Lo que es evidente es que el Gran Teatro vive una crisis silenciosa que está empobreciendo la vida cultural de la ciudad. Uno de los momentos más intensos de la última temporada fue la llegada de José Sacristán con Señora de rojo sobre fondo gris. Más allá del prestigio del actor o del texto de Delibes, lo que aquella noche devolvió a Cáceres fue la sensación de estar ante un teatro vivo, capaz de convocar emoción y pensamiento.

Sacristán ofreció una interpretación llena de matices y silencios, sostenida por esa ternura lúcida —la misma que Alfredo Sanzol ha convertido en seña de identidad— que permite mirar el dolor sin estridencias y encontrar humanidad incluso en la grieta. Fue una de esas veladas en las que el teatro se vuelve íntimo, casi respirable. Y, precisamente por eso, dolió comprobar hasta qué punto lo excepcional ha sustituido lo que antes era habitual.

El Gran Teatro no es un edificio cualquiera: es el principal escenario de la provincia y un referente histórico de Extremadura. Pero desde hace tres años, su programación parece haber entrado en una fase de amnesia. Lo que antes era una cita fija en el calendario cultural de muchos cacereños y cacereñas se ha convertido en una rareza.

Quienes antes encontraban en la butaca un hábito, un refugio o un punto de encuentro, hoy miran hacia Madrid con resignación, asumiendo un exilio cultural que cuesta tiempo, dinero y energía. No es una percepción subjetiva, ojo, basta revisar la hemeroteca para comprobar que lo que hoy se vive como excepción fue durante años la norma.

Cuando Cáceres formaba parte del mapa teatral

No hace tanto, Cáceres estaba integrada en el circuito teatral de grandes producciones nacionales. Obras de enorme relevancia artística recalaban aquí con naturalidad: desde piezas conmovedoras como Una noche sin luna, con Juan Diego Botto, hasta montajes de gran envergadura como Incendios, La isla del aire, El funeral, Adictos, Bodas de sangre o La casa de Bernarda Alba dirigida por José Carlos Plaza con un reparto excepcional.

No eran “eventos extraordinarios”, era una programación con criterio, ambición y mirada. El público cacereño podía ver teatro de primer nivel a precios accesibles, sin necesidad de cruzar el túnel de Guadarrama ni asumir entradas prohibitivas. Aquello generaba algo más que entretenimiento: generaba una necesaria pertenencia.

El teatro como tejido social

La pérdida de ambición no solo afecta a la cartelera: afecta a la ciudad. El teatro era un punto de encuentro, un lugar donde se tejían vínculos que no nacían en una cena ni en un bar, sino en la platea. Muchas de nosotras tenemos ese “amigo de teatro” con quien compartíamos función y debate. Al desaparecer la oferta que alimentaba esas conversaciones, también se han debilitado esos lazos.

Pienso en personas como mi amiga Pilar, ya nonagenaria, para quien una entrada que le regalé hace unos años fue “el mejor regalo de su vida”. Para ella —y para tantos— el Gran Teatro era una ventana al mundo, casi el único. Hoy esa ventana apenas se entreabre.

¿Qué ha pasado?

La música y el humor llenan por inercia los espacios culturales, pero el teatro de texto, el que exige riesgo, negociación y apuesta, hay que ir a buscarlo. Requiere gestión, voluntad y una programación que no se conforme con lo fácil. Defender el teatro extremeño y a las promotoras locales es imprescindible, pero no puede convertirse en excusa para renunciar a lo nacional e internacional. Antes convivían a la perfección ambos mundos; ahora la desidia o la ignorancia ha reducido esa convivencia a la mínima expresión.

Sin embargo, conviene decirlo sin rodeos: la cultura no se sostiene con inercias ni con programaciones de mínimos.

El Gran Teatro no puede resignarse a ser un contenedor de nombres propios. Cáceres merece recuperar el privilegio de que, cuando se levanta el telón en la calle San Antón, lo que aparece en escena sea lo mejor que ofrece el país. Esta ciudad sabe distinguir perfectamente cuándo le están dando arte y cuándo le están dando largas.

La cultura como acto de ciudadanía

La cultura no es un adorno ni un lujo: es una forma de ciudadanía, de idiosincrasia, de vivir las vidas. Un teatro vivo no solo entretiene; educa, conmueve, cuestiona, une. Es un espejo donde una comunidad se reconoce y un laboratorio donde imagina quién quiere ser. Cuando un teatro se deja en penumbras, no se apaga solo un escenario: se apaga una parte de la ciudad y con ella sus habitantes.

Por eso defender una programación ambiciosa no es un capricho, sino un acto de responsabilidad colectiva y más en estos momentos en los que aspiramos a ser Capital Europea de la Cultura. Cáceres merece volver a levantar el telón con riesgo, con belleza, con exigencias. Merece volver a sentir que el arte sucede aquí, no en otra parte. Merece tener la posibilidad de desentrañar con curiosidad y deseo todas las capas que conforman nuestra existencia. Merece poder volver a mirarse.

En de marzo de 1881, se creó el llamado “el mejor espectáculo del mundo”. Nacía de una fusión entre P.T Barnum y James A. Bailey, que tenían entonces los circos ambulantes más destacados del momento, y se bautizó como Barnum & Bailey Circus, donde la atracción que más llamaba la atención del público era el elefante africano Jumbo, que habían comprado de un zoo de Londres y que inspiró a la famosa película Disney ‘Dumbo’.

Hace 145 años creaba su gran espectáculo, el último diez años antes del fallecimiento de P.T Barnum, uno de sus impulsores, el hombre al que dio vida Hugh Jackman en el cine en el musical ‘El gran showman’, estrenada en 2017, y que edulcoró la biografía del famoso empresario que fue conocido no solo por sus espectáculos, sino también por usar el arte del engaño y exhibir animales y personas curiosas, los llamados ‘freaks’, no siempre en las mejores condiciones. Y es que del musical de Jackman, Zac Efron y Zendaya a la vida real hay larga distancia, aunque sí tomó varios hechos que pasaron o fueron parecidos.

Phineas Taylor Barnum nació en 1810 como hijo de un sastre y una posadera, y nieto de un vendedor de loterías, de quien aprendería el arte del engaño, que sería clave en su carrera como empresario de espectáculos. Esto le valió tener su primer trabajo en ventas a los doce años, y hasta que encontró su vocación siguió como comerciante.

Sería a los 25 años, en 1835, cuando empezaría en la industria del espectáculo. Exhibía a una esclava ciega y paralizada que presentaba como la que fuera niñera del presidente George Washington y aseguraba que tenía 161 años. Se llamaba Joice Heth y moriría tan solo un año después, pero hasta el último día fue usada por Barnum, que cobró como ‘show’ la autopsia del cadáver ante 1.500 espectadores. Después de esto, trabajó en el teatro ambulante Aaron Turner Traveling Circus.

Su primer gran éxito: el Barnum’s American Museum

En 1841 el empresario compró un edificio en Manhattan y crearía su primer gran éxito, el Barnum’s American Museum, que en sus cinco plantas era museo a la vez que teatro, zoológico y lugar de espectáculo de “fenómenos” o rarezas, donde destacaban un “Napoleón enano”, una gigante o la mujer barbuda Josephine Clofullia, que fue una de las más famosas del siglo.

El lugar atraía a tanto público que tenía una cifra media de 15.000 visitantes diarios, abriendo un total de 15 horas, y en él, P.T Barnum demostró su don en el arte del engaño también, al exhibir la sirena de Fiyi, que era en realidad un mono disecado con cola de pez. Al igual que en ‘El gran showman’, el museo fue víctima de un incendio, aunque luego pasaría por dos más, hasta que no se pudo recuperar y lo cerró.

De la política al circo ambulante

Tras cerrar su famoso museo de variedades, P.T Barnum se dedicó a la política hasta que en 1870 volvió al mundo del espectáculo, pero esta vez con un nuevo formato, el del circo ambulante, que atraía más público en esos días. Con el Barnum's Grand Traveling Museum iría de gira tanto por Estados Unidos como por Europa, al que ya bautizaban como “el mejor espectáculo del mundo”.

En 1881 fundaría el Barnum & Bailey Circus junto con James A. Bailey, que sigue funcionando con un descanso entre 2017 y 2023, aunque desde 1906 pasó a llamarse Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus. Solo disfrutaría diez años de ello, pues moriría en 1891.

El intermedio de la Superbowl 2026 con Bad Bunny no dejó indiferente a nadie, haciendo además historia siendo el primer artista con un repertorio musical completo en español al actuar en este acontecimiento, que trasciende el deporte y se vincula con el espectáculo.

Una fiesta que amenizó Bad Bunny con reggaetón y salsa y con nombres reconocidos como Lady Gaga, Ricky Martin, Jessica Alba o Pedro Pascal, estos dos últimos como parte de los que disfrutaron de la famosa “casita” del cantante puertorriqueño.

En uno de los momentos del icónico ‘halftime’ de Bad Bunny fue una escena en la que se da una boda latina, antes de la sorprendente aparición de Lady Gaga. Un hecho que tiene una intrahistoria de lo más peculiar.

La boda latina del intermedio de Bad Bunny en Superbowl fue real y legal

En lo deportivo, Seattle Seahawks se impusieron 29-13 a los New England Patriots para alzar la LX SuperBowl en el Levi’s Stadium y se cobraron venganza de la edición de 2015. El equipo, sin embargo, no fue el único ganador de la noche, sino que también lo fueron la pareja que se casó delante de millones de espectadores y con Bad Bunny como testigo, como así quisieron en su día.

Y es que el enlace que se vio en la Superbowl fue real y legal, como adelantó el periodista deportivo Rohan Nadkarni de NBC News, al igual que MLF Football y ESPN, para que luego lo confirmara también el representante del artista puertorriqueño en Variety.

De la pareja no ha trascendido ni sus nombres ni su nacionalidad, pero lo que sí que se sabe es que invitaron a Bad Bunny a su boda hace dos meses, y el cantante, entonces, optó por agradecerles el gesto integrándoles en su histórico intermedio de la Superbowl.

Además, no solo hizo que su boda haya tenido un escenario único e invitados, sino que esto también enlaza con el mensaje que se pudo leer al cierre del espectáculo que tuvo lugar en el Levi’s Stadium en el que se podía leer: “La única cosa más poderosa que el odio es el amor”.

El espectáculo “Érase una vez en Borbonia”, protagonizado por la comunicadora Nieves Concostrina y el dúo musical Fetén Fetén llega al Auditorio del Ayuntamiento de Logroño el próximo jueves 23 de abril.

La popular periodista y escritora Nieves Concostrina desembarca en nuestra ciudad acompañada del dúo musical Fetén Fetén, que hacen una parada en su extensa gira junto a Fito y Fitipaldis, para representar el espectáculo de humor “Érase una vez en Borbonia”.

Durante casi dos horas, el público asistirá a un recorrido escénico por una etapa clave de la historia de España a través de la dinastía Borbón: sus luces y sombras, sus relatos de corruptelas y corrupciones, pero también episodios que los humanizan —como el vínculo de algunos monarcas con las artes—. Sobre el escenario, junto a Concostrina y Fetén Fetén, nueve reyes y reinas esperan para repasar con el público una parte esencial del pasado.

El espectáculo traza el hilo genealógico y político de los Borbones desde la llegada de Felipe V, enviado desde Versalles, pasando por figuras como Fernando VI, Carlos III, Carlos IV y María Luisa de Parma, hasta detenerse en personajes clave en la consolidación de prácticas y costumbres que marcarían la historia posterior de la dinastía. El relato continúa con una sucesión de golpes de Estado y tramas de corrupción que atraviesan reinados y épocas: Isabel II, Alfonso XII, Alfonso XIII, Juan de Borbón, hasta desembocar en los episodios más recientes vinculados al rey emérito.

“Érase una vez en Borbonia” combina el sello narrativo de Nieves Concostrina, colaboradora habitual del programa de la cadena SER “La Ventana”, dirigido por Carles Francino, con el acompañamiento musical de Fetén Fetén, en una propuesta que aúna divulgación, escena y música para acercar al público una crónica histórica cargada de personajes, anécdotas…y mucho humor

Las entradas ya están a la venta desde 22 euros en https://entradas.qr4events.com/event/erase-una-vez-borbonia 

Hablar de Lise Davidsen hoy en día es sin duda hablar de una de las sopranos más importantes del momento, y en los registros dramáticos y de la ópera wagneriana seguramente la más importante. El Liceu ya tuvo el pasado año de soprano, casi residente, a Nadine Sierra –que por cierto regresa el 18 de febrero con un recital junto a Ludovic Tézier– la gran lírica de la temporada. Este año suma otro logro al conseguir que Davidsen se atreva en Barcelona, y por primera vez en su carrera, a asumir la totalidad del papel de Isolda en la wagneriana Tristán e Isolda, una ópera tan genial, y revolucionaria en su momento, como excesiva en su duración y por su exigencia para los cantantes.

A sus 38 años, y con poco más de una década en los escenarios, Davidsen se ha visto en el momento adecuado para combinar la energía de su juventud con la madurez técnica y vocal que exige el rol de Isolda para dejar una huella en la historia. Y sin duda ayer dejó un recuerdo para la posteridad en Barcelona. No solo aguantó perfectamente las tres horas y media que dura la obra, sino que lo hizo sin el menor problema para imponer su poderosa voz por encima de la orquesta, algo nada fácil con Wagner.

Esta fuerza sobrada, casi sobrenatural –que bien se refleja en la gran estatura y porte físico de la noruega– le permitió en todo momento manejar con anticipación el fraseo y la gestualización dramática, apropiándose desde el primer momento de todo el protagonismo de la ópera y relegando con su presencia al resto de roles a un segundo plano. Cierto es que en dos de los tres actos, Isolda asume la mayor carga, salvo en los duetos de final del primer acto y mediados del segundo, relegando al tenor responsable de Tristán a lucirse solo en el tercero, reservado para él salvo en el aria final Liebestod. Pero incluso en este postrer acto la soprano lograba brillar por su ausencia, se la echaba de menos.

Una demostración de poder de Davidsen

Así pues, Davidsen ha conseguido el debut de Isolda deseado y en una plaza exigente, pero de relevancia mediática bajo control, una experiencia que le servirá para después viajar al Metropolitan Opera House de Nueva York y exponer su Isolda con mayor seguridad e impacto. De todas formas, cabe destacar que esta propuesta de 2026 se intuye desde el minuto cero orientada a acompañar la demostración de poder de Davidsen, a su mayor gloria.

Esto no es ni bueno ni malo, pero conviene señalar el riesgo de que los montajes con un protagonista tan claro abandonen el sentido colectivo y multidisciplinar de la ópera y se conviertan en un recital. No sucedió así ayer, aunque se acercó a ese abismo y fruto de ello se resintió el conjunto en una obra que, como se ha dicho, se extiende, sumando los descansos, durante casi cinco horas. Afortunadamente, el placer de ver actuar y oír cantar a Lise Davidsen tapó las incomodidades de una escenografía muy irregular por parte de Urs Schönebaum, austera en exceso en el primer acto, que recupera tono en el segundo, con una plataforma giratoria bajo un fondo estrellado donde Tristán e Isolda celebran su amor dando vueltas, simbolizando su estado amoroso por encima de la realidad.

En el tercer acto, un escenario al estilo Juego de Tronos desconcierta un tanto, aunque resulta acertada la gran luna colgante que logra el ambiente crepuscular que acompaña a la agonía de Tristán. Si fue mucho más acertado el vestuario y la iluminación, aunque de nuevo irregular en el sentido de que el montaje de Bárbara Lluch premia en todo momento a la Isolda de Davidsen con espectaculares vestidos y luces cenitales, que logran genialmente convertirla casi en un ser sobrenatural, mientras deja en la penumbra al resto de personajes. Dicen las malas lenguas que la propia Davidsen desechó el montaje que Àlex Ollé realizó en 2017, entonces para la Isolda que perfiló Irene Theorin, que por cierto inicialmente tenía que hacer el papel de Brangäne, la criada de Isolda, pero se cayó por enfermedad.

Secundarios excelentes, personajes errantes

Así, con el montaje actual, secundarios tan relevantes como la mezzo Ekaterina Gubanova en el papel de Brangäne, o el barítono polaco Tomasz Konieczny, en todo momento excelentes en su ejecución vocal, se ven relegados a vagar de un modo un tanto errante por los distintos actos. También el bajo Brindley Sherratt, que interpreta al rey Marke, está excelente, marcando los tiempos dramáticos con su grave y contundente fraseo, y en cierto modo se salva de ser una presencia errática debido a lo concreto de sus intervenciones.

Respecto al tenor en el papel de Tristán, el escogido para la ocasión es el estadounidense Clay Hilley. A pesar de que en los duetos con Davidsen se muestra capaz de llegar a las notas más altas a la par que la noruega, que no es baladí, su potencia vocal de base se antoja en algunos momentos insuficiente. Hillley está técnicamente a la altura, dando a sus entonaciones la adecuada morbidez y dramatismo, sobresaliente en los citados duetos. Y convincente especialmente en el tercer acto. Pero esta limitación en la potencia vocal hace que su lucimiento en él sea menor, sobre todo si se compara con el de su partenaire. También en algunos momentos, la orquesta logra tapar su canto, aumentando la sensación de impotencia.

En cuanto a la conducción y la ejecución orquestal, la directora finlandesa Susanna Mälkki demuestra una gran solvencia frente a la Sinfónica del Liceu, llevando una pieza tan difícil en todo momento en perfecta sincronía con el desarrollo la de parte escénica y lírica, sin perder por ello la exuberancia que exige la ejecución wagneriana. Parecía que Mälkki y Davidsen se entendían con la mirada, una en el escenario y la otra en el foso, a tenor de la alta complicidad entre ambos espacios. Acaso destacar que el resto de cantantes se vieron un poco víctimas de la misma, arrollados por el huracán Davidsen y el entusiasmo orquestal de Mälkki.

Aunque al final, tras escuchar con piel de gallina a Lise Davidsen elevar a los cielos su Liebestod de cierre, la sensación es que todo es para bien, para un resultado memorable. A mayor gloria de la noruega, estos días reina de las Ramblas de Barcelona.

Si Madrid es una ciudad que se vive de noche, pocos lugares concentran mejor su pulso cultural que el Corral de la Morería, un tablao flamenco convertido en leyenda. Fundado en 1956, este espacio situado junto al Palacio Real no solo es uno de los templos del flamenco en el mundo, sino también el escenario del espectáculo de flamenco más visto de la historia, con más de cinco millones de espectadores a lo largo de siete décadas, según datos del propio establecimiento y recogidos por National Geographic.

El Corral nació de la mano de Manuel del Rey, un apasionado de las artes que quiso dignificar el flamenco en un formato moderno, íntimo y respetuoso con su esencia. El nombre del local remite a las antiguas corralas madrileñas que ocupaban esa zona del Madrid histórico, un guiño a la memoria popular de la ciudad. Desde entonces, el tablao ha mantenido una programación diaria ininterrumpida, algo excepcional incluso en una capital cultural como Madrid.

Por su escenario han pasado algunas de las figuras más influyentes del flamenco de los siglos XX y XXI. Pastora Imperio, Blanca del Rey, Antonio Gades, La Chunga, Paco de Lucía, Camarón de la Isla o Diego el Cigala forman parte de una lista que explica por qué el Corral es citado como referencia absoluta del género. No es solo un lugar donde ver flamenco: es un espacio donde se ha escrito su historia contemporánea, como recuerdan crónicas culturales y archivos artísticos consultables en instituciones como el Ministerio de Cultura de España.

El formato del espectáculo, de unos 70 minutos, apuesta por la cercanía y la intensidad. El público se sienta a pocos metros del tablao, en una sala que conserva cierto aire de taberna clásica, donde el taconeo, el cante y la guitarra se viven sin filtros. Esa intimidad ha sido clave para que el Corral mantenga su prestigio internacional y siga atrayendo tanto a aficionados al flamenco como a viajeros culturales de todo el mundo.

Flamenco y cocina de Estrella Michelin

Pero hay un elemento que hace único a este tablao frente a cualquier otro: su propuesta gastronómica. Desde 2018, el Corral de la Morería es el único tablao flamenco del mundo con una estrella Michelin, otorgada a su restaurante gastronómico, Corral de la Morería Gastronómico, según la Guía Michelin España. Al frente de la cocina está el chef David García, formado junto a Martín Berasategui y exresponsable del restaurante Nerua del Guggenheim Bilbao.

La experiencia combina alta cocina y flamenco en una secuencia cuidadosamente diseñada: un menú degustación de varios pases (con opciones incluso veganas) seguido del acceso a asientos preferentes para el espectáculo. Para quienes no consiguen mesa en el restaurante gastronómico, el tablao ofrece también una opción de cena más sencilla antes de la función, manteniendo siempre el foco en el arte escénico.

La actual etapa del Corral está liderada por Juanma y Armando del Rey, hijos del fundador, y por Blanca del Rey, directora artística y una de las grandes figuras del baile flamenco, reconocida con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Bajo su dirección, el tablao ha sabido conservar la tradición sin renunciar a la excelencia contemporánea.

Hoy, visitar el Corral de la Morería es mucho más que asistir a un espectáculo: es vivir una de las experiencias culturales más completas de Madrid, donde flamenco, historia y gastronomía se dan la mano. Un lugar que resume por qué el arte jondo sigue vivo, emocionando a generaciones enteras, desde vecinos del barrio hasta viajeros llegados de cualquier rincón del mundo.

La banda sonora es uno de los elementos más importantes de una película. Y algunos grandes éxitos del cine han pasado a la historia por sus melodías épicas, sus armonías únicas o sus fascinantes orquestaciones, de la mano de autores como John Williams, Hans Zimmer, James Horner. Nombres que forman parte de la lista de grandes compositores de nuestro tiempo, a la que se suman artistas emergentes que llegan pisando fuerte, como John Powell, de la saga Cómo entrenar a tu dragón. Precisamente esta banda sonora será una de las que se escuchen este fin de semana en el Auditori Fòrum CCIB de Barcelona, que desde hoy y hasta el domingo acoge un ciclo de conciertos que fusiona la música sinfónica con el séptimo arte.

Esta iniciativa nace de la colaboración entre la Fundació Orfeó Català-Palau de la Música Catalana y la Orquestra Simfònica del Vallès con el objetivo de acercar el género sinfónico al gran público durante las fechas prenavideñas. El programa destaca por su singularidad al ofrecer cinco conciertos que combinan bandas sonoras interpretadas en directo con la proyección de películas icónicas en una pantalla gigante. La propuesta incluye el tributo a Mike Oldfield con Tubular Bells, y las experiencias cinematográficas How to Train Your Dragon, in concert y Star Wars: A New Hope, in concert. Estas producciones están diseñadas para cautivar a espectadores de todas las edades, garantizando una vivencia inmersiva y única.

La elección del Auditori Fòrum CCIB no es casual, ya que el espacio cuenta con una pantalla de 16 metros por 9 metros y una acústica excepcional. Estas características técnicas, sumadas a la comodidad y buena visibilidad desde todas las butacas, lo convierten en el escenario ideal para disfrutar de la música en vivo mientras se siguen las imágenes de las películas, una experiencia que acerca a los amantes del cine y la cultura pop hacia la música clásica y sinfónica gracias a estas bandas sonoras épicas y al gran legado musical de Oldfield. La organización ha preparado un espectáculo centrado en que cada asistente pueda revivir toda la fuerza de la narrativa que se despliega tanto en pantalla como en el escenario.

Maggie Reilly y Nikki Lamborn

El ciclo arranca hoy viernes a las 20:00 horas, con un tributo especial a la obra maestra de Mike Oldfield. El proyecto Opus One, creado por el musicólogo Xavier Alern, será el encargado de interpretar Tubular Bells con la máxima fidelidad al sonido y espíritu del mítico registro de 1973. Esta formación nació específicamente para dar vida a la “trilogía mágica” del compositor británico, que incluye también Hergest Ridge y Ommadawn. Uno de los grandes atractivos de esta primera jornada es la presencia de las cantantes Maggie Reilly y Nikki Lamborn. Reilly, cuya voz es inseparable de los éxitos más populares de Oldfield como Moonlight Shadow o To France, regresa a Barcelona tras su éxito previo en el Palau de la Música. Por su parte, Lamborn, una de las voces más prestigiosas del rock y blues en el Reino Unido, debutará en la ciudad interpretando temas emblemáticos como Earth Moving.

El fin de semana del 20 y 21 de diciembre estará dedicado a la aventura épica de How to Train Your Dragon (Cómo entrenar a tu dragón). Esta producción de DreamWorks se proyectará en alta definición mientras la Orquestra Simfònica del Vallès interpreta la banda sonora original de John Powell, nominada al Oscar y caracterizada por su carácter épico y alegre. Los asistentes podrán revivir la historia de Hipo y el dragón Desdentao en una experiencia que combina acción, humor y una emotividad reforzada por la música en directo, que en esta ocasión contará también con la participación de la Coral Càrmina.

El broche de oro al ciclo lo pondrá la mítica saga galáctica con Star Wars: A New Hope, in concert, los días 22 y 23 de diciembre. Bajo la licencia de Disney Concerts, el film se proyectará íntegramente en versión original subtitulada, acompañado por la icónica partitura de John Williams, ganadora del Oscar. Esta obra inolvidable del cine ha marcado a múltiples generaciones desde su estreno hace más de 45 años y ahora se presenta como un viaje sinfónico inolvidable.

La Orquestra Simfònica del Vallès asume un papel protagonista en estas producciones, consolidando su reputación en la interpretación de música para la imagen. Dirigida por Scott Terrell en las proyecciones de cine, la orquesta ha demostrado previamente su versatilidad en espectáculos como "¡Videojuegos en concierto!", donde interpretó composiciones de títulos como Assassin's Creed o Fallout con gran éxito. La complejidad técnica de sincronizar la orquesta con el metraje en alta definición es uno de los mayores atractivos de esta producción. En cuanto a la accesibilidad y precios, la organización ha dispuesto una gama de opciones que van desde los 25 hasta los 110 euros, con tarifas especiales para personas con discapacidad reconocida superior al 33%.

La vinculación de la música con el cine en este ciclo refleja una tendencia donde los compositores asumen el desafío de crear paisajes sonoros que trascienden la pantalla. Al igual que ha ocurrido recientemente con la música de los videojuegos, estas bandas sonoras han adquirido una entidad propia que merece ser escuchada en grandes auditorios. Es una celebración de la narrativa mítica y los personajes inoblidables a través de la interpretación en vivo. El espectador no solo asiste a una proyección, sino que se sumerge en una marea de sonidos que dan vida a héroes y leyendas de mundos fantásticos.

Este mes de diciembre llega a las plazas y calles de cuatro municipios albaceteños 'Te Falta Calle' el I Festival Provincial de Teatro de Calle organizado por la Diputación de Albacete.

Se trata de una nueva iniciativa cultural que apuesta por sacar las artes escénicas a plazas y calles de municipios con especial valor patrimonial y paisajístico, convirtiendo el espacio público en un punto de encuentro entre cultura, ciudadanía y territorio.

El festival se celebra en cuatro fines de semana consecutivos en el marco de las celebraciones navideñas, con espectáculos matinales a las 12.30 horas, una franja pensada tanto para el público local como para visitantes, y concebida como un reclamo cultural que anime a pasar el día en las localidades, disfrutar de su entorno, de su oferta gastronómica y de su comercio.

Cuatro citas del 20 al 28 de diciembre

Las citas serán el sábado, 20 de diciembre, en Tarazona de la Mancha, con el espectáculo 'Olympics'; el domingo 21, en Ayna, con 'Glubs'; el sábado, 27 de diciembre, en Alcaraz, con 'A la fresca', y el domingo, 28 de diciembre, la experiencia concluye en Alcalá del Júcar, con 'Playground'.

Las propuestas son para todos los públicos y han sido seleccionadas por su calidad artística y su capacidad de interacción con el espacio urbano y el público, ha informado la Diputación en un comunicado.

'Olympics', de Nacho Vilar Producciones & Yllana, es un espectáculo itinerante de comedia gestual, surrealista y visual, que transforma la calle en una peculiar competición deportiva cargada de humor y ritmo.

'Glubs', de la misma compañía, propone una comedia itinerante basada en el humor físico y el juego escénico, reconocida por la Red Española de Teatros y Auditorios y finalista a los Premios Max, pensada para sorprender al público en pleno recorrido urbano.

'A la fresca', de la compañía Anna Confetti, es una propuesta divertida y cercana que recupera el espíritu de la conversación en la calle y la vida compartida en las plazas, con un lenguaje gestual accesible para todas las edades.

'Playground', de Collectif Primavez, combina mástil chino, danza, teatro y humor en un espectáculo estático que se desarrolla a ocho metros de altura, con participación del público y una potente carga visual, avalada por numerosos premios internacionales.

Cultura que se “vive en comunidad”

'Te Falta Calle' nace con una doble vocación: por un lado, acercar la cultura a la ciudadanía, especialmente a municipios que no cuentan con programación escénica continuada o con espacios teatrales convencionales; y por otro, dinamizar el turismo cultural, poniendo en valor enclaves singulares de la provincia a través de propuestas artísticas accesibles y de calidad.

La Diputación afirma que el festival refuerza la idea de que la cultura “no solo se consume, sino que se vive en comunidad, en los espacios donde transcurre la vida cotidiana”.

Grañón estrena este sábado la versión ampliada del Retablo de la Luz, un viaje de 20 minutos por la historia, la luz y la arquitectura que, gracias a una original propuesta artística y tecnológica, permite transformar la narrativa del templo de San Juan Bautista para convertirlo en un escenario inmersivo único, donde se aúnan patrimonio, historia y tecnología.

A través de un espectáculo que combina proyección mapping, iluminación láser y diseño sonoro envolvente, la nueva edición de esta propuesta, que se estrenó en agosto de 2024, incorpora un guion ampliado con elementos narrativos que recorren la evolución del territorio desde tiempos prehistóricos hasta la creación del retablo renacentista.

Esta versión ampliada extiende el espectáculo hasta los 20 mintuos respondiendo así a la petición del público y además incluye algunos capítulos inéditos en los que se aborda la naturaleza primigenia del territorio, los primeros asentamientos en el cerro Mirabel, la fortaleza medieval, recreaciones poéticas de las épocas romana y medieval y culmina con la narración de la creación del retablo renacentista de la escuela de Damián Forment, núcleo artístico del templo. Todo ello acompañado de efectos visuales y sonoros sincronizados con la arquitectura del templo, que gracias a la técnica de mapping se convierte en un lienzo tridimensional lleno de vida.

La ampliación de esta experiencia inmersiva ha contado con la colaboración de la Consejería de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud del Gobierno de La Rioja, de Ibercaja, el Ayuntamiento de Grañón y la parroquia de San Juan Bautista, así como de donaciones privadas y de miembros de la Asociación Cultural de Amigos de la Ermita de Carrasquedo.

Concebida para todos los públicos, esta propuesta inmersiva se plantea como un homenaje contemporáneo a la historia, la luz y la espiritualidad que forman parte de la identidad de Grañón desde hace siglos. La Asociación Cultural Amigos de la Ermita de Carrasquedo busca dar a conocer y difundir nuevamente el gran valor del retablo del municipio y situar el nombre de Grañón en el mapa internacional de las experiencias audiovisuales y patrimoniales.

Un proyecto para impulsar la vida cultural en el medio rural

El Retablo de la Luz es una iniciativa cultural que refuerza la identidad de Grañón y su papel dentro del Camino de Santiago. La Asociación Cultural Amigos de la Ermita de Carrasquedo impulsa proyectos que no solo ponen en valor el patrimonio local, sino que contribuyen a frenar la despoblación, atraer turismo cultural y dinamizar la economía del entorno.

Experiencias como esta generan nuevas oportunidades y fortalecen la vida en los pueblos, consolidando un futuro sostenible para las zonas rurales.

Las personas interesasa pueden ampliar la información y reservar las entradas aquí.

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Cada vez más personas optan por, durante las próximas fiestas, hacer regalos que son sinónimo de experiencia más que de un objeto en sí envuelto en papel de regalo. De ahí que los grandes musicales que se pueden disfrutar en algunos de los grandes escenarios repartidos por toda la península se vayan a convertir en todo un gran plan para disfrutar en familia, con amigos o, cómo no, los más pequeños de la casa, que a buen seguro que no pestañearán ni un instante ante la magia que desprenden las puestas en escena de las maravillosas compañías que trabajan, cuidan y sorprenden al espectador desde hace ya tiempo. Ahí van unas cuantas recomendaciones para amantes (y neófitos) de los musicales:    

“Canta el pueblo su canción, nada la puede detener. Esta es la música del pueblo y no se deja someter…”. Sí, el inolvidable himno que los revolucionarios franceses entonan en Los Miserables mientras preparan las barricadas en las calles de París es uno de los temas más icónicos del circuito internacional, con 130 millones de espectadores en todo el mundo, gracias a la brillante composición de Claude-Michel Schönberg con letras escritas originalmente en francés por Alain Boublil. Esta obra, estrenada en 1980, se ha representado durante más de tres décadas de manera ininterrumpida en el West End londinense y regresa a Madrid esta temporada para sumar a la que, sin lugar a dudas, es una de las programaciones de temporada más interesantes de los últimos años en la Gran Vía madrileña.

Estrenado en París en el año 1980 e inspirada en el clásico de Víctor Hugo, Los Miserables tiene la particularidad de mostrarnos toda la acción a través de canciones que se van sucediendo sin interrumpir la música en ningún momento, a diferencia de otras obras en las que se intercalan los diálogos de los personajes. No es, ni mucho menos, la primera visita de esta joya de la música llevada al teatro (o viceversa) a la capital española. De París viajó a Londres en 1985, donde llegó a manos del gran productor Cameron Makintosh, que revisó libreto y partitura para acercar la versión original al gran público y lo enriqueció con una escenografía giratoria tan sorprendente como ambiciosa. Y de ahí viajó a Nueva York (1987) y, por fin, a Madrid (1992), adonde regresó por última vez en 2010. 

Esta temporada podemos disfrutarlo en el Teatro Apolo con Adrián Salzedo en el papel de Jean Valjean, Pitu Manuvens como Javert, Teresa Ferrer como Fantine, Quique Niza como Marius, Elsa Ruiz Monleón en el papel de Éponine y Alèxia Pascual encarnando a Cosette, en una producción firmada por ATG Entertainment. La última fecha disponible para comprar entradas es el 12 de abril, por lo que puede ser, además de una excelente opción cultural para esta próxima Navidad, un gran regalo para pedir en la carta a los Reyes Magos. Eso sí: Los Miserables no es un musical apto para los más pequeños de la casa que, sin embargo, tienen otras interesantes opciones en cartel.

De hecho, otra gran productora que nos tiene acostumbrados a montajes de gran calidad, como es Stage (El Rey León, Aladdín, Anastasia o La Bella y la Bestia), nos brinda esta Navidad la posibilidad de acompañar a La Cenicienta a su transformación y liberación del yugo de su madrastra. Con funciones a la venta hasta el 31 de marzo, esta ambiciosa producción nos descubre a una Cenicienta que es mucho más que una joven resignada y soñadora. Valiente, decidida y dueña de sus propias decisiones, “Cenicienta es una heroína contemporánea que, más allá de encontrar el amor, nos inspira con su ejemplo a luchar por construir un mundo mejor y a tomar las riendas de nuestro destino”, describen desde la productora.

Otra opción viene de la mano del dúo más exitoso de Broadway, Richard Rodgers (compositor) y Oscar Hammerstein II (letrista), que cambiaron la historia del género musical gracias a sus populares producciones en las décadas de 1940 y 1950 gracias a obras como The Sound Of Music (Sonrisas y Lágrimas), Oklahoma!, Carousel, South Pacific o, en este caso, Cinderella (1957). Recomendada a partir de los siete años de edad, la versión que se puede ver incluye temas tan inolvidables como In My Own Little Corner, Impossible o Ten Minutes Ago, interpretados por una orquesta excepcional y, como novedad, con una escenografía apoyada por soluciones tecnológicas de última generación.

Otra de las propuestas es otra joya de los musicales como Oliver Twist. Una adaptación del clásico de Charles Dickens que llega de la mano de AMR Produce (Los Chicos del Coro). El dramaturgo Pedro Víllora, aclamado por su sensibilidad y experiencia, se encuentra a cargo del guion y las letras de las canciones que dan vida a esta entrañable historia, con música original de Gerardo Gardelin. Viajaremos a esos escenarios de la Revolución Industrial de la primera mitad del siglo XIX de Londres, Inglaterra, acompañado a un elenco compuesto por más de 30 actores, muchos de ellos niños y niñas llenos de talento.

Entre las historias “de moda” gracias, en este caso, a los últimos estrenos de cine, encontramos Wicked, el fenómeno de Broadway con más de 100 premios internacionales, que llega de la mano de SOM Produce y ATG Entertainment. Las brujas de Oz, antes de la llegada de Dorothy, lleva más de dos décadas conquistando escenarios en todo el mundo y esta temporada robará el corazón del público del madrileño Nuevo Teatro Alcalá. Y ya que hablamos de brujas, la magia se cuela también en la escena con Houdini, un musical mágico que está resultando una de las novedades más sorprendentes de la temporada, precisamente, por esa mezcla de géneros escénicos que nos conduce a la historia del legendario escapista e ilusionista Harry Houdini.

112 millones de espectadores

Otra opción a nuestro alcance es revivir un clásico como Cabaret, sin duda una de las grandes referencias de la historia del teatro musical con una nueva y esperada producción dirigida por Federico Bellone, con dirección musical de Julio Awad. Basado en el libreto de Joe Masteroff, con música de John Kander y letras de Fred Ebb, fue estrenado en 1966 como un nuevo musical en el Broadhurst Theatre de Broadway. Desde que se estrenase en la década de los 60, este mítico musical ya ha visitado 50 países, ha sido traducido hasta a 30 idiomas y ha recibido incontables premios a mejor espectáculo. Canciones como Willkommen, Money, Money o Cabaret forman parte de la historia de la música del siglo XX.

Ahora bien: no podemos terminar esta selección sin hablar del musical entre los musicales: El Rey León, que ha conquistado el madrileño Teatro Lope de Vega en los últimos años, con un éxito ininterrumpido desde 2011. Pocos espectáculos son capaces de emocionar como lo hace este musical, sin duda uno de los más queridos de nuestro país, con un montaje visto por más de 112 millones de personas en todo el mundo (más de 7 millones solo en nuestro país), de la mano de sus 21 músicos, 100 instrumentos, 200 esculturas y 53 actores. Después de nada menos que 5.000 funciones en nuestro país, la historia de Simba te espera, también, esta Navidad.

Grison Beatbox, uno de los artistas más carismáticos y singulares del panorama humorístico y musical español, llegará en Logroño el martes 23 de diciembre para presentar su espectáculo “En Bucle”, que combina música, improvisación y humor en estado puro. La actuación será a las 20 horas en el Auditorio Municipal.

Conocido por su papel como colaborador de La Revuelta, donde acompaña a Ricardo Castella y David Broncano aportando ritmo, comicidad y ocurrencias improvisadas, Grison se ha convertido en uno de los rostros más queridos de la televisión actual.

Desde pequeño, Grison mostró un fuerte vínculo con la música, formando parte de varios proyectos y bandas antes de dar el salto a la televisión. Su capacidad para fusionar beatbox, efectos vocales y humor ha hecho de él un artista único en España. Además de su trabajo en televisión, ha participado en competiciones de beatbox, festivales y eventos nacionales e internacionales, ampliando su alcance gracias a su presencia en redes y su estilo inconfundible.

El show que presentará en Logroño está cargado de improvisación, participación del público y la mezcla de música y comedia que caracteriza a Grison. Una oportunidad perfecta para disfrutar de uno de los artistas más originales y divertidos del país.

Las entradas ya están a la venta.

La magia regresa a Logroño con más fuerza que nunca. Del 17 al 19 de octubre y del 21 al 23 de noviembre, la ciudad acogerá la quinta edición del LOGIC FEST, el Festival de Magia de Logroño, que reunirá a destacados artistas nacionales e internacionales del mundo del ilusionismo. El concejal de Promoción de la Ciudad, Miguel Sainz, acompañado por los magos Antonio Palomino “Magomino” y Jorge Velasco, ha presentado esta nueva edición.

En su intervención, el concejal ha subrayado que “durante estos días nuestra ciudad se transformará de nuevo en el epicentro de la ilusión, en un evento que une a todas las generaciones, porque la magia está hecha para disfrutarse en familia”. El concejal ha añadido que “cinco ediciones nos permiten hablar ya de una cita consolidada e imprescindible, que amplía la oferta cultural y de ocio de Logroño, y que refleja el dinamismo de nuestra ciudad”.

El LOGIC FEST nació con la vocación de acercar la magia y el ilusionismo a todos los públicos, convirtiendo a Logroño en un referente en el ámbito de las artes escénicas. A lo largo de sus ediciones, ha logrado consolidarse como un espacio donde confluyen el talento, la creatividad y la ilusión, ofreciendo una experiencia única tanto para adultos como para los más pequeños.

Una programación llena de ilusión y talento

Durante nueve jornadas, el público podrá disfrutar de nueve espectáculos que combinarán magia, humor, mentalismo y entretenimiento para todas las edades. El festival se desarrollará en distintos espacios emblemáticos de la ciudad, como Sala Negra, Xperience Parque Rioja y el Círculo Logroñés, con espectáculos que combinarán magia, humor, mentalismo y entretenimiento para toda la familia.

Las entradas se pueden adquirir en: https://www.sonetorojo.com/logicfest. Además, como en anteriores ediciones, durante la presentación, las sesiones familiares y la gala final, se sortearán cajas de magia BORRÁS entre los asistentes.

En esta edición la programación del festival será la siguiente:

Día

Mes

Hora

Lugar

Espectáculo/MAGO

Viernes 17

Octubre

22:30

Sala Negra

Juan Capilla

Sábado 18

Octubre

17:30

Sala Negra

Joaco Showman

Sábado 18

Octubre

19:30

Gonzalo de Berceo

ICEMAN

Sábado 18

Octubre

22:30

Sala Negra

Tupper Magic

Domingo 19

Octubre

12:30

Xperience

Gala Magos Noveles

Domingo 19

Octubre

17:30

Sala Negra

Magomino y Arthur

Viernes 21

Noviembre

20:00

Círculo Logroñés

Karvis

Sábado 22

Noviembre

20:00

Círculo Logroñés

Mago Scott

Sábado 23

Noviembre

12:30

Círculo Logroñés

Ferny TuboyTapa

Claudio Bermejo, el tiktoker conocido como 'El Dandy de Barcelona', no podrá subirse al escenario en Vigo en la noche de este viernes. Apenas unas horas antes de su inicio, previsto para las 23:30h del día 3 de octubre, el ayuntamiento de la ciudad ha decretado la suspensión provisional de su actuación, porque el local carece de licencia para celebrarlo pero también porque encuentra “indicios razonables” de que su contenido esté “expresamente prohibido” por la Ley de Espectáculos que impide la celebración de shows que inciten a la violencia, el racismo o la discriminación.

Según han comunicado fuentes municipales, y recoge Europa Press, la presencia de este 'agitador', conocido por su discurso machista, racista y lgtbifóbico, había sido anunciada por el club Nébula, un establecimiento del centro de la ciudad que dispone de licencia para actividad de “pub con música”, y no para “café espectáculo”, que es el evento anunciado y que no dispone de título habilitante.

Además, el Ayuntamiento ha confirmado que recibió en las últimas horas un escrito del director xeral de Loita contra a Violencia de Xénero de la Consellería de Política Social e Igualdade en el que se advierte, tras recibir dos denuncias, de que el 'tiktoker' anunciado como atracción en el evento de esa discoteca “se declara consumidor de prostitución” y ha sido denunciado por distintos delitos de odio.

En ese comunicado, el director xeral, que afirma compartir la opinión de las personas denunciantes, traslada su “preocupación” por la presencia de El Dandy de Barcelona en un local de Vigo y recuerda que la ley prohíbe “los espectáculos públicos y las actividades recreativas que inciten a la violencia, racismo, xenofobia, sexismo, negacionismo, discriminación por identidad de género y orientación sexual, o cualquier otro tipo de discriminación, y aquellos que atenten contra la dignidad humana y contra los derechos fundamentales y libertades reconocidos en la Constitución”.

Por otra parte, el Ayuntamiento de Vigo también ha recibido una solicitud de la asociación Nós Mesmas para que se revisase la legalidad del evento por el contenido de los mensajes del 'tiktoker'. De hecho, el propio gobierno local manifestó su rechazo hace unos días y pidió al establecimiento que lo suspendiese.

Ahora, la Concejalía de Seguridad ha acordado suspenderlo provisionalmente por carecer de licencia de actividad y por la existencia de indicios racionales de que puede ser un espectáculo expresamente prohibido por la ley.

Igualmente, se ha dado orden a la Policía Local para que vigile el cumplimiento de esta suspensión y, en caso de que el local no acate esta medida, proceder al “desalojo, clausura y precinto del establecimiento”.

Taylor Swift lo ha sido todo a lo largo de sus dos décadas de trayectoria: ha sido la joven que canta al amor y al desamor pasando del country al pop, la villana que se enfrenta a la cultura de la cancelación para superarla como heroína, la voz que aboga por los derechos de los artistas reclamando el control de su obra, la cantautora que resiste a la pandemia homenajeando la música folk y la poeta torturada que hace de la escritura su mayor fortaleza. Taylor Swift ha sido tantas cosas a través de tantas eras que, con once discos a sus espaldas, era una sorpresa que la última figura monocultural de nuestros tiempos y la cantante más taquillera de este siglo jamás se hubiera presentado a sí misma como la chica del espectáculo, la chica que vive por y para el entretenimiento.

El duodécimo álbum de la artista, sin embargo, cambia esta narrativa para siempre. Compuesto por doce canciones que ahondan en la vida de la mujer más famosa del planeta, The Life of a Showgirl se torna su trabajo más divertido y autoconsciente hasta la fecha. “¿No estáis entretenidos?”, bromeaba Swift en 2023 cuando la revista Time la consideró la persona del año. En aquel entonces, la estadounidense acababa de sembrar una hegemonía nunca antes vista en la cultura pop. Una hegemonía que los medios de comunicación apodaron como Taylormanía y que sigue palpándose a día de hoy con cada movimiento de la artista. “Así es el mundo del espectáculo”, proclama ella en este trabajo. Si la cantante se posiciona políticamente, el voto electoral se dispara; si la cantante anuncia su compromiso de matrimonio, Instagram se paraliza; y, si la cantante presenta su nuevo disco, la cultura se arrodilla.

“A menudo no me parece tan glamuroso ser yo misma”, canta Swift en uno de los temas del álbum. Pero lo cierto es que asomarse a su mundo desde el exterior es mucho más que glamuroso. Desde que anunciara The Life of a Showgirl, las marcas han cambiado sus logos al color naranja de la era —una estética que ha escalado hasta la promoción del iPhone 17—, cada versión de vinilo se ha agotado en minutos y las salas de cine han reorganizado toda su cartelera para acoger, sin pensárselo, un estreno sorpresa que permitirá a los fans escuchar juntos el disco y ver uno de los videoclips. Ganarse esta lealtad por parte de los oyentes, dispuestos a comprar múltiples copias del álbum sin haber escuchado un solo acorde hasta el día del lanzamiento, requiere una rigurosa calidad que no tiene comparación en la industria musical.

Resulta fascinante que la vida de Swift se haya vuelto tan anormal y única que la cantante se vea obligada a identificarse con personajes históricos o ficticios porque, como humana, no puede identificarse con ninguna celebridad o persona moderna. Lo hace en la hipnótica pista de apertura, The Fate of Ophelia, en la que narra un épico romance en el que su amante la salva de la misma tragedia que vive el personaje de Ofelia en Hamlet de Shakespeare. “Durante todo ese tiempo que pasé sola en mi torre, tú solo estabas perfeccionando tus poderes”, canta en un tema que cuenta con todos los clásicos de la composición swiftiana. Es denso, conversacional, pero aun así dramático y atemporal. Con un estribillo vertiginoso al estilo de Blank Space, la artista sigue la línea de su hit country Love Story y utiliza vívidas imágenes para alternar un lenguaje coloquial con uno más prosaico y melancólico.

Además de recurrir a la tragedia shakesperiana, Swift reza a las leyendas de Hollywood cuando los fantasmas de la fama tocan a la puerta. Este miedo, no obstante, asombra vislumbrarlo desde la perspectiva de su estatus, que no ha dejado de hacerse más grande con cada obra. La compositora ya confesaba su terror a que la industria la dejara de lado en la interesantísima Holy Ground (2012), un sentimiento que se supo que estaba más presente en su cabeza de lo que parecía gracias al proyecto Taylor's Version, que sacó del baúl canciones como la misteriosa Castles Crumbling (2023) o la bellísima Nothing New (2021), escritas cuando tenía alrededor de 22 años. Ahora, la actriz estadounidense Elizabeth Taylor, que da título a la segunda pista, sigue la estela de iconos como Clara Bow o Stevie Nicks, mencionados en su anterior disco, y es confidente de sus plegarias.

“Elizabeth Taylor, ¿crees que es para siempre?”, le pregunta Swift bajo una producción oscura que acoge con brillantez el estribillo. “Solo eres tan sexy como tu último hit”, se lamenta arropada por toda la humildad de la que es posible la mayor superestrella del planeta. Esta humildad, en cambio, desaparece en otra de las canciones más agresivas del disco, Father Figure. Interpelando el clásico de 1987 de George Michael, la artista presenta a un narrador arrogante y patriarcal, la considerada figura paterna, para retratar los abusos de poder en la industria musical. “Puedo hacer tratos con el diablo porque la tengo más grande”, dice en la canción. “Este amor es puro beneficio, entra en mi oficina, secaré tus lágrimas con mi manga”, añade.

Father Figure es un ejemplo más de la exquisita destreza de Swift para narrar historias. La canción da un giro en el puente y tanto la posible traición de la figura paterna como la venganza de la persona protegida no pintan un final que evidencie un bueno o un malo. Esto es algo que Swift nunca ha hecho antes en su amplio universo lírico, porque incluso en su adictiva No Body, No Crime (2020), donde relata el asesinato de un hombre que le es infiel a su esposa, el oyente apoya al narrador para que se salga con la suya. En Father Figure, por el contrario, el protegido gana, pero tras haber sido pintado como un villano por los escándalos que le ayudó a encubrir su figura paterna. No es descabellado pensar que la canción trate del ascenso de Swift desde que era una protegida hasta que se ha transformado en la figura paterna de la industria, tomando ella la palabra en la última estrofa, justo cuando su voz hace un cambio de registro.

Otro conflicto que aguarda el disco lo esconde la sarcástica, atrevida e inteligentísima Actually Romantic, un tema que continúa la línea melódica del proyecto, guiado principalmente por la guitarra, y en la que Swift aborda los problemas con otra cantante. La vida de una chica del espectáculo pasa de forma inevitable por las rivalidades musicales, y la artista estadounidense, conocida por ser autora de todas sus canciones y usarlas como diario, siempre ha acostumbrado a responder en ellas. Lo hizo en Mean (2010), en la que se dirigió a un crítico que había sido cruel con ella; en Bad Blood (2014), himno que sembró una guerra ya solucionada con Katy Perry; y también en Look What You Made Me Do (2017) y Thank You Aimee (2024), dirigidas a Kanye West y Kim Kardashian tras su intento de cancelación mediática.

En esta ocasión, es probable que Swift se dirija a Charli XCX, quien llegó a ser su telonera en el Reputation Stadium Tour pero que más tarde le dedicaría la pista Sympathy Is a Knife (2024), donde señala que hay una cantante que la hace sentir insegura y a la que no quiere ver en el backstage del show de su novio. Mucho más juguetona, y tratando sus ansiedades y traumas pasados desde una posición de poder y confianza, Swift contesta a través de un tema que utiliza el tono romántico como burla. “Me enteré de que me llamas 'Barbie aburrida' cuando la coca te da el valor de hacerlo”, canta la estadounidense. “De hecho, es romántico, tengo que reconocerlo. Ningún hombre me ha amado jamás como lo haces tú”, agrega en el estribillo, antes de satirizar en el puente que todo el tiempo que esta artista pasa pensando en ella la está “excitando”.

La seguridad de quien se sabe la cantante más importante del mundo se refleja en Cancelled!, que goza del instrumental más sombrío de The Life of a Showgirl. “Es fácil quererte cuando eres popular. Las apariencias cuadran y todos prosperan. Pero una sola caída y estás fuera de la lista”, escribe Swift en la canción, que la hace pasárselo de maravilla con su “Whisky Sour” y las “flores con espinas y veneno”. “Menos mal que me gusta que mis amigos estén cancelados, que estén cubiertos de Gucci y de escándalos”, dice en el contagioso estribillo. Las preguntas que deja en el aire son igual de reveladoras: “¿Acaso hiciste un chiste que solo un hombre puede hacer? ¿O fuiste demasiado presumida por tu propio bien? ¿O llevaste un pequeño violín a una pelea de cuchillos?”.

Pero Taylor Swift, que ha hecho de su catálogo un canto al amor en todas sus versiones, tampoco obvia en este disco qué es lo que la mueve más allá del escenario. Esta es la vida de una chica del espectáculo, no solo su actuación, que ya vimos en su histórico The Eras Tour. Ahora toca contemplar su vida tras bambalinas, y, más allá del escenario, más allá de ser la artista con más premios Grammy al mejor álbum del año, ella vive por y para el amor. En la alegre y dulce Wish List, estilizada como Wi$h Li$t, Swift deja de lado el Oscar, la Palma de Oro, los tres perros que la gente llama “hijos” y reconoce que ella solo quiere sentir la compañía de su pareja. “Unos quieren un contrato con el Real Madrid, otros quieren unas vacaciones de primavera que sean la hostia”, dice la artista. “Y ojalá todos tengan lo que quieren”, sentencia impulsada por la evidencia de que a ella ya no le falta nada, ni siquiera el amor de su novio.

Las canciones románticas, que dedica al jugador de fútbol americano Travis Kelce, con quien ha decidido mantener una relación pública desde que comenzaran a salir tras el verano de 2023, van desde la grandilocuente Opalite, con un estribillo vibrante bajo el que explora la sanación que llega cuando se encuentra a la persona ideal tras varios intentos fallidos, hasta la delicada Honey, que juega con el significado de la palabra “cariño” durante sus tres minutos de duración. Mucho más audaz es Wood, con una de las producciones más hipnóticas y revueltas del disco, en la que Swift toca madera para tener suerte, recorriendo numerosas supersticiones que esconden interpretaciones más sexuales.

Uno de los temas más profundos de la obra es, por supuesto, Eldest Daughter, la quinta pista. La cantante siempre sitúa en esta posición la canción más vulnerable del disco, como ya hizo con All Too Well (2012), You’re on Your Own, Kid (2021) o So Long, London (2024). Eldest Daughter está construida bajo dos instrumentos: un piano con el que va en ascenso, y una guitarra que coge el relevo en la segunda mitad. Hay una referencia preciosa a White Horse, el quinto tema de su álbum Fearless (2008). “No soy una princesa, esto no es un cuento de hadas”, cantaba entonces. “No soy una zorra mala, esto no es brutal”, se abre ahora. Es la balada de The Life of a Showgirl, escrita a sus seres queridos, y supone un abrazo para quien ha crecido con la música de la estadounidense a lo largo de estas últimas décadas.

Aun así, lo cierto es que la canción que le sigue en el tracklist también podría haber funcionado en esa privilegiada posición. Con la letra más desgarradora de todo el trabajo, y trayendo de vuelta a la mejor narradora de historias, Swift cuenta el romance que nunca se dio con un amigo de la infancia que ha fallecido. Al estilo de lo que se cuenta en la sacada del baúl Forever Winter (2021), el contundente verso “Debería haberte besado de todas formas” de Ruin The Friendship resume a la perfección todo tipo de remordimientos: las cosas que se quedan sin decir, el potencial que nunca acaba siendo aprovechado, la decepción e impotencia de quien mira atrás cuando ya es demasiado tarde. Es una de las joyas del disco.

El duodécimo trabajo de Taylor Swift concluye con un dueto con Sabrina Carpenter, telonera de la artista en la gira The Eras Tour y convertida ahora en una de las figuras más importantes del pop internacional, que se siente como si una multitud estuviera mirando y creando el ritmo. Las voces de ambas empastan de una manera muy bonita y el aumento del tempo es emocionante, creando un gran cierre para un álbum que es otro acierto en su discografía. Cuando se trata de Swift, siempre hay un interesante término medio: es una estrella del pop, pero no en el sentido artificial de alguien como Dua Lipa o Ariana Grande; es cantautora, pero no se entrega únicamente a las letras como lo hace Lana Del Rey. Se encuentra justo en la mitad, y esta combinación es la que la convierte en la persona más especial de la industria. Su escritura tiene que ser extraordinaria y, al mismo tiempo, atraer al gran público, y ella siempre da en el clavo.

Hay quien ignora qué es lo que hace de Taylor Swift una genia, qué es lo que hace que, en pleno 2025, se hayan formado colas a medianoche en tiendas de Estados Unidos para hacerse con el disco. Y, entre los muchos factores, se debe a que es una compositora visionaria que es capaz de escribir los éxitos pop más gloriosos de este siglo. Es enormemente complicado capturar esa versatilidad, tener una canción tan impactante como Cardigan (2020) y poder escribir otra como Cruel Summer (2019), pero en The Life of a Showgirl vuelve a conseguirlo distanciándose de todo su repertorio pop hasta la fecha. 1989 (2014), Reputation (2017) y Midnights (2022) están basados en sintetizadores, mientras que su enfoque relajado lo distancia también de Lover (2019). Esta es, si acaso, una obra imprescindible que sigue enriqueciendo su universo narrativo y agrandando una leyenda que no tiene final: la leyenda de una reina del espectáculo a la que no solo no le pesa la corona, sino que juega con ella como le da la gana.

El movimiento MAGA tiene un claro problema con que Bad Bunny sea el cantante elegido para el medio tiempo de la Super Bowl 2026. El puertorriqueño es probablemente la figura más significativa de la música latina ahora mismo, y solo canta en español. Ese es el primero. El segundo es que Bad Bunny se ha negado a llevar su gira por Estados Unidos, porque tiene miedo a que haya redadas antiinmigración de ICE en sus conciertos. Y eso, claro, tampoco le sienta bien al ala más conservadora de los votantes republicanos, para los que la final del fútbol americano es casi una festividad tremendamente significativa.

El espectáculo de la final de la Super Bowl es el evento televisivo más importante del año en EEUU. La National Football League elige al cantante encargado de la música en los intermedios con meses —a veces años— de antelación. El impacto cultural y económico del partido es gigantesco: son más de 100 millones de espectadores solo en Estados Unidos, además de millones más en todo el mundo. Miles de personas buscan el vídeo de la actuación en YouTube al dia siguiente y analizan o critican la actuación en redes sociales.

La decisión de fichar a Bad Bunny para el medio tiempo de la Super Bowl 2026 ha sido interpretada como un gesto de apertura hacia el público latino y joven, pero, por otro lado e inevitablemente, ha encendido un intenso debate entre la derecha del Make America Great Again, seguidora del presidente estadounidense, Donald Trump.

Benny Johnson, clumnista y activista de ultraderecha, ha escrito en sus redes sociales que Bad Bunny es “un odiador de Trump, un activista anti ICE y que no tiene canciones en inglés”. Los sectores más ultras acusan a la NFL de “politizar” el evento por dar el visto bueno a un artista que ha criticado abiertamente las políticas migratorias de EEUU, y que ha mostrado apoyo a causas progresistas. “La NFL se está autodestruyendo año tras año”, asegura Johnson.

Muchos republicanos han subido fotos del cantante junto a mensajes con insultos o hirientes, y llaman a boicotear la final. “A Bad Bunny, un marxista demoníaco, se le ha dado el escenario más grande y la audiencia más grande en medio de un avivamiento cristiano... intencionalmente. Esto es parte de una guerra espiritual, y una vez que lo reconoces, no puedes dejar de verlo. Es hora de boicotear la NFL”, dice un usuario.

“Sé que amamos el fútbol. Pero a veces tenemos que tomar una decisión. Primero, nos obligan a arrollidarnos. Luego, las animadoras ”trans“ y masculinas. Y ahora, Bad Bunny, un espectáculo drag demoníaco. Boicot a la NFL”, escribe otro. “Escuchad a vuestro público. Aún hay tiempo de sobra para sacar a Bad Bunny de la Super Bowl. Ningún aficionado al fútbol quiere ver a un tipo con vestido cantar canciones en español que nadie ha oído o escuchado jamás”, pide una mujer.

Posiblemente, al movimiento MAGA le hayan enfadado mucho los artistas de los últimos años, muchos vocalmente defensores de minorías y contrarios a sus intereses, y el anuncio de Dad Bunny haya sido la gota que ha colmado el vaso. Desde Lady Gaga —gran defensora de los derechos LGTBIQ— hasta Kendrik Lamar el año pasado —que ironizó el nacionalismo americano—, pasando por Shakira —también latina— o Rihanna —una de las voces más activas en el movimiento antirracista—.

La empresa del fútbol americano ha dejado claro que está trabajando para garantizar que el evento de 2026 “represente la diversidad cultural del país”. Mientras, el cantante de Puerto Rico, no ha hecho declaraciones.

Del 17 de septiembre al 28 de noviembre se han programado un total de 12 propuestas escénicas que contribuirán a hacer más accesible la cultura, fomentando también el encuentro y la participación a través de las artes escénicas. 

El primer espectáculo que nos espera, este miércoles 17 (19h) en la Plaza Romea de Murcia, es ‘Llar' (Cía. Federico Menini), un montaje que combina circo y arquitectura y que, a través de equilibrios y malabares, creará un universo lleno de humor, ritmo y originalidad para reflexionar sobre el hogar como refugio. Con ‘Llar', que llega a Murcia de la mano del Circuito Circo a Escena, se celebrará además el comienzo oficial de la temporada escénica en Murcia. 

En el Parque Fofó, ‘Sfumato' (Cía. Llum de Fideu) nos invitará también esta semana, el sábado 20 (12:30h), a repensar nuestra relación con otras especies. 

El Edificio Moneo será el 27 de septiembre el escenario vertical de ‘Célula' (Subcielo), un espectáculo de acro-danza que nos hablará, a través del movimiento, de la evolución del amor y de las distintas formas de amar en pareja. 

El teatro de títeres llegará el 3 de octubre a la Plaza de los Patos de Vistabella con ‘La Cabra', una obra de la premiada compañía ‘El Espejo Negro'. Además, los ‘Tres Tristes Trolls' de La Nördika llegarán el 11 de octubre a la Plaza Constitución de Cabezo de Torres. 

Con un enfoque ecológico y comprometido, ‘Cateura' (Alas Circo Teatro) nos invitará el 17 de octubre en la Plaza Camilo José Cela a reflexionar sobre nuestro impacto en el planeta. 

Además, la Plaza de la Paja acogerá este año, el próximo 25 de octubre, ‘Home' (Cris Clown), una divertida propuesta de clown que convierte el drama cotidiano en comedia, mientras que el nuevo espectáculo de Yllana y Nacho Vilar Producciones, ‘Olympics', llegará por su parte el próximo 31 de octubre al Paseo Alfonso X de Murcia. 

En la Plaza de la Torrecilla de Murcia, el 8 de noviembre, ‘Gota' (Txema Muñoz) jugará con la magia y la ilusión para transformar las gotas invisibles de lluvia en ritmos y sorpresas que despertarán la fantasía de todos los asistentes.

 Las clásicas peonzas serán las protagonistas del siguiente espectáculo como es ‘Tot Bé!', ya que el 14 de noviembre, en el Paseo del Malecón de Murcia, la compañía Curolles llevará este tradicional juguete a límites insospechados. 

La Plaza de los Apóstoles volverá también a ser escenario de A Pie de Calle con ‘361 Grados' (Proyecto Tránsito), una propuesta de circo y danza que se verá el 22 de noviembre y que transformará el caos en un auténtico poema visual. 

El ciclo A Pie de Calle finalizará el 28 de noviembre con otro juego tradicional como es ‘Ardatzak' (Zirkozaurre), un espectáculo lleno de verdad y emoción que nos servirá para despedir este ciclo con el que el Ayuntamiento de Murcia reafirma una temporada más su compromiso con la cultura accesible y de calidad.

Toda la información sobre el ciclo A Pie de Calle y las propuestas que lo integran está disponible en la página web del Teatro Circo Murcia (teatrocircomurcia.es).

La Plaza de la Paz de Haro acogerá mañana, día 7, el primer espectáculo del ciclo de animaciones en las calles creado por la compañía de teatro riojana Sapo Producciones con el que el Gobierno de La Rioja conmemora el 40º aniversario de la adhesión de España a las Comunidades Europeas. El objetivo es acercar la UE a los ciudadanos y visibilizar qué hace por los riojanos a través de sus políticas.

Las representaciones recorrerán ocho municipios de La Rioja y son una de las once actividades organizadas este año por el punto Europe Direct en la comunidad para celebrar el éxito que ha supuesto para La Rioja el ingreso de nuestro país en la Unión. Además de acelerar el paso hacia la modernidad de nuestra región, los fondos de las políticas de cohesión gestionados directamente en estas cuatro décadas –1.252 millones de euros, que han supuesto una inversión total de 2.272 millones– han servido para fortalecer la economía de La Rioja y han contribuido al desarrollo y avance social de la región. 

El espectáculo tiene una duración de 30-40 minutos y se va a representar en las siguientes localidades:

Además de estas animaciones de Sapo Producciones, el Gobierno de La Rioja ha conmemorado la efeméride con otras iniciativas, entre ellas, una jornada formativa en la Escuela Riojana de Administración Pública (ERAP), un espectáculo gratuito de magia, acciones divulgativas en colegios, concursos de dibujo y de fotografía, un monólogo cómico en Riojaforum, y el Foro de Economía y Política Regional que reunió en junio en Logroño a representantes del Ministerio de Hacienda y de las comunidades autónomas, en el que se abordó la mejora de la gestión del Fondo Europeo de Desarrollo Regional (FEDER).

Europe Direct es un centro de información financiado y avalado por la Comisión Europea para informar a los ciudadanos sobre la UE, sus derechos y las posibilidades de ejercer una ciudadanía participativa en los ámbitos local y regional. 

En teclejar ibizaparadisebynachocano.comal navegador hi apareixen plànols d’un cantant –ulleres fosques, cabellera al vent, jaqueta blanca amb el pit descobert– i un cos de ball que aixeca els braços i mou el cul. Al fons, una pantalla. I a la pantalla, una multitud dins d’un escenari urbà molt identificable. Cintes al cabell, camisetes psicodèliques i jupetins: tot i que estiguin col·locats en formació de manifestació, aquell vídeo dins del vídeo sembla una festa flower power celebrant-se al cor de Madrid, a la Gran Vía. L’ambient queda resumit en la informació sobreimpresa: “A partir del 12 de setembre. Madrid, Cines Callao. L’autèntica essència hippie i l’esperit lliure d’Eivissa. Música i ball. Sopar. Arts visuals. Xou en anglès amb subtítols en castellà. Comprar ara”.

L’espectacle viu la seua campanya promocional abans de la primera funció. I, tanmateix, té un problema. No petit. El seu nom està en l’aire: el Consell d’Eivissa ha impugnat davant els tribunals de la Unió Europea la marca que Ignacio Cano Martín –qui fou la tercera part de Mecano i que, com indica el nom, és el promotor d’aquesta iniciativa– va registrar a Brussel·les fa uns mesos. El motiu? “Sempre s’impugnen les marques que tenguin Eivissa com a nom. S’ha sol·licitat la nul·litat. Estam pendents de veure en què queda al final”, expliquen des de la institució insular.

Sempre s'impugnen les marques que tinguin Eivissa com a nom. S'ha sol·licitat la nul·litat. Estem pendents d'en què queda al final

Consell d'Eivissa

Consulpi és el despatx especialitzat en qüestions de propietat industrial amb què treballa el Consell per a aquests assumptes. Periòdicament, expliquen des d’aquesta agència amb homologació oficial, rastregen els registres espanyols i europeus per comprovar si han aparegut noves marques susceptibles de ser impugnades. Els darrers mesos se’ls ha girat la feina. Al març van comprovar que Nacho Cano havia registrat dos marques per a la seua festa. Aleshores, Consulpi va enviar a l’Oficina de Propietat Intel·lectual de la Unió Europea “un escrit d’observacions”. Al maig i al juny, l’artista i promotor va rebre sengles vist-i-plaus. Després d’aquella notícia, el 25 de juliol, Consulpi en va reclamar la nul·litat, ampliant les al·legacions. Ara toca esperar la resolució.

Ibiza Paradise by Nacho Cano i Ibiza Paradise (a pèl) no són les úniques impugnacions que s’han fet contra denominacions o productes que utilitzen el topònim oficiós de l’illa, la seua marca turística. A més dels dos registres ideats pel compositor de La fuerza del destino, també se n’ha reclamat la nul·litat de Godbless Ibiza, Moshka Ibiza, Thicc. The Ibiza Clothing Company i Ibiza Fashion TV. Tres marques de roba i un mitjà digital especialitzat en moda i tendències. Des del Consell precisen que aquestes marques, en canvi, estan registrades a Espanya.

Ibiza Paradise by Nacho Cano i Ibiza Paradise (a seques) no són les úniques impugnacions que ha realitzat [Consulpi] contra denominacions o productes que utilitzin el topònim oficiós de l'illa, la seva marca turística. També s'ha reclamat la nul·litat de Godbless Ibiza, Moshka Ibiza, Thicc. The Ibiza Clothing Company i Ibiza Fashion TV

Un topònim conegut a tot el món

Encara hi ha emprenedors àvids de repetir la jugada de l’Ibiza, l’utilitari que, a mitjan vuitanta, va salvar SEAT de la fallida tècnica: a canvi de 825.000 pessetes els concessionaris en van vendre més d’un milió d’unitats d’un cotxe que quedà associat, per sempre, a l’illa. Van passar les dècades i amb l’expansió d’internet, aprofitar-se de la fama del seu topònim per vendre un producte fabricat a Conca o Vladivostok va començar a parèixer bufar i fer botelles. El 2013 –tal com va reflectir el periòdic Noudiari–, el Consell d’Eivissa –també governat llavors amb majoria absoluta pel Partit Popular– ja va mostrar, de forma pública, la seua preocupació: Eivissa era una paraula que apareixia en massa batiades comercials.

Continua havent-hi emprenedors àvids de repetir la jugada de l'Ibiza, l'utilitari que, a mitjan vuitanta, va salvar a SEAT de la fallida tècnica: a canvi de 825.000 pessetes els concessionaris van vendre més d'un milió d'unitats d'un cotxe que va quedar associat, per sempre, a l'illa

La Conselleria de Comerç va detectar més de vuit-centes denominacions que orbitaven sobre el topònim. Aquella llista, llarguíssima, era un autèntic calaix de sastre. Hi havia ulleres de sol, botes per a la neu, fundes per a portàtils, barques salvavides, bicicletes plegables, pestanyes postisses i, fins i tot, màquines de bombolles per a festes. Fins i tot paquets de tabac ros. I, gairebé tot, de fora. Només una quarta part de les marques pertanyien a empreses amb seu social a l’illa.

La Conselleria de Comerç va detectar més de 800 denominacions que pivotaven sobre el topònim Eivissa: hi havia ulleres de sol, botes per a la neu, fundes per a portàtils, bots salvavides, bicicletes plegables, pestanyes postisses, màquines de bombolles per a festes i fins a paquets de tabac ros

La resurrecció del Pereyra

“La marca Ibiza Hippie Heaven està registrada des del 2022, a nom d’InmoSirenis, S.L. No vam tenir oposició al seu registre per part de cap entitat pública. Tenim entès que el Consell no s’oposa a la utilització del topònim Ibiza si l’empresa que sol·licita el registre està radicada a l’illa i el producte o servei ofert no en danya la imatge”. L’explicació, per correu electrònic, la dóna Sirenis Hotels & Resorts: fins fa uns mesos, l’empresa que havia confiat a Nacho Cano la direcció de l’apartat artístic del Pereyra. Fou breu la relació entre el madrileny i aquest teatre d’arquitectura colonial que ressuscitava després de quatre dècades d’abandonament gràcies a una reforma –impecable– valorada en 17 milions d’euros. Encara que el seu fitxatge s’anuncià el 2022, quan es va registrar la marca Ibiza Hippie Heaven, la seva implicació en el dia a dia del recinte amb prou feines es reduí a un estiu. El passat.

“Volem fer alguna cosa un poc diferent, ni millor ni pitjor. Cap teatre manté sempre la mateixa oferta. (...) Tenim diferents visions sobre el futur. Ell està immers en projectes internacionals que esper que li vagin molt bé”, explicà, al març, Pedro Matutes Barceló. Amb aquestes declaracions a les pàgines de Diario de Ibiza, el director general de Sirenis –i màxim valedor de la resurrecció d’un teatre inaugurat el 1897: és besnét d’un dels seus fundadors– evitava oferir raons concretes sobre la ruptura professional amb Nacho Cano. Era un secret a veus, tanmateix, que el cost del sopar-espectacle que havien produït durant mesos per programar-lo a la temporada resultava massa alt per al que podia recaptar un espai que, a l’hivern, ha combinat tardeos amb recitals d’òpera o música de cambra.

En plena campanya turística, a més, el director artístic del teatre ocupà titulars quan Leslie Guadalupe Ochoca, una de les becàries que treballaven al musical Malinche, l’acusà “d’afavorir la immigració il·legal”, una causa que ha estat arxivada per l’Audiència Provincial de Madrid. Ara, des de la cadena hotelera (quatre hotels de quatre estrelles a Eivissa, cinc de cinc estrelles al Carib) es neguen a valorar els plans del madrileny d’endur-se el projecte que no tengué continuïtat a l’illa fins a la Plaza del Callao. elDiario.es es posà en contacte amb el cap de premsa de Nacho Cano per obtenir la seua versió de la història, però no hi hagué declaracions.

Leslie Guadalupe Ochoca, una de les becàries que treballaven en el musical Malinche, va acusar a Nacho Cano “d'afavorir la immigració il·legal”, una causa que ha estat arxivada per l'Audiència Provincial de Madrid

Sospitós semblant entre els dos espectacles

“Volem fer alguna cosa un poc diferent, ni millor ni pitjor. Cap teatre manté sempre la mateixa oferta. (...) Tenim diferents visions sobre el futur. Ell està immers en projectes internacionals que esper que li vagin molt bé”, explicà, al març, Pedro Matutes Barceló. Amb aquestes declaracions a les pàgines de Diario de Ibiza, el director general de Sirenis –i màxim valedor de la resurrecció d’un teatre inaugurat el 1897: és besnét d’un dels seus fundadors– evitava oferir raons concretes sobre la ruptura professional amb Nacho Cano. Era un secret a veus, tanmateix, que el cost del sopar-espectacle que havien produït durant mesos per programar-lo a la temporada resultava massa alt per al que podia recaptar un espai que, a l’hivern, ha combinat tardeos amb recitals d’òpera o música de cambra.

En plena campanya turística, a més, el director artístic del teatre ocupà titulars quan Leslie Guadalupe Ochoca, una de les becàries que treballaven al musical Malinche, l’acusà “d’afavorir la immigració il·legal”, una causa que ha estat arxivada per l’Audiència Provincial de Madrid. Ara, des de la cadena hotelera (quatre hotels de quatre estrelles a Eivissa, cinc de cinc estrelles al Carib) es neguen a valorar els plans del madrileny d’endur-se el projecte que no tengué continuïtat a l’illa fins a la Plaza del Callao. elDiario.es es posà en contacte amb el cap de premsa de Nacho Cano per obtenir la seua versió de la història, però no hi hagué declaracions.

Perquè Ibiza Paradise s’assembla molt a Ibiza Hippie Heaven, que es promocionava així: “Una experiència amb la música en directe com a fil conductor que transportarà els assistents a través del temps amb l’arribada dels hippies a l’illa a finals dels anys 60”. De retorn al web del nou projecte –que també promet “autenticitat”, “llibertat”, “amor”, “esperit lliure”–, a la pestanya “experiència” s’hi llegeix: “Aquest espectacle amb sopar en viu combina la màgia de l’espectacle en directe amb una experiència sensorial única d’aproximadament dues hores de durada. Cada funció transporta el públic a un univers immersiu on convergeixen història, música, ball i una atmosfera vibrant, dissenyada acuradament per evocar l’esperit lliure i l’essència de l’Eivissa dels anys 70”.

La columna del text té a l’esquerra un pòster –un home amb una guitarra enfundada passeja sota l’edifici Carrión, el que té a la terrassa aquell anunci de Schweppes d’on quedaren penjats Álex Angulo i Santiago Segura a El día de la bestia– que vol arrodonir la idea: allò eivissenc al moll de l’os madrileny. Això sí, a un preu força més econòmic. Si el sopar al Pereyra costava 250 euros, als Cines Callao oscil·larà entre 60 i 90.

“Eivissa encara conserva aquell halo que et permet ser tu mateix”. Així titulava la Guia Repsol una entrevista amb Nacho Cano, publicada el 30 de març de 2023. A la foto principal, mentre mira a l’infinit sobre uns penya-segats situats a la costa nord d’Eivissa, el teclista apareix –fins i tot en interiors– amb unes ulleres d’aviador que només es traurà en un parell de les nou imatges en què el retraten als seus llocs preferits de l’illa. Al text explica que hi arribà als vuitanta –per tocar al KU amb Mecano–, mitifica la llibertat individual que atorga “l’halo hippie”. Critica “el turisme massiu que arrasa allà on passa” (alhora que lloa els hotels de luxe que “ja tenen un intent de respecte per l’entorn, de molestar el menys possible la natura”).

Eleva l’illa a l’alçada de “Londres i Nova York” com les tres capitals d’un “cosmopolitisme” que defensa aferrissadament: “Això és patent en el fet que la majoria dels negocis els regenta gent de fora. A mi que les persones es desenvolupin i vulguin viure millor, que creïn riquesa, la comparteixin i l’estimulin, si és en un ambient de creativitat i excel·lència, em sembla fantàstic”. Allò eivissenc queda reduït a un parell de negocis centenaris en un “paradís a dos hores en avió de París o Amsterdam” del qual Nacho Cano valora “la mar sense taurons”, tan propera a ca seua que, des d’una terrassa que podria passar per la torreta de vigilància del Pequod de Moby Dick, ha arribat “a albirar balenes”.

L’amic eivissenc de Díaz Ayuso

Tres mesos després de creuar-li una banda vermella sobre el pit i imposar-li la Gran Creu de l’Orde del Dos de Maig, una de les distincions més importants que atorga la Comunitat de Madrid, Isabel Díaz Ayuso visità la casa eivissenca de Nacho Cano. L’amistat que els uneix es féu palesa en aquella cerimònia oficial: el cantant digué, just abans de treure’s la banda i passar-la pel coll de la política: “Els meus amics d’Austràlia, de Nova York, de Londres em cridaven: escolta, Nacho, què passa, Madrid és un miracle, estan oberts els teatres! Quin és el nom d’aquest miracle? Aquest miracle té cames, cap i cor perquè totes aquestes famílies han pogut continuar donant art, i donant cultura i donant il·lusió, que sense això tampoc no hi ha vida. (...) La medalla de l’art i la cultura, per ser tan valenta i tan bona presidenta, enguany te la mereixes tu”.

Tots dos anaven emmascarats. Era la primavera de 2021. En aquell maig madrileny, la covid-19 deixà 3.891 morts, segons dades de l’INE. Tres anys després, Ayuso no faltà, al Pereyra, a l’estrena d’Ibiza Hippie Heaven. El proper 12 de setembre, divendres, Nacho Cano estrenarà –hi haurà dos passis– la resurrecció capitalina de l’espectacle que no va funcionar entre els eivissencs. En principi, amb el nom de l’illa imprès a les entrades. Sempre que des de Brussel·les no donin abans la raó al Consell d’Eivissa.

Al teclear ibizaparadisebynachocano.com en el navegador aparecen planos de un cantante –gafas ahumadas, melena alborotada, chaqueta blanca con el pecho al descubierto– y un cuerpo de baile, que alza los brazos, agita el culo. Al fondo, una pantalla. Y en la pantalla, una muchedumbre dentro de un escenario urbano muy reconocible. Cintas en el pelo, camisetas psicodélicas y chalecos: aunque estén colocados en formación de manifa, ese vídeo dentro del vídeo parece una fiesta flower power celebrándose en el corazón de Madrid, en la Gran Vía. Ese ambiente está resumido en la información sobreimpresionada: “A partir del 12 de septiembre. Madrid, Cines Callao. La auténtica esencia hippie y el espíritu libre de Ibiza. Música y baile. Cena. Artes visuales. Show en inglés con subtítulos en español. Comprar ahora”.

El espectáculo vive su campaña promocional antes de la primera función. Y, sin embargo, tiene un problema. No pequeño. Su nombre está en el alambre: el Consell d’Eivissa ha impugnado ante los tribunales de la Unión Europea la marca que Ignacio Cano Martín –quien fuera la tercera parte de Mecano es, ya lo dice el nombre, el promotor de esta iniciativa– registró en Bruselas hace unos meses. ¿El motivo? “Siempre se impugnan las marcas que tengan Ibiza como nombre. Se ha solicitado la nulidad. Estamos pendientes de en qué queda al final”, explican desde la institución insular.

Siempre se impugnan las marcas que tengan Ibiza como nombre. Se ha solicitado la nulidad. Estamos pendientes de en qué queda al final

Consell de Eivissa

Consulpi es el despacho especializado en cuestiones de propiedad industrial con el que trabaja el Consell para estos asuntos. Periódicamente, explican desde esta agencia con homologación oficial, rastrean los registros españoles y europeos para comprobar si han aparecido nuevas marcas susceptibles de ser impugnadas. En los últimos meses han tenido trabajo. En marzo comprobaron que Nacho Cano había registrado dos marcas para su fiesta. Entonces, Consulpi remitió a la Oficina de la Propiedad Intelectual de la Unión Europea “un escrito de observaciones”. En mayo y junio, el artista y promotor recibió sendos vistos buenos. Tras esa noticia, el 25 de julio, Consulpi reclamó la nulidad, ampliando las alegaciones. Ahora toca esperar la resolución.

Ibiza Paradise by Nacho Cano e Ibiza Paradise (a secas) no son las únicas impugnaciones que ha realizado contra denominaciones o productos que utilicen el topónimo oficioso de la isla, su marca turística. Además de los dos registros ideados por el compositor de La fuerza del destino, también se ha reclamado la nulidad de Godbless Ibiza, Moshka Ibiza, Thicc. The Ibiza Clothing Company e Ibiza Fashion TV. Tres marcas de ropa y un medio digital especializado en moda y tendencias. Desde el Consell precisan que esas marcas, en cambio, están registradas en España.

Ibiza Paradise by Nacho Cano e Ibiza Paradise (a secas) no son las únicas impugnaciones que ha realizado [Consulpi] contra denominaciones o productos que utilicen el topónimo oficioso de la isla, su marca turística. También se ha reclamado la nulidad de Godbless Ibiza, Moshka Ibiza, Thicc. The Ibiza Clothing Company e Ibiza Fashion TV

Un topónimo conocido en todo el mundo

Sigue habiendo emprendedores ávidos de repetir la jugada del Ibiza, el utilitario que, a mediados de los ochenta, salvó a SEAT de la quiebra técnica: a cambio de 825.000 pesetas los concesionarios vendieron más de un millón de unidades de un coche que quedó asociado, por siempre, a la isla. Pasaron las décadas y con la expansión de internet, aprovecharse de la fama de la isla para vender un producto fabricado en Cuenca o Vladivostok empezó a parecer sencillo. En 2013 –como reflejó el periódico Noudiari–, el Consell d’Eivissa –también gobernado entonces con mayoría absoluta por el Partido Popular– dio muestras, de forma pública, de su preocupación: Ibiza era una palabra que aparecía en demasiados bautizos comerciales.

Sigue habiendo emprendedores ávidos de repetir la jugada del Ibiza, el utilitario que, a mediados de los ochenta, salvó a SEAT de la quiebra técnica: a cambio de 825.000 pesetas los concesionarios vendieron más de un millón de unidades de un coche que quedó asociado, por siempre, a la isla

La Conselleria de Comerç detectó más de ochocientas denominaciones que pivotaban sobre el topónimo. Esa lista, larguísima, era un cambalache. Había gafas de sol, botas para la nieve, fundas para portátiles, balsas salvavidas, bicicletas plegables, pestañas postizas e, incluso, máquinas de burbujas para fiestas. Hasta cajetillas de tabaco rubio. Y, casi todo, de fuera. Apenas la cuarta parte de las marcas pertenecían a empresas con sede social en la isla.

La Conselleria de Comerç detectó más de 800 denominaciones que pivotaban sobre el topónimo Ibiza: había gafas de sol, botas para la nieve, fundas para portátiles, balsas salvavidas, bicicletas plegables, pestañas postizas, máquinas de burbujas para fiestas y hasta cajetillas de tabaco rubio

La resurrección del Pereyra

“La marca Ibiza Hippie Heaven está registrada desde 2022, a nombre de InmoSirenis, S.L. No tuvimos oposición a su registro por parte de ninguna entidad pública. Tenemos entendido que el Consell no se opone a la utilización del topónimo Ibiza si la empresa que solicita el registro está radicada en la isla y el producto o servicio ofrecido no daña su imagen”. La explicación, por correo electrónico, la brinda Sirenis Hotels & Resorts: hasta hace unos meses, la empresa que había confiado en Nacho Cano para dirigir el apartado artístico del Pereyra. Fue breve la relación entre el madrileño y este teatro de arquitectura colonial que resucitaba después de cuatro décadas de abandono tras una reforma –impecable– valorada en 17 millones de euros. Aunque su fichaje se anunció en 2022, cuando se registró la marca Ibiza Hippie Heaven, su implicación en el día a día del recinto apenas se redujo a un verano. El pasado.

“Queremos hacer algo un poco diferente, ni mejor ni peor. Ningún teatro mantiene siempre la misma oferta. (...) Tenemos diferentes visiones sobre el futuro. Está inmerso en proyectos internacionales que espero que le vayan muy bien”, explicó, en marzo, Pedro Matutes Barceló. Con estas declaraciones en las páginas de Diario de Ibiza, el director general de Sirenis –y máximo valedor de la resurrección de un teatro inaugurado en 1897: es bisnieto de uno de sus fundadores– evitaba dar razones concretas sobre la ruptura profesional con Nacho Cano. Era un secreto a voces, sin embargo, que el coste de la cena-espectáculo que habían producido durante meses para programarla durante la temporada resultaba demasiado alto para lo que podía recaudar un espacio que, en invierno, ha combinado tardeos con recitales de ópera o música de cámara.

En mitad de la campaña turística, además, el director artístico del teatro ocupó titulares cuando Leslie Guadalupe Ochoca, una de las becarias que trabajaban en el musical Malinche, lo acusó “de favorecer la inmigración ilegal”, una causa que ha sido archivada por la Audiencia Provincial de Madrid. Ahora, desde la hotelera (cuatro hoteles de cuatro estrellas en Eivissa, cinco de cinco estrellas en el Caribe) rehúsan valorar el plan del madrileño de llevarse la idea que no tuvo continuidad en la isla hasta la Plaza del Callao. elDiario.es se puso en contacto con el jefe de prensa de Nacho Cano para obtener su versión de la historia, pero no hubo declaraciones.

Leslie Guadalupe Ochoca, una de las becarias que trabajaban en el musical Malinche, acusó a Nacho Cano “de favorecer la inmigración ilegal”, una causa que ha sido archivada por la Audiencia Provincial de Madrid

Sospechoso parecido entre los dos espectáculos

Porque Ibiza Paradise se parece mucho a Ibiza Hippie Heaven, que se promocionaba así: “Una experiencia con la música en vivo como hilo argumental que transportará a los asistentes a través del tiempo con la llegada de los hippies a la isla a finales de los años 60”.De regreso a la web del nuevo proyecto –que también promete “autenticidad”, “libertad”, “amor”, “espíritu libre”, en la pestaña “experiencia” se lee: “Este espectáculo con cena en vivo, combina la magia del espectáculo en vivo con una experiencia sensorial única de aproximadamente dos horas de duración. Cada función transporta al público a un universo envolvente donde convergen historia, música, baile y una atmósfera vibrante, cuidadosamente diseñada para evocar el espíritu libre y la esencia de la Ibiza de los años 70”.

La columna del texto tiene a su izquierda un póster –un tipo con una guitarra enfundada pasea bajo el edificio Carrión, el que tiene en la azotea aquel anuncio de Schweppes del que se quedaron colgando Álex Angulo y Santiago Segura en El día de la bestia– que quiere redondear la idea: lo ibicenco en el meollo madrileño. Eso sí, a un precio bastante más económico. Si la cena en el Pereyra costaba 250 euros, en los Cines Callaos oscilará entre 60 y 90.

“Ibiza todavía conserva ese halo que te permite ser tú mismo”. Así titulaba la Guía Repsol una entrevista con Nacho Cano, publicada el 30 de marzo de 2023. En la foto principal, mientras mira al infinito sobre unos acantilados situados en la costa norte de Eivissa, el teclista aparece –incluso en interiores– con unas gafas de aviador que tan solo se quitará en un par de las nueve imágenes en las que lo retratan en sus lugares favoritos de la isla. En el texto explica que llegó en los ochenta –para tocar en KU con Mecano–, mitifica la libertad individual que otorga “el halo hippie”. Critica “el turismo masivo que arrasa por donde pasa” (a la vez que alaba los hoteles de lujo que “tienen ya un intento de respeto por el entorno, de fastidiar lo menos posible a la naturaleza”).

Eleva a la isla a la altura de “Londres y Nueva York” como las tres capitales de un “cosmopolitismo” que defiende a capa y espada: “Eso es patente en el hecho de que la mayoría de los negocios los regentan gente de fuera. A mí que las personas se desarrollen y quieran vivir mejor, que creen riqueza, la compartan y la estimulen, si es en un ambiente de creatividad y excelencia, me parece fantástico”. Lo ibicenco queda reducido a un par de negocios centenarios en un “paraíso a dos horas en avión de París o Ámsterdam” del que Nacho Cano valora “el mar sin tiburones”, tan cercano a su domicilio que, desde una terraza que podría pasar por la torre de vigía del Pequod de Moby Dick, ha llegado “a avistar ballenas”.

El amigo ibicenco de Díaz Ayuso

Tres meses después de cruzarle una banda roja sobre el pecho e imponerle la Gran Cruz de la Orden del Dos de Mayo, una de las distinciones más importantes que otorga la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso visitó la casa ibicenca de Nacho Cano. La amistad que les une se hizo patente en aquella ceremonia oficial: el cantante dijo, justo antes de quitarse la banda y ponérsela a la política: “Mis amigos de Australia, de Nueva York, de Londres me llamaban: oye, Nacho, ¡qué pasa, Madrid es un milagro, están abiertos los teatros! ¿Cuál es el nombre de ese milagro? Ese milagro tiene piernas, cabeza y corazón porque todas esas familias han podido seguir dando arte, y dando cultura y dando ilusión, que sin eso tampoco hay vida. (...) La medalla del arte y la cultura, por ser tan valiente y tan buena presidenta, este año te la mereces tú”.

Ambos iban enmascarados. Era la primavera de 2021. En aquel mayo madrileño, el covid-19 dejó 3.891 muertos, según datos del INE. Tres años después, Ayuso no faltó, en el Pereyra, al estreno de Ibiza Hippie Heaven. El próximo 12 de septiembre, viernes, Nacho Cano estrenará –habrá dos pases– la resurrección capitalina del espectáculo que no funcionó entre los ibicencos. En principio, con el nombre de la isla impreso en los billetes. Siempre que desde Bruselas no le den la razón antes al Consell d’Eivissa.

Taylor Swift ha presentado su duodécimo álbum de estudio, The Life of a Showgirl. Rinde homenaje al cabaret, contiene doce canciones y verá la luz el próximo 3 de octubre. Tras una meteórica carrera que la ha llevado a convertirse en la artista con más discos vendidos de este siglo, y después de adjudicarse la gira más taquillera de todos los tiempos con su The Eras Tour, la compositora estadounidense sigue forjando su leyenda con este esperado proyecto, que narra “aquello que ocurría detrás de bambalinas” en su vida durante estos últimos dos años. Se trata del nuevo capítulo musical del mayor fenómeno que se recuerda en el mundo de la cultura, por lo que, sin haberse publicado todavía, ya está destinado a marcar el futuro de la industria.

La artista más aclamada de su generación ha hablado en profundidad sobre este trabajo en el pódcast New Heights, presentado por su novio Travis Kelce y su cuñado Jason Kelce, que ha supuesto su primera entrevista televisada desde 2022. En esta, además de dar detalles sobre The Life of a Showgirl, explicó algunas de sus tradiciones con sus fans —los denominados swifties—, narró su experiencia como una de las figuras clave del fútbol americano y se confesó sobre la importancia de lograr ser dueña de su música, una victoria sin precedentes en el sector discográfico. La expectación era tan alta que provocó que el episodio se paralizara en YouTube, desde donde lo seguían 1,3 millones de espectadores en el momento de su estreno, rompiendo un récord en la plataforma pese a también emitirse a la vez en otras como Apple, Amazon y Spotify.

En cuanto a su inminente álbum, Swift ha contado que lo creó en Europa cuando la gira The Eras Tour tuvo lugar en el continente el año pasado. “Daba como tres conciertos seguidos. Tenía tres días libres, volaba a Suecia, volvía y, de hecho, me gustaba trabajar en esto. Estaba agotada físicamente a estas alturas del tour, pero mentalmente estaba muy estimulada y emocionada por crear”, ha comentado en New Heights. “Este disco trata sobre lo que ocurría detrás de bambalinas en mi vida durante esta gira, que ha sido exuberante, eléctrica y vibrante. Estoy muy orgullosa y proviene de la etapa más contagiosamente alegre, desenfrenada, alocada y dramática en la que me he encontrado, así que esa efervescencia se ha dejado notar en el álbum”, ha añadido, describiéndolo como “temazos”.

La artista ha afirmado que The Life of a Showgirl está compuesto por temas que tienen “melodías tan contagiosas que casi te enfadan y letras vívidas, nítidas, concisas y completamente intencionales”. Sus títulos, en orden, son los siguientes: The Fate of Ophelia, Elizabeth Taylor, Opalite, Father Figure, Eldest Daughter, Ruin the Friendship, Actually Romantic, Wi$h Li$t, Wood, Cancelled!, Honey y la canción homónima The Life of a Showgirl. Esta última es una colaboración con Sabrina Carpenter, uno de los nombres más importantes de la escena pop actual a raíz de ser telonera en la gira The Eras Tour. Las doce canciones serán la totalidad del álbum, pues en esta ocasión no habrá lanzamientos sorpresa como en Midnights (2022) ni un disco doble como en The Tortured Poets Department (2024).

Swift ha señalado que cada tema está en el álbum por “cientos de razones”, por lo que no podías añadir ni quitar ninguno y que siguiera siendo “el mismo álbum”: “Así está perfecto. Ese enfoque y ese tipo de disciplina al crear un disco y mantener el listón muy alto es algo que he querido hacer desde hace mucho tiempo”. “Me encanta componer muchísima música, así que es tentador publicar mucha música”, contó la artista en alusión a las 31 pistas de su anterior trabajo. “Pero quería hacer un álbum tan centrado en la calidad, la temática y que todo encajara como un rompecabezas, que con estas doce canciones para mi duodécimo álbum creo que lo logramos”, agregó.

El proyecto reivindica el cabaret, un tipo de entretenimiento nocturno, originado en Francia a finales del siglo XIX, que combina música, danza, teatro y, a menudo, elementos cómicos o satíricos. Dejándose abrazar por todo lo estrafalario de la vida de las coristas y por vestuarios llenos de plumas, Swift se sumerge en este universo en The Life of a Showgirl. Sin embargo, la portada juega con aquello que no se ve, lo que sucede tras bambalinas. “Representa el final de mi noche. Cuando estoy de tour, tengo el mismo día todos los días. Y mi día termina conmigo en una bañera, no con un vestido deslumbrante”, ha explicado la intérprete a los hermanos Kelce. La cubierta combina el verde y el naranja con una tipografía llamativa, apostando así por la grandilocuencia del cabaret.

“Quería glorificar los diferentes aspectos de cómo se sintió la gira. Y así es cómo se sentía al final de la noche, cuando todo había terminado. No podrás irte a la cama hasta las cuatro de la madrugada después de esto, pero tuviste que superar 50 millones de dificultades en esta carrera de obstáculos que es tu espectáculo. Y lo conseguiste. Te quedan dos más seguidas. Pero lo has conseguido esta noche”, ha subrayado la artista sobre el mensaje de la portada, que es conceptual. “La razón por la que quería que un momento de detrás del escenario fuera la portada del disco es porque el disco no trata realmente de lo que pasaba en el escenario, sino de lo que pasaba fuera”, ha apuntado, indicando que esta imagen dice más sobre el álbum en cuanto a sus letras.

No obstante, la portada también hace referencia al cuadro del pintor inglés John Everett Millais sobre Ofelia, a la que Swift dedica la pista de apertura de The Life of a Showgirl, un personaje silenciado por Shakespeare y la psiquiatría victoriana que se transformó en bandera feminista. En Hamlet, Ofelia es una herramienta en los juegos de poder de su padre Polonio, quien la usa para espiar al príncipe Hamlet. Pero él, herido por el rápido matrimonio de su madre con el asesino de su padre, proyecta su misoginia en la joven. Tras la muerte de Polonio a manos de Hamlet y el rechazo del príncipe, Ofelia enloquece. Su ahogamiento transforma el dolor en espectáculo, y, en algunas interpretaciones, Ofelia canta mientras su ropa se empapa y ella se hunde.

Durante la espera hasta el estreno de su entrevista en New Heights, Swift publicó una playlist titulada And, baby, that's show business for you, compuesta por todas sus canciones producidas por los suecos Max Martin y Shellback. Estos productores, que han trabajado en los álbumes Red (2012), 1989 (2014) y Reputation (2017), llevan ocho sin colaborar con ella. Ahora, la compositora vuelve a reunirlos en el estudio para The Life of a Showgirl tras haber creado con ellos clásicos como Blank Space, Style y Shake It Off. “Son genios en diferentes ámbitos, de diferentes maneras”, ha enfatizado la artista, que añade que “la vida es más animada” y eso se percibe en el sonido. “Quiero estar tan orgullosa de un álbum como lo estoy de la gira The Eras Tour, y por las mismas razones”, ha recordado que le dijo a Martin.

Aunque la industria musical tendrá que esperar al 3 de octubre para escuchar cómo suena el nuevo proyecto de Swift, mientras podrá escuchar el resto de su obra, que ya posee la artista en su totalidad. Con respecto a ser dueña de su música, la estadounidense ha revelado que envió a su madre y a su hermano a hablar con Shamrock Holdings, empresa que había comprado sus discos, para poder hacerse con los derechos. Optó por hacerlo así en vez de con abogados porque buscaba transmitir toda la emoción involucrada en ello.

“Un par de meses después de la Super Bowl en Kansas City, recibí una llamada de mi madre”, ha relatado Swift. “Me dijo: '¡Ya tienes tu música!'. Me tiré al suelo de forma dramática, llorando a mares, como diciendo: '¿En serio?'. Me dije a mí misma: 'Ve a decírselo a Travis con normalidad'. Estaba jugando videojuegos y se quitó los auriculares. Le dije: '¡Ya recuperé mi música!'. Y lloré sin parar. Esto me ha cambiado la vida”, ha admitido. La compositora volvió a recalcar lo mucho que significa para ella ser dueña de sus canciones, escritas sobre cada etapa de su vida.

Relación pública con Travis Kelce

La cantante, que había apostado por la privacidad durante su relación con el actor británico Joe Alwyn, con quien estuvo saliendo seis años, cambió de planes desde que es pareja del jugador de fútbol americano Travis Kelce. En una entrevista concedida a la revista Time en 2023, cuando fue considerada la persona del año, Swift desveló que se sienten “orgullosos el uno del otro”: “Cuando dices que una relación es pública, significa que voy a verle hacer lo que le gusta, que estamos dando la cara el uno por el otro, que hay otras personas y que no nos importa. Lo contrario es que tienes que esforzarte mucho para que nadie sepa que estás saliendo con alguien”.

El apoyo que ambos se brindan se ha reflejado en sus profesiones. Travis Kelce acudió a numerosos conciertos de la última gira de Swift, mientras que ella hizo lo propio con los partidos de Kelce con su equipo Kansas City Chiefs. De hecho, la Super Bowl que se llevaron los Chiefs en 2024 venciendo a los San Francisco 49ers se convirtió en el evento más visto de la historia de la televisión en Estados Unidos con permiso de la llegada a la Luna, gracias a la presencia de Taylor Swift como principal aliciente. En cuanto a cómo lidian ambos con la especulación pública sobre su relación, Swift ha reconocido que no ve muchas cosas: “Llevo 20 años en la industria musical. Es muy difícil herir mis sentimientos a estas alturas”.

La NFL ha logrado sacar rentabilidad a la aparición de Swift en los partidos, enfocándola durante varios segundos en cada encuentro al que asiste. Tanto es así que algunos seguidores han mostrado su malestar cuando la enfoca la cámara, llegándola a abuchear en la pasada Super Bowl. Ella, sin embargo, ha confesado en su entrevista para New Heights que no es algo que le importe. “Hay muchos aficionados masculinos del deporte que escuchan vuestro pódcast. Creo que todos sabemos que, si hay algo que los fans del deporte quieren ver en sus espacios y pantallas, es más de mí”, ha declarado irónicamente.

Pistas para aumentar las expectativas

La artista anticipó el anuncio a inicios de semana a través de Taylor Nation, el equipo de redes sociales de Swift. “Pensando sobre cuando ella dijo 'Nos vemos en la próxima era'”, publicó en acompañamiento de doce fotografías de la estadounidense en su The Eras Tour. Todas ellas tenían algo en común: los vestidos de Taylor Swift eran de color naranja. La cantante, que ha popularizado en la industria musical el concepto de las eras para diferenciar las etapas promocionales de cada álbum, ha usado los colores para distinguir la estética de sus discos. En esta ocasión ha apostado por el símbolo del corazón en llamas.

Desde entonces, la compositora siguió dando pistas acerca de su nuevo proyecto, culminando con el anuncio del título de The Life of a Showgirl el martes 12 de agosto a las 12:12 horas de la madrugada en Estados Unidos. Lo hizo a través de un vídeo promocional del pódcast New Heights, que la presentaba como su próxima invitada, publicando en redes sociales el fragmento del episodio en el que Swift enseñaba la portada, todavía borrosa para continuar con el misterio. La cuenta atrás había comenzado, pues el pódcast se estrenaría el 13 de agosto, día que coincide con el número de la suerte de la artista.

Una revolución comercial

Los lanzamientos de Taylor Swift siempre son un terremoto, tanto dentro de la industria musical como fuera de ella. Las marcas de empresas internacionales como X, Fox o TMZ han aprovechado para cambiar su foto de perfil en redes sociales para adaptar el diseño de sus logos a la temática del disco. Asimismo, Google y TikTok han implementado en sus plataformas animaciones interactivas que aparecen cada vez que alguien busca el nombre de la cantante dentro de ellas. En Instagram, el vídeo con el que Swift anunciaba el título del álbum se ha convertido en el más visto de la historia de la aplicación en sus primeras 24 horas, acumulando 134 millones de reproducciones.

La artista, además, habilitó una prepreventa de The Life of a Showgirl tras dar a conocer el nombre del trabajo, que provocó una cola de espera de hasta una hora en su página web para poder comprarlo. Para ese entonces, aún no se conocía la portada, el título de las canciones ni su fecha de lanzamiento, pero la publicación de un nuevo álbum de Swift es suficiente para lograr una demanda sin precedentes de cedés y vinilos en la era digital. La compositora, convertida en una gigante del streaming, también ha logrado consolidarse como una de las mayores fuerzas en venta física.

Su último proyecto, The Tortured Poets Department, vendió la mastodóntica cifra de 2,6 millones de copias únicamente en Estados Unidos durante su primera semana. Además, rompió el récord del álbum más escuchado en un solo día en Spotify con 313 millones de reproducciones. El anterior récord lo ostentaba la propia Swift con su décimo disco, Midnights, que acumuló más de 180 millones de reproducciones a lo largo de sus 24 primeras horas en la plataforma. En España, The Tortured Poets Department fue el álbum más vendido de 2024, convirtiendo a Taylor Swift en la primera artista de habla no hispana que lidera la venta de discos en todo el siglo.