No le importó que pudieran abuchearlo ni tampoco que el presidente de EEUU lo hubiera despreciado durante meses: Bad Bunny, envuelto en los colores de Puerto Rico, ha clamado por la identidad cultural de Latinoamérica en el espectáculo más estadounidense que existe y el que supone el evento deportivo más mediático del mundo. El artista ha hecho de la Super Bowl 2026, que celebra la final de la NFL —la liga nacional de fútbol americano—, el “baile inolvidable” de los más de 68 millones de latinos que hoy sufren la represión migratoria de Donald Trump. Un baile que, presumiendo de mucho orgullo, ha recordado los valores perdidos a un país que antaño llegó a ser la imagen de la libertad.

“Seguimos aquí”, ha declarado de forma tajante Bad Bunny en el descanso del partido disputado entre los Patriots de Nueva Inglaterra contra Seattle Seahawks. Lo ha hecho tras enumerar todos los países del continente americano y ondeando la bandera de Puerto Rico, con la que se ha presentado en el Levi's Stadium de Santa Clara, California, para ofrecer la que apunta a ser su única actuación en EEUU este año. Preocupado por la crueldad del ICE —la policía antiinmigración del Gobierno de Trump—, el cantante excluyó de su gira al país para proteger a los fans latinos de posibles redadas donde programara sus conciertos. Desde entonces, esta Super Bowl se tornó en una declaración de intenciones.

Precisamente por ello, Bad Bunny ha montado una pequeña isla sobre el terreno de juego, con sus palmeras y sus cañas de azúcar. Aprovechando la luz del día que ha teñido la final, el cantante ha representado a Puerto Rico en un espectáculo que comenzó con su icónica Tití me preguntó. Quien no ha podido escucharla desde el estadio es Donald Trump, que tildó de “terrible” la elección del cantante para actuar en el intermedio del partido. Pese a acudir el año pasado, esta vez ha excusado la duración del vuelo para no estar presente. Sin embargo, Bad Bunny no lo ha echado de menos, ni a él ni a sus políticas opresivas, aunque en esta ocasión no ha protestado directamente contra el ICE.

La protesta de Bad Bunny, en cambio, ha llegado cargada de positividad. “Lo único más poderoso que el odio es el amor”, declaró el artista hace una semana en la gala de los Grammy. Hoy, ese amor se ha materializado en una actuación que ensalza la cultura latinoamericana. Desde un niño durmiendo sobre tres sillas juntadas hasta los vendedores de puestos de comida que acostumbran a acompañar las calles, el cantante ha celebrado la riqueza de su tierra. Además, el segundo tema interpretado fue Yo perreo sola, con el que rompe con la creencia de que las mujeres dependen de los hombres para pasárselo bien en una discoteca. A partir de ahí, el baile había empezado y ya era imparable.

“Buenas tardes, California. Mi nombre es Benito Antonio Martínez Ocasio y si hoy estoy aquí es porque nunca dejé de creer en mí”, ha manifestado el cantante tras subirse a una furgoneta para cantar Eoo, Voy a llevarte pa PR y Mónaco. Hubo momentos en los que le costó afinar, pero el show estaba servido, e incluso se subió al tejado de una casa para caer y encontrarse dentro con estrellas de origen latino como Cardi B, Karol G, Pedro Pascal, Young Miko y Jessica Alba. Pero la primera de las dos figuras invitadas a cantar aguardaba fuera, apareciendo justo después de que se oficializara una boda real sobre el césped: Lady Gaga interpretó una versión latina de su hit Die With A Smile que, pese a la buena intención de la sorpresa, se sintió bastante fuera de lugar e impidió que la actuación fuera íntegramente en español.

Aunque Lady Gaga también compartió varios pasos junto a Bad Bunny de su Baile inolvidable, mucho menos forzada fue la bonita escena en la que el artista ofreció su premio Grammy a un niño que parecía representarlo a él de pequeño. Lo hizo después de cantar Nuevayol, un homenaje a Un Verano en Nueva York de El Gran Combo de Puerto Rico y Andy Montañez, uno de los éxitos de la salsa puertorriqueña de los años 70. A continuación, Ricky Martin cantó la reivindicativa Lo que le pasó a Hawaii, canción de Bad Bunny en la que se reflexiona sobre la pérdida de identidad sufrida por Hawái: “Quieren quitarme el río y también la playa / Quieren el barrio mío y que abuelita se vaya”.

Cargando con la bandera de Puerto Rico, el reguetonero se subió a un poste de energía para concienciar con El apagón, una crítica a la crisis eléctrica que no podía faltar en esta Super Bowl. Con tal de finalizar el espectáculo por todo lo alto, Bad Bunny apostó por Café con ron, que utilizó para mencionar a todos los países del continente y mostrar orgulloso sus colores. “Dios bendiga a América. Sea Chile, Argentina, Uruguay, Paraguay, Bolivia, Perú, Ecuador, Brasil, Colombia, Venezuela, Guyana, Panamá, Costa Rica, Nicaragua, Honduras, El Salvador, Guatemala, México, Cuba, República Dominicana, Jamaica, Haití, EEUU, Canadá y mi madre tierra, mi patria Puerto Rico”, declaró el cantante rodeado de todas las banderas.

La propuesta de Bad Bunny finalizó con su hit Dtmf, la canción que da nombre a su álbum Debí tirar más fotos. En ese entonces, la actuación era toda una fiesta cuyo propósito ya había sido cumplido. Una fiesta para desgracia, por supuesto, de Donald Trump, que acudió a las redes sociales para afirmar que el show había sido una “bofetada” al país. “Nadie entiende ni una palabra de lo que dice este tipo, y el baile es repugnante, especialmente para los niños que lo ven desde EEUU y todo el mundo”, ha escrito el presidente. Pero el éxito de Bad Bunny no acababa ahí: Celimar Rivera Cosme ha sido la primera intérprete de lengua de signos puertorriqueña y de habla hispana en el descanso de la Super Bowl.

Antes de que el artista irrumpiera en el terreno de juego, el legendario grupo Green Day había inaugurado la Super Bowl a pesar de las quejas que también profirió Trump sobre dicha elección, pues su líder Billie Armstrong ha sido crítico con su mandato. La banda interpretó Good Riddance (Time Of Your Life), Holiday y Boulevard Of Broken Dreams, cerrando así con su clásico político American Idiot: “No quiero ser un estadounidense idiota”. Tras la intervención de Green Day, Charlie Puth cantó el himno nacional, Brandi Carlile versionó America The Beautiful y Coco Jones interpretó Lift Every Voice And Sing, conocido como el himno nacional negro.

La actuación de Bad Bunny agiganta la reivindicación a la comunidad latina que ya hubo en la Super Bowl de Shakira y Jennifer Lopez en 2020. La hija de Jennifer Lopez, Emme Maribel Muñiz, apareció para cantar junto a su madre Let's Get Loud en un momento en el que el escenario fue ocupado por un coro de niños que bailaban sobre estructuras en forma de jaula, referenciando a los menores detenidos en la frontera sur de EEUU por la administración de Donald Trump. Asimismo, también cantó junto a su hija un fragmento de Born in the USA de Bruce Springsteen, envolviéndose en un abrigo de plumas con la bandera de EEUU que, al abrirse, mostraba la bandera de Puerto Rico.

La fiesta acogida por el Levi's Stadium ha puesto el broche de oro a una semana perfecta para Bad Bunny. El artista se convirtió la semana pasada en la primera persona que logra el codiciado Grammy al Álbum del Año por un disco compuesto en su totalidad en español. Además, es el segundo trabajo que lo logra en una lengua no inglesa tras la victoria de Getz/Gilberto de Stan Getz y João Gilberto en 1965. Se trata de toda una hazaña por parte del cantante, quien lidera la excelente época que está viviendo la música en español en todo el mundo, impulsada por la decisión tomada este 2025 de que los votantes de los Latin Grammy puedan incorporarse como miembros de la Academia de la Grabación.

Durante uno de sus discursos en la gala de los Grammy, el intérprete aprovechó para cargar duramente contra el ICE en un momento en el que una ola de protestas recorre Minneapolis contra los asesinatos cometidos. Siendo consciente de su exposición y del poder de su voz, el artista ha optado por hacer de nuevo alusión a sus declaraciones en la actuación que ha ofrecido en Santa Clara: “El odio se vuelve más poderoso con más odio. Lo único más poderoso que el odio es el amor. Así que, por favor, tenemos que ser diferentes. Si luchamos, tenemos que hacerlo con amor. No los odiamos a ellos, amamos a nuestra gente y amamos a nuestra familia. Y esa es la forma de hacerlo, con amor”.

Bizarrap está de vuelta. Tras 10 meses desde su última sesión, un formato en el que invita a estrellas de la música como Shakira, Rauw Alejandro o Quevedo para hacer colaboraciones, el productor argentino ha regresado con una nueva canción. Lo hace acompañado del cantante puertorriqueño Daddy Yankee, uno de los grandes iconos del reguetón, un género al que ambos rinden ahora homenaje en su recién publicado tema.

“Código 787, alias ”El Calentón“ (¡Wuh!)”, canta Yankee al inicio del tema, una referencia al prefijo telefónico de Puerto Rico y al apodo con el que se etiquetó al reguetonero. “Pon la batería, que llegó el reguetón / Que lo bueno se metió pa' tu casa / Rey sin misterio levantando la raza”, agrega el intérprete en una canción que recupera el sonido del reguetón antiguo de inicios de los 2000 para rememorar la música que encumbró su trayectoria.

Quizás precisamente porque el artista reivindica que su “flow” es “eterno” y “ya no es legendario”, la sesión está repleta de referencias a Gasolina (2004), el gran clásico de Daddy Yankee y uno de los himnos del género. “La verdadera gasolina, -lina (Prendan los motore') / No me deja para'o en la esquina, de Santurce pa' Argentina”, dice el cantante aludiendo a uno de los versos más característicos de su conocido tema —“Zúmbale mambo pa' que mis gata' prendan los motore'”—.

La BZRP Music Sessions #0/66, que se conforma con los dos minutos y medio de duración, también tiene tiempo para cambiar el ritmo del sonido en su secuencia final, pareciéndose todavía más a los temas reguetoneros más reconocidos e imitando la base de producción de estos. Asimismo, el desenlace guarda una sorpresa para los fans de Daddy Yankee, que es la de que vuelva a cantar el verso más mítico de Gasolina para finalizar su homenaje musical.

Desde el lanzamiento de su primer disco de impacto, Barrio Fino (2004), Daddy Yankee se convirtió en el indiscutible rey del reguetón por convertir un género originario del underground puertorriqueño en el más escuchado del planeta. El single de aquel álbum, el ya mencionado Gasolina, sentó las bases del reguetón comercial que suena ahora. En 2022, el cantante anunció que se retiraba tras 32 años de carrera y siendo su último disco Legendaddy. Sin embargo, en 2025 ha vuelto con su álbum Lamento en baile.

Por otro lado, este nuevo tema parece abrir una etapa diferente en el futuro de Bizarrap, que llevaba casi un año sin lanzar canción. De hecho, el título del tema, en vez de llevar el número de sesión correspondiente, está catalogado por el argentino como “#0/66”, lo que podría ser un indicativo de que todas las colaboraciones que publique a partir de ahora pertenecen a una era distinta. Por el momento, el productor está dejando que hable por él la música.

Ningún género musical ha abierto una brecha generacional tan grande entre padres e hijos como el reguetón. No solo es que los adolescentes abracen un estilo de música muy diferente al que encumbraron sus mayores hace ya bastante tiempo, sino que estas canciones, que escuchan a diario ya sea en la ducha, en discotecas o mientras estudian, son descritas por las antiguas generaciones como monótonas, machaconas, sexistas, artificiales y vacías. Mientras que Bad Bunny llenará más de 10 veces el Metropolitano en 2026, algunos todavía continúan preguntándose qué es lo que los jóvenes encuentran en su catálogo que tanto dista de sus discos favoritos.

La cuestión trasciende lo estrictamente musical y toca cambios socioculturales que el escritor, crítico y divulgador Oriol Rosell abarca en su recién publicada obra Matar al papito (Libros Cúpula). El autor se sumerge en la transformación que ha experimentado la industria pop en los últimos años y en la animadversión de muchas madres y padres ante el reguetón, el género que domina sin competencia en las listas de éxito españolas. “[La antipatía] no me parecía ni medio normal. Siempre ha habido música comercial mala, pero nunca había visto una cosa tan, tan agresiva”, cuenta Rosell a elDiario.es sobre la polarización generacional en torno a este tipo de artistas y canciones.

Entre los muchos motivos que explican por qué el reguetón conquista a un sector de la población y provoca el rechazo de la otra parte, Oriol Rosell hace especial referencia a aquel que alude a la diferencia de edad: “La distancia que hay entre el reguetón y la música pop-rock blanca ha hecho que las generaciones adultas seamos conscientes de que nuestro tiempo ya ha pasado”. El escritor señala que “vivimos en una época donde se nos está intentando convencer a diario de que todavía somos jóvenes y de que lo más importante en la vida es ser joven hasta el día que te mueres”, por lo que “las condiciones de vida también nos invitan a sentirnos jóvenes”.

Sin embargo, este sentimiento de juventud se ve frustrado cuando la gente se da cuenta de que los valores asociados a la edad adulta, como la estabilidad laboral y la seguridad económica, se han disuelto. “Pienso en mi padre a mi edad y veo a un señor con una vida organizada y estable que dista muchísimo de la mía, que no sé qué voy a hacer el mes que viene para pagar el alquiler”, dice Rosell. “Esto, acompañado del machaque cultural continuo que exalta los valores de la juventud, que exige que cuando te jubiles hagas puenting, sigas con la piel tersa y tengas las erecciones de actores porno, hace que te lo acabes tragando”, añade.

El problema, por otro lado, no radica únicamente en que el reguetón esté triunfando de una forma descomunal. Subyace también en la creencia generalizada de que los álbumes que antaño eran los más escuchados, siguen siéndolo en la actualidad. “Nos encontramos en una burbuja algorítmica que hace que la música de ‘nuestra época’ siga estando vigente. Las bandas no se separan o incluso vuelven, como Oasis. Y vienen, tocan sus discos míticos de los 90 de cabo a rabo y a todos les parece lo más normal del mundo”, señala el escritor, “así que tú te sigues sintiendo joven, sobre todo porque no puedes sentirte otra cosa”.

“De repente aparece el reguetón, que no tiene nada que ver con tu cultura, que se ha ido cociendo a tus espaldas, que es un relato paralelo de la música popular de la que nunca habíamos tenido noticia, y eso te hace ser consciente de que hay otra generación que es distinta a la tuya y a la que tus valores no les sirven para nada”, afirma Oriol Rosell, que agrega que “el trauma no es la muerte del padre, en términos freudianos, sino que quien muere se acaba de dar cuenta de que es padre”. Pero la aparición del reguetón no llega por arte de magia, pues se engarza en un relato musical que nace con el reggae, que sigue con el folk y que tiene que ver con los movimientos migratorios.

El reguetón como conciencia de clases

Precisamente por los movimientos migratorios empieza a hacerse hueco el castellano en Panamá, cuyos sonidos rebotan en Nueva York y los recuperan los puertorriqueños que viven allí, que mezclan esta música con el hiphop. “Estamos hablando de un fenómeno totalmente transnacional y en perpetuo movimiento”, apunta el divulgador cultural. Esto también permite plantear por qué los hijos de la clase media blanca europea se identifican antes con una figura competente de entornos marginales que con otra, cuya reflexión de Oriol Rosell deriva en que se trata de una generación que sufre directamente numerosas crisis.

“Impacta de lleno la crisis del 2008, resuena la crisis de la imaginación política, hay un capitalismo completamente salido de madre, una escucha constante de que no hay posibilidades, de que el futuro va a ser desastroso... Todo esto resuena en el auge y, sobre todo, en la capacidad del reguetón para conectar con las ansiedades de los jóvenes”, declara el escritor. “Es muy significativo que el mismo año que Nirvana llega al número 1 en las listas americanas, se acaba definitivamente la Unión Soviética, manteniendo la posibilidad de que hubiera otras formas de hacer política. Esto excitaba la imaginación política, del mismo modo que el underground o lo alternativo excitaba la imaginación pop”, alega. Lo cierto es que el pop-rock blanco llevaba en su ADN una promesa de libertad, de desvincularte del sistema.

El crítico musical explica que “el día en el que lo alternativo se convierte en una mercancía más que forma parte del mismo mainstream, ahí empieza a hundirse todo un poquito”, y hace referencia al filósofo británico Mark Fisher al sentenciar que, “después de Nirvana, no ha habido ni un solo grupo de música rock que haya tenido una trascendencia más allá de lo musical”. “Se han hecho muy buenos discos de rock, no digo lo contrario, pero no han tenido resonancias sociales ni culturales”, cuenta a este periódico, indicando que “la música pop-rock blanca se ha ido quedando atrás en su propia tradición y lo otro ha ido tirando millas”.

El cambio de ciclo musical se da en 2004, cuando Daddy Yankee publica su clásico Gasolina, haciendo así que muera la tradición pop-rock blanca y logrando que el reguetón traspase las fronteras idiomáticas. “Ya se estaba escuchando el reguetón fuera de Panamá y fuera de Puerto Rico, sobre todo en círculos hispanoparlantes, pero Gasolina lo lleva más allá”, sostiene el autor de Matar al papito, que destaca un “sesgo de etnia y de clase muy importante”, así como un “cierto rencor poscolonial” en la audiencia española. “Esto de que los hispanoamericanos nos hayan ganado de calle la batalla por la hegemonía cultural en el pop no lo llevamos demasiado bien. Siempre se ha sentido una jerarquía simbólica en la cual España está por encima de Latinoamérica”, señala.

En el ámbito internacional, tan solo Rosalía ha sentado una relevancia considerable en los últimos años. Por el contrario, Puerto Rico y otros países latinoamericanos han impulsado a todo un grupo de artistas que están movilizando la cultura. Bad Bunny es el líder de esta nueva ola, que va camino de adjudicarse el disco más escuchado del año en Spotify con su Debí Tirar Más Fotos, lanzado en plataformas de streaming el pasado enero. Además, su trabajo Un Verano Sin Ti se convirtió en el primer proyecto en español nominado al mejor álbum del año en los Grammy, lo que demuestra su poder en el mercado anglosajón. Esto, indirectamente, repercute en que los mayores echen en falta que sus respectivos ídolos hubieran alcanzado ese nivel de éxito.

Y, pese a ello, habrá quien siga rechazando el reguetón. Muchos, por sus letras machistas. Sin embargo, como comenta Oriol Rosell, toda la música es machista: “Se fundamenta en unas superestructuras que son, por definición, heteropatriarcales”. La diferencia está en que el reguetón es explícito. “No hay metáfora, no hay poesía, no hay secreto. Pero porque vivimos tiempos en los que todo tiene que ser transparente”, reflexiona el escritor. “La gente no sale de casa sin contarlo cinco veces en una red social”, advierte. Y pone el foco en la “falta de confianza en el criterio de los hijos e hijas”: “Todo el mundo está convencido de que la música tiene que tener un mensaje, tiene que decir algo importante, tiene que poder cambiar el mundo”. Quizás no sea necesario.

El próximo 7 de mayo comienza el cónclave en el que se elegirá nuevo papa después del fallecimiento del Papa Francisco el pasado 21 de abril, justo al siguiente día del Domingo de Resurrección, en el que había hecho una leve aparición en el Vaticano.

El cónclave ha despertado mucho interés en redes sociales, lo que ha llevado a un reestreno de la película del mismo nombre que estuvo nominada a los Premios Oscar, pero también a que la profecía de Nostradamus ha vuelto a la actualidad con una canción milenial que se ha vuelto viral en Italia.

La canción ‘Papa nero’ se vuelve viral por el cónclave

Michel de Nôtre-Dame, conocido como Nostradamus, fue un boticario francés y supuesto adivino que vivió en el siglo XVI, cuando publicó el libro Les Prophéties, donde compartió sus profecías, entre la que destacaba que después de un papa anciano llegaría uno negro, algo que ha supuesto especulaciones durante siglos.

Más allá de las suposiciones que se han hecho en redes sociales y desde su publicación, esta profecía de Nostradamus llevó a ser una inspiración y referencia para todo un éxito musical en la década de los 90 en Italia, que llegó a participar en el festival de Sanremo.

En 1997, el grupo reggae Pitura Freska, originario de Venecia, se presentó al prestigioso festival de Sanremo con la canción ‘Papa Nero’, en la que se hacía referencia a la profecía Nostradamus, pero que venía a ser una canción antirracista en un momento en el que venía de haber sido coronada Miss Italia, Denny Méndez, quien provenía de Santo Domingo.

Pensaron en hablar de un presidente de Estados Unidos negro, pero lo vieron impensable

Concretamente a esto hacía referencia en la estrofa: “Sarà vero dopo Miss Italia aver un Papa nero, no me par vero, Un Papa nero, che scolta e me canson en venessian parché el ‘se nero african” (Será verdad después de Miss Italia tener un Papa negro, no me parece verdad, un Papa negro, que me escucha y me canta en veneciano porque es negro en África).

La canción ha entrado 28 años después en la lista del top 10 en Viral Italia en Spotify, una viralidad de ‘Papa Nero’ que también se ha dejado ver en las redes sociales en Italia, sobre todo entre la generación milenial, y ha vuelto a poner en el foco actual al grupo veneciano, que se separó en 2002, y cuyo líder Sir Oliver Skardy mantiene una carrera en solitario en la música.

El propio Skardy, en declaraciones a la Agencia Dire, aseguró que para él la profecía ya se cumplió con el Papa Francisco, al ser llamado así el líder de los jesuitas, orden a la que el argentino pertenecía, pero también relató como en su día pensaron en hablar de un presidente negro de Estados Unidos, lo que desecharon por considerarlo “impensable”.

En un país cuya literatura centrada en el ámbito musical se basa principalmente en la traducción de títulos extranjeros y, poco a poco, en obras sobre la realidad musical española, es toda una anomalía el lanzamiento de La isla del tesoro. Subtitulado Historia de la música jamaicana del siglo XX (Caligrama Ediciones), este descomunal volumen de 550 páginas y 76 capítulos, recorre el fértil y desbordante vergel musical de Jamaica entre los años 50 y 90. Pero no se trata de la traducción de alguna obra anglosajona: es una titánica empresa capitaneada por un puñado de melómanos de Catalunya, Euskadi y la Comunitat Valenciana, los tres enclaves de la península que históricamente han mostrado más interés por el reggae.

“El libro ha salido adelante gracias al entusiasmo de gente que ha investigado por su cuenta sin apenas medios”, subraya Jordi López (alias Ragnampaisser), el ideólogo de un proyecto que empezó a fraguarse a finales del siglo XX. El objetivo del libro era rebatir muchos de los tópicos que arrastraba el género en España: “Que no hay nada más allá de Bob Marley, que toda la música suena igual y que todo es paz, amor y playa, cuando Jamaica ha sido uno de los países más violentos del mundo”, rebate Ragnampaisser. Para ello, nada mejor que contextualizar social y políticamente el país, analizar sus incontables subgéneros y explicar las numerosas particularidades de una industria musical que ha funcionado a pleno rendimiento sin ceñirse jamás a las normas de occidente.

Durante décadas, el éxito de los artistas jamaicanos se ha dirimido en los sound systems y las pistas de baile, no en los despachos de las discográficas. Se hacía una tirada cortísima de singles, se distribuían entre los pinchadiscos y si el single triunfaba entre el público que iba a bailar los fines de semana, se procedía a prensarlo y distribuirlo comercialmente. El que no cuajaba, ni se prensaba. Por otro lado, en Jamaica a menudo los productores eran tan o más famosos que los cantantes. Y apenas existían bandas como en el mundo del rock; los cantantes grababan con los músicos que hubiese ese día en el estudio. Todo ello propició que Jamaica sea “el país con un porcentaje más alto de gente involucrada en la música. Allí, quien no toca, produce; quien no produce, graba o toca; y quien quiere cantar... prueba”, resalta Ragnampaisser.

Consejo de sabios

Acotar tamaño caudal productivo de la isla era el gran reto de sus autores. Ragnampaisser, Iñaki Yarritu, Dr. Dekker, Carlos Monty forman una suerte de consejo de sabios de la cultura jamaicana en España desde que se conocieron allá por los años 80 gracias a las primeras tiendas especializadas en música jamaicana que abrieron en Barcelona, Bilbao y Valencia. Ragnampaisser, cantante ocasional y dueño de una de esas tiendas de discos, es el promotor de conciertos que organizó las primeras giras españolas de artistas de reggae. Yarritu armó la Basque Dub Foundation, uno de los proyectos musicales más vibrantes que han brotado en la península. Monty fue director de la revista AfroXpress y David Vilches (alias Dr. Dekker) ha publicado en infinidad de revistas. Son los cuatro pilares que, con el refuerzo de otros colaboradores satélites como Luis Lapuente, Lord Dick, Josu Olarte y Fandos Martínez, asumieron en su día el reto de ordenar y exponer el vasto legado jamaicano.

El libro está dividido en cuatro partes que más o menos coinciden con las últimas cuatro décadas del siglo XX: el ska y rocksteady de los 60, el reggae de los 70, la eclosión dub de los 80 y la evolución digital de los 90. En todos, se describen con deslumbrante minuciosidad las particularidades técnicas o interpretativas de cada género (texturas de voz, formas de golpear la batería...) y se sigue la pista, buscando agujas en todos los pajares, hasta dar con la canción que los define: el primer compás de ska, el primer patrón de batería claramente rockers, las primeras referencias rítmicas africanistas, la primera canción grabada con caja de ritmos... Hay un capítulo entero dedicado al sonido lovers rock británico, un subcapítulo exclusivo para las voces en falsete, un listado de todas las mujeres que grabaron con Lee Perry… Y cada género, cantante y productor que merece capítulo propio incluye una discografía recomendada y comentada.

Obsesión completista

La obsesión completista de La isla del tesoro asusta. Hay párrafos con referencias a una veintena de singles distintos. Hay capítulos donde se mencionan cien artistas. Posiblemente, en conjunto haya 30.000 referencias distintas: a álbumes, instrumentistas, singles, productores, arreglistas, tiendas de discos, modelos de mesas de grabación, direcciones de estudios… “Cada línea de este libro nos ha obligado a levantarnos de la silla e ir a por el disco a comprobar el dato”, insiste Ragnampaisser. Más noble aún es que cuando se abordan aspectos poco claros, el libro exponga que existen versiones encontradas sin tomar partido por ninguna o que, en su defecto, especifiquen que se trata de un rumor no contrastado.

Pero, más allá de la profusión de datos, y de una voluntad más enciclopédica que literaria, más completista que ensayística, también hay un esfuerzo por contextualizar la música jamaicana y atribuirle el valor que merece. Aquí se habla desde la conquista de la isla por parte de los europeos, hasta la importancia de los sound systems británicos como espacios de encuentro y cohesión para la comunidad jamaicana migrada a Reino Unido. Se reconoce, por supuesto, la envergadura de Bob Marley como gran icono internacional, pero también se destaca la dimensión de numerosos artistas de los años 80 y 90 que ya solo interpelan al público local (con sus mensajes, con su argot…) y que serán tan influyentes para la juventud del país como el rey del reggae aunque desde Europa se les mire con recelo. También se explica como, en los años 70, numerosos cantantes y productores contrataban a matones para que presionasen a punta de pistola a los locutores que no radiaban sus grabaciones y se contextualiza la homofobia que airean muchos cantantes jamaicanos de la escena dancehall de los 90.

En España apenas existen libros sobre música jamaicana más allá de un puñado de biografías sobre Bob Marley. Sin embargo, es un país clave en el devenir sonoro del siglo XX. Allí se han desarrollado técnicas clave para la evolución musical reciente como el remix o la improvisación vocal sobre ritmos grabados. Es un país que ha exportado músicas tremendamente populares y altamente experimentales; a menudo, sorteando el desinterés de las emisoras. Un país muy pobre pero que encontró en la pista de baile y en las reuniones alrededor de los altavoces un espacio de democracia real al margen de las imposiciones de los medios de comunicación. Cuesta imaginar cómo hubiese evolucionado la música de este planeta si no hubiese existido Jamaica. Hasta el reguetón tiene su origen en esta isla caribeña depositaria de tantísimos tesoros.

Un libro triplemente jamaicano

El tiempo transcurre a otro ritmo en Jamaica. Lo sabrá quien haya escuchado las producciones dilatadas de Lee Perry, quien haya sufrido taquicardias escuchando las primeras muestras de raggamuffin o quien haya perdido la noción temporal sumergiéndose en las prístinas armonías de los Heptones. Una frase ilustra la predisposición a resolver cualquier desafío en cuestión de segundos: “Jamaicans, always ready!” (Los jamaicanos, siempre a punto). Pero el flow caribeño también puede encallar un plan durante meses. El desorden generalizado y la inspiración instantánea son dos caras de la misma moneda. En este sentido, La isla del tesoro es triplemente jamaicano. No solo por su contenido y por la falta de una intensiva corrección de estilo sino por su accidentada historia.

El proyecto quedó tan aparcado que cuando se intentó retomar no había manera de abrir el documento porque la versión del programa informático en el que se había archivado era antigua. Hasta 2006 no se pudo 'desencriptar' el material

El libro se empezó a redactar en 1996, cuando internet era un agujero extraño y la única forma de documentarse era leer revistas especializadas, estudiar con lupa los créditos de los discos y preguntar grabadora en mano a los pocos músicos que pisaban España. Algunos textos se redactaron a mano y se enviaron por correo postal para luego ser mecanografiados. Inicialmente, el proyecto iba a ser lanzado desde la revista Rockdelux. Cinco años después, el libro seguía sin tomar forma porque algunos colaboradores eternizaban la redacción de sus textos. En 2002 se entregó una primera versión del libro, pero para entonces Rockdelux ya había perdido todo el interés en el proyecto. Entre otros motivos, porque el manuscrito triplicaba el volumen acordado: ¡eran 2.000 folios!

El proyecto quedó tan aparcado que cuando se intentó retomar no había manera de abrir el documento porque la versión del programa informático en el que se había archivado era antigua. Hasta 2006 no se pudo desencriptar el material, pero los intentos que se hicieron para encontrar editorial en los siguientes años no fructificaron. La isla del tesoro, como la del libro de R. L. Stevenson, se convertía en una de esas leyendas que ya nadie sabía si tenían algo de cierto. El tesoro siguió enterrado muchos años más hasta que llegó la pandemia. Y con tanto tiempo para reflexionar, lamentar los objetivos vitales incumplidos y retomar proyectos inconclusos llegó la hora de retomar aquel viejo sueño.

Premio a la paciencia

Finalmente ha sido el festival de música jamaicana Rototom Sunsplash quien ha dado el apoyo definitivo al libro. Pero aunque La isla del tesoro haya visto la luz en 2023, hay que leerlo como un libro escrito 20 años atrás. No solo porque apenas toca la producción musical del nuevo milenio, sino porque ni siquiera se ha actualizado su redacción más allá de señalar con notas a fin de capítulo si han fallecido los artistas reseñados. Cuando se dice, por ejemplo, que el último álbum de Sizzla Kalonji es de 2002, no hay que pensar que este lleve dos décadas sin grabar. Pudiera parecer un sinsentido recomendar hoy la lectura de una enciclopedia escrita hace dos décadas, pero en cierto modo, tantísima espera juega ahora a su favor. La isla del tesoro se puede disfrutar como libro-guía mientras internet te permite escuchar muchas de las canciones que menciona.

El libro, más que nunca, es un mapa del tesoro. Y el lector, el pirata que rastreará el océano de los agregadores de música en busca de las piezas que más le apetezca escuchar. Los propios autores han elaborado varias listas en Spotify con más de 400 títulos. Como cualquier recompensa largamente ansiada, La isla del tesoro abrumará al melómano y volverá tarumba al coleccionista. Pero, sobre todo, permitirá descansar a sus heróicos impulsores. Se han quitado un gran peso de encima. Un kilo y 600 gramos de libro. Tremendo botín.

Na discografía de The Clash -a única banda que importa, engadirán os seus seguidores- hai unha imaxe case tan emblemática como a da portada de London Calling, con Paul Simonon estrelando o seu baixo contra o escenario. É a fotografía dun mozo espigado, de estética rastafari, que avanza cara a un muro de policías. Foi a portada da compilación Black Market Clash. Ese home é Don Letts (Londres, 1956), testemuña excepcional (“yes, I’m very old”) da comuñón entre o punk e o reggae británicos e unha das persoas que mellor relatou aquela época. Director de videoclips, cineasta, músico, DJ, presentador dun programa de radio na BBC durante 16 anos, Letts ofreceu unha das súas sesións na Sala Capitol de Santiago, dentro do Festival Maré. Antes, na Facultade de Filosofía, proxectouse Rebel Dread , o documental no que el, como naquel motín do entroido de Notting Hill, volve estar no punto de mira, algo que non parece gustar demasiado a alguén máis afeito a tomar minutos. a través da túa cámara. “Estaba moi incómodo con esa película, si”, explica en conversación telefónica con elDiario.es, “porque se presenta como 'a historia de Don Letts', pero a historia non é de Don Letts. A historia é a cultura que fixo a Don Letts. Esa é a historia. A da cultura que me axudou a ser o que son hoxe”.

Pois imos falar desa cultura. Sinálase a vostede como o responsable directo do abrazo entre o punk e o reggae, unha historia de amor que continúa ata hoxe. Dise que tocabas punk en The Roxy, pero había tan poucos discos que completabas as sesións con dub e reggae... e aí foi onde os mozos brancos se engancharon.

Moita xente di que Don Letts axudou a crear Punky Reggae Party [canción de Bob Marley gravada en 1977, cando se refuxiou en Londres tras ser atacado en Kingston], pero esa non é toda a verdade. A viaxe desta música comezou con Trojan Records en 1968, o primeiro selo independente de reggae do Reino Unido. Esta música foi a banda sonora do movemento skinhead, e cando falo de skinheads falo do lado estético, non do fascista. Naceu da unión de rapaces brancos da clase traballadora e da cultura rudeboy xamaicana. Persoas como Joe Strummer ou Paul Simonon (The Clash), John Lydon (Sex Pistols, PiL) ou Terry Hall (The Specials) aprenderon sobre o reggae a través de Trojan. Ese selo é responsable do amor inglés pola música xamaicana. Eu só formaba parte dunha dinámica continua, un pasaxeiro do tren que comezou a viaxe en 1968.

A marihuana axudou a que o reggae se extendese?

Foi un bo medio de comunicación.

Ese “amor inglés pola música xamaiquina” está presente ao longo de toda a carreira de The Clash. Incluso para moitos críticos e para o propio Joe, White man in Hammersmith Palais –baseado nunha experiencia que compartiches con Strummer e un exemplo de cruce entre punk e reggae– é a mellor canción da banda. Pero o que quizais sexa menos coñecido é que John Lydon -nome real de Johnny Rotten, cantante dos Sex Pistols e Public Image Limited- tamén compartía esa debilidade.

A John Lydon encántalle o reggae, non te equivoques. Cando foi a Xamaica por primeira vez levoume con el, porque eramos amigos. Richard Branson (o propietario de Virgin Records) quería lanzar unha liña de reggae, Front Line, pero non sabía nada desa música. Así que foi John Lydon quen estaba detrás.

Falando de primeiras liñas: o teu sitio web donletts.com está encabezado pola túa imaxe máis emblemática, a que serviu de portada de Black Market Clash. Ti, como un pistoleiro solitario, cruzando Portobello Road, cara á policía despregada durante os disturbios raciais do entroido de Notting Hill de 1976...

Si, son eu. Pero a foto non conta toda a historia. Alí me ves diante de moitos, moitos policías, centos de policías... e parece que me vou enfrontar a eles. O que non ves na foto é unha morea de negros detrás de min con ladrillos e botellas comezando un motín. O que realmente estou a facer é apartándome do medio! Don Letts non é parvo. Estaba marchando cando alguén [Rocco Macally] fixo a foto. Non quería estar no medio da revolta [risas].

Cres que a situación política actual, co auxe da extrema dereita e a situación económica, sobre todo a derivada do Brexit, ten similitudes con aqueles anos 70?

O clima social, cultural e político é moi semellante e moi complicado para os mozos. Financeiramente, por exemplo, tes que vivir coa túa familia ata os 40 anos, e iso ten un impacto devastador na calidade da arte. Porque actualmente non se pode arriscar e hai que gañar cartos. O que teñen que facer os mozos é levantarse e implicarse.

E a música pode axudar a conseguir esa implicación?

Gran parte da música que me gusta pode ser unha ferramenta para o cambio persoal e social, pero en realidade é simplemente a banda sonora da acción. A xente ten que ser proactiva no cambio, ten que implicarse no proceso. Non é suficiente con compartir cousas co teu móbil. E non falo de botar un cóctel molotov. A votación xa é un comezo.

Xusto o que non pasou co Brexit?

Iso pasou porque a xente nova non votaba. Os vellos brancos asustados: aqueles vellos votaron polo Brexit. O Brexit vén dunha mentalidade colonial e nacionalista, é unha puta estupidez. O mundo é demasiado pequeno para ese tipo de nacionalismo. Ou todos gañamos ou todos perdemos. E a música pode xogar un papel moi importante en todo isto. A xente esquece que a música pode transmitir información e inspirar á xente...

Nos anos 70 había eses mesmos problemas sociais e económicos: non había traballo, os músicos vivían en squats... e contra todo isto xurdiu unha rebelión. Porque agora non?

Cando eramos novos, considerabamonos antisistema. Non queriamos o que nos ofrecía o mainstream. No século XXI, as aspiracións de moitos mozos -temos que ter coidado con estas palabras, moita xente pero non todos os mozos- queren o que nós rexeitamos: estar na alfombra vermella, ser famoso... Como alguén unha vez dixo: É difícil loitar contra un inimigo que vive na túa mente.

En Outta Sync, a canción principal do teu debut en solitario –con 66 anos– resumes ben este pensamento: “Agora, pola economía / vives coa túa nai / é difícil ser rebelde / pero fanche a coada / Non podes evitar o tema / non podes rock around the clock / e ninguén te botará de menos / se o pos en tik tok”.

Do que falamos aquí é da contracultura. Nos anos 70 era moi evidente identificar contra quen loitar porque se expresaba na propia música. No século XXI aínda existe, pero non se ve nin soa igual. Os mozos atoparon diferentes formas de comunicarse entre eles, non todo en Internet é lixo. Por exemplo, Black Lives Matter, o movemento global. Iso foi facilitado polas redes sociais, foi unha forma de rebelión contracultural que non se puido producir nos anos 70 Así, vemos que unha única forma de protesta deu paso a varias formas de facelo. Aínda hai música de protesta por aí, pero non soa nin parece igual. Por exemplo, se tes un teléfono móbil de 1000 libras nas túas mans e usas zapatillas deportivas que valen outras 500 libras, probablemente non estarás receptivo á música de protesta...

Hai contracultura nas túas sesións de DJ?

Nalgúns dos mixes, si. As miñas sesións reflicten a dualidade da miña existencia: son negro e británico. Captan a historia e o legado da música xamaicana.

É a túa primeira vez en Galicia.

Non o creo. Joe Strummer vivía en Andalucía e fun velo...

Pero isto está no outro extremo da Península, no noroeste.

Alí estaba todo moi brumoso.

Xa puideches ver a praza que estaba adicada a Joe en Granada?

Aínda non, pero oín falar dela.

En la discografía de The Clash –la única banda que importa, apostillarán sus fans– hay una imagen casi tan icónica como la de la portada del London Calling, con Paul Simonon estrellando su bajo contra el escenario. Es la fotografía de un joven espigado, de estética rastafari, avanzando hacia una muralla de policías. Fue la cubierta del recopilatorio Black Market Clash. Ese hombre es Don Letts (Londres, 1956), testigo de excepción (“sí, soy muy viejo”) de la comunión entre el punk británico y el reggae y una de las personas que mejor ha contado esa época. Director de videoclips, cineasta, músico, DJ, presentador de un un show radiofónico en la BBC desde hace 16 años, Letts ofreció una de sus sesiones en la Sala Capitol de Santiago, dentro del Festival Maré. Antes, en la Facultade de Filosofía, se proyectó Rebel Dread, el documental en el que él, como en aquella revuelta del carnaval de Notting Hill, vuelve a estar en el foco, algo que no parece gustar demasiado a alguien más acostumbrado a levantar acta a través de su cámara. “Estuve muy incómodo con ese film, sí”, explica en conversación telefónica con elDiario.es, “porque se presenta como 'la historia de Don Letts', pero la historia no va de Don Letts. La historia es la cultura que hizo a Don Letts. Ésa es la historia. La de la cultura que me ayudó a ser el que soy hoy”.

Pues hablemos de esa cultura. Se te señala como el responsable directo del abrazo entre el punk y el reggae, una historia de amor que continúa hasta el día de hoy. Se cuenta que pinchabas punk en The Roxy, pero había tan pocos discos que completabas las sesiones con dub y reggae… y ahí se engancharon los jóvenes blancos.

Mucha gente dice que Don Letts ayudó a crear la Punky Reggae Party [la canción de Bob Marley grabada en 1977, cuando se refugió en Londres tras sufrir un atentado en Kingston], pero ésa no es toda la verdad. El viaje de esta música empezó con la discográfica Trojan Records en 1968, la primera etiqueta independiente de reggae en el Reino Unido. Esta música fue la banda sonora del movimiento skinhead, y cuando hablo de skinheads hablo de la faceta estética, no de la fascista. Nació de la unión de los chicos blancos de clase trabajadora y de la cultura jamaicana rudeboy. Gente como Joe Strummer o Paul Simonon (The Clash), John Lydon (Sex Pistols, PiL) o Terry Hall (The Specials) conocieron el reggae por Trojan. Esa etiqueta es la responsable del amor inglés por la música jamaicana. Yo sólo fui parte de una dinámica continua, un pasajero del tren que inició el viaje en 1968.

¿La hierba ayudó a que el reggae se extendiese?

Fue un buen medio de comunicación.

Ese “amor inglés por la música jamaicana” está presente a lo largo de toda la carrera de The Clash. Incluso para muchos críticos y para el propio Joe, White man in Hammersmith Palais –basada en una experiencia que compartiste con Strummer y ejemplo de cruce entre punk y reggae– es la mejor canción de la banda. Pero lo que quizá es menos conocido es que John Lydon –nombre real de Johnny Rotten, cantante de Sex Pistols y Public Image Limited– también compartía esa debilidad.

John Lydon ama el reggae, no te equivoques. Cuando fue a Jamaica por primera vez me llevó con él, porque éramos amigos. Richard Branson (el propietario de Virgin Records) quería lanzar una línea de reggae, Front Line, pero no sabía nada de esa música. Así que fue John Lydon quien estuvo detrás.

Hablando de líneas del frente: tu página web donletts.com está encabezada por tu imagen más icónica, la que sirvió de portada a Black Market Clash. Tú, como un pistolero solitario, cruzando Portobello Road, hacia la policía desplegada durante los disturbios raciales del carnaval de Notting Hill de 1976…

Sí, soy yo. Pero la foto no cuenta la historia completa. Ahí me ves enfrente de muchos, muchos policías, cientos de policías… y parece que voy a enfrentarme a ellos. Lo que no se ve en la foto es un montón de personas negras detrás de mí con ladrillos y botellas empezando una revuelta. ¡Lo que realmente estoy haciendo es apartándome del medio! Don Letts no es estúpido. Estaba apartándome cuando alguien [Rocco Macally] tomó la foto. No quería estar en el medio de la revuelta [risas].

¿Crees que la situación política actual, con el auge de la ultraderecha y la situación económica, sobre todo la derivada del Brexit, tiene similitudes con aquellos 70?

El clima social, cultural y político es muy parecido y muy complicado para los jóvenes. Económicamente, por ejemplo, tienes que vivir con tu familia hasta los putos 40, y eso tiene un impacto devastador en la calidad del arte. Porque actualmente no te puedes arriesgar y tienes que producir dinero. Lo que tiene que hacer la gente joven es levantarse e implicarse.

¿Y la música puede ayudar a conseguir esa implicación?

Mucha de la música que me gusta puede ser una herramienta para el cambio personal y social, pero en realidad es simplemente la banda sonora para la acción. La gente tiene que ser proactiva en el cambio, tiene que implicarse en el proceso. No es suficiente con compartir cosas con el móvil. Y no estoy hablando de lanzar un cóctel molotov. Votar ya es un comienzo.

¿Justo lo que no pasó con el Brexit?

Eso pasó porque la gente joven no votó. Gente blanca mayor y asustada: esos viejos votaron el Brexit. El Brexit viene de una mentalidad colonial y nacionalista, es jodidamente estúpido. El mundo es muy pequeño para ese tipo de nacionalismos. O ganamos o perdemos todos. Y la música puede jugar un papel muy importante en todo esto. La gente olvida que la música puede transmitir información e inspirar a la gente…

En los 70 había esos mismos problemas sociales y económicos: no había trabajo, los músicos vivían en squats… y surgió una rebelión contra todo ello. ¿Por qué ahora no?

Cuando éramos jóvenes, nos considerábamos antisistema. No queríamos lo que nos ofrecía el mainstream. En el siglo XXI, las aspiraciones de mucha gente joven –tenemos que tener cuidado con estas palabras, mucha gente pero no toda la gente joven– quiere lo que nosotros rechazábamos: estar en la alfombra roja, ser famosos… Como alguien dijo alguna vez, es difícil luchar contra un enemigo que vive en tu mente.

En “Outta Sync, el tema que da título a tu debut en solitario –¡con 66 años!– resumes bien este pensamiento: ”Ahora, por la economía / vives con tu mamá / es difícil ser un rebelde / pero te hacen la colada / No puedes evitar el tema / no puedes rock around the clock / y nadie te echará de menos / si lo pones en tik tok“.

De lo que estamos hablando aquí es de contracultura. En los 70 era muy obvio identificar contra quién luchar porque estaba expresado en la propia música. En el siglo XXI aún existe, pero no tiene ni el mismo aspecto ni suena igual. Los jóvenes han encontrado diferentes maneras de comunicarse entre ellos, no todo lo que hay en Internet es basura. Por ejemplo, Black Lives Matter, el movimiento de ámbito global. Eso fue facilitado por las redes sociales, fue una forma de rebelión de la contracultura que no se podía haber dado en los 70. Así, vemos que una única manera de protestar ha dado paso a diversas maneras de hacerlo. Aún hay música protesta ahí fuera, pero ya no suena igual ni tiene la misma apariencia. Por ejemplo, si tienes un móvil de 1000 libras en tus manos y llevas zapatillas que valen otras 500, probablemente non seas receptivo a la música protesta…

¿Hay contracultura en tus sesiones de DJ?

En algunos de los mixes, sí. Mis sesiones reflejan la dualidad de mi existencia: soy negro y británico. Recogen la historia y el legado de la música jamaicana.

Es tu primera vez en Galicia.

Creo que no. Joe Strummer estuvo viviendo en Andalucía y yo fui a verlo…

Pero esto es al otro extremo de la Península, en el noroeste.

Allí era todo muy brumoso.

¿Has podido conocer la plaza que le dedicaron a Joe en Granada?

Todavía no, pero he oído hablar de ella.

De un día para el otro, uno de los principales estudios de grabación de reggae en Jamaica quedó abandonado. La creciente violencia en Kingston a finales de los 70 asustó a la familia Chin, una estirpe de origen asiático que regentaba el lugar. Huyeron y lo dejaron todo ahí, incluidas centenares de grabaciones originales de los principales cantantes del género: Bob Marley, Peter Tosh, Dennis Brown, Alton Ellis…

El lugar se conocía como Studio 17, pertenecía al sello familiar Randy’s, y fue el centro neurálgico de la música jamaicana (con permiso de sus rivales Studio 1 y Treasure Isle) durante los 60 y los 70. En sus aledaños pasaban los días los mejores cantantes y músicos a la espera de entrar a grabar canciones o ser contratados para acompañar a algún artista. En la planta baja se vendían y pinchaban los pequeños singles de 7 pulgadas que se registraban en el piso de arriba.

El documental Studio 17: The Lost Reggae Tapes, que se proyectará en el festival In-edit de Barcelona recupera la historia de este mítico lugar de la música reggae, donde se grabaron algunos de los temas más trascendentales del género. Lo hace a través de la historia familiar de los Chin y del intento de uno de sus hijos de recuperar esas cintas originales que quedaron abandonadas a su suerte en el estudio de grabación.

Randy’s fue fundado por Vincent Chin y su mujer Pat. Ambos eran descendientes directos de un grupo de unos mil trabajadores chinos, la mayoría de la etnia Hakka, que recalaron en Jamaica a mediados del siglo XIX y fueron trayendo paulatinamente a más familiares a la isla caribeña. A mediados del siglo XX se editaban en Jamaica hasta tres periódicos en chino y la comunidad, que cuenta con miles de miembros, sigue celebrando actualmente las principales festividades de su país.

Los Chin empezaron con un negocio de gramolas que distribuían por toda Jamaica. Randy tuvo la idea de guardar los singles que se iban desechando y venderlos de segunda mano en una tienda del centro de Kingston. La venta de esos singles baratos, por los que a día de hoy se pagan miles de euros a pesar de su sonido vetusto, fue el origen del sello Randy’s y de Studio 17, situado en el piso superior de la tienda.

La apertura de la tienda coincidió con el primer boom de la música jamaicana, protagonizada por artistas como Lord Creator, que mezclaban géneros caribeños como el mento y el calypso con un nuevo estilo, el ska, que supondría el primer producto musical jamaicano exportable (aunque no el último) y se popularizó entre los jóvenes del Reino Unido a mediados de los 60. 

Cada vez abrían más tiendas de discos en el centro de Kingston que contaban con un estudio de grabación en su planta superior. Prácticamente había una en cada esquina y se empezó a gestar una efervescencia musical que convertiría a esta pequeña isla caribeña en una de las principales fábricas de tendencias musicales de la era moderna: el hip hop, el reggaeton, el drum and bass y muchos otros géneros tienen su origen en la música que se gestó en estos lugares.

El sonido que se lograba en Studio 17 tenía una acústica especial. Por eso Lee ‘Scratch’ Perry prefería grabar ahí los discos de los artistas que producía antes de tener ya su propio estudio. Minutos antes de que los músicos empezaran a tocar, Perry bendecía las esquinas de la sala con unas gotas de ron blanco. Otros artistas recuerdan en el documental hasta qué punto el espesor de la nube de marihuana impedía ver a quien había dentro del estudio.

Los discos de Bob Marley Soul Rebel (1970) y Soul Revolution II (1971) fueron grabados entre esas paredes bajo la batuta de Perry. También se grabó en Studio 17 el Equal Rights de Peter Tosh o hits como el Too Late to Turn Back Now (1973) de Alton Ellis o Cheater de Dennis Brown (1972), entre otras decenas de referencias conocidísimas del género.

Fue el hijo de Randy Chin, Clive, quien se puso al frente del estudio en los 70 y produjo la mayoría de todos estos grandes artistas jamaicanos. El propio Clive regresó al estudio casi 15 años después de ser abandonado y rescató las mencionadas cintas, que contienen una gran cantidad de temas inéditos que fueron recuperados del olvido décadas después. “El lugar había sido vandalizado y saqueado, pero milagrosamente las cintas seguían ahí”, recuerda en el documental.

Había temas inéditos y sin acabar del legendario Dennis Brown, canciones de The Heptones, The Wailers, Prince Jazzbo, Alton Ellis… “Encontrar un tema inédito de Dennis Brown fue la guinda del pastel”, confiesa Clive en el filme, en el que aparecen entrevistados la flor y nata de la música jamaicana, incluidos los productores Lee ‘Scratch’ Perry y Bunny Lee, fallecidos los últimos años.

El vínculo de los Chin con el reggae, sin embargo, no se acabó al abandonar Jamaica a toda prisa asustados por la violencia. A su llegada a Nueva York decidieron fundar VP Records, una tienda de discos que también se convirtió en sello musical. “Tuvimos que empezar de nuevo al cabo de 20 años”, rememora en el documental Pat Chin sobre su llegada a la gran manzana. “Nadie sabía nada de reggae más allá de Bob Marley”. Con el tiempo, VP Records se convertiría en el mayor sello mundial de reggae y música caribeña.

La internacionalización del reggae coincidió con la llegada de los Chin a Nueva York. Gracias a sus contactos en Jamaica y a su conocimiento de la escena musical, contribuyeron a lanzar al estrellato americano e internacional a decenas de cantantes de la isla. ¿Le suenan artistas mainstream como Shaggy o Sean Paul? Fueron cantantes de VP Records. También otros imprescindibles como Bounty Killer, Bennie Man, Beres Hammond, Capleton, Sizzla, Wailing Souls...

Pat Chin, que se quedó sola al frente del negocio cuando murió su marido en 2003, confiesa en el documental ella lo que quería de joven era ser enfermera. Cuenta que en ningún momento pensó que acabaría jugando un papel tan determinante en la historia del reggae. “Simplemente pasó”, rememora. “VP Records es la historia de una mujer detrás de los focos durante 50 años”.

Las pistas de atletismo del polideportivo Mateu Cañellas de la localidad mallorquina de Inca amanecieron este lunes irreconocibles. La celebración del mayor festival de reggaeton de Europa, que contó con la asistencia de cerca de 30.000 personas, se saldó con cuantiosos destrozos y basura esparcida por doquier. Los vecinos y atletas que allí entrenan, quienes se han visto privados de utilizar las instalaciones durante el evento, se han puesto en pie de guerra ante el estado en el que se halla el recinto.

El Reggaeton Beach Festival, de carácter itinerante, se promociona como el mayor Mayor Urban Beach Festival europeo y, en el caso de Mallorca, los organizadores anunciaron su segunda edición en la isla “con toda la energía y ganas de petarlo”. El evento se ha llevado a cabo durante todo el fin de semana en la capital de la comarca de Es Raiguer, con doce horas diarias de música y atracciones acuáticas.

El resultado, sin embargo, no ha podido ser más desalentador para los vecinos y usuarios de las instalaciones deportivas que llevan el nombre del subcampeón del mundo absoluto en 1.500 Mateu Cañellas. Las críticas no se han hecho esperar en redes sociales. Dirigiéndose al alcalde, Virgilio Moreno, y al regidor de Deportes, Promoción de la ciudadanía, Ferias y Dijous Bo, Toni Penya, una usuaria interpela: “¿Alguna cosa que decir al menos a quienes ahora no podremos hacer uso de la pista de atletismo de Inca?”.

Por su parte, Jordi Jiménez, periodista deportivo de COPE, se lamentaba en Twitter: “Este es el resultado de un concierto de no sé cuántas horas en el polideportivo Mateu Cañellas de Inca. La instalación tiene arreglo, claro, cambiándola. Pero dice mucho de las prioridades. Ya llevan un mes sin poder emplear la instalación los atletas por un concierto anterior”. “Las pistas de atletismo no son lugar para estos eventos”, respondía otro.

El polideportivo se puso en marcha en 2011 y, desde entonces, ha sido objeto de varias reformas. El Ajuntament de Inca anunciaba el mismo lunes el impulso de un plan de actuaciones dirigido a mejorar, aumentar y modernizar las instalaciones deportivas del municipio.

Es casi primavera del 64 cuando la cantante jamaicana Millie Small toca la cima de las listas británicas con su versión ska del tema My boy lollipop. Es el primer éxito del estilo en la ya exmetrópolis. Es también una consecuencia cultural de la migración caribeña que, principalmente desde Jamaica, ha llegado a una Gran Bretaña en reconstrucción y con trabajo vacante por las bajas de la guerra. En Londres y otras ciudades, los hijos de la clase obrera blanca ya andaban desde los cincuenta buscando afianzar la propia personalidad dentro, eso sí, de un grupo relativamente homogéneo. Infundir respeto, repudiar valores adultos y sacarle buen partido a las calles y las noches. Los teddy boys —por el diminutivo de su estilo dandi 'eduardiano'— dejaron paso a los mods. Elegantes, orgullosos y con lemas como “vida limpia bajo circunstancias difíciles”, cuando suena en todas las radios My boy lollipop, los mods están cerca de sufrir un cisma. Por un lado, los más individualistas trendy mods. Del otro, unos hard mods que reaccionan a lo que interpretan como una banal huida hacia el elitismo y el hippismo radicalizando su estética y sentido de pertenencia a la clase trabajadora. A diferencia de los teds, los mods sí han sentido fascinación por el imaginario del pandillero duro y misterioso importado de los chicos procedentes de los bajos fondos jamaicanos: el rude boy. Está por nacer el estilo que el historiador Carles Viñas (Barcelona, 1972) ha documentado en su ensayo Skinheads (Bellaterra, 2022).

“El estilo skin nace de una fusión multiétnica. Las personas que habían migrado desde Jamaica y otras islas aportan la banda sonora original, una estética determinada y unos hábitos y jerga concreta. Los jóvenes británicos, su espíritu barrial de clase obrera. El encuentro se produce en salas de baile y conciertos, allí interactúan”, indica Viñas. Los primeros skins aparecieron en torno a 1967. Todavía no se llamaban así: eran peanuts, eggheads o lemonheads, por el perfil de la cabeza, hasta que la prensa usó la palabra skinhead en 1969. Para entonces, ya eran bien conocidos en Gran Bretaña esos chicos aficionados a hablar con palabras del patois jamaicano y el cockney londinense y a vestir botas Dr. Martens, pantalones Levi’s, camisas, tirantes y chaquetas Harrington. “Es una estética en evolución aunque no lo parezca. Está el estilo original con prendas de los años sesenta y el pelo corto pero nunca afeitado. Será a finales de los setenta cuando la estética se radicaliza y aparece el corte al cero, botas de tallaje más alto, pantalones desteñidos con lejía o cazadoras bomber”, señala Viñas.

Aquellos primeros skins estaban escuchando mucha música: Desmond Dekker, Laurel Aitken o Symarip, uno de cuyos clásicos, Skinhead moonstomp, hace referencia al paso de baile más conocido del estilo, el que pivotando sobre los talones simula caminar sobre la luna. Para Viñas, “la música es uno de los pilares del estilo, uno de sus elementos de cohesión y atracción referenciales. El folclore jamaicano se mezcla con el rhythm and blues y da lugar al ska. Después el rocksteady, cuando el ska se ralentiza. O el reggae, que aporta un mensaje más religioso y hace a algunos skins volver a las raíces. La banda sonora skin acabará siendo muy plural”.

La Gran Bretaña que, más que verlos llegar, se encuentra con esos chavales, es un país que ha conseguido capear la posguerra de la llamada generación de las ruinas. Los primeros skins tenían una casi nula vinculación con la política y sentían un franco desafecto hacia los políticos. “Sobre todo ocurre con el laborismo, del que los skins entienden que ha traicionado los valores de la clase obrera. Hay una lectura de la academia británica que me parece acertada. Los skins surgen como reivindicación de la clase obrera británica cuando esta inicia su proceso de descomposición. Asumiendo un poco la caricatura del obrero tratan de reivindicar la raíz social y cultural cuando el espíritu de comunidad y solidario de clase se empieza a desintegrar. Por otro lado, es un estilo que se presume transgresor, rebelde, que impugna el sistema pero sin ser una contracultura porque no aporta alternativa, simplemente repudia el sistema. Asume estética y valores de orden y disciplina. Esta es la paradoja que se oculta tras el estilo”, apunta Viñas sobre aquellos chicos tan insumisos como tradicionalistas.

El estilo apareció en un país que compaginaba el florecimiento de su capital, la swinging London, como meca artística y cultural, con un creciente fortalecimiento de posiciones racistas simbolizado en un célebre discurso del diputado conservador Enoch Powell. Apoyándose en la Eneida de Virgilio, el tory aseguró que, como en la profecía de la Sibila, veía “el río Tíber espumeante de sangre” augurando violencia por la según él inasumible presión migratoria sobre Gran Bretaña. “El discurso de Powell incendia el consenso hasta entonces existente. Es aquí cuando empieza el problema del racismo visible, que tiene mayor proyección mediática”. En paralelo, esa misma prensa jugó lo que Viñas define como un papel dual en el tamaño de las filas skins. “Desde el desconocimiento o la voluntad de generar alarma social los medios proyectan el fenómeno. Amplifican las acciones de una minoría que comete actos racistas y vandalismo, lo que hace que otros jóvenes se sientan seducidos por ese estilo. Pero también hay otros que, hastiados, lo abandonan”.

Desde el comienzo de los setenta y hasta 1976 los skins prácticamente desaparecieron. Entonces llegó el punk. “Y el revival de la música jamaicana gracias a que grupos británicos versionan sus temas de la anterior década. La mezcla de eso con el punk da lugar a una revitalización del estilo skin, que estaba de capa caída, aguantando solo en algunas ciudades del norte, en las Midlands o en Escocia”, sostiene Viñas. En los estadios de fútbol también se volvieron a ver skins. “Dos elementos explican la vinculación entre skins y fútbol. Uno es que es el deporte de preferencia de la clase obrera británica. Además, Inglaterra ganó en casa la copa del mundo del 66. Justo en el momento en que apareció el estilo, el fútbol estaba de moda”, señala el historiador. Pero esta vez había una diferencia entre estos skins de grada y los de hacía casi diez años. Esta vez sí estaban politizados. “Hubo un intento de captación de la extrema derecha que tiene que ver con la desidia y el menosprecio de la izquierda hacia el fútbol, con el discurso de que aliena a los jóvenes. Eso generó un vacío que fue aprovechado por la extrema derecha, que penetró en ámbitos inéditos hasta entonces, primero los estadios y después los conciertos. El éxito en algunos estadios fue notable”. Especialmente en los del Chelsea, Millwall, West Ham, Leeds o Birmingham. Competían entre sí por ver quién comandaba la clasificación de las aficiones más racistas que realizaba Bulldog, la revista de las juventudes del National Front.

Los directos de algunos grupos fueron otro campo en disputa política. Para Viñas, “hubo una operación orquestada, sobre todo del National Front y del British Movement, para a través de la música aumentar su base de apoyo social”. La presencia provocadora de skins ya directamente neonazis en conciertos y las consecuentes peleas entre seguidores de los grupos llegó a acabar en la práctica con carreras como la de los punks Sham 69. Otras bandas se opusieron explícitamente a la invasión de la extrema derecha. Fue el caso de las encuadradas en el estilo 2-Tone con su ska hipervitamínico: The Selecter, Madness, The Beat, Bad Manners y, sobre todo, The Specials. “Esas bandas fueron fundamentales a la hora de dar un empuje antirracista. La mezcla de etnias en componentes de estos grupos proyectaba la realidad social de Gran Bretaña. Fueron cruciales para frenar la irrupción de los cabezas rapadas neonazis”, defiende Viñas.

La polarización, y con ella la tensión y la violencia, volvía a favorecer uno de los rasgos del estilo. Su exaltación de una masculinidad no especialmente inclusiva. “Las mujeres juegan un papel secundario, sobre todo inicialmente. Replican la estética de los chicos. Esto va cambiando un poco y las skingirls crean su propia estética, por ejemplo con el corte de pelo estilo chelsea”, indica Viñas. Sectores skins que veían el punk como mera estética de clase media impulsaron el género oi!, que endurecía sonido y contenido bajo la premisa de conservar un cierto espíritu proletario. La extrema derecha ya había creado su escena paralela y su propio frente musical con el rock anticomunista o RAC, un hervidero neonazi con el grupo Skrewdriver como principal estrella. Para mediados de los ochenta, el estilo había prendido internacionalmente y, en respuesta a la ofensiva ultraderechista y para salvaguardar la esencia mestiza originaria, se creó en Nueva York el movimiento de skinheads contra prejuicios racistas, SHARP por sus siglas en inglés. En su difusión también juega un papel la música. Tras un viaje a Estados Unidos, Roddy Moreno, cantante del grupo galés de oi! The Oppressed, lo popularizó en Europa.

“La politización fragmenta el estilo skin. Entramos en una espiral acción-reacción desde que irrumpe la corriente minoritaria neonazi. Algunos skins creen que se debe ir más allá de SHARP, que se definía como apolítico, y que hay que posicionarse. Es entonces cuando nace RASH, los skinheads comunistas y anarquistas con el símbolo de las tres flechas recuperado de la resistencia anti-nazi de los años treinta”, señala Viñas, que el año próximo publicará el segundo volumen del ensayo. En él abordará una década especialmente oscura en nuestro país, cuando la violencia de cabezas rapadas de extrema derecha se recrudeció en las calles y los skins pasaron a ser sinónimo de nazis en los medios. Por eso la portada de este primer volumen la protagoniza un orgulloso skin negro, Trevor Basil. “Ese estereotipo está arraigado en el imaginario ciudadano. Creo que tiene mucho que ver con identificar quiénes son los racistas. Vincular el racismo con los cabezas rapadas hace que el resto se exima de ello. Es un mecanismo autorregulador de conciencias decir ‘yo no soy racista, lo son los que llevan botas, tirantes y van rapados’. Son los llamados folk devils, los demonios populares. Aquí, cuando pasaron de moda los skins, les tocó a las bandas latinas”, sostiene Viñas.

- Aparte de electricista, ¿tenía usted algún otro trabajo antes de irse de Jamaica?

- Solía entretener, cantando.

- ¿Era usted un cantante profesional?

- No, señor, solo un aficionado.

En agosto de 1966, un joven Bob Marley se sentó en Philadelphia frente a un investigador del Departamento de Justicia de Estados Unidos. Faltaban pocos días para que el Gobierno estadounidense lo expulsara del país. Marley había llegado unos meses antes para reunirse allí con su madre y limpiar suelos en un hotel, harto de la miseria en Jamaica y de una carrera musical que no acababa de despegar.

Ese interrogatorio marcaría para siempre la vida de Marley y de la música del siglo XX: al ser obligado a regresar a su país, el joven artista se centraría de nuevo en su carrera y en menos de una década alcanzaría el estrellato en todo el mundo. 

La entrevista forma parte del centenar de folios de documentación que el Gobierno estadounidense guardaba sobre Bob Marley y que han salido ahora a la luz. Los archivos también incluyen fotos del artista antes de ser famoso -probablemente, las de mejor calidad que existen de esa época- e ilustran las dificultades de un tiempo en que Marley ni siquiera imaginaba la fama mundial que le aguardaba.

Los documentos fueron obtenidos en 1981, poco después de la muerte de Marley, mediante una petición de acceso a la información pública. Durante 40 años habían pasado desapercibidos hasta que los encontró recientemente John Dubois, un historiador aficionado al reggae. Desde principios de año, los papeles han circulado dentro de foros de aficionados al género y próximamente serán incluidos en el museo dedicado al cantante, situado en su antiguo domicilio de Kingston, la capital de Jamaica.

La documentación también pone en tela de juicio la fecha real de nacimiento del icono del reggae. Mientras todas las biografías la situaban en el 6 de febrero de 1945, las respuestas del propio Marley y sus documentos demuestran que nació dos meses después, el 6 de abril de 1945.

Un viaje para salir de la pobreza

El día de ese interrogatorio, Marley ya era un cantante reconocido en Jamaica. El problema era que su música apenas le daba para vivir. Tres años antes había fundado el grupo The Wailers, junto a Peter Tosh y Bunny Livingstone, y ya tenía publicadas hasta 70 canciones grabadas en el mítico Studio One de Kingston para el productor Coxsone Dodd. 

Las condiciones del acuerdo con este productor, sin embargo, eran paupérrimas y ni siquiera le daban para subsistir de su arte. Marley, que compaginaba su carrera musical con el empleo de electricista, decidió abandonar su país y probar suerte con el llamado sueño americano.

Un 20 de enero de 1966, un joven Bob Marley aterrizaba en Miami. Tenía 20 años y su lugar de destino era la localidad de Wilmington, en el Estado de Delaware, situado en la costa Este del país. Ahí residía Cedella, su madre, casada en 1963 con un americano tras separarse del padre biológico de Marley, un ingeniero británico que trabajaba como supervisor en una plantación en Jamaica.

Marley dejaba atrás en su país a su novia Rita, que se convertiría posteriormente en su mujer. Abandonaba también su carrera musical y su trabajo de electricista. Preguntado en el interrogatorio si tenía pensado seguir grabando canciones a su llegada a EU.UU., Marley respondió taxativo que esa no era su intención.

Pocos días después de llegar a Wilmington, Marley empezó a buscar trabajo como soldador de productos electrónicos. En Jamaica había recibido una formación de dos años en esta materia tras acabar la escolarización, pero en todos los lugares era rechazado por falta de aptitudes, según contó el propio artista a los funcionarios estadounidenses. 

Finalmente encontró empleo como limpiador y portero en el hotel Dupont de Wilmington. De 7 de la mañana a 4 de la tarde, cinco días a la semana, la futura leyenda del reggae se encargaba de mantener limpio el hospedaje. “Mis deberes son aspirar los suelos y las tareas domésticas en general”, respondería durante el interrogatorio. “Lavar las paredes, los espejos, las lámparas…”

Un embrollo burocrático que acabó en deportación

Al tener su madre permiso de residencia y estar casada con un estadounidense, a Marley se le permitía residir y trabajar en EE.UU. Un embrollo burocrático y el desconocimiento de la normativa por parte del cantante, sin embargo, desembocaría en su expulsión del país a los pocos meses de llegar.

Para Marley no era sencillo haber dejado a su pareja en Jamaica después de dos años de relación. Pocos meses antes del viaje, además, habían perdido el que iba a ser su primer hijo. Apenas unas semanas después de llegar a EE.UU., Marley regresó a Jamaica en un viaje fugaz para casarse con su novia e intentar sacarla a ella también de la isla caribeña. 

“Ella estaba embarazada y perdió al bebé, así que lo mejor que podía hacer era casarme con ella e intentar traerla a Estados Unidos”, declaró el cantante durante el interrogatorio con el Departamento de Justicia.

El problema era que, para poder residir en EE.UU, Marley había asegurado al Gobierno americano que no estaba casado ni pretendía casarse. Firmó un documento en el que asumía que, de contraer matrimonio, perdería su derecho a residir en Delaware. “Bueno, en ese momento, señor, no entendí lo que decía en el formulario”, respondió el cantante cuando se le preguntó por su matrimonio.

Pocas semanas después de ese interrogatorio, Marley fue expulsado de EE.UU. Regresaría entonces a Jamaica para centrarse en su música. Al cabo de pocos años se aliaría con el productor Lee ‘Scratch’ Perry para grabar algunos de sus hits que posteriormente darían la vuelta al mundo como Small Axe, My Cup o Sun is Shining. 

En 1971, cinco años después de ser expulsado de EE.UU. ,Marley creó su propio sello Tuff Gong. Al poco tiempo, en 1973, firmó con el sello británico Island Records y fue lanzado al estrellato mundial con el álbum ‘Catch a Fire’, que supuso su conversión en prácticamente un artista pop y un icono mundial. 

Ya famoso en todo el mundo, Marley regresaría de nuevo a EE.UU en 1977 para operarse de un incipiente cáncer de piel. Fue expulsado otra vez por un nuevo lío burocrático con su visado, según figura en la documentación de la Casa Blanca. 

En 1981 volvió de nuevo a Miami, ya con un estado de salud muy deteriorado. El cáncer se le había extendido por los pulmones, el cerebro y el hígado. La leyenda del reggae moriría en el hospital el 11 de mayo de ese año. Tenía solo 36 años.

“¡Que levante una mano quien queme a los maricones!”. La frase no es una salida de tono de un artista excéntrico o de un miembro de la ultraderecha. Es una arenga habitual hacia el público por parte de los DJ’s de reggae y dancehall que se puede escuchar en pleno 2021 en muchas fiestas en Jamaica o incluso en Nueva York, donde viven más de 300.000 migrantes llegados de esa isla caribeña.

Aunque para muchos la música jamaicana se vincule a ciertos clichés –la marihuana, el buen rollo, los hippies– tanto el reggae como su variante más bailable, el dancehall, arrastran un estigma homófobo desde hace décadas fruto de la cultura y la ley en Jamaica, donde las relaciones homosexuales entre hombres están prohibidas por el código penal y penadas con años de prisión.

Los homosexuales en Jamaica se enfrentan a diario a todo tipo de vejaciones, ataques físicos, amenazas de muerte e incluso asesinatos solo por su orientación sexual. Son varios los gays que directamente se han exiliado ante el temor por su seguridad. La revista Time definió en 2006 la isla como “el lugar más homófobo del planeta”. Una encuesta de 2013 de Human Rights Watch reveló que la mitad de los homosexuales de la isla han sufrido violencia física por su orientación sexual.

En un país donde la homofobia forma parte de la cultura popular, buena parte de sus cantantes tienen canciones en las que defienden abiertamente la violencia contra los homosexuales. La lista de artistas que han publicado letras homófobas es extensísima y muchos de ellos han ganado premios Grammy, colaboran con artistas occidentales y han sido cabeza de cartel en grandes festivales europeos.

La mayoría de ellos hace años que han retirado las canciones homófobas de sus repertorios para poder actuar en Europa, donde no suelen escucharse letras de este contenido ni en los conciertos ni en las fiestas del género. Algunos artistas incluso se han retractado públicamente y se han pronunciado contra el odio a los homosexuales. Los ataques homófobos, sin embargo, siguen siendo comunes en Jamaica y una parte significativa de los cantantes guarda silencio sobre la cuestión.

Pero esta semana algo ha cambiado para siempre en Jamaica. Por primera vez, una cantante de reggae ha salido del armario y ha anunciado que le gustan las mujeres. No es una artista cualquiera, sino Lila Iké, una de las voces más prometedoras y con más proyección internacional. “Soy Lila Iké, me gustan las mujeres y canto musica reggae”, tuiteó el pasado lunes la cantante, de 27 años, convirtiéndose en trending topic en la isla caribeña.

En un país de apenas 2,9 millones de habitantes que ha influenciado buena parte de la música occidental actual (más allá del reggae y el dancehall, tanto el hip hop como el reggaeton tienen sus orígenes en Jamaica) lo que dicen o hacen sus cantantes suele marcar la agenda del país tanto en las conversaciones en la calle como en sus medios de comunicación. 

“Cualquier cosa que diga un cantante en Jamaica tiene una influencia muy importante en la sociedad, especialmente sobre los jóvenes”, señala Hug Cunill, que durante más de 20 años ha programado conciertos de reggae en las principales ciudades españolas. “Los cantantes son una parte fundamental de la actividad mediática del país”, añade desde Kingston Pau Dangla, músico barcelonés afincado desde 2015 en Jamaica, donde colabora habitualmente con los principales artistas de reggae. “Una revelación de este tipo genera mucho ajetreo”.

En una serie de tuits, Lila Iké explicó que ha sido víctima de un chantaje. Le amenazaban con revelar fotografías íntimas que demostrarían su homosexualidad. También confesó haber sido violada. “Los hombres no han hecho sino romperme”, prosiguió en Twitter. “Igual que a mi madre y mi abuela”.

Apenas 48 horas después del anuncio de Lila Iké, otra reputada cantante jamaicana, Jada Kingdom, hacía pública su homosexualidad. Al día siguiente era Spice, la sensación actual del dancehall, quien anunciaba que en 2022 actuaría en el festival LGTBI+ de Toronto. En un paso adelante liderado por las mujeres jamaicanas, algunos de los cantantes masculinos más destacados de la actualidad –como Protoje o Jesse Royal– también han mostrado públicamente su apoyo a las artistas que han salido del armario. 

“El gesto de Lila Iké y el apoyo que ha recibido es importantísimo para cambiar las cosas en la isla”, analiza David Vilches, que durante 30 años fue el conductor del programa de radio de música jamaicana Soundsystem FM. “Puede contribuir a que la isla deje de ser un infierno para los homosexuales”.

Un cambio paulatino en la isla

Tanto Cunill como Dangla y Vilches describen un paulatino cambio cultural en Jamaica respecto a la visión de la homosexualidad. Desde 2015 se celebra una fiesta del orgullo gay en la isla que poco a poco ha ido reuniendo a más gente. En el plano cultural, el cambio viene liderado por una nueva hornada de artistas, la mayoría mujeres, que ha recibido una mayor educación que sus antecesores y ha dejado de ver la homosexualidad como un crimen. 

“Artistas actuales como Lila Iké, Jah9 o Protoje tienen una diferencia respecto a la generación anterior”, señala Vilches. “Vienen de un contexto de clase media y han recibido cierta formación”. Dangla apunta a un motivo similar: “El hecho de que haya una hornada de artistas con orígenes más uptown, donde se concentra la gente más tolerante con este tema, ha propiciado que algunos artistas también sean más tolerantes”.

Vilches ha tratado con buena parte de los artistas jamaicanos que han recalado en Barcelona. Explica que la mayoría eran provenientes de un contexto muy marginal. “No es que justifique la homofobia de esta generación de cantantes, pero venían de realidades muy duras y de un contexto muy cerrado”.

Cunill también ha traído a artistas a la ciudad que habían cantado canciones homófobas en el pasado, aunque en el momento de actuar en Barcelona ya se habían retractado de ellas. En ocasiones algunos de los conciertos que programaba eran grabados íntegramente por los Mossos por orden de Fiscalía para vigilar que no se lanzaran mensajes homófobos, como ocurrió con el concierto de Beenie Man (ganador de un Grammy en 2001) en la sala Bikini en 2011.

Cunill también veía como grupos de defensa de los derechos LGTB se manifestaban delante de las salas donde programaba algunos de sus shows. “Me parece normal teniendo en cuenta algunas letras que habían cantado”, recuerda, “pero en Europa ya hace muchos años que estos artistas saben que no toleramos ciertos comportamientos”. 

Este promotor de conciertos, que ha visitado la isla en varias ocasiones, compara la actitud respecto a la homosexualidad en Jamaica con la que se tenía en España a mediados del siglo pasado. “El cambio que llegó aquí hace 30 años está empezando a llegar allí”, apunta. “Pero es todavía muy incipiente”.

Señala las redes sociales como un factor decisivo para que los homosexuales jamaicanos hayan encontrado con quien hablar de su sexualidad y abandonen cierto ostracismo. “Hasta hace poco lo normal era que un gay no le explicase a nadie lo que pensaba por miedo a lo que le pudiera ocurrir”, apunta.

A nivel legislativo los homosexuales siguen siendo perseguidos, aunque ya ha habido voces en el país, como la alcaldesa de Kingston y exministra de justicia, Angela Brown-Burke, que participó en la celebración del orgullo gay en 2015 y ha defendido una reforma de la normativa.

Desde la capital de Jamaica, Dangla afirma que sin embargo a día de hoy la homofobia “sigue totalmente presente” en el país. “Se condena más la homosexualidad que la homofobia, que en muchos contextos es celebrada y defendida por figuras muy mediáticas”. 

Dangla habla de una doble moral, influenciada por el “puritanismo de herencia cristiana” en una sociedad marcadamente religiosa. Mientras incluso el sexo oral está mal visto en la sociedad y es criticado abiertamente en las canciones de reggae y dancehall, muchos de los artistas lo practican en la vida privada.

“Con el tema de la homosexualidad pasa lo mismo”, apunta. “Los jamaicanos no es que piensen que sea un crimen, pero se encuentran defendiendo retóricas homófobas solo para quedar bien o encajar en la sociedad”.

Tras seis años viviendo en Jamaica, él también aprecia un cambio tan paulatino como insuficiente en la aceptación de la homosexualidad. “El cambio se está gestando”, señala. “Pero va todo muy lento. A día de hoy la mayoría de los gays siguen escondiéndose y llevando una doble vida”. 

Para un oído humano desentrenado, este hilo musical puede parecer una de esas canciones que conforman las listas de música para dormir que han proliferado en los últimos años. Pero lejos de estar pensado para el oído humano, se trata de música para perros. E incluye frecuencias pensadas para reducir el estrés y aliviar la ansiedad por separación que sufre casi la mitad de los animales urbanitas.  

No se trata de una novedad: la música compuesta para perros se ha convertido en un género exitoso que congrega a millones de oyentes caninos en diferentes plataformas online. Un ejemplo: las producciones musicales de la empresa RelaxMyDog (Relaja a mi perro), fundada en 2011, ya las han escuchado diez millones de usuarios peludos. 

Mientras que Calma a tu perro, un canal de YouTube especializado en vídeos musicales que prometen relajar a tu camarada cuando te vas a trabajar, cuenta con cerca de 30.000 suscriptores. 

El podcast preferido de tu perro

La voz dulce, susurrante y casi hipnótica que sale por los auriculares no te habla a ti. Es la voz de la actriz Jessica Raine; y le está hablando a tu perro. Se trata del programa My Dog's Favourite Podcast (El podcast favorito de mi perro), lanzado por la plataforma sueca de streaming Spotify, en 2020. Y, considerado, el primer podcast exclusivo para oyentes caninos. Su objetivo: acompañarlos y reducir su ansiedad cuando se quedan solos.

My Dog's Favourite Podcast es un programa diseñado con ayuda de una investigación de la Universidad de York. Para favorecer la relajación, radia cuentos e historias con voces humanas calmadas y reconfortantes, y las mezcla con música original creada para tu compañero de cuatro patas, y con sonidos de pájaros o el ruido blanco de una lavadora.

El programa, con episodios de cinco horas cada uno, pretende ofrecer una atmósfera de tranquilidad que enmascare los ruidos ambientales que puedan asustar a tu amigo perruno, como el tráfico, el sonido de las puertas. O, peor aún, el estruendo de las tormentas o los petardos, que tanta angustia suelen producirles. 

Lo dice la ciencia: tu perro prefiere el reggae

La investigación realizada por la psicóloga Alex Benjamin, especializada en comunicación interespecífica entre humanos y perros, ha servido para diseñar el podcast perruno. Benjamin es la autora de un estudio, de 2018, que concluye que a tu perro le gusta, y también le calma, que le hables como el tono que usamos para dormir a un bebé humano. Nada demasiado chillón o excitante. 

No solo eso; otro estudio de la Universidad de Glasgow ha descubierto que tu perro también tiene gustos musicales propios, y que “prefiere el rock suave y el reggae” antes que otros géneros. También hay muchas posibilidades, dicen estos científicos, de que responda con comportamientos calmados y positivos cuando le pones un éxito de la Motown, música clásica o un tema de pop suave. En 2015, otro estudio realizado en Escocia también concluyó que la música clásica tiene un efecto calmante en los perros. 

Cuatro canales de música para perros 

¿Por dónde empezar a agasajar esos oídos perrunos? Aquí van cuatro ideas. 

1. El podcast favorito de mi perro

Está en inglés, y su título original es My Dog's Favourite Podcast, pero a tu amigo o amiga perruna no le importará. Los episodios duran cinco horas, y mezclan voces humanas calmadas, música pensada para ellos y sonidos de la naturaleza.

2. Patas, juego, relax.

El productor John McLaughlin, en colaboración con la Universidad de Glasgow, ha creado Paws, Play, Relax, un disco solidario compuesto para perros. Está disponible gratis en Spotify.

3. Calma a tu perro

Calma a tu perro, canal de YouTube con música exclusiva que promete relajar a tu camarada perruno. 

4. Reggae perruno

Canal con pistas de hasta diez horas de música reggae para perros. 

Según Lulú, que dormita en el sofá mientras que suena su programa perruno favorito, funciona. 

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La COVID-19 se ha llevado por delante a Toots Hibbert a los 77 años, en su Jamaica natal. En muchos obituarios se puede leer su apasionante biografía como estrella local del género y líder de los legendarios Maytals, con gran repercusión en Reino Unido y categoría de estrellas del culto en el resto del mundo. Ciertamente Toots fue menos conocido de lo que se merecía. 

Su música rítmica, sudorosa, apegada el soul de vocalistas como Bobby Womak, pero también Sam Cook u Otis Reading, caló con fuerza entre las generaciones punk y new wave de finales de los setenta, pero le mantuvo alejado del gran público comercial. Sin embargo, sus temas fueron siempre reivindicativos: el racismo (Monkey Man), la brutalidad de la cárcel (54-46 /That’s my number), el sufrimiento de la miseria (Pressure Drop), la vida marginal en Kingston (Sweet and dandy) o el ritmo de las calles de la capital jamaicana (Funky Kingston).

Decía el gran productor ‘Scratch’ Lee Perry, encargado de lanzar a la fama a la mayoría de estrellas del reggae de los 60 y los 70, que si en lugar de Bob Marley & the Wailers las estrellas globales hubieran sido Toots & The Maytals, este género musical hubiera llegado mucho más lejos. El líder de grupos como The Upsetters no se refería a la calidad de la música, sino a la convergencia del estilo de Toots Hibbert con el pop, el punk y el soul, frente a un Marley más introspectivo -léase fumeta- y que desarrolló un reggae apegado a la raíz. 

Sea como fuere, la gran estrella global que dio a conocer la nueva música jamaicana a principios de los 70 fueron los Wailers, mientras que Toots Hibbert y sus Maytals se reservaron una suerte de libro Guinness de hitos para la historia del género. A continuación te vamos a contar unos cuantos, por los que creemos que merece la pena que sea justamente recordado como uno de los más grandes de la historia reggae. 

1.Tiene una de las canciones más versionadas del género

Sí, me refiero a That’s my number, una canción autobiográfica en la que narra su paso por la cárcel de joven. Como muchos otros jóvenes en los 60, Toots solo tenía dos salidas en las calles de Kingston: la música o la delincuencia. Tentó la segunda mientras se formaba en la primera, y le pillaron con marihuana de trapicheo. 

Escribió 54-46 /That’s my number narrando una vida terrible y alienante, y logró un tema universal que ha sido versionado prácticamente todos los grupos de reggae y ska del mundo. Como curiosidad te dejamos aquí la versión en Euskera que hizo Fermín Muguruza con su Sound System. 

2. Lanzó el vinilo de reggae que más rápido se ha vendido en la historia

Si los grandes números son para Bob Marley & The Wailers, las pequeñas victorias se las pueden apuntar los Maytals de Toots Hibbert. En 1976 el sello jamaicano Island Records preparó una recopilación para el gran mundo -es decir allende Kingston- de los mejores temas del grupo hasta la fecha. 

El ábum se llamó Reggae got soul y entró como un tiro en la bullente Gran Bretaña donde se estaba cocinando la música de los ochenta: punk, power pop, sintetizadores y mucha música negra para especial la sopa. En un solo día vendió un millón de copias y siguió así en días posteriores hasta situarse como número uno en ventas en apenas una semana, donde se mantuvo bastante tiempo. Hoy en día estos números pueden parecer ridículos pero en 1976 fue toda una gesta. 

3. Supo evolucionar el reggae más allá de sus orígenes

Al igual que el flamenco, la música jamaicana siempre ha tenido el gran reto de abrirse a la fusión con la actualidad sin caer en la insustancialidad comercial de las baladas de corte cursi y machista. Pocos artistas lo han logrado en este género; Max Romero lo intentó con temas semipornográficos -hoy nos parecerían risibles al lado de las letras del trap y el reggeton-, pero acabó regresando al reggae reivindicativo y canónico. 

En cambio Toots y sus Maytals sí lograron abrir puertas a otros géneros, sobre todo el soul y el pop, pero también el funk y la música bailable. Tal vez por eso muchos de sus temas aparecen en sendas recopilaciones de acid jazz y música de baile de los 90 como grandes influencias. Por muestra este botón: el eléctrico, revitalizante y mineralizante Funky Kingston en directo. 

4. Amó el directo como a sí mismo 

No sé si Toots Hibbert murió con las botas puestas, pero apostaría a que sí. Me quedará para siempre grabado en la memoria el día de julio de 1998 en que acudí a un festival de música ska en Finsbury Park, en Londres, donde la cabeza de cartel eran Madness y la curiosidad residía en ver por primera vez a Finley Quaye en directo presentando su Maverik a strike. 

Teloneando a ambos artistas estaban los Maytals con Toots a la cabeza dándolo todo a sus entonces 53 años, con un gran sombrero de plumas de jefe indio en la cabeza, al estilo del que solía llevar Jamiroquai. A pesar de que era relativamente temprano, el escenario principal ya estaba lleno de skinheads cincuentones y sesentones, tatuados con la rosa de York y el león imperial, que bailaban frenéticamente ante el que consideraban uno de sus ídolos, un padrino del ska. 

Al final de la actuación de Madness salió Toots al escenario para acompañarles y volvió a desayunarse a sus seguidores con su potencia, su fuerza y entrega vocal y gestual. Y así es como creo que debemos recordar a este mito reggae: música, cuerpo y alma. Os dejo un vídeo de una actuación de 2017 en la que aunque ya no se mueve como antes, seguía conservando a sus entonces 74 años su poderosa voz, el rugido del león del reggae.

La Asociación Cultural Octubre de Torrelavega acoge este sábado 22 de febrero, a partir de las 14.00 horas, la segunda edición del festival de música reggae 'Ital Roots', presentado por las compañías cántabras A-Lone productions y Cantabria Reggae.

La jornada comenzará con comida jamaicana y una sesión de música reggae en vinilo a cargo de Pilatti Selectah en el exterior del recinto, con precios populares.

Más tarde, con pases para socios a 10 euros y pase general de 12 euros, en el interior de las instalaciones se sucederán las actuaciones de dos de las bandas reggae con mayor auge del panorama nacional: Desde Zaragoza, Irregular Roots presentando su nuevo disco 'Showcase', producido por A-Lone Ark Muzik studio; y el grupo Message instrumental and dub band outta Bilbao&Santander.

Irregular Roots, banda de reggae Roots & Dub formada en 2010, está compuesta por cinco músicos, provenientes de bandas como We&Dem, Jahsta, o del sound system Freedom Vibration, todos ellos, fanáticos del sonido analógico, la vibración del roots, el estilo Dj toasting o el dub.

Message es banda formada por un grupo de amantes del Roots Reggae. Nació en noviembre del 2017 en Bilbao y actualmente está integrada por músicos de Cantabria y Vizcaya.

La banda se inspira en los sonidos más crudos, contundentes y comprometidos de la época dorada de la música jamaicana; en los músicos y productores más reconocidos de aquellos años del roots reggae y dub facturados durante la década de los 70 y primeros años 80.

Actualmente la banda está formada por siete músicos, cada uno con su propia trayectoria musical. Uno de sus artistas es Roberto Sánchez, uno de los mejores productores de reggae a nivel nacional y colaborador en varias ocasiones con la Asociación Cultural Octubre.

El cantante español de rumba, reggae y funk Daniel Carbonell de las Heras, más conocido por su nombre artístico como Macaco, dará un concierto gratuito este sábado 24 de agosto a las 23.00 horas, durante las fiestas de San Gines en Colindres.

Macaco mezcla los estilos musicales de rumba, reggae y funk con electro música hispanoamericana. Recientemente, en mayo de este año, ha lanzado su álbum número 11 llamado 'Civilizado como los animales', un disco editado con Sony Music en el que ha invertido dos años de trabajo.

Comenzó en la música en su ciudad natal, Barcelona, donde tocaba en las plaza Cataluña y las Ramblas. En el año 1999 sacó su primer disco titulado 'Mono en el Ojo del Tigre', que fue publicado en muchos países como, Francia, Italia, Suiza y Argentina, entre otros.

En el año 2009 se produce un punto de inflexión en la popularidad de este artista cuando lanza 'Puerto presente', convirtiéndose en número uno en ventas y disco platino en España, con el que ha ganado multitud de premios como el Ondas al mejor álbum o el premio de la Música de Los 40 Principales y de la revista Rolling Stone. Además, Macaco realiza otros proyectos fuera de la música y se implica en temas relacionados con la sociedad y el medio ambiente.

El reggae de Jamaica, ahora popular gracias al buen hacer de músicos legendarios como el inolvidable Bob Marley, fue declarado hoy Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco.

“Su aportación a la reflexión internacional sobre cuestiones como la injusticia, la resistencia, el amor y la condición humana pone de relieve la fuerza intelectual, sociopolítica, espiritual y sensual de este elemento del patrimonio cultural”, explicó la organización en un comunicado.

La Convención de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) anunció la decisión en su reunión de Port Luis (República de Mauricio). En la reunión de esta semana se está examinando varias candidaturas para su Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

La Unesco destacó la figura del reggae “conserva intactas toda una serie de funciones sociales básicas de la música -vehículo de opiniones sociales, práctica catártica y loa religiosa- y sigue siendo un medio de expresión cultural del conjunto de la población jamaicana”.

La organización de la ONU recordó el nacimiento de ese género musical. La corriente afloró por una “amalgama de antiguos ritmos musicales jamaicanos y de otros de orígenes muy diversos: caribeños, latinoamericanos y norteamericanos”.

En todos los niveles del sistema educativo del país, agregó, “está presente la enseñanza de esta música, desde los jardines de infancia hasta las universidades”.

Mientras dan los últimos pasos hacia lo que será su quinto disco de estudio, Flor de invierno, que presentarán el directo el próximo 2 de marzo en el Teatro Leal de La Laguna, Ruts & La Isla Music trabajan paralelo en el estreno en directo (en la noche, 9 de febrero, de la gran cabalgata de Santa Cruz de Tenerife dentro del Carnaval Reggae Festival) de su nuevo espectáculo escénico, titulado Marley y con el que rinden homenaje a la icónica leyenda de la música reggae.

Dos grandes retos presentes para una banda con una intensa trayectoria que le ha valido para establecerse como uno de los proyectos de música reggae de mayor presencia en el Archipiélago. Y todo, dentro de un cambio vital que lo ha transformado casi todo en la esencia de la banda: la nueva condición de madre de su líder y vocalista, Ruth Barreto.

Así lo explica ella: “Ahora tengo un motor rejuvenecido y me pone las pilas constantemente. De hecho, desde el punto de vista meramente creativo, tengo que decir que Flor de invierno es el resultado de una conversación con mi hija. Es lo que me gustaría transmitirle para que quede en ella para siempre. Su banda sonora, que lo será inevitablemente pues nos escuchará cantarlo muchas veces. Este disco habla de hijas y, por supuesto, de madres, por tanto es una exaltación de la sangre, de la vida, de la belleza, de la ternura y la fuerza. Es la luz en la ventana a la que volver para ubicarse, fortalecerse y seguir adelante. Así son, somos, las madres, ¿no?”. Hay un nueva vida en Ruts & la Isla Music.

Flor de invierno se ha hecho esperar más de lo esperado dada la constante actividad de un grupo inquieto y solicitado que ha sido protagonista de numerosos conciertos y participando también en la producción de muestras artísticas tan importantes como el Reggae Can Festival. En este nuevo camino encontramos unas composiciones llenas de matices con un equilibrio perfecto entre dulzura y energía, mensaje y musicalidad. La evolución sonora, marcada por los años de dedicación, son patentes en una obra musical colapsada por una de las facetas más importantes y tiernas en la vida de la propia Ruth Barreto (líder y vocalista de la banda), la maternidad.

Para esta producción Ruts ha contado con Toby Nambur, un reconocido productor y músico alemán de reggae que conoce muy bien los valores de cada uno de los ingredientes que forman el género. Nambur maneja con maestría las nuevas composiciones y además lo hace sonar actual, “algo muy importante para el sonido de La Isla Music”, afirma la propia cantante. Su gran sensibilidad y su conocimiento de los sonidos jamaicanos han servido para sacarle a las composiciones de Ruts el mejor partido. “Llegamos a Nambur en nuestra búsqueda de evolucionar en todos los aspectos, pues detectamos que nuestro fuerte no han sido las producciones discográficas. Los que nos han visto en directo nos han recalcado la diferencia tan grande entre nuestros discos y nuestros directos, por tanto, tener un sonido que nos hiciera más justicia con respecto al directo era una de las claves para este Flor de Invierno. Así llegamos a él, y la verdad es que estamos muy contentos”.

La primera ocasión de ver este trabajo discográfico en directo será el próximo 2 de marzo en el Teatro Leal de La Laguna, momento también en el que se podrán adquirir las primeras copias físicas de este trabajo. Como no podría ser de otra manera, Flor de invierno estará también disponible en todas las plataformas digitales.

Este será, sin duda, uno de los grandes retos de esta formación musical en sus más de 10 años de vida: “¡Estamos locos! A quién se le ocurre. Presentación en la sala principal del Leal. Con canciones propias que nadie ha escuchado antes. ¡En fin! Esto es lo que primero que me viene a la cabeza como persona sensata y conocedora de nuestro entorno cultural pero al segundo dos, me motiva tanto que creo será un gran concierto, y así lo estamos tejiendo. Después de mucho tiempo voy a poder mostrar otros sonidos, y otras canciones, además con unas colaboraciones muy especiales que se añaden a nuestro equipo. Siempre he cuidado la puesta en escena. Considero que todo lo que se ve también es música y si está en el escenario pues hay que cuidarlo. En esta ocasión será una puesta de largo en la que tendremos una emoción muy especial. Será la primera vez que me suba al Teatro de mi ciudad a cantar mis canciones. Todo un honor que espero compartir con nuestros seguidores”.

Flor de Invierno, Ave Fénix, Dudas en el Aire, Ídolos y No saben bailar son algunos de los títulos de estas nuevas composiciones que se han grabado en Lim Studio bajo la dirección de la propia Ruth. Ella es foco de creatividad desde el que brotan todas las composiciones: “Soy medio músico, medio instrumentista, y medio intérprete, pero tengo una bacanal siempre en mi cabeza y he desarrollado, a lo largo de los años mi propia forma de llegar a hacer canciones. Por supuesto, la necesidad de contar, la inspiración y la motivación, es lo primero del proceso, a veces coger la guitarra me abre el camino pero para cuajar el arte en una obra, en mi caso, mi herramienta fundamental es el ordenador con mi multipista en el que voy abriendo tracks y grabando líneas rítmicas, de bajo, armonías, voces, etc, hasta tener el arreglo montado. A eso me refiero con que manejo a medias muchas disciplinas. Por suerte logro redondear el proceso gracias a los músicos de La Isla Music quienes almanmi universo creativo”.

Y todo, como parte de una filosofía de vida que en la que el arte termina siendo parte fundamental: “La música para el que la interpreta tiene un poder sanador y vivir, muchas veces, duele, por tanto se vuelve medicina. Es como si te formateara cada vez que la tocas, y no te digo ya, cuando la compartes con otros músicos, y logras la conexión. Es brutal y viene a dar sentido a eso de que somos seres sociales. Nos hace sentir bien y por eso queremos compartir nuestro bien”.

“Por otra parte -continúa-, no me canso de empoderar la labor de los músicos y cantantes que hacen sus canciones, editan su material, que forman sus bandas y su proyectos musicales, que se mantiene a lo largo de los años, algo bien difícil, todos sabemos, y que parecen no tener el reconocimiento social y el espacio cultural y mediático que deberían. Cada vez que me subo a un escenario con La Isla Music creo que reivindicamos el arte de nuestros artistas en nuestra cultura. Por todo esto sigo aquí”.

Reggae en las fiestas carnavaleras de Santa Cruz de Tenerife

Ruts & La Isla Music son también los principales culpables de que los Carnavales de Santa Cruz de Tenerife cuenten con una noche dedicada a la música jamaicana. En este 2018, un año más, y por cuarto consecutivo, el Carnaval Reggae Festival se hace un importante hueco en estos actos de celebración capitalinos, ocupando su espacio en el escenario de la Avenida Francisco La Roche en la noche del viernes 9 de febrero, justo después de la Cabalgata anunciadora.

En esta ocasión buena parte del protagonismo recaerá sobre la figura de Sr Wilson, músico catalán que se encuentra a la vanguardia del género en el estado español, contando además con una notable proyección internacional. A esta nueva cita en Tenerife (ya ha protagonizado exitosos conciertos en la Isla), llega respaldado por el sound sytem Badalonians Sound.

Precisamente el Carnaval Reggae Festival servirá de marco para el estreno del proyecto de homenaje a Bob Marley que han ultimado Ruts & La Isla Music, con el que rendirán tributo a la legendaria figura del fallecido artista jamaicano.

En sólo tres ediciones, el Carnaval Reggae Festival ha despuntado como un evento de gran acogida dentro de la celebración de las fiestas de invierno de Santa Cruz de Tenerife. La cita del 2018 llega después del enorme respaldo recibido el pasado año por el público carnavalero, con más de 6.000 personas bailando al son de los mejores ritmos jamaicanos.

Esta noche de sonidos jamaicanos se completa con la actuación de Material de Contrabando, con su genuina propuesta de mestizaje y hip hop, además de los selectores Monosound y Lavasound. Con todo esto, paso a paso. El Carnaval Reggae Festival, del que son principales promotores Ruts & La Isla Music, se postula como uno de los encuentros referentes del país y además se suma al interés internacional que despiertan las fiestas de invierno chicharreras al traer a uno de los grandes artistas del reggae nacional que además despunta en Europa.

Música como forma de vida; y creación y ejecución de proyectos como consecuencia de una pasión desbordante… con el empuje añadido de una maternidad que contagia y alimenta todo su presente.

El colectivo cántabro de amantes de la música jamaicana clásica, Cantaebrians, ha organizado un evento que tendrá lugar a lo largo de este sábado 5 de agosto en las salas Ambigú y Niágara, y con el que quieren celebrar el Día del Reggae.

La jornada arranca a las 11.00 horas en El Ambigú, local situado en la playa de La Maruca, con una maratón de DJs que pincharán durante toda la tarde y hasta las 20.00 horas, momento en que los selectores cántabros Mon Lambretta, Older than Modern, Mr. Poison, Chiti Chiti Bang Bang tomarán su lugar en la escena.

Desde la organización se guardan ases en la manga que sorprenderán a los asistentes, quienes podrán comer pinchos de bacalao con patatas por dos euros y refrescarse con bebidas a “precios razonables”, según explican. Además, para amenizar la tarde, y también financiar el evento, se llevarán a cabo sorteos.

Tras una tarde bailando al lado de la playa, la fiesta se trasladará a la sala Niágara para continuar con la noche. La jornada nocturna dará comienzo a las 22.00 horas, y por cinco euros, los asistentes podrán disfrutar del directo del madrileño grupo de early reggae y rocksteady Mango Wood, que está en plena efervescencia y que buscan, en su música, “la raíz de los sonidos jamaicanos propios de los grupos originales de los años 60”.

Cuando el concierto llegue a su fin y comience la madrugada, serán los DJs quienes tomen las riendas de nuevo. El riojano DJ Rudy García, Lucas Bam Bam, que viene desde Madrid y el Mango Wood DJ Set alargarán la fiesta con sus sesiones hasta las 6.00 horas.

Este sábado, 24 de junio, a partir de las 21:00 horas.

La Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico del Cabildo de La Palma, que dirige Primitivo Jerónimo, con la colaboración del Ayuntamiento de Villa de Mazo, organiza este sábado, 24 de junio, a partir de las 21:00 horas el concierto de la formación Eclipse Reggae, se indica en una nota de prensa. La actuación tendrá lugar en el Centro Cultural Andares de este municipio.

Eclipse Reggae es “una banda que nace en Arafo en 1996”. Se trata de “la banda en activo más veterana de este género jamaicano en Canarias”, se apunta en la nota. La formación “ha paseado su fresca fusión musical de reggae por las islas y por los festivales más prestigiosos a nivel nacional”.