Un touchdown de otra galaxia. El universo de Star Wars dará el salto al fútbol americano con una retransmisión especial de la Super Bowl LXI, que se celebrará el 14 de febrero de 2027. La NFL y Disney llevarán la saga de ciencia ficción a una experiencia audiovisual que permitirá seguir el encuentro mediante avatares animados de los jugadores y personajes emblemáticos de la franquicia creada por George Lucas. La iniciativa, denominada Star Wars Funday Football, busca captar nuevos seguidores mediante el espectáculo deportivo sumado a una de las cintas más reconocidas del mundo.

La propuesta recreará en tiempo real las acciones del partido a través de una versión animada del encuentro. Los jugadores aparecerán representados mediante avatares, mientras que distintos personajes de la saga se integrarán en la retransmisión. La experiencia también contempla recreaciones animadas de integrantes del público y del personal presente en el evento, con el objetivo de trasladar el ambiente de la Super Bowl al universo visual de la franquicia.

Entre los nombres vinculados a esta edición figura Anthony Daniels, el actor que interpreta a C-3PO desde la película original de 1977. Además, Darth Vader entrevistará a pie de campo a los protagonistas del Gran Baile según el comunicado oficial. Por el momento, no se ha anunciado la lista completa de personajes que aparecerán ni se han detallado todos los elementos de la emisión, algo que Disney prevé informar a medida que se acerque la fecha.

Un nuevo episodio dentro de la saga de Disney

Star Wars Funday Football forma parte de una estrategia que Disney lleva desarrollando desde 2023 para acercar sus franquicias al público mediante retransmisiones animadas. La compañía ya ha organizado tres ediciones anteriores de este formato, que combina las jugadas de un partido con una recreación audiovisual protagonizada por personajes de películas y series de animación.

El estreno de este formato llegó en 2023 con Toy Story, durante el encuentro entre los Atlanta Falcons y los Jacksonville Jaguars. La retransmisión trasladó al terreno de juego a personajes como Woody y sus compañeros y obtuvo tres premios Emmy Deportivos, un reconocimiento que contribuyó a consolidar la propuesta como una alternativa de entretenimiento dentro de la cobertura deportiva.

En 2024, el protagonismo pasó a Los Simpson, que acompañaron el partido entre los Cincinnati Bengals y los Dallas Cowboys. Un año después, en 2025, Pixar tomó el relevo con Monstruos S.A., durante el encuentro entre los Philadelphia Eagles y Los Angeles Chargers. La incorporación de Star Wars supone ahora un nuevo paso en esta fórmula, al recurrir a una saga con personajes reconocibles, escenarios espaciales y una larga trayectoria cinematográfica.

El acuerdo contempla su distribución en 55 territorios teniendo presencia en los mercados de Estados Unidos, Brasil, Nueva Zelanda y Sudáfrica. Por ahora no hay confirmación sobre su disponibilidad en España, donde la emisión de los partidos de la NFL depende de los acuerdos de distribución y de los derechos audiovisuales correspondientes.

Una celebración que coincide con el 50.º aniversario

La elección de Star Wars también coincide con una fecha destacada para la franquicia. En 2027 se cumplirán 50 años del estreno de la película original, dirigida por George Lucas y estrenada en 1977. Además, el calendario incluye otro acontecimiento relacionado con el aniversario.

El 19 de febrero de 2027, apenas cinco días después de la Super Bowl LXI, una versión restaurada de la película original de Star Wars volverá a los cines. La coincidencia permitirá conectar la retransmisión deportiva con el regreso a la gran pantalla de la obra que dio origen a la franquicia y que ahora busca ganar yardas a través de una galaxia muy, muy lejana.

En 2002, la Academia de Hollywood entregó por primera vez en su historia el Oscar a Mejor Película de Animación. Hasta ese momento, los premios más prestigiosos del cine no tenían una categoría dedicada únicamente a los largometrajes de dibujos animados. Así, la noche del 24 de marzo de aquel año, Shrek, producida por DreamWorks, se alzó con la primera estatuilla.

Sin embargo, la animación ya había logrado colarse entre las grandes producciones de Hollywood mucho antes de que existiera ese premio. Diez años antes, un largometraje de Disney había conseguido algo que parecía reservado al cine de actores reales: competir por el Oscar a Mejor Película. 

Hablamos de La bella y la bestia, uno de los clásicos de la franquicia que se estrenó en cines en 1991 y que hizo historia al convertirse en la primera película de animación en aspirar al galardón principal de la Academia. En la gala de 1992, el filme se enfrentó a otras cuatro grandes producciones cinematográficas.

Bugsy, el drama biográfico sobre el mafioso Benjamin Siegel; JFK, el thriller político de Oliver Stone sobre el asesinato del presidente estadounidense John F. Kennedy; El príncipe de las mareas, un drama familiar dirigido y protagonizado por Barbra Streisand; y El silencio de los corderos, el inquietante thriller de Jonathan Demme. Fue esta última la que finalmente consiguió la estatuilla.

Aunque La bella y la bestia se quedó sin el galardón más importante de la noche, su nominación ya había marcado un antes y un después en la industria de la animación. El éxito y reconocimiento de esta película, sin embargo, empezó meses antes, cuando su estreno en los cines conquistó tanto al público como a la crítica.

Un clásico de Walt Disney

Con un presupuesto estimado de 25 millones de dólares, la película dirigida por Gary Trousdale y Kirk Wise recaudó alrededor de 451 millones en todo el mundo a lo largo de sus diferentes estrenos y reestrenos. La historia sobre la princesa Bella y su relación con el príncipe convertido en “bestia” conquistó al público, pero también a la crítica.

El filme, que no finalmente consiguió el Oscar a Mejor película, no se fue a casa con las manos. La bella y la bestia ganó el premio de la Academia a Mejor banda sonora (Alan Menken) y Mejor canción original por Beauty and the Beast. En los Globos de Oro, además de estos reconocimientos, también consiguió el galardón a Mejor película de comedia o musical.

Hasta ahora, solo tres películas animadas han sido nominadas a la categoría principal de los Oscar. Up (2009) y Toy Story 3 (2010), también de Disney, son las otras dos.

La inteligencia artificial está cambiando nuestras vidas y transformando numerosos sectores, incluido el cinematográfico, y su utilización en las películas de animación amenaza el futuro del trabajo artístico. En este contexto, Disney ha aclarado qué papel puede desempeñar esta tecnología en sus producciones. Roy Conli, uno de los productores de Hechizo: Bienvenidos a Hexe, la nueva película del estudio que llegará a los cines el 27 de noviembre, ha defendido que, aunque algunas herramientas de edición pueden incorporar inteligencia artificial, las imágenes que aparecen en pantalla son obra de artistas humanos.

“Cada uno de los fotogramas lo realiza un artista, y creo que eso es importante”, ha asegurado Conli durante un encuentro con medios de comunicación celebrado en Madrid. El productor, con 33 años de trayectoria en Disney, ha querido diferenciar el uso de nuevas herramientas tecnológicas del proceso de creación artística que caracteriza a las películas del estudio.

“Es posible que utilicemos algo de IA en algunas de las herramientas de edición con las que contamos, pero en lo que respecta al arte que se ve en pantalla, es obra de personas”, ha explicado. Sus declaraciones dejan abierta la posibilidad de emplear inteligencia artificial en determinadas fases técnicas, aunque no ha detallado qué herramientas concretas se utilizan ni qué tareas realizan.

Del dibujo a mano a la inteligencia artificial

Conli conoce de primera mano la evolución tecnológica de Disney. A lo largo de su carrera ha participado en producciones como El jorobado de Notre Dame, Hércules, Tarzán y El planeta del tesoro, además de trabajar en películas de animación tridimensional como Enredados y Big Hero 6.

“La animación de Disney tiene un ADN que se remonta al dibujo a mano”, ha señalado el productor, que considera que las nuevas tecnologías han transformado progresivamente la manera de contar historias. Según explica, cada época cinematográfica presenta características propias que permiten reconocer cómo ha evolucionado el lenguaje audiovisual.

Para ilustrarlo, recuerda sus primeros años en la industria, cuando el montaje se realizaba cortando físicamente los rollos de película. “Cuando empecé, el montaje se hacía cortando el rollo de película con cuchillas”, explica.

La posterior llegada de la edición digital supuso una transformación importante. “Muy pronto empezamos a pasar al montaje digital, lo que cambió la forma de contar una historia, y creo que siempre hay que utilizar las herramientas que hay disponibles”, sostiene. Para Conli, esta evolución demuestra que la incorporación de tecnología no tiene por qué eliminar la participación humana.

Más de 700 profesionales detrás de la nueva película

La defensa del trabajo artístico también se refleja en las dimensiones de Hechizo: Bienvenidos a Hexe. Más de 700 personas han participado en su producción, una cifra que, según Conli, demuestra el “carácter colectivo” de las películas animadas.

“Creo de verdad que la animación es magia. De la nada, surge algo. Aunque puede que tardes cuatro años”, ha comentado el productor, que destaca cómo cada profesional introduce detalles y aportaciones que enriquecen el resultado.

La película cuenta la historia de Billie, una adolescente que descubre que posee poderes mágicos y acaba viajando hasta Hexe, un reino habitado por brujas. Allí deberá colaborar con su madre, Alice, para descubrir secretos familiares que podrían transformar ese mundo.

Conli explica que la historia gira alrededor del potencial de cada persona y de la importancia de desarrollarlo. Su intención es que la película consiga “aportar un poco de alegría a este mundo tan loco en el que vivimos”.

El oso que ama la miel más que nada y que vive en el Bosque de los Cien Acres con sus amigos. Ese es Winnie the Pooh, un personaje que ha protagonizado la infancia de varias generaciones y que Disney se encargó de hacer mundialmente famoso, y que este 2026 cumple 100 años desde que tuviera su primera publicación oficial.  

Pero su historia comenzó mucho antes, con un origen en una osa real del Zoológico de Londres que fue la más famosa, y con un homenaje del autor a la infancia de su hijo, dando vida a sus peluches través de la literatura. 

El origen de Winnie the Pooh 

Oficialmente, Winnie the Pooh como personaje literario nació en 1926, cuando se publicó un libro del mismo nombre escrito por el autor británico A.A Milne, con ilustraciones de E.H Shepard. Sin embargo, el oso ya había aparecido en el Evening News de Londres en 1925 como parte de una historia infantil. 

Milne tomó directamente como inspiración la colección de peluches de su hijo, con los nombres reales que estos habían tomado: Pooh, Piglet, Igor, Buho, Conejo, Cangu y Rito, todos ellos acompañados por Christopher Robin, el nombre verdadero del hijo del escritor.  

Winnie the Pooh tenía, además, una inspiración real, la de la osa Winnie, que fue uno de los animales más famosos del Zoológico de Londres durante la primera mitad del siglo XX. Había llegado al lugar desde Canadá como donación del Cuerpo de Veterinaria del Ejército Canadiense durante la Primera Guerra Mundial.  

Dos años después de la publicación del primer libro, se incluyó al personaje de Tigger, uno de los que acabó siendo uno de los más populares, exactamente en el segundo libro que se tradujo como ‘El osito Winnie y la casita de Igore’. El éxito hizo que llegaran a ser protagonistas de una serie de seis libros y todos ellos con ilustraciones de E.H Shepard. 

Mundialmente famoso con Disney y reinterpretación tras libre de derechos 

Winnie the Pooh y sus amigos llegaron a ser todavía más populares cuando Disney adquirió los derechos en 1960. El oso debutaría en 1966 con un corto que sería el punto de partida para una serie de películas, y con su ‘live action’ propio, “Christopher Robin”, protagonizada por Ewan McGregor. 

Disney sería el que haría famoso a Pooh como ha transcendido en la cultura popular, solo vestido con una camiseta roja. En 2023, cuando su imagen dejó de estar sujeta por derechos de autor, el personaje vivió una serie de reinterpretaciones, algunas de lo más peculiares, como el que se usara en un panfleto en Texas para educar a los estudiantes en qué hacer en caso de tiroteo. 

De hecho, también tuvo hasta una película de terror de bajo presupuesto llamada ‘Winnie the Pooh: miel y sangre’, donde fue un villano armado con un cuchillo que aterroriza a todos, y que resultó ser todo un éxito de taquilla que revolucionó a la industria. 

Desde que La maldición de la Perla Negra llegó a los cines en 2003, la saga de Piratas del Caribe no puede entenderse sin los actores que formaron su reparto y que se convirtieron en las caras visibles de aquella historia. Johnny Depp (Jack Sparrow), Orlando Bloom (Will Turner) y Keira Knightley (Elizabeth Swann) son, quizá, los primeros nombres que se nos vengan a la cabeza.

Pero la saga de películas basada en clásicos mitos y leyendas de los mares dejó otras grandes actuaciones para la posteridad, como la de Geoffrey Rush. El actor australiano interpretó al personaje de Héctor Barbossa, uno de los grandes antagonistas (y posteriormente aliados) de Jack Sparrow en las películas.

En total, Rush interpretó al capitán Barbossa en cinco largometrajes de la saga: La maldición de la Perla Negra (2003), El cofre del hombre muerto (2006), En el fin del mundo (2007), En mareas misteriosas (2011) y La venganza de Salazar (2017). Diez años después de su última aparición, el actor no descarta volver a trabajar en este universo de piratas.

Así lo reveló él mismo durante la celebración del Festival Internacional de Cine de Toronto. “Creo que ya ha habido una pausa suficientemente larga”, compartió en un encuentro con la revista Entertainment Weekly. El actor reflexionó entonces sobre la posibilidad de regresar a la franquicia, pero advirtió que cualquier regreso tendría que estar justificado por la historia.

“Me sacrifiqué por mi hija. No quiero que resulte demasiado cursi ni demasiado fácil, que vuelva y diga: ‘Dame otro sueldo’. Respeto la magnitud de la ópera que se ha creado prácticamente durante estos 20 años”. El personaje de Barbossa murió no una, sino dos veces durante la trama de Piratas del Caribe, pero Rush no cree que ahí haya ningún problema.

“Veo a Shakespeare y en cómo el padre de Hamlet regresa como un fantasma, y pienso que eso podría ser real”. Y añadió: “Requerirá un buen guion, pero solo para volver y molestar a Jack Sparrow una vez más, ¿sabes? Incluso diría que se podría pedir a los fans que escriban lo que les gustaría que sucediera”. 

La vuelta de ‘Piratas del Caribe’

Tras el éxito de aquellos largometrajes, Disney planea ahora un reinicio de esta franquicia, que se convertirá en una realidad a través de Piratas del Caribe 6. Del proyecto cinematográfico se sabe más bien poco, aunque su historia podría girar alrededor del personaje del hijo de Jack Sparrow y de un personaje femenino que se espera que esté interpretado por la actriz Margot Robbie.

Actualmente se asocia Disney con un gran imperio en la animación, en el cine y en el entretenimiento en general, pero después del fallecimiento de Walt Disney en 1966, la empresa atravesó uno de sus momentos más complicados, que recibió el nombre como el de la ‘época oscura’, que incluyó dos décadas y donde hubo una crisis creativa, pero también sonados fracasos de taquilla que tanto acaban con las películas de dibujos.

Pero esto al final no llegó a suceder, y aunque el resurgimiento superior de la segunda ‘era dorada’ en los años 90 de Disney se atribuye habitualmente a ‘La Sirenita’, hubo una película fundamental que fue el verdadero salvavidas, y esa fue ‘Basil, el ratón superdetective'.

La película que salvó los estrenos de animación en Disney

En el verano de 1986, hace cuatro décadas, llegaba a los cines de los Estados Unidos y gran parte del mundo, un título Disney que no había hecho mucho ruido y que con el paso del tiempo se ha convertido en una de esas llamadas ‘joyas olvidadas’. Hablamos de ‘Basil, el ratón superdetective’ (en inglés ‘The Great Mouse Detective’), que se estrenó un 2 de julio, en España el 5 de diciembre, para Navidad.

Dirigida por Ron Clements, Burny Mattinson, David Michener y John Musker, la película estuvo basada en una serie de novelas escritas por Eve Titus entre 1971 y 1982, aunque tiene también claros guiños a Sherlock Holmes. Un detalle que, sin embargo, penalizaría su desarrollo.

Y es que tan solo un año antes de su estreno, Disney tuvo un fracaso de taquilla como fue ‘El secreto de la pirámide’, que estaba planteada para que fuera el inicio de una franquicia alrededor de un joven Sherlock Holmes. Esto hizo que cambiaran de título, del provisional ‘Basil of Baker Street’ a ‘The Great Mouse Detective’ definitivo, con el que se quiso además reducir el componente británico, pero que enfadó al estudio por considerarlo muy general.

Por si fuera poco, ese mismo 1985 sucedió otro de los sonados fracasos de Disney, ‘Tarón y el caldero mágico’, que se ha convertido en un clásico de culto, pero que apenas recaudó la mitad de su presupuesto, lo que hizo que llegaran rumores de que desde Disney querían abandonar la parte de los estrenos animados en el cine.

Los platos rotos de estos fracasos tan solo un año antes hicieron que el proyecto de ‘Basil, el ratón superdetective’ se tambaleara: su presupuesto se redujo a la mitad, costando de los 24 iniciales a los 14 millones de dólares finalmente, además de que adelantaron su estreno, lo que se puede apreciar en la animación faltada de pulir y en escenas recortadas o eliminadas.

La paciencia tuvo resultado de lujo: ‘La Sirenita’

Como hemos mencionado, la película llegó finalmente a los cines de Estados Unidos un 2 de julio, y aunque solo recaudó 3 millones de dólares en su primer fin de semana, tuvo un buen recorrido a largo plazo y llegó a obtener 25 millones de dólares de recaudación, casi el doble de su presupuesto, además con buenas críticas, lo que resultó en un éxito modesto.

Fue así, pero fue suficiente para que Disney desechara la idea de abandonar el estreno de películas animadas en el cine y que siguiera apostando por él. Esto dio como resultado que se aprobara otro proyecto que Ron Clements y John Musker, dos de los directores de ‘Basil, el ratón superdetective’, tenían entonces entre manos: ‘La Sirenita’, cuyo título sería el inicio de una segunda ‘época dorada’ para la factoría.

Anne Hathaway quería contar con Julie Andrews en Princesa por sorpresa 3 y reconoció que el equipo de la película hizo todo lo posible para conseguirlo. “Presionamos mucho para ver si ella querría hacerlo”, explicó la actriz en una entrevista con Entertainment Tonight, después de que Andrews confirmara que no retomará el papel de la reina Clarisse Renaldi. Hathaway mantiene, pese a todo, la puerta abierta a un cambio de opinión: “Si cambia de idea, estamos dentro”, aseguró al hablar de la posibilidad de recuperar a quien fue una de las figuras fundamentales de las dos primeras entregas.

La insistencia no implica que Hathaway pretenda cuestionar la decisión de su antigua compañera. “También queremos ser respetuosos”, puntualizó antes de reivindicar la trayectoria de Andrews y su aportación al entretenimiento. “Lo que ella quiera, lo entendemos perfectamente”, añadió. Por ahora, por tanto, la veterana intérprete no participará en la tercera entrega, aunque Hathaway ha dejado claro que estarían dispuestos a contar con ella si reconsiderase su postura.

Andrews explicó su decisión situando precisamente a Mia en el centro de esta nueva etapa. “Creo que la historia tiene que continuar con la princesa Mia. Es su historia. En realidad, no es la mía”, señaló en declaraciones para el medio Today. La actriz destacó que el argumento de la tercera película sigue un camino diferente al de las anteriores y cree que, a sus 90 años, ha llegado el momento de dejar atrás a Clarisse. En otra entrevista también matizó que no está completamente retirada, pero que actualmente concentra su actividad profesional en otros trabajos, como la escritura de libros, los pódcast y las interpretaciones de voz.

Una nueva etapa para Mia Thermopolis

Hathaway interpretó por primera vez a Mia Thermopolis en Princesa por sorpresa, estrenada en 2001 bajo el sello de Disney, mientras Andrews encarnaba a su abuela, la reina Clarisse. Ambas volvieron a compartir pantalla en Princesa por sorpresa 2: Compromiso real, que llegó a los cines en 2004. Más de dos décadas después de aquella secuela, la tercera entrega recuperará a Mia cuyo guión ha sufrido cambios, tal y como revelaba la propia actriz hace unas semanas, durante la gira de promoción de la película La Odisea.

Hathaway dejaba claro que esa distancia temporal será uno de los elementos que tendrán en cuenta para el regreso. La actriz es consciente de que muchas de las espectadoras que descubrieron la primera película siendo niñas son ahora adultas e incluso madres, y quiere que puedan acercarse de nuevo a ese universo acompañadas de sus propios hijos.

La presión que acompaña al proyecto tampoco es nueva. En abril, Hathaway reconoció que las expectativas alrededor de Princesa por sorpresa 3 son “muy, muy altas” y que recuperar la franquicia obliga a acertar con el resultado. Por eso insistía en la necesidad de tomarse el tiempo necesario para construir adecuadamente la película y expresó su confianza en el equipo que trabaja en ella. Meg Cabot, autora de las novelas juveniles que inspiraron la saga cinematográfica, también ha leído el guion y se ha mostrado entusiasmada con él.

Un regreso marcado por las ausencias

Para Hathaway, volver a Mia supone además regresar al personaje que marcó sus comienzos en Disney. Al recordar recientemente aquella etapa, la actriz destacó el papel que desempeñó Garry Marshall, director de las dos primeras películas y fallecido en 2016. Hathaway explicó que el cineasta confió en ella cuando todavía era una intérprete joven para compartir pantalla con una figura como Andrews y recordó el cariño, la comprensión y la seguridad que encontró trabajando a sus órdenes. La tercera película se hará así sin dos nombres estrechamente ligados a las entregas originales: Marshall detrás de las cámaras y Andrews como Clarisse.

A principios de 2014, España no alojó una, sino dos superproducciones de Hollywood. El rodaje de Exodus, de Ridley Scott, recorrió algunas zonas de Almería y Fuerteventura, mientras que Brad Bird, director de clásicos de animación como Los increíbles o Ratatouille, aterrizó en la ciudad de Valencia para rodar algunas escenas de una de las grandes apuestas de Walt Disney Studios de entonces.

Hablamos de Tomorrowland: El mundo del mañana, una película de ciencia ficción que llegó a cines un año después y que se acabó convirtiendo en uno de los mayores fracasos financieros del estudio de Mickey Mouse. El largometraje incluía a estrellas de renombre como George Clooney y Hugh Laurie, pero ni siquiera eso fue suficiente para conquistar a la audiencia en la taquilla.

La trama seguía a Casey Newton (Britt Robertson), una joven que un día encuentra misterioso objeto que le permite ver un misterioso lugar llamado Tomorrowland donde hay una sociedad avanzada, con impresionantes robots y edificios futuristas. La joven decide entonces ponerse en contacto con un inventor (George Clooney) para intentar descubrir los secretos de este sitio y salvar a la humanidad de sus peligros.

El rodaje de la película empezó en la ciudad canadiese de Enderby, aunque también se filmó en otras del país como Vancouver y Surrey. Lo que muchos no recuerdan de esta producción de hace más de diez años es que su equipo también hizo parada en España, concretamente en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, para rodar algunos momentos.

El rodaje en Valencia

La arquitectura futurista de Santiago Calatrava de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia fue el lugar elegido para recrear parte del universo de la película. El contrato entre Disney y el espacio incluyó el permiso para rodar en el Museo Príncipe Felipe, un lago próximo al Ágora, el paseo que hay entre el Palau de les Arts y el Hemisfèric, y la zona de acceso principal a la ópera.

Bird y los suyos desplazaron desde Hollywood hasta la capital valenciana a un total 145 personas, donde llegaron a rodar con hasta 500 extras entre el 19 y el 26 de enero de 2014. Además, al equipo de Estados Unidos se sumaron más de 140 profesionales españoles, así como varias empresas auxiliares y de catering que dieron apoyo los días que duró el rodaje.

Uno de los acuerdos a los que llegaron ambas partes es que el estreno en España tenía que ser en Valencia y, a ser posible, en un edificio del complejo arquitectónico donde se habían rodado aquellas escenas. Disney cumplió su promesa y, en mayo de 2015, unos días antes de que el filme se lanzara en cines, George Clooney, Brad Bird y Britt Robertson presentaron Tomorrowland en la Ciudad de las Artes y las Ciencias.

La aparición de un nuevo mensaje de Harrison Ford sobre Indiana Jones, uno de sus personajes más icónicos, hizo que muchos pensaran que el actor iba a enfundarse de nuevo en el papel del arqueólogo a sus 84 años, pero lejos de eso, fue otra noticia la que se encargó de anunciar en la convención bianual de D23 en la que Disney presentó sus nuevos proyectos.

En ella, Disney y Harrison Ford anunciaron que Indiana Jones tendrá una nueva aventura, pero esta no será en cines, sino en el parque de atracciones de DisneyWorld de Orlando, en Florida, Estados Unidos.

La nueva aventura de Indiana Jones en DisneyWorld

Indiana Jones regresa tres años después de la última película ‘Indiana Jones y el dial del destino’, pero no en un nuevo largometraje, sino en un parque de atracciones como una de las próximas grandes atracciones que se van a estrenar en el parque DisneyWorld de Orlando, Florida.

Y en esta ocasión, Harrison Ford también volverá a dar vida a Indiana Jones, pues se encargará de prestar su imagen y voz, tal y como el mismo anunció este fin de semana en la convención bianual de Disney D23, con un mensaje grabado emitido entonces.

Así, Ford será el modelo para la creación del animatrónico del célebre personaje para ‘Indiana Jones y el mito de la serpiente de Jade’, el título que llevará la atracción que tendrá por primera vez al actor como la imagen oficial en un parque temático Disney.

El veterano contó que el miedo característico del arqueólogo a las serpientes será uno de los elementos principales de la historia, a la vez que añadió que le “entusiasma que vean su próxima aventura épica” y que tiene previsto visitarla.

La nueva atracción de Indiana Jones junto a una de ‘Encanto’

Esta atracción que trae la nueva aventura de Indiana Jones se situará en Animal Kingdom, que es uno de los cuatro grandes parques dentro de Walt Disney World, donde ya se sitúa ‘Avatar Flight of Passage’ que es un simulador de vuelo 3D basado en el mundo de Pandora de la saga de James Cameron.

Dentro de Animal Kingdom, ‘Indiana Jones and the Myth of the Jade Serpent’ estará en el área ‘Tropical Americas’, que es una nueva zona que sustituirá a DinoLand USA, y donde se ubicará también una nueva atracción que se inspirará en la película ‘Encanto. La fecha de inauguración prevista es durante el año 2027.

En la atracción de Indiana Jones, los visitantes acompañarán al icónico arqueólogo hasta el interior de un templo maya situado junto a un cenote, y pronto se verán arrastrados hacia un portal que les lleva al inframundo, lleno de murciélagos, escorpiones gigantes, fuego y también serpientes, las grandes protagonistas.

La amenaza dentro de la atracción es Tsukán, una criatura mitológica con rasgos de serpiente y de caballo que es guardiana de cenotes, grutas y ríos, inspirado en el folclore mexicano. Se espera que para su creación los animadores de Disney creen un espectáculo animatrónico que rivalice con el mismísimo Indiana Jones.

Es uno de los éxitos no animados más rentables y consolidados de Disney y prepara su regreso con una tercera película casi dos décadas después. ‘Princesa por sorpresa’, como se conoció en España ‘The Princess Diaries’, cumple 25 años desde su estreno en el verano de 2001, aunque en las salas españolas no llegó hasta finales de ese mismo año.

Con un presupuesto de 26 millones de dólares, la película fue todo un éxito masivo porque logró multiplicar en más de seis veces su inversión inicial al recaudar un total de 165,3 millones de dólares a nivel mundial. Pero fue también el debut de Anne Hathaway y el regreso a la gran pantalla de Julie Andrews y uno de los mayores éxitos pop de Disney.

La película que convirtió a Anne Hathaway en estrella de Hollywood

Estrenada el 3 de agosto de 2001 en los cines de Estados Unidos y el 14 de diciembre de ese mismo año en España, ‘Princesa por sorpresa’ se convirtió en uno de los mayores éxitos de la cultura pop adolescente. Lo que pocos conocen es que la historia no es original, sino que está basada en la novela del mismo nombre escrita por Meg Cabot en el 2000, y que se convirtió en una saga de un total de 10 libros, lo que supone que hay material para rato porque solo dos han sido adaptados al cine.

En la primera película conocemos a Mia Thermopolis, una adolescente que vive en San Francisco y que descubre de forma sorprendente que es la heredera del trono de Genovia, un país pequeño en Europa entre Francia y España, y que se considera está inspirado en Mónaco. Un papel que interpretó Anne Hathaway, que no solo vivió su primer gran éxito comercial, sino también su debut en la gran pantalla con solo 18 años, lo que también la convirtió en un icono de la cultura pop juvenil de los 2000.

Después de ‘Princesa por sorpresa’, Hathaway fue escalando en su trayectoria con proyectos como ‘Ella Enchanted’ en 2004, ‘Brokeback Mountain’ en 2005 o ‘El diablo viste de Prada’ en 2006, que fue su definitivo estrellato y a cuya saga ha vuelto de forma reciente. Ella, sin embargo, no había sido la primera opción, pues para el papel protagonista también se plantearon nombres como Sarah Michelle Gellar, Rose McGowan, Alyssa Milano, Kirsten Dunst, Kate Hudson, Jessica Biel, Cameron Diaz, Alicia Silverstone, Reese Witherspoon o Amanda Bynes. Fueron las nietas del director Gary Marshall las que al ver a la actriz la vieron como perfecta para el papel por tener un “pelo de princesa” y esto supuso que tuvieran un guiño, apareciendo en el filme como las niñas que le piden un autógrafo a Mia.

Además de Hathaway, Julie Andrews tuvo el otro papel protagonista, lo que supuso el fin de su semirretiro de la actuación y volviendo a Disney desde que protagonizara ‘Mary Poppins’ en 1964. De hecho, esta película se rodó en el mismo estudio, el Stage 2, que se rebautizó como ‘Julie Andrews Stage 2’ en su honor.

La veterana actriz supuso ser una mentora para la joven Anne Hathaway, entonces de 18 años, que no tenía previa experiencia en el cine y que de esta forma pudo tener una especie de clase magistral intensiva, además de que actuara como figura protectora, y como maestra de disciplina, uso de voz y manejo de la fama. Esto hizo que la química entre ambas fuera el corazón del filme, y en cierta forma la interprete tomó ejemplo de la versatilidad de Andrews, llegando a ganar un Óscar por ‘Los Miserables’ por una interpretación donde cantó, actuó y se adaptó a distintos géneros.

Disney cambió la historia original y Whitney Houston fue productora

Basada en los libros anteriormente mencionados, la película, sin embargo, cambió ciertos aspectos relevantes. El primero de ellos es que el padre de Mia, Philippe Renaldi, está vivo y no fallecido como en el filme, siendo otro punto el que la historia se desarrolla en Nueva York y no en San Francisco.

Aunque uno de los detalles más diferentes es que Clarisse Renaldi, la abuela de Mia no es el personaje amable y cercano que vemos en la película con Julie Andrews, sino que aparece como una mujer fría que no trata tan bien a su nieta.

A pesar de todo esto, una de las grandes curiosidades de ‘Princesa por sorpresa’ es que tuvo a la cantante Whitney Houston como productora, también en su secuela, y también hizo lo propio en otro éxito Disney entre el público adolescente ‘Chicas Guepardo: Todo por un sueño’.

Anne Hathaway ha ofrecido la actualización más esperanzadora hasta la fecha sobre Princesa por sorpresa 3. Durante una entrevista concedida a la emisora SiriusXM, en plena gira promocional de La Odisea, la actriz explicó que la tercera entrega de la popular saga de Disney ha dado un giro decisivo después de que el equipo creativo optara por abandonar el guion en el que trabajaba y empezar de nuevo. Pese a reconocer que el proceso ha sido largo, aseguró que ahora el proyecto avanza “en la dirección correcta”.

La intérprete, que volverá a dar vida a Mia Thermopolis, explicó además que ahora mismo está centrada en su tercer embarazo, una circunstancia que hace que todavía no sepa cuándo podrá comenzar el rodaje. Aun así, dejó claro que el desarrollo de la película continúa y transmitió un mensaje de optimismo sobre su evolución. “Creo que hemos dado un gran paso adelante. Creo que estamos avanzando en la dirección correcta”, afirmó antes de explicar que el libreto anterior fue descartado por completo.

“El guion en el que estábamos trabajando... Bueno, tuvimos que empezar de cero en una nueva dirección, lo cual no es precisamente la noticia que nadie querría recibir, pero todos tenemos la sensación de que esta va a ser la definitiva”, añadió Hathaway al explicar el cambio de rumbo que ha experimentado el proyecto durante su desarrollo.

Una década de desarrollo para encontrar el camino

El desarrollo de Princesa por sorpresa 3 se ha prolongado durante cerca de una década. La producción quedó paralizada en 2016 tras la muerte de Garry Marshall, director de las dos primeras películas. Disney recuperó el proyecto en 2022 y, dos años después, confirmó oficialmente el regreso de Hathaway al papel protagonista y el fichaje de Adele Lim, conocida por escribir Crazy Rich Asians y dirigir Locas en apuros, como responsable de la nueva entrega.

Precisamente Lim ya había avanzado cuál será el enfoque de esta continuación. En declaraciones a E! News explicó que tanto ella como Hathaway, al igual que buena parte del público que creció con la saga, son ahora madres y consideran que la evolución natural del personaje pasa por explorar una etapa distinta. “Hay muchísimas películas de deseos cumplidos para princesas. No hay películas de deseos cumplidos para reinas y eso es lo que queremos ver”, resumió la cineasta.

La propia Hathaway también había reconocido anteriormente a Entertainment Weekly que el equipo trabaja con cautela para no precipitar una secuela que no esté a la altura. La actriz explicó que su experiencia participando en El diablo viste de Prada 2 le recordó el nivel de exigencia que acompaña a este tipo de regresos y defendió que solo merece la pena sacar adelante la película si consigue responder a esas expectativas.

El éxito de la saga coincide con el fenómeno de La Odisea

El interés que sigue despertando el regreso de Mia Thermopolis también se explica por el recorrido comercial de la franquicia. Princesa por sorpresa, estrenada en 2001, recaudó alrededor de 165 millones de dólares en todo el mundo, mientras que la segunda entrega, estrenada en 2004, sumó cerca de 134 millones de dólares en la taquilla internacional, consolidando la saga como uno de los grandes éxitos familiares de Disney de comienzos de siglo.

Las declaraciones de Hathaway llegan, además, en un momento de máxima exposición para la actriz gracias al estreno de La Odisea, la nueva película de Christopher Nolan, en la que interpreta a Penélope y Matt Damon se convierte en Odiseo. El filme lideró la taquilla española durante el fin de semana del 17 al 19 de julio, según datos del mismo Ministerio de Cultura, con una recaudación de 4,48 millones de euros y más de 526.000 espectadores, situándose con claridad como el estreno más visto del país.

Compromís ha denunciat la subvenció nominativa de 5 milions d'euros concedida per la Generalitat a la mercantil Sol Films 2026 SLU per al rodatge de la superproducció de Disney ‘Enredados’ als estudis de la Ciutat de la Llum davant de l'Agència Valenciana Antifrau. La denúncia, signada per la portaveu adjunta del grup, Isaura Navarro, considera que esta ajuda directa podria constituir un ús irregular de fons públics, una vulneració dels principis de transparència i concurrència, i un possible incompliment de la normativa europea de competència.

“Estem davant d'una operació que fa pudor des del primer dia”, ha afirmat Navarro, la qual ha afegit: “Una empresa trasllada la seua seu social de Màlaga a Alacant només 23 dies abans que el president anunciara l'acord amb Disney, i a continuació rep 5 milions d'euros a dit, sense publicitat ni concurrència”. Este moviment, ha sentenciat la diputada valencianista, “suggerix una planificació ad hoc per a facilitar la recepció de l'ajuda directa; les sospites d'irregularitat són enormes”.

La parlamentària de Compromís ha subratllat també el greuge comparatiu amb el sector audiovisual valencià: “Mentre el conjunt de les productores valencianes s'ha de repartir una línia de 6,7 milions d'euros, amb un màxim de 500.000 euros per projecte i l'obligació de reinvertir el 150%, una sola producció d'una multinacional rep quasi la mateixa quantitat, sense que es coneguen els motius ocults d'aquesta decisió”, la qual cosa a parer seu suposa “una desproporció injustificable que el Consell ni tan sols ha intentat explicar”.

La denúncia recorda, a més, el precedent de la Ciutat de la Llum, sancionada en 2012 per la Comissió Europea per ajudes il·legals, fet que va suposar l'obligació de retornar 265 milions d'euros i el tancament de les instal·lacions. “Ja sabem com acaben aquest tipus d'actuacions”, ha advertit Navarro, i ha recordat que la Ciutat de la Llum va estar clausurada durant anys per una sanció europea per ajudes il·legals, “i ara el PP torna a jugar amb foc”. “Si Europa declara il·legal esta subvenció, qui pagarà les conseqüències serà tot el sector audiovisual valencià, que ja està en peu de guerra”, ha dit Navarro.

Compromís qüestiona també l'impacte econòmic anunciat pel Consell, que xifra la quantia entre 80 i 120 milions d'euros sense cap memòria ni auditoria que ho avale. “Les fonts del sector qualifiquen estes xifres de fictícies i absurdes”, ha assenyalat Navarro: “El rodatge efectiu al nostre territori podria reduir-se a només deu dies, i la producció ve amb el seu propi personal i els seus propis mitjans”. “¿On està l'estudi d'impacte que justifica la qualificació de 'Projecte Estratègic'?”, s'ha preguntat la diputada valencianista, la qual responia: “No existix, i la mateixa Generalitat ho ha reconegut en resposta a les nostres preguntes parlamentàries”.

En la denúncia, la coalició sol·licita a l'Agència Antifrau que inicie una investigació, que requerisca l'expedient administratiu íntegre de la concessió, l'informe de l'Advocacia de la Generalitat sobre la compatibilitat de l'ajuda amb la normativa europea i la memòria d'impacte socioeconòmic que hauria de justificar l'operació. Així mateix, demana que, si s'aprecien indicis de responsabilitat penal o de perjuí a l'erari públic, es traslladen les actuacions al Ministeri Fiscal.

“No permetrem que es normalize esta manera tan arbitrària d'adjudicar diners públics com a forma de governar. Antifrau ha d'obrir una investigació i requerir al Consell tota la documentació que fonamenta esta ajuda; si no és capaç d'aportar-la, s'ha de traslladar aquest cas a la Fiscalia”, ha conclòs Navarro.

Compromís ha denunciado la subvención nominativa de 5 millones de euros concedida por la Generalitat a la mercantil Sol Films 2026 SLU para el rodaje de la superproducción de Disney ‘Enredados’ en los estudios de la Ciudad de la Luz ante la Agencia Valenciana Antifraude. La denuncia, firmada por la portavoz adjunta del grupo, Isaura Navarro, considera que esta ayuda directa podría constituir un uso irregular de fondos públicos, una vulneración de los principios de transparencia y concurrencia, y un posible incumplimiento de la normativa europea de competencia.

“Estamos ante una operación que huele mal desde el primer día”, ha afirmado Navarro, quien ha añadido “Una empresa traslada su sede social de Málaga a Alicante solo 23 días antes de que el president anunciara el acuerdo con Disney, y a continuación recibe 5 millones de euros a dedo, sin publicidad ni concurrencia”. Este movimiento, ha sentenciado la diputada valencianista, “sugiere una planificación ad hoc para facilitar la recepción de la ayuda directa; las sospechas de irregularidad son enormes”.

La parlamentaria de Compromís ha subrayado también el agravio comparativo con el sector audiovisual valenciano: “Mientras el conjunto de las productoras valencianas tiene que repartirse una línea de 6,7 millones de euros, con un máximo de 500.000 euros por proyecto y la obligación de reinvertir el 150%, una sola producción de una multinacional recibe casi la misma cantidad, sin que se conozcan los motivos ocultos de esta decisión”, lo que a su juicio supone “una desproporción injustificable que el Consell ni siquiera ha intentado explicar”.

La denuncia recuerda, además, el precedente de la Ciudad de la Luz, sancionada en 2012 por la Comisión Europea por ayudas ilegales, lo que supuso la obligación de devolver 265 millones de euros y el cierre de las instalaciones. “Ya sabemos cómo acaban este tipo de actuaciones”, ha advertido Navarro, y ha recordado que la Ciudad de la Luz estuvo clausurada durante años por una sanción europea por ayudas ilegales, “y ahora el PP vuelve a jugar con fuego”. “Si Europa declara ilegal esta subvención, quien pagará las consecuencias será todo el sector audiovisual valenciano, que ya está en pie de guerra”, ha dicho Navarro.

Compromís cuestiona también el impacto económico anunciado por el Consell, que cifra la cuantía entre 80 y 120 millones de euros sin ninguna memoria ni auditoría que lo avale. “Las fuentes del sector califican estas cifras de ficticias y disparatadas”, ha señalado Navarro: “El rodaje efectivo en nuestro territorio podría reducirse a apenas diez días, y la producción viene con su propio personal y sus propios medios”. “¿Dónde está el estudio de impacto que justifica la calificación de 'Proyecto Estratégico'?”, se ha preguntado la diputada valencianista, quien respondía: “No existe, y la misma Generalitat lo ha reconocido en respuesta a nuestras preguntas parlamentarias”.

En la denuncia, la coalición solicita a la Agencia Antifraude que inicie una investigación, que requiera el expediente administrativo íntegro de la concesión, el informe de la Abogacía de la Generalitat sobre la compatibilidad de la ayuda con la normativa europea y la memoria de impacto socioeconómico que tendría que justificar la operación. Asimismo, pide que, si se aprecian indicios de responsabilidad penal o de perjuicio al erario público, se dé traslado de las actuaciones al Ministerio Fiscal.

“No permitiremos que se normalice esta manera tan arbitraria de adjudicar dinero público como forma de gobernar. Antifraude tiene que abrir una investigación y requerir al Consell toda la documentación que fundamenta esta ayuda; si no es capaz de aportarla, se tiene que trasladar este caso a la Fiscalía”, ha concluido Navarro.

El estudio Pixar ha regalado a lo largo de su trayectoria con historias que han quedado en la memoria de varias generaciones, que han crecido con sus películas, desde que en 1995 debutaran con ‘Toy Story’ y cambiaran la forma de hacer animación, tanto que han influenciado a Disney, su actual propietaria, desde dentro.

Una de esas historias que ha perdurado en el imaginario colectivo es ‘Cars’, que cumple 20 años desde que se estrenara la primera de sus películas y se arrancara así con una de las sagas más exitosas, no solo por sus más de 462 millones de dólares, sino porque es una de las que más ha conseguido vender en merchandising, generando una facturación de más de 10.000 millones de dólares.

Un homenaje e inspiración de la Ruta 66

‘Cars’ llegaba a los cines españoles un 7 de julio de 2006 para ser uno de los mejores estrenos del verano de hace dos décadas, y abrir la franquicia ambientada en el ficticio pueblo de Radiador Springs, que, si bien no existe del todo en la vida real, tiene una clara inspiración que sí que es realidad. Y es que la película se planteó como un homenaje e inspiración en la Ruta 66, que precisamente, fue la primera idea de título, pero el hecho de que ya existiera una serie de televisión con el mismo nombre hizo que se cambiara y llegara a conocerse con el de ‘Cars’. El objetivo del equipo de Pixar fue reflejar la realidad de los pueblos fantasmas que surgieron en Estados Unidos cuando se construyó la autopista interestatal y que dejó de lado a la mítica ruta.

Debido a la importancia de la zona, diseñadores, animadores y productores estuvieron viajando durante nueve días por la Ruta 66 con el objetivo de documentar imágenes que luego iban a usar para crear lo que serían los escenarios de la película animada. Así, se pueden ver claras referencias reales como Cadillac Ranch, una instalación de arte al aire libre que se ubica en Amarillo, Texas, o el pequeño pueblo de Galena, en Kansas, donde se pueden ver ya figuras de personajes de la saga.

La película animada que respira NASCAR y Fórmula 1

Siendo un largometraje protagonizado por coches, el automovilismo tiene un papel relevante y son muchos los guiños que aparecen a dos de las principales competiciones deportivas como son la NASCAR y la Fórmula 1. Además, los propios personajes están inspirados en modelos reales de coches, como el BMW E9 Coupé, Chevrolet Camaro, Porsche 911, Hudson Hornet o un Fiat 500, algunos de ellos modelos de coleccionista.

Así, además de leyendas del cine como Paul Newman, que dio voz a Doc Hudson en la primera entrega, participaron también grandes nombres del automovilismo como Richard Petty, apoyado ‘el rey’ de la NASCAR y en el que está basado el personaje del mismo nombre y al que dio voz. Otra figura fue el tres veces campeón de la competición, Darrel Walltrip, que se interpreta así mismo con un Chevrolet Monte Carlo de 1977. Pero la NASCAR está también detrás de la inspiración de Mate, el ‘torpe’ compañero de Rayo McQueen, que se basa en un fan de la competición llamado Douglas Mater Keever y al que conoció el director John Lasseter en un viaje mientras investigaba para el filme, de hecho, hace incluso un cameo como voz de una caravana.

Además de la NASCAR, la Fórmula 1 tuvo su papel también dentro de ‘Cars’, siendo uno de los guiños más destacados el que la matrícula de Luigi es 4458, que son a la vez las coordenadas de la fábrica de Ferrari en Maranello, Italia. Así, varios pilotos y expilotos dieron voz a personajes como Nikki Lauda, Michael Schumacher y Sebastian Vettel participaron en la versión alemana, así como Lewis Hamilton en la original. En España coincidió con el momento de mayor popularidad de este deporte, con Fernando Alonso como bicampeón, y que puso voz a Mario Andretti, además de que el locutor Antonio Laboto hizo también de narrador en la cinta, pero participaron también Nani Roma, Marc Gené, Pedro de la Rosa, Emilio de Villota, Dani Sordo o Antonio Albacete, entre otros grandes nombres.

Guiños a Toy Story

No solo dentro de ‘Cars’ encontramos referencias a la Ruta 66 y al automovilismo, sino también al universo Pixar, con guiños como suele ser habitual en las películas tanto de Disney como de la factoría, y es que cabe recordar que detrás de las primeras entregas de la saga esta John Lasseter, que dirigió también las primeras de Toy Story, y es por eso por lo que esta franquicia es la que más guiños esconde.

Podemos ver, por ejemplo, como el número 95 de Rayo McQueen hace referencia directa al año de estreno de ‘Toy Story’, primera película de Pixar, así como la marca de neumáticos es ‘Lightyear’ como el apellido del famoso astronauta juguete Buzz, o también podemos ver la camioneta de Pizza Planet en varias ocasiones.

¿Llegó a experimentar alguna vez Disney un Nuevo Renacimiento, a la altura del Renacimiento original que en los años 90 habían engrosado La bella y la bestia, Aladdin o El rey león? Hay quien ha estado tentado de afirmarlo alrededor de la segunda década de los 2000, fijando el exitazo de Frozen como cúspide. El problema es que, de haberlo habido, ha sido extremadamente breve. Y, al margen de las buenas críticas o los millones recaudados, tan mediado por una explotación indiscriminada y cortoplacista como para matizar bien el optimismo, bien el espíritu de redención que pudo haber guiado a Walt Disney Animation tras unos calamitosos inicios del milenio.

Mientras que durante el primer Renacimiento no hubo ni una sola secuela en cines y cada película fue un acontecimiento proclive a impulsar el medio animado en direcciones deslumbrantes, el Nuevo Renacimiento es inseparable de una Disney que viene funcionando más como conglomerado masivo —absorbiendo Pixar, Marvel, Lucasfilm y por último 20th Century Fox— que como factoría artesanal. Una Disney, en realidad, que no quiere tanto progresar en su expresividad como alumbrar propiedades intelectuales suculentas. La prueba última de esto está en lo escasamente significativo que ha terminado siendo su salto a las tres dimensiones, consolidado a partir de 2010.

El abandono de la animación tradicional ha sido ordenado, pulido, y ha manejado un seguidismo militante con el primer Renacimiento, en cuanto al guion y la estructura de musical de Broadway sobre todo. La llegada del 3D apenas ha afectado a todo esto, siendo más determinante una progresiva distancia irónica hacia los esquemas heredados de los cuentos de hadas y esa tradición estética con cerca de un siglo a sus espaldas. Una posible excepción a todo esto sería, entonces, Vaiana. El filme de 2016 seguía reflejando tópicos Disney (la princesa que no quiere serlo, los animales irritantes) y no dejaba de atender a la actualidad de Broadway, incorporando a Lin-Manuel Miranda como compositor apenas transcurrido un año del estreno de Hamilton. Pero había algo más.

Y se apreciaba desde una de sus primeras escenas, con la protagonista jugando con las olas en la playa. Minutos prácticamente mudos, solo música y los ruidos del mar dialogando con la niña, embargados de un poderío técnico —o mejor dicho, de una “curiosidad técnica”— para dar vida a cada movimiento, cada cambio del entorno, que proclamaba la entrada de Disney en una nueva fase. Que el 3D no era solo una medida cosmética obligada por los cambios de la industria, que de verdad el lenguaje animado podía llegar a otros lugares. Quizá sea Vaiana la última cumbre de Disney, entonces, gracias a la exuberancia visual de su mundo y la alegría caótica de su desarrollo narrativo, capaz de conjurar el sentido de la maravilla cuando el paradigma digital parecía haberlo enterrado.

Uniendo su estreno con el de la también excelente Zootrópolis ese mismo año, ¿cómo dudar que sí hubo Nuevo Renacimiento después de todo? Y la respuesta la tenemos en el mismo 2016. Meses antes del estreno de Vaiana había llegado a cines el remake en acción real de El libro de la selva. Previa a alcanzar su cima creativa, Disney ya había sembrado las semillas de su desarticulación.

La resaca de un Renacimiento que no fue

No habría, sin embargo, que desechar automáticamente los posibles méritos artísticos de estos remakes de clásicos Disney, en los que la compañía se sumergió con desenfreno inmediatamente después del taquillazo de El libro de la selva. Pese a lo perezoso, pese al acecho de la fealdad más trasnochada, originalmente había algo en el ímpetu de acercarse a la animación tradicional desde el hiperrealismo digital que podía calificarse de audacia, incluso de empeño personalísimo por parte del director Jon Favreau. Alguien que, al margen de El libro de la selva y el posterior remake de El rey león, ha mostrado tener unas inquietudes genuinas por la innovación tecnológica.

Pero, del mismo modo que Favreau acabó sucumbiendo a la homogeneización del streaming, así ha ocurrido con estos remakes… y con las propias obras animadas. La sumisión del estudio a la ganancia fácil y los ritmos de Disney+ ha mancillado por entero el recuerdo de Vaiana. Por un lado, por cómo la sucesión de fracasos recientes y la resaca de la COVID-19 movían a la compañía a reensamblar una serie de Vaiana que estaba desarrollando para streaming en forma de largometraje para cines —así nació Vaiana 2 como espejo en el que este mismo año se miraría The Mandalorian & Grogu, dirigida por el citado Favreau—, y por otro, por la rocambolesca decisión de hacer un remake en acción real cuando no habían pasado ni siete años del estreno del filme original.

El remake de Vaiana se anunció originalmente en 2023. La película se retrasó un poco por la huelga de actores y guionistas en conjunción al anuncio improvisado de Vaiana 2 —que aconsejó aplazar un poco el estreno, para no saturar— pero ya está aquí y sigue sorprendiendo que llegue con menos de una década de margen (la Vaiana original llegó en noviembre de 2016). Fundamentalmente, porque esta rapidez echa por tierra las excusas que pudieran esgrimir estos remakes. No ha habido tiempo de sentir nostalgia de Vaiana. Esta nueva Vaiana no puede apelar a una generación distinta y es asimismo imposible que haya un salto llamativo de la animación al live action, porque Vaiana ya estaba en 3D. Ya manejaba nociones de realismo, fisicidad.

De modo que recordamos la Cómo entrenar a tu dragón del año pasado, y nos vemos obligados de nuevo a proponer que ya no hablamos de remakes, sino de esos remasters sacacuartos muy habituales en videojuegos que, en el cine, motivan estampas tan tristonas como los destinos paralelos de Gerard Butler y Dwayne Johnson. Ambos, en los films originales, doblaron a personajes de diseño delicioso y gran elocuencia escénica: Estoico el Vasto y Maui. Y ambos, cuando llegó el remaster, pasaron a poner también su cuerpo, sometiéndose a una caracterización ridícula, como de personal de parque de atracciones. Lo de Johnson es si cabe más lamentable, con esa peluca y ese traje musculado que ha estimulado la hilaridad de las redes durante meses.

La sombría interpretación de Johnson en el remake de Vaiana se acompaña de algún condicionante meta, incluso. Maui, recordemos, es un semidiós arrogante que cayó en desgracia, y que solo en compañía de la intrépida protagonista podría demostrar un verdadero heroísmo. Así que, ¿no se parece Maui un poco a lo que le ha sucedido a la carrera de Johnson tras las cámaras? Johnson era una estrella absoluta cuando dobló a Maui hace diez años, pero entre fracasos embarazosos como Black Adam —y la crisis de relaciones públicas que trajo Red One, y la operación fallida de recabar prestigio académico de The Smashing Machine— hoy parece más bien una vieja gloria. Una vieja gloria que no puede estar más ridícula con este disfraz de dibujo animado.

Tristemente, una regla no escrita de los remakes Disney es que nada puede ser demasiado interesante, y la reescritura de Maui no permite llevar más lejos las concomitancias con la realidad. Porque lo que impera, en fin —el objetivo estrella de todo remaster que se precie— es la lealtad absoluta a la fuente, más inevitable cuanto menos tiempo ha pasado del original y menos cosas podrían retocarse para amoldarse a sensibilidades nuevas. No lidiamos con versiones susceptibles de que las turbas ultraderechistas de Internet se quejen de la actualización woke —como tampoco pasaba en el remake de Lilo y Stitch, otra revisión demasiada cercana de la fuente cuyo colosal (y desolador) éxito económico le encantaría emular a esta Vaiana—, sino con fotocopias puras y duras.

Eso es, ni más ni menos, el remake de Vaiana. No hay ningún añadido, ninguna supresión, ningún cambio relevante que vaya más allá de las consecuencias formales y emocionales de la operación. De esta Vaiana cabe agradecer, eso sí, que los efectos digitales estén algo más maduros que los de aberraciones lovecraftianas estilo el Aladdin de Guy Ritchie o la Blancanieves de Marc Webb, y que la traducción de la animación a CGI sea en ese sentido más sosa que fea. Da la sensación de que la mayor preocupación de sus artífices ha sido que el reconocimiento fluya sin obstáculos ni sobresaltos, permitiendo en lo posible que las virtudes categóricas del filme original sobrevivan al cambio de formato y que así nadie se sienta excesivamente abochornado.

Y podemos aseverar que, sí, lo logra. Pero eso no nos librará del desasosiego. En cada interacción de Johnson con Catherine Laga’aia —debutando en el rol de Vaiana ya que Auli’i Cravalho, actriz de doblaje original, quiso retener la dignidad que Johnson desdeñó— se echa de menos la energía cinética del original animado. En cada secuencia de acción o contemplación del paisaje, lo mismo. También, sobre todo, en cada número musical. Posiblemente la única opción del remake de Vaiana de acicalarse de cierta legitimidad residía en haber contratado como director a Thomas Kail: profesional bregado en los circuitos de Off-Broadway y Broadway que tiene en su haber las representaciones originales de In the Heights y Hamilton, en constante colaboración con Miranda.

Así que tenía una lógica agradable que debutara con el largometraje convirtiendo en coreografías para el cine las canciones originalmente compuestas por su antiguo socio (que siguen siendo magistrales). No obstante, el fichaje de Kail es tan anecdótico como para volver a remitirnos a Disney+ —cuyo catálogo acogió en 2020 un atractivo extra al incluir una versión de Hamilton grabada por el mismo Kail— y a la costumbre de estos remakes de presumir de nombres para nada, como cuando el Rob Marshall de Chicago dirigió La sirenita. Todo sigue en orden, y sigue siendo tan difícil hallar algo valioso en estos remakes como afirmar que Disney ha logrado verdaderamente estar a la altura de los años 90 en todo este tiempo. Más que nada, y como prueba la tragedia de Vaiana, porque ni ella misma ha querido respetar sus propios chispazos de grandeza.

La larga historia de Disney hace que el estudio viva continuamente celebrando aniversario de películas que forman parte de la historia del cine o de las distintas generaciones que han crecido con ellas, y este verano es “El jorobado de Notre Dame” la que cumple 30 años.

La cinta forma parte, para muchos, del grupo de ‘joyas olvidadas’ de la compañía y se considera una de las películas más oscuras debido a los temas que trata como personajes marginados, la lujuria, el infanticidio o el antiziganismo, lo que hizo que estuviera a punto de ser la primera obra de Disney en tener calificación PG desde 1985.

Animación hecha a mano con más de 600 artistas involucrados

Estrenada en gran parte del mundo el 21 de junio de 1996, aunque en España no llegó a los cines hasta noviembre de ese año, “El jorobado de Notre Dame” es una película que se basa en la novela de Víctor Hugo, “Nuestra Señora de París” y que es una de las obras más maduras de Disney, que llegó a obtener nominación a Premio Oscar. El filme estuvo a punto de formar parte de la larga lista de títulos con ‘live action’, siendo esta la gran estrategia de Disney durante los últimos años, pero el compositor Alan Menken aseguró en 2023 que el proyecto se estancó por lo complicado de algunos de los temas que trata.

Sin embargo, llega a los 30 años con popularidad especialmente entre la generación que creció con ella que la ve como ‘una joya olvidada’, lo que evidencia el hecho de que en su mayoría se trata de animación hecha a mano, solo con los fondos realizados por ordenador. Esto hizo que contara con un gran equipo, con 620 artistas, 72.000 lápices y más de 1,2 millones de horas de trabajo.

En ese grupo de personas se encontraba James Baxter, supervisor de animación y diseñador de personajes, que también había participado en otros proyectos como ‘El rey león’ o ‘La bella y la bestia’, y que quiso tener un guiño al respecto dentro de la película, al poderse ver mientras Quasimodo canta “Afuera” a Bella paseando por las calles de París con un libro o a Pumba siendo llevado por dos hombres en ese mismo fotograma. Baxter fue uno de los que dio vida a algunos de los personajes más icónicos de la cinta, las gárgolas, que son a su vez un homenaje a la novela original, al llamarse una ‘Víctor’ y otra ‘Hugo’ como referencia al autor francés.

Canto gregoriano, opera y uno de los villanos más villanos de Disney

“El jorobado de Notre Dame” al basarse en una novela que se ambienta en la París medieval, tiene elementos que cuesta ver en otros títulos de Disney, como es el hecho de que usara cantos gregorianos de verdad, en latín, en concreto se escucha un trozo de ‘Dies Irae’, que formaba parte de las famosas últimas obras de Mozart: réquiem en re menor. Un dato curioso, pues Tom Hulce, que ponía voz a Quasimodo, interpretó al propio compositor en 'Amadeus'.

Aunque uno de sus detalles más destacados es su villano, que es uno de los más ‘malvados’ de todos los de Disney. Frollo es, además, uno de los grandes cambios respecto a la novela original, pues pasó de ser archidiácono a juez, siendo una decisión para ser menos cuestionada por grupos religiosos. Para este personaje se pensó en voces de actores como Ian McKellen, Derek Jacobi o Patrick Stewart.

De Frollo es seguramente la escena y canción más oscura, ‘Hellfire’, que se basa en una ópera, en ‘Tosca’ de Giacomo Puccini con el tema ‘Te Deum’, que es cantada por el villano Scarpia. Su resultado fue tan perturbador, que casi decidieron no incluirla, así como con su tema más icónico, la que abre la película ‘El son de Notre Dame’, que iba a ser en un principio un diálogo sin música

El principio del siglo XXI fue complicado para Disney. Después de pasar por su segunda época dorada con clásicos como ‘La bella y la Bestia’, ‘El rey león’ o ‘Tarzán’, la compañía del ratón Mickey Mouse encadenó una serie de fracasos en taquilla que hicieron que pasara por un período difícil del que solo proyectos como ‘Lilo & Stitch’ salieron airosos’. Sin embargo, con el paso de los años muchos de esos títulos han pasado a convertirse en películas de culto y ese es el caso de nuestra protagonista.

Hablamos de ‘Atlantis: el imperio perdido’ que pasó por la misma suerte que otras cintas de Disney a principios de los 2000, como ‘El emperador y sus locuras’ o ‘El planeta del tesoro’, que fueron incomprendidas por la crítica y el público, pero que ha tenido remedio en los últimos años. Ahora, cuando se cumplen 25 años de su estreno (en Estados Unidos, en España llegó en noviembre), la compañía ha sorprendido con el anuncio de una secuela.

La secuela “de verdad” que llega 25 años después

Con ‘Atlantis: el imperio perdido’, Disney se metió de lleno en la ciencia ficción y aportó una cinta más madura en las que las canciones brillaban por su ausencia. El público, sin embargo, no respondió en su día y solo recaudó 186 millones de dólares, lo que apenas aportó beneficios si tenemos en cuenta que su presupuesto databa entre los 90 y 120 millones de dólares, lo que la ubicó en la lista de fracasos de taquilla de la compañía.

Con el paso de los años se ha convertido en una película de culto y ha ido ganando admiradores, que celebran ahora el anuncio de una secuela, en formato cómic que ya tiene nombre: “Disney Atlantis: The Lost Empire Vol. 1: The Curse of Kurok” y que se lanzará en octubre de 2026.

Este formato de cómic, que ya se ha probado con otros éxitos como ‘El rey León’ o ‘Hércules’, promete aportar a esta historia una secuela ‘real’ que se puede adquirir en preventa y cuyo primer tomo ya verá la luz el próximo 18 de agosto.

Y es que si bien sí que hay una secuela como tal de ‘Atlantis: el imperio perdido’ llamado ‘El regreso de Milo’, que fue lanzada directamente al formato doméstico y que en realidad fueron dos episodios de una serie que se planeó antes de tiempo esperando que la primera película fuera todo un éxito y que pasó con más pena que gloria, todavía más que su largometraje.

“Menos canciones y más explosiones”, un cambio de formato que no salió bien

‘Atlantis: el imperio perdido’ llegó a los cines en 2001 siendo la segunda película animada de Disney que pasaba de las canciones y contó una historia interesante que tenía tintes de filosofía y mitología, ciencia ficción, acción y aventuras, inspirándose en la obra de Julio Verne. De hecho, por ello los miembros del equipo de animación llevaba las camisetas: “Atlantis: menos canciones y más explosiones” mientras le daban forma.

Se ambientó en 1914 y tenía como protagonista a Milo Thatch, su primer protagonista con gafas, un joven lingüista y cartógrafo que se obsesiona con encontrar la ciudad perdida de Atlantis después de un interesante descubrimiento, y para ello lleva a cabo una arriesgada expedición con un equipo peculiar de personas, lo que dio lugar a personajes con mucha personalidad.

Si bien, tampoco estuvo exenta de polémica debido a que se la acusó de plagio por parecerse al anime ‘Fushigi no Umi no Nadia’. Sea como fuere, el fracaso en taquilla llevó a que no solo se cancelara su secuela en formato de serie, sino también cancelar las atracciones planeadas en Disneyland, y dimitieron el entonces presidente Peter Schneider, y el director de animación, Gary Trousdale, que había estado detrás de ‘La bella y la bestia’ o ‘El jorobado de notre dame’.

Hubo una generación que durante años se creyó la protagonista de Toy Story. La saga habría ilustrado su desarrollo vital, como un Boyhood de plástico. Andy era un reflejo de esos chavales que de forma invariable iban a despedirse de su infancia, así que claro que Toy Story 3 plantearía un final devastador, la llegada definitiva de la madurez. El problema es que la saga no terminó ahí, sino que continuó. Con lo que, si resultaba que no iba de nosotros, tocaba preguntarse de qué iba realmente. Así entenderíamos de paso por qué Pixar seguía acumulando secuelas.

Se erigen, por tanto, y ajenas a este adanismo generacional, dos opciones de interpretación. Una, la más bonita, sería que el gran tema de Toy Story es la paternidad. Las películas —cinco en más de 30 años, sin contar cosas como Lightyear o varios mediometrajes de Disney+ empeñados en despojarle de toda la excepcionalidad que pueda quedarle a la saga— habrían vuelto a él una y otra vez. Los juguetes son padres desdichados que ven crecer a sus hijos mientras inevitablemente van alejándose de ellos, reclamados por la complejidad de la adolescencia y la vida adulta. Siendo la suya una angustia tan irresoluble como el mismo paso del tiempo (esto es, una tragedia atemporal), para que Toy Story pueda seguir encadenando secuelas ha sido necesario… ir cambiando de hijos. 

Los protagonistas pasaron de ser los juguetes de Andy (los padres de Andy, que se despidieron de él en Toy Story 3 una vez se fue a la universidad) a establecer una relación equivalente con Bonnie, la niña que centra la trama de Toy Story 4 y esta última Toy Story 5. Y las penas han seguido siendo las mismas. Las dudas existenciales se han mantenido sin mayores cambios, acaso garantizando que el relevo de Andy a Bonnie se traduzca exitosamente de la generación millenial a la Gen Z. Pero claro, lo incombustible del dispositivo, las mínimas variaciones que puede cobijar según la saga se vaya extendiendo, conduciría a la otra opción de interpretación de la que hablábamos. Esta es mucho más cínica y, sin duda, más afín a esos productores que no se cansan de exigir secuelas.

Toy Story llevaría hablando desde 1995 de la obsolescencia programada. Dícese de ese rasgo tan propio del diseño industrial que, en el marco del capitalismo, ampara la manufactura y consumo ingente de líneas sucesivas de productos, con diferencias muchas veces tirando a testimoniales entre ellas. Los juguetes de Andy y Bonnie no son más que eso al final del día y según se fingen inconscientes ante los humanos: productos inanimados que pronto serán superados por otros nuevos, capaces de cumplir su misma función para el disfrute futurible del crío-consumidor.

La teoría de la obsolescencia programada le quita bastante romanticismo al motor creativo de Toy Story, pero es útil en la medida en que no solo explica las neurosis de sus protagonistas, sino las condiciones de producción de toda la saga: hay que seguir produciendo, no pueden dejar de llegar películas nuevas por cuanto la marca no pierde pegada —Toy Story 3 y Toy Story 4 se cuentan entre lo más taquillero producido nunca por Pixar—, y el que las diferencias entre uno y otro filme se vayan diluyendo es lo de menos. Si Toy Story 5 recicla con tanta tranquilidad varios postulados de entregas previas es porque todo integra, lógica y mecánicamente, el mismo proceso.

El eterno adiós de los juguetes

La obsolescencia programada es una consecuencia del avance tecnológico mediando las leyes del mercado. Pende, en consecuencia, sobre cualquier industria, y es lo que Woody —su condición de vaquero siempre ha sido adecuada para ilustrar la eterna neurosis de la saga, a caballo del pasado y una despiadada modernidad— ya empezó a sufrir allá por 1995, cuando a Andy le dio por los juguetes espaciales. Buzz Lightyear era un juguete más avanzado tecnológicamente, así que los juguetes viejos debían temer por su existencia, sintiéndose desfasados mientras el interés de Andy (tan imprevisible como el IBEX 35) seguía fluctuando a partir de ahí. Alrededor de Woody, entonces, Toy Story se dedicaría a ir probando nuevas formas de racionalizar esta condena al olvido.

Toy Story 2 presentó a una vaquera, Jessie, como una posible salida. También como un reflejo trágico de Woody. Inspirado por ella y su traumática biografía, Woody debía decidir entre convertirse en una reliquia de museo o que siguieran jugando con él, durante el tiempo que fuera, porque valdría la pena. Así que Jessie se sentía a su vez inspirada por él para unirse a la pandilla: Bonnie ya es la tercera dueña que tiene sin que, por supuesto, esto haya paliado su miedo al abandono. Es el miedo que vuelve a retratar Toy Story 5, erigiendo a Jessie como protagonista tras el epílogo que ensayó con Woody en la cuarta parte —lo cual no ha evitado, obvio, la reaparición de Woody en este último filme—, para ampliar el alcance de su reflexión. 

Los ominosos cambios en las preferencias de Bonnie remiten entonces a la moda noventera de los juguetes espaciales, sustituida hoy por el ocio electrónico y las redes sociales que representaría una simpática tablet. Lilypad sucede la amenaza de Buzz Lightyear frente a una Jessie que se sitúa en el lugar de Woody, en una suerte de actualización de la primera Toy Story combinada con el recuerdo de la segunda parte a través de la vaquera y la subtrama de un grupo de muñecos Buzz. Esta supone, por su parte, uno de los aspectos más débiles de la secuela que dirige el veterano Andrew Stanton —responsable de Wall.e y ocasional guionista de la saga de Toy Story— junto a Kenna Harris: un añadido narrativo sin demasiado ingenio, que viene a ofrecer la mayor evidencia de la carestía de ideas que sufre Toy Story tras años y años dándole vueltas a los mismos asuntos.

Esta evidencia se fortalece en otros rincones de Toy Story 5 como la alarmante escasez de sentido del humor —formando un ingrato contraste con la reciente Hoppers, que no solo vino a recordarnos la necesidad de historias originales en Pixar, sino también la urgencia de utilizar la animación de forma más imaginativa— o de nuevos personajes auténticamente carismáticos. El aire crepuscular que reclama la película, y que enfatizan las voces originales de los juguetes —todos suenan bastante ancianos a estas alturas, como debe ser—, depara entonces una sensación de solemnidad fácilmente transmutada en sosería y aburrimiento, en la línea de los problemas que ya arrastraba Toy Story 4.

Porque la saga está agotando sus estrategias para recordarnos que merece seguir viva o reclamar nuestro tiempo (como ansían recordarle los juguetes a Bonnie), si bien ocurre que Toy Story 5 es una propuesta considerablemente superior a Toy Story 4. Y por una razón muy sencilla. La sustitución del juguete espacial por la tablet no es meramente cosmética porque su llegada a la habitación de Bonnie entraña condicionantes inéditos en la saga. Alude a la presión de Bonnie por integrarse, por hacer amigas, y a los significados cambiantes de lo que entendemos por “jugar”.

¿Es la tablet un juguete, o es otra cosa distinta? Dentro de que Pixar sigue siendo Pixar y esto implica que sus ficciones son incapaces de transmitir nada parecido a una opinión —por supuesto que Lilypad no es la villana, solo un recordatorio de que hay que aprender a convivir con la tecnología—, sí resulta bastante interesante cómo Toy Story 5 acepta el desafío de contextualizarse acorde a los cambios de la crianza contemporánea y la socialización infantil. Es algo que hace con mayor responsabilidad, por ejemplo, que la tan celebrada Del revés 2 —donde las emociones desempeñaban un rol similar al de los juguetes—, al plantearse desde una dialéctica que necesita evolucionar e ir acompañando orgánicamente cada paso y cada cambio de Bonnie.

Los juguetes de Toy Story 5 se lamentan continuamente de que ha llegado “la era de las pantallas” y esta traerá su muerte definitiva. Se acepta la obsolescencia programada como en el western se acepta la llegada de la civilización junto al ferrocarril, y, sin embargo, Toy Story 5 defiende que en este proceso no debería perderse absolutamente todo, que no debería haber un reemplazo completo por cuanto esos juguetes analógicos tienen su importancia. A través de ellos, así las cosas, se puede conectar tan bien como con cualquier red social —Toy Story 5 propone algo refrescante y es que por primera vez el objetivo de los juguetes-padres no es solo sobrevivir: también quieren que su dueña-hija tenga amigas—, con un potencial que se traduce asimismo en algo tan central como que, sin la mediación de los críos, no son más que objetos inanimados. Mercancías desechables.

La trama de Toy Story 5 está atravesada por segmentos de animación 2D, de cariz pictórico, que obedecen a visualizar cada vez que alguien juega con estos juguetes y se deja llevar por la fantasía. Es una idea estupenda que aclara los términos del debate y establece que eso es justo lo que distingue a los juguetes de las pantallas, que eso es lo que realmente significa jugar: la imaginación, la imaginación lúdica de la que estos juguetes se han erigido como guardianes durante todo el tiempo que sean capaces de mantener la inocencia de sus hijos. Llegados a este punto es una pena que imaginación sea justo lo que falta en esta saga desde hace tiempo, pero algo es algo. 

Cuando se estrenó la primera película de Toy Story en 1995, los teléfonos fijos eran el centro de la comunicación en la mayoría de hogares en España e incluso todavía existían los de disco, aquellos en los que había que girar la rueda número a número para marcar. Las cabinas formaban parte del paisaje urbano y empezaban a llegar los primeros ordenadores de sobremesa. Era un mundo repleto de cables y aparatos grandes que, si bien alcanzaba a dar un indicio de hacia dónde nos dirigía la tecnología, dista mucho del mundo de hoy: 31 años más tarde, los smartphones y las tablets han alterado de forma radical la manera en la que nos relacionamos con los demás.

Hay cosas que nunca cambian y, a pesar del paso de las décadas, hay niños que esta semana acudirán a las salas de cine a ver una película de Toy Story, cuya quinta entrega irrumpe este miércoles en cartelera. Sin embargo, la realidad de estos niños poco se asemeja a la de quienes acudieron al estreno de la que se acabaría convirtiendo en la franquicia estrella de Disney y Pixar. Mientras que en los 90 la única forma de demostrar fervor por Woody, Buzz y el resto de juguetes de la saga era comprándolos y jugando con ellos, hoy muchos jóvenes transmiten su pasión hacia estos personajes convirtiéndolos en su fondo de pantalla del móvil o usándolos como avatar en el juego online del momento.

Tomando conciencia de la realidad de las nuevas generaciones, la película de animación más esperada del año apuesta por mirar de frente al auge de las nuevas tecnologías en la infancia e invita a una reflexión conjunta que no solo alude a los niños, también a los adultos. Pete Docter, director creativo de Pixar y productor ejecutivo de Toy Story 5, explica a elDiario.es que “aunque hay más formas que nunca de estar en contacto unos con otros y estamos constantemente conectados, la ironía es que nos sentimos muy aislados”. Se trata de una situación que afecta tanto a los más jóvenes como a sus padres, cuya relación con las pantallas puede llegar a ser “intimidante y complicada”.

El filme explora cómo ha cambiado la realidad de los niños desde que estos dispositivos se han vuelto esenciales en cualquier casa, y la trama arranca con la pequeña Bonnie recibiendo como regalo a Lilypad, una tablet educativa con forma de rana. Lindsey Collins, productora de Toy Story 5, indica que en la época de Andy, el personaje principal de la primera película de la saga, “la infancia era más sencilla y tenía menos amenazas entrando en la habitación”. “No sé si era más fácil, pero sin duda me parece más sencilla, sobre todo desde el punto de vista de los juguetes. La tecnología ha introducido un nivel extra de complicación y de matices en el mundo. Eso es complicado de manejar”, comenta la cineasta a este periódico.

El foco, en los jóvenes... y en los adultos

Sin embargo, estos problemas ocasionados por cómo gestionamos las pantallas no solo recaen sobre los niños, a los que se les tiende a culpar con frecuencia cuando algo se escapa de control. De hecho, Pete Docter indica que es una “queja” que “viene de lejos”: “Encontré una cita que decía que los niños de hoy en día están malcriados, que no respetan a sus mayores y se escapan al bosque todo el tiempo... ¡Y es de la antigua Grecia!”. Por ello, Lindsey Collins considera que es fundamental reconducir la manera en que se encara este tema. “Los niños no conocen otra cosa, esta es una generación que ha crecido con tecnología. Así que se trata más bien de preguntarse: '¿Qué hacemos nosotros? ¿Cómo nos adaptamos a ello y qué significa de cara al futuro?'”, declara.

Aun así, la cineasta incide en que con esta cinta no pretenden “emitir un juicio en un sentido u otro” o valorar a qué edad deberían permitirse o no las tecnologías, sino simplemente “abordar la realidad”. “Miramos a nuestro alrededor e intentamos representar lo que realmente está pasando, que es que la tecnología está llegando a manos de niños cada vez más jóvenes. La historia trata de reflejar eso y de decir algo así como: 'Vale, si es así, ¿qué significaría eso para los juguetes? ¿Cómo lo afrontarían?'. A los niños y a los mayores nos cuesta definir cuál es nuestra relación con eso”, confiesa Collins, que agrega que “no hay ningún padre que no esté alerta sobre este tema”, pues está “muy presente” en sus vidas. “Ninguno de nosotros está aquí sentado en Pixar pensando: 'Lo tenemos resuelto'”, reconoce.

La película, que en esta ocasión sigue de cerca a la juguete vaquera Jessie, muestra el intento de estos personajes por conectar a Bonnie con otros niños de la forma correcta, ya sea online o en persona. “Puede darse una situación híbrida, que obviamente es hacia donde nos dirigimos”, dice Docter. Toy Story 5, además, pone en el foco la repercusión que pueden tener los comentarios dañinos en redes sociales. Collins asevera que “el acoso, por desgracia, ha existido en todas sus formas desde siempre”: “La tecnología representa otra oportunidad más fácil y rápida para que los niños se hagan daño unos a otros, y esperemos que sin intención, sin comprender las consecuencias. Abordarlo era importante porque es un efecto secundario muy, muy real de pasar tiempo frente a la pantalla sin supervisión”.

Las consecuencias de la IA

Esta quinta entrega de Toy Story pone sobre la mesa el peligro de las nuevas tecnologías, por lo que es imposible no poner la vista en el futuro y pensar sobre las consecuencias que dejará —y que ya está dejando— la inteligencia artificial o plataformas como ChatGPT en las jóvenes generaciones. Lindsey Collins cuenta cómo la gestionan desde Pixar: “Aún no ha llegado a ese punto que nos haga decir: 'Vaya, esto es increíble'. Así que lo que estamos haciendo es intentar tener una visión más amplia al respecto, que sea totalmente coherente con la forma en que siempre hemos concebido la tecnología en Pixar, que es una empresa tecnológica. Se basa en preguntarnos: '¿Qué podemos hacer con ella?'”.

Aunque Collins indica que han reflexionado sobre si la IA “va a ayudar a hacer mejores películas y que los artistas puedan subir su material más rápido, o si el artista puede realmente hacer algo más con ella”, apunta que “nada de esto pasa por alto al artista”. “Lo que más nos gusta de Pixar es el hecho de que somos el único estudio que sigue siendo un lugar donde todos trabajamos juntos cada día, y por eso creamos con artistas. No hay ningún cambio en esa filosofía y es muy coherente con la forma en que siempre lo hemos abordado”, detalla. Pete Docter, por su lado, declara que “hay algo inherente al acto de crear”: “Cuando creas algo, buscas en tu interior y piensas: 'Vaya, no sabía que tenía eso que decir'. Pero, si simplemente te limitas a hacer una película, no consigues eso. Si usas [la IA] de esa manera, te estás robando a ti mismo y al público”.

“Queremos conectar con la gente y estas películas las hacemos para conectar con otras personas. Aunque se hagan con ordenadores, están hechas a mano, y así ha sido desde la primera de Toy Story”, señala Docter. Asimismo, Collins cuenta que “hay una parte genial en lanzar una película al mundo”, pero no es lo que más les motiva. “Lo que ves son cuatro o cinco años en los que hemos estado creando algo juntos en el mismo edificio, día tras día, intentando dar con la idea. Es como un astronauta que dice que solo lo hace para estar en el espacio... Tienes que amar todo el proceso, todo lo que conlleva, porque solo estás en el espacio durante una pequeña porción de tiempo, si tienes suerte. Para nosotros es más o menos lo mismo”, argumenta.

El estreno de Toy Story 5 se dirige a alcanzar cifras de récord. Las estimaciones de recaudación para el primer fin de semana de la película codirigida por Andrew Stanton y Kenna Harris ascienden hasta los 150 millones de dólares en EEUU, lo que, de mantenerse, supondría el mejor estreno para la franquicia, superando los 120,9 millones de dólares que hizo Toy Story 4 en 2019, y el más grande de lo que va de 2026. Asimismo, la película también cuenta con el impulso que conlleva tener una canción de Taylor Swift durante los créditos finales. La preciosa I Knew It, I Knew You apunta ya a los Oscar y ha alcanzado el número 1 en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en la séptima canción de la historia vinculada a una cinta de animación que logra dicha hazaña.

Más de cinco años después de la cuarta entrega, llega a los cines este junio ‘Toy Story 5’, la nueva película de la saga de Pixar, que dirige Andrew Stanton, que ya estuvo detrás del guion de la segunda y tercera, además de haber participado en otros éxitos del estudio de Disney como ‘Wall-e’, ‘Buscando a Nemo’ o ‘Bichos’, además de también en ‘Stranger Things’.

En la película, que se estrena en los cines españoles este 19 de junio, reflexiona en su historia de la llegada de la tecnología a la vida de los niños, y en ella se espera que Jessie tome el protagonismo frente a Woody y Buzz Lightyear. Un personaje que no apareció en la primera entrega y que conocimos en su secuela, un largometraje que superó todas las expectativas con una recaudación de casi 500 millones de dólares y que además hizo historia al ganar el Globo de Oro a Mejor Película de Comedia o Musical en 2000, cuando todavía no había sección para la animación, como sucedía también en los Oscars.

Sin embargo, ‘Toy Story 2’ enfrentó varios problemas antes de estrenarse a finales de 1999, porque en principio se planteó para estrenarse directamente en vídeo al no convencer a los productores, pero lograron realizar cambios a contrarreloj que acabaron por darle forma y decidir qué pasaría por las salas de cine. Un hecho que estuvo a punto de no pasar porque a meses de su estreno se perdió el 90 % del material.

El comando que estuvo a punto de borrar por completo ‘Toy Story 2’

150 personas trabajaban en la animación y montaje de la secuela de ‘Toy Story’ en 1998. Quedaba poco menos de un año para su estreno cuando se ejecutó un comando de Linux/Unix, rm-rf que eliminaba un archivo, pero que llevó a que se dieran una serie de acciones que casi se llevan por delante toda la película, y es que con ello se había ordenado la eliminación de todo el sistema compartido de archivos del proyecto.

La ‘pesadilla’ se desarrolló entonces en los estudios de Pixar. Y es que entonces todos los trabajadores tenían acceso al material debido a la política de empresa de trabajar todos por igual como equipo, teniendo acceso a los mismos permisos, que además ahorraba tiempo al avanzar ciertos aspectos de la producción, sin jerarquía. Esto trajo, sin embargo, una catástrofe que casi impide el estreno de la secuela.

El problema de que se habían eliminado el 90 % de los archivos de la película se descubrió cuando uno de los directores técnicos asociados, ‘Toy Story 2’, estaba buscando una escena concreta de Woody y se encontró con una secuencia de errores al intentar visualizarlo, y que esto se estaba traspasando a otros archivos, como bien declaró en una entrevista en TNW.

Ante un estreno que se esperaba en noviembre de 1999, optaron por desenchufar todo para que no se perdieran más archivos y buscaron restaurar la última copia de seguridad, pero ahí se dieron cuenta de otro problema. Y es que faltaba gran parte de la película en ella, solo tenían 4GB porque es lo que pensaban que usarían, pero finalmente habían acumulado más de 10GB y esto provocó que al llegar al límite, la copia de seguridad comenzó a reescribir.

El problema se solucionó de la forma más inesperada gracias a una empleada que trabajaba en casa porque había dado a luz hace pocos meses. Galyn Susman tenía un equipo de trabajo completo para seguir trabajando en remoto en la película, e iba recibiendo actualizaciones de los archivos de forma periódica. De esta forma, recuperaron gran parte del largometraje, pudiendo no recuperar tan solo las dos últimas semanas y no todo lo que llevaban adelantado.

La escena “más placentera” de ‘Toy Story’

Además de ser la carta de presentación de Jessie, ‘Toy Story 2’ también tiene para muchos la que es la escena “más placentera” de la saga, siendo popular en redes sociales compararla con un vídeo de ASMR, es decir, un formato audiovisual diseñado para provocar relajación profunda mediante estímulos auditivos y visuales. Se trata de la escena en la que restauran a Woody, que se conecta con uno de los cortos más famosos de Pixar. Y es que el personaje que lo realiza es para muchos Geri de ‘El juego de Geri’, en la que un anciano juega consigo mismo al ajedrez.