No hay premios Oscar sin su polémica. Si el año pasado fue Karla Sofía Gascón quien recibió un aluvión de críticas después de que se revelaran unos controvertidos tuits de la actriz publicados años atrás, esta semana el foco ha apuntado a Timothée Chalamet tras unas declaraciones sobre el estado actual de la ópera y el ballet. “No quiero trabajar en el ballet o la ópera, ni en cosas en las que te digan: 'Oye, mantén esto vivo por mucho que ya no le importe a nadie'. Con todo el respeto hacia la gente del ballet y la ópera”, ha apuntado Chalamet en unos comentarios que ya han dado la vuelta al mundo.

El actor dio su opinión en una charla pública sobre el futuro del cine organizada por Variety y CNN el 21 de febrero, en la que Timothée Chalamet conversó con Matthew McConaughey sobre las dificultades que han atravesado las películas y la industria en los últimos años. Sin embargo, aunque estas declaraciones no se viralizaron entonces, fue el miércoles de la semana pasada cuando empezaron a alcanzar repercusión en redes sociales. Sucedió justo un día antes del jueves, cuando se cerró la votación final para unos Oscar en los que Chalamet parte —o partía— como favorito junto a Leonardo DiCaprio y Michael B. Jordan para ganar la estatuilla a Mejor actor.

Chalamet estaba llevando a cabo una buena carrera al Oscar por su papel en Marty Supreme, la película que relata la historia de un prodigio del pimpón en la década de 1950. No obstante, las reacciones de importantes compañías de la ópera y el ballet estos últimos días podrían costarle caro al joven intérprete. El Ballet Real de Londres publicó el viernes en TikTok un vídeo de sus artistas con el siguiente pie de foto: “Cada noche, miles de personas se reúnen en la Royal Opera House para disfrutar del ballet y la ópera. Por la música. Por las historias. Por la magia de las actuaciones en directo. Si quieres reconsiderarlo, Timothée Chalamet, nuestras puertas están abiertas”.

Incluso el Teatro Real ha tenido algo que decir al respecto. “PLOT TWIST: al público le interesa, y mucho, la ópera en el Teatro Real”, ha publicado en redes sociales. Asimismo, la Ópera Metropolitana de Nueva York ha respondido con un vídeo en el que cita a Chalamet y su comentario “Con todo el respeto hacia la gente del ballet y la ópera”, enseñando el enorme trabajo que hay detrás de una ópera. Al igual que otras publicaciones, este vídeo ha recibido el apoyo de miles de personas, que no han dudado en mandar mensajes de ánimo a la compañía. “La ópera y el ballet vivirán mucho más tiempo del que se recuerden las películas de Chalamet”, ha escrito un usuario. “'A nadie le importan estas cosas', dice el tipo que acaba de hacer una película de pimpón”, escribe otro.

“No puedo recordar la última vez que vi un cine con entradas agotadas, pero la ópera siempre está llena”, afirma un usuario al pronunciarse sobre la polémica, en tanto que otro subraya que “Timothée Chalamet es famoso desde hace unos 9 años, la ópera lleva 400 años prosperando”. La década de éxito de Chalamet también ha sido objeto de debate en X, puesto que un tuit que alegaba que “nadie menor de 40 años ha tenido una carrera más impresionante que Timothée” ha sido visto más de 15 millones de veces y tiene miles de respuestas que mencionan a otros actores con un inicio de trayectoria igual de impresionante, como Emma Stone, ganadora de su primer Oscar a los 28 años y de su segundo a los 35. Chalamet tiene 30 años y todavía no ha recibido este reconocimiento, aunque ha sido nominado hasta en tres ocasiones contando la de esta edición.

Por su parte, Seattle Opera ha preferido tirar de humor y habilitó el código promocional “TIMOTHEE” para ahorrar un 14% en entradas para Carmen durante el fin de semana. “Timmy, ¡tú también puedes usarlo! ¡Nos vemos en la ópera!”, indicó la compañía. Además, la actriz Jamie Lee Curtis ha aprovechado su plataforma en Instagram para dar visibilidad a artistas del ballet y la ópera, compartiendo stories de aquellos que se han pronunciado sobre su trabajo. Pese a que Chalamet todavía no se ha pronunciado sobre la controversia, se espera que el actor acuda a los Oscar este domingo, donde podría alzarse con el tan codiciado galardón. Si dirá algo entonces es aún un misterio.

El Ballet Nacional de España despedirá el 2025 en el Palacio de Festivales de Cantabria este sábado, 13 de diciembre, a las 19.30 horas, con su producción 'Afanador', un espectáculo que ha recorrido escenarios de Corea, Italia, Austria, Bélgica y Francia.

'Afanador' llega a Santander tras “enamorar al público francés durante tres semanas” en las ciudades de Cannes, Grenoble y Aix-en-Provence, según ha afirmado la nota de prensa del Ballet Nacional.

Esta producción quiere mostrar la mirada surrealista del fotógrafo Ruven Afanador sobre el flamenco, a través del lenguaje de la danza, y atraer al espectador para que descubra un universo creado desde la fascinación y el deseo.

Los aclamados trabajos del artista colombiano, Ángel gitano y Mil Besos, han sido el punto de partida para crear este espectáculo donde la danza española se fusiona con la contemporánea para “ver el mundo del flamenco a través de una lente deformante, que es una lente que parte del sueño, del deseo, de la memoria”, según ha explicado el director artístico de Afanador, Marcos Morau.

Por su parte, el director del Ballet Nacional de España, Rubén Olmo, ha calificado esta producción como una “innovación” de la danza española por su “originalidad” porque “hasta hoy el público nunca había visto este tipo de espectáculo en la danza española y en el Ballet Nacional de España”, ha dicho.

La trayectoria de 'Afanador' desde su estreno en 2023 en el Teatro de la Maestranza de Sevilla le ha llevado a llenar escenarios nacionales como el Teatro Real y Teatro de la Zarzuela (Madrid), Teatro Mira (Pozuelo de Alarcón), Teatros del Canal (Madrid), Les Arts (Valencia) o el Gran Teatre del Liceu (Barcelona).

A nivel internacional, ha hecho lo mismo en escenarios como el Teatro Yelmaru-ro (Yeosu, Corea), Teatro GS Arts Center (Seúl, Corea), Teatro de la Ópera de Roma (Italia) y Concertgebouw de Brujas (Bégica), el Palais des Festivals et des Congrès de Cannes (Francia), la Maison de la Culture de Grenoble (Francia) y en Les Théâtres de Aix-en-Provence (Francia).

El ballet es una de las formas artísticas más exigentes y refinadas del mundo. Su historia está ligada a reyes, revoluciones, genios de la música y cuerpos que han hecho del movimiento una forma de poesía. En el Día Mundial del Ballet, es imposible no mirar atrás y recordar a las grandes escuelas que moldearon este arte desde sus orígenes en Europa hasta su expansión global. Cada una con su propio sello, su método y su legado, pero todas unidas por la misma idea: la búsqueda de la perfección a través del cuerpo.

Francia: el nacimiento de la elegancia

El ballet nació en las cortes italianas del Renacimiento, pero fue en Francia donde se convirtió en un lenguaje universal. Bajo el reinado de Luis XIV, el llamado Rey Sol, el arte del movimiento alcanzó rango real. En 1661 se fundó la Académie Royale de la Danse, la primera escuela de ballet de la historia, bajo la dirección del coreógrafo Pierre Beauchamp, creador de las cinco posiciones básicas que aún hoy se enseñan en cualquier academia del mundo.

De aquella corte dorada surgió una herencia que perdura: la Escuela de Danza de la Ópera de París, fundada oficialmente en 1713. Es la institución más antigua en activo y un símbolo de disciplina, precisión y elegancia. Por sus aulas pasaron figuras como Aurélie Dupont, Laurent Hilaire o Manuel Legris, y su método, el llamado style français, sigue siendo la base del ballet moderno.

Rusia: técnica, fuerza y leyenda

Si Francia inventó el ballet, Rusia lo elevó al mito. A mediados del siglo XIX, coreógrafos como Marius Petipa o Enrico Cecchetti llevaron la danza clásica a su máximo esplendor con obras inmortales como El lago de los cisnes, La bella durmiente o El cascanueces. De esa tradición nació la Academia Vaganova, fundada en 1738 en San Petersburgo, que formó a bailarines legendarios como Anna Pavlova, Rudolf Nureyev o Mikhail Baryshnikov.

Junto a ella, la Academia del Teatro Bolshói, en Moscú, ha sido otro de los templos sagrados de la danza. Con más de dos siglos de historia, su estilo combina fuerza, musicalidad y una expresividad casi teatral. Sus egresados, como Nina Ananiashvili o Polina Semionova, son referencia mundial. En Rusia, el ballet no es solo arte: es una institución nacional.

Inglaterra: el rigor académico hecho arte

En el siglo XX, el ballet británico encontró su propio lenguaje gracias a The Royal Ballet School, fundada en 1926. De sus aulas salieron algunas de las estrellas más célebres del siglo pasado, como Margot Fonteyn o Darcey Bussell.

El estilo inglés se caracteriza por su precisión técnica y su dramatismo contenido, herencia directa del coreógrafo Frederick Ashton, autor de joyas como Sylvia u Ondine. Hoy, la escuela mantiene su prestigio con un plan de estudios de ocho años y un estricto proceso de selección que solo unos pocos logran superar.

América: la revolución neoclásica

Cruzando el Atlántico, el ballet estadounidense se consolidó de la mano de George Balanchine, creador del ballet neoclásico y fundador, junto a Lincoln Kirstein, de la School of American Ballet en 1934. De su trabajo nació el New York City Ballet, que cambió para siempre la forma de entender la danza: movimientos más veloces, menos ornamentos, más musicalidad y libertad escénica.

Balanchine abrió el camino a una nueva generación de coreógrafos y bailarines que redefinieron la estética del siglo XX. Hoy, la escuela sigue formando a los intérpretes que llenan los escenarios del American Ballet Theatre y del propio New York City Ballet.

Cuba, Italia y España: herederas del legado clásico

Fuera de los grandes centros europeos y norteamericanos, el ballet también encontró terreno fértil. En 1950 se fundó la Escuela Nacional de Ballet de Cuba, creada por Alicia Alonso, una de las figuras más respetadas del siglo XX. Con un modelo gratuito y una rigurosa formación técnica, ha formado a estrellas como Carlos Acosta o José Manuel Carreño, y su “método cubano” es admirado por su fuerza, pasión y musicalidad.

En Italia, la Escuela de la Scala de Milán, inaugurada en 1913, mantiene una tradición de ocho años de formación basada en la técnica italiana con influencias rusas y francesas. Y en España, el maestro Víctor Ullate consolidó una escuela que ha impulsado a generaciones de bailarines en danza clásica y contemporánea, situando el ballet español en el mapa internacional.

El ballet, un idioma universal

Desde los palacios barrocos de París hasta los teatros de La Habana o Nueva York, el ballet ha evolucionado sin perder su esencia: el diálogo entre cuerpo y música. Las grandes escuelas no solo han formado bailarines, sino también una manera de entender la belleza, el esfuerzo y la disciplina.

Hoy, en el Día Mundial del Ballet, cada plié y cada grand jeté siguen recordando que, aunque las técnicas cambien, el arte de contar historias con el cuerpo sigue siendo universal.

El Teatro Bretón de Logroño acoge el jueves 23 de octubre el regreso a los escenarios del London City Ballet, una de las compañías británicas más emblemáticas, que vuelve a brillar tras una pausa de tres décadas. Bajo la dirección artística de Christopher Marney, la formación presenta el programa Momentum, una propuesta que combina obras clásicas y contemporáneas, reafirmando su posición como referente internacional en el mundo de la danza.

En menos de dos años desde su relanzamiento, el London City Ballet ha conquistado al público de Europa, Asia y Estados Unidos, ofreciendo un repertorio que rinde homenaje a grandes coreógrafos británicos como Kenneth MacMillan, Ashley Page y Liam Scarlett, junto a nombres de prestigio internacional como George Balanchine y Alexei Ratmansky.

Impulsada por esta nueva energía, la compañía se consolida como un actor clave en la escena coreográfica actual, fiel a la tradición y con una mirada decididamente orientada hacia el futuro.

Las personas interesadas en asistir a esta cita con la danza podrán adquirir sus entradas a través de la página web: www.teatrobreton.org o en la taquilla en su horario habitual de atención al público.

Programa ‘Momentum’

Creada originalmente para el Royal Ballet, esta pieza emplea las melodías alegres de Tchaikovsky para resaltar el virtuosismo clásico de los bailarines. Un vals vibrante y lleno de contrastes que culmina en un final apoteósico.

Sobre el segundo concierto para piano de Shostakovich, esta obra combina delicadeza y precisión técnica. Inspirada en los ejercicios de barra de la bailarina Lynn Seymour, sigue siendo una de las creaciones más reconocidas de MacMillan.

El primer bailarín de la Ópera de París firma una nueva creación que despliega un lenguaje fluido, musical y profundamente humano, combinando transiciones inventivas y movimientos de gran intimidad.

Inspirada en las acuarelas de Wassily Kandinsky, esta pieza para diez bailarines transita por un abanico de emociones que van de lo salvaje a lo solemne, ofreciendo un poderoso cierre a la velada.

Una de las cosas que sorprende y admira es que los bailarines y bailarinas clásicos, además de que son increíblemente ágiles y flexibles, es que están muy, muy fuertes. Son capaces de hazañas comparables a las de los atletas olímpicos, como dar grandes saltos o levantar en el aire a otros bailarines sin aparente esfuerzo. 

Sin embargo, aunque muchos bailarines levantan pesas como parte de su entrenamiento, la mayor parte se basa en la repetición de movimientos con su peso corporal, algo que podemos aprender e incorporar a nuestra rutina para ponernos en forma. Así nace el barré.

Barré, una idea con más de seis décadas  

Aunque esté de moda, el barré no es algo nuevo, tiene más de seis décadas de historia y combina elementos de ballet, pilates, yoga y entrenamiento funcional en una práctica accesible para casi cualquier persona, independientemente de su condición física o experiencia previa. 

“Hay clichés como que el barré es para la típica niña mona que solo bebe matcha y hace pilates, y eso no es real”, explica Inés Jiménez, fisioterapeuta y fundadora de Arde Barré Studio. “Es una disciplina para todo tipo de público, y si eres una persona de 40 años o más, o una mujer en periodo de perimenopausia, embarazada o posparto, es más aconsejable todavía porque hay un trabajo de suelo pélvico importante”, añade.

La historia del barré comenzó en 1959 con Lotte Berk, una bailarina alemana que vivía en Londres. Tras sufrir una lesión que truncó su carrera en la danza, Berk decidió fusionar sus conocimientos de ballet con ejercicios terapéuticos para recuperar su fuerza y movilidad. El resultado fue tan efectivo que abrió su propio estudio, creando un método que pronto atraería a una clientela selecta, incluidas famosas como Joan Collins y Barbra Streisand.

Las clases originales de Lotte Berk eran especiales: estaban vetadas para hombres y le daba a los ejercicios nombres humorísticos. Una de sus alumnas, Lydia Bach, llevó el método a Nueva York en los años 70, donde comenzó a ganar popularidad entre las actrices de la época. Con el tiempo, el método se fue suavizando y adaptando, incorporando elementos de pilates y yoga hasta evolucionar hacia las diferentes variantes que conocemos hoy.

Sin embargo, aunque es un método asociado al público femenino, nada impide a los hombres apuntarse. “He hecho semanas de chicos y me ha funcionado muy bien, lo han 'sufrido' tanto que siempre me han pedido abrir un estudio para ellos”, explica Inés Jiménez.  

Los beneficios del barré 

Distintos estudios sugieren que el barré mejora muchos aspectos de la forma física, como la fuerza, la flexibilidad, la postura y, también, el control del peso. Aunque aún hay pocos análisis específicos del barré, sí hay investigaciones sobre los componentes individuales de esta disciplina. El barré utiliza muchas repeticiones y mantenimientos isométricos, centrándose en los principales grupos musculares, incluidos el tronco, los glúteos, los muslos y los brazos, y trabajándolos hasta el punto de fatiga. 

Aquí entra el concepto del tiempo bajo tensión, bien conocido en el mundo de los gimnasios. Se ha comprobado que para aumentar la fuerza y el tamaño de los músculos, es importante que las fibras estén contraídas durante el tiempo suficiente, aproximadamente 90 segundos por ejercicio en total. Por eso, hacer repeticiones rápidas en las máquinas no es muy eficaz, pero los ejercicios isométricos, en los que hay tensión sostenida pero no movimiento, sí lo son.

Las investigaciones indican que para ganar fuerza y masa muscular, los ejercicios con menos carga pero llevados hasta el punto de fatiga pueden ser tan efectivos como los que se hacen con cargas mayores. De esto se aprovecha el barré, produciendo una sobrecarga metabólica y mecánica de los músculos.

Aunque el barré es de bajo impacto, al incorporar intervalos cardiovasculares y movimientos dinámicos, eleva de forma eficaz la frecuencia cardíaca. Como pudo comprobar un estudio de 2023 con mujeres jóvenes, al acelerar el corazón, el barré contribuye a un mayor gasto energético y a una mejora de la capacidad aeróbica, y una reducción de la medida de la cintura y la cadera, es decir, pérdida de grasa corporal.

Precisamente este es uno de los beneficios inesperados del barré. Los entrenamientos de barra, cuando se realizan de forma constante y se combinan con una alimentación equilibrada, contribuyen de manera significativa al control del peso. No queman calorías tan rápidamente como el entrenamiento por intervalos de alta intensidad, pero, como otros entrenamientos de fuerza, hace que aumente el metabolismo y se quemen más calorías en reposo el resto del día.

Además, como el ballet, el barré hace hincapié en la postura. Esto quiere decir que los movimientos se realizan de forma precisa, con la correcta alineación y activando el tronco y el core o cinturón abdominal, además de los músculos erectores de la columna, que en un reciente estudio con 600 personas han resultado ser tan importantes como los abdominales para prevenir el dolor de espalda. 

Inés Jiménez hace hincapié en la necesidad de personalizar el ejercicio: “Hay que buscar que las clases sean reducidas, y que que el centro esté homologado. Es muy importante que, si vas con una lesión o una limitación, la persona que está enfrente sepa qué hacer para no lesionarte más y rehabilitarte con el ejercicio”.

Además, hay otros efectos más allá de los músculos. Investigaciones recientes han encontrado una mejora de la incontinencia urinaria, la función sexual e incluso el bienestar psicológico en mujeres, aunque los estudios aún sean limitados.

Cómo es una clase de barré

Una clase típica dura entre 30 y 60 minutos, y sigue una estructura diseñada para trabajar el cuerpo de manera completa y segura. La sesión comienza con un calentamiento en la barra, donde se movilizan articulaciones y se adoptan posiciones básicas de ballet como los pliés (flexión de rodillas) y relevés (elevación sobre las puntas de los pies). Este calentamiento no solo prepara los músculos para el esfuerzo, sino que también sirve para mejorar la alineación postural y prevenir lesiones.

A continuación empieza el trabajo intenso de piernas y glúteos mediante pequeños movimientos pulsantes que se mantienen hasta alcanzar la fatiga muscular. Esta fase, que puede durar unos 20 minutos, es seguida por ejercicios de brazos y espalda, a menudo utilizando pesas ligeras o bandas elásticas para añadir intensidad.

La clase continúa con ejercicios en el suelo sobre una colchoneta, donde se trabaja especialmente el core (abdomen y espalda baja), utilizando principios del pilates. La sesión termina con una fase de estiramientos inspirada en el yoga, pensada para mejorar la flexibilidad y favorecer la recuperación muscular.

Como ventaja añadida, la concentración requerida, la sincronización con la música y el enfoque en la respiración para ejecutar correctamente los movimientos de barré hace entrar en un estado casi meditativo que combate el estrés diario. Uno de los mayores atractivos del barré es que se trata de un ejercicio accesible para principiantes y no requiere experiencia previa en ballet o cualquier otra actividad física. Pero el barré ofrece algo quizás más valioso: la oportunidad de reconectar con el propio cuerpo, mejorar la postura y encontrar alegría en saberse más fuerte y capaz cada día. 

* Darío Pescador es editor y director de la Revista Quo y autor del libro Tu mejor yo.

No es la primera vez que Patricia Guerrero y Fahmi Alqhai se encuentran para colaborar juntos, pero nunca lo habían hecho en un momento tan dulce. La bailaora y coreógrafa granadina viene de conquistar el premio Talía a la Mejor intérprete femenina de danza y dirige con éxito el Ballet Flamenco de Andalucía (BFA), mientras que el violagambista se ha convertido en una referencia internacional de su instrumento al frente de la formación Accademia del Piacere. La química que les une desde hace años y la experiencia acumulada son las mejores bazas de 'Origen. La semilla de los tiempos', el espectáculo que estrenarán el próximo domingo en el Teatro de la Maestranza de Sevilla.  

Según Alqhai, “Origen es la continuación de un proyecto que se estrenó en la Bienal de Sevilla de 2020. Un dúo a un nivel muy íntimo, muy piel con piel, titulado Paraíso perdido, sobre las danzas del barroco que se estilizaron en su momento, y que queríamos recuperar. Ahora toca enfocarlo de una manera diferente, con un gran ballet y ya no solo un violagambista, sino con un conjunto de músicos”, explica.

El músico comenta asimismo que el montaje “ahonda en las raíces, lo profundo de nuestro pasado, la riqueza de esa Sevilla del siglo XVI y del XVIII, un gran potaje que se guisa a fuego lento y mezcla las tradiciones de todas las culturas del Sur de Europa con lo negro y lo americano. Y aquí tuvimos también la influencia de todas las capillas de Carlos V, entre ellos la venida de la capilla flamenca”, rememora.

La visión europea

A lo largo de siete actos, se propone un viaje de ida y vuelta entre pasado y presente en el que jácaras, pasacalles, marionas y zarabandas revelan la conexión irrefutable entre la música barroca y las esencias de lo jondo. “En ningún momento se pretende hacer un proyecto historicista, es decir, que el peso de la Historia sea un lastre, sino un trampolín”, subraya Alqhai.

“La idea es que esas raíces sean una parte orgánica que impulse el resultado final. Llegamos a barajar el concepto de rapsodia, pues algo de eso tiene: mama de lo antiguo, no solo de nuestras raíces barrocas y renacentistas, sino también un enfoque muy importante, la visión europea de lo que era la música española”, explica.

Por su parte, una exultante Guerrero asegura que “el Maestranza es un teatro en el que siempre hay magia, y espero que el domingo lo vuelva a ser”. “Trabajar con Fahmi es como trabajar en casa, somos familia, llevamos muchos años colaborando y con él es todo muy fácil. Paraíso perdido supuso para mí un antes y un después, introduje una nueva forma en mi baile”, asegura la bailaora granadina.

Para la coreógrafa, este nuevo trabajo con el BFA, el tercer estreno en un año y medio, “vuelve a contar Andalucía, como ya lo hizo Pineda y Tierra bendita. Nos inspiramos en ese encuentro de culturas que se dio en este río [en referencia al Guadalquivir, vecino al Maestranza], en ese momento en que traemos el barroco a nuestro tiempo de ahora, cogemos esas raíces y las llevamos a la obra. Es un proyecto muy importante para los chicos de la compañía, que han aprendido muchísimo y ahora demuestran una nueva evolución, un paso más en su proceso de maduración”, cuenta orgullosa.

Exploración de las raíces

Cabe recordar que la obra es una coproducción de Accademia del Piacere, la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, el Teatro de la Maestranza y el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, que cuenta con la colaboración del Festival de la Guitarra de Córdoba y el Festival Perelada (Girona).

Tras su estreno absoluto en el teatro sevillano, podrá verse en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada (25 de junio), el Festival de la Guitarra de Córdoba (8 de julio), el Festival Perelada (10 de julio) y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro (18 de julio), y la plataforma Arte.tv difundirá el espectáculo a partir del 21 de mayo.

La rueda de prensa de presentación de Origen ha estado presidida por la consejera de Cultura de la Junta de Andalucía, Patricia del Pozo, quien celebró que se tratara de “un día especialmente ilusionante por estar en el mejor teatro de Europa hablando de flamenco”. Por su parte, el director del coliseo, Javier Menéndez, recordó que “todo esto surge a raíz del Gugurumbé, aquel trabajo de Fahmi y Antonio Ruz que acogimos en 2021 con mascarillas y un 50 por ciento de aforo. Pero aquella explosión de creatividad explorando las raíces de la música no puede tener mejor continuidad que este trabajo con el BFA”.

“Si aquello fue espectacular, ahora vamos a alcanzar cotas de grandísima excelencia”, auguró el director del MAestranza. Por último, el director del Festival de Granada, Paolo Pinamonti, comentó que el proyecto “conjuga la excelencia artística internacional con un proyecto que sabe anclarse en el riquísimo patrimonio histórico de Andalucía”.

El bailaor Eduardo Leal, que ejerce una vez más como repetidor para el BFA, elogia a Patricia Guerrero como alguien dotado “del oído absoluto y el ojo absoluto para elegir a las personas perfectas”. “Pero no voy a negar que es agotador”, bromea, mientras que la bailaora explica que la clave para poder brindar tres estrenos en tan poco tiempo es “rodearte de un buen equipo, e intentar inculcar lo que hemos recibido de nuestros maestros”. “El resultado se lo debemos sobre todo a las horas y horas que les echamos, no hay otra. Si tuviera familia quizá no podría, pero puedo hacerlo y, aunque llevo un año y medio sin vida personal, lo asumo con gusto”, reconoce la directora del Ballet Flamenco de Andalucía.

Han pasado 88 años del crimen de Granada, del asesinato de Federico García Lorca en el barranco de Víznar y su posterior entierro en una fosa común junto al maestro Dióscoro Galindo y los banderilleros anarquistas Francisco Galadí y Joaquín Arcollas. Pero, a juzgar por los innumerables creadores que siguen inspirándose en su vida y su obra, desde poetas o dramaturgos a artistas gráficos, músicos o cineastas, se podría decir que nunca ha estado tan vivo. El ámbito flamenco, que el poeta de Fuentevaqueros tanto veneró, no es una excepción.

Desde Camarón o Enrique Morente a artistas más recientes como Miguel Poveda, son muchos los que han cantado a Lorca. Pero no son menos los que lo han bailado y lo bailan. Sin ir más lejos, este verano se encuentran de gira varios espectáculos directamente vinculados a esta personalidad única, todos los cuales tendrán su espacio en la próxima Bienal de Flamenco de Sevilla el próximo mes de septiembre.

En los jardines del Generalife de la Alhambra se representa este mes, en el marco del ciclo anual Lorca y Granada, el espectáculo Pineda. Romanza Popular en tres estampas a cargo del Ballet Flamenco de Andalucía y con Patricia Guerrero estrenándose en labores de directora con la dramaturgia de Alberto Conejero. “Yo ya había bailado a Lorca bajo la dirección de Rubén Olmo y de Mario Maya, pero nunca hasta ahora había podido hacer uno mío”, comenta. “Soy de Granada, mi madre me llevaba todos los años al ciclo del Generalife, y sabía que tarde o temprano me iba a tocar, pero no podía imaginar que sería una experiencia tan increíble”, confiesa la directora.

La edad de oro

La idea de presentar una versión bailada de Mariana Pineda, la historia de la heroína caída en su lucha contra el absolutismo, le vino a Guerrero de la forma más natural: “No tuve ninguna duda, era el personaje que quería interpretar, porque me di cuenta de estaba en mí. Había leído el texto muchas veces pero no pensando como bailaora, sin pensamiento de interpretarlo. Pero cuando vuelves sobre él, te das cuenta de que Lorca es danza, el modo en que describe las escenas, cómo da los colores, los olores, las sensaciones… Cualquier frase suya es un tercio de una malagueña o de una seguiriya que te raja el estómago. Todo invita a bailar, acabas pensando que no hace falta ni la palabra. Es una inspiración constante”.  

También había sido concebida para el Ballet Flamenco de Andalucía la obra Comedia sin título, pero al terminar su contrato la anterior directora, Úrsula López, la propuesta corría el peligro de quedarse en un cajón. Por suerte, López decidió rescatarla y asumirla con su propia compañía, y con ella se presentará en la Bienal de Sevilla el 18 de septiembre, solo cinco días antes de la de Guerrero.

Presentada como una continuación de la anterior obra lorquiana del BFA, El maleficio de la mariposa, este nuevo montaje se basa en la obra homónima que Lorca estaba escribiendo cuando fue asesinado. Según explica el programa, se trata de una mezcla de teatro social, auto sacramental y experimento literario. “Ha sido muy arriesgado tirarse a una piscina como esta desde una compañía privada, pero también algo muy bonito”, comenta Úrsula López. “El maleficio de la mariposa fue el espectáculo en el que encontré un camino, y me apetecía continuarlo”, añade.

Con la colaboración de Pedro G. Romero, López trabaja una línea similar y paralela a la del anterior espectáculo: si en El maleficio se reflejaba la edad de plata del baile y las protagonistas eran mujeres, ahora el espectro que se contempla abarca esa “edad de oro del baile” que va de la muerte de Federico al final de la dictadura franquista en 1977, y es la danza masculina la que predomina. “Y Lorca está ahí, más presente aún si cabe. Su palabra, su verbo, son imparables. Todos los lo bailan, incluso más allá de nuestras fronteras”, agrega López.       

Nueva masculinidad

“No solo es por el patriarcado que, a la postre, significaron los años de dictadura”, apunta el programa de Comedia sin título. “También es que las formas de la masculinidad, con una diversidad que alegraría a nuestro Federico, tomaron formas flamencas. Parecería una contradicción pensar en cierta virilidad homosexual pero, eso mismo, protagoniza muchas de nuestras estampas flamencas. Como dijo algún crítico, el flamenco de estos años se convirtió en un laboratorio contradictorio de la nueva masculinidad”.

De Vicente Escudero y Antonio el Bailarín, “los dos pilares que construyen el baile de hoy”, a José Limón y su Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías, o la Yerma de Lester Horton, pasando por José Greco, Antonio Gades, El Güito, Farruco o Mario Maya, se pone de manifiesto ese legado que ha ido pasando de generación en generación hasta nuestros días.

Úrsula López recuerda que el público que asistía en Roma en 1977 a Lorca e il flamenco de José de la Vega, gritaban “¡Lorca ha resucitado!”, y ahora son las generaciones de bailaores y bailaoras flamencas de hoy en día las que recogen esa semilla y las que están abriendo sus frutos. “Y todos tienen el común denominador de la libertad para crear, son super transgresores, no se dejan nada atrás”, asegura López.

“Lo impresionante es ver cómo Lorca resulta siempre actual”, comenta López, “porque habla de la vida misma, y eso nunca pasa de moda. El amor, el desamor, la muerte, todo hace que Federico no se agote nunca. El creador lo hará mejor o peor, gustará más o menos, pero la enjundia que tienen estas obras es imperecedera”.

Una idea con la que coincide plenamente Patricia Guerrero: “No se puede agotar lo que es atemporal, y Lorca es siempre contemporáneo, se actualiza continuamente. Todo lo que cuenta llega directo al estómago, porque está en el centro de cualquier sociedad en cualquier momento”.

Blanca Li, la coreógrafa y bailarina española afincada en Francia, ha vuelto a conmover esta noche a las sólidas piedras del Teatro Romano de Mérida con un sencillo a la vez que complejo montaje en el que diez bailarines interpretan el mito de 'Dido y Eneas' desde la fuerza y la emoción del movimiento de sus propios cuerpos.

Li ha conseguido hacer un espectáculo de danza contemporánea y lo ha logrado a través de la poderosa ópera barroca de Henry Purcell sin que nada desentone, hasta tal punto de que a veces da la sensación de que es el propio baile el que fluye para hacerse música.

En una coproducción de la Compagnie Blanca Li (Francia), la única propuesta internacional de la 70 edición del Festival de Teatro Clásico de Mérida, ha estado en cartel solo esta noche y como un receso en los diez días de representación programadas para la gran apuesta comercial de este verano, 'La Medusa', de José María Castillo, con Victoria Abril de vuelta a los escenarios.

'Dido y Eneas' será para quienes ya hemos podido disfrutarla esta noche, la joya escondida del verano de 2024, como aquel “Sueño del minotauro”, una bellísima coproducción de Blanca Li con la Bienal de Danza de Lyon que llegó a Mérida en 2002.

La coreógrafa española y directora de la obra retoma en esta ocasión el paisaje más conmovedor de La Eneida de Virgilio y lo hace desde una de las obras maestras de la música barroca con la ópera de Henry Purcell. Y es que, tal como explicó la propia Blanca Li en la presentación de su montaje, cuando trabajó con esta ópera con 'Les Arts Florissants“, una de las mejores orquestas barrocas del mundo, quedó tan prendada, que quiso hacer un ballet.

Para ello, decidió utilizar como música para su espectáculo la grabada en la ópera de Henry Purcell en el Gran Teatre Liceu de Barcelona, en una de sus últimas representaciones, lo que añade, para Li, “una emoción muy fuerte en la música con los cantantes en directo”.

Una pasión desenfrenada

El argumento de 'Dido y Eneas' es bien conocido: la reina de Cartago acoge al joven príncipe troyano Eneas, que busca una nueva tierra para los suyos. De este encuentro surge un amor a primera vista que se convierte en una pasión desenfrenada ¿El amor todo lo puede? nos preguntamos los humanos desde siempre y muchas veces, demasiadas veces, la respuesta es no, porque, como en este caso, las brujas se confabulan y hacen creer al héroe que debe partir obligado por los dioses a seguir su destino, la fundación de Roma.

Dido, entonces, abandonada y devastada por la tristeza, incapaz de superar la pérdida de ese amor puro, se suicida, maldice a Eneas y profetiza la eterna rivalidad entre Roma y Cartago.

La trágica historia que obliga a elegir entre el entre el amor y el deber, entre la felicidad y la ambición, Blanca Li la hace suya con una propuesta muy contemporánea a través de los cuerpos y del movimiento de sus diez bailarines: Martina Consoli, Alizé Duvernois, Coline Fayolle, Meggie Isabet, Maeva Lassere, Julien Marie-Anne, Quentin Picot, Gaël Rougegrez, Gaétan Vermeulen y Víctor Virnot.

Diez bailarines que en la apenas hora y cuarto que dura el espectáculo hacen que todos nos conmovamos con la pasión universal de Virgilio que se repite desde que el mundo es mundo y cuya emoción sale del torso de los hombres y mujeres, en este caso de los bailarines que a través de sus movimientos nos hablan de amor, pasión, desengaño, quebranto y muerte.

Bañado por la iluminación sutil y al mismo tiempo grandiosa de Pascal Laajili, el montaje de Blanca Li adquiere una dimensión poética y densa, con una coreografía sinuosa, flexible, etérea y resbaladiza, algo que se materializa literalmente en un escenario lleno de agua por el que el amor de Dido y Eneas nace, fluye y muere rodeado en todo momento por ese mundo que prefiere apostar una y otra vez por la rivalidad y la guerra.

Fusión de música barroca y danza contemporánea, de ópera y baile, de una belleza auténtica y conmovedora, intimista, audaz y valiente en una noche de descanso antes de que mañana vuelva al Teatro Romano de Mérida el refulgir de la grandes producciones comerciales. 

El Ballet de Kiev continúa su gira por varias localizaciones de Castilla-La Mancha. La compañía llega al Auditorio Pedro Almodóvar de Puertollano, el 24 de enero, con el espectáculo 'El cascanueces' de Tchaikovsky.

El 31 de enero representará 'El lago de los cisnes' en el Gran Teatro de Manzanares, misma actuación que llevarán el 1 de febrero al Auditorio José Luis Perales de Cuenca.

Mientras, el 7 de febrero, la compañía interpretará 'El Corsario' en el Teatro Quijano de Ciudad Real, según ha informado Unicef.

Las personas que quieran disfrutar de los espectáculos y colaborar con Unicef apoyando a los niños y niñas en Ucrania que más lo necesitan, aún están a tiempo de sacar sus entradas para las actuaciones de la región en los siguientes enlaces:

Puertollano: https://balletkiev.entradas.plus/entradas/el-cascanueces-pue...

Manzanares: https://balletdekiev.com/events/el-lago-de-los-cisnes-manzan...

Cuenca: https://balletdekiev.com/events/el-lago-de-los-cisnes-cuenca...

Ciudad Real: https://balletdekiev.com/events/el-corsario-ciudad-real-2024...

Parte de la entrada va a UNICEF

La productora Goldberg, que mantiene una alianza con Unicef España desde 2022, no solo ha acercado a más de 140.000 espectadores a las obras 'El lago de los cisnes' y 'El cascanueces', sino a su vez movilizado fondos a través de la venta de entradas para seguir apoyando la respuesta de Unicef a la emergencia en Ucrania. Por cada entrada vendida la productora destina 1,5 euros a Unicef.

Hasta la fecha, Goldberg ha contribuido con más de 210.000 euros al programa de UNICEF en Ucrania, que ha hecho posible salvar y proteger a los niños, niñas y familias afectados por la guerra.

Desde el inicio de la guerra, Unicef ha proporcionado, por ejemplo, suministros médicos a casi 5 millones de personas dentro de Ucrania, acceso a agua potable a más de 5,5 millones, facilitado el acceso a la educación a 2,4 millones de niños o llegado a más de 4,5 millones de niños y cuidadores con apoyo psicosocial y de salud mental, tan necesario para curar los traumas de la guerra.

Después de casi dos años de conflicto, la guerra de Ucrania sigue dejando a millones de familias en grave riesgo, con 7,8 millones de niños y niñas con necesidad de ayuda urgente.

La Compañía Nacional de Danza regresa a Sevilla, en concreto al Teatro de la Maestranza desde mañana jueves 11 de enero y hasta el sábado 13 de enero con su versión de La Sylphide, el ballet “romántico por excelencia”, según el director del coliseo, Javier Menéndez, en la versión coreográfica de August Bournonville y tras un triunfal estreno en Madrid. A la cabeza del elenco se encuentra el director artístico, Joaquín de Luz, quien asegura que es un “gran placer” actuar de nuevo en la capital hispalense con una propuesta que el pasado mes de diciembre llenó durante diez días el Teatro de la Zarzuela.

“Esta es una ciudad llena de magia, en la que muchos bailarines de mi generación empezaron”, ha comentado De Luz al inicio de su encuentro con la prensa. “Recuerdo cuando hicimos El amor brujo de Víctor Ullate con el teatro recién inaugurado. Es una de nuestras casas”.

Sobre la obra que trae esta semana al Maestranza, subraya que se trata de “un ballet icónico, que se exhibe en las mejores compañías del mundo. Para nosotros era un reto importante abordar un título a la vez tan complejo y tan sencillo, porque a veces lo sencillo es lo más difícil”, afirma. Un desafío que ha podido afrontar gracias a una compañía que “actualmente tiene un gran nivel, como ha quedado demostrado en Madrid, donde la recepción ha sido increíble. Me parece importante que el público sevillano y español pueda ver estos ballets”.

El bien y el mal

La Sylphide  refleja el eterno enfrentamiento entre las fuerzas del bien y del mal, la persecución de la pureza y la imposibilidad del amor más puro y bello, con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla en el foso y el director Daniel Capps en el atril, quien materializará en el aire del Maestranza la partitura de Herman Severin Løvenskiold. El relato nos cuenta la historia trágica de la etérea sílfide -el espíritu del bosque o el símbolo del amor puro e inalcanzable- que desata el amor eterno con el granjero James hasta que la bruja Madge, despechada porque previamente había sido rechazada por James, los persigue proyectando una maldad horrible sobre una pareja que era la inocente encarnación del amor y la belleza.

Estrenado por el Royal Danish Ballet en Copenhague en 1836, el libreto original de La Sylphide es obra de Adolphe Nourrit, pero fue transcrito por Augut Bourneville en el citado año, y esa es la versión que ha decidido adoptar la Compañía Nacional de Danza. “Hay una escuela de París, una rusa, una cubana… Y hay una escuela danesa, que en este caso se caracteriza por un gran trabajo de batería y saltos, que exige una gran fortaleza de los bailarines pero también ligereza, o como ellos mismos dicen, ‘bailar como si te tomaras un café’”.

“Confieso que yo solo he bailado esa”, prosigue De Luz, “y creo que es la versión más directa hacia el público. Otras versiones se me escapan un poco, mientras que esta en cambio está recogidita, la historia está muy hilada, posee una dramaturgia muy bien hecha…. Y la conozco muy bien. La primera toma de contacto que tuve con esta obra fue hace 17 años, en Hungría, y la última hace 15 días. La conozco un poco”, ríe.

Un libreto humanizado

A su lado, dos de los bailarines principales, Yaniel Gómez y Yaman Kelemet, también han explicado las exigencias de llevar a escena La Sylphide. “Todo se desenvuelve entre el amor y el desamor. Al principio es difícil, es una obra que nos exige un rol, bailar sin mucha pantomima, pero a la vez actuando… No estamos acostumbrados a hacer eso y ni siquiera es fácil de explicar”, comenta Gómez, mientras que Kelemet define esta creación como “un sueño, que hay que trabajar con un estilo muy específico, encontrar esa manera única de hacerlo. Yo tengo muchos saltos, y a la vez tengo que bailar sin peso, reflejar la ingravidez… No, no es fácil, pero al final se disfruta”.

Para Joaquín de Luz, la clave de la versión de Bourneville es que “humanizó” el libreto original. “Los ballets clásicos dan a menudo la sensación de que hay que desempolvarlos, actualizarlos un poco. Y eso es precisamente lo que hizo Bourneville, después de que él lo abordara la pantomima se entiende mejor, los personajes se humanizan, de hecho es el único ballet de Bourneville donde se usa la fantasía. Definitivamente, le quitó el polvo”.

Sobre la aportación de Capps, De Luz afirma que “es un gran profesional especializado en danza, con un entendimiento de este arte muy práctico y positivo. Y además es una persona que se deja el ego en casa cuando sube al podio, pero tiene un compromiso muy lógico y muy honesto con su trabajo”.

Por último, Joaquín de Luz, quien tiene contrato hasta el próximo mes de agosto al frente de la Compañía Nacional de Danza,  se ha referido a la más que probable influencia de la escuela bolera española en la danza danesa. “Estoy seguro de que Bourneville se inspiraba en los viajes que hacía, y la escuela bolera está ahí, lo que pasa es que nosotros éramos más chulos y teníamos las castañuelas”, ríe. “Pero sí, la técnica Bourneville es muy similar a la escuela bolera, y viceversa”. 

El Palacio de Festivales de Cantabria acogerá este viernes el espectáculo 'Trece, el vodevil', de Punto Cero Company, que comenzará a las 19.30 horas.

Con Celia Muñoz, Zenaida Alcalde y Miguel Muñoz, la propuesta celebra la trayectoria de tres artistas: un mago, una trapecista y una ventrílocua.

Además, el Palacio despedirá el año este sábado con 'La bella durmiente', a cargo del Ballet de la Ópera Nacional de Moldavia, con la dirección artística de Anastasia Khomistkaya.

Será a las 19.30 horas en la sala Argenta, para la que se ha agotado la venta anticipada desde hace días.

Por eso, el mismo sábado, a partir de las 11 horas y tanto en taquilla como a través de la página web, saldrá a la venta el 10 por ciento del aforo en cumplimiento de la Ley de Espectáculos de Cantabria.

La semana previa al arranque de las Navidades llega plagada de conciertos de artistas y grupos nacionales que despiertan mucha expectación y casi han agotado las entradas para su visita a Galicia. Es el caso de los grupos indies Arde Bogotá y Sidonie, que tocan este fin de semana en Santiago. También se esperan aforos casi al completo en las actuaciones de Ana Mena y Tanxugueiras en el Coliseum de A Coruña. La cartelera de conciertos incluye también las actuaciones del Chicago Mass Choir en Ourense, de Shego en Santiago y de un nuevo grupo, Sempasúchil, que se presenta con una minigira por varias localidades gallegas durante los próximos días.

Fuera de la agenda musical hay otros espectáculos que también agotan entradas como es el caso de Cuarentena, de los humoristas Perdomo y Touriñán, que después de petarlo hace unos días en A Coruña llegan este fin de semana al Auditorio de Galicia de Santiago. El influjo de las Navidades se nota con la llegada de citas como el ballet Cascanueces, un clásico de estas fechas, que llega el domingo 17 al Auditorio Mar de Vigo. En A Coruña tenemos este sábado una cita interesante con la performer Helena Salgueiro en la Fundación Luís Seoane y en Santiago contaremos con la oportunidad de darnos un paseo por la historia de la ciudad y la Inquisición a través de una visita guiada gratuita. Programación muy completa a la espera de los turrones y las enchentas navideñas. A disfrutarla.

Ana Mena y Tanxugueiras en A Coruña. Coliseum. Viernes 15 y sábado 16 de diciembre

Ración doble de conciertos multitudinarios este fin de semana en el Coliseum coruñés durante este fin de semana. El viernes 15 llega la cantante Ana Mena con la gira de su segundo disco, Bellodrama, que está cosechando un gran éxito. Y el sábado 16 será el turno de Tanxugueiras, que ofrecen un concierto de fin de gira que prometen convertir en una gran fiesta con invitados muy especiales como Rayden o Guadi Galego. Aquí entradas para uno y otro ambos evento.

Arde Bogotá, Sidonie y Shego en Santiago. Sala Capitol. Viernes 15, sábado 16 y jueves 21 de diciembre

Programa triple de conciertos esta semana en la sala Capitol de Santiago para despedir el año por todo lo alto. La banda revelación del indie español, Arde Bogotá, abrirá el desfile este viernes 15 a los que seguirán el sábado 16 los catalanes Sidonie. Ambos conciertos tienen las entradas agotadas desde hace tiempo. El jueves 21 llegan al mismo escenario las chicas de Shego, un nuevo fenómeno del pop-rock nacional del último año. Aquí encuentras entradas.

Sempasúchil se presenta en O Grove. Naútico de San Vicente. Domingo 17 de diciembre

Nace un nuevo proyecto musical en Galicia que promete mucho. Sempasúchil es un cuarteto integrado por cuatro músicos de destacada trayectoria (Ton Risco, Antonio Casado, Alfonso Calvo y Miguel Cabana) que ahora unen sus fuerzas para crear un grupo en el que mezclan sonidos del folk-rock americano con el jazz y el pop. La propuesta tiene muy buena pinta y se presentan este domingo en el Naútico de San Vicente de O Grove, con paradas posteriores en Santiago (21 de diciembre. Borriquita de Belém) y Ourense (23 de diciembre. Liceo). Aquí entradas.

Descubriendo la Compostela de la Inquisición. Santiago. Sábado 16 y Domingo 17 de diciembre

Este fin de semana se pone en marcha en Santiago una iniciativa diferente que pinta muy bien. Se trata de unas visitas guiadas que permiten acercarnos a la historia de la Inquisición en Santiago. Sin duda que es un programa muy chulo para hacer algo distinto en una jornada festiva. Aquí tienes más info y la posibilidad de apuntarte de forma gratuita a alguna de las visitas.

Otras propuestas:

Helena Salgueiro en la Fundación Seoane: la performer Helena Salgueiro ofrece una reflexión sobre el silencio con su actuación este sábado 16 en la Fundación Luís Seoane de A Coruña. Aquí más info e inscripción gratuita.

Chicago Mass Choir en Ourense: el grupo de góspel americano recrea en esta gira el disco de música espiritual grabado por el gran B.B. King en 1959. Actúan este miércoles 20 en el Teatro Principal de Ourense. Aquí entradas.

Perdomo y Touriñán en Santiago: estos dos grandes del humor con acento coruñés actúan este fin de semana en el Auditorio de Galicia de Santiago. Aquí las pocas entradas que aún pueden encontrarse.

Cascanueces en Vigo: el clásico navideño de la danza llega en todo su esplendor al Auditorio Mar de Vigo este domingo 17 con el Ballet Ruso de San Petersburgo. Aquí entradas.

Coro da Rá en Santiago: el veterano grupo vocal celebra 30 años de trayectoria con un concierto este domingo 17 en el que demuestran que han sabido renovarse y cultivar diversos estilos musicales. Aquí entradas.

El Ballet Nacional de España (BNE) desembarca este viernes y sábado en el Teatro de la Maestranza de Sevilla para estrenar su nuevo espectáculo, Afanador, un espectáculo de claro aliento vanguardista e inspirado en el personal universo fotográfico del fotógrafo colombiano afincado en Nueva York, Ruven Afanador. La formación que dirige Rubén Olmo, y que pondrá a 34 bailarines en escena, se alía para la ocasión con Marcos Morau y La Veronal, a quienes se atribuye la idea original.

“Conocía a Ruven Afanador y me gustaba su trabajo, de modo que fui pensando en una propuesta que se acercara a su imaginario”, explica Morau. “Cuando se la ofrecí a Rubén Olmo, hace ya tres años, la sorpresa mayúscula fue descubrir que Rubén había participado en las sesiones de Afanador para su libro Ángel Gitano. He intentado hacer una visión de esos trabajos, una reinterpretación y una lectura desde mi punto de vista de creador del siglo XXI”.

El resultado es Afanador, “una fantasía, un paisaje a través de sus personajes, sus composiciones, sus hipérboles y su monstruosidad”, agrega el coreógrafo, Premio Nacional de Danza 2013, quien asegura que en el desarrollo del proyecto “me he permitido el lujo de jugar como un niño al que dejan solo con todos sus juguetes. Me he sentido muy querido y muy libre, siempre con el respeto y la fascinación que tiene enfrentarse a un legado como el del Ballet Nacional”.

Riesgo y vacío

La fotografía de Ruven Afanador (Bucaramanga, 1959) se ha caracterizado, entre otras muchas facetas, por asomarse al mundo del flamenco a través de proyectos como el citado Ángel Gitano o Mil besos desde una perspectiva ajena a cualquier casticismo, valiéndose de una estética absolutamente contemporánea para darle la vuelta a los tópicos.   

Según cuenta Morau, cuando se puso en contacto con él para exponerle la idea de Afanador “se mostró en todo momento abierto a colaborar, confiado. Nos dijo: ‘Para mí es un honor, si las fotos que yo he hecho son un motivo de inspiración, tienen ustedes carta blanca. Es un orgullo máximo que venga a Sevilla y venga al estreno. Porque no es un trabajo documental: las fotos ya sucedieron. Es levantar un espectáculo desde unas cenizas”.

Por otro lado, tanto Morau como Olmo reconocen que la compañía ha hecho un esfuerzo de adaptación al sistema de trabajo del creador de La Veronal. “He intentado trabajar a mi manera, convencido de que la creación contemporánea bebe de las pruebas, de ponerse en crisis, de no hacer lo obvio… Y necesita de gente muy abierta, que acepta el riesgo y el vacío al que de vez en cuando nos asomábamos”, apunta el primero.

A su lado, Rubén Olmo asiente: “Los bailarines de la danza española, lo digo sin ninguna duda, son los más preparados en todas las disciplinas, incluida la contemporánea. Este espectáculo no va de danza contemporánea –como ya hicimos con La Celestina y Electra–, pero Morau es otro mundo, todo en él suma. Yo he sacado a mis bailarines de su zona de confort y les he convencido de la necesidad de bailar con mucho rigor, porque esta propuesta tiene un lenguaje muy distinto. Hay un gran homenaje a la danza española y a Sevilla, y veremos a los bailarines en su flamenco, en su folclore… El Ballet Nacional tiene muchos públicos distintos: uno más clásico, otro que pide obras de argumento, otro que reclama escuela bolera, y también está el que demanda vanguardia”.

Tradición vs. progreso

“Yo le pido al público que venga abierto de mente, no a ver lo que ya ha visto antes”, dice Morau. “Si lo tradicional nos conforta, nos tranquiliza, lo novedoso es lo que a veces nos asusta y nos enfrenta al cambio. Afanador muestra cómo la tradición se enfrenta al futuro, al progreso”.    

Cuando se le pregunta a Rubén Olmo qué recuerda de la sesión fotográfica que tuvo con Ruven Afanador, empieza asegurando que “he tenido muchísimas sesiones con muchos fotógrafos a lo largo de mi carrera, pero lo de Ruven fue… algo mágico. Me preguntó qué música quería bailar y allí estaba yo, en la plaza de toros, horas y horas, pero él tenía clara la hora exacta en que quería hacerme la foto. Es de las experiencias más bonitas que he tenido en ese sentido. Y después de que esas fotos acabaran formando parte de un libro, veo cómo Marcos ha encontrado un hilo entre una imagen y otra hasta formar un espectáculo, y es una maravilla. Pero es el público quien tiene que decir adónde nos lleva esta obra”.

Olmo, que creció con un póster del Ballet Nacional de España en las paredes de su habitación, y que entró en la compañía como cuerpo de baile, luego como solista, más tarde como artista invitado y finalmente como director, sigue sintiendo como “un orgullo” el hecho de encabezar una formación “que es única en el mundo, y no porque la dirija yo. He visto cómo han crecido mis bailarines a lo largo del proceso, cómo se han entregado, les pedimos que vinieran los sábados y venían, también los domingos… Ha sido una entrega total, y el resultado es una sorpresa desde que sube el telón. Eso ya es raro, porque hoy es difícil sorprender. Luego otra sorpresa, y al rato, otra más… ¿Hasta dónde? El viernes lo sabremos”.   

El Ballet Nacional de España, la Compañía Nacional de Danza, el Teatro de la Zarzuela, la Orquesta de Viena, la Mahler Chamber Orchestra, María Pagés y Eva la Yerbabuena. Son algunos de los nombres y compañías que propone el Teatro de la Maestranza de Sevilla para la nueva programación de la temporada 2023/2024.

Javier Menéndez, director del Teatro de la Maestranza, ha sido el encargado de desgranar esta nueva programación, que ha calificado como todo un éxito, destacando por ejemplo la participación del Ballet Nacional de España, la Compañía Nacional de Danza, el Teatro de la Zarzuela, la Orquesta Fundación Baremboim-Said, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla o la Orquesta Barroca de Sevilla, agradeciendo especialmente la colaboración de tales entidades culturales.

Tiempo para la ópera

En la programación figuran óperas como 'Tristán e Isolda', 'La Bella Susona' o 'Norma', de la mano de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, con el coro del Maestranza, así como un recital lírico de Javier Camarena; mientras en danza destacan la compañía de María Pagés con su obra “De Sheherazade”; el Ballet Nacional de España, la Compañía Nacional de Danza y Eva la Yerbabuena.

También figura un concierto de la Mahler Chamber Orchestra, fundada en 1997 por el legendario director italiano Claudio Abbado; así como conciertos de la Orquesta Fundación Baremboim-Said y de la Orquesta Joven de Andalucía y de la Orquesta Filarmónica de Viena.

La programación contempla además el musical Grease, y espectáculos de Manuel Lombo y de Tomatito, así como una representación de la mítica 'El Barbero de Sevilla'.

Manuel Busto (Sevilla, 1987) vive sin duda un momento dulce. Tras la buena acogida de La Mujer Tigre, ahora se pone al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia con La Bella Otero, siguiendo con el encargo que en 2019 recibió del Ballet Nacional de España. “Indudablemente, todo lo que sea debutar en una plaza nueva es interesante”, afirma con modestia el director. “En este caso, se trata de una de las orquestas latinoamericanas más relevantes, por la que están pasando muchos de los directores de renombre internacional del momento. Y es un debut doblemente especial, pues es la primera vez que salgo con el Ballet de tour fuera de España”.

La fecha marcada en rojo en la agenda de Busto es el próximo 4 de mayo y hasta el 7 del mismo mes, cuando presidirá el atril del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá. Busto no duda que La Bella Otero, que cuenta con una coreografía del también sevillano Rubén Olmo, será del gusto del público al otro lado del Atlántico. “Muchos lo catalogan como un ballet operístico. Yo vengo bastante del mundo de la ópera e intentado dar un ritmo teatral a la propuesta, un dinamismo que encaje con la frescura y a la vez con la unidad que caracteriza a la obra”, apunta Busto.

La obra, que se embarcará el mes próximo hacia América, es un espectáculo de gran formato, tanto por el número de bailarines como por el despliegue de vestuario, que recrea rigurosamente el mundo de la Belle Époque Parisien, y también por el desarrollo dramatúrgico de la historia. Su argumento gira en torno a la intensa vida de una de las más famosas e influyentes bailarinas de finales del siglo XIX, Carolina Otero. Una mujer procedente de una aldea gallega que se inventó a sí misma a partir de un suceso trágico de su infancia, y que utilizó a los hombres para ascender en su carrera artística y fue admirada por reyes de toda Europa, si bien el único amor en cuyos brazos desfalleció fue el del juego.

Apertura y evolución

Así, el montaje reflexiona sobre el maltrato, la ambición, el éxito, la incapacidad de amar y la soledad utilizando diferentes géneros, desde la danza española, que incluye el folclore y el flamenco, hasta la zarzuela. “Por venir de la tierra de la que vengo, he indagado y experimentado con estas músicas, y naturalmente me ha impulsado mucho poder trabajar con el Ballet Nacional, con un estilo propio en el que el folclore y el flamenco están marcados a fuego. Todo ello ha hecho que mi aportación sea como mínimo diferente, o peculiar”.

A propósito de las difíciles relaciones entre la llamada música culta y el flamenco, Busto lamenta que “por desgracia, sigan estando bastante lejos”, a pesar de las muchas conexiones que los han acercado históricamente, hasta la actualidad. “El flamenco es un género muy versátil, abierto a todo y en constante evolución. Pero es verdad que, desde Falla, con excepciones, hasta que no llega Mauricio Sotelo no se ha abordado seriamente. Aún así, tengo la sensación de que el flamenco nunca se ha dejado de hacer a modo de cita”.

En todo caso, agrega Busto, “al igual que la música clásica y la contemporánea tienen su complejidad, el flamenco tiene la suya, y a mí me ha costado 15 años enterarme de cómo va el flamenco, entenderlo. Saber distinguir, por ejemplo, la improvisación de lo que no lo es. Lo seguro es que a nivel emocional tiene una capacidad increíble, y eso me atrae y me invita a seguir profundizando”.

América musical

El sevillano destaca que en La Bella Otero, por ejemplo, instrumentos como las castañuelas o el cajón pasan a formar parte de la orquesta como algo más que simples invitados, “forman parte de la sonoridad natural del conjunto”.

Por otro lado, respecto a sus colegas latinoamericanos, Busto aplaude el desarrollo que la música ha venido teniendo en el continente hermano, “debido en buena parte a la formación, que ya no es solo centroeuropea, y sin duda al efecto [Gustavo] Dudamel, que ha impulsado la música una barbaridad en aquellas tierras, como en su día ocurrió con los grandes músicos europeos que migraron a Argentina e impulsaron grandes orquestas. A partir de ahí surgen modas a la hora de programar, pero lo importante es que, para los jóvenes, lo que antes parecía lejano, ahora es tangible, se sienten motivados”. En cuanto a su colaboración con el BNE, Busto no escatima elogios. “Tenemos la inmensa suerte de tener el Ballet Nacional, el único que arrasa allá donde va, porque abruma a todo el público. Es un honor y un lujo ser uno de los principales directores invitados. Siento que mis inquietudes y mi desarrollo van paralelos al sentir del Ballet”.

Embajadores en el mundo

Y los mismos piropos reserva para Rubén Olmo: “Nos conocimos apenas unos meses antes de que lo nombraran, en la Bienal de Sevilla, cuando yo diría la Orquesta Bética de Cámara. Es interesante porque Rubén fue, antes de dirigirlo, bailarín del Ballet Nacional, como ocurrió con otros. Y aunque el tiempo y la moda vayan cambiando, espero que nuestros músicos no solo miren a Centroeuropa, que también se fijen en nuestra música, en Falla, Granados, nuestra zarzuela… Todo lo que sea profundizar en eso generará buenas cosas”.

Por último, Busto se suma al llamamiento a los responsables públicos para que mantengan el respaldo a los ballets y orquestas, “porque todo el apoyo es poco”, asevera. “No solo se trata de sostenerlos, sino de hacerlo con la máxima calidad y con la misma determinación con que fueron creados. Sabemos que la cultura es una inversión, y debemos distinguir entre el mero entretenimiento y el arte, que nos hace pensar y crecer en humanidad, haciendo una sociedad cada día mejor”.

“He podido viajar bastante, y sé lo que significan el Ballet Nacional de España y el Ballet Flamenco de Andalucía”, concluye el director. “En una gira en Taiwán me dijeron que el BNE ‘es el mayor embajador de España en el mundo’. El problema es que muchas de estas instituciones no tienen planes presupuestarios a largo plazo. No puedes hacer un planteamiento en busca de máxima calidad con mirada larga, y las direcciones están atadas de pies y manos”.        

Fui a ver al Ballet de Montecarlo, en concreto su producción de COPPÉL-I.A. en los Teatros del Canal. Yo recordaba haber visto una versión de Coppelia con trajes y decorados de Sigfrido Martín Begué, un tema, el de los autómatas articulados, que a Sigfrido le iba como anillo al dedo y para el que creó una escenografía y unos trajes maravillosos. Esto ocurría en un teatro madrileño, probablemente el teatro de la Zarzuela en la década de los 90. Sigfrido siempre me decía que debería dirigir alguna zarzuela, me recomendaba La Gran Vía y que él se encargaría de todo lo visual. Yo siempre le prometía que me lo pensaría, pero él murió antes de que yo me decidiera. 

Veo la función en la misma butaca de su coreógrafo, Jean-Christophe Maillot, que me la cede generosamente porque el teatro estaba hasta la bandera. Y lo hace de un modo tan risueño que solo cabía pensar que su Coppelia ya había sido bendecida por el éxito, lo cual me quitaba un peso de encima, en caso de que no me entusiasmara el espectáculo. Pero me entusiasmó. ¡Y hasta qué punto!

La versión del Ballet de Montecarlo fue una delicia de principio a fin. La muñeca robotizada del Dr. Coppelius, que acaba matándole, iba vestida con un body gris metálico, surcado por distintas cintas adhesivas de aspecto metálico plateado que delineaban todas sus articulaciones, me recordaron muchísimo al personaje de Elena Anaya en La piel que habito. Y a la Musidora de Los Vampiros de Louis Feuillade (1915). Y naturalmente a la Irma Vep de Olivier Assayas, inspirada a su vez en Los Vampiros de Feuillade y en su propia película, la primera adaptación de la protagonista de la película muda. Y su serie del año pasado, con Alicia Vikander. La silueta negra de Vikander es lo que yo recordaba haber visto muy joven en una versión de Fantomas. Y esta era la imagen de la que partía en una de las secuencias, cuando Vera (Elena Anaya) antes llamada Vicente, huye de las garras del mad doctor Robert Ledgard (Antonio Banderas) por la escalera del Cigarral toledano. En ese momento me sentía como un niño que consigue hacer realidad un sueño. Casi diría que hice la película para rodar esa secuencia porque la recordaba de un modo nebuloso de mi niñez.

Cuando hice La piel que habito y le pedí a J.P. Gaultier dos monos para Elena, uno color carne, color maquillaje, donde se vieran las costuras de los diferentes trozos que lo componían y que evocarían las cicatrices de las múltiples operaciones a las que ha sido sometida, pretendía que la prenda fuera como una segunda piel, que sostiene firmemente la piel que palpita debajo, como esas medias que comprimen las piernas para facilitar la circulación y evitar los trombos. También le encargué la misma versión en negro. La cara iba cubierta por una máscara dura, de silicona o metracrilato, que había sacado de un libro de fotografías de cirugías de estética facial. El efecto era muy impactante. Además de mostrar un cuerpo totalmente cubierto pero que parece desnudo, y sugerir las operaciones que ha sufrido previamente, yo también buscaba la imagen de Fantomas y Musidora, a pesar de ser el 2011 no consulté internet lo hice guiado por la memoria nebulosa. Quería conservar el recuerdo de una silueta negra bajando unas escaleras. Desde pequeño esa imagen se me había quedado grabada y resumía para mí todo el género fantástico. Y me he vuelto a encontrar con esa misma imagen en Coppél-i.a., solo que en vez de negro o color carne, el mallot que envuelve a la muñeca articulada es gris brillante y plata.

Es excitante y misterioso que se encuentren tantas resonancias en obras y autores tan distintos y tan espaciados en el tiempo que no cabe hablar de influencias. Las coincidencias se deben a la casualidad. Mi única referencia real, fue la película de Georges Franju Ojos sin rostro, donde también hay un mad doctor que secuestra a chicas jóvenes, ayudado de Alida Valli, para después, a través de una operación facial quitarles el rostro y trasplantárselo a su hija enmascarada, porque se quedó sin facciones en un incendio. La única relación es que el mad doctor en La piel que habito, el Doctor Ledgard, está investigando y acaba consiguiendo después de un proceso de años, crear una piel sintética, perfecta, una verdadera coraza a todas las agresiones tanto internas como externas. Los ojos sin rostro, obra maestra, inspiradora en su momento de La piel…, no sería posible después del 2011 porque el Dr. Ledgard da por fin con esa piel perfecta creada en su laboratorio, a partir de la transgénesis, de la terapia celular que hace posible manipular el genoma humano y añadirle las características que uno desee. 

(Acabo de leer en el periódico que el científico chino He Jiankui acaba de salir de la cárcel después de tres años, por haber manipulado el genoma de dos mellizas y un niño, algo que la bioética de la comunidad científica prohíbe sin ningún tipo de pretexto investigador. Estamos al borde de una nueva humanidad, de traer a este mundo seres a la carta. Ya hay tres de esta nueva especie en China).

Coppelia es una muñeca de tamaño natural, creada por el doctor Coppelius, fabricante de juguetes (todo esto me lleva a pensar en el científico de Blade Runner, creador de las replicantes con aspecto humano a las que persigue Harrison Ford). A propósito, he visto en un artículo sobre inteligencia artificial que a uno de los robots fabricados por la empresa Hanson Robotics, le han puesto la cara de Philip K. Dick, el creador de Blade Runner. Cuando hice La piel… en algún momento se me pasó por la cabeza la idea de Mary Shelley y el mito de Frankenstein. Y ya que soy director de cine pensé también en Vértigo, la madre de tantas películas. El personaje de James Stewart es lo más parecido a un director de cine, al menos como yo lo vivo con mis actrices, a las que en el momento de trabajar las amo con una pasión parecida a la de James Stewart por Kim Novak viva o muerta.

Me reconozco absolutamente cuando le cambia el peinado y la lleva a una casa de modas para comprarle un vestido. La mujer que le atiende le comenta después de que Stewart le de detalles muy concisos de lo que desea. “El señor sabe muy bien lo que quiere”, solo falta que Stewart le reconozca que quiere darle vida a una mujer muerta, porque Kim Novak se la recuerda cada vez más, hasta acabar convirtiéndola en ella y amándola como amó a la muerta. En definitiva eso es lo que hacemos los directores obsesos con nuestros personajes, en este caso las actrices, vestirlas, maquillarlas, peinarlas a partir de un personaje que en el guion es pura abstracción pero que según avanza la preproducción se va convirtiendo -o eso intentas- en la mujer con la que uno sueña. (El guion no es sino una fantasmagoría). Incluso el plano cenital que muestra a Vera desnuda con sus múltiples cicatrices y el Dr. Ledgard le aplica nuevos trozos de la nueva piel, me recordó durante el rodaje al proceso del montaje, tan esencial para la narración cinematográfica.

La historia de Copelia está basada en el relato de E.T.A. Hoffman El hombre de arena con libreto de Charles Nuitter y Arthur Saint-León y música de Leo Delibes. El ballet se estrenó en París en 1870. El coreógrafo y director del Ballet de Montecarlo, Jean-Christophe Maillot ha relacionado la historia de esta muñeca de tamaño natural con las máquinas antropomórficas que la inteligencia artificial creará, todo parece indicar que no tardará mucho en que las disfrutemos o acaben matándonos. 

Es fácil imaginar robots con forma humana, incluso dotados de aplicaciones que incluyan los sentimientos humanos más importantes. La literatura ya ha empezado a hablar de ello hace mucho tiempo, y cada nueva novela que trate del asunto en un contexto actual, describe al androide en cuestión imposible de distinguir del ser humano que sirvió de modelo. (Lo último que he leído al respecto es la novela de Ian McEwan, publicada en 2019, titulada Máquinas como yo, donde el autor se plantea si un robot de aspecto atractivamente humanoide es capaz de entender la complejidad moral del ser humano).

Pero volviendo a la superficie, es decir el body/segunda piel que lucen Coppelia, Irma Vep o Vera (Elena Anaya) ha vuelto a ponerse de moda de modo fulminante a través del diseñador que mejor ha tratado la piel femenina, Jean Paul Gaultier, por eso le encargué el diseño de los bodys de La piel que habito. En el otoño de 1995 Gaultier ya presentó una colección llamada Cyber, basada en monos muy ajustados (segunda piel) con un estampado de lunares futuristas inspirado en el artista del Op-Art Victor Vasarely. Estas prendas eran una continuación natural de sus camisetas y bodys llenos de tatuajes que siguen tan vigentes como entonces. Es curioso que ahora todas las fashionistas se han vuelto locas con el descubrimiento original de Gaultier y sus Cyberdots. 1995 era el momento de El quinto elemento de Luc Besson donde lo más interesante fue el diseño del vestuario de Gaultier.

Atento al clamor que ha devuelto sus cyberdots a la actualidad la Casa Gaultier ha lanzado dos colecciones, maravillosas, basadas en dos de los bodys que aparecen en la película, el de “Las Amazonas” y el de “Cyberbaba” que se están vendiendo como rosquillas. Bien es verdad que estas prendas están pensadas para cuerpos filiformes como el de Milena Smit o la cantante Aitana, pero las Kadarshian en tromba se han lanzado sobre todo el vintage existente y las nuevas colecciones para tenerlas de fondo de armario. Gaultier además ha desarrollado, también en esta línea, para hombre y mujer, la colección “Y Project”, con vestidos y faldas. También ha pensado en los varones, utilizando la misma idea y la misma estrechez de las prendas. Pienso un minuto en hacer un pedido, pero para un centenario como yo (peso justo 100 kg) creo que no es lo más adecuado, a no ser que me convierta en un viejo indigno y ridículo. 

Ya que he empezado hablando de la autómata Coppelia, y de robots que pueblan nuestros sueños y nuestras pesadillas, me inquieta y a la vez inflama mi curiosidad hasta dónde llegarán estos seres que en principio vienen a ayudarnos pero que también puede que al final nos den una patada y nos quiten de en medio. En un artículo de El País leo una demostración de la capacidad creadora de alguna de estas máquinas, Ai-Da (fabricada por Engineered Arts) es un robot femenino con cara y pelo de mujer donde el resto del cuerpo, hecho a imagen del humano, con troncos y extremidades, es transparente y permite ver todo el aparataje y cableado que anima sus movimientos. ¡Una robot artista que ha participado ya en la Bienal de Venecia! 

La inteligencia artificial ya está aquí, pero como el ser humano es tan artificial ya ha pensado en el mejor modo de vestirse a su imagen y semejanza. Gaultier aporta la parte lúdica de todo esto, la terrorífica nos viene de China donde, como he dicho, el científico He Jiankui sale de la cárcel por haber manipulado genéticamente a tres bebés. Ya hay tres seres humanos que no se parecen a nosotros y esto sí que es verdaderamente pavoroso. (Viniendo de la Hermética China).

En el ángulo opuesto a lo anterior: He empezado a ver la serie documental sobre Ingmar Bergman, donde básicamente habla él todo el tiempo; ya está retirado, tiene más de 80 años, pero se le ve lleno de vida, sobre todo su cerebro y su memoria elefantiásica. Por la vitalidad y picardía que brillan en sus ojos diría que todavía es capaz de sentir deseo sexual. (Fue un gran amante, un amante muy infiel que además contaba, con la misma crueldad con que lo hacía en su propia vida, sus infidelidades a sus víctimas conyugales: recordemos Escenas de un matrimonio. No creo que se haya escrito y dirigido nada tan salvaje sobre esta institución. Él mismo lo reconoce).

Somos dos personas totalmente distintas, no solo por las épocas que nos tocó vivir, las culturas tan distintas a las que pertenecemos, nuestro modo de vivir la sexualidad tan opuesta, sin embargo, hay muchas cosas de él con las que me identifico: su indefensión y temor a la muerte, ese miedo feroz que confiesa cuando ya debía encontrarse cercano a ella. Sus tres películas sobre el silencio de Dios (Los comulgantes, El silencio y Como un espejo), su modo de trasladar episodios de su propia vida a las páginas de un guion, creo que él es más cruel que yo consigo mismo, y que trata peor que yo a los actores. 

Me estimula tanto escucharle que me lanzo sobre el ordenador a escribir. Ni siquiera he apagado la televisión, y el capítulo que estaba viendo sigue su curso, me acompaña su voz de fondo. Quiero escribir escuchando la voz de Ingmar Bergman, debía de ser muy hablador, porque la periodista casi no interviene. Pero también es un hombre que sabe vivir en silencio, tal vez una cosa le lleve a la otra. Como él mismo dice, pasa días enteros en absoluto silencio, solo, en su isla. No he querido parar el capítulo que estaba viendo para vivir la experiencia de escribir algo mientras a seis metros de mis manos tecleando habla Bergman. No le veo, pero le escucho y es como si me lo estuviera diciendo a mí. Siento una enorme gratitud, es el mejor momento del día, sin duda, escribir mientras Bergman habla de sí mismo, de las películas que hizo y por qué las hizo.

Me admira su lucidez, además de admirar lo obvio, su genialidad. ¿A quién pudo ocurrírsele desafiar a la muerte jugándosela en una partida de ajedrez? Es una escena propia de Buñuel, pero fue Bergman quien la concibió y la rodó en El séptimo sello. Viendo imágenes de su tv movie Después del ensayo estoy tentado de debutar en el teatro con esta pieza, la última que escribió como dramaturgo. Solo necesitas un escenario vacío, con objetos que se han ido arrumbando por ahí, retazos de otros montajes, lo que equivale a que no necesitas escenografía, o que puedes poner cualquier cosa, de cualquier estilo, que es lo que más me gusta. Y un director y una actriz hablando de su trabajo. Para mí la vida es justamente eso.

Viendo imágenes de su tv movie “Después del ensayo” estoy tentado de debutar en el teatro con esta pieza, la última que escribió como dramaturgo

Pedro Almodóvar — Director de cine

Me tomo un respiro y vuelvo al documental. Puedo escuchar cómo habla de la amargura de su padre que no dudó en hacerles sufrir tremendos castigos a él y a su hermano, (ver Fanny y Alexander). El padre era pastor luterano y les educó de forma tan estricta que ríete tú de la mala educación de los curas católicos. No viene a cuento, pero el padre de Angela Merkel también era pastor luterano. ¡Pobrecilla! 

Bergman hijo reconoce con toda naturalidad hasta qué punto el rencor que su padre sentía por él era mutuo. Y que él mismo, Bergman, tan prolífico como padre y como director (llegó a dirigir varias veces dos películas por año, y tuvo ocho hijos de cinco mujeres), reconoce que fue muy mal padre, un padre ausente que nunca consideró a sus hijos. Añade que entiende que sus hijos le odien, del mismo modo que él odiaba a su padre.

Mi identificación desaparece con estas confidencias. No mueve una pestaña al decirlo. Su crueldad con él mismo y con su familia aumenta en los capítulos finales. Me estremece, pero no tengo la impresión de estar ante un monstruo, en primer lugar porque no trata de excusarse y en segundo lugar porque su talento y su sinceridad son superiores a su crueldad, a su falta de complacencia. Y supo plasmarlo todo ello en obras maestras incontestables.

Viniendo de hablar de los robots o de mujeres robotizadas, el contraste con la atmósfera helada de la isla de Faro, donde vive, solo, el genio, me sitúa en mi lugar, viviendo como el genio, en mi propia isla, en mi casa.

Recomendaciones para este nuevo año. Imprescindible ver:

Los ojos sin rostro (Georges Franju).

Leer y ver Frankenstein.

La piel que habito.

Vértigo.

Leer Máquinas como yo, de Ian McEwan.

Tamaño Natural, de Berlanga.

Los dos Blade Runner.

Buscar en internet los nuevos modelos Cyber de Jean Paul Gaultier, que se agotan. Y los de la “Y Project”.

El quinto elemento, de Luc Besson, solo para ver los modelos de Gaultier.

Muñecos Infernales, de Tod Browning. 

Y si te gusta Ingmar Bergman, solo si te apasiona, no te pierdas el documental Un siglo de Bergman en Filmin. Es muy heavy.

Entramos nunha das semanas centrais do inverno, unha vez rematado o Nadal e co Entroido xa no horizonte. A actividade cultural renace despois do letargo vacacional e estes días teremos interesantes eventos como a xira da montaxe circense Inventio, que fai parada no Teatro Colón da Coruña, a presentación en solitario do gran Luís Zahera que chega con Chungo a Ourense ou a actuación de Luar na Lubre nesa mesma cidade.

Un dos grupos pop que destacou nos últimos anos, Los Punsetes, chega este sábado a Santiago, e a capital galega tamén vivirá a estrea dunha coprodución do Centro Dramático Galego, Relato para un incendio. As rabeleadas de Nadal seguen presentes nas actuacións do Ballet Clásico de Ucraína en Vigo e A Coruña cunha das obras máis coñecidas da danza clásica, O Lago dos Cisnes. Ambas cidades tamén reciben esta semana a Sinfónica de Galicia co violinista Bomsori Kim como convidado especial. E a arte aparece con novas propostas como a inauguración na Fundación Seoane dunha gran exposición do artista pontevedrés Xulio García Rivas. Moito e bo para combater a melancolía invernal.

Circo con temática xacobea. Teatro Colón A Coruña. Venres 13 e sábado 14

Comedia, drama, circo, danza, maxia, isto é todo o que promete o espectáculo Inventio, unha produción para toda a familia que aproveita a ciencia ficción para situarnos no último ano xacobeo do século, 2094, e ambientar nese tempo unha historia que dá lugar a acrobacias e números musicais protagonizados por un nutrido grupo de artistas de distintas disciplinas. Máis aló da temática, Inventio ofrece espectacularidade en abundancia para convencer a nenos e adultos. Aquí as entradas.

Para rir con Luís Zahera. Auditorio Municipal de Ourense. Sábado 14

É un dos actores galegos en estado de graza dos últimos tempos e agora, ademais de velo na pantalla, tamén o temos de xira teatral co seu espectáculo Chungo. Zahera en estado puro e nada máis que dicir, é imposible permanecer indiferente a un gran actor-cómico. Aquí as entradas.

Bomsori Kim e a OSG en Vigo e A Coruña. Xoves 19 e venres 20

O prestixioso violinista surcoreano Bomsori Kim acompañará á Orquestra Sinfónica de Galicia en dous concertos que terán lugar o xoves 19 no Teatro A Fundación de Vigo e o venres 20 no Palacio da Ópera da Coruña, con obras de Tchaikovsky e Shostakovich. Entradas Vigo.

Xulio García Rivas na Seoane. A Coruña. Ata o 9 de abril

Obras de gran formato do artista agoladense expoñen a partir do mércores día 18 nas salas centrais da Fundación Seoane na Coruña A influencia da pintura taoísta chinesa e o expresionismo abstracto están presentes en Manancial de Sombras, unha mostra que aposta por conectar o mundo interior do artista co espectador. Máis info.

Outras propostas

El buen hijo. A xove banda madrileña de pop El Buen Hijo chega esta fin de semana a Galicia para presentar os temas do seu primeiro disco. A sala Ruido de Ferrol (venres 13) e a cafetería Torgal de Ourense (sábado 14) serán as sedes destes concertos. Máis información e entradas aquí.

Estrea do CDG. O Centro Dramático Galego estrea esta fin de semana en Santiago unha coprodución con aAntena baseada na obra Relato para un Incendio de Ernesto Is. Máis info e entradas.

Os Punsetes en Santiago. A banda indie chega á sala Capitol de Compostela para presentar o seu sétimo disco, AFDTRQHOT. Aquí as entradas.

Luar na Lubre en Ourense. Sen dúbida son un dos grupos folclóricos emblemáticos do panorama galego. Agora chegan este venres día 13 ao Teatro Principal de Ourense. Aquí entradas.

Lago dos Cisnes. A obra coreográfica inmortal chega ao Auditorio Mar de Vigo (venres 13) e ao Palacio da Ópera da Coruña (domingo 15) coa compañía de Ballet Clásico Ucraíno. Entradas para Coruña aquí.

Entramos en una de las semanas centrales del invierno, una vez superada la Navidad y con el Entroido ya en el horizonte. La actividad cultural se va desperezando después del letargo vacacional y en estos días tendremos eventos interesantes como la gira del montaje circense Inventio, que hace escala en el Teatro Colón de A Coruña, la presentación en solitario del gran Luís Zahera que llega con Chungo a Ourense o la actuación de Luar na Lubre en esa misma ciudad.

A Santiago llega este sábado uno de los grupos pop que han destacado en los últimos años, Los Punsetes, y la capital gallega también vivirá el estreno de una coproducción del Centro Dramático Galego, Relato para un incendio. Los coletazos navideños aún están presentes en las actuaciones del Ballet Clásico de Ucrania en Vigo y A Coruña con una de las obras más conocidas de la danza clásica, El Lago de los Cisnes. Ambas ciudades también reciben esta semana a la Sinfónica de Galicia con la violinista Bomsori Kim como invitada especial Y el arte aparece con nuevas propuestas como la apertura en la Fundación Seoane de una gran muestra del artista pontevedrés Xulio García Rivas. Mucho y bueno para combatir la melancolía invernal.

Circo con temática xacobea. Teatro Colón A Coruña. Viernes 13 y Sábado 14

Comedia, drama, circo, danza, magia esto es todo lo que promete el espectáculo Inventio, un montaje para toda la familia y que recurre a la ciencia ficción para situarnos en el último año xacobeo del siglo, 2094, y ambientar en esa época una historia que da pie a las acrobacias y números musicales protagonizados por un numeroso grupo de artistas de distintas disciplinas. Más allá de la temática, Inventio ofrece espectacularidad a raudales para convencer a niños y mayores. Aquí entradas.

A reírse con Luís Zahera. Auditorio Municipal de Ourense. Sábado 14

Es uno de los actores gallegos en estado de gracia en los últimos tiempos y ahora además de verlo en pantalla también lo tenemos en gira teatral con su espectáculo Chungo. Zahera en estado puro y no hay que decir más, imposible permanecer indiferente ante un cómico-actor de los grandes. Aquí entradas.

Bomsori Kim y la OSG en Vigo y A Coruña. Jueves 19 y Viernes 20

La prestigiosa violinista surcoreana Bomsori Kim acompañará a la Orquestra Sinfónica de Galicia en sendos conciertos que tendrán lugar el jueves 19 en el Teatro A Fundación de Vigo y el viernes 20 en el Palacio de la Opera coruñés, con obras de Chaikovski y Shostakovich. Entradas Vigo.

Xulio García Rivas en la Seoane. A Coruña. Hasta el 9 de abril

Obras de gran formato del artista de Agolada se exhiben en las salas centrales de la Fundación Seoane de A Coruña a partir del miércoles 18. La influencia de la pintura taoísta china y del expresionismo abstracto están presentes en Manancial de Sombras, una muestra que apuesta por conectar el mundo interior del artista con el espectador. Más info.

Otras propuestas

El Buen Hijo. La joven banda de pop madrileña El Buen Hijo llega a Galicia este fin de semana para presentar los temas de su primer disco. La sala Ruido de Ferrol (viernes 13) y el café Torgal de Ourense (sábado 14) serán los escenarios de estos conciertos. Más info y entradas aquí.

Estreno del CDG. El Centro Dramático Galego estrena este fin de semana en Santiago una coproducción con aAntena basada en la obra Relato para un Incendio de Ernesto Is. Más info y entradas.

Los Punsetes en Santiago. La banda indie llega a la sala Capitol compostelana para presentar su séptimo disco, AFDTRQHOT. Aquí entradas.

Luar na Lubre en Ourense. Sin duda son uno de los grupos folk emblemáticos de la escena gallega. Ahora llegan este viernes 13 al Teatro Principal de Ourense. Aquí entradas.

El Lago de los Cisnes. La inmortal obra coreográfica llega al Auditorio Mar de Vigo (viernes 13) y al Palacio de la Ópera de A Coruña (domingo 15) con la compañía Ballet Clásico de Ucrania. Entradas A Coruña aquí.

Detrás de un imponente telón rojo, Margo apura sus últimos estiramientos antes de pisar el escenario después de casi diez meses. Su rostro, serio y concentrado, contrasta con el cuerpo y aspecto de una niña de 10 años. Está nerviosa, pero no lo evidencia. Es la primera vez que interpreta a Caperucita como bailarina protagonista. Es la primera vez que actúa en el simbólico Teatro de Odesa desde el inicio de la guerra de Ucrania. 

Aunque por un rato todo parece igual que antes, ahora todo es diferente. Lo recuerda una voz que resuena en el teatro minutos antes del inicio de la actuación: “En caso de sirenas, vayan al refugio dentro del teatro”. Pero se abre el telón, la música empieza y el ballet infantil de Svetlana Antipova permite al público olvidar el conflicto durante la hora y media del espectáculo. 

Han pasado casi diez meses desde que Margo, su hermano y su madre, Veronika, abandonaron Ucrania tras el inicio de la contienda. Se refugiaron en Moldavia y, tras pasar por distintos albergues, fueron acogidas en un resort convertido en refugio improvisado para las personas desplazadas de la guerra en el país vecino, como contaron a elDiario.es el pasado mes de marzo.

Atrás dejaron entonces a Oleksei, el marido de Veronika y padre de los niños. Atrás dejó Margo también sus clases de ballet presenciales, impartidas por su propia abuela, una histórica primera bailarina del ballet de Odesa, Svetlana Antipova. 

Volver a casa

En la platea del teatro, Veronika y Oleksei se agarran la mano mientras observan, entre nerviosos y emocionados, la actuación de la niña. Después de haber pasado seis meses separados por la invasión rusa, la familia vuelve a estar unida. La mujer decidió regresar a casa junto a sus hijos el pasado mes de agosto. Aunque la guerra continúa, la situación parecía más tranquila en su ciudad. 

“Me echaban menos, echaban de menos su casa. Yo los echaba de menos… ”, explica Oleksei a través de una videollamada desde la casa de su madre, la profesora de Margo. Él fue quien convenció a su mujer para que saliera del país, a pesar de las dudas de Veronika, que se inclinaba por quedarse. Pasados los meses, sin un acuerdo de paz a la vista, apostaron por retomar su vida en Ucrania. 

“Decidí volver porque los niños echaban mucho de menos a su padre. Para mí era muy duro estar en otro país y cada día estaba muy nerviosa por mi marido”, cuenta la ucraniana, estilista especializada en vestuario de danza, a través de mensajes de teléfono.

“Nuestro encuentro fue muy emotivo, los niños corrieron hacia el padre y saltaron sobre él y luego corrieron dentro de la casa para ver a nuestro gato. Cuando me encontré con mi marido nos quedamos de pie en la calle, llorando y abrazándonos muy fuerte”, describe. 

Han cambiado su refugio, un apacible hotel ubicado junto un gran lago en una tranquila zona rural de Moldavia, por su hogar en un momento difícil para volver. “Ahora vivimos en casa y es una gran felicidad, pero los apagones y los ataques con cohetes nos ponen nerviosos. Especialmente el 5 de diciembre, hubo muchas explosiones y oímos el ruido de los cohetes... Fue terrible, teníamos mucho miedo”. Los reiterados cortes de electricidad sufridos en la ciudad también dificultan aún más los ensayos de ballet de su hija. 

Ballet a oscuras

Un único foco -cargado con baterías- ilumina el espejo donde todas las alumnas se observan en el Estudio de Danza de Svetlana Antipova. Las pequeñas bailarinas se preparan junto a la barra que rodea la sala y la música marca el inicio de un ensayo de ballet diferente.

En penumbra, sus movimientos se funden con las sombras dibujadas en las paredes del aula de danza. Una voz increpa a quienes no estiran los pies lo suficiente, a quienes podrían elevar un milímetro más los talones. Podría parecer que apenas se ve nada. Pero ella, Svetlana Antipova, lo ve todo. Y tenía demasiadas ganas de hacerlo. 

Ahora las observa a oscuras, pero las ve completas y sin una pantalla entre medias, como hacía durante los primeros meses de la contienda.

La abuela de Margo rechazó salir del país y siempre se ha quedado en Odesa. Allí dedicaba parte de su tiempo a pensar cómo podría reanudar sus espectáculos en caso de que el Teatro de Odesa abriese sus puertas de nuevo. Muchas de sus alumnas habían abandonado el país y estaban desperdigadas por distintos países de Europa u otras ciudades ucranianas.

Pero Antipova nunca dejó de dar clase: para que sus alumnas mantuviesen su nivel, impartía lecciones de ballet on line. Después, retomó las clases presenciales. Había que retomar la vida, había que seguir bailando, aunque fuese en medio de una guerra. 

Cuando Margo regresó a Ucrania, tenía muchas ganas de volver a la escuela de danza, pero la niña se preguntaba qué pasaría si las sirenas o un bombardeo interrumpiesen una de sus clases. No se sentía segura lejos de su madre. “Después de hablar con ella y de que yo le prometiera estar siempre cerca de la escuela, retomó las clases de ballet”, cuenta Veronika.

En junio, el teatro decidió retomar su actividad con un dispositivo de seguridad adaptado a tiempos de guerra. En caso de sonar las sirenas, la actuación se interrumpe. Público y bailarines deben resguardarse en el refugio subterráneo. Si la alerta se mantiene durante una hora, la función se suspende y se celebra otro día. Si la alerta dura menos de 60 minutos, la obra continúa a pesar de la interrupción. 

Un mes de preparación

La abuela recibió la deseada llamada en octubre. Desde el teatro querían que su ballet infantil de Svetlana Antipova regresase a su escenario. Tenía poco más de un mes para prepararlo, pero aceptó. “Ella solía trabajar duro. Le preocupaba cómo estaban preparados los niños, después de un tiempo sin entrenar tanto como antes”, cuenta su hijo.

“Muchos aún estaban fuera de Ucrania, pero utilizamos a algunas personas de otras escuelas, porque es una gran oportunidad para que los niños actúen en este teatro”. El lobo de Caperucita, por ejemplo, es un adolescente procedente de Jersón, una de las ciudades que fueron ocupadas por las tropas rusas y han sido recientemente liberadas. El bailarín se refugió en Odesa, más tranquila que su lugar de origen, y acabó formando parte del elenco de Antipova.  

Para Margo, el reto de convertirse por primera vez en primera bailarina llegó de la mano de otro desafío: preparar la actuación en un tiempo récord con su exigente abuela como profesora. “Estaba muy contenta de volver al escenario y muy nerviosa, porque era la primera vez que bailaba el personaje principal de la obra, y sólo tenía un mes para aprenderlo”, explica su madre.

“Su abuela es muy dura como profesora de ballet y ha sido un mes estresante para Margo. Han discutido mucho, pero al final ha salido todo muy bien”, añade su padre, el hijo de la bailarina. 

Cuando el telón del teatro de Odesa se cierra, el público rompe en aplausos. La cortina roja se abre de nuevo y la pequeña Margo aparece con un gran ramo de flores, junto al resto del elenco. Entre cajas, el hijo de Svetlana trata de empujar a su madre al escenario. Ella se resiste. Prefiere que el protagonismo se centre en sus bailarines, pero Oleksei acaba por conseguir su objetivo.

La histórica bailarina retirada sale al escenario, mientras Vernonika y Oleksei se emocionan. Hacía años que la directora del ballet no salía al escenario tras la actuación. Su familia llega a empujarla, para que permanezca un poco más sobre las tablas. Quiere que, después de tantos meses complicados, Antipova vuelva a escuchar y observar los aplausos en un teatro repleto a pesar de la guerra.

El Ballet de Kiev se encuentra, por primera vez, de gira por España realizando una representación de varios títulos entre los que se incluye 'El lago de los cisnes' o 'El Cascanueces' con Ana Sophia Scheller como directora artística. Será el miércoles 7 de diciembre, a las 17.00 horas, cuando la función llegue al Cartuja Center de Sevilla con la interpretación de esta última obra.

A través de la venta de entradas se apoyará el trabajo que está realizando Unicef para salvar y proteger a los niños, niñas y familias afectados por la guerra tanto en Ucrania como en los países donde se han refugiado, según destaca en una nota de prensa la ONG.

Se calcula que, desde el inicio de la guerra, más de 1.100 niños y niñas han sido asesinados o han resultado heridos, aunque se teme que la cifra real sea mucho mayor. El pueblo de Ucrania ya ha sufrido nueve meses de guerra y “está a punto de soportar las penurias añadidas del invierno, pues se prevén temperaturas bajo cero y fuertes nevadas tanto dentro del país como en los territorios vecinos”.

En este sentido, Unicef está preparado para proporcionar refugio y suministros contra el frío a las familias más afectadas, mientras la infraestructura civil de la que dependen --como hospitales, escuelas y redes de agua-- sigue recibiendo ataques.

Unicef advierte de que la guerra ha causado una crisis aguda de protección infantil. “Los niños que huyen del conflicto corren un riesgo significativo de separación familiar, violencia, abuso, explotación sexual y trata de seres humanos. La mayoría de ellos han estado expuestos a eventos profundamente traumáticos”.

El Ballet de Kiev

Desde 2017, el Ballet de Kiev ha realizado más de 500 actuaciones en los teatros más importantes a nivel mundial, en giras que les ha llevado a recorrer Suiza, Alemania, Francia, Polonia, Croacia, China, Ucrania y México, entre otros países.

Ana Sophia Scheller, directora artística del Ballet de Kiev, es una de las bailarinas más reconocidas del panorama mundial y se unió al Teatro de la Ópera de Kiev en 2019. Desde entonces sus apariciones en escena, así como su iniciativa artística, han dejado una profunda huella.

La gira española del Ballet de Kiev incluye más de un centenar de actuaciones durante los meses de otoño e invierno en Madrid, Valencia, Málaga, Almería, Granada, Alicante, Coruña, Burgos, Bilbao, Valladolid, Oviedo, Vigo, Santiago de Compostela, Pontevedra, Santander, Pamplona, Logroño, Palencia, Ourense, Zaragoza, Murcia, Elche, León, Albacete, Soria, Cáceres, Badajoz, Jerez, Almería, Salamanca, Toledo, Ávila, Sabadell, Reus, y Ciudad Real.