Es una de las películas más esperadas de 2026 y verá la luz este 24 de abril en España y en gran parte de las salas mundiales. “Michael”, el biopic sobre Michael Jackson en el que su sobrino Jaafar Jackson se transforma en el rey del pop, y que ha sufrido diferentes retrasos en su fecha de estreno, de lo que se han sabido más detalles gracias al portal Variety.

Y es que, según la web, en el biopic no se hablará de la denuncia por abuso infantil que recibió el cantante en 1993 mientras se encontraba de tour por Asia y que supuso un punto de inflexión en su carrera, pues afectaría a su imagen pública. Esto obligo a rehacer toda la parte final, y de ahí el retraso de 2025 a 2026 como fecha de estreno.

¿Qué le pasó a Michael Jackson en 1993?

En enero de 1993, Michael Jackson era el rey del pop sin duda alguna y estaba en un punto álgido de su carrera. Ofreció uno de los shows del ‘halftime’ de la SuperBowl más recordados y míticos del espectáculo deportivo, ante lo que fueron más de 100 millones de espectadores en Estados Unidos. En ella cantó un repertorio que incluyó Jam, Billie Jean, Black or White, We Are the World y Heal the World, y que redefiniría lo que sería esta actuación más adelante en la cultura pop.

El año continuó a lo grande, recibiendo el Grammy Legend Award por su trayectoria y que se le otorgó de la mano de su hermana Janet Jackson, un hecho que llegó tras los tres ‘American Music Awards’ a Mejor Álbum Pop/Rock por Dangerous, Mejor Single Soul/R&B por Remember The Time, y el Premio al Mejor Artista y Humanitario Internacional.

Sin embargo, todo cambiaría en otoño de 1993, cuando Michael Jackson fue denunciado por abuso infantil a Jordan Chandler, un niño de 13 años, lo que llevó a que se abriera una investigación y se realizaran registros en su rancho de Neverland y otras propiedades.

Si bien el cantante negó todas las acusaciones, esto afectó a su imagen pública, que no volvería a tener la misma estima, además de que entonces admitió públicamente su dependencia a analgésicos y se sometió a tratamiento de rehabilitación. En enero de 1994, se llegó a un acuerdo extrajudicial en el que firmaron un acuerdo económico por una suma estimada de 23 millones de dólares, sin admitir culpabilidad, aunque esto no estuvo exento de controversia.

Omitir 1993 cambió el biopic de “Michael” y sumó presupuesto

Así, todo esto contado no formará parte del biopic de “Michael” debido a que todo un tercer acto que relataba todo esto fue omitido. Esto se debe, según Variety, al hecho de que descubrieron una demanda original que prohibía que el denunciante fuera representado en una película, algo que pasó cuando la película ya estaba completamente rodada.

Esto supuso 22 días más de rodaje, y obligar a cambiar todo el final, lo que sumó 15 millones de dólares al coste, que fue asumido por la propiedad de Jackson, porque fueron ellos mismos los que impulsaron la revisión. Así, esto retrasó el estreno del 18 de abril de 2025 inicial al 3 de octubre del mismo año para luego llegar finalmente este abril de 2026.

La película cambió así por completo, siendo una historia de su ascenso en la música y de trayectoria de sus éxitos, y ofreciendo solo la complicada relación con su padre como exploración de su vida personal, que iba a ocupar en el tercer acto mayoritariamente el impacto de las acusaciones de abuso infantil. De esta forma, se considera que el final actual se cerrará en la preparación de su icónica gira ‘Bad’ de 1987.

El hecho controversial por el que sí que pasará el biopic son las graves quemaduras que sufrió en su cuero cabelludo cuando grababa una publicidad con Pepsi en 1984, lo que le llevó a ser dependiente de analgésicos, y que derivaría finalmente en su fallecimiento en 2009.

Una habitación de una histórica casa señorial del siglo XVI del pequeño pueblo de Castellserà (Lleida) acoge una colección de más de 300 objetos únicos que en su día pertenecieron a Michael Jackson. El recinto, conocido como La Casa dels Àngels es, además de una atracción turística, el lugar de residencia del reconocido mago catalán Josep Maria Lari (Mag Lari) desde 2022. Hasta entonces, el edificio permanecía cerrado al público.

La gran mayoría de las piezas han sido adquiridas en subastas internacionales y, preguntado por elDiario.es, Lari prefiere no confesar cuánto dinero ha invertido en ello. El ilusionista ha viajado en numerosas ocasiones a ciudades como Nueva York o Los Ángeles para conseguir algunos de los objetos más destacados, aunque reconoce que, desde 2010, el mercado se ha trasladado casi por completo al ámbito online.

Al abrir la puerta de la sala, suena You Rock My World y se aprecia un espacio cuidadosamente iluminado y ordenado, con una estética cercana a la de un museo. Cada pieza está acompañada de una ficha descriptiva con su contexto y fecha, mientras de fondo suenan algunos de los grandes éxitos del artista.

El espacio, bautizado como “Sala Wonderland”, permite, en cierta medida, adentrarse en la intimidad del Rey del Pop y conocer fragmentos de su universo personal, especialmente de su icónica residencia de Neverland. Entre los objetos expuestos destacan vajillas, juegos de mesa, un muñeco, elementos decorativos, un tocadiscos o artículos personales como perfumes, un cepillo de pelo o unas tijeras para las uñas. También se conservan notas dirigidas a su secretaria con indicaciones laborales, así como varios discos de oro.

Entre las piezas más llamativas para el público –según explica Lari– encontramos un chicle usado de 1984, cuyo origen exacto se desconoce, y varios mechones de cabello enmarcados. No obstante, la “joya de la corona” para el mago es el icónico guante de cristales Swarovski que el artista utilizó en su último concierto en el Madison Square Garden en 2001, compartiendo escenario con figuras como Whitney Houston o Britney Spears.

Una parte significativa de la colección procede de un antiguo almacén de la familia Jackson que, tras quedar abandonado por impago, fue adquirido por el coleccionista Henry Vaccaro, considerado uno de los mayores poseedores de objetos personales del cantante. Otras piezas han sido compradas a fans que lograron hacerse con recuerdos en conciertos o a las puertas de hoteles, como una funda de cojín también expuesta. “Los fans esperábamos toda la noche frente al hotel donde se alojaba”, recuerda Lari.

La sala incluye además otros objetos curiosos como agendas de miembros de la familia Jackson, un cartel de “no aparcar” colocado por la policía frente a Neverland el día de la muerte del artista, publicaciones religiosas de los Testigos de Jehová, un barrote de la terraza de la casa donde se gravó “Thriller” o material promocional de sus giras. 

A ello se suma una extensa colección de vestuario, desde trajes y chaquetas icónicas hasta prendas más cotidianas como pijamas, bañadores, sombreros o zapatos de su infancia, de la época en la que formó, junto a sus hermanos, los Jackson 5.

Fan del artista desde los ocho años, Lari asistió a varias giras internacionales, pasó noches enteras esperando a las puertas de hoteles, conoció personalmente a Jackson en Los Ángeles en 2009 –de donde conserva un autógrafo expuesto en la sala– e incluso acudió a su funeral. Además, le dedicó un espectáculo de magia en Barcelona y publicó un libro sobre sus experiencias siguiendo a su ídolo.

La visita a la sala forma parte de la experiencia completa de la Casa dels Àngels, que incluye un recorrido guiado por la historia del edificio, un espectáculo de magia y un restaurante de cocina local. El inmueble, de 792 metros cuadrados, está catalogado como bien cultural de interés local y acumula siglos de historia: acogió una comitiva de Felipe V, recibió a Pau Casals y, según varias leyendas, fue escenario de un ahorcamiento de una chica considerada “bruja”.

La exposición pone en valor el legado artístico del cantante y presenta los objetos como auténticas piezas de museo, en contraste con la persistente controversia que sigue rodeando su figura por las acusaciones de abusos a menores.

Esta polémica se ha reactivado recientemente tras el estreno del documental The Trial, que incluye audios inéditos difundidos por el periódico The New York Post, en los que Jackson pronuncia frases sobre su relación con los niños como: “los niños acaban enamorándose de mi personalidad. A veces me meto en problemas”; “si me dijeras ahora mismo... 'Michael, nunca podrías ver a otro niño...' me suicidaría” o “los niños... solo quieren tocarme y abrazarme”.

Cabe recordar que en 1993 fue acusado por primera vez de abusos sexuales a un menor, aunque el caso se resolvió mediante un acuerdo extrajudicial. En 2005, un jurado lo declaró no culpable de todos los cargos en un nuevo proceso. Sin embargo, la controversia resurgió en 2019 con el documental Leaving Neverland, donde dos hombres denunciaron supuestos abusos en su infancia.

Aunque estas demandas fueron inicialmente desestimadas, en 2023 una corte de California reabrió los casos, y se prevé un nuevo juicio durante 2026. En este contexto, la figura de Michael Jackson continúa siendo objeto de debate global, mientras sus hijos intentan defender su imagen y proteger su herencia, también en medio de disputas legales relacionadas con la gestión de su patrimonio.

Ya queda menos para el biopic sobre Michael Jackson. La película dirigida por Antoine Fuqua llegará a los cines de España el próximo 24 de abril, momento en el que finalmente podremos ver cómo Jaafar Jackson ha conseguido meterse en la piel de su tío. Y, como no podía ser de otra forma, el largometraje estará lleno de música.

Así lo ha confirmado el propio equipo de la película, que ha compartido en sus redes sociales la lista completa de canciones que sonarán en Michael (2026). En total, serán 13 los temas que acompañarán esta historia, y tendremos un poco de todo: desde los primeros éxitos de los Jackson 5 hasta los hits más emblemáticos que convirtieron al artista en un icono internacional en los años 80. 

De niño a ídolo global

La película arranca en Gary (Indiana) y muestra los primeros años de Michael como uno de los integrantes de los Jackson 5, la banda que formó junto a sus cuatro hermanos varones y que fue el inicio de su carrera en la música. Para esta etapa, la película incluye I’ll Be There, Never Can Say Goodbye, Who’s Lovin’ You y un medley de I Want You Back / ABC / The Love You Save.

El largometraje sigue con el momento en que Michael empieza a destacar como artista más allá de la banda familiar, e incluye canciones como Ben, su primer éxito en solitario. Más tarde llegó Off the Wall (1979), disco producido por Quincy Jones, el cual lo consolidó como artista adulto. De esta época, la película utiliza canciones como Don’t Stop ’Til You Get Enough yWorkin’ Day and Night.

Michael también sigue la creación de Thriller (1982), el álbum más vendido de la historia y que hizo que Jackson se llevara el título de “rey del pop”. Para ilustrar esta época, el equipo creativo de la película ha escogido hits emblemáticos de su carrera como Beat it, Thriller, Billie Jean, Human Nature y Wanna be startin' somethin'.

La última de las canciones que completan la lista es Bad, del álbum homónimo que el artista lanzó en 1987. De hecho, el largometraje no profundiza más allá de esta fecha, lo que explica que no incorpore otros temas posteriores de enorme éxito, como Black or White, Heal The World, Remember the Time o They Don’t Care About Us.

¿Habrá una segunda parte?

Viendo el historial de canciones, se confirma que el biopic se centrará únicamente en la primera mitad de la carrera de Michael Jackson. ¿Qué pasará con la etapa más convulsa del artista? Hablamos de los escándalos mediáticos y conflictos personales que lo rodearon desde principios de los 90 hasta su muerte en 2009. Aunque no hay confirmación oficial de secuela hasta la fecha, todo parece indicar que si Michael funciona en salas, podría haber una segunda parte.

Este 2026 está marcado como un año especial para los fans de Michael Jackson por el estreno del biopic sobre su vida, Michael, dirigido por Antoine Faqua y protagonizado por Jaafar Jackson, sobrino del llamado ‘rey del pop’, en una película que cuenta con la colaboración de la familia del cantante, con otros actores de la talla de Colman Domingo o Miles Teller formando parte del proyecto.

Todavía no se sabe si en este biopic aparecerá uno de los momentos más complicados para el cantante, pero la plataforma Hulu acaba de estrenar un documental llamado “Michael Jackson: 30 Fatal Seconds” en el que se muestran imágenes inéditas sobre el incidente en un anuncio publicitario que afectaría al artista de por vida.

El anuncio de Pepsi que cambió la vida de Michael Jackson

Fue la noche del 27 de enero de 1984 la que marcó un antes y un después en la vida de Michael Jackson. Lo que debía ser un rodaje espectacular para un anuncio de Pepsi terminó por convertirse en el inicio de una cadena de consecuencias físicas y emocionales que lo acompañarían hasta su muerte en 2009. Este accidente tuvo lugar en el Shrine Auditorium de Los Ángeles y fue el inicio de un deterioro silencioso del ‘rey del Pop’.

El anuncio buscaba promocionar la gira Victory Tour de The Jacksons y tenía como concepto el interpretar una versión especial de “Billie Jean” ante una multitud, con un despliegue de pirotecnia cuando el cantante apareciera en lo alto de una escalera. Algo sencillo, pero impactante. Para él, se utilizarían unas bombas de magnesio que debían explotar a ambos lados mientras descendía. Sin embargo, tras varios intentos fallidos, el director Bob Giraldi pidió al cantante que estuviera más tiempo arriba para mejorar la que había sido la toma, una decisión que al final resultó fatal.

Entonces, en esa última repetición, los efectos especiales fallaron. Las cargas explotaron demasiado cerca de su cabeza y las chispas prendieron fuego a su cabello. Michael Jackson no se dio cuenta y continuó bailando unos segundos más hasta que el dolor lo obligó a detenerse, algo que relató así en su autobiografía Moonwalk: “Sólo más tarde supe que esas bombas estaban a apenas 60 centímetros de cada lado de mi cabeza, lo cual fue un total desprecio de las normas de seguridad”.

Cuando pasó esto, el caos se apoderó del set y comenzaron los gritos, carreras y pedidos desesperados de hielo, mientras el artista era asistido de urgencia. Las llamas se habían propagado con rapidez, agravadas por el uso de productos capilares que eran altamente inflamables, algo que era común en los años ochenta. Su hermano Jermaine Jackson llegó a pensar que había sido un atentado y que le habían disparado desde el público al verlo caer tras la explosión.

Adicto a los medicamentos, fobias y pesadillas: las secuelas del accidente

Las secuelas fueron profundas en la vida de Michael Jackson, quien sufrió quemaduras de segundo y tercer grado en el cuero cabelludo y parte del rostro. De hecho, nunca volvió a recuperar el crecimiento del pelo en la zona quemada y debió recurrir a pelucas y sombreros de forma permanente, un rasgo que terminaría siendo parte de su imagen pública, a la vez que se sometió a varias cirugías estéticas, incluidos dolorosos procedimientos con expansores de tejido. Esto también llevó a que durante años sufriera dolores diarios en el cuero cabelludo, intensas migrañas, pesadillas y una fuerte fobia al fuego y a los efectos pirotécnicos.

Tal es así que, para sobrellevar el dolor, comenzó a utilizar analgésicos y sedantes, y lo que fue inicialmente un tratamiento médico derivó en una dependencia progresiva que marcaría el resto de su vida, pues el propio ‘rey del Pop’ reconocería que el sufrimiento constante lo empujó a buscar alivio en la medicación, que prolongó hasta su fallecimiento en 2009.

Por lo sucedido durante el rodaje del anuncio, Pepsi asumió los gastos médicos y ofreció una compensación al cantante de 1,5 millones de dólares, que donaría al Brotman Medical Center para crear el Michael Jackson Burn Center for Children. Si bien el accidente había sido grabado, su impacto real no trascendió plenamente hasta después de la muerte del cantante, con unas imágenes que no se vieron hasta ya fallecido.

Esta madrugada a las 4, el canal MTV 00s finalizaba su emisión tras terminar el videoclip de ‘Bye Bye Bye’ de NSYNC, todo un mensaje de la conclusión del heredero de VH1 en Europa, que comenzó en agosto de 2021 con ‘Can’t Fight the Moonlight’ de LeAnn Rimes, banda sonora de la película ‘El Bar Coyote’ (2000).

Y es que MTV anunció el cierre de sus canales europeos de música, que se ha hecho efectivo este 31 de diciembre, con lo que se termina una época para el canal que fue buque insignia de la edad dorada de los videoclips, con la espera de lo que sucederá con los canales hermanos en Estados Unidos, cuya decisión depende de su propietario, Paramount Network. El recorte de presupuesto tras su fusión con Skydance está detrás de la decisión, que también es muestra del cambio de consumo musical y del rumbo del canal, dedicado más al reality show, diferente a lo que fueron sus inicios.

La historia de MTV: del rock a todo un fenómeno de masas

El 21 de agosto de 1981 comenzaba su emisión el canal MTV y el primer videoclip que se emitió fue ‘Video Killed the Radio Star’ del grupo británico The Buggles, toda una declaración de intenciones, en un comienzo de la cadena en búsqueda de revivir la industria musical, en plena crisis.

El desarrollo de la televisión por cable motivó a crear este canal, que tuvo al videoclip como una nueva forma de consumo musical con una fuerte irrupción, a manos de Warner, que tenía como objetivo acercarse a los adolescentes de los 80, residentes en suburbios y blancos, lo que los llevó a orientarse al rock. Ante la falta de material para emitir durante sus 24 horas hizo que se acercaran también a artistas europeos, donde destacaron los británicos Duran Duran, Iron Maiden o Culture Club.

MTV fue cambiando ante la queja de falta de artistas negros, algo que denunciaron públicamente figuras como David Bowie, y ante la amenaza de ser vetados, aceptaron promocionar a un artista que le pedían, Michael Jackson, del que se emitió ‘Billie Jean’ y cuyo éxito demostró que la premisa que tenían en sus comienzos era falsa.

De aquí fue como Michael Jackson se convirtió en uno de los cantantes insignia de la MTV, con ‘Thriller’ como uno de los videoclips icónicos, el segundo más emitido en la cadena televisiva en toda su historia, seguido de ‘Vogue’ de Madonna, otro de los artistas que protagonizaron esta edad dorada del vídeo.

Los comienzos de la MTV fue un revulsivo de la industria musical, disparando el gasto en videoclips y la venta de discos de las canciones que aparecían en la televisión, y en 1984 llegaron los MTV Video Music Awards, creando también programas de géneros especializados y exitosos como ‘Unplugged’ donde se dieron conciertos míticos como los de Nirvana o Eric Clapton.

El inicio del cambio: la llegada de los ‘reality show’

La caída de audiencia en los 90 propició la creación de nuevos programas que se alejaban de la música, como el ‘House of style’ de la modela Cindy Crawford, donde daba consejos de estética, y en este sentido fue cuando nació el que es considerado el primer ‘reality show’ de la historia, ‘The Real World’, que duró en emisión 32 temporadas hasta su final en 2016.

De hecho, la presencia de los videoclips en MTV se redujo un 36,5 % en los años 90 con el éxito de programas como ‘Teen Mom’ o ‘Geordie Shore’, tanto es así que en 2010 renunció a la coletilla ‘Music Television’.

Este jueves se lanzó el primer tráiler de ‘Michael’, uno de los biopics más esperados del cine sobre la vida del ‘rey del pop’, Michael Jackson, que ya tiene oficializado el momento de su estreno, para abril del próximo año, y en las primeras imágenes de la película lo que ha destacado es el gran parecido del protagonista con el fallecido cantante.

Y es que detrás de la interpretación de Michael Jackson se esconde Jaafar Jackson, sobrino del artista e hijo de su hermano mayor Jermaine, que se ha transformado en el famoso cantante para darle vida en un biopic que repasa momentos icónicos como el de la grabación de ‘Thriller’, como se puede apreciar en el tráiler con el que ya se confirma la fecha de estreno después de posponerse hasta en varias ocasiones.

A eso hace referencia, de hecho, los primeros compases de la cinta, con un “sé que llevas mucho tiempo esperando esto. Las pistas están hechas, las canciones están listas. Empecemos desde el principio”, encuadrado dentro de la historia, como un gancho perfecto para presentarnos la película dirigida por Antoine Fuqua, y con un reparto que completan también Miles Teller o Colman Domingo.

Así se ha transformado Jaafar Jackson en su tío Michael Jackson

Uno de los momentos más críticos del proyecto del biopic sobre Michael Jackson fue el de encontrar protagonista, un reto que recayó finalmente en Jaafar Jackson, sobrino del artista al ser el segundo hijo de su hermano Jermaine Jackson y que fue también integrante de la banda Jackson Five.

Jaafar Jackson creció en Los Ángeles y lleva en la sangre la música, a la que se dedica de forma profesional. En 2019 lanzó su primera canción, ‘Got Me Singing’, con ritmos que recordaron al de su legendario tío que ahora interpreta en su biopic.

Una película, ‘Michael’, que dirige Antoine Fuqua (‘Training Days’), y del que comentó ya con sus primeras impresiones: “¡Guau, es Michael! Su aspecto, su forma de actuar, sus gestos, todo... es Michael Jackson. Para cualquiera que no haya tenido la oportunidad de ver a Michael actuar en directo durante su vida, así era”.

Aunque a su vez, Fuqua, asegura que “lo más importante va más allá del parecido físico, es el espíritu de Michael que se manifiesta de forma mágica”. Una versión que ha confirmado también la madre del fallecido cantante, que declaró en un comunicado de Lionsgate Films cuando se anunció su elección: “Jaafar personifica a mi hijo. Es maravilloso verlo continuar con el legado de artistas e intérpretes de la familia Jackson”.

Cuando se estrena ‘Michael’, el biopic de Michael Jackson

Con la publicación del tráiler de la película sobre la vida de Michael Jackson, dirigida por Antoine Fuqua, se confirma también su estreno para la próxima primavera, en un biopic que tratará sobre su transformación en el ‘rey del Pop’ pasando por sus inicios como integrante de los Jackson 5. Así, a pesar de que su producción finalizó ya en mayo de 2024, no será hasta el próximo 24 de abril de 2026 cuando se podrá disfrutar de uno de los biopics más esperados del cine.

Este 12 de septiembre llega a los cines españoles uno de los estrenos más esperados, el de la nueva película de Alejandro Amenábar que relata el desconocido cautiverio de un joven Miguel de Cervantes en Argel, y que es el último biopic en pantalla grande tras algunos de este 2025 como el de Bob Dylan o el de Maria Callas.

Antes de que termine el año todavía llegarán algunos de los biopics más esperados, entre los que se encuentra el de Bruce Sprignsteen o el de Mark Kerr, así como hay otros que se darán en los próximos 2026 o 2027 y que confirman que las biografías son una de las fuentes que el cine más está utilizando junto a ‘remakes’ o ‘sagas’.

Miguel de Cervantes en ‘El Cautivo’

Desde ‘Mientras dure la guerra’ de 2019, Alejandro Amenábar no estrenaba un largometraje y es por eso que ‘El Cautivo’ es uno de los estrenos más esperados del cine español, en una película que cuenta la historia de Miguel de Cervantes en Argel, durante su juventud, cuando fue encarcelado en 1575, y que quiere indagar en un aspecto más desconocido de la vida del autor de ‘Don Quijote de la Mancha’.

Bruce Springsteen en ‘Deliver Me From Nowhere’

El próximo 24 de octubre de 2025 llegará a los cines de España el espero biopic de Bruce Springsteen con Jeremy Allen White, conocido por la serie ‘The Bear’, en el papel protagonista, y cuya ‘premiere’ mundial será en el Festival de Nueva York el 27 de septiembre.

El biopic está dirigido por Scott Copper y se centra exclusivamente en un episodio de la vida de ‘The Boss’ cuando tras su mayor éxito comercial se embarcó en el viaje artístico para la creación del disco ‘Nebraska’ y que está basado en el libro del mismo nombre que fue publicado en 2023 y escrito por Warren Zanes.

Mark Kerr en ‘The Smashing Machine’

15 minutos de ovación en el Festival de Venecia pusieron en boca de todos a ‘The Smashing Machine’, la próxima película de Dwayne Johnson y Emily Blunt, dirigida por Benny Safdie, que se llevó el premio a mejor dirección en la ‘Biennale’, y que cuenta la historia de Mark Kerr, luchador de MMA (Artes Marciales Mixtas).

Para el papel de Mark Kerr, Dwayne Johnson ha tenido que pasar por una transformación que en los cines de España se podrá ver el próximo 3 de octubre y que asegura ser uno de los biopics más destacados de la carrera de premios.

Lorenz Hart en ‘Blue Moon’

La nueva película de Richard Linklater, ‘Blue Moon’ es un biopic del compositor Lorenz Hart al que da vida Ethan Hawke, antes del estreno del nuevo musical ‘Oklahoma’ de su examigo Richard Rodgers, al que interpreta Andrew Scott. Tuvo buena acogida en el Festival de Berlín 2025 y en España se estrena en cines el 28 de noviembre.

Michael Jackson

El biopic de Michael Jackson es uno de los más esperados y estaba previsto para 2025, pero Lionsgate la pospuso a 2027 y todavía no queda claro si está tendrá dos partes. Lo que sí se conoce es que es un sobrino del artista, Jaafar Jackson, da vida al llamado rey del pop y que está dirigida por Antoine Fuqua.

Fred Astaire, Los Beatles o Britney Spears

De entre los biopics más esperados y de los que todavía no se conoce mucho, encontramos por ejemplo la película sobre la estrella del cine musical, Fred Astaire, al que dará vida Tom Holland, y que será obra de Sony Pictures, así como las cuatro películas sobre Los Beatles que prepara Sam Mendes, con Paul Mescal, Joseph Quinn, Harris Dickinson y Barry Keoghan como los protagonistas, o la adaptación de la autobiografía de Britney Spears, que llevará el cineasta Jon M. Chu y que todavía no tendría actriz seleccionada a pesar de que suenan nombres como Sabrina Carpenter o Millie Bobby Brown.

Un 26 de febrero de 1983, Michael Jackson se consagraba como estrella cuando su álbum Thriller se colocó en lo más alto de la lista Billboard 200 albums de los Estados Unidos. Un hito que quedaría en la historia de la música al acabar siendo el disco más vendido del mundo con unas ventas que están estimadas en 70 millones de copias.

Lo que pocos saben sobre un disco que forma parte de la historia de la música es que a punto estuvo de tener otro nombre, porque la canción que da nombre al álbum llego a tener hasta dos títulos distintos hasta que llegó a ‘Thriller’, y el resto es de sobra conocido.

‘Midnight Man’, el que pudo haber sido el disco más vendido de la historia de la música

Thriller vendería 32 millones de copias a finales de 1983 y que alcanzaría aproximadamente las 70 en todo el mundo a lo largo de los años, lo que lo ha convertido en historia de la música, pero su nombre estuvo a punto de ser ‘Midnight Man’, y lo cambiaría todo una decisión de última hora.

Todo viene del hecho de que la canción ‘Thriller’, que es la que da nombre al álbum, fue planteada en un principio con otro título, ‘Starlight’, cuando fue escrita por Rod Temperton, un compositor británico que fue reclutado por el productor Quincy Jones para que trabajara en el proyecto como solista de Michael Jackson.

Temperton, de hecho, estuvo de lo más indeciso para poner título a su obra musical, llegando incluso a exagerar que fueron entre doscientos los posibles que obtuvo en una habitación de hotel donde dio vida al mítico éxito que es uno de lo más ligados a la carrera del rey del pop.

De todos esos nombres, el que más le convenció fue ‘Midnight Man’, que se quedó como el escogido antes de irse a dormir. Sin embargo, al despertarse a la mañana siguiente, la palabra ‘Thriller’ se quedó en su cabeza y lo cambió rápidamente porque se dio cuenta que era la que tenía el gancho comercial.

“Algo en mi cabeza me dijo: este es el título. Se podía visualizar en lo más alto de las listas de Billboard”, declaró el propio compositor, al que el enorme éxito que obtuvo le dio toda la razón. Así fue como no solo cambió el nombre de la canción, sino también la del disco, que saldría a la venta a finales de 1982 y rompería récords de ventas, lo que demostró el potencial comercial que visualizó el propio compositor británico en la habitación de su hotel.

El legado de Thriller en la música

Thriller confirmó a Michael Jackson como estrella de la música y comenzó su andadura considerado como ‘rey del pop’, rompiendo barreras al llegar a ser recibido por el entonces presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan, en la Casa Blanca, así como daría lugar a otra manera de entender el marketing en la industria musical.

Y es que el álbum Thriller sería el que daría pie a los videoclips de singles en la MTV como forma de promoción de los discos, usándolo él mismo con éxitos icónicos como ‘Billie Jean’ o la propia ‘Thriller’, con un video de 14 minutos que ha traspasado generaciones y en donde Jackson acaba convertido en un zombi.

De las nueve canciones que lo conforman, muchos de ellos éxitos icónicos de la música pop, siete llegaron a ser singles, y curiosamente el último en ser lanzado fue ‘Thriller’, el 2 de noviembre de 1983. Al éxito comercial del disco se le une el de crítica y galardones, al obtener un total de ocho premios Grammy, entre ellos álbum del año, en la edición de 1984.

Este 10 de febrero, el rapero Kendrick Lamar, ganador de 17 premios Grammy, será el encargado de protagonizar el intermedio de la Superbowl de 2025 que disputan Philadelphia Eagles y Kansas City Chiefs por coronarse como el mejor equipo de fútbol américano al ganar el campeonato de la NFL. Una actuación de intermedio con historia de la música desde que en 1993 Michael Jackson fuera el primero que lo convirtiera en un espectáculo para atraer a milones de espectadores.

1993: Michael Jackson, el inicio del espectáculo 'halftime' de la Superbowl

Hoy en día cuesta entender la Superbowl, la final de la NFL, sin su famosa actuación de intermedio que reune a millones de espectadores de todo el mundo frente a la televisión, pero esto no siempre fue así, sino que cambió para siempre cuando en 1993 Michael Jackson decidió actuar por 15 minutos.

El éxito fue tal, 91 millones de personas viendo la actuación, que la organización cambió lo que era un desfile de bandas de música por espectáculos de los mejores artistas, y la icónica entrada en la que el rey del pop simulaba saltar desde dos pantallas de video quedó para siempre en la historia de la música y la Superbowl.

2004: la actuación de intermedio más polémica de la Superbowl

Michael Jackson no es el único de su familia que ha tenido protagonismo en la Superbowl, pues su hermana Janet también fue estrella de uno de los shows, pero recordado por una razón totalmente distinta, por la de la polémica. Y es que al finalizar su actuación junto a Justin Timberlake en 2004, uno de los pezones de la cantante quedó al descubierto, sin saberse todavía claro que fue exactamente lo que ocurrió, si fue planeado, o se debió a un “problema de vestuario” como alegó la artista.

Esto, sin embargo, cambió también lo que sería el futuro de las actuaciones, pues desde entonces llevan un retraso de dos segundos respecto al directo para poder controlar lo que llega a los espectadores y no ocurra algo similar a lo que sucedió con Janet Jackson.

Esta actuación no solo fue la más polémica, sino que además ha tenido especial relevancia en la historia reciente al ser lo que promovió que Jawed Karim creara Youtube, al buscar crear una plataforma de videos tras haberse perdido este momento en directo y no encontrar un lugar claro al que acudir para verlo.

2013: Beyoncé y la reunión 'imposible' de las Destiny's Child

Desde que Beyoncé lanzara su carrera en solitario, la pregunta era continua de cuando habría una reunión con las Destiny's Child, el grupo femenino con el que saltó a la fama. Ella negaba continuamente que esto fuera a suceder, pero eso que parecía imposible llegó a tener lugar durante su actuación en el 'halftime' de la Superbowl de 2013, donde no solo el volverla a ver cantar con Kelly Rowland y Michelle Williams fue uno de los grandes momentos sino también su número final de 'Halo'.

2015: Katy Perry, todo un récord de audiencia y de locura

Una de las actuaciones más recordadas es también la que supuso toda una locura en el escenario, la de Katy Perry en el año 2015. Hubo de todo junto a la artista, desde un ajedrez humano, una playa hasta un grupo de raperos, pero uno de los grandes momentos fue la aparición de Lenny Kravitz para interpretar 'I kissed a girl'. Una actuación que rompió récords de audiencia al alcanzar los 121 millones, solo superado en 2023 por Rihanna y en 2024 por Usher.

2017: Lady Gaga y la actuación más reivindicativa en política de la Superbowl

Tras la de Michael Jackson, una de las entradas más icónicas en una actuación de intermedio de la Superbowl la protagonizó Lady Gaga en 2017 cuando entró volando desde lo alto del estadio, en la que también es una de las que ha quedado como más reivindicativas a nivel político al aprovechar la cantante para dirigirse a los niños estadounidenses y denunciar las políticas migratorias de Donald Trump con un claro “es una tierra de libertad y justicia para todos” cuando interpretaba 'God Bless America'.

Quincy Jones, director de orquestas de jazz, compositor, arreglista y productor musical, apodado desde joven “el padrino” por sus propios compañeros de profesión ha fallecido en su domicilio de Bell Air, en el área de Los Ángeles, a los 91 años de edad. Se va de este modo una de las grandes figuras que impulsaron el pop de raíz afroamericana desde finales de los 70 del siglo pasado.

Tal vez, fuera del ámbito anglosajón, la figura de Quincy Jones sea relativamente desconocida, en especial para las generaciones más jóvenes. Pero si se mira hacia el making off de las mayores estrellas y de algunos de los discos más importantes de la historia del pop, su presencia es de una importancia vital. Por ejemplo, Jones fue el productor ejecutivo y musical de un disco tan fundamental como Thiller de Michael Jackson.

Pero también está detrás de Off the Wall, el estreno de Jackson en solitario y que está considerado uno de los trabajos más sampleados tanto por músicos de hip hop como de la música electrónica. Así, la influencia de Jones en la música del último tercio del siglo XX es fundamental para entender su evolución.

Primeros años

Para los amantes de los megaconciertos y las grandes causas benéficas, Jones también será recordado por ser uno de los promotores del legendario Live Aid, pero en especial por producir la canción We are the world, en la que participaban todas las grandes estrellas del momento aportando su estribillo.

Pero la carrera de Jones arranca mucho antes de estas gestas de final de siglo, concretamente en la posguerra de la Segunda Guerra Mundial. Jones, nacido en 1933 en una familia afroamericana de clase media de Chicago, se reveló como un precoz genio musical. A los 14 años tocaba la trompeta en locales de blues y soul del área de Seattle y fue reclutado por Lionel Hampton para su big band.

A los 17 se desplazó a Nueva York, donde se relacionaba con gente del be bop como Charlie Parker o Dizzy Gillespie, con quien gira por Sudamérica, pero también colaboró con Miles Davis en un momento en que el cool jazz estaba en auge. Y también trató con otros mitos como el inclasificable Thelonious Monk, la cantante Billie Holiday o el proteico baterista Gene Krupa.

Mudanza a París y retorno en los 60

Pero la inquietud y el genio musical de Jones no se conformaban con su precoz carrera como virtuoso de la trompeta y le llevaron a mediados de los años 50 a mudarse a París para estudiar con el compositor de música clásica francés Olivier Messiaen. En la capital francesa también se relaciona con otros grandes compositores norteamericanos como Leonard Bernstein y Aaron Copland.

Allí trabaja como director musical para la discográfica Barclay Records y adicionalmente como compositor y arreglista para los artistas del sello. Con este bagaje, regresa a Estados Unidos en 1961 para crear su propia orquesta de jazz, con la que crearía algunos de los discos más importantes no solo del jazz de aquellos años, sino también de la música ligera y de baile de las siguientes décadas, el conocido como easy listening.

De hecho, en los 90 y a principios del siglo XXI fue intensamente reivindicado por los productores musicales y principales DJ de la música clubbing, en especial temas como su versión del Summer in the city, de los Lovin' Spoonfull, que inspiró a artistas del Trip Hop como Nightmares on wax.

Desde 'Big Band Bossa Nova' a 'Off the wall' y 'Thriller'

Pero tal vez uno de sus trabajos más destacados e innovadores fue el disco de debut de la Quincy Jones Big Band en 1962, llamado Big Band Bossa Nova, en la que el Jones trataba temas de este estilo brasileño, entonces muy estimado en Estados Unidos, con un peculiar ritmo que engarzaba con el incipiente pop que comenzaba a superar la época del rock'n'roll más marginal y rural para abrirse al gran público urbano.

Desde entonces y hasta finales de los 70 su carrera se dirigió hacia los territorios híbridos de la música jazz y el baile con fama desigual a nivel de público, pero siempre fue solicitado como productor y promotor de jóvenes talentos –y no tan jóvenes, si se tiene en cuenta su producción del disco L.A is my lady para su amigo Frank Sinatra– por lo que se le apodó “el padrino”.

Tuvo un gran éxito comercial a principios de los 80 con Ai no corrida, un producto algo enlatado, listo para consumir en discotecas, que le reportó grandes beneficios. Pero su gran momento de gloria fue su promoción, apadrinamiento y producción de un artista que de su mano se convertiría en “el rey del pop”: Michael Jackson.

Juntos crearon dos enormidades musicales, consideradas piezas seminales de lo que sería la música pop bailable y comercial a partir de entonces: Off the wall, que supuso una transición desde la música disco negra de los 70 hacia estilos como el hip hop y el soul ochentero, y Thriller, uno de los discos más exitosos e importantes de la música moderna y que señalaría el camino a futuras generaciones de artistas.

El guitarrista y vocalista Tito Jackson, uno de los integrantes del grupo The Jackson 5, formado por cinco hermanos de Gary (Indiana), entre ellos el rey del pop, Michael Jackson, falleció a los 70 años, según informaron sus tres hijos en Instagram sin desvelar la causas de su muerte. “Estamos rotos, apenados y conmocionados. Nuestro padre era un hombre increíble que se preocupaba por todos y por su bienestar”, afirman Taj, Taryll y TJ Jackson, que en la década de los años 90 formaron el trío 3T siguiendo la tradición familiar.

Tito formó con sus hermanos Jackie, Jermaine, Marlon y Michael (fallecido en 2009) el famoso grupo The Jackson 5, que tuvo como primer sello discográfico a Motown (1969-1975) y fue una de las bandas más populares de su época.

En su debut discográfico, consiguieron que sus primeros cuatro sencillos, I Want You Back, ABC, The Love You Save y I'll Be There, llegaran a los primeros puestos de las listas de éxito en EEUU.

En 1984, el grupo lanzó Victory Tour, un álbum en el que Tito cantó We Can Change the World y tuvo un papel destacado como instrumentista, y al año siguiente participó en el proyecto USA for Africa para recaudar fondos para los afectados por la hambruna en el continente.

Tito fue el tercero de diez hijos de la familia Jackson. Recientemente había actuado con sus hermanos Marlon y Jackie en Inglaterra y participado a fines de agosto en el Festival Fool in Love en Hollywood Park, en California.

Tito también había grabado y realizado muchos espectáculos como guitarrista de blues en los últimos 20 años, bajo su propio sello o con la B.B. King Blues Band.

Las listas de los mejores cantantes de la historia, los mejores discos de la década y las canciones más influyentes del siglo XX son muy entretenidas, pero ya están muy vistas. ¿Y los rankings postmortem? El artista más rico del cementerio, el que generó más disputas entre sus herederos, el que redactó más testamentos… ¿Quién se encarga de cuantificar tan jugosa información? A estos escabrosos menesteres se ha dedicado el periodista inglés Eamonn Forde. Y el resultado es un libro explícitamente titulado Royalties de ultratumba (Liburuak, 2024).

Hay bastante consenso en estas listas postmortem. El número uno en el ranking de fiambres más rentables es sin duda Michael Jackson. El testamento más cuidadosamente redactado es el de David Bowie; al parecer, muy inspirado por el de Freddie Mercury, que durante décadas fue el testamento a imitar. Por contra, el más caótico y conflictivo jamás redactado es el de Marc Bolan. Aretha Franklin, en cambio, fue de las que más testamentos dejó (aún no se sabe si tres o cuatro), pero todos ellos con instrucciones contradictorias. Se cuenta que la cantante llevaba tan mal el papeleo que tras morir aparecieron cheques de derechos de autor e imagen no cobrados por un valor superior al millón de euros.

Trabajando para un artículo sobre el legado de Syd Barrett, miembro fundador de Pink Floyd, Forde intuyó que ahí había una mina no explorada: tras su muerte, algunos artistas desarrollaban una trayectoria tan o más interesante que en vida. De hecho, Tupac Shakur y Jeff Buckley han publicado más discos muertos que vivos. De Jimi Hendrix se publicaron tantos discos, de calidad dudosa, completados por músicos que no compartieron estudio con él, que el periodista llega a compararlos con el célebre ecce homo de Borja. Y si a Amy Winehouse no le ha pasado lo mismo que a Hendrix es porque, en una impulsiva maniobra, el presidente de Universal ordenó destruir todo material inédito para que nadie tuviese la tentación de editar canciones inacabadas o restaurables.

Un cuervo sobre la lápida

La imagen que ilustra Royalties de ultratumba no puede ser más incisiva: un cuervo posado sobre una lápida medio enterrada bajo una montaña de billetes. La imagen de contraportada remata la metáfora: la lápida es sustituida por una caja registradora y entre los billetes aparecen algunas calaveras. Como explica Forde en las primera páginas del libro, “un patrimonio como el de Elvis Presley no sigue siendo un éxito de taquilla 40 años después durmiéndose en los laureles”. Dicho de otro modo: el rey del rock sigue siendo el rey del rock porque alguien ha trabajado duro para perpetuar su reinado. Primero, arrebatando a su mánager, el Coronel Parker todo el poder sobre Elvis y después gestionando su legado con habilidad. “Elvis no inventó el rock’n’roll ni los patrimonios musicales, pero los convirtió a ambos en supernovas. Elvis fue el big bang de los patrimonios musicales”, afirma. Según la revista Forbes, en 2023 Elvis volvió a ser el segundo artista fallecido que más dinero generó, solo superado por Michael Jackson. Graceland aún recibe más de 500.000 visitantes anuales.

De la investigación de Forde se deduce, también, que no gestionar adecuadamente el legado de un artista puede deteriorar su popularidad poco a poco. Para cualquier persona nacida en 2004, por ejemplo, resulta inimaginable que Michael Jackson y Prince compitieran por el trono del pop en la década de los 80, ya que la obra del primero está muchísimo más presente en el imaginario colectivo actual que la del segundo. No es casualidad. Prince murió sin redactar testamento y tres multinacionales siguen disputándose su discografía oficial. También dejó 8.000 canciones inéditas, pero comercializarlas pasa por resolver antes mil y un embrollos legales. Por contra, Sony firmó en marzo de 2010 “el mayor contrato discográfico de la historia” para gestionar la obra de Michael Jackson. Todo un hito, puesto que Jacko llevaba ya 10 meses muerto.

Jeff Jampol, fundador de la empresa que gestiona los legados de Johnny Ramone, Charlie Parker, Henri Mancini y Janis Joplin, entre muchos otros, reconoce que el sector está lleno de “buitres que revolotean alrededor de un cuerpo en descomposición en busca de pequeñas áreas de carne aún fresca para consumir”, pero también hay personas que han evitado la sobreexplotación de ciertos catálogos. Phillips, la discográfica de Maria Callas, evitó el lanzamiento de un disco en vivo que insistía en publicar una familiar suya para hacer caja. Lo evitaron porque Callas canta fatal en esa grabación y publicarla desprestigiaría su imagen. En cambio, cuando falleció Roy Orbison, hubo reunión de urgencia en Virgin para adelantar una semana el lanzamiento de su disco póstumo. Y en cuanto murió Whitney Houston, el precio del recopilatorio Ultimate collection en iTunes subió de 4,99 libras a 7,99. Sony culpó del error a iTunes, pero...

Embrollos matrimoniales y paraísos fiscales

El libro insiste varias veces en que no redactar testamento (o fideicomiso) es casi sinónimo de litigios y demandas. Y pueden ser muy costosos. Se estima que para aclarar el destino de la herencia de Bob Marley su familia gastó más de ocho millones de dólares en abogados y notarios. Pero incluso cuando existe un testamento, la cosa se puede complicar. James Brown murió meses antes de que naciese su último hijo y ni siquiera había formalizado su relación sentimental con su última pareja. Movida. Ray Charles tenía doce hijos, pero la mayor parte de su herencia fue a su propia fundación. El pianista había avisado de su intención antes de morir, pero a sus hijos no les gustó. Movida. Cuando falleció Michael Hutchence, líder del grupo australiano INXS, su fortuna apareció repartida en varios paraísos fiscales. Más movida aún. Igual pasó con la herencia de Marc Bolan. Eludir el fisco inglés era una gran idea en 1971, pero todo el dinero que generan sus discos sigue pudriéndose en una cuenta de las islas Caimán.

Infinidad de artistas murieron sin testamentar: J Dilla, Sam Cooke, George Gershwin, Glenn Miller, Elliot Smith, Muddy Waters, Selena, Billie Holiday… Pero si las familias se llevan bien, la gestión del patrimonio puede incluso proporcionar al finado el reconocimiento que no disfrutó en vida. Así pasa con Nick Drake, cuyo legado artístico gestionan sus padres y hermana de forma escrupulosa. Sabedores de la timidez del cantautor inglés, han potenciado su obra al tiempo que preservaban su imagen. Han reeditado discos y han cedido canciones para anuncios, pero jamás han autorizado la filmación de un biopic o la comercialización de su figura. En el extremo opuesto, Dolly Parton ha dejado grabadas infinidad de pistas de voz para que solo haya que añadir arreglos instrumentales y seguir publicando discos a su nombre una vez nos abandone.

Royalties de ultratumba relata infinidad de batallas legales sobre las lápidas de las grandes estrellas. Más cruentas son cuando el legado pertenece a un grupo (los Doors, los Ramones) o cuando el reparto es desigual. Frank Zappa lo dejó todo a su esposa, pero cuando ella murió repartió la herencia con muy mala baba: dejó un 40% a dos hijos y el 60% a otros dos. Pero todavía más complicada suele ser la situación cuando empiezan a aparecer hijos no reconocidos bajo las piedras. Al cantante de soul Johnny Taylor le aparecieron tres y, sorpresa, ninguno de ellos mentía. A Prince, prolífico hasta en estos asuntos, le aparecieron 30; todos falsos. Hubo un tipo, explica Forde, que compró una muela de John Lennon en una subasta para utilizarla en futuras pruebas de ADN. Eso sí, a cambio exigía que si alguien era reconocido como hijo y por lo tanto heredero de la fortuna del ex Beatle, él también recibiría un porcentaje de la herencia.

Películas, musicales, subastas y... mascarillas

De un músico finado se puede vender casi todo. Para empezar, su imagen. Hay dinero a ganar en documentales, películas, musicales, series de animación, sellos, monedas (una con la cara de Bowie está flotando en el espacio), plumas estilográficas (una Montblanc en honor a Miles Davis cuesta 4.500 dólares), muñecas, adornos navideños, ropa de bebé... Puedes calzar unas bambas Converse con caligrafía de Kurt Cobain. Puedes merendar un helado de Ben & Jerry’s en honor al líder de Grateful Dead; un Cherry García con sabor a cereza. Y durante la pandemia podías evitar la COVID con aquellas mascarillas que comercializaron los herederos de Bob Marley y que llevaban impresa la frase: “Don’t worry about a thing” (No te preocupes por nada). Todo lo imaginable se ha vendido. ¡Hasta dos veces se ha subastado el coche donde fue tiroteado Tupac Shakur!

“La publicación de la primera lista Forbes de las celebridades fallecidas mejor pagadas, a principios de 2001, significó un hito, aunque en ese entonces pocos reconocieron la importancia que iba a adquirir”, insiste Forde. Pero claro, en esa época andábamos despistados con el terremoto Napster. Hasta la muerte de Buddy Holly, se asumía que cuando moría un cantante su obra perdía potencia. En las últimas décadas la dinámica se ha revertido hasta el punto de atraer el interés de fondos buitre. “El mundo de las inversiones está detectando el inicio de una fiebre del oro póstumo”, asume Forde. El patrimonio de Elvis ya ha sido recomprado y revendido varias veces. Julian Lennon ya vendió su parte a un fondo holandés. El negocio del momento es comprar catálogos de artistas.

De hecho, en los últimos años han surgido empresas especializadas en la gestión de catálogos discográficos y patrimonios de artistas. Y empresas dedicadas a gestionar las redes sociales de artistas fallecidos. The Spellbound Group, por ejemplo, lleva las cuentas de Instagram de Jim Morrison y Janis Joplin y uno de sus encargos más peliagudos fue mejorar la imagen de Michael Jackson tras la emisión del documental en el que se le acusaba de abusos sexuales a menores. También se han creado empresas especializadas en organizar archivos discográficos y de objetos de artistas vivos o muertos: Bob Dylan, Rory Gallagher, Lady Gaga, Johnny Cash... Paul McCartney tiene dos archiveros contratados a jornada completa. Los ingresos postmortem dan trabajo a mucha gente.

Las casi 800 páginas de Royalties de ultratumba son un pozo de datos y anécdotas. Cuesta creer que fuera necesario dedicar casi 100 páginas a las giras de hologramas. Y que no se haya podido mejorar una traducción que desliza frases tipo: “No se siente muy cálido trabajar con gente que está en la industria de trabajar con gente muerta”. Pero la gran duda que genera el libro se repetirá tras la muerte de cualquier artista. ¿Dejó testamento o en cuanto lo entierren empezará la batalla campal? ¿El testamento de Ryuichi Sakamoto sería tan minucioso como él? ¿Y el de Shane MacGowan, tan caótico como cabe imaginar? ¿Redactaría testamento Sinéad O’Connor? ¿Y María Jiménez? ¿Y…?

En los años 80, Etiopía vivió una terrible hambruna que mató a cerca de un millón de personas. Por las calles de España era habitual encontrarse a voluntarios de organizaciones católicas portando huchas y pidiendo unas monedas para paliar la situación. “Los negritos del África”, esos seres exóticos que en el imaginario patrio eran los protagonistas de los Conguitos y la canción del Cola Cao, estaban ahora muriéndose de hambre y necesitaban nuestra ayuda. El caso es que, en su lucha contra la pobreza extrema, los misioneros católicos contaron con un poderoso aliado. Un aliado al que nadie esperaba: la industria de la música.  

Todo empezó en octubre de 1984, cuando el músico irlandés Bob Geldof vio un reportaje de la BBC sobre la crisis en Etiopía, una situación que el enviado especial calificaba como “lo más cercano al infierno en la Tierra”. Las espantosas imágenes que salían del televisor removieron profundamente a Geldof, que decidió levantarse del sofá y tomar cartas en el asunto. Tuvo la idea de recaudar fondos a través de la venta de un single que reuniría a grandes figuras de la música británica. En apenas un mes, Geldof y el líder de Ultravox, Midge Ure, lograron componer la canción y grabarla con Band Aid, un supergrupo formado para la ocasión, además de promocionarla en los medios, fabricar las copias físicas y colocarlas en las tiendas. Por si fuera poco, presionaron al inflexible gobierno de Thatcher, de escasas inclinaciones humanitarias, para que donara el IVA generado por el disco. Todos estos esfuerzos tuvieron un final feliz, ya que rápidamente el sencillo se convirtió en el más vendido de la historia del Reino Unido y recaudó millones de libras para la causa.   

La letra de la canción, que se titula Do they know it’s Christmas?, gira en torno a la contraposición facilona entre un nosotros privilegiado y un ellos que necesita ser ayudado. Según nos cuenta, aquí vivimos en “mundo de abundancia” y “diversión”, pero en “África” reina la “fatalidad”, el “terror” y el “miedo” (tiene mérito incluir tales palabras en un villancico). La pieza no esconde su dimensión religiosa y nos insta a “rezar por los demás” y “dar las gracias a Dios” (por el hecho de que quienes sufren sean “ellos”, los africanos, y no nosotros). El punto álgido de la canción llega al final, cuando se nos invita con insistencia a llevar la Navidad, que opera como metáfora del bienestar, allá donde “ni siquiera saben que existe” (supongo que Geldof desconocía que el cristianismo ortodoxo es la religión mayoritaria en Etiopía). 

Más que criticar la letra del bienintencionado Geldof, que no tuvo tiempo para andarse con sutilezas y solo pretendía que el disco se vendiera como churros, lo interesante aquí es destacar la conexión que la canción establece entre consumo y activismo. Al pedir a los oyentes que “alimenten al mundo” mediante la compra del disco, las voces de Do they know it’s Christmas? nos interpelan en tanto que agentes de cambio en una economía de mercado. Según diría Geldof, no se trataba de “caridad”, sino de una forma novedosa y más “afinada” de hacer “política” (neoliberal, podría añadirse).  

El gran éxito de Band Aid hizo que en Estados Unidos quisieran repetir la jugada, esta vez bajo el nombre USA for Africa. La iniciativa estuvo liderada por estrellas afroamericanas del entertainment, a saber, el actor Harry Belafonte, el productor Quincy Jones y los cantantes Michael Jackson y Lionel Richie, que se encargaron de crear el himno We are the world. En la grabación intervinieron 46 intérpretes de primera línea, a los que Jones dejó claro que se trataba de un proyecto colectivo y les instó a que “se desprendieran de sus egos”. El consejo no estaba de más, pues de hecho algunos cantantes rehusaron participar por estar acostumbrados a recibir toda la atención y no querer compartirla con otros compañeros. Ese fue el caso de Prince quien, por otro lado, consideraba que la canción era “horrorosa” y podía dañar su reputación de artista excéntrico y cool.    

A diferencia de su antecesora británica, abrumadoramente blanca y masculina, el elenco de voces de USA for Africa fue una mezcla equitativa de celebridades blancas y negras y contó con una mayor presencia de mujeres. La mayor paridad reforzaba la retórica ecuménica de la canción, que de nuevo está narrada en una inclusiva primera persona del plural y presenta un desarrollo en pro de la colectividad: las voces primero cantan individualmente o a dúo, pero luego todas ellas se funden en el clímax grupal (we are the wooorld, we are the children…). 

El componente religioso es aún más evidente en el texto de la canción, que nos señala como miembros activos de “la gran familia de Dios”, aquellos que sentimos la “llamada” para socorrer a los menesterosos. Con nuestra generosidad estamos en realidad “salvando nuestras propias vidas” puesto que, a fin de cuentas, “nosotros somos el mundo”. El paternalismo megalómano que desprende la letra ha sido una constante histórica en la política internacional de los Estados Unidos. También lo encontramos, por ejemplo, en los discursos mesiánicos con los que unos años más tarde George W. Bush justificaría su cruzada global contra el terrorismo islámico. En cualquier caso, y a pesar de lo extraño que resultaba que unos artistas millonarios se identificaran con los niños moribundos del planeta, el single resultó un éxito comercial sin precedentes.  

La multinacional CBS, responsable del lanzamiento de We are the world, replicó la estrategia adaptándola al emergente mercado latino. El resultado fue la canción Cantaré, cantarás, cuya recaudación se destinó a programas de Unicef en América Latina y el Caribe. Su letra carece de las referencias religiosas explícitas de sus predecesoras, aunque se construye a base de metáforas humanistas propias de una canción infantil de misa.

La interpretación de la canción corrió a cargo del Proyecto Hermanos, otro coro all stars que, lejos de representar la diversidad iberoamericana, estuvo en su mayoría compuesto por cantantes de España, México y Argentina. Entre ellos destacaba Julio Iglesias, el artista más vendedor de CBS, quien no casualmente desempeñó un papel central en la canción y en las imágenes promocionales. El proyecto se financió gracias a la benevolencia de Pepsi, que realizó una donación de 150.000 dólares de la época para cubrir todos los gastos. 

La fiebre altruista también llegó al mundo del rock duro, que quiso aportar su grano de arena con la iniciativa Hear N’Aid. En la introducción de su sencillo Stars, el cantante Ronnie James Dio demuestra que los heavies también tienen su corazoncito; “¿Quién llora por los niños?”, se pregunta, a lo que acto seguido él mismo contesta: “¡Yo!”. En el estribillo, de forma sorprendentemente autorreferencial, el multitudinario coro se desgañita para proclamar “¡Somos estrellas!”.

El momento más reseñable tiene lugar cuando el líder de Queensrÿche lleva el metadiscurso al extremo y le dice al oyente: “Los cantantes y las canciones no podrán por sí solos cambiar las cosas. / ¡Te llamamos, te llamamos!”. Este despliegue de testosterona solidaria tuvo una respuesta escandinava llamada Swedish Metal Aid. El videoclip de su canción Give a helpin’ hand ha envejecido manifiestamente mal, pero merece ser visto aunque solo sea porque se trata de la mayor demostración de cosmética capilar de la historia.  

Geldof subió la apuesta y unió fuerzas con sus socios de USA for Africa para montar un festival benéfico de escala planetaria que se planteó como “una celebración y un esfuerzo conjunto por acabar con el hambre”. Organizado de nuevo en un tiempo récord, el Live Aid se celebró en julio de 1985 y consistió en dos macroconciertos simultáneos a ambas orillas del Atlántico, uno en Londres y otro en Filadelfia, emitidos en directo vía satélite en el despliegue televisivo hasta la fecha. La retransmisión, que llegó a casi la mitad de la población mundial, incluyó también telemaratones y conciertos solidarios en países como Alemania, Noruega, Japón o la recién estrenada URSS de Gorbachov, que no quiso perder la oportunidad de mostrar su aperturismo. Exceptuando Australia, el hemisferio sur se quedó fuera de la fiesta.

Mediante el que se calificó como “el mayor espectáculo de todos los tiempos”, el norte global exhibió ante el mundo su superioridad económica y cultural. El evento también permitió confirmar el tópico de que la música es el lenguaje universal, pero no cualquier música: fue el rock’n’roll el que se convirtió, como declaró Geldof, en la “lingua franca del planeta”.   

En el Live Aid no participó ningún artista africano y en los conciertos de Londres ni siquiera hubo músicos negros (con la única excepción de Sade). Geldof argumentó que “la presencia de artistas poco conocidos podría hacer que muchos cambiasen de canal”. La lógica estaba clara: “Invité a los artistas más grandes porque los más grandes permitían recaudar más dinero. Es pragmatismo”, se defendió el organizador. Para reclutar a los grandes nombres de la música, la estrategia de Geldof consistió en explotar el FOMO, un síndrome muy activo en un mundo tan dominado por la vanidad y las ansias de visibilidad como el del espectáculo. Para convencer, por ejemplo, a David Bowie, le hacía saber que Elton John y Paul McCartney ya habían aceptado (cosa que no era cierta); en paralelo, llamaba a Elton John y le decía que Bowie y McCartney ya habían aceptado, y así sucesivamente. El truco también funcionó a la hora de convencer tanto a las cadenas de radio y televisión como a los patrocinadores. De hecho, el Live Aid es el único evento de la historia que simultáneamente ha tenido como sponsors a Pepsi y Coca-Cola, aunque tal convivencia duró muy poco (hasta que esta última se enteró de la presencia de su rival y decidió retirarse).   

Ahora bien, Geldof no pudo convencer a todo el mundo. Algunos solistas famosos declinaron la invitación por diferentes motivos. Stevie Wonder, por ejemplo, se negó a actuar porque no quería “ser el negro de la película”. Se rumoreó que la ausencia de Michael Jackson también fue una forma de protesta por el déficit de artistas afrodescendientes, aunque es probable que simplemente se debiera a que estaba enfrascado terminando su álbum Bad. Bruce Springsteen, por su parte, no quiso fastidiarles los días de vacaciones a los miembros de su banda, que por esas fechas disfrutaban de un parón en la intensa gira del Born in the USA. En cambio, el cantante Huey Lewis rechazó involucrarse porque no tenía la certeza de que el dinero recolectado sirviera para que “los alimentos lleguen realmente a las personas hambrientas” (aunque le acusaron de aguafiestas, lo cierto es que no iba tan desencaminado, pues hubo polémica por el destino final de una parte de los fondos). Quien se quedó más ancho fue Frank Zappa, que decidió mantenerse al margen aduciendo que “no hay por qué participar de forma ciega en todos los eventos falsamente caritativos del show business solo para mantenerte en el candelero”. 

Una de las consecuencias más inmediatas del Live Aid fue la consagración de ciertas estrellas cuyo grado real de compromiso con la causa era, como mínimo, dudoso. La primera de ellas fue Freddy Mercury. Él y su grupo, Queen, se tomaron muy en serio la cita y alquilaron un teatro durante una semana para ensayar a conciencia las cinco canciones que interpretaron en el festival. El esfuerzo valió la pena, pues su concierto fue unánimemente considerado el mejor de la jornada y es a día de hoy el más recordado. Himnos como We will rock you y We are the champions resultaron idóneos en aquel contexto. Con su discurso difuso y cargado de épica, estas canciones son capaces de inflamar a las masas contra cualquier enemigo, sea un equipo de fútbol o el hambre en el mundo. Además, Mercury supo capturar a la perfección el espíritu participativo del festival, como demuestra su toma y daca de improvisaciones vocales con el público de Wembley. A pesar de ello, días antes había manifestado que el Live Aid suponía una gran oportunidad para “estar orgulloso” y “sentir que todo el trabajo duro realizado durante años ha valido la pena”, pero hablaba desde un plano estrictamente profesional, alejado por completo de la dimensión humanitaria del evento. “Sinceramente, la pobreza es algo que siempre va a estar ahí, si lo piensas bien”, reconoció. 

Además de Mercury, el otro frontman que salió del Live Aid convertido en un icono fue Bono. En mitad de una canción, el cantante de U2 bajó al foso, ordenó a los miembros de seguridad que sacaran de entre la multitud a una chica, que presuntamente estaba siendo aplastada, y se dio un largo abrazo con ella. De gran potencia simbólica en un evento solidario, el momento estrella-del-rock-rescata-a-fan tuvo un gran eco mediático. Bono, crecídisimo, declaró: “No sabía que, abrazándola a ella, estaba abrazando al resto del mundo”. En realidad, el abrazo fue una astuta estratagema del cantante, que entendió muy bien que su actuación, más que un concierto, era sobre todo un programa de televisión con una audiencia de casi dos mil millones de personas.  

El Live Aid, por cierto, supuso el inicio de la célebre carrera de Bono como artista comprometido, en la que ha sabido sacarle un gran partido a lo que Terry Eagleton llamó el “glamour de la inanición”. Tras décadas de compadreo con las élites, puede afirmarse que la filantropía del cantante de U2 resulta a día de hoy indistinguible de los intereses de las multinacionales y de las políticas de desarrollo de las instituciones neoliberales, tal y como destaca Harry Browne en su ensayo The frontman: Bono (in the name of power).  

El de Bono es un caso extremo de la tendencia de los famosos a utilizar sus conexiones personales y su prominencia pública para ayudar a proyectos humanitarios. Esta conducta beneficia, de entrada, a las marcas personales de las propias celebrities, pues contribuye a que sean percibidas como líderes conscientes y responsables y no como meras caras bonitas, títeres de la industria o ególatras que viven en una burbuja. Para el teórico de la fama Chris Rojek, la implicación caritativa de los famosos es a menudo una señal más de su narcisismo. Según argumenta, muchas estrellas padecen un “complejo de superioridad” que les lleva a comportarse de forma tiránica en su vida privada, pero que a su vez despierta en ellas un “deseo genuino de hacer el bien en favor de la humanidad”, pues se consideran a sí mismos seres especiales que han sido “bendecidos con los dones de la empatía y la nobleza”. Lo anterior no excluye, claro está, que la implicación de las estrellas del espectáculo pueda beneficiar efectivamente a los proyectos sociales en los que colaboran. En el caso que nos ocupa, el calentón filantrópico que culminó en el Live Aid permitió recaudar unos 120 millones de dólares de la época (más de 300 actuales) para combatir la hambruna en el Cuerno de África.

La de Janet Jackson es una historia de control. De ansiarlo, de perderlo y de ejercerlo. De la misma forma que en 1986 lanzó el álbum Control para anunciar al mundo que se emancipaba, la cantante ha producido un documental biográfico como muestra de que es ella quien está a los mandos. El problema, como ocurrió con aquel disco, es que siempre hay alguien más tomando las decisiones importantes. En el caso de Janet (Movistar+) se desvela desde los créditos: su hermano Randy, productor ejecutivo junto a ella.

La familia Jackson guarda demasiados secretos bajo la alfombra como para permitirse que su miembro vivo más célebre haga una confesión. “Esta es mi historia, mi verdad”, dice Janet en el cartel. Es cierto que la benjamina da su versión sobre algunos episodios turbios de su vida y de quienes la rodean. Pero cada vez que parece que va a adentrarse en el infierno, la pantalla se funde a negro dejando la miel en los labios del espectador.

Janet es un producto televisivo guionizado y controlado por dos miembros de la familia Jackson, Janet y Randy –aunque también entrevistan a otros hermanos y a la matriarca–. Lo mejor es que muestra el fenómeno que Janet supuso en los años 90 para una América racista y machista. Una trabajadora incansable que pudo haber quedado eclipsada tras ocho hermanos y que logró hacerse un hueco sin colaborar con ninguno de ellos hasta mucho tiempo después. El apellido estaba ahí, pero también el tesón. Janet recopila los continuos y enormes éxitos que se remontan al pezongate, aunque los medios quisieran reducirla a este único episodio en 2004.

El problema es que pasar de puntillas por los escándalos no los hace desaparecer. Al revés, genera más interrogantes. No hacía falta que ella diese la cara por los supuestos maltratos de su padre o la pedofilia de su hermano, pero sí que desvelase cómo le afecto todo aquello. Porque lo hizo y mucho.

Janet podría haberlo dirigido el equipo de la cantante o cualquier fan con buen material. Aunque reúne a lo más granado del cine y la música internacional–desde Samuel L. Jackson y Woophi Woldberg hasta Regina King y Jimmy Jam–, pocos tienen intervenciones memorables. El actor de Pulp Fiction dice que le hubiera gustado ser modelo de manos para agarrarle los pechos en su portada de la Rolling Stone y Mariah Carey que a ella jamás se lo hubieran permitido. Una superficialidad que por desgracia se repite con la propia Janet, cuya “verdad” es menos cristalina de lo que promete su eslogan.

Visita vacía al pasado y a Neverland

El leit motiv del documental es la salida de Janet Jackson de las sombras. Primero, de las que proyectaban su padre y sus hermanos varones. Y después, en las que se escondían sus dos primeras parejas, sobre todo la segunda –René Elizondo– para intentar controlar su vida desde un segundo plano. También la de sus productores –todos hombres, por supuesto–.

Sin embargo, les dedica tal cantidad de metraje que las ansias de independencia quedan diluidas entre sus figuras. En buena parte de documental ella observa varias ciudades desde el asiento trasero de una limusina. Y así se mantiene durante todo el documental: como una espectadora de su propia vida.

El primer episodio se centra en la vida de sus hermanos mayores, los Jackson Five. Relata cómo pasaron de vivir apelotonados en 40 metros cuadrados en Indiana a conquistar California como una de las sagas familiares más famosas. Lo que subyace en aquellos años de escenas idílicas de la familia ensayando y paseándose por los platós es el yugo de un padre muy estricto con técnicas educativas poco ortodoxas. Esto se insinúa, pero nunca se reconoce a viva voz. “Él sabía que tenía que ser estricto por el objetivo que tenía para su familia. Es triste. Renunció a su paternidad”, es lo máximo que llega a decir una antigua secretaria de Joseph Jackson.

Al igual que sus hermanos lo despidieron como manager, ella abandonó a su padre después de grabar juntos sus dos primeros trabajos. El tercero, Control, fue una declaración de intenciones: quería desarrollarse lejos del ente familiar. “Es mejor que los discos que ha hecho Diana Ross en cinco años, y pone a Janet en una posición similar a la joven Donna Summer”, reseñaron en 1986 en la Rolling Stone. ¿Qué pasó después con la relación padre e hija? ¿Hubo tensión o enemistad? No se pronuncia ni media palabra al respecto.

Dos episodios más tarde, es el momento de hablar de las acusaciones de pedofilia de su hermano Michael. La limusina pasa por delante de la mansión de Hollywood conocida como Neverland, una auténtica casa del terror para sus supuestas víctimas. En el documental, la cantante se limita a repetir la versión oficial de la familia Jackson: que Michael “nunca” haría algo así, porque no tenía “eso” dentro. “Trataron que pareciera una especie de bicho raro”, critica Janet en otro momento. Todos los hermanos le mostraron su apoyo encerrándose con él en Neverland, una casa llena de juguetes y muñecos de Disney y a la que solo llevaba a menores de edad. Pero nunca les pareció raro.

El documental también recuerda que Janet perdió un contrato multimillonario con Coca Cola porque coincidió con las acusaciones de abusos sexuales de Michael. Pero nunca se lo reprocha. Al revés, en ese momento le prestó su imagen y su buena prensa para grabar juntos Scream, un dueto que costó millones a su sello y en el que ni siquiera se cruzaron. Ella grababa de día y él de noche: “Quería que se sintiera como en los viejos tiempos, pero no fue así. Los viejos tiempos se habían ido hace mucho”.

El “pezongate” no estaba planeado

Janet Jackson fue lo suficientemente inteligente como para saber surfear los tiempos. Ofreció un discurso a una juventud afroamericana que carecía de él a la par que daba a la industria lo que demandaba en los años 90: trabajo duro, sensualidad, simpatía con los medios y los fans, y presencia en la televisión. En 1993 protagonizó una de las portadas más icónicas de la Rolling Stone con el torso semi desnudo y unas manos tapándole los pechos. “En aquella época la música estaba eclipsada por la portada”, dice su productor, Jimmy Jam. Pero eso no era del todo cierto.

Sus discos Control, Janet Jackson's Rhythm Nation 1814 y Poetic Justice abrieron las listas de los más vendidos y colocaron varios singles en el número uno de Billboard. En 1996, renovó por 80 millones de dólares su contrato con el sello Virgin Records y se convirtió en la artista mejor pagada de la música contemporánea, por encima de Madonna y de Michael Jackson. En los 90 también protagonizó una serie de éxito junto a Tupac y era una invitada requerida en todos los eventos, platós y medios del mundo.

Después de aquello, Janet sufrió depresión, pero apenas aborda el tema más allá de admitir que es comedora compulsiva. Cuando llegó a la Super Bowl en 2004 venía de un momento de altibajos y de popularidad decreciente que ni siquiera se aluden en el documental.

De golpe, sobre la pantalla es febrero de 2004 y Justin Timberlake le saca un pecho en medio de millones de espectadores atónitos y pudorosos. El trozo de tela se desabotona de inmediato y bajo ella aparece un seno con una pezonera plateada, pero tanto Timberlake como Jackson han sostenido siempre que fue un accidente. Ese testimonio no cambia en el documental.

“Janet no es así”, dice su hermano Tito. “Así”, refiriéndose a una mujer que se presta a causar revuelo con su físico para vender más. Si sus hermanos reaccionaron mal, la sociedad lo hizo peor. El episodio inspiró en el Congreso de los Estados Unidos un “proyecto de ley de Janet Jackson” que aumentaba las penas por material de difusión “indecente”. Los medios la acosaron y la industria del entretenimiento la censuró. Solo a ella. A su compañero de escándalo, Justin Timberlake, no le salpicó en absoluto. Janet cuenta que él se ofreció tímidamente a hacer una declaración pública y que ella le recomendó que no lo hiciera para proteger su imagen.

Si algo merece la pena del documental de Janet es la verdadera Janet. No la que habla a cámara con frases de cinco palabras ni la productora que ha mantenido cerrada la caja de Pandora. Las imágenes caseras de una mujer sencilla y dulce, que trabajó lo indecible y mantuvo los pies en la tierra a pesar del caos que generaban los demás a su alrededor. Ella rechaza el papel de víctima, pero para eso también blanquea muchas partes de su historia. “Quería que la gente viera a mi familia y a mí misma, quiénes somos realmente”, dice al final. Una pena que eso no ocurra y que para ello haya que esperar a la versión no oficial de la película.

Más de 30 funciones de teatro, cine, danza y música conforman la programación hasta fin de año del Teatro Guimerá, por el que desfilarán desde Nancho Novo y Lola Herrera hasta la música de la Motown y el único espectáculo mundial dedicado a Michael Jackson que avala la familia del rey del pop.

La programación del último trimestre del año en el Guimerá reúne propuestas “atractivas y arriesgadas”, afirmó este viernes la concejal de Cultura del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Matilde Zambudio, en la rueda de prensa en la que detalló los espectáculos con los que confía atraer a unos 14.000 espectadores.

De hecho, recordó Matilde Zambudio, ya hay más de 18.500 personas que cuentan con el carné de “Amigos del Guimerá” y subrayó también que se ha buscado una programación cuyo objetivo es atraer a todo tipo de público.

La primera función que mencionó se celebrará justamente a partir de este viernes y mañana con Lehman Trilogy, una propuesta que mezcla humor, música y crítica respecto a la crisis financiera dirigida pro Sergio Peris-Mencheta y que ha recibido el premio Ercilla de Teatro 2018 al mejor espectáculo.

El teatro continuará este mes con Un poyo rojo y el monólogo Miguel Lago pone orden, que enlazará el 23 de octubre con una proyección cinematográfica dedicada a la fascinación de los océanos, “International ocean film tour”.

La programación de octubre continuará además con el Festival Internacional Clownbare y finalizará el 31 con el musical La magia de Motown, un viaje por canciones como Ain't no mountain, Blame it on the boogie, My girl y My cherie amor, entre otras.

El 1 y 2 de noviembre Abubukaka representará La Cama, y el 8 y 9 llegará el turno de Último tren a Treblinka para continuar el 14 del mismo mes con el estreno de Platónica Teatro Antimateria.

Además habrá un concierto de la Orquesta de Cámara de canarias con el estreno de una obra de Emilio Coello, el 17 de noviembre, y cinco después se ha programado una versión libre sin texto de La casa de Bernarda Alba bajo la denominación de Genoma B.

Para acabar el mes se subirán al escenario del Guimerá Nancho Novo y Eva Isanta con la obra Trigo sucio, y la actividad teatral se reanudará el 6 y 7 de diciembre con El precio, bajo la dirección de Silvia Munt y con Tristán Ulloa como protagonista.

El 12 de diciembre llegará el turno de la danza con la “gala de ballet” del Centro Internacional de Danza de Tenerife con dirección y coreografía de Héctor Navarro, y el 20 y 21 del mismo mes Lola Herrera regresa con su emblemática representación de las Cinco horas con Mario.

Para concluir el año del 27 al 29 de diciembre se han programado varias funciones del musical Forever: The best show about the king of pop, el único espectáculo dedicado a Michael Jackson que ha contado con la colaboración de la familia del fallecido cantante estadounidense, en concreto de sus hermanos Germaine y LaToya.

Desde el estreno de Leaving Neverland, el inquietante documental que desgrana la relación de Michael Jackson con dos niños pequeños, muchos seguidores del desaparecido cantante se han mostrado escépticos acerca de los presuntos abusos que su ídolo habría cometido sobre los menores.

Otros, por el contrario, contemplaron con horror las historias recopiladas desde los años ochenta y noventa. ¿Cómo pudo pasar? ¿Por qué los padres dejaban adentrarse a sus hijos en situaciones aparentemente tan peligrosas? ¿Por qué los hechos no salieron a la luz en aquel momento? Estas son algunas de las preguntas que se formulan los espectadores.

Mi intención no es especular sobre la exactitud de los testimonios revelados por los dos hombres. Sean ciertos o no, han puesto sobre la mesa asuntos importantes que necesitamos comprender para evitar que ocurran casos de abuso infantil.

Tradicionalmente, nos ha resultado muy complicado como sociedad creer ciertos testimonios o reconocer las señales que indican la existencia de un caso de abuso sexual a menores. Se han expuesto varias explicaciones teóricas, algunas de las cuales defienden la existencia de una necesidad colectiva de mantener la fe en un mundo justo en el que los adultos no sean capaces de hacer este tipo de cosas a los niños. La creencia en la rectitud del mundo nos incita a seguir las reglas y normas de nuestras comunidades, ya que confiamos en que seremos recompensados con una existencia pacífica y ordenada para nosotros y nuestras familias. Por lo tanto, nos cuesta comprender que aquellos que no lo merecen puedan verse envueltos en situaciones tan terribles.

Hay ciertas ideas equivocadas que pueden restar credibilidad a las acusaciones de abusos sexuales a niños. Por ejemplo, está muy extendida la idea de que los agresores son monstruos que utilizan la violencia para asustar a los niños. De igual manera, tendemos a pensar que los padres sabían que sus hijos estaban siendo víctimas de abuso, o que los niños se lo contaron a alguien inmediatamente y mostraron un miedo atroz hacia el agresor. No deja de ser común (y, habitualmente, erróneo) creer que la declaración de un niño sobre su experiencia como víctima de abusos mantiene la coherencia a lo largo del tiempo.

‘Mejores amigos’, no ‘monstruos’

Es natural percibir a los acosadores sexuales como unos seres monstruosos que intimidan y asustan a los niños a los que torturan. Sin embargo, aunque existen varios tipos de pederastas, muchos de ellos son capaces de ganarse la confianza de los niños gracias a su habilidad para atraerlos y para conectar con ellos a nivel emocional y social.

Este tipo de abusadores tienden a acercarse a niños tímidos, retraídos, solitarios y rechazados por sus iguales, tratan de crear un vínculo emocional en el que se muestran como sus “mejores amigos” y les hacen sentirse “especiales”. De esta manera, el niño desarrolla una dependencia emocional hacia el pederasta, que aumenta gracias al aislamiento del pequeño.

El proceso en el que se prepara el terreno para el abuso puede llevar días e incluso meses, y el elemento sexual se introduce habitualmente de manera progresiva al desensibilizar al niño con acciones tan inocentes como darle abrazos, pelear de broma o hacerle cosquillas. Es muy poco habitual que el abuso sexual a menores se practique por medio de la violencia y de amenazas físicas. Más bien, las coacciones suelen apuntar a las consecuencias que podría acarrear el “ser descubiertos” en su relación.

Cuando los delincuentes sexuales no tienen una razón de peso para disfrutar de la compañía no supervisada de su objeto de deseo, o el niño es tan pequeño que no tiene autonomía fuera de la familia, trabajarán también para ganarse con la confianza de los padres. De hecho, parece ser que estos son convencidos antes que los propios niños. El abusador se mostrará cercano y les hará pequeños favores para crear un vínculo emocional con ellos, desplegando estrategias simples, como ofrecerse a cuidar de los niños para que ellos descansen y compartir información personal, especialmente aquella que, al ser revelada, los convierte en vulnerables. Su relación con la familia se afianza de manera natural y normal, y su aparición suele ser muy bien recibida. Algunos, incluso, son vistos como los salvadores de la familia.

Esto significa que la lógica alerta natural que los padres mantienen contra los “extraños” que se acercan a sus hijos se vea reducida, si no eliminada. Cualquier sospecha que pueda surgir será automáticamente descartada o bien se encontrará una explicación, ya que los padres no son capaces de comprender cómo alguien tan maravilloso podría llevar a cabo una acción tan despreciable.

¿Por qué los niños no lo cuentan?

Muy pocos niños revelan sufrir abusos sexuales en el momento en que están ocurriendo. Los testimonios que salen a la luz suelen ser casos en los que el abuso se constituye como un incidente aislado perpetrado con poca preparación por un desconocido. En esta tesitura, el abuso es concebido como una agresión no deseada, tanto por el niño como por aquellos a los que el pequeño confiesa lo sucedido.

Hay muchos motivos por los que los niños no denuncian los abusos que sufren o han sufrido. Uno de ellos, expuesto por adultos que sufrieron abusos cuando eran pequeños, es que desconocían que lo que estaban viviendo era incorrecto. Algunos niños, al finalizar los abusos, pueden sentirse heridos y experimentar un sentimiento de rechazo. Muchos de ellos no se dan cuenta de que las situaciones por las que pasaron eran abusos hasta alcanzar la edad adulta, que es cuando pueden analizar lo ocurrido desde una perspectiva totalmente diferente. En ese punto, las víctimas pueden percibir su experiencia como un abuso de confianza por parte del agresor, y este reconocimiento puede derivar en un trauma incluso años después del fin del maltrato.

A pesar de la nueva percepción de la naturaleza abusiva de la relación, no es extraño que los adultos que sufrieron episodios de abuso sexual de pequeños manifiesten tener un sentimiento de amor por el delincuente. Este hecho contradictorio se relaciona con el síndrome de Estocolmo, que surge cuando en un secuestro la víctima establece un vínculo profundo con el secuestrador. Es natural, pues, que quien ha sufrido los abusos sea reticente a contarlo y que, cuando lo hace, tenga sentimientos de culpa. Incluso, en ocasiones, las víctimas se retractan de sus propias declaraciones, lo que se relaciona con un fenómeno conocido como el síndrome de Acomodación al Abuso Sexual Infantil.

Como dije anteriormente, no nos estamos refiriendo a ningún caso en particular. Sin embargo, en mi experiencia, los horrores descritos en Leaving Neverland (que la familia de Michael Jackson niega rotundamente) encajan en la información que aquí se detalla. Pero si algo está claro es que los traumas causados por experiencias como estas pueden tardar en salir a la superficie años y perdurar toda la vida.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Lea el original aquí.The ConversationLea el original aquí

Hay muchas cosas en el documental Leaving Neverland, sobre los presuntos abusos sexuales de Michael Jackson, que recuerdan a la fábula de Peter Pan. El rey del pop se acercaba a niños perdidos, enfermos y talentosos, pero sin recursos, y les brindaba una fuente inagotable de aventuras, chucherías y juguetes.

Literalmente se los llevaba al país de Nunca Jamás, pues así bautizó a su rancho de retiro en Hollywood. Allí es donde Peter Pan acogía a los bebés que se caían de sus cunas y a los que nadie reclamaba en, al menos, siete días.

Los padres de los niños que iban a Neverland también les dejaban caer de alguna forma cegados por los encantos y la fama de Jackson. No se oponían a que durmiesen en la misma cama que un adulto de 30 años ni se preocupaban cuando este cerraba la puerta con llave para ver la televisión y comer palomitas. Michael Jackson solo era el niño que no quería crecer. Por eso, cuando los chavales alcanzaban la adolescencia, le dejaban de interesar y revoloteaba por las ventanas para encontrar a un nuevo pequeño amigo al que llevar a Nunca Jamás.

Dos de aquellos niños fueron James Safechuck y Wade Robson, hoy adultos que rozan la cuarentena y cuyos testimonios describen aquel lugar de ensueño como una mansión de los horrores en la que el cantante habría perpetrado todo tipo de barbaridades contra varios menores de edad.

Es injusto decir que Leaving Neverland se enfrenta al mismo escrutinio público que los chicos que se atrevieron a denunciar a Jackson en los años 90. El documental dirigido por Dan Reed abre en canal una herida que se creía a medio cicatrizar y echa sal sobre el legado de un hombre muerto. Esto juega a su favor, en cuanto a que el tiempo quizá haya mitigado la histeria de sus fans y permita mirar con perspectiva unos actos que en su día solo fueron catalogados de excéntricos, pero también en su contra.

Muchos le acusan de linchar de forma gratuita a alguien que ya fue juzgado y absuelto, y de hacer dinero saltándose la presunción de inocencia con pértiga. La familia Jackson pide 100 millones de dólares a HBO por eso mismo, y porque sabe que su visionado no va a dejar indiferente a nadie. “Difícil de ver, aún más duro de ignorar, imposible de olvidar” es la reseña que la plataforma ha reconvertido en su eslogan porque resulta ser totalmente cierta.

Leaving Neverland deja la pelota en el tejado del espectador. Podemos creer en la verosimilitud de los argumentos que exculparon a Michael Jackson en su día o en los testimonios – muy, muy explícitos- de dos presuntas víctimas. No obstante, lo hace siendo consciente de lo difícil que es desoír las aberraciones que en él se cuentan.

¿Distan mucho de lo que salió en la prensa en 1993? En absoluto. Lo que cambia es que los episodios de sexo oral, frotamientos, penetraciones, besos y extorsión son pronunciados en primera persona por dos adultos que hace décadas declararon a favor del rey del pop.

El Disneylandia de los adultos ciegos

El documental dedica una buena parte del metraje a explicar el contexto familiar y social de James Safechuck y Wade Robson, importante para comprender cómo fueron usados por sus propias familias para acceder a un estilo de vida que de otra manera no habrían podido ni soñar.

El primero era el típico crío de anuncio con rasgos dulces y enormes ojos azules, que coincidió por primera vez con Michael Jackson en un rodaje para Pepsi. Jackson se encariñó de él a finales de los 80 y comenzó a invitarle a sus giras europeas, en las que el pequeño Jimmy dormía en su suite y los padres en habitaciones cada vez más alejadas. James tenía 10 años. Michael, 32.

Más allá de los supuestos abusos que allí ocurrían, el cantante generó una relación de confianza basada en la desconfianza hacia sus padres y, más concretamente, hacia su madre y las mujeres. Así naturalizaba ciertas muestras inapropiadas de cariño, como rascarse la palma de la mano como mensaje en clave de deseo sexual, y le convencía de que nadie le querría como él.

Pero, sobre todo, insistía en el ocultismo y en lo mucho que debían protegerse contra quienes les iban a intentar separar. Fue entonces cuando comenzaron los simulacros de vestirse a toda velocidad por si alguien llamaba a la puerta sin previo aviso y las coartadas compartidas.

Los Safechuck también fueron los primeros huéspedes del rancho de Neverland, una versión privada de Disneylandia con atracciones, safaris, restaurantes y castillos que hacían las delicias de padres e hijos.

A ojos de los adultos, Jackson era un niño de 9 años atrapado en el cascarón de una estrella mundial que solo trataba de revivir una infancia que nunca tuvo. La madre de Jimmy le llegó a ver como un cómodo segundo hijo. Uno que les pagaba viajes en jet privados, les iba a buscar en limusina, les presentaba a Sean Connery, Steven Spielberg y George Lucas, y obsequiaba a su hijo biológico con sobres rebosantes de billetes, juguetes y joyas.

Mientras que su madre bebía vino de una bodega inagotable de la casa de invitados y se dejaba agasajar por los criados de Jackson, James convivía con su presunto agresor en la mansión principal. La mayor parte de sus recuerdos se corresponden con el laberíntico plano de la residencia. Los armarios escondidos, las escaleras de caracol, las salas ciegas, las carreteras serpenteantes y las campanillas que prevenían de los pasos extraños parecían diseñadas para enmascarar lo prohibido.

Nada de eso fue suficiente para alertar a los Safechuck ni tampoco a los Robson, cuyo hijo pequeño Wade experimentó el mismo terror en Neverland que James. Entonces, él tenía 7 años.

Todo empezó cuando Wade ganó un concurso de baile simulando a Michael Jackson en Australia cuyo primer premio era conocer a su ídolo. Tras eso, la historia se repitió: el cantante se ganó la ternura de la madre y se acercó a Wade como maestro de cara a los adultos y como amante de cara al niño. Hablaban entre cinco y seis horas al teléfono y le mandaba escalofriantes faxes en los que le refería como “my little one (pequeñito)” y le repetía constantemente lo mucho que le quería.

Esos cientos de mensajes cándidos redactados por un hombre de 33 años resultaban “encantadores” para la madre de Wade, que no se lo pensó dos veces y abandonó su vida en Australia solo porque Michael quería a su hijo pequeño cerca de Los Angeles.

“No quiero entrar en los detalles sexuales porque sé que esa conversación me va a generar pesadillas”, admite hoy en día la progenitora, que convenció a Wade de mantenerse del lado del cantante cuando salieron a la luz las primeras acusaciones de pederastia.

Wade y James han tenido que lidiar con el fantasma del consentimiento y con el amor tóxico que le profesaban a Michael Jackson para poner en palabras su abuso. Ambos fueron presionados por él y por sus familias para testificar en 2005 que Michael nunca le haría daño a un niño y que ellos eran la muestra. Tanto ensayaron la mentira, que se la creyeron hasta que ellos mismos fueron padres. “Eso lo cambió todo. Sería capaz de matar si alguien le hace a mi hija lo que yo viví”, explica Robson con furia. “Quiero ser capaz de contar la verdad tan alto como he tenido que contar mentiras durante tanto tiempo”.

Pero sus madres llegaron tarde a esa verdad, a esa venganza y, sobre todo, a las señales previas. En sus palabras, se dejaron cegar por la fama y esa vida de ensueño a cambio de convertir a sus hijos en juguetes que terminaron rotos. “Quizá le pueda perdonar en algún momento si intento comprender que estaba enfermo, pero a mí misma es otra cosa. No creo que pueda hacerlo jamás”, dice la señora Robson. La de Safenuck deja de lado hipótesis médicas: “Fue pedofilia. La palabra lo dice todo”.

Tras ver Leaving Neverland, queda la incógnita de si los hechos que se cuentan afectarán a uno de los legados más grandes de la historia de la música. La certeza es otra: el mundo ha asistido impasible a muchas excentricidades amparadas por la fama y también es responsable de las historias de terror que puedan esconder. Sean ciertas, o no.

El Auditorio Regional Víctor Villegas de Murcia, espacio gestionado por la Consejería de Turismo y Cultura, acogerá los días 29 y 30 de diciembre el espectáculo 'Forever. The Best Show About The King Of Pop', un homenaje a la figura del cantante estadounidense Michael Jackson (1958-2009) en el que se recordarán algunos de sus mayores éxitos.

Desde su estreno en 2010, más de medio millón de espectadores han disfrutado de este espectáculo escénico y audiovisual que cuenta con el aval de la Jackson Family Foundation y que está protagonizado por un cuidado elenco de bailarines, cantantes y músicos.

La directora general del Instituto de las Industrias Culturales y de las Artes, Marta López-Briones, indicó que este espectáculo “supone una oportunidad fantástica para recordar a uno de los mejores cantantes de la historia; un artista convertido en leyenda cuyas composiciones nos han acompañado en nuestra vida”. Señaló que “'Forever' es asimismo una muestra de la variedad de propuestas que podemos encontrar en el Auditorio regional, en el que se combina la música clásica con la danza, los espectáculos infantiles y la música actual de todos los estilos y formatos”.

La ciudad de Santa Cruz de Tenerife cerrará el año con dos espectáculos musicales de gran nivel. Así, con motivo de la celebración del 25 aniversario del concierto de Michael Jackson en la capital tinerfeña, el puerto capitalino acogerá el 21 de diciembre el concierto de The Jacksons, que contará con la participación de sus miembros originales: Jermaine Jackson, Tito Jackson, Jackie Jackson y Marlon Jackson.

Estos son los hermanos del legendario artista fallecido hace nueve años. El grupo, en su larga trayectoria, iniciada hace exactamente 50 años, se ha denominado Jackson Five, J5 y Jackson Brothers, hasta llegar a su nombre actual.

El recital de The Jacksons pretende ser un show que incluya todos los mega-hits producidos con su hermano, Michael Jackson, junto al cual son una de las familias más reconocidas en la historia de la música.

Actuarán en Santa Cruz en un año histórico y lleno de simbolismo para ellos, ya que se cumple el 50 aniversario de su primera gira y el 25 aniversario del concierto de Michael Jackson en la capital tinerfeña, el 26 de septiembre de 1993, en pleno apogeo mundial del rey del pop.

La dársena de los Llanos del puerto de Santa Cruz de Tenerife acogerá ese concierto, en el que además del espectáculo musical se podrán ver secuencias visuales que narrarán la evolución de The Jacksons, el grupo compuesto por sus miembros originales Jermaine, Tito, Jackie y Marlon Jackson.

Un chaval que se transforma en hombre lobo, muertos con grandes dotes para el baile que salen de sus tumbas al llegar la medianoche, Michael Jackson caracterizado de zombie y una de las canciones más legendarias de todos los tiempos, su Thriller. La primera gran superproducción para una canción, de casi catorce minutos de duración, un anuncio que tomó cuerpo como obra propia. Y que, aun así, no consiguió alzarse en la primera edición en 1984 de los MTV Music Video Awards como Mejor vídeo del año. Se lo arrebató You might think, de The Cars.

La llegada del vídeo a España provocó un shock mayúsculo. Su estreno tuvo lugar en la mismísima nochevieja de 1983, entre las actuaciones de Mecano o Norma Duval. Jackson decidió convertir su pieza en prácticamente un cortometraje por la admiración que profesaba hacia la cinta Un hombre-lobo americano en Londres.

Su flechazo con el largometraje fue tal que quiso que fuera su mismo director y responsable de los efectos especiales quienes trabajaran en él. El cineasta John Landis exigió que lo haría si podía trazar un hilo argumental y no limitarse a la canción. El resultado fue la obra maestra audiovisual que, cerca de cumplir cuatro décadas, sigue siendo recordada y considerada por marcar un antes y un después en la industria musical.

Aunque probablemente sea la ausencia más sonada de este galardón creado por el canal de televisión MTV, Thriller no ha sido el único videoclip que se ha quedado fuera del máximo reconocimiento. Esta edición, celebrada la madrugada del martes 21 de agosto, Havana de Camila Cabello ha sido la ganadora del premio más importante de la ceremonia, desbancando a Childish Gambino.

El también actor, guionista, director y productor ha tenido que conformarse con el galardón al Vídeo con un mensaje por This is America. Su videoclip requiere de varios visionados para poder apreciar la profundidad de muchos de sus detalles. Muestra la esquizofrenia de vivir en un mundo en el que el racismo institucional persigue y asesina por ser negro, al tiempo que se intenta olvidar de todo consumiendo, bailando y siendo fiel al the show must go on.

Thriller y This is America son dos nombres de una lista de olvidados, o compensados con otros galardones menores, a la que se suman otras producciones tan emblemáticas como Take on me, Like a prayer, Californication, Telephone y Happy. Las repasamos a continuación.

Take on me (A-ha)

Take on me

Take on me es el hit más conocido del grupo noruego A-Ha. Un imprescindible de las fiestas ochenteras. En su videoclip, un personaje de cómic cobra vida y se enamora de una chica. Se cuenta combinando la animación pintada a lápiz con escenas reales, usando una técnica conocida como rotoscopio. Las imágenes se superponen, cuadro por cuadro, brindando a las figuras movimientos realistas. La originalidad de la propuesta de con dibujos de Michael Patterson y dirigida por Steve Barron necesitó cuatros meses para su creación.

En la gala de los MTV VMAs en 1986 A-Ha recibió seis galardones que lo reconocieron como Mejor artista nuevo, Mejor vídeo conceptual, Mejor vídeo más experimental, Mejor dirección, Mejores efectos especiales y elección de los espectadores.

No corrieron la misma suerte en la categoría de Vídeo del año, que coronó a Dire Straits por Money for nothing. Compartieron protagonismo en la noche con Whitney Houston que interpretó How will I know y Greatest love of all, con las que la cadena trató de solventar las críticas recibidas por no emitir vídeos interpretados por artistas afroamericanos.

Like a prayer (Madonna)

Like a prayer

Ya explicamos las razones por las que Madonna lleva 35 años siendo la reina del pop, y en los premios concedidos por la MTV ha sido galardonada en numerosas ocasiones, una de ellas en su categoría reina al Mejor vídeo con Ray Of Light, pero echamos de menos que el controvertido videoclip de 1989 se quedara por detrás del de That Note's from you, de Neil Young.

La pieza en cuestión fue elegida por el público del canal 24 horas de la cadena a través de una encuesta en la que votaron más de 10.000 personas como el vídeo más revolucionario de la historia. En la misma selección se colaron otros dos de la artista, Ray of light y Vogue.

La pieza audiovisual de Like a prayer supuso el primer encontronazo de Madonna con la Iglesia Católica, que la acusó de blasfemia. La estadounidense baila dentro de una capilla, reza ante la estatua de un santo negro que cobra vida y la acaricia, y una ángel negra la impulsa al cielo.

Californication (Red Hot Chili Peppers)

Californication

Es uno de los videoclips más emblemáticos de la historia del rock. En el 2000, Red Hot Chili Peppers apostó por introducir la estética del videojuego y retratar a los sus componentes recorriendo una versión digital de Los Ángeles. Presentado desde el punto de vista del jugador, los cuatro sortean los obstáculos que tratan de impedirles llegar a una ciudad distópica.

Sus directores, Jonathan Dayton y Valerie Faris, que sí fueron premiados en los MTV VMAs de ese año, buscaron representar, al igual que la canción, el lado oscuro de Hollywood. El tema hace referencia al deterioro de la sociedad occidental, la pornografía, la cirugía plástica y elementos de la cultura pop como Kurt Cobain y Star Wars. También se alzaron con el premio a la Mejor dirección de arte pero no el de Mejor vídeo, que se lo llevó Eminem por The Real Slim Shady.

El rapero estadounidense repitió gesta dos años más tarde con el videoclip de su tema Without me. Forma parte del trío de artistas que han logrado ganar en dos ocasiones el máximo galardón, junto con Beyoncé (que lo consiguió con Single Ladies en 2009 y Formation en 2016), y Rihanna (triunfadora con Umbrella en 2007 y We found love en 2012).

Telephone (Lady Gaga y Beyoncé)

Telephone

A pesar de que juntas se alzaron con el reconocimiento a la Mejor colaboración por Telephone en 2010, Lady Gaga se coronó en solitario en la categoría de Mejor vídeo en la que también competía con Bad Romance. Fue la gran vencedora de la noche, con ocho estatuillas, siendo aclamada en las ternas de Mejor vídeo femenino, Mejor vídeo pop, Mejor vídeo dance, Mejor coreografía, Mejor dirección y Mejor edición. Ya había batido récords, al obtener un total de trece nominaciones con ambos vídeos y se erigió como la primera mujer en obtener dos candidaturas dentro de una misma categoría.

Como era de esperar, la unión de estas dos artistas se convirtió en un fenómeno instantáneo. Quentin Tarantino fue la inspiración de su vídeo que arranca con Gaga siendo encerrada en la cárcel. Beyoncé acude a su rescate en la camioneta Pussy Wagon usada en la película de Kill Bill. Juntas viajan hasta un restaurante de carretera en el que envenenan a todos los presentes del local. Mientras tanto cantan, bailan, planean, conducen y huyen. Puro espectáculo visual.

Happy (Pharrell Williams)

Happy

2014 fue el año en el que Miley Cyrus se alejó definitivamente de su imagen de “chica Disney” fruto de su papel como Hannah Montana, al aparecer completamente desnuda en su videoclip Wrecking Ball. Fue ella quien se alzó con el premio al Mejor vídeo del año y, en su recepción, cedió su tiempo de agradecimiento a un joven sin hogar llamado Jesse. El espontáneo aprovechó los minutos de la cantante para explicar al público cómo podían hacer donaciones a la fundación My Friend's Place, que apoya personas indigentes.

Únicamente como nominado quedó Pharrell Williams y su Happy. El tema formó parte de la banda sonora de Gru 2. Mi villano favorito (2013) y fue nominado al Oscar a la Mejor canción original. Su videoclip se ideó como el primero del mundo capaz de durar 24 horas y se presentó a través de la página web 24hoursofhappy.com.

Los cuatro minutos de duración de la melodía se repiten constantemente mostrando a cientos de personas cantando, bailando y repitiendo pasos similares, en diferentes lugares y situaciones. Williams aparece 24 veces y hay cameos de otros rostros conocidos como Steve Carrell, Jamie Foxx, Magic Johnson, Jimmy Kimmel y los Minions. El videoclip es interactivo y permite que los usuarios elijan el momento preciso que estén visualizando para compartirlo en sus redes.