Sentirse joven después de los 26 ya no es solo una cuestión de actitud. El Ayuntamiento de Madrid acaba de anunciar que su versión del bono cultural, el JOBO, se ampliará hasta los 30 años de edad para “acompañar durante más tiempo a una generación que ya ha incorporado el teatro, la danza, el cine o la música en directo como parte de su forma de vivir la ciudad”. Es lo que ha destacado la concejala de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, que abrirá el ángulo a partir de la siguiente temporada de espectáculos, la de 2026-2027.

Una vez que concluya el verano, los jóvenes de entre 16 y 30 años podrán solicitar su Joven Bono Cultural, nombre oficial del JOBO, que da acceso gratuito a la programación de siete espacios municipales dedicados a la cultura: Nave 10 Matadero; el Teatro Español o el Circo Price; el Fernán Gómez (Centro Cultural de la Villa); el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque; la Cineteca y Centro Danza Matadero. Hasta ahora, los mayores de 26 años dejaban de ser beneficiarios, pero quienes hayan perdido su cuenta por esta razón podrán volver a solicitar el JOBO y recuperar su usuario habitual, tal y como detallan desde el consistorio.

Asimismo, quienes tuvieran ya 26 años y al inicio de la nueva temporada de espectáculos haya cumplido los 27 no tendrá que renovar su bono, pues se hará de forma automática. En cambio, quienes estuvieran ya fuera de ese rango en la veintena tienen que volver a expedir su título.

Mejoras digitales para prevenir un uso desaprovechado

Con esta ampliación en la edad, el Ayuntamiento de Madrid busca “consolidar nuevos públicos para los equipamientos municipales y favorecer el descubrimiento de nuevas disciplinas artísticas entre las generaciones más jóvenes”, por lo que también se ha optimizado el sistema de reservas para “prevenir el absentismo en las entradas reservadas a través de JOBO”, y facilitar su aprovechamiento real. Esto es algo que ya ocurrió con el abono Verano Joven de Renfe, que terminó creando un modelo de sanciones para penalizar a quienes ocuparan un billete con descuento y luego no lo utilizaran.

Desde su puesta en marcha, JOBO ha facilitado más de 300.000 entradas a distintos espectáculos que han tenido lugar en Madrid, favoreciendo el acceso de los jóvenes a la oferta municipal y fomendo que esta pueda extenderse hacia nuevos públicos u horizontes. Cada usuario puede obtener una entrada por espectáculo y asistir a un evento al día, siempre dentro de las actividades incluidas en el programa y hasta completar el cupo reservado para JOBO.

El bono puede solicitarse de forma sencilla a través de la plataforma de venta de entradas de Madrid Destino, o bien de forma presencial en el Centro de Turismo de la plaza Mayor. Una vez validado el registro, los usuarios pueden acceder con su cuenta personal para descargar gratuitamente las entradas disponibles para la programación adherida al programa. Las entradas pueden reservarse desde diez días antes de la celebración de cada espectáculo y son personales e intransferibles.

El consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, ha presentado este miércoles la 58.ª edición de Crónica Najerense, que se celebrará del 21 al 25 de julio, a las 22:30 horas, en la plaza de Santa María de Nájera. En el acto de presentación ha estado acompañado por el presidente de la Asociación Crónica Najerense, Rafael Sánchez; la directora del espectáculo, Mabel del Pozo; y el alcalde de Nájera, Jorge Salaverri. La representación histórico-teatral, declarada Fiesta de Interés Turístico Regional, alcanzará además un hito en su trayectoria al celebrar el próximo 21 de julio su función número 300.

La 58.ª edición incorpora como principal novedad la creación del Heraldo de la Crónica, una figura concebida para anunciar oficialmente cada edición y contribuir a reforzar la proyección social y cultural de este espectáculo. El primer Heraldo de la Crónica será Bernardo Sánchez Salas, en reconocimiento a su prestigiosa trayectoria profesional y a su contribución al ámbito de la literatura, el cine y la cultura riojana. El pregón tendrá lugar el próximo 10 de julio, a las 20:30 horas, en el Claustro de los Caballeros del monasterio de Santa María la Real de Nájera, con entrada libre hasta completar el aforo.

Junto a esta iniciativa, la asociación organizadora ha renovado completamente las butacas del recinto, dando respuesta a una de las principales demandas del público y mejorando la comodidad de los más de 2.000 espectadores que cada año disfrutan de las representaciones.

Durante la presentación, el consejero José Luis Pérez Pastor ha resaltado que esta representación está “considerada la decana de las representaciones históricas de España, un reconocimiento que se justifica no solo por la representación en sí misma, sino por la implicación de toda una comunidad que se va cediendo los papeles y que recuerda con cariño a aquellos que ya no están. Todo esto da forma a una tradición con voz propia en La Rioja que nos gusta presentar y a la cual nos gusta acudir”.

“La crónica siempre es la misma, pero siempre es diferente”

Asimismo, la directora del espectáculo, Mabel del Pozo ha puesto el acento en que “la crónica siempre es la misma, pero siempre es diferente, porque tiene que ver con la tradición y con el presente, con el respeto profundo a los que nos antecedieron y también por el momento que vivimos. Intentamos seguir respetando profundísimamente de dónde venimos y quiénes somos, pero también teniendo la mirada puesta en este momento y en los que vienen”.

Para el alcalde de Nájera, Jorge Salaverri, detrás de cada representación “hay un vecino de Nájera que ensaya, cose y deja su vida a un lado durante un tiempo para encarnar el pasado de su pueblo. El verdadero motor son las 300 personas que sustentan el espectáculo”. El cartel de este año cuenta con el lema ‘Nájera, el pasado late aquí’, reflejando que “no se trata de una historia encerrada en un museo, sino de una historia viva que se siente diariamente en las calles”, ha apuntado el alcalde.

Con la misma ilusión con la que nació hace casi seis décadas, Crónica Najerense volverá a trasladar al público a los orígenes históricos del antiguo Reino de Nájera-Pamplona mediante una propuesta escénica que combina rigor histórico, emoción y espectáculo.

Así será la representación

La representación comienza con un recorrido por el mundo de los berones, primeros pobladores de estas tierras, antes de adentrarse en la Nájera medieval a través de un viaje en el tiempo que recorre algunos de los episodios más relevantes de la historia riojana. Entre ellos destacan la proclamación del Fuero de Nájera, un Juicio de Dios, una boda real, el célebre Reparto del Reino —una de las escenas más multitudinarias y emblemáticas de la obra, con alrededor de 150 personas sobre el escenario—, el entierro del rey Sancho III, la historia de amor de Celia y Marcelo o el hallazgo de la imagen de la Virgen.

La puesta en escena volverá a combinar interpretación, música, iluminación y efectos escénicos para ofrecer una experiencia inmersiva bajo la dirección de Mabel del Pozo, recientemente distinguida con el Galardón de las Artes y la Cultura de La Rioja.

La edición de 2026 incorpora además importantes novedades artísticas con la renovación de varios de los personajes principales. Eduardo Aranzubía interpretará a Sancho III el Mayor, Ricardo Llerena asumirá el papel del jefe berón y Malena Betolaza dará vida a doña Estefanía.

Las entradas para la 58.ª edición pueden adquirirse ya a través de la página web de Crónica Najerense y, a partir del 15 de julio, también en la taquilla del cine Doga, de lunes a sábado, de 18:00 a 21:00 horas. El precio general será de 15 euros, con tarifas reducidas para mayores de 65 años y niños.

Un total de once municipios de Cantabria acogen este fin de semana las actuaciones del circuito cultural 'Territorio'. La programación promovida por la Consejería de Cultura arrancará este viernes con seis propuestas repartidas por la región. A las 18.00 horas, los jardines del Ayuntamiento de Gama, en Bárcena de Cicero, acogerán el espectáculo 'Moon Boom Magic' de Asier Moon. Una hora más tarde, a las 19.00 horas, la Plaza de la Rueda de Cieza recibirá a Mariu Torre con 'Orquestuca La Runfona'.

La jornada continuará a las 20.00 horas con tres citas simultáneas: Esfera presentará 'Lost in Covers' en La Granja de Polanco; Nach Viking ofrecerá su espectáculo 'Atardecer musical' en la Plaza de la Bodega de Cabezón de la Sal, y After Perdices llevará 'Cuentos desde abajo' al Parque de Sansis de Ajo, en Bareyo.

Los actos previstos para este viernes concluirán a las 21.00 horas en Colindres, donde Casapalma actuará en la Plaza de la Constitución.

El sábado 4 la programación comenzará con una actividad formativa en Reinosa. A las 12.00 horas, el Impluvium albergará el Taller DJ impartido por Gou Music. Posteriormente, a las 13.30 horas, la Plaza del Ayuntamiento de Ampuero será escenario de la actuación de 14 Cuerdas con su propuesta 'Jazz & Funky Band'.

Ya por la tarde, a las 20.30 horas, el Centro Cultural de San Miguel de Aguayo recibirá a Dani Peña con 'The Gypsis'. La jornada se cerrará en Noja, donde 14 Cuerdas volverá a interpretar 'Jazz & Funky Band' a las 22.00 horas en el Palacio del Marqués de Albaicín.

El circuito concluirá el domingo 5 con una propuesta teatral en Comillas. A las 21.00 horas, el Centro Cultural El Espolón acogerá la representación de 'Mamá', a cargo de La Machina Teatro.

La ciudad histórica de Sigüenza revive la Edad Media a través de la 27ª edición de sus jornadas medievales, una cita programada para el fin de semana del 10 al 12 de julio que hará viajar a sus vecinos y visitantes al siglo XIV.

Declaradas Fiesta de Interés Turístico Regional en 2023, las Jornadas Medievales constituyen uno de los acontecimientos culturales y turísticos más señalados del verano castellano-manchego. Durante tres días, las calles, plazas y monumentos de la ciudad recuperarán el ambiente de la Castilla medieval mediante un programa que combina recreaciones históricas, música, teatro de calle, exhibiciones de cetrería, combates, campamentos, espectáculos nocturnos y la implicación de centenares de personas que convierten la historia en una experiencia viva.

Pero las Jornadas Medievales de Sigüenza poseen un rasgo que las distingue de otras recreaciones históricas. No recrean una historia imaginaria ni una Edad Media genérica. Recuperan un episodio real que marcó el destino de la ciudad y de la Corona de Castilla: el cautiverio de la reina doña Blanca de Borbón en el Castillo episcopal seguntino y los acontecimientos que rodearon el reinado de Pedro I de Castilla. “Los seguntinos aún hoy, conservan, por doña Blanca, un enorme cariño que transmiten, de una manera muy especial en estos tres días”, explican desde la organización.

La alcaldesa de Sigüenza, María Jesús Merino, destaca que “las Jornadas Medievales representan una de las expresiones más auténticas de nuestra identidad. Nos permiten compartir con orgullo la historia de Sigüenza desde los mismos lugares donde sucedió, poniendo en valor un patrimonio excepcional y unos personajes históricos que forman parte de nuestra memoria colectiva. Invitamos a vecinos y visitantes a vivir un fin de semana en el que la ciudad vuelve a latir al ritmo de la Edad Media. Son un magnífico ejemplo de cómo poner el pasado al servicio del ilusionante futuro de una ciudad que crece, llena de optimismo y dinamismo”.

La historia vuelve a caminar por las calles de Sigüenza

El extraordinario patrimonio monumental de Sigüenza es también protagonista de las jornadas. La Catedral de Santa María, el Castillo episcopal -hoy Parador de Turismo- la Plaza Mayor, la Casa del Doncel, las Travesañas, la iglesia de Santiago, la iglesia románica de San Vicente o las antiguas puertas de la muralla no actúan como un decorado, sino como los mismos escenarios donde transcurrieron los hechos históricos que se recrean.

Hace casi siete siglos, doña Blanca de Borbón contempló desde la torre del Castillo la ciudad medieval que se extendía a sus pies. Escuchó las campanas de la Catedral y de las iglesias románicas de Santiago y San Vicente, observó el ir y venir por las Travesañas y vivió en Sigüenza el periodo más prolongado de su estancia en Castilla.

Ese episodio histórico constituye el hilo conductor de unas jornadas que reivindican la importancia de Sigüenza durante la Edad Media y recuperan figuras como la propia doña Blanca de Borbón, Pedro I de Castilla, Enrique de Trastámara o el obispo Pedro Gómez Barroso, protagonistas de uno de los periodos más intensos de la historia castellana.

El concejal de Turismo, Alejandro Cabra, señala que “las Jornadas Medievales son una magnífica oportunidad para descubrir Sigüenza en toda su dimensión. Quien nos visite esos días encontrará una ciudad monumental llena de vida, donde patrimonio, cultura, gastronomía e historia se unen para ofrecer una experiencia difícil de olvidar. Son una invitación a recorrer nuestras calles, conocer nuestros monumentos y disfrutar de uno de los destinos patrimoniales más singulares del interior de España”.

Tres días para revivir la historia

El programa de esta vigésimo séptima edición volverá a conducir al visitante por los principales episodios de la historia de doña Blanca de Borbón en Sigüenza. La presentación de los personajes medievales dará paso al gran desfile inaugural, que recorrerá el corazón del casco histórico hasta el Castillo, donde tendrá lugar el manifiesto de la reina y la bienvenida oficial a las Jornadas.

A partir de ese momento, la ciudad se llenará de campamentos medievales, exhibiciones de vuelo de aves rapaces, combates, música en directo, teatro de calle, magia, pasacalles y recreaciones históricas que conducirán al público hasta algunos de los momentos más esperados del fin de semana, como la representación de la Batalla de Araviana, el torneo a caballo, la tradicional Noche del Embrujo, el espectáculo de fuego o el concierto medieval de cierre de la jornada del sábado.

El domingo llegará el desenlace de la historia con la recreación del destierro de doña Blanca de Borbón, la batalla de Nájera, la muerte de Pedro I y el simbólico entierro del monarca, completando un relato histórico que encuentra en Sigüenza el escenario donde transcurrieron algunos de sus capítulos más decisivos.

A lo largo de todo el fin de semana también habrá talleres infantiles, actividades familiares, teatro, música y animación permanente en distintos espacios del casco histórico, consolidando unas Jornadas pensadas para todos los públicos.

Un proyecto de ciudad construido durante más de un cuarto de siglo

Las Jornadas Medievales son hoy una de las principales señas de identidad cultural y turística de Sigüenza gracias al trabajo continuado desarrollado desde hace más de veinticinco años.

El Ayuntamiento de Sigüenza reconoce y agradece la dedicación de la Asociación Medieval Seguntina, impulsora de esta iniciativa desde sus comienzos y cuya labor, junto con la implicación de vecinos, voluntarios, colectivos, empresas y entidades colaboradoras, ha contribuido decisivamente a consolidar una cita que, desde 2023, ostenta la declaración de Fiesta de Interés Turístico Regional.

La presidenta de la Asociación Medieval Seguntina, Sonsoles Arcones, explica que “cada edición supone muchos meses de preparación y el compromiso de numerosas personas que participan de manera desinteresada. Nuestro propósito ha sido siempre acercar la historia al público con el mayor rigor posible, poniendo en valor la figura de doña Blanca de Borbón y el importante papel que desempeñó Sigüenza en la historia de Castilla”.

Del 10 al 12 de julio, Sigüenza volverá a demostrar que su historia no solo permanece escrita en sus monumentos. También sigue viva gracias a quienes la recrean, la preservan y la comparten con orgullo, haciendo posible que miles de visitantes puedan recorrer durante un fin de semana una ciudad que conserva intacta el alma de la Edad Media.

Programa de las XXVII Jornadas Medievales de Sigüenza

El viernes 10 de julio comenzará a las 23:30 horas con el concierto del grupo Galatta en la Plaza Mayor junto con la presentación de los personajes de las jornadas.

Al día siguiente, sábado 11 de julio a las 11:30 horas tendrá lugar el gran desfile medieval con participación abierta al público desde la Plaza Hilario Yaben hasta el Patio de Armas del Castillo. Se procederá al manifiesto de la reina doña Blanca de Borbón, saludo de bienvenida y actuación del grupo Turdión.

Durante varias horas, de 13:00 a 21:00 se podrá visitar el campamento medieval con exposiciones de armas y máquinas de asedio. A lo largo de la tarde se ofrecerán diferentes espectáculos como la exhibición de vuelo de aves rapaces (13:00 horas), combates medievales (13:30 horas), teatro de calle itinerante y actuación de Galatta (14:00 horas). Más tarde el concierto de música medieval con Turdión (17:30 horas), un espectáculo de magia (16:00 horas) y seguirá con el desfile de los reyes Pedro I y doña Blanca de Borbón con su séquito a las 19:00 horas. Media hora después tendrá lugar una exhibición de vuelo con rapaces, para continuar a las 20:00 con la representación de la Batalla de Araviana. A las 20:30 horas se podrá ver un torneo a caballo, que continuará con un teatro itinerante y cuentacuentos, así como un pasacalles con música y danzas. A las 23:00 llegará la Noche del Embrujo y un gran gran espectáculo de fuego, danzas, antorchas, malabares y queimadas. Finalizará el día con el concierto del grupo Grimorium a las doce de la noche.

Por último, la jornada del domingo 12 de julio comenzará a las 11:00 con un pasacalles con música, danza y malabares, siguiendo con un campamento medieval con talleres de esgrima y batallas de catapultas (11:00 a 15:00 horas), varios talleres infantiles de cartografía y caligrafía (11:00 a 13:30 horas). A las 12:00 horas se recreará el destierro de doña Blanca de Borbón, representación de la batalla de Nájera y muerte de Pedro I en Montiel. A las 13:00 horas el pasacalles con música y danzas y a las 13:15 horas el ntierro de Pedro I desde el Castillo hasta el atrio de la Catedral. A las 13:30 horas tendrá lugar la batalla infantil, finalizando a las 14:00 horas con el desfile de despedida. Pondrá el broche final a las jornadas un teatro infantil en la Plaza Mayor de Sigüenza a las 19:00 horas.

Coincidiendo con el Año Nuevo 2026, se celebró durante cinco días en el entorno natural del embalse del Cenajo, dentro del término municipal de Férez (Albacete), una rave convocada de manera espontánea. Las bajas temperaturas, la lluvia y el barro, junto con el “acoso policial” que denunciaron sus organizadores, provocaron un caos en los controles de acceso que se saldó con personas atrapadas en los terraplenes y multas “aleatorias”. El alcalde del pueblo dijo estar encantado con los 'visitantes', pero como suele ocurrir en este tipo de eventos, casi siempre la polémica está servida.

Es el último ejemplo de estas fiestas, casi siempre clandestinas, en las que la música electrónica, el baile y la acampada son las protagonistas, aún más popularizadas por la fama de la película ‘Sirât', de Oliver Laxe, que triunfó en el Festival de Cannes y estuvo nominada a los Premios Oscar como Mejor Película Internacional.

Al Gobierno de Castilla-La Mancha no le gustó la experiencia. Ni esta de Albacete en concreto ni otras anteriores que ha habido en la región. Tampoco ha sido ajena la Administración autonómica a otro problema que ha generado sonoras polémicas: el ruido de los espectáculos públicos.

Por eso ha decidido tomar cartas en el asunto. Acaba de dar luz verde al anteproyecto de Ley de Espectáculos Públicos y Actividades Recreativas, con la previsión de culminar su tramitación parlamentaria antes de fin de año, tras su paso por las Cortes regionales, donde el PSOE tiene mayoría absoluta.

La nueva ley sustituirá a la anterior normativa, de hace 15 años, e incluye la ampliación de la regulación a las actividades en espacios abiertos, incluidas las raves, así como más restricciones al ruido y el control de acceso a los recintos.

Básicamente, en palabras del consejero de Hacienda, Administraciones Públicas y Transformación Digital, Juan Alfonso Ruiz Molina, el objetivo es que estos grandes eventos no supongan “un conflicto con el derecho al descanso de la ciudadanía”.

Reconoce el Gobierno regional, en relación con macroeventos en espacios abiertos como las raves, que existe un “vacío legal”, también con respecto al acceso de menores de edad y al control de los aforos.

El texto del anteproyecto, al que ha tenido acceso este periódico, regula tanto las actividades realizadas en establecimientos públicos (sean fijos, portátiles o desmontables) como en espacios abiertos, ya sean de titularidad pública o privada. Entre ellos, por ejemplo, se nombran cines de verano o festejos taurinos y deportivos. También incluye los pirotécnicos. Excluye las celebraciones estrictamente privadas, como las familiares, las manifestaciones y las celebraciones religiosas.

La ley no utiliza específicamente el término ‘rave', pero regula este tipo de eventos a través de otras denominaciones y categorías técnicas. Habla así de “fiestas ilegales”: reuniones o acontecimientos que congregan a personas para celebrar espectáculos o actividades recreativas sin tener el título habilitante (licencia o autorización) y sin cumplir los requisitos.

Más eventos en espacios abiertos tras la pandemia

Igualmente, la nueva norma amplía su regulación para incluir específicamente eventos en lugares “sin infraestructuras fijas”, como parques, solares, explanadas o campos. En la exposición de motivos, el Gobierno explica que se ha detectado un aumento de estas prácticas en espacios abiertos tras la crisis de la COVID-19, lo que justifica una regulación “más estricta” por “los riesgos que conllevan para la salud y la movilidad”.

Con carácter general, lo más llamativo es la ampliación del régimen sancionador para esas “fiestas ilegales”. En las infracciones más graves se contemplan multas que llegan hasta los 300.000 euros en su grado máximo: cuando su celebración sin título habilitante origine situaciones de grave riesgo para la seguridad de las personas o bienes, o den lugar a “graves alteraciones del orden público”.

Independientemente de la sanción final, las autoridades podrán también adoptar medidas de adopción directa si detectan un riesgo “inminente”- Por ejemplo, la suspensión inmediata del evento y desalojo del recinto o espacio abierto, el precinto del establecimiento y la retención de los equipos y bienes utilizados para la fiesta.

Además, la ley establece que la cuantía de la multa podrá incrementarse hasta el doble del beneficio obtenido por el infractor si este último fuera superior a los límites máximos indicados, para asegurar que la infracción “no resulte rentable”.

La cuestión, en el caso de las raves, es que en la gran mayoría de ocasiones, se convocan de manera espontánea, sin una organización clara. ¿Quién se considera por tanto responsable de una fiesta “ilegal”? De acuerdo con el anteproyecto, se establece una “jerarquía”.

Así, en los casos en que no se haya presentado una solicitud de licencia o una declaración responsable, la condición de organizador recaerá sobre “quien asuma las responsabilidades” frente a la autoridad que realice la inspección; o en su defecto, quien lo convoque, lo dé a conocer o reciba ingresos por la venta de entradas o por prestaciones de cualquier otro tipo relacionadas con la fiesta.

Las multas de hasta 300.000 euros se contemplan igualmente para eventos donde se permita el consumo ilegal o tráfico de drogas, así como el acceso de personas con armas u objetos peligrosos en los establecimientos o espacios abiertos. También si se supera el aforo máximo, siempre que origine “situaciones en grave riesgo para el orden público”, por obstrucción la autoridad, por reincidencia o por “incumplir gravemente” las normas de insonorización si supone un “riesgo para la salud ambiental”.

La convivencia entre la fiesta, el ruido y el derecho al descanso

Precisamente, el ruido tiene un papel protagonista en esta ley. Desde hace años se ha convertido en motivo de denuncia vecinal en varias localidades. Una de las más ‘sonadas’ fue con motivo del espectáculo navideño de música y luces, con una gigantesca bola navideña de luz y música que en los últimos años se instala en mitad de la céntrica Plaza de Zocodover del Casco Histórico de Toledo.

Tras las numerosas protestas vecinales, el Ayuntamiento de la ciudad se vio obligado a reducir el volumen (y los minutos de duración) de la música de villancicos que, cada pocos minutos, sonaba machaconamente en esta zona, pero que podía escucharse desde varios puntos de la ciudad.

Otro ejemplo parecido tuvo lugar en la localidad toledana de Ocaña. Desde hace más de dos años, su plaza Mayor, declarada Bien de Interés Cultural (BIC), no acoge actos ni celebraciones multitudinarias que conlleven un exceso de ruido. En este caso, lo impidió la Justicia. La iniciativa de dos vecinas consiguió que se tomaran medidas judiciales para impedir celebraciones en este enclave, que afectaron a la celebración de la Navidad y también a la Semana Santa. El motivo: el ruido y las multitudes.

La nueva ley aborda esta cuestión pero sin muchas concreciones. No establece límites numéricos específicos de decibelios (dB), sino que remite a la normativa sectorial aplicable y a la legislación sobre ruidos vigente para determinar si se han superado los niveles permitidos.

No obstante, sí clasifica el incumplimiento de estos límites. Considera infracción muy grave la emisión de ruidos o vibraciones que superen los límites establecidos en la norma de aplicación y esto suponga un “grave riesgo para la salud ambiental”. Para evitar superar estos límites, la ley impone condiciones como la insonorización para establecimientos públicos, así como licencias donde se incluya normativa sobre ruidos y contaminación acústica.

De la misma forma, la nueva norma subraya que las personas afectadas por ruidos tienen derecho a presentar quejas y reclamaciones por las molestias “que afecten a su descanso”. Si la molestia se produce en el interior de un domicilio, el denunciante debe permitir el acceso a técnicos o inspectores para realizar las mediciones necesarias.

Un examen para controlar los accesos

Hay otra novedad relevante en la ley. La obligación de títulos habilitantes para las personas encargadas de los controles de acceso de eventos con grandes aforos. El texto distingue claramente entre el título habilitante (que es el permiso administrativo para el establecimiento o evento) y la habilitación profesional que debe poseer el personal encargado del control de acceso.

El primero se define como la licencia, la autorización o la documentación que acredita haber presentado una declaración responsable para celebrar una actividad con un aforo superior a 500 personas. Y en esos casos en cuando el establecimiento o la organización del evento en espacio abierto estarán obligados a disponer de personal de control de acceso habilitado.

Para ejercer estas funciones no basta con la contratación. El personal debe poseer una habilitación profesional específica. Será expedida por la dirección general competente tras la comprobación de requisitos y la superación de las pruebas que se determinen reglamentariamente.

Podrán obtenerla personas mayores de edad, con nacionalidad española o de la UE (o permiso de residencia y trabajo) y carecer de antecedentes penales. El personal habilitado deberá estar inscrito en el registro autonómico de espectáculos públicos para que la administración pueda comprobar en cualquier momento que cumplen con los requisitos exigidos.

Se llevará a cabo también un proceso de superación de exámenes. El anteproyecto no concreta a este respecto, ya que establece que se determinarán en un futuro reglamento. Lo que sí establece es que este personal tiene “estrictamente prohibido” asumir o realizar las funciones propias del servicio de seguridad privada. Por ejemplo, no podrá intervenir en alternaciones del orden (en ese caso debe informar a las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad“.

De hecho, la norma explica que la obligatoriedad de contar con seguridad privada es “independiente” de la del control de acceso, y su exigencia depende de la naturaleza y características del evento o establecimiento.

En conclusión, aunque un evento de gran aforo (más de 500 personas) siempre estará obligado a tener control de acceso, solo tendrá que contratar seguridad privada si el tipo de actividad o recinto está incluido en la lista que la normativa determine como de “especial riesgo o impacto”.

Los trabajadores del sector de espectáculos de Euskadi amenazan con nuevas huelgas este verano que podrían afectar a los eventos previstos para la época estival. Sin concretar fechas concretas, este viernes han advertido de que los nuevos paros en defensa del convenio coincidirán con el BBK Live y las fiestas de Vitoria, Donostia y Bilbao, lo que podría dejar en el aire parte del programa los cuatro eventos con mayor asistencia de público de la época estival. Serán en principio tres nuevas jornadas de huelga después de que la que llevaron a cabo el pasado 15 de mayo, que han calificado de “rotundo e incuestionable éxito”, no sirviera para acercar posturas con la patronal Euki, en la negociación del convenio.

Los sindicatos Teknikariok, ESK, LAB, CCOO, UGT y ELA han denunciado este jueves el “inmovilismo” de la patronal y el “punto muerto” en el que se encuentran las negociaciones. “No vamos a permitir que se vulneren nuestros derechos ni que se perpetúe la inestabilidad que sufrimos”, han señalado. Según han denunciado, la patronal se niega a desbloquear, lo que consideran “el punto más sangrante” de la negociación y el detonante de la ruptura de las negociaciones: la flexibilidad y la falta de preaviso digno en los calendarios laborales.

“La respuesta por parte de Euki confirma lo que ya temíamos: no tienen la más mínima voluntad real de negociar. La desconexión de la patronal con la realidad es total, afirman sin pudor que este no es un sector precarizado y venden humo escudándose en supuestos 'acuerdos individuales de conciliación', algo que sabemos perfectamente que no se ajusta al día a día de las trabajadoras y trabajadores, dejándolos desprotegidos ante la arbitrariedad de las empresas”, señalan.

Además, los trabajadores denuncian “falta de respeto” por parte de la patronal porque “dicen estar dispuestos a hablar, pero vetan el debate sobre el calendario laboral y los preavisos”. “Su oferta sigue siendo mantener la propuesta inaceptable de sólo cinco días de antelación, pretendiendo que estemos totalmente disponibles bajo el pretexto de su 'diversidad organizativa'”. La línea roja de los sindicatos es contar con un mes de preaviso en la asignación de turnos y horarios. Por ello advierten a los empresarios que “mientras no haya una voluntad real y avances tangibles, continuaremos con las movilizaciones. De momento, a la espera de que se concreten las fechas, las huelgas coincidirán con el BBK Live, y las fiestas de las tres capitales. La huelga del pasado 15 de mayo obligó a cancelar varios espectáculos entre obras de teatro y conciertos en los tres territorios.

Es uno de los elementos extradeportivos que seguramente aparezca en las retransmisiones de los partidos del Mundial 2026 que arranca este 11 de junio en Ciudad de México, una de las múltiples sedes divididas entre México, Estados Unidos y Canadá, y para su cuenta atrás se batió un récord Guinness que lo vincula a su supuesto origen.

Hablamos de ‘la ola’, un efecto visual cuando varias personas levantan sus brazos al mismo tiempo con un movimiento que recuerda a las olas del mar al hacerse de forma gradual y que no solo se ve en el deporte, sino también en conciertos y otros espectáculos.

El pasado sábado 6 de junio, como cuenta atrás de la Copa del Mundo 2026, se batió el récord Guinness de la ola humana más multitudinaria fuera de un estadio, en este caso en la emblemática avenida Paseo de la Reforma de Ciudad de México, que supera así al anterior, que se situaba en la NASCAR en Bristol, Estados Unidos en 2008.

Precisamente de México se considera que partió la historia de un fenómeno que se repite mundialmente y que en algunos lugares recibe por eso el indicativo de ‘ola mexicana’. Fue en el Mundial de México de 1986, hace 40 años, aunque ese no es exactamente el origen, del que existen diferentes versiones.

Nació en Estados Unidos y se hizo famosa en México

Se considera que el creador del fenómeno de ‘la ola’ es el animador estadounidense George Henderson, conocido como Krazy George, que ideó esta “coreografía de aficionados” en el partido de beisbol que enfrentó a los Oakland Athletics y los New York Yankees en California un 15 de octubre de 1981, hace 45 años.

Como recoge la BBC, Krazy George la ideó para intentar crear algo nunca visto: “Los Oakland A's ya habían perdido dos partidos fuera de casa. En la tercera entrada pensé en intentar algo que nadie había visto antes. Encontré tres secciones y comencé a explicar lo que quería”. Lo consiguió y de ahí pasó a la historia, mientras sigue animando espectadores a sus 82 años en California.

Pero ‘la ola’ se convirtió en un fenómeno de masas debido al Mundial de 1986 de fútbol, en el Estadio Azteca, donde se retransmitió en televisión y se copiaría en las gradas de todo el mundo, en un gesto que ya tiene más de cuatro décadas, pero que se mantiene después de que tuviera una segunda vida desde principios de los 2000.

Entre 25 y 35 personas bastan para crear una ola

Este fenómeno llamó la atención de tres científicos de la Academia Húngara de Ciencias en Budapest, que decidieron investigarla durante la celebración del Mundial de fútbol 2002. Entonces, llegaron a interesantes conclusiones como que se alcanza una velocidad media de entre 12 metros o 20 asientos por segundo o que bastan solo entre 25 y 35 personas que se pongan de pie al mismo tiempo para desencadenar una.

Otro de sus hallazgos fue que la ola suele tener más probabilidades de ocurrir cuando no sucede mucho en el estadio, es decir, que puede ser un signo de aburrimiento, aunque también se desarrolla en muchas ocasiones en un momento de entusiasmo y celebración.

La danza como refugio, como memoria y también como abrazo colectivo. Eso es lo que propone ‘ALMA’, la creación escénica impulsada por la directora Laura Tello que llegará el próximo 26 de mayo al Gran Teatro de Cáceres con una gala que promete emocionar al público a través de un recorrido por las distintas etapas de la vida de las mujeres.

Lejos de plantearse como un simple espectáculo de danza, ‘ALMA’ nace como una experiencia emocional y sensorial donde el movimiento sirve para contar aquello que muchas veces resulta difícil explicar con palabras: la infancia, el descubrimiento de una misma, el amor, las pérdidas, la maternidad, las heridas y la reconstrucción personal.

Sobre el escenario se reunirán más de 80 bailarinas de distintas edades, creando un espacio intergeneracional en el que varias generaciones de mujeres compartirán relato, emociones y experiencias a través del cuerpo y la música. El proyecto, además, pone el foco en el propio proceso creativo y educativo, convirtiendo la danza FEMAE en una herramienta de expresión, identidad y crecimiento personal para quienes participan.

'ALMA no se observa. ALMA se atraviesa', recoge el dossier del espectáculo, que define esta propuesta también como “un homenaje a todas las mujeres que bailan en nosotras”.

La gala contará además con las voces invitadas de Raquel Palma y Ana Carretero, sumando música en directo a una puesta en escena que combinará danza, interpretación y una cuidada propuesta visual.

Pero ‘ALMA’ no solo quiere emocionar desde el arte. El espectáculo tiene también carácter benéfico y destinará su recaudación a un proyecto de la Fundación Santa María la Real que trabaja con mujeres que, después de dedicar gran parte de su vida al cuidado de otras personas, buscan ahora una nueva oportunidad laboral y vital.

“ALMA nace también como una forma de devolver, porque ayudar a una mujer a volver a empezar es, muchas veces, ayudar a sostener una vida e impulsar familias enteras”, destaca el proyecto en su presentación.

En tiempos marcados por la rapidez y el ruido, la propuesta que llegará al teatro cacereño apuesta precisamente por lo contrario: detenerse, sentir y reconocerse en las historias de otras mujeres. Porque quizá ahí, en ese gesto compartido, también haya una forma de sanar.

Los trabajadores de espectáculos y eventos de Euskadi pararán este viernes, 15 de mayo, para denunciar la precariedad de su sector y ante el “bloqueo” por parte de la patronal que denuncian a la hora de negociar un nuevo convenio que mejore sus condiciones laborales. Según critican, en 2024 se constituyó por primera vez la asociación Euki, una patronal integrada por empresas con domiciliación fiscal Euskadi, que comenzó a reunirse con representantes del sindicato Teknikariok y los sindicatos mayoritarios ELA, LAB, ESK, CCOO y UGT con el objetivo de negociar un convenio colectivo propio del sector del espectáculo en vivo. Así se constituyó la primera mesa negociadora del Convenio de Espectáculos y Eventos de Euskadi. No obstante, tras dos años de reuniones, pese a que se han alcanzado acuerdos “mínimos”, los sindicatos se han plantado para denunciar el “bloqueo” de la patronal en cuanto a lo que consideran “uno de los puntos centrales” de la negociación: la flexibilidad laboral.

En concreto, una de las líneas rojas de los trabajadores es poder contar con un mes de preaviso en la asignación de turnos y horarios. Sin embargo, las empresas se niegan a asumir ese compromiso sin reservarse la posibilidad de modificarlos con solo cinco días de antelación respecto al evento. “Para quienes no estén familiarizados con este sector, conviene señalar que se trata de uno de los más históricamente precarios y desestructurados del tejido productivo. Las razones son múltiples: una industria cultural escasa y casi siempre condicionada por la subvención pública; una eventualidad crónica y una falta de estabilidad laboral estructural; jornadas de trabajo interminables; la proliferación de falsos autónomos al servicio de empresas a su vez subcontratadas; el incumplimiento sistemático de los descansos entre jornadas; y la ausencia de compensación por festivos, descansos semanales o vacaciones”, denuncian desde la Sección Sindical de CNT del Teatro Arriaga, quienes hacen un llamamiento a los trabajadores a secundar la huelga de este viernes. “Que no suban los telones, que los micros no suenen y que las luces no se enciendan. No participéis en ningún concierto, obra de teatro, espectáculo de danza ni evento alguno, y salid a las movilizaciones para que las reivindicaciones suenen más alto”, defienden tras añadir que el llamamiento también es para la ciudadanía, a quienes piden no asistir a ningún teatro, concierto, danza o evento para poder apoyar su lucha.

“El nuestro es un sector donde la vulneración de derechos y la precariedad marcan el día a día de tantos trabajadores que por fin han decidido organizarse. Las especificidades organizativas y productivas de nuestro sector han sido tradicionalmente aprovechadas por muchas empresas para evitar que, en la práctica, lleguen al día a día de los trabajadores incluso algunos de los derechos mínimos ya consagrados en el Estatuto de los Trabajadores. Derechos básicos que se dan por sentado en la mayoría de profesiones son, sin embargo, pisoteados en la nuestra bajo el pretexto de la intermitencia que caracteriza nuestra actividad”, lamentan los sindicatos.

Además de la huelga, los trabajadores han comenzado a interponer denuncias ante la Inspección de Trabajo por los contratos que, según aseguran, son “abusivos e ilegales”. “Desde Euki se pretende que los trabajadores renunciamos a la conciliación familiar y personal mediante la entrega de horarios, calendarios y turnos de trabajo con una antelación totalmente inaceptables. Quieren manejar cómoda y flexiblemente su actividad a costa de imposibilitar que cualquier empleado organice mínimamente su vida (y la de su entorno) y permanezca a continua disposición de la empresa. Todo ello sin ofrecer compensaciones de ningún tipo y afirmando que ya han hecho su última oferta, pese a que lo propuesto en ella se encuentra incluso por debajo de los mínimos que marca el Estatuto de los Trabajadores”, critican.

Las movilizaciones convocadas para el viernes, 15 de mayo, se llevarán a cabo en las tres capitales vascas, pero se realizarán piquetes informativos en eventos de todo el territorio. En Bilbao, la concentración será frente al Teatro Arriaga a las 11.30 horas; en Vitoria se realizará en el festival Batbatean, en Mendizabala, a las 18.00 horas y en Donostia será a las 19.00 horas en el Teatro Victoria Eugenia. Además, a las 18.30 horas en Leioa, durante la celebración de Umore Azoka los trabajadores del sector realizarán una kalejira y concentraciones en los distintos escenarios del espectáculo.

Cancelaciones y parones por la huelga

Entre los espectáculos anunciados para el viernes, 15 de mayo está la obra de teatro 'Fronteras', protagonizado por Carolina Yuste y Eneko Sagardoy a las 19.30 horas en el Teatro Arriaga; la obra de teatro '¿Quieres pecar conmigo?', con Ana Villa, Maria Petri, Arantzazu Ruiz, Marta Fíguls, Ernest Fuster y Victor Fajardo a las 20.00 horas en el Teatro Campos Elíseos de Bilbao, 'Tarzán, el musical' en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia a las 20.00 horas -una hora después de la concetración de los trabajadores en el mismo teatro- o el concierto de Bad Gyal en Bilbao Arena a las 19.00 horas.

Pero una de las citas más esperadas del viernes será el concierto de Fito y Fitipaldis de fin de gira en el BEC de Barakaldo a las 19.00 horas. Por el momento, desde el grupo, que ha vendido todas las entradas, no han realizado ninguna comunicación sobre la huelga. Tampoco de los teatros ni conciertos mencionados en este artículo. Sí que se ha pronunciado, en cambio, Nacho Vegas, quien ha cancelado su concierto previsto en el Kafe Antzokia de Bilbao por la huelga de los trabajadores del sector de espectáculos. “Yo mismo y todo el equipo que forma parte de la gira 'Vidas semipreciosas' hemos tomado la decisión de suspender este concierto hasta nueva fecha para solidarizarnos con los y las trabajadoras del sector. Sin técnicos ni técnicas no podríamos dar ni asistir a conciertos y queremos solidarizarnos especialmente con la gente más precarizada y apoyar esta huelga que defiende sus derechos laborales más básicos”, ha anunciado el artista, que ha destacado que no se trata de una decisión tomada en contra del Kafe Antzokia en concreto, sino una decisión tomada por “conciencia política”.

Por su parte, el festival Batbatean de Vitoria ha anunciado un parón a modo de solidaridad con la huelga desde las 21.00 horas hasta las 22.00 horas. En un comunicado el equipo del festival ha explicado que durante los últimos días ha mantenido “varias reuniones con los diferentes agentes que han impulsado la convocatoria” y ha escuchado “de primera mano las reivindicaciones y preocupaciones en torno a las situaciones de precariedad laboral que se dan en el sector de la música en directo y los espectáculos”. “Aunque compartimos muchas de las peticiones y reivindicaciones planteadas resulta logísticamente imposible suspender por completo la primera jornada, debido a las consecuencias que ello tendría a nivel organizativo, técnico y contractual”, han asegurado desde el festival, que finalmente ha optado por realizar un parón de una hora. “Batbatean es un festival formado por personas que forman parte activa de la industria musical de Euskal Herria, y conocemos de cerca, y en muchos casos también sufrimos, la situación de precariedad del sector del ocio y los espectáculo”, han recalcado.

La vedete Tania Doris, una de las reinas del Paral·lel barcelonés durante varias décadas, ha muerto a los 74 años de edad, según han informado fuentes próximas a la artista, diva del Teatro Apolo, donde protagonizó numerosas revistas como '¡Esta noche...sí' o 'Yo soy la tentación'.

Nacida en València en 1952 en el seno de una familia andaluza, bautizada como Dolores Cano Barón, estudió baile clásico español en una academia y, posteriormente, se hizo bailarina profesional, iniciándose en el mundo de la revista, donde pasó a ser, con apenas 17 años, una de las 'Chicas alegres de Colsada', descubierta por el empresario Matías Colsada.

Fue Colsada, con quien acabó conviviendo durante más de veinte años, quien le puso el nombre artístico de Tania Doris, y quien le abrió las puertas del Teatro Apolo. Se dedicó a la revista porque, por su altura -medía casi 1,80 metros-, no pudo ser bailarina, iniciando su carrera en el Paral·lel barcelonés hacia 1970.

Retirada desde hace más de un cuarto de siglo, protagonizó a lo largo de su trayectoria obras de revista como 'Seductora', que también presentó en Madrid, 'La Dulce Viuda', 'Acaríciame', 'Venus de fuego', 'Deseada' o 'Quiere ser mi amante'. En muchas de estos espectáculos estuvo acompañada por los galanes cómicos Luis Cuenca y Pedro Peña.

En el año 1983, presentó en Madrid la revista 'Un reino para Tania', una obra con la que viajó después a México, tras una invitación de Mario Moreno 'Cantinflas', y también presentó su película 'Historia de la Revista'.

Asimismo, en aquella época fue homenajeada por el entonces alcalde de Madrid, Enrique Tierno Galván, en el Club Internacional de Prensa. En el año 1984 protagonizó la película musical 'Las alegres chicas de Colsada', dirigida por Rafael Gil, y en 1988 estrenó en Madrid la comedia musical 'Bésame, Johnny'. Entre las últimas obras en las que participó destaca 'Taxi, al Apolo', en el año 1993.

Por otra parte, en 2006 su nombre volvió a los medios de comunicación después de presentar una demanda para que se determinara qué parte de la herencia del empresario Matías Colsada le correspondía a ella, después de que la Audiencia de Barcelona la reconociera beneficiaria de la misma, tras haber convivido con él durante años, aunque nunca se casaron. La herencia de Colsada, que murió en el año 2000, sin dejar testamento, fue objeto de disputa entre la viuda legal, sus dos hijas extra-matrimoniales y Tania Doris.

En declaraciones a EFE, el gestor cultural y amigo de Tania Doris, Joan Estrada, ha lamentado este miércoles la muerte de la artista, de quien ha dicho que fue “la auténtica vedete del Paral·lel, una mujer muy alta, muy guapa, muy esbelta, una persona muy honesta, que en los últimos años llevó una vida muy discreta, totalmente retirada del mundo del espectáculo”.

Asimismo, ha recordado su participación en numerosas obras en el Apolo junto a Luis Cuenca y Pedro Peña, los tres “auténticas estrellas del Paral·lel”. El velatorio tendrá lugar en el Tanatorio de Les Corts mañana jueves, mientras que la ceremonia de despedida se celebrará en el mismo lugar el viernes a las 9:00 horas.

La actuación de Rosalía era el momento más esperado de la noche. Netflix intentó mantenerlo en secreto, pero la participación de la artista se filtró un par de días antes del macroevento que la plataforma organizó sobre el Guadalquivir con motivo del estreno de la nueva temporada de Berlín, celebrado en Sevilla durante todo el fin de semana.

La expectación era máxima y miles de personas se acercaron hasta las orillas del río con la esperanza de verla aparecer sobre el escenario flotante, a pesar de la lluvia que cayó por momentos. Netflix prometió una “jarana” y muchas sorpresas, pero fue Rosalía quien terminó iluminando la noche con su interpretación de Reliquia y La perla, dos de los temas más populares de su último disco, Lux. Tienes la actuación de La perla al completo en este enlace.

La irrupción de la artista, pasadas las 22:30 h, levantó el ambiente durante unos minutos y consiguió devolverle emoción a una velada que parecía quedarse a medio gas. Acompañada por la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), empezó con Reliquia, que repasa distintas localizaciones y detalles del universo de La casa de papel con mención especial a Sevilla. A continuación, dirigió unas palabras a la ciudad y confesó que no dudó en aceptar la propuesta de la plataforma de streaming “porque eres tú, Sevilla”.

El broche final lo puso con la archiconocida La perla, cuyas primeras notas fueron coreadas y jaleadas por el público, que acompañó cada canción desde ambas orillas del río. Entre luces, fuegos artificiales y el escenario flotante sobre el Guadalquivir, su breve actuación se adueñó de la noche, a los pies de una Torre del Oro teñida de rojo Netflix.

Lo que es evidente es que el Gran Teatro vive una crisis silenciosa que está empobreciendo la vida cultural de la ciudad. Uno de los momentos más intensos de la última temporada fue la llegada de José Sacristán con Señora de rojo sobre fondo gris. Más allá del prestigio del actor o del texto de Delibes, lo que aquella noche devolvió a Cáceres fue la sensación de estar ante un teatro vivo, capaz de convocar emoción y pensamiento.

Sacristán ofreció una interpretación llena de matices y silencios, sostenida por esa ternura lúcida —la misma que Alfredo Sanzol ha convertido en seña de identidad— que permite mirar el dolor sin estridencias y encontrar humanidad incluso en la grieta. Fue una de esas veladas en las que el teatro se vuelve íntimo, casi respirable. Y, precisamente por eso, dolió comprobar hasta qué punto lo excepcional ha sustituido lo que antes era habitual.

El Gran Teatro no es un edificio cualquiera: es el principal escenario de la provincia y un referente histórico de Extremadura. Pero desde hace tres años, su programación parece haber entrado en una fase de amnesia. Lo que antes era una cita fija en el calendario cultural de muchos cacereños y cacereñas se ha convertido en una rareza.

Quienes antes encontraban en la butaca un hábito, un refugio o un punto de encuentro, hoy miran hacia Madrid con resignación, asumiendo un exilio cultural que cuesta tiempo, dinero y energía. No es una percepción subjetiva, ojo, basta revisar la hemeroteca para comprobar que lo que hoy se vive como excepción fue durante años la norma.

Cuando Cáceres formaba parte del mapa teatral

No hace tanto, Cáceres estaba integrada en el circuito teatral de grandes producciones nacionales. Obras de enorme relevancia artística recalaban aquí con naturalidad: desde piezas conmovedoras como Una noche sin luna, con Juan Diego Botto, hasta montajes de gran envergadura como Incendios, La isla del aire, El funeral, Adictos, Bodas de sangre o La casa de Bernarda Alba dirigida por José Carlos Plaza con un reparto excepcional.

No eran “eventos extraordinarios”, era una programación con criterio, ambición y mirada. El público cacereño podía ver teatro de primer nivel a precios accesibles, sin necesidad de cruzar el túnel de Guadarrama ni asumir entradas prohibitivas. Aquello generaba algo más que entretenimiento: generaba una necesaria pertenencia.

El teatro como tejido social

La pérdida de ambición no solo afecta a la cartelera: afecta a la ciudad. El teatro era un punto de encuentro, un lugar donde se tejían vínculos que no nacían en una cena ni en un bar, sino en la platea. Muchas de nosotras tenemos ese “amigo de teatro” con quien compartíamos función y debate. Al desaparecer la oferta que alimentaba esas conversaciones, también se han debilitado esos lazos.

Pienso en personas como mi amiga Pilar, ya nonagenaria, para quien una entrada que le regalé hace unos años fue “el mejor regalo de su vida”. Para ella —y para tantos— el Gran Teatro era una ventana al mundo, casi el único. Hoy esa ventana apenas se entreabre.

¿Qué ha pasado?

La música y el humor llenan por inercia los espacios culturales, pero el teatro de texto, el que exige riesgo, negociación y apuesta, hay que ir a buscarlo. Requiere gestión, voluntad y una programación que no se conforme con lo fácil. Defender el teatro extremeño y a las promotoras locales es imprescindible, pero no puede convertirse en excusa para renunciar a lo nacional e internacional. Antes convivían a la perfección ambos mundos; ahora la desidia o la ignorancia ha reducido esa convivencia a la mínima expresión.

Sin embargo, conviene decirlo sin rodeos: la cultura no se sostiene con inercias ni con programaciones de mínimos.

El Gran Teatro no puede resignarse a ser un contenedor de nombres propios. Cáceres merece recuperar el privilegio de que, cuando se levanta el telón en la calle San Antón, lo que aparece en escena sea lo mejor que ofrece el país. Esta ciudad sabe distinguir perfectamente cuándo le están dando arte y cuándo le están dando largas.

La cultura como acto de ciudadanía

La cultura no es un adorno ni un lujo: es una forma de ciudadanía, de idiosincrasia, de vivir las vidas. Un teatro vivo no solo entretiene; educa, conmueve, cuestiona, une. Es un espejo donde una comunidad se reconoce y un laboratorio donde imagina quién quiere ser. Cuando un teatro se deja en penumbras, no se apaga solo un escenario: se apaga una parte de la ciudad y con ella sus habitantes.

Por eso defender una programación ambiciosa no es un capricho, sino un acto de responsabilidad colectiva y más en estos momentos en los que aspiramos a ser Capital Europea de la Cultura. Cáceres merece volver a levantar el telón con riesgo, con belleza, con exigencias. Merece volver a sentir que el arte sucede aquí, no en otra parte. Merece tener la posibilidad de desentrañar con curiosidad y deseo todas las capas que conforman nuestra existencia. Merece poder volver a mirarse.

En de marzo de 1881, se creó el llamado “el mejor espectáculo del mundo”. Nacía de una fusión entre P.T Barnum y James A. Bailey, que tenían entonces los circos ambulantes más destacados del momento, y se bautizó como Barnum & Bailey Circus, donde la atracción que más llamaba la atención del público era el elefante africano Jumbo, que habían comprado de un zoo de Londres y que inspiró a la famosa película Disney ‘Dumbo’.

Hace 145 años creaba su gran espectáculo, el último diez años antes del fallecimiento de P.T Barnum, uno de sus impulsores, el hombre al que dio vida Hugh Jackman en el cine en el musical ‘El gran showman’, estrenada en 2017, y que edulcoró la biografía del famoso empresario que fue conocido no solo por sus espectáculos, sino también por usar el arte del engaño y exhibir animales y personas curiosas, los llamados ‘freaks’, no siempre en las mejores condiciones. Y es que del musical de Jackman, Zac Efron y Zendaya a la vida real hay larga distancia, aunque sí tomó varios hechos que pasaron o fueron parecidos.

Phineas Taylor Barnum nació en 1810 como hijo de un sastre y una posadera, y nieto de un vendedor de loterías, de quien aprendería el arte del engaño, que sería clave en su carrera como empresario de espectáculos. Esto le valió tener su primer trabajo en ventas a los doce años, y hasta que encontró su vocación siguió como comerciante.

Sería a los 25 años, en 1835, cuando empezaría en la industria del espectáculo. Exhibía a una esclava ciega y paralizada que presentaba como la que fuera niñera del presidente George Washington y aseguraba que tenía 161 años. Se llamaba Joice Heth y moriría tan solo un año después, pero hasta el último día fue usada por Barnum, que cobró como ‘show’ la autopsia del cadáver ante 1.500 espectadores. Después de esto, trabajó en el teatro ambulante Aaron Turner Traveling Circus.

Su primer gran éxito: el Barnum’s American Museum

En 1841 el empresario compró un edificio en Manhattan y crearía su primer gran éxito, el Barnum’s American Museum, que en sus cinco plantas era museo a la vez que teatro, zoológico y lugar de espectáculo de “fenómenos” o rarezas, donde destacaban un “Napoleón enano”, una gigante o la mujer barbuda Josephine Clofullia, que fue una de las más famosas del siglo.

El lugar atraía a tanto público que tenía una cifra media de 15.000 visitantes diarios, abriendo un total de 15 horas, y en él, P.T Barnum demostró su don en el arte del engaño también, al exhibir la sirena de Fiyi, que era en realidad un mono disecado con cola de pez. Al igual que en ‘El gran showman’, el museo fue víctima de un incendio, aunque luego pasaría por dos más, hasta que no se pudo recuperar y lo cerró.

De la política al circo ambulante

Tras cerrar su famoso museo de variedades, P.T Barnum se dedicó a la política hasta que en 1870 volvió al mundo del espectáculo, pero esta vez con un nuevo formato, el del circo ambulante, que atraía más público en esos días. Con el Barnum's Grand Traveling Museum iría de gira tanto por Estados Unidos como por Europa, al que ya bautizaban como “el mejor espectáculo del mundo”.

En 1881 fundaría el Barnum & Bailey Circus junto con James A. Bailey, que sigue funcionando con un descanso entre 2017 y 2023, aunque desde 1906 pasó a llamarse Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus. Solo disfrutaría diez años de ello, pues moriría en 1891.

El intermedio de la Superbowl 2026 con Bad Bunny no dejó indiferente a nadie, haciendo además historia siendo el primer artista con un repertorio musical completo en español al actuar en este acontecimiento, que trasciende el deporte y se vincula con el espectáculo.

Una fiesta que amenizó Bad Bunny con reggaetón y salsa y con nombres reconocidos como Lady Gaga, Ricky Martin, Jessica Alba o Pedro Pascal, estos dos últimos como parte de los que disfrutaron de la famosa “casita” del cantante puertorriqueño.

En uno de los momentos del icónico ‘halftime’ de Bad Bunny fue una escena en la que se da una boda latina, antes de la sorprendente aparición de Lady Gaga. Un hecho que tiene una intrahistoria de lo más peculiar.

La boda latina del intermedio de Bad Bunny en Superbowl fue real y legal

En lo deportivo, Seattle Seahawks se impusieron 29-13 a los New England Patriots para alzar la LX SuperBowl en el Levi’s Stadium y se cobraron venganza de la edición de 2015. El equipo, sin embargo, no fue el único ganador de la noche, sino que también lo fueron la pareja que se casó delante de millones de espectadores y con Bad Bunny como testigo, como así quisieron en su día.

Y es que el enlace que se vio en la Superbowl fue real y legal, como adelantó el periodista deportivo Rohan Nadkarni de NBC News, al igual que MLF Football y ESPN, para que luego lo confirmara también el representante del artista puertorriqueño en Variety.

De la pareja no ha trascendido ni sus nombres ni su nacionalidad, pero lo que sí que se sabe es que invitaron a Bad Bunny a su boda hace dos meses, y el cantante, entonces, optó por agradecerles el gesto integrándoles en su histórico intermedio de la Superbowl.

Además, no solo hizo que su boda haya tenido un escenario único e invitados, sino que esto también enlaza con el mensaje que se pudo leer al cierre del espectáculo que tuvo lugar en el Levi’s Stadium en el que se podía leer: “La única cosa más poderosa que el odio es el amor”.

El espectáculo “Érase una vez en Borbonia”, protagonizado por la comunicadora Nieves Concostrina y el dúo musical Fetén Fetén llega al Auditorio del Ayuntamiento de Logroño el próximo jueves 23 de abril.

La popular periodista y escritora Nieves Concostrina desembarca en nuestra ciudad acompañada del dúo musical Fetén Fetén, que hacen una parada en su extensa gira junto a Fito y Fitipaldis, para representar el espectáculo de humor “Érase una vez en Borbonia”.

Durante casi dos horas, el público asistirá a un recorrido escénico por una etapa clave de la historia de España a través de la dinastía Borbón: sus luces y sombras, sus relatos de corruptelas y corrupciones, pero también episodios que los humanizan —como el vínculo de algunos monarcas con las artes—. Sobre el escenario, junto a Concostrina y Fetén Fetén, nueve reyes y reinas esperan para repasar con el público una parte esencial del pasado.

El espectáculo traza el hilo genealógico y político de los Borbones desde la llegada de Felipe V, enviado desde Versalles, pasando por figuras como Fernando VI, Carlos III, Carlos IV y María Luisa de Parma, hasta detenerse en personajes clave en la consolidación de prácticas y costumbres que marcarían la historia posterior de la dinastía. El relato continúa con una sucesión de golpes de Estado y tramas de corrupción que atraviesan reinados y épocas: Isabel II, Alfonso XII, Alfonso XIII, Juan de Borbón, hasta desembocar en los episodios más recientes vinculados al rey emérito.

“Érase una vez en Borbonia” combina el sello narrativo de Nieves Concostrina, colaboradora habitual del programa de la cadena SER “La Ventana”, dirigido por Carles Francino, con el acompañamiento musical de Fetén Fetén, en una propuesta que aúna divulgación, escena y música para acercar al público una crónica histórica cargada de personajes, anécdotas…y mucho humor

Las entradas ya están a la venta desde 22 euros en https://entradas.qr4events.com/event/erase-una-vez-borbonia 

Hablar de Lise Davidsen hoy en día es sin duda hablar de una de las sopranos más importantes del momento, y en los registros dramáticos y de la ópera wagneriana seguramente la más importante. El Liceu ya tuvo el pasado año de soprano, casi residente, a Nadine Sierra –que por cierto regresa el 18 de febrero con un recital junto a Ludovic Tézier– la gran lírica de la temporada. Este año suma otro logro al conseguir que Davidsen se atreva en Barcelona, y por primera vez en su carrera, a asumir la totalidad del papel de Isolda en la wagneriana Tristán e Isolda, una ópera tan genial, y revolucionaria en su momento, como excesiva en su duración y por su exigencia para los cantantes.

A sus 38 años, y con poco más de una década en los escenarios, Davidsen se ha visto en el momento adecuado para combinar la energía de su juventud con la madurez técnica y vocal que exige el rol de Isolda para dejar una huella en la historia. Y sin duda ayer dejó un recuerdo para la posteridad en Barcelona. No solo aguantó perfectamente las tres horas y media que dura la obra, sino que lo hizo sin el menor problema para imponer su poderosa voz por encima de la orquesta, algo nada fácil con Wagner.

Esta fuerza sobrada, casi sobrenatural –que bien se refleja en la gran estatura y porte físico de la noruega– le permitió en todo momento manejar con anticipación el fraseo y la gestualización dramática, apropiándose desde el primer momento de todo el protagonismo de la ópera y relegando con su presencia al resto de roles a un segundo plano. Cierto es que en dos de los tres actos, Isolda asume la mayor carga, salvo en los duetos de final del primer acto y mediados del segundo, relegando al tenor responsable de Tristán a lucirse solo en el tercero, reservado para él salvo en el aria final Liebestod. Pero incluso en este postrer acto la soprano lograba brillar por su ausencia, se la echaba de menos.

Una demostración de poder de Davidsen

Así pues, Davidsen ha conseguido el debut de Isolda deseado y en una plaza exigente, pero de relevancia mediática bajo control, una experiencia que le servirá para después viajar al Metropolitan Opera House de Nueva York y exponer su Isolda con mayor seguridad e impacto. De todas formas, cabe destacar que esta propuesta de 2026 se intuye desde el minuto cero orientada a acompañar la demostración de poder de Davidsen, a su mayor gloria.

Esto no es ni bueno ni malo, pero conviene señalar el riesgo de que los montajes con un protagonista tan claro abandonen el sentido colectivo y multidisciplinar de la ópera y se conviertan en un recital. No sucedió así ayer, aunque se acercó a ese abismo y fruto de ello se resintió el conjunto en una obra que, como se ha dicho, se extiende, sumando los descansos, durante casi cinco horas. Afortunadamente, el placer de ver actuar y oír cantar a Lise Davidsen tapó las incomodidades de una escenografía muy irregular por parte de Urs Schönebaum, austera en exceso en el primer acto, que recupera tono en el segundo, con una plataforma giratoria bajo un fondo estrellado donde Tristán e Isolda celebran su amor dando vueltas, simbolizando su estado amoroso por encima de la realidad.

En el tercer acto, un escenario al estilo Juego de Tronos desconcierta un tanto, aunque resulta acertada la gran luna colgante que logra el ambiente crepuscular que acompaña a la agonía de Tristán. Si fue mucho más acertado el vestuario y la iluminación, aunque de nuevo irregular en el sentido de que el montaje de Bárbara Lluch premia en todo momento a la Isolda de Davidsen con espectaculares vestidos y luces cenitales, que logran genialmente convertirla casi en un ser sobrenatural, mientras deja en la penumbra al resto de personajes. Dicen las malas lenguas que la propia Davidsen desechó el montaje que Àlex Ollé realizó en 2017, entonces para la Isolda que perfiló Irene Theorin, que por cierto inicialmente tenía que hacer el papel de Brangäne, la criada de Isolda, pero se cayó por enfermedad.

Secundarios excelentes, personajes errantes

Así, con el montaje actual, secundarios tan relevantes como la mezzo Ekaterina Gubanova en el papel de Brangäne, o el barítono polaco Tomasz Konieczny, en todo momento excelentes en su ejecución vocal, se ven relegados a vagar de un modo un tanto errante por los distintos actos. También el bajo Brindley Sherratt, que interpreta al rey Marke, está excelente, marcando los tiempos dramáticos con su grave y contundente fraseo, y en cierto modo se salva de ser una presencia errática debido a lo concreto de sus intervenciones.

Respecto al tenor en el papel de Tristán, el escogido para la ocasión es el estadounidense Clay Hilley. A pesar de que en los duetos con Davidsen se muestra capaz de llegar a las notas más altas a la par que la noruega, que no es baladí, su potencia vocal de base se antoja en algunos momentos insuficiente. Hillley está técnicamente a la altura, dando a sus entonaciones la adecuada morbidez y dramatismo, sobresaliente en los citados duetos. Y convincente especialmente en el tercer acto. Pero esta limitación en la potencia vocal hace que su lucimiento en él sea menor, sobre todo si se compara con el de su partenaire. También en algunos momentos, la orquesta logra tapar su canto, aumentando la sensación de impotencia.

En cuanto a la conducción y la ejecución orquestal, la directora finlandesa Susanna Mälkki demuestra una gran solvencia frente a la Sinfónica del Liceu, llevando una pieza tan difícil en todo momento en perfecta sincronía con el desarrollo la de parte escénica y lírica, sin perder por ello la exuberancia que exige la ejecución wagneriana. Parecía que Mälkki y Davidsen se entendían con la mirada, una en el escenario y la otra en el foso, a tenor de la alta complicidad entre ambos espacios. Acaso destacar que el resto de cantantes se vieron un poco víctimas de la misma, arrollados por el huracán Davidsen y el entusiasmo orquestal de Mälkki.

Aunque al final, tras escuchar con piel de gallina a Lise Davidsen elevar a los cielos su Liebestod de cierre, la sensación es que todo es para bien, para un resultado memorable. A mayor gloria de la noruega, estos días reina de las Ramblas de Barcelona.

Si Madrid es una ciudad que se vive de noche, pocos lugares concentran mejor su pulso cultural que el Corral de la Morería, un tablao flamenco convertido en leyenda. Fundado en 1956, este espacio situado junto al Palacio Real no solo es uno de los templos del flamenco en el mundo, sino también el escenario del espectáculo de flamenco más visto de la historia, con más de cinco millones de espectadores a lo largo de siete décadas, según datos del propio establecimiento y recogidos por National Geographic.

El Corral nació de la mano de Manuel del Rey, un apasionado de las artes que quiso dignificar el flamenco en un formato moderno, íntimo y respetuoso con su esencia. El nombre del local remite a las antiguas corralas madrileñas que ocupaban esa zona del Madrid histórico, un guiño a la memoria popular de la ciudad. Desde entonces, el tablao ha mantenido una programación diaria ininterrumpida, algo excepcional incluso en una capital cultural como Madrid.

Por su escenario han pasado algunas de las figuras más influyentes del flamenco de los siglos XX y XXI. Pastora Imperio, Blanca del Rey, Antonio Gades, La Chunga, Paco de Lucía, Camarón de la Isla o Diego el Cigala forman parte de una lista que explica por qué el Corral es citado como referencia absoluta del género. No es solo un lugar donde ver flamenco: es un espacio donde se ha escrito su historia contemporánea, como recuerdan crónicas culturales y archivos artísticos consultables en instituciones como el Ministerio de Cultura de España.

El formato del espectáculo, de unos 70 minutos, apuesta por la cercanía y la intensidad. El público se sienta a pocos metros del tablao, en una sala que conserva cierto aire de taberna clásica, donde el taconeo, el cante y la guitarra se viven sin filtros. Esa intimidad ha sido clave para que el Corral mantenga su prestigio internacional y siga atrayendo tanto a aficionados al flamenco como a viajeros culturales de todo el mundo.

Flamenco y cocina de Estrella Michelin

Pero hay un elemento que hace único a este tablao frente a cualquier otro: su propuesta gastronómica. Desde 2018, el Corral de la Morería es el único tablao flamenco del mundo con una estrella Michelin, otorgada a su restaurante gastronómico, Corral de la Morería Gastronómico, según la Guía Michelin España. Al frente de la cocina está el chef David García, formado junto a Martín Berasategui y exresponsable del restaurante Nerua del Guggenheim Bilbao.

La experiencia combina alta cocina y flamenco en una secuencia cuidadosamente diseñada: un menú degustación de varios pases (con opciones incluso veganas) seguido del acceso a asientos preferentes para el espectáculo. Para quienes no consiguen mesa en el restaurante gastronómico, el tablao ofrece también una opción de cena más sencilla antes de la función, manteniendo siempre el foco en el arte escénico.

La actual etapa del Corral está liderada por Juanma y Armando del Rey, hijos del fundador, y por Blanca del Rey, directora artística y una de las grandes figuras del baile flamenco, reconocida con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Bajo su dirección, el tablao ha sabido conservar la tradición sin renunciar a la excelencia contemporánea.

Hoy, visitar el Corral de la Morería es mucho más que asistir a un espectáculo: es vivir una de las experiencias culturales más completas de Madrid, donde flamenco, historia y gastronomía se dan la mano. Un lugar que resume por qué el arte jondo sigue vivo, emocionando a generaciones enteras, desde vecinos del barrio hasta viajeros llegados de cualquier rincón del mundo.

La banda sonora es uno de los elementos más importantes de una película. Y algunos grandes éxitos del cine han pasado a la historia por sus melodías épicas, sus armonías únicas o sus fascinantes orquestaciones, de la mano de autores como John Williams, Hans Zimmer, James Horner. Nombres que forman parte de la lista de grandes compositores de nuestro tiempo, a la que se suman artistas emergentes que llegan pisando fuerte, como John Powell, de la saga Cómo entrenar a tu dragón. Precisamente esta banda sonora será una de las que se escuchen este fin de semana en el Auditori Fòrum CCIB de Barcelona, que desde hoy y hasta el domingo acoge un ciclo de conciertos que fusiona la música sinfónica con el séptimo arte.

Esta iniciativa nace de la colaboración entre la Fundació Orfeó Català-Palau de la Música Catalana y la Orquestra Simfònica del Vallès con el objetivo de acercar el género sinfónico al gran público durante las fechas prenavideñas. El programa destaca por su singularidad al ofrecer cinco conciertos que combinan bandas sonoras interpretadas en directo con la proyección de películas icónicas en una pantalla gigante. La propuesta incluye el tributo a Mike Oldfield con Tubular Bells, y las experiencias cinematográficas How to Train Your Dragon, in concert y Star Wars: A New Hope, in concert. Estas producciones están diseñadas para cautivar a espectadores de todas las edades, garantizando una vivencia inmersiva y única.

La elección del Auditori Fòrum CCIB no es casual, ya que el espacio cuenta con una pantalla de 16 metros por 9 metros y una acústica excepcional. Estas características técnicas, sumadas a la comodidad y buena visibilidad desde todas las butacas, lo convierten en el escenario ideal para disfrutar de la música en vivo mientras se siguen las imágenes de las películas, una experiencia que acerca a los amantes del cine y la cultura pop hacia la música clásica y sinfónica gracias a estas bandas sonoras épicas y al gran legado musical de Oldfield. La organización ha preparado un espectáculo centrado en que cada asistente pueda revivir toda la fuerza de la narrativa que se despliega tanto en pantalla como en el escenario.

Maggie Reilly y Nikki Lamborn

El ciclo arranca hoy viernes a las 20:00 horas, con un tributo especial a la obra maestra de Mike Oldfield. El proyecto Opus One, creado por el musicólogo Xavier Alern, será el encargado de interpretar Tubular Bells con la máxima fidelidad al sonido y espíritu del mítico registro de 1973. Esta formación nació específicamente para dar vida a la “trilogía mágica” del compositor británico, que incluye también Hergest Ridge y Ommadawn. Uno de los grandes atractivos de esta primera jornada es la presencia de las cantantes Maggie Reilly y Nikki Lamborn. Reilly, cuya voz es inseparable de los éxitos más populares de Oldfield como Moonlight Shadow o To France, regresa a Barcelona tras su éxito previo en el Palau de la Música. Por su parte, Lamborn, una de las voces más prestigiosas del rock y blues en el Reino Unido, debutará en la ciudad interpretando temas emblemáticos como Earth Moving.

El fin de semana del 20 y 21 de diciembre estará dedicado a la aventura épica de How to Train Your Dragon (Cómo entrenar a tu dragón). Esta producción de DreamWorks se proyectará en alta definición mientras la Orquestra Simfònica del Vallès interpreta la banda sonora original de John Powell, nominada al Oscar y caracterizada por su carácter épico y alegre. Los asistentes podrán revivir la historia de Hipo y el dragón Desdentao en una experiencia que combina acción, humor y una emotividad reforzada por la música en directo, que en esta ocasión contará también con la participación de la Coral Càrmina.

El broche de oro al ciclo lo pondrá la mítica saga galáctica con Star Wars: A New Hope, in concert, los días 22 y 23 de diciembre. Bajo la licencia de Disney Concerts, el film se proyectará íntegramente en versión original subtitulada, acompañado por la icónica partitura de John Williams, ganadora del Oscar. Esta obra inolvidable del cine ha marcado a múltiples generaciones desde su estreno hace más de 45 años y ahora se presenta como un viaje sinfónico inolvidable.

La Orquestra Simfònica del Vallès asume un papel protagonista en estas producciones, consolidando su reputación en la interpretación de música para la imagen. Dirigida por Scott Terrell en las proyecciones de cine, la orquesta ha demostrado previamente su versatilidad en espectáculos como "¡Videojuegos en concierto!", donde interpretó composiciones de títulos como Assassin's Creed o Fallout con gran éxito. La complejidad técnica de sincronizar la orquesta con el metraje en alta definición es uno de los mayores atractivos de esta producción. En cuanto a la accesibilidad y precios, la organización ha dispuesto una gama de opciones que van desde los 25 hasta los 110 euros, con tarifas especiales para personas con discapacidad reconocida superior al 33%.

La vinculación de la música con el cine en este ciclo refleja una tendencia donde los compositores asumen el desafío de crear paisajes sonoros que trascienden la pantalla. Al igual que ha ocurrido recientemente con la música de los videojuegos, estas bandas sonoras han adquirido una entidad propia que merece ser escuchada en grandes auditorios. Es una celebración de la narrativa mítica y los personajes inoblidables a través de la interpretación en vivo. El espectador no solo asiste a una proyección, sino que se sumerge en una marea de sonidos que dan vida a héroes y leyendas de mundos fantásticos.

Este mes de diciembre llega a las plazas y calles de cuatro municipios albaceteños 'Te Falta Calle' el I Festival Provincial de Teatro de Calle organizado por la Diputación de Albacete.

Se trata de una nueva iniciativa cultural que apuesta por sacar las artes escénicas a plazas y calles de municipios con especial valor patrimonial y paisajístico, convirtiendo el espacio público en un punto de encuentro entre cultura, ciudadanía y territorio.

El festival se celebra en cuatro fines de semana consecutivos en el marco de las celebraciones navideñas, con espectáculos matinales a las 12.30 horas, una franja pensada tanto para el público local como para visitantes, y concebida como un reclamo cultural que anime a pasar el día en las localidades, disfrutar de su entorno, de su oferta gastronómica y de su comercio.

Cuatro citas del 20 al 28 de diciembre

Las citas serán el sábado, 20 de diciembre, en Tarazona de la Mancha, con el espectáculo 'Olympics'; el domingo 21, en Ayna, con 'Glubs'; el sábado, 27 de diciembre, en Alcaraz, con 'A la fresca', y el domingo, 28 de diciembre, la experiencia concluye en Alcalá del Júcar, con 'Playground'.

Las propuestas son para todos los públicos y han sido seleccionadas por su calidad artística y su capacidad de interacción con el espacio urbano y el público, ha informado la Diputación en un comunicado.

'Olympics', de Nacho Vilar Producciones & Yllana, es un espectáculo itinerante de comedia gestual, surrealista y visual, que transforma la calle en una peculiar competición deportiva cargada de humor y ritmo.

'Glubs', de la misma compañía, propone una comedia itinerante basada en el humor físico y el juego escénico, reconocida por la Red Española de Teatros y Auditorios y finalista a los Premios Max, pensada para sorprender al público en pleno recorrido urbano.

'A la fresca', de la compañía Anna Confetti, es una propuesta divertida y cercana que recupera el espíritu de la conversación en la calle y la vida compartida en las plazas, con un lenguaje gestual accesible para todas las edades.

'Playground', de Collectif Primavez, combina mástil chino, danza, teatro y humor en un espectáculo estático que se desarrolla a ocho metros de altura, con participación del público y una potente carga visual, avalada por numerosos premios internacionales.

Cultura que se “vive en comunidad”

'Te Falta Calle' nace con una doble vocación: por un lado, acercar la cultura a la ciudadanía, especialmente a municipios que no cuentan con programación escénica continuada o con espacios teatrales convencionales; y por otro, dinamizar el turismo cultural, poniendo en valor enclaves singulares de la provincia a través de propuestas artísticas accesibles y de calidad.

La Diputación afirma que el festival refuerza la idea de que la cultura “no solo se consume, sino que se vive en comunidad, en los espacios donde transcurre la vida cotidiana”.

Grañón estrena este sábado la versión ampliada del Retablo de la Luz, un viaje de 20 minutos por la historia, la luz y la arquitectura que, gracias a una original propuesta artística y tecnológica, permite transformar la narrativa del templo de San Juan Bautista para convertirlo en un escenario inmersivo único, donde se aúnan patrimonio, historia y tecnología.

A través de un espectáculo que combina proyección mapping, iluminación láser y diseño sonoro envolvente, la nueva edición de esta propuesta, que se estrenó en agosto de 2024, incorpora un guion ampliado con elementos narrativos que recorren la evolución del territorio desde tiempos prehistóricos hasta la creación del retablo renacentista.

Esta versión ampliada extiende el espectáculo hasta los 20 mintuos respondiendo así a la petición del público y además incluye algunos capítulos inéditos en los que se aborda la naturaleza primigenia del territorio, los primeros asentamientos en el cerro Mirabel, la fortaleza medieval, recreaciones poéticas de las épocas romana y medieval y culmina con la narración de la creación del retablo renacentista de la escuela de Damián Forment, núcleo artístico del templo. Todo ello acompañado de efectos visuales y sonoros sincronizados con la arquitectura del templo, que gracias a la técnica de mapping se convierte en un lienzo tridimensional lleno de vida.

La ampliación de esta experiencia inmersiva ha contado con la colaboración de la Consejería de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud del Gobierno de La Rioja, de Ibercaja, el Ayuntamiento de Grañón y la parroquia de San Juan Bautista, así como de donaciones privadas y de miembros de la Asociación Cultural de Amigos de la Ermita de Carrasquedo.

Concebida para todos los públicos, esta propuesta inmersiva se plantea como un homenaje contemporáneo a la historia, la luz y la espiritualidad que forman parte de la identidad de Grañón desde hace siglos. La Asociación Cultural Amigos de la Ermita de Carrasquedo busca dar a conocer y difundir nuevamente el gran valor del retablo del municipio y situar el nombre de Grañón en el mapa internacional de las experiencias audiovisuales y patrimoniales.

Un proyecto para impulsar la vida cultural en el medio rural

El Retablo de la Luz es una iniciativa cultural que refuerza la identidad de Grañón y su papel dentro del Camino de Santiago. La Asociación Cultural Amigos de la Ermita de Carrasquedo impulsa proyectos que no solo ponen en valor el patrimonio local, sino que contribuyen a frenar la despoblación, atraer turismo cultural y dinamizar la economía del entorno.

Experiencias como esta generan nuevas oportunidades y fortalecen la vida en los pueblos, consolidando un futuro sostenible para las zonas rurales.

Las personas interesasa pueden ampliar la información y reservar las entradas aquí.

https://www.eventim-light.com/es/a/66d5ca1b5e0ae365c79e9637?lang=es