El 9 de abril la canción ‘Born this Way’de Lady Gaga alcanzaba al número 1 en la lista de singles en España, donde se mantuvo durante dos semanas, aunque su legado llegaba a más, siendo top 5 el álbum en España, y conectando el tema con generación de jóvenes, especialmente ‘queer’ que encontraron un reconocimiento común y que se pudo apreciar en redes sociales.

La canción ‘Born this Way’ fue más allá, abrió una nueva época para la cantante, y llevó a que le disco debutará como número 1 en hasta 28 países, vendiendo un total de 1,9 millones en su primera semana y un total de 8,2 millones de copias en total, siendo el más vendido del año 2011, justo hace 15 años.

Precisamente una década y media después la canción mantiene su legado como un himno del orgullo LGTBI moderno, de hecho, en 2021 la ciudad de West Hollywood declaró el 23 de mayo el Día de Born This Way, y la frase se convirtió en parte de identidad. Tanto que artistas como Troye Sivan, Sam Smith o Chappell Roan se abrieron camino con ella, afirmado por ellos mismos, y que anticipó la oleada de pop ideológico que vino después.

Lady Gaga respondió en el momento de su mayor expectación

Nos situamos en 2011. Lady Gaga llega como una de las artistas del momento tras los éxitos arrolladores con canciones como “Just Dance”, “Poker Face” y “Bad Romance”, por lo que la expectación era máxima para conocer su nueva música.

La cantante no defraudó. El 11 de febrero de 2011, dos días antes de lo previsto lanzó “Born this Way”, que tuvo su primera gran interpretación en los premios Grammy ese mismo año y que fue la primera canción en vender más de un millón de copias en iTunes, algo que hizo en tan solo cinco días.

El legado y significado de “Born this Way” de Lady Gaga

Lady Gaga era número uno en España hace 15 años con “Born this Way” en un contexto en el que lanzaba un mensaje con significado político. En 2011, por ejemplo, el matrimonio igualitario era ilegal en gran parte de Estados Unidos y las identidades trans no tenían apenas representación mediática, con lo que el tema llegó cuando se necesitaba.

Y es que la canción se convirtió en un himno sin metáforas, hablando en sentido claro, de hecho, fue la primera que incluyó como tal la palabra ‘transgender’. Aunque esto también le valió a que fuera censurada en radios de algunos países como Malasia, donde llegaron a justificarse en que “no se debe publicitar un estilo de vida que no corresponde con los valores del país”.

En el significado de la canción se encuentran varias capas, en el nivel más literal, el mensaje es simple, pero poderoso: no hay nada roto en ti. Lo dice con la mecánica más eficaz del pop: repetición, afirmaciones directas y una segunda persona que suena a abrazo colectivo, con frases como “Don't be a drag, just be a queen”. En “Born this Way”, Lady Gaga también apela a la ética comunitaria llamando a cuidar el entorno afectivo con versos como “give yourself prudence and love your friends”, y también a la religión que ha sido fuente de culpa para muchas personas del colectivo al decir “God makes no mistakes”.

La canción no escapó de la polémica

Además del éxito, “Born this Way” también tuvo parte de polémica. La más conocida fue el parecido con el tema de Madonna “Express Yourself”, algo que generó controversia y que alimentó la propia reina del pop al hacer un ‘mashup’ de ambas en su gira MDNA Tour en 2012. Lady Gaga reaccionó al asegurar que se había inspirado en ella y en Carl Bean, que había grabado un tema del mismo nombre en 1977. Pero esto no fue lo único, pues la canción también tuvo fuertes críticas por usar términos como ‘chola’ u ‘oriental’ para referirse a las comunidades latina y asiática, lo que generó controversia por ser ofensivos y estereotipados, a lo que no respondió la cantante de forma pública.

La cultura pop está repleta de polémicas que fortalecen y destruyen el imperio de los artistas. Esta semana le ha tocado a Chappell Roan, cuyo equipo de seguridad ha sido acusado por el futbolista Jorginho de hacer llorar a su hijastra, pues supuestamente estaban alojados en el mismo hotel y le pidió que no molestara a la cantante. Tras las críticas, la artista ha optado por explicarse a través de varios vídeos publicados en Instagram, afirmando desde la cama que no era su guardaespaldas y que no siente “odio” por los niños. Se trata de otra controversia que constata que la autenticidad, además de poder ensalzar a las estrellas, es aquello que las sostiene en el pop contemporáneo.

Las redes sociales empujan a los artistas a mostrarse cercanos y espontáneos, evidenciando a través de stories que son mucho más que meros intérpretes de los hits del momento. Sin embargo, esa misma visibilidad alimenta el escrutinio público, por lo que, mientras que la exposición les permite conectar mejor con sus fans y humanizar su imagen, al mismo tiempo genera una contradicción: cuanto más enseñan de sí mismos, más difícil les resulta delimitar su vida privada, volviéndose en su contra cuando intentan reclamar intimidad. Consiste en todo un espectáculo que continúa fuera del escenario y que el músico y sociólogo Hans Laguna recorre en el ensayo Yo siendo yo (Anagrama, 2026).

Analizando cómo la identidad se define y se explota en una industria que exige la reinvención constante, sobre todo a las mujeres, y aportando las claves respecto a por qué se ha convertido en uno de los activos más valiosos para cualquier cantante, Hans Laguna cuenta los secretos detrás de la imagen que proyectan las estrellas del pop. Unos secretos de los que “somos víctimas y cómplices”, puesto que las estrellas y quienes las seguimos formamos parte del mismo juego. “Lo que hacen estas figuras lo hacemos nosotros a pequeña escala. Todos estamos metidos en las redes sociales y todos, de alguna forma, construimos un personaje para el consumo público”, señala el autor a elDiario.es.

Como ocurre con los cantantes que utilizan aplicaciones como TikTok o Instagram para proyectar una imagen determinada a su comunidad de fans, también nosotros nos vemos cada vez más atravesados por esos mismos problemas identitarios: hasta qué punto somos fieles a nosotros mismos en nuestra vida diaria y social, y hasta qué punto el personaje que construimos en redes nos representa realmente. “Las estrellas del pop llevan estas inquietudes a la arena pública de una forma muy evidente, pero lo interesante es que no es algo ajeno a los demás”, apunta Hans Laguna, que agrega que “el sistema nos lleva a construir una marca personal que rentabilizamos a nivel laboral”.

Es por ello que, para alcanzar una mayor empatía y fidelidad por parte de sus seguidores, los artistas moldean una personalidad de atributos entre los cuales destaca la autenticidad. Uno de los casos a los que alude el autor es el de Rosalía, quien ha logrado una gran relevancia cultural y social más allá del panorama musical porque ha conseguido mostrar una “imagen de mujer autónoma e independiente que hace lo que le da la gana”. “Eso le permite colaborar con un montón de marcas y capitalizarlo. Es el ejemplo de que construir una imagen de persona auténtica hoy en día es un negocio”, detalla.

Rosalía no es la única que lo hace, teniendo en cuenta que incluso se ve con buenos ojos. “Antes, hacer publicidad era un anatema, pero ahora la Generación Z lo acepta porque están demostrando su triunfo social y celebran que lo estén petando”, indica Hans Laguna. La anomalía en este aspecto la presenta Taylor Swift, la figura que lo inspiró a escribir Yo siendo yo tras ver el documental Miss Americana (Netflix, 2020). Según Forbes, la creadora de The Life of a Showgirl tiene un patrimonio neto de 2 mil millones de dólares, convirtiéndola en la artista más rica del mundo y la primera en alcanzar dicho estatus gracias únicamente a sus giras y su catálogo, sin necesidad de patrocinios o asociaciones.

Aunque no es negativo que la mayoría de artistas se vinculen con otras empresas, Hans Laguna subraya que si sobrepasan ciertos límites puede ser peligroso. “Debe haber una coherencia entre la marca con la que se asocian y su marca personal”, argumenta. Si no, corren el riesgo de que sus movimientos sean tildados de hipócritas, como le sucedió a Aitana al asegurar que ni ella misma podría comerse el menú que sacó con McDonald's porque es celíaca. La intérprete, además, alegó el verano pasado que no ganaba dinero con sus conciertos en estadios, algo que responde a la paradoja de que, en tanto que las estrellas del pop son más capitalistas que nunca, proyectan el discurso de que son auténticas y no hacen las cosas por beneficiarse económicamente.

“Es un malabarismo al que estamos acostumbrándonos, pero es una anomalía histórica que debería llamarnos la atención”, comenta Hans Laguna, que asevera que es una situación que está cada vez más normalizada. “Están jugando a eso y cada vez es más obvio que son máquinas de hacer dinero y de colaborar con marcas. Quizás precisamente por ello necesitan al mismo tiempo construir una imagen que se mantenga al margen de esto y convencernos de que en realidad tienen una necesidad expresiva”, reflexiona.

El posicionamiento político

Otra de las consecuencias de la exposición de los artistas es el reclamo por parte de sus seguidores de pronunciarse sobre los problemas políticos y sociales. Rosalía se vio obligada a apoyar públicamente a Palestina después de la polémica desatada en redes sociales que señalaba a la cantante por no haberse manifestado al respecto. “El hecho de no haber usado mi plataforma de forma alineada con el estilo o expectativas ajenas no significa en absoluto que no condene lo que está pasando en Palestina”, indicaba la catalana. Hans Laguna afirma que “las estrellas son más conscientes de que no tienen un cheque en blanco, sino que saben que los fans pueden reaccionar”.

El autor critica que estos artistas, que “viven del engagement que han generado con sus públicos, con su audiencia en redes, provocando relaciones parasociales”, se molesten “cuando el público les exige determinadas actitudes o les afea ciertas conductas”: “Es como que solo lo quieren para lo bueno y no para lo malo. Parece que tienen nostalgia de unos tiempos en los que podían hacer cualquier cosa sin tener que rendir cuentas”.

En EEUU, no obstante, sí es más normal que los cantantes tomen partido. Elton John y Katy Perry, por ejemplo, hicieron campaña para Hillary Clinton en 2016, mientras que Taylor Swift y Beyoncé han hecho lo propio en 2024 apoyando a Kamala Harris frente a Donald Trump. “¿Cómo puedo subirme al escenario y decir '¡Feliz mes del Orgullo a todos!' y no hacer nada mientras la gente, literalmente, va a por el cuello [de la comunidad LGBT]?'”, advertía Swift en su documental. “Es interesante que las estrellas perciban que tienen que ir con más cuidado, puesto que ahora los fans ejercen poder de influencia sobre ellos”, apunta Hans Laguna.

Aun así, el escritor advierte que “hay una base de fans muy fieles que les van a defender hagan lo que hagan”. Se ve constantemente con las polémicas a las que se enfrentan en internet, e incluso con informaciones tan delicadas como la denuncia de dos extrabajadoras de Julio Iglesias acusando al cantante de agresiones sexuales. “El caso de Julio Iglesias es muy particular porque es una estrella de la vieja escuela y, justo al final de su vida, ha surgido un escándalo bastante desagradable del que fue una locura la repercusión”, dice Hans Laguna, conocido también por su obra sobre el intérprete Hey! Julio Iglesias y la conquista de América (Contra, 2022).

“Cuando alguien es muy fan, psicológicamente intenta encajar la nueva información en sus creencias previas. El fenómeno fan es muy diverso: hay muy fieles, otros más escépticos, algunos críticos y otros menos. Cuando hablamos de la audiencia, hablamos de una masa muy heterogénea. Las estrellas tienen que ir navegando esa diversidad”, argumenta el autor, que hace alusión a que hay personas que olvidan rápidamente. A través de Instagram, el futbolista Jorginho le recriminó a Chappell Roan el trato a su fandom: “Sin tus fans no serías nada”. Sin embargo, más allá de que los seguidores recuerden o no esta polémica en unos meses, el juego de las estrellas ya no solo depende de lo que hagan con su micrófono encima del escenario, sino su capacidad para gestionar las expectativas de un público cada vez más activo y dividido.

Ni para ver una película ni tampoco un documental: el 3 de octubre de 2025, Taylor Swift consiguió movilizar a sus fans para que acudieran a las salas de cine a ver el estreno de su nuevo videoclip, que arrasó hasta convertirse en número 1 en taquilla, también en España. Pero ese mismo día ocurría otra cosa interesante: Swift ofreció una entrevista en el show del británico Graham Norton, donde compartió programa con estrellas de la talla de Cillian Murphy, Greta Lee, Lewis Capaldi, Domhnall Gleeson y Jodie Turner-Smith. Ahora, cinco meses después, y en un momento en el que los vídeos musicales no tienen el impacto de antaño, todos ellos aparecen en el último de la artista estadounidense.

Reclutar a un gran elenco de nombres para que aparezcan en un vídeo musical supone una anomalía en la época actual, sobre todo porque este formato ha perdido repercusión con el paso del tiempo y las discográficas empiezan a verlo como un esfuerzo innecesario. Sin embargo, y justo por ello, los artistas buscan nuevas formas de acaparar la atención del oyente, pero un movimiento inesperado implica dejar a YouTube, que hasta ahora era la principal biblioteca de videoclips del mundo, fuera de esta ecuación. Desde el pasado 17 de enero, las reproducciones y visualizaciones del gigante rojo han dejado de contar para las listas de éxito de Billboard, que mide la popularidad de las canciones en EEUU.

El videoclip que más veces se ha visto en YouTube es Baby Shark Dance de Pinkfong Baby Shark, con más de 15 mil millones de visitas. Le sigue Despacito, de Luis Fonsi y Daddy Yankee, con más de ocho mil millones. Hoy, ninguna de esas visualizaciones contabilizarían para medir el éxito de la canción, como ocurrirá con las visitas que obtengan en el futuro. Esto se debe a que YouTube ha dejado de proporcionar sus datos a Billboard, pues no considera justa la nueva metodología de sus listas, que prioriza el streaming de pago (Spotify Premium, Apple Music) sobre el gratuito con publicidad, argumentando que esta fórmula ignora a los fans que consumen música gratuitamente.

Lo relevante de este asunto radica en el usuario que consume la música. Spotify, pese a incluir una versión gratuita, cuenta con un enorme número de usuarios que pagan una suscripción. Apple Music, de hecho, solo es de pago, pero la mayoría de gente que consume YouTube financia su visionado a través de publicidad. Billboard da mucho más peso a las reproducciones de plataformas de pago, y en la fórmula de 2025/2026 estas reproducciones valen 2,5 veces más que una reproducción gratuita. Su postura se basa en que las escuchas de pago reflejan una intención más genuina de consumo, mientras que las gratuitas pueden ser menos valiosas comercialmente.

La ruptura entre Billboard y YouTube pone de manifiesto que ya no importa la popularidad de la música, sino la economía de quien la consume. El experto musical JotaJota, quien reseña discos en su canal de YouTube y dirige el pódcast Pop Pop Pop!, considera “injusto” el nuevo método de Billboard, puesto que “una reproducción es una reproducción” independientemente de si viene de un usuario gratuito o de alguien que paga una suscripción. Además, afirma que puede acarrear que los artistas no se “curren tanto” los vídeos porque YouTube ha dejado de sumar para aquellos que aspiran a aparecer en las listas de éxitos.

Las consecuencias se empiezan a hacer visibles. Después de que Spotify haya luchado en los últimos meses por implementar los videoclips a la plataforma —Apple Music los incorpora desde 2018—, Taylor Swift ha sido la primera artista en estrenar su nuevo videoclip en ambas aplicaciones, publicándolo en YouTube dos días más tarde. Esto hubiera sido impensable hace años y responde a un “fenómeno de convergencia”, según explica David Selva a elDiario.es, quien es profesor en la Universidad de Cádiz y ha analizado las capacidades de este formato en su obra El videoclip: comunicación comercial en la industria musical.

La caída del videoclip como necesidad

Mientras que hace dos décadas la canción era una cuestión de promoción, ahora también es una cuestión de producto. Es algo que también ha sucedido con los conciertos, pues antes suponían una herramienta de promoción para vender más discos, pero hoy en día es la venta de entradas la que sustenta a los artistas. David Selva apunta que el paradigma ha cambiado: “Todos quieren llegar al mismo punto y todos vienen de un extremo diferente”. YouTube, que tradicionalmente era una plataforma de vídeo, busca posicionarse como una aplicación donde escuchar música —de ahí su apuesta por YouTube Music—, en tanto que Spotify, que ya era un sitio de música, intenta virar hacia una plataforma que también incluye vídeo.

Pese a que las plataformas de streaming hayan dado más relevancia a las canciones como producto individual gracias a las playlists, el propósito de un artista con un single siempre ha sido el de dar a conocer su disco. Pero los videoclips también eran el escaparate hacia sus oyentes. “Ayudan a crear la imagen de un artista como alguien que no solamente canta, sino que tiene una personalidad, visión y valores determinados”, indica Selva. Para Rosalía, por ejemplo, fue clave el mundo visual construido con El Mal Querer y Motomami, pero recientemente ha presentado trabajos más vacíos como el vídeo de La Perla a causa de que no esperaba el éxito del tema. Antes, los cantantes decidían sus singles, pero ahora los escogen en base a la canción que más triunfa en plataformas, por lo que el tiempo es más limitado.

En la actualidad, sin embargo, los artistas pueden construir su identidad visual sin necesidad de focalizarse en este formato. JotaJota destaca que “la pandemia ha marcado muchísimo la diferencia”. Mientras que en 2010 era impensable que la gente pudiera asomarse a los salones de los famosos, el confinamiento de 2020 y el auge de las redes sociales lo hicieron realidad. “Les ha venido muy bien porque, al romperse esa magia y al habernos dado cuenta de manera consciente de que los artistas son personas, tienen menos presión”, alega el streamer. Una presión que sí fue clave en Lady Gaga, quien, a partir de vídeos como Bad Romance, Telephone o Alejandro, y a fuerza de extravagancia y controversia, consiguió romper estándares redefiniendo la estética pop y subvertiendo la mirada masculina.

La popularidad de los vídeos de Lady Gaga a inicios de su carrera fue, precisamente, la que revitalizó la industria del videoclip tras su primera crisis. MTV, la famosa cadena de televisión que cerró a finales de 2025 y retransmitía videoclips las 24 horas, transformó la cultura en los 80 convirtiendo a artistas como Madonna y Michael Jackson en superestrellas mundiales. De hecho, el videoclip de mayor presupuesto de la historia sigue siendo Scream de Michael Jackson y Janet Jackson, estrenado en 1995. No obstante, justo a mediados de los 90, el éxito de MTV empieza a caer en pos de otros contenidos como los reality shows, por lo que no es hasta la llegada de YouTube cuando el videoclip experimenta otro crecimiento.

Aparte de Spotify, TikTok es otra plataforma que juega un papel fundamental en el bajón de consumo de música en YouTube tras más de una década espléndida, cambiando códigos en el plano audiovisual. El más interesante de todos ellos es el del tiempo. El público más joven, que acostumbra a pasar más rato en esta aplicación, lo hace a un ritmo muy rápido, inmerso en vídeos de 10 a 30 segundos. Esto provoca que el videoclip, que llamó la atención por ser dinámico, ágil y ser capaz de transmitir en tres minutos, tenga que afrontar el nacimiento de un formato aún más corto.

Asimismo, el lenguaje que utiliza también muta. “Los videoclips que tenían coreografía eran más secundarios, no estaban pensados para que la gente los replicara, pero ahora mismo es un fenómeno en TikTok y es normal que el videoclip adapte esa cuestión”, explica Selva. Tanto es así que cuando Taylor Swift hizo el vídeo de The Fate of Ophelia, que contiene el gran último baile viral de TikTok, también se grabó en diferentes localizaciones del videoclip haciendo este baile. Son vídeos que la artista grabó al mismo tiempo que hacía el videoclip, por lo que ya estaba en sus planes lograr que se viralizara, como finalmente sucedió.

Se trata de la misma cantante que ostenta el récord del videoclip de Vevo con más visualizaciones en 24 horas, alcanzando con su canción Me! más de 65 millones en su día de lanzamiento. Lo logró gracias al fenómeno popularizado por ella de los easter eggs; es decir, pistas en sus vídeos que hacen referencia al propio universo narrativo que Swift ha construido. El de Me!, entre otras cosas, contenía un letrero gigante que rezaba Lover, que en aquel entonces no se sabía que sería el título del séptimo álbum de la compositora. Ese fue, además, su primer videoclip codirigido. Desde entonces, Taylor Swift ha sido la directora de todos sus videoclips tras aprender de maestros como Joseph Kahn.

“El hecho de que ella dirija muchos de sus videoclips es una forma de presentarse como auténtica”, apunta David Selva. “Es una forma de decir: 'No soy un producto, no soy una especie de anuncio publicitario, solo soy yo expresándome. Soy una artista, una autora y trasmito verdad'”. El videoclip es otra vía que ha empleado Swift para contar historias, algo que ha hecho siempre en sus canciones y que la ha llevado a su éxito. Sin embargo, también es un paso previo antes de debutar como directora de su primer largometraje, cuyo guion se sabe que está escrito desde 2022.

El videoclip como escuela de cineastas no es algo nuevo. Michel Gondry o Spike Jonze vienen de hacerse un nombre en la industria del videoclip, que les permitiría luego dar el salto al largometraje. En el sentido contrario, Ridley Scott dirigió el videoclip Avalon de la banda de rock inglesa Roxy Music en sus comienzos como director, dotando de prestigio el vídeo tras haber ya dirigido películas como Alien. Por otro lado, el videoclip de Bad de Michael Jackson, lanzado en 1987, fue dirigido por el reconocido cineasta Martin Scorsese, e incluso en España, Juan Antonio Bayona inició su carrera dirigiendo vídeos musicales como el de Cuando zarpa el amor de Camela o el de Maldito duende de Raphael.

La industria musical busca mantener con vida un formato que ha sido esencial en la cultural tal y como la conocemos hoy día. La novedosa funcionalidad de Spotify para agregar los videoclips a la plataforma puede ser una manera, pero no debe ser la única. Los artistas y los cineastas deberán seguir buscando nuevas formas de captar la atención del oyente. Bardia Zeinali lo ha hecho en el videoclip de Tears de Sabrina Carpenter, publicado el año pasado con una sorpresa: cada día, el espectador encontraría un final diferente si veía el vídeo en YouTube. Hasta cuatro finales alternativos ha tenido Tears desde su estreno. ¿Cuál será el final del mundo del videoclip?

El intermedio de la Superbowl 2026 con Bad Bunny no dejó indiferente a nadie, haciendo además historia siendo el primer artista con un repertorio musical completo en español al actuar en este acontecimiento, que trasciende el deporte y se vincula con el espectáculo.

Una fiesta que amenizó Bad Bunny con reggaetón y salsa y con nombres reconocidos como Lady Gaga, Ricky Martin, Jessica Alba o Pedro Pascal, estos dos últimos como parte de los que disfrutaron de la famosa “casita” del cantante puertorriqueño.

En uno de los momentos del icónico ‘halftime’ de Bad Bunny fue una escena en la que se da una boda latina, antes de la sorprendente aparición de Lady Gaga. Un hecho que tiene una intrahistoria de lo más peculiar.

La boda latina del intermedio de Bad Bunny en Superbowl fue real y legal

En lo deportivo, Seattle Seahawks se impusieron 29-13 a los New England Patriots para alzar la LX SuperBowl en el Levi’s Stadium y se cobraron venganza de la edición de 2015. El equipo, sin embargo, no fue el único ganador de la noche, sino que también lo fueron la pareja que se casó delante de millones de espectadores y con Bad Bunny como testigo, como así quisieron en su día.

Y es que el enlace que se vio en la Superbowl fue real y legal, como adelantó el periodista deportivo Rohan Nadkarni de NBC News, al igual que MLF Football y ESPN, para que luego lo confirmara también el representante del artista puertorriqueño en Variety.

De la pareja no ha trascendido ni sus nombres ni su nacionalidad, pero lo que sí que se sabe es que invitaron a Bad Bunny a su boda hace dos meses, y el cantante, entonces, optó por agradecerles el gesto integrándoles en su histórico intermedio de la Superbowl.

Además, no solo hizo que su boda haya tenido un escenario único e invitados, sino que esto también enlaza con el mensaje que se pudo leer al cierre del espectáculo que tuvo lugar en el Levi’s Stadium en el que se podía leer: “La única cosa más poderosa que el odio es el amor”.

Un disco íntegramente en español que celebra la cultura de Puerto Rico y denuncia la gentrificación y el colonialismo de EEUU. Así es Debí Tirar Más Fotos, el trabajo por el que los Grammy han encumbrado a Bad Bunny y le han otorgado el codiciado premio a Álbum del Año. En un momento en el que una ola de protestas recorre Minneapolis contra los asesinatos cometidos por el ICE y la represión migratoria de Donald Trump, la Academia de la Grabación ha reconocido al artista puertorriqueño, repudiado por el presidente, y ha optado por mirar más allá de sus fronteras.

El triunfo de Debí Tirar Más Fotos lo ha convertido en el primer disco en español que se hace con el gramófono a Álbum del Año, así como en el segundo que lo logra en una lengua no inglesa tras la victoria de Getz/Gilberto de Stan Getz y João Gilberto en 1965. Se trata de toda una hazaña por parte de Bad Bunny, quien lidera la excelente época que está viviendo la música en español en todo el mundo, impulsada por la decisión tomada este 2025 de que los votantes de los Latin Grammy puedan incorporarse como miembros de la Academia de la Grabación.

“No somos salvajes, no somos animales, no somos álienes, somos seres humanos y somos americanos”, ha reivindicado Bad Bunny al aceptar el Grammy a Mejor Álbum Urbano. “El odio se vuelve más poderoso con más odio. Lo único más poderoso que el odio es el amor. Así que, por favor, tenemos que ser diferentes. Si luchamos, tenemos que hacerlo con amor. No los odiamos a ellos, amamos a nuestra gente y amamos a nuestra familia. Y esa es la forma de hacerlo, con amor”, ha declarado el puertorriqueño.

Una de las grandes sorpresas de la noche la ha dado Billie Eilish, que, contra todo pronóstico, se ha alzado con el gramófono a la Canción del Año por su tema Wildflower. “Por muy agradecida que me sienta, sinceramente creo que no tengo nada más que decir, salvo que nadie es ilegal en tierras robadas”, ha señalado la artista al subir al escenario y recoger el premio. “Sí, es muy difícil saber qué decir y qué hacer en este momento, pero me siento muy esperanzada en esta sala, y creo que solo tenemos que seguir luchando, alzando la voz y protestando”, ha agregado Eilish.

Sorpresa es, también, que una banda como The Cure no tuviera ningún Grammy todavía a pesar de llevar 50 años en activo y haber compuesto algunos de los himnos más emblemáticos de la música de las últimas décadas. Esa mancha en la historia de la Academia de la Grabación acabó esta edición, en la que el grupo de Robert Smith se llevó dos gramófonos: Mejor Álbum de Música Alternativa y Mejor Canción de Música Alternativa por Alone. No pudo estar en la ceremonia ya que se celebraba a la vez el funeral por Perry Bamonte, miembro emblemático de la banda que falleció a finales de diciembre del año pasado.

Kendrick Lamar, que ha vencido en las cuatro categorías de rap de esta edición, ha roto el récord de Jay-Z y se ha convertido en el rapero con más premios Grammy de la historia, sumando hasta 27 galardones al finalizar la noche. Además, ha logrado el trofeo a la Grabación del Año junto a SZA por su colaboración Luther. “El hip-hop siempre estará aquí”, ha señalado al aceptar el gramófono al Mejor Álbum Rap por GNX. Por su lado, SZA declaró que, aunque “es un tiempo difícil”, no se ha de caer en la “desesperación”: “Nos necesitamos los unos a los otros. No nos gobierna el Gobierno, nos gobierna Dios”.

El resto de artistas tampoco ha ignorado el contexto político estadounidense. Olivia Dean, que se ha hecho con el galardón a Mejor Artista Nuevo, ha aprovechado su discurso para recordar a la población inmigrante: “Estoy aquí como nieta de un inmigrante, soy producto de la valentía y creo que esas personas merecen ser celebradas”. Este es el noveno año consecutivo en el que una mujer se hace con la victoria en esta categoría, continuando así la racha femenina de esta década, que ha dejado ganadoras como Megan Thee Stallion, Olivia Rodrigo o Chappell Roan.

Billie Eilish, Justin Bieber o Margo Price han posado en la alfombra roja con un pin que rezaba “Fuera el ICE”. Jack Antonoff, el productor de artistas como Taylor Swift, Lana Del Rey o Sabrina Carpenter, también ha llevado este pin, declarando a Variety que “es un momento ideal para que la gente se una y piense cómo sobreponerse a esto”. Por su parte, el fundador de Bon Iver, Justin Vernon, ha comentado a dicho medio que “es genial celebrar la música y su poder, pero la verdadera labor está ahora mismo en las calles de Minneapolis”.

Las protestas contra el ICE comenzaron durante la gala previa, en la que se anuncian muchos de los ganadores de las casi cien categorías. En ella, el rapero Shaboozey ganó el gramófono por su tema country Amen y lo dedicó a “todos los hijos de inmigrantes”. “Esto es para aquellos que vinieron a este país en busca de mejores oportunidades para formar parte de una nación que prometía libertad a todos e igualdad de oportunidades a aquellos dispuestos a trabajar por ello. Gracias por traer aquí vuestra cultura, vuestra música, vuestras historias y vuestras tradiciones. Vosotros le dais color a Estados Unidos”, ha sostenido.

Al igual que Shaboozey, la cantante Kehlani fue contundente al aceptar su primer Grammy gracias a su canción Folded, considerada la mejor interpretación R&B del año: “Lo que quiero dejar claro es que todos los que estamos en esta sala tenemos mucho poder. Juntos, somos más fuertes para alzar la voz contra todas las injusticias que están ocurriendo en el mundo en este momento”.

Asimismo, Kehlani ha reivindicado que, “en lugar de dejar que solo sean unos pocos los que se manifiesten aquí y allá”, espera que “todos se sientan inspirados para unirse como comunidad de artistas y alzar la voz contra lo que está pasando”. “Que se joda el ICE”, ha reclamado la cantante al finalizar su discurso. Por otro lado, el presentador Trevor Noah también ha sido político durante su monólogo de apertura, bromeando sobre la ausencia de Nicki Minaj: “Sigue en la Casa Blanca con Donald Trump discutiendo temas muy importantes”. La rapera ha apoyado públicamente al presidente durante las últimas semanas.

Esa no ha sido la única de las ironías empleadas por Trevor Noah a lo largo de la que es su última ceremonia como presentador de los premios. “Canción del Año es un Grammy que todos los artistas desean, casi tanto como Trump desea Groenlandia”, ha apuntado Noah ya hacia el final de la gala. “Lo cual tiene sentido porque la Isla de Epstein ya no existe; necesita una nueva para pasar el rato con Bill Clinton”, ha agregado. Esta ha sido la vez que Trevor Noah ha sido más político como presentador de los Grammy.

Lady Gaga, otra de las favoritas de esta edición, se alzó con la estatuilla al Mejor Álbum Pop por Mayhem. “Solo quiero decirles a las mujeres en la música que sé que a veces, cuando están en el estudio con un grupo de chicos, puede ser difícil. Así que quiero animarlas a que siempre se escuchen a sí mismas y luchen por sus ideas, luchen por sus canciones, luchen por sí mismas como productoras. Aseguraos de ser escuchadas”, ha alegado la intérprete de Abracadabra.

La gala comenzó con unos enérgicos Bruno Mars y Rosé sobre el escenario, que interpretaron su hit Apt. abrazados por una propuesta muy rockera. Sin embargo, esa no sería la única vez que Bruno Mars cogería el micrófono pese a no estar nominado. El cantante ha ofrecido su primera actuación de I Just Might, la carta de presentación de su inminente disco The Romantic. Aun así, un año más, Sabrina Carpenter ha sido quien ha traído la diversión a la noche más importante de la industria musical, aunque esta vez se ha ido de vacío. La artista ha defendido su Manchild como solo ella podría hacerlo: recorriendo un aeropuerto y subiéndose a un avión.

Uno de los grandes momentos de la ceremonia lo protagonizaron los cantantes nominados a Mejor Artista Nuevo, cuyas actuaciones fueron sucediéndose entre sí. El grupo The Marias puso el intimismo, mientras que Addison Rae bajó al garaje del recinto enganchada a un camión para cantar Fame is a Gun. Mucha menos extravagancia que la coreografía con la que Katseye acompañó su Gnarly tuvieron las puestas en escena de Leon Thomas, Alex Warren y Lola Young. Olivia Dean brindó la mejor presentación con su elegante Man I Need, que interpretó bajo unas atractivas vibras ochenteras para desgracia de Sombr, al que le tocó salir después y cerrar como pudo la ronda.

La ceremonia también ha contado con un homenaje a Ozzy Osbourne, icono del heavy metal, que falleció con 76 años el pasado agosto tras sufrir un paro cardíaco pocas semanas después de tocar su último concierto. Este reconocimiento ha sido encabezado por Post Malone, que ha estado acompañado de Watt, Slash, Duff McKagan y Chad Smith durante la sección del In Memoriam. Malone interpretó War Pigs con Slash, guitarrista de Guns N' Roses, y Chad Smith, baterista de Red Hot Chili Peppers. El tema es la canción de apertura del segundo disco de Black Sabbath, Paranoid (1970), banda a la que perteneció Osbourne.

Bad Bunny ha vuelto a romper la tradición de los premios Grammy y ha triunfado colocando su último disco, Debí Tirar Más Fotos, entre los nominados al galardón al Álbum del Año. Si el cantante puertorriqueño ya hizo historia en 2022 consiguiendo que Un Verano Sin Ti se convirtiera en el primer trabajo en español en ser considerado para el trofeo más prestigioso de la industria musical, este año repite la hazaña con un proyecto que se enfrentará a otras obras aclamadas como GNX de Kendrick Lamar, Mayhem de Lady Gaga y Man's Best Friend de Sabrina Carpenter.

El logro de Bad Bunny es más grande si se tiene en cuenta que, en esta ocasión, se ha convertido en el primer artista de habla hispana en obtener una nominación en las tres categorías más importantes de la ceremonia, optando también al gramófono a la Canción del Año y a la Grabación del Año por su tema DtMF. Asimismo, Kendrick Lamar, que fue uno de los grandes vencedores de la pasada edición con Not Like Us, tema que lo hizo alzarse con cinco gramófonos, incluyendo el Grammy a la Canción del Año y el Grammy a la Grabación del Año, vuelve a ser uno de los favoritos con su disco GNX; sin embargo, la inclusión de otros proyectos rap en la categoría puede perjudicar sus oportunidades al dividir el voto.

La ceremonia tendrá lugar el domingo 1 de febrero en el Crypto.com Arena de Los Ángeles. Además de Lamar con GNX y Bad Bunny con Debí Tirar Más Fotos, Lady Gaga y Sabrina Carpenter también optarán a hacerse con el premio más codiciado de la industria, aunque, al igual que sucede con GNX, puede perjudicarlas la división del voto pop. A ellas también se suman Justin Bieber con SWAG, Clipse, Pusha T y Malice con Let God Sort Em Out, Leon Thomas con MUTT, y Tyler y The Creator con Chromakopia. Hay que tener en cuenta que los Grammy 2026, a diferencia de otros premios como los Oscar, abarcan los trabajos publicados entre el 31 de agosto de 2024 y el 30 de agosto de 2025, por lo que grandes proyectos del año como The Life of a Showgirl de Taylor Swift y Lux de Rosalía competirán en los Grammy de 2027.

Los artistas que optan al Grammy a la Canción del Año, trofeo que premia la composición de los temas, son Lady Gaga con Abracadabra, Doechii con Anxiety, Rosé y Bruno Mars de la mano de APT., Bad Bunny con Debí Tirar Mas Fotos, HUNTR/X con Golden, Kendrick Lamar y SZA con Luther, Sabrina Carpenter con Manchild y Billie Eilish con Wildflower. Todos ellos lucharán también por el Grammy a la Grabación del Año, distinción que premia la producción de las canciones, excepto el fenómeno HUNTR/X con Golden, pues su nominación ha acabado a manos de Chappell Roan con The Subway.

En la categoría que destaca a los artistas revelación del año, se hacen con la codiciada nominación Olivia Dean, KATSEYE, The Marias, Addison Rae, Sombr, Leon Thomas, Alex Warren y Lola Young. La ganadora de la edición pasada fue Chappell Roan en uno de los años más reñidos que se recuerdan, pues compartía nominación con Sabrina Carpenter, que acababa de publicar su álbum superventas Short n' Sweet., que le valió hasta tres estatuillas.

Consulta a continuación la lista completa de nominados a los Grammys 2026, considerando las categorías más importantes de la ceremonia:

Álbum del Año

Canción del Año

Grabación del Año

Artista Revelación

Mejor Álbum Pop Latino

Mejor Álbum de Música Urbana

Mejor Álbum Rock/Alternativo Latino

Mejor Álbum Pop

Mejor Interpretación Pop

Mejor Interpretación Pop a Dúo

Mejor Álbum de Dance o Electrónica

Mejor Interpretación de Dance o Electrónica

Mejor Grabación de Dance o Electrónica

Mejor Álbum Rock

Mejor Interpretación Rock

Mejor Canción Rock

Mejor Intepretación de Música Alternativa

Mejor Álbum de Música Alternativa

Mejor Interpretación R&B

Mejor Interpretación R&B tradicional

Mejor Canción R&B

Mejor Álbum R&B Progresivo

Mejor Álbum R&B

Mejor Interpretación Rap

Mejor Interpretación Rap Melódica

Mejor Canción Rap

Mejor Álbum Rap

Mejor Canción para Medios Audiovisuales

Mejor Videoclip

Mejor Película Musical

Lady Gaga tiñió de rojo el Palau Sant Jordi para acoger a sus “monstruos” este martes, en el primero de los tres conciertos que va a dar en Barcelona esta semana, parte de su gira The Mayhem Ball. El escenario lo copa una fortaleza, la fortaleza que instantes después la artista demostrará que es suya. Su lugar, su hogar, su reino y su legado a la vez. La cantante aguarda en la pantalla que copa la parte superior, invitando al público a su show, a su casa. Una casa en la que ella pone las normas, en la que su cuerpo de baile arranca enjaulado. En la que brota el fuego, en la que cuelgan ángeles. Y solo le hacen falta dos canciones para demostrar que la única forma de afrontar lo que está a punto de suceder es entregarse, sin vergüenza, dispuesto a llorar, a sudar, a crecer.

Antes del gran comienzo, emite una advertencia desde los luminosos, desdoblada en una Lady Gaga vestida de rojo y con el pelo negro a la izquierda, y ella misma, a la derecha, vestida de blanco, con un ramo de rosas del mismo color en las manos. Con ellas introduce el concepto que marca su tour, The art of personal chaos [El arte del caos personal]. Un caos que no deja espacio ni compás sin contenido, sin vibración, sin adrenalina ni permitir apenas segundos para coger aire. Sin treguas, ni sin sentidos. Lady Gaga brinda un concierto generoso, exhausto, acogedor, demoledor, oscuro y a la vez tremendamente luminoso.

Su entrada es en lo alto de una especie de altar de terciopelo rojo, vestida del mismo color, mientras entona Bloody Mary. La música de la artista consigue colarse hasta la médula del público en apenas dos temas, y termina de hechizarlo con su Abracadabra. “¡Arriba las manos!”, pide poco tiempo después desde el centro de la escena, donde es secundada además de por sus bailarines, por la banda que también habita su castillo.

Del rojo viaja al verde con el que culmina el primero de los cuatro actos que componen su performativa propuesta. Y es que su concierto no solo va de cantar una canción tras otra, aquí se cuenta una historia como si de una ópera se tratara, en la que cantante combate su caos, se hace aún más fuerte, y con ella, todos sus feligreses, a los que más adelante llamará “pequeños monstruos”. Poker face, uno de sus temas más emblemáticos, cierra el ya demoledor capítulo inicial.

El sueño gótico

El segundo acto, And She Fell Into A Gothic Dream [Y ella cayó en un sueño gótico], lo inaugura Perfect Celebrity, con Lady Gaga semienterrada ahora vestida de blanco, y peluca rubia. Le rodean cadáveres descolocados, cubiertos de tierra. De su particular fosa brotan igualmente varios de sus bailarines, que devuelven la vida a sus cuerpos a ritmo de Disease. “Puedo ser tu antídoto esta noche”, canta mientras pelea con el dolor, los anclajes al pasado que es mejor olvidar, los venenos –tengan al forma que tengan– que en su show materializa con un ser vestido de rojo, como si del mismísimo demonio se tratara.

De ahí pasa a enfrentarse a las trampas de la fama con su canción Paparazzi, con una potente y angustiosa puesta en escena. La artista recorre la pasarela haciendo fuerza contra un eterno velo blanco que quiere hacerle retroceder, a la fuerza. Y con mucha. Ella camina portando una especie de muletas de metal en sus brazos, que parece que pueden ayudarla, pero que demuestran que la popularidad no es ligera. Tiene un peso que, aun así, acaba venciendo, armadura mediante, con los brazos en alto, para dar paso a LoveGame y otro de los temas más icónicos –y laureados–; Alejandro, subida en lo alto de uno de los laterales de su fortaleza.

Lady Gaga despliega todos los recursos posibles para dominar el caos, incluidas las guitarras eléctricas, que ella también toca como si fuera una extensión de su propio cuerpo, en The Beast.

La hermosa pesadilla

Como si de la Reina de Corazones de Alicia en el país de las maravillas se tratara, la artista arranca el tercer acto, The Beautiful Nightmare That Knows Her Name [La hermosa pesadilla que se sabe su nombre], con el escenario presidido por una calavera gigante, ladeada. Un cráneo que el elenco mueve porque puede poseerlo, mientras suena Killah.

El espectáculo en sí parece ser una catarsis para la propia Lady Gaga, que en todo momento invita a que también lo sea para sus fans, a los que básicamente ordena a que griten desgañitándose como lo hace ella, bailando como lo hace ella, levantando los brazos como lo hace ella. Porque en su fortaleza bailan hasta los muertos, los Zombieboy. Desde luego, la estética del show parece haber sido concebida para el tercero de los conciertos que va a dar en Barcelona, este viernes, coincidiendo con Halloween, pero un Halloween en el que la artista consigue poseer hasta el terror, sin temerlo, sin romantizarlo, sin idealizarlo, poseyéndolo. Y acaba el acto con Applause y Just Dance para rematar el exorcismo.

El reinado definitivo

El ‘baile de los muertos’ da paso al último acto del concierto, Every Chessboard Has Two Queens [Todo tablero de ajedrez tiene dos reinas]. Shadow of a Man y Kill for love son los temas que lo introducen, con la cantante y compositora luciendo pelo gris y un traje militar, negro con bordados blancos. Este capítulo incluye uno de los momentos más enérgicos del show, gracias a Born this way y, sobre todo, su dedicación a toda la comunidad queer: “Esto es para vosotros, vuestro orgullo, amor, corazón, libertad. Os queremos”.

Pero lo más impactante está aún por llegar, con el tridente Millions reasons, Shallow y Die with a smile. Este último con ella –por fin– al piano. En especial con los dos primeros temas, en los que canta para vencer a ese otro ‘yo’ –que para cada uno puede tener una forma, significado y entidad, pero del que nadie se libra, y cuesta intentarlo– que arrastra, que encadena al dolor, a la ansiedad, a la angustia, al desasosiego, que ciega para no dejar la “única razón” que necesitamos para quedarnos de la que habla de Million Reasons, o de las “profundidades” de las que alejarse en las que ahonda Shallow.

Lady Gaga resignifica con ellas el descenso a los infiernos hasta cantarle al amor en Die With a Smile; y volver a sus inicios con Dance in the Dark, porque en el fondo la artista siempre ha mirado de frente a lo más oscuro, a lo doloroso, a lo que entristece, a los demonios que a veces, por mucho que cueste reconocerlo, intentan –y de vez en cuando consiguen– poseernos. Quizás sea por esa misma razón –filetes y looks extravagantes mediante– y su torrente de voz, con unos graves tan característicos, con un registro que alcanza unos agudos de los que también logran resonar por dentro, que invitan a creer en la victoria. El infierno no es eterno, puede no elegirse, se puede bailar con él si aprendemos a hacerlo, pero para ello hay que enfrentarlo, y cantar hasta reventarlo. Y si es en un concierto como este, no concebido para después 'petarlo' en TikTok, mejor.

No está siendo un buen año para la música pop. Al menos, no en lo que a impacto comercial y relevancia se refiere. Las listas de éxitos constatan una realidad irrefutable: muy pocas canciones publicadas en 2025 han conseguido dominar durante estos últimos meses. De hecho, según el informe de mitad de año de Luminate, la empresa que genera los datos que recoge Billboard en sus listas, solo una de las diez canciones más escuchadas de enero a julio en Estados Unidos se lanzó en 2025. Se trata de Ordinary de Alex Warren, posicionada junto a temas de 2024 como Luther de Kendrick Lamar y SZA, Die With A Smile de Lady Gaga y Bruno Mars, o Birds of a Feather de Billie Eilish.

A pesar de los recientes lanzamientos de Lorde, Justin Bieber, Miley Cyrus o The Weeknd, ninguno de ellos ha superado las expectativas en una temporada cuyo mayor fenómeno ha sido el de Las guerreras k-pop. Ni siquiera Sabrina Carpenter ha logrado hacer de Manchild un hit de tamaños proporcionales a sus temas Espresso o Please, Please, Please, ambos de 2024, aunque ha sido la artista que más cerca ha estado de conseguirlo este verano. No es de extrañar, por ende, que su trabajo y esfuerzo haya sido ampliamente reconocido en los MTV VMA, los premios que celebran los mejores videoclips de la industria musical. La artista se ha adjudicado el trofeo al mejor álbum del año por Short n' Sweet. Ariana Grande, por su parte, se ha hecho con el más importante, el de mejor vídeo del año por Brighter Days Ahead.

Junto a ellas, Lady Gaga también ha sido protagonista de una edición marcada por el liderato femenino, algo que viene siendo costumbre desde que Taylor Swift se ha estado llevando a casa el galardón al mejor vídeo del año por tres ediciones consecutivas. La cantante estadounidense, que comenzó el año actuando ante dos millones de personas en un concierto gratuito en la playa de Copacabana, en Río de Janeiro, se encuentra inmersa en la gira promocional de Mayhem. El disco, que no le ha dado un gran hit más allá del moderado Abracadabra, contiene la mastodóntica canción Die With A Smile con Bruno Mars, añadida al proyecto tras su enorme éxito. Esto la ha hecho meritoria de la estatuilla a la artista del año.

“Ser artista es un intento de conectar con las almas de personas de todo el mundo. Ser artista es una disciplina, un arte que busca llegar al corazón de alguien, para hundir ahí sus raíces, y recordarle que debe soñar”, ha declarado Gaga al recoger el galardón. “Ser artista implica la responsabilidad de hacer sonreír, bailar, llorar y liberar al público en todo momento. Es una manera de fomentar la comprensión y celebrar la comunidad”, ha añadido, señalando que, a medida que las personas “navegan a través del caos de la vida diaria, recuerden la importancia del arte de su vida, que pueden contar consigo mismas y con sus habilidades para mantenerse completas”.

Lady Gaga ha interpretado Abracadabra y The Dead Dance en una actuación grabada previamente en uno de sus conciertos. Previamente, la encargada de abrir los MTV VMA fue Doja Cat, quien defendió su Jealous Type aupada por una actuación muy ochentera. Siguiendo una estética parecida, Sabrina Carpenter interpretó por primera vez en directo Tears, el nuevo single de su último trabajo, que sirve como continuación de Manchild, la carta de presentación. La actuación contó con carteles de apoyo a la comunidad trans y llevó su videoclip al escenario. Pero ojo porque el vídeo de la canción ha contado con hasta cuatro finales diferentes desde que se publicara en YouTube, una táctica original que ha generado conversación: el usuario no sabía con qué versión se encontraría al verlo.

La joven promesa Tate McRae también tuvo su momento en los VMA después del éxito de So Close to What, un disco del que se habló bastante durante los primeros meses de este 2025, pues ha sido uno de los títulos pop mejor acogidos por la radio. A la espera de conocer si será un nombre clave de los próximos Grammy, la artista ha demostrado con creces que lo merece tras una excelente actuación en la que ha presentado Revolving Door y Sports Car. Lo ha hecho con mucha coreografía, el gran punto fuerte de la puesta en escena de la cantante. Asimismo, McRae ha sido honrada con el galardón a la canción del verano por su tema Just Keep Watching para F1: La película.

La gala de los VMA también ha servido para rendir homenaje a leyendas de la música. Mariah Carey ha sido una de ellas, que ha recibido el premio honorífico Video Vanguard de manos de Ariana Grande, quien se ha encargado de presentarlo. Para celebrarlo, Carey ha ofrecido un repaso a su trayectoria viajando entre canciones como Honey, We Belong Together y Fantasy (Remix). La persona a la que se concedió el galardón el año pasado fue Katy Perry. Este ha sido, además, el primer VMA de Mariah Carey. “Este momento es muy emotivo”, ha afirmado la intérprete de All I Want for Christmas Is You. “Solo tengo una pregunta: ¿a qué demonios estabais esperando? Es broma, os quiero, MTV, esto es increíble”, ha bromeado.

Otro de los músicos que han recibido un reconocimiento ha sido Ricky Martin, al que se le ha brindado la estatuilla Latin Icon en honor a toda su carrera. J Balvin fue el encargado de dar un discurso sobre la influencia y el legado de la superestrella puertorriqueña. Entre los éxitos que ha tocado Ricky Martin para agradecer el galardón se encontraban Entre los éxitos se encontraban Livin’ La Vida Loca, Pégate, Vente pa’ca, María y The Cup of Life. “Esto es muy sencillo, esto es para todos ustedes”, comentó el artista. “Soy adicto a sus aplausos, por eso sigo subiendo al escenario. No solo ustedes, aquí en Estados Unidos, sino en todo el mundo. Han pasado 40 años. Empecé cuando era un bebé y seguimos aquí. Solo queremos unir países, romper fronteras y mantener viva la música”, ha confesado en su discurso.

Los premios de MTV también se han acordado de Ozzy Osbourne, icono del heavy metal que ha escrito su capítulo en la historia de la cultura pop. El cantante murió de un infarto en julio a los 76 años, pocas semanas después de tocar su último concierto, y ha sido honrado con actuaciones de Steven Tyler, Joe Perry, Yungblud y Nuno Bettencourt. El homenaje ha comenzado con un video del hijo de Osbourne, Jack, rodeado de cuatro nietos de Ozzy, diciendo: “Sé seguro que [este homenaje] lo haría increíblemente feliz”. Justo a continuación, los cinco miembros de la familia se unieron para gritar: “Y como dijo nuestro padre: '¡A por todas!'”.

Piensa en la canción del verano. Esa melodía que se apodera de las radios, protagoniza los días de playa y se canta en cualquier coche. Ese tema que, durante unos meses, parece pertenecer a todo el mundo. Estando ya a finales de agosto, mirar atrás para rememorar lo que han supuesto estas últimas semanas debería traer consigo, irremediablemente, esa canción imposible de sacar de la cabeza. Sin embargo, en un momento dominado por las playlists personalizadas y las redes sociales, la canción del verano en la que puedes estar pensando ya no es la misma que la de los demás. El motivo es la pérdida de la 'monocultura', un término usado para describir aquellos productos omnipresentes de la industria del entretenimiento.

Con una enorme cantidad de plataformas de streaming y aplicaciones compitiendo por acaparar la atención de la gente, el sentimiento de universalidad está desapareciendo para siempre. Cada plataforma empuja su propio catálogo y sus algoritmos muestran a cada usuario cosas distintas, de modo que lo que es masivo para unos pasa desapercibido para otros. Esto, que abre espacio a más voces, borra los referentes comunes que antes unían a generaciones y lugares. A diferencia de hace más de diez años, cuando la cultura pop estaba dictada por quién aparecía en la televisión, quién sonaba en la radio, de quién se hablaba en las noticias y quién aparecía en las revistas, ahora es más fácil elegir a quién escuchar o sobre quién saber más.

Cuando Adele publicó su álbum 25 en 2015, vendió 3,482 millones de copias en Estados Unidos en su primera semana, una cifra jamás alcanzada desde que la empresa Luminate empezara a contabilizar las ventas de música en 1991. En un sector cada vez más fragmentado, se pensaba imposible que alguien pudiera replicar ese alcance monocultural, pese a que Luminate y Billboard implementaran en 2014 un nuevo sistema de medición de ventas para reflejar el consumo de streaming. “La era de los discos que debutan con un millón de copias vendidas ha acabado oficialmente”, llegó a escribir la revista especializada Forbes en 2021. Desde entonces, solo hay una persona que lo ha conseguido: Taylor Swift, que lo ha hecho ya hasta tres veces esta década. The Tortured Poets Department (2024), su trabajo más reciente, debutó con 2,610 millones de copias vendidas en Estados Unidos.

Taylor Swift es la última figura monocultural que queda, siendo además la única artista nacida después de 1975 que se encuentra entre los diez músicos más consumidos de todos los tiempos, según hizo constar Billboard en una lista publicada en 2019. Su dominio, que bien puede servir como inspiración para las futuras generaciones, también deja patente la dificultad de lograr dicha omnipresencia en un mundo cada vez más digitalizado y personalizado para cada oyente. Sus compañeras, como Beyoncé, Lady Gaga o Katy Perry, también consiguieron estar en todos lados durante su estrellato la década pasada, aunque a una menor escala. Sin embargo, la nueva generación de artistas, como Billie Eilish, Olivia Rodrigo, Sabrina Carpenter, Gracie Abrams o Chappell Roan, han alcanzado la fama en un panorama muy distinto.

Estas cantantes son tan importantes dentro del grupo demográfico de oyentes de música pop como lo fue la generación anterior, pero su presencia es mucho más reducida y hace que su camino hacia una carrera sostenible como artistas siga siendo un reto. Así lo explica a elDiario.es la escritora de música y cine Jett Tattersall, que analiza la cultura en la revista especializada Women In Pop: “A la industria le encanta el mito del éxito repentino, pero rara vez es la realidad. No hay nada fácil en conseguir que tus canciones se escuchen en el caos de Spotify, TikTok, YouTube y SoundCloud. Todos tienen una canción, un estilo, una voz. Y, aunque eso es maravilloso, también significa que constantemente te olvidan para pasar a lo siguiente”.

Adjudicarse el éxito mainstream siempre ha sido difícil, y continúa siéndolo, pero la diferencia ahora es la forma para llegar a este. “Taylor Swift, al igual que su heroína Beyoncé, es una fuerza de determinación y talento. Madonna fue la reina de la generación MTV, con Janet Jackson como su princesa, y sus reinados se consolidaron gracias a una verdadera monocultura, una época con menos medios de comunicación, menos artistas de competencia y un canal cultural compartido de pósteres a tamaño real, ventas de discos y programas”, destaca Tattersall. Pero, pese a que el fin de la monocultura hace más difícil dominar la conversación, ahora el éxito es distinto y sigue siendo alcanzable. “Se trata de conectar profundamente con alguien en lugar de complacer a todo el mundo”, comenta la experta.

Esta diferencia a la hora de lograr el éxito también la subraya Nora Princiotti, autora y presentadora del pódcast Every Single Album for the Ringer. La escritora, que acaba de publicar su obra Hit Girls, un repaso a cómo las divas pop irrumpieron en la industria musical en la década de los 2000 y alteraron el panorama cultural para siempre, alega que “la falta de monocultura permite que cantantes de nicho tengan carreras sanas y estables fuera de la corriente principal”. Hoy en día puede ser más satisfactorio ser Charli XCX, por ejemplo, y compaginar ser una estrella del pop indie underground con alguien que ocasionalmente tiene grandes éxitos. “Pero es más difícil convertirse en una Beyoncé o una Taylor Swift”, apunta.

La era de los algoritmos ha fragmentado la cultura pop, poniendo fin a la dominación de un solo género musical y permitiendo que las subculturas prosperen de forma global. Pese a que géneros como el hyperpop o el grime solían ser de nicho, ahora pueden conectar con audiencias de todo el planeta al instante, creando comunidades de fans dedicadas que no necesitan la aprobación de las grandes masas para tener un impacto real en la industria musical. “Puede que no sea monocultura, pero sigue siendo impacto”, afirma Jett Tattersall. No obstante, los algoritmos provocan que dependan de la viralidad, y el gran defecto de ello es lo esporádica y aleatoria que puede ser, así como su corta duración.

Asimismo, la gente que sigue la cultura es muy consciente de la historia de leyendas como Britney Spears, Madonna o Lady Gaga, quienes se han visto sometidas a un escrutinio misógino durante su apogeo, por lo que la generación actual se beneficia de que existe una parte de la población que no quiere dar pasos atrás. Pero ser consciente de esa historia hace que la reinvención sea más difícil porque, como dice Nora Princiotti a este periódico, “todo el mundo conoce las referencias”, y, al ser la capacidad de atención más corta, los artistas se ven incentivados a reinventarse cada vez más rápido. “Somos un poco más indulgentes con los artistas, especialmente en los medios de comunicación, pero les exigimos más en cuanto a creatividad”, indica.

La versatilidad y la reinvención constante han ayudado a las mujeres a tener éxito, sobre todo en épocas de evolución en la industria. Ese fue, de hecho, uno de los motivos por lo que Nora Princiotti escribió Hit Girls, analizando los primeros años del siglo. “Cuando se cuestiona el statu quo, son las personas que no siempre se han beneficiado de ese statu quo las que suelen adaptarse mejor a las nuevas reglas. Así que, en una década en la que los fundamentos financieros de la música pop cambiaron drásticamente, las mujeres tuvieron éxito, en parte, porque estaban mejor preparadas para adaptarse a los cambios”, asegura la autora. Por su parte, Jett Tattersall denuncia que aún en 2025 se siga “valorando más la 'follabilidad' de una mujer que su inteligencia o su talento artístico”.

Antiguamente, la aspiración de un artista se resumía en crear una demo en cedés y enviarlo a sellos discográficos y mánagers, esperando a que alguien le diera una oportunidad. Hoy en día, los cantantes suben su música a plataformas y redes sociales, compitiendo en un mar de contenido que, si bien ofrece visibilidad, también hace que sea mucho más difícil destacar y ser escuchado. “La cuarta ola del feminismo y las redes sociales han cambiado el panorama. Los artistas nuevos se dirigen directamente a sus fans, dejándonos entrar. Vemos sus bloqueos, los fallos de vestuario, los bajones de salud mental... todo el desastre que hay detrás de un lanzamiento. Y, de alguna manera, esa imperfección hace que el resultado parezca aún más perfecto”, enfatiza Tattersall.

En un momento en el que la monocultura está dejando de ser una realidad, el fenómeno de la gira The Eras Tour, que llegó a ser omnipresente durante sus dos años de duración y paralizó España con sus dos conciertos, se convierte en una proeza posiblemente irrepetible. A excepción del lanzamiento de The Life of a Showgirl en octubre, el nuevo trabajo de Swift, pocas giras o álbumes volverán a unir tanto a la gente hasta el punto de crear la sensación de evento global. Pero este cambio en el mundo del entretenimiento no solo se palpa en el sector musical. En la televisión, el medio The Ringer elogió la serie Juego de Tronos como “la última pieza de monocultura televisiva” y el sitio web Vulture la calificó como “el último programa que veremos juntos”. En el cine, el más reciente ejemplo es el caso Barbenheimer, que revivió las salas como hacía tiempo que una película no conseguía.

Al llegar a la cima al final de una era en la que la televisión, la radio y la prensa escrita todavía daban forma a la música, Taylor Swift ha logrado un reconocimiento universal. Una saturación cultural que hoy nadie más puede replicar. “Aun así, su éxito prolongado es una prueba de su talento, no de su oportunidad”, enfatiza Tattersall, que tacha de “reduccionista” atribuir su legado a la época que le ha tocado vivir. Aunque no se sabe si Olivia Rodrigo o Billie Eilish habrán alcanzado ese estatus dentro de veinte años, la fragmentación que ha experimentado la monocultura les hará complicado atraer a varias generaciones al mismo tiempo. Sin embargo, como apunta la experta, el triunfo tampoco se mide igual: “El éxito ahora significa serlo todo para las personas que te encuentran. Es un tipo de legado diferente y, tal vez, a pesar del caos, puede que sea más duradero”.

La Met Gala es uno de los eventos populares más destacados que más expectación genera en la cultura pop en los Estados Unidos, como la Super Bowl, y en ella se reúnen varias personalidades del arte, la música, la moda, el cine o el deporte. Este 2025 tiene por primera vez cuatro hombres como presentadores, llamados ‘copresidentes’: el actor Colman Domingo, el piloto de Fórmula 1 Lewis Hamilton, el rapero A$AP Rocky y el músico Pharrell Williams.

En la Met Gala 2025, que tiene lugar en el Museo Metropolitano de Nueva York, el tema es en esta ocasión es “Superfine: Tailoring Black Style”, con el que se quiere rendir homenaje al dandismo negro y la elegancia masculina, que enlaza con la exposición del Instituto del Traje que se inaugura el 10 de mayo. Una temática que dará nuevos looks icónicos como los que han conformado parte de la historia del evento.

Kim Kardashian: el vestido de Marilyn Monroe en 2022

Una de las anécdotas, rodeada de polémica, en la Met Gala tuvo lugar en 2022 de la mano de Kim Kardashian, que se presentó en la alfombra roja con el mismo vestido que llevó Marilyn Monroe cuando cantó el cumpleaños feliz a John F. Kennedy en 1962, obra de Jean-Louis, que fue arreglado para que encajara a la perfección.

Esto abrió debate, en una gala en el que el tema fue ‘In America: 'An Anthology of Fashion’, sobre el uso de vestidos históricos como este, una prenda que había sido comprado en una subasta por casi 5 millones de dólares en 2016, y para el que Kardashian se metió en una dieta extrema, que fue dañado además tras ser usado.

Lady Gaga: cuatro looks diferentes en una misma pieza en 2019

La cantante Lady Gaga es una de las protagonistas durante varias ediciones de la Met Gala, y uno de los looks más icónicos que regaló fue en 2019, cuando dio uno de los momentos de la noche con un vestido que fue cuatro piezas distintas, en fucsia y negro, en un solo desfile, donde destacaron también sus pestañas postizas obra de Sarah Tanno en una edición fue copresentadora.

Met Gala 2018: cuerpos celestiales con icónicas piezas

Una de las Met Gala más recordadas y que creó más vestimentas destacadas fue la de 2018, con el tema ‘Cuerpos celestiales’ (Heavenly Bodies), cuando destacaron Katy Perry, Blake Lively y Rihanna. La primera llegó en un descapotable con un vestido de Versace que incluía unas alas de ángel que fue objeto de memes, al haber paseado anteriormente por Manhattan con su look.

Pero uno de los grandes nombres de la noche fue Rihanna, que acostumbra a ser otra de las personalidades más destacadas en la alfombra roja, con un vestido que recordaba al uniforme papal, cuando ejerció de ‘copresidenta’. Fue una pieza que incluía un minivestido de perlas de Maison Margiela, con una túnica con sobrefalda y una chaqueta, que acompañó con una mitra, que es un tocado que suelen vestir personas con distinción episcopal durante la liturgia.

Otra de las celebrities que más vestidos destacados ha protagonizado en la Met Gala ha sido Blake Lively, que en 2018 también se presentó en boca de todos al vestir un diseño de Versace cubierto de pedrería con larga cola y un corpiño con abalorios, que llevó más de 600 horas de confección, que al igual que Katy Perry hicieron que tuviera que acudir con un transporte especial, en este caso un autobús privado, para ir con él puesto.

Las autoridades brasileñas detuvieron a dos sospechosos, uno de ellos un adolescente, dentro de una operación contra un grupo que supuestamente planeaba atentar con explosivos caseros en el macroconcierto de Lady Gaga en Río de Janeiro, informaron este domingo fuentes oficiales.

Según la Policía Civil de Río, el “responsable” de montar el ataque fue capturado in fraganti en el estado de Rio Grande do Sul (sur) por posesión ilegal de arma de fuego.

El adolescente, que almacenaba material de abuso sexual de menores, de acuerdo con las autoridades, fue arrestado en Río de Janeiro.

El operativo realizó búsquedas de forma simultánza en trece direcciones de los estados de Río de Janeiro, São Paulo, Rio Grande do Sul y Mato Grosso.

La investigación identificó que los sospechosos “reclutaban” a adolescentes a través de internet para “promover ataques con uso de explosivos improvisados”.

Estos usaban “perfiles falsos” en redes sociales para hacerse pasar por “miembros de la comunidad de fans de Lady Gaga, conocidos mundialmente como 'Little Monsters'”, indicó en una nota el Ministerio de Justicia, que colaboró en la acción.

Las autoridades indicaron que el grupo buscó atentar en el concierto de Lady Gaga, que reunió este sábado a 2,1 millones de personas en la playa de Copacabana, según estimaciones oficiales, para “obtener notoriedad en las redes sociales” y como parte de un “desafío”.

“La red promovía la radicalización de adolescentes, la difusión de crímenes de odio”, principalmente contra la comunidad LGTBI, “la automutilación y contenidos violentos como forma de pertenencia y desafío entre los jóvenes”, señaló el Ministerio de Justicia.

En uno de los desdoblamientos de la operación de este domingo, la Policía registró en Macaé, municipio del estado de Río, el domicilio de un hombre que también planeaba ataques y amenazó con matar a un menor en directo.

La acción, bautizada como 'Fake Monster', se llevó a cabo gracias a una alerta del departamento de Inteligencia de la Policía de Río, que “identificó células digitales orientadas a inducir conductas violentas en jóvenes mediante lenguajes cifrados y desafíos con simbología extremista”.

Lady Gaga ofreció este sábado sobre la orla de Copacabana un multitudinario concierto gratuito que duró unas dos horas y se desarrolló bajo un fuerte dispositivo de seguridad que involucró a unos 5.000 agentes.

El esquema contó además con 78 torres de observación, drones con tecnología de reconocimiento facial y una docena de cámaras de seguridad extra.

La presencia de la también ganadora de un Oscar era muy esperada en Brasil, después de que en 2017 cancelara a última hora su presentación en Rock in Río por problemas de salud.

FACUA ha denunciado este miércoles a Live Nation España, la promotora de los conciertos que la cantante Lady Gaga va a ofrecer en Barcelona los días 28, 29 y 31 de octubre como parte de su gira por el nuevo álbum, Mayhem. La federación de consumidores asegura que la empresa ha impuesto a los usuarios y fans de la artista una serie de condiciones abusivas e irregulares durante el proceso de compra de las entradas, y ha presentado la demanda ante el Ministerio de Derechos Sociales, Consumo y Agenda 2030; la Agencia Catalana de Consumo y la Agencia Española de Protección de Datos.

Entre el cúmulo de irregularidades en la venta de tickets, FACUA señala el cobro de gastos de gestión, la venta de entradas “platinum”, la imposición de una donación obligatoria o permitir únicamente la presentación de entradas en dispositivos móviles.

Sobre el primer punto, FACUA asegura que Live Nation cobraba un importe adicional al precio orginal de la entrada en concepto de “gastos de gestión”, cuyo importe además cambiaba “en función de criterios desconocidos y no indentificados”, sin estar tampoco relacionados con el precio del tipo de entrada que ha comprado el consumidor. “Es inherente a toda actividad empresarial repercutir todos o parte estos de los costes del servicio que presta, pero imputándolos al precio final. Lo que no se puede es repercutir parte de dichos costes operacionales bajo el concepto de «gastos de gestión” cuando la adquisición online de una entrada es un proceso automático y autónomo en el que no hay nada que gestionar“, explica la federación en un comunicado.

En segundo lugar, la asociación denuncia que la promotora ha aplicado en la mayoría de entradas para el concierto un cargo adicional al que han llamado “platinum”. “Son entradas que se ponen a la venta en modalidad precio dinámico, ajustado en función de la oferta y la demanda del evento”, decía la web de venta. “Estas entradas no incluyen ningún servicio o beneficio adicional como sí hacen las entradas tipo paquete VIP”, advertía la promotora.

FACUA especifica que Live Nation se vale de subterfugios para imponer cargos adicionales, lo que sube el precio de la entrada. “Estas entradas hicieron que, durante el proceso de compra, la cuantía de los precios anunciados en la página web se incrementase, en algunos casos, más de un 100%. Por ejemplo, la entrada PL2 Grada, cuyo precio inicial era de 170 euros, llegó a pagarse a más de 369 euros”, lee el comunicado.

En la demanda, FACUA añade también una donación obligatoria. En el momento de adquisición de la entrada, según aclara la asociación de consumidores, Live Nation obliga a realizar un donatiuvo de un euro a la fundación Born This Way —asociación fundada por la propia Lady Gaga para la atención de la salud mental de los jóvenes—. El usuario no puede elegir si hacer o no la donación, sino que se añade automáticamente al precio final de la compra. “Un importe obligatorio, además, que contradice completamente el propio sentido de una donación, que es un pago que se hace de forma voluntaria y desinteresada para apoyar una causa”, dice FACUA.

“Asimismo”, continua la nota de prensa de la federación, “la promotora limitó la preventa de entradas únicamente a clientes del banco Santander con tarjeta Mastercard, una condición que representa una discriminación financiera contra otros consumidores que no disponen de ese tipo de tarjeta o que no son clientes de dicha entidad financiera”. “FACUA considera que este tipo de cláusula puede generar una competencia desigual, ya que hay clientes que tienen un acceso preferencial mientras que otros quedan marginados sin una razón justa”, añaden.

Por último, la asociación critica que sea necesario disponer de un teléfono móvil para acceder al recinto de los conciertos, que se celebrarán en el Palau Sant Jordi, excluyendo la posibilidad de llevar las entradas impresas o en PDF. Un gesto que se está convirtiendo durante los últimos años en algo habitual. “Tus entradas serán escaneadas directamente desde tu app Ticketmaster en tu móvil”, decía la web de venta en el momento de compra. FACUA considera que esta imposición “no atiende a las diferentes realidades de los consumidores, muchos de los cuales pueden no disponer de un teléfono inteligente compatible”. La asociación señala que también pueden darse circunstancias —como la falta de batería del teléfono o un problema técnico, por ejemplo— que limiten injustificadamente el acceso al evento.

Además, la asociación también denuncia que las personas con movilidad reducida no tuvieron acceso a la compra de entradas durante la preventa.

“Por todo ello, FACUA pide a las diferentes administraciones que abran expedientes sancionadores a Live Nation España por el cúmulo de irregularidades contra los derechos de los consumidores que cometió durante el proceso de venta de entradas para los conciertos de Lady Gaga en Barcelona”, finaliza el comunicado.

Lady Gaga prepara su vuelta a España tras más de siete años sin ofrecer un concierto en el país con hasta tres fechas en Barcelona. La cantante, que lo está petando en todo el mundo con su hit Die With a Smile junto a Bruno Mars, y que acaba de sacar su nuevo disco Mayhem, se irá de gira este 2025 con The Mayhem Ball, un tour que pasará por Estados Unidos y Europa con más de 30 paradas anunciadas hasta el momento.

La artista anunció en redes sociales que “no tenía planeado” salir este año de gira tras los conciertos que ofrecerá en Singapur a mediados de mayo. Sin embargo, “el increíble recibimiento” que la actriz asegura que ha tenido el álbum la ha llevado a cambiar de opinión, lo que la hace estar muy agradecida a su equipo por haber sido capaz de planear “una gira global en solo unas semanas”.

Por otro lado, Lady Gaga explica que ha preferido no hacer un tour por estadios para tener “la oportunidad de controlar los detalles del show”, motivo por el que dice que la gira será a través de arenas en todo el mundo. “Este espectáculo está diseñado para ser el tipo de experiencia teatral y electrizante que da vida a Mayhem exactamente como yo lo imagino”, escribe la cantante en sus redes sociales con respecto al show que está preparando.

Lady Gaga, que en un principio iba a ofrecer dos conciertos en el Palau Sant Jordi de Barcelona los días 28 y 29 de octubre, ha decidido añadir otro concierto debido a la alta demanda el 31 de octubre. En total, serán tres los shows que dará la artista estadounidense en España, aunque sin paradas en ninguna otra ciudad del país. Esto hace que la artista repita en el mismo lugar en el que tocó con Joanne World Tour en 2018, aunque con una fecha más.

Cuándo salen a la venta las entradas y dónde adquirirlas

La preventa para los conciertos de Lady Gaga ha comenzado hoy lunes 31 de marzo a las 12:00 horas, y se extenderá hasta las 22:00 horas del miércoles 2 de abril. Los fans de la cantante podrán acceder a través de la plataforma Santander S Music, pues la preventa es única para clientes de la entidad bancaria. Para el tercer concierto anunciado por la artista en Barcelona, que tendrá lugar el 31 de octubre, la preventa comenzará mañana 1 de abril a las 10:00 horas en la misma web.

Quienes no puedan acceder a la preventa tendrán la oportunidad de comprar sus tickets el jueves 3 de abril a las 12:00 horas, cuando se pondrán a la venta todas las entradas para los tres conciertos de Lady Gaga en el Palau Sant Jordi. La venta se realizará a través de Live Nation y Ticketmaster, las únicas plataformas oficiales para conseguir entradas para los conciertos de la cantante.

Precios de las entradas para los conciertos

Ya se conoce cuál es el precio por el que los fans podrán comprar las entradas para los conciertos de Lady Gaga en Barcelona, siendo la más barata la de 55 euros en grada. La más cara alcanza casi los 500 euros.

La etapa estadounidense del tour de Lady Gaga arrancará el próximo 16 de julio de 2025 en Las Vegas, una vez finalizados sus conciertos en Singapur. Posteriormente visitará algunas otras ciudades de Norteamérica como Nueva York, Toronto o Chicago. Asimismo, la artista ofrecerá un concierto completamente gratuito en la Playa de Copacabana, en Río de Janeiro, el 3 de mayo de 2025.

Lady Gaga ha basado gran parte de su carrera en utilizar el poder de su voz para abogar por la lucha de las mujeres o por los derechos del colectivo LGBT. Su narrativa siempre ha girado en torno a la reivindicación de la libertad de expresión, la inclusión y la visibilidad, algo que se ha reflejado tanto en su música como en sus discursos y actuaciones. Es por eso que, en un momento en el que Donald Trump ha vuelto a la presidencia de Estados Unidos, la artista no es ajena a la peligrosa situación que esto supone para las libertades que ha defendido durante toda su trayectoria.

El lanzamiento de Mayhem, su séptimo álbum de estudio, se produce en una época delicada para las comunidades más vulnerables. “Las personas trans no son invisibles. Las personas trans merecen ser queridas. La comunidad queer merece que se la reivindique. La música es amor”, declaró Lady Gaga el pasado mes de febrero al aceptar el Grammy por Die With A Smile. Unos días más tarde, la artista dijo a ELLE UK que, aunque sabe que “estas elecciones han sido devastadoras para las vidas de mucha gente”, ella es “una de las muchas personas que apoyan a las minorías” y que no va a rendirse “sin luchar”: “Nos mantendremos unidos. Va a ser duro, pero estoy dispuesta. Estamos dispuestos. Y solo quiero que todos sepáis que se os quiere profundamente y que se os ve”.

Como salvavidas para aquellos que sufren y que encuentran en la música un refugio que les hace sentir seguros celebrando su identidad, Lady Gaga canta al amor y la fraternidad en medio de una situación apocalíptica. Mayhem, traducido como violencia, caos o alboroto, es la búsqueda de la autoconciencia y el cariño cuando el mundo se desmorona y todo lo que acontece alrededor supera a uno mismo. La artista, que realmente no publica un álbum demasiado político, tampoco obvia el desalentador rumbo que ha cogido el planeta en 2025 y contextualiza sus canciones en el caos actual.

Mayhem es un trabajo que abraza el desorden en su sentido más puro y literal, fusionando géneros y distintos estados de ánimo sin miedo a parecer contradictoria, aun con el riesgo de poder generar reacciones negativas entre quienes esperan la cohesión de otros proyectos. El disco, que la misma artista ha explicado que no se puede encasillar en un solo sonido, es un recorrido por distintas facetas de Gaga, donde la energía de su pop más característico se entrelaza con momentos de oscuridad, desenfreno y también experimentación de décadas pasadas.

'Disease'

“Puedo oler tu enfermedad, puedo curarte”, canta Lady Gaga en la pista de apertura del álbum. El tema derrocha la única parte gótica de todo el disco en su puente y, según la artista, “trata de enfrentar el miedo y la oscuridad interior”. Es uno de los singles de Mayhem y lo inicio por todo lo alto, evocando la locura que está a punto de absorber a la cantante a lo largo del viaje.

'Abracadabra'

La locura por el regreso de Lady Gaga no la provocó Disease, el primer adelanto, ni Die With A Smile, el mayor hit reciente de su carrera. El delirio por el nuevo trabajo de la artista se lo adjudica una canción tan disparatada como maravillosa, que devuelve el lado más excéntrico de Gaga. “Sálvame de esta lucha vacía en el juego de la vida”, reclama la cantante llamando al diablo y sacando trucos de magia de debajo de su chistera.

'Garden Of Eden'

La cantante se retrata a sí misma como la serpiente que tentó a Eva a morder el fruto prohibido e invita a darle un mordisco a la “manzana envenenada” del jardín del Edén. La canción tiene un aire retro del 2000 y recuerda a Do Somethin' (2004) de Britney Spears, así como a su disco debut The Fame (2008). Es uno de esos temas que escuchas e identificas directamente con Lady Gaga, y probablemente esté ya incluido en la lista de imprescindibles de muchos de sus seguidores.

'Perfect Celebrity'

“Estoy hecha de plástico como una muñeca humana / Me empujas y tiras, no me duele en absoluto”, canta Lady Gaga en otro banger del disco. La artista califica Hollywood como una “ciudad fantasma” y confiesa que se desintegra por cada “te amo” que escucha, exponiendo el lado negativo de la idolatría. “Te encanta odiarme, soy la celebridad perfecta”, dice la artista tirando de ironía. La guinda del pastel es la referencia a Diana de Gales, a quien ya homenajeó en The Fame Monster (2009): “Siéntate en la primera fila y contempla cómo muere la princesa”.

'Vanish Into You'

A pesar de que las letras son muy oscuras, este tema es otro ejemplo de feliz que suena Gaga en bastantes ocasiones de Mayhem. La canción, muy dinámica y ligera, se ambienta en una situación apocalíptica en la que la artista solo quiere desvanecerse en su amante. Pese a los gritos, la espera y el “frío en verano”, Lady Gaga enarbola estar feliz solo por estar viva. El estribillo, mucho mejor que las estrofas, evoca melancolía.

'Killah' (con Gesaffelstein)

La artista hace de la muerte uno de los temas más recurrentes del álbum. En la sexta pista, con Gesaffelstein en la producción, la cantante se dibuja como una asesina y planea cómo matar a su próximo objetivo. La canción, que es la más lenta de la primera mitad del disco, suena como una de Michael Jackson y Prince de los 80. El acelerón del último minuto es uno de sus grandes momentos.

'Zombieboy'

La Lady Gaga de 2008 está de vuelta con una canción muy bailable que, aunque parece retroceder casi dos décadas atrás, logra sonar increíblemente fresca. El estribillo fusiona elementos del soul y jazz que ayudan a homenajear a su difunto amigo Rick Genest, apodado “Zombie Boy”, quien falleció en 2018. “Vamos a estar levantados toda la noche, despertándonos como zombis”, canta la artista.

'LoveDrug'

“No quiero sentir, no quiero llorar, así que voy a bailar hasta que me sienta bien”, declara Lady Gaga en su búsqueda de la “droga del amor”. La cantante vuelve a proponer la música y el rendimiento a los seres queridos para despejarse de lo que acontece en el resto del mundo y superar las adversidades, que cada vez se tornan más difíciles.

'How Bad Do U Want Me'

Las influencias de Taylor Swift se palpan de lleno en la novena canción del álbum, que perfectamente podría haber permanecido al aclamado 1989 (2014). Es uno de los temas más pegadizos, con mejor producción y con un estribillo excelente. “Porque te gusta mi pelo, mis vaqueros rotos, te gusta la chica mala que hay en mí”, grita Gaga preparada para sonar en la radio. Es un sonido pop totalmente inexplorado hasta ahora en su discografía.

'Don’t Call Tonight'

Con una introducción que da la impresión de que está a punto de ponerse a cantar Alejandro (2009), la artista vuelve a apostar por otra canción para la pista de baile. Gaga advierte que no la llames “esta noche” a menos que quieras hacerle daño y asegura que puede oír “todo lo que dices” desde donde se encuentra. La capacidad vocal de la artista consigue lucirse hacia el final del tema.

'Shadow Of A Man'

Lady Gaga invoca a Michael Jackson en una pista que pretende resucitar al rey del pop. “No quiero estar bajo la oscuridad esta noche, muéstrame la luz”, canta la artista en un estribillo pegadizo con el que muy fácilmente se puede imaginar la silueta de Michael Jackson bailándolo. “Sombra, no destroces el mundo. Sombra, no destroces la otra tierra”, pide la cantante en un disco que una y otra vez sitúa a Gaga tratando de escapar de apocalipsis.

'The Beast'

Muy diferente del resto del disco, la cantante abraza la sensualidad en la antepenúltima pista del álbum, que también disminuye el ritmo considerablemente con todo lo anterior y sirve de puente entre los temas más rápidos del inicio y los dos posteriores que cierran Mayhem. La artista, desde lo profundo de su malvado alter ego, anhela que su pareja haga lo mismo que ella y libere a “la bestia” que habita dentro de ellos.

'Blade Of Grass'

Poco queda de la Lady Gaga que abrió el disco en sus momentos de cierre. Dominada por los sonidos oscuros y “ruidosos”, ahora la artista se presta por completo a las baladas y se deja sentir más segura que nunca en este sonido. La cantante cuenta que “los amantes se besan en un jardín lleno de espinas”, metaforizando las dificultades que surgen en las relaciones, y regala la canción más romántica de todo el viaje.

'Die With A Smile' (con Bruno Mars)

La colaboración más exitosa de 2024 se escucha muy diferente como final de Mayhem, adquiriendo un valor todavía mayor para el tema ganador del Grammy. El dúo compuesto por Gaga y Mars ha conquistado a todo el mundo con más de 2.000 millones de reproducciones en Spotify y supone una clausura perfecta para el alboroto del nuevo trabajo de Gaga. Sí, el planeta se va a pique, las guerras se están perdiendo, pero déjate consolar por quienes te quieren y “muere con una sonrisa”.

La artista seguirá los pasos de Madonna y dará un multitudinario concierto gratuito en Río de Janeiro, Brasil, como parte de la inminente gira con la que promocionará su séptimo álbum de estudio. “Me siento mejor que nunca y estoy trabajando muy duro para asegurarme de que este espectáculo sea uno que nunca olvidéis”, ha escrito Lady Gaga a través de redes sociales a sus little monsters de Brasil. “Preparaos para el Mayhem en la playa”, añade bajo la fecha del 3 de mayo de 2025.

Lady Gaga, que piensa mucho en “la relación” que tiene con sus “propios demonios interiores”, reconoce que nunca le “ha resultado fácil” afrontar cómo la seducen “el caos y la agitación”, haciéndola sentir “claustrofóbica”. En Mayhem, la cantante de himnos como Born This Way (2011) sigue enfrentándose a una sociedad que continúa siendo injusta, a la que todavía le faltan muchos derechos por aceptar y cuyo futuro no se torna nada prometedor. Sin embargo, “la directora” de su “propia sinfonía” declara que se acepta a sí misma siguiendo adelante: “Estoy preparada para el reto”.

Este 10 de febrero, el rapero Kendrick Lamar, ganador de 17 premios Grammy, será el encargado de protagonizar el intermedio de la Superbowl de 2025 que disputan Philadelphia Eagles y Kansas City Chiefs por coronarse como el mejor equipo de fútbol américano al ganar el campeonato de la NFL. Una actuación de intermedio con historia de la música desde que en 1993 Michael Jackson fuera el primero que lo convirtiera en un espectáculo para atraer a milones de espectadores.

1993: Michael Jackson, el inicio del espectáculo 'halftime' de la Superbowl

Hoy en día cuesta entender la Superbowl, la final de la NFL, sin su famosa actuación de intermedio que reune a millones de espectadores de todo el mundo frente a la televisión, pero esto no siempre fue así, sino que cambió para siempre cuando en 1993 Michael Jackson decidió actuar por 15 minutos.

El éxito fue tal, 91 millones de personas viendo la actuación, que la organización cambió lo que era un desfile de bandas de música por espectáculos de los mejores artistas, y la icónica entrada en la que el rey del pop simulaba saltar desde dos pantallas de video quedó para siempre en la historia de la música y la Superbowl.

2004: la actuación de intermedio más polémica de la Superbowl

Michael Jackson no es el único de su familia que ha tenido protagonismo en la Superbowl, pues su hermana Janet también fue estrella de uno de los shows, pero recordado por una razón totalmente distinta, por la de la polémica. Y es que al finalizar su actuación junto a Justin Timberlake en 2004, uno de los pezones de la cantante quedó al descubierto, sin saberse todavía claro que fue exactamente lo que ocurrió, si fue planeado, o se debió a un “problema de vestuario” como alegó la artista.

Esto, sin embargo, cambió también lo que sería el futuro de las actuaciones, pues desde entonces llevan un retraso de dos segundos respecto al directo para poder controlar lo que llega a los espectadores y no ocurra algo similar a lo que sucedió con Janet Jackson.

Esta actuación no solo fue la más polémica, sino que además ha tenido especial relevancia en la historia reciente al ser lo que promovió que Jawed Karim creara Youtube, al buscar crear una plataforma de videos tras haberse perdido este momento en directo y no encontrar un lugar claro al que acudir para verlo.

2013: Beyoncé y la reunión 'imposible' de las Destiny's Child

Desde que Beyoncé lanzara su carrera en solitario, la pregunta era continua de cuando habría una reunión con las Destiny's Child, el grupo femenino con el que saltó a la fama. Ella negaba continuamente que esto fuera a suceder, pero eso que parecía imposible llegó a tener lugar durante su actuación en el 'halftime' de la Superbowl de 2013, donde no solo el volverla a ver cantar con Kelly Rowland y Michelle Williams fue uno de los grandes momentos sino también su número final de 'Halo'.

2015: Katy Perry, todo un récord de audiencia y de locura

Una de las actuaciones más recordadas es también la que supuso toda una locura en el escenario, la de Katy Perry en el año 2015. Hubo de todo junto a la artista, desde un ajedrez humano, una playa hasta un grupo de raperos, pero uno de los grandes momentos fue la aparición de Lenny Kravitz para interpretar 'I kissed a girl'. Una actuación que rompió récords de audiencia al alcanzar los 121 millones, solo superado en 2023 por Rihanna y en 2024 por Usher.

2017: Lady Gaga y la actuación más reivindicativa en política de la Superbowl

Tras la de Michael Jackson, una de las entradas más icónicas en una actuación de intermedio de la Superbowl la protagonizó Lady Gaga en 2017 cuando entró volando desde lo alto del estadio, en la que también es una de las que ha quedado como más reivindicativas a nivel político al aprovechar la cantante para dirigirse a los niños estadounidenses y denunciar las políticas migratorias de Donald Trump con un claro “es una tierra de libertad y justicia para todos” cuando interpretaba 'God Bless America'.

Cuando Todd Phillips presentó su sorprendente Joker en Venecia, aseguró en la rueda de prensa que su película no era política. Dejando de lado que es difícil que una obra cultural no sea en cierta forma política ―ya que incluso la voluntad deliberada de no serlo esconde una intención política― su declaración contrastaba con las críticas de todos los medios. En estas se subrayó cómo había logrado captar un estado de hastío de la sociedad. Uno en el que cualquier persona podía convertirse en referente de una insurrección fácilmente atribuible por cualquier líder. 

Joker era una víctima del sistema, pero la revolución provocada podía responder tanto a un movimiento como el Occupy Wall Street como a aquellos que rodearon el Congreso el 6 de enero. De ahí que Joker se convirtiera en una película alabada desde la izquierda, pero convertida en icono incel (no es de extrañar que el Joker sea el disfraz por excelencia de cualquier fiesta de Halloween).

Para terminar de rizar el rizo, pocos días después Joker recibía el León de Oro y el jurado, presidido por Lucrecia Martel ―que llevaba todo el certamen en el ojo del huracán por su crítica a la presencia de Polanski en la Sección Oficial―, destacaba el haber logrado una película política dentro de un subgénero como el de los superhéroes, donde la ausencia de cualquier comentario social había sido la tónica dominante. Se ensalzó algo que no reconocía o que no se atrevía a reconocer, aunque tras ganar el premio, en la rueda de prensa posterior, ya dejó entrever que sí lo era pero que no quería decirlo.

Luego llegó el éxito descomunal en taquilla. Hasta hace un mes ―ha sido superada por Deadpool y Lobezno― era la película con una calificación R ―en EEUU los menores tienen que ir acompañados de un adulto― que más había recaudado rebasando la barrera de los 1.000 millones de dólares de todo el mundo. Era complicado que DC y Warner dejaran escapar semejante filón comercial, y finalmente convencieron al equipo original para repetir en una secuela que se ha presentado en Venecia como uno de los platos más fuertes de toda la Sección Oficial.

Lo que está claro tras ver la película es que Todd Phillips no va a tener el mismo problema que en la primera. Parece difícil que alguien pueda asegurar que aquí hay una película política, porque él se ha encargado de vaciarla por completo. Joker: Folie à Deux es un entretenimiento que busca el refinamiento estético sin tener nada dentro. No hay nada importante que contar, es solo una herramienta de lucimiento para Todd Phillips y para su dupla protagonista: Joaquin Phoenix y Lady Gaga. El primero repite como Joker, la segunda debuta en la franquicia como Harley Quinn.

Se podría resumir la crítica de esta secuela con el popular meme de los Simpson en el que Homer hace el pino mientras su madre y Lisa le miran desde la acera y le dicen: ‘Sí, sí, muy bonito, ya te vimos’. Joker 2 quiere llamar la atención todo el rato. Con su música grave, que se sabe importante y que subraya. Con su fotografía de tonos ocres. Con su virtuosismo en la cámara. Pero todo eso… ¿para qué? Pues para que les miremos (y pasemos por taquilla). Todo luce a la perfección, pero no hay una intención. Sí, es muy bonito, pero ya lo hemos visto.

Esa vacuidad caprichosa está desde el primer minuto, cuando el filme comienza con una pieza animada por el gran Sylvain Chotee (autor de Les triplettes de Belleville o El ilusionista). ¿Qué aporta este comienzo?, ¿por qué se ha usado la animación?… No hay explicación más allá del lucimiento del filme. Y lo mismo se podría decir del musical, desaprovechado a pesar de la espectacularidad de los números. Y aquí viene la nueva de Todd Phillips. Si en la primera dijo que no era una película política, en esta ha negado hasta la saciedad que sea un musical. No sé cómo definirá él un filme donde la narración está trufada de números donde se canta y baila y donde estos hacen avanzar la narración.

Es una pena porque hay algo muy interesante en la idea de que sea un musical, ya que realmente es un género que casi siempre se establece dentro de la cabeza del protagonista. Es decir, es este el que se imagina los números, y aquí tenemos un personaje donde su locura (o no) es uno de los asuntos importantes del filme, por lo que se podía haber establecido un juego muy interesante. Apenas se apunta, y el filme solo parece tener una idea debajo de su espectacular envoltorio. Esta idea es que los juicios y el sistema judicial es un espectáculo igual de sensacionalista que los late shows que aparecían en la primera parte. Por ello Joker inicia su show, su espectáculo y por ello canta. Es la mejor idea narrativa y la única que consigue que forma y fondo se unan. Lo hacen en una trama demasiado deslavazada ―se podría resumir en que Joker espera su juicio mientras conoce a una fan obsesionada con él en un grupo de canto de la cárcel―, que también desaprovecha otro posible melón, el amor como locura. Esa locura compartida (ese folie à deux del título) que se pasa de un amante a otro como un virus. 

Pese a todo uno queda deslumbrado con la brillantez de los números musicales, con el cuidado que se ha puesto hasta en el último detalle, y sobre todo con las interpretaciones de su dúo protagonista. Lady Gaga está estupenda. Sorprenderá que su actuación sea mucho más contenida de lo que todo el mundo espera, pero es un acierto que en una película tan desbocada y donde esa labor ya la cumple Joker, así que mejor que ella sirva de contrapunto. Lo de Joaquin Phoenix vuelve a ser un espectáculo de fisicidad, de expresión, de cambios de registro en un segundo… Un actor disfrutando con un papel que le da todo a su favor.

Sorprender a toda costa

La rueda de prensa de la secuela de Joker era una de las más esperadas. Por lo obvio, tiene a dos de las estrellas más famosas que han pisado el Lido estos días; y por lo extracinematográfico, ya que en los últimos días ha sido noticia que Joaquin Phoenix ha abandonado el rodaje de la nueva película de Todd Haynes a pocos días de empezar dejando tirados a todos y provocando la ira de sus productores (que se enfrentan a pérdidas millonarias). La pregunta tardó un poco en llegar, y Phoenix la rehuyó argumentando que no le parecía justo hablar de un tema cuando no estaban presentes aquellos a los que iba a mencionar.

Sabía que la pregunta iba a aparecer, y si normalmente ya se muestra incómodo en las ruedas de prensa, aquí esa incomodidad se notó todavía más. De hecho, cuando el director Todd Phillips le dijo si quería contestar él a una pregunta que había comenzado a responder, el actor le dijo que no. Hasta bromeó con todo ello cuando fueron preguntados por el mayor reto de esta secuela. “Lidiar conmigo”, dijo Phoenix.

Joaquin no había hecho nunca una secuela, así que si la hacíamos tenía que ser una película que le retara como la primera, y por eso tenía que ser audaz

Todd Phillips — Cineasta

Ante semejante panorama, Phillips se convirtió en la voz cantante y subrayó una y otra vez que esta secuela, que presenta “con más nervios que la primera”, tiene como máxima sorprender al espectador. “Joaquin no había hecho nunca una secuela, así que si la hacíamos tenía que ser una película que le retara como la primera, y por eso tenía que ser audaz, tenía que llevar a los fans a sitios diferentes y hacer algo tan poco esperado como fue la anterior y encima siendo una secuela”, dijo el cineasta. Para él lo más complicado ha sido “estar fuera del radar” para buscar esa sorpresa. “Que nadie supiera lo que estábamos haciendo, algo difícil tratándose de la secuela de Joker”, añadió.

Phoenix tampoco supo analizar qué hubo en la primera para atraer a tanta gente, y solo dijo que creía que fue “resonante para personas muy diferentes”. Phillips desarrolló un poco más y dijo que “las películas intentan poner un espejo en la sociedad, y Joker lo hizo con la sociedad del momento”. Eso sí, también dejó claro que esta secuela no se ha hecho para contestar a aquellos que se apropiaron del icono: “Es demasiado difícil hacer una película como para hacerla como respuesta a algo así”.

Aunque negaron que fuera un musical una y otra vez hablaron sobre las canciones y sobre cómo la música ya era un personaje en la primera, por lo que aquí era como un salto natural en donde la elección de las canciones estuvo basada en que fueran de una época concreta y que la madre del Joker pudiera habérselas cantado a su hijo cuando era pequeño. La novedad, o no tanto porque ya se ha hecho en otras ocasiones aunque no es lo normal, es que fueron interpretadas en directo para favorecer la interpretación de los actores, por lo que, como dijo Phoenix, “cada toma es una versión diferente de cada canción”. Eso se nota en cómo los dos disfrutan cada número en dos actuaciones que les pueden llevar directos a los Oscar, como ocurrió con la primera entrega, que salió de Venecia lanzada a la temporada de premios.

Los Rolling Stones tocaron la noche del jueves por sorpresa en el club neoyorquino Racket NYC, con capacidad para 650 personas, para celebrar el lanzamiento de su nuevo disco Hackney Diamonds, el primer álbum de material nuevo de la banda en 18 años, en una actuación a la que se unió Lady Gaga.

Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood se subieron al escenario para interpretar siete canciones del nuevo álbum y también éxitos como Shattered, Angry, Whole Wide World, Tumbling Dice, Bite My Head Off y Jumpin' Jack Flash, según ha informado este viernes su discográfica.

Lady Gaga se unió a la banda en el escenario para interpretar el single Sweet Sounds Of Heaven ante un público entregado y en una sala llena a rebosar.

Entre los invitados estaban Jimmy Fallon, Trevor Noah, Daniel Craig, Mary Kate Olsen, Elvis Costello, Diana Krall, Chris Rock, Taylor Hill, Rachel Weisz, Christie Brinkley, Ed Burns, Keegan-Michael Key, Minka Kelly, Christy Turlington y Andrew Watt.

La esperada salida al mercado de Hackney Diamonds este viernes pone fin al dilatado silencio musical de casi dos décadas sin canciones nuevas de los Rolling Stones, cuyo último álbum ha cosechado ya unas primeras críticas prometedoras. El grupo ya jugó a la sorpresa al anunciar misteriosamente la salida del disco con un anuncio falso en un periódico.

El disco se ha publicado este mismo viernes 20 de octubre (algunas tiendas han abierto a medianoche para ponerlo a la venta), y cuenta con colaboraciones de Elton John y Paul McCartney. Además, también se ha sabido que como parte de la promoción del esperado álbum y dentro del acuerdo de patrocinio de Spotify al FC Barcelona, el equipo vestirá camisetas con el rollingstoniano logo de la boca asomando lengua en el partido contra el Real Madrid del 28 de octubre. Jagger, Richards y Wood se han hecho fotos mostrando la camiseta.

La colaboración de Paul McCartney es especialmente emocionante y simbólica, por la rivalidad original, pero no es la primera vez que un ex Beatle se junta con los Rolling. Lennon y McCartney hicieron coros en We Love You de Rollling Stones en 1967, aunque en su momento no se acreditaron oficialmente. Al año siguiente, para un especial de la BBC (The Rolling Stones Rock and Roll Circus), Lennon volvió a colaborar con la banda de Jagger, formando un supergrupo con más músicos, Eric Clapton entre ellos.

También hubo alguna colaboración de vuelta, como cuando el difunto Brian Jones aportó coros a Yellow Submarine (y efectos de sonido, haciendo chocar dos vasos de cristal) y You Know My Name de los Beatles. Pero Bite My Head Off (feat. Paul McCartney) sería el aporte de mayor entidad de un Beatle a la que fuera su banda rival, o al menos que dividió al público entre dos querencias: ser pop y ser de los Beatles, ser rock y ser de los Rolling.

La historia de los Oscar también la escriben los perdedores. A los libros les encantan las estadísticas, y todos saben cuál fue la película más premiada o la que tuvo más nominaciones. 53 son las que ya suma el compositor John Williams, de las que ha ganado en cinco ocasiones (y este año podría hacerse con el sexto por Los Fabelman). 21 acapara Meryl Streep de las que materializó tres. Y sin embargo, todos se acuerdan de la desafortunada Glenn Close, que ya lleva ocho ocasiones perdiendo su ansiado Oscar. Casi todos suelen mencionar el nombre de la actriz de Las amistades peligrosas cuando se pregunta por la mujer más veces nominada sin haberlo ganado, pero ese extraño honor no es suyo, sino de la compositora Diane Warren, que este año ha logrado su nominación número 14 sin que nunca haya ganado ninguna. 

Tampoco parece que lo vaya a lograr esta vez. Su candidatura en la categoría de canción original por Tell it Like a Woman, de la película Applause, no está entre las favoritas y se enfrenta a Rihanna, a Lady Gaga y al fenómeno Naatu Naatu, del filme indio RRR. Warren lleva seis años siendo nominada de forma consecutiva y en las últimas nueve ediciones ha sido candidata en ocho. Un logro que nadie ha alcanzado hasta ahora. Eso sí, aunque el Oscar a la Mejor canción se le sigue resistiendo, por fin una estatuilla descansa en su vitrina. Este año se le ha entregado el Oscar honorífico, por lo que el mismo año Warren podría pasar de tener cero premios a dos. En la ceremonia donde se entregan, que se separa de la principal para aligerar tiempo de prime time, la cantante bromeó con su condición de eterna perdedora: “He esperado 34 años para decir esto... Me gustaría dar las gracias a la Academia”.

Lo que siempre ha llamado la atención de Warren es su buen perder. En 2021, cuando fue derrotada por duodécima ocasión, colgó un post en sus redes sociales tranquilizando a sus fans. “Ok, perdí de nuevo, pero ¿sabéis cuál fue la mayor victoria? Sentir más amor y apoyo que nunca en mi vida. Gracias a todos los que forman parte de mi comunidad y a los que votaron por esta canción, sois lo mejor de lo mejor y cada vez que nominan una canción mía es un gran honor que no me tomo a la ligera y por el que estoy profundamente agradecida. Gracias a todos por todas las amables y encantadoras palabras de apoyo, eso significa más que cualquier estatuilla”, escribió en Facebook.

El premio honorífico de Diane Warren es inapelable. Aunque muchos no conozcan su rostro, ella es la compositora de varias de las baladas más míticas del cine y de muchas de las canciones más cantadas y destrozadas en los karaokes de todo el mundo. Su primera nominación fue en 1988, y ya fue por una canción que ha quedado para la historia del cine y de las radiofórmulas tipo M80 o Kiss FM. Ella, junto a Albert Hammond, escribieron ese Nothing’s Gonna Stop Us Now que sigue escuchándose a menudo. Era la banda sonora de la canción Maniquí, y su éxito sigue siendo, junto a We Built This City, el más conocido de su banda, Starship. Perdieron frente a The Time Of My Life, otro de los himnos del cine de los años 80.

Su segunda nominación se hizo esperar. Llegó en 1996 y de la mano de la voz de Céline Dion, que un año después ganaría por la canción de Titanic. Esta vez perdió con Because You Loved Me, de Íntimo y personal, pero el tema sigue siendo uno de los más populares de la cantante canadiense. Su 'verdugo' esta vez fue Andrew Lloyd Webber, que con una composición nueva para la adaptación cinematográfica de Evita conquistó a los académicos.

Eso sí, en esos ocho años en los que no logró la nominación al Oscar sí que tuvo tiempo para crear algunas de las baladas pop más exitosas de la década, como If I Could Turn Back Time, de Cher; o el Unbreak my heart, de Tony Braxton en 1996. Dos de los muchos ejemplos de una carrera que aunque no tenga el Oscar sí que tiene un Grammy, dos Globos de Oro, un Emmy y tres premios Billboard. Warren es de las pocas artistas que puede presumir de haber escrito nueve canciones número 1 y 32 éxitos que entraron en el top 10 de la lista Billboard Hot 100.

Tras la nominación por Íntimo y personal llegó el momento del acelerón, y desde entonces comenzó a sumar nominaciones una tras otra. En 1998 escribió How Do I Live para LeAnn Rimes y la película Con Air. A la cantante le entregaría años después un tema que no estuvo nominado al Oscar, pero que reventó las listas de éxitos y se convirtió en un himno para una generación de jóvenes, Can’t Fight The Moonlight, la canción más popular de ese éxito imposible por el que nadie apostaba llamado El bar Coyote que puso la pole dance de moda antes del cambio de milenio.

Su canción más recordada, y la que debería haberle dado su Oscar antes del honorífico de este año, llegó en 1999. La balada de Aerosmith I Don’t Want To Miss A Thing para Armaggeddon se convirtió en un auténtico pelotazo, pero la Academia de Hollywood premió el tema de El príncipe de Egipto, When You Believe, que juntó a dos divas de la canción como Mariah Carey y Whitney Houston, un caramelo demasiado goloso para los Oscar, que volvieron a dejar a Warren sin el premio.

En los últimos años sus composiciones han sido para filmes más modestos, pero en canciones que luego han interpretados grandes estrellas de la canción. En 2016 compartió nominación con Lady Gaga, junto a la que escribió Till It Happens Yo You para The Haunting Ground. Jennifer Hudson cantaría su tema para el documental sobre la jueza del tribunal supremo Ruth Bader Ginsburg, y en 2021 fue Laura Pausini la que interpretó el tema principal de la película italiana La vida por delante, por la que Warren ganó su segundo Globo de Oro pero no su primer Oscar. Repasar la carrera de Diane Warren es como mirar un libro sobre la historia del cine popular de Hollywood, ya que sus canciones han sido la banda sonora de más de 100 películas de las últimas cuatro décadas, y las que todavía le quedan por escribir. 

Más de un centenar de artistas y personalidades de la cultura y de la política se unieron este fin de semana bajo el lema “Un mundo: juntos en casa”, un evento musical convocado por la Organización Mundial de la Salud (OMS) que, con el espíritu de los “Live Aid” de 1985, recaudó más de 50 millones de dólares para la pandemia del coronavirus.

Agradecimientos a los profesionales de la salud y eslóganes de esperanza fueron los mensajes más repetidos durante las ocho horas de actuaciones y discursos por redes sociales, que culminaron con un gran concierto televisado en el que estrellas como los Rolling Stones, Lady Gaga, Jennifer López, Paul McCartney y Stevie Wonder cantaron desde sus hogares.

Aunque el concierto benéfico buscó reunir donaciones para el Fondo de Respuesta por la COVID-19, desde el comienzo se pidió a los espectadores que apartasen sus carteras, pues en esta ocasión la responsabilidad se dejó en manos de grandes empresas y líderes mundiales.

Las actuaciones: desde las casas de los artistas para el mundo

Así, la actuación que mejor resumió el espíritu del momento fue la de Taylor Swift, quien al final de la noche interpretó por primera vez su balada Soon You’ll Get Better -“Pronto estarás mejor”-, con una letra dedicada a su madre en tratamiento por cáncer que en esta ocasión parecía un mensaje de aliento para todo el planeta.

La situación global por la pandemia estuvo muy presente durante la cita, en la que se proyectaron imágenes ciudades como París, Madrid, Londres, Nueva York o Buenos Aires completamente vacías.

Uno de los momentos más esperados fue la aparición de los Rolling Stones, quienes, si en sus casi 60 años de carrera les faltaba algo por hacer, sumaron a su lista una actuación muy peculiar: Interpretar por videollamada You Can’t Always Get What You Want. Lo hicieron cada uno desde su casa, con la pantalla divida en cuatro. Mick Jagger comenzó a cantar con su guitarra acústica; Keith Richards -con una cerveza en la mesa- y Ronnie Wood se unieron después, y finalmente Charlie Watts tocó una peculiar batería construida con objetos cotidianos y mucha imaginación.

Fue una escena entrañable y casera que se repitió en cada una de las apariciones musicales. Porque aunque la falta de público y de escenario hicieron de esta especie de “macroconcierto” una reunión sin cuerpo, los encargados de entretener al público no dejaron de ponerle alma.

Incluso la distancia social no impidió hacer colaboraciones como la de John Legend y Sam Smith, quienes versionaron juntos el clásico de Ben E. King Stand By Me. Por temas clásicos también apostaron Jennifer López, que cantó People de Barbra Streisand en su jardín, y Lady Gaga, quien interpretó Smile de Nat King Cole al piano.

Hubo momentos para el español de la mano de Maluma, con su propia versión del Carnaval de Celia Cruz, y una aparición de J Balvin en la que dio consejos para evitar propagar el virus en inglés y español.

Desde invocar al Carnaval de la vida, hasta pedir que no se pierda la sonrisa (Smile), invitar a la unión de la gente (People) o que pronto todo se recupere (Soon You’ll Get Better), los títulos de las canciones escogidas construyeron el mensaje de la jornada.

Una jornada de distancia social y redes sociales

Las circunstancias excepcionales y las redes sociales hicieron que el público encontrara momentos destacados fuera de la retransmisión oficial. Internet aplaudió la emoción que Lady Gaga mostró por Instagram antes de arrancar el evento, aunque una vez concluida su aparición ella misma subió videos bailando frente al televisor mientras actuaban Elton John y Stevie Wonder.

Otras celebridades, como Oprah Winfrey, tuitearon la cena preparada para la ocasión, mientras que Taylor Swift agradeció el apoyo de sus fans por redes sociales nada mas terminar el número musical.

Entre las actuaciones, varias -y variadas- personalidades aprovecharon para mandar sus mensajes. Uno de los primeros fue el secretario general de las Naciones Unidas, António Guterres, quien pidió utilizar “el lenguaje universal de la música” para dar las gracias a los sanitarios y las personas afectadas por la pandemia.

También aparecieron en un mismo vídeo Michelle Obama y Laura Bush, minutos antes de que lo hicieran Bill y Melinda Gates. En la lista de mensajes apareció Beyoncé, quien no cantó y en su lugar agradeció con palabras. “A los doctores, enfermeros... Aquellos en la industria alimentaria, en servicios de correos y de limpieza que hacen posible que podamos estar seguros en nuestras casas”. A todos ellos dedicó la noche.

Grandes zapatos son los que tuvo que llenar Lady Gaga en la nueva versión de ‘Ha nacido una estrella’. Nombres icónicos de la historia del cine, como Barbra Streissand, Judy Garland y Janet Gaynor, ya habían protagonizado una película con la que ahora Bradley Cooper se estrena como director. La historia también parece que se ha contado en innumerables ocasiones en el cine, en la televisión, en los castillos en el aire: es el relato del sueño americano, de alcanzarlo todo partiendo desde cero, un lema que ha movido a generaciones y generaciones, dentro y fuera del cine. ‘A lucky twist’ y la camarera pasa a ser una gran estrella de la música pop.

Ally (Lady Gaga) es camarera. Pero su sueño es ser cantante. Sin embargo, es un sueño lejano que se limita a viernes por la noche en el bar de ‘drag queens’ donde la dejan ser “una de las chicas”. Ahí explora su innegable talento, con unas cejas pegadas y el pelo pintado de negro. Así es como la encuentra Jackson Maine (Bradley Cooper), un cantante de música country que arrasa entre las masas pero que tiene serios problemas de alcoholismo y tristeza. Se encuentran entre las luces de la noche, entre la música de bares en California y se enamoran. ‘I’m in love with your music, baby’. La carrera de Ally despega al lado de Jack, que la ayuda a hacerse valer en su talento, oculto hasta entonces.

“Creo que eres una cantautora”, le susurra Jackson a Ally al oído la primera noche que se conocen, maravillado por la fuerza que irradia esta mujer de nariz grande a través de su música. La química entre Lady Gaga y Bradley Cooper estalla ante el espectador. Es una mezcla tan potente que hace que se puedan obviar los fallos que tiene ‘A Star is Born’, que llega, en muchas ocasiones, a ser poco creíble. Como cuando ella se sube al escenario y conoce el arreglo entero que se ha hecho de una canción que apenas había tarareado antes en un aparcamiento.

La enseñanza musical a la que se sometió Bradley Cooper para encarnar verdaderamente a un cantante que se roba los escenarios demuestra, una vez más, la capacidad que tiene para sobresalir entre sus congéneres. Es, sin duda, uno de los grandes valores dentro de su generación. Pero la que realmente se roba la película es Lady Gaga, que emana una energía poderosa, cruda y sin aditivos. Ally es ella cuando no pensaba que iba a alcanzar el éxito, acomplejada por su nariz. La cantante sale a escena sin maquillaje, mostrándose tal cual es ella y es algo que no se puede olvidar incluso cuando se convierte en un producto de la industria musical. La música que crea es única, es algo que no se escucha y eso es una de las grandes marcas de ‘A Star is Born’.

Hay momentos que rezuman demasiado edulcorante, como es la boda de Jack y Ally, y ese primer plano de una sola lágrima en la cara de la novia que le resta autenticidad a todo el montaje creado. También la recaída de Jackson en sus hábitos autodestructivos está forzada dentro de la historia para ser lo más rimbombante posible, un recurso mucho más sencillo que una destrucción silenciosa y prolongada a lo largo de la película. El espectador sabe qué va a pasar con Jackson desde el principio y es algo que también quita suspense a ‘Ha nacido una estrella’. Lo mismo ocurre con el giro que da la música de Ally, que pasa de tener una esencia propia a hablar de culos que quedan bien en vaqueros. No hay nada nuevo y todos los esperábamos.

Pero todo este contenido tan insulso, tan predecible se olvida de un plumazo con la actuación final de ‘I will never love again’. Ally, viuda, destrozada, vuelca todos sus sentimientos en el ultimísimo homenaje de una canción escrita por Lady Gaga, por Jackson en la película, que transmite una fuerza poderosísima, una fuerza que viene de la tristeza, del desconsuelo de la pérdida. El último concierto que vemos es el broche de oro de la película, un homenaje a la música dentro del séptimo arte, a la constancia y al valor que supone perseguir los sueños, a pesar del dolor que puedan acarrear.