La danza como refugio, como memoria y también como abrazo colectivo. Eso es lo que propone ‘ALMA’, la creación escénica impulsada por la directora Laura Tello que llegará el próximo 26 de mayo al Gran Teatro de Cáceres con una gala que promete emocionar al público a través de un recorrido por las distintas etapas de la vida de las mujeres.

Lejos de plantearse como un simple espectáculo de danza, ‘ALMA’ nace como una experiencia emocional y sensorial donde el movimiento sirve para contar aquello que muchas veces resulta difícil explicar con palabras: la infancia, el descubrimiento de una misma, el amor, las pérdidas, la maternidad, las heridas y la reconstrucción personal.

Sobre el escenario se reunirán más de 80 bailarinas de distintas edades, creando un espacio intergeneracional en el que varias generaciones de mujeres compartirán relato, emociones y experiencias a través del cuerpo y la música. El proyecto, además, pone el foco en el propio proceso creativo y educativo, convirtiendo la danza FEMAE en una herramienta de expresión, identidad y crecimiento personal para quienes participan.

'ALMA no se observa. ALMA se atraviesa', recoge el dossier del espectáculo, que define esta propuesta también como “un homenaje a todas las mujeres que bailan en nosotras”.

La gala contará además con las voces invitadas de Raquel Palma y Ana Carretero, sumando música en directo a una puesta en escena que combinará danza, interpretación y una cuidada propuesta visual.

Pero ‘ALMA’ no solo quiere emocionar desde el arte. El espectáculo tiene también carácter benéfico y destinará su recaudación a un proyecto de la Fundación Santa María la Real que trabaja con mujeres que, después de dedicar gran parte de su vida al cuidado de otras personas, buscan ahora una nueva oportunidad laboral y vital.

“ALMA nace también como una forma de devolver, porque ayudar a una mujer a volver a empezar es, muchas veces, ayudar a sostener una vida e impulsar familias enteras”, destaca el proyecto en su presentación.

En tiempos marcados por la rapidez y el ruido, la propuesta que llegará al teatro cacereño apuesta precisamente por lo contrario: detenerse, sentir y reconocerse en las historias de otras mujeres. Porque quizá ahí, en ese gesto compartido, también haya una forma de sanar.

Los trabajadores de espectáculos y eventos de Euskadi pararán este viernes, 15 de mayo, para denunciar la precariedad de su sector y ante el “bloqueo” por parte de la patronal que denuncian a la hora de negociar un nuevo convenio que mejore sus condiciones laborales. Según critican, en 2024 se constituyó por primera vez la asociación Euki, una patronal integrada por empresas con domiciliación fiscal Euskadi, que comenzó a reunirse con representantes del sindicato Teknikariok y los sindicatos mayoritarios ELA, LAB, ESK, CCOO y UGT con el objetivo de negociar un convenio colectivo propio del sector del espectáculo en vivo. Así se constituyó la primera mesa negociadora del Convenio de Espectáculos y Eventos de Euskadi. No obstante, tras dos años de reuniones, pese a que se han alcanzado acuerdos “mínimos”, los sindicatos se han plantado para denunciar el “bloqueo” de la patronal en cuanto a lo que consideran “uno de los puntos centrales” de la negociación: la flexibilidad laboral.

En concreto, una de las líneas rojas de los trabajadores es poder contar con un mes de preaviso en la asignación de turnos y horarios. Sin embargo, las empresas se niegan a asumir ese compromiso sin reservarse la posibilidad de modificarlos con solo cinco días de antelación respecto al evento. “Para quienes no estén familiarizados con este sector, conviene señalar que se trata de uno de los más históricamente precarios y desestructurados del tejido productivo. Las razones son múltiples: una industria cultural escasa y casi siempre condicionada por la subvención pública; una eventualidad crónica y una falta de estabilidad laboral estructural; jornadas de trabajo interminables; la proliferación de falsos autónomos al servicio de empresas a su vez subcontratadas; el incumplimiento sistemático de los descansos entre jornadas; y la ausencia de compensación por festivos, descansos semanales o vacaciones”, denuncian desde la Sección Sindical de CNT del Teatro Arriaga, quienes hacen un llamamiento a los trabajadores a secundar la huelga de este viernes. “Que no suban los telones, que los micros no suenen y que las luces no se enciendan. No participéis en ningún concierto, obra de teatro, espectáculo de danza ni evento alguno, y salid a las movilizaciones para que las reivindicaciones suenen más alto”, defienden tras añadir que el llamamiento también es para la ciudadanía, a quienes piden no asistir a ningún teatro, concierto, danza o evento para poder apoyar su lucha.

“El nuestro es un sector donde la vulneración de derechos y la precariedad marcan el día a día de tantos trabajadores que por fin han decidido organizarse. Las especificidades organizativas y productivas de nuestro sector han sido tradicionalmente aprovechadas por muchas empresas para evitar que, en la práctica, lleguen al día a día de los trabajadores incluso algunos de los derechos mínimos ya consagrados en el Estatuto de los Trabajadores. Derechos básicos que se dan por sentado en la mayoría de profesiones son, sin embargo, pisoteados en la nuestra bajo el pretexto de la intermitencia que caracteriza nuestra actividad”, lamentan los sindicatos.

Además de la huelga, los trabajadores han comenzado a interponer denuncias ante la Inspección de Trabajo por los contratos que, según aseguran, son “abusivos e ilegales”. “Desde Euki se pretende que los trabajadores renunciamos a la conciliación familiar y personal mediante la entrega de horarios, calendarios y turnos de trabajo con una antelación totalmente inaceptables. Quieren manejar cómoda y flexiblemente su actividad a costa de imposibilitar que cualquier empleado organice mínimamente su vida (y la de su entorno) y permanezca a continua disposición de la empresa. Todo ello sin ofrecer compensaciones de ningún tipo y afirmando que ya han hecho su última oferta, pese a que lo propuesto en ella se encuentra incluso por debajo de los mínimos que marca el Estatuto de los Trabajadores”, critican.

Las movilizaciones convocadas para el viernes, 15 de mayo, se llevarán a cabo en las tres capitales vascas, pero se realizarán piquetes informativos en eventos de todo el territorio. En Bilbao, la concentración será frente al Teatro Arriaga a las 11.30 horas; en Vitoria se realizará en el festival Batbatean, en Mendizabala, a las 18.00 horas y en Donostia será a las 19.00 horas en el Teatro Victoria Eugenia. Además, a las 18.30 horas en Leioa, durante la celebración de Umore Azoka los trabajadores del sector realizarán una kalejira y concentraciones en los distintos escenarios del espectáculo.

Cancelaciones y parones por la huelga

Entre los espectáculos anunciados para el viernes, 15 de mayo está la obra de teatro 'Fronteras', protagonizado por Carolina Yuste y Eneko Sagardoy a las 19.30 horas en el Teatro Arriaga; la obra de teatro '¿Quieres pecar conmigo?', con Ana Villa, Maria Petri, Arantzazu Ruiz, Marta Fíguls, Ernest Fuster y Victor Fajardo a las 20.00 horas en el Teatro Campos Elíseos de Bilbao, 'Tarzán, el musical' en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia a las 20.00 horas -una hora después de la concetración de los trabajadores en el mismo teatro- o el concierto de Bad Gyal en Bilbao Arena a las 19.00 horas.

Pero una de las citas más esperadas del viernes será el concierto de Fito y Fitipaldis de fin de gira en el BEC de Barakaldo a las 19.00 horas. Por el momento, desde el grupo, que ha vendido todas las entradas, no han realizado ninguna comunicación sobre la huelga. Tampoco de los teatros ni conciertos mencionados en este artículo. Sí que se ha pronunciado, en cambio, Nacho Vegas, quien ha cancelado su concierto previsto en el Kafe Antzokia de Bilbao por la huelga de los trabajadores del sector de espectáculos. “Yo mismo y todo el equipo que forma parte de la gira 'Vidas semipreciosas' hemos tomado la decisión de suspender este concierto hasta nueva fecha para solidarizarnos con los y las trabajadoras del sector. Sin técnicos ni técnicas no podríamos dar ni asistir a conciertos y queremos solidarizarnos especialmente con la gente más precarizada y apoyar esta huelga que defiende sus derechos laborales más básicos”, ha anunciado el artista, que ha destacado que no se trata de una decisión tomada en contra del Kafe Antzokia en concreto, sino una decisión tomada por “conciencia política”.

Por su parte, el festival Batbatean de Vitoria ha anunciado un parón a modo de solidaridad con la huelga desde las 21.00 horas hasta las 22.00 horas. En un comunicado el equipo del festival ha explicado que durante los últimos días ha mantenido “varias reuniones con los diferentes agentes que han impulsado la convocatoria” y ha escuchado “de primera mano las reivindicaciones y preocupaciones en torno a las situaciones de precariedad laboral que se dan en el sector de la música en directo y los espectáculos”. “Aunque compartimos muchas de las peticiones y reivindicaciones planteadas resulta logísticamente imposible suspender por completo la primera jornada, debido a las consecuencias que ello tendría a nivel organizativo, técnico y contractual”, han asegurado desde el festival, que finalmente ha optado por realizar un parón de una hora. “Batbatean es un festival formado por personas que forman parte activa de la industria musical de Euskal Herria, y conocemos de cerca, y en muchos casos también sufrimos, la situación de precariedad del sector del ocio y los espectáculo”, han recalcado.

La vedete Tania Doris, una de las reinas del Paral·lel barcelonés durante varias décadas, ha muerto a los 74 años de edad, según han informado fuentes próximas a la artista, diva del Teatro Apolo, donde protagonizó numerosas revistas como '¡Esta noche...sí' o 'Yo soy la tentación'.

Nacida en València en 1952 en el seno de una familia andaluza, bautizada como Dolores Cano Barón, estudió baile clásico español en una academia y, posteriormente, se hizo bailarina profesional, iniciándose en el mundo de la revista, donde pasó a ser, con apenas 17 años, una de las 'Chicas alegres de Colsada', descubierta por el empresario Matías Colsada.

Fue Colsada, con quien acabó conviviendo durante más de veinte años, quien le puso el nombre artístico de Tania Doris, y quien le abrió las puertas del Teatro Apolo. Se dedicó a la revista porque, por su altura -medía casi 1,80 metros-, no pudo ser bailarina, iniciando su carrera en el Paral·lel barcelonés hacia 1970.

Retirada desde hace más de un cuarto de siglo, protagonizó a lo largo de su trayectoria obras de revista como 'Seductora', que también presentó en Madrid, 'La Dulce Viuda', 'Acaríciame', 'Venus de fuego', 'Deseada' o 'Quiere ser mi amante'. En muchas de estos espectáculos estuvo acompañada por los galanes cómicos Luis Cuenca y Pedro Peña.

En el año 1983, presentó en Madrid la revista 'Un reino para Tania', una obra con la que viajó después a México, tras una invitación de Mario Moreno 'Cantinflas', y también presentó su película 'Historia de la Revista'.

Asimismo, en aquella época fue homenajeada por el entonces alcalde de Madrid, Enrique Tierno Galván, en el Club Internacional de Prensa. En el año 1984 protagonizó la película musical 'Las alegres chicas de Colsada', dirigida por Rafael Gil, y en 1988 estrenó en Madrid la comedia musical 'Bésame, Johnny'. Entre las últimas obras en las que participó destaca 'Taxi, al Apolo', en el año 1993.

Por otra parte, en 2006 su nombre volvió a los medios de comunicación después de presentar una demanda para que se determinara qué parte de la herencia del empresario Matías Colsada le correspondía a ella, después de que la Audiencia de Barcelona la reconociera beneficiaria de la misma, tras haber convivido con él durante años, aunque nunca se casaron. La herencia de Colsada, que murió en el año 2000, sin dejar testamento, fue objeto de disputa entre la viuda legal, sus dos hijas extra-matrimoniales y Tania Doris.

En declaraciones a EFE, el gestor cultural y amigo de Tania Doris, Joan Estrada, ha lamentado este miércoles la muerte de la artista, de quien ha dicho que fue “la auténtica vedete del Paral·lel, una mujer muy alta, muy guapa, muy esbelta, una persona muy honesta, que en los últimos años llevó una vida muy discreta, totalmente retirada del mundo del espectáculo”.

Asimismo, ha recordado su participación en numerosas obras en el Apolo junto a Luis Cuenca y Pedro Peña, los tres “auténticas estrellas del Paral·lel”. El velatorio tendrá lugar en el Tanatorio de Les Corts mañana jueves, mientras que la ceremonia de despedida se celebrará en el mismo lugar el viernes a las 9:00 horas.

La actuación de Rosalía era el momento más esperado de la noche. Netflix intentó mantenerlo en secreto, pero la participación de la artista se filtró un par de días antes del macroevento que la plataforma organizó sobre el Guadalquivir con motivo del estreno de la nueva temporada de Berlín, celebrado en Sevilla durante todo el fin de semana.

La expectación era máxima y miles de personas se acercaron hasta las orillas del río con la esperanza de verla aparecer sobre el escenario flotante, a pesar de la lluvia que cayó por momentos. Netflix prometió una “jarana” y muchas sorpresas, pero fue Rosalía quien terminó iluminando la noche con su interpretación de Reliquia y La perla, dos de los temas más populares de su último disco, Lux. Tienes la actuación de La perla al completo en este enlace.

La irrupción de la artista, pasadas las 22:30 h, levantó el ambiente durante unos minutos y consiguió devolverle emoción a una velada que parecía quedarse a medio gas. Acompañada por la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), empezó con Reliquia, que repasa distintas localizaciones y detalles del universo de La casa de papel con mención especial a Sevilla. A continuación, dirigió unas palabras a la ciudad y confesó que no dudó en aceptar la propuesta de la plataforma de streaming “porque eres tú, Sevilla”.

El broche final lo puso con la archiconocida La perla, cuyas primeras notas fueron coreadas y jaleadas por el público, que acompañó cada canción desde ambas orillas del río. Entre luces, fuegos artificiales y el escenario flotante sobre el Guadalquivir, su breve actuación se adueñó de la noche, a los pies de una Torre del Oro teñida de rojo Netflix.

Lo que es evidente es que el Gran Teatro vive una crisis silenciosa que está empobreciendo la vida cultural de la ciudad. Uno de los momentos más intensos de la última temporada fue la llegada de José Sacristán con Señora de rojo sobre fondo gris. Más allá del prestigio del actor o del texto de Delibes, lo que aquella noche devolvió a Cáceres fue la sensación de estar ante un teatro vivo, capaz de convocar emoción y pensamiento.

Sacristán ofreció una interpretación llena de matices y silencios, sostenida por esa ternura lúcida —la misma que Alfredo Sanzol ha convertido en seña de identidad— que permite mirar el dolor sin estridencias y encontrar humanidad incluso en la grieta. Fue una de esas veladas en las que el teatro se vuelve íntimo, casi respirable. Y, precisamente por eso, dolió comprobar hasta qué punto lo excepcional ha sustituido lo que antes era habitual.

El Gran Teatro no es un edificio cualquiera: es el principal escenario de la provincia y un referente histórico de Extremadura. Pero desde hace tres años, su programación parece haber entrado en una fase de amnesia. Lo que antes era una cita fija en el calendario cultural de muchos cacereños y cacereñas se ha convertido en una rareza.

Quienes antes encontraban en la butaca un hábito, un refugio o un punto de encuentro, hoy miran hacia Madrid con resignación, asumiendo un exilio cultural que cuesta tiempo, dinero y energía. No es una percepción subjetiva, ojo, basta revisar la hemeroteca para comprobar que lo que hoy se vive como excepción fue durante años la norma.

Cuando Cáceres formaba parte del mapa teatral

No hace tanto, Cáceres estaba integrada en el circuito teatral de grandes producciones nacionales. Obras de enorme relevancia artística recalaban aquí con naturalidad: desde piezas conmovedoras como Una noche sin luna, con Juan Diego Botto, hasta montajes de gran envergadura como Incendios, La isla del aire, El funeral, Adictos, Bodas de sangre o La casa de Bernarda Alba dirigida por José Carlos Plaza con un reparto excepcional.

No eran “eventos extraordinarios”, era una programación con criterio, ambición y mirada. El público cacereño podía ver teatro de primer nivel a precios accesibles, sin necesidad de cruzar el túnel de Guadarrama ni asumir entradas prohibitivas. Aquello generaba algo más que entretenimiento: generaba una necesaria pertenencia.

El teatro como tejido social

La pérdida de ambición no solo afecta a la cartelera: afecta a la ciudad. El teatro era un punto de encuentro, un lugar donde se tejían vínculos que no nacían en una cena ni en un bar, sino en la platea. Muchas de nosotras tenemos ese “amigo de teatro” con quien compartíamos función y debate. Al desaparecer la oferta que alimentaba esas conversaciones, también se han debilitado esos lazos.

Pienso en personas como mi amiga Pilar, ya nonagenaria, para quien una entrada que le regalé hace unos años fue “el mejor regalo de su vida”. Para ella —y para tantos— el Gran Teatro era una ventana al mundo, casi el único. Hoy esa ventana apenas se entreabre.

¿Qué ha pasado?

La música y el humor llenan por inercia los espacios culturales, pero el teatro de texto, el que exige riesgo, negociación y apuesta, hay que ir a buscarlo. Requiere gestión, voluntad y una programación que no se conforme con lo fácil. Defender el teatro extremeño y a las promotoras locales es imprescindible, pero no puede convertirse en excusa para renunciar a lo nacional e internacional. Antes convivían a la perfección ambos mundos; ahora la desidia o la ignorancia ha reducido esa convivencia a la mínima expresión.

Sin embargo, conviene decirlo sin rodeos: la cultura no se sostiene con inercias ni con programaciones de mínimos.

El Gran Teatro no puede resignarse a ser un contenedor de nombres propios. Cáceres merece recuperar el privilegio de que, cuando se levanta el telón en la calle San Antón, lo que aparece en escena sea lo mejor que ofrece el país. Esta ciudad sabe distinguir perfectamente cuándo le están dando arte y cuándo le están dando largas.

La cultura como acto de ciudadanía

La cultura no es un adorno ni un lujo: es una forma de ciudadanía, de idiosincrasia, de vivir las vidas. Un teatro vivo no solo entretiene; educa, conmueve, cuestiona, une. Es un espejo donde una comunidad se reconoce y un laboratorio donde imagina quién quiere ser. Cuando un teatro se deja en penumbras, no se apaga solo un escenario: se apaga una parte de la ciudad y con ella sus habitantes.

Por eso defender una programación ambiciosa no es un capricho, sino un acto de responsabilidad colectiva y más en estos momentos en los que aspiramos a ser Capital Europea de la Cultura. Cáceres merece volver a levantar el telón con riesgo, con belleza, con exigencias. Merece volver a sentir que el arte sucede aquí, no en otra parte. Merece tener la posibilidad de desentrañar con curiosidad y deseo todas las capas que conforman nuestra existencia. Merece poder volver a mirarse.

En de marzo de 1881, se creó el llamado “el mejor espectáculo del mundo”. Nacía de una fusión entre P.T Barnum y James A. Bailey, que tenían entonces los circos ambulantes más destacados del momento, y se bautizó como Barnum & Bailey Circus, donde la atracción que más llamaba la atención del público era el elefante africano Jumbo, que habían comprado de un zoo de Londres y que inspiró a la famosa película Disney ‘Dumbo’.

Hace 145 años creaba su gran espectáculo, el último diez años antes del fallecimiento de P.T Barnum, uno de sus impulsores, el hombre al que dio vida Hugh Jackman en el cine en el musical ‘El gran showman’, estrenada en 2017, y que edulcoró la biografía del famoso empresario que fue conocido no solo por sus espectáculos, sino también por usar el arte del engaño y exhibir animales y personas curiosas, los llamados ‘freaks’, no siempre en las mejores condiciones. Y es que del musical de Jackman, Zac Efron y Zendaya a la vida real hay larga distancia, aunque sí tomó varios hechos que pasaron o fueron parecidos.

Phineas Taylor Barnum nació en 1810 como hijo de un sastre y una posadera, y nieto de un vendedor de loterías, de quien aprendería el arte del engaño, que sería clave en su carrera como empresario de espectáculos. Esto le valió tener su primer trabajo en ventas a los doce años, y hasta que encontró su vocación siguió como comerciante.

Sería a los 25 años, en 1835, cuando empezaría en la industria del espectáculo. Exhibía a una esclava ciega y paralizada que presentaba como la que fuera niñera del presidente George Washington y aseguraba que tenía 161 años. Se llamaba Joice Heth y moriría tan solo un año después, pero hasta el último día fue usada por Barnum, que cobró como ‘show’ la autopsia del cadáver ante 1.500 espectadores. Después de esto, trabajó en el teatro ambulante Aaron Turner Traveling Circus.

Su primer gran éxito: el Barnum’s American Museum

En 1841 el empresario compró un edificio en Manhattan y crearía su primer gran éxito, el Barnum’s American Museum, que en sus cinco plantas era museo a la vez que teatro, zoológico y lugar de espectáculo de “fenómenos” o rarezas, donde destacaban un “Napoleón enano”, una gigante o la mujer barbuda Josephine Clofullia, que fue una de las más famosas del siglo.

El lugar atraía a tanto público que tenía una cifra media de 15.000 visitantes diarios, abriendo un total de 15 horas, y en él, P.T Barnum demostró su don en el arte del engaño también, al exhibir la sirena de Fiyi, que era en realidad un mono disecado con cola de pez. Al igual que en ‘El gran showman’, el museo fue víctima de un incendio, aunque luego pasaría por dos más, hasta que no se pudo recuperar y lo cerró.

De la política al circo ambulante

Tras cerrar su famoso museo de variedades, P.T Barnum se dedicó a la política hasta que en 1870 volvió al mundo del espectáculo, pero esta vez con un nuevo formato, el del circo ambulante, que atraía más público en esos días. Con el Barnum's Grand Traveling Museum iría de gira tanto por Estados Unidos como por Europa, al que ya bautizaban como “el mejor espectáculo del mundo”.

En 1881 fundaría el Barnum & Bailey Circus junto con James A. Bailey, que sigue funcionando con un descanso entre 2017 y 2023, aunque desde 1906 pasó a llamarse Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus. Solo disfrutaría diez años de ello, pues moriría en 1891.

El intermedio de la Superbowl 2026 con Bad Bunny no dejó indiferente a nadie, haciendo además historia siendo el primer artista con un repertorio musical completo en español al actuar en este acontecimiento, que trasciende el deporte y se vincula con el espectáculo.

Una fiesta que amenizó Bad Bunny con reggaetón y salsa y con nombres reconocidos como Lady Gaga, Ricky Martin, Jessica Alba o Pedro Pascal, estos dos últimos como parte de los que disfrutaron de la famosa “casita” del cantante puertorriqueño.

En uno de los momentos del icónico ‘halftime’ de Bad Bunny fue una escena en la que se da una boda latina, antes de la sorprendente aparición de Lady Gaga. Un hecho que tiene una intrahistoria de lo más peculiar.

La boda latina del intermedio de Bad Bunny en Superbowl fue real y legal

En lo deportivo, Seattle Seahawks se impusieron 29-13 a los New England Patriots para alzar la LX SuperBowl en el Levi’s Stadium y se cobraron venganza de la edición de 2015. El equipo, sin embargo, no fue el único ganador de la noche, sino que también lo fueron la pareja que se casó delante de millones de espectadores y con Bad Bunny como testigo, como así quisieron en su día.

Y es que el enlace que se vio en la Superbowl fue real y legal, como adelantó el periodista deportivo Rohan Nadkarni de NBC News, al igual que MLF Football y ESPN, para que luego lo confirmara también el representante del artista puertorriqueño en Variety.

De la pareja no ha trascendido ni sus nombres ni su nacionalidad, pero lo que sí que se sabe es que invitaron a Bad Bunny a su boda hace dos meses, y el cantante, entonces, optó por agradecerles el gesto integrándoles en su histórico intermedio de la Superbowl.

Además, no solo hizo que su boda haya tenido un escenario único e invitados, sino que esto también enlaza con el mensaje que se pudo leer al cierre del espectáculo que tuvo lugar en el Levi’s Stadium en el que se podía leer: “La única cosa más poderosa que el odio es el amor”.

El espectáculo “Érase una vez en Borbonia”, protagonizado por la comunicadora Nieves Concostrina y el dúo musical Fetén Fetén llega al Auditorio del Ayuntamiento de Logroño el próximo jueves 23 de abril.

La popular periodista y escritora Nieves Concostrina desembarca en nuestra ciudad acompañada del dúo musical Fetén Fetén, que hacen una parada en su extensa gira junto a Fito y Fitipaldis, para representar el espectáculo de humor “Érase una vez en Borbonia”.

Durante casi dos horas, el público asistirá a un recorrido escénico por una etapa clave de la historia de España a través de la dinastía Borbón: sus luces y sombras, sus relatos de corruptelas y corrupciones, pero también episodios que los humanizan —como el vínculo de algunos monarcas con las artes—. Sobre el escenario, junto a Concostrina y Fetén Fetén, nueve reyes y reinas esperan para repasar con el público una parte esencial del pasado.

El espectáculo traza el hilo genealógico y político de los Borbones desde la llegada de Felipe V, enviado desde Versalles, pasando por figuras como Fernando VI, Carlos III, Carlos IV y María Luisa de Parma, hasta detenerse en personajes clave en la consolidación de prácticas y costumbres que marcarían la historia posterior de la dinastía. El relato continúa con una sucesión de golpes de Estado y tramas de corrupción que atraviesan reinados y épocas: Isabel II, Alfonso XII, Alfonso XIII, Juan de Borbón, hasta desembocar en los episodios más recientes vinculados al rey emérito.

“Érase una vez en Borbonia” combina el sello narrativo de Nieves Concostrina, colaboradora habitual del programa de la cadena SER “La Ventana”, dirigido por Carles Francino, con el acompañamiento musical de Fetén Fetén, en una propuesta que aúna divulgación, escena y música para acercar al público una crónica histórica cargada de personajes, anécdotas…y mucho humor

Las entradas ya están a la venta desde 22 euros en https://entradas.qr4events.com/event/erase-una-vez-borbonia 

Hablar de Lise Davidsen hoy en día es sin duda hablar de una de las sopranos más importantes del momento, y en los registros dramáticos y de la ópera wagneriana seguramente la más importante. El Liceu ya tuvo el pasado año de soprano, casi residente, a Nadine Sierra –que por cierto regresa el 18 de febrero con un recital junto a Ludovic Tézier– la gran lírica de la temporada. Este año suma otro logro al conseguir que Davidsen se atreva en Barcelona, y por primera vez en su carrera, a asumir la totalidad del papel de Isolda en la wagneriana Tristán e Isolda, una ópera tan genial, y revolucionaria en su momento, como excesiva en su duración y por su exigencia para los cantantes.

A sus 38 años, y con poco más de una década en los escenarios, Davidsen se ha visto en el momento adecuado para combinar la energía de su juventud con la madurez técnica y vocal que exige el rol de Isolda para dejar una huella en la historia. Y sin duda ayer dejó un recuerdo para la posteridad en Barcelona. No solo aguantó perfectamente las tres horas y media que dura la obra, sino que lo hizo sin el menor problema para imponer su poderosa voz por encima de la orquesta, algo nada fácil con Wagner.

Esta fuerza sobrada, casi sobrenatural –que bien se refleja en la gran estatura y porte físico de la noruega– le permitió en todo momento manejar con anticipación el fraseo y la gestualización dramática, apropiándose desde el primer momento de todo el protagonismo de la ópera y relegando con su presencia al resto de roles a un segundo plano. Cierto es que en dos de los tres actos, Isolda asume la mayor carga, salvo en los duetos de final del primer acto y mediados del segundo, relegando al tenor responsable de Tristán a lucirse solo en el tercero, reservado para él salvo en el aria final Liebestod. Pero incluso en este postrer acto la soprano lograba brillar por su ausencia, se la echaba de menos.

Una demostración de poder de Davidsen

Así pues, Davidsen ha conseguido el debut de Isolda deseado y en una plaza exigente, pero de relevancia mediática bajo control, una experiencia que le servirá para después viajar al Metropolitan Opera House de Nueva York y exponer su Isolda con mayor seguridad e impacto. De todas formas, cabe destacar que esta propuesta de 2026 se intuye desde el minuto cero orientada a acompañar la demostración de poder de Davidsen, a su mayor gloria.

Esto no es ni bueno ni malo, pero conviene señalar el riesgo de que los montajes con un protagonista tan claro abandonen el sentido colectivo y multidisciplinar de la ópera y se conviertan en un recital. No sucedió así ayer, aunque se acercó a ese abismo y fruto de ello se resintió el conjunto en una obra que, como se ha dicho, se extiende, sumando los descansos, durante casi cinco horas. Afortunadamente, el placer de ver actuar y oír cantar a Lise Davidsen tapó las incomodidades de una escenografía muy irregular por parte de Urs Schönebaum, austera en exceso en el primer acto, que recupera tono en el segundo, con una plataforma giratoria bajo un fondo estrellado donde Tristán e Isolda celebran su amor dando vueltas, simbolizando su estado amoroso por encima de la realidad.

En el tercer acto, un escenario al estilo Juego de Tronos desconcierta un tanto, aunque resulta acertada la gran luna colgante que logra el ambiente crepuscular que acompaña a la agonía de Tristán. Si fue mucho más acertado el vestuario y la iluminación, aunque de nuevo irregular en el sentido de que el montaje de Bárbara Lluch premia en todo momento a la Isolda de Davidsen con espectaculares vestidos y luces cenitales, que logran genialmente convertirla casi en un ser sobrenatural, mientras deja en la penumbra al resto de personajes. Dicen las malas lenguas que la propia Davidsen desechó el montaje que Àlex Ollé realizó en 2017, entonces para la Isolda que perfiló Irene Theorin, que por cierto inicialmente tenía que hacer el papel de Brangäne, la criada de Isolda, pero se cayó por enfermedad.

Secundarios excelentes, personajes errantes

Así, con el montaje actual, secundarios tan relevantes como la mezzo Ekaterina Gubanova en el papel de Brangäne, o el barítono polaco Tomasz Konieczny, en todo momento excelentes en su ejecución vocal, se ven relegados a vagar de un modo un tanto errante por los distintos actos. También el bajo Brindley Sherratt, que interpreta al rey Marke, está excelente, marcando los tiempos dramáticos con su grave y contundente fraseo, y en cierto modo se salva de ser una presencia errática debido a lo concreto de sus intervenciones.

Respecto al tenor en el papel de Tristán, el escogido para la ocasión es el estadounidense Clay Hilley. A pesar de que en los duetos con Davidsen se muestra capaz de llegar a las notas más altas a la par que la noruega, que no es baladí, su potencia vocal de base se antoja en algunos momentos insuficiente. Hillley está técnicamente a la altura, dando a sus entonaciones la adecuada morbidez y dramatismo, sobresaliente en los citados duetos. Y convincente especialmente en el tercer acto. Pero esta limitación en la potencia vocal hace que su lucimiento en él sea menor, sobre todo si se compara con el de su partenaire. También en algunos momentos, la orquesta logra tapar su canto, aumentando la sensación de impotencia.

En cuanto a la conducción y la ejecución orquestal, la directora finlandesa Susanna Mälkki demuestra una gran solvencia frente a la Sinfónica del Liceu, llevando una pieza tan difícil en todo momento en perfecta sincronía con el desarrollo la de parte escénica y lírica, sin perder por ello la exuberancia que exige la ejecución wagneriana. Parecía que Mälkki y Davidsen se entendían con la mirada, una en el escenario y la otra en el foso, a tenor de la alta complicidad entre ambos espacios. Acaso destacar que el resto de cantantes se vieron un poco víctimas de la misma, arrollados por el huracán Davidsen y el entusiasmo orquestal de Mälkki.

Aunque al final, tras escuchar con piel de gallina a Lise Davidsen elevar a los cielos su Liebestod de cierre, la sensación es que todo es para bien, para un resultado memorable. A mayor gloria de la noruega, estos días reina de las Ramblas de Barcelona.

Si Madrid es una ciudad que se vive de noche, pocos lugares concentran mejor su pulso cultural que el Corral de la Morería, un tablao flamenco convertido en leyenda. Fundado en 1956, este espacio situado junto al Palacio Real no solo es uno de los templos del flamenco en el mundo, sino también el escenario del espectáculo de flamenco más visto de la historia, con más de cinco millones de espectadores a lo largo de siete décadas, según datos del propio establecimiento y recogidos por National Geographic.

El Corral nació de la mano de Manuel del Rey, un apasionado de las artes que quiso dignificar el flamenco en un formato moderno, íntimo y respetuoso con su esencia. El nombre del local remite a las antiguas corralas madrileñas que ocupaban esa zona del Madrid histórico, un guiño a la memoria popular de la ciudad. Desde entonces, el tablao ha mantenido una programación diaria ininterrumpida, algo excepcional incluso en una capital cultural como Madrid.

Por su escenario han pasado algunas de las figuras más influyentes del flamenco de los siglos XX y XXI. Pastora Imperio, Blanca del Rey, Antonio Gades, La Chunga, Paco de Lucía, Camarón de la Isla o Diego el Cigala forman parte de una lista que explica por qué el Corral es citado como referencia absoluta del género. No es solo un lugar donde ver flamenco: es un espacio donde se ha escrito su historia contemporánea, como recuerdan crónicas culturales y archivos artísticos consultables en instituciones como el Ministerio de Cultura de España.

El formato del espectáculo, de unos 70 minutos, apuesta por la cercanía y la intensidad. El público se sienta a pocos metros del tablao, en una sala que conserva cierto aire de taberna clásica, donde el taconeo, el cante y la guitarra se viven sin filtros. Esa intimidad ha sido clave para que el Corral mantenga su prestigio internacional y siga atrayendo tanto a aficionados al flamenco como a viajeros culturales de todo el mundo.

Flamenco y cocina de Estrella Michelin

Pero hay un elemento que hace único a este tablao frente a cualquier otro: su propuesta gastronómica. Desde 2018, el Corral de la Morería es el único tablao flamenco del mundo con una estrella Michelin, otorgada a su restaurante gastronómico, Corral de la Morería Gastronómico, según la Guía Michelin España. Al frente de la cocina está el chef David García, formado junto a Martín Berasategui y exresponsable del restaurante Nerua del Guggenheim Bilbao.

La experiencia combina alta cocina y flamenco en una secuencia cuidadosamente diseñada: un menú degustación de varios pases (con opciones incluso veganas) seguido del acceso a asientos preferentes para el espectáculo. Para quienes no consiguen mesa en el restaurante gastronómico, el tablao ofrece también una opción de cena más sencilla antes de la función, manteniendo siempre el foco en el arte escénico.

La actual etapa del Corral está liderada por Juanma y Armando del Rey, hijos del fundador, y por Blanca del Rey, directora artística y una de las grandes figuras del baile flamenco, reconocida con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Bajo su dirección, el tablao ha sabido conservar la tradición sin renunciar a la excelencia contemporánea.

Hoy, visitar el Corral de la Morería es mucho más que asistir a un espectáculo: es vivir una de las experiencias culturales más completas de Madrid, donde flamenco, historia y gastronomía se dan la mano. Un lugar que resume por qué el arte jondo sigue vivo, emocionando a generaciones enteras, desde vecinos del barrio hasta viajeros llegados de cualquier rincón del mundo.

La banda sonora es uno de los elementos más importantes de una película. Y algunos grandes éxitos del cine han pasado a la historia por sus melodías épicas, sus armonías únicas o sus fascinantes orquestaciones, de la mano de autores como John Williams, Hans Zimmer, James Horner. Nombres que forman parte de la lista de grandes compositores de nuestro tiempo, a la que se suman artistas emergentes que llegan pisando fuerte, como John Powell, de la saga Cómo entrenar a tu dragón. Precisamente esta banda sonora será una de las que se escuchen este fin de semana en el Auditori Fòrum CCIB de Barcelona, que desde hoy y hasta el domingo acoge un ciclo de conciertos que fusiona la música sinfónica con el séptimo arte.

Esta iniciativa nace de la colaboración entre la Fundació Orfeó Català-Palau de la Música Catalana y la Orquestra Simfònica del Vallès con el objetivo de acercar el género sinfónico al gran público durante las fechas prenavideñas. El programa destaca por su singularidad al ofrecer cinco conciertos que combinan bandas sonoras interpretadas en directo con la proyección de películas icónicas en una pantalla gigante. La propuesta incluye el tributo a Mike Oldfield con Tubular Bells, y las experiencias cinematográficas How to Train Your Dragon, in concert y Star Wars: A New Hope, in concert. Estas producciones están diseñadas para cautivar a espectadores de todas las edades, garantizando una vivencia inmersiva y única.

La elección del Auditori Fòrum CCIB no es casual, ya que el espacio cuenta con una pantalla de 16 metros por 9 metros y una acústica excepcional. Estas características técnicas, sumadas a la comodidad y buena visibilidad desde todas las butacas, lo convierten en el escenario ideal para disfrutar de la música en vivo mientras se siguen las imágenes de las películas, una experiencia que acerca a los amantes del cine y la cultura pop hacia la música clásica y sinfónica gracias a estas bandas sonoras épicas y al gran legado musical de Oldfield. La organización ha preparado un espectáculo centrado en que cada asistente pueda revivir toda la fuerza de la narrativa que se despliega tanto en pantalla como en el escenario.

Maggie Reilly y Nikki Lamborn

El ciclo arranca hoy viernes a las 20:00 horas, con un tributo especial a la obra maestra de Mike Oldfield. El proyecto Opus One, creado por el musicólogo Xavier Alern, será el encargado de interpretar Tubular Bells con la máxima fidelidad al sonido y espíritu del mítico registro de 1973. Esta formación nació específicamente para dar vida a la “trilogía mágica” del compositor británico, que incluye también Hergest Ridge y Ommadawn. Uno de los grandes atractivos de esta primera jornada es la presencia de las cantantes Maggie Reilly y Nikki Lamborn. Reilly, cuya voz es inseparable de los éxitos más populares de Oldfield como Moonlight Shadow o To France, regresa a Barcelona tras su éxito previo en el Palau de la Música. Por su parte, Lamborn, una de las voces más prestigiosas del rock y blues en el Reino Unido, debutará en la ciudad interpretando temas emblemáticos como Earth Moving.

El fin de semana del 20 y 21 de diciembre estará dedicado a la aventura épica de How to Train Your Dragon (Cómo entrenar a tu dragón). Esta producción de DreamWorks se proyectará en alta definición mientras la Orquestra Simfònica del Vallès interpreta la banda sonora original de John Powell, nominada al Oscar y caracterizada por su carácter épico y alegre. Los asistentes podrán revivir la historia de Hipo y el dragón Desdentao en una experiencia que combina acción, humor y una emotividad reforzada por la música en directo, que en esta ocasión contará también con la participación de la Coral Càrmina.

El broche de oro al ciclo lo pondrá la mítica saga galáctica con Star Wars: A New Hope, in concert, los días 22 y 23 de diciembre. Bajo la licencia de Disney Concerts, el film se proyectará íntegramente en versión original subtitulada, acompañado por la icónica partitura de John Williams, ganadora del Oscar. Esta obra inolvidable del cine ha marcado a múltiples generaciones desde su estreno hace más de 45 años y ahora se presenta como un viaje sinfónico inolvidable.

La Orquestra Simfònica del Vallès asume un papel protagonista en estas producciones, consolidando su reputación en la interpretación de música para la imagen. Dirigida por Scott Terrell en las proyecciones de cine, la orquesta ha demostrado previamente su versatilidad en espectáculos como "¡Videojuegos en concierto!", donde interpretó composiciones de títulos como Assassin's Creed o Fallout con gran éxito. La complejidad técnica de sincronizar la orquesta con el metraje en alta definición es uno de los mayores atractivos de esta producción. En cuanto a la accesibilidad y precios, la organización ha dispuesto una gama de opciones que van desde los 25 hasta los 110 euros, con tarifas especiales para personas con discapacidad reconocida superior al 33%.

La vinculación de la música con el cine en este ciclo refleja una tendencia donde los compositores asumen el desafío de crear paisajes sonoros que trascienden la pantalla. Al igual que ha ocurrido recientemente con la música de los videojuegos, estas bandas sonoras han adquirido una entidad propia que merece ser escuchada en grandes auditorios. Es una celebración de la narrativa mítica y los personajes inoblidables a través de la interpretación en vivo. El espectador no solo asiste a una proyección, sino que se sumerge en una marea de sonidos que dan vida a héroes y leyendas de mundos fantásticos.

Este mes de diciembre llega a las plazas y calles de cuatro municipios albaceteños 'Te Falta Calle' el I Festival Provincial de Teatro de Calle organizado por la Diputación de Albacete.

Se trata de una nueva iniciativa cultural que apuesta por sacar las artes escénicas a plazas y calles de municipios con especial valor patrimonial y paisajístico, convirtiendo el espacio público en un punto de encuentro entre cultura, ciudadanía y territorio.

El festival se celebra en cuatro fines de semana consecutivos en el marco de las celebraciones navideñas, con espectáculos matinales a las 12.30 horas, una franja pensada tanto para el público local como para visitantes, y concebida como un reclamo cultural que anime a pasar el día en las localidades, disfrutar de su entorno, de su oferta gastronómica y de su comercio.

Cuatro citas del 20 al 28 de diciembre

Las citas serán el sábado, 20 de diciembre, en Tarazona de la Mancha, con el espectáculo 'Olympics'; el domingo 21, en Ayna, con 'Glubs'; el sábado, 27 de diciembre, en Alcaraz, con 'A la fresca', y el domingo, 28 de diciembre, la experiencia concluye en Alcalá del Júcar, con 'Playground'.

Las propuestas son para todos los públicos y han sido seleccionadas por su calidad artística y su capacidad de interacción con el espacio urbano y el público, ha informado la Diputación en un comunicado.

'Olympics', de Nacho Vilar Producciones & Yllana, es un espectáculo itinerante de comedia gestual, surrealista y visual, que transforma la calle en una peculiar competición deportiva cargada de humor y ritmo.

'Glubs', de la misma compañía, propone una comedia itinerante basada en el humor físico y el juego escénico, reconocida por la Red Española de Teatros y Auditorios y finalista a los Premios Max, pensada para sorprender al público en pleno recorrido urbano.

'A la fresca', de la compañía Anna Confetti, es una propuesta divertida y cercana que recupera el espíritu de la conversación en la calle y la vida compartida en las plazas, con un lenguaje gestual accesible para todas las edades.

'Playground', de Collectif Primavez, combina mástil chino, danza, teatro y humor en un espectáculo estático que se desarrolla a ocho metros de altura, con participación del público y una potente carga visual, avalada por numerosos premios internacionales.

Cultura que se “vive en comunidad”

'Te Falta Calle' nace con una doble vocación: por un lado, acercar la cultura a la ciudadanía, especialmente a municipios que no cuentan con programación escénica continuada o con espacios teatrales convencionales; y por otro, dinamizar el turismo cultural, poniendo en valor enclaves singulares de la provincia a través de propuestas artísticas accesibles y de calidad.

La Diputación afirma que el festival refuerza la idea de que la cultura “no solo se consume, sino que se vive en comunidad, en los espacios donde transcurre la vida cotidiana”.

Grañón estrena este sábado la versión ampliada del Retablo de la Luz, un viaje de 20 minutos por la historia, la luz y la arquitectura que, gracias a una original propuesta artística y tecnológica, permite transformar la narrativa del templo de San Juan Bautista para convertirlo en un escenario inmersivo único, donde se aúnan patrimonio, historia y tecnología.

A través de un espectáculo que combina proyección mapping, iluminación láser y diseño sonoro envolvente, la nueva edición de esta propuesta, que se estrenó en agosto de 2024, incorpora un guion ampliado con elementos narrativos que recorren la evolución del territorio desde tiempos prehistóricos hasta la creación del retablo renacentista.

Esta versión ampliada extiende el espectáculo hasta los 20 mintuos respondiendo así a la petición del público y además incluye algunos capítulos inéditos en los que se aborda la naturaleza primigenia del territorio, los primeros asentamientos en el cerro Mirabel, la fortaleza medieval, recreaciones poéticas de las épocas romana y medieval y culmina con la narración de la creación del retablo renacentista de la escuela de Damián Forment, núcleo artístico del templo. Todo ello acompañado de efectos visuales y sonoros sincronizados con la arquitectura del templo, que gracias a la técnica de mapping se convierte en un lienzo tridimensional lleno de vida.

La ampliación de esta experiencia inmersiva ha contado con la colaboración de la Consejería de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud del Gobierno de La Rioja, de Ibercaja, el Ayuntamiento de Grañón y la parroquia de San Juan Bautista, así como de donaciones privadas y de miembros de la Asociación Cultural de Amigos de la Ermita de Carrasquedo.

Concebida para todos los públicos, esta propuesta inmersiva se plantea como un homenaje contemporáneo a la historia, la luz y la espiritualidad que forman parte de la identidad de Grañón desde hace siglos. La Asociación Cultural Amigos de la Ermita de Carrasquedo busca dar a conocer y difundir nuevamente el gran valor del retablo del municipio y situar el nombre de Grañón en el mapa internacional de las experiencias audiovisuales y patrimoniales.

Un proyecto para impulsar la vida cultural en el medio rural

El Retablo de la Luz es una iniciativa cultural que refuerza la identidad de Grañón y su papel dentro del Camino de Santiago. La Asociación Cultural Amigos de la Ermita de Carrasquedo impulsa proyectos que no solo ponen en valor el patrimonio local, sino que contribuyen a frenar la despoblación, atraer turismo cultural y dinamizar la economía del entorno.

Experiencias como esta generan nuevas oportunidades y fortalecen la vida en los pueblos, consolidando un futuro sostenible para las zonas rurales.

Las personas interesasa pueden ampliar la información y reservar las entradas aquí.

https://www.eventim-light.com/es/a/66d5ca1b5e0ae365c79e9637?lang=es

Cada vez más personas optan por, durante las próximas fiestas, hacer regalos que son sinónimo de experiencia más que de un objeto en sí envuelto en papel de regalo. De ahí que los grandes musicales que se pueden disfrutar en algunos de los grandes escenarios repartidos por toda la península se vayan a convertir en todo un gran plan para disfrutar en familia, con amigos o, cómo no, los más pequeños de la casa, que a buen seguro que no pestañearán ni un instante ante la magia que desprenden las puestas en escena de las maravillosas compañías que trabajan, cuidan y sorprenden al espectador desde hace ya tiempo. Ahí van unas cuantas recomendaciones para amantes (y neófitos) de los musicales:    

“Canta el pueblo su canción, nada la puede detener. Esta es la música del pueblo y no se deja someter…”. Sí, el inolvidable himno que los revolucionarios franceses entonan en Los Miserables mientras preparan las barricadas en las calles de París es uno de los temas más icónicos del circuito internacional, con 130 millones de espectadores en todo el mundo, gracias a la brillante composición de Claude-Michel Schönberg con letras escritas originalmente en francés por Alain Boublil. Esta obra, estrenada en 1980, se ha representado durante más de tres décadas de manera ininterrumpida en el West End londinense y regresa a Madrid esta temporada para sumar a la que, sin lugar a dudas, es una de las programaciones de temporada más interesantes de los últimos años en la Gran Vía madrileña.

Estrenado en París en el año 1980 e inspirada en el clásico de Víctor Hugo, Los Miserables tiene la particularidad de mostrarnos toda la acción a través de canciones que se van sucediendo sin interrumpir la música en ningún momento, a diferencia de otras obras en las que se intercalan los diálogos de los personajes. No es, ni mucho menos, la primera visita de esta joya de la música llevada al teatro (o viceversa) a la capital española. De París viajó a Londres en 1985, donde llegó a manos del gran productor Cameron Makintosh, que revisó libreto y partitura para acercar la versión original al gran público y lo enriqueció con una escenografía giratoria tan sorprendente como ambiciosa. Y de ahí viajó a Nueva York (1987) y, por fin, a Madrid (1992), adonde regresó por última vez en 2010. 

Esta temporada podemos disfrutarlo en el Teatro Apolo con Adrián Salzedo en el papel de Jean Valjean, Pitu Manuvens como Javert, Teresa Ferrer como Fantine, Quique Niza como Marius, Elsa Ruiz Monleón en el papel de Éponine y Alèxia Pascual encarnando a Cosette, en una producción firmada por ATG Entertainment. La última fecha disponible para comprar entradas es el 12 de abril, por lo que puede ser, además de una excelente opción cultural para esta próxima Navidad, un gran regalo para pedir en la carta a los Reyes Magos. Eso sí: Los Miserables no es un musical apto para los más pequeños de la casa que, sin embargo, tienen otras interesantes opciones en cartel.

De hecho, otra gran productora que nos tiene acostumbrados a montajes de gran calidad, como es Stage (El Rey León, Aladdín, Anastasia o La Bella y la Bestia), nos brinda esta Navidad la posibilidad de acompañar a La Cenicienta a su transformación y liberación del yugo de su madrastra. Con funciones a la venta hasta el 31 de marzo, esta ambiciosa producción nos descubre a una Cenicienta que es mucho más que una joven resignada y soñadora. Valiente, decidida y dueña de sus propias decisiones, “Cenicienta es una heroína contemporánea que, más allá de encontrar el amor, nos inspira con su ejemplo a luchar por construir un mundo mejor y a tomar las riendas de nuestro destino”, describen desde la productora.

Otra opción viene de la mano del dúo más exitoso de Broadway, Richard Rodgers (compositor) y Oscar Hammerstein II (letrista), que cambiaron la historia del género musical gracias a sus populares producciones en las décadas de 1940 y 1950 gracias a obras como The Sound Of Music (Sonrisas y Lágrimas), Oklahoma!, Carousel, South Pacific o, en este caso, Cinderella (1957). Recomendada a partir de los siete años de edad, la versión que se puede ver incluye temas tan inolvidables como In My Own Little Corner, Impossible o Ten Minutes Ago, interpretados por una orquesta excepcional y, como novedad, con una escenografía apoyada por soluciones tecnológicas de última generación.

Otra de las propuestas es otra joya de los musicales como Oliver Twist. Una adaptación del clásico de Charles Dickens que llega de la mano de AMR Produce (Los Chicos del Coro). El dramaturgo Pedro Víllora, aclamado por su sensibilidad y experiencia, se encuentra a cargo del guion y las letras de las canciones que dan vida a esta entrañable historia, con música original de Gerardo Gardelin. Viajaremos a esos escenarios de la Revolución Industrial de la primera mitad del siglo XIX de Londres, Inglaterra, acompañado a un elenco compuesto por más de 30 actores, muchos de ellos niños y niñas llenos de talento.

Entre las historias “de moda” gracias, en este caso, a los últimos estrenos de cine, encontramos Wicked, el fenómeno de Broadway con más de 100 premios internacionales, que llega de la mano de SOM Produce y ATG Entertainment. Las brujas de Oz, antes de la llegada de Dorothy, lleva más de dos décadas conquistando escenarios en todo el mundo y esta temporada robará el corazón del público del madrileño Nuevo Teatro Alcalá. Y ya que hablamos de brujas, la magia se cuela también en la escena con Houdini, un musical mágico que está resultando una de las novedades más sorprendentes de la temporada, precisamente, por esa mezcla de géneros escénicos que nos conduce a la historia del legendario escapista e ilusionista Harry Houdini.

112 millones de espectadores

Otra opción a nuestro alcance es revivir un clásico como Cabaret, sin duda una de las grandes referencias de la historia del teatro musical con una nueva y esperada producción dirigida por Federico Bellone, con dirección musical de Julio Awad. Basado en el libreto de Joe Masteroff, con música de John Kander y letras de Fred Ebb, fue estrenado en 1966 como un nuevo musical en el Broadhurst Theatre de Broadway. Desde que se estrenase en la década de los 60, este mítico musical ya ha visitado 50 países, ha sido traducido hasta a 30 idiomas y ha recibido incontables premios a mejor espectáculo. Canciones como Willkommen, Money, Money o Cabaret forman parte de la historia de la música del siglo XX.

Ahora bien: no podemos terminar esta selección sin hablar del musical entre los musicales: El Rey León, que ha conquistado el madrileño Teatro Lope de Vega en los últimos años, con un éxito ininterrumpido desde 2011. Pocos espectáculos son capaces de emocionar como lo hace este musical, sin duda uno de los más queridos de nuestro país, con un montaje visto por más de 112 millones de personas en todo el mundo (más de 7 millones solo en nuestro país), de la mano de sus 21 músicos, 100 instrumentos, 200 esculturas y 53 actores. Después de nada menos que 5.000 funciones en nuestro país, la historia de Simba te espera, también, esta Navidad.

Grison Beatbox, uno de los artistas más carismáticos y singulares del panorama humorístico y musical español, llegará en Logroño el martes 23 de diciembre para presentar su espectáculo “En Bucle”, que combina música, improvisación y humor en estado puro. La actuación será a las 20 horas en el Auditorio Municipal.

Conocido por su papel como colaborador de La Revuelta, donde acompaña a Ricardo Castella y David Broncano aportando ritmo, comicidad y ocurrencias improvisadas, Grison se ha convertido en uno de los rostros más queridos de la televisión actual.

Desde pequeño, Grison mostró un fuerte vínculo con la música, formando parte de varios proyectos y bandas antes de dar el salto a la televisión. Su capacidad para fusionar beatbox, efectos vocales y humor ha hecho de él un artista único en España. Además de su trabajo en televisión, ha participado en competiciones de beatbox, festivales y eventos nacionales e internacionales, ampliando su alcance gracias a su presencia en redes y su estilo inconfundible.

El show que presentará en Logroño está cargado de improvisación, participación del público y la mezcla de música y comedia que caracteriza a Grison. Una oportunidad perfecta para disfrutar de uno de los artistas más originales y divertidos del país.

Las entradas ya están a la venta.

La magia regresa a Logroño con más fuerza que nunca. Del 17 al 19 de octubre y del 21 al 23 de noviembre, la ciudad acogerá la quinta edición del LOGIC FEST, el Festival de Magia de Logroño, que reunirá a destacados artistas nacionales e internacionales del mundo del ilusionismo. El concejal de Promoción de la Ciudad, Miguel Sainz, acompañado por los magos Antonio Palomino “Magomino” y Jorge Velasco, ha presentado esta nueva edición.

En su intervención, el concejal ha subrayado que “durante estos días nuestra ciudad se transformará de nuevo en el epicentro de la ilusión, en un evento que une a todas las generaciones, porque la magia está hecha para disfrutarse en familia”. El concejal ha añadido que “cinco ediciones nos permiten hablar ya de una cita consolidada e imprescindible, que amplía la oferta cultural y de ocio de Logroño, y que refleja el dinamismo de nuestra ciudad”.

El LOGIC FEST nació con la vocación de acercar la magia y el ilusionismo a todos los públicos, convirtiendo a Logroño en un referente en el ámbito de las artes escénicas. A lo largo de sus ediciones, ha logrado consolidarse como un espacio donde confluyen el talento, la creatividad y la ilusión, ofreciendo una experiencia única tanto para adultos como para los más pequeños.

Una programación llena de ilusión y talento

Durante nueve jornadas, el público podrá disfrutar de nueve espectáculos que combinarán magia, humor, mentalismo y entretenimiento para todas las edades. El festival se desarrollará en distintos espacios emblemáticos de la ciudad, como Sala Negra, Xperience Parque Rioja y el Círculo Logroñés, con espectáculos que combinarán magia, humor, mentalismo y entretenimiento para toda la familia.

Las entradas se pueden adquirir en: https://www.sonetorojo.com/logicfest. Además, como en anteriores ediciones, durante la presentación, las sesiones familiares y la gala final, se sortearán cajas de magia BORRÁS entre los asistentes.

En esta edición la programación del festival será la siguiente:

Día

Mes

Hora

Lugar

Espectáculo/MAGO

Viernes 17

Octubre

22:30

Sala Negra

Juan Capilla

Sábado 18

Octubre

17:30

Sala Negra

Joaco Showman

Sábado 18

Octubre

19:30

Gonzalo de Berceo

ICEMAN

Sábado 18

Octubre

22:30

Sala Negra

Tupper Magic

Domingo 19

Octubre

12:30

Xperience

Gala Magos Noveles

Domingo 19

Octubre

17:30

Sala Negra

Magomino y Arthur

Viernes 21

Noviembre

20:00

Círculo Logroñés

Karvis

Sábado 22

Noviembre

20:00

Círculo Logroñés

Mago Scott

Sábado 23

Noviembre

12:30

Círculo Logroñés

Ferny TuboyTapa

Claudio Bermejo, el tiktoker conocido como 'El Dandy de Barcelona', no podrá subirse al escenario en Vigo en la noche de este viernes. Apenas unas horas antes de su inicio, previsto para las 23:30h del día 3 de octubre, el ayuntamiento de la ciudad ha decretado la suspensión provisional de su actuación, porque el local carece de licencia para celebrarlo pero también porque encuentra “indicios razonables” de que su contenido esté “expresamente prohibido” por la Ley de Espectáculos que impide la celebración de shows que inciten a la violencia, el racismo o la discriminación.

Según han comunicado fuentes municipales, y recoge Europa Press, la presencia de este 'agitador', conocido por su discurso machista, racista y lgtbifóbico, había sido anunciada por el club Nébula, un establecimiento del centro de la ciudad que dispone de licencia para actividad de “pub con música”, y no para “café espectáculo”, que es el evento anunciado y que no dispone de título habilitante.

Además, el Ayuntamiento ha confirmado que recibió en las últimas horas un escrito del director xeral de Loita contra a Violencia de Xénero de la Consellería de Política Social e Igualdade en el que se advierte, tras recibir dos denuncias, de que el 'tiktoker' anunciado como atracción en el evento de esa discoteca “se declara consumidor de prostitución” y ha sido denunciado por distintos delitos de odio.

En ese comunicado, el director xeral, que afirma compartir la opinión de las personas denunciantes, traslada su “preocupación” por la presencia de El Dandy de Barcelona en un local de Vigo y recuerda que la ley prohíbe “los espectáculos públicos y las actividades recreativas que inciten a la violencia, racismo, xenofobia, sexismo, negacionismo, discriminación por identidad de género y orientación sexual, o cualquier otro tipo de discriminación, y aquellos que atenten contra la dignidad humana y contra los derechos fundamentales y libertades reconocidos en la Constitución”.

Por otra parte, el Ayuntamiento de Vigo también ha recibido una solicitud de la asociación Nós Mesmas para que se revisase la legalidad del evento por el contenido de los mensajes del 'tiktoker'. De hecho, el propio gobierno local manifestó su rechazo hace unos días y pidió al establecimiento que lo suspendiese.

Ahora, la Concejalía de Seguridad ha acordado suspenderlo provisionalmente por carecer de licencia de actividad y por la existencia de indicios racionales de que puede ser un espectáculo expresamente prohibido por la ley.

Igualmente, se ha dado orden a la Policía Local para que vigile el cumplimiento de esta suspensión y, en caso de que el local no acate esta medida, proceder al “desalojo, clausura y precinto del establecimiento”.

Taylor Swift lo ha sido todo a lo largo de sus dos décadas de trayectoria: ha sido la joven que canta al amor y al desamor pasando del country al pop, la villana que se enfrenta a la cultura de la cancelación para superarla como heroína, la voz que aboga por los derechos de los artistas reclamando el control de su obra, la cantautora que resiste a la pandemia homenajeando la música folk y la poeta torturada que hace de la escritura su mayor fortaleza. Taylor Swift ha sido tantas cosas a través de tantas eras que, con once discos a sus espaldas, era una sorpresa que la última figura monocultural de nuestros tiempos y la cantante más taquillera de este siglo jamás se hubiera presentado a sí misma como la chica del espectáculo, la chica que vive por y para el entretenimiento.

El duodécimo álbum de la artista, sin embargo, cambia esta narrativa para siempre. Compuesto por doce canciones que ahondan en la vida de la mujer más famosa del planeta, The Life of a Showgirl se torna su trabajo más divertido y autoconsciente hasta la fecha. “¿No estáis entretenidos?”, bromeaba Swift en 2023 cuando la revista Time la consideró la persona del año. En aquel entonces, la estadounidense acababa de sembrar una hegemonía nunca antes vista en la cultura pop. Una hegemonía que los medios de comunicación apodaron como Taylormanía y que sigue palpándose a día de hoy con cada movimiento de la artista. “Así es el mundo del espectáculo”, proclama ella en este trabajo. Si la cantante se posiciona políticamente, el voto electoral se dispara; si la cantante anuncia su compromiso de matrimonio, Instagram se paraliza; y, si la cantante presenta su nuevo disco, la cultura se arrodilla.

“A menudo no me parece tan glamuroso ser yo misma”, canta Swift en uno de los temas del álbum. Pero lo cierto es que asomarse a su mundo desde el exterior es mucho más que glamuroso. Desde que anunciara The Life of a Showgirl, las marcas han cambiado sus logos al color naranja de la era —una estética que ha escalado hasta la promoción del iPhone 17—, cada versión de vinilo se ha agotado en minutos y las salas de cine han reorganizado toda su cartelera para acoger, sin pensárselo, un estreno sorpresa que permitirá a los fans escuchar juntos el disco y ver uno de los videoclips. Ganarse esta lealtad por parte de los oyentes, dispuestos a comprar múltiples copias del álbum sin haber escuchado un solo acorde hasta el día del lanzamiento, requiere una rigurosa calidad que no tiene comparación en la industria musical.

Resulta fascinante que la vida de Swift se haya vuelto tan anormal y única que la cantante se vea obligada a identificarse con personajes históricos o ficticios porque, como humana, no puede identificarse con ninguna celebridad o persona moderna. Lo hace en la hipnótica pista de apertura, The Fate of Ophelia, en la que narra un épico romance en el que su amante la salva de la misma tragedia que vive el personaje de Ofelia en Hamlet de Shakespeare. “Durante todo ese tiempo que pasé sola en mi torre, tú solo estabas perfeccionando tus poderes”, canta en un tema que cuenta con todos los clásicos de la composición swiftiana. Es denso, conversacional, pero aun así dramático y atemporal. Con un estribillo vertiginoso al estilo de Blank Space, la artista sigue la línea de su hit country Love Story y utiliza vívidas imágenes para alternar un lenguaje coloquial con uno más prosaico y melancólico.

Además de recurrir a la tragedia shakesperiana, Swift reza a las leyendas de Hollywood cuando los fantasmas de la fama tocan a la puerta. Este miedo, no obstante, asombra vislumbrarlo desde la perspectiva de su estatus, que no ha dejado de hacerse más grande con cada obra. La compositora ya confesaba su terror a que la industria la dejara de lado en la interesantísima Holy Ground (2012), un sentimiento que se supo que estaba más presente en su cabeza de lo que parecía gracias al proyecto Taylor's Version, que sacó del baúl canciones como la misteriosa Castles Crumbling (2023) o la bellísima Nothing New (2021), escritas cuando tenía alrededor de 22 años. Ahora, la actriz estadounidense Elizabeth Taylor, que da título a la segunda pista, sigue la estela de iconos como Clara Bow o Stevie Nicks, mencionados en su anterior disco, y es confidente de sus plegarias.

“Elizabeth Taylor, ¿crees que es para siempre?”, le pregunta Swift bajo una producción oscura que acoge con brillantez el estribillo. “Solo eres tan sexy como tu último hit”, se lamenta arropada por toda la humildad de la que es posible la mayor superestrella del planeta. Esta humildad, en cambio, desaparece en otra de las canciones más agresivas del disco, Father Figure. Interpelando el clásico de 1987 de George Michael, la artista presenta a un narrador arrogante y patriarcal, la considerada figura paterna, para retratar los abusos de poder en la industria musical. “Puedo hacer tratos con el diablo porque la tengo más grande”, dice en la canción. “Este amor es puro beneficio, entra en mi oficina, secaré tus lágrimas con mi manga”, añade.

Father Figure es un ejemplo más de la exquisita destreza de Swift para narrar historias. La canción da un giro en el puente y tanto la posible traición de la figura paterna como la venganza de la persona protegida no pintan un final que evidencie un bueno o un malo. Esto es algo que Swift nunca ha hecho antes en su amplio universo lírico, porque incluso en su adictiva No Body, No Crime (2020), donde relata el asesinato de un hombre que le es infiel a su esposa, el oyente apoya al narrador para que se salga con la suya. En Father Figure, por el contrario, el protegido gana, pero tras haber sido pintado como un villano por los escándalos que le ayudó a encubrir su figura paterna. No es descabellado pensar que la canción trate del ascenso de Swift desde que era una protegida hasta que se ha transformado en la figura paterna de la industria, tomando ella la palabra en la última estrofa, justo cuando su voz hace un cambio de registro.

Otro conflicto que aguarda el disco lo esconde la sarcástica, atrevida e inteligentísima Actually Romantic, un tema que continúa la línea melódica del proyecto, guiado principalmente por la guitarra, y en la que Swift aborda los problemas con otra cantante. La vida de una chica del espectáculo pasa de forma inevitable por las rivalidades musicales, y la artista estadounidense, conocida por ser autora de todas sus canciones y usarlas como diario, siempre ha acostumbrado a responder en ellas. Lo hizo en Mean (2010), en la que se dirigió a un crítico que había sido cruel con ella; en Bad Blood (2014), himno que sembró una guerra ya solucionada con Katy Perry; y también en Look What You Made Me Do (2017) y Thank You Aimee (2024), dirigidas a Kanye West y Kim Kardashian tras su intento de cancelación mediática.

En esta ocasión, es probable que Swift se dirija a Charli XCX, quien llegó a ser su telonera en el Reputation Stadium Tour pero que más tarde le dedicaría la pista Sympathy Is a Knife (2024), donde señala que hay una cantante que la hace sentir insegura y a la que no quiere ver en el backstage del show de su novio. Mucho más juguetona, y tratando sus ansiedades y traumas pasados desde una posición de poder y confianza, Swift contesta a través de un tema que utiliza el tono romántico como burla. “Me enteré de que me llamas 'Barbie aburrida' cuando la coca te da el valor de hacerlo”, canta la estadounidense. “De hecho, es romántico, tengo que reconocerlo. Ningún hombre me ha amado jamás como lo haces tú”, agrega en el estribillo, antes de satirizar en el puente que todo el tiempo que esta artista pasa pensando en ella la está “excitando”.

La seguridad de quien se sabe la cantante más importante del mundo se refleja en Cancelled!, que goza del instrumental más sombrío de The Life of a Showgirl. “Es fácil quererte cuando eres popular. Las apariencias cuadran y todos prosperan. Pero una sola caída y estás fuera de la lista”, escribe Swift en la canción, que la hace pasárselo de maravilla con su “Whisky Sour” y las “flores con espinas y veneno”. “Menos mal que me gusta que mis amigos estén cancelados, que estén cubiertos de Gucci y de escándalos”, dice en el contagioso estribillo. Las preguntas que deja en el aire son igual de reveladoras: “¿Acaso hiciste un chiste que solo un hombre puede hacer? ¿O fuiste demasiado presumida por tu propio bien? ¿O llevaste un pequeño violín a una pelea de cuchillos?”.

Pero Taylor Swift, que ha hecho de su catálogo un canto al amor en todas sus versiones, tampoco obvia en este disco qué es lo que la mueve más allá del escenario. Esta es la vida de una chica del espectáculo, no solo su actuación, que ya vimos en su histórico The Eras Tour. Ahora toca contemplar su vida tras bambalinas, y, más allá del escenario, más allá de ser la artista con más premios Grammy al mejor álbum del año, ella vive por y para el amor. En la alegre y dulce Wish List, estilizada como Wi$h Li$t, Swift deja de lado el Oscar, la Palma de Oro, los tres perros que la gente llama “hijos” y reconoce que ella solo quiere sentir la compañía de su pareja. “Unos quieren un contrato con el Real Madrid, otros quieren unas vacaciones de primavera que sean la hostia”, dice la artista. “Y ojalá todos tengan lo que quieren”, sentencia impulsada por la evidencia de que a ella ya no le falta nada, ni siquiera el amor de su novio.

Las canciones románticas, que dedica al jugador de fútbol americano Travis Kelce, con quien ha decidido mantener una relación pública desde que comenzaran a salir tras el verano de 2023, van desde la grandilocuente Opalite, con un estribillo vibrante bajo el que explora la sanación que llega cuando se encuentra a la persona ideal tras varios intentos fallidos, hasta la delicada Honey, que juega con el significado de la palabra “cariño” durante sus tres minutos de duración. Mucho más audaz es Wood, con una de las producciones más hipnóticas y revueltas del disco, en la que Swift toca madera para tener suerte, recorriendo numerosas supersticiones que esconden interpretaciones más sexuales.

Uno de los temas más profundos de la obra es, por supuesto, Eldest Daughter, la quinta pista. La cantante siempre sitúa en esta posición la canción más vulnerable del disco, como ya hizo con All Too Well (2012), You’re on Your Own, Kid (2021) o So Long, London (2024). Eldest Daughter está construida bajo dos instrumentos: un piano con el que va en ascenso, y una guitarra que coge el relevo en la segunda mitad. Hay una referencia preciosa a White Horse, el quinto tema de su álbum Fearless (2008). “No soy una princesa, esto no es un cuento de hadas”, cantaba entonces. “No soy una zorra mala, esto no es brutal”, se abre ahora. Es la balada de The Life of a Showgirl, escrita a sus seres queridos, y supone un abrazo para quien ha crecido con la música de la estadounidense a lo largo de estas últimas décadas.

Aun así, lo cierto es que la canción que le sigue en el tracklist también podría haber funcionado en esa privilegiada posición. Con la letra más desgarradora de todo el trabajo, y trayendo de vuelta a la mejor narradora de historias, Swift cuenta el romance que nunca se dio con un amigo de la infancia que ha fallecido. Al estilo de lo que se cuenta en la sacada del baúl Forever Winter (2021), el contundente verso “Debería haberte besado de todas formas” de Ruin The Friendship resume a la perfección todo tipo de remordimientos: las cosas que se quedan sin decir, el potencial que nunca acaba siendo aprovechado, la decepción e impotencia de quien mira atrás cuando ya es demasiado tarde. Es una de las joyas del disco.

El duodécimo trabajo de Taylor Swift concluye con un dueto con Sabrina Carpenter, telonera de la artista en la gira The Eras Tour y convertida ahora en una de las figuras más importantes del pop internacional, que se siente como si una multitud estuviera mirando y creando el ritmo. Las voces de ambas empastan de una manera muy bonita y el aumento del tempo es emocionante, creando un gran cierre para un álbum que es otro acierto en su discografía. Cuando se trata de Swift, siempre hay un interesante término medio: es una estrella del pop, pero no en el sentido artificial de alguien como Dua Lipa o Ariana Grande; es cantautora, pero no se entrega únicamente a las letras como lo hace Lana Del Rey. Se encuentra justo en la mitad, y esta combinación es la que la convierte en la persona más especial de la industria. Su escritura tiene que ser extraordinaria y, al mismo tiempo, atraer al gran público, y ella siempre da en el clavo.

Hay quien ignora qué es lo que hace de Taylor Swift una genia, qué es lo que hace que, en pleno 2025, se hayan formado colas a medianoche en tiendas de Estados Unidos para hacerse con el disco. Y, entre los muchos factores, se debe a que es una compositora visionaria que es capaz de escribir los éxitos pop más gloriosos de este siglo. Es enormemente complicado capturar esa versatilidad, tener una canción tan impactante como Cardigan (2020) y poder escribir otra como Cruel Summer (2019), pero en The Life of a Showgirl vuelve a conseguirlo distanciándose de todo su repertorio pop hasta la fecha. 1989 (2014), Reputation (2017) y Midnights (2022) están basados en sintetizadores, mientras que su enfoque relajado lo distancia también de Lover (2019). Esta es, si acaso, una obra imprescindible que sigue enriqueciendo su universo narrativo y agrandando una leyenda que no tiene final: la leyenda de una reina del espectáculo a la que no solo no le pesa la corona, sino que juega con ella como le da la gana.

El movimiento MAGA tiene un claro problema con que Bad Bunny sea el cantante elegido para el medio tiempo de la Super Bowl 2026. El puertorriqueño es probablemente la figura más significativa de la música latina ahora mismo, y solo canta en español. Ese es el primero. El segundo es que Bad Bunny se ha negado a llevar su gira por Estados Unidos, porque tiene miedo a que haya redadas antiinmigración de ICE en sus conciertos. Y eso, claro, tampoco le sienta bien al ala más conservadora de los votantes republicanos, para los que la final del fútbol americano es casi una festividad tremendamente significativa.

El espectáculo de la final de la Super Bowl es el evento televisivo más importante del año en EEUU. La National Football League elige al cantante encargado de la música en los intermedios con meses —a veces años— de antelación. El impacto cultural y económico del partido es gigantesco: son más de 100 millones de espectadores solo en Estados Unidos, además de millones más en todo el mundo. Miles de personas buscan el vídeo de la actuación en YouTube al dia siguiente y analizan o critican la actuación en redes sociales.

La decisión de fichar a Bad Bunny para el medio tiempo de la Super Bowl 2026 ha sido interpretada como un gesto de apertura hacia el público latino y joven, pero, por otro lado e inevitablemente, ha encendido un intenso debate entre la derecha del Make America Great Again, seguidora del presidente estadounidense, Donald Trump.

Benny Johnson, clumnista y activista de ultraderecha, ha escrito en sus redes sociales que Bad Bunny es “un odiador de Trump, un activista anti ICE y que no tiene canciones en inglés”. Los sectores más ultras acusan a la NFL de “politizar” el evento por dar el visto bueno a un artista que ha criticado abiertamente las políticas migratorias de EEUU, y que ha mostrado apoyo a causas progresistas. “La NFL se está autodestruyendo año tras año”, asegura Johnson.

Muchos republicanos han subido fotos del cantante junto a mensajes con insultos o hirientes, y llaman a boicotear la final. “A Bad Bunny, un marxista demoníaco, se le ha dado el escenario más grande y la audiencia más grande en medio de un avivamiento cristiano... intencionalmente. Esto es parte de una guerra espiritual, y una vez que lo reconoces, no puedes dejar de verlo. Es hora de boicotear la NFL”, dice un usuario.

“Sé que amamos el fútbol. Pero a veces tenemos que tomar una decisión. Primero, nos obligan a arrollidarnos. Luego, las animadoras ”trans“ y masculinas. Y ahora, Bad Bunny, un espectáculo drag demoníaco. Boicot a la NFL”, escribe otro. “Escuchad a vuestro público. Aún hay tiempo de sobra para sacar a Bad Bunny de la Super Bowl. Ningún aficionado al fútbol quiere ver a un tipo con vestido cantar canciones en español que nadie ha oído o escuchado jamás”, pide una mujer.

Posiblemente, al movimiento MAGA le hayan enfadado mucho los artistas de los últimos años, muchos vocalmente defensores de minorías y contrarios a sus intereses, y el anuncio de Dad Bunny haya sido la gota que ha colmado el vaso. Desde Lady Gaga —gran defensora de los derechos LGTBIQ— hasta Kendrik Lamar el año pasado —que ironizó el nacionalismo americano—, pasando por Shakira —también latina— o Rihanna —una de las voces más activas en el movimiento antirracista—.

La empresa del fútbol americano ha dejado claro que está trabajando para garantizar que el evento de 2026 “represente la diversidad cultural del país”. Mientras, el cantante de Puerto Rico, no ha hecho declaraciones.

Del 17 de septiembre al 28 de noviembre se han programado un total de 12 propuestas escénicas que contribuirán a hacer más accesible la cultura, fomentando también el encuentro y la participación a través de las artes escénicas. 

El primer espectáculo que nos espera, este miércoles 17 (19h) en la Plaza Romea de Murcia, es ‘Llar' (Cía. Federico Menini), un montaje que combina circo y arquitectura y que, a través de equilibrios y malabares, creará un universo lleno de humor, ritmo y originalidad para reflexionar sobre el hogar como refugio. Con ‘Llar', que llega a Murcia de la mano del Circuito Circo a Escena, se celebrará además el comienzo oficial de la temporada escénica en Murcia. 

En el Parque Fofó, ‘Sfumato' (Cía. Llum de Fideu) nos invitará también esta semana, el sábado 20 (12:30h), a repensar nuestra relación con otras especies. 

El Edificio Moneo será el 27 de septiembre el escenario vertical de ‘Célula' (Subcielo), un espectáculo de acro-danza que nos hablará, a través del movimiento, de la evolución del amor y de las distintas formas de amar en pareja. 

El teatro de títeres llegará el 3 de octubre a la Plaza de los Patos de Vistabella con ‘La Cabra', una obra de la premiada compañía ‘El Espejo Negro'. Además, los ‘Tres Tristes Trolls' de La Nördika llegarán el 11 de octubre a la Plaza Constitución de Cabezo de Torres. 

Con un enfoque ecológico y comprometido, ‘Cateura' (Alas Circo Teatro) nos invitará el 17 de octubre en la Plaza Camilo José Cela a reflexionar sobre nuestro impacto en el planeta. 

Además, la Plaza de la Paja acogerá este año, el próximo 25 de octubre, ‘Home' (Cris Clown), una divertida propuesta de clown que convierte el drama cotidiano en comedia, mientras que el nuevo espectáculo de Yllana y Nacho Vilar Producciones, ‘Olympics', llegará por su parte el próximo 31 de octubre al Paseo Alfonso X de Murcia. 

En la Plaza de la Torrecilla de Murcia, el 8 de noviembre, ‘Gota' (Txema Muñoz) jugará con la magia y la ilusión para transformar las gotas invisibles de lluvia en ritmos y sorpresas que despertarán la fantasía de todos los asistentes.

 Las clásicas peonzas serán las protagonistas del siguiente espectáculo como es ‘Tot Bé!', ya que el 14 de noviembre, en el Paseo del Malecón de Murcia, la compañía Curolles llevará este tradicional juguete a límites insospechados. 

La Plaza de los Apóstoles volverá también a ser escenario de A Pie de Calle con ‘361 Grados' (Proyecto Tránsito), una propuesta de circo y danza que se verá el 22 de noviembre y que transformará el caos en un auténtico poema visual. 

El ciclo A Pie de Calle finalizará el 28 de noviembre con otro juego tradicional como es ‘Ardatzak' (Zirkozaurre), un espectáculo lleno de verdad y emoción que nos servirá para despedir este ciclo con el que el Ayuntamiento de Murcia reafirma una temporada más su compromiso con la cultura accesible y de calidad.

Toda la información sobre el ciclo A Pie de Calle y las propuestas que lo integran está disponible en la página web del Teatro Circo Murcia (teatrocircomurcia.es).