Con el biopic ‘Michael’ arrasando en las salas de cine en España y todo el mundo, la figura de Michael Jackson ha vuelto a estar de actualidad, no solo por sus éxitos y hazañas musicales, sino también por aspectos relacionados con su vida personal, la relación con su familia y los problemas de salud que enfrentó a lo largo de su vida, así como las controversias de las acusaciones de abusos.

Uno de los temas que ha salido a colación es también el rancho Neverland, la famosa mansión de Michael Jackson que incluía un parque de atracciones, un zoo, una sala de cine e incluso una estación de tren en su interior. Tras cinco años en venta, se vendió en 2020 y esta es su historia y su situación actual.

La historia del rancho Neverland de Michael Jackson

En 1988, Michael Jackson estaba en el momento álgido de su carrera y de su popularidad, siendo la estrella del pop más famosa. Fue entonces cuando compró una propiedad en Los Olivos, California, por 17 millones de dólares y la transformaría en su refugio personal.

El cantante había conocido el lugar gracias al ex Beatle, Paul McCartney, quien se lo presentó porque era donde se hospedaba en California en los 80. Sycamore Valley Ranch, que es como se llamaba entonces, pasaría a ser Neverland después de la inversión de 35 millones de dólares que hizo el rey del pop. La propiedad fue como un sitio de entretenimiento, nombrado por la isla de Peter Pan, en español llamada ‘el País de Nunca Jamás’, un lugar donde no dejar de ser niño, que abarcaba 2.700 acres (unas 1092 hectáreas). Allí, el centro era una casa de campo de estilo francés de 13.000 pies cuadrados (1.207 metros cuadrados aproximadamente).

En el rancho Neverland, sin embargo, uno de los detalles más espectaculares era que abarcaba un parque de atracciones con una noria que costó más de 200.000 euros y un zoológico interactivo con 50 especies diferentes como llamas o chimpancés, así como una sala de cine que tenía capacidad para más de 50 personas. Se dice que había también un tren a tamaño real que recorría todo el lugar, que estaba directamente inspirado en Disneyland.

“En el mundo real, jamás habría podido disfrutar de una visita al cine o al zoológico. Así que creó todas las fuentes de entretenimiento que pudo desear dentro de su propio mundo privado, escribió en su libro biográfico ‘Starting Over’ su hermana LaToya Jackson.

A este lugar, Michael Jackson invitaba a niños a jugar en la propiedad y sentía que “finalmente podía tener una infancia y vida normales”, en palabras de su hermana. Un lugar en el que también crio a sus hijos, y que solo les dejaba usar el parque de atracciones cuando tenían un buen comportamiento, según reveló Paris Jackson en una entrevista con la revista The Rolling Stone.

El declive, la venta y su estado actual

En 2003, la policía allanó su casa como parte de la investigación de abuso sexual por parte del cantante al niño Gavin Arvizo, enfermo de cáncer y de 13 años en ese momento, un hecho del que sería absuelto de los cargos en un juicio en 2005. Eso le llevó a abandonar la propiedad, porque como relata su hermana, él llegó a odiar el lugar. “No lo soporto, No quiero volver a verlo nunca más. Jamás. Nunca regresaré aquí”, dejó por escrito LaToya Jackson.

Y así fue. Falleció el 25 de junio de 2009 a los 50 años sin haber puesto un pie de nuevo en Neverland. El lugar seguía siendo parcialmente suyo por estar gestionado a través de una empresa de gestión, pero se puso a la venta en 2015 por 100 millones de dólares. Finalmente sería comprado en 2020 por 22 millones y por el asesor financiero de la estrella del pop, Ron Burkle.

En el rancho, que ha vuelto a su nombre original de Sycamore Valley Ranch, ya no hay rastro del parque de atracciones o el zoológico, eliminados por Colony Capital, la gestora entonces, a la muerte del cantante.

En 1987, Michael Jackson tenía la difícil misión de mantener el estatus que había conseguido con ‘Thriller’, que se había convertido en el disco más vendido de la historia de la música. En este contexto llegó ‘Bad’, un álbum que si bien no superó a su predecesor, un hecho complicado, dejó hasta cinco canciones número uno.

Con 45 millones de copias vendidas, 11 discos de platino en Estados Unidos y 14 en Reino Unido, la primera de ellas fue “I Just Can’t Stop Loving You”, le siguieron "Bad", "The Way You Make Me Feel", "Man in the Mirror", siendo la última de ellas “Dirty Diana”, una canción controvertida y que dio que hablar desde su título.

Diana Ross y las especulaciones detrás del número uno de Michael Jackson

En “Dirty Diana”, Michael Jackson se acercó al hard rock tras “Beat It” y tuvo la colaboración de Steve Stevens, guitarrista de Billy Idol, pero lo que más llamó la atención fue que desde el primer momento se especuló sobre la identidad detrás de esa ‘Diana’ de la que hablaba la canción.

La primera opción que se barajó es que el tema hablaba de Diana Ross, madrina artística del cantante, con la que llegó incluso a vivir por mandato de la discográfica Motown, que fue clave para el soul y R&B, donde ambos comenzaron su carrera. Sin embargo, la teoría no se sostiene porque la relación entre ellos fue siempre muy cercana, le inculcó la ética del trabajo e incluso en su testamento la nombró como persona que tuviera la custodia de sus hijos si su madre faltaba.

Además, “Dirty Diana” incluso la cantante la ha usado como apertura de sus conciertos. Michael Jackson la alabó durante su autobiografía Moonwalk como la persona que le descubrió el mundo del arte: “Esta fue una etapa muy importante en mi vida porque a Diana le gustaba mucho el arte y me apoyó para que aprendiese a apreciarlo también. Se tomó la molestia de educarme al respecto, gracias a ella conocí la obra de grandes artistas como Miguel Ángel y Degas, lo que supuso el comienzo de mi interés por el arte”.

A ella la describió como “madre, mi amante y mi hermana, todo ello junto en una persona increíble” debido a todo ello. La canción que sí que conectó a ambos fue “Muscles”, que en 1982 él la escribió y produjo para ella.

La anécdota con Lady Di debido a “Dirty Diana”

Otra de las teorías que se llegaron a publicar en su día es que “Dirty Diana” estaba dedicada a la princesa de Gales, a la que admiraba e incluso afirmaron que fue su idea el que ella apareciera en el videoclip. No se sustenta tampoco las afirmaciones que se hicieron, pero esta canción sí que vinculó al ‘rey del Pop’ con Lady Di.

Sucedió durante la gira ‘Bad’, en 1988, cuando Michael Jackson iba a actuar en Wembley con la presencia de los príncipes de Gales, Carlos y Diana. Estos lo saludaron antes de ofrecer el concierto, y fue cuando ella le preguntó si iba a cantar la canción. Él le dijo que la había retirado por respeto, pero ella afirmó que era una pena porque era una de sus canciones favoritas.

Una canción dedicada a las ‘groupies’

Debido a toda la controversia, Michael Jackson y Quincy Jones, productor, se pronunciaron finalmente al respecto y aseguraron que la canción hablaba de “un cierto tipo de chicas que suelen estar en conciertos o clubes a las que llaman ‘groupies’”. Sobre el hecho de haber establecido un nombre concreto, se especuló que se debió a que el ‘rey del pop’ lo hizo siendo consciente de que iba a despertar controversia y se hablaría de ella.

En su semana debut en los cines, “Michael” ha superado los 314 millones de dólares de taquilla y supera así a “Bohemian Rapsody” como el biopic musical con mejor estreno de la historia del cine, lo que demuestra que Michael Jackson sigue despertando fuerte interés y atracción más de quince años después de su muerte.

Uno de los detalles que quedan patentes en la película es el contexto álgido en el que se sumió el cantante después de su álbum “Thriller”, el disco más vendido de la historia de la música. Así, en 1987, el llamado rey del pop llegaba con la difícil misión y presión para su siguiente proyecto, que fue “Bad” en 1987.

Este disco siguió la estela del éxito, y en él, el primero de los cinco sencillos que fueron número uno fue “I Just Can’t Stop Loving You”, una balada romántica que llegó a lo más alto de la lista Billboard y que fue interpretada a dúo junto a la cantante Siedah Garrett. Ella no había sido la primera opción, se llegó a decir que Michael Jackson la quería haber cantado junto a Barbra Streisand, Whitney Houston, Aretha Franklin o incluso Agnetha Fältskog, del grupo ABBA, que se contó que había sido amor platónico del cantante. Sin embargo, el dúo con Garett fue todo un éxito, y con ella coescribió otra balada como fue “Man in the Mirror”.

Debido a la letra, “I Just Can’t Stop Loving You” se especuló que podía ir dirigida a un interés sentimental, sobre lo que habló el propio cantante en su autobiografía “Moonwalk”, donde contó que la canción no fue escrita pensando en nadie, pero que durante sus interpretaciones en directo sí que había pensado en una persona. Sin embargo, lo más interesante de esta canción es que es la única que Michael Jackson cantó en español, y que también versionó en francés, como una manera de acercarse al mercado latino y el de lengua francesa, en auge en la década de los 80.

La única versión de Michael Jackson en español

Para la versión en español, el productor Quincy Jones pensó en el conocido cantautor panameño Rubén Blades, todo un referente en la salsa, y que se dedicó no solo a la traducción de la letra, sino que también se encargó de enseñar fonética, entonación y pronunciación correcta al rey del pop.

El resultado de esa grabación fue “Todo mi amor eres tú”, en la que Jackson reveló un fuerte “nivel de profesionalismo. Fue un alumno dedicado, muy preocupado por la pronunciación correcta”, aseguró Blades en recientes entrevistas. Todo ello, hizo que el cantante interpretara la letra con claridad y fluidez, tanto que incluso se llegó a especular si realmente era él quien cantaba.

La versión española y la francesa fueron publicadas dentro del sencillo en inglés en 1987 y se convirtieron en piezas de culto para los fans, hasta que volvieron a aparecer en la discografía en la reedición de ‘Bad’ por su 25 aniversario que se lanzó en 2012. El éxito de todo ello llevó a que el estadounidense pensara incluso en grabar todo un álbum en español, un hecho que no se materializó finalmente por una agenda apretada de compromisos.

La colaboración de Rubén Blades en la versión en español de “I Just Can’t Stop Loving You” tuvo un detalle menos conocido, y es que Michael Jackson reconoció la aportación del panameño con un 35 % de créditos y regalías del tema, lo que era un porcentaje muy superior a lo que era habitual entonces en adaptaciones a otros idiomas entonces.

La película biográfica sobre Michael Jackson llegó a los cines el pasado 22 de abril y lo hizo por todo lo alto, sin pasar desapercibida. Más allá de la expectación de los fans y los medios, el estreno no se libró de las críticas, que mayormente se centraron en cómo sus creadores han decidido dejar de lado cualquier tipo de tema conflictivo sobre la estrella del pop. 

Esta visión tan concreta que ofrece el filme sobre la vida del artista viene marcada en gran parte por el control del propio entorno familiar de Michael. El proyecto cuenta con el respaldo del patrimonio de los Jackson y su hijo Prince se puso al frente como productor ejecutivo, lo que irremediablemente ha marcado el enfoque del biopic. 

Pero al margen del contenido, una de las cosas que más ha llamado la atención son las ausencias. Janet Jackson, la hermana pequeña de Michael, no aparece en ningún momento de la película. Fue hace una semana, durante la premiere del filme en el Dolby Theatre de Hollywood, cuando LaToya Jackson reveló que su hermana había rechazado participar en el proyecto. 

“Se lo propusieron y ella lo rechazó abiertamente, así que hay que respetar sus deseos”, señaló frente a las cámaras de Variety tras la pregunta directa del periodista. La hermana del cantante, que no dio más explicaciones sobre esta decisión, aprovechó para felicitar a su sobrino por la interpretación que ha hecho en la gran pantalla: “Todos nos olvidamos de él y pensamos que estábamos viendo a Mike”. 

La hija de Michael tampoco quiso saber nada

El director del largometraje, Antoine Fuqua, también habló del tema: “Siento un gran respeto y cariño por Janet, no pasa nada. Ella apoya a Jaafar y eso es lo que importa”. La que no se ha pronunciado todavía es la cantante. La pequeña de los Jackson no ha compartido las razones exactas que la llevaron a desvincularse del proyecto, pero todo apunta a que la familia ha tenido opiniones divididas sobre la forma en la que se ha abordado esta película.

Un ejemplo claro que demuestra esta hipótesis lo encontramos en el caso de Paris Jackson, la segunda hija del cantante. La artista no ha participado en el desarrollo de la película y ni siquiera acudió a la premiere, cosa que sí hicieron sus hermanos Prince y Biggi. A diferencia de su tía Janet, Paris sí ha compartido su opinión sobre la adaptación.

Esta señaló que la película complace a un sector muy específico del fandom de su padre “que todavía vive en la fantasía”, y no dudó en afirmar que el filme está “lleno de mentiras”. “Leí uno de los primeros borradores del guion y di mi opinión sobre lo que me parecía, que es deshonesto, y no me cuadraba, pero no lo corrigieron. (...) Al final es Hollywood. Es un mundo de fantasía, no es real, pero te lo venden como si fuera real (…) Nada de eso me convence. No me gusta la deshonestidad”, señaló en un vídeo para sus redes sociales.

Este miércoles llega a los cines españoles y de todo el mundo el biopic de Michael Jackson, “Michael”, que se basa en su vida, sobre todo en su trayectoria musical y que cuenta con su sobrino Jaafar Jackson como protagonista interpretando al rey del pop.

Antes de que se contara la carrera de Michael Jackson en el cine, el propio cantante tuvo pequeñas apariciones en películas y cortos, más allá de los documentales de sus conciertos, giras o videoclips. Es que incluso se podría contar el video de “Thriller”, que con una duración aproximada de 14 minutos y su historia de zombis como si de una peli de terror se tratase.

“El mago” (1978)

El primer trabajo del considerado rey del pop fue un remake de “El mago de Oz” con la mayoría de su reparto afroamericano. Dirigida por Sidney Lumet, coincidió con Diana Ross y con Quincy Jones, una persona que sería clave en su comienzo, pues con él produjo su disco ‘Of the Wall’ en el que se dieron sus primeros éxitos como solista, pero también sus míticos ‘Thriller’ y ‘Bad’. En esta película, Michael interpreta al espantapájaros, que fue su primer papel en el cine. El largometraje, sin embargo, no tuvo mucho éxito en taquilla.

“Capitán EO” (1986)

Pocos saben que Michael Jackson participó en un proyecto Disney, y ese fue un cortometraje en el que estuvo bajo las órdenes de Francis Ford Coppola en 1986, y que supuso la base para crear la atracción del parque temático Disney World en Florida, en el centro EPCOT. Además, tuvo también guion de George Lucas, que contó con Anjelica Huston en el papel de villana.

“Moonwalker” (1988)

Una película que se podría ligar perfectamente con su biopic “Michael” es “Moonwalker”, un proyecto experimental en el cine que mezclaba videos musicales, actuaciones en vivo, junto a una narrativa fantástica, que llegó, además, en el momento más estelar de su carrera, por lo que sí que tuvo buena acogida en la taquilla.

El propio Michael Jackson se dedicó a escribirla y producirla, siendo uno de sus puntos fuertes la lucha contra las drogas y el abuso de menores por parte de los traficantes, que esto funciona de forma perfecta como una previa a los videos de las canciones del mítico disco ‘Bad’.

“Men in Black II” (2002)

Se dice que Michael Jackson fue tan fan de la primera película de “Men in Black” que cuando se preparaba la segunda pidió tener un papel e incluso ser parte de la organización como uno de los de MIB y tener la letra código “M”.

Aunque esto finalmente no fue así, al cantante le dieron un cameo en la segunda peli, interpretándose a sí mismo como parte de otro mundo y un alienígena que quiere ser parte del grupo, tomando así motivación en lo que pasó en la vida real.

“Miss Ida y el fantasma” (2004)

Su siguiente y última aparición en el cine fue también un cameo, en este caso en la comedia ‘Miss Cast Away’ en la que participó por ser amigo del director, como favor personal. En él interpreta al agente “M.J” que es asignado por el Papa para lograr que las concursantes de un concurso de belleza que se quedaron en una isla desierta trabajen de forma encubierta para el Vaticano.

Miles Teller interpreta al abogado John Branca en Michael y esto ha irritado a la hija de Michael Jackson. Hoy Paris Jackson está inmersa en una disputa con Branca a cuenta de la gestión del patrimonio de su padre y considera que el fichaje del actor de Whiplash es otra muestra de sus malas prácticas. “Ha usado su puesto de productor en pos de elegir al único actor de alto perfil de la película para interpretarle a él”, ha dicho. Es cierto que, con el posible añadido de Colman Domingo (Euphoria) como el padre de Michael Jackson, no hay otros intérpretes conocidos en Michael. Solo está Teller, como alguien que a priori tampoco pensaríamos que tiene mucho que hacer en el filme.

Paris Jackson cree que Branca quiere engrandecer su imagen a través del fichaje de Teller. También a través de la película como tal, pues la aparición de Branca a mitad del filme es absolutamente providencial: es gracias a él que Jackson puede iniciar la difícil separación laboral con su padre que centra el conflicto dramático de Michael. Joseph Jackson fue un hombre despótico que quiso enriquecerse a costa de convertir a Michael y sus hermanos en una popular banda juvenil (primero los Jackson 5, luego los Jackson a secas), y que se resistió hasta el final a que el cantante de Thriller pudiera volar libre. Menos mal, nos cuentan, que se cruzó con Branca, su intrépido abogado. Lo que no nos cuentan es lo que pasó después. La relación tan conflictiva que tuvieron.

A finales de los 2000 Jackson había prescindido de los servicios de Branca, y no por primera vez. Branca tuvo un golpe de suerte, sin embargo: apenas ocho días antes de que Jackson falleciera, en junio de 2009, había sido readmitido a su servicio. Fue una suerte para él y también para el patrimonio de Jackson, que por entonces acariciaba la bancarrota. Branca no solo ejerció entonces de albacea del testamento del artista, sino que también aceptó la misión de sanear las cuentas, y decidió lanzar para ello el documental This is It aquel mismo año, en torno a los preparativos de esa última gira que Jackson no había llegado a encabezar. Su éxito sería el primero de muchos.

Desde entonces Branca, al frente del patrimonio de Jackson, ha seguido enriqueciéndose con el legado del Rey del Pop. Es el responsable de varios espectáculos de Las Vegas y también de uno de Broadway, MJ the Musical, que en 2021 mostraba la tónica a seguir para un biopic futurible. MJ the Musical es un repaso a la carrera de Jackson que se ancla a 1992, cuando Michael recuerda sus mejores momentos mientras prepara la gira de Dangerous. Y hace memoria en el momento más confortable, justo antes de ser acusado de abusar sexualmente de un menor, Jordan Chandler.

Un moonwalk para disimular

Cuando MJ se materializó aún coleaba el lío de Leaving Neverland. Y ya se había puesto en marcha oficialmente Michael. Branca, de hecho, tuvo la idea de hacer una película según se topó con la controversia reavivada por el documental de HBO. Ante las acusaciones contra Jackson por parte de Wade Robson y James Safechuck, al abogado se le ocurrió hacer un documental alternativo para defender la inocencia del cantante. Luego pensó que igual una película serviría mejor a estos propósitos, y seguramente lo pensó gracias al precedente de Bohemian Rhapsody.

En 2018 el éxito de este proyecto —también marcado por la sombra del escándalo a cuenta de las acusaciones de abusos contra el director Bryan Singer, desaparecido en medio del rodaje— consolidó el biopic musical como la mejor estrategia para mantener fluyendo los royalties en una época donde plataformas estilo Spotify parecían imponer un complicado desafío. También dio, sobre todo, con un modelo de producción mucho más curado y controlado de lo visto previamente. Con herederos, familiares y promotores implicados en su desarrollo para que la imagen de cada artista fuera lo más rentable (y cómoda) posible. Branca debió intuir todo esto. Aunque, para correr aún menos riesgos, quiso asociarse además con el mismo productor de Bohemian Rhapsody, Graham King.

Son ellos los nombres principales de Michael, aunque también tiene su interés la presencia de John Logan como guionista. Logan escribió El aviador, el biopic de Howard Hughes, y era justamente con este excéntrico millonario con quien Barney Hoskyns, crítico musical, había comparado a Jackson poco después de su muerte. “La fama de Jackson nos fascina porque es total. Como Hughes, no tiene una relación pública con la fama pero la encarna de forma abstracta”. Estas palabras planteaban que MJ no era tanto un enigma como un conjunto vacío. Su biografía no contaba nada por sí misma, allanando el camino de los rumores y los secretos ominosos.

Hoskyns acaso intuía el desafío de Logan a la hora de escribir un biopic de Jackson. Uno, obviamente, a la medida de su patrimonio y de Branca, que al principio tanteó retratar el proceso de Jackson contra los “codiciosos padres” de Chandler —si no lo hizo fue porque una cláusula del acuerdo alcanzado lo había prohibido en 1993— para finalmente hacer como si nada. Disimular, como ya hiciera MJ the Musical. Es el motivo por el que Michael solo cuenta la vida de Jackson hasta que se emancipa de su padre y publica Bad a mediados de los 80. Por entonces también montó su rancho de Neverland para poder compartir cama a sus anchas con varios niños, pero eso el filme tampoco lo cuenta. Si Michael funciona en taquilla, a lo mejor lo hace en una segunda parte que en la industria se da por asegurada.

El biopic más moribundo jamás diseñado

Siendo estas, resumiendo mucho, las circunstancias que han alumbrado Michael, difícilmente nadie que no fuera un fan —o uno de esos espectadores que sintieron su propia infancia paradójicamente injuriada al toparse con Leaving Neverland hace siete años— se esperaría algo distinto a un producto totalmente desalmado. Desde luego, siendo como es el biopic musical una industria en sí misma a estas alturas, se trata de algo achacable a muchos otros proyectos alrededor de Michael. Pero la película que dirige Antoine Fuqua tiene unas particularidades muy jugosas.

Tiene, para empezar, muchos más controles de daños y malabares de los habituales en la plantilla, emanando de esa decisión troncal que ya destruye de entrada cualquier opción de que Michael respire como esfuerzo vagamente creativo: nos las vemos con una historia incompleta. 

Y no porque carezca de litigios en los tribunales o anécdotas incómodas, sino simplemente por la planicie de su desarrollo. Generalmente los biopics musicales discurren en torno a un auge, una caída y una redención. La fórmula, por encorsetada que resulte, obedece a la voluntad edificante de este perfil de proyectos. Es una estructura imperativa pero Michael solo tiene lo primero, el auge. Una carrera continua hasta la cima, sin más amenaza que la insistencia de Joseph Jackson en tener amarrado a su hijo (insistencia que se alarga y alarga en un valle perpetuo).

Así que la película es desesperadamente aburrida, sin que tampoco pueda jugar a guardarse cosas para una hipotética segunda parte —que, en caso de que se haga y ateniéndonos a la biografía de la criatura, será todavía más aparatosa que esta—, aunque sí atine a copiar la estrategia de Bohemian Rhapsody de disimular lo penosa que es colocando una extensa secuencia de concierto en playback al final. Varias canciones seguidas para que el intérprete escogido termine de reclamar su Oscar —aquí se trata de un voluntarioso Jaafar Jackson, sobrino del artista— que perseguirían una rutilante catarsis colectiva en el patio de butacas, poniendo en común su memoria musical.

Esta catarsis favoreció tanto la taquilla como la demencial presencia en los premios de Bohemian Rhapsody, y es un logro que tampoco cabría descartar con respecto a Michael porque seguramente la gente vaya a verla, y gane mucho dinero, y Branca se tenga que preguntar cómo diablos plantean ahora una Michael II. Igualmente, y sin salir de la música, es notable el desinterés que existe en Michael hacia ella. Puesto que la idea es ceñirlo todo al drama familiar, nos topamos con que la figura del productor Quincy Jones —responsable del inequívoco sonido de Off the Wall y Thriller— tiene mucha menos importancia que el padre abusivo y el dichoso abogado.

Los pocos instantes en que Michael no resulta completamente deprimente es cuando el guion se centra en la preparación de Thriller. Y son poquísimos minutos, que carecen asimismo de algún apunte de interés sobre la naturaleza artística de los logros de Jackson. Acaso por ser un artilugio impulsado fundamentalmente por abogados, Michael no parece tener mucha idea de por qué la música del personaje tuvo el impacto que tuvo —más allá de dedicarle mucho metraje al baile—, así que prefiere pasar el tiempo entre vivencias domésticas. Con unos diálogos escalofriantes, escritos como quien mira constantemente de reojo preocupado por molestar a alguien, y alcanzando de vez en cuando puntos hilarantes cuando se trata de incidir en las excentricidades de Jackson.

Aquí, claro, es donde se va a pisar terreno resbaladizo sí o sí, y no hay historia oficial que alivie lo retratado. La decisión entonces pasa por enfatizar la identificación de Jackson con Peter Pan y una supuesta infancia perdida —que hace parecer al protagonista alguien todavía más alienígena, toda vez que más inquietante en cuanto se cruza con algún niño— y, sobre todo, por sublimar todos sus hábitos estrambóticos a través de su relación con un chimpancé. Este mono, Bubbles, está diseñado con un CGI horrendo en su pretensión de hacer más amigable al animal y menos salvaje o imprevisible. Lo que tiene mucha gracia, porque la extrañeza que depara es más o menos la misma que implica el hecho de ver y sufrir Michael. 

En desarrollo desde 2019, la película biográfica de Michael Jackson, titulada Michael, llegará finalmente a los cines de España el 24 de abril de este año. El largometraje estará protagonizado por Jaafar Jackson, hijo de Jermaine Jackson (hermano de Michael), quien hará su debut en pantalla con este papel después de años preparándose para al Rey del Pop. 

Sobre la preparación que tuvo que hacer para ponerse en la piel de su tío, el joven de 29 años ha ido hablando en las últimas entrevistas que ha dado con motivo del lanzamiento del filme de Universal Pictures dirigido por Antoine Fuqua y escrito por John Logan. Una de las últimas la ha hecho con Rolling Stone India, donde compartió la importancia de ver el contenido audiovisual en el que aparecía el artista para intentar emularlo.

“Michael siempre observaba a los artistas que lo inspiraban, analizaba su trabajo para comprender qué los hacía grandes e incorporaba esas cualidades al suyo. Utilicé el mismo proceso con él. Además de todo el entrenamiento, vi muchísimas entrevistas y vídeos caseros, capturando los matices, los gestos y, sobre todo, la humanidad”, explicó el joven actor.

Años de preparación para moverse y hablar como Michael

Pero ser capaz de emular los gestos, la forma de hablar y los pasos de baile que caracterizaron al compositor de Thriller no ha sido precisamente una tarea fácil. “Empecé a estudiarlo a diario y a practicar frente al espejo durante horas y horas todos los días. Tardé un par de años en sentirme seguro con los pasos de baile”, confesó Jaafar en una charla con Vogue. 

El sobrino se tomó el trabajo muy en serio, y creó lo que él mismo denominó como una especie de “sala de investigación” sobre Michael. Cada pared de esta habitación la llenó con letras de sus canciones, escritos personales del artista, datos sobre algunos de los logros más importantes de su carrera, así como una cronología con los acontecimientos musicales y personales que marcaron su vida. 

Pero para profundizar en el conocimiento sobre su tío, el joven decidió recurrir a lo que los unía directamente: la casa familiar de los Jackson ubicada en Encino, California. La propiedad fue comprada por Joe Jackson en 1971, cuando Michael tenía unos 13 años, y hoy sigue perteneciendo a la familia. 

“Dormí en muchas habitaciones diferentes de la casa solo para sentir la energía. Alojarme allí me permitió sentirla de forma natural, sin forzarla. Tuve la gran suerte de tener ese espacio como mi campo de experimentación. (...). Había una sala de baile donde Michael solía entrenar. Yo también empecé a entrenar allí”, compartió en una entrevista para la revista Interview. 

Es una de las películas más esperadas de 2026 y verá la luz este 24 de abril en España y en gran parte de las salas mundiales. “Michael”, el biopic sobre Michael Jackson en el que su sobrino Jaafar Jackson se transforma en el rey del pop, y que ha sufrido diferentes retrasos en su fecha de estreno, de lo que se han sabido más detalles gracias al portal Variety.

Y es que, según la web, en el biopic no se hablará de la denuncia por abuso infantil que recibió el cantante en 1993 mientras se encontraba de tour por Asia y que supuso un punto de inflexión en su carrera, pues afectaría a su imagen pública. Esto obligo a rehacer toda la parte final, y de ahí el retraso de 2025 a 2026 como fecha de estreno.

¿Qué le pasó a Michael Jackson en 1993?

En enero de 1993, Michael Jackson era el rey del pop sin duda alguna y estaba en un punto álgido de su carrera. Ofreció uno de los shows del ‘halftime’ de la SuperBowl más recordados y míticos del espectáculo deportivo, ante lo que fueron más de 100 millones de espectadores en Estados Unidos. En ella cantó un repertorio que incluyó Jam, Billie Jean, Black or White, We Are the World y Heal the World, y que redefiniría lo que sería esta actuación más adelante en la cultura pop.

El año continuó a lo grande, recibiendo el Grammy Legend Award por su trayectoria y que se le otorgó de la mano de su hermana Janet Jackson, un hecho que llegó tras los tres ‘American Music Awards’ a Mejor Álbum Pop/Rock por Dangerous, Mejor Single Soul/R&B por Remember The Time, y el Premio al Mejor Artista y Humanitario Internacional.

Sin embargo, todo cambiaría en otoño de 1993, cuando Michael Jackson fue denunciado por abuso infantil a Jordan Chandler, un niño de 13 años, lo que llevó a que se abriera una investigación y se realizaran registros en su rancho de Neverland y otras propiedades.

Si bien el cantante negó todas las acusaciones, esto afectó a su imagen pública, que no volvería a tener la misma estima, además de que entonces admitió públicamente su dependencia a analgésicos y se sometió a tratamiento de rehabilitación. En enero de 1994, se llegó a un acuerdo extrajudicial en el que firmaron un acuerdo económico por una suma estimada de 23 millones de dólares, sin admitir culpabilidad, aunque esto no estuvo exento de controversia.

Omitir 1993 cambió el biopic de “Michael” y sumó presupuesto

Así, todo esto contado no formará parte del biopic de “Michael” debido a que todo un tercer acto que relataba todo esto fue omitido. Esto se debe, según Variety, al hecho de que descubrieron una demanda original que prohibía que el denunciante fuera representado en una película, algo que pasó cuando la película ya estaba completamente rodada.

Esto supuso 22 días más de rodaje, y obligar a cambiar todo el final, lo que sumó 15 millones de dólares al coste, que fue asumido por la propiedad de Jackson, porque fueron ellos mismos los que impulsaron la revisión. Así, esto retrasó el estreno del 18 de abril de 2025 inicial al 3 de octubre del mismo año para luego llegar finalmente este abril de 2026.

La película cambió así por completo, siendo una historia de su ascenso en la música y de trayectoria de sus éxitos, y ofreciendo solo la complicada relación con su padre como exploración de su vida personal, que iba a ocupar en el tercer acto mayoritariamente el impacto de las acusaciones de abuso infantil. De esta forma, se considera que el final actual se cerrará en la preparación de su icónica gira ‘Bad’ de 1987.

El hecho controversial por el que sí que pasará el biopic son las graves quemaduras que sufrió en su cuero cabelludo cuando grababa una publicidad con Pepsi en 1984, lo que le llevó a ser dependiente de analgésicos, y que derivaría finalmente en su fallecimiento en 2009.

Una habitación de una histórica casa señorial del siglo XVI del pequeño pueblo de Castellserà (Lleida) acoge una colección de más de 300 objetos únicos que en su día pertenecieron a Michael Jackson. El recinto, conocido como La Casa dels Àngels es, además de una atracción turística, el lugar de residencia del reconocido mago catalán Josep Maria Lari (Mag Lari) desde 2022. Hasta entonces, el edificio permanecía cerrado al público.

La gran mayoría de las piezas han sido adquiridas en subastas internacionales y, preguntado por elDiario.es, Lari prefiere no confesar cuánto dinero ha invertido en ello. El ilusionista ha viajado en numerosas ocasiones a ciudades como Nueva York o Los Ángeles para conseguir algunos de los objetos más destacados, aunque reconoce que, desde 2010, el mercado se ha trasladado casi por completo al ámbito online.

Al abrir la puerta de la sala, suena You Rock My World y se aprecia un espacio cuidadosamente iluminado y ordenado, con una estética cercana a la de un museo. Cada pieza está acompañada de una ficha descriptiva con su contexto y fecha, mientras de fondo suenan algunos de los grandes éxitos del artista.

El espacio, bautizado como “Sala Wonderland”, permite, en cierta medida, adentrarse en la intimidad del Rey del Pop y conocer fragmentos de su universo personal, especialmente de su icónica residencia de Neverland. Entre los objetos expuestos destacan vajillas, juegos de mesa, un muñeco, elementos decorativos, un tocadiscos o artículos personales como perfumes, un cepillo de pelo o unas tijeras para las uñas. También se conservan notas dirigidas a su secretaria con indicaciones laborales, así como varios discos de oro.

Entre las piezas más llamativas para el público –según explica Lari– encontramos un chicle usado de 1984, cuyo origen exacto se desconoce, y varios mechones de cabello enmarcados. No obstante, la “joya de la corona” para el mago es el icónico guante de cristales Swarovski que el artista utilizó en su último concierto en el Madison Square Garden en 2001, compartiendo escenario con figuras como Whitney Houston o Britney Spears.

Una parte significativa de la colección procede de un antiguo almacén de la familia Jackson que, tras quedar abandonado por impago, fue adquirido por el coleccionista Henry Vaccaro, considerado uno de los mayores poseedores de objetos personales del cantante. Otras piezas han sido compradas a fans que lograron hacerse con recuerdos en conciertos o a las puertas de hoteles, como una funda de cojín también expuesta. “Los fans esperábamos toda la noche frente al hotel donde se alojaba”, recuerda Lari.

La sala incluye además otros objetos curiosos como agendas de miembros de la familia Jackson, un cartel de “no aparcar” colocado por la policía frente a Neverland el día de la muerte del artista, publicaciones religiosas de los Testigos de Jehová, un barrote de la terraza de la casa donde se gravó “Thriller” o material promocional de sus giras. 

A ello se suma una extensa colección de vestuario, desde trajes y chaquetas icónicas hasta prendas más cotidianas como pijamas, bañadores, sombreros o zapatos de su infancia, de la época en la que formó, junto a sus hermanos, los Jackson 5.

Fan del artista desde los ocho años, Lari asistió a varias giras internacionales, pasó noches enteras esperando a las puertas de hoteles, conoció personalmente a Jackson en Los Ángeles en 2009 –de donde conserva un autógrafo expuesto en la sala– e incluso acudió a su funeral. Además, le dedicó un espectáculo de magia en Barcelona y publicó un libro sobre sus experiencias siguiendo a su ídolo.

La visita a la sala forma parte de la experiencia completa de la Casa dels Àngels, que incluye un recorrido guiado por la historia del edificio, un espectáculo de magia y un restaurante de cocina local. El inmueble, de 792 metros cuadrados, está catalogado como bien cultural de interés local y acumula siglos de historia: acogió una comitiva de Felipe V, recibió a Pau Casals y, según varias leyendas, fue escenario de un ahorcamiento de una chica considerada “bruja”.

La exposición pone en valor el legado artístico del cantante y presenta los objetos como auténticas piezas de museo, en contraste con la persistente controversia que sigue rodeando su figura por las acusaciones de abusos a menores.

Esta polémica se ha reactivado recientemente tras el estreno del documental The Trial, que incluye audios inéditos difundidos por el periódico The New York Post, en los que Jackson pronuncia frases sobre su relación con los niños como: “los niños acaban enamorándose de mi personalidad. A veces me meto en problemas”; “si me dijeras ahora mismo... 'Michael, nunca podrías ver a otro niño...' me suicidaría” o “los niños... solo quieren tocarme y abrazarme”.

Cabe recordar que en 1993 fue acusado por primera vez de abusos sexuales a un menor, aunque el caso se resolvió mediante un acuerdo extrajudicial. En 2005, un jurado lo declaró no culpable de todos los cargos en un nuevo proceso. Sin embargo, la controversia resurgió en 2019 con el documental Leaving Neverland, donde dos hombres denunciaron supuestos abusos en su infancia.

Aunque estas demandas fueron inicialmente desestimadas, en 2023 una corte de California reabrió los casos, y se prevé un nuevo juicio durante 2026. En este contexto, la figura de Michael Jackson continúa siendo objeto de debate global, mientras sus hijos intentan defender su imagen y proteger su herencia, también en medio de disputas legales relacionadas con la gestión de su patrimonio.

Ya queda menos para el biopic sobre Michael Jackson. La película dirigida por Antoine Fuqua llegará a los cines de España el próximo 24 de abril, momento en el que finalmente podremos ver cómo Jaafar Jackson ha conseguido meterse en la piel de su tío. Y, como no podía ser de otra forma, el largometraje estará lleno de música.

Así lo ha confirmado el propio equipo de la película, que ha compartido en sus redes sociales la lista completa de canciones que sonarán en Michael (2026). En total, serán 13 los temas que acompañarán esta historia, y tendremos un poco de todo: desde los primeros éxitos de los Jackson 5 hasta los hits más emblemáticos que convirtieron al artista en un icono internacional en los años 80. 

De niño a ídolo global

La película arranca en Gary (Indiana) y muestra los primeros años de Michael como uno de los integrantes de los Jackson 5, la banda que formó junto a sus cuatro hermanos varones y que fue el inicio de su carrera en la música. Para esta etapa, la película incluye I’ll Be There, Never Can Say Goodbye, Who’s Lovin’ You y un medley de I Want You Back / ABC / The Love You Save.

El largometraje sigue con el momento en que Michael empieza a destacar como artista más allá de la banda familiar, e incluye canciones como Ben, su primer éxito en solitario. Más tarde llegó Off the Wall (1979), disco producido por Quincy Jones, el cual lo consolidó como artista adulto. De esta época, la película utiliza canciones como Don’t Stop ’Til You Get Enough yWorkin’ Day and Night.

Michael también sigue la creación de Thriller (1982), el álbum más vendido de la historia y que hizo que Jackson se llevara el título de “rey del pop”. Para ilustrar esta época, el equipo creativo de la película ha escogido hits emblemáticos de su carrera como Beat it, Thriller, Billie Jean, Human Nature y Wanna be startin' somethin'.

La última de las canciones que completan la lista es Bad, del álbum homónimo que el artista lanzó en 1987. De hecho, el largometraje no profundiza más allá de esta fecha, lo que explica que no incorpore otros temas posteriores de enorme éxito, como Black or White, Heal The World, Remember the Time o They Don’t Care About Us.

¿Habrá una segunda parte?

Viendo el historial de canciones, se confirma que el biopic se centrará únicamente en la primera mitad de la carrera de Michael Jackson. ¿Qué pasará con la etapa más convulsa del artista? Hablamos de los escándalos mediáticos y conflictos personales que lo rodearon desde principios de los 90 hasta su muerte en 2009. Aunque no hay confirmación oficial de secuela hasta la fecha, todo parece indicar que si Michael funciona en salas, podría haber una segunda parte.

Este 2026 está marcado como un año especial para los fans de Michael Jackson por el estreno del biopic sobre su vida, Michael, dirigido por Antoine Faqua y protagonizado por Jaafar Jackson, sobrino del llamado ‘rey del pop’, en una película que cuenta con la colaboración de la familia del cantante, con otros actores de la talla de Colman Domingo o Miles Teller formando parte del proyecto.

Todavía no se sabe si en este biopic aparecerá uno de los momentos más complicados para el cantante, pero la plataforma Hulu acaba de estrenar un documental llamado “Michael Jackson: 30 Fatal Seconds” en el que se muestran imágenes inéditas sobre el incidente en un anuncio publicitario que afectaría al artista de por vida.

El anuncio de Pepsi que cambió la vida de Michael Jackson

Fue la noche del 27 de enero de 1984 la que marcó un antes y un después en la vida de Michael Jackson. Lo que debía ser un rodaje espectacular para un anuncio de Pepsi terminó por convertirse en el inicio de una cadena de consecuencias físicas y emocionales que lo acompañarían hasta su muerte en 2009. Este accidente tuvo lugar en el Shrine Auditorium de Los Ángeles y fue el inicio de un deterioro silencioso del ‘rey del Pop’.

El anuncio buscaba promocionar la gira Victory Tour de The Jacksons y tenía como concepto el interpretar una versión especial de “Billie Jean” ante una multitud, con un despliegue de pirotecnia cuando el cantante apareciera en lo alto de una escalera. Algo sencillo, pero impactante. Para él, se utilizarían unas bombas de magnesio que debían explotar a ambos lados mientras descendía. Sin embargo, tras varios intentos fallidos, el director Bob Giraldi pidió al cantante que estuviera más tiempo arriba para mejorar la que había sido la toma, una decisión que al final resultó fatal.

Entonces, en esa última repetición, los efectos especiales fallaron. Las cargas explotaron demasiado cerca de su cabeza y las chispas prendieron fuego a su cabello. Michael Jackson no se dio cuenta y continuó bailando unos segundos más hasta que el dolor lo obligó a detenerse, algo que relató así en su autobiografía Moonwalk: “Sólo más tarde supe que esas bombas estaban a apenas 60 centímetros de cada lado de mi cabeza, lo cual fue un total desprecio de las normas de seguridad”.

Cuando pasó esto, el caos se apoderó del set y comenzaron los gritos, carreras y pedidos desesperados de hielo, mientras el artista era asistido de urgencia. Las llamas se habían propagado con rapidez, agravadas por el uso de productos capilares que eran altamente inflamables, algo que era común en los años ochenta. Su hermano Jermaine Jackson llegó a pensar que había sido un atentado y que le habían disparado desde el público al verlo caer tras la explosión.

Adicto a los medicamentos, fobias y pesadillas: las secuelas del accidente

Las secuelas fueron profundas en la vida de Michael Jackson, quien sufrió quemaduras de segundo y tercer grado en el cuero cabelludo y parte del rostro. De hecho, nunca volvió a recuperar el crecimiento del pelo en la zona quemada y debió recurrir a pelucas y sombreros de forma permanente, un rasgo que terminaría siendo parte de su imagen pública, a la vez que se sometió a varias cirugías estéticas, incluidos dolorosos procedimientos con expansores de tejido. Esto también llevó a que durante años sufriera dolores diarios en el cuero cabelludo, intensas migrañas, pesadillas y una fuerte fobia al fuego y a los efectos pirotécnicos.

Tal es así que, para sobrellevar el dolor, comenzó a utilizar analgésicos y sedantes, y lo que fue inicialmente un tratamiento médico derivó en una dependencia progresiva que marcaría el resto de su vida, pues el propio ‘rey del Pop’ reconocería que el sufrimiento constante lo empujó a buscar alivio en la medicación, que prolongó hasta su fallecimiento en 2009.

Por lo sucedido durante el rodaje del anuncio, Pepsi asumió los gastos médicos y ofreció una compensación al cantante de 1,5 millones de dólares, que donaría al Brotman Medical Center para crear el Michael Jackson Burn Center for Children. Si bien el accidente había sido grabado, su impacto real no trascendió plenamente hasta después de la muerte del cantante, con unas imágenes que no se vieron hasta ya fallecido.

Esta madrugada a las 4, el canal MTV 00s finalizaba su emisión tras terminar el videoclip de ‘Bye Bye Bye’ de NSYNC, todo un mensaje de la conclusión del heredero de VH1 en Europa, que comenzó en agosto de 2021 con ‘Can’t Fight the Moonlight’ de LeAnn Rimes, banda sonora de la película ‘El Bar Coyote’ (2000).

Y es que MTV anunció el cierre de sus canales europeos de música, que se ha hecho efectivo este 31 de diciembre, con lo que se termina una época para el canal que fue buque insignia de la edad dorada de los videoclips, con la espera de lo que sucederá con los canales hermanos en Estados Unidos, cuya decisión depende de su propietario, Paramount Network. El recorte de presupuesto tras su fusión con Skydance está detrás de la decisión, que también es muestra del cambio de consumo musical y del rumbo del canal, dedicado más al reality show, diferente a lo que fueron sus inicios.

La historia de MTV: del rock a todo un fenómeno de masas

El 21 de agosto de 1981 comenzaba su emisión el canal MTV y el primer videoclip que se emitió fue ‘Video Killed the Radio Star’ del grupo británico The Buggles, toda una declaración de intenciones, en un comienzo de la cadena en búsqueda de revivir la industria musical, en plena crisis.

El desarrollo de la televisión por cable motivó a crear este canal, que tuvo al videoclip como una nueva forma de consumo musical con una fuerte irrupción, a manos de Warner, que tenía como objetivo acercarse a los adolescentes de los 80, residentes en suburbios y blancos, lo que los llevó a orientarse al rock. Ante la falta de material para emitir durante sus 24 horas hizo que se acercaran también a artistas europeos, donde destacaron los británicos Duran Duran, Iron Maiden o Culture Club.

MTV fue cambiando ante la queja de falta de artistas negros, algo que denunciaron públicamente figuras como David Bowie, y ante la amenaza de ser vetados, aceptaron promocionar a un artista que le pedían, Michael Jackson, del que se emitió ‘Billie Jean’ y cuyo éxito demostró que la premisa que tenían en sus comienzos era falsa.

De aquí fue como Michael Jackson se convirtió en uno de los cantantes insignia de la MTV, con ‘Thriller’ como uno de los videoclips icónicos, el segundo más emitido en la cadena televisiva en toda su historia, seguido de ‘Vogue’ de Madonna, otro de los artistas que protagonizaron esta edad dorada del vídeo.

Los comienzos de la MTV fue un revulsivo de la industria musical, disparando el gasto en videoclips y la venta de discos de las canciones que aparecían en la televisión, y en 1984 llegaron los MTV Video Music Awards, creando también programas de géneros especializados y exitosos como ‘Unplugged’ donde se dieron conciertos míticos como los de Nirvana o Eric Clapton.

El inicio del cambio: la llegada de los ‘reality show’

La caída de audiencia en los 90 propició la creación de nuevos programas que se alejaban de la música, como el ‘House of style’ de la modela Cindy Crawford, donde daba consejos de estética, y en este sentido fue cuando nació el que es considerado el primer ‘reality show’ de la historia, ‘The Real World’, que duró en emisión 32 temporadas hasta su final en 2016.

De hecho, la presencia de los videoclips en MTV se redujo un 36,5 % en los años 90 con el éxito de programas como ‘Teen Mom’ o ‘Geordie Shore’, tanto es así que en 2010 renunció a la coletilla ‘Music Television’.

Este jueves se lanzó el primer tráiler de ‘Michael’, uno de los biopics más esperados del cine sobre la vida del ‘rey del pop’, Michael Jackson, que ya tiene oficializado el momento de su estreno, para abril del próximo año, y en las primeras imágenes de la película lo que ha destacado es el gran parecido del protagonista con el fallecido cantante.

Y es que detrás de la interpretación de Michael Jackson se esconde Jaafar Jackson, sobrino del artista e hijo de su hermano mayor Jermaine, que se ha transformado en el famoso cantante para darle vida en un biopic que repasa momentos icónicos como el de la grabación de ‘Thriller’, como se puede apreciar en el tráiler con el que ya se confirma la fecha de estreno después de posponerse hasta en varias ocasiones.

A eso hace referencia, de hecho, los primeros compases de la cinta, con un “sé que llevas mucho tiempo esperando esto. Las pistas están hechas, las canciones están listas. Empecemos desde el principio”, encuadrado dentro de la historia, como un gancho perfecto para presentarnos la película dirigida por Antoine Fuqua, y con un reparto que completan también Miles Teller o Colman Domingo.

Así se ha transformado Jaafar Jackson en su tío Michael Jackson

Uno de los momentos más críticos del proyecto del biopic sobre Michael Jackson fue el de encontrar protagonista, un reto que recayó finalmente en Jaafar Jackson, sobrino del artista al ser el segundo hijo de su hermano Jermaine Jackson y que fue también integrante de la banda Jackson Five.

Jaafar Jackson creció en Los Ángeles y lleva en la sangre la música, a la que se dedica de forma profesional. En 2019 lanzó su primera canción, ‘Got Me Singing’, con ritmos que recordaron al de su legendario tío que ahora interpreta en su biopic.

Una película, ‘Michael’, que dirige Antoine Fuqua (‘Training Days’), y del que comentó ya con sus primeras impresiones: “¡Guau, es Michael! Su aspecto, su forma de actuar, sus gestos, todo... es Michael Jackson. Para cualquiera que no haya tenido la oportunidad de ver a Michael actuar en directo durante su vida, así era”.

Aunque a su vez, Fuqua, asegura que “lo más importante va más allá del parecido físico, es el espíritu de Michael que se manifiesta de forma mágica”. Una versión que ha confirmado también la madre del fallecido cantante, que declaró en un comunicado de Lionsgate Films cuando se anunció su elección: “Jaafar personifica a mi hijo. Es maravilloso verlo continuar con el legado de artistas e intérpretes de la familia Jackson”.

Cuando se estrena ‘Michael’, el biopic de Michael Jackson

Con la publicación del tráiler de la película sobre la vida de Michael Jackson, dirigida por Antoine Fuqua, se confirma también su estreno para la próxima primavera, en un biopic que tratará sobre su transformación en el ‘rey del Pop’ pasando por sus inicios como integrante de los Jackson 5. Así, a pesar de que su producción finalizó ya en mayo de 2024, no será hasta el próximo 24 de abril de 2026 cuando se podrá disfrutar de uno de los biopics más esperados del cine.

Este 12 de septiembre llega a los cines españoles uno de los estrenos más esperados, el de la nueva película de Alejandro Amenábar que relata el desconocido cautiverio de un joven Miguel de Cervantes en Argel, y que es el último biopic en pantalla grande tras algunos de este 2025 como el de Bob Dylan o el de Maria Callas.

Antes de que termine el año todavía llegarán algunos de los biopics más esperados, entre los que se encuentra el de Bruce Sprignsteen o el de Mark Kerr, así como hay otros que se darán en los próximos 2026 o 2027 y que confirman que las biografías son una de las fuentes que el cine más está utilizando junto a ‘remakes’ o ‘sagas’.

Miguel de Cervantes en ‘El Cautivo’

Desde ‘Mientras dure la guerra’ de 2019, Alejandro Amenábar no estrenaba un largometraje y es por eso que ‘El Cautivo’ es uno de los estrenos más esperados del cine español, en una película que cuenta la historia de Miguel de Cervantes en Argel, durante su juventud, cuando fue encarcelado en 1575, y que quiere indagar en un aspecto más desconocido de la vida del autor de ‘Don Quijote de la Mancha’.

Bruce Springsteen en ‘Deliver Me From Nowhere’

El próximo 24 de octubre de 2025 llegará a los cines de España el espero biopic de Bruce Springsteen con Jeremy Allen White, conocido por la serie ‘The Bear’, en el papel protagonista, y cuya ‘premiere’ mundial será en el Festival de Nueva York el 27 de septiembre.

El biopic está dirigido por Scott Copper y se centra exclusivamente en un episodio de la vida de ‘The Boss’ cuando tras su mayor éxito comercial se embarcó en el viaje artístico para la creación del disco ‘Nebraska’ y que está basado en el libro del mismo nombre que fue publicado en 2023 y escrito por Warren Zanes.

Mark Kerr en ‘The Smashing Machine’

15 minutos de ovación en el Festival de Venecia pusieron en boca de todos a ‘The Smashing Machine’, la próxima película de Dwayne Johnson y Emily Blunt, dirigida por Benny Safdie, que se llevó el premio a mejor dirección en la ‘Biennale’, y que cuenta la historia de Mark Kerr, luchador de MMA (Artes Marciales Mixtas).

Para el papel de Mark Kerr, Dwayne Johnson ha tenido que pasar por una transformación que en los cines de España se podrá ver el próximo 3 de octubre y que asegura ser uno de los biopics más destacados de la carrera de premios.

Lorenz Hart en ‘Blue Moon’

La nueva película de Richard Linklater, ‘Blue Moon’ es un biopic del compositor Lorenz Hart al que da vida Ethan Hawke, antes del estreno del nuevo musical ‘Oklahoma’ de su examigo Richard Rodgers, al que interpreta Andrew Scott. Tuvo buena acogida en el Festival de Berlín 2025 y en España se estrena en cines el 28 de noviembre.

Michael Jackson

El biopic de Michael Jackson es uno de los más esperados y estaba previsto para 2025, pero Lionsgate la pospuso a 2027 y todavía no queda claro si está tendrá dos partes. Lo que sí se conoce es que es un sobrino del artista, Jaafar Jackson, da vida al llamado rey del pop y que está dirigida por Antoine Fuqua.

Fred Astaire, Los Beatles o Britney Spears

De entre los biopics más esperados y de los que todavía no se conoce mucho, encontramos por ejemplo la película sobre la estrella del cine musical, Fred Astaire, al que dará vida Tom Holland, y que será obra de Sony Pictures, así como las cuatro películas sobre Los Beatles que prepara Sam Mendes, con Paul Mescal, Joseph Quinn, Harris Dickinson y Barry Keoghan como los protagonistas, o la adaptación de la autobiografía de Britney Spears, que llevará el cineasta Jon M. Chu y que todavía no tendría actriz seleccionada a pesar de que suenan nombres como Sabrina Carpenter o Millie Bobby Brown.

Un 26 de febrero de 1983, Michael Jackson se consagraba como estrella cuando su álbum Thriller se colocó en lo más alto de la lista Billboard 200 albums de los Estados Unidos. Un hito que quedaría en la historia de la música al acabar siendo el disco más vendido del mundo con unas ventas que están estimadas en 70 millones de copias.

Lo que pocos saben sobre un disco que forma parte de la historia de la música es que a punto estuvo de tener otro nombre, porque la canción que da nombre al álbum llego a tener hasta dos títulos distintos hasta que llegó a ‘Thriller’, y el resto es de sobra conocido.

‘Midnight Man’, el que pudo haber sido el disco más vendido de la historia de la música

Thriller vendería 32 millones de copias a finales de 1983 y que alcanzaría aproximadamente las 70 en todo el mundo a lo largo de los años, lo que lo ha convertido en historia de la música, pero su nombre estuvo a punto de ser ‘Midnight Man’, y lo cambiaría todo una decisión de última hora.

Todo viene del hecho de que la canción ‘Thriller’, que es la que da nombre al álbum, fue planteada en un principio con otro título, ‘Starlight’, cuando fue escrita por Rod Temperton, un compositor británico que fue reclutado por el productor Quincy Jones para que trabajara en el proyecto como solista de Michael Jackson.

Temperton, de hecho, estuvo de lo más indeciso para poner título a su obra musical, llegando incluso a exagerar que fueron entre doscientos los posibles que obtuvo en una habitación de hotel donde dio vida al mítico éxito que es uno de lo más ligados a la carrera del rey del pop.

De todos esos nombres, el que más le convenció fue ‘Midnight Man’, que se quedó como el escogido antes de irse a dormir. Sin embargo, al despertarse a la mañana siguiente, la palabra ‘Thriller’ se quedó en su cabeza y lo cambió rápidamente porque se dio cuenta que era la que tenía el gancho comercial.

“Algo en mi cabeza me dijo: este es el título. Se podía visualizar en lo más alto de las listas de Billboard”, declaró el propio compositor, al que el enorme éxito que obtuvo le dio toda la razón. Así fue como no solo cambió el nombre de la canción, sino también la del disco, que saldría a la venta a finales de 1982 y rompería récords de ventas, lo que demostró el potencial comercial que visualizó el propio compositor británico en la habitación de su hotel.

El legado de Thriller en la música

Thriller confirmó a Michael Jackson como estrella de la música y comenzó su andadura considerado como ‘rey del pop’, rompiendo barreras al llegar a ser recibido por el entonces presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan, en la Casa Blanca, así como daría lugar a otra manera de entender el marketing en la industria musical.

Y es que el álbum Thriller sería el que daría pie a los videoclips de singles en la MTV como forma de promoción de los discos, usándolo él mismo con éxitos icónicos como ‘Billie Jean’ o la propia ‘Thriller’, con un video de 14 minutos que ha traspasado generaciones y en donde Jackson acaba convertido en un zombi.

De las nueve canciones que lo conforman, muchos de ellos éxitos icónicos de la música pop, siete llegaron a ser singles, y curiosamente el último en ser lanzado fue ‘Thriller’, el 2 de noviembre de 1983. Al éxito comercial del disco se le une el de crítica y galardones, al obtener un total de ocho premios Grammy, entre ellos álbum del año, en la edición de 1984.

Este 10 de febrero, el rapero Kendrick Lamar, ganador de 17 premios Grammy, será el encargado de protagonizar el intermedio de la Superbowl de 2025 que disputan Philadelphia Eagles y Kansas City Chiefs por coronarse como el mejor equipo de fútbol américano al ganar el campeonato de la NFL. Una actuación de intermedio con historia de la música desde que en 1993 Michael Jackson fuera el primero que lo convirtiera en un espectáculo para atraer a milones de espectadores.

1993: Michael Jackson, el inicio del espectáculo 'halftime' de la Superbowl

Hoy en día cuesta entender la Superbowl, la final de la NFL, sin su famosa actuación de intermedio que reune a millones de espectadores de todo el mundo frente a la televisión, pero esto no siempre fue así, sino que cambió para siempre cuando en 1993 Michael Jackson decidió actuar por 15 minutos.

El éxito fue tal, 91 millones de personas viendo la actuación, que la organización cambió lo que era un desfile de bandas de música por espectáculos de los mejores artistas, y la icónica entrada en la que el rey del pop simulaba saltar desde dos pantallas de video quedó para siempre en la historia de la música y la Superbowl.

2004: la actuación de intermedio más polémica de la Superbowl

Michael Jackson no es el único de su familia que ha tenido protagonismo en la Superbowl, pues su hermana Janet también fue estrella de uno de los shows, pero recordado por una razón totalmente distinta, por la de la polémica. Y es que al finalizar su actuación junto a Justin Timberlake en 2004, uno de los pezones de la cantante quedó al descubierto, sin saberse todavía claro que fue exactamente lo que ocurrió, si fue planeado, o se debió a un “problema de vestuario” como alegó la artista.

Esto, sin embargo, cambió también lo que sería el futuro de las actuaciones, pues desde entonces llevan un retraso de dos segundos respecto al directo para poder controlar lo que llega a los espectadores y no ocurra algo similar a lo que sucedió con Janet Jackson.

Esta actuación no solo fue la más polémica, sino que además ha tenido especial relevancia en la historia reciente al ser lo que promovió que Jawed Karim creara Youtube, al buscar crear una plataforma de videos tras haberse perdido este momento en directo y no encontrar un lugar claro al que acudir para verlo.

2013: Beyoncé y la reunión 'imposible' de las Destiny's Child

Desde que Beyoncé lanzara su carrera en solitario, la pregunta era continua de cuando habría una reunión con las Destiny's Child, el grupo femenino con el que saltó a la fama. Ella negaba continuamente que esto fuera a suceder, pero eso que parecía imposible llegó a tener lugar durante su actuación en el 'halftime' de la Superbowl de 2013, donde no solo el volverla a ver cantar con Kelly Rowland y Michelle Williams fue uno de los grandes momentos sino también su número final de 'Halo'.

2015: Katy Perry, todo un récord de audiencia y de locura

Una de las actuaciones más recordadas es también la que supuso toda una locura en el escenario, la de Katy Perry en el año 2015. Hubo de todo junto a la artista, desde un ajedrez humano, una playa hasta un grupo de raperos, pero uno de los grandes momentos fue la aparición de Lenny Kravitz para interpretar 'I kissed a girl'. Una actuación que rompió récords de audiencia al alcanzar los 121 millones, solo superado en 2023 por Rihanna y en 2024 por Usher.

2017: Lady Gaga y la actuación más reivindicativa en política de la Superbowl

Tras la de Michael Jackson, una de las entradas más icónicas en una actuación de intermedio de la Superbowl la protagonizó Lady Gaga en 2017 cuando entró volando desde lo alto del estadio, en la que también es una de las que ha quedado como más reivindicativas a nivel político al aprovechar la cantante para dirigirse a los niños estadounidenses y denunciar las políticas migratorias de Donald Trump con un claro “es una tierra de libertad y justicia para todos” cuando interpretaba 'God Bless America'.

Quincy Jones, director de orquestas de jazz, compositor, arreglista y productor musical, apodado desde joven “el padrino” por sus propios compañeros de profesión ha fallecido en su domicilio de Bell Air, en el área de Los Ángeles, a los 91 años de edad. Se va de este modo una de las grandes figuras que impulsaron el pop de raíz afroamericana desde finales de los 70 del siglo pasado.

Tal vez, fuera del ámbito anglosajón, la figura de Quincy Jones sea relativamente desconocida, en especial para las generaciones más jóvenes. Pero si se mira hacia el making off de las mayores estrellas y de algunos de los discos más importantes de la historia del pop, su presencia es de una importancia vital. Por ejemplo, Jones fue el productor ejecutivo y musical de un disco tan fundamental como Thiller de Michael Jackson.

Pero también está detrás de Off the Wall, el estreno de Jackson en solitario y que está considerado uno de los trabajos más sampleados tanto por músicos de hip hop como de la música electrónica. Así, la influencia de Jones en la música del último tercio del siglo XX es fundamental para entender su evolución.

Primeros años

Para los amantes de los megaconciertos y las grandes causas benéficas, Jones también será recordado por ser uno de los promotores del legendario Live Aid, pero en especial por producir la canción We are the world, en la que participaban todas las grandes estrellas del momento aportando su estribillo.

Pero la carrera de Jones arranca mucho antes de estas gestas de final de siglo, concretamente en la posguerra de la Segunda Guerra Mundial. Jones, nacido en 1933 en una familia afroamericana de clase media de Chicago, se reveló como un precoz genio musical. A los 14 años tocaba la trompeta en locales de blues y soul del área de Seattle y fue reclutado por Lionel Hampton para su big band.

A los 17 se desplazó a Nueva York, donde se relacionaba con gente del be bop como Charlie Parker o Dizzy Gillespie, con quien gira por Sudamérica, pero también colaboró con Miles Davis en un momento en que el cool jazz estaba en auge. Y también trató con otros mitos como el inclasificable Thelonious Monk, la cantante Billie Holiday o el proteico baterista Gene Krupa.

Mudanza a París y retorno en los 60

Pero la inquietud y el genio musical de Jones no se conformaban con su precoz carrera como virtuoso de la trompeta y le llevaron a mediados de los años 50 a mudarse a París para estudiar con el compositor de música clásica francés Olivier Messiaen. En la capital francesa también se relaciona con otros grandes compositores norteamericanos como Leonard Bernstein y Aaron Copland.

Allí trabaja como director musical para la discográfica Barclay Records y adicionalmente como compositor y arreglista para los artistas del sello. Con este bagaje, regresa a Estados Unidos en 1961 para crear su propia orquesta de jazz, con la que crearía algunos de los discos más importantes no solo del jazz de aquellos años, sino también de la música ligera y de baile de las siguientes décadas, el conocido como easy listening.

De hecho, en los 90 y a principios del siglo XXI fue intensamente reivindicado por los productores musicales y principales DJ de la música clubbing, en especial temas como su versión del Summer in the city, de los Lovin' Spoonfull, que inspiró a artistas del Trip Hop como Nightmares on wax.

Desde 'Big Band Bossa Nova' a 'Off the wall' y 'Thriller'

Pero tal vez uno de sus trabajos más destacados e innovadores fue el disco de debut de la Quincy Jones Big Band en 1962, llamado Big Band Bossa Nova, en la que el Jones trataba temas de este estilo brasileño, entonces muy estimado en Estados Unidos, con un peculiar ritmo que engarzaba con el incipiente pop que comenzaba a superar la época del rock'n'roll más marginal y rural para abrirse al gran público urbano.

Desde entonces y hasta finales de los 70 su carrera se dirigió hacia los territorios híbridos de la música jazz y el baile con fama desigual a nivel de público, pero siempre fue solicitado como productor y promotor de jóvenes talentos –y no tan jóvenes, si se tiene en cuenta su producción del disco L.A is my lady para su amigo Frank Sinatra– por lo que se le apodó “el padrino”.

Tuvo un gran éxito comercial a principios de los 80 con Ai no corrida, un producto algo enlatado, listo para consumir en discotecas, que le reportó grandes beneficios. Pero su gran momento de gloria fue su promoción, apadrinamiento y producción de un artista que de su mano se convertiría en “el rey del pop”: Michael Jackson.

Juntos crearon dos enormidades musicales, consideradas piezas seminales de lo que sería la música pop bailable y comercial a partir de entonces: Off the wall, que supuso una transición desde la música disco negra de los 70 hacia estilos como el hip hop y el soul ochentero, y Thriller, uno de los discos más exitosos e importantes de la música moderna y que señalaría el camino a futuras generaciones de artistas.

El guitarrista y vocalista Tito Jackson, uno de los integrantes del grupo The Jackson 5, formado por cinco hermanos de Gary (Indiana), entre ellos el rey del pop, Michael Jackson, falleció a los 70 años, según informaron sus tres hijos en Instagram sin desvelar la causas de su muerte. “Estamos rotos, apenados y conmocionados. Nuestro padre era un hombre increíble que se preocupaba por todos y por su bienestar”, afirman Taj, Taryll y TJ Jackson, que en la década de los años 90 formaron el trío 3T siguiendo la tradición familiar.

Tito formó con sus hermanos Jackie, Jermaine, Marlon y Michael (fallecido en 2009) el famoso grupo The Jackson 5, que tuvo como primer sello discográfico a Motown (1969-1975) y fue una de las bandas más populares de su época.

En su debut discográfico, consiguieron que sus primeros cuatro sencillos, I Want You Back, ABC, The Love You Save y I'll Be There, llegaran a los primeros puestos de las listas de éxito en EEUU.

En 1984, el grupo lanzó Victory Tour, un álbum en el que Tito cantó We Can Change the World y tuvo un papel destacado como instrumentista, y al año siguiente participó en el proyecto USA for Africa para recaudar fondos para los afectados por la hambruna en el continente.

Tito fue el tercero de diez hijos de la familia Jackson. Recientemente había actuado con sus hermanos Marlon y Jackie en Inglaterra y participado a fines de agosto en el Festival Fool in Love en Hollywood Park, en California.

Tito también había grabado y realizado muchos espectáculos como guitarrista de blues en los últimos 20 años, bajo su propio sello o con la B.B. King Blues Band.

Las listas de los mejores cantantes de la historia, los mejores discos de la década y las canciones más influyentes del siglo XX son muy entretenidas, pero ya están muy vistas. ¿Y los rankings postmortem? El artista más rico del cementerio, el que generó más disputas entre sus herederos, el que redactó más testamentos… ¿Quién se encarga de cuantificar tan jugosa información? A estos escabrosos menesteres se ha dedicado el periodista inglés Eamonn Forde. Y el resultado es un libro explícitamente titulado Royalties de ultratumba (Liburuak, 2024).

Hay bastante consenso en estas listas postmortem. El número uno en el ranking de fiambres más rentables es sin duda Michael Jackson. El testamento más cuidadosamente redactado es el de David Bowie; al parecer, muy inspirado por el de Freddie Mercury, que durante décadas fue el testamento a imitar. Por contra, el más caótico y conflictivo jamás redactado es el de Marc Bolan. Aretha Franklin, en cambio, fue de las que más testamentos dejó (aún no se sabe si tres o cuatro), pero todos ellos con instrucciones contradictorias. Se cuenta que la cantante llevaba tan mal el papeleo que tras morir aparecieron cheques de derechos de autor e imagen no cobrados por un valor superior al millón de euros.

Trabajando para un artículo sobre el legado de Syd Barrett, miembro fundador de Pink Floyd, Forde intuyó que ahí había una mina no explorada: tras su muerte, algunos artistas desarrollaban una trayectoria tan o más interesante que en vida. De hecho, Tupac Shakur y Jeff Buckley han publicado más discos muertos que vivos. De Jimi Hendrix se publicaron tantos discos, de calidad dudosa, completados por músicos que no compartieron estudio con él, que el periodista llega a compararlos con el célebre ecce homo de Borja. Y si a Amy Winehouse no le ha pasado lo mismo que a Hendrix es porque, en una impulsiva maniobra, el presidente de Universal ordenó destruir todo material inédito para que nadie tuviese la tentación de editar canciones inacabadas o restaurables.

Un cuervo sobre la lápida

La imagen que ilustra Royalties de ultratumba no puede ser más incisiva: un cuervo posado sobre una lápida medio enterrada bajo una montaña de billetes. La imagen de contraportada remata la metáfora: la lápida es sustituida por una caja registradora y entre los billetes aparecen algunas calaveras. Como explica Forde en las primera páginas del libro, “un patrimonio como el de Elvis Presley no sigue siendo un éxito de taquilla 40 años después durmiéndose en los laureles”. Dicho de otro modo: el rey del rock sigue siendo el rey del rock porque alguien ha trabajado duro para perpetuar su reinado. Primero, arrebatando a su mánager, el Coronel Parker todo el poder sobre Elvis y después gestionando su legado con habilidad. “Elvis no inventó el rock’n’roll ni los patrimonios musicales, pero los convirtió a ambos en supernovas. Elvis fue el big bang de los patrimonios musicales”, afirma. Según la revista Forbes, en 2023 Elvis volvió a ser el segundo artista fallecido que más dinero generó, solo superado por Michael Jackson. Graceland aún recibe más de 500.000 visitantes anuales.

De la investigación de Forde se deduce, también, que no gestionar adecuadamente el legado de un artista puede deteriorar su popularidad poco a poco. Para cualquier persona nacida en 2004, por ejemplo, resulta inimaginable que Michael Jackson y Prince compitieran por el trono del pop en la década de los 80, ya que la obra del primero está muchísimo más presente en el imaginario colectivo actual que la del segundo. No es casualidad. Prince murió sin redactar testamento y tres multinacionales siguen disputándose su discografía oficial. También dejó 8.000 canciones inéditas, pero comercializarlas pasa por resolver antes mil y un embrollos legales. Por contra, Sony firmó en marzo de 2010 “el mayor contrato discográfico de la historia” para gestionar la obra de Michael Jackson. Todo un hito, puesto que Jacko llevaba ya 10 meses muerto.

Jeff Jampol, fundador de la empresa que gestiona los legados de Johnny Ramone, Charlie Parker, Henri Mancini y Janis Joplin, entre muchos otros, reconoce que el sector está lleno de “buitres que revolotean alrededor de un cuerpo en descomposición en busca de pequeñas áreas de carne aún fresca para consumir”, pero también hay personas que han evitado la sobreexplotación de ciertos catálogos. Phillips, la discográfica de Maria Callas, evitó el lanzamiento de un disco en vivo que insistía en publicar una familiar suya para hacer caja. Lo evitaron porque Callas canta fatal en esa grabación y publicarla desprestigiaría su imagen. En cambio, cuando falleció Roy Orbison, hubo reunión de urgencia en Virgin para adelantar una semana el lanzamiento de su disco póstumo. Y en cuanto murió Whitney Houston, el precio del recopilatorio Ultimate collection en iTunes subió de 4,99 libras a 7,99. Sony culpó del error a iTunes, pero...

Embrollos matrimoniales y paraísos fiscales

El libro insiste varias veces en que no redactar testamento (o fideicomiso) es casi sinónimo de litigios y demandas. Y pueden ser muy costosos. Se estima que para aclarar el destino de la herencia de Bob Marley su familia gastó más de ocho millones de dólares en abogados y notarios. Pero incluso cuando existe un testamento, la cosa se puede complicar. James Brown murió meses antes de que naciese su último hijo y ni siquiera había formalizado su relación sentimental con su última pareja. Movida. Ray Charles tenía doce hijos, pero la mayor parte de su herencia fue a su propia fundación. El pianista había avisado de su intención antes de morir, pero a sus hijos no les gustó. Movida. Cuando falleció Michael Hutchence, líder del grupo australiano INXS, su fortuna apareció repartida en varios paraísos fiscales. Más movida aún. Igual pasó con la herencia de Marc Bolan. Eludir el fisco inglés era una gran idea en 1971, pero todo el dinero que generan sus discos sigue pudriéndose en una cuenta de las islas Caimán.

Infinidad de artistas murieron sin testamentar: J Dilla, Sam Cooke, George Gershwin, Glenn Miller, Elliot Smith, Muddy Waters, Selena, Billie Holiday… Pero si las familias se llevan bien, la gestión del patrimonio puede incluso proporcionar al finado el reconocimiento que no disfrutó en vida. Así pasa con Nick Drake, cuyo legado artístico gestionan sus padres y hermana de forma escrupulosa. Sabedores de la timidez del cantautor inglés, han potenciado su obra al tiempo que preservaban su imagen. Han reeditado discos y han cedido canciones para anuncios, pero jamás han autorizado la filmación de un biopic o la comercialización de su figura. En el extremo opuesto, Dolly Parton ha dejado grabadas infinidad de pistas de voz para que solo haya que añadir arreglos instrumentales y seguir publicando discos a su nombre una vez nos abandone.

Royalties de ultratumba relata infinidad de batallas legales sobre las lápidas de las grandes estrellas. Más cruentas son cuando el legado pertenece a un grupo (los Doors, los Ramones) o cuando el reparto es desigual. Frank Zappa lo dejó todo a su esposa, pero cuando ella murió repartió la herencia con muy mala baba: dejó un 40% a dos hijos y el 60% a otros dos. Pero todavía más complicada suele ser la situación cuando empiezan a aparecer hijos no reconocidos bajo las piedras. Al cantante de soul Johnny Taylor le aparecieron tres y, sorpresa, ninguno de ellos mentía. A Prince, prolífico hasta en estos asuntos, le aparecieron 30; todos falsos. Hubo un tipo, explica Forde, que compró una muela de John Lennon en una subasta para utilizarla en futuras pruebas de ADN. Eso sí, a cambio exigía que si alguien era reconocido como hijo y por lo tanto heredero de la fortuna del ex Beatle, él también recibiría un porcentaje de la herencia.

Películas, musicales, subastas y... mascarillas

De un músico finado se puede vender casi todo. Para empezar, su imagen. Hay dinero a ganar en documentales, películas, musicales, series de animación, sellos, monedas (una con la cara de Bowie está flotando en el espacio), plumas estilográficas (una Montblanc en honor a Miles Davis cuesta 4.500 dólares), muñecas, adornos navideños, ropa de bebé... Puedes calzar unas bambas Converse con caligrafía de Kurt Cobain. Puedes merendar un helado de Ben & Jerry’s en honor al líder de Grateful Dead; un Cherry García con sabor a cereza. Y durante la pandemia podías evitar la COVID con aquellas mascarillas que comercializaron los herederos de Bob Marley y que llevaban impresa la frase: “Don’t worry about a thing” (No te preocupes por nada). Todo lo imaginable se ha vendido. ¡Hasta dos veces se ha subastado el coche donde fue tiroteado Tupac Shakur!

“La publicación de la primera lista Forbes de las celebridades fallecidas mejor pagadas, a principios de 2001, significó un hito, aunque en ese entonces pocos reconocieron la importancia que iba a adquirir”, insiste Forde. Pero claro, en esa época andábamos despistados con el terremoto Napster. Hasta la muerte de Buddy Holly, se asumía que cuando moría un cantante su obra perdía potencia. En las últimas décadas la dinámica se ha revertido hasta el punto de atraer el interés de fondos buitre. “El mundo de las inversiones está detectando el inicio de una fiebre del oro póstumo”, asume Forde. El patrimonio de Elvis ya ha sido recomprado y revendido varias veces. Julian Lennon ya vendió su parte a un fondo holandés. El negocio del momento es comprar catálogos de artistas.

De hecho, en los últimos años han surgido empresas especializadas en la gestión de catálogos discográficos y patrimonios de artistas. Y empresas dedicadas a gestionar las redes sociales de artistas fallecidos. The Spellbound Group, por ejemplo, lleva las cuentas de Instagram de Jim Morrison y Janis Joplin y uno de sus encargos más peliagudos fue mejorar la imagen de Michael Jackson tras la emisión del documental en el que se le acusaba de abusos sexuales a menores. También se han creado empresas especializadas en organizar archivos discográficos y de objetos de artistas vivos o muertos: Bob Dylan, Rory Gallagher, Lady Gaga, Johnny Cash... Paul McCartney tiene dos archiveros contratados a jornada completa. Los ingresos postmortem dan trabajo a mucha gente.

Las casi 800 páginas de Royalties de ultratumba son un pozo de datos y anécdotas. Cuesta creer que fuera necesario dedicar casi 100 páginas a las giras de hologramas. Y que no se haya podido mejorar una traducción que desliza frases tipo: “No se siente muy cálido trabajar con gente que está en la industria de trabajar con gente muerta”. Pero la gran duda que genera el libro se repetirá tras la muerte de cualquier artista. ¿Dejó testamento o en cuanto lo entierren empezará la batalla campal? ¿El testamento de Ryuichi Sakamoto sería tan minucioso como él? ¿Y el de Shane MacGowan, tan caótico como cabe imaginar? ¿Redactaría testamento Sinéad O’Connor? ¿Y María Jiménez? ¿Y…?

En los años 80, Etiopía vivió una terrible hambruna que mató a cerca de un millón de personas. Por las calles de España era habitual encontrarse a voluntarios de organizaciones católicas portando huchas y pidiendo unas monedas para paliar la situación. “Los negritos del África”, esos seres exóticos que en el imaginario patrio eran los protagonistas de los Conguitos y la canción del Cola Cao, estaban ahora muriéndose de hambre y necesitaban nuestra ayuda. El caso es que, en su lucha contra la pobreza extrema, los misioneros católicos contaron con un poderoso aliado. Un aliado al que nadie esperaba: la industria de la música.  

Todo empezó en octubre de 1984, cuando el músico irlandés Bob Geldof vio un reportaje de la BBC sobre la crisis en Etiopía, una situación que el enviado especial calificaba como “lo más cercano al infierno en la Tierra”. Las espantosas imágenes que salían del televisor removieron profundamente a Geldof, que decidió levantarse del sofá y tomar cartas en el asunto. Tuvo la idea de recaudar fondos a través de la venta de un single que reuniría a grandes figuras de la música británica. En apenas un mes, Geldof y el líder de Ultravox, Midge Ure, lograron componer la canción y grabarla con Band Aid, un supergrupo formado para la ocasión, además de promocionarla en los medios, fabricar las copias físicas y colocarlas en las tiendas. Por si fuera poco, presionaron al inflexible gobierno de Thatcher, de escasas inclinaciones humanitarias, para que donara el IVA generado por el disco. Todos estos esfuerzos tuvieron un final feliz, ya que rápidamente el sencillo se convirtió en el más vendido de la historia del Reino Unido y recaudó millones de libras para la causa.   

La letra de la canción, que se titula Do they know it’s Christmas?, gira en torno a la contraposición facilona entre un nosotros privilegiado y un ellos que necesita ser ayudado. Según nos cuenta, aquí vivimos en “mundo de abundancia” y “diversión”, pero en “África” reina la “fatalidad”, el “terror” y el “miedo” (tiene mérito incluir tales palabras en un villancico). La pieza no esconde su dimensión religiosa y nos insta a “rezar por los demás” y “dar las gracias a Dios” (por el hecho de que quienes sufren sean “ellos”, los africanos, y no nosotros). El punto álgido de la canción llega al final, cuando se nos invita con insistencia a llevar la Navidad, que opera como metáfora del bienestar, allá donde “ni siquiera saben que existe” (supongo que Geldof desconocía que el cristianismo ortodoxo es la religión mayoritaria en Etiopía). 

Más que criticar la letra del bienintencionado Geldof, que no tuvo tiempo para andarse con sutilezas y solo pretendía que el disco se vendiera como churros, lo interesante aquí es destacar la conexión que la canción establece entre consumo y activismo. Al pedir a los oyentes que “alimenten al mundo” mediante la compra del disco, las voces de Do they know it’s Christmas? nos interpelan en tanto que agentes de cambio en una economía de mercado. Según diría Geldof, no se trataba de “caridad”, sino de una forma novedosa y más “afinada” de hacer “política” (neoliberal, podría añadirse).  

El gran éxito de Band Aid hizo que en Estados Unidos quisieran repetir la jugada, esta vez bajo el nombre USA for Africa. La iniciativa estuvo liderada por estrellas afroamericanas del entertainment, a saber, el actor Harry Belafonte, el productor Quincy Jones y los cantantes Michael Jackson y Lionel Richie, que se encargaron de crear el himno We are the world. En la grabación intervinieron 46 intérpretes de primera línea, a los que Jones dejó claro que se trataba de un proyecto colectivo y les instó a que “se desprendieran de sus egos”. El consejo no estaba de más, pues de hecho algunos cantantes rehusaron participar por estar acostumbrados a recibir toda la atención y no querer compartirla con otros compañeros. Ese fue el caso de Prince quien, por otro lado, consideraba que la canción era “horrorosa” y podía dañar su reputación de artista excéntrico y cool.    

A diferencia de su antecesora británica, abrumadoramente blanca y masculina, el elenco de voces de USA for Africa fue una mezcla equitativa de celebridades blancas y negras y contó con una mayor presencia de mujeres. La mayor paridad reforzaba la retórica ecuménica de la canción, que de nuevo está narrada en una inclusiva primera persona del plural y presenta un desarrollo en pro de la colectividad: las voces primero cantan individualmente o a dúo, pero luego todas ellas se funden en el clímax grupal (we are the wooorld, we are the children…). 

El componente religioso es aún más evidente en el texto de la canción, que nos señala como miembros activos de “la gran familia de Dios”, aquellos que sentimos la “llamada” para socorrer a los menesterosos. Con nuestra generosidad estamos en realidad “salvando nuestras propias vidas” puesto que, a fin de cuentas, “nosotros somos el mundo”. El paternalismo megalómano que desprende la letra ha sido una constante histórica en la política internacional de los Estados Unidos. También lo encontramos, por ejemplo, en los discursos mesiánicos con los que unos años más tarde George W. Bush justificaría su cruzada global contra el terrorismo islámico. En cualquier caso, y a pesar de lo extraño que resultaba que unos artistas millonarios se identificaran con los niños moribundos del planeta, el single resultó un éxito comercial sin precedentes.  

La multinacional CBS, responsable del lanzamiento de We are the world, replicó la estrategia adaptándola al emergente mercado latino. El resultado fue la canción Cantaré, cantarás, cuya recaudación se destinó a programas de Unicef en América Latina y el Caribe. Su letra carece de las referencias religiosas explícitas de sus predecesoras, aunque se construye a base de metáforas humanistas propias de una canción infantil de misa.

La interpretación de la canción corrió a cargo del Proyecto Hermanos, otro coro all stars que, lejos de representar la diversidad iberoamericana, estuvo en su mayoría compuesto por cantantes de España, México y Argentina. Entre ellos destacaba Julio Iglesias, el artista más vendedor de CBS, quien no casualmente desempeñó un papel central en la canción y en las imágenes promocionales. El proyecto se financió gracias a la benevolencia de Pepsi, que realizó una donación de 150.000 dólares de la época para cubrir todos los gastos. 

La fiebre altruista también llegó al mundo del rock duro, que quiso aportar su grano de arena con la iniciativa Hear N’Aid. En la introducción de su sencillo Stars, el cantante Ronnie James Dio demuestra que los heavies también tienen su corazoncito; “¿Quién llora por los niños?”, se pregunta, a lo que acto seguido él mismo contesta: “¡Yo!”. En el estribillo, de forma sorprendentemente autorreferencial, el multitudinario coro se desgañita para proclamar “¡Somos estrellas!”.

El momento más reseñable tiene lugar cuando el líder de Queensrÿche lleva el metadiscurso al extremo y le dice al oyente: “Los cantantes y las canciones no podrán por sí solos cambiar las cosas. / ¡Te llamamos, te llamamos!”. Este despliegue de testosterona solidaria tuvo una respuesta escandinava llamada Swedish Metal Aid. El videoclip de su canción Give a helpin’ hand ha envejecido manifiestamente mal, pero merece ser visto aunque solo sea porque se trata de la mayor demostración de cosmética capilar de la historia.  

Geldof subió la apuesta y unió fuerzas con sus socios de USA for Africa para montar un festival benéfico de escala planetaria que se planteó como “una celebración y un esfuerzo conjunto por acabar con el hambre”. Organizado de nuevo en un tiempo récord, el Live Aid se celebró en julio de 1985 y consistió en dos macroconciertos simultáneos a ambas orillas del Atlántico, uno en Londres y otro en Filadelfia, emitidos en directo vía satélite en el despliegue televisivo hasta la fecha. La retransmisión, que llegó a casi la mitad de la población mundial, incluyó también telemaratones y conciertos solidarios en países como Alemania, Noruega, Japón o la recién estrenada URSS de Gorbachov, que no quiso perder la oportunidad de mostrar su aperturismo. Exceptuando Australia, el hemisferio sur se quedó fuera de la fiesta.

Mediante el que se calificó como “el mayor espectáculo de todos los tiempos”, el norte global exhibió ante el mundo su superioridad económica y cultural. El evento también permitió confirmar el tópico de que la música es el lenguaje universal, pero no cualquier música: fue el rock’n’roll el que se convirtió, como declaró Geldof, en la “lingua franca del planeta”.   

En el Live Aid no participó ningún artista africano y en los conciertos de Londres ni siquiera hubo músicos negros (con la única excepción de Sade). Geldof argumentó que “la presencia de artistas poco conocidos podría hacer que muchos cambiasen de canal”. La lógica estaba clara: “Invité a los artistas más grandes porque los más grandes permitían recaudar más dinero. Es pragmatismo”, se defendió el organizador. Para reclutar a los grandes nombres de la música, la estrategia de Geldof consistió en explotar el FOMO, un síndrome muy activo en un mundo tan dominado por la vanidad y las ansias de visibilidad como el del espectáculo. Para convencer, por ejemplo, a David Bowie, le hacía saber que Elton John y Paul McCartney ya habían aceptado (cosa que no era cierta); en paralelo, llamaba a Elton John y le decía que Bowie y McCartney ya habían aceptado, y así sucesivamente. El truco también funcionó a la hora de convencer tanto a las cadenas de radio y televisión como a los patrocinadores. De hecho, el Live Aid es el único evento de la historia que simultáneamente ha tenido como sponsors a Pepsi y Coca-Cola, aunque tal convivencia duró muy poco (hasta que esta última se enteró de la presencia de su rival y decidió retirarse).   

Ahora bien, Geldof no pudo convencer a todo el mundo. Algunos solistas famosos declinaron la invitación por diferentes motivos. Stevie Wonder, por ejemplo, se negó a actuar porque no quería “ser el negro de la película”. Se rumoreó que la ausencia de Michael Jackson también fue una forma de protesta por el déficit de artistas afrodescendientes, aunque es probable que simplemente se debiera a que estaba enfrascado terminando su álbum Bad. Bruce Springsteen, por su parte, no quiso fastidiarles los días de vacaciones a los miembros de su banda, que por esas fechas disfrutaban de un parón en la intensa gira del Born in the USA. En cambio, el cantante Huey Lewis rechazó involucrarse porque no tenía la certeza de que el dinero recolectado sirviera para que “los alimentos lleguen realmente a las personas hambrientas” (aunque le acusaron de aguafiestas, lo cierto es que no iba tan desencaminado, pues hubo polémica por el destino final de una parte de los fondos). Quien se quedó más ancho fue Frank Zappa, que decidió mantenerse al margen aduciendo que “no hay por qué participar de forma ciega en todos los eventos falsamente caritativos del show business solo para mantenerte en el candelero”. 

Una de las consecuencias más inmediatas del Live Aid fue la consagración de ciertas estrellas cuyo grado real de compromiso con la causa era, como mínimo, dudoso. La primera de ellas fue Freddy Mercury. Él y su grupo, Queen, se tomaron muy en serio la cita y alquilaron un teatro durante una semana para ensayar a conciencia las cinco canciones que interpretaron en el festival. El esfuerzo valió la pena, pues su concierto fue unánimemente considerado el mejor de la jornada y es a día de hoy el más recordado. Himnos como We will rock you y We are the champions resultaron idóneos en aquel contexto. Con su discurso difuso y cargado de épica, estas canciones son capaces de inflamar a las masas contra cualquier enemigo, sea un equipo de fútbol o el hambre en el mundo. Además, Mercury supo capturar a la perfección el espíritu participativo del festival, como demuestra su toma y daca de improvisaciones vocales con el público de Wembley. A pesar de ello, días antes había manifestado que el Live Aid suponía una gran oportunidad para “estar orgulloso” y “sentir que todo el trabajo duro realizado durante años ha valido la pena”, pero hablaba desde un plano estrictamente profesional, alejado por completo de la dimensión humanitaria del evento. “Sinceramente, la pobreza es algo que siempre va a estar ahí, si lo piensas bien”, reconoció. 

Además de Mercury, el otro frontman que salió del Live Aid convertido en un icono fue Bono. En mitad de una canción, el cantante de U2 bajó al foso, ordenó a los miembros de seguridad que sacaran de entre la multitud a una chica, que presuntamente estaba siendo aplastada, y se dio un largo abrazo con ella. De gran potencia simbólica en un evento solidario, el momento estrella-del-rock-rescata-a-fan tuvo un gran eco mediático. Bono, crecídisimo, declaró: “No sabía que, abrazándola a ella, estaba abrazando al resto del mundo”. En realidad, el abrazo fue una astuta estratagema del cantante, que entendió muy bien que su actuación, más que un concierto, era sobre todo un programa de televisión con una audiencia de casi dos mil millones de personas.  

El Live Aid, por cierto, supuso el inicio de la célebre carrera de Bono como artista comprometido, en la que ha sabido sacarle un gran partido a lo que Terry Eagleton llamó el “glamour de la inanición”. Tras décadas de compadreo con las élites, puede afirmarse que la filantropía del cantante de U2 resulta a día de hoy indistinguible de los intereses de las multinacionales y de las políticas de desarrollo de las instituciones neoliberales, tal y como destaca Harry Browne en su ensayo The frontman: Bono (in the name of power).  

El de Bono es un caso extremo de la tendencia de los famosos a utilizar sus conexiones personales y su prominencia pública para ayudar a proyectos humanitarios. Esta conducta beneficia, de entrada, a las marcas personales de las propias celebrities, pues contribuye a que sean percibidas como líderes conscientes y responsables y no como meras caras bonitas, títeres de la industria o ególatras que viven en una burbuja. Para el teórico de la fama Chris Rojek, la implicación caritativa de los famosos es a menudo una señal más de su narcisismo. Según argumenta, muchas estrellas padecen un “complejo de superioridad” que les lleva a comportarse de forma tiránica en su vida privada, pero que a su vez despierta en ellas un “deseo genuino de hacer el bien en favor de la humanidad”, pues se consideran a sí mismos seres especiales que han sido “bendecidos con los dones de la empatía y la nobleza”. Lo anterior no excluye, claro está, que la implicación de las estrellas del espectáculo pueda beneficiar efectivamente a los proyectos sociales en los que colaboran. En el caso que nos ocupa, el calentón filantrópico que culminó en el Live Aid permitió recaudar unos 120 millones de dólares de la época (más de 300 actuales) para combatir la hambruna en el Cuerno de África.