Malagón se convertirá esta semana en punto de encuentro para el arte urbano, la memoria, el patrimonio y la comunidad con la celebración de Mancha Graff 2026, la Bienal de Arte Callejero de la provincia de Ciudad Real.

Del 3 al 6 de septiembre, ocho artistas seleccionados realizarán obras de arte urbano de gran formato, convirtiendo las calles de Malagón “en un espacio de creación, encuentro y cultura”, según informa la organización.

“Esta edición estará dedicada a rescatar y reinterpretar el patrimonio cultural de nuestra tierra a través del muralismo, conectando tradiciones, identidad manchega y nuevas generaciones desde el lenguaje del arte contemporáneo”, afirman desde la asociación cultural Transeúnte, que organiza el encuentro.

En esta edición, el jurado reconocerá tres de las intervenciones realizadas durante la Bienal, premiándolas con 1.000 €, 600 € y 400 €.

El Ayuntamiento de Polanco inaugurará este domingo, 30 de agosto, a las 12.30 horas, en Requejada, un gran mural de 300 metros cuadrados dedicado a la memoria de Carlos Cubillas, 'Posa', el joven de Rumoroso fallecido a los 21 años en febrero de 2024 tras una agresión en el apeadero ferroviario de Boo de Piélagos.

El mural está ubicado en una fachada del pabellón polideportivo de Requejada, ha sido realizado de manera conjunta por cuatro artistas grafiteros de los colectivos artísticos Actus Reus y Tricio y pretende “reconstruir a través del arte la personalidad, las aficiones y la faceta creativa de 'Posa'”, que murió al caer sobre las vías del tren tras una pelea con otros dos chicos, vecinos de la zona. Desde entonces, están en prisión, y fueron condenados a once años de cárcel por un homicidio doloso.

La alcaldesa, Rosa Díaz Fernández, ha invitado a todos los vecinos del municipio a participar en este acto, y de manera muy especial a los jóvenes y amigos de Carlos, con el objetivo de convertir la inauguración del mural en “un homenaje colectivo a una persona muy querida en Polanco”.

La regidora ha explicado en un comunicado que el Ayuntamiento ha querido “respetar desde el primer momento los deseos y los tiempos marcados por la familia” de la víctima para “hacer realidad esta iniciativa y determinar el momento más adecuado para su celebración”.

Por su parte, Daniel Revenga, de Actus Reus, ha explicado que para diseñar el mural los artistas mantuvieron conversaciones con los familiares de Cubillas con el fin de conocer qué elementos debían estar presentes y qué aspectos podían representar mejor al joven.

Según ha detallado, en el mural homenaje han reflejado parte de su obra, diferentes piezas suyas, firmas y personajes relacionados con sus aficiones. El trabajo se ha desarrollado durante más de una semana y ha partido de diferentes bocetos y referencias personales.

La composición incluye un retrato de Carlos junto a distintas reinterpretaciones de sus propios trabajos y elementos vinculados a “aquello que le gustaba hacer, el grafiti y la cocina”.

Revenga ha destacado que la intención de los artistas ha sido conseguir que el mural tenga también “algo de la personalidad y del lenguaje creativo de 'Posa'”. “Hemos intentado hacer algo que creemos que a él le habría gustado realizar, y eso es lo que hemos querido reflejar aquí”, ha apuntado.

La inauguración supone un nuevo homenaje de Polanco a Carlos Cubillas, cuya muerte causó una “profunda conmoción” entre los vecinos en febrero de 2024. El Ayuntamiento decretó entonces una jornada de luto oficial y promovió una multitudinaria concentración silenciosa para arropar a su familia y amigos.

Ahora, más de dos años después, el municipio “vuelve a reunirse para mantener vivo su recuerdo a través de una obra concebida para permanecer en el espacio público y que reúne su imagen, sus aficiones y, sobre todo, parte del arte que dejó”.

El Gobierno de Castilla-La Mancha ha aprobado la cesión gratuita de la propiedad del antiguo silo de almacenamiento de cereales de Porzuna al Ayuntamiento de la localidad con el objetivo de que el inmueble pueda seguir destinándose a usos, servicios, actividades e infraestructuras de carácter público y de interés general en beneficio de los vecinos y vecinas.

La delegada de la Junta en Ciudad Real, Blanca Fernández, ha informado de esta cesión, que supone dar un paso más en la colaboración entre el Gobierno regional y el Ayuntamiento de Porzuna. El inmueble, situado en la carretera de Los Cortijos, cuenta con una superficie aproximada de 6.900 metros cuadrados y está vinculado históricamente a la actividad agraria del municipio.

Blanca Fernández ha explicado que la Junta de Comunidades ya había cedido gratuitamente el uso del silo al Ayuntamiento de Porzuna en octubre de 2017, por lo que el Consistorio viene utilizando desde entonces las instalaciones para distintos servicios municipales.

Ahora, tras la solicitud formulada por el Ayuntamiento el pasado mes de junio, el Gobierno regional ha tramitado y aprobado la cesión de la propiedad en apenas dos meses.

Recursos públicos al servicio de la ciudadanía

“Con esta cesión reforzamos nuestro compromiso con Porzuna y con la colaboración institucional, porque queremos que los recursos públicos estén al servicio de los ciudadanos y que este inmueble pueda seguir acogiendo servicios que beneficien directamente a los vecinos y vecinas”, ha señalado la delegada de la Junta.

La representante del Ejecutivo autonómico ha subrayado que la decisión permite al Ayuntamiento disponer de plena propiedad sobre un inmueble que ya venía utilizando para atender distintas necesidades municipales y que, a partir de ahora, podrá seguir desarrollando y ampliando sus usos de acuerdo con las necesidades de la localidad.

En este sentido, el Consistorio de Porzuna ha venido destinando las instalaciones a cochera, almacén y báscula, además de albergar la sede del retén contra incendios, entre otros usos vinculados a la prestación de servicios de carácter público.

Habrá que esperar un poco más para ver los colores de Okuda en el Chinatown. El contrato que suscribió el artista con el Ayuntamiento de Madrid preveía que su decoración en el arco chino de Usera estaría lista antes de que acabara el mes de junio, pero varios retrasos provocarán que el montaje no llegue hasta el próximo otoño.

Okuda ha reclamado ya dos prórrogas al consistorio para que le dé tiempo a acabar su obra. La Junta de Usera se las ha concedido hasta ampliar en tres meses el plazo inicialmente previsto, “ante la imposibilidad de finalizar la ejecución de las obras dentro del plazo previsto, debido a las incidencias justificadas, sin responsabilidad del contratista”, explica la justificación municipal a la que ha tenido acceso Somos Madrid.

De esta forma, el artista contará finalmente con nueve meses de plazo para ejecutar el contrato suscrito con el Ayuntamiento de Madrid, por el que recibirá 280.000 euros (IVA incluido) para la decoración del conocido como paifang, característica puerta de entrada a los Chinatowns en diferentes ciudades del mundo. “El seleccionado para su producción, instalación y mantenimiento es Okuda San Miguel, artista plástico de acreditada experiencia y calidad contrastada en múltiples creaciones icónicas en emplazamientos urbanos con gran afluencia de público”, apuntaba la Junta de Usera, autora del contrato, para justificar la adjudicación directa al cántabro.

Okuda ha publicado en redes sociales algunos detalles de la decoración del arco, que contará con un llamativo dragón de colores rodeando la estructura, una escultura que está siendo pintada en su estudio de Usera, Factory Of Dreams.

Aparentemente, el animal mitológico estará colocado sobre unos soportes con los que ya cuenta el arco, que el Ayuntamiento de Madrid ha terminado en la Plaza del Hidrógeno, punto elegido para este símbolo de entrada a la tematización del barrio con motivos asiáticos.

El consistorio espera que la decoración llegue a lo largo del mes de septiembre, a tiempo para celebrar la Golden Week, la semana vacacional de China que tiene lugar del 1 al 7 de octubre, informa Europa Press. El área de Turismo ha intensificado su promoción turística en el país asiático de cara a esta fecha, para intentar prolongar la estancia media de los viajeros chinos y aumentar su gasto. En los seis primeros meses del año, hasta 99.710 viajeros llegaron de China, un 1,7% más que en el mismo periodo del año anterior.

Segundo intento con los 'paifangs'

El arco de Okuda es el segundo intento de la Junta de Usera para levantar esta estructura en Madrid. En julio del año 2024 el consistorio lanzó un concurso público para instalar otros dos arcos. Uno iba a estar también en la plaza del Hidrógeno, aunque en una disposición distinta a la actual, sobre la calle Dolores Barranco. El otro se situaría también sobre esa vía, a la altura del cruce con Evangelios, cerca de la escultura del oso panda instalada en colaboración con el Gobierno chino. Dicho concurso quedó desierto. Los planes del Ayuntamiento cambiaron y desde el área de Obras se apostó por una remodelación integral de varias calles y plazas del corazón de Usera, que crearan un itinerario peatonal desde Madrid Río hasta la citada plaza del Hidrógeno, donde está ya instalado el arco, pero sin situarlo por encima de la calle Dolores Barranco, que no se peatonalizará.

El arco se sitúa ahora en paralelo a esta vía, dando acceso a la zona peatonalizada por la remodelación de esta parte del distrito, que incluye hasta siete plazas donde el peatón ha ganado espacio al coche. Todo ha estado financiado en buena parte por los fondos europeos Next Generation, dispuestos para actuaciones de ampliación de espacios a la movilidad sostenible y que ayuden a la distribución del turismo por toda la ciudad.

Generar un nuevo foco de atracción turística en Usera es el plan del Ayuntamiento con esta actuación, además de mejorar el día a día de los vecinos con infraestructuras más cómodas, accesibles, y la llegada de juegos en algunos de los espacios ganados al asfalto. Dentro de esta estrategia, la Junta de Usera está a punto de adjudicar otro contrato para crear un sello de calidad, Chinatown de Madrid, dentro de un programa más amplio de iniciativas destinadas a la formación de los comerciantes de la zona y adaptarlos a las posibles demandas de turistas. El plan incluye analizar al menos 280 comercios “con potencial turístico” y ofrecerles adherirse a este programa. El contrato para implantar y difundir este distintivo de calidad turística está dotado de 202.309,53 euros (impuestos incluidos).

La última pieza de este puzzle para derivar hacia Usera parte del turismo que llega a Madrid será una caseta de información, cuya adjudicación también acaba de producirse. El consistorio gastará 194.675,07 euros en abrir un punto de información turística, como parte del Plan de Sostenibilidad Turística en Destino de la Comunidad de Madrid, también financiado por los fondos europeos. Estará en el número 41 de la avenida Rafaela Ybarra, donde también se encuentra ubicada la Junta de Usera.

La pintada en la fachada del colegio Padre Poveda llegó al centro en 2018, antes que los hijos de Mari. Ella la descubrió en 2020, durante el confinamiento, cuando se dio cuenta de que una obra de arte “puede hacer que un espacio deje de estar degradado”. Es una de las madres que han conseguido el regreso de la intervención artística Lemon Juice Party gracias a su insistencia, su trabajo y su propio bolsillo.

Elaborado por el artista granadino Fernando Hernández Arboleda, más conocido como Koctel, el mural ubicado en la calle Luis Larrainza del barrio de Prosperidad formaba parte del programa Compartiendo Muros, creado durante el mandato Manuela Carmena. La iniciativa llevó este tipo de actuaciones a diferentes distritos de Madrid. “Es importante porque la calle cambió tras el repintado. Los niños se quedaron jugando, sobre todo en el circuito para correr pintado en el suelo. No solo los del cole, sino los de todo el barrio. Es un espacio que invita a quedarse”, explica Mari.

Ante su progresivo deterioro y borrado, “la dirección del centro y las familias veníamos reclamando que se rehabilitara desde hace dos años”. Cuenta que desde la Junta Municipal de Chamartín la respuesta fue “esperar a la llegada del buen tiempo”, pero esto no ocurrió en 2024 ni en 2025. Como el Consistorio “daba largas”, Mari tomó la sartén por el mango y contactó con el propio artista a través de redes sociales.

“Esto fue en febrero y me contó que le habían llamado en octubre del año pasado para una reunión que nunca se produjo. Más tarde, en una reunión, nos enteramos que el Ayuntamiento planeaba repintarlo por su cuenta ante la falta de acuerdo con Fernando. Por suerte, él volvió a contactarles y logramos parar esa idea, porque quien le ha dado esa identidad y esa personalidad ha sido Koctel”, narra Mari.

Una nueva reunión, esta vez entre el artista, las familias y la secretaria del distrito de Chamartín, logró desbloquear el asunto en abril. Al menos parcialmente, ya que comenzó un embrollo sobre la asunción de los costes, como expone Mari: “Nos comentaron que hacerlo rápidamente requiere que se tramitara un contrato menor, con fondos limitados a 3.000 euros, destinados a pagar a Fernando. Nosotros enviamos un informe solocitado por qué era importante que el presupuesto fuera mayor, para asumir otros 3.000 y pico euros de pintura y materiales. Nunca respondieron esa petición, aunque la presentamos por registro”.

Ante la congelación del proyecto, Mari y otras madres del Padre Poveda llegaron a acudir al pleno de la Junta de Chamartín para recordarle su activación a la concejala presidenta, Yolanda Estrada. “La respuesta fue insistir en que se iba a hacer”. Finalmente así ha sido, aunque las formas y los plazos no acaban de convencer a Mari: “Pasan los días, las semanas y los meses y nos enteramos sin comunicación previa que han subido el contrato. Se especificaba que la cantidad pagada irá solo para el artista y que tenía un mes para repintar. Hay que tener en cuenta que esto fue a finales de junio, con la ola de calor en ciernes afectando a sus condiciones laborales y a la obra, que se despliega sobre el asfalto”. De hecho, como Koctel vive en Carabanchel y trataba de empezar a trabajar lo más temprano posible para evitar las altas temperaturas, llegó a quedarse a dormir en casa de Mari para cumplir con las plazos marcados desde la Junta.

Durante los trabajos también han aparecido algunos problemas que han hecho arquear las cejas a las familias: “He tenido que remover cielo y tierra para que lo vallasen mientras se desarrollaba el trabajo de Fernando. Tampoco ha habido ningún mantenimiento. El repintado empezó el 15 de julio y el lunes siguiente las madres tuvimos que ir con una Kärcher a limpiar los alrededores. Está saliendo por nuestro empeño y nuestro dinero”.

“Me alucina que se gasten una millonada en las celebraciones de la Copa del Mundo y no puedan sacar 3000 euros más para pagar la pintura o limpiar y vallar en condiciones”, lamenta Mari. “Ni siquiera han avisado a la Policía Municipal, que le paró un día en medio su trabajo para pedirle los permisos y preguntarle qué estaba haciendo”, critica. “En todo el proceso no han podido darme el nombre de una persona en el distrito que coordine todo esto, como mucho han mandado un técnico a verificar que el artista estaba. Todo ha sido totalmente esperpéntico y luego presumirán del resultado”, concluye.

El Ayuntamiento admide demoras, pero defiende el proceso

Desde el Ejecutivo de José Luis Martínez-Almeida sostienen que “la actuación se ha ejecutado cuando los técnicos lo han considerado pertinente” y afirman que “representantes del Ayuntamiento se han reunido con el director del colegio y la presidenta del AMPA, con quienes se ha consensuado que el Consistorio pagara al artista y el colegio se encargara de la pintura”. “Al artista se le ha pagado lo que ha pedido”, apostillan.

Reconocen que “una vez decidida la actuación, su ejecución se demoró en un primer momento”. Lo achacan a “la necesidad de que el artista estuviera dado de alta para poder ejecutar el trabajo y posteriormente, porque se encontraba elaborando un trabajo en otro destino y tenía que finalizarlo”. En cuando a la intervención de agentes municipales, en el Gobierno de Cibeles consideran “lógico” que “si la policía ve actuar a una persona en la vía pública, le requiera el permiso para ello”. Creen que esto no implica “interceptar al artista”, sino “hacer su trabajo de control”.

Entre dimes y diretes, el Lemon Juice Pary regresó a su esplendor previo el pasado 23 de julio. El suelo y la pared del Padre Poveda ha vuelto a llenarse de animales, verduras, frutas, laberintos o un campo de fútbol. El color revitaliza de nuevo Prosperidad, como resumía en Instagram la Asociación de Familias del centro: “Hoy celebramos mucho más que una intervención artística. Celebramos lo que ocurre cuando una comunidad decide no esperar y ponerse manos a la obra. Y, por supuesto, gracias a todas las madres que vinieron a limpiar la peatonal para dejarla lista para pintar. Sin vuestro tiempo y vuestro compromiso, esto no habría salido adelante”.

“Nos alegra haber encontrado la forma de sacarlo adelante porque el resultado merece la pena, pero creemos que los entornos escolares seguros, cuidados y pensados para la infancia no deberían depender del esfuerzo económico y organizativo de las familias”, denuncian. Terminan el post, eso sí, con un llamiento a valorar al máximo lo logrado: “Ahora sí, toca disfrutarlo. Que esta peatonal se llene de risas, juegos y encuentros, y que siga siendo un espacio para construir comunidad”.

Entre los días 3 y 12 de agosto, la asociación Proyecto Kieu organiza la primera “residencia artística” en la provincia de Toledo. La experiencia conduce a la creación de cinco murales comunitarios en las localidades de Yuncos, Cabañas de la Sagra, Cedillo del Condado, Recas y Villaluenga de la Sagra que expresarán las reivindicaciones de los jóvenes sobre sus municipios.

El proyecto se enmarca en ‘Mi pueblo 2030’, financiado por el Ministerio de Asuntos Sociales y Agenda 2030, y tiene como propósito ampliar la participación juvenil en las políticas locales y monitorizar su compromiso con los objetivos de desarrollo sostenible.

En total, más de 200 jóvenes de La Sagra han participado del proceso de identificación de demandas y pintura de los murales. Tras una convocatoria en abril, cuatro artistas fueron seleccionados para la residencia, cuya primera etapa tuvo lugar en Valdeovispo (Cáceres), y ahora continua en Numancia de La Sagra.

Acompañados por profesionales del arte y los derechos humanos, estos artistas han traducido las necesidades identificadas por la juventud en cinco diseños murales que se pintan en la comarca de la Sagra durante las dos primeras semanas de agosto.

Inauguración de murales y manifiestos

El proyecto culminará en los próximos meses con la inauguración de los murales y la presentación de los manifiestos con las medidas propuestas por la juventud a los grupos políticos y la ciudadanía en general.

Las intervenciones se presentan como un trayecto en cinco paradas que invita a recorrer la comarca y que permiten reflexionar sobre comunidad, participación, racismo, belleza y sostenibilidad.

En palabras del artista Jesús Sánchez Pulgar, el proyecto propone “apreciar los fenómenos tantas veces ignorados que pueblan de hermosura este entorno”. Además de este último, procedente de Cuerva, los y las artistas residentes que lideran los procesos de pintura comunitaria con jóvenes son Katherin González Crispino, Marian Rodríguez y Eiden Rosales, procedentes respectivamente de Cali, Motril y Yuncos.

Los profesionales del arte y los derechos humanos que han contribuido con la residencia son, Pablo Asarian Palomera, Lina Ávila, Ayeisha Indiano Rull, Leticia Izrego y Oash.

Días y lugares de pintura colectiva

Paola Delfín lleva década y media llevando su arte a cuestas por los cinco continentes del planeta. A través de sus murales, alguno de más de 1.000 metros cuadrados, inmortaliza la cultura del lugar, sus gentes y tradiciones, su pasado y porvenir, la comunidad que les da vida.

Esta mexicana de 37 años, en estos momentos asentada en Beirut (Líbano), es consciente del bagaje muralista que le precede, aunque se decanta por un estilo personalísimo y repleto de grises. “No utilizo solo el arte para pintar, sino para explorar el significado de pertenencia”, adelanta antes de comenzar este relato internacional que comienza, precisamente, en España.

Estos últimos cuatro años de su carrera, admite Delfín, han sido en los que más tiempo ha dedicado a imbuirse en los lugares que después retrataría a través de sus líneas en fachadas de edificios o paredes. De España dio el salto a Latinoamérica, de ahí pasó a Estados Unidos y más tarde llegó a Asia, desde donde comenzó a expandirse a otros horizontes, tal y como ella misma relata. Entre los más de 20 países en los que puede disfrutarse su obra están algunos tan dispares entre sí como Italia, Rumanía, Inglaterra, Turquía, Brasil, Colombia, El Salvador, China, Taiwán, India, Ucrania, Siria, Líbano y Benín.

Realizar murales sobre las ruinas, metáforas y literales, que asolan una ciudad empieza a ser una constante en la obra de Delfín. Visitó Ucrania en 2017, cuando el conflicto con Rusia no había estallado con tanta virulencia como lo hizo varios años después, “pero ya se notaban las tensiones”, apuntilla. Por eso, la obra que dejó inscrita en las paredes de Kiev “busca traer un mensaje de esperanza para la gente que vive allí, un mensaje de esperanza ante la guerra”.

Más tarde, en 2024, vivió medio año en Benín, un pequeño país en el África Occidental. “Dependiendo de donde se esté, puede haber conflicto o no. Yo fui al norte a pintar, donde hay conflictos latentes, siempre pendientes de un posible ataque por los grupos armados de la frontera con Burkina Faso”, comenta la artista sobre la capital en la que se hospedó, Cotonou.

“Tuve la suerte de convivir unos días con tres comunidades diferentes de allí y cada una me mostró un poco de ellos, de sus tradiciones e historia”, añade. Además, Delfín estuvo unas semanas en el Parque Nacional Pendjari, en la ciudad de Tanguiéta, a donde tendrá que volver para terminar su obra. “Cuando me llevaron, tuve que ir escoltada por militares”, recuerda.

La pertenencia como espina dorsal de su trabajo

Son siempre las comunidades que los circundan la inspiración que brota en Delfín y germina a través de sus manos en forma de trazos. Es lo que también ocurrió en Alepo, la capital de Siria, a donde se dirigió desde Beirut junto a la periodista Marta Maroto en febrero de este año. A lo largo de las dos semanas de estadía, mientras una realizaba sus entrevistas, la otra se sentaba al lado a escuchar a los entrevistados. “El señor con el que nos hospedábamos nos llevó a su aldea y conocí a su familia. Decidí pintar a sus nietos como modelos”, reconoce.

Su dibujo se convirtió así en una suerte de mensaje en la pared que remite a un concepto que acompaña a Delfín desde hace un tiempo. Se trata de “pertenecer”, en árabe “al-in-timā”. La artista relata que esto de la pertenencia “se repetía mucho en las pláticas que teníamos con la gente de Siria y quería explorar qué significa pertenecer a un lugar al que muchos de ellos llevaban años sin habitar”.

Realizar este trabajo en una callecita de la ciudad antigua de Alepo, en la pared que daba a una pequeña tienda de comestibles, tuvo su parte performativa. Así lo relata la muralista: “Para los niños y niñas fue algo insólito porque nunca habían visto algo igual. Sobre todo ellas, las niñas, se sorprendieron al ver a una mujer trabajando de esta manera. Marta me ayudaba a pintar mientras los pequeños venían todas las tardes a ver cómo lo hacíamos. Es algo muy bonito que he podido dejar en Siria, un mural pequeñito pero que significó mucho para mí y creo que para ellos también”.

México y Líbano se dan la mano

En marzo de 2025, Delfín fue a parar a Líbano por motivos personales, país en el que ha visto y escuchado las bombas por primera vez en su vida. El primer trabajo que realizó en la zona se encuentra en Trípoli, ciudad al norte de Beirut, la capital, donde visitó el campo de refugiados de Beddawi. Pintó el retrato de dos niñas asesinadas tras el único bombardeo que se ha dado tan al norte del país. A ello se sumó otro mural en el que realizó un homenaje a los trabajadores locales.

Una colaboración con la embajada mexicana le llevó hasta la ciudad de Joünié. Delfín se dejó llevar por sus raíces y se decantó por realizar dos murales que, juntos, componen un tercero. La idea era celebrar los 80 años de las relaciones entre Líbano y México y homenajear a los migrantes en general y a los libaneses en concreto.

“Pinté a una amiga de Trípoli y otra de México, e hice un pequeño homenaje a Frida Kahlo, a la que vemos mucho como personaje, pero poco como artista”, comenta. Por eso, la muralista mexicana se inspiró en el cuadro de Las dos Fridas para luego añadir algunos elementos que remiten a México y Líbano que se entrelazan en el fondo.

Un mural para la sanación

Casi un año después de su llegada, comenzó con el gran mural que tiene ahora entre manos para el Instituto Cervantes en Beirut. Le ha llamado “Nabat”, una palabra que se podría traducir por “latidos”. Aun sin terminar, los simbolismos remiten a la sanación, la reconstrucción y la regeneración, además de la pertenencia, frente a la destrucción que el país sufre por el escarnio continuado por parte de Israel.

Ha decidido incluir a cuatro niños desplazados por el conflicto y una adulta. Al igual que en sus anteriores trabajos, son personas reales a quien Delfín conoce. La figura principal es Alice, artista que trabaja en la fundación Ahla Fawda, desde donde ha ayudado a las personas desplazadas por los ataques. Los dos niños y dos niñas que le acompañan proceden del sur del Líbano, de la ciudad de Balbeek y de la misma Beirut. “Hay un tatuaje en Alice que simboliza los cuatro puntos cardinales, como que todos vienen del mismo sitio, como esa parte de la pertenencia que va más allá de ideologías y división”, explica la artista.

La obra se completa con una casita libanesa que remite a la idea de hogar. Los niños, por su parte, sostienen elementos simbólicos como un astrolabio, un ramo hecho con libros y una flor típica que crece en los terrenos baldíos de Beirut. Además, el mural tiene retazos que dibuja Delfín pero que forman parte de otro proyecto realizado con muralistas de todo el mundo. “Así se fomenta la unión a través del arte”, recalca.

La calle como lienzo

Delfín entiende el arte como algo callejero, vivo, locuaz. Así lo expresa en un tono risueño en esta conversación con elDiario.es, en la que participa desde Beirut. “Este tipo de arte público causa un impacto visual inmediato. Es un medio que me permite poder llegar a la gente que me interesa, la gente de la calle, de manera mucho más inmediata e impactante”, asegura apenas minutos antes de volverse a subir a la grúa para seguir pergeñando el mural beirutí. “Mi manera de ser es poder estar fuera, en la calle, ver qué hace la gente. Eso es parte de quien soy”, subraya.

Su trazo y color tampoco pasan desapercibidos. Siempre en blanco y negro, el dibujo juega en las tonalidades de grises para conseguir el contorno, la sombra y distancias adecuadas. “Vengo de un país cuya fórmula predominante en los murales son los colores, pero no por ser mexicana tengo que hacer yo lo mismo. Me parece importante poder traer algo diferente que mostrar”, se defiende.

Sea como fuere, Delfín desea poder establecerse en Líbano y vivir en un puente continuo entre México y este país de Oriente Medio. Además, anhela poder ir al sur para también llevar allí su arte. Ojalá que los ataques de Israel cesen y lo consiga. Uno de sus murales en esa zona significaría que la vida y la esperanza se vuelven a abrir paso ante tanta barbarie y destrucción.

La obra de Okuda San Miguel en Cantabria puede seguirse a través de fachadas, esculturas, faros y murales repartidos por distintos puntos de la comunidad a lo largo de las últimas décadas. Ese conjunto permite dibujar una especie de recorrido que conecta diferentes zonas del territorio cántabro mediante piezas muy distintas entre sí, pero reconocibles por un mismo lenguaje visual: geometrías marcadas, figuras fragmentadas y una paleta de color que se ha convertido en seña de identidad del artista cántabro.

Esa variedad de formatos explica también cómo se enfrenta a cada intervención. Su trabajo va más allá de la pintura mural y se adapta a soportes muy diversos, desde grandes superficies exteriores hasta esculturas o incluso piezas textiles. Cada proyecto plantea sus propias condiciones, ya sea por el espacio, el encargo o el entorno en el que se integra. En Cantabria, esa capacidad de adaptación se percibe en obras ubicadas en contextos urbanos, educativos, costeros o rurales, donde el color y las formas geométricas dialogan con edificios, paisajes y espacios de tránsito.

Recorrer las huellas de Okuda por la comunidad no responde a una ruta cerrada, sino a un mapa disperso que invita a acercarse a distintos lugares desde otra mirada. Algunas piezas aparecen en calles muy transitadas de Santander; otras se sitúan junto al mar, como en el caso de un faro convertido en icono visual; también hay intervenciones en colegios, oficinas de turismo, localidades del interior o pequeños núcleos rurales.

Santander, una ciudad atravesada por murales

Santander concentra varias de las intervenciones urbanas asociadas a Okuda. Una de las más conocidas se encuentra en la calle General Dávila, donde en 2015 realizó un mural de grandes dimensiones, de unos 15 metros de alto por ocho de ancho. La obra forma parte de un conjunto de actuaciones que transformaron varias medianeras de la zona. En este caso, la composición se plantea como una escena vinculada a la idea de esperanza, con una balsa en la que aparecen personajes inspirados en la mitología popular.

Otra pieza destacada está en la calle Río de la Pila, en la fachada de un edificio. Allí, Okuda colaboró con Spok Brillor en un mural integrado en una de las zonas más reconocibles de la ciudad. La intervención ocupa una superficie exterior en plena calle y se inserta en un barrio marcado por el tránsito peatonal, la actividad hostelera y la conexión entre el centro y la parte alta de Santander.

En el barrio de Cueto se conserva otra intervención relevante. En 2019, las fachadas del Colegio Vital Alsar fueron transformadas por Okuda tras una campaña de micromecenazgo. La actuación convirtió el centro en un espacio vinculado a la creatividad y a la participación de la comunidad educativa.

Valdenoja también reúne varias obras. En una de ellas, Okuda trabajó junto a Jank333 en un mural dedicado a Mukis y a la “sonrisa infinita”. En la zona hay además otra intervención situada frente a la residencia Obra San Martín, junto a unas pistas de baloncesto. Estas piezas amplían la presencia del artista más allá del centro urbano y permiten localizar su trabajo en barrios residenciales, espacios deportivos y zonas de paso menos habituales en los recorridos turísticos.

Del Cabo de Ajo a Laredo: color junto al Cantábrico

Fuera de Santander, una de las intervenciones más conocidas se encuentra en el Faro de Ajo, en Bareyo. El edificio, inaugurado en 1930, se sitúa en el Cabo de Ajo, el punto más septentrional de Cantabria. Desde finales de agosto de 2020, la torre presenta una intervención de Okuda realizada con 72 tonalidades. Tiene 16 metros de altura y se alza a 71 metros sobre el nivel del mar, en un entorno expuesto al viento y al salitre.

La actuación incluyó un barnizado específico para ralentizar el desgaste propio de las condiciones marítimas. El resultado transformó la imagen exterior de una construcción tradicionalmente ligada a la navegación, que pasó a convertirse en uno de los puntos más reconocibles del litoral cántabro. Aunque mantiene su función, el faro incorpora ahora una dimensión artística en un enclave de gran presencia paisajística.

Este proyecto tuvo continuidad en el entorno cercano. En 2021, el artista intervino seis silos ganaderos en Ajo con la intención de ampliar el conjunto y consolidar un itinerario de arte urbano en torno al faro. La actuación refuerza la zona como uno de los enclaves más singulares de este tipo de propuestas en el norte peninsular.

En Laredo, otra obra se localiza en la Oficina de Turismo, situada en la Antigua Emisora Municipal. El edificio integra el lenguaje geométrico y cromático del artista en un espacio destinado a la atención de visitantes. La intervención lo convierte en un elemento visual destacado dentro del paseo y suma otro punto al recorrido por la costa oriental.

Somo cuenta también con una intervención destacada en la fachada del taller de cerámica municipal. En este caso, Okuda trabajó junto al artista ucraniano Waone en una pieza conjunta que combina los rasgos de ambos creadores y sitúa el edificio como un punto de interés dentro del entorno urbano.

Reinosa, Valderredible y otros puntos del interior

La presencia de Okuda en Cantabria también se extiende al interior. En Reinosa, el artista inauguró en febrero de 2017 la escultura de un oso, ubicada junto al río Ebro, al final de la calle Sánchez Díaz, cerca de la antigua Casa de Cultura. La pieza pesa alrededor de mil kilos y está compuesta por unas 200 piezas triangulares de distintos colores. A diferencia de los murales, aquí el formato tridimensional permite recorrer la obra y observarla desde diferentes perspectivas. La escultura se complementó meses más tarde con un mural en una de las fachadas de la Casa de Cultura Sánchez Díaz, que actúa como fondo visual.

En Valderredible, concretamente en Ruerrero, se encuentra otra intervención vinculada al entorno local. El mural representa a dos vecinos mayores del pueblo, tomados como referencia dentro de una iniciativa orientada a poner en valor el territorio. A esos retratos se suma una interpretación del paisaje mediante formas orgánicas y estructuras geométricas características del artista. La obra pone el foco en quienes sostienen la vida en el medio rural y traslada esa idea a la fachada de un pequeño núcleo.

La comunidad conserva además otra pieza relacionada con la figura de José María de Pereda. En 2017, Okuda retrató al escritor cántabro en el barrio de La Cochera, a la entrada de la localidad, renovando una obra anterior que había realizado en 2006 en el mismo lugar. Esta intervención conecta la creación urbana contemporánea con una figura literaria vinculada a Cantabria y muestra cómo el trabajo del artista ha ido dejando distintas capas a lo largo del tiempo en varios puntos de Cantabria.

Las intervenciones más recientes de Okuda en Cantabria pueden encontrarse en el Centro Comercial Bahía Real, donde el artista sumó dos nuevos murales. El primero, con una superficie de 140 metros cuadrados, lleva por título “The Rest of the Rainbow Zebra”. En esta obra, el creador cántabro utiliza más de un centenar de tonalidades en una composición que mezcla referencias a personajes del arte clásico con figuras animales. La segunda intervención se ubica en las dos pantallas situadas en la parte superior del complejo comercial.

La localidad guadalajareña de Driebes celebra la novena edición de su festival de arte urbano Ruranos, este año con el sobrenombre de 'extrarradio'.

Tendrá lugar los días 26, 27 y 28 de junio, donde reunirá a doce artistas que realizarán nuevos murales en el pueblo, inspirados en la antigua ciudad romana de Caraca, llegando hasta 110 murales en su casco urbano.

Este certamen es una iniciativa artística impulsada por el Ayuntamiento de Driebes y la Asociación AB Caraca Condita y estará dedicado a la ciudad romana de Caraca, su historia, su legado y la importancia que este enclave tuvo en la Hispania romana.

El objetivo es que Driebes se convierta en un auténtico museo al aire libre, recreando escenas, personajes y elementos de esta ciudad perteneciente al antiguo Imperio Romano, a través del yacimiento arqueológico que hace meses se salvó gracias a una campaña de crowfunding.

Actividades en verano relacionadas con el yacimiento

Desde el Ayuntamiento de Driebes apuntan que la campaña anual de excavaciones arqueológicas en la ciudad romana de Caraca se desarrollará entre los días 10 y 26 de agosto de 2026. Estos trabajos permitirán continuar avanzando en el conocimiento de uno de los yacimientos romanos más importantes de Castilla-La Mancha.

Como viene siendo habitual, tendrá lugar una Jornada de Puertas Abiertas en el propio yacimiento siendo este año el próximo 25 de agosto donde vecinos, visitantes y medios de comunicación podrán conocer de primera mano los trabajos realizados durante la campaña, así como los hallazgos más destacados obtenidos por el equipo arqueológico.

Con motivo de la edición de la Bienal de Venecia este año, la obra de Banksy The Migrant Child ha sorprendido a la comunidad artística al presentarse itinerante por los canales de la laguna. El grafiti, pintado en un palacio arruinado en 2019 como protesta, reaparece ahora como obra maestra.

Hace tan solo unos días, el artista de Bristol abría los periódicos al sorprender con una instalación escultórica en el centro de Londres, ciudad donde el septiembre pasado había intervenido con una pintada en los Reales Tribunales de Justicia. Aquel grafiti, que mostraba a un juez ataviado con peluca y martillo mientras golpea a un manifestante, denunciaba la escalada de detenciones por las protestas contra el genocidio en Palestina. Tras 48 horas, su grafiti fue eliminado.

La suerte de la pintada veneciana ha sido contraria a la de aquella londinense. Cuando, en 2019, The Migrant Child sorprendió entre góndolas y puentes, no se esperaba que fuese a permanecer en el tiempo. La obra presentaba a un niño migrante que, con chaleco salvavidas y bengala, pedía socorro entre la pasividad de turistas, artistas y gobernantes. Las habituales subidas de marea, conocidas como acqua alta, debían haber arruinado la pintura hasta hacerla desaparecer —en relación con las víctimas de las políticas migratorias que perecen en su éxodo marítimo—. Pero no ha sido así.

De hecho, la inmobiliaria Engel&Völkers, encargada de la venta del palacio abandonado, se apresuró a presumir de que Banksy eligiese uno de sus palacios para perpetrar su acto vandálico. Iniciaba un proceso de rentabilización. Con el apoyo del Ministerio de Cultura italiano, el palacio fue adquirido en 2024 por el Banco Ifis, quien anunció que devolvería a Venecia un patrimonio artístico restaurado y asegurado. Así ha sido: en 2025, el muro que contiene la pintura fue arrancado de su emplazamiento y trasladado para las intervenciones de conservación. Sin embargo, lo que se celebra desde la colaboración público-privada como un rescate tiene también disconformes, allí donde la línea entre la salvación y el secuestro es difusa. Desde la propia ciudad, asociaciones de arquitectos se pronunciaron contra esta intervención: se debía respetar la caducidad de la obra.

Desoída la postura opuesta y siete años después de su creación, se reinaugura en la 61º Bienal de Venecia el grafiti restaurado por la institución bancaria. El trozo de muro ha aparecido enmarcado, preparado para su exposición. El subsecretario de cultura italiano, Vittorio Sgarbi, ha reinaugurado el trozo de muro asegurando que se trata de una obra “que pertenece a la historia”. Pero, más allá del eslogan vacuo, el caso de la conservación forzosa del arte urbano arroja más preguntas que elucidaciones.

La protesta fuera y dentro del museo

El panorama que ha surgido en Venecia no deja indiferente a nadie. Precisamente porque esta nueva edición de la muestra más influyente de arte contemporáneo no es ajena al panorama político. Recientemente, el jurado internacional de la Bienal había anunciado que no daría premios a condenados por crímenes contra la humanidad por la Corte Penal Internacional, lo cual excluía a dos de los participantes: Israel y Rusia. Tras quedar confirmada su participación, el jurado internacional ha presentado su dimisión en bloque, de modo que este año será el público quien haga las votaciones a los pabellones estatales. Además, la alianza Art Not Genocide, la asociación italiana de trabajadores de la cultura Mi Riconosci? y la asamblea de trabajadores artísticos de Venecia, Biennalocene, han conseguido movilizar una huelga de trabajadores de la Bienal en protesta por la participación de Israel este viernes que ha provocado el cierre total o parcial de 27 pabellones. La obra de Banksy reaparece en un clima de tensión política y artística.

Aunque el grafiti bien podría haber sido reinstalado en su lugar de origen con la nocturnidad y discreción con que fue concebido, ha reaparecido bajo un telón y flanqueado por dos personas elegantemente trajeadas. Sobre una barca, la pieza va a recorrer durante el 8 y 9 de mayo los canales de la laguna para ser vista por los transeúntes. La pomposidad del acto abre la puerta al debate: ¿es lícito que las administraciones y empresas se apropien de la protesta callejera? ¿Lo estético desactiva lo político? ¿Es un marco o un grillete?

Sería impreciso afirmar que la motivación de esta restauración y exhibición es meramente cultural o, incluso, altruista. En 2021, una obra de Banksy superó los 20 millones de euros en la casa de subastas Sotheby’s. Así, el grupo financiero que ha comprado y restaurado el Palazzo San Pantalón —pintada incluida— no “devuelve” un patrimonio a la ciudad: lo compra, lo domina y lo muestra. En paralelo a las manifestaciones y dimisiones de esta exposición internacional, la protesta callejera queda reducida a un trofeo del capitalismo.

Un problema común

Lo cierto es que una parte esencial de cualquier obra de arte comienza tras emanciparse de su autor. Del mismo modo en que el Guernica sigue abriendo portadas a casi un siglo de su realización, o las pinturas medievales de Sijena originan debate en la actualidad, The Migrant Child es una obra en evolución. Su desactivación como elemento de incomodidad —en favor de la obra de arte— genera un debate que, como cualquier otro, forma parte de la historia de la pieza y, por extensión, de la historia del arte.

En la conocida como “semana del arte”, la gestión de las administraciones italianas provoca reflexiones a propósito de la propiedad, el discurso o el patrimonio mismo. A partir de una restauración que contraviene la intención de la pieza, queda en entredicho la capacidad del arte para ser protesta por encima de su valor como obra de mercado. Una vez restaurado el resto del palacio veneciano, el grafiti recuperará su ubicación original. Ahora queda, tan solo, ponderar si el nuevo grafiti es el mensaje de un grafitero o el de una entidad bancaria.

La última edición de Pinta Malasaña retomó este 2026 una de las actividades más populares en los inicios del festival, la de decorar todos los bolardos de una calle con diferentes técnicas pictóricas, dando color a elementos grises del mobiliario urbano.

En esta ocasión el reto consistía en no pintar directamente sobre el bolardo sino cubrirlo para crear encima de él. Se apuntaron decenas de personas para hacerlo, con muchos proyectos distintos, que tuvieron la originalidad como nota común, además de ciertos temas que se repitieron como la protección de la vida vecinal, el problema de la vivienda...

En la Galería de Bolardos, situada a un paso del Dos de Mayo, a lo largo del tramo peatonal de Daoíz, se vieron el domingo divas, gorilas contra la guerra, cáctus, un minipiso, personajes de series de animación o flores, por citar solo algunos de los magníficos trabajos elaborados durante la jornada.

De entre las abundantes propuestas de calidad que se citaron en la calle Daoíz, el jurado de la organización decidió destacar la originalidad y el espíritu vecinal transmitido por los bolardos 21 y 22, obra de Mar Herrero y Patricia del Castillo. Ambas serán premiadas con un pack de productos Pebeo, marca de pintura patrocinadora del festival.

A continuación reproducimos algunas imágenes de los bolardos decorados durante Pinta Malasaña 2026:

El centro de Madrid prepara su día más colorido del año. En el que se celebra Pinta Malasaña, el festival en el que un centenar de artistas irrumpen con sus sprays, pinceles, rotuladores y paletas para cambiar en unas horas el aspecto de todo un barrio a través de su arte. Doce horas de creatividad pura en la que las calles se convierten en un estudio gigantesco donde contemplar el trabajo de decenas de personas al mismo tiempo.

El festival de arte urbano más grande de la capital celebra once años de vida este domingo 26 de abril con este espectáculo de lienzos a pie de calle, en espacios cedidos por vecinos y comercios de Malasaña, con algunas novedades con respecto a años anteriores y la vuelta de una de las actividades más celebradas: la Galería de Bolardos.

La gracia de Pinta Malasaña no está solo en ver el resultado final, sino disfrutar con el proceso: bocetos que evolucionan, vecinos que preguntan y artistas que convierten puertas, cristales o muros en pequeñas historias visuales. Todo en una jornada que ya es tradición en el calendario cultural madrileño

Cuándo y dónde

Pinta Malasaña es el domingo 26 de abril, de 8.00 a 20.00 horas, aunque habrá un aperitivo el sábado 25 (el Concurso de Jóvenes Talentos, del que te hablamos más adelante). Todo el festival tiene lugar en las calles de Malasaña y también se extiende hasta los alrededores del Centro Cultural Conde Duque.

El domingo, los puntos de información y atención al público abren a las 10.00 y desde las 11.30 habrá actividades en marcha de las que puedes participar.

Los artistas que acuden

La principal riqueza de Pinta Malasaña es el talento de sus 100 artistas participantes, escogidos de entre los cientos que enviaron sus propuestas hace meses. Por primera vez llegan a Madrid el domingo artistas de los cinco continentes, estos son los nombres de todos ellos (y los enlaces a sus trabajos previos):

Yolanda Gómez Urrea - Yayas Kusama - Yana Medow - Wilyboy - WHA-T - Ultra LXP Werens - Töfu - Toni - THULR - StrLópezLópez - Sopasconhondas - Sofía Herbón & Krasy - Seclestyle - Sebas Cabero - SCEB - Sara Vidigal - Rosario Maroto - RBN - Prëo - Por favor - Pilarbarvar - Penfishh - Patricia Pastor - Patricia Bernardos - Parlo - p4lchu - Ollio - Odie - Nothing to declare - NKS - Ninon Réo - Nikka & Libindo - Nic Mac - Morcky - Moi Martos - Moami - MinaJoe - Mei Tez (A. Calle) - MAX501 - Marifé Rozalén - Llukutter - Las Enganchadas - Julsen Moos - Juasa - Juanlu - Jamalamaja - Ìwìntolá - Itsperfectchaos - its mancho - Iris Draws Stuff - Inopia - Imaginath - Helenilustra - Gerbos - Garanto - Galgo Flaco - Fugaz - Fruta Puta - Fiasco - EYOU245 - Emmanuel Carvajal. - Dravok - Dr kangrena - Dos Monos Rojos - Dextre - Dante Arcade & Brenda Valadez - Dan Bonssai - Crono Sapiens - Creto - Controllo Remoto - Colectivo FIC - Coco Riot - Claudio Drë - Carcan - Bolla Hiriart - Ben Hendlisz - B13A - Asociación “TOPPER” - Anna Borrie - Anis - Amanda Cils - Almirón - Alex Boyd - Adrián Barquín Iglesias - Acroox

Las calles donde habrá más artistas y obras colaborativas

Lo mejor para localizar a cada artista es hacerte con uno de los mapas que reparte la organización del festival en sus dos sedes oficiales: la plaza del Dos de Mayo y el Museo de Historia de Madrid (C/ Fuencarral 78). En ellos están marcados con triángulos de colores los puntos de las intervenciones.

Como siempre, las calles que rodean la plaza del Dos de Mayo y la Corredera Alta de San Pablo reunirán a gran parte de los artistas. Aunque recomendamos pasear por las más escondidas y aisladas, donde disfrutar de las creaciones en un ambiente más tranquilo.

Habrá obras colaborativas en la Corredera Alta de San Pablo, en Fuencarral y un punto destacado en la plaza del Rastrillo, donde ocho mujeres intervendrán a la vez un muro de 32 metros de longitud.

Aquí tienes el mapa y las calles donde estarán todos los artistas:

Actividades participativas: bolardos y buscatesoros

Este 2026 vuevle una de las actividades preferidas por el público del festival, la Galería de Bolardos. organización del evento abre la posibilidad de que artistas de todo tipo y edades, solos o en grupo, puedan intervenir sobre los bolardos de una de las calles aledañas a la plaza del Dos de Mayo, la de Daoiz.

Por aquí está toda la información. Aunque ya están cerradas las inscripciones previas, ese mismo día se reservarán algunos bolardos para los que acudan a la plaza a partir de las 12.30 horas.

Pinta Malasaña será además un plan muy entretenido para los niños, que podrán recorrer las obras del festival disfrutando del Buscatesoros del arte, un juego que se activará el domingo.

Con él, los más pequeños que quieran participar solo tendrán que pedir las pistas en los puntos de información de la plaza del Dos de Mayo o de Condeduque y encontrar los dibujos que se proponen por las puertas, fachadas, persianas o cristales del barrio.

Todas las actividades paralelas se encuentran a continuación.

Concurso de Jóvenes Talentos de Arte Urbano Mahou

Aunque Pinta Malasaña es el domingo 26 de abril, el sábado 25 hay un aperitivo por el que merece la pena pasarse: 20 jóvenes artistas pintan sobre las cristaleras de otros tantos bares de Malasaña y Conde Duque. Todos los participantes son menores de 36 años y han presentado propuestas espectaculares para ejecutar en el día.

Estas serán las ubicaciones de todos los artistas participantes:

Votación popular: elige tu obra favorita de Pinta Malasaña

El público vuelve a tener voz y voto a la hora de elegir uno de los premios que otorga el certamen. Los visitantes podrán dar su opinión en dos puntos de votación que el festival colocará en la carpa Pinta Malasaña (Plaza del Dos de Mayo) y en el Museo de Historia de Madrid (patio de entrada).

La forma de votación será a través de papeletas oficiales, en las que se pondrá el número de la obra y el nombre del artista (información disponible en los carteles que acompañarán a cada creación). El recuento final servirá para saber al final del día el nombre de la persona ganadora del Premio del Público. Además, un jurado recorrerá todas las obras oficiales para decidir los tres primeros premios del certamen, valorados en 1.800 euros. Todos serán comunicados al final del día por las redes sociales del festival.

Los organizadores de este evento cultural libre y gratuito

El festival Pinta Malasaña lo montan el colectivo Madrid Street Art Project y el periódico local Somos Malasaña. Aunque todo esto no sería posible sin el patrocinio de la marca de cervezas Mahou y la de pintura Pebeo, o el apoyo del Creative Campus de la Universidad Europea. Además, colabora el Ayuntamiento de Madrid, tanto a través de la Junta de Distrito Centro como mediante la participación del Museo de Historia de Madrid. Y apoyan el festival Montana Colors y las asociaciones de comerciantes Vive Malasaña y Asociación Hosteleros Malasaña.

Los agradecimientos se extienden a las decenas de comercios, vecinos, asociaciones e instituciones que han dado permiso a los artistas para que intervengan en sus locales, lienzos urbanos que hacen posible un año más que el centro de Madrid se llene de cultura libre y gratuita gracias a Pinta Malasaña.

Vuelve una de las actividades preferidas por el público del festival de arte urbano de referencia en Madrid, la Galería de Bolardos. Con motivo de la celebración de Pinta Malasaña 2026, la organización del evento abre la posibilidad de que artistas de todo tipo y edades, solos o en grupo, puedan intervenir sobre los bolardos de una de las calles aledañas a la plaza del Dos de Mayo.

La intervención tendrá lugar el domingo 26 de abril y será similar a la que tuvo lugar hasta el año 2019 en el festival, aunque con algunos cambios: no se podrá pintar sobre el bolardo directamente pero sí cubrirlo de cartón o similar para después decorarlo por encima. La otra novedad es que la calle elegida será mucho más visible, ya que las intervenciones tendrán lugar en el tramo peatonal de la calle Daoíz, que desemboca en la plaza del Dos de Mayo.

Si quieres pintar uno de los bolardos de esta calle, tienes que preinscribirte desde ya en el formulario disponible al final de esta página, donde además podrás describir tu propuesta. Y si necesitas inspiración, puedes ver aquí las genialidades que surgen cada año de otra iniciativa similar en Lavapiés, Bolardo voy, bolardo vengo.

La convocatoria de Pinta Malasaña está abierta a cualquier persona interesada en intervenir el bolardo, bajo las siguientes condiciones:

Las características físicas de los dos modelos de bolardos metálicos que podrán ser intervenidos son las siguientes: 68 cm de altura y 10 cm de ancho para el tipo más alto (el que más se repite en este tramo de la calle) y 50 cm de altura y 12 de ancho para el más bajo.

Inscripciones y más información:

El domingo 26 de abril, el centro de la capital acogerá una edición muy especial de Pinta Malasaña, que organiza su undécimo aniversario como el mayor festival de arte urbano en Madrid. Una celebración indispensable para los que disfrutan con la creación en vivo.

Durante doce horas vibrantes, desde el inicio de la mañana hasta el final de la tarde, cien artistas intervendrán en directo cerca de un centenar de espacios cedidos por vecinos, instituciones y comercios, convirtiendo Malasaña en una gran galería de arte al aire libre.

El festival acaba de dar a conocer el nombre de los artistas participantes, seleccionados de entre más de 500 propuestas presentadas al evento. El listado mezcla creadores de diferentes puntos de la geografía nacional con los de otros países como Italia, Francia, Alemania, Suecia, Brasil o China.

Todos optarán a premios en metálico otorgados por un jurado independiente, además de un galardón que elegirá el público mediante votación popular in situ. Como novedad destacada este 2026, el festival contará con una sede en el Museo de Historia de Madrid, ubicado en la calle Fuencarral, reforzando su vínculo con la ciudad y su patrimonio cultural. El otro punto informativo estará en la plaza del Dos de Mayo.

Pinta Malasaña organiza también un adelanto de su gran fiesta para el sábado 25 de abril, día del Concurso de Talentos Arte Urbano Mahou, en el que varios jóvenes plasmarán sus ideas sobre cristaleras y puertas de bares de Malasaña.

El festival cuenta con el apoyo de Mahou Cinco Estrellas, que apuesta por la dinamización de los barrios a través de experiencias culturales que generen experiencias cinco estrellas en torno al arte y la cultura urbana. Y recibe el patrocinio de la firma internacional de pinturas Pebeo, que dota al certamen de los materiales artísticos que utilizarán los seleccionados pero también el público asistente, para una actividad que se desvelará en los próximos días, en su apuesta por demostrar que cualquier persona alberga un potencial creativo en su interior. También cuenta con el apoyo de Creative Campus, la Facultad de Diseño, Arte y Tecnologías Creativas de Universidad Europea, cuyo alumnado creará una obra colectiva en colaboración con uno de los artistas ganadores de una de las ediciones del festival.

Pinta Malasaña reivindica potenciar la creación artística de una manera abierta, participativa e inclusiva y anima a todas las personas a disfrutarla; también apoya y fomenta el tejido de barrio, colaborando con la Asociación de Comerciantes Vive Malasaña y la Asociación de Hosteleros de Malasaña. Una fiesta de cultura y color abierta a todas las personas amantes del arte, organizada por el colectivo Madrid Street Art Project y el periódico local Somos Malasaña. El evento cuenta con el apoyo de Montana Colors y del Ayuntamiento de Madrid, a través de la Junta de Distrito Centro.

Estos son los artistas seleccionados para la undécima edición de Pinta Malasaña:

Yolanda Gómez Urrea - Yayas Kusama - Yana Medow - Wilyboy - WHA-T - Werens - Töfu - Toni - THULR - StrLópezLópez - Sopasconhondas - Sofía Herbón & Krasy - Seclestyle - Sebas Cabero - SCEB - Sara Vidigal - Rosario Maroto - RBN - Prëo - Por favor - Polina Soloveichik - Pilarbarvar - Penfishh - Patricia Pastor - p4lchu - Ollio - Oldrá - Odie - Nothing to declare - NKS - Ninon Réo - Nikka & Libindo - Nic Mac - Morcky - Moi Martos - Moami - MinaJoe - Mei Tez (A. Calle) - MAX501 - Marifé Rozalén - Llukutter - Las Enganchadas - Julsen Moos - Juasa - Juanlu - Jamalamaja - Ìwìntolá - Itsperfectchaos - its mancho - Iris Draws Stuff - Inopia - Imaginath - Hermonos - Helenilustra - Gerbos - Garanto - Galgo Flaco - Fugaz - Fruta Puta - Fiasco - EYOU245 - Emmanuel Carvajal. - Dravok - Dr kangrena - Dos Monos Rojos - Dextre - Dante Arcade & Brenda Valadez - Dan Bonssai - Crono Sapiens - Creto - Controllo Remoto - Colectivo FIC - Coco Riot - Claudio Drë - Carcan - Bolla Hiriart - Ben Hendlisz - B13A - Asociación “TOPPER” - Anna Borrie - Anis - Amanda Cils - Almirón - Alex Boyd - Adrián Barquín Iglesias - Acroox

Carlota Juncosa (Barcelona, 1984) no es una autora que se caracterice por tomar el camino fácil. Fanzinera, licenciada en Filosofía y profesora de diseño, en su primera obra larga se embarcó en un libro atípico, Carmen de Mairena. Una biografía (Blackie Books, 2017). En él narraba su encuentro con Carmen de Mairena y su entorno, sin filtros y sin condescendencia con el personaje. Con un estilo inmediato, alejado de lo académico, y un trazo sintético con el que comunica de forma directa, Juncosa llamó la atención de un mercado que ya entonces estaba empezando a acostumbrarse demasiado a ciertas fórmulas más cómodas.

Nueve años después, Carlota Juncosa ha vuelto a publicar un cómic (en 2024 publicó el ensayo El motor creativo en la editorial Temas de Hoy). Como en aquella primera obra, vuelve a ponerse a sí misma en el centro. Porque Malas ideas (Reservoir Books) puede considerarse una obra documental sobre la escena del grafiti en Barcelona a principios de los 2000, pero es también un ejercicio de autobiografía: el reencuentro emocional de la dibujante con su adolescencia, a través de varias entrevistas con grafiteros de su época que, en muchos casos, son sus antiguas amistades, que la conocieron como Lua.

Tal y como cuenta Juncosa en conversación con este medio, no ha sido fácil. “Ha sido un proceso largo, nueve años en total, ya que empecé con las entrevistas después de publicar Carmen de Mairena. Llegué a tener material para trescientas páginas, pero el libro ha acabado teniendo unas 180; tuve que quitar muchas cosas. Algunas las sacaré pronto en un fanzine para desquitarme”, revela la autora.

Pese a todo, Carlota Juncosa califica el proceso como “divertido”, y gracias al libro ha podido reevaluar una etapa de su vida de la que se había desconectado. Cuando comenzó con las entrevistas, ya no tenía contacto con esa escena: “Me había desvinculado completamente. Fue como invocar a fantasmas. Es como cuando ves a una expareja de hace millones de años” explica entre risas. Así, más allá de unas primeras páginas en las que Juncosa evoca las inseguridades y los descubrimientos propios de la primera adolescencia desfilan en sucesivos capítulos viejas amistades: Isis, quien fue su mejor amiga, Vodoo, Slim o El Burto. Gracias a ellos Juncosa explica las claves de diferentes modalidades: pintar metros, street art, tags (la firma de cada escritor). Pero hay un matiz: “Lo que más me sorprendió fue cómo cada uno de ellos se había especializado en una práctica muy concreta, según su carácter, aunque en los primeros años todos hacíamos un poco de todo”, explica la autora.

En Malas ideas, además, Juncosa expone algunas experiencias desagradables, incluso traumáticas, que tienen mucho que ver con su decisión de realizar la obra. “No supe por qué empecé este libro hasta que lo terminé”, confiesa la dibujante. “Creo que empecé las entrevistas para saber por qué ellos hacían grafitis, pero también para encontrarme a mí. De hecho, la escritura se demoró porque tuve que procesar cosas a nivel emocional que había dado por zanjadas, pero que si no incluía, y esto también supuso un dilema, no habría encontrado el sentido del libro para mí”, dice.

El machismo está muy presente en esas experiencias, aunque Juncosa matiza que no había más en la escena grafitera que en el conjunto de la sociedad. “Hoy hay más presencia femenina, porque hay gente que se ha educado con unos valores distintos”, afirma. Pero entonces, en los primeros 2000, “había cosas que eran peyorativas. Si eras una chica y ponías demasiado rosa o pintabas las letras con formas más redondeadas, estaba mal visto, pero no se decía directamente, se decía a las espaldas [risas]”.

En ocasiones, las mujeres eran señaladas por empezar a pintar porque su novio lo hacía, o perdían su red cuando cortaban con una pareja en cuyo grupo pintaban, tal y como explica la autora. “El machismo deriva en ciertos abusos, que tienen unas implicaciones psicológicas fuertes. Y lo que pasa emocionalmente se transmite a nivel artístico. Así que claro que yo necesitaba hacer ciertas cosas y ser temeraria. No estaba muy zen en ese momento, y tenía mis razones”, dice.

¿Vandalismo o arte?

Para buena parte de la sociedad, el grafiti no es más que una forma de vandalismo. “A veces el grafiti es destructivo, es feo y molesta —afirma—. Pero no todos los dibujos son bonitos o tienen que gustar a todo el mundo. Hay algo que dice Santiago Figueroa, que tiene un doctorado sobre grafitis, algo así como que decir que todos los grafitis no son válidos es lo mismo que decir que toda la pintura barroca no lo es. Hay que entender que hay una escala de calidad dentro de eso”.

En sus orígenes, el grafiti fue combatido por las autoridades, a pesar de que cuando empezó a actuar el pionero del medio, el estadounidense Taki 183, “la prensa lo ensalzó como algo curioso”, señala Juncosa. “Pero enseguida el papel de los periodistas cambió, con el objetivo de controlar la narrativa. Por eso es importante poder explicar las cosas desde otro lugar, para tener una visión que nos saque del discurso único, limitado e interesado”.

La autora relaciona la persecución del grafiti con la necesidad de control: “En la época de la Guerra Fría, cuando los grafiteros empezaron a pintar metros, lo primero que hicieron fue reprimirlos con agresividad. Pero también hubo un intento, que acabó rápido, de crear una división de la policía especializada en grafiteros, que negociaban con ellos y se ganaron su respeto”, señala. Incluso pueden encontrarse ejemplos de integración del grafiti con aceptación social, como el caso de Panamá que relata Juncosa: “Estados Unidos cedió unos autobuses, que fueron pintados por artistas del grafiti. A la gente le encantó y se convirtieron en algo emblemático, hasta el punto de que cuando los retiraron se pidió que no los destruyeran y los reconvirtieron en bares”.

En su época, nos cuenta, las cosas no eran tan complicadas como hoy, con las calles llenas de cámaras. “Había restricciones, porque era la época del eslogan ‘Barcelona, ponte guapa’, y se perseguía mucho pintar las fachadas. Pero no recuerdo que fuera especialmente difícil. Sabías los muros que había, dónde podías pintar”, explica. Y existía incluso un espacio emblemático, el muro del MACBA: “Todo el mundo lo conocía, venía gente de todas partes… Era muy divertido”, recuerda. Pese a ello, el libro muestra los choques con la policía y el trato denigrante que muchos grafiteros sufrían en sus manos. “Te dabas cuenta de que podían ser todo lo abusadores que quisieran, y eso era brutal”, explica la autora, quien llegó a entrevistarse con varios policías para un capítulo que finalmente no está en el libro. “Me decían que ellos solo querían un trabajo seguro, y que cuando hacían esas cosas se ponían ‘las gafas de madera’. Es decir, que miraban para otro lado. Fue muy revelador”, desarrolla Juncosa.

Los años del Fotolog e IRC

Para la dibujante, una de las cosas más importantes de la cultura del grafiti es cómo pone en cuestión una serie de valores que damos por sentados. “Cuando algo se sale de la norma y ataca los espacios públicos es donde tenemos el problema —señala—. Pero hay que pararse a pensar para darse cuenta de qué es legítimo hacer y qué no en un espacio público”. Tal y como afirma, eso no deja de ser un constructo, una ficción: “La sociedad nos vende la promesa de que vivimos en un espacio seguro donde todo funciona. Pero eso no es así: cada grafiti que ocupa un espacio donde no debería estar es un recordatorio de que no hay seguridad ni control”.

Así, se criminaliza el grafiti para evitar hablar de otras cosas, “como la falta de derechos, o las cuestiones raciales, que en Estados Unidos ni siquiera hoy se han resuelto”. Para Juncosa, hay algo rompedor en estas prácticas. “En una época en la que estamos bastante encorsetados, el grafiti es un reducto de la espontaneidad. Y eso es una necesidad humana”, afirma.

“El grafiti vivió una transformación con los smartphones y las redes sociales”, explica la autora cuando se le pregunta por la escena de hoy. “En aquella época, cuando hacíamos un grafiti lo subíamos al Fotolog, y nos comunicábamos por IRC. Ahora se entra en la lógica de las redes, estás mucho más conectado”, afirma Juncosa, que añade: “Internet ha generado una internacionalización de las prácticas”. También ha puesto mucha información a disposición de los jóvenes. “Ahora puedes encontrar como hacer las cosas para dummies, y hay más material, rotuladores más grandes… Pero no veo mi época con nostalgia, para nada. Cada momento es distinto”, afirma. “Yo ahora debo de estar superdesfasada con lo que se está haciendo —confiesa—. Pero hay algo, ese espíritu de querer hacértelo tú, que creo que se mantiene. Darte un lugar. Eso es imperecedero y está en cualquier momento de la historia. Cómo se expresa y qué contingencias atraviesa es lo que cambia”.

Reglas a los chavales

Determinado arte urbano parece haber sufrido un proceso de legitimización, que ha llevado a Banksy a los museos o que hace que muchos ayuntamientos paguen a artistas por decorar fachadas. Juncosa opina que “hay que pensar por qué uno se integra en lo oficial desde el grafiti, qué papel cumple”. Y advierte: “El grafiti, cuando tira al street art, puede acabar teniendo relación con la gentrificación, como sucedió en Berlín, que era una ciudad muy barata que apostó por el arte urbano y las casas okupas y hoy es carísima”.

Sin embargo, Juncosa no es partidaria de idealizar a la vieja guardia o marcarle el camino a la gente joven. “Hay grafiteros que se quejan de los chavales, de que lo tienen más fácil, pero es absurdo. El grafiti en sí mismo consiste en que no hay reglas, ¿por qué le impones unas reglas a los chavales?”, se pregunta.

Cuando se le pregunta a Juncosa qué es lo más importante que le ha aportado su experiencia en los grafitis, se toma unos instantes en silencio para contestar. “El grafiti me ha permitido desterrar la ficción de identificarme con algo que es estático. Las tradiciones nos aportan seguridad, y nuestro cerebro necesita eso”, reflexiona. La autora cree que la popularidad de determinadas creencias no es casual. “Estamos en un momento de auge de la astrología, por ejemplo, que indica que algo nos está faltando, algo que antes nos aportaban las religiones. Y el grafiti tiene un poco de eso: es una comunidad, como lo es una religión, hay unas normas, una rutina… Yo buscaba todo eso en el grafiti, pero con el tiempo me di cuenta de que no es así. Ese es el aprendizaje que me llevo: estoy bien dentro de la inestabilidad”, concluye.

El West End representa la nèmesi de la pau al municipi eivissenc de Sant Antoni, el cor del qual es troba en aquest centre neuràlgic format per bars per al públic british, locals d’oci nocturn on es posa reggaeton per a espanyols i altres establiments al servei del turisme de borratxera. Incloent-hi venedors ambulants que, amb poc dissimul, subministren òxid nitrós —més conegut com a “gas del riure”—, cosa que ha suposat, en els darrers anys, la principal batalla de l’Ajuntament per mantenir la seguretat sota control, en paraules de la mateixa regidora de l’àrea, Neus Mateu.

Ara, l’equip de govern del PP ha decidit ampliar l’horari de tancament dels establiments del West End durant els mesos d’hivern. La mesura, limitada als divendres, dissabtes i dates assenyalades entre l’1 de novembre i el 30 d’abril, permetrà fins a dues hores addicionals d’activitat en resposta a una de les demandes històriques del sector.

La decisió ha estat ben rebuda per l’Associació Empresarial d’Oci Nocturn Noches de Eivissa (AEON), tot i que la considera insuficient. Els empresaris insisteixen en la necessitat de derogar la Zona de Protecció Acústica Especial (ZPAE), una figura que, al seu parer, lastra la viabilitat dels negocis. Es tracta d’una normativa que exigeix als locals de la zona que acreditin el compliment dels límits acústics mitjançant certificats tècnics i que preveu la realització de sonometries també a l’hivern. 

L'equip de govern del PP ha decidit ampliar l'horari de tancament dels establiments del West End durant els mesos d'hivern, però els empresaris consideren insuficient la mesura i van més enllà: demanen eliminar la normativa que exigeix als locals de la zona acreditar que compleixen amb els límits acústics

Des de l’Ajuntament recorden que la retirada d’aquesta declaració exigeix complir de manera sostinguda els Objectius de Qualitat Acústica (OCA) aplicables a la zona. Tal com assenyala una portaveu municipal en declaracions a elDiario.es, les mesures realitzades han d’indicar que el seu compliment s’aproxima en alguns punts concrets i/o èpoques de l’any, però els nivells sonors han d’estar per sota dels límits exigits de qualitat de manera sostinguda.

Desigualtat de condicions

La majoria dels empresaris sostenen que la ZPAE manté el West End en “desigualtat de condicions” i adverteixen del seu impacte: asseguren que des de la seva implantació ha tancat més del 50% dels negocis, amb la consegüent pèrdua d’activitat i ocupació. En aquest sentit, han recordat que la mesura “posa en perill” la viabilitat dels pocs establiments que encara estan “lluitant per sobreviure”. Tot i això, n’hi ha alguns, com Toni Marí, que la consideren una eina “necessària” malgrat que la seva aplicació hagi tingut errors importants.

La majoria dels empresaris sostenen que la ZPAE manté al West End en “desigualtat de condicions” i adverteixen del seu impacte: asseguren que des de la seva implantació ha tancat més del 50% dels negocis, amb la consegüent pèrdua d'activitat i ocupació

Critica, en especial, la inclusió del carrer del Mar —on es troba el seu establiment— dins del West End, una decisió que, assegura, ha perjudicat negocis amb activitat durant tot l’any i clientela local, provocant tancaments. Al seu parer, la limitació d’horaris no ha reduït el turisme d’excessos, sinó que l’ha desplaçat a altres punts o a discoteques.

Una opinió que comparteix amb Joan Pantaleoni, la família del qual regenta un bar al passeig principal de Sant Antoni, el Soul City, així com diversos negocis al mateix carrer Santa Agnès, on es troba el mural d’Okuda San Miguel. Mentre els establiments d’aquesta zona han de tancar a les tres de la matinada, altres poden allargar la seva activitat fins a les cinc o sis, fet que genera —afirma l’empresari— una “desavantatge competitiva directa” que compromet la viabilitat de molts negocis.

Si no es prenen mesures més contundents, el West End corre el risc de perdre progressivament activitat, el seu teixit empresarial i la seva identitat històrica, convertint-se en una àrea residual quan sempre ha estat un lloc clau de l’oci al municipi, alerten des del gremi.

El gremi de l'oci nocturn alerta que, si no es prenen mesures més contundents, el West End corre el risc de perdre progressivament activitat, el seu teixit empresarial i la seva identitat històrica, convertint-se en una àrea residual en lloc del lloc clau de l'oci que sempre ha estat

Pantaleoni valora com un “primer pas” l’ampliació puntual d’horaris aprovada per l’Ajuntament, tot i que insisteix que la mesura resulta “clarament insuficient”. El principal problema —al seu parer— són les restriccions específiques en aquesta àrea concreta, com l’obligació de doble porta, la prohibició de música a l’exterior o el tancament anticipat, mentre en altres punts de la localitat l’activitat es desenvolupa amb més amplitud horària. “A la pràctica, una línia imaginària decideix quins negocis són viables i quins no”, insisteix.

Una rehabilitació més enllà d’Okuda

El vicepresident de l’associació, José Colomar Ribas, ha considerat que al West End és necessari anar més enllà de l’obra d’Okuda per solucionar el problema: millorar la il·luminació dels carrers adjacents, ampliar la zona d’intervenció d’art urbà i també donar suport i revitalitzar tot el barri, amb un reforç de la neteja.

“A mi l’ampliació de l’horari a l’hivern no m’afecta gens. El que sé és que a l’estiu, entre les obres per fer el bulevard —una mena de passeig de la fama que connectarà el centre amb el passeig marítim—, el camió de la brossa i la dispersió de turistes quan tancaven els bars, a les cinc me n’anava a dormir i a les sis em sonava el despertador”, denuncia Aurora [nom fictici a petició pròpia], una veïna.

L’abril de l’any passat, l’Ajuntament va intentar aportar “ombra i color” a l’artèria principal del West End, la via més problemàtica de totes, amb el ‘Arcoíris Infinito’ de l’artista càntabre que ha reformulat, entre altres espais, el far d’Ajo, a la seva terra natal, la Rua Rosa de Lisboa o el degradat barri de Wynwood, a Miami. Ara, el govern municipal d’Almeida ha contractat l’artista per 280.000 euros (IVA inclòs) perquè construeixi l’arc d’entrada al Chinatown de Usera. El mural de Sant Antoni per reformar l’àrea més freqüentada per hooligans, majoritàriament d’Irlanda, Escòcia i el Regne Unit, va costar ni més ni manco que 371.000 euros, una quantitat a la que després s’han d’afegir els costos de manteniment de la pintura i la resta de materials necessaris per conservar l’obra artística.

A l'abril de l'any passat, l'Ajuntament va buscar aportar “ombra i color” a l'artèria principal del West End, la via més problemàtica de totes, amb el ‘Arcoíris Infinito’ de l'artista càntabre que ha reformulat, entre altres coses, el far d'All, en la seva terra natal, la Rua Rosa de Lisboa o el degradat barri de Wynwood, a Miami

Malgrat l'acolorida reconversió del carrer Sant Agnès, on turistes i locals s'han fotografiat dia sí i dia també durant la temporada i fins i tot havent finalitzat la mateixa, l'entorn immediat continua mostrant signes evidents d'abandó: una desena de baixos tancats -antics bars o habitatges- romanen a mig ús, amb façanes deteriorades i cobertes de grafitis que reflecteixen el declivi de la zona.

A penes es comença a veure contrast en el barri, amb comerços o negocis de restauració que han anat obrint les seves portes a mesura que uns altres, abans enfocats a servir pintes i xopets, han anat tancant. Però encara persisteix l'amalgama de joves turistes que acudeixen al West, en ple barri antic, atrets per l'oci nocturn. “El problema és quan tanquen els bars i es queden als carrers cridant, vomitant i orinant”, denúncia Aurora.

El problema és quan tanquen els bars i els turistes es queden als carrers cridant, vomitant i orinant

Aurora — Veïna del West End

Punt de consum d'estupefaents

A tot això s’hi suma la presència de venda ambulant i altres fenòmens associats. Ali, un empleat d’un kebab proper, va denunciar en el seu moment, en declaracions a elDiario.es, que sovint es reprodueixen als voltants del seu establiment de menjar ràpid escenes de consum de drogues i conflictes. A ell, acostumat als països musulmans, molt més tranquils, això li sembla “perillós”. Sota el mural d’Okuda persisteixen cables a la vista i edificis en mal estat, en una escena que conviu cada temporada amb el turisme d’excessos característic i que, de moment, no sembla tenir un final a curt termini.

El balanç que fan alguns sectors del West End és clarament crític. Consideren que la inversió —de diversos milions d’euros, en part procedents de fons europeus— s’ha centrat en una actuació estètica que no ha aconseguit revertir el problema estructural. Toni, que regenta des de fa anys un bar més enfocat a residents i clientela espanyola, denuncia que l’espai, concebut com una “plaça de l’art”, és més aviat un punt de concentració de consum de substàncies i d’oci descontrolat.

A aquesta percepció se suma el cost de manteniment que requereix la instal·lació,el que implica continuar destinant recursos públics a un projecte la utilitat real del qual ha estat bastant qüestionada per la ciutadania. Les crítiques també apunten a una pèrdua d'identitat local, en considerar que aquest tipus d'intervencions s'allunyen de l'estètica tradicional eivissenca. El problema de fons, coincideixen els veïns, no sols persisteix, sinó que en alguns casos s'han desplaçat o intensificat. “No s'arregla amb color”, resumeix, reclamant mesures més profundes i sostingudes en el temps.

El West End representa la némesis de la paz en el municipio ibicenco de Sant Antoni, cuyo corazón se encuentra en este centro neurálgico compuesto por bares para el público british, locales de ocio nocturno donde ponen reguetón para españoles y otros establecimientos al servicio del turismo de borrachera. Incluidos vendedores ambulantes que, con poco disimulo, suministran óxido nitroso -más conocido como ‘gas de la risa’-, lo que ha supuesto, en los últimos años, la principal batalla del Ayuntamiento para mantener la seguridad a raya, en palabras de la propia concejala del área, Neus Mateu. En la arteria principal del West, el colorido mural de Okuda San Miguel intenta redefinir la imagen del enclave.

Ahora, el equipo de gobierno del PP ha decidido ampliar el horario de cierre de los establecimientos del West End durante los meses de invierno. La medida, limitada a viernes, sábados y fechas señaladas entre el 1 de noviembre y el 30 de abril, permitirá hasta dos horas adicionales de actividad en respuesta a una de las demandas históricas del sector.

La decisión ha sido bien recibida por la Asociación Empresarial de Ocio Nocturno Noches de Eivissa (AEON), aunque la considera insuficiente. Los empresarios insisten en la necesidad de derogar la Zona de Protección Acústica Especial (ZPAE), una figura que, a su juicio, lastra la viabilidad de los negocios. Se trata de una normativa que exige a los locales de la zona que acrediten el cumplimiento de los límites acústicos mediante certificados técnicos y contempla la realización de sonometrías también en invierno. 

El equipo de gobierno del PP ha decidido ampliar el horario de cierre de los establecimientos del West End durante los meses de invierno, pero los empresarios consideran insuficiente la medida y van más allá: piden eliminar la normativa que exige a los locales de la zona acreditar que cumplen con los límites acústicos

Desde el Ayuntamiento recuerdan que la retirada de esta declaración exige cumplir de forma sostenida los Objetivos de Calidad Acústica (OCA) aplicables a la zona. Tal como señala una portavoz municipal en declaraciones a elDiario.es, las mediciones realizadas deben indicar que su cumplimiento se acerca en algunos puntos concretos y/o épocas del año, pero los niveles sonoros deben estar por debajo de los límites exigidos de calidad de forma sostenida. 

Desigualdad de condiciones

La mayoría de los empresarios sostienen que la ZPAE mantiene al West End en “desigualdad de condiciones” y advierten de su impacto: aseguran que desde su implantación ha cerrado más del 50% de los negocios, con la consiguiente pérdida de actividad y empleo. En ese sentido, han recordado que la medida “pone en peligro” la viabilidad de los pocos establecimientos que aún están “luchando por sobrevivir”. Aunque hay algunos, como Toni Marí, que lo consideran una herramienta “necesaria” a pesar de que su aplicación haya tenido fallos importantes. 

La mayoría de los empresarios sostienen que la ZPAE mantiene al West End en “desigualdad de condiciones” y advierten de su impacto: aseguran que desde su implantación ha cerrado más del 50% de los negocios, con la consiguiente pérdida de actividad y empleo

Critica, en especial, la inclusión de la calle del Mar -donde se encuentra su establecimiento- dentro del West End, una decisión que, asegura, ha perjudicado a negocios con actividad durante todo el año y clientela local, provocando cierres. A su juicio, la limitación de horarios no ha reducido el turismo de excesos, sino que lo ha desplazado a otros puntos o a discotecas. 

Una opinión que comparte con Joan Pantaleoni, cuya familia regenta un bar en el paseo principal de Sant Antoni, el Soul City, así como varios negocios en la misma calle Santa Agnès, donde está el mural de Okuda San Miguel. Mientras los establecimientos de esta zona deben cerrar a las tres de la madrugada, otros pueden alargar su actividad hasta las cinco o seis, lo que genera -afirma el empresario- una “desventaja competitiva directa” que compromete la viabilidad de muchos negocios.

Si no se toman medidas más contundentes, el West End corre el riesgo de perder progresivamente actividad, su tejido empresarial y su identidad histórica, convirtiéndose en un área residual cuando siempre ha sido un lugar clave del ocio en el municipio, alertan desde el gremio.

El gremio del ocio nocturno alerta de que, si no se toman medidas más contundentes, el West End corre el riesgo de perder progresivamente actividad, su tejido empresarial y su identidad histórica, convirtiéndose en un área residual en lugar del lugar clave del ocio que siempre ha sido

Pantaleoni, valora como un “primer paso” la ampliación puntual de horarios aprobada por el Ayuntamiento, aunque insiste en que la medida resulta “claramente insuficiente”. El principal problema -a sus ojos- son las restricciones específicas en este área concreta, como la obligación de doble puerta, la prohibición de música en exteriores o el cierre anticipado, mientras en otros puntos de la localidad se desarrolla con mayor amplitud horaria. “En la práctica, una línea imaginaria decide qué negocios son viables y cuáles no”, insiste. 

Una rehabilitación más allá de Okuda

El vicepresidente de la asociación, José Colomar Ribas, ha considerado que en el West es necesario ir más allá de la obra de Okuda para solucionar el problema: mejorar la iluminación de las calles adyacentes, aumentar la zona de intervención de arte urbano y también apoyar y revitalizar todo el barrio, con un refuerzo de la limpieza. “A mí la ampliación del horario en invierno, no me afecta para nada. Lo que sé es que en verano, entre las obras para hacer el bulevar -una especie de paseo de la fama que conectará el centro con el paseo marítimo-, el camión de la basura y el desperdigamiento de turistas cuando cerraban los bares, a las cinco me dormía y a las seis me sonaba el despertador”, denuncia Aurora [nombre ficticio a petición propia], una vecina.

En abril del año pasado, el Ayuntamiento buscó aportar “sombra y color” a la arteria principal del West End, la vía más problemática de todas, con el ‘Arcoíris Infinito’ del artista cántabro que ha reformulado, entre otras cosas, el faro de Ajo, en su tierra natal, la Rua Rosa de Lisboa o el degradado barrio de Wynwood, en Miami. Ahora, el gobierno municipal de Almeida ha contratado al artista por 280.000 euros (IVA incluido) para que construya el arco de entrada al Chinatown de Usera. El mural de Sant Antoni para reformar el área más frecuentada por hooligans, la mayoría de Irlanda, Escocia y Reino Unido, costó nada menos que 371.000. Un importe al que se tienen que sumar luego los costes de mantenimiento de la pintura y el resto de materiales necesarios para mantener la obra artística.

En abril del año pasado, el Ayuntamiento buscó aportar “sombra y color” a la arteria principal del West End, la vía más problemática de todas, con el ‘Arcoíris Infinito’ del artista cántabro que ha reformulado, entre otras cosas, el faro de Ajo, en su tierra natal, la Rua Rosa de Lisboa o el degradado barrio de Wynwood, en Miami

A pesar de la colorida reconversión de la calle Santa Agnès, donde turistas y locales se han fotografiado día sí y día también durante la temporada e incluso habiendo finalizado la misma, el entorno inmediato sigue mostrando signos evidentes de abandono: una decena de bajos cerrados -antiguos bares o viviendas- permanecen a medio uso, con fachadas deterioradas y cubiertas de grafitis que reflejan el declive de la zona.

Apenas se empieza a ver contraste en el barrio, con comercios o negocios de restauración que han ido abriendo sus puertas a medida que otros, antes enfocados a servir pintas y chupitos, han ido cerrando. Pero aún persiste la amalgama de jóvenes turistas que acuden al West, en pleno casco antiguo, atraídos por el ocio nocturno. “El problema es cuando cierran los bares y se quedan en las calles gritando, vomitando y orinando”, denuncia Aurora.

El problema es cuando cierran los bares y los turistas se quedan en las calles gritando, vomitando y orinando

Aurora — Vecina del West End

Punto de consumo de estupefacientes

A ello se suma la presencia de venta ambulante y otros fenómenos asociados. Ali, un empleado de un kebab cercano denunció en su momento, en declaraciones a elDiario.es, que frecuentemente se reproducen en los alrededores de su establecimiento de comida rápida escenas de consumo de drogas y conflictos. A él, acostumbrado a la tranquilidad, esto le parece “peligroso”. Bajo el mural de Okuda persisten cables a la vista y edificios en mal estado en una escena que convive cada temporada con el turismo de excesos característica y que, de momento, no parece tener un fin a corto plazo.

El balance que hacen algunos sectores del West End es claramente crítico. Consideran que la inversión -de varios millones de euros, en parte procedentes de fondos europeos- se ha centrado en una actuación estética que no ha logrado revertir el problema estructural. Toni, quien regenta desde hace años un bar más enfocado a residentes y clientela española, denuncia que el espacio, concebido como una “plaza del arte”, es más un punto de concentración de consumo de sustancias y ocio descontrolado.

A esta percepción se suma el coste de mantenimiento que requiere la instalación, lo que implica seguir destinando recursos públicos a un proyecto cuya utilidad real ha sido bastante cuestionada por la ciudadanía. Las críticas también apuntan a una pérdida de identidad local, al considerar que este tipo de intervenciones se alejan de la estética tradicional ibicenca. El problema de fondo, coinciden los vecinos, no solo persiste, sino que en algunos casos se han desplazado o intensificado. “No se arregla con color”, resume Toni Marí, reclamando medidas más profundas y sostenidas en el tiempo.

El Ayuntamiento de Santander ha puesto en marcha el proyecto 'Espaciarte', dirigido a apoyar, visibilizar e impulsar el talento joven local a través del arte mural urbano.

La iniciativa se dirige a jóvenes artistas y colectivos creativos, de entre 15 y 35 años, que tendrán la oportunidad de participar en el diseño y ejecución de un mural urbano en la Avenida de los Castros.

Según ha informado el Ayuntamiento en un comunicado, se seleccionarán entre cuatro y seis propuestas y el proyecto contempla, además, un proceso de trabajo conjunto que incluirá mentorización artística, sesiones colaborativas de diseño y participación directa en la intervención mural.

La iniciativa estará coordinada por la artista visual y muralista LEA, junto a un consejo de creadoras profesionales vinculadas al arte contemporáneo, el muralismo y la mediación cultural, que acompañarán a los participantes durante todo el proceso, desde la selección hasta la ejecución final de la obra.

El mural se realizará antes de que finalice 2026 y contará con elementos innovadores como códigos QR integrados, los que permitirán conocer a los artistas participantes, sus trayectorias y el proceso creativo desarrollado.

Además, se producirá un documental que recogerá todas las fases del proyecto.

Las personas interesadas podrán presentar su candidatura a través del formulario habilitado por Espacio Joven hasta el 18 de mayo a las 17.00 horas, y las solicitudes deberán incluir biografía, portfolio artístico y un boceto o idea inicial para la intervención mural.

El cartel de Metrópoli diseñado para esta edición, que se celebrará entre el 26 de junio y el 5 de julio, promete llenar el Recinto Ferial Luis Adaro de Gijón/Xixón. Las propuestas son variadas y buscan atraer a todo tipo de público: van desde la música, arte urbano, cultura digital y la 'Comic Con' a una 'cumbre' de creadores de contenido digital o la celebración de una 'Therian Con' .

Una de las novedades de este año es la 'Creators Con', un encuentro donde los creadores de contenido más punteros presentarán su trabajo. Durante varias jornadas incluirá charlas, mesas redondas y grabaciones de podcast en directo con creadores vinculados a ámbitos como la música, la moda, el 'lifestyle' o el humor.

La organización quiere así reconocer el papel que desempeñan los creadores digitales en la cultura contemporánea después de que en los últimos años se haya transformado la manera de comunicar, entretener y construir comunidad, influyendo de forma directa en las tendencias culturales y sociales.

'Therian Con': “la mayor del país”

En Metropoli caben todos los estilos y un ejemplo va a ser la celebración de una 'Therian Con', que se anuncia como “la mayor celebrada hasta la fecha en España” y con la que se pretende reunir a la comunidad therian y otherkin “en un entorno estructurado y respetuoso”.

La música será el eje vertebrador de esta edición y ocupará un lugar central durante diez jornadas en dos escenarios que reunirán a artistas de distintas generaciones y estilos.

De M Clan a Juan Magán

El Escenario Principal reunirá a M Clan, referentes del rock español con décadas de trayectoria y un repertorio lleno de clásicos; Gipsy Kings, iconos internacionales del flamenco-pop; y Juan Magán, uno de los pioneros del electrolatino que marcó el auge del sonido urbano en español.

También formarán parte del cartel Coti, autor de himnos pop-rock reconocibles por varias generaciones; Sidecars, una de las bandas más sólidas del panorama nacional; Loquillo, figura imprescindible del rock en español, y Taburete que aportará su propuesta musical.

La noche 'Perreo Lab'

El sonido urbano tendrá su espacio en la noche 'Perreo Lab' que contará con Polimá Westcoast, Lyanno y 3Pac que acercarán el sonido urbano internacional al festival, mientras que el cierre festivo correrá a cargo de Bresh, la reconocida fiesta argentina convertida en fenómeno global.

La programación musical se completará en el escenario 2 con el gijonés Mateo Eraña, Mercedes Cañas, La Banda Sabinera con un homenaje al repertorio de Joaquín Sabina y ComandanteTwin, formación de indie-pop; los asturianos Tigre y Diamante, Cindy Cats, músicos instrumentistas, la banda británica Imaculate Fools, Eva Hevia, Naiara Moore, Tussi Warriors y Mar Lucas, artista vinculada al universo digital.

La 'Comic Con'

La 'Comic Con' volverá a ser uno de los ejes del festival con la celebración del 25 aniversario cinematográfico de El Señor de los Anillos, que permitirá visitar una exposición con figuras a escala real (1:1) inspiradas en el universo creado por J.R.R. Tolkien.

Además, podrá visitarse la muestra 'La X marca su lugar', dedicada a Indiana Jones, una propuesta que recorrerá la iconografía y los elementos más reconocibles de la saga.

La programación diseñada para esta edición de Metrópoli, que cuenta con el patrocinio de Divertia, incluirá además un encuentro dedicado a la serie 'Los Hombres de Paco', el espacio Metropolitanas, centrado en la igualdad y el diálogo cultural, y la zona Metrokids, pensada para que los más pequeños también formen parte del festival.

Las entradas

Las entradas saldrán a la venta el próximo miércoles, 4 de marzo, a las 12:00 horas en la web oficial del festival: www.metropoligijon.com.

Las modalidades incluyen entrada de día online desde 9 euros, entrada infantil (menores de 12 años) desde 7 euros, abono de 10 días desde 52 euros, abono Tattoo desde 23 euros, abono 'Comic Con' desde 30 euros, pack familiar (4 personas) desde 29 euros, Vip Boombastic desde 21 euros y Vip Metrópoli desde 21 euros.

Malasaña volverá a convertirse en un gran museo al aire libre este año. La organización de Pinta Malasaña acaba de anunciar la fecha de celebración del evento en 2026, que tendrá lugar el domingo 26 de abril. Y, al mismo tiempo, abre inscripciones a los artistas que quieran presentar sus propuestas, así como para los comercios, comunidades de vecinos, asociaciones e instituciones que quieran ofrecer sus espacios como soporte para sus intervenciones.

El objetivo es volver a llenar el barrio de color, creatividad y arte urbano durante una jornada en la que decenas de artistas trabajarán en directo sobre persianas, escaparates, muros, portales y otros espacios cedidos por quienes forman parte del tejido vecinal, comercial e institucional de Malasaña.

La iniciativa está organizada por Madrid Street Art Project y Somos Malasaña, con la colaboración de asociaciones del barrio como Vive Malasaña y la Asociación de Hosteleros de Malasaña (AHM), y cuenta nuevamente con el respaldo institucional del Centro Cultural Condeduque, Museo de Historia de Madrid y la Junta Municipal del Distrito Centro.

Desde su creación, Pinta Malasaña se ha consolidado como uno de los eventos de arte urbano más singulares de Madrid. Cada edición convierte durante un día entero el entramado de calles del barrio en un recorrido artístico abierto, donde conviven creadores consagrados y emergentes, vecinos, comerciantes y miles de visitantes que acuden a disfrutar del proceso creativo en directo.

Inscripción para artistas

Los creadores interesados en presentar una propuesta para el festival pueden hacerlo a través de este enlace de la página web oficial, donde también pueden consultar las bases del certamen.

Inscripción para ceder espacios

También ha abierto la convocatoria para los espacios que quieran formar parte del circuito oficial del festival. Pueden cederlos comercios, comunidades de vecinos y otras entidades que dispongan de superficies exteriores como puertas metálicas, muros, escaparates, persianas y fachadas que puedan convertirse en lienzos para los artistas.

La participación no tiene ningún coste para los anfitriones, aunque a cambio se ha de otorgar libertad temática y creativa al artista. Los materiales y honorarios de los artistas son asumidos por el festival, y los propietarios únicamente deben autorizar la intervención y facilitar el acceso al espacio el día del evento.

Requisitos de los comercios, comunidades de vecinos o instituciones para la inscripción:

Apúntate en el siguiente formulario:

Los espacios resultantes seleccionados pasarán a formar parte del recorrido oficial de la edición 2026, sirviendo como espacio creativo para nuevas generaciones de artistas urbanos, pero también como herramienta de dinamización comercial y de fortalecimiento del vínculo entre vecinos, creadores y pequeños negocios.

Con esta nueva edición, Pinta Malasaña aspira a reforzar su papel como el principal festival de arte urbano de Madrid y uno de los grandes encuentros de este tipo de expresión a nivel nacional, para seguir demostrando que el espacio público puede convertirse en un enorme lienzo compartido.

Más información: