Calaceite es un pueblo especialmente bonito, de eso no hay duda, pero es cierto que en la comarca del Matarraña, en Teruel, hay muchos otros pueblos bonitos, así que su belleza no lo hace tan especial estando donde está. Sin embargo, Calaceite juega en varias ligas a la vez. Conserva uno de los conjuntos históricos más interesantes de la comarca, con calles empedradas, plazas porticadas y casas señoriales que hablan de siglos de prosperidad ligados al comercio y al aceite de oliva, pero este municipio esconde mucho más que una cara bonita.

Cuando caminamos por sus calles, basta con recorrer la Plaza de España, asomarse a la Placeta de la Lonja o avanzar por la calle Maella para entender por qué está considerado uno de los pueblos más llamativos de Aragón, y por qué pertenece a la asociación de Los Pueblos más Bonitos de España. A cada paso aparecen fachadas de piedra, balcones de forja, antiguos portales de la muralla convertidos en capillas y rincones que conservan intacto el carácter de una villa que ha sabido crecer sin perder su identidad.

Pero como verás, Calaceite es mucho más que un casco histórico bien conservado. Aquí nació el arqueólogo Juan Cabré, una figura clave para entender la prehistoria y la cultura ibérica de la zona. También fue refugio de escritores y artistas durante la segunda mitad del siglo XX, hasta el punto de que por sus calles pasaron nombres tan conocidos como José Donoso, Gabriel García Márquez o Mario Vargas Llosa. Y a apenas un kilómetro del pueblo, entre campos de olivos, el poblado ibérico de San Antonio recuerda que la historia de este rincón del Matarraña comenzó mucho antes de la Edad Media.

Un paseo por uno de los cascos históricos más bellos del Matarraña

Si hay un lugar por el que conviene empezar la visita es la Plaza de España. Es el auténtico centro de la vida local y uno de los espacios que mejor explican la historia de Calaceite. Construida en el siglo XVI, está rodeada de soportales, pasos cubiertos y fachadas de piedra que reflejan la importancia que tuvo la localidad durante siglos.

Presidiendo la plaza se encuentra el Ayuntamiento, levantado a comienzos del siglo XVII y considerado uno de los mejores ejemplos de arquitectura civil renacentista de la comarca. Bajo sus arcos se situaron antiguamente el mercado, la cárcel y algunos de los espacios donde se desarrollaba la vida pública de la villa.

Y allí al lado, a pocos pasos, aparece la Placeta de la Lonja, una pequeña plaza a la que se accede atravesando los arcos del Ayuntamiento. Rodeada de edificios de los siglos XVII y XVIII, constituye uno de los rincones más representativos del casco histórico, y además uno de los más tranquilos.

La calle Maella y los rincones que explican el carácter de Calaceite

La calle Maella es una de las más representativas de Calaceite. A lo largo de su recorrido se suceden casas señoriales, fachadas de piedra, escudos nobiliarios y balcones de forja que reflejan la prosperidad que vivió la localidad entre los siglos XVIII y XIX.

Entre todos los edificios destaca la Casa Moix, reconocible por su gran balconada en esquina sostenida por ménsulas decoradas. Su singularidad fue tal que la fachada se reprodujo en el Pueblo Español de Barcelona con motivo de la Exposición Internacional de 1929. También merece atención la Casa de la Justicia, uno de los edificios más antiguos del municipio.

Más allá de los monumentos concretos, buena parte del atractivo de Calaceite está en su propio trazado urbano. Las calles ascienden y descienden adaptándose al relieve sobre el que se levantó la villa y conectan pequeñas plazas, pasadizos y edificios históricos que aparecen de forma constante durante el recorrido.

Los portales que dejaron de defender la villa para convertirse en capillas

Uno de los elementos más curiosos de Calaceite son los portales-capilla, una solución arquitectónica muy característica del Matarraña. Antiguas puertas de la muralla medieval terminaron transformándose en espacios religiosos cuando las necesidades defensivas desaparecieron.

El mejor ejemplo es el Portal-Capilla de San Antonio, conocido también como Portal de Orta por ser el acceso desde la vecina localidad catalana de Horta de Sant Joan. Sobre la antigua puerta se construyó en el siglo XVIII una capilla barroca que todavía hoy mantiene algunas celebraciones tradicionales.

Algo parecido ocurrió con el Portal-Capilla de la Virgen del Pilar, situado al final de la calle Maella. Esta antigua entrada de la muralla conserva la estructura original del portal y la capilla añadida posteriormente. Juntos recuerdan cómo era la villa amurallada de Calaceite y la evolución que experimentó con el paso de los siglos.

La gran iglesia barroca que domina el perfil del pueblo

La Iglesia de la Asunción es el edificio más monumental de Calaceite y una de las obras barrocas más importantes de toda la comarca. Su construcción comenzó a finales del siglo XVII sobre el emplazamiento de una antigua iglesia gótica y fue consagrada en 1710.

La fachada principal concentra buena parte de los elementos más destacados del templo, con columnas salomónicas, abundante decoración barroca y los grandes clavos de forja de sus puertas. También destaca la torre campanario, cuya construcción quedó inacabada.

En el interior, las tres naves tienen la misma altura, algo que sin duda ayuda a aumentar la sensación de amplitud. Muy cerca se encuentra la Capilla de San Roque, documentada desde el siglo XVI y vinculada históricamente al antiguo hospital de la localidad.

El pueblo que se convirtió en refugio del boom latinoamericano

Pocas personas esperan encontrar en un pequeño pueblo del Matarraña una historia relacionada con algunos de los escritores más importantes de la literatura en español del siglo XX. Sin embargo, eso fue exactamente lo que ocurrió en Calaceite.

Durante la década de 1970, el escritor chileno José Donoso se instaló aquí junto a su familia y convirtió la localidad en un lugar de encuentro para autores e intelectuales. Por el pueblo pasaron figuras como Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa o Carlos Fuentes, atraídas por la tranquilidad y el ambiente cultural que se había generado en torno a Donoso.

Esa tradición artística sigue formando parte de la identidad local. La Plaza de los Artistas, inaugurada en 1999, recuerda la presencia de escritores, pintores e investigadores que encontraron en Calaceite un lugar donde residir o trabajar durante distintas etapas de sus vidas.

De Juan Cabré a los íberos: un viaje a los orígenes del Matarraña

La importancia cultural de Calaceite también está ligada a la arqueología. Aquí nació Juan Cabré, una de las figuras más destacadas de la arqueología española y uno de los investigadores que contribuyeron a dar a conocer el patrimonio prehistórico e ibérico de la zona.

El museo Juan Cabré, dedicado a su figura, permite conocer mejor tanto su trabajo como la historia del territorio. Pero la mejor forma de entender esa herencia es acercarse hasta el poblado ibérico de San Antonio, situado a poco más de un kilómetro del casco urbano.

Las excavaciones iniciadas a comienzos del siglo XX permitieron documentar un asentamiento ocupado entre los siglos V y II a. C. Todavía pueden observarse restos de viviendas, estructuras defensivas y parte del urbanismo de un enclave que dominaba visualmente buena parte del territorio circundante.

Olivos centenarios, miradores y excursiones alrededor de Calaceite

Aunque el casco histórico concentra gran parte de los atractivos de la localidad, merece la pena reservar algo de tiempo para conocer el entorno. Los olivares forman parte inseparable del paisaje y de la economía local desde hace siglos. Un buen ejemplo lo encontramos en la Olivera del Suavo, todo un monumento vivo al que se le calculan más de 800 años de edad. 

Otro lugar imprescindible es la ermita de San Cristóbal, situada sobre una elevación desde la que se obtiene una amplia panorámica del Matarraña. El edificio actual fue construido en el siglo XVIII, aunque la devoción al santo está documentada desde mucho antes.

Desde este punto, elevado y con vistas, pueden contemplarse los campos de olivos, varias localidades de la comarca y las montañas de los Puertos de Beceite. Un broche perfecto para una visita que va mucho más allá de un casco histórico bonito, y que nos lleva a descubrir uno de los pueblos con más personalidad de toda la comarca.

Todo comenzó en 1995, con la denominada ‘Tertulia de Zocodover’. Sus integrantes convocaron un concurso de patios toledanos para mostrar a la ciudadanía esos espacios interiores abiertos en las viviendas y palacios del Casco Histórico de la ciudad, capaces de captar luz entre las estrechas callejuelas, que juegan además el papel de regulador térmico. En aquel entonces ocho de sus propietarios se sumaron a la iniciativa. Fue un éxito, pero tuvieron que pasar cinco años para que se realizara una segunda convocatoria.

Así, ya en el año 2000, el proyecto AVEC-Toledo, dentro de un programa europeo que promovía la sensibilización de la población con el patrimonio cultural de la ciudad, organizó su primer ‘Concurso de Patios’ con motivo de las fiestas del Corpus Christi a través del colectivo ‘Pilotaje Local’ (integrado por la Asociación de Vecinos del Centro Histórico, Iniciativa Ciudadana y Foro Cultural). Ya entonces se inscribieron 23 participantes.

Se realizaron dos ediciones del certamen, entonces prácticamente sin dotación económica (años 2000 y 2001). Al ser una iniciativa con fondos europeos, el proyecto estaba destinado a desaparecer y solo podía tener continuidad si se hacía cargo una entidad privada. Animados por los resultados, unos pocos toledanos decidieron hacer una asociación, coger el testigo y afrontar el reto.

Una visita a Córdoba y un sueño cumplido

Andrés León, propietario de uno de esos primeros patios participantes, se puso en contacto con directivos de la Asociación de Patios de Córdoba y se desplazó allí para informarse del contenido y experiencia de la ciudad.

De regreso la capital castellanomanchega, comenzó a fraguarse la Asociación de Amigos de los Patios de Toledo, convocando a participantes de las dos ediciones anteriores y algunos simpatizantes de la idea. Fue en octubre de 2001, en el emblemático Palacio de Benacazón, cuando se dio a conocer públicamente la asociación.

Este año cumple, por tanto, 25 años. Un cuarto de siglo de una iniciativa que ya ha conseguido que abran sus puertas hasta 46 patios del Casco Histórico de Toledo con motivo de la celebración del Corpus Christi de la ciudad. Este año lo hacen desde el día 1 hasta el día 6 de junio, en horario de tarde (de 18.00 a 22.00 horas) y el sábado también a mediodía (de 12.00 a 14.00 horas), dentro de un certamen en el que posteriormente se elige el mejor de todos ellos.

De esta forma, los patios de Toledo, abiertos al cielo y cerrados por sus cuatro lados descubren sus numerosos tesoros, ofreciendo toda una lección de historia a los visitantes, brindando “aire, luz y serenidad”, en palabras de Andrés León, propietario de uno de esos dos patios que marcaron los inicios del proyecto, presidente y socio fundador de la asociación que hace posible la iniciativa.

Los patios tienen titularidades de todo tipo. La mayoría pertenecen a propietarios particulares, pero también abren los que regentan las administraciones públicas (principalmente el Ayuntamiento, la Diputación provincial y el Gobierno de Castilla-La Mancha). Y este año, abren sus puertas, por primera vez juntos, los patios y jardines del Museo Sefardí, el Museo de El Greco y el Museo de Santa Cruz. La asociación quiere que en la próxima edición también participe el Museo del Ejército, que alberga el Alcázar de Toledo.

Andrés León, junto con muy pocas personas en la asociación, ha dedicado estos últimos 25 años a cumplir este sueño. Cuenta que la pandemia fue una “prueba de fuego” para el proyecto, pero ahora han conseguido arrancar de nuevo y “estamos en el mejor momento” desde los inicios del certamen.  

Considera que el mayor logro es haber conseguido que, a partir de las 18.00 horas, muchos visitantes, pero también vecinos y vecinas, echen mano de planos físicos y de sus móviles para “hacer su recorrido buscando patios”.

“Desde el día antes de la procesión del Corpus (el jueves 4 de junio) en el Casco Histórico se ve gente por las tardes, no solo en las calles por donde irá la procesión, sino por otras vías alternativas, algo que no es habitual, porque ya a esas horas muchos turistas se han marchado”. “Lo principal es que ya hemos dejado aquí una huella imborrable”, destaca orgulloso.

Los patios, agrega, son un “bien patrimonial de primer orden” del Casco Histórico de Toledo. Todos tienen “su pasado y su historia”, porque son “de distintas épocas, aunque se hayan arreglado recientemente”. Pero, sobre todo, “todos tienen algo de la historia de esta ciudad” y son, por lo tanto, “reflejo de su multiculturalidad”.

El presidente de la asociación considera, de hecho, que la cantidad de patios que alberga la ciudad es “difícil de igualar en cuanto a su calidad”. Señala que mientras en otras ciudades como Córdoba (con la que el colectivo colabora estrechamente) cuidan mucho el aspecto vegetal, los toledanos son “muy representativos de la historia patrimonial de la ciudad”. “Son una gran lección de la arquitectura en España. Aquí tenemos restos de todas las culturas y eso no es fácil de encontrar”.

“Hay patios donde vemos estructuras metálicas, porque en su día hubo que sustituirlos y reformarlos. Eso normalmente es de principios del siglo pasado. Pero también tenemos de la época andalusí, de la judería, del arte mozárabe. Todos esos detalles los vamos a ver en una columna, en un capitel, en los aljibes. Y eso es único”, argumenta.

Hay muchos patios que están fuera de las zonas de mayor concurrencia, por lo que no supone un problema de turismo en masa

Los patios que pasan a formar parte de esta iniciativa solo se abren al público durante la semana del Corpus, pero el resto del año también se utilizan para eventos especiales impulsados por las administraciones o por colectivos culturales y ciudadanos de todo tipo.

Andrés León ha podido recabar durante estos 25 años opiniones de todo tipo. Mantiene incluso la amistad con muchos turistas que en su día visitaron estos espacios y quedaron deslumbrados. De hecho, aunque le preocupa la “turistificación” del Casco Histórico de Toledo y pide que se aborden soluciones inmediatas, este fenómeno no afecta a estas jornadas.

“Nosotros abrimos por las tardes y muchos grupos ya no están el Casco a esas horas. Sí que hay turistas, pero no van en masa, y además hay muchos patios que están fuera de las zonas de mayor concurrencia, por lo que no supone un problema”.

Lo que sí preocupa a la Asociación de Amigos de los Patios de Toledo es el relevo generacional. “Es un problema grande que hemos ido comprobando cómo crece en estos 25 años. Cuando empezamos, en cada patio de vecinos y vecinos, de cada diez, seis o siete eran propietarios y el resto inquilinos. Ahora ha cambiado totalmente: hay algunos grandes y muy bonitos en los que solo uno es propietario y nueve son inquilinos. Cuando desaparezca ese uno, ese patio ya no va a abrir. Ya nos ha pasado”.

La solución al problema del relevo generacional

¿Por qué sigue creciendo el proyecto pese a este fenómeno? “Porque se están agregando poco a poco entidades con edificios muy interesantes, de la Diputación, de la Junta de Comunidades, del Ayuntamiento, y otros como el Colegio de Arquitectos y también conventos. Eso nos va amortiguando un poco esa pérdida que tenemos especialmente de los patios con bastantes vecinos”.

Los patios son tesoros, que a su vez, albergan otros tesoros. Las personas visitantes no solo pueden contemplar su arquitectura, sino también disfrutar de música, juegos y exposiciones de todo tipo.

Este año, el patio del Palacio de Benacazón rinde homenaje a Francisco García Martín, 'Epicaris', fallecido el año pasado, experto en patrimonio, activista por los derechos humanos y articulista de elDiario.es de Castilla-La Mancha.

Llama la atención en el certamen actual la exposición sobre bordados del municipio toledano de Lagartera con el que se ha adornado el patio de la plaza de San Vicente, donde está una de las dos sedes de la Delegación del Gobierno de Castilla-La Mancha.

En el espacio en la Plaza Amador de los Ríos, el Oratorio de San Felipe Neri, puede contemplarse la instalación artística botánica ‘En mi principio está mi fin’, de Martín El Errante. Y otras dos muestras relacionadas con las plantas: ‘Bajo custodia’, de José Manuel Ruiz, en el Espacio Singular de la Calle Real, número dos; y ‘Territoria’, de Alfredo Copeiro, en Plaza de San Lucas, número 5.

Los patios de Toledo tienen “larga vida”. Son otra seña de identidad de una Ciudad Patrimonio de la Humanidad que nunca deja de sorprender y que, mediante iniciativas de la sociedad civil como la de esta asociación, busca no perder un legado plagado de detalles, ahora con sus puertas abiertas de forma gratuita para el disfrute del público.

Uno de los castigos más comunes en muchas familias mediterráneas consistía en ser enviado a la habitación: “Castigado a tu cuarto”. La frase implicaba aislamiento, aburrimiento y una suspensión abrupta de la vida colectiva. El dormitorio era el espacio de la introspección forzada, del tiempo detenido y de la ausencia de sociabilidad. Mientras el resto de la casa seguía viva, con la televisión encendida, las conversaciones cruzando el comedor, el ruido de los platos o las visitas, el niño que se portaba mal permanecía recluido en aquel pequeño cubículo donde el día parecía terminar antes de tiempo.

Hoy este castigo resulta ciertamente más ambiguo. Con ordenadores, móviles y videojuegos conectados permanentemente al mundo exterior, muchos adolescentes viven precisamente lo contrario y el problema ya no es encerrarlos en la habitación, sino conseguir que salgan de ella. Las familias con hijos adolescentes conocen bien esa escena doméstica donde cada miembro permanece atrincherado en su dormitorio, conectado simultáneamente con decenas de personas y, al mismo tiempo, aislado físicamente del resto de la casa.

Quizá por eso las viejas sitcoms resultan hoy tan extrañamente optimistas. Las series de los noventa y de principios de los 2000 siempre transcurrían en el salón, el epicentro de las tramas y la acción. Los dos apartamentos enfrentados de Friends, el piso difícilmente dibujable de Cómo conocí a vuestra madre, el comedor del Eixample de la mítica serie catalana Plats Bruts, el piso compartido de The Big Bang Theory o incluso el sofá de Homer Simpson funcionaban como escenografías representativas del imaginario común de toda una generación: espacios centrales, abiertos y compartidos donde se desarrollaban la amistad, el conflicto, la conversación, la convivencia y, en general, la totalidad de la vida doméstica.

Los dormitorios quedaban relegados a un segundo plano, apenas insinuados en los márgenes de la pantalla. La cámara casi nunca entraba allí. Y cuando lo hacía, solía significar que el episodio alcanzaba un momento íntimo, romántico, melancólico o simplemente el fin del capítulo. Las habitaciones eran el fuera de campo de la vida activa que no suscitaba ningún interés y la verdadera acción ocurría siempre alrededor de una mesa, un sofá y un televisor.

Quizá por eso, aquellas ficciones de casas televisivas resultaban tan reconocibles y aspiracionales a la vez. Condensaban una determinada idea de hogar y de estilo de vida. El salón se erigía como el corazón simbólico de la vivienda moderna, el espacio donde la vida interior se volvía compartida, atractiva e incluso visible. 

La vivienda contemporánea, no obstante, parece avanzar justamente en la dirección contraria y en muchos pisos compartidos actuales, el salón ha dejado de ser un espacio central para convertirse en un territorio ambiguo, infrautilizado o directamente inexistente. En los casos más extremos, el antiguo estar se transforma en un dormitorio adicional separado de la cocina mediante un biombo, una cortina o un tabique improvisado. Allí donde antes había un sofá aparecen una cama de 90 centímetros, un escritorio plegable y una televisión individual. La vida común desaparece absorbida por una suma de habitaciones privadas que cristalizan la perversión especulativa de la vivienda y la desaforada ambición de lucro de la nueva clase social depredadora: los propietarios rentistas. 

La vida común desaparece absorbida por una suma de habitaciones privadas que cristalizan la perversión especulativa de la vivienda

Vivir en una habitación

Como arquitecto, he visto muchas viviendas ajenas por encargos varios como cédulas de habitabilidad, ITEs, certificados energéticos o reformas. A menudo salgo de ellas con una profunda desazón. Hay pisos compartidos donde cada habitación funciona como un pequeño búnker vital: armarios insuficientes, maletas visibles porque ya no hay espacio para esconderlas, zapatos alineados junto a la cama, cosméticos acumulados en bandejas porque nadie quiere dejar sus cosas en un baño compartido. Cada cuarto contiene una vida entera comprimida en pocos metros cuadrados. Se duerme, se trabaja, se estudia, se come y se socializa allí dentro. 

La habitación deja de funcionar como un dormitorio o una simple pieza privada de la casa y acaba convirtiéndose en una vivienda completa en miniatura de la que apenas se sale para ir al baño o cocinar, cuando la comida a domicilio no llega ya directamente hasta la cama. Hay familias enteras viviendo así. Parejas que alquilan una habitación, tienen un hijo y siguen encerradas en ella porque la distancia económica entre pagar 500 euros por un cuarto y 1.500 por un piso completo resulta hoy prácticamente insalvable. Esto último, en grandes ciudades, por impactante que parezca, es mucho más común de lo que solemos imaginar.  

La habitación, pensada históricamente como espacio íntimo y transitorio, acaba convirtiéndose en hogar permanente. El salón, mientras tanto, se convierte en un territorio hostil. Un espacio de tránsito sin arraigo, demasiado expuesto para sentirlo verdaderamente propio. En muchos pisos compartidos -donde cada vez es más frecuente que los inquilinos ni siquiera se conozcan previamente- nadie termina de apropiarse de las zonas comunes porque suelen convertirse en el escenario potencial de cualquier conflicto cotidiano. Realquileres, propietarios que aparecen constantemente para supervisar la vivienda, contratos temporales con una rotación incesante de inquilinos, parejas que se instalan de facto sin consultar al resto o conflictos por la limpieza y el uso de la cocina convierten los espacios comunes en una fuente permanente de tensiones.

La desaparición progresiva del salón no responde únicamente a un cambio estético o generacional. Tiene mucho que ver con la transformación económica de la vivienda y con la sobreexplotación contemporánea del espacio doméstico. En un mercado inmobiliario donde cada habitación puede alquilarse individualmente, el salón se convierte en el espacio menos rentable de la casa. Y por eso desaparece. Puede hacerlo por omisión funcional o directamente por anulación arquitectónica. El sueño húmedo del propietario especulador consiste en transformar un piso convencional en un laberinto de habitaciones autónomas.

En un mercado inmobiliario donde cada habitación puede alquilarse individualmente, el salón se convierte en el espacio menos rentable de la casa. Y por eso desaparece. Puede hacerlo por omisión funcional o directamente por anulación arquitectónica

Flexibilidad sin precariedad

Ya es ampliamente conocida la afirmación popular que reza que “si tu sofá está pegado a la pared, eres pobre”. La frase tiene tanto de chiste como de verdad. Solo quien dispone de espacio suficiente puede permitirse muebles extensos, rincones improductivos o salones concebidos únicamente para conversar y recibir visitas. Las viviendas que actualmente pueden permitirse buena parte de la clase media urbana -una clase media que probablemente habría sido considerada clase media baja hace apenas unas décadas- ya no admiten demasiados lujos espaciales. Cada metro cuadrado debe justificarse para un uso concreto. Los muebles tienen sitios predefinidos y se arriman al milímetro, se pliegan y se convierten en multifunción. El sofá-cama y la cocina abierta quizá sean el símbolo definitivo de esta domesticidad comprimida y polifacética.

El propio Decreto de Habitabilidad ya asume la existencia de espacios híbridos como la cocina, comedor y sala de estar en una única estancia. La normativa no obliga a disponer de un salón independiente, sino de una zona común habitable suficientemente amplia, flexible y bien iluminada. El problema no es que cocina, comedor y estar se aúnen, el problema aparece cuando cualquier espacio común o indefinido desaparece porque su existencia no constituye un requisito ineludible de la normativa.

Durante buena parte del siglo XX, la arquitectura moderna defendió precisamente lo contrario de lo que hoy producen muchos pisos hiperoptimizados: viviendas más abiertas, menos jerárquicas y adaptables a distintas formas de convivencia. La flexibilidad espacial se entiende como un requisito virtuoso que permite apropiaciones más libres y diversas del hogar. Algunos teóricos de la vivienda contemporánea incluso han defendido la idea de “ámbitos no especializados” con habitaciones sin una función rígidamente determinada, preparadas para albergar usos cambiantes según las necesidades de quienes las habitan. Varias promociones de vivienda pública – sin duda el terreno más experimental y disruptivo de la arquitectura plurifamiliar actual- ya han propuesto distribuciones con estancias desjerarquizadas que pueden colonizarse con total libertad en función del clima o de la situación de sus habitantes. El problema es que esa flexibilidad arquitectónica, pensada originalmente para ampliar posibilidades, también sirve muchas veces en el ámbito privado como coartada para comprimir espacio y justificar viviendas cada vez más pequeñas.

Flexibilidad no debe ser nunca sinónimo de precariedad: una cosa es diseñar espacios ambiguos y transformables; otra muy distinta es saturarlos hasta el límite para rentabilizar cada metro cuadrado con esta lógica multifunción. La vivienda contemporánea ha acabado convirtiendo algunas renuncias que son, en realidad, síntomas de empobrecimiento material, en modas aparentemente deseables. Ya ocurrió con los minipisos convertidos en piezas estéticas o incluso con ciertos modelos de coliving que presentan como innovación sofisticada formas de convivencia que recuerdan más a un colegio mayor a precio de hotel que a una vivienda emancipada.

La genealogía del salón

La historiadora británica Lucy Worsley recuerda en el libro Si las paredes hablaran. Una historia íntima del hogar (Capitán Swing) que los antiguos salones eran “los espacios públicos de un hogar, donde la vida se vive a la vista de los demás”. En aquellas habitaciones no solo se descansaba: se representaba una determinada posición social. “Los salones ilustran el arte de aparentar”, escribe también Worsley al reconstruir la evolución histórica del espacio doméstico. Durante siglos, la sala de estar funcionó como una frontera ambigua entre lo privado y lo público, entre la intimidad familiar y la necesidad de mostrarse ante los demás.

El problema no es que cocina, comedor y estar se aúnen, el problema aparece cuando cualquier espacio común o indefinido desaparece porque su existencia no constituye un requisito ineludible de la normativa

Worsley sostiene que la sala de estar es el lugar donde te creas a ti mismo, donde se exhiben fotografías, recuerdos familiares, objetos valiosos y una determinada representación de la propia identidad. El salón era por antonomasia el espacio de poder y de hospitalidad de las casas: el lugar visible para las visitas y la intimidad doméstica adaptada para una pequeña escenografía social.

Durante siglos, la forma del salón fue cambiando constantemente. La gran sala medieval concentraba buena parte de la vida colectiva en un único espacio común. Más adelante aparecieron las estancias especializadas de la vivienda burguesa: comedor, fumador, salón, biblioteca. Después, la modernidad integró nuevamente funciones en espacios abiertos y flexibles. Pero incluso entonces seguía existiendo algún tipo de ámbito compartido destinado a la convivencia cotidiana. Worsley apunta incluso que las actuales plantas abiertas recuerdan, en cierto modo, a aquellas grandes salas medievales de nuevo “más flexibles, adaptables y polivalentes”.

La desaparición del espacio común

En muchos pisos compartidos actuales, vivir consiste básicamente en alquilar una habitación y externalizar el resto de funciones vitales hacia la ciudad. Se come fuera, se estudia en bibliotecas, se trabaja en cafeterías o coworkings, se socializa en bares y, a veces, hasta la ducha más confortable es la del gimnasio. La vivienda se convierte progresivamente en una infraestructura mínima de supervivencia: un lugar donde dormir y guardar pertenencias antes de volver a salir, el lugar “donde caerse muerto”. 

Esta lógica alcanza situaciones extremas que rara vez aparecen en series televisivas o en el cine, que siguen representando unos estándares de vida de una teórica clase media que desgraciadamente no cesan de depauperarse. Familias enteras viviendo en habitaciones alquiladas, personas trabajadoras de 30 o 40 años que ya hace tiempo que cotizan y siguen compartiendo piso, gente mayor que tiene que ofrecer alguna habitación en alquiler para complementar la pensión o contratos temporales para inquilinos que en la práctica tienen modelos de vida de larga duración. Todas ellas son formas de infravivienda contemporánea que acabamos por normalizar dentro de este contexto acuciante de la vivienda como activo y no como derecho fundamental. 

Con esta degradación progresiva de los estándares habitacionales, la escasez de espacio se convierte en multifuncionalidad, la compresión doméstica se vende como minimalismo y la desaparición de ciertas comodidades básicas se presenta como una adaptación moderna y flexible a los nuevos estilos de vida. Quizá convendría recordar que no estamos eligiendo vivir así, sino simplemente aprendiendo a tolerarlo.

Probablemente la vivienda contemporánea no necesita seguir organizándose alrededor de un salón clásico, solemne y ceremonial, pero sí debería volver a reclamar espacios para lo común, para formas de convivencia improvisadas e improductivas donde la vida pueda suceder sin utilidad concreta ni rendimiento.

El patio del Centro Cultural San Clemente formará parte del recorrido del Certamen de Patios de Toledo durante la semana del Corpus Christi con diferentes conciertos y propuestas para todos los públicos. Del 1 al 6 de junio, este espacio situado en la Plaza de Padilla abrirá sus puertas como lugar de encuentro, convivencia y cultura durante estos días en el marco del certamente organizado por la Asociación Amigos de los Patios de Toledo, que este año celebra además su 25 aniversario.

Programación: conciertos, rondallas y un campeonato de Oca

La iniciativa forma parte de la programación de nuevas experiencias culturales que desarrolla la Diputación de Toledo para acercar el patrimonio, el arte y las tradiciones a la ciudadanía mediante actividades culturales repartidas por toda la provincia.

La programación arranca este lunes 1 de junio con la actuación de la Rondalla Imperial Toledana, encargada de inaugurar la Semana Grande del Corpus en el patio de San Clemente con una propuesta musical de raíz popular y tradicional. El martes 2 será el turno de la Agrupación Musical Santa María de Benquerencia, que ofrecerá un repertorio de rondalla y coros en una velada marcada por la música popular y el ambiente festivo.

Continuará el miércoles 3 de junio con la actuación de la Agrupación Socio Cultural Emociones, en una nueva jornada pensada para poner en valor el papel social y cultural de los patios toledanos. El viernes 5 se celebrará el Primer Campeonato de la Oca de Toledo, una propuesta lúdica y participativa que transforma el tradicional juego de la oca en un recorrido simbólico por la historia, las leyendas y el patrimonio de la ciudad.

Los participantes recorrerán un tablero inspirado en Toledo que comienza en la Puerta de Bisagra y concluye en la Catedral Primada, incorporando además personajes propios, casillas especiales y referencias al imaginario toledano.

La programación concluirá el sábado 6 de junio con la actuación del cantautor Pablo Parra, acompañado de Múnich y con intérprete de lengua de signos.

El presidente de la Asociación Amigos de los Patios de Toledo, Andrés León, ha destacado que “estamos ante uno de los patios más importantes de la ciudad por sus dimensiones y, además, uno de los que más contenido cultural ofrece durante estos días”.

León ha explicado que “para la asociación es fundamental que este espacio permanezca abierto porque permite acoger actuaciones que, por sus necesidades y aforo, resultaría muy complicado celebrar en otros patios. Aquí podremos disfrutar de varias rondallas, de un cantautor y también de una actividad completamente novedosa como es el primer Campeonato de la Oca de Toledo”.

Durante décadas fue un edificio en silencio. Hoy, el antiguo Hospital Provincial de San Sebastián vuelve a llenarse de pasos, voces y actividad. Ya no hay camillas ni salas de ingreso, pero sí conciertos, mercados, oficinas públicas y turistas. El Hospital Centro-Vivo se ha convertido en uno de los proyectos más ambiciosos de transformación urbana en Extremadura, un experimento institucional que busca demostrar que el patrimonio puede ser útil, habitable y rentable socialmente .

En el corazón de Badajoz, donde el asfalto de la Plaza de Minayo se encuentra con el eco de siglos de historia, se levanta un edificio que ha dejado de ser un simple contenedor de muros de carga para convertirse en un organismo que respira. Y es que fue un gigante dormido, en desuso desde su cierre clínico en 2003. Hoy, sin embargo, se erige como un modelo de gestión pública capaz de atraer a cerca de 880.000 visitantes en apenas cinco años de vida, funcionando como un auténtico “revulsivo” que conecta el dinamismo de la capital con la esencia de los 165 municipios de la provincia.

Una ciudad dentro de la ciudad

La pregunta entonces no era solo qué hacer con él, sino cómo hacerlo sin traicionar su historia. La rehabilitación, liderada por el arquitecto José María Sánchez García, ha recibido el aplauso de la crítica internacional, incluyendo el prestigioso BSI Swiss Architectural Award y el Primer Premio de Arquitectura y Urbanismo 2024 de Extremadura (COADE). El lema del proyecto, 'Un edificio como una ciudad', resume una filosofía en la que el patrimonio no es una barrera, sino un facilitador. Sánchez García ha transformado los antiguos pasillos en “calles” y los patios en “plazas”, logrando que la planta baja actúe como un gran intercambiador urbano donde la vida exterior fluye hacia el interior sin obstáculos, con el rumor de las conversaciones y la luz desplazándose como si el edificio respirara al ritmo de la ciudad. Esa decisión es la que explica hoy la sensación de continuidad: no hay una frontera clara entre la ciudad y el edificio. Se entra casi sin darse cuenta.

El diseño respeta los elementos neoclásicos originales, como su imponente fachada y la portada tardobarroca de mármol presidida por la Virgen de los Milagros, pero introduce soluciones contemporáneas como lucernarios en la cubierta para inundar de luz natural los espacios de trabajo. Esta hibridación ha permitido que el edificio sea hoy un espacio flexible capaz de albergar simultáneamente una oficina de turismo provincial, una ludoteca científica y un mercado gastronómico de primer nivel. Todo ello en una capital de provincia eminentemente rural.

El corazón gastronómico y la lucha contra la despoblación

El Hospital Centro Vivo se ha convertido en el gran escaparate del mundo rural en la urbe. A través del Mercado de Productos Locales, la Diputación ha creado un canal directo que conecta a los pequeños productores con el consumidor bajo el lema 'Yo compro productos del pueblo'. Pasear por sus galerías es descubrir la excelencia de Extremadura: desde los vinos de la DOP Ribera del Guadiana hasta el queso ‘Jabaíno’ de Jarropa y Sita, reconocido como el mejor queso de España en 2025.

Este mercado no es solo un evento comercial; es una herramienta estratégica contra la despoblación. Al ofrecer visibilidad a artesanos de municipios pequeños, se fortalece el tejido económico local y se promueve un modelo de consumo sostenible basado en el 'kilómetro cero'. Además, El Hospital colabora activamente con la Plataforma del Voluntariado para organizar degustaciones solidarias de productos con Indicación Geográfica Protegida, como el Cordero de Extremadura (Corderex) o los garbanzos de Valencia del Ventoso. El edificio, así, no solo exhibe productos: repara vínculos entre ciudad y territorio.

Además, 'Entre Barras' es el espacio de restauración que se convierte en un punto de encuentro donde la sed y el apetito encuentran respuesta en una oferta gastronómica completa que reúne Vinatería, Cervecería, Fogones y la Cafetería Floco. En este enclave, integrado en la vida cotidiana del Hospital Centro Vivo, quienes lo visitan pueden disfrutar de un entorno único en Badajoz mientras saborea una cocina elaborada con productos de la tierra y un sutil toque gourmet, reforzando la vocación del edificio como escaparate del talento y la identidad culinaria de la provincia.

Agenda Viva: un mayo de 2026 marcado por la pluralidad

La actividad aquí es incesante, con casi un millar de eventos organizados desde su reapertura. La programación de este mes de mayo de 2026 es un fiel reflejo de su densidad cultural y de su vocación de espacio abierto. Recientemente, el ciclo 'Resonancias' ha puesto el foco en el talento joven del Conservatorio Superior de Música Bonifacio Gil. Al mismo tiempo, la faceta institucional se manifiesta con el 'Plan Avanzamos', una iniciativa destinada a coordinar inversiones y empleo en los ayuntamientos de la provincia.

El calendario cultural más reciente se ha completado con las XXIII Jornadas Artilleras, donde se profundiza en el pasado visigodo, mientras que el escenario se ha llenado también con el espectáculo 'Broadway Avenue'. La ciencia también tiene su espacio con la exposición “La conquista del espacio 1956-2026” y la muestra del Legado Cajal. A finales de mes, el foco se trasladará a la sostenibilidad con el evento 'Tejiendo Futuro 2026' del proyecto RESOTEX, dedicado a la innovación en el sector textil circular. La pluralidad de esta agenda no solo dinamiza el edificio: lo convierte en un punto de encuentro para públicos muy distintos.

El horizonte de 2027: el salto administrativo

A pesar del éxito, el Hospital Centro Vivo encara ahora su etapa de mayor transformación operativa. La presidenta de la Diputación, Raquel del Puerto, presentó recientemente un proyecto de ampliación que supondrá una inversión de 6,3 millones de euros para adecuar la segunda y tercera planta. Esta intervención, cuyas obras arrancarán a principios de 2027, busca centralizar servicios administrativos de la institución provincial en el centro de la ciudad.

El objetivo es crear oficinas modernas, accesibles y colaborativas, integrando la administración en el flujo cotidiano de la ciudad. Con una inversión total que superará los 10 millones de euros desde su adquisición, la sede se consolida como un modelo único de edificio híbrido donde la gestión pública, la cultura y el desarrollo social se entrelazan. La administración, así, deja de ser un enclave aislado para convertirse en parte del pulso urbano.

Tres siglos de historia: de la caridad al servicio público

La biografía de este inmueble es, en realidad, la historia de la asistencia social en la ciudad fronteriza. Sus orígenes se remontan a 1694, cuando el obispo Fray Pedro de Silva puso la primera piedra de lo que sería el primer hospital de la ciudad. En 1774, el Obispo Minayo le otorgó su carácter definitivo al destinarlo a la manutención de niños huérfanos y personas desamparadas. Durante el siglo XIX, el edificio fue conocido por albergar la 'Casa de los Expósitos' o 'Casa Cuna', un refugio vital para los niños abandonados de la región, un espacio donde la ciudad volcaba su idea de protección y amparo.

A lo largo del siglo XX, el hospital experimentó sucesivas ampliaciones, pasando de dos a cuatro plantas en los años ochenta. Pero la rigidez de sus gruesos muros y la falta de ventilación terminaron por quedar obsoletas frente a los requerimientos de un centro sanitario moderno, lo que derivó en el cese de su actividad en 2003. Tras años de incertidumbre, la Diputación de Badajoz adquirió el inmueble en 2015 con el objetivo de devolverlo a la ciudadanía bajo un concepto radicalmente nuevo: un espacio habitable, útil y profundamente arraigado en la identidad local.

En definitiva, este gigante de piedra ha logrado conservar su esencia de hospitalidad para ofrecer cuidados sociales, culturales y económicos a una provincia que ha encontrado en él su corazón más vibrante. El Hospital Centro Vivo demuestra que el patrimonio puede ser el motor más potente para construir el futuro de una región. De momento, el viejo hospital ha vuelto a tener algo que había perdido: vida.

Se trata de una estructura que trasciende su función básica de paso para convertirse en un espectáculo visual. La pasarela peatonal de la Illa do Covo, en Pontevedra, fue terminada en julio de 1997 y representa un equilibrio perfecto entre la técnica avanzada y la sensibilidad. Esta obra, propiedad de la Xunta de Galicia, se ha consolidado como un símbolo de modernidad que conecta a los ciudadanos con el parque de la Isla de las Esculturas. Su presencia metálica no interrumpe el paisaje, sino que lo complementa con una elegancia que define a las mejores obras de ingeniería contemporánea.

Es una pieza clave que define la identidad arquitectónica de la zona y un ejemplo de infraestructura urbana de reducido tamaño pero gran impacto. Cada detalle de su construcción fue supervisado para garantizar una asistencia técnica de primer nivel durante todo el proceso de ejecución. Esta pasarela es hoy un elemento indispensable para entender la evolución del paisaje fluvial en la emblemática ciudad de Pontevedra. La estructura ha logrado fusionar la utilidad pública con un valor artístico que es apreciado tanto por residentes como por visitantes. Su ubicación estratégica la convierte en el nexo perfecto entre el casco urbano y los espacios verdes protegidos del entorno.

Detrás de este ambicioso proyecto se encuentra la firma Fhecor Ingenieros Consultores, bajo la dirección del prestigioso ingeniero de caminos Hugo Corres. Con una trayectoria académica brillante y una vasta experiencia en el diseño de estructuras complejas, Corres proyectó una pasarela valorada como joya técnica. Su visión permitió que un material tan rígido como el metal adquiriera una fluidez casi orgánica sobre las mansas aguas del río Lérez. El diseño no solo responde a las necesidades de transporte peatonal, sino que refleja el compromiso de su autor con la excelencia constructiva. 

Corres, catedrático y experto en hormigón estructural, aplicó aquí sus profundos conocimientos en mecánica de medios continuos y teoría de estructuras. La pasarela es el resultado de un estudio pormenorizado que combina la rigurosidad de la normativa internacional con un diseño innovador. La experiencia del equipo redactor fue fundamental para superar los retos que planteaba un diseño tan singular y avanzado. Esta colaboración entre ingeniería de vanguardia y respeto por el entorno es el sello distintivo que define a todo el proyecto.

Desde el punto de vista técnico, la estructura se clasifica como un arco de tablero inferior con una impresionante luz de 82 metros. El arco principal, que soporta la carga de la vía, está constituido por un robusto tubo metálico de un metro de diámetro total. El tablero, que presenta una sección de forma lenticular, posee una anchura de 4 metros y un canto 80 centímetros de espesor. Estos parámetros técnicos permiten alcanzar una flecha de 13,40 metros, otorgando a la pasarela su perfil tan característico. 

Cada componente metálico fue diseñado para optimizar el rendimiento estructural frente a las cargas, manteniendo siempre una apariencia de ligereza visual. El uso del metal permite una esbeltez que difícilmente se lograría con otros materiales, acentuando la modernidad de la propuesta arquitectónica. La precisión en las dimensiones es testimonio de un proyecto de construcción ejecutado con un rigor técnico que roza la perfección absoluta. Esta configuración estructural asegura la estabilidad necesaria para el tráfico peatonal diario mientras desafía la gravedad con elegancia sobre el cauce. Los materiales elegidos garantizan la durabilidad de la obra frente a las condiciones ambientales propias de la zona fluvial de Galicia.

La curvatura del tablero es uno de los elementos más distintivos y funcionales de esta emblemática construcción. Este diseño curvo no solo cumple una función ornamental de gran atractivo, sino que facilita deliberadamente el tránsito de pequeñas embarcaciones bajo ella. La integración armoniosa con el cauce fluvial fue una prioridad absoluta desde las fases iniciales del proyecto de construcción y asistencia técnica. Al elevarse sobre el agua con tal sutileza, la pasarela peatonal minimiza su impacto visual y permite que el río siga siendo dinámico. Esta solución técnica demuestra que la ingeniería puede resolver problemas logísticos sin sacrificar la belleza, creando un diálogo constante con la naturaleza. 

La forma curva del tablón le confiere un atractivo estético que la diferencia de las estructuras lineales tradicionales y más comunes. Es precisamente esta geometría la que le otorga el calificativo de joya de la ingeniería, destacando por su cuidado y refinado diseño. Cada vez que una embarcación cruza por debajo, se valida la eficacia de un diseño pensado para la convivencia de diversos usos. La pasarela se convierte así en un ejemplo de cómo la forma sigue a la función sin perder ni un ápice de estilo.

La pasarela se ensambló originalmente de forma paralela al río, en una de sus márgenes, para evitar complicaciones durante la fase de montaje. Una vez finalizada, se ejecutó una maniobra de precisión utilizando una mesa giratoria en tierra y una barcaza con una segunda mesa. El movimiento de la barcaza permitió girar la estructura completa hasta su posición definitiva sobre el cauce del río Lérez. Durante este proceso, se utilizó una grúa para sujetar un extremo mientras el otro se deslizaba sobre una cama de teflones deslizantes. Este sistema de empuje longitudinal y rotación evitó la necesidad de instalar complejos andamiajes temporales sobre el lecho del río protegido. 

Es un hito en la construcción civil gallega que todavía hoy se estudia por su eficiencia y por el mínimo impacto ambiental. La técnica empleada refleja la audacia de unos ingenieros que no temieron innovar para preservar la integridad del entorno natural. La iluminación de la pasarela, además, ha sido diseñada con un cuidado extremo para no perturbar la zona natural y protegida donde se asienta. Se optó por una luz estática y suave, huyendo de estridencias que pudieran afectar negativamente a la fauna local o al paisaje. Los tirantes que sostienen el tablero están decorados con cordones LED que dibujan su silueta en la oscuridad de manera muy elegante. Complementando este esquema, el arco metálico cuenta con proyectores estratégicamente situados que resaltan su imponente curvatura sobre el agua del río. 

Este juego de luces no solo garantiza la seguridad total de los transeúntes nocturnos, sino que añade belleza a la experiencia de cruce. La iluminación nocturna transforma la estructura en una escultura de luz que se refleja en las aguas tranquilas del Lérez. Es en esos momentos cuando el diseño de Hugo Corres alcanza su máxima expresión estética, integrándose plenamente en el ambiente nocturno. Los ciudadanos de Pontevedra pueden disfrutar así de un paseo seguro y visualmente gratificante a cualquier hora del día o de la noche. La eficiencia energética y el respeto ambiental son pilares fundamentales que sustentan esta elección lumínica tan acertada y bien valorada.

El emplazamiento en la Illa do Covo otorga a la pasarela un contexto cultural y recreativo único, convirtiéndola en puerta de acceso al parque. Al servir de enlace con la Isla de las Esculturas, la obra se convierte en parte de un recorrido donde la ingeniería se funde. Es, en definitiva, un puente hacia la cultura y el bienestar que los habitantes de la ciudad han hecho plenamente suyo, una joya de la ingeniería gallega que permanece como un símbolo de la capacidad humana para transformar el territorio con total respeto, una silueta curva que es ya una parte inseparable del horizonte de la ciudad.

Hablar del románico palentino es hablar de uno de los conjuntos medievales más importantes de Europa. Pocas provincias concentran tantas iglesias, monasterios, ermitas y pequeños templos repartidos por todo el territorio. Porque aquí el románico no se limita a unos pocos grandes monumentos conocidos. Aparece también en pueblos muy pequeños, en mitad de Tierra de Campos o entre los valles y montañas del norte de Palencia, formando parte del paisaje con total naturalidad.

El gran símbolo de todo ese patrimonio quizá sea la iglesia de San Martín de Tours, en Frómista. Es una de las imágenes más reconocibles del románico español y, por ello, el típico ejemplo que suele ilustrar el capítulo dedicado al románico en los libros de texto. Pero el románico palentino va mucho más allá. Está en los frisos escultóricos de Carrión de los Condes, en monasterios como San Andrés de Arroyo o Santa María la Real de Aguilar de Campoo, en iglesias excavadas en la roca como Olleros de Pisuerga o en pequeñas ermitas rurales que todavía conservan capiteles, canecillos y pinturas de hace casi mil años.

Además, recorrer esta ruta también es una buena manera de descubrir una provincia muy diversa. El patrimonio se distribuye entre el Camino de Santiago, las llanuras del sur y las comarcas montañosas del norte, donde aparecen algunas de las mayores joyas del recorrido. Desde Frómista o Villalcázar de Sirga hasta Moarves de Ojeda, Mave, Aguilar de Campoo o San Salvador de Cantamuda, la ruta enlaza algunos de los templos más importantes del románico español con otros mucho más pequeños y discretos, pero igual de interesantes.

El románico del Camino de Santiago

El Camino de Santiago fue una de las grandes vías de difusión del arte románico en Europa, y la provincia de Palencia conserva algunos de sus ejemplos más importantes. Durante siglos, peregrinos, comerciantes y monjes atravesaron estas tierras dejando tras de sí iglesias y monasterios que todavía hoy siguen marcando el paisaje de Tierra de Campos.

La parada más conocida de esta ruta es, evidentemente, Frómista. Allí se encuentra la iglesia de San Martín de Tours, considerada una de las grandes obras maestras del románico europeo. Construida en el siglo XI, destaca por la armonía de sus proporciones, sus torres cilíndricas, el cimborrio y la limpieza de sus líneas. Es la imagen más reconocible del románico palentino.

Siguiendo el Camino aparece Carrión de los Condes, otro de los grandes núcleos históricos de la ruta jacobea. Aquí sobresale la iglesia de Santiago y su famoso friso escultórico presidido por Cristo Pantocrátor, rodeado del Tetramorfos, y acompañado por los doce Apóstoles. Muy cerca están también Santa María del Camino y el monasterio de San Zoilo, durante siglos ligado a la acogida de peregrinos; aunque su espectacular claustro es renacentista, sí conserva portadas y restos románicos.

Otro de los lugares imprescindibles es Villalcázar de Sirga. Su iglesia de Santa María la Blanca, relacionada tradicionalmente con los templarios, mezcla todavía rasgos románicos con elementos ya próximos al gótico y fue uno de los grandes templos del Camino medieval.

La ruta deja además otros ejemplos menos conocidos, pero muy interesantes. En Población de Campos todavía se conserva la ermita de Nuestra Señora del Socorro, vinculada a la Orden de San Juan de Jerusalén. Y en localidades como Boadilla del Camino o Itero de la Vega siguen apareciendo puentes, iglesias y elementos medievales que recuerdan la enorme importancia histórica del Camino de Santiago en esta parte de Palencia.

El románico del sur palentino y el Cerrato

Aunque el norte concentra los conjuntos más famosos, el sur palentino también guarda ejemplos muy interesantes. Aquí el románico aparece integrado en paisajes abiertos y en pequeños pueblos donde muchos templos conservan todavía una gran sobriedad.

La propia ciudad de Palencia permite empezar la ruta con una visita imprescindible: la cripta de San Antolín, situada bajo la catedral. Se trata de uno de los espacios más antiguos y singulares de todo el patrimonio palentino, con elementos visigodos y románicos que ayudan a entender el origen medieval de la ciudad.

Ya en el Cerrato destacan lugares como Villamuriel de Cerrato, cuya iglesia de Santa María la Mayor sorprende por su aspecto casi defensivo, o Dueñas, donde el monasterio de San Isidro, conocido popularmente como La Trapa, conserva una de las portadas románicas más antiguas de la provincia.

También merece una parada la iglesia de San Julián, en Villaconancio, muy reconocible por sus ábsides decorados con arquillos ciegos, así como templos más sencillos como Nuestra Señora de la Paz, en Cevico Navero, o San Fructuoso, en Valoria del Alcor, buenos ejemplos de ese románico rural sobrio y funcional que caracteriza buena parte del patrimonio palentino.

La Valdavia, el románico más rural

De camino hacia las grandes rutas monumentales del norte aparece también La Valdavia, una comarca tranquila y poco poblada donde el románico se conserva en pequeñas iglesias rurales repartidas entre pueblos diminutos.

Uno de los ejemplos más representativos es la iglesia de San Pelayo, en Arenillas de San Pelayo, con su sencilla nave única y su ábside semicircular. También destacan el conjunto escultórico de la Dehesa de Tablares y la iglesia de San Esteban, en Renedo de Valdavia, conocida por su pila bautismal decorada con escenas bíblicas. Son construcciones mucho más modestas que las de Frómista o Aguilar de Campoo, pero ayudan a entender cómo era el románico más cotidiano y austero.

La Ojeda: uno de los grandes núcleos del románico palentino

La comarca de La Ojeda concentra algunos de los edificios más importantes y mejor conservados de toda la provincia. Aquí el románico gana riqueza escultórica y aparecen varios monasterios fundamentales para entender la expansión de este estilo en el norte palentino.

Uno de los grandes nombres de la zona es el monasterio de San Andrés de Arroyo. Su claustro cisterciense, decorado con capiteles vegetales de enorme delicadeza está considerado una de las joyas de la arquitectura medieval española.

Muy cerca se encuentra la iglesia de San Juan Bautista, en Moarves de Ojeda, famosa por su espectacular friso escultórico construido con piedra rojiza, mientras que en Perazancas de Ojeda destacan tanto la ermita de San Pelayo, uno de los templos más antiguos del románico palentino y único por sus pinturas murales, como la iglesia parroquial de Nuestra Señora de la Asunción y su curiosa portada.

La ruta por La Ojeda puede completarse con paradas en Santa Eufemia de Cozuelos o Zorita del Páramo, donde siguen apareciendo ejemplos muy variados de un románico especialmente rico y bien conservado.

Aguilar de Campoo y el valle del Pisuerga

Si hay un lugar especialmente ligado al románico palentino, ese es Aguilar de Campoo. La localidad y todo el entorno del valle del Pisuerga reúnen algunos de los conjuntos medievales más importantes de Castilla y León.

El gran referente es el monasterio de Santa María la Real, auténtico centro de difusión y estudio del románico en España. Su iglesia abacial y el claustro convierten el conjunto en una visita imprescindible, además de albergar hoy el museo ROM y la Fundación Santa María la Real.

Dentro del propio Aguilar destaca también la iglesia de Santa Cecilia, situada junto al castillo y conocida por conservar el famoso capitel de la Matanza de los Inocentes, una de las piezas más importantes del románico español.

A pocos kilómetros aparece otro de los lugares más sorprendentes de toda la ruta: la iglesia de los Santos Justo y Pastor, en Olleros de Pisuerga, excavada directamente en la roca y convertida en una de las iglesias rupestres más singulares del norte peninsular.

Muy cerca están también el monasterio de Santa María de Mave y la ermita de Santa Cecilia de Vallespinoso de Aguilar, construida sobre una roca y convertida en una de las imágenes más reconocibles del románico norteño.

La montaña palentina

La ruta termina en la Montaña Palentina, donde el románico aparece rodeado de algunos de los paisajes más espectaculares de la provincia.

Uno de los edificios más destacados es la colegiata de San Salvador de Cantamuda. Su característica espadaña la ha convertido en uno de los templos más reconocibles del románico palentino, aunque el interior también conserva la elegancia y sobriedad propias de este estilo.

Otro de los templos imprescindibles es la iglesia de San Cornelio y San Cipriano, en Revilla de Santullán, famosa por conservar una de las mejores portadas románicas de la provincia, donde curiosamente el maestro cantero Micaelis dejó su firma y autorretrato. También merece una visita la iglesia de San Martín Obispo, en Matalbaniega, especialmente conocida por la gran cantidad de canecillos decorados que todavía conserva.

La ruta puede completarse con lugares como Cillamayor, Corvio o Villanueva de la Torre. Porque una de las mejores cosas del románico palentino es precisamente que, incluso en los pueblos más pequeños, siguen apareciendo iglesias y ermitas capaces de justificar una parada.

Las tormentas decidían la suerte de muchas ciudades del mundo griego. Zeus ocupaba el lugar más alto dentro de aquella religión porque gobernaba el cielo y porque su voluntad podía alterar guerras, cosechas o viajes marítimos. Los relatos antiguos lo presentaban como un dios capaz de castigar juramentos rotos, proteger leyes y premiar a los gobernantes que respetaban el orden religioso.

El rayo terminó convertido en su símbolo porque los griegos interpretaban los truenos violentos como señales enviadas desde el Olimpo. Aquella fuerza del cielo inspiraba temor y obediencia al mismo tiempo, sobre todo en comunidades que dependían del clima para sobrevivir. Los templos levantados en su honor buscaban ganarse el favor de un dios que representaba autoridad, castigo y protección.

Un relieve ecuestre apareció frente a Agrigento

Un bloque de mármol con la figura de un caballo rampante salió del fondo del Mediterráneo frente a la costa siciliana de Agrigento. Según BCsicilia y las autoridades italianas que participaron en la operación, la pieza apareció a nueve metros de profundidad y a unos 300 metros de San Leone, en una zona donde ya se conocían restos arqueológicos dispersos.

Los especialistas creen que el relieve pudo formar parte del célebre Templo de Zeus Olímpico de la antigua Akragas. El rescate fue realizado en 2024 por submarinistas de los Carabinieri, miembros de la Superintendencia del Mar y voluntarios de BCsicilia tras varias jornadas complicadas por el oleaje.

El Templo de Zeus de Agrigento ocupó un lugar singular dentro de la arquitectura griega antigua. La construcción comenzó después de la victoria de Himera en el año 480 a.C., cuando el tirano Terón impulsó un edificio destinado a exhibir poder político y militar. A diferencia de otros templos dóricos, las columnas no rodeaban el recinto de forma independiente, ya que parte de ellas quedaban integradas en los muros exteriores.

Aquella disposición desconcertó durante décadas a muchos arqueólogos por su estructura poco habitual. El edificio también destacaba por sus atlantes gigantescos, figuras masculinas de más de siete metros que parecían cargar el peso del santuario y que todavía permanecen tendidas sobre el suelo arqueológico.

Akragas creció hasta dominar la Magna Grecia

La antigua Akragas llegó a convertirse en una de las ciudades más influyentes de la Magna Grecia. Colonos griegos la fundaron en el siglo VI a.C. y su crecimiento transformó el enclave en un importante núcleo político y cultural de Sicilia. El poeta Píndaro la describió como “la ciudad más bella de los mortales”.

Buena parte de aquella fama nacía de sus construcciones monumentales, levantadas para impresionar tanto a aliados como a enemigos. Con el paso de los siglos, terremotos, derrumbes y cambios del litoral alteraron gran parte de la costa cercana, hasta el punto de que numerosos restos clásicos acabaron bajo las aguas del Mediterráneo.

Los investigadores italianos relacionan el caballo hallado con la iconografía tradicional de Zeus. En muchas representaciones antiguas, los caballos aparecían asociados al carro divino del dios olímpico y a imágenes vinculadas con autoridad y fuerza militar. El relieve recuperado conserva unas dimensiones notables, con cerca de dos metros de largo, más de metro y medio de ancho y unos 35 centímetros de grosor.

La pieza fue tallada en mármol proconnesio, una piedra muy apreciada en la Antigüedad que se extraía en la actual Turquía. Los arqueólogos creen que el bloque pertenecía al friso decorativo del templo y que su dinamismo encajaba con el lenguaje monumental del edificio.

El hallazgo abre dudas sobre el templo siciliano

El ingeniero Gaetano Lino y el Grupo Sub de BCsicilia desempeñaron un papel decisivo en la identificación del fragmento. Los estudios fotogramétricos realizados meses antes permitieron detectar que aquel bloque cubierto de concreciones marinas podía ocultar una escultura de enorme valor histórico. Después de comunicar el hallazgo a las autoridades, comenzaron los trabajos de extracción. Las corrientes y el mal tiempo obligaron a retrasar parte de las operaciones, aunque finalmente los submarinistas consiguieron asegurar el relieve y trasladarlo a tierra firme.

El descubrimiento abre nuevas preguntas sobre uno de los monumentos menos comprendidos del mundo griego antiguo. Muchos especialistas consideran que el Templo de Zeus todavía conserva enormes lagunas históricas pese a su fama y tamaño colosal. La aparición de nuevos fragmentos decorativos puede ayudar a reconstruir la disposición escultórica original y aclarar cómo era realmente el edificio durante el siglo V a.C. Asimismo, yambién refuerza el valor arqueológico de las aguas sicilianas, atravesadas durante siglos por rutas comerciales, guerras y contactos entre Europa, África y Oriente Próximo.

A medida que avanza el conocimiento sobre el hallazgo, la imagen del caballo emergiendo desde el fondo marino devuelve a Agrigento parte de la grandeza que convirtió a Akragas en uno de los símbolos más admirados del Mediterráneo antiguo.

Hay una familia en Llinars del Vallès (Barcelona) que, cuando mira a la Sagrada Familia, puede reconocer la huella de su estirpe. Son los Barbany, un linaje de picapedreros que llevan más de 130 años dedicados al oficio y que, durante cuatro generaciones, han suministrado su artesanía al templo de Gaudí.

Todo empezó a finales del siglo XIX con Joan, el primer Barbany que se dedicaría a la piedra. Se formó en Marsella y, una vez de vuelta a Catalunya, en seguida se hizo un nombre. A pesar de ser nuevo en el oficio, hay iconos de Barcelona que llevan la marca de su cincel. Aunque él no esculpió para la basílica, sí suministró material de su cantera durante los primeros años de su construcción.

Las primeras piezas talladas íntegramente para la Sagrada Familia en este taller familiar datan de los años 90 del siglo pasado, de la mano de los hijos de Joan: Peret y Pitu. Desde entonces, se han elaborado, entre otros centenares de piezas, las columnas de los portales de la Glòria y de la Pasión, las esculturas de los cuatro Evangelistas, la recién instalada cruz de Jesús (que ha convertido a la Sagrada Familia en el templo más alto del mundo) o las célebres escaleras de caracol del interior.

Hoy, quien está al cargo de la empresa es Jordi, el nieto del fundador, y quien ya está preparando el relevo para que su hijo, Arnau, se quede al frente de Granits Barbany. Con él, de 32 años, se ha alcanzado la cuarta generación de canteros de esta familia. “Si estoy aquí es porque mi bisabuelo, mi abuelo, mi tío abuelo y mi padre estuvieron antes. Pero también es porque me gusta el trabajo”, dice el joven.

Reconoce que es un oficio duro, cansado y “sucio”, pero que vale la pena: “Cuando ves una escultura tuya colocada en la Sagrada Familia, satisface un montón”, cuenta. Para él, que su familia sea parte del templo, es motivo de orgullo. “Es continuar el legado de mucha gente. Y estamos aquí para acabarlo”, cuenta Arnau.

Él y su padre serán los últimos Barbany que trabajarán para el templo de Gaudí, que tiene previsto acabar definitivamente sus obras en la próxima década. El fin de la construcción da un poco de vértigo a esta familia de artesanos, que no niega que la basílica es un gran cliente para este negocio en que la artesanía resiste como puede ante las grandes empresas.

Pero su fama les precede y se pueden anotar el tanto de diversas esculturas y monumentos de Barcelona y Catalunya. Suelen trabajar con artistas como Jaume Plensa y han decorado lugares tan emblemáticos como el Passeig de Gràcia. También trabajan para particulares que quieren “caprichos” en sus casas, cuenta Arnau, que presume de una escultura que hicieron de un Mandalorian a tamaño real, con un Baby Yoda en brazos.

Del cincel a los robots

A pesar de que trabajan con grandes moles de piedra que, cuando llegan al taller son poco más que una gran roca sin forma para un ojo profano, los Barbany pueden convertirlos tanto en finas esculturas llenas de detalles como en piezas robustas y esenciales para la estructura. “La Sagrada Familia es el mayor puzle del mundo”, cuenta Jordi, señalando lo que será la peana de una columna.

La pieza está siendo perfilada por Canut, uno de los robots antropomórficos de seis ejes que se encargan de tallar la roca. Se trata del segundo paso del proceso: primero se hacen diversos cortes rectos para acercarse lo más posible a la forma final. Luego, estas máquinas se dedican a pulir detalles, a dar formas curvas y a generar relieves.

“Antes, era un trabajo que mi padre y mi abuelo hacían a mano. Al tener máquinas que hacen esta tarea más rudimentaria, nos podemos dedicar al diseño, a la escultura y a las obras de arte”, explica Jordi. Las máquinas han alcanzado un nivel de precisión altísimo en los últimos años y, mediante diversas técnicas de erosión, consiguen adelantar mucho el trabajo más pesado. Pero los Barbany son artesanos y saben perfectamente que la mano y la sensibilidad humana no se pueden substituir.

Una vez Canut acaba con una pieza, llega el turno de los artistas y escultores. Ellos son los que realmente dan vida a la piedra. Ahora, en el taller trabajan dos mujeres que están ultimando los últimos detalles de sendas piezas que se colocarán próximamente. Son Teresa y Mercè Riba, dos escultoras que, a pesar de que comparten apellido no son familia; solo comparten el hecho de formar parte de los miles de manos que han esculpido para el templo.

Mercè es la autora de una estatua de Sant Josep Oriol, una figura que se caracterizó por su voto de pobreza y por ayudar a los más desfavorecidos. Por eso, el santo aparece flaco, con ropajes raídos y ofreciendo un trozo de pan y un botijo con agua. Esos detalles son cosecha de la artista, que reconoce que ha tenido mucha libertad para crear.

“Gaudí dejó muy pocas indicaciones, pero yo sabía que era un gran amante de la naturaleza y un gran conocedor de la historia de la religión, así que quise hacerlo todo muy bien”, cuenta Mercè, que se puso en contacto con la diócesis para consultar si las ropas, los rasgos y la pose del santo eran correctas. “Es muy importante jugar con las metáforas”, sostiene. Por eso, ha colocado un pájaro en su hombro. Pero no es un ave cualquiera; es un Oriol [Oropéndola, en castellano]. “Es un juego de palabras que no entenderá todo el mundo. Pero a quien lo haga, le saldrá una sonrisa”, dice.

Ella ha tallado a mano la textura de las ropas y ha acabado de perfilar los rasgos con diversas herramientas. Igual que hace Teresa con los cuatro ángeles que le han sido encargados y que forman parte de la asunción de la Virgen. Como su compañera, tenía pocas indicaciones: sólo que los ángeles no tenían que tener alas y que sus bustos debían fundirse con la estructura de la capilla.

“Al principio no sabes cómo hacerlo, pero la piedra te habla. Es un diálogo constante y te dice qué necesita”, dice Teresa, que acaricia el rostro y el cuerpo de sus ángeles a medida que va trabajando. Sus manos, casi más que sus ojos, son las que le dicen si va por buen camino.

En un mundo donde la automatización está cada vez más al día, ellas trabajan de pie, bajo el sol y llenándose de polvo. “No se puede hacer de otra manera; el arte es esto”, dicen. Ambas empezaron este proceso en 2023, cuando se presentaron a un concurso para esculpir sendas imágenes. Ahora, tres años después, están ultimando sus obras.

“Ha sido un gran honor. Trabajar para la Sagrada Familia es algo muy grande, pero he intentado no pensar en la magnitud del encargo, porque si no, algo tan importante se te puede comer”, confiesa Teresa. Para Mercè también es un orgullo poner parte de su tiempo y su arte en la basílica. Sobre todo porque un bisabuelo suyo, también artista, ya esculpió una escultura para el templo. “Es continuar un legado iniciado por artistas catalanes de hace años, es formar parte de la historia y, además, seguir una estela familiar”, dice, orgullosa.

Hasta once premios y cuatro reconocimientos honoríficos ha repartido el Colegio Oficial de Arquitectos de Castilla-La Mancha (COACM) en la tercera edición de sus Premios de Arquitectura y Urbanismo regionales, tras publicar la decisión del jurado este jueves.

Según ha afirmado la asociación profesional en un comunicado, esta edición ha estado marcada “por la elevada participación, la variedad territorial de las propuestas y la consolidación de categorías que reflejan una arquitectura cada vez más abierta, transversal y conectada con la sociedad”.

Premiados

En la categoría Premio COACM de Arquitectura, destinada a reconocer obras de edificación de carácter permanente, de obra nueva e intervención en edificios existentes, el jurado distinguió, en la modalidad de vivienda, la Casa Embarcadero en Peñalagos, en Pareja (Guadalajara), obra de Ignacio Borrego Gómez-Pallete y colaboradores, valorando “el arte de crear un artificio ingenioso que flota por el terreno del bosque sin tocarlo”.

En Obra Nueva Otros Usos, el premio recayó en la Escuela Infantil en Corral de Calatrava (Ciudad Real), de Luis Carlos Peña Juan y colaboradores, definida por el jurado como una “arquitectura limpia, clara, luminosa y serena, muy acorde con su uso”.

En Rehabilitación, fue reconocida la Rehabilitación sostenible del Edificio Nuncio Nuevo de Toledo, desarrollada por MMN Arquitectos y colaboradores, destacando el jurado “un buen trabajo de restauración que subraya los valores monumentales de esta obra y la transforma en un espacio moderno y eficiente”. Además, recibió mención especial la Rehabilitación del Mercado Municipal de Abastos de Toledo, de Javier Bajo Rodríguez y Álvaro Sánchez Ballesteros.

El Premio COACM de Urbanismo y Paisaje, centrado en planeamiento urbano y territorial, proyectos de espacio público, regeneración urbana y arquitecturas del paisaje, reconoció el Plan Director de Recuperación del Casco Histórico de Letur y proyectos complementarios, en Albacete, por integrar “de manera unitaria” la recuperación de los valores culturales, constructivos y paisajísticos del municipio.

Asimismo, fue premiada la Pasarela Arco de Bezudo, en Cuenca, una intervención que el jurado destacó como ejemplo de “arquitectura contemporánea como vínculo entre el patrimonio”.

En la categoría Premio COACM Emergente, dirigida a arquitectos de hasta 40 años cumplidos en 2025, el jurado distinguió el Centro Joven. Espacios de Ocio y Cultura, en La Gineta (Albacete), obra de Rafael Martínez Sarrión, una propuesta que “consigue una pieza evocadora y poética desde la sencillez”. También obtuvo mención especial Fachada habitada La Especia, en Toledo, de Natalia Mora Priego.

El Premio COACM Miguel Fisac, destinado a arquitectos colegiados en el COACM con obra realizada fuera de Castilla-La Mancha, fue para el Edificio B del ESAC (European Space Astronomy Centre), en Villafranca del Castillo (Madrid), valorando especialmente “la transparencia conseguida en la intervención y la luminosidad aportada a los espacios de trabajo”.

Por su parte, el Premio COACM Difusión de la Arquitectura, orientado a trabajos de divulgación arquitectónica tanto en formato físico como digital, distinguió en Investigación el trabajo “Miguel Fisac: huesos y pieles”, un trabajo de investigación de Javier Navarro, Diego Peris y Pepa Sánchez Verdú, que destaca por su capacidad didáctica y el exhaustivo análisis de los sistemas constructivos y materiales desarrollados por el arquitecto manchego.

En la modalidad de Difusión fue premiada la propuesta “(Sobre)mesa redonda. Escenarios (im)probables”, por acercar la arquitectura “al gran público desde un modo desenfadado”. Se trata de un trabajo de Pedro Torres García-Cantó y Rocío García Peña (BIZNA Estudio), en colaboración con Jaime Gutiérrez e Itziar Molinero (AMA); Iñigo Berasategui (BeAr), Paula Bozalongo (Costura) y Lluis J. Liñán (Rellam). Además, obtuvo mención especial el conjunto de artículos “Viviendas en el parterre: de los huesos a la piel” y “Hotel Claridge. A través del espejo”, de David García-Manzanares.

El Premio COACM Permanencia, reservado a obras con más de veinte años de antigüedad que destacan por su vigencia y correcto envejecimiento, recayó en las Bodegas Celaya, obra de Eloy Celaya, en La Roda (Albacete), una obra reconocida por “su adecuación al uso y su lenguaje atemporal”.

En la categoría Premio COACM Diversificación Profesional, que reconoce nuevas formas de ejercer la profesión vinculadas al diseño, la escenografía, las arquitecturas efímeras, virtuales o el comisariado, el jurado premió la propuesta “Tacto etéreo ‘Flotar’”, de Natalia Mora (Cachivache Atelier) definida como una intervención que “provoca sensaciones de frescura y originalidad”.

Reconocimientos honoríficos

La presente edición ha incorporado además una de las principales novedades impulsadas por el COACM, con la creación de reconocimientos honoríficos de carácter provincial destinados a poner en valor trayectorias especialmente relevantes dentro de las distintas demarcaciones colegiales.

En Guadalajara fue distinguido Francisco Javier Solano Rodríguez; en Cuenca, Ramón Osma Cantero; y en Ciudad Real, Diego Peris Sánchez, profesionales cuya trayectoria ha contribuido de manera decisiva a la evolución arquitectónica, urbana y cultural de Castilla-La Mancha.

Junto a ellos, el COACM ha concedido la Distinción de Honor internacional al arquitecto portugués Álvaro Siza Vieira, una de las figuras más influyentes de la arquitectura contemporánea.

La vicedecana del COACM y comisaria de los premios, Gema González-Badillo, ha agradecido “la extraordinaria participación y el nivel de las propuestas presentadas”, destacando además “la evolución y madurez que han alcanzado estos premios, cada vez más abiertos a nuevas maneras de ejercer, comunicar y entender la arquitectura”. González-Badillo ha subrayado igualmente la importancia de los nuevos reconocimientos honoríficos provinciales “como una forma de visibilizar y agradecer la aportación de profesionales que han ayudado a construir la cultura arquitectónica de Castilla-La Mancha desde cada uno de sus territorios”.

Por su parte, la decana del COACM, Elena Guijarro, considera que esta tercera edición “confirma definitivamente la consolidación de los Premios de Arquitectura y Urbanismo de Castilla-La Mancha como un espacio de referencia para reconocer el talento, la calidad y el compromiso social de la arquitectura regional”. Guijarro ha destacado además “la enorme diversidad de propuestas y enfoques presentes en esta convocatoria, reflejo de una arquitectura viva, comprometida con el patrimonio, el paisaje, la innovación y la mejora de la calidad de vida de las personas”.

La gala de entrega de premios de esta III Edición de los Premios de Arquitectura y Urbanismo de Castilla-La Mancha se celebrará el próximo 11 de junio, a las 18:30 horas, en el Centro Municipal Integrado Eduardo Guitián de Guadalajara.

Según afirma COACM, esta convocatoria “vuelve a poner en valor la calidad, diversidad y proyección de la arquitectura regional”.

La Gran Pirámide de Keops ha resistido el impacto de numerosos terremotos durante más de 4.600 años sin sufrir daños estructurales graves. El mayor evento del registro, con una magnitud de 6,8, ocurrió a unos 70 km de Giza en 1847. El más reciente, un seísmo de magnitud 5,8, ocurrió en 1992 y desprendió varias piedras de revestimiento superior de las pirámides. ¿Qué las hizo tan resistente a las sacudidas sísmicas? 

Para resolver esta incógnita, un equipo de investigadores, liderado por Asem Salama, ha realizado una serie de mediciones en 37 puntos de la Gran Pirámide, incluyendo sus cámaras internas, los bloques de construcción y el suelo circundante. La conclusión, que se publica este jueves en la revista Scientific Reports, es que la excepcional homogeneidad dinámica de la pirámide actúa como un escudo protector al evitar el peligroso efecto de resonancia. Y que la pirámide tiene una serie de espacios de descarga que aumentan la estabilidad y reducen drásticamente el riesgo de daños estructurales.

Los datos demostraron que casi toda la estructura vibra al unísono con una frecuencia fundamental promedio de unos 2,3 Hz, lo que indica un diseño sumamente equilibrado y rígido. Además, esta frecuencia es drásticamente diferente a la del suelo circundante (0,6 Hz), y es esa asimetría la que impide que la pirámide y el suelo amplifiquen mutuamente las ondas sísmicas. Curiosamente, las mediciones revelaron que el túnel excavado a la fuerza siglos después por los trabajadores del califa Al-Mamún vibra a una frecuencia anómala (entre 1,3 y 1,4 Hz). Esto demuestra que la estructura original era dinámicamente sólida hasta que una intervención humana forzada alteró su comportamiento en esa zona específica.

Un desafío técnico y logístico 

Para realizar las mediciones, los autores no utilizaron sismógrafos tradicionales, sino un instrumento compacto y portátil que integra un acelerómetro de tres ejes de alta sensibilidad, un GPS y una batería. Los aparatos se situaron tanto en el exterior como en los rincones más profundos, de difícil acceso. Esto supuso un desafío técnico, pues hubo que colocar medidores en la cámara de la Reina, la cámara del Rey y las cámaras de descarga de presión, a los que se accede por pasajes muy estrechos. Pero también un desafío logístico: para que los datos fueran precisos, todas las mediciones tuvieron que llevarse a cabo exclusivamente en momentos donde no había actividad humana ni visitas de turistas en el interior de la pirámide.

“La idea es medir microtemblores en un estudio para analizar el comportamiento dinámico de la pirámide”, explica Salama a elDiario.es. “En el Instituto Nacional de Geofísica y Astronomía hacemos estudios de vulnerabilidad para lugares históricos para ver sus propiedades dinámicas y comprobar si son resistentes a los terremotos o no. En este caso intentamos entender qué hizo la gente de la antigüedad en la estructura y estudiar el comportamiento dinámico que permitió que este edificio se mantuviera hasta ahora”. 

Cámaras estabilizadoras

Los resultados confirman que la geometría de la pirámide no solo soporta peso, sino que reduce activamente la respuesta a los temblores. Y la clave está en el funcionamiento de las cámaras de descarga de presión situadas sobre la Cámara del Rey. Por regla general, la amplificación sísmica en una estructura aumenta a medida que se gana altura. En la pirámide de Keops esto se cumple en los niveles inferiores, pero al llegar a estas cámaras superiores, la vibración disminuye drásticamente.

Estructura interna de la Gran Pirámide

El Cairo

DETALLE

EGIPTO

1

2

3

4

5

6

7

8

9

10

11

Entrada

Corredor descendente

Corredor ascendente

Cámara subterránea

Corredor de servicio

Cámara de la Reina

Grandes galerías

Conductos de aire

Cámara del Rey

Antecámara

Cámaras de descarga

de la presión

Altura: 146,6 m

8

11

9

7

10

1

Ángulo de

la base

6

3

52°

5

2

Longitud de la base: 230m

4

50 m

Estructura interna de la Gran Pirámide

El Cairo

DETALLE

EGIPTO

Altura: 146,6 m

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Ángulo de

la base

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Longitud de

la base: 230m

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Entrada

Corredor descendente

Corredor ascendente

Cámara subterránea

Corredor de servicio

Cámara de la Reina

7

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Grandes galerías

Conductos de aire

Cámara del Rey

Antecámara

Cámaras de descarga

de la presión

Los científicos confirmaron que la fuerza del temblor va creciendo desde el suelo hasta multiplicarse por cuatro al llegar a la Cámara del Rey. Sin embargo, la gran sorpresa llegó al medir las “cámaras de descarga” (o de alivio), que están situadas todavía más arriba, justo encima del techo de la Cámara del Rey. En lugar de temblar con más fuerza por estar a mayor altura, el nivel de la sacudida cae sorpresivamente de 4,0 a 3,0.

Eligieron un suelo fuerte e hicieron la forma y la geometría de la pirámide con parámetros calculados. Fueron lecciones adquiridas a lo largo de los años

Asem Salama — Autor principal del estudio

El diseño de estas estancias superiores las convierte en un amortiguador: absorben y frenan activamente las ondas sísmicas para proteger a la importante sala que tienen justo debajo. “En realidad, estas cámaras de alivio están hechas para la estabilidad de la pirámide”, señala Salama. “La clave es que el factor de amplificación disminuye en la cámara de presión, lo que aporta estabilidad y un centro de masa para toda la pirámide”.

Los autores señalan que la pirámide fue construida sobre roca dura (caliza) y tiene un centro de gravedad bajo, características que también podrían disminuir el riesgo derivado de la actividad sísmica. Sin embargo, advierten, no es posible determinar si la resistencia sísmica observada fue una característica intencional del diseño o un “efecto secundario” de haber levantado un edificio monumental estable de esas dimensiones.

El autor principal, Asem Salama, recuerda que hubo pirámides anteriores que colapsaron, como la pirámide de Meidum y la Pirámide Acodada. “Esto refleja que los egipcios aprendieron paso a paso cómo construir. Construyeron primero mastabas, que son pirámides escalonadas, y al principio no eligieron un buen material o un suelo fuerte, por lo que hubo algunos colapsos en las pirámides antiguas. Pero, en la cuarta dinastía, la pirámide de Keops se construyó de una manera diferente”, señala. “Eligieron un suelo fuerte e hicieron la forma y la geometría de la pirámide con parámetros calculados. Fueron lecciones adquiridas a lo largo de los años”.

¿Intencionado o simple distribución de pesos?

David García-Asenjo, arquitecto y profesor de la EIF-URJC, reclama que no se puede atribuir una intencionalidad ni un conocimiento de los sistemas antisísmicos a quienes levantaron las pirámides. “Muchas de las cuestiones que plantean tienen más que ver con un diseño que resista el enorme peso de la piedra de la pirámide, tanto en la base como en las cámaras de descarga que hacen que se puedan abrir las cámaras reales en su interior con un diseño adecuado para terremotos”, explica a elDiario.es. “Que el peso se concentre en la parte inferior viene bien para evitar daños por terremotos, pero viene dado por la forma propia de la pirámide”.

Que el peso se concentre en la parte inferior viene bien para evitar daños por terremotos, pero viene dado por la forma propia de la pirámide

David García-Asenjo — Arquitecto y profesor Ayudante Doctor de la EIF-URJC

En opinión de García-Asenjo, el trabajo se apoya en otras experiencias previas y garantiza el cuidado del monumento. “El estudio nos muestra un buen comportamiento ante los terremotos solo en el caso de una pirámide, sin saber si esto ocurre en otras pirámides del mismo conjunto, o si se ha comprobado también en otras pirámides que hayan podido sufrir daños como consecuencia de algún terremoto”, apunta. Pero no sabemos si esta pirámide resiste bien porque el suelo y su construcción son particularmente adecuados, o si otras se han visto dañadas por no tener este diseño. “El artículo señala que van a seguir investigando en la misma pirámide, pero sería interesante que lo aplicaran a otras en diverso estado de conservación”, comenta.

El geólogo y divulgador Nahúm Méndez Chazarra cree que el artículo es tremendamente interesante ya que, aunque no demuestra que los antiguos egipcios conociesen la ingeniería sísmica, sí nos enseña que eran capaces de construir edificaciones muy resistentes con una eficiente distribución de cargas. “También me parece reseñable cómo el uso de una tecnología que no es para nada invasiva y que solo requiere una recogida pasiva de datos —en este caso la vibración del entorno tanto natural como provocada por el ser humano— nos puede dar pistas tan interesantes sobre un elemento patrimonial sin necesidad de dañarlo de ninguna manera, abriendo la puerta a más estudios de este tipo”.

“De las experiencias en Japón precisamente se sabe que para que un edificio resista los terremotos se tiene que poder mover, tienen que responder dinámicamente como se dice en el estudio”, señala Macarena de la Vega, arquitecta, profesora en la ETSAM de la UPM. A su juicio, el trabajo demuestra que las piedras cuidadosamente talladas, transportadas y colocadas se mueven juntas (gran homogeneidad dinámica) y que una estructura se mueva es clave para resistir seísmos. Sobre el hecho de que aprendieran con el tiempo, recuerda que también pasó con las catedrales góticas, que muchas se cayeron antes de las que han llegado hasta hoy. Para conocer su alcance, concluye, “sería muy interesante si repitieran estos estudios en pirámides en zonas de alta actividad sísmica como México”. 

En el corazón del barrio gótico de Barcelona, la iglesia de Sant Felip Neri es considerada un magnífico ejemplo de arte barroco, estilo poco frecuente en el trazado de la capital catalana. Este templo, que data de mediados del siglo XVIII, ha sido testigo silencioso de la historia y ahora renace con una nueva voz musical que resuena en su plaza. La discreta ubicación de este conjunto arquitectónico, rodeado de árboles y coronado por una fuente, ofrece un contraste único frente al bullicio turístico. Sant Felip Neri es una de las pocas joyas de arquitectura de estilo barroco que sobreviven en Barcelona, destacando por su fachada de líneas simples y su nave única con crucero. El edificio, que fue sede del convento de los felipones desde 1673, conserva hoy una atmósfera recogida que invita a la contemplación y al descubrimiento de su patrimonio.

Este espacio acaba de sumar un hito histórico a su trayectoria con la culminación de un instrumento largamente esperado por la comunidad. La inauguración oficial del órgano llamado “Montserrat Torrent” marca un antes y un después en la vida cultural de este emblemático rincón barcelonés. El acto de inauguración fue un encuentro cargado de emoción que no solo reunió a las máximas autoridades de las instituciones catalanas, sino que contó con la protagonista absoluta de la jornada, la propia Montserrat Torrent, quien a sus cien años de edad demostró una vitalidad asombrosa al tocar el instrumento. Con una interpretación magistral de piezas barrocas, la organista centenaria cautivó a un público que guardó un silencio reverencial en la nave del templo. 

El evento no solo celebró la música, sino también la perseverancia de una mujer que ha dedicado su vida entera a la difusión de la cultura del órgano. Este homenaje ciudadano se convirtió en el acto central del Año Montserrat Torrent, que conmemora un siglo de legado musical ininterrumpido. La música del nuevo órgano ya forma parte viva del paisaje sonoro de una ciudad que agradece su inmenso compromiso patrimonial.

La historia de este instrumento es un relato de tenacidad que comenzó en el año 1967 bajo la dirección de los maestros organeros Gabriel Blancafort y Georges Lhôte. En aquel entonces, Montserrat Torrent ya ejercía como asesora musical, imaginando un órgano que pudiera cubrir el vacío sonoro de la ciudad de Barcelona. Sin embargo, las dificultades económicas y técnicas de la época provocaron que el proyecto quedara interrumpido durante más de cincuenta años de espera. No fue hasta el año 2020 cuando la Fundación Montserrat Torrent pudo retomar la construcción definitiva de la pieza. El organero Albert Blancafort ha sido el encargado de culminar esta joya, instalando los últimos tubos de la fachada durante el pasado mes de abril. Estos últimos elementos, responsables de los sonidos más graves del teclado, cerraron un ciclo de trabajo que ha atravesado casi seis décadas de historia. 

El resultado es el quinto órgano que ha tenido el Oratorio desde su fundación en el siglo XVII, siendo el mejor en tamaño y calidad. Desde el punto de vista técnico, el nuevo órgano de Sant Felip Neri es una pieza excepcional que cuenta con un total de 3.481 tubos y 49 registros. El instrumento dispone de tres teclados manuales de 56 notas y un pedal de 32 notas, lo que permite una versatilidad sonora de primer nivel. Su transmisión mecánica y su concepción barroca lo sitúan como un referente nacional para estudiantes y profesionales de la música de órgano. La acústica inmejorable de la iglesia de Sant Felip Neri potencia cada nota, creando una atmósfera envolvente que llega a todos los rincones del templo. 

La arquitectura que acoge a este gigante de metal y madera es, en sí misma, una rareza digna de mención dentro del panorama artístico de la capital catalana. Construida hacia 1750, la iglesia de Sant Felip Neri presenta un barroco austero que huye de las ornamentaciones excesivas de otros territorios. Su fachada principal, coronada por un acabado semicircular y presidida por la figura del santo titular, es de una elegancia sobria. En su interior, la nave única se abre a capillas laterales donde se pueden admirar pinturas del reconocido artista modernista Joan Llimona. 

El templo forma parte de un conjunto que originalmente servía como dependencia del convento de los felipones establecidos en el lugar. Los altares de estilo neoclásico complementan la estructura, creando un diálogo visual entre diferentes periodos de la historia del arte catalán. Este entorno barroco proporciona el marco visual y acústico perfecto para que el órgano “Montserrat Torrent” despliegue toda su potencia armónica. La vinculación histórica de la iglesia con figuras como Antoni Gaudí refuerza su importancia como símbolo de la identidad cultural barcelonesa.

Sin embargo, la belleza de Sant Felip Neri no está exenta de las cicatrices que el tiempo y los conflictos han dejado grabadas en sus muros. En su fachada exterior todavía se pueden observar los impactos de metralla que recuerdan el trágico bombardeo de enero de 1938. Aquel suceso, ocurrido en plena Guerra Civil, terminó con la vida de 42 refugiados, la mayoría de ellos niños que buscaban protección. Las autoridades decidieron conservar estas heridas en la piedra como un testimonio duradero del sufrimiento pasado y un mensaje de paz. 

Listo para sonar

La plaza, que ha mantenido su aire romántico a pesar de su ubicación céntrica, es ahora un espacio donde la memoria convive con el arte. Este contraste entre la dureza de los agujeros en la pared y la delicadeza de los tientos de Correa de Arauxo es conmovedor. La inauguración del instrumento refuerza el pulso cultural de un barrio Gótico que busca recuperar su esencia más profunda y auténtica. Sant Felip Neri se consolida así como un lugar donde el patrimonio, la memoria colectiva y la música se encuentran.

En definitiva, la culminación del órgano “Montserrat Torrent” en la iglesia de Sant Felip Neri representa un triunfo del espíritu humano sobre el olvido. Este instrumento no solo es una maravilla de la ingeniería y la música, sino también un símbolo de la constancia de su impulsora. Con sus cientos de tubos ya operativos, el órgano está listo para sonar durante los próximos siglos en una de las pocas iglesias barrocas barcelonesas. La ciudad recupera una voz perdida y ofrece a las nuevas generaciones de músicos un espacio de formación de prestigio internacional. El eco de la interpretación de la organista centenaria todavía resuena en las piedras heridas por la historia de la plaza. La inauguración marca el inicio de una nueva etapa donde la música de órgano volverá a ser protagonista de la vida espiritual y artística. 

Es considerado un proyecto sin precedentes, que forma parte de la Capitalidad Mundial de la Arquitectura que ejerce Barcelona durante este 2026. Se trata de una monumental maqueta de 84 metros cuadrados que ofrece una visión integral y detallada de la ciudad. Ubicada en la antigua sede de la editorial Gustavo Gili, esta pieza gigante es una reproducción física y exhaustiva que permite explorar el territorio metropolitano con una fidelidad asombrosa. Con el nombre de “Pla de Barcelona 2026-2035”, la instalación busca consolidarse como un legado permanente para la ciudadanía. Reconocimiento al diseño urbano como motor de convivencia, el estreno de esta maqueta es solo el primero de más de innumerables actos programados de intensa actividad cultural. 

La estructura física del modelo destaca por su complejidad técnica al estar compuesta por un total de 1.204 piezas impresas. Estas partes encajan perfectamente como un rompecabezas tridimensional, representando los volúmenes exactos de los edificios y las calles. Utiliza una escala de 1/1.500, lo que garantiza una precisión absoluta para identificar hitos como la Sagrada Familia. El material empleado para su fabricación es un plástico de origen vegetal conocido como PLA, similar al de bolsas reciclables. Este enfoque sostenible subraya el compromiso de la capitalidad con la innovación tecnológica y el respeto por el medio ambiente. 

Cada bloque ha sido diseñado para ser modificado o sustituido fácilmente si el tejido urbano sufre cambios significativos. De esta manera, el modelo se mantiene siempre actualizado frente a las transformaciones constantes que experimenta la metrópoli real actual. Todo encaja con una exactitud volumétrica milimétrica. El desarrollo tecnológico de este proyecto ha sido liderado por la empresa Windforce, ubicada en el ecosistema industrial DFactory. Durante cinco meses de producción intensiva, se utilizaron procesos avanzados de impresión digital combinados con inteligencia artificial. La integración de estas herramientas permite un nivel de exactitud que trasciende la simple representación visual de la arquitectura tradicional. Gracias a la inteligencia artificial y los datos proporcionados por Barcelona Regional, la maqueta actúa como una potente plataforma analítica. 

De hecho, se pueden observar detalles que van desde la topografía natural del terreno hasta los nuevos desarrollos en zonas industriales. Esta combinación de hardware tridimensional y software avanzado convierte a la pieza en una herramienta de referencia para expertos. El resultado es una imagen fiel que captura la esencia de una ciudad en constante evolución hacia un futuro inteligente y sostenible. Pero el modelo no se limita únicamente al municipio barcelonés, sino que extiende su mirada hacia catorce localidades del área metropolitana. El territorio representado abarca desde la antigua desembocadura del río Llobregat hasta el pujante puerto de la vecina Badalona. Por lo tanto, en total son quince los municipios que quedan plasmados en esta superficie, cubriendo un área real de casi 178 kilómetros. Esto incluye a poblaciones como L'Hospitalet de Llobregat, Santa Coloma de Gramenet y Sant Adrià de Besòs, entre otros. 

Más de dos millones de personas están simbólicamente representadas en este plano delimitado por la sierra y el Mediterráneo. La fachada litoral de catorce kilómetros se muestra con gran detalle, evidenciando la estrecha relación de la ciudad con el mar. Es una visión coral que entiende a Barcelona no como un ente aislado, sino como el corazón de un sistema complejo. Más allá de la observación directa, la instalación ofrece una experiencia inmersiva mediante el uso de gafas de realidad aumentada. Los visitantes pueden acceder a diversas narrativas interactivas que explican la evolución urbana a través de capas digitales superpuestas. Esta tecnología permite visualizar tanto los proyectos que vendrán como las transformaciones históricas que han dado forma al presente. 

También se contempla la posibilidad de realizar proyecciones de vídeo-mapping sobre la superficie blanca para enriquecer la experiencia sensorial. La interactividad asegura que el público no sea un mero espectador, sino un participante activo en el análisis del territorio metropolitano catalán. Es una plataforma interactiva de divulgación. Además, un aspecto fundamental de este proyecto es su vocación inclusiva, desarrollada en estrecha colaboración con la Fundación ONCE. Y es que se ha diseñado una versión táctil específica para que las personas con discapacidad visual puedan comprender la morfología de la ciudad. Esta adaptación cuenta con relieves diferenciados y texturas contrastadas que permiten identificar los diversos tejidos urbanos de la capital. Mediante el tacto, es posible distinguir claramente la cuadrícula del Eixample de las calles laberínticas que forman el núcleo antiguo. 

La antigua sede de la editorial Gustavo Gili ha sido elegida como el hogar permanente para esta impresionante reproducción urbana. Este edificio emblemático se transformará próximamente en la Casa de la Arquitectura, un nuevo centro de referencia para la divulgación. La permanencia de la maqueta asegura que su utilidad trascienda el año de festejos y se convierta en una herramienta educativa. El recinto funcionará como un punto de encuentro para técnicos, estudiantes y ciudadanos interesados en el desarrollo de su entorno. Con un horario de visita de martes a domingo, el espacio invita a la reflexión colectiva sobre cómo mejorar la vida urbana. La ubicación en el centro de la ciudad facilita el acceso a todos aquellos que deseen conocer su propio hogar desde una sorprendete y fiel perspectiva aérea. 

Situado en la Sierra de Aracena y Picos de Aroche, el Puente de los Cabriles es toda una joya arquitectónica que desafía el paso de los siglos con una elegancia serena y majestuosa. La localidad de Encinasola, rincón onubense de rica historia, custodia esta construcción que sorprende a todo viajero por sus notables dimensiones y espectacularidad. Al llegar a la ribera del río Múrtigas, el visitante descubre una estructura de mampostería que parece surgir de la propia tierra para unir dos orillas de gran relevancia. Este monumento no es solo una vía de paso, sino un símbolo de la ingeniería de tiempos pasados en un entorno natural que permanece casi virgen.

Caminar por estos senderos permite conectar con la esencia de una comarca de la provincia de Huelva donde la piedra y el agua cuentan historias de antiguos arrieros y pastores trashumantes. Es, sin duda alguna, un tesoro escondido que invita a la contemplación pausada de un paisaje que ha sido moldeado por la erosión durante millones de años. Posee una estructura de cinco arcos que se integran perfectamente en el valle, creando una estampa que parece detenida en el tiempo para el deleite de los senderistas. La quietud del lugar solo se ve interrumpida por el murmullo del agua y el canto de las aves que habitan en los fresnos y álamos cercanos.

El aspecto más fascinante de esta construcción radica en su propio nombre, cuya etimología revela un detalle artístico y simbólico sumamente inusual en este tipo de obras. La denominación de “cabriles” alude directamente a las singulares figuras que decoran la parte alta de los tajamares adosados a los pilares de la estructura. Se trata de representaciones esculpidas a modo de cabezas de carnero que otorgan al puente un carácter distintivo y una personalidad única en toda la provincia. Estas tallas no solo cumplen una función ornamental, sino que rinden homenaje a la fuerte tradición ganadera y pastoril que ha definido a la región desde tiempos ancestrales. 

Resulta asombroso observar cómo el arte se integra en una estructura de ingeniería civil diseñada para resistir las fuertes crecidas de la ribera del río Múrtigas. Estas cabezas de carnero vigilan silenciosas el cauce, recordando a quienes cruzan la importancia de los rebaños en la economía de estas tierras de frontera. Es un detalle que captura la atención de los fotógrafos, quienes buscan el ángulo perfecto para inmortalizar estas curiosas figuras pétreas que dan nombre al lugar. Sin duda, este simbolismo convierte al puente en un monumento único que trasciende su función original de simple nexo entre dos puntos geográficos distintos.

Desde una perspectiva histórica, el Puente de los Cabriles se sitúa cronológicamente entre finales del siglo XV y el transcurso del siglo XVI, una época de gran expansión. Su construcción en mampostería, compuesta por cinco majestuosos arcos, tenía como objetivo principal comunicar la población de Encinasola con la comarca fronteriza de Las Contiendas. En aquel entonces, el puente reflejaba un pasado viario de una importancia estratégica mucho mayor de la que aparenta el estrecho camino de acceso que vemos hoy. Servía como un nexo vital para el comercio y el tránsito de personas en una zona donde la orografía imponía retos constantes al movimiento. Los estribos de la estructura cuentan con tajamares triangulares que demuestran un conocimiento avanzado de la hidráulica para proteger la integridad del puente ante las corrientes. 

Hoy en día, esta obra sigue en pie como un testigo mudo de las relaciones comerciales y sociales que marcaron la vida en la denominada raya con Portugal. Su solidez ha permitido que llegue a nuestros días en un estado de conservación envidiable, permitiendo a las nuevas generaciones admirar el legado de los maestros constructores de antaño. Es una pieza clave para entender la evolución de las infraestructuras de transporte en el suroeste de la península ibérica durante la Edad Moderna.

Para llegar a este enclave histórico, el caminante debe recorrer un sendero que se inicia en las afueras de Encinasola, siguiendo la carretera hacia Cumbres de San Bartolomé. El trayecto discurre inicialmente en paralelo al asfalto hasta alcanzar el abrevadero del Pilar de Acá, un punto clave integrado en la antigua Colada del Camino de la Contienda. A partir de este lugar, el camino se adentra en un descenso pronunciado a través del barranco de El Chorro, donde el firme rocoso de cuarcitas y pizarras domina el suelo. El perfil del horizonte se estrecha mientras el sendero se encajona entre cerros y promontorios, ofreciendo una experiencia inmersiva en la naturaleza más abrupta de la zona. El paisaje cambia drásticamente al final de la bajada, cuando el entorno se vuelve más abierto y aparecen dehesas de encinas y olivares centenarios. Este contraste de escenarios hace que la ruta sea muy amena, permitiendo al viajero disfrutar de panorámicas amplias antes de llegar a la ribera. 

Diversa y rica flora

La vegetación que acompaña el recorrido hacia el puente es un fiel reflejo de la intervención humana y de la biodiversidad característica del parque natural de la zona. En las partes más altas y expuestas predomina el matorral xerofítico compuesto por jaras pringosas, jaguarzos, espliego y romero, especies adaptadas a la sequedad del terreno. Sin embargo, al aproximarnos a la ribera del Múrtigas, el paisaje se transforma en un frondoso bosque en galería que ofrece una sombra generosa al viajero. Álamos negros, fresnos, sauces y chopos flanquean las orillas del río, creando un ecosistema húmedo de gran diversidad vegetal que contrasta con los cerros circundantes. 

También es posible encontrar especies como el eucalipto blanco y plantas acuáticas de gran interés científico, como el raro helecho acuático flotante que se ha naturalizado allí. Este contraste entre el monte esclerófilo degradado y el verdor de la ribera convierte la llegada al puente en un espectáculo visual inolvidable para los sentidos. La flora se completa con majuelos, lentiscos y parras silvestres que tapizan los márgenes del agua, creando un refugio natural para la vida silvestre. Es un entorno que invita a la desconexión total, donde el aire puro y el verde de las hojas renuevan el espíritu de quienes deciden explorar este paraje.

En la provincia de Soria, donde el río Masa se une al Cidacos, un curioso viajero puede llegar hasta la localidad de Yanguas, sinónimo de piedra y patrimonio. Este enclave de las Tierras Altas, fronterizo con La Rioja, custodia una estructura que desafía la lógica del románico tradicional castellano. Se trata de la torre de San Miguel, una construcción que parece haber sido arrancada de los Pirineos para ser plantada en el suelo soriano. Su silueta prismática se eleva solitaria en un paraje de espectacular belleza, recordando que Soria guarda siempre sorpresas históricas. Es el único ejemplar de estilo románico lombardo catalán en toda la provincia, un hito artístico que se alza como un caso totalmente único.

La esbeltez de sus formas cautiva al visitante y evoca de inmediato los paisajes de los valles lejanos y de las montañas más altas. Este campanario exento es el símbolo de una historia de repoblación y del cruce de culturas medievales que definieron esta región. Yanguas se presenta así ante el viajero como un tesoro donde la arquitectura narra viajes imposibles entre tierras muy distantes. De hecho su historia es tan robusta como los muros de su castillo del siglo XIV que todavía domina el horizonte de todo el valle. 

Poblada desde época prerromana y reconquistada en el siglo XI, la villa vivió un gran esplendor durante toda la época medieval. Alfonso VII impulsó su repoblación en el siglo XII, mientras que monarcas posteriores otorgaron privilegios que marcaron su destino. El más destacado fue la exención del pago de portazgos, concedida por Alfonso X el Sabio a los residentes de esta próspera villa. Esta medida facilitó la riqueza de sus habitantes, quienes se convirtieron con el tiempo en famosos y muy expertos arrieros locales. Los yangüeses recorrían las rutas comerciales desde las ferrerías de Vizcaya hasta llegar al lejano y caluroso puerto de la ciudad de Sevilla. Miguel de Cervantes los inmortalizó en el Quijote, describiendo el famoso altercado que el hidalgo tuvo con estos rudos comerciantes. Su fama como transportistas y su gran capacidad de organización marcaron la vida económica de la región durante muchísimos siglos.

La bellísima torre de San Miguel es hoy el único vestigio en pie de lo que fue en su día la iglesia más antigua del pueblo. Este templo, que encabezaba un arciprestazgo, desapareció definitivamente hacia el año 1804 tras largas décadas de un abandono que debió producirse antes, pues ya no figuraba en registros oficiales de mediados del siglo XVIII como el Catastro de Ensenada. Antiguamente, San Miguel formaba una tríada parroquial junto a las iglesias de Santa María y San Lorenzo en el corazón de esta tierra. Hoy, la torre se levanta exenta, como un centinela que ha sobrevivido al olvido y al derrumbe físico de su propia nave y estructuras. 

Situada concretamente a un kilómetro del núcleo urbano actual, su ubicación solitaria sugiere la existencia de un barrio hoy desaparecido llamado Villavieja. Su soledad acentúa su belleza y la convierte en una de las estampas más fotogénicas de toda la comarca serrana de las Tierras Altas. Lo que hace excepcional a esta construcción es su marcada influencia del románico lombardo de Catalunya, algo inédito en estas latitudes. Presenta una planta cuadrada perfecta y muros de sillarejo serrano con refuerzos de sillares en las esquinas ejecutados con gran calidad. Su fisonomía esbelta y la superposición de pisos con ventanas evocan a los famosos campanarios de las iglesias del Valle de Boí. 

En la parte superior, cada cara luce ventanas geminadas de medio punto y columnas con finos capiteles decorados con motivos vegetales. Aunque carece de las típicas arcuaciones ciegas aragonesas, su marcada verticalidad es puramente propia de los modelos de los Pirineos. La estructura alcanza los 16 metros de altura y remata en un tejado de pizarra a cuatro aguas con forma de pirámide. Los vanos presentan una sencillez característica que refuerza su aire de arcaísmo y de belleza primitiva en medio del paisaje agreste. Este diseño rompe los moldes tradicionales de Castilla, ofreciendo una elegancia que sorprende a los expertos en arte de todo el mundo.

La cronología de la torre está grabada en sus propias piedras, aunque todavía encierra algunos misterios para los investigadores actuales. En su muro este se conservan dos inscripciones que revelan datos fundamentales sobre su origen y su antigua advocación religiosa. Una de ellas menciona a San Miguel mártir, mientras que la segunda indica claramente el año 1146 de nuestra era. Sin embargo, algunos estudiosos sugieren que la torre podría ser incluso anterior a esa fecha grabada originalmente en el sillar de la base. Los arcaísmos presentes en sus capiteles y la sencillez de los vanos apuntan más bien hacia los siglos X u XI del periodo medieval. Es probable que el año 1146 corresponda realmente a la consagración del templo contiguo y no a la torre. 

Antes de ser un campanario cristiano, el lugar que ocupa la torre pudo tener una función defensiva remota de gran importancia estratégica. Existen indicios arqueológicos que vinculan sus cimientos actuales con una antigua atalaya de vigilancia de la época del Imperio Romano. Se cree que desde este punto se controlaba la vía que unía los asentamientos de Numancia y Calahorra durante los tiempos bélicos. Yanguas, cuyo nombre deriva de la palabra latina para “puerta”, ha sido siempre un lugar de paso obligado para las legiones y ejércitos. Esta herencia estratégica explicaría la robustez de la base y su posición dominante sobre el valle del río que cruza la comarca. La transición de puesto de vigilancia a torre de iglesia refleja las capas de historia que se solapan en Soria a través de los siglos. Incluso el acceso original al cuerpo alto se realizaba por un vano elevado, un rasgo típico de las torres con función de defensa. 

Otras joyas arquitectónicas

El patrimonio de Yanguas no se agota en su torre lombarda, sino que se extiende por sus calles nobles y sus templos muy bien conservados. La iglesia de San Lorenzo preside la Plaza Mayor con su estilo gótico tardío y guarda los valiosos archivos históricos de la comunidad. En la Casa Museo se custodia el impresionante Cristo de Yanguas, una talla románica de tamaño natural de un valor artístico incalculable. Esta imagen del año 1200 es considerada la más importante de su tipo en toda la geografía de la provincia de Soria. También se conservan capiteles románicos en la iglesia de Santa María que podrían proceder originalmente de la iglesia desaparecida. Todo este conjunto artístico evidencia la gran prosperidad que vivió la villa como cabeza de una amplia comunidad de villa y tierra. El casco urbano está jalonado de casas blasonadas que hablan de un pasado de riqueza y de un notable poder comercial local. 

En la actualidad, Yanguas lucha contra el silencio de la despoblación que ha mermado su censo drásticamente desde mediados del siglo pasado. De los cientos de habitantes que recorrieron sus calles, apenas queda hoy un pequeño grupo de vecinos que mantienen viva la tradición. Sin embargo, su declaración como conjunto histórico y su belleza natural atraen cada año a un nuevo tipo de viajero interesado en el arte. La torre de San Miguel sigue allí, inmutable, como un imán para quienes buscan lo auténtico y lo bello en estas tierras altas, símbolo de resistencia cultural que une el corazón de Soria con la estética de los lejanos Pirineos.

El Colegio Oficial de Arquitectos de Castilla-La Mancha (COACM) celebrará el próximo 19 de mayo, en su sede de Toledo, una jornada informativa dedicada a EUROPAN 19, la nueva edición del concurso europeo de arquitectura, urbanismo y paisaje dirigido a jóvenes profesionales menores de 40 años.

La iniciativa, organizada en colaboración con el Ministerio de Vivienda y Agenda Urbana (MIVAU), servirá para presentar en Castilla-La Mancha la próxima convocatoria de EUROPAN España y acercar tanto a administraciones públicas como a arquitectos, urbanistas y paisajistas las posibilidades que ofrece este programa europeo, “considerado uno de los certámenes internacionales de mayor prestigio e influencia en el ámbito de la arquitectura contemporánea”, según señalan desde el COACM.

Un encuentro para reflexionar sobre cómo habitar y transformar las ciudades

La jornada tendrá lugar el próximo martes 19 de mayo a las 19:00 horas en el Salón de Actos del COACM, en Toledo, y contará con la participación de representantes institucionales, técnicos vinculados a EUROPAN y profesionales que compartirán experiencias desarrolladas en anteriores convocatorias. Intervendrán la decana del COACM, Elena Guijarro Pérez; la consejera técnica del MIVAU Carmen Moreno Balboa; la directora general de Planificación Territorial y Urbanismo de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, Silvia López Martín; representantes municipales y miembros de equipos premiados en anteriores ediciones del concurso.

El encuentro permitirá profundizar en el contenido de EUROPAN 19, que se desarrollará bajo el lema “Resourcing 2 / La ciudad renacida 2 / Vivir juntos”, una propuesta que plantea reflexionar sobre nuevas formas de habitar y transformar las ciudades desde criterios de sostenibilidad, convivencia ecológica, reutilización de recursos y adaptación a los retos climáticos y sociales contemporáneos.

Además de presentar el funcionamiento y calendario de la convocatoria, la jornada pondrá el foco en la búsqueda de nuevos emplazamientos urbanos en Castilla-La Mancha susceptibles de incorporarse al concurso europeo, promoviendo la participación de ayuntamientos y administraciones interesadas en desarrollar soluciones innovadoras para ámbitos urbanos complejos o estratégicos.

Al finalizar la jornada se ofrecerá un vino español a los asistentes.

EUROPAN constituye desde hace casi cuatro décadas una plataforma europea de reflexión e innovación urbana que conecta a administraciones públicas y jóvenes equipos de arquitectura de distintos países europeos para generar propuestas capaces de afrontar los desafíos de las ciudades contemporáneas. Desde su creación, en 1988, el programa ha movilizado miles de propuestas arquitectónicas y urbanísticas en toda Europa.

En España, el Comité Nacional de EUROPAN está presidido por el Ministerio de Vivienda y Agenda Urbana y cuenta con la participación de administraciones públicas y entidades vinculadas al desarrollo urbano y territorial.

En la comarca catalana del Bages se encuentran los vestigios de un pasado glorioso. Y es que el conjunto arquitectónico de Sant Jaume de Vallhonesta, además de ser una joya muda de la historia, ofrece a quien lo visite unas vistas espléndidas de la riera de Matarrodona y el imponente Torrent de l’Infern. Esta ubicación privilegiada no fue fruto del azar, sino de la necesidad estratégica de dominar el paso entre los términos de Sant Vicenç de Castellet, Mura y el Pont de Vilomara. Lo que hoy es una silueta melancólica fue en su día un punto de referencia vital para quienes se aventuraban por los senderos de la Catalunya central. 

Su origen se remonta a la Edad Media, apareciendo documentado ya en el año 1115 como un dominio perteneciente al condado, lo que subraya su antigüedad milenaria. Aquellos que hoy recorren el Parc Natural de Sant Llorenç del Munt i l’Obac no pueden evitar sentir el peso de los siglos al observar sus muros informes. Es un lugar donde el tiempo parece haberse detenido, permitiendo que la vegetación y el silencio reclamen lo que una vez fue el bullicio constante de una de las paradas más importantes del antiguo camino.

El hostal de Sant Jaume es considerado probablemente el más antiguo de la mítica ruta del ‘Camí Ral’ que cruzaba el collado de Daví. Durante centurias, este sendero fue la arteria principal que conectaba las ciudades de Barcelona y Manresa, uniendo destinos a través de un terreno abrupto. En aquellos tiempos, recorrer la distancia que separaba ambas urbes era una verdadera odisea que exigía a los viajeros una marcha ininterrumpida de unas trece horas. Vallhonesta se convirtió así en el refugio imprescindible donde arrieros, comerciantes y peregrinos detenían su camino para descansar y recuperar fuerzas antes de proseguir el viaje. 

El complejo no solo ofrecía cobijo, sino que se estructuraba alrededor de un gran ‘mas’ y una era enrajolada que separaba las distintas estancias del hostal. Fue una parada frecuentada por miles de personas que daban vida a una economía basada fundamentalmente en el cultivo de la vid y el intercambio comercial. La importancia de este enclave queda reflejada en los registros históricos que lo sitúan como un punto de encuentro esencial para la logística de la época. Caminar hoy por estos senderos permite imaginar las pisadas de aquellos hombres y mujeres que, cargados de esperanzas y mercancías, veían en este hostal un oasis de seguridad.

El máximo esplendor de esta edificación se alcanzó entre los siglos XVII y XVIII, un periodo en el que el hostal bullía de actividad constante. Los documentos de la época, como un catastro del siglo XVIII, revelan la magnitud de sus instalaciones al mencionar que las cuadras podían acoger hasta setenta mulas. Esta enorme cifra para la época da fe de la inmensa cantidad de viajeros y mercancías que circulaban diariamente por esta ruta hacia o desde Barcelona. La estructura del conjunto arquitectónico era imponente, contando con dos plantas diferenciadas: una destinada a los ‘masoveros’ y otra reservada exclusivamente para los dueños. 

El hostal disponía de una gran cocina, terrazas con cisternas protegidas y amplias caballerizas cubiertas con grandes bóvedas de piedra que aún hoy pueden adivinarse. El desnivel del terreno se aprovechó con ingenio, permitiendo dos accesos distintos conocidos como la puerta de Barcelona y la de Manresa. Esta prosperidad económica permitió que el término de Vallhonesta creciera, rodeándose de otros ‘masos’ dispersos como La Serra o El Ginebral. La vida en el hostal era el reflejo de una sociedad que encontraba en el camino su principal fuente de ingresos y de contacto con el mundo exterior.

Sin embargo, la paz del camino se vio truncada por la violencia de los conflictos bélicos, especialmente durante la Guerra del Francés entre 1808 y 1812. En este periodo oscuro, el hostal dejó de recibir viajeros para convertirse en una estratégica caserna militar y un centro de defensa fundamental. Desde aquí, el mando coordinaba diversos puntos de vigilancia repartidos por el Bages sur y el Vallès, aprovechando su visibilidad y ubicación elevada. La tragedia golpeó con dureza en febrero de 1811, cuando las tropas francesas en su retirada decidieron incendiar el histórico edificio. 

Aunque el ‘mas’ logró sobrevivir y permaneció habitado durante algunas décadas más, el hostal necesitó rehabilitaciones profundas para intentar recuperar su antigua funcionalidad. Este episodio marcó el inicio de una vulnerabilidad que antes era desconocida para los habitantes y gestores de este enclave de montaña. A pesar de los daños, el orgullo de sus muros de piedra resistió el fuego enemigo, aunque las cicatrices del conflicto quedaron grabadas para siempre en la memoria del lugar. La guerra no solo trajo destrucción física, sino que alteró permanentemente las dinámicas sociales de un territorio que siempre había dependido del libre tránsito.

La soledad de las montañas y el tránsito constante de personas propiciaron que Vallhonesta fuera también escenario de innumerables leyendas y relatos de bandoleros. Los ladrones de caminos acechaban con frecuencia a los huéspedes, atraídos por la riqueza que circulaba en carruajes y las mulas cargadas de tesoros. Se cuentan historias sobre misteriosos personajes vestidos con casacas de botones de oro que ocultaban espadas bajo sus capas para asaltar a los incautos. La realidad de estos peligros hizo que el hostal fuera un lugar de vigilancia constante, donde los ‘masoveros’ debían estar alerta ante cualquier visita inesperada. Estos relatos de bandidaje, que mezclan realidad y ficción, otorgan a las ruinas actuales un aire místico que atrae a aquellos fascinados por el pasado romántico. 

El ocaso definitivo de la importancia de Sant Jaume de Vallhonesta llegó con los avances de la era moderna y la revolución de los transportes. Hacia mediados del siglo XIX, la construcción de la nueva carretera de Can Maçana desvió el flujo tradicional de viajeros, dejando el antiguo camino real en el olvido. Pocos años después, en 1859, la entrada en funcionamiento del ferrocarril entre Terrassa y Manresa sentenció el destino del histórico hostal. Las trece horas de caminata se redujeron drásticamente, y las paradas obligatorias para descansar perdieron su razón de ser en un mundo que empezaba a moverse a vapor. Las rutas que antes eran vitales quedaron relegadas a simples caminos ganaderos, transitados únicamente por pastores y sus rebaños en busca de pastos. 

Incendio y derrumbe

Tras el abandono definitivo en la década de los cincuenta, las ruinas de Vallhonesta sufrieron una decadencia acelerada que culminó en nuevos episodios de destrucción. Durante la postguerra, los parajes más feréstecos del Bages sur sirvieron de refugio para los maquis, quienes utilizaron el antiguo ‘mas’ como base de operaciones. Sin embargo, el golpe de gracia para la estructura del edificio no llegó de manos humanas, sino a través de un devastador incendio forestal en el año 1985. Este fuego consumió las antiguas vigas de madera que aún sostenían los techos, provocando el derrumbe generalizado de casi todo el complejo arquitectónico. 

Afortunadamente, no todo el conjunto ha sucumbido al paso del tiempo, pues la ermita de Sant Jaume de Vallhonesta se mantiene en un excelente estado de conservación. De origen románico y restaurada en el siglo XV, este templo religioso sigue siendo el punto de referencia espiritual y visual de toda la carena de la sierra. Su presencia, junto a la era y los muros del hostal, conforma una estampa icónica que atrae a senderistas y amantes del patrimonio cultural. Actualmente, el lugar goza de protección legal como Bien Cultural de Interés Local, asegurando que su historia no se borre del todo. 

La majestuosa ciudad de Rouen, capital de la región de Normandía, es un auténtico museo vivo donde el tiempo parece haberse detenido entre sus callejuelas empedradas. Este enclave francés destaca principalmente por albergar la colección más extensa de casas con entramado de madera de toda Francia, superando las 2.000 estructuras que dotan al casco antiguo de una estética medieval inigualable y pintoresca. Pasear por sus calles supone sumergirse en una atmósfera vibrante donde las fachadas de colores pastel contrastan armónicamente con la solidez de sus monumentos históricos más emblemáticos.

Esta ciudad francesa, situada a orillas del río Sena, ha logrado conservar su patrimonio artístico y arquitectónico a pesar de los intensos conflictos bélicos que marcaron su pasado, incluyendo la devastadora Guerra de los Cien Años. La capital normanda no solo ofrece una lección magistral de arquitectura, sino que también invita a descubrir una animada vida social que late con fuerza en cada una de sus plazas centenarias y sus animados mercados locales.

Explorar las diversas tipologías de las casas de madera permite descubrir detalles arquitectónicos fascinantes, como las ménsulas, los áticos y los zócalos de piedra que caracterizan a las construcciones de la época medieval. En la esquina de las calles Damiette y Martainville se encuentra una famosa casa inclinada, un símbolo del barrio de los anticuarios que adquirió su curiosa pendiente tras la demolición de edificios adyacentes. Otra joya singular es “Le Vieux Logis”, una residencia de tres plantas construida en estilo neogótico con ladrillo rojo y madera, que destaca por las caprichosas esculturas que adornan su fachada exterior. 

Estas estructuras no son meros decorados, sino testimonios de la evolución urbana de una ciudad que en la Edad Media llegó a ser la segunda más importante de todo el reino de Francia. Cada casa cuenta su propia historia a través de diseños y colores que reflejan la artesanía de carpinteros que, como Ernest Villette, dejaron su huella eterna en el paisaje urbano. Pasear por barrios como el de Saint-Maclou permite admirar estas fachadas que sobrevivieron milagrosamente a los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial.

La calle Eau de Robec es otro destino imprescindible, albergando la notable “Casa de los cuatro hijos de Aymon”, un edificio de 1475 con techos de pizarra que hoy sirve como sede del Museo Nacional de Educación. Cerca de allí, en el número 99 de la calle d'Amiens, se sitúa una casa con una historia insólita, cuyas fachadas y estatuas originales del siglo XVII fueron trasladadas desde su ubicación original para evitar su destrucción. Las figuras que decoran este inmueble representan los cuatro elementos y diversos dioses del Olimpo, otorgándole un carácter único y señorial entre las construcciones tradicionales de la zona. 

Por su parte, la calle de los Bons-Enfants invita a descubrir galerías de arte y estudios de artistas integrados en casas coloridas que presentan escuadrías medievales y hornacinas para estatuillas religiosas. El patrimonio civil de Ruán se completa con el imponente Palacio de Justicia, una obra maestra del gótico flamígero decorada con gárgolas y pináculos que antaño fue la sede del Parlamento de Normandía. Estas edificaciones demuestran que la ciudad es un crisol de estilos donde el gótico y el renacimiento se entrelazan con la madera de una forma artística.

Otro de los rincones más misteriosos y cautivadores de la ciudad es el Aître Saint-Maclou, un antiguo cementerio de la peste que data del periodo medieval y que hoy se conserva como un patio rodeado de galerías. Este espacio singular está decorado con motivos macabros tallados en madera, incluyendo calaveras, huesos cruzados, herramientas de sepulturero y representaciones detalladas de la danza de la muerte. Las vigas de estas galerías de osarios narran silenciosamente los estragos de las epidemias que asolaron la ciudad en el siglo XVI, ofreciendo un contraste sombrío con la alegría cromática de las calles vecinas. En las cercanías, la iglesia de Saint-Maclou complementa este entorno con su espectacular fachada de cinco entradas y su mobiliario renacentista, siendo considerada una de las iglesias más bellas de la región. 

Oferta cultural y gastronómica

La figura de Juana de Arco impregna cada rincón de la capital normanda, pues fue en la Plaza del Mercado Viejo donde la heroína francesa fue ejecutada en la hoguera en mayo del año 1431. Hoy en día, una columna recuerda el lugar exacto del martirio. La plaza sigue siendo un punto de encuentro vital en Ruán, rodeada de restaurantes y terrazas que invitan a reflexionar sobre la intensa historia que ha forjado la identidad de la nación. Incluso la gastronomía local rinde homenaje a este personaje con dulces típicos conocidos como las “lágrimas de Juana de Arco”, almendras recubiertas de chocolate.

De hecho, Rouen no solo es un destino de monumentos, museos y casas pintorescas, sino una experiencia sensorial completa que deleita al paladar con especialidades regionales. La ciudad ofrece una excelente escena gastronómica que mezcla productos de la tierra y del mar, consolidando su reputación como un centro cultural y social de primer orden en el norte de Francia. Los visitantes pueden disfrutar de paseos relajantes a orillas del Sena, recorriendo los muelles rehabilitados que ofrecen vistas panorámicas de la ciudad y su incesante actividad portuaria. La facilidad para recorrer su centro compacto a pie convierte a la capital normanda en un destino ideal para quienes buscan sumergirse en la historia sin prisas, dejándose guiar por la belleza de sus fachadas. Al caer la noche, la iluminación de sus edificios históricos y la vibrante vida nocturna aseguran que la estancia sea inolvidable para cualquier agradecido viajero. 

Situado en la provincia de Jaén, entre las estribaciones de los municipios de Larva y Cabra del Santo Cristo, se alza una de las estructuras más impresionantes del patrimonio industrial de nuestra geografía ferroviaria. Se trata del viaducto de Arroyo Salado, una joya de la ingeniería civil que desde su inauguración en el año 1899 ha definido el paisaje de Sierra Mágina con su imponente perfil de hierro y piedra. Concebido originalmente para salvar una orografía extremadamente abrupta, este puente no solo facilitó la conexión ferroviaria en la línea Linares-Almería, sino que se convirtió en un símbolo de la modernidad tecnológica de finales del siglo XIX.

Su presencia es tan poderosa que hoy resulta imposible entender el entorno natural del barranco del Salado sin la silueta de esta obra maestra. Con una longitud total de 318 metros, el viaducto de Arroyo Salado batió récords nacionales de luz y altura tras su finalización definitiva. La estructura consta de tres tramos principales, cada uno con una luz de 105 metros, que permitían cruzar el profundo abismo con una audacia sin precedentes para la fecha. Su rasante alcanza una cota máxima de 110 metros de caída libre sobre el fondo del barranco, una cifra que impresionó a los contemporáneos y que sigue asombrando hoy.

De hecho, durante décadas, esta obra fue considerada por muchos expertos como la construcción metálica más importante y atrevida de toda la red ferroviaria española. Las dimensiones del puente no solo eran una cuestión de estética, sino una necesidad técnica para garantizar la continuidad del tráfico ferroviario en una zona de geología compleja. Este gigante de acero sigue siendo un testimonio vivo de la capacidad técnica de los ingenieros decimonónicos.

El diseño del viaducto fue responsabilidad del ingeniero José Olano, quien redactó el proyecto original en el año 1896 bajo el encargo de la empresa francesa Fives-Lille. Previamente, se realizó un exhaustivo estudio geológico por parte del Cuerpo Nacional de Ingenieros de Minas para asegurar la estabilidad de las cimentaciones en un terreno tan difícil. La construcción fue un desafío logístico que incluso condicionó el inicio de la explotación comercial de toda la línea férrea de Linares a Almería. Tras la suspensión de pagos de la firma francesa, la Compañía de los Caminos de Hierro del Sur de España tomó las riendas para concluir con éxito la ejecución de la obra. 

Los trabajos incluyeron el levantamiento de enormes pilas de sillería que aún hoy sostienen el peso de la historia y del tráfico ferroviario moderno. El esfuerzo humano y financiero invertido en este punto concreto de la geografía jiennense refleja la importancia estratégica de esta vía de comunicación. La influencia de la prestigiosa escuela de Gustave Eiffel está presente en cada remache y viga de esta extraordinaria estructura metálica. La dirección de los trabajos de lanzamiento del tablero estuvo a cargo de ingenieros formados en dicha escuela, como Basinsksi, Guerin y Shule, junto a Moreno Osorio. Su intervención garantizó que el viaducto incorporara los avances más punteros de la ingeniería europea de aquel momento histórico. 

El interés internacional que despertó la obra fue notable, posicionando a Jaén en el mapa de las grandes infraestructuras mundiales de finales del siglo XIX. El diseño original contaba con vigas de celosía abierta de doble alma y diez metros de altura, una configuración robusta y elegante a la vez. Esta conexión con el estilo Eiffel otorga al puente un valor cultural y patrimonial que trasciende su función meramente utilitaria. El método utilizado para la colocación del inmenso tablero metálico fue tan innovador como el diseño mismo de la estructura del puente. Debido a la ubicación de la obra a la salida de un túnel en curva, se tuvo que montar la estructura en alineación recta para luego empujarla desde un extremo. 

Este proceso de lanzamiento se realizó mediante el uso de rodillos, permitiendo que los tramos metálicos “volaran” literalmente sobre las pilas de sillería hasta alcanzar su posición. Fue necesario realizar importantes obras auxiliares, como una trinchera en el lado de Linares y guías de hormigón que aún son visibles para un curioso visitante. Simultáneamente, en el lado de Almería, se avanzaba en la excavación del túnel que permitiría el paso definitivo de las locomotoras de vapor. Esta coreografía de ingeniería civil requirió una precisión milimétrica para evitar cualquier fallo estructural durante el complejo proceso de empuje.

En pleno funcionamiento

A pesar de la solidez de la construcción original, el paso del tiempo y el aumento del peso de los convoyes obligaron a realizar reformas profundas. En 1976 se decidió reemplazar el antiguo tablero de hierro por uno nuevo de acero. Esta intervención buscaba aumentar la seguridad del viaducto y adaptar la infraestructura a las exigencias del transporte ferroviario moderno. Durante estas obras, las pilas originales de sillería fueron recrecidas con hormigón para soportar los nuevos tramos de acero. Aunque el material ha cambiado, el espíritu de la obra de 1899 permanece intacto gracias a la conservación de sus apoyos de piedra originales. Esta renovación ha permitido que el viaducto siga prestando servicio más de un siglo después.

Actualmente, el viaducto es considerado uno de los puentes míticos de la red ferroviaria española y un elemento clave de la identidad de Cabra del Santo Cristo. El áspero paisaje que lo rodea, compuesto por sol y piedra, realza la belleza industrial de su estructura de acero. Pasear por sus cercanías permite comprender la magnitud de una obra que se ha integrado perfectamente en el ecosistema. Es un monumento al progreso que sigue vigilando el barranco del Salado con su imperturbable y férrea presencia. El puente continúa en pleno funcionamiento, formando parte esencial de la línea que conecta Linares con Almería y Guadix. El acceso por tierra, aunque requiere transitar por caminos de cierta dificultad, recompensa al visitante con la posibilidad de admirar su escala monumental desde el suelo. La complejidad técnica que despertó interés hace más de un siglo sigue siendo objeto de estudio y admiración por parte de expertos y aficionados. 

La plaza del Tenis de Donostia vuelve a colocarse en valor con la inauguración de la exposición “La plaza del Tenis, antesala del Peine del Viento”. Organizada por el Instituto de Arquitectura de Euskadi, busca conmemorar el centenario del nacimiento de Luis Peña Ganchegui, el arquitecto de ese lugar y de otros muchos. La muestra, instalada en el convento de Santa Teresa hasta el 27 de septiembre, realiza una breve biografía de su autor, mas profundiza sobre el origen, construcción y rehabilitación reciente de uno de los espacios más emblemáticos del litoral donostiarra.

El director del Instituto de Arquitectura de Euskadi, José Ángel Medina, ha destacado, durante la presentación de la exposición, el valor simbólico del espacio y ha asegurado que “la identificación de lugares así, como la plaza del Tenis, con la ciudad y sus autores es un binomio tan especial que ocurre muy pocas veces”. A su juicio, la plaza posee una “magia” que la ciudadanía ha incorporado “colectivamente” a la identidad donostiarra.

La directora del Archivo Peña Ganchegui, Rocío Peña, hija del arquitecto conmemorado, ha compartido que la exposición es uno de los actos organizados por el centenario del nacimiento de su padre. “La labor principal de este archivo es poner en valor el patrimonio construido” el cual se ha recopilado desde 2009, ha señalado la directora. Además, la muestra llega tras culminar la rehabilitación integral del entorno del Peine del Viento, un proceso iniciado tras el desprendimiento de la ladera en 2015 y que “ha durado 13 años”.

El comisario de la muestra, Mario Sangalli, ha defendido que la plaza del Tenis “no es simplemente la antesala del Peine del Viento, sino una obra arquitectónica de enorme complejidad y sensibilidad”. El comisario ha realizado una visita guiada por las ocho etapas organizadas cronológicamente “desde la infancia de Peña Ganchegui hasta la reciente rehabilitación del espacio”.

La exposición reúne planos originales, documentación para la licitación, croquis inéditos, fotografías históricas y material audiovisual sobre la colaboración entre Peña Ganchegui y el escultor Eduardo Chillida. Gran parte de la colección nunca se había expuesto públicamente. Por ejemplo, entre las piezas destacadas figura un cuadro pintado por el arquitecto durante su juventud en Mutriku y nuevas fotografías, realizadas por Idoia Unzueta, que muestran el estado actual de la plaza tras su recuperación.

El consejero de Vivienda y Agenda Urbana, Denis Itxaso, ha estado presente en la inauguración. Durante su discurso, ha afirmado que la muestra “va más allá de una mera exposición” y la ha definido como “una oportunidad para mirar con nuevos ojos un espacio que forma parte de la memoria colectiva de Donostia y Euskadi”. Además, ha destacado que Peña Ganchegui logró “intervenir en uno de los paisajes más sensibles y poderosos de nuestra costa sin imponerse sobre él”, siendo objeto de admiración y divulgación.

La programación del centenario del nacimiento de Luis Peña Ganchegui continuará durante los próximos meses con la publicación de un nuevo libro dedicado a la plaza, la difusión de materiales sobre la obra residencial de Peña Ganchegui y una futura exposición de ilustradores inspirada en la trayectoria del arquitecto vasco.