España celebró por todo lo alto la conquista del Mundial. Dos millones de personas, según datos de la Delegación de Gobierno, siguieron el recorrido de la selección española por las calles de Madrid para festejar el título, el segundo tras el conquistado en Sudáfrica 2010. Ambos resueltos en la prórroga, gracias a los goles de Andrés Iniesta y de Ferran Torres en esta ocasión. Dos tantos que ya son historia del fútbol español.

La celebración terminó por todo lo alto en la Plaza de Cibeles y el momento culmen llegó con la aparición de los futbolistas, que se plantaron en el escenario con una canción elegida por ellos mismos. Una elección que dejó una mezcla curiosa, con temas clásicos como Mi gran noche de Rafael y éxitos más internacionales como Freed From Desire o NUEVAYoL de Bad Bunny.

Otros futbolistas escogieron temas de artistas nacionales como Estopa o Quevedo y su Ni borracho, un canto a las Islas Canarias. Precisamente fue un canario quien eligió el tema para subir al escenario instalado en la Plaza de Cibeles, Pedri Gonzalez.

Las canciones de la selección española en Cibeles

El primero en salir al escenario fue el guardameta David Raya, que escogió Vientos de tormenta de Estopa. Menos conocida fue la canción elegida por el defensa del Atlético de Madrid, Marc Pubill. En su caso, el catalán hizo sonar Baby Lover de Ñengo Flow. Alex Grimaldo también apostó por un tema movido: Dichavate de Rey Tony, Helabusador y Ya Ice Dilan.

El azulgrana Eric García subió al escenario con el éxito internacional Empire State Of Mind de Jay-Z, seguramente un guiño a Nueva York, la ciudad donde terminaron conquistando la Copa del Mundo. Con esa idea fueron también Gavi y Dani Olmo. Ellos saludaron al público al ritmo de NUEVAYoL de Bad Bunny. Pedri se decantó por un artista canario: Quevedo y su Ni borracho. Mismo caso que Yeremi Pino con Algo va a pasar, mismo artista.

El andaluz Fabián Ruiz eligió Como si fueras a morir mañana de Leiva, una canción que ha acompañado a la selección en su recorrido mundialista, usado por RTVE en anuncios y utilizado incluso en las narraciones de Juan Carlos Rivero en La 1.

Otros se fueron a los clásicos. Fue el caso de Pau Cubarsí, que sorprendió eligiendo Mi gran noche de Rafael. En el caso del defensa del Atlético de Madrid, Marcos Llorente, optó por Soy un Truhán, Soy un Señor de Julio Iglesias. Mismo artista para el seleccionador Luis de la Fuente. En su caso, saludó a los aficionados con Quijote sonando de fondo. Pedro Porro se inclinó por Pa Madrid de El Barrio y Álex Baena escogió El último día de nuestras vidas de otro artista español, Dani Martín. En el caso de Joan García, su elección fue Soldadito marinero de Fito y Fitipaldis.

El ritmo lo pusieron Aymeric Laporte con Pilé, de Mauvais. También el delantero culé Lamine Yamal con ¿Y qué fue? de Don Miguelo o Nico Williams, que hizo sonar Ela ké Leitada de MC GW. Unai Simón puso al público a bailar al ritmo de El bachatón de la L, Lola Índigo y Lucho RK.

Borja Iglesias destacó por su elección, con un tema de Violadores del verso (Cantando). El goleador Ferran Torres hizo honor a su apodo con El tiburón de Proyecto Uno. Marc Cucurella eligió Malbec, un éxito de Bizarrap y Duki. En el caso del capitán Rodrigo Hernández, su elección fue Freed from desire.

Por su parte, Martín Zubimendi hizo que la selección viajase por unos minutos hasta Sudáfrica 2010 con el Waka Waka de Shakira, artista que parece haberse vuelto talismán en los triunfos mundialistas de la selección. Mikel Merino eligió un tema emotivo como Alice Them, de Danny Elfman. También sonaron otros hits escuchados durante la pasada Eurocopa, porque Mikel Oyarzabal no se olvidó de Potra salvaje de Isabel Aaiún.

Me parece increíble la que se ha formado porque Christopher Nolan ha decidido darle el personaje de Helena de Troya a una actriz negra en su adaptación de La Odisea. Una Lupita Nyong’o que, además, está increíble en su papel. Bueno, habría que decir mejor ‘la que han formado’, porque el ruido viene de un sitio muy concreto, una derecha principalmente constituida por hombres blancos que sacan a pasear su racismo cada vez que tienen la oportunidad.

Con Elon Musk a la cabeza, la caterva de haters han inundado con su violencia digital y verbal las redes sociales. Primero fueron a por el tráiler de YouTube, intentando crear la sensación de que no había interés por la película, y luego a por cada crítico que ha alabado el filme de Nolan. Pasen por las redes sociales de elDiario.es para ver los insultos que nos dedican (especialmente al que esto escribe) por decir que es una excelente película y que respeta la narrativa de la obra original.

Todo por una actriz negra. Porque por mucho que lo quieran vestir con el término ‘fidelidad histórica’, lo que realmente muestran es un racismo terrorífico. Es inexplicable que en 2026 haya gente que no soporte que en una adaptación de una novela se haga lo que uno quiera. Los propios traductores e historiadores de La Odisea ya han dicho que eso de la fidelidad en una obra que no es histórica, sino pura ficción, es una tontería. Helena de Troya nace, según el mito, de un huevo que salió cuando Zeus se convirtió en cisne para engañar a Leda. Busquen la fidelidad histórica.

Esa fidelidad no les ha importado a la hora de que la película sea en inglés y con actores ingleses y de orígenes que no tienen nada que ver con Homero. Pero misteriosamente sí les ha molestado con Helena de Troya. Qué curioso. Tan curioso como que esto sea lo mismo que ocurrió previamente con la versión de acción real de La sirenita, donde el sector conservador hirvió porque contrataron una actriz negra. Según ellos, imagino que esperaban que hubieran contratado a una mujer con cola de pez en vez de piernas para ser lo más fieles al relato original.

Los mismos que no quieren una Helena de Troya negra son los mismos que no disfrutan con Lamine Yamal en la selección española o los que creen que en la selección francesa no hay realmente franceses porque muchos de los jugadores son negros. El racismo es racismo, lo disfracen como lo disfracen. Así que gracias a Nolan y su Odisea, y gracias a Lamine Yamal, porque se han convertido en detectores automáticos de racistas. El resto seguiremos disfrutando de ellos.

Tres películas

Ciclo de Maurice Pialat. El año pasado tuvimos la suerte de que la distribuidora Atalante nos descubriera a un cineasta descomunal llamado Maurice Pialat. Ahora es Filmin quien incluye en su catálogo la obra del director francés, y lo hace —de la mano de Atalante— con un regalo increíble, su serie inédita La casa del bosque que es una delicia. No os perdáis toda su filmografía.

'La Odisea'. La hemos dedicado ya una crítica muy positiva y hemos hablado de ella en la introducción de este boletín, pero es que la adaptación del clásico de Homero que ha hecho Christopher Nolan merece mucho la pena y va a dar mucho que hablar. Una maravilla que respeta las aventuras del relato clásico y las dota del estilo Nolaniano y una reflexión sobre nuestro presente.

'Omaha'. Y terminamos con una joyita indie que ha dirigido Cole Webley y que va a hacer llorar a todo el que la vea. Una mirada íntima a la crisis y sus consecuencias en forma de road movie. Dura y conmovedora, y con un John Magaro que demuestra otra vez que es un actor estupendo que merece muchas más oportunidades.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

A inicios de año, cuando recopilamos en elDiario.es la música más esperada de este 2026, cuatro nombres copaban todas las expectativas: BTS, Olivia Rodrigo, Harry Styles y Beyoncé. Hoy, cuando alcanzamos la mitad del año, podemos decir que todos han cumplido publicando discos o canciones. Solo faltaba Beyoncé, pero la artista ha frenado su sequía con un tema que ya puedes escuchar en nuestra playlist, donde están también las recomendaciones de las semanas anteriores.

'Morning Dew (Donk)' de Beyoncé. La primera canción de la artista desde su aclamado Cowboy Carter, que ganó el Grammy a Álbum del Año, es un sensual tema de R&B que celebrará los veinte años de su mítico disco B'Day. La pista formará parte de una reedición conmemorativa del álbum y recupera el sonido de esta etapa de la cantante, por lo que hay mucha, mucha nostalgia. Aun así, todavía habrá que esperar para su ansiado proyecto “Act III”.

'Tragedia' de Marta Sango. En el panorama español, la artista andaluza prepara el lanzamiento de su álbum debut con este segundo adelanto. Arropándose en sintetizadores y guitarras, el tema envuelve la frustración y la decepción de una relación llena de promesas sin cumplir y excusas bajo una melodía principalmente electrónica.

'In The Stars' de The Rolling Stones. La legendaria banda está de vuelta con un temazo de pop-rock que nos lleva al sonido clásico del grupo a principios de los 80. Menos de tres años después de que los Rolling Stones publicaran Hackney Diamonds, Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood se han vuelto a reunir con el productor Andrew Watt para hacer 14 nuevas canciones que componen Foreign Tongues, su nuevo álbum. Esta canción es la carta de presentación y lo mejor es su adictivo estribillo.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'Huellas en los fiordos (Hildur 1)' de Satu Rämö (Salamandra Black). Esta novela se une al fenómeno del nordic blue, una variante del thriller nórdico mucho más atmosférica y humana. Ambientada en Islandia, la historia sigue a la inspectora Hildur Rúnarsdóttir, quien debe resolver una serie de crímenes mientras lidia con un doloroso trauma familiar que combate surfeando en aguas gélidas. Ya disponible en librerías.

'Inducción por shock' de Chuck Palahniuk (Random House). El autor de El club de la lucha regresa con una sátira distópica que pone el foco en el elitismo y la mercantilización del talento joven. En un reputado instituto, las mentes más brillantes desaparecen una tras otra en extraños suicidios que ocultan algo mucho peor: la subasta de sus vidas al mejor postor corporativo. Con su habitual humor negro, Palahniuk hace una crítica al privilegio. El libro ya está en las librerías.

'Odisea' de Milo Manara (Lumen). Esta semana hemos podido conocer las impresiones de mi compañero Javier Zurro sobre La Odisea, la adaptación de Christopher Nolan sobre este célebre clásico. Si queremos ir calentando motores antes de su estreno, Manara publica esta novela gráfica sobre la mítica epopeya de Ulises que, en lugar de relatarla desde la perspectiva del propio héroe, la relata a través de la mirada expectante de su hijo Telémaco. Ya en librerías.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Festival de Teatro Clásico de Peñíscola (Castellón). Esta semana podéis disfrutar todavía de este festival, en el que se representarán La trova de Buena Saña, Doña Rosita la soltera, La dama boba y Don Juan en los infiernos. El Patio de Armas y los Jardines del Castillo acogerán los espectáculos que recorren el legado de Lope de Vega, Federico García Lorca y Molière, además de reivindicar la tradición del teatro popular. El evento incluye también un Taller de Periodismo Cultural impartido por Pepe Monleón.

Tüpitanga Fest (Deleitosa, Cáceres). ¡Ojo a este festival gratuito! Música, tradición, cultura y risas se unen este finde en este evento que incluirá bailes populares, tapeo, productos artesanos durante el día; y bien de rock, punk, versiones, bandas tributos, grupos emergentes extremeños y nuevos talentos por en cuanto empieza a bajar el sol. Tienen hasta un concurso de bandas. Kamikazes, Periferia, Kalerizo, Deklibe, Awakate, Divina Papaya y Pedrá son algunas de los protagonistas de su cartel.

Torrezno Music Festival (Ágreda, Soria). Vamos con otro festival, también muy metido dentro de la naturaleza, en el que el alimento para recargar energías y bailar hasta el amanecer no es otro que el auténtico torrezno soriano. Su cartel propone desde rock a electrónica, con nombres como Guaraná, Lorca, DJ Mech-On, Linaje y tributos a Héroes del Silencio (Héroes, el culto) y Extremoduro (AMA).

Juana Cima. Una mirada disidente (Vitoria). El Artium Museoa, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, acoge hasta finales de agosto esta exposición que recorre la obra de esta artista cubana. Una intersección entre su memoria del Caribe, su formación en el contexto vasco y su espiritualidad exploratoria que, desde finales de los años setenta, anticipa debates sobre identidad, ecología y género.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

ERE en Ubisoft. 51 personas han sido despedidas de la sede de Barcelona de una de las empresas de videojuegos más importantes del mundo. Sus trabajadores han iniciado una huelga para protestar.

'Te hice dios'. Apuntad el nombre de este libro y el de su autor, Marcos Augusto, porque va a ser uno de los que van a dar mucho que hablar con esta provocadora novela sobre sida, relaciones y los límites de la pasión.

Campamentos musicales. Los catálogos de los artistas dan mucho dinero, y todo el mundo quiere firmar canciones. La última moda es realizar campamentos para encontrar grandes éxitos.

En un mundo que exige socialmente mostrarse inquebrantable, a veces la verdadera fortaleza reside en poder reclamar el derecho a estar rota, furiosa o confusa. Es un tipo de mentalidad que está siempre merodeando por la música de Pipiolas, una banda que prefiere sacudirse las expectativas ajenas y que canta sin pedir disculpas. Así lo han compartido Paula Reyes y Adriana Ubani este jueves en un encuentro con socias y socios en la redacción de elDiario.es, donde han reivindicado las canciones como un arte que invita a la liberación y que no siempre debe ser un refugio complaciente para quien las escucha.

“Rechazo mucho la poesía relamida porque al final la veo mucho más vacía, lo poético está en la verdad”, ha declarado Reyes. Una verdad por la que Pipiolas ha apostado durante la conversación que ha mantenido con Laura García Higueras, redactora de Cultura. Y, puesto que el dúo no tiene miedo a señalar aquello a lo que se le sigue sin prestar la atención suficiente, ha abordado directamente la dificultad que continúa conllevando ser mujer en el mundo de la música. “Por mucho que se quiera ver que no es así, las mujeres tenemos un techo de cristal en la industria”, ha apuntado la artista.

Con respecto a la cuota que se exige en algunos festivales para asegurar un número determinado de mujeres en el festival, Paula Reyes ha alegado que esta “discriminación positiva” es “lo que hay que hacer”, pero ha optado por poner el foco en el problema sistemática que existe en torno a ello. “Los parámetros que hay hoy en día son estructuras patriarcales educacionales totalmente. No es una cosa de meritocracia”, ha indicado la cantante. “Los gustos son aprendidos y adquiridos. Esto es lo complicado de hacer entender, y la manera de obligar a que encontremos nuestro hueco a partir de cuotas”, ha agregado.

Sin embargo, Adriana Ubani ha puesto el foco en el “arma de doble filo” que suponen las cuotas cuando dejas de ser novedad en la industria como mujer. “Cuando dejas de ser cuota, hay seguramente otra persona a la que pueden utilizar como cuota porque es novedad. Esa discriminación positiva todavía está en que solamente es una cuota y no hay un ejercicio ni una estructura de permanecer en ese espacio que te ha dado la cuota”, ha argumentado la artista. Para ella, esto no soluciona nada de forma permanente: “En muchos espacios te programan por esas razones y, después, si te he visto no me acuerdo. Parece que crean un espacio para gente nueva, pero no hay una estructura que sostenga a las que estuvieron”.

Esta es, además, una conversación que ellas mismas mantienen con otros cantantes del sector. “A nivel interno lo hacemos siempre cuando hablamos con compañeros. No todo se puede reducir a una cuestión de programar a grupos que te gusten y que todos acaben siendo hombres. Hay que pararse a reflexionar de dónde viene esto. Estamos a favor de las cuotas, pero se están empezando a utilizar como un blanqueamiento”, ha reflexionado Paula Reyes. De hecho, no solo es que las mujeres sigan sin haber logrado equidad en los carteles de los festivales, sino que ahora hay una tendencia por parte de grupos masculinos de ponerse nombres femeninos que copan estos carteles.

“No programamos a mujeres, pero un grupo de hombres decide que es lícito ponerse un nombre femenino”, comenta Ubani. “Es como: 'No sé muy bien por dónde va esa narrativa. ¿Es que eres más moderno así? ¿Es que cuela ponerte de cabeza de cartel y que piensen que eres una mujer?'”, ha inquirido la componente de Pipiolas. Reyes, por su lado, ha dicho que les “explota más la cabeza” con las bandas recientes. “Claro que hay grupos que podemos salvar porque cuando se crearon no había esta conciencia, pero ahora, con todo lo que se dice y se señala, no nos entra en la cabeza que haya hombres que decidan coger esos nombres. Esto va en detrimento de ayudar”, ha declarado.

Asimismo, tampoco han podido evitar hacer alusión a las excusas que escuchan por parte de los jefes de festivales. “Te dicen que programan por los números y por lo que vende, pero al grupo de siete tíos que tiene un nombre femenino con 300 oyentes mensuales dudo mucho que lo hayas metido en el cartel por las razones que me estás intentando vender... para no programarnos a muchas mujeres en la industria”, ha contado Adriana Ubani. El dúo, que debutó en 2023 con No hay un Dios, ha publicado este 2026 su disco Pipiolas. Tres años han pasado entre un trabajo y otro, una “factura” que, según alertan, han “tenido que pagar” por haber dejado de ser nuevas en la industria.

“Eres más fácil de olvidar cuando sirves para rellenar un cupo y ya no eres la novedad”, ha apuntado Paula Reyes. “La música necesita pausa y reposar. Fue arriesgado porque éramos nuevas y normalmente se recomienda aprovechar la inercia de un buen comienzo, como fue el nuestro, pero es que no resonaba eso con nosotras. Se han pagado facturas, pero, a partir de ahí, que fuera lo que fuese siempre acorde con nuestra identidad y las decisiones que queríamos tomar”, ha añadido. Ubani ha detallado que “esta generación es la de la inmediatez y estamos acostumbrados a que tres años nos parezcan mucho, pero para la composición de un disco no es tanto”.

En su disco, con temas como No tocar, que han interpretado en la redacción del periódico con unos socios metidísimos de lleno en el concierto, Pipiolas invita a reflexionar sobre la impunidad que existe en los hombres para mirar o incluso tocar a las mujeres ya sea en persona o hasta desde la distancia con mensajes. Hace unos días, el creador de contenido El Xokas acaparó titulares por sus polémicas declaraciones acerca de Ester Expósito en una transmisión en directo en Twitch, afirmando que “no vale la pena” salir con ella “por su pensamiento político”. “Es mejor estar con un 6, te lo aseguro”, expresaba El Xokas, por lo que la canción ha servido para abordar este asunto.

Vivimos en una sociedad en la que las redes sociales tienen tanto valor que cualquier cosa tiene muchísima repercusión

Adriana Ubani — Cantante de Pipiolas

“Qué ganas de que saquen un menú con Ester Expósito”, ha bromeado Adriana Ubani en relación a la colaboración que tenía el creador de contenido con Burger King, que la empresa ha cancelado esta misma tarde por sus declaraciones. “Qué ganas de McDonald's”, ha rematado Reyes. Por su lado, Ubani ha explicado que “vivimos en una sociedad en la que las redes sociales tienen tanto valor y peso que cualquier cosa vuela y tiene muchísima repercusión”. “Al Xokas no lo justifico, es fuerte, pero todo tiene una repercusión que no se puede controlar y que no es la que pretendes que tenga”, ha aludido.

“No considero que sea complicado decir en alto las cosas que decimos porque considero que no decimos las cosas que dice El Xokas”, ha incidido la artista. “Ya me gustaría a mí que dijera algo El Xokas sobre nosotras para devolvérsela”, ha dicho entre risas Paula Reyes. “Pero la mitad de la argumentación que le daríamos no la entendería”, ha sentenciado su compañera. Frente a este tipo de polémicas y las dificultades que hay en la industria musical, la sororidad sigue siendo una de las mejores armas. “Está muy metido en la cabeza esto de que las mujeres nos pisamos”, ha denunciado Ubani para desmentirlo. “Motiva ver a otras mujeres, que se esté empezando a hacer espacio, ha añadido Reyes.

No es fácil ver actuar a Pipiolas. Desde el lanzamiento de su segundo proyecto, muy pocos son los conciertos que han ofrecido. “No nos está disgustando el proceso, pero no solo queremos girar el disco en festivales. Es algo que va a acabar explotando de alguna forma, así que estamos selectivas”, ha reconocido Reyes sobre el auge de estos macroeventos. Por eso, su propuesta en la redacción de elDiario.es, donde también han tocado NaNaNa y Soy una estrella!!!, ha sido única y ha contagiado a los socios. Han sido, como ellas reclaman, escuchadas en vez de consumidas: “La palabra 'consumir' va a favor de reducir lo que se hace a una cosa propiamente de consumo. Al final, no dejamos de ser productos, buscas ser consumido, pero preferimos decir que queremos ser escuchadas”.

Vídeo del encuentro

Podcast del encuentro

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En julio, pero de 1996 hace 30 años, un grupo de cinco chicas británicas se presentaba al mundo con la canción “Wannabe” y un videoclip que se convertiría no solo en su carta de presentación, demostrando su empoderamiento y su lado ‘gamberro’, sino también sería todo un icono de la cultura pop de finales de los 90.

Un videoclip que, sin embargo, tres décadas después forma parte de la historia de la música y que, además, tiene una historia de lo más curiosa que tenía como primera opción la ciudad de Barcelona, pero que no recibió los permisos.

De Barcelona al castillo de Edimburgo: los comienzos del videoclip de “Wannabe”

Las Spice Girls se presentaron con su primer single, “Wannabe”, que se convirtió en un gran éxito y la canción más emblemática de su carrera, y antes de que todo esto sucediera, el grupo preparaba el videoclip de este sencillo, que sería clave para la imagen que querían proyectar en la industria musical. El vídeo fue el primero a nivel musical que rodaba el sueco Johan Camitz, que fue una directa recomendación del manager del grupo, Simon Fuller, que lo había visto en comerciales rodados para marcas como Volkswagen, Diesel o Nike, pero que sería su debut con artistas.

Camitz tuvo como primera idea que se rodara en un edificio ‘exótico’ de Barcelona, que se diera en una toma única, y que una vez tomaran este lugar, ellas se dedicaran a hacer disturbios, demostrando su lado rebelde. Sin embargo, tan solo unos días antes de que comenzara el rodaje, en abril de 1996, recibieron la denegación del permiso por parte del Ayuntamiento de Barcelona.

Así fue cuando el director del videoclip se vio obligado a buscar una nueva localización, que encontraría en un edificio histórico de Londres. A pesar de ello, para la primera versión promocional de lo que sería el lanzamiento del ‘single’ se optó por otro lugar de la historia del Reino Unido: el castillo de Edimburgo, aunque el resultado no fue tan satisfactorio.

Sí que lo fue el video final, que no pudo ser rodado en tan solo una toma, sino que se cortó en dos, y debido a que el grupo tuvo que ensayar varias veces durante la noche lo que iban a hacer durante el vídeo. Se convirtió en todo un éxito e icono, ganando el premio al Mejor Vídeo Dance en los MTV Video Music Awards de 1997, así como fue el Mejor Vídeo en los Comet Media Awards. No pudo ganar su nominación en los BRIT Awards, pero sí se colocó entre los mejores vídeos de pop de todos los tiempos según la lista de Channel 4.

El hotel donde se rodó finalmente “Wannabe”

El edificio histórico que se escogió para rodar finalmente el videoclip de “Wannabe” fue el antiguo Midland Grand Hotel de Londres, el actual St Pancras. Este fue diseñado por Sir George Gilbert Scott en 1876 y reabrió en 2011 después de una importante renovación, aunque los trabajos de estuco, vidrieras y escaleras de mármol siguen siendo elementos originales.

Estas escaleras, uno de lo que es más reconocible en el vídeo de las Spice Girls, se pueden visitar y tomar fotos desde lejos, pero solo los huéspedes del hotel las pueden usar. El ornamentado ha aparecido también en películas como ‘Harry Potter y la cámara secreta’.

En julio de 2018, el fondo Hipgnosis sale a la Bolsa de Londres con 202 millones de libras y una tesis de inversión inédita: las canciones generan ingresos tan previsibles que funcionan como activo financiero; su fundador, Merck Mercuriadis, llega a compararlas con el oro y el petróleo. Ese mismo año, Spotify empieza a mostrar los créditos de cada tema: quién compuso, quién produjo. La canción se revaloriza como activo justo cuando la autoría se convierte en información pública: dos hechos que han cambiado la manera de escribir canciones de pop, del encargo al trabajo colaborativo.

Entre 2020 y 2024 se venden los catálogos de Bob Dylan (Universal, entre 300 y 400 millones de dólares), Bruce Springsteen (Sony, unos 550), David Bowie, Sting, Justin Bieber (Hipgnosis, unos 200) y Queen, cuyo traspaso a Sony por unos 1.270 millones marca el récord histórico. Los compradores pagan en torno a 20 veces los ingresos anuales de cada catálogo, y eso, por supuesto, también cambia la forma de hacer música: “Hace veinte o treinta años muchos artistas pensaban únicamente en vender discos o hacer conciertos. Hoy saben que una canción puede generar ingresos durante décadas a través del streaming, las plataformas digitales, el cine, las series o la publicidad”, explica Luis Gómez Tamayo (Barcelona, 1971), director de Socios de la SGAE.

Más autores por canción

Por un lado, los catálogos van cambiando de mano en mano. Por otro, las canciones acumulan cada vez más autores: un éxito del Top 100 británico llevaba de media 1,7 autores en los años setenta, 2,6 en los noventa y 4,6 en la década de 2010, según la distribuidora iMusician. En España no existe estadística equivalente, pero la SGAE confirma esa orientación, cada vez más creciente, hacia la co-autoría. “Antes era muy habitual que una canción naciera de una sola persona o, como mucho, de un tándem muy clásico: el compositor y el letrista. Hoy el proceso creativo es mucho más abierto y colaborativo”, describe Gómez Tamayo. “No significa que haya desaparecido el autor individual, pero cada vez vemos más obras registradas con cuatro, cinco, seis o incluso más autores”.

El goteo de firmas es consecuencia, por otro lado, de la menor diversificación dentro del proceso creativo: la canción ya no se escribe primero para grabarse después, sino que nace dentro del estudio, siendo muchas veces compuesta y producida al mismo tiempo. “Hace años una canción podía escribirse perfectamente en el salón de una casa con una guitarra. Hoy muchas canciones nacen directamente en un estudio, donde la base rítmica, la producción, los sonidos, las melodías y la interpretación se construyen casi al mismo tiempo”, señala Gómez Tamayo.

Ese cambio no reparte igual el protagonismo en todos los géneros. En la música urbana, el pop o el hip hop, donde la producción es la columna vertebral del tema, el productor pasa a firmar como autor: “Ya no se limita a dar forma al sonido; forma parte de la composición desde el primer momento”, señala Gómez Tamayo. En el cantautor, el rock o la música de raíz, su papel sigue más cerca del arreglo y la grabación, y la autoría se queda en quien escribe la canción. Pero allí donde la producción manda, “la canción deja de ser el resultado de una sola inspiración para convertirse en el resultado de un proceso creativo colectivo”.

La fábrica de canciones reabre como campamento

El campamento de composición es la consecuencia tangible de ese cambio de modelo: un encuentro, que puede durar de tres días a una semana, en un estudio con varias salas, una residencia o un hotel, donde decenas de compositores, productores y artistas rotan por equipos para escribir canciones en serie. “Un camp es un campamento literal que se organiza para componer para equis artista, o un camp rotativo en el que la gente que participa va turnándose para hacer sesiones tanto para otros como para ti misma”, explica la cantante y productora María Blaya (Murcia, 1996), que escribe canciones bajo el nombre artístico de BLAYA, con camps en España y Estocolmo a sus espaldas.

Aunque en España pueda resultar novedoso, la coautoría en serie se remonta a más de un siglo. Entre 1900 y 1970, la industria estadounidense concentró la escritura de canciones en oficinas: primero en el Tin Pan Alley neoyorquino, la calle de las editoriales que despachaban éxitos por encargo; luego en el entorno del Brill Building de Manhattan, donde parejas de autores componían en cubículos con piano; después en Motown, el sello de Detroit que aplicó al soul la cadena de montaje de sus fábricas de coches. El formato se moderniza en los estudios suecos de los años noventa y se populariza a finales de la década de 2000. El caso más citado es el de Rihanna: para Rated R (2009), el sello Def Jam alquiló estudios en Manhattan y reunió a decenas de productores y topliners —los especialistas en melodía vocal y letra— para fabricar el disco en pocos días. El modelo se extiende a los álbumes de Madonna, Taylor Swift o Dua Lipa, y de ahí al K-Pop, que compra canciones nacidas en camps suecos.

“Hasta hace relativamente pocos años, los camps eran algo que aquí veíamos por la prensa”, reconoce Rubén Gutiérrez (Madrid, 1972), director de la Fundación SGAE. Uno de los primeros ensayos en España salió desde su institución: desde 2012, la Fundación organiza laboratorios de creación que reúnen durante varios días a autores emergentes con tutores consolidados. Allí descubren que “el contacto entre los distintos participantes” vale tanto o más que la tutoría, recuerda Gutiérrez, y aquellos laboratorios acabaron funcionando como prototipo local del camp profesional.

Como un sastre

Luis Gómez-Escolar (León, 1949) firma desde los años setenta parte del cancionero popular en español: Fiesta de Raffaella Carrà, Amor de hombre de Mocedades, Maldita primavera, Bailar pegados, María y La copa de la vida de Ricky Martin, versiones para Roxette o Bocelli. “Casi siempre he trabajado por encargo, como un sastre, y he compuesto los temas a medida, procurando conocer previamente al intérprete, charlar con él sobre su vida, sus preocupaciones y esperanzas. Y, por supuesto, intentando ponerme en el papel de su público, que es quien realmente manda”, cuenta. El oficio exigía disciplina: “Supone desprenderse de uno mismo y practicar un constante travestismo de género, nacionalidad, lenguaje e ideología”.

Un camp es un campamento literal que se organiza para componer para un artista, o un camp rotativo en el que la gente que participa va turnándose para hacer sesiones para otros

Gómez-Escolar fecha la transición del modelo a finales de los noventa, trabajando con Draco Rosa para Ricky Martin: recuerda pocos autores por canción en A medio vivir (1995) y en el siguiente disco, “ya éramos tres autores y, en algún caso, cuatro… luego cinco”. El contexto lo explica él mismo: “Era esa la época en la que la piratería y la difusión gratuita de música por la red empezaron a erosionar los pilares tradicionales de la industria”. Los directores artísticos fueron sustituidos por directivos con másteres en marketing y “eso creó un nuevo patrón de composición, más orientado a la música de consumo y evasión social”. Al resultado lo bautiza “la macedonia de autores”.

Autoría, autenticidad y patrimonio

El interés creciente de los intérpretes por figurar entre los autores responde a dos lógicas simultáneas. La cultural: “El artista de hoy quiere sentirse parte de la creación. El público también demanda autenticidad y valora que quien interpreta una canción haya participado en ella”, apunta Gómez Tamayo. Y la económica, que él mismo se niega a esconder: “Hoy vemos operaciones de cientos de millones de euros y eso ha contribuido a que muchos artistas entiendan que sus canciones también forman parte de su patrimonio. Los autores preguntan más, quieren entender mejor qué firman, qué porcentaje les corresponde”. Los créditos visibles en Spotify convierten esa autoría en información comprobable por cualquiera.

En 2021, compositores estadounidenses firmaron The Pact, un manifiesto contra las estrellas que exigen entre el 20% y el 35% de canciones que no han escrito. En los camps, la frontera se negocia caso a caso. Blaya aplica un criterio artesanal: acreditar toda huella real, incluso la guitarra descartada de la primera sesión, pero con un límite: “No vale con estar en la sesión, escuchar y dar opinión, porque eso lo hacemos todas en todo momento, hasta desayunando. Hay que acreditar bien, siendo humanos y sin egos”. La SGAE marca la misma línea roja: “La autoría debe responder a una aportación creativa real. Los derechos de autor protegen precisamente la creatividad”, insiste Gómez Tamayo.

El caso español

#FollowTheSong, el camp de Sony Music Publishing dentro de Primavera Pro, reunió en su primera edición a más de 200 creadores de 18 países, que compusieron más de 175 canciones; Warner organiza el suyo en Madrid con artistas de su plantilla y productores del pop latino. Gutiérrez ve en los camps “una formalización de esas ganas de hacer cosas juntos” de una generación que colabora en lugar de competir. El efecto llega a los premios: M.A.P.S., de Amaia —disco escrito con Irenegarry, Jimena Amarillo o La Bien Querida—, compitió como Canción del Año contra La Perla de Rosalía, firmada con Ryan Tedder, habitual del circuito internacional de campamentos.

Blaya defiende el formato frente a la sospecha de cadena de montaje: “Verdaderamente son espacios muy creativos”, y la industrialización solo aparece “cuando te sientes obligada y empiezas a hacer cosas que no van contigo”. La lectura larga la ofrece Gómez-Escolar, medio siglo de oficio a cuestas: “No es que haya cambiado el mundo de la música… es que ha cambiado el mundo y, naturalmente, con él ha cambiado la música. El compositor de piano, papel y lápiz ha quedado, de momento, para el Museo de Cera”.

Pocas canciones han conectado con el espíritu de su tiempo y lo han llevado más allá, tanto que han quedado asociada a su narrativa. Uno de esos casos es “Space Oddity”, el primer éxito de David Bowie, una de las canciones más singulares y conmovedoras de finales de la década de los 60, y que ha seguido influyendo en la música, versionada en varias ocasiones, una de ellas incluso desde el espacio.

Y es que pocas canciones pueden decir que han contado con una ‘cover’ hecha desde la mismísima Estacion Espacial Internacional, siendo así el primer videoclip rodado en el espacio. Un hecho que cerró un círculo teniendo en cuenta que el tema había captado el espíritu de la llegada a la luna de ese mismo 1969.

Inspirada en ‘2001: Una odisea del espacio’ de Kubrick

La década de los 60 tuvo varios elementos que la caracterizaron, y uno de ellos fue el de los viajes al espacio, con el hito de la llegada del hombre a la Luna como uno de los acontecimientos principales que hubo para la posteridad. “Space Oddity” fue la canción que mejor capturó este aspecto, aunque la inspiración la tomó de la ficción.

Y es que el que fue el primer gran éxito de David Bowie nació en la cabeza del artista británico después de haber visto “2001: Una odisea del espacio” en los cines, aunque no la escribiría hasta seis meses después de haber visto la película de Stanley Kubrick. Directamente, el personaje del tema fue basado en el Dr. David Bowman, al que dio vida Keir Dullea. Una vez la compuso, el entonces representante de Bowie, contó que la primera vez que la escuchó supo que “había creado algo especial”: “Que se trataba de una canción inusualmente ingeniosa quedó claro desde la primera escucha”, aseguró en su libro Bowie: The Pitt Report.

El tema iba a formar parte en un principio de un cortometraje, pero al cancelarse, Bowie grabó varias versiones demo de la canción para intentar lograr un contrato discográfico, algo que logró y que llevó a grabar la última versión, que fue su primer gran éxito, con Gus Dudgeon, que era entonces productor de Elton John.

La banda sonora de la llegada a la Luna

El sencillo se grabó el 20 de junio de 1969, pero no se publicaría hasta el 11 de julio de ese mismo año, justo cinco días antes del inicio de la misión lunar del Apolo 11, nueve días antes de que se produjera la llegada a la luna. Esto, sin embargo, hizo que las emisoras de radio no quisieran reproducirla hasta que la tripulación, con Neil Armstrong y Buzz Aldrin en cabeza, volviera sana y salva a la Tierra.

Pero la BBC, en su emisión de la cobertura de la llegada del hombre a la Luna sí que usó “Space Oddity”, lo que hizo que se creara una conexión directa entre el acontecimiento y la canción. “Estoy seguro de que no estaban prestando atención a la letra. Por supuesto, me alegró muchísimo que sí lo hicieran”, aseguró Bowie más tarde sobre este hecho.

Más allá del éxito, David Bowie volvió a revivir al personaje de Mayor Tom en trabajos posteriores, como en “Ashes to Ashes”, que fue publicada más de diez años después, en 1980, y que se vio como una secuela, en la que vuelve a contactar con la Tierra. La influencia del tema le ha llevado a ser una de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Tuvo una cover desde la estación espacial

En el 44 aniversario de su lanzamiento, recibió un bonito homenaje desde la propia Estación Espacial Internacional, por parte del astronauta canadiense Chris Hadfield, lo que la convirtió en el primer videoclip filmado en el espacio. Sin embargo, el video tuvo problemas debido a los derechos de la canción.

El propio David Bowie la vio como “la versión más acertada y mejor creada jamás”, y logró ayudar a Hadfield para que el video de “Space Oddity” desde el espacio no fuera retirado de la web.

Una miniván avanza por las desordenadas calles de la ciudad de Davao, en el sur de Filipinas. Al volante va Sherwin Tuna, que recorre el territorio polvoriento y ruidoso donde comenzó a hacer música, en tanto que su compañero de viaje, su representante e investigador Jorge Juan B. Wieneke, contempla cómo la vida de los barrios más humildes pasa zumbando ante sus ojos. Viajan rumbo a las playas de Mabini, donde les espera un festival masivo, pero lo que importa es lo que se escuchan durante el viaje. Se trata, en realidad, del portal de entrada al universo del budots, un género musical que nació en estos mismos suburbios marginados y que ha terminado explotando como uno de los grandes fenómenos de TikTok.

En ese simple trayecto con las ventanillas bajadas, ya se cruzan con el estilo callejero y casi espontáneo que caracteriza el budots. Ya sea que escuches el sonido de la bocina de un coche, las voces de vendedores ambulantes o los silbidos típicos que caracterizan el ambiente de cualquier ciudad, cualquier elemento cotidiano puede acabar en una de las canciones de este género. Sherwin Tuna lo sabe mejor que nadie: conocido artísticamente como DJ Love, es el gran pionero del budots. Dio vida a esta música en su modesto cibercafé, donde experimentaba en su ordenador con ritmos acelerados que encajaran con los bailes que veía en su vecindario.

Estos bailes se observaban en las zonas de gran pobreza de Davao. Allí, la palabra budots se usaba para describir a una persona “vaga” que pasaba el día sin hacer nada. Eran personas, en su mayoría adolescentes sin hogar, que consumían pegamento industrial barato para intentar olvidar el hambre y sus problemas familiares. Estos muchachos eran llamados popularmente rugby boys por la marca de pegamento que utilizaban y, para camuflar su consumo de drogas ante la gente o la policía, recurrían a estos bailes a los que se les empezó a poner melodía. “El budots se convirtió en una herramienta para el bien social de forma natural, no por decisión deliberada”, explica DJ Love a elDiario.es.

“Para las personas que vivían con esa etiqueta, esta nunca reflejó la realidad. El budots surgió del aburrimiento, la curiosidad y la supervivencia cotidiana”, añade el artista que reflexiona que, “a través de la música, ese significado cambió”. “Lo que antes se menospreciaba se convirtió en una fuente de orgullo, alegría y conexión”, cuenta. Tanto es así que, cuando suena la música, la gente se reúne, los jóvenes bailan, experimentan con la mesa de mezclas o ayudan a montar equipos de sonido. DJ Love argumenta que “les dio algo a lo que pertenecer, algo creativo en lo que centrarse en lugar de verse arrastrados a meterse en líos”: “La música se convirtió en un camino alternativo”.

El ruido cotidiano y los sonidos de la calle incorporados en los temas nunca se añadieron a propósito, pues “simplemente estaban ahí” cuando DJ Love se puso a crear estas canciones a inicios de siglo. “El budots no intenta escapar de su entorno, sino que lo refleja”, comenta el pionero. “Con el tiempo, pasaron a formar parte de la identidad de la música. La densa vida de los barangays [la división territorial y administrativa más pequeña de Filipinas, equivalente a lo que en otros países conocemos como un barrio o una aldea] es ruidosa, comunitaria, repetitiva y compartida, y la música es un reflejo de esa realidad”, detalla.

De esta manera, el género budots conecta directamente con aquellos que no tienen recursos. “Lo que hace que sea tan poderoso es su conexión con la clase trabajadora y los pobres, no como público, sino como su fuente. No habla de ellos, sino con ellos. Por eso resuena con tanta fuerza y sigue llegando mucho más allá de donde comenzó”, celebra DJ Love. Es algo que sostiene Jorge Juan B. Wieneke, representante del artista. “Es una música que no requiere formación académica, gustos elitistas ni infraestructuras costosas para ser sentida o para participar en ella”, alega el investigador.

Una liberación mucho más que física

Wieneke afirma que, para muchas personas que viven en condiciones precarias, el budots “ofrece una liberación emocional y física directa, comunitaria y sin pretensiones”. “Surge de los espacios cotidianos, del software pirata, de los estudios caseros improvisados, de la difusión por bluetooth, de las fiestas callejeras, de los mercados públicos, de los cibercafés y de los equipos de sonido montados con lo que haya a mano”, expone el agente de DJ Love a elDiario.es, aseverando que “es música de baile creada a partir de la limitación, pero que transforma esa limitación en placer, humor, movimiento y presencia”.

Lo que llamó la atención de Wieneke fue, precisamente, lo autosuficiente y descaradamente local que era la escena. “El trabajo de DJ Love no parecía tanto una imitación como una documentación de la realidad vivida”, asegura. Aun así, esta música fue considerada de mal gusto durante mucho tiempo. Las canciones se propagaban de forma lenta y muy rudimentaria, compartiéndose de teléfono a teléfono mediante conexiones bluetooth de baja calidad. Sin embargo, todo este aislamiento cambió radicalmente con la llegada de las redes sociales y la expansión de la conexión de internet móvil barata en las islas.

La viralización del género

El budots encontró en la plataforma TikTok el trampolín perfecto para darse a conocer ante millones de personas gracias a la sencillez de su ritmo y el enfoque divertido de sus coreografías. Varios temas se han convertido en la banda sonora de infinidad de vídeos virales en todo el planeta. Entre ellos destaca la clásica canción TiwTiw de DJ Love, que se ha coronado como un himno fundamental del género. Por otro lado, el remix Paro Paro G del productor DJ Sandy alcanzó la fama gracias a un baile colectivo que fue imitado incluso por las celebridades más famosas de la televisión filipina.

“A medida que el budots llega a un público global, proteger la propiedad intelectual y el trabajo de Sherwin es una prioridad. Esto implica acuerdos claros, licencias adecuadas y garantizar que los colaboradores entiendan que esta música es una obra cultural, no contenido gratuito o desechable”, defiende Wieneke. “La protección no es solo legal; es ética. Equilibrar la visibilidad global con la autenticidad significa negarse a suavizar las asperezas. No intentamos hacer que budots resulte más 'agradable'. Su carácter local es precisamente la razón por la que conecta a nivel internacional. El objetivo no es exportar un producto, sino invitar a la gente a adentrarse en su contexto”, agrega.

Algunas de las artistas más importantes del momento han utilizado este tipo de música para acompañar sus vídeos, como sucedió con Olivia Rodrigo en una de sus publicaciones en TikTok durante su anterior gira. Una canción que no venía de un refinado estudio de Los Ángeles, sino de los callejones más humildes de la ciudad de Davao. Por su parte, DJ Love se propone a seguir llevando él mismo estas canciones a todos los rincones del planeta. “Actuar a nivel internacional ha sido una lección de humildad. Da igual dónde sean los conciertos, ya sea en Europa o en Asia, mantenerse conectado con el hogar es esencial. La música siempre lleva consigo a la comunidad”, concluye.

16 años. Si contamos hacia atrás, 2010. Fue una de las veces que tocó en Madrid una de las bandas de rock más respetadas del género. En aquel entonces, Kings of Leon asaltó el Palacio Vistalegre de la capital; ahora, repite actuación en el Mad Cool frente a decenas de miles de personas. En un rincón del recinto, una de ellas observa emocionada lo que está ocurriendo frente a sus ojos. Está nerviosa, frustrada. Faltan tan solo 10 minutos y la cosa se acaba. Tiene cerca al admirado grupo, que está regalando Manhattan a la multitud, pero tan solo puede ofrecerle sus oídos. Su mirada, en cambio, pertenece a la selección española.

Fue también en 2010 cuando nuestro país ganó su primer Mundial de fútbol. De hecho, la Roja ya tenía su estrella cuando Kings of Leon tocó en el Vistalegre, pues la banda no visitaría la ciudad hasta diciembre y España ganó el torneo tal día como hoy, entrada ya la madrugada del 11 de julio a la hora de escribir estas líneas. El equipo no había alcanzado los cuartos de final del campeonato desde aquella edición, por lo que, 16 años después, hay quien no es capaz de perderse el partido contra Bélgica que decide quién se enfrenta a Francia en semifinales. El Mad Cool, además, lo pone fácil: la enorme pantalla que se cierne en mitad del recinto, utilizada para mostrar los horarios, emite el encuentro.

Los segundos pasan y la selección está a punto de irse a la prórroga. 1-1 al minuto 88, mientras suena Waste a Moment. Sin embargo, aquí nadie parece sentir que esté desperdiciando una entrada. Alrededor de la pantalla, muchísimos aficionados se interesan por el desenlace, tumbados sobre el césped artificial y bebiendo como si el partido fuera lo que les ha traído al festival. La coincidencia del evento con el Mundial hace que el ambiente sea distinto. La ropa, por supuesto, también: fans con la equipación de la Roja —la camiseta blanca parece haber calado bastante— superan en número a aquellos con merchandising de alguno de los artistas del cartel.

Y entonces se desata la locura: Mikel Merino marca el gol que concede la victoria a España, apenas unos minutos antes del tiempo de descuento, y la selección culmina su pase a la siguiente ronda. Cuando el partido acaba, Supersoaker de Kings of Leon pone la banda sonora a la celebración. Pero no es la única. El grupo detiene el concierto, felicita a España por su triunfo en las pantallas y se hace con todo el recinto al cantar su himno Use Somebody. Es un momento de fervor que, aunque suele suceder un poco más al principio de su espectáculo, en este caso se lo reservan justo para el final del España-Bélgica. Incluso Nathan Followill, el baterista, se pone la equipación.

Quizás Kings of Leon alcance a intuir una mínima parte de lo importante que es el fútbol para nuestra sociedad por el hecho de que EEUU esté sirviendo como sede. Aun con todo, lo demuestra sobre el escenario porque parece saber demasiado sobre nuestra cultura. “Una de mis ciudades favoritas del mundo”, dice su líder, Caleb Followill, en alusión a Madrid. Quien sin duda es más discreto es Black Francis, que durante el show no es un hombre de muchas palabras. El pitido inicial del árbitro, precisamente, coincide con su concierto, una fabulosa propuesta de Pixies que devuelve la nostalgia y la sabiduría de la que ya impregnaron el Movistar Arena hace tres años.

Ha habido muchas reuniones musicales recientemente —la jornada del sábado estará protagonizada por Pulp, que se alejó de la industria en 2002—, pero la vuelta de la banda de Boston logra un equilibrio entre pasado y presente que se percibe en su propuesta en el Mad Cool. Casi sin interrupción y confiando en la efectividad de su catálogo, el grupo encadena una veintena de canciones que brillan cada vez que llegan a sus estribillos. Temas como Wave of Mutilation, Vamos o la belleza de Monkey Gone to Heaven evidencian que Pixies no necesita apoyarse en la nostalgia para sonar como una banda vigente sobre las tablas. Aunque qué maravillosa es Isla de Encanta en español... o el clásico Where Is My Mind?.

De una portería a otra

Si te detienes a pensarlo, lo cierto es que un Mundial de fútbol tampoco se diferencia tanto de un festival. Sobre todo, teniendo en cuenta que la FIFA se ha obscecado en la instauración de las pausas de hidratación. Son dos minutos en mitad de cada uno de los dos tiempos que sirve a los jugadores para hablar con el entrenador y beber agua, pero que beneficia todavía más a las televisiones permitiéndoles incorporar segundos publicitarios de oro. Son pausas que observamos constantemente en los macrofestivales: tanto por parte de los artistas durante su concierto, como por los asistentes cuando cambian de un escenario a otro. Hay tantas porterías que, con carteles repletos de nombres que se solapan, uno ya no sabe a cuál mirar.

Una portería dispuesta a no dejar que entre ningún gol es la de Twenty One Pilots. Ya bien entrada la noche en Madrid, el grupo no tiene que hacer frente a ningún partido, pero Tyler Joseph sí que se acuerda: “Felicidades por vuestra victoria”. En su espectáculo no hay lugar para prórrogas o penaltis, tampoco para preocupaciones. La banda se hace con la audiencia al cantar Heathens, un tema que no hay quien no conozca a estas alturas sobre no juzgar a los demás. La versatilidad del dúo de Ohio resulta apabullante: ambos transitan con asombrosa naturalidad entre el hip-hop alternativo, el electropop y el rock.

La puesta en escena no requiere demasiado, pues apuesta por poca iluminación y hace uso de un micrófono fluorescente que sigue la misma atmósfera. No falta su hit Stressed Out para servir como la guinda del pastel, pero por faltar no faltan ni los petardos ni los fuegos artificiales. El concierto deambula de estruendo en estruendo y no permite a nadie quedarse dormido, aunque la música tampoco invita a ello. Más minimalista es el espectáculo de Interpol, que sucede de manera simultánea en el segundo de los escenarios principales. Sumida en un filtro blanco y negro, la banda se anima con canciones nuevas como Wings On Fire.

No obstante, ocurre algo bonito cuando el grupo echa la vista atrás. Una pareja descansa sobre el césped mientras escucha el concierto, que presumiblemente no ve por la infinidad de gente de pie que tiene delante. Sin embargo, en cuanto suena el primer acorde de Evils, la joven no se lo piensa dos veces y se levanta. No contenta con ello, ofrece sus brazos al chico para que se incorpore y no se pierda tampoco el que es uno de los momentos más especiales del show. Ambos disfrutan de la actuación en una escena que genera paz alrededor de tantas personas que utilizan sus móviles para grabar.

Aparte de la presencia de A Perfect Circle, grupo formado por el músico Billy Howerdel y el vocalista de Tool, Maynard James Keenan, que también cuenta en su séquito con James Iha, exguitarrista de The Smashing Pumpkins, la jornada destaca a la revelación Holly Humberstone. Sin apenas música pop en el cartel del viernes, el trabajo de la artista recuerda a la propuesta que ofreció Gracie Abrams hace justo un año, ensalzándola por la sencillez de su actuación, que otorga todo protagonismo a las letras. Más guerrera es Halsey, una “chica en la torre” que puede salvarse ella sola. Tanto, que se encarga de abrir la jornada con un sol que afortunadamente está oculto tras las nubes.

La cantante le echa agallas y hace un concierto reivindicativo que deja una pregunta: ¿por qué la industria se ha olvidado de ella? Halsey grita, domina el escenario y se lo pasa de lujo con el público. “Si estáis cansados ahora, ¿qué coño vais a hacer después?”, bromea refiriéndose a la gente sentada al fondo. “Levanta la mano si eres lesbiana”, dice a continuación para ganarse a su audiencia, que levanta la mano sin pensarlo. Su espectáculo no ignora tácticas cliché, como la que emplea durante la rockera Experiment on Me al invitar a los asistentes a agacharse para levantarse todos juntos durante el último estribillo. Aun así, funciona para abrir un viernes que deja felices a muchos: por lo menos, a los fans de la música y también a los del fútbol.

El 28 de junio de 1996 es el inicio de un fenómeno que se conoció como la ‘Spicemanía’, cuando el grupo femenino de pop Spice Girls conquistó el éxito a nivel mundial gracias al primer sencillo de su álbum debut ‘Spice’, que vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo y que se convirtió así en el single más vendido en la historia por parte de una ‘girlband’.

Hablamos de “Wannabe”, una canción que ha traspasado generaciones y que cumple tres décadas de historia desde que fuera número uno en 37 países, y que no solo lanzó al estrellato al grupo británico de cinco chicas, sino que también consolidó el movimiento ‘girl power’ que redefiniría los últimos años del pop de la década de los 90.

¿Habrá reunión de las Spice Girls por el 30 aniversario? Mel C y Emma responden

Las Spice Girls celebran los 30 años de su primer éxito e himno, “Wannabe”, y en un contexto en el que el efecto nostalgia domina parte de la escena musical son continuos los rumores de un posible reencuentro entre Geri Halliwell, Victoria Beckham, Mel B, Emma Bunton y Mel C, sobre todo con las diferentes reuniones que han protagonizado en los últimos años debido a celebraciones de cumpleaños o aniversarios.

La buena sintonía y relación que han demostrado entre las cinco en los últimos años ha reavivado las reuniones de una gira de reencuentro, sobre todo teniendo en cuenta que la última vez que actuaron todas juntas se dio en los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Y en este sentido, una entrevista conjunta de dos de ellas, Emma y Mel C, no ha hecho más que añadir optimismo sobre que esto vuelva a suceder. “No puedo pensar ahora mismo nada mejor en el mundo que el que haya una reunión de las Spice Girls”, aseguró la primera de ellas en una entrevista de radio, en iHeart, en Reino Unido, junto a su compañera, que contestó en la misma sintonía: “Sería tan bonito, manifestémoslo, digámoslo en alto”.

Mel C, una de las integrantes de las Spice Girls que más activa está en el mundo de la música y que ha mantenido una carrera más longeva, ha sido una de las que más ha manifestado en público su deseo de reunirse con sus compañeras en el grupo: “Es solo encontrar el buen momento, y nosotras sentimos que ahora es el momento perfecto, tenemos también que contar con las demás, pero hemos pasado por mucho como grupo de personas que somos, y ha habido altibajos, pero pienso que ahora que somos más mayores, y que celebramos los 30 años de nuestro primer éxito, creo que nos tenemos mucho amor y respeto entre nosotras”, afirmó.

Emma Bunton compartió el positivismo y las ganas de hacer realidad el deseo de un reencuentro de Spice Girls en la entrevista de radio, aunque matizó que no solo depende de ellas: “Como dices, es encontrar el momento perfecto, y es algo que siempre se nos pregunta, pero creo que como hemos hecho en otras ocasiones, es algo que cuando las estrellas se alineen se crea la magia y sucede”.

El fenómeno Spice Girls: menos de un lustro, pero marcó a una generación

La historia de las Spice Girls trasciende más allá de lo que fueron como grupo a nivel musical. Y es que desde que lanzó su primer sencillo y obtuvieron gran éxito hasta que se separaron y dejaron de hacer nueva música junta pasaron menos de cinco años, pero que fueron tan intensos que generaron un fenómeno irrepetible y marcarían a toda una generación, tanto que han conseguido trascender a las nuevas, que nunca las han visto juntas en directo.

El grupo se formó en 1994 a través de un casting, un método habitual visto también en ‘boybands’ de gran éxito como sus compatriotas Take That o Backstreet Boys, con los que coincidieron en momento de explosión. Geri Halliwell, Victoria Adams, Melanie Brown, Emma Bunton y Melanie Chisholm se unieron y cada una de ellas recibió una etiqueta por la que se les perfiló una personalidad: Ginger Spice, Posh Spice, Scary Spice, Baby Spice y Sporty Spice.

El éxito de “Wannabe” les pilló por sorpresa, porque ellas solo querían pasarlo bien, así lo aseguró Geri Halliwell en su autobiografía If Only en 1999: “Empezamos simplemente jugando con acordes y raps. Desde ese momento, creo que todos nos dimos cuenta de que esto era algo especial. Surgió de forma tan natural que la canción parecía simbolizar lo que éramos”, compartió.

Spice Girls junto al compositor Richard ‘Biff’ Stannard dieron forma a una canción con un claro mensaje, el de empoderamiento femenino: “Lo único que teníamos planeado con era representarlos como banda y capturar la esencia de lo que eran: esa esencia intrépida, obstinada y fantásticamente intimidante”, declaró el autor a The Telegraph, a la vez que enfatizó que ellas fueron directas sobre esto desde el inicio. En 1998, la salida de Geri Halliwell golpeó de incertidumbre el futuro de la banda, que seguiría como cuarteto hasta 2000 con ‘Goodbye’ y se disolverían. La gran mayoría continuaron en la música, incluso Victoria Beckham, aunque esta se haría finalmente un nombre en la industria de la moda. La última reunión tuvo lugar en 2019, sin la propia Victoria.

Este miércoles comenzó una nueva edición del Mad Cool. Por allí pasaron Foo Fighters, Moby —que fue el único que usó su altavoz para decir algo y atacar a Trump— y la sorpresa inocentona de unos Arde Bogotá disfrazados de la banda inventada Bigger Splash. Pero caminando por Villaverde de camino hacia su novena edición, siguiendo las hordas de gente que van desde el metro al macro recinto creado para estos eventos, y a 40 grados, me dio por pensar en la forma en la que consumimos cultura y sus consecuencias. Unas consecuencias que no solo afectan a la industria de la música, sino, como ejemplifica ese sitio, a las propias geografías y urbanismos de las ciudades.

Especialmente la música se ha convertido en los últimos años en una burbuja enorme. Una burbuja que ha ido creciendo y que ha tenido en los macrofestivales su cara más visible. No había ciudad, especialmente ciudad de vacaciones, que no tuviera su macrofestival. Y lo tenían no porque se amara a la música, sino porque se amaba el dinero. Veían en ese boom una forma de ganar cantidades ingentes de pasta.

No hay nada nuevo en ese sentido, pero el problema es que lo están haciendo a costa de la gente y de la connivencia de otros tantos. Cuando uno va al Mad Cool no piensa en los vecinos de Villaverde ni de Colonia Marconi. En cómo ese recinto ha alterado sus vidas. En cómo el ruido hace sus noches insoportables y cómo han construido un recinto que altera su día a día.

Los ayuntamientos construyen cada vez más estadios y superficies para poder dar conciertos. Y hasta anuncian normativas a su antojo para que no haya un solo estadio que se quede sin hacerlo. Sin salir de Madrid, lo que está pasando con el estadio Bernabéu es el mejor ejemplo. El enfrentamiento vecinos vs Florentino Pérez sigue su curso, pero el presidente del Real Madrid tiene claro que harán una norma para darle la razón.

Esa insensibilidad creo que viene porque realmente la gente que va a estos sitios, en muchas ocasiones, no ama realmente la cultura, sino que quiere contar que ha estado en un sitio. Un paseo por el Mad Cool lo deja claro. Muchas de las miles de personas que abarrotan el recinto no van porque amen la música de Foo Fighters, sino porque el Mad Cool es ‘el sitio en el que hay que estar’. Allí ves a gente que se cree que está en Coachella haciendo fotos con la noria en vez de ir a descubrir algún grupo. O jóvenes que, evidentemente, lo que están es de botellón con música de fondo.

Por supuesto que no todo el mundo es así, pero esa tendencia está cada vez más extendida. Y no solo en la música. Ahora se ha puesto de moda hacer una foto a la pantalla de cine para poder contar en redes sociales qué película estás viendo. ¿Por qué tienes que fotografíar la pantalla mientras está la película? Primero, es ilegal. Segundo, ¿no te vale con decir si te ha gustado o no? La gente no quiere consumir cultura, quiere acudir al evento cultural para ser guay y contarlo. Y eso está haciendo que nuestra responsabilidad como consumidores sea cada vez menor.

Parece que la burbuja de festivales se pincha. Este año han cancelado muchos alegando que no han vendido suficientes entradas, pero ¿y las heridas que dejan a su paso? Las heridas culturales, industriales, urbanísticas y económicas… A nadie le importa mientras puedan hacerse una foto con un look increíble en el sitio de moda. Menos mal que todavía hay excepciones. Nuestro compañero Nando Cruz nos habló el otro día del (a)phònica de Banyoles, y uno vuelve, de repente, a confiar en que las cosas se pueden siempre hacer de otra manera mejor.

Tres películas

'Las corrientes'. Qué película tan especial, misteriosa, diferente y sugerente ha dirigido la cineasta argentina Milagros Mumenthaler. El estudio del personaje que interpreta magníficamente Isabel Aimé Gonzalez Sola nunca sigue los derroteros del cine actual, y se convierte en una historia hipnótica en la que es mejor perderse sin buscar explicación.

'Winnipeg, el barco de la esperanza'. El Winnipeg fue el barco fletado por Neruda para que los republicanos españoles huyeran cuando Franco gana la guerra. Al cine español le cuesta poner sus ojos en historias como esta. Ha sido, además, la animación quien lo ha hecho en una rara avis de nuestra industria que hay que reivindicar.

'MegaDoc'. Filmin ha estrenado el documental que muestra las bambalinas del batacazo que se pegó Francis Ford Coppola con Megalópolis, su proyecto soñado que dio muestras de caos desde su rodaje. El director Mike Figgis (responsable de Leaving Las Vegas) tuvo acceso a todo (o casi) el rodaje y lo cuenta en una película que muestra la intrahistoria de un fracaso fascinante.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'Lobos' de Robert Brodsky (Random House). Adentrarse en las páginas de esta novela supone enfrentarse a la brecha insalvable que se abre entre un padre y su hija adolescente. Durante un largo e inquietante viaje en coche rumbo a un campamento ecológico en Ohio, ambos protagonistas deben lidiar con sus propios duelos, la enfermedad y los fantasmas políticos del pasado. Se trata de un retrato del desconcierto de toda una generación frente al derrumbe del mundo adulto. Ya en librerías.

'Polis y cacos' de Paloma Bravo (Contraluz). La autora madrileña publica una obra sobre la infancia elitista y las etiquetas sociales. Todo arranca cuando la antigua alumna más atractiva y cruel de la promoción propone un absurdo reencuentro de exalumnos de colegio privado para jugar de nuevo al clásico juego infantil. A través de un chat grupal, la convocatoria reactiva viejos rencores e incluso recuerdos de acoso escolar. Ya disponible en librerías.

'La reina que surgió del frío' de S. J. Bennett (Salamandra). La reina Isabel II se enfunda los guantes de detective en una obra de intriga con el telón de fondo de la Guerra Fría. Durante un trayecto a bordo del tren real en 1961, una dama de compañía asegura haber presenciado un asesinato desde la ventanilla, destapando una compleja red de espionaje internacional vinculada al entorno de la princesa. Ya se puede encontrar en librerías.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Siete años. Más de la mitad de una década. Ese es el tiempo que ha estado Madonna sin publicar nueva música. Sin embargo, la artista está de vuelta con la segunda parte de su clásico Confessions. Hemos analizado en elDiario.es lo que supone este lanzamiento en la trayectoria de la que es sin duda una leyenda, pero ahora toca hablar de una de las canciones, que ya forma parte de nuestra playlist de recomendaciones, donde puedes encontrar también las de las semanas anteriores.

'Danceteria' de Madonna. Esta canción toma el título del nombre de una discoteca neoyorquina de principios de los años 80. Fue allí donde comenzó la carrera de Madonna. El tema recrea con dinamismo la vida de la estrella en el Nueva York de aquel entonces, nombrando a amigos y figuras clave como Keith Haring, Basquiat y Debi Mazar. La canción utiliza una interpolación de Lou Reed, trayendo de vuelta su cláisco Walk on the Wild Side.

'Die on This Hill' de Sienna Spiro. La joven compositora británica, una de las voces revelación de este año, firma una de las baladas más conmovedoras de su álbum debut, Visitor. La pieza comenzó a gestarse mientras Spiro intentaba tocar Bohemian Rhapsody al piano, derivando en un desgarrador himno de corte soul sobre la lealtad extrema y la tozudez en el amor.

'Gospel Oak' de Wolf Alice. Esta semana se está celebrando el Mad Cool en Madrid y entre sus invitados se encuentra Wolf Alice, que subió al escenario el pasado miércoles. Sin embargo, el aclamado cuarteto de Londres también tiene novedades musicales. En este caso, la banda regala una joya de folk íntimo y acústico que rescata las mejores esencias de su sonido. Se trata de un descarte de su último álbum, compuesto por la vocalista Ellie Rowsell, que toma su nombre del distrito donde creció la banda.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Festival Pirineos Sur (Huesca). Que no cunda el pánico si no podéis ir a este festi este fin de semana, porque durará hasta el próximo 26 de julio. Se celebra en el Auditorio Natural de Lanuza, un lugar espectacular al aire libre en mitad de la naturaleza. Este viernes actúan Suede y Nacho Vegas, el sábado Los Planetas y Christina Rosenvinge, el domingo Bomba Estéreo y Alex Serra & Totidub. Más adelante les tomarán el relevo artistas como La M.O.D.A, Judeline, Samuraï, Monrieur Periné, Valeria Castro y Jorge Drexler.

Esther Boix - Un mundo en lucha (Barcelona). Este fin de semana es vuestra última oportunidad para visitar esta exposición del Espais Volart sobre Esther Boix i Pons, que fue todo un ejemplo de lucha y superación. Comprometida con la transformación social, entendió la pintura como un instrumento de reivindicación de los derechos y las libertades individuales y colectivas. Paralelamente desarrolló una intensa labor pedagógica como una de las fundadoras de la Escola d'Expressió L'ARC, donde formó a generaciones de jóvenes poniendo el arte al servicio de las personas. La exhibición es la primera gran muestra retrospectiva dedicada a la artista.

Yo fui a EGB (Madrid). El Centro de Cultura Contemporánea CondeDuque acoge esta nostálgica exposición que reúne elementos como el cuaderno 'Rubio', los materiales escolares, la primera colonia 'chispas', los sábados por la mañana en la tele, la banda sonora de tantas infancias y las cocinas de las abuelas. Los visitantes se embarcarán en un viaje al pasado en el que se reencontrarán con una serie de personajes como la profe de tercero, el dependiente del videoclub del barrio o, incluso, Espinete.

Bilbao BBK Live (Bilbao). No podía faltar un festival de música en nuestras recomendaciones de planes. Calvin Harris, David Byrne, Robbie Williams, Belle and Sebastian, Dellafuente, Lily Alen, Zaz, Ralphie Choo y Paris Paloma son algunos de los más de 80 artistas que actuarán este fin de semana en este evento musical que celebra su 20º aniversario. ¡Enhorabuena!

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Eclipse total en nuestros corazones. Ha muerto Bonnie Tyler, la voz rota que nos emocionó y que animó las noches de muchos karaokes. Una cantante con una de esas voces únicas y reconocibles.

Demoler, demoler y demoler. Es una pena lo que está pasando en Aragón, donde se están descatalogando palacios del siglo XVII para echarlos abajo. Nos lo cuenta nuestro compañero Jose María Sadia.

Algo pasa en la Feria del Libro. Tras cinco años, la Feria del Libro ha destituido a su directora, Eva Orúe. No se han dado motivos exactos, y las librerías y editoriales han salido en su defensa y piden explicaciones.

Son como la luna y el sol y, sin embargo, ambas podrían convivir perfectamente en el mismo firmamento. Tanto, que parece que las dos controlan sus respectivos astros cada vez que sostienen el micrófono. La primera de ellas, Lorde, jamás había actuado en Madrid hasta este preciso día. No es casualidad, por ende, que el sol se resistiese a abandonar el cielo mientras la artista permaneciera sobre el escenario del Mad Cool, como si el único motivo de su existencia se justificase con iluminarla durante este concierto. Florence and the Machine, en cambio, ya conocía de sobra la luna de la ciudad, por lo que el escondite del satélite no hacía más que añadir misterio a la noche.

Aun así, también había planetas pululando por la segunda jornada del festival: Jennie, esta vez sin sus compañeras de Blackpink girando a su alrededor, llegaba dispuesta a poner el broche k-pop ante su enorme séquito de fans; Teddy Swims, por su lado, buscaba demostrar que el soul que triunfa en TikTok también puede hacerlo en directo; Charlie Puth, por su parte, que “debería ser un artista más grande”, y Zara Larsson, por la suya, que no hay fiesta si no hay pop chicle de por medio. Y cada uno de ellos ha intentado acometer su propósito a su manera —algunos con más fortuna que otros—, pero la sombra de un eclipse se ha cernido sobre ellos en el que ha sido el Mad Cool de Lorde y Florence Welch.

Antes siquiera de que los primeros indicios del atardecer se empezaran a percibir en el distrito de Villaverde, los acordes de Liability ya habían sonado bien alto en el festival. “Van a verme desaparecer en el sol / Todos me van a ver desaparecer en el sol”, ha cantado Lorde en un clásico que alude a una sensación de unidad con el universo. No es ninguna sorpresa: la artista ha dedicado mucho tiempo a comunicarse con la estrella madre. Lo ha hecho a través de cartas y, por supuesto, música. Una música que se adueña de cualquier espacio cuando el mito, esa cantante que evita las redes y escribe a sus fans por correo electrónico según el calendario natural, es quien sale a defenderla.

El concierto de la artista se llenó de magia desde el momento en el que la neozelandesa abandonó a Ella Marija Lani Yelich-O'Connor, la persona detrás de la icono, y se transformó en la guía de las miles de personas que la vitoreaban a escasos metros. Es algo que Lorde hace sin pretenderlo, puesto que siempre se ha esforzado por no ser ese tipo de referente, evitando los focos y el ruido mediático, y optando por vivir lejos de las alfombras rojas de Hollywood tras descubrir lo que conlleva la fama. En el escenario, no obstante, es capaz de cambiar todas las facetas de sí misma. Es lo que hace que uno no pueda cambiar la dirección de la mirada. Todas las pupilas le pertenecen.

“He sido el hielo, he sido la llama / He sido el premio, la bola, la cadena / He sido el dado, la bola mágica”, ha declarado Lorde en la interpretación de su exquisita Shapeshifter, perteneciente a su último disco, Virgin (2025). La canción es uno de sus himnos más recientes, una realidad que se nota cuando la gente recibe el final como la máxima de las confesiones de su ídolo: “No, no me afecta / Pero esta noche solo quiero caer”. Pero la fiesta no podía terminar sin las extraordinarias Supercut o Ribs, esta última interpretada mientras era arropada por la audiencia y daba la mano a los fans de las primeras filas.

El espectáculo de la artista ha estado marcado por las altas temperaturas, pero la religión que ha creado Lorde en torno a su trabajo ha sido suficiente para que cualquier gota de sudor mereciera la pena. “Hace mucho calor”, ha dicho Lorde en un perfecto español. Más adelante, la compositora ha aprovechado para criticar las gafas Ray-Ban Meta, patrocinadoras del festival, que sirven para capturar fotos y vídeos en primera persona, escuchar música y realizar llamadas sin usar las manos. “Cada vez es más difícil saber si algo es real. Ya no sabes si alguien lleva gafas de sol o si lleva esas jodidas gafas de mierda...”, ha alegado. Lorde, la diosa que de adolescente le añadió una 'e' al término masculino Lord para coronarse a su manera, invitó a sus seguidores a rezar... y claro que sus seguidores rezaron.

Sin embargo, si la religión permaneció en el recinto del Mad Cool es porque hubo más de una predicadora. La noche tiene ese sabor al misticismo de la iglesia, ese olor a lo sagrado de los libros. Y la noche tuvo como dueña a Florence and the Machine. La banda, capitaneada por la ya legendaria Florence Welch, ha estado hasta cuatro veces en Madrid, la última siendo en 2022 en el propio Mad Cool. No es de extrañar que apenas necesitaran de las estrellas, ocultas bajo las nubes durante gran parte de su actuación, ya que no hubo instante durante el concierto del grupo que la audiencia no estuviera sumida en una profunda hipnosis.

La sola presencia de Florence Welch sobre las tablas lograba cortar la respiración. Descalza y girando sobre sí misma como si fuese su último día sobre los escenarios, la británica destiló presencia en un espectáculo que calificarlo como tal se queda hasta corto. Lo de la artista es un homenaje a la música en todas sus formas. La inicial Everybody Scream ya era toda una declaración de intenciones: o gritas o gritas. Y no únicamente eso: “Todos a bailar / Todos a cantar / Todos a moverse”. Supuso un espléndido inicio antes de continuarlo con el himno Shake It Out, que todavía en 2026 sigue invocando las lágrimas de quien lo escucha. Así es el torbellino de emociones de la banda.

La cantante brilló con su tema Spectrum, aupada por una preciosa melodía de violín y piano que encendió los ánimos antes de provocar una pura catarsis colectiva durante Hunger, donde miles de personas respondieron al unísono con palmadas. No obstante, la misa de Florence and the Machine no podía acabar sin su respectiva comunión: Welch, dejándose caer de rodillas, se cargó de dramatismo en King para reclamar su trono. “No soy una madre, no soy una novia, soy un rey”, ha asegurado al alcanzar el estribillo de la canción. La devoción llegó a su punto de no retorno en What Kind of Man, un tema que explotó de forma salvaje tras la primera estrofa con un simple rasgueo del batería.

El ritual de la banda se consumó durante la puesta en escena de Rabbit Heart, cuando Welch invitó a los fans a subirse a los hombros de otros, llenando el horizonte de muchas cabezas sobre otras. No importaba que la persona de delante tapase durante varios minutos a la de atrás o que quienes se sostenían no se conocieran de nada, las canciones tienen estas cosas y su sacerdotisa sabía prender la mella de la magia como ninguna otra. Este es el refugio de la música contra la tormenta, y que haya quien lo saque a relucir con tanta proeza la misma jornada en la que ocurre el fallecimiento de la mítica Bonnie Tyler lo hace aún más valioso.

Un artista más grande

Canta Taylor Swift en The Tortured Poets Department (2024) que “Charlie Puth debería ser un artista más grande”. Como si quisiera demostrarlo, el cantante salió tras el teclado dispuesto a jugar con él como si se tratara de una mesa de mezclas. Es poco común ver a grandes estrellas cantar con las gafas de vista, pero el estadounidense parecía no querer perderse ni un solo detalle de lo que ocurría en el foso. Tras apenas un tema, se puso una gorra para afrontar el calor y recordó que, en efecto, había “pasado mucho tiempo” desde su última visita a la capital. En concreto, una década. Pese a ello, el público coreó de memoria su memorable We Don't Talk Anymore y respondió complacido a su show.

Menos gracia tuvo el espectáculo de Jennie, aunque no precisamente por su enorme producción. La integrante de Blackpink, uno de los reclamos más fuertes de la jornada, otorgó un concierto que quedará pronto en el olvido fuera de su base de fans. Apenas se la escuchó, con los coros sonando a todo volumen, y a sus bailes les faltó autenticidad. Era difícil creer lo que veías y no por admiración, sino por la pretenciosidad que derrochaba. Los fans, eso sí, hacían que el plato fuera más digerible gracias a su increíble pasión. La mayoría acudió con un martillo de corazón y estrellas, un tipo de barra de luz que se ha convertido en un accesorio fundamental para los seguidores de la banda, que utilizaron para iluminar el recinto.

El día también acogió el soul contemporáneo de Teddy Swims, soberbio en directo al desnudar su voz en la balada Some Things I’ll Never Know, y la purpurina de Zara Larsson. Esta última, ya considerada una diva del pop, se subió a un coche rosa sobre el escenario, se hizo un selfie con la multitud a sus espaldas y se escudó en sus coreografías para divertir a la audiencia. Aunque su fenómeno solo ha explotado en España con una o dos canciones, casi todo el público —y no había precisamente pocas personas— tarareó todos los temas, incluso los que no lucían interesados en su espectáculo —un ejemplo de la gran cantidad de asistentes extranjeros, que se encamina a alcanzar el 40%—. Ambos también dejaron huella como constelaciones del Mad Cool, que no han tenido mejor guía que la luz del sol y la luna de Lorde y Florence and the Machine.

Este jueves el mundo de la música despide a Bonnie Tyler, que ha fallecido este miércoles 9 de julio en Faro (Portugal) donde residía, al no haber podido recuperarse de una operación de intestino a la que se sometió el pasado mes, que la llevó al coma, y que ha acabado finalmente con su vida, según ha informado su familia.

Conocida por éxitos como It's a Heartache, Total Eclipse of the Heart y Holding Out for a Hero, la cantante británica deja un legado de más de cuatro décadas de carrera, además de una distintiva voz rasgada que no tuvo desde el principio, sino que fue el efecto secundario de no haberse recuperado de una intervención en las cuerdas vocales.

El origen de la voz rasgada de Bonnie Tyler

Nacida como Gaynor Hopkins en seno de una familia humilde de Skewen, en Gales, su madre le inculcó el amor por la música, siendo ella parte del coro de la iglesia local. Aquella chica que comenzó su carrera en 1976 después de que se le ofreciera un contrato discográfico por parte de RCA Records, nada tenía que ver con la voz que más tarde se convertiría en el sello de Bonnie Tyler.

Después de cambiar su nombre a uno artístico que creó recopilando nombres y apellidos de la Biblia, la joven se encontraba promocionando sus primeros sencillos My my Honeycomb y Lost in France cuando notó que su voz estaba cambiando debido al esfuerzo vocal.

Fue entonces cuando la sometieron a pruebas y le detectaron nódulos, lo que la llevó a operarse. Tras esto, se le pidió reposo, pero ella cuenta que desobedeció de forma involuntaria y que esto provocaría esa voz rasgada que tan característica se convirtió. En su biografía, Straight from the Heart, explicó que se encontraba de camino al hospital para ver a su hermano Lynn, ingresado por una lesión en la pierna, cuando se dio cuenta que se le había olvidado llevar una bolsa de fresas que le había preparado.

“Estaba tan frustrada de tener que conducir de regreso a casa, que solté un grito de '¡Oh, no!'. Cuando fui a una revisión con el especialista, me miró y me dijo: ‘Podrías haberte causado un daño permanente’”, reveló la fallecida artista.

Sin embargo, cuando se curó la herida, junto a su productor David Mackay descubrió su nueva voz ronca y sorprendentemente les gustó el resultado, de hecho, él llegó a decirle que era la “versión femenina de Rod Stewart”. Y es que ambos se dieron cuenta de que al cantar ella adoptó un tono ligeramente más oscuro, melancólico, capaz de aportar una calidez natural e innata que redondearía éxitos como It's a Heartache, donde su comienzo obtiene una crudeza de intensidad emocional que no se conseguiría con arreglos o de otra forma.

El paralelismo entre Tina Turner y Bonnie Tyler

Un hecho también no tan conocido es la curiosidad de que una de las canciones más famosas de Tina Turner, The Best, se trata precisamente de una versión de Bonnie Tyler, que la cantó en 1988 y llegaría a ser top 10 en Noruega, Portugal, así como éxito menor en España y Reino Unido, pero la norteamericana la convertiría en un himno internacional.

Una historia que las conecta directamente, pero también el hecho de que la propia Bonnie Tyler la ha citado como una referente con la que creció escuchándola, y además, en sus comienzos cantó versiones de Ike & Tina Turner como Nutbush City Limits, que haría que fuera descubierta para firmar un contrato discográfico que daría lugar al comienzo de una trayectoria de más de cuatro décadas de una voz que se ha apagado este julio de 2026.

Bonnie Tyler ha fallecido este miércoles en Faro (Portugal) a los 75 años, según ha informado la propia familia de la artista británica. La cantante de éxitos como It's a Heartache, Total Eclipse of the Heart y Holding Out for a Hero, no logró recuperarse de la enfermedad por la que fue hospitalizada el mes pasado.

Tyler, cuyo nombre real era Gaynor Hopkins, nació el 8 de junio de 1951 en la ciudad galesa de Neath, en Reino Unido. El amor por la música se lo infundó su madre, Elsie, que era una gran admiradora de la ópera y cantaba en el coro de una iglesia local.

Janis Joplin y Tina Turner fueron dos de las voces con las que Bonny Tyler se crio; y con diecisiete años logró quedar segunda en un concurso de talentos interpretando Those Were the Days de Mary Hopkins y I Can't Stop Loving You de Ray Charles. Dos años después formó su propia banda, Imagination, con la que tocó en bares y clubes del sur de Gales, bajo el nombre de Sherene Davis.

Roger Bell la descubrió durante una de sus actuaciones, impresionado por su talento. De ahí viajó a Londres para grabar algunas demos y meses después firmó con RCA Records. Allí le recomendaron que se buscara un nombre más potente, y se decidió por Bonnie Tyler. My my Honeycomb y Lost in France fueron sus primeros sencillos. Tras el lanzamiento de ambos, la cantante tuvo que someterse a una operación de nódulos en las cuerdas vocales. Su médico le ordenó que no hablara durante varias semanas, pero Tyler no le hizo caso. Su 'desobediencia' fue la que generó el sonido rasgado e inconfundible de su voz que le acompañó durante el resto de su carrera.

La artista fue galardonada con el premio Brit a Mejor artista revelación británica en 1977, aunque su salto a la fama mundial fue un año después, gracias al éxito de It's a Heartache. Tyler estuvo ligada a RCO hasta el álbum Goodbye to the Island, que publicó en 1981, y grabó principalmente en el Algarve, Portugal. El tema Sitting on the Edge of the Ocean ganó en el Gran Premio del Festival Yamaha Music celebrado en Tokio en 1979. Descontenta con sus anteriores productores, al expirar su contrato fue en busca de nuevos, y acabó proponiéndoselo a Jim Steinman, con quien terminaría alcanzando la cima de su carrera.

Su primera obra juntos fue el hit Total Eclipse of the Heart, al que siguió el disco Faster Than the Speed of Night. Canción y álbum fueron nominados al Grammy.

Su siguiente trabajo discográfico, Secret Dreams and Forbidden Fire incluyó otro de sus grandes éxitos, Holding Out for a Hero. La cantante grabó Hide Your Heart con Columbia Records en 1988 y posteriormente Bitterblue con Hansa Records, tras establecerse en Alemania. Le siguieron Angel Heart (1992) y Silhouette in Red (1993). A finales de los noventa, la artista firmó con una nueva compañía, East West Records, con quienes fusionó pop con música celta en su álbum All in One Voice.

Tyler continuó saliendo de gira, grabó un disco de covers con la orquesta filarmónica de Praga, y en Wings apostó por involucrarse por primera vez activamente en el proceso de composición de su álbum, eminentemente pop. En 2013 sumó un nuevo hito en su trayectoria, representando a Reino Unido en Eurovisión con Believe in Me. Obtuvo el puesto 19. En Malmö, ciudad en la que se celebró el certamen ese año, protagonizó un divertido encuentro con la delegación española. La artista compartió escenario con El sueño de Morfeo en los conciertos previos a la gran final, donde les recibió con ánimos y a grito de: “¡Que viva España!”.

Tyler lanzó otros dos álbumes más, Rocks and Honey en 2013 y Between the Earth and the Stars en 2019, y siguió recorriendo escenarios y actuando en televisión. Hasta su complicación intestinal, seguía a pleno pulmón. Actualmente estaba de gira, de hecho, tenía previsto tocar en Malta el 22 de mayo y en Alemani el día 30.

Wolfgang Amadeus Mozart es una de esas figuras culturales e históricas que han trascendido generaciones y que se han convertido con el paso de los años en parte de la cultura pop, como ha sucedido con icónicos como Frida Kahlo, Leonardo da Vinci o Vincent van Gogh.

El compositor musical, conocido por ser un genio desde edad temprana, vivió un momento de celebridad en la década de los 80, especialmente motivada por la película ‘Amadeus’ de Milos Forman que ganó el premio Oscar y que también motivó un himno rockero con Mozart como protagonista.

“Mozart era un punk” y el número 1 hace 40 años que se cantó en alemán

Era marzo de 1986. Hacía poco más de dos años que se había estrenado la película ‘Amadeus’, que adaptó libremente la vida del famoso compositor Wolfgang Amadeus Mozart y que cautivó al público y a la crítica, lo que le valió el Premio Oscar a Mejor película, pero también una nueva etapa del personaje histórico como icono.

En este contexto se publicó “Rock Me Amadeus” una canción en alemán que conquistó el panorama musical y que se acabó convirtiendo en un fenómeno internacional sin precedentes, que alcanzó el número 1 de la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos, siendo la única en este idioma que lo ha conseguido hasta ahora. En España estuvo en lo más alto a principios de julio de hace cuatro décadas.

En la canción, el músico austriaco Falco, reimaginó la figura de Mozart inspirándose en la película de Milos Forman, que a su vez se basaba en la obra de teatro de Peter Shaffer, como si de la “primera estrella de rock” se tratase, generando una figura con una vida extravagante y deudas infames, de ahí que el cantante declarara que el de Salzburgo “era un punk”.

Así, Falco imaginó a Mozart como una figura que bebía en su tiempo libre porque “estaba endeudado y era un borracho descontrolado”, que era aficionado a las Harley-Davidson y que “todas las mujeres lo adoraban gritaban ‘Vamos hazme vibrar, Amadeus’”.

Todo ello basado en la imaginación del cantante austríaco, ya que no existe evidencia de elementos mencionados como el alcoholismo y las mujeres, siendo su esposa Costanze Weber, con quien tuvo seis hijos, la única conocida. Aunque fuera poco real, la canción fue todo un éxito y llegó a tener una versión más larga, de hasta 8 minutos, que se llamó ‘Salieri Mix’.

Un tema que ha salido en dos episodios de ‘Los Simpson’

La versión extravagante de Mozart de “Rock Me Amadeus” apareció también en su videoclip, que mezcló elementos de la época del compositor junto a lo contemporáneo. Baile de máscaras, carruajes, pero con peinado salvaje, de colores y bajando de una moto en un club de moteros. Dos mundos que se unen.

Debido al fenómeno que fue, la canción ha sido versionada en varias ocasiones, especialmente en alemán, y ha tenido también su momento de popularidad en series como ‘Los Simpson’ y ‘Padre de Familia’. En la primera aparece en dos capítulos, uno llamado ‘Un pez llamado Selma“ y otro ‘Detrás de las risas”, mientras en la segunda serie la canción sale en un episodio en el que Lois Griffin tiene un tumor cerebral que repite “soy un tumor” imitando al coro del famoso tema alemán.

Antes, los pueblos antiguos subían a altares de piedra para arrancar corazones a sus enemigos y así ganarse el favor de sus dioses. Ahora, regalamos “corazoncitos” virtuales en la pantalla de nuestro móvil con la esperanza de que Internet nos devuelva un poco de cariño y nos cure la soledad. La reflexión la hace Pablo García (Gijón, 1984), musicalmente conocido como Pablo Und Destruktion, que lleva más de veinte años recorriendo carreteras con su guitarra a cuestas como trovador, pero a la vez es psicólogo social y ha estado dos décadas estudiando cómo funciona nuestra imaginación. Un análisis que le ha hecho darse cuenta de que, por mucho avance tecnológico que haya, los humanos seguimos respondiendo a los mismos rituales y miedos de siempre.

El también escritor ha plasmado todas estas reflexiones en Música de carne: Pop, seducción y sacrificio, una obra que invita a mirar la música de una forma totalmente distinta. No como un simple entretenimiento para bailar, sino como la herramienta de control mental más antigua que existe. Pablo Und Destruktion indaga en cómo la industria del pop de masas utiliza las canciones para jugar con nuestras emociones, engancharnos a través del cerebro y exprimir nuestro tiempo. Pero no solo eso: también la relevancia de la cultura en la política, el relevo que ha intentado coger a la religión y la cada vez mayor falta de conciencia de clase entre los artistas.

¿Cómo la tecnología ha ocupado el lugar que antes tenía, por ejemplo, la religión?

La canción esotérica trata de conmoverte por medio de la apertura de tu corazón, por el sentimiento. Cuando te conmueve, produce esa apertura. Pero una nana ya no está para dormir a un niño por medio de entrar en él y conseguir ese truco de magia. Ahora, una nana está para tener muchas reproducciones y mucha repercusión. La lógica cambia progresivamente hasta acabar siendo la de la tecnología, que tiene sus propios planes, como estamos viendo ahora con el desarrollo de las inteligencias artificiales. Es como construir una segunda naturaleza. Sin entrar en un juicio moral de si es bueno, malo o regular, nos permite estar hablando de estas cosas y volver a replantearnos qué conexión sutil y natural existe que nos conecta a todos sin falta de Internet.

¿Las nanas solo sirven ahora para hacer dinero?

Bueno, es que la música popular hasta hace muy poco sí era popular, realmente venía de abajo y, en todo caso, podía llegar hasta arriba cuando algún gran artista recopilaba canciones populares y hacía un disco como Johnny Cash, que de repente se internacionaliza y se vende por todo el mundo. Ahora, en cambio, se propone como música popular aquella que viene de arriba y va hacia abajo. La cuestión es visibilizar el poder que tiene la canción para con uno mismo y para con su entorno, sin necesidad de enmarcarla en un contexto ni político, ni mercantil, ni social. Se trata de ver cómo la canción transforma en ti y en tu entorno la percepción de la realidad.

La izquierda ha tenido más presente la importancia del control cultural que la derecha, que ha dejado ese poder cultural a la religión

Pablo Und Destruktion — Músico y escritor

La música es poderosa en la política.

Los políticos se pegan por controlar la cultura, como vimos hace unos días con Pedro Sánchez corriendo para ir al Primavera Sound. Y es importante porque genera amores y, por lo tanto, amos. Y tanto unos como otros, de un lado o de otro del espectro político, forman parte de un proceso que es mucho más orgánico. La izquierda sí ha tenido muchísimo más presente la importancia del control cultural que la derecha, que ha estado más torpe porque ha dejado ese poder cultural a la religión. Lo hemos visto estas semanas de Papa en Madrid y Primavera Sound.

Hay como cierta convergencia entre determinados postulados de la izquierda cultural y de la religión católica. Ahora parece que convergen porque tanto unos como otros quieren utilizar la idea del bien para gobernar y, de esta manera, decidir quiénes son los malos para poder así pastorear. A mí me parece interesante la cultura independiente, la cultura popular, lo contracultural, aquello que trata de salir de estas tendencias tan moralistas en el uso de la cultura. Normalmente, siempre que te dicen “esto es lo bueno”, es la antesala de que te digan “esto es lo malo, atácalo”. Si no quieres vivir en esas guerrillas, está bien utilizar todas las posibilidades que te da la música como canalización de tu propia ira, para luego poder relajarte como algo meditativo, como creación de lazos con personas con las que realmente quieres tenerlos.

Si la derecha ha tendido más a la religión, ¿cómo se explica el auge de la religión en la cultura?

En el acercamiento a lo religioso, como siempre, hay una parte sincera y otra que es de ampliación del campo de batalla mercantil y de meterse en parcelas en las que no se había atrevido a meter. Primero hubo un revival mágico, todo este rollo witch presente en Lady Gaga, Marina Abramović y tantísimos artistas de las últimas décadas. Pero, cuando eso ya empieza a estar agotado, te metes en el catolicismo para utilizarlo y transformarlo. También el catolicismo tiene esa capacidad: acogió a los dioses paganos y los integró dentro de su seno. Y ahora lo hace también con esto, por eso es una institución que sobrevive durante tantos siglos. Lo ideal de este revival mercadotécnico de lo religioso, más allá de los intereses mercantiles, es que traiga de vuelta lo verdaderamente artístico.

¿Falta más conciencia de clase en las canciones?

La conciencia de clase no es identidad de clase. Hay mucha identidad de clase, pero falta conciencia. Por ejemplo, Bad Bunny y la casita. Hay identidad de clase, pero, ¿qué conciencia de clase hay? Ninguna. Todo lo contrario, y ese es el problema de las identidades. Las identidades sirven para hacer exactamente lo contrario de lo que dicen. Si no hubiera sido por esta trampa de lo identitario, sería imposible algo como lo de la casita de Bad Bunny. La conciencia no es identidad, sino darte cuenta de que formas parte de un engranaje productivo en el que, organizándote colectivamente, puedes intervenir en él.

Una canción con conciencia de clase es una canción que llame a la huelga, por ejemplo, y que haga que esa huelga se realice para lograr una intervención directa en el sistema productivo. Y eso sí que falta. Más allá de la canción con conciencia de clase, un acercamiento artístico con conciencia de clase es el que hace que los sellos independientes sean verdaderamente independientes. Ahora casi nada lo es realmente porque llegas a distribuidores que no son independientes y no te queda otra que obedecer a fuerzas imperiales. TikTok, Instagram y Spotify lo son. ¿Uno puede mejorar las condiciones de la clase trabajadora de su comunidad si su comunidad es sierva a nivel internacional?

El hackeo del poder político está en salir de las lógicas que vienen dadas por otros y que nos dicen quién es el malo y a quién tenemos que atacar

Pablo Und Destruktion — Músico y escritor

¿Hasta qué punto Silicon Valley controla lo que escuchamos?

De una forma evidente, por eso vemos cómo todas las ideologías han cambiado desde que la tecnocracia ha entrado a jugar. La forma de salir de la polarización es entender que esa polarización no es más que el código binario de ceros y unos. Se ha utilizado la hipersensibilización de un espectro de la sociedad para que la izquierda abandone luchas obreras concretas, cohesión comunitaria basada en el trabajo y en el vecindario real, e ir así metiendo luchas identitarias para luego dárselas a la ultraderecha. Es lo que está haciendo ahora que en Francia uno de los mayores grupos de ultraderecha se llame Generación Identitaria.

La lucha por las identidades siempre es una lucha que va a favorecer a la derecha nacional, a la derecha étnica, que es al fin y al cabo la que están apoyando los tecnócratas. Tanto aquellos de Meta, que tienen una orientación más sionista, como Elon Musk y compañía, que tienen una orientación más propia del apartheid sudafricano, el supremacismo blanco y el imperialismo angloamericano. En el fondo son dos caras de la misma moneda. La cuestión es que tienen un monopolio tan grande que ya es imposible no llegar hasta el final del relato que nos han planteado. El hackeo de ese poder político está precisamente en salir de las lógicas que vienen dadas por otros y que siempre nos van a decir quién es el malo, a quién tenemos que atacar y de quién tenemos que tener miedo.

¿El devenir de la cultura siempre va a estar condicionado por lo que ellos decidan?

Siempre van a ir apareciendo personas que son conscientes de esos procesos y que luego son martirizadas y sacrificadas, como ha pasado a lo largo de la historia con múltiples figuras. La de Cristo es bastante evidente, pero con muchos revolucionarios ha ocurrido lo mismo cuando han sido capaces de generar el no imperio. El imperio es la voluntad de poder, de economía y la sed de sangre, mientras que el no imperio es lo que trata de resistir a esa deriva que trasciende lo ideológico, lo religioso y los siglos.

Ahora lo tenemos delante de los morros y lo estamos viendo, puesto que la corrupción política trasciende la ideología y la sed de sangre trasciende los imperios. Es una fase muy apocalíptica en la que estamos viendo el horror del poder político en todo su esplendor. Nunca se va a ganar, porque si se gana, entonces eres imperio. Entras dentro de la lógica imperial, como ha ocurrido mil veces. Entonces te corrompes y acabas montando la marimorena.

¿El silencio puede ayudarnos entre tanto ruido?

A mí me gustaría, y lo digo para pedírmelo a mí mismo para Reyes Magos. En el silencio habita un tipo de conocimiento que no está en otro lado, que no está ni los libros ni en los reels ni en los pódcasts ni en los gimnasios. Está única y exclusivamente en el silencio, y para tener ese silencio necesitamos tener la voluntad de no atender al resto de reclamos. Ese es el verdadero empoderamiento: que por mucho que te llamen, que por mucho que te chantajeen los medios de comunicación para que ames u odies a tal, seas capaz de conquistar ese centro de gravedad permanente. Es un silencio de ser consciente de ese centro y mantenerlo independientemente de los bombardeos ajenos que tengamos.

Luego, por supuesto, tratar de ir creando espacios seguros más allá de lo eclesiástico para que pueda haber ese tipo de escucha. Los pequeños conciertos, el underground y la música independiente es eso. No necesito gente, no necesito la gran fiesta. Puedo ir a ver un concierto para 15 personas, estar tranquilo y salir renovado y conmovido. La obra de arte puro todavía tiene la capacidad de llevarte a un lugar mental o espiritual en el que hay ese silencio, esa parada.

No ha pasado ni un año desde que la cantante chilena Mon Laferte publicara su último disco, Femme Fatale, y de la necesidad de dar salida a las más de cincuenta canciones que escribió, acaba de publicar una segunda parte, Femme Fatale Vol. 2. El álbum arranca con el tema For Your Consideration, en el que critica que la culpa, el neoliberalismo, el capitalismo y el optimismo no le dejan descansar. También canta al amor, al paso del tiempo, al genocidio y hasta al bótox.

“Crear es mi manera de vivir, pero un día me di cuenta de que soy un producto, un negocio para mucha gente”, reflexiona la artista en su visita a Madrid para actuar en el Orgullo, sobre el que afirma que “no solo es la celebración del amor y la diversidad, también un recordatorio”, frente a la “ola de conservadurismo” que impera en el mundo.

Mon Laferte suma con este diez discos de estudio desde que en 2003 grabara su primero, La chica de Rojo, todavía como Montserrat Bustamante, antes de que modificara su nombre artístico. Más adelante serían éxitos como Tu Falta de Querer, Amárrame y Mi Buen Amor los temas que la consolidaron como una de las voces latinas más distintivas. Ganadora de cinco Latin Grammy, la chilena ha desarrollado su carrera también a través de la moda y la pintura.

¿Cómo combate ese no poder descansar por la culpa, el neoliberalismo y el optimismo?

Creo que todas y todos tenemos nuestros demonios y luchamos por ser personas dignas, y que la vida nos sea leve. Una de las temáticas que atraviesa mi vida y me quita el sueño es justo eso, el que trabajo demasiado. Un día en terapia con mi psicóloga hablamos de que creía que estaba confundiendo el ser admirada con ser querida, que es algo que menciono en la canción.

Y lo del capitalismo es que es muy fuerte. Me cuesta sentarme a ver una serie y no sentirme culpable porque no estoy haciendo nada productivo, y es algo que le pasa a todo el mundo. La canción la escribí justamente después de unos Grammy, y también es una sátira de lo que es la industria a la cual pertenezco.

También dice que no le gusta sentir que se convirtió en una mercancía, ¿siente que los artistas lo son?

Pienso que lo que hago es superhonesto, genuino. Hago música, he amado el arte toda la vida. Crear es la manera que tengo de comunicarme y vivir, pero de repente un día me di cuenta de que soy un producto, básicamente. Yo, mi personaje, Mon, mi música y todo mi universo es un negocio para mucha gente. Tengo que tomar las cosas buenas y las malas. Puedo darle trabajo a muchas personas, pero también es fuerte darte cuenta de eso.

¿Cómo lo interiorizó?

Justo para eso están para mí las canciones, desde muy pequeña. Me gusta hablar de Violeta Parra, que es una de mis artistas favoritas y ella siempre, a través de sus canciones, contaba su vida, como en El gavilán. Escribir canciones es para mí la forma de expresar, de contar, de procesar, de vivir. Ahora, soy un ser humano, estoy llena de contradicciones. Soy cero consecuente y coherente, pero así somos todas y todos.

En Hola Montserrat menciona el bótox y reflexiona sobre el hecho de ser joven; acaba diciéndose “debo aprender a quererme”. ¿Por qué parece que hay un momento en la vida en el que nos damos cuenta de que tenemos que querernos mejor?

Es muy fuerte porque he hablado con muchas amigas sobre esto, y siempre la conversación llega a “cuando yo era más joven me sentía mal” y ahora veo mis fotografías de aquella época y digo “era hermosa”, “superinteligente” y yo en ese momento no me amaba, no me quería. Con los años sí he ido queriéndome y aceptándome cada vez más, con todo lo que soy, pero siento que todavía a veces soy un poco dura conmigo misma. Y está bueno ponerlo en una canción y repetir que debo aprender a quererme sin condicionantes. Con todos mis errores, mis luces, mi oscuridad. Soy muy exigente.

La canción dice que “pienso en el bótox, en la música experimental, en mi madre, en la soledad de la gira mundial, tal vez esté mejor cuando no intente ser ni joven ni normal”. Y claro, es que todo el tiempo pienso sobre eso. Hay una sobreexposición hoy por redes sociales y una superexigencia de todo. De lo que dices, de que tienes que ser correcta, que si dices algo o no te vamos a funar, de si tienes o no arrugas. Si te pones o no te pones bótox. Que da igual, pero a la vez lo pienso todo el tiempo, ¿tendré que ponerme bótox?

Ahora, en especial las mujeres, se exige que tengan que hacer de todo encima del escenario.

Hace poco fue Coachella y Sabrina Carpenter dio un megaespectáculo, y luego Justin que es increíble y todo fue supersencillo, y te das cuenta de que el estándar para las mujeres está muy alto. En la imagen también. Es cierto que antes, y un poco ahora también, se tiene esta idea de que las mujeres tienen una fecha de caducidad en la música porque no se ven jovencitas, guapas de veinte años.

Ahí es donde muchas comienzan o comenzamos a querer estirar un poco más eso, y empieza el bótox. Y claro, no lo culpo. Es muy fuerte realmente. Vi un TikTok que decía “se puso bótox, es falsa. No se puso, uy se dejó, está vieja. Que trabaja y es mamá, pobrecito su hijo. Que no trabaja, oye se quedó en la casa”. No le puedes dar el gusto a nadie, siempre te van a criticar por algo.

¿Le preocupa que por el hecho de cumplir años, por ser mujer, pueda quedarse sin hueco en la industria?

No, honestamente nunca me ha hecho ruido. Tengo ya 43 años, tampoco soy una jovencita, soy una mujer. Pero no me preocupa. Siento que también lo mío ha ido por la música. Mi personaje es superteatral. Nunca he intentado estar buena. Sé que no soy supercurvilínea ni nada por el estilo. Sí me siento guapa pero mi carrera no está tampoco ahí, entonces puedo jugar mucho con mi personaje. En mi próximo álbum puedo ser quién sabe qué cosa.

En Por la gracia de Dios comenta que con la excusa de “por la gracia de Dios”, se han cometido atrocidades. ¿Cuánto daño ha hecho esta impunidad? Menciona en una lista criptomoneda, aborto, cárceles, genocidio y un largo etcétera.

Yo amo escribir y escribo muchas cosas en mi teléfono. Y un día pensé en hacer un inventario del mundo por el placer de hacerlo. De pronto me di cuenta de que tenía potencial de canción. En un avión tuve una revelación en cuanto a que al mismo tiempo están pasando todas estas cosas a la vez. No eres consciente de que yo estoy aquí hablando de mi música y en otra parte del mundo hay un genocidio, y en otro lugar está naciendo un bebé.

Me gusta dejarlo como este inventario, como una fotografía del tiempo presente. La otra vez meditaba con una amiga sobre cómo dejamos que sucediera en la humanidad lo que pasó en la II Guerra Mundial, ¿qué pasó en el mundo? Y siento que hoy estamos un poco en lo mismo y dejamos que suceda. Es como una fotografía del presente.

En 2019 acudió a los Grammy mostrando sus pechos con el mensaje “en Chile torturan, violan y matan”, y llevaba un pañuelo verde en el cuello. ¿Ha cambiado mucho la situación desde entonces? ¿Volvería a hacerlo?

No sé si lo volvería a hacer porque en ese momento estaba muerta de miedo. No fue algo fácil. Lo ves con distancia y dices “bueno, mostró las tetas”, pero estar ahí fue fuerte. Lo hice por lo que sucedía en ese momento en mi país, en Chile. Iba con el pañuelo verde pero siento que en algún momento se desvirtuó un poco el tema del feminismo. Se le hizo mucha mala fama también. Hoy decir feminismo como que causa un poco de roncha, de alergia. Todos dicen “uy, no, es feminista”, y le huyen. Y creo que es importante recordarnos que el feminismo es buscar la igualdad y es importante seguir mencionándolo. Yo amo a los hombres, jamás quiero ponerles el pie encima, no, yo les quiero besar. Solo quiero que tengamos las mismas oportunidades todos. Les conviene a ellos también.

En No le regales tu corazón incluye directamente en la letra los votos de su boda, deja mucho de sí misma en sus canciones.

Es una carta de amor, literalmente una declaración. Se la escribí a mi pareja actual, al padre de mi hijo. Su padre se suicidó cuando él tenía tres años. Él se deprimió hace un tiempo y yo tenía mucho miedo de que él repitiera la historia. Nuestro hijo estaba cerca de los tres años también. Por eso en la canción le digo “tú no eres como él” y lo repito una y otra vez. Cuando la escribí se la mostré en una madrugada y lloramos juntos. Afortunadamente, él ahora está bien, está tranquilo. Es una carta de amor. Poner al final los votos de la boda es recordarle que aquí estoy para él y recordarme a mí también que tengo la capacidad de amar.

Vídeo completo de la entrevista

Contempopránea regresa a sus orígenes para celebrar sus 30 años con una fiesta pequeña en Alburquerque (Badajoz), justo donde empezó todo, y lo hace con la vuelta de Nosoträsh a los escenarios. El que es uno de los festivales de música independiente y pop más veteranos de España organizará un evento llamado CPOP los próximos 21 y 22 de agosto para celebrar su aniversario, que no ha querido perderse una de las bandas que lideró en la escena indie en los años 90 y que fue pionera del Xixón Sound.

El evento, fuera del marco de la edición del festival de este año, tendrá lugar en el Paseo de las Laderas, que se prepara para acoger un pequeño concierto único y exclusivo de la banda. Es el lugar donde el grupo actuó por última vez en el festival en su edición de 2015, e interpretará entre cuatro y cinco canciones, pero no será un regreso al uso o el inicio de una gira. La organización ha destacado que “es una reunión puntual para celebrar los 30 años de un festival con el que siempre han compartido una historia y una forma de entender la música”.

Fundado en Gijón en 1993, Nosoträsh irrumpió con fuerza en la escena nacional tras ganar en 1995 el prestigioso concurso de maquetas de la revista Rockdelux, donde ya aparecía uno de sus primeros himnos, Voy a aterrizar. Su debut discográfico, Nadie hablará de... Nosoträsh (1998), fue reconocido como uno de los discos más importantes del pop independiente español y consolidó al grupo como uno de los nombres de referencia de su generación.

Su regreso a los escenarios supone la guinda del pastel para una fiesta que pretende mirar la música más allá del mainstream. Agustín Fuentes, director de Contempopránea, explica a elDiario.es que el propósito de la fiesta es “recuperar la esencia del festival”: “Vamos a volver a los orígenes y a celebrarlo de manera muy alternativa. Lo típico hubiese sido llevar a las bandas que están en todos los festivales, pero me apetecía más buscar el lado más esencial del indie de la actualidad, con pinceladas de bandas que ya no están y que significaron mucho para el festival”.

Asimismo, destaca que “CPOP 30 no es un festival más de los más de 1.200 festivales que existen en España”, puesto que “será una celebración íntima, con aforo reducido y un cartel acorde al espacio y a la población que lo acoge”. “Volvemos al formato que definió la identidad de Contempopránea en 1996. Una apuesta por la escala humana, por la cercanía y por un encuentro donde el patrimonio histórico y la música dialogan sin interferencias”, señala la organización.

Un festival que siempre buscó ser la alternativa

A la fiesta también se sumará Meteosat, una banda fundamental en la música española a finales de los años 90 porque impulsó la popularización del indie pop. El grupo rompió con la hegemonía de las bandas que cantaban en inglés y creó un estilo desenfadado que fusionaba el tecno-pop, la electrónica y el pop-punk. Pero el aniversario cuenta con más invitados, como Miguel Rivera (Maga), Julien Elsie, Apartamentos Acapulco y La Habitación Roja.

“Otra vez, 30 años después, tenemos que volver a hacer la alternativa, porque hace 30 años, cuando nosotros irrumpimos en la escena musical con ese tipo de bandas que no tenían visibilidad, ayudamos a darles exposición en un momento en el que ya existía el mainstream”, señala Agustín Fuentes a este periódico. Para la fiesta habrá camping y zona de autocaravanas gratis junto a la piscina del pueblo, y las entradas ya están a la venta.

Además, habrá descuento para quienes también vayan a la presente edición de Contempopránea Don Benito, puesto que esta fiesta no es la edición que el festival tiene preparada para este año. El festival como tal se celebrará los días 16 y 17 de octubre con artistas como La M.O.D.A., Nena Daconte, Carlos Ares, Sexy Zebras, Veintiuno, Barry B, Depedro, Elyella o Ultraligera, entre otros.

Esta semana he tenido la suerte de charlar con Pepe Viyuela, que recibe el premio Corral de Comedias en el Festival de Teatro de Almagro. Creo que muchas personas tienen al actor en su imaginario por sus personajes en series como Aída o por su mítico número de la escalera que sigue compartiéndose. Pero Viyuela es un actor que debería ser ejemplo no solo para la profesión, sino para todos nosotros. Su carrera es de una coherencia tan complicada… No hay discursos vacíos para quedar bien, sino que cuando dice algo lo siente de verdad. Siempre ha sido una de las voces más comprometidas del sector, y lo sigue siendo.

Me gusta cómo sigue defendiendo, ahora incluso más que nunca, la palabra payaso. Nosotros la hemos usado siempre para insultar y, sin embargo, él encuentra en la fragilidad y la inocencia del payaso algo revolucionario. En un mundo cínico, de figuras mesiánicas y totalitarias, de masculinidades tóxicas e inquebrantables, el payaso es todo lo contrario. Quizás deberíamos ser todos más payasos, preocuparnos más los unos de los otros y olvidarnos de querer vender una imagen de nosotros mismos que siempre muestra la cara brillante en redes sociales.

Pepe Viyuela también hizo una defensa del teatro como sitio de resistencia y activismo, y de cómo los clásicos nos hablan del presente, aunque parece que la gente se olvida de ellos. Tengo la sensación de que el audiovisual español no se está acercando a sus clásicos literarios, cuando sus problemas nos atraviesan todavía. Mientras que en Latinoamérica se han visto recientemente adaptaciones de Pedro Páramo o incluso Cien años de soledad, aquí parece que solo el teatro se atreve a agarrarlos y revisarlos.

En tiempos de algoritmo, de TikTok y de Inteligencia Artificial, el teatro sigue estando ahí, y quizás por eso hasta Javier Bardem, que hasta ahora no se había subido a las tablas, haya decidido que lo va a hacer por primera vez, de la mano de su maestro, Juan Carlos Corazza, y para revisar a otro clásico, Chéjov. Bendito teatro, y benditos payasos.

Tres películas

'Hermanos'. Las hermanas Rodríguez Colás (Carol y Marina) sorprendieron con Chavalas y ahora continúan con su retrato de la adolescencia alejado de clichés. Por fin una película que muestra jóvenes reales de barrio, con sus problemas reales y que aborda temas como la clase social o la falta de oportunidades. Todo con un trío protagonista lleno de carisma. Una bonita película.

'9 Lunas'. La sensibilidad y el humor con el que afronta la directora Patricia Ortega la historia de un hombre trans que se queda embarazado hace que el filme se aleje de cualquier posible ataque. Su respuesta es una empatía y una ternura con la que es imposible no emocionarse.

'Magallanes'. Café para los muy cafeteros, pero para los que les guste el cine pausado, reflexivo pero con un fondo político potente aquí está la mirada al colonialismo del cineasta filipino Lav Díaz con un Gael García Bernal como el conquistador y Albert Serra como productor.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Phoebe Bridgers está de vuelta y trae la que se ha convertido en una de nuestras recomendaciones de la semana. Recuerda que puedes escuchar nuestra playlist, actualizada cada viernes, donde encontrarás todas las canciones que han pasado por nuestra agenda cultural.

'Lost Boys' de Phoebe Bridgers. Tras más de cuatro años sin lanzar material en solitario, la compositora regala el primer adelanto de su próximo disco, Lost Weekend, que saldrá en agosto. El tema es una de las propuestas más pop y optimistas de su catálogo, distanciándose de su habitual folk melancólico. Está producido junto a Jack Antonoff y Alex G, y cuenta además con las armonías de sus compañeras de boygenius. La canción viene acompaña de un videoclip de estética medieval donde no falta guiño alguno al videojuego RuneScape.

'Autosmile' de @. El original proyecto de art-folk de Victoria Rose y Stone Filipczak debuta con una canción de casi siete minutos de duración, empezando como una balada acústica que poco a poco se engrosa con guitarras distorsionadas y panderetas. El tema aborda casi de forma poética las complejidades de una ruptura y la espiritualidad. Escúchala.

'Azúcar y Sal' de Rebe y Amaia. Una colaboración mágica que junta la delicadeza de Rebe con la calidez vocal tan directa de Amaia. Con una producción intimista y minimalista de la propia Rebeca Díaz, la canción juega con metáforas sencillas pero de un gran simbolismo sobre el amor y las contradicciones de los sentimientos: “Tú eres azúcar, tú eres sal, tú eres el vino, tú eres pan”. Rebe visitó recientemente la redacción de elDiario.es para avanzar detalles sobre su siguiente disco, que incluirá esta colaboración.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'El cuerpo sonoro' de Corinne Frayssinet Savy (Athenaica). Esta obra es una parada indispensable para cualquier amante del baile flamenco. La autora propone entender el cuerpo del bailarín no como un elemento pasivo, sino como un instrumento autónomo capaz de producir su propio sonido y resonancia. A través de más de diez años de entrevistas y observación, el ejemplar desentraña el arte de grandes figuras contemporáneas como Israel Galván, Rocío Molina y Andrés Marín. Ya en librerías.

'La hija del gran invierno' de Isabelle Autissier (Nórdica). Recuperando la biografía de Arnarulunguaq, una niña inuit que tras sobrevivir a la hambruna de su infancia decide desafiar los roles tradicionales para sumarse a una histórica expedición en trineo en 1921, este relato plasma la resistencia y emancipación femenina frente a las adversidades de la naturaleza polar. La novela ya está disponible en todas las librerías.

'Los ingleses entienden de lana (y otros trucos)' de Helen DeWitt (Random House). La autora de El último samurái regresa con una sátira social. Se trata de una historia que presenta a una joven de 17 años educada bajo los feroces estándares estéticos de su madre adoptiva. Sin embargo, sus certezas se desmoronan al descubrir que sus padres son estafadores internacionales. La novela es una reflexión sobre cómo defenderse en un mundo que a menudo degrada y comercializa el talento. Ya en librerías.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Astrid Jones & The Blue Flaps (Madrid). Nada como la música para combatir el calor, y más si es al aire libre, y gratis. Como parte del ciclo 'Las lunas de Vallekas', este grupo presentará en el Parque Cerro del Tío Pío (conocido popularmente como 'el de las siete tetas') su nuevo disco, Shine. En él invitan a poner luz sobre aquello que define quiénes somos y a celebrar la belleza y fortaleza que surge de esa conciencia. Todo ello con una fusión de soul, jazz, reggae y ritmos africanos. La voz de Astrid Jones (que os sonará si fuisteis a ver en su momento el musical sobre Tina Turner en Madrid) es alucinante, y va acompañada de guitarra, batería, bajo, saxo y coros. ¡Imprescindible!

'Apoteosis Now' (Valencia). Con sus fotografías, Cristina de Middel transmite que las imágenes no solo pueden servir para someternos, sino también para ofrecernos instrumentos capaces de liberarnos: a nosotros y a nuestra mirada. Esta muestra del IVAM exhibe en modo 'Catarata', el término que su autora usa para definir la cascada de imágenes a la que nos somete la era actual y, al mismo tiempo, esa enfermedad ocular que nos impide verlas con claridad. Si el Apocalipsis nos lleva, inevitablemente, al abismo, la 'Apoteosis' de esta fotógrafa incluye maneras de esquivarlo en esta época gobernada por la Iconocracia.

'Dibujar la modernidad' (San Sebastián). El Museo San Telmo reivindica el papel del dibujo como una de las artes más desnudas y silenciosas, de las más cercanas a los impulsos y estados del inconsciente, así como una de las más puras y primitivas. La exposición reúne obras de grandes autores albergadas en las Colecciones de la Fundación Mapfre, como Mariano Fortuny, Juan Gris, Maruja, Mallo, Pablo Picasso, Edgar Degasse, Auguste Rodin y Egon Schiele; con otros presentes en la propia institución, como Aurelio Arteta, Nicolás Leukona, María Paz Jiménez y Mari Puri Herrero.

'Espejo del mundo' (Cáceres). Esta exposición reúne todas las obras que Patricia Gómez y María Jesús González han realizado en torno al Hospital Psiquiátrico Padre Jofré de Bétera (Valencia), sobre el que trabajan desde 2017. Su proyecto, a través de materiales y soportes diversos, rescata material y sombólicamente lo invisible y marginal de los espacios, convirtiendo la memoria en gestos poéticos, en un archivo de experiencias humanas que establece un diálogo entre pasado y presente y genera una reflexión sobre exclusión, abandono y olvido.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Fiesta pagana. Resulta que la mítica banda española Mägo de Oz ha estado en una espiral de demandas, indemnizaciones y acusaciones entre sus miembros. Nuestro compañero Alberto Pozas lo ha contado aquí.

Prioridad Humana. Viaje al país de los blancos se ha convertido en una de las sorpresas en la cartelera. La película se basa en la increíble y emocionante historia real de Ousman Umar, y hemos hablado con él.

El desencanto de Felicidad. Felicidad Blanc se convirtió en el personaje que robaba cada escena de 'El desencanto', la obra maestra de Jaime Chávarri. Detrás de aquella figura había una mujer fascinante.

Madonna tenía 24 años cuando lanzó su primera canción en solitario, Everybody. Era 6 de octubre de 1982, fecha que cambiaría para siempre la historia de la música. Nacía la que terminaría convirtiéndose en la 'reina del pop'. Soberanía que su majestad mantiene más de cuatro décadas después en las que, con ahora quince álbumes de estudio a sus espaldas, ha compuesto himnos como Like a Prayer, Like a Virgin, Vogue, Hung Up y La Isla Bonita.

Pero su legado no se ha limitado únicamente a su talento como artista. Madonna rompió los moldes del mainstream, transgredió a nivel sexual, tomó las riendas de toda su corporalidad y look, y dio visibilidad al sida cuando era un tabú envuelto en estigmas, ha desafiado al Vaticano y ha subido la bandera palestina al escenario de Eurovisión en Israel.

“Siempre ha abierto camino”, afirma Eduardo Viñuela, Doctor en Musicología y autor de la biografía Bitch She's Madonna (Dos Bigotes). Un camino que sigue ampliando con el lanzamiento de su nuevo disco, Confessions II, este viernes, siete años después del anterior, a punto de cumplir 68.

“Está haciendo algo que no ha hecho nadie, que es envejecer siendo mujer en un género musical como el pop. No estamos hablando de una artista de country, ni de blues, ni de jazz, sino del pop, que siempre se asoció a la juventud”, valora el experto, que incide en que la cantante ha sido y es diana de edadismo: “Se le ha criticado mucho, cuestionando que por qué no se retira; que además tiene un componente de género, porque desde luego no es algo que le digan a Bruce Springsteen”.

Leyre Marinas, publicista y Doctora en Periodismo, analizó en Fucked Feminist Fans. Los orígenes del #MeToo desde la cultura pop musical (Dos Bigotes) las conexiones que han existido en los últimos treinta años entre la música, los movimientos feministas y el sexismo divulgado por los medios de comunicación, en las que Madonna cuenta con su propio apartado.

Para la investigadora, la artista “ha sufrido y sufre todas las normas de vigilancia y control sobre absolutamente todo lo que pueda atravesar a cualquier mujer. Ya sea por edadismo, su sexualidad, su talento, sus creaciones, su poder dentro de la industria musical y su influencia. Las críticas siempre han sido sexistas. No encontrarás a ningún hombre del pop, rock o cualquier otro género al que le digan 'deja de ocupar este espacio'”.

La doctora en periodismo incide en que desde el inicio de su carrera, la artista “obligó a que la sociedad se hiciera preguntas muy incómodas dentro del papel de las mujeres en la industria musical y los videoclips. Mostró su sexualidad sin estar subordinada a la mirada masculina. Siempre enseñó su deseo como herramienta de poder y de liberación; y a ella misma como mujer ambiciosa dentro de la industria. Eso rompía muchísimos esquemas”. “Su gran aportación fue demostrar que las mujeres podían llegar al poder y al éxito”, suma.

El intocable trono de la 'reina del pop'

Desde que Madonna fuera apodada como la 'reina del pop', la industria musical ha contado con un radar particular sobre quién sería su digna sucesora, creando una necesidad de relevo, realmente inexistente, fruto de la competitividad entre las mujeres impuesta por patriarcado y capitalismo. Sin embargo, ella ha ido a la contra, poniendo el foco en generar precisamente lo contrario.

“Desde los ochenta le ha perseguido ese buscar a la siguiente reina para cuando hiciera falta el relevo generacional. Mientras tanto, ella ha reivindicado la unión y validación a las figuras del pop de cada momento”, apunta Eduardo Viñuela, haciendo referencia a su apoyo a Christina Aguilera, Britney Spears, Nicki Minaj, Sabrina Carpenter –con quien tiene una colaboración en su último disco–, Arca y Charli XCX.

“En vez de rivalidad, está creando sororidad”, añade el experto, que aplaude que a su vez ponga en valor a figuras del pasado, como Tamara de Lempicka y Liza Minnelli.

Leyre Marinas comparte su valoración, aplaudiendo que en ese 'ir por delante', Madonna ha sabido incluso “sacarle partido al jugo que podía haber en esa construcción cultural de la competitividad entre mujeres, de 'peleas de gatas'”, y cita como el gran epítome el icónico beso que se dio con Britney Spears en la gala de los MTV Awards celebrada en 2003.

“Fue un diálogo generacional. Una actuación plagada de safismo. No solo fue una provocación mediática, sino una transmisión simbólica de la reina del pop a su heredera. Ahora estamos más acostumbrados a ver colaboraciones y halagos entre artistas, pero en su momento rompió con ello bastantes esquemas”, reivindica.

El poder político de Madonna

Más allá del éxito de su música, Madonna siempre ha llevado el significarse políticamente por bandera, que en numerosas ocasiones ha derivado en polémicas. Uno de sus grandes hitos fue dar visibilidad a la lucha contra el sida en los ochenta, rompiendo por completo con el tabú que suponía en ese momento. “Fue un gran altavoz de este problema en un momento en el que estaba muy escondido”, recuerda y menciona otros hitos controvertidos como sus enfrentamientos con el Vaticano. “Al mercado no le interesa mucho cuando alguien mete mucho el dedo en la llaga, pero le ha dado igual”, explica.

El videoclip de Like a Prayer, que culminaba con la cantante bailando rodeada de cruces en llamas fue dio mucho que hablar en 1989, al que siguió que, un año después, Madonna llegara a ser amenazada por la Policía. Varios agentes le advirtieron de que si volvía a simular una masturbación durante su interpretación de la misma canción en un concierto en Canadá, sería arrestada por escándalo público. Por supuesto su reacción fue hacerlo aún con más empeño que sus actuaciones previas.

En su 'idilio' con la Iglesia faltaría sumarle el lanzamiento de la canción Papa Don't Preach en 1986, en el que hablaba sobre una adolescente que decidía seguir adelante con su embarazo, y que durante su tour internacional en 1987, dedicó al papa Juan Pablo II, que la institución entendió como una provocación directa, ofensiva e irrespetuosa.

En 2019 protagonizó otro momento histórico, esta vez sobre el escenario de Eurovisión. Con Israel como sede del concurso, la cantante incluyó en su puesta en escena a dos bailarines subiendo una escalinata cogidos de la mano, con la bandera de Palestina e Israel cosidas en la espalda. “La música hace que la gente esté unida”, había dicho la artista durante la gala. El gesto no gustó en el país anfitrión, cuya ministra de Cultura calificó de “error inapropiado”.

Madonna volvió a significarse sobre el genocidio en Gaza. De hecho, incluyó un alegato en su gira mundial de 2023. “Podemos unirnos de una forma oscura y malvada, o podemos unirnos para crear un espacio de luz y amor. Y si todos tenemos esta conciencia colectiva, podremos cambiar el mundo y traer paz no solo a Oriente Medio, sino a todo el mundo”, expuso durante sus shows.

“No se ha valorado nada político de lo que ha hecho”, critica Leyre Marinas, mencionando el citado beso con Britney Spears, pero también en su reivindicación de la sexualidad femenina, el feminismo en sí, la visibilidad sobre el colectivo LGTBIQ+ y rechazo al racismo. La Doctora en Periodismo considera que muchas veces la sensación de 'polémica' haya “eclipsado a veces el contexto sociocultural y político en el que han ido sucediendo”, empezando por el marco que acompañó el lanzamiento de cada uno de sus discos, que provocaron que discos como Erotica (1992) fuera todo un escándalo.

Leyre Marinas critica que hasta hay quien ha leído sus polémicas como “incluso individualistas, o meras provocaciones de una artista que se ha subido a un escenario con un talento y éxito mundial, y que, sin embargo, no se le ha tomado en serio”. La investigadora apunta que “ocurre siempre como reacción a cualquier acción de mujeres o colectivos discriminados, que parece que pasan sin pena ni gloria, pero han funcionado igualmente como intervención cultural, de representación y visibilidad”. “Esto también ayuda mucho a entender por qué Madonna sigue siendo una figura imprescindible dentro de la historia del pop y de la industria del entretenimiento en general”, concluye.

La capacidad de “augurar” el futuro

La cantante publica este viernes Confessions II y hay una sensación generalizada de que el final de su carrera quede aún muy lejos, también para ambos expertos. “Madonna augura el futuro y el público obedece. Da igual hablar de la industria musical, la estética o el apoyo público a comunidades discriminadas; ella siempre ha ido un paso por delante de las mortales y es la que guía”, alaba Leyre Marinas.

Eduardo Viñuela destaca que en su nuevo trabajo podría haber optado por acercarse a “la línea de lo que se escucha, quizás algo más de reguetón, pero lo que está haciendo es reivindicar la música disco”. Madonna sorprendió a sus fans con un concierto sorpresa en Times Square presentando su disco a principios de junio, del que también adelantó un cortometraje de trece minutos, Confessions II - The Film, disponible en YouTube.

“En un momento en el que todo es muy fugaz y líquido, en el que todo son eras que pasan muy rápidamente, solo hay que ver cómo Taylor Swift o Rosalía cambian cada dos años de concepto; ella se mantiene en una línea que ha estado muy presente en su carrera”, considera, “todavía le quedan muchas cosas por decir, y eso que ya todo lo que lleva haciendo muchos años está por encima de lo que se podría esperar de un artista”.

Inglaterra es una de las selecciones que ya está en octavos de final del Mundial 2026 de fútbol, donde los de Thomas Tuchel remontaron el 2-1 ante el Congo con doblete de Harry Kane, y después de su victoria, sucedió lo que está siendo habitual en el torneo: sonó “Wonderwall” de Oasis y los jugadores la cantaron ante sus aficionados en la grada.

Este se está convirtiendo en uno de los hechos más memorables del Mundial 2026 y todo tiene una explicación, aunque ha superado las expectativas. El tema de Oasis fue uno de los que presentó la selección inglesa para una lista de reproducción que pidió la organización para reproducirlas antes y después de los partidos.

“Wonderwall” de Oasis se presentó junto a “Hey Jude” de The Beatles y la habitual “Sweet Caroline” de Neil Diamond, que se había convertido en la canción de celebración por excelencia de Inglaterra en los últimos años y que ha sido desbancada por la primera.

El cantar “Wonderwall” como celebración ha hecho que se haya convertido en un himno y tan popular que ya ha crecido en cifras de reproducción en plataformas de streaming como Spotify, con un aumento que ya fue del 50% tras el primer encuentro ante Croacia.

Noel Gallagher da su visto bueno: “Pertenece al pueblo”

La propia estrella de la selección de Inglaterra, Harry Kane, declaró que es uno de sus “momentos favoritos con la camiseta de Inglaterra” y que es más especial en el Mundial. Un hecho que comparte también Declan Rice: “En el campo después del partido, estábamos conectando con los aficionados y ellos cantaban. Fue algo especial”.

El compositor de la canción, Noel Gallagher, ha dado también su visto bueno para que acabe siendo un himno de la selección inglesa en este Mundial e incluso del país: “Esta canción pertenece al pueblo”, dijo en una entrevista, a pesar de que es aficionado de Irlanda, país donde nacieron sus padres.

La historia de “Wonderwall”: un guiño a George Harrison

La reunión de Oasis después de 16 años de su separación en una gira el pasado verano de 2025 ya puso a “Wonderwall” en un punto de popularidad todavía mayor del que tenía, siendo una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la lista de la revista Rolling Stone.

Fue lanzada en 1995 como el cuarto sencillo del disco ‘What’s the Story Morning Glory’ en el que también aparecieron otros éxitos como ‘Don’t Look Back in Anger’, y ya pronto lideró las listas de Reino Unido y varios países alrededor del mundo, con grandes ventas.

En un principio se dijo que Noel Gallagher la escribió a su entonces pareja, Meg Mathews, que luego se convertiría en su esposa, algo que confirmó en un inicio, pero que desmintió con el paso de los años: “Los medios de comunicación me robaron el significado de esa canción. ¿Y cómo le dices a tu pareja que no se trata de ella una vez que lo ha leído? Es una canción sobre un amigo imaginario que vendrá a salvarte de ti mismo”, declaró a BBC Radio 2.

Su hermano Liam Gallagher, al que no le gustó al principio porque la canción le pareció “un poco cursi”, fue más allá y reconoció que el título fue un guiño al disco de George Harrison ‘Wonderwall Music’ de 1968, y que remite a cuando eran niños y escribían lo que pensaban en el papel pintado de las paredes de su habitación: “Pero, obviamente, eso no era lo suficientemente significativo para Noel. Así que decidió decir que se trataba de una chica”, señaló a la revista Rolling Stone.