La nostalgia manda. Y llegar a fin de mes, también. A los músicos de rock del siglo XX nadie les advirtió que en el futuro, tal vez, la vida se complicaría demasiado y que el prestigio no paga las facturas. Volver es un verbo esencial en el lenguaje de la música pop. Volver de cualquier manera, sin preocuparse demasiado del cómo y el cuándo también es una actitud habitual. Total, siempre va a haber un público interesado en revivir su juventud.

Ese no es el caso de Los Romeos, la banda de Castellón que, a principios de los noventa se hizo popular con música de una pureza incuestionable que también poseía un gran tirón. Hacían rock veloz con melodías pop. Eran demoledores y muy divertidos. También tenían una lideresa, Patrizia Escoín, que, pese a su juventud, rompió esquemas en aquel momento.

No había muchas cantantes de rock por aquel entonces, y menos aún, con tanta popularidad y exposición como la que tuvieron Los Romeos a lo largo de aquel 1990, cuando canciones como Mi vida rosa y Muérdeme se infiltraron en las listas de éxitos. “La verdad es que, en general, en el rock no había apenas mujeres”, explica Pat por teléfono. “Estaba Aurora Beltrán con los Tahúres Zurdos, estaba Mercedes Ferrer, que tocaba la guitarra, y era como ¡ah, toca la guitarra! Y Aurora también, ¡toca la guitarra! Yo también quiero tocar la guitarra. Para mí eran como diosas. Es muy diferente de cómo es ahora. Seguimos afianzados en el patriarcado en cualquier plano de nuestra vida, pero en aquel momento, el mundo del rock era un campo de nabos total, y una machirulada. Menos mal que hemos cambiado todos, incluida yo”.

Volvamos al principio de esta historia: Los Romeos, que se separaron en 1996, anunciaron a finales del año pasado que se reunían. El próximo día 24 comienza la gira que celebra el 35 aniversario del debut discográfico del grupo, Los Romeos. Las entradas para Madrid y València ya se han agotado. A Madrid volverán en otoño para un segundo concierto. No hay disco nuevo. Tampoco lo necesitan, sus viejas canciones suenan a todo menos a viejo. Han actualizado sus dos singles grabándolos con artistas invitados que no están en esto porque sí sino porque son fans.

“Carlos Galán (director de Subterfuge, el sello que patrocina este regreso y donde sacarán un recopilatorio) nos propuso regrabar un par de temas con colaboraciones. Las versiones originales suenan muy bien, así que si hacíamos una nueva versión tenía que haber un porqué. Paco Trinidad (el productor de sus dos primeros álbumes) hizo un trabajo genial, difícil de mejorar. Lo fantástico es colaborar con gente de ahora. Y cuando preguntó con quién haríamos Muérdeme, dijimos que con Samantha Hudson. Desde el principio no pensábamos en otra. Y ella dijo que sí”, explica de su colaboración con Hudson.

Cree que con Samantha Muérdeme mantiene la misma fuerza que tenía cuando salió la primera vez, “es la misma declaración de intenciones”. “Ella era la persona ideal para cantarla. Hace unos años colgó unas fotos estupendas suyas con una camiseta de Lula (la banda que Pat fundó tras la separación de Romeos), y vamos, yo dije, 'Dios, qué ilusión'. Mi vida rosa la hemos grabado con La La Love You, que en su día ya la versionaron. Han metido sintes, han metido un montón de voces. Yo siempre he respetado mucho nuestro legado y me daba mucho miedo estropearlo, porque no hay necesidad”, dice Escoín.

Yo siempre he respetado mucho nuestro legado y me daba mucho miedo estropearlo, porque no hay necesidad

Patrizia Escoín — Cantante

Los Romeos aparecieron en escena a finales de los años ochenta. Lo hicieron en Castellón, una ciudad que, aunque el resto del país no se haya enterado todo lo bien que debiera, siempre fue buen caldo de cultivo para el rock, el pop y el punk. Su génesis coincide con los días finales de una de las grandes bandas de la ciudad. Después de varios años dando guerra, sin conseguir trascender el estatus de banda de culto, Morcillo el bellaco y los Rítmicos empezaba a acusar señales de cansancio. Pedro López, su bajista, salía entonces con Pat y comenzó a escribir canciones para ella.

Al final, los Rítmicos dejaron de ser la banda de acompañamiento de Morcillo para convertirse, con Pat al frente, en Los Romeos, una dinamo musical impensable sin la presencia de Juan Carlos Tomás (guitarra), José Ángel Leirós (guitarra) y Julián Nemesio (batería). Comenzaron a dar conciertos y grabaron una maqueta. El éxito llegó en 1990. Paco Trinidad produjo su debut y consiguió el milagro de hacer de él un disco atemporal: “No sabemos cómo lo hizo, pero es un disco perfecto de principio a fin. No sé si es porque lo registramos de una manera atípica, grabándolo canción a canción. Nos pilló a todo en estado de gracia. Fue perfecto”.

Unos de los ganchos del cuarteto era precisamente su cantante. Una mujer muy joven, 17 años, que cantaba con una autoridad y una determinación poco habituales entonces. No tenían miedo a los tabús y la letra de Muérdeme pulverizaba unos cuantos: “Muérdeme en el trasero /Donde a mí me gusta más / Siempre voy a ras del suelo / Que más da”. “Pedro y yo estábamos súper enamorados, éramos súper jóvenes y el sexo era top. Para nosotros lo más importante era el sexo, salir por la noche. Y entonces hizo Muérdeme. Era de él, pero yo, por ejemplo, quería que me mordieran en el culo”, recuerda.

“Cuando afirmo eso soy yo la que decido. Yo le digo a él que sí me puede morder en el trasero. Luego, cuando crecí, me molestaban esas letras. No veía tan claro que fueran empoderadoras porque las veía hechas desde un punto de vista masculino. Pero, aunque las escribiera un hombre, a mí me convertían en una persona poderosa. Por esa letra me han caído muchos palos. Cuando hablo de feminismo siempre hay algún machirulo que pregunta si yo no era la de 'muérdeme en el culo', y que eso ahora no se podría decir. ¿Cómo que no se podría decir? Pues lo vamos a volver a decir”, argumenta.

Después de aquel glorioso disco homónimo, Los Romeos grabaron dos álbumes más, Sangre caliente (1992) y Sin conexión (1996). La banda dejó de existir en 2006, cuando un infarto acabó con la vida de Pedro mientras dormía. Continuar sin él no tenía sentido alguno y la popularidad del grupo había ido diluyéndose. Sus componentes pasaron a dedicarse a otros proyectos. Pat montó Lula, y luego, con el batería Tommy Ramos, Los Amantes y, más tarde, Exfan. Durante estos veinte años, las ofertas para reunir a Los Romeos no han dejado de llegar. Nunca aceptaron. Hasta ahora. 

“No hemos tenido necesidad de volver. La relación entre nosotros nunca acabó mal, hemos seguido viéndonos. Pero yo no quería volver, por la ausencia de Pedro y porque me gusta seguir hacia adelante y nunca mirar atrás. No me apetecía volver a cantar las canciones de mi juventud. Y también he tenido mucho cuidado de no hacer nada cutre con Romeos. Nos han propuesto muchísimas cosas, pero nunca nos pareció que debíamos aceptarlas. Teníamos claro que no hacía falta. Todo estaba dicho, la música sonaba muy bien. Pero el momento es ahora. Pero el resto de la banda me dijeron: ”Si no lo hacemos ahora ya no lo vamos a hacer“. Ellos ya tienen 60, yo tengo 55. Y es así. Creo que con esto volveremos a darle un poco de notoriedad a las canciones que hizo Pedro”, zanja.

El 23 de abril de 1996, hace 30 años, se publicaba la que es considerada uno de los mayores éxitos del hip hop, pero que es versión de un tema que está incluido entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la lista que elaboró la revista Rolling Stone en 2021.

Hablamos de 'Killing Me Softly With His Song’ del grupo estadounidense de hip-hop Fugees, que grabó el tema para su segundo álbum con la voz de Lauryn Hill, que daba así una nueva vida a una canción que ya conoció el éxito con Roberta Flack y que han versionado artistas de géneros tan dispares como Alicia Keys, Tino Casal o Pitingo.

El renacimiento de una canción dos décadas después

La versión de Fugees y Lauryn Hill de 'Killing Me Softly With His Song’ se convirtió en todo un éxito mundial, devolviendo así al tema a lo más alto de las listas dos décadas después de su primer estrellato. En Estados Unidos, sin embargo, no apareció en la lista Billboard Hot 100 al no ser lanzado como un sencillo comercial, lo que era norma en aquel momento para poder ser incluido.

A pesar de todo ello, la canción fue todo un éxito tanto en EE.UU como fuera, siendo todo un fenómeno en Reino Unido, donde rompió el récord de mayor cantidad de reproducciones en radio en una semana y fue el segundo sencillo más vendido de todo 1996, algo similar a lo que pasaría en Alemania, Francia o Canadá.

La versión, además, logró también la aceptación de la crítica, destacando “su respeto por la original”, y reconocimientos como el Grammy a la Mejor interpretación de R&B por un dúo o grupo y su video, el MTV Video Music Award en categoría R&B, un videoclip en el que la propia Roberta Flack hacía un cameo.

De Roberta Flack a su controvertido origen

Si bien muchos saben que el 'Killing Me Softly With His Song’ de Fugees es una versión, no todos conocen que la de Roberta Flack también lo es, pues fue grabada primero por Lori Lieberman, quien asegura ser la verdadera artífice de la canción en 1971. La cantautora aseguró que se le ocurrieron gran parte de los versos tras asistir a un concierto de Don McLean en Los Ángeles, y que estos fueron escritos en una servilleta.

Esto que ella había escrito llegó a Norman Gimbel y Charles Fox, que, viendo el potencial, optaron por adaptar la letra y componer la melodía, y en 1972, tan solo un año después, Lieberman grabó la canción para su álbum debut, que, sin embargo, no tuvo éxito y pasó desapercibida.

Pero entonces la casualidad quiso que Roberta Flack la escuchara durante un vuelo de Los Ángeles a Nueva York y quedara impactada, primero por su título, y luego por su letra y melodía, que plasmó en una libreta antes de aterrizar. Ella llevaría su anotación a Quincy Jones, que la pondría en contacto con Charles Fox, y de aquí surgió su versión, modificada con detalles vocales.

Primero la presentó en un concierto en 1973 y la buena acogida la llevaría a grabarla oficialmente. Así fue como sería uno de los grandes éxitos del momento, número uno en la lista Billboard durante cinco semanas y ganaría el premio Grammy a Grabación del Año y Mejor Interpretación Femenina Pop en 1974.

A pesar de todo esto, la historia de 'Killing Me Softly With His Song’ no es perfecta y tiene una gran controversia en sus orígenes. Lori Lieberman siempre sostuvo que el núcleo de la letra fue su propia experiencia y surgieron de ella misma, siendo las aportaciones de Gimbel y Fox mínimas. De hecho, también se asegura que estos dos últimos se opusieron a un cambio de letra para la versión de Fugees, que quería lanzar con su grabación un mensaje antidroga y contra la pobreza.

Un 21 de abril, pero de hace diez años, en 2016, fallecía el cantante Prince después de una sobredosis accidental de fentanilo en su casa de Minnesota. El artista moría a los 57 años, pero dejó un legado a través de su música en casi cuatro décadas de actividad, y que sigue activo debido a sus fans y canciones, que se han convertido en la mejor manera de recordarlo.

“Little Red Corvette” (1982)

La primera canción con la que llegó al número uno de Billboard y que fue su primer éxito masivo. Fue el segundo sencillo del disco ‘1999’, publicado en octubre de 1982, con el que alcanzó por primera vez el top 10 de Billboard 2000, y al que los críticos han llamado su primera “gran obra maestra”. En este sentido, la revista Rolling Stone llamó a este disco como el “álbum más influyente” del cantante, el primero en el que se escuchó el estilo Minneapolis que tanto le caracterizó. Cabe mencionar que el videoclip de “Little Red Corvette” fue con el que entró en el MTV y le llevó al mainstream.

“When Doves Cry” (1984)

Tras la buena acogida de ‘1999’, el éxito de Prince fue imparable y en el disco ‘Purple Rain’ le auparía a lo más alto. A pesar de que su mítico tema daría nombre al álbum, el primer sencillo fue “When Doves Cry”, publicada el 16 de mayo de 1984. Predijo el gran triunfo del disco, con un número uno de cinco semanas para esta canción, que fue top 10 también en muchos países europeos como Reino Unido, Irlanda, Países Bajos o Bélgica. Fue una de las que volvió a entrar en la lista Billboard tras el fallecimiento del artista en 2016, en el puesto octavo. Una de sus grandes curiosidades es que en ella no suena ningún bajo. Prince prescindió del instrumento musical deliberadamente, lo que dio lugar a un sonido único que encajó perfectamente en el llamado sonido de Minneapolis.

“Purple Rain” (1984)

No sería hasta septiembre de 1984 cuando la mítica “Purple Rain” se lanzó como tercer sencillo del disco homónimo, y que sería uno de los himnos que siguió al cantante estadounidense durante toda su carrera. Declarada una de las grandes baladas del rock por la crítica musical, tiene uno de los solos de guitarra más memorables de la historia de la música.  

Formó parte de la banda sonora de la película del mismo nombre, y ha tenido varias vidas, siendo el último renacimiento al aparecer en la serie ‘Stranger Things’, en su última temporada. Está situada en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos por la revista Rolling Stone.

“Sign ‘O’ the Times” (1987)

En 1987, Prince publicó el que es el primer álbum en solitario tras la ruptura con su banda ‘The Revolution’, y recibió el nombre de ‘Sign “O” the Times’, el mismo título que tuvo el primer sencillo. Este tema había sido pensado para aparecer en los planes anteriores que tuvo y que quedaron archivados como fueron ‘Dream Factory’ y ‘Crystall Ball’. Es una de las canciones más comprometidas socialmente, en las que se retrató los Estados Unidos de la década de los 80, con temas como el ‘crack’, el SIDA, las bandas o los tornados.

“Guitar” (2007)

De su última etapa, este tema demostró que el cantante seguía siendo todo un virtuoso con la guitarra. Se publicó en 2007, un año en el que realizó su recordada actuación en el intermedio de la Super Bowl en 2007, la que es considerada como una de las mejores, además de que reivindicó su vigencia todavía en el siglo XXI.

“Nothing Compares 2 U” (1984)

Aunque la canción se hizo conocida en gran parte por la versión de 1990 de Sinéad O’Connor, es un tema compuesto por Prince, exactamente para el disco de ‘The Family’ de 1984, una banda en la que reclutó a integrantes de anteriores formaciones y que integró dentro de su sello discográfico, en el que tenía planeado dar salida a sus composiciones. El sonido es muy diferente al de la cantante irlandesa, y los medios publicaron que el cantante no estaba contento con que el tema alcanzara éxito con ella, por lo que en 1993 la grabó en directo con Rosie Gaines, aunque sería la de O’Connor la que quedaría en la historia de la música.

“Sometimes It Snows in April” (1986)

La mejor manera de acabar con una selección de temas para recordar a Prince en el décimo aniversario de su fallecimiento es con un tema que grabó un 21 de abril, pero de 1985, 31 años antes de que en esa misma fecha muriera, como una extraña premonición. Esta balada es una de sus composiciones más emotivas y en la que vuelve a demostrar su amplia gama de géneros. En ella habla de Christopher Tracy, el personaje que interpretó en “Under the Cherry Moon”, y cuyo fallecimiento le afectó. Después de morir un 21 de abril, ha tomado un significado diferente, y que él mismo utilizaba normalmente como final de sus conciertos.

Queda menos de un mes para el comienzo de la esperada gira de La Oreja de Van Gogh, ‘Tantas cosas que contar’ en el Bizkaia Arena de Barakaldo el próximo 9 de mayo. Esta supone el regreso de Amaia Montero como vocalista del grupo, aunque sin uno de sus componentes originales como es Pablo Benegas.

Seguro que en el repertorio de la gira estará uno de sus himnos, “La Playa”, que hace 25 años llegó al número de la lista de sencillos en la radio Los 40 principales, donde se quedó en lo más alto durante dos semanas consecutivas, lo que asentó todavía más el gran éxito que fue su segundo disco de estudio, ‘El viaje de Copperpot’.

El contexto que llevó a “La canción más bonita del mundo”

La Oreja de Van Gogh llegaba a septiembre de 2000, cuando se publicó ‘El viaje de Copperpot’, como un momento decisivo en su trayectoria tras el éxito inesperado de su álbum debut, ‘Dile al sol’ en 1998, y que los convirtió en una de las bandas más prometedoras del pop español.

El segundo disco superó expectativas y vendieron más de 2 millones de copias, siendo uno de los discos más destacados del 2000 y 2001 en la música española. El grupo, sin embargo, a pesar de la mayor presión y atención, la banda aseguró que llegaron a grabarlo ya “sin miedo”, ese que había protagonizado la sesión de grabación de su primer álbum.

La grabación tuvo lugar en el sur de Francia, con Nigel Walker como productor, en el estudio Du Manoir. Se habían reunido con él previamente en su San Sebastián natal, en una pizzería, y enfatizaron que querían ser ellos los que querían tocar, porque en el anterior el productor prefirió a otros.

Allí, en el sur de Francia, nacieron gran parte de los temas que formarían parte de ‘El viaje de Copperpot’, entre ellos “La Playa”, en la que volvieron a referenciar y homenajear a su localidad natal, San Sebastián, que será un tema recurrente en su discografía, también con otros temas como “20 de enero”, que formaría parte de su próximo trabajo.

El significado detrás de “La Playa” de La Oreja de Van Gogh

Si bien su título oficial es “La Playa”, muchos la conocen como “la canción más bonita del mundo” por su conocido estribillo: “Te voy a escribir la canción más bonita del mundo, voy a capturar nuestra historia en tan solo un segundo…” y llegó como el tercer single tras otros himnos como “Cuídate” y “París”.

En esta canción, La Oreja de Van Gogh quería componer “un canto a la añoranza y a la nostalgia” que evidenciaban con una balada y un tema de medio tiempo, en la que la gran inspiración fue la Playa de la Concha de San Sebastián, uno de los lugares más emblemáticos y protagonistas de la vida en la ciudad.

Un tema dedicado al primer amor o al primer beso, en uno de los lugares en los que los integrantes del grupo pasaron sus mayores momentos durante su tiempo libre, verano o infancia. Este mismo significado se evidencia en el videoclip, en el que los momentos de la vida de una pareja se ven a través de una pecera, detrás de la que aparecen los miembros de La Oreja de Van Gogh.

Después de ella llegaron otros sencillos como “Pop”, “Soledad” o “Mariposa”, que completaron los seis que tuvo el disco. “La Playa” se convirtió en una de las canciones más emblemáticas de la banda, 25 años después es una fija en sus conciertos, y tuvo una nueva versión en el disco de Grandes éxitos, 'Nuestra casa a la izquierda del tiempo', en 2009, con la Orquesta de Bratislava y cantada por Leire Martínez, entonces vocalista del grupo.

En abril de 2001 era una de las canciones del momento en el pop latino. En Estados Unidos, México o Italia fue uno de los sencillos más exitosos de ese año, y también en España, donde consolidaría a su cantante como una de las máximas exponentes del pop internacional en español.

Hablamos de “Y yo sigo aquí” de Paulina Rubio, que era número uno en los 40 principales hace 25 años en España, y fue el primer sencillo que la artista colocaba entre los éxitos de nuestro país, lo que fue uno de los hechos que haría que su disco, “Paulina”, vendiera más de 50.000 copias, con disco de oro incluido, y fuera uno de los más vendidos de ese 2001.

Consolidó el éxito internacional de Paulina Rubio

Paulina Rubio era a principios de los 2000 uno de los rostros más conocidos de la televisión en México, aunque también de la música, por haber sido parte del grupo musical Timbiriche, ser hija de la actriz Susana Dosamantes y por haber triunfado con su álbum debut como solista con canciones como “Mío”.

Sin embargo, la llamada “Chica Dorada” se había centrado más en su carrera como actriz y volvió con fuerza en la música con el disco “Paulina”, del que “Lo haré por ti” fue el primer single. Fue el tercer sencillo, “Y yo sigo aquí”, el que triunfaría a nivel internacional y convertiría a la cantante mexicana en también una estrella más allá de su país natal.

La mezcla de la canción del pop latino con la música electrónica, que se potenció con el ‘autotune’ junto a una estética visual que triunfaba entonces a principios de los 2000, combinando la electrónica con elementos futuristas, llevó a que el tema se convirtiera en un éxito global, incluso en países que no hablan español como Italia, donde fue 14 en las listas de sencillos.

Al igual pasó en Estados Unidos, donde llegó a ser número 3 en ‘Hot Latin Songs’ en Billboard, solo por detrás de Ricky Martín y Juan Gabriel. Esto permitió que el álbum “Paulina” vendiera más de 480.000 copias en el país y hasta 2,5 millones de copias a nivel mundial.

Pasó a ser llamada como “la Princesa del Pop Latino”

El éxito de “Y yo sigo aquí”, canción escrita por Estefano y Marcello Azevedo, supuso un impacto clave en la carrera de Paulina Rubio, cambiando su imagen y que fuera apodada por la prensa como “Princesa del Pop Latino” debido a su estética dorada y capacidad de adaptación a distintos géneros. De ahí, esto hizo que la cantante publicara su primer disco en inglés, “Border Girl” en 2002.

En España, desde el éxito de la canción, Paulina Rubio sería una habitual de las radios y los sonidos pop, con otros sencillos muy populares como “Lo haré por ti”, “Yo no soy esa mujer”, “Baila Casanova”, “Si tú te vas”, “Todo Mi amor” o “Ni una sola palabra”, que en 2006 fue uno de los temas que más sonaron.

Live Nation, la empresa que organiza las grandes giras que no nos queremos perder, y su subsidiaria Ticketmaster, la empresa que nos vende las entradas, operan como un monopolio. A ojo, ya nos parecía, pero ahora hay una sentencia que lo acredita. “Una victoria brutal para todo el que ama la música”, lo ha definido la organización estadounidense Future of Music Coalition, fundada en junio de 2000 por músicos, defensores de los artistas, tecnólogos y expertos legales para garantizar que los músicos tengan voz en los asuntos que afectan a su sustento.

Efectivamente, los que amamos y vivimos la música desde hace varias décadas (en mi caso, desde 1993 aprox.), hemos visto cómo se deterioraba la estructura de la música en directo. Hemos visto parcelar el espacio del público en zonas VIP, super VIP y mega VIP. Hemos descubierto con ojos desorbitados que una entrada podía costar equis o el doble de equis en cuestión de minutos. Hemos visto aparecer algo que antes no existía: los “gastos de gestión”, y seguimos sin entender lo que son. Hemos pasado de ir a cuatro conciertos en un mes a un concierto en cuatro meses, porque más no nos podemos permitir. Y luego dicen que la música en directo está en su mejor momento. Depende de para quién.

Según la demanda, Live Nation controla al menos el 80% de la venta de entradas en las principales salas de conciertos de Estados Unidos; gestiona directamente a más de 400 artistas, y solo en EEUU controla más del 60% de las promociones de conciertos y posee o controla más del 60% de los grandes anfiteatros. Abrumador. Una acusación de más de una treintena de fiscalías de diferentes estados argumentaron que, al ejercer monopolio, Live Nation y Ticketmaster eran responsables del alza de las entradas de los conciertos. 

Por poner algunos precios españoles de conciertos de Live Nation (recordemos que los procesos judiciales se han abierto en EEUU): ver a The Strokes en primera grada (un único concierto en España, las entradas se ponen a la venta hoy viernes 17) costará 102 euros, a lo que hay que sumar una tasa de 2 euros para Ticketmaster “por la transacción”. Ver a Shakira en primera grada de uno de sus 11 conciertos en Madrid costará 158,50 euros (más los dos euros mencionados). Por cierto: ¿quién crees que gana más con este fenómeno de las 'residencias'?

Las cifras del volumen de la música en vivo son, lógicamente, despampanantes: 807 millones de euros de taquilla el año pasado según la Asociación de Promotores Musicales. Un estudio de estimación por parte de Sympathy for the Lawyer, presentado ayer 16 de abril, cuantifica un impacto directo de 1.261 millones de euros recogiendo lo que genera el merchan, las barras, las “experiencias VIP”... y suma y sigue. Las magnitudes están fenomenal, pero lo que se necesita es cambiar la lente macro por la del microscopio, y ver si todas estas células nos dan un organismo más o menos sano.

Volviendo a este histórico proceso judicial, los magistrados tendrán que decidir ahora qué multas, compensaciones o cambios de su actividad imponen a la promotora y a la ticketera. ¿La solución para el problema? Future of Music Coalition propone que luchemos por una industria fragmentada, con hueco para todos. ¿Obligará a Live Nation a disolverse o segregarse? La música necesita un tejido diverso donde tengan cabida también las iniciativas independientes, que hay que proteger para cultivar un ecosistema de precios asequibles y remuneraciones justas para los artistas.

Esta semana han pasado otras muchas cosas importantes en el mundo cultural. Que vayan a competir por la Palma de Oro tres películas españolas es una de ellas. Así te hemos contado el buen momento de nuestro cine con Javier Calvo & Javier Ambrossi, Rodrigo Sorogoyen y Pedro Almodóvar: “Somos una industria libre y salvaje”, han dicho. El cine subvencionado que odia la derecha española conquista el resto del mundo, analiza Javier Zurro.

Tres libros

'Dickens y Prince. Un tipo de genio muy particular' de Nick Hornby (trad. Jesús Zulaika. Anagrama Crónicas). Igual no se te había ocurrido nunca comparar a Charles Dickens con Prince, el genio de Mineápolis, pero a Nick Hornby, el autor de la célebre novela pop Alta Fidelidad, no solo se le ocurrió sino que se obsesionó hasta el punto de escribir un ensayo sobre ello. El autor encuentra dos carreras paralelas y nos hace esquiar sobre ellas, acelerados por su pasión habitual por la música.

'Escucha' de Michel Faber (trad. Mariano Peyrou Anagrama Argumentos). Perdona por repetir editorial en las recomendaciones, es algo que procuro no hacer, pero he empezado a leer este ensayo de Michel Faber (autor de la novela Bajo la piel, adaptada por Jonathan Glazer) y no me he resistido a incluirlo hoy aquí. Su subtítulo es: “Nuestra relación con la música y el sonido”. Atrapa la oralidad de su escritura y su tono de contagioso asombro ante la música. ¿Por qué escuchamos música? ¿Por qué escuchamos la música que escuchamos? Escribo este boletín mientras escucho unas canciones de un grupo ruso de postpunk y me hago esa pregunta: ¿por qué me gusta tanto esto? Tenía una idea de por qué, pero al leer a Michel Faber, empiezo a cambiar de idea.

'Cantarranas' de Nicholas F. Callaway (Caniche). Y, por último, uno libro de una de mis editoriales favoritas, la siempre osada Caniche, que suele editar en una línea fluvial entre la arquitectura, el urbanismo, el arte, la creación o la música, siempre con ensayos muy poco formales. Aquí, este artista e investigador nacido en California pero asentado en Madrid, nos habla de la vaguada de Cantarranas, donde se levanta la Ciudad Universitaria, en Madrid. Una excavación de la memoria, como dice la editorial, en la que afloran hallazgos de todo tipo, atravesados por una mirada personal.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Este verano pasarán por el Mad Cool 2026 artistas y grupos como Pulp, Wolf Alice, Lorde o Twenty One Pilots. Pero también lo harán nombres no tan conocidos en nuestro país como el de Holly Humberstone, que debería tener más reconocimiento y acaba de publicar su disco Cruel World. Uno de sus temas más interesantes del álbum puedes escucharlo en nuestra playlist, donde también están nuestras recomendaciones de semanas anteriores.

'Beauty Pageant' de Holly Humberstone. Haciendo un retrato desgarrador de cómo es la feminidad bajo presión, la artista hace de este tema una crítica mordaz a lo que significa ser una mujer en esta industria. “Esta canción refleja mi exasperación ante la carga que conlleva ser mujer en nuestra sociedad”, ha declarado en una nota de prensa, agregando que “trata sobre los estándares inalcanzables” a los que se someten las mujeres y sobre “la fragilidad de tu propia imagen cuando se basa en opiniones ajenas”. Escúchala.

'Jérémie' de Martin. El que fuera finalista en Operación Triunfo 2023 acaba de publicar su primer álbum de estudio. Lo ha hecho con paciencia y tras haber participado en la serie Mariliendre de Javier Ambrossi y Javier Calvo, como nos han contado en una entrevista que le hice y que ya te hemos recomendado más arriba. Una de las canciones más juguetonas del proyecto, titulado La insolación, es este desenfadado relato sobre un amor adolescente en Francia. Es un tema bilingüe que captura el entusiasmo de enamorarse aunque no sea correspondido. Escúchala.

'Pamema' de Julio de la Rosa. El que es uno de los más destacados compositores de bandas sonoras de este país ha publicado disco, demostrando también su habilidad como letrista. Se titula Las malas hierbas y es un viaje sobre esas tensiones que crecen en las relaciones personales: la envidia, el desencanto o las verdades incómodas que a veces nos hacen mirar a otro lado. Esta canción, de ritmo lento, aborda la venganza desde el rencor de quien ha sufrido en una relación. Escúchala.

Tres películas, por Javier Zurro

'El chico de los pantalones rosas'. Andrea Spezzacatena se suicidó cuando tenía 15 años por el bullying que sufría en el colegio. Su madre escribió un libro que ahora se ha convertido en la película italiana más taquillera del año pasado y en un emblema en la lucha contra el acoso escolar. Qué envidia que el filme más taquillero sea una película tan sensible y que demuestra que el cine puede ayudar a empujar ciertos cambios. Ojalá sirva para que se rompa el silencio en torno a un tema que sigue atravesándonos.

'Un poeta'. Qué película tan divertida, personal y, finalmente, triste ha realizado Simón Mesa Soto en esta película. Su Óscar Restrepo, un poeta que parecía destinado a la gloria y malvive en casa de su madre mientras se niega a aceptar su vida parece sacado del universo del Diego San José más sombrío, el de Yakarta. Uno se ríe ante el patetismo del personaje para luego sentir ganas de ir a darle un abrazo y se emociona porque todos somos un poco como él.

'La mujer más rica del mundo'. No es la mejor película de Isabelle Huppert, ni estará entre las 20 primeras, pero qué gusto es verla cuando se pone a jugar en una película que podría haber pasado por una peli más pero cuya presencia eleva a otro sitio. Más allá de eso, esta historia basada en la vida real de la heredera de L'Oreal y su relación con un fotógrafo al que regaló 1.000 millones de euros no deja de ser otra sátira más (con menos mala leche) sobre el mundo de los ricos. 

Cuatro planes para el finde, por Francisco Gámiz

READ Madrid. Festival de Libros e Ideas (Madrid). El Museo Reina Sofía se convierte este viernes y sábado en el epicentro del pensamiento crítico con la primera edición de este festival que busca interrogar el presente a través de los libros. El Auditorio 400 del edificio Nouvel acogerá conversatorios con voces como las de Pastora Filigrana, Dahlia de la Cerda o Mario Obrero, abordando temas que van desde el “folclore plebeyo” hasta la importancia de la ficción para no olvidar el pasado. La entrada es libre hasta completar el aforo, ¡así que aprovecha!

BCN Film Fest (Barcelona). Este finde se inaugura la décima edición de este festival de cine en los Cines Verdi de Gràcia. La gala de apertura cuenta con el estreno mundial de Viaje al país de los blancos, protagonizada por Emma Vilarasau, y la entrega del Premio de Honor al director José Luis Garci. Durante los próximos días se proyectarán títulos muy esperados como Mallorca confidencial, presentada por Lolita Flores, o Palestine 36, dirigida por Annemarie Jacir. 

'Archipiélago' (Málaga). El Museo Carmen Thyssen Málaga ha estrenado esta exposición que propone un viaje por el arte contemporáneo de las décadas de los 60 y 80. La muestra reúne piezas de artistas como Picasso, Miró, Warhol y Braque, articulando un relato visual que invita al espectador a reflexionar sobre cómo miramos la realidad. A través de pinturas, dibujos y grabados, la exhibición funciona como un “archipiélago” de ideas que conecta la vanguardia con las revoluciones artísticas del siglo XX. 

Gijón Sound Festival (Gijón). Del 16 al 19 de abril, la ciudad asturiana se llena de música con un cartel que mezcla rock, psicodelia y pop-punk en espacios como el Teatro Albéniz y la Plaza del Ayuntamiento. El fin de semana destacan las actuaciones de Nat Simons, Los Punsetes y la energía de Aiko El Grupo. Es una oportunidad perfecta para disfrutar de bandas nacionales y descubrir nuevos sonidos en un ambiente pensado para inundar las calles locales.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Vuelven los 70mm. Qué bonito este reportaje de Javier Zurro (con vídeo) sobre la odisea de reinstalar un proyector de 70mm en los cine Paz para ver Kill Bill cuando ya no quedaba ninguno en Madrid.

Insolado. Pero qué bonito el disco de Martin, La insolación, y que gran decisión confiar en Hidrogenesse para la producción, porque ineludiblemente se le ha pegado el aroma austrohúngaro. Gámiz le entrevista.

¿Cuándo se puede mover un cuadro? La polémica sobre la cesión temporal del Guernica nos hace preguntarnos: ¿por qué unos sí y otros no? Entra el juego el símbolo y el riesgo.

Olivia Dean sigue haciendo historia con su último disco. El pasado 26 de marzo, se celebró en Manchester la 28ª edición de los premios MOBO 2026 (Music of Black Origin Awards), y la cantante británica terminó la noche como la más premiada de la gala. Se hizo con tres galardones: Mejor Artista Femenina, Álbum del Año por The Art of Loving y Canción del Año por Man I Need.

La victoria en los MOBO se suman a los cuatro premios que se llevó en los BRIT Awards y a su esperadísimo primer Grammy (Mejor Artista Revelación), el cual consiguió a principios de febrero. Toda esta lista de galardones son solo un reflejo del fenómeno que Dean ha creado a su paso desde que lanzó The Art of Loving, su segundo álbum de estudio, a finales del año pasado. 

Entre los 12 temas que componen el disco, uno ha sido el que ha conseguido destacar por encima del resto. Hablamos de Man I Need, canción que supera las 995 millones de reproducciones en Spotify y que ya es la más escuchada de la artista en esta plataforma de streaming. Pese al éxito, hoy sabemos que el tema casi se queda fuera de la elección final. 

No iba a ser un single

La noticia la confirmó la propia Dean en una entrevista reciente con el presentador Marvin Humes en Hits Radio, donde comentó que, en un primer momento, Man I Need no iba a ser lanzada como sencillo. “No estaba segura. Pensé que era un poco diferente”, comentó la artista sobre el potencial del tema. Todo cambió tras los ensayos de la canción con la banda, cuando empezó a sentir que esta realmente podría funcionar.

¿No lo había sentido antes? Cuando Humes le preguntó si creía que el tema sería un éxito al salir del estudio, Dean le confesó sus primeras impresiones. “Sabía que me gustaba mucho. Pero no sabía si representaba el álbum completo y la historia que contaba”, respondió. “Me alegro de haberla grabado”.

Y no es para menos si tenemos en cuenta los datos que ha conseguido el sencillo desde que se publicó. Actualmente en el número 2, Man I Need ha permanecido 20 semanas en el top 10 del Hot 100 de Billboard. Además, ha conseguido hacer historia: la canción encabezó las listas Adult R&B, Pop y Adult Pop de Billboard, convirtiendo a Dean en la primera mujer en liderar estas tres listas desde que Adele lo hizo con Hello entre 2015 y 2016.

El próximo paso de Olivia Dean será el escenario. La de Londres ha anunciado una extensa gira para este 2026, con más de 40 conciertos programados en unos 14 países, incluyendo paradas en luagres como Reino Unido, Bélgica, Países Bajos, Alemania y Estados Unidos. En este caso, ni un solo show para sus fans en España.

Massive Attack y Tom Waits han publicado una sorprendente colaboración tras más de una década sin publicar nuevo disco. Se trata de Boots On The Ground, tema en el que aprovechan para lanzar un importante mensaje reivindicativo y cuyo videoclip muestra las consecuencias de las históricas protestas en EEUU contra “las redadas del ICE, la militarización de las fuerzas de seguridad nacionales y el autoritarismo estatal”. Tanto es así que la canción empieza con la respiración agitada de alguien que está siendo asaltado.

“Desde el asesinato de George Floyd en Minneapolis el 5 de mayo de 2020, hasta las recientes redadas del ICE en comunidades migrantes y el asesinato de civiles que las protegen”, comienza el texto introductorio del vídeo. “Desde la brutal represión estatal de las protestas públicas hasta la realidad de las personas sin hogar en EEUU, entre las que se incluyen casi 33.000 veteranos militares”, continúa, detallando a continuación quiénes han perdido la vida a manos del ICE y el impacto de las represalias opresivas contra las protestas.

El final del vídeo denuncia el número de personas que han sufrido las consecuencias de la brutalidad policial, haciendo hincapié en los estudiantes que han sido arrestados por policías o incluso a las visas revocadas de muchos estudiantes por haber sido acusados de “actividad propalestina”.

Una respuesta a la situación política actual

Massive Attack ha calificado esta colaboración como un hito artístico en una nota de prensa, así como una respuesta a la situación política actual. “Es un honor profesional colaborar con un artista de la talla, la originalidad y la integridad de Tom, pero este tema llega en un clima de caos”, afirma la banda. “En todo el hemisferio occidental, el autoritarismo estatal y la militarización de las fuerzas policiales se están fusionando de nuevo con la política neofascista”, ha añadido.

“Esto es una puta guerra de ametralladoras / Con las botas en el terreno, las botas en el terreno / Nosotros os podamos los setos, luchamos vuestras guerras / Esperamos en las trincheras y estamos jodidos hasta que nos duele todo”, cantan en el estribillo de esta canción, que ya está disponible para comprar en vinilo. La otra cara del vinilo incluye un tema hablado de Waits, titulado The Fly, que ha sido descrito como una pieza ingeniosa y sarcástica.

El grupo Massive Attack ha señalado que, “en el contexto de emergencia estadounidense, tanto a nivel nacional como internacional, este tema refleja impulsos insensibles y una mentalidad desquiciada”. Boots On The Ground también supone la primera grabación nueva de Tom Waits desde su álbum de 2011, Bad As Me, y cuenta con la participación vocal adicional de su hijo Casey Waits. Por su parte, Massive Attack publicará más material nuevo a lo largo de 2026 y continuará con su gira de conciertos programada para los próximos meses.

Madonna regresa con nueva música este verano. La leyenda del pop, que llevaba siete años sin publicar material inédito, vuelve a la industria con uno de los proyectos que más tiempo llevan esperando sus fans: la segunda parte del aclamado y exitoso disco Confessions on a Dance Floor (2005). Su lanzamiento está programado para el próximo 3 de julio y en este vuelve a trabajar en la producción con el DJ Stuart Price, quien ya estuvo presente en el décimo álbum de estudio de la cantante con hits como Hung Up, Sorry o Jump.

“Debemos bailar, celebrar y orar con nuestros cuerpos. Son prácticas que hemos llevado a cabo durante miles de años; son, en realidad, prácticas espirituales. Al fin y al cabo, la pista de baile es un espacio ritualístico”, ha declarado Madonna en un comunicado de prensa que recoge el “manifiesto” que ella y Price escribieron durante la creación del disco. “Es un lugar donde conectas con tus heridas, con tu fragilidad. Ir de fiesta es un arte. Se trata de superar tus límites y conectar con una comunidad de personas afines”, ha agregado.

La artista hace alusión al “sonido”, la “luz” y la “vibración”: “Remodelan nuestras percepciones, nos sumergen en un estado de trance. La repetición del bajo no solo la oímos, sino que la sentimos. Altera nuestra conciencia y disuelve el ego y el tiempo”. El anuncio se produce después de que Madonna insinuara que un nuevo álbum de música dance saldría en 2026 tras su regreso al sello discográfico Warner Records casi dos décadas después de haberlo abandonado.

Madonna también ha aprovechado para revelar la portada de este proyecto, en la que aparece sentada sobre unos altavoces morados y con la cara cubierta por un velo rosa. Asimismo, la intérprete ha publicado un adelanto musical de hasta un minuto de duración del primer single, que se titulará I Feel So Free. El disco pretende seguir la misma estética que Confessions on a Dance Floor y promete grandes melodías y ritmos que inviten al oyente a bailar. Todavía falta por conocer, no obstante, cuántas canciones lo compondrán y el título de las mismas.

La cantante Katy Perry es noticia recientemente por su asistencia al Festival de Coachella junto a su actual pareja, el ex primer ministro canadiense Justin Trudeau, a pesar de que ella nunca ha sido cabeza de cartel ni ha actuado en él, pero sí que asistió a conciertos como los de Justin Bieber, que levantó controversia en redes sociales por lo inusual que tuvo su regreso a los escenarios tras cuatro años.

Hace casi diez años, sin embargo, Katy Perry estaba de actualidad por otro hecho, y es por el lanzamiento de una canción que cambiaba por completo la imagen que tenía hasta entonces, y además guardaba un supuesto enfrentamiento con otra cantante pop.

Hablamos de “Swish Swish”, una canción que cantó con Nicki Minaj, y que incluso se llegó a decir que había eliminado después de los apoyos de esta a Trump, algo que no fue así. Pero su historia no ha estado exenta de polémica y controversia.

“Swish Swish”, la canción de la que Katy Perry se arrepiente

Lanzada como tercer sencillo de su quinto álbum, ‘Witness’, del que también forman parte canciones como “Chained to the Rhythm” y “Bon Appétit”, “Swish Swish” fue publicada el 19 de mayo de 2017, y desde el principio destacó por ser un cambio del estilo que hasta entonces llevaba la cantante, que había sido una de las máximas exponentes del llamado “pop chicle”. Así pasó más a un sonido ‘kitsch’ y con cierto mix con música electrónica.

Últimamente la canción ha sido noticia por la cancelación a Nicki Minaj debido a su apoyo a las políticas de Trump, que llevó incluso a especular de la desaparición de este tema de las plataformas musicales, pero también porque Katy Perry ha asegurado arrepentirse de haberla escrito, aunque a su vez afirma que solo ha sido “un capítulo más” en su carrera.

En su día, sin embargo, la cantante explicó en su momento que el tema pretendía ser “un gran himno para que la gente lo use cuando alguien intenta oprimirte o intimidarte”, pero con el paso del tiempo ha pasado al olvido y no ha quedado como una de las más reconocidas de la artista. En ella, durante el videoclip y los propios efectos de la música, hace referencia al baloncesto, también con versos como “tu juego está cansado, deberías retirarte”.

Nacida de un supuesto enfrentamiento con Taylor Swift

Pero si por algo dio que hablar la canción “Swish Swish” es porque en su día se comentó que había nacido como respuesta de Katy Perry a “Bad Blood” de Taylor Swift, en la que la artista indirectamente hablaba de ella. Y es que fue en 2013 cuando las dos supuestamente se enfrentaron por una disputa por sus bailarines, cuando tres de los que formaban parte del grupo de Swift se fueron en mitad de su gira ‘Red World Tour’ para trabajar con Perry en el ‘Prismatic World Tour’.

De hecho, en una entrevista con la revista Rolling Stone, Taylor Swift llegó a hablar sobre el tema sin mencionar a la californiana, al asegurar que una antigua amiga “hizo algo horrible para intentar sabotear toda una gira por estadios”. En el mencionado single, Perry hacía alusión con frases como “eres una payasa, yo soy una reina asesina en la cancha”.

Luego, sin embargo, se arreglarían sus diferencias, y fue cuando la cantante se vio obligada a cambiar frases como “no vengas a por mí” por “Dios te bendiga en tu camino, oh nena” al interpretarla en directo, y de aquí vendría su poco interés y su cierto arrepentimiento de haberla escrito. La reconciliación entre las dos estrellas se evidenció en público cuando Katy Perry apareció en el videoclip “You Need to Calm Down” de Taylor Swift, la primera como hamburguesa y la segunda como patatas fritas.

En 2001, hace 25 años, llegaba a la industria musical el primer álbum en directo de la banda M-Clan. Sin enchufe se convirtió en todo un éxito, sobre todo por una de sus canciones, “Carolina”, que fue número uno en la lista de sencillos, y que consolidaría a la banda dentro del rock español.

El grupo venía de su primer éxito, Usar y tirar, que en el 2000 vendió más de 100.000 copias vendidas en el mercado, y se animó a ofrecer su primer trabajo musical acústico, que se produjo de la mano de Alejo Stivel, ex cantante de Tequila, y grabado en Madrid, en los estudios El Álamo. En este disco, en Sin enchufe, M-Clan repasaba su trayectoria, pero también miraba hacia adelante, con ocho canciones nuevas, seis propias y dos versiones, pero también ofrecía temas con arreglos diferentes.

Así, el grupo rock versionó “Maggie May” de Rod Stewart, adaptándola al español como “Maggie despierta”, que también llegó al número uno de sencillos en España, y también “Paint it black” de The Rolling Stones, que tradujeron al castellano como “Todo Negro”, que a su vez hacía referencia a una adaptación anterior de Los Salvajes en los 60.

El disco acabaría siendo todo un éxito, convirtiendo a la banda en una de las principales del rock español a principios de los 2000, alcanzando a superar las 150.000 copias, con la trascendencia de que se trataba además de un álbum en acústico y directo.

25 años de “Carolina”, el himno de M-Clan

Actualmente, M-Clan no se entiende sin “Carolina”, su canción insignia y todo un himno de la banda rock. El estribillo “Carolina, trátame bien. No te rías de mí, no me arranques la piel. Carolina, trátame bien o al final te tendré que comer” es uno de los más conocidos de la música española a principios de los 2000.

La canción fue el primer sencillo del disco y desde entonces se convirtió en una de las más reconocibles del grupo, que llegó también al número uno de las listas de éxito a finales de marzo y abril, hace 25 años, siendo uno de los temas más destacados de la música en español en estos momentos.

A pesar de su éxito, la letra de la canción no estuvo exenta de polémica, por hacer referencia a la relación con una menor, o incluso se llegó a especular que hablaba de la cocaína, algo que desde el grupo se desmintió.

Sobre el hecho de la relación con una menor, algo que se deja entrever en versos como “La dulce niña Carolina, no tiene edad para hacer el amor. Su madre la estará buscando, eso es lo que pienso yo…”, es una de las polémicas que ha acompañado a este tema durante su historia y sobre lo que desde el grupo argumentan que es ficción.

“Al fin y al cabo es una ficción, como tantas y tantas que hay en la música y en el arte. Es una canción blanca, que refleja un poco, entre comillas, ese símbolo de Lolita, que tantas veces se ha utilizado. Es una canción de tres minutos, no es ninguna declaración de principios. Es una canción más y ya está”, defendía Ricardo Ruiperez en una entrevista en el diario Atlántico.

Sobre lo mismo habló el vocalista y líder Carlos Tarque en Vox Populi: “Cuando tuve el aluvión de críticas por Carolina me pareció alucinante la cantidad de veces que tuve que explicar que era una ficción, una historia con personajes. Lo que cuento es que ella presiona al rockero para tener sexo. No podemos convertir el arte en un espacio aséptico”.

Hace 40 años, la canción “Si tú eres mi hombre y yo tu mujer” de Jennifer Rush ocupaba lo más alto de la lista de sencillos en España, en la que se mantendría durante semanas, obteniendo un gran éxito con otra versión de las varias que ya había tenido y las que tendría, llegándose a afirmar como “la canción de amor de la década”, como reza el propio sitio web de la cantante estadounidense.

Y es que esa era la versión en español de “The Power of Love”, que había sido adaptada por Luis Gómez-Escolar, y que fue el enésimo número uno para la canción de amor que sería una de las baladas románticas más significativas de la década e interpretadas por artistas femeninas.

La historia camaleónica de “The Power of Love” de Jennifer Rush

Casi dos años antes del éxito de su versión español, en 1984, fue cuando se había publicado por primera vez la canción, grabada en Frankfurt, en Alemania, donde residía la cantante, que trabajaba entonces para el ejército de Múnich, y que había probado varias veces suerte en la música, hasta encontrar el tema que le abriría la fama.

Y es que, en 1979, antes de mudarse a Alemania, Jennifer Rush, que en realidad se llamaba Heidi Stern, había publicado su álbum debut en Estados Unidos bajo su nombre real, pero este pasó desapercibido. Con su verdadero nombre había también publicado sus primeros temas en Alemania en 1982. Como Jennifer Rush fue cuando encontró sus primeros éxitos, cuando entre febrero y marzo de 1984 realizó una gira con la Filarmónica de Berlín interpretando temas de la banda sonora de James Bond, asombrando al público con su voz.

Así, finalmente en diciembre de 1984 fue cuando “The Power of Love” vio por primera vez la luz, aunque solo llegó al número 16 en Alemania. Este éxito discreto cambiaría cuando un promotor de CBS en Londres escuchó cantarla en una convención discográfica en Hawai y en octubre de 1985, la canción tuvo una nueva vida lanzándose en el Reino Unido. Una decisión que cambiaría la carrera de Jennifer Rush, que vería como el tema que había escrito junto a sus productores la haría famosa.

De hecho, su número uno en el Reino Unido que duró cinco semanas y que permaneció 16 en total en la lista, supusieron que entrara en el Libro Guinness de los Récords como el sencillo más vendido en el país en 1985 con más de un millón de copias, tan solo en un par de meses antes de finalizar el año. Así, fue el sencillo más vendido por una artista solista femenina en la historia de la música británica, un récord que ostentó hasta 1992 cuando Whitney Houston se hizo con él con otra famosa balada romántica, “I Will Always Love You”.

Desde aquí, la década de los 80 fue de gran éxito para Jennifer Rush, que luego también tendría buenos números con canciones como “Ring Of Ice” o su dúo con Elton John, “Flames Of Paradise”, que se unieron a sus colaboraciones con otras personalidades de la música entonces como Richie Sambora de Bon Jovi, Desmond Child o Michael Bolton.

La segunda vida que le dio Céline Dion: el éxito en EE. UU

A pesar de ser el país natal de la cantante, el éxito en Estados Unidos se resistió, pues la canción solo llegó a alcanzar el puesto 57 de Billboard. No sería hasta 1993 cuando “The Power of Love” se convertiría un himno romántico también en USA, con la versión de Céline Dion, que le dio una destacada fama comercial, también en Canadá o Australia, además de reentrar en otros territorios europeos.

La versión de Céline Dion se convirtió en el sencillo más vendido por una artista femenina en 1994 en los Estados Unidos y el octavo más vendido en general, con 900.000 copias vendidas, y fue el primer número uno para la cantante canadiense, abriendo una trayectoria brillante y longeva. Tanto es así que la propia Billboard la reconoció dentro de su lista de “Mejor Canción de Amor de Todos los Tiempos”. Y es que ha quedado como una de las baladas románticas más traducidas, versionadas y todo un clásico del pop.

“Se dice que la cancelación destroza la vida de hombres, pero todos siguen trabajando, siendo famosos e impunes”. La violencia sexual y su respuesta social es uno de los temas que Sandra Delaporte ha volcado en su durísimo, realista y honesto primer libro Del barro al poema (Lunwerg). Y lo ha hecho a través de versos y canciones en los que reflexiona y arroja luz sobre la soledad, el suicidio, lo que ha acuñado como famositis y la vulnerabilidad.

La cantante, productora y vocalista de Delaporte —que el pasado mes de noviembre denunció la agresión sexual que sufrió durante un concierto— ha agarrado sus heridas, las ha abierto, ha dejado salir su pus y las ha limpiado sin dejar de retorcerse. También las ha permitido desgarrarse incluso un poco más, para acabar sanando, renovando su piel, abrazándolas y cuidándolas en un ejercicio de honestidad que sobrecoge por la crudeza y a la vez delicadeza con la que ha suturado sus llagas.

Su libro entronca con la idea de felicidad que abunda hoy en día, reducida muchas veces al imperio de Mr. Wonderful.

La felicidad como marca es mentira. A nivel social estamos en una deriva de hiperdisociación, de vanidad, que se ha colado a través de la marca de felicidad social y de solucionar todos nuestros problemas de abandono y heridas a través de conseguir fans, de que nos vean, de sentir que existimos y somos importantes a través de las demás personas. Desde un yo que no es real y que genera más vacío, porque al final te quieren desde una marca que has generado, no desde quien tú eres realmente. Se ensalza la marca de que la vida es maravillosa, de que todo es genial, viaja y que se te pase, consume y que se te pase, ve a 800 festivales, consume más alcohol...

Yo he tenido ideas suicidas y hay que hablar de que es un fracaso social, no individual, porque no encajamos en el sistema que se nos ha vendido de producción capitalista. Un modelo de existir en torno al consumo, que ya es fracaso, pero no nuestro. Quien se atreve a mirarlo de frente y ver esas heridas, es quien hace la revolución, quien ve la vulnerabilidad, quien de pronto conecta con la ternura y con lo más radical de todo, que es ser buena persona, incluso aunque tengas que renunciar a ser famoso o todos estos vacíos que estamos llenando con esta moto a toda velocidad. Somos más listas de lo que parece, nos la intentan colar pero no funciona. Hay más precariedad que nunca, el problema de la vivienda es brutal, el nivel de depresión, los problemas de salud y salud mental, es abismal.

¿Qué es la 'famositis'?

La famositis es una inflamación aguda del ego que viene de la enfermedad de la idolatría. Tener referentes e inspiración es superimportante, pero de ahí a la locura que se ha generado... El backstage de muchos festivales es a ver quién está con la abeja reina. Imagina que aparecen aquí Rosalía, Nathy Peluso o Beyoncé, ¿qué va a pasar? Es que hasta deshumaniza a la persona. Se convierte en la masa masiva que se supone que es el éxito al que aspirar y al que idolatrar, como si esa persona tuviera algo fundamentalmente maravilloso; y es una persona igual que tú.

¿Con millones detrás para precisamente convertirlo en algo que inflame el ego y la enfermedad de la idolatría? Sí, pero a mí no me gusta que me idolatren. Me parece una falta de respeto. Me parece bien que te inspire, que te guste lo que hago, que te ayude; pero yo quiero hablar con un humano, no con un niño de doce años que ve a un superhéroe porque canta y lleva cosas de marca. Lo siento pero no.

No me gusta que me idolatren. Me parece una falta de respeto. Me parece bien que te inspire, que te guste lo que hago, que te ayude; pero yo quiero hablar con un humano, no con un niño de doce años que ve a un superhéroe porque canta y lleva cosas de marca

Sandra Delaporte — Compositora, productora y cantante

Reflexiona sobre las veces que se perdió a sí misma por agradar, ¿la industria musical permite que se den cuenta?

Cuanto más agradas más te abandonas a ti misma, y cuanto más lo haces, más difícil es que te quieran por quien eres y más gordo se hace el abismo. Es un sistema de supervivencia que me ha mantenido, pero admito que he sido 'agradadora' máxima de amigas, amigos, público, pareja. Me he puesto ropa que no quería. No me gusta el modelo sexual femenino que impera hoy en día.

No me identifico nada con el canon, no me gusta maquillarme, no me gusta pintarme las uñas, no me gusta enseñar cosas y lo he tenido que hacer para agradar a un público, conseguir fans, que me idolatren, siendo alguien que no soy. Y vender una marca de que el sueño de todo artista es ser Dua Lipa. Pero es que me parece arte vacío, que no es real y nace de la supervivencia del agradar.

Muchas artistas mujeres parecen cortadas por el mismo patrón, ¿hay margen de cambio en una industria que lo perpetúa?

Yo he tenido que revisar mucho qué es el éxito para mí. Yo no sé si voy a tenerlo o no, pero lo que no voy a hacer es perderme otra vez porque me marchito, me muero, no soy yo. Yo creo que en realidad nadie está bien. Luego es verdad que hay gente que utiliza su altavoz para hablar de violencia de género, de todas las formas de intransigencia y antihumanidad que existen, lo cual es muy valiente; pero es que yo no quiero ser Aitana ni Dua Lipa.

No quiero aparecer bailando. Yo o hago punk, o hago techno o hago este libro; no quiero un público masivo, quiero público consciente. Ese es el éxito para mí, poder vivir dignamente, poder pagar el alquiler, comer, hacerme algún viaje de vez en cuando, pagarme mi terapia, y ya está. Y si no, puedo dedicarme a mil cosas más. Yo voy a crear hasta el día en que me muera, pero si lo que creo no late o no forma parte de, me da igual. El dinero ya no es un monstruo al que tengo que agradar.

En su experiencia, ¿cómo se ha sentido al hablar del suicidio? ¿Falta conversación sobre ello?

Sí. Creo que lo oscuro no se ve y muchas personas no se sienten vistas. Los consejos de la marca de la felicidad, de “ay bueno, pero la vida es maravillosa, céntrate en eso”, no ayudan a superar el suicidio, promueven el aislamiento. Si la gente no se expresa y pide ayuda, se mata, porque precisamente te quieres matar porque te sientes sola y abandonada. Sin las otras personas no vivimos. Nos han intentado hacer pensar que somos independientes, que podemos con todo, todo esto de los cripto, que qué pereza y coñazo de seres humanos. Todo ese tipo de mensajes no van con la humanidad.

El aislamiento es lo peor que hay y paradójicamente ahora estar aislado es lo cool y lo guay. Así que ver a gente hablando del suicidio a mí me ha salvado, y hablar de la muerte con total naturalidad. Todas vamos a morir. También hay un rollo de “somos superheroínas inmortales” y eso es mentira. Nos da tanto miedo darnos cuenta de la vulnerabilidad que tenemos que vamos corriendo a idolatrar a personas que nos hacen creer que somos inmortales, maravillosas y que podemos con todo, y es todo mentira. Las personas que hablan de su humanidad sí salvan vidas, y son gente valiente.

¿Qué lugar ocupa la vulnerabilidad en la actualidad?

A mí me enseñaron de pequeña que la vida es dura y que tú tienes que ser más fuerte que la vida. Y hay que ser fuerte, poder con todo, y ser demasiado sensible es un problema; y ser demasiado intensa, también. Venimos de una deriva, que siguen gobernando hombres, que nos dice que tenemos que producir, autoexplotarnos, morir en el intento, y que vivan el honor, el orden, la ley y el rey. Hay una voz constante que dice “sé fuerte y no llores” y que la vulnerabilidad es de débiles. Y si eres débil, mueres.

Para mí, en estos últimos años mi vulnerabilidad ha sido mi única fortaleza, porque es lo que realmente me dice quien soy, me permite poner límites y decir “yo no me autoexploto” y “no me voy a suicidar porque tú me grites”. Te voy a decir que no. A la industria musical, con todo el cariño del mundo y lo que me has dado, gracias, pero por aquí no paso. No me voy a poner bótox. Voy a tener canas, arrugas; y si a ti no te gusta, es que no tengo que estar ahí.

Otro tema que aborda es su experiencia como víctima de violencia de género, ¿hace falta también poner más el foco, o incluso replantear la manera de hacerlo?

Al principio se suele poner mucho el foco en victimizar, en la carnaza. Me pasó cuando anuncié en mis redes sociales, que es mi comunidad, la agresión sexual que sufrí durante un concierto. Lo hice porque lo sentí como una traición porque de mi público espero que haya un mínimo de conciencia y de responsabilidad. La libertad no es lo que dice Ayuso, requiere de mucha responsabilidad, y si no la tienes, es tiranía. Es mucho del neoliberalismo del “todo vale” y no, no todo vale. Me cabreé mucho porque cuando bajo del escenario hay un pacto de confianza y seguridad. Y si eso se rompe no está bien, y lo comuniqué. ¿Qué pasó? Me llamaron de programas de televisión que no me habían llamado en la vida. Y no, si quieres carnaza ve a buscarla a otra parte. Esto es muy sensible.

Al principio se pone el foco en la denuncia, y en poner en duda a la que denuncia, como pasó con Julio Iglesias. Lo más difícil es tener la valentía de denunciar y rehabilitar a esa persona para que pueda volver a confiar en un hombre, en la vida y para que no se quite la vida, que es lo que más me está costando a mí. Llevo diez años de terapia intensiva trabajando el abuso narcisista, el abuso sexual y el maltrato psicológico. Y nadie pone el foco ahí, nadie habla del pánico a que te toquen, del ser humano que hay detrás de todo lo que está pasando.

Y peor aún, se dice que a los hombres les destrozas la vida por la cancelación, pero es que todos esos hombres siguen trabajando, siguen siendo famosos, siguen haciendo de su vida lo que les da la gana y pasan impunes. Da la sensación de que todavía socialmente se protege más al agresor que a la víctima, se pone en duda antes a la víctima que al agresor y al que abusa. Y el único responsable del abuso es el que abusa. Si tú decides poner en duda a la víctima o, como en el bullying, decides poner en duda al niño que están pegando, eres parte del bullying. Y si no lo quieres ver, es porque no te importa una mierda la humanidad. Te importas tú, tu ego y tu narcisismo.

Vídeo completo de la entrevista

Vídeo: Adrián Torrano

Se refugia en la literatura de la posguerra, está cansado de las redes sociales y nutre sus canciones de referencias a la naturaleza. Martin Urrutia (Getxo, 2005) tiene tan solo 21 años y se ha convertido en una de las figuras más interesantes del panorama musical actual. Tras acabar su paso por Operación Triunfo 2023 como finalista, y pese a ser consciente de los prejuicios que conlleva la etiqueta de triunfito, el artista ha optado por esperar tres años para publicar La Insolación, su álbum debut.

Martin Urrutia viaja a través de los recuerdos en un disco que se aleja de sonidos comerciales. Lo hace, además, acompañado de Hidrogenesse, un grupo que es toda una eminencia dentro del pop electrónico y que ha estado a cargo de la producción. Esta banda no ha sido su único referente, pues el artista se ha inspirado en la novela homónima de Carmen Laforet publicada en 1963, en la que el protagonista, Martín Soto, atraviesa un proceso de maduración durante tres veranos en una España marcada por la represión, el hambre y la búsqueda de identidad.

Después de haber trabajado con Javier Ambrossi y Javier Calvo en la serie musical Mariliendre, Urrutia se ha detenido en el que supone su primer gran proyecto como cantante. El resultado son diez canciones que retratan a un joven en el inicio de su carrera, atravesado por contradicciones entre la nostalgia y el anhelo, en tanto que reflexiona sobre la necesidad de posicionarse políticamente y la importancia de permitirse parar en un mundo cada vez más digitalizado.

El título de La Insolación remite a la novela de Carmen Laforet. ¿Por qué esa novela?

La leí con 18 años y me identifiqué mucho con la historia del prota, que además se llama Martín. Leí el libro en un momento muy concreto y siempre ha estado ahí como inspiración, en el fondo de la cabeza a la hora de hacer el disco, componer y pensar en ideas. Me venía mucho esa historia y me resonaba con el tema veraniego, así que hice un poco de fusión de mi vida y de lo que me transmitió la novela.

En la novela, la insolación no es solo física, también mental. ¿Cómo ha sido salir de Operación Triunfo y curarse de la insolación mediática?

Aceptando lo que te da un programa como Operación Triunfo, que es esa exposición tan grande, y también aprendiendo a gestionarla con el ritmo de los años. Han pasado casi tres años y es verdad que todo se asienta un poco. Ese impulso que te da y esa emoción del principio de estar en todas partes luego baja. Lo llevo bastante bien. A la hora de hacer el disco, he podido estar centrado en el presente sin dejarme llevar por las expectativas o el ruido.

Supongo que ha aprendido mucho de Hidrogenesse, quien está a cargo de la producción.

Muchísimo, es lo que más me ha gustado de esta experiencia. Lo que más me llevo es poder haber hecho este disco con ellos de esta manera tan especial, haber aprendido de ellos como artistas, como productores, como creadores. Tienen un nombre superimportante y en el mundo alternativo son una superreferencia. Trabajar y hacer un disco con ellos ha sido un sueño. La propuesta vino desde el sello, desde Universal, y yo lo vi clarísimo. Todo esto vino después de haber trabajado con ellos para El Destello, que es otra canción mía que tengo con Juanjo Bona. Yo también les tenía ubicados, me pareció guay y empezamos a hacerlo realidad. A ellos también les gustó la idea.

La canción Otro Verano narra varios veranos que pasan sucesivamente. ¿Ha sido duro hacerse adulto?

No ha sido duro, ha sido inesperado. Acabo de hacer 21 y es verdad que los 20 me vinieron y fue como “ostras, 20 ya”. Los cogí con muchas ganas. Los 21 me han pillado desprevenido, pero nunca los cojo con miedo o con angustia de crecer. Sí que pienso cada vez más en el paso del tiempo, pero creo que es normal, cuando creces, darte cuenta de que la vida pasa un poco rápido, pero con ilusión, siempre con ilusión. Intento tener ilusión por vivir cada día. Y Otro Verano está muy directamente relacionada con La Insolación, con la novela, porque el personaje vive verano tras verano en su pueblo.

El tema Piscina Vacía recuerda al artículo de Juanjo Villalba sobre cómo ya no vivimos la vida con nuestros amigos, sino que nos la resumimos.

La canción habla de mi grupo de amigas y de las amistades que parecen una unión eterna física y, con los años, cada uno está estudiando en una ciudad. Es bonito porque cada uno hace su camino, pero a la vez está la sensación de, “¿dónde estamos?”. Mi grupo es el del instituto, nos veíamos todos los días en clase. Era un encuentro obligatorio que te hace estar en conexión constante. Cuando se acaba eso tienes que quedar, y cuando a eso le sumas que cada uno tiene sus estudios y su crecimiento personal, es aún más difícil. Por eso luego es más especial cuando quedas y vuelves a hacer el lazo. Es como, “esto sigue”, y es de lo que habla también la canción, de que siento que es un lazo muy fuerte y que, a pesar de la distancia, siempre va a estar esa energía que nos une.

¿Le frustra que sea difícil sacar tiempo para esto?

Le doy la misma importancia que al trabajo. Es verdad que, cuando tenga temporadas de más curro, estaré más enfocado en eso. Pero en cuanto encuentro un hueco para volver a casa, no dudo nada en cogerme un avión, un autobús o lo que sea y compaginarlo. Hay mucha sensación de producción constante, de hacer, hacer y hacer. Quien quiere algo se lo tiene que currar, pero es importante poder hacer la dualidad de parar. ¿Qué es lo que me hace tener buena energía para luego gastarla en trabajar? Pues ver a mi familia y estar con esa gente con la que veo que todo está bien. Por eso, cuando vuelves a la gente que importa en realidad, que es tu abuela de 90 años, y te dice que le gusta esta canción, ya no quiero más. Con eso soy feliz.

En Me Han Dado Un Bolígrafo reflexiona sobre la responsabilidad de tener una voz. ¿Le pesa mucho esa responsabilidad?

A ratos. Ahora menos, pero el año pasado, por ejemplo, sí que sentí mucho ese peso de tener como una meta o un proyecto. Empezar un proyecto es muy difícil. Me costó mucho empezar el disco y pensar hacia dónde podía ir, estaba todo el rato yéndome al resultado final y al final me di cuenta de que el proceso y el día a día desde el inicio hasta el final es lo que luego te va a hacer tener esa sensación de lo que ha sido crearlo. Entonces sí que hay esa responsabilidad de que ya soy una persona pública que crea, que la gente lo espera, y de hacerlo bien y fiel a mí.

Como artista, ¿cree que debe sacar esa antorcha que menciona en la canción y posicionarse en temas políticos?

Sí, esto lo tengo bastante claro. Siempre que uno pueda posicionarse debe hacerlo. Es verdad que el tema de la antorcha va más por una cosa simbólica que pensamos Hidrogenesse y yo, que simboliza al final de la canción el camino iluminado, lo que vendrá después de la insolación. Artísticamente estaba pensada que fuera la última canción del disco para que dejara ese final abierto un poco metafórico, pero quedó la cuarta. Pero, volviendo a lo que dices, sí que hay que posicionarse.

Y cuando mira a su alrededor, a su generación, ¿le preocupa lo que ve o es optimista?

Me preocupa un poco ahora mismo. El momento, el panorama... sí que me dan angustia algunas cosas. También sé que hay mucha gente dispuesta a luchar y tampoco creo que haya que olvidarse de esta gente, porque al final los que nos movemos, los que nos pronunciamos... los que tenemos un papel también estamos haciendo por que esto no colapse. Siempre hay que seguir. Esa es la conclusión final, que nunca hay que parar y que nunca hay que relajarse, porque siempre hay otro extremo que hace lo contrario y lucha por vencer.

¿Cómo ha llevado el convertirse en un referente para el colectivo LGTB?

Es un gusto. Estoy muy contento y orgulloso de ser un referente y que haya llegado a tanta gente simplemente sintiendo, siendo quien soy y pronunciándome siempre que haga falta.

¿Cómo ha equilibrado que la gente se sintiera identificada con su relación con la invasión de la privacidad?

Es una mezcla de sensaciones, porque es muy bonito ver hasta dónde llega un vínculo supernatural y que Operación Triunfo de repente te exponga tanto, que llegue a las casas y que sea un avance en el sentido de que un niño de seis años pueda ver a dos chicos juntos. Eso es precioso, pero tanto Juanjo [Bona] como yo somos muy de nuestro círculo, de nuestra gente y de valorar nuestro entorno familiar, de dar mucha privacidad a nuestra vida y de vivirla a gusto y sin la tensión de ser públicos. Hay que gestionarlo como uno puede, pero estamos contentos.

Ha participado en la serie Mariliendre. ¿Qué tal la experiencia y trabajar con Javier Calvo y Javier Ambrossi?

Estoy muy orgulloso de ese proyecto. Fue una experiencia muy intensa que siempre va a estar ahí, es una serie muy especial. Me dio vértigo por verme por primera vez en el papel de un personaje bastante principal en un proyecto en el que están los Javis involucrados. Fue un retazo de decir “ostras, qué presión de hacerlo bien”. Entra esa conciencia de que la gente me ha visto actuar y cantar y pueden confiar para que yo lo haga, pero cuando sales [de OT] estás todavía en tu mente de niño de “quiero ir a mi casa”. Pero me hacía mucha ilusión poder desenvolverme como actor en mi primer proyecto.

¿Es difícil desconectar siendo artista y teniendo que estar atento a las redes sociales?

Sí, estoy bastante harto de las redes sociales. Lo hablaba con mi hermana hace poco. Si no existieran ahora mismo ni TikTok ni Instagram, habría un cambio en la sociedad, habría la sensación de vivir un avance de algún tipo. Pero bueno, también disfruto mucho de estar tumbado y ponerme a ver Instagram y TikTok.

De hecho, ha habido debate sobre si los menores deben tener acceso a las redes.

No lo creo, la verdad. Eso también recae en la familia y en la educación, en cuándo decides darle a tu hijo un móvil. Yo, por ejemplo, lo tuve a los 13, pero porque todos tus amigos empiezan a tener móvil y, si eres el único que no puede comunicarse y tal para salir, te quedas un poco out. Pero todo lo que puedas estar viviendo sin móvil es que luego lo notas tanto... Cuando tienes móvil dejas de hacer cosas que cuando eres niño sí haces.

¿Qué supone formar parte de la industria musical, que es algo con lo que soñaba?

Es una gestión diaria de sentir dónde estoy colocado, de dónde vengo, hacia dónde voy, a qué puedo aspirar, qué es lo que quiero... Después de Operación Triunfo, pegas un salto muy directo y yo tampoco tenía claro que quería ser cantante solista y hacer mis discos. Estaba estudiando interpretación y sabía que quería hacer algo corporal y de voz, obviamente para vivir de ello. Además, sales de Operación Triunfo con la etiqueta de OT, que eso a veces se toma bien y otras mal. Es como otra movida salir de Operación Triunfo y tener tu hueco. Hay que tener referentes y seguir cada uno el camino a su manera, tener la intuición bien alerta y escucharla.

Vídeo de la entrevista completa

Su estilo melancólico y elegante, poco estridente, inundó las radios de todo el mundo a principios de los 2000. La voz de la cantante británica sonaba mundialmente con canciones como “Thank You”, “White Flag”, “Life for Rent” o “Here With Me”, la canción que fue uno de sus mayores éxitos y que era número uno en España hace 25 años.

Tuvo una segunda oportunidad para el éxito

Pocas canciones pueden decir que han tenido una segunda oportunidad para alcanzar el éxito, con la misma artista y sin cambiar nada, sin una diferente versión. El 1 de febrero del 2001 volvía a publicarse “Here With Me”, en esta ocasión en el Reino Unido, después de haber sido lanzada por primera vez en 1999 en Estados Unidos.

El álbum del que formaba parte, “No Angel”, vivió una segunda vida exitosa y fue entonces cuando se decidió que uno de sus singles también merecía esa nueva oportunidad. Con su relanzamiento en 2001 se convirtió en uno de los éxitos del año, llegando al número cuatro en el Reino Unido, su país natal, donde alcanzaba el top 5 por segunda vez de forma consecutiva tras haberlo hecho con “Stan”, la colaboración con Eminem en la que incorporó en sample el primer verso de “Thank You”.

De hecho, no se equivocaron, fue así, en parte también porque formó parte del tema principal de la serie ‘Roswell’, que estuvo en antena entre 1999 y 2002. Alcanzó todavía más fama después de aparecer en una escena relevante de la película ‘Love Actually’, estrenada en 2003, y que se ha convertido en uno de los clásicos del cine navideño.  Así, “Here With Me” se hizo famosa en todo el mundo, no solo en Reino Unido y Estados Unidos, siendo también top 5 en países como Francia, Nueva Zelanda y llegando al número uno en Australia.

Con dos lanzamientos, en 1999 y 2001, la canción de Dido tiene también dos videoclips. El primero fue rodado en tonos sepias y mostraba a la cantante caminando por diferentes lugares, pero no acabó de convencer a la artista, que, aunque con bajo presupuesto, esperaba más creatividad para el lanzamiento del sencillo. Es por esto por lo que para su publicación internacional se grabó un segundo video en el que ella aparecía cantando sobre una cama en una habitación, que se combinó con escenas en las que caminaba por las calles de Ontario, Canadá.

Una canción que dedicó a su novio de entonces

Dido, que nació como Florian Cloud de Bounevialle O’Malley Armstrong en Londres en 1971 el día de Navidad, escribió “Here With Me” hablando sobre su relación con su novio de entonces, Bob Page, con quien se llegaría a comprometer, pero que rompería tras siete años juntos. En 2013, cuando le preguntaron sobre el tema, Dido recordó lo que significó en su carrera: “Fue la primera canción que escribí que fue buena. Es una canción de amor simple, escrita en un tiempo bastante oscuro”, admitía.

Y es que la canción fue la que marcó sus comienzos, pues la tocó por primera vez para su hermano y ella quería en un principio que encontrara un artista para que la interpretara, pero sería él quien le convencería para que ella misma la cantase. Ese mismo día firmó con la discográfica y fue como arrancó su trayectoria profesional.

Dido nunca desapareció y siguió haciendo música

Si bien Dido no volvió a tener un fuerte protagonismo en la música pop desde su estrellato a principios de los 2000, la cantante británica no dejó de lanzar discos, solo priorizó su vida personal, bajando el ritmo de lo que venía haciendo.

Un momento clave fue 2006, cuando lanzó su disco más personal y oscuro, “Safe Trip Home”. Lo grabó tras el fallecimiento de su padre y en uno de los momentos más difíciles de su vida, dicho por ella misma: “Me encanta el tercer álbum. Tiene la mayoría de mis canciones favoritas. Pero no podía cantarlas en vivo. Era tan crudo en ese momento. Mi padre acababa de morir. Muchas de ellas trataban de eso. Era como, ‘Oh Dios, no puedo hablar de esto’. No lo pensé” declaró al respecto. Por eso decidió no promocionarlo al mismo ritmo y no realizó una gira después.

Si bien publicaría más trabajos como “Girl Who Got Away”, Dido lo haría a un ritmo más pausado y no sería hasta el lanzamiento de su disco “Still on My Mind” en 2019 cuando volvió a ofrecer conciertos, 15 años después. Todo ello queriendo disfrutar de la música, pero sin la ambición de obtener un hit viral.

El mundo editorial ha tenido su comidilla gracias al primer Premio Aena de Narrativa, recompensado con un millón de euros; una polémica sin duda buscada por los organizadores y refrendada por su jurado, que admitió que gracias al desproporcionado monto (aunque igualado con el Planeta), este (otro) nuevo premio (más) no había pasado desapercibido.

El miércoles por la noche se supo que la maravillosa Samanta Schweblin había sido la ganadora con su libro de relatos El buen mal. No me esperaba que mi libro favorito del año ganara: demasiado raro, demasiado oscuro, demasiado retorcido. ¡Y ni siquiera era una novela! 

La sociedad mercantil estatal (al 51%) que gestiona los aeropuertos y helipuertos de España, con este arrebato de mecenazgo a la literatura, gastará otros 1,4 millones de euros en comprar ejemplares de las cuatro obras finalistas y la ganadora. Una parte de esos libros la donará a los empleados de la compañía. Otra la regalará a los ayuntamientos de las ciudades donde tiene aeropuerto (olvidaos en Soria, Zamara, Jaén, Ourense o Teruel) para que los distribuyan en puntos educativos y culturales. Aena comprará los ejemplares a las librerías.

Cuando escuché que había ganado El buen mal, sonreí maliciosamente al imaginar a futuros empleados de Aena conmocionados al hundirse en la literatura siempre incómoda, siempre desazonadora y desconcertante, de Samanta Schweblin. Nuestro pensamiento crítico nos arroja siempre a la necesidad de analizar estructuralmente cómo se mueve la cultura, y no solo comentar las sinopsis de los libros o la entonación de las canciones. No podemos remediarlo.

Desde una perspectiva de derechos culturales, la cual poco a poco —y en mi opinión, acertadamente— va desplazando a la idea de la cultura como una industria, se piensa esta cosa nuestra como una estrategia transversal para hacer las sociedades más democráticas, inclusivas, integradoras, pacíficas, libres, justas e igualitarias. Las políticas culturales que compartan esa perspectiva —como defiende el actual Ministerio de Cultura— deberían derivar de esa idea. Por eso, quizá, chocan estas iniciativas que buscan el fomento de la lectura con premios millonarios y ejemplares de libros repartidos arbitrariamente.

Este premio le permite a Schweblin comprar tiempo, que es lo más caro del mundo, más incluso que una casa. Gracias a eso, y si nada más se lo impide, podrá escribir su siguiente libro, lo cual nos hará felices a sus lectores. Además, ampliará su base de lectores, algo que también me emociona, porque siempre la recomiendo y no sé si con éxito. Pero, ¿y las potenciales Samanta Schweblin del futuro? ¿Cómo pagarán el alquiler y encontrarán un rato para escribir, cuando lleguen agotadas de noche a casa? ¿Y todos esos lectores que temen tener que escoger entre los 22 euros del libro nuevo o la próxima factura de la luz de 82 euros? ¿Y todas esas personas que ya no leen libros, que se entretienen con el móvil en los viajes, que perdieron la paciencia de pasar una página tras otra?

Tres libros

'Una casa sola' de Selva Almada (Random House). Vamos con otra autora argentina muy querida, Selva Almada. (Qué nombre maravilloso). En su última novela, habla una casa y un bosque. Son ellos los que cuentan la historia de la familia que los habitaba y que desapareció sin dejar rastro, en un territorio que no es cualquiera, sino la provincia de Entre Ríos, donde nació Almada. Desaparecer, los desaparecidos, el gran tema, quizá, de la literatura argentina. “No dejo de ver cómo, además de los 30.000 desaparecidos de la dictadura, la gente sigue desapareciendo aún hoy”, le dijo Selva Almada hace unos días a Carmen López en una entrevista en elDiario.es.

'Altasangre' de Claudia Amador (Alianza Editorial). A Claudia Amador se la ha comparado con varias de nuestras autoras favoritas actuales, la citada Samanta Schweblin, Mariana Enríquez o Mónica Ojeda. Altasangre es una novela gótica de vampiras y fiestas paganas en Barranquilla, la ciudad colombiana en la que nació la autora. Primera novela de una autora que hasta ahora ha cultivado el cuento, algunos de ciencia ficción, cruza aquí el folclore afrocaribeño con lo vampírico y las cuestiones políticas y sociales.

'Si Sabino viviría' de Iban Zaldua (Episkaia). La editorial Episkaia, a la que siempre hay que estar atentas, rescata la novela de ciencia ficción que escribió el vasco Iban Zaldua hace veinte años. Un delirio humorístico y negro protagonizado por el cadáver de Sabino Arana, que tiene que ser recuperado. A Cosmic Josemi le mandan desdela llamada Nueva Euzkadi al Vertedero radioactivo (la Tierra) a recuperar los restos mortales del fundador del PNV. Pero a Cosmic Josemi no es tan fácil darle órdenes.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Sin la voz de Nikki García posiblemente no habrías llegado a tiempo a esa cita que tanta ilusión te hacía o a esa comida familiar que siempre se acaba convirtiendo en un tormento. Y posiblemente no lo habrías hecho porque Nikki García es la voz de Google Maps, la aplicación que nos ha servido de guía en tantas ocasiones. La artista publica ahora su primer disco y puedes escuchar una de sus canciones en nuestra playlist, donde están también las recomendaciones de semanas anteriores.

'La mejor actriz' de Nikki García. Con una atmósfera relajada y suave que ensalza el componente más acústico de su música, Nikki García hace un ejercicio introspectivo en el segundo tema de su álbum. En conversación con mi compañera Laura García Higueras, la cantante reconoce que el disco es “una especie de tirita gigante” que ponerse sobre ella misma, reuniendo todo lo que la Nikki “adulta” se ha sentido para decirle ahora a la Nikki “pequeñita”. Escúchala.

'bottomless blue' de ionnalee. Cionnalee, el proyecto de la sueca Jonna Lee, destaca por el sonido tan diferente e incluso artístico que envuelve sus canciones. La artista ha comenzado la publicación de un álbum que verá la luz por partes, estando la primera de ellas ya disponible. En este tema, la cantante utiliza vívidas imágenes de la naturaleza para reclamar la necesidad de aislarse del ruido y abrazar la calma, aunque el instrumental parezca ir en otra dirección. Escúchala. 

'Burial' de Anne Hathaway. Quizás no lo sabías, pero la aclamada actriz estadounidense es también cantante. Al menos, lo es ahora, puesto que Hathaway acaba de publicar su primer single oficial. Se trata de una canción pop que está escrita junto a Charli XCX y Jack Antonoff y que forma parte de la banda sonora de su próxima película, Mother Mary. Escúchala.

Tres películas, por Javier Zurro

'La buena hija'. Julia de Paz Solvas dirige su segunda película y muestra la misma inteligencia y sutilidad que ya se veía en su debut. La cocreadora de Querer aborda la violencia vicaria desde un sitio que el cine no suele mostrar, el de una hija que ve cómo el padre al que tenía idealizado empieza a usarla para hacer que su madre vuelva con él. Un trabajo de precisión en el guion y la puesta en escena para una cineasta prometedora.

'Espejos nº3'. Qué director tan peculiar es Christian Petzold. Hace un cine en apariencia sencillo, pero lleno de capas y alejado de las normas de la industria actual. Con esta película realiza una especie de revisión de Teorema de Pasolini en forma de cuento adulto y con un mensaje para los tiempos actuales, tan rotos y delirantes que alguien debe venir a arreglarlo con cuidado y empatía. 

'Kill Bill: The Whole Bloody Affair'. Tarantino se ha revelado como un señoro conservador, pero su cine sigue siendo una explosión de genialidad. Kill Bill ha quedado como un referente para todos los cinéfilos, y ahora se estrena la versión completa, tal como él la concibió en su momento y con una secuencia animada inédita... y, si pueden, vayan a verla en 70mm. 

Cuatro planes para el finde, por Francisco Gámiz

'Feria Itinerante del Libro Migrante' (Barcelona). Poniendo en el centro las narrativas, memorias y saberes de autoras y creadoras migrantes y racializadas, regresa la FILMIG a Barcelona durante toda la próxima semana. Desde este lunes 13 de abril al día 18, más de 50 proyectos editoriales invitarán a interpelar a la industria literaria, a las instituciones culturales y al público lector sobre qué relatos, qué memorias y qué perspectivas siguen quedando fuera de nuestras bibliotecas y librerías. Participarán voces como Paloma Chen, Moha Gerehou, Gabriela Wiener, Laura Arroyo, Sani Ladan, Youssef El Maimouni, Youssef M. Ouled y Mafe Moscoso.

Sesión Vermú (Madrid). Este fin de semana arranca este ciclo que llena de música las plazas y parques más bonitos de la región. El sábado 11 puedes acercarte a Alcalá de Henares para ver a bandas como Gazella y Hinds en el Parque O'Donnell, o pasarte por Pedrezuela para escuchar el punk de Alavedra. El domingo 12 la fiesta sigue en municipios como Colmenar de Oreja y Manzanares El Real con actuaciones de Max Secreta y joseluis. Es un plan perfecto para descubrir talento emergente, y todos los conciertos son de acceso libre y gratuito.

Dansa València (Valencia). La ciudad se transforma estos días en un escenario gigante con el ciclo Moviments Urbans, que saca la danza contemporánea de los teatros para llevarla a las calles y museos. El sábado destaca la pieza familiar 'AHNI' de las Hermanas Picohueso en el Puente de la Trinidad, una reflexión sobre la importancia del cuerpo en la era digital, mientras que el domingo puedes seguir un recorrido coreográfico por Ciutat Vella. La mayoría de estos eventos son gratuitos y permiten redescubrir el patrimonio urbano a través del movimiento.

'Kupinduka' (Sevilla). El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) presenta la primera gran exposición individual en Europa de la artista Virginia Chihota, que se podrá disfrutar desde el 19 de marzo al 6 de septiembre. La muestra reúne pinturas, grabados y obras de gran formato realizadas específicamente para el antiguo monasterio de la Cartuja. La obra de Chihota explora la identidad femenina y los rituales, y supone una oportunidad para conocer la trayectoria de una de las voces más relevantes del arte africano actual.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Shakira factura. Analizamos el nuevo fenómeno de la música en vivo: las llamadas 'residencias'. Madrid se prepara, en un controvertido recinto, para una tanda de conciertos. ¿Quién gana más con ellos?

Zombies bajo el crucifijo. Ignasi Franch analiza esta curiosa ramificación del fantástico donde los muertos reviven envueltos en el sustrato cultural cristiano, algo que pega fuerte en Italia y España.

La denuncia literaria de un abuso. Vicente Ferrer afirma en su novela Despiece que fue un niño abusado por un profesor del colegio. A diferencia de otros compañeros, que denunciaron, el calló. Hasta hoy.

El 9 de abril la canción ‘Born this Way’de Lady Gaga alcanzaba al número 1 en la lista de singles en España, donde se mantuvo durante dos semanas, aunque su legado llegaba a más, siendo top 5 el álbum en España, y conectando el tema con generación de jóvenes, especialmente ‘queer’ que encontraron un reconocimiento común y que se pudo apreciar en redes sociales.

La canción ‘Born this Way’ fue más allá, abrió una nueva época para la cantante, y llevó a que le disco debutará como número 1 en hasta 28 países, vendiendo un total de 1,9 millones en su primera semana y un total de 8,2 millones de copias en total, siendo el más vendido del año 2011, justo hace 15 años.

Precisamente una década y media después la canción mantiene su legado como un himno del orgullo LGTBI moderno, de hecho, en 2021 la ciudad de West Hollywood declaró el 23 de mayo el Día de Born This Way, y la frase se convirtió en parte de identidad. Tanto que artistas como Troye Sivan, Sam Smith o Chappell Roan se abrieron camino con ella, afirmado por ellos mismos, y que anticipó la oleada de pop ideológico que vino después.

Lady Gaga respondió en el momento de su mayor expectación

Nos situamos en 2011. Lady Gaga llega como una de las artistas del momento tras los éxitos arrolladores con canciones como “Just Dance”, “Poker Face” y “Bad Romance”, por lo que la expectación era máxima para conocer su nueva música.

La cantante no defraudó. El 11 de febrero de 2011, dos días antes de lo previsto lanzó “Born this Way”, que tuvo su primera gran interpretación en los premios Grammy ese mismo año y que fue la primera canción en vender más de un millón de copias en iTunes, algo que hizo en tan solo cinco días.

El legado y significado de “Born this Way” de Lady Gaga

Lady Gaga era número uno en España hace 15 años con “Born this Way” en un contexto en el que lanzaba un mensaje con significado político. En 2011, por ejemplo, el matrimonio igualitario era ilegal en gran parte de Estados Unidos y las identidades trans no tenían apenas representación mediática, con lo que el tema llegó cuando se necesitaba.

Y es que la canción se convirtió en un himno sin metáforas, hablando en sentido claro, de hecho, fue la primera que incluyó como tal la palabra ‘transgender’. Aunque esto también le valió a que fuera censurada en radios de algunos países como Malasia, donde llegaron a justificarse en que “no se debe publicitar un estilo de vida que no corresponde con los valores del país”.

En el significado de la canción se encuentran varias capas, en el nivel más literal, el mensaje es simple, pero poderoso: no hay nada roto en ti. Lo dice con la mecánica más eficaz del pop: repetición, afirmaciones directas y una segunda persona que suena a abrazo colectivo, con frases como “Don't be a drag, just be a queen”. En “Born this Way”, Lady Gaga también apela a la ética comunitaria llamando a cuidar el entorno afectivo con versos como “give yourself prudence and love your friends”, y también a la religión que ha sido fuente de culpa para muchas personas del colectivo al decir “God makes no mistakes”.

La canción no escapó de la polémica

Además del éxito, “Born this Way” también tuvo parte de polémica. La más conocida fue el parecido con el tema de Madonna “Express Yourself”, algo que generó controversia y que alimentó la propia reina del pop al hacer un ‘mashup’ de ambas en su gira MDNA Tour en 2012. Lady Gaga reaccionó al asegurar que se había inspirado en ella y en Carl Bean, que había grabado un tema del mismo nombre en 1977. Pero esto no fue lo único, pues la canción también tuvo fuertes críticas por usar términos como ‘chola’ u ‘oriental’ para referirse a las comunidades latina y asiática, lo que generó controversia por ser ofensivos y estereotipados, a lo que no respondió la cantante de forma pública.

El multidisciplinar artista Elías del Río ha compuesto la canción 'La Ciudad Iluminada', que busca convertirse en el himno del desfile de las 'Luminarias', símbolo del voto de San Bernabé y de la resistencia de la ciudad de Logroño frente a las tropas francesas en 1521. El acto tradicional se lleva a cabo cada 10 de junio en la calle Portales.

El también presidente y fundador de la Cofradía de San Bernabé ha explicado que “llevaba tiempo pensando que las 'Luminarias' necesitaban una música y una canción; y ni corto, ni perezoso me puse a hacerla”. El tema 'La ciudad iluminada' “versa de las fiestas de San Bernabé, de las luminarias, y de que vamos a convertir Logroño en un candil con fogatas y fiestas”.

Ha sido grabado con la colaboración de Diego Urmeneta, la Escuela de Jotas y los gaiteros de San Asensio. De hecho, Del Río ha indicado que una vez escrito “se lo pase a Urmeneta para que lo grabase, y me pidió si podía escribirle unos versos para jotas en cuartetas con rimas en los pares, y así lo hice, llegando a escribir una veintena, habiéndose incorporado algunas en el medio de la canción”.

Del Río ha señalado que “hice también la versión de gaiteros, que ya se cantó y se tocó, así como la jota que se interpretó en el Festival de Jotas”.

Para dar a conocer el tema, para que pueda ser coreado el día del desfile de 'Luminarias' se ha hecho “un USB que está a disposición de grupos musicales, de danza o de voluntarios”. Ha avanzado, que para el 10 se imprimirá la letra para que pueda ser cantada por todos los asistentes.

La Cofradía de San Bernabé revive cada noche del 10 al 11 de junio esta tradición mediante el reparto de velas y el desfile de luminarias en recuerdo de la victoria de la ciudad sobre los franceses y del voto que los logroñeses hicieron al Santo en 1521.

En junio de 2017, los fans de Taylor Swift no hablaban de otra cosa. Después de tres años, la artista había decidido volver a subir todo su catálogo musical a Spotify así que, por fin, iban a poder escuchar su música desde la plataforma. En aquel momento, había pocos cantantes que no hubieran aceptado que la era del streaming había llegado para quedarse.

Sin embargo, la compositora de Nashville llevaba años enfrentada a estas aplicaciones. Todo el lío se desató en 2014, cuando Swift decidió retirar todos sus álbumes de Spotify, una plataforma que entonces estaba en pleno crecimiento y que, para ella, no era más que “un experimento”. 

“Lo único que puedo decir es que la música está cambiando tan rápido, y el panorama de la industria musical en sí también, que todo lo nuevo, como Spotify, me parece un gran experimento. No estoy dispuesta a dedicar el trabajo de toda mi vida a un experimento que, en mi opinión, no compensa justamente a los compositores, productores, artistas y creadores de esta música. Y simplemente no estoy de acuerdo con perpetuar la idea de que la música no tiene valor y debería ser gratuita”, compartió entonces.

Lo que motivó a Swift a retirar su catálogo fue su idea de que estas plataformas no estaban pagando los royalties que los músicos generaban. En ese momento, Spotify no ofrecía a los artistas la opción de decidir si su música estaría disponible solo para los usuarios de pago o también para los que no pagaban, quienes no generaban ingresos para los artistas. Su retirada fue su forma de proteger el valor de su música.

Algo que debemos tener en cuenta que, en 2014, la cantante acababa de lanzar 1989, uno de los álbumes más importantes de su carrera porque acabó consolidándola como una estrella del pop internacional. El disco nunca llegó a subirse en Spotify aquel año, y todo el que quería escuchar las canciones debía comprar el formato físico. El éxito llegó sin necesidad del streaming.

El cambio de opinión llegó tres años después

En 2017, la compositora de temas como Shake If Off o Love Story cambió de opinión. Lo hizo cuando 1989, el álbum que había sacado tres años antes, alcanzó las diez millones de copias vendidas. “Taylor quiere dar las gracias a sus fans haciendo que todo su catálogo esté de nuevo disponible en todos los servicios de streaming a partir de esta medianoche”, compartió su discográfica.

Entonces todo el mundo especuló que la principal razón que la llevó a volver a Spotify fue confirmar que lo que había llamado “experimento” acabó convirtiéndose en una herramienta de éxito de la que no podía prescindir en su carrera. Para 2017, la plataforma de música había alcanzado los 50 millones de suscriptores de pago. Hoy, Taylor Swift es una de las artistas más escuchadas del mundo en esta aplicación.

Te ha ayudado a llegar a cientos de sitios más veces de las que seguramente recuerdas. Te ha dado los buenos días como tu asistente de Google, te ha contado las noticias de El Mundo Today, te ha narrado audiolibros como Hamnet y ficciones sonoras como Titania. También fue la voz de Jasmine en la versión de Aladdin de 2019, banda sonora incluida. Después de meterse en la piel de tantos personajes y de contar y cantar a través de sus cuerdas vocales tantas historias, de otros; Nikki García se ha lanzado a publicar su primer disco en solitario, Belleza y terror, y contarse por primera vez a ella misma: “La voz es mi herramienta, pero nunca lo había sido de mi propia psique”.

“Es una vomitona de mierda”, reconoce con ironía sobre lo que ha volcado en su debut discográfico, que se ha autoproducido. Un álbum compuesto por temas como La mejor actriz, en el que 'escupe': “Aprendí a caminar bien encogida queriendo desaparecer, y hoy dices qué orgulloso estás de lo lejos que llegué. No entiendes que yo tuve que correr. Y si es cuestión de aparentar ser la más feliz. Creo que merezco el premio a la mejor actriz”. La artista lamenta que, en especial a las mujeres, se nos educa “esperando de nosotras que no causemos mucho alboroto”, con sus respectivas y perversas consecuencias.

En su biografía tuvo especial peso haberse formado en un colegio de monjas, por cómo le inculcó la necesidad de “esconder, y de hacer como si todo fuera bien”. En su caso, un bullying que disimuló cada día al regresar a casa, mientras que en la hora del recreo se refugiaba en el aula de música para evitar que le “tiraran piedras e insultaran”. Sin embargo, el tiempo –y la terapia– le han permitido aprender que “escondiendo, ni sanas ni recuperas nada”, y por ello abraza “no regodearse, pero sí ver qué ha pasado y a qué podemos aspirar, limpiar lo que se pueda, y a partir de ahí seguir evolucionando”.

Nikki García aplaude que la salud mental esté más en el centro del debate que cuando ella era niña, pero incide en que no se debe necesariamente a que el contexto actual sea más amable. “Que la terapia psicológica no esté cubierta en un mundo donde nos está comiendo la ansiedad, porque la precariedad nos tiene absolutamente secuestrados, no puede ser”, reivindica, “aunque produzcas quince horas al día igual no puedes pagarte el alquiler”. “Honestamente, no le puedes pedir a la gente que no tenga ansiedad. Yo me he podido permitir ir a terapia, pero no todo el mundo puede”, apunta.

Por el camino ha reflexionado respecto al propio aprendizaje y las trampas “en las que caes y las que tú misma te pones”. “Sobre todo cuanto más lista eres, mejores excusas pones para lo que haces, disfrazarlo y justificarlo. Cuando más lista eres, más capacidad tienes para manipularte, y no solo a los demás, también a ti misma”, incide destacando la importancia de “revisarse”: “Mola cuestionarse, pero sin entrar en el auto sabotaje”.

Belleza y terror es ante todo un ejercicio introspectivo, en el que la cantante reconoce que es “una especie de tirita gigante” que ponerse sobre ella misma, reuniendo todo lo que la Nikki “adulta” se ha sentido para decirle ahora a la Nikki “pequeñita”. García señala, y hace alusión a la canción You're You're Own Kid de Taylor Swift –de la que se declara fan–, para recordar que “aunque tengas una familia que te quiere, estamos un poco solos porque hay procesos que solo podemos hacer nosotros”. “Tú eres la encargada de cerrar esas heridas de infancia. Hasta ahora había utilizado la voz para decir las palabras de otros, pero necesitaba las mías”, argumenta.

De Google Maps a 'El Mundo Today'

Antes de dar rienda suelta a su carrera en solitario, Nikki García ha estado durante años formando parte del día a día de tantísimas personas gracias a ser 'la voz de Google Maps'. Experiencia de la que destaca el cariño recibido por quienes reconocieron que era ella quien, tantas veces, con sus indicaciones, les habían guiado a tantos rincones de sus ciudades. “Todo el mundo piensa que es un robot, y al darse cuenta de que es una persona, ha hecho ilusión”, celebra como lo que considera que es lo mejor que le ha reportado este trabajo que dejó en 2024, al igual que por ser 'la asistente de Google'.

“Te piden que les despiertes por la mañana, que les pongas canciones, que les leas la Wikipedia. Hay mucha gente ciega que la usa y que ya no tiene que ver con quien yo sea, sino que han agradecido que mi voz les hiciera compañía”, valora. De hecho, asegura que, cuando se sube en un taxi, más que escucharse a sí misma, se alegra al reconocer a compañeros en cuñas publicitarias: “Si eres la voz de Google Maps te oyes en todas partes, dejó de sorprenderme pronto”, reconoce.

En su currículum figura igualmente presentar los informativos del medio satírico El Mundo Today. Un formato del que era seguidora antes de conocer a sus creadores. “La realidad está ya a un nivel de absurdez que ya no sé qué van a hacer”, comenta sobre el ingenio que despliegan al 'reescribir' las noticias de actualidad.

Ser una 'voz Disney'

La actriz de doblaje comparte ser voz de Disney había sido “un sueño de la infancia”, que finalmente logró en 2019, en la versión live motion de Aladdin. “Fui a la prueba muerta de miedo, me hubiera gustado ir más preparada”, recuerda. En el casting tuvo que cantar una parte de Speechless, un tema que fue compuesto para este filme en cuestión, y del que se requirió que entonara una parte “especialmente complicada, muy aguda, muy proyectada, con un 'mix belt' muy difícil. Hay pocas canciones que haya cantado más que Un mundo ideal en mi vida, pero esta era nueva”.

La cantante afirma que a este tipo de pruebas acuden sin saber qué les van a hacer interpretar, por lo que han de sacar “las herramientas que tengas, en el momento”. García expresa que hizo “lo que pudo”, y fue más que suficiente, dado que fue seleccionada en lo que resultó “un sueño cumplido. Entrené mucho, pero fue un regalo. Me esforcé mucho físicamente, como si fueran unas olimpiadas vocales”.

Más allá de meterse en la piel de Jasmine, teniendo en cuenta la cantidad de personajes a los que ha doblado durante su carrera, describe que, dado que las películas se doblan en “menos tiempo”, les da “menos tiempo a encariñarse” con sus alter ego. Caso distinto es el que se da en las series, al prolongarse las grabaciones más en el tiempo. De ahí a que Phoebe, un “monstruito” de la ficción de animación El Hotel Furchester, de la BBC, sea uno de los que más le han marcado, y confiesa echar más de menos. “Me dedico al doblaje especialmente por la animación, las cosas que van dedicadas a un público infantil, porque con mucha creatividad, porque me llenan mucho el corazón”, indica.

En las actrices de imagen, uno de los grandes lastres que sigue generando debate es el edadismo que sufren las mujeres intérpretes en comparación con sus compañeros hombres. Algo que opera de manera diferente en las de doblaje. “La voz envejece mucho más tarde que el cuerpo y la cara. Hay voces de niño hechas por mujeres muy mayores. Ahora está cambiando, porque clientes como Netflix y HBO están pidiendo a niños 'de verdad' para doblar, pero las voces de niños las han hecho normalmente mujeres”, expone sobre una realidad que se mantiene en la animación.

“La imagen tiene la condena de la propia imagen. Como la voz envejece de otra manera, yo sigo haciendo mucho muñeco y nadie sabe qué edad tengo”, argumenta sobre una de las grandes razones por las que quiso dedicarse al doblaje. Eso sí, no se cierra ninguna puerta, sea cual sea el terreno, dentro de que su primer álbum en solitario es la mayor declaración de intenciones sobre el terreno que espera poder seguir cultivando en su futuro. Primero quiere presentar el álbum en concierto, pero su intención es que después vengan muchos más.