Brigitte Bardot, la actriz y cantante francesa, ha muerto este domingo a la edad de 91 años, según ha comunicado su fundación.

La artista fue una de las figuras clave del cine francés en la década de 1950 y 1960, especialmente tras su participación en películas como Viva Maria!, además de participar en varios musicales. BB, como se la llamaba comúnmente en el mundo del entretenimiento, destacó ya con su primer éxito al protagonizar Y Dios creó a la mujer, dirigida por Roger Vadim en 1956. Con ella obtuvo reconocimiento internacional y consiguió viajar al centro de atención pública para hacerse una figura global. Para la sociedad del momento se convirtió en un icono de sensualidad y belleza.

Posteriormente protagonizó la película de Jean-Luc Godard de 1963 Le Mépris. Pero fue por su papel en la película Viva Maria! (1965), dirigida por Louis Malle, que consiguió el reconocimiento de sus colegas, ya que fue nominada en los Premios BAFTA como Mejor Actriz extranjera. 

BB, un mito conflictivo

Actuó en 47 películas, también en varios musicales y grabó más de 60 canciones, ya que en su juventud vivió totalmente inmersa en el mundo del espectáculo, donde no solo protagonizó películas, sino que también grabó canciones. Desde hacía más de cinco décadas llevaba una existencia recluida y alejada de los focos, renegando en cierto modo de su pasado de fama y éxito.

De hecho, se retiró de la industria del entretenimiento en 1973 y en 1985 el gobierno francés le ofrece el galardón de la Legión de Honor, pero ella lo rechaza. Posteriormente regresaría al foco mediático por cuestiones bien distintas al arte, como su defensa de los derechos de los animales, pero también su apoyo al Frente Nacional de Jean-Marie Le Pen.

Sus críticas a la inmigración y al islam sorprendieron inicialmente a la opinión pública, que conservaba la idea del mito BB, pero con el tiempo persistió y terminó siendo multada cinco veces por incitar al odio racial en Francia. Durante la pandemia de COVID-19 no aflojó en su extremismo y apoyó al movimiento antivacunas a la par que se opuso a la política sanitaria de Emmanuel Macron.

Infancia burguesa

Brigitte Bardot nació en París, el 28 de septiembre de 1934. Vivió inicialmente en el distrito número tres, en un ambiente burgués. Hija de un empresario originario de la región de Lorena recibió una educación estricta. Durante el transcurso su infancia, se convirtió en una niña apasionada por el ballet y la danza clásica y a los siete años entró a la escuela de danza de madame Bougart.

En 1947, fue admitida en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza y durante tres años asistió a las clases de ballet de Jeanne Schwartz y Boris Knyazev. A los trece años, sustituyó a una joven en un primer plano para una fotografía en Jardin des modes, una coincidencia que lanzó su carrera como modelo para revistas.

A principios de 1949, Marie-France de La Villehuchet, amiga de su madre y editora del Jardin des modes junior, le hizo realizar una serie de fotografías y una portada. Precisamente en esta etapa comenzó su andadura en el cine: a los 18 años, en 1952, participa en la cinta Le trou normand. Ese mismo año se casó con el primero de sus cuatro maridos, el director de cine Roger Vadim.

El 27 de diciembre de 1925 nacía en París Michel Piccoli, actor, productor cinematográfico y teatral, ocasional guionista y director, pero sobre todo intérprete fetiche de los más grandes directores del cine francés y europeo por extensión. Entre ellos fue especialmente fecunda su relación con acaso el más importante de ellos, Luis Buñuel, con quien rodó cinco películas, algunas tan emblemáticas como Belle de jour, El diario de una camarera o El discreto encanto de la burguesía.

Bautizado Jacques Daniel Michel Piccoli, nació en el seno de una familia de músicos, ya que su padre, Henri Piccoli, era un violinista de origen italiano y su madre, Marcelle Expert-Bezançon, una reconocida pianista. Sin embargo, a pesar de la profesión de sus progenitores, el joven Piccoli pronto mostraría más inclinaciones hacia el campo escénico, debutando con ocho años en una obra en el internado de Compiègne donde estudiaba. A los 18 comunicó a sus padres que quería ser actor.

A partir de ese momento, comienza una de las carreras más icónicas del cine europeo, con títulos como los citados de Buñuel y otros como Le grande bouffe, Las señoritas de Rochefort, La bella mentirosa, Milou en Mayo, Topaz, Las cosas de la vida, Holy Motors o La guerra ha terminado, todas ellas firmadas por grandes directores del cine continental. En total, Piccoli sumó unas 200 películas, por las que consiguió algunos de los galardones más preciados, como el Oso de Plata a la mejor interpretación masculina en el Festival de Berlín de 1982, por Une étrange affaire, de Jean-Pierre Deferre.

También obtuvo el premio a la mejor interpretación masculina del festival de Cannes de 1980 por su papel en Salto en el vacío, de Marco Bellocchio. Sin embargo, aunque fue nominado en dos ocasiones en los noventa a los premios César, la máxima distinción cinematográfica europea, por dos películas además importantes como Milou en mayo y La bella mentirosa, ya en la madurez de su carrera, nunca logró el preciado galardón.

Adicionalmente, recibió el Premio del Cine Alemán al Mejor actor, en 1988, el Premio Europa en 2001 y el Premio Honorario del Cine Europeo en 2011. Posteriormente, un octogenario Piccoli seguiría trabajando hasta 2012 en distintos y arriesgados proyectos de directores como Leos Carax o un casi centenario Manoel de Oliveira porque, tal como confesaría a su biógrafo y amigo Gilles Jacob, uno de sus mayores temores era no poder seguir actuando. “Uno querría que no se acabe jamás, pero se va a acabar. Eso es muy difícil”, puede leerse en su biografía, titulada He vivido en mis sueños. Su última aparición tuvo lugar en 2014 en El sabor de los arándanos, de Thomas de Thier. Murió un 12 de mayo de 2020, a la edad de 94 años.

Inicios con Renoir y la colaboración con Buñuel

Aunque anteriormente se había curtido en el teatro y en películas menores, fue con Jean Renoir cuando aborda su primer proyecto cinematográfico de entidad al participar con un papel secundario en la película French Cancan, un musical sobre la vida nocturna en el París de finales del siglo XIX. Pero inmediatamente escalaría a papeles de mayor importancia gracias a su relación profesional con Luis Buñuel, todavía en México en los 50, con quien rueda en 1956 la producción franco-mexicana La muerte en el jardín.

Con Buñuel volvería a rodar hasta en cuatro ocasiones más. En 1964 repite para El diario de una camarera, basada en la novela del escritor francés Octave Mirbeau y que relata la historia de Célestine (Jeanne Moreau), una parisina de los años 30 que emigra al campo y trabaja como sirvienta para una gran casa y es testigo de las excentricidades de sus habitantes. Un ya maduro Piccoli interpreta al patrón con quien Célestine mantiene una escandalosa relación sexual.

Seguidamente, vendrían las dos colaboraciones entre Buñuel y Piccoli más importantes: Belle de jour en 1967 y El discreto encanto de la burguesía en 1972, película que ganó ese año el Óscar a la mejor película extranjera. En la primera, Piccoli encarna a Henri Husson, el cínico e irreverente amigo del marido burgués de Catherine Deneuve que la inicia en la prostitución. En la segunda, en un papel menos relevante, se mete en la piel de ministro del interior. La colaboración se cerraría con El fantasma de la libertad, de 1974, en otro papel secundario.

De Resnais a Godard, pasando por Claude Sautet

Piccoli tardó en alcanzar la celebridad tanto en Francia como en el resto de Europa. No fue hasta 1963 con Godard y rodando El Desprecio que su cara se haría popular en todo el continente. Era el partenaire de Brigitte Bardot en este drama de celos y relaciones tóxicas basado en la novela homónima de Alberto Moravia.

En 1966 estaría presente en otra de las grandes películas francesas del siglo XX, La guerra ha terminado, de Alain Resnais – con quien volvería a trabajar en 2011 en la comedia Vous n’avez encore rien vu–, un filme con fuerte carga política sobre el dogmatismo en la izquierda y la decepción que producía en aquellos refugiados republicanos en Francia que lucharon en la guerra civil española. Pero tal vez fue su colaboración con el siempre torturado, íntimo y sombrío cine de Claude Sautet la que sacó al actor más concentrado y excelente que había en él.

En total fueron tres películas con el director de Nelly y el señor Arnaud y Un corazón en invierno: Les choses de la vie, en 1970, Max et les ferrailleurs, en 1971 y finalmente Mado en 1976. De estas colaboraciones Piccoli sacaría los mimbres para posteriormente bordar los papeles que le llevaron a las nominaciones a los César. Una en Milou en mayo, la obra maestra de Louis Malle, otro gran director europeo, donde interpreta al distraído y escurridizo terrateniente que vive en su arcadia rural durante el mayo de 1968. Su otro gran papel, como pintor famoso, recluido y de carácter hosco, se produce en La bella mentirosa, una película de Jacques Rivette, con quien volvería a trabajar en La duquesa de Langeais.

Varda, Ferreri y Hitchcock

Piccoli también se puso a las órdenes de la legendaria directora Agnès Varda en Las criaturas. En ella encarna al marido del personaje interpretado por Catherine Deneuve, en el papel del escritor de imaginación desbordante Egar Piccolli. Pero tal vez el trabajo que más ha trascendido en la cultura pop de Piccolli, por las tremendas polémicas que suscitó la película en su momento, es el de Michel, el realizador de televisión que muere entre flatulencias y roturas intestinales de tanto comer en Le grande bouffe de Marco Ferreri.

Se trata de una escena inolvidable en una película que quizás haya envejecido mal, pero que guarda todo el esplendor de su cuarteto protagonista: Marcello Mastroianni, Phillipe Noiret, Ugo Tognazzi y el mismo Piccoli. Por otro lado, hay que rescatar de sus trabajos más internacionales su colaboración con Alfred Hitchcock en Topaz, un thriller político muy de su época, basado en la novela homónima escrita por Leon Uris y estrenado en 1969. En él, Piccoli hace de Jacques Granville, un alto funcionario francés que en realidad es el jefe de una red de espionaje comunista.

Moretti, Berlanga y Manoel Oliveira

Fuera del cine francés, otros directores como Marco Belloccio, Luís García Berlanga o Nani Moretti han querido trabajar también con Michel Piccoli. Con Berlanga rodó dos filmes de resultado irregular como Tamaño natural en 1974, donde interpreta a un dentista parisino de 45 años con un matrimonio en decadencia. El guion era de Rafael Azcona y el propio Berlanga, y el resto del reparto era español, con sólidos actores como Agustín González, Amparo Soler Leal o Manuel Alexandre. Repitió en París Tombuctú, obra póstuma de Berlanga.

También Moretti requirió de sus servicios en Habemus Papam (Un papa en apuros, en España). La cinta está protagonizada por Piccoli como un cardenal que, en contra de sus deseos, es elegido papa. Es coprotagonizada por Nanni Moretti, que interpreta a un psiquiatra que es llamado para ayudar al papa a superar su pánico. La película se estrenó en Italia en abril de 2011 y compitió en el 64.° Festival de Cannes.

Y conviene no olvidar su presencia en Holy Motors del siempre difícil y rompedor Leos Carax. Finalmente, para cerrar esta historia de colaboraciones entre Piccoli y los directores europeos, tal vez convenga citar su cinta más extraña: la colaboración con el gran director portugués Manoel de Oliveira en 2006, justo cuando este acababa de cumplir 98 años, en Belle Toujours, un reencuentro en el tiempo entre los personajes de Piccoli y Deneuve en Belle de jour 38 años después. Fue uno de los testamentos póstumos de un actor al que, sin llegar jamás a ser una gran estrella, casi todos los grandes directores del cine europeo amaron como a un icono que hacía que sus películas fueran mejores.

El actor de origen alemán afincado en Estados Unidos Udo Kier, uno de los grandes intérpretes del cine europeo en el último tercio del siglo XX, que actuó en películas de culto como Mi Idaho Privado de Gus Van Sant, Rompiendo las Olas de Lars Von Trier o Flesh for Frankenstein de Andy Warhol, falleció a los 81 años, informó Variety.

Según la revista especializada, entre las más de 200 películas de su extensa obra, las colaboraciones de Kier con Warhol se encuentran entre las más celebradas, si bien también fue actor fetiche de directores tan importantes como Rainer Werner Fassbinder.

Kier protagonizó los papeles principales en Carne para Frankenstein (1973) y Sangre para Drácula (1974). Ambas dirigidas por Paul Morrissey y producidas por Warhol, las películas son reinterpretaciones subversivas y sensuales de los monstruos clásicos de Hollywood, con Kier aportando un giro inquietante y cómicamente inepto a los personajes principales, explica la publicación.

Esas dos películas lanzaron a la fama a Kier, quien pasó las siguientes dos décadas trabajando en Europa y colaborando con Fassbinder en películas como La mujer del jefe de estación, La tercera generación y Lili Marleen. Posteriormente, en el Festival de Cine de Berlín, Kier conoció al director Gus Van Sant, dos veces nominado al Oscar, a quien el actor atribuye haberle conseguido un permiso de trabajo estadounidense.

Colaboración con Lars von Trier

En 1991, Van Sant dio a conocer a Kier al público estadounidense con su drama sobre la transición a la adultez Mi Idaho privado, basado libremente en Enrique IV de Shakespeare. Según Variety, casi al mismo tiempo, Kier comenzó su colaboración permanente con Von Trier y participó en filmes como Epidemia, para posteriormente colaborar en Rompiendo las Olas, Bailar en la Oscuridad, Dogville, Melancolía y Ninfomanía: Vol. II.

La década de 1990 también vio a Kier en varios papeles secundarios en importantes producciones de Hollywood, como Ace Ventura: Detective de Mascotas, Armageddon y Blade, entre otras. Kier ha trabajado hasta sus últimos días, participando en 2025 en la brasileña El agente secreto. Antes, en 2021 había realizado en Swang Song uno de sus grandes papeles, el del peluquero gay retirado Pat Pitsenbarger en una localidad profundamente republicana del medio oeste estadounidense.

Nacido como Udo Kierspe en Colonia, Alemania, en un hospital bombardeado por las Fuerzas Aliadas, se mudó a Londres a los 18 años tras conocer al director Fassbinder en un bar y posteriormente, ya como actor, a Estados Unidos. El intérprete, que también colaboró en proyectos con la cantante Madonna, falleció este domingo en un hospital de Palms Springs, en California.

La carrera internacional de Sirat sigue imparable. Si el pasado fin de semana se estrenaba con éxito en EEUU —en solo dos copias para poder calificar para los Oscar en cualquier categoría— ahora han sido los Premios del Cine Europeo (EFA) los que la han elegido como una de las grandes favoritas para sus galardones de este año, que se entregarán en Berlín. La película de Oliver Laxe —que ganó el premio del jurado en Cannes— es una de las más nominadas con cuatro candidaturas, entre ellas las más importantes: Mejor película, Mejor dirección, Mejor guion y Mejor actor para Sergi López. 

Un empujón de cara a la posible nominación al Oscar a la Mejor película internacional, donde su distribuidora, Neon, confía en sus opciones. Para ello tendrá que pasar el primer corte, donde se realiza una primera shortlist de 15 películas que se anuncian a mediados de diciembre, antes de saber si estaría entre las cinco finalistas de un año muy complicado y con mucha competencia. Muchos de los títulos que suenan para el Oscar son, además, sus rivales en la categoría reina de los EFA, la de Mejor película. 

Es el caso de Valor sentimental, de Joachim Trier, que tras su gran premio del jurado en Cannes es la más nominada de esta edición y hace pleno de candidaturas: Película, dirección, guion, actor y actriz. Es el rival a batir y la gran favorita. El resto de películas de ficción nominadas son: La voz de Hind Rajab, de Kaouther Ben Hania; Sound of falling, de Masha Schilinski; y Un simple accidente, de Jafar Panahi.

No será la única película española que pueda optar al premio al Mejor filme. Desde el año pasado, los EFA cambiaron sus normas para que los documentales y las películas de animación nominadas en su respectiva categoría opten también al galardón que reconoce la mejor película del año, dejando un total de quince nominadas: cinco de ficción, cinco documentales, y cinco de animación. Así, Albert Serra es finalista con Tardes de soledad, que opta al mejor documental del año y a Mejor película; y también la película animada Olivia y el terremoto invisible, dirigida por Irene Iborra y que ha entrado entre las cinco finalistas de su categoría y, por tanto, entre las quince finalistas.

Tardes de soledad parte como uno de los favoritos en la categoría de Mejor documental, donde se enfrentará a Riefenstahl, de Andres Veiel; Fiume o Morte!, de Igor Bezinović; Songs of slow burning earth, de Olha Zhurba y With hasan in Gaza, de Kamal Aljafari. Por su parte, Olivia y el terremoto invisible tendrá una dura competencia, con dos películas francesas, Arco y Little Amelie como favoritas, además de Dog of god y Tales from the magic garden.

Sergi López tendrá enfrente al ganador de la Copa Volpi, Toni Servillo, por La gracia; Stellan Skarsgard, por Valor sentimental; Mads Mikkelsen, por The last viking y a Idan Weiss, por Franz.

Los hermanos Dardenne son la prueba de que el cine puede cambiar las cosas. Cuando estrenaron Rosetta en 1999 —por la que ganaron su primera Palma de Oro—, su repercusión en Bélgica, su país de origen, fue tan grande que se aprobaron leyes contra la pobreza y el paro juvenil. Desde entonces no han parado de poner el foco en las grietas de un sistema que siempre perjudica a los mismos. Un cine incansable que ha marcado el cine social hecho en Europa. Son, junto a Ken Loach, los maestros que pusieron las bases de un tipo de películas que mucha crítica burguesa ataca por considerarla “pornografía emocional”.

No les importa. “Bastante tenemos con hacer una película”, dicen de esos comentarios sobre el cine social que llegan cada vez que estrenan un filme. Su último título, Jóvenes Madres, acaba de llegar a las salas españolas tras lograr su enésimo premio en Cannes. Esta vez el de Mejor guion por la historia coral de unas madres adolescentes que son acogidas en una casa maternal para enseñarlas a ser madres en un mundo que las ha fallado.

¿Cómo mantienen esa capacidad de encontrar temas y lugares en los que, como sociedad, no miramos?

Luc Dardenne: Oficio. No, la verdad es que tomamos notas sobre todo. Lo que leemos en los periódicos, lo que ocurre en cualquier sitio donde estemos. Miramos a las personas y a las situaciones en las que viven. Y hay muchas cosas también que recordamos de nuestra niñez, de la adolescencia, de todos los documentales que hicimos, en los que filmamos a mucha gente de la región donde vivimos. Y hablamos mucho entre los dos también. Por ejemplo, me acuerdo de que antes de hacer El niño, Jean Pierre se fue de vacaciones a Italia y me llamó y me dijo: “Acabo de leer en el periódico que en una ciudad cerca de donde estoy hay una red que vende niños recién nacidos en el extranjero”. Y luego leímos una noticia parecida de una red búlgara que cogía niños en el extrarradio de París. 

En esta ocasión queríamos hacer una historia sobre una madre soltera en un centro maternal, pero fuimos a documentarnos, preguntamos muchas cosas, y, cuando vimos ese centro al que fuimos cinco o seis veces, nos preguntamos que por qué no hacíamos una película sobre eso y que fueran cinco o seis madres solteras. Además, nunca habíamos trabajado con tantos personajes y eso era un reto. Digamos que estamos siempre alerta.

Tengo la sensación de que el cine, y no sé si es un reflejo de la sociedad, es cada vez más cínico. Eso choca con su cine, que es profundamente humanista, y más en esta película. 

Jean-Pierre: Sí. Y el cinismo es también una forma de contar las cosas, parece que ahora hay que ser cínico. Pero en realidad el cinismo es desdén. Y, por tanto, lo que hacen esos directores es decirnos que todos somos seres desdeñables y el realizador está por encima de todos nosotros. A mí, como espectador, estas películas me cansan muy pronto. Me hartan. Quizá nosotros somos ingenuos todavía, pero creemos que cada ser humano tiene su importancia y que cada uno de nosotros vale la pena. Vale la pena que se ayude, que se apoye, que podamos contar el uno con el otro y que no somos cínicos, que después de todo tiene que ver con el poder, también.

Esta película, de hecho, es más optimista que otras suyas. Más luminosa. ¿Es algo deliberado en estos tiempos?

L: No queríamos hacer sufrir a estas jóvenes que tienen tantos problemas. Cada una intenta librarse de algo, de un trauma, del pasado… 

J.P.: Sí. Es optimista, desde luego. Y es luminosa. Pero esperamos también que no sea demasiado angelical ni demasiado fácil.

No se está defendiendo la excepción cultural. Por lo que no hace falta ni que gobierne la extrema derecha, el cine está en una situación muy frágil que hay que defender.

Hermanos Dardenne — Cineastas

No lo es, porque la película muestra las grietas de un sistema que ha fallado a todas esas mujeres.

L: La pobreza atraviesa toda la película. Estas chicas vienen de ambientes pobres, de entornos desestructurados por la pobreza y la violencia. El sistema no ha funcionado. Pero es verdad que también está esta casa maternal que pertenece al sistema. Muchas de estas jóvenes pensaban que tener una hija era una solución, y eso es una ilusión. 

¿Qué opinan de la etiqueta ‘cine social? En Cannes hay una parte de la crítica que parece que desdeña cualquier película que encaje en esa categoría.

L: Me da igual. Me importa un bledo. Nosotros hacemos una película, si encima tenemos que preocuparnos por las etiquetas que nos ponen… Anda a la porra. A nosotros nos interesan nuestros personajes, sus historias, y hablar del mundo a través de ellas. Lo que contamos va más allá. Cada personaje está puesto en escena de forma que se convierta en persona y deje de ser personaje. Eso es lo que queremos.

He escuchado que les gusta mucho el cine de Carla Simón. Ella dedica mucho tiempo al casting, e incluso intenta que haya elementos en común entre persona y personaje, que la realidad se cuele en la ficción. ¿Trabajan ustedes así también?

L: En general sí. Cuando trabajas con alguien que nunca ha rodado, buscamos que cada intérprete aporte algo que le haga acertado para el personaje. Que aporten algo que les pertenece. Lo que nosotros intentamos evitar, y también lo puedes evitar trabajando con actores profesionales, es la repetición. Por eso ensayamos tanto. Queremos que estén lo más desnudos posible cuando empezamos a rodar. Que se limpien de todo lo que sobra.

En la rueda de prensa de Seminci han hecho una defensa de la excepción cultural. El dominio de EEUU es uno de los problemas del cine europeo. ¿Creen que otro de los riesgos del cine es el auge de la extrema derecha? Miren lo que ha pasado en Argentina, donde no se está produciendo cine que no sea de plataformas.

L: Está claro que es un peligro. En Europa hay leyes que creo que incluso si, por ejemplo, la extrema derecha llegara al poder en Francia, o en Bélgica, cubrirían lo que hace el Centro Nacional de Cine. 

J.P.: Pero no hay que olvidar que dentro del gobierno europeo no se está defendiendo la excepción cultural. Por lo que no hace falta muchas veces ni que gobierne la extrema derecha, porque el cine está en una situación muy frágil que hay que defender. 

Fue una de las tres finalistas a representar a España en los Premios Oscar 2026 a mejor película extranjera, elección que se decantó al final hacia ‘Sirat’ de Oliver Laxe, pero ahora opta a otro galardón con otros largometrajes de relevancia.

Hablamos de ‘Sorda’, que está entre las finalistas al Premio del Público LUX 2026, un reconocimiento que otorga la Unión Europea a películas con relevancia social, y en el que la española competirá con ‘Christy’, ‘It Was Just an Accident’, ‘Love Me Tender’ o ‘Sentimental Value’, que han sido seleccionadas por un panel de cineastas profesionales de la UE.

‘Sorda’ nominada a un premio de cine que otorga la UE

Las nominadas al Premio del Público LUX 2026 reflejan el “compromiso del Parlamento Europeo con la defensa de la democracia, libertad y la diversidad, al tiempo que abordan los desafíos a los que se enfrentan nuestras sociedades, desde la inclusión y los derechos humanos a la salud mental de los jóvenes” en palabras de la presidenta Roberta Metsola.

En este caso, la película ‘Sorda’, de Eva Libertad, nos acerca a la realidad de las personas sordas a través de la historia de Ángela, una mujer que espera un hijo con su pareja, que es oyente, y que pasa miedos sobre la maternidad y su habilidad para comunicarse e interactuar con su bebé, a la vez que pasa por los retos de la crianza.

La cinta deriva de un corto del mismo nombre y protagonizado por la misma actriz, Miriam Garlo, actriz también sorda, que perdió el 70 % de su capacidad auditiva a los siete años, y se convirtió en la primera protagonista sorda de una película al dar vida a Ángela. Comparte elenco junto a Álvaro Cervantes, Elena Irureta y Joaquín Notario.

Qué es el Premio del Público LUX 2026

Al estar nominada al Premio del Público LUX 2026, ‘Sorda’ será proyectada de forma gratuita en todos los países de la UE con diferentes eventos hasta abril de 2026, al igual que el resto de las candidatas, y en la línea con el compromiso del galardón de accesibilidad, con lo que contarán todas ellas con subtítulos para personas sordas.

Los ciudadanos de la UE pueden votar por su película favorita de las nominadas en la plataforma de votación del Premio del Público LUX, y cuyas votaciones representan un total del 50% de la puntuación final de cada uno de los largometrajes.

La ganadora se anunciará a mediados de abril en 2026 en el Parlamento Europeo en Bruselas, con un premio que se llevó la pasada edición, Flow, de Gints Zilbalodis, que fue una de las revelaciones del cine de este 2025.

Ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia 2024, representante de Italia en los Premios Oscar 2025 y vencedora de siete premios de la última edición de los David di Donatello, los mayores galardones que reparte el cine italiano. Esta es la prestigiosa presentación de la que fue la película del año en Italia, ‘Vermiglio’, un drama familiar e histórico ambientado en un pequeño pueblo de los Alpes.

Una película que se puede disfrutar desde el pasado domingo 14 de septiembre a través de Movistar Plus y en diferentes plataformas, y que ha sido valorada por la crítica de forma positiva por la sensibilidad y su descripción ambiental de los efectos de la guerra o la situación de la mujer en el entorno rural, entre otros temas.

‘Vermiglio’: la película del año en Italia y que consolida a Maura Delpero

Dirigida por Maura Delpero, ‘Vermiglio’ se presenta como un drama histórico y familiar que se ambienta en la Segunda Guerra Mundial en un enclave pequeño en plena región alpina y que ha consolidado a su directora como una de las voces del cine europeo a tener en cuenta, que ya deslumbró con ‘Maternal’ en 2019.

Maura Delpero, que desarrolla su carrera a caballo entre Italia y Argentina, es natural de Bolzano, ciudad del norte del país, cercana a Vermiglio, un pueblo que existe en la realidad y en donde se ambienta este largometraje dramático que se llevó los premios de mejor película y mejor dirección en los David di Donatello 2025.

De hecho, de esta forma Delpero se convirtió en la primera mujer en la historia en ser galardonada con el premio a mejor dirección en los David di Donatello por este filme, que también pasó con éxito por el Festival de Venecia 2024.

De qué trata ‘Vermiglio’, el drama familiar que llega a España

‘Vermiglio’ se ambienta en 1944, al final de la Segunda Guerra Mundial en este remoto pueblo de los Alpes, en el que se toma como referencia a la familia Graziadei para contarnos como la llegada de dos soldados desertores revoluciona la vida de esa comunidad.

La película va más allá del drama romántico para explorar también temas como las costumbres del lugar, las creencias, los sueños, el crecimiento femenino, la educación en entornos rurales, la situación de las familias numerosas con pocos recursos durante la primera mitad del siglo XX en poblaciones pequeñas y de montaña, y todo ello a través de la contemplación, de las sensaciones, de la  ambientación y de lo cotidiano que “traduce la poesía en imágenes”, como dijo Isabelle Huppert al otorgar el León de Plata al filme.

‘Vermiglio’ está basada en parte en las vivencias familiares de la directora y tuvo su origen un sueño que tuvo tras la muerte de su padre, que pasó su infancia en este pueblo alpino, siendo así un homenaje a sus propias raíces, y con la unión de imaginación con realidad.

El 22 Festival de Cine Europeo de Sevilla, que se celebrará del 7 al 15 de noviembre, rendirá homenaje al director franco-griego Costa-Gavras con el Giraldillo de Honor y volverá a acoger en la ciudad la lectura oficial de las nominaciones a los Premios de la Academia de Cine Europeo (EFA) 2025, prevista para el próximo 18 de noviembre en el Real Alcázar.

El festival, organizado por el Ayuntamiento de Sevilla a través del Área de Turismo y Cultura, ha presentado este martes en el Salón Colón del Consistorio la imagen de su 22ª edición, diseñada por el ilustrador sevillano José Luis Ágreda. La obra se inspira en los carteles tradicionales de las fiestas de primavera de Sevilla y en escenas de cine europeo, con la presencia del gato de la película de animación Flow.

Durante nueve días, Sevilla acogerá unas 180 películas, entre ellas algunas producciones de Cannes, Venecia, Toronto o Berlín, así como secciones dedicadas a cine emergente y cortometrajes europeos. La programación incluye además ciclos especiales, talleres, coloquios y proyecciones en recintos emblemáticos como el Cine Cervantes, Teatro Alameda, Cine Avenida, Odeón Plaza de Armas, MK2 Nervión Plaza y el Cartuja Center CITE.

El alcalde de Sevilla, José Luis Sanz, ha destacado que el festival “se ha convertido en uno de los grandes orgullos culturales de la ciudad” y proyecta la imagen de Sevilla “hacia Europa y hacia el mundo”. Por su parte, el director del festival, Manuel Cristóbal, ha señalado que Costa-Gavras será reconocido por su trayectoria de más de seis décadas y por su compromiso con un cine “valiente y transformador”.

Fellini, Wenders, Leone y el gato de Flow en la imagen de la 22ª edición

El artista sevillano José Luis Ágreda ha presentado durante el acto un tríptico de pósteres inspirados en los tradicionales carteles de las fiestas de primavera hispalenses de los años 30 de artistas como Gustavo Bacarisas, Francisco Hohenleiter de Castro o Juan Miguel Sánchez. Utilizando como parámetro estético el ya identificativo mosaico multicolor del Festival de Sevilla del diseñador Pedro Cabañas, Ágreda desarrolla los imaginarios creados por Federico Fellini, Wim Wenders y Sergio Leone.

El primer póster de la serie, y el que conferirá la imagen principal del Festival, evoca La Dolce Vita, con Anita Ekberg en su icónica escena de la romana Fontana de Trevi, llevada aquí al Patio de los Naranjos de la Catedral. En el segundo póster, Ágreda toma el fotograma del ángel subido en la Columna de la Victoria al inicio de la película El Cielo Sobre Berlín (Wim Wenders) y lo traslada a lo más alto de las Setas de la Plaza de la Encarnación. En el tercer cartel, el Clint Eastwood de Por un puñado de dólares –producción hispano italiana de Sergio Leone que lo lanzó a la fama– llega al casco histórico, montando esta vez un engalanado caballo camino de la Feria.

“Quería que la ciudad anfitriona estuviera presente destacando los valores artísticos tanto de la Sevilla que ha conformado nuestra identidad, como de la Sevilla más moderna y de primer nivel que vivimos ahora; por ello, seleccioné aquellas imágenes del cine europeo que además contienen un elemento arquitectónico definido que pudiera trasponer a nuestra ciudad”, ha explicado Ágreda durante su breve exposición sobre el proceso creativo que le ha guiado. 

Por todas las escenas se pasea el gato de Flow, un mundo que cambiar del cineasta letón Gints Zilbalodis, que ha conquistado los principales palmarés internacionales y que fue una de las triunfadoras de la 21ª edición del Festival de Sevilla con el Premio al Mejor Montaje, el Gran Premio del Jurado y el Premio Puerta América. “Un camino similar al que hizo Robot Dreams, que pasó por Sevilla antes de desembarcar en los premios de la Academia, demostrando una vez más el apoyo del Festival a la animación”, ha incidido Ágreda a modo de agradecimiento.

Cannes, Venecia, Toronto o Berlín en el 22º Festival de Sevilla

Esta edición, el Festival de Sevilla reune en su programación unos 180 títulos. Entre ellos, “cintas destacadas en grandes festivales internacionales y nuevas miradas que marcan el pulso del cine europeo contemporáneo”. La de este otoño “será una gran celebración del cine que late o se refleja en Europa”, ha avanzado su director antes de citar algunas de las cintas que se programarán en la Sección Oficial.

En la lista de títulos avanzados, se encuentra ‘DJ Ahmet’, escrita y dirigida por Georgi M. Unkovski (Macedonia). Un coming of age balcánico premiado en Sundance 2025, que combina humor y crítica social para retratar a un joven atrapado entre tradición y modernidad en una pequeña aldea de Macedonia. “Una historia vibrante sobre identidad, libertad y música como refugio”, según avanzan desde el festival.

En esta misma sección a concurso figura ‘Dreams’, escrita y dirigida por Dag Johan Haugerud (Noruega), Oso de Oro en Berlín 2025, y tercera parte de la trilogía del director sobre las relaciones humanas en forma de una delicada reflexión sobre la intimidad, la escritura y la sexualidad adolescente en una historia que entrelaza generaciones en torno al descubrimiento del amor y la ética de la exposición pública.

Competirá también en Sevilla ‘La Petite Dernière’, escrita y dirigida por Hafsia Herzi (Francia y Argelia), Premio de Interpretación Femenina en Cannes para Nadia Melliti. Adaptación de la novela de Fátima Daas, la cinta dibuja de forma vibrante y conmovedora el perfil de una joven musulmana practicante que explora su homosexualidad en los suburbios de París, enfrentándose a la conciliación entre fe, identidad y deseo.

La animación estará representada en la competición del Festival de Sevilla por ‘A Magnificent Life’, escrita y dirigida por el cuatro veces nominado al Óscar Sylvain Chomet (Francia, Bélgica y Luxemburgo). Biopic animado que recorre la vida del célebre dramaturgo, novelista y cineasta francés Marcel Pagnol, desde su infancia hasta su consagración. La película es una obra visualmente deslumbrante que tuvo su premier en Cannes.

Y representando a España en la Sección Oficial del festival encontramos ‘Bajo el mismo sol’ de Ulises Porra, escrita por él mismo junto a Ulla Prida (España y República Dominicana); una historia de ambiciones, pasiones y contradicciones ambientada en el Caribe colonial, que indaga en los deseos de progreso y en los vínculos afectivos en un territorio atravesado por las tensiones históricas y culturales y que tiene su premier en el Festival de Toronto.

Primera vez de los cortometrajes en Sección Oficial

En la Sección Embrujo, que este año toma el relevo de Las Nuevas Olas para acoger las voces más audaces y singulares del cine europeo, encontraremos títulos como ‘Cosmos’ con guion y dirección de Germinal Roaux (Suiza, México y Francia); en la que Ángela Molina protagoniza un drama intimista, rodado en Yucatán. Se trata de una reflexión poética sobre la vejez y la trascendencia, que indaga en el amor y la espiritualidad a través de la conexión inesperada entre una viuda europea y un indígena maya.

En este mismo apartado Sevilla ofrecerá ‘Writing Life’ (Francia) la nueva obra escrita y dirigida por Claire Simon, recientemente estrenada en las Giornate degli Autori de Venecia. La gran voz del documental europeo, en esta ocasión, parte de los textos de la Premio Nobel Annie Ernaux, para ofrecer un fresco coral de la juventud francesa contemporánea. Estudiantes de distintos institutos leen y comentan su obra, en un espejo generacional que aborda temas como clase social, amor, sexualidad o maternidad.

Y dentro de la Sección Rampa, que reconoce el talento emergente de cineastas que están en el inicio de sus carreras, el festival ha seleccionado ‘The Kidnapping of Arabella’ con guion y dirección de Carolina Cavalli (Italia). Presentada en la sección Horizontes de Venecia, es una comedia dramática excéntrica que combina ternura y crítica social a través de la historia de una niña de ocho años y la compleja relación con su padre. Una obra original que reflexiona sobre los vínculos familiares y el desencanto generacional.

En este mismo marco el festival ofrecerá ‘Le città di pianura’, la nueva obra de Francesco Sossai (Italia y Alemania) coguionizada con Adriano Candiago. Seleccionada en Un Certain Regard de Cannes, es una entrañable road movie que combina humor y melancolía de la mano de dos hombres de mediana edad en busca de un último refugio nocturno, en un viaje que es también un canto a la amistad, los excesos y las segundas oportunidades.

Por primera vez en 22 años de historia, la Sección Oficial incorpora además una selección competitiva de cortometrajes de producción europea de imagen real y animación. “Un gran festival no puede no tener una sección competitiva de cortometrajes y por primera vez en 22 ediciones la tenemos. Una apuesta por el talento. Una más, porque el año pasado creamos Rampa para nuevos directores, y una manera de llegar a más públicos. Rompemos inercias y damos pasos para que este festival siga sumando al cine y a Sevilla”, ha manifestado Manuel Cristóbal.

Sevilla se abre al cine: tradición y modernidad en una gran pantalla compartida

En el marco del festival, la ciudad se transformará en una gran pantalla de cine con proyecciones, ciclos especiales, coloquios, talleres o grandes eventos, reforzando su relación con las salas tradicionales de la ciudad y sumando la complicidad de los cines multisalas. La programación podrá disfrutarse en recintos emblemáticos como el Cine Cervantes, el Teatro Alameda o el Cine Avenida a los que se suman los complejos MK2 Nervión Plaza (con cinco salas) y Odeón Plaza de Armas (con cuatro salas).

El Cartuja Center CITE será la localización de los grandes eventos del Festival. Su auditorio, “con los sistemas de sonido más avanzados del momento, una pantalla de 180 metros cuadrados y un escenario de 820 metros cuadrados”, conforma un enclave único para albergar momentos como la presentación de un largometraje con una enorme vinculación emocional con Sevilla: ‘En silencio. La resiliencia de Isco Alarcón’, el primer largo documental de la actriz, guionista, directora y productora Sara Sálamo, que competirá en Panorama Andaluz. Esta película acerca a los amantes del fútbol al cine independiente y a los cinéfilos a la épica oculta del deporte y revela la lucha íntima del centrocampista del Betis Isco Alarcón contra la lesión que lo ha mantenido alejado del campo.

Costa-Gavras tenía todo en contra para ser director de cine. En Grecia no podía acceder a los estudios universitarios porque su padre había sido acusado de comunista y metido en prisión por ello. Con 22 años se exilió a Francia dejando atrás toda su vida anterior. No es casualidad que sus memorias, tituladas Ve adonde sea imposible llegar (Providence ediciones), comiencen precisamente ahí, en su llegada a París, una ciudad donde alguien que apenas había visto cine se convirtió en uno de los directores más importantes de la historia.

Costa-Gavras se convirtió en el referente político y social para una generación que veía en su cine todo aquello que no funcionaba. Un cine militante, de izquierdas, pero que no se casaba con nadie. Z, Estado de Sitio, Desaparecido… obras maestras que conjugaban la tensión de un maestro de la puesta en escena con una persona comprometida con lo que ocurría en las calles.

Cuando rodó Z y se jugaba una carrera exitosa (y unas cuantas nominaciones a los Oscar), un distribuidor le dijo que ni se le ocurriera hablar de política en las entrevistas. Por supuesto no le hizo caso. En su mente siempre resonaba la frase que su padre le dijo de pequeño: “Si les das la espalda y echas a correr te masacran”. Por eso su cine ha mirado siempre de frente, y lo vuelve a hacer con su nueva película, El último suspiro, que estrena este viernes con 92 años —que cuenta con Ángela Molina en el reparto— y en la que mira de forma honesta a la muerte (digna) y pide que todos puedan decidir cómo quieren despedirse. 

Estrena una película que habla sobre la muerte y presenta sus memorias, ¿tiene algo que ver una cosa con la otra?

(Risas) ¡No! Por supuesto que unas memorias tienen relación con el fin de la vida, pero no tiene que ver. El libro salió hace algunos meses. Me pareció que era interesante describir en un libro lo que he vivido, porque soy como un meteorito en Francia, alguien que ha llegado y se ha quedado allí. Yo no tenía ninguna posibilidad de ser director de cine en Francia en aquellos años, pero era un periodo muy interesante, muy abierto a otros migrantes. Yo he hecho lo que he hecho gracias a la sociedad francesa, y eso en otro país, por ejemplo en EEUU, hubiera sido imposible. 

Sus memorias comienzan, precisamente, con el exilio a Francia, como si ese fuera el comienzo de su vida. En un momento donde se ataca a los migrantes me parece toda una declaración de intenciones. 

Vivimos una situación particular. Hay un movimiento migratorio muy fuerte, y es normal, porque la gente no vive bien y vienen a otros países porque quieren vivir mejor. La gente siempre se ha movido, durante toda la historia, para encontrar un lugar en el que vivir mejor. Claro que eso crea un problema, pero no es ese problema sin solución que muchos políticos y muchas políticas dicen. Ellos han encontrado la posibilidad de hacerse fuertes diciendo que no quieren a esa gente, metiendo miedo, diciendo que nos van a ocupar, que todo va a cambiar… Hay que intentar encontrar soluciones para que esta gente sea aceptada con dignidad y humanidad. Hay que respetarles. Quizás encontrar las soluciones no es una tarea fácil, pero elegimos a los políticos para ello.

¿Escribir estas memorias le ha hecho pensar en su legado como cineasta?

No quiero pensar en eso. Si uno pensara en su legado no podría hacer películas. Por ejemplo, esta última película la gente me decía que nadie iba a ir a verla, pero yo quería hacerla, y la he hecho. Ha sido difícil encontrar dinero para hacerla, y siempre me ha ayudado mucho que los actores aceptaban inmediatamente. No quiero pensar en lo que va a pensar el público. Mira lo que pasó con Z, nadie quería hacerla y pasó una cosa milagrosa, pero esos milagros existen y nadie te puede preparar para ellos y no puedes pensar en que van a ocurrir.

En las memorias dice que cuando estrenó Z los distribuidores le dijeron que no hablara de política… y aquí estamos, ¿por qué cree que hay tanto miedo a que un director hable de política?

Hoy todo el mundo dice ‘esa película es política’, pero eso ha cambiado y me parece normal, porque todas las películas lo son. Las películas de Charlie Chaplin eran políticas, hablaban de la sociedad y eso es muy importante. No hay película más política que El gran dictador, que dijo todo lo que iba a decir Hitler casi dos años antes de los campos de concentración. 

Tengo una edad en la que el final se acerca cada día que pasa. He visto muchos colaboradores y amigos que se han ido. La mejor manera de terminar es con dignidad

Costa-Gavras — Cineasta

No ha querido hablar de su legado, pero yo creo que usted ha enseñado activismo social y político a varias generaciones. 

Me provoca mucha emoción cuando la gente me dice eso, pero no quiero pensar en ello tampoco porque no quiero tener eso en la cabeza cuando pienso en la próxima película. Además, la gente en una sala son miles de personas que, posiblemente, tengan un pensamiento completamente distinto entre ellos. 

¿Y por qué hacer esta película sobre la muerte digna en este momento?

Es una preocupación que tengo desde hace algún tiempo. Tengo una edad en la que el final se acerca cada día que pasa. He visto muchos colaboradores y amigos que se han ido. Algunas veces lo han hecho con dignidad, y otras con un drama enorme. Entonces me dije que la mejor manera de terminar es que lo hagamos con dignidad. No es algo fácil de decir, pero creo que es importante que pensemos en ello.

¿Piensa que es un tabú todavía la eutanasia o los paliativos?

Es una necesidad hablar de ello. En Francia, por ejemplo, cuando una va a los paliativos, cuando se acerca la muerte, se les pone una inyección y se mueren durmiendo. Pero no se hace nada directamente para terminar inmediatamente, porque dicen que tienen que morir durante el sueño, pero ese sueño puede durar dos días, o una semana, ¿y qué pasa con esa persona esa semana? Pero los doctores no quieren hacer nada que sea inmediato. No quiero decir que sea hipócrita porque es muy duro, pero creo que les da miedo la muerte. Pero algún día tendrán que hacerlo. 

¿Tiene que ver ese miedo con la religión?

La religión siempre ha dicho que no hay que tocar este tema. Que hay que dejar que dios actúe, que la naturaleza actúe. A mí no me parece bien. En cierto momento hay que ayudar, siempre contando con la libertad para elegir de esa persona, pero es que no quieren aceptar eso.

Este lunes se moría el Papa… tengo curiosidad por saber su opinión sobre él. 

Me ha gustado desde el principio. Primero porque era un Papa de fuera de Europa. Es alguien que ha hecho cambios interesantes. Otra cosa que es muy importante para mí es que ha cambiado la lengua de la Iglesia, del latín a la lengua cotidiana. Espero que las cosas que ha hecho continúen.

¿No le da miedo viendo los líderes que se eligen últimamente que el nuevo Papa vaya a seguir esa senda?

Espero que el Papa se haya preparado para que no se fuera todo al traste, pero no se sabe…

Siempre tuve claro que no me iría a vivir a Hollywood, y que si hacía una película allí tenía que hacerla como las hacía en Francia, con mis técnicos y teniendo la última palabra

Costa-Gavras — Cineasta

Cuando estrenó Amén le atacó la Iglesia, cuando estrenó Z le atacó la derecha, y con La confesión le atacó parte del comunismo… ¿Es de los que piensa que si ha molestado a todos es porque lo ha hecho bien?

No. Yo no pienso que estuviera atacando a nadie, sino que daba un pensamiento personal sobre ciertas situaciones. Por ejemplo, con el comunismo, mi generación pensaba que Stalin era mejor que todos porque luchó contra Hitler, porque se ganó la guerra gracias a él. Más tarde nos dimos cuenta de que no fue mejor que el resto. Había que hacer películas sobre ello, pero sin dar lecciones, sin imponer mensajes. 

Rechazó hacer El Padrino…

(Risas) Sí, sí…

Es que no puedo no preguntarle por qué dijo que no.

Coppola me dijo un día “afortunadamente no hiciste El Padrino”. Pero yo a lo que dije que no era a adaptar el libro. Es que es un libro muy malo, con historias sexuales ridículas, pero de aquel libro él sacó una película con una fuerza enorme. La productora originalmente no quería hacer lo que él hizo, quería hacer el libro, pero él consiguió hacer una gran película, una que ningún otro director podría haber hecho, yo tampoco.

¿Cómo ha sido su relación con Hollywood? Imagino que le habrán tentado muchas veces.

Pues muy simple, siempre tuve claro que no me iría a vivir a Hollywood, y que si hacía una película allí tenía que hacerla como las hacía en Francia, con mis técnicos y hacer la posproducción en Francia. Además, tener la última palabra respecto a la puesta en escena, el guion, los actores… y si no aceptaban, pues no la hacía. Esa relación ha sido así hasta ahora y en todas las películas que he hecho en EEUU.

¿Siempre tuvo el montaje final de sus películas?

Absolutamente. Es que es la escritura final de una película.

Usted que siempre ha analizado lo que pasaba, ¿cómo ve el mundo hoy?, ¿es optimista?

Soy optimista. El mundo siempre ha pasado situaciones tremendas. Hemos sobrevivido a Hitler, a Stalin, a las Guerras Civiles en España, en Grecia… y las cosas luego vuelven a mejorar. Hoy los tiempos son malos, pero creo que vamos a salir de todo ello de forma positiva. 

Isabelle Huppert está de vuelta de todo. No necesita contentar a nadie. Ni ser especialmente simpática. Trabaja con quien quiere. Hace lo que quiere y, una cosa cada vez más difícil, dice lo que quiere. Elige películas donde se ríe de su propia imagen pública y las alterna con papeles con sus directores fetiche, esos a los que dice sí siempre que llaman. Uno de ellos es el coreano Hong Sang-soo, que la dirige por tercera vez en La viajera, uno de esos filmes con la marca del coreano, donde la ligereza impregna todo para acabar hablando de la vida misma. En esta ocasión lo hace a través de una francesa que vaga por Seúl y que da clases de francés a dos mujeres. Lo hace con un método surrealista, sin ningún tipo de norma gramátical u ortográfica.

La actriz muestra su rostro más amable en el filme, pero no se esfuerza en ser tan dulce como su personaje en las entrevistas, donde responde de forma educada pero muy escueta. Ella misma se define poco después como “una actriz fría”, y todo toma sentido. Lo hace para contestar si ella, como su personaje, tiene un método personal para interpretar, una técnica aprendida a través de décadas de películas: “No es un método realmente, más bien tiene que ver con lo que uno es profundamente. Uno puede transformarse mucho, pero hay algo de su ser profundo que está ahí siempre y que emana en todas las películas. Yo creo que soy una actriz fría. Tanto en las comedias como en los dramas, y hay algo que no cambia”.

Reconoce que sí hay directores con los que haría cualquier cosa, y que Hong Sang-soo es uno de ellos. Le descubrió antes como espectadora que como actriz. No se acuerda del título de la película, pero sí que en cuanto la vio en el cine buscó las anteriores que había rodado para ver quién era ese realizador tan especial. Después le pudo conocer en persona, pero fue “mucho después” y nunca había pensado en ser parte de su universo. “La verdad que no lo pensaba cuando veía sus películas. Le conocí por casualidad, pero su cine habla mucho del azar, de destinos que se cruzan, y yo le conocí así”, recuerda estableciendo un hilo entre las películas que hace el cineasta y su propia historia común.

Le define como “un genio de la ligereza y la profundidad al mismo tiempo”. Un director cuyas películas “tienen dos niveles”. Explica que en ellas “todo está muy escrito, pero finalmente es como si fuera totalmente improvisado”. “Lleva la paradoja a un punto que es fascinante. No diría que es improvisar, aunque el cine siempre es improvisado, porque actuar es improvisar aunque lo hayas preparado todo. La película te va conduciendo, te va marcando el camino…”, reflexiona sobre el arte de la interpretación.

Repetir con conocidos le parece “agradable”, pero no “porque te conozcan bien, sino porque eso confirma que les gustó la vez anterior”. Tampoco porque le sea más fácil poder mostrar si algo no le gusta. Es más, Huppert cree que si algo no le convence, mejor actuar de otra forma. “A mí me gusta todo. Y si no me gusta no tengo por qué decirlo. Ya me apaño yo solita”, dice cerrando la pregunta de forma abrupta.

Viendo su filmografía uno diría que le gusta el riesgo, pero ella también lo niega. Le da la vuelta al argumento y cree que apuesta por lo contrario. “No te la juegas cuando estás rodando con muy buenos directores. Ahí nunca hay riesgo. Lo que tiene riesgo es rodar con un director malo, pero a mí no me suele pasar”, dice sin una sola mueca que permita descubrir si está tirando de ironía o lo dice realmente en serio.

El cine siempre es improvisado, porque actuar es improvisar aunque lo hayas preparado tdo

Isabelle Huppert — Actriz

Al menos concede que le gusta el cine de autor, pero apostilla que “no hay que fiarse de las diferencias porque hay algunas películas de autor que luego son un gran éxito comercial”. Cree que es “un tema más económico que de las aspiraciones que pueda tener una película”. Por ello se muestra contundente para denunciar que “hay películas de presupuesto mediano, que no son grandes producciones, que desde hace un tiempo están en una situación frágil, también en Francia”.

Ante ese lado negativo de la industria francesa hace hincapié en lo que cree que es una de las grandes fortalezas del cine de su país, y es que “está muy implicado en todas las cinematografías extranjeras y coproduce muchas películas”. Pone de ejemplo el cine que vio en el pasado Festival de Venecia, donde “muchas estaban coproducidas por Francia, y eso hace que el cine francés tenga más resplandor y más fuerza”, pero reincide en que no hay que descuidar “ese cine medio que sí que se encuentra en un lugar más frágil y al que le está costando que vaya bien”.

Ella fue una de las que decidió entregarle ese León de Oro histórico a Pedro Almodóvar por La habitación de al lado y al preguntarle por aquella decisión lo zanja en dos palabras, “fue fácil”. Luego añade que cree que “era una muy buena película, muy bonita, muy profunda, como todas las de Pedro” y destaca la forma en la que el cineasta “dramatiza el decorado y convierte la casa es un personaje más”. Y si Huppert dice que fue fácil es que fue así. ¿O es que alguien se atrevería a llevarle la contraria?

Parece que Jean-Claude van Damme, que en 2012 filmó en Rumanía 6 balas, una cinta cuyo argumento trataba la búsqueda de menores víctimas de las redes de explotación sexual, ha decidido colarse como personaje real en una de sus películas. Pero en este caso en lugar de ser una ficción, lo acontecido es real y lejos de ser el héroe liberador, ahora se acusa a van Damme de comportarse más bien como uno de los villanos.

Según revela el medio rumano filial de la CNN Antena 3, la Dirección Rumana de Investigación de Delitos de Criminalidad Organizada y Terrorismo (DIICOT) acusa al actor de haber tenido relaciones con cinco mujeres de dicho país que en el momento de los hechos, hace una década aproximadamente, eran víctimas de una red de explotación de menores y mujeres vulnerables organizada por Morel Bolea, el dueño de una importante agencia de modelos.

Los hechos habrían sucedido en Cannes durante una de las ediciones del festival, a donde las cinco mujeres, creyendo que iban al evento como modelos, habrían sido enviadas en forma de regalo para van Damme, que tuvo relaciones sexuales con todas ellas. Al parecer, el actor se reunió con varias personas, también bajo investigación por delitos de tráfico sexual, que se ofrecieron a dejarle tener sexo con las cinco modelos como “regalo”. Entre estas personas estaría Bolea, que era el empleador de las mujeres.

El abogado de una de las presuntas víctimas, Adrian Cuculis, declaró a los medios al conocerse la causa contra van Damme: “En un evento organizado por Jean-Claude Van Damme en Cannes, varias personas de nacionalidad rumana habrían ofrecido al actor cinco mujeres rumanas, supuestamente modelos, para tener sexo”. El abogado aseguró también que el van Damme “era consciente de su condición” de personas explotadas.

Cuculis aclaro que el incidente que involucró a Jean-Claude Van Damme es parte de una investigación más amplia iniciada en 2020 por la oficina del fiscal rumano sobre la trata de seres humanos y menores. Ahora, teniendo en cuenta la ubicación de los presuntos actos, el Tribunal de Casación francés debe autorizar la iniciación de procedimientos penales para que van Damme pueda ser citado en Rumania.

Revelación de una testigo

En Rumanía es posible iniciar una causa sin el testimonio de una víctima si, en cambio, se cuenta con el de uno o varios testigos de los presuntos hechos criminales. En este caso se cuenta con el testimonio de una mujer que llevaba pocos meses trabajando en la agencia y que asegura a los investigadores que “las chicas fueron entregadas al actor”, a la vez que subraya que este sabía que las jóvenes estaban siendo explotadas. 

Bajo el nombre de Iuliana, la testigo, que entonces era menor de edad, relata al portal rumano Observator lo que según ella sucedió: “El incidente ocurrió justo cuando yo acababa de llegar a la organización, y tres o cuatro chicas fueron a Cannes con los coordinadores, es decir, los hombres de confianza de Bolea”.

“Se jactaban de organizar el mayor evento de moda de Cannes”, prosigue el relato Iuliana, añadiendo que “al llegar [a Cannes, las mujeres] se dieron cuenta de que no era así, que las habían enviado específicamente para Van Damme”. Añade finalmente que los hombres de Bolea “les dijeron que no debían contar estas cosas y que no debían estar contrariadas con todo lo que ocurría allí”. Y remacha que les dijeron finalmente “que estuvieran contentas de haber llegado con vida”.

La actriz Karla Sofía Gascón ha enviado este fin de semana un comunicado de prensa al medio estadounidense especializado en cine The Hollywood Reporter en el que trata de explicar su experiencia a través del particular vía crucis que ha sufrido en las últimas semanas, desde su nominación al Oscar hasta la gala de los premios de Hollywood y con una dura campaña digital en su contra entre medias.

Aunque la película del director francés Jacques Audiard recibió hasta 13 nominaciones a los Oscar, apenas logró hacerse con dos: el de Mejor actriz secundaria para Zoe Saldaña y el de Mejor canción original para el tema musical 'El Mal', compuesto por Camille y Clément Ducol y en cuya creación participó el propio Audiard.

Precisamente este viernes el cómico y presentador estadounidense Bill Maher ponía voz a una sensación generalizada respecto a los Premios Oscar de 2025: “Hay gente que dice que la cultura de la cancelación no es real, y yo les diría: ‘Acaba de pasar en los Oscar’”, afirmó Maher durante su conversación con el escritor y humorista David Sedaris. “Puede que no lo vean así, pero la película que iba a ganarlo todo era Emilia Pérez”.

La actriz, que tras resurgir en los días posteriores al anuncio de las nominaciones a los Oscar algunos de sus tuits publicados entre 2020 y 2021 pidió perdón y después tuvo que abandonar la red social X (antes Twitter), ha hecho referencia en este comunicado a toda esta vorágine digital y periodística que llevó a que fuera apartada por Netflix de la promoción de la película así como que no asistiera a los Premios Goya o que fuera excluida de la alfombra roja en los Oscar pese a ser una de las nominadas.

En este comunicado Gascón dice que amó la ceremonia, aunque le hubiera gustado “experimentarla de una forma más normal, desde la felicidad de haber sido nominada, de celebrar, como estoy ahora, llena de amor, a una persona que pone su alma y su ser en su trabajo y que se entrega a los demás”. “Estoy muy agradecida por volver y por cómo mis colegas y los profesionales de la industria de Hollywood me recibieron. Estoy agradecida a la Academia, a Netflix y a la producción”, añade.

Karla Sofía, que ha regresado este domingo a España y que admite que está envuelta ya en “varios proyectos”, ha querido pedir perdón de nuevo “a todos aquellos a quienes he ofendido en algún momento de mi vida y a lo largo de mi camino”. La actriz española también se ha querido comprometer a “seguir aprendiendo y escuchando para no volver a repetir los mismos errores en el futuro”.

Ya respecto de los tuits racistas y xenófobos que había publicado hace cuatro y cinco años, Gascón reconoce que dijo “cosas dañinas”, cuyo origen fue, según sus propias palabras, “el miedo”. Estas afirmaciones vinieron “de mi propia ignorancia, de mi propio dolor”, asegura. La intérprete defiende también que tiene la esperanza de poder usar su experiencia para “abrir una discusión honesta y reflexiva sobre la salud mental”.

“En este último episodio, el más comentado y más expuesto de mi vida, numerosas cuentas falsas fueron creadas en mi nombre para añadir dolor y confusión”, explica Gascón sobre la polémica generada alrededor de sus tuits racistas, algunos de los cuales afirma que fueron falseados. “Se me han lanzado acusaciones absurdas e incluso delirantes, que han hecho un daño profundo a mi espíritu”, afirma la actriz española, que añade: “Las cosas escalaron hasta un punto, y tan rápidamente, que no podía ni respirar”.

Durante esta polémica, que en el comunicado describe como una tormenta “inesperada, devastadora”, hubo momentos en los que “el dolor ha sido tan abrumador que contemplé lo impensable”.

La actriz reconoce haber tenido “pensamientos más oscuros” que aquellos que había tenido en otros momentos anteriores, en referencia a su transición, aunque no detalló a qué tipo de cosas “impensables” se refería. “Otros no habrían sobrevivido a este brutal invierno que estoy a punto de superar”, añade.

“Ahora que la tormenta se está calmando, y que lo peor ha pasado, empiezo a ver claramente lo que he aprendido. He aprendido que el odio, como el fuego, no puede ser apagado con más odio”, asegura Karla Sofía Gascón. “Las ofensas no pueden ser borradas con más ofensas, y los errores no pueden limpiar otros errores, especialmente cuando las mentiras y las falsedades proliferan por todos lados y cuando todos lo que me enviaron de vuelta fue pura rabia, un bullying evidente, vejación, desdén e incluso amenazas de muerte”.

La intérprete continúa: “Afortunadamente, he mantenido mi pizca de cordura para ver la luz al final de este tunel de odio y he entendido que debo ser y hacerlo mejor, y corregir mis faltas pasadas, sin adentrarme en una mayor oscuridad. De otra forma, si juego a su juego y amplifico todo este odio que otros proyectan sobre mí, me perderé; nunca seguiré adelante y no seré capaz de seguir ayudar a otros que siguen todavía atrapados en la tormenta”.

Karla Sofía Gascón, que se ha convertido en la primera actriz trans en ser nominada a los Oscar, un colectivo que describe como “pasado por alto históricamente” y que es “parte de mi identidad y de mi propia realidad”, afirma que ha estado defendiendo y reflexionando a través de la cinta de Emilia Pérez sobre “la vida de una mujer trans atrapada en el peor lugar posible: el cuerpo de una criminal inmersa en un patriarcado extremo” y dice que seguirá luchando por “los derechos de los menos privilegiados”.

“Siempre me encontraréis en el lado opuesto al fanatismo, la imposición, el patriarcado, el fascismo, las dictaduras, el terror, el abuso y la irracionalidad”, termina Gascón: “No me ato a ninguna bandera política; solo intento ser un ser humano en constante evolución, con éxitos y errores, pero con una voluntad irrompible de aprender, escuchar, admitir los errores, pedir perdón y perdonar a los demás así como me perdono a mí misma por el innecesario dolor que he causado”.

Son 18 los españoles que han conseguido alzarse con un Premio Oscar a lo largo de sus carreras. Nombres como Pedro Almodóvar, Luis Buñuel, Penélope Cruz, Javier Bardem o Alejandro Amenábar vienen a nuestra mente cuando pensamos en los afortunados, pero uno de los más exitosos fue un director de fotografía y operador de cámara de nombre Néstor Almendros.

Nacido en Barcelona el 30 de octubre de 1930, Néstor Almendros ostenta el honor de ser uno de los españoles con más nominaciones a un Premio Oscar, aunque solo se alzara con uno de ellos, y es el primer catalán que se hizo con el mayor reconocimiento de la industria del cine gracias a su colaboración con maestros del séptimo arte de la talla de François Truffaut o Terrence Malick, y cuya vida se repasa en una biografía El retorn de Néstor Almendros, de Laura Gavalda y publicado por la editorial Comanegra.

El exilio marcaría su vida: sus raíces entre España y Cuba

Néstor Almendros nació en el seno de una familia de maestros de Barcelona. Su padre llegó a ocupar un puesto en el gobierno republicano en el sector de la enseñanza, y esto haría que tuviera que exiliarse a Cuba, poco antes del estallido de la Guerra Civil. No sería hasta una década después cuando el pequeño pudo unirse a su progenitor junto al resto de su familia en la isla caribeña.

Ese exilio marcaría su vida, pues nunca volvería a vivir en España, pero no fue el único. Tras estudiar filosofía y letras, colaboró en el primer cineclub de Cuba, y salió a estudiar a Roma con el golpe de estado de Batista. En Italia no encontraría una buena situación laboral y se marchó a Nueva York como profesor de español.

Esta ocupación, Almendros la dejaría para regresar a Cuba atraído por la revolución castrista. Así, en la isla volvería a producir cine, sobre todo documentales políticos y cortos. Sin embargo, la instauración de la censura en 1961 le hizo exiliarse y así arribó a Paris a principios de la década de los 60.

La cumbre al éxito: en la nouvelle vague junto a Rohmer y Truffaut

No fueron fáciles los primeros años del español en la capital francesa, pero sería allí donde encontraría su primera gran oportunidad y que marcaría su carrera cuando en 1964 participó en el rodaje de uno de los episodios de Paris vu par de Éric Rohmer. Junto con el director galo trabajaría de nuevo en La collectionneuse, y consolidaría una colaboración que se extendió por más de veinte años.

De aquí, a Néstor Almendros se le abrieron puertas en la Nouvelle vague del cine francés y sería precisamente su trabajo junto a François Truffaut el que le daría el mayor reconocimiento, con títulos notables como L’enfant sauvage, Domicile conjugal o L’amour en fuite.

Terence Malick, el Oscar y carrera en Hollywood

Su labor en L’enfant sauvage con Truffaut le abriría las puertas de Hollywood cuando el director Terrence Malick le propuso la dirección de fotografía de Days of Heaven, una película que le daría el preciado Oscar en 1979. Al igual que con Rohmer, la colaboración con Malick sería clave en su futuro. Desde Days of Heaven, Néstor Almendros obtendría tres nominaciones más a los premios Oscar por su fotografía en Kramer contra Kramer, La decisión de Sophie y El lago azul, aunque en estas ocasiones no saliera ganador.

Su brillante carrera, sin embargo, se cortaría con su temprana muerte a los 62 años debido a un linfoma producido por el sida en 1992. En sus últimos años siguió luchando también por los derechos de los homosexuales en Cuba, manteniendo una vida profesional entre Francia y Estados Unidos. Al fallecer, sus restos se trasladaron a Calders, donde reposan sus cenizas junto a su madre, como era su deseo, y en esta localidad hay un centro cultural que lleva su nombre.

La Filmoteca de Cantabria Mario Camus explorará la evolución del thriller a través de varios ciclos y especiales, y ofrecerá una retrospectiva dedicada al director estadounidense recientemente fallecido David Lynch.

El director de la Filmoteca, Christian Franco, ha detallado que durante el próximo mes la sala explorará diferentes vías de evolución del thriller entre la última década del siglo pasado y los primeros años de este.

En concreto, será mediante la confluencia de tres ciclos que se desarrollarán en paralelo: 'Del cine negro al thriller posmoderno', 'AntiÓscar' y la retrospectiva de Lynch, y una selección de obras señeras de cineastas como Martin Scorsese, David Cronenberg o Steven Spielberg, además del propio Lynch.

Así, 'Del cine negro al thriller posmoderno' comenzará con la proyección de 'Uno de los nuestros', de Martin Scorsese, y 'Muerte entre las flores', estimulante revisión del cine de gángsters a cargo de los hermanos Coen, ambas de 1990.

Por su parte, el homenaje a David Lynch se centrará en febrero en la brillante etapa de entre siglos del cineasta y esta retrospectiva, que incluye también 'Mulholland drive', la abrirá 'Carretera perdida', un filme que explora la vertiente más psicológica y surrealista del thriller. El ciclo se completa con un tercer filme que, alejado ya del thriller, remarca la brillantez que el cineasta alcanzó en esta etapa de su producción, 'Una historia verdadera', un extraordinario drama sobre un anciano que pretende recorrer 500 kilómetros para ir a ver a su hermano moribundo a lomos del único vehículo del que dispone, una máquina cortacésped.

Este reconocimiento a Lynch, según ha indicado Franco, se desarrollará en los próximos meses y explorará etapas concretas de la producción del cineasta sin ceñirse a un desarrollo plenamente cronológico.

Por su parte, el ciclo 'AntiÓscar' fija la mirada en los primeros años del siglo XXI para traer a Bonifaz 'Promesas del este', de David Cronenberg, 'Comanchería', de David Mackenzie y 'Múnich' de Steven Spielberg.

De igual forma, incluye también la singular 'La naranja mecánica', la influyente obra maestra de Stanley Kubrick en torno al líder de una banda juvenil, los Drugos, que siembra el terror en una Gran Bretaña distópica.

La programación de la Filmoteca para este mes se completa con otros cuatro ciclos, las colaboraciones habituales con La Llave Azul, Alianza Francesa y CineInfinito, sesiones de Filmoteca Junior y pases especiales.

El primero de estos ciclos, coorganizado con el Instituto de Física de Cantabria, se construye alrededor de la celebración el 11 de febrero del Día Internacional de la Mujer y la Niña en la Ciencia. Este especial incluye proyecciones de 'La cosa', la versión dirigida en 2011 por Matthijs van Heijningen, Jr, 'Próxima' de Alice Winocour y el filme de animación 'Ralph rompe Internet', todas ellas con entrada gratuita, como también lo será 'Monstruos contra alienígenas', ya dentro de la Filmoteca Junior.

Asimismo, se proyectarán en los meses de febrero y marzo los títulos candidatos a los premios LUX al cine europeo, que se podrán ver tanto en Santander como en Torrelavega y los asistentes podrán votar tras su visionado. Se trata de las cinco películas finalistas del Premio del Público LUX 2025, que concede cada año el Parlamento Europeo.

En las sesiones de este mes, cuya entrada es gratuita, se podrán ver 'Animal' de Sofia Exarchou y 'Dahomey' de Mati Diop y se trata de una iniciativa organizada en colaboración con la Dirección General de Fondos Europeos.

Respecto a las retrospectivas dedicadas a Agnès Varda y Pere Portabella iniciadas en enero, de la primera se proyectará 'La pointe courte' y del segundo, 'El sopar', 'Informe general', 'Informe general II: el nuevo rapto de Europa' y 'El cochecito'.

Por su parte, La llave azul presentará este mes 'Rock Bottom', la película de María Trénor que opta al Goya a mejor película de animación y que se inspira en la vida y la obra de Robert Wyatt.

Mientras, Alianza Francesa ha elegido el filme belga 'Continuar' de Joachim Lafosse y CineInfinito, dos de sus 'Noches en vilo' los días 21 y 22 de febrero con la proyección de 'El superviviente' de David Hemmings y 'Sole survivor' de Thom Eberhardt, respectivamente.

La programación de febrero se completa con tres sesiones especiales. La primera de ellas es 'Waldo' el día 15, en colaboración con Eureka, el documental de Charlie Arnaiz y Alberto Ortega sobre el compositor Waldo de los Ríos. La proyección estará precedida de un homenaje a Federico Llata Carrera y Waldo de los Ríos en la sede de Eureka.

El 25 de febrero se proyectará una sesión de cortometrajes cántabros organizada por Francisco Ibáñez 'Pacolini' y el día 28, el documental 'La vida en una gota', una iniciativa del Servicio Cántabro de Salud y la Fundación Marqués de Valdecilla por el Día Internacional de las Enfermedades Raras que incluye un coloquio y entrada gratuita.

Los miembros de la Moriarti Produkzioak, Asier Acha, Aitor Arregi, Xabier Berzosa, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, han recibido este lunes, en el Día de San Sebastián, el Tambor de Oro, que han querido hacer extensivo a “toda la comunidad de cineastas vascos”. El alcalde de Donostia, Eneko Goia, ha sido el encargado de hacer entrega de este premio a la productora donostiarra en una ceremonia se ha desarrollado en el salón de plenos del Ayuntamiento, a la que han asistido el lehendakari, Imanol Pradales, y la presidenta del Parlamento Vasco, Bakartxo Tejería, así como numerosos representantes de otras instituciones.

Moriarti Produkzioak se fundó en el año 2001 y desde entonces ha producido largometrajes, documentales, cortometrajes y una serie de televisión. Sus películas han participado en numerosos festivales internacionales y han logrado más de 475 premios. Entre ellos, han destacado desde el Ayuntamiento donostiarra, 12 premios Goya y 36 candidaturas; dos candidaturas para representar a España en los Premios Oscar; el Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, así como la Concha de Plata a la mejor dirección, el Premio al mejor guion y el premio FIPRESCI; el Premio Forqué a la mejor película; un premio EFA; un Premio Platino; y el Premio Sant Jordi a la mejor película, según recoge Europa Press.

En la ceremonia de entrega, el alcalde de Donostia, Eneko Goia, ha recordado una escena de la serie 'Cristobal Balenciaga', producida por la productora donostiarra, en la que se convirtió el salón de plenos donde se ha entrado este premio “en un elegante restaurante parisino que acogió una cena entre Balenciaga y Cocó Chanel, en la que ambos discutían sobre el futuro de la moda y el pret a porter”. “No tuvieron que irse a París. Aprovecharon lo que tenían en casa”, ha subrayado. Goia ha destacado que en Moriarti Produzioak han sabido “dar con esa tecla” que hace que las películas “lleguen, conecten, emocionen”, con “una mirada franca, certera, sensible, estética, pero también muy ética” y de, además, “de una manera muy guipuzcoana”. “Haciendo un trabajo silencioso, pero trabajando mucho. Sin ruido y sin grandiosidades. Además, trabajando en equipo”, ha valorado.

El alcalde de Donostia les ha advertido de que “ser Tambor de Oro de Donostia es un gran reconocimiento del que hay que estar orgulloso y que hay que celebrar”, pero, al mismo tiempo, “es una gran responsabilidad”. “A partir de ahora, os convertís oficialmente en embajadores de la ciudad. A partir de este momento, la ciudad que os distingue y os reconoce os pide que sigáis haciendo lo que habéis hecho a lo largo de vuestra carrera: hablar de ella, enseñarla en vuestras películas, y, por qué no, convertirla quizá algún día en una de sus protagonistas”, ha señalado.

Tras recoger el Tambor de Oro, Asier Acha, Aitor Arregi, Xabier Berzosa, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga han recordado los inicios de Moriarti Produkzioak en un momento en que “crear una productora para hacer exclusivamente cine y películas no parecía la mejor de las ideas, y hacerlo en Donosti con la intención de rodarlas en euskera era algo casi descabellado”. “Apostamos por Donosti porque sentíamos que aquí podíamos ayudar a construir algo único y porque creemos en su capacidad de ser hogar de la creatividad y del talento. Apostamos por el cine porque creemos en su poder transformador y su capacidad para trascender fronteras y generaciones”, han indicado.

Según han asegurado, “hoy Donosti nos recompensa con creces aquella decisión tomada hace más de 20 años en una cafetería de Amara, con el mayor de los reconocimientos que puede recibir un donostiarra”, que interpretan “como un reflejo de la historia compartida entre esta ciudad y quienes trabajamos para contar sus historias”. Asimismo, han querido subrayar que el Tambor de Oro que han recibido “no es solo nuestro, sino de toda la comunidad de cineastas vascos”.

Tamborrada infantil

Por otro lado, en este Día de San Sebastián, más de 4.600 niños han recorrido las calles de la capital guipuzcoana en la Tamborrada Infantil de este mediodía entonando las marchas de Sarriegi, formando 45 compañías. Al frente de todas ellas ha estado Ander Alustiza Salsamendi, Tambor Mayor de Amassorrain Ikastola, encargado de dirigir la tamborrada desde el Ayuntamiento, dando inicio al desfile infantil que ha recido las calles del centro.

Desde el balcón del Ayuntamiento la Tambor Mayor ha tenido dos ayudantes para dar inicio a la Tamborrada Infantil, el alcalde Liher Jiménez Paredes y la Notaria Ane Gardón González, acompañados por el General y sus ayudantes Gari Pérez García y Aya Ramlaouane. Al igual que en ediciones anteriores, una gran carroza, con personajes representativos de la sociedad civil de principios del siglo XIX ha acompañado la Tamborrada infantil en su recorrido. Este año los niños que encarnan esos papeles proceden de Harri Berri Oleta Ikastetxea.

La decimoséptima gala de los Premios Gaudí, la gran gala del cine catalán, terminó confirmando a El 47 como el fenómeno del año y tal vez un filme que quede para la historia. Por sus componentes de fuerte emotividad y profunda reivindicación social y vecinal, a pesar de estar ambientada en la Barcelona de los 70, esta película resuena más fuerte que nunca en estos días en que la crisis de la vivienda se acentúa en Catalunya y los desahucios son una dolorosa letanía que nadie consigue silenciar.

De este modo, entre repetidas llamadas por parte de los presentadores de la gala a los políticos asistentes en la sala –entre ellos el president de la Generalitat, Salvador Illa, y el alcalde de Barcelona Jaume Collboni– para que tomen cartas en el asunto de una manera más decidida en el problema de la vivienda, El 47 se ha alzado con ocho estatuillas: mejor actriz secundaria, mejor maquillaje, mejor vestuario, mejores efectos visuales, mejor dirección de producción, el Premio Especial de Público, mejor actor masculino y mejor película.

En segundo lugar se ha situado, dando la sorpresa, Polvo serán, la metáfora fílmica sobre la muerte digna de Carlos Marqués-Marcet, que se ha llevado cuatro premios: mejor dirección artística, mejor montaje, mejor música y mejor película en lengua no catalana. A continuación se situó Segundo premio, que consiguió tres estatuillas, entre ellas la de mejor dirección para Pol Rodríguez e Isaki Lacuesta. Y finalmente Casa en flames sufrió la gran decepción de la noche, pues a pesar de estar nominada a catorce categorías, la película de Dani de la Orden solo consiguió tres premios, aunque los tres de cierto peso: mejor actor secundario, mejor guion original y mejor actriz.

Comienzo frío con bostezos entre el público

La gala, presentada por Paula Malia y Marc Clotet, tuvo un inicio algo frío y dubitativo, con tímidas referencias a que dos de las cintas nominadas –Mamífera y Salve María– hablan sobre la maternidad no deseada. También celebraron los presentadores que este año se han alcanzado sendos récords de taquilla en el cine en catalán gracias sobre todo a El 47 y Casa en flames, que entre ambas han cosechado más de un millón de entradas vendidas, sin duda los mejores datos de la historia.

Las intervenciones de la cómica Judit Martín intentaban caldear el ambiente, pero le costaba que el público conectara con sus discursos y se comenzaron a ver los primeros bostezos, algunos entre las principales personalidades asistentes, entre las que destacaban los hermanos Bayona, Ángela Molina, Antonio de la Torre, Emma Vilarasau, Enric Auquer o David Verdaguer.

En este ambiente inicial, un tanto dubitativo, se anunció el premio para la mejor actriz secundaria a Clara segura por El 47. En ausencia de la actriz, la joven Zoe Bonafonte leyó el discurso de Segura, que entregó el premio a la Asociación vecinos y vecinas de Torrebaró, barrio donde transcurre el filme.

Seguidamente se otorgó el premio al mejor secundario, entregado por la actriz vasca Patricia López Arnaiz. Lo ganó Enric Auquer por Casa en flames. Salió el actor ampurdanés a la palestra y con él comenzó todo: llamó sin más preámbulos a todo el mundo el próximo 31 de enero a frenar el desahucio de la casa Orsora, situada en el ensanche barcelonés y uno de los símbolos de la lucha contra la especulación de los fondos buitre. Los aplausos resonaron en el auditorio del Fòrum, donde tuvo lugar la gala, y dejaron claro a los políticos asistentes que tendrían que afrontar unas cuantas situaciones embarazosas durante la noche.

Se leyó después el premio al mejor cortometraje, que fue para El príncep, de Alex Sardà y que protagoniza precisamente Enric Auquer, primo hermano del director. Tras este premio empezó el festival de El 47, que obtuvo a continuación los galardones al mejor maquillaje –Karol Tornalia, que transforma a Eduard Fernández en el taciturno Manolo Vital– y mejor vestuario para Olga Rodal e Iranzu Ortiz.

Pep Ambrós rompe la gala

Pero pronto hizo aparición Polvo serán, insinuando que su protagonismo en la gala sería mayor del esperado. Obtuvo mejor dirección artística. Volvió entonces El 47 con el premio a los mejor efectos visuales y cuando parecía que la gala seguiría toda la noche con su tono tedioso apareció de entre el público el actor Pep Ambròs rompiendo la cuarta pared para protestar por las ínfulas de una gala cargada de superficialidad.

Tras denunciar que Barcelona no es Hollywood, se quitó la americana y la camisa, mostrando entonces una camiseta negra del Sindicat de llogateres (sindicato de inquilinas), una asociación muy activa contra los abusos en materia del alquiler. Los aplausos fueron tan unánimes como la incomodidad que se reflejó en las caras de las autoridades políticas. Echó Ambròs a Paula Malia y Marc Clotet y siguió él con la gala, que sin duda ganó con este giro de guion.

Bajo la batuta de Ambròs, se otorgó el premio a la mejor dirección de producción (el 47); mejor película documental (para Diari de la meva sextorsió, de Patricia Franquesa); mejor montaje (Polvo serán) y mejor dirección de fotografía, que se llevó Takuro Takeuchi por su trabajo en Segundo premio. Hizo entonces un inciso Ambròs para denunciar los abusos sexuales en la profesión. “Basta de complicidad con los agresores”, dijo para pedir a continuación “que caigan todos”.

Llegó entonces el momento del Premio Especial del Público, que leyó la periodista Mònica Terribas. Fue, cómo no, para El 47. Hablaron entonces Marcel Barrena y Joana Vital, la nieta de Manolo Vital, el conductor que secuestró el autobús, personaje protagonista de la cinta. Barrena cargó entonces en la misma dirección que Auquer, haciendo referencia a que el artículo 47 de la Constitución “dice que todos derecho a una vivienda digna”. Añadió el director que el mismo artículo del Estatut de Catalunya reza literalmente que “los poderes públicos deben facilitar el acceso [a la vivienda] por medio de la promoción de vivienda pública y de vivienda protegida”. Las autoridades no sabían dónde mirar tras aquellas palabras.

Eduard Fernández, mejor actor

La gala prosiguió con el premio a la mejor película extranjera, para Anatomia de una caída, y el galardón al mejor filme de animación para Mariposas negras, que aborda el drama de los millones de refugiados climáticos que hay en el mundo. Recogió la estatuilla su director, el tinerfeño David Baute, que hizo un llamamiento a la acción contra el cambio climático. El productor de la cinta, Edmon Roch, quiso acordarse al respecto de los damnificados de la Dana del pasado noviembre en la Horta sur de València.

El premio a la mejor dirección novel correspondió a la cineasta Celia Giraldo por su ópera prima Un lugar común. Tras esta concesión, Pep Ambròs desapareció de la sala, no sin antes pasar el testigo de la presentación Marta Torné, quien presentó a la presidenta de la Acadèmia del Cinema Català, Judith Colell, que destacó el buen momento cine en taquilla del cine catalán pero a su vez denostó los casos de abusos revelados durante el último año. Colell mostró su propósito de seguir luchando contra los abusos y destacó la creación de un departamento específico.

La gala prosiguió entonces con el premio a la mejor música original, que fue para María Arnal por Polvo serán. Arnal se sumó a Auquer en la invitación a frenar el desahucio de la casa Orsola el próximo 31 de enero. Y tras el galardón al mejor sonido para Segundo premio, llegó el de mejor actor protagonista, que se llevó Eduard Fernández. El actor, que también se refirió al acceso a la vivienda, pidió a la gente que posee propiedades que intentará no ser tan codiciosa a la hora de alquilarlas y fijara precios más equitativos. La mejor intérprete revelación fue para Laura Weissmahr por Salve María, de Mar Coll, que ganó a su vez el de mejor guion adaptado.

Fue Eduard Sola quien se llevó el mejor guion original por Casa en flames. Contestando a la falsa polémica alimentada desde algunos medios de Madrid sobre si El 47 es la cinta de los inmigrantes explotados y Casa en flames la de los pijos catalanes explotadores, Sola se dijo hijo y nieto de migrantes andaluces y orgulloso de hoy poder escribir guiones. “Podría destacar las humillaciones a las que ha sido sometida mi familia por su ignorancia, pero prefiero celebrar el progreso que yo represento y que se debe a las políticas públicas”, soltó para pedir que esas mismas políticas se apliquen a los nuevos migrantes a fin de que un día sean ,como él, guionistas catalanes.

Y ya al final de la gala, tras el Gaudí de Honor para el legendario productor Paco Poch, que reivindicó en su discurso el objetivo lúdico, alternativo y experimentador del cine que ha producido en su carrera, Emma Vilarasau (Casa en flames) le ganó el Gaudí de honor a otra gran dama del cine como es Ángela Molina y que optaba por Polvo serán, que por cierto ha sido totalmente ignorada en las nominaciones a los Goya. Vilarasau reivindico en su discurso de agradecimiento el valor del trabajo de las actrices veteranas, como ella o la propia Molina, y pidió mayor presencia de estas en los futuros rodajes. A continuación, la cinta de Carlos Marqués-Marcet se hizo con el Gaudí a la mejor película en lengua no catalana, redondeando las cuatro estatuillas.

Y hubo tiempo para una sorpresa final, pues Isaki lacuesta y Pol Rodríguez se llevaron el Gaudí a la mejor dirección por Segundo premio. Y para cerrar, se coronó El 47 como la mejor película de la 17 gala de los Premios Gaudí. Ahora toca ver qué tal se desenvolverá la cinta de Barrena, rodada medio en catalán, medio en castellano y no doblada fuera de Catalunya, en la gala de los Goya, el próximo 8 de febrero.

2024 quedará para la historia del cine español como el año en el que se logró el primer León de Oro gracias a La habitación de al lado, de Pedro Almodóvar. Fue, quizás, el acontecimiento más importante, y, sin embargo, es la confirmación de algo que se lleva consolidando desde hace años y de lo que Almodóvar ha sido el pionero. El cine español interesa fuera y tiene su hueco en los certámenes más importantes del mundo. 2025 no debería ser la excepción, al revés. Se espera, con fuerza, que varios cineastas entren en las listas de festivales como Cannes o Venecia.

Es ahí donde deberían estar Carla Simón y Oliver Laxe. La primera ya ganó el Oso de Oro en Berlin con Alcarràs, y el salto natural la colocaría en La Croissette o en Venecia con su tercer filme, Romería, con la que cierra su trilogía familiar. También en Cannes podría estar el cineasta gallego, que ya compitió ―y ganó premio― en la sección Una cierta mirada con O que arde y que ahora encima tiene el empujón de El Deseo (la empresa de Pedro y Agustín Almodóvar) en la producción y a Sergi López como protagonista de After. De dónde entren ambas dependerá también, seguramente, su fecha de estreno.

Otro de los estrenos que buscará festival internacional es El cautivo, la mirada de Alejandro Amenábar a Miguel de Cervantes. Igual que Mientras dure la guerra, su nuevo filme llegará de la mano de Disney en la distribución y su fecha de estreno solo dice 'otoño', por lo que Venecia o San Sebastián parecen sus posibles destinos. 

Pero no hay que mirar tan lejos en el calendario. Los primeros certámenes internacionales ya han apoyado el cine español más autoral. A finales de enero se verán en el Festival de Róterdam Ariel, de Lois Patiño y Morlaix, de Jaime Rosales, ambas sin fecha de estreno en el calendario comercial, pero con su primera premiere internacional ya marcada. A la espera de que la Berlinale anuncie su sección oficial, en Panorama, la sección paralela, ya habrá cine español (y además España es el país central de su mercado). Se trata de Sorda, ópera prima de Eva Libertad, que adapta su propio corto sobre la maternidad en una mujer con discapacidad auditiva.

Casi todos ellos sin fecha de estreno ―pendientes del calendario final y de los posibles festivales, se espera también con ganas lo nuevo de Borja Cobeaga (Los Aitas), Celia Rico (que adapta a Chirbes en La buena letra), Daniel Sánchez Arévalo (Rondallas), Belén Funes (Los tortuga), Ana Asensio (La niña de la cabra), Daniel Guzmán (La deuda), Julia de Paz (Harta), David Pérez Sañudo (Sacamantecas), Lluís Miñarro (con el papel póstumo de Marisa Paredes en Emergency Exit), Cesc Gay (Mi amiga Eva), Alberto Rodríguez (Los Tigres) y los Moriarty, que tras Marco regresan a su lado más íntimo con Maspalomas. Destaca el regreso de Manel Huerga, cineasta cuya última película fue Salvador que con Parenostre abordará a un personaje como Jordi Pujol.

Más difícil que lleguen a estrenarse este año, y probablemente ya para 2026, quedarán los nuevos trabajos de Rodrigo Sorogoyen, que rueda a partir de febrero El ser querido, con Javier Bardem de protagonista; y Albert Serra con su primer filme en inglés, Out of this world, para el que se rumorea que Kristen Stewart será la protagonista. También pretende rodar en 2025 Pedro Almodóvar, que encadena otro proyecto a una época prolífica y que espera empezar este año su Amarga navidad. 

Los taquillazos

En 2025 veremos también un enfrentamiento casi directo entre Marvel y DC. Llegará, además, en un momento fundamental para ambas. Marvel se enfrenta a la fatiga superheroica que ha hecho que varias de sus últimas películas no funcionen en taquilla, aunque a cambio ha tenido un pelotazo en 2024 como Deadpool y Lobezno. Este curso estrenará tres películas, la primera en llegar será la nueva entrega de Capitán América en febrero; luego llegarán los Thunderbolts, en mayo; pero todas las miradas están puestas en el reboot ―y la primera vez dentro del MCU― de Los cuatro fantásticos, con un reparto donde sobresale Pedro Pascal. Se estrenará el 25 de julio.

Dos semanas antes será la prueba de fuego del nuevo universo DC, capitaneado por James Gunn, que es el ideólogo de la nueva intentona de Warner por explotar su universo propio de superhéroes. Comienzan por el más querido, Superman, que tiene nuevo rostro y cuyo primer tráiler ha gustado (y mucho).

Por supuesto Hollywood jugará la baza de las secuelas y las franquicias, y el 19 de diciembre llegará la tercera parte de Avatar, ahora bajo el subtítulo de Fuego y cenizas. A ver qué tiene reservado James Cameron para seguir reventando la taquilla. Tampoco hay dudas de que la segunda parte de Wicked funcionará sin problemas. En EEUU es un acontecimiento y fuera ha ido construyendo un fenómeno fan bastante sólido que se verá reafirmado por la llegada del musical a Madrid este mismo año. El 21 de noviembre se estrenará su segunda parte.

Sin fecha y a la espera de ver qué hace Netflix con ellas hay tres propuestas muy potentes. La tercera parte de Puñales por la espalda, el regreso de Kathryn Bigelow ―en un thriller político sin título― y el Frankenstein de Guillermo del Toro. El thriller protagonizado por Daniel Craig llegará seguramente antes, pero las otras dos podrían ser sus apuestas de cara a los premios tras un año donde tuvo que comprar Emilia Pérez en Cannes para poder estar en los Oscar. No será la única versión de Frankenstein que llegará este año. La novia de Frankenstein también estrenará de la mano de Maggie Gyllenhaal, que tras debutar con La hija oscura afronta un proyecto mucho más grande con Penélope Cruz en el reparto. Irónicamente también iba a estar en Netflix, que finalmente se bajó del proyecto que recayó en Warner.

También Warner estrenará Mickey 17, la nueva película de Bong Joon-Ho tras el fenómeno Parásitos. Ciencia ficción con Robert Pattinson en un proyecto que ha cambiado su fecha de estreno en muchas ocasiones, dando lugar a rumores sobre su calidad. Aun así, el cineasta coreano siempre es una apuesta segura y uno de esos directores que crean películas con un fino equilibrio entre lo autoral y lo comercial, como Luca Guadagnino, que no para y estrenará After the Hunt, un thriller con Julia Roberts sin fecha de estreno.

Sí tiene día marcado lo nuevo de Paul Thomas Anderson, La batalla de Baktan Cross, que se estrenará el 8 de agosto con Leonardo DiCaprio al frente del reparto, mucho secretismo en torno a su trama y el rumor de que el presupuesto se ha ido a más de 100 millones de dólares, el más abultado de su filmografía. 

En 2025 comprobaremos si el bum de Celine Song, directora de Past Lives, se confirma con The Materialist y acudiremos al romance entre dos de los actores de moda, Paul Mescal y Josh O’Connor, que protagonizan la historia de amor en la Primera Guerra Mundial The history of sound, de Oliver Hermanus. Y apunten un regreso, el del veterano James L. Brooks, que con 84 años estrenará Ella McCay.

El cine de autor

El cine de autor mirará como siempre a Cannes. El festival francés ya no es solo el más importante del mundo para las películas más arriesgadas e independientes, sino que su repercusión se nota en cómo varios de los títulos de cada edición se convierten en fenómenos que llegan incluso a los Oscar. Sin Cannes no se habría visto el bum de La sustancia ni el de Emilia Pérez. 

Así, este año habrá que ver cuáles son las sorpresas que salen de La Croissette, donde se espera lo nuevo de Terrence Malick, que lleva años montando su visión de la vida de Jesucristo en The Way of the Wind; The Secret Agent, el filme de espionaje del brasileño Kleber Mendoça Filho o lo nuevo de Jim Jarmusch o Wes Anderson, además de tres películas de tres de las directoras más importantes del cine del momento. La argentina Lucrecia Martel también lleva editando su documental Chocobar desde hace varios cursos, pero parece que 2025 será el momento donde por fin le ponga fin. 

Cannes sería el sitio perfecto para que Julia Docournau estrene Alpha tras ganar la Palma de oro con Titane. Poco se sabe del filme, pero parece por sus primeras pistas que será una metáfora del SIDA y el miedo generado en la sociedad a través, cómo no, de una historia que coquetea con el terror. Y ojo porque puede ser el año de Kelly Reichardt, cineasta fundamental de los últimos años gracias a peliculones como First Cow o Wendy y Lucy que con The Mastermind estrenará su filme más ambicioso con Josh O’Connor como protagonista y la guerra de Vietnam de fondo.

Será también el curso donde veamos un divorcio artístico, el de los hermanos Safdie, que estrenan sus primeras películas por separado: Marty Supreme, de Josh y con Timothée Chalamet al frente (y fecha de estreno el 25 de diciembre en plena temporada de premios) y The Smashing Machine, de Benny y con Dwayne Johnson como reclamo.

Los Premios del Cine Europeo (los EFA, European Film Awards) suelen ser una cuestión de todo o nada. Son unos galardones que rara vez se dividen entre las favoritas, y normalmente una película arrasa y sale convertida en la película europea del año. El año pasado fue Anatomía de una caída, que se llevó todo lo que podía y dejó a La zona de interés con el contador a cero. Hace dos años fue Triángulo de la tristeza, que con cuatro galardones no dejó opciones al resto de filmes, entre los que se encontraba Alcarràs, de Carla Simón. Además, ambas películas recibían así su empujón definitivo de cara a la carrera hacia los Oscar, donde ambas lograron las nominaciones de película, dirección y guion original. 

Siguiendo sus propias tradiciones, los EFA cayeron todos en la misma cesta. En esta ocasión la de Emilia Pérez, que se confirma como la película europea que puede seguir la senda de los anteriores títulos de cara a sus más que probables nominaciones en los Oscar. Para el musical narco queer de Jacques Audiard, que acaba de estrenarse en España, fueron los cuatro premios a los que optaba esta noche, película, dirección, guion y actriz. Este último se sintió como propio, ya que fue para la madrileña Karla Sofía Gascón, que después de ganar el premio a la interpretación femenina en Cannes consigue este EFA que vuelve a ser histórica, al ser la primera actriz abiertamente trans en lograrlo. 

“¡Bingo!”, dijo al subir al escenario. Emocionada, con su particular sentido del humor y muy nerviosa, Karla Sofía Gascón se lo agradeció a su director, Jacques Audiard. “Me he vestido de azul porque creo profundamente en los valores de la Unión Europea, y en todos nosotros. Todos juntos podemos hacer cosas grandes en este mundo, y llevar cosas buenas a los demás países, que algunos están bien jodidos. Por último se lo dedico a mi madre, que está un poco malita, pero también a todas las madres, porque se infravalora su función. Y a todas las familias que aman a sus hijos y que hacen lo que tienen que hacer unos padres, quererles y ayudarles, porque desafortunadamente en este mundo en el que vivimos hay mucha gente que odia, y que en su casa prefieren que sus hijos sean delincuentes a maricones. Gracias a todas esas familias que aman a sus hijos. Gracias”, dijo en otro discurso para enmarcar como el que dio en Cannes.

A estos cuatro galardones hay que sumar el de Mejor montaje, anunciado previamente. El primero en caer fue pronto, el de Mejor dirección nada más abrir la noche. Maria Bakalova, la actriz de Borat 2 y The apprentice, anunció a Jacques Audiard, y todo empezó a oler a triunfo aplastante. Hasta Audiard reconoció en su primer discurso que se había preparado hasta tres para lo que quedaba de noche “siendo optimista”. Hizo bien en serlo, porque le hicieron falta. 

El arrase de Emilia Perez tuvo como principal perjudicado a Pedro Almodóvar -que no acudió a la ceremonia por encontrarse enfermo- y su filme, La habitación de al lado, que optaba a los mismos cuatro premios que el musical de Audiard y que no logró materializar ninguno. Karla Sofía Gascón vencía a la que pude ser su rival en los premios posteriores, Tilda Swinton, y Almodóvar, que venía de ganar el León de Oro en Venecia, también esperará al próximo lunes para calibrar sus opciones esta temporada de premios. También se quedó a cero la otra favorita, La semilla de la higuera sagrada, del iraní exiliado Mohammad Rasoulof y que cuenta como producción alemana -de hecho, representa al país en los Oscar-.

El único premio al que no estaba nominado Emilia Pérez, el de Mejor actor, se presentaba como un duelo entre dos estrellas (europeas) de Hollywood, Daniel Craig, por Queer, y Ralph Fiennes, nominada por Conclave (y única candidatura del filme de Edward Berger). Aquí llegó una de las sorpresas más emotivas de la noche, puesto que el ganador fue Abou Sangare, por La historia de Souleymane, que no pudo viajar a Lucerna para recogerlo. La historia de un migrante repartidor de Glovo en Francia que se ha convertido en una de las revelaciones de la temporada y lo confirmó con este premio que se salió del guion de los favoritos.

Desafortunadamente en este mundo en el que vivimos hay mucha gente que prefiere que sus hijos sean delincuentes a maricones

Karla Sofía Gascón — Actriz

Tampoco hubo suerte para el cine español en la categoría de Mejor película de animación, donde había doble nominación, la de Fernado Trueba, con Dispararon al pianista y la de Isabel Herguera, con El sueño de la sultana. Fue la película letona Flow quien logró el premio. Una película muda, como lo era la ganadora del año pasado, la magnífica Robot Dreams, de Pablo Berger, que acudió a la gala realizada en Lucerna. Como el filme de Berger, Flow es una de esas candidatas independientes que puede dar la campanada en los premios este año y colarse en los Oscar entre las grandes superproducciones de Pixar, Dreamworks y compañía.

Fue una gala larga, y sin alusiones políticas hasta que llegó el premio al Mejor documental para No other land, que no pudieron recoger la pareja de directores Basel Adra, palestino y Yuval Abraham, israelí. Ambos subrayaron la “dificultad de celebrarlo mientras seguimos viviendo una ocupación y un genocidio al pueblo palestino”, por ello pidieron que no solo se pidiera el alto al fuego, sino que Europa “tome acciones” para lograrlo e impedir lo que calificaron de “limpieza étnica”. Un discurso que se completó con un grito de “Free Palestine”, desde un espontáneo del público. También cuando la actriz palestina Hiam Abbass entregó el premio a la Mejor película y habló de los niños muertos en Gaza y pidió por la paz.

El momento más emotivo de la noche llegó con el premio honorífico a Isabella Rosellini, presentada con humor por su compañero en Conclave, Ralph Fiennes, que destacó que Rosellini hacía “películas pornográficas”, para luego aclarar que eran sobre “la vida sexual y rituales de gusanos, abejas, libélulas, y caracoles”, destacando una de las facetas más desconocidas de la hija de Ingrid Bergman y Roberto Rossellini. De hecho, ella confesó que le costó digerir este premio, ya que siempre se refieran a ella como “la hija de”, y esta vez se trataba de ella.

Merecido por una carrera llena de riesgos y papeles míticos a las órdenes de los más grandes, como los hermanos Taviani, Abel Ferrara, Alice Rohrwacher y, por supuesto, David Lynch. Rossellini describió “la curiosidad” como el motor de su vida, y “la risa y la diversión como la gasolina”. Algo que aprendió de sus padres. Se acordó de la mujer sin la que no podría haberlo logrado, y su nombre sorprendió a muchos, Nina. La niñera que cuidó de sus hijos cuando ella se iba a rodar, y una de las personas más importantes para ella, “como ocurre con todas las mujeres que tenemos carreras”. También se acordó, de hecho, de la niñera que hizo que su madre pudiera rodar y que estuvo con ellas, poniendo sobre la mesa un tema como la conciliación al recoger su premio.

Hace 30 años, los responsables de la Alianza Francesa en Málaga tuvieron una idea. Consistía en proyectar un puñado de películas en francés para que profesores y alumnos se reunieran alrededor de una pantalla (por entonces pequeña) en la modesta sede de la calle San Agustín. Lo llamaron “Festival de Cine Francés”, casi como una declaración de intenciones, pero tres décadas después aquella idea se ha convertido en una realidad consolidada en el denso mundo de los festivales de cine. Cada año, reúne en torno a una pantalla (ya grande) a 15.000 espectadores y 10.000 escolares, estrena una decena de largometrajes, programa conciertos y actividades paralelas, organiza gala de apertura y clausura, y trae invitados de relumbrón. En esta edición, Juliette Binoche, a la que también se dedica una retrospectiva.

La intérprete francesa, única con un Oscar, un César, un Bafta y los premios de interpretación de los tres grandes festivales de cine europeos (Cannes, Venecia y Berlín), fue la primera en recoger, de manos de Ángela Molina, el Premio Honorífico del Festival de Cine Francés de Málaga, cuyos responsables tienen la sensación de estar ante un punto de inflexión. El evento es ya uno de los grandes festivales de cine francés del mundo, junto con el de Hong Kong y el de Australia.

“Un festival de este tamaño organizado por una Alianza Francesa no existe”, comenta Sullivan Benetier, su director, quien se ve ahora ante la dificultad de gestionar un evento que, sin estar profesionalizado, se ha hecho un hueco en el circuito español de festivales. “En esta edición nos pusimos la máxima presión por ser el 30º aniversario, y esto ha generado una expectativa. Hemos llegado al máximo con la capacidad humana y financiera que tenemos. Si queremos seguir creciendo, necesitaremos más apoyo”.

La presencia de Binoche es uno de los grandes hitos del festival, que no empezó a usar las salas del cine Albéniz hasta 2004 y experimentó una transformación en 2011, con la creación del Premio del Público. También desde aquel año cuenta con el patrocinio principal del Ayuntamiento de Málaga, cuyo alcalde Francisco de la Torre fue distinguido, en 2017, con la Legión de Honor por su papel como colaborador excepcional con Francia en materia cultural.

Ahora el objetivo es servirse del trampolín de este año para internacionalizar el festival.

“Todo empieza en Cannes”

Benetier no revela lo que cuesta montar el evento, pero sí subraya que el coste es bajísimo. “El director del Festival de Angulema [con el que está hermanado el de Málaga] me dijo que no se lo creía: es lo que a ellos les cuesta un día”, revela, satisfecho con el resultado pero algo “frustrado” porque entrevé sus propios límites. Por ahora, la falta de presupuesto se suple con horas: apenas tres personas componen el equipo: él es el director y, a la vez, dirige la Alianza Francesa en Málaga. Julia Branché es la directora artística del festival y Antonio Rodríguez, el coordinador y responsable comunicación Alianza.

No hay más. Entre los tres, con la ayuda de dos becarios y 17 voluntarios (franceses o antiguos alumnos “francófilos”) levantan a pulso un evento de una semana, con 50 proyecciones (entre cortometrajes, documentales y largos) en diversos puntos de la ciudad (Centro Pompidou, Cine Albéniz, La Térmica, Ateneo), alfombra roja, galas y actividades paralelas. Este año han incorporado una sección documental, dedicada a las luchas feministas, y otra de “Experiencias Virtuales”, en colaboración con el Polo de Contenidos Digitales, donde pueden verse obras inmersivas en 360º.

La preparación dura meses, en los que ven cerca de 250 películas, las seleccionan y persiguen a las productoras para lograr un pase. Además, durante el año organizan una jornada de cine alternativo con la Escuela Superior de Arte y Diseño de San Telmo y  Cine Mômes, un festival de cine francés para escolares al que acuden unos 10.000 niños.

“Todo empieza en Cannes, pero siempre estamos pendientes de todo el cine en francés”, apunta Branché.

Un biopic de Maria Schneider y la última de François Ozon

En tres décadas han logrado proyectar por primera vez en España cintas de éxito, como el taquillazo internacional Intocable o Los Miserables, nominada al Oscar a Mejor Película Internacional en 2019. El año pasado se hicieron con Anatomía de una caída, ganadora de una ristra de premios que incluye la Palma de Oro en Cannes y el Oscar a mejor guion original. Y en esta edición, preestrenan la nueva cinta de François Ozon, Quand vient l’automne o Maria, sobre la devastadora experiencia de Maria Schneider durante el rodaje de El último tango en París.

El festival no se limita al cine francés (hay película belga -Les tortues- y otra quebequesa -Ru- en esta edición); ni siquiera, al cine exclusivamente en francés: en Everybody loves Touda, candidata de Marruecos a los Oscar, se escucha casi siempre el árabe. De ahí, que valoren cambiar el nombre del festival (Festival de Cine en Francés), como ya hizo en el pasado el Festival de Cine en Español de Málaga.

Por aquí han pasado también personalidades del mundo del cine, como los intérpretes Yvan Attal, Paul Kircher o Julie Gayet o el creador del Festival de Angulema Dominque Besnehard. También, personajes que han contribuido a la conexión hispano-francesa en el mundo del cine, y que han amadrinado el festival, como Rossy de Palma, Victoria Abril, Ángela Molina, Isabel Coixet, Lola Dueñas, Candela Peña o Carmen Maura.

“Olvídate de los subtítulos. Aprende francés”

Pero si algo ha distinguido su recién estrenada alfombra roja es la reivindicación del talento local. Por allí han desfilado en esta edición el polifacético artista La Dani (Te estoy amando locamente), la dramaturga Alessandra García (ganadora del Premio Max por Mujer en cinta de correr sobre fondo negro) o el cineasta Rakesh Narwani (El bazar de mis padres). “No tenemos dinero para invitar a grandes estrellas y, además, preferimos personas que han apoyado al festival desde siempre, gente vinculada a Málaga que iba todos los jueves a la Cinemateca del Albéniz”, cuenta con orgullo Antonio Rodríguez. “Tenemos muy claro nuestro anclaje a la ciudad”, completa Benetier.

El objetivo es que el festival sirva también para atraer alumnos a la Alianza Francesa, una entidad que no depende del Estado francés, sino que funciona a través de una asociación local diferente en cada ciudad. Cada año, la Alianza Francesa de Málaga, que cubre gran parte del territorio andaluz, presenta unos 4.500 candidatos a los exámenes del DALF. Es la segunda con más candidaturas en todo el mundo.

No ha sido un hándicap para el festival la inveterada costumbre española de consumir material audiovisual en versiones dobladas. Al contrario, el festival y la Alianza pretenden convertirla en una baza tirando de ironía. De ahí, su lema para esta edición: “Olvídate de los subtítulos. Aprende francés”.

“Tenemos un papel de educar”, dice el director del festival, reivindicando a la vez el rol que aún pueden jugar las salas frente a la dinámica de desconexiones en las relaciones humanas cotidianas, desde la caja del supermercado al streaming: “Ir al cine es una experiencia compartida de manera colectiva, y nosotros tratamos de que la gente nos vea como un lugar de encuentro”.  

Juliette Binoche (París, 1964) pasó por Málaga un día especial. Llueve por primera vez en muchos meses y ella, en lugar de fruncir el ceño porque el día pinte gris, sonríe y lo celebra: “Es un regalo de los dioses, lo necesitamos”, dice, despreocupada por que cuatro gotas parezcan cambiarlo todo, hasta los planes calculados al milímetro, en una ciudad sedienta.

Sentada bajo la tenue luz del salón de un céntrico hotel malagueño, vestida con elegante traje de chaqueta, Binoche confirma con sus gestos, con lo que dice y con lo que calla, que es el tipo de estrella que parece ser. A su alrededor se mueven los demás como en órbitas concéntricas mientras ella mantiene el brillo, afable y a ratos divertida.

Sus acompañantes subrayan su aura: una mujer que le coloca el pelo, un hombre que tapa un foco que le roba la luz, y que ahora se acerca a poner límite: última pregunta. “Rápido, no se preocupe: pregúnteme más cosas”, dirá ella luego, aprovechando que el otro ha vuelto a alejarse. También es firme para defender su territorio, que hoy es el de las palabras: no quiere fotos durante la entrevista porque la desconcentran de las respuestas, a las que da forma con paciencia y precisión. Sólo admite la presencia del periodista y de la intérprete que hoy la acompaña, Isabel Moyano.

La actriz francesa es lo más parecido que puede haber a una estrella del cine europeo, o del “cine de autor”, sea lo que sea eso. A sus sesenta años, en su filmografía hay obras de David Cronenberg, Jean Luc Godard, André Techiné, Louis Malle, Isabel Coixet o Leos Carax, y un puñado de papeles de los que perduran: el de Julie, la compositora doliente por la muerte de su hija y su marido en un accidente de coche, en Tres Colores: Azul (Krzysztof Kieslowski, 1993); el de enfermera en un monasterio toscano en la Segunda Guerra Mundial, en El Paciente Inglés (Anthony Minghella, 1993); el de mujer sufriente en Caché (Michael Haneke, 2005).

Binoche es la única actriz con un Oscar, un César, un Bafta y los premios de interpretación de los tres grandes festivales de cine europeos: Cannes, Venecia y Berlín. En 2022 recogió el Premio Donostia del Festival de San Sebastián y el año pasado el Goya Internacional. Y ahora pasó por Málaga para recoger otro de manos de su amiga Ángela Molina: el Premio Honorífico del Festival de Cine Francés, organizado por la Alianza Francesa, que reconoce así a una figura “imprescindible” para el desarrollo del cine en francés y la difusión de la cultura francesa.

Toda esta retahíla de premios ha reforzado la conciencia de que su ascendente conlleva una gran responsabilidad. Somos “políticos sin fronteras”, ha dicho en alguna ocasión. Su trabajo, dice, tiene la “suerte de cambiar vidas”, porque es una suerte de terapia sanadora del alma. Juliette Binoche eligió ser actriz porque no podía ser otra cosa.

El otro día repasé su discurso al recoger el Goya internacional en 2023. Dijo usted cosas muy bonitas y profundas sobre el oficio de interpretar. Dijo que era un reconocimiento al ardiente deseo que la invade, pero no le pertenece. “Sólo soy un instrumento de este ardiente deseo, una herramienta”. ¿De qué es herramienta un actor o una actriz? ¿De dónde sale su pulsión por actuar?

[Sonríe, duda. Mastica la respuesta] No lo puedo explicar. Pero puedo decir que he sido educada en una familia de artistas que había vivido la guerra y emigrado desde Polonia… Mis abuelos lo perdieron todo. Y el deseo de mi madre de ser artista era muy muy fuerte. Ese deseo no se cumplió del todo, porque tuvo a sus hijos bastante pronto. Y cuando nos proponía, por ejemplo, ir a un concierto, leer un libro o hacer teatro, yo siempre decía que sí. Para mí era una solución a mi incapacidad para entrar en la dinámica escolar, desde el punto de visto académico. Yo no fui al colegio al mismo tiempo que todos, ni aprendí a leer a la vez… Estaba apartada. ¡Y aquello supuso una puerta abierta a un mundo libre! Divertido, libre... De creación… Podía… ¡Ah! Ser libre. Fueron las circunstancias de mi educación, pero también mi sed de vivir, y el haber tenido una infancia difícil, lo que provocó que la salida hacia una vía artística fuera un medio de sobrevivir y expresar cosas que no habían sido expresadas antes. En las infancias difíciles, de sufrimiento, eso es absolutamente necesario.

Usted es actriz, pero también canta, pinta y escribe poesía. ¿El intérprete es también un autor?

Sí, por supuesto. Es la continuación de la escritura. El autor escribe a partir de una sensación, de una emoción, de una idea que viene y que desciende a su corazón por la escritura. Y un intérprete recoge lo escrito y lo mueve a través de su corazón hacia la cámara.

Si echa la vista atrás, tiene una carrera plena: premios, trabajos con los directores y directoras más prestigiosos, con papeles que muchos recuerdan, y el respeto de la industria. ¿Siempre eligió por dónde quería ir?

Hace falta trabajar con la intuición, con aquello que es importante en tu corazón. Puedes decir no a cosas que parecen magníficas, brillantes, pero debe haber un verdadero vínculo con el deseo, con aquello que es importante en el fondo del corazón. No puedes dejar de decidir. Porque después no hay lamentos. ¡No hay arrepentimiento! Si has elegido a partir de una sensación verdadera, entonces no puedes nunca dudar de la finalidad de lo que has hecho.

A usted le llegó una decisión importante cuando tuvo que elegir entre Parque Jurásico y Tres Colores: Azul. Son casi paradigma de sendas maneras de entender el cine. Pero ha explicado en alguna ocasión que ya se había comprometido con Kieslowski. ¿Cree que hubiese cambiado su carrera si la decisión, en ese cruce de caminos, hubiese sido otra?  

No, porque ¡en Parque Jurásico lo importante eran los dinosaurios, mientras que en Azul eran las personas! ¡Y elegí a las personas! Incluso aunque me gusten mucho a los animales. A ver, si no hubiera tenido otra cosa que hacer, ¡claro que lo hubiera hecho! ¡Me hubiese divertido mucho trabajando con Spielberg! Esperar diez horas en la caravana, salir y preguntar si todo va bien… [gesticula, ríe a carcajadas].

Dice que le interesan los papeles en los que el personaje se transforma. Y a usted, ¿cómo le influyen sus personajes?

Una película es una inmersión. En un universo, en sus circunstancias, en una historia, en personas, en la amistad, en situaciones emocionales… Así que eso a la fuerza te hace reflexionar y evolucionar. Mire, hay diferencias entre la terapia y la forma artística. En terapia intentamos modificar un comportamiento. En un papel, el actor, cuando ve que hay un comportamiento así da las gracias. Son dos cosas diferentes, pero no están totalmente separadas, porque se trata de psicología. No estudiamos psicología, pero tenemos una relación con su esencia, con la experiencia psicológica. De alguna forma, me provoca una reflexión el fondo de las cosas.

¿En qué sentido?

Cuando hice la película con John Boorman [Un país en África, 2004], trabajé con una coach norteamericana, negra, sobre el racismo, sobre mi personaje. Y yo me decía: “Juliette, yo no soy racista”. Pero al trabajar con el personaje, y con el coach, me di cuenta de que tenía un fondo racista del que no era consciente. ¡Voilà!

Dice el festival que usted es una figura “imprescindible” para el desarrollo del cine en francés, y es casi un lugar común calificarla como una de las grandes estrellas del “cine de autor”. ¿Se siente usted representante de una manera de hacer cine? ¿De una forma de entender la cultura? ¿Qué responsabilidad supone eso?

Yo creo que todos los actores y actrices son responsables de sus elecciones y tienen una responsabilidad de lo que emanan hacia la conciencia de la gente. Es una acción importante, y hay que saber ser responsable de eso. Esto lo siento desde hace bastante tiempo, no hacer elecciones marcadas solo por lo que nos gusta, porque es necesario ser conscientes que esas elecciones tendrán una repercusión. Ahora, a veces intento no pensar mucho en ello, porque lo importante es vivir de manera libre. Si estamos siempre pensando siempre en nuestra imagen, en una representación, dejamos de ser artistas. Para eso, hagamos una Inteligencia Artificial y me multiplico en mis entrevistas. ¡No! Hay que cuestionarse, cambiar, porque los valores de hoy no son los de mañana. Por eso, a veces cuando las entrevistas me dicen “usted dijo esto o aquello”, yo les digo que no, que no lo dije o lo pongo en cuestión, porque no nos parecemos a lo que seremos dentro de diez o veinte años.

Hace apenas unos meses suscribió un manifiesto exigiendo más medidas contra la violencia sexual ejercida contra las mujeres en el cine, coincidiendo con la última edición del festival de Cannes, cuando nueve mujeres acusaron a Alain Sarde, un reputado productor. ¿Qué parte del iceberg hemos conocido hasta ahora y qué puede hacer la industria para atajar estas conductas?

Hay cosas que se tienen que hacer ya. Lo primero es que se apliquen las leyes, porque hay muchísimos casos que no llegan a juzgarse. Creo que en España las leyes se han modificado de forma muy firme, y hay menos abusos sexuales en el ámbito familiar. En Francia es mucho más laxo, había un momento en el que se pensaba como si todo estuviera permitido, también en el cine. Creo que hay una toma de conciencia, que es dura para los hombres, que se sienten perdidos y atacados, pero creo que es importante que se den cuenta de que hay cosas que no son tolerables. Estamos obligados a remover la conciencia para evolucionar.