Entre los alienígenas más sanguinarios de la historia del cine, Predator tiene un lugar destacado. Desde su llegada en 1987, en la película dirigida por John McTiernan, demostró sus dotes para la caza de seres humanos, de los que coleccionaba sus calaveras. Hasta Arnold Schwarzenegger las pasó canutas para vencer a un ser violento y despiadado. El éxito de la película, que con un presupuesto de 15 millones de dólares logró rozar los 100 en todo el mundo, provocó una secuela ambientada en un Los Ángeles distópico que no pudo repetir el taquillazo.

A pesar de todo, Predator (o Depredador), se convirtió en uno de esos personajes icónicos que pasan a formar parte del imaginario colectivo. Quizás por eso, cada cierto tiempo Hollywood trata de rescatar la franquicia. Lo intentó mezclando a Predator con Alien, y también dando a Shane Black una nueva entrega en 2018, que no funcionó como debería comercialmente. Cuatro años después, lo vuelve a intentar con Predator: la presa (a partir del 5 de agosto en Disney+). Quizás para evitar un posible descalabro en taquilla, o simplemente porque las formas de consumo han cambiado, la nueva entrega llega directamente a la plataforma de streaming.

Esta nueva entrega es la mejor que se ha realizado desde la original del 87, y eso se debe a la dirección de Dan Trachtenberg, que ya demostró su capacidad para crear tensión y ambientes enfermizos en Calle Cloverfield 10, y que aquí lo confirma con una película que sitúa su acción en 1709 y da el protagonismo a los indios comanches. Establece un paralelismo entre Predator y los nativos. Ambos son el cazador cazado. Construye un thriller de supervivencia casi mudo, con pocos diálogos, muy físico y con escenas de acción originales y violentas. Por si fuera poco, el empeño de Trachtenberg y de la productora Jhane Myers, perteneciente a la tribu comanche, han hecho que el filme se pueda ver doblado a la lengua tradicional de los indios. Un logro en cuanto a la representatividad.

El director tenía en mente hacer una película en la que fuera la acción la que hiciera avanzar la narración y que siguiera la estela de una película reciente que le marcó, como Mad Max: Fury Road. Un filme que fuera “una experiencia visceral, pero también emocional”. Pensó también en un cliché de las películas deportivas, el personaje que en EEUU se llama underdog. Ese jugador al que nunca sacan del banquillo, pero que tiene su oportunidad de brillar en la noche más importante. Aquí el underdog es la hermana pequeña de un líder de la tribu que quiere demostrar sus habilidades para cazar. Lo hará frente a la mayor amenaza: un Predator que despelleja y desmembra a animales y personas.

Otros dos elementos estuvieron en la concepción: mezclar un periodo histórico con la ciencia ficción y traer a “un reparto que normalmente no se ve en las películas”. “Los indios nativos americanos normalmente son el villano o el personaje que acompaña al protagonista”, dice Trachtenberg sobre el origen de Predator: la presa. Para Myers, este proyecto es un sueño. Poder hacer un filme de una saga que amaba y encima mezclándolo con los nativos, algo que la enorgullece “como miembro de la nación comanche”.

También siente ese orgullo la absoluta protagonista Amber Midthunter, miembro de la reserva Sioux Fort Peck: “Para mí la película es muy importante por lo que significa en cuanto a la representación de los nativos y por lo precisa que es en cómo muestra la cultura comanche y ese periodo de tiempo. Jhane Myers, que es nuestra productora y es comanche, se aseguró de que todo se abordara con exactitud, y esto es lo que más me emociona de la película”.

Midthunter sostiene la película sobre su rostro. Apenas tiene líneas de diálogo en una interpretación física y contundente que la convierte en una heroína perfecta. Un hallazgo de casting que para el director fue fundamental: “Tuvimos mucha suerte de encontrar a alguien como ella, que es una actriz capaz de transmitir tanto sin decir una palabra y de hacer que incluso los desafíos físicos se conviertan en momentos dramáticos a través de los que contar historias para que se sienta dramático, lo cual no es tan fácil”.

Cuando se publicó el primer tráiler de Predator: la presa hubo mucha crítica, ya que se enseñó en inglés. Muchos apuntaron que por qué no se había mantenido la lengua comanche, algo a lo que la productora del filme contesta zanjando la polémica y explicando que se podrá ver la película en esta lengua: “Soy comanche, y la película está en lengua comanche. Esta es la primera vez que una película se puede ver entera en la lengua comanche, y eso es muy bueno. Así que, si quieres, la puedes ver en español, y después en comanche, y así tendrás que verla dos veces”. Una nueva mirada al universo Predator que resucita la franquicia y la aporta aires nuevos que necesitaba.

“Justo cuando pensaba que estaba fuera, vuelven a involucrarme”, se lamentaba Michael (Al Pacino) en una memorable escena de El Padrino. Parte III. El antiguo Don, tras haber sido castigado por sus actos y perder a su familia más cercana, pensaba que podía por fin apartarse del negocio criminal en la última entrega de la trilogía de Francis Ford Coppola, pero se equivocaba. Porque ser el hijo de Vito Corleone tiene un precio, y el peso de la sangre no puede ser dejado de lado.

La necesidad acuciante de una redención, ya sea motivada por las malas decisiones o una herencia asfixiante, ha sido parte troncal de múltiples dramas mafiosos, desde Atrapado por su pasado de Brian De Palma hasta Posibilidad de escape de Paul Schrader. Y ahora, en la segunda y última temporada de Gigantes, esta redención imposible pasa a primer plano, cuando los hermanos Guerrero se disponen a rendir cuentas con su pasado y son testigos de cómo su familia y el imperio construido durante años están a punto de desmoronarse.

El destino de estos protagonistas estaba escrito desde hace mucho tiempo. Enrique Urbizu, junto a su habitual Michel Gaztambide y el guionista Miguel Barros, nunca pensaron en Gigantes como una serie proclive a alargarse durante varias temporadas, sino como una historia con un final muy claro que tardaría en alcanzar justo lo que necesitara, ni más ni menos. Es por ello que su primera temporada —o su primera mitad, como sería más apropiado llamarla— se extendió únicamente a los seis capítulos, y esta nueva entrega dura otro tanto.

La concepción de Gigantes como una épica película de 12 horas no es casual, ya que en ella se entrecruzan tanto numerosos e ilustres referentes cinematográficos —hablamos de la dimensión trágica de El Padrino, sí, pero también de la violencia y suciedad de El precio del poder—, como un plan narrativo perfectamente delimitado. La decisión de que [SPOILER] Abraham (José Coronado) muriera en el segundo capítulo obedece exclusivamente a dicho plan, y a la necesidad de que sus hijos se erijan como los verdaderos protagonistas de la historia.

Pero, ¿qué es lo que quieren estos tres hermanos? Es complicado. A Daniel (Isak Férriz), tras varios años en la cárcel, le gustaría recuperar lo que es suyo. Tomás (Daniel Grao), luego de haber conseguido una elaborada fachada para sus actividades delictivas, se conformaría con mantenerlo. Y a Clemente (Carlos Librado “Nene”), el más pequeño de los hermanos, sólo le gustaría llevar una vida donde apellidarse Guerrero no tuviera relevancia alguna, ni determinara su destino para los restos.

Sin embargo, no es posible. No cuando la familia corre peligro. Y, como el mismo Michael Corleone cuando su padre sufre un atentado y tiene que tomar cartas en el asunto, has de actuar rápido. Echar mano de las armas, y defender el legado de quienes quieren hundirlo en el fango. Ya sean policías, mafias rivales, periodistas o incluso, quién sabe, antiguos amores.

El futuro tiene nombre de mujer

Enrique Urbizu lleva cerca de treinta años siendo un maestro del thriller, y demostrando que su discurso congenia particularmente bien con personajes extremos, de una masculinidad agresiva y ominosa que tiende puentes con antihéroes clásicos del género como Tony Montana o los personajes de Humphrey Bogart. Santos Trinidad, protagonista de No habrá paz para los malvados, se ofrecía como una amalgama de todos ellos, acompañada de una mala leche netamente española, pero ya bien al comienzo de Gigantes se percibía una voluntad de cambio, de romper con estos viejos moldes.

Y es que la historia de los hermanos Guerrero es también la de las mujeres que los acompañan, los aman, o buscan activamente su destrucción. Es la historia de Márquez (Elisabet Gelabert), inspectora de la Udyco que no descansará hasta meter a los Guerrero entre rejas. También es la de Lucía (Juana Acosta), dispuesta a que sus negocios ilegales salten a la luz pública. O la de Bárbara (Xenia Tostado), otra policía con un vínculo más personal de lo deseable con los protagonistas. Pero, sobre todo, es la historia de Carmen (Sofía Oria).

La hija de Tomás y Sol (Yolanda Torosio) apenas tiene dieciséis años pero, de entre todos los descendientes de Abraham, es la que mejor conserva su carácter. Mientras que tanto su padre como sus tíos son habitualmente presas del egoísmo o, sobre todo, de la necesidad de legitimar su hombría a través de actos impulsivos, la más joven de los Guerrero sabe sobreponerse a todo esto, y mantener la cabeza fría ante los desafíos que vienen.

El arco de este personaje ha estado muy cuidado desde su presentación, y pese a haber atravesado sus paréntesis de vulnerabilidad, Urbizu y compañía lo han dejado todo preparado para que, en esta temporada final, ella tenga un papel preponderante. Y para que, mientras los Guerrero con más edad se vean obligados a aliarse por un bien mayor, Carmen mantenga la cabeza alta y sea, al final, la única capaz de plegarse a la gigantesca sombra de su abuelo sin que ésta acabe por aplastarla.

Porque esa es otra. En esta última tanda de capítulos Daniel, Tomás y Clemente no sólo deben anticiparse a la amenaza de familias rivales que quieren acabar abruptamente con la hegemonía de los Guerrero, o tratar de seguir esquivando la presión policial: también han de enfrentarse entre sí. Daniel no olvida la traición de Tomás, y Clemente tampoco podrá permanecer ajeno a este conflicto fratricida, capaz de hacerles más daño que cientos de clanes colombianos.

Todo acabará por estallar, cómo no, en un catártico baño de sangre. En una lucha sin cuartel donde al final, y como siempre, sólo el espectador acabará alzándose victorioso, extasiado ante una de las ficciones más potentes y demoledoras que ha dado nuestra producción televisiva.

La doctora Mary Harris trabajaba más horas de las que nadie supo ver nunca. El estrés y la tensión a la que la sometía su labor en el departamento de emergencias de un hospital general nunca fueron suficiente ni monetaria, ni personalmente. Así que tuvo que buscarse una ocupación extra, algo que la ayudase a llegar a final de mes, pero también que la llenase emocionalmente. Quería hacer lo correcto, aunque eso contradijese la ley. Así fue como empezó a ser consejera de decesos: ella y su compañero Des brindaban suicidio asistido a quien lo necesitase. Pero todo empezó a complicarse cuando la policía se metió en sus asuntos.

Así arrancaba el año pasado una de las series actuales que mejor han combinado una premisa potencialmente polémica con un savoir-faire elegante y eficaz capaz de mantener la tensión sin renunciar a la credibilidad.

No es para menos si se repasa el plantel profesional que la sostiene: creada por Tara Armstrong, quien ya estuviese en la producción de films de temática delicada pero bellísimo tratamiento como 50/50. Dirigida por Holly Dalle, una de las realizadoras más activas de la seriefilia actual que ha trabajado en Dexter, The Americans, Castle, Expediente X  o La Cúpula entre muchas otras, y protagonizada por Caroline Dhavernas –la genial Alana Bloom de Hannibal–, Mary me mata tenía los ingredientes necesarios para convertirse en una serie más sorprendente de lo esperado. 

Ahora, con el inminente final de la segunda temporada, no queda más remedio que rendirse ante la evidencia de su estimulante forma de romper tabúes: Mary me mata se despide de una de una temporada que ha sabido aunar el discurso político sobre la eutanasia con el drama íntimo de unos personajes cada vez más complejos. El final llegará el domingo 26 de agosto a #0, el canal exclusivo de Movistar+. La primera temporada está también disponible bajo demanda en la plataforma.

Ayudar a los demás tiene consecuencias

Mary Harris no es una asesina, tampoco una persona fría o calculadora, ni mucho menos una psicópata. No es Dexter ni Hannibal: es una mujer que cree que puede ayudar a más gente de la que trata en la sala de un hospital. Alguien que defiende el derecho a una muerte digna y que ayuda a personas que, voluntariamente, optan por la eutanasia para terminar con su vida. Es, en definitiva, una buena persona. Pero serlo nunca ha sido suficiente para no dar con tus huesos en la cárcel.

Sus principios y los de su compañero Des, a quien da vida Richard Short, les han llevado a internarse en un laberinto de secretos y mentiras que les protege de quienes no piensan como ellos, pero que cada vez les aleja más del resto del mundo.

Esta segunda temporada hemos asistido al progresivo distanciamiento emocional de Mary y su hija Jess, interpretada por Abigail Winter, que desconfía de su madre y a la que ha dejado de respetar. A su vez Ben, el policía que decidió confiar en la doctora, ve su relación en la cuerda floja. Y, por si fuera poco, se han abierto brechas entre quienes más juntos debían mantenerse, Des y Mary.

En Mary me mata, la comedia negra y la incorrección política han ido siempre de la mano de un thriller cargado de giros y sorpresas que nunca han optado por la brocha gorda y el mal gusto para significarse. Siempre elegante en sus formas, la serie de Tara Armstrong se nos muestra ahora ganando en calado sentimental con cada capítulo de esta temporada.

La tensión emocional, propia del drama médico más clásico, se ha ido haciendo fuerte sin esfuerzo, de forma orgánica y natural. Y el final de temporada, que se emitirá el domingo 26 de agosto en #0 de Movistar+, nos acerca cada vez más a un cisma que parece irreversible.

Por suerte, la serie ya ha sido renovada para una tercera temporada que promete mantener las claves que la han convertido en una de las series médicas más estimulantes que ha dado la televisión estos últimos años: un ritmo endiablado, un humor muy consciente de aquello que trata, y ahora también unos personajes de una profundidad tan insospechada como atractiva. 

Es su primera serie, pero Berto Romero ya ha conseguido algo único: hacer una radiografía social con la que muchos pueden sentirse identificados. Es decir, el terremoto emocional, logístico y existencial que supone la llegada del primer hijo, un hecho que también es un paso hacia la madurez para quien de repente pasa de ser “el hijo de” a “el padre de”.

Todo esto contado con mucho humor, del políticamente correcto y sobre todo del incorrecto, y con algunos pequeños y no tan pequeños dramas de la vida misma. Así es Mira lo que has hecho (disponible al completo en Movistar+), una serie que Berto Romero ha escrito junto a Enric Pardo y Rafel Barceló, y en la que juega a interpretarse a sí mismo… o no.

Las situaciones por las que pasa el personaje al que interpreta Eva Ugarte son muy parecidas a las que vivió y las que sigue viviendo el propio Berto en la crianza de sus tres hijos (reales). No obstante, el creador ha querido distanciarse de su propia autobiografía: toma prestadas situaciones que podrían ser replicas de momentos de su propia vida, pero también parecidas a las que se enfrentan otros muchos padres con sus primeros hijos.

Ahondando en ella, descubrimos que la serie esconde mucho más de lo que podría esconderse en su premisa. Mira lo que has hecho se parece más a una comedia romántica con bebé a bordo. La historia de una pareja joven, más cerca de los 30 que de los 40, que se enfrenta a un choque emocional que pondrá sus vidas patas arriba y en el que tendrán que forman equipo si quieren sobrevivir.

La naturalidad e imprescindible conexión con el espectador son dos requisitos fundamentales exigidos a comedias de este tipo para generar lo que, en definitiva, es la clave de su humor: empatía. Mira lo que has hecho tiene a su favor la química de Berto Romero y Eva Ugarte como pareja.

La actriz es una de las grandes revelaciones de la serie, ya que logra desenvolverse de forma creíble en situaciones plagadas de humor incorrecto con las que es fácilmente indentificarse, ya sea por haberlas vivido, visto, o provocado.

Los seriéfilos más ansiosos también tendrán como reto particular intentar dosificar los seis capítulos de su primera temporada, misión casi imposible para unos espectadores que probablemente acaben sufriendo síndrome de abstinencia. Este solo puede ser paliado de una manera: revisionando cada minuto de humor.

En ocasiones, solo es necesario el título para hacerse una idea del contenido que define al continente. Es el caso de Herrens veje (Los caminos del Señor), llamada en inglés Ride upon the Storm (Cabalgando sobre la tormenta) y en España Algo en que creer  (Movistar+), que podría resumir perfectamente el profundo drama al que se enfrentan los protagonistas de la nueva serie ideada por Adam Price, creador de la imprescindible Borgen.

La historia cuenta la vida de Johannes, un pastor protestante de personalidad explosiva y con una crisis de fe que comprueba cómo su familia empieza a resquebrajarse. Los problemas acechan por todos los frentes: su mujer Elisabeth se replantea su vida tras dejar pasar por alto demasiadas cosas, su hijo mayor Christian es víctima del menosprecio de su padre, o el hijo pequeño, August, que siente el peso de ser el favorito y tener que demostrar que es merecedor de ello.

Mientras su familia se desmorona, Johannes tiene enfrentarse a su propia carga. El personaje es cabeza de una familia de clérigos que ha estado 250 años ocupando altos cargos en la Iglesia Nacional Danesa, cuya máxima ambición es convertirse en obispo de Copenhague. Cuando pierde la elección frente a una mujer más joven y más progresista, cae en varias crisis: de confianza,  familiar y, sobre todo, de fe. Con esta última tendrá que lidiar mientras sigue intentando que sus fieles no abandonen la Iglesia.

En Borgen, Adam Price trazó un retrato de Dinamarca a través de la política, su relación con los medios de comunicación y de cómo se veía afectada la vida privada de sus propios protagonistas. Con un tono mucho más intimista y sobrio, Algo en que creer vuelve a ser una radiografía de la sociedad danesa pero, sobre todo, es una exploración del alma de sus personajes a través de la fe religiosa, ya sea la ausencia o la pérdida de ella.

Lo que hace la serie, en definitiva, es reflejar la crisis como tema central. La personal de cada uno de los protagonistas y la familiar, que se desata cuando aflora la de cada uno de sus miembros. Pero también la de un país como Dinamarca y de sus instituciones tradicionales.

A la deriva personal de Johannes también contribuye la crisis de la propia Iglesia Nacional Danesa, lejos del aspecto espiritual y más cerca de la logística del día a día, que afronta las consecuencias económicas de ver cómo muchas iglesias se quedan vacías en los servicios religiosos.

Algo en que creer vuelve a situar a Dinamarca como una de las potencias seriéfilas europeas que nunca hay que perder de vista. Y no solo eso, también vuelve a demostrar que más allá de la etiqueta nordic noir, hay más variedad de géneros.  Adam Price situó a Borgen como una de las series políticas de referencia y el modelo de Gobierno de su protagonista ha estado presente incluso en debates políticos españoles. Algo en que creer, no saltará a las tribunas del Congreso, pero no deja de ser un análisis de la actualidad desde otro punto de vista.

La premisa argumental La Zona nos lleva directamente a un territorio de exclusión en el norte de España, justo tras el accidente nuclear de la central Nogales. Concretamente, tres años después. Las consecuencias se hacen notar en el entorno, donde una vasta área fue desalojada, miles de familias fueron evacuadas, muchas preguntas se quedaron sin respuestas y el tiempo se congeló en las calles y viviendas quedaron contaminadas.

Este el contexto que dibuja el prólogo que antecede al arranque de la serie La Zona, cuya primera temporada está disponible al completo en Movistar+. La presencia del desastre, a veces en forma de elipsis, otras en el drama que se dibuja en el rostro de los personajes, se siente en el ambiente enrarecido, la atmósfera contaminada,  las vidas que quedaron en suspenso y todos los condicionantes que complican la investigación que emprende el inspector Héctor Uría (Eduard Fernández) tras la aparición de un cadáver mutilado en las cercanías de la central.

A través de su investigación los espectadores acceden a esas calles desiertas, a esas viviendas abandonadas a toda prisa y se asoman vidas marcadas por la tragedia. Algunos de esos personajes los vamos conociendo directamente a lo largo de los seis capítulos de la primera temporada, pero no de todos. De otros solo conocemos sus testimonios de pasada.

Aquel extenso universo de personajes era imposible de abordar en profundidad en la trama principal, pero sí a través del universo transmedia de La Zona. Uno de sus formatos está dedicado precisamente a ellos, a estas víctimas casi anónimas.

Cicatrices  es un relato de metaficción, que por momentos recuerda a Voces de Chernóbil, el libro de la premio Nobel rusa Svetlana Aleksiévich que tuvieron muy presentes Jorge y Alberto Sánchez Cabezudo en la gestión de La Zona, y que en Cicatrices se traslada al norte de España, al espacio imaginario donde tuvo lugar el accidente de Nogales.

Cicatrices, concebido como un documental, se sitúa antes del crimen que marca el inicio de la serie de Movistar+ y permite profundizar en la vida de personajes de la serie como Luisa (Maite Brik), el inicio de las investigaciones de Fabiana (Inma Cuevas) o de otras personas todavía más anónimas (en la serie) que vieron como el accidente nuclear los expulsó de la vida y los lugares que habían conocido hasta entonces.

Cicatrices (una producción de Movistar+ en colaboración con El Cañonazo) y los demás contenidos transmedia de La Zona se pueden ver en la web oficial de la serie y en su extensión transmedia La Otra Zona. Más que nunca, el relato serial desborda los límites de la pequeña pantalla.

Jesús y Nuria son una pareja normal, o eso creían. Más bien, es lo que él cree y lo que empieza a dudar ella. La razón de todo lío es el desconcierto, incluso el pavor que son capaces de provocar entre sus conocidos sin ni siquiera ser conscientes del todo. Y es que ambos, sobre todo él, son especialistas en meter la pata y resultar lo más inoportuno posible en cualquier tipo situación.

Así es, a grandes rasgos, el retrato de los protagonistas de Vergüenza, la nueva comedia de Movistar+ que desde el 24 de noviembre estará disponible al completo en la plataforma. Sus creadores son Álvaro Fernández-Armero y Juan Cavestany, quienes también han trabajado a cuatro manos en el guion y dirección de todos los capítulos. Para ellos, el estreno de la serie es la culminación de un proyecto que ha tardado más de una década en materializarse por ser tan reconocible pero, al mismo tiempo, tan inclasificable.

Y es que Vergüenza no es una comedia al uso y a veces ni siquiera entra dentro de las costuras del género, porque con las cosas que le pasan a Jesús y Nuria y con las situaciones que provocan, el espectador lo va a pasar mal. No por ellos, sino porque va a ser inevitable que se sienta identificado por haberlas vivido en primera persona o por conocer a alguien que le recuerde a los protagonistas de la comedia de Movistar+.

El humor de Vergüenza es incorrecto y las risas que provoca, incómodas. Javier Gutiérrez es Jesús, un fotógrafo BBC (bodas, bautizos y comuniones) con ínfulas de fotógrafo artístico y una increíble incapacidad para callarse y alargar situaciones que cada vez se vuelven más insoportables. Nuria, que acaba de quedarse en el paro, se queda sola ante propios y extraños en la defensa de Jesús pero empieza a sospechar que la tirria social que provoca empieza a ser contagiosa. Esta dinámica de ambos es lo que hace que los propios creadores de la serie califiquen a Vergüenza como una “comedia romántica medio distorsionada”.

A su alrededor, sufriéndoles y en algún caso intentando disculparlos están los padres de ella (Miguel Rellán y Lola Casamayor), que no entienden qué hace su hija con semejante impresentable; el mejor amigo de Jesús (Vito Sanz), que también tiene lo suyo; o los cariacontecidos vecinos que viven enfrente de la pareja (Francisco Reyes y Estrella Olariaga).

Definiciones autoimpuestas al género y etiquetas aparte, Vergüenza se alimenta del concepto de vergüenza ajena, que a veces es difícil de explicar pero que todos hemos sufrido alguna o muchas veces. Esa que hace que no puedas evitar reírte, aunque sepas que no deberías. Por si acaso.

Las series de no ficción también está viviendo un momento dulce en televisión. En un panorama donde las ideas originales cotizan al alza, los casos reales siguen demostrando que no solo las fábulas son capaces de mostrar historias increíbles para mantener enganchados a los espectadores.

Algunas de estos relatos diluyen la fina frontera entre realidad y ficción, convirtiéndose en series documentales como Making a Murderer, O.J: Made in America o, en España, Muerte en León y Lo que la verdad esconde: Caso Asunta.

Se tratan de relatos seriados, que reconstruyen casos reales y no necesitan inventar nada, o casi nada, para competir en igualdad de condiciones con grandes dramas alejados de la verosimilitud. No obstante, algunas de estas historias también pasan al terreno de la ficción, aunque conservado su inspiración en hechos que realmente ocurrieron.

El año pasado, Ryan Murphy utilizó el caso del actor O. J. Simpson, que fue acusado del asesinato a su exmujer, para poner en marcha la serie antología de American Crime Story. La siguiente entrega reconstruirá el asesinato del diseñador italiano Gianni Versace y, desde hace unos días, también está disponible en Calle 13 Ley y Orden True Crime. El caso Menéndez.

La miniserie parte con dos condicionantes muy marcados por los que muchos espectadores ya la sitúan en su radar. El primero es estar encuadrada dentro de la franquicia Ley y orden, una de la más longeva y rentable de la pequeña pantalla, algo que también condiciona su tono narrativo. El segundo, y más mediático, es reconstruir, desde la ficción, uno de los casos criminales y juicios más famosos de la historia reciente de Estados Unidos.

El 20 de agosto de 1989, los servicios de emergencia de Los Ángeles registraron una llamada desesperada desde el millonario barrio de Beverly Hills. Una voz masculina pedía auxilio tras encontrar a sus padres tiroteados en el salón de la mansión familiar. Era Lyle Menéndez, y las víctimas era José y Kitty Menéndez, que habían muerto acribillados por más de 15 disparos realizados con escopetas.

En su primera declaración ante la policía, Lyle y su hermano Eric, un universitario de segundo año de Princeton y un jugador semiprofesional de tenis, relataron que se encontraron los cadáveres cuando regresaron a su casa tras ir al cine.

La cara oculta tras el lujo y la riqueza de los Menéndez

A pesar de la desesperante llamada al 911, la actitud de los dos hermanos pronto empezó a levantar sospechas entre los policías encargados en hallar a los presuntos autores del doble asesinato quienes, además, tenían como misión descubrir los motivos que les llevaron a irrumpir en una mansión de Beverly Hills, acribillar al matrimonio y salir sin llevarse aparentemente nada de la lujosa vivienda.

Hasta que fueron detenidos seis meses después como presuntos culpables, Kyle y Eric se gastaron casi un millón de dólares en artículos de lujo y empezaron a mostrar que, de puertas hacia adentro, la vida familiar de los Menéndez distaba mucho de la estampa feliz que proyectaban entre sus conocidos.

Kyle y Eric, que actualmente siguen en prisión, se rebelaron contra la férrea disciplina de padre de la manera más sangrienta posible. Tampoco se puede decir que, mientras estaba en marcha la investigación policial, pusieran mucho empeño en disimularlo.

José Menéndez era un emigrante cubano, un exitoso hombre de negocios hecho a sí mismo que imponía una férrea y asfixiante disciplina a sus hijos para que no dieran por sentado su riqueza. Lo que parecía una ventaja, terminó provocando una guerra abierta entre el padre y sus dos progenitores, que estaba minando la salud de la madre, y que en el juicio se convirtió en el principal argumento de la defensa.

Aquí es donde entra el otro personaje clave de la serie: la abogada Leslie Ambrason, a la que da vida Edie Falco. Si la gran protagonista deAmerican Crime Story: The People vs OJ Simpson era la fiscal del caso Marcia Clark (Sarah Paulson), aquí es Leslie Ambrason quien retrata a la sociedad de la época y la presión mediática que generó en torno al caso. Quizá, lo más interesante de la historia. Para el resto de detalles, y sobre todo para los espectadores más impacientes, siempre estará Wikipedia.

¿Cómo puede una comunidad sanar sus heridas si la recuperación se ha construido a base de mentiras? La Zona, nueva serie original de Movistar+, arranca en una región del norte de España en aparente proceso de reconstrucción tras un accidente nuclear. Pero tras los daños superficiales y la creación de una zona de exclusión alrededor de la central y el desalojo de los pueblos cercanos, se esconden unas heridas mucho más profundas que ni el paso del tiempo parece curar.

Alberto y Jorge Sánchez- Cabezudo, creadores, guionistas y, en el caso del segundo, director de la serie, llevaban varios años dándole vueltas al proyecto. Ya en 2011 estuvieron a punto de ponerlo en marcha, pero el 11 de mayo de ese año un fuerte terremoto en Japón provocó el accidente de Fukushima y tuvieron que volver a guárdalo en un cajón. Ahora, seis años después, llega a Movistar+ (en el servicio bajo demanda a partir del 27 de octubre) con la misma idea central pero con añadidos actuales, como la crisis económica y el descontento social.

El guía del espectador por el espacio físico y moral de La Zona es Héctor Uría (Eduard Fernández), un inspector de la policía que formó parte del primer grupo de personas que acudieron al rescate de la central. Fue el único superviviente de todo el grupo y, tras recuperarse de sus heridas físicas, se reincorpora a su puesto de trabajo justo cuando sucede un sangriento asesinato dentro de la zona exclusión.

Este suceso será el punto de partida para destapar una serie de actividades ilícitas dentro de dicha área. Como por ejemplo, el nuevo orden social establecido por los habitantes que se resistieron a abandonar aquel entorno, peligroso pero conocido por servir de exilio ante un futuro incierto.

Héctor, que físicamente parece recuperado pero psicológicamente continúa aturdido por la tragedia, se ve involucrado en una investigación donde conoce a todos los personajes de la nueva comunidad establecida en la zona. Uno de ellos es Martín (Álvaro Cervantes), compañero del protagonista, que es también conocedor, por haberlas tolerado, de muchas de las actividades ilícitas que se están desarrollando en la zona de exclusión.

Además de su socio de travesía, el inspector también se reúne con Zoe (Alba Galocha), una veinteañera que lo perdió todo y que se ha acostumbrado a hacer lo que sea para salir adelante. No obstante, Héctor también sufre encuentros no tan deseados como el de Marta (Emma Suárez), su exmujer. Aunque esta decidió alejarse tras la muerte de su hijo, regresa en un momento clave: cuando algunos datos ponen en duda la versión oficial de las causas del accidente.

Pero más allá de los dramas familiares también aparece Julia (Alexandra Jiménez), una médico militar que fue de las primeras en atender a las víctimas del incidente. Ahora tiene otra misión, la de velar por la salud de los habitantes que han empezado a regresar a las zonas afectadas. Aunque no solo de héroes está bañada la historia. Barrero (Sergio Peris-Mencheta) es un delincuente que ha prosperado gracias al mercado negro y los beneficios del mercado negro en el área de exclusión.

El dinero es igualmente la motivación de Fausto (Juan Echanove), un empresario convertido en referente de la comunidad por la ayuda (no tan desinteresada) que ha estado brindando a una larga lista de damnificados en la que también están los paisajes verdes y frondosos de Asturias, elementos de la naturaleza que en la serie reflejan su poder abriéndose camino sea como sea.

La otra zona: un universo de contenidos transmedia

La primera temporada de La Zona (8 capítulos en total, disponibles en Movistar+ en su servicio bajo demanda y en #0) estarán acompañados de un ambiciosa oferta de contendidos transmedia, creados para completar las historias de la serie y enriquecer la experiencia de sus seguidores.

La Zona plantea una realidad reconocible pero improbable: las consecuencias de un accidente nuclear en el norte de España donde la primera víctima es siempre la verdad. Esa es la premisa de los más de 300 minutos de contenidos extras creados por las agencias especializadas El Cañonazo y Flúor, las cuales han trabajado junto a los responsables de la serie y en paralelo a la fase de guion y rodaje.

En total son 16 formatos, como un podcast, un juego interactivo, la Wikizona, falsos documentales, reportajes de análisis de los capítulos, making of, o perfiles en redes sociales, entre otros. Estos empezarán a estar disponibles a medida que se vayan estrenando los capítulos y contarán con una protección para evitar los spoilers: cada seguidor podrá indicar cuántos capítulos ha visto antes de acceder.

Todo el contenido, tanto el de la serie como el material extra, estará disponible a través de la web oficial de La Zona y de La otra zona, que se pondrá en marcha tras el estreno de un primer capítulo que despierta más interrogantes que respuestas.

Hace casi 10 años se estrenaba en Italia Romanzo criminale, una serie que sirvió de avanzadilla para que la ficción televisiva del país transalpino reclamara su lugar en las grandes ligas seriéfilas. Es la historia del grupo criminal que se convirtió en el dueño y señor mafioso de la Roma de los años 70. También una especie de libro de estilo e inspiración para series muy recomendables, en muchos casos imprescindibles, que llegaron después.

Podríamos hablar de Gomorra, basada en la famosa y trágica novela de Roberto Saviano; de The Young Pope, una coproducción internacional con Sorrentino al frente o de Suburra, que ultima su estreno y en la que Roma vuelve a mostrar su cara más violenta y corrupta. Por su parte, 1992 y su continuación, 1993 , se podrá ver desde el 14 de septiembre en Movistar+.

Con el recurso de narración río (un ciclo novelesco de varios volúmenes donde las historias confluyen a lo largo del tiempo), 1992 seguía el devenir de varios personajes en el año del Tangentópolis, una casi indescifrable red de corrupción que implicaba a las más altas esferas políticas y empresariales del país y el macro proceso 'Manos Limpias'.

La mafia dándose la mano sin ningún tipo de miramientos con el Gobierno, hecho que terminó desembocando en el colapso de los partidos tradicionales. Una época convulsa que removió como un terremoto a una sociedad italiana acostumbrada a Gobiernos breves, inestabilidad parlamentaria y alianzas antinaturales.

1993 trata las consecuencias de los acontecimientos que vertebraron el retrato de 1992. Nos encontramos con personajes conocidos como el tiburón empresarial Leonardo Notte, al que da vida Stefano Accorsi, protagonista e impulsor de la idea de las dos series junto con Alessandro Fabbri, Stefano Sardo (In Treatment) y Ludovica Rampoldi (Gomorra). También con Pietro (Guido Caprino), el ex soldado reconvertido en político de la Liga Norte; Luca (Domenico Diele), policía enfermo de SIDA metido en la investigación del proceso 'Manos Limpias'; Antonio di Pietro (Antonio Girardi) el juez líder del macroproceso y Verónica (Miriam Leone) que se ha convertido en una estrella televisiva.

Personajes de ficción algunos de ellos pero con inspiración real siempre y auténticos al 100%, que hacen que 1993 brille por su recorrido en un año marcado en rojo en la historia italiana que aún hoy tiene consecuencias.

El primer capítulo de 1993 se abre con la sonora protesta de una multitud a las puertas del hotel Raphael, donde Bettino Craxi había evitado gran parte de las acusaciones de financiación ilegal pero estaba liquidando su carrera política y huyendo a Túnez poco después.

Craxi funciona de enlace perfecto con la historia que centra 1993 al ser amigo íntimo de Berlusconi. El futuro primer ministro italiano y exitoso empresario por entonces era un personaje secundario en 1992. Pero será en este momento donde casi se convierta en cabeza de cartel: ya no sale desenfocado ni de espaldas y podremos apreciar cómo se pone en manos de Stefano Accorsi para que le construya un traje a medida de futuro estadista.

Aquí es donde 1993 se convierte en más que una serie, y como le pasaba a American Crime Story o al documental OJ Simpson: made in America, pone a prueba los recuerdos del espectador, que tiene que cuestionarse cosas, recordar y volver a creer que los hechos que está viendo en la ficción son tan reales como de nuevo increíbles.

El año de su debut, Twin Peaks se batió en los Emmy con La ley de Los Ángeles, China Beach, A través del tiempo (Quantum Leap) y Thirtysomething. Algunas de ellas han perdurado en el tiempo gracias a lo que significaron para la nueva hornada que llegaría en años posteriores. Y otras, como China Beach, prácticamente descatalogada ahora, siempre hay que reivindicarlas.

El camino que abrió Twin Peaks  fue mucho más profundo porque no se parecía a nada de lo que se emitía por aquel entonces. Enseguida se convirtió en el espejo en el que muchas series buscarían verse después. Por eso se pasa por alto y se le perdona la segunda temporada, y se entiende la enorme expectación que está levantando su regreso más de 25 años después de su final.

David Lynch está contribuyendo lo suyo, manejando con mano de hierro todo lo que rodea este regreso: apenas se saben detalles de por dónde irá la trama, más allá del regreso anunciado de la mayoría del reparto. Lynch ha dado orden de no realizar casi ningún pase previo al estreno, ni siquiera para que los críticos de EEUU puedan tener sus valoraciones hechas unos días antes. Hasta ha impuesto a la cadena Showtime la fecha de estreno y las condiciones de emisión, que se podrá ver en España (Movistar+) en simultáneo a EEUU en la madrugada del próximo 22 de mayo.

¿Estará esta tercera entrega a la altura del hype que hay entre los que vieron la primera temporada en su año de emisión, los que se dejaron arrastrar por la historia en los años siguientes y los espectadores que se adentraran en el universo de Twin Peaks directamente en su regreso? Algunas de las razones de su enorme legado pueden explicarlo:

El sello de autor (cinematográfico). David Lynch se aventuró en el universo televisivo en una época en que la pequeña pantalla era mirada con desprecio desde el cine: o bien era donde iban a morir viejas glorias dadas por perdidas o donde se ganaban el pan aquellos que no conseguían trabajo en los estudios de Hollywood. Lynch no se adaptó al medio, sino que quiso llevárselo a su terreno y, por eso, frente al concepto serializado imperante, planteó Twin Peaks como una película servida por capítulos.

El asesino de Laura Palmer era lo de menos. En la memoria colectiva, Twin Peaks sigue siendo recordada por el misterio que planteaba en su capítulo piloto pero, al final, terminó siendo lo de menos frente a los vecinos que fue conociendo el agente Cooper. 

En contra de las series policiales que precedieron a Twin Peaks, y las que todavía llegaron después, David Lynch envolvió en plástico un cadáver solo para anticipar que eso iba a ser lo menos inquietante que íbamos a ver una vez que nosotros también pusiéramos un pie en Twin Peaks.

El comienzo de la fiebre seriéfila. Twin Peaks llegó con unos cuantos años de adelanto a la explosión de series que hoy no deja de crecer. Demostró que podía ser todo lo rara que quisiera porque los espectadores estaban preparados para otro tipo de ficción televisiva y para no fiarse nunca más de la vida tranquila de las ciudades pequeñas y la dualidad entre buenos y malos.

No todo tiene una explicación ni tampoco es necesaria. La vuelta de Twin Peaks es la reivindicación del dejarse llevar en una época en la que todo tiene que ser explicado para que una serie apruebe el examen de la credibilidad. Lo mejor de Twin Peaks es que era (y sigue siendo) el lugar en el que puede pasar cualquier cosa y cuanto más rara mucho mejor. Lo importante es disfrutar del viaje.

El ritmo de estrenos de series nunca decae y quien este buscando nuevas adicciones siempre tiene opciones, pero abril será el mes de la primera explosión seriéfila del año. Las series estrenadas el pasado otoño encaran la recta final de sus temporadas y llega el turno a las que cogerán el relevo en el escaparate durante la primavera y el verano.

La tanda de regresos y novedades que aterriza ahora solo es un anticipo de la avalancha que irá llegando en los próximos meses, entre las que estarán algunas de las que no han permitido que nos olvidáramos de ellas durante la etapa de hibernación, aunque nunca total, invernal.  Ahí va un repaso a las que no hay que perder de vista en las próximas semanas.

Better Call Saul (T3, 11 de abril en Movistar Series)Better Call Saul

La sombra de Breaking Bad no ha sido alargada, sino que ha llenado de dobles lecturas y guiños la historia de Jimmy McGill, el abogado que todavía conserva una pizca de honradez antes de convertirse en el picapleitos caradura Saul Goodman. En la tercera temporada, Saul comienza a hacerse cada vez más visible y parece que no será el único personaje de Breaking Bad, como viene sucediendo desde el principio de serie, que se pase por el universo de Better Call Saul. Gus Fring ya se ha dejado ver en tráilers como este.

Fargo (T3, 20 de abril en Movistar Series Xtra)Fargo

Ewan McGregor por partida doble, con una caracterización sorprendente, y una historia que se sitúa después de la primera temporada sin establecer conexiones directas entre ambas. Noah Hawley, que acaba de cerrar la primera temporada de Legion, se zambulle de nuevo en el universo creado por los hermanos Coen, para alumbrar una historia completamente original pero que conservará algunos guiños a un tipo de relato y una atmósfera que nos llevará de nuevo a lo más crudo del invierno de Minnesota.   

Veep (T6, 17 de abril en Movistar Series)Veep

Selina Meyer ya no es presidenta, ni siquiera vicepresidenta, pero lo que sí sigue siendo es el personaje que le ha dado un récord en los Emmy a Julia Louis-Dreyfus y la ha convertido en protagonista de una de las comedias más en forma. Veep nunca ha querido ser realista, pero la actualidad se lo ha puesto difícil para dejar de serlo. Es una de las mejores sátiras políticas y un reflejo cada vez menos surrealista de la realidad.

Prison Break (T5, 10 de abril en Fox)Prison Break

Una resurrección por partida doble: la de una serie que sigue presumiendo de tener una primera temporada casi perfecta y la de su protagonista, Michael Scofield, especialista en acabar siempre en la cárcel y que al final de la serie original terminaba (teóricamente) muerto. Esto es lo primero que tendrá que explicar la nueva entrega, que arranca con el tatuado Scofield de nuevo encarcelado.

Hap and Leonard (T2, 20 de abril en AMC)Hap and Leonard

Si Fargo nos va a llevar de nuevo a Minnesota, este western moderno apostará por los sofocantes paisajes de Texas en los años 80. Con el humor negro de la saga literaria de Joe R. Landale y un reparto encabezado por James Purefoy (Roma) y Michael K. Williams (The Wire).

Silicon Valley (T4, 24 de abril en Movistar Series)Silicon Valley

Después de tres temporadas de enredos, meteduras de pata y aciertos para sacar su idea adelante, Richard tiene un nuevo plan para Pied Piper.  Veremos si sus propios compañeros y los intereses corporativos de Silicon Valley -donde es difícil saber cuándo termina el retrato satírico- le dejan.

The Leftovers (T3,  17 de abril en Movistar Series Xtra)The Leftovers

No lo ha tenido fácil, no se lo ha puesto fácil a sus seguidores, y es una de las sentidas despedidas de este año. Damon Lindelof ya ha pedido a sus fans que la vean dosificada, que The Leftovers no es una serie para ver en maratón.

La historia arrancará su tanda final en Australia, donde Kevin se reencontrará con su padre, y donde seguiremos viendo las consecuencias, emocionales y sociales, que ha provocado la desaparición del 2% de la población mundial.  

Modus (T1, 18 de abril en Calle 13)Modus

Acabamos el repaso con dos series europeas. La primera es una nueva integrante del club de nordic noir, consolidado ya como un género televisivo. Modus también apuesta por el misterio y la investigación esta vez en Estocolmo, donde una serie de asesinatos afecta a una psicóloga, especializada en perfiles criminales, después de que su hija haya sido testigo de uno de ellos.  

Oficina de infiltrados (T2, 3 de abril en Movistar Series Xtra)Oficina de infiltrados

La primera temporada está al completo en VOD y quienes ya la hayan visto no tendrán que esperar casi nada para enlazar con la segunda entrega de esta serie ambientada en la Dirección General de Seguridad Exterior francesa, el núcleo duro del espionaje francés.

Después de los fastos del 50 aniversario y un nuevo relevo en el papel protagonista, Doctor Who inaugura etapa: es una institución cultural en Reino Unido pero la serie más famosa de la BBC quiere seguir aumentando su leyenda. El encargado será Peter Capaldi, el decimotercer actor en pilotar la TARDIS por el tiempo y el espacio.

[Manual de instrucciones para principiantes. Doctor Who (en Movistar TV en el canal SyFy) es una de las ficciones televisivas más longevas y también es una de esas series dotadas de un universo propio casi inabarcable. Pero a pesar de su medio siglo de historia, no es imposible subirse a ella en marcha. Así que si eres de esos espectadores que has oído hablar de ella pero nunca has visto un capítulo o estás acostumbrado a que muchas de tus series habituales (de Los Simpson a The Big Bang Theory) le rindan homenajes, ahí van algunas claves para engancharte a ella. Aunque no lo parezca, es posible y puede ser una experiencia única.

Su protagonista es un alienígena, un Señor del Tiempo, que a estas alturas ya ha cumplido 2.000 años y tiene el poder de regenerarse. Esto ha permitido a la serie alargarse en el tiempo y que 12 actores (13 si contamos a John Hurt) hayan interpretado a un protagonista que cambia de aspecto y personalidad en cada nueva reencarnación. El Doctor viaja por el tiempo y el espacio a bordo de la TARDIS (Time And Relative Dimensions In Space), armado con un destornillador sónico y casi siempre con compañía humana.

La serie se divide dos etapas que se pueden ver de forma independiente. La clásica corresponde a las aventuras de los siete primeros Doctores y la moderna comenzó en 2005, suma 8 temporadas (más varios especiales) y ha visto pasar ya a tres Doctores. En estas dos etapas hay capítulos (autoconclusivos) que sirven como primera toma de contacto: aquí se pueden consultar los de la etapa clásica y en este enlace los capítulos de la moderna. También son interesantes estos 50 datos sobre el Doctor.]

Después de muchos años intentándolo, Doctor Who, bajo la batuta de Steven Moffat (Sherlock), ha conseguido ser popular en EE UU y la expectación por la era Capaldi no ha dejado de crecer desde que se anunció su fichaje. BBC ha sabido como alimentar el fenómeno y se está empleando a fondo en la promoción. Tour mundial de presentación de los nuevos capítulos, estreno en cines de todo el mundo (también en España) del que abre la primera octava temporada y una cantidad inusitada, por la fama anti-spoiler de Moffat, de información sobre lo que se encontrarán los fans en las nuevas entregas.

Peter Calpadi. No entró hasta última hora en la quinielas sobre quién sería el duodécimo Doctor y ha conseguido pasar de ser un fan confeso de la serie a protagonizarla. Releva al actor más joven en asumir el papel protagonista (Matt Smith, 26 años) y se convierte en el segundo de más edad (56 años) en hacerlo después de William Hartnell (primer Doctor). Como ha pasado otras veces, ya había salido en la serie (como actor invitado en Los fuegos de Pompeya) y, en su caso, también en el spin-off Torchwood.

Perfil del duodécimo doctor. Por lo que se espera de Capaldi y la nueva reinvención del universo de la serie, el nuevo Doctor será más oscuro, menos desenfadado que sus antecesores y mucho menos humano. Una dirección interesante que está levantando gran expectación.

Directores y guionistas con gancho. La cantera de guionistas de la serie es inagotable y es capaz de atraer nombre vinculados al cine (Richard Curtis, el rumor nunca confirmado de Peter Jackson), de otras series (Neil Cross), más conocidos por su faceta literaria (Neil Gaiman) o a los que la serie le ha servido de trampolín (Chris Chibnall). Lo mismo pasa con los directores y, por ejemplo, el encargado de dirigir los dos primeros capítulos de la octava temporada es Ben Wheatley (Turistas)

Actores invitados. Doctor Who estaría por derecho propio en un post dedicado a esas series por la que pasa todo el mundo. Solo hay que echar un vistazo a su página de imdb y ver la nómina de actores conocidos por otras series que han tenido intervenciones episódicas en Doctor Who. Es temporada se unen Keeley Hawes (Line of Duty), Michelle Gomez (Bad Education), Tom Riley (Da Vinci’s Demons) o Chris Addison, compañero de Capaldi y sufrido de su personaje en 'The Thick of it'.

La nueva cabecera. Si cambia el Doctor también deben hacerlo títulos de crédito que incluirán el nombre del nuevo actor protagonista. Esta vez esta cabecera está inspirada directamente en una promo que un fan colgó hace meses en su propia web y en YouTube.

¿El crossover imposible? Sherlock y Doctor Who comparten showrunner (Steven Moffat) y muchos fans. Un cruce entre las historias de los dos personajes, quizá los más populares de la actual ficción televisiva británica, no se ha descartado y Moffat ha demostrado una vez más ser el rey del despiste y los desmentidos a medias. Los vídeos hechos fans ya llevan tiempo preparando el terreno.

A las series también se les puede aplicar eso de que hasta que no te imiten o te hagan una parodia no te puedes considerar famoso. En el caso de la ficción televisiva este síntoma de triunfo es también una herramienta de promoción eficaz y que sale prácticamente gratis. Por supuesto que los fans son el colectivo más entregado y muchas veces el más imaginativo con los vídeos, gifs o memes que lanzan en las redes sociales pero también hay grupos más profesionales, por decirlo así, que saben cómo manejar la repercusión mediática.

Uno de ellos es Jimmy Fallon y su programa The Tonight Show de la cadena NBC. Gracias a la complicidad de su audiencia, guiones ocurrentes, caracterizaciones muy conseguidas y el apoyo de los propios parodiados, sus particulares versiones de Juego de Tronos o Breaking Bad siguen acumulando visitas en la web de su programa y en YouTube. Una de las más célebres es la colección de cortos basados en Downton Abbey, una serie con una legión de seguidores en EE UU y varias nominaciones a los Emmy, que en The Tonight Show se transformó en Downton Sixbey.

La última en unirse al club es House of Cards, transformada en House of Cue Cards con Jimmy Fallon como Frank Underwood y Ellen Barkin en el papel de Claire Underwood.

Una de las webs más famosas por la originalidad de sus parodias es Funny or Die. Hace unos días sus responsables volvieron a dar en el clavo con un vídeo protagonizado por Christina Hendricks, que jugaba con la idea de qué pasaría si su personaje en Mad Men hiciera un viaje en el tiempo hasta una oficina actual.

En el archivo de Funny or Die hay muchos más pero vamos a destacar tres. Tough justice, un supuesto drama policial protagonizado por Michelle Dockery (parodiando su personaje de Lady Mary en Downton Abbey) y Michael Chiklis (The Shield).

A message to Aaron Sorkin se aprovecha de la polémica que ha acompañado a The Newsroom desde sus inicios. El cómico Luke Barnett se mete en la piel de Will McAvoy (Jeff Daniels) y trata de responder a las críticas que recibió la serie de HBO durante su primera temporada.

The Wire: The Musical with Michael Kenneth Williams, que como indica su título, es una version musical de The Wire protagonizada por Omar.

En College Humor se han especilizado en fusionar videojuegos en formato RPG y series de televisión. Hay donde elegir: Perdidos, Battlestar Galactica, Doctor Who, Homeland, The wire... o Juego de Tronos.

Más que nunca la literatura está sirviendo de inspiración para las series de televisión. Algunas musas son sagas con millones de fans que llevaban años esperando su salto a la gran o pequeña pantalla, otras son novelas que primero se pasearon por el cine y luego se han beneficiado de una reinvención televisiva y las hay que han despertado el interés de lectores potenciales al ser transformadas en ficciones audiovisuales. Dejando a un lado el debate entre lectores de los libros y fans de las series, que centraba el post anterior, hoy es turno de repasar lecturas que complementan la experiencia de ver una serie de televisión y algunas novelas que han sido adaptadas recientemente.

Libros que inspiran series

Entre todas las que se emiten actualmente, se merece encabezar esta lista Orange is the new black porque nació de un libro y porque ha servido para promocionar otros libros que nada tienen que ver con ella. La historia de Piper Chapman está basada en el relato autobiográfico de Piper Kerman Orange is the New Black: Crónica de mi año en una prisión federal de mujeres (Editorial Ariel) y sus compañeras de prisión son unas grandes aficionadas a la lectura. En las dos temporadas emitidas se han hecho referencias a las obras de Shakespeare, Pablo Neruda o Richard Frost y por la pantalla han desfilado ejemplares de Bajo la misma estrella, Cincuenta sombras de Grey, Criadas y señoras y Perdida, todas ellas convertidas ahora en películas, pero también de la saga de Harry Potter, Orgullo y prejuicio, Los miserables o El umbral de la noche de Stephen King. Esta afición de las protagonistas recuerda mucho al amor que tenía Sawyer por sus libros en Perdidos.

Las siguientes de la lista, por actualidad, son The Leftovers (Colmena Ediciones), la novela que su autor Tom Perrotta ha llevado junto a Damon Lindelof a HBO (a partir de septiembre en Movistar TV en Canal + 1), Resurrection (Editorial Planeta), el best-seller de Jason Mott que se convirtió en una de las series revelación de la pasada midseason (AXN), y la novela en la que se basa Los 100 (Syfy), editada por Alfaguara. Las siguientes serán Outlander, una saga que en España se ha publicado bajo el título de Forastera (Salamandra), Constantine, basada en los cómics de Hellblazer de DC Comics, y quizás la más esperada, la sexta novela de Canción de Hielo y Fuego (Ediciones Gigamesh). Todavía no hay fecha de lanzamiento para Vientos de invierno pero George R.R. Martin ya ha anunciado que no participará como guionista en la quinta temporada de Juego de Tronos para poder centrarse en ella.

En los próximos meses también llegarán American Gods (Roca Editorial), la novela de Neil Gaiman que se convertirá en serie en la cadena Starz después de haber sido descartada por HBO, la adaptación de Preacher en la que trabaja la cadena AMC o la serie que prepara Guillermo del Toro basada en el cómic Monster, del dibujante japonés Naoki Urasawa, para HBO.

Libros sobre series

La experiencia que es capaz de crear una serie no se limita a su simple visionado. Los libros sobre la industria televisiva, sobre sus creadores o de aquellos autores que apuestan por analizarlas desde otra perspectiva también están viviendo un buen momento. Una de las obras más destacadas de los últimos meses es Hombres fuera de serie (Editorial Ariel). Su autor es Brett Martin y analiza varias series a través de sus creadores: David Chase- Los Sorpano, David Simon- The Wire, David Milch- Deadwood, Alan Ball- A dos metros bajo tierra, Mathew Weiner- Mad Men o Vince Gilligan- Breaking Bad... Es muy interesante, está muy bien documentando y si a alguno le apetece seguir haciendo un repaso por las series estadounidenses más importantes de los últimos años, puede acudir también al libro Revolution was televised del crítico estadounidense Alan Sepinwall (por ahora solo disponible en inglés) o al repaso que hace Jorge Carrión en Teleshakespeare (errata naturae)

En España hay más libros que siguen esta línea. Los más recientes son Todavía voy por la primera temporada (Léeme Libros) y Los héroes están muertos (Dolmen Editorial). En el primero, varios autores coordinados por Edu Galán analizan el gran momento que viven las series de televisión desde diferentes enfoques y así escriben sobre de series internacionales como Breaking Bad, Perdidos, The Good Wife pero también sobre dos españolas tan alejadas como Crematorio y Manos a la obra. Los héroes están muertos tiene un acercamiento un poco más académico, sus responsables son profesores universitarios, a cómo la figura del héroe clásico se ha ido transformando en las series actuales. Están las habituales como The Wire, Breaking Bad, The Shield, Mad Men pero también se acuerdan de Hora de aventuras.

Las series también han servido para poner de moda destinos turísticos como ha hecho Juego de Tronos con Islandia, Croacia o Malta. Otras ciudades no necesitan promoción y gracias a las ficciones televisivas y el cine han llegado a ser muy familiares para espectadores que no las han visitado nunca. En Nueva York en serie (Léeme Libros), la periodista Aloña Fernández Larrechi hace un recorrido por la Gran Manzana a partir de los dramas y comedias que mejor la han retratado. Sirve de guía turística y también para conocer detalles muy jugosos sobre Mad Men, Louie, Friends, 30 Rock o Sexo en Nueva York.

Uno de los libros más originales es probablemente Serial (El Gaviero, 2014), en el que 21 poetas homenajean a otras tantas series a través de sus protagonistas. La selección recorre 40 años de televisión e incluye odas a Juego de tronos, La casa de la pradera, Los Soprano, Girls, Breaking Bad, Aquellos maravillosos años o The Big Bang Theory (TNT).

No hay margen para el aburrimiento o la falta de alternativas. La temporada veraniega de series está en plena ebullición en EE UU y la que le sucederá en otoño ya está calentando motores. En el mes de mayo las grandes protagonistas fueron las series nuevas, con su presentación en los upfronts y el lanzamiento de los primeros tráilers (recogidos en este post). Estos días es el turno de las series más veteranas, que están haciendo su trabajo para que sus fans no se olviden de que ellas también llegarán tras el verano.

Cualquier táctica es buena para apoyar la promoción, desde las candidaturas de los Emmy de la semana pasada, hasta los tradicionales tráilers, pasando por las fotos de rodaje que ya se pueden ver en distintas redes sociales o la participación en eventos como el #TCA14, que está celebrando estos días en Los Ángeles, o la Comic Con que arranca en San Diego dentro de una semana. Hacemos repaso.

Homeland tiene mucho trabajo por hacer y muchos fans a los que convencer tras su controvertida tercera temporada. Sus responsables han adelantado que la cuarta será una especie de reinicio en la historia y ya circula el primer teaser de la tanda de 12 capítulos que llegará en otoño a Fox España. La acción pega un salto temporal y se sitúa seis meses después del final de la tercera temporada. Carrie Mathison comanda ahora la delegación de la CIA de Estambul y volverá a recurrir a Saul, quien ya no trabaja para la agencia estadounidense pero conserva su papel de asesor. Los fichajes del reparto son Suraj Sharma (La vida de Pi), Corey Stoll (House of Cards, ahora en The Strain) y Raza Jaffrey (Smash).

American Horror Story. El título de la cuarta temporada incorpora el complemento de Freak Show y viaja hasta un circo de la década de los 50 regentado por el personaje de Jessica Lange, quien ha dicho que está sería su última temporada en la serie. Repiten en el reparto Angela Basset, Kathy Bates, Frances Conroy, Evan Peters, Denis O'Hare, Emma Roberts, Gabourey Sidibe y Jamie Brewer y se incorporan Wes Bentley (Los juegos del hambre) y Michael Chiklis (The Shield). Algunos fans están tan impacientes por ver imágenes de estos nuevos capítulos que son capaces de hacer tráilers como este, que el pasado lunes fue tomado como oficial durante unas cuantas horas.

The Walking Dead es la que tiene su promoción más avanzada. Desde hace unas semanas circula el primer avance de su quinta temporada, ya están disponibles las primeras imágenes oficiales y las noticias de estos días están centradas en los detalles que están contando sus responsables. Robert Kirkman, creador del cómic en el que se basa la serie, ya ha adelantado que Terminus solo es una etapa más en el camino de los supervivientes y que tienen historias para hacer hasta 12 temporadas. Seth Gilliam (The Wire) es uno de los fichajes de la temporada.

La quinta temporada de Boardwalk Empire será la última. Se iniciará con un salto temporal hasta 1931, uno los momentos más duros de la Gran Depresión, y a Nicky Thompson se le seguirán acumulando los problemas por mezclar política, negocios y mafia.

Sleepy Hollow fue una de las sorpresas de la pasada temporada y su premio será contar con 15 episodios, dos más que la primera entrega. Se incorporan Timothy Busfield y Matt Barr.

Faltan nueve meses para el regreso de Juego de Tronos, pero el flujo de noticias no parece que se vaya a parar en ningún momento. Empiezan los rumores sobre los nuevos fichajes y sobre cómo afrontarán los guionistas la adaptación del cuarto libro de Canción de Fuego y Hielo, en el que no aparece ninguno de los personajes principales. Sí que está confirmado que el rodaje en el Real Alcázar de Sevilla tendrá lugar del 14 al 22 de octubre. Más de 55.000 personas ya se han apuntado para participar como extras.

Otras series no han empezado a dar detalles pero sí que empiezan a colgar en sus perfiles oficiales y a través de sus actores fotos de los primeros días de rodaje: The Good Wife, Vikingos, Arrow, Hannibal, Revenge, Scandal, The AmericansThe Americans…

En las nominaciones de los Emmy cabe de todo. Desde las polémicas que generan y que todavía colean por determinadas ausencias en las listas de nominados, categorías técnicas que protagonizan su propia gala de premios (los Creative Emmy Awards, que se entregan una semana antes), hasta aquellas que son la debilidad de muchos seriéfilos como los Emmy de diseño de los títulos de crédito y de mejor sintonía de series.

Gracias a la series de cable, las cabeceras han salido de una época de decadencia que casi provocó que los Emmy prescindieran de estas dos categorías hace unos años. En muchas series pasan sin pena ni gloria, en otras su brevedad es un ejercicio de estilo (Perdidos, este año Fargo) y en algunas son pequeñas obras de arte que se convierten en su primera prueba de excelencia.

En los Emmy de este año, las cinco candidatas a conseguir el galardón de mejor cabecera corresponden a otras tantas series de estreno, como dictan las normas de la Academia estadounidense. Tampoco esta categoría se ha librado de la polémica y podéis dejar vuestras preferencias o a las que echáis de menos en los comentarios.

True Detective. El entusiasmo por el drama de HBO comenzó en sus oníricos títulos de crédito. Son obra de Elastic, la misma compañía que ha hecho los de Juego de Tronos (ganadora en 2011), Carnivàle o The Americans. Su éxito también ha beneficiado a The Handsome Family, autores de la canción que se escucha durante la intro y que formaba parte del disco Singing Bones publicado hace más de 10 años.

Masters of Sex (en agosto en Movistar TV). Su cabecera llena de dobles sentidos también es obra de Elastic. Ha sido una de las elecciones más polémicas, porque es una cabecera muy llamativa que también ha dividido a los fans entre los que la ven hasta el final en todos los capítulos y los que han decidido saltársela sin contemplaciones desde el primer momento.

Black Sails compite con True Blood en cuanto a duración. Los títulos son uno de los detalles más destacados de la serie de piratas producida por Michael Bay (en Movistar TV en TNT). Su creadora es Imaginary Forces, responsable también de los títulos de crédito de Mad Men (ganadora del Emmy en 2008), Boardwalk Empire (candidata en 2011) o Se7en.

Cosmos: A spacetime odissey. La vuelta de la serie documental alumbrada por Carl Sagan, ahora en manos de Neil deGrasse Tyson y Seth McFarlane, es el primer contacto de los espectadores con el viaje por el tiempo y el espacio que propone la producción más exitosa de la historia de National Geographic.

Silicon Valley es la prueba de que la originalidad no depende de la duración. El opening de la comedia geek de HBO es breve pero de paso también es la primera indirecta a las compañías que ha nombrado sin nombrar en los 8 capítulos de su primera temporada.

Además de la nostalgia que siguen despertando en los fans las cabeceras de series que ya tienen unos cuantos años, también ha aumentado el éxito de la variaciones más o menos inspiradas, originales o sorprendentes que muchos seriéfilos hacen correr como la pólvora por Internet. Muchas series no podrán presumir de ser un fenómeno hasta que no tengan su propia parodia. Ya sea al estilo de serie de los 90 como Juego de Tronos….

... o convertida en una nueva entrega del videojuego GTA V como esta de Los Soprano.

Homenajes como en los que ha especializado Los Simpson con sus intros dedicadas a Juego de Tronos, Breaking Bad o Dexter o la que hizo Malviviendo con Juego de Tronos…

... o esas cabeceras falsas que nacen a partir de transformar, por ejemplo, a Perdidos en una sitcom cruzándola con Cosas de casa, Friends o Los vigilantes de la playa.

Larga vida a las cabeceras de las series.

Hay series capaces de conseguir que un día parezca menos malo cuando consigues terminarlo delante de la televisión viendo uno de sus capítulos. Son 'happy places' seriéfilos, como las denominó la crítica estadounidense, que en algunos casos cargan con la etiqueta de 'placeres culpables', series que sus fans no confesarían estar siguiendo religiosamente al mismo tiempo que analizan cada referencia de True Detective, y en otros casos tratan de llevar con orgullo la etiqueta de ligeras, porque no pasarán a la historia por ser las mejores pero cumplen con creces su objetivo de entretener.

Una de las mejores representantes de este segundo grupo es Hope, que vuelve a Fox con su cuarta y última temporada. Creación de Greg Garcia, responsable Me llamo Earl, sigue las andanzas de la familia Chance en su crianza de la niña que da nombre a la serie. Tiene un punto controlado de irreverencia, unos personajes que resultan tiernos sin caer en la ñoñeria y un muestrario de referencias a la cultura pop que le da otra vuelta de tuerca al concepto de comedia con familia disfuncional.

Cada final de temporada de 'Hope' estaba planteado como un final de serie y aunque el apoyo de sus fans, a los que los creadores daban las gracias al final de cada capítulo, consiguió que completara cuatro temporadas, la de este año tenía todas las papeletas para ser la última: los Chance se despiden con Virginia y Burt más protagonistas que nunca y con un repaso en forma de guiños a algunos de los gags más conocidos de la serie.

Muchos de los que se alegraban hace unos días de la resurrección de Community, celebraban seguramente la vuelta de uno de sus 'happy places'. Una de las mejores definiciones prácticas del término aparece en el capítulo History 101 (4x01), aquel en el que Britta le proponía a Abed que pensara en un lugar agradable cada vez que se sintiera angustiado ante la perspectiva de empezar su último año en la universidad. En una serie tan metatelevisiva como Community, la idea de felicidad para Abed no podría ser otra que meterse, al más puro estilo Origen, en una de esas sitcoms con risas enlatadas en la todos los problemas se resolvían con una moraleja.

Si hacemos una encuesta rápida, la mayoría de los 'happy places' actuales son comedias pero seguro que también aparecerían dramas que saben medir muy bien sus momentos cómicos como Suits o Justified, los que apuestan por plantear un caso semanal antes que una trama demasiado serializada o aquellas ficciones especialistas en conseguir que el espectador se sienta parte de su comunidad de personajes como Friday Night Lights, Las chicas Gilmore o Parks and Recreation. Como reza en el comienzo de este post, cualquier día malo parece menos malo después de ver un capítulo (o varios) de Miranda, Friends o Seinfeld, protagonista de unos cuantos homenajes en su 25 aniversario. Lo que menos importa es que ya te los sepas de memoria.

Sus rostros pueden que sean desconocidos para la mayoría de espectadores pero la sola mención de su nombre a los mandos de una serie hace que muchos se apunten a ella sin haber visto un solo capítulo. En Estados Unidos se les conoce con el nombre de showrunners y son esos guionistas que alumbran una idea, le dan forma como productores ejecutivos y actúan como abogados defensores cuando tienen que dar la cara ante unas cadenas que muchas veces están más preocupadas por los índices de audiencia que por la coherencia creativa de una historia contada por capítulos.

El boom seriéfilo de los últimos años también ha facilitado se les conozca por su nombre y apellidos y participen a rostro descubierto en la promoción de sus series. La precampaña de los Emmy favorece iniciativas en los medios, como las mesas redondas que organiza la revista The Hollywood Reporter, que sirven para conocer un poco más en qué consiste su trabajo.

En drama, a los nombres clásicos de David Simon (The Wire), David E. Kelley (Ally McBeal), Aaron Sorkin (The Newsroom) o J.J. Abrams, polémico a pesar de que hace tiempo que ejerce solo de productor ejecutivo, y creadores semirretirados como David Chase (Los Soprano) o David Milch (Deadwood) se ha unido el grupo de moda que comandan Robert y Michelle King (The Good Wife), Shonda Rhimes (Anatomía de Grey, Scandal), Vince Gilligan (Breaking Bad), Bryan Fuller (Hannibal), Joel Fields y Joe Weisberg (The Americans), David Benioff y D. B. Weiss (Juego de Tronos) o Matthew Weiner, que empezó a gestar Mad Men mientras trabajaba como guionista en Los Soprano. En las próximas semanas, la noticia será el regreso de Damon Lindelof al frente de The Leftovers, unos meses después de su espantada de Twitter y cuando se cumplen 10 años del estreno de Perdidos.

En comedia la renovación está liderada por mujeres. Chuck Lorre (The Big Bang Theory) consigue que todas sus nuevas series sean éxitos, Steven Levitan sigue sumando reconocimientos por Modern Family y Louis C.K. rompe moldes explorando los límites del humor, pero la sangre nueva la han puesto Lena Dunham (Girls), Mindy Kalling (The Mindy Project), Jenji Kohan (Orange is the new black) o, desde el puesto de productoras ejecutivas, Amy Poehler (Broad City) y Tina Fey (30 Rock).

La última tendencia a la que se ha apuntado la ficción estadounidense es la del creador y guionista único, algo que es más habitual en las series británicas. Ahí están los casos de True Detective, con Nic Pizzolatto como único responsable de los ocho capítulos de la primera temporada, o Fargo donde Noah Hawley ha causado sensación con su reinvención de la famosa película de los hermanos Coen. Las series se consolidan como imagen de marca de la cadena que las emite y el autor imprime una marca de la que puede presumir su serie.

En menos de un mes los premios Emmy cerrarán la temporada en EE UU dando la lista de series que aspiran a coronarse como las mejores de la cosecha 2013-2014. Será la manera más tradicional de reconocer el gran momento que está atravesando la ficción televisiva, pero por supuesto que no será la única. Al final de año se volverá a repetir el ritual con las listas de las series revelación, los mejores personajes y también los mejores dramas y comedias con los estrenos que llegarán tras el verano. Este post está dedicado a recordar las escenas más memorables del curso televisivo, uno de los más trepidantes, más mortales y también uno de los mejores a nivel técnico. A continuación va una selección de siete momentos, de una lista mucho más larga que podéis completar en los comentarios .

Juego de Tronos. Es difícil elegir un solo momento de la cuarta temporada. Los lectores de la obra de George R.R. Martin estaban impacientes por ver el torrente de acontecimientos de Tormenta de espadas en la pantalla y la serie de HBO (en Movistar TV en Canal +1, dial 30) no ha defraudado. Muertes, traiciones y discursos de Tyrion aparte, por calidad técnica las dos escenas más espectaculares son la lucha entre Oberyn y la Montaña (con esa frenética sucesión de planos) y la secuencia casi circular de la batalla a los pies del Muro en el 4x09.

Mad Men mima al máximo su puesta en escena y aunque muchas de sus secuencias no destacan por su despliege técnico sí que lo hacen por su valor simbólico. La primera parte de la séptima temporada será recordada sobre todo por dos momentos musicales: el baile de Don y Peggy al son de My way y el número final de Bertram Cooper. Pura magia.

True Detective. Una de las series del año se marcó una de las secuencias que más ha dado que hablar y que más se ha (sobre)analizado: el famoso plano secuencia de 6 minutos que cerraba el capítulo ¿Quién anda ahí? (1x04). Poco después Fargo tuvo un plano secuencia con un tiroteo, que también se ha ganado ser recordada como muestra de la calidad de su primera temporada.

Louie se ha marcado otro de los plano secuencia más comentados. No es tan espectacular a nivel técnico como lo es por su valentía al abordar el rechazo que sufren las mujeres gordas por parte de la sociedad.

The Good Wife es otra de las series que ponen muy difícil elegir un solo momento de su quinta temporada. Antes de dejar desolados a sus fans con una de las muertes más inesperadas de la temporada, ya había puesto a prueba sus nervios con el comienzo de la guerra entre Will y Alicia, entre Lockhart & Gardner y Florrick, Agos and Associates, en Hitting the fan.

Breaking Bad pasó con nota el reto de despedirse con un grandísimo final después de la colección de escenas memorables que sirvió a sus fans durante cinco años y sobre todo después de la cima que alcanzó en Ozymandias.

En Hannibal la belleza de sus planos es cruel y enfermiza. La reinvención de las novelas de Thomas Harris está apoyada por una dirección, fotografía y dirección artística que perturban casi tanto como los menús que prepara el Doctor Lecter, sobre todo ese que no se sirvió en la particular cena roja de la segunda temporada, que acabó hace unas semanas en AXN.