El frío está haciéndose notar poco a poco y el cambio de armario empieza a ser necesario, pero ojo porque para amenizarlo te traemos libros, películas y canciones en las que adentrarse este fin de semana.

Tres libros, por Laura G. Higueras

'Lar', de Bibiana Candia (Alfaguara). Tras contar en 'Azucre' la historia de los gallegos que emigraron a Cuba para buscar un trabajo y un futuro mejor, y se toparon con la esclavitud, la escritora cuenta en su nueva novela qué pasó con los que se quedaron: las mujeres que, solas porque siempre lo estuvieron, porque sus maridos las han abandonado o han muerto, o están en Cuba, luchan para ser ellas quienes saquen a sus hijos adelante, para sostener el mundo. Para ello, ficciona un hecho histórico real: el primer levantamiento obrero protagonizado en 1857 exclusivamente por mujeres, las trabajadoras de la Fábrica de Tabacos de A Coruña.

'El hotel de los sueños', de Laila Lalami (trad. Esther Cruz Santaella, Sexto Piso). La escritora estadounidense de origen marroquí imagina un futuro cercano, en el que un algoritmo, alimentado con los datos de los sueños, calcula la probabilidad de que una persona cometa un crimen. No hacen falta pruebas, basta una puntuación de riesgo demasiado alta, la que obtiene Sara, que en su regreso tras dar una conferencia en el extranjero, es detenida en el aeropuerto porque representa un riesgo inminente para la persona que más quiere, su marido. Con esta historia reflexiona sobre el amor, la libertad y la propia intimidad.

'La era de la revancha', de Andrea Rizzi (Anagrama). Una brújula para orientarse en este momento de gran cambio. El autor conecta en este ensayo una serie de puntos neurálgicos que inician en diciembre de 2001 y continúan hasta la última victoria de Trump en Estados Unidos. En el texto entrelaza las anotaciones geopolíticas, socioeconómicas y humanistas con referencias literarias, como la 'Divina Comedia', 'Memorias de Adriano' y 'Las uvas de la ira', que ayudan a comprender y contextualizar el análisis de esta nueva era.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

En un momento en el que parece que prima la felicidad falsa, esa sonrisa que alguien fuerza en una story de Instagram, la cantante Anni B Sweet reivindica la alegría honesta. Esa alegría que nace después de una necesaria pausa para reconciliarte con la tristeza. Es así cómo ha creado su quinto álbum de estudio, del que recomendamos una canción en nuestra playlist.

'Adiós con alegría'. Anni B Sweet encontró una sensación de alivio leyendo la literatura de André Breton, como ha contado a este periódico. Los libros del escritor francés, caracterizados por su surrealismo, la hizo estar más pendiente de los detalles y encontrar tranquilidad en las grietas que se abren. Esta canción, con la que abre su recién publicado álbum Alegría, es uno de los momentos más apoteósicos de su trabajo.

'I Want Blood' de Twin Temple. “La libertad de expresión, de religión y la proclamación del yo encarnan lo que es el satanismo”, ha explicado a elDiario.es Alexandra James, mitad de Twin Temple, dúo que ha bautizado su estilo como doo-wop satánico. Acusados de usar sangre de bebés en sus conciertos e invitados por Jack White a abrir uno de los suyos, en esta canción ironizan con que quieren más sangre. Su sensualidad la hace exquisita.

'A Slow Goodbye' de Dee Holt. “El fantasma en el que te has convertido es mío”. Con esa afirmación recuerda esta artista canadiense a su abuelo, a quien dedica este tema tras un fallecimiento lento. La cantante recuerda los momentos que han pasado juntos y reflexiona sobre el significado de sentir a una persona cuando cada vez está más cerca. El piano aúpa una balada que forma parte de su próximo EP, programado para el 12 de diciembre.

Tres películas, por Laura G. Higueras

'Un amor posible'. El director de 'Burning', Lee Chang-dong estrena este drama romántico en el que un obrero recientemente despedido y desesperado y su mujer aceptan ser los protagonistas de un documental que está grabando una cineasta sobre las luchas sindicales. Esto le lleva a meterse cada más en sus vidas junto a su pareja, un rico empresario por el que la pareja del primero comienza a sentirse atraída. El resultado: una mirada incisiva a la lucha de clases, en el que se mezclan el trauma, la envidia y la pérdida de la dignidad.

'Wildwood'. Vamos con la dosis de animación de la semana, gracias a esta película del estudio Laika, artífice de joyas como Los mundos de Coraline. Dirigida por Travis Knight, está basada en el libro infantil ilustrado 'Las crónicas de Wildwod' de Colin Meloy. La trasma de este filme en stop-motion sigue a Prue McKeel y Curtis Mehlberg mientras intentan salvar al hermano pequeño del primero, Mac, de unos cuervos liderados por Alexandra. Todo ello al tiempo que son atraídos por un bosque mágico oculto. Aventura servida. 

'Moscas'. El mexicano Fernando Eimbcke firma esta película liderada por Olga, una mujer que, cuando se ve obligada por necesidad económica a alquilar una habitación, un hombre se muda a su casa metiendo a escondidas a su hijo de nueve años en el piso. Para su sorpresa, empieza a forjar un inesperado vínculo con el niño. Así, su mundo, controlado hasta entonces con una rutina regulada, sin amistades ni relaciones; comienza a cambiar y sus vidas a entrelazarse.

Hay grietas que se abren y por las que se cuelan cosas diferentes. Entre ellas, los ápices de felicidad en momentos de bajón. Es algo que Ana Fabiola López (Málaga, 1987), conocida artísticamente como Anni B Sweet, ha aprendido leyendo la literatura de André Breton. “No hay que quedarse con lo que se tiene delante, hay que usar la imaginación para meter fantasía dentro de nuestra realidad, que también es parte de ella”, afirma la artista a elDiario.es. Es así cómo nació Alegría, su quinto álbum de estudio y el predecesor de Universo por estrenar (2019).

Tras una etapa marcada por el freno de la pandemia y una extensa gira para promocionar su anterior trabajo, Anni B Sweet ha necesitado siete años para volver a publicar un disco en solitario. Entre medias ha sacado diversos proyectos, como su álbum colaborativo con la banda Los Estanques titulado Burbuja Cómoda y Elefante Inesperado (2022). Sin embargo, no ha sido hasta que ha intentado combatir la tristeza extrema cuando ha logrado crear canciones que beben de la psicodelia de los 60, inspiradas por los ritmos luminosos de la música brasileña.

“Leer a Breton me ha ayudado a quitarle hierro a las cosas y a ensanchar el paisaje. Me hizo pensar que me estaba perdiendo un montón de historias más y provocó que escribiera de una manera diferente”, confiesa Anni B Sweet. Todas esas historias perdidas se ven reflejadas en sus nuevos temas, en los que cuestiona la obligación constante de tener sentimientos positivos y se deja llevar por la complejidad del ser humano. Los presentará en un tour que arranca en Barcelona el 19 de noviembre y sigue por Valencia, Granada, Madrid, Oviedo y Ponferrada.

El disco nos sumerge en la psicodelia de los 60. ¿Echa algo de menos de esa época?

Lo que veo en la música de los años 60 es mucha imaginación, fantasía y detalle. Había una gran libertad que quitaba el corsé del pop que parece exigirte una estructura fija. Y la gente estaba más habituada a escuchar ese tipo de canciones, donde se iba de un paisaje a otro. El pop era más “redondito”. Esa música siempre me ha inspirado mucho y me ha dejado espacio para hacer cosas en lugar de tener que cerrarme a algo.

Se dice que los artistas hacen mejor música desde el dolor, pero ¿habría que valorar el hacer arte desde la alegría?

A mí la tristeza me gusta mucho porque profundizas y te permite encontrar otras cosas, pero la tristeza extrema no me dejó componer. Cuando estás en un momento muy malo, es difícil tener ganas de levantarte de la cama y ponerte a escribir canciones.

Cuando se mudó a Aranjuez buscaba silencio, pero ha contado que ese silencio también le resultó difícil.

El silencio también te trae la soledad, y no es lo mismo sentirse solo que estar solo. Estar solo físicamente está bien; estás en casa y necesitas tranquilidad para componer, pero hay veces que cuando te metes mucho en ese estado te cala un poquito más. Parece que desconectas de todo, aunque a veces desconectar de todo es conectar más que nunca. Hay un equilibrio que es complicado, y hubo momentos en los que dije: “Creo que me pasé”. Sentí esa soledad que ya no hace tanta gracia.

Hoy parece que es más difícil que nunca alejarse del ruido.

Es muy complicado porque apetece mucho alejarse de todo lo que está sucediendo. Además, yo ya no retengo nada: miro algo y paso rápido a otra cosa. Hablamos de estar conectados, pero estamos superdesconectados. Y ahora también necesitas estar en las redes: haces un disco y tienes que hacer la promoción o parece que desapareces. Lo llevo regular, sobre todo porque cuando hay tanto ruido no me da tiempo ni a pensar, y sin tiempo para pensar es muy complicado saber explicarte y contar las cosas de la mejor manera posible.

¿Estamos usando las redes correctamente?

Según cómo las uses, son un arma de doble filo. Dejando a un lado todo el tiempo que perdemos en las pantallas, siempre está bien compartir y comunicar las cosas importantes que están sucediendo para que ocupen espacio. Para eso están muy bien las redes sociales, pero que no se quede solo en eso. Está bien comunicarse, pero hay que seguir con ese sentimiento reivindicativo cuando no estás con la pantalla delante.

Y también está el problema de los algoritmos.

Eso sí que es terrible. Si miras pájaros un par de veces, ya todo lo que te viene son noticias de pájaros y te puedes llegar a creer que lo que está sucediendo en el mundo va de pájaros, por poner un ejemplo absurdo. Pasa eso con todo. Tenemos que tener en cuenta que lo que hay ahí es solo un añadido y no quedarnos únicamente con eso.

Se comparten todo el tiempo mensajes de que hay que ser felices y aprovechar el tiempo. ¿Acaba siendo un lastre?

Según en qué momento estés de tu vida, te puede venir bien un consejo de esos, pero hay demasiada imposición del tipo “tienes que...”. Al final, trato de escucharme, de atender a los pensamientos que tengo en la cabeza, a cómo me siento y qué es lo que necesito, pero muy difícil por todo el ruido y lo que influye alrededor. Es verdad que a veces resulta dañino dar cierto tipo de consejos que no son tan sencillos, aunque todos queremos estar contentos, claro.

Se dice que la música lo cura todo. ¿Es cierto?

La música hace muchísimo, aunque no sería justo decir que lo cura todo de manera literal. A mí me ha ayudado a salir de muchísimos agujeros. En este último, escuchando música volví a tener ganas de moverme. Me vi bailando en casa estando de bajón; no me sentía bien, pero el cuerpo se movía y pensaba que el cuerpo sabe antes que la cabeza que la cosa va mejorando. Es como cuando ves a un niño chico y le pones música: se mueve de verdad. La música mueve y cura, pero no lo cura absolutamente todo, es solo una forma de hablar.

En su música es productora y arreglista. ¿Las mujeres tienen menos posibilidades como productoras?

Sí, puede ser. Hay muchas y muy buenas, aunque a lo mejor no se les ha dado el espacio o no se les ha dado la importancia cuando lo han dicho. Llevo años diciendo que había producido la demo de mi disco anterior, y en este he entrado mucho más de lleno, pero son cosas que a veces se pasan por alto. Hay una parte del proceso de la que casi nunca se habla, y es esa en la que estás sola componiendo, grabando los teclados, buscando los colores y generando la atmósfera de la canción antes de poder trabajarla con gente que te entienda.

Debutó en la industria con 21 años en 2009. ¿Le da miedo envejecer?

No si envejezco bien. Si la memoria no me falla, voy haciendo las cosas que quiero, aprendiendo nuevos instrumentos y buscando la manera de transmitir lo que quiero siendo leal a ello, me da igual que me pasen los años por encima. Lo único es que en la industria musical parece que hay un poco de miedo a envejecer, sobre todo para las mujeres. Parece que cuando llegamos a ciertas edades ya no estamos dentro de algunas escenas, pero se está hablando de ello y cada vez somos más conscientes. Sería lo suyo que cambiara.

Su agenda de conciertos combina actuaciones en salas con festivales. ¿Qué sigue teniendo una sala que no le aporta un festival?

En la sala tenemos más tranquilidad para hacer una buena prueba de sonido. Para mí es muy importante que el directo suene bonito; todo lo que nos curramos en el estudio hay que llevarlo bien al directo. Necesitamos tiempo para sonorizarnos y estar cómodos para dar el concierto que el público merece cuando va a verte. Los festivales te dan público nuevo que a veces no iría a un concierto tuyo, y eso es muy bueno, pero allí todo es muy rápido. Llegas, no tienes tiempo para hacer pruebas completas y te tienes que ubicar rápidamente.

Sin embargo, parece que se prioriza el recinto: hacer un Movistar Arena o un Metropolitano.

Tal cual. No sé si es tirar piedras sobre mi tejado, pero no me veo haciendo un Movistar Arena. No me gusta si el sonido se pierde, a no ser que el recinto esté preparado increíblemente bien para que el sonido llegue perfecto hasta al que está en la otra punta. Prefiero hacer cuatro o cinco salas más pequeñas que un lugar gigantesco. Hay mucha más conexión. Obviamente, poder decir que has llenado un Movistar Arena sería la leche, pero priorizaría el sonido frente al lugar porque la experiencia va a ser más bonita para todos.

Ahora los precios de los festivales están desorbitados y los horarios muchas veces impiden que vayan los niños. ¿Hay que cuidar más a la audiencia?

Nos debemos a ellos y me preocupo un montón por el público; quiero que escuchen bien lo que llevo años trabajando, porque se lo merecen al venir a verte y quieren llevarse un buen recuerdo. Pasa lo mismo con lo de escuchar música por el teléfono: he estado meses mezclando y masterizando un disco para que luego alguien lo ponga por el altavoz del móvil y no se escuche ni el bajo ni sus matices. También es una manera de educar: decirle a la gente que escuche el disco con buenos altavoces, en el sofá o en el coche porque la experiencia cambia muchísimo.

En el pasado ha reivindicado la necesidad de que haya más mujeres en los festivales de música.

La solución está en manos de los que contratan y de los promotores. Entiendo que necesitan sacar ciertas cantidades para rentabilizar un festival de esas magnitudes, pero hay grupos de mujeres que pueden llevar a eso. Si las vetan o dejan fuera, el público tampoco las descubre; es la pescadilla que se muerde la cola. Se deberían poner normas en las que en un cartel haya la misma cantidad de hombres que de mujeres. Eso obligaría a escuchar a las muchísimas mujeres que están haciendo una música increíble y que no están teniendo el mismo espacio ni trato que los hombres. Hay mujeres de sobra para hacer festivales enteros. Hay que ponerse con ello y no mirar solo los números de escuchas que tiene una persona en plataformas digitales por una o dos canciones.

Quizá también falten más mujeres dirigiendo festivales y en los despachos.

Y más mujeres que quieran escuchar a mujeres. Todo eso sería de gran ayuda. Está empezando a moverse, pero falta muchísimo camino. He estado en varios festivales donde pienso: “¡Qué guay!”. Pero luego me doy cuenta de que soy casi la única mujer allí. Te sorprende todavía un montón en el año en el que estamos y con la de tías que hay haciendo cosas increíbles.

Vídeo de la entrevista completa

“Se compró mi perfume para ponerse mi olor y su mayor fantasía es un día ser yo”. La cita es parte de una canción de la artista argentina Lali Espósito, titulada 'Fanático'. Probablemente te suene (solamente su videoclip ya tiene 27 millones de reproducciones en Youtube). Pero más aún si te llamas Javier Milei.

La cantante lanzó la canción en septiembre de 2024, pero la había grabado meses antes. Fue justo después de los enfrentamientos con el presidente de Argentina, quien la llamó “Lali Depósito”, la acusó de hacer playback y la tachó de “parásito” después de que ella opinase sobre la victoria del ahora presidente en las primarias: “Qué peligroso y qué triste”, dijo.

Espósito respondió al choque con un largo mensaje en redes en el que defendió la importancia de la cultura: “Creo que la demonización de una industria y de las personas que la conforman no es el camino, siento que la asimetría de poder entre usted y los que ataca por pensar distinto y la información falsa vuelve a su discurso injusto y violento”. “Ella empezó”, se justificó Milei, entre más críticas.

La letra llegaba justo después de la polémica. Y no fue casual: “Tuve que hacer una canción para responderle”, dijo en La Revuelta. Entre los versos del tema: “Te encanta hacer como que no tenés idea quién soy / y sé que tenés un póster mío en tu habitación”. También “yo entiendo qué te pasa si sos tan solo un niño / aunque te hagas el malo te está faltando cariño”. En una parte del videoclip, incluso, tiene una estética un tanto familiar para los argentinos y argentinas.

Una de las muchas personas que han escuchado esta canción es Pedro Sánchez. Hoy lo ha compartido. “Aprovechando que voy en el coche, camino de Burgos, para escuchar este temazo argentino. ¡Me encanta!”, ha publicado en su perfil de X, acompañado de una imagen. En ella, una mano (la del presidente del Gobierno, se supone) sostiene un teléfono en el que se reproduce 'Fanático'. Sánchez está escuchando justo la parte central de la canción, en el que Lali canta: “Se compró mi perfume para ponerse mi olor y su mayor fantasía es un día ser yo”. Puedes escucharla al final de este artículo.

Este tuit llega tras otro, esta misma mañana, en el que el secretario general del PSOE admitía: “Sí, soy zurdo. Y a mucha honra”. “Si subir las pensiones, dar más tiempo a los padres para disfrutar de sus hijos e hijas, subir el salario mínimo todos los años, defender el derecho a abortar de las mujeres y defender el 'no' a la guerra y 'sí' a la paz es ser zurdo, yo soy zurdo”, agregaba en un vídeo.

También su partido ha desplegado este miércoles una lona en su sede de Ferraz, en el que recibía a Milei con una motosierra (símbolo que él abraza sobre sus políticas de recorte, pese a que en su mandato ha empezado a acumular caso de corrupción). “Hola, Milei. Los zurdos y las zurdas te dan la bienvenida a España”, “el país que más crece en Europa”.

El presidente argentino se encuentra en España. Llegó en la tarde del martes y, otra vez más, no plantea reunirse con su homólogo español. Sí se ha reunido con el secretario general de Vox, Ignacio Garriga, y con el presidente del 'think tank' de Vox, la Fundación Disenso: Jorge Martín Frías. Por la tarde, a las 17.00 hará lo propio con Isabel Díaz Ayuso.

De Santiago Abascal y Ayuso, precisamente, ha hablado en su acto matutino Milei: ha dicho ser su “amigo” y cree “que tienen ideas sanas y positivas para sacar a España de la decadencia”. De Sánchez también ha hablado, pero para llamarle “impresentable dictador”.

Puedes ver a continuación el videoclip completo de la canción 'Fanático', de Lali Espósito, publicado en septiembre de 2024.

Raül Refree (Barcelona, 1976) va a la panadería y escucha lo siguiente: “¡A ver si nos traes el Oscar!”. Es algo que el músico nunca había podido llegar a imaginar y que, sin embargo, se ha convertido en una enorme posibilidad tras el estreno de La bola negra. La película con la que Javier Ambrossi y Javier Calvo conquistaron el Festival de Cannes se ha convertido en una de las grandes favoritas de Hollywood en la próxima temporada de premios. Tanto, que todos los que participaron en el filme también empiezan a acaparar los focos.

El productor es el responsable de la banda sonora de La bola negra, un trabajo en el que ha tenido que encontrar el equilibrio para acompañar una historia marcada por la represión y el miedo a ser homosexual sin subrayar demasiado las emociones. No era una tarea sencilla. “Siempre sentía que caminaba por la cuerda floja”, explica sobre el proceso de composición. Después de trabajar con los Javis en La Mesías, Refree vuelve a colaborar con ellos en una cinta en la que cantantes como Judeline o Guitarricadelafuente embellecen lo que se ve gracias a lo que suena.

Siendo reconocido por su trabajo en Los Ángeles de Rosalía, disco debut de la artista a la que le acaban de otorgar el Premio Nacional de las Músicas Actuales, y tras colaborar con Rodrigo Cuevas, C. Tangana o Niño de Elche, Raül Refree recuerda la fuerza de cantar en comunidad y la importancia de escuchar de verdad. Lo hace en su libro Cuando todo encaja, pero es algo que lleva constantemente al estudio. En una industria que parece exigir resultados inmediatos, el productor prefiere perseguir otra cosa: hacer música que pueda sobrevivir al momento en el que fue creada.

¿Se ve ya en los Oscar?

Intento no pensar mucho en los Oscar. Quieras o no, vas recibiendo inputs no solo de lo que está pasando aquí, sino también del interés en EEUU, y trato de vivirlo con toda la alegría, como algo nuevo que llega a mi vida. Aparte de que la gente le dé mucha importancia a los premios, lo que más satisfacción me da es ver cómo la película y la música han llegado a un público tan variado, desde gente muy joven hasta personas mayores. Estoy recibiendo un montón de mensajes y esa es la mejor sensación que puedes tener.

¿Lo esperaba?

Confiaba y creía que la película llegaría a mucha gente. Si tanta o no, es difícil de decir, pero la primera vez que leí el guion tuve la sensación de que era una película necesaria.

En su libro Cuando todo encaja dice que su primer recuerdo de la música es el de escuchar a su abuela tocando a Mozart. ¿Qué hay en esa escena que le sigue emocionando?

Me costó mucho encontrar la forma de explicar cómo entiendo la música, y fue entonces cuando recurrí al recuerdo de la infancia de ver a mi abuela tocar el piano. Ella ya era muy mayor, le fallaban las manos y hasta la memoria, pero me resultaba profundamente emocionante verla tocar, todo lo contrario a lo que sentía con mi profesora de piano, que tocaba con la posición y la técnica perfectas, pero no me despertaba ninguna emoción. A través de esa historia me vi capaz de explicar que para mí el objetivo fundamental de la música es la emoción; la técnica y todo lo demás no dejan de ser herramientas que, si no logran emocionar, no sirven para nada.

¿Esa profesora le hizo querer abandonar la música?

Que viviera una mala experiencia con la educación más clásica y con la forma rígida de enseñar a un niño a tocar el piano no significó que mi amor por la música disminuyera. Entiendo que en la educación clásica deben establecerse métodos generalizados, pero mi forma de acercarme a la música era muy libre y puramente emocional. Me resultaba mucho más fácil inventarme una pequeña melodía, aunque fuera una tontería, que reproducir algo exactamente como ellos querían. Eso me alejaba del método y me hacía sentir incómodo, hasta el punto de que me provocaron cierto trauma con el piano. Tardé muchos años en volver a tocarlo, pero mi amor por la música seguía intacto. Hoy me sigo considerando más melómano que músico; lo que más me gusta es escuchar, y así es como más he aprendido a componer.

Hace hincapié en la emoción. ¿Cómo puede una banda sonora transmitir el miedo a ser gay y a la represión?

La música tiene una potencia emocional enorme. Es el arte más abstracto de todos: no se ve, no se toca; la percibimos por pura abstracción y quizás por eso puede llegar a lo más profundo de nosotros. Pero eso también entraña un peligro: en una película con una carga emocional tan fuerte, la música puede pasarse de frenada y subrayar demasiado la emoción. En La Mesías encontré el equilibrio musical con cierta facilidad, pero en esta película siempre sentía que caminaba por la cuerda floja: si me inclinaba un poco a la derecha o a la izquierda, me caía. Tenía que encontrar el punto exacto, porque la historia no te permitía irte hacia los extremos para no subrayar de más ni resultar demasiado frío.

Judeline interpretó Soldadito español en La Revuelta y recibió muchas críticas, acusándola de embellecer un tema ligado a la guerra colonial.

No he visto mucho sobre el tema. Sí vi que ella la cantó muy bien. Al final, lo hace porque es parte de la historia de la película, tiene un significado concreto dentro del relato y simplemente está interpretando lo que ocurre en La bola negra. Con Soldadito español, los directores me pidieron una versión para ver qué se me ocurría; les mandé una demo con mi propia voz de fondo que era muy parecida a lo que terminó siendo. Recuerdo que me dijeron que era increíble porque les ayudó a visualizar el inicio de la película a partir de la música, y esa es la idea que ha sobrevivido hasta la pantalla.

Estamos tan sobreestimulados que la escucha real se ha vuelto un acto revolucionario

Raül Refree — Productor y cantante

Ha sido elogiado por La Nieve, que canta Guitarricadelafuente.

Los Javis tenían claro que, a pesar de que Álvaro [Guitarricadelafuente] actúa en la cinta, querían que cantara la canción original, pero sin que pareciera un paréntesis; querían que formara parte del diálogo narrativo y musical de toda la película. Álvaro me enseñó un primer esbozo de melodía antes de irse de gira, y yo pude trabajar con total libertad para que funcionara tanto como canción como banda sonora. Acompaña uno de los momentos más emocionantes de la película: cuando el personaje sube la montaña y van cayendo los esquiadores. Es preciosa y, aunque la he visto miles de veces, me sigo emocionando.

Usted suele trabajar en equipo. ¿Hemos perdido la capacidad de disfrutar la música en comunidad?

El espacio público es cada vez menor. Me sorprende ver plazas nuevas, de esas duras, donde los bancos no están enfrentados para mirarse los unos a los otros, como si pretendieran que toda la comunicación fuera digital y la presencial se redujera al mínimo. A lo largo de la historia, la música ha sido un gran factor cohesionador. El sentimiento de pertenecer a una comunidad nos hace fuertes, y cantar junto a alguien por el simple disfrute de hacerlo no solo es placentero, sino un nexo de unión poderosísimo que estamos perdiendo.

¿Este individualismo deriva de las pantallas?

Lo veo exactamente así. Estamos sobreestimulados, y eso complica la reflexión, la observación, la escucha y el silencio. Muchas veces hablo con mis amigos sobre cómo la “escucha real” —y no me refiero a oír algo de fondo, sino a estar escuchando a la persona frente a ti, como espero que estemos haciendo nosotros ahora— se ha vuelto un acto superrevolucionario. Hoy en día se escucha y se observa poco, dándole prioridad a ese estímulo constante y a ese crecimiento absurdo de querer estar haciendo cosas todo el rato.

Rosalía ha ganado el Premio Nacional de las Músicas Actuales.

Lo recibí con muchísima alegría. Rosalía me parece una superartista; aparte de nuestra historia común y de que me llevo bien con ella, le tengo una admiración inmensa. Ojalá se lo dieran siempre a artistas de su envergadura.

¿Siente que el premio también es, en parte, suyo?

No, para nada.

¿Usted podría haber estado en los créditos de Lux?

Me considero un músico muy versátil y con muchas ganas de probar cosas nuevas. Ahora, con perspectiva, creo que he sido muy valiente al meterme en según qué proyectos, y me veo capaz de adaptarme a muchos sitios distintos. Al final tomo mis decisiones de forma muy poco racional y muy intuitiva; si siento algo especial por un artista o proyecto, me tiro de cabeza, sin importarme si es exactamente el estilo que domino.

Como músico, no me creo mejor que la persona que tiene una tienda de costura o que hace zapatos al lado de mi casa

Raül Refree — Productor y cantante

¿Hacemos bien en ver a los músicos como genios?

Desde el Romanticismo se ha exagerado la figura del artista, subiéndolo a un pedestal casi como si tuviera una conexión superior con Dios. Yo creo cien por cien en la figura del artesano, y me siento como tal. Me gusta aprender, le dedico muchísimas horas a mi trabajo, pero no me creo mejor que la persona que tiene una tienda de costura o que hace zapatos al lado de mi casa. Al final, son trabajos útiles; el mío emociona, pero un buen mueble o el trabajo de cualquier otro profesional también te puede emocionar. Lo fundamental es que el trabajo de los demás nos llegue y nos toque.

¿La industria musical se ha vuelto elitista?

Me ha ocurrido infinidad de veces que alguien se me acerca tras un concierto y me dice: “Me ha encantado, pero bueno, yo es que no sé de música”. ¡Como si no pudieras dar tu opinión sin haber estudiado un montón! La música y el arte tienen que traspasarnos y convertirse en emoción. Si te llega, no hace falta haber estudiado nada para expresar lo que sientes.

En esta era de TikTok, donde la música se consume y se desecha, ¿cómo alcanza la atemporalidad?

La gran obsesión de mi vida siempre ha sido que la música que hiciera me pudiera sobrevivir. Me ha importado mucho menos lo efímero de la moda actual y siempre he trabajado para conseguir cierta inmortalidad a través del arte. Últimamente, me he dado cuenta de que, en el fondo, hay una parte de ego importante en ese deseo de trascender, algo que antes no quería admitir. No existe una receta mágica para la atemporalidad. Intento estar conectado con el día a día y me encanta trabajar con gente mucho más joven, pero en el momento de tomar una decisión creativa final, nunca pienso en si va a ser un éxito inmediato o si se va a poner de moda; siempre tomo la decisión buscando lo que considero mejor para la música en sí misma.

Más de tres décadas después de su formación, los Backstreet Boys siguen llenando estadios y pabellones, con una exitosa residencia en Las Vegas, a las que se ha unido una de 12 conciertos en Düsseldorf (Alemania) recientemente y una en Canadá el próximo invierno, demostrando que siguen estando vigentes a nivel musical. 

Aunque la que es considerada la boyband más exitosa de todos los tiempos no habría logrado todo esto si no fuera por una canción que les abrió definitivamente la puerta de su país, Estados Unidos, que se les había resistido en un primer momento y por el que tuvieron que probar suerte en Europa.   

Del lanzamiento de ese sencillo, ‘Quit playing games with my heart’, se cumplen 30 años este octubre, justo cuando Nick Carter, Brian Littrell, AJ McLean, Howie Dorough y Kevin Richardson lograron finalmente el éxito en EE.UU que luego propiciaría que se convirtieran en uno de los grupos de chicos más importantes y una de las figuras más relevantes de la música de finales de los 90 y principios de los 2000. 

'Quit playing games with my heart' y el inicio del fenómeno Backstreet Boys 

Los Backstreet Boys se habían formado en 1993 en Orlando, Florida, pero no sería hasta dos años después cuando grababan su primer disco en Estocolmo junto a Denniz Pop y un entonces desconocido Max Martin. Este trabajo, bautizado luego por el grupo como ‘álbum rojo’, se lanzó en 1996, pero no encontró éxito en USA. Es por eso por lo que, debido a que sí que tuvo buena acogida en Europa, los chicos comenzaron allí a actuar, aunque no se rindieron hacia su país de origen. Así fue como Jive Records les volvió a dar una segunda oportunidad. 

Esta vino con ‘Quit Playing games with my heart’ publicada el 14 de octubre de 1996, escrita por Max Martin y Herbie Crichlow y que fue número uno en varios países europeos, dos en Reino Unido y en abril de 1997, alcanzaría también la segunda posición en la lista Billboard Hot 100 con lo que derribaron el obstáculo americano con el que se habían topado la primera vez, vendiendo además más de dos millones de copias. 

Y es que el primer intento había llegado con su primer single, ‘We’ve Got it Goin’ On’ que no llegó a tener éxito en Estados Unidos, pero que habían grabado en diciembre de 1994 junto a ‘Quit Playing Games with my heart’, en una misma sesión de grabación, en tan solo dos días. En ese momento, sin embargo, no estaba Nick Carter, que, con 14 años, no pudo cantar porque estaba en pleno cambio de voz en la pubertad. 

Es por lo que cuando se decidió que sería el relanzamiento del grupo en Estados Unidos, se optó por una regrabación con Nick Carter que tuvo lugar en el verano de 1996. Aunque antes de esto, Backstreet Boys tuvieorn que pelear con su discográfica para que la canción fuera la escogida, pues desde Jive Records tenían planificado que fuera con ‘If You Want it to Be Good Girl (Get Yourself a Bad Boy)’, saliéndose finalmente el grupo con la suya y que el tiempo daría la razón. 

Gracias al éxito en listas de esta canción, llegó ‘Backstreet Boys’ en agosto de 1997, el primer disco del grupo en USA, en el que se recopilaron canciones del debut en Europa y algunos inéditos, como fue ‘Everybody’, uno de sus primeros himnos a nivel global. Después de todo esto, el resto es historia. 

Backstreet Boys se convirtió en todo un fenómeno de masas que escapó a la escena musical, especialmente con la publicación del disco ‘Millenium’ en el que llegó su gran himno, ‘I Want it That Way’. Sin embargo, a pesar de haber vendido más de 150 millones de discos a nivel mundial y ser uno de los grupos más exitosos de la historia de la música, nunca llegaron a tener un número 1 en la lista Billboard, precisamente siendo ‘Quit playing games with my heart’ siendo su punto más alto, y que acaba de llegar a las tres décadas. 

Satanás siempre ha sido incomprendido o malinterpretado, así que tenerlo como referente intelectual y filosófico no es lo más recomendable si no quieres que tus vecinos murmuren a tus espaldas. Por lo tanto, sí, se puede decir que Satanás está en el corazón del rock & roll y también de la esencia del punk, porque cuestionar la autoridad lo convirtió en un paria. Básicamente, el satanismo ateo —que es el que defienden desde Anton La Vey a Lucien Greaves— viene a ser eso: subversión y rebeldía contra lo establecido. Una manifestación social o artística que, al presentarse con una estética teatral —arte gótico, calaveras, rituales, capas, la figura de la mujer desnuda, el símbolo de Baphomet— hace pensar en lo peor.

“La libertad de expresión, de religión, la proclamación del yo y nuestros derechos a ejercer todo eso encarnan lo que es el satanismo”, explica Alexandra James, mitad de Twin Temple, dúo que ha bautizado su estilo como doo-wop satánico. Acaban de sacar su tercer álbum, Doomed Lovers, y han estado embarcados en una gira por EEUU. Zack James, marido y compañero de grupo de Alex, declaró hace un tiempo que “EEUU es, en esencia, algo satánico”, y ella insiste en que “lo es porque se trata de un país construido sobre la idea del individualismo, el libre albedrío, la innovación y, sobre todo, la libertad”.

Así pues, si mañana Twin Temple actúa cerca de tu casa —el dúo ya tocó en ciudades españolas en 2022 y 2024, y está anunciado para el Azkena Rock de 2027—, ningún bebé corre peligro. Esta última observación puede parecer tremendista, pero no es ninguna exageración. En su país ambos sufrieron el acoso del periodista conspiranoico de ultraderecha Alex Jones, que les dedicó uno de sus podcasts de InfoWars, acusándoles de usar en sus conciertos sangre de bebés a los que habían asesinado. Y este verano, el músico country Charley Crockett los despidió como teloneros de su gira contrariado por su puesta en escena, alegando que “pensaba que eran como Black Sabbath, y no lo son”.

La decisión abrió un debate en los medios acerca de la libertad de expresión, pero, antes de eso, Jack White ya le había pedido al dúo, a través de sus redes sociales, si le harían el honor de abrir su concierto en Los Ángeles el 29 de septiembre, cosa que hicieron. “El amor es la ley”, afirma Alex ante la pregunta de si ser satanista en la América de Trump es una buena opción. “Si logramos fomentar un sentido de comunidad e inclusión bajo el estandarte del libre albedrío, la búsqueda del conocimiento, la libertad creativa, la libertad religiosa y la libertad de expresión, entonces, en cierto modo, habremos cumplido con nuestra misión. Queremos unir a personas con ideas afines y erradicar la intolerancia y la ignorancia en todas sus formas”, alega.

En su libro Satanismo. Historia del culto al mal (Editorial Almuzara, 2024), el periodista Javier Cavanilles presenta al dúo de esta manera: “Twin Temple puede considerarse la banda sonora del nuevo satanismo. La calidad de su música inspirada en los cincuenta, el compromiso de sus letras y el sentido del humor son lo mejor que le ha pasado al maligno en décadas. Temas como I Am A Witch, Satan Is A Woman, Be A Slut o Burn Your Bible son auténticas declaraciones de principios de satanismo ateo, progresista y social. El dúo ha confirmado que el diablo, como dicen los ingleses, siempre tiene las mejores melodías”. “Zack y yo nos conocimos en la escena punk de Los Ángeles cuando éramos adolescentes”, cuenta Alex acerca de los orígenes de Twin Temple.

“Los dos estábamos en bandas que tenían un lado muy Johnny Thunders, por eso ambos grupos compartieron cartel alguna vez. Creo que lo nuestro fue amor a primera vista, y nuestra relación romántica se desarrolló en paralelo a la artística y viceversa. Definitivamente, Twin Temple es el niño mágiko, la combinación de nosotros dos y de nuestras pasiones”. Eso explica que, desde que en 2019 lanzaron Twin Temple (Bring You Their Signature Sound... Satanic Doo-Wop), la mayoría de sus canciones sean de amor. Ahora mismo, son el grupo musical romántico por antonomasia, y su tercer álbum así lo confirma. “Muchas de las canciones de Doomed Lovers hablan de lo que ocurre cuando amas alguien sin contar con una red de protección que te proteja en una posible caída. Celos, obsesión, traición, dolor, deseo, cosas que hacemos ver como que no forman parte de lo que es el amor, cuando en realidad son parte del concepto”, indica.

La gran novedad de Doomed Lovers respecto a sus discos anteriores reside en la producción. Shooter Jennings —cuyo currículo incluye nombres como Brandi Carlisle, Waylon Jennings o Marilyn Manson— le ha dado un sonido majestuoso a unas canciones que provienen de las raíces de la música popular norteamericana. Country, balada, rock & roll y, cómo no, doo wop. “Shooter acababa de meterse en los Sunset Sound Studios cuando nos animó a trabajar con él. Estar ahí era como ser un niño en una tienda de dulces. Estaba el piano con el que se grabó Purple Rain, el estudio donde estuvieron los Stones haciendo Beggar’s Banquet y The Mamas & The Papas cantaron California Dreaming. Estando ahí nos entraron ganas de probar si podíamos hacer un disco de corte clásico. Escuchamos discos de Roy Orbison y Patsy Cline, música triste, suave, con arreglos sofisticados. Música romántica que también podía resultar devastadora”, dice.

La aparición de Jennings resultó providencial. En aquel momento, Alex y Zack estaban pasando por una mala racha debida a una serie de circunstancias personales y profesionales. “Perdí a mi halmeoni”, apunta Alex, usando el término coreano —su padre era de allí— para nombrar a la abuela. “Ella fue quien me crio y fue como una madre, así que su muerte me dejó hundida. También perdimos a nuestro niño [se refiere a su mascota, un perro de raza pug]. Sentí que dos de las cosas más bellas de mi vida me habían sido arrebatadas. Además, teníamos problemas editoriales que afectaban a nuestros discos. Durante años estuvimos envueltos en una batalla legal para poder publicar God Is Dead [su segundo álbum, que finalmente salió en 2023]. Vivíamos en una especie de cárcel creativa que nos impedía hacer lo que queríamos. Doomed Lovers fue un intento de curar esas heridas, o al menos dejar plasmadas todas esas cosas en el disco”, añade.

El doo-wop satánico de Doomed Lovers suena cien por cien clásico e intemporal, igual que esas canciones antiguas que cita Alex. Pero ella defiende la contemporaneidad de su estilo, más allá del detalle de que hayan hecho giras con bandas de metal como Danzig o Uncle Acid. “Creemos que, en muchos aspectos, incorporamos un carácter distintivo y una filosofía especial a nuestra música. Y a nivel lírico, en las tiendas de batidos no escucharás sonar letras como las que escribimos nosotros. Musicalmente, nos sentimos comprometidos al rock & roll americano clásico, y esa es una búsqueda que durará siempre. Pero a la vez, dentro de ese ámbito no dejamos de encontrar música que también nos inspira”, alude.

Sería fácil pensar que el Museo del Jamón, las científicas olvidadas del relato oficial y Robert de Niro no tienen mucho en común, pero hay una banda que lleva tiempo demostrando que sí, AmyJo Doh & The Spangles. El grupo, liderado por la británica AmyJo Doherty –hermana del músico Pete Doherty– ha conformado su universo en torno a los menús del día, las tascas de toda la vida, la necesidad de dar un paso al frente y la protesta alegre.

Su lema, según explica la propia cantante, es hacer “punk with purpose (punk con propósito)”, con el que “celebrar el cambio y usar la música de forma positiva”. “El punk te permite convertir la frustración en algo mucho más creativo”, suma Germán 'Moderno', bajista del grupo y DJ. Ambos han experimentado en sus propias carnes la transformación de la ciudad de Madrid, desde que hace veinte años arrancaran su carrera en una Malasaña que ha cambiado mucho desde entonces. Tampoco está igual Lavapiés, que es donde ella terminó mudándose y continúa actualmente.

Sus dos últimos temas, Menú del día e It’s a girl, son en castellano, que no suele ser lo habitual, y una reivindicación de las mujeres silenciadas, ¿cómo los gestaron?

AmyJo Doh: It’s a girl es una llamada a encontrarnos todos con nuestro lado feminista. Creemos que el patriarcado ya ha hecho todo el daño que podía y que esta es nuestra época. No solo hablo de las mujeres, sino de todas las minorías que han sido silenciadas por la historia. Es una invitación a reconectarnos con la Madre Tierra y a proteger nuestro planeta.

Germán Moderno: Musicalmente, es un tema muy punk, que es el estilo que queremos marcar como banda, y hemos tratado de darle unos buenos guitarrazos para apoyar ese discurso.

AJD: Forma parte de nuestro show. Las protestas también pueden ser alegres, no tenemos por qué ser siempre agresivos. Nuestro lema es hacer punk with a purpose (punk con propósito): celebrar el cambio y usar la música de forma positiva. Hoy en día todo es político; esto no es una cuestión religiosa, sino de supervivencia humana en este planeta.

Da la sensación de que, en un momento de tanta tensión social y enfado generalizado, a veces es difícil mantener ese tono festivo y no dejarse llevar por la agresividad.

GM: Tenemos un espíritu crítico con todo lo que nos rodea, incluida la industria musical y la sociedad, pero intentamos generar una actitud positiva. Yo transmito mi frustración a través de la música. La cuestión es comunicar y sacarte de encima lo que llevas dentro.

AJD: El arte te ayuda a canalizar esa agresividad. Saltar y bailar en un concierto punk te permite convertir la frustración en algo mucho más creativo. Para mí, el punk no es solo un estilo musical, es la actitud de los que no son apáticos ante lo que pasa, de los que deciden actuar.

El punk no es solo un estilo musical, es la actitud de los que no son apáticos ante lo que pasa, de los que deciden actuar

AmyJo Doherty — Cantante y compositora

Hablemos de Menú del día. Es un homenaje a las tascas madrileñas de toda la vida, pero dejan muy claro en la canción que en su mesa no aceptan ni a racistas ni a fachas.

AJD: Esa frase me salió del corazón mientras grabábamos. Hice unas voces de fondo imitando a un camarero y lo dejamos así. Todo el mundo es bienvenido a nuestros conciertos, pero no toleramos a la gente que no respeta a los demás, como los racistas o los machistas.

GM: Llevamos viviendo en el centro de Madrid (en Lavapiés y Malasaña) muchos años y estamos sufriendo la gentrificación en nuestras carnes. Vemos cómo desaparecen las tascas y los sitios que molaban para dar paso a cafés de especialidad, tacos venezolanos, ¿dónde están el pincho de tortilla y el café? ¿Y la gente del barrio y las tiendas?

Todo eso lo estamos perdiendo, o edificios enteros de Airbnb sin ninguna restricción municipal. Da una pena brutal ver en qué se está convirtiendo el distrito centro. Además, cierran ya no solo tascas, también locales emblemáticos de ocio nocturno. Yo soy DJ y lo vivo también en mis propias carnes porque me quedo sin trabajo. Vas acumulando un cabreo que Menú del día transmite en modo festivo ese cabrero.

Todo el mundo es bienvenido a nuestros conciertos, pero no toleramos a la gente que no respeta a los demás, como los racistas o los machistas

AmyJo Doherty — Cantante y compositora

¿Sienten que la ciudad ha cambiado mucho desde que empezaron? ¿Queda espacio para el optimismo?

AJD: Ha cambiado totalmente. Yo vivía en Malasaña hace 22 años y recuerdo el Bar Marathon, donde el menú del día costaba 8 euros. Para alguien que venía de Londres era increíble. El problema ahora es que Madrid sigue siendo barato para quien viene de Dublín o de París cobrando sueldos europeos, pero para nosotros tomar un vaso de vino a 5 euros es insostenible. También entiendo a los dueños de los locales de toda la vida que se jubilan y venden porque les ofrecen muchísimo dinero.

GM: Yo no soy optimista a no ser que cambien drásticamente las regulaciones sobre la vivienda y la hostelería. Desde la pandemia, la ciudad ha empeorado a un nivel exponencial.

AJD: El problema en realidad, aunque no queremos hablar de políticos, es la gente que están controlando todo y a ellos, obviamente no les interesan estas tascas ni sus vecinos. También escribí una canción llamada No a la tala; en Madrid han matado a miles de árboles en los últimos años. Vas por Sol y no hay plantas, es todo fuego, gris, metal y cemento.

¿Cómo afecta este modelo de ciudad y este capitalismo agresivo a las salas de conciertos y a las bandas que están en el circuito underground?

GM: El dinero se está concentrando cada vez en manos de menos. El capitalismo afecta a todos los sectores, y el de la música y el ocio nocturno también. A nivel musical, que es lo que más nos afecta a nivel de conciertos, casi todo lo organizan cinco agencias, que si rascas hay todavía menos fondos de inversión que los mantienen. Con lo cual, la música se está convirtiendo en un negocio y cortoplacista. Por eso luego vemos que todos los carteles de los festivales son los mismos. Con el ocio nocturno está pasando algo parecido. La tendencia es a homogeneizar todo y volvemos a lo mismo, a que se concentra todo en manos de unos estilos muy concretos de música que son los que mueven a más gente. 

2026 es el año en el que más dinero se ha gastado la gente en conciertos, pero es el año al que menos conciertos ha ido la gente. Es decir, se lo han gastado todo en muy pocos conciertos. Todos los sábados hay en Madrid 70 salas de conciertos muy vacías. Eso sí, los Movistar Arena se llenan completamente. Se concentra todo en manos de muy pocos. La diversidad desaparece, no hay clase media musical.

Antes, una banda cobraba un caché por tocar en una sala; ahora, en Madrid, tienes que pagar por tocar. El riesgo lo asumen al 100% las bandas y los promotores pequeños. Mientras los grandes pabellones se llenan para ver a Shakira, los sábados hay decenas de salas pequeñas medio vacías. Ha desaparecido la clase media musical.

A la hora de lanzar su música, ¿hay alternativas reales a las grandes plataformas digitales?

AJD: Es muy complicado. Yo estoy intentando boicotear a Spotify porque es el ejemplo perfecto de empresa sin moral, que además apoya económicamente tecnología militar, pero es muy difícil salir de ahí porque si no estás, no existes a nuestro nivel. Por eso valoro tanto los conciertos, son fundamentales para conectar con gente real.

Intento boicotear a Spotify porque es el ejemplo perfecto de empresa sin moral, que además apoya económicamente tecnología militar, pero es muy difícil salir de ahí porque si no estás, no existes

AmyJo Doherty — Cantante y compositora

Tocan bastante fuera de España. ¿Existe en otros países un modelo que permita a los músicos vivir de su trabajo?

GM: En Francia o en Alemania la cultura de base está mucho más apoyada. Hay regulaciones, subsidios para los músicos, ayudas mensuales y salas que te pagan por ley. Aquí en España es un “sálvese quien pueda”. El poco dinero público que hay en los ayuntamientos se gasta en pagar cachés inflados a los mismos grupos que ya tocan en los festivales privados, en lugar de apoyar el tejido local.

Fuera hay más ayudas, más tejido para potenciar la cultura de base, incluyendo a las bandas que empiezan. Todo eso está mucho más cuidado. En España no hay nada.

AmyJo, viniendo del Reino Unido y siendo hermana de alguien con una carrera tan inmensa como Pete Doherty, ¿cómo le ha influido esto a la hora de construir tu propio camino en la música?

AJD: Pete, mi hermanito, él sabía desde muy joven que quería ser una estrella del rock and roll. Nos juntábamos todo el rato en casa, yo ayudándole a llegar a las notas. Y cuando formaron The Libertines fue como un “pum”, que para una hermana mayor creo que es la peor cosa que podría pasar, porque él es un poeta y todo esto le llevó al lado oscuro. Pero claro, todo esto de lo que yo era testigo, no me gustaba. Por eso me llamo AmyJo Doh, porque no quería, aunque todo el mundo lo sabe, que supieran que soy su hermana. Yo al principio no quería hacer ni música ni nada, tocaba por mi propia salud mental.

Tenía mucho en la cabeza ¿qué van a pensar? No quiero que piensen que quiero ser como él, porque la prensa puede ser muy cruel. Empecé con treinta años, cuando todavía estaba un poco paranoica, pero ahora tengo muchos más, yo estoy orgullosa de él y él nos ayuda mucho. Yo ahora siento a la artista que soy en mis propios pies, soy muy diferente a él y tenemos muchas cosas en común, pero ahora sí puedo decir que este es mi proyecto y estoy muy orgullosa de lo que hacemos.

Vídeo entrevista completa

En el principio del milenio, la mezcla de estilos dentro del rock distaba mucho de lo que es actualmente, y si hoy en día el rock alternativo y la mezcla del jazz o el rap en este género está asentado es en parte por un grupo y una canción que supusieron todo un punto de inflexión en este sentido. 

Hablamos de Linkin Park, una banda que fue pionera en democratizar el rock alternativo, y que se hizo famosa al fusionar rock, hip-hop, música electrónica en géneros como el nu metal, y que en parte se demuestra en su tema más popular y alabado, “In the End”, que a su vez escondía la triste historia de su fallecido vocalista Chester Bennington, que, sin embargo, no estuvo muy de acuerdo en publicarla. 

El origen de la canción que acercó el rock alternativo a las masas 

“Al tocar ”In the End“ en directo, al llegar al puente, siempre hay tanto ruido que no se nos escucha. Naturalmente, en algunos momentos hemos dejado de tocar. Chester y Mike sostenían los micrófonos y encendían las luces”, declaraba Brad Delson, guitarrista de Linkin Park en una entrevista en 2020 sobre la experiencia de tocar la canción más popular de la banda y todo un himno generacional. 

“In the End” fue publicada en septiembre de 2001 en radios y en octubre de 2001 como CD comercial, hace 25 años, como tercer single (cuarto en Europa) del disco ‘Hybrid Theory’ de Linkin Park, banda originaria de California con más de tres décadas de historia actualmente. 

La canción surgió nueve meses después de la publicación del disco, y aunque ya era un éxito con sus singles anteriores, pero que llegó a un nivel superior con este tema, que cambió la percepción del rock alternativo para el público general y cambió la jerarquía de sonidos, en palabras de Mike Shinoda, uno de los fundadores y líderes del grupo: “Fue parte de la evolución hacia la ruptura de las barreras entre los estilos musicales”, aseguró en una entrevista. 

Shinoda contaría más tarde que ‘In the End’ surgió en un local de ensayo en West Hollywood, un barrio en el que por entonces “había prostitutas y traficantes de drogas”, y donde en una habitación sin ventanas se encerró para componer en tan solo un día la canción, que, al mostrarla a sus compañeros, fue ya un éxito: “Desde que llegó esa maqueta, todos supimos que era especial”, comentó. 

Chester Bennington y la triste historia que esconde ‘In the End’ 

Pero ‘In the End’ no solo esconde su humilde origen, sino también la triste historia del vocalista Chester Bennington, quien falleció en 2017 a los 41 años tras quitarse la vida, tan solo unos pocos meses después de la muerte de uno de sus mejores amigos, Chris Cornell, a quien le dedicó una carta diciéndole que no se imaginaba un mundo sin él.  

Bennington, quien se unió al grupo en 1999, aportó una dura vivencia de abuso y adicciones a la canción, plasmando todas sus emociones con una voz capaz de sonar angelical a gutural. Sin embargo, a pesar de la popularidad que tuvo el tema y lo que supuso para la banda, al cantante no le convenció y llegó a comentar: “Nunca me gustó y ni siquiera quería que estuviera en el disco”. 

A pesar de ello, desde su lanzamiento como sencillo en el otoño de 2001, la canción llegó al número 2 de Billboard Hot 100, el punto más alto en la lista para Linkin Park, así como ser top 10 en varios países alrededor del mundo. Aunque el éxito no fue inmediato, sino que surgió por sorpresa tras un lento inicio, lo que se conoce en música como ‘sleeper hit’. Desde entonces, la banda la toca en sus conciertos, ahora con la voz de la nueva vocalista Emily Armstrong. 

En Marruecos era “la cristiana”, como llaman allí a los europeos, pero cuando llegó a España tampoco terminó de sentir que se la acogiera bien. La cantante Restinga, nacida en Tetuán bajo el nombre de Herminia Loh Morenoha, ha experimentado lo que significa crecer con raíces en dos países y sentir que, a ojos de los demás, nunca terminas de formar parte de ninguno. “Lo que aprendes y lo que te hace ver la gente es que no perteneces a un lado u otro”, recuerda. Hoy, en cambio, reivindica que la cultura marroquí tenga su espacio en la música que se escucha en España: le gustaría que las canciones en árabe pudieran sonar en nuestra radio.

La artista refleja una realidad que atraviesa a jóvenes con raíces marroquíes que moldean nuestra cultura y que ya no quieren verse obligados a elegir entre dos identidades. De hecho, muchos de ellos son los autores de la música urbana que triunfa en España. Es el caso de Yassir, que ha compuesto canciones para artistas como Quevedo, Lola Índigo o La Zowi. Las experiencias de ambos tienen puntos en común, pero también muestran distintas formas de relacionarse con sus orígenes. Mientras ella vivió en Marruecos hasta la adolescencia y se mudó a Sevilla para estudiar una carrera, recuperando en su música elementos de la cultura popular marroquí, él ha construido aquí su identidad.

Ambos representan la lucha de quienes defienden que las fronteras no deben decidir quién merece ser aceptado en una sociedad. Restinga, de hecho, sostiene que el rechazo a las personas migrantes no se explica únicamente por sus costumbres, su origen o su religión, sino también por las desigualdades económicas. “No se trata de cosas culturales, sino de quién es pobre y quién no”, cuenta la artista a elDiario.es, señalando que “lo que molesta es la pobreza”. “Luego viene un noruego a pagar un alquiler por 1.500 euros que tú no puedes pagar como español y a la gente le da igual porque a los rentistas les conviene. Como son ricos, no pasa nada, pero cuando se trata de un moro empieza a molestar”, apunta.

Para Yassir, la dificultad por encontrar un lugar propio apareció durante su infancia. Aunque pasó sus primeros años en Madrid, cuando empezó a tener uso de razón vivía en un pueblo de Valencia donde no había otras personas marroquíes. Fue allí donde notó que tenía que amoldarse a los demás para encajar. “Es donde sentí que me tenía que adaptar y dejar de lado mis raíces para sentirme acogido”, afirma. Con el tiempo, no obstante, su relación con sus orígenes ha cambiado y asegura que cada vez conecta más con ellos, sin sentir que deba renunciar a una parte de sí mismo para formar parte de la sociedad española.

La historia de Restinga está atravesada, a su vez, por privilegios que no están al alcance de todo el mundo. Aunque nació y creció en Marruecos, su madre es española y ella tenía pasaporte español, una ventaja que le permitió plantearse marcharse para estudiar en Sevilla a los 18 años. “Sabía que podía irme de ahí”, reconoce. Sin embargo, durante su adolescencia no era plenamente consciente de lo que significaba disponer de esa opción mientras otras personas no podían plantearse la misma salida. “Me han educado un poco en el no opinar, en el silencio y en el 'tú tira pa'lante'”, recuerda, aunque con el paso del tiempo ha revisado aquella educación.

Yassir también considera que la posición desde la que cada persona observa la realidad condiciona la manera en que interpreta las experiencias ajenas. Respecto al debate sobre migración, reclama que hace falta escuchar más a quienes atraviesan momentos difíciles. “Deberíamos de entender más a las personas y saber que la situación de cada una es complicada”, insiste el músico. Este considera que “hablar desde una posición más privilegiada te hace ver las cosas de distinta manera” y cree que “hay que intentar entender más a las personas que necesitan ayuda”.

Restinga, por su parte, mantiene una mirada crítica sobre lo que sucede en Marruecos y sobre las personas que se ven obligadas a abandonar el país. “Ahora veo cómo la gente se está moviendo con una rabia muy bien colocada que me abruma y me enorgullece”, relata la artista, que viajó hasta Ceuta cuando empezó a ver en redes sociales vídeos de personas que cruzaban la frontera y de otras que morían en el intento. Impactada por aquellas imágenes, se marchó con unas amigas y pasó allí cuatro días para echar una mano. La joven, además, cuenta que se quedó impactada por la poca ayuda que encontró en la ciudad.

“Me acuerdo que decía: '¿Qué pasa que no están aquí las organizaciones que tienen que estar?'. Y no me refiero a las no gubernamentales, sino al Gobierno. ¿Dónde coño está, tío?”, rememora Restinga, que tuvo que escuchar “comentarios inhumanos” y “muy heavys” durante su breve estancia allí. “Puedo entender que abrume el hecho de que de repente en tu ciudad hayan entrado muchas personas doblando la población, porque de pronto dices: '¡Hostia! ¿Qué hacemos? ¿Qué pasa con esto?'. Pero otra cosa son las barbaridades que escuchaba, que es para mirárselo”, detalla.

“En España está entrando un fascismo que miedo me da ahora con las elecciones”, declara la artista, quien expresa su temor ante la normalización de discursos que presentan a las personas migrantes como una amenaza. “España es un país muy, muy racista”, comenta. “La gente no se queja cuando vienen migrantes de España para arriba. Es puro racismo y xenofobia, no consigo entenderlo”, alega. Yassir incluso indica que la diversidad cultural ha de ser motivo de celebración: “Cada cultura y cada persona tiene tanto cosas positivas como cosas negativas, pero deberíamos de entender que cada uno que tiene su forma de pensar y su forma de ver las cosas, siempre con el respeto por delante”.

Canciones en español y en árabe

Para no olvidarse nunca sus raíces, Restinga canta en español y en dariya, la variedad del árabe marroquí. Después de tantos años en España, la artista reconoce que a veces olvida palabras porque ya no las utiliza habitualmente en Madrid. Escribir en esa lengua le permite recuperar vocabulario y mantener vivo un vínculo con su lugar de origen. Además, ha observado que las letras en español suelen llevarla hacia asuntos íntimos y románticos, mientras que las que escribe en dariya tienden a abordar cuestiones relacionadas con Marruecos, la familia o su entorno social. Es algo que está presente en Free Baby, su álbum debut publicado el año pasado.

Las referencias al imaginario popular marroquí también conforman las canciones del disco. Una de ellas es Aisha Kandisha, que hace referencia a una figura vinculada a las historias que escuchaba en casa y cuya función se parecía a la del coco en España, un personaje con el que se asustaba a los niños. “Hay cosas que no quiero dejar atrás y que pertenecen a mí a día de hoy”, detalla la cantante. Otro tema de Free Baby se llama Cashcash, que significa “escondite” en dariya, e incluso el mismo título del proyecto hace alusión a un cántico infantil que le gustaba mucho cuando era pequeña. “Es un disco muy nostálgico que tira de la infancia para traerlo a tu persona actual”, cuenta.

La necesidad de decidir quién es también atraviesa su experiencia como artista queer. Restinga publicó en 2023 Abrazaditas, una canción que cuenta una historia de amor entre dos chicas. “Viviendo en España siento comodidad escribiendo de ciertas cosas. En el disco también compongo sobre cómo quiero a una persona y esa persona es una mujer. Estuve en noviembre del año pasado de gira en Marruecos y la canté”, afirma, aunque confiesa que no está segura de si el público siquiera llegó a comprender lo que contaba. “Obviamente, el miedo existe allí, y cuando voy tengo miedo y es algo muy serio. Mucha gente que se quiere ir es porque son personas queer y no pueden vivir allí como ellos quieren”, subraya.

Por su parte, Yassir dio sus primeros pasos lejos de los grandes estudios. Cuando quiso empezar a grabar, preguntó en uno cercano a su casa y descubrió que una sesión costaba 200 euros, una cantidad que no podía permitirse. Así que decidió aprender por su cuenta a través de tutoriales en internet. “Quería empezar a hacer música, así que opté por mirar vídeos de YouTube”, explica sobre aquellos comienzos, cuando aprendió a producir, grabar y crear sus propias canciones sin apenas recursos. Con el tiempo, Yassir ha encontrado su lugar en una industria en la que muchas veces el público conoce las canciones, pero no a todas las personas que han participado en su creación.

A él, sin embargo, no le preocupa demasiado ocupar un segundo plano. “Mi sueño al final siempre ha sido vivir de la música y hacer música”, comenta. Cuando trabaja con otros artistas, disfruta aportando ideas tanto en la composición como en el ambiente del estudio, sin reservarse sus propuestas por miedo a que otra persona se lleve el reconocimiento. Esa forma de entender su oficio también le ha llevado a valorar el trabajo en equipo: “Siempre he sido muy de ayudar y aportar y eso me ha llevado a donde estoy ahora”. Ahora, ambos tienen puesta la vista en el BIME Bilbao 2026, donde Restinga actuará en directo como parte del cartel de propuestas emergentes y Yassir será ponente en la charla Banger makers: el código del reggaeton contemporáneo, sobre la creación y composición de éxitos urbanos.

Exposiciones, mesas redondas, o teatro entre los planes culturales que hemos seleccionado para este fin de semana en toda España.

Ocho planes para el finde, por Elena Cabrera

Reflexión colectiva para repensar el presente (en Barcelona). Organizada bajo el lema “Desencadenar el presente”, la Bienal de Pensamiento reúne en el CCCB a grandes figuras de la literatura y el pensamiento, como Mariana Enríquez, Patrick Radden Keefe, José Luis Guerin, Chantal Maillard o Juan Mayorga. Del 13 al 18 de octubre.

Una cita clásica de la historieta (en Getxo). El Salón del Cómic de Getxo regresa del 16 al 18 de octubre rindiendo homenaje a Miguelanxo Prado y Laureano Domínguez, editor de Astiberri. El evento contará con una amplia programación e invitados de la talla de Antonio Altarriba, Koldo Azpitarte y Elizabeth Casillas, autora de La palabra que empieza por A.

Teatro de ambos lados del Atlántico (en Cádiz). El Festival Iberoamericano de Teatro (FIT), una de las citas teatreras más asentadas y al alcance de todos, despliega del 14 al 24 de octubre, 44 actividades en 11 espacios de la ciudad. La edición reúne a 20 compañías de Latinoamérica y de España, con una notable representación del talento andaluz.

Periodismo en vivo, único e irrepetible (Madrid). El Teatro Fernando de Rojas acoge una edición especial de Diario Vivo, una compañía que lleva el periodismo a la escena teatral, en esta ocasión junto a Acción contra el Hambre, el 16 de octubre. Ocho personas vinculadas a la organización subirán al escenario para compartir vivencias del terreno que transformaron su forma de ver el mundo.

Las mejores fotos del periodismo de este año (Valencia). A partir del 17 de octubre y hasta el 8 de noviembre se puede ver la exposición World Press Photo 26 en el Palau Joan de Valeriola de la Fundación Chirivella Soriano de València. El mejor fotoperiodismo del mundo, que por supuesto incluye imágenes del genocidio palestino, los efectos del cambio climático o las migraciones. La entrada cuesta seis euros.

Divulgación e historia en el Barrio de la Ciencia (Madrid). La ciudad impulsa esta iniciativa cultural para acercar el conocimiento científico y poner en valor el patrimonio investigador del entorno urbano. A través de sus actividades programadas durante el mes de octubre, el público podrá descubrir hitos científicos e itinerarios de forma didáctica.

Las fascinantes fotos de Martin Parr (Palma). En el espacio galerístico del Terreno Barrio Hotel de Palma de Mallorca, se organiza la exposición A Matter of Taste, dedicada a una de las figuras más influyentes de la fotografía documental contemporánea, que falleció en 2025.

Charla gratuita con el escritor Theodor Kallifatides (Madrid). El escritor sueco-griego charla con el periodista cultural de La Vanguardia Xavi Ayén en el Museo del Prado sobre desarraigo, lengua e identidad, el viernes 16 de septiembre a las 18:30.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Una canción sobre el miedo del regreso del fascismo, otra sobre el genocidio palestino, una sobre la desintegración de la izquierda y otras dos sobre la ansiedad climática y la cotidiana. La Jvnta no se deja nada en el tintero en su nuevo disco, Por ahí van los tiros, donde la banda torna política para mirar con atención lo que sucede a su alrededor. Una de las canciones del álbum ya puedes escucharla en nuestra playlist de recomendaciones.

'La falda' de Judeline. Haciendo un sample de J'y suis jamais allé de Yann Tiersen, la cantante gaditana firma un hit con tintes flamencos y reguetoneros en la que es su primera canción desde Bby Wow con Karol G y Rusowsky. La artista ha visitado la redacción de elDiario.es para reflexionar sobre su ascenso al estrellato y pronunciarse políticamente sobre la crisis de vivienda.

'Goodbye to All That' de Jess Williamson. Tomando prestado el título del célebre ensayo de Joan Didion sobre el final de la juventud y la despedida de las ciudades, la cantautora texana entrega una de las joyas de su nuevo trabajo, A Mile South of Heaven. Producida por Shooter Jennings, la canción capta con precisión el instante en el que una comprende que un vínculo con otra persona ha concluido.

'El meneíto de ella' de La Jvnta. Tras renovar su formación y afincarse en Sevilla, el grupo consolida en su nuevo una etiqueta tan sugerente como divertida: su autodenominado “pospunk neomudéjar”. En esta canción, la banda entrelaza lo íntimo y lo social al abordar las inseguridades sexuales y el temor ante el avance de la ultraderecha.

Tres libros, por Laura G. Higueras

'Todo fue bonito y nada dolió', de Ben Reeves (trad. Laura Vidal, AdN). Empezamos con una novela que aborda el sufrimiento que generan las pérdidas y la angustia que provoca el paso del tiempo. Lo hace siguiendo a Travis Smith, la Muerte en el mundo moderno. Se dedica a brindar consuelo a las personas en sus últimos días y horas de vida. Cada muerte en la que está presente significa algo para él: escucha, nunca juzga y, sobre todo, jamás intenta cambiar el destino de nadie. Sabe que toda vida debe terminar en algún momento para mantener el equilibrio del universo y respeta el ciclo. Hasta que una vecina y su hija irrumpen en su día a día para trastocar por completo su estructura vital.

'Sexo o lo insoportable', de Lauren Berlant y Lee Edelman (Irrecuperables). Este libro se articula en torno a la conversación entre ambos autores, para los que el sexo es un lugar desde el que explorar la escena de la relacionalidad, centrándose en la negatividad que puede hacerla perturbadora. En su charla muestran algunas de las complejidades de la relacionalidad: es violenta, placentera, productiva, un escenario de fantasía y desconocimiento, y mucho más. En la edición incluyen el ensayo Deseo/Amor, que gira en torno a lo que los teóricos han escrito sobre el deseo y el amor.

'¿Qué soy, un ciervo?', de Polly Parton (trad. Rita da Costa, Anagrama). La autora de los ensayos Porno. Una historia oral y Fifty Sounds, debuta en la ficción con esta novela que desmantela los clichés del amor romántico y puede leerse como un tratado sobre la heterosexualidad y el ciclo siempre idéntico de su deseo. En ella se combinan Céline Dion, Whitney Houston, The Cure, los videojuegos, el karaoke y la soledad de la vida contemporánea, atravesadas por la autenticidad y en anhelo de pertenencia.

Tres películas, por Javier Zurro

‘La invitación’. Es curioso ver cómo una película hecha mil veces (es el noveno remake de Sentimental, la peli de Cesc Gay basada en su obra de teatro) puede funcionar como si fuera nueva gracias a un guion que moderniza y feminiza su trama, una directora que tiene una idea clara de lo que quiere y cuatro actores en estado de gracia. Los dardos de estas dos parejas de vecinos saben más ácidos y frescos gracias a Olivia Wilde y a una Penélope Cruz que apunta al Oscar.

‘Los demonios’. Por favor, si no habéis visto esta maravilla provocadora, iconoclasta y sorprendente de Ken Russell aprovechad ahora que algunos cines van a proyectar la versión sin censura y restaurada. Una joya sobre la opresión de la iglesia y el fundamentalismo, llena de imágenes imborrables. Una de las películas que fue censurada durante más tiempo y que ahora por fin muchos van a poder descubrir.

‘El mal hijo’. El debut de Jaime Lorente en la dirección sorprende por sus decisiones de puesta en escena. Rodada en 35 milímetros, con una fotografía hermosa y elegancia en la dirección, el actor que saltó a la fama con Élite' y 'La casa de papel' cuenta una historia de adicciones y paternidades que, a veces, puede sonar a ya vista, pero que emociona y muestra unas formas interesantes que habrá que seguir de cerca.

Estopa ha anunciado que lanzará nuevo disco, La Maketa, y hará una gira de estadios en la que recorrerán cuatro ciudades españolas: Madrid, Barcelona, Valencia y Sevilla. La noticia ha sido comunicada por los propios David y José Muñoz en una rueda de prensa desde la Facultad de Geografía e Historia de la Universitat de Barcelona. Y lo han hecho cinco días antes del establecido como 'Día de la Estopidad', el 18 de octubre, en el que cada año los fans de la banda conmemoran el lanzamiento de su primer disco, Estopa, en 1999.

El nuevo álbum saldrá a la venta el 20 de noviembre, en el que han rescatado los temas de su maqueta de 1997 que nunca llegaron a editarse. Antes de que ninguna discográfica se fijara en ellos, compusieron más de treinta. Será un disco doble. El primero contendrá siete temas inéditos y tres canciones que no se llegaron a grabar entonces.

El segundo incluirá todas las maquetas, tanto las que grabaron con su minicadena en su casa con la ayuda de sus padres, que han reaparecido precisamente gracias a su ayuda, tras encontrar el máster original accidentalmente en su hogar. Junto a estas estarán las versiones de las mismas que grabaron en un estudio de Sabadell, gracias al dinero que ganaron en un concurso de cantautores, y que terminaría siendo su trampolín. Entre estas sí las hay que han podido irse escuchando en sus sucesivos trabajos discográficos.

El primer sencillo verá la luz este viernes 16 de octubre, Bicho raro, de la que han avanzado que fue una canción “matriz” de otros temas emblemáticos como Vino tinto y Tragicomedia. El grupo ha concluido la rueda de prensa interpretando precisamente este tema ante los alumnos de la Facultad, con únicamente voz y guitarra. “Pero me pongo tan malo cada vez que me roza tu pelo, así como un bicho raro, una especie nueva de insecto”, reza su estribillo.

Contra las alianzas con bancos y casas de apuestas

El tour arrancará el 12 de junio de 2027 en el estadio Ciutat de València, seguirá el día 18 en el Lluís Companys de Barcelona, el 26 en La Cartuja de Sevilla y concluirá el 9 de julio en el Riyadh Air Metropolitano de Madrid. Las entradas saldrán a la venta el 17 de noviembre a las 22:22 horas en la web oficial del grupo. Aquellos que compren el disco, contarán con 24 horas más que el resto del público para hacerse con sus tickets.

Para combatir con la tendencia reciente en la que para conseguir entradas para los conciertos ser cliente del banco Santander, gracias a sus alianzas con Universal Music, Live Nation, Los 40 y Mad Cool, se ha convertido prácticamente en un requisito; Estopa solamente va a permitir el acceso a la reventa a quienes previamente se hayan hecho con su álbum.

“Nunca hemos hecho anuncios ni con bancos ni con casas de apuestas. Satisfyer bien, bancos y casas de apuestas; no”, han afirmado. Para el grupo, el privilegiar a los clientes de una compañía bancaria para poder ir a sus conciertos es “injusto, porque solo premias a los clientes de una marca. Queremos premiar a la gente a la que le gustamos”.

“La universidad pública hace que la gente que no tiene recursos pueda estudiar”, ha reivindicado igualmente David Muñoz, aprovechando que la presentación la han llevado a cabo en el centro en el que ambos se formaron, “es el auténtico ascensor social”.

El proyecto 'MKT'

El grupo hizo la primera mención de que se traían algo entre manos el pasado 27 de septiembre, con un primer vídeo compartido en redes sociales, titulado Acto I, en el que un hombre vestido de negro, encapuchado con una máscara blanca, pintaba un grafiti en la pared con la 'E' de Estopa, en color rojo. En seguida entraba una música con una voz de fondo indicando “tic, tac” y la frase “algo está a punto de pasar”.

El Acto II vio la luz el domingo 4 de octubre, con un supuesto trabajador de una tienda de electrodomésticos, tarareando Por la Raja de Tu Falda, uno de los mayores éxitos de Estopa, al tiempo que colgaba en la pared un póster, con el logo del grupo y, de nuevo el mensaje “Algo está a punto de pasar”, seguido de cuatro imágenes de cuatro estadios diferentes, los ubicados en Madrid, Barcelona, Sevilla y Valencia, dejando entrever que podrían estar preparando una gira de estadios con esas cuatro paradas.

La última entrega llegó a finales de la semana pasada, el Acto III, en el que anunciaron que darían “todas las respuestas” este martes 13 de octubre. El vídeo incluía a David y José Muñoz, sentados en un bar tomando una cerveza. Allí una noticia de última hora terminaba acaparando todas las miras, la aparición de las pintadas con la E de Estopa, que merecía “una explicación”, que finalmente han revelado.

Lleva cinco semanas en el número uno del país y se ha convertido en la primera mujer española en encabezar la lista mundial de Spotify. Lara Fernández (Jerez de la Frontera, 2003), conocida artísticamente como Judeline, ha logrado la fama de manera pausada, haciéndose un hueco en la industria musical a prueba de canción y canción, de escalón en escalón. Lo que la cantante no esperaba es que su participación en el último disco de Karol G la ayudaría a subir del tirón el resto de escaleras, alcanzando un estrellato casi inimaginable.

Judeline ha acaparado todos los focos con el tema Bby Wow, en el que, además de la artista colombiana, también colabora el español Rusowsky. Un tipo de exposición que, si bien ya había experimentado en el pasado —la artista logró uno de los discos más aclamados de 2024 con Bodhiria y llenó por primera vez el Palacio de Deportes de Madrid a inicios de este año—, no se asemeja en absoluto al nivel de popularidad que ha cosechado tras este impulso.

Ahora, tras ofrecer decenas de conciertos y decidir darse una pausa de los escenarios para encerrarse a crear nueva música en el estudio, la artista publica el tema La falda y aprovecha para reflexionar tanto sobre el pasado como sobre el futuro. Lo hace tomando comprensión sobre lo que ocurre a su alrededor: celebra las movilizaciones por el derecho a la vivienda, asume su compromiso frente a las injusticias globales y se enorgullece de su debut en el cine de la mano de Los Javis con La bola negra, una película que va más allá del éxito comercial y de la que reconoce su importancia en pleno periodo electoral.

Cuando vuelve a esa niña de Barbate, ¿alguna vez imaginó que todo lo que le está pasando podía ser posible?

Yo siempre lo manifesté mucho. Era el típico sueño, poco realista, de ser niña, ver la tele y tener metas más surrealistas. Pero ha salido y está saliendo; todo se ve un poco como la foto que yo tenía de pequeña.

Vino a Madrid con 17 años. ¿Se ha preguntado qué hubiera pasado si hubiera intentado construir todo esto desde Cádiz?

Hubiera sido muy difícil. Tendría que haber tenido mucha más fuerza de voluntad para hacer muchas cosas sola y las posibilidades hubieran sido muchísimas menos. Aquí tuve acceso a contactos, a mucha gente y a los estudios; al final, en Madrid está toda la gente de la industria. Si viviera en Cádiz y viajara cada dos por tres a Madrid, tal vez, pero por desgracia hubiera sido mucho más difícil.

Además, tuvo que trabajar como niñera y recepcionista para conseguir el dinero.

Ahorré dinero trabajando un verano entero y mis padres también me ayudaron cuando llegué, pero fue complicado. Ahora miro al pasado, veo mi vida diaria y mis gastos actuales frente a los que me podía permitir cuando llegué aquí, y es una diferencia bastante loca.

¿Le ha hecho reflexionar sobre las oportunidades de los jóvenes y la dependencia de los recursos?

Es muy evidente que la mayoría de las personas que consiguen llegar alto en la industria vienen de tener un apoyo financiero al comienzo. Es muy complicado que una persona con cero recursos lo consiga. Yo vengo de una familia muy sencilla, trabajé y me ayudaron; al menos me podían dar esos 100 euros extra al mes, aparte de mis ahorros, para poder comprar comida o pagar mi habitación. Hay gente que no tiene eso, que tiene que estudiar y trabajar a la vez, y son personas superdedicadas. Yo era un desastre para los estudios y menos mal que en la música me fue bien. No somos conscientes de que no se trata solo de suerte; mucha gente tiene más impulso y es mucho más sencillo buscar tus sueños y trabajar en la música si no tienes que despertarte todos los días desesperado pensando de dónde vas a sacar el dinero para vivir.

¿La situación es más difícil ahora que cuando vino a Madrid?

Han subido muchísimo los precios. Lo que vemos normal ahora por un piso habría sido una locura cuando yo llegué a Madrid hace cinco años. Sí veo el cambio, pero es que en realidad ya era una locura cuando yo llegué. Si antes era inaccesible, ahora ya no hay por dónde cogerlo. Siendo realistas, con el sueldo mínimo que tenemos en España de milagro te puedes permitir una habitación. Hay gente que lleva trabajando desde los 18 o 20 años, que ahora tiene 27 y todavía no puede dejar de tener compañeros de piso porque no se lo puede permitir; es una vergüenza. Yo estoy superfeliz de las movilizaciones que están pasando y ojalá se haga algo por cambiarlo.

¿Esta conversación llega tarde?

Ha tenido que pasar ahora, pero la gente ya llevaba mucho tiempo enfadada. No solo ocurre en España, pasa en todo el mundo. Cada vez te puedes permitir menos una vivienda si quieres vivir en la ciudad. Se le da más importancia a los pisos turísticos y a los Airbnb. Pareciera que la vivienda es un privilegio, cuando todo el mundo necesita una cama y un techo donde dormir.

Acaba de publicar una nueva canción, La falda.

Es el punto perfecto de lo que tengo que sacar ahora y estoy emocionada. Es una canción que me gusta muchísimo. La hice aquí en España, sobre junio. Siempre escuchaba la canción I've Never Been There de Yann Tiersen y pensaba que un beat de reguetón ahí sería una locura, y que quien lo hiciera se forraría. Se lo propuse a mis productores y, aunque limpiar el sample fue difícil, me gusta mucho el resultado.

En La falda juega con el deseo y la provocación. ¿Es importante jugar con la sexualidad en la música?

Sí, a mí me divierte. Además, pienso que tengo 23 años; si no hablo ahora de sexualidad, ¿cuándo lo voy a hacer? Me hace mucha gracia y me divierte mezclar una voz más sutil con una letra más pícara.

¿Cree se espera que con su edad no hable tanto de ello, como si fuera tabú?

Al revés: los jóvenes somos los que más hablamos del tema porque es algo más nuevo para nosotros y le damos más importancia. La gente más adulta ya pasa un poco más del tema. No creo que el sexo sea tabú; hay muchísimas cosas que lo son más. Pienso que la menstruación es muchísimo más tabú que el sexo; del sexo habla todo el mundo.

En la industria musical también existen roles; se espera que una mujer solo tenga éxito si adopta el rol de estrella pop.

La figura de diva del pop está cambiando mucho. Ahora hay “chicas raras”, hay divas del pop clásicas, hay estrellas que bailan increíble... Hay mucha variedad. Hay tanta oferta que puedes encontrar cualquier tipo de diva pop. Personalmente, no me preocupa ni me está resultando complicado desobedecer esos patrones; me siento superagradecida por el recibimiento que he tenido siempre. No me puedo quejar.

Siempre ha sido muy reivindicativa y feminista. ¿Considera que últimamente ya no mola tanto serlo?

Ha habido una desconexión porque los jóvenes nos cansamos y decidimos que la política daba demasiados dolores de cabeza, al menos cuando era adolescente. Pero en las últimas semanas, con las manifestaciones, con todo lo que está gritando la gente joven en la calle por el acceso a la vivienda, siento que está volviendo esa conexión con la política y la concienciación de la situación que hay. Ahora con las votaciones seguro que los chavales se informan muchísimo más, y eso me da esperanza.

¿A qué cree que se debía esa desconexión?

Hablando desde mi experiencia, creo que la gente joven de izquierdas no sentía que hubiera un partido político que les representara al cien por cien. También da mucho miedo la situación general del mundo, y muchos optaron por desconectarse, lo cual entiendo. Vivimos en una sociedad que cada vez es más individualista, que cada vez nos separa más y en la que la tecnología cada vez nos hace ser menos humanos, y esto puede traer una desconexión muy grande que te haga despreocuparte de los problemas sociales. Pero la gente se está volviendo a concienciar. Yo misma estoy volviendo a estar más atenta después de haber estado unos años desconectada.

¿Le emociona ver a la gente joven acampando en Sol?

Sí, eso es ser conscientes de que el pueblo tiene más poder del que pensamos. Si hay cosas que están pasando, que son injustas y que no nos gustan, podemos salir a la calle a gritar. A veces parece que no funciona, pero sirve para muchísimas cosas y está ayudando.

De hecho, canceló su participación en el FIB por la presencia del inversor israelí KKR. ¿Fue complicado tomar esa decisión?

No, para nada. Siempre he sido muy consciente de la situación en Palestina porque mis padres me han hablado de ello. Es una barbaridad y nos vamos a avergonzar como humanidad cuando dentro de muchos años miremos hacia atrás y veamos lo pasivos que fuimos. Siguen asesinando a personas y sigue habiendo una limpieza étnica por parte de Israel. Espero que pare en algún momento, porque pareciera que la gente se olvida del conflicto cuando sigue superpresente.

Hace un cameo en La bola negra. ¿Cómo fue acercarse a esa historia?

Los Javis me llamaron al principio para un cameo y luego decidieron que hiciera la canción de Soldadito español. Fue muy bonito. Yo nunca había actuado y ellos me dirigieron superbien. Es una experiencia que me llevo para siempre. Cuando supe que [la película] hablaba de Lorca, de todo lo que ocurrió, me hacía muchísima ilusión participar en el proyecto. No sabía tanto del argumento completo cuando grabé mi escena, pero al verla me emocioné muchísimo y salí llorando del cine. Es una película supernecesaria.

Versiona el pasodoble Soldadito español y lo hace más íntimo y tranquilo. ¿Le ha hecho mirar palabras como "patria" o los símbolos españoles de otra forma?

Me gustó mucho transformar el pasodoble y darle otro significado. Ya lo versionaba en su momento Marujita Díaz y me hizo mucha ilusión. Se puede ser patriótico a tu manera, yo estoy superorgullosa de España este año. Me llena de orgullo ver que estamos haciendo cosas artísticas tan especiales como La bola negra, la de cantantes increíbles que están saliendo, que hayamos ganado la Copa [del Mundial de fútbol], que seamos los primeros del mundo en donar órganos. Somos un país muy especial, tenemos muchísimo que aportar y nos queda mucho recorrido. Todo lo que está pasando ahora y todo lo que están haciendo los chavales en la calle me hace sentirme más orgullosa que nunca del país en el que vivo.

¿Es interesante que esta película esté en cartelera ahora que se abre un periodo electoral, para recordar a los jóvenes que los derechos se pueden perder?

Es muy importante mirar atrás. No hace mucho que vivíamos en una dictadura, y es fundamental que los chavales que no han estado cerca de esa generación —yo incluida— miren hacia el pasado. Quien olvida su historia está condenado a repetirla, eso es así.

Vídeo de la entrevista completa

Todo lo que conocemos del mundo antiguo es fruto del trabajo acumulado de copistas, traductores, eruditos y arqueólogos. Si las voces de los que habitaron los palacios se vuelven frágiles con el paso del tiempo, las de las humildes apenas son un suspiro en la historia. Gracias a gentes como Ismael Peña, esas voces de “personas que a lo mejor no sabían ni leer ni escribir, pero que necesitaban expresar la pérdida, el amor, el trabajo en el campo, el acunar a un hijo o las rondas de mozos” siguen sonando en grabaciones y escenarios. 

La frase forma parte de las palabras que dirigió el propio Ismael Peña, con sus 90 años recién cumplidos, a un auditorio del Teatro Ayala de Daimiel que acudió en masa a la llamada de la Asociación Folklórica Virgen de las Cruces para homenajear al cantante y etnógrafo segoviano en la 54.ª edición de su festival.

De elegante traje blanco, saludó desde la primera fila al comienzo del homenaje y desde allí siguió las actuaciones, los vídeos de agradecimientos, las palabras de José Manuel López Francia, histórico locutor de Radio Ciudad Real, y de José Ramón Pardo, histórico periodista musical, que fue el encargado de presentar la velada. 

Fragmentos del documental 'Ismael, el juglar rebelde', dirigido por Ramón Moratalla, sirvieron como introducción biográfica, antes de que subieran al escenario Tierra, Semilla y Agua, grupo local, que abrió la parte musical con 'Romance de Rosalinda'. Con él empezó a escribirse un círculo que se cerraría al final de la velada. Y que completarían su intervención con “Sienta el hono”’, una canción de boda que también sonaría de nuevo sobre las tablas del Ayala. 

Recordaba Pardo desde el escenario como conoció a Ismael allá por el año 68, cuando regresó de Francia tras conseguir el premio de la Academia Charles Cros por su disco 'Canciones del pueblo, canciones del rey', un trabajo que según ha contado en numerosas ocasiones, grabó sin equivocarse “ni una sola vez, lo cual le dio una frescura tremenda”. 

El concierto continuó con la actuación de Sandalio Morales, cantautor ciudadrealeño, con 'Sala de espera', una canción que escuchaba en la radio en los setenta y que ya formó parte de su primera actuación y por el poema '¿Dónde vas, carpintero?' de Gloria Fuertes, musicado por el propio Ismael. Una adaptación de la que la propia Gloria comentó que “Pocas veces el compositor termina el poema del autor. El caso de Ismael, el compositor, el intérprete, el artista, ha puesto el último verso al poema con su música”.

Tras un primer bloque de videosaludos en el que participaron Vanesa Muela, el Nuevo Mester de Juglaría, Joaquín Díaz y Pedro Piqueras, que formó parte de 'La Banda del Mirlitón' durante un año, subió al escenario Medio Siglo Folk, de Argamasilla de Alba, para interpretar 'Una flor en la montaña', una nueva versión de 'Canto de Bodas' y 'Andando por la cañada', popularizada en la mitad de los setenta por el grupo Nuestro Pequeño Mundo. Completó el bloque el grupo daimieleño Arrabal, que formaron parte del cartel de la primer edición de este festival para interpretar 'De los álamos vengo', de Juan de la Encina en versión de Ismael Peña y la 'Seguidilla del Ajo', que dedicaron a su paisano Pablo García Rayo, histórico director del Museo Etnográfico de San Sebastián de los Reyes. 

En un nuevo bloque de vídeosaludos a cargo de La Ronda de Motilleja, Jaraíz, Free Folk y Abrojo Folk, llegó el turno del grupo abulense Cigarra, que celebran este año sus 50 aniversarios, que interpretaron 'El arrabelito', recogido en el pueblo de Navalosa, además de la sintonía del programa de 'La Banda del Mirlitón' (1974-1977), del que lamentablemente sólo se conservan cinco episodios en RTVE Play. 

Broche final

A pesar de que las cintas se borraron para ser reutilizadas, la huella de ese grupo de chavales que iban por los pueblos buscando canciones, caló en muchos rincones y fue la chispa que aglutinó a muchos jóvenes a recuperar las canciones de sus pueblos, no es por tanto casualidad, que muchas de estas formaciones estén ahora alcanzando los cincuenta años de música y amistad. Un concierto homenaje al que pusieron broche final Espliego, el grupo de Herencia, que interpretaron 'La Tarara', 'El limpiabotas' y 'El trovador'. 

Seis actuaciones que fueron el aperitivo del momento más esperado de la noche, cuando Ismael Peña subió al escenario. Lo que fuera del escenario era un caminar vacilante se transformó sobre las tablas del Ayala cuando tomó el micrófono y arrancó su intervención con: “Queridísimos amigos, querida gente. Con el corazón lleno de emoción, debo decir”. Y dijo. Cinco minutos de charla lúcida, vital y plena de sabiduría. 

Agradeció el homenaje y las muestras de cariño, “Es un sentimiento de pura sinceridad y de verdad. Al caminar por el pueblo he visto esa misma reacción en la gente de la calle. Es un sentimiento sincero que sale del corazón, de la misma manera que nacieron las canciones de la gente sencilla”. Y terminó con el compromiso de que “Eso es lo que me ha hecho trabajar toda la vida y pienso seguir buscando canciones e investigando mientras viva”. 

Y se siguió obrando el milagro de la música. Se volvió a levantar el telón y sobre el escenario volvió a aparecer su mítica zanfona del siglo XVIII rodeada de todos los músicos que habían participado en la velada. El instrumento más amado de los más de mil que forman su colección y que han llenado su vida y los de tanta gente. Con Ismael y su zanfona interpretando 'Romance de Rosalinda' a coro con la treintena de músicos participantes y el público puesto en pie.

'Dame la mano' cantaba Ismael y de su mano llegaban Miguel Hernández, Antonio Machado, Pedro Salinas, Gloria Fuertes y todos los poetas que musicó, pero también la tía Juana y el tío Manuel, como símbolos del pueblo español, que no sabían lo que era el folclore ni lo hacían, pero en sus vidas “todo lo que se hacían estaba acompañado de canciones y bailes”. Cantemos y bailemos juntos. Gracias, Ismael.

“Más disco, menos fascismo”. Así ha sido el lema que ha acompañado gran parte de la carrera de Norman Quentin Cook (Londres, 1963). El artista venido del pop pulcro y educado conquistó la pista de baile como una celebración de la vida bajo el nombre de Fatboy Slim. Tras superar sus problemas con el alcohol hace más de 15 años, el británico se ha reinventado para subir al escenario y se alimenta de la pasión de su público.

Fatboy Slim acompaña sus actuaciones de un mensaje que recalca que la música permite ahogar el racismo y la intolerancia “con amor”. De hecho, el productor dio sus primeros pasos en los 80 con The Housemartins, una banda de origen obrero cuyas letras atacaban a la clase dominante británica, al Gobierno conservador de Margaret Thatcher y a las desigualdades económicas del momento.

Después de haber bloqueado una marcha de extrema derecha en su ciudad a base de altavoces y bailes pacíficos, el músico se prepara para su próxima cita en España. Tendrá lugar este sábado 10 de octubre en Madrid, donde encabezará la fiesta LOOP en la sala Fabrik cuatro años después de su última visita. En este set especial de tres horas, el DJ recorrerá distintas etapas de una carrera marcada por temas como Right Here, Right Now, Praise You o The Rockafeller Skank, invitando a mirarnos a los ojos en lugar de convertirnos en esclavos de la cámara del móvil.

Después de haber recorrido todo el mundo, ¿qué tiene de especial la energía de los españoles?

He dado un montón de conciertos increíbles en Madrid. Me encanta la ciudad, así que tengo muchísimas ganas de que llegue. Hay algo que llamamos “sangre latina”. Los españoles son muy apasionados, muy expresivos y les encanta celebrar. Ya sea por alguna festividad católica, el fútbol o, sobre todo, la música. Parece que todos sentimos lo mismo: que la música es una forma de unirnos y celebrar la vida. Cada país es diferente, a veces solo de forma muy sutil. La música tiene un papel distinto en diferentes sociedades, pero la gente que más me gusta es aquella para la que la música forma parte de la celebración de la vida. Sin embargo, no siempre es igual.

Lleva más de 15 años sin tocar el alcohol. ¿Ha sido difícil este proceso?

Cuando dejé de beber por primera vez, tenía mucho miedo y pensaba en cómo iba a salir todo esto. Ese miedo escénico que nunca antes había sentido me invadió de golpe, pero después de dos o tres conciertos, encontré mi nueva personalidad. La cuestión es que obtengo mi energía del público; en cuanto empiezo, si me devuelven algo, me emociona, lo que a su vez les emociona aún más a ellos. Si me vieras 20 minutos antes de salir al escenario, estaría sentado pensando: “Dios mío, son las tres de la madrugada, ¿cómo voy a hacerlo?”. Pero en cuanto subo, el público me da energía. Además, la emoción de la música a todo volumen y las luces intermitentes me embriagan un poco, haciéndome entrar en un estado de excitación que es como estar borracho, pero sin la resaca.

Ha mencionado antes que le entristece ver a gente en la pista centrada en grabar videos. ¿La presión de las redes sociales nos quita la libertad de ser nosotros mismos?

No son las redes sociales en su conjunto, sino solo algunas partes de ellas. Todo el mundo debería poder grabar; hay quien prohíbe los móviles y las cámaras en los conciertos, pero yo no estoy a favor de eso. Yo recomendaría grabar un vídeo corto, solo como recuerdo para ti o para presumir ante tus amigos. Uso las redes sociales todo el tiempo y, en su mayor parte, son bastante seguras. Pero no te estropees la noche por convertirte en esclavo de tu cámara.

¿Tiene buena relación con la tecnología?

Soy de los que tardan en adaptarse. Tardé mucho en usar los CD porque me gusta el vinilo, y tardé en usar las memorias USB porque me gustan los CD. Siempre les doy un par de años para asegurarme de que no son una simple moda pasajera. Intenté evitar las redes sociales porque tengo una personalidad adictiva y pensaba que eran un agujero negro en el que no quería meterme a menos que fuera necesario. Pero ahora las uso y la verdad es que lo disfruto mucho: hablo con la gente que viene a los conciertos, recibo comentarios y puedo hacer tonterías que hacen reír. Como toda la tecnología, es algo fantástico en buenas manos.

¿Y acabará estando en malas manos, si no lo está ya?

Es muy probable, por el rumbo que está tomando la inteligencia artificial, que algún día decidan que somos prescindibles e ineficientes. Espero que no. Seguimos siendo seres humanos y, mientras sigamos controlándola, seguirá teniendo esa humanidad y trabajando para nosotros. La tecnología facilita el pago del aparcamiento o te permite ver el programa de televisión que quieras a cualquier hora del día sin esperar a que lo emitan. Pero en cuanto a la parte artificial, mi única preocupación es que las máquinas decidan que son más inteligentes y útiles que nosotros.

La razón por la que hay pobreza no es la inmigración, es nuestra economía

Fatboy Slim — DJ y productor

En 2002, reunió a mucha gente de forma gratuita en Brighton Beach. ¿Ha dejado la música de ser para todo el mundo?

Parece que cuanto más famoso es el artista, más pagas, lo cual es raro porque los artistas más famosos ya no necesitan el dinero. Si hay gente que no se lo puede permitir, va a clubes o conciertos más pequeños. Nunca ha sido tan fácil disfrutar de la música, ya que puedes escucharla en streaming gratis. Cuando era joven, si te gustaba mucho un disco, tenías que ahorrar durante dos semanas para comprarlo. Si la gente realmente piensa que la música se ha encarecido demasiado, dejará de ir y los precios tendrán que bajar. Mis inclinaciones socialistas me dicen que no puedo entender por qué los artistas más grandes cobran más que los pequeños; debería ser al revés.

¿Entonces es mejor la industria musical de ahora que la de antes?

No necesariamente. Quizá sea solo porque soy mayor, pero creo que la música de los años 70 y 80 era mejor que la de ahora.

Empezó en la banda de izquierdas The Housemartins y, a lo largo de los años, ha seguido teniendo un marcado compromiso político y social. ¿Cree que ahora es más importante que nunca?

Por supuesto que sí. No creo que la música dance haya tenido nunca una agenda política en el sentido en que la tiene el rock, donde hay gente que busca cambiar el mundo. Pero como ser humano, no puedo ignorar las cosas malas que están pasando; no se trata tanto de ser socialista, sino de ver cómo ciertas personas destruyen nuestro planeta o difunden el odio y la división. La música siempre ha unido a la gente generando un sentimiento de amor y conexión, y prefiero explorar la forma en que nos conecta para permitirnos ver nuestras similitudes.

Hace unos meses, instaló su equipo en plena calle, frente a la estación de tren de Brighton, para tocar música de forma improvisada ante miles de vecinos que habían salido a impedir una manifestación de extrema derecha.

Iba a la manifestación de todos modos porque es mi ciudad, y habíamos oído que muchos fascistas racistas iban a invadirla. Pensamos que teníamos que detenerlos y, como Brighton es Brighton, nuestra mejor forma de hacerlo fue montar una fiesta delante de ellos. Mientras se reunían en la estación de tren para marchar, los rodeamos con una fiesta para que no pudieran ir a ningún sitio ni atravesarnos, algo que la policía tampoco les permitió. Fue un día precioso que me devolvió la fe en mi ciudad, ya que superamos en número a los racistas en una proporción de 50 a 1. Les mostramos amor, les demostramos cómo se ven la unión y la hermandad, y les dejamos claro que no queríamos que difundieran odio.

La ultraderecha está creciendo en todo el mundo. ¿Se puede combatir esta ola de intolerancia?

Tenemos que plantar cara a quienes siembran el odio y la división, ahogándolos con amor y unidad. Toda mi generación creció con bandas que nos encantaban, como The Clash, Tom Robinson o Steel Pulse, que nos enseñaron que no se puede odiar a alguien solo por el color de su piel. Nos atraían con la música y nos transmitían un mensaje contundente. Hay que centrarse en explorar las similitudes entre nosotros en lugar de enfadarnos por las diferencias. Es muy importante ahora mismo porque este país y muchos otros de Europa y Sudamérica se están volviendo muy racistas, y depende de gente como yo hacer lo que podamos para difundir este mensaje.

Son tiempos difíciles.

Es erróneo odiar a tus semejantes. En este país, culpan a los inmigrantes y dicen que la razón por la que la gente es pobre es por ellos. Pero la razón por la que hay pobreza no es la inmigración, es nuestra economía y el hecho de que tenemos muchos otros problemas. Se trata simplemente de acabar con ese mensaje que dice que todo lo que va mal en tu vida se debe a la gente que llega en barcos cruzando el mar. Es la mayor mentira que existe y es bastante fácil desenmascararla.

Sus hijos pertenecen a una generación implicada con los problemas sociales. ¿Le da motivos para mantener la esperanza en el futuro?

Tengo dos hijos, y mi hija de 16 años se ha criado en esta generación; aunque se ha pasado la mitad de su vida haciendo bailes de TikTok, es una persona muy completa a la que le importa la gente. Se preocupa por sus amigos y, en medio de toda esta locura de TikTok, hay amor. Ella siempre me está corrigiendo; como vivo en Brighton tengo muchos amigos gays y a veces usamos apodos, pero ella me dice que no se pueden usar esos términos para referirse a ellos. Yo le digo que mis amigos lo hacen y no pasa nada, pero ella insiste en que no se debe. El hecho de que te hayas pasado la mitad de tu vida viendo tutoriales de maquillaje no significa que no te importen las cosas importantes de la vida.

Todas las miradas están puestas en Anne Carson, y con razón. La escritora acaba de ganar, por fin, el premio Nobel de Literatura. Te traemos tres obras imprescindibles para sumergirte dentro del corazón de esta autora, pero también te ofrecemos una selección de planes para disfrutar de este finde de octubre con películas, exposiciones o canciones.

Ocho planes para el finde, por Elena Cabrera

Reapertura con ampliación (Bilbao). El Museo de Bellas Artes de Bilbao ha reabierto tras un breve cierre para ultimar las obras de su ambiciosa ampliación a cargo de Normal Foster. El público podrá volver a recorrer sus salas remodeladas y descubrir de cerca la nueva dimensión arquitectónica y expositiva de la pinacoteca vasca.

Retrospectiva de Charlotte Perriand (Barcelona). La Fundació Joan Miró acoge desde el 9 de octubre La libertad de repensar el mundo, una antología dedicada a la diseñadora que colaboró con Le Corbusier. A través de documentos inéditos y piezas de su archivo, la exposición reivindica la fuerza de una figura clave en la arquitectura moderna.

Cierre de gira sáfica de Christina Rosenvinge (Madrid). La cantautora despide Los versos sáficos con dos conciertos únicos en la capital los días 8 y 9 de octubre. Un broche de oro para el recorrido que comenzó en enero de 2024 y que explora la poética lírica de Safo desde un prisma contemporáneo.

Instalación de Steve McQueen (Bilbao). El Museo Guggenheim Bilbao presenta a partir del 9 de octubre la muestra 66–76–26, con una impactante instalación sonora del cineasta británico que confronta las voces de Nina Simone y David Bowie. La propuesta se complementa con un ciclo especial dedicado a su trayectoria fílmica.

Exposición de Melanie Smith (Valencia). El Institut Valencià d'Art Modern (IVAM)Haz clic para abrir el panel lateral y obtener más información inaugura el 7 de octubre la muestra Solo una cosa era extraña, seguir pensando como antes. La exposición reúne las producciones Axolotl y Tixinda, creadas por la artista mexicano-británica en 2025 para cuestionar los límites entre cultura y naturaleza. 

Conciertos de McEnroe (Madrid). La emblemática banda vasca ofrece una residencia especial de tres fechas los días 8, 9 y 10 de octubre en la Sala Villanos para presentar su nuevo trabajo La vida libre. Un directo de atmósfera íntima con el que repasan su elegíaco repertorio e inician la despedida del ciclo de su último LP. 

Encontro Corpo, Vínculos, Coidados (Ourense). O espazo cultural A Galleira (Praza de San Cosmede) acolle o 10 e 11 de outubro as xornadas polo X aniversario de Participacción. Unha fin de semana de entrada libre con obradoiros de movemento, faladoiros sobre neurodiverxencias, mesas de experiencias, xantares comunitarios e debates sobre non monogamias dirixidos por Roma de las Heras e Miguel Vagalume. (O obradoiro será en galego, por iso tamén escribimos este plan en galego).

Festival IndiFest de Cine Indígena (Barcelona). Tendrá lugar hasta el 16 de octubre este festival de cine indígena de enfoque anticolonial dedicado al “Territorio Onírico” como espacio de resistencia y memoria colectiva. La programación ofrece proyecciones presenciales y online, coloquios con cineastas y defensores de los derechos indígenas, además de actividades culturales orientadas a visibilizar sus luchas e identidades.

Tres libros de la premio Nobel de Literatura Anne Carson, por Laura G. Higueras

'La belleza del marido' (traducido por Andreu Jaume Enseñat, Lumen). Subtitulado “un ensayo narrativo en 29 tangos”, esta obra cuenta la historia de un matrimonio en torno a la idea del poeta inglés John Keats “beauty is truth”, “la belleza es verdad”. Se relata a través de diversas escenas con saltos en el tiempo, que empiezan con el inicio del idilio en la adolescencia, se consagra con una boda temprana y acaba en divorcio debido a las constantes infidelidades del marido. Nunca se citan sus nombres; solo sabemos que ella es una joven ingenua, pero culta y aficionada a escribir. Y de él, que al parecer ha sido muy guapo, locuaz, seductor, aficionado a los juegos de guerra y perdidamente mujeriego.

'Nox' (traducido por Jeannette L. Clariond, Vaso Roto). Este fue el primer libro de poesía que publicó la autora tras la muerte de su hermano mayor, Michael, cinco años atrás. En él detalla el proceso de reconciliación con la pérdida y de aceptaciíon de la misma a través de la traducción del Poema 101 del griego Catulo, Para su hermano que murió en el camino. El volumen recoge textos de la poeta, y también fotografías, fragmentos de cartas, dibujos, collages y documentos.

Autobiografía de Rojo (traducida por Jordi Doce, Pre-Textos). Este libro reimagina la trama del poema Gerioneida, del griego Estesícoro, que cuenta el episodio de la vida de Heracles en el que mata al monstruo rojo y alado conocido como Gerión para robar su ganado. Carson le imagina en su novela como un adolescente gay con alas que vive en la época actual y que se enamora de un muchacho rebelde llamado Heracles, que le rompe el corazón. Entre los temas que aborda están por supuesto el amor perdido, pero también la imagen del artista como un ser monstruoso y el rol de las traducciones.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

La música nos permite mirar de frente al desgaste de la vida moderna, las tensiones laborales o las complejidades del ser humano. Es lo que siempre ha hecho El Último Vecino a través de sus canciones. “A veces pienso que soy una mierda y no entiendo cómo la gente me dice que soy la hostia. Y hay veces en que pienso que soy la hostia y entonces no entiendo por qué el mundo no es capaz de verlo”, reconoció el cantante en una entrevista para elDiario.es en 2024. Dos años después, el cantante se mantiene en que “la vida es un chiste demasiado largo”. Y uno de los mejores temas de su nuevo álbum ya está en nuestra playlist de recomendaciones.

'Jefe' de El Último Vecino. “Me creí profeta, mártir y estrella de rock: menudo bobo”, confiesa Gerard Alegre Dòria, quien está detrás de El Último Vecino, en su canción El mejor año. Pero no es la mejor de La vida es un chiste demasiado largo, su último trabajo, en el que vuelve a ahondar en aquello que tiene sentido... y en lo que no lo tiene tanto. Su tema de electropop Jefe es una sátira a quien sufre la asfixia de la rutina laboral: “Jefe, me sincero: estoy muy harto y lo dejo, aquí tienes mi uniforme”. Así, sin rodeos.

'Cordelia' de Las Novias. La banda zaragozana regresa con su álbum Anatomía de un frío universo, cuya portada es obra de Ainhoa Tilve, en la que regala una canción tremendamente literaria que engancha por su batería. Es imposible escuchar Cordelia sin recordar a la figura shakespeariana de la leal hija del rey Lear —símbolo de la sinceridad absoluta frente a los hipócritas de la corte—. La gira de presentación del disco comenzará este sábado en la sala madrileña El Sol. Como telonero actuará Serch. Antes y después del concierto, se encontrarán con sus fans en el bar La Reina Lagarta, donde habrá una firma de discos de 12:00 a 14:00 horas.

'Born Again' de Star Moles. La cantautora Emily Moales canaliza la impotencia frente a los conflictos personales en su último lanzamiento. “Intentar contar la verdad en una canción diciendo 'esto fue lo que pasó' no me satisface. Born Again es un retrato de la frustración real, y la mejor manera que tengo de expresar ese sentimiento es con una voz fuerte y palabras que mitifiquen”, declara la artista en una nota de prensa. Su nuevo tema vuelve a demostrar su habilidad para cantar sobre la vida cotidiana como si mereciese ser contada (sí, lo merece).

Tres películas, por Javier Zurro

‘Naza’. 80 minutos de puro terror. 80 minutos en los que 24 miembros de la inteligencia y el ejército israelí cuentan su trabajo de localización y eliminación de palestinos. Lo hacen mientras a su lado, en las calles de Tel Aviv, la vida sigue como si un genocidio no se cometiera a 60 kilómetros. Si La zona de interés fuera un documental, sería este que han dirigido los israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor, un filme imprescindible por el que han sido amenazados. Llega este viernes a los cines, pero pronto podrá verse gratis en internet.

‘La vida de una mujer’. Solo por el recital que ofrece Léa Drucker compensa ver esta película de Charline Bourgeois-Tacquet que pone su mirada en la vida cotidiana de una mujer de 55 años a la que retrata como un ser imperfecto, lleno de aristas, que duda y se equivoca, y eso no es tan habitual en el cine. Una médica que se replantea si la vida que tiene (marido, hijos y estabilidad) es lo que deseaba o no.

‘El precio de la red’. Vale, no le hace sombra a La red social, la película que Aaron Sorkin escribió y Fincher dirigió sobre el origen de Facebook, pero quizás es que tampoco quiere ser más que un buen thriller sobre la importancia del periodismo y señalar a las redes sociales como responsables de la situación que vive el mundo actualmente.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

¿Se va a juzgar a Julio Iglesias? El informe del fiscal Vicente González Mota acerca esa posibilidad, ya que afirma que España sí puede hacerlo. Mientras esperamos que la Fiscalía dé el visto bueno al informe, hablamos con Women’s Link.

Qué une a Robert Pattinson con la Acampada Sol. Una camiseta, la del grupo Las Petunias. Hablamos con las componentes de este banda de punk-pop que ha remixeado su canción más popular como Ayuso Criminal. Y explicamos la conexión.

Lo nuevo de Tatiana Țîbuleac. Si leíste El verano en que mi madre tuvo los ojos verdes, te alegrará saber que la autora moldava tiene una nueva novela y que estos días visita España con presentaciones y dando entrevistas como esta.

Rosalía ha ganado el Premio Nacional de las Músicas Actuales 2026 por su disco Lux. El jurado define el álbum como una propuesta musical ambiciosa, innovadora y transformadora, que eleva los límites creativos y que ha alcanzado el reconocimiento unánime de crítica y público“. Sucede en el homenaje concedido por el Ministerio de Cultura a Antonio Serrano, vencedor del año pasado.

El comité señala igualmente que el disco reafirma “una trayectoria de alcance internacional caracterizada por la investigación, el riesgo y la evolución creativa a través de la búsqueda de un lenguaje sonoro propio que trasciende géneros, estilos y épocas, reflejo de su enorme capacidad para combinar vanguardia y patrimonio”.

El jurado valora “su contribución a la proyección global de la música española y su habilidad para aunar talentos y aportaciones de otros artistas, poniendo en valor la colaboración en el proceso de la creación artística”.

Lux se convirtió desde su lanzamiento en noviembre del año pasado, en todo un fenómeno musical tanto a nivel nacional como internacional. Rosalía rompió moldes con su disco, un ejercicio de reflexión, de pena, de celebración, de euforia y profunda tristeza; cargado de espiritualidad, piano, violines y lirismo. Su primer adelanto, Berghain, dejó claro que aquel no iba a ser un trabajo discográfico en la línea de anteriores como Motomami o El mal querer. La Perla, Reliquia y Sauvignon Blanc son algunas de las canciones que han hecho del álbum un hito.

La cantante, productora, compositora e intérprete Rosalía nació en Barcelona en 1992. Su álbum debut, Los Ángeles, lo publicó en 2017, realizado junto al productor y músico Raül Refree. Un año después llegó el segundo, El mal querer, coproducido junto a El Guincho, con temas como Malamente y Pienso en tu mirá; y en 2022 Motomami, en el que combinó ritmos urbanos latinos, electrónica y flamenco. Para Lux, apostó por grabarlo con la Orquesta Sinfónica de Londres, contando con la participación de artistas como Silvia Pérez Cruz, Björk y Estrella Morente. En su palmarés cuenta con dos Premios Grammy y trece Latin Grammy.

En plena era del streaming y de lo viral en redes sociales, una balada country ha logrado destronar un récord de los 90 en cuanto a número de semanas en la lista Billboard. Se trata de ‘Choosin’ Texas’, el fenómeno viral del momento que protagoniza la joven cantante Ella Langley, que con 24 semanas en lo más alto ha destronado a la mismísima Mariah Carey y su mítico ‘All I Want For Christmas is You'. , que llegó a estar 23 semanas.

Una canción que describe un triángulo amoroso y que es lo que más suena en Estados Unidos, en concreto desde noviembre de 2025 y que desde febrero ha ido encadenando momentos como número 1 en Billboard. De ahí que no extrañen los números de 1.600 millones de streamings en todo el mundo y más de 2.800 millones de visualizaciones en Tiktok.  

Su videoclip supera actualmente los 86 millones de reproducciones en YouTube, apareciendo en él Ava Philippe, hija de la actriz Reese Witherspoon y del actor Ryan Philipp, y donde también aparecela propia cantante Ella Langley. En las plataformas de streaming no se queda atrás, con 712 millones de reproducciones en Spotify, además de que también ha cosechado éxito en países como Canadá, Australia o Reino Unido, donde al alcanzar el número 1 se ha convertido en la primera artista country en liderar la lista en más de dos décadas. 

Ni rastro del fenómeno musical del momento en España 

A pesar de que ‘Choosin’ Texas’ ha demostrado ser una de las canciones en lo que llevamos de año, en España no parece haber cosechado el mismo éxito. De hecho, no encabeza la lista de éxitos, al no estar en Los 40 Principales, ni tampoco está entre los temas más populares de Spotify en el país. El disco donde figura la canción, además, no figura ni entre los cien más vendidos. 

Quién está detrás del fenómeno ‘Choosin’ Texas’ 

Pero el éxito de ‘Choosin’ Texas’ va más allá de lo viral y de las escuchas, y también acunula premios, como los logrados en los pasados ACM Awards 2026, donde logró los galardones a Canción del Año y Single del Año, además de siete premios más. Un inicio prometedor en una carrera de premios que aspira a ir a más. 

La canción ‘Choosin’ Texas’ forma parte de ‘Dandelion’, el según disco de estudio de la cantante Ella Langley, que se publicó el pasado 10 de abril, y con el que la joven se ha confirmado en la escena musical, pasando de ser una de las voces emergentes del género country a ser la protagonista de uno de los grandes éxitos comerciales de 2026 y de Billboard en general. 

Ella Langley nació en Alabama en mayo de 1999 y es una de las principales figuras actuales del country estadounidense. Desde pequeña tuvo contacto con la música, aprendiendo a tocar la guitarra a los 13 años y tocando desde joven en bares locales, además de en redes sociales, donde se dio a conocer y le llevó a debutar con el álbum ‘Hungover’ en 2024. 

Han pasado tres décadas desde que Arab Strap lanzara su primer single, pero Aidan Moffat y Malcolm Middleton tienen claro que no quieren convertirse en una banda que se limite a vivir de la nostalgia y salir de gira para tocar viejos éxitos. Para celebrar su trigésimo aniversario, el dúo escocés ha optado por mirar hacia el futuro con la publicación de Half-Told Tales, su noveno álbum de estudio. Se trata de un trabajo compuesto por 14 canciones que ellos mismos describen como un “conjuro de música disco-metal”, el cual esperan poder tocar en España el año que viene con algunos conciertos y que ha sido creado para hacer bailar y sonreír al público en medio del caos moderno.

El caos moderno es, de hecho, la cuerda sobre la que Aidan Moffat ha aprendido a hacer equilibrios. Es crítico con grandes plataformas como Spotify, Apple Music o Amazon pese a que “es imposible vivir de forma totalmente ética hoy en día”, huyó de Twitter en cuanto Elon Musk lo transformó en una “horrible plataforma de extrema derecha” y planta cara abiertamente a las presiones de su propia discográfica: prefiere tener menos éxito comercial a tener que convertirse en un influencer que es esclavo de las pantallas. A sus 53 años, el vocalista de Arab Strap tiene claro que la autenticidad y la salud mental no se negocian en una industria musical cada vez más tiranizada por los algoritmos.

Atrás quedaron las letras sobre las noches de ocio, la juventud y los desamores que marcaron sus inicios. Hoy, las composiciones de Aidan Moffat funcionan como un espejo de la sociedad contemporánea, aunque él continúe sin considerarse un artista demasiado político. Desde el ridículo de los líderes de la “manosfera” y el auge de una extrema derecha que seduce a la clase trabajadora, hasta el peligroso miedo social a envejecer de forma natural, muchos son esos “cuentos a medias” que dan título a su último proyecto. Sin embargo, puesto que ningún cuento se ha contado por completo, que falten páginas por escribir siempre da cabida a la esperanza. Y Moffat tiene mucha esperanza.

¿Cómo cambia la perspectiva del mundo al pasar de los veinte a los cincuenta?

Sin duda cambia. No se trata de querer escribir canciones que suenen como las de antes, sino de reflejar el mundo que nos rodea ahora. Nuestras antiguas canciones románticas —aunque algunas no eran muy románticas— son algo sobre lo que escribes cuando eres joven porque lo vas descubriendo. Para cuando nos volvimos a reunir y empezamos a grabar discos de nuevo en 2021, ya éramos mucho mayores y, con suerte, un poco más sabios. Te conviertes en padre, te haces mayor y tus prioridades cambian. Es importante escribir sobre el momento presente, en lugar de intentar capturar algo que tuvimos en el pasado. Que escribiera canciones sobre la juventud sería horrible, es ridículo y no quiero hacerlo. A veces puedo ponerme un poco político porque es muy difícil que el flujo constante de noticias no se cuele en las canciones.

La primera canción del álbum, I Get Noise, trata sobre soñar en silencio. ¿La tranquilidad se ha convertido en un lujo inalcanzable?

Es algo por lo que hay que esforzarse más. Es muy difícil encontrar paz y tranquilidad en la sociedad actual, pero mucha más gente lo está buscando. Tengo la sensación de que los jóvenes que conozco, como mi hijo, que pasa mucho tiempo con el móvil, pero sobre todo jugando, tienden a valorar esos momentos de tranquilidad más que nosotros. Los jóvenes se resisten de forma natural a las cosas que hacían sus padres, así que ven muchos comportamientos contra los que reaccionan, o al menos eso espero. Me gustaría pensar que nos hemos vuelto menos dependientes de estas cosas y sobre todo de las redes sociales, que yo ya casi no uso. Sigo publicando cosas abstractas y del trabajo, pero ya no a nivel personal porque te quitan mucho tiempo. Fui adicto a Twitter durante muchos años.

¿Le ha sido difícil dejarlo?

Ahora me encuentro en un estado mucho más saludable. Estaba en Twitter todo el tiempo y me encantaba, también tenía aspectos muy positivos. Recuerdo mi fiesta de cumpleaños de los 40: hice una lista de reproducción de DJ en Twitter, invité a la gente a que se uniera a mí y nos lo pasamos bien. Hay cosas realmente buenas que puedes hacer para conectar con la gente, pero se volvió horrible hacia el final, un auténtico asco. Y luego, claro, Elon Musk lo compró y se convirtió en esa horrible plataforma de extrema derecha. Sigo echándole un vistazo, pero no participo ni publico nada. Alejarme de eso fue un gran paso; me siento mucho más feliz y sano porque es muy estresante tener que lidiar con la raza humana en el día a día, cuando tienes a miles de personas gritándote. Las redes sociales no me gustan, y también me molesta mucho que ahora sean una parte tan importante de la industria musical. Nuestro sello nos pide constantemente que hagamos más en redes, y yo pienso que no puedo: prefiero vender menos discos y ser feliz a meterme en las redes sociales para intentar ser un influencer.

En Glamour Magic adopta una visión muy irónica de los tratamientos de belleza. ¿Por qué aterra tanto mostrar las arrugas o envejecer de forma natural?

Como humanos, valoramos la juventud y la vitalidad mucho más de lo que valoramos el cuerpo que envejece y la sabiduría de la vejez. En parte se debe al miedo a la muerte, obviamente, pero también hay un componente sexual y el temor de mucha gente a ser olvidada por la sociedad. Parece que estamos programados desde los albores de la evolución para centrarnos en nuestros primeros años como los más importantes. Yo nunca me he sentido así realmente, siempre me he sentido como un alma bastante vieja. Siento que he crecido hasta llegar al cuerpo que siempre me he merecido. Me lo pasé muy bien cuando era joven, pero siempre tenía ganas de hacerme mayor. Eso puede ser bastante inusual, porque conozco a mucha gente a la que le aterra envejecer, lo cual me parece extraño.

¿Le parece una tiranía tener que parecer siempre joven?

Hay una presión enorme sobre mucha gente, y supongo que la decisión está en si quieres o no ceder a esa presión. Hubo una época, hace unos veinte años, en la que esto era sobre todo un problema para las mujeres, que se encontraban con esa presión constante en los medios de comunicación. Pero ahora es igual de malo para los hombres. Sin duda hay una tiranía implícita en ello, y parte de la culpa la tienen las redes sociales, que constantemente están mostrando a gente joven y guapa con sus vidas perfectas y maravillosas. Puede afectar a mucha gente, así que simplemente tienes que intentar ignorarlo lo mejor que puedas y envejecer con dignidad.

El 90% de los medios son de derechas y controlan la información, es fácil dejarse llevar por eso y vivir con miedo

Aidan Moffat — Cantante de Arab Strap

En la canción Be A Man aborda la masculinidad tóxica. ¿Cómo habla de ello con su hijo adolescente?

La verdad es que no hablo mucho de eso con él. A veces salía el tema, pero sentía que si insistía demasiado y se convertía en algo de lo que teníamos que hablar, podría empujarlo en la dirección contraria, despertando un sentimiento de rebelión que le hiciera querer hacerlo. Así que me limité a vigilar su comportamiento. Si alguna vez surgía el tema, lo comentábamos rápidamente y con ligereza. En la canción utilizo la expresión “el rey estafador de la manosfera”, que se refiere a un hombre muy concreto, pero no quería mencionar su nombre [Andrew Tate]. Era muy importante convertirlo en un personaje ridículo; tienes que intentar quitarle el poder en lugar de darle importancia teniendo conversaciones serias y profundas sobre su efecto en la gente.

No estoy diciendo que no sea un problema muy grave, por supuesto que lo es, pero mi idea era burlarnos de este hombre y señalar que todo lo que hace es ridículo y, además, mentira. Mi hijo es muy consciente de lo viles y odiosas que son estas figuras de la manosfera y los ve como figuras ridículas. Son gente absolutamente peligrosa y vil. Espero que Andrew Tate siga en la cárcel, donde debe estar. Mi hijo siempre ha sido bastante íntegro; si se encontraba con algo remotamente racista en la PlayStation cuando jugaba online, lo denunciaba enseguida. Al ver que hacía eso, pensé que probablemente estaría bien.

La gente está dando un golpe sobre la mesa para que los artistas alcen la voz sobre aquello que les preocupa. Al menos, eso le ha sucedido a Ed Sheeran.

Es una situación extraña. Macklemore tiene toda la razón: se están cometiendo atrocidades terribles en Gaza, por supuesto que sí. Pero Ed Sheeran también está en su derecho de no querer politizarse. Es difícil saber qué pensar; no creo que debamos esperar que la gente se implique políticamente. No es su trabajo. A algunas personas no les hace gracia, y si a Ed Sheeran no le apetece, es su decisión. No estoy necesariamente de acuerdo con lo que hizo, pero lo respeto; es una decisión que él quiso tomar y tiene todo el derecho a hacerlo. Aunque la cosa no le está yendo bien y le ha salido un poco por la culata, y con razón. Pero yo no lo haría; si tuviera un grupo telonero con un mensaje político, no los echaría de la gira porque no es asunto mío. Tienen derecho a expresarse y a decir lo que quieran. Es esa cuestión del tribalismo: vivimos en un mundo tan ridículo en el que no hay sentido del matiz ni del debate ni de la empatía.

En Fighting for You canta sobre la clase trabajadora británica que se desplaza hacia la derecha.

Como digo al principio de esa canción, me recuerda mucho a cuando era joven. En los años 80 pasaba lo mismo; aquí teníamos el thatcherismo y la clase trabajadora empezó a votar a partidos de derechas. No es nada nuevo y son las mismas tácticas: la promesa de un sueño que no pueden cumplir, aprovechándose de los miedos de la gente. Siento mucha simpatía por la gente que vive aterrorizada porque les dicen que tengan miedo, pero la verdad es que es una mentira, es propaganda. Por desgracia, el 90% de nuestros medios de comunicación son de derechas. Todas las plataformas de redes sociales y los periódicos son propiedad de figuras de la derecha, de la extrema derecha en algunos casos, conservadores con miles de millones en los bancos.

La idea de que a estas personas les preocupe en lo más mínimo la gente corriente de la clase trabajadora es ridícula. Pero como controlan la información que recibe todo el mundo, es fácil dejarse llevar por eso y vivir con miedo. Como digo, ya he pasado por esto antes y tengo la edad suficiente para haberlo visto, así que espero que lo superemos. Creo que cuando Trump se vaya —le quedan dos años y legalmente no puede estar más—, las cosas empezarán a calmarse un poco en Estados Unidos y en el Reino Unido. Esperemos que eso se extienda también a Europa, porque Alemania ha tenido recientemente unos resultados muy preocupantes para la AfD. Estas cosas son llamativas y preocupantes, pero creo que hay esperanza a la vista. No puedes quedarte ahí sentado pensando que todo es una mierda; veo rectitud en los jóvenes de ahora que quieren cambiar el mundo, y estoy seguro de que tendrán su oportunidad.

La Oreja de Van Gogh contará con su propio musical, siguiendo la estela de ABBA y Mamma Mía, y Mecano y Hoy no me puedo levantar. La banda ya está desarrollando Puedes contar conmigo, una película musical en la que el repertorio del grupo donostiarra será el hilo conductor.

Fernando González Molina (Cronos, Tres metros sobre el cielo, El guardián invisible), dirigirá el largometraje, y coescribe el guion con Miguel López Martínez. Beltrán Gortázar, Domingo Corral y Gonzalo Salazar-Simpson serán los productores. Los integrantes de La Oreja de Van Gogh, también participarán en la producción ejecutiva.

La noticia llega al tiempo que la banda continúa de gira por España, tras la vuelta de Amaia Montero como vocalista del grupo y la salida de Leire Martínez.

“Ver que nuestras canciones van a cobrar una nueva vida en el cine es un sueño para nosotros. Siempre hemos contado historias a través de nuestra música, y saber que ahora esas historias inspirarán un universo visual y narrativo tan grande nos llena de ilusión”, ha declarado la banda en una nota de prensa compartida con los medios.

Fernando González Molina, por su parte, avanza que quiere crear “un evento cinematográfico que emocione al público como lo han hecho durante décadas las canciones de La Oreja de Van Gogh.

Wes Leavins mira al escenario, situado a tan solo unos metros de distancia, como si fuese un refugio al que siempre tiene la necesidad de volver. El músico acaba de terminar la prueba de sonido para el concierto que tiene esa noche en Madrid y se encuentra, además de satisfecho, emocionado. No es para menos: fuera, cuando todavía falta una hora para que abran las puertas, decenas de personas ya hacen cola para entrar a la sala Galileo Galilei. Se trata del primer espectáculo en España de Brigitte Calls Me Baby, una de las bandas estadounidenses más prometedoras del rock alternativo, y su vocalista se aferra a la cita con el mismo ímpetu con el que se aferra a la música.

En un momento en el que muchos son los motivos que hacen a las jóvenes generaciones sentirse más tristes y desanimadas que las anteriores, Leavins reconoce que las canciones le han otorgado la vitamina perfecta para desconectar. Es algo que también ha conectado con sus oyentes, quienes han encontrado en la banda un abrazo. “En esta sociedad algo no está funcionando. En mi caso, es el exceso de estimulación, así que busco una vía de escape, que es lo que me ha ayudado a sentirme menos deprimido”, cuenta el cantante a elDiario.es. “Pero, al final del día, solo puedes huir hasta cierto punto. Por la noche te quedas solo contigo mismo, con tus pensamientos y con tu cama”, añade el músico, cuyo nuevo disco, Irreversible, parte precisamente de ese lugar incómodo.

Leavins creció en Port Arthur, un lugar pequeño de Texas del que quería marcharse y donde encontró en las canciones una posibilidad de imaginar una vida más grande. “Fue lo único que encontré que me permitía evadirme”, recuerda. La idea de salir de allí sigue presente en su forma de entender el arte, que no contempla solo como una profesión. “Estoy aquí, de Texas a Madrid, gracias a ello, así que sin duda la música es un catalizador perfecto para escapar, pero también para cambiar tu vida y la de los demás”, explica el intérprete, que ha logrado que Brigitte Calls Me Baby, una banda formada en Chicago en 2021, haya emergido hasta poder permitirse girar por toda Europa este otoño.

“El lugar del que vienes acaba reflejándose en la música, y el lugar del que vengo es un poco deprimente, aunque me dio mucha esperanza porque estaba decidido a salir de allí”, indica Leavins respecto al municipio petrolero en el que se crio, donde había pocas alternativas de futuro para los jóvenes y cuyo entorno estaba caracterizado por la pobreza. Esta es una de las razones por las que el álbum está atravesado por la salud mental, pues abordar estos problemas resulta “terapéutico” para el grupo. “Si no puedes cambiarlos, más vale hablar de ellos, reírse de ellos o, al menos, comentarlos. Es una de las mejores formas de afrontarlos”, declara el artista.

El artista, además, ha sacado adelante este proyecto haciendo frente al Trastorno Obsesivo-Compulsivo (TOC) y al Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad (TDAH). “Tienes unos estándares muy, muy específicos y, cuando estás de gira, todos ellos se van al traste”, afirma Leavins, que enfatiza que “vives situaciones en las que tienes que adaptarte”. “La terapia de exposición ha sido básicamente lo que me ha ayudado. Hemos vivido tantas situaciones impredecibles que tienes que aprender a aguantarlas”, asegura.

En un momento en el que todo el mundo se ve forzado a aparentar a través de las redes sociales, y en el que los artistas construyen (o destruyen) su imperio a través de la imagen que proyectan, Brigitte Calls Me Baby opta por abrazar la vulnerabilidad, desafiando el rock más tradicional en el que prevalece la apariencia del 'tío duro'. “Me encanta la música rock, pero también tengo mucho que decir, y el rock como medio de expresión tiene todo el espíritu que se necesita para comunicar la vulnerabilidad de forma realmente eficaz”, sostiene Wes Leavins. “En realidad van de la mano porque el rock es visceral, enérgico y expresivo. Cuando a eso le añades vulnerabilidad, pasión y convicción, es una receta fantástica”, celebra.

Aun así, la banda no es ajena a que cada vez sea más difícil encontrar la verdad en la cultura. “Todo el mundo quiere ser famoso”, sentencia Leavins. “Todo el mundo quiere tener éxito y están dispuestos a comprometer toda su moral, sus principios y su identidad para conseguirlo. Por eso la mayoría de los artistas que tenemos hoy en día son menos interesantes, porque hay gente que ni siquiera se conoce a sí misma”, reflexiona el cantante. “Se supone que los artistas deben decir: 'No todo el mundo entiende lo que hago, pero lo hago igualmente porque esto es preciso, es auténtico y soy yo'. En cambio, ahora la gente dice: 'Oh, no les gusta, pues voy a cambiarlo'. Eso mata el arte, y sin duda puedes sentir si algo es auténtico o no”, argumenta.

Todo el mundo quiere tener éxito y están dispuestos a comprometer toda su moral, sus principios y su identidad para conseguirlo

Wes Leavins — cantante de Brigitte Calls Me Baby

Entre los temas que los hacen más auténticos como banda se encuentra Slumber Party, una canción que pone el foco en personas que están desgastadas hasta el punto de que salir de casa se convierte en algo pesado, ahondando en la soledad. Leavins reconoce que nunca ha ido una fiesta de pijamas y que, pese a que el título nació de esa imagen, llevó la situación al presente. “En la actualidad no hay misterio. Si vas a quedar con alguien en algún sitio, puedes enviarle un mensaje y decirle: 'Oye, ¿a qué hora vas a estar allí?'. Ahora todo está muy organizado”, dice el compositor, que agrega que “en el pasado las cosas eran distintas, podía pasar cualquier cosa, podías conocer a cualquiera”.

“No quiero decir que la tecnología haya hecho que todo el mundo se sienta solo, pero, en cierto modo, sí lo creo”, apunta el vocalista de Brigitte Calls Me Baby. Frente a esa vida perfectamente coordinada, sin embargo, Leavins reivindica los conciertos como una experiencia difícil de sustituir. La música en directo, señala, puede llegar a ser “una experiencia espiritual” y también “muy sanadora”, tanto para el grupo como para la gente que disfruta escuchándoles. “No podemos hacerlo sin ellos y ellos tampoco pueden hacerlo sin nosotros, así que es como cerrar el círculo”, alega Leavins, que insiste en que vivimos una época en la que “nos necesitamos los unos a los otros”.

La música como vía empática

Las emociones son las protagonistas de su propuesta. Las canciones hablan de sentimientos privados, pero se nutren cuando otras personas se reconocen en ellas y el escenario se convierte, así, en un lugar donde una experiencia individual se transforma en algo colectivo. “Siento mucha empatía por la gente, y desde que era niño ya era muy sensible. Personificaba a los objetos inanimados y me daba pena por ellos. Incluso cuidaba de los bichos para que no les pasara nada. Ahora siento que mucha gente está sufriendo, así que, ¿por qué no íbamos a ser empáticos?”, inquiere el cantante ante este periódico.

La esperanza, de hecho, no desaparece en las canciones más oscuras. Un ejemplo es The Future Is Our Way Out, que da título al disco con el que la banda debutó. “Cuando mi vida termine / Oh, toda la gente me amará / Oh, si la vida fuera tan amable / Entonces no me importaría estar vivo”, canta el músico en un tema sobre la crueldad de esta sociedad. Este aboga por un halo de luz en el futuro: “La esperanza es más profunda en los momentos más devastadores, es lo único que te queda cuando estás destrozado. De eso trata la canción: de mi lucha contra la depresión, contra la vida, y contra el hecho de, aunque no creo realmente en una vida después de la muerte, tengo mucha esperanza”.

Asimismo, el deseo de querer escapar de la realidad convive con la sensación de echar de menos lo que se deja atrás. La banda lo trata en el tema I Wanna Die In The Suburbs, pues Leavins, pese a querer salir de su pequeño entorno, descubrió con el tiempo que incluso los lugares que uno sueña con abandonar terminan formando parte de su identidad. “Vayas donde vayas en el mundo, seas de donde seas, siempre hay una parte de ti que solo quiere volver”, subraya. “Soy alguien que no puede dejar atrás el pasado. Todo lo que me ha pasado en la vida es probablemente demasiado especial para mí, le doy mucha importancia, aunque es doloroso cargar con tanta nostalgia”, reconoce.

Esa nostalgia la transmiten en cada uno de sus conciertos, defendiendo sobre el escenario una discografía centrada en lo emocional. “Nos moríamos de ganas de tocar aquí y nos han invitado un montón de veces. Por fin tocamos por primera vez en España y el concierto tiene las entradas agotadas”, celebra Leavins sobre su espectáculo en la capital, pero no es la única cita, pues Brigitte Calls Me Baby también ha actuado en Barcelona y promete volver a visitar esa ciudad el año que viene. De momento, frenar no está en sus planes: “Siempre quiero más, sentir más, hacer más, ver más. Quiero experimentarlo todo y sacarle todo a la vida antes de que la vida me lo quite todo a mí”.