Mucho romanticismo, un olfato despierto para rastrear las buenas canciones y la empatía incondicional hacia sus intérpretes alimentan el catálogo de Madmua Records desde que lanzó su primera referencia en 2016, de Proumatic, una interesante banda rockera de Reus de los 70 que únicamente había dejado como legado un flexidisc autoeditado. Era una rareza, un caramelo para los coleccionistas, como el que este 23 de febrero, diez años después, pone a la venta el mismo sello: un single con canciones que Manolo y Ramón (Manolo de la Calva y Ramón Arcusa) registraron en 1970 con Jimmy Page e Ian Anderson como músicos de estudio.

Se cruzaron aquel año las biografías, grabando en Londres, de los componentes del Dúo Dinámico, casi siempre asimilados en su país con el pop más almibarado, con las de dos luminarias del rock duro británico: el guitarrista de Led Zeppelin y el cantante e icónico flautista de Jethro Tull. Y teniendo en la producción, además, a Cy Payne y Kenny Clayton, parte del equipo de George Martin, el ingeniero que hizo grandes a los Beatles. Fue un intento de aquellos de reinventarse, presentándose con sus nombres de pila, en un momento en que su fórmula de siempre había perdido fulgor y querían explorar nuevos caminos. Del experimento salió un elepé con exquisitos arreglos y ecos de soul que se editó, además de en España, en Argentina, Uruguay y Perú. Pero con escasa repercusión; las ventas fueron escuálidas y solo a partir de los 90, en parte gracias a su redescubrimiento por la escena mod, comenzó a ser valorado y buscado por los ‘connoisseurs’.

Madmua recupera ahora en un single dos de las canciones: ‘Un día pregunté’ y ‘Por tu amor’. Será la referencia 49 de esta discográfica radicada en Zaragoza, se publicará con una cuidada edición (el ilustrador Óscar Sanmartín es el diseñador de referencia y siempre hay sorpresas en forma de postales o ‘inserts’) de 500 copias numeradas. Como todas las anteriores, se despachará en días, si no en horas. 

Más que ventas, amistades

No hay disco de este sello sin una gran historia detrás. En el catálogo abundan gemas sacadas del ‘underground’: Los Jemax (garage-beat, con un par de epés grabados para Columbia que en su día no llegaron a publicarse), Los Amis (donde tocaba la guitarra Eduardo Moreno Bergaretxe, ‘Pertur’, el luego desaparecido líder de los ‘polimilis’ de ETA), Célula (interpretó la primera ópera rock española), Los Cirros (pop psicodélico con el exministro de Justicia Mariano Fernández Bermejo al bajo), Los Syn (cuatro jóvenes estadounidenses, hijos de diplomáticos y ejecutivos, que montaron una genial banda de garage en Santiago de Chile)… Alternan con rescates de otros géneros, igualmente piezas de caza mayor para los coleccionistas, como The Zara’s, seis hermanos navarros que triunfaron en los años 60 en Las Vegas, alternando con mitos como Frank Sinatra o Elvis Presley; el colombiano, gran muñidor de éxitos románticos, Henry Nelson; la cantante yeyé Sonia (Pilarín Espí); o el peruano Alfredo Linares, una luminaria de la música tropical.

Madmua ha trascendido particularmente por dar nueva vida al legado de Chicho Sánchez Ferlosio. Tres trabajos ha publicado del autor de ‘Gallo rojo, gallo negro’ o ‘A la huelga’, incluido el elepé ‘Canciones de la resistencia española’, editado de forma clandestina hace 50 años en Suecia y que constituyó un sorprendente éxito en Escandinavia. Junto a David Trueba realizó un documental sobre esta historia.

“Ha sido una década muy intensa y feliz. El principal premio ha sido conocer a decenas de músicos, la mayoría de los cuales nunca consiguieron ni éxito ni reconocimiento, escuchar sus historias y ver en sus caras la felicidad y el orgullo al comprobar que cinco o seis décadas después, sus canciones son reivindicadas y valoradas. Más que vender discos, hemos hecho muchos amigos. Humildemente, creo que hemos forjado un sello con alma y eso lo ha comprendido y premiado nuestro público. Y pese a que la mayoría de títulos editados nadan en el garage, el pop y el rock, nuestra mayor aportación ha sido la reivindicación de la figura de Chicho Sánchez Ferlosio”, resume Joan F. Losilla, coordinador de esta discográfica.

Una aventura romántica

Madmua Records, además de dedicarse a la arqueología musical de los años 60 y 70, tiene una línea paralela, bajo el nombre de Discos Madmua, donde publica canciones desde los 90 hasta nuestros días. Van 14 discos y cada uno esconde también un gran relato. Además, ha publicado dos libros sobre el poeta y cantante Sergio Algora (El Niño Gusano, la Costa Brava). Algunas de las grabaciones se han editado con fines benéficos como el single ‘Canciones del universo de La estrella azul’, que culminaba la premiada película del mismo nombre filmada por Javier Macipe y su reivindicación de la figura de Mauricio Aznar, registrando por primera vez uno de los últimos temas que este compuso antes de fallecer: ‘De los pagos del olvido’. Con lo recaudado, varios cantantes de Santiago del Estero, la ciudad argentina donde Mauricio Aznar se encontró con la chacarera, tuvieron la oportunidad de grabar en un estudio profesional.

Madmua se mantiene de forma prácticamente artesanal, a base de voluntarismo, atendiendo a una clientela fiel (muy mayoritariamente de más de 40 años), que aguarda con avidez cada lanzamiento. “Profesionalizarse es una quimera. Deberíamos subir los precios y aumentar la producción en un 300 o 400 por ciento como mínimo. Y hacerlo iría en contra de la filosofía del sello, que prima la calidad y la generosidad con las bandas muy por encima del beneficio económico. La de Madmua es una aventura romántica que nació así y morirá así”, concluye Joan F. Losilla.

Antes de dirigir por primera vez una película David Trueba (Madrid, 1969) ya había podido publicar su primera novela. Fue en 1995 y se titulaba Abierto toda la noche, inaugurando una relación con la editorial Anagrama que se extiende hasta nuestros días. “Justo en octubre cumplí 30 años con Anagrama, el otro día me dijeron que era uno de sus autores más veteranos”, asegura Trueba en conversación con elDiario.es. Al año siguiente de Abierto toda la noche Trueba debutó tras las cámaras con La buena vida, y desde entonces ha ido alternando ambas facetas con éxito parejo. En 2008, gracias a su novela Saber perder, obtuvo el Premio Nacional de la Crítica.

Siete años después llegó Blitz a las librerías, contándonos cómo un arquitecto rompía con su pareja durante la estancia de ambos en una fría ciudad europea, y al no querer volver inmediatamente a casa el protagonista tenía un idilio con una mujer que le doblaba la edad. Es la novela que Trueba se ha propuesto llevar al cine en un gesto inédito para su trayectoria, coincidiendo el estreno de la película con la publicación de un ensayo suyo para Anagrama, Mi 69. De este pequeño libro Trueba asegura que es “una biografía del año en que nació”. “De todo lo que me conformó de alguna manera, todo lo contrario a un ‘yo me he hecho a mí mismo’”, ironiza. También es una reflexión sobre el paso del tiempo, algo que le une a Siempre es invierno. Ese es el título del filme que adapta Blitz.

David Verdaguer es ese arquitecto tras encarnar a Eugenio en Saben aquell, su anterior colaboración con Trueba. Amaia Salamanca es su pareja (pronto ex), y la veterana Isabelle Renaud quien logra que el protagonista se replantee su relación con el tiempo. Hacia el final, el arquitecto construirá un parque adornado con grandes relojes de arena. “Un día David estaba hablando por teléfono con su hija pequeña y le dijo que los relojes de arena tienen algo triste, porque ves el tiempo pasar”, recuerda Trueba. “Y la hija, con una perspectiva temporal muy distinta a la de un adulto, replicó que no era triste porque en estos relojes ves cómo se agota una esfera mientras se va llenando la otra”. Naturalmente, Trueba tuvo que incluir esta reflexión en Siempre es invierno.

Todos tenemos fresca tu colaboración con David Verdaguer en Saben aquell, pero Siempre es invierno no es una película inmediatamente posterior. Entre medias rodó El hombre bueno con Jorge Sanz en Mallorca.

Era una película hecha con poquísimo dinero, sin ayudas. Fuimos con ella al Festival de Málaga intentando hacernos un hueco, pero no conseguimos mucho. Llevarla a salas parecía un suicidio.

¿Es más difícil sacar películas adelante hoy que cuando empezó a dirigir, hace tres décadas? 

Creo que hoy es más fácil hacer una película que nunca, lo difícil es que se vea. La industria española está muy fuerte y la tecnología lo facilita todo. Lo complicado es obtener visibilidad, porque cada fin de semana se estrenan ocho o nueve películas, de las cuales dos o tres son españolas. Es difícil entrar ahí si no tienes un presupuesto mínimo en publicidad. Así que El hombre bueno forma parte junto a A este lado del mundo, Casi 40 o Madrid, 1987 de lo que yo llamo “mis películas underground”. Películas que solo se pueden ver como se dejan ver.

Siempre es invierno forma parte de un modelo distinto, adaptando una historia ya conocida. ¿Por qué ha adaptado una novela propia a estas alturas de tu carrera?

Nunca tuve la tentación de llevar al cine mis otras novelas, es solo que con Blitz pasó algo particular. Desde que nació se dio la opción de adaptarla, y en 2017 estuve a punto de dirigir la película. El proyecto se canceló por una serie de problemas y muy poco después hice A este lado del mundo, donde retomaba el personaje de Blitz para la película (aquí interpretado por Vito Sanz, que también tiene un papel en Siempre es invierno), y lo mandaba a Melilla como arquitecto paisajista para reformar una valla migratoria. Blitz se quedó conmigo entre estas dos obras, y entonces cuando acabamos Saben aquell los productores me dijeron que querían hacer otra película conmigo. 

Creo que hoy es más fácil hacer una película que nunca, lo difícil es que se vea. La industria española está fuerte y la tecnología lo facilita todo. Lo complicado es obtener visibilidad

David Trueba — Cineasta y escritor

‘¿No tendrás algún otro guion en el cajón?’. Yo respondí que tenía una adaptación que estuve a punto de hacer de Blitz, y entonces David Verdaguer dijo que había leído la novela en su día y que le encantó. Dije: ‘Pues tú serías un protagonista muy bueno’. Y eso es todo. No fue nada planificado. Las películas se acaban haciendo ‘porque se puede’, y si no hacemos otra es porque no se ha podido.

¿Este elemento posibilista es lo que ha conducido a que haya ciertos cambios en la adaptación? Blitz transcurría originalmente en Múnich, no en una ciudad de Bélgica…

En efecto no encontramos el mundo germano que había imaginado, y llegué a plantearme cambiar el escenario a Zúrich. Entonces apareció un productor belga, se nos ocurrió llevar la historia a una ciudad belga [a Lieja, cerca de Bruselas] y pensé: ‘Mejor, ahora podremos tener a una actriz francesa’. El concepto de Blitz, como es una palabra alemana, también desapareció. Era absurdo mantener el concepto, pero no es nada grave. El arquitecto que el protagonista admira en la novela es japonés y aquí es coreano. Podría haber sido japonés, pero, ¿no está Corea en el lugar en que estaba Japón hace 10 años, con mayor presencia en el imaginario artístico y cultural?

Tuvo que ser extraño poner en imágenes algo que había imaginado hace bastante tiempo…

Lo más extraño fue la convivencia del David Trueba de entonces con el David Trueba de ahora. Porque el que escribió Blitz estaba muy pegado al protagonista y narrador, mientras que el que dirige ahora está mucho más entre los dos personajes, el arquitecto y la mujer con la que tiene un idilio. Incluso está más cerca de esta mujer, que ya está instalada de otra manera en el mundo. Ya no tiene el nervio de vivir intensamente. Está en un momento más reflexivo, como yo. Poner de acuerdo esos puntos de vista quizá fue lo más difícil, aunque siempre se ha dicho de mis novelas que son todas muy cinematográficas. En particular creo que Blitz es la más cinematográfica de todas porque trata de los cuerpos, de esos cuerpos que se encuentran en medio de un cierto aislamiento e incomunicación.

Ya que menciona el personaje de Isabelle Renaud, es bastante sorprendente la delicadeza con la que se retrata su cuerpo desnudo y las escenas de sexo con Verdaguer. Sobre todo, en un momento donde cierto cine de género, como La abuela  o La sustancia, se empeña en exhibir el cuerpo femenino que envejece como algo monstruoso.

Parece antinatural que una mujer acepte su vejez, mientras que es lo más natural del mundo para el hombre. Como la mujer se ha incorporado a la sociedad laboral y artística con demasiado retraso, pasa que el hombre ha sabido vender su envejecimiento como una forma de embellecimiento. A nadie se le ocurre pensar que Brad Pitt, con sesenta años, no sea incluso más guapo que a los veinte. Sean Connery fue guapo de verdad a partir de los sesenta, y Colin Firth era un mindundi con veinte, pero con cincuenta es magnífico. Esto, que lo tenemos asumidísimo, si lo aplicas con nombre femenino te das cuenta de que no es lo habitual. 

En el mundo femenino la belleza solo puede ser juvenil, es lo que nos ha marcado el cine y la publicidad entre otras cosas. Y siempre he estado en desacuerdo, el esplendor juvenil no es la única forma de belleza. Hay belleza en el paso del tiempo. Cuando murió Diane Keaton la gente reconoció algo en su forma de envejecer, acorde a una idea de belleza, presencia y personalidad. Aunque claro, al igual que Meryl Streep ella nunca se vendió como una bomba sexual. Con figuras como Demi Moore es más problemático. 

Cuando escribió la novela no era un debate que estuviera tan presente como ahora.

La novela fue muy precursora en esto, y lo hacía con cierta dureza. Porque la vida es dura, la sociedad es dura, y no hay que blanquear la violencia que existe contra la gente mayor. El protagonista se acostaba con una mujer mayor y luego se avergonzaba, y para mí conservar eso era fundamental. Verdaguer me decía ‘pero los espectadores van a pensar que soy un cabrón’, y yo contestaba: ‘Esto es así’. Es un prejuicio que nos ha dado la sociedad, así que lo natural es que hables con un amigo tuyo y le digas: ‘Tío, ayer me follé a una vieja’.

A mí me pareció, sin embargo, que cuando Verdaguer se lo cuenta a Vito Sanz no se arrepiente exactamente, sino que está sorprendido de sí mismo, ‘no sé cómo ha pasado esto’...

Sí, en la novela era más bestia porque se trataba del narrador. Y David, como todo actor, quiso defender su idea del personaje. Aunque se excusa en que ‘estaba borracho’, y se mantiene esa incomodidad. Me gusta que las películas tengan eso. Hay un debate dentro de la propia película sobre si el arte debe limitarse a consolar y acompañar o debe ser provocador. En ese debate coincido con las dos posiciones, debe ser las dos cosas. Hago una película para acompañar a la gente que un finde cualquiera acude al cine, pero tampoco quiero sedarla. No quiero que salgan diciendo ‘qué bonito, qué fácil es todo’, si no que digan ‘huy, ¿por qué me ha complicado la tarde del sábado?’. 

Creo que todas mis películas tienen algo que no es aceptable a primera vista y me gusta eso, que no se establezca tan férreamente lo que es bueno y lo que es malo. Porque todos tenemos a un miserable dentro que ve un billete en el suelo tentado de quedárselo, a la vez que alguien que dice ‘¿se le ha caído a alguien?’. Y es tan bonito eso. El otro día leí que hemos perdido de vista algo clave que nos transmitió la generación anterior: que ser bueno convenía.

Esto justo lo ha teorizado Mauro Entrialgo en un libro reciente, Malismo. Ahí dice que cierta gente ha empezado a hacer ostentación de la maldad como forma de hallar rédito político.

Claro, malismo como oposición a buenismo. Lo que promueven Peter Thiel, Elon Musk y esta gente. Triunfadores que le pisan la cabeza a los demás. En su día se nos enseñó que hacer algo bueno era reconfortante. Y ahora vivimos en una sociedad donde ser malo mola. Hemos relegado lo bueno a un lugar tonto y facilón, como de película. 

Esta gente siempre ataca al débil, y simplemente porque es lo más fácil. Creo que una de las razones del crecimiento de la ultraderecha es que mucha gente está cansada de discutir, y no te puedes cansar de discutir. Hay que discutir en Navidad, en la comida familiar, hay que decir ‘esto no es verdad, esto no está bien’. Es agotador, pero hay que plantarse. Es lo que hay que hacer.

El director David Trueba clausurará el 1 de noviembre la 70ª edición del Festival Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) con el estreno mundial de su nueva película, Siempre es invierno, una tragicomedia romántica protagonizada por David Verdaguer, Isabelle Renauld y Amaia Salamanca. La coproducción hispano-belga adapta la novela Blitz (Anagrama, 2015), escrita por el propio realizador, que explora la pérdida y el vacío tras una ruptura sentimental y la posibilidad de reinicio, captando una instantánea del amor perdido bajo el filtro del sentido del humor.

La historia sigue a un arquitecto paisajista que viaja a Lieja para un congreso donde su relación sentimental llega a su fin. Desorientado, decide quedarse solo en la ciudad belga para reconstruir su futuro, hasta que conoce a una mujer mayor que él que trabaja como voluntaria en el congreso de arquitectura al que asiste. 

Con este proyecto, Trueba ha roto su regla de no adaptar al cine sus propias obras literarias. “Nunca he querido llevar mis novelas al cine”, ha reconocido el cineasta, quien hasta ahora había rechazado tanto sus propias adaptaciones como las propuestas de otros directores. Sin embargo, Blitz le planteó un desafío diferente: “Trata de algo enormemente gráfico y visual, que es el perceptible paso del tiempo sobre las personas. Un elemento que en el cine puede enriquecerse y eso convierte el reto de la adaptación en más estimulante”.

La filmografía de Trueba abarca desde comedias hasta dramas intimistas, que se distinguen por su mirada humanista y su capacidad para retratar con sensibilidad las relaciones personales y los pequeños momentos de la vida. Entre sus películas más destacadas se encuentran La buena vida (1996), Soldados de Salamina (2003), adaptación de la novela de Javier Cercas, y Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013), uno de sus mayores éxitos, que reunió seis premios Goya, incluyendo mejor película, mejor director y mejor guion original. 

David Trueba dirige de nuevo a David Verdaguer, tras su primera colaboración en Saben Aquell, el acercamiento al humorista Eugenio por el que ganó el Goya al mejor actor protagonista. “Trabajar con él es como trabajar con zapatillas de estar por casa, porque te hace sentir muy a gusto. Es divertido y aprendes muchísimo estando con él”, ha afirmado el intérprete sobre el director. Acompañan a Verdaguer la actriz francesa Isabelle Renauld (La eternidad y un día) y Amaia Salamanca (Muertos S.L.). Completan el reparto Jon Arias, Vito Sanz y Carla Nieto.

La película está producida por Ikiru Films, Atresmedia Cine, Blitz la Película AIE, La Terraza Films y la belga Wrong Men, con la participación de Atresmedia, la colaboración de Netflix, financiación del ICAA y apoyo del ICEC. Según Edmon Roch, productor de Ikiru Films, se trata de “una irresistible tragicomedia romántica con el efecto de un abrazo reparador”.

Blitz es “una de las novelas más íntimas y personales de David Trueba; una historia muy original llena de matices que habla de las relaciones humanas y de cómo el amor puede resurgir de forma imprevisible”, ha señalado Jaime Ortiz de Artiñano, director general de Atresmedia Cine. Distribuida en España por Bteam Pictures, Siempre es invierno llegará a los cines el 7 de noviembre.

“La libertad, la democracia, es muy compleja. Los enemigos de la democracia salen de la propia democracia, de la libertad. La gente debe ser exigente con los mensajes que recibe”.

El cineasta, periodista y escritor David Trueba ha reflexionado de esta manera sobre el momento que viven la política y el periodismo en España, durante el segundo día de las IV Jornadas de Periodismo de elDiario.es Cantabria. El foro se desarrolla en la Casa de Cultura de Torrelavega, cuyo salón de actos ha vivido este jueves un diálogo entre Trueba y la periodista y adjunta al director de elDiario,es, Raquel Ejerique.

Trueba, autor de la sátira novelesca 'Queridos niños', se ha apoyado en los personajes de su libro para hablar sobre la política española y al tiempo reivindicar una mejor formación política de la ciudadanía y la recuperación de los valores morales a la hora de votar a unos políticos cuyo común denominador es la seducción y su olfato ante las demandas del electorado.

El escritor y cineasta se ha preguntado ante el público de Torrelavega si el perfil del político dominante es causa o más bien consecuencia de una sociedad que ha rebajado sus estándares de moralidad.

“A veces en política cuanto peor, mejor; y eso es posible cuando la sociedad rebaja sus estándares de moralidad a la hora de elegir a sus representantes. Se habla muy mal de los políticos pero, me pregunto, ¿qué fue antes?, ¿ellos o nosotros?, ¿la sociedad que los fomenta?... La política es un arte de seducción. El político es una persona que intenta seducir. Todo lo que hace es una acusación latente a la sociedad”.

Columnista del periódico El País y autor del libro satírico 'Queridos niños', en el que invita a los lectores a sumarse a una peculiar caravana electoral, para él, esos “queridos niños” son los electores y la literatura, la manera de verse uno mismo a través de los otros. Lo ha explicado así: “Si alguna utilidad pública tiene la literatura es mirar las cosas cotidianas de otra manera, incluso a las personas. El gran servicio que nos ha hecho la literatura es que personas que nos son ajenas nos permiten mirarnos desde otro lado. Siempre me he sentido atraído escribir sobre gente que no es como yo o que no piensa como yo. Hay que ser capaz de ver qué hay detrás de las personas que detestas y por qué son así”.

Políticos salvajes

Trueba estudió periodismo y colabora en prensa escrita desde hace décadas. Como director de cine, su carrera ha dirigido películas como 'La buena vida' y 'Vivir es fácil con los ojos cerrados', que ganó seis Premios Goya.

En la relación entre periodismo y política, David Trueba ve una misma acidez en ambos lados, pero le llama la atención el nivel de “salvajismo” que ha adquirido cierta clase política. “Todos sabemos que si hay algo bueno en el mundo periodístico es que sois muy ácidos y los políticos también -ha dicho el escritor y cineasta-. Lo que más me sorprende de algún político que he conocido son lo salvajes que son. Les pregunto por otros candidatos de su propio partido y es muy habitual que te digan 'hijo de puta...'”

Ejerique dio repaso a los personajes de su última novela y Trueba se detuvo en el de Amalia, una candidata “sosa y conservadora” que rápidamente adquiere los hábitos más agresivos.

“¿Cómo es posible que Ayuso [presidenta de la Comunidad de Madrid, PP] se inspirara en tu novela?”, le ha preguntado Ejerique. “El tiempo marca cómo son las personas -le ha contestado-; a lo mejor en otra época hubiera sido una aspirante sin historia. Pero cuando escribí la novela, ella no existía. En realidad me basé en pautas de comportamiento y en cuanto defines la pauta te paras y alguien ocupa el lugar. Es como en el fútbol, cuando un jugador ocupa un lugar inexistente para que el balón acabe acudiendo”.

A su juicio, una de claves del criterio por el que se rige gran parte del electorado procede de la fuente de información que utiliza: titulares cortos, de gran simpleza, que recibe a través de su móvil.

“Una clave es por dónde llega el discurso político, cuál es el conducto por el que la gente se informa -ha explicado-. En tiempo de mis abuelos, tal vez fueran menos formados intelectual y académicamente pero no diría que quien trabaja, por ejemplo, en el campo esté peor formado que quien tiene dos títulos universitarios. Depende de para qué. Antes había una información de fondo a través de un conducto personal. Ahora, tienes una sociedad que se forma por una titulares breves en el teléfono móvil que a veces ni siquiera son correctos ni tienen concordancia con la realidad”.

En un contexto en que ya no hay diferencia entre una campaña electoral y el resto del tiempo político, una de las claves para que parte del electorado se decante por personajes como Trump o Ayuso es porque le caen mal al 'establishment', su ausencia de filtros, su apariencia de “autenticidad”. Según Trueba:

“Los votantes de Trump y Ayuso perciben en ellos un grado de autenticidad mayor que en los rivales. Quizá usan menos filtros, hipocresía, educación, respeto. Llegan e irrumpen con mucho descaro y eso, por desgracia, la gente se lo cree. Yo dudo que detrás de Donald Trump haya un interés por las clases desfavorecidas americanas; a él le interesan un carajo, pero estas encuentran que es el que más molesta a un establishment que rige su destino.”

Programa del viernes

Las IV Jornadas de Periodismo de elDiario.es Cantabria se celebran entre el 29 y el 31 de mayo de 2024 en la Casa de Cultura de Torrelavega, con un amplio programa que incluye la proyección de documentales, entrevistas, charlas sobre diversos temas de actualidad, presentaciones de libros, la grabación de un podcast en directo y una sesión de monólogos, con la participación en el evento de destacados nombres del periodismo a nivel nacional como Silvia Intxaurrondo, David Trueba, Rosa María Calaf, Ángeles Caballero, Nicolás Castellano, Ebbaba Hameida, Víctor López o Javier Triana, además de la presencia de Ignacio Escolar, Juanlu Sánchez y Raquel Ejerique, entre otros.

La jornada de este viernes, 31 de mayo, comienza a las 17.30 horas con la proyección del documental '01:05:12. Una carrera de fondo' codirigido por Javier Triana, un periodista riojano afincado en Cantabria que ha ejercido durante década y media como corresponsal en Pekín (China), Nairobi (Kenia), Manila (Filipinas) y Estambul (Turquía) para medios como la Agencia EFE o El Periódico de Catalunya, y que en este trabajo audiovisual premiado en diversos festivales internacionales pone el foco en el cambio hacia la igualdad de la mujer a través del deporte en países como Etiopía o Kenia.

También este viernes a partir de las 19.00 horas tendrá lugar la grabación en directo del podcast 'Un tema al día', presentado por el cofundador y subdirector de elDiario.es, Juanlu Sánchez, que dirige este espacio diario para explicar la actualidad y que obtuvo el Premio Ondas al Podcast Revelación 2023. En esta ocasión, el podcast tendrá como protagonista especial a la periodista Silvia Intxaurrondo, presentadora del programa 'La Hora de La 1' de TVE, y que a lo largo de su carrera ha sido subdirectora del programa 'Hoy por Hoy' de la Cadena SER y ha pasado por medios de comunicación como CNN+, Cuatro, ETB o Telemadrid, donde ha presentado diferentes formatos televisivos de información con entrevistas, debates y análisis de la actualidad.

Como clausura, a partir de las 20.00 horas, tendrá lugar el espectáculo efímero 'Los Monólogos de la Redacción', que se representa y muere en una única función, que no se puede grabar, tampoco está en YouTube y vive del boca a boca, en el que los periodistas Juanlu Sánchez y Raquel Ejerique serán los protagonistas absolutos con sendas intervenciones en las que repasarán con humor e ironía algunos de sus momentos más épicos en el mundo del periodismo.

elDiario.es Cantabria organiza desde el año 2019 unas jornadas con acceso gratuito que se han convertido en un foro abierto a todos los públicos para trasladar a la sociedad algunos de los debates de actualidad en los que el periódico tiene puesta su mirada, como la igualdad entre hombres y mujeres, la defensa de los derechos humanos, la migración o el medio ambiente, siempre desde un enfoque social.

“No soy un buen padre. No he sido un buen hijo, ni tampoco un buen hermano. Ni siquiera un buen marido”. Eso se lo dice Eugenio (David Verdaguer) a su hermana Mari Carmen (Marina Salas) hacia el final del metraje de Saben aquell, asumiendo unas faltas que acaso desconcierten al espectador. Porque la película que ha dirigido David Trueba a partir del humorista catalán, sin ser una hagiografía, se ha mostrado bastante parca en detalles sobre la vida privada y familiar de Eugenio, y particularmente sobre esa irresponsabilidad. Saben aquell se ha manejado con elipsis, con huecos respetuosos, porque lo que más le importaba –más incluso que narrar el camino al éxito de Eugenio Jofra Bafalluy– era el romance.

Tanto Verdaguer como Carolina Yuste (que interpreta a Conchita Alcaide, la pareja de Eugenio) aspiran a llevarse el Goya por su presencia en Saben aquell, que además está nominada a Mejor película, coronando una buena recepción crítica que ha refrendado la decisión de Trueba a la hora de acercarse a la vida de Eugenio. El film se centra en la relación romántica y profesional del humorista con Conchita, y las grandes dificultades que llegan a atravesar debido al cáncer que provocó la muerte de la segunda en 1980. Es ahí, de hecho, donde concluye el metraje de Saben aquell, justo cuando la fama de Eugenio empezaba de verdad y el mayor éxito le pillaba viudo y a los cuarenta años.

Un lustro antes del estreno de Saben aquell, RTVE estrenó un documental sobre la trayectoria de Eugenio, donde la porción de vida que cuenta la película de Trueba ocupaba tan solo treinta minutos. Un detalle como este quizá ejemplifique por qué Saben aquell es un filme tan sólido –preocupándole más contar algo dramáticamente consistente que documentar de cabo a rabo un fenómeno–, pero de forma inevitable también conduce a preguntarse qué ocurrió fuera de sus márgenes. Por qué Eugenio tenía una opinión tan dura de sí mismo.

Las licencias de Saben aquell

Saben aquell recrea sucesos comprendidos entre mediados de los 60 y 1980. Nada más conocer Eugenio a Conchita, deciden formar un grupo musical llamado Els dos –“Pero en realidad no eran dos, eran uno”, afirma Pedro Ruiz en el prólogo a la biografía oficial de Eugenio en la que se basa el filme y que fue publicada en 2018 por Libros Cúpula–, con el que llegan a intentar competir en el Festival de Eurovisión. Una vez montan su propio local de espectáculos (el Sausalito), Eugenio es descubierto como un gran cuentachistes, de forma que él empieza a triunfar en la comedia mientras ella se recicla como su empresaria y representante.

A lo largo de esta narración, Saben aquell se toma ciertas licencias en forma de subrayados emocionales o de referencias a un Eugenio posterior que la película no llegará a tratar. En el primer apartado tenemos a Eugenio asegurándole a Conchita que aprenderá a tocar la guitarra solo para formar un dúo con ella y abandonar su trabajo de joyero –Eugenio ya sabía tocar la guitarra desde mucho antes, pero eso no era tan romántico–. La película también muestra que es Conchita quien le propone empezar sus actuaciones con un “saben aquell que diu…?” para romper el hielo. Esto, según la biografía en la que se basa el filme, se habría originado en una improvisación de Eugenio durante una de sus primeras actuaciones. Ayuda, no obstante, a enfatizar la dependencia que siente de su mujer en el film.

En cuanto a las referencias al futuro, quizá resulten lo más desconcertante para un espectador que conozca lo justo de Eugenio. El personaje de Verdaguer ejerce de curandero vocacional en un par de ocasiones, siendo capaz de aliviar mágicamente dolores de cabeza. En otro momento –el más surrealista de Saben aquell–, Conchita observa a lo lejos cómo Eugenio camina sobre las aguas de la piscina de su casa, como si fuera Jesucristo. Esto último es más difícil de justificar, pero forzosamente ha de hacer referencia a cómo poco a poco, según Eugenio perdió a Conchita, este fue interesándose por la mística y el esoterismo. 

Trueba muestra a Eugenio como una persona tímida y callada, sin iniciativa a la hora de encarar el éxito. Es un retrato en sintonía con la imagen mediática del humorista, pero contrasta con los recuerdos de sus allegados. Empezando por su hijo mayor Gerard Jofra, que escribió la biografía oficial narrando anécdotas muy alejadas del retrato de Saben aquell. Por ejemplo, en lo relativo a los ataques de ira excéntrica de su padre: una tarde de lluvia estaba esperando el autobús, y cuando este pasó de largo echó a correr detrás de él, hasta subirse en la siguiente parada y robarle la gorra al revisor gritando “hasta que me expliquen por qué no ha parado, ¡no pienso devolverle la gorra!”. Eugenio acabó en comisaría por este incidente.

Una anécdota simpática hasta cierto punto, sí. No lo es tanto que Eugenio, tal y como Verdaguer reconoce al final del film, fuera un padre y un marido terrible, que no pasaba por casa. “Lo recuerdo como un padre ausente, famoso, eternamente de gira, inmerso en una vida nómada de galas y salas de fiesta, incómodo, quebradizo, impaciente, siempre como obligado”, escribe Jofra. Una situación que empeoró con la llegada del cáncer. “Mi madre era la que se ocupaba en el día a día de Ivens y de mí”, cuenta en referencia a su hermano pequeño. “Mi padre vivió su cáncer con terror, como un niño que no quiere aceptar el final de las vacaciones”. La enfermedad no contribuyó a un cambio de actitud en Eugenio, sino que hizo que se alejara más, mientras Conchita seguía trabajando hasta su último día de vida.

¿Os sabéis aquel que dice lo del esoterismo?

Al final de Saben aquell, Eugenio monta en su coche justo después del funeral de Conchita y recorre varios kilómetros para una actuación en Valencia. Esta absorción por el trabajo como evasión siguió presente en una relación posterior de Eugenio: la que mantuvo con Conchi Ruiz, madre soltera que incorporó dos hijos más a la familia. También era andaluza y se llamaba como la pareja anterior de Eugenio, en lo que se entendía forzosamente como un intento del humorista por recuperar a quien había perdido. Ruiz estuvo presente en los años de mayor notoriedad de Eugenio, en la década de los 80.

Fue entonces cuando Eugenio llegó a protagonizar una película –Un genio en apuros, comedia surrealista que mostraba una relación paternofilial, de Eugenio con una hija, mucho más sana que la de la vida real– y a actuar en Latinoamérica. Tras romper con Conchi se metió en otra relación, con Isabel Soto, y durante los 90 sucumbió a sus demonios internos. Su interés por el esoterismo explota aquí, combinándolo con una afición a la pintura, la adicción a las drogas y un comportamiento huraño que terminaron con él e Isabel encerrados en su finca de El Montanyà, alejados del resto de la familia y de los escenarios.

La imagen más popular de aquella época es la de la pirámide que adquirió Eugenio, y que colocó junto a esa piscina sobre cuyas aguas Trueba le mostraría caminando. Dicha pirámide servía, al parecer, para “canalizar energías” si te colocabas dentro de ella, y suponía el signo definitorio de la depresión de Eugenio, tal como se dice en su documental. Una que aun así trataría de sobrellevar con un tardío y penoso regreso a los escenarios, donde parecía una sombra de sí mismo. Después de sufrir un infarto, Eugenio confesó que estaba pensando en dejarse morir. Se lo dijo a su hijo Gerard el día menos apropiado para ello: el del nacimiento de su primera hija, la nieta de Eugenio. 

“Decidiste hacerme de nuevo sombra, esa tarde el protagonismo le correspondía a tu nieta Andrea. El que tenía que ser uno de los días más felices de mi vida se vio oscurecido por ti”, escribe Gerard en la biografía de su padre, quien poco después se había ido de fiesta para desplomarse sobre la pista de baile, un 11 de marzo de 2001.

Reugenio, Eufemio, Meufemio

En otra escena profética –si conoces en detalle el fenómeno Eugenio–, Saben aquell muestra al pequeño Gerard haciendo una imitación de su padre en una función del colegio. La relación de Gerard Jofra con el espectáculo fue prematura en efecto: cuando aún era un niño engrosó un grupo musical a la estela de Parchís llamado Sausalito, como el local de sus padres. Más tarde Eugenio, que también había sido el ideólogo de aquella formación, le fichó como asistente y manager, pero lo que Gerard realmente hacía –tal y como cuenta en el documental de 2018– era desempeñar funciones de mayordomo. 

Aun así, la guía de su padre surtió efecto, y en la actualidad Gerard es un prolífico empresario entre cuyos negocios tiene un rol central la administración del legado de Eugenio. Su empresa se llama 'Saben Aquel Que Diu S.L.', y antes de apadrinar la película de Trueba tuvo una fase agitada entre 2009 y 2019. Por entonces el recuerdo de un humorista tan icónico –con su indumentaria, sus silencios, su acentazo catalán– ya estaba impulsando imitaciones tan fructíferas como las que Andreu Buenafuente realizaba de vez en cuando (como 'Eufemio'), así que aliándose con el actor Toni Climent, Gerard inventó a Reugenio.

Eugenio volvió a los escenarios a través de un hábil disfraz, pero la asociación de Jofra y Climent duró poco: una vez Gerard quiso buscarse otro actor para seguir con el proyecto Reugenio, y Climent a su vez trató de mantener el negocio con otro nombre (Meugenio), ambos tuvieron que enfrentarse en los tribunales. Climent ganó el juicio y hoy puede seguir actuando como Meugenio, y en lo que respecta a Gerard ha seguido encontrando formas de mantener vivo a su padre. Antes de la biografía oficial había publicado en 2011 Saben aquel que diu? Érase para siempre Eugenio (Singular Ediciones).

Al documental de RTVE le han seguido tanto la película de Trueba como un espectáculo apadrinado por Movistar Plus+. Eugenio solo hay uno –título que acaso intenta revolverse contra la afloración de imitadores que llegó tras la muerte del cuentachistes– no busca seguir indagando en aspectos biográficos, sino explorar su impacto en la comedia a través de los testimonios de figuras como Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla o Eva Soriano. Porque finalmente, y más allá de excesos y negligencias familiares, eso es lo que nos ha quedado de Eugenio: el espectáculo. El espectáculo como una forma de hacer humor que no ha perdido vigencia, una estrategia de ultratumba para seguir generando ingresos, o simplemente como una película estupenda. 

La gracia de Eugeni Jofra Bafalluy estaba en los silencios. Durante los años 80, tras una notable carrera musical junto a su pareja artística y sentimental Conchita Alcaide, el llamado Eugenio halló la fama contando chistes. Chistes de diverso origen: de su propia invención, escuchados en el bar... El impacto que su relato causaba en el público no se debía tanto a estos como a una puesta en escena particular, según la cual Eugenio aparecía vestido de negro, con unas gruesas gafas, intercalando caladas a su cigarro o sorbos a su cubata. Y sosteniendo extensos silencios para construir suspense y precipitar carcajadas catárticas. Buena parte de Saben aquell, el biopic dedicado a su figura, “transcurre durante un silencio”.

Así lo asegura David Verdaguer (Verano 1993), su intérprete. El humo del cigarro alcanza el micrófono antes de arrancar una actuación y Eugenio reflexiona sobre su vida, que Saben aquell recrea a modo de largo flashback como tantos biopics antes que él. Es un tópico del que se reía el inicio de la película Dewey Cox para parodiar los biopics musicales a los que tan dado es Hollywood. De En la cuerda floja con Johnny Cash a Bohemian Rhapsody con Queen. Porque el biopic es un género sumamente acotado, encorsetado, que David Trueba en tanto a director debía llevarse a su terreno. “Tenía que intentar hacer bien las cosas que a menudo salen mal”, explica el director de Vivir es fácil con los ojos cerrados. 

“Hacer un biopic es como atravesar un campo de minas”. Trueba era consciente, en primer lugar, de que Verdaguer debía hacer reír. “Eugenio era un humorista, si no podíamos hacer reír al espectador estábamos perdidos”. Así que pensó en “los elementos que funcionan siempre en las películas de Hollywood” —a lo largo de la charla brotan los títulos de Lenny con Dustin Hoffman o Man on the Moon con Jim Carrey, en torno a Lenny Bruce y Andy Kaufman—, y se preocupó por tener “una atmósfera creíble y unas buenas caracterizaciones”. Esto último apelaba a Carolina Yuste como Conchita y, claro, a Verdaguer como Eugenio. 

¿Cómo se puede separar imitación de interpretación a la hora de emular a Eugenio, un tipo al que todos hemos visto en la tele, y no convertir la película en Tu cara me suena?

David Verdaguer: Trueba me dijo que no me agobiara con la imitación, que respetara las pausas en los chistes y poco más. Sí me obsesionaba mucho su tono de voz, pero en el momento en que entendí que solo era un señor triste, soy el catalán más triste del cine español, así que estaba preparado, todo fue más sencillo. Si solo fuera una imitación, alejaríamos al espectador pero el mayor mérito está en el guion. El guion tiene muchos chistes y estos añaden capas a la historia, por ejemplo con el de “el doctor me ha dado dos meses de vida, ¿podría ser julio y agosto?”, cuando Conchita enferma de cáncer. La presencia de Conchita es básica. Yo puedo estar con cara de truño toda la película, pero entiendes lo que le pasa a través de la gente de alrededor. Hay una escena donde su hijo le pregunta si a su madre se le va a caer el pelo por la quimioterapia, y Eugenio responde con un chiste.

¿Era la forma de relacionarse de Eugenio?

D.V.: O de no relacionarse, más bien.

David Trueba: Yo vi muchas entrevistas con Eugenio y era un hombre que ponía una barrera de tal dimensión ante los periodistas que estos salían frustrados. Ellos intentaban que Eugenio hablara de sí mismo y se reencontraban con el personaje, aún más oscuro que en el escenario. Era un tipo que se ocultaba.

Vi muchas entrevistas con Eugenio y era un hombre que ponía una barrera de tal dimensión ante los periodistas que estos salían frustrados

David Trueba — Director de cine

Saben aquell funciona especialmente bien como biopic porque no es tanto la historia de Eugenio como la de Eugenio y Conchita.

D.V.: Claro, es una historia de amor.

D.T.: Aún no he podido ver la película de Sofia Coppola sobre Priscilla Presley, pero imagino que surge de la frustración de ver películas sobre Elvis donde ella solo es una figurante. Si haces una película, tienes que preocuparte por reflejar qué sienten los personajes secundarios, pero en este caso hablábamos además de una pareja profesional. Aquí era más fácil imaginar qué les pasaba en la cabeza a ambos, esa sensación de “cada día que me va bien a mí es un día menos en la carrera de mi mujer”. Martin Scorsese intentó tratar eso en una de sus películas más fallidas, New York, New York. Cómo el éxito de uno consume el éxito del otro.

La película me recuerda mucho a un biopic musical, pues la música impulsa la trama y las actuaciones casi están rodadas como números musicales.

D.V.: Los chistes de Eugenio eran chistes muy musicales. Tenían una partitura muy heavy. Con ese ritmo, esos silencios…

D.T.: La música es decisiva porque ambos empiezan cantando, Eugenio y Conchita, y Eugenio se convierte en humorista durante las pausas entre canción y canción. Aprende a hacer reír a la gente mientras afina la guitarra o coloca la cejilla. Las actuaciones parecen números musicales porque… yo le pregunté al hijo de Eugenio por qué él actuaba así, sentado en un taburete, nada de stand-up, y me dijo que era porque lo usaba para cantar. De no ser así, no habría hecho sus espectáculos con la mesa al lado, el cenicero y el cubata.

¿No es Eugenio una figura exótica hoy en día, tan centrada en contar chistes del acervo popular? ¿Creen que las nuevas generaciones pueden conectar con alguien así?

D.V.: Trueba ha conseguido que la película funcione conozcas a Eugenio o no. Pero esto es como todo; cuanto más sepas del juego más lo vas a disfrutar. Objetivamente creo que esta película está destinada a gente de 36 años en adelante, aunque no perdemos la esperanza de superar en taquilla a La monja 2…

D.T.: (Risas) Tampoco te creas. La gente con veintipocos años, que tiene relaciones y un despertar laboral al mismo tiempo que la convivencia, sabe lo complicado que es compatibilizar la carrera y la pareja. Esto es algo de lo que la película habla mucho a través de Eugenio y Conchita. Si tu pareja no entiende el trabajo que desempeñas no puede ser pareja tuya, seas ingeniero aeronáutico o actor o humorista. La película plantea este conflicto y todo el mundo puede empatizar con él. 

Saben aquell enfatiza que el humor de Eugenio era apolítico, pero el hecho de que la película sea hablada casi íntegramente en catalán es político en sí mismo. ¿Creen que el humor puede ser realmente apolítico en algún caso?

D.T.: Eugenio era una persona de marcadísimo acento catalán que incorporó el “saben aquell que diu” a la cultura popular y no hizo el mínimo esfuerzo por encubrir su identidad. Triunfó en España, pero no renunció a la catalanidad. Y también tenemos a Conchita, que llega a Barcelona procedente de Huelva con 17 años y sabiendo hablar y cantar perfectamente en catalán. El repertorio de su grupo, Els dos, era mayoritariamente en catalán. 

D.V.: Todo es político. Ahora bien, si alguien se enfada por que Eugenio hable en catalán…

Creo que esta película está destinada a gente de 36 años en adelante, aunque no perdemos la esperanza de superar en taquilla a 'La monja 2'

David Verdaguer — Actor

D.T.: Hoy todo esto nos llama la atención, pero en aquel momento no era un tema de discusión. ¿Por qué quiso empezar a hablar catalán esa mujer de Huelva? Pues por la misma pulsión que debería mover las discusiones en todo el mundo: generosidad. Las lenguas se aprenden por generosidad. Si no eres capaz de creer que los demás pueden aportarte cosas, te vas a ir cerrando. Y ese es el mundo en el que vivimos hoy día, el del móvil y las burbujas. Pero el mundo también puede ser ir a los sitios, dejarte contaminar. No hacer turismo sino conocerlo todo. Eso me interesaba mucho de Eugenio, cómo recorría España con su acento y cómo era admitido en todas partes, celebrado y festejado. Quizá porque el catalán entonces no estaba asociado al humor y él aportaba un elemento distintivo.

D.V.: Claro, de descoloque.

D.T.: El humor era más de índole andaluz en aquel entonces. ¿Me iba a hacer reír un señor de negro, serio, con gafas y fumando, que además hablaba en catalán?

Por otra parte, David Trueba es madrileño, y curiosamente el cine de los Trueba (en especial el de Fernando y su hijo Jonás) es inseparable de la iconografía de Madrid.

D.T.: A mí en Cataluña me conocen como un madrileño permeable. Claro que soy totalmente madrileño, vengo de Estrecho, pero este barrio ha estado poblado históricamente por inmigrantes, y yo todo esto siempre lo he vivido como un enriquecimiento. Como madrileño nunca he tenido miedo de las lenguas, porque precisamente lo que me enamora de España es su variedad. Una de las cosas más bonitas de este país es su variedad de climas dentro de una península relativamente pequeña, una variedad que afecta al carácter de las personas. Porque eso es lo que más influye a las personas, el clima. No tanto otros elementos que se quieran entender como definitorios, más relacionados con el patriotismo.

El cine catalán vive un momento de explosión del que el propio David Verdaguer ha sido partícipe, en los trabajos de Carla Simón o Carlos Marqués-Marcet. ¿Cómo valoran esta tendencia?

D.T.: Los gobiernos autonómicos han entendido bien la importancia del cine y han apostado seriamente por él. Todos han conseguido significarse en España. Los gobiernos vasco, catalán, gallego y andaluz lo han entendido y le han dado recursos. Algo que es evidente cuando ves Verano 1993, o ahora O corno, o las películas de Alberto Rodríguez en Andalucía. Son películas que contribuyen a que los españoles entiendan la música del acento y la lengua propia, pero también el carácter, los conflictos particulares… Todo para que el cine no deje de ser, y esto los americanos siempre lo han entendido mejor que nadie, una lluvia. Una lluvia que no sabes bien de dónde ha caído, pero que de pronto te ha calado. 

Hubo una generación de catalanes que la primera vez que pudo ejercer el derecho a voto no había conocido otro presidente de la Generalitat que no fuese Jordi Pujol. Se colaba a la hora de comer y cenar en muchas casas a través de TV3, uno de sus grandes legados junto a decenas de carreteras y centenares de polideportivos. Pero Pujol fue también el fundador de Convergència, un partido que ha sido condenado por corrupción y que aún tiene causas pendientes por financiación ilegal.

Fue también el cabeza de una familia que actuó como una dinastía mezclando su apellido con contratos de la Generalitat. Eran los tiempos en que en Catalunya muchos no querían saber, ya fuese por interés, incomodidad o simplemente porque no había manera de demostrar rumores como el del famoso 3%. ‘La sagrada familia’, el documental dirigido por David Trueba y Jordi Ferrerons que se estrena este jueves en HBO, permite acercarse a la figura del expresident, a sus virtudes y claroscuros, y a una Catalunya (y probablemente una España) que no puede entenderse sin su figura así como su manera de ejercer la política.    

¿Hoy podría existir un personaje como Jordi Pujol, o es producto de una época concreta e irrepetible?

David Trueba: Él es irrepetible también en su dimensión personal. No diré que es un personaje único, pero no es posible que se repita. Es alguien profundamente vinculado al contexto. El franquismo da una dimensión de cómo tiene que ser la política pese a que sea un negador de la política. Hay toda una generación de políticos que nacen en ese contexto y que tienen un componente de paternalismo, una identificación con el país y una austeridad aparente. En el caso de Catalunya, coincide en un momento de recuperación de la autonomía y por eso sería imposible que un político tuviese ahora ese simbolismo o esa dimensión de construcción de su país a su favor. Es lo mismo que Adolfo Suárez, quien hoy tendría una dimensión política y no tan emocional.

Jordi Ferrerons: Las circunstancias sobre las que se construye el liderazgo de Pujol son muy determinadas. Empieza mucho antes de la muerte de Franco porque se construye ya con su encarcelamiento, torturas, el consejo de guerra y esas pintadas de 'Pujol, Catalunya' que ya tratan de identificar un país con un personaje. A partir de aquí la forma en cómo él juega sus cartas en un momento muy peculiar de la historia de Catalunya y España no son repetibles. Y como personaje también es irrepetible.

¿Qué queda, si es que queda algo, de la Catalunya pujolista?

D.T.: Queda mucho. Hay muchas contradicciones. Por una parte está la reivindicación de cómo él desarrolló las cosas después de un tiempo de crítica de cómo las había hecho. Ese refrán castellano de 'otro vendrá que bueno me hará' cobra una dimensión increíble para muchos catalanes. Muchos se han dado cuenta de que Pujol era un posibilista y que seguramente manejaba con más habilidad la realidad que los que la niegan. Por otro lado, le pasa un poco como a Helmut Kohl en Alemania, que es un político a quien la reunificación le otorga una dimensión grande. En su caso, la reconstrucción de las instituciones catalanas, ser el hombre que construye muchas de las infraestructuras o pone en pie la televisión deja un rastro como un padre de la patria o incluso como el padre de la patria.  

J. F.: Hay también otro elemento y es que él edifica su propuesta política a partir de un conocimiento casi carnal de la sociedad catalana. Da forma a ese sentimiento identitario, construye un imaginario y la Catalunya de hoy vive en parte de ese imaginario identitario construido por Pujol.

Una persona como Pujol. tan interesada por los medios de comunicación, lo que cuentan de él, y sobre todo por su legado, ¿qué pensará si lo ve?

J.F.: No sé si lo verá pero en todo caso alguien con esa pulsión por controlar el discurso seguro que encuentra cosas que no son de su gusto. Creemos que hemos hecho un trabajo con equilibrio y contexto, pero habrá cosas que a él no le gustarán.  

D.T.: Una persona que ha sido tan controladora, que ha levantado el teléfono para contradecir algo que se estaba escribiendo sobre él, de una manera tan descarada que hoy sería imposible que un político lo hiciese. Actuaba así porque pensaba que podía hacerlo. Si él se sintiera seguro descolgaría el teléfono para llamarnos y contradecir algunas cosas o afearnos que insistiésemos en algo. A lo mejor lo que ha aprendido con el tiempo o lo que el tiempo le ha enseñado a él es que tienes que aceptar que haya pluralidad y crítica política. No es lo mismo ser un político ahora que serlo en el año 1980. En ese momento te decían que había cosas que no se podían decir o analizar. Hoy ese político se tiene que callar y admitir cualquier cosa.

Pujol edifica su propuesta política a partir de un conocimiento casi carnal de la sociedad catalana

Jordi Ferrerons

Josep Pujol Ferrusola se erige como portavoz de la familia. Lo máximo que se limita a constatar es que “era feo” tener un dinero no declarado en Andorra durante más de 30 años, pero opina que eso no resta un ápice de valor a la obra de gobierno de su padre. ¿Sorprendió la poca autocrítica?

D.T.: Estábamos un poco preparados porque al final ellos pelean por no perder la dimensión favorable de la sociedad catalana. Quizá la española les importa menos. También es verdad que la sociedad española a veces cae en una caricatura de Pujol y de su familia que es reductora. Les falta mucha información para entender la dimensión del personaje. Por eso creo que la serie va a ser interesante para el español medio porque hay muchas cosas que ignoraba o que no le han contado. No nos sorprende la actitud de autodefensa de su hijo, es una estrategia como la de un abogado defensor y no puedes salirte de ella. Tiene su derecho a esa autodefensa. Yo no entiendo el periodismo que va pidiendo inmolaciones de las personas. Cuando las entrevistas tienes que entender que hay que ser respetuosos con sus versiones porque no se trata de entrar en una confrontación en la que el otro debe ponerse de rodillas y pedir perdón. El periodismo es decir 'he aquí la versión que esta persona nos quiere dar' y ahora vamos a intentar confrontarla con otras y que el espectador o lector saque sus conclusiones.

J. F.: Las declaraciones de Josep Pujol tienen una doble dimensión. Una es judicial puesto que nos concede la entrevista mientras existe una causa abierta y con un juicio para el que no hay fecha. Y una segunda es pensando en la posteridad, en la idea de que la historia le absolverá.

¿Se intentó hablar con Jordi Pujol Ferrusola, habida cuenta de que es el hijo más señalado por los negocios?

D.T.: Nos consta que la primera intención de Josep era que fuera su hermano el que apareciera. Él lo intentó y así nos lo transmitió. El hermano en un principio parecía predispuesto pero los abogados se lo desaconsejaron. También hay que entender que el juicio está pendiente y él es el que probablemente lo tendrá que afrontar con mayor dureza. Además hay muchos intereses cruzados y como un día dijo Pujol, a lo mejor no interesa agitar mucho el árbol no vaya a ser que al mover las ramas se caigan todos los nidos. Esa declaración también es de otra época porque es de una transparencia brutal.

Esa frase la dijo Jordi Pujol en la comisión de investigación parlamentaria. Otra de las comparecencias que dio más que hablar fue también la de su mujer, Marta Ferrusola. A ella se la ha llegado a calificar de la 'Evita catalana'. ¿Os parece exagerado? 

J.F.: Catalunya no es Argentina. Lo que sí es cierto es que Marta Ferrusola ni que sea porque fue primera dama de Catalunya durante 23 años ha tenido una influencia pública muchísimo más destacada que cualquier otra esposa de un presidente de la Generalitat. Tras una de las victorias electorales, a Ferrusola el público le gritó, de manera premeditada o no, 'esto sí que es una mujer'. Es alguien que no deja indiferente incluso ahora que está en unas circunstancias muy delicadas.

D.T.: Evita para los argentinos es un mito que tiene el componente de martirologio, una dimensión trágica. Marta Ferrusola es otra cosa muy curiosa. Es la cotidianidad, una vulgaridad que abrazas como propia, casi familiar para los catalanes.

Los fiscales Mena y Villarejo se sintieron muy solos institucionalmente.

David Trueba

Pilar Rahola se hace eco de algo que se ha comentado a menudo y es que Jordi Pujol es el “hombre que decidió no mirar”, en referencia a lo que hacían sus hijos, y lo extrapola a toda Catalunya. Pero al mismo tiempo el documental muestra que sí había quien miró, como el fiscal Mena. ¿Fueron una minoría los que decidieron mirar?

D.T.: Sí, fueron una minoría, y además se sintieron muy solos. Quizás también hay que contextualizar porque hay momentos en los que la sociedad pide la verdad y otros en los que dice 'no quiero saber'. Yo he vivido épocas de esas, en las que tú escarbabas sobre un tema y la sociedad prefería no saber porque prefería estabilidad, tranquilidad y no meterse en problemas. Un poco lo de taparse los oídos porque la verdad es demasiado dolorosa. Ahora estamos en una época en que la sociedad quiere saber. Los fiscales Mena y Villarejo se sintieron muy solos institucionalmente.

J.F.: También es cierto que algunos miraron pero no consiguieron hacer público el esfuerzo de sus miradas.  

D.T.: Me llamó la atención lo que varios periodistas y el propio fiscal Mena nos contaron: no encontraron a personas que quisieran declarar en contra de Pujol. Personas que hubiesen sido extorsionadas o que hubiesen pagado y que por las razones que fuesen, patrióticas, sentimentales o puramente pragmáticas, no querían explicarlo. Así es muy difícil llevar a la práctica una investigación periodística o judicial.

De la sesión del Parlament en la que Pasqual Maragall le espeta a Mas que Convergència tenía un problema y era el 3% hasta que se condena a Convergència por el caso Palau pasan años. Aún hay otras causas pendientes sobre la financiación del partido. ¿Creéis que todavía no sabemos el alcance que tuvo la corrupción durante esos 23 años?

D.T.: Una de las sensaciones que tenemos en el equipo y que hemos comentado a menudo es que falta mucho por saber en esto y en otras cosas. Te sientes un poco decepcionado porque piensas que todo esto se va a acabar, también por el propio fin biológico de Pujol.

Últimamente hay cierta fiebre por revisar personajes de nuestro pasado reciente, del rey a Pujol, pasando por los libros sobre Felipe González. ¿En España nos hemos contado muchas mentiras sobre nosotros mismos?

J.F.: España no es distinto a muchos países. Conozco bastante bien Francia y muchos de sus mitos fundacionales y de su imaginario no son ciertos. Siempre tiendes a intentar verte bajo una lupa favorable. El relato de la Transición, con todo el mérito que tuvo esa etapa, incluye claroscuros. Lo que estamos viendo con el resurgir de la extrema derecha o la ley de memoria histórica prueban que hay cosas que están mal resueltas. Es verdad que la Transición se construyó de forma apresurada, con unas bases que no eran exactamente sólidas y adquiriendo compromisos que no acabaron de cumplirse. En todo caso aquí estamos. España sigue siendo una democracia y lo que conviene es que investiguemos nuestro pasado reciente, a través de hechos y personajes, para poner luz y seguir avanzando.

D.T.: Nos ha faltado la tranquilidad para escuchar todas las versiones. Ellos mismos han dado poca información para poderla contrastar. En esto tampoco podemos caer en el error de pensar que podemos hacer justicia al pasado. El pasado lo tenemos que analizar pero entendiendo que el contexto en que muchas de estas personas realizaron su labor es muy distinto al nuestro. Todos somos hijos de nuestra época y es muy injusto que porque vivamos en una mejor seamos más críticos con la anterior. Nosotros, como ellos, dejaremos zonas de sombras y que a lo mejor nos avergonzarán.

Las figuras históricas generan discordia. Más si, como hizo Jordi Pujol Soley un día de Santiago Apóstol del año 2014, confiesan haber engañado a Hacienda tras décadas dando lecciones morales. Parte de Catalunya prefiere seguir venerando a Pujol, pero muchos a un lado y otro del Ebro lo ven como el jefe de una banda. Aunque lleva por título 'La sagrada familia', David Trueba y Jordi Ferrerons han logrado realizar para HBO Max una biografía laica del personaje. El documental huye tanto de la glorificación como de la tentación de darlo por condenado antes del juicio. 

'La sagrada familia', que se estrena este jueves, es un ejercicio periodístico de primer nivel. A lo largo de cuatro capítulos de cerca de una hora, más de 60 entrevistados diseccionan la vida personal, política y presuntamente delictiva –¿es posible separarlas en compartimentos estancos?– de Jordi Pujol. La narración es cronológica, lo que ayuda a entender a uno de los personajes más complejos de la política catalana y española. El documental termina con su propia conclusión, pero no es rotunda, sino que da al espectador todos los elementos para que se forme su propia opinión sobre Pujol.

En los últimos tiempos, los trabajos audiovisuales sobre Jordi Pujol se habían centrado exclusivamente en su causa judicial. TV3 le dedicó un documental en 2021, seis años después del estallido del caso. Sí se habían escrito más libros y biografías. El más reciente, el testamento político dictado por el propio Pujol a uno de sus intelectuales de cabecera, Vicenç Villatoro, en el que el expresident vuelve a expiar sus pecados de forma más extensa que en la carta de su confesión de 2014. 

El documental huye de cualquier ejercicio de religiosidad (pietista o inquisitorial). No hay una voz en 'off', sino que son los entrevistados los que llevan a cabo la narración. Compañeros de militancia antifranquista como Miquel Esquirol, Enric Bastardes o Miquel Sellarès explican los inicios en política de Pujol y su etapa de preso político de la dictadura. Felipe González y José María Aznar recuerdan al Pujol hombre de Estado y “comprometido con el proyecto constitucional”, en palabras del expresidente socialista. 

Lluís Prenafeta, su hombre de confianza en la Generalitat, repasa sus 23 años como president. El lado familiar y su papel de padre ausente (a Marta Ferrusola le dijo que serían un matrimonio de tres, pues Catalunya siempre iba a estar allí) lo aporta Josep Pujol Ferrusola, único miembro de la familia que accede a hablar en el documental. Y periodistas que se conocen al dedillo el sumario abierto en la Audiencia Nacional –Rossi García (EFE)– y que vivieron el caso Banco Catalana –Santi Tarín (La Vanguardia), Enric González y Pere Ríos (El País)–, así como el abogado Javier Melero, aportan los datos objetivos y el contexto histórico necesario para comprender los vericuetos judiciales.

El documental no solo repasa con minuciosidad la causa por la que el expresident y sus hijos esperan fecha de juicio desde hace dos años. También aporta detalles sobre el cónclave familiar en el que Jordi Pujol Ferrusola se impuso a Oriol y se decidió la famosa carta. “Ojalá hubiera podido mirar esa escena por la mirilla”, confiesa, por todos, el exparlamentario de la CUP David Fernàndez. Años después esta confesión, rechazada por varios penalistas que asesoran a la familia, se ha constatado como un error.

La misiva permitió a la Justicia indagar en el patrimonio familiar sin necesidad de recurrir a las malas artes a las que la brigada política del PP también sometió a la familia. Sobre este extremo el documental de Trueba aporta un testigo de importancia en la causa abierta en Andorra en la que está imputado Mariano Rajoy: el exjefe de gobierno andorrano Antoni Martí niega presión alguna del Gobierno del PP para conseguir los datos bancarios de la familia.

En el plano familiar, el documental muestra que la expiación y el perdón expresado por Pujol estos años no lo profesan todos sus hijos. Josep Pujol Ferrusola, que se acogió a la amnistía fiscal de Cristóbal Montoro, exculpa a su padre pero justifica haber mantenido dinero sin tributar en Andorra: “Era feo, pero no era posible prosperar en el mundo inmobiliario en España sin eso porque había una parte en A y otra en B. ¿Merece un escarnio mi padre? Cero. ¿Destruye su obra de gobierno? Cero”. En casi todas las intervenciones del portavoz familiar resuena un eco de impunidad.

Termine como termine el juicio, los testigos del documental anticipan un debate que ya está viviendo la sociedad catalana y que emergerá con toda crudeza el día que falte Pujol. ¿Las décadas de dinero sin tributar y la corrupción hunden 23 años de obra de gobierno y haberse dejado la piel contra la dictadura? Tal vez no haya una respuesta inequívoca y se necesite del paso de los años, pero el documental de Trueba es un buen punto de partida para empezar a contestar.

El escritor y cineasta David Rodríguez Trueba ha sido galardonado con el premio Café Varela 2021 por su amplia trayectoria artística. El jurado se decantó por su nombre el pasado 25 de octubre y el viernes 3 de diciembre el galardonado recogió la condecoración en el mítico Café Varela de Madrid, rodeado de familiares y amigos.

Tal y como recoge Zenda, el legado de David Trueba en el plano audiovisual es de gran valor tanto en su faceta como director, como en la de guionista. Entre sus títulos más destacados se encuentran películas como 'La buena vida', 'Soldados de Salamina', 'La silla de Fernando', 'Madrid 1987', 'Vivir es fácil', 'Casi 40', 'Si me borrara el tiempo lo que yo canto' o su último estreno, 'A este lado del mundo'. Aunque tanto o más importantes son los guiones de 'Los peores años de nuestra vida', 'La niña de tus ojos' o 'El olvido que seremos' para hacer un repaso certero de su obra.

El cineasta y columnista de El País recibió el galardón rodeado de familia –como sus hermanos Fernando y Jesús Trueba– y amigos entre los que se encontraban Ana Belén, Víctor Manuel y Miguel Ríos. También participó en la velada el embajador de Rusia Yuri Korchagin y rostros conocidos de la televisión como Wyoming o Gonzo.

El premio Café Varela se une a su vasta colección de reconocimientos como el Goya al Mejor guion original, el de Mejor dirección y el de Mejor película o los Premios Feroz a Mejor dirección y Mejor Guion. Así, como el de Mejor director en el Festival de Málaga y Premio Nacional de la Crítica.

Hacía años que David Trueba tenía pensada una novela en la que destripara el ambiente de la política por dentro y pusiera en el foco de sus dardos narrativos tanto a políticos como a periodistas. A través del trepidante y divertido relato de la campaña electoral de una candidata ficticia (Amelia Tomás, “La mujer que necesitas”) el escritor refleja en Queridos niños (Anagrama) esa gran metáfora del mundo contemporáneo que es la política. El título de esta novela, que acaba de publicarse, se refiere al término con el que el protagonista define a los electores y Trueba reconoce con pesar que “por desgracia los votantes son cada vez más infantiles y manipulables”.

Desde esa posición lúcida y crítica que siempre ha desplegado este escritor y cineasta, Trueba señala en una conversación con eldiario.es: “La política ha pasado de la reflexión a un punto en el que la representación es más importante que la esencia. Ya somos absolutos esclavos de la imagen. He tratado en mi novela de narrar una situación genérica y por ello no hablo de partidos ni de líderes concretos e identificables. Me preocupaba mucho que el lector no pensara que pongo a todos los partidos en el mismo saco, pero al mismo tiempo no quería que fuera una lectura maniquea, de izquierdas y derechas. Quería retratar a un gran cínico a través del protagonista, un periodista y asesor de imagen, pero no pretendía hacer una novela cínica”.

Vemos hasta qué extremo la democracia ha convertido valores morales en valores deportivos

Como en muchas de sus novelas, David Trueba utiliza el humor como bisturí de los hechos que narra o de los personajes que describe. Así las cosas, aplica motes como Los Cuervos o Los Lobos a esos partidos indefinidos de su novela o define a candidatos como El Mastuerzo, La Cachorra o El Santo. El propio narrador, Basilio, un periodista gordo, alcohólico y muy cínico, responde al sobrenombre de El Hipopótamo y se halla en las antípodas de lo que debe ser un informador honesto. Con una larga trayectoria a sus espaldas como novelista (Saber perder, Blitz, Tierra de campos…), además de una reconocida carrera como director de cine (Soldados de Salamina, Vivir es fácil con los ojos cerrados…) y recién cumplidos los 52 años, este intelectual madrileño afirma muy serio que “la única revolución posible es la honestidad personal”. “Si usamos las armas de la deshonestidad”, explica, “nuestros valores se pervierten. Las buenas causas solo pueden ser defendidas con honestidad. En Queridos niños también responsabilizo a los ciudadanos de los defectos y las carencias de nuestra sociedad. Los políticos no son los únicos culpables porque la gente común engaña a Hacienda o practica el enchufismo con amigos y familiares. Creo que a los españoles nos falta un paso de madurez y caemos en justificar los errores de los nuestros criticando los errores de los demás”.

Novela por etapas, como La Vuelta

Al igual que hiciera en Tierra de campos, su anterior novela, el hermano menor de la saga de los Trueba se sirve en Queridos niños de la técnica de la road movie (película de carretera) para mostrar al lector las entretelas de una campaña electoral en la que una candidata recorre media España acompañada de un pequeño grupo de asesores y de los periodistas que siguen a la caravana. De este modo, la novela está ambientada en multitud de ciudades españolas y por sus páginas desfila una galería de variopintos personajes, desde candidatos locales a empresarios pasando por el público de los mítines o los entrevistadores de las televisiones. “La verdad”, comenta Trueba, “es que la novela transcurre en etapas como si fuera la vuelta ciclista a España y así vemos hasta qué extremo la democracia ha convertido valores morales en valores deportivos. Lo único importante es ganar a cualquier precio. Ahora bien, el que gana en política debe ser consciente de que ha de gobernar para todos y respetar a las minorías. Por todo ello resulta fundamental que los controles funcionen en una democracia, es decir, el Parlamento, los jueces, la prensa…”.

La prensa de calidad siempre supone un canal antipático para los gobernantes y los poderosos

En su novela Trueba se muestra desesperanzado por la falta de preparación ciudadana, de una educación pública democrática que permita a los votantes decidir con libertad a partir de una información honesta y seria. “Es increíble”, afirma el autor, “que en las dos últimas décadas todo se resuelva con lemas simples y superficiales del estilo de tu país primero o te doy libertad. Por ello hemos visto que Donald Trump gobernaba a golpe de tuit para evitar a la prensa incómoda o que Isabel Díaz Ayuso da lecciones de libertad mientras vulnera derechos. Aquí conviene recordar que la prensa de calidad siempre supone un canal antipático para los gobernantes y los poderosos”.

David Trueba traslada asimismo sus críticas al cine y al periodismo, dos sectores que conoce muy bien este director, guionista y columnista de prensa de múltiples registros, como su admirado Fernando Fernán-Gómez sobre el que rodó un documental. “En el cine”, comenta con tristeza, “ya no existe debate ni análisis de las películas y el papel de los críticos ha pasado a ser irrelevante. Ahora mismo aparecen más reportajes de prensa rosa sobre actores y actrices que entrevistas con directores mientras las grandes distribuidoras invitan a periodistas a los rodajes a todo lujo. Como señala un productor amigo, en la actualidad las mejores películas son aquellas que más dinero obtienen y para ello la industria invierte sumas astronómicas en marketing para promocionar sus superproducciones”.

En el cine ya no existe debate ni análisis de las películas y el papel de los críticos ha pasado a ser irrelevante

Alterna los filmes con las novelas desde hace muchos años y señala que cada proyecto suele venir asociado en su cabeza a un género, bien cinematográfico o literario. Confiesa David Trueba que encuentra placer en dedicarse a estos oficios, incluido el periodismo, que califica como “la primera forma de curiosidad”. “El periodismo”, apostilla, “obliga a estar en contacto permanente con la realidad y eso representa algo básico para un creador. Rafael Azcona decía que el cine italiano se fue a la mierda cuando sus guionistas dejaron de utilizar el transporte público”.

01:30.- Estreno de 'Casi 40' y entrevista con David Trueba

11:00.- Lo que tienes que saber, con Bernardo Pajares

18:45.- Masterclass de Álex de la Iglesia y Sergio Oslé en el Museo Guggenheim de Bilbao, organizada por Sundance TV

29:45.- Las series. Incluye burbuja de opinión sobre 'Paquita Salas T2', por Javi P. Martín de e-Cartelera

35:15.- Estrenos de cine. Incluye entrevista con Pau Durà por 'Formentera Lady'

53:30.- Palillos en los ojos. Hoy, 'Lady Bird'

El Festival de Málaga ha ido ganándose un hueco en el corazón de la ciudad andaluza en sus veinte años de vida. Y del cine español. Escaparate de las caras más conocidas de televisión y del cine más comercial, la muestra malagueña ha transitado desde unas primeras ediciones en las que parecía primar la comedia ligera a obras más autorales, que terminaron dando la campanada en otros festivales y en la gran noche del cine español, como Verano 1993 (Carla Simón) o A cambio de nada (Daniel Guzmán), por poner tan sólo un par de ejemplos.

Su última evolución, darle cabida al cine latinoamericano, no parece haberle restado fuerza a la promoción del cine español, sino impulsado la proyección del festival. Mateo Gil, que llega de triunfar en el Festival de Miami, será el encargado de abrir boca este viernes en el Teatro Cervantes con Las leyes de la termodinámica.

Conocido por películas como Nadie conoce a nadie, donde atizaba sin contemplaciones la Semana Santa sevillana, o el western Blackthorn, Gil se aventura en la comedia romántica con un profesor de física empeñado en aplicar la ciencia a las relaciones de pareja. Vito Sanz, Berta Vázquez y Chino Darín encabezan esta comedia disparatada, que se podrá ver en salas de cine a partir del 20 de abril.

Vuelve David Trueba

Uno de los grandes anuncios de la 21ª edición del festival es la última película de David Trueba, que combina su faceta como director de cine, con la televisión y la literatura. Casi 40 llega cinco años después de Vivir es fácil con los ojos cerrados, la película que lanzó al estrellato a la actriz jiennense Natalia de Molina y le brindó su primer Goya.

De carreras de éxito va también la película protagonizada por Lucía Jiménez (Los dos lados de la cama) y Vito Sanz, que hace doblete en Málaga, y que interpreta a un vendedor de cosméticos que pretende relanzar la carrera musical de su amor de adolescencia.

Animación en sección oficial

La animación también se abre paso en una sección oficial con 9 películas españolas y 11 latinoamericanas compitiendo por la codiciada Biznaga de Oro. Memorias de un hombre en pijama (Carlos Fernández de Vigo), está inspirada en la novela gráfica de Paco Roca, quien ya llevó a la gran pantalla otro de sus libros de viñetas, Arrugas, con el que ganó un Goya por mejor guión adaptado. Memorias de un hombre en pijama es una obra autobiográfica de Paco, un cuarentón que cumple su sueño: trabajar en pijama desde casa, mientras dibuja.

Raúl Arevalo se encarga de darle voz a esta película dirigida por Fernández de Vigo, que cuenta con experiencia tanto en el mundo de la animación, como de los videojuegos.

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"En este Sálvame Deluxe en que se ha convertido el debate sobre las izquierdas españolas hay de todo. Tamaras buenas, Tamaras malas. Raquetazos por la espalda. Ataques de integridad".

La culpa de las 3.632 palabras que vienen a continuación es de una entrevista que le hicieron hace unos días a Tamara Falcó en la revista Marie Claire. El titular me llegó por redes sociales, convenientemente envuelto en coñas marineras: “Rezo por Pablo Iglesias y por todos los de Podemos”. Me reí un rato, añadí algún comentario mordaz y me olvidé momentáneamente del tema. Mi subconsciente lo rescató -vete a saber por qué- esa misma noche. Ya sin coñas, me vino la pregunta: ¿quién hace de Tamara Falcó, para hacer reír a la derecha?

¿Se os ocurre algún nombre? No, ¿verdad? Es un poco como en ese viejo consejo para aprender a jugar al póker: Si no sabes quién va perdiendo, entonces lo más probable es que ese seas tú. Oui, c’est moi. Je suis Tamara. Y todos los que nos dedicamos a juntar letras críticas en medios digitales como este, o, -ponle- CTXT, o El Salto, o La Marea, o Infolibre. Escribimos heteropatriarcado, o pensamiento único, o troika y a algún derechista se le sale el colacao por la nariz, de la risa. Si le llega, claro. Porque no somos la Marie Claire. Ojalá.

Ya resignado al insomnio, me estuve preguntando más cosas, indagando sobre todo este asunto de las críticas. Importa su origen. No da igual que las suelte Agamenón o su porquero. El fervor antipodemita de Tamara Falcó (como el de Pérez-Reverte, como el de Salvador Sostres) podría hasta conseguirnos votos. Para que una crítica surta efecto, debe ser enunciada desde una posición cercana al oyente, legitimada por éste. Duele menos una bola rápida desde el fondo de la pista que un raquetazo en la cabeza propinado por tu compañero de dobles.

Es inevitable preguntarse qué pasaría si uno abriese cualquier periódico, sintonizase cualquier canal y encontrase todo el rato gente puntera -autoidentificada como de centroderecha- hablando sobre lo que debería hacer la derecha y no está haciendo, los motivos del ‘fracaso’ del PP (al fin y al cabo un partido que se ha dejado casi catorce puntos en las encuestas en un año y medio), posibles ‘soluciones’ drásticas a la inminente ‘debacle’. Influencers derechistas profetizando un largo invierno podemita si Rajoy no dimite inmediatamente en beneficio de -ponle- Pablo Casado. Jorge Bustos pidiendo cabezas. Los tertulianos de TVE1 poniendo a Guindos a caer de un burro.

Eso -todos lo sabemos- no va a ocurrir, a no ser que un día el menda se encuentre, como Faemino y Cansado, once mil millones mientras se peina y decida invertir en conglomerados mediáticos para darle la vuelta a la tortilla de la hegemonía. Así que el panorama es bien diferente. Mientras las Tamaras del bloque antagonista nos desgañitamos en la fría tundra digital, los medios de masas españoles tienen bien aprendido el marco “fracaso de las izquierdas”. A veces de forma tamaresca-caricaturesca, como esa gente entrañable de El Mundo (hay que quererla mucho):

Otras veces, sin embargo (y estos raquetazos duelen más), el crítico viene con la chaqueta de pana del abuelo. Me refiero cómo no a El País y su preocupante preocupación por la salud de comunes y Unidos Podemos. No hay día sin que el editorial, o la firma de alguna vaca sagrada desgrane el tema “lo que la verdadera izquierda debería hacer”, sea esto lo que sea. Desde abrazar el internacionalismo y dejar actuar a los Piolín Boys (David Trueba) a honrar la Santa Transición (Javier Cercas) o ‘pasar página’ con el franquismo (Muñoz Molina), para dejar de ‘fracasar estrepitosamente’, según el recién llegado Sergio del Molino.

En este Sálvame Deluxe en que se ha convertido el debate sobre las izquierdas españolas hay de todo. Tamaras buenas, Tamaras malas. Raquetazos por la espalda. Ataques de integridad. Dineros, incluso, a veces treinta, si me permitís la metáfora bíblica. Pero también buena mierda, compas preguntándose de buena fe aquello de Lenin, Что делать?, qué hacer, gente desempolvando lecturas o comentando el asunto en los bares (siempre, siempre hay que abrirse de orejas cuando oyes hablar de estas cosas en los bares). ¿A ti también te salta el tema a la cara cuando abres una red social o te vas de cañas? Si me acompañas un rato más te doy mi recapitulación. Sin rezar nada ni nada de eso. Prometido.

GPS, POR FAVOR

Encendamos un momento el GPS. ¿Dónde estamos? ¿En quinientos metros, en la rotonda, tome la primera salida para tomar los cielos por asalto? Mmm… no, me temo que no. ¿Al borde de la desaparición, como cuando el tsunami bipartidista de 2008? Pues mira, yo diría que tampoco. Llevo votando y participando en política desde el 95, no soy tan viejo pero he visto años malos, períodos de desactivación, de erosión, de arrinconamiento. Y no se parecen en nada a este: 71 diputados de Unidos Podemos, la estructura turnista del 78 volada en mil (al menos cuatro) pedazos, primera fuerza indiscutible entre los votantes de menos de 44 años (que se dice pronto), ayuntamientos del cambio, atención (a veces demasiada, es verdad, pero ey) mediática… Parece claro que el desánimo, de haberlo, no procede de un diagnóstico histórico, sino de una expectativa, de un cambio de tendencia. De la fase de asalto a la de trinchera, por usar términos bélicos, de moda hace un tiempito. El desánimo, además, procede en parte de datos cocinados en los fogones de Metroscopia, esa gente tan dada a herrar (sic) los pronósticos.

¿Están las izquierdas haciéndolo todo mal? ¿Y todo bien? Esto no es El País, amigos. Ni el teletarot. Yo soy de letras y no sé nada de código binario. Para aportar un mínimo de sentido a este debate es necesario tener en cuenta al menos unos cuantos elementos más. De hecho, creo que el uso de un mínimo de elementos de debate es uno de los mejores filtros que podemos usar para identificar Tamaras, agentes provocadores, despechados y Leguinas en medio de esta discusión. Todo el mundo tiene derecho a barrer padentro, ojo. Pero, mejor, la escoba a la vista, ¿no?

Todos podemos aportar ejemplos a una lista de errores de cálculo, de táctica, de estrategia, de organización, de imagen, cobardías y temeridades, lealtades personales (o mezquindades) imponiéndose al bien común, muestras de elitismo o de proletarismo que dejaron frío a parte del electorado, vaivenes políticos sin sentido, salidas de tono identitarias, apaños timoratos por el camino de enmedio, dirigentes sin lecturas (o con demasiadas lecturas), pérdidas tontas de iniciativa, filtraciones traicioneras, fidelidades lentejeras y duelos a navaja por sentarse en un sillón. Al solidificarse la herramienta sobre el molde de las instituciones, mecánicas de partido bien conocidas se han reproducido en el nuestro: tenemos familias, cuotas, apparatchiks y despechados, lugartenientes y saboteadores, fontaneros e incendiarios, trepas y talibanes, jerarcas y pelotas. Y ya paro, que parece esto una canción de Sabina.

¿Sigue, sin embargo, embarcada en esa maraña política que llamamos Unidos Podemos al menos parte de la valiosa militancia que la ha llevado hasta donde está? Pues mira, sí. Mientras leemos un artículo apocalíptico tras otro por parte de -por ejemplo- los El Confi Boys sobre ‘la burbuja de la izquierda’, o ‘la izquierda pajillera’ (sic), o ‘el inminente cataclismo electoral’ etc etc, nuestra gente sigue batiéndose el cobre en todos los frentes, desde los movimientos sociales hasta la moqueta azul del Parlamento Europeo, y encadenando victorias parciales que hasta hace apenas dos años parecían locuras impensables y ahora no merecen ni una palmadita en la espalda. Pero cuentan. Leyendo ciertos digitales, uno podría pensar que estamos a punto de marcarnos un UPyD. No, troncos. No somos UPyD. Pero sí, ya, ya sé que lo importante aquí es ‘el relato’. Dejadme acabar, que voy.

Junto a las listas de errores hay más elementos a considerar. Uno de ellos es obviamente la fase de construcción de la herramienta, pasado ya el período inflacionario o de ‘luna de miel’ en el que los marcos predominantes del debate público nos eran favorables (la “crisis-estafa”, la corrupción, el paro y los desahucios, los recortes, la juventud sin futuro, la emergencia social). Asimismo se ciernen sobre nosotros amenazas externas: los partidos del régimen han establecido una especie de cordón sanitario (ellos lo llaman ‘constitucionalismo’) ideado para sacarnos de la partida en un momento en que el marco principal del debate se ha desplazado a cuestiones identitarias. Se tensan, mientras, todos los hilos del aparato mediático setentayochista, cada vez más endeudado y controlado por un círculo de poder más reducido: se multiplican las expulsiones de voces ‘rebeldes’ y hasta la vicepresidenta se permite operar a plena luz del día para mantener a sus peones (léase Juan Luis Cebrián) en posiciones de influencia.

También es importante seguir teniendo en cuenta nuestras fortalezas, probablemente la mayor de las cuales sea el compromiso militante de tantos y tantos compas que estaban, están y estarán. La vitalidad de los nuevos medios de comunicación, sin sesgos de fábrica, que se extienden desde la red por la sociedad española (¿por qué si no le tendrían tanto odiomiedo algunos a Twitter?). La popularidad entre nuestra base social de la idea de confluencia, verdadera argamasa que ahoga de raíz cualquier proyecto de operación segregacionista palaciega. Y nuestras oportunidades. Con unas nuevas elecciones catalanas en el horizonte, la emocionalidad de los posicionamientos va descendiendo y se vaticina un reflujo antiidentitario. Al mismo tiempo, la crisis económica y de empleo sigue sin cerrarse de una forma mínimamente creíble (paro, corrupción y clase política permanecen como primeras preocupaciones de la ciudadanía, y no Cataluña), y el BCE viene emitiendo amenazantes avisos de subida de tipos y cierre gradual del quantitative easing. Se avecina además una guerra civil en las derechas hispánicas por la debilidad del pack M. Rajoy, que sigue perdiendo sangre por heridas sobrecogedoras. En el período que resta para las siguientes elecciones (el 21D ha alejado la tentación de adelantarlas) veremos si es cierto ese mantra popular de que el castigo por la corrupción ‘ya está descontado’ entre un electorado conservador que solo entiende la fidelidad (y si no, que le pregunten a UPyD) hacia el caballo ganador.

Vaya, al final sin querer me he marcado un DAFO como un piano. Lo cual debería de anticipar que ya aquí vendría mi receta infalible, mi hoja de ruta segura hacia una gran victoria futura si me hacen caso y se cumple lo que debería hacer la izquierda, ¿no? Pues no. Creo que vamos ya un poco sobrados de hojas de ruta parciales llenas de reproches y collejas apenas velados y Colones apuntando hacia un plus ultra que a veces no es otra cosa que la maya por mí y por todos mis compañeros. En todo caso, y por recomendar algo, recomiendo leer más a Eric Olin Wright: en la sociedad postindustrial, las estrategias anticapitalistas no necesitan ser puras (a mis camaradas más doctrinarios les aconsejo tomarse el Sintrom antes de hacer clic ahí), y una herramienta revoltosa y mestiza como Unidos Podemos puede integrar las cuatro, es decir, destruir, domar, escapar de y erosionar el capitalismo al mismo tiempo, desde lo micro y lo macro, desde la calle y las Cortes, desde lo personal y lo político, para abrir huecos a una sociedad del bien común.

-Pero entonces, ¿no va a haber hoja de ruta

-Que no, acho. Por eso el apartado se llamaba “GPS POR FAVOR”. Esto de lo que iba era de situarse un poco.

-¿Y ahora qué?

Y AHORA QUÉ

El debate sobre qué hacer se encrespa entre las izquierdas. Nunca se ha ido, pero el estancamiento electoral, la pérdida de la iniciativa en la actualidad informativa y un clima mediático desaforadamente hostil parecen avivarlo. Esto no es malo de por sí. Si la derecha fuese capaz de mantener cierto nivel de debate público sobre su propio rumbo, M. Rajoy hace tiempo que habría abandonado el liderazgo del PP y Pilar Barreiro -por ejemplo- no estaría usando el Senado (con sus 80.332€ públicos al año) para pagarse la defensa en Púnica, Novo Carthago e Hidrogea. ¿Alguien imagina a Ciudadanos cuestionando en abierto las decisiones de su querido líder? De hecho, sospecho que al menos en parte toda esa campaña de intoxicación que venimos sufriendo las izquierdas por parte de los medios del régimen no tiene como objetivo avivar nuestra división o condicionar el debate, sino precisamente impedirlo. Que nos vayamos al búnker. Que toda crítica interna sea considerada traición en un estado de excepción. Que nos gane la esclerosis. Y que nos convirtamos, definitivamente y por el trámite de la profecía autocumplida, en un partido como todos. ¿Como? ¿Que camino llevamos? Bueno, eso decídelo tú.

Otra batallita: el período entre la caída del Muro y la de Lehman Brothers fue uaro uaro para las izquierdas. La implosión del mundo socialista nos dejó con pocas ganas de hablar de alternativas económicas al neoliberalismo, y se ha teorizado frecuentemente sobre la sobredimensión en esos años de las políticas de identidad, una especie de refugio para nosotros mientras el pensamiento único nos ganaba las partidas. Parece haberse asentado el relato de que, mientras el capitalismo se comía la Rusia de Yeltsin -sus compatriotas se dejaron nada menos que diez años de esperanza media de vida a lo largo de la década-, nosotros nos tapábamos la cara con las banderas del feminismo, la multiculturalidad, la diversidad sexual y de género,el pacifismo, la ecología y el laicismo. Es un viejo debate. El cliché la izquierda postmoderna inofensiva tiene ya unos años. Para repensarlo, habría que subirse al Delorean y aterrizar en aquella sociedad: la Izquierda Unida recién creada abandonaba hoces y martillos en un esfuerzo integrador, y casi al mismo tiempo se convertía en muleta de emergencia de un PSOE que empezaba a perder fuelle. De la época de Anguita conservamos sin embargo el recuerdo de una organización menos acomodaticia, capaz de luchar nada menos que contra el Tratado de Maastricht (con toda razón, sabemos ahora) y marcar un techo electoral de 21 diputados. Durante mucho tiempo, esa cifra (los 21 diputados) se fue solidificando entre nosotros como la plusmarca imbatible. Relegados férreamente a los márgenes del debate público sin aparente esfuerzo (eran los años gloriosos de El País y el bipartidismo setentayochista), la militancia se dividió en dos tipos: por un lado, quienes se dedicaban por entero a la vida de partido (y aspirarían en su momento a algún cargo subalterno); por otro, quienes se repartían entre la organización y diversos movimientos sociales, con lógicas crecientemente divergentes a las de la primera.

No quiero aburrir pero no eran tiempos de pensar en hegemonías. Recuerdo cierta mentalidad de resistencia a lo que interpretábamos casi como un fin de la historia, a lo Fukuyama. Ni siquiera quienes nos dedicábamos a construir un discurso económico crítico desde espacios altermundistas como ATTAC teníamos victorias electorales en mente. También indagábamos herramientas críticas fuera del espacio estrictamente marxista, desde Lacan a Foucault, pasando por Bourdieu. Estamos acostumbrados a pensar estas cuestiones en términos dicotómicos, no históricos (recomiendo mucho el espléndido artículo de María Eugenia R. Palop en este mismo medio sobre el asunto). ¿De verdad estaríamos donde estamos de no haber integrado discursos laterales al de la gran marcha adelante del socialismo? ¿Habríamos logrado superar un esquema de partido decimonónico, jerárquico y hermético, sin nuestra travesía del desierto de los 90 y 00? La ansiedad del asalto y la ventana de oportunidad ¿es beneficiosa a medio y largo plazo? ¿Existen otras responsabilidades que atender, además de la fallida ganar ya que todos tenemos en mente?

En todo caso, nuestro momento Polanyi llegó, para cambiarlo todo, tras el estallido de la burbuja financiera de hace diez años. La ola de desapego al régimen y de politización exprés que conocemos como 15M volvió a poner sobre la mesa temas del fondo del cajón. Releímos a Gramsci, a Polanyi, a Laclau para retomar la posibilidad de la hegemonía, cómo disputarla, cómo construir pueblo / poder popular (no es en absoluto lo mismo), cómo librar  con éxito las nuevas guerras culturales o con qué contrarrestar las previsibles ofensiva mediática y restauración. Pero no solo el problema de la hegemonía reclamaba nuestra atención. La crisis de Régimen no era solo socioeconómica en un sentido tradicional: la siempre postergada revolución de los cuerpos (feminismos, diversidad de género, derechos reproductivos) también acababa de estallar para retar al patriarcado reinante, junto a un cuestionamiento profundo de las formas de representación democrática que abría grietas en el tejido vertical de los grandes partidos del país. Municipalismo, autoorganización, democracia radical, nuevo sindicalismo… Son fenómenos también venidos para quedarse. Todas esas oleadas antagonistas, sin embargo, no se solapan por completo. Las zonas comunes (que también llamamos Comunes) han de ser atendidas con cuidado. A no ser que seamos un pirómano, claro. En ese caso, dame más gasolina.

La palabra mágica para muchos de nosotros es transaccionar: integrar las diferencias, apagar los fuegos, encontrar y potenciar las zonas de solapamiento donde todo parece fractura. Obviamente esto puede convertirse, si se exagera, en una ridiculez. En una especie de totalitarismo de monje budista. La mediación siempre ha de partir del reconocimiento de la diferencia. ¿Queréis un ejemplo espectacular? Lo voy a traer (para que no se diga) de la zona más alejada a la mía, de entre todo el espectro que abarca mi espacio político. Hablo del artículo que se ha marcado Germán Cano en El Confidencial, una lección magistral de respeto, sensatez, mano -precisamente- izquierda y, claro, crítica a la organización, que enriquece, complejiza y abre el debate que estamos diseccionando aquí. A esto me refiero cuando digo así sí.

Me (os) voy a ahorrar el típico apartado denostando la sobredimensión de lo teórico entre las izquierdas / movimientos antagonistas de nuestro país. No creo que haya más genios pensantes / capitanes intrépidos entre nosotros que en otros bloques, como el conservador o el socialdemócrata. Sí que los nuestros hablan más en público contra nuestros dirigentes, pero esto no es necesariamente negativo. Puede incluso que esos debates se extiendan al gran ágora, cosa tampoco necesariamente etc. Lo ideal, visualizo, sería que la clase trabajadora que pretendemos representar discutiese el qué hacer con la naturalidad y frecuencia con que hablamos de la selección española de fútbol. Ese debate, sin embargo, solo podría darse sin interferencias ni intoxicaciones sobre el cadáver del Régimen. Su poder es obviamente inmenso. Con tal de erosionar nuestro espacio, la credibilidad de diarios como El País o de vacas sagradas de nuestro universo cultural puede ser malgastada a modo de munición. ¿Cómo distinguir entre unas y otras aportaciones, las que se emiten desde la preocupación y el compromiso antagonista (muchas veces incendiarias) y las que contiene disoluciones variables de venenos interesados? Vamos acabando este (desaforadamente) largo texto con una útil

GUÍA TOXICOLÓGICA PARA ORIENTARSE EN EL DEBATE DE LAS IZQUIERDAS

Venenos everywhere. Pero hay un debate fascinante esperando a quien consiga inmunizarse. Inmunizarse es bastante fácil, por otra parte. Solo es necesario ver venir. Aquí os cuento los compuestos tóxicos más comunes, y ya cada cual que consuma libremente los que le parezca. Pero avisao:

Y yo ya me iba. Mentiría si dijese que no estoy aprendiendo mucho, en ocasiones directamente con palmaria fascinación, con este debate. También si ocultase mi estupefacción, en ocasiones, ante determinados intoxicadores. Igual me pongo un día y rezo por ellos.

David Trueba hace tiempo en su librería madrileña La buena vida, donde en pocas horas tendrá lugar la presentación de su libro. Tierra de campos es una biografía musical y un road trip nostálgico a lomos de un coche fúnebre.

Trueba retrata la vida de Dani Mosca, una estrella de rock sin excesos, desde la adolescencia y el inicio de su banda en pleno posfranquismo hasta la muerte de su padre, en su cuarentena.

Cineasta, crítico de opinión, novelista y ahora también músico. El pequeño de los Trueba no necesita haber tocado un instrumento en su vida para mimetizarse con su protagonista. Las estrofas de canciones inventadas se convierten en pasajes del libro y los bajos fondos del mundillo se hacen vívidos como en una película.

Empezamos hablando de esa inmersión para acabar en un debate sobre los boicots, la masificación de las mentes o el auge de los nacionalismos. Un proceso natural porque David Trueba no antepone “la libertad de expresión al negocio”. Opinar es su oficio tanto como escribir o rodar. En esta entrevista hace un repaso a todas esas facetas y a alguna más.

La carretera o road trip es una alegoría que se repite en sus películas Cuatro amigos y Vivir es fácil con los ojos cerrados. ¿Qué representa en esta novela?road trip Cuatro amigosVivir es fácil con los ojos cerrados.

Me gusta que los personajes hablen al desplazarse físicamente y que sea también un viaje emocional. Yo aprendí a relacionarme mejor con mi país cuando vivía fuera de España. Quizá el nacionalismo se cura viajando. Mi libro habla mucho de eso.

El protagonista viaja a los orígenes del padre para buscar los propios. Hay dos momentos en los que es fundamental tu origen: al nacer, porque te va a condicionar, y al morir, porque es donde te sientes cómodo. Esos dos lugares son enigmas. ¿En qué medida somos por nosotros mismos y cuánto hay de hereditario y cultural en nuestra forma de ser? Es una metáfora perfecta para entablar un diálogo emocional.

La profesión también forma parte de esa ecuación. ¿Qué parte del oficio de un personaje se queda en el escritor? ¿Cuánto hay de músico ahora en usted?

Es cierto que también somos, entre otras cosas, lo que hacemos y la labor que desempeñamos. Dani Mosca (el protagonista) se abrió paso en mí como alguien cercano, pero a la vez con la suficiente distancia para hablar del oficio de músico mejor que del de cineasta o escritor. Y, cuando convivió conmigo, llegó el momento más doloroso. La amputación final.

Es una sensación muy parecida a lo que llaman las mujeres depresión posparto. A lo que le has dedicado tanto tiempo ya está ahí fuera, independiente, y vuelve la pregunta: ¿quién soy yo de nuevo?

La distancia al escribir conlleva el riesgo de caer en lugares comunes. Y la música está especialmente llena de clichés. ¿Cómo los ha evitado?

Hay elementos que me molestan mucho del retrato musical. El de transmitir un alto grado de transgresiones para aparentar ser auténtico. Que tuvieron una infancia difícil o que consumieron muchas drogas, por ejemplo.

Si no lo dicen en las biografías parece que es imposible llamar la atención. Yo quise crear un personaje al contrario, una persona que odia el disfraz y a la vez no puede escapar de él.

Ahora bien, el cliché está ahí. He conocido a muchísima gente devorada por el personaje y que me sorprendieron cuando adquirí un grado de intimidad con ellos. No lo pueden disociar. Es su protección pública.

Llama la atención el personaje de Gus. Un Tino Casal que sobrevivió a la homofobia posfranquista gracias a sus aires de divo. ¿Es peor ahora?

Era imposible sobrevivir sin crearte un personaje. Hemos avanzado muchísimo. No sabes lo que era una clase solo de chicos cuando salía un alumno afeminado a la pizarra. Era inaguantable para cualquier persona que tuviese un mínimo de sensibilidad. Los chistes constantes, la ridiculización.

Es cierto que todavía hay parejas de chicos que reciben una paliza si se dan un beso por la calle. Ocurre cada fin de semana. ¿Quién les da esa paliza? Esa es la pregunta. Casi siempre nos hacemos un arquetipo de los agresores, pero ellos también se han formado en el contexto de esta sociedad. Algo estaremos haciendo mal.

Ha reconocido que la figura del padre es el personaje más autobiográfico. El protagonista empieza a admirarle más cuando se muere, ¿le pasó también?

Mi padre no es que fuese muy intelectual, no era la figura que yo buscaba como maestro. De adolescente imaginaba que mis padres eran Voltaire y Simone de Beauvoir, en lugar de gente vulgar. El tiempo me ha servido para dar gracias a la vida por ellos.

Algo que muestra que nuestra sociedad es demasiado infantil es el desprecio hacia los demás, la idea de superioridad y la nula capacidad de percibir las virtudes ocultas. Esos son los peores rasgos de la adolescencia, pero también creo que se curan con la edad.

En el lado opuesto está el caso de Jonás Trueba, el de crecer en una saga familiar como la suya. Tiene ventajas, ¿pero cuáles son las desventajas?el caso de Jonás Trueba

El reto. La mirada comparativa de los demás. Cuando llegas y estás asociado a un apellido o a otra persona, comienza una comparación muy injusta. Yo también sentí el aliento de los exterminadores cuando arranqué. Eso te hace más inmune a las opiniones, porque sabes que ha habido un deseo de anularte. Siempre le recomiendo a Jonás hacer lo que te gusta y resolver poco a poco el malentendido entre quién eres y cómo te apellidas.

Haber trabajado como crítico, ¿condiciona a la hora de escribir una novela?

Una de las cosas que he aprendido de ser crítico es lo fácil que puedes caer en el desprecio. En no apreciar el esfuerzo de los demás antes de elaborar tu tesis. Para mí, el mejor crítico es el que tiene la capacidad de aislar la obra de quien la hace, del contexto y de las modas del momento. A partir de ese esfuerzo gigantesco, alguien se puede llamar crítico de verdad.

Pero si algo tengo clarísimo es que son imprescindibles. Son como una especie de vigilantes de la sociedad de consumo, quienes redirigen lo que el mercado no puede redirigir solo. Ellos también deben aprender a no ser omnipotentes y a tolerar que germinen cosas que no son de su agrado.

Existen críticos que mueven más el consumo hacia ellos mismos que hacia el producto. ¿Cómo se ve eso desde el lado del creador?

Somos muy falsos. Lo que más nos gusta es que nos ponga bien un crítico. De hecho, nos gusta más que nos ponga bien el que pone mal a todos los demás. Esto es muy curioso. Porque cuando somos todos los demás nos ponemos furiosos. Existe una relación muy infantil entre críticos y autores.

Las redes sociales a veces son incluso más peligrosas que un crítico, como se vio en el boicot a Fernando Trueba. ¿Hay miedo a las redes entre los autores?en el boicot a Fernando Trueba

El caso de Fernando fue un castigo político por tocar el gran tabú de España. Lo hemos hablado muchas veces. Es una muestra de la agresividad social y de la falsa idea de democracia. Vivimos una democracia muy curiosa en la que todos deben pensar lo mismo.

Yo comparo las redes sociales con lo que significaba la taquilla para mí en los inicios. La persecución del éxito. ¿Hasta qué punto no tiene algo de infantilismo? Querer que te quieran y que te quieran todos, en vez de conseguir gustar con lo que tú quieres hacer. El arte no puede existir sin ese conflicto con el espectador. Si no, sería solo imitativo. Un producto adecuado a lo que demanda el consumo mayoritario.

¿Generar ese conflicto no es como tirar piedras sobre el propio tejado?

Hay que generar esa fricción pero sin aislarnos. Lo que no me gusta de las redes sociales es que imponen un análisis demasiado urgente. El arte no puede ser nunca analizado con urgencia, sino desde el reposo, para entender el efecto que causa un tiempo después.

Tampoco me gusta la masificación de las voces. Muestra un empobrecimiento. Esa masa no viene en grupo, viene de uno en uno. Un ejemplo claro es el like. En qué medida todos esos likes son el mismo like. Cada voto, ¿es la misma mano o es una mano distinta? Sin embargo, al meterse ahí conforman una masa y las masas son nazis por antonomasia.

¿De ahí que surgiese esa reacción en contra de la película de su hermano?

Para mí, esa es la mayor traición a la democracia. Que el negocio esté por encima de la libre expresión. El caso de mi hermano me pareció abyecto. Al fin y al cabo, él sacaba una película para ponerla a la venta y fueron a tirarle piedras a su tienda. Eso tiene un nombre.

Nunca jamás me voy a callar. Le dediqué este libro a Fernando para decirle a la gente: “No tengas miedo de defender a quien crees”. También hay que decirlo públicamente, aunque pongas en riesgo tu negocio. Y ojo, rechazo tanto el boicot a mi hermano como a Coca-Cola o a un cantante de reggaeton. Si seguimos así, acabaremos poniendo estrellas de David en el escaparate o en la camisa de los demás.

Precisamente las redes sociales son una herramienta de la nueva política. ¿Cree que es un error apelar a la masa? ¿Le funciona menos a la izquierda?herramienta de la nueva política

Al revés, es un acierto para ellos. Es la llave maestra para conseguir adeptos. La izquierda vive una contradicción permanente. Una persona de izquierdas tiene que aprender a convivir con el espíritu crítico y a poner en cuestión lo que hace. Tiene que aceptar lo que piensen los demás para ser una persona de progreso, porque si no, sería de reacción.

Todos esos elementos de complejidad del discurso son los que para mí conforman la izquierda. Obviamente, para ganar unas elecciones y ganar adeptos debes desvirtuar esa complejidad. Adeptos ciegos, eso sí. Por un lado es una estrategia hábil, pero por el otro pierdes la calidad de tu discurso.

Tengo problemas para aceptar el uso que se está haciendo de las emociones. Se usan para generar una fidelidad ciega en vez de apelar a la inteligencia individual.

Hacer uso de las emociones ha sido el impulso del ultranacionalismo en Europa. ¿Por qué estamos tan seguros de que aquí no pasará?tan seguros de que aquí no pasará

Es necesaria mucha objetividad para no colgarnos medallas. Así caemos en la trampa. Hay que ver lo que pasa fuera y aplicarlo a nuestro país. ¿Cómo es posible que siga tan desunida la izquierda en España? Concediéndole tanto margen a la derecha. ¿Por qué el patriota español considera nefasto al patriota catalán? Todas esas incoherencias nos las debemos plantear.

Y aun así seguimos premiando políticas de migración brutales o de austeridad.políticas de migración brutales

Creo que nos equivocamos enfocando la crisis económica como una oportunidad para cambiarlo todo. Al final, no hemos cambiado nada. Los dirigentes de las instituciones económicas que nos llevaron a la deriva son ahora los dirigentes de las economías nacionales. Pero eso no es fruto solo de una mano negra, es fruto de una sociedad que necesita respuestas inmediatas.

La gente debe tener trabajos, aspiraciones y resolución a los conflictos cotidianos. Ahí la derecha volvió a ganar la partida. Ellos tenían un plan inmediato, aunque fuese de recortes, y eso gustó más a los electores. Vamos a aceptar que la democracia a veces derrota nuestros propios intereses.

Para no caer en la resignación, ¿dónde queda la reforma?

La reforma es humana, está en todos los estratos de la sociedad. La mayor reforma que puede hacer una persona es elegir muy bien dónde pone cada euro. No es un accidente que hayamos primado la ropa barata, el producto de baja calidad o las empresas de comunicación americanas frente a la producción local y la generación de empleo.

Por ejemplo, aunque muchas veces he sido atacado por ellos, yo soy un defensor del gremio del taxi y pienso que Uber es inaceptable. Hay cosas que son intolerables: el robo, la destrucción del empleo, del tejido laboral y del comercio de cercanía. Todas esas cosas no las está destruyendo Angela Merkel, las destruyen los españoles cada día con su modo de consumir.

Perdón por haberme enrollado con esto. Parece que soy yo el que me presento a unas elecciones [ríe].

Al contrario. Algunos artistas no aceptan hablar de política durante su promoción.

¿Verdad que no? Es como si les robasen lectores o espectadores. Pero es lo que te decía antes, no soporto que el negocio esté por encima de la libertad de expresión. Es como si fuese un concurso de Miss España permanente, donde a ninguna Miss se le ocurriría decir algo inapropiado o que molestase al jurado. Pero no estamos en Miss España. Somos una sociedad que crea, opina y discute.

José Luis Cuerda recordó ayer en Málaga cómo fue su iniciación al sexo y eso suele ser algo que da pudor. “En Albacete rompíamos a follar con mucha facilidad”, dijo el director de cine. La Térmica juntó a Cuerda, Manuel Vicent, Ayanta Barilli y David Trueba a hablar sobre “las relaciones convencionales y la identidad de género” y lo que quedó fue un coloquio ágilmente desgobernado por Boris Izaguirre sobre todo lo demás: el sexo, Internet, las redes sociales, la pornografía y, ojo, cuidado, la imagen de Rajoy depilado. “Rajoy depilado es Albert Rivera”, desveló Trueba.

La mesa redonda fue la primera de las dos programadas para el viernes dentro del ciclo Senso 3.0, con el que La Térmica pretende reflexionar (entiéndase: con humor) en torno a la influencia de Internet en las relaciones amorosas. “¿Creéis que nos van a pagar después de esto? Igual la gente ha venido aquí esperando la Revista de Occidente y estamos dando el Diez Minutos”, soltó Cuerda, ingobernable toda la tarde como un guión de Amanece que no es poco. El director se definió como “un firme defensor del orgasmo” y dio razones: “Casi nadie se enfada si le preguntas, ¿oye, quieres un orgasmo?”.

A esto Vicent replicó con antropología. No es que el sexo sea malo, pero hay que andarse con cuidado, vino a decir: “El macho en el momento del orgasmo es sumamente débil. El hecho de que las parejas se escondan para hacer el amor viene de la debilidad del macho, porque puede venir otro y arrearte el garrotazo en la cabeza”. El escritor alertó de que el sexo hace decir tonterías hasta al más pintado, y puso un ejemplo: “Imagínense a Sartre diciendo tonterías”.

Como ya se sabe que hay encuestas para todo, y más si son sobre sexo (hágase la prueba: encontrará miles), David Trueba mencionó una de esas que elabora una ignota universidad y que se viralizan desde los agregadores de noticias: al parecer, los británicos practican menos sexo hoy que hace 20 años, lo que viene a poner sordina a la fanfarria con la que se celebra esta supuesta nueva liberación sexual. “Y creo que en España saldría lo mismo”, añadió.

Sexo con o sin amor

Sobre infidelidades, Ayanta Barilli recordó que el barrio más infiel de España es el madrileño barrio de Salamanca (se desconoce si el dato salió de alguna encuesta), pero dijo algo más importante: “Creo que las mujeres estamos descubriendo ahora el sexo sin amor”. “Pero el sexo sin amor es como un calambre”, replicó Vicent. “¿Y por qué hay que darle al sexo el peso del amor?”, contraargumentó Barilli. Ahí estaba, quizá, el quid de todo el asunto que se discutía ayer.

Que las redes han alterado el panorama no lo duda ni el más analógico. Póngase el caso de Manuel Vicent, un señor que no tiene ordenador y va sin contraseñas por la vida: “Las redes te permiten ser lo que quieras, ser un viejo y disfrazarte de adolescente. Los padres se preocupan mucho de las noches del sábado, pero el peligro es que el adolescente se quede encerrado en su habitación con el Internet. Ahí hay un bosque lleno de locos y el adolescente está a merced de la maldad de este puto planeta”.

Para Trueba, la red sólo ha proporcionado el medio: “Las neurosis esenciales se mantienen y las redes juegan con ellas. Por ejemplo: ¿cómo voy a estar siempre con esta persona habiendo tantas? Y entonces surge Ashley Madison. Pero la neurosis persiste”. Internet ha cambiado también el acceso a la pornografía, que ha pasado de la “contemplativa” de las revistas a la normalización de prácticas más, digamos, extremas: “La pornografía no es educación, es fantasía. Si con 11 años te masturbas viendo bukkakes y fistfuckings tu cerebro irá en otras dimensiones”.

Al final fue Vicent, el hombre que vive sin contraseñas, quien predijo el futuro: “En el futuro, la playa desierta a la que se aspiraba antes serán los sitios donde no haya cobertura. Espacios limpios donde no te pueda alcanzar nadie. En esta vida si has venido a mandar, el móvil es diabólico; pero si has venido a obedecer, es peor todavía”.

El nombramiento de Juan Carrión como Hijo Adoptivo de Cartagena se ha desarrollado en un acto que ha tenido lugar en el Salón de Plenos del Palacio Consistorial, y que ha presidido el alcalde de Cartagena, José López, junto a la vicealcaldesa Ana Belén Castejón, y a Fernández Sáez de Elorrieta, del Partido Popular, Manuel Padín, de Ciudadanos, y Francisco Martínez, de Cartagena Sí Se Puede, ante el homenajeado Juan Carrión Gañán.

Además de representación de todos los grupos municipales, ha asistido el rector de la Universidad Politécnica de Cartagena, José Antonio Franco, y multitud de amigos, antiguos alumnos del homenajeado y familiares. El primer edil, José López, ha mostrado el “reconocimiento y agradecimiento de la ciudad de Cartagena a la trayectoria de Juan Carrión”. Especialmente en cuanto “ha sido ha -dicho López-fuente de inspiración de cientos de profesores de inglés en numerosos centros”.

El alcalde de Cartagena ha señalado a Carrión como “como un adelantado a su tiempo, ya que nació hace 91 años en Madrid y desde entonces su trayectoria le ha llevado a trabajar en Oxford, París y en varias provincias españolas”. El alcalde ha destacado además que “su afán perfeccionista le llevó en 1966 a viajar a Almería para encontrarse con John Lennon y pedirle que completara las letras de las canciones de Los Beatles que él utilizaba con sus alumnos en clase”. Esta peripecia inspiró a David Trueba en la película ganadora de varios Goya y candidata a los Óscar, 'Vivir es fácil con los ojos cerrados'.

Carrión, tras agradecer el nombramiento, ha elogiado la que considera como “su ciudad” y se ha mostrado emocionado relatando cómo le gusta “conocer Cartagena a través de sus calles y de sus alumnos”. Tras la ceremonia, el grupo Nowhere Band ha interpretado varias canciones de Los Beatles en el vestíbulo del Palacio Consistorial.

Puedes ver un vídeo del acto aquí:

David Trueba dirige películas. La última, Vivir es fácil con los ojos cerrados (2014), ganó el Goya al mejor filme y él se llevó el premio al mejor director y al mejor guionista. David Trueba escribe columnas periodísticas. En el diario El País firma un espacio que se mueve entre la crítica televisiva y el análisis político, si es posible separarlos. David Trueba escribe libros. Después de Abierto toda la noche (1995), Cuatro amigos (1999) o Saber perder (2008, Premio de la Crítica), está ya en librerías la novela corta Blitz (Anagrama), que arranca con una ruptura: un joven arquitecto español acude con su novia a un congreso en Münich y un acto fallido, un whatsapp que ella no le debería haber mandado (“aún no le he dicho nada. me cuesta tanto. ufff. tq”), precipita el final de su relación.

¿Qué significa Blitz y de que trata esta novela?Blitz

“Blitz” es una palabra alemana muy utilizada que significa “relámpago”, asociada sobre todo a la expresión “Blitzkrieg”, la guerra relámpago. Pero en la novela tiene varios significados porque, por ejemplo, también es una cala de Mallorca. “Blitz” habla mucho de la actitud que tenemos con respecto al tiempo, cómo afecta a nuestro trabajo, a nuestra intimidad, a nuestras relaciones. El relámpago es probablemente una de las expresiones de tiempo más ricas: algo que tiene una luminosidad increíble y al mismo tiempo se apaga rápidamente.

Sin duda, el tiempo está muy presente: los treinta del protagonista, los veintisiete de su novia, los sesenta de su nueva amiga alemana, esos relojes de arena… Pero, ¿cómo ves tú tu tiempo? ¿Qué ha cambiado desde que tenías veinte o treinta?

El error más habitual de las personas es seguir pensando que tenemos veinte años. La realidad es que, no solo físicamente, has cambiado en muchas otras cosas. Sin analizarme demasiado trato siempre de dejar una constancia de esos cambios en lo que escribo y lo que hago. Lo más ridículo del mundo es seguir intentando tener la edad que no tienes porque crees que era mejor la vida entonces. El gran acierto es encontrar lo interesante que tiene cada época de tu vida y de la de los demás: qué es interesante de un niño, de un anciano, de una persona de veinte… eso es lo que trato de hablar en este libro y en todo lo que he hecho.

El tiempo está muy presente también en lo formal. Hay una parte inicial, tres días en el congreso, que ocupa gran parte del texto y otra posterior, un año, que ocupa menor espacio. Esta estructura me recordó una frase que me dijo mi maestro Domingo Caballero, que tiene 70 años ahora, “hay años en los que no me ha pasado nada”.

Esa impresión quería dar. La importancia que tienen tres días y la poca importancia que tienen los nueve meses siguientes. Es una estructura un poco de relámpago, hay momentos que parecen eternizarse donde te suceden muchas cosas y, de pronto, meses de los que casi esperas que pasen. En el libro ocurre: considero Münich la capital de Europa actual para, probablemente, desgracia de Europa. Podría haber sido Berlín ya que todo el poder de Europa ha oscilado a Alemania: el económico, el político y el moral, porque al final la política impone su propia moral. La moral económica está planteada desde Münich, el paraíso de la burguesía alemana, porque Berlín es una ciudad en quiebra, sostenida como símbolo y que recoge a gentes de demasiadas partes. Eso sí, con respecto a París, Londres o Milán, Münich ha cobrado una importancia que no está representada en el imaginario colectivo.

Es una ciudad que conozco bien: me parecía el epítome de ciudad conservadora, donde su tiempo transcurre al gusto de los bávaros, con esa satisfacción del “ser de ahí”... Sueltas en ese lugar a un personaje español de treinta años, a un joven arquitecto que, en la España actual, está sin trabajo, tratando de vivir de concursos y accidentes. Me parecía que ese entorno podía estar muy bien para contar ese tiempo de orfandad de mucha gente de nuestro alrededor. Te puedes sentir huérfano de país, de gente a la que emular en tus campos artísticos, de contexto social donde desarrollarse…

Centras el desencadenante de la acción en un espacio aséptico, un lugar-nada, que podría estar en Münich, Sevilla o Barcelona: un congreso, ¡sitios donde uno sí que se siente huérfano!

Es un mundo que conozco mucho: he participado en congresos literarios, festivales de cine… y en todos he tenido la misma sensación de realidad virtual, paralela, de no lugar. Es clásico que en los festivales de cine se produzcan envidias, amenazas, presiones, capillitas,… y luego eso en la vida real, fuera de allí, a la gente le importa un carajo. El congreso de la novela es de Arquitectura Paisajística, una fantasía... y más para un español. Me divertí mucho escribiéndolo porque no me gusta escribir sobre mi mismo, sino hacer una proyección de mi. Por eso cuando pensaba lo que es dedicarte a un cine de autor en España me parecía que, en el fondo, eres como un arquitecto paisajista. Estás diseñando un jardín que nunca jamás las autoridades van a construir.

Tu libro se podría resumir con el verso de Emily Dickinson del inicio.

El verso de Dickinson que dice que a los niños hay que explicarles el relámpago gradualmente, igual que a las personas hay que explicarles así la verdad. ¿Qué es la verdad? La verdad son muy pocas cosas y muy conocidas por todos. La verdad de la vida nos la enseñan en el colegio con los primeros poemas, como el de Manrique: “avive el seso y despierte/ contemplando/ cómo se pasa la vida,/ cómo se viene la muerte/ tan callando”. Eso que aprendemos de memoria y sin reflexión, no lo procesamos entonces como niños. Lo que no nos gusta es que esa verdad venga de golpe porque nos haría profundamente infelices si alguien nos la pone de frente en la cara. Por lo tanto, nosotros tenemos que vivir entre relámpagos de verdad, dolorosísimos, entre aquellos momentos en la vida de una persona que sufre una iluminación.

En la novela se habla mucho de encuentros pero también de rupturas. Me acordé de Annie Hall cuando tu protagonista dice que su novia ya no se ríe de sus chistes, como si ellos fuesen el algodón para comprobar el estado de una relación.Annie Hall

En los feos, el sentido del humor es nuestra única posibilidad de resultar agradable a los demás. Descubrir que ya no eres gracioso para la otra persona es como, en otros casos, descubrirse una cana, unas arrugas… Se habla mucho de la pérdida de la juventud, de la inocencia, pero no se habla de la pérdida del sentido del humor y de la pérdida del sentido del esfuerzo, que creo que son dos cosas más importantes que perder el estado físico. A mí me da igual no poder correr la maratón de Nueva York, ya me la sudaba a los veinte: creo que debería preocuparnos más la pérdida del sentido del esfuerzo, eso de ponerlo todo en riesgo para volver a empezar, y del sentido del humor, que es lo mismo.

El sentido del humor consiste en levantarte por la mañana, reírte de ti mismo, darte cuenta de lo imbécil e impresentable que eres y, aún así, salir a la calle dispuesto a desenmascarar a todos los que no han hecho este ejercicio por la mañana. Reírte de ti mismo y no tanto de los demás: veo en redes sociales a mucha gente que se dedica a opinar de los demás. Me apetecería mucho que esa ironía se la aplicasen a sí mismos, como le dijo Fernán Gómez a mi querido Pablo Carbonell cuando le hizo una pregunta cómica para el “CQC”. Fernando, que era un provocador, le respondió: “Vaya, se cree usted muy gracioso, ¿verdad? ¡Pues vaya a hacer esas gracias a su madre!”. Pablo me llamó desolado al día siguiente pero le dije que Fernando le había hecho un favor: es maravilloso que alguien te diga que nunca hay que creerse gracioso con los demás, hay empezar siendo gracioso con uno mismo.

Leo Blitz: “la tragedia del español es que no puede ser feliz en ningún otro país del mundo”.Blitz

España es su clima. Todo lo bueno que tenemos es por suerte: nuestra altura con respecto al ecuador y el estar en Europa. El español, educado en el judeocristianismo, es decir, una persona destrozada desde niño, cuando acaba el día, si no está borracho, que es una posibilidad muy española, está hundido anímicamente. Desde las noticias hasta el trato con los compañeros en el trabajo está pensado para machacarle, pero ese hombre se levanta al día siguiente, abre la persiana y hay un sol maravilloso y decide que no se puede suicidar, como haría un finlandés, que matarse sería una tragedia.

Leo más de Blitz: “La pareja es el único remedio contra la soledad, aunque no es perfecto”.Blitz

Mucha gente va a interpretar el libro erróneamente y pensar que trata del amor y el desamor. Yo creo que es un libro sobre la soledad y la orfandad. El amor es la posibilidad de escapar de la soledad y la orfandad. La invención del amor, o del bar, o del cine, tiene una sola finalidad: paliar la soledad y engañarnos sobre la proximidad de la muerte.

Al protagonista le dejas huérfano de todo.

También él lo elige. Yo siempre lo he dicho: ¿qué resorte hay en el ser humano que cuando te pasa algo desgraciado en el amor, te dejan o dejas, vas a casa y pones la canción que más te hará llorar? El protagonista usa su dolor para limpiarse, aprovecha una decadencia del amor, de la edad,... para hacer una limpieza total de su vida. Por eso está tan solo. Después de una ruptura, los no inteligentes suelen ir a una discoteca a dar saltos o ligar con la primera o el primero que aparece.

Según Woody Allen, es mejor dejar que ser dejado porque solo te deja una cierta sensación de victoria culpable.

Yo creo que son las dos igual de malas pero me quedo con el poema de Auden: “If equal affection cannot be,/ Let the more loving one be me”. Si amar igual no es posible entre dos, déjame ser el que más ama. En este caso, soy más Auden que Woody Allen, además no vivo con una oriental.

Blitz: “Rajoy parece un muñeco de ventrílocuo abandonado”. Lo dice el protagonista pero lo podrías decir tú.Blitz

Es verdad que cuando posas a un muñeco de un ventrílocuo en una mesa, adopta una posición como de atención, porque tiene los ojos abiertos, y de ausencia. Me da la sensación que Rajoy está esperando que alguien meta la mano o tire de los hilos para moverse, ese alguien puede ser la figura de Aznar en el último congreso, y que le rellene.

¿Bárcenas sería su némesis, su doble oscuro?

Bárcenas es un personaje profundamente hispánico: el talento, la inteligencia, la creatividad y la agudeza destinadas al mal. Esto lo aplico a los medios, si todo el presupuesto que dedica Antena 3 o Telecinco a pagar a esos concursantes descerebrados, a los que fuerza, prostituye y empuja a la humillación pública, si todo ese dinero destinado al mal se dedicase a algo constructivo y hermoso, tendríamos un país maravilloso.

Y seguimos hablando, porque después de Rajoy, Bárcenas y Telecinco hubiese sido una puñetera vergüenza parar. Charlamos sobre Podemos, la fragmentación de la izquierda, el dilema entre verdad e identidad, SYRIZA, el cine español, el duopolio de las televisiones… y de muchas otras cosas que podéis ver ya en el vídeo completo de esta entrevista aquí mismo, en eldiario.es.

10.000 km, El niño y Vivir es fácil con los ojos cerrados eran las películas preseleccionadas para representar a España en la 87º edición de los Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa. La cinta de David Trueba y su homenaje a Juan Carrión, aquel profesor que enseñaba inglés a golpe de letras de Los Beatles, ha sido la finalista para representar el cine patrio en la Meca del cine estadounidense.

Los actores Álex González y Aura Garrido, acompañados por la notaria Eva Sanz del Real y el presidente de la institución, han sido los encargados de anunciar la cinta que puja por el pasaje directo a Los Angeles.

Un total de 89 películas han participado en esta primera selección, según explicó el presidente de la Academia, Enrique González Macho. El anuncio del filme elegido finalmente para optar al Oscar ha tenido lugar este jueves 25 de septiembre, tras una segunda ronda de votación de los miembros de la Academia. Entre esas mismas paredes se dará a conocer el veredicto final: ahora será la Academia de Hollywood quien decida si estará entre las cuatro seleccionadas para optar a la preciada estatuilla.

El año pasado, las cuatro películas elegidas para optar a representar al país en los premios más importantes del cine fueron La gran familia española de Daniel Sánchez Arévalo, Alacrán enamorado de Santiago A. Zannou, Canibal, Manuel Martín Cuenca y 15 años y un día, de Gracia Querejeta, que no pudo pasar el corte de la Academia.

La presencia española en los Oscar se remonta a 1970, pero no sería hasta dos años después cuando la primera estatuilla aterrizaría en nuestro país de la mano de Luis Buñuel y El discreto encanto de la burguesía. Desde entonces, le sucedieron José Luis Garci con Volver a empezar en 1982, Fernando Trueba con Belle Époque en 1996, Pedro Almodóvar con Todo sobre mi madre en 1999 y Hable con ella en 2002 (mejor guión original), y Alejandro Amenábar con Mar Adentro en 2004.

Trueba sigue los pasos de Fernando

Vivir es fácil con los ojos cerrados, la historia de un profesor fanático de John Lennon de David Trueba, llega a la competición con un sabor dulce. El pasado febrero fue la ganadora indiscutible de los premios de la Academia española, donde despidió la nohe con seis Goyas bajo el brazo.

Era una apuesta bastante segura, por mucho que le pese a su artífice, por sus incesantes referencias a la cultura yankee y hippie y por su estética añeja pero llena de color. Con una sintonía de fondo de Los Beatles -Strawberry Fields Forever- y un guión original, esta historia optimista pero sin olvidar la crítica social pujaba fuerte frente al alarde de Daniel Monzón, El niño y la intimista 10.000 km, que no ha podido sacarle el jugo final a su intérprete femenina.

Cristina Huete, productora de la cinta, y Javier Cámara se han mostrado bastante optimistas en la rueda de prensa posterior a la buena nueva. “La película tiene muchas posibilidades, seguto que la Academia de Hollywood sabe apreciarla”, opina Huete. Conviene recordar que una de las pocas producciones españolas que han pasado por la alfombra roja de Hollywood y se han traido la estatuilla de vuelta a casa fue Belle Epoque.

En 1994, Fernando Trueba fue encumbrado como figura internacional en el evento rey de la cinematografía, donde también estuvieron Penelopé Cruz, Ariadna Gil, Maribel Verdu, Miriam Díaz-Aroca, Jorge Sanz y Gabino Diego, que tampoco se perdieron la cita en Los Ángeles. La presencia de españoles en la gala fue toda una novedad en aquella época, en la que pudieron codearse con artistas de la talla de Paul Newman.

El director español, y hermano de David Trueba, dedicó el premio en aquel atril a una de las principales figuras de la comedia mundial. “Me gustaría creer en dios para darle las gracias, pero sólo creo en Billy Wilder, así que gracias señor Wilder”.

10.000 km, El niño y Vivir es fácil con los ojos cerrados, son las películas preseleccionadas para representar a España en la 87º edición de los Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

Los actores Úrsula Corberó y Javier Gutiérrez, acompañados por la notaria Eva Sanz del Real y el presidente de la institución, han sido los encargados de anunciar las cintas seleccionadas.

Un total de 89 películas han participado en esta primera selección, según explicó el presidente de la Academia, Enrique González Macho. El anuncio de qué filme será el elegido finalmente para optar al Oscar tendrá lugar el próximo 25 de septiembre, tras una segunda ronda de votación de los miembros de la Academia. Entre esas mismas paredes se dará a conocer la película elegida para representar a España, aunque será la Academia de Hollywood quien decida si estará entre las cuatro seleccionadas para optar a la preciada estatuilla.

El año pasado, las cuatro películas elegidas para optar a representar al país en los premios más importantes del cine fueron La gran familia española de Daniel Sánchez Arévalo, Alacrán enamorado de Santiago A. Zannou, Canibal, Manuel Martín Cuenca y 15 años y un día, de Gracia Querejeta, que no pudo pasar el corte de la Academia.

Tres son multitud

Vivir es fácil con los ojos cerrados, la historia de un profesor fanático de John Lennon de David Trueba, llega a la competición con un sabor dulce. El pasado febrero fue la ganadora indiscutible de los premios de la Academia española, donde despidió la nohe con seis Goyas bajo el brazo.

Es una apuesta bastante segura, por mucho que le pese a su artífice, por sus incesantes referencias a la cultura yankee y hippie y por su estética añeja pero llena de color. Con una sintonía de fondo de Los Beatles -Strawberry Fields Forever- y un guión original, esta historia optimista pero sin olvidar la crítica social puja fuerte frente al alarde de Daniel Monzón, El niño.

En plena era de revitalización cinematográfica, cualquier proyecto apadrinado por una importante cadena de televisión cuenta con el boleto ganador. Eso es la nueva cinta del director de Celda 211, una fórmula mágica que se repite siguiendo la estela del gran lote de Ocho apellidos vascos, Lo Imposible y Tadeo Jones. Porque en los tiempos que corren toda estrategia de márketing es buena, y nadie mejor que el Rey Midas de las productoras privadas para llevar a cabo la extenuante promoción.

Por otra parte, no siempre se cuenta entre los créditos con un nombre tan atractivo como el ex crítico de cine Monzón, que ha demostrado a base de bien que lo suyo son los tejemanejes con la adrenalina en la ficción. Además, la trama tiene la garra suficiente para conquistar a todos los simpatizantes de productos solventes como No habrá paz para los malvados o la reciente El Príncipe. “Es un proyecto mucho más ambicioso que los anteriores”, declara su director, pero eso no ses sinónimo de perfeccción pues, tal es el miramiento del presupuesto y la espectacularidad, que se deja las emociones que creó con su ganadora del Goya por el camino.

El tema del narcotráfico y la red de contrabando a través de El Estrecho era una mina de oro sin explotar que parece malgastada con solo dos horas de metraje. Monzón ha querido abarcarlo todo: la frontera ceutí, los entresijos de Gibraltar, la mafia, el drama policiaco y la pertinente historia de amor, y no llega a conseguir que el espectador empatice con ninguna de ellas. Es una lástima que con tales ingredientes se cocine una suerte de mediocre episodio piloto para una serie con mucho más jugo del que rebañar. Una apuesta visual y espectacular que, pese a sus fallos de guión, tiene importantes oportunidades de conquistar a la Academia de Hollywood.

Por último, Carlos Marqués-Marcet cosechó grandes éxitos en Austin con su ópera prima 10.000 km, donde consiguió el gran premio por la interpretación de su pareja principal, Natalia Tena (Harry Potter y Juego de Tronos) y David Verdaguer.

Las nuevas tecnologías son uno de los leit motiv de la cinta debut del director, que estudia las fronteras de un amor al que separan 10.000 km. Exactamente los contados desde Los Ángeles a Barcelona. La producción de esta cinta tiene sabor hollywoodiense, ya que está llevada a cabo por un un colectivo de españoles afincados en la ciudad californiana. Por esa última razón, aun siendo la opción más desconocida en nuestro país, no conviene desdeñarla por su estrategia internacional y su cabeza femenina de cartel.

Lo contábamos hace unos meses: el Ayuntamiento de Madrid pretende dar vía libre a la Fundación Caja Madrid, propietaria del inmueble desde 2008, para que el edificio pase a manos de Mango. La primavera pasada, el oscense Fran Hernández abrió una petición de Change.org para que las instituciones responsables del edificio “mantengan su compromiso social y respeten el uso exclusivamente cultural del Palacio a la Música”.

A su petición se sumaron personalidades del cine y el espectáculo como Santiago Segura y el Gran Wyoming. Hoy la Sra. Rushmore y David Trueba han reclutado a dos estrellas de otro percal: José y Emilio, dos gemelos de 49 años más conocidos como “los heavies de la Gran Vía”. Ellos protagonizan el último video viral para salvar el emblemático edificio de la Gran Via donde se estrenaron grandes títulos del cine como Lo que el viento se llevó, Qué bello es vivir y Gilda.

Los hermanos son ya veteranos de la lucha contra el dominio mercantil sobre la cultura madrileña. Desde 2005 se plantan cada día de la semana de siete a doce frente a un establecimiento del grupo Inditex, concretamente el que se quedó con la que fuera un día la tienda de discos más grande de España, la mítica Madrid Rock, en el 25 de la Gran Vía.

Los hermanos tienen su propio grupo de fans en Facebook, que los consideran un monumento más de la capital, tanto como el cartel de Tío Pepe o el luminoso de Schweppes. Hasta existe una petición para ponerles un monumento, como el de la Violetera.