El director de cine estadounidense Woody Allen comenzará a rodar su próxima película, ambientada en Madrid, a inicios de otoño. La fecha elegida será el 5 de octubre, según fuentes oficiales.

El filme será rodado íntegramente en la Comunidad de Madrid y su título incluirá el nombre de la región, según el acuerdo de patrocinio al que llegó el cineasta con los gobiernos de Ayuso y Almeida, por el que accederá a sendas subvenciones de 1,5 millones cada uno. Según cifras facilitadas por fuentes municipales, estas aportaciones servirán para sufragar la cuarta parte del presupuesto de la película, establecido en 12 millones de euros.

El acuerdo municipal, adelantado el pasado diciembre por Somos Madrid, indica que el director neoyorkino rodará su película en la capital de España, salvo algunas escenas que se grabarán en algún otro punto de la región. El metraje deberá contar, además, con un mínimo del 15% de tomas exteriores. La Comunidad de Madrid valoraba a la hora de otorgar su patrocinio que Woody Allen es “uno de los artistas contemporáneos más polifacéticos del panorama cinematográfico, que ha configurado uno de los estilos más originales y valorados”. También indicaban que su largometraje madrileño “reúne excelentes condiciones de impacto y constituye un más que óptimo canal de promoción de la Comunidad de Madrid como destino turístico”.

Al igual que ha sucedido en otros patrocinios compartidos entre Comunidad y Ayuntamiento, es probable que ambas entidades tengan el mismo peso en las apariciones públicas derivadas de la película, por lo que mandatarios municipales podrán aparecer junto a Woody Allen y los protagonistas de la película tanto en la rueda de prensa de inicio del rodaje como durante la grabación y la premiere mundial del filme, que deberá tener lugar “en un festival internacional de reconocido prestigio”.

Film Madrid Region, la Oficina del audiovisual del Gobierno autonómico, ha asegurado que está asesorando a Woody Allen a través de su Film Commission, orientando en localizaciones y facilitando el contacto con los municipios, cuya respuesta “ha sido extraordinaria desde el primer momento”. “La riqueza y diversidad de localizaciones de la región van a quedar claramente reflejadas”, aseguran desde la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte en un comunicado.

En esta comedia contemporánea aparecerán espacios y lugares característicos de la región, buscando “generar nuevos flujos turísticos motivados tanto por la visita a las localizaciones que puedan aparecer en la película, como por contribuir al posicionamiento internacional de Madrid como un destino aspiracional en el momento de inspiración de un viaje”.

El contrato con Comunidad y Ayuntamiento refleja que la película se estrenará en todo el mundo y se presentará en un festival internacional, con tres preestrenos en tres ciudades internacionales.

Nuevas fotos de Donald Trump rodeado de mujeres en fiestas organizadas por el depredador sexual Jeffrey Epstein. Las imágenes están siendo difundidas por los demócratas en el Comité de Supervisión de la Cámara de Representantes, y en ellas aparece el actual presidente de EEUU con supuestas víctimas del financiero que se suicidó en 2019.

Estas nuevas imágenes llegan después de la difusión de correos electrónicos comprometedores del ahora presidente de EEUU, así como de fotos de la isla donde Epstein cometió buena parte de los delitos sexuales.

La reacción de Trump ha sido la de despejar el asunto: “No las he visto, no sé nada, él se hacía fotos con cientos de personas”.

En total, Donald Trump aparece en tres de las 19 fotos difundidas este viernes, además de la foto que muestra una ilustración del presidente de EEUU en envoltorios de “Condones Trump”, a 4,50 dólares la unidad.

Las fotos de Trump incluyen una en la que aparece flanqueado por varias mujeres cuyos rostros han sido tapados, otra en la que aparece junto a Epstein mientras habla con una mujer en un evento, y otra en la que aparece junto a una mujer cuyo rostro también ha sido ocultado.

Epstein se relacionó con muchos famosos del momento, y el hecho de aparecer en los archivos del financiero no supone necesariamente haber cometido o encubierto ningún delito.

Trump fue amigo de Epstein durante años, pero el presidente ha dicho que se distanciaron alrededor de 2004, varios años antes de que Epstein fuera arrestado por primera vez.

Otras fotos distribuidas este viernes muestran a Steve Bannon y Epstein haciéndose una foto en un espejo; a Bill Clinton con Epstein, Maxwell y otra pareja; y al multimillonario tecnológico Bill Gates con el príncipe Andrés.

El expresidente de Harvard Larry Summers y el abogado Alan Dershowitz también aparecen en fotos en una casa, así como Woody Allen.

No está claro cuándo o dónde fueron tomadas las fotos, ni quién las tomó.

El comité de la Cámara de Representantes, presidido por los republicanos, obtuvo las imágenes del patrimonio de Epstein como parte de su investigación. Hasta ahora, la comisión ha publicado decenas de miles de documentos, correos electrónicos y comunicaciones que recibió del patrimonio de Epstein y que siguen abriendo nuevas líneas de investigación.

Este jueves, los abogados escribieron una carta al comité indicando que podían revisar los vídeos y fotografías que habían solicitado “tomados en cualquier propiedad que Epstein poseyera, alquilara, explotara o utilizara entre el 1 de enero de 1990 y el 10 de agosto de 2019”, informa CNN.

El representante Robert García, el principal demócrata del Comité de Supervisión de la Cámara de Representantes, ha dicho en un comunicado que la última entrega del patrimonio de Epstein contenía “más de 95 000 fotos, incluidas imágenes de los hombres ricos y poderosos que pasaron tiempo con Jeffrey Epstein” y “miles de fotografías de mujeres y propiedades de Epstein”.

“Es hora de poner fin al encubrimiento de la Casa Blanca y hacer justicia a las víctimas de Jeffrey Epstein y sus poderosos amigos”, afirma en un comunicado: “Estas inquietantes fotos plantean aún más preguntas sobre Epstein y sus relaciones con algunos de los hombres más poderosos del mundo. No descansaremos hasta que el pueblo estadounidense conozca la verdad. El Departamento de Justicia debe hacer públicos todos los archivos ahora”.

Lluvia de patrocinios públicos para que Woody Allen ruede en la capital de España. Si hace unas semanas se conocía que la Comunidad de Madrid iba a pagar 1,5 millones de euros a la productora de su próxima película para asegurarse que el rodaje se desarrolle en la región, este periódico ha confirmado que el Ayuntamiento de Madrid hará lo mismo, con otros 1,5 millones de euros públicos (impuestos incluidos) que tendrán el mismo destino.

Así consta en los detalles del contrato de patrocinio al que ha tenido acceso Somos Madrid, destinado a “un largometraje ambientado y rodado íntegramente en Madrid, denominado provisionalmente WASP 2026”. La partida sale de la Coordinación General de la Alcaldía, área que depende directamente de José Luis Martínez-Almeida, y añade pocos detalles sobre el destino de esta importante cantidad de dinero público. Desde el Ayuntamiento de Madrid tampoco quieren hacer todavía ningún comentario a la aportación municipal, en respuesta a las preguntas de este medio.

El patrocinio fue negociado a principios de octubre y publicado hace unos días en el Portal de Contratación, explicando que con él se busca “proyectar internacionalmente la imagen de la ciudad y con ello difundir su imagen, y acercar al público internacional para que se conozca Madrid, ampliando las posibilidades de atracción de personas, inversión y negocio”.

La beneficiaria del patrocinio será la sociedad Película WASP A.I.E., constituida por las productoras Wanda Vision y Gravier Production. Al igual que en el caso de lo aprobado por el Gobierno de Ayuso, en el caso de los 1,5 millones municipales habrá una distribución del dinero entre los años 2025, 2026 y 2027, cuando finalizará el patrocinio. Las condiciones no se especifican, pero por el contrato suscrito con la Consejería de Cultura regional sabemos que esta aportación se encuentra sujeta a que el título del largometraje contenga la palabra “Madrid”.

Según estos mismos requerimientos, el rodaje del director neoyorkino deberá tener lugar en la capital de España, salvo algunas escenas que se grabarán en algún otro punto de la región. El metraje deberá contar, además, con un mínimo del 15% de tomas exteriores. La Comunidad de Madrid valoraba a la hora de otorgar su patrocinio que Woody Allen es “uno de los artistas contemporáneos más polifacéticos del panorama cinematográfico, que ha configurado uno de los estilos más originales y valorados”. También indicaban que su largometraje madrileño “reúne excelentes condiciones de impacto y constituye un más que óptimo canal de promoción de la Comunidad de Madrid como destino turístico”.

Al igual que ha sucedido en otros patrocinios compartidos entre Comunidad y Ayuntamiento, es probable que ambas entidades tengan el mismo peso en las apariciones públicas derivadas de la película, por lo que mandatarios municipales podrán aparecer junto a Woody Allen y los protagonistas de la película tanto en la rueda de prensa de inicio del rodaje como durante la grabación y la premiere mundial del filme, que deberá tener lugar “en un festival internacional de reconocido prestigio”.

Los patrocinios de Madrid son los últimos para un Woody Allen que ha trabajado con este modelo en otras dos ocasiones en España. En el año 2007 rodó Vicky Cristina Barcelona con amplias subvenciones de la Generalitat de Cataluña, que aportó dos millones de euros para que la ciudad condal entrara en el nombre del título. A esta cantidad se le sumarían otros 250.000 euros en subvenciones y otros apoyos procedentes de Asturias, donde se rodó parte de la película. En el año 2019, la ciudad de San Sebastián también apoyó otro rodaje del mismo director para Rifkin's Festival, una película que pasó bastante más desapercibida que la rodada en Cataluña. En el caso vasco, la capital guipuzcoana apoyó con unos 60.000 euros en la aportación de gastos logísticos de la grabación.

Patrocinios culturales y deportivos para atraer turistas

Los tres millones de euros que se dejarán de forma conjunta los Gobiernos de Almeida y Ayuso en patrocinar el rodaje de Woody Allen se enmarcan en una política de subvenciones a eventos culturales y también deportivos con los que buscan atraer cada vez a más turistas a la región —especialmente extranjeros— por la vía de las experiencias únicas y la difusión internacional. Este mismo martes la delegada municipal de Turismo, Almudena Maíllo, destacaba en un acto público que Madrid es “una gran capital cinematográfica y uno de los principales polos audiovisuales de Europa, donde el cine, las series y los rodajes impulsan el turismo de pantalla, generan empleo y proyectan una imagen creativa de la ciudad”. También aseguraba que este sector era un “motor cultural y turístico” para la ciudad.

En el apartado del cine, el Ayuntamiento de Madrid apoyó en el año 2022 el estreno de una exposición inmersiva sobre el universo de Tim Burton a la que acudió a presentar el propio director estadounidense. Tuvo lugar en el Espacio Delicias, un complejo de ocio sobre suelos de Adif que acumula muchas polémicas y denuncias vecinales por ruidos. El consistorio también apoya junto a la Comunidad de Madrid la celebración de los Premios Platino, unos galardones de la industria latinoamericana impulsados por el productor Enrique Cerezo y que se celebran de forma alterna en Madrid y al otro lado del Atlántico.

Los patrocinios conjuntos culturales Comunidad-Ayuntamiento se han extendido hasta hace poco a festivales de música como el Mad Cool, donde cada entidad gastaba hasta el 2023 cerca de un millón de euros en ayudas.

Aunque actualmente son los eventos deportivos a nivel internacional lo que centra los esfuerzos económicos de ambos gobiernos en lo que a patrocinios se refiere. Hace unos días el Bernabéu acogió un partido oficial de la NFL en el que tanto Almeida como Ayuso aportaron 3,3 millones de euros públicos para su celebración, que esperan repetir la temporada que viene. El consistorio mantiene además patrocinios al Open de Madrid de Tenis y al Open de España de Golf, organizados por la misma empresa —Dynamic Sport Management & Consultancy— a los que aporta 6,5 y 3,8 millones de euros respectivamente por cada evento.

Mención aparte merece la Fórmula 1, donde Almeida y Ayuso también van de la mano en cuanto a desembolso público a través de Ifema, consorcio participado a partes iguales por sus gobiernos y que está asumiendo riesgos por valor de 270 millones de euros al construir y explotar el circuito para el Gran Premio de España, que se celebrará durante al menos diez años en la capital a partir de septiembre del año que viene. En este caso se desconoce el precio que Ifema abona a la organizadora del evento por atraer la carrera, ya que el dato no se ha hecho público alegando que los acuerdos con esta entidad son “confidenciales”.

Tengo una relación ambivalente con la obra de Woody Allen: me encanta Match Point, Misterioso asesinato en Manhattan me parece una gran película —y Manhattan también—, hay consenso en que Annie Hall es divertida e icónica. Pero detesto con todas mis fuerzas Medianoche en París, que me parece una colección de clichés sin gracia, quizá porque he vivido años en esa ciudad y tengo un apego particular a mi recuerdo, a mi cliché personal, aunque recuerdo verla antes de vivir en París, no después, y detestarla de todos modos. Fui tan dura que en Letterboxd, página web para documentar las películas que una ve, dejar reseñas y evaluarlas, le puse una sola estrella de cinco. En 2023, vi en el cine Un golpe de suerte, que es como otra versión de Match Point, pero sin gracia, sin estilo, con una trama ridícula, decisiones más que cuestionables, como si Allen estuviera tan mayor y alicaído como para convertir su capacidad creativa en una triste parodia de sí misma. Y no he entrado ni siquiera a hablar de su vida, que resume mejor el comentario que dejó sobre Un golpe de suerte, también en Letterboxd, Beatriz Sevilla: ojalá haber faltado a mis principios por una película, como mínimo, medio buena.

Resulta ahora que el Gobierno de la Comunidad de Madrid ha comprometido 1,5 millones de euros públicos para financiar la próxima película de Woody Allen a cambio de que este meta la palabra “Madrid” en su título, ruede íntegramente en la región e incluya al menos un 15% de escenas en exteriores. No es algo nuevo, tampoco en España, porque ya fue el caso de Vicky Cristina Barcelona, financiada por la Generalitat de Catalunya y el Ayuntamiento, que incluyó, sobre todo, las Ramblas, arquitectura modernista, el Park Güell: o sea, una cristalización de lo que la ciudad supone para un turista.

¿Qué significa una ciudad? ¿Qué significa habitar en un espacio? La inversión en Woody Allen es inteligente para un gobierno como el de Ayuso: se trata de usar a un cineasta célebre, pero que ahora pasa sin mayor pena ni gloria, como conducto para vender Madrid en tanto que fetiche, experiencia mercantilizada para quienes llenan los pisos turísticos sin licencia, vacían los barrios del centro y poco a poco más allá, llenan las terrazas de la zona de Sol y comen paella mala y cara, igual que se vende cualquier plaza, todo solar. No hay detrás una idea de Madrid, porque ese Madrid podría ser cualquier sitio: sólo existe la expulsión de las vecinas con tal de generar un mayor beneficio económico. 

Si a Woody Allen le gusta algún lugar de España, ese lugar queda decididamente más al norte; me permito dudar de que posea alguna geografía sentimental de esta ciudad que no carece precisamente de representaciones cinematográficas. Puede ofrecer, a lo sumo, un pastiche: rodar en la Plaza Mayor, sacar un tablao de flamenco, presentar como objetos deseables los desechos de la turistificación. Lo que no rodará, desde luego, serán protestas vecinales o la acumulación de basuras, o los desahucios a quienes llevan viviendo en un mismo piso toda su vida y se ven en la calle por culpa de un fondo buitre; no rodará nada fuera de la M-30, quizás algún paseo simpático por Madrid Río, pero a Ayuso algo así no le importa. Su Madrid, como el futuro Madrid inmortalizado por Woody Allen, es un significante vacío, un nombre bajo el cual sólo se ocultan datos de beneficio económico en una región inmensamente rica y desigual que se vende al mejor postor en lugar de protegerse.

Por culpa de la falta de fondos públicos, por su escasa financiación, la Universidad Complutense se ha visto en una situación de asfixia económica sin igual, valorando hace unas cuantas semanas que le resultaría imposible pagar las nóminas de sus empleados a no ser que pidiera un crédito. Las arcas públicas madrileñas parecen movilizarse más fácilmente para financiar un largometraje publicitario que para ocuparse de sus instituciones públicas, de la formación o cultura de los madrileños; no es sorprendente, en realidad, porque el propósito de un sistema es lo que hace. Isabel Díaz Ayuso no gobierna para los habitantes de su comunidad, sino para ensanchar los bolsillos de unos cuantos; es la misma lógica que impera cuando se talan los árboles de cualquier plaza con tal de instalar más espacio para terrazas. 

En 2024, Madrid tuvo más de 23 millones de pernoctaciones, que a Ayuso deben parecerle pocas. Haga lo que haga Woody Allen con la ciudad, no será nada que se parezca al Madrid de Jonás Trueba o La virgen de agosto, un retrato cariñoso de los agostos en los que la ciudad se vacía y estructura en torno a tres fiestas de barrio seguidas, ni de las Vistillas de La reconquista; no será la Gran Vía de José Luis Garci, ni la periferia de Sueños y pan, ni la nostalgia recolectora de Madrid, Ext., ni la video-instalación Miradores que hace unas semanas proyectó Zuloark durante 25 horas sobre todos aquellos que miran a la ciudad. Sus películas sobre Nueva York funcionan precisamente por un motivo: porque se percibe que es una ciudad que ha vivido y en la que ama, aunque también de ella construya una ficción. El Madrid de Woody Allen, como el Madrid de Ayuso, será un Madrid visto desde ojos sin sentimiento. Será una cáscara vacía, un proyecto hueco, ni siquiera un falso chulapo o una invención del mito, con menos identidad que unas cañas: como en el poema de Dámaso Alonso, ¿qué huerto quiere Ayuso abonar con nuestra podredumbre? ¿Teme que se le sequen los grandes rosales del día, las tristes azucenas letales de sus noches?

Woody Allen fue siempre una figura muy cercana a la fallecida actriz Diane Keaton, no solo porque fueran a finales de los setenta e inicios de los 80 del siglo pasado pareja, sino también porque Keaton fue musa y protagonista de algunas de sus películas más importantes, como Manhattan, Annie Hall, Interiores o la comedia Misterioso asesinato en Manhattan. Más allá del terreno profesional y personal, Keaton y Allen siempre estuvieron unidos por una amistad inquebrantable. Fue ella una de las pocas voces que salió en su defensa tras las acusaciones de abusos infantiles por parte de su otra expareja Mia Farrow.

Tal vez por ello el director ha querido hacer pública una sentida y bella carta de despedida para la actriz, que ha publicado la agencia Free Press, de la que cabe destacar algunos extractos. Por ejemplo, Allen asegura que “con el tiempo”, hizo “películas para una sola audiencia: Diane Keaton”. “Nunca leí una sola crítica de mi trabajo y solo me importaba lo que Keaton opinara al respecto”, dice de la actriz. “Si le gustaba, la consideraba un éxito artístico; si no le entusiasmaba, intentaba usar sus críticas para reeditarla y obtener algo que le gustara”, añade.

“Para entonces, ya vivíamos juntos y yo veía el mundo a través de sus ojos”, explica Allen. De Keaton destaca en el obituario que “tenía un talento enorme para la comedia y el drama, pero también bailaba y cantaba con sentimiento”. También que “escribía libros, hacía fotografía, collages, decoraba casas y dirigía películas”. “En definitiva, era divertidísimo estar a su lado”, afirma. Allen también hace hincapié en que Keaton era una crítica implacable: “Tenía plena confianza en su propio juicio estético, y tanto si criticaba una película mía como una obra de Shakespeare, las sometía a las mismas normas”. “Si sentía que Shakespeare se había equivocado, no importaba quién o cuántos lo alabaran, era su propia intuición la que la impulsaba, y no dudaba en criticar duramente al Bardo”, asegura.

Finalmente, respecto a su gran relación personal, escribe: “Bromeaba con Keaton diciéndole que acabaríamos juntos. A ella como Norma Desmond, a mí como Erich von Stroheim, antes su director, ahora su chófer. Pero el mundo se redefine constantemente, y con la muerte de Keaton se redefine de nuevo”. “Hace unos días, el mundo era un lugar que incluía a Diane Keaton, ahora es un mundo que no la incluye y, por lo tanto, es un mundo más deprimente”, añade. “Aun así, sus películas y su risa estruendosa aún resuenan en mi cabeza”, concluye.

La actriz Diane Keaton falleció el sábado a los 79 años. El medio estadounidense People informó del deceso, sin revelar las causas de su fallecimiento y comunicando que su familia pedía “privacidad” en estos momentos. Nacida en Los Ángeles en 1946 e hija de un ingeniero y de una fotógrafa de arte, Keaton pronto dejó la universidad para perseguir su vocación con solo 19 años, cuando obtuvo una beca para estudiar arte dramático en Nueva York. Allí comenzó su carrera artística, cantando y bailando con el grupo 'The Roadrunners', que la acabó convirtiendo en una de las figuras más importantes del cine.

Su carisma, su don para la comedia y su forma única de vestir, habitualmente con camisa y pantalones anchos, corbata y algún tipo de sombrero la convirtieron en una de las estrellas más queridas de Hollywood. Además, Keaton también ejerció como cineasta. Entre otros títulos, dirigió el documental Heaven de 1987, la película Colgadas (2000), donde también actuó junto a Meg Ryan, Lisa Kudrow y Walter Matthau, y un episodio de la serie Twin Peaks (1991). En 2017, el AFI (American Film Institute) le concedió el premio por toda su carrera. Keaton deja dos hijos, Dexter y Duke, de 29 y 25 años, que adoptó y crio sola.

En 2017, Timothée Chalamet consiguió un reconocimiento internacional por su interpretación en Call Me By Your Name, la película dirigida por Luca Guadagnino con la que fue nominado al Oscar a Mejor actor por primera vez en su carrera. Este largometraje sirvió para abrirle las puertas de Hollywood, consiguiendo papeles en películas como Lady Bird, Mujercitas, Dune o A Different Man.

Sin embargo, no todo han sido luces en la carrera artística del actor estadounidense. A lo largo de estos años, el joven de 29 años también se ha arrepentido de participar en algún que otro proyecto. El caso más sonado ocurrió en 2019, cuando se estrenó Día de lluvia en Nueva York [A rainy day in New York], la comedia romántica dirigida por Woody Allen que Chalamet protagonizó junto a Elle Fanning y Selena Gomez. 

La película llegó a cines en un momento clave para el mundo del entretenimiento: en pleno apogeo del movimiento #MeToo. En aquel entonces, el filme se vio envuelto en controversia tras las acusaciones de abuso sexual contra Allen por parte de su hija adoptiva, Dylan Farrow.

Esto provocó un gran rechazo en el reparto de la película, que no tardó en compartir su opinión en los medios de comunicación y las redes sociales. Chalamet fue uno de los que decidió alzar la voz, y se sumó a la iniciativa de su compañera Rebecca Hall: donó todo el dinero que consiguió por su papel a tres organizaciones benéficas: Time's Up, el Centro LGTBIQ+ de Nueva York y RAINN (Red Nacional contra la Violación, el Abuso y el Incesto).

Las palabras de Chalamet y la respuesta de Allen

“Me han preguntado en algunas ocasiones sobre mi decisión de trabajar con Woody Allen el verano pasado. Lo que puedo decir es esto. No quiero sacar provecho de mi participación en la película. Así que he decidido donar todo mi salario”, explicó entonces el actor. “Estoy aprendiendo que un buen papel no es el único criterio para aceptar un trabajo. Esto se ha vuelto mucho más claro para mí en los últimos meses, siendo testigo del nacimiento de un movimiento para acabar con la injusticia, la desigualdad, y sobre todo el silencio”.

Meses después, se publicaron unas memorias de Allen en las que el cineasta acusó a Chalamet de haber renegado de la película simplemente para intentar ganar el Oscar aquel año. “Timothée anunció públicamente que se arrepentía de haber trabajado conmigo y que iba a donar todo su dinero, pero antes le juró a mi hermana que lo hacía solo porque estaba nominado al Oscar y su agente sentía que si renegaba de mí tenía más posibilidades de ganar”, aseguró el director.

El caso de Chalamet no fue único: otras estrellas como Mira Sorvino, Colin Firth, Jeff Daniels o Michael Caine, que también habían trabajado con Allen, mostraron su arrepentimiento por haber participado en sus películas.

Diane Keaton se convirtió en una de las figuras más icónicas del cine de Hollywood. Uno de esos casos en los que la persona y el personaje hasta se confunden. El estilo y la personalidad de la actriz, fallecida este sábado a los 79 años, eran tan arrolladores que uno piensa en sus papeles y parece que la ve siempre con sus gafas, sus pantalones, su gorro y el mítico chaleco y corbata.

Su look en Annie Hall fue tan potente, tan rompedor y único que quedó en el imaginario colectivo grabado a fuego. Y si uno pensaba en la propia Keaton en vez de en su personaje, es porque fue ella la que se empeñó en aportar su ropa y su carácter.

Pero pensar que Keaton es solo Annie Hall es un error mayúsculo, porque su carrera estuvo formada por grandes papeles en obras maestras para el recuerdo. Aunque ella reconociera que se sentía más cómoda en la comedia, también lo hizo en dramas, especialmente en la primera mitad de su carrera, mientras que en los últimos años parecía elegir proyectos con la única condición de pasárselo bien y juntarse con amigas y gente a la que admiraba. Musa de las mejores películas de Woody Allen, cineasta esporádica con un episodio de Twin Peaks en su filmografía… aquí una lista de papeles para no olvidar a una actriz superdotada.

'El padrino' (1972)

Una carrera cuyo primer título importante en una película es una de las obras maestras fundamentales del cine ya dice mucho. Diane Keaton logró convencer a Francis Ford Coppola para que le diera el papel de Kay Adams, la mujer de Michael Corleone, al que interpretaba Al Pacino. Los ojos de Keaton son los del espectador que asisten a los tejemanejes de la familia mafiosa más importante de la historia de la ficción. Ella confesaría siempre que no entiende por qué le dieron aquel papel, pero menos mal que lo hicieron.

Aunque los premios ignoraron su personaje, el filme de Coppola la colocó en el foco de una industria en donde su presencia era una rara avis. No era la belleza canónica que se imponía en el cine, pero su carácter llenaba cada escena. Coppola le regaló, además, el último plano del filme tras una escena imborrable, la confirmación de la mentira de Michael y esa mirada en la lejanía mientras se cierra la puerta del despacho del nuevo padrino.

'Annie Hall' (1977)

Sería injusto resumir todas sus colaboraciones con Woody Allen —amigo del que nunca renegó, a pesar de las acusaciones contra el cineasta— en una sola, porque con él fue con quien más trabajó. Lo hizo desde la época de Sueños de un seductor o la desternillante La última noche de Boris Grushenko, también en dramas como Interiores… pero si hay una película que encarna el espíritu de Keaton es, sin duda, Annie Hall.

Al personaje no solo le dio su talento y su cuerpo, sino que le dio mucho más. Le dio su apellido, el Hall que pertenece a Diane Hall Keaton, su auténtico nombre. Le dio su forma de vestirse, un look que está grabado en las retinas de cualquier cinéfilo, le dio sus andares, su carácter y su entonación. Y lo llevó más allá. Lo convirtió en un icono del feminismo, en una mujer moderna en la interpretación que le daría su único Oscar a la Mejor actriz. 

'Rojos' (1981)

Su amigo Warren Beatty confió en ella para darle el papel femenino protagonista de Rojos, su segundo filme como director y una apuesta ambiciosa y personal para uno de los actores y directores más activistas de Hollywood. Beatty narró la vida del escritor y periodista John Reed, que contó la revolución rusa y aspiró a trasladar sus ideales a EEUU; además de su historia de amor con Louise Bryan, a la que interpretó una Diane Keaton que recibió su segunda nominación al Oscar por este papel. Beatty lograría el premio a la Mejor dirección aquel año, pero perdería el premio a la mejor película de forma sorprendente frente a Carros de fuego. Comenzó entre ellos una breve relación de pareja que se convertiría en una amistad para toda la vida.

'El club de las primeras esposas' (1997)

Puede que para muchos esta comedia dirigida por Hugh Wilson no sea una de sus mejores interpretaciones. Sin embargo, es un filme que condensa de alguna forma muchos de los intereses de Diane Keaton desde finales de los años 90, cuando ya pasaba los 50, una edad que para muchos en Hollywood suponía el declive absoluto. Ella, junto a sus amigas Bette Midler y Goldie Hawn se juntaron para demostrar que podían darle la vuelta al cliché, hacer comedia pasados los 50, pasárselo bien y construir una película feminista en donde las mujeres que son abandonadas por sus maridos se juntan en un acto de sororidad divertido y emocionante.

La química entre las tres es arrebatadora, y su escena final, con las tres actrices cantando y bailando al ritmo de You don’t own me es un momento icónico que se ha reivindicado con el paso de los años. “Era divertidísima, completamente original y sin ninguna malicia ni la competitividad que uno esperaría de una estrella así. Lo que visteis de ella, era quién realmente era”, ha dicho Bette Midler tras conocer la noticia de su muerte

'Cuando menos te lo esperas' (2003)

Diane Keaton rompió otra vez estereotipos y demostró que la comedia romántica no era cosa de jovencitas. Que las mujeres de más de 50 pueden enamorarse, que el cine debe mostrar sus historias y que hasta Keanu Reeves caería rendido ante una mujer como ella. La experta en el género Nancy Meyers le regaló un papel que en sus manos fue un torbellino cómico y tierno. Capaz de emocionar y hacer reír hasta la carcajada con esa habilidad para la comedia física que tenía. 

Su química con Jack Nicholson consiguieron que una película que parecía destinada a ser una comedia más se convirtiera en uno de esos lugares seguros a los que los espectadores vuelven una y otra vez. Fue, además, la última vez que estuvo nominada al Oscar a la mejor actriz. 

El cineasta Woody Allen quiere volver a trabajar con Donald Trump en su próxima película. El presidente de Estados Unidos, que ya participó en el largometraje de Celebrity en 1998 con una aparición de 10 segundos, maravilló a Allen con sus habilidades actorales hasta el punto de que quiere dirigirlo de nuevo. Así lo ha hecho saber en el pódcast Club Random de Bill Maher, donde ha admitido que “fue un placer trabajar con él y es muy buen actor”.

“Soy de los pocos que puede decir que dirigió a Trump. Yo lo dirigí en [Celebrity]”, ha recordado Allen en su paso por el pódcast. “Fue un placer trabajar con él y era un actor excelente. Era muy educado, daba en el clavo, hacía todo correctamente y tenía un don para el espectáculo. Podría dirigirlo ahora. Si me dejara dirigirlo ahora que es presidente, creo que podría hacer maravillas”, ha confesado el cineasta.

En la mencionada película, una reportera se acercaba a entrevistarle. “Estoy intentando comprar la catedral de San Patricio, quizás la tire abajo y ponga un edificio muy, muy alto y bonito”, afirmaba el entonces empresario. Woody Allen ha comentado que, tras aquel papel, está “sorprendido de que quisiera dedicarse a la política”.

“La política no es más que dolores de cabeza, decisiones cruciales y agonía”, ha dicho el cineasta. “Él era un tipo al que veía en los partidos de los Knicks; le gustaba jugar al golf, ser juez de concursos de belleza y hacer cosas divertidas y relajantes. No entiendo por qué alguien querría de repente tener que lidiar con problemas políticos”.

Asimismo, Allen ha declarado que ha votado personalmente por Kamala Harris en las elecciones presidenciales de 2024. “Estoy en desacuerdo con muchas, casi todas, no todas, pero casi todas las políticas de Trump”, ha contado el director. “Me gustaría dirigirlo ahora como presidente y que me dejara tomar las decisiones. Pero eso no va a suceder”, ha agregado.

El cineasta Woody Allen participó este domingo por la tarde, mediante videollamada, en el Moscow International Film Week. El Ministerio de Asuntos Exteriores de Ucrania ha recriminado este lunes al cineasta su participación: “Es una vergüenza y un insulto al sacrificio de los actores y cineastas ucranianos que han sido asesinados o heridos por criminales de guerra rusos”, ha dicho en un comunicado publicado en X.

En el festival, celebrado entre el 23 y 27 de agosto en la capital rusa, están invitados también el director serbio Emir Kusturica (Underground, Gato negro, gato blanco, y el actor estadounidense experto en artes marciales Mark Dacascos. El evento reúne a más de 80 invitados extranjeros de países como China, India, Turquía, Emiratos Árabes Unidos, Arabia Saudí, Brasil y México.

“Al participar en un festival que reúne a los partidarios y las voces de Putin, Allen decide hacer la vista gorda ante las atrocidades que Rusia comete en Ucrania todos los días desde hace 11 años”, ha expresado el Gobierno de Kiev.

La charla del director de Annie Hall o Match Point, de 89 años, fue encuadrada bajo el título “leyendas del cine mundial” y, según se anunció, se daría respuesta a la pregunta “¿Cómo mantenerse fiel a uno mismo cuando la industria dicta sus propias reglas?”, entre otras. Según informa el diario El País, durante la charla Allen se ofreció a dirigir una película en Rusia, como ha hecho en otros países como España, Francia o Reino Unido. “Si hubiera ofertas, me sentaría a pensar en un guion que reflejara lo bien que uno se siente en Moscú y San Petersburgo”, recoge ese periódico.

“La cultura jamás debe utilizarse para encubrir crímenes ni como herramienta de propaganda. Condenamos enérgicamente la decisión de Woody Allen de bendecir el sangriento festival de Moscú con su discurso”, han rematado los representantes de Exteriores de Ucrania.

Allen estrenó su última película, Golpe de suerte, en 2023 en el Festival de Venecia. Ha anunciado que antes de que finalice el año publicará su primera novela.

El actor Tony Roberts, un rostro habitual en el cine estadounidense de los 70 y los 80, falleció el viernes en su casa de Manhattan, en la ciudad de Nueva York, a los 85 años a causa de un cáncer de pulmón, según informo The New York Times tras el anuncio realizado por su hija Nicole.

Nacido en 1939 en la isla de Manhattan, hijo de un locutor de radio, su carrera artística se inició en los teatros de Broadway, donde llegó a tener dos nominaciones a los Premios Tony. A partir de ese momento, su apostura y su aspecto viril pero relajado y sin estridencias, le llevaron a la televisión, donde se inició en comedias como A guide for a marrtied man, para pasar poco después al cine coprotagonizando la comedia de Disney El pato de un millón de dólares.

Participó también en grandes producciones como Serpico, interpretada por Al Pacino, y Pelham Un, dos, tres, pero fue como secundario en los primeros filmes del director Woody Allen como se dio a conocer al gran público, en especial en Europa. Siempre alter ego guapo y mentalmente equilibrado del pequeño e histriónico personaje que solía interpretar Allen, Roberts participó en títulos legendarios de la filmografía del director.

Destacan Annie Hall y Hanna y sus hermanas, dos cintas de épocas distintas pero de gran trascendencia en la carrera de Allen. En la segunda, interpretaba a un donante de esperma que le daba a un hombre infértil (Woody Allen) y a su esposa (Mia Farrow) dos niños gemelos de cabello rubio.

Aunque también estuvo presente en Sueños de un seductor, donde hacía el papel de un ejecutivo de Silicon Valley siempre ocupado al que Allen sisa la esposa, interpretada por Diane Keaton. También formaba parte del cartel de La comedia sexual de una noche de verano, donde era un médico soltero y jovial que proclamaba: “El matrimonio es la muerte de la esperanza”.

De todos modos, Roberts pensaba que su colaboración con Woody Allen había de algún modo perjudicado su carrera. Así lo declaró en una entrevista a finales de los 90 a Los Ángeles Times, donde especulaba con que quizás el personaje que representó en el cine para su amigo le había condicionado en exceso. “Todos en el negocio pensaban sobre mí de esa manera”, dijo entonces al diario californiano refiriéndose al perfil de hombre apuesto y centrado emocionalmente.

En Arzúa, localidade a pouco máis de 30 quilómetros de Santiago de Compostela, vive Xosé Zapata, un produtor de cine e director tan afeccionado ao xadrez que mesmo impulsou o club local. Zapata, veterano do cinema galego, tivo a idea de escribir o guión dunha curtametraxe sobre o xadrez e tivo unha idea estraña: mandarllo a Woody Allen e propoñelo que participase na súa película. Despois, sabía que compartía con Allen a súa paixón polo xadrez, que reflectía en moitos dos protagonistas das súas películas, e que non tiña nada que perder. “Foi incrible cando me dixo que estaba interesado, que aceptou expresalo e que tamén ía ser coprodutor. Aínda cústame dicir que me vai producir Woody Allen”, explica Xosé Zapata, aínda algo incrédulo, antes de contar polo miúdo a sorprendente historia de como este polémico actor e director de 87 anos, un mito vivo do cine. , acaba aceptando participar na cátedra de Fischer , unha curtametraxe concibida nunha localidade de Galicia.

“Allen é máis que unha persoa famosa. É outra cousa, é un mito. Non é coma se Luis Tosar ou Javier Bardem puxesen a voz nunha curtametraxe, o que podería ser factible, pero esta é unha colaboración que nunca se produciu, porque Woody Allen nin fai curtametraxes, nin colabora nelas”, contextualiza Zapata. O director pensou que podería ter un par de vínculos co cineasta estadounidense: o xadrez e a súa admiración por Bobby Fischer, lenda deste deporte da que xurdiu o seu guión, sobre o mítico campionato do mundo ao que se enfrontou en Helsinki en 1972. Fischer e o ruso Boris Spassky.

“Pensei que Fischer tiña varios puntos en común con Allen, como proceder dunha familia xudía de clase media asentada en Brooklyn”, explica sobre Fischer's Chair, unha curta que nacera coa intención de convertela nunha longametraxe. En 2022, Zapata presentou un tráiler do que ía ser unha película sobre Arturito Pomar, o prodixio español do xadrez. En 1944, con só 13 anos, Pomar asinou un empate co entón campión do mundo, Alexander Alekhine, e o franquismo apropiouse del para convertelo primeiro nunha gloria nacional, enxalzando a súa figura a través do NON-DO, e despois separándoo. como carteiro nunha oficina de correos. A súa historia está contada no libro El Peón de Paco Cerdá, para o que Zapata negociara os dereitos e pensou en facer unha curtametraxe de animación antes do ataque á longametraxe.

Ata que pasou algo impensable: Woody Allen cruzou o camiño. “Ás veces pasan estas cousas, polo medio facíase outro voo e unha proxección máis internacional”, indica o director e produtor. Xosé Zapata non é un recén chegado ao cine, que coñece ben, e quizais por iso lle sorprende aínda máis que unha figura como Allen aceptase participar na súa curtametraxe. En 2022, Zapata e o italiano Lorenzo Degl'Innocenti gañaron o Goya á mellor curtametraxe de animación pola súa obra O mono. Nesas, Goya triunfaba en O bo patrón, de Fernando León de Aranoa, e alí, entre bastidores, Zapata comezou a trazar un plan. A produtora de Fernando León, The Mediapro Studio, fixera varias películas con Woody Allen, desde que comezaron con Vicky Cristina Barcelona, e a produtora e directora galega tivo a idea de pedirlles un contacto para acceder a Woody Allen.

“Puxéronme en contacto con Helen Robin, que é a principal produtora de Allen desde os anos oitenta, unha das primeiras en aparecer sempre nos créditos das súas películas, e envieille o guión”, explica. Aos poucos días, Robin enviou a súa resposta: Woody Allen estaba interesado no proxecto. “Pensei que a voz en off de Allen podía encaixar na curta, pero a partir de entón aceptou... Creo que entramos nun estado de shock coa resposta. Non sabiamos que facer e tardamos tanto en responder que acabaron enviando un segundo correo electrónico. Pedíronnos que lles enviásemos as condicións económicas”, sinala Zapata sobre os avatares do proceso. “Que condicións? Como imos ter cartos para pagar a Woody Allen? Si, teño un Goya pero no fondo son un perdedor. Respondín que aquí o financiamento era moi baixo e que non podíamos pagalos”, engade. Por poñer un exemplo, en América pódense investir ata dous millóns de dólares nunha curtametraxe de animación, e O mono, a produción coa que Zapata gañou o Goya, tivo un orzamento que rondou os 150.000 euros.

O produtor de Allen agradeceulle a súa sinceridade e respondeu que esas “condicións” serían moi difíciles de aceptar. Zapata cría que a aventura chegara ao seu fin, nun momento no que Allen tamén estaba moi ocupado coa rodaxe da súa nova película A Stroke of Luck in Paris. Pero o título da película acabaría sendo premonitorio. Poucas semanas despois do último correo electrónico, volvían a escribirlles cunha resposta aínda máis sorprendente: Woody Allen dera a orde directa de facelo. Gustoulle o proxecto. O diñeiro non ía ser un problema e, ademais, o director neoiorquino aparecería como produtor do proxecto.

“A proposta foi un fóra da pantalla moi ao seu estilo, duns sete minutos de duración e cun ton cómico, sobre un acontecemento moi comentado na partida do campionato mundial de xadrez de 1972”, avanza Zapata. Ese ano, Bobby Fischer e Boris Spassky enfrontáronse nun xogo que centrou a atención mundial en plena Guerra Fría. Foi a consecución dun emerxente ídolo americano, Fischer, a unha icona soviética, Spassky, herdeira da hexemonía mundial do xadrez que Rusia exercera desde os anos 40 foi a máxima expresión do enfrontamento entre comunismo e capitalismo aínda que, paradoxalmente, Spassky Máis tarde expresaría quen detestaba o comunismo e Bobby Fischer era fillo dun activista comunista fichado polo FBI.

Fischer, tan peculiar como maníaco, trouxo a súa propia cadeira de deseño ao xogo, e os rusos sentiron que emitía ondas malvadas que danaban os reflexos de Spassky. A discusión rematou cunha surrealista “autopsia” desta cadeira, na que só se atoparon dúas moscas mortas, e finalmente vencería o estadounidense, rompendo a hexemonía soviética.

En 1972, ano desta marcha mítica, Woody Allen xa era unha celebridade que dirixira cinco películas e que seguramente seguira de preto esta historia, que fora moi mediática naquel momento. Tras aceptar a súa participación na película, Zapata e o seu equipo tiveron a mellor opción: coñecer a Allen en Nova York para proceder á gravación da súa parte. “A semana anterior non puiden durmir por tanta tensión, nin case non lle dixen a ninguén. ”Quen me crería se che dixese que ía a Nova York a dirixir a Woody Allen para a miña curtametraxe, Zapata bromea sobre a súa aventura“.

Non é doado superar a barreira do pequeno círculo de confianza de Allen, que crea unha capa para protexerse e protexer a súa privacidade. As acusacións de abusos sexuais formuladas pola súa filla Dylan Farrow, froito da súa relación con Mia Farrow, que Allen sempre negou, provocaron numerosos desacordos con diversos medios e un filtro exhaustivo para achegarse a el. “Só poderían ir un máximo de tres persoas e non se poden gravar imaxes de vídeo. Non nos permitiron facer un making-of da gravación, só unhas fotos”, explica Zapata sobre este encontro que tivo lugar no mesmo estudo neoiorquino onde Allen proba as súas películas.

O director galego, xunto co italiano Lorenzo Degl'Innocenti e un técnico de son neoiorquino, camiñaron ao encontro de Allen por corredores cheos de vellas latas de película. “Estabamos vendo latas con títulos como Hanna e as súas irmás, e pensando que estabamos nun templo mítico do cine”, lembra sobre unha gravación que nunca se esquecerá, o momento no que Woody Allen apareceu ante eles.

“Cando o vin quedei impresionado. É un mito, durante uns segundos non sabes que dicir. Estaba aterrorizado, tiña que dirixir a Woody Allen e non sabía o que ía dicir nin como ía reaccionar”, lembra Zapata sobre este momento que nunca esquecerá. Para seguir sumando sorpresas, Allen deixouse dirixir, respectou o guión ao máximo, trouxo o texto perfectamente lido e obedeceu a Zapata de xeito disciplinado. “Ata engadimos un pequeno texto extra sobre a marcha para poder traballar na montaxe despois e el nin sequera o discutiu, engadímolo sen problema. Non cambiou nin unha coma”, enxalza Zapata ao cineasta de Manhattan, quen sinalou que a curta e a historia lle interesaban, “pero ese día tiña présa porque ía presentar aos seus amigos o primeiro corte do nova película A Coup of Luck.

Ao regresar de Nova York, Zapata enviou á produtora de Allen a primeira mostra do cartel da curtametraxe Fischer's Chair e, unha vez máis, recibiu instrucións. Allen pensou que o seu nome destacaba demasiado e era demasiado grande e pediu reducilo. “Isto dáme esperanza como ser humano e como creador. Non te produce polo que eres, senón porque lle gusta a curtametraxe que estás facendo. Ao final hai xente que le os proxectos e mesmo se interesa”, reflexiona Zapata sobre o proceso do seu encontro con Woody Allen. Mentres segue traballando na súa curtametraxe, que estará lista a finais de 2024, Xosé Zapata compaxina a súa vida de director e produtor coas súas partidas de xadrez co club de Arzúa, emulando a Fischer ou a Spassky. Agora sabes que podes esperar calquera cousa de Woody Allen. Todo menos ir aos Oscar se a curtametraxe fose elixida como finalista. Porque como declarou co seu habitual sarcasmo, hai un motivo que nunca lle permite asistir aos Óscar: sempre coinciden con el tocando o clarinete nunha actuación do seu grupo.

En Arzúa, un pueblo a poco más de 30 kilómetros de Santiago de Compostela, vive Xosé Zapata, un productor y director de cine tan aficionado al ajedrez que hasta impulsó el club local. A Zapata, un resistente de largo recorrido en el cine gallego, se le ocurrió escribir el guion de un cortometraje alrededor del ajedrez y tuvo una idea peregrina: mandárselo a Woody Allen y proponerle participar en su película. Al fin y al cabo, sabía que compartía con Allen su pasión por el ajedrez, que plasmó en muchos de los protagonistas de sus filmes, y que no tenía nada que perder. “Fue alucinante cuando me dijo que le interesaba, que aceptaba ponerle la voz y que además iba a ser coproductor. A mí aún me cuesta decir que me va a producir Woody Allen”, explica todavía algo incrédulo Xosé Zapata, antes de contar con detalle la sorprendente historia de como este controvertido actor y director de 87 años, mito viviente del cine, acaba aceptando participar en La silla de Fischer, un corto concebido en un pueblo de Galicia.

“Allen es más que una persona famosa. Es otra cosa, es un mito. No es como si pusiesen la voz en un corto Luis Tosar o Javier Bardem, que podría ser factible, pero esta es una colaboración que nunca había sucedido, porque Woody Allen ni hace cortos, ni colabora en ellos”, contextualiza Zapata. El director pensó que le podrían unir un par de lazos con el cineasta americano: el ajedrez y la admiración por Bobby Fischer, leyenda de este deporte a partir del que surge su guion, sobre el mítico campeonato del mundo que en 1972 enfrentó en Helsinki a Fischer y al ruso Boris Spassky.

“Pensé que Fischer tenía varios puntos en común con Allen, como su procedencia de una familia judía de clase media asentada en Brooklyn”, explica sobre La silla de Fischer, un corto que había nacido con intención de convertirlo en un largometraje. En 2022, Zapata presentó un avance de lo que iba a ser una película alrededor de Arturito Pomar, el niño prodigio del ajedrez español. En 1944, con solo 13 años, Pomar firmó tablas con el entonces campeón del mundo, Alexander Alekhine y el franquismo se apropió de él para convertirlo primero en una gloria nacional, ensalzando su figura través del NO-DO, y después apartarlo como cartero en una oficina de Correos. Su historia está contada en el libro El Peón de Paco Cerdá, del que Zapata había negociado sus derechos y pensado en hacer un cortometraje de animación antes del asalto al largo.

Hasta que sucedió algo impensable: por el medio se cruzó Woody Allen. “A veces pasan estas cosas, por el medio cogió otro vuelo y una proyección más internacional”, indica el director y productor. Xosé Zapata no es ningún recién llegado a la industria del cine, que conoce bien, y quizá por eso no deja de sorprenderle todavía más que una figura como Allen aceptase participar en su cortometraje. En 2022, Zapata y el italiano Lorenzo Degl'Innocenti ganaron el Goya al mejor cortometraje de animación por su obra The Monkey. En aquellos Goya triunfó El buen patrón, de Fernando León de Aranoa y allí, entre bambalinas, Zapata comenzó a urdir un plan. La productora de Fernando León, The Mediapro Studio, había realizado varias películas con Woody Allen, desde que comenzaran con Vicky Cristina Barcelona, y al productor y director gallego se le ocurrió pedirles un contacto para acceder a Woody Allen.

“Me pusieron en contacto con Helen Robin, que es la productora principal de Allen desde los años ochenta, de las primeras que sale siempre en los créditos de sus películas, y le envié el guion”, explica. En pocos días, Robin envió su respuesta: Woody Allen estaba interesado en el proyecto. “Pensaba que la voz en off de Allen podría encajar en el corto, pero de ahí a que aceptase... Creo que entramos en estado de shock con la respuesta. No sabíamos qué hacer y tardamos tanto en responder que acabaron enviando un segundo mail. Nos pedían que le enviásemos las condiciones económicas”, narra Zapata sobre los vaivenes del proceso. “¿Qué condiciones? ¿Cómo vamos a tener dinero para pagarle a Woody Allen? Si yo tengo un Goya pero en el fondo soy un pringao. Les respondí que aquí la financiación era muy baja y que no podíamos pagarle”, añade. Por poner un ejemplo, en América se pueden invertir en un cortometraje de animación hasta dos millones de dólares, y The Monkey, la producción con la que Zapata ganó el Goya, tuvo un presupuesto de alrededor de 150.000 euros.

La productora de Allen agradeció su sinceridad y respondió que esas “condiciones” serían muy difíciles de aceptar. Zapata creyó que la aventura había llegado a su fin, en un momento además en el que Allen estaba muy ocupado con el rodaje en París de su nueva película Un golpe de suerte. Pero el título de la película acabaría por ser premonitorio. Unas semanas después del último mail, les escribieron de nuevo con una respuesta aún más sorprendente: Woody Allen había dado la orden directa de hacerlo. Le gustaba el proyecto. El dinero no iba a ser un problema y, además, el director neoyorkino figuraría como productor del proyecto.

“La propuesta era un off muy de su estilo, de unos siete minutos y con un tono cómico, sobre un suceso muy comentado en la partida del campeonato del mundo de ajedrez de 1972”, avanza Zapata. Ese año, Bobby Fischer y Boris Spassky se enfrentaron en una partida que centró la atención mundial en plena Guerra Fría. Era el órdago de un ídolo americano emergente, Fischer, a un icono soviético, Spassky, heredero de la hegemonía ajedrecística mundial que Rusia había ejercido desde los años 40. Era la máxima expresión del enfrentamiento entre comunismo y capitalismo aunque, paradójicamente, Spassky manifestaría después que detestaba el comunismo y Bobby Fischer era hijo de una activista comunista fichada por el FBI.

Fischer, un tipo tan peculiar como maniático, trajo su propia silla de diseño para la partida, y los rusos consideraron que emitían ondas malignas que dañaban los reflejos de Spassky. La discusión terminó con una surrealista “autopsia” a esta silla, en la que solo se encontraron dos moscas muertas, y finalmente el americano vencería rompiendo la hegemonía soviética.

En 1972, año de esta legendaria partida, Woody Allen ya era una celebridad que había dirigido cinco películas y seguramente había seguido de cerca esta historia que había sido muy mediática en su época. Tras aceptar su participación en la película, a Zapata y su equipo les quedaba lo mejor: encontrarse con Allen en Nueva York para proceder a la grabación de su parte. “La semana anterior no pude dormir de tanta tensión, ni se lo dije apenas a nadie. ¿Quién me iba a creer si le cuento que voy a Nueva York a dirigir a Woody Allen para un corto mío?”, bromea Zapata sobre su aventura.

No es fácil franquear la barrera del reducido círculo de confianza de Allen, que le crea un caparazón para protegerse y custodiar su intimidad. Las acusaciones de abuso sexual vertidas por su hija Dylan Farrow, fruto de su relación con Mia Farrow, que Allen siempre ha negado, han provocado numerosos desencuentros con diversos medios de comunicación y un filtro exhaustivo para acercarse a él. “Solo pudimos ir un máximo de tres personas y no se pueden grabar imágenes de vídeo. No nos permitieron hacer un making-of en vídeo de la grabación, solo alguna foto”, explica Zapata sobre este encuentro que tuvo lugar en el mismo estudio de Nueva York donde Allen hace las pruebas de proyección de sus películas.

El director gallego, junto al italiano Lorenzo Degl'Innocenti y un técnico de sonido neoyorquino, caminaban al encuentro de Allen por unos corredores llenos de antiguas latas de película. “Íbamos viendo latas con títulos como Hanna y sus hermanas, y pensando que estábamos en un templo mítico del cine”, rememora sobre una grabación de la que nunca podrá olvidar el momento en el que Woody Allen apareció ante ellos.

“Al verlo me quedé traspuesto. Es un mito, durante unos segundos no sabes qué decir. Yo estaba aterrado, tenía que dirigir a Woody Allen y no sabía ni lo que le iba a decir ni cómo iba a reaccionar él”, recuerda Zapata sobre este momento que nunca olvidará. Para continuar sumando sopresas, Allen se dejó dirigir, respetó al máximo el guion, se traía el texto perfectamente leído y obedeció a Zapata de forma disciplinada. “Hasta metimos sobre la marcha un poco de texto extra para poder trabajar después en el montaje y ni siquiera lo discutió, lo sumamos sin problema. No cambió ni una coma”, alaba Zapata del cineasta de Manhattan, del que notó que el corto y la historia le interesaron, “pero ese día estaba apurado porque iba a presentar a sus amigos el primer montaje de la nueva película Un golpe de suerte.

Al regreso de Nueva York, Zapata envió a la productora de Allen la primera muestra del cartel del cortometraje La silla de Fischer y, de nuevo, recibió indicaciones. A Allen le pareció que su nombre destacaba demasiado y estaba demasiado grande y pidió reducirlo. “A mí esto me da esperanzas como ser humano y como creador. No te produce por lo que eres, sino porque le gusta el corto que estás haciendo. Al final hay gente que se lee los proyectos e incluso les interesan”, reflexiona Zapata sobre el proceso de su encuentro con Woody Allen. Mientras sigue trabajando en su corto, que estará listo a finales de 2024, Xosé Zapata combina su vida de director y productor con sus partidas de ajedrez con el club de Arzúa, emulando a Fischer o Spassky. Ahora ya sabe que de Woody Allen se puede esperar cualquier cosa. Todo menos acudir a los Oscar si el cortometraje fuese elegido finalista. Porque como ha declarado con su sarcasmo habitual, hay una razón que nunca le permite asistir a los Oscar: siempre le coinciden tocando el clarinete en una actuación de su grupo.

Woody Allen sigue de gira por Europa. Si su anterior película, Rifkin’s Festival, se rodó en San Sebastián y se presentó en el Zinemaldia, con Golpe de suerte ha vuelto a la ciudad que tan buenos resultados le dio con Medianoche en París. Europa se ha convertido para Allen en un refugio artístico. Tras el estallido del Me Too y la vuelta de las acusaciones de su hija adoptiva de abusos sexuales ―un cargo por el que nunca fue juzgado por falta de pruebas―, Estados Unidos dejó de producir sus películas… y de estrenarlas. Su anterior obra sigue sin verse en su país, y Golpe de suerte ―que llega a las salas españolas el 29 de septiembre― parece que correrá el mismo destino a pesar de las buenas críticas a este thriller con toques de humor que tiene mucho que ver con Match Point.

A pesar de ello, Allen confesaba en el pasado Festival de Venecia que, a sus 87 años, no pierde la ilusión de que “un loco” le de el dinero para rodar una idea que tiene para un filme en su ciudad, Nueva York. No parece que vaya a suceder. A pesar de ello no tiene ningún tipo de rencor hacia EEUU, y subraya lo mucho que le han querido siempre y apoyado incluso con películas que cree que no lo merecían.

En un encuentro con un reducido grupo de periodistas en el Festival de Venecia tras las buenas críticas de Golpe de suerte, Allen ―que este lunes 18 tocará con su banda de jazz en Barcelona―, explicaba que siempre ha tenido “mucho cariño en EEUU”. “Siempre han sido muy amables, los críticos de EEUU y el público pasaron por alto los errores de mis películas cuando comencé y escribieron solo sobre las cosas buenas. He tenido mucho éxito con el público americano, pero es verdad que en Europa inmediatamente me apoyaron. En cuanto hice mi primera película en Francia, en Italia y en toda Europa, me trataron como a uno más, y con el paso de los años, si hacía una película que no era tan bien recibida en EEUU, en los países europeos encontraban cosas buenas. Ha sido muy interesante. En Europa siempre he sentido más cariño desde el corazón”, apunta.

Woody Allen responde siempre como un humorista. Primero da la parte seria, y luego remata con un gag final. Lo demuestra cuando analiza a qué cree que se debe ese cariño europeo que no ha recibido en EEUU estos años. “La gente siempre me lo pregunta y solo se me ocurren dos cosas. La primera es que cuando empecé me encantaban tanto las películas europeas y las veía tanto que se te meten en la sangre y eso luego es lo que surge, esa influencia. La segunda posibilidad es que mis películas ganaran algo con la traducción, que traducidas fueran mejores”, dice culminando su chiste.

En sus guiones se ha reído de casi todo, y aunque sí crea que la gente ahora se ofende más, asegura que no tiene ningún problema en quitar frases de sus guiones si considera que se ha pasado de la raya. Incluso confiesa que lo ha hecho en alguna ocasión: “Sí, creo que sí me ha pasado. Si estoy escribiendo o haciendo una película, o incluso filmándola, y veo que algo que creía que era gracioso no lo es, sino que es simplemente insultante, lo quito del guion. Ahora bien, si considero que es un punto importante del guion para la película y alguien me dice que cree que a la gente no le va a gustar, pero yo pienso que es honesto e importante para el filme, entonces no me importa, lo dejo. Pero hay veces que yo creo que algo es inteligente, divertido y brillante y no lo es. Es estúpido, o simplemente ofensivo, y lo quitamos”.

Si estoy escribiendo o haciendo una película, o incluso filmándola, y veo algo que creía que era gracioso no lo es, sino que es simplemente insultante, lo quito del guion

Woody Allen — Director de cine

A pesar de que él quite frases si ofenden, sí cree que el clima hace que todo ofenda. “No sé si aquí pasa también, pero en EEUU estamos atravesando un período en el que la gente se ofende todo el tiempo. Mira lo que ha pasado con la nariz de Bradley Cooper ―al actor le acusaron de antisemitismo por la prótesis de nariz usada en Maestro―. Por favor, dame un respiro. Siempre encontrarás algunas opiniones fuertes, alguna pequeña minoría que dará su opinión y se ofenderá. Es algo tan estúpido… es que no había ni rastro de antisemitismo. Ni rastro. Pero siempre puedes encontrar gente que se ofenda, y la prensa ama a esa gente, porque de repente tienen una polémica. Era aburrido escribir sobre eso, pero si ya pasa de ser una simple película a hablar de antisemitismo… Y en EEUU pasan muchas cosas así”, opina.

Lo de la nariz de Bradley Cooper a él le parece una minucia. En Annie Hall aparecía caracterizado con todos los estereotipos de los judíos ortodoxos para mostrar cómo la gente se los imagina. Esa no es una escena que ahora quitaría del guion. “Todavía la haría. Tienes mucho tiempo para pensar si algo es ofensivo. Lo veo en los dailies [material de cada día de grabación en un rodaje], en el montaje, en el primer montaje del filme. Si yo veo algo ofensivo y mi montador está de acuerdo conmigo, si es algo cruel con la gente o insultante, podemos vivir sin esa escena. La gente está pagando mucho dinero por ver una película. Demasiado dinero. Mi hija fue a ver el otro día Megalodón 2, la película esa del tiburón, y le costó la entrada 27 dólares. Yo iba al cine por 27 céntimos de dólar”.

“Los jóvenes no pueden permitirse el lujo de ir al cine. La gente paga para ver películas y yo no busco hacerles pasar un mal momento ni hacer que se vayan de la proyección o que sientan que fueron insultados y que había algo terriblemente ofensivo. Pero tampoco quiero pensar todo el rato que esto o lo otro es ofensivo. Que a los afroamericanos no les gustará esto. Que a las mujeres no les gustará eso. Que a los judíos no les gustará lo otro. O a los asiáticos no les gustará. Ya sabes, ser políticamente correcto”, zanja.

Niega que ser director de cine sea un trabajo duro, al revés. “Un trabajo duro es ser taxista, o alguien que pica piedra en la calle, eso sí que son trabajos duros. O un maestro. El mundo del espectáculo no lo es. Entras por la mañana, te ofrecen un café, todos quieren hacer las cosas por ti. Les dices qué tienen que hacer y lo hacen. Si les dices que algo está mal, lo hacen de nuevo. O les das las gracias. Yo siempre he sido un vago. Nunca fui alguien como Spielberg o Scorsese, que son las diez de la noche y todavía están buscando la perfección. A mí eso nunca me importó. Yo a las seis de la tarde acabo. No me importa si la última toma no fue buena, será lo suficientemente buena. Yo me voy a casa, ceno y veo el partido de baloncesto o el de béisbol”, dice.

Por si fuera poco uno termina una película en “seis meses, ocho como mucho”, y el resto del año “no hay nada que hacer”. “Es que se podría decir que alguien que ha trabajado en cine como director o como escritor o como actor nunca ha hecho un solo día de trabajo completo en su vida. Siento que nunca he hecho un día de trabajo como el de un hombre que va a una oficina y se sienta en un escritorio todo el día. Así que no, este trabajo no requiere energía, como mucho un poco de energía, pero nada más”.

Yo siempre he sido un vago. Nunca fui alguien como Spielberg o Scorsese, que son las diez de la noche y todavía están buscando la perfección. Yo las seis de la tarde acabó esté como esté

Woody Allen — Director de cine

Aunque no sea uno de sus grandes éxitos de crítica ―pese al Oscar de Penélope Cruz―, Allen siempre pone como ejemplo a Vicky Cristina Barcelona. La considera una de sus grandes obras, pero sobre todo la recuerda como una de las mejores experiencias rodando. Una que le demostró que no hace falta saber un idioma para conmoverte. “Hay momentos de esa película con Penélope y Javier Bardem que todavía no sé lo que dicen. Ellos improvisaron y empezaron a gritarse y discutir. No hablo ni una palabra de español, pero podía ver que aquello era maravilloso. No tengo que conocer el idioma para saber que la emoción estaba allí”, recuerda

En Golpe de suerte aparece, cómo no, el tema del azar, pero Allen sabe que cuanto más dinero tienes, más probabilidad de tener mejor suerte: “Los ricos tienen mucha suerte, claro. En la vida lo más importante es la salud. Lo segundo más importante es el conocimiento. Y la tercera cosa más importante es el dinero. Es importante en la vida tener suficiente dinero. No tienes que ser rico, pero hay que tener suficiente dinero para sobrevivir”.

El Festival de Cine de Venecia llega a la última pantalla de sus polémicas. Tras sobrevivir a Luc Besson y la presentación del último filme de Roman Polanski, le ha tocado el turno a Woody Allen. El director de obras maestras como Annie Hall o Manhattan, estrenaba fuera de concurso su última película, Golpe de suerte (Coup de chance en su título original), que ha rodado en París. Allen fue acusado en 1992 por su hija de abusos sexuales en un caso que nunca fue a juicio, ya que la policía no encontró evidencias concluyentes para llevarlo a los tribunales; un caso que durante décadas estuvo en el olvido hasta que la llegada del Me Too y un documental que daba voz a la versión de Dylan lo rescataron.

Las consecuencias se notaron en la carrera de Allen, que dejó de poder producir su habitual película por año debido a la falta de financiación desde EEUU, donde su última película no se ha distribuido, igual que parece que ocurrirá con Golpe de suerte, que a España llegará el próximo 29 de septiembre. Un filme que ha sido acogido de forma calurosa en Venecia en una de las ruedas de prensa más esperadas y que fue monopolizada por un monólogo de Vittorio Storaro, su director de fotografía, que se llevó un tercio del tiempo de preguntas. La prensa dio una ovación al director tras comprobar que el talento de Woody Allen puede estar algo tocado, pero nunca desaparece. 

Si Polanski se estrellaba hace unos días con una sátira casposa y rancia que podría ser su peor película, Allen resiste gracias a apostar sobre seguro. Golpe de suerte es una película que podría ser un greatest hits de los temas que mejor domina y que ha ido desarrollando en sus películas durante décadas: hay un crimen, una infidelidad, diálogos chispeantes y temas como el azar o la muerte. Por ello, quizás su referencia más cercana y fácil sea Match Point, aunque hay mucho más cine del director condensando en la hora y media del filme.

Aunque no sea tan brillante como su periplo inglés, Allen sigue logrando que uno vea sus películas con una sonrisa en la cara. Deja las cartas claras desde el comienzo y sorprenden poco, pero entran con facilidad. No se nota en Allen los años en la puesta en escena. Si bien nunca ha sido un director especialmente virtuoso, aquí entrega una película tremendamente elegante, con sus característicos planos largos que siguen a los personajes ―entre los que brilla la perversidad de Melvil Poupaud― con habilidad y colocando la cámara siempre donde toca. A esto sumen la hermosa fotografía de Vittorio Storaro ―que tiñe el último tercio de un azul que anticipa lo que viene―, otra leyenda que nunca le abandona, y tienen un filme que encantará a sus fans y que muchos calificarán de menor. Eso sí, en el pase de prensa su giro final se aplaudió y sonaron carcajadas.

Un hombre afortunado

Woody Allen acudió a Venecia el mismo día que se publicaba una entrevista en el diario El Mundo en la que se le preguntó por la polémica de Rubiales y el beso no consentido a Jenny Hermoso. Allen dijo que le faltaban “datos” y que solo sabía “lo que salió en el periódico”, pero luego se atrevió a aventurar que le “pareció que fue el resultado del momento, que ante la emoción de la victoria, dos personas que se conocían se abrazaron y él le dio un beso a ella” y añadió que “es difícil entender que una persona pueda perder su trabajo y ser penalizada de esa manera por dar un beso a alguien”, aunque terminó opinando que “si fue inapropiado o demasiado agresivo, hay que decirle claramente que no haga eso y que se disculpe”. Su opinión en temas relacionados con el machismo o los presuntos abusos sexuales es algo sobre lo que se pone la lupa desde las acusaciones de su hija, pero no se hizo mención a ello en la rueda de prensa de la Mostra.

El adulterio, la intriga romántica, la muerte, el asesinato… son la sustancia del drama y la comedia desde los griegos. Mis películas tratan esos temas porque son la esencia del drama

Woody Allen — Director de cine

A pesar de que siempre desliza la posibilidad de que esta sea su última película (cerraría su filmografía en los 50 títulos), en Venecia Allen explicó a los periodistas que siempre hay una idea esperando ser rodada. “Tengo una idea muy buena para volver a rodar en Nueva York, si alguien sale de la sombra y se ofrece a financiarme sin hacer demasiadas preguntas, si algún loco me pone el dinero sobre la mesa, la haría”, ha dicho con ironía y casi negándose a retirarse del todo, pero dejando bastante claro que si no rueda en EEUU es por no encontrar productores allí.

Sobre sus rodajes en Europa ha dicho que hace las películas donde las puede levantar. “A veces recibo una llamada telefónica de alguien en un país que me dice: 'Financiaremos tu película si la haces en islandés o en otro idioma'. Y si tengo una idea que es buena para Italia o Alemania o donde sea, entonces lo considero. A veces no conozco bien el país, pero tuve una experiencia tan agradable cuando rodé en Francia que es algo que consideraría”.

Ya ha rodado en Francia, Italia, España… y ahora vuelve a Francia. Para adaptar su guion ―originalmente era una pareja de Nueva York― ha realizado solo “cambios cosméticos”, pero el resto sigue. Esa trama que trae sus habituales obsesiones que son las de otros muchos antes que él. “El adulterio, la intriga romántica, la muerte, el asesinato… son la sustancia del drama y la comedia desde los griegos, es lo que le interesa a la gente. Mis películas tratan de esos temas de forma directa porque son la esencia del drama”, aseguró sobre los asuntos que repite en sus películas y que también están en Golpe de suerte. Allen ha confesado que se le dan mejor los personajes femeninos, porque le resulta “más interesante” escribirlos. “Quizá por influencia de los directores que admiro como Ingmar Bergman o Tennessee Williams, pero nunca he sabido escribir para hombres salvo para mí mismo”.

Con 87 años, considera que ha sido “muy afortunado”. “He tenido una vida maravillosa, una mujer maravillosa, hijos… he sido muy afortunado toda mi vida y he recibido, a lo largo de ella, muchos elogios inmerecidos y una enorme cantidad de atención y respeto. No he tenido nada más que buena suerte. Y espero que aguante”. Sobre la muerte solo un consejo: “Es un mal negocio y no hay mucho que puedas hacer al respecto, simplemente no pienses en ella”.

Noah Baumbach siempre ha sido comparado con Woody Allen. En su forma de escribir y dirigir había algo que le unía con el director de Annie Hall o Manhattan. Su gusto por las parejas burguesas de Nueva York, la fina ironía con la que retrata a sus personajes, hombres blandengues aparentando no serlo, crisis de los 40, familias desestructuradas… podría decirse que las filmografías de ambos están atravesadas por los mismos temas, y entre ellos hay uno que siempre ha estado de fondo, como una mosca en cada una de las películas de ambos: el miedo a la muerte. En el caso de Allen siempre ha habido bromas al respecto, e incluso la muerte se ha convertido directamente en personaje en La última noche de Boris Grushenko o centro de sus tramas con visita al infierno incluida en Desmontando a Harry. 

En Baumbach la muerte había estado presente, pero nunca de una forma tan explicita como en White Noise (Ruido de fondo), su película más ambiciosa —se estima que su presupuesto supera los 80 millones de dólares— y para la que ha vuelto a unirse con Netflix. Un filme que llega a unas pocas salas españolas —en Estados Unidos son algunas más— antes de que se estrene en la plataforma a finales de diciembre. Para hablar de la muerte recurre a una novela de esas que tienen la etiqueta de ‘inadaptable’, White Noise de Don DeLillo, una mirada ácida a una familia burguesa en los 80 y el miedo a la muerte en una sociedad que solo sabe consumir para no pensar en que la vida se acaba.

“Creo que esa es la esencia de la película, White Noise trata de eso, de saber que la vida y la muerte no son dos acontecimientos separados, sino que forman parte de la misma cosa aunque lo vivimos como si fueran dos cosas diferentes. Siempre vi la primera parte de la película como una representación de los rituales y estrategias que nos creamos y nos contamos a nosotros mismos para no ser conscientes de ello. La parte central de la película es el momento en el que la muerte llega a nuestra vida, y la tercera es cuando vuelven a la vida siendo conscientes de la muerte e intentan regresar a esas estrategias aunque saben que la vida no es como creían que era”, contaba Baumbach de su filme en el pasado Festival de Venecia a un reducido grupo de periodistas tras inaugurar la Sección Oficial a concurso.

Para el director todo es susceptible de crear miedo desde que “te despiertas y lees el periódico”: “Uno puede tener miedo de cualquier cosa y eso es lo que quería que expresar con la película”, añade. “Nos escondemos de todas estas cosas, pero las vemos en la televisión y entonces cambia nuestra relación con ellas. En la película los niños ven las imágenes de un accidente aéreo y en ese momento lo ven como si fuera un entretenimiento, cambian su noción de la muerte, creo que porque hay una necesidad de hacerlo. Creo que para vivir realmente tienes que saber que todo va a terminar”, añadía.

Otra de las ideas que estaban en la película y que Baumbach comparte y desarrolla es que “la familia es la cuna de la desinformación del mundo”. “En mis anteriores películas he explorado las mitologías familiares y las historias que las familias se cuentan entre sí. Las historias que los padres les cuentan a los niños y se cuentan unos a otros sobre sí mismos. Me interesa la noción que tienen las personas sobre sí mismas frente a lo que el mundo les puede estar diciendo de otra manera. Pero en esta historia la familia funciona como una especie de representante de la cultura en general. Han asimilado toda esta información y están hablando y hablando, están cambiando y transformándose. Quién sabe si los hechos de los que hablan son ciertos. Así que, de alguna forma, quizás sí sea una variación de cosas de las que ya he hablado en otras películas, pero me gusta que siento que esta vez hay una resonancia cultural”, dice sobre las coincidencias con sus anteriores obras como Historia de un matrimonio o The Meyerowitz stories.

Netflix y el riesgo

Sobre su estreno en unas pocas salas antes de llegar al streaming se muestra “contento” y solo tiene palabras de agradecimiento a la plataforma que ha producido sus últimos títulos: “Netflix es un apoyo para la película y para el cine, a pesar de lo que la gente a menudo piensa de ellos. De hecho, creo que Netflix es el único lugar que realmente apoya a los cineastas que se arriesgan y ponen esas películas en las pantallas y les brindan una plataforma gigante como es Netflix”, zanja sobre la pelea entre salas e internet. White Noise también funciona como “una sátira sobre el mundo académico, y cómo la universidad está también mercantilizada, no de forma muy diferente a las cosas que vemos en el supermercado o en los anuncios de la televisión”. Una crítica que se materializa en una escena en la que se habla sobre si Hitler y Elvis son, los dos, productos de la sociedad de consumo. “Hay diferencias radicales entre los dos, pero la cultura hace eso todo el tiempo y los dos personajes adquieren el mismo valor una vez que se convierten en cosas que te venden”, afirma.

Los padres de esta familia burguesa que se enfrenta al fin del mundo en forma de nube radioactiva son Adam Driver y Greta Gerwig, esta última pareja del director y realizadora de Lady Bird y Mujercitas. Desde hacía seis años no aparecía como actriz en ninguna película, ya que estaba centrada en su faceta de directora, pero le apetecía volver a estar delante de la pantalla. “Lo echaba de menos. Cuando eres joven, interpretar es la forma en la que tienes de dar vida a algo grandioso, porque cualquier cosa que escriba será una basura dentro de 15 años. Sé que no puedo escribir como Tennessee Williams o Shakespeare, pero puedo memorizarlo e interpretarlo, y creo que cuando actúo vuelvo a conectar con ese sentimiento”, dice Gerwig de su regreso. 

Ella sabe de adaptaciones de libros míticos al cine, y por eso descarta que haya obras ‘inadaptables’: “No creo que nada sea imposible de adaptar. Supongo que hay obras más difíciles, pero no imposibles. Creo que adaptar un autor es algo divertido. Mantienes de alguna forma una conversación con el autor y estás haciendo algo inspirado en el libro, pero que tiene que ser algo propio. De esa manera creo que cualquier cosa es adaptable”. Si trasladar al cine Mujercitas fue complicado, su próximo proyecto no se queda corto: una película sobre Barbie con la que dicen que quiere hacer una crítica al machismo a través de la figura de la marca. La solución, en julio del año que viene.

Yo creo que el éxito de Javier Marías a partir de los noventa, al menos en España, se debió en parte a que sus libros pertrecharon con una ética y una estética a una joven burguesía urbana e ilustrada que medraba y cogía confianza. Y que encontró en sus elegantes novelas lo que necesitaba: un espejo igualmente joven y favorecedor. Sus personajes vestían bien, discurrían mejor, tenían trabajos (y les pasaban cosas) interesantes, que a ratos rozaban lo excitantemente sórdido o peligroso. Hablaban idiomas, viajaban a sus anchas por las capitales europeas y por la de un país que se había sacudido la caspa y ya no era la eterna España Negra.

Hay artistas que tienen la oportunidad y el don (o el don de la oportunidad) para describir y crear a la vez un grupo social. Lo dotan de una imagen estilizada y aspiracional que sirve luego de contraseña entre sus miembros. Woody Allen se inspiró en los burgueses intelectuales del Upper West Side neoyorquino tanto como se los inventó. Coderch construyó las casas que dieron techo común y estilo de vida compartido a la burguesía ilustrada catalana. Marías permitió a la burguesía culta y progresista madrileña (menos visible y vendible que la barcelonesa, pero que haberla, hayla) palparse y reconocerse como clase en sus novelas. ¿Quién no habría querido vivir en una casa de Coderch, en una peli de Woody Allen, en una novela de Marías?

O ya puestos, y en el caso de los madrileños, ¿quién no habría querido vivir en el Madrid de Marías? Era un Madrid acomodado y discreto, educado, de profesiones liberales y abolengo republicano, que miraba con desprecio los excesos horteras de banqueros y advenedizos de los pelotazos noventeros (aunque no dejase de beneficiarse oblicuamente de ellos). Sus localizaciones eran siempre impecables y de buen tono, refinadas sin esfuerzo: las cenas en La Ancha, las copas en el Bar Hispano, las pernoctas en el Wellington, los paseos por el parque de Berlín. Y los pisos y casas por Almagro y El Viso, que uno intuía bien puestos: con muebles de Tiempos Modernos o por lo menos de La Oca, con vestidos de Sybilla en sus vestidores, probablemente con algún libro de Marías en sus mesillas de noche. Los personajes de sus novelas seguramente le leían, y uno al leerlas se volvía también un poco personaje de Marías.

Yo nací un año después de muerto Franco. Si sirvo como caso-tipo de lector de mi quinta, leí a Marías hacia los veinte y caí rendido y deslumbrado. Le hacía cosas inauditas al español, le daba una textura y un alcance nuevos, construía con él una voz y un mundo muy personal y a la vez capaz de interpelar a muchos. Los ejemplos son sabidos: el arranque de Corazón tan blanco es de los más poderosos de la literatura española; escenas como la de la muerte súbita en Mañana en la batalla piensa en mí se recuerdan para siempre como si le hubiesen pasado a uno mismo; la brillantez de las semblanzas literarias de Miramientos sigue brillando (acabo de comprobarlo por si acaso). Se me ocurre Álvaro Pombo como ejemplo de otro escritor que en ese momento luciese un brío y un pulso parecidos.

Con los años ese mundo se fue volviendo más autorreferencial y obsesivo, o quizá yo más impaciente y revirado: se me fueron quitando las ganas de leerle. No sé si seré el único lector suyo que se dio por vencido sin luchar ante los volúmenes sucesivos de Tu rostro mañana, o que leyó y luego olvidó totalmente Los enamoramientos y Berta Isla. El Reino y la Corte de Redonda se volvió una broma demasiado larga, y hasta el placer perverso de buscar su jeremiada dominical perdió la gracia.

Noto que los colegas de mi edad, a pesar de todo, lo mencionamos quizá con más aprecio y respeto que los que tienen diez o quince años menos. Uno recuerda siempre con cariño a los autores de los primeros deslumbramientos como lector adulto, quizá en una transferencia de la nostalgia por esa edad. Me parece que los más jóvenes conocieron sobre todo al personaje periodístico y al académico displicente, con muy poca sintonía con su manera de ver el mundo. Han leído (si las han leído) con poco entusiasmo y bastante incomprensión sus novelas. Quizá, volviendo al principio, porque esas novelas reflejan una clase y un mundo y una ilusión de seguridad noventeros que se desvaneció a la fuerza en los dosmiles, que los de mi quinta aún pillamos por los pelos pero que no se parece en nada al mundo en que ellos han tenido que foguearse. Creo que les parece un escritor de época, y eso es a la vez injusto e irremediable. Lástima que se pierdan lo que en sus novelas trasciende esa época: el tono, la inteligencia, la ductilidad de su prosa que tan excitantes resultaron entonces.

Desde mi casa, en Madrid, se ve el tejado del edificio donde estaba la suya. La luz de su balcón se quedaba encendida todas las noches, y al pasar se alcanzaba a ver el estante más alto de su biblioteca. Yo siempre miraba hacia arriba: Marías velaba y trabajaba, y ya no me acuerdo quién me contó que en broma la llamaban “la lucecita de El Pardo”. A veces, volviendo de fiesta a horas intempestivas, esa luz me hacía sentir algo culpable y a la vez me consolaba. Era un consuelo algo novelero, desde luego, pero suelen serlo las ficciones que mejor nos acompañan: él mismo lo diría. Al pasar bajo sus balcones por la noche echaré en falta la luz y la compañía.

Woody Allen no tiene redes sociales. Cuenta con una página de Facebook oficial que no maneja él y a la que no sabe entrar. Sin embargo, ha decidido abrirse una cuenta oficial de Instagram para hacer un ‘live’ con su amigo Alec Baldwin y promocionar su nuevo libro de relatos, Zero Gravity, donde recopila escritos breves y de tono humorístico. Algunos ya se publicaron en su momento en la época en la que escribía para The New Yorker, otros han nacidos durante la pandemia, una época en la que reconoció que había estado muy a gusto sin salir, tener que tomar decisiones ni relacionarse, solo dedicado a escribir y a disfrutar de su tiempo.

Pero la promoción es lo que tiene y Woody Allen tuvo que salir de su cueva para conectarse a internet. Si alguna vez escribiera una escena en la que una persona que no tiene redes sociales se conecta a Instagram por primera vez, se parecería mucho a lo que ocurrió en esta entrevista. Allen entró antes de tiempo, la cámara no le enfocaba toda la cara, y a los cinco minutos perdió la conexión. El director se convirtió en aquel hombre borroso al que daba vida Robin Williams en Desmontando a Harry. 

Baldwin comenzó a gritar palabras sueltas en español a alguien en su casa para que lo solucionaran. Woody Allen volvió… durante cinco minutos. Así hasta en tres ocasiones. El actor le pidió que buscara “la habitación con mejor wifi de la casa”, pero Allen y su ayudante decidieron que con abrir la puerta era más que suficiente. Lo fue y la entrevista pudo seguir su curso. Allen confesó que no sabía nada de redes sociales porque nunca le han “interesado los 'gadgets', ni las cámaras, ni las grabadoras”.

Al final del libro se habló más bien poco. Alec Baldwin le preguntó sobre el humor, sobre la dificultad de escribir su autobiografía, en la que dio lo mejor de sí para que “no fuera una sucesión de hechos como la Wikipedia”. “En Zero Gravity tuve que encontrar relatos que fueran divertidos y que espero que lo sean para la gente. Algunos tardé en escribirlos una semana, otros un par de días… pero es diferente, porque una autobiografía requiere más esfuerzo y tiempo. Alguien me dijo una vez que la diferencia de escribir una historia corta y una novela es que una novela puede ser diez veces más larga pero es 100 veces más difícil”, ha dicho y explicado por qué no escribe novelas. “Intenté escribir una pero no era buena, y uno de los motivos es que no era buen lector cuando era niño, y eso hizo que no supiera nada sobre novelas. Sé del show business, de películas, y en eso tengo instinto, pero no sé nada de literatura, ni de estructuras, ni de personajes… así que puedo escribir de forma divertida cosas cortitas”, zanjó. 

Baldwin también le preguntó por la dedicatoria a Soon Yi en este libro, que dice lo siguiente: “A Soon Yi, si Bram Stoker te hubiera conocido, hubiera escrito la secuela”. El director ha dicho que tras 25 años casados, cuando le escribe las dedicatorias es ella la que le pide que le ponga cosas “horribles”, así que en esta ocasión lo ha cumplido. “En la comedia, en los roast, la mejor forma de afecto es insultar a la otra persona, y lo he hecho porque ella lo entiende y lo quiere así. En mi vida he hecho millones de chistes sobre esposas, pero ninguno especialmente laudatorio”, ha añadido.

He hecho 49 películas, haré al menos una más, pero se ha perdido la emoción. Haré una o dos más y me dedicaré a escribir

Woody Allen — Director de cine

Allen reconoció que no toca bien su clarinete, y que si no fuera conocido por sus películas nadie iría a verle, pero que como es famoso le perdonan sus “horribles errores”. A pesar de ello practica todos los días y se siente mal porque haya gente con talento tocando en pequeñas salas de jazz mientras él toca en auditorios delante de miles de personas, pero también saca algo positivo de ello: “Si realmente amas algo y lo haces con sinceridad, hay una oportunidad”.

Fue en la parte del cine cuando Woody Allen se mostró pesimista y avanzó el final de su carrera. Un final que parece estar demasiado cerca. Se mostró triste porque las películas ya no aguanten en las salas y a las pocas semanas estén “en streaming o Pay per View, como sea, porque no tengo ninguna de ellas”. “He hecho 49 películas, haré al menos una más, pero se ha perdido la emoción. Antes sabía que haría una película, estaría en los cines en todo el país, la gente iría a verla en una gran pantalla, pero ahora en ocho semanas como mucho la tienen desde casa, y no es lo mismo, ya no es divertido para mí, ya no siento la misma diversión”, ha dicho con pesimismo y mostrándose triste porque los cines donde vio “a Fellini, Bergman y Truffaut están cerrando”. Por eso ha subrayado que hará “una o dos más” y luego se encerrará a escribir. 

Su amigo le ha intentado sonsacar si no veía ninguna serie en streaming y le ha recomendado Barry, pero Woody Allen ha vuelto a ratificar que ni tiene plataformas ni le interesan: “En casa veo el fútbol, el baseball y las noticias. No tengo tiempo para eso”. De su próxima película ha contado lo que ya se sabía: que será en París y que eso hará que él y Soon Yi estén unos meses fuera, algo que les encanta, porque sus experiencias rodando fuera “han sido refrescantes y brillantes”. Será la número 50, y puede que la última, aunque tratándose de Woody Allen nunca se sabe si su amenaza es otro chiste más.

En la ceremonia de los Óscar de 1978, Woody Allen copó los primeros premios por su película 'Annie Hall', la historia de una pareja formada por un comediante neoyorquino y su compañera sentimental, ambos aquejados por la neurosis neoyorquina de los tiempos modernos.

Fueron cuatro las estatuillas recibidas. Con todo, Woody Allen no asistió a la recogida de tan preciado galardón. Era lunes y Woody Allen tenía otro compromiso más importante: tocar el clarinete en un pub neoyorquino junto a su banda de jazz. Según cuenta en sus memorias, lo del concierto sólo fue una excusa. La verdad es que tampoco hubiese ido de tener el día libre. A Woody Allen no le gusta la idea de que se premien obras de arte que no se realizan con un “propósito competitivo”.

En una sociedad justa no existirían los premios y, por lo tanto, tampoco existirían los castigos; ambos son polos de una misma dialéctica. En una sociedad justa, la postura de Woody Allen con respecto a los Óscar no hubiese resultado una extravagancia, porque en una sociedad justa no existirían premios como los Óscar. Pero volvamos a la música, pues es de justicia señalar el buen gusto de Woody Allen a la hora de elegir canciones para la banda sonora de sus películas.

A Woody Allen no le gusta la idea de que se premien obras de arte que no se realizan con un "propósito competitivo

Desde 'Rhapsody In Blue' la pieza de George Gershwin que abría su película Manhattan, hasta el toque gitano de Django Reinhardt llevado a las seis cuerdas por Howard Alden en 'Acordes y desacuerdos', pasando por el Kurt Weill de la 'Ópera de los tres centavos' en un guiño al expresionismo germano que tituló 'Shadows and Fog', es decir, 'Sombras y niebla', de una a otra, en cada una de sus películas, Woody Allen revela su buen acierto musical. Si no se considera músico, es porque no quiere.

Aprendió a tocar el clarinete de pequeño, de forma autodidacta, llevado por una pasión musical que podría afirmarse como enfermiza. Lo primero que hacía nada más levantarse, antes de desayunar para ir al colegio, era encender la radio y pegar la oreja a los sonidos de la negritud que salían por el receptor. Eran los tiempos de Louis Armstrong, Billie Holiday y Woody Herman, el clarinetista que le sedujo hasta decidir cambiar su verdadero nombre –Allan Stewart Konigsberg– por el de Woody Allen. Antes del cine, vino la música.

Hay un documental titulado 'Wild man blues' que recoge las actuaciones de Woody Allen por Europa durante el año 1996 con su banda –New Orleans Jazz Band– donde toca el clarinete al estilo de Sidney Bechet. La gira pasó por Madrid, y Woody Allen se hospedó en el Hotel Palace, donde criticó la tortilla de patatas y las duchas. Fue durante esta misma gira, en la ciudad de Milán, cuando un apagón en pleno concierto le hizo seguir tocando junto a su banda, aplacando con su música la ira del dios Pan que, asombrado, decidió guardar la siringa del pánico y aplaudir a rabiar la música más libre del mundo.

Al otro día, los bomberos hicieron sentir a Woody Allen como un héroe, pues le dieron un homenaje en forma de placa. Parece ser que, al ir a recogerla, dijo: “Me pregunto qué estarán haciendo los cobardes esta noche”. Nadie se rió. Según él, fue por la diferencia del idioma. Estas y otras cosas nos las cuenta en su jugosa autobiografía que acaba de salir bajo el título: 'A propósito de nada' (Alianza).

Ya puestos, no está de más recordar que, en la banda sonora de 'Annie Hall', la actriz Diane Keaton interpreta 'Seems like old times', el clásico de la orquesta de Guy Lombardo, y lo hace con todo el bocado de nostalgia en su garganta. Para no ser menos, Frank Sinatra frasea con todo el gusto de su voz el tema principal de Casablanca: 'As time goes by'.

Para terminar, baste decir que hace unos años, en el homenaje de la Academia a la ciudad de Nueva York tras los ataques a las Torres Gemelas, Woody Allen apareció diciendo que, cuando le llamaron para participar, en un principio pensó que era para que devolviera los Óscar por 'Annie Hall' y entró en pánico, porque la casa de empeños lleva años cerrada.

En esta ocasión, como no había diferencia de idioma, la gente rió a carcajadas. Con ello, Woody Allen demostró, una vez más, que donde hay humor, siempre hay crítica.

El estreno mundial de la nueva película de Woody Allen, Rifkin’s Festival, inaugurará, fuera de concurso, la 68 edición del Festival de San Sebastián el próximo 18 de septiembre en el Auditorio Kursaal.

El filme, producido por The Mediapro Studio, Gravier Productions y Wildside, fue rodado el pasado verano en San Sebastián y otras localidades de Gipuzkoa. Narra la historia de un matrimonio estadounidense que acude al Festival de San Sebastián y queda prendado del festival, de la belleza y encanto de la ciudad y de la fantasía del mundo del cine. Ella tiene un affaire con un director de cine francés y él se enamora de una española residente en la ciudad.

Esta comedia romántica escrita y dirigida por Woody Allen cuenta en su reparto con Elena Anaya –Wonder Woman, La piel que habito–, Louis Garrel –J’accuse (El oficial y el espía), L’homme fidèle (Un hombre fiel)–, Gina Gershon –The Insider (El Dilema)–, Sergi López –A Perfect Day (Un día perfecto), El laberinto del fauno–, Wallace Shawn –Radio Days (Días de radio), Princess Bride (La princesa prometida), Marriage Story (Historia de un matrimonio)–, y Christoph Waltz –Spectre, Django Unchained (Django desencadenado) e Inglourious Basterds (Malditos bastardos)–.

Es la segunda vez que Allen inaugura el Festival de San Sebastián, tras la apertura en 2004 con Melinda and Melinda (Melinda y Melinda). Ese año el Festival le entregó el Premio Donostia y dedicó una retrospectiva a su obra, Conocer a Woody Allen. La relación con el cineasta neoyorquino se remonta a finales de los 70, cuando películas como Manhattan (1979), Zelig (1983) o Manhattan Murder Mystery (Misterioso asesinato en Manhattan, 1993) se proyectaron tanto en la Sección Oficial fuera de competición como en secciones paralelas. En 1995 la recién nacida Zabaltegi se inauguró con The Purple Rose of Cairo (La rosa púrpura de El Cairo). En los últimos años, varios de sus filmes han sido programados en Perlak: Match Point (2005), Vicky Cristina Barcelona (2008, con la que volvió a visitar el Festival, acompañado de Javier Bardem y Penélope Cruz), Whatever Works (Si la cosa funciona, 2009) e Irrational Man (2015).

Woody Allen, Premio Príncipe de Asturias a las Artes, ya era noticia hace escasas semanas por la publicación de A propósito de nada, una autobiografía que llega a nuestro país de la mano de Alianza Editorial, con traducción de Eduardo Hojman. Una obra que su editorial original, Hachette, se negó a publicar presionado por sus propios trabajadores, quienes realizaron un paro simbólico contra la empresa por dar voz al cineasta acusado de abusos sexuales. Un libro en el que el director de Desmontando a Harry  ofrece una lectura de su vida y su carrera ejerciendo una autocrítica indulgente consigo mismo, mucho más a ojos de la era post #MeToo. Rescatamos algunas historias de su juventud que, tal vez, no conocíamos antes de la publicación de este libro.

En el primer capítulo de la cuarta temporada de la serie The Good Fight, la protagonista se despierta en una realidad que no comprende. Todo le indica que la presidencia de Trump fue una pesadilla demasiado vívida que había tenido la noche anterior y que Hillary Clinton es la auténtica inquilina de la Casa Blanca. Pero pronto experimenta aquello que decía Santa Teresa de que hay más lágrimas por las plegarias atendidas que por las que no tienen respuesta.

Diane Lockhart descubre al llegar a su bufete que es la nueva representante de Harvey Weinstein, el famoso productor de cine. En esa dimensión, no existe el movimiento #MeToo, ni se toman demasiado en serio los rumores sobre acoso sexual que apuntan al magnate de Hollywood. Horrorizada, menciona como argumento el trabajo del periodista Ronan Farrow y su socio le pregunta incrédulo si se refiere a la investigación chapucera de la NBC. En esa realidad, Weinstein se ha salido con la suya y las mujeres no pueden decir nada: ya tienen una presidenta ¿qué más quieren?

Afortunadamente para las víctimas y, por qué no decirlo, para el periodista, esa historia es solo ficción aunque podría no haberlo sido. Farrow lo cuenta en su último libro titulado Depredadores que la editorial Roca acaba de publicar en España traducido por María Enguix Tercero. Un relato al detalle de cómo consiguió sacar adelante el reportaje sobre los abusos sexuales de Weinstein y otros poderosos estadounidenses como Matt Lauer —el presentador del programa televisivo de la NBC Today Show— pese a muchas dificultades.

La información sobre el escándalo de Harvey Weinstein publicada en la revista The New Yorker y que le valió el premio Pulitzer en 2018 —compartido con otros periodistas de The New York Times que también cubrieron la historia— es mundialmente conocida. De hecho, la última acusación de abusos sexuales al productor, que ya está en la cárcel con una condena de 23 años, se presentó hace apenas un mes.

El público ya sabía antes de que saliese el libro que la investigación de Farrow fue el detonante del movimiento de denuncia #MeToo, iniciado por las mujeres de Hollywood en 2017 y que después se extendió a trabajadoras de otras industrias. También conocía los nombres de las implicadas, las vejaciones a las que fueron sometidas y demás detalles escabrosos del escándalo, así que el libro tenía que ofrecer algo distinto. Y el periodista, ya convertido en estrella, hizo una apuesta segura: contar su propia historia.

Con buen olfato comercial o muy buenos asesores editoriales (posiblemente ambos) supo transformar lo que podría haber sido un informe solo interesante para periodistas aún creyentes en su profesión en un superventas. Un thriller de espionaje, periodismo, víctimas y pudientes magnates de más de 400 páginas que tiene como héroe a un famoso que se humaniza, aunque él ha dicho que no debe ser el foco de atención.

Según declaró en el programa de televisión de Rachel Maddow, haciendo alusión a su trabajo y al de la periodista Jodi Kantor de The New York Times “al final nosotros estamos al servicio de esas mujeres, que están haciendo algo muy duro, y espero que la gente oiga sus voces y se centre en eso”.

Su intención posiblemente fuese esa, pero inevitablemente en el libro el protagonista es él, un joven y aguerrido periodista que lucha junto a su compañero Rick McHugh por sacar una verdad a la luz. Contra ellos está el malvado poderoso que intenta tumbar la historia con dinero, presiones e incluso espías israelíes. Alguien le recomienda que se compre una pistola, una amiga le deja un piso seguro y guarda documentos en una caja fuerte. Cuando la compañía de televisión le da vía libre para llevarse la historia a otro medio, entra por las puertas de la prestigiosa The New Yorker y da el salto de gracia. La serie basada en el libro está tardando en llegar.

Aunque puede haberle metido algo de literatura a la trama para hacerla un poco trepidante, constantemente deja claro que los hechos y las declaraciones fueron debidamente contrastados antes de la publicación del artículo. Junto a él trabajaron el editor de la revista David Remnick, su equipo de verificadores y su departamento jurídico. No se pueden dejar flecos sueltos en una historia de tal calibre y la publicación neoyorquina goza de una reputación intachable.

Sin embargo, el pasado 17 de mayo, The New York Times publicó un artículo firmado por el columnista Ben Smith titulado ¿Es Ronan Farrow demasiado bueno para ser verdad?. En él se intenta desmontar el libro de Farrow, poniendo en duda la verificación de algunas fuentes y dejando caer que quizás algunas cosas no pasaron exactamente como las narra.

“Mr. Farrow, 32, no es un cuentista. Sus informaciones pueden ser confusas, pero no se inventa cosas. Sin embargo, su trabajo revela la debilidad de un tipo de periodismo que ha prosperado en la era de Donald Trump: si los reporteros nadan hábilmente siguiendo las mareas de las redes sociales y producen información perjudicial sobre las figuras públicas que no gustan a las voces más potentes, las viejas reglas de equidad y mentalidad abierta pueden parecer más impedimentos que imperativos periodísticos esenciales”, sentencia Smith.

La reseña revela bastante inquina contra el periodista, aunque no es de extrañar que suscite recelos o envidias. Actualmente es uno de los periodistas de investigación más famoso de Estados Unidos, tiene un contrato de tres años con la HBO para producir documentales y se codea con famosos. Además —y aunque Smith puntualiza que él no trabajó en él— el artículo del Times sobre Weinstein quedó sepultado por el de Farrow.

De hecho, el autor cuenta en el libro cómo el miedo a que el periódico lo publicara antes se desvaneció al leerlo y ver que aportaba una información más floja que la suya. Poco después, The New Yorker lanzó el de Farrow y se llevó la gloria. Quizás la herida aún escueza.

Una vida en primera plana

La trayectoria de Ronan Farrow es excepcional, aunque eso también se sabía antes del boom de su artículo y posterior libro. Hijo biológico de Mia Farrow y Woody Allen (aunque en 2014 su madre dejó caer que quizás su padre fuese Frank Sinatra e Internet está llena de fotos comparándolos) ha sido famoso desde que nació en 1987.

Acudió a un colegio para niños superdotados, con 15 años se licenció en filosofía y posteriormente en derecho por la Universidad de Yale. Trabajó para el Departamento de Estado en Pakistán y Afganistán y fue asesor de Hillary Clinton. Antes de trabajar para la NBC en el departamento de reportajes de investigación había escrito para medios como The Washington Post y había tenido su propio programa de televisión.

Su nombre ha salido más de lo que él habría querido en los tabloides. Su hermana Dylan acusó a Woody Allen de haber abusado de ella cuando tenía siete años e inevitablemente el caso se publicó en todos los medios. Y, para colmo, el director de cine se casó con otra de sus hermanas, Soon Yi, hija adoptiva de Farrow.

Las acusaciones de Dylan nunca llegaron a probarse —el proceso fue largo, estuvo lleno de reproches públicos, abogados, detectives y demás enredos— y hasta hace unos años, Ronan intentó desvincularse de toda la historia. Como cuenta en el libro, le pidió varias veces a Dylan que pasara página y lo olvidase todo.

Sin embargo, cuando empezó a hablar con las fuentes de su reportaje sobre Weinstein y el resto de depredadores, se puso en contacto con su hermana para pedirle consejo y según avanzaba en su trabajo, más empatizaba con ella. Tanto, que la animó a retomar la historia y llevarla a los medios.

El último encontronazo público con su padre —al que en el libro llama Woody Allen, como si no fuesen familia—, fue con motivo de las memorias del cineasta. La editorial que las compró en un principio, Hachette, es la misma que publicó el libro de Farrow, quien expresó públicamente su incomodidad. Además, un grupo de trabajadores amenazó con dimitir si la empresa seguía adelante, así que fue Arcade Publishing la que finalmente se hizo con ellas.

La editorial Roca tiene pensado publicar próximamente War on Peace, otro superventas que escribió antes que Depredadores. Él sigue escribiendo en The New Yorker, trabajando con HBO y ganando seguidores en Twitter. Mientras tanto, su público está a la espera de una nueva exclusiva sobre algún famoso acusado de abusos sexuales, su especialidad.