El Ayuntamiento de Campo de Criptana ha presentado el Gigante de Sara Montiel, una figura que se incorpora al patrimonio festivo y cultural del municipio y que rinde homenaje a la artista criptanense más universal.

El proyecto, impulsado por la Comisión de Fiestas y financiado por la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, ha sido desarrollado por la Asociación Cultural El Burleta, responsable de su diseño, elaboración y vestuario.

La imagen de la actriz y cantante, que falleció en 2013, se incorpora así al grupo de 'Gigantes y Cabezudos' de esta población de Ciudad Real en la que nació.

La concejala de Festejos, Berna Manzaneque, ha defendido que este Gigante es un “homenaje a la vecina más universal de la localidad, a la mujer que puso a Campo de Criptana en lo más alto”.

El edil ha agradecido la financiación de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, así como el trabajo de la Asociación Cultural El Burleta, que lo ha hecho posible: desde los primeros bocetos hasta el espectacular vestuario que culmina el proyecto.

Un homenaje “con respeto” a la figura de Sara Montiel

Tras desear que “Sara siga paseando” por las calles del municipio y acompañando en las fiestas“, ha expresado su deseo de que ”este gigante sea el primero de muchos, porque Criptana tiene historia, tiene arte y tiene gigantes“.

El presidente de la Asociación Cultural El Burleta, Manolo Pintado, ha explicado que afrontaron el proyecto “con respeto”, ya que “no es lo mismo hacer una figura para una carroza que una que debe parecerse a la persona”.

Tras asegurar que ha sido “un proceso largo”, especialmente en este caso, por el trabajo del vestuario, ha añadido que han intentado ceñirse “al máximo al personaje”, trabajando “con la mayor ilusión” y recordando que son “simples aficionados, no profesionales”, lo que implica “mirar, revisar y rehacer cuando es necesario”.

La actriz británica Phyllida Law, madre de la también intérprete Emma Thompson , ha muerto a los 94 años. Su representante, Jacky Leggo, confirmó “con gran tristeza” la noticia a la cadena pública BBC News mediante un comunicado en el que dijo que la intérprete murió “con absoluta paz en su hogar, rodeada de toda su familia” tras una larga y prolifera carrera.

Law, que se mantuvo durante ocho décadas actuando en el teatro, la televisión y el cine británico, se hizo popular en los años 60 gracias a la televisión y su participación en programas como Dr Finlay’s Casebook, Dixon of Dock Green o The Troubleshooters, aunque su rostro se hizo más conocido para el gran público gracias a sus apariciones en filmes como Los amigos de Peter, Mucho ruido y pocas nueces, ambas junto a su hija Emma Thompson. Con ella también aparecería en El invitado de invierno, donde dieron vida a madre e hija, como en la realidad.

Nacida en Glasgow en 1932, la actriz escocesa se formó en la Bristol Old Vic Theatre School, donde orientó su carrera hacia la escenografía y la actuación. En 1957 se casó con el actor británico Eric Thompson, presentador de un programa infantil de los años 60 y reputado actor de doblaje para series animadas, con quien estuvo casada hasta que él falleció de un infarto a los 53 años.

A lo largo de su larga trayectoria profesional, Law combinó la aparición en programas de la televisión británica como Midsomer Murders o Doc Martin y una prolífica carrera en el mundo del teatro en el West End londinense donde trabajó junto a Alec Guinness en A Voyage Round My Father (1971) de John Mortimer. También se la vería en películas como Anna Karenina (1997), Saving Grace (2000) y Miss Potter (2006). En 2014 fue condecorada con la Orden del Imperio Británico por su carrera en las artes escénicas y diversas causas benéficas.

El legado artístico de Law, de casi ocho décadas, estuvo profundamente ligado a la carrera de sus hijas, Emma y Sophie Thompson, con quienes compartió pantalla en títulos como Los amigos de Peter (1992), Mucho ruido y pocas nueces (1993), la adaptación de Emma (1996) o El invitado de invierno (1997).

“En cierto modo, ambas son mis compañeras; no siguieron nuestros pasos, sino que nos superaron, arrollándonos”, bromeaba en 2017 en The Telegraph sobre la exitosa saga familiar de actrices que hoy continúa con su nieta Gaia, quien la despidió en redes con un “descansa en paz, mi reina”. Enamorada de su profesión hasta el final, la veterana actriz hizo un último guiño humorístico sobre su propia despedida en una entrevista en The Telegraph: “Tengo que celebrar mi funeral por la tarde, con la función a las 14:30, para que la gente pueda ir al teatro después”.

La actriz Assumpta Serna, al cuidado de su madre, de cien años, ha denunciado a través de un vídeo en sus redes sociales la lentitud e ineficacia del sistema de ayudas a la dependencia de la Generalitat de Catalunya, que ha argumentado que la normativa actual no prevé atención 24 horas.

“No es ni humano ni justo”, ha afirmado la intérprete catalana, que ha emprendido una campaña para recoger testimonios y “hacer más fuerza” para exigir “más presupuesto y cuidadores formados”.

“Lo que nos está pasando solo ilustra lo terrible que es la atención a las personas mayores en Catalunya en estos momentos y el infierno incoherente y burocrático que hay que atravesar para lograr cualquier cosa... si es que logras algo”, ha señalado Serna, que ha participado en más de cien producciones cinematográficas y televisivas en varios países y tiene una nominación a los premios Goya.

En un vídeo que ha tenido cientos de miles de visualizaciones, Serna dice haber presentado una queja formal ante el Consorcio de Servicios Sociales de Barcelona tras la resolución, en julio pasado, de su solicitud, que le ha concedido 64 horas al mes de ayuda a domicilio, “para una persona que la precisa 24 horas al día” y que ha tardado más de un año en resolverse.

A ello se añaden, dice, “años de retraso”, desde 2017, para revisar el grado de dependencia y, finalmente, el hecho de que en agosto el servicio esté cerrado y no atiendan al correo ni al teléfono. “Es como si dijeran, ¿podéis dejar de morir en agosto?, estamos de vacaciones”, ironiza.

Serna denuncia además la imposibilidad de contratar directamente a un cuidador y recibir una prestación. “Te obligan a contratar empresas recomendadas por la Generalitat que se quedan comisiones enormes” y con “unos cuidadores que no tienen la titulación requerida”.

La actriz ha lamentado que esto ocurra a la gente mayor de Catalunya “que lleva trabajando toda la vida y ahora, cuando más lo necesitan, el sistema los trata como una carga, siempre dando prioridad a otras franjas de edad”.

El vídeo inicial lo compartió hace dos días y este sábado colgó uno nuevo agradeciendo la respuesta recibida y asegurando que “un político” le ha dicho que en septiembre la llamará.

También señala que “alguna autoridad con poder en las valoraciones de grado ha mostrado un interés superior en el caso de su madre”, pero que ya no se trata solo de su madre. “El objetivo ha cambiado”, afirma la actriz, que se propone “buscar soluciones para un problema compartido por muchos catalanes y españoles”.

Por experiencia propia, Serna asegura que la atención domiciliaria 24 horas cuesta entre 3.000 y 4.000 euros al mes y que los servicios sociales dan “300 o 500 euros”, cuando “lo justo serían unos 2.000”.

Según el informe más reciente del Observatorio Estatal de la Dependencia, difundido en julio pasado y referido al primer semestre del año, en España hay 255.302 personas pendientes de algún trámite relacionado con la dependencia.

Según ese balance, 108.908 personas están pendientes de valoración y 146.394 esperaban una prestación o servicio ya reconocido. Además, el Observatorio cifra en 15.450 las personas fallecidas entre enero y junio de 2026 mientras esperaban una resolución.

Los límites de la normativa

El Departamento de Derechos Sociales e Inclusión de la Generalitat de Catalunya ha asegurado este domingo que, desde el primer día, ha estado a disposición de la actriz para atender su situación y asegura que ya se han puesto en contacto con ella para conocer de primera mano su caso y dar respuesta a sus requerimientos.

Argumenta que la normativa estatal que regula el Sistema para la Autonomía y la Atención a la Dependencia no prevé, con carácter general, una atención continuada las 24 horas del día. El nuevo modelo, añade, apuesta por una valoración integrada, con una única visita y una única respuesta, para evitar duplicidades y agilizar trámites.

El plan CURA, un plan de choque para reducir las listas de espera de la dependencia en Catalunya, está permitiendo acelerar “de manera significativa” las valoraciones y la elaboración de los PIA (Programa Individual de Atención).

En este sentido, asegura la Generalitat que hace valoraciones por vía telemática en los casos que lo permiten y ha puesto en marcha el “PIA exprés” para agilizar el acceso a las prestaciones económicas.

Desde el Departamento aseguran que son conscientes de que los tiempos de espera generan “preocupación y frustración en muchas familias”, por lo que impulsan la transformación del sistema y esperan poder dar a conocer próximamente datos que acrediten que el sistema de la dependencia en Catalunya “ha iniciado un cambio de ciclo”.

Se estrenó el pasado 26 de junio en Estados Unidos y ha conseguido una recaudación de 23,5 en el país y unos 18 millones a nivel mundial, en los territorios en los que se ha exhibido en cines, pues en España no se espera que llegue hasta octubre. Hablamos de ‘The Invite’, la que para muchos ya es la comedia del año.

Dirigida por Olivia Wilde, que también la protagoniza junto a Penélope Cruz, Edward Norton y Seth Rogen, se basa en una película española, ‘Sentimental’ de Cesc Gay, que es una versión en inglés después de existir largometrajes en alemán o italiano.

De qué va la película ‘The Invite’ de Olivia Wilde

La película, de la productora A24, se basa en la historia que ya estrenó en 2020 Cesc Gay, ‘Sentimental’, que nos presentaba una historia de enredo entre dos parejas formadas por Javier Cámara y Griselda Siciliani por un lado y Belén Cuesta y Alberto San Juan por el otro.

En este caso, en su versión en Hollywood con ‘The Invite’ las parejas las forman Olivia Wilde y Seth Rogen que dan vida a Angela y Joe; y Penélope Cruz y Edward Norton que son Pina y Hawk, a los que invitan a cenar en un encuentro que cambiará la vida de los cuatro. Y es que en ambas películas hay un matrimonio aburrido de la monotonía que de repente se encuentra con una pareja más joven y atrevida, aunque esto da lugar a un intercambio de visiones sobre las relaciones humanas.

Sin embargo, en España no se verá en cines hasta el 16 de octubre de 2026, la fecha de estreno prevista, meses después. Olivia Wilde está en la dirección, mientras el guion es obra de Rashida Jones y Will McCormack, una dupla creativa que se ha centrado en la comedia.

“No hay ningún género que se beneficie más de la experiencia colectiva”

‘The Invite’, sin embargo, no ha tenido un camino sencillo para el estreno en cines, sino que la directora asegura que ha tenido que luchar e incluso “perder dinero” para lograr que se exhiba en salas de cine de todo el mundo y no fuera directamente a plataformas. En parte gracias a su buena acogida en el Festival de Sundance, donde obtuvo buenas críticas:

“Pensé: ‘Esto es mágico. Tenemos que escucharlo… tenemos que luchar por ello’. Si no luchas por ello, escucha, ya sabes esto… te sobornan para que no estrenes en cines. Es un soborno. Te pagan más. No a mí, ni al cineasta. Los inversores ganarán mucho más dinero con el streaming, y puedes aceptar ese soborno y renunciar a eso si esas son tus prioridades”, declaró en una rueda de prensa en el Festival de Cine de Locarno donde participa la película.

En este sentido agradeció a la productora Megan Ellison de Annapurna por su apoyo a su deseo de llevar la película a los cines y por aceptar la oferta de A24 para su distribución en salas, aunque las plataformas ofrecieran más. “Realmente creo que no hay ningún género que se beneficie más de la experiencia colectiva que la comedia… es una parte ancestral de nuestra cultura. Como seres humanos, nos hemos reunido, contado historias y reído juntos durante miles de años de diferentes formas y maneras.”, apuntó al respecto.

El mito de Fedra regresa al Teatro Romano de Mérida con una mirada renovada y con el debut de Lydia Bosch sobre este escenario, 37 años después de que la actriz dejara los escenarios. ‘Fedra, en los infiernos’, que podrá verse del 12 al 16 de agosto dentro de la 72 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, propone una reflexión sobre la culpa, los prejuicios sociales y las expectativas ajenas que condicionan la vida de las personas y que, en ocasiones, impiden “ser libres”.

La obra, dirigida por José María del Castillo, sitúa a Fedra en los infiernos y le concede una segunda oportunidad para revisar su propia historia y enfrentarse de nuevo a su destino. Una perspectiva que permite al personaje cuestionar la culpa que ha marcado su existencia y reivindicar el derecho a vivir de acuerdo con sus propios deseos.

“Es muy importante poder reivindicar el derecho a ser uno mismo”, ha defendido Del Castillo durante la presentación del montaje, que plantea así una relectura contemporánea de uno de los grandes personajes de la tradición grecolatina.

En plena obra, Fedra llegará incluso a afirmar que, si tuviera una tercera vida, volvería a hacer lo mismo, pero sin cargar con “la losa de la culpa”. Su deseo sería amar “como solo los locos saben hacer”, sin miedo a caer, sin culpa por hacer daño y prestando mucha menos atención a la mirada de los demás.

La propuesta parte de un personaje atrapado entre sus deseos, sus emociones y las normas sociales de su tiempo, pero traslada ese conflicto al presente. El portavoz municipal, Julio César Fuster, ha definido a esta Fedra como una mujer “hecha de fuego y de culpa”, cuya historia permite reflexionar sobre una cuestión plenamente actual: “cómo juzgamos a las personas por sus errores”.

Un personaje que reclama una segunda oportunidad

El director del Festival de Mérida, Jesús Cimarro, ha reivindicado la importancia de Fedra dentro de la tradición grecolatina y grecorromana, pese a que no se trate de un personaje representado con tanta frecuencia como otros grandes protagonistas de la tragedia clásica.

El secretario general de Cultura, José Luis Gil, ha destacado precisamente la potencia teatral de esta nueva versión al situar a Fedra en los infiernos. Desde allí, el personaje puede hacer algo que, según ha señalado, muchas personas desearían poder hacer alguna vez: regresar atrás, contar de nuevo su vida y enfrentarse otra vez al destino.

La obra convierte así el mito clásico en una oportunidad para hablar de la posibilidad de revisar el pasado y liberarse de aquello que continúa condicionando el presente.

Cáparra, también

Además, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida llevará seis espectáculos, entre el 13 y el 18 de agosto, a su extensión en el yacimiento romano de Cáparra, entre Guijo de Granadilla y Oliva de Plasencia.

La programación arrancará el 13 de agosto con Cleopatra enamorada, el Musical y continuará el día 14 con Alejandro y el eunuco persa. El 15 será el turno de Los hermanos, el 16 de Jasón y las Furias, el 17 de Iconos o la exploración del destino y el 18 cerrará la programación La aparición. Estas dos últimas obras son producciones extremeñas.

El director del Festival, Jesús Cimarro, ha destacado que la extensión de Cáparra, la última en incorporarse al certamen, “cada año va a más”.

Durante la presentación, la directora general de Patrimonio Cultural y Documental de la Junta de Extremadura, Adela Rueda, ha puesto en valor la inversión de 1,5 millones de euros destinada a trabajos de restauración en el yacimiento y ha defendido la vinculación entre cultura y patrimonio como motor económico, social y cultural de la región.

La diputada de Igualdad de la Diputación de Cáceres, Antonia Molina, ha señalado que estas extensiones contribuyen a dinamizar el medio rural, atraer visitantes y combatir el despoblamiento, al tiempo que ha reclamado que las actividades se desarrollen “con ternura y respeto” para preservar la autenticidad histórica del enclave.

Por su parte, la presidenta de CEDER Cáparra, María José Pérez, ha subrayado que llevar el teatro al yacimiento supone “llenar de vida el patrimonio” y convertir sus restos arqueológicos en un espacio de encuentro y cultura.

La extensión se completará el 13 de agosto con el pasacalle Regresos de Ulises: La Odisea en Plasencia, que se trasladará a Mérida al día siguiente.

Veinte años después, Meryl Streep se volvió a poner en la piel de uno de sus personajes más icónicos de los últimos años como es Miranda Priestley para hacer realidad la secuela de ‘El diablo viste de Prada’, que ha sido uno de los estrenos del año con una recaudación de 691 millones de dólares a nivel mundial y que ha supuesto el regreso por todo lo alto no solo de la historia que protagoniza la actriz junto a Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci.

La redactora jefa de la revista Runway, un personaje inspirado en Anna Wintour, volvió en ‘El diablo viste de Prada 2’ de la mano de Meryl Streep con una trama en la que se refleja la realidad de los medios de comunicación tradicionales ante su decadencia y el cambio de la forma de ejercer el periodismo, que en muchos casos pone en peligro la integridad y la ética de los profesionales.

En este sentido, la actriz ganadora de tres premios Oscar ha ideado una subasta online de prendas de vestuario de ‘El diablo viste de Prada 2’ con beneficios que irán al Comité para la Protección de los Periodistas (CPJ) y al Consejo de Diseñadores de Moda de América (CFDA), para la protección de ambas profesiones, según ha anunciado la interprete a través de un comunicado del que se ha hecho eco Deadline.

No solo se subastan piezas llevadas por Meryl Streep

La subasta anunciada por Meryl Streep y cuyos beneficios irán destinados a las dos asociaciones de protección de periodistas y diseñadores de moda tendrá lugar del 1 al 15 de septiembre a través de la página web de la casa de subastas Christies, que es la encargada de llevarla a cabo.

Entre las piezas que se subastan de ‘El diablo viste de Prada 2’ figuran la chaqueta de Dries Van Noten que luce Miranda durante la película, un vestido de plumas Bad Binch TongTong usado por Lady Gaga de Terrence Zhou o el suéter azul cerúleo que viste Andy, el personaje que interpreta Anne Hathaway, además de otras más.

Además, todas las piezas que forman parte de la subasta estarán expuestas para el público general, que podrán apreciarlas a través de una exposición pública gratuita que tendrá lugar del 8 al 13 de septiembre en la sede de Christie’s en Nueva York.

Un hecho que coincidirá en parte con la Semana de la Moda de Nueva York en su edición de otoño, del 9 al 14 de septiembre de 2026, y que por ello la casa de subastas Christie’s ofrecerá un cóctel exclusivo y una subasta benéfica en directo el 10 de septiembre, en colaboración con CPJ y CFDA, en el que se subastarán prendas de moda, pero también experiencias de lujo inspiradas en películas.

Spider-Man: Brand New Day está haciendo historia en taquilla cuando cumple su primera semana en la cartelera. La película de Sony Pictures y Marvel ha recaudado más de 1.000 millones de dólares en todo el mundo en su debut, convirtiéndose en el segundo mejor estreno de la historia, solo por detrás de Avengers: Endgame. En España, donde se estrenó el miércoles 29 de julio, logró el mejor día de estreno de la historia del cine en el país. Pero más allá de los números, la película ha dejado una sorpresa que los fans de Marvel llevan meses esperando: la llegada oficial de Jean Grey al Universo Cinematográfico de Marvel, interpretada por Sadie Sink. Es el debut de la actriz en el UCM y el debut del personaje en la continuidad principal de Marvel, y ambos han sido recibidos como uno de los movimientos más importantes de la franquicia en años.

Jean Elaine Grey fue creada por Stan Lee y Jack Kirby y apareció por primera vez en septiembre de 1963, siendo uno de los cinco X-Men fundadores originales junto a Cíclope, Bestia, Ángel e Iceman. Es una mutante de nivel Omega (la clasificación más alta dentro del universo Marvel), con poderes de telepatía y telequinesis que en su forma más avanzada se fusionan con la Fuerza Fénix, una entidad cósmica de poder casi ilimitado. Como curiosidad, en los cómics Jean Grey ha muerto y resucitado más veces que ningún otro personaje de Marvel.

Tres actrices, 26 años y un mismo personaje

Sadie Sink se convierte con Spider-Man: Brand New Day en la tercera actriz en interpretar a Jean Grey en live-action. La primera fue Famke Janssen, que dio vida a la mutante de nivel Omega por primera vez en el año 2000. Su arco de personaje fue el más completo de las tres: presentada como médica de la Mansión X en X-Men (2000) y X-Men 2 (2003), donde se sacrifica para salvar al equipo, y resucita convertida en Fénix en X-Men: La batalla final (2006), una personalidad destructiva reprimida durante años por Charles Xavier. Tras asesinar a Cíclope y al Profesor X, Logan se ve obligado a matarla para detener su ola de destrucción. Janssen regresó como manifestación de la culpa de Wolverine en Wolverine: Inmortal (2013) y volvió a la vida al final de X-Men: Días del futuro pasado (2014) tras corregirse la línea temporal.

Con el reinicio de la continuidad en los años 70, Sophie Turner asumió el papel para destapar los orígenes del personaje. En X-Men: Apocalipsis (2016) aparece como una adolescente que teme el alcance de sus poderes, y en X-Men: Dark Phoenix (2019) absorbe una fuerza cósmica alienígena que fragmenta su mente, acabando con Jean convirtiéndose en energía pura para proteger al mundo.

Jean Grey en el UCM y el futuro de los X-Men

En Spider-Man: Brand New Day, Jean Elaine Grey aparece como una villana misteriosa que usa a civiles como marionetas psíquicas para atacar las instalaciones de Control de Daños, la organización gubernamental encargada de gestionar conflictos con individuos que tienen poderes. Cuando es capturada y descubre que pasó con su hermana, sus poderes se multiplican de forma exponencial. Esta manera de tratar el personaje es un paso más de la estrategia de Marvel de integrar gradualmente a los X-Men en el UCM.

El presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, explicó que cuando salió el nombre de Sadie Sink para interpretar al personaje, no lo dudaron. Fue la coproductora Emily Fawn quien propuso el nombre de Sadie Sink durante una reunión creativa: “Emily Fawn dijo: ‘¿Y si llamamos a Sadie Sink?’. Todos nos miramos y pensamos: ‘Es Jean Grey. Tenemos que conseguirla’”.

La adquisición de Fox por Disney devolvió a Marvel los derechos de los mutantes, y Brand New Day parece ser el inicio de su integración en el MCU. La futura película de X-Men dirigida por Jake Schreier y las próximas entregas de los Vengadores serán los próximos capítulos de ese plan. Veremos ahí que papel ocupa la Jean Grey de Sadie Sink, y si se convierte en una de las grandes referencias de la franquicia en esta nueva etapa.

Susana Abaitua no teme decir que le dio miedo interpretar a la protagonista de El último mono. Lleva el suficiente tiempo en esto para saber que la línea que separa la comedia de la defensa es, a veces, muy fina. Por eso quiso asegurarse de que esta comedia, que protagoniza junto al cómico y actor Juan Dávila, no jugara a la ambigüedad. Al ‘ni machismo ni feminismo’ que, por desgracia, sigue presente en muchas capas de la sociedad. La imposible historia de amor entre una cómica feminista y un youtuber de la fachosfera solo podía darse si el que cambiaba, si el que quedara en el foco, fuera el hombre machista.

Lo tenía claro, lo trasladó y al final saltó a la piscina para hacer esa comedia loca que le apetecía. Una que le venía bien para quitarse también el peso de un drama como el de Un fantasma en la batalla, donde como infiltrada de ETA en el filme de Agustín Díaz Yanes logró su primera nominación al Goya. Su cambio de registro la confirma en su solidez como una representante de una generación de actrices que rompen con prejuicios, clichés y que hablan sin miedo de todo.

¿Qué pensó cuando leyó el guion de esta comedia?

Este guion me llegó porque me llamó Fernando Bovaira, productor y me dijo: “Tengo este proyecto y me gustaría que lo hicieras, quiero que lo leas”. Tenía mucho interés en que lo hiciera una actriz comprometida con el feminismo. También para hablar, para modificar si había que modificarlas… Entonces, al principio, fue un poco de susto. Es verdad que luego vi que estaba escrita por Joaquín Oristrell y Yolanda Serrano, y con Joaquín Mazón como director. Tuvimos varias reuniones de guion, yo dije algunas cosas, hablamos un montón y luego me apetecía tirarme a la locura de una comedia. Yo había hecho ya Loco por ella, pero es una comedia más feelgood movie con su drama debajo, y venía de hacer mucho drama. Yo en mi vida soy supergansa y creo que es algo que no he enseñado como actriz.

Siempre se dice el topicazo que hacer comedia es mucho más complicado.

Es muy difícil. Para mí era un reto este personaje. Yo no quería pasarme y no tener verdad. Pensaba en cómo, desde la verdad, iba a encontrar la comedia. Y también te digo, cuando yo veía a Joaquín [Oristrell] meado de risa en combo… [el monitor para seguir el rodaje].

Lo ha mencionado, que escriben Oristrell y Yolanda García Serrano, dos de los popes de la comedia en España, que siempre dicen que la comedia es la mejor forma de hablar de temas importantes y aquí lo hace, ¿eso le apetecía?

Sí, me apetecía, pero era justo lo que me daba miedo también. Lo que pasa es que Joaquín Mazón me dijo desde el minuto uno: “Aquí no es ver quién gana. Para mí hay una clara verdad y lo otro es ridículo. Entonces vamos a buscar el camino, sobre todo de encontrar que Mariela pueda pillarse por este tío. Este es el gran objetivo de esta película, pero nunca se va a salvar al personaje de él porque no tiene sentido lo que hace”. Entonces eso sí me gustó y me lancé.

Yo no sabía lo de la machosfera, los incels y todo este mundo. Hay youtubers ahora, que no voy a mencionar porque no quiero darles publicidad, pero donde la realidad supera la ficción. Es muy heavy la de cursillos que hay en contra de las mujeres, en contra de derechos fundamentales. Me quedé… Todos investigamos bastante, todo el equipo de actores y actrices y flipamos. Entonces, y además con Juan Dávila, que tiene un público muy diverso, si hay alguna manera de que puedan ver la película, que se puedan reír, pero a la vez vean que esto de aquí no tiene sentido. Creo que es una manera bonita de llegar a la gente.

Ha dicho que le daba miedo, es cierto que había un riesgo con la película, y era caer en el ‘ni machismo ni feminismo’, ¿cuánto miedo le daba que eso pudiera ocurrir y cómo vive que algo así todavía se piense?

Es una mierda. Primero, respecto a la película. Nunca sentí lo de 'ni machismo ni feminismo'. De hecho, es una de las cosas que me convenció para hacer la película. Para mí era una red flag. Si yo hubiese visto que la energía del proyecto tiraba por ahí, no la hubiese hecho. Y tanto el productor como los guionistas y el director lo tenían clarísimo. Esto no va de 'ni machismo ni feminismo', esto es feminismo. Y hablamos de lo que está pasando con el machismo y cómo poder evolucionar en ese sentido. Y en la vida sigue pasando.

Es verdad que en mi entorno quizá lo noto menos, pero también es un entorno más artístico. Hay algo como que cuando salgo de Madrid lo sigo notando muchísimo y pienso cuánto trabajo queda. Ya no es el movimiento feminista de ahora, es que nuestras abuelas también estaban luchando con esto y pienso, ¿se acabará en algún momento? ¿Se llegará realmente a una igualdad? ¿Se entenderá que el feminismo no pretende aplastar al hombre, que es un tema de derechos, de igualdad, de oportunidades, de salarios, de violencia? Eso de las feminazis… Ese término ya está bien, es que no tiene sentido.

Es un movimiento en contra por parte de ciertos hombres que veo, además, muy violento. Como actriz imagino que está expuesta a esos comentarios en redes, en su día a día… ¿Lo nota?

Lo noto en general. Ya no solo con el feminismo, en todo. El otro día, en una conversación, pensaba: “¿Por qué está pasando esto?”. Y creo que algo que todo el mundo está que salta a la mínima, hay mucho odio y se ha perdido un poco la empatía… No sé si tiene que ver con las redes, con el individualismo, con que todos miramos hacia abajo en la calle, al teléfono… Falta ponerse en la piel de la otra persona. Creo que nos escuchamos menos.

Y aunque suene naif, pero, ¿el cine y el arte qué pueden hacer frente a esto?, ¿esta comedia puede hacer que alguien cambie en algo?

Yo sí lo creo. No que una peli vaya a cambiar todo, pero sí contribuir a que haya una conciencia cultural. El arte siempre ha servido para mover, para reivindicar. Yo me doy cuenta cuando viajo mucho en países donde todavía el machismo es más fuerte, y veo que en contraposición hay muchísimas más pintadas, hay mucho más movimiento, hay más manifestaciones, hay más películas. El tema se habla más. Y sí creo que hay algo que el arte es una manera de hablar de lo que no se puede hablar tanto, lo que no se puede confrontar y te provoca cosas. Me da más miedo la gente que decide no ir. Por eso creo que la comedia es importante. Muchas veces, si esto lo plantas en drama, hay cierto sector que decide que no va a ir al cine. Y creo que la comedia tiene un punto que puede reunir a mucha más gente. ¿Quién no ha visto películas y se ha replanteado algo? En mi caso, muchísimas veces, muchas películas me han tocado. ¿Tú qué piensas?

Cada vez pienso una cosa diferente. Me gusta pensar que sí, pero luego salgo a la calle y cada vez soy más misántropo y me cuesta más confiar, pero quiero pensar que sí.

¿Tú no crees también que hay algo de la estética de la mujer, que todo también está unido a que en las publicidades nos ponen delgadas, perfectas y en las series de televisión están los guapos y las guapas y que si todo eso estuviese cambiado…? Por eso digo que no creo que sea una película, sino que creo que es un todo.

Eso es muy interesante, porque mira que hemos hecho cambios, pero es verdad que en los personajes femeninos hay cosas que no cambian.

Se está volviendo heavy. Y eso es fuerte porque a mí también me pasa. Yo hacía tiempo que ya no me agobiaba con mi físico y es inevitable. De repente estoy viendo actrices que admiro, de Hollywood, hiperdelgadas, extremadamente delgadas y digo: “Ay, estoy gorda”. Solo el hecho de pensarlo… Me castigo también de pensarlo y digo, no puedes pensar eso. Pero está pasando. Y hay algo de ahí que sigue pasando y ojalá cambie.

¿Hasta qué punto todo eso influye en los personajes que elige?

Un montón. Por ejemplo, esta película si hubiese leído un guion que iba por un lado que no me gustaba no la hubiese hecho. Yo puedo hacer un personaje que sea la más mala de todas, eso no tengo ningún problema, pero nunca haría una película que esté a favor de unos valores que estén en contra de los míos. Si puedo hacer un cine que no tenga un contenido político o social enorme, pero si va en contra de valores en los que creo… No, no lo haría. Incluso te diría que de más pequeña también, cuando no tenía trabajo, y he estado trabajando en hamburgueserías y tiendas, me atreví a decir que no sabía cosas porque no estaba de acuerdo con los valores.

La película es una comedia romántica, y apuesta porque el amor es posible. Eso llega en un momento en que hemos pensado mucho en eso del amor romántico, ¿cómo encaja la película en el momento actual y cuál es su opinión?

Pienso que es complicado a día de hoy eso de estar casados y felices para siempre. Yo pienso, ¡qué dices!

¡Mucho tiempo!

¿Que yo voy a estar toda la vida con alguien? Me parece difícil mantener esto que todavía nuestros padres estaban ahí, en la fidelidad para siempre y para toda la vida. Yo hablo muchísimo de esto con amigas. Me parece para hablarlo también, cómo encajar la libertad de hoy en día con la pareja. Somos como esa generación que estamos ahí transitando entre esa libertad y, a la vez, también quiero que me elijan para siempre. Pero, por otro lado, me parece una idea que ya no me creo. Entonces, bueno, estamos deconstruyendo eso. En mi caso, por lo menos, a mí no me digas voy a estar contigo toda la vida y no te voy a ser infiel nunca porque, sinceramente, no me lo creo.

No sé, igual estoy diciendo cosas muy locas, y me estoy metiendo en un lío. Es como que hay una 'Susana Disney' que sueña con ese 'para toda la vida' y la otra Susana, que es superterrenal, que mira a su alrededor y dice: “Disfruta de los tres o cuatro años que estés con tu pareja”. Tengo la mezcla de las dos. El sueño de que ojalá sea para siempre y la realidad que veo es que la gente se separa.

Hay una cosa que mencionamos mucho a las actrices de esta nueva generación que es el ver cómo os apoyáis, tirando viejos clichés machistas sobre la competitividad entre las mujeres.

No sé cuánta competitividad había antes realmente, o cuánto se fomentaba o era que se quería vender esa competitividad porque, por ejemplo, Penélope Cruz y Salma Hayek llevan siendo amigas toda la vida. Sí es verdad que yo, desde mi lado, lo que puedo decir es que, por ejemplo, Carolina Yuste es mi amiga, y mira que hemos estado en dos películas que las han colocado como rivales. Y Carol y yo nos queremos, nos admiramos. Me pasa con un montón de amigas de la profesión.

Lo que sí que creo es que hay que currárselo, que la amistad hay que trabajarla. Porque claro que entras en momentos de vulnerabilidad y de inseguridad, porque a una amiga tuya le pueda estar pasando algo que te apetece que te pase a ti, pero es bonito hablarlo y decirle que te alegras un montón. Creo que hay que hablarlo y ser sincera. Porque esto no deja de ser una carrera donde tienes objetivos, donde hay personajes, dónde estás buscando metas, donde hay una ambición y, entonces, creo que es cuidarse, hablar. Hay menos rivalidad de la que se cree, pero ya desde hace tiempo.

Entrevista completa

La actriz logroñesa Helena Ezquerro será la encargada de pronunciar el pregón anunciador de las próximas fiestas de San Mateo. La pregonera ofrecerá su alocución el próximo 17 de septiembre, a las 19:00 horas, en la plaza del Ayuntamiento.

Con la elección de Helena Ezquerro, el Ayuntamiento de Logroño vuelve a apostar por una logroñesa con una destacada trayectoria profesional, en esta ocasión en el ámbito de la interpretación. La actriz, que desarrolla buena parte de su carrera en Madrid, regresará así a su ciudad para compartir desde el escenario de la plaza del Ayuntamiento su mirada sobre Logroño y sobre las raíces que mantienen vivo su vínculo con la ciudad.

El actual Ejecutivo local incorporó hace dos años este acto al programa festivo, con el objetivo de convertir el pregón en uno de los momentos destacados del inicio de las fiestas de San Mateo. El primer pregonero de esta nueva etapa fue el escritor y conferenciante Andrés Pascual, al que el pasado año tomó el relevo el cocinero Francis Paniego.

Para Helena Ezquerro, ser la pregonera de San Mateo supone “un honor” y una oportunidad para compartir con todos los logroñeses y logroñesas “este momento tan especial”. La actriz ha querido poner en valor el vínculo que mantiene con su ciudad y ha señalado que “mis raíces, como las de un árbol, me sostienen y me aferran a la tierra. Me recuerdan de dónde vengo y quién soy”.

En este sentido, ha añadido que “Logroño es mi hogar y, al mismo tiempo, son esas raíces que me impulsan con fuerza para poder alcanzar mis mejores sueños. Logroño es ese lugar seguro al que siempre volver para recordar mis inicios, mi niñez y adolescencia. Es familia y es amor. Es gente alegre y trabajadora. Es la buena comida y el buen vino”.

Para la pregonera, “Logroño siempre está, en todos los pasos que doy, acompañándome en mi camino, como si fuera un buen amigo”. Por ello, ha asegurado sentirse “agradecida e ilusionada” por poder asumir este papel: “Es un honor poder compartir con todos los logroñeses y logroñesas este momento tan especial para todos. Me siento plena y feliz, y estoy deseando que llegue el gran día”.

Con este pregón, Helena Ezquerro afrontará el papel de poner voz al comienzo de las fiestas de San Mateo de su ciudad.

Helena Ezquerro

Helena Ezquerro es una joven actriz riojana que desde muy temprana edad se trasladó a Madrid, donde completó sus estudios de interpretación en el Centro del Actor junto a Lorena García de las Bayonas.

A lo largo de su trayectoria ha participado en diferentes proyectos audiovisuales y teatrales. Entre sus trabajos destacan ‘Land of Women’, para Apple TV+, y ‘La Reina del Pueblo’, para Flooxer. Ha protagonizado asimismo la serie ‘Salón de té La Moderna’, emitida por TVE.

En cine, ha participado en ‘Las chicas están bien’, de Itsaso Arana, y ‘El favor’, de Juana Macías. Sobre los escenarios ha protagonizado ‘Camino largo de vuelta a casa’, dirigida por Íñigo Guardamino en el Teatro Español, y ‘El jardín de los cerezos’, dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente en el Teatro Fernán Gómez.

En la actualidad, acaba de estrenar la segunda temporada de la serie ‘Entre Tierras’, para Atresplayer, y tiene pendientes de estreno ‘¿A qué estás esperando? 2’ y ‘Los secretos de la cortesana’, para Netflix.

Que Glenn Close es una de las grandes estrellas de Hollywood no puede ponerse en duda. Lo avalan una trayectoria de casi medio siglo y las más de 100 producciones audiovisuales, contando películas y series de televisión, en las que ha participado. Pese a los reconocimientos, la actriz estadounidense de 79 años nunca ha ganado un premio Oscar.

La cosa cambiará en noviembre, cuando se celebre de los Governors Awards, ceremonia en la que se conceden los Oscar de Honor a toda una carrera. Será entonces cuando la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood saldará cuentas con una de sus figuras más legendarias. Close, que ha sido nominada en 8 ocasiones, finalmente recibirá una estatuilla de oro.

“A lo largo de su extraordinaria trayectoria, el incomparable registro emocional de Glenn Close ha dado vida a algunos de los personajes más complejos del cine”, señaló la presidenta de la Academia, Lynette Howell Taylor, en el comunicado en que dieron a conocer la noticia. Ese registro le ha permitido ponerse en la piel de personajes muy diversos, y una muestra de ello también podremos verla este 2026.

De Lorca al Capitolio

La primera muestra llegará el próximo 25 de septiembre, cuando llegue a cines la nueva película de Los Javis. Los cineastas, que se llevaron el premio a la Mejor dirección en el Festival de Cannes, presentarán La bola negra en apenas unas semanas. En esta emotiva carta de amor a Federico García Lorca, donde la memoria histórica es protagonista, podremos ver en pantalla a Guitarricadelafuente (en su debut como actor), Miguel Bernardeau, Carlos González o Penélope Cruz, entre otros.

También a Glenn Close, quien interpreta en pantalla a Isabelle Durand, una reputada historiadora. “Leyó el proyecto y se enamoró de él. Será un honor trabajar con una leyenda como ella, una actriz a la que siempre hemos admirado”, declararon Javier Calvo y Javier Ambrossi a la revista Variety. Por lo que se puede ver en el tráiler, Close hablará en español durante la película.

Apenas un par de meses después, Close viajará desde el universo de Lorca hasta el mismísimo Capitolio. La actriz también tendrá un papel en Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha, una precuela escrita por Suzanne Collins cuya trama se sitúa 24 años antes de la historia original de Katniss Everdeen y cuenta la juventud de Haymitch Abernathy durante el el segundo Vasallaje de los Veinticinco.

La película, que llegará a los cines de España el 20 de noviembre de 2026, estará protagonizada por Joseph Zada, Mckenna Grace, Ralph Fiennes, Elle Fanning, Kieran Culkin y Whitney Peak, entre otros. En este caso, Close se pondrá en la piel de Drusilla Sickle, una escolta del Capitolio, encargada de supervisar a los tributos del Distrito 12. La actriz detrás de éxitos como Guardianes de la Galaxia y 101 Dálmatas no deja de trabajar.

Natalia Huarte es de Pamplona. Se fue muy pronto a Madrid a estudiar teatro. De eso hace 16 años. Ahora, con 36, está en plenitud. Bajo las murallas del castillo de Olite (Navarra) demostró el momento de libertad y sabiduría escénica que ha conquistado. Lo hizo con su nueva obra, Leonora, un monólogo escrito y dirigido por Alberto Conejero sobre la pintora inglesa Leonora Carrington. Una hora de despliegue actoral, de dominio escénico, de cuerpo y palabra que el público del festival agradeció a quien ya es su actriz preferida.

Huarte está contenta, se le nota en los ojos, en la mirada. La actriz que lo hizo todo en teatro lleva dos años más quieta, comenzando carrera en cine, afianzando su presencia en las series (Legado, Innato, Querer) y apostando por este proyecto que ha levantado junto a Conejero. La actriz joven que era todo talento y técnica, perfecta en el decir, recta en el estar, ha ido asalvajándose, chupando de cada director y cada proyecto, dejándose, permitiéndose.

Leonora Carrington fue una inglesa de buena familia, de padre autoritario, rebelde desde pequeña, que conoció la Francia intelectual de los años treinta, que mantuvo un romance con Max Ernst, que huyó a España y fue víctima de una violación grupal por unos oficiales requetés, que escapó de este país y se afincó en un México fructífero donde su arte, alucinado, surreal y enigmático, floreció como nunca. Esta obra sobre ella abrirá en septiembre la temporada de Teatro de la Abadía de Madrid. Después le seguirá una larga gira por España. De aquí a mayo del año que viene ya tiene cerradas veinte plazas, Londres entre ellas. Antes, este mismo primero de agosto, la obra aterriza en Palma de Mallorca, con una versión site-specific para el museo Cran Prunera.

¿Cómo nació Leonora?

Alberto Conejero me llamó para una lectura dramatizada del texto. No nos conocíamos, y en esos cuatro días de ensayo pasó algo, nos enamoramos un poco. Y luego, cuando Alberto decidió dirigirlo, me llamó. Es un proyecto que ahora va muy bien, hay funciones, la gente la aprecia, pero al principio era todo un poco kamikaze.

¿Y ese flechazo con Conejero?

Son cosas que pasan en la vida, te encuentras con alguien en un determinado momento y conectas. Funcionó porque nos empezamos a reír mucho. De Alberto tenía una imagen de hombre serio que sabe mucho. Yo iba un poco cagada, pero ya el primer día vi que tenía el mismo humor que yo. Nos pusimos a proponer, cada uno desde su bagaje. Lo que ha sido precioso es la mirada horizontal que ha tenido todo el rato como director. Hay un momento en tu vida que te apetece eso: encontrarte con alguien que va a sacar de ti muchas cosas, pero que te va a dejar hacer.

Leonora Carrington es un personajazo con una fuerza sobrehumana, ¿cómo ha sido la relación con ella?

Al principio del proyecto le pregunté a Alberto si debía investigar sobre ella. Decidimos que no, incluso su libro Memorias de abajo lo he leído a posteriori, un libro terrible, con mucho dolor. Sin embargo, yo me centré en el texto de Alberto, que no está tan ahí, que es más luminoso. Trabajé lo que me pasaba a mí con el texto, más que con la figura de Leonora. Decidí llevar mi ropa en escena, Conejero decidió quitar toda escenografía, no hacer proyecciones de sus cuadros. Las imágenes ya están en el texto. No quisimos imitarla o llevar su imagen a escena, sino, como dice el texto, pintar un lienzo cada noche con la palabra y el cuerpo. Esa idea, quiero creer, le gustaría a Leonora.

Trabajé lo que me pasaba a mí con el texto, más que con la figura de Leonora Carrington. Decidí llevar mi ropa en escena. Conejero decidió quitar toda escenografía y no hacer proyecciones de sus cuadros

Han pasado muchas cosas desde que, recién salida de la escuela, ingresó en la compañía joven de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) en 2013. Después de una larga estancia en la compañía, trabajó con Alfredo Sanzol y, tras la pandemia, la locura. Directores muy diferentes no dejaron de llamarla. Le planteo un juego: hablemos de su evolución a través de los montajes que ha realizado. De la época en la CNTC, ¿con qué obra, por las razones que sea, se queda?

Con El perro del hortelano dirigido por Helena Pimenta, sin duda. Ahí noté que algo cambiaba en mi forma de hacer. Interpretaba a Marcela, un personaje más grande que además hacía con la compañía principal de la CNTC, con un reparto de gente mayor que yo, con mucha más experiencia. Los protagonistas eran Marta Poveda y Raúl Castejón. Me acuerdo que dije: “Aquí tienes que ser valiente o, si no, desapareces”. Yo siempre había sido muy obediente. Yo me atreví y Pimenta me lo permitió. Había días que me decía “¿pero qué haces?”, y yo le respondía, “cosas” [ríe]. Luego volví a ser obediente, dio un paso para atrás…

¿Qué pasó?

Llevaba muchos años en la compañía. Tenía ganas de salir, de probar otras cosas, enfrentarme a llamar a puertas, a hacer pruebas, a crecer… Y justo en Olite me apunté a un taller con Alfredo Sanzol y Andrés Lima. Conocí a Sanzol, trabajé mucho las improvisaciones, hablé en escena incluso con acento navarro, fue superintenso. Y justo después me llamó para montar La valentía. Me cagué, me asusté. Le decía a Sanzol que yo no podía, que no sabía hacerlo. Veía el reparto con Natalia Huarte, con Inma Cuevas, con Francesco Carril… Y me volví obediente de nuevo. Francesco me imponía mucho, por ejemplo, me daba miedo tenerle al lado. No me creía capaz de ser graciosa. Sí, me cagué. Tengo que reconocerlo. Fue un montaje que sentí que me hacía pequeña. Pero Alfredo, que es maravilloso, me decía que no y luego me llamó para El bar que se tragó a todos los españoles.

¿El bar que se tragó a todos los españoles es el montaje que destacaría de su siguiente etapa, tras la CNTC y antes de la pandemia?

Sin duda. Fue un montaje muy especial, la hacíamos todavía con restricciones. No había cervezas ni conversaciones con el público. No sabíamos nada de lo que pasaba. Íbamos al teatro, la hacíamos y nos teníamos que volver a casa corriendo. Fue más tarde que fuimos viendo lo que había supuesto en el público. La gente estaba con ganas de ir al teatro y la obra creo que daba ganas de vivir… Creo que le vino muy bien, paradójicamente, ese comienzo de casa-función-casa. Los actores hicimos un grupo muy fuerte, concentrado todo en el trabajo. Fue hermoso.

Tras este montaje comienzan tres años de frenesí absoluto, de un montaje tras otro con directores tan buenos como distintos: Iñaki Rekarte, Josep María Flotats, Marta Pazos, Lucia Carballal, Laila Ripoll y Luz Arcas con quien le dieron el Premio Max a la mejor interpretación femenina por Psicosis 4:48. Me imagino que imposible elegir uno, pero ¿qué momento personal elige?

Es verdad que es difícil, fue una época que pude llevar a cabo porque estaba muy centrada, era un montaje tras otro, me llamaban y me querían, no sabía bien por qué, no sé qué veían, pero me monté en la ola. Tengo una conversación muy guardada con Lucía Carballal en la segunda semana de ensayos de Los pálidos. Lucía me sentó en una cafetería y me dijo: “Me encanta todo. Te he llamado porque quiero trabajar contigo, pero sé que hay un lugar más, hay algo más”. No fue muy específica, pero a la vez sí. Ella sabía que la iba a entender y se atrevió, porque podría no haber tenido esa conversación conmigo. Y me dijo: “Atrévete a ese sitio. Vamos a hacerlo juntas. No se trata del resultado, no sé a dónde va y no empieza hoy ni acaba mañana”.

¿Cómo es ese lugar?

Un lugar donde sabes menos, más incómodo de habitar. Y dije, “qué cabrona, ese viaje lo voy a hacer contigo”. Lucía abrió una puerta muy importante para mí, no siempre lo hago, a veces vuelvo a lo que ya sé, a sitios más conocidos, pero cuando me atrevo a recordar aquella conversación me aventuro a ir a ese sitio donde sé que se me puede ir la función a la mierda o puede brillar. Y a veces se va un poco a la mierda y otras veces brilla. Pero Lucía fue la que me llevó ahí. Y para mí ese momento es vital, cambió mucho mi forma de trabajar.

Esa lucha entre la obediencia y el rebelarse, entre el control y el dejarse ir está muy presente en su evolución, ¿no?

Hay gente que empieza desde un sitio más caótico e intuitivo, y luego con los años va apareciendo la parte más técnica y eso ayuda a ordenar. Mi camino creo que es justo lo contrario: sentir que tengo que llegar a la perfección, que tengo que hacerlo bien. Desde pequeña, con mi uniforme en el colegio de monjas de Pamplona, con mi pelito y buenas notas. El asunto es que no sé para quién tenía que hacerlo todo bien, quién me estaba mirando todo el rato juzgándome. Esa es la pregunta que tengo ahora, pero “¿para quién querías hacerlo bien?”. Ahora estoy en un momento de mandarlo a tomar por culo y poder equivocarse, de no tener palabras para todo, de perderse.

Tras esos tres años de frenesí paró un poco, ¿fue voluntario?

Sí, lo fue. La acumulación produce cansancio, no podía seguir con ese ritmo. Hablé con mi manager y decidimos parar. También me apetecía hacer más audiovisual, ya hacía series (Amar es para siempre, Innato o Por cien millones), pero quería hacer más cine.

No sé para quién tenía que hacerlo todo bien, quién me estaba mirando todo el rato juzgándome. Ahora estoy en un momento de mandarlo a tomar por culo y poder equivocarse, de no tener palabras para todo, de perderse

Ahora va a estrenar Pájaro que agoniza de Diego Llorente e inicia el rodaje de Perseidas con Ignacio Lasierra. En teatro, de repente, o poco a poco, se fue revelando la gran luz y fuerza, la mezcla de técnica y fragilidad, que tiene como actriz. ¿Está por llegar que eso pase en el celuloide?

Ojalá. Pero estoy comenzando, aprendiendo lo que es un rodaje. En el cine no tienes el mismo control de lo que haces que en teatro. En cine haces una escena que no sabes cómo se registra, con qué plano, cómo se montará luego. Haces una escena y te olvidas, nunca más la volverás a hacer. Y al día siguiente llega otra. Es muy distinto. Estoy aprendiendo. Ahora me apetece comenzar a desobedecer frente a la cámara, atreverme a aparecer… Pero para eso hay que trabajar y aprender. Cuando veo a Vicky Luengo o a Susana Abaitua, flipo con cómo se atreven, aprendo mucho. Tengo referentes de mi generación y eso es muy grande. Creo que estamos ante un gran momento de actrices.

El tema de la obediencia que comenta, ¿tiene que ver un poco con el síndrome del impostor? ¿Cree que es algo más habitual para las mujeres que para los hombres?

Sí, creo que nos ha ocurrido más. Pero egoístamente no me lo quiero contar así. Yo soy una persona que a veces me hablo mal. Y no quiero hacerlo más. Si los hombres llevan años sin ningún problema yo también lo voy a aprender y no estar siempre afirmando que no soy impostora, que no le estoy quitando un lugar a nadie. Esa sensación de ser obediente porque alguien me va a decir que lo hago mal, que no vales, es una mirada dura y bastante masculina. Estamos en un momento, y por eso hablo de referentes de mi generación, donde sí podemos conquistar el espacio que nos toca.

¿A qué se refiere?

Ya no solo hablo de los trabajos de Luengo, Abaitua, Stéphanie Magnin o Loreto Mauleón, que me encantan, sino del paso que han dado al frente. Me encanta verlas en entrevistas, me flipa cómo van a los sitios, desde dónde hablan, desde dónde reflexionan sobre la amistad entre nosotras, de dónde nos colocamos cada vez que vemos a una colega subir un escalón más que tú. Nos estamos atreviendo a hablar desde nuestro propio lenguaje y eso es honesto y valiente. Para mí, ese lenguaje es nuevo y lo estamos haciendo entre todas. Creo que se nos va a quitar el síndrome de impostoras ya.

Y ahora, después de Leonora, ¿tiene ya un nuevo proyecto en teatro?

Hasta el verano que viene estaré centrada en esta obra y entre medias haré los rodajes. Quería comprometerme con este proyecto independiente, hacer posible que tenga gira y no dejarme llevar por este tiempo de tanta incertidumbre, tanta prisa y tanto miedo.

Es uno de los éxitos no animados más rentables y consolidados de Disney y prepara su regreso con una tercera película casi dos décadas después. ‘Princesa por sorpresa’, como se conoció en España ‘The Princess Diaries’, cumple 25 años desde su estreno en el verano de 2001, aunque en las salas españolas no llegó hasta finales de ese mismo año.

Con un presupuesto de 26 millones de dólares, la película fue todo un éxito masivo porque logró multiplicar en más de seis veces su inversión inicial al recaudar un total de 165,3 millones de dólares a nivel mundial. Pero fue también el debut de Anne Hathaway y el regreso a la gran pantalla de Julie Andrews y uno de los mayores éxitos pop de Disney.

La película que convirtió a Anne Hathaway en estrella de Hollywood

Estrenada el 3 de agosto de 2001 en los cines de Estados Unidos y el 14 de diciembre de ese mismo año en España, ‘Princesa por sorpresa’ se convirtió en uno de los mayores éxitos de la cultura pop adolescente. Lo que pocos conocen es que la historia no es original, sino que está basada en la novela del mismo nombre escrita por Meg Cabot en el 2000, y que se convirtió en una saga de un total de 10 libros, lo que supone que hay material para rato porque solo dos han sido adaptados al cine.

En la primera película conocemos a Mia Thermopolis, una adolescente que vive en San Francisco y que descubre de forma sorprendente que es la heredera del trono de Genovia, un país pequeño en Europa entre Francia y España, y que se considera está inspirado en Mónaco. Un papel que interpretó Anne Hathaway, que no solo vivió su primer gran éxito comercial, sino también su debut en la gran pantalla con solo 18 años, lo que también la convirtió en un icono de la cultura pop juvenil de los 2000.

Después de ‘Princesa por sorpresa’, Hathaway fue escalando en su trayectoria con proyectos como ‘Ella Enchanted’ en 2004, ‘Brokeback Mountain’ en 2005 o ‘El diablo viste de Prada’ en 2006, que fue su definitivo estrellato y a cuya saga ha vuelto de forma reciente. Ella, sin embargo, no había sido la primera opción, pues para el papel protagonista también se plantearon nombres como Sarah Michelle Gellar, Rose McGowan, Alyssa Milano, Kirsten Dunst, Kate Hudson, Jessica Biel, Cameron Diaz, Alicia Silverstone, Reese Witherspoon o Amanda Bynes. Fueron las nietas del director Gary Marshall las que al ver a la actriz la vieron como perfecta para el papel por tener un “pelo de princesa” y esto supuso que tuvieran un guiño, apareciendo en el filme como las niñas que le piden un autógrafo a Mia.

Además de Hathaway, Julie Andrews tuvo el otro papel protagonista, lo que supuso el fin de su semirretiro de la actuación y volviendo a Disney desde que protagonizara ‘Mary Poppins’ en 1964. De hecho, esta película se rodó en el mismo estudio, el Stage 2, que se rebautizó como ‘Julie Andrews Stage 2’ en su honor.

La veterana actriz supuso ser una mentora para la joven Anne Hathaway, entonces de 18 años, que no tenía previa experiencia en el cine y que de esta forma pudo tener una especie de clase magistral intensiva, además de que actuara como figura protectora, y como maestra de disciplina, uso de voz y manejo de la fama. Esto hizo que la química entre ambas fuera el corazón del filme, y en cierta forma la interprete tomó ejemplo de la versatilidad de Andrews, llegando a ganar un Óscar por ‘Los Miserables’ por una interpretación donde cantó, actuó y se adaptó a distintos géneros.

Disney cambió la historia original y Whitney Houston fue productora

Basada en los libros anteriormente mencionados, la película, sin embargo, cambió ciertos aspectos relevantes. El primero de ellos es que el padre de Mia, Philippe Renaldi, está vivo y no fallecido como en el filme, siendo otro punto el que la historia se desarrolla en Nueva York y no en San Francisco.

Aunque uno de los detalles más diferentes es que Clarisse Renaldi, la abuela de Mia no es el personaje amable y cercano que vemos en la película con Julie Andrews, sino que aparece como una mujer fría que no trata tan bien a su nieta.

A pesar de todo esto, una de las grandes curiosidades de ‘Princesa por sorpresa’ es que tuvo a la cantante Whitney Houston como productora, también en su secuela, y también hizo lo propio en otro éxito Disney entre el público adolescente ‘Chicas Guepardo: Todo por un sueño’.

El día en que los sublevados segaron la vida de Federico García Lorca en Víznar (Granada), aquel 18 de agosto de 1936, también murió todo un porvenir que ya había empezado a tomar forma y cuyo destino eran las tablas de los teatros. El sueño de la vida, El poema del café cantante, Los sueños de mi prima Aurelia y Los títeres de cachiporra son cuatro títulos de obras teatrales que el también poeta pergeñaba en el momento de su asesinato. Al mismo tiempo, Margarita Xirgu, Carmen Díaz, María Fernanda Ladrón de Guevara y Encarnación López, conocida como La Argentinita, eran las actrices llamadas a representar estas creaciones inacabadas.

Estos artefactos teatrales del granadino, convertido en los años 1935 y 1936 en un gran dramaturgo, “podían acabar en manos de cualquier compañía teatral de la época tras el éxito de Bodas de sangre y Yerma, porque todas querían trabajar con él”, explica el investigador Andrew A. Anderson. Este profesor emérito de Literatura Española de la Universidad de Virginia acaba de publicar Lorca y las actrices de sus últimos proyectos teatrales (Residencia de Estudiantes, 2026). El experto incide en que lo que más le ha llamado la atención de su investigación es que Lorca multiplicó sus proyectos durante los últimos meses de su vida: “Su imaginación estaba en plena ebullición e iba en distintas direcciones”.

Anderson, que se expresa en un castellano bastante pulcro al otro lado del teléfono, halló numerosos proyectos que ocupaban la mano y la mente de un Lorca a punto de perecer por las balas de la intolerancia. “En algunos casos, se trataba tan solo de un título, de una idea apuntada en una hoja de papel. En otros, eran proyectos con cierta sustancia”, introduce el también doctor por la Universidad de Oxford. Entre todos los proyectos que nunca concluyeron sobresale la mal llamada comedia sin título, apunta el hispanista, aunque sí que lo tenía: El sueño de la vida. Esta obra estaba pensada para la archiconocida Margarita Xirgu, la actriz que estrenó o repuso más obras de Lorca. “Ella iba a representar La casa de Bernarda Alba en otoño de 1936, pero el estallido de la Guerra Civil lo desbarató”, recuerda el investigador.

En el caso de El sueño de la vida, Xirgu iba a encarnar al personaje Titania. “Es una obra muy moderna, metateatral y muy experimental”, cataloga el especialista en la obra lorquiana. Desde luego, no era la primera vez que la actriz barcelonesa que poco después tomaría el camino del exilio ante el triunfo de las fuerzas golpistas en España trabajaba junto a Lorca. Mariana Pineda, La zapatera prodigiosa, Yerma y la reposición de Bodas de sangre en Barcelona en 1935 son apenas varios ejemplos en los que Xirgu jugó el papel más destacado que podía jugar como actriz protagonista. “Su relación era muy estrecha, de admiración, respeto y cariño mutuos”, destaca el también comisario de la exposición Lorca y el archivo. Memoria en movimiento, que se puede visitar de forma gratuita en la Residencia de Estudiantes hasta el 26 de julio.

Las otras obras por terminar

Anderson, asimismo, ha ubicado algunos “proyectos algo más fantasmales”, tal y como los denomina. Se trata, por ejemplo, de Los títeres de cachiporra, una obra temprana concebida en torno a 1922, pero que en 1935 quería adaptar. La idea era realizar una versión musicalizada de la misma, para lo que ya trabajaba con un joven y moderno compositor hispanofilipino, Federico Elizalde. Lorca quería que fuera Carmen Díaz quien se encargara de la representación. Fue el mismo dramaturgo quien finalmente cambió de opinión y acabó esbozando como obra final una suerte de ballet con texto, música y baile que llevaría a cabo La Argentinita, Encarnación López Júver.

Le sigue El poema del café cantante, donde Lorca desenfunda su creatividad en torno a un desafío de baile entre dos bailaoras. Esta vez sí, sería Carmen Díaz la actriz elegida para desarrollar la trama sobre los escenarios. El guion evoca el ambiente “de esos cafés famosos de Málaga y Sevilla, de principios de siglo XX”, tal y como explica Anderson.

Algunas personas se sorprendieron al enterarse de que el poeta y dramaturgo granadino se interesaba por Díaz como intérprete, quien se estaba especializando en el género de la comedia flamenca. Pensaban que era una actriz bastante convencional, que trabajaba mucho con autores como los hermanos Álvarez Quintero, y que no daba la talla para sus creaciones.

Ante dicho extremo, Anderson se decanta por subrayar que “Lorca consiguió adecuar la actriz a la obra y la obra a la actriz”. No queda rastro alguno del manuscrito de El poema del café cantante, y Díaz, que la escuchó de la voz de su creador tras desplazarse este hasta Zaragoza, nunca la llegó a representar.

Para María Fernanda Ladrón de Guevara, Lorca reservaba Los sueños de mi prima Aurelia, libreto cuya trama se localiza en la vega de Granada. “Parece que era una prima auténtica suya. También aparece un niño, que es la propia versión de Lorca de pequeño, y escenifican la vida de provincias, donde la gente se divertía leyendo novelas de folletones”, describe el profesor emérito de la Universidad de Virginia.

En cuanto a los grandes temas que aborda el escritor en estas obras, Anderson incide en cómo van cambiando a lo largo de sus creaciones. Si en La casa de Bernarda Alba Lorca toca algunos de los grandes temas de todos los tiempos, en el caso de El sueño de la vida la narrativa se centra en una reflexión sobre el mismo teatro, su naturaleza y la ilusión teatral. “Al mismo tiempo, es una obra radicalmente social y política, donde hay una manifestación en las calles y una carga militar contra los manifestantes, que se refugian en el mismo teatro donde sucede la obra”, agrega.

Sin ánimo de querer adelantar el final de la obra, pues el autor tan solo dejó escrito el primer acto, llega un momento en que un espectador de clase alta, vestido con smoking, saca un revólver y dispara contra un obrero sentado en una de las butacas de arriba, en los asientos más baratos. “Y ahí vemos una variación enorme entre la evocación melancólica y nostálgica, incluso cariñosa, que hace de un periodo pasado, como puede llegar a suceder en Los sueños de mi prima Aurelia, con esta forma tan radical de presentar una creación teatral en la que se rompe con la cuarta pared”, apunta el estudioso.

Las mujeres, al frente del teatro español

Anderson incide en cómo España se situó a la vanguardia del teatro durante el periodo de entreguerras en lo que a actividad profesional se refiere. “El teatro era muy importante, existían muchísimas compañías teatrales, y muchas de ellas tenían como jefe a una actriz, ya fuera Xirgu, Díaz o Ladrón de Guevara, cuando eran los hombres quienes dominaban la inmensa mayoría de áreas de la vida social”, abunda el experto sobre un fenómeno que ya había comenzado con María Guerrero.

En el caso concreto de Xirgu, la actriz representó también obras de los hermanos Álvarez Quintero y de Jacinto Benavente. “Estaba junto a los consagrados de la época, pero la distinguía el querer trabajar junto a los autores más noveles. Tenía ganas de hacer cosas distintas”, profundiza Anderson. Xirgu, asimismo, estrenó la primera obra de Alejandro Casona, La sirena varada.

De las demás la distinguía su actitud abierta y receptiva. Tal fue su distinción, que Anderson asegura que se convirtió en la primera persona en nombrar un director de escena en su compañía cuando en aquel tiempo eran las primeras actrices o actores los que dirigían los ensayos. Así lo concluye el propio experto: “Ya había trabado una importante relación con Cipriano Rivas Cherif. Le terminó contratando. Así se creó el puesto de director de escena, algo no visto hasta el momento. Es una innovación muy importante que luego se implementará universalmente”.

La actriz Ellen Burstin recibirá el León de Oro Honorífico a toda su carrera. La intérprete, faosa por sus papeles en El exorcista o Alicia ya no vive aquí, presentará además un cortometraje sobre Marilyn Monroe dirigido por Maggie Gyllehaal, que además es la presidenta del jurado.

Burstyn, a sus 93 años, acumula una filmografía que supera el centenar de películas. Saltó a la fama en 1971 con The Last Picture Show de Peter Bogdanovich y se consagró por el éxito mundial de El exorcista (1973), papel protagónico con el que consiguió su primera nominación al Oscar. Dos años después ganaría la estatuilla a mejor actriz por Alice ya no vive aquí (1974) de Martin Scorsese.

A lo largo de su carrera ha trabajado con diversos cineastas como Alain Resnais, Paul Schrader, Bob Rafelson, Paul Mazursky o Darren Aronofsky donde en Requiem por un sueño (2000), otra de sus interpretaciones más recordadas, sumó una nueva nominación al Oscar. Gracias a su papel en Interstellar (2014) de Christopher Nolan, completó la llamada Triple Corona de la Interpretación al ganar su primer Emmy por una aparición en Law & Order: Special Victims Unit; el segundo llegaría en 2013 por la miniserie Political Animals (2012). En total suma seis nominaciones adicionales al Emmy y cinco al Oscar.

El director de la Mostra, Alberto Barbera, ha declarado en un comunicado que Burstyn es “una intérprete de rara intensidad y verdad” que ha aportado complejidad a personajes femeninos inolvidables, capaces de encarnar las contradicciones y transformaciones de las mujeres contemporáneas. Burstyn, por su parte, ha agradecido el premio y ha subrayado su vínculo con Venecia, a la que ha definido como “una de mis ciudades favoritas del mundo”.

Entre sus trabajos más recientes figuran el regreso al personaje de Chris MacNeil en El exorcista: el creyente (2023) y Mother, Couch (2023), junto a Ewan McGregor. Próximamente se la verá en Place To Be, película de Kornél Mundruczó. Además, ha participado en series de televisión como The First Lady (2022) y Law & Order: Organized Crime (2021-2025).

En 2014 se incorporó al Salón de la Fama del Teatro y actualmente copreside el Actors Studio junto a Al Pacino y Alec Baldwin. Este mismo año ha publicado su último libro Poetry Says It Better: Poems to Help You Wake Up.

El galardón se entregará durante la proyección de Flesh Impact, el cortometraje de Maggie Gyllenhaal dedicado a Marilyn Monroe en el centenario de su nacimiento. En él, Dakota Johnson interpreta a Monroe en el apogeo de su fama, mientras Burstyn da vida a una faceta de la actriz nunca antes representada en pantalla hasta el momento.

Ellen Burstyn se suma así a la lista de intérpretes reconocidos con el León de Oro a la trayectoria profesional, uno de los galardones honoríficos más prestigiosos del circuito de festivales.

Valle-Inclán ha renacido en escena con el estreno de Farsa y licencia de la Reina Castiza. Un Valle más Valle que nunca y nuevo a la vez. La culpable es Ana Zamora y su compañía Nao d’amores. El texto, nada menos que una de las obras donde el teatro del gallego comienza a mutar hacia el esperpento. Una época de su teatro oscura, por poco y mal representada, que Zamora consigue iluminar.

La obra transcurre a lo largo de un día en que la Isabelona, como buena borbona, sale de juerga a un baile de candil, que era cómo los jóvenes de la época se divertían por la noche. Sería, salvando las distancias, como hoy irse de rave. Era la manera que tenía la reina de poder pescar amantes tersos y de buen ver. La correrías de Isabel II fueron bien conocidas en esta reina que se movía entre el desenfreno y su confesor, el Padre Claret y Sor Patrocinio, aquella monja de las llagas que tan bien inmortalizó Valle.

Valle utiliza esta velada para mostrar la decadencia moral y política de la corte en todos sus estamentos. Convierte la corte en un gran guiñol, tan vivo como abyecto. Cada personaje, desde los criados hasta el rey consorte, está retratado en mueca, son fantoches con alma de títere. Esa visión satírica permite al autor el retrato de una época sin concesiones, un retrato lleno de libertad crítica donde no queda títere con cabeza.

Todo eso recoge Zamora. El teatro nuevo de Valle que todavía tiene retazos modernistas en el léxico y métrica, pero que ya mira desde otro lado y está dos pasos del esperpento. El juego teatral que recoge la tradición del sainete y Valle transforma en otra cosa. La vena popular llena de vida que Zamora sabe recoger en tonadillas de la época como el Tripili, en coplillas de tradición oral castellana o en ese “trágala perro, tú que no quieres la constitución” que los españoles cantaron desde Fernando VII hasta la Guerra Civil.

Qué importante es la música en esta compañía. Y en esta ocasión, con Isabel Zamora al piano, la música vuelve a relanzar el montaje, a elevarlo al conseguir iluminar los hilos que unen la prosa de Valle con el arte popular. Y es que Zamora sabe fusionar como nadie la investigación y la creación. La combinación del rigor con una clara apuesta por la creación (tanto a nivel actoral, de vestuario, de concepción espacial y de dramaturgia) consiguen que la directora alcance hallazgos memorables.

Un pequeño ejemplo: al comenzar la obra, la Isabelona (Paula Iwasaki) reina vertical en el espacio. Y en sus faldas enormes, que se despliegan por todo el escenario, descansa el pueblo, una sarta de muñecos dormidos en su regazo. La falda construye un ruedo emulando así la serie literaria que Valle comenzó a escribir y no pudo acabar, El ruedo ibérico. Sintético comienzo, tan metafórico como pertinente, ahí está toda España habitada con sus seres de cachiporra en vertical injusticia.

El proyecto del ruedo ibérico comenzó precisamente con uno de los libros más impresionantes de este autor, La Corte de los milagros, ejemplar donde el autor acomete la autopsia más despiadada sobre, precisamente, el reinado de Isabel II. Esa ligazón que hace Zamora entre la obra narrativa y el teatro de Valle es inspiradora.

Hay que recalcar que el teatro de Valle no solo no se estrenaba por su dificultad, sino también por razones políticas. Farsa y licencia se publicó por partes en la revista La Pluma en 1920, pero tardaría once años en estrenarse. Tuvo que llegar la II República Española para que la compañía de Irene López Heredia y Mariano Asquerino la estrenasen en el Teatro Muñoz Seca.

La obra recoge una época que dista 60 años del momento en que Valle lo escribió. Pero la intención es clara: hablar del pasado reciente y afrontarlo con furibunda mirada de presente. Valga una anécdota que ilustra esta voluntad. El historiador Melchor Fernández Almagro contó que Valle Inclán hizo llegar a Alfonso XIII la primera copia de la obra con este dedicado: “A S. M. el Rey D. Alfonso XIII. Señor: Tengo el honor de enviaros este libro, estilización del reinado de vuestra abuela Doña Isabel II, y hago votos porque el vuestro no sugiera la misma estilización a los poetas del porvenir”.

Durante la dictadura de Primo de Rivera, y bien que lo intentó con denuedo Cipriano Rivas Cherif, no fue posible. Alguien debería escribir un libro sobre la vida truncada, tanto política como teatral, de este madrileño. Lo tiene todo. Este montaje es en cierto aspecto un acto de justicia hacia él. Rivas Cherif siempre quiso montarla incluyendo las acotaciones líricas, como ahora ha hecho Zamora.

Hay cierta emoción histórica cuando los actores las dicen. Zamora las incorpora todo lo que puede a la acción dramática. Es increíble cómo encajan, cómo podemos oír a Valle describiendo con escalpelo a sus personajes. Un ejemplo es la descripción de Isabel II cuando flirtea: “Ríe la comadre feliz y carnal, y un temblor cachondo le baja del papo al anca fondona de yegua real”. Maravilla que desvela la mirada de Valle a sus personajes, desde la reina hasta el general Narváez (Rafa Ortiz) o el codicioso Soplón (Aisa Pérez).

Pero los hallazgos caen uno detrás de otro. Quizá el mayor esté en la manera de tratar actoralmente lo guiñolesco sin que se llegue a robotizar la mecánica del actor, sin caer nunca en la caricatura, salvando al personaje siempre. Incluso permitiéndose un homenaje como el que se hace con Jorobeta (Alejandro Pau), quien de repente sale de registro para acometer unas hermosísimas palabras —“Mi reino fue una nube de verano…”— con toda la dignidad del pueblo llano.

El secreto de este montaje está en la medida. En tratar todo con equilibrio, con mala leche, pero sin llegar a la caricatura que reste vida y juego. Un gran ejemplo es cómo está tratado el rey consorte, Francisco de Asís y Borbón (Miguel Ángel Amor), de quien cantaba el pueblo lo siguiente: “Paco Natillas es de pasta y flora, y mea de cuclillas como una señora”. Zamora lo dibuja blando y afectado, un tanto histriónico y melifluo, pero sin ensañarse nunca.

Un elenco que brilla

Todo el elenco está magnífico. Un elenco muy joven que significa también una renovación de la compañía. Por último, señalar la escenografía y el vestuario a cargo de Deborah Macias y David Faraco. Son descomunales. Y lo son porque están entregados al juego escénico al mismo tiempo que a la metáfora. El juego con los sombreros, que servirán para que el actor cambie de personaje, no puede ser más efectivo. Pero, además, esos sombreros se construyen con los tabloides de la época que al principio están esparcidos por el espacio.

Los personajes surgen de esas letras impresas, de esa época, la de Isabel II, donde nacieron más de 600 periódicos. Una prensa que se leía en voz alta en cafeterías y ateneos. Combativa, parcial y punzante donde el trampantojo y la caricatura iba vistiendo a este país de carnaval funesto. Y qué decir de esas faldas de la Isabelona, que unas veces son ruedo ibérico, otras campo de lenocinio y otras palacio.

Este montaje debería girar por toda España y que el pueblo pueda mirar a su autor renacido, con fuerza, tan teatral como vanguardista, tan barriobajero como excelso. Cómo suenan hoy esas últimas palabras en este Madrid recalentado hasta la médula: “En el reino de Babia de la Reina Castiza rueda por los tejados la pelota del sol”.

Decía Manuel Machado que esta era la pieza más importante de las tres farsas que Valle publicó bajo el título Tablado de marionetas para educación de príncipes. Y en este último agraciado trienio teatral, en el que hemos visto tres muy buenos valles —Luces de bohemia, Los cuernos de Don Friolera y este montaje—, destaca sobre manera esta farsa, por innovadora, valiente e iluminadora.

El estreno de ‘Elle’, su serie precuela, coincide con un redondo aniversario, el de los 25 años desde que ‘Una rubia muy legal’ (Legally Blonde) llegara a los cines de todo el mundo y se convirtiera en uno de los éxitos inesperados de 2001, con un presupuesto inicial de 18 millones de dólares que se superó en cinco veces, con una recaudación que alcanzó los 95 millones.

Además de todo esto, la película supuso el estrellato definitivo de su actriz protagonista, Reese Witherspoon, que se convirtió en una de las interpretes mejor pagadas de Hollywood y que seguiría una carrera de éxito que la llevaría a ganar el premio Oscar en 2006. Más de dos décadas después, el filme sigue vigente y mantiene una segunda juventud que ahora revive con su precuela en Prime Video.

Reese Witherspoon no fue la primera opción para protagonizarla

‘Una rubia muy legal’ llegó a los cines en 2001, un año prolífico para el cine y también para el género de la comedia romántica, que semanas antes había tenido el estreno de otro clásico como ‘El diario de Bridget Jones’. Lo que pocos saben es que la historia de Elle Woods y su ascenso desde la universidad a graduarse en derecho, aunque todos la tomen como “la chica rubia tonta” está basada en una novela de Amanda Brown.

Sin embargo, entre el libro y la película hay un gran cambio, el de que la protagonista no se matrícula en la Universidad de Stanford. Pero esta diferencia se debe al hecho de que desde la universidad se negaron a que se grabara en ella o apareciera en la historia, al igual que sucedió con el plan B, la universidad de Chicago, así que finalmente fue otra entidad prestigiosa, la de Harvard, en la que Woods se graduaría.

La primera opción tampoco se cumplió en cuanto a la actriz protagonista se refiere. Si bien finalmente fue todo un éxito Reese Witherspoon como Elle Woods, la interprete no fue de las primeras que se consideraron, sino que vino después de una lista de tanteos que incluyó a nombres como Charlize Theron, Gwyneth Paltrow, Alicia Silverstone, Katherine Heigl, Christina Applegate, Jennifer Love Hewitt o Tori Spelling. Fue Witherspoon quien triunfó en el papel de la joven y que la aupó definitivamente en su carrera, pero además de todo ello, la actriz estipuló en su contrato quedarse con todo el vestuario y zapatos que vistiera su personaje en la película, del que, además, se hizo una Barbie inspirada debido a lo icónica que se volvió.

Para la preparación del papel, la actriz pasó dos semanas con una hermandad de universitarias, además de que se fijó en las clientas que entraban en la lujosa tienda Neiman Marcus para tomar referencias para Woods, que acudía a casi todos lados con su perrito chihuahua Bruiser, que en la vida real se llamaba Moonie y que falleció en 2016 con 18 años, una noticia que, además, se conoció gracias a la propia Witherspoon.

‘Una rubia muy legal’ no se quedó en cambios solo en lo que respecta a la universidad y la protagonista, sino también en su final. Y es que en un principio la película terminaba en el juicio, pero en los ‘test screenings’ que se hicieron el público pidió conocer más de Elle Woods y se grabaron nuevas escenas con ella y su interés amoroso al que daba vida Luke Wilson. Esto supuso trabajo de peluquería y ambos llevaron peluca, pues ella se había cortado el pelo para el rodaje de ‘La importancia de llamarse Ernesto’ y él se había rapado para ‘Los Tenenbaums’.

La película que despegó al estrellato a Reese Witherspoon

Tras el éxito de ‘Una rubia muy legal, Reese Witherspoon se consolidó como estrella en Hollywood y despegó una trayectoria que la hizo ser una de las actrices mejor pagadas, además de que la llevaría a lograr el premio Oscar por ‘En la cuerda floja’ en 2006. En los últimos años se ha convertido en un rostro habitual en televisión y plataformas, en parte por su trabajo en la productora ‘Hello Sunshine’ con la que ha acumulado un patrimonio de más de 400 millones de dólares.

Esto se debe a que Witherspoon se ha encargado de comprar derechos de novelas exitosas para adaptarlas al cine y televisión, en parte gracias a su famoso club de lectura ‘Reese’s Book Club’ fundado en 2017 y de cuya colaboración han salido éxitos que ha protagonizado como ‘The Morning Show’, ‘Big Little Lies’ o ‘Little Fires Everywhere’, así como otros títulos como ‘Todos quieren a Daisy Jones’.

Almagro andaba inquieto y eléctrico ante uno de los estrenos más esperados desde hace años. La directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Laila Ripoll, dirigía un espectáculo por primera vez desde que fue nombrada hace dos años. Ripoll se la jugaba y lo hacía con todo un reto: El Caballero de Olmedo, una de las obras más conocidas y difíciles de Lope de Vega.

Se abrió la noche en la Plaza de Almagro con un espectáculo producido por el propio festival. La propuesta giró en torno a la baraja de cartas pintada a mano que se encontró en 1950 en una posada de la Plaza de Almagro. Una baraja que dio la pista de que bajo la posada estaba enterrado el que es hoy el centro neurálgico del festival y del teatro áureo, el Corral de Comedias.

Malabares, telas aéreas, acrobacias y contorsiones abrieron esta edición en una invitación al juego que el público supo agradecer y siguió pese a que en esos momentos jugaba España su partido en el Mundial de fútbol. Una 49 edición en que la imagen del festival, creada por Judit Canela, recrea de manera colorida y contemporánea aquella baraja que acabó siendo brújula.

Ya con la noche cerrada todos los ojos se centraron en el Hospital de San Juan, sede al aire libre de la Compañía Nacional en Almagro. Un inmenso telón rojo de tul se dejaba cimbrear por el viento. No quiere ser poética esta frase, sino señalar uno de los vectores principales de esta propuesta, en las que esas inmensas gasas juegan un papel fundamental.

Ripoll presentaba con esa imagen sintética su visión de esta obra escrita en 1620, en la que Lope de Vega se inspiró en una tragedia real que se había convertido en mito popular. Alonso, caballero de Olmedo, visitando la cercana Medina conoce a una mujer, Inés, de la que se enamora. Rodrigo, vecino de Medina y pretendiente de Inés, despechado y humillado por la brillante figura del de Olmedo, acaba matándolo.

Lope une en esta obra la trama amorosa, con cierto grado de enredo y comedia, con la tragedia de este joven agraciado que, aun viéndose correspondido en amores, tiene un final funesto. Una tragicomedia donde se unen muerte y amor, destino y fatalidad, de un modo que se adelanta dos siglos al sentir romántico.

Esa misma ha sido la propuesta de Laila Ripoll: llevar el drama al espíritu romántico del XIX. El espectáculo tiene una estética subyugante. Ese tul rojo será remplazado por otros más vaporosos y negros, que son como la niebla de otro mundo y transportan al espectáculo hacia lo fantástico. El escenario geométrico del artista plástico Arturo Martín Burgos y el vestuario de Almudena R. Huertas acaban de dar ese imaginario que tanto recuerda a la película de Gonzalo Suárez Remando al viento.

La estética del espectáculo, además, se apoya en el trabajo de vídeo de Álvaro Luna, que va enfatizando cómo la obra pasa del juego a la pesadilla, de la vida amorosa al canto fúnebre. Una pintura de un paisaje se proyecta en la escenografía metálica, un horizonte romántico que recuerda a aquel cuadro de Caspar David Friedrich, El caminante sobre el mar de nubes. Ripoll marca mucho la estética para conseguir convertir a ese Cabellero de Olmedo en un Lord Byron castellano.

La obra comienza ligera con su trama amorosa y sus versos limpios a ritmo de juego juvenil y vivo, pero la directora aprovecha cualquier ocasión para anunciar, presagiar, lo que se viene. Ya en el primer encuentro entre Alonso y Fabia (la alcahueta que interpreta una estupenda Arantxa Aranguren), la directora deja caer las primeras gotas góticas acercando todo lo que puede a Fabia hacia la brujería y lo fantástico. Esa Fabia ya no solo bebe de la Celestina de Fernando de Rojas, sino también de los cuentos de terror de E.T.A. Hoffmann.

Del romanticismo al terror

La polimetría de la obra —los narrativos romances, las sentidas décimas y las amorosas redondillas— son acometidos con más que solvencia por todo el elenco. El verso se dice claro, musical y con intención semántica. Se nota la mano de Eva Rufo y el saber de la propia directora. Se nota también la maestría de actores como David Lorente, que se divierte como nadie con los versos de Tello, el criado de Alonso.

Pero Ripoll lleva su apuesta más allá en la segunda parte y quiere pasar del romanticismo al terror, entrar en territorio gótico. La obra lo acepta, y el tercer acto tiene apariciones, fantasmas y es de claro sentir negro. Pero la alquimia teatral es caprichosa y el espectáculo no acaba de eclosionar.

La Compañía Nacional no había producido esta obra desde 1990, cuando Miguel Narros la dirigió. Es curioso que el primer director de la Compañía, Adolfo Marsillach, no decidiera montarla. No es una obra fácil y la dificultad no la dan los versos, que también, sino ese tránsito de la comedia hacia una tragedia de naturaleza moderna. El Caballero de Olmedo es la tragedia de un joven Werther castellano donde el ideal de lo bello se enfrenta a la muerte. Hoy, el recuerdo de los que la vieron el montaje de Narros es dadivoso, dicen que el Alonso que interpretó Carmelo Gómez era magnífico. Leyendo las críticas de la época, uno puede deducir que la memoria es más generosa que el juicio desde el presente.

Se podría argüir que las interpretaciones de los más jóvenes es una de las causas por las que el montaje no acaba de despegar. Pero esa razón es demasiado fácil. Tanto Víctor Saiz como Alonso, Elisabet Altube como Inés y Jorge Varandela como Rodrigo están a la altura. Aunque también es cierto que esta obra gravita sobre Alonso, sobre ese caballero que debe encandilar a los enamoradizos, subyugar a los aprendices de Rilke y hacer suspirar a los mayores.

Es lo que tienen los estrenos, son complicados, engañosos, hay que dejarlos respirar. No está dicho todo en este montaje que tras Almagro llegará a la sede madrileña de la Compañía, el Teatro de la Comedia; y que, si bien en su estreno no voló en emoción trágica, desplegó maneras, sabiduría escénica y potencia estética.

Laila Ripoll es quizá una de las personas del teatro que mejor conoce la obra de Lope de Vega. Su compañía, Micomicón, nació del brazo de este autor. Primero serían Los melindres de Belisa en 1992, luego llegarían El acero de Madrid, Mudarra… Ripoll nació con Lope, siempre anduvo con él y con él posiblemente acabe su carrera. Y este Caballero trastocado, lanzado a esa Inglaterra del XIX de los Shelley y Byron, es una enigmática rareza a paladear.

Pamela Anderson ha vuelto a la escena principal de Hollywood en los últimos años con proyectos que ha revitalizado con películas como ‘The Last Showgirl’ o ‘Agárralo como puedas’, donde coincidió con Liam Nesson, al que se le unió de forma sentimental.

El estreno de la serie ‘Pam & Tommy’ en 2022 devolvió a lo público uno de los momentos más polémicos de la vida de la actriz, pero que también llegó con su propia versión en el documental ‘Pamela: una historia de amor’ emitido en Netflix.

Con las primeras imágenes y el esperado estreno del reboot de ‘Los vigilantes de la playa’, la serie que la hizo famosa, han vuelto a hacerse virales unas declaraciones que Pamela Anderson realizó sobre uno de los actores de acción más famosos de Hollywood.

“Sylvester Stallone me ofreció un piso y un Porsche”

En el documental ‘Pamela: una historia de amor’, la actriz desveló la curiosa conversación que tuvo con una de las estrellas de Hollywood y cómo le ofreció ser “una de sus chicas”. Hablaba de Sylvester Stallone y lo llamativo fue lo que le ofreció:

“Recuerdo haber hablado con Sylvester Stallone una vez. Me ofreció un piso y un Porsche a cambio de ser su chica número 1. Y me quedé en plan: ‘¿Significa eso que hay una número 2?’ y el me respondió: ‘Es la mejor oferta que vas a recibir, cariño. Ya estás en Hollywood”.

Pero Pamela Anderson tenía claro que no es lo que buscaba en ese entonces y rechazó la propuesta del protagonista de ‘Rocky’: “Quería enamorarme de verdad. No deseaba nada menos que eso”. A pesar de esto, al salir, un representante del actor negó que esta conversación se hubiera producido: “Las declaraciones atribuidas a mi cliente son falsas e inventadas. El señor Stallone confirma que nunca realizó esas declaraciones”.

Sin embargo, Anderson ha mantenido siempre su versión, y llegó a enfatizar en ‘Watch What Happens Live’: “Bueno, ¿cómo me lo podría haber inventado? Ha sido algo muy específico”, aseguraba al haber estado en ese momento ella sola con el actor, sin testigos.

La nueva Pamela Anderson en el remake de ‘Los vigilantes de la playa’

Las palabras de la actriz han vuelto a ser tendencia cuando es noticia de forma indirecta porque se ha conocido quién será la actriz que forme parte del ‘reboot’ de la serie que la hizo famosa ‘Los vigilantes de la playa’, que se espera se estrene en enero de 2027 en la cadena Fox.

Lo que se sabe es que será una serie de 12 capítulos que combinará acción, y tendrá tanto nuevas caras como algunas que regresan de la famosa ficción televisiva que entretuvo a muchos frente a la pequeña pantalla, sobre todo en verano y que llega con el lema “Same beach, new blood” (misma playa, nueva sangre).

En ella, a Jessica Belkin se la conoce ya como la ‘nueva Pamela Anderson’, aunque dará vida a un personaje diferente, a Charlie Vale, hija biológica que no conoce el protagonista Stephen Amell, que a su vez es hijo de Mitch Buchannon, el legendario jefe de socorristas al que interpretó David Hasselhoff. Del elenco original queda David Chokachi, que era el ‘rompecorazones’ Cody Madison, y que ahora hará del veterano propietario del chiringuito oficial. Belkin forma parte también del elenco de otro ‘reboot’, el de la serie ‘Elle’, que es precuela de “Una rubia muy legal”.

En el momento en el que Hollywood abraza el efecto nostalgia, en parte por el éxito que conlleva, con nuevas entregas de sagas como ‘Toy Story', el próximo título al unirse a este fenómeno es una comedia romántica que celebra los 25 años desde su estreno en cines en Estados Unidos.

Hablamos de ‘Una rubia muy legal’, que debutó en 2001 y que se convirtió en todo un éxito de taquilla con 95 millones de recaudación con 18 de presupuesto y que llevó a su protagonista, Reese Witherspoon, a ser una de las actrices mejores pagadas de Hollywood. Ahora estrena su serie precuela en Amazon Prime.

Se estrena este 1 de julio y lleva por título ‘Elle’, en la que Elle Wood será interpretada por Lexi Minetree, tomando el relevo de Witherspoon, que participa como productora con su empresa, para dar a conocer los orígenes de la abogada antes de su paso por Harvard.

El estreno de la precuela en formato serie ha hecho que el elenco original de la comedia se haya reunido 25 años después y esto ha dado lugar a una interesante y divertida anécdota de uno de sus personajes más queridos, al que dio vida Jennifer Coolidge.

Jennifer Coolidge: “Tontamente pensé que hacía la audición para Elle”

Actualmente Jennifer Coolidge es una de las actrices de comedia más queridas de Hollywood, reinventándose, y venía de saborear el éxito en la saga ‘American Pie’ cuando recayó en el proyecto de ‘Una rubia muy legal’, y ha desvelado una divertida anécdota en la reunión con el reparto en el evento ‘Elle World’.

“No, pero sí quiero decir esto, porque me pareció divertidísimo. Tuve muchísima suerte de ser elegida para esta película, y es uno de mis trabajos favoritos de todos los tiempos, pero tontamente pensé que, durante la audición, iba a ser Elle”, bromeó la actriz, que, finalmente, dio lugar a un personaje muy querido.

Coolidge da vida en ‘Una rubia muy legal’ a Paulette Bonafonté, manicurista y gran amiga de la protagonista Elle Woods, siendo uno de los personajes más icónicos de la comedia junto a la principal, y demostró su carisma, que ha acabado de conquistar Hollywood con el paso de los años.

En el evento por el estreno de ‘Elle’, se reunió Coolidge con Reese Witherspoon, pero también con Ali Larter, Selma Blair, Victor Garber y Matthew Davis, así como también se unió la cantante Vanessa Carlton y el músico Hoku, que interpretaron ‘Perfect Day’ y ‘A Thousand Miles’ que formaron parte de la banda sonora.

La trayectoria de Jennifer Coolidge: de ‘American Pie’ a ‘The White Lotus’

En ‘Una rubia muy legal’ dio vida a uno de los personajes más queridos, y llegaba ya con el éxito de ‘American Pie’, donde interpretó a la madre de Stifler. Más tarde también participó en comedias como ‘Una cenicienta muy moderna’ y ‘Dos chicas sin blanca’.

Sin embargo, pasó por un período complicado, en el que aseguró incluso haberse rendido como actriz y pasar por una depresión, pero entonces le llegó lo inesperado: el reconocimiento de la crítica por el papel de Tanya McQuoid en ‘The White Lotus’, lo que la ha consagrado con varios Emmy y Globos de Oro.

La actriz Daveigh Chase ha muerto a los 35 años en un hospital de Los Ángeles tras ser ingresada por una meningitis y sufrir una sepsis que produjo su fallecimiento. La noticia la confirmó su representante, John Ryan Jr a los medios de EEUU. Ryan explicó a la BBC que Chase fue ingresada en el hospital por desnutrición antes de su muerte.

“Era genial. Le encantaban los gatos. Colaboraba con nosotros en el rescate de gatos. Era muy reservada”, contó al medio el que fuera su amigo y representante durante 15 años, que añadió que Chase había preferido rechazar películas de grandes estudios para trabajar en proyectos independientes.

Chase saltó a la fama en 2002 por interpretar a la hermana de Donnie Darko en el título de culto, y retomó el personaje en 2009, en una secuela que pocos vieron. Sin embargo, su papel más emblemático y recordado es el de Samara, la niña que salía del televisor en el remake que Hollywood hizo de The ring (2002) y que dirigió Gore Verbinski. Aquel espíritu que amenazaba a los protagonistas fue su papel con más repercusión.

Chase también triunfó como actriz de doblaje. Ella fue quien puso voz a Lilo en el filme animado de Lilo & Stich en 2002, así como en sus secuelas directas para televisión y los productos surgidos a posteriori, como videojuegos y series. También fue Chihiro en la versión inglesa de la película de Hayao Miyazaki El viaje de Chihiro.

En televisión se la pudo ver en éxitos como la serie Big Love, ya que participó en 32 episodios. Antes había hecho apariciones esporádicas en shows populares como CSI, Sin rastro o Caso abierto. Tras abandonar Big Love, sus papeles se redujeron y limitaron a pequeñas interpretaciones. De hecho, desde 2016 no aparecía en ninguna serie o película.