Llega el primer fin de semana de septiembre y te dejamos una selección de planes para que se te haga más amena la vuelta a la rutina, desde libros y canciones hasta conciertos, exposiciones o películas de estreno.

'Brett' en Madrid. Es difícil que exista un fotógrafo que haya tomado más fotos del cantante de Suede, Brett Anderson, en España que el fotógrafo Óscar L. Tejeda, especializado en fotografía de conciertos y que le ha disparado desde 1997 hasta hoy. Para celebrar este idilio, Tejeda ha inaugurado una exposición en las paredes del bar madrileño Fotomatón, inaugurada ayer 3 de septiembre y que podrá visitarse durante unas cuantas semanas. Brett de rodillas, Brett abrazado por el público, Brett entre sombras, Brett espasmódico, Brett So Young, Brett Lazy, Brett absolutamente entregado. ¿Cuál es tu Brett favorito?

Cómic en Pamplona. Ana Miralles (con la exposición de originales Eva/Ava) y Paco Alcázar son dos de los invitados al Salón del Cómic de Navarra, del 4 al 27 de septiembre.

CometCon en Gijón. Evento de ocio joven y alternativo que reúne a algunos creadores de contenido como El Quinto Emperador (principal creador de contenido de One Piece de habla hispana), el actor de doblaje Jon Samaniego (Monkey D. Luffy en el live action de One Piece, Ekko en Arcane, Colin Bridgerton en Los Bridgerton, Aerion Targaryen en El Caballero de los Siete Reinos, o Coriolanus Snow en Los Juegos del Hambre), y locutor desde hace 15 años.

Extreme Barcelona. Del 4 al 6 de septiembre, el Parc del Fòrum reunirá a destacados nombres de la escena internacional de atletas de BMX como Kenneth Tencio, Arseny Lubishkin, Jude Jones, Gustavo Batista, Kieran Reilly y Natalya Diehm, además del rider de Streetboard Sergi Nicolás.

Humor en Luco de Jiloca (Teruel). Enluquecidos es un festival de llenará de risas la localidad turolense del 4 al 6 de septiembre. Entre los invitados, los actores de doblaje de Los Simpson, Rafa Maza y Clara Ingold.

Cultura japonesa en Reus. Hikari, la feria de cultura japonesa se celebra el sábado 5 de septiembre. Hay demostración de shodō, baile inaugural Bon Odori, taller participativo de Bon Odori y taller de caligrafía sobre farolillo tradicional.

Tenerife Phe Festival. Fat Dog, Getdown Services, VVV [Trippin’ You], Phil Hartnoll (Orbital) o Alexis Taylor (Hot Chip) forman el cartel de este festival de música electrónica que se celebra en Puerto de la Cruz el 4 y el 5 de septiembre.

Homenaje al Lyceum Club Femenino en Soria. Gracias al Instituto de la Mujer, llega a Soria esta exposición titulada Ellas nos hicieron modernas, dedicada a la institución del Lyceum Club, asociación de intelectuales españolas fundada por María de Maeztu en Madrid en 1926. La muestra reconoce, con 24 paneles, la memoria democrática e histórica haciendo genealogía feminista de la generación del 26. La exposición de se complementa con este pódcast de 10 episodios. Después, la muestra seguirá itinerando por España.

Teatro en Madrid. El invencible verano de Liliana es un monólogo basado en el libro de Cristina Rivera Garza que narra la historia de la hermana de la autora, asesinada en 1990 a manos de su expareja, quien a día de hoy no ha sido atrapado. La prestigiosa actriz mexicana Cecilia Suárez lo interpreta, bajo la dirección de Juan Carlos Fisher (Prima facie) se ha estrenado el 3 y aguantará hasta al 13 de septiembre en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque.

Ciencia ciudadana en Sierra Nevada. La Universidad de Granada organiza del 4 al 6 de septiembre las Jornadas Lagunas de Sierra Nevada, que reunirán a investigadores, voluntarios y Agentes de Medio Ambiente para estudiar más de 40 lagunas glaciares. La programación incorpora dos propuestas artísticas: la presentación del nuevo libro de fotografía de Andrés Ureña, Sierra Nevada. Ecos del paisaje, y la Acción Sonora de Ilaria Degradi, Music for Territories–Paisajes sonoros y música electrónica experimental (el 5 de septiembre a las 22h en Hoya de la Mora, entrada gratuita).

Tres libros, por Laura G. Higueras

'La noche en el corazón', de Nathacha Appanah (trad. Elia Maqueda, AdN). Inspirada por el feminicidio de Chahinez Daoud, a la que su marido quemó viva en la calle después de que ella le hubiera denunciado varias veces por múltiples episodios de violencia de género; la obra lleva a la autora a explorar su propio pasado (una prima que fue asesinada en circunstancias similares) y la violencia que ella misma sufrió. Finalista del premio Goncourt, rescata del silencio a las mujeres que la violencia quiso borrar.

'Los años secos', de Raquel Zas (Temas de hoy). Vamos con una novela debut que explora el duelo tras una ruptura, la autoestima y las exigencias que pesan sobre las mujeres que sienten que tienen esa presión por “tenerlo todo”. Lo hace a través de la historia de Clara, una joven que regresa al pueblo de sus padres dejando atrás la vida que había construido con su expareja. Entre trabajos provisionales, rutinas familiares y amistades que sobreviven al paso del tiempo, empezará a revisar su relación con el deseo, desde los primeros contactos al miedo a ser tocada.

'Mi vida en la carretera', de Gloria Steinem (trad. Regina López Muñoz, Alpha Decay). Este jueves recibíamos la triste noticia de la muerte de Gloria Steinem. Qué mejor manera de rendirle homenaje que precisamente leyéndola (o regalándole alguno de sus libros a quien conozcas que aún no lo haya hecho). Mi vida en la carretera es una apuesta segurísima. En ella relata cómo fueron creciendo tanto ella misma como el movimiento revolucionario por la igualdad, desde su primera experiencia de activismo en India a su trabajo como periodista en los sesenta, del torbellino de las campañas electorales a la fundación de la revista Ms.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Este viernes se publica The Fatal Flaw, el nuevo disco de la promesa británica Paris Paloma. Y ojo, porque una de las canciones que te recomiendo, y que ya está en nuestra playlist, es necesario acompañarla de otros de sus temas. Good Girl y Good Boy son dos caras de la misma moneda, poniendo el foco en los hombres que pisotean a las mujeres para alcanzar sus objetivos y que, por lo tanto, perpetúan sistemas que a la larga acaban perjudicándoles también a ellos. Ambas canciones juegan con la idea de los modelos a seguir y las expectativas de ser quien se espera que seamos.

'Good Girl' de Paris Paloma. La cantautora da un golpe sobre la mesa con este alegato feminista contra la tiranía estética impuesta a los cuerpos femeninos. “Y puedes gritarme todo lo que quieras que el mayor romance es conmigo misma”, afirma la artista a lo largo del tema, desafiando las exigencias de sumisión y control sobre el físico que la sociedad patriarcal dicta a las mujeres. Lo hace entre guitarras acústicas de corte folk que van sumando intensidad percusiva y dramática a la canción.

'I Can't Wait' de Phoebe Bridgers. Durante mis vacaciones, Phoebe Bridgers ha publicado uno de los mejores álbumes del año, Lost Weekend. La compositora californiana presenta un proyecto completísimo, con letras finísimas y producciones espléndidas, muy a lo Sufjan Stevens. Hasta más de diez ingenieros de sonido participan en cada una de las canciones. Entre las más potentes, este tema en el que comparte armonías vocales con Cameron Winter. “Cariño, si me dejas, ¿puedes llevarme contigo?”, suplica la artista al inicio de una pista que explora el anhelo obsesivo y la dificultad de sobrellevar vínculos rotos.

'Hipster Runoff' de Lex Walton. “Wall Street fue ocupada, a Kony le hicieron lo de 2012 / ¿Qué hemos conseguido con todo esto? / La policía está matando a madres en sus coches”. Así de tajante se muestra Walton en esta pieza de rock producida por Dan Boeckner. “Te desprecio a ti y a todo lo que representas”, clama con rabia el artista a lo largo del tema, cargando contra la apatía generacional, el activismo de fachada y el conformismo político. La canción toma el nombre del icónico blog de la era indie para enfrentarse al cinismo actual.

Tres películas, por Javier Zurro

'Jim Queen'. Cine de animación para adultos y divertidísimo. Solo la idea de esta película es hilarante, un virus que vuelve heteros a los gays... una excusa para hacer una comedia que cuestiona los clichés del colectivo LGTB, pero sobre todo la homofobia que todavía hay en la sociedad. La muestra de que los dibujos no son para niños, sino para cualquier historia que quiera explorar sus posibilidades expresivas.

'El olor a leche quemada'. Hay una nueva generación de directoras alemanas que está ofreciendo una mirada diferente al cine que, habitualmente llega de allí. El año pasado fue Masha Shilinski con El sonido de la caída. Pero ojito con Justine Bauer, que tiene solo 36 años y ha dirigido esta película tan especial que se aleja de los clichés del coming of age y las películas rurales.

'Cronos'. La apuesta taquillera de la semana llega de la mano del cine español. Fernando González Molina dirige este thriller sobre la investigación policial para detener a los terroristas tras el atentado de las Ramblas en Barcelona. Cine adulto, de buena factura, con un reparto brillante (Enric Auquer está en un momento dulce) y hecho con inteligencia para demostrar el gran momento de la industria.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Más de 80 festivales cancelados. Este es el balance, al menos hasta ahora, de encuentros musicales de todo tamaño y género que se habían anunciado pero no se han celebrado: por causas económicas o ambientales.

Zurro en Venecia. Ha comenzado el gran festival italiano y no te pierdas la extensa cobertura desde allí: empezamos con George Clooney, seguimos con Danny Boyle y con Martin McDonagh. Síguelo aquí.

Nerea. Te damos dos cosas, lo difícil es elegir qué va primero: una maravillosa entrevista con vídeo (y texto) con Nerea Pérez de las Heras o un capítulo entero de su nuevo libro Fantasma, sobre la pérdida de su pierna.

Enrique Iglesias es uno de los cantantes españoles más exitosos de la historia, con más de 180 millones de copias vendidas entre álbumes de estudio y sencillos, además de que ostenta el récord mundial de 27 singles que han llegado al puesto número uno en la lista latina de Billboard.

Uno de ellos y la que es una de sus canciones más reconocidas es ‘Héroe’, que se lanzó tanto en español como en inglés (‘Hero’), y que cumple 25 años desde que se publicara y quedara como uno de los principales temas del artista, pero también de ese mismo año y la década.

Fue usada por la radio en el 11S

‘Héroe’ es una de las canciones más populares de Enrique Iglesias y una de sus baladas más reconocidas, siendo cantada, por ejemplo, por la artista Dua Lipa en su pasada gira ‘Radical Optimism Tour’ en su paso por Madrid.

Publicada el 3 de septiembre de 2001, como parte de su álbum de estudio y el segundo en inglés ‘Escape’, que a día de hoy es su disco más vendido con más de 10 millones de copias en todo el mundo, además de uno de los más reconocibles.

Apenas una semana después de su lanzamiento se produjo el atentado del 11S en el World Trade Center, y la canción fue una de las pocas que sonaron ese día en Radio DJs Nueva York durante la distinta información que se daba durante ese trágico acontecimiento.

Las lágrimas de Enrique Iglesias fueron reales

Pero no es la única ‘tragedia’ que tiene vinculada esta canción, pues el videoclip tiene su propia intrahistoria. En ella se puede ver como el propio Enrique Iglesias sale con lágrimas en su rostro, y que fueron reales, como confirmó la actriz Jennifer Love Hewitt, que fue la co-protagonista de la historia que se contaba.

Y es que como declaró más tarde la actriz durante una entrevista en Entertainment Tonight, esas lágrimas de Iglesias se debían a la tristeza que sentía al haber conocido recientemente el cantante el fallecimiento de su amiga, la también artista Aaliyah: “El detalle más loco de ese rodaje, que creo que la gente no sabe, es que Enrique y Aaliyah eran amigos muy cercanos, y la noche en que filmamos ese video, fue la noche en que ella falleció”, explicó.

Love Hewitt también desveló detalles de cómo afectó esto al rodaje: “Enrique tuvo que filmar todas esas escenas de llanto, y realmente estaba llorando porque ella había muerto. Sólo recuerdo que fue una noche realmente intensa”, añadió Hewitt al mencionado medio, quien describió que ese día el ambiente en el set era solemne y respetuoso.

Aaliya Dana Haughton, solo conocida como Aaliyah a nivel artístico, falleció el 25 de agosto de 2001 a los 22 años en un accidente de avión en las Bahamas, de donde volvía tras haber rodado el videoclip para su canción ‘Rock the Boat’. En este trágico suceso murieron ocho personas más y se produjo al poco de despegar.

Hay canciones del verano que sobreviven más allá de este período del año y una de ellas es ‘La bicicleta’ de Carlos Vives y Shakira, que cumple diez años desde que se convirtiera en uno de los grandes éxitos de 2016 y alcanzara el número 1 en más de 20 países, entre ellos España.

Un hecho que logró, además, en tiempo récord, no siendo el único hito, pues además ganó dos Grammy Latino como Canción y Grabación del año, además de que consiguió estar 20 semanas consecutivas en el primer puesto de ventas en Colombia, país originario de ambos artistas.

El homenaje a Colombia de Carlos Vives y Shakira

Lanzada a finales de mayo de 2016, ‘La bicicleta’ fue una canción colaboración entre Carlos Vives y Shakira, que fue incluida en el álbum ‘Vives’ del artista colombiano, y en la que ambos dieron homenaje a su Colombia natal, uniendo además el sonido de dos de sus artistas más globales y el folclore.

Este tema, que fue una de las revoluciones de ese año a nivel musical, recorre lugares icónicos de Colombia a través de su letra, aunque en especial de Santa Marta y Barranquilla, las ciudades natales de los dos cantantes.

Las dos localidades colombianas no solo son protagonistas de la letra, sino también en el videoclip, que llegó al billón de visitas, y en los que ambos se muestran recorriendo las dos ciudades mientras van en bicicleta y saluda a distintos vecinos, al mismo tiempo que bailaban y disfrutaban de sus paisajes.

Shakira fue la que puso título a la canción

Uno de los hechos más curiosos de ‘La bicicleta’ es que Carlos Vives llegó a ser nombrado Embajador de Buena Voluntad de la ONU por el Medio Ambiente debido al mensaje ecológico de la canción, que invita a moverse con este medio de transporte.

Aunque la gran curiosidad de este tema es como se llegó a poner este título, porque no fue el primero que tuvo, un hecho que desveló el propio artista y cuyo crédito se lleva la cantante colombiana: “Cuando entregué este álbum al presidente de Sony le mandó esa canción que no se llamaba ‘La Bicicleta’, se llamaba ‘Vallenato Desesperado’. Shaki tenía un tiempo sin grabar y le mandó esa conexión y Shaki empezó a comunicarse conmigo directamente y me decía, voy a hacerle unos arreglos a ‘La Bicicleta’, ahí te mando ‘La Bicicleta’. Y ya me le cambió el nombre a la canción. ‘La Bicicleta’ terminó llamándose por ella”, declaró el artista en una entrevista.

De hecho, si bien Vives ya había compuesto y dedicado varias canciones a una bicicleta, debido a su fuerte vínculo con este deporte y medio de transporte, nunca había formado parte de un título: “No es mi primera canción que hablo de una bicicleta, siempre en mis canciones hablo de la bicicleta porque estuve en los primeros ciclos de motocross de mi país”, desvelaba.

La colaboración, además, se gestó de una manera peculiar. Y es que, si bien los dos son de los cantantes más globales de Colombia, sus estilos diferentes parecían no casar, uno más abrazando el folclore y la otra más enfocada al pop anglosajón. Pero, sin embargo, decidieron tener una buena amistad desde que coincidieran en la televisión en Bogotá:

“No pensaba mucho en si iba a grabar con una diva porque lo de uno estaba en un segmento que el camino que tomé estaba en otra cosa. No pensé que pudiera acercarme a una artista que ya estaba como en lo anglo, en otra cosa”, aseguraba en una entrevista.

La industria del reguetón ha vencido: después de que el dúo de productores jamaicanos Steely & Clevie demandara a más de 150 artistas del género alegando que poseía los derechos del famoso ritmo dembow (la base del reguetón), un juez ha desestimado la demanda para dar la razón a artistas entre los que se incluyen Bad Bunny, Karol G, Pitbull, Drake, Daddy Yankee y Luis Fonsi, según se ha hecho eco Billboard. El juez apunta que el supuesto ritmo patentado de Steely & Clevie no aparece en su totalidad en ninguna de las tres canciones de su propiedad.

Pese a que Steely & Clevie reclamaba al principio que el característico compás que suena de fondo en los temas latinos había sido robado de una sola canción de 1989, Fish Market, el juez ha declarado que el reciente argumento de los abogados de Bad Bunny lo había llevado a reconsiderar su fallo. El puertorriqueño señalaba que los demandantes habían armado un monopolio temporal juntando elementos de esa canción con otras dos: Dem Bow y Pounder.

Estas tres canciones son importantes porque, a medida que avanzaba el caso legal, los abogados de Steely & Clevie ampliaron su reclamo de derechos de autor e incluyeron los temas Dem Bow y Pounder. Argumentaban que, como estas dos canciones derivaban originalmente de su canción Fish Market, cualquier artista de reguetón que haya copiado o sampleado fragmentos de cualquiera de esos tres temas en realidad estaba infringiendo la propiedad intelectual de Steely & Clevie.

No obstante, el juez ha escrito que, “tras un examen más detenido del expediente, el tribunal concluye que los demandantes no han identificado claramente qué obra protegida por derechos de autor contiene la selección y disposición supuestamente protegibles que pretenden hacer valer”. Asimismo, ha agregado que la ley de derechos de autor de Estados Unidos no otorga protección a una “amalgama abstracta de elementos extraídos de múltiples obras existentes de forma independiente”.

El juez ha explicado que los elementos deben existir en una sola canción y no pueden ser simplemente una “colección de similitudes reunidas con fines litigiosos”. “Dado que los demandantes no han identificado una sola obra protegida por derechos de autor que contenga la supuesta selección y disposición protegibles, no pueden, legalmente, proceder con la teoría actualmente alegada”, ha afirmado el juez, que en julio pretendía que el caso se solucionara por parte de un jurado, lo que lo habría alargado.

En declaraciones a Billboard, el abogado de Bad Bunny, Kenneth D. Freundlich, ha elogiado al juez por emitir un fallo que “vio este caso tal y como era”: “No se pueden registrar los derechos de autor de un ritmo mediante ingeniería inversa a partir de tres canciones diferentes una vez que el litigio está en los tribunales. Los derechos de autor protegen la creación original del artista, no un montaje elaborado durante el proceso judicial. Eso es lo que el tribunal rechazó hoy”.

La resolución del juez es un gran triunfo para Bad Bunny y el resto de los cantantes acusados, ya que cierra la mayor parte del caso. Aunque todavía hay demandas pendientes por canciones que presuntamente usaron fragmentos directos de las grabaciones de Steely & Clevie, estos reclamos son mínimos en comparación con el conflicto sobre la autoría de la composición musical que fue archivado este martes.

En junio de 1970, The Kinks estaban a punto de publicar una canción que acabaría convirtiéndose en uno de los grandes clásicos de su carrera. El tema se llamaba Lola y contaba el encuentro de un joven con una misteriosa mujer en un club del Soho londinense. Alcohol, fiesta, deseo sexual… La canción lo tenía todo para escandalizar a la radio británica, pero no fue esa parte de la letra la que terminó censurada.

Para la BBC, el problema estaba en la Coca-Cola. La versión original de la canción de la banda inglesa contenía una referencia explícita a esta marca estadounidense. La emisora pública británica seguía unas normas estrictas sobre publicidad y referencias comerciales, así que tomó una decisión: impedir la emisión de la grabación en su canal de radio.

A la banda no le quedó más remedio que buscar una solución, que pasó por movilizar a Ray Davies desde Estados Unidos, donde The Kinks andaba de gira, hasta Reino Unido. Así, el cantante viajó una distancia de unos 5.570 kilómetros entre Nueva York y Londres, interrumpiendo momentáneamente los conciertos en Norteamérica, para cambiar un par de palabras.

Una vez en el estudio, el mayor de los Davies se puso manos a la obra, y cambió la referencia a la marca de refrescos por otras dos palabras que sonaban parecido y no cambiaban el significado de la letra: “cherry cola” (refresco de cereza). Esta pequeña modificación permitió preparar una versión del single apta para la emisión radiofónica británica. El álbum, en cambio, conservó la versión en estéreo con la expresión original.

El esfuerzo que supuso el viaje de Ray al otro lado del charco para cantar “cherry-cola” tuvo su recompensa. Lola llegó al número dos de las listas británicas y al número nueve en Estados Unidos. Para The Kinks, el lanzamiento de esta canción significó recuperar una presencia comercial que habían perdido durante los años anteriores.

El resurgir de la banda

Para entender la importancia que tuvo Lola hay que tener en cuenta el momento que atravesaba la banda. The Kinks había alcanzado el éxito internacional a mediados de los años 60 con canciones como You Really Got Me o Sunny Afternoon, pero su situación cambió en los años posteriores. La prohibición que les impidió actuar en Estados Unidos entre 1965 y 1969 había frenado su expansión al otro lado del Atlántico, mientras que Ray Davies había empezado a escribir canciones más centradas en la sociedad británica y los cambios que estaba viviendo el país.

Lola supuso una especie de regreso a los grandes éxitos de la banda. El tema formó parte del álbum Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One (1970), un disco en el que el compositor criticaba abiertamente a la industria musical y a quienes controlaban el negocio.

No es su canción más escuchada en Spotify, pero sí una de las más conocidas de toda su discografía. Esta balada de The Beatles cuenta con más de 3.000 versiones registradas, siendo la canción con más covers de la historia, entre las que destacan las que hicieron Elvis Presley, Ray Charles o Frank Sinatra en su día. Si todavía no lo has averiguado, sin duda hablamos de Yesterday.

La canción mostró una faceta nueva y especialmente reflexiva del grupo, que la grabó en 1965 y decidió incluirla en el que fue su quinto álbum de estudio titulado Help!, donde figuran otros temas como I Need You o Another Girl. Entre todas, la que acabó destacando fue esta en la que Paul McCartney y John Lennon se pusieron nostálgicos para hablar de una ruptura amorosa.

“Ayer / Todos mis problemas parecían tan lejanos / Ahora parece que están aquí para quedarse”, comienza la canción en su primer verso. Poco después, llega el estribillo: “Por qué tuvo que irse / No sé, ella no diría que dije algo mal / Ahora anhelo el ayer”. Y entonces, llega el final. “El amor era un juego fácil de jugar / Ahora necesito un lugar para esconderme”.

La historia de la canción

Aunque en los créditos de Yesterday muestran que la letra y composición del tema fueron obra de McCartney y Lennon, fue el primero al que se le ocurrió la idea justo al despertarse de un sueño. Así lo explicó el propio artista protagonista de esta historia al autor Barry Miles para la biografía Many Years From Now, publicada en 1998

“Me desperté con una melodía preciosa en la cabeza”, le contó McCartney durante su encuentro. “Pensé: ‘Qué bien, ¿qué será?’ Había un piano a mi lado, a la derecha de la cama, junto a la ventana. Me levanté, me senté al piano, encontré un sol, luego un fa sostenido menor séptima, y eso me llevó a un si, después a un mi menor y finalmente de vuelta a mi. Todo tenía una lógica”.

McCartney admitió que, cuando empezó a cantar lo que se terminaría convirtiendo en Yesterday, supuso que era algo que ya había escuchado antes, quizá en la boca de otro artista de la generación de sus padres. “Me gustó mucho la melodía, pero como la había soñado, no podía creer que la hubiera compuesto yo”, compartió.

Su obsesión con aquel posible plagio le duró varias horas, hasta que pudo presentar la canción a Lennon, su gran aliado de composición. “La primera persona a la que le pregunté fue a John. Le dije: '¿Qué es esto? Me tiene intrigado. ¿De dónde es esta canción?'. Y él me respondió: 'No lo sé'”.

McCartney le preguntó entonces a George Martin, productor del grupo, a quien tampoco le sonó aquella melodía. “Tras un par de semanas, quedó claro que nadie lo sabía y que solo existía en mi cabeza, así que me la quedé. Fue como encontrarla en la calle”, señaló el vocalista de The Beatles.

En 1969, Sweet Caroline (Good Times Never Seemed So Good) llegó al mundo de la mano del estadounidense Neil Diamond. Pocos podían vaticinar lo que acabaría pasando con esta canción. El tema se convirtió en uno de los himnos más populares de la música contemporánea, llegando a ser versionado por artistas de la talla de Elvis Presley y Frank Sinatra.

Lo que muchos no saben es que la letra de la canción (Dulce Caroline / los buenos tiempos nunca parecieron tan buenos / He llegado a pensar / que nunca lo serían, pero ahora sí) se le ocurrió a Diamond mientras se alojaba en un hotel en Memphis. Fue allí donde vio una fotografía en una revista de Caroline, la hija de John F. Kennedy, y sintió la inspiración de componer un tema.

“Nunca antes había hablado de esto con nadie, intencionadamente”, declaró Diamond a la agencia Associated Press hace unos años. “Era la foto de una niña pequeña vestida de punta en blanco con su atuendo de equitación, junto a su poni. Era una imagen tan inocente y maravillosa que inmediatamente sentí que había una canción en ella”.

La protagonista de la imagen no era otra que la hija del entonces presidente de Estados Unidos, quien en aquel momento no tenía más de nueve años. Cumplió once cuando la canción que llevaba su nombre salió a la luz, un tema que se convirtió en un éxito, relanzando la carrera musical de Diamond y llegando a vender más de 2 millones de copias en todo el mundo.

Un cambio de versión

“Fue un éxito número uno y probablemente sea la canción más importante de mi carrera, y tengo que agradecerle la inspiración. Me alegra haberme desahogado y habérselo expresado a Caroline. Pensé que podría avergonzarse, pero pareció conmoverse y se puso muy, muy contenta”, añadió el artista, quien había interpretado el tema en el 50 cumpleaños de Caroline, en aquella entrevista con la agencia de noticias estadounidense.

Aquellas palabras dieron la vuelta al mundo en 2007. Sin embargo, unos años después, Diamond cambió radicalmente la versión de esta historia. En una entrevista en el programa de televisión Today, el artista dijo que en realidad era una canción para su esposa y que el nombre de Caroline lo eligió porque necesitaba algo que rimara con la letra que se le había ocurrido.

“Estaba componiendo una canción en Memphis, Tennessee, para una sesión de grabación. Necesitaba un nombre de tres sílabas. La canción trataba sobre mi esposa de entonces y no encontraba una rima con ‘Marcia’”, señaló el compositor en 2014. Marcia Murphey fue la segunda esposa y asistente de producción de Diamond, y estuvieron juntos 25 años, hasta su divorcio en 1994.

La nieve, el tema compuesto por Guitarricadelafuente y Raül Refree para la banda sonora de La Bola Negra, ha sido presentada para optar al Oscar a Mejor Canción Original. Según The Hollywood Reporter, el tema del largometraje dirigido por Javier Calvo y Javier Ambrossi busca la nominación en una categoría en la que ya suenan otros artistas como Taylor Swift y Lady Gaga, por sus composiciones para Toy Story 5 y El diablo viste de Prada 2, respectivamente.

La Bola Negra narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca. La canción La Nieve suena en una emotiva escena ambientada precisamente en la nieve que le da título, hacia el final del largometraje.

El tema fue compuesto por Raül Refree junto a Guitarricadelafuente, para el que la película ha supuesto igualmente su debut como actor. En ella encarna a Sebastián, un soldado nacionalista al que se le encarga vigilar a un soldado republicano (Miguel Bernardeau), con quien establece un vínculo especial durante la Guerra Civil Española.

Guitarricadelafuente podría convertirse en la quinta persona en lograr nominaciones al Oscar tanto por su interpretación como por la composición de la canción en la misma película. Gesta que lograron anteriormente Mary J. Blige por Mudbound en 2018, Lady Gaga por Ha nacido una estrella en 2019, Cynthia Erivo por Harriet en 2020 y Leslie Odom Jr. por One Night in Miami en 2021.

De confirmarse la presentación de la canción a los Oscar, continuarían las buenas noticias para La Bola Negra. La semana consiguió el récord de 47 días de estreno exclusivo en cines antes de pasar a Netflix en EE.UU. El gigante del streaming adquirió el filme de los Javis tras su triunfo en Cannes, para impulsarla en la temporada de premios, llegará a la cartelera norteamericana el 16 de octubre –en España se estrena el 25 de septiembre–. Puesto que su incorporación a Netflix no ocurrirá hasta el 2 de diciembre, la aclamada cinta logrará así el periodo de exclusividad en salas más largo hasta la fecha para un título de la plataforma.

Está entre las canciones favoritas de Barack Obama y fue una de las que interpretó Dua Lipa durante el paso por España de su última gira, un tema universal que repetía hasta 27 veces su título durante su ritmo pegadizo. Hablamos de ‘Me gustas tú’ de Manu Chao, que hace 25 años era número uno en España.

Y es que fue una de las canciones que sonaron durante el verano de 2001 e hizo mundialmente reconocido a su artista, que destaca por su capacidad de fusionar géneros tan distintos como el reggae, punk, rock, ska o alternativo y que más de dos décadas sigue en activo, aunque sin conceder entrevistas a medios y con giras lejos de lo multitudinario.

25 años de ‘Me gustas tú’, de Manu Chao

‘Me gustas tú’ de Manu Chao fue lanzada el 14 de mayo de 2001 como primer sencillo del disco ‘Próxima estación: Esperanza’ y que fue un éxito mundial, número uno en varios países, entre ellos España, donde llegó a lo más alto ese mismo verano.

Parte de su éxito se debió a la repetición de la frase ‘Me gustas tú’, que se escucha hasta 27 veces durante la canción y que incorpora una referencia a la emisora cubana Radio Reloj en la parte que se puede escuchar y dice: “Doce de la noche en La Habana, Cuba. Once de la noche en San Salvador, El Salvador.”

Manu Chao es un artista que se ha caracterizado por ser muy comprometido socialmente. Creció en un ambiente intelectual, en parte por su padre, el escritor español Ramón Chao, y desde joven se sintió atraído por la creación artística, formando su primera banda con tan solo 14 años en París. La fama, sin embargo, le llegaría en 1987, con 26 años, con el grupo Mano Negra que integró junto a su hermano y su primo.

El grupo, que se mantuvo activo hasta 1994, se caracterizó por mezclar rock, salsa, ska o hip-hop, además de por sus letras políticas y sociales, al mismo tiempo que activistas. Tras la disolución, Manu Chao se animó a seguir en solitario, pero mantuvo el carácter de la banda con la que se hizo un nombre en la música, todo ello a pesar de que su canción ‘Me gustas tú’ sonara en todo el mundo.

Él continuó haciendo giras modestas, tocando en pueblos remotos, en plazas de pueblo o incluso tocando gratis, pues considera que la cultura debe ser libre y accesible, a la vez que cercana, para todos. Ese perfil bajo lo ha mantenido también al no conceder entrevistas desde 2010, aunque sigue activo en la música.

Sampleada por Myke Towers y versionada por Dua Lipa en España

Con más de 400 millones de visualizaciones, ‘Me gustas tú’ de Manu Chao es un éxito que ha traspasado generaciones, siendo un ejemplo el hecho de que fuera sampleada por Myke Towers en su canción ‘Girl’ o que Dua Lipa la escogiera para interpretar en directo en su segundo concierto en Madrid durante su gira ‘Radical Optimism’.

La joven artista entonces explicó porque la escogió: “Es muy especial para mí porque cuando yo era más joven yo viví en Prístina (Kosovo) y allí no teníamos muchos artistas que vienen para cantar. Pero hay un artista de España que vino. Desde ese momento, esa canción es una de mis favoritas”, un hecho que también es una prueba más del activismo de un cantante que dejó huella con su ‘Me gustas tú.

Melodías que evocan el movimiento del mar y letras que nos hablan de la memoria y la nostalgia de los marineros que cruzaron el océano. Las habaneras surgieron a raíz de los contactos comerciales entre España y Cuba, y su recuerdo ha pasado de generación en generación.

Hoy, las habaneras son patrimonio del folclore musical, y a la vez forman parte de la banda sonora del verano, especialmente en zonas como Catalunya, donde pocas son las fiestas mayores que no incluyen una cantada tradicional. Pero ¿cuál es realmente su origen?

Un origen debatido

Los expertos no acaban de ponerse de acuerdo con el origen exacto de las habaneras, pero en líneas generales, la mayoría de los estudiosos sitúan su nacimiento en Cuba durante los siglos XVIII y XIX. Estas canciones, de hecho, adoptan su nombre de la capital cubana, con la que España mantuvo importantes contactos comerciales.

Entre España y Cuba circulaban productos como sal, azúcar y tabaco. Los marineros mercantes que navegaban en los barcos trajeron, además de estas mercancías, la influencia de una música de raíz cubana que fusionaron con el propio folclore español.

Así, en las habaneras se pueden encontrar formas de la contradanza antillana/criolla y de las canciones criollas, pero también la influencia de la canción popular y la estructura del tanguillo gaditano. A pesar de surgir en el Caribe, las habaneras se desarrollaron en España, donde pronto se convirtieron en una forma popular que se difundió por todo el territorio nacional.

El padre de la habanera

Entre los nombres que contribuyeron a la popularidad de este género, destaca Sebastián Iradier, considerado el “padre de la habanera”. De origen vasco, Iradier fue el responsable de ralentizar el ritmo y plasmar la estructura de la “Danza lenta” o habanera tal como se conoce en España.

Entre sus obras más conocidas destaca "La Paloma", una de las habaneras más famosas y difundidas del mundo. Asimismo, entre 1840 y 1850 Iradier compuso “El arreglito”; que serviría de base para la célebre habanera que Georges Bizet compuso para su ópera Carmen (1875).

Las habaneras en Catalunya

A pesar de ser populares en toda España, las habaneras son especialmente queridas en Catalunya, donde incluso se siguen componiendo nuevas habaneras que se incorporan al repertorio. Hoy en día, es difícil encontrar un pueblo que no incluya dentro de su programa de fiestas mayores de verano una “cantada d’havaneres”, evento que suele completarse con el ritual del “cremat”, una bebida a base de ron quemado que se sirve caliente y en vasos de barro.

Especialmente popular es la Cantada que se celebra cada mes de julio en Calella de Palafrugell. Se trata del evento más multitudinario del mundo dedicado a este género musical. En él se reúnen más de 30.000 personas para escuchar a las diferentes formaciones que participan en la cantada. En Catalunya existen decenas de formaciones profesionales y semiprofesionales, algunas de ellas con larga tradición, como Peix Fregit o Els Pescadors de l'Escala. Canciones como El meu avi han pasado al imaginario colectivo como si fueran himnos tradicionales.

Fuera de Catalunya, destaca también el caso de Torrevieja. En esta ciudad alicantina, la habanera se canta en eventos sociales y cotidianos como bodas, fiestas o incluso entierros. En Torrevieja se celebra, desde 1955, el Certamen Internacional de Habaneras y Polifonía, uno de los eventos coral-musicales más importantes del mundo.

Es un movimiento simple, casi rutinario: girar la cabeza, mover el cuello y mirar a la persona que tienes justo al lado. Sin embargo, en una sociedad acostumbrada a vivir aislada y pegada a las pantallas, un gesto así se torna todavía más relevante. Para la pianista Clara Peya (Palafrugell, 1986), una de las artistas más inconformistas de nuestra música, la nuca es el “músculo de la empatía”. Se trata de una zona del cuerpo que nos obliga a dejar de mirarnos a nosotros mismos para fijarnos en quien tenemos alrededor, vertebrando también el concepto de su último disco.

La forma que tiene Clara Peya de entender la vida no se queda en su discurso, sino que define la manera en que crea y se relaciona con el arte. Es lo que lleva a la compositora a apostar por el trabajo colectivo, cediendo en esta ocasión sus canciones a dieciséis voces diferentes que dan vida al álbum Nuca, como las de Niño de Elche, Rita Payés, Judit Neddermann, Sharim Aresté, Mar Pujol, Juan Quintero o Anna Andreu. Acompañada por un piano de pared interpretado con sordina, su propuesta deja atrás la rabia en la búsqueda de un espacio de refugio y sanación.

De hecho, su necesidad de coherencia la lleva a posicionarse siempre por aquello en lo que cree. La artista se embarcó en la flotilla de Gaza para denunciar el bloqueo humanitario y participa activamente en iniciativas solidarias como las de Comando Señoras para apoyar al pueblo palestino. Sobre el escenario, Peya prioriza el mensaje por encima de cualquier pirotecnia o decorado. Tanto es así que su reciente trabajo la lleva a reflexionar sobre la importancia de frenar el ritmo, el peligro de los algoritmos, las consecuencias de los discursos de odio o la falta de más música como altavoz político.

¿Por qué la nuca es tan importante?

La nuca es un lugar de fortaleza y de sensibilidad a la vez. Nuca es ver al otro, reunirse con el otro, hacerlo desde el genuino deseo de cambio y no desde el miedo, mirar a la otredad desde el 'sí' en vez de desde el 'no'. Es algo que nos cuesta mucho hacer: han entrado 40.000 personas por Ceuta y los discursos que escucho tienen muy poco que ver con la empatía. El contexto sociopolítico es tan histriónico que elegimos por protección no conmovernos por nada. He estado unos años sintiéndome muy sola y lo que he entendido es que intentar no sentirnos solas es muy complicado, pero sentirnos acompañadas en nuestra soledad es muy posible.

¿Es compatible sentirse solo con tener odio hacia el otro?

Lo es porque vivimos en la cultura del miedo y los discursos son absolutamente separatistas. En Barcelona, hay bancos separados en vez de juntos para que la gente se reúna. Toda la arquitectura urbanística está hecha para que la gente que no tiene casa no pueda dormir bien en la calle, todo está hecho para que sigamos preservando lo nuestro sin perder nuestros privilegios. Mirar al otro nos obliga a compartirnos y a ser generosos, y eso está muy poco entrenado actualmente. La generosidad pasa por compartir lo que tienes, pero también pasa por compartir quién eres, por dejarte conocer y por querer conocer a quien tienes delante.

El álbum reivindica la calma. ¿Se puede sentir calma y estar enfadada a la vez con lo que pasa en el mundo?

No, pero lo más político que podemos hacer ahora es reivindicar la presencia, la lentitud, la profundidad y la celebración. Son cuatro cosas que ahora mismo son muy necesarias porque van en contra de todo lo que nos pide este sistema, de toda la inercia mundial, que es abrumadora. Vivimos en una era digital en la que compartes memes de gatitos, recetas de pastel de zanahoria o la muerte [de niños] en una escuela porque han puesto una bomba. La capacidad de poner cada cosa en su lugar se pierde, así que es momento de dar espacio a las cosas.

¿Está más calmada o más enfadada?

Estoy enfadadísima, pero he aprendido a gestionarlo de otra manera. Me duele el mundo una barbaridad, aunque actualmente estoy casi más triste que enfadada. El enfado me genera mucha barrera, pero es muy necesario. Me destroza ver cómo está el mundo y me enfada, pero por el hecho de ser blanca, europea, por estar donde estoy y de la forma en la que estoy, intento hacer la música de una manera que pueda llegar. Digo música, pero en realidad hablo de política porque no lo separo. Son lo mismo y me permiten llegar a las personas que me escuchan.

Pero ha retirado su música de Spotify.

Lo he hecho por la estructura fascista de la plataforma. Tiene el monopolio del streaming [*], pero es que ha colaborado con el ministerio de Trump [**], ha invertido 600 millones de euros en desarrollo de tecnología militar [***], es decir, en matar gente en Palestina [****], también en anuncios y canciones de inteligencia artificial, que ponen en todas las listas y son beneficios para la plataforma. Pagan muy mal a los músicos, la calidad sonora es horrible, los músicos pequeños no cobran nada y lo que generan se va para músicos grandes... Es todo lo que yo no quiero, así que por eso no quiero estar ahí.

[*] Según los datos de la firma independiente MIDiA Research proporcionados por Spotify, la compañía no está en una situación de monopolio sino que representa aproximadamente el 30% de los suscriptores globales de streaming musical.

[**] Spotify puntualiza que no ha realizado campañas ni iniciativas para apoyar a la Administración Trump. Admite que ha alojado una campaña publicitaria del Gobierno estadounidense, difundida también en otras grandes plataformas digitales. Respecto a la toma de posesión de Trump, Spotify lleva años organizando encuentros en Washington D.C. y otras capitales con representantes políticos, medios y actores de la industria de diferentes sensibilidades. En este caso, Spotify organizó un encuentro con podcasters políticos y realizó una contribución al comité inaugural, no a la campaña presidencial de Donald Trump. Las contribuciones corporativas a comités inaugurales son además una práctica habitual y no equivalen a un respaldo político.

[***] Spotify no realizó esa inversión sino Prima Materia, la compañía de inversión fundada por Daniel Ek, cofundador y Executive Chairman de Spotify, la que participó y lideró una ronda de financiación de la empresa alemana de defensa Helsing.

[****] Spotify indica que, según fuentes independientes, no existe una conexión acreditada entre la tecnología de Helsing y la guerra en Gaza. La tecnología desarrollada por la compañía en la que invirtió Daniel Ek no se utiliza en Gaza y está desplegada únicamente en países europeos.

Si su estructura es fascista según usted, ¿quien se queda contribuye al fascismo?

Yo no solo pido a la gente que retire su música, pido a los usuarios que cancelen sus suscripciones. Es evidente que si eres una persona que depende de Spotify para sobrevivir es muy diferente que si eres una estrella internacional. Yo sí que pensaba que habría una horda de músicos sacando el catálogo y no ha ocurrido, pero tarde o temprano esta plataforma caerá. No sé si porque nacerán plataformas mucho peores o porque habrá más conciencia, pero esto no va a existir toda la vida. La manera de escuchar música se ha ido transformando siempre. Yo ya tomé la decisión y no quiero estar en guerra con compañeras que han decidido mantener la música allí porque me quedaría sola.

¿Se arrepiente al ver que no la han seguido?

Si pienso en el ego, sí: pienso que soy tonta porque no lo ha hecho nadie y yo estoy sacrificando mi carrera. Pero [la decisión] es un pensamiento coherente y para mí tiene sentido haber quitado mi música de Spotify. Es una lucha que puedo hacer y es la lucha que me toca por ser músico, así que estoy tranquila.

¿Su decisión la ha hecho perder mucho dinero?

Aún no te lo puedo decir del todo, lo que te aseguro es que mi disco no se lo ha escuchado ni una décima parte de la gente que lo hubiera escuchado si estuviera en Spotify. Aun así, sigo teniendo conciertos y vamos a ver qué va pasando. Es verdad que en los conciertos la gente no se sabe las canciones como antes y ahí lo noto mucho. Antes las cantaban y ahora no pueden porque no se las saben, pero de momento creo que puedo seguir viviendo de la música, que es algo que no se me hubiera ocurrido nunca.

¿Ha perdido la fe en la industria musical?

Nunca confié mucho en la industria musical, nunca fue un lugar de confianza para mí. La industria musical es un desastre, pero como cualquier industria. Es que el mundo es un desastre, así que la música se consume como se consume el mundo, como se consumen las personas, como se consume todo.

¿No es triste hablar de música y consumo a la vez?

Pues mucho, la verdad, pero ya hace años que la palabra 'consumo' se añadió en el vocabulario de las entrevistas. Puedes acceder a toda la música del mundo cuando quieras, por lo que no le das oportunidad a nada. Escuchas diez segundos como mucho de una canción y, si no te gusta, la pasas. Tengo por política, cuando me pongo un disco, escuchar mínimo cuatro temas. Si al cuarto no me gusta, vale, ya no le doy más oportunidades, pero entendiendo que es el trabajo de alguien y que hay que mirarlo con amor, darle tiempo y espacio, darle generosidad.

Decidió ir a la flotilla en Gaza.

Nunca pensé que lo haría, pero al final lo hice y me pasó factura porque soy un ser que no está preparada para estas cosas. Fue un shock muy fuerte, físico y emocional. Una experiencia así te cambia la vida para siempre, es una experiencia que aún no he podido ni ordenar ni narrar porque ocurren muchas cosas. No estás por lo importante, estás por lo urgente. El 31 de agosto hará un año desde que fui y pronto podré mirarlo con más perspectiva.

¿Sintió miedo?

Estuvo la idea, pero no lo sentí realmente. Ni cuando estaban los drones. Allí nos disociamos. Cada barco era diferente, a mí me tocó un barco con unas condiciones muy malas. Éramos 19 en un barco de diez. Dormíamos por turnos en el suelo y no teníamos lavabo, así que nuestras necesidades las hacíamos en un cubo y las tirábamos al mar. Era un barco que no estaba preparado para cruzar el Mediterráneo, así que se movía muchísimo, había muchísimos vómitos y no se podía cocinar. Era una situación bastante insalubre.

Al volver de la flotilla de Gaza no entendía que la gente siguiera haciendo vida con normalidad

Clara Peya — Pianista

¿Cómo fue regresar?

Estar en la flotilla es duro, pero es mucho más duro volver. Vuelves y no entiendes nada. Es imposible volver a tu vida porque nada de lo que haces tiene sentido. No podía entender cómo la gente iba al gimnasio con normalidad. Ya he vuelto a mis rutinas, ahora voy al gimnasio, pero al principio era rarísimo. La flotilla ha cambiado muchas cosas, pero el mundo sigue siendo el que es.

¿Qué responsabilidad tienen los músicos a la hora de dar voz a causas políticas?

Toda. Somos un altavoz, la gente nos escucha. Yo soy una artista mediana, pero los artistas grandes no están dispuestos a perder nada. También es de suma responsabilidad saber a quién consumimos y a quién seguimos. Yo he decidido no seguir a gente tibia, así que no escucho ni su música ni sus espectáculos. No me interesa, solo me interesa la gente que se compromete no solo con su arte, sino con entender que necesitamos que el mundo sea un lugar más amable.

¿Le da miedo el futuro?

Mucho, lo que pasa es que me polarizo: o soy muy negativa o soy muy positiva. Me cuesta el camino del medio, que es lo que tengo que trabajar. Hay veces que pienso que todo es un desastre y hay días que pienso que podremos arreglarlo, pero el camino del medio es el más real. Es que estamos en un momento muy difícil, hay gente que dice que ya lo importante es organizarse para ver cómo quieres que te pille el fin del mundo. Pues quiero que el fin del mundo me pille siendo coherente con la gente a la que amo, bailando, celebrando, creyendo que las cosas pueden ser distintas. No creo en la gente, pero sí creo en las personas.

En apenas unos años, un grupo de amigos de la infancia pasó de tocar juntos en bares de Colombia a alcanzar las listas de éxitos de varios países, tener un premio Latin Grammy tras varias nominaciones y convertirse en una de las bandas latinoamericanas más importantes del panorama musical en español. Y gran parte de ello sucedió gracias al que fue su primer sencillo en solitario, que hace diez años se colocó en lo más alto en España.

Hablamos de la banda colombiana Morat, y de la canción “Cómo te atreves”, que fue número uno hace diez años en España y que les abrió las puertas de la fama en nuestro país, que sirvió como primer paso hacia un éxito que no ha parado de crecer desde entonces.

“Cómo te atreves”: la canción de Morat que habla del desamor y se usa en fiestas

Un 6 de agosto de 2016, “Cómo te atreves” conseguía su primer número uno en los 40 principales en solitario, lo que marcaba el comienzo de su éxito en España y que abría la puerta a su primer disco, “Sobre el amor y sus efectos secundarios”, que confirmaría el inicio de una carrera que ha llegado hasta cosechar un premio Latin Grammy el pasado noviembre de 2025. Pero la banda Morat no era totalmente desconocida antes de llegar a ese número uno, pues ya había saboreado las mieles del éxito con la colaboración junto a Paulina Rubio con “Mi nuevo vicio”, un tema que ellos mismos habían compuesto y que fue producida junto a Mauricio Reginfo, uno de los integrantes del dúo ‘Cali & El Dandee’, en 2015.

Aquella colaboración dio fruto de Disco de Platino y les abrió un contrato discográfico que daría lugar a su primer álbum de estudio, que consolidó su éxito, en parte gracias a “Cómo te atreves” y les valió su primera nominación a un Grammy Latino a Mejor artista nuevo. En varias entrevistas, Morat ha recordado como fueron aquellos momentos tras la salida de la canción:

“Para nosotros fue una locura. Cuando salió ‘Cómo te atreves ya vivíamos en España y esa canción nos cambió la vida por completo, lo que pasó con ella fue completamente imprevisible para nosotros”, recordaba Juan Pablo Isaza, uno de sus vocalistas en una entrevista en Cadena 100, en la que rememoraban su primer gran éxito.

Una canción que, debido a su ritmo y su pegadizo estribillo, y aunque habla del desamor y de cómo esa persona que pensabas olvidada vuelve, el tema ha derivado con los años en un tema que suena en celebraciones: “Se ha vuelto como una canción de fiesta que nosotros tampoco entendemos muy bien. Porque nosotros nunca hicimos ‘Cómo te atreves’ con la intención de que se bailara o con la intención de que fuera una canción de fiesta” comentaban desde el grupo en esa misma entrevista. El éxito de “Cómo te atreves” les abrió las puertas de la industria musical y desde entonces han llegado a colaborar con figuras de la talla de Juanes, Sebastián Yatra o Aitana, que ha ido enriqueciendo su estilo y conectar con nuevos públicos.

La historia de Morat: de tocar en un bar casi sin público a ganar un Grammy

La banda colombiana tiene sus orígenes en Bogotá, donde siendo niños se conocieron y comenzaron a tocar juntos, aunque el momento clave fue 2014. Fue cuando adoptaron el estilo que les ha caracterizado, aunque entonces tenían poca idea de lo que querían, solo tenían claro que querían “sonar distinto y explorar cosas”, como ellos mismos reconocieron en una entrevista en The New York Times en 2021.

Fue entonces cuando Juan Pablo Villamil, el otro vocalista principal, tomó un banjo, un instrumento que no sabía exactamente cómo tocar, pero lo hizo, y de ahí el sonido característico. Aprendió a tocarlo por Youtube, y desde entonces no se ha separado de él. Así, junto a influencias de varios géneros musicales que incluyen desde rock, pop, country, metal o folk-rock y con referentes como Coldplay, Joaquín Sabina o la banda Ekhymosis fueron encontrando su propio sonido.

Y ahí arrancaron tocando en bares de Bogotá, siendo regulares en el local ‘La Tea’, donde se presentaban bajo el nombre de Malta, pues lo de Morat llegaría más tarde, cuando un conflicto de derechos hizo que al firmar con Universal Music tuvieran que cambiar. Optaron por rendir homenaje a la finca a las afueras de la capital de Colombia donde ensayaban y pasaban la mayor parte de sus ratos de juventud.

Luego llegó su primera gran oportunidad cuando llamaron la atención de Paulina Rubio con la canción que estaban componiendo, “Mi nuevo vicio”, y la grabaron juntos. El resto ya es conocido, fue todo un éxito en España, América Latina y Estados Unidos, y el camino lo consolidaron con la salida de “Cómo te atreves”, que fue el primero de sus números uno.

William Orbit, leyenda de la música electrónica, murió el pasado 23 de julio a los 69 años en su domicilio. Así se ha sabido en un comunicado publicado hoy a través de su cuenta de Instagram, donde no se especifica la causa de la muerte. “Estamos profundamente tristes por su fallecimiento”, reza el mensaje publicado en su cuenta. “Le echaremos muchísimo de menos, tanto nosotros como tantas personas a cuya vida llegó a través de su música, su amistad y su generosidad”, añade.

Orbit trabajó con estrellas de la talla de Ricky Martin, U2 y Britney Spears. Sin embargo, fue especialmente reconocido por su trabajo en Ray Of Light de Madonna y 13 de Blur, así como por su hit Pure Shores de All Saints. Ya son muchos los artistas que se están pronunciando tras su muerte. La cantante británica Melanie C, quien trabajó con él en su álbum debut Northern Star, ha contestado al comunicado: “Fue un gran honor haber trabajado con este gran hombre. Les envío todo mi cariño”.

También se ha pronunciado el DJ Ferry Corsten: “Tenía una forma verdaderamente única de ver la música. Nunca siguió el camino obvio. Constantemente desafió las convenciones, abrazó lo inesperado y creó sonidos que parecían adelantados a su tiempo”. “Cada vez que trabajábamos juntos, me sentía inspirado. No solo por su increíble talento, sino también por su curiosidad, su franqueza y la valentía con la que abordaba la creatividad”, ha alegado en una publicación.

“Gracias, William, por tu música, tu visión, tu confianza y tu inspiración. Jugaste un papel mucho más importante en mi trayectoria de lo que probablemente jamás imaginaste. Descansa en paz”, ha añadido Corsten. Asimismo, el DJ turco Erol Alkan también ha rendido homenaje a William Orbit. “Un productor increíble. Hizo muchísimos discos que me encantan. Mis más sinceras condolencias. Que en paz descanse”, ha escrito en redes sociales al poco rato de conocerse la noticia.

Nacido como William Mark Wainwright el 15 de diciembre de 1956 en Londres, Orbit aprendió a tocar la guitarra en su adolescencia, actuando en Londres y París, y posteriormente lanzó música electrónica como parte del trío Torch Song con los músicos y amigos Grant Gilbert y Laurie Mayer. Tras firmar con IRS Records, Orbit pronto comenzaría a trabajar como productor. Entre sus primeros proyectos destaca la banda sonora de la película Youngblood, protagonizada por Rob Lowe y Patrick Swayze.

En 1998, fue productor ejecutivo del álbum de Madonna, Ray of Light. El disco fue aclamado por su fusión de trip-hop y sus influencias electrónicas, ganando tres premios Grammy en 1999. Muchos fans de Madonna lo consideran su obra maestra. Tras su lanzamiento, el álbum debutó en el número 2 de la lista Billboard 200 de Estados Unidos, registrando las mayores ventas en su primera semana por parte de una artista femenina hasta ese momento. El artista seguiría colaborando con Madonna en los álbumes Music y MDNA.

Ese mismo año también transformaría el sonido de Blur colaborando en su disco 13, revolucionando el britpop y orientando a la banda más hacia la música electrónica y el art-rock. Posteriormente, Wainwright colaboró con Britney Spears en su álbum Britney Jean, además de producir la canción de Queen There Must Be More to Life Than This, en la que utiliza grabaciones de archivo de Freddie Mercury y Michael Jackson.

Para tratar de desconectar durante este mes de agosto, nada como dejarse abrazar por una buena canción o perderse en la historia de un libro que enganche. Por eso te traemos algunos de los mejores planes para hacer frente al calor del verano y evadirse de las obligaciones.

Diez planes para el finde, por Elena Cabrera

'Killing Moon' en la playa (A Coruña). El Noroeste pop rock es uno de los festivales más chulos de España, sobre todo porque nos ha permitido ver conciertos maravillosos en la playa de Riazor. En esta ocasión será Echo & The Bunnymen el plato fuerte, quien tocará el sábado 8 de agosto. Pero hay mucho más, este viernes 7 también en la playa tocará Rusowsky. Entre el resto de programación, destacamos la exposición Re Versións en la Casa Museo Casares Quiroga, que reinterpreta la memoria musical coruñesa a través de 30 obras de artistas locales.

Barroco italiano en el castillo de Peralada (Girona). El Festival Castell Peralada (que cumple 40 ediciones) acoge el sábado 8 de agosto un concierto de Jordi Savall y Núria Rial con un programa centrado en el Barroco italiano (Albinoni, Geminiani o Vivaldi). La cantante y el músico estarán acompañados de Les Musiciennes du Concert des Nations, formación inspirada en las instituciones musicales venecianas del siglo XVIII.

Sonorama Ribera (Aranda de Duero, Burgos). Uno de los grandes festivales de agosto está teniendo lugar ahora mismo. Este viernes puedes ver a Depresión Sonora, Niña Polaca o Ladilla Rusa. El sábado, a Ojete Calor, El Mató a Un Policía Motorizado o Xoel López.

Historias de amor en el Castillo del Condestable Dávalos (Arenas de San Pedro, Ávila). El verano es tiempo de ver conciertos nocturnos en castillos. En este, habrá un concierto de dos clásicos del pop español: OBK y La Guardia.

Tributo a los Bridgerton en Sonafilm (Marina Alta, Alicante). El viernes 7 de agosto en la Casa Santonja el Cuarteto de Cuerda Valencia propone un recorrido por algunas de las canciones vinculadas a la serie de televisión, acompañado de una cata de vinos, dentro de este festival dedicado a la música cinematográfica.

Fiestas castizas (Madrid). Han arrancado las fiestas de San Cayetano, San Lorenzo y la Virgen de la Paloma. El sábado 8 de agosto la plaza de Arturo Barea de Lavapiés, acoge el grueso de las fiestas de San Lorenzo, con verbenas, procesión y una batalla de agua. Del domingo 9 recomendamos Bolardo voy, bolardo vengo, la convocatoria de Esta es una plaza para pintar esos chismes grises con los que te tropiezas por las noches en las estrechas aceras de Madrid.

Fotografía en Palafrugell (Baix Empordà, Girona). La Biennal de Fotografia Xavier Miserachs se celebra del 2 de agosto al 18 de octubre, con una exposición de Dorothea Lange, pionera y figura imprescindible en el ámbito de la fotografía documental, y una retrospectiva de Sergio Larrain, primer autor latinoamericano de Magnum, entre otras muestras.

Coque Malla como Mackie Navaja (Sagunto, Valencia). El Teatro Romano de Sagunto acoge el sábado 8 de agosto La ópera de los tres centavos, obra de Bertolt Brecht con música de Kurt Weill, en una versión dirigida por Mario Vega y con dirección musical de Miguel Malla. Coque Malla hace el papel protagonista.

La mayor bandera arcoíris de ganchillo (Cazalegas, Toledo). Tiene 30 metros de longitud y la ha confeccionador una veintena de mujeres de la asociación Entretejiendo Cazalegas. El despliegue del 8 de agosto a las 20:30 vendrá arropado por artistas como La Prohibida Merche, Loles León, Samantha Ballentines, Rocío Saiz, Sofía Coll, Prince Noir y La Mismísima Mackenzie.

Recuperar la memoria de Longás (Zaragoza). Qué bonito es que un pueblo trabaje para que no se pierda su memoria cultural. Longás lo hace con las jornadas Piedra y tiempo, que durante este fin de semana propone la conferencia Y tú, ¿de qué casa eras?, la proyección del documental El horno de Pez en Longás, un paseo guiado por el pueblo, una exposició de fotos antiguas y una merienda intergeneracional y el concierto de Esther Vallejo, cantautora y percusionista aragonesa.

Tres libros, por Andrea Benavent

'El público secreto' de Jon Savage (Liburuak). El mítico historiador del punk británico Jon Savage, en esta edición para fetichistas de los libros, se mete en la historia de la música entre 1955 y 1979 para contar cómo la comunidad LGBTQ+ pasó de los márgenes a moldear, prácticamente, todo lo que escuchamos hoy. De la locura de Little Richard y la estética de David Bowie a Sylvester, este libro es un recorrido por la cultura pop y una reivindicación de los pioneros en romper las reglas.

'Colette' de Antoine Compagnon (Acantilado). Admirada por Simone de Beauvoir y odiada por la Francia más tradicional. Colette fue una absoluta provocadora y gran icono de la expresión de libertad. Utilizó la literatura para destapar las contradicciones de una mujer en el siglo XX. En este libro corto y adictivo, Compagnon desglosa, por primera vez, la vida y la extravagancia de una escritora que convirtió sus dramones (y sus alegrías) en pura historia de la cultura. Una lectura perfecta para desmitificar los clásicos y reírte de la compostura burguesa del siglo XX.

‘Mi niñera de la KGB’ de Laura Ramos (Lumen). Se dice que en todas las familias cuecen habas, en la de la autora había un secreto sobre el que costaba elucubrar porque creció cuidada por una señora entrañable que, en realidad, era una de las agentes secretas más influyentes de la URSS. En plena Segunda Guerra Mundial, la historia de África de las Heras, entre complots políticos y matrimonios de conveniencia, rellena este relato adictivo sobre cómo una gran historia de espías se coló hasta el salón de casa. Para la recomendación de la semana que viene, ya te lo habrás terminado.

Tres películas, por Francisco Gámiz

'El amor que permanece' de Hlynur Pálmason. El aclamado director islandés explora el paulatino fin de una pareja a lo largo de las cuatro estaciones del año. Protagonizada por un marinero y una artista visual que intentan proteger a sus tres hijos en un entorno rural, la película pretende evitar los clichés del melodrama para centrarse en los vaivenes emocionales y el peso de los recuerdos que compartes con otra persona. Ya en cines.

'La ventana abierta' de Ana Graciani. La cineasta española construye un thriller sobre la obsesión y las identidades digitales. La trama sigue a Rubén, un hombre que viaja a un pueblo costero andaluz a ver a Merche, la mujer con la que ha mantenido una intensa relación a través de internet. Al llegar, se encuentra con una comunidad hostil de miradas esquivas, dándose cuenta de que no sabe toda la verdad sobre su romance online. Ya en cines.

'Blue Film' de Elliot Tuttle. Este drama independiente propone un duelo psicológico entre un joven trabajador sexual en internet y un cliente anónimo que resulta ser un antiguo profesor de su pasado. Está rodada casi íntegramente en un único apartamento y aborda temas como el abuso de poder, la pederastia y la moralidad del deseo. Un debut en el largometraje que ha generado debate y mucha polémica por la forma en que se presenta a los personajes sin juzgarlos. La tienes en Filmin.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

La primera canción que vengo a recomendarte para este fin de semana salió hace unos meses, pero se trata del mayor fenómeno country de los últimos tiempos en EEUU y puedes escucharla en nuestra playlist. La joven Ella Langley se ha adjudicado el hit más grande del año con Choosin' Texas, una preciosísima canción que lidera el auge del género en el país norteamericano. Esta semana, hasta cinco temas country encabezan el Hot 100 de Billboard, firmados por la propia Langley, Taylor Swift, Morgan Wallen y Stella Lefty. Nunca había sucedido algo así en la prestigiosa lista de éxitos.

'Choosin' Texas' de Ella Langley. La cantautora ha publicado uno de los discos más importantes del año, Dandelion, donde indudablemente destaca esta canción. “Es de Texas, se le nota en la forma en que baila el two-step por la habitación”, canta la artista en este tema de desamor donde narra la resignación de una mujer al darse cuenta de que el corazón de su pareja siempre perteneció a su estado natal y no al de ella. Sus melodías recuerdan al country más clásico y elegante.

'Leswerk' de Kade Young. Este productor nos sumerge en una propuesta de música de discoteca dentro de su EP Gravity. Con un sonido minimalista, este tema va yendo de menos a más en tanto que va enganchando al oyente. Young es, además, una figura clave en la visibilización de artistas queer y trans en la escena musical de su ciudad, Baltimore.

'Rabia' de Las Nietas del Charli. Las hermanas María y Raquel Rubio han publicado su álbum debut, Un sol dentro, donde juegan con el folk y a ratos con el pop. Esta canción de cinco minutos convierte la indignación en una herramienta política frente al abuso, la censura y el cansancio de la vida acelerada. “Toda esta rabia que llevo dentro podría matar”, canta el dúo. “Mírame e intenta amarme”, sentencia en una de las estrofas.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Tu ciudad en agosto. Una serie de relatos que nos traen escritores que evocan una ciudad en el mes en el que la gente se va. Ilustrados por Eva Vázquez. Comienza Sergio Galarza con Un verano en Moscardó.

Premio Esiner español. Javier Rodríguez ha arrasado en los últimos Eisner del cómic, con su serie de DC sobre un cazamarcianos. Le entrevistamos y le hacemos fotos en Xixón.

Susana Abaitua. La actriz nos concede una entrevista en vídeo en la redacción por el estreno de El último mono, una comedia romántica feminista junto a Juan Dávila. “Nos escuchamos menos”, dice.

Han pasado ocho meses desde el fallecimiento de Jorge Martínez, más conocido como 'Jorge Ilegal', y los músicos de su banda apenas han tenido tiempo para asimilar su muerte, buscar las mejores opciones para rendirle el homenaje que se merece y reorganizar el trabajo que estaban preparando para compartir su legado con los numerosos e incondicionales seguidores que han escuchado sus canciones y han acudido a sus conciertos a lo largo de toda su trayectoria profesional.

Ahora ha llegado el momento de completar la obra en la que estaban inmersos y lo hacen “desde el cariño y el respeto” retomando su idea inicial de reeditar su discografía.

Un proyecto aplazado

Jorge llevaba trabajando en este proyecto desde 2022. El grupo tenía previsto publicar la reedición de Todos están muertos “a finales de 2025 o principios de 2026”, pero la muerte de su líder, a los 70 años, apenas dos meses después de anunciar que suspendía sus conciertos para someterse a tratamiento tras haberle sido diagnosticado un cáncer, impidió que pudiera completarse.

Lejos de desterrar esta idea, sus compañeros decidieron esperar, recomponerse y tirar para adelante. Y es lo que han hecho.

La preventa

La preventa de la reedición de Todos están muertos (Deluxe) arranca este miércoles, día 5, y llegará a las tiendas el 30 de octubre en formatos doble CD, vinilo y vinilo especial en color blanco marfil (edición limitada).

A continuación reproducimos el post con el que el grupo de rock ha anunciado esta reedición en su perfil oficial de X y donde, bajo su nombre, se puede leer el subtítulo: “Reaparece el álbum más crudo del grupo”.

Siguiendo las decisiones de Jorge

El pasado 31 de julio los miembros del grupo explicaban que se habían tomado el tiempo necesario para actuar “con la debida serenidad” y habían decidido retomar aquel trabajo “con cariño y respeto, siguiendo las decisiones que Jorge había tomado”.

Ante las numerosas peticiones que habían recibido de sus seguidores para que la colección de reediciones tuviera continuidad decidieron dar un paso adelante y retomar este proyecto hasta entonces inacabado: “Retomarla significa respetar el trabajo ya realizado y seguir cuidando un legado musical fundamental para la historia del rock español”.

El legado de Jorge 'Ilegal'

Apenas dos días antes agradecían las numerosas muestras de cariño que estaban recibiendo, a través de mensajes, reacciones y vídeos que les llegaban desde ambos lados del Atlántico y se venían a sumar a los actos de homenaje y reconocimiento que se preparaban.

En aquel momento, ellos mismos expresaban cómo se sentían: “El legado de Jorge está en manos de su familia y hemos necesitado tiempo para ordenar las emociones. Como habría dicho él, 'abatidos, pero erguidos', sentimos que es el momento de cuidar este espacio con el respeto que merece y seguir compartiendo su legado como creemos que él lo habría hecho”.

Y dicho y hecho. La reedición de Todos están muertos es la muestra de que la música de Ilegales sigue viva.

El director John Carney hizo las delicias de los amantes de la música y el cine con su película Once (2007), que valió para que su protagonista y compositor, Glen Hansard, acabara ganando el Oscar a Mejor canción original por Falling Slowly, que interpretaba en el filme junto a Marketa Irglová. 19 años después de inmortalizar el tema, el artista ha fallecido en un accidente de moto a los 56 años en Dublín.

La Policía irlandesa informó de la muerte de un hombre tras una colisión en la madrugada del martes al miércoles, en la que se vio involucrado un solo vehículo.

La agencia de representación del cantante, ATC Management, ha emitido un comunicado comunicando el decese. “La familia está profundamente consternada y desconsolada por esta trágica pérdida y solicita respetuosamente privacidad en estos momentos tan difíciles. La familia agradece el apoyo y desea expresar su gratitud a los servicios de emergencia que acudieron al lugar del accidente”, añaden en el texto donde dado que “sigue siendo objeto de una investigación policial en curso”, no van a realizar “más comentarios” por el momento.

El irlandés tardó poco en iniciar su carrera en la música, ya que con trece años abandonó la escuela para empezar a tocar en las calles de Dublín. En 1990 formó su propia manda, The Frames, y terminaría alcanzando la fama como el guitarrista Outspan Foster de la película The Commitments que Alan Parker dirigió en 1992.

Glen Hansard dejó el grupo e inició su trayectoria en solitario con The Swell Season, en el que colaboró con la cantante checa Markéta Irglová. Un año después participaron juntos en el filme Once, en la que él encarnó a un músico callejero y ella a una vendedora ambulante migrante. El personaje de él trabaja en una tienda familiar y por el día aprovecha para tocar canciones conocidas para ganar algo de dinero, pero por las noches opta por su repertorio personal, con canciones en las que habla de un desengaño amoroso.

Su talento no pasa desapercibido para ella, y terminan conociéndose. Con su dueto Falling Slowly, Hansard se hizo con el Oscar a Mejor canción original. Previamente, en su estreno en Sundance, la cinta recibió el Premio del Público.

Más allá de sus composiciones propias, participó con sus versiones de temas como Cry Me a Ryver de Justin Timberlake y Everytime de Britney Spears en los discos de Today FM, Even Better than the Real Thing. También prestó su voz en Los Simpson, interpretando precisamente a un músico callejero irlandés; y compuso cinco discos en solitario: Rhythm and Repose (2012), Didn't He Humble (2015), Between Two Shores (2018), This Wild Willing (2019) y All That Was East is West of Me Now (2023).

En 2012 participó en la banda sonora de Los juegos del hambre con la canción Take the Heartland; y en 2015 en la de El profeta con el tema On Love, junto a Lisa Hannigan. Por delante tenía prevista unagira a partir de septiembre en la que pasaría por Finlandia, Suiza, Noruega, Dinamarca y Alemania. En una de sus últimas publicaciones en redes sociales, compartida este mismo lunes, recordaba su actuación junto a Bruce Springsteen en 2013, en la que interpretaron juntos Drive All Night.

Junto a Bruce Springsteen en su último concierto en el escenario del Madison Square Garden, donde han realizado una residencia que ha sido el regreso de Bon Jovi, después de que Jon Bon Jovi sufriera problemas vocales, que le llevaron a pasar por el quirófano en 2022.

La banda estará de gira y pasará por Europa en ciudades como Dublín o Londres, la oportunidad perfecta para celebrar el 40 aniversario de su primer éxito, que fue escrito en un “desván en el lugar más tóxico del planeta”, usó un ‘sample’ de un tema de Bonnie Tyler y la letra iba dedicada a una famosa actriz. Hablamos de ‘You Give Love a Bad Name’.

La historia detrás del primer gran éxito de Bon Jovi

Hace cuatro décadas cuando la banda Bon Jovi alcanzaba el éxito a finales de 1986 con una canción que se había publicado el 23 de julio como single del álbum ‘Slippery When Wet’, del que salió también uno de sus temas más famosos, ‘Livin’ on a Prayer’.

Así fue como ‘You Give Love a Bad Name’ llegó al gran público, pero la historia de como se escribió y vio la luz es de lo más interesante y nos lleva hasta los orígenes de la banda. La canción fue compuesta por Jon Bon Jovi y Richie Sambora junto a Desmond Child, en el sótano de la casa de los padres de Sambora. Un lugar que, descrito por el propio Child en una entrevista con la Asociación Internacional de Compositores de Nashville, estaba junto a un “pantano marrón de aspecto mortal. Parecía la Ciudad Esmeralda, como el lugar más tóxico del planeta”, como sacado de ‘El silencio de los Corderos’.

Pero allí fue donde el compositor Desmond Child se reunió con ellos ya con el propósito de escribir un éxito, y la química fue tan instantánea que el proceso fue rápido y en poco tiempo la tenían. Según el escritor, él ya llevaba un título en mente: ‘Le das mala fama al amor’ que se unió a lo que tenía Jon Bon Jovi que era ‘Disparo al corazón y tú tienes la culpa.

“Una de las cosas maravillosas que pueden pasar es entrar en una habitación y conectar al instante con gente que no conoces. Es algo instantáneo. Con Jon Bon Jovi, Richie Sambora y yo, la conexión fue instantánea”, recordaba Child en la mencionada entrevista. Tan buena fue la sintonía que de esa reunión salió otro de los grandes temas de la banda como es ‘Livin’ on a Prayer’, que les llevó varios días de composición.

Con música de Bonnie Tyler y dedicada a Diane Lane

‘You Give Love a Bad Name’ fue lanzada en julio de 1986 fue el 29 de noviembre de 1986 cuando alcanzó el número 1 de la lista Billboard Hot 100 en Estados Unidos, siendo así el primer número uno de la banda, que también logró llegar a la cima en otros países. En 2007, más de veinte años después, volvería a entrar, en el número 29 después de que fuera interpretada en American Idol por Blake Lewis.

Una de las grandes curiosidades de la canción ‘You Give Love a Bad Name’ es que tomó un ‘sample’ de un sencillo de Bonnie Tyler, que la grabó con ‘If You Were a Woman (And I Was a Man)’ con una letra diferente y con Jim Steinman como productor. Pero insatisfechos con el movimiento que se le dio al tema por parte de la discográfica hizo que Desmond Child la reescribiera con otra historia junto a Jon Bon Jovi y Richie Sambora. No fue la única ocasión, pues en 2020 se volvió a usar el ‘sample’ por parte de Ava Max en su ‘Kings & Queens’, por ello Desmond Child aparece como acreditado.

La canción en la versión de Bon Jovi habla de una mujer que ha abandonado a su amante con frases tan dramáticas como “Me has herido profundamente, y tú tienes la culpa, cariño, le das mala fama al amor” o “Me vendes la sonrisa de un ángel, me prometes el cielo, me haces pasar un infierno”, y parece que tenían un nombre al que se dirigían: la actriz Diane Lane.

La historia circuló con rumores durante varios años después de que en el libro del exmánager de giras Rich Bozzett ‘Sex, Drugs and Bon Jovi’ escribiera que la actriz y Jon Bon Jovi salieron durante unos meses en 1985 y lo dejaron cuando la vio de fiesta con Richie Sambora, el guitarrista y compañero de banda. La propia Lane confirmó que salieron cinco meses cuando ella tenía 20 años. El compositor Desmond Child aseguró que ‘You Give Love a Bad Name’ no sería solo para Diane Lane, sino que fue “una amalgama de diferentes personas”.

En el debate de la Ley del Cine, la esperada reforma de una norma que necesita actualizarse y que todavía no ha podido aprobar el gobierno de coalición en todos los años que llevan en el poder, se escucharon cosas muy preocupantes. Vinieron, cómo no, de Vox. El partido de extrema derecha ya había insultado al cine español y sus representantes en muchísimas ocasiones, eso ya no sorprende. Subvencionados es lo mínimo que sale de su boca para referirse a casi todos los representantes del sector.

Pero lo que levantó todas las alarmas fue cómo, de forma abierta, ya dijeron que pretendían quitar “administración y aquellos servicios que no sean esenciales”. Cuando les preguntaron si se referían a hacer lo mismo que ha hecho Milei con Argentina y su instituto del cine, el diputado de Vox en vez de achantarse se envalentonó y dijo que cerrarían el Ministerio de Cultura.

Hemos hablado con periodistas y directores argentinos y da mucha pena, pero sobre todo mucho miedo, ver lo que ha hecho la extrema derecha con el sector del cine. La motosierra ha podado toda una industria que ha dado películas increíbles en las últimas décadas. No se está produciendo cine, sus directores o trabajan con plataformas o directamente no lo hacen. Milei ha cumplido su amenaza de forma impune.

Me sorprende que las palabras del diputado de Vox no hayan tenido casi eco. ¿Nos da igual que se diga abiertamente que esto es lo que se pretende hacer con nuestro cine?, ¿qué tiene que decir el PP ante esta amenaza? Sería el momento de establecer claramente unas líneas rojas sobre las cosas que son intocables. La cultura es una de las primeras que sufre los ataques de la extrema derecha cuando estos tocan el poder. Lo hemos visto en cada ayuntamiento y cada comunidad donde el PP les ha metido en sus gobiernos.

El sector cultural es rico, aporta dinero y valores intangibles que no se pueden medir, pero sobre todo es un sector frágil, al que unas cuantas embestidas y una motosierra bien afilada puede dejar temblando. Duele ver que no hay una posición contundente y clara para defenderlo como sí ha pasado en el pasado en otros países.

Nos da igual el gran momento que vive el cine español, su proyección internacional y la imagen de marca que da de nuestro país. Porque no va de eso, va de vengarse y de acabar contra quien no piensa como ellos. Por eso es importante que se aprueben leyes para protegerlos. Es importante el paso adelante que ha dado el estatuto del artista, y es importante que antes de que acabe la legislatura se apruebe, de una vez, una ley del cine que debe cercar lo logrado estos años antes de que desaparezca.

Tres películas

'El mensaje'. El argentino Iván Fund ganó el Premio del Jurado en el pasado Festival de Berlín con esta delicada y sutil mirada a la crisis económica en Argentina a través de una niña con un don para hablar con los animales muertos. Una road movie sobre la incomunicación y las heridas de la crisis rodada en un precioso blanco y negro.

'Nicky, la aprendiz de bruja'. La resaca de La Odisea todavía se nota, y es que hay pocos estrenos esta semana. Entre lo más interesante está la reposición de la versión restaurada en 4K de una de las primeras obras maestras del estudio Ghibli. Una oportunidad única para verla y emocionarse en pantalla grande con las aventuras de esta pequeña aprendiz de bruja.

'No soy yo'. Menuda maravilla este cortometraje donde el cineasta Leos Carax, responsable de una de las carreras más personales e inclasificables del cine de las últimas décadas, revisa su propia filmografía en un ensayo fílmico hermoso, político y lleno de su personalidad arrolladora. Lo puedes ver en Filmin.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

¿No te pasa que hay discos que no se pueden disfrutar del todo en días calurosos de verano? Es lo que me ha ocurrido a mí con el tercer álbum de Gracie Abrams, Daughter from Hell. La artista, fiel a su intimismo lírico y su minimalista producción, ha firmado un proyecto que grita melancolía y otoño. Compuesto por 16 temas y de casi una hora de duración, Abrams no abandona el estilo relajado que la llevó a la fama y que tan bien le queda en su voz, aunque no todas las canciones se digieren igual de bien. Una que sí destaca sobre el resto es Good Reason, que ya está en nuestra playlist de recomendaciones, donde puedes encontrar también las de semanas anteriores.

'Good Reason' de Gracie Abrams. La joven cantautora estadounidense, que el año pasado visitó España en el Mad Cool y hará lo propio el año que viene en Barcelona, nos abre el corazón en este tema folk-pop. Producida por Aaron Dessner, la canción aborda el dilema de tener que dejar una relación perfecta simplemente porque ya no funciona, deseando tener una excusa real o que la otra persona la trate mal para no sentirse culpable. Es uno de los mejores títulos de su nuevo disco.

'Light The Way' de Leon Bridges. Con trompetas que invitan a salir a bailar, el rey del soul moderno regala el perfecto himno veraniego como adelanto de su próximo álbum, Happiness Anytime. Producido por miembros de la banda británica Jungle, el tema presenta un ritmo optimista que fusiona funk, R&B y sutiles destellos de música africana. A diferencia del proyecto de Gracie Abrams, esta pista sí es perfecta para escuchar bajo el sol en estos días de julio.

'Esquinitas' de Maria Arnal. La artista catalana regresa con una joya sonora que nos reconcilia con el mundo y nos invita a buscar la luz en los días más difíciles. En este nuevo single, Arnal fusiona electrónica con folk experimental para cantar a la esperanza de tiempos mejores. “No hay mal que por bien no venga”, dice la cantante recurriendo a uno de los dichos populares. Maria Arnal visitó a inicios del año pasado la redacción de elDiario.es, donde ya adelantó que estaba trabajando en su primer disco en solitario, AMA, publicado este año. Escúchala.

Tres libros, por Andrea Benavent

'La tarde de un domingo' de Gabriel Lavao Calafell (Talón de Aquiles). En este poemario, Gabriel Lavao Calafell explora la nostalgia, el amor, el paso del tiempo y la intimidad de los momentos cotidianos. El libro supone la carta de presentación de una de las voces emergentes de la poesía y una invitación a descubrir a un nuevo y joven autor. Una lectura para las tardes calurosas, que ojalá fueran infinitas, de vacaciones. Ya puedes encontrarlo en las librerías.

'Cerillas Garibaldi' de Julià Guillamon (Galaxia Gutemberg). Con humor y una buena dosis de ironía, Julià Guillamon reúne una colección de relatos breves que encuentran en el absurdo el mejor detonante para la risa y la reflexión. La IA, los videojuegos, el arte o los asuntos domésticos protagonizan estas historias que, como las cerillas que dan título al libro, saltan al rozar la realidad. Para carcajadas en la playa. Ya disponible en librerías.

'Inventario de lo que queda cuando el bosque arde' de Michele Ruol (Siruela). El autor Michele Ruol propone un retrato del duelo a través de los objetos que permanecen en una casa tras una tragedia. Pasando por cada habitación, el autor recompone la historia de una familia marcada por la pérdida y, con una escritura delicada, toca temas como la culpa, el perdón y la memoria. Puedes hacerte con la obra en las librerías.

Cinco planes para el finde, por Laura G. Higueras

'Música en cada rincón' (Cantabria y Huelva). Esta intervención artística corre a cargo de Suakai, un colectivo que reúne a creadores que comparten una misma manera de sentir y respetar la música: honrando su pasado, mirando al futuro y poniéndola siempre en el centro. Para ello organizan esta iniciativa que recorre la España despoblada en la que 'instalan' la Plaza Suakai, un espacio abierto donde vecinos, visitantes, artesanos y creadores conviven antes del concierto con el que culminan sus jornadas.

Hay actividades como concursos de fotografía y vídeo y 'Voces del territorio', donde se escuchan las historias de quienes habitan en cada lugar. Arrancan el sábado en Pesaguero (Cantabria), el martes 28 estarán en Sanlúcar de Guadiana (Huelva) y más adelante estarán en Patones (Madrid), Castell de Mur (Lleida), Enciso (La Rioja) y Usún (Navarra).

Festival de Teatro de Olite (Navarra). Este festival alcanza este fin de semana su ecuador con teatro, circo y creación comunitaria. Entre las producciones que podréis ver están 'Leonora' en La Cava el viernes, un montaje que propone un acercamiento libre al universo de la artista Leonora Carrington; y 'No mires', también en La Cava, el sábado, un thriller escénico que aborda cuestiones como la culpa, el silencio, el compromiso político y la memoria familiar.

'Enclave de agua' (Soria). Este festival gratuito celebra su 19ª edición uniendo ritmos de blues, soul, funk, rock y afrobeat con la naturaleza y el río Duero. En el cartel de los artistas que podréis disfrutar durante el finde están Tom McGuire & The Brassholes, Judith Hill, London Afrobeat Collective, Shirley avis & The Silverbacks, Juan Zelada, Daniel Nel-Lo y Lion Family Band. Cuenta con actividades paralelas como un mercado de artesanía, talleres y jam sessions.

'Agua' (Avilés). El Centro Niemeyer acoge esta exposición del fotógrafo canadiense Edward Burtynsky, que reúne una selección de impactantes imágenes que exploran la compleja relación entre el ser humano y uno de los recursos más esenciales del planeta, el agua. El artista ha atravesado los cinco continentes para documentar paisajes y escenarios donde el agua es protagonista de historias de transformación, tensión y fragilidad. Desde vastas estructuras hidráulicas hasta explotaciones industriales, pasando por deltas, glaciares y zonas afectadas por la sequía, Burtynsky sitúa al público frente a realidades al límite, revestidas de un poderoso encanto visual.

'Un tema Al Día, ¡en el teatro!' (Madrid). Ojito con este planazo para el que por desgracia todavía quedan unos meses, pero apuntaros ya el próximo 3 de octubre en vuestros calendarios. Y no solo porque sea mi cumpleaños (que evidentemente es un evento importantísimo ;), sino porque los compañeros de nuestro maravilloso podcast diario (que si no escucháis cada mañana, deberíais empezar a hacerlo también ya) van a hacer un episodio especial, en directo, en el Teatro Lope de Vega (sí, el mismo que donde representan El Rey León, nivelazo). Podéis conseguir las entradas en este enlace, ¡aprovechad que todavía quedan!

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Lo que Nolan no muestra. Todo el mundo habla de La Odisea. Nosotros también. En este artículo de The Guardian analizan todo lo que la película ha cambiado, omitido, o inventado respecto a la obra original.

Un festival modélico, al límite. No conocía el Dansàneu, uno de esos pocos festivales que no apuestan solo por el dinero, sino por aportar algo a la localidad que lo acoge y a la industria cultural. Puede que sea su último año.

Lo que realmente da miedo. La literatura siempre está atenta a lo que nos asusta. Desde siempre, pero ahora más, el miedo a no tener un techo es uno de nuestros grandes temores. Mucho más que cualquier espíritu.

España celebró por todo lo alto la conquista del Mundial. Dos millones de personas, según datos de la Delegación de Gobierno, siguieron el recorrido de la selección española por las calles de Madrid para festejar el título, el segundo tras el conquistado en Sudáfrica 2010. Ambos resueltos en la prórroga, gracias a los goles de Andrés Iniesta y de Ferran Torres en esta ocasión. Dos tantos que ya son historia del fútbol español.

La celebración terminó por todo lo alto en la Plaza de Cibeles y el momento culmen llegó con la aparición de los futbolistas, que se plantaron en el escenario con una canción elegida por ellos mismos. Una elección que dejó una mezcla curiosa, con temas clásicos como Mi gran noche de Rafael y éxitos más internacionales como Freed From Desire o NUEVAYoL de Bad Bunny.

Otros futbolistas escogieron temas de artistas nacionales como Estopa o Quevedo y su Ni borracho, un canto a las Islas Canarias. Precisamente fue un canario quien eligió el tema para subir al escenario instalado en la Plaza de Cibeles, Pedri Gonzalez.

Las canciones de la selección española en Cibeles

El primero en salir al escenario fue el guardameta David Raya, que escogió Vientos de tormenta de Estopa. Menos conocida fue la canción elegida por el defensa del Atlético de Madrid, Marc Pubill. En su caso, el catalán hizo sonar Baby Lover de Ñengo Flow. Alex Grimaldo también apostó por un tema movido: Dichavate de Rey Tony, Helabusador y Ya Ice Dilan.

El azulgrana Eric García subió al escenario con el éxito internacional Empire State Of Mind de Jay-Z, seguramente un guiño a Nueva York, la ciudad donde terminaron conquistando la Copa del Mundo. Con esa idea fueron también Gavi y Dani Olmo. Ellos saludaron al público al ritmo de NUEVAYoL de Bad Bunny. Pedri se decantó por un artista canario: Quevedo y su Ni borracho. Mismo caso que Yeremi Pino con Algo va a pasar, mismo artista.

El andaluz Fabián Ruiz eligió Como si fueras a morir mañana de Leiva, una canción que ha acompañado a la selección en su recorrido mundialista, usado por RTVE en anuncios y utilizado incluso en las narraciones de Juan Carlos Rivero en La 1.

Otros se fueron a los clásicos. Fue el caso de Pau Cubarsí, que sorprendió eligiendo Mi gran noche de Rafael. En el caso del defensa del Atlético de Madrid, Marcos Llorente, optó por Soy un Truhán, Soy un Señor de Julio Iglesias. Mismo artista para el seleccionador Luis de la Fuente. En su caso, saludó a los aficionados con Quijote sonando de fondo. Pedro Porro se inclinó por Pa Madrid de El Barrio y Álex Baena escogió El último día de nuestras vidas de otro artista español, Dani Martín. En el caso de Joan García, su elección fue Soldadito marinero de Fito y Fitipaldis.

El ritmo lo pusieron Aymeric Laporte con Pilé, de Mauvais. También el delantero culé Lamine Yamal con ¿Y qué fue? de Don Miguelo o Nico Williams, que hizo sonar Ela ké Leitada de MC GW. Unai Simón puso al público a bailar al ritmo de El bachatón de la L, Lola Índigo y Lucho RK.

Borja Iglesias destacó por su elección, con un tema de Violadores del verso (Cantando). El goleador Ferran Torres hizo honor a su apodo con El tiburón de Proyecto Uno. Marc Cucurella eligió Malbec, un éxito de Bizarrap y Duki. En el caso del capitán Rodrigo Hernández, su elección fue Freed from desire.

Por su parte, Martín Zubimendi hizo que la selección viajase por unos minutos hasta Sudáfrica 2010 con el Waka Waka de Shakira, artista que parece haberse vuelto talismán en los triunfos mundialistas de la selección. Mikel Merino eligió un tema emotivo como Alice Them, de Danny Elfman. También sonaron otros hits escuchados durante la pasada Eurocopa, porque Mikel Oyarzabal no se olvidó de Potra salvaje de Isabel Aaiún.

Me parece increíble la que se ha formado porque Christopher Nolan ha decidido darle el personaje de Helena de Troya a una actriz negra en su adaptación de La Odisea. Una Lupita Nyong’o que, además, está increíble en su papel. Bueno, habría que decir mejor ‘la que han formado’, porque el ruido viene de un sitio muy concreto, una derecha principalmente constituida por hombres blancos que sacan a pasear su racismo cada vez que tienen la oportunidad.

Con Elon Musk a la cabeza, la caterva de haters han inundado con su violencia digital y verbal las redes sociales. Primero fueron a por el tráiler de YouTube, intentando crear la sensación de que no había interés por la película, y luego a por cada crítico que ha alabado el filme de Nolan. Pasen por las redes sociales de elDiario.es para ver los insultos que nos dedican (especialmente al que esto escribe) por decir que es una excelente película y que respeta la narrativa de la obra original.

Todo por una actriz negra. Porque por mucho que lo quieran vestir con el término ‘fidelidad histórica’, lo que realmente muestran es un racismo terrorífico. Es inexplicable que en 2026 haya gente que no soporte que en una adaptación de una novela se haga lo que uno quiera. Los propios traductores e historiadores de La Odisea ya han dicho que eso de la fidelidad en una obra que no es histórica, sino pura ficción, es una tontería. Helena de Troya nace, según el mito, de un huevo que salió cuando Zeus se convirtió en cisne para engañar a Leda. Busquen la fidelidad histórica.

Esa fidelidad no les ha importado a la hora de que la película sea en inglés y con actores ingleses y de orígenes que no tienen nada que ver con Homero. Pero misteriosamente sí les ha molestado con Helena de Troya. Qué curioso. Tan curioso como que esto sea lo mismo que ocurrió previamente con la versión de acción real de La sirenita, donde el sector conservador hirvió porque contrataron una actriz negra. Según ellos, imagino que esperaban que hubieran contratado a una mujer con cola de pez en vez de piernas para ser lo más fieles al relato original.

Los mismos que no quieren una Helena de Troya negra son los mismos que no disfrutan con Lamine Yamal en la selección española o los que creen que en la selección francesa no hay realmente franceses porque muchos de los jugadores son negros. El racismo es racismo, lo disfracen como lo disfracen. Así que gracias a Nolan y su Odisea, y gracias a Lamine Yamal, porque se han convertido en detectores automáticos de racistas. El resto seguiremos disfrutando de ellos.

Tres películas

Ciclo de Maurice Pialat. El año pasado tuvimos la suerte de que la distribuidora Atalante nos descubriera a un cineasta descomunal llamado Maurice Pialat. Ahora es Filmin quien incluye en su catálogo la obra del director francés, y lo hace —de la mano de Atalante— con un regalo increíble, su serie inédita La casa del bosque que es una delicia. No os perdáis toda su filmografía.

'La Odisea'. La hemos dedicado ya una crítica muy positiva y hemos hablado de ella en la introducción de este boletín, pero es que la adaptación del clásico de Homero que ha hecho Christopher Nolan merece mucho la pena y va a dar mucho que hablar. Una maravilla que respeta las aventuras del relato clásico y las dota del estilo Nolaniano y una reflexión sobre nuestro presente.

'Omaha'. Y terminamos con una joyita indie que ha dirigido Cole Webley y que va a hacer llorar a todo el que la vea. Una mirada íntima a la crisis y sus consecuencias en forma de road movie. Dura y conmovedora, y con un John Magaro que demuestra otra vez que es un actor estupendo que merece muchas más oportunidades.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

A inicios de año, cuando recopilamos en elDiario.es la música más esperada de este 2026, cuatro nombres copaban todas las expectativas: BTS, Olivia Rodrigo, Harry Styles y Beyoncé. Hoy, cuando alcanzamos la mitad del año, podemos decir que todos han cumplido publicando discos o canciones. Solo faltaba Beyoncé, pero la artista ha frenado su sequía con un tema que ya puedes escuchar en nuestra playlist, donde están también las recomendaciones de las semanas anteriores.

'Morning Dew (Donk)' de Beyoncé. La primera canción de la artista desde su aclamado Cowboy Carter, que ganó el Grammy a Álbum del Año, es un sensual tema de R&B que celebrará los veinte años de su mítico disco B'Day. La pista formará parte de una reedición conmemorativa del álbum y recupera el sonido de esta etapa de la cantante, por lo que hay mucha, mucha nostalgia. Aun así, todavía habrá que esperar para su ansiado proyecto “Act III”.

'Tragedia' de Marta Sango. En el panorama español, la artista andaluza prepara el lanzamiento de su álbum debut con este segundo adelanto. Arropándose en sintetizadores y guitarras, el tema envuelve la frustración y la decepción de una relación llena de promesas sin cumplir y excusas bajo una melodía principalmente electrónica.

'In The Stars' de The Rolling Stones. La legendaria banda está de vuelta con un temazo de pop-rock que nos lleva al sonido clásico del grupo a principios de los 80. Menos de tres años después de que los Rolling Stones publicaran Hackney Diamonds, Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood se han vuelto a reunir con el productor Andrew Watt para hacer 14 nuevas canciones que componen Foreign Tongues, su nuevo álbum. Esta canción es la carta de presentación y lo mejor es su adictivo estribillo.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'Huellas en los fiordos (Hildur 1)' de Satu Rämö (Salamandra Black). Esta novela se une al fenómeno del nordic blue, una variante del thriller nórdico mucho más atmosférica y humana. Ambientada en Islandia, la historia sigue a la inspectora Hildur Rúnarsdóttir, quien debe resolver una serie de crímenes mientras lidia con un doloroso trauma familiar que combate surfeando en aguas gélidas. Ya disponible en librerías.

'Inducción por shock' de Chuck Palahniuk (Random House). El autor de El club de la lucha regresa con una sátira distópica que pone el foco en el elitismo y la mercantilización del talento joven. En un reputado instituto, las mentes más brillantes desaparecen una tras otra en extraños suicidios que ocultan algo mucho peor: la subasta de sus vidas al mejor postor corporativo. Con su habitual humor negro, Palahniuk hace una crítica al privilegio. El libro ya está en las librerías.

'Odisea' de Milo Manara (Lumen). Esta semana hemos podido conocer las impresiones de mi compañero Javier Zurro sobre La Odisea, la adaptación de Christopher Nolan sobre este célebre clásico. Si queremos ir calentando motores antes de su estreno, Manara publica esta novela gráfica sobre la mítica epopeya de Ulises que, en lugar de relatarla desde la perspectiva del propio héroe, la relata a través de la mirada expectante de su hijo Telémaco. Ya en librerías.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Festival de Teatro Clásico de Peñíscola (Castellón). Esta semana podéis disfrutar todavía de este festival, en el que se representarán La trova de Buena Saña, Doña Rosita la soltera, La dama boba y Don Juan en los infiernos. El Patio de Armas y los Jardines del Castillo acogerán los espectáculos que recorren el legado de Lope de Vega, Federico García Lorca y Molière, además de reivindicar la tradición del teatro popular. El evento incluye también un Taller de Periodismo Cultural impartido por Pepe Monleón.

Tüpitanga Fest (Deleitosa, Cáceres). ¡Ojo a este festival gratuito! Música, tradición, cultura y risas se unen este finde en este evento que incluirá bailes populares, tapeo, productos artesanos durante el día; y bien de rock, punk, versiones, bandas tributos, grupos emergentes extremeños y nuevos talentos por en cuanto empieza a bajar el sol. Tienen hasta un concurso de bandas. Kamikazes, Periferia, Kalerizo, Deklibe, Awakate, Divina Papaya y Pedrá son algunas de los protagonistas de su cartel.

Torrezno Music Festival (Ágreda, Soria). Vamos con otro festival, también muy metido dentro de la naturaleza, en el que el alimento para recargar energías y bailar hasta el amanecer no es otro que el auténtico torrezno soriano. Su cartel propone desde rock a electrónica, con nombres como Guaraná, Lorca, DJ Mech-On, Linaje y tributos a Héroes del Silencio (Héroes, el culto) y Extremoduro (AMA).

Juana Cima. Una mirada disidente (Vitoria). El Artium Museoa, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, acoge hasta finales de agosto esta exposición que recorre la obra de esta artista cubana. Una intersección entre su memoria del Caribe, su formación en el contexto vasco y su espiritualidad exploratoria que, desde finales de los años setenta, anticipa debates sobre identidad, ecología y género.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

ERE en Ubisoft. 51 personas han sido despedidas de la sede de Barcelona de una de las empresas de videojuegos más importantes del mundo. Sus trabajadores han iniciado una huelga para protestar.

'Te hice dios'. Apuntad el nombre de este libro y el de su autor, Marcos Augusto, porque va a ser uno de los que van a dar mucho que hablar con esta provocadora novela sobre sida, relaciones y los límites de la pasión.

Campamentos musicales. Los catálogos de los artistas dan mucho dinero, y todo el mundo quiere firmar canciones. La última moda es realizar campamentos para encontrar grandes éxitos.