Proyecto Extremadura, iniciativa impulsada por Fundación Caja Extremadura y Fundación Cajalmendralejo, participa desde este miércoles en la feria internacional de arte contemporáneo ARCOmadrid 2026 con la instalación ‘Aéreo’, del artista Daniel Canogar. La presencia en la feria, que se celebra en IFEMA Madrid, refuerza una de las principales líneas de actuación cultural del proyecto: visibilizar la creación contemporánea vinculada a Extremadura en un contexto artístico internacional.

El stand de Proyecto Extremadura, de 24 metros cuadrados, se ha concebido como un espacio inmersivo de encuentro y diálogo en torno al arte contemporáneo. En su centro se presenta ‘Aéreo’, una instalación digital creada específicamente para esta edición de ARCO que explora el universo de las aves que habitan o atraviesan el territorio extremeño.

Reconocido internacionalmente por su trabajo en torno a la tecnología, la memoria, el consumo y el medio ambiente, Canogar propone en esta pieza una animación digital que combina luz, imagen en movimiento y elementos escultóricos para construir una cartografía poética del paisaje natural de la región. A través de la activación de nombres de especies y espacios protegidos, la obra plantea una reflexión sobre la vulnerabilidad de la biodiversidad y sobre la relación entre tecnología, memoria y medio ambiente.

La instalación dirige la mirada hacia algunas de las especies protegidas presentes en Extremadura, entre ellas el águila imperial ibérica, la cigüeña negra, la avutarda o el sisón, además de mamíferos emblemáticos como el lince ibérico, el lobo ibérico o el desmán ibérico. El proyecto incorpora también referencias a flora singular del territorio, como el tejo o diversas especies de orquídeas, con el objetivo de sensibilizar sobre la pérdida de biodiversidad y conectar arte contemporáneo y sostenibilidad.

En el marco de la feria, Proyecto Extremadura celebrará además el viernes 6 de marzo el encuentro profesional ‘Visiones contemporáneas’, que tendrá lugar en la Sala 45 de ARCO. En la conversación participarán la artista Marina Núñez, profesora titular de la Universidad de Vigo, y el propio Daniel Canogar. La mesa estará moderada por la directora de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón, Semíramis González. Durante el encuentro se abordarán cuestiones como la influencia de las nuevas tecnologías en la producción artística, los retos del entorno digital y las metodologías experimentales en el arte contemporáneo.

En ese mismo acto, Proyecto Extremadura presentará las principales convocatorias artísticas previstas para 2026. Entre ellas destaca 'Obra Abierta. Premio Internacional de Artes Visuales', uno de los certámenes con mayor trayectoria dentro del proyecto y abierto a disciplinas como pintura, escultura, fotografía, arte digital, vídeo o performance. El plazo de inscripción permanecerá abierto hasta el 27 de mayo y el fallo del jurado se dará a conocer en noviembre en Plasencia.

El programa cultural se completa con 'Obra Abierta_Formación', una iniciativa orientada a la profesionalización del sector artístico y cultural. Para el periodo 2026–2027 se prevén actividades como el taller-laboratorio de comisariado Procesos y metodologías, vinculado en esta edición a la Colección Navacerrada, y el taller de arte textil 'Saberes del hacer y memoria de la materia', que impartirá la artista Sonia Navarro entre el 21 y el 25 de septiembre.

La participación en ARCO incluye también una dimensión educativa. Proyecto Extremadura ha invitado a estudiantes de Bellas Artes de la región a visitar la feria el 6 de marzo, asumiendo el coste de las entradas y del transporte colectivo. La iniciativa busca facilitar el acceso de jóvenes creadores a uno de los principales espacios profesionales del arte contemporáneo y contribuir a reducir la brecha territorial en el acceso a estos circuitos.

Con su presencia en ARCOmadrid 2026, el proyecto impulsado por las fundaciones extremeñas reafirma su apuesta por la creación contemporánea, la formación artística y la consolidación de Extremadura como un territorio cultural activo y conectado con los principales circuitos artísticos nacionales e internacionales.

La instalación de Canogar, el programa profesional y la dimensión educativa muestran una estrategia que combina apoyo al talento, proyección exterior y compromiso con la sostenibilidad. En un contexto en el que la cultura compite por espacios y atención, la iniciativa demuestra que Extremadura puede ocupar un lugar propio en los circuitos contemporáneos cuando articula propuestas ambiciosas y conectadas con su territorio.

Ernerst Urtasun, ministro de Cultura, ha sido recibido con pitos por las galerías españolas a su llegada a ARCO, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, para protestar de nuevo ante la discriminación que sufren por no poder aplicar un IVA reducido. Lo han hecho justo después de que tanto los galeristas como los artistas aprovecharan la jornada inaugural para fotografiarse con una pancarta que rezaba el lema “IVA cultural ya”.

Aunque Urtasun ha estado acompañado en todo momento por el rey Felipe VI, la reina Letizia y la directora de ARCO Maribel López, los pitos han sido dirigidos al ministro por no haber aplicado el IVA cultural a las obras de arte tras haberse comprometido hace ya dos años. Se trata de una diferencia considerable con respecto al IVA que se aplica al resto de distribuidores de otros ámbitos de la cultura, como las salas de cine, teatro o conciertos, que tienen un 10%. Para los libros es de un 4%.

El problema se hace todavía más patente en la feria, donde las galerías españolas conviven con las de otros países como Francia, Italia, Alemania y Portugal, territorios en los que el IVA fluctúa entre el cinco y el ocho por ciento. Miguel Ángel Sánchez, codirector de la galería ADN, explica a elDiario.es que se encuentran en una “situación de desventaja competitiva inigualable”: “Se nos identifica como una industria de lujo, sin tener en cuenta que hay una cadena de precariedad brutal. Los artistas jóvenes y los no tan jóvenes, las galerías jóvenes y las no tan jóvenes, tenemos realmente dificultades para llegar a fin de mes”.

Sánchez sostiene que la industria del arte “no es una industria enorme y fructífera”, pues alega que “hay más losers que winners”. “No acabamos de entender por qué no se transpone a la directiva europea, que permitiría ponernos a la par con nuestros competidores directos”, argumenta el galerista. “Hoy en día, que la información fluye, se pueden comprar obras de arte en cualquier país de forma fácil”, añade, indicando que “si alguien tiene que defender el IVA cultural para el arte, obviamente es el ministro de Cultura”.

Por su parte, el Consorcio de Galerías declara que “esta acción no va dirigida contra la Casa Real ni contra Su Majestad el Rey, cuya presencia institucional respetan plenamente”: “La protesta se circunscribe exclusivamente contra la inacción y ausencia de interlocución entre los ministerios de Cultura y de Hacienda que lleven a una solución real para todo un sector, y a la falta de comprensión y adecuación de unas políticas culturales coherentes con las artes visuales”.

Asimismo, el Consorcio agrega que “no son privilegios, sino una petición que aborda cuestiones como una fiscalidad justa e igualitaria con el resto de la cultura y del sector europeo, un apoyo estructural al mercado del arte y a la internacionalización de nuestra cultura y patrimonio, fundamentales para garantizar la sostenibilidad y competitividad del ecosistema artístico español”. Óscar López, galerista de Espacio Mínimo, subraya que “el problema es que viene el ministro a pasearse por las galerías españolas, pero no está haciendo lo que tiene que hacer”.

Más de 350.000 hectáreas ardieron en España en 2025. Fue el peor año de incendios del siglo XXI y registró los fuegos más voraces de la historia. Hoy, la madera quemada el pasado verano en los bosques del norte del país resurge en ARCO, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo que se celebra desde el miércoles 4 de marzo al domingo en Madrid, para concienciar sobre el peligro del cambio climático y reivindicar “la importancia de trabajar en mecanismos de prevención, pero también en mecanismos de reacción”. Así lo explica Manuel Bouzas, quien junto a Laura Salazar y Pablo Sequero presenta el proyecto 350.000 Ha, la respuesta de una generación joven a los problemas del presente y también del futuro.

La relevancia de esta propuesta, que busca suponer un recordatorio de la vulnerabilidad del paisaje rural, es todavía mayor al ser la ganadora de diseñar el Guest Lounge, un espacio exclusivo de descanso, encuentro y restauración para galeristas, coleccionistas e invitados especiales. La feria, que puede ser percibida como un lugar en ocasiones elitista, rompe esa barrera para generar un debate que nos alude a todos. “Estamos en la ciudad más grande del sur de Europa, en un foco metropolitano, y de repente la joya de la corona de la feria es un espacio rural”, celebra Bouzas, quien señala a elDiario.es que “tiene mucha importancia hacerlo aquí, donde gente de toda Europa verá el valor en relacionar el diseño con algo más”.

Ese “algo más” es el contexto medioambiental y ecosistémico en el que nos encontramos actualmente. A diferencia del arte autorreferencial que ha dominado el discurso de la arquitectura en los últimos años, Manuel Bouzas destaca el hecho de “establecer conversación con algo que en el fondo es mucho más relevante que nuestra propia disciplina”. El artista pontevedrés, testigo de los incendios constantes en el paisaje de Galicia este pasado verano, ha buscado de la mano de Salazar y Sequero dar visibilidad a una situación que “lamentablemente hemos normalizado”: “Ya sea con agua en Valencia o con fuego en Galicia, los desastres meteorológicos van a ser cada vez más frecuentes y desde la cultura tenemos un foco crítico que aportar”.

Para ello, los artistas han optado por una propuesta que utiliza los troncos quemados para servir, por ejemplo, de lámpara en la estancia. Pero también recurren a estos para construir una especie de luz de lumbre, donde los seres humanos se han reunido durante generaciones y que ha acabado dando lugar a las sociedades, la gastronomía o el lenguaje. “Queremos alejarnos un poquito del ruido, la cantidad de intensidad lumínica de estos días de feria, e irnos a un lugar de silencio recogido que invita a la gente a acercarse a ese muro donde están todas las heridas del bosque”. Aparte del Guest Lounge, el proyecto se encarga del stand de la revista de decoración AD España, zona llamada Lumbre en la que crea una atmósfera que evoca el fuego como espacio ancestral de reunión.

Una generación joven que mira al futuro

La mirada desde la que 350.000 Ha se enfrenta a los problemas del futuro muestra una perspectiva joven, propia de una generación que ve cómo la crisis climática queda como una cuenta pendiente. Laura Salazar argumenta que “es una necesidad encararnos a estas urgencias climáticas, económicas y sociopolíticas”: “Estamos viviendo contextos que generaciones anteriores no han tenido que afrontar de la misma manera, y es una necesidad que entendamos la arquitectura desde lo simbólico, desde lo matérico, porque son esos materiales los que tienen la capacidad de contar estas historias. Nuestra capacidad es la de encontrar una forma de sacar esa narrativa y de convertirla también en una arquitectura evocadora”.

La artista apunta que este proceso es “muy importante” porque ayuda a llegar a audiencias “para no solamente hablar del proyecto, sino sobre los territorios, las comunidades y todas las personas que se relacionan o que se tocan a través de este”. Manuel Bouzas sostiene que “todos los jóvenes hemos vivido entre permanentes crisis”. “Cuando íbamos a escoger nuestra carrera, todo el mundo nos lo desaconsejaba. Hablo del año 2008-09, cuando sucede la crisis de Lehman Brothers. De hecho, crecimos con la crisis del petróleo en el 93, y luego nos encontramos con la crisis de la pandemia”. El arquitecto explica que, pese a que todo eso lo superamos, ahora “estamos en una crisis de vivienda y de crisis climática”.

“Hemos aprendido que tenemos que reaccionar contra eso y no quedarnos de brazos cruzados”, declara Bouzas, que asegura que, “aunque suene mal decirlo”, todo esto se ha convertido en una “fuente de inspiración” porque “hay algo contra lo que establecer un diálogo”. “Qué poco interesante sería no tener nada contra lo que reaccionar, que la disciplina simplemente se mirara a su propio ombligo hablando de cosas que en el fondo a la sociedad no le interesan nada”, indica a este periódico. “Si nuestro altavoz es el diseño y la arquitectura, nosotros podemos lanzar luz o poner la atención a un contexto que nadie espera dentro de una feria con tanta exposición y ante gente que quizás no se asomaría a ese tipo de problemas”, agrega.

Asimismo, Manuel Bouzas resalta la influencia de que la mirada apunte a lo rural. “Durante los años 90 la conversación iba sobre las grandes ciudades, la metrópolis, los paisajes operacionalizados... Pero ahora los paisajes extractivos comienzan a dominar la conversación y a ser fuente de inspiración”, cuenta, señalando que “por eso vemos más que nunca que el foco se aleja de las grandes áreas metropolitanas de la Península Ibérica y pasa a alumbrar zonas que hasta hace no mucho estaban muy oscuras”. “Este tipo de narrativas acercan la arquitectura y el diseño a la sociedad. Entienden el valor de lo que hacemos y entienden la importancia de hacerlo como lo hacemos”, reflexiona.

Una de las grandes particularidades del proyecto es que está hecho con madera. Sobre todo, después del “despropósito” que comenta Bouzas ocurrido en la Revolución Industrial, cuando empieza a haber inputs de energía extremadamente grandes que permitían refinar materiales derivados de lo petroquímico, desde el acero hasta el hormigón a los plásticos, causando mucho daño en el medioambiente. “Trabajar con madera y trabajar con materiales de recuperación permite mantener el CO2 que ha absorbido esa madera durante su época como árbol, preservándolo de alguna manera”, explica, “y estás evitando cortar más material del que es necesario, pues estás tratando de trabajar con una economía de medios equilibrada”.

La propuesta del pontevedrés junto al grupo Salazarsequeromedina se desvincula de los materiales estandarizados en pos de los recursos locales. “La transición hacia la piedra, hacia la madera y hacia la tierra se está volviendo cada vez más evidente. Es una arquitectura que habla de la descarbonización, de la calidad de los espacios, porque esto no va en detrimento de lo otro y creemos que hacemos espacios más amables, más cálidos y con menos emisiones”, detalla Manuel Bouzas. “La construcción aporta prácticamente el 40% de las emisiones de CO2 a la atmósfera. Somos casi la mitad del problema y debemos ser casi la mitad de la solución”, insiste.

Pero estos artistas no solo se dejan cautivar por el paisaje, ya que para ellos es igual de esencial la gente que forma parte del mismo. Tanto es así que, cuando uno entra a la sala, lo que ve son fotografías de operarios, técnicos forestales, gente que está cortando árboles o que está en el aserradero... “Son inspiradores para nosotros porque son los que nos dan las restricciones para que el diseño no sea una tabula rasa, que es lo peor que puede ser”, dice Bouzas, agradeciendo la ayuda que les han brindado y pretendiendo darles visibilidad en la feria. “Cuando no tienes nada contra lo que reaccionar, no existe, pero aquí hay un problema que resolver y unos límites por los que moverte”, concluye.

“IVA cultural ya”. Las galerías y artistas españoles presentes en ARCO 2026 han aprovechado la inauguración de la nueva edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, que se celebra desde este miércoles 4 de marzo al domingo día 8 en Madrid, para volver a poner el foco en la discriminación que sufren por no poder aplicar un IVA reducido. Lo han hecho con este contundente lema que reza la pancarta con la que se han fotografiado los artistas en representación de las galerías.

Angustias Freijo, de la Freijo Gallery, reconoce a elDiario.es que están “muy tristes y molestos” con la situación. “Somos cuatro gatos y el arte contemporáneo está cada vez menos apoyado oficialmente en nuestro país”, lamenta. “Para las galerías es duro significarnos en estos temas porque somos comercio y tenemos que defender el trabajo de nuestros artistas; y defenderlo es lograr situarles en colecciones”. “No pedimos privilegios, pedimos igualdad”, ha señalado.

Esta no es la primera vez que los stands españoles de ARCO hacen una acción para reclamar la bajada del IVA cultural, que Ernerst Urtasun prometió hace ya dos años y que sigue sin aplicarse. En 2025, todas las galerías del país apagaron sus luces durante diez minutos para protestar ante el 21% de IVA vigente a la venta de arte. Se trata de una diferencia considerable con respecto al IVA que se aplica al resto de distribuidores de otros ámbitos de la cultura, como las salas de cine, teatro o conciertos, que tienen un 10%. Para los libros es de un 4%.

Esta situación de desventaja con el IVA más alto entre los grandes mercados europeos se hace todavía más patente en la feria, donde las galerías españolas conviven con las de otros países como Francia, Italia, Alemania y Portugal, territorios en los que el IVA fluctúa entre el cinco y el ocho por ciento. José de la Mano critica ante este medio que en España “el mercado del arte se considera una cosa de ricos, cuando no es así”. “Para la derecha somos unos izquierdosos y para la izquierda un comercio de élite; y al final perdemos el foco en que la labor del galerista es defender la obra de los artistas y que los artistas puedan vivir de su obra, que tengan una visibilidad”, insiste.

“Si nos quieren hacer daño, están haciendo lo ideal”, asegura a este periódico el galerista Max Estrella, agregando que “las condiciones son una penalización terrorífica al mercado, las galerías y artistas españoles”. “Todos los artistas que residen en este país están minusvalorados a la hora de vender en comparación con cualquier otro artistas de Francia, Italia, Portugal, Alemania o Reino Unido”, asegura. “Estamos seguros de que lo van a cambiar, lo que queremos es que sea cuanto antes”, indica.

Por su lado, las artistas Violeta Andreu y Soniya Amritlal Patel proponen a la gente hacerse una pregunta: “¿Necesitan los artistas a un galerista para vivir de su arte?”. “Hay un sistema social en el que los artistas y las artistas estamos trabajando como cualquier trabajador y no hay manera de salir adelante. Es complicado por la estructura social, pero no podemos vivir de nuestro trabajo”, apunta Andreu. Además, cuenta que “no tiene sentido que se estén pagando estos precios” en alusión al 21% de IVA.

La promesa de un cambio que sigue sin llegar

“En la reunión con el Consorcio de galerías españolas de Arte Contemporáneo hemos renovado el compromiso del Ministerio de Cultura con la labor de las galerías”, declaró Urtasun en marzo de 2024. “Seguiremos trabajando para conseguir el IVA reducido para la compra de arte contemporáneo, una reivindicación histórica que debe ser atendida”, prometió entonces el ministro, cuyo compromiso sigue sin cumplir a día de hoy. Guiomar Díez, coordinadora del Consorcio de galerías, afirma que llevan desde 2022 traslandando “la importancia que tiene para el sector una igualdad con respecto a los países vecinos, y también para los artistas, que siguen en inferioridad de condiciones”.

El galerista Guillermo de Osma, por su parte, se muestra desesperanzado por la falta de información y porque no les han hecho “ni caso” hasta ahora. “Nos consideran al margen de otras actividades culturales, incluidos los artistas, porque nosotros somos intermediarios, y el coleccionista es fundamental para la creación del patrimonio artístico de un país”, comparte. Su compañero Pedro Marín Boza recuerda que este agravio afecta a toda la industria, que incluye otros oficios como iluminadores, restauradores y transportistas. “Todo esto genera una cantidad de trabajo brutal”, argumenta, añadiendo que “el cine ha sabido muy bien hacer didactismo y todos sabemos que, aparte de las grandes estrellas, hay un iluminador, un técnico”, y que ellos “no saben hacer esa didáctica” o “no se les quiere entender o escuchar”.

Una de las obras llamadas a marcar esta edición es Pan, trabajo y libertad, que hace hincapié en los derechos fundamentales que se niegan a las mujeres de Afganistán bajo el régimen talibán, en el que prevalecen la pobreza, el miedo, la opresión y la persecución. Esto lo ha sufrido la artista Kubra Khademi, exiliada en París desde 2015. Angela Merkel, Kamala Harris, Hillary Clinton y Ursula von der Leyen son algunas de las líderes políticas protagonistas de su serie, en la que las ha representado desnudas y compartiendo una orgía sexual. Maribel López, directora de ARCO, ha afirmado que es una “obra estupenda” y que no cree que sea “polémica”.

Pan, trabajo y libertad es una de las obras llamadas a marcar la nueva edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, que se celebra desde este miércoles 4 de marzo al domingo día 8 en Madrid. También son los derechos fundamentales que se niegan a las mujeres de Afganistán bajo el régimen talibán, en el que prevalecen la pobreza, el miedo, la opresión y la persecución; como la que sufrió la artista Kubra Khademi, que lleva desde 2015 exiliada en París. Angela Merkel, Kamala Harris, Hillary Clinton y Ursula von der Leyen son algunas de las líderes políticas protagonistas de su serie en la que las ha representado tanto desnudas a tamaño natural por separado, como unidas compartiendo una orgía sexual.

Su propuesta es una de las más llamativas de un ARCO en el que las galerías españolas volverán a reclamar la bajada del IVA cultural. Los stands españoles del año pasado provocaron un apagón para protestar ante una medida prometida por el ministro de Cultura Ernest Urtasun, que sigue sin llegar. Esta vez se unirán junto a los artistas a los que exhiben en una acción conjunta programada para este miércoles a las 12:45 horas, en la que se tomarán una fotografía junto a una pancarta reclamando un IVA cultural reducido.

En España está actualmente en el 21%, mientras que en otros países, como Francia, Italia, Alemania y Portugal, fluctúa entre el cinco y el ocho por ciento, generando una situación de desventaja, especialmente patente en la feria, donde las galerías españolas conviven con otras ubicadas en estos territorios.

Dos de las figuras que más dieron que hablar en 2025 volverán a hacerlo este 2026 con sus propuestas: Ramón Mateos y Eugenio Merino. El primero fue el artífice de 7.291, la obra que recordó las muertes en las residencias durante la pandemia –que Ayuso evitó visitar–; y regresa, de nuevo de la mano de la Freijo Gallery, con Fortaleza europea. Ramón Mateos ha pintado sobre una manta térmica la bandera de la Unión Europea, para reflexionar sobre las personas que arriesgan sus vidas cruzando el Mediterráneo para toparse con unas fronteras cada vez más rígidas para los más desfavorecidos. Con ella, representa la posibilidad de acabar en una manta térmica ante las puertas de Europa.

El otro que repite con fuerza es Eugenio Merino, en la galería ADN, que ha metido los derechos humanos en un bidón de petróleo. “La idea surge de cómo el capitalismo fósil no solo organiza la economía, sino también la política a nivel global”, afirma el artista a elDiario.es. “El petróleo y el gas no son solo recursos energéticos, sino herramientas de poder que moldean territorios, mercados y relaciones internacionales”. A partir de ahí, su relación con los derechos humanos “aparece porque la explotación de estos recursos no es neutral”, su violación y la erosión de la soberanía son para Merino “efectos estructurales del modelo de acumulación basado en combustibles fósiles”.

Con esta pieza busca “mostrar que el beneficio económico ligado al petróleo está intrínsecamente conectado con la violencia, la desigualdad y la subordinación de la vida al capital”. “El petróleo es el motor de las guerras, lo que lo hace incompatible con la vida”, afirma para explicar la forma en que su pieza visibiliza cómo su rentabilidad “perpetúa violencias estructurales, económicas, coloniales y raciales, y cómo estas afectan directamente los derechos humanos y la soberanía de los territorios”. “Pretende evidenciar que mientras el poder y las élites sigan priorizando la ganancia sobre la vida, la injusticia y la explotación seguirán siendo parte de nuestro sistema global”, concluye.

A Merino corresponde también La puerta del fascismo, una manilla con una esvástica recortada en la chapa, con ella simboliza “el blanqueamiento del discurso de la extrema derecha en las últimas décadas. Partidos antes marginales o peligrosos ahora se presentan como moderados o aceptables, respaldados por los medios de comunicación y por la derecha tradicional”. El artista critica que “este proceso de legitimación, junto con el uso de las redes sociales, ha permitido que ideas autoritarias lleguen a los gobiernos”. De ahí a que la puerta represente “la mayor amenaza a las democracias liberales”, más allá de estar bañada en oro “como símbolo de la nueva extrema derecha global representada por Trump”.

Pezones, IA e Isabel Coixet

El cuerpo femenino está igualmente presente en ARCO, con obras como la de Inma Liñana (galería T20), que ha transformado pezones femeninos en una pastilla de jabón e introduciéndolos y dentro de una especie de patucos de baño, para criticar, según ha explicado a este periódico el codirector del espacio Nacho Ruiz, “la objetualización de la mujer convertida en un objeto decorativo a través de las artes asociadas a la mujer, como el ganchillo”.

Esta representación de los pechos femeninos realizada en cerámica comparte galería con Daniel García Andújar, pionero en el uso de la Inteligencia Artificial, que expone Paisaje del abordaje, obra en la que critica cómo la herramienta tecnológica afecta al ser humano. La IA luce igualmente en la colección de Rocío Santa Cruz, a través de Esferas de cristal grabadas en láser de Marina Núñez.

Max Estrella cuenta en su galería con tres collages de la cineasta Isabel Coixet, que conviven con otras representaciones del cuerpo de las artistas Eva Lootz y La Ribot. De Lootz alberga una serie de fotografías que recogen cómo cada vez que hace una performance, acompaña la experiencia autorretratando su pubis y su pecho. La obra recogida es una selección de polaroids sobre las que ha dibujado. Coixet, por su parte, aporta tres piezas que expuso en el Thyssen el año pasado, en la exhibición Collages. Aprendizaje en la desobediencia. Por si rodar sus películas fuera poco, los tiempos que pasa en las grabaciones, los acompaña también creando estas obras.

ARCO cuenta con más nombres propios repartidos por distintas galerías, desde Pablo Picasso, Eduardo Chillida, Joan Miró y Juan Gris, por citar solo algunos ejemplos. Otra de las propuestas más llamativas son los dibujos de Hildegart Rodríguez que realizó el pintor valenciano José Manaut Viglietti en el velatorio de la joven prodigio que fue asesinada por su madre por no poder soportar su libertad. Historia que la directora Paula Ortiz recordó en su película La virgen roja, una de las más destacadas de la temporada pasada. El artista, que era amigo de Hildegart la retrató durante su velatorio.

Regresa la Semana del Arte a la capital, una cita anual en la que Madrid se transforma en un escenario de creatividad, que este 2026 tendrá lugar del 4 al 8 de marzo. Durante esta semana, ferias de referencia a nivel nacional e internacional aterrizan en la ciudad para acercar al público madrileño las tendencias artísticas más destacadas de la actualidad, ya sea a través de intervenciones callejeras o de exposiciones en espacios emblemáticos.

Numerosas ferias, exposiciones y otros eventos se cuelan en hoteles, palacios y hasta centros comerciales de la capital. Además, el Ayuntamiento se suma a la celebración de la Semana del Arte con una programación especial que incluirá exposiciones, cine, ferias, encuentros con creadores y jornadas de puertas abiertas. Los actos, que coinciden con ARCOmadrid, CAN Art Fair Madrid, FORMA Design Fair o Art Madrid, tendrán como principales sedes Matadero Madrid, CentroCentro y la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles.

En la ecléctica y vibrante escena artística madrileña hay espacio para todos los estilos y modalidades. Ya sea pintura, escultura, arte moderno o arte urbano, del 4 al 8 de marzo, cada rincón de la ciudad se convierte en un expositor de arte. Recopilamos toda la información sobre las citas imprescindibles en la capital por la Semana del Arte 2026:

Matadero Madrid, epicentro del arte

La artista Mónica Mays presentará Pulgar, una intervención site specific en la Nave 0 de Matadero Madrid, dentro del programa Abierto x Obras. La obra, que podrá visitarse hasta el 24 de mayo, reúne esculturas que conectan memoria, combustión y cuerpo a través de ensamblajes que dialogan con la arquitectura de la antigua cámara frigorífica.

La muestra se inaugurará con un encuentro con la artista y contará, ya en plena Semana del Arte, con una conversación pública este viernes junto a la comisaria Cristina Anglada. La entrada será gratuita hasta completar aforo.

Por su parte, el Centro de Residencias Artísticas (Nave 16, Matadero) abrirá sus puertas este jueves y sábado, de 11.00 a 15.00 horas, para mostrar los proyectos de residentes en artes visuales, música, arte y educación. En concreto, participarán residentes de artes visuales como Andrea Aguilera, Taxio Ardaz, Antonio Fernández Alvira, Mar Guerrero, Martínez Bellido, Julia Llerena, Elisa Pardo Puch y Simón Sepúlveda, junto a creadores de música, mediación cultural, arte y educación o investigación situada vinculados a Medialab Matadero y otras convocatorias públicas.

Programación especial en Cineteca

Cineteca Madrid también articulará desde este martes al 12 de marzo un programa especial por la Semana del Arte. El ciclo arrancará con el estreno de la última obra de Albert Serra, fe sense obres morta és, aproximación sensorial a Antoni Tàpies. Este miércoles el artista Paul McCarthy presentará dos piezas de A&E, proyecto híbrido que cruza performance, dibujo y cine, en colaboración con Colección SOLO. Igualmente, la historiadora y comisaria Estrella de Diego propondrá sesiones con obras de Buñuel, Man Ray o Clouzot y ofrecerá la conferencia Cineastas coreógrafas: el cine de Maya Deren e Yvonne Rainer.

Por su parte, el investigador Germán Labrador explorará las culturas marginales de la Transición con proyecciones de Viva la muerte, Arrebato y Demonios en el jardín. El ciclo se completará con estrenos como 'El brujo: Julio Zachrisson' e 'Yrupe', además de sesiones colectivas y el programa comisariado With a Little Help From My Friends.

ARCOmadrid

La feria ARCOmadrid celebra del 4 al 8 de marzo en el recinto ferial de Ifema, concretamente en los pabellones 7 y 9, su edición número 45. Un encuentro que reunirá un año más una selección de grandes nombres del galerismo internacional.En esta nueva edición mantendrá los habituales programas de ediciones anteriores. Los contenidos artísticos de la feria se completarán con el eje principal de la feria, el Programa General, formado por galerías seleccionadas por el Comité Organizador, a los que se unen las secciones comisariadas.

Igualmente, se mantienen las secciones comisariadas de ediciones anteriores: Opening, aportando nuevos contenidos y profundizando en el concepto de descubrimiento de ARCO. Por su parte, ArtsLibris acogerá las publicaciones de arte como zona orientada a la iniciación al coleccionismo, al que se sumarán otras iniciativas que la Fundación ARCO pone en marcha dirigidas al impulso del coleccionismo.

El Programa General de la 45ª edición estará integrado por 170 stands, a los que se sumarán los contenidos de las secciones comisariadas: ARCO2045, Opening. Nuevas galerías y Perfiles. Arte Latinoamericano, configurando un recorrido que reúne propuestas de 31 países. Se pondrá de manifiesto la solidez y diversidad de la escena española a través de la participación de galerías como 1 Mira Madrid / 2 Mira Archiv, Alarcón Criado, ATM, Elba Benítez, Elvira González, Leandro Navarro, Nordés, Prats Nogueras Blanchard, ProjecteSD, T20 o Travesía Cuatro, entre los proyectos provenientes de diferentes puntos del país. Junto a estas, Río & Meñaka y Memoria, que se estrenan en esta edición, así como Blue Velvet y Fermay, que se incorporan al programa tras su paso por la sección Opening. Nuevas galerías.

Cabe destacar que Opening. Nuevas galerías volverá a ser el espacio de descubrimiento de innovadoras propuestas en ARCOmadrid. La selección de Rafa Barber y Anissa Touati representará la apuesta del joven galerismo nacional e internacional con 18 stands, entre ellos Callirrhoë, Og Gallery, Reservoir, Selebe Yoon y Villa Magdalena, que repiten su participación en el programa, junto a nuevas incorporaciones como 4710 Gallery, Ada Projects, Gratin, Linse, Method y Windows Project.

Por su parte, la sección dedicada al arte latinoamericano destacará la histórica relación de ARCOmadrid con la escena en Latinoamérica. Comisariada por José Esparza Chong Cuy, se centra en presentar un único artista en cada propuesta y reunirá a 11 creadores, entre ellos Gabriel Branco con Galatea, Harold Mendez con Patron Gallery y Commonwelth and Council, Paloma Contreras con Pequod Co.y Julia Gallo con Yehudi-Hollander Pappi. A esas galerías que participan por primera vez en ARCO se suman otras presencias fieles como A Gentil Carioca con Kelton Campos, Embajada con Las Nietas de Nonó, Isla Flotante con Roberto Jacoby, y N.A.S.A.L. con Miguel Cintra Robles.

Un año más, la feria volverá a reunir la atención de galerías, artistas, coleccionistas, comisarios y profesionales del sector, manteniendo su condición de cita esencial del panorama internacional del arte contemporáneo.

Otras citas imprescindibles

La capital acogerá durante la Semana del Arte la décima edición de CAN Art Fair Madrid, nueva denominación de la antigua UVNT Art Fair. Será en Plaza Matadero, del 5 al 8 de marzo, con más de 50 galerías, la mitad internacionales, la cifra más alta hasta la fecha.

Entre sus novedades figuran tres secciones: Counterflow, comisariada por Saa Bogojev, centrada en prácticas a contracorriente; CAN Design, dirigida por Marisa Santamaría, sobre la intersección entre arte y diseño; y Solo/Duo Projects, dedicada a galerías emergentes con propuestas monográficas. El programa incluirá además Foco LATAM, comisariado por Christian Viveros-Fauné en torno a los Nuevos Surrealismos, y la ampliación de Young Galleries, que duplicará espacio para proyectos de galerías jóvenes.

Junto a CAN Art Fair Madrid, la feria internacional FORMA Design Fair Madrid debutará desde este miércoles al domingo en la Nave 1 de Matadero como primer encuentro español dedicado al diseño de colección. Reunirá a más de 40 expositores entre galerías, estudios, marcas y diseñadores, junto a un programa profesional de charlas y actividades denominado (Per)FORMA, impulsado por Madrid Design Festival en colaboración con el Área de Cultura municipal.

Del mismo modo, la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles acogerá desde este miércoles al domingo la 21ª edición de Art Madrid, que reunirá del 4 al 8 de marzo a 35 galerías nacionales e internacionales. El espacio volverá a transformarse en un recorrido expositivo que combina nuevas técnicas, soportes contemporáneos y revisiones de lenguajes tradicionales, con obras que abordan cuestiones como identidad, tecnología, memoria o territorio. En paralelo, CentroCentro reforzará su línea dedicada al coleccionismo con visitas exclusivas a la exposición Madrid Colecciona, dirigidas a coleccionistas nacionales e internacionales invitados en el marco de ARCO.

A la lista se suma SAM - Salón de Arte Moderno, que celebra su novena edición en el Círculo de Bellas Artes del 3 al 8 de marzo, y que toma como referencia grandes nombres de la historia del arte como Pablo Picasso. Cabe recordar otras propuestas ya veteranas como Flecha Madrid en el Centro Comercial Arturo Soria Plaza hasta el 15 de marzo, JustMad Contemporary Art Fair en el Palacio de Neptuno del 5 al 8 de marzo, Hybrid Art Fair en el Hotel Petit Palace Santa Bárbara y Artist 360 en el Hotel Ilunion Pío XII, ambas abiertas al público hasta este domingo.

ARCOmadrid celebrará a partir de este miércoles 4 de marzo su 45ª edición en el recinto ferial de IFEMA MADRID. La Feria Internacional de Arte Contemporáneo volverá a reunir galerías nacionales e internacionales, profesionales del sector y visitantes interesados en conocer de cerca la producción artística actual. La cita se mantiene como uno de los encuentros más relevantes del calendario cultural español durante el primer trimestre del año.

Desde su creación, ARCOmadrid se ha consolidado como una plataforma clave para el mercado del arte contemporáneo. La edición de 2026 contará con un Programa General integrado por 170 stands y se articulará bajo el eje “ARCO2045: El futuro, por ahora”, planteado como marco conceptual de esta convocatoria. La estructura combinará jornadas reservadas al ámbito profesional con días abiertos al público general.

Durante cinco jornadas, el recinto de IFEMA concentrará actividad comercial, presentaciones y recorridos expositivos. Para quienes estén planificando su visita, conviene tener claras las fechas exactas de apertura, los horarios de cada día, la distribución de los espacios y las condiciones de acceso.

Cuándo empieza ARCOmadrid y cuáles son los horarios

La feria comenzará este miércoles 4 de marzo y se extenderá hasta el domingo 8. El primer día estará destinado exclusivamente a profesionales acreditados y el acceso será de 12:00 a 20:00 horas. El jueves 5 de marzo continuará el acceso restringido al sector profesional, en ese caso desde las 11:00 hasta las 20:00 horas.

El viernes 6 de marzo se organizará en dos tramos diferenciados. Entre las 12:00 y las 15:00 horas la entrada estará reservada únicamente a profesionales. A partir de las 15:00 y hasta las 20:00 horas se permitirá también el acceso al público general con entrada válida.

El sábado 7 de marzo la feria abrirá para profesionales y visitantes de 12:00 a 20:00 horas. El domingo 8 de marzo, último día de la edición, el horario será de 12:00 a 18:00 horas, también con acceso general. La organización establece que la venta de entradas se cerrará 90 minutos antes de la hora oficial de clausura de cada jornada. Este límite afecta tanto a la compra online como a la adquisición en taquilla.

Las instalaciones en IFEMA MADRID

La 45ª edición de ARCOmadrid se desarrollará en el recinto ferial de IFEMA MADRID, ubicado en la Avenida del Partenón, 5, en el distrito de Barajas. La feria ocupará los pabellones 7 y 9, además de los núcleos de conexión 5-7 y 7-9, que permiten articular la circulación entre espacios y facilitar el tránsito de visitantes.

En estos pabellones se distribuirán los 170 stands del Programa General, junto con las áreas correspondientes a secciones específicas y actividades complementarias. La configuración del recinto permite albergar obras de distintos formatos, desde piezas de pequeño tamaño hasta instalaciones de mayores dimensiones, gracias a la amplitud de las superficies expositivas.

IFEMA es un complejo preparado para grandes eventos internacionales y cuenta con servicios básicos para el público, como señalización interna, puntos de información y zonas habilitadas para la atención al visitante. La disposición de los núcleos de conexión facilita el recorrido entre pabellones sin necesidad de salir al exterior.

En cuanto a los accesos, el recinto está comunicado por la línea 8 de Metro, con parada en Feria de Madrid. También se puede llegar mediante varias líneas de autobús urbano. Su ubicación, próxima al aeropuerto Adolfo Suárez Madrid-Barajas y conectada con las principales vías de entrada a la ciudad, facilita la llegada tanto de visitantes nacionales como internacionales.

Cómo comprar las entradas para ARCO 2026

El acceso a la feria se organiza en dos modalidades: pase profesional y entrada general. Los pases profesionales, dirigidos a personas vinculadas al sector del arte contemporáneo, debían solicitarse previamente y el plazo de acreditación finalizó el 16 de febrero de 2026. Este tipo de pase permite la entrada durante las jornadas reservadas al ámbito profesional y en los días abiertos al público.

En el caso de las entradas generales, estarán disponibles para los días 6, 7 y 8 de marzo. El precio en taquilla es de 52 euros por persona y día. La organización contempla descuentos para estudiantes y titulares de Carnet Joven, conforme a las diferentes condiciones establecidas.

La entrada es gratuita para menores de 12 años y para personas que acrediten un grado de discapacidad igual o superior al 33 %, siempre que presenten la documentación correspondiente. Las entradas pueden adquirirse a través del sistema oficial habilitado por la organización y se pueden presentar en formato digital en el teléfono móvil o impresas en papel. Como norma general, la venta se interrumpe 90 minutos antes del cierre diario de la feria. Por este motivo, se recomienda realizar la compra con antelación para evitar incidencias de última hora.

Con este calendario y estas condiciones de acceso, ARCOmadrid 2026 volverá a convertir IFEMA en el centro de la actividad del arte contemporáneo durante cinco días, combinando jornadas profesionales y apertura al público general en una edición que marca su 45º aniversario.

Una respuesta artística a la masacre en Gaza y a los intentos de silenciar la solidaridad con el pueblo palestino. Así se define la exposición G€NOC1DIO, en donde 40 artistas conceptuales emplean diversos lenguajes para abordar de manera directa la violencia ejercida por Israel contra la población palestina y la criminalización del apoyo internacional. La muestra, que se podrá disfrutar hasta el 13 de enero de 2026 en la Fundación Anselmo Lorenzo (FAL) de Madrid, reúne piezas de artistas como Sebas Cabero, Nuria Güell y Byron Maher, todos ellos denunciados por delitos de odio por exponer obras similares en una exhibición anterior.

Esta exposición autoorganizada surge en un contexto de silenciamiento institucional, vigilancia del activismo y censura a las voces críticas, han expresado los artistas en una nota de prensa conjunta. “En Europa y Estados Unidos, denunciar las políticas del Estado de Israel se confunde habitualmente con antisemitismo, desdibujando los límites entre crítica política y odio religioso”, advierten.

Esta estrategia, apoyada por lobbies, normativas restrictivas y campañas mediáticas, busca deslegitimar cualquier denuncia del apartheid, la ocupación o las masacres. Así pues, la exposición que ahora presentan actúa como o un espacio de resistencia frente a la Hasbará, la propaganda estatal israelí, y la confusión deliberada entre antisionismo y antisemitismo.

Eso fue precisamente lo que les ocurrió a tres de los artistas que integran este cartel en el que hay creadores como DosJotas, Anaïs Florin, Lara Lars, Eugenio Merino and INDECLINE, María Rosa Aránega, Nicolás Cox, Porfavor, Santiago Sierra, María Cañas y Yeyei Gómez.

Sobre la legitimidad de la violencia

Junto a ellos estará Sebas Cabero y su obra ¿La solución?, un título que pone nombre a la imagen de un proyectil con el nombre de Netanyahu. Eso le granjeó la denuncia por posible delito de odio por parte del lobby sionista Acción y Comunicación sobre Oriente Medio (ACOM) y Movimiento contra la Intolerancia, al igual que sucedió con Nuria Güell y Byron Maher.

Ocurrió en noviembre de 2024, cuando sus obras fueron expuestas en lonas de gran formato en las ventanas del centro social okupado La Rosa, en La Latina de Madrid. Tras un fuerte hostigamiento policial, el espacio retiró las obras. “Lo que yo quería hacer es una reflexión sobre la legitimidad de la violencia en la resolución de los conflictos humanos”, cuenta Cabera, quien ya ha testificado en los juzgados de Plaza de Castilla.

Admite que afronta este proceso tranquilo “porque es arte contemporáneo” y porque “la libertad de expresión prevalece por encima del delito de odio”, según señala a elDiario.es. “Hablamos de arte, arte y nada más, es una obra de arte”, repite. El proceso judicial tampoco va a acallar a estos artistas. Cabero asegura que el mundo de la cultura se ha volcado con ellos. “Y ahora nos han invitado a participar en G€NOC1DIO arropados por muchísimos otros nombres importantes del arte contemporáneo en un espacio amigo como la FAL”, se felicita este creador salmantino afincado en la capital.

El autor de ¿La solución? también recalca que dentro del mundo del arte contemporáneo se necesita tiempo para pensar y reflexionar sobre los temas sociales y políticos que envuelven el día a día. “Inauguramos esta exposición cuando parece que el foco ya no está en Palestina, cuando a los medios de comunicación ya no les interesa tanto el conflicto”, opina.

Una obra de la obra tras la denuncia

Tiempo es, precisamente, lo que se tomó Nuria Güell después de ser denunciada también por ACOM y Movimiento contra la Intolerancia. En su caso, expuso una lona con el retrato de Joseph Goebbels acompañado de las técnicas de propaganda y difusión mediática de este nazi en el catálogo que acompañaba a la muestra de La Rosa. Ahora no solo expone la cara del ideólogo antisemita: “Muestro una carta que envié al presidente de Movimiento contra la Intolerancia en la que le comparto algunas reflexiones sobre la denuncia. Le digo que le regalo la lona, y que llevo días intentando hacerme socia voluntaria de la organización, pero de momento no me han aceptado, y que espero que lo haga”.

Esta artista gerundense no se queda ahí. Junto a la lona de Goebbels y la misiva, exhibe la denuncia y la documentación de la investigación policial que sobre ella recae. “Quiero abrir una vía de conversación. Hasta ahora ha sido todo muy unilateral y en ningún momento han intentado entender qué había detrás de esa obra. Se otorgaron el poder de saber qué quiero transmitir yo con una imagen”, critica Güell, quien todavía no ha sido llamada a declarar en sede judicial.

Como ese pretendido diálogo no puede abrirse por otra vía, ahora utiliza el espacio expositivo para hacerlo. El título, por otro lado, es otro disparo hacia la organización liderada por Esteban Ibarra, presidente de Movimiento contra la Intolerancia desde su fundación en 1991. El Efecto Kuleshov (o Cómo justificar 618.900,51 € en subvenciones gubernamentales para luchar contra “los delitos de odio” es el nombre que Güell ha dado a su nueva creación: “Esto es lo que esta entidad recibió de dinero público solo en 2024. Ir poniendo este tipo de denuncias quizá tiene que ver con la necesidad de justificar todo ese dinero”, explica.

Desde su punto de vista, lo que hizo ACOM y Movimiento contra la Intolerancia fue reproducir las técnicas promovidas por Goebbels, tales como crear una opinión pública con consecuencias como la autocensura y un estado de miedo y control. Ella admite que algo de temor en este proceso ha habido, aunque también una gran carga de responsabilidad como artista. “Miedo por la desconfianza en el sistema y porque estoy criando a un niño yo sola. Miedo por lo que me pueda pasar, porque Pablo Hásel sigue en la cárcel”, ejemplifica.

Un cuestionamiento directo del Estado israelí

Byron Maher se decantó por un juego de palabras para denominar a su creación, también denunciada por los lobbies sionistas ya mencionados, Estatados de Israel. En su lona, también expuesta en G€NOC1DIO, aparecía una soga formada a partir de una bandera del Estado liderado por Netanyahu. “Yo quería cuestionar al Estado de forma directa, que es quien reprime, daña, encarcela y mata los cuerpos. Y decidí no utilizar ningún elemento religioso ligado al judaísmo. El objetivo es señalar al Estado, porque Netanyahu se irá y mañana volverán a poner a otro sionista”, se explaya el también director de Arte de El Salto.

Quería cuestionar al Estado de forma directa, que es quien reprime, daña, encarcela y mata los cuerpos. Y decidí no utilizar ningún elemento religioso ligado al judaísmo. El objetivo es señalar al Estado, porque Netanyahu se irá y mañana volverán a poner a otro sionista

Byron Maher — Artista

Desde su perspectiva, las organizaciones denunciantes ni siquiera consideran delito de odio una obra de tal calibre. “Simplemente, la consideran un problema para su propaganda proisraelí, y usan el sistema judicial para reprimir las voces de las personas y artistas que alzamos la voz contra el genocidio”, añade este artista madrileño que tampoco ha declarado todavía en el juzgado.

Ahora decide exponer su obra. “Es una forma de decirles que por más que intenten censurarme, no lo van a conseguir. Aquí todavía hay un genocidio palestino y los líderes occidentales siguen apoyando una masacre. Hasta que esto no se pare, hasta que el pueblo palestino no sea libre, esta obra, como las del resto de los 40 artistas de la exposición, seguirán siendo necesarias”, remarca Maher.

Contra el arte de la institución

Los tres artistas son conscientes del poder que tiene el arte de poder transformar la mirada y de molestar a aquellos que siempre quieren que nada cambie. Cabero afirma que es una herramienta cultural que ayuda a entender el mundo y la sociedad que habitamos. Por su parte, Güell considera que, en estos momentos, el arte es de los pocos espacios en los que se puede decir las cosas claras y cuestionar la cultura predominante, según sus propias palabras.

“Yo no entiendo el arte como una práctica contracultural, sino anticultural, como ese pequeño espacio que nos queda para pensar por qué lo establecido socialmente ha llegado a estar establecido socialmente”, agrega la autora de la obra protagonizada por el rostro de Goebbels. Asimismo, defiende que hay que seguir luchando ese espacio de libertad de expresión más allá de los intentos de censura. “Si no, seríamos una sociedad más pobre en muchos niveles”, exclama.

Sin embargo, Maher apunta hacia ese arte que él denomina mercantil y que encuentra su máximo exponente en ferias como ARCO y museos como el Reina Sofía, según su tesis. Es el arte de la institución, del blanqueo de capitales, dice. “Eso es un arte apolítico al servicio de los intereses del capital que no se sale de sus propios circuitos y lenguajes”, precisa. De este modo, defiende que “el arte politizado, el arte anarquista, debe tener un recorrido político más allá de la obra en sí, que abra caminos y cree otro tipo de conciencia, y que remueva a las instituciones”, finaliza.

Nancy Wake, la partisana más buscada por la Gestapo. Catherine Leroy, fotógrafa de guerra. Hélène Rochas, epítome de la elegancia parisiense. María Maluenda Campos, una 'Madre Coraje' en Chile o Cheikha Rimitti, legendaria dama del 'rai' argelino. Ellas son algunas de las protagonistas de En memoria de, una de las obras de Concha Jerez expuestas en ARCO, la Feria de Arte Contemporáneo más importante de España, que celebró en Madrid la semana pasada su 44ª edición.

Esta artista canaria, reconocida con el Premio Nacional de Artes Plásticas y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, descubrió a las citadas mujeres a través de sus necrológicas publicadas en el periódico El País. Su gran sorpresa fue no haber sabido nada de ellas antes, pese a la relevancia de cada una en su campo.

La autora explica a este medio que tiene la costumbre de guardar obituarios y decidió usarlos para componer esta obra, para visibilizar a estas y a otras tantas mujeres olvidadas por la historia. Para ello, las ha reunido eliminando el 'ruido' que rodeaba sus biografías en las páginas del periódico, con trazos de color negro de distinto grosor. Entre ellas está la descrita como “incansable activista por la Democracia” María Giralt, fallecida en 2012. Su participación en acciones antifranquistas la llevaron a ser detenida en varias ocasiones, una de ellas por apoyar en 1961 la huelga de los mineros asturianos.

La francesa Hélène Rochas, por tu parte, a quien la prensa estadounidense apodó como la 'pantra sofisticada', fue la encargada de expandir el negocio que heredó de su marido, Marcel Rochas, fundador de la famosa firma de perfumes del mismo nombre. Tenía 28 años cuando tomó las riendas de la compañía, convirtiéndose en la directora más joven de una empresa en Francia. Fue ella quien décadas más tarde lanzó la célebre colonia Eau de Rochas.

Murió en 2011, al igual que la chilena María Maluenda, que presidió la primera sesión del Parlamento tras la salida de Pinochet. Esta actriz y exdiputada, nacida en 1920, fue una activa luchadora por los derechos humanos que tuvo que sobreponerse al brutal asesinato de su hijo, degollado por los agentes de la dictadura de Pinochet. Su lucha la alzó como una de las figuras de la transición a la democracia. Otras de las mujeres destacadas es María Telo, la jurista que durante el franquismo impulsó la reforma del Código Civil que acabó en 1975 con la obediencia de las esposas y con la licencia marital.

Los problemas de la autocensura

Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941), estudió piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y Ciencias Políticas en la Universidad Complutense, e inició su carrera como artista en 1970. El análisis crítico de los medios de comunicación ha sido uno de los ejes de su obra, llevando a la censura y la autocensura a estar sumamente presentes dentro de su trayectoria. A estas dedicó precisamente su primera gran instalación, Autocensura, en 1976.

A esta época pertenecen las otras piezas que la galería Freijo expuso igualmente en ARCO. La canaria compartió stand con la obra de Ramón Mateos 7.291, que recuerda las muertes en las residencias durante la pandemia, y que la presidenta de la Comunidad de Madrid Isabel Díaz Ayuso obvió en su visita a la Feria.

“He querido unirlas con otros escritos autocensurados en diálogo con todo aquello que no se puede decir, lo que ellas no pudieron decir en su tiempo y por tantas mujeres anónimas que no están en la necrológica y, sin embargo, tuvieron su importancia”, comenta Concha Jerez sobre sus creaciones. La artista comenzó a realizar estos trabajos durante el franquismo, pero no dejó de abordar esta problemática una vez llegó la Transición ni el contexto actual.

“Continúo porque cada vez hay más autocensura”, lamenta señalando que si en otros momentos el problema era hablar de política, ahora hay reparo al debatir sobre otros asuntos como género y lo relacionado con el ámbito laboral. La autora expone que la sociedad “intenta ir siempre a mejor” y que hay “cosas” que sí que lo han hecho, pero no todas.

“Hay cosas que se hicieron en otra época que ahora no se pueden hacer, pero hasta en detalles mínimos. Hay que tener mucho cuidado, porque no hay un crecimiento de las libertades”, advierte sobre el que apunta como el gran problema: “Creo que nos hemos confiado demasiado en que las libertades iban a funcionar por sí solas. Y no, hay que estar peleándolas todo el tiempo”. Llevarlo a cabo es para Concha Jerez la manera de que el ser humano no se convierta en “material manipulable”. “Nos están manipulando todo el tiempo, se está viendo por ejemplo ahora con el control sobre las redes sociales. La gente anda muy despistada”, valora.

Los artistas como “francotiradores”

Inmersos en un contexto de constante duda sobre la veracidad y sospecha de cada noticia; saber identificarlo con el fin de evitar la manipulación, se ha vuelto “muy complicado”. Frente a esto, defiende la función de los artistas como “francotiradores” y del arte siempre que “dé que pensar y que mueva las neuronas”. Pero no solo desde el arte político, la canaria indica que se puede lograr desde el arte abstracto, porque “crea otro tipo de sensaciones, hace respirar. Y el ser humano necesita respirar. No puede esta todo el tiempo condicionado por la economía”. “Las sociedades y los políticos nos estamos dejando dominar por la situación económica”, sostiene.

La artista considera que hubo otros periodos en los que el ideal que imperaba para decidir hacia dónde dirigirnos como sociedades, era mejorar, y que además de los artistas como “francotiradores”, están otras figuras relevantes como los periodistas o los científicos.

“A lo mejor no les ve casi nadie porque están en sus laboratorios, pero están igualmente descubriendo cosas que ayudan muchísimo a la sociedad. Por eso hace falta que se dedique dinero a estas cosas”, argumenta en contraposición a una tendencia actual que detecta y critica: “¿De qué sirve esta historia ahora en Europa de armarnos hasta los dientes? Para nada, para destruirnos a todos. Con lo que cuesta, ya no una fragata, sino un avión de mala suerte, se potenciarían una investigación, el arte, tantas cosas”.

“Es absurdo, es mentira. La única forma que tenemos de defendernos es con las ideas, haciendo de francotiradores y no dejándonos dominar por eso”, concluye.

Inspirada por la artesanía africana y evocando el ambiente del continente vecino, la arquitecta Marta Melián ha creado en ARCO 2025 un espacio que no solo tenía la intención de acoger a los invitados de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España, sino que también pretendía hacerse sentir muy vivo. Su propuesta, bañada en tonos terracota y envuelta en texturas naturales, ha hecho de uno de los rincones de IFEMA todo un refugio de calma y autenticidad bajo la búsqueda de “creatividad, valor y respeto”.

El proyecto, desarrollado en apenas dos días, se ha basado principalmente en una decoración natural y artesanal. “Todo nuestro espacio está inspirado en África, en toda su artesanía y su cultura”, ha explicado en la presentación Marta Melián, que ha comentado que traer un trocito de la “tradición africana” ha sido “el foco principal” de su nuevo trabajo. La diseñadora cuenta a elDiario.es que su objetivo ha sido transmitir “la creatividad de los valores que tienen los africanos”, destacando la importancia de apostar por “lo natural” para realizar futuros espacios.

“Nos estamos cargando el mundo y contar con la artesanía para la elaboración de todos los proyectos es muy importante”, ha declarado Melián a este periódico, que ha reivindicado este arte y su acción de producir porque sin artesanía “está muerto el mundo”. “Hay que apoyar a los artesanos de manera general a nivel mundial. La artesanía es, precisamente, la base de la economía de muchos países”, ha manifestado con contundencia la arquitecta canaria, que quería visibilizar esta realidad con la idea base del proyecto y la decoración de la sala.

La diseñadora está detrás de Studio Mo, que ha sacado adelante el espacio con el equipo de profesionales que la propia Melián dirige. “Todos nuestros proyectos son muy naturales. Siempre utilizamos maderas, linos y algodones, e intentamos meter plantas y vegetación”, ha señalado. Eso se refleja en la sala “privada y muy exclusiva” que ha diseñado. La habitación destaca principalmente por unos biombos que incluían los símbolos africanos de la creatividad, el valor y el respeto, palabras que han reiterado los encargados en varias ocasiones.

Este evento, propuesto por ARCO a Marta Melián, además de homenajear la cultura africana, busca captar nuevos clientes y dar visibilidad a una profesión que “mucha gente no sabe que existe”. Así lo explica Melián a este periódico, subrayando la relevancia del interiorismo y enfatizando que es primordial que cada vez haya muchas más personas que acudan a los servicios de profesionales “para darle un punto diferenciador a sus casas, a sus locales y a sus negocios”.

La diseñadora apunta que “la gente piensa que [acudir a profesionales] es demasiado caro o que no se lo pueden permitir”, lo cual considera un error, porque al final “es alguien que tienes a tu lado y que te acompaña en todo el proceso de crear algo bonito para ti”. Melián añade que es más barato de lo que se piensa y que hay demasiada desinformación al respecto: “Si vas a hacer una obra en tu casa, el hecho de que no contrates a un profesional para hacer la obra implica que tienes que dedicarle mucho más tiempo sin conocimiento, y eso genera más quebraderos de cabeza”.

La arquitecta expone que contar con profesionales como ella durante el proceso de diseño hace a las personas “ahorrar más dinero y tiempo”, ya que habrá quien no sepa cómo funcione el tema de los precios o los acabados, por lo que acaba siendo positivo tener a alguien detrás “respaldando y ayudando”. Melián dice que hay un retraso notable en España con respecto al resto de países europeos en este aspecto, ya que “en el norte” de Europa sí es más normal que “la gente” contrate “a alguien para que le haga sus casas”, así como en “el uso de artesanía y cosas naturales en general”.

Para hacer que la experiencia sea igualmente sensorial, Alberto De Armas, quien ha colaborado con Melián en la presentación del proyecto, ha señalado la conexión con el continente africano desde un enfoque sostenible y de comercio justo. Los invitados han podido probar dos tipos de café, uno etíope y otro keniano, que han servido para reivindicar “la tradición” y “la familia”: “Es un proceso muy artesanal. En España compramos a través de comercio justo para que todas las familias que lo fabrican reciban el dinero”. Alberto De Armas asemeja la importancia del café en África con la del aceite en España, apuntando que también “se unen como cooperativas”.

“Cada familia lleva sus granos de café como puede, porque, poniendo de ejemplo Kenia, allí es muy difícil su traslado en el monte”, explica De Armas, “así que se reúnen en cooperativas y ya lo venden a Europa”. El compañero de Melián indica que los cafés en África son “muy suaves” porque “no pelean con el clima” y los ofrece a los invitados para que generar un ambiente más apropiado. La música ayuda: mientras tanto, sonaban de fondo canciones como The Captain of Her Heart (2016) de Flora Martínez o Adventure of a Lifetime (2016) de Sarah Menescal, temas con influencias latinas.

Las obras seleccionadas para acompañar el espacio reflejaban también esta conexión con la artesanía y la naturaleza. Entre ellas, destacó Espejo (Castillo Rojo) (2020) de Diego Delas, una pieza elaborada en colaboración con el artesano Pedro Izquierdo utilizando maderas como enebro, olmo, nogal, roble, cerezo y pino. La obra aportaba cierta calidez al ambiente y encajaba a la perfección en la estancia.

Belén Rodríguez, junto a Tintoreros Sustentables, aparecía con Hoja Verso (2020), obra compuesta por 30 telas de algodón teñidas con tintes naturales que dialogaba de maravilla con la atmósfera de la sala. Asimismo, otra propuesta relevante fue Dunia, Mulk, Yabarut (2019) de Asunción Molinos Gordo, creada con la ayuda del artesano Francisco Javier Barreno Pérez, que combinaba forja mixta, talla y alfarería para ofrecer un toque tradicional y rústico.

Los dos espacios divididos por los biombos aguardaban secretos para los más observadores, pequeños regalos para aquel que se detuviera y prestara atención a los detalles. En una de las estanterías había una edición antiquísima del libro El hijo de Tarzán de la colección de Aventuras de Tarzán, toda una reliquia para los más coleccionistas. Este no era el único ejemplar antiguo en la sala, pues hasta dos volúmenes estropeados por el paso del tiempo decoraban la mesa principal.

Las lámparas, causantes de la tenue iluminación de la estancia, merecían que se las analizara detenidamente. Una de ellas, pese a que no lo parecía de lejos, representaba un pájaro por la forma de sus patas. Encima de la bombilla de esta lámpara, una sola pluma por si quedaba alguna duda de su figura. Justo detrás, la obra S13,R19,Z26 (2018) de Elena Alonso, creada junto al tornero Francisco Martín Sánchez y que llama la atención por su uso de escayola, madera de boj, resina y otras exóticas como el mopane y el ébano, proporcionando un interesante contraste de materiales.

La propuesta de Marta Melián para ARCO 2025 deja claro que la arquitectura puede ser una poderosa herramienta para crear experiencias que trasciendan lo estético y transmitan un mensaje, como en este caso lo es de reivindicación de las culturas que no nos son tan cercanas pero que conviven también entre nosotros. La obra Deep Hamra (2018) de Carlos Monleón, realizada con yute, algodón y lana, ofrecía un tapiz de texturas suaves y orgánicas para completar así el proyecto.

Con respecto a los artistas seleccionados que forman parte de la sala de invitados, Melián opina que ARCO te propone “una serie de obras” y, a partir de ahí, “eliges la que consideras que te va mejor con la decoración del espacio”. Aunque solo tardaron dos días en montarlo, la diseñadora lleva con la idea en la cabeza “un par de meses”, que es el tiempo que pasa desde que la organización propone la estancia. Con el resultado final, Melián recuerda que es posible enriquecer el entorno con diversidad y que el arte puede ser un puente hacia diferentes realidades.

Visitar ARCO es una experiencia bella y enriquecedora, pero muy demandante. Las 214 galerías que componen la Feria de Arte Contemporáneo que se está celebrando esta semana en Madrid, ocupan dos pabellones enormes del recinto Ferial IFEMA. En ellas es muy fácil perderse, detenerse continuamente y contemplar el amplísimo abanico de obras que propone cada colección. Aunque hay una que ha conseguido la dificilísima misión de diferenciarse. Y lo ha hecho por estar, literalmente 'viva', en proceso, realizándose. La artista del pueblo shipibo-konibo Olinda Silvano ha logrado parar el tiempo y transportar al público más allá de cuadros, esculturas, galeristas y visitas guiadas. Mientras la gente pasea, ella pinta, ella crea, ella canta. Y con ello rompe la dinámica de ARCO. Atrapa.

La propuesta de Olinda Silvano forma parte de la sección central de la Feria, que este año está dedicada a la Amazonia, con el título Wametisé, que significa 'lugares nombrados'. El brasileño Denilson Beniwa y la colombiana María Willis han sido los comisarios de la particular muestra que propone un diálogo entre los artistas de esta área del continente americano y Occidente, rescatando los mitos de los pueblos indígenas. Cuenta con más de 20 artistas repartidos en 15 galerías.

La obra de Olinda Silvano, cuyo pueblo está situado en la Amazonía peruana, es un 'kené', un arte que aprendió de su abuela cuando era niña. Se trata de una práctica tradicional que se transmite sobre todo entre mujeres y que consiste en pintar patrones geométricos sobre cerámica, madera o sobre el propio cuerpo. La artista comienza a explicar su trabajo mientras sigue trazando líneas de color verde con su pincel. “Este es el diseño del famoso 'kené' que nos ha empoderado como mujer indígena. Representa la energía de las plantas medicinales, la ayahuasca, las flores y el piri piri. Y también a nuestro río y el canto”, comenta a elDiario.es.

Acto seguido, comienza a cantar mientras sigue con su mano el recorrido de otros trazos realizados previamente, estos de color negro. Tras varios segundos entonando una melodía, se detiene, vuelve la mirada. Da espacio para la pausa e interiorizar lo escuchado, y prosigue con su descripción. “Esto es energético. Digo que pinto con mi mano con mucha fuerza, inspiración de mi mente y que voy guiándolo para traer a Madrid mi identidad, la de la nación shipibo-konibo”, señala.

Olinda Silvano comparte que en su pueblo son “mujeres muralistas” y que pertenece a un grupo de madres artesanas Soi Noma, al que pertenecen también hombres: “Buscamos la igualdad de género. Acá no hay que discriminar a nadie porque la discriminación duele. Todos somos iguales y tenemos los mismos derechos”.

La artista indica que venden sus obras, bordados, bisuterías y murales, su arte, para educar a sus hijos y alimentar a sus familias. “Y así sobrevivir como mujer, que antes no éramos consideradas como trabajadoras, solo como amas de casa. En el hogar hay un montón de trabajo, pero no está reconocido. Somos doctoras, profesoras y todo en la casa, pero sin sueldo”, lamenta. De aquí a que valore como un “honor” poder estar en ARCO y dar a conocer a su pueblo.

Un arte que sana y abre puertas

“Las mujeres indígenas no somos analfabetas. Sabemos conocimientos ancestrales. Estos son nuestros títulos”, defiende. “Jamás hay que avergonzarse de nuestra identidad porque el país es migrante, y todos somos iguales, con la misma sangre”, sostiene. La artista indica que los pueblos indígenas viven “dentro de la selva, no en la ciudad”, pero que a su vez se ven obligados a migrar a ellas en busca de oportunidades: “A la comunidad no va a llegar la ayuda para visibilizar nuestra identidad y trabajo. En la ciudad es más fácil, pero hay muchos discriminadores”.

Olinda Silvano señala a los dirigentes de las mismas por el papel que juegan a la hora de perpetuar este trato, ya que considera que entre esos discriminadores están las “personas que entran a gobernar el país y piensan que ellos solos más importantes, solamente porque tienen el poder”. La artista recuerda que ese poder les es otorgado por “su comunidad, su ciudad y su gente”. “Si estuvieran él o ella solos, la ciudad no saldría adelante”, y una vez dejan sus cargos, ese poder desaparece. Por ello, reclama que cuando se tiene ese poder “hay que apoyar y aportar más en cultura”. “La cultura nos hace crecer. Hace que haya menos delincuencia, menos discriminaciones y más oportunidades, que es lo que necesitan nuestras familias”, opina

La artista defiende igualmente que lo que genera arte también aporta, y lanza un mensaje a todas las “mujeres abandonadas, las mujeres que lloran, las que quieren morirse, las que quieren ahogarse: 'No se ahoguen, agarren el pincel, pinten, busquen la creatividad, hagan arte, que el arte les sanará y les dará la oportunidad, les abrirá puertas'”. Del mismo modo invita a no caer en pensar que la edad es la que determina tenerlas, por lo que desde niñas a ancianas pueden usar sus creaciones para mejorar sus vidas, dentro de que reconoce que “el espíritu joven hace llegar más allá”: “No importa la edad. Lo sé porque yo aprendí. El talento se descubre en el camino”.

El Museo Reina Sofía y el Ministerio de Cultura han comprado conjuntamente en ARCO 26 obras pertenecientes a 19 artistas, 14 de ellos mujeres, por un valor de 497.999 euros. El año pasado adquirió 30 piezas por 533.000 euros. Josep Grau-Garriga, Judy Chicago, Mónica Mays o Daniel Steegmann Mangrané son algunas de las figuras cuyos trabajos han sido obtenidos por el Estado.

Con los 398.499 euros aportados por el Ministerio de Cultura, se han adquirido 22 obras de 15 artistas: Laia Abril, Elena Blasco, Ángela de la Cruz, Victorina Durán, Agnes Essonti Luque, María Luisa Fernández, Josep Grau-Garriga, Raquel Manchado, Mónica Mays, Marta Minujín, Robert Morris, Maribel Nazco, Mònica Planes, Carlos Rodríguez-Méndez y Marina Vargas.

Por su parte, el Museo Reina Sofía ha pagado 99.500 euros por cuatro obras de cuatro artistas: Judy Chicago, Juan Pablo Echeverri, Daniel Steegmann Mangrané y Luz Lizarazo. Por otro lado, el Ministerio de Cultura y el Ministerio para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico han acordado destinar fondos del 2% Cultural a la compra de obra en ARCO para iniciar la colección estatal de Arte y Clima, que se exhibirá en la Bienal Climática.

Como nota destacable, el secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí, y el director del Museo Centro de Arte Reina Sofía, Manuel Segade, tras la Comisión Permanente del Real Patronato del Museo Reina Sofía reunida hoy viernes en ARCO, han informado de que el en esta ocasión adquisiciones de artistas mujeres alcanzan un porcentaje del 73,6%.

Laia Abril: 'On Rape'

Laia Abril (Barcelona, 1986) es una artista multidisciplinar establecida en Suiza cuya práctica artística aborda las desigualdades de género, la sexualidad y la biopolítica, y que se materializa a través de la fotografía, el texto, el vídeo y el sonido. En sus obras se sirve de una doble estrategia: el uso del lenguaje de la fotografía documental, como herramienta para hacer visible las realidades que aborda, junto con el análisis discursivo con formato periodístico que acompaña la mayor parte de sus trabajos. Su trayectoria y proyección internacional ha sido reconocida con el Premio Nacional de Fotografía en 2023. Actualmente es profesora de Narrativas Visuales en la Lucerne University of Applied Sciences and Arts (HSLU).

Las tres obras adquiridas por el Museo forman parte de la instalación visual On Rape [Sobre la violación] de 2019, iniciada tras el impacto del caso de La Manada, con el objetivo de poner de relieve la pervivencia de la cultura de la violación en la sociedad actual. Las tres obras forman parte de una serie de retratos conceptuales cuyas historias visibilizan casos de supervivientes de agresiones sexuales en diferentes ámbitos: el ejército (Military Rape, US), la iglesia (Church Rape, Argentina) y los matrimonios forzosos (Ala Kachuu, Bride Kidnapping, Kyrgystan).

Elena Blasco, 'Estufa-Adelfa'

Elena Blasco (Madrid, 1950) es una artista multidisciplinar con una amplia trayectoria que abarca la escultura, la pintura, la fotografía y la instalación. Licenciada por la Facultad de Bellas Artes de la universidad Complutense de Madrid con especialidad en pintura y diplomada en Fotografía y Decoración por la Escuela de Artes Plásticas de Madrid.

Su trabajo es tan personal que realmente no encaja con las corrientes o experiencias artísticas coetáneas en ningún momento de su trayectoria. Su lenguaje trasgrede, como el de pocos artistas, las fronteras entre los diferentes medios y técnicas. La obra adquirida en ARCO, Estufa-Adelfa (1991), fue presentada en su exposición individual de la galería Ángel Romero de Madrid, titulada: Al deseo: Lo meneo, y que más da no entender. La obra, una estufa portátil y un gran tiesto envueltos firmemente por una gruesa cuerda que casi los cubre, es un irónico ready-made que remite a un impulso conceptual en reacción a la pintura expresionista que había triunfado en el arte español de la década anterior.

Ángela de la Cruz, 'Nothing Under a chair'

Ángela de la Cruz (A Coruña, 1965) es una artista afincada en Londres desde los años 90. Ha desarrollado su trabajo como una revisión de la pintura desde sus límites con lo tridimensional, el objeto y la escultura, lo que hace su obra inconfundible y original. Sus piezas tienen además una lectura social y crítica. Sus deformaciones de marcos y telas, rompiéndolos, rasgándolos, aplastándolos, son símbolo de su pensamiento sobre el mundo, en muchas ocasiones con ironía y también aludiendo a su propia persona y experiencia vital. La autora es Premio Nacional de Artes Plásticas en 2017 y finalista de Turner Prize en 2010.

La obra Nothing Under a chair [Nada bajo la silla] (1999) es una pieza pionera de la serie en las que el lienzo se acopla a diferentes piezas de mobiliario. Expresa su aproximación a lo escultórico con una connotación metafórica que se refiere al acto creativo: la silla manchada de pintura, y el lienzo arrugado, desechado debajo. Es también una representación o reflejo de la vida cotidiana de la artista, siempre como metáfora del cuerpo que ama, odia o sufre, según ella recuerda. Hasta ahora, el Museo no ha tenido obra de Ángela de la Cruz. Esta pieza paradigmática de su trabajo, por su cronología y significado, tendrá cabida en la nueva reordenación de las Colecciones como obra destacada de la crisis representacional de la pintura, y también de las nuevas posibilidades de la escultura a partir de los años 90 del siglo pasado.

Victorina Durán Cebrián, seis dibujos de erotismo lésbico

Victorina Durán Cebrián (Madrid, 1899-Madrid 1993) fue pintora vanguardista asociada al surrealismo de los años veinte y treinta, vinculada a la renovación de las artes escénicas en la Generación del 27. Este conjunto de 6 dibujos realizados por Victorina Durán en los años 30 respira un aire de intimidad que evoca por un lado el mundo del ballet, que la artista conoció en su infancia, y por otro un erotismo lésbico que en aquella época debía permanecer necesariamente oculto. Es precisamente este detalle, además de la propia belleza del trazo, lo que los convierte en uno de los escasos testimonios visuales de las relaciones lésbicas en nuestro país.

Agnes Essonti Luque, 'A Journey'

Agnes Essonti Luque (L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona, 1996) es una artista multidisciplinar española-camerunesa afincada en Londres, cuya práctica artística aborda las nociones de identidad, pertenencia y ascendencia en el contexto de la diáspora africana en España, a través de la fotografía, el vídeo, elementos textiles y gastronómicos, performances e instalaciones.

La instalación fotográfica A Journey [Un viaje] (2024) que ha adquirido el Museo, toma como punto de partida una estatuilla de madera procedente de África Central conservada en el Museu Etnològic i de les Cultures del Món de Barcelona. Agnes Essonti encargó una reproducción de la pieza y viajó con ella a Camerún. Por medio de dicho gesto, la artista consigue sacar la pieza del museo y ensaya un viaje de restitución no literal que incide en la problemática de la devolución de las obras conservadas en los museos etnológicos europeos. A su vez, reflexiona sobre su propia identidad enraizada y construida entre dos continentes.

María Luisa Fernández, 'Artistas ideales'

María Luisa Fernández (Villarejo de Órbigo, León, 1955) es una artista fundamental de la llamada Nueva Escultura Vasca, junto a los artistas Elena Mendizábal, Txomin Badiola, Juan Luis Moraza, Ángel Bados o Pello Irazu. Desde mediados de los ochenta, ha desarrollado una práctica escultórica que a menudo cuestiona el lugar de representación de la figura del artista, en especial, de las mujeres. Con un lenguaje cercano al posminimalismo, al conceptualismo y a la revisión de la tradición escultórica vasca, sus obras incorporan juegos de palabras y dobles sentidos, además de una fuerte presencia de la naturaleza.

En las piezas adquiridas, de la serie Artistas ideales, realizada entre 1990 y 1994, la artista parte de las formas geométricas que recogen los gráficos circulares, las cuales ilustran datos referidos a la presencia pública de los artistas, y las convierte en elementos escultóricos. Realizadas en madera policromada al óleo, principalmente en blanco o negro, estos elementos se disponen verticalmente, unos encima de otros, a modo de tótems o columnas compuestas de discos que remiten a las proporciones humanas. El equilibrio inestable al que somete las formas contrasta con el ideal aparentemente objetivo de la estadística, de ahí que las distintas piezas no terminen de encajar del todo.

Raquel Machado, 'Archivo de MisoginiaIlustrada'

Raquel Manchado (Alicante, 1977) es una artista visual polifacética. Formada en Bellas  Artes, ha desarrollado una carrera multidisciplinar que abarca la dirección de arte, la edición y la investigación cultural. Su trabajo se caracteriza por un enfoque crítico y analítico de la cultura popular, con un interés particular en la representación de la mujer y la perpetuación de estereotipos de género. En 2017, Manchado fundó Antorcha Ediciones, una plataforma que le ha permitido profundizarben su investigación sobre la violencia simbólica y la misoginia en el humor gráfico y la cultura visual. 

Su proyecto más destacado es el Archivo de MisoginiaIlustrada (2024), una extensa colección de materiales gráficos, incluyendo postales, viñetas, carteles, calendarios, periódicos y revistas, que datan de principios del siglo XX, donde analiza cómo el humor ha sido utilizado históricamente como una poderosa fuerza de normalización en la propagación de mensajes sexistas y discriminatorios, un tema que sigue siendo relevante en la actualidad. Como muestra de ello, las 90 postales seleccionadas se muestran actualmente en la exposición Esperpento. Arte popular y revolución estética, que tiene lugar en el Museo Reina Sofía hasta el próximo 10 de marzo de 2025.

Josep Grau-Garriga, ' Colors de secà'

Josep Grau-Garriga (Sant Cugat del Vallès, Barcelona, 1929-Angers, Francia, 2011) es considerado un maestro de la tapicería moderna y uno de los referentes de su renovación a través de la Escuela Catalana del Tapiz. Investigando los conceptos de peso y espacio, consiguió otorgar al textil el estatus de arte autónomo, desligado de su carácter artesanal y de su tradicional dependencia de la pintura. Colors de secà [Colores de secano] de 1974, es una obra representativa del periodo maduro de su carrera, por su dimensión y significación, en un momento en el que su investigación se centra en la materia de las fibras y pasa de un concepto plano de urdimbre y la trama hasta un concepto tridimensional.

La variedad de fibras que utiliza hace referencia tanto al trabajo artesanal como a la industria, al mismo tiempo que evoca el trabajo humano, el paisaje y la tierra a través de su título, materialidad, textura y color. Es un ejemplo sobresaliente de lo que la crítica del momento valoró de su obra, el cromatismo pictórico y la materialidad escultórica.

Mónica Mays, 'and they pray to these images..., knowing not what gods or heroes are'

Mónica Mays (Madrid, 1990) es una de las artistas con mayor proyección internacional dentro de la generación más joven de escultoras que trabajan en el contexto de Madrid. Cursó sus estudios de Antropología Cultural en la Universidad de Nueva Orleans y se graduó cum laude en la École Supérieure des Arts Décoratifs de Estrasburgo en 2015. Su práctica se desarrolla entre la escultura, la instalación y la performance. A través de estos medios, explora la agencia y la historia económica de diversos objetos, a menudo encontrados, los cuales resignifica desde un posicionamiento identitario y transhistórico, en un trabajo donde entrelaza autobiografía, conocimiento material y archivo histórico.

Esta nueva obra, and they pray to these images..., knowing not what gods or heroes are [y rezan a estas imágenes, sin saber qué dioses o héroes son] (2024), está centrada en la noción de paraíso como un marco para reflexionar alrededor de la dominación histórica desde las lógicas de la extracción y el deseo. Una antigua montura de equitación suspendida e impracticable es el eje estructural de esta escultura, la cual se acompaña de elementos naturales, principalmente hojas de palma trenzadas, y de otros residuos industriales encontrados en fábricas abandonadas en los alrededores de Valencia.

Estos elementos evocan mecanismos que impulsan la circulación de las mercancías en un mundo globalizado cuyo origen podría rastrearse en el Barroco, periodo histórico en torno al que la artista trabaja asiduamente, desde su interés por la iconografía, la ornamentación y las lógicas de dominación y extracción que sostienen el comercio internacional.

Marta Minujín, 'Frozen Sex'

Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) es una de las artistas más relevantes del panorama cultural argentino y latinoamericano desde los años sesenta. La artista ha sido además una de las abanderadas del feminismo cuyo trabajo ha puesto en el centro la liberación sexual y el cuerpo de la mujer desde los años 70. En el año 1973, Marta Minujín se encerró en su taller en Washington D.C. y trabajó durante seis meses en la serie Frozen Sex [Sexo congelado], después de una deriva por las calles siguiendo las rutas del placer en cines porno, cabarés, sex shops y fiestas donde la liberación sexual marcaba el ritmo de la vida contracultural en ciudades como Nueva York y San Francisco.

Estas serigrafías juegan con la estética pop para llevar a primerísimos planos los detalles de un imaginario rosa en el que sexo, placer, libertad ydeseo se inscriben en una política de cuerpos transgresores, que exhiben sin pudor la poesía del roce, el goce y el contacto performativo piel a piel, más allá de cualquier barrera social o construcción heteropatriarcal del género. Esta adquisición reviste una suma importancia para el Museo Reina Sofía ya que complementa la obra de la artista ya presente en los fondos del Museo, con estos dos ejemplares gráficos que pertenecen a una serie clave en la trayectoria de la creadora.

Robert Morris, 'Earth Projects'

Robert Morris (1931-2018) fue un influyente artista y crítico estadounidense, fundamental en el desarrollo del arte conceptual y el minimalismo. Esta carpeta de 10 litografías, publicada por los Amigos Modern Art del Detroit Institute of Art en 1969, es uno de los más importantes documentos del Earth Art.A través de 10 proyectos irrealizables, trabaja con la idea de una obra de arte tan extensa, que no se pueda ver de manera tradicional, es decir de manera frontal o desde dentro.

Para el artista la obra se tiene que caminar, recorrer. Este portafolio se centra en la importancia del paisaje como material de trabajo artístico y propone manipularlo, abrazar sus componentes como la tierra el agua, y los efectos que las estaciones producen en ellos. De esta manera, Morris combina sus propios conceptos de arte con la potencia del paisaje tanto en la destrucción como en la generación.

Maribel Nazco, serie 'Cuerpos'

Maribel Nazco (Los Llanos de Aridane, La Palma, 1938) es una artista de prolongada trayectoria que alterna la vida académica con la experimentación de materiales, estableciendo un diálogo entre pintura y metal. Su estilo se basa en la exploración de lo mecánico y lo orgánico a través de formas que fusionan el cuerpo humano con la máquina y el paisaje.

El trabajo de Maribel Nazco ha sido clasificado dentro del concepto de la “escultopintura” española por el crítico Carlos Areán y reseñado por Gillo Dorfles en su libro Últimas tendencias del arte de hoy (1976). La artista eligió casi siempre el metal como soporte y materia de expresión artística, pero será a partir de 1969 cuando inicia una nueva línea discursiva en la que establece una relación paralela entre el dibujo y la escultura.

Los dibujos de la serie Cuerpos (1976) son un buen ejemplo de la plasmación de una misma idea sobre el papel y el metal. La línea que delimita la luz y la sombra en estos dibujos se ensambla de igual manera que su trabajo en metal y traen ecos eróticos de cuerpos, o fragmentos de cuerpo, con una apariencia blanda, en un primerísimo primer plano que hace que nuestro ojo pendulee entre lo figurativo y lo abstracto.

Mònica Planes, 'Desvelo III'

Mònica Planes (Barcelona, 1992) es una artista destacada dentro de la generación más joven de escultoras trabajando en el contexto catalán. Su trabajo parte de la experimentación y negociación permanentes con distintos materiales, entre los que destacan el cemento y la arena de construcción, con los que trabaja asiduamente, así como con los espacios en los que expone. Desvelo III (2025) es la tercera pieza de su serieDesvelo, un conjunto de obras que tienen su origen en la residencia de la artista en la Academia de España en Roma durante 2024 y su encuentro con la célebre escultura Hermaphroditus Dormiens, expuesta en la Villa Pinciana de la Galleria Borghese.

A través de esta mirada transhistórica, Planes actualiza la tradición escultórica desde posicionamientos contemporáneos, dando lugar a una escultura en la que las protuberancias y los huecos, el anverso y el revés, la superficie, la trama o la estructura conviven en un plano de no competencia. Habitualmente, la artista recoge la forma que dejan su cuerpo y los de sus amigos y colaboradores al unirse y entrar en contacto con el material, en este caso, la arena de construcción, lo que incorpora una dimensión temporal y performática a sus esculturas.

Carlos Rodríguez-Méndez, 'Región de validez'

Carlos Rodríguez-Méndez (As Neves, Pontevedra, 1968) hadesarrollado una obra muy personal, que partiendo de la escultura, ha tomado en cuenta los ámbitos del conceptual, la semántica o lo performativo. El artista explica de esta manera el origen y desarrollo de Región de validez (2007-2017): “Desde el año 2007, mi madre (sastra de profesión) confecciona, cada mes, un pantalón y una camisa con las dimensiones de mi padre, que envía a mi dirección en Madrid en un paquete que nunca abro. Una acción que uso como pretexto para recibir y acumular mi nombre escrito por ella, sobre un embalaje que contiene una información física y actual de mi padre”. Esta obra, que contiene una reflexión sobre el duelo y sus posibilidades de representación.

Marina Vargas, 'Romper el canon'

Marina Vargas (Granada, 1980) es una artista multidisciplinar establecida en Madrid cuya práctica artística explora la representación de la mujer, la espiritualidad, y la construcción del canon estético a través de un diálogo constante con la iconografía judeocristiana, la historia del arte occidental y las mitologías ancestrales. La artista, que empieza su trayectoria expositiva en 2001, recibe reconocimientos tempranos como es el caso del Premio Injuve de Artes Visuales en 2008.

La obra Romper el canon (2021) se inscribe en una de las líneas de trabajo más fructíferas de la artista, centrada en el cuestionamiento del canon estético occidental y la visibilidad de los cuerpos no normativos. Una línea que tomó un matiz mucho más personal tras recibir el diagnóstico de un cáncer de mama en 2019, temática central de esta fotografía, que debe entenderse en el marco de una serie de obras en las que Marina Vargas aborda su diagnóstico y operación. Apoyándose y subvirtiendo los códigos formales del sistema de enseñanza del desnudo académico, la artista se sitúa en el centro de la composición con el puño en el aire dejando bien visible la cicatriz de su mastectomía. Por medio de dicho gesto, la enfermedad, la herida, el cuerpo fragmentado, pero sobre todo superviviente, se sitúa en el centro de la obra, existiendo. La potencia visual y discursiva de esta obra fue reconocida con el Premio de Fotografía Fundación ENAIRE 2023.

Judy Chicago, 'Women and Smoke, California'

Judy Chicago nació en 1939 en Chicago, Illinois. Formada en Bellas Artes en la Universidad de Los Ángeles, fundó en 1970 el primer Programa de Arte Feminista en la Universidad Estatal de California. Su obra, pionera en distintos medios, se caracteriza por un compromiso constante con la artesanía y la experimentación con los nuevos lenguajes de su época. A través de un análisis incesante de temas como el nacimiento y la creación, su identidad judía y la construcción social del patriarcado y la masculinidad, su trabajo cuestiona la “ausencia y el borrado de las mujeres en el canon cultural occidental”.

La obra adquirida, Women and Smoke, California [Mujeres y humo, California] documenta una serie de performances, organizadas por Judy Chicago entre 1971 y 1972. Con ellas pone en cuestión lo que consideraba un exceso de masculinización del movimiento del Land Art, especialmente en los momentos primigenios de este fenómeno artístico, que fue tan potente en EE.UU. y especialmente en la escena californiana.

Juan Pablo Echeverri, 'miss fotojapón'

Juan Pablo Echeverri (Bogotá, Colombia, 1978-2022) fue un reconocido artista visual colombiano con una corta trayectoria vital, aunque también con una intensa producción visual. Hizo del cuerpo y el rostro humanos ─generalmente los suyos propios, arreglados o vestidos, fotografiados, grabados en vídeo e irreconocibles─ el principio y el fin de todo su arte.

La obra adquirida por el Museo, miss fotojapón #7 y #8, es la serie más extensa de este artista colombiano. Esta obra, central en su trayectoria artística, constituye el eje de toda su poética visual. Para miss fotojapón, Echeverri se autorretrató todos los días desde 1996 hasta poco antes de su muerte, en 2022, en un fotomatón de la tienda colombiana Foto Japón o en cualquier fotomatón que encontrase durante sus viajes. La serie se inició como una ilustración para el diario de Echeverri, que encontrase durante sus viajes.

La serie se inició como una ilustración para el diario de Echeverri, que intentaba documentar su intensa experimentación con la joyería corporal, los peinados y el maquillaje. Sin embargo, ese acto ocasional de transformismo y juego con la moda, con los iconos de la cultura pop y su apariencia física evolucionó hasta convertirse en una práctica artística cotidiana. Las más de 8000 fotografías resultantes se presentan como un retablo en diferentes variaciones y en orden no cronológico.

Luz Lizarazo, 'Piel extendida'

Luz Lizarazo (Bogotá, Colombia. 1966) es una artista colombiana muy ligada al contexto artístico español, donde ha trabajado durante años. Su obra aborda temáticas como la fragilidad, la relación entre lo privado e íntimo y lo público o la opresión de la voz y el cuerpo femenino, creando un espacio que celebra la libertad, la autonomía y la sexualidad de las mujeres.

La instalación Piel extendida, de Luz Lizarazo (Bogotá, 1966), creada con medias pantis cortadas y unidas unas a otras con hilo dorado, forma el patrón de una geometría orgánica que cubre todos los muros de un espacio. Las paredes son transformadas en una celosía envolvente, una malla que en su transparencia y a través de orificios multiplicados deja penetrar la mirada y ejercitar el tacto. La arquitectura se cubre de una piel delicada, expandida.

Mediante este material textil sintético ─asociado comúnmente a estereotipos de lo femenino─, que la artista emplea habitualmente en sus obras transformándolo de diversas maneras y con lenguajes como la escultura o la performance, Lizarazo metaforiza la condición resiliente de la epidermis como sistema de comunicación entre los individuos y el entorno, al tiempo que reflexiona sobre el propio cuerpo femenino.

Daniel Steegmann Mangrané, 'Systemic grid'

Daniel Steegmann Mangrané, (Barcelona, 1977) vive y trabaja en Río de Janeiro (Brasil), es uno de los artistas más interesantes de su generación, un grupo que dio la bienvenida al nuevo siglo dando otro sentido a los principios y los estándares del arte contemporáneo. Su obra abarca una amplia gama de técnicas y medios, que van desde el cine al dibujo, pasando por la escultura, el sonido o sus emblemáticos jardines, así como el comisariado de proyectos artísticos. La naturaleza es una constante en su trabajo, explorando la creación y migración de formas entre esta, el arte y la arquitectura.

Relacionándolo con el calentamiento global y con su forma de entender que cualquier cambio en el medio natural acarrea transformaciones en nuestra propia naturaleza. Una tensión que expresa a la perfección en la obra premiada en el marco de ARCOmadrid 2020. Esta obra de la serie Rejillas sistémicas de Daniel Steegmann Mangrane consiste en un panel de cristal construido con secciones de vidrio transparente y ligeramente distorsionado que se fijan a una lámina subyacente de vidrio de seguridad para crear un patrón geométrico. 

Es diu que, alguna vegada, el pintor nord-americà Robert Rauschenberg va dir que la feina de l'artista és ser testimoni del seu temps a la història. Des de la guerra del Vietnam i la lluita pels drets civils als Estats Units als anys cinquanta, molts artistes han trobat en la creació artística una eina per enfrontar-se al poder. A dia d'avui i en plena efervescència global de les extremes dretes, són molts els creadors que eleven la feina per abraçar diferents causes socials i denunciar les guerres, la desigualtat, el racisme o la crisi climàtica.

A la 44a edició de la fira d'art contemporani ARCO a Madrid, amb l'Amazones com a projecte central, diferents artistes de les Illes Balears presenten les seves obres com un al·legat de resistències múltiples davant de la destrucció mediambiental del paisatge, la turistificació de les illes, la pèrdua de les tradicions i la cultura pròpia. També reflexionen sobre el pes del que s'ha heretat a través de la memòria col·lectiva, el narcisisme contemporani o les cultures d'extraradi.

Un dels exemples aquest any és el projecte Tapís de l'artista Mònica Fuster, que porta des del 2009 recolzant els camps i els camperols de les terres mallorquines. El seu treball se centra en el tap de cortí,, una varietat de pebrot proper a l'extinció que s'ha fet servir al llarg del temps, per les seves propietats tintòries, per donar color als teixits i a la gastronomia tradicional. Fuster va començar vinculant-se a la seva història a través de la seva participació en una campanya de recuperació d'aquest producte que finalment va aconseguir declarar denominació d'origen.

Després d'aquella campanya, de la mà de Slow Food Illes Balears, que va arrencar amb la distribució de 16.000 taps de cortí a un grup de joves agricultors ecològics, Fuster va posar en marxa un projecte artístic en què fa més de quatre anys que treballa. Desenvolupant tallers amb dones de diferents edats i ètnies del poble mallorquí de Felanitx, l'artista ha transformat aquesta reivindicació cultural en una obra artística en procés continu on l'antropologia, el món agrícola i la societat s'uneixen, segons les paraules, per “llançar un crit d'auxili”.

“El principal problema del camp mallorquí és que a l'illa s'està enfocant tot al sector turístic, com un parc temàtic, i això ens porta a perdre força, identitat i a oblidar les nostres terres”, explica Mònica Fuster des de l'estand de l'Institut d'Estudis Baleàrics.

El principal problema del camp mallorquí és que a l'illa s'està enfocant tot al sector turístic, com un parc temàtic, i això ens porta a perdre força, identitat i a oblidar les nostres terres

Mònica Fuster — Artista

En aquest projecte, comissariat per Sebastià Mascaró, l'artista i la mediadora cultural ha desenvolupat performances al poble que han quedat registrades en fotografies i en vídeos, així com també diverses publicacions i una instal·lació on el tap de cortí és el protagonista. Amb molta alegria, la creadora mallorquina recorda que en aquest viatge al migcamp mallorquí ha comptat amb col·laboracions d'altres artistes, filòsofs, escriptors i cantants com Júlia Colom, que reinterpreta les tradicionals tonades o cançons de treball de les recol·lectes d'aquest producte en una pel·lícula.

El paisatge

Durant la pandèmia provocada per la Covid-19, el fotògraf Toni Amengual va emprendre un viatge amb el seu cotxe per fer una sèrie de fotografies del paisatge mallorquí, que es va trobar buit de persones, però ple de ciment. En aquell moment, segons explica, va pensar en “totes les estructures que els éssers humans hem creat sobre el paisatge al llarg de la història, des dels prehistòrics talaiots o talaies petites, fins i tot túnels, carreteres i hotels per fer-nos la vida habitable sense pensar en l'habitabilitat d'altres espècies”.

Avui aquesta reflexió té la forma de diferents obres de la sèrie NACRE que es poden veure a l'estand de la galeria RocioSantacruz a la fira. Una d'aquestes fotografies de gran format mostra un túnel de pedra sobre les muntanyes. Tot i això, hi ha un detall que no passa desapercebut. “En aquest projecte intervinc les imatges trencant-les per després intentar recompondre-les i emmarcar-les deixant veure aquestes ruptures i perforacions que estem fent al paisatge per pur plaer i per atraure més gent a l'illa”, aclareix Amengual.

Així mateix, el fotògraf mostra en aquest estand una sèrie de fotografies amb diferents volums que simulen ser escultures, on contraposa una escultura clàssica, de Gian Lorenzo Bernini, davant d'una altra fotografia d'una dona fent-se un selfie. Amb aquest projecte, el creador posa de manifest la “tensió entre el que és clàssic i el que és contemporani, qüestionant el pes de la Història de l'Art com una cosa que també pot ser vulnerable, fràgil, i que hauríem de posar en dubte”, explica.

“En aquest projecte intervinc les imatges trencant-les per després intentar recompondre-les i emmarcar-les deixant veure aquestes ruptures i perforacions que estem fent al paisatge per pur plaer i per atraure més gent a l'illa

Toni Amengual — Fotògraf

D'altra banda, a la secció d'ArtsLibris presenta el projecte de llibres d'artistes autoeditats juntament amb altres col·legues sota el segell Amen&Co. “Es parla molt de l'art, però els artistes també mengem i necessitem que es reconegui la nostra feina en plataformes com Arco”, conclou l'artista.

Opel Olympia

A l'estand de carlier | gebauer, Ian Waelder exposa una selecció d'obres que recullen de forma oberta molts dels interessos principals que predominen en el seu treball, com l'accidental i l'obertura a l'aspecte biogràfic en connexió a una memòria col·lectiva. A la peça de gran format The Pianist (Assembly Line), Waelder mostra, després de dues capes de roba, unes imatges serigrafiades que només es revelen des d'un punt de vista concret i que pertanyen a un manual d'instruccions d'un cotxe, l'Opel Olympia del 1935.

Aquest cotxe va pertànyer a la família del seu avi patern, un pianista jueu alemany i que va ser l'únic membre de la família que va sobreviure l'Holocaust. “Gràcies a la venda d'aquest cotxe familiar, va aconseguir escapar d'Alemanya i viure a l'exili a Xile fins a la mort, anys abans del final de la dictadura de Pinochet”, explica l'artista a elDiario.es.

Gràcies a la venda d'aquest cotxe familiar, l'Opel Olympia, el meu avi va aconseguir escapar d'Alemanya i viure a l'exili a Xile fins a la mort, anys abans del final de la dictadura de Pinochet

Ian Waelder — Artista

“Aquesta obra pertany a una sèrie de treballs que vaig començar uns anys després de mudar-me d'Espanya a Alemanya per a continuar la meva formació, quan em vaig adonar que soc el primer membre de la meva família que torna a assentar-se a Alemanya després del desplaçament forçat del meu avi”, comenta Waelder, afegint que també es refereix al fet de “ser espanyol, però portar el cognom alemany malgrat no parlar l'idioma en absolut”.

El cap de Goya

Un dels grans noms de l'art contemporani de les Illes Balears amb projecció internacional és Bernardí Roig. A l'espai de la galeria Max Estrella presenta Autorretrat (Il Cubo), un dibuix amb una estructura LED on l'autor mostra “la presència d'una absència” a partir de rostre imprecís, indefinit, on les línies del traç del llapis titubegen. “És la insistència narcisista de dibuixar un autoretrat a partir dels enigmes heretats d'artistes com Giacometti i Dürer, com a interlocutors ininterromputs, amb la línia, el cap, el lloc i el crani”.

D'altra banda, en la galeria Miguel Marcos, el creador exposa El cap de Goya, un projecte que recorda el descobriment del robatori del cap de Francisco de Goya quan el seu cos és exhumat i enviat a Madrid. Rememora el precís instant, ensopit en el temps, d'una tomba on no apareix el crani per cap part. “Aquesta instal·lació és l'itinerari d'imatges d'aquesta decapitació, una temptativa de fer present l'absència del cap de Goya encarnada en trenta rostres-màscara que oculten i revelen, alhora, la impossibilitat de la imatge. Enfront d'aquests rostres extirpats d'identitat, una figura asseguda s'ha arrencat els ulls per a escapar a la turbulència del desig”, explica Roig a elDiario.es.

Retrat del trap i reggaeton

Tot i això, a més d'ARCO, diferents fires i exposicions d'art es donen cita a la capital amb motiu de la Setmana de l'Art de Madrid. Una és Urvanity, al centre de creació contemporània Matadero, on ens trobem amb Bel Fullana. Aquesta artista, que participa per primer cop a la fira, exposa diferents pintures i una escultura que semblen tretes d'un barri, per descomptat, ben llunyà al centre. Es tracta de retrats que exageren l'estètica de joves de la perifèria propers al trap i al reggaeton i que ara ocupen la fira.

“Totes aquestes pintures i escultures pertanyen a una sèrie que vaig començar fa quatre anys, inspirada per dones que han fet mainstream la cultura d'extraradi com La Zowi, Rosalía o Tomasa del Real”, explica la creadora mallorquina, afegint que el més cridaner per a ella d'aquestes figures no és tant el seu èxit, sinó el fet de “que pugui veure-les com a cantants.

Totes aquestes pintures i escultures pertanyen a una sèrie que vaig començar fa quatre anys, inspirada per dones que han fet mainstream la cultura d'extraradi com La Zowi, Rosalía o Tomasa del Real

Bel Fullana — Artista

La cridanera escultura, titulada Tractor Buddy, va estar exposada a Es Baluard Museu l'any passat sota el comissariat de Núria Gómez Gabriel i representa molt fidelment el desig d'exagerar l'estètica de la música urbana i el trap femení a través d'una figura que, segons l'artista, fa referència al consumisme i a l'estètica de la roba. “Quan la vaig veure al museu em va semblar un alienígena, allà al mig, com si fos un grup de quinquis fumant al parc que molesta les dones grans del seu barri”, explica, entre rialles, Fullana.

Tal com comenta Fullana, “el que és interessant és, al final, portar a l'espai artístic aquesta incomoditat”. Bé sigui a través d'un paisatge trencat, de portar les demandes dels camperols a una exposició o d'expressar el dolor d'un passat familiar, les inquietuds dels artistes balears reflecteixen una crítica social i mediambiental profunda. I és que, com ens mostren aquests creadors, l'art té la capacitat de no només testimoniar el present, sinó també de mobilitzar el futur. Es tracta de ser testimonis, com diria Rauschenberg, i alhora militants del seu temps.

Se dice que, alguna vez, el pintor estadounidense Robert Rauschenberg dijo que el trabajo del artista es ser testigo de su tiempo en la historia. Desde la guerra de Vietnam y la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos en los años cincuenta, muchos artistas han encontrado en la creación artística una herramienta para enfrentarse al poder. A día de hoy y en plena efervescencia global de las extremas derechas, son muchos los creadores que elevan su trabajo para abrazar diferentes causas sociales y denunciar las guerras, la desigualdad, el racismo o la crisis climática.

En la 44ª edición de la feria de arte contemporáneo ARCO en Madrid, con el Amazonas como proyecto central, diferentes artistas de las Illes Balears presentan sus obras como un alegato de resistencias múltiples frente a la destrucción medioambiental del paisaje, la turistificación de las islas, la pérdida de las tradiciones y la cultura propia. También reflexionan sobre el peso de lo heredado a través de la memoria colectiva, el narcisismo contemporáneo o las culturas de extrarradio.

Uno de los ejemplos este año es el proyecto Tapís de la artista Mònica Fuster, que lleva desde 2009 apoyando los campos y el campesinado de las tierras mallorquinas. Su trabajo se centra en el tap de cortí, una variedad de pimiento cercano a la extinción que se ha usado a lo largo del tiempo, por sus propiedades tintóreas, para dar color a los tejidos y a la gastronomía tradicional. Fuster empezó vinculándose a su historia a través de su participación en una campaña de recuperación de este producto que finalmente consiguió que declarase denominación de origen. 

Tras aquella campaña, de la mano de Slow Food Illes Balears, que arrancó con la distribución de 16.000 taps de cortí a un grupo de jóvenes agricultores ecológicos, Fuster puso en marcha un proyecto artístico en el que lleva más de cuatro años trabajando. Desarrollando talleres con mujeres de diferentes edades y etnias del pueblo mallorquín de Felanitx, la artista ha transformado esta reivindicación cultural en una obra artística en proceso continuo donde la antropología, el mundo agrícola y la sociedad se unen, según sus palabras, para “lanzar un grito de auxilio”.

“El problema principal del campo mallorquín está en que en la isla se está enfocando todo al sector turístico, como un parque temático, y eso nos lleva a perder fuerza, identidad y a olvidar nuestras tierras”, explica Mònica Fuster desde el estand del Institut d’Estudis Baleàrics.

El problema principal del campo mallorquín está en que en la isla se está enfocando todo al sector turístico, como un parque temático, y eso nos lleva a perder fuerza, identidad y a olvidar nuestras tierras

Mònica Fuster — Artista

En este proyecto, comisariado por Sebastià Mascaró, la artista y mediadora cultural ha desarrollado performances en el pueblo que han quedado registradas en fotografías y en vídeos, así como también diversas publicaciones y una instalación donde el tap de cortí es el protagonista. Con mucha alegría, la creadora mallorquina recuerda que en este viaje al centro del campo mallorquín ha contado con colaboraciones de otros artistas, filósofo, escritores y cantantes como Júlia Colom, que reinterpreta las tradicionales tonades o canciones de trabajo de las recolectas de este producto en una película.

El paisaje

Durante la pandemia provocada por la Covid-19, el fotógrafo Toni Amengual emprendió un viaje con su coche para realizar una serie de fotografías del paisaje mallorquín, que se encontró vacío de personas, pero repleto de cemento. En ese momento, según explica, pensó en “todas las estructuras que los seres humanos hemos creado sobre el paisaje a lo largo de la historia, desde los prehistóricos talaiots o atalayas pequeñas, hasta túneles, carreteras y hoteles para hacernos la vida habitable sin pensar en la habitabilidad de otras especies”. 

Hoy esta reflexión tiene la forma de diferentes obras de la serie NACRE que pueden verse en el estand de la galería RocioSantacruz en la feria. Una de estas fotografías, de gran formato, muestra un túnel de piedra sobre las montañas. Sin embargo, hay un detalle que no pasa desapercibido. “En este proyecto intervengo las imágenes rompiéndolas para después tratar de recomponerlas y enmarcarlas dejando ver esas rupturas y perforaciones que estamos haciendo al paisaje por puro placer y para atraer a más gente a la isla”, aclara Amengual.

Asimismo, el fotógrafo muestra en este estand una serie de fotografías con diferentes volúmenes que simulan ser esculturas, donde contrapone una escultura clásica, de Gian Lorenzo Bernini, frente a otra fotografía de una mujer haciéndose un selfie. Con este proyecto, el creador pone de manifiesto la “tensión entre lo clásico y lo contemporáneo, cuestionando el peso de la Historia del Arte como algo que también puede ser vulnerable, frágil, y que deberíamos poner en tela de juicio”, cuenta. 

En este proyecto intervengo las imágenes rompiéndolas para después tratar de recomponerlas y enmarcarlas dejando ver esas rupturas y perforaciones que estamos haciendo al paisaje por puro placer y para atraer a más gente a la isla

Toni Amengual — Fotógrafo

Por otra parte, en la sección de ArtsLibris, presenta el proyecto de libros de artistas autoeditados junto con otras colegas bajo el sello Amen&Co. “Se habla mucho del arte, pero los artistas también comemos y necesitamos que se reconozca nuestro trabajo en plataformas como Arco”, concluye el artista.

Opel Olympia

En el estand de carlier | gebauer, Ian Waelder expone una selección de obras que recogen de forma abierta muchos de los intereses principales que predominan en su trabajo, como lo accidental y la apertura a lo biográfico en conexión a una memoria colectiva. En la pieza de gran formato The Pianist (Assembly Line), Waelder muestra, tras dos capas de tela, unas imágenes serigrafiadas que solamente se revelan desde un punto de vista concreto y que pertenecen a un manual de instrucciones de un coche, el Opel Olympia de 1935. 

Este coche perteneció a la familia de su abuelo paterno, un pianista judío alemán y que fue el único miembro de su familia que sobrevivió el Holocausto. “Gracias a la venta de este coche familiar, logró escapar de Alemania y vivir en el exilio en Chile hasta su fallecimiento, años antes del final de la dictadura de Pinochet”, explica el artista a elDiario.es.

Gracias a la venta de este coche familiar, el Opel Olympia, mi abuelo logró escapar de Alemania y vivir en el exilio en Chile hasta su fallecimiento, años antes del final de la dictadura de Pinochet

Ian Waelder — Artista

“Esta obra pertenece a una serie de trabajos que comencé unos años después de mudarme de España a Alemania para continuar mi formación, cuando me di cuenta de que soy el primer miembro de mi familia que vuelve a asentarse en Alemania después del desplazamiento forzado de mi abuelo”, comenta Waelder, añadiendo que también se refiere al hecho de “ser español pero llevar el apellido alemán pese a no hablar el idioma en absoluto”.

La cabeza de Goya

Uno de los grandes nombres del arte contemporáneo de las Illes Balears con proyección internacional es Bernardí Roig. En el espacio de la galería Max Estrella presenta Autorretrato (Il Cubo), un dibujo con una estructura LED donde el autor muestra “la presencia de una ausencia” a partir de rostro impreciso, indefinido, donde las líneas del trazo de su lápiz titubean. “Es la insistencia narcisista de dibujar un autorretrato a partir de los enigmas heredados de artistas como Giacometti y Dürer, como interlocutores ininterrumpidos, con la línea, la cabeza, el lugar y el cráneo”. 

Por otro lado, en la galería Miguel Marcos, el creador expone La cabeza de Goya, un proyecto que recuerda el descubrimiento del robo de la cabeza de Francisco de Goya cuando su cuerpo es exhumado y enviado a Madrid. Rememora el preciso instante, aletargado en el tiempo, de una tumba donde no aparece el cráneo por ninguna parte. “Esta instalación es el itinerario de imágenes de esa decapitación, una tentativa de hacer presente la ausencia de la cabeza de Goya encarnada en treinta rostros-máscara que ocultan y revelan, a la vez, la imposibilidad de la imagen. Frente a estos rostros extirpados de identidad, una figura sentada se ha arrancado los ojos para escapar a la turbulencia del deseo”, explica Roig a elDiario.es.

Retrato del trap y reggaeton

No obstante, además de ARCO, diferentes ferias y exposiciones de arte se dan cita en la capital con motivo de la Semana del Arte de Madrid. Una de ellas es Urvanity, en el centro de creación contemporánea Matadero, donde nos encontramos con Bel Fullana. Esta artista, que participa por primera vez en la feria, expone diferentes pinturas y una escultura que parecen sacadas de un barrio, desde luego, bien lejano al centro. Se trata de retratos que exageran la estética de jóvenes de la periferia cercanos al trap y al reggaeton y que ahora ocupan la feria.

“Todas estas pinturas y esculturas pertenecen a una serie que comencé hace cuatro años, inspirada por mujeres que han hecho mainstream la cultura de extraradio como La Zowi, Rosalía o Tomasa del Real”, cuenta la creadora mallorquina, añadiendo que lo más llamativo para ella de estas figuras no es tanto su éxito, sino el hecho de “que pueda verlas como cantantes aunque, en realidad, me parecen obras de arte en sí mismas”.

Todas estas pinturas y esculturas pertenecen a una serie que comencé hace cuatro años, inspirada por mujeres que han hecho mainstream la cultura de extraradio como La Zowi, Rosalía o Tomasa del Real

Bel Fullana — Artista

La llamativa escultura, titulada Tractor Buddy, estuvo expuesta en Es Baluard Museu el año pasado bajo el comisariado de Núria Gómez Gabriel y representa muy fielmente el deseo de exagerar la estética de la música urbana y el trap femenino a través de una figura que, según la artista, hace referencia al consumismo y a la estética de la ropa de rejilla y la ropa de marca. “Cuando la vi en el museo me pareció un alienígena, allí en medio, como si fuera un grupo de quinquis fumando en el parque que molesta a las mujeres mayores de su barrio”, explica, entre risas, Fullana.

Tal y como comenta Fullana, “lo interesante es, al final, llevar al espacio artístico esa incomodidad”. Bien sea a través de un paisaje roto, de llevar las demandas del campesinado a una exposición o de expresar el dolor de un pasado familiar, las inquietudes de los artistas baleares reflejan una profunda crítica social y medioambiental. Y es que, como bien nos muestran estos creadores, el arte tiene la capacidad de no solo testimoniar el presente, sino también de movilizar el futuro. Se trata de ser testigos, como diría Rauschenberg, y a la vez, militantes de su tiempo.

Cómo habla el arte contemporáneo de nuestro presente más conflictivo. Lo vemos estos días en ARCO: la materialidad de su lenguaje nos permite tocar la idea. Es tan física esa acción que más que entenderse, se vive.

Eso es lo que el artista Ramón Mateos pretende con sus cortinas formadas por cadenas colgantes. En la galería Freijo de Madrid se pueden ver —y atravesar— sus cortinas con la bandera de la Unión Europea o con el año 2024 impreso en ellas. El artista busca una tensión entre el acopio de materiales del presente y el lugar que nos espera en el futuro, al otro lado de la cortina: el colapso, según lo entiende él.

Una de las obras de la exposición que inauguró la semana pasada ha causado impacto en ARCO, la feria de arte contemporáneo que se inauguró el miércoles en Madrid. Se trata de una cortina de metal con cuatro cifras impresas en ella: 7.291.

Es fácil reconocer ese número. Son los muertos en las residencias durante la pandemia. ¿Qué sensación provoca atravesar esta cortina en la que cada cadena por sí sola no dice nada, pero juntas proyectan esa cifra? Individualmente nos podemos olvidar de esos muertos. Colectivamente, la cortina nos los recuerda.

Además, hay cierta espectralidad política que entra en juego: algo que está y no está a la vez, una idea que se desvanece y se atraviesa, que pierde fuerza —o se rearma— según sus circunstancias.

Mi compañera Laura García Higueras estuvo en ARCO y habló con Ramón Mateos. Este le ofrece a la periodista una cita de Bertold Brecht para ayudarle a comprender la obra. Es una cita que engancha con la función del arte contemporáneo de la que hablábamos al principio: “El arte no es un espejo que refleja la sociedad, es más bien un martillo que nos ayuda a configurarlo y a darle forma”.

Hay un artista que cada año marca el tono de la crítica política en ARCO, y que se ha especializado en una narrativa artística que utiliza imágenes totalitarias. Es Eugenio Merino, que el año pasado excavó una tumba para Lorca. Esta vez, ha traído a la feria un lavaplatos. Dentro de él, una vajilla con las caras de Trump, Meloni, Musk, Abascal, Marine Le Pen, Milei, Bolsonaro y Farage. No es una metáfora muy compleja: el artista nos alerta del peligro del washing (lavado de cara) a los políticos de ultraderecha. “El lavado de cara tiene importancia en España, se lleva desarrollando desde la Transición y es el que ha permitido que hoy tengamos una extrema derecha muy potente”, le ha dicho Merino a Laura García Higueras.

En su Instagram, Ramón Mateos cita a Samuel Beckett, quien escribió al dictado de la sangre, como le recomendó su amigo James Joyce: “El arte es la única forma de rebelión verdadera”.

Sigue leyendo, que además de la cifra 7.291 tenemos otra potente que también rescata el mundo del arte: 2.936. Además de otras exposiciones, libros, películas y planes de ocio.

Un concierto

Hidrogenesse celebra 25 años bailando el siglo XX (Madrid). El dúo Hidrogenesse publicó en el año 2000 una de sus primeras canciones emblemáticas que les definiría como ácidos cirujanos de su tiempo: Así se baila el siglo XX. Este 8 de marzo (día de manifestaciones por los derechos de la mujer) conmemora los 25 años del lanzamiento de esa canción en la sala But de Madrid. La canción es un repaso conceptual a la historia del siglo XX: de la silla eléctrica a la cafetera, del teléfono a la píldora, de la bomba atómica a los rascacielos, al feminismo y al roncanrol.

Tres libros

'El arte de la conversación literaria' de Raquel F. Cobo (Barlin Libros). Un viaje literario en el que autora y escritores conversan, delante del lector o la lectora, para ensalzar la conversación como vehículo literario. Los autores que se pasean por este libro son, entre otros, Annie Ernaux, Julio Cortázar, Carmen Martín Gaite, Cristina Peri Rossi, Alejandra Pizarnik, Jaime Gil de Biedma o Ricardo Piglia. La autora, nacida en Barcelona en 1987, es Profesora de Didáctica de la Lengua y la Literatura en la Universidad de Almería. Ya en librerías.

'Lord Jim en casa', de Dinah Brooke (Alpha Decay). Se trata de una novela descatalogada desde hace medio siglo que recupera ahora Alpha Decay, con traducción de Victoria Malet, para descubrir una obra de horror doméstico con ecos de Shirley Jackson sobre un hombre (llamado como el personaje de Joseph Conrad) que comete un acto que desestabiliza su vida. La autora escribió cuatro novelas en los años 70 y luego vivió seis años en el áshram del gurú Osho en la India. Con prólogo de Ottessa Moshfegh. En librerías a partir del 10 de marzo.

'Huríes', de Kamel Daoud (Cabaret Voltaire). La traducción (por Lydia Vázquez Jiménez) al castellano del premio Goncourt 2024, el libro más vendido en Francia está escritor por un autor argelino que ya había ganado el Goncourt con su primera novela) que es también periodista. Huríes es un relato sobre una joven argelina obligada a recordar una guerra que no ha vivido, la de independencia, y a olvidada a recordar una que sí ha vivido, la guerra civil de los años 90. Se queda muda como consecuencia de sus heridas de guerra pero le cuenta a su hija, en su vientre, su historia. “Un libro donde el lirismo compite con lo trágico”, dijo el fallo del jurado. En librerías a partir del 12 de marzo.

Tres películas, por Javier Zurro

'Tardes de soledad'. Pocas veces un documental dio tanto que hablar, pero es que lo que ha hecho Albert Serra merece todos los debates del mundo. El director de Pacifiction vuelve a demostrar que es un cineasta prodigioso y baja la cámara a la arena de una plaza de toros para mostrar como nunca se había hecho lo que ocurre dentro... pero también fuera, con esa cuadrilla machirula que se convierten en personajes casi cómicos bajo la lupa del filme. Una película que hay que ver sí o sí.

'Mickey 17'. Ojalá todos los blockbusters fueran como este. Ojalá todos los directores supieran hacer películas de entretenimiento como las hace Bong Joon-Ho, que se saca de la manga una comedia de ciencia ficción sobre un clon que se niega a morir y acaba provocando una revolución contra una empresa con un dueño que tiene los morritos de Donald Trump. Divertida y con un Robert Pattinson hilarante.

'Grand Tour'. Para los más arriesgados llega la nueva película de Miguel Gomes, un cineasta portugués a reivindicar y que aquí entrega una película que es bellísima en su puesta en escena. Pero también una inteligente mirada al colonialismo y la dominación cultural de Hollywood a la vez que homenaje al cine clásico. Una joya que ganó el premio a la Mejor dirección el pasado Festival de Cannes.

Tres planes para el finde, por Laura García Higueras

'Decimos verdades que parecen mentiras' (Madrid). La Compañía Nacional de Danza, que dirige Muriel Romero, celebra el 8M con esta obra que será representada en la Sala de las Musas del Museo Nacional del Prado y que supone la primera obra original de la autora, desde que es directora, para la compañía. Y lo harán con dos pases gratuitos, a las 12h y a las 13:30h. Su autora avanza que la función explora “el sentido original de las diosas y la naturaleza femenina de la creación”. Forma parte del Festival Ellas Crean y cuenta con un diseño del espacio escénico a cargo de Maxi Gilbert.

Día Mundial de la Tortilla (¡en todas partes!). ¿Acaso no es este el mejor fin de semana del año? El sábado todas a las calles a manifestarnos por los derechos de las mujeres y, el domingo, a recobrar energías con la mejor comida del mundo: la tortilla de patatas. Para las madrileñas, mi recomendación es que vayáis a la Casa de la Tortilla (y La Tortilla Castiza, que se ha llevado premio), pero vamos con más: Casa Juan Palomo en Sevilla, Café Ifach en Alicante, Bar La Tita en Santiago de Compostela, el Bar Santos de Córdoba, el Bar Postal en Valladolid, Casa Miranda o Mesón O Pote en Betanzos (Galicia) y Mantequerías Pirenaicas en Barcelona.

Camino a la Meca (Málaga). Cualquier oportunidad es buena para ver a Lola Herrera actuar. Así que si estáis en Málaga, no dudéis en verla en esta obra dirigida por Claudio Tolcachir, en la que comparte elenco con Natalia Dicenta y Carlos Ollla. La función sigue la historia de Helen Martins, una artista sudafricana obsesionada con su obra escultórica y sus difíciles relaciones con la comunidad donde vive en 1974, en pleno apartheid.

Tres exposiciones, por Jordi Sabaté

'José Guerrero a propósito del paisaje' (Barcelona). El centro de fotografía Kbr de Barcelona, dentro de la Fundación Mapfre, acoge la extensa exposición retrospectiva del trabajo del fotógrafo granadino José Guerro, un gran creador de fotografía artística que trabaja con las siluetas que nos dejan los paisajes extensos sobre el horizonte, pero al mismo tiempo sabe mostrar también las grietas y alteraciones en ese mismo paisaje y las destaca como elemento que enriquece el fotograma. 

Su obra está meticulosamente organizada en series en torno a lugares con gran carga iconográfica e histórica (La Mancha, Carrara, Sierra Nevada, el Támesis…) y que parten del supuesto de que es la propia experiencia de quien las mira la que organiza el relato. Esta exposición presenta los más de 20 años de su trayectoria hasta la fecha a partir del amplio conjunto de su obra que forma parte de las Colecciones Fundación MAPFRE y préstamos de diferentes instituciones. Hasta el 18 de mayo de 2025.

'Colección Masaveu: objeto y naturaleza. Bodegones y floreros de los siglos XVII-XVIII' (València).  El Museu de les Belles Arts de València acoge hasta el 15 de junio la exposición de las obras de la Colección Masaveu, que constituye uno de los fondos artísticos privados más relevantes de España. De la misma se han seleccionado las mejores naturalezas muertas, uno de sus núcleos temáticos centrales de la colección tanto por su número como por su calidad. Dividida en cuatro secciones, la muestra recorre el devenir del género de la naturaleza muerta, diferenciado en el ámbito hispánico con el término característico de “bodegón”. Una muestra en la que se podrán contemplar obras de los artistas consagrados al género más famosos en su tiempo, como Juan de Zurbarán, Arellano o Meléndez.

'Proust y las artes' (Madrid). El Museo Thyssen de Madrid presenta una exposición sobre la importancia que el arte tuvo en la obra de uno de los escritores más influyentes del siglo XX, Marcel Proust (Auteuil, 1871 - París, 1922), reconocido tanto en la literatura como en la filosofía y la teoría del arte. Además de pinturas de Rembrandt, Vermeer, Van Dyck, Watteau, Turner, Fantin Latour, Manet, Monet, Renoir o Whistler, entre otros creadores de la época, la exposición incluye una selección de libros de Proust procedentes de la Bibliothèque Nationale de France y de la Biblioteca del Ateneo de Madrid. 

Tres artículos

Recalcitrantes. Cuando empezamos a quedarnos fríos y solos en una habitación, aparece un nuevo libro de Belén Gopegui. Con un tirón, nos lanza a una conversación de contradicciones y salidas de emergencia.

Muere Juan Margallo. Se nos ha ido un gran referente del teatro español: Quijote y a la vez Sancho Panza. Una bella persona, un hombre lúcido, dijo Juan Diego Botto. Escribe de él Eusebio Calonge de La Zaranda.

Los nombres no se van, solo se esconden. Pero una exposición nos ha recordado que los nombres de las 2.936 víctimas del primer franquismo en Madrid, arrancados del memorial, siguen en el almacén municipal.

Las recomendaciones de Librotea

Muchas mujeres adelantadas a su tiempo demostraron que lo eran gracias a las páginas de sus libros. Esta semana Librotea recomienda algunos esenciales.

“La normalización del genocidio en Gaza en insoportable”, fue el mensaje que la artista Tania Blanco escribió en las pancartas con las que se unió a una serie de marchas convocadas en Londres para apoyar a Palestina. La pintora española está siendo uno de los nombres más comentados de ARCO, la Feria de Arte contemporáneo más importante de España, que se está celebrando esta semana en Madrid. El motivo: sus obras Autorretrato de periodista palestina trabajando en Gaza y Hallamar. Dos piezas expuestas de forma conjunta en la galería FormatoComodo, con los que pretende romper con el relato que existe sobre la población palestina.

“Se habla de las vidas palestinas como algo genérico y creo que no se termina de comprender que abarca todo tipo de vidas humanas, tanto femeninas como masculinas, e infantiles. Gente con todo tipo de vulnerabilidades”, explica a elDiario.es.

Que las protagonistas de sus piezas sean dos mujeres tampoco ha sido una elección casual. “Ellas son especialmente vulnerables. Cuando se tratan los números, no se ve a las personas. La palabra 'palestinos' queda como si fueran algo abstracto, y son personas”, comenta. También defiende que “desde el arte había que subrayar algo tan monstruoso como lo que se ha estado y se sigue viviendo ahí”. “Ese es el punto de partida, trasladar mi activismo a la intimidad”, en este caso de su estudio, en el que realizó estas dos obras: “Quería salir del ruido de las marchas y las protestas, y tener este momento de calma y de empatía, sentir ese drama de otra manera”.

La primera protagonista de sus piezas es la cineasta, activista y periodista palestina Bisan Owda, que desde el inicio del genocidio israelí, se ha convertido en una de las voces más destacadas a la hora de transmitir la realidad en la que viven los palestinos en Gaza. El año pasado ganó un premio Emmy de Noticias y Documentales por su reportaje Soy Bisan, desde Gaza, y aún estoy viva, que publicó en la plataforma AJ+.

Tania Blanco intentó ponerse en contacto con ella, pero no fue posible, así que decidió buscar entre sus propias fotografías para tomar una de ellas como punto de partida de su cuadro. Eligió una que la periodista se había hecho a sí misma en una calle de Gaza completamente en ruinas: “Traté de ser lo más fiel a su composición. Mi intervención ha sido más bien a nivel de luces y la paleta cromática. En la manera de construir los volúmenes en las pinceladas, las veladuras”, describe sobre su trabajo.

De la Palestina fértil a la destruida

La segunda pintura es Hamallar, que toma como título el nombre de la mujer que retrata Rallamah, al revés, en un guiño a una práctica que llevaba a cabo Leonardo Da Vinci. Para ella usó una fotografía tomada entre finales del siglo XIX y principios del XX. “Probablemente, pertenece a la época en la que llegaron los primeros colonos a la Palestina donde había un paisaje de paz. Lejos de la barbarie que escenificó en la Nakba en 1948”, comenta la autora. En ese periodo, los colonos contaban con la tecnología fotográfica que les permitió tomar la instantánea utilizada, y que posteriormente fue coloreada.

“Quería mostrar el contraste entre una Palestina fértil, exuberante y la actual”, señala. Su protagonista está vestida con los bordados típicos palestinos, el tatreez; y una chaqueta realizada a partir de la técnica tahiri, que usaba cuerda enlazada para generar dibujos ornamentados. La Ramallah que da título al cuadro es en realidad una mujer anónima. “Le he puesto nombre para quitarle el mismo grado de anonimato con el que cuentan los números de palestinos asesinados. Ponerles nombre y materializarlo en un cuadro, darle una segunda vida a esa fotografía”, explica.

Tania Blanco destaca que el material con el que fue tomada la fotografía, gelatina de plata, fue relevante a la hora de querer darle una segunda vida en su pieza, por cómo “la documentación histórica de Palestina se desvanece en el mundo digital. Quería darle materialidad a través del mundo pictórico”.

Arte crudo, incómodo, espinoso

La artista lamenta que el contexto actual esté regido por “muchísima hipocresía a nivel política y mediático, la gran parte de los medios responden a lo que los poderes oligárquicos hegemónicos dictan porque los medios son también medios de propaganda, y no tanto de información”. En contra de ello, “el arte es una vía, un territorio donde hay más libertad”.

“Cada artista elige de qué manera aborda su trabajo y habla de su tiempo, de cuestiones más íntimas y personales. Cada uno decide vivir más dentro de una burbuja de creación o si te lanzas a hablar de cosas más incómodas”, valora. En su caso ha optado por la vía “más cruda, quizás más incómoda, que te complica un poco más el camino”. Una opción que, reconoce, le da “sentido” a su vida: “Si no lo hiciera así, me sentiría mal. Ya que he decidido vivir en la austeridad y un camino un poco más espinoso, por lo menos voy a hablar con libertad de las cosas que me preocupan y sentirme en diálogo con los tiempos que vivimos”.

Por qué hablar de Gaza

Sin pasar por alto que existen más genocidios además del que se está dando en Gaza, Tania Blanco explica que quiso hablar este por “lo flagrante y peligroso” que está siendo: “Es el primero que se retransmite en vivo y en directo. La comunicación visual e informativa llega a tantos millones de personas como nunca ha sucedido, por la presencia de los móviles y de las redes sociales”.

Para la artista es “sumamente grave” la manera en la que “se ha normalizado que Estados Unidos y la élite sionista israelí sigan pudiendo masacrar y asesinar, y que se sigan vendiendo armas, por mucho que el Gobierno español diga que no, se está haciendo tanto aquí como en otros lugares europeos. Es tan grave que me parece imposible no hablar de eso ahora”. La valenciana recuerda que en España somos “afortunados” por no haber nacido en Palestina. “Cualquiera podríamos haber nacido allí, estar atrapados ahí, estar muertos bajo las ruinas”, advierte.

También recuerda que cuando decidió estudiar Bellas Artes en Valencia no pensaba que, años después, estaría haciendo obras como las que ha presentado en ARCO. Entonces ya había “asedio, agresión israelí y proyecto colonialista”. Sin embargo, no podía vislumbrar el “nivel de monstruosidad” alcanzado, y que “se considere antisemita defender el derecho de una población a existir y a vivir en su tierra, cuando en realidad lo más antisemita que está sucediendo es lo que está haciendo Israel”.

La feria de arte contemporáneo más importante de las que se celebran al año en España ya está en marcha. Decenas de galerías exponen lo que sirve de termómetro para medir el estado de la creación nacional y lo que llega de fuera en ARCO 2025.

Como todos los años, el evento viene acompañado de algunas polémicas como la obra 7.291 en referencia a las muertes en residencias madrileñas durante la pandemia.

ARCO se desarrolla en Ifema hasta el domingo, con entrada para el público general a partir de este viernes. Más información sobre horarios y entradas, en este enlace.

Y aquí debajo, algunas de sus obras más destacadas.

Isabel Díaz Ayuso ha acudido este miércoles a la inauguración de ARCO 2025, la Feria de Arte Contemporáneo más importante de España, que mantendrá sus puertas abiertas hasta el próximo domingo 9 de marzo. La presidenta de la Comunidad de Madrid ha obviado en su recorrido la obra de Ramón Mateos 7.291, que hace referencia a los muertos en las residencias durante la pandemia. Tampoco el resto de la comitiva con la que ha realizado su visita a ARCO, formada por los reyes de España, el ministro de Cultura Ernest Urtasun, el alcalde de la ciudad José Luis Martínez-Almeida y el Secretario de Estado de Cultura Jordi Martí, entre otros.

El autor de la pieza valorada en 15.000 euros, Ramón Mateos, lleva tiempo trabajando con datos y cifras en sus creaciones, como así muestra su políptico CRISIS realizado en 2024 –expuesto igualmente en ARCO–, que recoge, mediante fechas, todas las crisis financieras de la historia, desde la primera en 1637 hasta la actualidad: más de 20 en apenas 400 años, con las que plantea el interrogante: “¿Acaso no son provocadas por el propio sistema capitalista como mecanismo de fortalecimiento y autorregulación?”. Delante de ella se sitúa en el stand de la galería española 7.291, una cortina realizada con cadenas de color negro sobre las que están impresas, en blanco, el citado número. Una obra de la que Ayuso ha decidido pasar de largo y sobre la que no ha realizado ninguna mención.

“Veníamos a IFEMA cinco años después de la pandemia y me parecía importante hacer una reflexión alrededor de cosas que han sucedido en nuestro entorno más inmediato”, reconoce el artista. Ramón Mateos incide en que la sede de ARCO es precisamente el espacio que el Gobierno de Ayuso transformó en un hospital durante la crisis sanitaria del COVID-19. También cita a Bertold Brecht: “Decía que el arte no es un espejo que refleja la sociedad, que es más bien un martillo que nos ayuda a configurarlo y a darle forma”.

El creador madrileño apoya su postura, ya que para él, la labor de los artistas, que trabajan con “capital simbólico”, pasa por “ayuda a analizar y a tener en la cabeza qué ha pasado en nuestro entorno”. “Pasar por aquí sin recordar a gente que perdió la vida en situaciones muy dramáticas me parecía que sería una cosa un poco rara”, valora.

Ramón Mateos indica que, dentro de este contexto, consideró que esta cifra era en sí “muy imponente”, aunque de inmediato duda. “No sé si será así, porque hay esta sensación de que no ha cambiado nada. Esta mujer sigue”, recuerda haciendo referencia a Ayuso. 7.291 no es la única cifra que dejó la crisis sanitaria del COVID-19, pero Ramón Mateos aclara que la eligió porque “hace referencia a una cuestión que ha pasado en Madrid y que tiene que ver con una serie de decisiones políticas”.

“No ha ocurrido sobre algo que nos ha sobrevenido y sabemos por qué, sino que hay quien tiene una responsabilidad política, que toma decisiones sobre nuestras vidas, que nos afectan y que ha tenido unas consecuencias muy tristes y brutales”, argumenta. Aun así, asegura que no quiere “juzgar qué era lo que se tenía que hacer”.

El trabajo de los artistas, que trabajamos con capital simbólico, es ayudar a analizar y a tener en la cabeza qué ha pasado en nuestro entorno. Pasar por aquí sin recordar a gente que perdió la vida en situaciones muy dramáticas me parecía un poco raro

Ramón Mateos — Autor de la obra '7.921'

Preguntado por la posible visita de Ayuso a la galería, el artista señalaba que no tendría “ningún problema” en explicarle su creación a la presidenta de la Comunidad de Madrid. “Esto no es una cosa que vaya contra nadie en concreto. Cuando uno tiene un cargo de responsabilidad, también está por parte de nosotros como sociedad poner en cuestión las decisiones que se han tomado”, apunta. En cualquier caso, la líder del PP no le ha dado opción de comentarle su trabajo.

Cifras que se desgastan en la memoria

El autor, que ha reflexionado en varias de sus obras respecto a las cifras, considera que son algo que “ayuda a entender y clarificar” lo que ocurre alrededor, pero “al mismo tiempo es la cosa más fácil de olvidar. Igual que aparece, desaparece”. Y cita como ejemplo el número de personas que perdieron la vida cruzando en 2004 el Mediterráneo, desde el norte de África a Europa: “Salió un día en prensa y desapareció, y eso que son los datos más abultados desde que existen registros”.

Ramón Mateos quiso representar esta dualidad insertando el número dentro de una cortina. “Este mecanismo que nos permite ir al otro lado y que, de alguna manera, también lo vamos desgastando con el uso, como hacemos con la propia memoria; a fuerza de usarla, o de contarla, se va desvaneciendo y la vamos perdiendo. Por eso me parecía una buena forma de contarlo”, comenta. Y defiende que crearla para la Feria de Arte Contemporáneo no responde a “una frivolidad, una cosa gratuita, ni oportunismo”. Al contrario, sostiene que este es un momento “importante” para recordar que “estas cosas pasan y han pasado”.

“A la clase política no le interesa el arte”

Angustias Freijo, dueña de la galería madrileña que alberga la obra de Ramón Mateos, opina que “no” cree que a Ayuso le “guste el arte, porque a la clase política no es aficionada al arte”. “Creo que el último que sí tuvo interés fue don Manuel Azaña, y creo que han pasado cien años. Ese es el panorama que tenemos”, lamenta. En su galería está expuesta también la obra de Rocío Garriga, Concha Jerez y Olalla Gómez. Artistas y piezas que no han formado parte de la visita a ARCO 2025 de la presidenta de la Comunidad de Madrid. Eso sí, todavía quedan por delante cuatro días de Feria, en los que la líder del PP estaría a tiempo de adquirir la obra 7.291, que está valorada en 15.000 euros.

ARCOmadrid 2025 arranca este miércoles 5 de marzo y se celebrará hasta el domingo 9 de marzo. La inauguración oficial de esta 44ª edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, organizada por Ifema Madrid, tiene lugar este mismo miércoles, a las 18.00 horas. Mientras que ARCO dedicará las tres primeras jornadas exclusivamente a coleccionistas y profesionales, será el viernes 7 de marzo cuando madrileños y resto de visitantes podrán visitar la feria a partir de las 15.00 horas. Aquí puedes consultar toda la información sobre la venta de entradas y pases del evento.

Participantes en ARCO 2025

Un total de 206 galerías de hasta 36 países convertirán a Madrid en capital internacional del arte contemporáneo. En esta edición, el programa general viene integrado por 178 galerías, a las que se suman las secciones comisariadas. Entre ellas se encuentra Wametisé: ideas para un amazofuturismo que, precisamente, este año ha sido elegida como tema central de la feria. El programa comisariado por Denilson Baniwa y María Wills, en colaboración con el Institute for Postnatural Studies, cuenta con la presencia de 15 galerías de seis países y reflexiona sobre nuevos modos de creación que representan existencias híbridas entre cuerpos humanos, vegetales, físicos y metafísicos.

Además, durante este fin de semana en los pabellones número 7 y 9 del Recinto Ferial de Ifema, se podrán contemplar otras secciones como Opening. Nuevas galerías, que acogerá una selección de galerías de menos de 7 años, realizada por Cristina Anglada y Anissa Touati. También el proyecto Perfiles, Arte Latinoamericano, comisariado por José Esparza Chong Cuy, seguirá reforzando el vínculo histórico entre ARCOmadrid y el arte latinoamericano, que representa más del 32% de la presencia extranjera.

Entradas y horarios de ARCO 2025

Madrileños y visitantes podrán acceder el viernes 7 de marzo al recinto ferial desde las 15:00 horas hasta las 19:30 horas. Los asistentes podrán permanecer en el evento hasta las 20:00 horas, hora a la que se deberá abandonar el lugar. Sin embargo, en las jornadas del sábado y del domingo, la aperturá al público se adelantará a las 12:00. En cuanto a la hora de cierre, mientras que el sábado Ifema mantendrá sus puertas abiertas hasta las 20:00 horas, el domingo lo hará hasta las 18:00 horas.

En cuanto a la compra de entradas, en la página web de ARCO 2025 podrás adquirir tu pase o entrada dependiendo del tipo de visitante. En este enlace puedes adquirir tu entrada. También es posible la compra de la entrada en las taquillas del recinto, aunque tendrán un recargo del 30% sobre su precio de venta.

La entrada es válida para una persona y un día. Los distintos precios de las entradas son los siguientes:

Una vez adquirida la entrada, los visitantes podrán presentar el pase o entrada de manera digital o impreso en el acceso a los pabellones 7 y 9. Es importante tener en cuenta que aquellos que disfruten de una tarifa reducida deben presentar la documentación correspondiente para poder acceder a la feria.

En el caso de la venta de entradas que incluyen catálogo, puedes recoger el tuyo al dirigirte al punto de información del pabellón 9 mostrando tu entrada. Para más información práctica, la organización también informa de que queda prohibido el acceso de animales al recinto de Ifema excepto la entrada de perros de asistencia o, en su caso, aquellas establecidas por Ifema MADRID según el evento.

Además, no se permite acceder a los pabellones con maletas, paraguas, paquetes o mochilas. Estos deberán dejarse en los depósitos gratuitos específicos que se podrán encontrar señalizados en las entradas de los pabellones. También se preavisa de que el interior de los bolsos de mano y bolsas podrán ser inspeccionados por el equipo de seguridad a la entrada y salida de la feria.

Programa para el viernes 7 de marzo

El viernes 7 de marzo será cuando esta edición de la feria de arte más famosa de España abra sus puertas al público a las 15:00 horas. Sin embargo, otros actos se celebrarán por la mañana exclusivamente para profesionales. De forma paralela a la apertura, a las 15.00 horas, se celebrará el Foro Wametisé en el pabellón número 7 de Ifema mientras que a la misma hora también se podrá asistir al Foro del Premio ARCO/BEEP al New Art Centre: Un caso de éxito de Arco en el fomento del coleccionismo. Este último tendrá lugar en el Auditorio Foro, dentro del pabellón 9, y contará con la participación de Eduardo Kac, ganador de la primera edición del Premio ARCO/BEEP de Arte Electrónico.

Además, a las 16:00 horas será el turno del Foro Arco Entrevistas: Miradas cruzadas, contextos múltiples on Martí Manen también en el pabellón 9. Durante la tarde del viernes, destaca la presentación del programa “Obra Abierta 2025” y de la exposición “Singular es Plural”, ambas convocadas a las 18:00 horas en la sala AVWL (A Very Welcoming Lounge). Algunos de los participantes son Pilar Garcia Ceballes-Zuñiga, la presidenta de la Fundación Maya Extremadura, o Francisco Carpio, el comisario.

Programa para el sábado 8 de marzo

En los actos programados para el sábado 8 de marzo, destacan los foros Wametisé y Peakers' Corner. A lo largo de la tarde del sábado se celebrarán distintos pases de ambos. Abrirá el foro Wametisé con Ideas para un amazofuturismo. Conversación el cruce entre el arte, la cultura, representación. El evento comenzará a las 16:30 horas en el auditorio #amazofuturismo, en el pabellón 7, y entre los participantes estarán Vânia Leah, José Roca, Synnove Urgilez, Aycoobo.

A este le seguirá el foro Speakers' Corner. Ogami Press a las 17:00 en el auditorio Forto, pabellón 9. Se destaca la asistencia de Juan Lara, director de Ogami Press o Eduardo Nave, artista. En esta misma línea, será Speaker's Corner quien se encargue de cerrar la jornada del sábado con el foro Museo Universidad de Navarra, que contará con la colaboración de Ignacio Migueliz, Valentín Vallhonrat o Jaime García del Barrio.

Pograma para el domingo 9 de marzo

En la última jornada de ARCOmadrid 2025, los visitantes podrán acceder al recinto a partir de las 12:00 horas siendo las 17:30 la hora límite para poder entrar. Será la presentación de la videoteca de Castilla-La Mancha el acto que inaugurará la programación del domingo y que se celebrará a las 12:30 horas en la sala 44, del pabellón 9. A la presentación acudirán Emiliano Garcia Page, presidente de Castilla-La Mancha, o Amador Pastor Noheda, consejero de Educación, Cultura y Deportes de la Junta de la comunidad manchega.

Durante todo el día del domingo habrá diferentes pases para el foro Speakers' Corner desde las 12:30 hasta las 17:30. Los diferentes foros se celebrarán cada 30 minutos hasta que finalmente ARCOmadrid 2025 cierre sus piertas un año más, esta vez con el Museo de Bellas Artes de Oviedo en el pabellón número 9 con Blanca de la Torre, head curator de Helsinki Biennial, Finlandia; Lucía García, director IMAL en Bélgica, y Noemi Iglesias Barrios, artista.

Las 71 galerías españolas presentes en ARCO 2025 han apagado sus luces durante diez minutos en la mañana de este miércoles 5 de marzo. El apagón ha coincidido con la inauguración de Feria de Arte Contemporáneo, que mantendrá sus puertas abiertas hasta el próximo domingo, día 9, en el recinto IFEMA de Madrid. Desde el Consorcio que reúne a estas colecciones explican que con esta acción quieren visibilizar la “discriminación” que sufren al no poder aplicar un IVA reducido. Actualmente, está en un 21%, a diferencia del que se aplica al resto de distribuidores de otros ámbitos de la cultura, como las salas de cine, teatro o conciertos, que tienen un 10%. Para los libros es de un 4%.

También les sitúa en detrimento de las numerosas galerías procedentes de países europeos presentes igualmente en ARCO, en las que el IVA varía en función de la legislación de cada país. En Francia está en un 5,5% y en Alemania en un 7%. Fuentes del Consorcio español comentan que quieren, “como mínimo, que se reduzca al 10%. Aunque cuanto más se rebaje, mejor”.

La bajada del IVA cultural es una reclamación que las galerías españolas llevan años pidiendo, y que el ministro de Cultura Ernest Urtasun se comprometió a implementar en su visita a ARCO 2024. “En estos momentos, no tenemos para la compra de arte contemporáneo un IVA reducido como tienen otros países de la Unión Europea. Y les he trasladado que soy sensible a esta reivindicación y el compromiso de este Ministerio para ver con Hacienda cómo podemos avanzar en esa dirección”, declaró.

Desde entonces, los stands españoles han mantenido “muchísimas reuniones” con el Ministerio de Cultura y el de Hacienda, pero no se ha tomado ninguna medida ni producido ninguna mejora. “Hasta ahora no ha habido nada que nos dé tranquilidad para decir que indudablemente se vayan a incorporar los beneficios fiscales al mercado del arte y al galerismo. Por eso seguimos reivindicándolo, porque no tenemos nada garantizado”, argumenta Iñigo Navarro, de la Galería Leandro Navarro.

Olga Adelantado, de la Galería Luis Adelantado, es la vicepresidenta del Consorcio, e insiste en que esta es “una lucha histórica”. “Nos hemos reunido con todos los que nos teníamos que reunir y todo son largas, nada en concreto”, critica. Sobre el apagón, en el que la falta de luz de los stands nacionales ha contrastado con la luminosidad de los internacionales, señala: “Se ve ese vacío, esa oscuridad de las galerías españolas con respecto a la gran y cada vez más mayoría de galerías extranjeras que vienen a disfrutar de tener ellos un IVA más reducido que el nuestro”.

“Nos perjudica a todos, a los artistas, y a las galerías. No vendemos objetos, representamos a artistas que necesitan ser competitivos a nivel internacional”, reivindica. “No estamos pidiendo algo que no se pueda hacer porque hay una normativa europea que lo plantea”, incide haciendo referencia a la Directiva (UE) 2022/542, relativa al IVA en lo que respecta a los tipos impositivos que pueden aprobar los Estados miembros.

“Ya no podemos más con este tema, es muy complicado tener un IVA de un 21% cuando las galerías francesas tienen un 5,5% y las alemanas un 7%”, explica Angustias Freijo, directora y propietaria de la Galería Freijo. Su colección alberga este año con una de las piezas más polémicas de la muestra, realizada por el español Ramón Mateos, formada por un 7.291 –el número de muertes en residencias en Madrid durante la pandemia–, tejido sobre una cortina de cadenas de color negro.