La Berlinale ha estado marcada, de nuevo, por el genocidio en Palestina. La negativa del certamen a condenarlo desde hace tres años y las palabras del presidente del jurado, Wim Wenders, asegurando el primer día de festival que el cine debe “mantenerse al margen de la política”, encendió de nuevo un fuego que se ha extendido hasta su clausura. Por el camino, cancelaciones de visitas por este motivo, cartas de cineastas y actores quejándose de la actitud de la Berlinale y una edición sepultada por la polémica y la tensión que ha coronado al director alemán de origen turco Ilker Çatac con el Oso de Oro por Yellow Letters.

Una decisión irónica la del jurado, ya que la película plantea precisamente el debate sobre mojarse políticamente o no y sus consecuencias en un mundo donde los totalitarismos campan a sus anchas. Çatac plantea una Alemania que es un trampantojo de Turquía y cuenta cómo la decisión sobre hasta dónde posicionarse contra el gobierno puede ser una fractura en una familia de artistas. Es curioso que si el cine debe mantenerse alejado de la política se haya premiado a un filme que hace radicalmente lo contrario. 

Eso sí, el cineasta no quiso mojarse al recoger el premio. Dijo que había escrito un discurso político, pero que mejor se lo dedicaba a los “héroes” que habían hecho posible la película. Su productor abogó por rebajar la tensión diciendo que los cineastas no deben luchar entre ellos, porque “la amenaza está fuera, es la derecha que llega al poder”. “Luchemos contra ellos, no contra nosotros”, zanjó. Poco antes, Wim Wenders había continuado su mensaje del primer día defendiendo “el lenguaje del cine” frente al de las redes sociales. 

La tensión que se notó en la clausura estuvo desde el primer minuto, cuando la presidenta del festival reconoció que había sido un año complicado, pero que las críticas “significan que lo que hacemos le importa a la gente”.“Respetamos a quienes se pronuncian, porque a veces hace falta mucho valor para hacerlo. No siempre estamos de acuerdo con cada afirmación que se hace sobre nosotros. Pero de lo que estoy realmente, realmente orgullosa es de que, durante estos diez días, el Festival Internacional de Cine de Berlín ha seguido siendo lo que se propuso ser: un lugar donde la gente se reúne en público y donde todos son bienvenidos, más allá de sus diferencias”, añadió.

Tras sus palabras, varios de los premiados (no en la Sección Oficial) si aprovecharon para mostrar su rechazo a la posición oficial de la Berlinale y de su jurado. Marie-Rose Osta, que logró el premio al mejor cortometraje por un trabajo en donde plantea una fábula sobre dos niños palestinos con poderes para derribar aviones israelís. “En realidad, los niños de Gaza, de toda Palestina y de mi Líbano no tienen superpoderes que los protejan de las bombas israelíes. Ningún niño debería necesitar superpoderes para sobrevivir a un genocidio potenciado por el derecho de veto y el colapso del derecho internacional”, dijo al recoger su galardón.

El momento más tenso fue cuando el cineasta palestino-sirio Abdallah Alkhatib, que ganó el premio a la mejor Ópera Prima por Chronicles From the Siege acusó al Gobierno alemán de ser “cómplice del genocidio por parte de Israel” en la Franja de Gaza. “Algunas personas me dijeron que quizá debía tener cuidado antes de decir lo que voy a decir ahora, porque soy refugiado en Alemania y hay muchas líneas rojas. Pero no me importa. Me importa mi pueblo, me importa Palestina. Así que dirijo mis últimas palabras al gobierno alemán: ustedes son cómplices del genocidio en Gaza por parte de Israel”, aseveró y acabó su discurso diciendo: “Creo que son lo suficientemente inteligentes como para reconocer esta verdad, pero eligen no hacerlo. Palestina libre, desde ahora y hasta el fin del mundo”.

Tras sus palabras, y con el recuerdo de hace dos años cuando el alcalde de la ciudad dijo que la ceremonia había sido antisemita por el discurso de los directores del documental No other land, la moderadora de la gala, la actriz Désirée Nosbusch tuvo que intervenir: “El cine a menudo refleja los conflictos de nuestro mundo y, por supuesto, también el profundo dolor que tememos y que sentimos. Estas son las voces de los artistas y los cineastas. Y eso no necesariamente refleja la postura del Festival Internacional de Cine de Berlín como institución”.

Más allá de las polémicas, el palmarés de la Sección Oficial dejó premios para varias de las favoritas. Queen at sea se llevó el Premio del jurado para Lance Hammer y de mejores interpretaciones de reparto para Anna Calder-Marshall y Tom Courtney. Sandra Huller, protagonista de Anatomía de una caída y La zona de interés, ganó el de Mejor interpretación protagonista por Rose. Nina Roza, una de las películas mejor recibidas del certamen, logró el premio al Mejor guion.

Sorprendieron más los Osos de Plata a Mejor dirección para Grant Gee por Everyone Digs Bill Evans y el Gran Premio del Jurado para Salvation. Sobre todo porque habían dejado fuera a dos de las películas que más habían gustado: Moscas, de Fernando Eimbcke, y We are all strangers, de Anthony Chen. El mexicano recogía la mañana del sábado el premio del jurado ecuménico, y quizás sabiendo que no subiría al escenario más tarde aprovechó para denunciar el genocidio en Gaza y volver a remarcar que el cine, diga lo que diga la Berlinale, es político. 

Cuando un proyecto une la calidad a unos valores que representan a quienes los hacen se produce una alineación de planetas. Se nota que eso ocurre en Ravalear. La serie de Pol Rodríguez basada en la historia real del restaurante de sus padres en el Raval, que fue adquirido por un fondo buitre, se ha convertido en una ficción que mira de forma clínica el problema de la vivienda. Lo hace con ritmo, fuerza, sin maniqueísmos y contando lo que no se suele contar.

Y se nota que todo el mundo cree en el proyecto y está contento con lo que han hecho. Los primeros, sus intérpretes. En la Berlinale estuvieron todos como una familia (lo son en la ficción), disfrutando de ser la primera serie española en estar en el certamen. Se notaba también en las entrevistas. Enric Auquer y María Rodríguez Soto son dos de los protagonistas —y dos de los mejores actores de su generación—, y ellos mismos encarnan el compromiso que se desprende de la serie con esta problemática. Auquer está afiliado al Sindicat de Llogateres y, cuando recogió el año pasado el premio Gaudí, pidió solidaridad para pasar un desahucio.

¿Sabían cuando leyeron el guion que estaba basado en la historia del director Pol Rodríguez?, ¿cómo cambió eso su percepción?

María Rodríguez Soto: A mí me pasó una cosa muy curiosa, que es que yo había comido en Can Lluís y me lo había pasado superbién allí, pero no sabía que había pasado esto después de la pandemia. Y cuando me llegó la serie y lo leí, dije, “guau, qué fuerte y qué bien que lo ha explicado”. Pensé que qué suerte formar parte de esto, la verdad.

Enric Auquer: Sí, yo lo fui entendiendo cada vez más. Tú vas oyendo en las noticias no sé cuántos desahucios y ya parece que es como si ayer llovió. Pero de repente te pones pragmático y dices, pobre gente, que ha perdido un restaurante. Pero vas entrando y entrando, y vas viendo, y es lo que fui entendiendo. Ha sido un viaje muy bonito porque Pol lo explica muy bien, es muy sensible, se va abriendo poco a poco, y vas viendo el dolor que ha generado todo eso.

La serie muestra las interioridades y todas las aristas que acompañan a un desahucio y en un proceso como este. ¿Este trabajo les ha hecho ser más o menos optimista con lo que está pasando con la vivienda?

M.R.S.: Creo que nuestra cara lo dice todo. Hay algo que nos está comiendo y que es muy incontrolable, que no tiene nada que ver seguramente con la clase de la que nosotros formamos parte, que es una cosa llamada capitalismo y que está por encima de nosotros y que no tiene nada que ver ni con Barcelona, ni con Madrid, ni con Berlín, que está en el mundo entero. Y luego también hay algo muy bonito, de comunidad, y hay una esperanza en eso. Y aunque el monstruo sea tan grande, que siga habiendo esperanza es muy importante, y no nos podemos desconectar de ahí.

E.A.: Yo veo que hay organizaciones. Yo estoy afiliado al Sindicat de Llogateres (el Sindicato de Inquilinas) y veo lo que se va haciendo y creo que hay esperanza si la gente hace cosas. Pero la cosa es tan perversa que hay esa sensación, estas lógicas aplastantes del relato que nos damos, que parece que si una persona ofrece más dinero por algo, tiene más derecho porque así funciona el sistema y el mercado. Y esto es un drama. Es que parece que aunque tú hayas contribuido desde hace casi 100 años a la comunidad con un establecimiento que tiene un valor sentimental, personal y colectivo, eso no tiene ningún valor porque solo tiene valor el dinero, y eso es perverso. 

Creo que tendríamos que ir cogiendo conciencia, porque está ese discurso de que el mercado se regula a sí mismo y eso es el dogma del capitalismo. Pero pensemos, ¿qué comunidades queremos generar?, ¿qué ciudades de futuro? Tanto tú, persona millonaria que tienes 15 pisos, como yo. Creo que el capitalismo, desde que yo estoy vivo, ha ido avanzando tanto que o cogen conciencia los que tienen poder o no sé.

Es que es heavy cómo han conseguido que nos dé más miedo que nos puedan okupar la casa que los fondos buitre

María Rodríguez Soto — Actriz

M.R.S.: Es que es heavy cómo han conseguido que nos dé más miedo que nos puedan okupar la casa que los fondos buitres. Hay una disociación muy heavy entre la realidad que está pasando y quien está haciendo de la vivienda un bien de mercado. Hay algo que han conseguido hacer muy bien, y es que han cambiado el foco del miedo.

E.A.: Es que no hay un interés colectivo. Es que cómo pueden ser tan perversos que generáis algo no sostenible, que ya no se puede sostener ni para ti ni para mí ni para nadie. Estiráis tanto el chicle, hijos de puta. Lo estiráis tanto, que lo reventáis todo. Hay que ir con cuidado, y si no tendría que haber un estado responsable, un gobierno que sea responsable y que regule la vivienda. Es que cabrea mucho. Yo veo una de sufrimiento a mi alrededor y un mal vivir que es como…

M.R.S.: Y la impunidad de seguir haciendo eso y que les dé igual.

Sus personajes hacen un acto de rebelión porque no les están protegiendo, pero también están en una situación de privilegio frente a otras muchas personas que no pueden ni siquiera plantearse esa rebelión.

M.R.S.: De eso va la serie en el fondo, de ver todos los sustratos de la sociedad y cómo ellos se aprovechan de nosotros, pero nosotros nos podemos aprovechar de gente que está por debajo de nosotros. Es que es como funciona el mundo, o como nos han hecho creer que funciona el mundo. Y aquí está el debate y hay que ponerlo sobre la mesa y ser consciente siempre del privilegio que tienes. Es difícil, pero creo que es un deber.

E.A.: La familia de Pol tuvo esa situación y perdieron. Hay un momento en que aceptas y dices: pues ya está. Y ahí hay un desastre familiar, un duelo, una tristeza. Esta serie plantea qué pasaría si no te rindes, si llevas esto hasta sus últimas consecuencias. Ahí está la chispa de la serie. Y luego preguntarnos hasta dónde somos capaces, qué legitimamos en esa lucha contra una persona que tiene más poder que tú. Y cómo, como espectador, también no eres muchas veces consciente del privilegio que tienes. Nos pasa mucho en Occidente, que te puedes sentir oprimido por unas élites, pero luego hay personas con menos privilegios y tú estás ejerciendo el tuyo. Es lo que plantea la serie.

Creo que han participado muchas asociaciones del Raval, mucho tejido social, ¿cómo ha sido introducirles, se han sentido parte de una serie que estaba también apostando por formas distintas de trabajar?

M.R.S.: Pues ha sido superenriquecedor. Creo que también es uno de los grandes aciertos de esta serie, que todo el mundo forme parte de ella. A veces pasa que cuando juntas actores profesionales y actores no profesionales hay un decalaje, pero aquí ha habido una escucha muy recíproca, muy sencilla y que nos hemos puesto todos en un tono. Y eso tiene mucho que ver también en cómo ruedan. Es que las cámaras a veces ni las veíamos.

E.A.: Al final es una serie con una voluntad política muy grande y creo que está bien incorporar voces distintas, disidentes o que incluso no están del todo de acuerdo con la serie. Intentar escuchar a todos. Hay también una voluntad política en, si estamos hablando de esto, pues pasar el guion a sindicatos distintos, hablar con organizaciones del barrio… y creo que esto era importante. Seguramente no ha sido perfecto y seguramente habrá gente que se sentirá marginada o que no se sentirá representada.

¿Con qué les gustaría que se quedara la gente de Ravalear?, ¿puede generar algo en la sociedad?

M.R.S.: Ojalá genere un cambio. Es complicado, pero yo creo que poner este tema encima de la mesa y que trascienda más allá de ver la serie con tus amigos o con tu pareja o con quien sea, y que quizá una conciencia se abra. Yo con eso ya me quedo un poco contenta, la verdad.

E.A.: Yo creo que las series no cambian nada. Que la gente se lo pase muy bien y que tenga un referente de algo, que sepa que existen cosas y que cuando sienta la injusticia en su propia carne, diga, voy a volver a ver esa serie, me voy a reunir con alguna asociación que tenga recursos como para poder acompañarme. A veces en la militancia la gente no sabe muy bien dónde acudir o están muy individualizados o el colectivo ha dejado de estar en su vida o se siente solo. 

Entonces, sobre todo, que se lo pasen bien y que cojan un cabreo. Hay algo muy triste en esta serie, y es que acabas y dices joder, todo este lío por esta mierda, por cuatro duros. Hay algo de un poco de asco. No quiero ser nihilista, creo que es una serie que tiene su luz también, y eso me gusta, porque no es un relato derrotista ni nihilista.

Entrevista completa

El director Pol Rodríguez (codirector junto a Isaki Lacuesta de Segundo Premio) creció entre fogones. Los del restaurante familiar en el que durante 90 años toda su familia trabajó dando de comer a la gente que se acercaba por un sitio que se convirtió en emblema del Raval. Por allí pasaba desde cualquier vecino del barrio hasta círculos intelectuales del entorno barcelonés, como José Luis Guerín o Joaquim Jordà. Lo que pasó a aquella casa de comidas podría haber sido una trama de En construcción, el documental de Guerín que en 2001 mostró el comienzo de la gentrificación en aquel barrio.

Un fondo buitre compró el edificio y logró que la familia de Rodríguez tuviera que dejar aquel lugar en el que habían crecido y pasado toda su vida. Aquella historia, que funciona como ejemplo paradigmático de la turistificación de Barcelona y de otras ciudades y del problema de la vivienda en España, se ha convertido en una serie creada y dirigida por el propio Pol Rodríguez junto a su amigo Isaki Lacuesta. Una serie con la que, además, se cierra un círculo. Fue en esa casa de comidas donde conoció a Jordá, comenzó a trabajar de ayudante de dirección con él, y ahí se encontró con Isaki Lacuesta, con quien ahora firma la serie.

Ravalear, que así se llama la serie, se ha proyectado en el Festival de Berlín, donde ha desvelado sus dos primeros episodios. Dos capítulos que apuntan a que estamos ante una de las series del año. Una ficción donde la realidad se cuela, donde incluso parece que hay partes grabadas con cámara oculta en el Raval, y con un toque de guerrilla que se cuela en este ejercicio de estilo creado a golpe de montaje, banda sonora y unas interpretaciones excelentes de un cast comandado por tres de los mejores actores de su generación: Enric Auquer, María Rodríguez Soto y un Quim Ávila al que le deberían empezar a llover los papeles.

Auquer se convierte, de alguna forma, en un trampantojo del propio Rodríguez en la serie. Un joven que ve cómo el sueño de sus padres de comprar por fin el restaurante que durante décadas han alquilado y han regentado se desvanece por el engaño de un fondo buitre que les deja tirados, y vende el local (y todo el edificio al mejor postor). Ravalear muestra la realidad del mercado inmobiliario, las tretas de las empresas para echar a los inquilinos y las consecuencias en el tejido social y en los barrios de todo ello. Podría, de hecho, ser la secuela espiritual de aquella En construcción que citábamos.

Hasta Berlín ha venido la familia de la ficción y Pol Rodríguez, que se mostraba emocionado y nervioso por compartir una historia que, de alguna forma, es la suya. De hecho, también ha venido su familia real, sus padres, que confesaban que cuando vieron la serie terminada se emocionaron al ver tantos recuerdos allí plasmados. Rodríguez cree que en esta serie hay algo de “venganza”, pero también de “sanación”.

Lo que hay es una clara mirada a un problema que nos atañe a todos y que expulsa a la gente de las ciudades para ponerlas al servicio de fondos buitre y turistas. Aclara también que está “inspirado” en lo que pasó en su familia. “Tuvimos un restaurante en el barrio del Raval durante 90 años, y en el 2021 tuvimos que cerrar con un desahucio y tuvimos ese proceso de lucha contra un fondo de inversión que duró más o menos unos cinco años. Yo estaba ya escribiendo una historia sobre la falta habitacional en la ciudad. De repente me di cuenta de que la realidad estaba entrando ya en la ficción directamente. Entonces fue cuando decidí introducir toda la trama de la familia e, investigando sobre fondos de inversión, me di cuenta de la complejidad y de la profundidad del asunto”, explica desde Berlín. 

La complejidad del asunto le hizo ver que no podía ser una película, sino una serie donde abordar todas las aristas y complejidades de un tema con el que le cuesta ser optimista. “A nivel político, es muy obvio que no hay un interés en regular una problemática que nos afecta a todos, pero también nosotros mismos, como clase media, nos hemos convertido todos en turistas. Al final ahora somos dos tipos de personas: o somos turistas o gente sin casa. Es así de claro. Los que tenemos una casa podemos viajar y viajamos. Entonces, ¿cuánto de culpabilidad tenemos nosotros mismos en todo ello?”, analiza, y espera que la serie abra el debate que haga “ponerse las pilas a los políticos”.

La serie muestra cómo esa lucha que se da en el barrio del Raval, entre mantener su esencia o rendirse a las nuevas modas, también se produce dentro del restaurante, donde uno de los hijos quiere apostar por un menú más caro y pijo mientras que el otro apuesta por mantener la esencia popular del local. En palabras de Rodríguez, “la serie va sobre cuánto necesitamos el progreso y a qué precio”. “Pasa en las ciudades y pasa en la cocina. Me interesa muchísimo esta contradicción de cómo el pasado a veces te ata y qué lastre tienes que dejar para poder avanzar, pero al mismo tiempo, muchas veces arrasas con cosas que no deberías arrasar por ese progreso”, opina.

Con Ravalear quiso que también hubiera una coherencia, que “el Raval entrara a cucharadas en la serie”. Eso se nota en la puesta en escena, con esas tomas lejanas y esos zooms que captan la esencia del barrio, pero también en cómo han trabajado introduciendo a las ONG y asociaciones que trabajan en sus calles. “En este caso, en el que hablábamos de una problemática social, yo quería conocerla de primera mano. No quería hablar desde mi pequeño despacho, mi pequeña oficina, sino trabajar con ellos. Nos abrieron sus puertas. Nos enseñaron sus dinámicas”, recuerda. Entre todos han construido una de las series que, sin duda, va a marcar el 2026 en el audiovisual español.

Más de 80 artistas, entre los que se encuentra Javier Bardem, el guionista Paul Laverty y actrices como Tilda Swinton, han firmado una carta dirigida a la Berlinale ante la posición del festival respecto al genocidio en Palestina, un hecho que el certamen no condena desde hace años y que se ha ido enquistando en cada edición que ocurre. La carta, que ha publicado en exclusiva Variety y a la que ha tenido acceso elDiario.es, pide al certamen y a todas las instituciones que “se nieguen a ser cómplices de la terrible violencia que continúa desplegándose contra los palestinos”. 

Además, se manifiestan muy preocupados por “la participación de la Berlinale en la censura de artistas que se oponen al genocidio israelí contra los palestinos en Gaza y al papel clave del Estado alemán en permitirlo”. Hacen referencia a unas declaraciones del Instituto de Cine Palestino, que ha asegurado que el festival ha estado “vigilando a los cineastas, además de mantener el compromiso de colaborar con la Policía Federal en sus investigaciones”.

“El año pasado, cineastas que se manifestaron a favor de la vida y la libertad palestinas desde el escenario de la Berlinale denunciaron haber sido duramente reprendidos por los principales programadores del festival. Se informó que un cineasta fue investigado por la policía, y la dirección de la Berlinale insinuó falsamente que su conmovedor discurso, basado en el derecho internacional y la solidaridad, era ‘discriminatorio’”, recuerdan en su comunicado. Por ello se solidarizan con sus “colegas en el rechazo a esta represión institucional y al racismo antipalestino”.

También se refieren a las palabras del presidente del jurado, el cineasta alemán Wim Wenders, que el primer día del certamen aseguró que el cine es “lo opuesto a la política”. “No se puede separar una cosa de la otra”, opinan los artistas. “Todo esto en un momento en que conocemos nuevos y aterradores detalles sobre los 2.842 palestinos ‘evaporados’ por las fuerzas israelíes utilizando armas térmicas y termobáricas de fabricación estadounidense, prohibidas internacionalmente. A pesar de la abundante evidencia de la intención genocida de Israel, sus crímenes atroces sistemáticos y su limpieza étnica, Alemania continúa suministrando a Israel armas utilizadas para exterminar a los palestinos en Gaza”, añaden.

Ponen ejemplos de otros festivales que “han respaldado el boicot cultural al apartheid israelí, incluyendo el Festival Internacional de Documentales de Ámsterdam, el más grande del mundo, así como el Festival de Cine BlackStar de Estados Unidos y el Festival de Cine de Gante, el más grande de Bélgica”. Además, se acuerdan de los “más de 5.000 profesionales del cine, incluyendo importantes figuras de Hollywood e internacionales, que también han anunciado su negativa a trabajar con compañías e instituciones cinematográficas israelíes cómplices”.

Por ello no entienden que “la Berlinale ni siquiera haya cumplido hasta la fecha las demandas de su comunidad de emitir una declaración que afirme el derecho palestino a la vida, la dignidad y la libertad; condene el genocidio israelí en curso contra los palestinos; y se comprometa a defender el derecho de los artistas a expresarse libremente en apoyo de los derechos humanos palestinos”. “Esto es lo mínimo que puede —y debe— hacer”, zanjan.

Recuerdan que, además, Berlinale si hizo declaraciones en el pasado contra “las atrocidades cometidas contra los pueblos de Irán y Ucrania”. “Pedimos a la Berlinale que cumpla con su deber moral y declare claramente su oposición al genocidio de Israel, los crímenes contra la humanidad y los crímenes de guerra contra los palestinos, y que ponga fin por completo a su participación en proteger a Israel de las críticas y de los pedidos de rendición de cuentas”, concluyen. 

La carta ha sido firmada por actores y actrices como Bardem, Swinton, Tatiana Maslany o Tobias Menzies, además de cineastas como Nan Goldin o Adam Mckay.

Amy Adams es una actriz inmensa. Lo ha demostrado en numerosas ocasiones. Sus trabajos en películas como La llegada, The master o en el filme que la descubrió, Junebug, son espléndidos. Sin embargo, parece siempre condenada a un injusto segundo plano. Como si siempre estuviera a punto de lograr esa película que la coloque en el lugar que merece. Puede que haya sido la decepcionante recepción de sus proyectos más comerciales, como el universo DC de Zack Snyder, o thrillers como La mujer en la ventana, lo que han hecho que muchos olviden que Adams es, de lejos, una de las mejores actrices de su generación. Mejor que muchas que acumulan premios y proyectos. Ella, sin embargo, arrastra seis nominaciones a los Oscar sin materializar un galardón que se le resiste.

Quién sabe si por las ganas de dar un golpe en la mesa de los premios aceptó un filme tan convencional como At the sea, la película con la que el cineasta Kornél Mundruczó compite por el Oso de Oro en el Festival de Berlín. Fue Mundruczó quien, en su primer filme en inglés, logró una nominación al Oscar (y una copa Volpi en Venecia) para Vanessa Kirby por Fragmentos de una mujer. Por tanto, podría parecer lógico que, en la búsqueda de buenos papeles que demuestran actrices con un gusto por el riesgo, Amy Adams hubiera decidido probar suerte con la nueva propuesta que el director coescribe junto a su habitual coguionista y pareja Kata Weber.

Por desgracia, el resultado está lejos del talento de la actriz, y también lejos de otras películas del director. At the sea es un drama mil veces visto sobre traumas paternofiliales, adicciones y redención. Además, se presenta con unas formas afectadas que imprime Mundruczó y que parece tener un afán de elevar su propio material con insertos de baile que, en ocasiones, como en ese final en la playa, rozan el ridículo.

Y eso que Adams se entrega, como siempre, en cuerpo y alma para intentar salvar la película. Ella es lo mejor del filme como una bailarina que regresa a casa tras meses en una clínica de desintoxicación por su adicción al alcohol. Las heridas familiares y el reencuentro con ellos es el centro de una película que también cuenta el trauma de esta mujer ante un padre abusador y un genio de la danza del que ha heredado un emporio artístico. Quizás también pese la reciente presencia de un filme como Valor Sentimental, que emociona en lo hondo con ese reencuentro entre un padre cineasta y una hija actriz. Es cierto que At the sea va por otros derroteros, pero uno no puede evitar acordarse del filme de Joachim Trier.

A pesar de ello, se agradece que Mundruczó haya abandonado en esta ocasión su habitual cine que roza la crueldad. Aquí muestra empatía por sus personajes, y de alguna forma parece que su apuesta de EEUU sea como cuando Michel Franco realizó Dreams, junto a Jessica Chastain, donde compuso su película más tierna sin renunciar a su habitual aspereza.

A Adams le espera un año movidito. Tiene pendiente de estreno la versión en miniserie de El cabo del miedo, con Javier Bardem dando vida al Max Cady que inmortalizó Robert De Niro en la película de Scorsese. Además, estrenará la nueva película de Taika Waititi, una versión de Klara an the sun, la novela de Kazuo Ishiguro. Por si fuera poco, estrenará en 2027 la nueva película de la saga Star Wars junto a Ryan Gosling, con la que intentará tener su franquicia de éxito tras no funcionar su apuesta como Lois Lane. Ahora solo falta que funcionen.

Yo hago películas en EEUU porque no puedo hacerlas en mi país, Hungría

Kornél Mundruczó — Cineasta

La presencia de Adams era uno de los platos fuertes de esta Berlinale, pero finalmente la actriz no acudió, y el director leyó un breve comunicado justificando su ausencia y dando las gracias a Berlín por apoyar el cine independiente. Ante la caída de su estrella, el director se convirtió en el protagonista y explicó que no hace películas en EEUU por gusto, sino porque no consigue levantarlas en Hungría al haberse enfrentado al gobierno de extrema derecha de Orbán. 

“Nunca planee hacer películas americanas, soy un autor húngaro. Esa era mi vida. Pero en un momento, cuando intenté financiar Fragmentos de una mujer como una película húngara, fue rechazada en mi país. Un amigo, que es un productor americano que falleció recientemente, me dijo que quería hacer ese guion y que probáramos a adaptarlo a EEUU. Yo hago películas en EEUU porque no puedo hacerlas en mi país. Es un privilegio y para mí es importante encontrar la forma de poder hacerlas, pero la razón es porque no puedo hacerlas en Hungría”, zanjó.

Por eso subrayó que, de alguna forma, esta película la siente como “una alegoría importante sobre cómo en la sociedad hemos perdido la conexión”. “Mira lo que ha ocurrido en mi país. A veces tienes que estar cerca de la gente, tenemos que estar juntos, saber comunicarnos”, agregó en relación a una película sobre “una mujer que para continuar con el legado de su padre tiene que ser más fuerte que muchos hombres y acaba rompiéndose y perdiendo la conexión con sus seres cercanos”.

A pesar de haber competido en varios festivales, incluido Cannes, Kornél Mundruczó reconoce que le parece “una locura que haya una competición para el arte”, pero que es consciente de que “si no fuera así, no habría tanto interés ni habría tanta gente en esta sala”. “Esto para quien lo hace más entretenido es para vosotros, para la prensa, pero es difícil medir el arte. Aunque sé que trae cosas buenas para el negocio”, dijo con sinceridad.

La misma que cuando le salió un espontáneo “No me provoques” cuando le preguntaron por si se rodaba igual en EEUU que en Europa. Acabó suavizando su respuesta y dijo que la esencia es la misma, pero que, mientras que en EEUU hacer cine de autor es una rareza, en Europa existe una “estructura, unas ayudas estatales y una base que allí no existen”.

“Las mejores baladas son de grupos heavy”, cantaba Ojete Calor en 0,60 para reírse de un lugar común repetido hasta la saciedad. Ese que subraya la sensibilidad de las bandas de heavy para hacer las mejores canciones románticas es solo uno de los tópicos a los que dicho género musical se ha tenido que enfrentar. La mayoría de ellos no eran tan amables. La opinión pública ha visto al heavy metal muchas veces como un estilo basto, de gente simple, que se basa en gritos y que defiende con sus letras la violencia, el consumo de drogas y actitudes antisistema. Una música, además, tremendamente masculina y machirula.

Sin embargo, cuando uno observa a una de sus bandas más emblemáticas, Judas Priest, se da cuenta de que todos esos clichés son falsos. Y lo son porque gente como los miembros del grupo nacido en Brimingham quisieron que lo fuera. Así lo demuestra el documental The ballad of Judas Priest, que se convirtió en el evento de la Berlinale del domingo. Un trabajo que no sorprende en las formas, pero que coloca todas las piezas para entender la influencia del grupo que, junto a Black Sabbath, cambió la música y puso el heavy metal en el lugar que le correspondía.

Un filme que da voz a sus miembros, cuenta sus rencillas internas, sus subidas y bajadas, pero que sobre todo rompe los estereotipos sobre el heavy metal. Lo hace centrándose, sobre todo, en la homosexualidad de su líder y cantante, Rob Halford, la primera estrella de este tipo de música que contó públicamente que era gay. Lo hizo en una entrevista que rompió todos los moldes y que convirtió a Judas Priest y al heavy en un sitio gayfriendly. 

Halford explica cómo durante muchos años tuvo que ocultar su identidad sexual, y cómo el contarlo fue una liberación que hizo que hasta pudiera bromear sobre ello. “Soy el tipo gay de la banda”, dijo cuando Judas Priest fue aceptado en el paseo de la fama de la historia de la música, uno de los momentos cumbres del documental.

The ballad of Judas Priest también desmonta otros estereotipos, como que el heavy no es inclusivo, y también defiende con uñas y dientes su condición de clase. La banda, y el heavy, siempre han representado a aquellos trabajadores a los que muchas veces la música dejaba de lado. Y por ello, una canción como Breaking the law se usó como himno en las manifestaciones contra Margaret Thatcher y fue vista como un canto a rebelarse contra el gobierno conservador y sus medidas contra el estado de derecho.

El cariño con el que trata el documental a la banda se entiende cuando uno ve que está detrás de la cámara Tom Morello, el también músico y miembro de Rage against the machine que debuta en la dirección con este trabajo en donde también participa como uno de los rostros que opinan sobre la importancia de la banda en la historia de la música.

Morello, que en los últimos meses se ha convertido en uno de los azotes culturales contra Donald Trump, ha sido la estrella de la jornada de la Berlinale. En la rueda de prensa para hablar de su película, acompañado del propio Rob Halford, habló del tema del festival, el compromiso político de los artistas. Y no decepcionó. “Qué tiempo para estar vivo y poder hacer un documental sobre tu banda favorita y luchar contra el fascismo a la vez”, lanzó ante la ovación de la sala de prensa y volver a subrayar que “la propia existencia de Judas Priest es política”. “En su público no había estereotipos. Sí, había gente como yo, pero había parejas gais y gente de todo tipo. Y esa comunidad es un modelo para cómo debemos ser”, añadió.

Halford completó diciendo que nunca ha podido evitar hablar de las cosas que le afectan y le enfadan. “Lo he hecho siempre. Intento evitar los mensajes explícitos, pero esos mensajes siempre han estado ahí”, dijo el cantante, que también hizo un alegato sobre la importancia del arte ahora mismo. “La música es más importante que nunca para apagar la locura de este mundo. La música es fantasía, te hace escapar, te da confort, crea relaciones irrompibles… tiene infinitas posibilidades. Nunca quise tener una responsabilidad, pero ahora la tengo conmigo mismo, con mis fans, con la banda… y todo eso conecta con cómo la música afecta a nuestras vidas”, confesó.

El director y líder de Rage against the machine volvió a reincidir en cómo fue Judas Priest la banda que le hizo amar la música, y fue también porque, para él, fueron “los creadores del heavy como un evento cultural”. “Crearon la comunidad del metal. Es como con el hip hop, no es solo la música, sino que es algo cultural que tiene que ver con cómo te vistes, con una actitud. Y en ese sentido el heavy metal lo inventaron ellos. Nunca hubiera sido músico sin su influencia. Yo siempre fui el único negro del heavy metal, y esta película muestra que los estereotipos sobre el género son erróneos, porque el heavy trasciende todos esos estereotipos cuando se hace bien”, zanjó.

Las primeras jornadas de la Berlinale han estado marcadas por las declaraciones del jurado de la Sección Oficial, que con Wim Wenders a la cabeza, no condenó el genocidio en Gaza al ser preguntado por la prensa y defender que había que mantenerse “alejados de la política” como jurado. Unas declaraciones que provocaron que la escritora india Arundhati Roy cancelara su visita al certamen. 

“Escucharlos decir que el arte no debería ser político es asombroso. Es una forma de silenciar una conversación sobre un crimen contra la humanidad, incluso mientras se desarrolla ante nosotros en tiempo real, cuando artistas, escritores y cineastas deberían estar haciendo todo lo posible por detenerlo”, decía la autora de El dios de las pequeñas cosas en un comunicado. Pocas horas después, la cantante Charli XCX defendía en su cortísima, y limitada a dos preguntas, rueda de prensa la necesidad de un cine que afronte temas políticos.

A pesar de todo ello, la organización del festival seguía sin pronunciarse al respecto. Hasta ahora, cuando su directora, Tricia Tuttle, que ha emitido un comunicado tras lo que ha calificado de “tormenta mediática”. En él defiende a “los cineastas, el jurado, y especialmente su presidente”. “Los artistas tienen la libertad de ejercer su derecho a la libertad de expresión como deseen. No se debe esperar que comenten sobre todos los debates generales sobre las prácticas pasadas o actuales de un festival, sobre las que no tienen control. Tampoco se debe esperar que hablen sobre todos los temas políticos que se les plantean, a menos que lo deseen”, dice en su escrito Tuttle.

Para ella “hay muchos tipos de arte y muchas maneras de ser político” y por ello “los enfoques individuales varían enormemente”. “Se ha pedido libertad de expresión en la Berlinale. La libertad de expresión es una realidad en la Berlinale. Pero cada vez más, se espera que los cineastas respondan a cualquier pregunta que se les haga. Se les critica si no responden. Se les critica si responden y no nos gusta lo que dicen. Se les critica si no pueden condensar pensamientos complejos en un breve fragmento de audio cuando se les coloca un micrófono delante cuando creían que estaban hablando de otra cosa”, añade.

Subraya los temas de las 278 películas que se proyectan este año y en las que “hay películas sobre genocidio, violencia sexual en la guerra, corrupción, violencia patriarcal, colonialismo o abuso de poder estatal”, pero también otras que hablan de otros temas políticos, como “preguntarse cómo podemos hablar del arte como arte y cómo podemos mantener vivos los cines para que las películas independientes sigan teniendo un lugar donde ser vistas y debatidas”. “En un entorno mediático dominado por la crisis, queda menos espacio para una conversación seria sobre cine o cultura, a menos que también pueda integrarse en la agenda informativa”, critica.

Por ello subraya que “algunas películas expresan una política con ”p“ minúscula: examinan el poder en la vida cotidiana, quién y qué se ve o se oculta, incluido o excluido”, mientras que otras hablan de esa “política con mayúscula: gobiernos, políticas estatales, instituciones de poder y justicia”. 

“Es una elección. Hablar con el poder ocurre de maneras visibles, y a veces de maneras más discretas y personales. A lo largo de la historia de la Berlinale, muchos artistas han hecho de los derechos humanos un elemento central de su obra. Otros han realizado películas que consideramos actos políticos radicales y discretos, centrados en pequeños y frágiles momentos de cuidado, belleza, amor, o en personas invisibles para la mayoría de nosotros, personas que están solas. Nos ayudan a conectar con nuestra humanidad compartida a través de sus películas. Y en un mundo roto, esto es valioso”, señala la directora del certamen.

Concluye agradeciendo a todo el equipo, invitados y jurados, pero también deseando que puedan continuar haciendo su trabajo, y esperando que “ver películas puede cambiar las cosas, incluso si se trata de un cambio glacial que transforma a las personas, un corazón o una mente a la vez”.

Charli XCX es una de las estrellas de la música reciente que ha demostrado que se puede ser un fenómeno mundial siendo algo diferente. La británica está lejos de ser la nuera perfecta que simbolizan Taylor Swift o Gracie Abrams, y de propuestas de pop mucho más mainstream como Tate McRae o Sabrina Carpenter. Charli XCX juega en la liga de querer ser irreverente y un punto malote. Lo hace con su música, pero también con sus apariciones públicas y hasta su look. Y aun así se ha convertido en una de las cantantes con una legión de fans más numerosa. Su eclosión llegó el verano pasado, cuando su disco Brat reventó todas las expectativas y aquella palabra, Brat, se convirtió hasta en un adjetivo que nadie supo definir muy bien, pero que simbolizaba lo moderno, lo molón.

Brat, y su color verde que bebe del cine de Gregg Araki, amenazaron, también, con devorar la propia personalidad de la cantante. Y de ahí nació una idea que decidió plasmar en The moment, un falso documental que tras pasar por Sundance se ha convertido en uno de los eventos del Festival de Berlín, donde Charli XCX se convirtió en la gran estrella de la tercera jornada del festival. 

La ahora actriz conquistó a todos y logró abarrotar la sala para una rueda de prensa que duró poco más de 15 minutos y donde el certamen solo permitió dos preguntas de los periodistas, dando la sensación de que quieren blindar a sus estrellas ante el clima político que llevó a las declaraciones del jurado negándose a condenar el genocidio en Gaza y a la renuncia de acudir a la escritora Arundhati Roy en protesta por las palabras de dicho jurado.

Seguramente Charli XCX hubiera condenado el genocidio. La cantante ha donado parte de las ganancias del merchandising de su gira a los niños palestinos y ha hablado abiertamente de ello. Pero no se le pudo preguntar de ello en esas dos escuetas preguntas. Aun así la actriz dejó un dardito sobre el cine que le gusta y por qué se siente honrada de estar en Berlinale y antes en Sundance: “Ambos festivales realmente apoyan a una amplia variedad de cineastas con voces muy importantes. Este festival, en particular, es conocido por no rehuir las películas políticas, las que tienen un enfoque social real, las de directores visionarios con un mensaje claro”.

Un tipo de cine que es el que le gusta y el que quiere hacer. “Es el tipo de películas que nos encantan, esas son las películas que queremos hacer y promover. Estoy empezando en esta industria, pero me apasiona trabajar en esos espacios y creo que todos nos sentimos muy honrados de estar aquí. Y sí, estamos muy agradecidos por este festival porque creo que es muy importante que exista”, añadió.

The moment, en su formato de falso documental, critica la industria musical, el capitalismo que fagocita a los artistas y no tiene miedo en mostrar a la troupe de Charli consumiendo cocaína con la tarjeta de crédito que promociona la artista. Una tarjeta que se convertirá en mcguffin para llegar al grand finale con el que da por concluido la época Brat. Algo que confirmó también en Berlín: “Sí, el verano Brat ha terminado. Para mí, terminó”. 

Durante años fui conocida como una artista pop marginal, con una base de fans muy fiel y exclusivamente gay. Con 'Brat' me abrí a un público completamente nuevo y más amplio

Charli XCX — Actriz y música

Se rio de interpretarse a sí misma. “Un papel para el que he entrenado toda mi vida”, dijo con sorna y explicó que si bien las cosas que se ven en la ficticia gira Brat del falso documental, se parecen mucho a cosas que sí ha vivido en la realidad. “Los escenarios que mostramos en la película no son reales, ni me sucedieron en el año 2024, pero que me he acercado mucho a esas circunstancias, especialmente después de tanto tiempo en la industria musical. He conocido personajes o versiones de personajes como los que vemos en la película. Y he reaccionado de forma muy parecida a como lo hago en la película. ¿He tenido una crisis nerviosa mientras fumaba un millón de cigarrillos? Pues sí. Definitivamente, tenía mucho de lo que echar mano, pero creo en la vida real soy más amable”, opinó.

Una película que nació también con la idea de hablar sobre “la tensión de quedarse demasiado tiempo en un espacio cultural”, algo que Charli XCX cree que ocurre sobre todo en la música pop, donde “los fans están ansiosos por el próximo álbum, la próxima versión de ti”. Por ello hacer este filme ha sido “catártico” para ella, porque le ayudó a “canalizar la frustración del mundo real en situaciones como las que muestra la película”.

The moment es el trampantojo de un momento real de la cantante, un momento de “transición extrema” en su vida laboral gracias al fenómeno mundial de su último disco. “Durante años fui conocida como una artista pop marginal, con una base de fans muy fiel y exclusivamente gay. Pero con Brat me abrí a un público completamente nuevo y mucho más amplio, por lo que me sentía muy agradecida, pero con ello vino una sensación de perder el control de algo que había podido controlar durante tanto tiempo”, confesó.

Algo que se trasladó en una presión por hacer caso a las demandas del público, “cuyas opiniones empiezan a reflejarse en la obra y la obra empieza a transformarse y a cambiar su significado”. “Obviamente, eso es lo que conlleva publicar arte, punto. Pero nunca lo había experimentado a esta escala, y me hizo pensar mucho en cómo comunicamos el arte. ¿En qué momento lo pasamos de nuestras manos a las del público? ¿Cómo nos hace sentir eso como creadores? Sentí que tenía mucho que decir. Creo que soy un artista bastante emocional y volátil, como muchos otros y algunos elementos de ese viaje me resultaron bastante difíciles. Por eso hacer esta película, en cierto modo, era una forma de abordar mi experiencia personal como artista y cómo me sentí en la industria musical”, apuntó en la que es la primera de las muchas películas en donde saldrá la cantante, que tiene otras cuatro películas pendientes de estreno.

Hace once años, cuando Ian de la Rosa pensaba en la que podría ser su primera película cuando acabó su proyecto fin de carrera, se le ocurrió que por qué no contar un Romeo y Julieta en Almería, entre los invernaderos que tan poco (y tan estereotipados) ha mostrado el audiovisual español. No sería un Romeo y Julieta normal, sino uno atravesado por conflictos de clase, género y raza. Uno que demostrara que todos esos elementos nos definen y se mezclan aunque la gente quiera negarlo. Uno que reivindicara el amor como fuerza de cambio frente al odio al diferente.

Más de diez años después, ese Romeo y Julieta tiene nombre. Se llama Iván y Hadoum y compite en la sección Panorama del Festival de Berlín, el mismo certamen que vio nacer cineastas españoles como Carla Simón, Pilar Palomero o Alauda Ruiz de Azúa. Una película que imagina una historia de amor que no es tóxica, que muestra la precariedad del trabajo en las fábricas de Almería, y que muestra el cuerpo, el deseo y el sexo de un hombre trans como pocas veces el cine lo ha hecho. Ian de la Rosa muestra inteligencia y sensibilidad para crear un nuevo imaginario en ese sentido. 

“No sé si es una película madura, pero lo hemos intentado”, dice el cineasta a pocas horas de presentar el filme ante el público por primera vez —luego competirá por la Biznaga de Oro en el Festival de Málaga—, y haciéndolo una semana después de que Bad Bunny reivindicara el mismo mensaje que su película, que solo el amor es más fuerte que el odio. Un amor que aquí no es tóxico y se convierte en refugio para Iván, un hombre trans interpretado por Silver Chicón, y Hadoum, una joven de origen marroquí a la que da vida Herminia Loh Moreno. “En esencia esta película va de cómo el amor y el deseo pueden ser y son el motor principal para una revolución que empieza en lo personal”, dice, y ahí apunta otra de las claves de su filme, que cada pequeña decisión, cuenta: “Toda revolución a gran escala empieza por decisiones pequeñas que son personales”.

Es una de las revoluciones de su película. La otra viene de, por fin, ver una historia “donde lo trans no estuviera conflictuado, donde la identidad trans no fuera un conflicto”. “Yo soy trans y no estoy todo el rato sufriendo. Yo me enamoro, tengo parejas y tengo sexo. Quería contar eso, contar cómo esos cuerpos se empoderan. Al final estamos hablando de eso a través de la ternura, de la intimidad y del sexo. Podemos decir que es hasta revolucionario, porque ahora mismo estamos en medio de una oleada de odio increíble”, explica De la Rosa.

El cineasta realiza una hermosa presentación de su personaje masculino, sin explicitar de forma subrayada su identidad trans y prefiriendo mostrar de forma natural su cuerpo. Su familia le acepta. Esa ausencia de conflicto en lo identitario y esa forma de ver su sexualidad también es una revolución y “una respuesta” a lo que el cine suele hacer “en lo que se refiere a las experiencias trans y a cómo se presentan los conflictos trans”. “Tenía muchas ganas de ver un personaje trans cuyo conflicto no tiene nada que ver con ser trans. Me parecía importante dar ese paso”, reconoce.

Porque había una ausencia, “una falta de representación en los cuerpos, en el deseo”. “Me parece genial y agradezco todas las representaciones que he visto, me hayan gustado o no. Especialmente las que no me han gustado, porque son las que me han llevado aquí. Si yo hubiera visto todo bien, no hubiera hecho esta película”, subraya, y pone el foco en “las escenas de sexo y de intimidad”. Por eso, ya que “es tan difícil hacer una película”, había que poner el foco en mostrar cosas que el cine no estuviera mostrando. 

Yo soy trans y no estoy todo el rato sufriendo. Yo me enamoro, tengo parejas y tengo sexo. Quería contar eso, contar cómo esos cuerpos se empoderan

Ian de la Rosa — Cineasta

Con el cascarón de esa historia de amor, Ian de la Rosa va salpicando de capas y reflexiones, cómo la forma en la que, para ascender de clase, el protagonista tiene que comportarse como se espera de un hombre. Una forma de evidenciar que “el género está relacionado con el capitalismo”. “Es un melón muy grande. Se necesitaría un especial para hablar de los referentes o los no referentes que tenemos las personas trans masculinas, cómo nos acercamos a la masculinidad y cómo la masculinidad nos acepta o no. Yo diría que te aceptan como LGTB siempre que no seas queer. Como si no pasara nada por cambiarte de caja, pero metiéndote en otra caja”, critica. Aunque la película no es biográfica, sí que está trufada de todo lo que De la Rosa ha visto en su transición, y una de esas cosas es cómo “todo es intersección”.

El otro tema que bombea todo el filme es la clase y cómo se mezcla con todo lo anterior. “Evidentemente, el personaje de Iván tiene una aspiración de clase, tiene una aspiración de tener un cuarto propio. Me preguntaba hasta qué punto dentro de determinadas clases sociales podemos traicionarnos entre nosotras para conseguir ese cuarto propio”, añade. La solución, o el principio de esa revolución de amor, no está en lo individual, y esa es otra de las cosas que deja clara Iván y Hadoum, que “solos no hacemos nada, sino que tenemos que ir en colectivo”.

Por eso esas mujeres unidas en su sindicato que reclaman condiciones dignas para las trabajadoras que envasan la fruta y verdura para el norte de Europa. Los Romeo y Julieta de De la Rosa tienen el amor como motor, pero no se olvidan del contexto en el que viven ni de dónde vienen, y por eso se sienten tan reales y se convierten en una carta de presentación prometedora de un cineasta con mucho que decir.

Las palabras del jurado de la Berlinale en la primera jornada del certamen negándose a condenar el genocidio en Gaza y diciendo que no querían entrar en asuntos políticos han tenido consecuencias. La escritora india Arundhati Roy, autora de El dios de las pequeñas cosas, ha decidido abandonar el certamen tras la actuación del jurado que preside Wim Wenders y que el pasado jueves aseguraba que ellos debían mantenerse “al margen de la política”. Roy se encontraba en Berlín para presentar In Which Annie Gives It Those Ones, una película que escribió hace 38 años.

“Aunque me han perturbado profundamente las posturas del gobierno alemán y de diversas instituciones culturales alemanas sobre Palestina, siempre he recibido solidaridad política al hablar con el público alemán sobre mi opinión sobre el genocidio en Gaza. Esto es lo que me llevó a pensar en asistir a la proyección en la Berlinale”, comienza diciendo Roy en el comunicado publicado por el medio indio The Wire y confirmado por Variety posteriormente.

Sin embargo, ha sido tras escuchar “las desmesuradas declaraciones de los miembros del jurado del Festival de Cine de Berlín cuando se les pidió que comentaran sobre el genocidio en Gaza” cuando ha decidido irse del festival. “Escucharlos decir que el arte no debería ser político es asombroso. Es una forma de silenciar una conversación sobre un crimen contra la humanidad, incluso mientras se desarrolla ante nosotros en tiempo real, cuando artistas, escritores y cineastas deberían estar haciendo todo lo posible por detenerlo”, continúa diciendo en su escrito.

“Con profundo pesar, debo decir que no asistiré a la Berlinale”, zanja en su carta tras decir claramente que “lo que ha sucedido en Gaza, lo que sigue sucediendo, es un genocidio del pueblo palestino por parte del Estado de Israel”. “Cuenta con el apoyo y la financiación de los gobiernos de Estados Unidos y Alemania, así como de varios otros países europeos, lo que los convierte en cómplices del crimen. Si los más grandes cineastas y artistas de nuestro tiempo no pueden alzar la voz y decirlo, deberían saber que la historia los juzgará. Estoy conmocionada y disgustada”, añade. El certamen, tal como confirma Variety, no ha comentado nada de momento sobre esta cancelación de última hora.

La Berlinale ha sido, históricamente, un festival tremendamente político. Uno donde siempre se ha hablado de los temas que ocurrían en el mundo y donde llegaban las propuestas más radicales en ese sentido. El certamen fue uno de los primeros en entregar un premio al mejor filme LGTB y fue pionero en eliminar las categorías de género en los galardones de interpretación. Sin embargo, desde hace años, hay un tema que se les atraviesa, y es el genocidio en Gaza. Las dos pasadas ediciones fueron realmente conflictivas en ese sentido. El certamen no quiso condenar la masacre cometida por Israel, y evitó cualquier comentario en ese sentido.

Hace dos ediciones, el documental No other land, que terminaría ganando el Oscar, vencía en Berlín y sus directores daban un discurso contra la limpieza étnica cometida por Israel en los asentamientos palestinos. El alcalde de la ciudad calificó aquella ceremonia de “antisemita” y sus realizadores denunciaron ataques de la derecha. El año pasado muchos directores escribieron una carta condenando la pasividad del certamen, y la policía llegó a investigar al director Jun Li, por decir “Desde el río hasta el mar, Palestina será libre”.

A pesar de que la situación no se encuentra en su momento más álgido, en la 76 edición tampoco parece que se vaya a condenar el genocidio. Durante la rueda de prensa del jurado, el cineasta alemán Wim Wenders evitó posicionarse cuando un periodista cuestionó por qué el certamen sí había mostrado su solidaridad con Irán o Ucrania, pero no con Palestina, y preguntó a los miembros del jurado si apoyaban “este trato selectivo de los derechos humanos”.

Sorprendió que un director normalmente tan abierto en cuestiones políticas como Wenders decidiera defender justo lo contrario, que el cine se mantenga “al margen de la política, en calidad de contrapeso”, y subrayó que las películas pueden cambiar el mundo, pero no en el sentido político. “No podemos entrar realmente en el ámbito de la política. Tenemos que mantenernos al margen de la política porque, si hiciéramos películas dedicadas a la política, entraríamos en ese ámbito de la política. Pero nosotros somos el contrapeso de la política. Somos lo contrario de la política. Tenemos que hacer el trabajo de la gente y no el trabajo de los políticos”, afirmó.

En este sentido, se mostró convencido de que “las películas pueden cambiar el mundo, pero no en el sentido político” y aseguró que “ninguna película ha cambiado realmente la opinión de ningún político”. También opinó que el cine puede cambiar la idea que tiene la gente de cómo debería vivir. “Hay una gran discrepancia en este planeta entre las personas que quieren vivir sus vidas y los gobiernos que tienen otras ideas. Creo que las películas entran en esas discrepancias, eso espero”, dijo.

Recibió el apoyo de su compañera de jurado, la productora Ewa Puszczynska, que consideró que hacerles “esa pregunta es un poco injusto”. “Por supuesto intentamos hablar con la gente, con cada uno de los espectadores y hacerles pensar. Pero no podemos responsabilizarnos de cuál será su decisión, si será la decisión de apoyar a Israel o la decisión de apoyar a Palestina”, contestó y agregó que “hay muchas otras guerras en las que se comete genocidio y no hablamos de eso”.

Cintas protagonizadas por estrellas como Amy Adams ('At the Sea') o Juliette Binoche ('Queen At Sea'), una cinta de delicada animación japonesa ('A New Dawn') o un biopic sobre el músico Bill Evans, formarán parte de la competición oficial de la Berlinale. La directora del festival, Tricia Tuttle, presentó este martes las 22 películas que competirán por el Oso de Oro, entre las que está el último trabajo del húngaro Kórnel Mundruczo, el filme protagonizado por Adams.

Es la historia de una mujer que regresa a su casa tras pasar por rehabillitación y tiene que enfrentarse a los daños que provocó anteriormente. La actriz está “absolutamente fascinante” en este papel, según destacó Tuttle de la nueva película de Mundruczo, conocido por 'Pieces of a Woman' ('Fragmentos de una mujer', 2020).

Otro título destacado de esta edición es 'Queen at Sea', protagonizado por Juliette Binoche y Tom Courtenay, de Lance Hammer ('Ballast', 2008), una “tierna historia” sobre la demencia y los dilemas éticos del envejecimiento. Mientras que 'Rose', del australiano Markus Schleinzer, es un drama transgénero ambientado en el siglo XVII, en blanco y negro, protagonizado por la alemana Sandra Hüller, que estuvo nominada al óscar por 'Anatomía de una caída' (2023).

En la competición habrá un título de animación, la cinta japonesa 'A New Dawn', de Yoshitoshi Shinomiya, el primer trabajo en solitario de este realizador que participó en títulos como 'Your Name' (2016) o 'La pelíicula Pokémon: Los secretos de la selva' (2020). Un filme que “captura maravillosamente los colores de la campiña japonesa” en una historia sobre un grupo de jóvenes que se enfrentan a los problemas del cambio climático.

También destaca la presencia de la cineasta Angela Schanelec, directora radical que ya sabe lo que es ganar premio y que presentó aquí su anterior película, Music. Fue en Berlín donde sorprendió Ilker Çatak con Sala de profesores, e intentará hacer lo mismo con Yellow letters, su nuevo filme.

La figura del legendario pianista de jazz Bill Evans centra la película 'Everybody Digs Bill Evans', de Grant Gee, en la que el músico está interpretado por Anders Danielsen y que cuenta en su reparto con Laurie Metcalf y Bill Pullman. Y en 'Nightborn', de la directora finlandesa Hanna Bergholm, se podrá ver a Rupert Grint, el recordado Ron Weasley de la saga 'Harry Potter', como un hombre que se muda con su pareja a la casa de su infancia en un bosque finlandés.

Una competición compuesta por 22 títulos, en la que hay tres películas latinoamericanas -'Moscas', del mexicano Fernando Eimbcke; 'Rosebush Pruning', del brasileño Karim Aïnouz, con un reparto lleno de estrellas y donde también se encuentra Elena Anaya y 'Josephine', de la brasileño-estadounidense Beth de Araújo.

El cine español se conformará esta vez con estar en las secciones paralelas. La serie Ravalear, de Pol Rodríguez, codirigida con Isaki Lacuesta, se verá fuera de concurso. Y en la sección paralela Panorama competirá el debut de Iván & Hadoum, que tras sorprender en el mundo del corto debuta con presencia en un festival internacional.

Solo había una película española en toda la Berlinale, y no estaba en la Sección Oficial, por lo que ni siquiera podía ganar el Oso de Oro, pero sin embargo, el paso por el festival de Sorda, la ópera prima de Eva Libertad, ha sido exitoso y augura una larga carrera para este excelente debut que cuenta la maternidad de una mujer sorda. El filme ganó el único premio que se puede ganar en la sección en Panorama, la que se proyectaba, y es el que además entrega el público. 

Pero, además, se alzó con el que entrega la Confederación Internacional de Cine de Arte y Ensayo, una asociación sin ánimo de lucro que reúne a más de 2.400 salas de cine de autor en 46 países de todo el mundo y que elige un jurado internacional de profesionales que busca “la película que tiene la capacidad de llegar al público de autor de todo el mundo, que mejor representa las cualidades artísticas del cine y contribuye a su riqueza y diversidad”.

También hubo presencia española en el palmarés de la Sección Oficial gracias a la película argentina El mensaje, dirigida por Iván Fund, y que cuenta con producción española. Una hermosa película en blanco y negro sobre una niña que se comunica con los animales muertos en un contexto de crisis. Una película a la que la ayuda financiera española salvó y se pudo hacer, ya que la llegada de Milei cortó los fondos para el cine argentino. Por ello, su director lanzó un mensaje en defensa de la cultura en estos “tiempos duros en Argentina en los que el cine está bajo ataque y la cultura está siendo desmantelada”.

El Oso de Oro que entregó el jurado que presidía el cineasta Todd Haynes fue para la película noruega Dreams, cierre de una trilogía que comenzó con Sex -que precisamente este viernes llegaba a la plataforma Filmin- y continuó con Love. Ahora termina este tríptico sobre las relaciones sentimentales actuales que ha puesto en el foco a su director, Dag Johan Haugerud, que pidió en su discurso que la gente lea y escriba más. 

La gran favorita, la brasileña The Blue trail, una fábula sobre un Brasil donde los mayores son exiliados a una isla y no tienen capacidad de tomar sus propias decisiones, se quedó con el segundo premio, el Gran Premio del Jurado que recogió su director, Gabriel Mascaró, que subió acompañado de su reparto, el actor Rodrigo Santoro y su protagonista y el corazón de su filme, Denise Weinberg. Por su parte, el chino Huo Meng, se llevó el Oso de Plata a la Mejor dirección por Living the land.

El discurso más político de la ceremonia de clausura de la Berlinale llegó de la película más política y contundente de la Sección Oficial, Kontinental ’25, de Radu Jude, un bofetón a las heridas de Europa provocadas por el capitalismo, pero también a la izquierda que cree que con buenas intenciones todo está solucionado. A los que con dar dos euros a un mendigo piensa que el mundo puede cambiar. Jude grabó su filme en diez días con un iPhone, y aun así ha logrado una película poderosa, mordaz y actual.

El director subió al escenario y le dedicó su premio a Luis Buñuel, cuyo legado es “el de la irreverencia”. Y recordó una anécdota cuando Nicholas Ray le dijo al director español que en Hollywood nunca se podía hacer una película pequeña, que siempre había que hacer una más grande. “Tenemos que acabar con esta lógica estúpida”, dijo Jude antes de denunciar el momento político en Rumanía, pedir “más solidaridad a Europa” y que “el tribunal de la Haya juzque a los cabrones asesino”. También se acordó de las elecciones alemanas del domingo . “Espero que el año que viene no tengamos que poner en este festival El triunfo de la voluntad de Leni Riefenstahl”, apostilló.

Los premios de interpretación fueron para estrellas de Hollywood. El de Mejor interpretación protagonista (Berlinale no distingue por género) fue para Rose Byrne popular por series como Damages que es la absoluta estrella de If I had legs would kick you, filme de A24 sobre la depresión de una madre. Mismo galardón que logró el año pasado Sebastian Stan por A different man, también de la mano de la distribuidora de moda del cine indie de EEUU. Andrew Scott, conocido por ser el cura buenorro de Fleabag, logró el de Mejor interpretación de reparto por Blue Moon, el nuevo filme de Richard Linklater.

Un palmarés que reconoció a todas las favoritas y que incluso se sacó de la manga un segundo premio de dirección dando el destinado a la contribución artística (que suele ir destinado a una labor como fotografía o montaje) a la directora Hadžihalilović, por el excelente apartado técnico de La tour de glace, su revisión de La reina de las nieves con Marion Cotillard.

Jean-Luc Godard decía que cada película que hacía era “contra la anterior”. Un deseo radical de ser diferente, impredecible. Por supuesto siempre estarían sus rasgos estilísticos, pero su voluntad era la de ir a un sitio opuesto con cada película que rodaba. A Richard Linklater le pasa lo mismo. No es casualidad que el director de la trilogía de 'Antes del' (Antes del amanecer, Antes del anochecer y Antes del atardecer) sea un fan declarado del cineasta francés, hasta el punto de que este mismo año estrenará su mirada a la nueva ola francesa en Nouvelle Vague, título que tiene todo a favor para verse en el festival de Cannes.

Pero antes ha pasado por Berlinale para mostrar la otra película que ha rodado, Blue Moon, un antibiopic que cuenta la historia del compositor Lorenz Hart, al que da vida Ethan Hawke y que compuso la letra de alguna de las canciones más populares de EEUU como la que da nombre al filme. Por supuesto, su película se parece como un huevo a una castaña a la anterior que hizo, en este caso la comedia de acción Hit Man. Aunque luego en todas ellas encuentre sus obsesiones y guiños, parecería difícil decir que la misma persona que hizo Boyhood también rodó Escuela de Rock. 

La cabeza de Linklater es una coctelera cinéfila y cualquier historia que le emocione vale. En este caso era contar la melancolía detrás de esas canciones con las que creció. Pero en vez de hacerlo como cualquier filme de Hollywood (y hay películas sobre músicos para elegir), Linklater coloca a su personaje en una pieza de cámara que transcurre toda ella en 1943 dentro de un bar la noche de estreno de Oklahoma!, el musical escrito por su anterior pareja creativa, Richard Rogers. 

Curiosamente, el guion de Blue Moon no es de Linklater, sino de Robert Kaplow, con quien ya colaboró en otro filme de regusto similar, Orson Welles y yo. “Le pregunté hace 12 años en qué estaba trabajando y me contó que estaba escribiendo algo sobre Lorenz Hart. Le dije que quería leerlo. Se sorprendió de que supiera quién era. Me pareció una idea genial que hablara de él a través de la noche del estreno de Oklahoma!, que fuera desde ese punto de vista y a tiempo real. Me pareció un gran desafío, aunque ya he hecho películas en tiempo real en otras dos ocasiones”, cuenta Linklater ante un reducido grupo de periodistas desde un hotel de Berlín.

La película contiene una frase que dio que hablar, y es cuando su protagonista se pregunta, “¿Quién quiere arte inofensivo?”. Una declaración de intenciones que Linklater comparte, pero que también analiza, porque depende de qué considere cada uno como ofensivo. “Para mí, el arte ofensivo son las películas de mierda de los estudios de Hollywood. No es que intenten ofender, sino complacer a todo el mundo, pero eso a mí me ofende”, dice soltando una carcajada y continúa: “Me ofende todo lo que no se esfuerza por lograr algo”. Eso sí, tampoco le gustan los “provocadores que todo lo que hace es por ofender a alguien, eso es un poco superficial, hay que tener sustancia”.

La película llega en un momento en el que en EEUU se ha censurado un libro de Julianne Moore en las escuelas para hijos de militares. Linklater cree que esa censura no llegará al cine, aunque es preocupante. “Me preocupa, es una locura, pero creo que ocurrirá con los libros. Es el manual de los autócratas, pero no creo que vayamos a tener problemas con las películas porque a mi país se le da muy bien ignorarlas. Mira lo que ha pasado con The Apprentice, es una buena película, y no la prohibieron, simplemente hicieron como que no estaba ahí, la dejaron pasar. Pero con los libros clásicos creo que es diferente porque los sienten más ofensivos. No quieren que los jóvenes los lean”, opina y también pide “estar alerta ante la censura económica, que es igual de mala y nadie es consciente de ella”.

Había muchos elementos de la vida del compositor que le atraían, pero sobre todo que, en conjunto, “su vida era un desastre”. “Era un genio, pero era muy bajito, vivía con su madre, era gay cuando la homosexualidad iba en contra de la ley y además era adicto”, enumero Linklater que cree que “el alcohol ha sido el gran destructor del arte y de la vida de los artistas”. “Somos una especie consciente de nuestra propia extinción, y eso es algo único, y creo que los artistas sienten lo mismo con sus carreras, sienten que se vuelven obsoletos. He conocido a directores mayores que piensan que nunca volverán a hacer otra película. Y cuando lo veo pienso, ‘no quiero que eso me pase a mí’, pero es conmovedor, porque siempre me pregunto, ‘¿cómo sobrevive un artista a su propia carrera?’”, reflexiona el cineasta.

A pesar de ser un firme defensor de las salas y de tener su propio cine en Austin (Texas), no tiene miedo del final del modelo, y ve a muchos jóvenes descubrir películas clásicas que proyectan allí, de hecho afirma que no está tan seguro de que el mundo haya cambiado tanto. “Cuando hice Boyhood comencé a rodar en 2002, y pensé que cuando la acabara todo sería diferente, pero más allá de la moda, los coches, los muebles… todo me pareció igual. Lo único que había cambiado era la tecnología, los teléfonos. Así que me pregunto también sobre el cine, si se está haciendo un tipo de película diferente y no lo creo. Sí, hay mucho cine de superhéroes, pero eso es solo en el cine más comercial, pero no creo que las cosas estén cambiando tanto. Puede que esté cambiando tecnológicamente, pero no en lo demás, en lo material”, opina.

Menciona Boyhood y adelanta un poco de un proyecto que deja a aquella historia grabada durante doce años en pañales. Se trata de Merrily Will Roll Along, la adaptación del musical de Stephen Sondheim cuya trama abarca 20 años y que Linklater va a grabar… en 20 años reales: “Llevamos un tercio, acabamos de grabar otro de los episodios. En total son nueve partes de rodaje durante 20 años, así que se estrenará, espero, en 2040, así que nos vemos entonces”.

La Berlinale se había cuidado mucho este año para evitar discursos en defensa de Palestina. El fin de fiesta de la edición anterior -en la que ya varios cineastas firmaron una carta por el no posicionamiento del certamen- acabó con polémica por el discurso que realizaron los cineastas Basel Adra y Yuval Abraham, palestino e israelí respectivamente y miembros del colectivo de cineastas que venció con No Other Land.

Un trabajo nominado ahora al Oscar que cuenta la expulsión violenta de la población de Masafer Yatta, en Cisjordania, por el ejército y los colonos israelís. Los directores hablaron de “brutal expulsión” y se oyeron gritos de “Palestina libre”, lo que provocó que incluso el propio alcalde de Berlín calificara la gala de “antisemita”.

Este año habían medido todo para que eso no pasara, y ha sido a dos días para el final cuando de nuevo un discurso en defensa de Palestina ha provocado que incluso que la policía de Berlín investigue el suceso. En esta ocasión ha sido el cineasta chino Jun Li, quien en un acto el pasado sábado en un centro cultural de Berlín, leía un comunicado del actor de su película Queerpanorama, el iraní Erfan Shekarriz, que no acudió al certamen al considerar que Alemania apoya el “genocidio israelí”.

En el discurso se hablaba del sufrimiento de los palestinos “bajo el brutal Estado colonial de Israel” y criticaba al gobierno alemán y a las instituciones de “contribuir al apartheid, al genocidio y al brutal exterminio del pueblo palestino”. Sin embargo, tal y como informa el medio alemán DW, la frase que ha provocado la actuación de la policía sería “Desde el río hasta el mar, Palestina será libre” con la que cerraba el discurso. Una frase que para muchos judíos es antisemita, ya que pide la desaparición del estado de Israel.

La frase se considera punible en Alemania, tal como explica el medio alemán, “si se asume como lema de Hamás -una organización considerada terrorista y prohibida en el país- y sus seguidores”. La presión ya se ha notado por parte de colectivos como el Consejo Central de los Judíos en Alemania, que en un comunicado en Twitter mostró su desconcierto ante los aplausos que recibió el discurso. “El Consejo Central habló con los organizadores de la Berlinale antes de esta edición. Estuvimos de acuerdo en como enfrentar el odio abierto a Israel y el antisemitismo relacionado con Israel”, dice el Consejo Central en su cuenta de X. “Esperamos que ese comportamiento sea sancionado adecuadamente”, agrega.

Desvelaban así algo que la nueva directora del festival ha confirmado posteriormente, y es que este año se ha pedido explícitamente a los cineastas que eviten ciertos discursos. “Le habíamos indicado a nuestros invitados qué declaraciones políticas eran especialmente sensibles y cuáles son incluso probablemente delictivas”, ha dicho este martes Tricia Tuttle, que lamentaba el suceso ocurrido.

Las acusaciones de antisemitismo por usar el lema “Desde el río hasta el mar, Palestina será libre” ya ocurrieron en España recientemente. El Museo Reina Sofía se vio obligado a retirar el título 'Desde el río hasta el mar' de una de sus actividades por las presiones de colectivos israelís, y la vicepresidenta Yolanda Díaz, que dijo esa frase en un discurso y tuvo que aclararla posteriormente explicando que ella se refería a que los dos estados, Israel y Palestina, deben “compartir un futuro de paz y prosperidad”. 

Disney convirtió La reina de las nieves, el cuento de Hans Christian Andersen en un musical blandengue para toda la familia con Frozen. No es extraño, las versiones edulcoradas del estudio ya habían afectado a casi todas las adaptaciones realizadas con anterioridad. Se eliminaba cualquier rasgo de oscuridad, cualquier ambigüedad para conseguir relatos donde el bien siempre triunfaba contra el mal y donde ambos estaban claramente delineados.

El poder de Disney ha conseguido que sus versiones se hayan convertido en canon, siendo estas las preferidas por los chavales de las nuevas generaciones, que desconocen los relatos originales u otras miradas. Este año, en la Berlinale, una refutación del Frozen de Disney se ha convertido en una de las favoritas a ganar el Oso de Oro. Se trata de La tour de glace (La torre de hielo) y aunque tampoco es una traslación fiel del cuento, sí que mantiene la oscuridad y el toque siniestro. 

Ambas son dos cosas que suele haber en el cine de su directora, Lucile Hadzihalilovic, habitual del festival de San Sebastián que ahora compite en Berlín y que ha convertido a Marion Cotillard ―con quien ya trabajó en Innocence en 2004― en la reina de las nieves. Lo hace en un doble papel, ya que realmente es una actriz famosa, ególatra y maltratadora que interpreta este personaje en un filme que recuerda a las películas de Powell y Pressburger. 

La llegada de una adolescente y la relación de poder que la actriz ejercerá sobre ella se va haciendo cada vez más retorcida, mientras realidad y fantasía se acaban mezclando en un filme con un estilo visual portentoso. Aquí el espejo del cuento se convierte en la cámara de cine, un juego que sirve a la directora para borrar las líneas de la realidad de una forma sorprendente y hermosa.

La directora explicó en Berlín que es una gran admiradora de los cuentos de Andersen, porque son “muy perturbadores, aterradores fascinantes, complejos, no son morales y tienen todo un imaginario poético”. Cotillard conoció primero la versión de Disney y, cuando años después vio una adaptación del cuento original en el teatro francés, se dio cuenta de que el texto real distaba mucho de la mirada del filme animado.

La actriz, brillante en su gélida interpretación, confesó posteriormente en un encuentro reducido con periodistas que lo que más le gustó era “la complejidad de los dos personajes principales”. “Me atraen los personajes complejos, especialmente aquellos que tienen poder. Aquí ambas mujeres tienen poder, obviamente de formas distintas. La cosa está en cómo usas ese poder y en ese momento en el que el poder se usa contra otros, creando un ambiente tóxico o incluso a través de la crueldad. ¿De dónde viene todo eso?, ¿por qué alguien se protege de esa manera? Creo que todo viene de la frustración, la ira y el miedo, y eso me parecía muy interesante”, explica la ganadora del Oscar por La vie en rose.

Todos tenemos un lado oscuro, pero lo hermoso es entenderlo dentro de nosotros y dentro de ls sociedad para superar los miedos

Marion Cotillard — Actriz

Introduce así otro de los temas que aparecen en el filme, la toxicidad en los rodajes. Su personaje impone el miedo en sus compañeros, incluido en el director al que interpreta un desconocido Gaspar Noé con peluca. Cuando se le pregunta si sigue habiendo muchas reinas de las nieves y muchos reyes de las nieves en el cine en la actualidad, Cotillard reconoce que “hay personalidades que son bastante intimidantes, o no muy fáciles de tratar”, pero enseguida añade que “como en cualquier trabajo”.

“Simplemente las hay. Algunas personas son supertóxicas. Lo que es interesante en el cine es pensar que una persona tóxica alguna vez fue un bebé con sentimientos puros. Pensar en cómo pasas de esta pureza a la toxicidad, a la crueldad con los demás. Eso es lo que es interesante para un actor, para explorar y tratar de entender”, añade. No cree que todo sea una cuestión sobre ser poderoso o no, sino más bien sobre “cómo usas ese poder en función del miedo, las frustraciones y la ira”. “Pero ser poderoso también puede ser algo positivo. Puede ser algo que, con un corazón abierto, puede serlo”, apunta.

Cotillard une esa reflexión sobre el poder para tender un puente entre el filme, que navega en el terreno de la fantasía, con la realidad: “Todos tenemos un lado oscuro, pero lo hermoso es entenderlo dentro de nosotros y dentro de la sociedad para superar los miedos. El miedo crea reacciones extremas, y creo que la aceptación de la diferencia es la clave para la evolución humana. No entiendo que alguien quiera borrar un aspecto de la humanidad solo porque es diferente. Para mí, esto no tiene ningún sentido y creo que eso se basa en el miedo y en la ignorancia”.

Añade que lo dice sin juzgar, pero que cree que “es un hecho que cuando ignoras algo, cuando tienes miedo, las reacciones y las decisiones que tomes vendrán desde un corazón que tiene una armadura de protección debido al miedo, y eso es impulsado por personas que ven en alguien que tiene miedo, el tipo de persona que puede ser manipulada”. “Obviamente, no todo es blanco y negro; ni rojo o azul, pero si seguimos sin aceptar la realidad del mundo, este decaerá”.

Fue en Berlín donde la vida de Marion Cotillard cambió hace 18 años. Aquí presentó La vie en rose, el biopic de Edith Piaf que le dio el Oscar a la Mejor actriz. Recuerda que fue aquí cuando comenzó a sentir que “el público realmente estaba respondiendo de una manera tan profunda e intensa emocionalmente”. “Fue un momento increíble porque cuando cuentas la vida de una persona tan icónica y emotiva, nunca sabes cómo será recibida, pero sí, fue aquí donde comenzó aquella aventura y donde mi vida cambió profundamente”.

Durante décadas el franquismo persiguió, acosó e intento reprimir cualquier disidencia. También las sexuales y las de género. Los homosexuales, bisexuales y transexuales eran enemigos públicos, y vivían la represión policial y del estado, Muchos de ellos tuvieron que huir de sus casas y de sus pueblos. En el caso de la comunidad trans, muchos de los que se atrevieron a contarla y vivirla recurrieron a la prostitución como vía para ganar un salario, ya que nadie les iba a contratar.

Aunque la ley sobre peligrosidad y rehabilitación social se derogara tras la muerte de Franco, en 1978, y esto supusiera, sobre el papel, el fin de la penalización legal de homosexuales y transexuales, el colectivo LGTB siguió marcado por otras leyes como la de escándalo público, que siguió reprimiendo a todos ellos hasta su modificación en 1983 y su posterior eliminación en 1989.

Fue precisamente en 1983 cuando se estrenó en el festival de cine de San Sebastián Vestida de azul, el primer documental que se estrena en salas y que muestra la realidad, sin tapujos ni tabúes, de las mujeres transexuales en España. Un filme que comenzaba con una redada policial cuando ellas ejercían la prostitución. Antonio Giménez-Rico marcaba un hito en el cine de no ficción español mostrando a aquellas mujeres que nadie quería ver, que estaban condenadas a los márgenes y que él colocaba en el centro. Sus dudas, sus miedos, cómo huyeron de sus casas, su vida actual como trabajadoras sexuales… todo en unas conversaciones que quedaron como registro de un tiempo que comenzaba a cambiar.

A pesar de la revolución en su estreno, la película fue una gota de agua en el desierto. Un filme que fue olvidado con el tiempo y rescatado ya en los últimos años gracias, entre otras, a la periodista Valeria Vegas, que realizó un ensayo sobre la película y la transexualidad en la España de la Transición en su libro Vestidas de azul, el mismo que posteriormente los Javis adaptaron en forma de serie con el mismo nombre. Lograban una difusión que el filme original no había tenido y hacía que se revisara con los ojos del presente, con una ley trans que ahora ya está aprobada, pero también con el auge de la extrema derecha que amenaza a las personas transexuales.

Para Valeria Vegas, el valor del documental original está en lo pionero que fue y en el éxito que tuvo en su estreno en salas, donde recuerda que fue visto por más de 200.000 espectadores. Para ella, el trabajo de Gímenez-Rico es “el retrato de una época”, y también sabe que ahora “muchos aspectos pueden hasta chirriar, porque hay un lenguaje que ya no se usa, ellas mismas, las protagonistas no tienen claro ciertos aspectos, no saben a veces ni definirse bien a sí mismas, pero ni ellas ni nadie en esa época”. 

“Aporta el testimonio y deberíamos reivindicarla más. Yo la reivindiqué mucho hace cinco o seis años y en ese momento tenía que explicar, incluso a gente de la propia comunidad LGTB, en qué consistía esta película. Una gran mayoría no la había visto y me lancé a escribir, a hacer aquel ensayo consciente de que era una película de culto, pero muy minoritaria. Creo que sigue siendo una gran desconocida, porque durante muchos años no tuvo distribución y apenas se pasaba por televisión”, cuenta la periodista y escritora a elDiario.es.

Ese pequeño resurgir de Vestida de azul ha hecho que el Festival de Berlín la haya seleccionado para su sección Berlinale Classics, donde se proyectan versiones restauradas de películas importantes en la historia del cine. La presentación de esta remozada versión ―realizada por la distribuidora Mercury Films, en colaboración con FlixOlé― ha tenido una invitada especial, Nacha Sánchez, la única de las mujeres protagonistas del filme que queda con vida.

Para ella el viaje a Berlín ha sido muy especial. La ovación con la que el público alemán recibió demuestra que la película, a menos de una semana de las elecciones en el país donde la extrema derecha amenaza, sigue igual de vigente.

Todavía con la emoción en el rostro, Nacha Sánchez baja a la cafetería del hotel donde se hospeda en Berlín. Todavía atenderá aquí unos cuantos coloquios y proyecciones más, porque sabe de la importancia que tiene y no se cansa de hablar de ella. De hecho, confiesa que se queda siempre a verla y siempre descubre cosas nuevas. Han pasado cuatro décadas, pero zanja pronto la pregunta: “No he cambiado mi manera de pensar en nada. Lo que ha cambiado es que no tengo que trabajar en la calle como antes y mi vida es más normal, tranquila y relajada”.

La película trajo buenas y malas consecuencias, porque hubo muchos insultos y muchas puertas cerradas. Decían que donde íbamos, que éramos putas y maricones

Nacha Sánchez — Artista

Eso sí, ahora hay “más libertad”. Se muestra agradecida porque durante todos estos años no tuvieron el reconocimiento que merecían, y ahora piensa que empieza a haberlo. “Ahora se reconoce que lo que hicimos fue para abrir puertas, pero en ningún momento nosotras pensábamos en hacer eso para abrir puertas a nadie, porque más bien a nosotras nos las cerraron. La película trajo buenas y malas consecuencias, porque hubo muchos insultos y muchas puertas cerradas. Muchas. Decían que donde íbamos, que éramos putas, maricones… ya sabes, esas expresiones”, explica.

Ahí lanza una reflexión que también hace Valeria Vegas, y es que uno de los principales cambios está en el lenguaje. “Al menos ya no somos travestis. Esa palabra ha cambiado y eso es muy interesante. A mí ya la palabra travesti me sonaba mal. Ahora somos trans, que me parece mucho más constructivo. Los travestis son personas que se disfrazan para hacer un espectáculo. Eso es un travesti, no una persona que está transformando su vida”, expresa con contundencia.

El reconocimiento le llega a Nacha “tarde”. “Fíjate si es tarde que me llega solo a mí. Las demás no están. Si estuviéramos todas, el abanico de experiencias sería más extenso. Hablaríamos todas de las ideas que teníamos. Éramos seis personas completamente diferentes, unas más mayores… ha llegado tarde, pero ha llegado, por lo menos quedo yo para reconocer lo que hicimos”, dice con una sonrisa triste.

Nunca pensó que se convertiría en un referente para las nuevas generaciones y lo ve como una “responsabilidad”. También sabe que habrá personas que no compartan aspectos de su forma de pensar. “Hay cosas que yo he hecho en mi vida que a lo mejor la gente no está de acuerdo, como haber trabajado en la prostitución. Eso para mucha gente no es de un referente, pero lo tienen que entender y más si realmente soy su referente. Yo no lo he hecho por voluntad propia, era por necesidad. Igual que yo, la mayoría. Nosotras no éramos aptas para tener un trabajo común y corriente. Teníamos documentos de hombre. El rechazo era terrible ¿Qué nos quedaba? O ser artista, que todo el mundo no vale para ser artista, igual que no todo el mundo vale para prostituirse porque es un mundo muy difícil. Llueve, hace frío, hace calor, estás en medio de la calle, te ve la gente, te insulta. Hemos tenido muchísimos problemas con las personas que tienen otra condición y otras ideas políticas. Han asesinado a muchas de nosotras”.

Por eso dice que no tiene miedo si vuelven los que las insultaban y pegaban, pero le cuesta llamarles por su nombre porque prefiere no hablar de política. Eso sí, les deja un mensaje: “Que se den cuenta de que existíamos hace 40 años, y ya luchábamos entonces. Ahora quedamos alguna viva para poder seguir diciendo que hemos logrado lo que queríamos aunque les hayamos tenido en contra”.

Berlín se ha convertido en talismán para las óperas primas de directoras españolas. Aquí comenzó la carrera de Carla Simón con Verano 1993; y probablemente fue aquel año, 2016, en el que se vivió un punto de inflexión. De repente los festivales volvían a mirar al cine español y Berlinale se convirtió en trampolín para otras películas como Las niñas, de Pilar Palomero, que logró años después la misma carrera que el filme de Carla Simón —pasar con éxito por aquí para luego ganar la Biznaga de Oro en Málaga y llegar a los Goya— o 20.000 especies de abejas, de Estíbaliz Urresola, que a pesar de ser una ópera prima compitió por el Oso de Oro. Entre medias, el histórico galardón para Alcarrás en 2022. 

Este año la sensación al conocer la Sección Oficial de Berlinale fue agridulce, ya que no había ningún título español, pero sí que se encontraba uno en la sección paralela Panorama. Se trata de Sorda, ópera prima de Eva Libertad que lleva al largo el corto por el que estuvo nominada al Goya, en el que contaba los miedos y barreras que se encuentra una mujer sorda que decide ser madre. Ahora tiene el tiempo para desarrollarlo, y lo hace de la mano de su hermana, Miriam Garlo, sorda desde los siete años y protagonista del filme.

Sorda podría haber estado perfectamente en Sección Oficial de Berlín, es una película inteligente, delicada, que no subraya y que presenta dos personajes centrales complejos y contradictorios, tanto su protagonista como ese marido oyente al que interpreta con una ternura conmovedora Álvaro Cervantes. Una película que, perfectamente, podría seguir el destino de los otros filmes citados, ya que en un mes acudirá al Festival de Málaga y podría tener una larga y merecida temporada de premios.

La acogida en Berlín ha sido muy positiva. Horas antes de presentar por primera vez el filme en público, Eva Libertad y Miriam Garlo atendían a los periodistas españolas y explicaban como el corto acabó quedándoseles, irónicamente, corto. “Nos quedamos con muchísimas ganas de seguir trabajando juntas, y yo como directora y guionista me quedé con la sensación de que quedaba mucho por contar. Además, en los encuentros con el público, el público también nos pedía más, así que nos lanzamos a hacer el largo y hemos podido profundizar más en ese vínculo entre el mundo oyente y el mundo sordo, que es donde nacen las ganas y el deseo de contar esta película. Miriam y yo siempre decimos que llevábamos toda la vida preparándonos para esto sin saberlo”, cuenta la directora.

Definen ser sorda como una identidad, igual que el ser oyente, algo que ya choca con cómo se concibe normalmente en una sociedad que solo pone barreras a la gente que no oye. Eva Libertad también aclara que nunca pensó en su protagonista como “una representante de las mujeres sordas” ni en que su película fuera “una tesis sobre la sordera”. “Para mí Miriam es hermana, actriz, artista, es madre de cuatro perras y además es sorda. La sordera es algo que atraviesa a la actriz. Pero sí que queríamos hacer un personaje singular, concreto, con sus luces, sus sombras, sus meteduras de pata y que no fuese una sorda ejemplar. Pero claro, sí que hay algo en eso que conforma nuestra identidad, que está conformada por un montón de capas y una es la sordera”, añade.

Miriam Garlo explica que ella y su hermana llevan mucho tiempo poniendo sus “mundos interiores de acuerdo para conocerse mejor”. “Ella, desde su identidad oyente, lo tiene un poco más fácil y yo también, porque al haber estado siempre con ella y al haber crecido juntas he aprendido a entender las necesidades de la comunidad oyente por imitación. Eso me ha hecho a mí, como persona sorda, ver que no podía encajar y que mis necesidades eran otras. Me ha hecho ir poquito a poco dándome cuenta de lo que significa ser sorda en un mundo que no está hecho para mí y he ido conociendo a más personas sordas”, continúa. 

Las personas sordas sufrimos la violencia estructural e institucional en los servicios médicos durante la maternidad

Miriam Garlo — Actriz

Estar en esa comunidad sorda le ha enseñado, precisamente, “lo que se supone tener una identidad sorda, que no es más que vivir tu sordera desde un lugar positivo, bonito y de empoderamiento”. “Con esta película hemos podido profundizar y tratar de construir un puente que nos permita saber más, explicar más y que el público, tanto sordo como oyente, tenga más información para que podamos entendernos y convivir y también contaminarnos positivamente de nuestras diferencias, que luego tampoco estamos tan lejos”, dice la actriz.

La película muestra que las dificultades que la sociedad pone a las personas sordas se multiplican cuando entra en escena la maternidad. Miriam Garlo cuenta que la idea de incluirla nació porque ella misma se estaba planteando ser madre, y le contó a su hermana todas las dudas que tenía. Las pusieron en una lista, y muchas de ellas han nutrido el guion del filme.

“Ambas manejamos un punto de vista feminista de la vida y como tal nos parece que la maternidad es una experiencia vital muy importante para todas las mujeres, pero queríamos contarla especialmente para una mujer sorda por la violencia estructural e institucional en los servicios médicos. Lo que vienen siendo las barreras de comunicación, que esa es la violencia más fuerte que sufrimos las personas sordas. Y eso no deja de ser una violencia social. La sociedad podría repartir bien los recursos y que se hablara lengua de signos, lo que facilitaría que estuviésemos en igualdad de derechos, de oportunidades, de accesibilidad y de todo”, dice con contundencia.

Esa violencia se muestra en una escena dolorosa y dura, la de un parto en el que la madre no puede comunicarse con los médicos, con mascarillas y sin ninguna empatía hacia la mujer sorda a la que atienden. Una escena para la que se documentaron mucho. “Me basé en experiencias de madres sordas reales y os puedo asegurar que no puse las peores porque me parecía demasiado dramático y tampoco quería que la película fuese por ahí”, confiesa. Para dar verosimilitud usaron personal médico real, que interactuaron con los dos actores protagonistas para crear una escena “viva”. “Cuando salí del set y vi en los combos a las productoras llorando dije ‘bueno, algo tenemos ya”, recuerda la directora.

Sorda es una película que intenta abrir la mirada y que lo hizo desde el rodaje, donde se entregó un dossier sobre la sordera creado por la directora, se ofrecieron clases online de lengua de signos “para que el equipo tuviese nociones básicas para poder comunicarse con la comunidad sorda que aparece en la película” y que tuvo siempre mínimo a dos intérpretes. 

La película consigue mostrar algo que subraya su protagonista, y es que “la sociedad es muy hostil hacia las personas sordas”. Pero su mirada es optimista: “Esta es una sociedad que da prioridad a las prisas, al trabajo, pero cuando das la oportunidad hay alguien detrás que tiene curiosidad y que quiere aprender porque además es bonito. En este caso, el equipo de trabajo, hizo ese esfuerzo y para mí supuso un lugar, una zona de confort, donde me encontraba protegida, arropada, validada, valorada. Ojalá siempre fuese así. No es tan difícil, pero falta todavía mucho por una cuestión de política, de intereses, pero el pesaje es que sí se puede”.

Han pasado cinco años desde que Bong Joon Ho pusiera todo patas arriba con Parásitos. La película colocó al cineasta coreano donde no le habían puesto ni siquiera sus filmes rodados en Hollywood (Snowpiercer, donde sufrió la ira de Harvey Weinstein en el proceso de montaje y Okja, uno de los dos únicos títulos de Netlix que compitieron en Cannes). El fenómeno en torno a su sátira contra los ricos comenzó en el Festival de Cannes, donde desde el primer pase fue la favorita de una Palma de Oro que finalmente ganó.

Pero lo de Parásitos fue mucho más. De repente, una película coreana arrasaba en taquilla en todo el mundo, convirtiéndose en uno de esos títulos que pasan rápidamente al imaginario popular. En España logró casi 8 millones de euros en taquilla. En EEUU más de 50, una cifra astronómica en un país donde no hay doblaje y la gente tiene alergia a leer subtítulos. El propio cineasta hacía referencia a esa barrera de los subtítulos cuando, meses después, lograra hacer historia convirtiéndose en el primer filme de habla no inglesa en ganar el Oscar a la Mejor película.

Por supuesto, Hollywood se tiró a la caza del director. No podían dejar escaparle tras un pelotazo tan grande, y Bong Joon Ho aprovechó para firmar una serie basada en Parásitos para HBO con los productores de Succession; y decidió que sería allí donde rodara su primer filme tras el Oscar, Mickey 17, la adaptación de la novela de ciencia ficción del mismo nombre publicada en 2022. 

Había, por tanto, muchísimas ganas de ver el regreso del director. En los últimos meses, los rumores sobre la poca confianza de Warner en el proyecto habían crecido. La compañía ha cambiado constantemente la fecha de estreno hasta emplazarlo en marzo, donde suelen colocar los títulos en los que no confían comercialmente, pero eso hizo que el festival de Berlín fuera el lugar perfecto para estrenarla y traer no solo a Bong Joon Ho, sino también a su protagonista, Robert Pattinson.

Después de ver Mickey 17 uno vuelve a confirmar que Bong Joon Ho nunca falla, el director sigue sin tener una película mala en su filmografía. Al revés, su nuevo filme, quizás el más ambicioso de su carrera en términos de presupuesto, hace creer en que otro blockbuster es posible, en que las majors pueden producir buen cine grande y espectacular. Joon Ho no se vende al mejor postor, y despliega en su película todos los elementos de su cine: el humor negro en ocasiones cercano al absurdo, los arrebatos violentos, la mala leche y la crítica al capitalismo que atraviesa todo.

Lo hace con la historia de un personaje gris que decide ofrecer su cuerpo para misiones de riesgo. Cuando muere en una de ellas, clonan su cuerpo y le insertan sus recuerdos para continuar en esta u otra misión realizada en un planeta al que la empresa de Mark Ruffallo quiere colonizar. Así, el Mickey del título llega hasta su versión 17, cuando le dan por muerto, pero no lo está, lo que provoca que se encuentre con su versión 18. Ambos acabarán envueltos en una revuelta social para evitar que se realice un genocidio contra las criaturas que pueblan este planeta.

Con todos esos mimbres construye una comedia de ciencia ficción cercana a la sátira donde vuelve a atacar al colonialismo, al capitalismo, a las grandes compañías y a los políticos y líderes autoritarios encarnados en un personaje al que da vida un Mark Ruffallo desatado e hilarante que sesea como Trump y que pone los morritos del presidente. Para el director, ese personaje no es solo en el que todo el público pensó, sino que “encarna a los dictadores del pasado que hemos experimentado”. 

“Tiene, de una manera cómica, todas las caras de los malos políticos que hemos experimentado. Por supuesto que tenía algunas personas como referencias, pero no políticos reales de este momento. Parece que estáis pensando en ciertos políticos modernos, pero hice este personaje inspirándome en el pasado. Como la historia siempre se repite, podría parecer que me estoy refiriendo a alguien del presente”, añadió.

Aunque fuera cierto, el hecho de que los seguidores locos de este líder lleven gorras rojas con lemas populistas no ayuda a pensar en el pasado sino en un presente al que Bong Joon Ho clava su bisturí con precisión pero, sobre todo, con sentido del espectáculo, el ritmo y la diversión. Si bien las dos horas y cuarto a veces pesan un poco, el filme se ve con gusto y con una sonrisa que muchas veces se convierte en carcajadas, como cuando Pattinson está a punto de realizar un trío consigo mismo y el personaje de Naomi Ackie.

El actor sigue demostrando su buen tino eligiendo proyectos y directores, y aquí despliega una vis cómica maravillosa en su doble papel. Se divierte, juega, prueba cosas y el espectador no tiene más remedio que rendirse a su salto al vacío. Un papel para el que confesó que se había inspirado en el Steve Buscemi de Fargo, sobre todo en su forma de hablar, que ya dejó muchos comentarios cuando se lanzó el primer tráiler de Mickey 17.

Bong Joon Ho consigue entregar un blockbuster con personalidad y devolver algo de fe en que las empresas intenten crear éxitos alejados de franquicias, secuelas y remakes, con directores que aporten su propia mirada. Ojalá muchos más Mickeys 17. Ojalá muchos más Bong Joon hos.

Los biopics musicales suelen sufrir el mal de Tu cara me suena. O lo que es lo mismo, sus protagonistas están tan obsesionados en clavar cada gesto y convertirse en las estrellas a las que interpretan que acaban confundiendo la composición del personaje con la imitación. Si a eso sumamos que en casi todas estas películas son los actores y actrices los que realizan las actuaciones musicales, lo que queda es algo parecido a una actuación del programa de Antena 3, donde famosos cantan y actúan como cantantes conocidos.

El caso paradigmático es el de Rami Malek dando vida a Freddie Mercury en Bohemian Rhapsody (2018). Con unos dientes postizos que parecían sacados de una tienda de disfraces, el actor tiraba de tics y gestos para imitar a la estrella. No se daba cuenta de que Mercury era inimitable, y que cuanto más lo intentara, peor sería el resultado. En vez de darle humanidad, lo que hizo fue una actuación de karaoke que a pesar de ello terminó ganando el Oscar al Mejor actor, porque a Hollywood le pirra una buena imitación. 

Parece que el único lugar donde se ha entendido que el biopic musical es mejor cuanto más libre vuele es en España, que el año pasado dejó dos películas que hacen saltar por los aires todo lo marcado por Hollywood. Tanto Segundo premio como La estrella azul hablaban de grupos musicales (Los Planetas y Más Birras), pero lo hacían desde otros códigos radicalmente opuestos. Tenían claro que a través de esos personajes querían contar algo, y eso les otorgaba lo que no tienen los biopics de Hollywood: alma y personalidad.

Ojalá James Mangold, uno de esos artesanos que llevan toda la vida en Hollywood cumpliendo con encargos de los estudios, hubiera visto estas dos películas antes de realizar su biopic de Bob Dylan, A Complete Unknown, que se ha presentado fuera de concurso en el Festival de Berlín, donde llega como una de las favoritas al Oscar con ocho nominaciones, entre ellas la de película, director, actor protagonista, actor de reparto y actriz de reparto. Ojalá también hubiera visto la original aproximación a Dylan que hizo el que hoy es presidente del jurado de esta edición de la Berlinale, Todd Haynes, que mostró en I’m Not There que hay tantos Dylan (uno lo interpretaba Cate Blanchett) que centrarse solo en una faceta era imposible.

A Complete Unknown tiene una buena idea en su núcleo que la distancia un poco de otros biopics musicales. En vez de centrarse en contar todo el arco de creación de la estrella musical se basa en un momento concreto, aquel en el que Dylan dejó de cantar folk. Cambió su estilo musical al mismo tiempo que estaba cambiando el país en el que él vivía. The times are a-changing, cantó Dylan en 1964. La idea, interesantísima, se queda pronto en una mera anécdota para centrarse más en el retrato de ascenso al estrellato de Dylan, en su relación con su primera pareja, Sylvie Russo, la activista que le enseñó a mirar el mundo que le rodea; y en la que tuvo con Joan Baez.

Eso acaba haciendo que A Complete Unknown termine más cerca de un filme sobre un triángulo amoroso entre estrellas musicales que en una radiografía de los tiempos cambiantes que plasmó el artista que cambiaba para ser otro. Y quizás, el mayor problema lo tiene en que la película no consigue evitar caer en el mal de Tu cara me suena. Mangold y su película están fascinados con Timothée Chalamet, y todo gira en torno a su interpretación/imitación de Dylan.

Chalamet no está tan exagerado como lo estaba Malek, y está más que notable como Dylan, pero se gusta tanto, que eso se traslada todo el rato. Esta es una película fagocitada por el poder de la interpretación de su estrella, que está más contenido cuando canta (con su propia voz) que cuando habla e intenta mimetizar la forma de expresarse y gesticular del cantante. Es curioso que la mejor interpretación del reparto, la de Elle Fanning como Sylvie Russo, sea la única que no han nominado al Oscar, mientras que a Chalamet, a Edward Norton, por hacer de Pete Seeger, y a Monica Barbaro, por dar vida a Joan Baez les ha caído la candidatura, lo que dice mucho de la fascinación de Hollywood por este tipo de películas y de interpretaciones. 

A Berlín, Chalamet ha llegado en plena ebullición de su carrera por el Oscar, donde muchos le ven como la amenaza al favorito en la categoría de Mejor actor, Adrien Brody, por The Brutalist. Con solo 29 años es la segunda vez que opta al galardón, y si lo logra se convertiría en el actor más joven en ganarlo superando a… Adrien Brody, que lo logró también con 29 años, pero con algún mes más. 

Chalamet lo ha dado todo en su campaña por el premio, con su cumbre en Saturday Night Live, donde no solo lo presentó, como suelen hacer las estrellas de Hollywood, sino donde también cantó sus temas preferidos de Bob Dylan. Su temporada ha pasado, además, sin polémicas, lo que, en un año como este, es más importante que nunca. Eso ha hecho que muchos vean en A Complete Unknown y en su papel una opción de consenso en una edición con muchas películas salpicadas.

Creó que Bob Dylan dejó un legado comprometido en ese sentido, porque de alguna manera él estaba resentido porque le etiquetara como el salvador de una generación

Timothée Chalamet — Actor

La última parada de ese tour era Berlín, donde Chalamet se presentó más de media hora tarde a su rueda de prensa. Allí, el actor ha subrayado que las preguntas de los periodistas europeas eran mucho mejores que las de EEUU… para luego evitar responderlas. Chalamet ha sido preguntado por el activismo de los artistas, ya que además es una parte importante del filme que protagoniza, y ha dado varios rodeos para no mojarse nunca del todo. 

“Creo que Bob Dylan dejó un legado comprometido en ese sentido, porque de alguna manera él estaba resentido porque se le etiquetara como el salvador de una generación. Pero cuando esa generación fue al Woodstock de 1969, él no tocó allí. Mi opinión, y hablo por mí, es que él componía canciones políticas porque era su forma de expresarse a mediados de los 80. Él realmente se esforzó por no ser catalogado como activista, a pesar de que su música era muy reflexiva”, dijo y recordó también el concierto de Live Aid de 1985, cuando Dylan pidió que parte del dinero del evento ―que era para la lucha contra el sida― se dedicara para pagar la hipoteca de los granjeros.

Cuando fue preguntado por lo que le había enseñado interpretar a Bob Dylan para mirar al presente con el auge del populismo, la moderadora intentó incluso salir en su ayuda pidiendo que las preguntas fueran centradas en la película, pero Chalamet contestó y dijo que había una enseñanza en las canciones de Dylan: “Había advertencias contra las figuras de culto, y en eso creo que fue inspirado. Hay que tener cuidado con cualquier figura que se presente como salvadora, y eso es algo que también estaba en las novelas de Dune, Frank Herbert nos enseñó que hay que tener cuidado con cualquier figura de culto”. Ni un paso en falso. La carrera por el Oscar se encuentra en un momento cumbre, en mitad de las votaciones definitivas, y cualquier declaración fuera de tono puede valer el premio.