Ni para ver una película ni tampoco un documental: el 3 de octubre de 2025, Taylor Swift consiguió movilizar a sus fans para que acudieran a las salas de cine a ver el estreno de su nuevo videoclip, que arrasó hasta convertirse en número 1 en taquilla, también en España. Pero ese mismo día ocurría otra cosa interesante: Swift ofreció una entrevista en el show del británico Graham Norton, donde compartió programa con estrellas de la talla de Cillian Murphy, Greta Lee, Lewis Capaldi, Domhnall Gleeson y Jodie Turner-Smith. Ahora, cinco meses después, y en un momento en el que los vídeos musicales no tienen el impacto de antaño, todos ellos aparecen en el último de la artista estadounidense.

Reclutar a un gran elenco de nombres para que aparezcan en un vídeo musical supone una anomalía en la época actual, sobre todo porque este formato ha perdido repercusión con el paso del tiempo y las discográficas empiezan a verlo como un esfuerzo innecesario. Sin embargo, y justo por ello, los artistas buscan nuevas formas de acaparar la atención del oyente, pero un movimiento inesperado implica dejar a YouTube, que hasta ahora era la principal biblioteca de videoclips del mundo, fuera de esta ecuación. Desde el pasado 17 de enero, las reproducciones y visualizaciones del gigante rojo han dejado de contar para las listas de éxito de Billboard, que mide la popularidad de las canciones en EEUU.

El videoclip que más veces se ha visto en YouTube es Baby Shark Dance de Pinkfong Baby Shark, con más de 15 mil millones de visitas. Le sigue Despacito, de Luis Fonsi y Daddy Yankee, con más de ocho mil millones. Hoy, ninguna de esas visualizaciones contabilizarían para medir el éxito de la canción, como ocurrirá con las visitas que obtengan en el futuro. Esto se debe a que YouTube ha dejado de proporcionar sus datos a Billboard, pues no considera justa la nueva metodología de sus listas, que prioriza el streaming de pago (Spotify Premium, Apple Music) sobre el gratuito con publicidad, argumentando que esta fórmula ignora a los fans que consumen música gratuitamente.

Lo relevante de este asunto radica en el usuario que consume la música. Spotify, pese a incluir una versión gratuita, cuenta con un enorme número de usuarios que pagan una suscripción. Apple Music, de hecho, solo es de pago, pero la mayoría de gente que consume YouTube financia su visionado a través de publicidad. Billboard da mucho más peso a las reproducciones de plataformas de pago, y en la fórmula de 2025/2026 estas reproducciones valen 2,5 veces más que una reproducción gratuita. Su postura se basa en que las escuchas de pago reflejan una intención más genuina de consumo, mientras que las gratuitas pueden ser menos valiosas comercialmente.

La ruptura entre Billboard y YouTube pone de manifiesto que ya no importa la popularidad de la música, sino la economía de quien la consume. El experto musical JotaJota, quien reseña discos en su canal de YouTube y dirige el pódcast Pop Pop Pop!, considera “injusto” el nuevo método de Billboard, puesto que “una reproducción es una reproducción” independientemente de si viene de un usuario gratuito o de alguien que paga una suscripción. Además, afirma que puede acarrear que los artistas no se “curren tanto” los vídeos porque YouTube ha dejado de sumar para aquellos que aspiran a aparecer en las listas de éxitos.

Las consecuencias se empiezan a hacer visibles. Después de que Spotify haya luchado en los últimos meses por implementar los videoclips a la plataforma —Apple Music los incorpora desde 2018—, Taylor Swift ha sido la primera artista en estrenar su nuevo videoclip en ambas aplicaciones, publicándolo en YouTube dos días más tarde. Esto hubiera sido impensable hace años y responde a un “fenómeno de convergencia”, según explica David Selva a elDiario.es, quien es profesor en la Universidad de Cádiz y ha analizado las capacidades de este formato en su obra El videoclip: comunicación comercial en la industria musical.

La caída del videoclip como necesidad

Mientras que hace dos décadas la canción era una cuestión de promoción, ahora también es una cuestión de producto. Es algo que también ha sucedido con los conciertos, pues antes suponían una herramienta de promoción para vender más discos, pero hoy en día es la venta de entradas la que sustenta a los artistas. David Selva apunta que el paradigma ha cambiado: “Todos quieren llegar al mismo punto y todos vienen de un extremo diferente”. YouTube, que tradicionalmente era una plataforma de vídeo, busca posicionarse como una aplicación donde escuchar música —de ahí su apuesta por YouTube Music—, en tanto que Spotify, que ya era un sitio de música, intenta virar hacia una plataforma que también incluye vídeo.

Pese a que las plataformas de streaming hayan dado más relevancia a las canciones como producto individual gracias a las playlists, el propósito de un artista con un single siempre ha sido el de dar a conocer su disco. Pero los videoclips también eran el escaparate hacia sus oyentes. “Ayudan a crear la imagen de un artista como alguien que no solamente canta, sino que tiene una personalidad, visión y valores determinados”, indica Selva. Para Rosalía, por ejemplo, fue clave el mundo visual construido con El Mal Querer y Motomami, pero recientemente ha presentado trabajos más vacíos como el vídeo de La Perla a causa de que no esperaba el éxito del tema. Antes, los cantantes decidían sus singles, pero ahora los escogen en base a la canción que más triunfa en plataformas, por lo que el tiempo es más limitado.

En la actualidad, sin embargo, los artistas pueden construir su identidad visual sin necesidad de focalizarse en este formato. JotaJota destaca que “la pandemia ha marcado muchísimo la diferencia”. Mientras que en 2010 era impensable que la gente pudiera asomarse a los salones de los famosos, el confinamiento de 2020 y el auge de las redes sociales lo hicieron realidad. “Les ha venido muy bien porque, al romperse esa magia y al habernos dado cuenta de manera consciente de que los artistas son personas, tienen menos presión”, alega el streamer. Una presión que sí fue clave en Lady Gaga, quien, a partir de vídeos como Bad Romance, Telephone o Alejandro, y a fuerza de extravagancia y controversia, consiguió romper estándares redefiniendo la estética pop y subvertiendo la mirada masculina.

La popularidad de los vídeos de Lady Gaga a inicios de su carrera fue, precisamente, la que revitalizó la industria del videoclip tras su primera crisis. MTV, la famosa cadena de televisión que cerró a finales de 2025 y retransmitía videoclips las 24 horas, transformó la cultura en los 80 convirtiendo a artistas como Madonna y Michael Jackson en superestrellas mundiales. De hecho, el videoclip de mayor presupuesto de la historia sigue siendo Scream de Michael Jackson y Janet Jackson, estrenado en 1995. No obstante, justo a mediados de los 90, el éxito de MTV empieza a caer en pos de otros contenidos como los reality shows, por lo que no es hasta la llegada de YouTube cuando el videoclip experimenta otro crecimiento.

Aparte de Spotify, TikTok es otra plataforma que juega un papel fundamental en el bajón de consumo de música en YouTube tras más de una década espléndida, cambiando códigos en el plano audiovisual. El más interesante de todos ellos es el del tiempo. El público más joven, que acostumbra a pasar más rato en esta aplicación, lo hace a un ritmo muy rápido, inmerso en vídeos de 10 a 30 segundos. Esto provoca que el videoclip, que llamó la atención por ser dinámico, ágil y ser capaz de transmitir en tres minutos, tenga que afrontar el nacimiento de un formato aún más corto.

Asimismo, el lenguaje que utiliza también muta. “Los videoclips que tenían coreografía eran más secundarios, no estaban pensados para que la gente los replicara, pero ahora mismo es un fenómeno en TikTok y es normal que el videoclip adapte esa cuestión”, explica Selva. Tanto es así que cuando Taylor Swift hizo el vídeo de The Fate of Ophelia, que contiene el gran último baile viral de TikTok, también se grabó en diferentes localizaciones del videoclip haciendo este baile. Son vídeos que la artista grabó al mismo tiempo que hacía el videoclip, por lo que ya estaba en sus planes lograr que se viralizara, como finalmente sucedió.

Se trata de la misma cantante que ostenta el récord del videoclip de Vevo con más visualizaciones en 24 horas, alcanzando con su canción Me! más de 65 millones en su día de lanzamiento. Lo logró gracias al fenómeno popularizado por ella de los easter eggs; es decir, pistas en sus vídeos que hacen referencia al propio universo narrativo que Swift ha construido. El de Me!, entre otras cosas, contenía un letrero gigante que rezaba Lover, que en aquel entonces no se sabía que sería el título del séptimo álbum de la compositora. Ese fue, además, su primer videoclip codirigido. Desde entonces, Taylor Swift ha sido la directora de todos sus videoclips tras aprender de maestros como Joseph Kahn.

“El hecho de que ella dirija muchos de sus videoclips es una forma de presentarse como auténtica”, apunta David Selva. “Es una forma de decir: 'No soy un producto, no soy una especie de anuncio publicitario, solo soy yo expresándome. Soy una artista, una autora y trasmito verdad'”. El videoclip es otra vía que ha empleado Swift para contar historias, algo que ha hecho siempre en sus canciones y que la ha llevado a su éxito. Sin embargo, también es un paso previo antes de debutar como directora de su primer largometraje, cuyo guion se sabe que está escrito desde 2022.

El videoclip como escuela de cineastas no es algo nuevo. Michel Gondry o Spike Jonze vienen de hacerse un nombre en la industria del videoclip, que les permitiría luego dar el salto al largometraje. En el sentido contrario, Ridley Scott dirigió el videoclip Avalon de la banda de rock inglesa Roxy Music en sus comienzos como director, dotando de prestigio el vídeo tras haber ya dirigido películas como Alien. Por otro lado, el videoclip de Bad de Michael Jackson, lanzado en 1987, fue dirigido por el reconocido cineasta Martin Scorsese, e incluso en España, Juan Antonio Bayona inició su carrera dirigiendo vídeos musicales como el de Cuando zarpa el amor de Camela o el de Maldito duende de Raphael.

La industria musical busca mantener con vida un formato que ha sido esencial en la cultural tal y como la conocemos hoy día. La novedosa funcionalidad de Spotify para agregar los videoclips a la plataforma puede ser una manera, pero no debe ser la única. Los artistas y los cineastas deberán seguir buscando nuevas formas de captar la atención del oyente. Bardia Zeinali lo ha hecho en el videoclip de Tears de Sabrina Carpenter, publicado el año pasado con una sorpresa: cada día, el espectador encontraría un final diferente si veía el vídeo en YouTube. Hasta cuatro finales alternativos ha tenido Tears desde su estreno. ¿Cuál será el final del mundo del videoclip?

El dúo argentino Ca7riel y Paco Amoroso han lanzado este viernes el primer sencillo de su próximo álbum, Free Spirits, que verá la luz el próximo 19 de marzo, junto a Sting. La canción, Hasta Jesús tuvo un mal día, es el adelanto de la nueva etapa holística del dúo argentino.

En un manifiesto publicado en redes sociales la semana pasada, parte de la campaña de promoción del nuevo trabajo discográfico, el músico británico ejercía de “mentor espiritual y de bienestar” del grupo. En el vídeo presentaba el enigmático centro de wellness que daría título al disco, Free Spirits, que se habría mantenido en secreto durante 35 años, y habría servido de refugio para el dúo tras el supuestamente abrupto y caótico cierre de su 2025.

A través del programa trascendental de doce pasos del centro, los músicos argentinos habrían logrado canalizar su energía creativa hacia lo que dará de sí el álbum; cuyas doce composiciones abordarán los doce conflictos que les llevaron a su punto de quiebre.

“Cuéntame tus problemas, desnuda tus penas, todo va a estar bien. Yo rompí mis cadenas, pagué mis condenas y tú puedes también”, comienza la letra del tema. El dueto aparece en el videoclip junto al músico británico en el interior de una sala blanca de lo que se entiende que es su centro, vestidos también de blanco, durante una especie de meditación o rezo.

El nuevo álbum llegará después de que Ca7riel y Paco Amoroso se hicieran con cinco galardones en los últimos Latin Grammys, celebrados el pasado otoño. Con su nueva propuesta musical, el grupo deja atrás la inercia y la presión constante de la fama. A través de esta terapia, han soltado el ego que cargaban de la era Top of the hills y emergen con una nueva perspectiva de vida,

“Mi luz la prenderé con el Rolls-Royce que quemaré. Sé que mi paz yo me ganaré cuando no quede na', nada que perder”, entona Rosalía tumbada sobre la arena de un desierto en el inicio del videoclip de Sauvignon Blanc, una de las canciones más tiernas y melancólicas de su último disco, Lux. “Ya no quiero perlas ni caviar, tu amor será mi capital. Y qué más da si te tengo a ti no necesito nada más”, continúa entonando.

La artista parece evocar recuerdos en la parte de atrás de un coche, luciendo un collar de perlas, donde también bebe de una copa de vino blanco, el Sauvignon Blanc que da título al tema. En el asiento se intuye que hay un hombre que la acaricia. De vuelta al desierto, aparece en escena un Rolls-Royce que se acerca a ella y, pese a que en un primer momento parece que va a atropellarla, Rosalía acaba ascendiendo en una especie de levitación hasta ponerse de pie.

Ante ella se termina cayendo la noche, aunque su cara permanece iluminada con la llamarada del Rolls-Royce que termina prendiendo fuego, mientras continúa la letra: “Sauvignon Blanc, a tu lado mi futuro será dorado. Ya no tengo miedo del pasado, en el fondo se hundió n mi Sauvignon Blanc”.

Dirigido por Noah Dillon, autor de la fotografía de la portada del álbum Lux, el vídeo muestra a la cantante catalana evocando una historia de amor con una pareja invisible. Rosalía explora la idea de renunciar a las cosas materiales en favor de una conexión más profunda y significativa, en la que la intimidad emocional y espiritual se convierte en la verdadera moneda de cambio.

Taylor Swift sorprendió con el lanzamiento del videoclip oficial “Opalite”, una de las canciones más virales de su último disco, The Life of a Showgirl, que se estrenó primero en las plataformas Spotify Premium y Apple Music, para hacerlo este fin de semana en Youtube.

Más allá de la polémica que ha generado el hecho del estreno más tardío en YouTube, después de la batalla entre Billboard y la plataforma el pasado diciembre, Taylor Swift no ha dejado indiferente por el tema, el tono y los protagonistas que la acompañan en el videoclip.

La curiosa manera en la que Taylor Swift tuvo la idea para el vídeo de “Opalite”

Después del lanzamiento de The Life of a Showgirl a comienzos de octubre de 2025, Taylor Swift no había sacado otro sencillo que no fuera “The Fate of Ophelia”, con la que sigue en lo más alto de la lista de los 40 principales en España, con otros éxitos del momento como “Superestrella” de Aitana o “La perla” de Rosalía.

“Opalite” llega, así como segundo sencillo del disco de estudio de la cantante estadounidense, con un vídeo en el que destaca un estilo noventero que cumple con el ritmo de la canción, teniendo en cuenta que detrás está Max Martin, compositor de algunas de las canciones más conocidas de esta década como “Baby One more time” de Britney Spears o “I want it that way” de Backstreet Boys.

Todo ello con una trama en la que “Opalite” es un spray que promete “transformar mágicamente tus problemas en un paraíso”, y en el aparecen estrellas de la talla de los actores Domhnall Gleeson, Cillian Murphy, Greta Lee, Jodie Turner-Smith, el cantante Lewis Capaldi y el cómico y presentador Graham Norton.

Y todo esto tiene un origen, y no es casualidad que todos ellos hayan sido escogidos para aparecer en el video de Taylor Swift. El hecho es que todos coincidieron en The Graham Norton Show el pasado 3 de octubre, cuando la cantante acudió a promocionar su álbum The Life of a Showgirl. Durante el programa, el actor Domnhall Gleeson bromeó con el deseo de querer aparecer en uno de los videoclips de Swift, y eso encendió una bombilla en la cantante, que asegura que “inmediatamente” se le ocurrió la idea de lo que sería finalmente el video de “Opalite”.

“Y así, una semana después, recibió por correo electrónico un guion que había escrito para el video de 'Opalite', donde él interpretaba el papel principal”, explica que también le parecería una gran idea si los demás invitados a The Graham Norton Show, incluido el propio presentador, también pudieran participar. Así, todos aparecen como personajes, teniendo Gleeson el papel principal junto a la cantante, Murphy aparece como parte de un anuncio, Lee como artista, Turner-Smith como entrenadora o Capaldi como fotógrafo.

Por qué el video de 'Opalite' de Taylor Swift se estrenó tarde en YouTube

Además de sus protagonistas, uno de los hechos que más llamó la atención de “Opalite” fue que el video se estrenó primero en Spotify Premium y Apple Music, el viernes 6 de febrero, mientras para el domingo 8 dejaba el estreno en YouTube.

La razón estaría en que las visualizaciones en YouTube han dejado de contar para la lista Billboard, después de que la plataforma de videos retirara sus datos de estas desde el 16 de enero como consecuencia de que el streaming bajo demanda iba a pesar más con la excusa de “reflejar un mejor aumento en los ingresos y los cambios en el comportamiento de los consumidores”.

Desde YouTube se defendieron asegurando que “esto no refleja la interacción actual de los fans con la música e ignora la enorme participación de quienes no tienen suscripción. Simplemente pedimos que cada reproducción se contabilice de forma justa e igualitaria, ya sea con suscripción o con publicidad, porque cada fan importa y cada reproducción debe contar”, añadió la famosa plataforma que ha tenido en los videoclips de música uno de sus principales y clásicos contenidos.

Esta madrugada a las 4, el canal MTV 00s finalizaba su emisión tras terminar el videoclip de ‘Bye Bye Bye’ de NSYNC, todo un mensaje de la conclusión del heredero de VH1 en Europa, que comenzó en agosto de 2021 con ‘Can’t Fight the Moonlight’ de LeAnn Rimes, banda sonora de la película ‘El Bar Coyote’ (2000).

Y es que MTV anunció el cierre de sus canales europeos de música, que se ha hecho efectivo este 31 de diciembre, con lo que se termina una época para el canal que fue buque insignia de la edad dorada de los videoclips, con la espera de lo que sucederá con los canales hermanos en Estados Unidos, cuya decisión depende de su propietario, Paramount Network. El recorte de presupuesto tras su fusión con Skydance está detrás de la decisión, que también es muestra del cambio de consumo musical y del rumbo del canal, dedicado más al reality show, diferente a lo que fueron sus inicios.

La historia de MTV: del rock a todo un fenómeno de masas

El 21 de agosto de 1981 comenzaba su emisión el canal MTV y el primer videoclip que se emitió fue ‘Video Killed the Radio Star’ del grupo británico The Buggles, toda una declaración de intenciones, en un comienzo de la cadena en búsqueda de revivir la industria musical, en plena crisis.

El desarrollo de la televisión por cable motivó a crear este canal, que tuvo al videoclip como una nueva forma de consumo musical con una fuerte irrupción, a manos de Warner, que tenía como objetivo acercarse a los adolescentes de los 80, residentes en suburbios y blancos, lo que los llevó a orientarse al rock. Ante la falta de material para emitir durante sus 24 horas hizo que se acercaran también a artistas europeos, donde destacaron los británicos Duran Duran, Iron Maiden o Culture Club.

MTV fue cambiando ante la queja de falta de artistas negros, algo que denunciaron públicamente figuras como David Bowie, y ante la amenaza de ser vetados, aceptaron promocionar a un artista que le pedían, Michael Jackson, del que se emitió ‘Billie Jean’ y cuyo éxito demostró que la premisa que tenían en sus comienzos era falsa.

De aquí fue como Michael Jackson se convirtió en uno de los cantantes insignia de la MTV, con ‘Thriller’ como uno de los videoclips icónicos, el segundo más emitido en la cadena televisiva en toda su historia, seguido de ‘Vogue’ de Madonna, otro de los artistas que protagonizaron esta edad dorada del vídeo.

Los comienzos de la MTV fue un revulsivo de la industria musical, disparando el gasto en videoclips y la venta de discos de las canciones que aparecían en la televisión, y en 1984 llegaron los MTV Video Music Awards, creando también programas de géneros especializados y exitosos como ‘Unplugged’ donde se dieron conciertos míticos como los de Nirvana o Eric Clapton.

El inicio del cambio: la llegada de los ‘reality show’

La caída de audiencia en los 90 propició la creación de nuevos programas que se alejaban de la música, como el ‘House of style’ de la modela Cindy Crawford, donde daba consejos de estética, y en este sentido fue cuando nació el que es considerado el primer ‘reality show’ de la historia, ‘The Real World’, que duró en emisión 32 temporadas hasta su final en 2016.

De hecho, la presencia de los videoclips en MTV se redujo un 36,5 % en los años 90 con el éxito de programas como ‘Teen Mom’ o ‘Geordie Shore’, tanto es así que en 2010 renunció a la coletilla ‘Music Television’.

Tenían la canción y querían dar un paso más allá. Añadieron imágenes a la música y voces del coro. Su himno, 'Villa Patro es mi lugar' ya estaba listo para dar a conocer este colegio de Lardero. Patricia Sáenz es la coordinadora de convivencia, maestra de música y la responsable de contagiar e implicar en esta nueva aventura a toda la comunidad educativa. “Somos un cole con muchas familias jóvenes y la colaboración ha sido brutal”. Alumnado, profesorado y familias se han volcado en todo el proceso. En total, más de 600 personas se han unido para plasmar en los algo más de tres minutos “la pertenencia del cole al barrio”.

El vídeo, cuenta Sáenz, “nació siendo una canción cuya letra también es obra del alumnado que cuenta cómo se sienten en el cole y qué quieren fortalecer”. El coro del colegio grabó la canción en unos estudios profesionales y este año se plantearon un nuevo reto. “Teníamos la canción y queríamos dar un paso más, dar a conocer el colegio y trasmitir los valores que aquí trabajamos: coeducación, convivencia, pertenencia y comunidad”. Ideales que trabajan en las aulas “para formar personas. Queremos conocernos y conocer a la gente del barrio para crear comunidad”.

Y eso es lo que han hecho con este himno y con todo el proceso de grabación. Porque además de grabar el vídeo, “hemos salido a la calle, hemos visitado los negocios de la zona cantando la canción, hemos hecho pequeños conciertos por el barrio”. Y si se siente orgullosa de la respuesta de la comunidad educativa, también lo está de los negocios del barrio Entre Ríos de Lardero. “La acogida ha sido excelente. Macheta (una hamburguesería de la zona) incluyó durante una semana en sus pedidos a domicilio un QR a través del cual la clientela podía acceder a la canción en YouTube”. En otros negocios y cafeterías de zona “también se facilitaron tarjetas con el QR, que se colocaron cerca de los azucarillos, con el que acceder a la canción”.

Y todo esto, relata orgullosa, lo ha hecho el alumnado. “Han subido el vídeo a la plataforma de YouTube, han generado el código QR... nos planteamos que la canción saliera de las paredes del cole y parece que lo hemos conseguido con la grabación de este vídeo con la ayuda de Álvaro Sainz”.

Y es que para la comunidad educativa del colegio Villa Patro de Lardero esta canción es mucho más que un himno. Es la muestra de que “un colegio puede convertirse en familia y ser el lugar en el que descubrir los talentos y en el que cien por cien me siento yo, siempre yo”.

El legado de Federico García Lorca no se limita a la poesía que escribió: su arte, su pensamiento y sus acciones también forman parte de la memoria histórica. En una semana en la que el aniversario de la muerte de Franco vuelve a poner de manifiesto la importancia de la democracia y de la resistencia antifascista, regresar a la voz y la vida del poeta granadino ayuda a comprender por qué ciertas heridas siguen abiertas y cuánto ganamos como sociedad sacándolas a la luz. A ello recurre Víctor Monte (Almería, 2003) en su primer disco, Donde Llegan Tus Manos, un canto al amor entre Lorca y Salvador Dalí que ya está disponible en plataformas digitales.

Compuesto por un total de 14 canciones, el álbum debut de Víctor Monte narra la presunta relación clandestina entre el dramaturgo y el pintor, una historia que, aunque nunca se ha llegado a confirmar y se ha asumido por el vínculo que los unió, siempre había resonado en la cabeza del artista. Tal fue su fascinación que decidió componer un tema al respecto, pero pronto se dio cuenta de que todo lo que había pasado entre ellos no se podía abarcarse en uno solo. “Pensé que podía hacer algo más grande que una canción, así que decidí contar la historia poco a poco”, revela el cantante a elDiario.es. Fue entonces cuando el almeriense vio numerosas películas para documentarse y leyó el epistolario de cartas que Lorca y Dalí se enviaron durante ocho años.

La conclusión final, tras la composición de varias canciones, fue que el proyecto que tenía entre manos solo podía salir adelante en forma de disco: “Conecté tanto con la historia que los temas salían fácilmente, sin quebraderos de cabeza”. Se trata de todo un álbum en el que Víctor Monte se pone en la piel de Lorca para cantar, desde la perspectiva del poeta, el supuesto romance entre dos de las figuras más emblemáticas de la cultura española. Lo hace en canciones como Desde El Cielo (“Soy agua de la fuente que amana tu luz / Dime si quieres bajarte conmigo al sur”) o Alma Rota (“Que yo a ti te daba / En pañicos mi arte”).

El intérprete inunda Donde Llegan Tus Manos del secretismo y la necesidad de esconderse que sufrieron las personas homosexuales, un motivo que lleva a Monte a rescatar ahora este romance. “A día de hoy tenemos una deuda muy grande, ya no solo con Lorca, con toda la gente que vivió en una época de represión, de angustia por simplemente sentir lo que sentía”, señala el cantante, que reivindica que “no se nos puede olvidar que si estamos aquí hoy es por historias como la de Lorca”. “En su momento no tuvieron miedo y, aunque el final fue muy trágico, gracias a ellos hoy tenemos ciertos derechos”, cuenta el músico.

Este, además, insiste en que “debemos honrar lo que pasó” porque “el silencio también es injusticia y también apoya el ruido”: “No sé si es por desinformación, por incultura o incluso por moda, pero siento que se está olvidando mucho camino recorrido, y tanto con el colectivo como con la mujer me parece que se está retrocediendo”. Aunque el artista considera que “mucha gente joven está luchando para que vivamos en un mundo justo”, alude que “hay mucha gente que va a la contra” y que “deberíamos haber aprendido la lección de lo que ocurrió”.

Puesto que el gran damnificado en esta historia es Federico García Lorca, el cantante almeriense consideró oportuno narrar la mayor parte de los temas desde su punto de vista. Lo hace, además de porque el poeta es un “máximo referente en Andalucía y en la comunidad LGTBI”, porque “es más fácil interpretar un papel con el que te sientas cómodo y te inspire para contarlo honesta y honradamente”. Asimismo, dentro de que ha sido fiel con todo aquello que ha leído al respecto, el cantante reconoce que el romance entre Lorca y Dalí está “cogido con pinzas”, por lo que el disco es otra interpretación más del mismo.

“Lo único que se conserva son las cartas que se mandaban, así que también está la fantasía de la propia historia, porque en realidad quién te va a decir a ti si esto pasa o si no pasa”, indica Víctor Monte. Precisamente por ello, la última pista del disco es una narración que rompe la cuarta pared con el oyente para cuestionar la veracidad de los hechos. “Si alguien se atreve, que venga y me busque”, declara en la canción final. Esto ha hecho que, en lugar de sentir presión por ponerse en la piel de Lorca, pues recalca que es un artista emergente y que “no hay ninguna expectativa sobre el álbum”, haya sido para él “un orgullo poder canalizar lo que Lorca pensaba”.

El trabajo está dividido en capítulos, una decisión que ayuda a seguir cronológicamente la historia de amor entre Lorca y Dalí. Es a partir de la muerte del poeta granadino, ya hacia la conclusión de Donde Llegan Tus Manos, cuando Víctor Monte canta en nombre del pintor daliense. Pese a que el álbum iba a acabar con el asesinato del poeta, el cantante leyó algo que fue clave para que cambiara su decisión: “Volviendo otra vez a la fantasía, y aunque no sé si es verdad o no, me encantó que la enfermera que estuvo con Dalí antes de que él muriera en el año 89 dijera que sus últimas palabras fueron 'mi amigo Lorca' ('el meu amic Lorca' en catalán)”.

Las que supuestamente fueron las últimas palabras de Dalí antes de que falleciera se convierten en la última canción del disco, un tema en el que el pintor, que siempre había estado reprimido, asume que lo único que le queda es soltar las riendas y ser libre, porque muere y se va con Federico García Lorca. “El comportamiento que tuvo Dalí era más por miedo que por sus sentimientos. Ese miedo provocó que también se uniera con Luis Buñuel en la película El Perro Andaluz (1929), criticando a Lorca y transformando el silencio en agresividad”, explica Monte.

El disco está repleto de referencias a la poesía de Lorca, fundamental durante el proceso de composición a pesar de que el artista no tiene claro que la gente vaya a llegar a captar todas las referencias cuando lo escuche. En la canción Un Mal Presagio se hace alusión a “un campo lleno de rosales”, que metaforiza la casa del escritor Luis Rosales, en la que Lorca estuvo refugiado. También hay infinidad de citas a la luna, un elemento característico de su obra (“Esta noche no me importa la luna / Yo lo que quiero es tenerte” o “La luna ya me lo dijo / La luna me lo avisaba”), e incluso en la canción Desde El Cielo se utiliza su reconocido “verde que te quiero verde”.

Sin ayudas de discográficas y alejado de la gran ciudad, Víctor Monte saca adelante y por su cuenta un proyecto aupado, además, por un movimiento de gente joven que cada vez coge mayor fuerza en Almería y el resto de Andalucía. La almeriense Nosoymeri participa en el tema Todo Este Amor y el rapero Jatabo Mzc hace lo propio en Me Ampare, mientras que el también almeriense STEGA produce todo el disco acompañado en algunas pistas por el pianista y productor granadino Carlos Civantos. A ellos se une María Sorroche en el interludio, Lo Más Difícil Del Mundo. Es un equipo con el que no ha sentido la necesidad de cambiar la forma en que crea música. “Al final tienes que hacer algo con lo que te identifiques”, afirma el cantante.

Al igual que Federico García Lorca durante su juventud, que fue una persona muy comprometida con la situación política del momento, Víctor Monte considera que ser político es “lo básico”: “A día de hoy mucha gente con un gran altavoz no se posiciona, no sé si por miedo, pero yo lo tengo claro. El primer álbum que estoy haciendo habla de la falta de libertad, del fusilamiento y de una relación entre dos hombres en una época superinjusta. ¿Cómo, después de esto, que es mi carta de presentación, no me voy a posicionar?”. El intérprete, que concluye admitiendo que “el posicionamiento es importante”, agrega que lo es porque “un artista debe ser coherente con lo que transmite”.

Lo nuevo de Rosalía se está convirtiendo en la conversación del momento en redes sociales, desde que diera a conocer pistas de su nuevo trabajo a través de su Substack y desvelara la portada de ‘LUX’ con una comentada acción en Callao, pleno centro de Madrid.

Ahora es su primer sencillo, ‘Berghain’, el que está acaparando toda la atención del último trabajo de Rosalía, tanto por su título, por su letra y su videoclip, que están siendo analizados por todo lo que nos puede decir la artista a través de una canción que ha grabado junto a Björk e Yves Tumor y que combina el español con el inglés y alemán.

Qué significa ‘Berghain’ de Rosalía

‘Berghain’ es el primer single y el primer tema que conocemos de ‘LUX’, el álbum que saldrá a la venta el 7 de noviembre y que es el último disco de Rosalía tres años después del lanzamiento de ‘Motomami’, que fue su confirmación como todo un fenómeno musical también a nivel internacional.

Este título no ha pasado desapercibido y se ha situado, además, como una de las claves del significado de la canción de Rosalía, al hacer referencia a un mítico club de Berlín, ubicado en una antigua central eléctrica, conocido como el enclave rey de la música techno, así como una estricta política de entrada, y que muchos han interpretado como un paralelismo con el cielo en el single de la cantante catalana.

Una política de entrada que no obedece estrictamente a reglas y en la que los porteros deciden quien pasa y quien no, además de que están prohibidas las fotos y los videos. ‘Berghain’ es una palabra que surge de la unión de Kreuzberg y Friedrichshain, los dos barrios de la capital alemana entre los que se sitúa esta discoteca, en las proximidades de la estación de Ostbahnhof.

De Blancanieves a Da Vinci: las referencias del videoclip de ‘Berghain’

Si el título ha centrado atención, el videoclip de ‘Berghain’ no se queda atrás, bajo una cierta narrativa gótica, con una orquesta musical que acompaña a Rosalía durante gran parte del video mientras realiza tareas domésticas, con elementos con especial significado como un terrón de azúcar o el corazón, y marcado simbolismo religioso a través de cruces o la paloma.

Más allá de lo religioso, Rosalía también tiene marcadas referencias culturales en su videoclip, como es el caso de los cuentos de hadas reflejado en Blancanieves, recreando una famosa escena de la adaptación de Disney en el que la princesa canta rodeada de animales.

Un cuento de Blancanieves que también es referenciado a través de una manzana roja comida en una mesa y también con el corazón junto a una cruz, y que potencia para muchos el amor tóxico que podría ser uno de los significados detrás de ‘Berghain’, con un final en el que la protagonista se desprende de esta relación al convertirse en paloma, un animal al que se le atribuyen sentimientos como la esperanza.

Otra de las claras referencias culturales de ‘Berghain’ de Rosalía es la aparición del cuadro ‘La dama del armiño’ de Leonardo Da Vinci al fondo en la escena de la protagonista en una joyería, donde intenta arreglar una joya que simboliza el corazón roto. Esta obra fue pintada alrededor de 1490 y que se encuentra en el Museo Czartoryski de Cracovia, en Polonia.

La joven que aparece retratada por Da Vinci es Cecilia Gallerani, que era amante del duque de Milán, Ludovico Sforza, y donde se representa la pureza y la virtud a través del armiño, con el que se alude también al noble italiano como miembro de la orden del Armiño, confirmando la relación entre ambos y también su posible embarazo, pues estos animales en el Renacimiento solían ser vistos como protección.

Rosalía ha sorprendido este lunes con el lanzamiento de Berghain, el primer adelanto del que será su cuarto álbum de estudio, Lux. Una semana exacta después de haber anunciado el título, la portada y la lista de canciones de su nuevo proyecto, que se publicará el próximo 7 de noviembre, la artista ha lanzado el tema que sirve como carta de presentación, una oda a la “intervención divina” como única “manera de salvarnos” en la que también participan la cantante islandesa Björk y el productor estadounidense Yves Tumor.

Con fragmentos en español, inglés y alemán, la autora de Motomami (2022) ha iniciado su nueva era cantando lírico a un amor que va más allá de lo humano. Lo ha hecho jugando con Berghain como escenario, un club berlinés de música electrónica que para muchos es considerado el mayor templo de tecno del mundo. Los porteros de esta discoteca son impredecibles y se los conoce por tener una de las políticas de puertas más duras de Berlín, por lo que Rosalía convierte esa dinámica en una metáfora de la duda sobre quién es digno de ir al cielo tras la muerte.

“Su miedo es mi miedo, su rabia es mi rabia, su amor es mi amor, su sangre es mi sangre”, dice la artista en el estribillo de la canción, interpretado íntegramente en alemán. El tema, muy orquestal, está constantemente arropado por violines. “Yo sé muy bien lo que soy, ternura pa’l café, solo soy un terrón de azúcar. Sé que me funde el calor, sé desaparecer, cuando tú vienes es cuando me voy”, declara la artista catalana en una de las estrofas cantadas a español.

El videoclip ha sido dirigido por el madrileño Nicolás Méndez, colaborador habitual en la videografía de Rosalía, que ya trabajó en los visuales de Malamente (2018), Pienso En Tu Mirá (2018) o TKN (2020). Rodado en Varsovia, Polonia, el vídeo sigue a una mujer que atraviesa un proceso de duelo mientras lucha por curar su corazón roto hasta que, al final, la protagonista encuentra consuelo y sanación a través de su espiritualidad. Sin embargo, lo realmente interesante es que toda esta historia se cuenta con una Rosalía que se transforma en Blancanieves, de ahí que se la vea limpiando al comienzo.

La cantante pasa de la cotidianidad, que se enmarca con música barroca, al mundo de la princesa Disney más famosa. De hecho, Rosalía mete en un autobús a toda una orquesta para más adelante comunicarse con animales. Desde los ciervos, que son esenciales en la cinta, hasta el mítico pajarito que se posa en la mano para cantar o la manzana roja que se observa en el desayuno, muchísimas son las referencias que el videoclip de Berghain hace a la clásica película de 1937.

Al final del videoclip se muestra el corazón del ciervo sacrificado por el cazador, que en este caso está representando al violinista. No obstante, mientras que Rosalía se duerme como Blancanieves, esta despierta al final por el amor del Espíritu Santo, que se observa en forma de paloma. Por otro lado, y al igual que el legendario club del que coge su nombre el tema, Blancanieves también se ubica en Alemania, así que no es casualidad que este sea uno de los tres idiomas que conforman la canción.

Una melodía que ya había sonado en TikTok

Los acordes de Berghain lleva tiempo sonando en redes sociales gracias a la campaña de promoción de la cantante, pues hace unas semanas compartió a través de Instagram una partitura con el título de este tema, aunque sin la letra. Los pentagramas llegaron hasta a la Gran Vía de Madrid, por lo que los más curiosos no tardaron en coger sus instrumentos para comprobar a qué sonaba el próximo proyecto de Rosalía, comenzando a dar vida a la nueva música de la artista.

El álbum ya está disponible para comprar en preventa desde su página web. Los temas que lo componen se titulan Sexo, Violencia y Llantas, Reliquia, Divinize, Porcelana, Mio Cristo, la ya escuchada Berghain, La Perla, Mundo Nuevo, De Madrugá, Dios Es Un Stalker, La Yugular, Focu ‘ranni, Sauvignon Blanc, Jeanne, Novia Robot, La Rumba Del Perdón, Memória y Magnolias. Ha sido grabado con la Orquesta Sinfónica de Londres, dirigida por Daníel Bjarnason, y, además de Björk e Yves Tumor, cuenta con voces femeninas como Carminho, Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz, la Escolania de Montserrat, el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana y Yahritza.

En la carátula del cedé, la artista cita “Ninguna mujer pretendió nunca ser Dios” de la santa musulmana y mística Rabia al Adawiyya y “El amor no es consuelo, es luz” de la filósofa y política activista francesa Simone Weil. De esta forma, Rosalía, que también es la productora ejecutiva de Lux, pretende trazar un “amplio arco emocional de mística femenina, transformación y trascendencia, moviéndose entre la intimidad y la escala operística para crear un mundo radiante en el que el sonido, el lenguaje y la cultura se fusionan en uno”.

La actriz Diane Keaton, ganadora de un Premio Oscar a mejor actriz, dos Globos de Oro y un Bafta, falleció este 11 de octubre a los 79 años según informó el medio estadounidense People, cuyas causas no han trascendido tras pedir la familia “privacidad”.

La intérprete de películas que forman parte de la historia del cine como ‘Annie Hall’, la trilogía de ‘El Padrino’ o ‘Cuando menos te lo esperas’, tuvo un lado importante también como directora y que no se conoce tanto sobre su longeva carrera.

Y es que en plena década de los 80 se vivió la efervescencia de los videoclips musicales con la aparición de la MTV y en ella participó también Diane Keaton en algo que era habitual como un lugar de aprendizaje y experimentación para la gente de cine en la música, mientras a su vez los artistas buscaban atraer de forma visual con videos que fueran toda una experiencia y buscaban la trayectoria profesional de la dirección cinematográfica.

La faceta de Diane Keaton como directora de videoclips musicales

Así fue como Keaton fue directora de dos éxitos del pop de los 80, las canciones ‘Heaven is a Place on Earth’ y ‘I Get Weak’ de la artista Belinda Carlisle, siendo una de las facetas más desconocidas de la afamada actriz, que le sirvió para luego dar el pase a la dirección cinematográfica.

‘Heaven is a Place on Earth’ fue la primera dirección de Diane Keaton junto a Belinda Carlisle, todo un éxito que llegó a ser número 1 del Billboard Hot 100 en diciembre de 1987 y uno de los clásicos pop de la década, y en el que aparecían niños con máscaras y capas negras que sostenían globos terráqueos de plástico iluminados mientras se intercalan con fotogramas de la cantante con un vestido de tirantes.

La marca de la actriz como directora se pudo apreciar al enfatizar el romanticismo de la canción mediante imágenes visuales que complementaban el tono inspirador del tema, que luego también dejó ver en la segunda colaboración con Belinda Carlisle con la canción ‘I Get Weak’.

Este tema fue el segundo sencillo del disco ‘Heaven on Earth’ que llegaría a ser un éxito también y siendo número 2 en la lista Billboard y top 10 en Reino Unido, y Keaton dirigió también el videoclip generando un clima íntimo a través de iluminación suave para enfatizar la vulnerabilidad romántica.

Esta dirección de videoclips permitió desarrollar su enfoque cinematográfico para luego dirigir proyectos como el documental “Heaven” en 1987 y ya su debut como directora de largometrajes en 1995 con “Unstrung Heroes”.

Esta incursión en videoclips musicales no se quedó en los 80, sino que, en 2021, Diane Keaton participó como protagonista en el video de ‘Ghosts’ de Justin Bieber, una colaboración que fue toda una ilusión para la actriz, que había reconocido ser fan del cantante, y en todo un fenómeno viral.

La llamada vuelta al cole de septiembre tiene un lugar donde se hace más llevadero, un instituto de educación secundaria que puede presumir de haber acogido a dos iconos de la cultura popular, nada más y nada menos que el musical Grease, que fue todo un fenómeno fan en la década de los 70 y que ha traspasado generaciones, y el primer gran éxito de Britney Spears y uno de sus videoclips más reconocidos, ‘Baby One More Time’.

Hablamos del Venice High School, ubicado en el Venice Bulevard 13000, en el barrio de Mar Vista de Los Ángeles, un edificio que se diseñó por el estudio Austin and Ashley entre 1935 y 1937, de estilo moderno, que presume de haber sido el instituto en el que se rodó ‘Grease’ y ‘Baby One More Time’, de Britney Spears.

El instituto Rydell de Grease

El Venice High School fue el lugar donde se rodó gran parte de la película musical ‘Grease’, aunque este cambió su nombre a Rydell High School, y la estatua de Myrna Loy que está situado en el edificio escolar aparece ya en la primera escena.

De hecho, en el comedor al aire libre del Venice High School fue donde tuvo lugar el gran número ‘Summer Nights’, uno de los más recordados de la película.

El instituto que vio a Britney Spears convertirse en estrella

Con ‘Grease’ en el punto de mira, Britney Spears tomó la idea para el video del primer single de su carrera ‘Baby One More Time’ y que sería todo un éxito que la lanzaría al estrellato para ser coronada como ‘la princesa del pop’. Ella misma cuenta en su libro ‘La mujer que soy’ (2023) como les hizo cambiar a la discográfica de opinión, pues querían rodar algo futurista “al estilo el Power Ranger rosa”:

“Les dije a los directivos de la discográfica que pensaba que la gente querría verme a mis amigos y a mí sentados en el instituto, aburridos, y que, tan pronto como sonara la campana, empezaríamos a bailar”, comenta al respecto.

Así fue como Britney Spears llegó a rodar el que es uno de sus videos más icónicos, y el que fue votado como el mejor videoclip de la década de los 90, en el mismo instituto que ‘Grease’, siendo visible el nombre “Venice High School Gondoliers” en algunas escenas de la canción, sobre todo en el gimnasio.

Uno de los institutos más turísticos de los Estados Unidos

A pesar de haber sido conocido por dos éxitos de la cultura pop, el instituto Venice sigue siendo un lugar donde se dan clases de educación secundaria en Los Ángeles, aunque son conscientes del tirón que tiene, y es por ello que también organizan visitas guiadas para turistas que quieran conocer el lugar de rodaje de ‘Grease’ y ‘Baby One More Time’.

Así, se aprecia como en la propia web del Venice High School se ensalzan todas sus apariciones en el cine, la televisión y la música, que van más allá de ‘Grease’ y ‘Baby One More Time’, como fueron también la película ‘Los impostores’ (Matchstick Men) con Nicolas Cage o la comedia romántica adolescente ‘Cueste lo que cueste’ (Whatever It Takes), con James Franco.

El de Britney Spears, además, no ha sido su único videoclip, pues este instituto ha acogido también el rodaje de “Principal's Office” de Young MC, “High School Never Ends” de Bowling for Soup o “Oath” de Cher Lloyd, así como también fue lugar de uno de los episodios de la serie ‘Glee’ que homenajeaba en su temporada 3 a ‘Grease’.

La nueva portada del disco de Sabrina Carpenter ha avivado una de las mayores polémicas en la cultura pop de este 2025. La artista, que ha anunciado el lanzamiento de su séptimo álbum de estudio, lo ha hecho en acompañamiento del título y la portada de este proyecto. Bajo el nombre de Man's Best Friend (el mejor amigo del hombre), la cantante estadounidense aparece de rodillas, con tacones negros y siendo agarrada del pelo por un hombre en la carátula del disco. Además, en la fotografía de acompañamiento al anuncio, aparece un perro con un collar que toma el título del álbum.

Desde ese momento, la controversia estaba servida en redes sociales. “Tirar del pelo fue una de las primeras formas de misoginia violenta que yo y muchas otras mujeres enfrentamos cuando éramos niñas”, expone una mujer en relación a la portada, que la tilda de “profundamente irresponsable”. Entre los comentarios más virales en internet, el de un usuario que alega que “necesitamos el feminismo de 2018 en estos momentos más que nunca” sin querer “profundizar en ello”. Asimismo, hay quien ve preocupante que “una persona con tanta influencia saque algo así en tiempos de avance de los sectores más conservadores”.

Entre las reflexiones que deja la polémica, según señala alguien en redes sociales, es que “ahora todo necesita ser explicado de forma literal porque nadie quiere pensar y usar la lógica”, pues Sabrina Carpenter está apuntando a la ironía con esta carátula. Sin embargo, hay quien considera que “si el mensaje no se entiende fuera del fándom, en realidad no hace mucho por desarticular esas estructuras patriarcales, al contrario, y menos en el contexto actual”. “¿Una mujer usando con libertad sátiras, juegos y su sexualidad en su arte es un retroceso para el feminismo? Deberían de revisar su definición de feminismo”, se pregunta otro usuario.

La carta de presentación de Man's Best Friend fue lanzada hace apenas unos días y será la pista de apertura del disco, titulada Manchild (inmaduro), que fue interpretada por primera vez en directo en su actuación en el Primavera Sound. En esta canción, Sabrina Carpenter ironiza sobre el comportamiento de los hombres durante una relación: “¿Por qué eres tan sexy si eres tan tonto? / ¿Y cómo has sobrevivido en la Tierra tanto tiempo?”. “¿Por qué siempre vienes corriendo hacia mí? / Maldita sea / ¿No puedes dejar en paz a una mujer inocente?”, canta en el estribillo.

El tema fue publicado junto a un videoclip en el que la artista lleva el mensaje más allá. La estadounidense, que metaforiza cada una de sus relaciones con la corta duración de un trayecto en coche, destruye a cada uno de los hombres con los que no termina encajando. Usando el mito de Circe, la cantante convierte en animales a cada uno de estos hombres, transformándolos en cerdos, gallinas o caballos. La artista hasta se anima con una metralleta o explosivos a lo largo del vídeo.

La publicación del disco, programada para el próximo 29 de agosto, llegará justo un año después de que la artista lanzara al mercado su aclamado Short n' Sweet, que le valió sus dos primeros premios Grammy en la pasada ceremonia. En este promete seguir siendo tan satírica, sexual y divertida como en su trabajo anterior, que la llevó a imitiar una postura sexual diferente durante la interpretación de su tema Juno en cada uno de los conciertos de la gira.

Pregunta para la cultura

Esta no es la primera vez que una artista se tiene que enfrentar al debate en torno a la romantización del abuso en la industria musical. Lana Del Rey lleva toda su trayectoria combatiendo este tipo de críticas, en parte por canciones como Ultraviolence (2014) de su tercer álbum, en la que canta lo siguiente en referencia al tema He Hit Me (Felt Like a Kiss): “Jim me dijo eso / Me pegó y se sintió como un beso / Jim me rescató / Me recordó a cuando éramos niños”.

La artista, que siempre se ha caracterizado por presentar una narrativa en la que el abuso sexual, la promiscuidad y la sutileza femenina son compatibles con la autoconciencia y el deseo de amar y ser amado, publicó una carta titulada Pregunta para la cultura en 2020: “Ahora que Doja Cat, Ariana, Camila, Cardi B, Kehlani, Nicki Minaj y Beyoncé han tenido éxitos número uno con canciones sobre ser sexy, no llevar ropa, follar, ser infieles, etc., ¿puedo volver a cantar sobre sentirme bien con mi cuerpo, sobre sentirme hermosa por estar enamorada aunque la relación no sea perfecta, sobre bailar por dinero, o sobre lo que quiera, sin que me crucifiquen o digan que estoy glorificando el abuso?”.

En esta ocasión, Sabrina Carpenter está experimentando de primera mano el mismo debate. “Se ponen a criticar esta portada pero cuando se trata de las letras horrendas que cantan los hombres en el reguetón denigrando a las mujeres no dicen absolutamente nada”, recalca una persona en redes sociales. Aun así, habrá opiniones de todo tipo: “El mensaje que Sabrina intenta transmitir es que los hombres tratan a las mujeres como sus mascotas, pero la portada no necesariamente ayuda a ese argumento debido al hecho de que el público en general es tonto e incapaz de comprender la sátira”.

El artista puertollanense César Muela ha lanzado en todas las plataformas digitales su nueva canción 'Clouds' (nubes en español) protagonizada por la guitarra eléctrica. De hecho, es una pieza instrumental de rock guiada por las melodías de la guitarra eléctrica.

La pieza se ha presentado acompañada por un videoclip grabado en el parque natural de las Hoces del Río Duratón, en la provincia de Segovia.

Sobre la localización del videoclip, el artista ha explicado que como todo giraba en torno al cielo y los pájaros, le pareció un lugar “ideal” para volar a vista de dron y reflejarlo en las imágenes.

“Desde pequeño siempre he soñado con volar como un pájaro. Resulta que gracias a la música he podido conseguirlo, y esta canción es el resultado. Para mí es un viaje tranquilo por las nubes y una metáfora de todo lo que soy capaz de sentir gracias a la música”, ha afirmado Muela.

Compuesta por él mismo, la canción ha sido producida por el guitarrista y productor Sergio Sancho, que en sus más de 25 años de trayectoria ha trabajado con artistas tan variados como Raphael, Malú, Morat o Nena Daconte. La mezcla ha sido obra de Arturo Ruiz y la masterización del ganador de cuatro Grammys Latinos y 1 Grammy, Carlos Hernández, según ha informado el propio artista.

El videoclip grabado por Ernesto Cortijo y editado y dirigido por el propio César, puede verse gratis en YouTube así como escucharse en Spotify, Apple Music y resto de plataformas digitales de todo el mundo.

La inteligencia artificial está haciendo posible aquello que parecía difícil de imaginar hace tan solo unos años. Más de dos décadas después de que colaborasen en el álbum 19 días y 500 noches, el productor y cantante Alejo Stivel, vocalista del mítico grupo madrileño Tequila, se ha unido de nuevo a Joaquín Sabina para el single Yo era un animal. Una unión que, si bien no debería ser una enorme sorpresa tras el éxito de su trabajo conjunto anterior, lo es por el videoclip que protagonizan ambos: Stivel y Sabina cantan y bailan con sus versiones jóvenes realizadas con IA.

La canción, en la que los dos artistas combinan su voz luego de que el argentino Alejo Stivel se dedicara íntegramente a la producción en 19 días y 500 noches (1999), es una nueva versión del tema que ya había aparecido en el último álbum de Stivel, Yo era un animal (2017). Según se confirma en la nota de prensa, tiene una fuerte carga autobiográfica y “resonó profundamente” en Sabina, quien al escucharla comentó que parecía que había sido escrita pensando en él. Es de esa forma como nació la idea de volver a grabarla juntos.

El rock de esta reinterpretación toma forma con el llamativo videoclip, producido mediante inteligencia artificial para recrear las versiones jóvenes de Joaquín Sabina y Alejo Stivel. Estas imágenes, descritas por la discográfica como “sorprendentes y futuristas”, se estrenan en un contexto en el que el mundo del arte se debate por cómo tratar de convivir con la nueva realidad digital. “La canción tenía algo de Sabina, y él lo sintió enseguida. Fue un lujo grabarla juntos después de tantos años”, dice Alejo Stivel sobre la colaboración.

El proyecto ha sido posible gracias a la buena relación que tanto Alejo Stivel como Joaquín Sabina han mantenido entre ellos desde su trabajo en 19 días y 500 noches, disco clave en la trayectoria de Sabina por la canción que da título al álbum, convertida ahora en uno de sus mayores hits. Además, el disco es considerado uno de los más personales y autobiográficos del cantautor ubetense, y cuenta con una producción que, en palabras de Stivel, buscaba extraer la verdadera esencia de la voz de Sabina.

“Para mí, ese fue el punto culmen de mi carrera como productor. Sabina tiene esa capacidad única de mostrar lo más vulnerable de sí mismo, y eso lo captamos en ese disco”, expresa Stivel en la nota de prensa. El artista argentino cuenta que estuvieron un año trabajando en ese álbum y que, aunque “no fue fácil”, Joaquín Sabina tiene “una manera de componer y de interpretar única”. “A lo largo de los años, hemos compartido mucho más que música”, dice Stivel, alegando que Sabina es “un verdadero poeta de la vida”, lo que hace que su “relación sea especial”.

Aparte del lanzamiento de este videoclip, en el que los músicos buscan combinar “la complicidad” y “el respeto mutuo” que forjaron en aquella época, Alejo Stivel prepara un concierto para el próximo 13 de marzo en el Teatro Barceló de Madrid. Allí hará un repaso de su carrera, lo que supondrá una oportunidad para disfrutar de sus clásicos, tanto en solitario como con Tequila, así como de este nuevo capítulo de su carrera. Las entradas ya están a la venta. Asimismo, Sabina se despedirá de los escenarios este 2025 con una última y multitudinaria gira que lleva el nombre de Hola y Adiós.

Muchos artistas se preguntan cuál es la fórmula perfecta para lograr la viralidad de una canción, pero lo cierto es que la respuesta no es tan sencilla. En plena ola de TikTok, los temas virales se han convertido en un elemento fundamental para alcanzar el éxito en la industria musical. Sin embargo, mucho antes siquiera de que existiera esta aplicación, un grupo ya había escalado hasta lo más alto debido a la rápida difusión de una de sus canciones. Ese grupo es OK Go, el tema se titula Here It Goes Again y este 2025 se cumplen 20 años de su catapultación al estrellato, recordado como uno de los pioneros en la era digital.

Ya sea por el ritmo de la música o por los retos que puedan darse en redes sociales a raíz de esta, muchas canciones se han convertido en auténticos hits gracias a la repercusión que gira en torno a ellas. Cuando OK Go publicó hace unos días A Stone Only Rolls Downhill, el tema no solo se trata de un lanzamiento más dentro de su repertorio, sino también de un nuevo capítulo en la intención del grupo por destacar, además de con la música, con todo lo que orbita alrededor de la misma. Para tratar de conseguirlo ha sido fundamental YouTube, plataforma líder desde su fundación en 2005 en la recopilación de videoclips.

Es por eso que OK Go ha comenzado la promoción de su nuevo álbum siguiendo las mismas tácticas que llevan caracterizándolos desde sus primeros discos: con mucha originalidad, color y apostándolo todo al vídeo. Esto se percibe en el recién estrenado videoclip de A Stone Only Rolls Downhill, carta de presentación de And the Adjacent, trabajo que saldrá a finales de 2025 y que supondrá el primer álbum del grupo en más de 10 años. El vídeo presenta un extenso mosaico de hasta 64 pantallas de teléfono donde se captura a los integrantes de OK Go, Damian Kulash, Tim Nordwind, Dan Konopka y Andy Rossen, en plena acción.

Damian Kulash, vocalista del grupo y codirector del videoclip junto con Chris Buongiorno, dice en unas declaraciones distribuidas por su discográfica que trataron de representar el mensaje de la canción a través del mismo, inspirándose en lo difícil que es “luchar por ser honesto” y “mantener la cabeza alta” al mismo tiempo. “Intentar equilibrar la ansiedad, que no es más que realismo, con la esperanza, que no es más que necesidad, a menudo puede parecer vivir en una pantalla dividida”, cuenta Kulash, reconociendo que el vídeo es “la versión más humana de una pantalla dividida” que se les ha ocurrido. 

“En lugar de utilizar la magia digital para pegar varios vídeos, decidimos grabar un vídeo para cada uno de las docenas de teléfonos utilizados. A continuación, los colocamos todos, unos al lado de los otros, como si fueran un mosaico de pantallas”, explica el artista. “Una sola imagen surge de todas estas piezas separadas que trabajan a veces en armonía y a veces en discordia: las muchas partes contradictorias de nosotros mismos luchando por unirse en un todo único”, añade Damian Kulash.

El videoclip se publica dos décadas después de que OK Go se viralizara a lo grande con Here It Goes Again (2005). Cuando el grupo subió a YouTube el vídeo del tema, su difusión entre los usuarios corrió como la espuma. Su encanto radica en su simpleza: los componentes de la banda, bajo la coreografía y la dirección de la hermana del cantante, Trish Sie, bailan sin saber bailar sobre unas cintas de correr del gimnasio. El éxito fue tal que la canción se convirtió en todo un hit y se hizo con el Grammy al mejor videoclip en 2007. Mirando aquella época con retrospectiva, OK Go alega la fama de Here It Goes Again a un momento en el que “la MTV abandonaba los videoclips en favor de los reality shows” e “Internet era un lugar” que ninguno de ellos “entendía realmente”. “Cogimos la costumbre de ponernos delante de una cámara con una idea tonta, lanzarla a los perros de la red mundial y ver hacia dónde nos llevaba”, recuerda ahora el grupo en Instagram. “Antes de eso, un videoclip casero y rudimentario como este no habría podido soñar con ganar un Grammy, y estamos bastante seguros de que en la era actual de Internet tampoco tendría ninguna oportunidad”, añade.

Si bien siempre quedará la duda de si el vídeo hubiera alcanzado tal viralidad en la era de TikTok, y pese a que OK Go parece tener claro que ese éxito no se habría producido, lo cierto es que a día de hoy siguen viralizándose en dicha red social imitaciones del famoso videoclip. Una de ellas, a manos de cuatro niños que recrearon el baile para el concurso de talentos de su escuela, alquilando las cintas de correr y clavando la coreografía en una sola toma (OK Go necesitó 17). Ya sea por la magia de la nostalgia o porque sigue impresionando verlo, el vídeo continúa muy presente en la memoria colectiva.

Aunque no con las decenas de millones de visualizaciones que Here It Goes Again acumula desde su lanzamiento, la videografía de OK Go cuenta con muchos más proyectos igual de variopintos. De hecho, las tres nominaciones a los Grammy que ha obtenido el grupo durante estos años han sido únicamente en la categoría de videoclips: Here It Goes Again (2007), All Is Not Lost (2012) y Upside Down & Inside Out (2017). Este último, por ejemplo, muestra a los componentes de la banda flotando en microgravedad a bordo de un avión ruso Ilyushin Il-76 de gravedad cero. El clip se rodó en una sola toma de 45 minutos, recortando partes durante la no microgravedad para cumplir la duración de tres minutos del tema.

Al contrario que la gran mayoría de grupos de rock, cuyos visuales se centran en la actuación, OK Go ha preferido crear vídeos abstractos y atípicos, que no necesariamente tienen que ver con la letra de la canción. En This Too Shall Pass (2010), dirigido por la banda junto a James Frost y Syyn Labs, se presenta otro plano secuencia en el que todo vuela por los aires hasta que los artistas están llenos de pintura. El oyente no sabe qué va a ocurrir en ningún momento y hacia dónde se encamina, pero la atención ya está captada desde el inicio.

No obstante, OK Go también ha tenido una relación compleja con YouTube debido a las políticas de su discográfica EMI. En un intento por generar ingresos publicitarios, EMI deshabilitó la opción de incrustar sus vídeos en blogs y otros sitios webs, lo que desencadenó una caída del 90% en las visualizaciones. Damian Kulash explicó posteriormente que, aunque comprendían la lógica económica detrás de la medida, ya que deshabilitando la incrustación podían ganar dólares adicionales, esto perjudicó al alcance de las canciones, puesto que los vídeos publicados en la plataforma ya no se podían ver en otras webs. Esto llevó a la discográfica a volver a permitir la incrustación, y al grupo a disculparse con YouTube a través de un vídeo.

Pero no todo consiste en hacer música y producir videoclips creativos. OK Go también ha abogado por la libertad de expresión y los derechos digitales en medios de comunicación. Damian Kulash ha publicado columnas en The New York Times sobre estos temas y testificó ante el Comité Judicial de la Cámara de Representantes en defensa de la neutralidad de la red. Además, la banda ha utilizado su gran alcance para apoyar causas benéficas, como la recaudación de fondos para el rescate de animales con su canción White Knuckles.

Kulash confiesa que son “tiempos difíciles para ser optimista”, pero afirma que “atravesar la vida requiere algo de fe”. “Viendo el mundo que se despliega ante mí, y especialmente ante mis hijos, es difícil encontrar ese tipo de fe. Así que, ¿qué les decimos?”, se pregunta el vocalista. Quizás la respuesta vuelva a estar en la música. Para buscar ese optimismo, OK Go saldrá de gira por Estados Unidos y Canadá del 24 de abril al 21 de junio de 2025. Las entradas ya están a la venta y se espera que se anuncien más conciertos tras la salida de su próximo disco. El grupo, acostumbrado a triunfar detrás de la pantalla, busca volver a hacerlo también encima de los escenarios.

El cantante madrileño Dani Martín ha lanzado en sus redes sociales un corto de seis minutos que protagoniza él mismo, internado en un centro de salud mental, en el que se rodea de pacientes-amigos como Rulo, Iván Ferreiro, Cris Méndez, Broncano, Dani Fernández, Coque Malla, Loquillo y Jorge Ilegal, y en el que parece anunciar nueva canción el próximo 3 de octubre.

Lo cierto es que en el mes de marzo Dani Martín anunció dos grandes conciertos en diciembre con los que repasará 25 años de carrera profesional, entre su etapa en El Canto de Loco y como artista en solitario, en el WiZink Center de Madrid, por lo que este vídeo viene a ser una confirmación definitiva en la que convoca, además: El último día de nuestras vidas, el 3 de octubre, el título del corto, que también podría ser el título de una nueva canción.

En diciembre de 2022, el cantante informó de que se tomaba “unos años” sabáticos de la música “para mejorar como persona” tras reconocer su “tendencia a engordar, con ansiedad y con dificultad” para concentrarse, entre otras circunstancias.

Precisamente, en el vídeo realiza un alegato a cuidar la salud mental y respetar a los que sufren esta dolencia con un significativo mensaje de una doctora interpretada por Blanca Portillo: “Algunos medios de comunicación han decidido que ya puedes salir, que ya estás preparado para retomar tu carrera”, le dice la actriz antes de darle el alta.

En ese momento, Dani Martín sale del centro y se encuentra con el dúo Estopa, que se lo llevan de allí.

El corto, en el que David Broncano, el conductor de 'La revuelta', es un celador del centro de salud mental, está “dedicado a todos aquellos que en alguna ocasión han pedido ayuda y a todos los que día a día trabajan para proporcionarla”.

New woman es el título de la canción, publicada este viernes, que supone una colaboración entre Rosalía y la componente del grupo surcoreano Blackpink, Lisa. Una publicación que ya se había anunciado días antes en las redes sociales.

En ella, se despliegan diferentes estilos y se canta tanto en inglés como en español, que es la parte en la que Rosalía rapea, presumiendo de “frontear” y “energía inmaculá”, y dice de sí misma: “Puta, soy la Rosalía, solo sé servir”. La catalana introduce en la canción algunos tópicos flamencos (“la noche estrellá, así sea; hasta la madrugá, que así sea”) en cuatro versos en los que pasa de rapear a cantar.

La canción viene acompañada de un videoclip dirigido por Dave Meyers, director del video de Bad Guy de Billie Eilish, entre muchos otros.

Lisa, cantante y bailarina tailandesa, comenzó su carrera en solitario en 2016, convirtiéndose en una de las grandes estrellas planetarias del K-Pop.

Al cumplirse 30 años del Songs Of Faith And Devotion de Depeche Mode, afloraron en la prensa española, el año pasado, historias que recordaron que ese disco se grabó, en parte, en Madrid. Se recordó aquellos días de 1992 como una locura, una gran juerga, una grabación que casi acaba con el grupo. Todo un acontecimiento sobre el que han circulado en voz baja muchísimas anécdotas y que puso en el mapa de la música, traspasando el famoseo, el nombre de La Moraleja, en un tiempo en el que tanto la urbanización como el grupo estaban en su máximo esplendor. Quién lo iba a decir.

Entre las historias, se conocía aquella de los que se encontraron al grupo comprando en el Continente de Alcobendas. O la de unos del club de fans que saltaron el seto, llamaron a la puerta y se colaron hasta la cocina, literalmente. O la del vigilante de seguridad que le regaló a un aficionado una púa que dejaron tras de sí, al día siguiente de abandonar esta nefasta aventura. Y también las de aquellos que se encontraban a Martin Gore bailando en clubes madrileños como Oh! Madrid o Morocco.

Además de las memorias, de aquellos días quedan fotos de tres de los cuatro miembros del grupo retratados por Anton Corbijn bajo los arcos de la plaza Mayor, unas imágenes que aparecen en la funda interior del disco. Y, debajo de ellas, otra fotografía en blanco y negro. Es Dave Gahan sentado encima de un amplificador, tocando la guitarra. Es el salón de una casa. A sus espaldas, una cristalera de arriba a abajo. Al otro lado, unas columnas recubiertas de ladrillo. En otra de las imágenes, el grupo se relaja en los sofás alrededor de una mesa baja de café. Se reconoce que es el mismo salón de las otras fotografías. En esa instantánea, Martin Gore se lleva una mano a la cara; parece cansado. Al fondo, hay un piano de cola con la tapa levantada.

En ese mismo salón, 30 años después, Pepe Rodríguez, del grupo Dardem, interpreta al piano su Canción de fe y devoción para el videoclip que dirige Lorenzo Ayuso y que elDiario.es estrena en exclusiva. No es el mismo piano, pero resuena en las mismas paredes. Cómo Dardem ha terminado rodando un videoclip en el mismo chalé de La Moraleja en el que Depeche Mode grabó Walking In My Shoes o Condemnation, es rocambolesco. A diferencia de los fans, y siendo Pepe Rodríguez uno de ellos, él nunca buscó ese chalé, el chalé le buscó a él.

Depeche Mode aterrizó en Alcobendas porque alguien tuvo la nefasta idea de que vivir y grabar juntos produciría el efecto especial que el nuevo disco necesitaba, después de una temporada de descanso tras el éxito masivo de Violator y la gira posterior. Cuando llegaron a Madrid, en cambio, descubrieron que ya no eran los de antes. Aquello ya no era un grupo de amigos. Dave Gahan había desarrollado una adicción a la heroína de la que no había hablado a sus compañeros, que solo recibían su ausencia, sus días continuados de encierro en la habitación. Martin Gore quería salir por Madrid y pasarlo bien. Alan Wilder solo quería trabajar, devotamente entregado a la construcción musical del disco. Andy Fletcher estaba desplazado, no tenía nada que hacer allí.

Dardem acaba en este día de junio de 2023 también en desintegración, pero no de una manera violenta como le pasó al grupo británico. Tras 17 años de carrera, Joe Melero (bajista) y Peter Bacan (batería) abandonan la banda, y queda ya solo el guitarrista Raúl Pacheco y el propio Pepe, que es cantante, teclista y productor; y el único que protagoniza el videoclip de una canción que irá trabajando durante un año, hasta llegar a hoy, pero que quiso aprovechar la oportunidad del destino y grabar primero las imágenes.

Pepe se sienta ante un sobrio piano Steinberg sin lacar de 1848, traído de Londres, propiedad de la familia que habita la casa. Él conoce bien ese piano. “Tiene una sonoridad muy potente”, advierte. Y para demostrarlo, toca las notas de Walking In My Shoes. En otra de las fotografías de la carpeta interior del disco, aparece Alan Wilder solo, tocando la batería. En primer plano, un piano de cola. Rodríguez habla con admiración del trabajo que hizo Wilder al piano para este disco, en esta misma casa. Aprecia lo meticuloso que fue el músico, lo que aportó a la carrera de Depeche Mode.

Pepe se ha vestido con ropa clara y se ha vendado los dedos. Su figura, alta y delgada, transmite una extrañeza liviana. “El vídeo simboliza el paso entre dos estados”, explica su director en una pausa del rodaje. Entre la fe y la devoción, entre el pasado y el futuro, entre la vida y la muerte.

El vídeo, y por tanto la canción, habla de las heridas como marcas que deja la vida a su paso. Su autor la compuso caminando por una avenida ancha de Leipzig, pensando en su hija, que vive allí. Él vive en España. La letra alude a las distancias. A partir de estos símbolos, parece que la canción va cobrando un sentido. Cuando supo dónde grabaría el videoclip, decidió cambiarle el título y de El himno pasó a llamarse Canción de fe y devoción.

Además de músico, Rodríguez es profesor particular de piano. En una clase, le dijo a su alumna cuánto le gustaba Depeche Mode. Ella le contestó que si sabía que habían grabado un disco aquí. “Aquí en Madrid, sí”, le contestó Pepe. “No –dijo ella–, aquí-aquí”, señalando el mismo suelo que estaban pisando. Rodríguez se quedó en shock. En ninguna de las clases que había ido a dar a esa alumna allí, se le ocurrió pensar que de todas las más de mil casas unifamiliares de La Moraleja, aquella era la mansión de la fe y la devoción.

Grabar un videoclip ahí mismo, conjurando los fantasmas del pasado del gran grupo de rock electrónico, fue idea de su alumna. Le ofreció la casa. Cuando Lorenzo Ayuso y su equipo de producción desplegaron sus cachivaches por el salón, vieron que en la mesita de café había un libro que destacaba entre los demás por su grueso lomo de color malva: es Depeche Mode by Anton Corbijn, un lujoso tomo de fotografías inéditas publicado por Taschen. Uno de los capítulos está dedicado a la grabación en Madrid, en el chalé. Se podría pensar que alguien lo ha traído para la ocasión pero no es así, ese libro está siempre encima de esa mesa, enlazando de manera mágica dos tiempos en un mismo espacio.

Con curiosidad, los miembros del equipo miran las fotografías y buscan los ángulos desde los que han sido tomadas. Para todos es asombroso estar allí y hay un halo reverencial del que nadie escapa, en parte por la carga simbólica del lugar, en parte por la propia canción de Dardem.

La palabra “halo” –que además remite a un conocido tema de Depeche Mode– la usa también Pepe Rodríguez para recordar cómo sintió el rodaje el año pasado. “Cuando me veo ahora, veo que estaba en un estado mental sensible, y creo que se nota”, explica. Además, asegura que la grabación allí influyó sobre la canción, que en un principio era una balada solo con piano a la que posteriormente se le han ido introduciendo coros y sintes modulares, similares a los que el grupo tenía en el chalé de La Moraleja, según se observa en las fotos.

“Haber coincidido en el espacio aunque no en el tiempo con Depeche Mode para mí tuvo una carga muy emotiva. El espacio que tú ocupes también te ocupa a ti. Las personas somos procesos a lo largo del tiempo y del espacio, y el urbanismo tiene mucho que ver con cómo la gente se relaciona entre sí. Tú le das y él te da ti”, explica el compositor.

Pero si para Depeche Mode, ese lugar fue traumático, para Dardem no es así. “Yo no sería el mismo musicalmente si no hubiera escuchado a los Depeche Mode. Por ejemplo, por la manera de tratar los temas, que tienen ese punto de poética oscura y descarnada, sin dejar de ser pop pero también con un acercamiento a un lado más oscuro, que sucedió cuando estuvieron en Madrid, y se produjo la escisión de la banda. Y a mí también me coincide que mi banda se escindió y fuimos ahí un fin y un principio. Pero para mí fue como si me hubiera quitado una pila antigua, como si se hubiera quitado un velo. Yo todo lo que he vivido en esa casa siempre ha sido de corazón, de buen rollo, de dar y recibir sin medida. No hubo una ruptura como le pasó a ellos. Yo viví una metamorfosis o una transformación. Haber estado allí me ha dado un empuje vital, para nada algo tan dramático como lo que vivieron ellos”, explica.

El tema –“una canción muy conmovedora y bonita aunque somos un grupo de rock”–, apunta Rodríguez es el primer adelanto del cuarto álbum de estudio de este grupo formado en Sevilla, que se titulará Fin y principio. Rodríguez y Pacheco se han rodeado de nuevos colaboradores, como el productor napolitano Enrico Barbaro (fundador de Mastodonte junto a Asier Etxeandía) y que aquí toca bajo y sintetizadores. También fue un fin y un principio Songs Of Faith And Devotion para Depeche Mode: Alan Wilder abandonó tras la gira y lo que vino después ya fue un grupo necesariamente diferente.

El realizador Lorenzo Ayuso –quien acaba de estrenar el cortometraje Extrema gravedad– es un colaborador habitual de Dardem, director también de sus videoclips La noche de San Juan, Alquímica, El reloj y Gilipollas. Su intención aquí es la de crear “un acto sacramental” en “un estadio fantasmático entre la vida y la muerte, o entre la muerte y la reencarnación, dejando que un Rodríguez herido se enfrente al pasado y afronte el futuro con un piano como su única arma”.

Karmento y Bewis de la Rosa se adelantan al Día de Castilla-La Mancha que se celebra este viernes, 31 de mayo, con la publicación de 'Canto al cansancio’, una nueva canción creada por ambas en un “plácido y necesario” encuentro manchego.

El tema viene acompañado de un videoclip en el que se entremezclan los imaginarios de las dos artistas. Desde hoy el single y el vídeo están disponibles en plataformas digitales y Youtube.

'Canto al cansancio' habla del cansancio que acumula el cuerpo, la mente y el ser cuando lo sometes día a día a la productividad. “La presión, el agotamiento y el aturdimiento que nos genera el vivir sin descanso se reflejan en un juego de palabras que nos lleva a cuestionar el significado del tiempo”, explica la discográfica El Tragaluz. La canción ha sido producida por G. Rams, habitual colaborador de Bewis de la Rosa.

Aroha Morales dirige el videoclip, rodado en la población de Membrilla (Ciudad Real), en el que se pone en evidencia el agotamiento físico y mental desde un espacio de descanso donde el sueño se mezcla con la realidad. Karmento y Bewis de la Rosa se despiertan y se duermen juntas en una jornada con grandes momentos icónicos (y algo de comedia), en los que se las puede ver juntas bailando una jota ravera o a una llevando a cuestas a la otra.

Tanto Karmento como Bewis de la Rosa, continúan presentando sus respectivos trabajos con sus giras 'La Serrana' y 'Amor más que nunca. ', ambas impregnadas del carácter manchego que está tan presente en sus proyectos.

La Casa Batlló del paseo de Gràcia de Barcelona desplegó este miércoles una discreta alfombra roja. El motivo fue el estreno mundial de Music:Response, el primer vídeo inversivo que acoge el festival Sónar en sus 31 ediciones y que corre por cuenta de los artistas audiovisuales Adam Smith y Marcus Lyall, integrantes del equipo Smith & Lyall. Son los encargados de las proyecciones y efectos audiovisuales en los conciertos de un buen número de artistas, entre ellos The Rolling Stones, pero son especialmente conocidos por su estrecha colaboración con The Chemical Brothers, con quienes llevan trabajando desde 2009 en todas su giras.

Music:Response se engloba dentro de la nueva apuesta del festival Sónar por las experiencias inmersivas, tan en boga actualmente, sobre todo relacionadas con la obra de artistas pictóricos. Para ello se destinarán dos espacios; uno es la Casa Batlló, un emblemático edificio de Gaudí del paseo de Gràcia, y el otro el pabellón Mies Van der Rohe, al pie de la colina de Montjuic.

En el caso de Music:Response, las proyecciones tendrán lugar en la Casa Batlló, que ya tiene asentado un modelo de explotación turística con experiencias inmersivas y desde hace tres años ha desarrollado The Cube, una sala con seis paredes forradas de led que permite proyecciones en 360 grados y en tres dimensiones.

Tal como explica Gary Gautier, CEO de la empresa Casa Batlló: “Hasta la fecha nos acompañan 35 premios internacionales por nuestros desarrollos inmersivos y más de cinco millones de personas han visitado este espacio en los últimos tres años, pero el reto que nos asaltaba era ver si también le podíamos dar a nuestras instalaciones un uso artístico”.

Gautier añade que se pusieron en contacto con Sónar para hacerles una propuesta y la organización del festival “se mostró encantada de la idea” y respondió con la idea de Music:Response. “Fue la primera idea que nos dieron y nos convenció totalmente”, dice Gautier, que destaca que “hemos estado trabajando durante ocho meses para el estreno que hoy tiene lugar en este espacio completamente forrado de led”. Finalmente, agrega: “Si cuando estéis dentro del espacio viendo Music:Response, perdéis la noción del tiempo y del espacio, habremos conseguido nuestro objetivo”.

Enric Palau, codirector de Sónar, explica que en cuanto recibió la propuesta de Casa Batlló, el festival pensó inmediatamente en Smith & Lyall para el desarrollo de la idea: “Principalmente porque la relación entre Sónar y The Chemical Brothers y todo su equipo es muy larga y estrecha, y sobre todo porque Smith & Lyall son los creadores de toda la iconografía de la banda que sus fans reconocen”. Palau también destaca las posibilidades del espacio The Cube y anunció que las proyecciones podrían verse más allá de la celebración del Sónar, hasta el 31 de julio.

Primera experiencia con público

Por su parte, Adam Smith, integrante del combo Smith & Lyall, explica que es su primera experiencia con este tipo de trabajos. “Vosotros seréis las primeras personas en todo el mundo en ver el resultado”, anunció ayer a los periodistas durante la presentación, “así que estoy especialmente excitado y a la vez asustado por la valoración que podáis hacer”. Smith destaca también que es un trabajo completamente experimental, “algo totalmente diferente a lo que se haya hecho hasta ahora”.

Marcus Lyall, la otra parte del equipo, muestra su alegría por poder estrenar Music:Response en un edifico de Gaudí: “Crecí en un ambiente de libros, especialmente de arquitectura, por lo que poder desarrollar mi trabajo en un edificio como este es una ilusión cumplida, algo maravilloso”. Lyall destaca que ante el reto de tener que llevar sus producciones a los 360º se han visto obligados a deconstruir la esencia de la imaginería de The Chemical Brothers para adaptarla a las seis paredes (incluyendo techo y suelo) de The Cube.

Lyall también observa que “Gaudí ilustra la libertad de expresión a la que aspiramos; creó mundos de fantasía con sus edificios, con sus propias reglas y su propia lógica, entornos inmersivos en los que se tiene la sensación de estar fuera del mundo que conocemos, una evasión de la realidad hacia lo sublime”. En este sentido, estable un paralelismo con The Chemical Brothers, de quienes destaca que “han creado un universo visual y musical autónomo”.

Music:Response se podrá ver desde el 24 de mayo hasta el 31 de julio en la Casa Batlló, en el paseo de Gràcia 43 de Barcelona, a partir de las 21:00 horas y hasta las 23:45 horas en pases de quince minutos. El precio de la entrada es de 15 euros.