 de septiembre, en la XV edición de Pasarela Larios Málaga Fashion Week su nueva propuesta de Alta Moda, Cristal Salino, una colección en la que el océano se convierte en punto de partida para explorar la luz, el movimiento y la textura.

La propuesta llega a la emblemática alfombra azul de la calle Marqués de Larios, uno de los escenarios más reconocibles de la moda en Málaga. Armas plantea una colección de líneas fluidas, con volúmenes y formas que buscan reproducir el movimiento del agua y los remolinos que dibuja el mar sobre la silueta.

Sedas, tules y bordados en degradé protagonizan una propuesta en la que el trabajo artesanal tiene un peso especial. La pedrería se incorpora a las prendas para atrapar la luz y recrear el efecto iridiscente de la superficie marina cuando la marea retrocede sobre la arena.

Del blanco salino a los colores del arrecife

La gama cromática de Cristal Salino parte del blanco y los tonos arena para evolucionar hacia una sucesión de colores pastel inspirados en distintos paisajes y matices del océano.

Rosas de arrecife, malvas y verdes transparentes completan una paleta concebida para transmitir luminosidad y ligereza. El resultado combina tonalidades suaves con el trabajo de bordado y pedrería, uno de los elementos característicos de la propuesta de Armas.

El diseñador traslada así al vestido de Alta Moda una idea vinculada al paisaje atlántico: prendas concebidas para moverse con el cuerpo y generar una sensación de fluidez, sin renunciar al trabajo minucioso de los acabados.

Una colaboración con Son Gómez

La colección incorpora también piezas creadas en colaboración con Son Gómez, firma con la que Juan Carlos Armas vuelve a trabajar en esta propuesta.

Sus diseños se integran en el conjunto de ‘Cristal Salino’ para establecer un diálogo entre distintas técnicas y formas de entender el trabajo artesanal, contribuyendo a dar continuidad estética a la colección.

Tenerife, presente en Málaga

La participación de Armas en Pasarela Larios se produce con el respaldo de Tenerife Moda, programa del Cabildo de Tenerife destinado a promover la actividad de diseñadores y empresas del sector de la Isla.

Su presencia en esta cita permite mostrar en Málaga una parte del trabajo que se desarrolla en Tenerife y poner en contacto la creación local con profesionales, medios y público vinculado al sector de la moda.

Con Cristal Salino, Juan Carlos Armas vuelve a recurrir al paisaje atlántico como fuente de inspiración y lo traduce en una colección en la que luz, color, movimiento y artesanía marcan el hilo conductor.

La edición de elDiario.es en la Región de Murcia ha celebrado los días 22 y 23 de septiembre una nueva edición del Festival de Cultura Murciana 'A Gallete', un encuentro que vuelve a apostar por el talento y la creación de la Región como protagonistas. Las jornadas tendrán lugar de 19.00 a 23.00 horas, en el HUB Audiovisual del Cuartel de Artillería de Murcia Pabellón 2, con entrada gratuita hasta completar aforo.

El festival ha planteado dos jornadas de conversaciones en torno a distintas disciplinas de la cultura contemporánea. Arquitectura, fotografía, diseño y música serán los ejes de un programa que reunirá a profesionales consolidados y nuevas voces para compartir experiencias, reflexionar sobre sus respectivos sectores y abordar los retos a los que se enfrenta la creación cultural en la Región.

La primera jornada arrancó a las 19.00 horas con la apertura institucional, a cargo de la directora de elDiario.es Región de Murcia, Elisa Reche; el concejal de Cultura e Identidad, Diego Avilés, y la Adjunta al Director de elDiario.es, Raquel Ejerique.

A continuación, de 19.15 a 20.30 horas, tuvo lugar el coloquio 'Arquitecturas de un futuro cercano', que reunió al arquitecto de Ecoproyecta Pablo Carbonell; Laura Ortín, dirección de Open House Murcia, Dictinio de Castillo y Tatiana Poggi y Joaquín García Vicente, de Especie Arquitectura. La conversación estuvo moderada por María José Climent, vicedecana del Colegio Oficial de Arquitectos de la Región de Murcia (COAMU).

Tras un breve descanso, de 20.45 a 22.00 horas, llegó el turno de la fotografía con 'Narrar desde la fotografía, contar el mundo en imágenes'. El fotorreportero Alfonso Durán, la fotógrafa freelance Pilar Morales, Silvia Marte, fotógrafa y cofundadora de La Cámara Roja y David de Flores, el otro cofundador de este espacio de divulgación de la fotografía emplazado en el barrio de Vistabella, conversaron sobre la imagen como herramienta de narración, denuncia y mirada contemporánea. La mesa estuvo moderada por Aita Salinas, coordinadora del Proyecto Cultural Murcia Origen de Cervezas Alhambra. La primera jornada concluyó con una sesión de DJ a cargo de VONDEE y un cóctel.

Diseño contemporáneo con mirada murciana

El segundo día del festival comenzó a las 19.00 horas con la apertura de la jornada a cargo de Elisa Reche, directora de elDiario.es Región de Murcia, junto al director del Instituto de Industrias Culturales y de las Artes, Manuel Cebrián, y el fundador de la edición murciana de elDiario.es, Pedro Serrano Solana.

De 19.15 a 19.30 tuvo lugar la entrega del Premio 'A Gallete' a la compañía teatral Zoo Cabaret, en reconocimiento a su trayectoria y a su aportación a la cultura de la Región de Murcia. El galardón, con forma de botijo, ha sido diseñado para esta edición por el artista Diego Lizán.

De 19.30 a 20.30 horas se celebró el coloquio 'Del taller a la calle: diseño contemporáneo', una conversación que abordó el diseño desde una perspectiva vinculada a la cultura murciana. Participaron las diseñadoras de joyas Raquel Castillo y Tesi Andreu, de Tessara y las diseñadoras de moda Miriam García, fundadora de Broken Finger y Martae Martínez, de Las Culpass. La mesa estuvo moderada por Irene Rodríguez, investigadora, escritora y autora de @laguiavintage. 

La música murciana, en primera persona

La música protagonizó el último gran coloquio del festival. De 20.45 a 22.00 horas, Ruth Lorenzo; Nando Efe y Curro Tropiko, voces del grupo Awakate; Juan Antonio Franco y Paloma Vicente, de Verde Columbares y la artista Julia Cry participaron en 'La música murciana en primera persona'.

Moderada por el periodista musical Miguel Tébar A., la conversación fue un encuentro abierto entre músicos de distintas generaciones y trayectorias para hablar de creatividad, composición, industria musical y experiencias personales dentro de la escena. La segunda jornada concluyó con una sesión de DJ a cargo de Lady Dilema y un cóctel.

elDiario.es Región de Murcia ha celebrado este miércoles la segunda edición del Festival de Cultura Total Murciana 'A Gallete, para celebrar sus once años de servicio público en la Comunidad autónoma. En esta jornada, representantes de la moda y la música se han reunido para debatir el papel de sus disciplinas en la cultura murciana.

La jornada la ha abierto la directora de elDiario.es Región de Murcia, Elisa Reche; el director del ICA, Manuel Cebrián; y Pedro Serrano Solana, fundador de elDiario.es Región de Murcia. Reche ha observado el impacto de la extrema derecha en la población y la cultura popular, “también en la moda y la música”.

Ha planteado si debería ser necesario proteger el patrimonio de la moda y diseño, de la misma manera que se hace en otros campos artísticos: “Este verano Zendaya apareció con unos pendientes de oro iraní de 3.000 años en la alfombra roja, ¿son ese su lugar o deberían estar en un museo?”.

Manuel Cebrían ha celebrado la existencia de esta segunda edición de 'A Gallete' con la que el formato “se ha consolidado”: “Promueve la difusión de la cultura y da espacio a los artistas en un plano más íntimo y personal”.

Por su parte, el fundador de la edición murciana de elDiario.es, Pedro Serrano Solana, ha rememorado los inicios de este medio: “Se me ocurrió emprender un medio digital en internet que terminó derivando en elDiario.es de la Región de Murcia, lo cual me enorgullece y me hace sentir un gustico interior cada día”.

Durante la jornada se ha entregado el premio 'A Gallete' 2026 a Zoo Cabaret, “una muestra de la longevidad y la vitalidad de la cultura murciana”, ha definido Elisa Reche. “Por esa originalidad, por ese compromiso, por llenar los escenarios de humor e inteligencia, este premio es para ellos”.

El galardón, con forma de botijo, ha sido diseñado para esta edición por el artista Diego Lizán: “Llevan 14 años haciéndonos reír y pasar momentos inolvidables”, ha abundado Lizán.

“Hemos llegado a un público muy variado, muy grande, que nos ha hecho grandes, les agradecemos por venir a vernos”, han expresado desde Zoo Cabaret. “Hay muchísima gente en Murcia muy valiente, que se queda en Murcia y que apuesta por hacer cultura y por hacer esta ciudad mucho más diversa, mucho más maravillosa. No es cobardía el no irte, no es falta de recursos, es que queremos que en nuestra ciudad haya mucha más cultura y muchas más cosas para hacer”, han reivindicado.

“El oficio, la artesanía, se está perdiendo”

De 19.30 a 20.30 horas se ha celebrado el coloquio 'Del taller a la calle: diseño contemporáneo', una conversación que ha abordado el diseño desde una perspectiva vinculada a la cultura murciana. Ha contado con la participación de las diseñadoras de joyas Raquel Castillo y Tesi Andreu, de Tessara, y las diseñadoras de moda Miriam García, fundadora de Broken Finger y Martae Martínez, de Las Culpass. La mesa ha estado moderada por Irene Rodríguez, investigadora, escritora y autora de @laguiavintage.

“Si soy autónoma y hago mi propio trabajo es porque las experiencias que he tenido en la joyería con jefes han dejado mucho que desear”, ha valorado Raquel Castillo sobre la condición de mujer en el diseño.

“En la joyería se han valorado más sus materiales y la parte histórica, cuando realmente ha sido una disciplina artística más, con diferentes corrientes y movimientos. A nivel de género ha sido, creo, diseños hechos para las mujeres por los hombres. Las mujeres no hemos tenido espacio en los talleres de joyería, únicamente nos limitábamos a pulir y a limpiar la joya. Ahora es cuando las mujeres estamos ocupando un espacio en el mundo de la joyería y estamos empezando a diseñar”, ha abundado.

Para Miriam García, la experiencia en el diseño de moda ha sido más diversa: “Es normal trabajar con todo género de personas en lo que es textil y el diseño de moda. Pero sí que es cierto que se ha sexualizado la moda femenina históricamente”.

Sobre si es posible la conciliación en su disciplina, Martaé Martínez ha apuntado que “estamos intentando jugar en una liga que no está hecha ni pensada para la gente artesana”.

“No puedes abarcar todos los campos. La contabilidad y administración la detesto, es horrenda. Al final, por tener que atender todas estas funciones, diseñar acaba siendo un 1% de mi tiempo”, ha lamentado. Por suerte, afirma Tesi Andreu, el cliente de artesanía es “de valor, vemos cómo aprecian y valoran nuestro trabajo”.

Además de competir con las grandes marcas, los artesanos también deben lidiar con las imitaciones: “La manera que tenemos pequeñas marcas para protegernos de ellos es patentar cada diseño. Eso es lo que hace subir el costo de un producto”, ha observado Raquel Castillo.

Otra pata de la imitación reside en la inteligencia artificial. La diseñadora de Tessara ha recordado que “lo que diseñamos es parte de nuestra cultura y de nuestra historia”.

“Me llega a preocupar como sociedad si realmente toda esa parte creativa se la debemos a un ordenador. Muchas veces en las escuelas directamente salen los chavales diseñando en IA e imprimiendo en impresora 3D. El oficio, la artesanía, la mano, esa herencia se está perdiendo”

Sobre lidiar con las redes sociales, Tesi Andreu apuesta por la “naturalidad”: La gente entiende que los hago [los post] de forma natural. No me caliento mucho la cabeza, cada vez lo hago más fácil y más rápido y estoy manteniendo un ritmo bueno semanal de varias publicaciones“.

Murcia, “más en el orgullo que en la vergüenza”

A la moda y el diseño le ha seguido el último gran coloquio del festival, 'La música murciana en primera persona', con Ruth Lorenzo; Nando Efe y Curro Tropiko, voces del grupo Awakate; Juan Antonio Franco y Paloma Vicente, de Verde Columbares y la artista Julia Cry. Una mesa moderada por el periodista musical Miguel A. Tébar.

Ruth Lorenzo ha recordado su album debut, 'Planeta Azul', con un single que nació tras un paseo por las Salinas de San Pedro: “Es uno de mis sitios favoritos de toda Murcia y cuando volvía en coche, conduciendo, compuse la canción. Me imaginaba la historia, una leyenda de una chica que se había vuelto loca por amor y se perdió en las arenas de San Pedro. Iba cantándola y pensaba 'que no se me olvide, que no se me olvide'. Paré el coche en una gasolinera, cogí el teléfono y canté”.

“Me hubiese gustado producirlo de otra manera, pero estaba sujeta a un sello”, ha confesado.

El arraigo a la Región de Murcia movió a Awakate a desarrollar el concepto de Murcia tropical: “Nosotros somos gente que venimos de diferentes pueblos de la Región y nos unía un sentimiento de arraigo muy profundo a nuestra tierra”.

“En el chiste, en la burla, nosotros nos nos reconocíamos y nos encontramos con un montón de ideas que iban más en el orgullo que en la vergüenza”, han abundado.

Por su parte, desde Verde Columbares han encontrado inspiración en el arraigo a la Comunidad: “Estuve de Erasmus en Manchester unos meses y desde entonces no me he ido más. En la mayoría de mis letras hablo de la posibilidad de buscar vivienda, de la corrupción política, del calor que hace en Murcia”.

Ruth ha puesto en valor la “valentía” de los artistas emergentes murcianos: “Yo he vivido los dos escenarios, el de por u millón de libras, cinco discos, algo enorme. Y también he vivido el de tener que pagar para quedarme con las canciones que había escrito”.

“La industria de la música es un entresijo que rara vez está hecho para los que nos dedicamos a crear”, ha lamentado. “He pasado por contratos de los que quedé secuestrada durante cuatro años sin poder trabajar con cláusulas leoninas, como no poder cortarme el pelo o engordar más de cinco kilos. Después de ese proceso decidí tomar las riendas artística y profesionalmente”.

“Firmé mi primer contrato con 18 años recién cumplidos, que eso fue muy bestia, pensando pues que todo iba a ir muy bien. Yo no sabía lo que era un royalty, tuve una experiencia que fue muy fea, muy horrible. Pero yo quería seguir haciendo música, a mí nadie me quita mi sueño”, ha relatado Julia Cry.

“Trabajé de camarera, entonces trabajaba, ahorraba, me peleaba con mi jefe, volví a ahorrar, volví a trabajar. Y apareció Antonio, que con paciencia, el curro y el equipo necesario me dio muchas victorias”

Un paño centenario que estuvo a punto de terminar en la basura, maderas recuperadas de casas en desuso, retales que han acompañado vidas enteras y que ahora buscan una segunda existencia. Con estos materiales como punto de partida, las aulas del taller Saberes del hacer y memoria de la materia se han convertido esta semana en un espacio donde la creación contemporánea se entrelaza con la memoria íntima y colectiva. La propuesta, integrada en el Proyecto Extremadura —una iniciativa conjunta de la Fundación Caja Extremadura y la Fundación Cajalmendralejo— celebra del 21 al 25 de septiembre su fase práctica en Cáceres, reuniendo a una docena de creadores y profesionales de distintas disciplinas que trabajan desde la artesanía, la moda, la escultura o la conservación.

El taller está dirigido por la artista multidisciplinar Sonia Navarro, (@sonianavarro.estudio) cuya trayectoria se ha caracterizado por explorar la relación entre cuerpo, identidad y materialidad. Su planteamiento para estas jornadas se aleja deliberadamente de la enseñanza técnica convencional. En lugar de centrarse en puntadas, patrones o procedimientos, propone una inmersión en el arte textil como un territorio de investigación donde cada material actúa como archivo. La materia, explica, no es un soporte neutro, sino un lugar donde se sedimentan historias, gestos y afectos. Trabajar con ella implica escucharla, tocarla, reconocer su pasado y permitir que dialogue con el presente de quienes la intervienen.

“Este es un taller de arte textil que se realiza no sobre técnicas textiles, sino con materiales que pueden contar historias y contar la historia de cada uno de los participantes, a través del tacto, la memoria y la experimentación”, explica Navarro, que estos días acompaña de cerca los procesos de cada participante, guiando la reflexión sobre cómo la materia puede convertirse en relato.

La diversidad de perfiles que han acudido a esta cita confirma la vocación transversal del proyecto. Entre ellos destaca Águeda Valle, fundadora de la firma de moda sostenible y suprarreciclaje Águeda Valle Upcycling, que ha viajado a Cáceres para desarrollar una pieza específica dentro del taller. Su trabajo parte de la recuperación de textiles centenarios y maderas desechadas, que transforma en vestidos nupciales, piezas de gala o bolsos escultóricos. En su práctica, la reutilización no es solo un gesto ecológico, sino una forma de preservar la memoria material de objetos que han acompañado generaciones.

“En Águeda Valle Upcycling, una firma donde nos dedicamos a recuperar textiles centenarios y maderas que están olvidadas y destinadas a desecharse, transformamos en piezas nuevas destinadas al arte, como pueden ser vestidos nupciales o de gala. En el caso de las maderas, hacemos bolsos escultóricos con esas maderas y partes de los tejidos que sobran del resto de nuestras creaciones”, explica Valle, que estos días trabaja con un conjunto de telas antiguas que ha seleccionado para la ocasión.

La creadora describe el ambiente del taller como un espacio de entusiasmo compartido, donde cada participante experimenta con materiales que han traído desde sus propios contextos familiares o profesionales. “En estos momentos nos encontramos en Cáceres participando en este taller excepcional con la gran artista Sonia Navarro, por lo que estamos súper felices. Ahora mismo estamos todos los compañeros aquí en el aula creando nuestras piezas. Tendremos estos días para poder desarrollarlas y el jueves por la tarde montaremos la exposición en el Museo de Cáceres (Casa de los Caballos), donde todas las obras serán expuestas y estarán alrededor de una semana a disposición del público”.

La Casa de los Caballos, sede del Museo de Cáceres, será el lugar donde culminará este proceso colectivo. Allí se presentarán las piezas resultantes de las jornadas, que combinan técnicas artesanales, experimentación contemporánea y una lectura crítica de la memoria material. La exposición, abierta al público durante aproximadamente una semana, permitirá observar cómo cada creador ha interpretado la propuesta de Navarro y cómo los materiales recuperados se transforman en obras que hablan de identidad, territorio y tiempo.

Proyecto Extremadura, que en los últimos años ha impulsado residencias, talleres y encuentros profesionales en distintos puntos de la región, refuerza con esta iniciativa su apuesta por prácticas artísticas que dialogan con el patrimonio material y con las formas de hacer tradicionales. En Cáceres, el arte textil se convierte estos días en un refugio donde la memoria encuentra nuevas maneras de ser contada.

Las mujeres siempre han trabajado, la minifalda fue un símbolo de rebeldía y los zapatos de tacón se inventaron para los hombres. La historia no solo se cuenta a través de conflictos bélicos y ascensos y caídas de imperios, también está en el vestir. Una parte de nuestro pasado que rescata Irene Rodríguez a través de sus redes sociales. Sumando casi el millón de seguidores en TikTok, Youtube e Instagram, la creadora de contenido está acercando la historia de la moda a los más jóvenes.

Escritora y Doctora en Artes y Humanidades, se ha especializado en literatura escrita por mujeres y teoría crítica de la moda desde una perspectiva de género y cultural. El próximo miércoles 23 de septiembre nos acompañará en la segunda edición del Festival de Cultura Murciana 'A Gallete' en el HUB del Pabellón 2 del Cuartel de Artillería, donde moderará el coloquio 'Del taller a la calle: diseño contemporáneo', una conversación que abordará el diseño desde una perspectiva vinculada a la cultura murciana.

En la mesa participarán las diseñadoras de joyas Raquel Castillo y Tesi Andreu, de Tessara y las diseñadoras de moda Miriam García, fundadora de Broken Finger y Martaé Martínez, de Las Culpass.

¿Cuándo comenzó tu interés por la historia de la moda? 

Estudié Filología Inglesa en la Universidad de Murcia, en el tercer año estuve experimentando mucho con los looks y no daba con la tecla. Ya en el cuarto año fui centrándome más en el estilo tipo años 40 y años 50.

Cuando me gusta una cosa me obsesiono y necesito saber todo lo que hay que saber de eso. Empecé a investigar para tener un estilo más auténtico, y acabé adentrándome en otras épocas que me interesaban. Esto se me juntó con que empecé mi doctorado, por lo que se acabó uniendo mi investigación personal con la académica.

¿Influyó la Filología Inglesa a tu aproximación a la moda?

Una de las épocas que más me interesan es el siglo XIX, y diría que es por leer tanta novela decimonónica, de ‘La nueva mujer’ [ideal feminista de finales del siglo XIX]. Siempre me llamó mucho la atención.

¿Cuándo decidiste transmitir tu pasión a través de las redes sociales?

Empecé en 2020, durante la pandemia. A muchos nos pasó, estábamos encerrados y necesitaba expresarme. 

El primer post que subí fue completamente aleatorio. Vi el típico vídeo que suele verse cuando se habla de historia de la moda, metiéndose con el corsé de las mujeres decimonónicas: decía que estaban torturadas, que no podían andar, o que se sacaban las costillas flotantes para tener la cintura más pequeña. Ese día decidí responder con un vídeo desmintiendo todo. Al subirlo, amigos y familiares me animaron a abrirme una cuenta para hablar solo de esto.

En tu canal abordas muchísimas décadas y periodos pero, precisamente, un tema recurrente es el corsé, ¿por qué crees que es tan importante?

Es a la vez la prenda de la que más se habla y que menos se conoce. Cuando una cree que ha parado la tendencia de relacionar al corsé con tortura y represión, llega una nueva ola. Esta vez se lleva mucho hacer vídeos con IA sobre el tema, soltando lo mismo de siempre.

Al final, toda prenda en cierto modo es una opresión, podemos decir lo mismo del sujetador. Pero el corsé era una prenda que tuvo mucho sentido en su época: ayudaba a apoyar el resto de la ropa, pues solía tener bastante peso; y, especialmente para las clases trabajadoras, suponía un alivio lumbar.

También era una forma de lidiar con la presión estética. Cuando se ponía de moda un tipo de cuerpo concreto, lo único que tenías que hacer era confeccionarte o comprarte un corsé que simulase ese tipo de cuerpo. No tenías que hacer ejercicio o someterte a dietas abusivas y procedimientos estéticos.

Has mencionado el tema de la IA, que permite publicar en masa vídeos plagados de desinformación. Esto ha coincidido con un cierto descontento del público hacia los creadores de contenido. ¿Cómo percibes esto?

A nuestro cerebro le impresionan mucho las imágenes, aunque sean completamente falsas y carentes de verdad histórica. Siempre pienso en los vídeos con IA de mujeres que van pasando de época en época, cambiando de ropa y estilo. Llaman muchísimo la atención, mucho más que una persona hablando a cámara.

Es un poco frustrante, una persona que utiliza la IA para hacer videos puede producir a un nivel muchísimo más rápido que el que yo podría llevar. Al final, son los vídeos que más llegan, con la información que no debería esparcirse.

Volviendo a la moda: en esta edición del festival ‘A Gallete’ vamos a abordar las nuevas formas de creación en el diseño contemporáneo. Vivimos en una época de crisis económica y social, más conservadora ¿se deja ver en los cuerpos y en el vestir?

Hay un cúmulo de cosas. El ascenso de la extrema derecha siempre viene acompañado de un ideal de extrema delgadez y feminidad tradicional. Al final se crea una idea de feminidad que está basada tanto en la sumisión como en la maternidad.

Desde nuestro ideal moderno, entendemos que el cuerpo más sano siempre es un cuerpo delgado, aunque ahora mismo se nos está yendo de las manos.

Venimos de una década muy distinta, la de los 2010, cuando empezó a impulsarse la moda curvy, y empezó a verse en el mainstream lo que se consideran cuerpos menos normativos. 

Creo que en parte la moda de la extrema delgadez de la actualidad es otro tipo de reacción a la década de 2010 y la vuelta al mainstream del feminismo que supusieron estos años. 

Al final existe la percepción en algunos sectores políticos o discursivos de que la mujer ha llegado “demasiado lejos” en el impulso de sus derechos. Por desgracia esto es una constante, siempre ha existido esta percepción a lo largo de la historia. Ahora mismo estoy con investigaciones sobre la moda de finales de la Edad Media y ya en esa época había quien pensaba que la mujer había progresado demasiado.

Ahora se ha recuperado el fenómeno de lo vintage, ¿se han aprovechado las prendas del pasado en todas las épocas?

La reutilización siempre ha existido, mucho más incluso en siglos pasados, cuando las prendas y la tela, eran cosas valiosísimas.

No solo se rescataban modas a través de ropa antigua, también se deshacían las prendas y se elaboraban otras. Era algo tan importante que incluso sucedía en las clases altas, llegando a aparecer como herencia en testamentos.

Pero en la actualidad ya no solo se reutiliza, también se replican estilos del pasado.

Sí, ahí entra lo retro.

A la hora de vestir retro o vintage en la actualidad, ¿se recuperan todos los periodos? ¿Qué predomina y por qué?

Ahora se está viendo un renacimiento de los años 30. Es una silueta que está volviendo, es una década de extrema delgadez. Vemos vestidos largos, pegados al cuerpo y con mucho escote en la espalda, como: el vestido amarillo de Kate Hudson en Cómo perder a un hombre en diez días. Ese tipo de vestido que se utiliza mucho cuando vuelve el estándar de moda de la delgadez del poco pecho de ese tipo de feminidad, como pasó en los 2000.

No sé si se debe a que nos acercamos a nuestros años 30, pero prefiero no pensarlo, porque los años 30 del siglo XX no fueron buenos para nadie.

En los últimos años, se ha eliminado el tabú que podía tener la ropa de segunda mano anteriormente, ¿por qué?, ¿cómo afecta esto en cómo vestimos?

El capitalismo es muy bueno en coger algo que no le viene bien, empaquetarlo y volverlo a vender. El vintage y el retro tienen demasiada exposición en el sentido de que se están convirtiendo en algo deseable y, por tanto, se está convirtiendo también en un producto.

Antes se compraba ropa o libros de segunda o tercera mano porque se sabía que iba a costar menos. Ahora es al contrario: si tiene la etiqueta retro la industria percibe que pueden cobrarnos más caro.

Esta asimilación que el sistema capitalista ha podido hacer a la segunda mano ¿se carga el acto de reutilizar, el de contaminar menos?

Diría que sí, cuando entras dentro de los ciclos de las tendencias es muy difícil salir. Uno de los atractivos del vintage era que a lo mejor una persona podía encontrar siluetas y tipos de confección en telas que no se veían en la vida diaria. Pero si al final esas prendas vuelven otra vez a estar solo al alcance de unos pocos por muchísimo dinero, a los demás nos quedan las reproducciones que hace la propia industria de la moda rápida.

Cuando se habla de diseño, ¿dirías que se aprecia el papel de la costurera?

La industria de la moda con mayúsculas depende completamente de las costureras. Es una profesión que no se ha podido automatizar, pero siempre se enfrentan a un desprestigio constante que viene acompañado de precariedad económica y laboral.

La situación de las costureras sigue siendo la misma que la de la trabajadora del siglo XIX en la Revolución Industrial. Lo único es que han desplazado su precariedad geográficamente, pasando de ubicarse en Europa a estar en otros países de los que muchos europeos ricos se benefician de explotar a sus trabajadores.

La costura, mal considerada, permanece como un empleo feminizado. ¿Cómo ha sido la situación del diseño, en la actualidad considerado de prestigio?

Es difícil saber cuando estamos cuando empezamos a hablar de diseño como tal, cuando empezamos a hablar de la moda como arte. A finales del siglo XVIII y durante el siglo XIX hay un gran movimiento de la mujer hacia la industria textil, en la que se va convirtiendo en la modista, en la diseñadora, en la tendera.

Son mujeres las que tienen esas empresas, las que dan su propio nombre a las marcas y las que crean, por ejemplo, patentando corsés. Y, sin embargo, no se las suele considerar diseñadoras, cuando, en efecto, estaban diseñando.

¿Hay alguna diseñadora que la historia ha olvidado?

Me viene a la cabeza en el siglo XVII a Rose Bertin, que se la conoce como la modista de María Antonieta. Pero realmente fue su diseñadora. Se nutría de la moda de la calle, del arte, y creaba piezas nuevas. 

Es algo parecido a lo que ocurre en el mundo de la cocina: hasta que viene un chef masculino no se tomó en consideración el mundo de la cocina. La moda, por su parte, no empieza a considerarse un arte hasta que aparecen los primeros diseñadores hombres en el siglo XIX y a principios del XX. Cuando una actividad se considera femenina, no se tiene en cuenta.

La firma Carmen Alba, dirigida por la diseñadora ciudadrealeña Carmen Cambronero, llevará este viernes 18 de septiembre el nombre de Ciudad Real y de Castilla-La Mancha hasta uno de los grandes escaparates de la moda nacional con la presentación de su nueva colección, ‘Manos de Aire’, en el marco de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid.

El desfile tendrá lugar a las 14 horas en la Universidad Nebrija, dentro de la programación de la Semana de la Moda de Madrid, y supone una nueva oportunidad para que la creadora ciudadrealeña muestre su particular forma de entender la moda, basada en el trabajo artesanal, la confección cuidada y valorización de las raíces y tradiciones de Castilla-La Mancha.

La participación de Carmen Alba se realiza de la mano de Legado Artesano de Castilla-La Mancha, la marca de excelencia de la artesanía regional impulsada por el Gobierno regional para visibilizar el trabajo de los artesanos y artesanas de la comunidad y favorecer su proyección.

‘Manos de Aire’: la tierra de Castilla-La Mancha convertida en moda

La nueva colección nace de una mirada hacia la belleza más cercana y cotidiana. Una colección que parte de los paisajes y colores de Castilla-La Mancha para reivindicar también las manos de quienes, generación tras generación, han mantenido vivos los conocimientos y oficios tradicionales. que resisten al paso del tiempo y de la necesidad de recuperar un ritmo más pausado y artesanal en un mundo que avanza demasiado deprisa.

La colección encuentra su inspiración en elementos tan propios del paisaje castellanomanchego como la flor del almendro al amanecer, el rojo de las amapolas o el lila profundo del azafrán, trasladando esa riqueza visual al universo creativo de Carmen Alba.

En este sentido, la propuesta incorpora diferentes técnicas y procesos artesanales, desde los bolillos que dibujan el encaje y el pincel que da vida a la seda hasta piezas únicas modeladas a mano, convirtiendo cada creación en una pieza vinculada a la memoria y al territorio. “No son sólo vestidos. Es nuestra tierra pintada, tejida, modelada y hecha a mano. Cada pieza pretende contar una historia y convertirse en una forma de entender la belleza desde la autenticidad y el trabajo manual”, explica Carmen Cambronero sobre su nueva colección, con la que vuelve a situar la artesanía en el centro de su proceso creativo, entendiendo la moda como “una herramienta para conservar, reinterpretar y transmitir el patrimonio cultural”.

La diseñadora busca así rendir homenaje a quienes mantienen vivos estos saberes y a los oficios tradicionales que forman parte de la identidad de Castilla-La Mancha, pero también a las mujeres que eligen vestir prendas que van más allá de la propia moda.

Esta filosofía conecta con la trayectoria de Carmen Alba, firma dirigida por Carmen Cambronero, que cuenta con más de 20 años de experiencia en el mundo de la moda y la confección. Desde su atelier de Ciudad Real, la diseñadora apuesta por la creación de prendas a medida, combinando la tradición artesanal con una mirada contemporánea y cuidando especialmente los tejidos, acabados y detalles de cada diseño.

Su participación en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid supone un nuevo paso en la trayectoria de la firma y permitirá mostrar su universo creativo ante profesionales y público especializado de la moda nacional.

Con ‘Manos de Aire’, Carmen Alba “reivindica el valor de lo hecho a mano y convierte la identidad, los paisajes y los saberes artesanales de Castilla-La Mancha en fuente de inspiración para una propuesta de moda contemporánea”.

Todavía no sabe muy bien qué es lo que le ha traído a Logroño, pero está segura de que lo descubrirá. Noelia StGeorge se instaló con su familia en Logroño hace apenas dos semanas y asegura sentirse como en casa. “La ciudad parece un gran barrio de San Chinarro y la Circunvalación, me recuerda a la M30”. Esta madrileña, que ha vivido en media docena de países, ha pasado el último año y medio en Suiza, desarrollando una profesión totalmente desconocida: encargada de lavandería y vestuario de familias billonarias.

Mantener en perfecto estado un jersey de Hermès o un abrigo de Dior conlleva un minucioso trabajo que las grandes fortunas han convertido en una profesión, revelando el nivel de exclusividad en el que se mueven. Y es que Noelia asegura que su trabajo va más allá de limpiar la ropa y ordenar los armarios. “Se trata de conservar cada prenda como si acabara de salir de las manos del artesano que la ha confeccionado”, explica, “el reto que siempre me planteo es poder hacerlo todo yo sin llevarla a la lavandería, de forma que mis clientes no tengan que esperar y tengan siempre todo en perfecto estado y disponible”.

Llegó a este trabajo casi por casualidad, como también ahora ha llegado a Logroño, pero su vínculo con la moda viene de muy lejos. Asegura que ya sentía esa pasión desde muy pequeña, cuando veía a su abuela trabajar como modista. De hecho, estudió Historia del Arte para profundizar en la historia de la moda. Años más tarde trabajó como auxiliar de vestuario en series de televisión como 'El Secreto de Puente Viejo' o 'El Don de Alba'. Pero la frivolidad que desprende a veces el mundo de la moda le terminó alejando. “Me asustaba la superficialidad, era un trabajo muy duro, veía divorcios y muchas cosas que no iban conmigo”, explica.

Sin embargo, tras recorrer diferentes países y trabajar como niñera para familias multimillonarias, el destino le llevó a Suiza y allí descubrió esta nueva profesión. “Para mí es mucho más que un trabajo. Me ha cambiado la vida”, señala, “la vida me ha puesto en contacto con mi pasión, la moda, pero de otra manera; estando en contacto con la artesanía, con el trabajo más minucioso, con el aprendizaje continuo, la investigación. Veo la belleza, la manualidad, la singularidad. Y es una suerte estar en contacto con esos armarios porque no es lo mismo ver esas prendas en una revista que tenerlas en la mano apreciando todos sus detalles”.

Aunque los contratos de confidencialidad le impiden contar nada sobre sus clientes, Noelia StGeorge sí ha ido compartiendo a través de sus redes sociales algunos aspectos de su día a día laboral. “Lo último que descubrí, y me divertí mucho haciéndolo, es la forma de lavar a mano las blusas de Chanel. Notaba que al hacerlo, la seda perdía brillo y descubrí que era por los minerales del agua del grifo, que se agarran a la seda”, cuenta entusiasmada, “así descubrí que usando agua destilada en el último aclarado, la seda queda como el primer día”. Explica también cómo la lectura le llevó a descubrir que para quitar la sangre de la seda sólo se puede utilizar oxígeno, porque otros productos específicos utilizan encimas para comerse la proteína de la sangre, “y eso con la seda, que también tiene su proteína, no funciona”.

Pero a pesar de la plenitud de ese trabajo, para Noelia pesa más lo personal. Por eso, por necesidades laborales de su marido, hace apenas unas semanas decidieron volver a España y Logroño ha sido la ciudad elegida. No hay una razón, ni siquiera una explicación. “Somos de Madrid , pero ahora mismo, con los precios de la vivienda que hay allí, no era una opción”; señala Noelia, “contemplamos otras ciudades, pero no sentíamos nada especial. Hasta que alguien nos habló de Logroño, vinimos y enseguida nos sentimos bien aquí”. Ha pasado menos de un mes pero dice sentirse ya en casa. “Vinimos un día a ver la ciudad y en unas horas teníamos casa, escuela para el niño y todo lo necesario. La gente es majísima, se les ve contentos, tranquilos, se saludan por la calle, no están tensos”, señala.

Sabe que en una ciudad pequeña es difícil desarrollar un trabajo como el suyo pero eso no le supone ningún problema. “En La Rioja hay muchas cosas que hacer y yo no me cierro a nada, quiero vivir mil vidas en una y no sé cuál será mi camino aquí pero lo iré descubriendo”, sentencia, “de momento, me dedico a mi pequeño, que antes no tenía mucho tiempo para él, estudio, hago mis cosas... Ahora mismo estoy construyendo un maniquí con mis medidas para hacerme una prenda muy especial. Ya veremos lo que toca mañana”.

El diseñador de moda y vestuarista estadounidense Bob Mackie, conocido por los conjuntos de lentejuelas y de gala con los que engalanó a celebridades de la talla de Cher y Diana Ross, ha fallecido a los 87 años, según comunicaron este lunes sus cuentas en las redes sociales.

“Con gran pesar compartimos la noticia de que el Sr. Bob Mackie falleció hoy. Vivió plenamente sus 87 años, cumpliendo su sueño de ser diseñador de moda y vestuario, que era todo lo que siempre quiso hacer. Su genialidad y sus extraordinarios diseños perdurarán para siempre, y seguirán aportando belleza a este mundo”, indica el comunicado.

El mensaje no divulga la causa de su muerte ni más detalles del fallecimiento.

Mackie (California, 1939) era una de las figuras más influyentes de la moda en la televisión y el teatro de Estados Unidos, lo que le llevó a ganar los premios Emmy y Tony, gracias a sus ostentosos conjuntos de fiesta para mujer, a los que daba formas extravagantes y adornaba con lentejuelas, plumas y abalorios.

El apodado 'sultán de las lentejuelas' fue nominado a los Oscar, inducido en el Salón de la Fama de la Academia de Televisión y distinguido con el premio a toda una carrera del Consejo de Diseñadores de Moda de EEUU.

Su carrera comenzó con estudios de arte, que abandonó, y dio un giro definitivo cuando fue descubierto por la diseñadora Edith Head, lo que le permitió conseguir un trabajo en 1961 como dibujante en los estudios Paramount, aterrizando en el mundo de Hollywood con el que antes solo podía soñar.

Mackie despegó como vestuarista en 'The Carol Burnett Show', uno de los programas más vistos de finales de la década de 1960, y diseñó unos 17.000 conjuntos para la humorista y presentadora que dio nombre al programa.

Su fama creció aún más con el programa de variedades de principios de la década de 1970 'The Sonny and Cher Show' y fue el artífice de los 'looks' más memorables de la icónica cantante, tras lo que estableció una clientela de estrellas que incluía a Diana Ross, Tina Turner, Dolly Parton o Madonna.

Entre sus creaciones más conocidas está el 'vestido de la venganza' de Cher en los Oscar en 1986, cuando presentó un galardón con una falda de talle bajísimo que destapaba su esbelto abdomen, un top minúsculo que cubría con una rejilla su pecho y una pieza enorme de plumas negras en la cabeza.

Mackie también firmó el 'vestido desnudo' de Marilyn Monroe, con el que la actriz cantó el cumpleaños feliz al presidente John F. Kennedy en 1962, y que hace unos años la empresaria Kim Kardashian sacó de un museo para lucirlo en la alfombra roja de la Met Gala, causando gran polémica.

Precisamente se le considera pionero de esos 'vestidos desnudos' que en su época causaron escándalo, como el que llevó Cher, cuajado de plumas blancas, en la Met Gala de 1974, y que ahora son inevitables en cualquier alfombra roja.

El artista no dejó de estar en el candelero hasta el final de sus días, pues siguió haciendo brillar a nuevas generaciones de divas del pop como Miley Cyrus, Taylor Swift o Sabrina Carpenter.

En su vida personal, estuvo casado con la actriz Lulu Porter de 1960 a 1963, con la que tuvo un hijo, Robert Gordon Mackie Jr., que falleció a los 33 años por complicaciones del sida, y era abuelo y bisabuelo. Tras su divorcio, su pareja fue el vestuarista Ray Aghayan, que falleció en 2011.

Los equipos de fútbol cada vez dan un paso más allá en la ropa deportiva, que ha pasado de estar limitada al terreno de juego o a la vestimenta habitual a integrarse cada vez más en la moda urbana y en la del día a día, teniendo ya casi todos los equipos una línea de prendas para usar de forma cotidiana, además de que en los últimos años ha subido en interés las equipaciones de años anteriores, algunas incluso con varias décadas de diferencia, con el tirón de lo ‘vintage’.

En este sentido, el Como italiano, entrenado por el español y exfutbolista Cesc Fábregas, quiere dar un paso adelante e ir más allá, uniéndose a la lista de equipos que van a vestir su propia marca y desvincularse, en este caso, de Adidas, según ha reportado el medio Sports Business Journal.

El Como tendrá su marca propia para producir su equipación

De esta forma, el Como 1907 se espera que finalice esta temporada su asociación con Adidas para comenzar a fabricar sus propias camisetas, así como su ropa técnica. Un hecho que se debería al rápido crecimiento que han experimentado a nivel comercial, con ingresos por ventas al por menor que se han disparado, especialmente en la línea de productos de estilo de vida y diversas colaboraciones que han realizado.

Con la fabricación propia de sus equipaciones y ropa deportiva, el Como se une así a otros equipos europeos e internacionales que realizan esta misma acción, como el alemán St Pauli, que lo hace por razones de sostenibilidad, o el Estudiantes de La Plata, que a través de su marca ‘Ruge’ ha multiplicado sus ingresos comerciales.

Quieren crear un modelo de negocio innovador

Pero antes de embarcarse en este proyecto, desde el Como tienen que romper el acuerdo de colaboración con Adidas, que se firmó para tres años desde la temporada 2024-25, pero en vez de ser en forma de patrocinio directo, se hizo como un intercambio de valor en especie, lo que ha permitido al club gestionar por su cuenta detalles como la personalización, la distribución y las operaciones de su venta al por menor.

Es por eso que la idea de tener su propia marca es una evolución natural, y que además tiene como objetivo el crear un modelo de negocio innovador, en el que no solo se dediquen a diseñar y fabricar sus equipaciones y ropa, sino también establezcan estos servicios para otros clubes en un futuro.

Athletic, Betis o Mallorca: otros equipos que tuvieron marca propia

La idea del Como de producir y diseñar sus propias equipaciones y marca no es nueva, no solo porque actualmente ya haya equipos que llevan a cabo esto, sino porque también se ha realizado anteriormente, algo en lo que en la liga española hay experiencia, especialmente durante la primera década del siglo XXI.

Uno de los que más tiempo estuvo fue el Athletic Club, que de 2001 a 2009 diseñó y fabricó sus propias equipaciones tras finalizar también el contrato con Adidas, y que tuvo su germen durante el centenario de 1998, por eso el logo que se realizó entonces fue el utilizado en su marca de ropa deportiva, que todavía sigue vigente para moda urbana, pero ya no más en la del terreno de juego.

El Betis fue otro de los pioneros en el hecho de tener marca propia en el fútbol, con un breve periodo de 2009 a 2012, por iniciativa de Manuel Ruiz de Lopera, que al terminar el contrato con Kappa decidió que la marca RBB se ocupase también de diseñar y fabricar las camisetas, lo que aumentó la venta de forma significativa.

El Mallorca también llegó a tener su marca propia, e incluso el Barça coqueteó con la idea durante el 2024, cuando se aseguró que el proyecto de Laporta iba a terminar con la vinculación con Nike, pero fue un hecho que nunca llevaron a cabo desde el club blaugrana.

La plataforma asiática de moda rápida Shein cerró la semana de su salida a bolsa con un desplome acumulado del 21,5% desde su debut el pasado martes, lo que sitúa su valoración un 79% por debajo de su pico de 2022 ante las dudas sobre su modelo de negocio, en el punto de mira de los reguladores de Estados Unidos y Europa.

Los títulos cerraron este viernes con un retroceso del 9,19%, hasta 38,14 dólares hongkoneses (4,19 euros) frente a los 48,56 dólares hongkoneses (5,33 euros) del precio que fijó para la venta de 280 millones de títulos, nivel en el que no ha vuelto a cotizar hasta el momento.

Analistas citados por Financial Times califican la situación de “desastre” para Shein, que esta misma semana afronta penalizaciones de hasta 12 euros en Francia contra la 'moda ultrarrápida', algo que también afecta a una de sus principales rivales, la también china Temu.

Además, la Unión Europa siguió los pasos de Estados Unidos al anular las exenciones arancelarias a paquetes pequeños, claves para el modelo de negocio de Shein, e imponer nuevas tasas para cada uno de esos envíos, desde lo que, según datos provisionales, su llegada se ha reducido entre un 30 y un 40%.

“Vientos en contra”

El analista de BNP Paribas William Bratton apunta que el panorama de los consumidores está empezando a “debilitarse” tanto en EEUU como en Europa, territorios que representan un 24% y un 35% de los ingresos de Shein, respectivamente.

Ante su desplome bursátil, la prensa oficial china, que apenas había dado seguimiento a una compañía que ni siquiera vende en el país y que trasladó su sede a Singapur en 2022 para desmarcarse de sus raíces y optar a salidas a bolsa en Nueva York y Londres que finalmente descarrilaron, ha salido en su defensa.

Expertos citados por el rotativo nacionalista Global Times culpan precisamente a las iniciativas reguladoras de Washington y Bruselas, pero defienden que Shein sigue gozando de una “fortaleza notable” en materia de cadenas de suministro y de base de usuarios “pese a los muchos vientos en contra”.

Shein recaudó unos 1.735 millones de dólares con su salida a bolsa, pero había aprobado pagos por más del doble de esa cantidad (unos 3.500 millones entre acciones y efectivos) para compensar a sus inversores estratégicos por el derrumbe de su valoración desde los 98.200 millones de dólares que llegó a marcar en 2022.

De hecho, según el portal de noticias económicas chino 36Kr, Shein 'forzó' esta salida a bolsa en parte para atajar el riesgo de que estos canjeasen sus inversiones, una opción que quedaba suspendida si culminaba esta oferta pública.

En cualquier caso, Shein sigue siendo uno de los grandes nombres del sector mundial de la ‘moda rápida’, al situarse en la tercera posición con una cuota del 1,9%, tan solo por detrás de la estadounidense Nike (3%) y la española Inditex (2,5%), según datos de la consultora china CIC, que cifra en 1,7 billones de dólares el valor total de este mercado.

La actual Shein fue fundada en 2012 como 'SheInside' -nombre que cambió por el actual tres años más tarde- por Chris Xu, quien sigue siendo su consejero delegado y que hasta este mismo año se había resistido a llevar a cabo apariciones públicas.

La explosión de Shein llegó con el auge del comercio electrónico durante la pandemia de la covid-19, aunque su éxito también la puso en el punto de mira de un gran escrutinio a cuenta de su impacto ambiental y laboral, la venta de productos ilegales o prácticas comerciales engañosas.

La plataforma de moda rápida Shein debutó este martes en la bolsa de Hong Kong con caídas de hasta el 10% del precio fijado para el arranque de las cotizaciones, una anticipada salida a los mercados que ha sido amarga después de años de vaivenes y planes frustrados que provocaron una caída del 73% en su valoración desde el pico máximo que había marcado en 2022.

Los títulos comenzaron la jornada en 48,56 dólares hongkoneses (5,33 euros), exactamente el mismo precio que había fijado la compañía para la venta de unos 280 millones de acciones, aunque en los minutos posteriores llegaron a caer un 10% para luego moderar ese descenso hasta el 0,12% al final de la sesión en el mercado asiático, informa EFE.

El diario local South China Morning Post ya había avanzado que los títulos de Shein habían bajado este lunes hasta un 28% en el 'mercado gris', plataformas donde se negocia de forma extraoficial con valores que no se pueden operar en ese momento a través de un mercado autorizado.

La cifra fijada por Shein, prácticamente en el medio de la horquilla que había avanzado, supone una recaudación equivalente a 1.735 millones de dólares y una valoración de 26.305 millones de dólares, muy por debajo de los 98.200 millones que llegó a registrar en 2022, tras su antepenúltima ronda de financiación, y de rivales como la española Inditex o la japonesa Fast Retailing (Uniqlo).

De hecho, los términos de la oferta contemplan pagos por hasta 3.500 millones de dólares, tanto en acciones como en efectivo, para compensar por esa pérdida a sus inversores estratégicos; esa cifra supone prácticamente el doble de la recaudación, la cual Shein destinará en su mayoría a mejoras tecnológicas y expansión global.

Un largo camino

La consultora Moby aseguró que la operación se antojaba “demasiado poco y demasiado tarde”, y la prensa económica china indicó que Shein la forzó también para atajar el riesgo de que sus apoyos financieros canjearan sus inversiones, una opción que quedaba suspendida si la compañía salía a bolsa.

Entre esos apoyos figuran fondos extranjeros como General Atlantic o Tiger Capital, así como firmas nacionales como Boyu o el gigante digital Tencent, los cuales han comprometido ya 383 millones de dólares para garantizarse en torno a un 22% de las acciones ofertadas, aunque esa tasa se diluiría si Shein hace uso de su opción de sobreasignación para emitir otros 42 millones de títulos.

La salida a bolsa de Shein llega después de sus planes frustrados para vender acciones en Nueva York y Londres, en este segundo caso por la intervención en última instancia de los reguladores chinos, lo cual hizo que finalmente optara por Hong Kong como término medio entre los inversores internacionales y las autoridades de su país de origen.

Además, la plataforma afronta un gran problema en dos de sus principales mercados, Estados Unidos (un 24 % de sus ingresos) y Europa (35%), ya que ambos territorios han anulado las exenciones arancelarias a paquetes pequeños que habían facilitado la penetración de la compañía: en el país norteamericano, sus ingresos ya cayeron un 14% en el primer trimestre.

Compitiendo con los 'grandes'

La empresa advirtió que trasladará los sobrecostos a sus clientes en ambos mercados, al anticipar en el caso de Europa un “impacto negativo a corto plazo” sobre su volumen de ventas para proteger unos márgenes que en términos netos ya cayeron del 8,7 al 4,9 % en 2025 ante un mayor gasto en logística y mercadotecnia, esto último quizá debido a la creciente competencia en su sector por parte de la también china Temu o de rivales tradicionales como Inditex.

En cualquier caso, Shein sigue siendo uno de los grandes nombres del sector mundial de la 'moda rápida', al situarse en la tercera posición con una cuota del 1,9 %, tan solo por detrás de Nike (3 %) e Inditex (2,5 %), según datos de la consultora china CIC, que cifra en 1,7 billones de dólares el valor total de este mercado.

La actual Shein fue fundada en 2012 como 'SheInside' -nombre que cambió por el actual tres años más tarde- por Chris Xu, quien sigue siendo su consejero delegado y que hasta este mismo año se había resistido a llevar a cabo apariciones públicas.

La explosión de Shein llegó con el auge del comercio electrónico durante la pandemia de la covid-19, aunque su éxito también la puso en el punto de mira de un gran escrutinio a cuenta de su impacto ambiental y laboral, la venta de productos ilegales o prácticas comerciales engañosas.

John Galliano ha decidido renunciar a la exposición que iba a rendir homenaje a su carrera en la próxima MET Gala en mayo de 2027. El diseñador afirma en un comunicado compartido en sus redes sociales estar “muy agradecido por la ”confianza, el cuidado y el conocimiento“ que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, organizador del evento, había depositado en él; pero que considera que, ”después de mucha reflexión“ y ”hablar con todas las personas implicadas“, ”lo mejor es que la exposición no tenga lugar en este momento“.

Se trata de una acción sin precedentes en la historia de la institución, que llega después de que varios líderes políticos y donantes judíos, como recogía The New York Times este fin de semana, presionaran en contra de la exhibición. Entre ellos, Arne Glimcher, importante figura dentro del mundo del arte, que incluso amenazó con excluir al museo de su testamento.

Galliano revolucionó la moda en los años 90 y comienzos de los 2000 hasta que en 2011 protagonizó varios incidentes bajo los efectos del alcohol en una terraza de París. Allí profirió insultos antisemitas a desconocidos que acabaron con su carrera. El modisto fue despedido de Cristian Dior y apartado de la industria hasta 2014, cuando tras un periodo de rehabilitación, fue contratado como director creativo de Maison Margiela, puesto que ocupó durante diez años.

Hace dos fue el gran protagonista de la gala del MET, gracias a sus diseños que lucieron Kim Kardashian y Zendaya. En marzo del presente 2026, Zara anunció el fichaje de Galliano para “trabajar a partir de piezas de temporadas pasadas, deconstruyéndolas y transformándolas para dar forma a nuevas creaciones”. Según indicó la marca, las colecciones se presentarán por temporadas a lo largo de una colaboración que empezaría en septiembre de este mismo año.

El homenaje por parte del MET iba a ser el espaldarazo definitivo para el británico, que finalmente no tendrá lugar. Según The New York Times, el museo ha indicado que la información sobre la exposición que sustituirá a la hasta ahora planificada para Galliano “se anunciará en una fecha posterior”.

“Sigo siendo plenamente responsable del dolor causado por mis palabras en el pasado, particularmente del daño que causé a las comunidades judía y asiática, y sigo profundamente arrepentido”, ha expresado Galliano en su texto. En él afirma que no quiere que “el debate” que le “rodea” coloque al MET en una “posición difícil ni que distraiga” de su “extraordinaria labor”. “También reconozco y respeto que una exposición que honrara mi trabajo sería dolorosa para algunas personas”, ha añadido.

Por último, ha querido tener unas palabras de agradecimiento a quienes han “guiado, apoyado y acompañado” durante los quince años de “sobriedad y recuperación del alcoholismo y la adicción”. Además de un mensaje para el director del MET Max Hollein, el comisario del Instituto del Traje Andrew Bolton y Ana Wintour: “Su generosidad humana y creencia en la importancia de la moda como arte, cultura e historia –así como su comprensión de la fragilidad humana y de la posibilidad de crecer– permanecerán conmigo para siempre”.

Shein Global Holdings, el gigante asiático de la 'fast fashion', ha fijado finalmente un precio de 48,56 dólares hongkoneses (5,35 euros) para cada una de los aproximadamente 280 millones de acciones vendidas en el proceso de su salida a bolsa, que culminará este martes con su debut en el parqué de la Bolsa de Hong Kong.

De este modo, el precio para la operación se ha situado prácticamente en el medio de la horquilla planteada en el folleto registrado, que contemplaba un rango de entre 47,6 y 49,5 dólares hongkoneses.

Asimismo, otorga a la compañía textil una valoración implícita de casi 26.500 millones de dólares (unos 22.880 millones de euros), en línea con las proyecciones más recientes, aunque lejos de los casi 100.000 millones de dólares (86.334 millones de euros) que llegó a alcanzar en 2022.

Al precio fijado, Shein ha logrado recaudar un total de 13.597 millones de dólares de Hong Kong (1.497 millones de euros), aunque en términos netos la compañía se embolsará unos 13.214 millones de dólares hongkoneses (1.455 millones de euros), según ha informado este lunes al regulador de la Bolsa de Hong Kong.

La documentación presentada por la firma precisa que la oferta de acciones dirigida al mercado de Hong Kong, unos 28 millones de títulos o el 10% del total, fue sobresuscrita 5,63 veces, mientras que la oferta internacional, con casi 252 millones de acciones, fue sobresuscrita 2,59 veces.

Las acciones de Shein comenzarán a cotizar en la Bolsa de Hong Kong este martes, 1 de septiembre de 2026, después de que la empresa presentara una solicitud ante los reguladores chinos a principios de julio.

De este modo, la firma textil culmina un proceso que se había alargado varios años, después de que los intentos anteriores de Shein de cotizar en Nueva York y Londres se vieran frustrados por la oposición de los políticos y el escrutinio de su cadena de suministro en China.

Si bien la popularidad de Shein se disparó durante la pandemia, cuando los consumidores confinados en sus hogares se vieron atraídos por sus bajos precios y su enorme inversión publicitaria, la valoración de la compañía se ha visto lastrada por la imposición de aranceles estadounidenses, así como por la eliminación de las exenciones fiscales que permitían a la empresa evitar el pago de tasas de importación al enviar pedidos a Estados Unidos o la Unión Europea.

Shein registró pérdidas de 99 millones de dólares (85 millones de euros) en los tres primeros meses de 2026, mientras que alcanzó una cifra de negocio de 9.052 millones de dólares (7.752 millones de euros) en el primer trimestre de 2026, un avance del 1,1% respecto del mismo periodo del año anterior.

Es uno de los movimientos empresariales del verano: la salida a bolsa de Shein, el gigante chino del 'fast fashion' online. En solo unos años, se ha convertido en uno de los principales operadores del sector gracias a un inmenso catálogo de productos y unos precios tan bajos que han llevado a Bruselas y Washington a poner en marcha aranceles para tratar de desincentivar sus envíos 'low cost'.

No es un salto al parqué que haya pillado por sorpresa al mercado. Al contrario. Es un movimiento del que lleva hablándose varios años y que es relevante por varios motivos. Por un lado, porque es una de las grandes salidas a bolsa de este año que no están estrechamente vinculadas a la inteligencia artificial (IA) o al sector puramente tecnológico. Por otro, porque supone saber cuánto vale una empresa que ha basado su actividad en los envíos a domicilio de moda, complementos y artículos de todo tipo, de bajo coste y consumo rápido y, que en diferentes ocasiones, ha sido cuestionada por su modelo de negocio.

Analizamos las claves de esta operación, que, además, se produce en un momento en el que las bolsas pasan, de un día para otro, de las mieles de las cotizaciones récord a lanzar señales de cierta alarma por el miedo a una burbuja generada por la IA y el alto endeudamiento tanto de las empresas como de los Estados.

Una valoración a la baja

Shein ha estado varios años decidiendo si salir o no a bolsa y dónde hacerlo. Eso es clave porque de ello depende la regulación y el grado de información que tiene que dar a los inversores. Además, uno de los pasos más delicados de una compañía que decide salir al mercado es asumir cuál es la valoración que aceptan quienes van a comprar sus acciones, cuánto dinero están dispuestos a pagar por cada título y, en consecuencia, cuál es el precio de la empresa en cuestión.

En el caso de Shein, la compañía ha visto como esa valoración ha ido recortándose con el tiempo. Hace casi dos años, la empresa asiática realizó una ronda de financiación –el movimiento que busca dar entrada a inversores sin tener que pasar por bolsa– donde su valoración alcanzó los 66.000 millones de dólares. Y, desde entonces, esa cifra ha ido a la baja. Hace unas semanas se habló de cerca de 45.000 millones, hace unos días se rebajaron las expectativas y, finalmente, se queda en los 27.0000 millones de dólares, el equivalente a algo más de 23.000 millones de euros al cambio actual.

También hay que aclarar que no salen a cotizar todas las acciones, simplemente una pequeña parte, para captar fondos por valor de unos 1.500 millones de euros, con los que la empresa quiere financiar su crecimiento. Con este paso cambiará la estructura accionarial de Shein, compuesta por títulos con diferentes tipos de derechos. Hasta ahora –aunque la empresa no ha desglosado todos los detalles– se sabía que los cuatro cofundadores de la compañía controlaban el 65% de la sociedad holding Shein Global Holdings Ltd, registrada en las Islas Caimán, a través de sus diferentes vehículos de inversión; mientras que firmas de como IDG y Sequoia Capital poseían las participaciones restantes.

Tropiezo de sus resultados

Shein ha dado bastante información al mercado sobre su negocio, pero también se ha guardado muchos detalles por considerarlos confidenciales, por ejemplo, sobre cómo es su estructura accionarial, esos diferentes tipos de acciones y derechos.

Lo que sí reconoce es que su resultado neto no vive su mejor momento. Explica que en los tres primeros meses del ejercicio en curso obtuvo números rojos por valor de 99 millones de dólares, cuando en el mismo periodo del año anterior ganó 395 millones. Justifica esas pérdidas por el deterioro del valor razonable de sus acciones preferentes convertibles, por valor de 328 millones de dólares estadounidenses. Ya en el conjunto del pasado 2025 perdió cierto brillo, porque en el folleto de salida a bolsa desglosa que su beneficio se redujo casi un 40% –hasta 2.064 millones de dólares– y también retrocedieron sus ventas un 8%. Unos ingresos que superaron los 41.800 millones de la moneda estadounidense.

No fue el mejor año para sus resultados en un sector que va claramente al alza. La compañía explica en ese informe que el negocio de la moda online ha pasado de generar 522.000 millones de dólares en 2021 a 606.000 millones de dólares en 2025. Y seguirá la misma senda, porque espera que llegue a 792.000 millones de dólares en el año 2030, cuando el 40% de toda la moda que se venda se comercializará a través de las tiendas online.

Subida de precios en Europa y EEUU

Además de reconocer que sus ventas no brillan, especialmente en Estados Unidos, Shein desglosa en su folleto para inversores que las medidas arancelarias puestas en marcha por la Casa Blanca y la Unión Europea le encaminan a una subida de precios, algo que ya ha hecho en el mercado norteamericano.

“Estas medidas incrementarán los costes y los gastos asociados a las ventas en la UE”, asume en el citado informe. Es relevante porque de Europa depende más del 30% de sus ingresos.

“Al igual que en el mercado estadounidense, prevemos implementar diversas opciones” y, entre ellas, incluye “el aumento de nuestros precios”. Eso “podría producir un impacto adverso a corto plazo en nuestro volumen de ventas en Europa a medida que aumentamos los precios para compensar parte del incremento de costes, si bien es demasiado pronto para evaluar plenamente el impacto a largo plazo”, refieren.

Además, según recoge la agencia EFE, la compañía ha estado vendiéndose entre los inversores como el equivalente a Amazon Web Services (AWS) en el sector de la moda, es decir, como una plataforma en la que vender. También ha adelantado que pretende realizar compras y llegar a acuerdos con empresas de retail que afrontan problemas operativos o no consiguen aumentar su escala, integrándolas dentro de su estructura.

Litigios multimillonarios y el peso de los 'influencers'

En esa documentación depositada en la Bolsa de Hong Kong, Shein también reconoce que tiene por delante varios procedimientos legales y regulatorios en los que, si se falla en su contra, pueden suponer una factura cercana a los 3.800 millones de euros, en una información adelantada por el diario económico Cinco Días.

Uno de esos casos tienen que ver con la comercialización en Francia de muñecas sexuales con aspecto infantil. Otros están ligados a los derechos de los consumidores, a la información medioambiental de sus productos o al uso y protección de datos personales de sus clientes.

Además, Shein reconoce que su modelo de negocio está muy ligado a los influencers. “Las redes sociales y el marketing digital impulsado por personas influyentes (influencers) han contribuido al crecimiento de nuestra base de clientes”, señala en el folleto.

“Si no logramos desarrollar y mantener relaciones positivas con dichas personas, nuestra capacidad para promover y mantener el reconocimiento de la marca, así como para aprovechar las plataformas de redes sociales para dirigir tráfico a nuestras aplicaciones móviles y sitios web, podría verse afectada negativamente”, admite. “En consecuencia, nuestra capacidad para atraer nuevos clientes y hacer crecer el negocio se vería perjudicada”. También, que si la reputación de esos influencers'se resiente, eso puede afectar a su marca.

A los 28 años, Álvaro Martínez ya sabe lo que significa apostar por uno mismo, y que tener un negocio propio no es únicamente elegir tus horarios, tomar tus decisiones o trabajar en aquello que te gusta, sino que detrás de su atelier hay jornadas que comienzan a las ocho de la mañana, viajes a Milán y París, grandes inversiones y una incertidumbre que acompaña a cada nueva colección.

Su camino hasta llegar a la moda no fue directo. “Cuando terminé Bachillerato me fui a estudiar a Pamplona, pero no era lo mío”, recuerda. Durante tres años estudió una formación relacionada con las finanzas, hasta que llegó el momento de realizar las prácticas y comprendió que aquel no era el camino que quería seguir. “Me vine a Logroño un poco perdido porque no sabía qué hacer”.

La moda siempre había estado presente en su vida, aunque entonces no sabía cómo convertir aquella afición en una profesión. “Me había encantado siempre la moda, pero como consumidor. Estaba todo el día leyendo revistas como Vogue, y me encantaba, pero no sabía cómo dedicarme a ella”. La respuesta llegó cuando decidió estudiar Diseño de Moda. “Empecé y me encantó. La terminé y estuve haciendo prácticas en Silvia Fernández, un atelier de novias de León”. Durante esa etapa también participó en proyectos relacionados con Cristóbal Balenciaga y el Museo Balenciaga de Getaria.

Para entonces, Álvaro ya tenía claro que, si algún día trabajaba en la moda, quería hacerlo por su cuenta. “Desde segundo año de carrera ya sabía que si hacía algo quería que fuese algo mío”, explica. Por eso, cuando entregó el Trabajo de Fin de Grado, no esperó demasiado. “Fue entregar el TFG, y ponerme a buscar locales”.

Volver para crear algo que no existía

Su vuelta a Logroño estuvo ligada a una necesidad que había detectado durante los años que estuvo fuera. “Yo siempre he sido muy de aquí y, cuando estuve fuera, me di cuenta de que en Logroño no había una tienda multimarca en la que te pudieras hacer cosas a medida”, cuenta. Fue en ese momento cuando vio en esa carencia una oportunidad para poner en marcha su propio proyecto en la ciudad.

“La idea salió de ahí, de que yo veía que a mi alrededor algo fallaba porque todo el mundo se iba fuera. Y, además, como siempre he sido muy de aquí, dije: ya está, en Logroño”. Así nació su proyecto. Un negocio que comenzó con una idea clara, pero cuya realidad pronto le enseñó todo lo que implica convertirse en autónomo.

“Es una locura hacerte autónomo con esta edad”, reconoce. “No eres consciente de lo que es hasta que no te pones y lo vives”. Hablaba de impuestos, gastos y de la responsabilidad económica que supone mantener un negocio. “Es muy duro meterte todos los días en la cama pensando que estás trabajando para pagar, y pagar y pagar”.

A pesar de ello, asegura que desde que abrió las puertas del atelier la respuesta ha sido positiva. Su clientela no es únicamente de Logroño, sino que recibe personas de Zaragoza, Pamplona, Barcelona... que se desplazan hasta la capital riojana para acudir a su tienda. “A mí eso me llena, porque pienso: está viniendo gente de otras ciudades a pasar el día a Logroño nada más que para venir a mi tienda. Eso es brutal”, reconoce.

Pero incluso cuando el negocio funciona, hay momentos de incertidumbre. Para Álvaro, llegan especialmente cuando toca comprar las nuevas colecciones. Dos veces al año viaja a Milán y a París para seleccionar las prendas que llegarán posteriormente a su tienda. “Sales habiéndote gastado un auténtico dineral, una fortuna, que no vas a ver hasta un año después”, explica. “Estos días son criminales porque sales diciendo: madre mía, a ver si he acertado con lo que he comprado”.

Las horas que no se ven

Entrar en el atelier y ver las prendas terminadas es solo el resultado de un gran trabajo interno. Detrás de cada vestido hay horas de taller, búsqueda de tejidos, viajes y un equipo imprescindible para que cada pieza salga adelante. Álvaro cuenta con tres modistas y “sin ellas esto no sería nada”, reconoce.

Tampoco se ve todo el tiempo que Álvaro dedica al negocio. Su jornada comienza a las 8:00 en el taller, antes de abrir la tienda a las 10:00. A las 13:30 vuelve al taller y por la tarde regresa de nuevo al establecimiento. Un ritmo que, reconoce, ha terminado condicionando su vida fuera del trabajo. “He sacrificado mi vida personal”, admite.

Emprender también le ha hecho descubrir que no todas las personas permanecen en el camino. “Hay mucha gente que se queda por el camino, que al principio iba contigo a muerte y que luego, cuando te empieza a ir bien, deja de apoyarte”, cuenta. Son cambios que forman parte de una trayectoria que, para Álvaro, ha exigido mucho más que abrir una tienda: también aprender a asumir el esfuerzo, la incertidumbre y los sacrificios que hay detrás de construir algo propio.

“Lo haría al 100%”

A pesar de las dificultades, hay algo que Álvaro tiene claro. Lo que más disfruta de su trabajo no son únicamente las prendas o el reconocimiento profesional, sino las personas que hay detrás de ellas. “Lo que más disfruto es el tiempo que paso con vosotras, que vengáis, que me digáis lo guapas que habéis estado, que me pidáis cosas y la confianza que depositáis en mí”, explica.

Aquel joven que regresó a Logroño sin saber muy bien qué hacer después de abandonar los estudios relacionados con las finanzas ha terminado construyendo una marca propia en la ciudad. Lo hizo prácticamente desde el primer momento en que descubrió que la moda era lo suyo y sin esperar a tener todas las certezas. Ahora cuando mira hacia atrás, no cambiaría la decisión. “Si mañana tuviese que volver a tomar esta decisión, lo haría al 100%. A pesar de todas las trabas, lo haría”.

Grace Kelly en La ventana indiscreta, Audrey Hepburn en Vacaciones en Roma y Kim Novak en Vertigo. Tres grandes divas de Hollywood lucen en estas películas algunos de los vestidos más emblemáticos de la historia del cine. Y los tres tienen algo en común: el nombre de la diseñadora que los creó para ellas. Se llamaba Edith Head y fue una de las diseñadoras de vestuario más influentes. Más, incluso, si tenemos en cuenta que, durante décadas, fueron los hombres los que ocuparon los lugares de mayor prestigio del mundo de la moda.

Edith Head es un caso único. A día de hoy, se mantiene todavía como la mujer que más Oscars ha ganado, un total de 8 estatuillas por sus vestuarios para películas como Eva al desnudo, Vacaciones en Roma o El golpe. Es, además, la quinta persona con más nominaciones en la historia, con un total de 35. Sus vestidos aparecen en más de un millar de títulos. Unos datos que ya de por sí nos hablan de su relevancia y de la importancia de su aportación a la hora de crear la imagen de las estrellas de Hollywood, especialmente en las décadas de los 40, 50 y 60.

Una mujer audaz

Edith Head no habría llegado a lo más alto de la industria del cine si no hubiese destacado por su carácter atrevido y audaz. Nacida en 1897, se formó como profesora de francés, por lo que nada parecía indicar el camino que seguiría su vida. Sin embargo, en 1924, Head dio un primer paso en una nueva dirección. Buscando un trabajo de verano para sacarse un dinero, respondió a un anuncio de la Paramount donde se buscaba a una artista de bocetos. Como tenía conocimientos de arte muy básicos, no dudó en mostrar como propios una serie de dibujos de sus compañeros de estudios.

Así consiguió su primer trabajo, aunque pronto tuvo que confesar su engaño. Su jefe, el diseñador Howard Greer, lejos de despedirla, la tomo como asistenta personal. Su dominio de la lengua francesa le permitió actuar como mediadora con equipos de costureras y estrellas extranjeras. Y, poco a poco, empezó a aprender confección desde lo más bajo.

Su gran oportunidad llegó en 1933, cuando la famosa actriz Mae West exigió un vestuario que moldeara su figura y resaltara su sensualidad en la película She Done Him Wrong (1933). Head creó unos vestidos realmente ajustados que causaron sensación y que contribuyeron a convertir la película en un éxito en taquilla. Para la diseñadora, sería el inicio de una larga carrera de prestigio.

En 1938, el jefe del departamento de vestuario de Paramount, Travis Banton, dejó el estudio. Edith Head tomó el mando y se convirtió, de esta manera, en la primera mujer en este cargo en un gran estudio de Hollywood. Como diseñadora de vestuario, se caracterizó por saber analizar el cuerpo de las actrices y detectar rápidamente que era lo que necesitaban, lo que tenían para resaltar y lo que se tenía que ocultar, y como adaptarlo a cada guion.

Diseños icónicos

De la trayectoria de Edith Head, destaca la colaboración estrecha que mantuvo con algunas de las estrellas más importantes de su época. Entre ellas, quizás la más relevante fue la que mantuvo con Grace Kelly, la futura princesa de Mónaco, con la que le unió una profunda amistad.

Su colaboración se inició con el clásico de Alfred Hitchcock, La ventana indiscreta (1954), donde la actriz lucía un estilo inspirado en la alta costura europea. Head también diseño el vestido que Grace Kelly lució en 1955 para recoger el Oscar, además de encargarse de todo el equipamiento para su boda con el príncipe Rainiero de Mónaco y su luna de miel.

Otra colaboración clave fue la que Head mantuvo con Audrey Hepburn, auténtico icono de la moda en los años 50 y 60. Para ella creó los vestidos de la icónica Vacaciones en Roma (1953) y también el vestido que llevaba al recoger su Oscar en 1954. Sin embargo, la irrupción de Givenchy, que poco a poco acaparó el interés de Audrey Hepburn, marcó negativamente su relación con Edith Head.

Otras grandes estrellas recurrieron a Edith Head para lucir dentro y fuera de las películas. Es el caso de Bette Davis y Elizabeth Taylor, entre muchas otras.

Una imagen icónica

Algunos de los trajes más icónicos de la historia del cine llevan la firma de Edith Head. Lo que quizás no es tan sabido es que ella misma también supo convertirse en un personaje icónico y mediático, gracias a su aspecto. Head lucía un característico flequillo recto y unas grandes gafas oscuras, que la hacían inconfundible allí donde iba.

De hecho, su imagen inspiró, muchos años después de su muerte en1981, a uno de los personajes más entrañables de la factoría de animación Pixar. En concreto, los animadores se basaron en el peinado y las gafas de Edith Head para crear el divertido personaje de Edna Moda, que aparece en la película Los increíbles (2004). Edna Moda es también una diseñadora de vestuario que se encarga de crear los trajes para superhéroes. Un bonito homenaje para la diseñadora de moda más famosa e influente de Hollywood.

Veinte años después, Meryl Streep se volvió a poner en la piel de uno de sus personajes más icónicos de los últimos años como es Miranda Priestley para hacer realidad la secuela de ‘El diablo viste de Prada’, que ha sido uno de los estrenos del año con una recaudación de 691 millones de dólares a nivel mundial y que ha supuesto el regreso por todo lo alto no solo de la historia que protagoniza la actriz junto a Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci.

La redactora jefa de la revista Runway, un personaje inspirado en Anna Wintour, volvió en ‘El diablo viste de Prada 2’ de la mano de Meryl Streep con una trama en la que se refleja la realidad de los medios de comunicación tradicionales ante su decadencia y el cambio de la forma de ejercer el periodismo, que en muchos casos pone en peligro la integridad y la ética de los profesionales.

En este sentido, la actriz ganadora de tres premios Oscar ha ideado una subasta online de prendas de vestuario de ‘El diablo viste de Prada 2’ con beneficios que irán al Comité para la Protección de los Periodistas (CPJ) y al Consejo de Diseñadores de Moda de América (CFDA), para la protección de ambas profesiones, según ha anunciado la interprete a través de un comunicado del que se ha hecho eco Deadline.

No solo se subastan piezas llevadas por Meryl Streep

La subasta anunciada por Meryl Streep y cuyos beneficios irán destinados a las dos asociaciones de protección de periodistas y diseñadores de moda tendrá lugar del 1 al 15 de septiembre a través de la página web de la casa de subastas Christies, que es la encargada de llevarla a cabo.

Entre las piezas que se subastan de ‘El diablo viste de Prada 2’ figuran la chaqueta de Dries Van Noten que luce Miranda durante la película, un vestido de plumas Bad Binch TongTong usado por Lady Gaga de Terrence Zhou o el suéter azul cerúleo que viste Andy, el personaje que interpreta Anne Hathaway, además de otras más.

Además, todas las piezas que forman parte de la subasta estarán expuestas para el público general, que podrán apreciarlas a través de una exposición pública gratuita que tendrá lugar del 8 al 13 de septiembre en la sede de Christie’s en Nueva York.

Un hecho que coincidirá en parte con la Semana de la Moda de Nueva York en su edición de otoño, del 9 al 14 de septiembre de 2026, y que por ello la casa de subastas Christie’s ofrecerá un cóctel exclusivo y una subasta benéfica en directo el 10 de septiembre, en colaboración con CPJ y CFDA, en el que se subastarán prendas de moda, pero también experiencias de lujo inspiradas en películas.

Cuando la actriz Zendaya apareció en el photocall londinense de La Odisea de Christopher Nolan con dos discos de oro convertidos en pendientes, la polémica no tardó en desatarse. Las piezas, de entre 2.000 y 3.000 años de antigüedad, pertenecen al llamado tesoro de Ziwiye, hallado en el noroeste de Irán a finales de los años cuarenta y disperso después entre distintas colecciones internacionales.

La cuenta de una arqueóloga muy popular en redes, conocida como Dr. Z, avivó ampliamente la polémica calificando el gesto de Zendaya como “asqueroso”, al considerar que la procedencia de las piezas resultaba, cuando menos, dudosa. El debate se volvía aún más incómodo por un detalle que no pasó desapercibido: la actriz es estadounidense, precisamente el país que en esos días bombardeaba Irán. Pocos días después, la investigadora Emiline Smith, especializada en tráfico de bienes culturales, publicaba un análisis en el medio Hyperallergic que situaba el caso en un contexto mucho más amplio.

Según explicaba, la joyería Barron London, encargada de comercializar las piezas, aseguraba contar con documentación sobre su procedencia, aunque nunca la hizo pública. Fue el joyero Glenn Spiro quien transformó los discos originales en un par de pendientes engastados en oro de 18 quilates con diamantes, una pieza que el estilista Law Roach eligió después para completar el look de Zendaya.

Smith recordaba además que existe un precedente legal directamente relacionado, el caso Irán contra Barakat Galleries, resuelto en 2005 por un tribunal británico, que reconoció el derecho de Irán sobre un lote de piezas expoliadas procedentes del yacimiento de Jiroft, en el sureste del país. Aunque Jiroft y Ziwiye son yacimientos distintos, ambos casos ejemplifican el mismo patrón, objetos arqueológicos que terminan circulando en el mercado del lujo sin que su origen quede nunca del todo claro.

La historia recuerda inevitablemente a otra polémica reciente, la del estreno de Cumbres borrascosas, donde la actriz Margot Robbie lució el diamante Taj Mahal, una pieza con una larga historia colonial ligada a la India del siglo XVII y que perteneció después a Elizabeth Taylor, sin que en ningún momento se mencionara ese contexto durante la presentación. No es casualidad que estos días varios expertos se pregunten si ambos casos no son el síntoma de algo más amplio, una tendencia que ya empieza a conocerse como method dressing, la última vuelta de tuerca de un star system dispuesto a apropiarse de cualquier objeto, por delicado o ajeno que sea, con tal de construir un personaje completo hasta en el accesorio.

'Method dressing': colonialismo de nuevo cuño

Para el escritor y fotógrafo especializado en arte islámico Zirrar Ali, el problema no empieza con Robbie o Zendaya, sino mucho antes. “Si miramos al mundo griego también vemos que tiene trazas del mundo egipcio, persa y de Oriente Medio”, explica, recordando que las fronteras culturales que hoy damos por sentadas nunca fueron tan nítidas como el relato occidental sugiere. “La Odisea es una historia de ficción, pero solo en la ficción podemos convertir algunos elementos reales en objetos de ficción. Zendaya en este caso está utilizando unos artefactos que son reales para promocionar una película de ficción, ignorando la historia y haciendo que todo lo oriental sea un mero accesorio para la visión occidental”.

Esa reflexión lleva a Ali directamente al que considera el verdadero núcleo del problema, el poder. “Si no tuvieran el poder, no podrían hacer esto”, explica. En este caso el method dressing cumpliría en realidad una doble función. Por un lado, es puro marketing, una forma de mantener la expectación sobre la actriz, y por extensión la película, ambas fusionándose en un contexto performático. Por otro, es una exhibición de lujo al alcance de muy pocos, donde el objeto deja de ser solo un accesorio para convertirse en la prueba visible de un acceso privilegiado que nadie más tiene. “Es como si dijeran: tomamos esto que proviene de tu cultura, pero tú no puedes tomar nada nuestro”, puntualiza el escritor.

Esa asimetría entre el tratamiento de las piezas orientales en suelo occidental, señala Ali, queda reflejada incluso en los propios catálogos de los grandes museos. “Si vas a ver el catálogo de algunos museos como el British Museum, puedes ver que algunos objetos tienen marcado que su proveniencia es desconocida, porque es vergonzoso. A menudo estas obras provienen de colecciones privadas que no explican cómo fueron obtenidas las piezas”, explica. Pero lo que más le inquieta a Ali no es tanto el silencio de las etiquetas como una disonancia mucho más incómoda, la que vivió al contemplar piezas iraquíes expuestas en un museo londinense mientras el país de origen de esas obras estaba siendo bombardeado. “Es curioso porque, ¿cómo encajas sentirte fascinado por la historia y la cultura de ese país mientras al mismo tiempo lo bombardeas?”, se pregunta.

Para él, esa contradicción solo puede sostenerse dividiendo artificialmente el pasado del presente, tratando la civilización antigua como algo digno de admiración y el país actual como sinónimo de barbarie. Es, explica, una lógica que remite directamente al concepto de otredad que el pensador palestino Edward Said desarrolló en Orientalismo (1978), la idea de que Occidente ha construido históricamente a Oriente como un espacio exótico, estático y fundamentalmente distinto, una representación que le sirvió tanto para definirse a sí mismo como para justificar su dominio sobre esas sociedades.

Del expolio de guerra a las colecciones privadas

Preguntada por el mayor obstáculo para regular este mercado, Donna Yates, catedrática de la Universidad de Maastricht y una de las investigadoras más citadas en tráfico de antigüedades, responde con la precisión de quien lleva años lidiando con el problema desde dentro. En países como Colombia o Irán, explica, la venta de antigüedades está totalmente prohibida, así que el problema no es la falta de leyes, sino la dificultad de aplicarlas retroactivamente a piezas que salieron del país antes de que esas leyes existieran. “El tráfico generalmente no viene con registros sobre la fecha y las circunstancias de la exportación”, señala. Sin pruebas de esa exportación ilegal, añade, resulta casi imposible impedir la venta.

Ese vacío legal se agrava especialmente en contextos de guerra, como el que atraviesa Irán ahora mismo. Como recuerda en el libro El expolio de los bienes culturales la experta en derecho internacional Soledad Torrecuadrada García-Lozano, “los bienes culturales deben protegerse en todo momento, ya que son objeto de vandalismo o de actos que afectan directamente a su conservación, y es precisamente durante los conflictos armados cuando quedan más expuestos”. No es un matiz menor. Los bienes culturales forman parte del derecho humano a la cultura, recogido en el Pacto Internacional de Derechos Económicos, Sociales y Culturales, y su expolio puede llegar a constituir un crimen de guerra, en la medida en que atenta directamente contra la identidad y la historia de los pueblos.

Yates conoce bien esa lógica porque lleva dos décadas observándola de cerca. Desde su investigación de máster en Cambridge estudia las subastas de alto nivel en Estados Unidos centradas en antigüedades sudamericanas, muchas de ellas piezas de oro colombianas. Lo que le llamó la atención entonces fue un patrón muy concreto, adornos que en su origen se llevaban en la nariz y que el mercado moderno reconvertía en collares, despojados por completo de su contexto original. “¿Qué pensaría un antiguo colombiano si viera a alguna mujer con un gran adorno de nariz alrededor de su cuello?”, se pregunta Yates. “Probablemente les parecería una locura”.

Ese cambio de contexto no le interesa solo por su ironía. Yates apunta que buena parte de estos objetos probablemente procedían de tumbas, lo que abre una pregunta incómoda sobre lo que los compradores prefieren no saber, o no preguntarse, sobre el origen de lo que llevan puesto. Y, sin embargo, admite, entiende también el atractivo. Lo compara con el gesto casi universal de tocar una vitrina táctil en un museo, la fascinación por sentir que algo ha sobrevivido miles de años y que conecta con manos humanas muy anteriores a las nuestras. “Una réplica es bonita, pero no tiene nada del simbolismo de la supervivencia y la rareza. No contiene el tiempo profundo de las piezas reales”, resume.

Conviene no perder de vista, sin embargo, que este fenómeno no siempre necesita una guerra ni un país lejano para producirse. El vestido de Marilyn Monroe que Kim Kardashian llevó a la Met Gala de 2022, y que tuvo que ser forzado para que la empresaria pudiera ponérselo, es prueba de que la lógica de la apropiación funciona igual de bien con patrimonio made in USA, un patrimonio que está en manos privadas pero que pertenece simbólicamente a lo colectivo. Ali extiende esta reflexión al mercado negro de antigüedades en general, que describe como un fenómeno tanto público como privado. “Al final hay gente muy rica que no sabe qué hacer con su dinero y en muchas ocasiones lo gasta en esto para sentir que poseen unas piezas históricas que no ha visto nadie, o que nadie puede poseer, y eso ha ocurrido a lo largo de la historia”, explica. “Este caso ha salido a la luz pública por tratarse de una actriz, pero normalmente estas cosas se libran en la esfera privada, de la que poco podemos saber”.