El Ayuntamiento de Logroño y la Cámara de Comercio vuelven a sacar a las calles de Logroño la moda de nuestra ciudad con un desfile que tendrá lugar el sábado 30 de mayo a las 19:00 horas en la plaza de San Agustín con la calle Portales. De los trece establecimientos participantes, cinco lo hacen por primera vez y ocho repiten la experiencia de otoño. Estos comercios son: Pan Blanco, Atipyca, Boracay, Corsetería Rocío, Desmán, Flash Boutique, Gloss, Isabella, La Abundancia, Novias Pilar Gil, Núbil, Setlan y Yo Chloe.

El concejal de Promoción de la Ciudad, Miguel Sáinz, acompañado por el director general Cámara de Comercio e Industria de La Rioja, Florencio Nicolás, ha presentado esta mañana la segunda edición del Desfile de Moda Primavera – Verano 2026.

Tal y como ha indicado el edil municipal, “se trata de una iniciativa que busca sacar a la calle la moda de un modo atractivo y dinámico. Una manera de mostrar el gran gusto y la calidad de la ropa que ya se puede adquirir en el comercio logroñés, en el que se podrán ver grandes opciones de moda y se encontrará también una atención cuidada y personalizada”.

En palabras de Miguel Sainz, “no solo se busca poner en valor la gran calidad de nuestro tejido comercial, sino también ofrecer a logroñeses y visitantes una experiencia única que combina moda, comercio y turismo”. Sainz ha subrayado que “la primera edición, que tuvo lugar en octubre de 2025, fue un éxito rotundo de participación, tanto de comercios como de espectadores. Esta nueva edición ya cuenta con un primer éxito cosechado, que es el aumento de participantes, con trece comercios que mostrarán sus nuevas tendencias”.

El director de la Cámara, Florencio Nicolás, ha destacado que “la mejor pasarela de Logroño son sus calles y el mejor escaparate, sus comercios. Queremos que los logroñeses y quienes nos visitan vean que no hace falta irse fuera para encontrar moda, tendencia, calidad y atención personalizada. Todo eso ya está aquí, en Logroño, por lo que invito a todos los ciudadanos y al público visitante a acudir al desfile del próximo 30 de mayo”.

“Gracias al elevado número de establecimientos participantes, estamos seguros de los logroñeses y visitantes disfrutarán de una propuesta muy variada y atractiva”, ha subrayado Sainz. También habrá un espacio para los niños, ya que uno de los comercios está dedicado a la moda infantil. Cada tienda subirá a la pasarela un total de siete propuestas diferentes.

Un enclave emblemático

En esta ocasión, el emplazamiento elegido para el desfile de la nueva temporada es la Plaza de San Agustín con la calle Portales. “Se trata de un rincón único de nuestra ciudad de gran belleza en sí mismo, pero que además une nuestra zona gastronómica por excelencia y una de las vías comerciales con más vida de Logroño como es la calle Portales”.

La pasarela estará colocada en forma de T, con un pasillo de 15 metros en la calle Portales, unido en el medio a otro pasillo de 18 metros en la plaza San Agustín. Esta parte de la pasarela concluye en un pequeño escenario de 5 metros que comunica con el backstage. Alrededor de la pasarela se colocarán en torno a 500 sillas para que los espectadores puedan disfrutar del desfile, aunque el espacio tiene cabida para unas 800 personas.

Los comercios participantes entregarán entre sus clientes 10 invitaciones para sentarse de público en el desfile y, el resto de sillas se completarán por orden de llegada. El evento, gratuito y de entrada libre, se espera que dure algo más de una hora.

Miguel Sainz ha destacado estar “llevando a cabo una apuesta decidida por impulsar el comercio minorista, apoyándolo con programas específicos que pretenden dar respuesta a sus necesidades, como es el caso de Plan de Digitalización del Comercio Local, las iniciativas de proyecto piloto europeo ‘Decarbomile’ o el Logrostock, entre otras acciones”.

Es una de las imágenes del año. Estigmatizante, pero histórica. El hijo del hombre más rico de Catalunya ha entrado esposado en el juzgado, custodiado por cinco mossos d'esquadra, e investigado por el homicidio de su padre, fundador de Mango. Jonathan Andic ha declarado una hora y ha salido en libertad tras abonar en apenas 20 minutos una fianza de un millón de euros.

La resolución judicial por la que se decreta la libertad de Andic tiene tintes de guion de Succession, aunque sigue sin contar con una prueba clara que determine la autoría del hijo del fundador de Mango. La jueza sí compra todos los indicios expuestos en los atestados de los Mossos d'Esquadra y señala la “obsesión por el dinero” de Jonathan Andic y la “mala relación” y el “odio” hacia su padre como claves del caso.

En un comunicado, la defensa y la familia de Andic han cargado contra la investigación policial que han asumido Fiscalía y jueza. “La conjetura del homicidio es inconsistente. Pero, sobre todo, es dolorosa. Estigmatiza a un hombre inocente. Ahora comienza auténticamente el proceso y brillará la verdad y la inocencia”, ha expresado Cristóbal Martell, abogado de Jonathan Andic.

El auto, junto a la imagen de Andic entrando esposado en el juzgado de Martorell, son demoledores para la imagen del hijo del dueño del imperio de la moda. En 14 páginas, la magistrada condensa año y medio de investigación policial y enumera siete indicios de lo que considera una “participación activa y premeditada” de Jonathan en la muerte de su padre al despeñarse en un sendero en Collbató (Barcelona) en diciembre de 2024.

Primero y principal: la “mala relación” del hijo con el padre, algo que el primogénito negó en sus declaraciones ante los Mossos, pero que según la jueza desmienten los mensajes hallados en el teléfono de Jonathan Andic.

La togada sitúa como motivo de las desavenencias “la obsesión por el dinero” de Jonathan, hasta el punto que, según el auto, le pidió a su padre una herencia en vida que el fundador de Mango aceptó “para continuar teniendo relación con su hijo” tras la intervención de una psicóloga.

A mediados del año 2024 (esto es, seis meses antes de la muerte de Andic al caer durante una excursión en el macizo de Montserrat), Jonathan “fue conocedor”, indica la jueza, de que su padre tenía intención de cambiar el testamento “creando una Fundación para ayudar a las personas necesitadas”. La magistrada sitúa esta decisión como detonante de un “cambio de actitud” de Jonathan con su padre, con el que pretende “reconciliarse y reconoce que su actitud con el dinero no es la correcta”.

El padre, agrega la jueza, aceptó la excursión de su hijo “para hablar los dos solos”. Este es el principal salto temporal del auto, toda vez que la caminata donde el fundador de Mango perdió la vida ocurrió medio año después de que estallaran las supuestas discrepancias entre padre e hijo.

La jueza incluso se adentra en consideraciones psicológicas sobre la relación entre los Andic. Mantiene la magistrada que Jonathan “manipuló emocionalmente” a su padre “para conseguir sus objetivos económicos”. También mantiene que en los mensajes analizados en su teléfono el hijo muestra “sentir odio, rencor, ideas de muerte, y culpabilizar de su situación a su padre”.

“Planificación y estudio”

La magistrada enmarca esta estrategia de supuesta reconciliación dentro de lo que, en realidad, sería “una planificación y estudio previo del lugar de los hechos y un intento de crear una situación y circunstancias concretas lo más discretas posibles previamente a los hechos, en el mismo momento y durante los minutos posteriores a la caída”.

Esta premeditación que la magistrada advierte sería más compatible con un delito de asesinato, pero de momento la causa permanece abierto por homicidio “sin perjuicio de ulterior calificación”, agrega la jueza.

Los días previos y el sendero donde se precipitó Andic, que no presenta grandes dificultades, son otros dos de los indicios que pesan contra Jonathan Andic. La jueza destaca que el hijo del fundador de Mango visitó “el lugar de los hechos” hasta tres veces en solo siete días antes de la caída de su padre.

El recodo de la montaña por donde se precipitó el empresario es otro de los principales indicios de criminalidad a los que se aferra la jueza: las investigaciones de los Mossos d'Esquadra, que incluyeron cuatro simulacros en el mismo punto por el que cayó Andic, han concluido que una pisada como la hallada en el lugar de los hechos “no es posible por un resbalón”.

Además, la jueza cita el informe forense, que no ve signos de resbalón sino que compara la caída con un lanzamiento “por un tobogán, con los pies por delante”, de forma que todas las lesiones fueron en el lado derecho y en forma ascendente, sin afectación en las manos, un dato clave para los investigadores.

A los indicios sobre el terreno, se le suma la “desaparición en extrañas circunstancias”, en palabras de la jueza, del móvil de Jonathan Andic. Según trasladó el hijo a su secretaria, le robaron el teléfono en un “viaje relámpago” a Ecuador entre el 24 y el 26 de marzo de 2026. Sin embargo, la jueza destaca que Andic borró el contenido de su anterior terminal tras cambiarse el móvil, y que las fechas de su desaparición “coinciden” con las noticias en presa sobre la reapertura del caso, inicialmente archivado.

Las gestiones de los Mossos para “determinar la pérdida o sustracción” del antiguo teléfono de Andic han resultado “negativas”, agrega la magistrada.

Llamadas y “contradicciones”

Tampoco le cuadran a la jueza las llamadas a los servicios de emergencia que Jonathan realizó tras la caída. En las dos primeras, indica la jueza, manifestó al teleoperador que su padre se había caído por un barranco, en el Montserrat. En la tercera, explicó a la enfermera lo que, según la jueza, es otra versión: que iba por delante de su padre “y de repente ha oído ruido de piedras y cuando se ha girado lo ha visto gritar y caerse”. Esta llamada difiere, siempre según la magistrada, de la declaración que Andic prestó ante los Mossos, pese a que la jueza recoge que Andic manifestó que también iba caminando por delante de su padre y vio su cuerpo rodando y escuchó un gemido de dolor.

En su auto, la jueza enumera las “contradicciones” de Jonathan Andic en sus diferentes declaraciones, las primeras a los Mossos tras la muerte de su padre, los días 14 y 31 de diciembre de 2024, y las de este martes en sede judicial, únicamente a preguntas de su defensa.

En la primera de las declaraciones, la del 14 de diciembre, afirmó que “se adelantó unos cuatro o cinco metros por delante de su padre”, que este se paró para tomar unas fotografías y sin tenerlo a la “vista”, se giró y vio “un cuerpo rodando entre los matorrales, y escucho un fuerte golpe y un gemido de dolor”. Sin embargo, el 31 de diciembre Jonathan declaró que su padre hizo uso del teléfono al principio del recorrido, y que ya “no lo volvió a ver que lo utilizara”.

La investigación de los Mossos del volcado del móvil del empresario fallecido determina que “solo” lo utilizó al inicio del camino, y que no hizo uso del mismo en el “lugar de los hechos”, es decir, desde donde se precipitó al vacío. La montaña es la otra única testigo de la muerte de Isak Andic.

Investigado por homicidio, pero en libertad. El hijo del fundador de Mango, Jonathan Andic, ha abonado en poco más de 20 minutos el millón de euros de fianza que le había impuesto la jueza para eludir la prisión provisional en la causa en la que permanece investigado por la muerte de su padre, Isak Andic.

El caso está abierto por un delito de homicidio, según ha informado el Tribunal Superior de Justicia de Catalunnya (TSJC). Andic ha declarado durante alrededor de una hora ante la jueza de Martorell. Lo ha hecho tan solo a preguntas de su abogado, Cristóbal Martell.

El investigado ha salido del juzgado acompañado de sus abogados y en medio de una gran expectación mediática. Ha caminado por la rampa de los juzgados de Martorell y se ha subido a un coche.

Tras la comparecencia, la jueza ha seguido el criterio de la Fiscalía en las medidas cautelares: cárcel eludible bajo pago de un millón de euros, así como la retirada del pasaporte, la prohibición de salir de España y comparecencias semanales en el juzgado.

Los Mossos d'Esquadra han detenido este martes a Andic, al que consideran sospechoso de la muerte de su padre. La policía catalana no cree la hipótesis del accidente que en un primer momento sostuvo tras constatar lo que, a su juicio, son contradicciones en la versión del hijo.

Coincidiendo con un relevo al frente del juzgado de instrucción número 5 de Martorell en octubre de 2025, los Mossos, ya con la comisaría general de Investigación Criminal al cargo de las diligencias, pusieron el foco de las sospechas bajo Jonathan Andic, al que pidieron el teléfono móvil para analizarlo.

El contenido de este teléfono se sitúa como uno de los puntales de la investigación. Bajo secreto de sumario, los Mossos han indagado en el teléfono de Andic, tanto su registro de llamadas como sus mesajes. Los agentes tambié han intentado recuperar algunos mesajes borrados meses antes, en busca de indicios sobre la muerte del fundador de Mango.

La policía catalana basa sus sospechas en ciertas diferencias entre las dos declaraciones que prestó Jonathan Andic ante los agentes. Por ejemplo, sobre el lugar donde estaba cuando se precipitó su padre, dónde aparcó o si tomó fotos en la excursión.

Los agentes también dudan sobre las circunstancias de la caída del fundador de Mango, en un camino donde creen difícil que un cuerpo pueda despeñarse sin que se ejerza cierta fuerza sobre él.

También indagan si Jonathan Andic tenía mala relación con su padre, una hipótesis que han negado de forma casi unánime los allegados del fundador de Mango que han sido interrogados por los Mossos como testigos, entre los que se cuentan desde sus dos hijas, Judith y Sarah, o su tío, hasta directivos y trabajadores de Mango.

El fundador del imperio de moda Mango, uno de los hombres más ricos de España, murió el 14 de diciembre de 2024 al caer desde una altura de unos 150 metros en una excursión por un sendero de las cuevas de Collbató (Barcelona), una ruta que transcurre por el macizo de Montserrat.

Un portavoz autorizado de la familia ha recalcado a la agencia EFE que la colaboración de Jonathan Andic con las autoridades en la investigación por la muerte de su padre “ha sido y será máxima”.

Los Mossos d’Esquadra han detenido este martes a Jonathan Andic, hijo del fundador de Mango, Isak Andic, por la muerte de su padre, fallecido en una caída en la montaña durante una caminata en la que solo estaban el padre y su primogénito. El arrestado ha comparecido ante la jueza del caso, que ha decretado prisión eludible bajo fianza de un milló de euros. En apeas veinte minutos, Andic ha pagado la fianza y ha quedado libre e investigado por homicidio.

El detenido ha llegado a los juzgados de Martorell a las 12.45h., esposado, con las manos en la espalda y custodiado por cinco agentes de la policía catalana (dos de investigación y tres de custodia del juzgado). Un rato antes, habían llegado su abogado, Cristóbal Martell; la fiscal del caso, Teresa Yoldi; y los agentes de investigación de los Mossos con un voluminoso atestado.

La imagen del paseíllo que ha vivido este martes Jonathan Andic es inhabitual ya en los grandes juzgados, pues se considera que atenta contra la presunción de inocencia de un detenido que todavía no ha sido juzgado. Sin embargo, los juzgados de Martorell (una de las instalaciones judiciales catalanas más faltas de inversión, que están en los bajos de un bloque de pisos), solo tienen una puerta, que comparten arrestados, funcionarios y jueces, y no disponen de una entrada exclusiva de detenidos.

En un comunicado, portavoces de la familia Andic han defendido la inocencia de Jonathan y han reclamado que se respete su presunción de inocencia, al tiempo que han sido críticos con la investigación. “No existen ni se hallarán pruebas de cargo legítimas contra” Jonathan, han manifestado.

“El convencimiento sobre su inocencia es absoluto y el desarrollo de las diligencias así lo demostrarán”, han apostillado los portavoces de la familia.

Tal y como ha adelantado La Vanguardia y ha confirmado elDiario.es, la policía catalana ha arrestado a Andic a primera hora de la mañana de este martes. Lo ha hecho en su domicilio, y después lo ha trasladado a la comisaría de Martorell primero y después a los juzgados.

El fundador del imperio de moda Mango, uno de los hombres más ricos de España, murió el 14 de diciembre de 2024 al caer desde una altura de unos 150 metros en una excursión por un sendero de las cuevas de Collbató (Barcelona), una ruta que transcurre por el macizo de Montserrat.

La jueza archivó en un primer momento el caso, pero lo reabrió en marzo de 2025 para incorporar ampliaciones de atestados de los Mossos d’Esquadra. Bajo la dirección del comisario Eduard Sallent, exjefe de la policía catalana, los Mossos primero concluyeron que la caída de Andic fue accidental, tras inspeccionar el lugar y tomar declaración a su hijo Jonathan, el único testigo directo de lo ocurrido.

Coincidiendo con un relevo al frente del juzgado de instrucción número 5 de Martorell en octubre de 2025, los Mossos, ya con la comisaría general de Investigación Criminal al cargo de las diligencias, dieron un nuevo impulso y pusieron el foco de las sospechas bajo Jonathan Andic, al que pidieron el teléfono móvil para analizarlo. 

El hijo del fundador de Mango ha permanecido un año siendo sospechoso para la policía pero sin una petición formal de los Mossos al juzgado para imputarlo y que pudiera ejercer su derecho a la defensa en la causa.

Contracciones en el relato de Andic

Los Mossos basaron sus sospechas en lo que, a juicio de la policía, eran contradicciones en el relato de Andic tras la muerte de su padre —por ejemplo, sobre el lugar dónde estaba cuando cayó, dónde aparcó o si tomó fotos en la excursión— y en que el sendero es un camino en el que creen difícil que un cuerpo pueda despeñarse sin que se ejerza cierta fuerza sobre él.

Durante estos meses, los Mossos también han indagado si Jonathan Andic tenía mala relación con su padre en el momento de morir, una hipótesis policial que han negado de forma unánime los allegados del fundador de Mango. Entre las personas que han interrogado los agentes figuran la viuda del fundador de Mango, sus dos hijas, Judith y Sarah, su tío, directivos y trabajadores de la multinacional.

Las filtraciones sobre el caso cuando se encontraba bajo secreto de sumario hicieron reaccionar a los albaceas de Andic, que defendieron públicamente la “inocencia” y la “única condición de víctima” de su hijo Jonathan después de que los Mossos d'Esquadra situaran al primogénito como sospechoso. 

Pesos pesados del mundo empresarial, como el presidente del Banco Sabadell, Josep Oliu, o el presidente de Planeta y albacea de Andic, José Crehueras, han respaldado públicamente a Jonathan Andic durante los meses que ha pasado bajo el foco de los Mossos d’Esquadra. 

¿Qué tienen en común Goya, la situación política y social actual y la moda? África Rello lo vio claro y, gracias a esa visión, ha ganado un premio. Esta joven logroñesa, estudiante de segundo curso de moda en la Escuela Superior de Diseño de La Rioja (ESDIR), acaba de ganar en Zaragoza la Aguja Goyesca en la categoría de estudiante con su colección 'El sueño de la razón (todavía) produce monstruos', una alegoría a la obra de Goya a camino entre lo onírico, lo artístico y la denuncia social.

Esta historia comienza con una llamada de teléfono de su tía Marimar y un mensaje de su abuela. Ambas viven en Zaragoza y, al ver anunciado el certamen, tuvieron claro que África tenía que presentarse. A ella siempre le gustó la moda, pero esta no entraba en sus planes. Estudió Bachillerato de Ciencias Sociales porque no tenía claro lo que quería hacer y acabó matriculándose en la ESDIR sin haber tocado nunca una máquina de coser. “Cuando mi familia me animó a presentarme a este certamen, justo había terminado los exámenes del primer cuatrimestre y tenía una semana de vacaciones así que la dediqué a estudiar la obra de Goya, a pensar y a hacer los bocetos”, explica la joven, “cuando me dijeron que había sido seleccionada, empezó una maratón contrarreloj para hacer realidad todo eso que tenía en la cabeza”.

Lo que África tenía en la cabeza eran mucho más que cuatro vestidos. En menos de dos meses, esta estudiante riojana ha creado una colección que rinde homenaje a una de las series que Goya pintó para los duques de Osuna; cuatro alegorías que representan a cuatro cuadros del artista aragonés y que nacen de la frustración de esta estudiante riojana al descubrir que los problemas sociales de principios del siglo XIX se siguen reproduciendo en la España actual; que en 200 años han cambiado los actores pero no las dinámicas de opresión.

El primer vestido es 'El Diablo', una figura que Goya representaba con el macho cabrío, una figura que emanaba respeto e intimidación, un “monstruo” creado por la sociedad para dar respuesta a lo desconocido. África, a través de telas oscuras que recuerdan a las pinturas negras y las escenas de brujería del pintor, ha creado una silueta de estructuras rígidas y volúmenes marcados, con los cuernos como elemento central. “Con este diseño trato de explicar que el miedo a lo desconocido, también hoy, sigue moldeando nuestra percepción de la realidad”, explica.

El segundo modelo es 'La Bruja', una figura juzgada y “condenada por una sociedad necesitada de culpables”. Rello ha creado para representarla una figura pesada, oculta tras muchas capas de tela, más de nueve metros, con mucho peso. “He querido mostrar cómo se siente alguien a quien tachan de culpable y se ve obligada a cargar con un peso que no le pertenece”, argumenta la joven diseñadora, “representa el señalamiento y la violencia simbólica, mostrando cómo la sociedad crea monstruos no sólo a través del miedo, sino también a través de la culpa”.

El tercer look, 'La razón dormida', representa la ceguera voluntaria, “el momento en el que la razón se apaga y deja paso a la fantasía, la superstición y los monstruos creados por la mente colectiva”. Para materializar esa idea, África Rello utiliza una silueta rígida y ajustada, que representa lo que está bien, la verdad, y le superpone capas de tul y transparencia que envuelven el cuerpo en una especie de ilusión. “Ese velo deforma la realidad, la difumina y la oculta en capas de miedo y autoengaño”, explica, “transmite la idea de que, cuando dejamos de cuestionar, permitimos que los monstruos tomen forma”.

Por último, 'El Despertar', el instante en el que la oscuridad comienza a disiparse, el proceso en el que nada es nítido todavía, pero se va tomando conciencia. El top se va deshaciendo hacia la falda con un volumen fluido que aporta movimiento y ligereza y que evoca la liberación progresiva. Los búhos bordaos que se van deshilachando desde la cintura representan los monstruos que se van descomponiendo cuando la oscuridad desaparece. “Despertar no significa olvidar la oscuridad, sino aprender a mirarla con claridad”, explica la autora.

África Rello entiende la moda como un arte, y como tal, más allá de mostrar belleza, debe expresar, despertar sentimientos. “Al estudiar estas obras sentí mucha rabia al comprobar que aquello que sucedía hace dos siglos, sigue sucediendo”, señala, “porque Goya no quería retratar a las brujas como algo que produce miedo sino como aquello que se usa para tapar los problemas reales de la sociedad, por aquel entonces las epidemias que mataban a los niños y a miles de personas. Ahora, se sigue culpando a las minorías para tapar los problemas reales de la sociedad”.

Con esta colección y este importante reconocimiento, queda claro que el talento va mucho más allá de la aguja y la máquina de coser. “Ha sido un trabajo muy duro porque quería profundizar en el argumento”, cuenta, “también fue difícil encontrar las telas porque era una gama de color complicada y como estudiantes no tenemos acceso a las gamas más altas. Pero sobre todo, fue un trabajo enorme de confección por el que tengo que dar las gracias a mi madre que me estuvo ayudando, con las pocas nociones que tiene de costura, a rematar y coser bajos; tuvo una paciencia infinita conmigo y no puedo estar más agradecida. Le debo todo”.

Todo el esfuerzo ha tenido, en este caso, su recompensa. No solo por el premio sino por lo que supone para una estudiante de moda poder mostrar sus ideas y sus obras en un desfile cuyo coste, de otro modo, sería inabordable. “Para mí esto ha sido un impulso enorme”, asegura la joven logroñesa, “me ha hecho ver que hay muchísimas opciones, que quiero empezar a hacer más cosas, que lejos de la idea de que la moda no tiene salidas, hay un mundo de posibilidades que debemos explorar”. No sabe cuál será su camino y prefiere centrarse de momento en los dos años de estudio que le quedan, pero tiene claro que su ilusión siempre estará en la alta costura, en la creación y en las cosas hechas a mano y con mucho sentido.

Hoy comienza en Igualada una nueva edición del festival Rec.0, un evento que durante cuatro intensas jornadas transformará el emblemático barrio del Rec de esta ciudad de la provincia de Barcelona en un epicentro de creatividad. Hasta el próximo sábado, las antiguas fábricas de curtidos abrirán sus puertas para ofrecer una experiencia única que fusiona el patrimonio industrial con las últimas tendencias de la moda contemporánea. Este festival, que ya alcanza su trigésima edición, se ha consolidado como la mayor concentración de ventas especiales del sur de Europa, atrayendo a miles de visitantes ávidos de descubrir marcas exclusivas y disfrutar de un ambiente inigualable.

El origen de este proyecto se remonta a noviembre de 2009, cuando un grupo de vecinos decidió revitalizar este histórico núcleo industrial mediante la creación de tiendas efímeras o pop-up stores. Lo que comenzó como una apuesta arriesgada se ha convertido en un motor económico y cultural de referencia para toda Catalunya, poniendo en valor un paisaje arquitectónico que habitualmente permanece oculto al público general. Durante estos días, el barrio se metamorfosea, dejando atrás su rutina de diseño y curtidos para dar la bienvenida a un circuito de más de un kilómetro y medio de longitud. La esencia del festival radica en este carácter efímero, donde cada edición es distinta y permite descubrir espacios industriales que han estado cerrados durante décadas.

En esta edición más de cien marcas nacionales e internacionales se instalan en las viejas curtidurías para mostrar sus excedentes a buenos precios. No obstante, el Rec.0 no se limita a las grandes firmas, ya que también dedica un espacio fundamental a los diseñadores emergentes y a la moda sostenible a través del área Rec Imperdible. Ubicado en la primera planta del Museo de la Piel, este sector funciona como un altavoz para marcas éticas y fomenta la reutilización textil con iniciativas como mercados de intercambio de ropa. El festival se posiciona así como un defensor del consumo responsable y un escaparate para las propuestas que están revolucionando actualmente la industria textil global.

La programación para este miércoles se inaugura con talleres de artesanía con piel en el Museo Cal Boyer y mesas redondas sobre el futuro del cuero en la Adoberia Bella. A medida que avance la tarde, los escenarios se llenarán de música con las sesiones de DJ Corb y los conciertos de grupos como Zapoitxo! y Combo Concepte en la Placeta Granotes. Para mañana jueves la actividad continúa con demostraciones de baile urbano a cargo de Lil Kinja y sesiones electrónicas de Andreu Presas. Además, los visitantes podrán disfrutar de actuaciones de música en vivo con artistas como Ivette Villà, quienes pondrán la banda sonora a las compras en un entorno que respira un aire cosmopolita.

El viernes destacarán las conversaciones sobre la artesanía contemporánea y la esperada cata de vinos tintos en la Adoberia Bella, acompañadas por el concierto de MaambO! en el patio del museo. Finalmente, el sábado el festival ofrecerá actividades familiares como talleres infantiles de siembra de albahaca y cuentacuentos para los más pequeños en el espacio Petit Rec. También se realizarán visitas guiadas por la historia del barrio y el sistema de curtidurías, permitiendo a los asistentes comprender mejor el pasado de Igualada. La jornada de clausura contará con una vibrante sesión de música de la mano de DJ Miqui Puig y el concierto de Genni Knows, cerrando así cuatro días de cultura ininterrumpida.

La gastronomía es otro pilar fundamental de la experiencia Rec.0 a través de su festival de cocina callejera, que cuenta con más de cuarenta puntos de restauración. Los patios industriales de fábricas como Vila se transforman en áreas de descanso donde food trucks y pop-up bars ofrecen una amplia variedad de propuestas culinarias internacionales y productos bio. Este entorno, decorado con plantas y luces que realzan la belleza de las estructuras fabriles, evoca una atmósfera que muchos comparan con los barrios más modernos de Londres o Nueva York. Es en estos espacios de convivencia donde el público de todas las edades se mezcla para disfrutar de una comida mientras comentan los hallazgos realizados en las diversas tiendas.

Rutas culturales

Más allá del comercio, el evento invita a profundizar en el patrimonio de Igualada, reconocida oficialmente como la Capital Europea de la Piel de Calidad. Durante el festival, los visitantes tienen la oportunidad única de entrar en curtidurías en funcionamiento como Curtits Badia o visitar el antiguo centro de Cal Granotes, un vestigio del siglo XVIII. Estas rutas culturales ayudan a entender por qué la ciudad es la cuna de marcas prestigiosas. El Rec.0 logra así un equilibrio perfecto entre la nostalgia por el pasado industrial y la innovación constante que define al sector textil local, convirtiendo la visita en una lección de historia viva.

Para facilitar la llegada de los miles de asistentes previstos, la organización recomienda el uso del transporte público. Se han habilitado aparcamientos gratuitos en la zona universitaria con autobuses lanzadera que conectan directamente con el recinto para evitar las aglomeraciones de tráfico en el centro. Al caer la noche, la iluminación transforma los antiguos almacenes en espacios mágicos, consolidando al festival como una de las propuestas de ocio más potentes del territorio catalán. Participar en el Rec.0 es sumergirse en una experiencia sensorial completa que abandona el modelo de compra tradicional para abrazar un estilo de vida más pausado y cultural en el corazón de la comarca de la Anoia.

Este lunes tuvo lugar en el Museo Metropolitano de Arte Nueva York uno de los grandes eventos de la moda del año, la MET Gala 2026 que tiene lugar, que ha vuelto a reunir a grandes personalidades del cine, la música o el deporte en una alfombra roja que acostumbra a dejar looks impactantes y que dan mucho que hablar.

Bajo la temática de ‘Costume Art’, los asistentes han desfilado en la alfombra roja más viral con looks inspirados en el arte, pero también en “incluir el cuerpo en las conversaciones sobre arte y moda”, según explicaba el comisario jefe del Costume Institute, Andrew Bolton a Vogue. Una gala en la que, además, han sido comentadas las ausencias de Zendaya o Meryl Streep, lo que se ha visto como una muestra a que Jeff Bezos haya tomado propiedad de la ceremonia.

El look de Beyoncé en la MET Gala diez años después

Uno de los grandes nombres de la noche fue sin duda Beyoncé, que volvía después de diez años de ausencia a la MET Gala. Ha acudido con un diseño de Olivier Rousteig que no ha pasado desapercibido inspirado en el esqueleto humano, con brillantes y decorado con una capa maxi de plumas degradada. Acudió con su marido Jay-Z y su hija Blue Ivy, de 14 años, que desfiló en la alfombra roja con un diseño blanco de Jimmy Choo inspirado en ‘Cenicienta’.

Bad Bunny ‘envejecido’ y de Zara: uno de los más impactantes

Pero uno de los que más ha dado que hablar ha sido el cantante Bad Bunny, que ha vuelto a confiar en la marca española Zara como lo hizo en la Super Bowl. En este caso ha vestido un traje color negro, pero lo impactante ha sido su cara y pelo envejecidos, con una caracterización que ha seguido un proceso minucioso y ha dejado un resultado sorprendente, con el que el cantante ha querido hacer una referencia completa al envejecimiento del cuerpo y el paso del tiempo, una de las temáticas de la noche.

Los comentados looks de Rihanna y Katy Perry

No nos alejamos de la música porque dos de las protagonistas de la MET Gala 2026 han sido Rihanna y Katy Perry. La primera fue acompañada de su esposo Asap Rocky y se presentó con un destacado corpiño de pedrería envuelta en tela satinada, que la cantante aseguró era un homenaje a su Barbados natal. “Sentí que estaba saliendo de la concha de ostra. Quería que todas las perlas y piedras parecieran oxidadas de una manera que se sintiera envejecida, pero con una historia”, mencionó a la prensa en el evento.

Katy Perry, por su parte, volvió a ser viral debido a la MET Gala, aunque en esta ocasión sí que acudió y no fue víctima de la IA, un hecho que tomó como propio y de ahí su look de máscara robótica y un guante de seis dedos, como un guiño a los errores que suele cometer.

Sabrina Carpenter: un homenaje al cine y Audrey Hepburn

Otro de los diseños de la MET Gala 2026 que han llamado la atención ha sido el vestido de Sabrina Carpenter, compuesto por un rollo de cinta de cine. En concreto, de la película ‘Sabrina’ de 1954, protagonizada por Audrey Hepburn, Humphrey Bogard y dirigida por Billy Wilder.

Georgina Rodríguez: temática inspirada en la Virgen de Fátima

Sin Rosalía, en plena gira de ‘Lux’, o Penélope Cruz, el protagonismo español lo puso Georgina Rodríguez. La prometida de Cristiano Ronaldo vistió de Ludovic Saint Sernin y tal y como posteó en redes sociales, se inspiró en su devoción por la Virgen de Fátima, en tonos azul claro. “En el contexto de la moda como arte, el look refleja cómo la fe, al igual que el arte, puede expresarse a través de la forma, el detalle y la emoción”, escribió la influencer.

Madonna y otros looks con inspiración en cuadros

El arte, debido al propio ‘dress code’ de la noche, ha sido uno de los protagonistas, con varios looks que han tomado cuadros como inspiración como ha sido el caso de Madonna, que ha replicado ‘La tentación de San Antonio. Fragmento II’ de Leonora Carrington con su vestido.

A la reina del pop le han seguido otras como Hunter Schafer, de Prada, y Gracie Adams, de Chanel, ambas tomando como referencias cuadros de Gustav Klimt; Rachel Zegler con un look inspirado en ‘La ejecución de Lady Jane Grey’ de Paul Delaroche; Angela Bassett en ‘Chica en vestido rosa’ de Laura Wheeler Waring; Chloe Malle en ‘El sol ardiente de junio’ de Lord Frederic Leighton; o la propia Lauren Sánchez, mujer de Jeff Bezos, que ha coincidido con la actriz Claire Foy en su referencia a ‘Retrato de Madame X’. La escultura ha tenido también su referencia, con Heidi Klum con un llamativo look en el que imitaba a una estatua griega de mármol y Yu-Chi Lyra Kuo que se ha inspirado en la victoria Niké con diseño de Jean Paul Gaultier.

El cofundador de la marca británica de ropa Superdry, James Holder, fue declarado culpable este viernes de violar a una mujer en la madrugada del 7 de mayo de 2022 tras una salida nocturna en Cheltenham, en el suroeste de Inglaterra.

Un jurado de siete hombres y cinco mujeres halló culpable de violación a Holder, de 54 años, al término de un juicio de cinco días en el tribunal de Gloucester, mientras que le absolvió de otro cargo de agresión con penetración.

Los hechos se produjeron en la madrugada del 7 de mayo de 2022, cuando, según la acusación, el empresario, casado y con dos hijos, violó a la mujer en el domicilio de ella tras regresar de un bar en Cheltenham.

Durante el proceso, la defensa sostuvo que la relación fue consentida, mientras que la denunciante lo rechazó de forma tajante y aseguró que se trató de una violación.

Según lo expuesto durante el proceso, Holder se subió sin ser invitado al taxi que la llevaba a ella a casa y entró en el apartamento, donde la violó.

Tras el veredicto, el juez le denegó la libertad bajo fianza al considerar que existía riesgo de fuga debido a sus “importantes recursos”, por lo que el acusado quedó en prisión preventiva a la espera de la sentencia.

Superdry, fundada en 2003 en el Reino Unido por James Holder y Julian Dunkerton, llegó a convertirse en una de las marcas de moda más populares del país, con presencia internacional y gran tirón entre los jóvenes.

Sin embargo, en los últimos años ha atravesado dificultades financieras y emprendió un proceso de reestructuración tras la caída de sus ventas.

Purpurina cumple ocho años y lo ha hecho con la presentación de una nueva colección de moda y complementos que ya está a la venta en la calle San Antón de Logroño. Este proyecto, impulsado por ARPA Autismo Rioja, promueve la inclusión sociolaboral dirigida a personas con autismo a través del diseño, elaboración y comercialización de productos textiles y creativos.Y es que, Purpurina es una iniciativa vinculada al centro ocupacional de ARPA y es mucho más que una marca de moda. Se trata de un proyecto que impulsa la creatividad, la autonomía personal y el desarrollo de habilidades prelaborales con el objetivo de generar oportunidades reales de participación en la sociedad. 

A través de talleres y procesos adaptados, las personas participantes intervienen en distintas fases del diseño y producción, fomentando su implicación activa y su desarrollo personal. Desde su puesta en marcha el 24 de abril de 2018, Purpurina se ha consolidado como una herramienta clave para visibilizar el talento de las personas con autismo, romper estereotipos y sensibilizar a la sociedad sobre la diversidad. 

El proyecto apuesta por una producción artesanal, sostenible y con identidad propia, donde cada pieza refleja el trabajo y la creatividad de quienes la elaboran. Además de su dimensión social, Purpurina contribuye a generar espacios de aprendizaje significativos, en los que se trabajan competencias como la coordinación, la planificación, la toma de decisiones y la interacción social. Todo ello dentro de un entorno estructurado, accesible y adaptado a las necesidades de cada persona. 

La directora de ARPA Autismo Rioja, Alicia Fernández Sáenz de Pipaón, ha destacado que “Purpurina representa una forma de entender la inclusión desde la capacidad, el talento y la oportunidad. Es un proyecto que demuestra que, con los apoyos adecuados, las personas con autismo pueden desarrollar su potencial y aportar valor a la sociedad”. 

La presentación de la nueva colección ha servido también como espacio de encuentro y reconocimiento a todas las personas que han hecho posible la evolución de Purpurina en estos ocho años, consolidándolo como un referente en La Rioja en el ámbito de la inclusión a través del empleo y la creatividad. Purpurina es el primer proyecto del Taller de Genios que ARPA Autismo Rioja trata de impulsar con el objetivo de que pueda convertirse en una iniciativa empresarial liderada por personas con autismo y el apoyo de algunos de sus familiares.

La tienda de Purpurina puede visitarse en la calle San Antón, 19 (Logroño) u online, en la web https://autismorioja.com/purpurina/ 

ARPA AUTISMO RIOJA

ARPA Autismo Rioja es una asociación sin ánimo de lucro cuya misión es la defensa de los derechos de las personas con autismo y sus familias y la gestión de servicios especializados con el fin de promover y mejorar la calidad de vida de esas personas y su entorno. 

ARPA Autismo Rioja cumplió 40 años en 2025. La organización desarrolla una respuesta integral y personalizada. En la asociación se llevan a cabo servicios y programas de información y orientación a las familias, atención temprana, tratamientos especializados, respiro familiar, vivienda especializada, escuela de madres y padres, apoyo extraescolar, ocio e integración social. 

La entidad forma parte del movimiento asociativo Autismo España, así como de Autismo Europa y Autismo Mundial, participando activamente en el intercambio de conocimiento y en iniciativas conjuntas en estos ámbitos.

MANGO, una de las principales marcas internacionales de moda, refuerza su presencia en La Rioja. La compañía abre hoy su primera tienda MANGO Teen en Logroño, en la calle San Antón, 23-25. Con esta inauguración, la firma eleva a tres sus puntos de venta en Logroño, donde ya opera con una tienda en la misma calle San Antón, 5 y otra en el Centro Comercial Berceo.

La nueva tienda, con una superficie de venta de 300 m² y diez puestos de trabajo, ofrece la colección completa de la línea juvenil, diseñada íntegramente en el atelier en Barcelona por un equipo de más de 500 expertos. El punto de venta también incorpora el concepto de retail de inspiración mediterránea New Med, que encarna el espíritu y la frescura de la marca. La sostenibilidad y la integración arquitectónica son claves en este nuevo diseño, que concibe la tienda MANGO como un hogar mediterráneo con diferentes estancias en las que predominan los tonos cálidos y los colores neutros, combinados con materiales tradicionales, artesanales, sostenibles y naturales.

“Con la apertura de nuestra primera tienda MANGO Teen en Logroño, seguimos acercando nuestra pasión por la moda, el estilo y la calidad al público juvenil”, explica Berta Moral, directora de MANGO Kids y MANGO Teen. “Esta inauguración supone un nuevo paso en la expansión de nuestra línea juvenil en España y refuerza nuestra voluntad de acompañar a las nuevas generaciones con una propuesta diferencial, pensada para responder a su estilo de vida y conectar con ellas a través de la moda”.

MANGO Teen se lazó en 2021 con el objetivo de satisfacer las necesidades propias de la etapa entre la infancia y la edad adulta. Con un enfoque en diseños contemporáneos, frescos y juveniles inspirados en la herencia mediterránea de la marca, la línea busca llenar un vacío en el mercado de moda juvenil contemporánea y de alta calidad a un precio accesible. Combinando lo clásico con toques contemporáneos y estampados llamativos, la línea incluye prendas, calzado, accesorios y ropa deportiva, todos diseñados en el atelier de MANGO en Barcelona.

La expansión de Mango Teen forma parte del Plan Estratégico 4E 2024-2026 de la compañía, que tiene como objetivos reforzar su propuesta de valor diferencial, con un fuerte impulso de la expansión y con la mejora de las ventas en el parque de tiendas existente y en su canal online.

Actualmente MANGO cuenta con tres tiendas en La Rioja que ofrecen cuatro de sus cinco líneas: Woman, Man, Kids y Teen. La compañía cerró 2025 con más de 420 puntos de venta en España, además de presencia digital a través de su ecommerce propio y plataformas de terceros. A nivel global, la compañía cuenta con más de 2.900 puntos de venta en más de 120 mercados en los cinco continentes. 

Narrar a través de los tejidos, construir una historia con colores, texturas y movimiento. A través del diseño de vestuario, Pedro Moreno no solo ha obtenido reconocimientos como dos premios Goya o el Premio Nacional de Teatro, sino que ha construido los cimientos de una profesión que, en ocasiones, pasa desapercibida. Esta semana pasará por Toledo, invitado por el Museo El Greco coincidiendo con una exposición en la que la pintura y el teatro se dan la mano “en un diálogo compartido”.

Pedro Moreno (Madrid, 1942) nació en una época en las que las oportunidades ‘no colgaban de los árboles’. Él mismo la define como una “época complicada, marcada por la Guerra Civil y en plena Segunda Guerra Mundial”. Aunque nació en Madrid, se crio y vivió hasta los doce años en el pueblo segoviano de Riaza. “Los que provenimos de medios rurales vivíamos en una especie de burbuja, en la que de algún modo tratábamos de soñar un poquito, lo que se podía y lo que nos dejaban”, expone al recordar su infancia.

Pedro no tenía clara ninguna vocación cuando era pequeño. Él asegura que solo quería “ser mayor”. Sin embargo, a partir de visitar diferentes edificios eclesiásticos encontró allí “retablos, luces, incienso, elementos que eran magia” y que potenciarían su interés por el diseño. Moreno comenta que la única forma de poder disfrutar del cine o el teatro “era a partir de la Iglesia”, a la que recurrió como “escapatoria”, como una forma de acceder al arte. Por eso, él y once compañeros más ingresaron en el seminario para hacerse curas y tener al alcance a esa oferta cultural: “Yo solo duré tres meses allí”, explica.

Después tuvo diferentes trabajos como repartidor, antes de llegar a estudiar Bellas Artes: “Yo era pobre, mi familia no era rica y no podía acceder a ninguna carrera oficial, pero iba a la Escuela de Bellas Artes [Real Academia de Bellas Artes de San Fernando], donde había oportunidad de pintar con modelos gratis y luego modelos vivos, o ir al zoo a dibujar animales”, rememora.

El salto a la alta costura: “Fue un aprendizaje fantástico”

Moreno también trabajó como maestro en un centro de menores, pero en la década de 1960 “de pura casualidad” pasó a trabajar en el mundo de la moda, concretamente a las órdenes del modisto Elio Berhanyer. Recuerda que la moda en aquel entonces “era una cosa realmente elitista, inasumible para el 80% de los españoles” y que suponía “una especie de privilegio para una determinada clase social, pero para mí era un aprendizaje fantástico”.

Su contacto con la alta costura le llevó a aprender “acerca de la armonía de los colores, trabajar volúmenes para conseguir texturas, investigar el mundo de los tejidos, fue muy interesante”. Apunta que la construcción de un traje de alta costura era “casi como hacer una escultura”.

Pedro señala tener unos “estupendos recuerdos de todo aquello. La época en la que yo hacía alta costura ha desaparecido prácticamente”, expone, al mismo tiempo que indica que en la actualidad “todo es más democrático, la gente puede elegir sin saber si el color que les gusta es el que está de moda este año o el que le proponen las marcas. Hay mucha más libertad de elección sobre todo para las mujeres”.

Sin embargo, con el auge del movimiento prêt-à-porter -listo para llevar o ropa hecha a demanda y en serie-, Berhanyer le recomendó que se ‘mudase’ al mundo del teatro y la cinematografía.

A partir de ahí, Pedro Moreno comenzó a diseñar vestuario para películas, obras de teatro, ópera, zarzuela y otras modalidades culturales de las artes escénicas: “Para mí lo más interesante ha sido [diseñar para] el ballet, la danza, porque el mejor desfile para cualquier persona que haga moda sería un escenario, y que en lugar de modelos fueran artistas que bailan”, apunta y señala que los bailarines y las bailarinas eran su “máxima inspiración”.

El oficio de contar historias a través de la indumentaria

Para Pedro, convertirse en un buen figurinista, diseñador y vestuario y escenógrafo pasa por “conocer lo que estamos intentando contar, hay que aprenderse los textos y es un trabajo colectivo, de todos los implicados”. Aquí entra en juego que todas las personas y profesionales implicados, desde el director, el escenógrafo, el diseñador... “todos en definitiva tengan un acuerdo de opiniones”, aunque para él, “lo más importante es conocer los textos”.

Con respecto al teatro, Moreno explica que “tiene muchas más posibilidades” a la hora de variar el trabajo: “Una obra de teatro se ensaya y se estrena. A veces durante una temporada, hay obras que aguantan años, pero cada día los actores pueden modificar y perfeccionar”. Eso no ocurre en el cine “porque solo es una sola toma. Aunque se repita cinco veces, se elige una y lo que queda, queda”.

En su opinión, “el figurinista o el diseñador de vestuario es un narrador. Lo que hacemos es contar historias. Yo tengo que ayudar a que lo que el actor cuenta parezca verdad, y es una parte muy importante”.

Moreno recalca que en todas las propuestas siempre se parte de cero. “Es lo que me apasiona de la profesión. No sirven de nada los éxitos anteriores. Cada vez te la juegas, puede ser la primera y la última”.

El mundo de las artes escénicas, dice, “es un continuo ponerse de acuerdo, una suma de pareceres, tanto con los directores como con otros agentes” y el diseñador de vestuario “vale lo que vale tu última película o tu último éxito teatral”.

El figurinista o el diseñador de vestuario es un narrador. Lo que hacemos es contar historias. Yo tengo que ayudar a que lo que el actor cuenta parezca verdad, y es una parte muy importante

De esta manera, apunta también que el vestuario puede condicionar la actuación de un intérprete: “Es relevante un acuerdo. Si el actor se siente incómodo va a rechazar ese vestuario, pero si está convencido de qué forma parte de su personaje, pues lo acepta. Hay ocasiones en las que los intérpretes te piden más dificultad para superarlo”.

Otro de los retos del oficio es adaptarse al presupuesto de una determinada producción y tratar de buscar una verosimilitud. A pesar de ello, Pedro recuerda que cuando trabajó en El perro del hortelano, de Pilar Miró, tuvo que viajar hasta Italia para conseguir telas adecuadas para el diseño del vestuario por su forma y colores: “Las comedias son más ligeras, tiene que haber más luz y rapidez, más color, por eso me fui a Italia a buscar estas telas. En España había telas, pero lo que había eran cortinas, que pesan mucho, es imposible que el actor se mueva con ligereza”, explica.

Cómo ha cambiado la forma de trabajar y retos de la profesión

La forma de trabajar en la escenografía y el diseño ha cambiado, y también la implicación del propio diseñador de vestuario: “Mi trabajo aparte de dibujar era traducir los diseños en los talleres para la gente que corta y cose. Ahora, una de las modistas con las que he trabajado más tiempo me dice que la gente le lleva fotos de internet, y que cuando les pregunta sobre la tela utiliza o cómo lo quiere le dicen ‘tú sabrás’. [Para un diseñador] no es necesario saber coser, pero sí saber cómo se cose y de qué forman funcionan las telas”.

Actualmente, “muchas prendas se compran ya hechas” y también se alquila vestuario, por lo que considera que el oficio está evolucionando a consecuencia de una “penuria económica”: “En algunas óperas que tenían que ser barrocas como no hay dinero van con trajes normales de la calle”, señala.

A lo largo de su carrera durante varias décadas, Pedro Moreno ha obtenido dos Premios Goya a mejor diseño de vestuario -en 1997 por ‘El perro del hortelano’ de Pilar Miró, y por ‘Goya en Burdeos’ de Carlos Saura-, así como el Premio Nacional de Teatro (2015) y la Medalla de Oro de la Academia de Artes Escénicas de España (2021).

Los premios no son siempre del todo justos, porque no todo el mundo ve todas las películas o todas las obras de teatro, y los premios no los concede el público, sino profesionales de tu gremio

Pedro considera que el reconocimiento “siempre es algo raro y difícil” porque “depende de que tu nombre se asocie a algo que tiene calidad” y en ocasiones en diferentes carteleras “se omite el nombre del diseñador de vestuario y esto es un perjuicio para él”. No obstante, explica que “por suerte, aunque en el pasado ha habido un problema de representación de género, cada vez hay más mujeres que hacen vestuario, dirección, guion y ha sido una gran conquista” y que podemos decir que “la paridad está prácticamente igualada” en el sector.

Al igual que otros sectores, las artes escénicas la profesión de diseñador de vestuario se enfrenta al auge de la inteligencia artificial: “La gente tiene mucho miedo de que nos deje sin trabajo, pero no es cierto en absoluto. Es una herramienta que hay que utilizar, pero la IA no piensa”, apunta Moreno.

Sobre el futuro del oficio, el diseñador cree que sigue habiendo posibilidades, a pesar de las diferentes crisis que estamos atravesando. “En la década de los ochenta y los noventa o principios de los 2000 había muchas posibilidades a nivel cultural para todo, pero el poder siempre considera que la cultura es un lujo y ahora llega un momento donde hay precariedad y la gente prescinde de los lujos. Por suerte, la gente sigue llenando los teatros y los cines, pero falta financiación en los proyectos”.

En el camino de buscar salida laboral recuerda cómo muchos tuvieron que emigrar. “Hay bastante gente que se ha tenido que ir a trabajar a Estados Unidos porque aquí no les daban oportunidades y cuando han salido fuera realmente se lo han reconocido y han tenido ocasión de degustar la calidad de su trabajo”.

“La censura no existía en la moda, pero sí en el arte”

El diseñador describe que en España “siempre hubo censura, no en la moda, ni en la época de la dictadura, pero sí en el teatro, en la literatura y en casi todas las cuestiones artísticas”, a pesar de que en la actualidad “hemos gozado de mucha libertad de acción”.

Recuerda que donde más censura sintió en lo artístico fue en Los Ángeles en 2019, durante la preparación de la ópera ‘Un gato montés’ junto a Plácido Domingo, donde aparecían toreros y picadores: “Los toreros llevan trajes ajustados, donde se les marca el paquete, y me dijeron que allí no, que nada de eso, ni transparencias ni paquetes”, explica.

Moreno detalla que el grupo que le contrató estaba vinculado con la productora Disney, “que está controlada por hispanos católicos y que tienen sus normas” y resalta que, a veces, la censura no existe porque la marquen las leyes, sino determinadas personas o lobbies. “Te censura la gente que dice esto sí o esto no”.

Apunta que en la actualidad la censura sigue existiendo, también en España: “[En 2023] me enteré de que Ana Belén quería hacer una función en Jaén y resulta que la prohíben porque es Ana Belén, ¿qué pasa? ¿Qué es como el enemigo terrorista?”, apunta.

Sin embargo, recalca que “hay algo mucho peor que es la autocensura, cuando hay gente que no hace cosas por si acaso no la llaman más. El miedo es la peor censura para uno mismo, miedo a no trabajar y a no poder vivir de tu trabajo”.

Hay gente que no hace cosas por si acaso no la llaman más. El miedo es la peor censura para uno mismo, miedo a no trabajar y a no poder vivir de tu trabajo

Pedro recuerda que tuvo que exiliarse a París en multitud de ocasiones porque la policía le perseguía durante la dictadura franquista: “No era por la moda ni por el teatro, sino por meterme en líos políticos, asistir a reuniones que no estaban permitidas, hablaba de cosas que no se podían hablar y tuve que irme a Francia porque me buscaban”, expone.

Si mira al panorama actual señala con preocupación ciertas corrientes sociales que están surgiendo. “Hay gente que está pidiendo que esa historia vuelva de nuevo. Es la que dice que entonces se vivía mejor. Claro que había gente que vivía mejor y son los que siguen viviendo mejor ahora (…) y pretenden que involucionemos, y eso es un peligro enorme”.

Hay gente que está pidiendo que esa historia vuelva -la dictadura- de nuevo. Es la que dice que entonces se vivía mejor. Claro que había gente que vivía mejor y son los que siguen viviendo mejor ahora (…) y pretenden que involucionemos, y eso es un peligro enorme

Este 16 de abril, a las 17.30 horas, el diseñador estará en Toledo para participar en una ponencia en el Museo del Greco. Esta institución cultural cuenta con piezas artísticas de distintas épocas y procedencias en el pasado, pertenecientes a su fundador, el marqués de la Vega-Inclán que recreó la casa y el taller del pintor griego al reformarla.

Ahora, la exposición ‘Otro escenario. El teatro al encuentro del Greco’, cuenta entre sus piezas con uno de los diseños que Pedro Moreno creó para la adaptación teatral de Ángel Fernández Montesinos en 2003 de Don Juan Tenorio. El diseñador ofrece una conferencia sobre su trabajo a raíz del hallazgo de los diseños originales de Salvador Dalí que sirvieron para la versión de Luis Escobar de 1949.

“Fue un caso muy excepcional porque tuve que repetir los dibujos de Dalí y era muy complicado”, explica. Realizó una incursión en la obra del gran artista del Surrealismo, todo un reto para “intentar saber, interpretar para introducirlo en un tejido y que luego se lo pueda poner un actor”. Fue un estudio que define como “muy intenso” pero con el que aprendió “muchísimo”: “Volvería a hacerlo cien veces para corregir algún defecto, hacerlo de otra manera, profundizar mucho más en su mundo surrealista”, explica.

Por suerte, aunque en el pasado ha habido un problema de representación de género, cada vez hay más mujeres que hacen vestuario, dirección, guion y ha sido una gran conquista

A pesar de ello, considera importante que en obras de teatro, el diseñador tenga en cuenta “lo que ha ocurrido antes, no solo lo que sale en escena. Por ejemplo si alguien viene de viaje, aunque no se detalle en el diálogo, pero que el vestuario lo cuente, por ejemplo si viene de lejos que lleve los zapatos desgastados o que lleve una maleta, pues forma parte del relato”.

Ese trabajo minucioso de documentación le ha llevado a Moreno a obtener varios premios por sus creaciones artísticas. No obstante, apunta que “los premios no son siempre del todo justos, porque no todo el mundo ve todas las películas o todas las obras de teatro, y los premios no los concede el público, sino profesionales de tu gremio. Es una muestra de la gente que te quiere y no siempre te premia porque tu trabajo sea el mejor, sino simplemente porque te quiere”.

La primera vez le dijo que no y, acto seguido, le tuvo una hora al teléfono. ¿Por qué quiere hablar conmigo si me ha dicho que no?, es la pregunta que se hizo Gonzalo Hergueta (Madrid, 1989), director del documental The Designer is Dead, un filme que repasa la trayectoria laboral y vital del diseñador Miguel Adrover. La vida del hombre que dijo que no muchas veces antes de decir, por fin, que sí. Que le podía visitar. Que haría la película, pero a su manera. Que solo podrían filmarlo en sus horas de trabajo y que estas horas de trabajo comenzaban a partir de las tres de la tarde. Un reto para quien busca luz natural para grabar. Hergueta, claro, aceptó las condiciones. 

“Han sido casi cuatro años de curro”, confiesa el director en conversación con elDiario.es. Cuatro años en los que él (afincado desde hace 15 años en Nueva York) y su equipo han buceado en los rincones de la vida de un hombre que, salido de un pueblo mallorquín y sin un duro en el bolsillo, llegó a convertirse en la estrella más fulgurante de las pasarelas neoyorquinas muy rápido a fines de los noventa. Tan rápido como, después, se dice que cayó (tras presentar la colección multicultural Utopía en vísperas del 11S). Un hombre que lo conquistó todo, que le dijo que no a Anna Wintour cuando nadie lo hacía y que desapareció, aparentemente sin dejar rastro, después de que lo hicieran las dos torres. El mismo que hace unos meses saltó a las noticias de los periódicos al hacer público que le había dicho que no a Rosalía cuando la cantante le pidió vestirla para su gira. El motivo: que ella no había condenado el genocidio en Gaza.

Hergueta, que también viene del mundo de la moda, se encontró con la figura de Adrover cuando trabaja haciéndole el diseño gráfico a un montón de marcas de moda: “Era el momento en el que estaba estallando el ‘streetwear’, eso de llevar las calles a las pasarelas. Algo que ya había pasado antes, sí, pero no como entonces”, recuerda para sonreír al decir que él creía que estaba innovando, que estaban siendo muy vanguardistas.

“Yo pensaba ‘va, no estamos haciendo lo típico de la moda, esto es algo totalmente diferente’”, continúa para añadir que le flipaba estar buscando minorías para los castings de Adidas. Que eso era algo diferente, rompedor. “Y entonces me encontré con el trabajo de Miguel”, ríe. Él había hecho todo lo que ellos estaban intentando hacer ahora. Y lo había hecho de verdad. “No como nosotros, que era un montaje, una fotografía falsa. Él había cogido a gente de la calle y de su entorno y les había puesto a desfilar en las pasarelas de moda más importantes del mundo”, explica.

“Él no estaba intentando adaptar la pasarela a la calle (como sí estábamos haciendo nosotros), él metió la calle en la pasarela”, insiste Hergueta quien, desde su descubrimiento, quedó fascinado por la figura del diseñador mallorquín y quiso saber más. Saberlo todo. ¿Quién era Miguel Adrover? Por qué una persona que había tenido una carrera “tan brutal” había hecho un parón de repente y decidido desaparecer. Ahí, cuenta Hergueta, había una historia. Y quería ser él quien la contase. 

El precio del éxito

El documental, que se alimenta de materiales de archivo inéditos, testimonios clave e imágenes de varios de sus icónicos desfiles (como el momento en el que desjarretó una gabardina de Burberry y la cosió junto al colchón usado de un amigo poeta recién muerto para hacer un vestido y que le valió la denuncia de la marca) es un retrato íntimo del artista que desafío las reglas del sistema de la moda. Pero no cuenta del todo qué le pasó, cómo casi se precipitó al vacío al asomarse a los lugares que se suelen asombrar quienes tienen éxito en las esferas culturales: la droga y el desenfreno.

Esa decisión de no contarlo es una elipsis que, Hergueta, hace a propósito. “Me gusta contraponer los dos mundos. El del artista que fue y del que se escribían crónicas en los periódicos yanquis más importantes de la época y el del hombre que sigue siendo artista, pero ahora desde la soledad de una casa pequeña en un pueblo en la que monta escenas, hace fotografías en la que él es su propio modelo y las sube a sus perfiles de redes”, explica el director quien opina que las fotografías de Adrover —quien muestra un increíble control de las poses y de su enorme cuerpo— merecen más estar expuestas en un museo que en un muro de Instagram. “Pero eso es, supongo, porque yo tengo una mentalidad más viejuna”, bromea.

Miguel Adrover es una persona muy política. Toda su moda y todo su arte están atravesados por su cosmovisión

Gonzalo Hergueta — Cineasta

“Miguel era un tío que, frente al ‘heroin chic’ de los noventa y todo ese machismo que destilaba el mundo de la alta costura, te plantaba a desfilar a una tía con un AK-47 y, además, esa tía era negra”, continúa Hergueta, señalando la importancia de los pioneros. “Ahora, en los últimos años, el nombre de Adrover ha vuelto a la conversación pública, pero esto es algo muy reciente” continúa el director quien declara que, para él, conseguir entrevistar y grabar al genio ha sido como “encontrarse con un Pokemon Legendario”.

Las mujeres que lo acompañaron

Adrover casi no habla en toda la cinta, sobre todo al principio. Después ya sí. Según avanza el metraje deja que el espectador se asome —apenas un poco— a sus ideas y reflexiones. Pero su historia no la cuenta él. La cuentan ellas, las mujeres que lo rodearon. Jennifer Hoffman, quien fuera su mano derecha y gran amiga durante muchos años y Robin Givhan, escritora crítica de moda y periodista estadounidense a quien Adrover admiraba.

“Quería hablar de las mujeres que le rodearon, que le ordenaron. Y Hoffman fue quizá la persona más importante en la carrera del diseñador. Ella le ayudó muchísimo, probablemente no habría llegado a donde llegó sin su ayuda”, explica Hergueta, que desea reivindicar a las mujeres en el mundo de la moda. 

“Estaba buscando perfiles fiables que lo hubieran conocido y que fueran fiables porque, claro, cuando la cosa acabó, acabo muy mal. Drogas, deudas por todas partes, ya sabes”, comenta para señalar que todo el mundo, dentro del mundillo, le instaba a que hablara con figuras como Almodóvar o Rossy de Palma. “Almodóvar puede vender mucho nuestra película, sí, pero entonces ya no sería la historia que queríamos contar. Nosotros no queríamos un reclamo, queríamos hablar con aquellos que habían estado allí, que lo habían vivido todo desde dentro. Codo con codo con Miguel”, explica.

Fue entonces cuando, tras mucho buscar dio con una figura que lo sabía todo, que lo había vivido todo, que salía en cada foto, pero cuyo nombre le había costado localizar. Y Jennifer Hoffman tenía ganas de hablar. “Llevo esperando muchos años a que llegue un mensaje como el tuyo”, le dijo a Hergueta.

Y es su voz, a ratos emocionada y con los ojos al borde de la lágrima, quien cuenta buena parte de esta historia. Aunque ya no se hablen entre ellos, aunque sus vidas hace tiempo que tomaran caminos opuestos. “Se quieren, o se quisieron, y se nota muchísimo”, cuenta el director quien considera que tuvo mucha suerte al encontrarse con un testimonio como el de ella.

Posicionado políticamente 

“Adrover es una persona muy política, toda su moda, todo su arte está atravesado por su cosmovisión”, explica Hergueta para desvelar que, hará un año, le pidieron que cerrara un importante desfile y él accedió con una sola condición: poder llevar consigo una kufiya, el pañuelo palestino. Nunca contestaron a su mensaje.

Adrover tiene las cosas claras y lo ha demostrado en esa y en más ocasiones, como cuando se negó a vestir a Rosalía porque esta no había condenado el genocidio en Gaza. “Es un artista total”, aseguró Hergueta para añadir que, en ocasiones, “se ha dicho de él que volvió al Underground, que no triunfó del todo como sí lo hizo Alexander McQueen, pero el precio que este pagó fue mucho más alto: se quitó la vida”.

El tema de qué es el éxito y lo que puede significar es uno de los que han atravesado las largas conversaciones que el diseñador tuvo con Hergueta durante el rodaje del documental. Aquello de si merece la pena darlo todo, tenerlo todo un rato, para dejarse la vida en el camino. Cuenta Hergueta que ambos hablaban mucho sobre la vida de Mcqueen, quien sí se mantuvo entre la alta sociedad: “Me decía: ‘Oye, sí, yo estoy aquí haciendo mis cosas en casa, no sigo en Nueva York, pero mi amigo murió, ¿sabes?, ese el mayor precio que uno puede pagar, su propia vida’. Es una pena que de ese asunto nunca quisiera hablar en cámara”, zanja.

Laura Sánchez será la madrina de la Pasarela ‘Ciudad de la Verdura’ 2026. La modelo presentadora, actriz y directora de la Pasarela de moda flamenca ‘We Love Flamenco’, Laura Sánchez, amadrinará el único desfile del mundo, que fusiona moda, arte y gastronomía, ya que todos los diseños están confeccionados y decorados con verduras.

La cita será el 24 de abril a las 20:00 horas en la carpa del parque de la Era Alta, dentro de la trigésima edición de las Jornadas Gastronómicas de la Verdura. Una cita que tal y como ha explicado la concejala de Festejos, Reyes Zapata, tiene novedades. Y es que en la edición de este año se presentará una colección de bolsos confeccionados con verduras y legumbres. Además, se exhibirán vestidos, joyas, tocados y zapatillas confeccionadas con los productos que se cultivan en la huerta calagurritana. Participarán la joyería Ruiz Domínguez, el Centro de Formación Profesional ‘La Planilla’ y la marca de calzado Star Love, entre otras empresas.

El maquillador oficial de Lancôme en España, Roberto Siguero, volverá a dirigir la Pasarela ‘Ciudad de la Verdura’ y estará acompañado en la presentación de la misma de la periodista calagurritana, Isabel Álvarez. A esta quinta edición del concurso se han presentado 17 diseños aunque solo12 se exhibirán el 24 de abrirl en la Pasarela 'Ciudad de la Verdura'. Se han establecido tres premios: El mejor ‘Diseño Original’ dotado con 3.000 euros; el premio 'Inspiración', dotado con 2.500 euros y un tercer premio que ortorga el Consejo Regulador por valor de 1.500 euros. Y este año como novedad se ha creado la categoría Enogastronómica que premiará el diseño que maride verduras y productos vinculados al mundo del vino.

Laura Sánchez

La madrina del desfile de este año ha combinado con éxito su faceta de modelo, actriz y empresaria. Sus inicios se remontan a finales de los años 90 cuando ganó el prestigioso certamen Look of the Year de la agencia Elite Model Management. Este reconocimiento supuso el impulso definitivo para su carrera internacional como modelo, permitiéndole incorporarse rápidamente al circuito de la alta moda.

Durante los primeros años de su carrera, trabajó en importantes capitales de la moda como París, Milán y Nueva York. Desfiló para diseñadores de renombre y protagonizó campañas publicitarias y editoriales para revistas de primer nivel como Vogue y Elle, consolidándose como una de las modelos españolas más reconocidas de su generación. Su imagen elegante y versátil le permitió adaptarse tanto a la alta costura como a la moda comercial.

 Después, decidió ampliar su carrera profesional hacia el ámbito audiovisual. Saltó a la interpretación con su participación en la popular serie de televisión ‘Los hombres de Paco’, en la que logró gran visibilidad mediática y conectó con un público más amplio. Este paso marcó una transición importante, demostrando su capacidad para reinventarse profesionalmente.

 Paralelamente, ha participado en diversos programas de televisión, como MasterChef Celebrity y Maestros de la Costura.

En los últimos años, Laura Sánchez ha orientado parte de su carrera hacia el emprendimiento en el sector de la moda. Ha desarrollado proyectos propios, especialmente vinculados a la moda de baño, mostrando una evolución natural desde su experiencia como modelo hacia la creación y gestión de marca. Hace 14 años creó junto a Javi Villa, ‘We Love Flamenco’, la pasarela de moda flamenca y andaluza más influyente e internacional que se celebra cada año en Sevilla. En conjunto, su trayectoria refleja una carrera sólida y versátil, caracterizada por la adaptación a distintos ámbitos profesionales y una constante evolución dentro del mundo de la moda y del entretenimiento.

El ágora del Centro de la Cultura del Rioja acogerá el próximo 11 de abril, a las 19:00 horas, la II Gala de la moda riojana 2026, una cita que consolida la apuesta de Logroño por la moda como expresión cultural y que, en esta segunda edición, se suma a la conmemoración del Año Azcona.

Así lo ha explicado el concejal de Promoción de la Ciudad, Miguel Sainz, en la rueda de prensa en la que ha estado acompañado por Eduardo Viladés encargado de la organización y presentación de la gala, así como los diseñadores Esther Aramendía, José Manuel Peña y Bruno Langarica que participarán en el evento.

En su intervención, Sainz ha destacado que “esta gala sirve como homenaje a nuestro guionista más universal, Rafael Azcona, a través de un diálogo creativo entre moda, cine y vino. Es una forma de celebrar nuestra cultura desde distintas disciplinas y acercarla a toda la ciudadanía”.

El evento tendrá lugar el sábado 11 de abril, a las 19:00 horas, en el ágora del Centro de la Cultura del Rioja. Las entradas se podrán adquirir desde hoy al precio de 5 euros en sacatuentrada.centrodelaculturadelrioja.es. Tal como ha recordado el edil “en la primera edición de esta gala que se celebró en mayo del año pasado en este mismo escenario, las localidades se agotaron en menos de 24 horas, lo que demuestra el creciente interés que despierta la moda como expresión artística y cultual en nuestra ciudad”.

Por último, Sainz ha señalado que el desfile concluirá “de la mejor manera posible, con una degustación de vinos ofrecida por la bodega Sáenz Yustes de Tudelilla, poniendo así el broche final a una velada que promete ser una experiencia única para todos los asistentes”.

Cuatro diseñadores riojanos y 48 creaciones inspiradas en Azcona

La gala, organizada y presentada por Eduardo Viladés, contará con cuatro desfiles de diseñadores riojanos: Rene Esteya, Esther Aramendía, José Manuel Peña y Bruno Langarica. “Se trata de diseñadores de primer nivel, con una sólida trayectoria y un futuro prometedor”, ha subrayado Sainz.

Cada diseñador presentará 12 estilismos inéditos, inspirados en una variedad de uva y en el universo cinematográfico de Azcona, sumando un total de 48 modelos. Las colecciones combinan referencias al vino, las uvas y las bodegas riojanas, con los temas característicos del universo Azcona: ironía, humor negro y crítica social.

El evento incluirá además entrevistas con los diseñadores y proyecciones audiovisuales con mensajes de personalidades del mundo de la cultura, la moda y el vino. “Todo ello enmarcado en un merecido homenaje al legado de Rafael Azcona, figura clave del cine español” ha concluido el concejal de Promoción de la Ciudad.

Diseñadores participantes

Rene Esteya: diseñadora polaca de nacimiento y riojana de corazón, especializada en alta costura con una sólida trayectoria internacional entre Logroño y Barcelona. Para esta gala presenta ‘Espíritu’, una colección inspirada en la uva tempranillo y en la película ‘La corte del faraón’, una parodia de la sociedad española de la postguerra.

Esther Aramendía: diseñadora riojana formada en la ESDIR, con experiencia en firmas nacionales y reconocimientos en certámenes de moda. Destaca por el uso del volumen y la arquitectura en sus diseños. Su propuesta que lleva el nombre de ‘Origen’, está ligada a la uva graciano y a la película ‘Plácido’, dirigida por Berlanga y escrita junto a Rafael Azcona, una crítica mordaz a la falsa caridad y a las desigualdades sociales.

José Manuel Peña, diseñador de origen venezolano afincado en Logroño, conocido por convertir sus trajes de alta costura en miniaturas para muñecas Barbie. Su colección para este desfile ‘Esencia’, establece un diálogo con la uva garnacha y la película ‘Belle Époque’, una deliciosa comedia coral de Fernando Trueba.

Bruno Langarica, joven diseñador logroñés licenciado en Diseño de Moda por la ESDIR, fundador de su propia marca “Langarica”. Ha vestido a artistas como Álvaro Mayo y destaca por la innovación, la libertad estética y la reinterpretación de la masculinidad. Para esta gala presenta ‘Blanco travestí’, una colección inspirada en la uva mazuelo y en ‘Un hombre llamado Flor de otoño’, una película pionera en abordar la homosexualidad en la España de la Transición.

Los aficionados del fútbol han incorporado un nuevo término a su vocabulario y nada tiene que ver con cuestiones tácticas ni reglamento. Desde hace meses, muchos se refieren al blokecore, una tendencia de moda urbana en la que la camiseta de juego se convierte en la prenda central del look. Pero las elásticas nada tienen que ver con las oficiales de la temporada actual, sino que las marcas se inspiran en la estética de hace décadas.  

A esa tendencia se une ahora LaLiga EA Sports, que celebrará este fin de semana la primera Jornada Retro de su historia, una acción inédita en el fútbol profesional europeo y para la que contará con la complicidad de la mayoría de clubes de la máxima categoría, excepto del Real Madrid, que no participará. 

La Jornada Retro también se vivirá en LaLiga Hypermotion, con sus jugadores saltando al terreno de juego con nuevas equipaciones inspiradas en ediciones icónicas de su pasado, según ha anunciado el campeonato nacional en un comunicado. 

Además, los árbitros estarán equipados para la ocasión. Lucirán una equipación inspirada en el Mundial de Estados Unidos 1994, rompiendo con el tradicional negro para adoptar los colores vibrantes que marcaron aquella cita. El esférico que rodará por el verde será de la marca Puma, pero también cambiará y recuperará la estética geométrica en blanco y negro propia de los años 90.

En LaLiga EA Sports, las camisetas retro se lucirán durante esta jornada, la 31 de competición. Entre los partidos que se disputarán, un derbi catalán entre Barcelona y Espanyol o un Sevilla - Atlético de Madrid. También medirán sus fuerzas Athletic y Villarreal. En el caso de segunda división, la acción se desarrollará durante la jornada 35. 

El fútbol se sube a la pasarela

Las camisetas retro de los diferentes equipos se presentaron el pasado mes de marzo en los jardines del Palacio de Fernán Núñez, en un desfile realizado en el marco de la MBFWMadrid. El Atlético de Madrid regresa a sus orígenes blanquiazules de 1903. Por su parte, el Real Betis ha optado por un homenaje transversal que evoca elementos de cuatro décadas de historia verdiblanca. 

En el caso del Sevilla FC, rescata su escudo histórico de principios del siglo XX con una estética minimalista inspirada en los años 80. La Real Sociedad incorpora a su diseño el perfil del desaparecido estadio de Atotxa. La camiseta del RC Deportivo recupera uno de los diseños más representativos de finales de los años 80, cuando se consolidó una estética de franjas azules y blancas estrechas. 

El Cadiz FC se ha inspirado en una camiseta histórica utilizada por el club durante las temporadas 1996-1997 y 1997-1998, con predominio del azul en el cuerpo principal de la camiseta y detalles en amarillo como contraste. En el caso del Valencia CF, que vuelve al naranja de principios de los noventa que vistieron leyendas como Penev o Fernando Gómez. Y Espanyol lo apuesta todo al amarillo. 

Por su parte, el Real Madrid ha rechazado participar en esta Jornada Retro, mientras que Getafe, Rayo Vallecano y Barcelona tampoco lo harán, alegando estos tres últimos problemas técnicos. 

“Códigos clásicos” para el Mundial

También veremos diseños con historia en el próximo Mundial que se celebrará este verano en Estados Unidos, México y Canadá. Adidas ha presentado la nueva colección completa de sus 25 federaciones, camisetas con unos diseños en los que se reinterpretan “códigos clásicos” de la marca ligados a la cita mundialista. 

En el caso de la selección española, la segunda equipación “toma como referencia la rica tradición literaria” de nuestro país. Según explica la Real Federación Española de Fútbol (RFEF) en un comunicado, la elástica se ha construido sobre una base de blanco roto, que evoca el color de una página. 

Además, el diseño incorpora un patrón integral en tono pirita inspirado en los dibujos y grafismos de los libros y manuscritos clásicos. Por último, las mangas y el cuello incorporan detalles en dorado y burdeos. Y se ven detalles como la inscripción “España” en la parte posterior del cuello. 

El Tribunal de Apelación de París ha rechazado este jueves la demanda del Gobierno francés para suspender las ventas de Shein en el país. La Corte confirma así el fallo de primera instancia tras el escándalo por la detección de muñecas sexuales con apariencia infantil y otros productos prohibidos ofrecidos por vendedores asociados a la plataforma china.

Los jueces consideran que “ya no se está produciendo el daño” que justificó la intervención del Estado en otoño de 2025, cuando el Ejecutivo galo llegó a amenazar con paralizar la actividad del gigante chino.

En un comunicado, el tribunal añade que tampoco puede acreditarse “un daño futuro cierto”, en contra de lo sostenido por el Gobierno francés en su recurso. La razón es que la empresa china reaccionó rápidamente para retirar los productos prohibidos y estableció “medidas de control” para sus propios productos y para los de los vendedores externos, informa la Agencia EFE.

El intento fallido de cierre de la plataforma

Tras la denuncia, en noviembre de 2025, de la venta de muñecas sexuales con rasgos infantiles, así como de armas ilegales y medicamentos, el Ejecutivo francés planteó el cierre de la plataforma. Shein respondió retirando esos artículos y suspendiendo temporalmente las ventas de terceros y de cualquier producto que no fuera ropa.

El Ejecutivo, no obstante, intentó en un primer momento que la Justicia diera su visto bueno a un cierre durante tres meses de la plataforma, pero, después de que el Tribunal Judicial de París lo descartase en diciembre, se limitó a reclamar la suspensión del mercado con comerciantes exteriores.

Además, la Comisión Europea anunció también en febrero la apertura de una investigación sobre Shein por incumplimiento de la Ley de Servicios Digitales (DSA), por su diseño adictivo, la falta de transparencia de sus sistemas de recomendación y la venta de productos ilegales, por la venta de muñecas sexuales con aspecto de niña que se podrían considerar material de abuso sexual infantil.

Se busca a una mujer para probarse trajes de flamenca durante un día completo en una tienda de Sevilla. Se le pagará mil euros por esa jornada de trabajo. Es el resumen de la oferta laboral que ha lanzado una empresa textil de Sevilla, Aurora Gaviño, que ha visto cómo se desbordaban todas las previsiones que manejaban a la hora de informar sobre una idea que lanzaron en su perfil de Instagram el pasado lunes.

Ya son más de 7.500 las personas inscritas y la cifra sigue subiendo, para una idea que se entiende que está orientada a mujeres, pero que no se cierra a que la persona que consiga el trabajo sea finalmente un hombre.

Con todo, Aurora Gaviño busca a una modelo para probarse trajes un día completo y cobrar mil euros por la jornada de trabajo, en una idea que, avanzada por la Cadena SER, fue publicada el pasado lunes por la empresa en la plataforma InfoJobs. Para conseguir el trabajo especifica que no requiere estudios, ni experiencia en el sector, además de que, aunque la empresa esté en Sevilla, la seleccionada puede vivir en cualquier lugar de España, porque les pagarán el viaje y el alojamiento.

Las condiciones

“Buscamos a una persona apasionada por la moda, la tradición y la alegría del sur para unirse a nosotros como probador/a oficial de vestidos de Aurora Gaviño”, indica la misma firma, que señala que no se trata solo de probarse vestidos, sino de “sentir el alma de la Feria de Abril de la mano de una de las diseñadoras más icónicas del mundo flamenco”.

Aclara también que no es necesario ser modelo profesional, porque se busca “actitud, carisma y amor por los vestidos flamencos”, con el citado sueldo de 1.0000 euros por un día de trabajo, y un vestido de la diseñadora que se llevará la persona ganadora.

Una vez que se cierre la oferta, InfoJobs llevará a cabo el proceso de selección y cederá los datos de la persona seleccionada a una Empresa de Trabajo Temporal, que será la encargada de formalizar el contrato de trabajo.

Una idea internacional creada en 1985

Aurora Gaviño fundada en Sevilla en 1985 por la mujer que le da nombre, que procedía de una familia de expertos en textil, tras fundar Tejidos León, un referente para las flamencas en la temporada de feria.

Ha llevado su moda hasta Nueva York, y su creatividad ha sido reconocida por el Museo del Traje de Madrid con un diseño especial para una Barbie flamenca, además de estar galardonada con el Dedal de Oro y el Premio Mujer Innovadora.

Sus diseños se distribuyen por América Latina, especialmente en México y Chile, y en Asia, con una fiel clientela en Japón.

La nueva adaptación de 2026 de Cumbres Borrascosas llega con la promesa de “modernizar” el clásico: una versión más sensorial, más estética, más de atmósfera que de documentación. Y ojo, eso puede funcionar como cine, porque el cine no es un examen de historia.

El problema aparece cuando esa ensoñación ecléctica se vende como “así era la época”, porque entonces el vestuario deja de ser una elección artística y se convierte en una idea falsa que se te queda pegada como chicle. En el caso de Cumbres Borrascosas, esa confusión es especialmente delicada: la novela vive del choque entre clase social, violencia emocional y un paisaje que no perdona. La ropa, en esa Inglaterra del XIX, no era solo “look”: era jerarquía, moral y dinero.

La obra de Emily Brontë se publica en 1847, en plena primera mitad del siglo XIX, y ahí está la clave. Para vestir a sus personajes con honestidad, hay que entender qué llevaba una mujer (y un hombre) en esos años, qué silueta se consideraba decente y qué piezas marcaban el estatus sin necesidad de decir una palabra.

La adaptación de 2026 y el vestuario como fantasía

En entrevistas, la directora de la película ha defendido abiertamente que su adaptación de 2026 no pretende ser “fiel” en el sentido académico, sino una “versión” guiada por la sensación de leer el libro por primera vez. Eso explica por qué el vestuario tiende a lo estilizado: tejidos que parecen más ligeros de lo que eran, siluetas que priorizan la belleza contemporánea, y una especie de romanticismo visual que suaviza el peso real de la indumentaria histórica.

Pero Cumbres Borrascosas no es un romance bonito. Es un texto áspero. Y, si lo piensas, la ropa del periodo también lo era en lo estructural: capas, sujeciones, normas sociales cosidas a la tela. La estética actual suele “limpiar” lo incómodo. La moda del XIX, en cambio, está llena de incomodidades con significado. Ahí es donde el vestuario fiel cuenta cosas sin subrayarlas.

Y sí: esto no va de pedir una recreación museística plano a plano. Va de no confundir “fantasía elegante” con “realidad histórica”.

La moda del siglo XIX que sí encaja con la novela

Para aterrizar el armario real de la época, conviene mirar el recorrido que describes en tu texto base: del rococó tardío al giro neoclásico y, finalmente, a la llamada moda romántica (1820–1850). En términos simples: se pasa de la arquitectura exagerada del XVIII (panniers, exceso cortesano) a una etapa neoclásica más ligera y luego a un regreso progresivo de volumen, estructura y cintura natural.

En la primera mitad del XIX, la moda del siglo XIX ya no es la de María Antonieta, pero tampoco es ese “vestido vaporoso eterno” que a veces nos cuela el imaginario popular. El corte Imperio (bajo pecho) va bajando con los años, y las faldas empiezan a crecer gracias a enaguas y capas internas. Los peinados y los tocados también importan: bonetes, cintas, guantes, chales. Y algo que se nos olvida: el color y la calidad del tejido hablan de tu lugar en el mundo.

En una historia como Cumbres Borrascosas, ese código social es oro. Catherine puede moverse entre mundos, pero no los atraviesa indemne. El vestuario no solo debería “hacerla guapa”: debería delatar cuándo está en un entorno más rural y cuándo entra en un espacio más refinado. En ese sentido, vestirla como si fuera una musa atemporal rompe el conflicto, porque el conflicto es precisamente que no existe lo atemporal.

Y con Heathcliff pasa igual: la ropa masculina del periodo tiende a la sobriedad, sí, pero dentro de esa sobriedad hay diferencias enormes entre alguien humilde y alguien que ya tiene dinero. La forma del abrigo, el estado del tejido, el corte, el chaleco, el sombrero: todo cuenta.

La época victoriana no era “romántica”: era estructura y clase social

Cuando hablamos de época victoriana, la tentación es imaginar encajes delicados y melancolía. En realidad, en el vestir cotidiano manda la estructura. Un elemento muy característico de la moda romántica son las mangas gigot o leg-of-mutton, con volumen arriba y estrechándose hacia la muñeca, especialmente asociadas a las décadas centrales del primer XIX. No es un detalle menor: esa silueta crea presencia, impone una “forma correcta” del cuerpo y, a la vez, limita.

Eso encaja mucho con el universo de Emily Brontë, donde la moral social no es un decorado: es una fuerza que aplasta. La ropa, igual. No se trata solo de si Catherine llevaría corsé (probablemente sí, en algún grado), sino de lo que significa: disciplina corporal, decencia, clase. Tampoco se trata solo de si la falda tiene volumen, sino de cómo ese volumen es una declaración de posición social y de acceso a materiales y tiempo.

Por eso, si queremos “ropa original” y no reinterpretación, la brújula es clara: menos vestido etéreo de anuncio y más piezas que construyen silueta. Menos modernización complaciente y más tensión entre cuerpo y norma.

Al final, lo más interesante es que la fidelidad histórica no mata la emoción: la amplifica. Porque en Cumbres Borrascosas la gente no sufre en abstracto. Sufre en un mundo concreto, con reglas concretas. Y la ropa, en la época victoriana, era una de esas reglas: se llevaba puesta, pero también te llevaba a ti.

Las perchas de muchas tiendas pequeñas se han llenado de prendas sacadas de otra época: cazadoras vaqueras desgastadas, camisas estampadas de los noventa o jerséis con etiquetas que ya no existen. Lo que durante décadas fue territorio de un nicho alternativo, se ha convertido en una escena habitual en barrios de Madrid o Barcelona, entre otras grandes ciudades, donde cada vez más jóvenes entran en tiendas de segunda mano en busca de algo que no encontrarán en un centro comercial.

El crecimiento del consumo de ropa vintage entre la Generación Z no es solo una cuestión estética. Detrás conviven factores económicos, inquietudes ambientales y una cierta fatiga frente al modelo de consumo acelerado de la moda rápida. En paralelo, pequeñas tiendas y proyectos locales encuentran en este cambio una oportunidad —y también nuevos desafíos— en un mercado cada vez más competitivo que, tal y como señala el informe de Oxford Economics, en 2023 generó más de 9.200 empleos.

Un público joven que compra menos… y busca más

Pablo, empleado de una tienda de chaquetas de segunda mano en la calle Corredera Baja de San Pablo, en el barrio madrileño de Malasaña, observa un cambio en el consumidor. “Quienes entran en estos comercios son cada vez más jóvenes y lo hacen con una actitud distinta. No buscan hacer la compra del mes, sino explorar: miran, rebuscan, prueban y vuelven a mirar”, afirma.

Buscan precios accesibles, pero también la autenticidad de prendas que consideran únicas y a las que atribuyen una segunda vida. Parte del auge lo interpretan como reacción al encarecimiento percibido en cadenas del grupo Inditex —propietario de enseñas como Zara— y al modelo de producción intensiva popularizado por compañías como Shein. Al mismo tiempo, advierten de que el vintage ya no es necesariamente barato: la demanda creciente ha dado lugar a un mercado con lógica propia.

Desde la cadena de moda sostenible Humana observan el mismo fenómeno. Su director de Proyectos y Relaciones Externas, Rafael Mas, explica que si antes de 2020 los menores de 25 años representaban alrededor del 10% de su clientela, hoy alcanzan el 20%. A su juicio, la segunda mano se percibe cada vez más como “una alternativa sostenible y asequible”, pero también como una forma de expresar identidad, ya que vestir prendas reutilizadas puede transmitir “cierta rebeldía e individualidad”.

Vestir como forma de identidad

La expansión de la ropa vintage refleja una manera de entender la moda menos centrada en la novedad constante y más en la durabilidad, la singularidad o la coherencia personal. Desde la Organización de Consumidores y Usuarios (OCU) subrayan que el atractivo de este mercado combina ahorro económico y menor impacto ambiental, mientras que en Humana constatan que cada vez más clientes —especialmente jóvenes— buscan prendas singulares y se acercan a la moda desde una dimensión emocional, en parte como reacción a la uniformidad de la moda rápida.

Marta Biech, estudiante de Comunicación de las Organizaciones en la Universidad Autónoma de Barcelona, explica que empezó a comprar ropa de segunda mano porque sentía que “la ropa de antes tenía mucha más personalidad”, algo que —dice— le ha ayudado a encontrar un estilo propio.

Para Iakes Pérez de Lazarraga, estudiante de Administración y Dirección de Empresas en Mondragon Unibertsitatea, el cambio ha sido progresivo: reducir compras en grandes cadenas y construir una relación más consciente con la ropa. Hoy, asegura, el 90% de su armario procede de plataformas o tiendas de segunda mano. “Prefiero comprarme cuatro camisetas de segunda mano por el precio que me compraría una nueva”, resume.

El valor de lo local y la experiencia de compra

Más allá del producto, quienes frecuentan estas tiendas destacan el trato directo, la conversación con quienes gestionan el negocio y la sensación de apoyar proyectos independientes. “El trato es más personal y siento que apoyo a un negocio local”, dice Marta. “Pagas un poco por la experiencia y están mucho más comprometidos con el proyecto”, añade Iakes.

El auge del vintage también puede leerse como una búsqueda de comunidad frente a un consumo cada vez más digitalizado. Algunos consumidores describen estos espacios como lugares donde comprar se desacelera. “Es casi un arte encontrar algo”, comenta una clienta habitual. “Hay días que encuentras una joya y otros no, esa es precisamente la gracia” aclara.

En Humana reconocen que las redes sociales actúan como amplificador. TikTok, Instagram o Pinterest funcionan como escaparates donde descubrir tiendas y combinaciones que luego se trasladan a la búsqueda física. Marta reconoce que encuentra inspiración online, mientras que Iakes explica que sigue perfiles especializados y adapta las ideas a su presupuesto.

La segunda mano se consolida en los datos

Las percepciones del sector coinciden con las cifras. Una encuesta reciente de la OCU indica que el 75% de los españoles entre 18 y 64 años compró al menos un producto de segunda mano en el último año, con un gasto medio de 167 euros. La ropa y el calzado lideran las búsquedas, muchas de ellas a través de plataformas digitales como Vinted o Wallapop.

Según explica Mas, las motivaciones suelen combinar factores económicos y valores ambientales: en un contexto de inflación, el acceso a prendas de calidad a menor precio convive con el deseo de reducir el impacto ambiental y alejarse del consumo acelerado. Además, recuerda que en organizaciones como la suya existe un componente social, ya que los ingresos financian proyectos de cooperación y acción social.

Desde el análisis de mercado, Jaime Diez, de Worldpanel by Numerator, para los consumidores importan las variables “precio, sostenibilidad y tendencias”. Según explica, los datos muestran que casi la mitad de los consumidores lo percibe como una forma de ahorrar y más de seis de cada diez como una manera de cuidar el medio ambiente, especialmente entre los jóvenes.

Además, matiza que aunque la preocupación climática está presente en el discurso juvenil, “cuando se pregunta si están dispuestos a pagar más por prendas sostenibles no son el grupo que más destaca”. Iakes reconoce esa ambivalencia: “A veces me siento un poco culpable cuando compro en ese tipo de tiendas, aunque intento compensarlo comprando menos y eligiendo mejor”.

Entre tendencia y cambio cultural

El debate sobre si el fenómeno es pasajero o estructural sigue abierto. “Creo que empezó como una moda, pero poco a poco se está convirtiendo en un cambio real”, reflexiona Marta. El crecimiento también trae tensiones: subida de precios, profesionalización de la reventa o riesgo de perder el carácter alternativo. “Ahora hay muchas más tiendas, pero esto siempre ha existido y siempre existirá”, apunta Iakes.

De cara al futuro, el analista de Worldpanel considera que más que competencia directa, se debería hablar de convivencia. “Los consumidores alternamos entre comprar segunda mano y otros segmentos” añade. También explica que la tendencia parece consolidarse a medida que más consumidores incorporan la segunda mano como una opción habitual —no solo por precio, sino como parte de una manera distinta de relacionarse con la ropa— en un escenario donde comprar menos, elegir mejor y alargar la vida útil de las prendas empieza a formar parte de la conversación cotidiana.

“Cumbres borrascosas” de Emerald Fennell se ha convertido en la película del momento, con un éxito en su primer fin de semana en los cines españoles después de su estreno el pasado viernes 13 de febrero, con más de 230.000 espectadores y una recaudación mayor de 1.800.000 euros, según los datos de ComScore.

Así, además de que se ha comentado la adaptación por su diferencia con la novela clásica de Emily Brontë en la que se inspira, está teniendo una recaudación global que llega a los 82 millones de dólares mundiales.

Una parte de su éxito responde a la química de sus protagonistas Jacob Elordi y Margot Robbie, siendo además destacado el vestuario que viste esta última como Catherine Earnshaw y que tiene detrás a la galardonada diseñadora Jacqueline Durran, que ha hecho un peculiar homenaje a la historia de la moda y del cine.

Durran tiene una dilatada trayectoria, con dos premios Óscar a Mejor Diseño de Vestuario en 2013 y 2020 por Anna Karenina y Mujercitas, dos películas de época, que se unen también a los dos BAFT que atesora también por su trabajo en otra adaptación de renombre como es Orgullo y Prejuicio (el otro es ganado también por Anna Karenina).

El trabajo de vestuario de Jacqueline Durran en “Cumbres Borrascosas” ha incluido alrededor de 50 trajes diseñados que tienen diferencias influencias, entre ellos diseños reales de la década de 1950, así como a Mugles o Alexander McQueen y del siglo XIX, con detalles contemporáneos. Todo ello con referencias a personajes históricos, proyectos del cine clásico, así como cuadros.

Los guiños a Maria Antonieta y Sissi en el vestuario de “Cumbres Borrascosas”

Dos de los vestidos que viste Margot Robbie en la película nos recuerdan a trajes reales que vistieron dos miembros icónicos de la realeza europea como son la emperatriz de Austria Sissi y la reina consorte de Francia, Maria Antonieta, dos figuras que, además, han contado con representaciones conocidas en el cine. En concreto, son el vestido de boda que viste Catherine Earnshaw al casarse con Edgar Linton, que se ha inspirado en el que vistió la propia Sissi y cuenta también con elementos de la moda de los años 50.

En cuanto a las referencias a Maria Antonieta, las tenemos en un vestido ligero de gasa con mangas abullonadas que es similar al que porta la reina consorte durante su momento más bucólico y rural, que recibía el nombre de chemise à la reine. Pero no se queda solo aquí, porque a nivel fotografía y utilización de colores es evidente la inspiración en la película que dirigió Sofia Coppola sobre la vida de este personaje histórico, en el que también se permitió licencias que fueron comentadas en su día.

El arte también ha servido para dar vida al contexto y el vestuario de “Cumbres Borrascosas”, con referencia clara al cuadro ‘Una joven suiza de Interlaken“ de Franz Xaver Winterhalter en un vestido blanco que va acompañado de un chaleco negro que hace recordar a una armadura, para mostrar también el lado más hostil de Catherine. El pintor romántico alemán Caspar David Friedrich ha sido también una clara inspiración para la fotografía de la película, con escenas que recuerdan a obras como ”El caminante sobre el mar de nubes“, ”Abadía en el Robledal“ o ”Un paseo al atardecer“.

Los vestidos basados en el cine clásico y la moda real

Durrran se ha basado también en colecciones reales que hemos visto sobre la pasarela, como la de Primavera-Verano 1996 de Thierry Mugler, que se ha representado en capas plásticas para crear el vestido de la noche de bodas de Cathy.

El cine clásico tiene también su aportación en el vestuario e imagen de “Cumbres Borrascosas”, con un look rojo que porta Margot Robbie que recuerda al de Scarlett O’Hara en Lo que el viento se llevó (1939), así como viste también un diseño que recuerda al de Michèle Mercier como Angélique Sancé de Monteloup en la película Angélique, marquesa de los ángeles (1964).