La película animada de 2018, Spider-Man: Into the Spider-Verse, demostró que las cosas podían ser diferentes para este histórico superhéroe del universo Marvel y nos presentó al primer Spider-Man negro y la primera Spider-Woman. ¿Por qué entonces no puede haber un hombre araña que forme parte del colectivo LGTBI? Es la pregunta que Andrew Garfield lanzó al aire hace más de una década.

Fue en una entrevista, durante el año 2013, cuando el actor que también dio vida a este icónico personaje en la gran pantalla planteó la posibilidad de un Spider-Man homosexual. “¿Por qué no podemos descubrir que Peter está explorando su sexualidad? ¡No es nada del otro mundo! ¿Por qué no puede ser gay? ¿Por qué no puede sentirse atraído por los chicos?”, sugirió en una entrevista para Entertainment Weekly.

Garfield incluso propuso que Michael J. Bordan se uniera a su franquicia como una versión masculina del personaje de MJ. “He estado obsesionado con él desde The Wire. Es tan carismático y talentoso. ¡Sería aún mejor: tendríamos bisexualidad interracial!”, añadió el protagonista de The Amazing Spider-Man.

La verdad tras la máscara

Han pasado trece años desde aquello, pero la estrella de Hollywood no ha olvidado lo que ocurrió. Tampoco le hubiera sido fácil, teniendo en cuenta que aquella intervención se viralizó rápidamente. Ahora, en una entrevista con el mismo medio con el que protagonizó la recordada escena, han vuelto a preguntarle sobre el tema, y Garfield lo tiene claro.

“Fue un acto de rebeldía que me apasionó, pero sigo creyendo que cualquiera puede ponerse ese traje”, compartió recientemente. “Esa es la razón por la que es un personaje tan universalmente querido, uno de los personajes más queridos en la historia de la ficción. Porque no se ve el color de la piel, no se ve el género, no se ve la sexualidad. Cualquiera puede proyectarse en ese traje”.

El actor, que está en medio de la promoción de The Uprising, la próxima película dramática producida, escrita y dirigida por Paul Greengrass, no se baja del carro. “Me gusta la idea de un lugar donde todo el mundo sea reconocido y donde todos estén incluidos. Fue, en cierto modo, una forma de decir: ‘Bueno, ¿por qué no?’. Y si tienes una opinión muy firme en un sentido u otro, estarás dejando en evidencia tus propias inclinaciones”, añadió.

Actualmente, Tom Holland es la persona encargada de poner el cuerpo al servicio de este personaje en la gran pantalla, y su última película, Spider-Man: Brand New Day, batió récords de taquilla este verano, convirtiéndose en una de las más taquilleras de toda la historia del cine. Hasta ahora, ha recaudado 2.334 millones de dólares en todo el mundo.

Los cuatro tentáculos metálicos golpearon el andén con tal violencia que levantaron fragmentos de suelo bajo las luces de la estación vacía. Spider-Man respondió fijando una telaraña al brazo mecánico más cercano para desviar el siguiente golpe hacia una columna. Otra descarga pegajosa inmovilizó durante unos segundos una segunda pinza mientras una red frenaba los restos que caían desde arriba.

El héroe lanzó después dos líneas hacia lados opuestos para cambiar de trayectoria mientras Doctor Octopus trataba de cerrarle el paso con sus brazos articulados. Una quinta descarga cubrió una articulación para restarle movilidad mientras otra cuerda elástica permitió a Spider-Man ganar altura frente al ataque.

La pelea convirtió así la telaraña en sujeción temporal, red de protección, medio de desplazamiento, adhesivo de inmovilización y herramienta para modificar la dirección de una fuerza.

El origen cambia mientras las funciones permanecen

La procedencia de esa telaraña cambia según la versión de Spider-Man, aunque la mayoría de cómics y varias películas recurren a dispositivos de muñeca creados por Peter Parker. ScreenRant repasa esa tradición desde Amazing Fantasy #15, donde aparecen los primeros lanzadores, hasta versiones cinematográficas posteriores en las que el personaje prepara o perfecciona un fluido artificial. La trilogía de Sam Raimi con Tobey Maguire adopta otra solución, pues la mordedura transforma el cuerpo del amigo y vecino de Queens y provoca la producción de seda orgánica en los antebrazos.

En las versiones mecánicas, el material parte de un compuesto almacenado a presión dentro de cartuchos que alimentan los lanzadores de muñeca. Los manuales de Marvel descritos por ScreenRant presentan una sustancia líquida que se expande al salir, endurece al entrar en contacto con el aire y puede adoptar líneas finas, redes amplias o una pasta adhesiva.

Esa transformación explica buena parte de su utilidad, porque Peter puede emplear la misma base para desplazarse, inmovilizar adversarios o crear superficies capaces de frenar objetos. El compuesto pierde resistencia con el tiempo y termina deshaciéndose, una propiedad que en distintas versiones tarda alrededor de una o dos horas.

La versión orgánica de las películas de Sam Raimi elimina los cartuchos y convierte la telaraña en un producto biológico generado por el propio cuerpo de Peter. El paralelismo más cercano dentro de la información disponible es la seda natural de las arañas, una proteína capaz de ofrecer gran resistencia con una masa reducida.

Esa variante conserva varias funciones reconocibles de las telarañas artificiales, porque sirve para desplazarse, inmovilizar o crear redes, aunque cambia por completo su procedencia. La diferencia queda en la fuente del material, pues unas telarañas nacen de una fórmula fabricada por Peter y otras proceden de glándulas desarrolladas tras la mordedura.

Marvel atribuye ingredientes diferentes a la fórmula ficticia

La composición exacta nunca ha recibido una fórmula única dentro de Marvel, aunque varias historias ofrecen pistas sobre su naturaleza. Spider-Man: The Animated Series relacionó el conocimiento de Peter con la química de la seda real, formada por proteínas cuyos aminoácidos incluyen glicina y alanina, mientras otras versiones hablan de polímeros de cadena larga.

Una historia de la serie animada de los años 80 llegó a describir el fluido como una sustancia basada en caucho, mientras The Amazing Spider-Man presentó un adhesivo artificial inspirado en seda de araña que Peter mejoraba para sus lanzadores. Peter Parker: Spider-Man #26 añadió otra descripción mediante una científica policial que hallaba plásticos poco corrientes, policarbonos y microfilamentos de un compuesto de rubidio en una muestra conservada.

Las propiedades atribuidas al material dependen también de la estructura que adopta después de salir del lanzador. Suveen Mathaudhu, responsable de programa en la división de ciencia de materiales de la U.S. Army Research Office y profesor adjunto de ciencia de materiales en NC State, señaló que “el material real que compone la telaraña probablemente sería solo una parte de la ecuación”.

Su observación partía del trabajo de Markus Buehler, profesor del MIT que investigó la seda de araña y relacionó su resistencia, tenacidad y capacidad de estiramiento con la disposición de fibrillas a escala nanométrica. Esa organización ayuda a entender por qué una fibra puede adquirir propiedades distintas cuando sus componentes se enlazan mediante varios niveles estructurales.

Los materiales existentes permiten comparar las cifras ficticias

La comparación con materiales reales permite situar esas capacidades sin convertir la ficción en una receta química. La seda de araña ha alcanzado valores publicados de hasta 1,75 gigapascales de resistencia a la tracción, mientras el Official Handbook of the Marvel Universe de 1986 atribuyó a las telarañas de Spider-Man un material parecido al nailon capaz de aguantar unos 54 kilogramos por milímetro cuadrado.

Rhett Allain, autor del blog Dot Physics de Wired.com, propuso los nanotubos de carbono como una posible referencia para imaginar un material de prestaciones extremas. Horatio Espinosa, profesor de Northwestern University, ha estudiado métodos para agrupar nanotubos de carbono mediante irradiación de alta energía con el fin de mejorar su resistencia, rigidez y tenacidad.

Peter Parker controla la forma de cada telaraña

La función de las telarañas depende finalmente de la forma que Peter obtiene al expulsar el fluido desde los lanzadores. Los primeros diseños descritos por Marvel utilizaban un gatillo en la palma que exigía una doble presión para evitar disparos accidentales, mientras modelos posteriores respondían a distintos niveles de fuerza.

El ajuste de la boquilla permitía producir líneas estrechas para balancearse, redes destinadas a detener una caída o masas adhesivas para fijar a una persona contra una superficie. En los cómics, esa versatilidad llegó a permitir formas como una balsa, unos esquís o un garrote, siempre construidas a partir del mismo material endurecido.

La ausencia de The Marvels resulta especialmente reveladora cuando Disney+ pide revisar nada menos que 15 producciones antes de Avengers: Doomsday, porque la película ya había tratado el multiverso y las incursiones que rodean esta etapa del MCU.

Marvel ha reducido así los deberes frente a las 38 películas estrenadas hasta ahora, aunque la selección sigue siendo bastante voluminosa para llegar preparado al estreno del 18 de diciembre. Son 14 películas y una serie, Loki, una cantidad que responde a la ambición de una entrega diseñada para reunir personajes procedentes de varias etapas, estudios y realidades.

Los regresos conectan varias generaciones de Marvel antes de Doomsday

La lista entra pronto en territorio mutante con X-Men y X2, las dos primeras películas de la etapa de Fox que ahora recuperan interés por el regreso de varios intérpretes en la producción dirigida por Joe y Anthony Russo. Su presencia ayuda a explicar por qué Marvel no se limita a recomendar títulos del MCU y obliga a retroceder hasta películas estrenadas mucho antes de que existiera este universo cinematográfico. Avengers: Doomsday prepara así un cruce donde la continuidad de los X-Men de Fox tendrá importancia suficiente para convertir aquellas primeras aventuras en parte del repaso previo.

Otra parte amplia de los deberes sale de personajes que ya tienen una posición importante dentro del reparto anunciado, entre ellos los protagonistas de Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos, Black Panther: Wakanda Forever, Capitán América: Brave New World, Thunderbolts y Los Cuatro Fantásticos: primeros pasos.

La selección también incorpora Capitán América: el primer vengador por el regreso de Chris Evans y Hayley Atwell, mientras Los Vengadores, Infinity War y Endgame recuperan las grandes reuniones previas del grupo. Age of Ultron queda fuera pese a pertenecer a esa misma saga coral.

El componente multiversal concentra otra porción del recorrido con Loki y Doctor Strange en el multiverso de la locura, dos producciones vinculadas de forma estrecha con realidades alternativas y líneas temporales. Spider-Man: No Way Home aparece dentro de ese mismo bloque de títulos y abre otra vía de especulación, ya que Tobey Maguire ha sido relacionado mediante rumores con Avengers: Doomsday, aunque Marvel Studios no ha confirmado su participación. La película de 2021 reunió distintas versiones de Spider-Man y, por ese motivo, su inclusión adquiere peso dentro de una historia construida alrededor de universos que vuelven a cruzarse.

Deadpool y Lobezno introduce otra incógnita porque Hugh Jackman y Ryan Reynolds tampoco figuran oficialmente entre los miembros anunciados del reparto, aunque ambos actores han sido utilizados en la promoción reciente de la película. En D23 2026, Jackman bromeó con la posibilidad de incorporarse al proyecto y planteó que Reynolds también podría hacerlo: “Me encantaría unirme.” La presencia de su película de 2024 entre los deberes oficiales aumenta las especulaciones sobre ambos personajes sin convertirlas todavía en una confirmación.

Disney+ acota una continuidad que abarca numerosas producciones

Las ausencias ayudan a medir por qué 15 títulos pueden parecer muchos y, al mismo tiempo, quedarse cortos para una saga que ha extendido el multiverso por numerosas producciones desde 2021. IGN señala The Marvels y X-Men: días del futuro pasado entre los proyectos que podrían haber entrado por sus conexiones con incursiones, universos alternativos y personajes mutantes. Guardianes de la Galaxia, Bruja Escarlata y Visión y otras producciones tampoco aparecen.

Disney+ ha escogido por tanto un recorrido acotado dentro de una continuidad mucho mayor, con suficientes piezas para explicar personajes, relaciones previas y realidades que confluirán en Avengers: Doomsday.

La ausencia de una sinopsis oficial convierte la nueva reunión de Marvel en un proyecto de reparto gigantesco alrededor de una amenaza todavía explicada a medias, aunque el segundo tráiler de Avengers: Doomsday ya permite medir la escala de lo que se avecina. El avance junta a los Vengadores, Cuatro Fantásticos, Thunderbolts y X-Men frente al Doctor Doom de Robert Downey Jr., mientras Marvel mantiene bajo reserva buena parte del argumento de una película concebida para reunir ramas cinematográficas que hasta ahora habían seguido caminos distintos.

Marvel reúne cuatro franquicias ante la amenaza de Doom

El nuevo adelanto dedica buena parte de sus dos minutos a mostrar el poder de Doom frente a héroes procedentes de etapas muy diferentes del universo Marvel. Vanessa Kirby, como Sue Storm, advierte al grupo del peligro que representa Victor von Doom, y Pedro Pascal, como Reed Richards, lo encara entre las ruinas de una ciudad. Esa relación tiene una base conocida en los cómics, donde Doom ha sido un rival histórico de los Cuatro Fantásticos, y el tráiler aprovecha eso para presentar una amenaza con conexiones personales previas.

La confrontación con Thor ofrece uno de los pocos pasajes en los que el avance enseña con precisión hasta dónde puede llegar el villano interpretado por Downey Jr. Chris Hemsworth lanza su ataque con Stormbreaker, Doom lo bloquea y responde con un haz de energía verde antes de hacer surgir a varios Centinelas, enemigos clásicos de los X-Men. Tras ese enfrentamiento, el personaje sentencia: “El infierno me responde a mí, porque soy Doom”.

El regreso de Robert Downey Jr. al UCM modifica por completo su lugar dentro de una saga que lo tuvo durante años como Tony Stark, personaje que murió en Avengers: Endgame al sacrificarse por la humanidad. Ahora encabeza la quinta película de los Vengadores como Victor von Doom, después de que el proyecto abandonara el título The Kang Dynasty y pasara a llamarse Avengers: Doomsday. La película conducirá hacia Avengers: Secret Wars, prevista como la sexta entrega del grupo y vinculada al arco de cómics del mismo nombre.

Los antiguos X-Men de Fox desembarcan oficialmente en el UCM

El reparto reúne también a intérpretes que ya pertenecían a varias ramas del UCM, con Chris Evans otra vez como Steve Rogers, Paul Rudd como Ant-Man y Letitia Wright como Black Panther. A ellos se suman Sebastian Stan como Bucky Barnes, Tom Hiddleston como Loki y Simu Liu como Shang-Chi, mientras los Cuatro Fantásticos vuelven con Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn y Ebon Moss-Bachrach. Entre los Thunderbolts figuran Florence Pugh, David Harbour, Lewis Pullman, Wyatt Russell y Hannah John-Kamen.

La llegada de antiguos actores de las películas de X-Men producidas por Fox amplía todavía más el alcance de esta reunión después de la compra del estudio por Disney. Patrick Stewart regresa como Charles Xavier, Ian McKellen como Magneto, James Marsden como Cíclope, Kelsey Grammer como Bestia, Rebecca Romijn como Mística y Alan Cumming como Rondador Nocturno, junto a Channing Tatum como Gambito. Ese grupo supone el debut oficial en el UCM de varios intérpretes asociados durante años a otra continuidad cinematográfica.

Hugh Jackman y Ryan Reynolds, Lobezno y Deadpool respectivamente, añadieron otra capa de incertidumbre cuando aparecieron en D23 y preguntaron si podían participar en Avengers: Doomsday, una intervención presentada de forma ambigua entre anuncio y broma. Nerdist recoge que Marvel Studios anunció su presencia, mientras otra de las informaciones mantiene la duda sobre el alcance de aquella aparición.

Jackman ya había evitado confirmar su participación en una entrevista con The View, donde bromeó saliendo por la tangente: “No puedo decir gran cosa, excepto que cuando dices aparecer, sería más bien dominar y destruir a todos los demás personajes”.

D23 muestra el avance antes del estreno de diciembre

Joe y Anthony Russo vuelven a dirigir una película de los Vengadores después de las taquilleras Infinity War y Endgame, con Stephen McFeely como guionista y Alan Silvestri nuevamente al frente de la música. Kevin Feige figura como productor, y el rodaje fue situado en Reino Unido a partir de abril de 2025.

El segundo tráiler se presentó en D23 con Robert Downey Jr., Chris Evans y Hayley Atwell como encargados de introducirlo, mientras el estreno quedó fijado para el 18 de diciembre y Marvel conserva todavía la explicación que deberá unir a ese reparto dentro de una misma historia.

Con cada estreno de Marvel como es el caso de ‘Spider-Man: Brand New Day’, los espectadores se preguntan cuanto tiempo deben quedarse en la sala de cine para no perderse nada de la película, porque es habitual que tengan una escena postcréditos, que suele ser relevante para el futuro de este universo cinematográfico.

Sin embargo, el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) no es el que inventó esta estrategia en los cines, sino que la escena postcréditos tiene mucha más historia de lo que pensamos con más de seis décadas y fue una burla a las películas de James Bond.

La primera película con escena postcréditos fue en los 60

Marvel ha convertido las escenas postcréditos en una de sus insignias desde que la incorporara en la película de ‘Iron Man’ en 2008, pero no fue entonces cuando se inventó esta estrategia de marketing, sino que fue una idea que se tuvo mucho antes, casi cuatro décadas antes.

Fue en 1966, cuando se estrenó en las salas de cine la película ‘Los silenciadores’, dirigida por Phil Karlson y protagonizada por Dean Martin, que fue la primera cinta comercial en incluir una escena después de los créditos.

Este filme de espías, que ha pasado desapercibida con el paso del tiempo, ha quedado en la historia del cine gracias a una idea sencilla que ha acabado siendo más relevante de lo esperado, que tuvo como inspiración ser una especie de parodia de la saga de James Bond, que entonces finalizaban con un “James Bond regresará”.

Así fue como introdujeron una especie de avance de la que sería la siguiente aventura, la secuela, que sería “Matt Helm, agente muy especial” con un rótulo que decía “A continuación: Matt Helm se encuentra con Lovey Kravezit en Murderer's Row”, para luego dar paso al protagonista en una cama rodeado de un grupo de mujeres en ropa interior.

Un pequeño gesto que Marvel tomó como marca de marketing

Lo que fue solo un simple guiño y una especie de parodia, ha acabado sentando cátedra para la posteridad en el cine. Los primeros en imitar esta idea fueron algunos títulos durante la década de los 80 como en ‘La película de los Teleñecos’, ‘Aterriza como puedas’ o ‘Masters del universo’, aunque no se acabó asentando.

No sería hasta 2008 cuando Marvel lo introdujo como una de sus principales estrategias de marketing con la primera escena postcréditos en ‘Iron Man’, para luego ser la norma en este universo, e incluso ya hay algunas que tienen dos escenas antes y después de créditos como fue el caso de ‘Capitán América: el soldado de invierno’ o ‘Thunderbolts’.

La nueva película de los X-Men en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) comienza a tomar forma. Según ha adelantado en exclusiva Deadline, ya conocemos el nombre de la actriz que podría dar vida en la gran pantalla a Emma Frost, una de las mutantes más poderosas de este universo gracias a sus habilidades telepáticas.

De acuerdo con la información publicada por el medio estadounidense, la elegida es Samara Weaving. El director Jake Schreier y el presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, habrían mantenido reuniones con varias candidatas antes de decantarse por la actriz australiana. Marvel Studios, sin embargo, no ha hecho comentarios sobre el supuesto fichaje.

Emma Frost, conocida también como la Reina Blanca, debutó en los cómics en 1980 y pasó de ser una de las principales enemigas de los mutantes a convertirse en una de sus integrantes más importantes. La última vez que la vimos en cines fue en X-Men: Primera generación (2011), donde fue interpretada por January Jones. Desde entonces, el personaje no ha vuelto a formar parte de ninguna de las películas de la franquicia

Aunque el estudio no hizo ningún anuncio relacionado con los X-Men durante su panel en la Comic-Con de San Diego, la posible incorporación de Weaving supone un nuevo paso en el desarrollo de una de las películas más esperadas de la nueva etapa del MCU. Hablamos del proyecto que marcará el debut oficial de los mutantes dentro de este universo compartido.

El reinicio de los mutantes

El regreso de los X-Men es uno de los proyectos más ambiciosos de Marvel Studios desde que Disney adquirió la 21st Century Fox en 2019, una operación que le permitió hacerse con los derechos cinematográficos de personajes tan populares como Lobezno, Magneto, Tormenta, Cíclope, Jean Grey o Mística, entre muchos otros.

Ahora, Marvel prepara un reinicio completo que dejará atrás la continuidad de las películas de Fox para integrar a los mutantes en su MCU. En la práctica, esto permitirá que la nueva generación de X-Men comparta universo con personajes como los Vengadores, los Cuatro Fantásticos… Incluso Spider-Man.

Aunque por el momento no se conocen detalles sobre la trama ni se ha anunciado oficialmente el reparto, la información publicada por Deadline apunta a que el proyecto ya anda sobre ruedas. Marvel ya habría comenzado a cerrar algunos de los papeles principales de una película que, tras Vengadores: Doomsday, está llamada a convertirse en uno de los grandes estrenos del estudio cinematográfico.

Cuatro años después del hechizo del Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) que borró la memoria de MJ (Zendaya) y Ned Leeds (Jacob Batalon) sobre Peter Parker (Tom Holland), Spider-Man ha vuelto a la gran pantalla. La quinta película de la Fase Seis del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) llegó a los cines de España el pasado miércoles 29 de julio.

La trama arranca justo donde terminó No Way Home, la última dedicada al superhéroe. Peter Parker sigue protegiendo la ciudad de Nueva York, esta vez sin que nadie lo conozca, y experimenta una peligrosa y extraña evolución física en sus poderes. Mientras intenta lidiar con el olvido de sus amigos, se enfrenta a una villana a la que únicamente él puede identificar, para lo que decide aliarse con Punisher (Jon Bernthal).

Para seguir la historia de este largometraje sin perder el hilo en ningún momento, lo más importante es haber visto las tres películas anteriores de la saga protagonizada por Tom Holland. En la primera de ellas, Spider-Man: Homecoming (2017), vemos cómo Parker intenta demostrar que está preparado para convertirse en un auténtico superhéroe mientras recibe los consejos de Iron Man.

En Spider-Man: Lejos de casa (2019), el chico está de viaje de estudios en Europa cuando es reclutado por Nick Furia para luchar contra los Elementales junto a Quentin Beck (Mysterio). En Spider-Man: No Way Home (2021), las cosas se complican para Parker. Tras revelarse su identidad secreta, pide ayuda a Doctor Strange, que termina abriendo el multiverso.

Más allá del Hombre Araña

Pero más allá de las protagonizadas por Tom Holland y centradas en la historia de su superhéroe, existen otras películas del MCU que merece la pena ver para entender todo el contexto y no perderse nada de todo este universo interconectado. Podemos empezar por Capitán América: Civil War (2016), la película de Los Vengadores que marcó el debut de este Spider-Man. Esta muestra el inicio de la relación mentor-aprendiz entre Tony Stark (Robert Downey Jr.) y Peter Parker.

Avengers: Infinity War (2018) muestra el primer encuentro entre Spider-Man y Hulk, un superhéroe que también aparece en la nueva película protagonizada por Holland, mientras que Avengers: Endgame (2019) es relevante porque marca un punto de inflexión en la madurez del personaje de Peter Parker después de una pérdida importante entre los suyos.

Thunderbolts* (2025), protagonizada entre otros por Florence Pugh, es otro visionado recomendado. Además de indagar en todo este universo cinematográfico, también es interesante ver algunas series, entre las que destacan The Punisher y Daredevil, que aportan más contexto del personaje de Frank Castle, quien también aparece en Brand New Day.

Javier Rodríguez (Oviedo, 1972) tiene la suerte de poder seguir dibujando mientras charla al teléfono con elDiario.es desde su estudio de Gijón. Hace apenas unos días, el que pasó de publicar en El Víbora a dibujar a Spider-man, Daredevil o Doctor Strange para Marvel, ha obtenido tres Premios Eisner este año, los mayores galardones internacionales del mundo del cómic. Se reconoce así su trabajo para DC Comics por su labor en Absolute Martian Manhunter (Panini).

En esta entrevista, el artista defiende que la ficción siempre habla del presente y desentraña la fuerza narrativa del color en un cómic, cómo ha sido recrear a este personaje desde el guion de Deniz Camp, la relación entre tebeo y cine y por qué cree que la inteligencia artificial generativa no golpeará tan duro a este sector como a otros.

Su historia con el cómic comienza mientras estudia en la Escuela de Bellas Artes de Oviedo en los primeros 90. ¿Qué recuerda del Javier de entonces?

Aquello me sirvió para salir del barrio, para ir a un ambiente donde había gente que hacía cosas como yo y conocer lo que serían otros autores de cómic como Germán García o el ilustrador Marco Recuero, el encargado de la imagen del Festival de Cine de Gijón por muchos años. Fue el tiempo en que comenzamos a autopublicarnos.

En su trabajo Love Gun, autopublicado en 1996, dejó patente una gran dosis de crítica social en torno al desempleo. La miniserie futurista estaba ambientada en el siglo XXI y se partía de la premisa de la dificultad de los jóvenes para independizarse. ¿Ha seguido estando presente la crítica social en sus obras?

No me gusta emplear la expresión “crítica social” porque no es una crítica, sino una mirada. La ficción se debe a la época que le toca vivir. Si coges cualquier obra de ficción y estudias la época en que fue hecha, descubres sin querer un reflejo de aquella sociedad. Aprendemos cómo vivían otras personas gracias a la ficción y eso es algo precioso que también reflejan los cómics en la forma en la que se tratan y trataban ciertos temas, como la violencia. Es una forma de ver quiénes éramos y, muchas veces, lo poco que hemos cambiado.

Tras pasar por revistas como El Víbora y realizar otros cómics, portadas de grupos de música y trabajar en la producción de películas y anuncios, llegó su debut en el mercado estadounidense en 2003. Lo hizo como colorista con Batgirl: Year One, de DC Comics. ¿Qué cambió en aquel momento?

Empecé a trabajar para Estados Unidos gracias a mi amigo Marcos Martín y mi vida ha cambiado desde entonces. Yo no lo contemplaba, entre otras cosas porque no sabía inglés y no tenía infraestructura para ello, fue algo de rebote, pero como colorista me vino bien porque así complementaba mis ingresos en España.

Poco a poco, fui metiendo la patita y un día me surgió la oportunidad de dibujar. Un editor que ahora ha vuelto a Marvel como editor jefe, Stephen Wacker, se interesó por cómo narraba con el color y me dijo que probara a dibujar algo de Spiderman. Así empecé a dibujar los superhéroes que yo leía de niño.

Hace más de dos décadas que no ha dejado de trabajar como colorista, un perfil no muy conocido por personas alejadas del mundo del cómic. ¿Qué secretos hay detrás de este arte? ¿Qué persigue el colorista con su trabajo?

El color es algo muy importante, muy narrativo. El azul puede transmitir tristeza y el naranja alegría y la decisión de meterlo de una manera u otra puede cambiar el significado del cómic. Yo siempre me he decantado por causar el impacto justo, me gusta respetar el render del dibujante, la línea, y prefiero no meter muchos efectos. Cuando coloreas para otros, también estás supeditado a lo que ellos buscan.

¿Cómo fue ver sus dibujos coloreados por otros?

Fue increíble, porque a mí nunca me habían coloreado. Cuando empecé a dibujar en EEUU, mi estatus como colorista era alto, pero no como dibujante, así que no podía colorearme a mí mismo porque cada cómic tiene su propio presupuesto. Era como si me hubiera convertido en dos personas distintas. Ahí me di cuenta del impacto del color, cuando alguien externo coloreó mis dibujos.

Hace apenas unos días ganó tres Premios Eisner. Varios fueron dirigidos exclusivamente a su trabajo realizado en Absolute Martian Manhunter (DC Comics), dentro de la línea Absolute Universe, en donde se reinventan algunos de los personajes más emblemáticos. ¿Ha tenido más libertad a la hora de dibujar por ser un universo secundario y no el principal?

Sí, sin dudas. La libertad fue total, y total quiere decir total. Era una reinvención del personaje completa, tal y como el guionista lo concibió y lo presentó, le dejaron hacerlo. El personaje principal de Martian en el Universo DC es verde, calvo, fuerte, con una especie de capa. En nuestra versión, es un ente que se le aparece al agente del FBI John Jones y coge la forma de un muñeco grande ciclópeo, con un ojo rojo que le corona la cara. Lo hice todo con plastilina.

Tuvimos libertad total para reinventar el personaje de Martian. Compré dos kilos de plastilina y le pegué una canica roja. Me dije a mí mismo que mis editores iban a flipar

¿Cómo fue el proceso de creación del personaje?

Cuando vi la idea de Deniz [el guionista] supe que tenía que salir de mi zona de confort para conseguir algo original, que no solo valía dibujar. Compré dos kilos de plastilina verde y me di cuenta de que tenía que ser un cíclope el personaje que se presenta al agente del FBI, quien, digamos, ve todo en blanco o negro. De repente, que se abra este tercer ojo le hace ver que existen los colores y los matices, que hay más de una manera de ver lo que acontece.

Pegué una canica roja a la masa de plastilina y empecé a moldear este ente con esos conceptos como premisa. Saqué el muñeco y me dije a mí mismo: “Como le envíe esto a mis editores van a flipar”. Deniz me apoyó, le encantó, y a la editorial también, y parece que a la gente le ha gustado mucho la reinvención.

Todavía no se ha realizado una película de Martian Manhunter. Llegado el caso, ¿le gustaría que la adaptación tomara como referencia a su personaje?

Claro que me gustaría, sería divertidísimo, aunque últimamente estoy haciendo algo de proselitismo en contra de que se nos asocie tanto a los cómics con el cine. Se nos ve como un hermano pequeño, como la antesala a algo más grande que es la película.

Para mí, se trata de dos lenguajes distintos. No es lo mismo el cine o la música, que se construyen sobre el tiempo y se apoyan en una estructura temporal, que el cómic, que se construye sobre el espacio. Una película puede durar hora y media, pero si yo cojo una página en blanco y distribuyo información, es el lector quien se tomará el tiempo que quiera en decodificarla. Alguien puede tardar dos horas y otros seis en leer un cómic, y las dos lecturas son perfectamente válidas y plenas.

¿Cómo ha sido el trabajo junto a Deniz Camp?

Ha sido como una especie de revelación. He tenido la suerte de trabajar con buenísimos guionistas estos años, gente incluso que idolatro, pero lo de Deniz ha sido un descubrimiento brutal, una fuerza de la naturaleza, un talento increíble. Va a ser uno de los guionistas de nuestro tiempo. Fue él quien me pidió como dibujante para la serie, como un amor a primera vista.

Por otro lado, conoce de primera mano la industria del cómic en Estados Unidos. ¿Ha impactado la IA generativa de alguna forma?

Me imagino que sí, que se estará usando, pero yo creo que menos de lo que esperaban sus gurús. Pasa una cosa curiosa, y es que el lenguaje de los cómics va en dirección contraria a cómo funciona la IA. En el cómic, el dibujo es importante, pero la clave del lenguaje está en lo que no se dibuja, en lo que intuye el lector en los espacios entre viñetas, donde trabaja la mente del lector. Esa forma de funcionar, de ordenar a la IA a través de prompts, para el cómic no funciona. Un cómic existe porque se lee. Si nadie lo lee, no existiría, y la forma de que lo lea es dejar muchos espacios huecos para que la gente proyecte en ese vacío. Tampoco puedes coger un guion y pedirle a la IA que te lo dibuje, porque cada resultado cambia según el artista que lo interprete.

De momento, no veo que la IA amenace a los cómics como sí amenaza el medio ambiente, la economía y la vida misma. Esto no deja de ser dinero comprando dinero. Si quieren realmente hacer una IA generativa, que sea de dominio público y que la ciudadanía pueda entender cómo funcionan sus algoritmos para saber a qué intereses obedecen.

Cualquier reto me parece bien. Es como si me dejaran dibujar a Batman. Joder, ¿cómo hago yo ahora a Batman? Es como ese chaval de barrio al que le dejan un juguete carísimo

También la IA desecha muchas posibles respuestas.

De alguna manera, es como si le pides a algo que solo funcione con grandes éxitos y deje fuera todo lo demás. Yo vuelvo a la premisa del arte y la imagen: la belleza pertenece a quien la observa, a quien lee, y no tanto a quien crea. Esta cosa casi teológica de Silicon Valley de creer que desde un ordenador puedes reinventar el mundo y que todo tiene que pasar por máquinas… Me parece una ficción tan ridícula. La vida es más grande que todo eso.

Por último, ¿cuál es el trabajo que todavía sueña con hacer, aquello que sigue siendo una espinita clavada?

Es una pregunta difícil, eh. La única manera de que me motive mi trabajo es que no sepa cómo hacerlo. Cualquier reto me parece bien. Es como si me dejaran dibujar a Batman. Joder, ¿cómo hago yo ahora a Batman? Es como ese chaval de barrio al que le dejan un juguete carísimo. El secreto es ese, preguntarse cómo hacer algo.

Me encanta trabajar con arquetipos, me acabo de dar cuenta de eso. Arquetipos como Superman o Batman, pero también otros europeos como Lucky Luke. Los siento parte de la cultura popular. Si lo piensas, en unos años no habrá nadie vivo en la Tierra que estuviera presente cuando salió el número 1 de Batman en 1940. Caminamos a lomos de gigantes. Cogemos lo que estaba ahí y lo usamos. Y eso me encanta, porque en el fondo no deja de ser una forma de preguntarse qué hacemos aquí y qué sentido tiene todo esto.

Las razones por las que Spider-Man es el superhéroe favorito de todo el mundo —mientras que Batman solo es el que más le interesa, y Superman el que más le gustaría que le gustara— se atisban a la perfección en la segunda película que le dedicó Sam Raimi. En 2004, tras el rotundo éxito del filme que había introducido a Tobey Maguire como Peter Parker, Raimi concibió Spider-Man 2 como una tragicomedia neoyorquina, llena de romance y obstinación por mostrar a su protagonista como el tipo más desgraciado del mundo. Un tipo normal, bastante bondadoso pero esencialmente normal, al que la dichosa picadura de la araña había sumergido en una existencia insostenible.

Peter Parker, con el trauma de la muerte de su tío a cuestas sin dejar de insistir en la responsabilidad, se veía empujado a una crisis donde el empeño justiciero se entrelazaba con problemas económicos y relaciones sociales deterioradas, de forma que en un momento dado todo estallaba y perdía los poderes. Sin más explicación que esa, simplemente su cuerpo decía basta, en un eco del burnout cuya virulencia venía a recordarnos hace poco el reestreno de Nicky, la aprendiz de bruja. De forma que Spider-Man 2 —“El graduado del cine de superhéroes”, hubo quien la llamó— no solo fue una película excelente, cumbre temprana e indiscutible del género, sino que también reveló por qué el público general, asiduo o no a los cómics, no iba a dejar nunca de tener esa fijación por él.

“Todos somos Spider-Man”, aseguraba una película posterior, también estupenda, probando a sumergir al personaje por primera vez en las variaciones infinitas del multiverso, y seguramente perdiendo algo con ello. Todos somos Spider-Man porque comprendemos la precariedad, la soledad, la angustia de tener que hacer muchas cosas sin poder estar a la altura. Spider-Man: Un nuevo universo, sin embargo, esparcía ruido alrededor de esa idea, de forma paralela a lo que entonces ya sucedía en el Universo de Marvel. El Spider-Man de Tom Holland debutó, a última hora, en la batalla multitudinaria de Capitán América: Civil War. Rodeado de otros superhéroes, pendiente de engrosar una continuidad compartida dentro de la monumental saga que había empezado en 2008.

Lo ocurrido desde entonces, entre la necesidad de que Peter alterne con otros superhéroes en cada una de sus películas “en solitario” para el UCM y sobre todo la conversión de Spider-Man: No Way Home en una celebración corporativa del trepamuros —posibilitada por el citado multiverso y una nostalgia prefabricada—, no ha hecho sino alejar al personaje de sus señas de identidad básicas. De ahí que sea tan interesante que Spider-Man: Brand New Day, cuarta película con el trepamuros de Holland como protagonista, presente algo así como la resaca de todos estos excesos.

El mundo después del multiverso

Porque, ¿cuál ha sido la consecuencia de todos esos cameos, esas juergas multivérsicas y las servidumbres a películas posteriores de la saga? Pues, bien lo sabemos, la degradación absoluta del cine superheroico, retroalimentada por series progresivamente penosas en Disney+ y espoleando un inexcusable hastío hacia el género que como no podía ser de otro modo también ha marcado a la competencia en DC. Pero, ciñéndonos al argumento de Brand New Day, lo que ha provocado también es que Peter esté solo. Completamente solo, triste y deprimido. Como a nosotros nos gusta.

Resulta que todo el agreste embrollo de No Way Home —junto a la evaporación por culpa del chasquido de Thanos, el sacrificio de Iron Man y finalmente la muerte de su tía May— ha terminado dejando al personaje en una agotada casilla de salida semejante a Spider-Man 2. El protagonista decidió que lo mejor para el mundo era que se olvidara de quién era Peter Parker, lo que incluía a su mejor amigo Ned (Jacob Batalon) y al amor de su vida, MJ (Zendaya). Así que Brand New Day cultiva en una paradoja muy estimulante: el empeño de su protagonista por ser “solo” Spider-Man fuerza a que sea la película de Holland que más atención le presta a Peter Parker.

El protagonista está empeñado en vivir las 24 horas del día como superhéroe y llevar su máscara a todos sitios, de modo que inevitablemente ha de surgir una clase de comedia patética reminiscente a Raimi. Peter, por supuesto, sigue superado por la situación, y alejado de toda la gente que quiere empieza a experimentar una crisis física igualmente similar a la de Spider-Man 2. Mientras que ahí el estrés llevaba a que perdiera los poderes, aquí deriva en una alteración de sus hormonas arácnidas que incrementa peligrosamente dichos poderes, representando por tanto la progresiva absorción del individuo por el superhéroe (o la araña). Peter debe luchar para seguir siendo él, en resumen, teniendo un espacio inédito en el Universo de Marvel para examinar qué significa eso.

Si bien esta mutación no cuenta con un desenlace muy satisfactorio resulta un buen ejemplo de por dónde van las inquietudes de la película, atendiendo a un proceso psicológico que logra calar —sobre todo por los acercamientos a Ned y MJ, planteados con una riqueza dramática nuevamente inédita de tan acostumbrados como estábamos a los museos de cera— y puede reservarse una preeminencia total en el filme. Sin que, desde luego, esto conduzca a la sensación de que Brand New Day no es una película del UCM. Lo cierto es que lo es, hasta la médula, y se sigue notando en la costumbre de rodear a Peter tanto de otros superhéroes como de proyecciones a películas futuras.

Así que el personaje se cruza con Hulk (Mark Ruffalo) y halla un aliado inesperado en Punisher (Jon Bernthal). Y teniendo en cuenta que lo de Hulk es un añadido a la trama perfectamente prescindible y que este Punisher llega de un largo periplo a través de series de streaming y especiales de Disney+ con títulos como One Last Kill, es para temer lo peor. Sin embargo, y amplificando también por aquí el cuidadoso equilibrio de la propuesta, lo de Hulk conduce a una escena de acción muy efectiva, y lo de Punisher deriva en una alianza tan divertida como finalmente conmovedora, a cuenta de unas personalidades sumamente distintas que convergen en su soledad compartida.

Un nuevo día, a fin de cuentas

¿Una escena de acción ocurrente? ¿Una relación de personajes fundamentada en el humor socarrón para paliar traumas? Sí, Brand New Day no puede ser más Universo Cinematográfico de Marvel, y las invocaciones a la época Raimi no deberían distraernos de lo importante: seguimos anclados en un paradigma productivo muy distinto, donde todo es provisional y funcionarial, y la lógica de la portada llena de supers se alinea con una calculada opacidad de cara a que solo disfruten los conversos, alejando al filme de una conversación cultural exigente. Por eso tampoco hubo en esta ocasión pase de prensa propiamente dicho, sino otra premiere con influencers disfrazados.

Así que los logros de Brand New Day —que son contundentes al punto de suponer la mejor película del UCM desde Vengadores: Endgame que no ha dirigido James Gunn— han de cifrarse en este ámbito. En el hecho de seguir obedeciendo la visión industrial de Kevin Feige, sin por ello renunciar a contar algo de peso con toda la convicción posible. Ni que decir tiene, Brand New Day es también la mejor película protagonizada por Holland como Spider-Man —con bastante diferencia—, y en este punto habría que destacar, al margen de los puntos tan estimulantes a los que lleva el guion, que por fin hayamos cambiado de director. Jon Watts ha sido reemplazado por Destin Cretton.

Este director había sorprendido lo suyo dentro del UCM al dirigir Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos. Más que nada, porque la mayor parte de las peleas de este filme no estaban mal. Su comprensión de los encontronazos de artes marciales pasaba por modular el montaje y las angulaciones de cámara sin nunca alcanzar realmente una intensidad violenta, pero sí garantizando una experiencia muy divertida. Con lo que a estas alturas, y viniendo de donde venimos, su trabajo en Spider-Man: Brand New Day parece hasta espectacular. Los efectos digitales no salen de la plantilla mortecina de Marvel, y no obstante Cretton se lo quiere pasar tan bien que las batallas de Spider-Man alcanzan un ritmo, nuevamente y con la inevitable distancia, reminiscente a Raimi.

Ayuda, por otro lado, que Cretton se haya inspirado en los extraordinarios videojuegos de Spider-Man que Insomniac lleva publicando desde 2018. No solo en lo relativo a la presencia compartida de esos ninjas conocidos como La Mano, sino ante todo por el encadenado de acrobacias rebuscadas y combos imaginativos, que la cámara de Cretton registra con solvencia mientras atina a dejarle espacio de expresión a los intérpretes en los pasajes más dramáticos.

Todas las escenas de Peter con MJ y Ned, así las cosas, abrazan un potente volumen emocional entre lo íntimo y lo melancólico, dejando que el tiempo se congele y que por una vez no haya especial prisa por correr a luchar con el villano de turno que anticipe nuevas continuidades para la saga. Holland incluso se permite demostrar en estos compases que —con todo lo limitado que es como actor, y ahí tenemos La Odisea para comprobarlo— nadie ha interpretado nunca a Peter Parker con esta cercanía, esta dulzura a prueba de bombas. Recordándonos a cada momento por qué el superhéroe que ha tenido la suerte de interpretar siempre será nuestro superhéroe favorito.

Brand New Day, de forma análoga al Superman del verano pasado, se expresa desde el interés por reafirmar nuestra conexión emocional con estos personajes en una época de cansancio e inevitable escepticismo. Lo hace, simplemente, estrechando el cerco sobre su criatura, estudiando y recordando con paciencia y cariño. Y, si bien el resultado es notable, no se libra de parecer una excepción que confirma la regla: parece difícil que Vengadores: Doomsday, el gran evento de Marvel que Brand New Day anticipa de cara a estas Navidades, sea capaz de retener una sola de estas virtudes.

El plan de James Gunn iba mucho más allá de reiniciar el Universo DC tras los excesos de Zack Snyder y la interminable sucesión de producciones ruinosas que espantaban a crítica y público. Lo que quería, en realidad, era devolver el cine de superhéroes a sus mismos orígenes, hacer borrón y cuenta nueva para regresar a los años 70. Al amanecer del género. Apartándose de esa fatiga inevitable tras casi dos décadas de ininterrumpida afloración superheroica —consolidada, al menos hasta el despegue de las adaptaciones de videojuegos, como patrón oro del blockbuster—, el presidente de DC se iba a remontar a la época en que “creímos que un hombre podía volar”. 

Tal era el ingenuo eslogan, claro, del primer Superman. Y las intenciones de Gunn fueron tan transparentes como para reutilizar la célebre fanfarria de John Williams en la banda sonora del nuevo Superman que él mismo dirigió, y que serviría para relanzar este maltrecho Universo DC. Su estrategia, por lo que parece, no se reduce a volver al primer gran superhéroe cinematográfico, sino que está siguiendo el esquema manejado entonces por los productores Alexander e Ilya Salkind: el año que viene tendremos una secuela directa de Superman, Man of Tomorrow. Y entre medias, es Supergirl la que da continuidad inmediata en el calendario al Superman de 2025.

Es a grandes rasgos lo que sucedió en los años 80. Cuando nadie tenía la ambición suficiente como para elucubrar universos cinematográficos, se dedujo que una forma lógica de expandir el éxito de Superman más allá de Christopher Reeve era llevar al cine las aventuras de la prima del kryptoniano, presentada en los cómics a finales de los años 50. Así que, tras tantear una aparición finalmente abortada del personaje en Superman III —algo que Gunn sí hizo posible, con el cameo de Milly Alcock como nueva Supergirl en los minutos finales de su Superman—, los Salkind impulsaron un ambicioso spin-off poco después, con la debutante Helen Slater como protagonista y la legendaria Faye Dunaway como villana. La Supergirl que nos ocupa, por tanto, es tan reflejo de la Supergirl de 1984 como el Superman del año pasado lo era del Superman de 1978.

Así lo ha querido Gunn. Pero hay un problema: la Supergirl original fue un absoluto fracaso. Podía esperarse tras la decepción que ya había sido Superman III —con aquella incomprensible decisión de colocar al cómico Richard Pryor como un protagonista cuyo tiempo en pantalla rivalizaba con el del superhéroe—, y de hecho los Salkind ya se temieron lo peor al no lograr convencer a Reeve de que Superman bendijera esta nueva película con su presencia. El único personaje de las películas de Superman que reaparecía en Supergirl era… Jimmy Olsen. Nada podía librar a Supergirl (pese a contar con una escala semejante a las entregas previas) de parecer un producto de segunda fila. 

Gunn, en este aparente afán de rectificar la historia del cine superheroico, sí ha garantizado que Superman esté presente en Supergirl. Y las breves apariciones de David Corenswet resultan ser lo mejor de la película, confirmando el avasallador encanto de alguien que ha nacido para interpretar al superhéroe del mismo modo que antes había nacido Reeve. Pero no es suficiente. No es suficiente para olvidar que la película en la que se refleja Supergirl era atroz, y que además había contribuido a acelerar la muerte de la saga de Superman. Tres años después de aquella Supergirl, en 1987, Superman IV: En busca de la paz fue una experiencia tan embarazosa como para apartar al personaje del cine durante décadas. Quién sabe si la industria no va hoy encaminada a un episodio similar.

La historia se repite (en todos los sentidos)

Esta Supergirl tampoco es una buena película, aunque se han tomado medidas para evitarlo. Gunn suele presumir de que, bajo su mando, en el Universo de DC no se empezará nunca a rodar sin un guion completo y aprobado (al contrario, se supone, de como hacen en Marvel). Así que el estudio debió quedar convencidos cuando la semidesconocida Ana Nogueira entregó un libreto con reminiscencias a Mad Max: Furia en la carretera. En principio el gran referente era el cómic Supergirl: Woman of Tomorrow de Tom King y Bilquis Evely, pero Nogueira lo había planteado todo a fin de cuentas como una larga persecución a través del espacio, que contemplaba el rescate de varias mujeres obligadas a casarse con los pérfidos Bandoleros. 

Estos eran, asimismo, los que habían asesinado a los padres de Ruthye Marye Knoll, una joven que a la manera de Imperator Furiosa requería la ayuda de Supergirl en su venganza. A todo lo cual hay que añadir una motivación extra para Kara: el envenenamiento de su perro Krypto, ya aparecido en Superman. Krem, líder de los Bandoleros, tiene el antídoto, así que el motor dramático central de Supergirl es la salvación de la mascota de la protagonista. Lo cual recuerda a lo visto en Guardianes de la Galaxia 3, dirigida por el propio Gunn, cambiando a Krypto por Rocket. De modo que no es tanto que lidiemos con un guion interesante, como con un entramado de ingredientes que deberían funcionar. Porque ya han funcionado antes, porque se supone que Gunn los domina perfectamente.

Gunn, cierto, no es el director de Supergirl. En su lugar tenemos a Craig Gillespie, si bien se trata de una firma más testimonial que otra cosa. Gillespie es un artesano llegado de la escena independiente —despuntó allá por 2007 con Lars y una chica de verdad— que viene amoldándose sin rechistar a las producciones de grandes estudios, como prueba la notable Cruella de 2021. Es esencialmente un mandado, y aunque podamos achacar a su oficio que Supergirl no luzca mal e incluso sea destacable alguna secuencia de acción, la visión primordial sigue siendo la de Gunn. De ahí lo sucedido con Krypto, de ahí los retazos de humor gamberro —francamente fallidos en este caso— y de ahí la selección musical, que aun decantándose por un rock alternativo y parcialmente ignoto, refuerza la sensación de que Supergirl no es más que una discreta derivación del Superman del año pasado.

La película sufre además del espectro de la anterior continuidad de DC pues por algún motivo Jason Momoa, tras interpretar a Aquaman, reaparece aquí con un nuevo personaje, Lobo. Que es básicamente el tipo de personaje que hace Momoa siempre y que tanto nos repatea a estas alturas, incorporándose a la aventura de Kara y Ruthye con la misma chulería bufa que había paseado por la DC de Snyder. Todo lo cual, por otra parte, ilustra un esfuerzo por alejarse de los errores cometidos por la Supergirl de 1984, preocupándose porque el segundo ladrillo de este nuevo Universo tenga un carácter prudentemente alejado de lo que propuso Superman el año pasado.

Pero eso no es algo necesariamente bueno. No lo es cuando las decisiones tomadas nos remiten simplemente a otras películas distintas —en el Universo de Marvel, en efecto y entre Guardianes de la Galaxia y los Thor de Taika Waititi, ya hemos visto varias así—, y el cruce de referentes obliga a una angustiosa indecisión en el tono. La escritura del filme, cuando no permanece en la ligereza y canallismo trasnochado de esta larga persecución, intenta acercarse a una construcción dramática a la medida, nuevamente, de la escuela James Gunn, insistiendo en presentar a Kara como una joven traumatizada por el pasado que aún dista de haber abrazado su auténtico heroísmo. 

Esta construcción fluye en torno a Krypto, a la relación con Ruthye y a varios flashbacks del pasado de Kara que hunden el ritmo y nunca logran ser lo bastante emotivos como para que compense. O como para que la protagonista pueda importarnos, más allá de la entusiasta interpretación de Alcock —la protagonista de La casa del dragón es la única que parece pasárselo genuinamente bien por aquí— o de ese vínculo con Krypto que solo conmueve por automatismo. Así que, en resumen, no es tanto que Supergirl sea una mala película —está a bastante distancia de la mayoría de los engendros de la anterior continuidad de DC—, como que simplemente es insulsa. Se queda a medias en todo, carece de aplomo para revalidar el impacto del Superman del año pasado.

Y el motivo de esto es más sencillo que todo el despiece que podamos hacer de la película, con el que intentemos racionalizar por qué Supergirl está tan cerca de funcionar, y por qué casi nunca lo hace. Basta, para ello, con acudir a las virtudes del Superman de Gunn. Aquel Superman estaba mejor escrito y mejor armado, sí, pero sobre todo estaba concienciado plenamente con un único y trascendental propósito: cada uno de sus elementos estaba dispuesto de forma que reivindicara su derecho a existir, su rechazo a la fatiga superheroica a la vez que una sutil comprensión de por qué esta había podido tomar cuerpo. El Superman de Gunn se preocupaba de los superhéroes a nivel simbólico, queriendo legitimar su existencia en una época de cansancio y creciente cinismo.

Saliera mejor o peor —salió maravillosamente, en realidad, casi como para oficiar de perfecto panegírico para el género—, hablábamos de un planteamiento creativo de primera categoría. De una razón de ser volcada en justificar la propia razón de ser. Algo de lo que carece Supergirl. No es más que otra película de superhéroes, impulsada por la inercia de siempre, contentándose con ser solvente y no molestar a nadie. Igual algo así podía haber sido suficiente hace diez años, pero ya no. Si llegado 2026 Hollywood sigue empeñado en hacer cine de superhéroes, lo mínimo que hay que exigirle es que nos dé alicientes para seguir mirando. No parece por lo demás que, en la vecina Marvel, las inminentes Spider-Man: Brand New Day y Vengadores: Doomsday vayan a ofrecerlos. Así que aquí estamos, una vez más, impacientes por que la burbuja explote del todo. 

Este verano se cumplen 20 años del estreno de Superman Returns, la película dirigida por Bryan Singer y protagonizada por Brandon Routh que trajo de vuelta al icónico superhéroe que llevaba casi dos décadas fuera del cine. Aunque consiguió una importante recaudación en taquilla, el largometraje no logró dejar huella en los espectadores, y ni siquiera tuvo una segunda parte.

“La película fue ampliamente elogiada, a la gente le gustó, pero recaudó casi 400 millones de dólares en todo el mundo, no fue suficiente. El director y los escritores se centraron en otras cosas. La pasión y el interés en Superman disminuyeron. No tuvo el suficiente éxito económico como para que llevaran a cabo la secuela”, compartió el actor que dio vida a Clark Kent en una entrevista.

La película de 2006 contaba el regreso de Superman después de años de ausencia y empezaba con Lex Luthor (Kevin Spacey) heredando una gran fortuna antes de pasar a Smallville, Kansas, donde veíamos a Superman aterrizar forzosamente en la granja de los Kent. Sin embargo, originalmente el filme de Singer arrancaba con otra escena completamente diferente.

En un primer momento, Superman Returns iba a empezar con una secuencia en la que veíamos al superhéroe protagonista explorando los restos de Krypton, el que pudo haber sido su planeta natal. Sin diálogos y con la música de John Williams, Kal-El viaja en una nave espacial cristalina a las profundidades del espacio, donde se encontraba con el planeta completamente destruido.

Según compartió The Hollywood Reporter en 2011, la secuencia de cinco minutos fue realmente cara de producir: se estima que tuvo un coste de unos 10 millones de dólares. Pero esta fortuna acabó en la basura, porque el equipo de Warner Bros decidió eliminarla del metraje final. “Era muy elegante, pero en el contexto de la película no encajaba”, explicó entonces el director. 

Un homenaje al Superman de Christopher Reeve

Desde Superman IV: En busca de la paz (1987), los fans de la saga esperaban con ganas el regreso de Superman. Es cierto que el personaje apareció en televisión con Dean Cain en Lois & Clark: Las nuevas aventuras de Superman, o con Tom Welling como un joven Clark Kent en Smallville, pero no fue hasta el estreno de Superman Returns que este volvió a la gran pantalla. 

Así, el largometraje de 2006 se convirtió en un homenaje a las clásicas películas de principios de los años 80 que Christopher Reeve protagonizó y que sirvieron para popularizar la historia de este personaje del universo DC. El último proyecto sobre el superhéroe llegó a cines el año pasado, con el estreno de Superman (2025).

Frankenstein ha sido uno de los personajes más destacados de este 2025, con el estreno de la adaptación cinematográfica de Guillermo del Toro en Netflix, con uno de los actores del momento, Jacob Elordi, como el monstruo, cuya influencia en la cultura pop y en general es amplia, y lo que pocos saben es que es la clara influencia que tuvieron Stan Lee y Jack Kirby para crear su primer antihéroe.

Marvel se inspiró en Frankenstein para crear a Hulk

La historia que relaciona a Frankenstein con Marvel comienza en 1964, cuando se publicó el primer número del ‘Increible Hulk’, que llegaba con el subtítulo “¿Es hombre, monstruo o... ambos?”. Y es que, tal y como han asegurado sus creadores, Stan Lee y Jack Kirby, su primer antihéroe es una especie de homenaje al monstruo creado por Mary Shelley.

De hecho, esto se confirmó cuando en 2003 se publicó “Hulk: La Guía Increíble” de Tom DeFalco y en esta publicación Stan Lee escribió un prólogo que lo relacionó con la película ‘Frankenstein’ de 1931, dirigida por James Whale y que inauguró la franquicia de Monstruos de la Universal:

“'Frankenstein' me dio la idea de crear un monstruo heroico, una criatura que, en esencia, era buena de corazón, pero que sería constantemente perseguida y acosada por la sociedad. El Increíble Hulk fue mi homenaje personal a 'Frankenstein'”, admitía en ese prólogo Lee.

Kirby también citó a ‘Frankenstein’ como inspiración para crear a Hulk en una entrevista con Comics Journal que cita Slash Film, apuntando a que en ese primer número mencionado el villano es un espía ruso llamado Igor que recuerda al estilo del personaje de Bela Lugosi en ‘El hijo de Frankenstein’.

Lo que comparten Frankenstein y Hulk

Así, Hulk es directa inspiración de Frankenstein, siendo ambos protagonistas obra de un experimento, aunque Bruce Banner era anteriormente humano, mientras que el monstruo es creado por Viktor Frankenstein es una creación con partes de carne humana.

De la novela de ‘Frankenstein’ y las películas, Lee y Kirby tomaron la fealdad para su antihéroe, con ilustraciones que recuerdan a Boris Karloff como el monstruo en la película de la década de los 30 en la Universal, con cabeza cuadrada, frente amplia, cabello negro corto y con los mismos ojos y mejillas hundidas.

Su piel también era gris por el largometraje de la Universal en blanco y negro, aunque esto pasó a ser verde cuando errores de impresión provocaron una coloración inconsistente en Hulk, por lo que se repintó. Además, este personaje incorpora otra referencia a la literatura universal, con la dualidad de la personalidad tomada del Dr.Jekyll y Mr. Hyde de Robert Louis Stevenson.

El reinicio del universo cinematográfico de DC ya no es una promesa lejana, sino una realidad en marcha. Tras años de líneas temporales confusas, proyectos que no encajaban entre sí y espectadores algo desorientados, el nuevo DCU empieza a tomar forma con una hoja de ruta clara. En el centro de todo está James Gunn, convertido en la figura clave que marca el rumbo creativo y narrativo de esta nueva etapa. Sus últimas aclaraciones han servido para ordenar, por fin, la cronología del DCU y ofrecer una idea bastante precisa de cómo encajarán las producciones que llegarán hasta 2026.

La expectación no es menor. Películas y series avanzan en paralelo, con distintos ritmos de producción, y la gran pregunta es cómo verlas sin perderse. Gunn ha decidido responder a esa inquietud de forma directa, estableciendo un criterio sencillo pero fundamental para entender el nuevo universo DC.

La cronología del DCU según su orden de estreno

La duda surgió a raíz de una pregunta directa de un seguidor en Threads: si la plataforma Max tendría una cronología oficial del DCU, similar a la que Disney+ ofrece con Marvel. La respuesta de James Gunn fue clara y, a la vez, reveladora. Por ahora, el orden del nuevo universo se rige por el estreno de las producciones, no por una línea temporal interna compleja ni por saltos cronológicos artificiales.

Según el director, el orden canónico actual del DCU es el siguiente: la serie Creature Commandos, la película Superman, la segunda temporada de Peacemaker, la serie Lanterns y, finalmente, la película Supergirl: Woman of Tomorrow. Un matiz importante es que la primera temporada de Peacemaker solo será considerada canon en aquellos elementos que la segunda temporada recuerde o mencione explícitamente, una forma elegante de limpiar contradicciones sin borrar del todo el pasado.

Esta decisión simplifica enormemente la cronología del DCU. El espectador no necesita esquemas imposibles ni guías externas: basta con seguir el orden de estreno para entender cómo evoluciona la historia global. Flashbacks habrá, como en cualquier relato amplio, pero no alterarán el eje central de la narrativa.

Qué papel juegan Superman, Lanterns y Supergirl en el DCU 2026

Con Superman ya consolidado como la gran piedra angular del nuevo universo, la mirada se dirige ahora a lo que vendrá a partir de 2026. Aquí entra en juego DCU 2026, un año clave para comprobar si el reinicio logra mantener coherencia y atractivo a largo plazo.

Uno de los detalles más interesantes de las últimas declaraciones de James Gunn es la posible colocación de Lanternsantes de Supergirl. Aunque inicialmente se habló de estrenos casi simultáneos, todo apunta a que la serie centrada en Hal Jordan y John Stewart llegará antes. El motivo es puramente práctico: una serie suele cerrar su posproducción con mayor rapidez que una superproducción cinematográfica.

Este orden no es casual. Lanterns parece diseñada para expandir el universo DC hacia una escala más cósmica y compleja, preparando el terreno para historias posteriores. Supergirl, en cambio, se perfila como un relato más introspectivo y épico, que se beneficia de un contexto previo ya asentado.

En este marco, las futuras películas de DC no se presentan como piezas aisladas, sino como capítulos de un mismo relato. Esa es, precisamente, la gran diferencia respecto a etapas anteriores: ahora hay una voluntad clara de cohesión narrativa.

El gran ausente: Clayface y las incógnitas del futuro

Llama la atención que, en esta cronología oficial, no se haya mencionado la película de Clayface, prevista para septiembre de 2026. Su ausencia no implica necesariamente que quede fuera del canon, pero sí deja abierta la incógnita de dónde encajará exactamente dentro de la cronología del DCU.

Este silencio puede responder a varias razones. Desde cambios todavía no cerrados en el guion hasta una estrategia deliberada para desvelar piezas poco a poco. En cualquier caso, no sería extraño que James Gunn amplíe esta información en los próximos meses, a medida que los proyectos avancen y el calendario se afiance.

Lo que sí parece claro es que el nuevo DCU apuesta por la paciencia y la planificación a largo plazo. En lugar de saturar al espectador, se construye un relato escalonado, donde cada serie y película suma, prepara y justifica la siguiente. Para quienes quieran llegar a DCU 2026 sin perderse por el camino, la consigna es sencilla: seguir el orden de estreno y dejar que la historia haga el resto.

Con esta base, el universo DC empieza, por fin, a hablar un mismo idioma. Y eso, para una franquicia que durante años vivió atrapada en su propio laberinto, ya es una pequeña victoria narrativa.

El año 2026 es especialmente relevante para el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), con el estreno de la nueva entrega de Los Vengadores: Doomsday, previsto para el próximo diciembre, pero también con la llegada de la cuarta entrega de la saga Spider-Man con Tom Holland.

Una película que será uno de los estrenos más destacados en los cines en 2026 y que ya ha terminado su rodaje, que se ha producido en gran parte en la ciudad de Glasgow, que hace de Nueva York, y que es la cuarta de una saga dentro del UCM que comenzó en 2017 con “Spider-Man: Homecoming”.

Fin de rodaje de ‘Spider-Man: Brand New Day’, con cambio de director

Este fin de semana, previo a las fiestas navideñas, ha terminado el rodaje de una de las películas más esperadas de 2026, ‘Spider-Man: Brand New Day’, que se prevé llegue a los cines en el próximo verano, tal y como ha anunciado el director Destin Daniel Cretton en su cuenta de Instagram.

‘Spider-Man: Brand New Day’, cuya fecha de estreno prevista es el 31 de julio de 2026, es la primera que estará bajo la dirección de Destin Daniel Cretton, que toma el relevo de Jon Watts, que ha sido el encargado de las tres anteriores.

Cretton viene de haber convencido con ‘Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos’ y tiene la misión de mantener la calidad y lo que esperan los fans de una cuarta entrega en la que se prevé un giro del protagonista Spider-Man. “Estoy profundamente agradecido a las personas que me han acompañado en la película más grande y gratificante en la que haya participado. Os quiero mucho a todos y estoy deseando que el mundo vea su impresionante trabajo en la pantalla grande”, reconocía en su post fin de rodaje.

Pero a quien se ha dirigido de forma especial en este final de rodaje de ‘Spider-Man: Brand New Day’ ha sido a Tom Holland, a que le agradece “su amable y generoso liderazgo dentro y fuera de la pantalla, su incansable ética de trabajo, sus actuaciones intrépidas y su amistad”.

Reparto y argumento de ‘Spider-Man: Brand New Day’

A pesar de haber llegado al final de rodaje de la cuarta película de la saga de Spider-Man dentro del UCM, no es mucho lo que se sabe de ella, en la que el reparto, más allá de Tom Holland en la piel de Peter Parker, pero se antoja que volverían Zendaya y Jacob Batalon como MJ y Ned, y con la rumoreada incorporación del Hulk de Mark Ruffalo, el Punisher de Jon Bernthal, y nuevos personajes a cargo de Sadie Sink y Tramell Tillman.

Algo similar ocurre con el argumento, del que solo se saben algunas informaciones teniendo en cuenta que está inspirada en la serie de cómics ‘Brand New Day’, en el que la vida de Peter Parker sufre un giro profundo en su arco argumental, con lo que podría comenzar una nueva era que redefina su rol dentro del UCM.

Aunque se estrena antes de ‘Vengadores: Doomsday’, la película se situaría cronológicamente después de los sucesos de esta. En ella encontramos a un Peter Parker que intenta llevar una vida normal en la universidad tras pérdidas significativas, pero cuyo objetivo acaba cuando aparece una nueva amenaza que pone en peligro a sus seres queridos, y le obliga a retomar a Spider-Man.

El nuevo traje de Spider-Man

Lo que sí se conoce de ‘Spider-Man: Brand New Day’ es que en ella se da un rediseño del traje del superhéroe, que se reveló ya con imágenes oficiales de Marvel y Sony, en el que se homenajean tanto los cómics clásicos como la tecnología más avanzada del UCM.

Así, la piel que vestirá Tom Holland integra nuevos materiales que simulan una textura más realista, con detalles brillantes de rojo y azul, así como mejoras en los gadgets integrados como el lanzatelarañas y sensores de alerta, en el que se simboliza a un Peter Parker más maduro y preparado.

El tráiler Supergirl que llega esta semana no es un simple aperitivo del próximo gran estreno del DCU: es el anuncio oficial de que la franquicia ha decidido romper con todas las versiones anteriores del personaje. Aquí no encontraremos la sonrisa luminosa ni el espíritu ingenuo que durante años acompañó a Kara Zor-El. En su lugar, llega una heroína marcada por la violencia, la pérdida y la supervivencia, lejos de la educación amorosa que recibió Superman en la Tierra.

La película adapta libremente Supergirl: Woman of Tomorrow, la miniserie de Tom King que revolucionó el personaje presentándolo con una profundidad emocional hasta entonces inédita. Y todo apunta a que la interpretación de Milly Alcock hará justicia a esa versión más cruda, introspectiva y poderosa.

Una heroína endurecida por el trauma

La premisa que James Gunn ya ha dejado caer es simple y contundente: Superman creció entre abrazos, Kara lo hizo en una roca perdida del espacio, observando morir a todos los que la rodeaban. Ese contraste es el corazón de la película. La nueva Supergirl arrastra cicatrices que no se pueden esconder detrás de una capa.

En esta historia, Kara inicia un viaje casi iniciático junto a Ruthye Marye Knoll, una niña que busca vengar la muerte de su padre. Lo interesante es que el camino no solo las une, sino que también cuestiona las motivaciones de la propia heroína. La película profundiza en temas como la justicia frente a la venganza, el peso del trauma, la responsabilidad moral y la posibilidad de redención cuando una vida ha estado definida por la violencia.

Lejos de la luminosidad habitual de las películas de superhéroes, el tono será más adulto. Y si el tráiler confirma esta dirección, podría convertirse en una de las propuestas más maduras del nuevo DCU.

Lobo entra en escena: el gran interrogante del filme

La gran sorpresa del proyecto es, sin duda, la presencia de Lobo, interpretado por Jason Momoa. Su inclusión no aparece en el cómic original, lo que abre un abanico de posibilidades narrativas. Lobo es un czarniano brutal, salvaje, irreverente y prácticamente indestructible, responsable —según su propia historia canónica— del genocidio de su propia especie “por diversión”. Si existe alguien capaz de poner en jaque a una versión endurecida de Supergirl, es él.

No está claro si será antagonista, aliado temporal o caos en estado puro, pero su llegada garantiza dos cosas: ironía, violencia estilizada y la energía impredecible que Momoa ya dejó clara en otros papeles. El tráiler debería darnos las primeras pistas de su función dentro de esta reinterpretación de Woman of Tomorrow.

Lo que podemos esperar del tráiler

A falta de que Warner y DC publiquen los primeros segundos oficiales, las previsiones son claras:

Si el DCU busca diferenciarse del pasado, esta es su gran oportunidad: empezar con un personaje secundario convertido en protagonista emocional, con una historia más íntima que épica… aunque la épica, por supuesto, llegará.

Un cambio radical para el nuevo DCU

La película de Supergirl funciona como declaración de intenciones del universo que James Gunn y Peter Safran están construyendo. No pretende ser un simple derivado de Superman, ni una cinta ligera pensada para replicar fórmulas del pasado. Es, en esencia, el retrato de una superviviente: alguien que llega a la Tierra no para descubrir quién es, sino para intentar reconciliarse con lo que ya ha sido.

Si el tráiler confirma lo que adelantaron los responsables creativos, veremos una obra que mezcla sensibilidad, crudeza y humanidad. El resultado podría situar a Kara Zor-El como uno de los pilares emocionales del futuro DCU, muy lejos de la figura secundaria a la que nos tenía acostumbrados.

Y ahora, solo queda esperar a que el tráiler aterrice para comprobar si esta nueva visión cumple lo que promete: una Supergirl que no quiere ocupar la sombra de nadie, sino dejar la suya propia.

Hoy en día estamos acostumbrados a ver películas de Pixar con humanos como protagonistas como lo han sido éxitos como ‘Coco’, ‘Del revés’ o ‘Up’, pero hubo una etapa en la que esto fue un importante reto dentro del estudio, con sus primeros largometrajes dedicados a juguetes en ‘Toy Story’, insectos en ‘Bichos’ o a peces en ‘Buscando a Nemo’.

Si bien aparecían humanos en los primeros largometrajes de Pixar, estos no eran protagonistas y como se ha apreciado en algunas como en ‘Toy Story’, carecían de cierta expresividad y movimiento natural, por lo que con la llegada de ‘Los Increíbles’ en noviembre de 2004, hace 21 años, se marcó un antes y un después en la compañía.

La idea de ‘Los increíbles’ fue un proyecto personal de su director

‘Los increíbles’ es una película que Brad Bird, su director, llevaba teniendo en su cabeza desde la década de los 90, cuando se le ocurrió la idea de parodiar el cine de superhéroes que había disfrutado desde niño, a la vez que quería inculcar en ella la dificultad de compaginar su trabajo con la vida familiar.

Esto daría resultado al largometraje que se estrenó en noviembre de 2004 en gran parte de cines de todo el mundo, siendo la película hasta la fecha más larga de Pixar (que superaría solo dos años después Cars) con 115 minutos de duración y la última que se lanzó en el formato VHS de la factoría.

La película sobre la familia de superhéroes, que recordaba a ‘Los cuatro fantásticos’ y a los que se adelantó un año a su estreno, fue todo un éxito con más de 613 millones de dólares recaudados, además de unir a una buena acogida de crítica que le valió dos premios Oscar a Mejor largometraje de animación y Mejores efectos de sonido.

Un éxito que se logró mantener durante el paso de las décadas y que derivó en una secuela que llegaría casi 15 años después, en 2018, tras haber sido pedida ampliamente por los espectadores que habían disfrutado con la primera entrega en 2004.

El reto que supuso crear humanos para Pixar

Tuvieron que pasar varias películas antes como ‘Toy Story’, ‘Bichos’, ‘Monstruos S.A’ y ‘Buscando a Nemo’, incluida la secuela del largometraje protagonizado por juguetes, para que llegará la primera protagonizada por humanos, y esto tuvo una cierta explicación técnica.

Y es que Pixar tuvo que desarrollar una tecnología especial y nueva para simular el sistema muscular lo mejor posible y crear humanos que pudieran expresar emociones y movimientos de manera adecuados, sobre todo tratándose de un film de superhéroes.

En ella hay algunas curiosidades como suele añadir la compañía como que cuando Bob ve su GPS están representadas las calles reales que rodean los estudios de Pixar en California, o la manera en la que decidieron mostrar cuando estaba ambientada, en 1962 al ver el periódico que está leyendo Mr. Increíble al principio de la película.

Aunque Gotham es su hogar natural, Batman ha dejado la ciudad en más de una ocasión para recorrer otros lugares del mundo. Y España no ha sido una excepción. Coincidiendo con el 'Batman Day', repasamos cómo el Caballero Oscuro ha recorrido nuestras ciudades y pueblos, enfrentándose a villanos, descubriendo secretos y dejándose llevar por la cultura local, siempre con su característico estilo sombrío.

Batman y el Joker en Madrid

Uno de los últimos ejemplos llega con la publicación de Joker: El mundo, donde el némesis de Batman decide tomarse unas vacaciones y pasearse por la capital española. La historia, ilustrada por David Rubín, retrata un Madrid oscuro y caótico que bien podría rivalizar con Gotham. El payaso del crimen pasea por la Gran Vía, se mezcla entre terrazas al sol y disfruta del arte en el Museo del Prado. Rubín define la ciudad como «Gotham, pero con terrazas y buena comida», una comparación que refleja tanto el humor del autor como su conocimiento del universo DC. La historieta muestra a un Joker encantado con la libertad española, mientras lanza observaciones mordaces sobre el caos urbano y las costumbres locales.

Batman en Benidorm, por Paco Roca

Paco Roca eligió un enfoque completamente distinto. En su aventura, Bruce Wayne se toma unas vacaciones en Benidorm, entre playas, rascacielos y el icónico toro de Osborne que salpica las carreteras españolas. La historia aprovecha los elementos más kitsch de la cultura española para recrear un Batman más ligero y cómico, recordando las primeras historietas de los años 40 y 50. La combinación de paisaje, humor y situaciones absurdas convierte a Benidorm en un escenario perfecto para un superhéroe fuera de Gotham, donde incluso el hombre murciélago puede relajarse un poco sin perder su esencia.

El Caballero Murciélago en Barcelona

Diego Olmos lleva a Batman a la ciudad Condal en El caballero del dragón. La trama surge cuando Killer Croc, bajo el control de un lavado de cerebro, cree ser el dragón de la leyenda de Sant Jordi. Esto obliga al héroe a desplazarse por Barcelona, visitando lugares icónicos como la Sagrada Familia, Las Ramblas, el Hospital de Sant Pau o la Casa Batlló. La historieta revela una curiosidad: Batman mantiene una segunda Bat-Cueva en los sótanos del MNAC, un detalle que mezcla la fantasía con la realidad urbana de la ciudad.

Pero Barcelona vuelve a aparecer en Batman Imposible, donde el viaje del héroe gira en torno a oscuros secretos familiares. La escalinata del dragón en el Parque Güell se convierte en escenario de recuerdos y misterios ligados a la historia de sus padres, integrando la arquitectura modernista en el relato heroico.

Aventuras en la España indeterminada

No todas las historias sitúan a Batman en ciudades reconocibles. En La maldición del inquisidor, el Caballero Oscuro investiga en un pueblo central español cuyo nombre no se revela, enfrentándose a un villano que representa la «España negra» de leyendas y tradiciones. De manera similar, en ¡El fantasma de los cielos asesinos!, Batman produce una película en un lugar indeterminado del centro de España, donde un asesinato aparentemente accidental le obliga a actuar. Estas tramas rinden homenaje al cine de Hollywood rodado en España durante los años 50 y 60, con guiños a la estética y al suspense de la época.

Batman volverá a España

Las visitas del Hombre Murciélago a España no han terminado. Paco Roca regresará al universo DC para llevar a Catwoman a la Guerra Civil Española, combinando historia y cómic en una nueva reinterpretación. Lo cierto es que, desde Benidorm hasta Barcelona, pasando por pueblos imaginarios, España ha servido de escenario para aventuras inesperadas de Batman que demuestran que incluso los héroes más oscuros pueden perderse un tiempo entre tapas, terrazas y toros de Osborne.

Lo de que haya algo gay en Batman es una idea con bastante recorrido. Podemos acudir a los años 50 del siglo pasado y a aquel infame ensayo donde el psiquiatra Fredric Wertham aseguraba que los cómics eran perniciosos para los niños. “Las historias de Batman son psicológicamente homosexuales”, aseguraba en La seducción de los inocentes. “Es difícil ignorar la sutil atmósfera de homoerotismo que domina las aventuras del maduro Batman y su joven amigo Robin”. Wertham escribía a partir de una de las muchas mutaciones del Caballero Oscuro en las viñetas, cuando sus aventuras habían pasado a ser más alegres y coloristas, y solía estar acompañado en ellas.

Es la versión del personaje que adaptó la famosa serie de televisión de los años 60, con un tono abiertamente humorístico, siendo a su vez esta Batman la que motivó un brusco cambio en la aproximación audiovisual al personaje a mediados de la década de los 90. Frente a la oscuridad que habían practicado Tim Burton o Batman: La serie animada, Joel Schumacher quiso volver a las raíces más frívolas con dos películas a las que se les achacó, en su día, la muerte cinematográfica del personaje hasta su resurrección a manos de Christopher Nolan. Batman Forever y Batman y Robin mostraban a los justicieros de Gotham portando trajes ajustadísimos con primeros planos de sus glúteos y paquetes enfundados en spandex. Y, por supuesto, pezones. Eso fue lo más comentado.

Schumacher, un hombre abiertamente gay, tuvo que acabar pidiendo disculpas por esta visión de los personajes, empujado por el consenso que tachaba a Batman Forever y Batman y Robin de pasos en falso en la trayectoria de un superhéroe tan amado. Mientras que, como no podía ser de otro modo, ambas películas fueron siendo reivindicadas con los años. Vera Drew es una de esas espectadoras que ama (no irónicamente) el Batman de Schumacher. Hasta el punto de que, según ha contado, fue gracias a una escena de Batman Forever que empezó a asumir su identidad trans.

Se trata de aquella escena donde Nicole Kidman coquetea con Batman en una azotea, deslizando sus manos por los pectorales del superhéroe. Drew deseó ser Kidman en aquel momento, siendo algo tan revelador como para que en The People’s Joker, su primera película como directora, haya incluido una dedicatoria a Joel Schumacher (fallecido en 2020). Y otra, a su madre.

Una broma convertida en autobiografía

La génesis de The People’s Joker —que se incorpora al catálogo de Filmin el 15 de agosto— es tan ferozmente propia de nuestros tiempos como para venir de X, cuando todavía se llamaba Twitter. Finales de 2019, Joker está arrasando en taquilla, y se viralizan unas declaraciones del director Todd Phillips asegurando que las comedias ya no funcionan por culpa de la “cultura woke”. Bri LeRose, guionista de series como Arrested Development, citó el tuit diciendo que “solo vería la película de este cobarde si Vera Drew la reeditara”. Por entonces Drew era conocida en la industria por su trabajo de montadora, que había llegado a ser galardonado con el Emmy en la serie Who is America? de Sacha Baron Cohen. Drew aceptó el desafío de su amiga.

Su idea, originalmente, era remontar la película dedicada a la némesis de Batman como si fuera una comedia absurda, añadiendo sonidos de pedos y trompazos. Pero entonces descubrió que la película le gustaba genuinamente. Al margen de cómo esta podía apelar a instintos antipolíticos o servir de emblema para el movimiento incel —tal y como entonces se advertía en la conversación pública, desatando algo parecido a un pánico moral—, Drew se sintió inspirada por el personaje de Joaquin Phoenix. “Se hablaba de lucha de clases y de la crisis de la salud mental; aquí había un personaje cuyo sistema le estaba fallando completamente y aún así él solo quería hacer reír a la gente, mientras esa misma gente le explotaba. Me sentí muy identificada con eso”, contó más tarde.

Este entendimiento de Arthur Fleck como pobre diablo canibalizado por el aparato social y su maquinaria mediática sería enriquecida más tarde por el propio Phillips en la tan extraordinaria como incomprendida secuela, Joker: Folie à deux. Mucho antes de eso, la identificación de Drew con el personaje le llevó a alterar la propuesta de LeRose y a desarrollar toda una nueva película a partir de ella —recurriendo a la propia LeRose como coguionista—, que mezclara su propia biografía con el Universo DC. Drew logró financiar el filme con crowdfunding y pidiendo favores a conocidos, así como echando mano de sus habilidades con el montaje y los efectos digitales.

De esta forma, lo primero que sorprende de The People’s Joker es la variedad de técnicas empleadas para visualizar la trama (y abaratar costes). Drew utiliza profusamente cromas y CGI rudimentario, al tiempo que las secuencias más complejas a nivel de escala son resueltas mediante pasajes animados, que reimaginan a los personajes con diseños alternativos. Todo obedece a articular una parodia reconocible de la mitología de Batman y el Joker, remitiendo a la imaginería de los cómics y las múltiples películas que ha producido Warner a partir de ella, y partiendo de la propia pasión de Drew por la cabecera. Es una parodia hecha con mucho cariño, vaya, aunque esto no haya evitado los problemas legales una vez se empezó a gestionar su distribución.

Drew consiguió que el Festival de Toronto la programara dentro de su sección Midnight Madness, en septiembre de 2022. Solo llegó a haber un pase, sin embargo, según la directiva del festival por culpa de un “problema de derechos”. Drew atribuiría la cancelación a su vez a la “carta airada” de cierto “conglomerado mediático”, con lo que resulta obvio que en Warner Bros. Discovery no estaban contentos con la existencia de la película. La cineasta, aún así, se amparó en el carácter de parodia —algo enfatizado con un rótulo al inicio de The People’s Joker—, y seguramente le ayudó en su empeño que la película… resultara ser magnífica. La crítica no tardó en hacerse eco. Warner desistió en su persecución de The People’s Joker según esta fue acumulando elogios.

El filme llegó por fin a las salas de EEUU en 2024. Más tarde Variety la incluyó en su lista de las mejores películas del año, y Drew ganó el premio a Mejor dirección en los galardones del cine independiente (esos que, oportunamente, tienen por nombre los Gotham Independent Film Awards). The People’s Joker se ha convertido en tiempo récord en un título de culto, y ha estimulado un debate crítico que no duda en alzarlo como uno de los filmes más relevantes del cine queer actual.

La Joker de la anticomedia

Willow Catelyn Maclay y Caden Mark Gardner son dos figuras de la crítica estadounidense que también quedaron profundamente impactadas por Batman Forever y aquella insinuante escena con Nicole Kidman. Ambas, como mujer y hombre trans respectivamente, han ido publicando una serie de cartas (Body Talk) donde analizan el presente del audiovisual queer. Naturalmente The People’s Joker les interesa muchísimo. Las inquietudes visuales de Drew —así como la reapropiación de imágenes con posibles consecuencias legales— a Maclay le recuerdan por ejemplo al New Queer Cinema de los 90, representado por cineastas como Gregg Araki, Gus van Sant o Todd Haynes.

Haynes, al fin y al cabo, se dio a conocer por un mediometraje que narraba la vida de la cantante Karen Carpenter con muñecas Barbie: un mediometraje cuya distribución intentó pararse por todos los medios. Es un ímpetu contracultural que podemos rastrear fácilmente en The People’s Joker, aunque la película solo responde a su propia contemporaneidad y es una que, a cambio, bien podría compartir con la obra de Jane Schoenbrun. Schoenbrun, persona no binaria, ha desarrollado hasta la fecha dos películas enormemente aclamadas en los círculos independientes, We’re All Going to the World’s Fair (2021) y El brillo de la televisión (2024). Esta última pudo ser distribuida por A24, llegando a un público más amplio y pudiendo ser vinculada a la propuesta de The People’s Joker.

El brillo de la televisión y The People’s Joker comparten un “lenguaje visual basado en la forma en que las cineastas trans llegaron a identificarse con imágenes que no eran intencionadamente significativas para espectadores trans”, según Maclay. Ambas películas, en efecto, plantean subjetividades queer cuyo autodescubrimiento es impulsado por una ficción determinada desafiando lo que pudieran pretender sus creadores. Schoenbrun recurre a una serie ficticia (pero de ecos indudables a Twin Peaks), mientras que Drew hace lo propio con el Universo de DC. En su caso introduciéndose como protagonista en la misma ficción, mezclando el nombre de Joker con el de su habitual amante Harley Quinn (el personaje se da a conocer como Joker the Harlequin), para a partir de ahí deformar a su antojo el panteón de personajes que rodean a Batman. Y al propio Batman.

Con inteligencia admirable, Drew va alterando el carácter de los personajes, siendo especialmente jugoso el tratamiento de Batman y Robin. Llegado un momento, la protagonista empieza un romance con un hombre trans, que a su vez es otra versión de Joker: lo curioso del asunto es que este vistió anteriormente el uniforme justiciero de Robin, y Batman abusó sexualmente de él —¿os acordáis de la soflama de Wertham?— cuando compartían hogar. Este Joker alternativo está codificado además como el Joker que Jared Leto interpretó en Escuadrón suicida, lo que a su vez es un chiste finísimo porque Leto, siendo cis, ganó el Oscar gracias a interpretar a una mujer trans en Dallas Buyers Club.

The People’s Joker está llena de ocurrencias del estilo. La parodia es extremadamente divertida, cimentada en una sabiduría pop que sabe expandirse a coordenadas más serias o ambiciosas. Drew, según su experiencia de mujer trans en el mundo de la comedia estadounidense, se las apaña entonces para tejer una punzante sátira sobre esta industria, aprovechando el esquema narrativo del Joker de Phillips —su encarnación también quiere triunfar como humorista, practicando lo que ella misma denomina “anticomedia”— de forma que pueda arremeter contra una institución estadounidense como Saturday Night Live y la supuesta voluntad inclusiva de este tipo de espacios.

La película critica pues la capitalización de la disidencia de género y la imposición a que esta encaje en coordenadas más cómodas o agradables. Es ahí donde la voluntad satírica de The People’s Joker se cruza con su carácter íntimo y confesional, atendiendo a la biografía de Drew y a su transición. La presencia de un medicamento llamado Smylex —que inhibe la identidad de la protagonista ensanchando artificialmente su sonrisa— no solo es una hábil relectura del Joker, sino también una llamada de atención sobre los intentos de silenciar las voces queer bajo la máscara de lo inofensivo.

El sufrimiento que esto depara en la protagonista, así como el retrato —de una sensibilidad desarmante— de la relación con su madre, le otorga una poderosísima hondura, tanto dramática como discursiva, a The People’s Joker. Termina de afianzarla como una película imprescindible de nuestro tiempo, y una prueba especialmente bella (por emancipatoria, por revulsiva) de que la cultura popular solo ha de pertenecerle, propiamente, a la gente.

El pasado 24 de julio con el estreno de ‘Los cuatro fantásticos: primeros pasos’ en las salas de cine este verano, que introduce a estos personajes dentro del Universo Cinematográfico Marvel (UCM), es un paso más para el desarrollo de la nueva etapa dentro de este ciclo de superhéroes que intenta encontrar impulsos después de fracasos en taquilla o un cierto descenso de la euforia por este tipo de películas.

Así, tras el éxito de recepción de ‘Thunderbolts*’, también llamados Nuevos vengadores, y de ‘Los cuatro fantásticos: primeros pasos’, avanza hacia el que será el próximo gran estreno de Marvel, el regreso de Los Vengadores con dos películas ya anunciadas y una de ellas ya en producción como es ‘Avengers: Doomsday’. Aunque son más los proyectos planteados, en plena competición con la nueva etapa del Universo DC Cómics.

Los próximos estrenos de Marvel: series de animación para plataformas

Con ‘Los cuatro fantásticos: primeros pasos’ en la cartelera de cine, los próximos estrenos del Universo Cinematográfico Marvel (UCM) son series de animación, la primera de ellas que llega este 6 de agosto, ‘Eyes of Wakanda’, un nuevo título centrado en Wakanda, el país de avanzada tecnología en África, rico en Vibranium. Esta tendrá solo cuatro episodios, más considerada miniserie, que se centrará en la historia de unos guerreros del ficticio país que tienen que recorrer el mundo recuperando artefactos peligrosos de Vibranium.

Tras ella, el próximo estreno de Marvel será en otoño, en concreto el 31 de octubre de 2025 para Halloween siendo la serie ‘Marvel Zombies’ centrada en los personajes zombis que habían aparecido con éxito en ‘¿Qué pasaría si…?’ y que contará con Bryan Andrews como director.

Saliendo de la animación, la próxima miniserie de televisión de Marvel es ‘Wonder Man’ que llegará para las navidades, el próximo 25 de diciembre de 2025, que se centrará en la historia de este superhéroe que tras ser expuesto a una fórmula experimental desarrolla habilidades sobrehumanas y que tendrá que compaginar con su carrera como actor y doble de acción, creada por Destin Daniel Cretton y Andrew Guest y protagonizada por Yahya Abdul-Mateen II junto a Ben Kingsley, Ed Harris y Demetrius Grosse.

La nueva entrega de Spider-Man, el próximo gran estreno del verano de Marvel

Saliendo de plataformas y televisión, la próxima película planteada dentro del UCM es ‘Spider-Man: Brand New Day’, con la que Tom Holland volverá al papel del personaje por cuarta ocasión en un largometraje individual que tiene como fecha prevista de estreno en los cines para el próximo verano, el 31 de julio de 2026.

‘Spider-Man: Brand New Day’ conectará dentro del UCM al estar ubicada en el mismo momento que 'Vengadores: Doomsday', y que a diferencia de las anteriores entregas esta estará dirigida por Destin Cretton y no por Jon Watts.

‘Avengers: Doomsday’: el regreso de los Vengadores a los cines

La recuperación de Los cuatro fantásticos tiene sentido porque sus personajes principales formarán parte de la nueva entrega de Los Vengadores, ‘Avengers: Doomsday’, que tiene previsto su estreno el 18 de diciembre de 2026 y que coincidiría con Dune 3 con un posible nuevo fenómeno al estilo ‘Barbenheimer’. A su vez también está confirmada ‘Avengers: Secret Wars’ con un estreno previsto para el 17 de diciembre de 2027, tan solo un año después.

En ‘Vengadores: Doomsday’ su gran atracción es el regreso de Robert Downey Jr como villano en el papel de Victor Von Doom, Doctor Doom, y que obedece a la intención del estudio Marvel de crear una figura del multiverso que reúne el equipo clásico y las nuevas incorporaciones, que a su vez sirva para tramas cruzadas y expansiones.

El villano Doctor Doom unirá a distintos personajes de los Vengadores como Chris Hemsworth, Tom Hiddleston o Paul Rudd, pero a su vez de Thunderbolts como Florence Pugh, Sebastian Stan, los Cuatro Fantásticos y también X-Men, como Patrick Stewart (Profesor Xavier), Ian McKellen (Magneto), Alan Cumming (Nightcrawler) y Rebecca Romijn (Mystique).

El pasado 11 de julio de 2025 llegaba a los cines de España la nueva película de Superman, en la que David Corenswet sustituye a Henry Cavill como el superhéroe insignia de DC Cómics y abre la veda del universo de este estudio, DCEU, que dirigido por James Gunn y Peter Safran vive un buen momento de cara a su desarrollo de proyectos futuros gracias al éxito en taquilla.

De hecho, el ‘Superman’ de James Gunn ha superado ya los 406 millones de dólares de recaudación en todo el mundo según apunta la web especializada Box Office Mojo y esto daría el pistoletazo de salida para toda una serie de películas, series y ficciones animadas que formarán el Universo DC para competir directamente con el de Marvel.

Las próximas películas del universo DC Cómics: Supergirl y segundas temporadas

El nuevo rumbo que toma este universo DC Cómics con James Gunn y Peter Safran pretende dar más pie al cine o series de autor, y que parece estar dando sus frutos, con Superman y Batman como los que sustentarán al resto, con una primera etapa de entre 8 y 10 años llamado ‘Dioses y Monstruos’ que empieza casi desde cero.

El éxito de Superman en las salas de cine da un positivo futuro a los proyectos que vienen y que ya tienen fecha prevista de estreno como sucede por ejemplo con la nueva película de Supergirl, ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ que se espera para el 26 de junio de 2026, que promete ser un contraste, dirigida por Craig Gillespie y protagonizada por Milly Alcock y que tendrá también a Jason Momoa.

Pero el primer estreno será la segunda temporada de ‘El pacificador’ con John Cena en el papel de Cristopher Smith, y que tendrá su trama entre la serie ‘Creature Commandos’ y la película de Superman, ambas de James Gunn.

El siguiente proyecto al de ‘Supergirl’ será Clayface, una película esperada para el 11 de septiembre de 2026, cuya dirección estará a cargo de James Watkins con el actor Tom Ryhs Harries como el protagonista que se centra en un actor de serie B que usa una sustancia experimental para revitalizar su carrera y se transforma en una criatura de arcilla con superpoderes que llevan a espirales de locura y violencia.

‘The Batman’ y sus proyectos del Universo DC Cómics

Con el desarrollo del DCEU una de las incógnitas es saber si Robert Pattinson seguirá como Batman y Bruce Wayne para la película ‘The Batman II“ que está prevista para octubre de 2027, que continuará la historia de 2022 y ‘El Pingüino’ y se ha especulado que adaptaría ‘Tierra de Nadie’ con un centro en la corrupción de Gotham City tras un terremoto.

De ’The Batman’ se pasará a una película de Dynamic Duo para junio de 2028 con Matthew Aldrich como guionista y Arthur Mintz de director y que se basará en los Robins más icónicos, mientras se habla del proyecto ‘The Brave and the Bold’ que sería parte del Universo extendido de Batman basado en las historias de Grant Morrison con el hijo de Bruce Wayne, Damian, como Robin.

De aquí pasamos ya a proyectos que solo están en planteamiento como una película de ‘Swamp Thing’ para revivir ‘La cosa’ dentro del DCEU y con James Mangold como posible director, así como si se dará el proyecto de largometraje de ‘Sgt.Rock’ con Luca Guadagnino de director y Colin Farrell de protagonista o el filme de ‘The Authority’, un grupo que trabaja para salvar el planeta, pero más cerca de ser considerados villanos.

En el universo DC Cómics tiene proyectadas también series sobre Linterna Verde con ‘Lanterns’, las Amazonas antes de Wonder Woman con ‘Paradise Lost’, la de Booster Gold y ‘Waller’ que girará en torno a la creadora del Escuadron Suicida y que contaría con Viola Davis.