Manuel de Falla compuso grandes obras a lo largo de su vida, pero si hay una que ha perdurado en el imaginario colectivo después de tantos años esa es El amor brujo, una composición que llegó al Teatro Lara de Madrid el 15 de abril de 1915. Más de un siglo después, aquel ballet con cante y música sigue siendo una de las piezas más emblemáticas del artista gaditano.

La historia de El amor brujo se remonta al año 1914, cuando Falla comenzó a trabajar en este proyecto a petición de la bailaora gitana Pastora Imperio y su madre. El de Cádiz, que acababa de volver a España después de vivir en París, tenía ganas de rescatar y plasmar en una obra las raíces de la música popular andaluza, y aceptó sin dudar aquel encargo.

De aquella primera versión en la que trabajó surgieron fragmentos tan conocidos como la Danza del fuego. La protagonista de la primera representación frente al público no pudo ser otra que la propia Imperio, una de las más figuras del baile flamenco más célebres de aquel momento, quien también ayudó a Falla a darle forma a la obra.

La bailaora se subió al escenario para interpretar Gitanería en un acto y dos cuadros, subtítulo original de la obra, donde dio vida a Candelas, una mujer perseguida por el recuerdo de su antiguo amante. Pero la historia que acompañaba a la música del compositor gaditano llevaba otra firma, y su nombre era el de una mujer.

De Lejárraga a La Argentina

María de la O Lejárraga, escritora y dramaturga, fue quien redactó el libreto, el texto que articulaba la acción escénica de El amor brujo, aunque su nombre no apareció en la firma pública de la obra, que se atribuyó a Gregorio Martínez Sierra, su marido y colaborador habitual. No fue un caso aislado, pues durante años numerosas obras escritas por Lejárraga circularon bajo el nombre del que fue su pareja.

Mientras la autoría literaria del libreto permanecía en la sombra, la obra continuó su transformación sobre los escenarios. Después del estreno, Falla revisó la composición y preparó una nueva versión, concebida como ballet y con una estructura musical diferente a la original, lo que ayudó a que la obra adquiriera una nueva dimensión y ampliara su proyección más allá de las fronteras de España.

La encargada de dar vida a esta nueva etapa fue Antonia Mercé, conocida como La Argentina, bailarina reconocida por el papel que tuvo en la renovación de la danza española en aquella época. El 22 de mayo de 1925, La Argentina estrenó en París la versión definitiva en formato ballet de El amor brujo, la gran obra de Falla que no sería igual sin la contribución que hicieron todas estas mujeres.

La historia del bailarín cacereño de 17 años, Álvaro Payo, ha dado un giro decisivo. Ya puede hacer las maletas: viajará a Londres para incorporarse a la English National Ballet School después de aprobar el examen de inglés y conseguir la financiación necesaria para afrontar su formación y su estancia en Reino Unido.

Desde el barrio de Aldea Moret hasta Londres, el trayecto que hace apenas unas semanas parecía bloqueado se ha despejado gracias a la red de apoyos que comenzó a movilizarse tras la publicación de su caso en elDiario.es, y cuando ya había asumido que tendría que renunciar a su plaza por falta de recursos. Álvaro ha logrado reunir la cantidad de dinero que le permitirá estudiar danza el próximo curso en Inglaterra.

Y es que cuando supo que había sido admitido en la escuela británica, una de las instituciones de referencia internacional en la formación de bailarines, descubrió también que el mérito no bastaba. Tenía la plaza, tenía el nivel y tenía la oportunidad; lo que no tenía era la capacidad económica para sostener un año de exigencia técnica y vida cotidiana en Londres. La matrícula superaba los 25.000 euros y, a esa cifra, había que sumar el alojamiento, la manutención y todos los gastos asociados a una ciudad donde estudiar danza implica también entrenar, desplazarse, alimentarse y vivir en uno de los lugares más caros del mundo. Su familia sabía que el dinero podía clausurar una puerta que él había logrado abrir con años de trabajo primero en el Conservatorio de Danza de la Diputación de Cáceres y después en el Profesional, horas de barra y una vocación incuestionable.

La historia publicada en agosto en este periódico puso el foco en esa paradoja: un intérprete formado en uno de los barrios más vulnerables de Cáceres había conseguido abrirse paso hasta una de las escuelas más selectivas del mundo, pero su origen social amenazaba con impedirle cruzar el umbral. Álvaro se había quedado atrapado en el ascensor social.

Empezó a bailar con diez años, fascinado por Billy Elliot, y fue promocionado directamente de tercero a quinto en el Conservatorio Profesional de Danza de Cáceres. Ser seleccionado entre unos 300 aspirantes para una escuela vinculada directamente a compañías profesionales era un salto decisivo. Pero la noticia de su admisión chocó con una realidad mucho más prosaica: cuánto cuesta estudiar danza en Londres.

La familia había explorado distintas vías de apoyo institucional y, durante semanas, se manejaron varias posibilidades. El Ayuntamiento de Cáceres comprometió 10.000 euros y la Diputación otros 5.000, cantidades que finalmente sí aportarán. También se abrió una expectativa vinculada a Cáceres 2031, pero aquella opción terminó desvaneciéndose. El Consorcio sostiene que la solicitud nunca llegó a formalizarse; su madre, Laura, en cambio, recuerda que en un primer momento se les habló de una ayuda de mayor cuantía y que la cifra final que se les mencionó —2.000 euros— “no nos servía para nada”. La Junta de Extremadura también se ha borrado de esta historia. Con ese escenario, y ante la imposibilidad de cubrir el coste total, la familia Payo Pérez renunció a todas las subvenciones: los números no salían y la plaza seguía siendo inalcanzable.

El impulso social

Pero la publicación en elDiario.es actuó como un resorte. Las llamadas comenzaron a sucederse y lo que había sido una búsqueda individual empezó a transformarse en una movilización colectiva. La primera respuesta llegó de la Fundación Dádoris, que contactó con la familia apenas unas horas después de conocerse el caso. A partir de ahí, el movimiento se amplificó: en Instagram, bajo la noticia publicada en el perfil del periódico, centenares de personas reclamaron apoyo institucional o propusieron un crowdfunding. Entre quienes se mencionaban figuraban nombres como Javier Cámara, Nacho Duato, el ministro Ernest Urtasun e incluso el presidente Pedro Sánchez. La indignación se hizo viral.

Y esta vez sí, las cifras empezaron a encajar. El Ayuntamiento mantiene su compromiso de 10.000 euros. La Diputación suma 5.000. La Fundación Dádoris aporta otros 5.000 y, además, ofrece un acompañamiento completo: un tutor que guía al alumno en lo académico y lo personal, un profesor universitario que orienta su trayectoria y una red de oportunidades formativas —refuerzo en asignaturas, idiomas, Erasmus, viajes culturales y prácticas— que sostiene su desarrollo. Son ya 20.000 euros comprometidos.

A ellos se sumó la Fundación Atrio, (alertada por el también cacereño, Roberto Cortés, marido de Jesús Vázquez), que ha decidido asumir todo lo que falte para que Álvaro pueda afrontar el coste total de su formación y su estancia. Su compromiso —cubrir la diferencia que no aporten las demás entidades— completa el tramo final de una financiación que permite a la familia volver a decir que sí.

Red de apoyos

La diferencia de hoy respecto a hace unas semanas no está solo en el dinero. Está en que ahora hay una red. Un entramado de apoyos que sostiene el salto de Álvaro Payo y convierte lo que era un horizonte improbable en un camino transitable y seguro.

Álvaro acaba de aprobar el examen de inglés que necesitaba para incorporarse y está gestionando ya los trámites del visado. También ha superado todas las pruebas médicas a las que se ha sometido. El curso ya ha comenzado, pero la English National Ballet School ha mantenido su plaza reservada y le ha dado unos días más para completar la documentación. El interés del centro no ha disminuido; al contrario, incluso cuando parecía que la falta de financiación haría imposible su llegada, desde Londres insistieron en buscar una solución, pagándole además la matrícula.

Esta no es solo una historia sobre danza. Es una historia sobre oportunidades y sobre quién puede permitirse aprovecharlas.

Álvaro sigue siendo el mismo chico que entrenaba en Cáceres y que empezó a bailar fascinado por una película. Lo que ha cambiado es el horizonte. La publicación de su historia no consiguió la plaza —esa se la ganó él— ni eliminó las dificultades de vivir en Londres. Pero sí contribuyó a que una historia que podía terminar en una obligada renuncia activara una respuesta más amplia.

La historia de Álvaro Payo no ha terminado: acaba de empezar en un nuevo escenario.

Para Álvaro Payo, ser admitido con 17 años entre los 30 mejores aspirantes del mundo en la prestigiosa English National Ballet School de Londres era solo la mitad de la ecuación. La otra mitad se decidía a más de 2.000 kilómetros, en Aldea Moret, el barrio humilde de Cáceres donde el sueldo de su madre, trabajadora de la limpieza, marcaba el ritmo de una realidad insalvable: el dinero. Su plaza en la élite de la danza internacional no era solo un triunfo artístico: era una grieta en el techo de cristal que parece que ha vuelto a cerrarse.

Su familia comenzó entonces una carrera contrarreloj para conseguir financiación. Según explica su madre, se llegó a plantear un escenario en el que distintas administraciones y entidades aportarían ayudas que, sumadas, permitirían afrontar los gastos de la estancia en Londres. La familia sostiene que se manejó una posible aportación de 15.000 euros por parte de Cáceres 2031, pero la Junta de Extremadura le informó de que apenas serían 2.000 euros más los 5.000 euros de la Diputación Provincial, y 10.000 del consistorio, además de la cantidad que ellos, sus familiares, asumirían personalmente.

El Ayuntamiento, según la familia, mantuvo desde un principio su apoyo económico y su responsable de Cultura acompañó la tramitación de la documentación ya presentada. El problema llegó con Cáceres 2031. La candidatura había mostrado disposición inicial a respaldar el proceso, pero la solicitud, según el propio Consorcio, no llegó a formalizarse y por tanto no pudo ser tramitada. La familia del bailarín no comparte esta versión: sostiene que en un primer momento se les habló de una ayuda de 15.000 euros que después, siempre según su relato, se redujo a 2.000. En ese cruce de versiones y expectativas frustradas, la consecuencia fue la más dolorosa: Álvaro tuvo que renunciar a la plaza que Londres le había concedido y que él estaba preparado para aprovechar.

Promesas de papel

La familia tomó la decisión con “mucha rabia”, no por motivos académicos o artísticos, sino porque, después de superar la selección, no encontró el respaldo económico suficiente para aprovechar la oportunidad aunque en los primeros compases parecía que iba a ser posible. Se conservan correos electrónicos y documentación del proceso y sostienen que existió una expectativa real de que las administraciones, todas juntas, contribuirían a hacer posible el viaje y la estancia de Álvaro en Londres.

Para su madre Laura, el caso adquiere una dimensión especial porque Cáceres 2031 no es una entidad privada. El Consorcio está integrado por la Junta de Extremadura, el Ayuntamiento de Cáceres y las diputaciones de Cáceres y Badajoz. Su convenio de creación establece como objetivos hacer de la cultura un eje estratégico del desarrollo social y económico, potenciar la ciudad como factoría de producción cultural y proyectar internacionalmente las manifestaciones culturales extremeñas. La candidatura reivindica además una dimensión territorial y participativa que pretende extenderse al conjunto de Extremadura. Para la familia, ahí reside la contradicción: un joven que ya ha sido seleccionado por una institución internacional de referencia no pide una oportunidad, pide poder aprovecharse de ella. Y no ha podido ser.

La English National Ballet School representa, en palabras de su entorno, una oportunidad comparable a entrar en la cantera de un gran equipo deportivo antes de llegar a la primera división. La escuela señala que su alumnado termina incorporándose a compañías profesionales, entre ellas la English National Ballet y otras de prestigio internacional, y que aproximadamente un tercio de los bailarines de la compañía procede de su propio alumnado. Contempla becas y ayudas, aunque advierte de que son limitadas. Álvaro consiguió ser admitido, pero el apoyo obtenido no cubría los gastos de vivir y estudiar en una de las ciudades más caras de Europa. Una beca de matrícula no resuelve necesariamente el alojamiento, la manutención, el transporte y otros costes derivados de la estancia.

La renuncia a Londres no significa que Álvaro haya renunciado a la danza. Durante el verano ha conseguido nuevos reconocimientos y mantiene abiertas varias posibilidades de formación en España. Ha ganado un concurso celebrado en Calamonte y continuará preparándose durante el próximo curso. También tiene las puertas abiertas en Madrid: invitaciones de centros especializados como la Escuela de Nacho Duato, el Centro Coreográfico Carmen Amaya y el Conservatorio Profesional de Danza Mariemma.

Un 'Billy Elliot' en Aldea Moret

Pero Londres era otra historia. Era la entrada directa en uno de los circuitos internacionales de formación profesional de la danza clásica. La escuela británica le ha invitado de nuevo a presentarse para el curso 2026-2027 y abrirá próximamente el proceso para 2027-2028. La familia vive ahora en la incertidumbre: volver a intentarlo y confiar en que, llegado el momento, existan, ahora sí, apoyos suficientes para que la historia no se repita.

Álvaro vive en Aldea Moret, una de las zonas históricamente más vulnerables de Cáceres. Su madre trabaja como limpiadora y la familia sostiene que asumir durante un año los gastos de Londres está fuera de sus posibilidades económicas. Ese dato es central en esta historia: ¿qué ocurre cuando el talento aparece lejos de los circuitos sociales que tradicionalmente facilitan el acceso a determinadas oportunidades? Álvaro no ha llegado hasta Londres por recomendación familiar ni por disponer de recursos. Ha llegado después de años de formación y esfuerzo. Empezó a bailar con diez años, fascinado por Billy Elliot. Actualmente estudia en el Conservatorio Profesional de Danza de Cáceres y, según la información publicada tras su admisión, fue promocionado directamente de tercero a quinto por su nivel. Ahora afrontará el último tramo de su formación profesional y el Bachillerato mientras continúa entrenando.

El caso es que esta biografía trasciende al nombre de Álvaro Payo: ¿qué sucede con los jóvenes extremeños que llegan a las puertas de grandes instituciones culturales pero necesitan apoyo económico para atravesarlas? ¿Qué significa hablar de cultura como motor de desarrollo, igualdad de oportunidades y proyección internacional cuando una familia no puede convertir una plaza conseguida por méritos propios en una carrera profesional?

Cáceres 2031 sostiene que la cultura debe actuar como un motor capaz de transformar el territorio, fortalecer la cohesión social y abrir espacios de innovación. La historia de Álvaro obliga a mirar ese discurso desde su reverso: un joven de 17 años que obtuvo una plaza en Londres, una oportunidad que él no rechazó, una puerta que permanecía abierta y que, sin embargo, tuvo que dejar atrás. No por falta de talento, ni por ausencia de recursos familiares suficientes, sino por la ausencia de una apuesta institucional clara, sostenida y decidida. Su caso convierte en materia concreta lo que tantas veces se formula en abstracto: de qué sirve hablar de cultura como palanca de futuro si, cuando ese futuro aparece en forma de un adolescente extremeño admitido en una de las escuelas más exigentes del mundo, las instituciones no son capaces de acompañarlo hasta el final del camino.

Álvaro conserva la esperanza de que el próximo año pueda volver a intentarlo. Pero queda una pregunta pendiente para las instituciones extremeñas: qué debe ocurrir para que un joven que ha demostrado su talento no tenga que renunciar a una oportunidad internacional simplemente porque su familia no puede pagarla al completo.

La imposibilidad de salir de la propia clase social no suele manifestarse como un muro visible, sino como una suma silenciosa de límites que se heredan sin haberlos elegido. No es solo la falta de recursos materiales, sino la ausencia de redes, de contactos, de capital cultural y de margen para asumir riesgos. Quien nace en un entorno determinado aprende pronto que cada avance exige un esfuerzo desproporcionado y que cualquier oportunidad depende de factores externos que rara vez están a su alcance. La movilidad social, presentada como una promesa democrática, se convierte así en un relato aspiracional que no siempre coincide con la experiencia real: hay trayectorias que, por mucho talento o disciplina que acumulen, chocan una y otra vez contra estructuras que reproducen la desigualdad y que condicionan de forma decisiva el destino de quienes intentan romperlas.

Las organizaciones sindicales CCOO, UGT y CSIF han convocado una serie de paros que afectarán al personal artístico de la Compañía Nacional de Danza y del Ballet Nacional, ambas agrupaciones dependientes del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM). Se trata de una decisión que se ha tomado como respuesta directa al “incumplimiento de los principales compromisos adquiridos por el Ministerio de Cultura tras la desconvocatoria de los paros de diciembre de 2025”, lo que ha reactivado el conflicto laboral entre los trabajadores de estas instituciones.

La convocatoria de huelga tiene un impacto directo sobre la programación estival de la danza nacional, ya que los paros coincidirán con las funciones que ambas formaciones tienen previstas en el Teatro de la Zarzuela. El calendario de movilizaciones fija los paros para el próximo 11 de julio, en un horario que comprenderá desde las 19:00 hasta las 22:00 horas, mientras que durante las jornadas del 17 y del 22 de julio las interrupciones se realizarán entre las 19:00 y las 21:00 horas. Según detallan los representantes sindicales, la medida de fuerza afecta a la totalidad de las plantillas de ambas compañías, lo que se traduce en un total de 131 trabajadores y trabajadoras llamados a secundar la protesta.

El origen de la disputa se sitúa a finales del año pasado, cuando los sindicatos acordaron suspender de forma temporal las movilizaciones ante los compromisos asumidos por el Ministerio para avanzar en la mejora de las condiciones laborales y retributivas del sector. Sin embargo, tras el transcurso de varios meses de espera, las negociaciones se han encallado en su punto fundamental, dado que “la principal reivindicación, consistente en la equiparación salarial con el personal artístico de la Orquesta Nacional de España, ha sido finalmente descartada” por parte de la Administración.

Como alternativa, la Administración ha planteado la creación de un “complemento de productividad” para este colectivo. Sin embargo, las organizaciones sindicales denuncian que, “hasta la fecha no se ha concretado su cuantía económica ni se han adquirido compromisos firmes sobre su aprobación, financiación e implantación”. Asimismo, los representantes de los trabajadores critican que también “continúa sin materializarse el compromiso de impulsar la mejora del sistema de clasificación profesional del personal artístico de ambas compañías”.

Ante lo que consideran una notable ausencia de medidas concretas que puedan garantizar una mejora real de las condiciones profesionales y retributivas, CCOO, UGT y CSIF han determinado que es indispensable retomar las acciones de protesta. Las centrales sindicales advierten que mantendrán las movilizaciones hasta que la Administración ponga sobre la mesa una “propuesta definitiva, dotada presupuestariamente y acompañada de un calendario cierto para su ejecución”. A pesar del empeoramiento del conflicto, las tres organizaciones reiteran su disposición al diálogo y confían en que el Secretario de Estado de Cultura, la Subsecretaria de Cultura y el INAEM adopten medidas con celeridad para cumplir los compromisos previos y evitar la prolongación de la huelga.

La jornada era histórica y eso se palpaba en las butacas a rebosar del Centro de Danza Matadero. La nueva directora de la Compañía, Muriel Romero, cumplía con el proyecto por el que fue elegida: “Aquí se va a bailar de todo”, decía Romero a este periódico justo hace un año al presentar su programa. Y así fue. Los bailarines de la CND presentaron un programa doble titulado Struere en el que demostraron que también pueden adentrarse más allá del repertorio y los cánones de belleza imperantes en el ballet. Histórica jornada en la que destacó el trabajo de encarnación de Luz Arcas.

El comienzo de la pieza de Arcas, Masa, es toda una declaración de principios. Los bailarines extendidos en el suelo unos sobre otros, como si formaran un tejido celular, comenzaron a vibrar, a moverse, a cobrar vida. Una vida nueva que se desplegaría durante cuarenta minutos y que llevó a esta compañía formada para la representación y la destilación bella, a un universo paralelo.

Arcas despliega en esta pieza una concepción de la belleza y el movimiento disímil, casi contraria, a la de la danza tradicional con la que la CND se identifica. Y es que la danza de esta malagueña nace de otro manantial. Frente a la técnica, la necesidad. Frente al movimiento definido, la estela tras su desaparición. Frente al canon de belleza estilizado, la contemplación del temblor. Frente a la representación del movimiento, la encarnación.

Rebotes en el suelo. Nunca una pierna en alto. Nunca un brazo extendido componiendo figura. Y siempre una energía que surge de la entraña, del interior de los cuerpos, como la constatación de que el ser humano, allí donde esté, siempre tendrá la necesidad de trascender.

Desaprender como fórmula de éxito

Es tal la distancia de la danza de Arcas respecto a la tradición de esta compañía creada en 1978 que no es difícil imaginar el esfuerzo de desaprendizaje que han llevado a cabo sus intérpretes. Por eso, es de alabar la entrega de los quince bailarines que eran los que más arriesgaban al exponerse a modos, maneras y movimientos que no dominaban y que los trasladaba a un territorio mucho más vulnerable.

En la pieza los bailarines se entregan a los movimientos característicos de La Pharmaco, la compañía de Arcas, donde la pelvis y el rostro se descompasan y se vuelven parte de un cuerpo roto que siempre busca un centro sin encontrarlo. Movimientos rotos, pero de gran pertinencia, que el bailarín debe encontrar, no ejecutar. Esa es quizá la gran diferencia entre la danza codificada y la de Arcas.

Además, la coreógrafa se ha hecho acompañar para la ocasión por su equipo habitual. La dramaturgia de Rafael Paniagua, la exquisita rítmica del sonido envolvente de Xabier Erquizia, la escenografía escueta y vacía de Victoria Aimé y Natividad Martín; y las potentes luces de claroscuro de Jorge Colomer ayudaron para que la propuesta adquiriese el tono tenso de ritual atávico que Arcas ha querido darle a la pieza.

La multitud como pequeña revolución

Es curioso que Arcas haya elegido el concepto de multitud, de masa, para esta pequeña revolución. Un concepto a través del cual llegó la modernidad al arte. En la pintura, Goya encontró un nuevo trazo en esas aglomeraciones de pueblo ante un aquelarre o una plaza de toros. En literatura fue a través de ese concepto que Edgar Allan Poe primero y Baudelaire después instauraron la figura del hombre moderno.

Sin embargo, Arcas se basa en el libro de Elias Canetti, Masa y poder, de raigambre más antropológica y contexto más político. Canetti escribió durante años este libro mientras vio Europa sucumbir ante el fascismo. La masa manipulada por un líder, llevada al matadero o inducida a ejercer la violencia más irracional. Arcas entiende el libro del búlgaro como un texto casi coreográfico en el que Caneti va describiendo esa aglomeración de individuos que unas veces será abierta, otras cerrada, otras rítmica, otras más retenida.

La pieza es un estudio de ese ente de cuerpos donde el movimiento se contagia y la energía se transmite y se transforma. Pero Arcas anda oscura, con ojos que tienden a lo negro. Esta masa que nos presenta, no será festiva, no estará conformada de individualidades en torbellino. No tendrá la atracción del pogo o la rave, por ejemplo. En ella, el individuo tenderá a la uniformidad de tono marcial e incluso religioso donde reinará la atracción por la pertenencia.

Esta masa de Arcas es quizá el final de aquella que abrió el concepto de la modernidad a mediados del XIX. Una masa donde aparece un espacio que mira a este presente virtual sin cuerpos donde las multitudes chillan pero nada cambia.

La renovación de 'Tablero'

La otra pieza, Tablero, de KOR’SIA, si bien es ecléctica en los estilos de baile, donde se yuxtaponen movimientos de danza neoclásica con una danza más urbana o incluso con técnicas cercanas al contact, no supuso una ruptura con el universo del movimiento de esta compañía. Russo y De Rosa fueron bailarines de la CND y su visión de la danza emparenta sin dificultad con la concepción y la técnica de los bailarines de la Compañía.

Tablero, sin embargo, sí supuso una renovación estética a través de la entrega de estos dos creadores a una imaginación desbordante. En ella, los dos creadores italianos despliegan un crisol de imágenes donde se juntan diferentes épocas históricas. Una más urbana y otra que evocaba el siglo por excelencia español, el XVI. Aire fresco para esta nueva CND lleno de eclecticismo y libertad visual que, sin embargo, no llegó a materializarse del todo. Una posible explicación de ello fue la creación de ciertas imágenes, como esa princesa de Éboli comiéndose una barra de pan, o ese Felipe II a caballo expuesto espectacularmente, quizá demasiado, a contraluz. Imágenes impactantes que buscaban una destilación sofisticada que sintetizase la mezcla de tradición y modernidad, pero que no cogieron sitio, unas veces por el tratamiento de luz y espacio, otras por ciertas coreografías planas y poco limpias.

Uno de los momentos más emocionantes de la pieza fue cuando la voz de Niño de Elche cantó la Nana del caballo grande que Federico García Lorca escribiera para su Bodas de sangre siguiendo la musicalización que hiciera el gran Camarón. La pieza acabó en una coreografía energética, llena de plenitud vital que levantó el ánimo de la platea.

Bienvenida a la danza contemporánea

Acabó así una jornada memorable, quizá no tanto en resultados, pero sí en arrojo hacia el futuro y valentía. Los amantes del ballet nada tienen que temer. La CND seguirá haciendo repertorio, así lo ha demostrado Muriel Romero con programas como NumEros (con coreografías de Balanchine, Godani y Forsythe) o con su última propuesta en torno al coreógrafo del siglo XIX Marius Petipa donde la compañía bailó las piezas de Paquita y Raymonda Divertimento. Ambas piezas que la CND sigue bailando.

Pero este programa doble, en que entraba por primera vez la danza contemporánea en la casa de todos, era un primer paso necesario. Ahora, están por llegar los siguientes, que se adivinan tan irrenunciables como delicados. Habrá resistencias, habrá debate y será esencial ya no solo los nombres de los creadores a quienes se invite, sino también cómo se cuide cada proyecto, el tiempo y el mimo que se les otorgue para que realmente permee en esta compañía la necesidad de otros lenguajes.

No hay premios Oscar sin su polémica. Si el año pasado fue Karla Sofía Gascón quien recibió un aluvión de críticas después de que se revelaran unos controvertidos tuits de la actriz publicados años atrás, esta semana el foco ha apuntado a Timothée Chalamet tras unas declaraciones sobre el estado actual de la ópera y el ballet. “No quiero trabajar en el ballet o la ópera, ni en cosas en las que te digan: 'Oye, mantén esto vivo por mucho que ya no le importe a nadie'. Con todo el respeto hacia la gente del ballet y la ópera”, ha apuntado Chalamet en unos comentarios que ya han dado la vuelta al mundo.

El actor dio su opinión en una charla pública sobre el futuro del cine organizada por Variety y CNN el 21 de febrero, en la que Timothée Chalamet conversó con Matthew McConaughey sobre las dificultades que han atravesado las películas y la industria en los últimos años. Sin embargo, aunque estas declaraciones no se viralizaron entonces, fue el miércoles de la semana pasada cuando empezaron a alcanzar repercusión en redes sociales. Sucedió justo un día antes del jueves, cuando se cerró la votación final para unos Oscar en los que Chalamet parte —o partía— como favorito junto a Leonardo DiCaprio y Michael B. Jordan para ganar la estatuilla a Mejor actor.

Chalamet estaba llevando a cabo una buena carrera al Oscar por su papel en Marty Supreme, la película que relata la historia de un prodigio del pimpón en la década de 1950. No obstante, las reacciones de importantes compañías de la ópera y el ballet estos últimos días podrían costarle caro al joven intérprete. El Ballet Real de Londres publicó el viernes en TikTok un vídeo de sus artistas con el siguiente pie de foto: “Cada noche, miles de personas se reúnen en la Royal Opera House para disfrutar del ballet y la ópera. Por la música. Por las historias. Por la magia de las actuaciones en directo. Si quieres reconsiderarlo, Timothée Chalamet, nuestras puertas están abiertas”.

Incluso el Teatro Real ha tenido algo que decir al respecto. “PLOT TWIST: al público le interesa, y mucho, la ópera en el Teatro Real”, ha publicado en redes sociales. Asimismo, la Ópera Metropolitana de Nueva York ha respondido con un vídeo en el que cita a Chalamet y su comentario “Con todo el respeto hacia la gente del ballet y la ópera”, enseñando el enorme trabajo que hay detrás de una ópera. Al igual que otras publicaciones, este vídeo ha recibido el apoyo de miles de personas, que no han dudado en mandar mensajes de ánimo a la compañía. “La ópera y el ballet vivirán mucho más tiempo del que se recuerden las películas de Chalamet”, ha escrito un usuario. “'A nadie le importan estas cosas', dice el tipo que acaba de hacer una película de pimpón”, escribe otro.

“No puedo recordar la última vez que vi un cine con entradas agotadas, pero la ópera siempre está llena”, afirma un usuario al pronunciarse sobre la polémica, en tanto que otro subraya que “Timothée Chalamet es famoso desde hace unos 9 años, la ópera lleva 400 años prosperando”. La década de éxito de Chalamet también ha sido objeto de debate en X, puesto que un tuit que alegaba que “nadie menor de 40 años ha tenido una carrera más impresionante que Timothée” ha sido visto más de 15 millones de veces y tiene miles de respuestas que mencionan a otros actores con un inicio de trayectoria igual de impresionante, como Emma Stone, ganadora de su primer Oscar a los 28 años y de su segundo a los 35. Chalamet tiene 30 años y todavía no ha recibido este reconocimiento, aunque ha sido nominado hasta en tres ocasiones contando la de esta edición.

Por su parte, Seattle Opera ha preferido tirar de humor y habilitó el código promocional “TIMOTHEE” para ahorrar un 14% en entradas para Carmen durante el fin de semana. “Timmy, ¡tú también puedes usarlo! ¡Nos vemos en la ópera!”, indicó la compañía. Además, la actriz Jamie Lee Curtis ha aprovechado su plataforma en Instagram para dar visibilidad a artistas del ballet y la ópera, compartiendo stories de aquellos que se han pronunciado sobre su trabajo. Pese a que Chalamet todavía no se ha pronunciado sobre la controversia, se espera que el actor acuda a los Oscar este domingo, donde podría alzarse con el tan codiciado galardón. Si dirá algo entonces es aún un misterio.

El Ballet Nacional de España despedirá el 2025 en el Palacio de Festivales de Cantabria este sábado, 13 de diciembre, a las 19.30 horas, con su producción 'Afanador', un espectáculo que ha recorrido escenarios de Corea, Italia, Austria, Bélgica y Francia.

'Afanador' llega a Santander tras “enamorar al público francés durante tres semanas” en las ciudades de Cannes, Grenoble y Aix-en-Provence, según ha afirmado la nota de prensa del Ballet Nacional.

Esta producción quiere mostrar la mirada surrealista del fotógrafo Ruven Afanador sobre el flamenco, a través del lenguaje de la danza, y atraer al espectador para que descubra un universo creado desde la fascinación y el deseo.

Los aclamados trabajos del artista colombiano, Ángel gitano y Mil Besos, han sido el punto de partida para crear este espectáculo donde la danza española se fusiona con la contemporánea para “ver el mundo del flamenco a través de una lente deformante, que es una lente que parte del sueño, del deseo, de la memoria”, según ha explicado el director artístico de Afanador, Marcos Morau.

Por su parte, el director del Ballet Nacional de España, Rubén Olmo, ha calificado esta producción como una “innovación” de la danza española por su “originalidad” porque “hasta hoy el público nunca había visto este tipo de espectáculo en la danza española y en el Ballet Nacional de España”, ha dicho.

La trayectoria de 'Afanador' desde su estreno en 2023 en el Teatro de la Maestranza de Sevilla le ha llevado a llenar escenarios nacionales como el Teatro Real y Teatro de la Zarzuela (Madrid), Teatro Mira (Pozuelo de Alarcón), Teatros del Canal (Madrid), Les Arts (Valencia) o el Gran Teatre del Liceu (Barcelona).

A nivel internacional, ha hecho lo mismo en escenarios como el Teatro Yelmaru-ro (Yeosu, Corea), Teatro GS Arts Center (Seúl, Corea), Teatro de la Ópera de Roma (Italia) y Concertgebouw de Brujas (Bégica), el Palais des Festivals et des Congrès de Cannes (Francia), la Maison de la Culture de Grenoble (Francia) y en Les Théâtres de Aix-en-Provence (Francia).

El ballet es una de las formas artísticas más exigentes y refinadas del mundo. Su historia está ligada a reyes, revoluciones, genios de la música y cuerpos que han hecho del movimiento una forma de poesía. En el Día Mundial del Ballet, es imposible no mirar atrás y recordar a las grandes escuelas que moldearon este arte desde sus orígenes en Europa hasta su expansión global. Cada una con su propio sello, su método y su legado, pero todas unidas por la misma idea: la búsqueda de la perfección a través del cuerpo.

Francia: el nacimiento de la elegancia

El ballet nació en las cortes italianas del Renacimiento, pero fue en Francia donde se convirtió en un lenguaje universal. Bajo el reinado de Luis XIV, el llamado Rey Sol, el arte del movimiento alcanzó rango real. En 1661 se fundó la Académie Royale de la Danse, la primera escuela de ballet de la historia, bajo la dirección del coreógrafo Pierre Beauchamp, creador de las cinco posiciones básicas que aún hoy se enseñan en cualquier academia del mundo.

De aquella corte dorada surgió una herencia que perdura: la Escuela de Danza de la Ópera de París, fundada oficialmente en 1713. Es la institución más antigua en activo y un símbolo de disciplina, precisión y elegancia. Por sus aulas pasaron figuras como Aurélie Dupont, Laurent Hilaire o Manuel Legris, y su método, el llamado style français, sigue siendo la base del ballet moderno.

Rusia: técnica, fuerza y leyenda

Si Francia inventó el ballet, Rusia lo elevó al mito. A mediados del siglo XIX, coreógrafos como Marius Petipa o Enrico Cecchetti llevaron la danza clásica a su máximo esplendor con obras inmortales como El lago de los cisnes, La bella durmiente o El cascanueces. De esa tradición nació la Academia Vaganova, fundada en 1738 en San Petersburgo, que formó a bailarines legendarios como Anna Pavlova, Rudolf Nureyev o Mikhail Baryshnikov.

Junto a ella, la Academia del Teatro Bolshói, en Moscú, ha sido otro de los templos sagrados de la danza. Con más de dos siglos de historia, su estilo combina fuerza, musicalidad y una expresividad casi teatral. Sus egresados, como Nina Ananiashvili o Polina Semionova, son referencia mundial. En Rusia, el ballet no es solo arte: es una institución nacional.

Inglaterra: el rigor académico hecho arte

En el siglo XX, el ballet británico encontró su propio lenguaje gracias a The Royal Ballet School, fundada en 1926. De sus aulas salieron algunas de las estrellas más célebres del siglo pasado, como Margot Fonteyn o Darcey Bussell.

El estilo inglés se caracteriza por su precisión técnica y su dramatismo contenido, herencia directa del coreógrafo Frederick Ashton, autor de joyas como Sylvia u Ondine. Hoy, la escuela mantiene su prestigio con un plan de estudios de ocho años y un estricto proceso de selección que solo unos pocos logran superar.

América: la revolución neoclásica

Cruzando el Atlántico, el ballet estadounidense se consolidó de la mano de George Balanchine, creador del ballet neoclásico y fundador, junto a Lincoln Kirstein, de la School of American Ballet en 1934. De su trabajo nació el New York City Ballet, que cambió para siempre la forma de entender la danza: movimientos más veloces, menos ornamentos, más musicalidad y libertad escénica.

Balanchine abrió el camino a una nueva generación de coreógrafos y bailarines que redefinieron la estética del siglo XX. Hoy, la escuela sigue formando a los intérpretes que llenan los escenarios del American Ballet Theatre y del propio New York City Ballet.

Cuba, Italia y España: herederas del legado clásico

Fuera de los grandes centros europeos y norteamericanos, el ballet también encontró terreno fértil. En 1950 se fundó la Escuela Nacional de Ballet de Cuba, creada por Alicia Alonso, una de las figuras más respetadas del siglo XX. Con un modelo gratuito y una rigurosa formación técnica, ha formado a estrellas como Carlos Acosta o José Manuel Carreño, y su “método cubano” es admirado por su fuerza, pasión y musicalidad.

En Italia, la Escuela de la Scala de Milán, inaugurada en 1913, mantiene una tradición de ocho años de formación basada en la técnica italiana con influencias rusas y francesas. Y en España, el maestro Víctor Ullate consolidó una escuela que ha impulsado a generaciones de bailarines en danza clásica y contemporánea, situando el ballet español en el mapa internacional.

El ballet, un idioma universal

Desde los palacios barrocos de París hasta los teatros de La Habana o Nueva York, el ballet ha evolucionado sin perder su esencia: el diálogo entre cuerpo y música. Las grandes escuelas no solo han formado bailarines, sino también una manera de entender la belleza, el esfuerzo y la disciplina.

Hoy, en el Día Mundial del Ballet, cada plié y cada grand jeté siguen recordando que, aunque las técnicas cambien, el arte de contar historias con el cuerpo sigue siendo universal.

El Teatro Bretón de Logroño acoge el jueves 23 de octubre el regreso a los escenarios del London City Ballet, una de las compañías británicas más emblemáticas, que vuelve a brillar tras una pausa de tres décadas. Bajo la dirección artística de Christopher Marney, la formación presenta el programa Momentum, una propuesta que combina obras clásicas y contemporáneas, reafirmando su posición como referente internacional en el mundo de la danza.

En menos de dos años desde su relanzamiento, el London City Ballet ha conquistado al público de Europa, Asia y Estados Unidos, ofreciendo un repertorio que rinde homenaje a grandes coreógrafos británicos como Kenneth MacMillan, Ashley Page y Liam Scarlett, junto a nombres de prestigio internacional como George Balanchine y Alexei Ratmansky.

Impulsada por esta nueva energía, la compañía se consolida como un actor clave en la escena coreográfica actual, fiel a la tradición y con una mirada decididamente orientada hacia el futuro.

Las personas interesadas en asistir a esta cita con la danza podrán adquirir sus entradas a través de la página web: www.teatrobreton.org o en la taquilla en su horario habitual de atención al público.

Programa ‘Momentum’

Creada originalmente para el Royal Ballet, esta pieza emplea las melodías alegres de Tchaikovsky para resaltar el virtuosismo clásico de los bailarines. Un vals vibrante y lleno de contrastes que culmina en un final apoteósico.

Sobre el segundo concierto para piano de Shostakovich, esta obra combina delicadeza y precisión técnica. Inspirada en los ejercicios de barra de la bailarina Lynn Seymour, sigue siendo una de las creaciones más reconocidas de MacMillan.

El primer bailarín de la Ópera de París firma una nueva creación que despliega un lenguaje fluido, musical y profundamente humano, combinando transiciones inventivas y movimientos de gran intimidad.

Inspirada en las acuarelas de Wassily Kandinsky, esta pieza para diez bailarines transita por un abanico de emociones que van de lo salvaje a lo solemne, ofreciendo un poderoso cierre a la velada.

Una de las cosas que sorprende y admira es que los bailarines y bailarinas clásicos, además de que son increíblemente ágiles y flexibles, es que están muy, muy fuertes. Son capaces de hazañas comparables a las de los atletas olímpicos, como dar grandes saltos o levantar en el aire a otros bailarines sin aparente esfuerzo. 

Sin embargo, aunque muchos bailarines levantan pesas como parte de su entrenamiento, la mayor parte se basa en la repetición de movimientos con su peso corporal, algo que podemos aprender e incorporar a nuestra rutina para ponernos en forma. Así nace el barré.

Barré, una idea con más de seis décadas  

Aunque esté de moda, el barré no es algo nuevo, tiene más de seis décadas de historia y combina elementos de ballet, pilates, yoga y entrenamiento funcional en una práctica accesible para casi cualquier persona, independientemente de su condición física o experiencia previa. 

“Hay clichés como que el barré es para la típica niña mona que solo bebe matcha y hace pilates, y eso no es real”, explica Inés Jiménez, fisioterapeuta y fundadora de Arde Barré Studio. “Es una disciplina para todo tipo de público, y si eres una persona de 40 años o más, o una mujer en periodo de perimenopausia, embarazada o posparto, es más aconsejable todavía porque hay un trabajo de suelo pélvico importante”, añade.

La historia del barré comenzó en 1959 con Lotte Berk, una bailarina alemana que vivía en Londres. Tras sufrir una lesión que truncó su carrera en la danza, Berk decidió fusionar sus conocimientos de ballet con ejercicios terapéuticos para recuperar su fuerza y movilidad. El resultado fue tan efectivo que abrió su propio estudio, creando un método que pronto atraería a una clientela selecta, incluidas famosas como Joan Collins y Barbra Streisand.

Las clases originales de Lotte Berk eran especiales: estaban vetadas para hombres y le daba a los ejercicios nombres humorísticos. Una de sus alumnas, Lydia Bach, llevó el método a Nueva York en los años 70, donde comenzó a ganar popularidad entre las actrices de la época. Con el tiempo, el método se fue suavizando y adaptando, incorporando elementos de pilates y yoga hasta evolucionar hacia las diferentes variantes que conocemos hoy.

Sin embargo, aunque es un método asociado al público femenino, nada impide a los hombres apuntarse. “He hecho semanas de chicos y me ha funcionado muy bien, lo han 'sufrido' tanto que siempre me han pedido abrir un estudio para ellos”, explica Inés Jiménez.  

Los beneficios del barré 

Distintos estudios sugieren que el barré mejora muchos aspectos de la forma física, como la fuerza, la flexibilidad, la postura y, también, el control del peso. Aunque aún hay pocos análisis específicos del barré, sí hay investigaciones sobre los componentes individuales de esta disciplina. El barré utiliza muchas repeticiones y mantenimientos isométricos, centrándose en los principales grupos musculares, incluidos el tronco, los glúteos, los muslos y los brazos, y trabajándolos hasta el punto de fatiga. 

Aquí entra el concepto del tiempo bajo tensión, bien conocido en el mundo de los gimnasios. Se ha comprobado que para aumentar la fuerza y el tamaño de los músculos, es importante que las fibras estén contraídas durante el tiempo suficiente, aproximadamente 90 segundos por ejercicio en total. Por eso, hacer repeticiones rápidas en las máquinas no es muy eficaz, pero los ejercicios isométricos, en los que hay tensión sostenida pero no movimiento, sí lo son.

Las investigaciones indican que para ganar fuerza y masa muscular, los ejercicios con menos carga pero llevados hasta el punto de fatiga pueden ser tan efectivos como los que se hacen con cargas mayores. De esto se aprovecha el barré, produciendo una sobrecarga metabólica y mecánica de los músculos.

Aunque el barré es de bajo impacto, al incorporar intervalos cardiovasculares y movimientos dinámicos, eleva de forma eficaz la frecuencia cardíaca. Como pudo comprobar un estudio de 2023 con mujeres jóvenes, al acelerar el corazón, el barré contribuye a un mayor gasto energético y a una mejora de la capacidad aeróbica, y una reducción de la medida de la cintura y la cadera, es decir, pérdida de grasa corporal.

Precisamente este es uno de los beneficios inesperados del barré. Los entrenamientos de barra, cuando se realizan de forma constante y se combinan con una alimentación equilibrada, contribuyen de manera significativa al control del peso. No queman calorías tan rápidamente como el entrenamiento por intervalos de alta intensidad, pero, como otros entrenamientos de fuerza, hace que aumente el metabolismo y se quemen más calorías en reposo el resto del día.

Además, como el ballet, el barré hace hincapié en la postura. Esto quiere decir que los movimientos se realizan de forma precisa, con la correcta alineación y activando el tronco y el core o cinturón abdominal, además de los músculos erectores de la columna, que en un reciente estudio con 600 personas han resultado ser tan importantes como los abdominales para prevenir el dolor de espalda. 

Inés Jiménez hace hincapié en la necesidad de personalizar el ejercicio: “Hay que buscar que las clases sean reducidas, y que que el centro esté homologado. Es muy importante que, si vas con una lesión o una limitación, la persona que está enfrente sepa qué hacer para no lesionarte más y rehabilitarte con el ejercicio”.

Además, hay otros efectos más allá de los músculos. Investigaciones recientes han encontrado una mejora de la incontinencia urinaria, la función sexual e incluso el bienestar psicológico en mujeres, aunque los estudios aún sean limitados.

Cómo es una clase de barré

Una clase típica dura entre 30 y 60 minutos, y sigue una estructura diseñada para trabajar el cuerpo de manera completa y segura. La sesión comienza con un calentamiento en la barra, donde se movilizan articulaciones y se adoptan posiciones básicas de ballet como los pliés (flexión de rodillas) y relevés (elevación sobre las puntas de los pies). Este calentamiento no solo prepara los músculos para el esfuerzo, sino que también sirve para mejorar la alineación postural y prevenir lesiones.

A continuación empieza el trabajo intenso de piernas y glúteos mediante pequeños movimientos pulsantes que se mantienen hasta alcanzar la fatiga muscular. Esta fase, que puede durar unos 20 minutos, es seguida por ejercicios de brazos y espalda, a menudo utilizando pesas ligeras o bandas elásticas para añadir intensidad.

La clase continúa con ejercicios en el suelo sobre una colchoneta, donde se trabaja especialmente el core (abdomen y espalda baja), utilizando principios del pilates. La sesión termina con una fase de estiramientos inspirada en el yoga, pensada para mejorar la flexibilidad y favorecer la recuperación muscular.

Como ventaja añadida, la concentración requerida, la sincronización con la música y el enfoque en la respiración para ejecutar correctamente los movimientos de barré hace entrar en un estado casi meditativo que combate el estrés diario. Uno de los mayores atractivos del barré es que se trata de un ejercicio accesible para principiantes y no requiere experiencia previa en ballet o cualquier otra actividad física. Pero el barré ofrece algo quizás más valioso: la oportunidad de reconectar con el propio cuerpo, mejorar la postura y encontrar alegría en saberse más fuerte y capaz cada día. 

* Darío Pescador es editor y director de la Revista Quo y autor del libro Tu mejor yo.

No es la primera vez que Patricia Guerrero y Fahmi Alqhai se encuentran para colaborar juntos, pero nunca lo habían hecho en un momento tan dulce. La bailaora y coreógrafa granadina viene de conquistar el premio Talía a la Mejor intérprete femenina de danza y dirige con éxito el Ballet Flamenco de Andalucía (BFA), mientras que el violagambista se ha convertido en una referencia internacional de su instrumento al frente de la formación Accademia del Piacere. La química que les une desde hace años y la experiencia acumulada son las mejores bazas de 'Origen. La semilla de los tiempos', el espectáculo que estrenarán el próximo domingo en el Teatro de la Maestranza de Sevilla.  

Según Alqhai, “Origen es la continuación de un proyecto que se estrenó en la Bienal de Sevilla de 2020. Un dúo a un nivel muy íntimo, muy piel con piel, titulado Paraíso perdido, sobre las danzas del barroco que se estilizaron en su momento, y que queríamos recuperar. Ahora toca enfocarlo de una manera diferente, con un gran ballet y ya no solo un violagambista, sino con un conjunto de músicos”, explica.

El músico comenta asimismo que el montaje “ahonda en las raíces, lo profundo de nuestro pasado, la riqueza de esa Sevilla del siglo XVI y del XVIII, un gran potaje que se guisa a fuego lento y mezcla las tradiciones de todas las culturas del Sur de Europa con lo negro y lo americano. Y aquí tuvimos también la influencia de todas las capillas de Carlos V, entre ellos la venida de la capilla flamenca”, rememora.

La visión europea

A lo largo de siete actos, se propone un viaje de ida y vuelta entre pasado y presente en el que jácaras, pasacalles, marionas y zarabandas revelan la conexión irrefutable entre la música barroca y las esencias de lo jondo. “En ningún momento se pretende hacer un proyecto historicista, es decir, que el peso de la Historia sea un lastre, sino un trampolín”, subraya Alqhai.

“La idea es que esas raíces sean una parte orgánica que impulse el resultado final. Llegamos a barajar el concepto de rapsodia, pues algo de eso tiene: mama de lo antiguo, no solo de nuestras raíces barrocas y renacentistas, sino también un enfoque muy importante, la visión europea de lo que era la música española”, explica.

Por su parte, una exultante Guerrero asegura que “el Maestranza es un teatro en el que siempre hay magia, y espero que el domingo lo vuelva a ser”. “Trabajar con Fahmi es como trabajar en casa, somos familia, llevamos muchos años colaborando y con él es todo muy fácil. Paraíso perdido supuso para mí un antes y un después, introduje una nueva forma en mi baile”, asegura la bailaora granadina.

Para la coreógrafa, este nuevo trabajo con el BFA, el tercer estreno en un año y medio, “vuelve a contar Andalucía, como ya lo hizo Pineda y Tierra bendita. Nos inspiramos en ese encuentro de culturas que se dio en este río [en referencia al Guadalquivir, vecino al Maestranza], en ese momento en que traemos el barroco a nuestro tiempo de ahora, cogemos esas raíces y las llevamos a la obra. Es un proyecto muy importante para los chicos de la compañía, que han aprendido muchísimo y ahora demuestran una nueva evolución, un paso más en su proceso de maduración”, cuenta orgullosa.

Exploración de las raíces

Cabe recordar que la obra es una coproducción de Accademia del Piacere, la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, el Teatro de la Maestranza y el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, que cuenta con la colaboración del Festival de la Guitarra de Córdoba y el Festival Perelada (Girona).

Tras su estreno absoluto en el teatro sevillano, podrá verse en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada (25 de junio), el Festival de la Guitarra de Córdoba (8 de julio), el Festival Perelada (10 de julio) y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro (18 de julio), y la plataforma Arte.tv difundirá el espectáculo a partir del 21 de mayo.

La rueda de prensa de presentación de Origen ha estado presidida por la consejera de Cultura de la Junta de Andalucía, Patricia del Pozo, quien celebró que se tratara de “un día especialmente ilusionante por estar en el mejor teatro de Europa hablando de flamenco”. Por su parte, el director del coliseo, Javier Menéndez, recordó que “todo esto surge a raíz del Gugurumbé, aquel trabajo de Fahmi y Antonio Ruz que acogimos en 2021 con mascarillas y un 50 por ciento de aforo. Pero aquella explosión de creatividad explorando las raíces de la música no puede tener mejor continuidad que este trabajo con el BFA”.

“Si aquello fue espectacular, ahora vamos a alcanzar cotas de grandísima excelencia”, auguró el director del MAestranza. Por último, el director del Festival de Granada, Paolo Pinamonti, comentó que el proyecto “conjuga la excelencia artística internacional con un proyecto que sabe anclarse en el riquísimo patrimonio histórico de Andalucía”.

El bailaor Eduardo Leal, que ejerce una vez más como repetidor para el BFA, elogia a Patricia Guerrero como alguien dotado “del oído absoluto y el ojo absoluto para elegir a las personas perfectas”. “Pero no voy a negar que es agotador”, bromea, mientras que la bailaora explica que la clave para poder brindar tres estrenos en tan poco tiempo es “rodearte de un buen equipo, e intentar inculcar lo que hemos recibido de nuestros maestros”. “El resultado se lo debemos sobre todo a las horas y horas que les echamos, no hay otra. Si tuviera familia quizá no podría, pero puedo hacerlo y, aunque llevo un año y medio sin vida personal, lo asumo con gusto”, reconoce la directora del Ballet Flamenco de Andalucía.

Han pasado 88 años del crimen de Granada, del asesinato de Federico García Lorca en el barranco de Víznar y su posterior entierro en una fosa común junto al maestro Dióscoro Galindo y los banderilleros anarquistas Francisco Galadí y Joaquín Arcollas. Pero, a juzgar por los innumerables creadores que siguen inspirándose en su vida y su obra, desde poetas o dramaturgos a artistas gráficos, músicos o cineastas, se podría decir que nunca ha estado tan vivo. El ámbito flamenco, que el poeta de Fuentevaqueros tanto veneró, no es una excepción.

Desde Camarón o Enrique Morente a artistas más recientes como Miguel Poveda, son muchos los que han cantado a Lorca. Pero no son menos los que lo han bailado y lo bailan. Sin ir más lejos, este verano se encuentran de gira varios espectáculos directamente vinculados a esta personalidad única, todos los cuales tendrán su espacio en la próxima Bienal de Flamenco de Sevilla el próximo mes de septiembre.

En los jardines del Generalife de la Alhambra se representa este mes, en el marco del ciclo anual Lorca y Granada, el espectáculo Pineda. Romanza Popular en tres estampas a cargo del Ballet Flamenco de Andalucía y con Patricia Guerrero estrenándose en labores de directora con la dramaturgia de Alberto Conejero. “Yo ya había bailado a Lorca bajo la dirección de Rubén Olmo y de Mario Maya, pero nunca hasta ahora había podido hacer uno mío”, comenta. “Soy de Granada, mi madre me llevaba todos los años al ciclo del Generalife, y sabía que tarde o temprano me iba a tocar, pero no podía imaginar que sería una experiencia tan increíble”, confiesa la directora.

La edad de oro

La idea de presentar una versión bailada de Mariana Pineda, la historia de la heroína caída en su lucha contra el absolutismo, le vino a Guerrero de la forma más natural: “No tuve ninguna duda, era el personaje que quería interpretar, porque me di cuenta de estaba en mí. Había leído el texto muchas veces pero no pensando como bailaora, sin pensamiento de interpretarlo. Pero cuando vuelves sobre él, te das cuenta de que Lorca es danza, el modo en que describe las escenas, cómo da los colores, los olores, las sensaciones… Cualquier frase suya es un tercio de una malagueña o de una seguiriya que te raja el estómago. Todo invita a bailar, acabas pensando que no hace falta ni la palabra. Es una inspiración constante”.  

También había sido concebida para el Ballet Flamenco de Andalucía la obra Comedia sin título, pero al terminar su contrato la anterior directora, Úrsula López, la propuesta corría el peligro de quedarse en un cajón. Por suerte, López decidió rescatarla y asumirla con su propia compañía, y con ella se presentará en la Bienal de Sevilla el 18 de septiembre, solo cinco días antes de la de Guerrero.

Presentada como una continuación de la anterior obra lorquiana del BFA, El maleficio de la mariposa, este nuevo montaje se basa en la obra homónima que Lorca estaba escribiendo cuando fue asesinado. Según explica el programa, se trata de una mezcla de teatro social, auto sacramental y experimento literario. “Ha sido muy arriesgado tirarse a una piscina como esta desde una compañía privada, pero también algo muy bonito”, comenta Úrsula López. “El maleficio de la mariposa fue el espectáculo en el que encontré un camino, y me apetecía continuarlo”, añade.

Con la colaboración de Pedro G. Romero, López trabaja una línea similar y paralela a la del anterior espectáculo: si en El maleficio se reflejaba la edad de plata del baile y las protagonistas eran mujeres, ahora el espectro que se contempla abarca esa “edad de oro del baile” que va de la muerte de Federico al final de la dictadura franquista en 1977, y es la danza masculina la que predomina. “Y Lorca está ahí, más presente aún si cabe. Su palabra, su verbo, son imparables. Todos los lo bailan, incluso más allá de nuestras fronteras”, agrega López.       

Nueva masculinidad

“No solo es por el patriarcado que, a la postre, significaron los años de dictadura”, apunta el programa de Comedia sin título. “También es que las formas de la masculinidad, con una diversidad que alegraría a nuestro Federico, tomaron formas flamencas. Parecería una contradicción pensar en cierta virilidad homosexual pero, eso mismo, protagoniza muchas de nuestras estampas flamencas. Como dijo algún crítico, el flamenco de estos años se convirtió en un laboratorio contradictorio de la nueva masculinidad”.

De Vicente Escudero y Antonio el Bailarín, “los dos pilares que construyen el baile de hoy”, a José Limón y su Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías, o la Yerma de Lester Horton, pasando por José Greco, Antonio Gades, El Güito, Farruco o Mario Maya, se pone de manifiesto ese legado que ha ido pasando de generación en generación hasta nuestros días.

Úrsula López recuerda que el público que asistía en Roma en 1977 a Lorca e il flamenco de José de la Vega, gritaban “¡Lorca ha resucitado!”, y ahora son las generaciones de bailaores y bailaoras flamencas de hoy en día las que recogen esa semilla y las que están abriendo sus frutos. “Y todos tienen el común denominador de la libertad para crear, son super transgresores, no se dejan nada atrás”, asegura López.

“Lo impresionante es ver cómo Lorca resulta siempre actual”, comenta López, “porque habla de la vida misma, y eso nunca pasa de moda. El amor, el desamor, la muerte, todo hace que Federico no se agote nunca. El creador lo hará mejor o peor, gustará más o menos, pero la enjundia que tienen estas obras es imperecedera”.

Una idea con la que coincide plenamente Patricia Guerrero: “No se puede agotar lo que es atemporal, y Lorca es siempre contemporáneo, se actualiza continuamente. Todo lo que cuenta llega directo al estómago, porque está en el centro de cualquier sociedad en cualquier momento”.

Blanca Li, la coreógrafa y bailarina española afincada en Francia, ha vuelto a conmover esta noche a las sólidas piedras del Teatro Romano de Mérida con un sencillo a la vez que complejo montaje en el que diez bailarines interpretan el mito de 'Dido y Eneas' desde la fuerza y la emoción del movimiento de sus propios cuerpos.

Li ha conseguido hacer un espectáculo de danza contemporánea y lo ha logrado a través de la poderosa ópera barroca de Henry Purcell sin que nada desentone, hasta tal punto de que a veces da la sensación de que es el propio baile el que fluye para hacerse música.

En una coproducción de la Compagnie Blanca Li (Francia), la única propuesta internacional de la 70 edición del Festival de Teatro Clásico de Mérida, ha estado en cartel solo esta noche y como un receso en los diez días de representación programadas para la gran apuesta comercial de este verano, 'La Medusa', de José María Castillo, con Victoria Abril de vuelta a los escenarios.

'Dido y Eneas' será para quienes ya hemos podido disfrutarla esta noche, la joya escondida del verano de 2024, como aquel “Sueño del minotauro”, una bellísima coproducción de Blanca Li con la Bienal de Danza de Lyon que llegó a Mérida en 2002.

La coreógrafa española y directora de la obra retoma en esta ocasión el paisaje más conmovedor de La Eneida de Virgilio y lo hace desde una de las obras maestras de la música barroca con la ópera de Henry Purcell. Y es que, tal como explicó la propia Blanca Li en la presentación de su montaje, cuando trabajó con esta ópera con 'Les Arts Florissants“, una de las mejores orquestas barrocas del mundo, quedó tan prendada, que quiso hacer un ballet.

Para ello, decidió utilizar como música para su espectáculo la grabada en la ópera de Henry Purcell en el Gran Teatre Liceu de Barcelona, en una de sus últimas representaciones, lo que añade, para Li, “una emoción muy fuerte en la música con los cantantes en directo”.

Una pasión desenfrenada

El argumento de 'Dido y Eneas' es bien conocido: la reina de Cartago acoge al joven príncipe troyano Eneas, que busca una nueva tierra para los suyos. De este encuentro surge un amor a primera vista que se convierte en una pasión desenfrenada ¿El amor todo lo puede? nos preguntamos los humanos desde siempre y muchas veces, demasiadas veces, la respuesta es no, porque, como en este caso, las brujas se confabulan y hacen creer al héroe que debe partir obligado por los dioses a seguir su destino, la fundación de Roma.

Dido, entonces, abandonada y devastada por la tristeza, incapaz de superar la pérdida de ese amor puro, se suicida, maldice a Eneas y profetiza la eterna rivalidad entre Roma y Cartago.

La trágica historia que obliga a elegir entre el entre el amor y el deber, entre la felicidad y la ambición, Blanca Li la hace suya con una propuesta muy contemporánea a través de los cuerpos y del movimiento de sus diez bailarines: Martina Consoli, Alizé Duvernois, Coline Fayolle, Meggie Isabet, Maeva Lassere, Julien Marie-Anne, Quentin Picot, Gaël Rougegrez, Gaétan Vermeulen y Víctor Virnot.

Diez bailarines que en la apenas hora y cuarto que dura el espectáculo hacen que todos nos conmovamos con la pasión universal de Virgilio que se repite desde que el mundo es mundo y cuya emoción sale del torso de los hombres y mujeres, en este caso de los bailarines que a través de sus movimientos nos hablan de amor, pasión, desengaño, quebranto y muerte.

Bañado por la iluminación sutil y al mismo tiempo grandiosa de Pascal Laajili, el montaje de Blanca Li adquiere una dimensión poética y densa, con una coreografía sinuosa, flexible, etérea y resbaladiza, algo que se materializa literalmente en un escenario lleno de agua por el que el amor de Dido y Eneas nace, fluye y muere rodeado en todo momento por ese mundo que prefiere apostar una y otra vez por la rivalidad y la guerra.

Fusión de música barroca y danza contemporánea, de ópera y baile, de una belleza auténtica y conmovedora, intimista, audaz y valiente en una noche de descanso antes de que mañana vuelva al Teatro Romano de Mérida el refulgir de la grandes producciones comerciales. 

El Ballet de Kiev continúa su gira por varias localizaciones de Castilla-La Mancha. La compañía llega al Auditorio Pedro Almodóvar de Puertollano, el 24 de enero, con el espectáculo 'El cascanueces' de Tchaikovsky.

El 31 de enero representará 'El lago de los cisnes' en el Gran Teatro de Manzanares, misma actuación que llevarán el 1 de febrero al Auditorio José Luis Perales de Cuenca.

Mientras, el 7 de febrero, la compañía interpretará 'El Corsario' en el Teatro Quijano de Ciudad Real, según ha informado Unicef.

Las personas que quieran disfrutar de los espectáculos y colaborar con Unicef apoyando a los niños y niñas en Ucrania que más lo necesitan, aún están a tiempo de sacar sus entradas para las actuaciones de la región en los siguientes enlaces:

Puertollano: https://balletkiev.entradas.plus/entradas/el-cascanueces-pue...

Manzanares: https://balletdekiev.com/events/el-lago-de-los-cisnes-manzan...

Cuenca: https://balletdekiev.com/events/el-lago-de-los-cisnes-cuenca...

Ciudad Real: https://balletdekiev.com/events/el-corsario-ciudad-real-2024...

Parte de la entrada va a UNICEF

La productora Goldberg, que mantiene una alianza con Unicef España desde 2022, no solo ha acercado a más de 140.000 espectadores a las obras 'El lago de los cisnes' y 'El cascanueces', sino a su vez movilizado fondos a través de la venta de entradas para seguir apoyando la respuesta de Unicef a la emergencia en Ucrania. Por cada entrada vendida la productora destina 1,5 euros a Unicef.

Hasta la fecha, Goldberg ha contribuido con más de 210.000 euros al programa de UNICEF en Ucrania, que ha hecho posible salvar y proteger a los niños, niñas y familias afectados por la guerra.

Desde el inicio de la guerra, Unicef ha proporcionado, por ejemplo, suministros médicos a casi 5 millones de personas dentro de Ucrania, acceso a agua potable a más de 5,5 millones, facilitado el acceso a la educación a 2,4 millones de niños o llegado a más de 4,5 millones de niños y cuidadores con apoyo psicosocial y de salud mental, tan necesario para curar los traumas de la guerra.

Después de casi dos años de conflicto, la guerra de Ucrania sigue dejando a millones de familias en grave riesgo, con 7,8 millones de niños y niñas con necesidad de ayuda urgente.

La Compañía Nacional de Danza regresa a Sevilla, en concreto al Teatro de la Maestranza desde mañana jueves 11 de enero y hasta el sábado 13 de enero con su versión de La Sylphide, el ballet “romántico por excelencia”, según el director del coliseo, Javier Menéndez, en la versión coreográfica de August Bournonville y tras un triunfal estreno en Madrid. A la cabeza del elenco se encuentra el director artístico, Joaquín de Luz, quien asegura que es un “gran placer” actuar de nuevo en la capital hispalense con una propuesta que el pasado mes de diciembre llenó durante diez días el Teatro de la Zarzuela.

“Esta es una ciudad llena de magia, en la que muchos bailarines de mi generación empezaron”, ha comentado De Luz al inicio de su encuentro con la prensa. “Recuerdo cuando hicimos El amor brujo de Víctor Ullate con el teatro recién inaugurado. Es una de nuestras casas”.

Sobre la obra que trae esta semana al Maestranza, subraya que se trata de “un ballet icónico, que se exhibe en las mejores compañías del mundo. Para nosotros era un reto importante abordar un título a la vez tan complejo y tan sencillo, porque a veces lo sencillo es lo más difícil”, afirma. Un desafío que ha podido afrontar gracias a una compañía que “actualmente tiene un gran nivel, como ha quedado demostrado en Madrid, donde la recepción ha sido increíble. Me parece importante que el público sevillano y español pueda ver estos ballets”.

El bien y el mal

La Sylphide  refleja el eterno enfrentamiento entre las fuerzas del bien y del mal, la persecución de la pureza y la imposibilidad del amor más puro y bello, con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla en el foso y el director Daniel Capps en el atril, quien materializará en el aire del Maestranza la partitura de Herman Severin Løvenskiold. El relato nos cuenta la historia trágica de la etérea sílfide -el espíritu del bosque o el símbolo del amor puro e inalcanzable- que desata el amor eterno con el granjero James hasta que la bruja Madge, despechada porque previamente había sido rechazada por James, los persigue proyectando una maldad horrible sobre una pareja que era la inocente encarnación del amor y la belleza.

Estrenado por el Royal Danish Ballet en Copenhague en 1836, el libreto original de La Sylphide es obra de Adolphe Nourrit, pero fue transcrito por Augut Bourneville en el citado año, y esa es la versión que ha decidido adoptar la Compañía Nacional de Danza. “Hay una escuela de París, una rusa, una cubana… Y hay una escuela danesa, que en este caso se caracteriza por un gran trabajo de batería y saltos, que exige una gran fortaleza de los bailarines pero también ligereza, o como ellos mismos dicen, ‘bailar como si te tomaras un café’”.

“Confieso que yo solo he bailado esa”, prosigue De Luz, “y creo que es la versión más directa hacia el público. Otras versiones se me escapan un poco, mientras que esta en cambio está recogidita, la historia está muy hilada, posee una dramaturgia muy bien hecha…. Y la conozco muy bien. La primera toma de contacto que tuve con esta obra fue hace 17 años, en Hungría, y la última hace 15 días. La conozco un poco”, ríe.

Un libreto humanizado

A su lado, dos de los bailarines principales, Yaniel Gómez y Yaman Kelemet, también han explicado las exigencias de llevar a escena La Sylphide. “Todo se desenvuelve entre el amor y el desamor. Al principio es difícil, es una obra que nos exige un rol, bailar sin mucha pantomima, pero a la vez actuando… No estamos acostumbrados a hacer eso y ni siquiera es fácil de explicar”, comenta Gómez, mientras que Kelemet define esta creación como “un sueño, que hay que trabajar con un estilo muy específico, encontrar esa manera única de hacerlo. Yo tengo muchos saltos, y a la vez tengo que bailar sin peso, reflejar la ingravidez… No, no es fácil, pero al final se disfruta”.

Para Joaquín de Luz, la clave de la versión de Bourneville es que “humanizó” el libreto original. “Los ballets clásicos dan a menudo la sensación de que hay que desempolvarlos, actualizarlos un poco. Y eso es precisamente lo que hizo Bourneville, después de que él lo abordara la pantomima se entiende mejor, los personajes se humanizan, de hecho es el único ballet de Bourneville donde se usa la fantasía. Definitivamente, le quitó el polvo”.

Sobre la aportación de Capps, De Luz afirma que “es un gran profesional especializado en danza, con un entendimiento de este arte muy práctico y positivo. Y además es una persona que se deja el ego en casa cuando sube al podio, pero tiene un compromiso muy lógico y muy honesto con su trabajo”.

Por último, Joaquín de Luz, quien tiene contrato hasta el próximo mes de agosto al frente de la Compañía Nacional de Danza,  se ha referido a la más que probable influencia de la escuela bolera española en la danza danesa. “Estoy seguro de que Bourneville se inspiraba en los viajes que hacía, y la escuela bolera está ahí, lo que pasa es que nosotros éramos más chulos y teníamos las castañuelas”, ríe. “Pero sí, la técnica Bourneville es muy similar a la escuela bolera, y viceversa”. 

El Palacio de Festivales de Cantabria acogerá este viernes el espectáculo 'Trece, el vodevil', de Punto Cero Company, que comenzará a las 19.30 horas.

Con Celia Muñoz, Zenaida Alcalde y Miguel Muñoz, la propuesta celebra la trayectoria de tres artistas: un mago, una trapecista y una ventrílocua.

Además, el Palacio despedirá el año este sábado con 'La bella durmiente', a cargo del Ballet de la Ópera Nacional de Moldavia, con la dirección artística de Anastasia Khomistkaya.

Será a las 19.30 horas en la sala Argenta, para la que se ha agotado la venta anticipada desde hace días.

Por eso, el mismo sábado, a partir de las 11 horas y tanto en taquilla como a través de la página web, saldrá a la venta el 10 por ciento del aforo en cumplimiento de la Ley de Espectáculos de Cantabria.

La semana previa al arranque de las Navidades llega plagada de conciertos de artistas y grupos nacionales que despiertan mucha expectación y casi han agotado las entradas para su visita a Galicia. Es el caso de los grupos indies Arde Bogotá y Sidonie, que tocan este fin de semana en Santiago. También se esperan aforos casi al completo en las actuaciones de Ana Mena y Tanxugueiras en el Coliseum de A Coruña. La cartelera de conciertos incluye también las actuaciones del Chicago Mass Choir en Ourense, de Shego en Santiago y de un nuevo grupo, Sempasúchil, que se presenta con una minigira por varias localidades gallegas durante los próximos días.

Fuera de la agenda musical hay otros espectáculos que también agotan entradas como es el caso de Cuarentena, de los humoristas Perdomo y Touriñán, que después de petarlo hace unos días en A Coruña llegan este fin de semana al Auditorio de Galicia de Santiago. El influjo de las Navidades se nota con la llegada de citas como el ballet Cascanueces, un clásico de estas fechas, que llega el domingo 17 al Auditorio Mar de Vigo. En A Coruña tenemos este sábado una cita interesante con la performer Helena Salgueiro en la Fundación Luís Seoane y en Santiago contaremos con la oportunidad de darnos un paseo por la historia de la ciudad y la Inquisición a través de una visita guiada gratuita. Programación muy completa a la espera de los turrones y las enchentas navideñas. A disfrutarla.

Ana Mena y Tanxugueiras en A Coruña. Coliseum. Viernes 15 y sábado 16 de diciembre

Ración doble de conciertos multitudinarios este fin de semana en el Coliseum coruñés durante este fin de semana. El viernes 15 llega la cantante Ana Mena con la gira de su segundo disco, Bellodrama, que está cosechando un gran éxito. Y el sábado 16 será el turno de Tanxugueiras, que ofrecen un concierto de fin de gira que prometen convertir en una gran fiesta con invitados muy especiales como Rayden o Guadi Galego. Aquí entradas para uno y otro ambos evento.

Arde Bogotá, Sidonie y Shego en Santiago. Sala Capitol. Viernes 15, sábado 16 y jueves 21 de diciembre

Programa triple de conciertos esta semana en la sala Capitol de Santiago para despedir el año por todo lo alto. La banda revelación del indie español, Arde Bogotá, abrirá el desfile este viernes 15 a los que seguirán el sábado 16 los catalanes Sidonie. Ambos conciertos tienen las entradas agotadas desde hace tiempo. El jueves 21 llegan al mismo escenario las chicas de Shego, un nuevo fenómeno del pop-rock nacional del último año. Aquí encuentras entradas.

Sempasúchil se presenta en O Grove. Naútico de San Vicente. Domingo 17 de diciembre

Nace un nuevo proyecto musical en Galicia que promete mucho. Sempasúchil es un cuarteto integrado por cuatro músicos de destacada trayectoria (Ton Risco, Antonio Casado, Alfonso Calvo y Miguel Cabana) que ahora unen sus fuerzas para crear un grupo en el que mezclan sonidos del folk-rock americano con el jazz y el pop. La propuesta tiene muy buena pinta y se presentan este domingo en el Naútico de San Vicente de O Grove, con paradas posteriores en Santiago (21 de diciembre. Borriquita de Belém) y Ourense (23 de diciembre. Liceo). Aquí entradas.

Descubriendo la Compostela de la Inquisición. Santiago. Sábado 16 y Domingo 17 de diciembre

Este fin de semana se pone en marcha en Santiago una iniciativa diferente que pinta muy bien. Se trata de unas visitas guiadas que permiten acercarnos a la historia de la Inquisición en Santiago. Sin duda que es un programa muy chulo para hacer algo distinto en una jornada festiva. Aquí tienes más info y la posibilidad de apuntarte de forma gratuita a alguna de las visitas.

Otras propuestas:

Helena Salgueiro en la Fundación Seoane: la performer Helena Salgueiro ofrece una reflexión sobre el silencio con su actuación este sábado 16 en la Fundación Luís Seoane de A Coruña. Aquí más info e inscripción gratuita.

Chicago Mass Choir en Ourense: el grupo de góspel americano recrea en esta gira el disco de música espiritual grabado por el gran B.B. King en 1959. Actúan este miércoles 20 en el Teatro Principal de Ourense. Aquí entradas.

Perdomo y Touriñán en Santiago: estos dos grandes del humor con acento coruñés actúan este fin de semana en el Auditorio de Galicia de Santiago. Aquí las pocas entradas que aún pueden encontrarse.

Cascanueces en Vigo: el clásico navideño de la danza llega en todo su esplendor al Auditorio Mar de Vigo este domingo 17 con el Ballet Ruso de San Petersburgo. Aquí entradas.

Coro da Rá en Santiago: el veterano grupo vocal celebra 30 años de trayectoria con un concierto este domingo 17 en el que demuestran que han sabido renovarse y cultivar diversos estilos musicales. Aquí entradas.

El Ballet Nacional de España (BNE) desembarca este viernes y sábado en el Teatro de la Maestranza de Sevilla para estrenar su nuevo espectáculo, Afanador, un espectáculo de claro aliento vanguardista e inspirado en el personal universo fotográfico del fotógrafo colombiano afincado en Nueva York, Ruven Afanador. La formación que dirige Rubén Olmo, y que pondrá a 34 bailarines en escena, se alía para la ocasión con Marcos Morau y La Veronal, a quienes se atribuye la idea original.

“Conocía a Ruven Afanador y me gustaba su trabajo, de modo que fui pensando en una propuesta que se acercara a su imaginario”, explica Morau. “Cuando se la ofrecí a Rubén Olmo, hace ya tres años, la sorpresa mayúscula fue descubrir que Rubén había participado en las sesiones de Afanador para su libro Ángel Gitano. He intentado hacer una visión de esos trabajos, una reinterpretación y una lectura desde mi punto de vista de creador del siglo XXI”.

El resultado es Afanador, “una fantasía, un paisaje a través de sus personajes, sus composiciones, sus hipérboles y su monstruosidad”, agrega el coreógrafo, Premio Nacional de Danza 2013, quien asegura que en el desarrollo del proyecto “me he permitido el lujo de jugar como un niño al que dejan solo con todos sus juguetes. Me he sentido muy querido y muy libre, siempre con el respeto y la fascinación que tiene enfrentarse a un legado como el del Ballet Nacional”.

Riesgo y vacío

La fotografía de Ruven Afanador (Bucaramanga, 1959) se ha caracterizado, entre otras muchas facetas, por asomarse al mundo del flamenco a través de proyectos como el citado Ángel Gitano o Mil besos desde una perspectiva ajena a cualquier casticismo, valiéndose de una estética absolutamente contemporánea para darle la vuelta a los tópicos.   

Según cuenta Morau, cuando se puso en contacto con él para exponerle la idea de Afanador “se mostró en todo momento abierto a colaborar, confiado. Nos dijo: ‘Para mí es un honor, si las fotos que yo he hecho son un motivo de inspiración, tienen ustedes carta blanca. Es un orgullo máximo que venga a Sevilla y venga al estreno. Porque no es un trabajo documental: las fotos ya sucedieron. Es levantar un espectáculo desde unas cenizas”.

Por otro lado, tanto Morau como Olmo reconocen que la compañía ha hecho un esfuerzo de adaptación al sistema de trabajo del creador de La Veronal. “He intentado trabajar a mi manera, convencido de que la creación contemporánea bebe de las pruebas, de ponerse en crisis, de no hacer lo obvio… Y necesita de gente muy abierta, que acepta el riesgo y el vacío al que de vez en cuando nos asomábamos”, apunta el primero.

A su lado, Rubén Olmo asiente: “Los bailarines de la danza española, lo digo sin ninguna duda, son los más preparados en todas las disciplinas, incluida la contemporánea. Este espectáculo no va de danza contemporánea –como ya hicimos con La Celestina y Electra–, pero Morau es otro mundo, todo en él suma. Yo he sacado a mis bailarines de su zona de confort y les he convencido de la necesidad de bailar con mucho rigor, porque esta propuesta tiene un lenguaje muy distinto. Hay un gran homenaje a la danza española y a Sevilla, y veremos a los bailarines en su flamenco, en su folclore… El Ballet Nacional tiene muchos públicos distintos: uno más clásico, otro que pide obras de argumento, otro que reclama escuela bolera, y también está el que demanda vanguardia”.

Tradición vs. progreso

“Yo le pido al público que venga abierto de mente, no a ver lo que ya ha visto antes”, dice Morau. “Si lo tradicional nos conforta, nos tranquiliza, lo novedoso es lo que a veces nos asusta y nos enfrenta al cambio. Afanador muestra cómo la tradición se enfrenta al futuro, al progreso”.    

Cuando se le pregunta a Rubén Olmo qué recuerda de la sesión fotográfica que tuvo con Ruven Afanador, empieza asegurando que “he tenido muchísimas sesiones con muchos fotógrafos a lo largo de mi carrera, pero lo de Ruven fue… algo mágico. Me preguntó qué música quería bailar y allí estaba yo, en la plaza de toros, horas y horas, pero él tenía clara la hora exacta en que quería hacerme la foto. Es de las experiencias más bonitas que he tenido en ese sentido. Y después de que esas fotos acabaran formando parte de un libro, veo cómo Marcos ha encontrado un hilo entre una imagen y otra hasta formar un espectáculo, y es una maravilla. Pero es el público quien tiene que decir adónde nos lleva esta obra”.

Olmo, que creció con un póster del Ballet Nacional de España en las paredes de su habitación, y que entró en la compañía como cuerpo de baile, luego como solista, más tarde como artista invitado y finalmente como director, sigue sintiendo como “un orgullo” el hecho de encabezar una formación “que es única en el mundo, y no porque la dirija yo. He visto cómo han crecido mis bailarines a lo largo del proceso, cómo se han entregado, les pedimos que vinieran los sábados y venían, también los domingos… Ha sido una entrega total, y el resultado es una sorpresa desde que sube el telón. Eso ya es raro, porque hoy es difícil sorprender. Luego otra sorpresa, y al rato, otra más… ¿Hasta dónde? El viernes lo sabremos”.   

El Ballet Nacional de España, la Compañía Nacional de Danza, el Teatro de la Zarzuela, la Orquesta de Viena, la Mahler Chamber Orchestra, María Pagés y Eva la Yerbabuena. Son algunos de los nombres y compañías que propone el Teatro de la Maestranza de Sevilla para la nueva programación de la temporada 2023/2024.

Javier Menéndez, director del Teatro de la Maestranza, ha sido el encargado de desgranar esta nueva programación, que ha calificado como todo un éxito, destacando por ejemplo la participación del Ballet Nacional de España, la Compañía Nacional de Danza, el Teatro de la Zarzuela, la Orquesta Fundación Baremboim-Said, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla o la Orquesta Barroca de Sevilla, agradeciendo especialmente la colaboración de tales entidades culturales.

Tiempo para la ópera

En la programación figuran óperas como 'Tristán e Isolda', 'La Bella Susona' o 'Norma', de la mano de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, con el coro del Maestranza, así como un recital lírico de Javier Camarena; mientras en danza destacan la compañía de María Pagés con su obra “De Sheherazade”; el Ballet Nacional de España, la Compañía Nacional de Danza y Eva la Yerbabuena.

También figura un concierto de la Mahler Chamber Orchestra, fundada en 1997 por el legendario director italiano Claudio Abbado; así como conciertos de la Orquesta Fundación Baremboim-Said y de la Orquesta Joven de Andalucía y de la Orquesta Filarmónica de Viena.

La programación contempla además el musical Grease, y espectáculos de Manuel Lombo y de Tomatito, así como una representación de la mítica 'El Barbero de Sevilla'.

Manuel Busto (Sevilla, 1987) vive sin duda un momento dulce. Tras la buena acogida de La Mujer Tigre, ahora se pone al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia con La Bella Otero, siguiendo con el encargo que en 2019 recibió del Ballet Nacional de España. “Indudablemente, todo lo que sea debutar en una plaza nueva es interesante”, afirma con modestia el director. “En este caso, se trata de una de las orquestas latinoamericanas más relevantes, por la que están pasando muchos de los directores de renombre internacional del momento. Y es un debut doblemente especial, pues es la primera vez que salgo con el Ballet de tour fuera de España”.

La fecha marcada en rojo en la agenda de Busto es el próximo 4 de mayo y hasta el 7 del mismo mes, cuando presidirá el atril del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá. Busto no duda que La Bella Otero, que cuenta con una coreografía del también sevillano Rubén Olmo, será del gusto del público al otro lado del Atlántico. “Muchos lo catalogan como un ballet operístico. Yo vengo bastante del mundo de la ópera e intentado dar un ritmo teatral a la propuesta, un dinamismo que encaje con la frescura y a la vez con la unidad que caracteriza a la obra”, apunta Busto.

La obra, que se embarcará el mes próximo hacia América, es un espectáculo de gran formato, tanto por el número de bailarines como por el despliegue de vestuario, que recrea rigurosamente el mundo de la Belle Époque Parisien, y también por el desarrollo dramatúrgico de la historia. Su argumento gira en torno a la intensa vida de una de las más famosas e influyentes bailarinas de finales del siglo XIX, Carolina Otero. Una mujer procedente de una aldea gallega que se inventó a sí misma a partir de un suceso trágico de su infancia, y que utilizó a los hombres para ascender en su carrera artística y fue admirada por reyes de toda Europa, si bien el único amor en cuyos brazos desfalleció fue el del juego.

Apertura y evolución

Así, el montaje reflexiona sobre el maltrato, la ambición, el éxito, la incapacidad de amar y la soledad utilizando diferentes géneros, desde la danza española, que incluye el folclore y el flamenco, hasta la zarzuela. “Por venir de la tierra de la que vengo, he indagado y experimentado con estas músicas, y naturalmente me ha impulsado mucho poder trabajar con el Ballet Nacional, con un estilo propio en el que el folclore y el flamenco están marcados a fuego. Todo ello ha hecho que mi aportación sea como mínimo diferente, o peculiar”.

A propósito de las difíciles relaciones entre la llamada música culta y el flamenco, Busto lamenta que “por desgracia, sigan estando bastante lejos”, a pesar de las muchas conexiones que los han acercado históricamente, hasta la actualidad. “El flamenco es un género muy versátil, abierto a todo y en constante evolución. Pero es verdad que, desde Falla, con excepciones, hasta que no llega Mauricio Sotelo no se ha abordado seriamente. Aún así, tengo la sensación de que el flamenco nunca se ha dejado de hacer a modo de cita”.

En todo caso, agrega Busto, “al igual que la música clásica y la contemporánea tienen su complejidad, el flamenco tiene la suya, y a mí me ha costado 15 años enterarme de cómo va el flamenco, entenderlo. Saber distinguir, por ejemplo, la improvisación de lo que no lo es. Lo seguro es que a nivel emocional tiene una capacidad increíble, y eso me atrae y me invita a seguir profundizando”.

América musical

El sevillano destaca que en La Bella Otero, por ejemplo, instrumentos como las castañuelas o el cajón pasan a formar parte de la orquesta como algo más que simples invitados, “forman parte de la sonoridad natural del conjunto”.

Por otro lado, respecto a sus colegas latinoamericanos, Busto aplaude el desarrollo que la música ha venido teniendo en el continente hermano, “debido en buena parte a la formación, que ya no es solo centroeuropea, y sin duda al efecto [Gustavo] Dudamel, que ha impulsado la música una barbaridad en aquellas tierras, como en su día ocurrió con los grandes músicos europeos que migraron a Argentina e impulsaron grandes orquestas. A partir de ahí surgen modas a la hora de programar, pero lo importante es que, para los jóvenes, lo que antes parecía lejano, ahora es tangible, se sienten motivados”. En cuanto a su colaboración con el BNE, Busto no escatima elogios. “Tenemos la inmensa suerte de tener el Ballet Nacional, el único que arrasa allá donde va, porque abruma a todo el público. Es un honor y un lujo ser uno de los principales directores invitados. Siento que mis inquietudes y mi desarrollo van paralelos al sentir del Ballet”.

Embajadores en el mundo

Y los mismos piropos reserva para Rubén Olmo: “Nos conocimos apenas unos meses antes de que lo nombraran, en la Bienal de Sevilla, cuando yo diría la Orquesta Bética de Cámara. Es interesante porque Rubén fue, antes de dirigirlo, bailarín del Ballet Nacional, como ocurrió con otros. Y aunque el tiempo y la moda vayan cambiando, espero que nuestros músicos no solo miren a Centroeuropa, que también se fijen en nuestra música, en Falla, Granados, nuestra zarzuela… Todo lo que sea profundizar en eso generará buenas cosas”.

Por último, Busto se suma al llamamiento a los responsables públicos para que mantengan el respaldo a los ballets y orquestas, “porque todo el apoyo es poco”, asevera. “No solo se trata de sostenerlos, sino de hacerlo con la máxima calidad y con la misma determinación con que fueron creados. Sabemos que la cultura es una inversión, y debemos distinguir entre el mero entretenimiento y el arte, que nos hace pensar y crecer en humanidad, haciendo una sociedad cada día mejor”.

“He podido viajar bastante, y sé lo que significan el Ballet Nacional de España y el Ballet Flamenco de Andalucía”, concluye el director. “En una gira en Taiwán me dijeron que el BNE ‘es el mayor embajador de España en el mundo’. El problema es que muchas de estas instituciones no tienen planes presupuestarios a largo plazo. No puedes hacer un planteamiento en busca de máxima calidad con mirada larga, y las direcciones están atadas de pies y manos”.