En Cantabria empezó y a Cantabria vuelve. En marzo de 2025 vio la luz el certamen Palestina Animada en Santander y Cabezón de la Sal. Entonces, una veintena de cortos de animación creados por artistas de Palestina y una exposición con reproducciones de obras de otras creadoras de Gaza lograron llamar la atención sobre cómo la vida, la creación y la resistencia ante la arremetida genocida de Israel conforman una tupida red de relatos necesarios para entender lo que sucede y mantener la solidaridad.

Ahora, nueve meses después, cuando la dramática situación de la población gazatí no ocupa portadas gracias a la operación de Israel y Estados Unidos para vender el autodenominado como “Plan de Paz”, el ciclo Palestina Animada regresa a la Filmoteca Mario Camus con nuevos títulos los días 12 y 13 de diciembre y a Cabezón de la Sal el domingo 14.

Lo hace después de que la semilla sembrada por el movimiento Cabezón por Gaza —en alianza con el colectivo de directores de cine de animación de Palestina y la diáspora “Palestina Animada”— germinara en Noruega, en Portugal, en Francia, Italia, México, Argentina o Tailandia pero también en Barcelona, Coruña, Vélez Málaga, en Madrid, en Sevilla, en Menorca, en Jarandilla o en Córdoba.

Palestina Animada tiene dos dimensiones: la del apoyo mutuo dentro de una comunidad artística, y la de las muestras de las obras para no dejar que el puente entre Palestina y el resto del mundo se quiebre bajo las bombas de la indiferencia y para destinar el 100% de lo recaudado a los artistas y a la población de Gaza.

Esta segunda dimensión es la que regresa este viernes 12 de diciembre, a las 20h, en la Filmoteca de la Calle Bonifaz de Santander. Esta vez será con un largometraje From Grown Zero (Desde la Zona Cero), un proyecto conmovedor que reúne 22 cortometrajes creados por talentosos cineastas de Gaza. Impulsada por Rashid Masharawi, un reconocido cineasta palestino, la película ha brindado una plataforma para que jóvenes artistas se expresen a través de su arte.

Desde la Zona Cero, muestra una mezcla de géneros que incluyen ficción, documental, docuficción, animación y cine experimental. El sábado 13, a la misma hora, será el turno de Samouni Road (2018), una película de animación de Stefano Savona, en la que, a través de la familia Samouni, que vive en la zona rural a las afueras de la ciudad de Gaza, se transmite un retrato profundo y multifacético antes, durante y después de que la violencia cambie su vida para siempre.

El domingo 14 de diciembre, a partir de las 18h, se podrán ver en la Casa de Cultura de Cabezón de la Sal tres cortometrajes (Tío, dame un cigarrillo, de 2023; Nadie. Sin cuerpo, de 2025, y Cielo de Cemento, de 2017). Después, se proyectará el largometraje Se buscan 18 (The Wanted 18), de Amer Shomali y Paul Cowan, un galardonado documental que a través del humor y de la reflexión muestra el poder de la movilización masiva y la resistencia no violenta a la ocupación israelí durante la Primera Intifada, una época que con demasiada frecuencia se representa de forma simplista con jóvenes palestinos lanzando piedras frente a soldados armados.

Jumanji (1995) no pasa de moda. La película protagonizada por Robin Williams conquistó a los niños y niñas de los 90, pero la historia sobre el que juego de mesa que tiene el poder de hacer que sus elementos cobren vida en el mundo real sigue vivo 30 años después de su estreno en cines. Esto ha sido posible, entre otras cosas, gracias a las secuelas que se han desarrollado en los últimos años.

La próxima que podremos disfrutar será la cuarta película de la saga, Jumanji 4, cuya llegada exclusiva a cines está prevista para el 11 de diciembre de 2026. Esta seguirá la fórmula de las dos anteriores, que también se estrenaron en diciembre para coincidir con las fiestas navideñas.“Qué aventura tan enorme, divertida y conmovedora. Es muy emocionante despedir esta franquicia con esta película”, compartió Dwayne Johnson, uno de los actores protagonistas, al compartir la noticia.

La cuarta será la última película basada en Jumanji, el relato infantil homónimo de 32 páginas publicado por Chris Van Allsburg en 1981. En ella, ‘La Roca’ rendirá un homenaje muy especial al protagonista de la película original, Robin Williams, quien falleció en 2014 y no llegó a ver ninguno de estos nuevos largometrajes sobre el mágico juego de mesa. Lo hará con un objeto muy especial: el collar con un dado que Williams llevaba en la entrega original.

La noticia la conocimos de primera mano gracias a un vídeo que Johnson compartió en su perfil de Instagram, donde se le puede ver en el plató de Universal Studios de Los Ángeles. En el vídeo, aparece con el mítico collar colgado del cuello. “Como ven, un pequeño detalle sorpresa para el Dr. Bravestone. Estos son los dados que Robin Williams utilizó en la Jumanji original”, señaló el actor.

“Es una muestra de respeto y una forma de honrar a Robin y a toda la franquicia que él inició mientras filmamos nuestro último Jumanji”, añadió. En la película original, Williams interpretó a un hombre llamado Alan, que permanece atrapado dentro del mágico juego de mesa durante 26 años hasta que dos niños descubren el juego y accidentalmente invocan a Alan de vuelta al mundo real.

Dos secuelas protagonizadas por ‘La Roca’

La primera secuela de Jumanji llegó en 2017, con el estreno de Jumanji: Bienvenidos a la jungla. La película de acción, aventuras y comedia trajo de vuelta el universo mágico del largometraje original. En este caso, los protagonistas son cuatro adolescentes que se encuentran con una antigua consola de videojuegos con un juego llamado Jumanji. Al empezar a jugar, son transportados dentro del universo del juego.

La saga siguió expandiéndose un par de años después. En 2019, se estrenó Jumanji: El siguiente nivel, una continuación de la trama que empezó el largometraje anterior. Entre los protagonistas de estas dos producciones está Dwayne Johnson, quien interpreta a Spencer Gilpin. La próxima vez que veremos a ‘La Roca’ en este papel será el año que viene.

Los rumores son ciertos. Si paramos Frankenstein (2025), la última película dirigida por Guillermo del Toro, en el minuto 39, podemos ver en primer plano a Santiago Segura. A algunos les costará reconocerlo, pues el actor y director español aparece lleno de suciedad y acompañado del mismísimo Isaac Oscar, quien interpreta a Víctor Frankenstein en esta nueva adaptación de la obra de Mary Shelley. Oscar examina a varios condenados a muerte en la horca para seleccionar cuerpos que utilizar en sus experimentos y, entre ellos, está el personaje interpretado por Santiago.

Algunos se han quedado completamente atónitos. ¿Qué hace el humorista en un largometraje internacional de estas características? Parece que se les ha escapado una información clave: Segura y Del Toro son amigos desde hace más de 30 años. Se conocieron en el Festival de Sitges en 1993, cuando el mexicano presentó Cronos, su primera película. Y, desde entonces, el director de El laberinto del fauno le ha dado más de un cameo en sus largometrajes.

La primera vez que Santiago Segura apareció en una de las películas de Guillermo del Toro fue en Blade II (2002), donde pudimos verlo en pantalla junto a Wesley Snipes. También lo vimos en Hellboy (2004), la película protagonizada por Ron Perlman en la que interpretó a un empleado del servicio de trenes de la ciudad. Incluso tuvo un cameo en la superproducción Pacific Rim (2013), la película de monstruos gigantes en la que apareció en múltiples escenas como ayudante de Hannibal Chau, el personaje que interpreta Ron Perlman.

Ahora comparten el ranking

Aunque Frankenstein se estrenó en cines, el largometraje sobre la criatura monstruosa que Shelley escribió en 1818 llegó a Netflix el pasado 7 de noviembre. Ese mismo día, estaba previsto que Padre no hay más que uno 5, la última película de la saga dirigida y protagonizada por Santiago Segura, también llegara a la plataforma de streaming. Tal como ha compartido el español, esto es algo que le hizo especial ilusión. 

“Nos conocimos en el Festival de Sitges hace más de 30 años. Desde entonces le he querido y admirado. En estas décadas se ha convertido en uno de los directores más aclamados de la historia. No sabéis la ilusión que me hace ver que tras estrenar ayer nuestras películas a la vez en Netflix, hoy ya estaban como las dos más vistas del día”, escribió Segura en su perfil de X.

En la imagen que compartió junto al texto, aparecía la interfaz de la plataforma en la que podía verse cómo Frankenstein y Padre no hay más que uno 5 ocupaban el ranking de las dos películas más populares de España. En la semana del 10 al 16 de noviembre, ambos largometrajes siguieron ocupando el podio, seguidos de Cualquiera menos tú y Mango. 

En una entrevista exclusiva concedida a la revista Fotogramas, Guillermo del Toro explicó su interés a la hora de incluir a su compañero de profesión y amigo en sus proyectos audiovisuales. “Me gusta mucho maltratarle. Trato de hacer que muera horrible o se arrastre entre heces o que lo golpee alguien. Hacerlo sufrir”, confesó con su característico sentido del humor.

Hace más de 20 años que Lost in Translation llegó a los cines, pero la historia de Bob Harris (interpretado por Bill Murray) y Charlotte (Scarlett Johansson) sigue dando que hablar. Las imágenes de la película, en la que estos dos personajes solos y desubicados acaban teniendo una sorprendente conexión emocional durante unos días en Tokio, siguen dando vueltas por redes sociales. No es para menos teniendo en cuenta la belleza de la dirección de Sofia Coppola.

Lo que también sigue dando que hablar es el final de la película. Dos décadas después, todos los que vieron la película siguen haciéndose la misma pregunta. ¿Qué le dijo Murray a la joven Johansson en la última escena del largometraje? ¿Qué es exactamente lo que le susurró al oído mientras se despedían en mitad de una calle de la capital japonesa abarrotada de gente? 

Desde su estreno, la gente no ha parado de especular. Un youtuber llegó a confirmar que la frase que el actor dijo habría sido algo como “tengo que irme, pero no dejaré que eso se interponga entre nosotros”. No son más que rumores porque, a día de hoy, la respuesta sigue siendo una incógnita: ni los actores ni la directora han compartido el secreto con el público.

Las últimas declaraciones de Murray al respecto

Una de las particularidades de esta escena es que la directora y guionista no escribió ningún diálogo para ella. Lo que fuera que le dijera a su compañera de rodaje, Murray lo improvisó por completo. Aquella misteriosa frase salió en el momento y no queda claro si luego llegó a compartirla con el resto del set. Probablemente ninguno de ellos esperaba que, tanto tiempo después, se siguiera hablando del tema.

La última en preguntarle directamente al actor protagonista por esta cuestión fue Drew Barrymore. Durante su programa de entrevistas The Drew Barrymore Show, la actriz y presentadora de televisión intentó que uno de los mayores secretos guardados de la historia del cine llegara a ella. Fue, como muchos esperaban, en vano. 

“¿Cuántas personas te han preguntado sobre lo que le dices al oído? Siento que soy otra persona en la fila molesta. Nunca dejaré de preguntármelo, y me encanta que tuviérais la confianza de dejar la película con esa nota de misterio”, empezó diciendo Barrymore en la entrevista que tuvo lugar en marzo de este año. Pero Murray sigue jugando al misterio 20 años después, sus labios están sellados cuando se habla del icónico susurro. 

“Fue un momento inspirado que simplemente surgió ahí mismo. Sofia, Eva Z. Cabrera, nuestra supervisora de guion, y yo nos miramos. Eva dijo: ‘No tiene que decir nada’. Y así quedó. En ese instante entendimos que debía ser así, y que sería aún mejor precisamente porque nunca sabríamos lo que dije”, compartió el actor y cómico estadounidense.

Cuando parecía que ‘El verano en que me enamoré’ no tenía más cabida para sorprender, tras la emisión de su capítulo final el pasado miércoles 17 de septiembre, la ficción de Prime Video anunció que tendrá su desenlace en una película.

Sin conocerse más detalles, los fans de ‘El verano en que me enamoré’ deberán esperar hasta el estreno de este futuro largometraje para solucionar todos los interrogantes sobre Belly y el triángulo formado por los hermanos Jeremiah y Conrad en una historia dirigida por Jenny Hann y coescrita por Sarah Kuckserka, con lo que así sigue una dinámica por la que también han pasado otras ficciones de éxito.

‘Downton Abbey’

Este octubre de 2025 llega a los cines españoles ‘Downton Abbey: el gran final’, el que será el desenlace de la ficción de la serie que llegó en septiembre de 2010 tras cinco temporadas en televisión y tres películas que han seguido la historia de la familia Crawley, escrita por Julian Fellowes, que también ha sido artificie de ‘La edad dorada’.

‘Peaky Blinders’

La aclamada serie de Steven Knight, que ha sido una de las más exitosas de los últimos años en Netflix, finalizará en los cines con la llegada de una película tras seis temporadas en la ficción protagonizada por Cillian Murphy en el icónico papel de Thomas Shelby. La fecha de estreno estaba pensada para 2025, aunque todavía no se ha confirmado, y solo se sabe que la historia estará ambientada en plena Segunda Guerra Mundial.

‘Heartstopper’

Antes de ‘El verano en que me enamoré’, ‘Heartstopper’ fue uno de los fenómenos en formato serie entre los adolescentes, y también tendrá su final en formato película tras confirmarse que no habrá una cuarta temporada que siga la historia de Nick, Charlie y su grupo de amigos qe se basa en los libros de la saga escrita por Alice Oseman, que participa también como guionista y productora ejecutiva.

‘The Mandalorian’

La serie ‘The Mandalorian’ es otra de las que va a finalizar en película después de tres temporadas, con la llegada de 'The Mandalorian & Grogu’, un nuevo largometraje de la franquicia Star Wars que estará dirigida por Jon Favreau y que tendrá a Baby Yoda como uno de sus protagonistas.

‘Sexo en Nueva York’

Dos películas pusieron fin a la serie ‘Sexo en Nueva York’ antes de la llegada de su serie secuela ‘And just like that’ después de seis temporadas con su final en 2004 antes de llegar al desenlace de Carrie Bradshaw y sus amigas este 2025.

La Academia de Cine ha anunciado las tres cintas finalistas para representar a España en los Premios Oscar 2026 en la categoría que honra a la mejor película internacional. Sirat de Oliver Laxe, Romería de Carla Simón y Sorda de Eva Libertad son los tres títulos seleccionados por la institución. Ahora, serán sus miembros quienes decidan la película que finalmente luchará por la nominación a la estatuilla. La elección final será anunciada el 17 de septiembre.

El largometraje resultante tomará el relevo a Segundo premio de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, la cinta por la que apostó la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2025, que, al contrario que la anterior La sociedad de la nieve, no logró hacerse con la nominación. En esta ocasión, sin embargo, España llega de hacer un buen papel en el Festival de Cannes, donde tanto Sirat como Romería compitieron en la Sección Oficial, siendo la primera galardonada con el Premio del Jurado.

Sirat, el filme de Oliver Laxe, ha gozado de una gran actuación en taquilla tras las buenas críticas cosechadas en Cannes. Se trata de una propuesta hipnótica y sensorial del cineasta gallego que sacude al espectador y genera conversación tras el final de su proyección. El director apuesta por una rave política en la que su mirada va más allá de estas fiestas, utilizando como mirada los ojos de alguien externo, el personaje protagonista que interpreta Sergi López. Es un padre que, junto a su hijo, busca a otra hija desaparecida que supuestamente está en Marruecos.

Por otro lado, Carla Simón interará replicar lo que ya consiguiera con Alcarràs, ganadora del Oso de Oro en la Berlinale, que fue elegida por la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2023, aunque se quedó fuera de la carrera tras el primer corte de películas preseleccionadas. La directora optará a hacerlo de nuevo por Romería, que se estrena en las salas el próximo 5 de septiembre y recibió buenas críticas en su paso por el Festival de Cannes.

La cinta de la directora barcelonesa presenta a Marina, interpretada por Llúcia Garcia, que viaja a Vigo para conocer a la familia de su padre biológico, que murió de sida, al igual que su madre, cuando ella era muy pequeña. A través de los encuentros con sus tíos, tías y abuelos, la joven intenta reconstruir el relato de sus padres, que es a su vez el relato de toda una generación.

Asimismo, la ópera prima de Eva Libertad también optará a ser el filme que represente a España en los premios más importantes de Hollywood. Su trabajo, que se proyectó con subtítulos en todas sus sesiones, ha conseguido que las personas sordas por fin hayan podido ver una película en español en las salas de cine de su país. Está protagonizada por la actriz Miriam Garlo, que perdió la audición a los siete años y ha ganado el premio a la mejor actriz en el Festival de Málaga, y el actor Álvaro Cervantes. La cinta expone los miedos frente la maternidad de una persona sorda que va a tener un bebé con una persona oyente.

Bruce Willis se encuentra actualmente retirado de la actuación después de que se le diagnosticara en 2023 demencia frontotemporal que es una enfermedad neurodegenerativa que afecta a los lóbulos frontales y temporales del cerebro, que son responsables del habla, personalidad o comportamiento.

Un hecho que le ha hecho retirarse, pero que deja una larga trayectoria en el cine con algunos éxitos icónicos como 'Pulp Fiction', 'Jungla de cristal' o 'El sexto sentido', lo que pocos saben es que este último fue uno de los títulos que se vio obligado a hacer por haber contraído una deuda con Disney.

La cancelación que supuso una deuda a Bruce Willis con Disney

En concreto, esta se dio cuando Bruce Willis participó en un proyecto de una película con Disney que tenía un presupuesto de 28 millones de dólares. Un largometraje que nunca se dio a dar por su caótico rodaje que llevó a su cancelación y el estudio de Mickey Mouse le propuso firmar un contrato para protagonizar otros filmes para evitar una multa de 17,5 millones de dólares.

Así, debido a esa deuda con Disney, Bruce Willis participó obligado de forma consecutiva en 1998, 1999 y 2000 en tres proyectos con la franquicia, y que dio lugar a dos de sus mayores éxitos de taquilla.

El primero de ellos fue ‘Armaggeddon’, una historia de ciencia ficción dirigida por Michael Bay, de 1998, y que protagonizó junto a Liv Tyler y Ben Affleck, con una gran acogida entre el público para llegar a una recaudación de 553 millones de dólares, y que sin embargo se usa en la NASA para mostrar los errores que no se pueden hacer en misiones.

‘El sexto sentido’ fue una de las películas que Bruce Willis se vio obligado a hacer

Sin embargo, el gran éxito de este acuerdo entre Bruce Willis y Disney fue ‘El sexto sentido’ en 1999, dirigida por M. Night Shyamalan, y que fue un éxito popular, pero también de crítica, con nominaciones a premios Oscar, entre ellos mejor película.

Un largometraje que se filmó en secuencia y que M. Night Shyamalan escribió directamente pensando en él en el papel de Malcolm Crowe, y que es una de las pocas películas del género de terror que han sido nominadas al Oscar a Mejor película, con títulos de la talla de ‘El exorcista’ o ‘Tiburón’.

‘El sexto sentido’, además, desarrolló una bonita amistad entre Bruce Willis y Haley Joel Osment, que mencionó el propio actor que interpretaba al niño Cole Sear: “Seguí en contacto durante muchos años después de eso. De vez en cuando dejaba mensajes en casa sólo para ver cómo estaba”, contó en Entertainment Weekly.

Junto a ‘Armaggeddon’ y ‘El sexto sentido’, la última de las películas que forman parte del acuerdo entre el actor y Disney fue ‘The Kid’ en el año 2000, que si bien es la menos recordada, también fue un éxito con una recaudación de 110 millones a nivel mundial.

El Diario Oficial de Castilla-La Mancha (DOCM) publica este lunes, día 30 de junio, la resolución de la Viceconsejería de Cultura y Deportes por la que se resuelve la convocatoria de subvenciones destinadas al desarrollo de proyectos de largometrajes en Castilla-La Mancha para el año 2025.

El número de beneficiados de esta edición, dotada con la cantidad de más de 150.000 euros, será de seis largometrajes, según ha adelantado la Junta en nota de prensa.

Los largometrajes en cuestión serán: 'Los cuentos de Baco', de la productora Altamira producciones; 'Mañana Volveré', de Hugo Camacho de la Riva; 'El Aire de la Nube', de Carlos Valle Casas; 'Cosecha', de FYG Producciones Multimedia SLL; y 'Los que no se van', de Solita Films.

La viceconsejera de Cultura y Deportes, Carmen Teresa Olmedo, se ha felicitado de que “un año más cumplamos con la palabra acordada con el cine”, al tiempo que se ha mostrado convencida de que estas ayudas tendrán un resultado a medio y corto plazo traducido en público y muchos reconocimientos.

Abycine Lanza celebrará su 10ª edición como uno de los “principales” foros de industria del cine independiente en España con la apertura de dos convocatorias de ayudas: Impulso CMM Desarrollo-Abycine Lanza e Impulso WIP-Abycine Lanza, dirigidas a proyectos de largometraje en desarrollo y postproducción, respectivamente.

Ambas líneas brindan a los seleccionados un acompañamiento profesional real, con asesoramiento especializado, contacto directo con profesionales del sector y acceso a ayudas, apoyos estratégicos y visibilidad nacional e internacional.

Impulso CMM Desarrollo – Abycine Lanza: apoyo integral a proyectos en fase inicial

Este laboratorio está dirigido a proyectos de largometraje en su primera fase de desarrollo. Entre sus principales ventajas se encuentran: el asesoramiento personalizado para el pitch, la presentación ante jurado e industria especializada o reuniones one-to-one con programadores, distribuidoras y agentes de ventas. Además, tener acceso a inversores mediante incentivos fiscales y la posibilidad de un entorno de networking profesional y visibilidad preferente en futuras ediciones del festival.

Los proyectos seleccionados podrán optar a dos ayudas de 17.250 € otorgadas por Castilla-La Mancha Media (CMM), así como premios especiales de ECAM, Porto/Post/Doc y Music Library & SFX. Igualmente la posibilidad de exhibición en plataformas de CMM.

El plazo de inscripción estará abierto hasta el 15 de julio de 2025.

Impulso WIP - Abycine Lanza: para largometrajes en postproducción

Está destinado a obras en fase de postproducción que buscan un empujón final para su finalización y distribución. Los proyectos seleccionados recibirán: proyección pública ante jurado e industria, reuniones individuales con agentes de ventas y distribuidores nacionales e internacionales, acceso a inversores mediante incentivos fiscales y networking estratégico con representantes de festivales y productoras.

Las ayudas incluyen: la ayuda de Abycine Lanza de 7.000 € para la finalización del proyecto, el premio WIP Filmin Abycine, valorado en 22.000 € y la selección para MAFIZ – Festival de Málaga.

En este caso, el plazo de inscripción estará abierto hasta el 29 de julio de 2025.

Todas las inscripciones se realizarán a través de la web de Abycine.

Una oportunidad única

Abycine Lanza se reafirma como un espacio imprescindible para la creación y consolidación del cine independiente, ofreciendo herramientas reales de avance, conexiones con la industria y una plataforma estratégica para el crecimiento profesional.

Quedarse y ayudar, soportar, manejar y renunciar. O marcharse, regresar a lo construido fuera, lejos. Esta es la dicotomía con la que convive Antonio, el protagonista de Por donde pasa el silencio, la primera película de Sandra Romero que, tras su presentación en el pasado Festival de San Sebastián, llega a las salas convertida en uno de los debuts más singulares, personales y excepcionales del cine español reciente.

Un soplo de aire fresco doloroso, crudo, profundamente humano y sin dobleces. La cineasta, que también ha dirigido varios capítulos de la serie de Rodrigo Sorogoyen, la brillante Los años nuevos; radiografía en su filme qué ocurre cuando los cuidados no son bien recibidos y, a su vez, qué pasa cuando quienes cuidan no reciben confort, alivio ni tranquilidad a cambio.

Lo hace a través de Antonio (Antonio Araque), un joven que tiene que volver a su Écija natal por Semana Santa después de mucho tiempo. Allí se reencuentra con su familia y su hermano mellizo Javier (Javier Araque), que tiene una discapacidad física y necesita su apoyo. Pero ayudarle no es fácil, no reconforta, no es amable.

“Lo que más me interesa de la película son las relaciones familiares en las que hay una dependencia y un amor tremendos, pero también una violencia insoportable”, explica a elDiario.es su directora. “En especial cuando algún miembro está enfermo”, que es la realidad que explora en su ópera prima. Para Javier, que además padece más de una enfermedad, esto tiene una consecuencia inmediata tanto en su relación consigo mismo como con los suyos.

Ante este contexto, se abre la posibilidad de decidir “distanciarse”: “Hay una dependencia muy profunda y el amor aquí es una exigencia”. La propia Sandra Romero tomó la decisión de hacerlo en su vida real, también de Écija, donde conoció a los protagonistas de su película, que son sus amigos en la vida real, aunque la historia que ha escrito es ficticia. La directora tenía poco más de veinte años –ahora tiene 31– cuando hizo las maletas y se mudó a Madrid para cumplir su sueño: estudiar cine. En su casa siguió viviendo su madre, que padecía esquizofrenia: “Ella se encerró en una habitación y decidió no salir más hasta que murió”.

“Hay una persona que elige aislarse [como le ocurre al personaje de Javier en la película], pero a la vez te preguntas, ¿hasta qué punto lo está eligiendo? ¿Hasta qué punto la enfermedad es la que le empuja a hacerlo?”, plantea Sandra Romero. El desamparo que genera que la que pueda terminar convirtiéndose en la 'mejor' opción sea que la persona enferma se aleje de su entorno, es uno de los conflictos que refleja el largometraje.

En parte por la falta de apoyo estatal con el que cuentan. “En nuestro caso necesitamos años para que viniera algún psiquiatra a intentar sacar a mi madre de casa, porque no había manera”, recuerda. “No hay medios para que alguien profesional venga a sentarse una y otra vez con esa persona para sacarla del agujero. A nivel estructural, yo no sentí que hubiera ninguna ayuda ni para mí ni para mi familia”, critica comparando su experiencia con lo que ha quedado plasmado en el guion de su ópera prima. “Lo que pudimos conseguir en alguna ocasión fue ir a un juez para intentar obligarla a hacer un ingreso en salud mental, o reajustar una medicación que no dejaba de ser paliativa. Era más para que no molestara que para que estuviera bien. Son personas que están condenadas”, reconoce.

Estar enfermo no te hace dócil

Uno de los grandes hallazgos del cine de Sandra Romero es que, a la vez que es capaz de diseccionar la complejidad de sus personajes, elude emitir cualquier tipo de juicio. La realidad que retrata es incómoda, porque no tiene, como ella misma reflexiona, “una mejor o peor solución”, y por ello tanto el comportamiento de Antonio, Javier y María (la tercera hermana) son a la vez entendibles, reprochables y el extenso etcétera de reacciones que puede provocar un ser humano siendo como es, lo mejor que puede, pese a cada circunstancia que se vaya interponiendo en su camino. Nadie es intachable, incriticable, infalible ni constante.

“Muchas veces tenemos la imagen de que la persona enferma es totalmente manejable, que va a donde tú le digas. Y no, son personas con toda la complejidad que tenemos las personas, a la vez con problemas que hacen que se dispare”, describe la autora de Por donde pasa el silencio, que apunta: “Son completamente independientes en el sentido emocional. No puedes obligar a nadie a estar bien si esa persona no siente que pueda estarlo, porque a ti te venga bien y puedas estar más tranquila”. Por eso son situaciones tan arduas de gestionar, y de ahí al doble mérito de haber sido capaz de plasmarlo con la naturalidad y verosimilitud que respira y rebosa el cine de Sandra Romero. “Son realidades mucho más habituales de lo que pensamos”, advierte.

La dependencia –y su perversión– es uno de los grandes temas del metraje, que ejemplifica el personaje de Javier, por la que él mismo genera. “Tiene una ternura tremenda, va sin máscaras. A él se le disparan el amor y la violencia de una manera completamente directa, y hay algo de esa personalidad que realmente engancha a los que tiene alrededor”, señala. La cineasta siente que este tipo de identidades “provocan que tengas la esperanza de que siempre vas a poder encontrar esa ternura en ella, y muchas veces olvidas la violencia hasta que te la vuelves a encontrar de cara”.

“En un lugar pequeño, en el que tus grupos de amigos son los de toda la vía, es difícil salir porque piensas que tendrás su ternura y lealtad, de tal forma que la violencia la terminas normalizando y muchas veces aceptando”, reflexiona. Por eso para ella era clave para el filme que el personaje de Antonio se haya ido y regrese, puesto que era la vía para contar que “esa violencia no es aceptable”.

María, la hermana, no es la única que continúa viviendo en Écija, están los padres (que encarnan Mona Martínez y Nicolás Montoya), aunque completamente sobrepasados por las dolencias de su hijo: “Se han rendido y no han sabido lidiar con sus hijos. Siento que muchas veces el amor no lo puede todo y eso es dolorosísimo, tanto en los hermanos como los padres, hay una culpa por no haber sabido cambiar algo que ya es muy difícil cambiar”.

Ese sitio llamado pueblo

La película transcurre en su totalidad en Écija, escenario de procesiones, discusiones, comidas familiares, fiestas, encuentros sexuales, intercambios de drogas, cortes de pelo, cumpleaños y amistades. Todo ocurre este espacio sobre el que la cineasta tenía claro que no quería “ni demonizar el pueblo ni generar una imagen de paraíso, que es lo que muchas veces pasa”.

“Los pueblos están igual de organizados que las ciudades. Son lo mismo, pero simplemente con distinto tamaño y acceso”, comenta. “En el mío no había una librería donde comprar un libro, ni un cine al que ir a ver una película de Fernando Franco [director de La herida y La consagración de la primavera]. Este tipo de acceso genera una tendencia de beber desde los trece años para divertirte, igual en Madrid la gente con trece puede elegir entre beber o ir al cine. Nosotros eso no lo tuvimos, pero a la vez tuvimos cierta libertad con la que no se vive en las ciudades”, ahonda. Todo para llegar a la conclusión de que los pueblos “ni son paraísos ni son infiernos. Pueden ser ambos dependiendo de la persona”.

El estreno mundial de la película de animación 'Ernes & Célestine, cuentos de primavera', de la directora Aurélie Raphaël, abrirá el ciclo Enfants Terribles, dedicado a la infancia y la juventud, del 62 Festival Internacional de Cine de Gijón, que se celebrará del 15 al 23 de noviembre.

Un total de dieciséis largometrajes y cortos han sido programados en la sección dirigida al público infantil y adolescente, de los que doce se podrán ver por primera vez en las salas del FICX, según ha informado la organización del certamen.

El director francés Guillaume Brac ha confirmado que asistirá a la presentación de su película 'Ce n'est qu’un au revoir' que será estrenada en España en el apartado Premiere, tras haber participado en el Festival de Cannes. Se trata de un trabajo en el que Brac hace un retrato de un grupo de jóvenes que vive en un internado y enfrenta un incierto futuro donde todo lo que conocen hasta ahora, incluida su amistad, se tiñe con la melancolía de una despedida.

Por otra parte, el director suizo Claude Barras presentará la producción de animación 'Salvajes', una fábula ecologista que revela las consecuencias de la deforestación en la historia de una niña que vive junto a la selva tropical en Borneo y acoge a una cría de orangután.

Enfants Terribles acogerá también, fuera de competición, el estreno del tercer cortometraje 'Las piedras de Luna', de la española Patricia de Luna, que aborda la problemática de la conciliación familiar y en la relación de una niña de seis años con su madre, una auxiliar de vuelo que trae de cada uno de sus viajes una piedra.

Se proyectarán doce estrenos en España, entre los que figuran películas como 'Akiko: The Flying Monkey', de Veit Helmer, o 'Jippie No More!', de Margien Rogaar, algunos de los cuales han pasado por los festivales de Cannes, Locarno y Annecy.

Dos de los títulos de Enfants Terribles que se estrenarán en España durante el Festival 'When the Light Breaks', de Rúnar Rúnarsson, y 'L’Histoire de Souleymane (The Story of Souleymane)', de Boris Lojkine; que tuvieron su premiere mundial en la Sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, también se proyectarán en el apartado Albar de la Sección Oficial.

La última película del islandés Rúnar Rúnarsson, enfrenta a un grupo de jóvenes al inesperado duelo por la muerte de un amigo y la del director francés Boris Lojkine, narra la vida de un joven guineano que trabaja ilegalmente en París mientras prepara una entrevista para solicitar asilo político.

Veit Helmer, autor de filmes como 'Góndola', 'Tuvalu' o 'The Bra', protagonizada por Paz Vega y Denis Lavant, estrenará en España 'Akiko: The Flying Monkey', una fábula animalista que sigue el periplo de un mono que logra escaparse del zoo para encontrar a su familia con la ayuda de otros animales.

El último largometraje de la directora holandesa Margien Rogaar, 'Jippie No More' muestra a un joven con síndrome de Down que se reúne con su familia en la casa de su abuelo para preparar la boda de su hermana.

La obra de Rogaaer obtuvo el Premio del Jurado Joven y el Premio del público a la Mejor Película Infantil Nacional en el Festival Cinekid.

Además, se presentará el segundo largometraje de la cineasta Kristina Dufková, 'Living Large', que obtuvo el Premio especial del Jurado en el Festival de Annecy y que también fue seleccionada en el Festival de Karlovy Vary. Con esta película sobre un adolescente que sufre obesidad, la directora se acerca a temas delicados como la salud mental, la separación de unos progenitores y el acoso escolar.

Por su parte, la pareja de cineastas Tania Vincent y Ricard Cussó codirige el filme de animación en tres dimensiones 'The Sloth Lane' sobre una familia de osos perezosos que regenta un restaurante desde hace varias generaciones y se ve obligada a emigrar al país vecino para tratar de empezar una nueva vida.

Entre las óperas primas que se proyectarán en Enfants Terribles, destaca 'Last Swim' del director inglés de ascendencia indio-iraní Sasha Nathwani, que ganó el Oso de Cristal a la Mejor Película de la Sección Generation 14plus en la Berlinale.

Lea Becker, directora de series como 'Kitz', también debuta en el largometraje, y lo hace con 'Skategirls – Get Up' una película sobre cuatro amigas que entrenan durante el verano para presentarse a un concurso de skate femenino.

'The Mountain' significará el debut de Rachel House, directora de teatro y actriz maorí habitual en las películas del director Taika Waititi, que narra la historia de una niña enferma de cáncer que se escapa del hospital para escalar una montaña.

El Diario Oficial de Castilla-La Mancha (DOCM) ha publicado una resolución de la Consejería de Educación, Cultura y Deportes por la que se convocan las subvenciones destinadas al desarrollo de proyectos de largometrajes para el año 2024. El plazo de presentación de solicitudes abarca desde el 19 de septiembre al 9 de octubre de 2024, ambos inclusive.

El importe máximo de la subvención a conceder no podrá exceder del 75 por ciento del gasto subvencionable del presupuesto, con un máximo de 50.000 euros por proyecto.

Para la concesión de estas subvenciones se valorarán criterios como el del interés cultural y artístico del proyecto, el fomento de la actividad de los creadores castellanomanchegos, localizaciones y escenarios de la producción audiovisual en Castilla-La Mancha, fomento de los valores de igualdad entre mujeres y hombres, entre otros.

Las solicitudes se presentarán únicamente de forma telemática con firma electrónica, a través del formulario habilitado en la sede electrónica de la Junta de Castilla-La Mancha https://www.jccm.es.

El objetivo fundamental de esta línea de ayudas es mejorar el tejido industrial de las empresas cinematográficas que operan en el sector, posibilitando su fortalecimiento y facilitando el desarrollo de su actividad.

El Festival Internacional de Cine de València-Cinema Jove, organizado por la Vicepresidencia Primera y Conselleria de Cultura y Deporte a través del Institut Valencià de Cultura (IVC), ha otorgado su premio ‘Luna de Valencia’ en la Sección Oficial de Largometrajes a ‘Fly On’, del director japonés Takuya Kato. Este drama intimista está protagonizado por Watako, una mujer que acaba de perder a su amante en un accidente de tráfico y decide enterrar el trauma de esta tragedia para continuar con su vida junto a su marido. La película muestra cómo sus intentos por distanciarse del dolor y aparentar normalidad frente a los demás resultan inútiles.

“Es una historia contada de forma sencilla, pero muy centrada y condensada. Una historia que trasciende -ha argumentado el jurado de largometrajes, compuesto este año por las directoras Zora Rux y Norika Sefa y la actriz Gloria March, Premio Un futuro de cine en Cinema Jove 2020-. No se puede destacar un elemento de la película sobre otro, porque el director los sintoniza todos a un ritmo que resulta absorbente. Con este uso preciso del arte cinematográfico, Kato logra transmitir su visión de la sociedad con mucha claridad. La película no dramatiza, sino que observa el dilema de los personajes, que se sienten distantes y, al mismo tiempo, cercanos. Lo mismo que ocurre con la sociedad: las personas, ya sean buenas o malas, intentan amar y ser amadas, y estar unas cerca de las otras”.

La otra gran triunfadora de la 39ª edición de Cinema Jove ha sido la película italiana ‘El Paraíso’, que ha obtenido tres menciones especiales: para Enrico Maria Artale, por la dirección; al actor Edoardo Pesce, por su interpretación, y a Emanuele de Raymondi, por la banda sonora. Artale recibirá esta noche el galardón durante la gala de clausura que se celebrará en el Teatro Principal de Valencia a partir de las 19 horas.

Por su parte, los directores australianos Jack Clark y Jim Weir han sido reconocidos con el premio al mejor guion por ‘Birdeater’. El premio a la mejor fotografía ha sido para Katharina Schelling, por ‘Of Living Without Illusion’, mientras que Jovana Filipovic ha sido galardonada a la mejor edición, por ’78 Days’.

El Jurat Jove ha concedido el premio al mejor largometraje a la película serbia ’78 Days’. Por último, el Premio del Público al mejor largometraje ha recaído este año en ‘Valenciana’, de Jordi Núñez.

Cortometrajes

En la Sección Oficial de Cortometrajes, el Premio ‘Luna de Valencia’ ha sido para ‘8 (Huit)’, historia dirigida por Anaïs-Tohé Commaret y ambientada en la tristeza de una zona suburbana parisina donde los jóvenes sueñan con el dinero y el éxito.

“Quedamos maravillados por este cortometraje, que oscila entre la ficción, el documental y el experimento. Su atmósfera onírica y surrealista nos hipnotizó por completo”, ha argumentado el jurado, compuesto por Christian Avilés, Laura Rantanen y Linn Löffler, quienes han resaltado también la originalidad del lenguaje cinematográfico y el diseño sonoro de esta obra.

El fallo, además, incluye una mención especial a ‘A Kind of Testament’, de Stephen Vuillemin, y ‘Lemon Tree’, de Rachel Walden.

El premio del Público ha recaído en ‘A Peculiar Night’, de Enzo Martínez, mientras que el Jurado Joven se ha decantado por ‘Provocadora’, de Èlia Llorente Estopañan.

Òrbites

‘Antier noche’, pieza de docuficción etnográfica con la que el madrileño Alberto Martín Menacho debutó en el largometraje en 2023, ha obtenido el Premio ‘Luna de Valencia’ de la sección oficial ‘Òrbites’, dedicada a los nuevos lenguajes cinematográficos.

Pau Berga, Sonia Martínez y Javier Moral, componentes del jurado, se han descantado por esta película “por su original aproximación, ética y estética, al universo rural”. “En un delicado equilibrio entre lo documental y lo ficcional, la película trasciende con valentía los lugares comunes que están definiendo lo neorural cinematográfico para explorar territorios formales que enlazan con algunas notables propuestas audiovisuales contemporáneas en las que, la revalorización de lo sensorial y lo atmosférico, buscan sumergir al espectador en una experiencia netamente audiovisual. Y lo hace, además, haciendo gala de un profundo conocimiento de la realidad rural y sus problemáticas específicas”.

El ‘thriller’ documental ‘My Sextortion Diary’, de la realizadora catalana Patricia Franquesa, ha recibido una mención especial del jurado, y ha sido también escogido por el Jurat Jove como la mejor propuesta de la sección ‘Òrbites’.

Series

La producción noruega ‘Dates in Real Life’, de Jakob Rørvik, ha obtenido el Premio ‘Luna de Valencia’ de la sección oficial de series, coincidiendo en su fallo con el Jurat Jove. El jurado, integrado por Celia Peláez, María José Revalderia y Raimon Masllorens, ha destacado la originalidad de esta propuesta audiovisual, cuya trama gira en torno a las relaciones amorosas en los entornos virtuales. “Es un tema muy actual que nos lleva a reflexionar, de una forma muy realista, sobre las relaciones humanas y cómo está afectando la tecnología a los jóvenes. Además, cuenta con un diseño de producción diferente e innovador”.

Sin duda, la serie neozelandesa ‘After the Party’ ha sido otra de las grandes triunfadoras de esta edición. El jurado ha concedido tres menciones especiales a esta producción: a Peter Salmon por la dirección; a la actriz Robyn Malcolm, por su papel protagonista, y a Dianne Taylor, Sam Shore, Martha Hardy-Ward, y Emily Perkins por el guion.

Por su parte, ‘The Meteorites’, de Nadia Louis-Desmarchais, ha recibido una mención especial por los valores que desprende sobre la familia y las relaciones fraternales.

Por último, el Premio del Público ha recaído en la serie argentina ‘El sabor del silencio’, de Pedro Levati.

Curt Creixent

En la sección Curt Creixent, se ha concedido el Premi al Millor Projecte de Curtmetratge a ‘Hija’, de María Ferradás, y el Premi al Millor Curtmetratge en Fase de Finalització, a ‘La verge tacada de vi’, de Mar Castel.

Encuentro Audiovisual de Jóvenes

La entrega de premios del Encuentro Audiovisual de Jóvenes tuvo lugar el viernes en el Teatro Principal de Valencia. El primer premio de categoría infantil A ha sido para ‘Tenis viejos’, del centro CEO Guajara de Fasnia, de Tenerife; el primer premio en categoría juvenil–B ha recaído en ‘Jánovas’, del centro IES Pedro Luna, de Zaragoza, y el primer premio categoría Amateur–C para ‘Voyager’, de Pablo Pagán.

Premios al mejor cartel, Feroz y Movistar+

El premio al mejor cartel de las películas programadas, concedido por un jurado compuesto por Celia Cuenca, Laura Pérez y Xavi Calvo, ha recaído en el estudio de dirección de arte y diseño gráfico Realmente Bravo por su diseño para el cortometraje ‘Capitanes’, de Kevin Castellano y Edu Hirschfeld.

El premio Proyecto Cortometraje Movistar Plus+ ha sido para el guion de ‘Premier Feu’, de Blanca Camell.

Por último, el Premio Feroz de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España es para ‘Cura sana’, de Lucía G. Romero.

‘De Facto’, de la cineasta bosnia, Selma Doborac, ha recibido esta mañana el premio al mejor largometraje del Jurado Internacional de la Competición Retueyos, de la 61 edición del Festival Internacional de Cine de Xixón.

Representantes de los diferentes jurados que han formado parte de esta edición del FICX han dado a conocer esta mañana el palmarés del certamen, que completa sus principales galardones con ‘No esperes demasiado del fin del mundo’, cinta dirigida por Radu Jude, que competía en Albar, y ‘Los restos del pasar’, de Luis Soto Muñoz y Alfredo Picazo, mejor largometraje de Tierres en Trance, según ha decidido el jurado FIPRESCI.

Selma Doborac regresa al FICX, tras su visita en 2017, y lo hace con una película “muy radical” que ha fascinado al jurado, por su valentía y los riesgos que asume en el tratamiento de los temas de actualidad, tal y como ha explicado esta mañana uno de sus integrantes, el actor francés, Ugo Broussot.

‘De Facto’ es una cinta en la que se aborda la mediación entre víctimas y victimarios sin caer en la ambigüedad. La cinta, galardonada también en la Berlinale, habla de los traumas de la guerra, del horror que esconde el ser humano, y lo hace eludiendo la exposición gráfica de atrocidades.

El Jurado Internacional de Retueyos otorgó también el Premio a la Distribución para ‘Blackbird Blackbird Blackberry’, de Elena Naveriani, cinta que también recibió los premios a la mejor actriz y mejor actor, para Eka Chavleishvili y Temiko Chinchinadze.

El Jurado de la Competición Albar ha destacado de la cinta rumana ‘No esperes demasiado del fin del mundo’ el riesgo asumido por Radu Jude al combinar dos películas en una misma, así como su forma de tratar un tema político tan complejo, con humor, y la presencia de su protagonista. La actriz y directora española, Elena Martín Gimeno, miembro del jurado, asegura que fue una decisión “muy consensuada” desde el principio.

Asimismo, otorgaron el Premio a la Distribución para ‘Eureka’, de Lisandro Alonso, y el Premio Especial del Jurado para ‘El último verano’ de Catherine Breilllat.

El director del FICX, Alejandro Díaz Castaño, fue el encargado de hacer público fallo del Jurado FIPRESCI, que ha recaído en el debut de dos cineastas andaluces. Navegando entre realidad y ficción, ‘Los restos del pasar’ se retrotrae a los recuerdos de un hombre que vive sus últimos días de existencia.

El Jurado FIPRESCI ha concedido también el Premio de la Asociación ¡Acción! a la Mejor Dirección, a la directora argentina, María Aparicio, por ‘Las cosas indefinidas’.

El palmarés de la 61 edición del FICX se completa con el Premio Principado de Asturias al Mejor Cortometraje para ‘Blow’, de Neus Ballús, con Mención Especial para ‘Gregoria’, de Celia Viada Caso; Premio Jurado Joven para ‘Matronas’, de Léa Fehner, con Mención Especial para ‘Locals’, de Mans Nyman; el Premio CIMA  al Mejor Largometraje Dirigido por una Mujer para ‘Las cosas indefinidas’ de María Aparicio; y el Premio Enfants Terribles para ‘Katak, la pequeña ballena’, de Christine Dallaire-Dupont y Nicola Lemay.

Por su parte, el Gran Premio del Público ha recaído en ‘El amigo de todos’, de José Antonio Quirós; el Premio del Público de Tierres en Trance a ‘La prisión de mi padre’, de Iván Simonovis; y el Premio Europa Film Festivals-Europa Joven para ‘El cine,5’, de la directora asturiana, Elisa Cepedal.

El Premio RTPA al Mejor Largometraje Asturiano ha sido para ‘Los últimos pastores’, de Samu Fuentes, con Mención Especial para ‘Il Mulín’, de Álex Galán. Premiu RTPA al Meyor Curtiumetraxe para ‘Les Praeres’, de Iván Menéndez, que también recibió el premio de distribución de Laboral Cinemateca; y Mención Especial para ‘Los trazos que quedan de ti’, de Lía Lugilde.

Por último, el Jurado de Cine Español ha concedido el Premio a la Mejor Película Española para ‘On the go’, de María Giséle Royo y Julia Castro, que también ha recibido el Premio RCSERVICE a las mejores directoras de la mejor película española; la Mención Especial es para ‘Los restos del pasar’ y el Premio ‘Dama’ al mejor guion es para Ariadna Fortuny y Clàudia García de Dios, por ‘Un sol radiant’.

Sobre el palmarés se ha pronunciado el director del FICX para quien cualquier película es buena ganadora ya que “las hemos elegido nosotros”. Alejandro Díaz Castaño ha destacado, no obstante, que las cintas premiadas son películas muy diferentes que cubren un amplio espectro de lo que es el cine de autor. Así resalta que ‘De Facto’ es un reto para el espectador, mientras que ‘No esperes demasiado del fin del mundo’ y ‘Los retos del pasar’ son películas que fueron recibidas con sonrisas en sus diferentes pases, algo que demuestra que el de Gijón no es un certamen elitista. Castaño ha manifestado su satisfacción por la respuesta “masiva” que ha tenido esta edición del FICX, que ha calificado como “histórica” por haber conseguido volver al número de salas que había antes de la pandemia.

Como en ediciones anteriores, el Teatro Jovellanos acogerá mañana domingo, las proyecciones de algunas de las películas premiadas. A las 17:30 horas se proyectará ‘Los últimos pastores’, de Samu Fuentes, Premio RTPA al Mejor Largometraje, y a las 19:30 horas, ‘’No esperes demasiado del fin del mundo’, Premio al Mejor Largometraje Sección Oficial Albar. Las entradas ya están a la venta en la taquilla del Teatro o en ficx.tv. 

En una edición del FICX marcada por el desembarco de películas españolas, como su propio director, Alejandro Díaz Castaño, reconocía en la entrevista concedida a elDiario.es Asturias, la presencia de cine asturiano es otro de los componentes a destacar en el 61 Festival Internacional de Cine de Xixón. Si bien visibilizar este cine siempre ha sido una apuesta clara del certamen, ahora se consolida con la proyección de 30 películas, entre cortometrajes y largometrajes, y la inclusión de tres títulos asturianos en la Sección Oficial.

‘Literato’, dirigida por Carlos Navarro y guion de Maxi Rodríguez; ‘Gregoria’, de Celia Viada; ‘El cine, 5’, de Elisa Cepedal; o ‘Flores del cemento’, primer trabajo de Luismi Pantiga, son algunos de esos títulos que se han podido ver estos días en las salas gijonesas. Todos ellos tienen en común que son asturianos, pero también que les gusta hacer cine en Asturias, contar historias de Asturias y rodar aquí, aunque eso, tal y como algunos reconocen, sea tan difícil porque “hacer ficción en Asturias es un milagro”.

De milagros y valentía algo saben Carlos Navarro, director, y Maxi Rodríguez, guionista y protagonista de ‘Literato’. Rodada en doce días, con un equipo íntegramente asturiano y tan solo 80.000 euros de presupuesto. “Una película española, normalita, tiene un presupuesto que ronda el millón y medio de euros, compara”, dice Navarro.

El problema es que hay políticos que siguen pensando que dentro de 50 años Asturias seguirá viviendo del sector industrial, y no es así. La industria del entretenimiento es la segundo que más economía genera y asegura que tiene un gran potencial

Carlos Navarro — director de 'Literato'

Maxi prefiere ser más optimista y recuerda cuando, cada vez que le enseñaba el guion a Carlos, cortaba y recortaba porque había que ajustarse a los días de grabación. Después de todos los reajustes tuvimos que decidir si la hacíamos así o esperábamos a que llegase un momento que nunca llegaría, dice Rodríguez, “por eso este trabajo tiene un punto de valentía”.

“El problema en esta región”, sigue Navarro, “es que hay políticos que siguen pensando que dentro de 50 años Asturias seguirá viviendo del sector industrial, y no es así”. Reivindica que la industria del entretenimiento es la segundo que más economía genera y asegura que Asturias tiene un gran potencial dentro de esta industria porque “por la mañana puedes rodar en la montaña y por la tarde en la playa. Hay muy pocos sitios en los que puedas hacer algo así”.

Maxi reconoce las dificultades, y las comparte, pero dice que prefiere ser de los que ve el vaso medio lleno, porque lo verdaderamente importante es que las salas de cine proyecten la película y la gente vaya a verla. Asegura que está muy orgulloso del trabajo que han hecho y reconoce que le gustaría que ‘Literato’ tuviese recorrido. “Si conseguimos interesar a la gente, irán a ver la película y se podrá hacer más ficción”. Por eso, tras su paso por el FICX, ‘Literato’ ya tiene una cita pendiente, el jueves a las ocho de la tarde en los multicines Odeón de ParqueAstur.

Ambos saben que la financiación es fundamental y por eso reclaman más implicación con el cine asturiano, aunque también aseguran que no todo es reclamar, también hay que reconocer, y es que “sin el apoyo de la Radio Televisión del Principado de Asturias (RTPA) ‘Literato’ no habría podido hacerse”, concluye el director.

Sus reivindicaciones también las comparte otra cineasta asturiana, la realizadora y directora, Celia Viada Caso, que compite en Sección Oficial con su corto ‘Gregoria’, quien asegura que éste ha sido el segundo año que ha habido en Asturias una línea directa de ayudas para hacer cine, aunque 100.000 euros “es un pastel muy pequeño para repartir”. Sin embargo, pide no mirar solo hacia arriba y también hacer autocrítica porque “en Asturias no creemos en lo nuestro como lo hacen en otros sitios”.

Así reconoce que, si bien el Festival Internacional de Cine es un foco“ increíble” para el cine asturiano, “en cuanto pasan estos ocho días se acabó, no existe ninguna continuidad y volvemos a desaparecer de la escena cultural”, afirma. Y es que, para Viada, no revindicar lo nuestro es un mal generalizado de los asturianos quienes, por un lado, están muy orgullosos de ser asturianos, pero por otro, “pecamos de alabar lo de fuera y rechazar lo de dentro, algo que, en Galicia o País Vasco, por ejemplo, no sucede”.

La directora cinematográfica se convirtió en la gran triunfadora del FICX de 2020, la edición más anómala del certamen debido a la pandemia, con ‘La calle del agua’, su primer trabajo y también primer largometraje, en el que recupera la figura de Benjamina Miyar, una fotógrafa pionera que destacó por su lucha en favor de la república.

Ahora ha vuelto al FICX con un corto de 30 minutos que cuenta la historia de Gregoria, una mujer de 97 años (falleció en 2021), agricultora, que vende sus productos en la Plaza del Fontán, en Oviedo. Es un trabajo que, tal y como ella explica, había rodado antes de ‘La calle del agua’, pero en el que no había visto nada, hasta que, con el paso del tiempo, tomó distancia de las imágenes y decidió hacer el corto. De Gregoria dice que era una mujer fuerte, poderosa y muy libre, de quien al principio sintió lástima, por sus condiciones de vida, pero a quien pronto empezó a ver como lo que era, una mujer que había sido capaz de vivir en los márgenes del sistema y como ella siempre quiso.

Otra de las autoras crecida al calor del Festival de Cine de Xixón es Elisa Cepedal. Llega en esta edición con ‘El cine 5’, que narra la historia de Barredos, un pequeño pueblo minero de la cuenca del Nalón, su pueblo. Lo hace a través del archivo de un fotógrafo local, gracias al que va reconstruyendo la memoria colectiva de la comunidad, que además, era su abuelo.

Elisa Cepedal vive fuera desde hace muchos años, pero siempre regresa a Asturias para rodar y para contar historias de aquí, “a mí me sigue interesando contar la historia de Asturias, sobre todo, de la cuenca minera, que es de donde yo soy”, reivindica orgullosa. Por su parte destaca el compromiso político de gran parte de los cineastas asturianos, con la historia y la memoria de Asturias.

En su caso asegura que siempre ha tenido que compaginar la dirección de cine con otras actividades, así ha sido montadora muchos años y ahora es profesora universitaria. Lejos de verlo como algo negativo asegura que es precisamente eso lo que le permite dedicarse a los proyectos que le gustan y quiere hacer, que son, en muchos casos, “demasiado experimentales” para que generen dinero.

'Flores del cemento' es la ópera prima del gijonés Luismi Piñera, un largometraje de 165 minutos que se ha proyectado en Esbilla Premiere, rodado íntegramente en Gijón, y financiado con ahorros y ayuda de la familia, según cuenta su director. Este fan del cine de Scorsese está fascinado por haber podido estrenar su primer trabajo en el FICX, cuyo guion comenzó en septiembre de 2021 y el rodaje finalizó en agosto de 2023.

Es joven y está empezando, pero reconoce que, pese a haber mucho talento, en Asturias hacer cine es muy complicado y “acabaré teniendo que irme a Madrid”, lamenta. Hecha en falta una escuela de cine, que se fomenten más rodajes y financiación. Para quienes están pensando dedicarse al mundo cinematográfico tiene un consejo, que no se cierren miras y vean todas las formas que hay de contar historias.

A sus 75 años, la directora francesa Catherine Breillat atiende paciente, y sin perder la sonrisa, a todos los periodistas interesados en charlar con ella. Lo hace sentada en una silla de ruedas en la que se desplaza debido a sus problemas de movilidad, pero con la mirada inquieta y estimulante de quien lleva casi 50 años brillando detrás de una cámara.

Breillat ha estrenado en el Festival Internacional de Cine de Gijón ‘El último verano’, un thriller con tintes eróticos, adaptación de la película danesa ‘Queen of Hearts’, en la que una madrastra cae rendida a los encantos de su hijastro, rompiendo con ello todos los tabúes y convenciones sociales. Con esta cinta vuelve la Breillat más provocativa y casi escandalosa, sacudiendo sentimientos y rebeldías, y arrasando con los principios más moralistas de algunos.

Cuentan de ella que es una directora controvertida por su forma de presentar la sexualidad, pero ella lo niega. Se califica a sí misma como subversiva porque, lejos de presentar el deseo como algo trivial, como suele ser habitual, según ella misma explica, Breillat reflexiona sobre él, sobre su belleza, “desear está en nuestro ADN, sin deseo no hay vida”.

Y de eso va su último trabajo, de la belleza del deseo recíproco. Porque lejos de presentar una pareja aburrida, cuya relación está muerta, ‘El último verano’ habla de la importancia de la familia y de cómo hay que hacer concesiones si se quiere que ésta sobreviva. Anne (Lea Drucker) está felizmente casada con Pierre (Olivier Rabourdin), pero siente una atracción irrefrenable por Theo (Samuel Kircher) fruto de un matrimonio anterior de su marido, e inicia una relación con él que le permite saldar una cuenta pendiente con ella misma respecto a su juventud no vivida.

'El último verano' habla de la incandescencia de una nueva pasión, inconveniente, sí, pero incontrolable. Habla de un hijastro que seduce claramente a su madrastra y la debilidad de ella la avoca a ceder. La cinta cuenta la historia de una mujer de éxito que lo ha conseguido todo en la vida, pero tiene una herida que debe curar, una adolescencia no experimentada que vivirá ahora a través de la relación con su hijastro.

Ésta es la primera vez que directora y protagonista trabajan juntas y, a pesar de que la segunda reconoce la tiranía de Breillat a la hora de dirigir y la dureza del rodaje, entre otras cosas, por la intimidad de algunas de las escenas. Ambas aseguran que ha sido una experiencia apasionante. Sobre su forma de dirigir Breillat sonríe, “claro que soy tirana dirigiendo”, porque el cine no es un espectáculo improvisado, todo tiene que estar encuadrado dentro del marco y eso me exige ser inflexible, apunta.

Con 'El último verano' vuelve a dirigir después de diez años apartada de este oficio que le apasiona, “es como ir a los Juegos Olímpicos sin haber entrenado”, nos cuenta respecto a lo que sintió cuando volvió a ponerse al frente de un rodaje. Sin embargo, asegura estar hecha para hacer cine, en seguida la invadió la energía y las ideas brotaban sin parar. “El cine es mi vida, voy a morir haciendo cine, como Molière”, dice.

Rehúye hablar del cine de hombres y el de mujeres. Asegura que ella hace cine, no cine de mujeres. Sin embargo, aplaude que cada vez haya más mujeres haciendo cine, “es importante”. “Para mí fue muy difícil, cuando yo empecé hace ya muchos años no se me permitió estudiar dirección, pero al final lo logré, conseguí hacer cine”, cuenta.

“Ahora las cosas han cambiado, por suerte, y me alegra haber abierto un camino para las demás, pero a mí lo que me interesa es seguir haciendo mis películas”, añade. Recuerda con satisfacción cómo en los diferentes festivales de cine en los que participa, siempre se le acercan directoras de cine para decirle lo importante que fueron sus películas para ellas, en su aprendizaje y a la hora de decidir dedicarse a hacer cine. En esos momentos asegura sentirse muy orgullosa, “para mí es muy importante sentir que mis películas ayudaron a otras mujeres a hacer cine”.

Considera “muy bueno” el cine español y se declara fan de Almodóvar, de hecho, una de sus películas de culto es ‘Todo sobre mi madre’. Incluso cuando vio ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’, a pesar de no ser su tipo de cine, “me deslumbró”. Lo que hace de una persona un buen director o directora de cine es que sus películas no envejezcan. Por eso Almodóvar es un maestro, porque tú ves sus primeras películas hoy en día y son mucho más frescas y jóvenes que algunas las que se hacen ahora.

La veterana directora francesa, que fue también actriz, es además guionista y escritora. Debutó como actriz en 1972 en ‘El último tango en Paris’, de Bernardo Bertolucci, en el papel de la modista Mouchette, y como directora ha rodado más de una quincena de largometrajes, entre ellos ‘Romance’, protagonizado por el actor porno Rocco Siffredi, que está considerado como uno de los primeros filmes con escenas de sexo real para el circuito de cine comercial.

Entre sus películas más reconocidas están también ‘Una vieja amante’, nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2007, o ‘À ma soeur’, que en 2001 estuvo entre las candidatas para alzarse con el Oso de Oro del Festival de Cine de Berlín y ganó el gran premio del Festival de Chicago. El recorrido de Breillat en festivales de cine no concluye ahí, pues sus películas se han visto también en los festivales de Londres y Varsovia. 

Con su última película, Catherine Breillat compite en la Sección Oficial dentro de Albar, la sección competitiva internacional dedicada a los grandes nombres del cine contemporáneo en el FICX. habrá que esperar al 25 de noviembre para ver si sale con alguno de los galardones del palmarés de esta 61 edición.

Albar, Retueyos o Tierres en Trance, de la Sección Oficial; Crossroads, Esbilla, Enfants Terribles o los pases especiales, de otras secciones, en total son 155 las proyecciones que podrán verse en la 61 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón, que desde el viernes 17 de noviembre y hasta el sábado 25 llena las salas y calles de la ciudad. Si a eso sumamos las presentaciones, charlas, exposiciones o podcasts, lo que resulta es que es imposible llegar a todo, por eso es importante tener claros los ‘imprescindibles’ de esta edición, que nos darán las claves de aquello que no deberíamos perdernos.

Dentro de ‘Retrospectivas’ encontramos a Christine Molloy y Joe Lawlor. El cine de este matrimonio de cineastas dublineses, afincado en Londres desde finales de los años 80, gira en torno a los conceptos de identidad, y lo hace en todas sus formas, ya sea a través de la ficción o del ensayo fílmico. Se desenvuelven con maestría en la heterogeneidad del género y de la estructura sin perder nunca de vista esos ejes centrales sobre los que construye su obra.

Su proyección internacional es incuestionable, pero su trabajo no es demasiado conocido aquí en España, de ahí la apuesta del FICX por su trabajo. No te pierdas su última película, ‘Baltimore’, sobre la heredera británica que renunció a su clase social para militar en el IRA después de los acontecimientos del Bloody Sunday. Imprescindible también, dentro de este espacio, la directora de fotografía, Agnès Godard, (Premio de Honor FICX 2023) con películas como un `Sol interior’, de Claire Denis Entre los títulos destacados de esta edición, destacamos ‘Shoshana’, de Michael

Winterbottom y ‘Fallen Leaves’, de Aki Kaurismäki, en Esbilla Premier; y de secciones oficiales: en Albar, El último verano, de Catherine Breillat y Eureka, de Lisandro Alonso; en Tierres en Trance, Las cosas indefinidas, de María Aparicio y Muertes y maravillas, de Diego Soto; Blackbird Blackbird Blackberry, de Elene Naveriani y El cine, 5 de Elisa Cepedal, dentro de Retueyos; y en Sección Cortometrajes, As filhas do fogo, el nuevo cortometraje de Pedro Costa, Gregoria, de Celia Viada Caso y El silencio de los niños, de la costarricense Sofía Quirós Ubeda.

El FICX también ofrece joyas ocultas provenientes de otros festivales, como Anatomía de una caída, de Justine Triet, Palma de Oro de Cannes o El cielo rojo, de Christian Petzlod, comedia de enredos que se alzó con el Premio del Jurado en la Berlinale. Destacable es también el debut como director de Giacomo Abbruzzese, Disco Boy, que se alzó con el Oso de Plata en la Berlinale, por su contribución artística.

Una de las claves más importantes a tener en cuenta en esta edición del FICX es que casi la mitad de las películas que se proyectarán tienen (co)producción española como Alicia fai cousas, cortometraje del cineasta gallego Ángel Santos Touza, el largometraje La estafa del amor, de Virginia García del Pino; o Mamántula, de Ion de Sosa.

Por último, como novedades de este año destacamos el nacimiento de un nuevo apartado dentro de la sección Esbilla, como es Esbilla Premier, que contempla únicamente estrenos absolutos en el país, donde destacamos dos largometrajes asturianos como Literato, de Carlos Navarro, que escribe y protagoniza, Maxi Rodríguez, y Flores del cemento, de Luismi Pantiga, un thriller de cine neoquinqui filmado en Gijón.

Si alguien tenía alguna duda sobre el encaje de Santiago Segura como maestro de ceremonias del Festival Internacional de Cine de Xixón, fue el propio actor y director quien las zanjó en cuanto subió al escenario del Teatro Jovellanos reconociendo que el cine independiente es un cine aburrido y plasta, pero goza del favor de la crítica, y reivindicando con orgullo el cine comercial que hace.

Arrancaba así las primeras carcajadas en el patio de butacas, siguiendo el guion escrito por Diego Taboada, y así comenzaba también la gala de inauguración de la 61 edición del FICX, una gala dinámica y ajustada en tiempo, con mucho humor y también emoción. Bajo el lema ‘Déjate deslumbrar por el mejor cine de autor’, Gijón se vuelve a convertir, un año más, en el enclave donde disfrutar del mejor cine independiente, nacional e internacional, durante los próximos ocho días.

Tras hacer un repaso por la mala relación que mantiene con gran parte de la crítica cinematográfica asegurando “a mí la crítica me odia, pero me da igual”, Santiago Segura no quiso pasar por alto la próxima llegada de la alta velocidad y con un bien traído juego de palabras sobre Pajares aprovechó para comparar “una cosa que tenéis aquí que se llama Variante de Pajares o algo así” con la Sagrada Familia de Barcelona.

La primera parada de la gala, amenizada por una banda de cuatro músicos que se unieron ex profeso para esta cita, fue el homenaje a la actriz y cantante asturiana, Lilián de Celis, quien recogía el IV Premio Isaac del Rivero a la trayectoria artística. Galardón que lleva el nombre del fundador del Festival y del que hicieron entrega sus hijos.

Fue el momento más emotivo de la gala cuando De Celis recibió la ovación del Teatro Jovellanos y aseguró que éste no era un premio, sino una satisfacción. La cupletista, nacida en una aldea de Parres, reconoció, con lágrimas en los ojos, el orgullo que supone para ella recibir un premio “cuando aún puedo permitirme el lujo de subir a un escenario a hacer lo que me gusta”. Feliz y positiva, según ella misma explicó, se despidió del público asegurando que no tenía pensado jubilarse nunca porque no tenía que rendirle cuentas a nadie.

En representación del jurado habló la actriz Ingrid García-Jonsson, quien destacó el “altísimo” nivel del Festival de Gijón, tanto en España como en Europa, por ello “merece la pena verlo”.

Otro de los momentos de humor de la gala llegó cuando Santiago Segura bajó al patio de butacas y puso en algún que otro aprieto al público, intentando medir sus conocimientos cinematográficos, para acabar en una simpática charla con los actores asturianos Maxi Rodríguez y Eduardo Antuña, que mañana por la tarde presentan la película 'Literato', de Carlos Navarro, en el Teatro de la Laboral.

La alcaldesa de Gijón, Carmen Moriyón, erigida en salvadora del certamen tras romper el pacto de gobierno que ella misma había rubricado con VOX para ser regidora, por el intento de injerencia de una de las concejalas de la formación ultra en la programación del festival, fue la encargada de presentar al director portugués Miguel Gómes, galardonado con el Premio de Honor del FICX por toda su filmografía.

En “portuñol”, como él afirmó hablar, se mostró muy contento porque ésta era su primera vez en el Festival de Gijón del que siempre escuchó que era un festival “muy lindo” porque ponía en el centro de sus objetivos la idea de compartir cine con la gente, algo que parece obvio, según dijo, pero en el fondo no lo es.

El director de 'Lobo', película que se proyectaba en estreno mundial y fuera de concurso, al término de la gala, Alfonso Cortés-Cabanillas, y dos de sus protagonistas, Marian Álvarez y Nora Navas, subieron a las tablas del Jovellanos para poner punto y final a la ceremonia de inauguración. 'Lobo' es una cinta que aborda la violencia machista, pero también es una cinta que habla de amistad, de supervivencia y de amor verdadero, que destaca el vínculo de los seres humanos con los animales.

Marian Álvarez, protagonista, coguionista y de quien surgió la idea, explica que es una película hecha en familia y con amigos “porque tengo los amigos más talentosos del mundo”. De hecho, Lobo, el perro que sale en la cinta era Lolo su propio perro, que ya falleció.

Con antepasados asturianos (su madre estaba en el patio de butacas) aseguró que cuando le planteó esta película a Alfonso Cortés, con quien ya había colaborado en otras tres ocasiones, ambos pensaron en hacerla para el Festival de Cine de Gijón, al que consideran uno de los mejores festivales de España y Europa.Estrenar la película en Asturias, donde están sus raíces, tiene para ella un componente emocional muy importante que no existiría en cualquier otra parte.

El Festival Internacional de Cine de Xixón acogerá la proyección de 155 películas, más de 40 están dirigidas por mujeres. Un total de 28 largometrajes, con dos estrenos mundiales, uno europeo y el resto en España competirán en los tres apartados que conforman la Sección Oficial, Albar, Retueyos y Tierres en Trance.

El palmarés se dará a conocer en el mediodía del sábado 25 de noviembre, y la gala de clausura tendrá lugar esa tarde, de nuevo con el Teatro Jovellanos como escenario.

Ainhoa Urgoitia ha rodado junto con Enrique Rey un documental sobre Eulalia Abaitua, la “pionera de la fotografía vasca”. Como cineasta, Urgoitia persigue dar a conocer realidades que le preocupan y no tienen altavoz propio, para “generar conciencia en la sociedad vasca”. Así, hace tres años se embarcó en un proyecto de investigación sobre fotografía y fotógrafas, cuando dieron con Abaitua. Sorprendidos por su obra y su documentación gráfica del final del siglo XIX y comienzos del siglo XX en Bizkaia y en todo Euskadi, la consideran una “adelantada” a su época, y decidieron crear 'Norberaren gela'. Ahora esperan poder estrenar el largometraje realizado con la productora Bitart New Media SL en varios festivales.

¿Por qué ‘Norberaren gela’? ¿Qué significa? 

‘Norberaren gela’ significa ‘una habitación propia’ y es un guiño a la obra de Virginia Woolf que lleva el mismo nombre. La obra habla sobre la necesidad de las mujeres de tener, por una parte, dinero y, por otra, una habitación propia, un espacio propio para a la hora de crear poder hacerlo. En el caso de Eulalia Abaitua, una de las cosas que nos llamó la atención, precisamente, fue esa, que ella dentro de su casa tenía una habitación propia para poder trabajar, algo que no era muy habitual en aquella época. Y menos siendo mujer.

¿Cómo surge la idea de este documental?

Somos dos directores, Enrique Rey y yo, Ainhoa Urgoitia. Ya habíamos trabajado en otros documentales y estábamos preparando un proyecto sobre fotografía y sobre fotógrafas que tuviesen un reconocimiento y sobre otras fotógrafas que no lo tuviesen. A la hora de buscar fotógrafas, nos dimos cuenta de que lo primero que encontrábamos eran fotógrafos. También nos pasaba lo mismo en el caso de las escritoras. Fue entonces cuando nos encontramos con Eulalia Abaitua. En ese momento no la conocíamos y, la verdad, nos sorprendió su obra y nos maravilló su mirada. Por eso, empezamos hace tres años a investigar a fondo todo lo que había hecho y cómo lo había hecho.

Se dice que Abaitua fue la “pionera de la fotografía vasca”, pero ¿quién fue Eulalia Abaitua? ¿Qué implica ser mujer, viajada y pionera a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX?

Se dice que Eulalia Abaitua fue la primera fotógrafa vasca y vizcaína de la que se tiene constancia. Pero claro, eso es lo que de lo que se tiene constancia; puede ser que hubiese alguna más. Lo que pasa es que, hasta el momento, es Abaitua la que tenemos. La verdad es que tener una fotógrafa en aquella época, además mujer, tuvo que ser muy revolucionario. Venía de la clase burguesa, que es cierto que le podía dar mayor facilidad a la hora de poder tener una cámara y a la hora de poder trabajar, pero como ella habría muchísimas más mujeres y hombres de una clase acomodada que decidieron no hacerlo, lo hizo ella. Tener una mujer que retratase, que diese visibilidad o que diese foco a otras mujeres creo que es fundamental. Y tener una mujer que fuese pionera en en técnicas, por ejemplo en fotografía estereoscópica, es de una riqueza insuperable.

¿Las fotografías de Abaitua se ven influidas por sus años en Liverpool?

En cierta forma a cualquier fotógrafo y fotógrafa le van a influir los espacios donde haya estado y los lugares y las personas con las que haya tenido contacto. Pero yo creo que Eulalia Abaitua sobre todo tiene influencia de lo rural, de lo cotidiano, de lo público y lo privado. Creo que Eulalia Abaitua, sobre todo, tenía una influencia de su propio entorno y de aquello que ella quería visibilizar. Creo también que Eulalia era consciente de que esa época se escapaba, de que esa época iba desapareciendo y llegaba una época de industrialización. Quiso retratar todo ese mundo rural, lo que poco a poco parecía que iba a ir desapareciendo. Su mayor influencia era su entorno, tanto público como privado.

Yo diferenciaría a Eulalia Abaitua entre lo público y lo privado, porque, por un lado, fue una retratista del paisaje. Fue una gran documentalista, fue la retratista del paisaje de Euskal Herria. También fue una retratista de las mujeres que quizás tenían un trabajo que, por digno que fuera, no tenía reconocimiento, y ella supo retratarlas y darles altavoz con su mirada, para posicionarlas y darles ese reconocimiento que merecían. Y, por otro lado, porque Abaitua trabajaba mucho el lado privado. Trabajó mucho con su familia, con su marido, siempre tuvo el apoyo de su marido. Creo que también fue muy importante que tuviese su apoyo y admiración por su trabajo. Trabajó mucho con su familia, los disfrazaba, creaba historias, situaciones... Por eso diferencio entre lo público y lo privado.

Durante su estancia en Inglaterra, Abaitua pudo familiarizarse con técnicas de fotografía y aparatos que por entonces todavía eran desconocidos en Euskadi. A su regreso, y con todo lo que se trajo desde allí, ¿se la puede considerar como ‘madre’ de la fotografía vasca?

¿Como ‘madre’ de la fotografía vasca? Más bien como precursora de la fotografía vasca. Con una mirada propia, con una mirada que daba altavoz a muchas mujeres trabajadoras de la época, con un retrato del paisaje de una gran calidad y con un trabajo de documentación, como documentalista y un trabajo etnográfico de un valor incalculable. En ese sentido sí podemos considerarla como una precursora. Además, tenía una parte de experimentación, que es muy interesante, que quizás es la menos conocida de la obra de Abaitua, que es la doble exposición, trabajaba también con placas estereoscópicas. Se la puede considerar una precursora y una mujer que tenía una mirada propia, una forma de hacer fotografía y de dignificar y dar el espacio que merecían las fotógrafas. Fue una mujer que disfrutaba mucho de la fotografía y eso se ve en su trabajo: jugaba con ella, disfrutaba con ella. Si queremos entender el País Vasco, y en concreto, la Bizkaia de aquella época, debemos recurrir a la fotografía de Eulalia Abaitua, es un testimonio visual increíble.

Se ha considerado a Eulalia Abaitua una “reportera gráfica” por su interés por mostrar la vida cotidiana de la sociedad vasca y, concretamente, de las mujeres del siglo XX. Se ven en sus fotografías mujeres trabajadoras, lavanderas… No son los protagonistas habituales de las fotografías. ¿Qué nos habríamos perdido de la historia popular sin su trabajo?

Precisamente, nos habríamos perdido la historia popular. Abaitua tomó el trabajo de reportera gráfica de todo ese periodo. Por eso, si no tuviésemos su trabajo, creo que no habríamos sabido, por un lado, el trabajo que había. El mundo rural, que poco a poco iba desapareciendo, y el cambio a ese mundo más industrializado. Se habría perdido todo el trabajo de las mujeres jardineras, en el campo, en el cuidado de sus hijos… Se habría perdido la dignificación de la mujer trabajadora, de esos puestos de trabajo que, quizás, no estaban reconocidos pero que Abaitua supo captar, y esa mirada para reposicionar a la mujer realmente en el lugar donde le correspondía. 

En aquella época no era habitual que las mujeres firmaran las fotografías que tomaban, ¿cómo lo hizo Abaitua?

Abaitua quiso hacer fotografía y la hizo. Es decir, esa determinación que tuvo también es muy importante. Fue una adelantada a su época, por la mirada que tenía y por la forma de trabajo que también se adelantaba a su época. Por eso digo que yo creo que ella quiso hacer fotografía y la hizo. Es cierto que tenía medios económicos, pero fue ella quien decidió hacer fotografía. Seguramente habría mucha gente que tuviese medios económicos y no decidió dedicarse a la fotografía, fue ella quien lo hizo. Además, tuvo ayuda de la familia, lo que también fue fundamental. Su marido, sus hijos y sus nietos le ayudaban con esas fotografías, colaboraban con ella. Ella quiso hacer fotografía, la hizo y tuvo esa ayuda, pero creo que, sobre todo, le ayudó esa determinación. Decir “esto es lo que yo quiero hacer y lo voy a hacer”.

¿Por qué decidió, entonces, firmar algunas de sus fotografías como “señora de Olano”?

No lo puedo decir con certeza. No sé si sería un guiño por la ayuda que recibió de su marido, por esa complicidad que ellos tenían. Su marido aparece en varias fotografías con ella, participa de ese juego. 

Se ha visto que el trabajo de Abaitua suscita interés, o al menos eso dan a entender las alrededor de 1.200 personas que se han acercado a ver sus fotografías a las Juntas Generales de Bizkaia, pero ¿sabe la sociedad vasca quién es?

La sociedad vasca conoce las fotografías de Eulalia Abaitua, pero no estoy segura de si sabe ponerle nombre, es decir, no sé si la sociedad identifica su trabajo con su nombre. A todo el mundo le gustan las fotografías antiguas, porque son parte de nosotros, son parte de la historia. Por eso, interesa mucho saber cómo era el lugar en el que vives hace 100 años. La fotografía tiene algo mágico, y todavía más cuando se trata de un estudio sociológico y etnográfico como el que ofrece Abaitua. Puede interesar por muchos aspectos, ya sea por la parte paisajística, porque es un documento gráfico de un valor inclasificable, o porque interesa el altavoz que dio a todas aquellas mujeres, esa mirada hacia el trabajo de las mujeres y su dignificación. Cualquier persona que se quiera documentar sobre el Bilbao de aquella época o sobre la Bizkaia de aquella época debe recurrir a las fotografías de Eulalia Abaitua, pero no tengo tan claro que se sepa realmente quién es la autora. Ahí está el problema.

¿Ve implicación en la sociedad para dar a conocer a mujeres que han desempeñado papeles relevantes pero que, sin embargo, no cuentan con un reconocimiento general? 

Poco a poco se está trabajando en ello, aunque queda mucho camino por recorrer. Poco a poco las instituciones se están involucrando más en dar a conocer todos esos trabajos, que los hay y habrá muchísimos más que todavía no se conocen. No podemos permitir que esos trabajos se queden ahí, ni de mujeres ni de hombres. Creo que hay que trabajar muchísimo por recuperar todos esos trabajos que no han visto la luz y que tienen un valor incalculable. En el caso de las mujeres queda mucho por hacer, pero creo que se está haciendo poco a poco.

Dice usted de que hace ‘cine de realidades’. ¿Aborda temas que interesan a la sociedad o aborda temas para que interesen a la sociedad?

Lo que intento con los documentales es dar altavoz a aquellos temas que me crean preocupación o que me hacen reflexionar. Intentamos dar visibilidad a las realidades que muchas veces no la tienen, o a realidades que nos suscitan interés y con las que creemos que podríamos llegar a crear conciencia en la sociedad y que creemos que pueden ser interesantes para poner en la palestra y que cada persona llegue a sus propias conclusiones.

¿Qué vamos a poder ver en el documental? ¿Qué han querido mostras a la sociedad?

Lo que hemos querido establecer Enrique Rey y yo con este documental sobre Eulalia Abaitua es un diálogo entre la obra de la autora y las obras de diferentes fotógrafas que trabajan actualmente en el País Vasco. Queríamos establecer un diálogo entre ambas porque los diálogos intergeneracionales siempre han sido muy enriquecedores, y creímos que en el caso de la obra de Abaitua podría funcionar bien. 

¿Cuándo y dónde se podrá ver este documental?

Queremos estrenarlo en mayo. Vamos a empezar ahora una ruta por festivales. Esperamos poderlo estrenar a lo largo de este año. Hay un festival que ha colaborado con nosotros, Getxophoto, el Festival Internacional de Imagen de Getxo, en el que nos gustaría presentar el trabajo realizado. Queremos llevarlo a diferentes festivales, tanto de fotografía como de cine. 

La Dirección General de Turismo, Comercio y Artesanía, a través de la Film Commission, ha puesto en marcha el primer Concurso de Producción de Largometrajes y Series de Televisión con el objetivo de apoyar proyectos audiovisuales que contribuyan a la promoción turística de la región, a través de la difusión de emplazamientos emblemáticos y localizaciones de todo el territorio regional. La convocatoria está dotada con 300.000 euros. El plazo de inscripción en el concurso está abierto hasta las 14.00 horas del 30 de abril y las bases se pueden consultar en la web de la Fundación Impulsa, en el enlace http://www.iclm.es/areas-actuacion/film-commission/.

El Gobierno regional ha explicado que el concurso está destinado a personas físicas o jurídicas titulares de empresas de producción independiente cuyo objeto sea la actividad cinematográfica o audiovisual, y que sean poseedoras de los derechos de los proyectos que se presenten a la convocatoria. Los candidatos deberán acreditar al menos tres producciones cinematográficas o audiovisuales, bien de manera individual o bien en coproducción, y garantizar la viabilidad económica del proyecto.

En total, se establecen tres premios de 100.000 euros cada uno que se abonarán a los ganadores el primer día de rodaje de las obras, que se deberá iniciarse en este 2021, sabiendo que los proyectos deben impulsar el conocimiento de Castilla-La Mancha a través de sus localizaciones, tales como paisajes naturales, urbanísticos o su patrimonio cultural, potenciando su proyección nacional e internacional.

“Pretendemos potenciar la atracción turística en beneficio de la región, a través del patrocinio parcial de producciones audiovisuales como series o largometrajes, además de impulsar la creación de este tipo de contenidos en Castilla-La Mancha, como parte de su consideración como un vector económico que genera riqueza verificable y que tiene importantes repercusiones en el ámbito turístico”, ha indicado la consejera.