“La asistenta” se ha convertido en todo un fenómeno. Primero lo fue literario y con su adaptación al cine lo ha sido también en formato película, pues fue uno de los estrenos de principios de año, con una recaudación que se ha asentado en más de 400 millones de dólares en todo el mundo.

La adaptación fue dirigida por Paul Feig, conocido por películas como ‘Espías’ (2015) o ‘Un pequeño favor’ (2018), tuvo un trío protagonista formado por Amanda Seyfried, Sydney Sweeney y Brandon Sklenar, que daban vida a los personajes que creó la autora Freid McFadden, una de las escritoras más vendidas actualmente y que se ha convertido en toda una revelación dentro del thriller psicológico. ¿Qué opina ella sobre la película basada en su novela más famosa?

Pues a eso ha respondido la autora en una entrevista reciente en la revista literaria estadounidense SheReads, donde ha reconocido sentirse orgullosa del trabajo de Feig al adaptar ‘La asistenta’ al cine y del que se declaró admiradora:

“Me quedé completamente impresionada. En un momento dado, se me saltaron las lágrimas por lo bien que lo hicieron. Cuando vi la película completa con mi familia, de camino a casa, no parábamos de hablar de lo buena que era. Incluso a mis hijos adolescentes les encantó, y son conocidos por ser muy difíciles de complacer”, declaró en el mencionado medio.

En la entrevista, Freida McFadden también desveló cuál fue uno de sus mayores miedos al saber que la novela se iba a adaptar al cine: “Una de las cosas que me preocupaba era si la película lograría capturar el humor del thriller, pero no tenía por qué haberme preocupado, porque [Feig] lo consiguió”, afirmó finalmente.

Freida McFadden sobre Sydney Sweeney: “Sentí que era Millie hecha realidad”

Aunque uno de los aspectos que más ha destacado la autora fue la elección del reparto, algo que ha alabado no solo por su adaptación, sino por también el resto de las películas dirigidas por Paul Feig: “Sinceramente, todos y cada uno de ellos superaron por completo mis expectativas para sus papeles. La primera escena que vi fue muy intensa, protagonizada por [Seyfried y Sklenar], y me puso la piel de gallina”.

Pero a quien ha apelado directamente ha sido a Sydney Sweeney, la actriz que dio vida al personaje de Millie Calloway, una joven recién salida de prisión que acepta un trabajo como empleada doméstica para el matrimonio formado por Andrew y Nina Winchester (Sklenar y Seyfried): “Ella apareció de repente en una foto en la que yo estaba, y lloré un poco cuando la vi porque realmente sentí que era Millie hecha realidad”.

No solo se quedó ahí, Freida McFadden también valoró positivamente el trabajo del resto del reparto, con quien además compartió momentos al visitar el rodaje: “Cuando vi la película completa meses después, quedé impresionada por todas sus interpretaciones. Estoy muy agradecida al reparto por haberse entregado al 110% a sus personajes. También me encantó lo genuinamente amables que fueron todos cuando los conocí en el set”, recordó McFadden.

“La asistenta” tendrá secuela y próximas adaptaciones de McFadden

La autora de ‘La asistenta’ está de enhorabuena porque debido al éxito que tuvo la adaptación se anunció una secuela, en la que Sydney Sweeney volverá a repetir su papel. Además de esto, StudioCanal se ha hecho con los derechos de ‘The Divorce’, su próxima novela de suspense. Todas estas noticias han convivido al mismo tiempo con el hecho de que tras años publicando, la escritora por fin reveló su verdadero nombre: Sara Cohen.

El cine español ha vuelto a hacer historia en la 79ª edición del Festival de Cannes, y lo ha hecho con un marcado acento extremeño. Pepa Gracia, natural de Puebla de la Calzada, ha desembarcado en el Grand Théâtre Lumière como parte del reparto de ‘El ser querido’, el esperado largometraje de Rodrigo Sorogoyen que compite por la Palma de Oro. La cinta, que se presentó el pasado 16 de mayo, recibió una de las acogidas más calurosas del certamen, con una ovación en pie que se prolongó durante ocho minutos y que sitúa a la producción como una de las grandes favoritas de la crítica internacional.

En este drama de madurez, Pepa Gracia interpreta a uno de los personajes integrándose en un elenco de primer nivel que encabeza Javier Bardem y Victoria Luengo. La película explora la compleja y a veces tóxica relación entre un aclamado director de cine y su hija actriz durante un rodaje en Fuerteventura, un marco de “cine dentro del cine” donde Gracia aporta la solidez de una intérprete formada en la constancia y el rigor escénico. Para la actriz poblanchina, esta presencia en Cannes no es un golpe de suerte, sino el resultado de un compromiso inquebrantable con el oficio que comenzó en su Extremadura natal.

La trayectoria de Gracia es un ejemplo de cómo el talento regional puede escalar hasta la cima de la industria cinematográfica europea. Hija de Teodoro e Isabel, y formada inicialmente en el colegio Nuestra Señora de la Encarnación de Puebla de la Calzada, Pepa creció rodeada de teatro gracias a la influencia de su padre. Aunque sus estudios oficiales la llevaron a diplomarse en Turismo en Cáceres, su vocación artística la impulsó a una formación de más de veinte años que incluye pasos por el Centro Andaluz de Teatro en Sevilla, la École des Sables en Senegal y el laboratorio de José Carlos Plaza en Madrid, a quien considera su gran maestro. Su “bautizo” profesional no pudo tener un escenario más emblemático: el Festival de Teatro Clásico de Mérida, donde debutó con la obra ‘Edipo Rey’ bajo la dirección de Juan Margallo.

En los últimos años, su rostro se ha hecho habitual tanto en la gran pantalla como en las principales plataformas de streaming. Ha participado en películas destacadas como ‘Objetos’, ‘Fatum’ o la aclamada ‘Te estoy amando locamente’, además de formar parte de series de éxito como ‘La Unidad’, ‘La Otra Mirada’ o ‘Feria’. A pesar de este currículum ascendente, Pepa Gracia mantiene una filosofía de trabajo basada en el esfuerzo diario, huyendo de la mitificación de la fama y reivindicando el escenario como el lugar donde realmente se siente libre.

Su paso por la alfombra roja de Cannes representa no solo un hito personal, sino un orgullo para las Vegas Bajas del Guadiana. La presencia extremeña en la sección oficial de Cannes, en un año en el que el cine español ha logrado una representación histórica con tres películas en competición, subraya la madurez de una generación de intérpretes que, como Pepa Gracia, llevan sus raíces por bandera mientras conquistan los templos del cine mundial. Tras su estreno mundial en Francia, el público español tendrá que esperar hasta el próximo 26 de agosto para ver su trabajo en salas comerciales.

Esta semana se nos fue Jack Taylor, un grande de lo que aún se llama “serie B”. No es una expresión que me agrade demasiado; en mi opinión, oculta más de lo que enseña y tiende a no definir gran cosa: en primer lugar, porque no hay subgéneros absolutos; en segundo, porque hay obras buenas, regulares y malas en cualquier forma de expresión y, en tercero, porque los tratamientos y las tramas de lo que vendría a ser —por contraposición— una serie A se han vuelto tan reiterativos y previsibles en general que, por mi parte, los considero una especie de pulp burgués. Ni la vieja y más seria diferencia de presupuesto económico, que trazaba una línea divisoria, dice nada a estas alturas. Y frente a un planteamiento comercial atascado, de tapón pasado de rosca que gira y gira sobre sí mismo sin abrir botella alguna, hasta las obras de menor calidad técnica parecen joyas si ponen algo nuevo sobre la mesa.

En circunstancias normales, este artículo sería un homenaje a aquel actor estadounidense que trabajó a las órdenes de directores como Corona Blake, Jesús Franco, Paul Naschy, John Millius y Roman Polanski y dejó dos autobiografías sin duda interesantes (Cuento lo que mi disco duro me permite y Mis 100 años de cine). Lo sería porque lo merece, y también lo sería por la importancia que tuvo para mi generación y alguna más, que crecimos viendo sus películas en un mundo ya desaparecido; en uno donde era fácil que hubiéramos visto casi todo el cine clásico al llegar a la adolescencia y, además, por poner el asunto en contexto, se fuera adicto a todo lo que proyectaban los cinestudios. Pero supongo que el domingo, cuando se publiquen las líneas que tienen ante ustedes, la prensa habrá hecho justicia a Taylor y al género que le hizo famoso, a diferencia de lo que habrá pasado con otro género y otra artista, fallecida igualmente el martes: Tania Doris, una de las pocas vedettes del antiguo Paralelo barcelonés que seguía con vida, tras la muerte hace unos meses de Merche Mar.

Hubo un tiempo en que los espectáculos de variedades ocupaban un espacio central en el paisaje cultural de nuestro país. Durante décadas, contaron con espectadores –y a veces protagonistas indirectos– de la categoría que mencioné una vez aquí mismo, como apellidos como Barga y Valle-Inclán (ver “Los pasos contados”) y, cuando los nacionales destruyeron la práctica totalidad de lo bueno que se podía destruir, siguieron siendo espacios de libertad, aunque limitados por la moral y las leyes del régimen. Se hacía lo que se podía; al principio, desde números y chistes tan blancos como el que contó la grandísima vedette que fue Mary Santpere en la entrevista que le hizo Pablo Lizcano en “Autorretrato” (TVE-1, 1985); después, tras la apertura relativa de la década de 1960, con más filo y, frecuentemente, entre apariencias como la del descubridor de Lina Morgan y Tania Doris, Matías Colsada, que ocultó su pasado republicano y se inventó o le inventaron una identidad y una biografía completas que le permitieron convertirse en uno de los principales empresarios de paredes.

Quien tenga interés en la aventura de Colsada debería echar un vistazo al capítulo que Juan Antonio Ríos Carratalá, autor de textos tan relevantes como Los consejos de guerra de Miguel Hernández, le dedica en De mentiras y franquistas. Pero, volviendo a la revista, el vodevil, el cabaret y demás, lo que acabó convirtiéndolos en una clase distinta de “serie B”, la derivada de la pérdida de influencia social, de acabar en un ámbito minoritario, no fue ni la censura ni la competencia de las salas cinematográficas; fue la comodidad del cine grabado (ahora serían las plataformas) y una serie de decisiones políticas que se demostraron nefastas, como ocurrió con el sector de Taylor tras la ley Miró, que se cargó el cine fantástico español con la fantástica excusa de hacer obras de calidad. Básicamente, lo que dice el chiste de Santpere, sobre un tipo que está disparando a los pájaros durante horas y que al final, harto de no cobrarse una pieza, pega otro tiro y suelta: “Matar, no te mataré, pero te echaré de España”.

Si no nos andamos con cuidado, llegará un día en que todas las expresiones artísticas ajenas al comercialismo audiovisual se consideren marginales y lo sean en la práctica, por falta de público o de lectores, porque una parte de la música y la literatura también sufre esa situación. Por ejemplo, es cierto que nuestras tablas no han tenido nunca tantos problemas como tienen ahora, pero lo es aún más que jamás se han leído menos obras de teatro, para vergüenza del país y desaprovechamiento de nuestra magnífica y altamente entretenida historia dramática. En un mundo donde todo tiene que ser igual, todo lo que no lo sea es “serie B”; aunque, en este caso, los monstruos de cartón piedra no pertenezcan precisamente a ella.

Con poco más de 200 habitantes, el municipio de Las Majadas se ha convertido en todo un referente del Parque Natural de la Serranía de Cuenca, pese a encontrarse en una ‘zona roja’ de despoblación, en plena España vaciada. Destaca principalmente por su impresionante entorno natural y geológico. Su principal atractivo son 'Los Callejones', un espectacular paraje de formaciones rocosas calizas esculpidas por la erosión, junto con su arquitectura tradicional serrana y densos pinares

Pero hay otro tipo de iniciativas, de las que adolecen muchos pueblos pequeños, relacionada con el mundo animal y que también está convirtiéndose en referente: la Asociación Felina Las Majadas. Es un colectivo sin ánimo de lucro que gestiona un total de nueve colonias felinas y que se dedica al cuidado, alimentación, castración y vacunación de gatos callejeros, a menudo impulsando campañas de ayuda o micromecenazgo para sostener sus labores veterinarias.

Lo más significativo de esta asociación de Las Majadas es que la ha puesto en marcha la actriz Paula Usero. Muy activa en teatro, cine y televisión, es conocida principalmente por interpretar el papel de Luisita en la serie ‘Amar es para siempre’ y también por su papel en la película ‘La boda de Rosa’, de Icíar Bollaín.

La actriz es valenciana y reside en Madrid, pero Las Majadas es el pueblo natal de su padre, y lo considera como propio. Hace tiempo que se ha convertido en impulsora y defensora de esta iniciativa. Lo hace a través de sus redes sociales, donde explica los procedimientos para gestionar las colonias con un carácter muy divulgativo y cercano a la gente.

El método que utiliza es el conocido como CER, que consiste en 'Capturar, Esterilizar y Retornar', para evitar la reproducción incontrolada de los gatos callejeros y mantenerlos así en sus colonias en perfectas condiciones de salubridad y bienestar animal.

Este método es el modelo ético obligatorio que ampara la Ley de Bienestar Animal de 2023, y es obligado en España para gestionar colonias felinas. En principio, son los ayuntamientos los que están obligados de gestionar estas colonias y aplicar el CER, pero también pueden hacerlo las asociaciones acreditadas y autorizadas.

“Durante años he visto a los gatos vivir en la calle, alimentarse con lo que les daban los vecinos y he visto nacer a cientos de gatitos sin un hogar, condenados a una muerte prematura por falta de cuidados y de servicio veterinario. Su esperanza de vida en la calle es de siete años como mucho. Como sucede en muchos pueblos, hay una tasa de abandono y de maltrato animal muy alta y muchos ayuntamientos no pueden hacerse cargo”, explica Paula a este medio.

En el caso de Las Majadas, explica que la Corporación local es muy pequeña y no dispone de recursos, ni económicos ni de servicios adecuados, para habilitar colonias felinas. Y aunque existen ayudas públicas, ella decidió tomar la iniciativa: el pasado mes de diciembre creó ella misma la mencionada asociación para que todos esos gatos y gatas tuvieran “un futuro”. Actualmente, hay 70 censados en las citadas nueve colonias.

En un principio corrió con los gastos de todo. Y no fue poco: hacen falta alimentos, jaulas, transportines, servicios veterinarios y medicinas. Pero pronto se dio cuenta de que no era viable. “Era muchísimo dinero”. Y por ello decidió organizó una campaña de micromecenazgo en GoFundMe.

La gente empezó a apoyarla con donaciones, lo que le permitió a ella y a otras compañeras voluntarias que empezaron a ayudarla, iniciar los procesos de captura, castración, desparasitación, comida, transporte y gasolina. Incluso los propios trámites para dar de alta la asociación son muy costosos, por lo que “toda aportación, sea la que sea, es bienvenida”.

Paula Usero va a Las Majadas siempre que puede, se organiza el tiempo para poder revisar el estado de las colonias y de los gatos, así como para gestionar los viajes que tenga que realizar, pero también las voluntarias que la ayudan se encargan de supervisar que los animales estén en buenas condiciones, al menos en el refugio que la Asociación ha habilitado en un pequeño terreno del pueblo.    

Muchos ayuntamientos no disponen de recursos, tampoco tienen la culpa

Paula Usero — Actriz

“Nos estamos haciendo cargo de una situación que no nos corresponde en absoluto, pero que es que si no la hacemos nosotras, no se haría”. Defiende la Ley de Bienestar Animal pero cree que hay “muy poco control sobre su efectividad”. Pero tampoco consideraría justo que se multara a determinados ayuntamientos por no ponerla en práctica, ya que en muchos casos “no disponen de recursos, no tienen la culpa”.

Por eso, lo único que pide son “facilidades”. “Solo queremos respeto hacia lo que estamos construyendo y hacia los gatos del pueblo, que no tienen culpa de nada. Queremos apoyo vecinal, que lo tenemos, pero nos gustaría que fuera más amplio. Que nos permitan crecer. Colocar puntos estratégicos de alimento para que no lo hagan siempre en la calle, porque a veces todo resulta demasiado complicado”.     

Lo dice porque pese a la gestión de las colonias y al trabajo que realizan ella y sus compañeras, al final “no dejan de ser gatos que viven en la calle, que son alimentados en las puertas de las viviendas”. ¿Qué es lo que ha cambiado? Sobre todo el control poblacional mediante la castración de más de 40 ejemplares y eso, con “muchísimo esfuerzo”. “Es realmente muy difícil capturar a gatos con cero experiencia”, señala.

“Ahora es época de cría y hay muchos cachorros, por lo que queremos sacar a los adultos sociables para darlos en adopción o en acogida, y por supuesto seguir controlando la población”.

En Las Majadas no hay clínica veterinaria y los desplazamientos los han realizado a Cuenca capital, con 50 minutos de bajada y otros tantos de subida, y también a Motilla del Palancar, a una hora y media de recorrido. “Hemos llegado a llevar hasta 20 gatos y, claro, a todos los tienen que castrar el mismo día. Es un esfuerzo enorme, mental y físico, pero todo merece la pena. Merecen un futuro”.

El objetivo de Paula es que la asociación siga creciendo, porque “esto es algo, lo tengo claro, que no va a terminar”. “Entiendo que dentro de, por ejemplo, cuatro años, cuando ya no haya tantos gatos en el pueblo, la gente se dará cuenta de todo este esfuerzo tan tremendo que estamos haciendo”. También está convencida de que este tipo de iniciativas deben conocerse, principalmente en pueblos donde “seguramente estarán igual de perdidos”.

Vamos a seguir con ello y si crecemos y en algún sitio quieren nuestra ayuda, se la daremos

“Muchas veces no paro de pensar si los gatos estarán mal, estarán bien, si les faltará algo. Los tengo en la cabeza todo el rato”. Por eso se muestra muy agradecida por las ayudas que está recibiendo y por la gente que está escribiendo a la asociación para apoyarlas a ella y a sus compañeras. “Vamos a seguir con ello y si crecemos y en algún sitio quieren nuestra ayuda, se la daremos”, concluye.

Una carrera imparable

Paula Usero emprendió su carrera con tal solo siete años, cuando comenzó a ser la imagen de una marca de muñecas y participó en otras campañas publicitarias. Durante su infancia se formó como actriz y cuando terminó bachillerato, empezó a cursar Ciencias Políticas en la Universitat de València. En paralelo, realizó cortos con amigos que estudiaban Comunicación Audiovisual, quienes le plantearon dedicarse seriamente a la interpretación.

Poco tiempo después, accedió, en 2012, a la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de València, donde cursó el Grado de Interpretación Textual. En 2015 participó en su primer largometraje, 'El olivo', dirigido por Icíar Bollaín, con la que repetió años después en 'La boda de Rosa'. Se trasladó a Madrid en el año 2016 después de acabar la carrera en la ESAD.

A finales de este 2017 empezó a trabajar en la sexta temporada de la famosa serie 'Amar es para siempre', en el papel de Luisita Gómez, hija de Manolita y Marcelino, quienes regentan un bar en la Plaza de los Frutos. Durante el año 2018 aparece en un capítulo de 'Paquita Salas', representando a Charlotte García, antigua secretaria de PS Management.

Al mismo tiempo, continuó trabajando en la séptima temporada de 'Amar es para siempre', en la que tomó un papel protagonista gracias a su trama romántica con el personaje de Amelia (interpretado por Carol Rovira). La relación entre ambas se basa en una historia de amor entre dos mujeres durante el año 1976, juntas forman la pareja ficticia “Luimelia”. Precisamente, en 2020 estrenó un spin-off  titulado #Luimelia, que surge gracias al éxito que tuvo en redes sociales la pareja formada por Luisita y Amelia.

En junio de 2021, el Festival de Cinema Jove de València reconoció a Paula con el Premio 'Un Futuro de Cine', galardón que augura un porvenir de éxitos a intérpretes de la nueva hornada de la industria audiovisual española. En los dos últimos años, la actriz ha participado en las series de Netflix 'Manual para señoritas' y 'Esa noche'.

“Un día, en un banco, se me presentó la oportunidad”, empezó a explicar Charlize Theron. “Estaba intentando cobrar mi último cheque de un trabajo de modelo que hice en Nueva York, pero como era un cheque de otro estado, el banco no lo aceptaba, y yo necesitaba el dinero. Así que empecé a suplicarle al trabajador de ventanilla que me ayudara”. 

Era 2005, la actriz estaba siendo entrevistada por Oprah Winfrey, y siguió contando aquella historia que le había ocurrido cuando apenas tenía 20 años. “Si no hubiera cobrado ese cheque, no habría tenido dónde dormir esa noche. Le dije al de ventanilla: ‘No lo entiendes, ¡por favor!’. Estaba suplicando y entonces se acercó un señor que intentó ayudarme. Tuve que rellenar un montón de papeleo y abrir una cuenta, pero cobré el cheque”. 

El drama de Theron con el pago por su trabajo como modelo terminó ahí, pero no esta historia. De hecho, aquel día fue el principio de otra trama: la de su trayectoria como actriz de cine. Porque el hombre que la ayudó no era una persona cualquiera, sino John Crosby, quien entonces representaba a actores de la talla de John Hurt (Harry Potter y la piedra filosofal) o Rene Russo (Arma Letal 3), entre otros.

“Lo que no sabía es que estaba haciendo una prueba para un tipo que acabaría siendo mi representante. Al salir, el hombre que me había ayudado me dio su tarjeta. Me dijo: ‘Si te interesa, te representaré’. Estaría muy equivocada si dijera que no existe eso de estar en el lugar adecuado, en el momento adecuado... La suerte”, compartió la actriz con Oprah hace ya dos décadas.

Theron explicó entonces que, sin John, no sabría que podría haber hecho después. La joven había llegado a Los Ángeles con una maleta, un poco de dinero y un sueño: conseguir trabajo en Hollywood. El problema es que no sabía cómo acceder a la industria del cine, ya que no tenía ningún contacto. “Si no hubiera estado en el banco ese día, sinceramente, no creo que estuviera aquí ahora mismo. Hay tantos actores con talento que nunca tienen la oportunidad”, confesó.

De Sudáfrica a triunfar en Hollywood

Charlize Theron (1975) nació y creció en Sudáfrica, pero se mudó a Los Ángeles en 1994. Después de conocer a Crosby, entró en una escuela de actuación, donde se formó como intérprete. En 1995, obtuvo su primer papel cinematográfico en la película de terror Children of the Corn III: Urban Harvest, en el que interpretó a un personaje sin diálogos. Su primer papel hablado llegó un año después, con 2 días en el valle (1996).

Desde entonces, Theron ha participado en películas como Pactar con el diablo (1997), que la catapultó a la fama mundial junto a Al Pacino y Keanu Reeves, o Mad Max: Fury Road (2015), donde dio vida al icónico personaje de Imperator Furiosa. Hoy en día, hablamos de una de las actrices mejor pagadas del mundo, la cual ha recibido varios reconocimientos, incluido un Oscar y un Globo de Oro a Mejor Actriz por su papel en Monster (2003).

Sentada sobre uno de los alargados colchones colocados en el suelo en una de las tradicionales salas de estar saharauis, Patricia López Arnaiz se toca la tripa y el pecho mientras responde varias de las preguntas de elDiario.es. En la entrevista, realizada durante el Festival de Cine del Sáhara Occidental (FiSáhara), celebrado en los campamentos de refugiados de Tinduf, su reiterado gesto, sin quererlo, adelanta algo que confirmará a lo largo de la conversación. La manera en que la actriz concibe su profesión y, también, cómo cree que el cine puede trasladar un mensaje social: conectar con las realidades que pretenden ser contadas a través de la emoción para, dice, entenderlo mientras se siente.

Desde esa emoción, la actriz española explica cómo ha vivido sus días en el desierto argelino, donde convivió durante una semana con una familia saharaui en la jaima del campamento de Ausserd, junto a otros artistas invitados. Allí, además de asistir a las proyecciones sobre el derecho al retorno de los pueblos expoliados de sus tierras, ha entrado en contacto de manera directa con los abusos sufridos por el pueblo saharaui desde la ocupación marroquí. “No es lo mismo leerlo, saber la historia general de la causa, que estar aquí durante días, hablar con quienes han resistido 50 años y conectar desde la emoción”, reflexiona López de Arnaiz.

La charla se contagió de la calma del desierto y, desde ese lugar, reflexionó a partir de muchas conversaciones mantenidas que, según ha reconocido la artista en una llamada telefónica para actualizar la entrevista, sigue digiriendo y aterrizando.

Aquel batiburrillo de emociones que la protagonista de 'Los domingos' señalaba en su tripa, mientras intentaba ponerlo en palabras, llegó a alcanzar sus ojos en varios momentos de la entrevista: “La experiencia es muy fuerte y de digestión lenta”, describe la actriz.

Estamos en los campamentos de refugiados. En estos días, ha conocido de primera mano la situación del pueblo saharaui. ¿Conocía la causa saharaui? ¿cómo lo ha vivido?

La conocía, pero de manera mucho más superficial. Sabes que hay una ocupación marroquí, que España abandonó a la que era su provincia. Pero a veces, con saber cierta información, no es suficiente para entender realmente lo que ocurre. Hay gente que quizá está muy concienciada y se mueve mucho en ese ámbito y rápidamente conecta con esa realidad, pero en general creo que a la población nos resulta más difícil, estando en nuestras vidas, con tantas cosas que pasan en el mundo. Por eso lo importante de estos días es que no solo profundizamos a nivel político, sino que conocemos todo lo que hay detrás de este conflicto, que es muy bestia y está muy silenciado, también a nivel emocional conectando con quienes lo sufren. 

Puedes leer artículos sobre el conflicto, pero si tienes una persona delante que lo ha vivido, llega a otro nivel. Y, a su vez, quien lo escucha de primera mano, ahora vuelve a casa y se lo cuenta a alguien, desde otro lenguaje. 

Al conectar directamente con ello, ¿qué le ha impactado más sobre su situación?

La experiencia es muy fuerte y de digestión lenta. Cuando estás aquí, en medio del desierto, entiendes también lo admirable que es. Es increíble lo que han podido crear aquí, un Estado en medio de la nada.

Es sorprendente cómo pueden llevar tanto tiempo en estas condiciones meteorológicas extremas y sostener todo. No solo adaptarse, sino también mantener el ánimo, la identidad, su cultura, la motivación, su resistencia cultural. También es increíble, en los territorios ocupados por Marruecos, la resiliencia y la fuerza, en un contexto de violencia bárbaro que intenta hacerlos desaparecer. Nos lo contaron varios activistas que viven en la zona ocupada: padecen un bloqueo informativo bestial, ya que desde 2014 no pueden entrar observadores internacionales en los territorios ocupados, y apenas salen a la luz las torturas, violaciones, prisión, persecución y bloqueo económico, a los que someten a muchísimas personas saharauis, por defender pacíficamente su derecho a la autodeterminacion.

Cuando eres testigo de estas voces en primera persona, y conoces mejor la historia del pueblo saharaui, con los engaños e injusticias que han sufrido; cuando convives en su día a día en la hamada, puro desierto, hostil, estéril, que llegarán a máximas de más de 50 grados, con constantes tormentas de arena, no dejas de preguntarte cómo funciona su mente cuando es tan difícil proyectar en un futuro. Las opciones son tan limitadas... Te asomas a una verdad tan terrible que es muy difícil entender que los seres humanos seamos capaces de generar tanto sufrimiento conscientemente.

Habla de que a veces, por más que la población sepa la información sobre una injusticia, no es lo mismo que conectar desde otro lugar. Justo muchas de sus películas también están atravesadas por las causas sociales. ¿Cree que el cine tiene también ese poder de conectar con las causas sociales desde esos otros lenguajes, desde la emoción?

Totalmente. Creo que hay una función del cine muy importante y me estoy haciendo aún más consciente de ello en estos días, viendo cómo también el FiSáhara utiliza el cine para denunciar la situación del pueblo saharaui. El cine tiene un poder más directo de llegar a la gente. Es un lenguaje distinto. Muchas personas que quizá están más alejadas de las noticias, de repente ven una película, acompañan al personaje en un problema y lo entienden porque casi lo llegan a sentir en su propio cuerpo. 

De hecho, para mí la experiencia también puede ser muy útil en ese sentido para poder aplicarla en mi trabajo y buscar la forma de colaborar. 

¿De qué manera?

De aquí me voy con una memoria. Con una memoria física de conversaciones, sensaciones. Como actriz me pregunto qué siente, cómo es el día a día de una de estas mujeres saharauis con las que convivimos estos días. Esa es la pregunta que me hago, la dirección a la que intento ir, a la humanidad. 

Para ser la actriz que me gustaría ser es necesario poner humanidad en lo que se hace, conectar con la complejidad de las emociones. Una actriz, cuanto más conecta con todo eso, más conecta también con el público. Y puede llegar más el mensaje y conmover más un trabajo.  

¿Los actores o cineastas deben posicionarse políticamente? ¿Qué opina del debate, avivado aún más tras el Festival de Cine de Berlín?

No estoy muy al dia del debate. Yo no obligaría a ningún compañero a posicionarse, me ocuparía de mis propias decisiones al respecto. La popularidad es una herramienta muy poderosa para poder alzar la voz, y me parece que es muy valioso hacerlo, pero también hay otras maneras de hacer política, como el propio relato de la película en la que pones tu cuerpo y te implicas fuerte, por ejemplo.

Quién sabe cuántas cosas se pueden cruzar ahí... tu habilidad para comunicarte en ciertos lenguajes, ptus conocimientos respecto a los temas, tu propia vivencia de la exposición, carácter o el momento en el que se te pregunta.

También es cierto que hay hechos tan terriblemente graves ocurriendo ahora mismo en el mundo que urge mucho muchísimo que sean denunciados. Desde luego, me parece atroz que alguien sea expulsado de un festival de cine por denunciar un genocidio.

No obligaría a ningún compañerso a posicionarse, porque pueden entrar muchas razones que desconocemos. [... ] También es cierto que hay hechos tan terriblemente graves ocurriendo ahora mismo en el mundo que urge mucho muchísimo que sean denunciados. Desde luego, me parece atroz que alguien sea expulsado de un festival de cine por denunciar un genocidio.

Le quería preguntar por Los domingos. Justamente, es una película que, dependiendo de la mirada, se analiza de una forma u otra. Unos ven una crítica a la manipulación de la religión. Otros, consideran que la edulcora en cierta manera; o incluso ha sido celebrada en ciertos ambientes católicos. ¿Cómo ha vivido esas reacciones? 

A mí me ha sorprendido mucho. Yo la he vivido de una forma muy concreta y he visto que cada persona la ha recibido a su manera. Yo siento que la película tiene un solo punto de vista. Me sorprende que pueda haber tantos para otra gente. 

¿Cuál es ese punto de vista que ve usted?

Para mí, el punto de vista es el de mi personaje [crítico con la decisión de su sobrina menor de edad de internar en un convento de clausura]. La he visto varias veces y no dejo de verlo. Pero es un hecho que se está recibiendo de distintas maneras en función de la persona. Quizá es porque en mi caso, este papel ha sido tan íntimo, que me cuesta muchísimo despegarme de mi personaje. 

Para mí, el punto de vista de Los Domingos es el de mi personaje, pero es un hecho que se está recibiendo de distintas maneras en función de la persona. Quizá es porque, en mi caso, este papel ha sido tan íntimo, que me cuesta muchísimo despegarme de mi personaje.

¿Cómo se preparó para ese personaje?

Para mí es un personaje que no tiene contradicción, en ese sentido lo vi muy claro. El contexto religioso es muy interesante que se contextualice porque toca algo creo que es muy importante en nuestra sociedad. Pero para trabajar mi personaje, la sustancia principal fue la manipulación en los menores. 

En los campamentos, hay un sentimiento común de abandono y traición con respecto a las autoridades españolas. En 2022, el Gobierno de Pedro Sánchez dio un paso más al cambiar su posición con respecto al Sáhara Occidental y alinearse con la de Marruecos. ¿Cómo valora ese giro? ¿Cómo lo siente ahora tras conocer la realidad de los campamentos de primera mano?

Habría que hablar claramente de qué es lo que provocó ese cambio. Porque hay una sensibilidad y una claridad para ver unas injusticias y ¿no ves una que te alude directamente? España sigue siendo potencia administradora. No sé qué razón habrá para ese giro, pero desde luego supone un maltrato, una irresponsabilidad muy fuerte. 

Se siente mucha indignación y tristeza. También allí me he dado cuenta de hasta qué punto llega el vínculo de la población saharaui con la española, por lo que supone un abandono a muchos niveles. 

Va al Festival de Cannes, que empieza este martes, con una película portuguesa, 'Aquí'. ¿Cómo afronta el festival?

Por un lado, con mucha alegría de ir a Cannes. Yo todavía no he visto la película, pero ha sido un rodaje duro, por lo que estoy muy contenta de que vaya a tener un lugar allí y que todo ese esfuerzo haya dado su fruto. También porque voy con los compañeros del elenco, con los que hemos hecho una familia.

En España no tenemos, por desgracia, un Saturday Night Live, el mítico programa de humor en directo que ha visto nacer a los mejores cómicos de EEUU. Eso nos ha impedido identificar rápidamente a los talentos del humor. Si uno tuviera que buscar quién sería nuestra Kristen Wiig, nuestra Maya Rudolph o nuestra Kate McKinnon, sin duda el nombre de Judit Martín estaría entre las posibles candidatas. Martín es un tsunami cómico. No es una monologuista, ese terreno que en España se pone de moda cada cierto tiempo, sino que pertenece a otra estirpe, la de actrices que saben hacer reír con una mezcla de humor físico, con su origen en el slapstick, que funciona cuanto más anclado a la realidad está.

Aunque muchos no conozcan todavía su nombre, seguro que se han reído con sus apariciones en el programa de Marc Giró (Cara al show), o en Está passant el programa de 3cat donde da vida a personajes hilarantes en torno a alguna noticia de la semana. Este año también se han podido encontrar con ella en dos de las obras de teatro más giradas y comentadas: Risa caníbal, de Las Huecas; y Del fandom al troleo. Una sátira del bla bla bla. Muchos también recordarán su viral aparición en la ceremonia de los premios Feroz hace dos años haciendo de Tilda Swinton mientras se doblaba a sí misma… o tirando de polémica, la que la llevó a ser denunciada por Abogados Cristianos por un gag en donde se vestía de Virgen del Rocío.

Ahora Judit Martín completa su año de explosión mediática con su primer papel protagonista en cine con Pizza Movies, el filme de Carlo Padial donde da vida a una crítica de cine que, agotada de su profesión, monta un negocio donde puede dar vida a su cariño por el séptimo arte de una forma peculiar: haciendo pizzas temáticas de las películas que le gustan. Lo hace acompañada de otro cómico imbatible, como es Berto Romero, que da vida a su pareja en una película que es un elogio del amor tranquilo en tiempos de cinismo. “Carlo buscaba que fuera una comedia bonita, un retrato de cómo sobrellevar la crisis en pareja, pero siempre evitando esta cosa oscura, el cinismo… él dice que hablar de una pareja que se quiere es casi un acto revolucionario, que no está de moda”, dice Martín de su película. 

Padial la llamó hace “algunos años” para contarle la película y ofrecerle el papel. Pero el tiempo pasaba y la experiencia de una actriz es que haya muchos proyectos que se quedan en eso, en conversaciones que nunca se materializan. “Yo nunca me lo creí”, dice riendo. “Era por muchos motivos y ya no solo por el famoso síndrome de la impostora, sino porque yo nunca había hecho un protagonista. Prácticamente, no he hecho nunca cine, he hecho un secundario y ya está. Lo mío es la tele, la radio… Y luego aparte que yo sabía que esto iba a estar en un tono en el que yo no tenía experiencia. No sabía si iba a cumplir con lo que se esperaba de mí”, recuerda.

En todo ese tiempo se convenció de que no tenía que “hacer las astracanadas” que hace en la radio y en la televisión. Tanto Carlo Padial como Desirée de Fez, su pareja y coguionista del filme, le dejaron siempre claro que era ella. Que no se estaban equivocando y que ese tono también lo podría dominar. Eso dio lugar a dinámicas, conversaciones y juegos para ir viendo ese tono y “sintonizar con esa música”. “Carlo nos decía que éramos como músicos, que esta comedia tenía que tener un tono muy particular, que era como una cosa muy jazz y muy de no apretar, y eso creo que a mí me dio mucha calma. No sé si se consiguió lo que se buscaba del todo, pero sí que se acercó mucho a lo que al final sería”, añade.

Todos sus años de trabajo haciendo teatro de improvisación le han dado “una seguridad total”. Da igual que lo que haga no tenga “la brocha gorda de comedia que hay en la impro o con lo que yo hago o la tele”, pero son muchas horas encima de un escenario sin saber lo que viene a continuación, y eso da “muchas herramientas para estar tranquila”. “A mí la impro me ha dado un colchón de saber que no tengo que precipitarme, que no tengo que ser superingeniosa, que simplemente tengo que dejarme llevar”, explica de su forma de trabajar. Esa impro es un lugar donde se encontraba “muy cómoda”, más que en la televisión, donde “la urgencia te empuja a apretar demasiado la comedia”. “Sí que me he encontrado muchas veces en situaciones muy desagradables en el sentido de decir, 'joder, tengo que hacer reír'”, confiesa. De hecho, a veces ha llegado a estar “saturada” de ella misma, de estar “demasiado arriba todo el rato”.

Un éxito de poco en poco

Esta fama le ha llegado “casi a los 50 años”. Empezó con 20 años en una compañía de teatro y poco a poco ha encontrado un éxito y una popularidad que ya no esperaba. “Todo ha ido supergradual y para arriba. Sí que es verdad que ahora ha crecido de forma exponencial, pero yo lo estoy disfrutando un montón. Más que nada porque también en cuanto me agoto de trabajar de una manera, me surge otra”, subraya aunque aclara que, siendo sincera, en Catalunya la conoce mucha gente, “pero fuera de Catalunya, ni el tato”.

Esta fama lo que le hace es “estar muy tranquila”, pero ya hace años que lo está: “Lo digo en el sentido de que sé que puedo escoger. Me encanta generar espectáculos propios, y sé que si me van mal las cosas, lo que más me gusta es improvisar, o con mi compañía o sola en un teatro pequeño. Eso es lo que más me gusta y con eso siempre me podré ganar holgadamente la vida. Estar en esta situación me permite decir que no a cosas que no me gustan nada, y eso es un lujazo. Es el extremo lujo, porque yo venía de un lugar de no poder decir que no a nada para llegar a final de mes, como tantos actores, y me ha costado entender que no me hace falta estar diciendo que sí todo el rato, porque ganar dinero no está entre mis objetivos, prefiero tener proyectos chulos y que me lo pase bien”. 

Algunos de ellos, como el de Risa Caníbal con Las Huecas la ha hecho entrar en un teatro donde el humor juega al experimento, donde las normas se deconstruyen para hacer una crítica brutal a la extrema derecha. Una experiencia que le ha dado nuevas herramientas y “salir de la famosa zona de confort”. “El humor es supergoloso, pero esta es otra manera de hacer humor. Y a mí me es inevitable meterme en estos fregados. Acabo metiéndome siempre en fregados diferentes, porque me ponen en tensión, y yo me cago literalmente de miedo antes de empezar un proyecto de estos, pero luego siempre lo agradezco, porque yo soy una fanática del humor”, apunta.

Su otro pico de fama fue no deseado y por uno de esos fregados. Llegó cuando Abogados Cristianos denunció a Judit Martín, al director y presentador de Està Passant Toni Soler, y al copresentador Jair Domínguez por un gag en donde ella se vestía de Virgen del Rocío. Una denuncia que fue archivada pero que colocó a la actriz en un foco mediático y de uso político. Cuando se le pregunta por cómo vivió aquello solo le sale una palabra: “Mal”.

Reconoce que no es religiosa, y que quizás vivía en una burbuja donde nadie lo era y pensaba que un sketch humorístico como ese iba a ser uno más. A posteriori, lo piensa más calmada: “Quizás fui un poco cafre. Esa es la verdad. Evidentemente, pensé que igual ahí me había pasado de la raya. Se juntó que aquello era como la tormenta perfecta, porque estábamos en momentos antes de elecciones, y a todo el mundo le vino bien meterse en ese fregado, porque de hecho yo recibí hostias tanto de la extrema derecha, y muchas hostias de la izquierda aunque por diferentes motivos: me dijeron que era andaluzófoba y clasista. Para nada era mi intención ni lo vi así. No me lo esperaba y no sabía que eso iba a dispararse de esa manera. Hubo una semana que encendíamos las teles en el estudio de la radio y veía mi foto junto a Belén Esteban y Ana Rosa Quintana, fue muy heavy”.

Aquello también le hizo pensar que “la religión es un gran tema para mucha gente”, pero no cambió su forma de hacer humor. “Lo que sí pensé es que la tele es muy poderosa, porque yo he hecho bromas de estas y muchísimo peores en radio, y ya en teatro ni te cuento, porque al ser improvisación, sabes que eso no se va a volver a repetir. Yo soy muy cafre, pero sí que en tele dices, ‘ojo, porque queda grabado y es muy poderosa’. Pero también me dije, igual es que me mola afrontar estos temas que sabes que son espinosos, y ahora los voy a afrontar desde otro lugar más inteligente y mucho más divertido. Ahora, cuando intento hablar de la religión en tele, busco otras estrategias”, zanja.

Después de que su abuela y su madre murieran por cáncer de mama, Angelina Jolie decidió hacerse unas pruebas genéticas. Tras comprobar los resultados, se sometió a una doble mastectomía preventiva (extirpación del tejido mamario) y a la extracción bilateral de los ovarios y de las trompas de Falopio. Cuando la actriz lo hizo público en 2013, generó lo que posteriormente fue calificado como el 'efecto Jolie', por la conciencia que generó y el notable aumento del número de mujeres que siguieron sus pasos haciéndose los estudios pertinentes y posteriores intervenciones quirúrgicas.

Alcanzado 2025, la intérprete aceptó interpretar a Maxime Walker, la protagonista de la película Couture, que llega este viernes a las salas; una directora de cine a la que, trabajando en la Semana de la Moda de París, le diagnostican un cáncer de mama. Alice Winocour (Próxima), autora del filme, eligió a Jolie para el papel precisamente por su experiencia con la enfermedad: “Quería a alguien que tuviera un vínculo muy íntimo”.

La intérprete aceptó y apostó por incorporarse igualmente como productora. Durante el rodaje tuvo muy presente a su familia, ya que aportó como atrezo de su personaje un collar de su propia madre. “Ojalá ella hubiera tenido esta comunidad, pudiera hablarlo de forma tan abierta como yo ahora”, reconoció una Jolie emocionada en la presentación del filme en el último Festival de San Sebastián, “y ojalá la gente responda con delicadeza y no se sienta sola”. “Otras mujeres no pueden elegir”, afirmó sobre su caso en concreto, reconociéndose en una posición privilegiada que no todo el mundo se puede permitir.

La enfermedad no excluye el deseo

Durante la película, Maxime mantiene relaciones sexuales con uno de sus compañeros de equipo, encarnado por el actor francés Louis Garrel; en la escena más conmovedora del largometraje. “Las relaciones sexuales están tal y como ella quiso mostrarlo. Ese cómo era para las mujeres vivir esos momentos de la enfermedad y al mismo tiempo poder disfrutar de una historia de amor”, comparte con elDiario.es la directora Alice Wincour. “Las mujeres no se definen por el cáncer, siguen siendo atractivas, siguen siendo mujeres aunque pasen por momentos difíciles”.

Louis Garrel añade que precisamente uno de los pilares de Couture es precisamente eso, “mostrar que la vinculación entre el cáncer y la enfermedad no excluye al deseo”. Directora e intérprete resaltan la química que se generó entre ambos para grabar esta secuencia. “Ella quería hacer algo bastante crudo porque era justo para la película, porque es la historia de una mujer que va a perder su pecho, y que de manera natural no por ello va a renunciar a su sexualidad”, explica el francés.

Para el actor era importante que el filme no cayera en convencionalismos al retratar la enfermedad, ya que considera que en muchas ocasiones se tiende a “un tono algo patético al intentar acabar con un poco de esperanza. Aquí lo que se quería desarrollar es cómo altera el cuerpo de una mujer cuando hay algo que quitar”. Y sin pasar por alto el miedo a la muerte con el que convive la protagonista.

Garrel alaba que su compañera de reparto lograra generar el 'efecto Jolie'. “El cine condiciona nuestros comportamientos. Que Angelina, el hecho de que una mujer tan impresionante, hiciera pública su experiencia, fue algo casi heroico”, alaba consciente de lo inspiradora que fue y cómo, al hablar de las pruebas e intervenciones a las que se había sometido, generó que muchas otras personas se sintieran igualmente capaces: “Si ella no ha perdido nada, ni su sex appeal ni su belleza ni carrera, 'yo también puedo hacerlo' fue la conclusión a la que llegaron muchas personas, y eso es magnífico”.

El universo de la moda como escenario

Maxime convive en la Semana de la Moda con otras mujeres que están buscando igualmente sus propios caminos y cambios que les permitan seguir avanzando en sus respectivas vidas, tanto personal como laboralmente. Una de ellas es Ada, que encarna en su debut en el cine Anyier Anei, una modelo de Sudán cuyo personaje está basado en su propia vida y que ha permitido ahondar en la experiencia dentro del mundo de la moda desde la perspectiva de una mujer africana. Su personaje convive entre desfiles y sesiones fotográficas con jóvenes de distintos lugares del mundo, incluida la Ucrania en guerra.

“En francés, la palabra 'couture' [alta costura] que da título a la película, significa también maestro. La idea era mostrar los hilos que hay detrás de los mundos reales y las palabras de las mujeres”, describe la directora Alice Wincour, al explicar la relevancia concedida en su filme a los vínculos que se generan entre tantos personajes femeninos. No importa que no se conozcan de antes ni que tengan necesariamente nada en común, entre ellas se tejen relaciones de las que sanan, acompañan y salvan; independientemente de las cicatrices que arrastra cada una.

Garrel, por su parte, destaca que el mapa de contextos, edades y cuerpos de las protagonistas de Couture, cuyo nexo es el mundo de la moda; es una muestra de cómo el arte no puede escapar de lo que sucede en el mundo en el que vivimos. “Es inevitable, está hecho por seres humanos. Modelos que vienen de todos los países, hay historias trágicas, países en los que hay guerra. Hay un contraste entre la ligereza de un desfile de moda formado por mujeres que vienen de países en los que la vida es un infierno”, valora.

El intérprete considera interesante que “dentro de que la moda puede no tener una ambición política, no puede alejarse, porque se nutre de personas que vienen de lugares distintos con sus propias historias”. Este fue uno de los motivos que le llevó a elegir participar en Couture, pero no el único. “No puedes elegir solo proyectos si cuentan algo del mundo, porque hay un placer del cine de extraerse de él para poder respirar. No hay una regla general sobre lo que debe ser el cine. Hay pelis políticas que son necesarias y de amor, que son políticas en cierto sentido, porque es lo que le interesa a la gente”, concluye defendiendo la existencia, participación y éxito de ambas.

Los estrenos de ‘Michael’ y de ‘El diablo viste de Prada 2’ han provocado el mejor mes de abril en los cines españoles desde 2019, con más de siete millones de espectadores, pero es que también ambas cintas son las culpables de que el primer fin de semana de mayo haya sido el mejor de lo que llevamos de 2026, con 1,4 millones de espectadores.

En España, ‘El diablo viste de Prada 2’ ha recaudado más de 3 millones de euros y se mantuvo en segunda posición, pero a nivel mundial ha arrasado con una recaudación de 233,6 millones de dólares, ya siendo la séptima película más taquillera del año. Esto ha supuesto el mejor estreno en Estados Unidos de Meryl Streep, por delante incluso de ‘Mamma Mia’ (2008).

Una Meryl Streep que ha vuelto a ponerse en la piel de Miranda Priestly, la protagonista de ‘El diablo viste de Prada’, en su secuela, un personaje inspirado en la que fuera directora de la revista Vogue, Anna Wintour, y que es, además, una persona que muestra dos caras muy diferentes durante la película.

Es por eso por lo que a la oscarizada actriz le han preguntado sobre los personajes villanos y en su respuesta en el programa ‘Hits Radio Breakfast Show’ ha atizado a Marvel y su influencia en el cine porque considera que ha acabado con los personajes con matices en las películas que se hacen ahora:

“Creo que tendemos a 'marvelizar' las películas actuales. Tenemos a los villanos y tenemos a los buenos, y eso es tan aburrido”, confesó en una entrevista en la que participó junto a sus compañeras de reparto, Anne Hathaway y Emily Blunt.

Y es que para Meryl Streep uno de los detalles más apreciables de su personaje es la imperfección y todo lo que aporta: “Lo más interesante de la vida es que algunos héroes tienen defectos y algunos villanos son humanos e interesantes. Eso es lo que me gusta de esta película. Es más complicada”, declaró a Vogue durante la promoción de la secuela.

Sigue la estela de Scorsese y Coppola

Meryl Streep con sus declaraciones en contra de Marvel y de lo que ha aportado al cine se une a otras figuras de Hollywood, como lo fue el director Martin Scorsese en 2019: “Las cintas de superhéroes son como parques temáticos. Están bien hechas, pero no son cine”.

Francis Ford Coppola, sin embargo, sigue siendo uno de los que ha sido más críticos con las películas de superhéroes de Marvel al tildarlas de “despreciables”: “El cine debe iluminar la vida y no repetirse en una fórmula de consumo masivo que no enseña nada al espectador. No creo que nadie saque provecho de ver la misma película una y otra vez. Martin fue amable al decir que no es cine. No dijo que fuera despreciable, cosa que yo sí afirmo”, dijo en su día.

Nos cuesta imaginar a estrellas de Hollywood que siendo ya conocidas desde muy temprana edad hayan acudido a la universidad, pero eso mismo es lo que hizo Natalie Portman mientras rodaba las películas de Star Wars en las que participó, exactamente de 1999 a 2003 estudió en la Universidad de Harvard.

Allí, la reconocida actriz se graduó con honores en Psicología y llegó a publicar artículos científicos sobre neurociencia con su nombre real, Natalie Hershlag. Este hecho ha servido de inspiración a Gabriella Pizzolo, conocida por ‘Stranger Things’, como ella misma ha admitido en una entrevista con People.

Gabriella Pizzolo, que se hizo famosa por dar vida a Suzie en ‘Stranger Things’ e interpretar a Matilda en el musical de Broadway, ha comentado en la entrevista que se ha graduado de dos títulos universitarios y fue gracias a seguir el ejemplo de Portman.

“Recuerdo que estaba buscando qué estudiar y vi que Natalie Portman estudió psicología, y no necesariamente nada relacionado con el mundo del teatro. Y pensé: ‘Eso es realmente inteligente’. Es una alternativa al teatro y al drama, pero aun así se aprende mucho sobre las personas y cómo interactúan a través de ello”, explicó a People, donde fue entrevistada para presentar su nuevo proyecto, ‘Beaches’ en Broadway.

La actriz de ‘Stranger Things’, de origen italiano, sin embargo, matizó que, a pesar de sus estudios en psicología y música, ella quiere continuar en centrarse en la actuación: “Siento que mi lugar está en el teatro y el cine, pero creo que la psicología ayuda mucho a los actores”, declaró al respecto.

Pizzolo también aseguró en la entrevista que compaginar su vida como actriz junto a pasar tiempo en el campus universitario le dio una experiencia que la ayudó a crecer como persona al convivir con gente fuera de la industria del entretenimiento.

Le conecta con su personaje de ‘Stranger Things’

Si gran parte del público conoce a Gabriella Pizzolo es por dar vida a Suzie Bingham en la serie ‘Stranger Things’, que finalizó hace apenas unos meses, y en parte el haber estudiado en la universidad le ayudó a conectar con ella: “Siento que es muy propio de ella de estudiar y estar allí mientras los demás salvan el mundo”.

Al referirse a su paso por la serie, la actriz aseguró que mantiene contacto con varios actores, en especial con Gaten Matarazzo, su interés amoroso en la ficción, con el que afirma que “habla todo el tiempo”.

La cuarta temporada de la serie de HBO ‘The White Lotus’ ha dado recientemente que hablar al haber perdido a una de sus grandes estrellas y reclamos, Helena Bonhnam Carter, una vez ya comenzado el rodaje debido a que “no encajaba en el personaje”, según aseguró el medio Deadline a través de un portavoz de la plataforma.

La ficción creada por Mike White afrontaba un duro problema y un importante reto de encontrar una sustitución a la altura, un hecho que se había anunciado a través de un comunicado que rezaba: “se ha replanteado, se está reescribiendo y se buscará una nueva actriz en las próximas semanas”.

El anuncio oficial se hizo tan solo una semana después, cuando se confirmó que la actriz Laura Dern sustituirá a la británica, un hecho que ha despertado teorías debido a que no es la primera vez que aparecería en la serie, en la que ya interpretó una voz en off y que podría crear un enlace entre diferentes temporadas, tal y como ya se dio con el personaje de Jennifer Coolidge entre la primera y la segunda.

El personaje que Laura Dern podría interpretar en ‘The White Lotus 4’

Si recordamos, la segunda temporada de la serie ‘The White Lotus’ se ambientó en Italia, en concreto en Sicilia, y en ella ya participó Laura Dern con un pequeño cameo, aunque solo con su voz. Entonces interpretó a Abby, la mujer de Dominic Di Grasso, productor de Hollywood al que dio vida Michael Imperioli, y este personaje fue también mencionado por otros como su suegro Bert y su hijo Albie.

Esto no ha pasado desapercibido para los fans de la serie, que en redes sociales han comenzado a crear teorías sobre el papel al que podría dar vida Laura Dern, pues muchos han pensado que su fichaje significaría que se escribiera más sobre Abby y crear así conexión con la familia Di Grasso que apareció en la segunda temporada.

Cabe recordar que Di Grasso interpretaba a un productor de Hollywood y teniendo en cuenta que se ha desvelado que ‘The White Lotus 4’ está ambientado en torno al festival de Cannes, son muchos que ven la conexión factible, creando así un interés importante teniendo en cuenta la perdida de Bonham Carter.

Actualmente, la cuarta campaña de la serie de HBO se está rodando en la Riviera Francesa, Saint-Tropez y Mónaco, y entre el reparto también confirmado están actores de la talla de Steve Coogan, Rosie Perez, Heather Graham, Max Greenfield, Kumail Nanjiani, Vincent Cassel y Chloe Bennet, Sandra Bernhard, Frida Gustavsson, Charlie Hall, Jarrad Paul, Ben Schnetzer y Laura Smet.

En Zaragoza, lejos del ruido y con la serenidad de quien ha atravesado décadas de cine, Jacqueline Bisset ha recibido el 'Dragón de Oro' del Saraqusta Film Festival-Festival Internacional de Zaragoza de Cine de Historia como reconocimiento a una trayectoria internacional que ha sabido moverse entre el gran cine de autor y proyectos más íntimos. A sus espaldas, nombres como Truffaut, Huston, Cukor o Polanski; en su discurso, una idea clara: todo empieza en el guion. Entre recuerdos de rodaje, reflexiones sobre la industria y una mirada crítica hacia los papeles femeninos actuales, la actriz reivindica el valor de la experiencia y la humanidad en la pantalla… y confiesa un deseo pendiente: interpretar a la reina de Inglaterra.

—Ha recibido el “Dragón de Oro” en el festival Saraqusta. ¿Cómo le ha recibido el público de Zaragoza?

Hacía tiempo que no estaba en España y no tenía ni idea de si era conocida aquí o no. La experiencia en Zaragoza, hasta ahora, está siendo muy buena. Ayer, por ejemplo, pasé un día divertido; lo disfruté mucho.

—Ha trabajado con directores como François Truffaut, John Huston, George Cukor, Claude Chabrol o Roman Polanski. ¿Qué aprendió de esa diversidad de miradas? ¿Algún rodaje cambió su manera de entender la interpretación?

No creo que haya aprendido tanto de ellos como podría pensarse, porque para mí lo esencial es el guion, la historia. Si algo no está en el texto, difícilmente estará en la pantalla. Un buen director es vital porque sabe dónde colocar la cámara para captar el momento justo. En una película hay una historia, y el director debe ajustarse a ella y al personaje; eso es lo que finalmente llega al público. Algunos directores con menos experiencia se pierden en la vitalidad del momento. También influye mucho la experiencia de vida. Si no la tienes, no puedes transmitirla, igual que ocurre con los actores. El cine debe representar la humanidad. Ahora que soy mayor, tengo muchas experiencias y tengo muy claro qué me interesa y qué no. Hay cosas que resultan tremendamente aburridas.

—¿No se le ha ocurrido nunca dirigir, con toda esa experiencia acumulada?

Creo que podría ser una buena directora, pero también pienso que el equipo querría irse, porque sería muy exigente. Tengo que educarme para ser menos mandona. Soy Virgo… y se nota.

Me hubiera gustado interpretar a la reina de Inglaterra por su carácter y humor

—Ha vivido grandes cambios en la industria audiovisual. ¿Cuál considera el más determinante?

Los cambios han sido sobre todo técnicos. El formato me da igual, lo importante sigue siendo la historia. La televisión funciona a un ritmo más rápido y los rodajes son más largos, lo que exige mucho esfuerzo. Tener un papel protagonista en una serie puede ser una tortura: cuando no estás trabajando, tienes que esperar, y eso implica guardar energía para cuando te toca actuar. Al principio yo era muy activa entre tomas, socializaba mucho con el equipo, pero me aconsejaron que me reservase para estar más concentrada. Recuerdo que un actor alemán, Maximilian, me dijo una vez que me fuera a mi habitación. Yo era más feliz moviéndome por el set, pero aprendí. Este trabajo requiere disciplina y profesionalidad.

—Su carrera ha sido muy internacional. ¿Cómo ha influido eso en su forma de construir personajes?

Todo influye. Rodar en Europa es más relajado que en Estados Unidos, porque aquí nos gusta más vivir que trabajar. Nos gusta disfrutar del buen tiempo, comer con vino, conversar después… es otra manera de entender la vida. Pero mi trayectoria no es tan típica; no todo el mundo trabaja tanto en Europa como en América.

—Ha participado en numerosas producciones de corte histórico. ¿Qué le atrae de este tipo de proyectos?

No me interesa tanto que una película sea histórica como el carácter del personaje. Me pregunto si tengo el conocimiento necesario para interpretarlo. Cuando hice ‘Anna Karenina’, estaba emocionada y aterrada a la vez: al aceptar el proyecto quise profundizar en el personaje y descubrí que muchos de sus gestos ya estaban en la novela. Era un papel maravilloso. También interpreté personajes religiosos, como María en la miniserie 'Jesús', una producción italiana sobre la vida de Jesús dirigida por Roger Young. Fue un proyecto muy hermoso. Yo no sabía mucho sobre la Virgen, a la que tanta gente adora, y me sorprendió profundamente. Me conmovieron las enseñanzas de Jesús y me llevaron a hacerme muchas preguntas. Sentí una gran responsabilidad. No soy muy religiosa, lo soy a mi manera, pero creo que el mundo necesita esas enseñanzas.

—¿Qué le dejaron a nivel personal aquellos trabajos de época?

He hecho de muchas madres. De esos papeles recuerdo mi ‘periodo islámico’. Tuve una pareja que era turco y en aquel tiempo yo no me vestía muy sexy, con túnicas, influida por el rodaje de la vida de Jesús. Pero él no me lo pidió nunca y sus dos hijos me preguntaban por qué se vestía así. Más tarde, interpreté el papel de una mujer francesa y ellos aplaudieron que yo vistiera ya como una occidental.

—¿Qué papel cree que tiene la mujer hoy en el cine y la televisión?

Creo que hay cierta confusión. Las mujeres parecen tener que ser como los hombres, y eso no tiene mucho sentido. Hay cada vez más papeles femeninos agresivos en las series, con mucha violencia, luchas y artes marciales, y eso a veces resulta incluso un poco cómico. Hay actrices muy buenas, sin duda, pero no sé si esta tendencia responde a algún tipo de frustración. En plataformas como Netflix veo, en general, mejores papeles masculinos, y no tengo claro hacia dónde se dirige la representación femenina.

—Si pudiera elegir un personaje histórico aún por interpretar, ¿cuál sería?

Me gustaría verme en un personaje algo loco pero no sé cómo me sentiría. Necesito personajes más poderosos. Me hubiera gustado interpretar a la reina Isabel de Inglaterra porque los caracteres de la aristocracia británicos están muy bien definidos. Además, me gusta su sentido del humor, con cierto toque de comedia.

—¿Una gran actriz nunca se retira?

Ahora mismo no estoy trabajando. Estoy centrada en un proyecto personal que me ocupa mucho tiempo.

—¿Qué proyecto le ha dado mayores satisfacciones a lo largo de su carrera?

No lo sé exactamente. Me atrae la complejidad, y curiosamente los papeles que más me han dado no son los más conocidos. Pienso, por ejemplo, en Loren & Rose, o en mi papel como locutora de radio en The Sleepy Time Gal, que es cine independiente y me interesa mucho.

En 2008, el director, guionista y productor Marcos Moreno planeó con Tony Isbert, uno de los siete hijos de la actriz María Isbert, un documental sobre este emblemático clan de actores españoles, que comenzó con Pepe Isbert, ese alcalde que a todos “debía una explicación” en ‘Bienvenido, Mister Marshall’. Ese proyecto se realizó para RTVE y contenía casi tres horas de grabación de una entrevista con María, hija de Pepe, que ya tenía 92 años. Aunque sufría los estragos del Alzheimer y confundía los recuerdos, el material era “impagable”.

Tres años después murió la actriz, en 2011. Y cuando en 2025 falleció también su hijo Tony, el cineasta decidió recuperar ese material. “Era maravilloso ver cómo una mujer que había hecho más de 300 películas y que siempre estaba memorizando textos, en el último momento de su vida, cuando la mente le falla, se repone y hace la última función de su vida, que es esa entrevista”.

Con ese material, Marcos Moreno ha alumbrado ‘María, la bien pagá’, producido por Tharsis Capital. Es un recorrido por los difusos recuerdos de la actriz, llamado así porque al final ella canta esa conocida copla. Se trata una entrevista inédita, hasta ahora desconocida, que viene a rendir tributo a una mujer “divertida, única, entregada” que se declaró “apasionada de su profesión hasta el último día”, resalta el cineasta.

El documental se compone de fragmentos de la entrevista, intercalados con relatos de sus familiares, allegados, compañeros de profesión, y también con recreaciones animadas de algunas de las anécdotas que cuenta. Pero principalmente, es ella “en estado puro, sin filtros”.

Durante sus reflexiones, María Isbert, detalla numerosas anécdotas. “Generalmente, le preguntábamos algo y respondía otra cosa, pero al rato recordaba la primera pregunta y la respondía. Entre medias, recordaba otras cosas, y todas las cuenta con una energía única y de forma divertida, aunque sean auténticos dramas”.

Pone como ejemplo el hecho de que la actriz relate cómo, durante la guerra civil española, mientras representaba una obra de teatro, un obús cayó sobre el techo de la sala y la gente salió despavorida. Eso está recreado con animación y “ella lo cuenta como lo más normal del mundo”.

También detalla el casting de uno de sus papeles más conocidos: el de ‘Viridiana’, de Luis Buñuel. “Ella fue vestida de forma muy elegante y cuando llegó le informaron de que estaban buscando a una mujer de pueblo, básicamente una mendiga. Cuenta que se desvistió en ese mismo momento y se convirtió en lo que querían. Consiguió el papel, claro”.

Y mucha traca tienen también sus recuerdos sobre ‘Amanece, que no es poco’, la película de culto de José Luis Cuerda, donde encarna a una de las vecinas del pueblo que acoge a los dos protagonistas y que no quiere ir a misa con su madre porque “no tiene cuerpo”. De esa película, María dice en el documental, riéndose, “que se hizo muy poco”.

‘María, la bien pagá’ se adentra así en la mente, los recuerdos y el humor de una actriz “muy querida”, que trabajó fuera de los cánones estéticos y nunca abandonó el amor por su profesión. “Es un viaje emocional, tierno y surrealista por la vida de una mujer que vivió para el escenario y para el público”.

Su director advierte: “Está lleno de sorpresas. María no responde como se espera. Su mente divaga, inventa, mezcla y salta entre décadas, personajes y anécdotas. Pero en ese aparente caos emerge una lucidez brillante, una forma única de narrar su vida. No buscábamos ordenar su biografía, sino capturar su espíritu: su risa, su ternura y sus valores”.

La actriz ofrece consejos disfrazados de chistes, recuerdos con moraleja, vivencias que parecen sketches. Habla como quien actúa sin saber que está en una función

“En este estado flotante entre lucidez y delirio, entre testimonio y teatro, la actriz ofrece consejos disfrazados de chistes, recuerdos con moraleja, vivencias que parecen sketches. Habla como quien actúa sin saber que está en una función. Y en esa ambigüedad, en esa frontera difusa entre lo vivido y lo soñado, nace la verdadera esencia de este documental”, agrega su director.  

¿Y qué hay de su vínculo con Castilla-La Mancha? Más allá de las decenas de rodajes y la vida pública, el verdadero “refugio emocional” de María Isbert, al igual que el de su padre Pepe, fue siempre esta comunidad autónoma. En especial, la localidad de Tarazona de la Mancha, en Albacete, “donde regresaba una y otra vez”.

Nació en Madrid como su padre, pero la actriz siempre se sintió “profundamente manchega”. Ese vínculo no era circunstancial, era el “paisaje de su infancia” ya que su abuela, la madre de Pepe, era originaria de ese pueblo. “Allí se sentía libre, querida y auténtica”, tal y como relata en el documental.

Otro de los aspectos que destaca el director es que, aunque en el documental aparecen también declaraciones de actores destacados como Iñaki Miramón, Manuel Alexandre, Emilio Gavira o sus propios hijos, nietos y nietas, el público “la quiere ella”. El director así lo ha constado en su preestreno oficial, el que se ha realizado esta semana en la Sala Pepe Isbert del Teatro Circo de Albacete, con el apoyo del Servicio de Educación y Cultura de la Diputación de Albacete.

El documental también se proyectará en el Teatro Sanchiz de Tarazona de la Mancha, pero a su director le gustaría que su recorrido tuviera presencia en algunos festivales, en los que ya se ha presentado. También ha iniciado los contactos para que pueda proyectarse en residencias de personas mayores, así como en algunas televisiones públicas autonómicas.

“María lo merece, y viendo la acogida que ha tenido en su preestreno, no cabe duda de que su mensaje está vivo y debe llegar a cuanta más gente, mejor”, afirma.

Maria Isbert estudió en un colegio alemán, donde además aprendió otros idiomas. Desde pequeña, María quiso seguir los pasos de su padre pese a que Pepe no quería y le pidió que opositara para el cuerpo de Aduanas. Ganó su cabezonería, su padre finalmente le dió permiso y su debut como actriz se produjo a los ocho años, cuando participó junto a Pepe en la obra de teatro de Alejandro Casona 'Nuestra Natacha'. Tras este trabajo, estuvo ocho años trabajando para la compañía de su familia en numerosas obras de teatro, siendo en algunas de ella la protagonista.

Del debut en el cine a los reconocimientos

En cine debutó de la mano de Juan de Orduña en 1944 con 'La vida empieza a medianoche', a la que siguieron 'Un hombre de negocios' (1945), de Luis Lucía, y 'Botón de ancla' (1947), de Ramón Torrado.

La Academia de Cine cifra en más de 300 las películas en las que participó la actriz, siendo los más conocidos los mencionados papeles de 'Viridiana' y 'Amanece, que no es poco', pero también otros que pasaron a la historia como 'La gran familia' o 'El verdugo'. Sus últimas interpretaciones cinematográficas las realizó en 2005, llegando a participar hasta en cinco películas: 'R2 y el caso del cadáver sin cabeza', 'Semen, una historia de amor', 'Envejece conmigo', '50 y más' y 'Cuando España se desnudó'.

Entre los numerosos galardones recibidos por María Isbert destaca el Premio Nacional de Teatro Pepe Isbert, concedido por la Asociación Nacional de Amigos de los Teatros Históricos de España (AMIThE), un reconocimiento especialmente simbólico al llevar el nombre de su padre y al enlazar, una vez más, la memoria artística de ambos.

A ello se suman distinciones como la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo, la Medalla de Plata al Mérito en las Bellas Artes, su nombramiento como Miembro de Honor de la Academia de Cine o la Medalla de Oro de Castilla-La Mancha, otorgada a título póstumo.

María Isbert fue madre de siete hijos varones y de una hija, Miriam, que murió al nacer. Al fallecer, tenía 22 nietos y cuatro bisnietos. Tras su retirada profesional como actriz se marchó a vivir junto a su hijo a la localidad conquense de El Provencio.

La actriz murió a los 94 años el 25 de abril de 2011. Su capilla ardiente estuvo instalada en el Teatro Circo de Albacete y está enterrada en el panteón familiar que se encuentra en Tarazona de la Mancha su “lugar en el corazón”.

‘El diablo viste de Prada 2’ llega a los cines españoles este 30 de abril y promete ser uno de los estrenos del año. Una secuela que llega dos décadas después de su primera película, dentro de la ola de nostalgia que se ha instaurado en la cultura en general.

Para la secuela de ‘El diablo viste de Prada’ regresa su elenco principal con Anne Hathaway, Meryl Streep, Stanley Tucci y Emily Blunt, todos ellos retomando sus papeles de la primera película, teniendo como conexión la revista ‘Runnaway’.

Lo que no todos saben es que Anne Hathaway estuvo a punto de no ser Andy Sachs en la conocida película que le asentó en la fama después de haberse convertido en estrella siendo la protagonista de ‘Princesa por sorpresa’ de Disney. Y es que para el papel de la joven fue valorado hasta para ocho actrices más hasta que recayó en la neoyorquina.

Rachel McAdams fue la primera opción

Según se ha contado en diversos medios especializados en cine, el papel de Andy en ‘El diablo viste de Prada’ fue ofrecido a actrices como Rachel McAdams, Claire Danes, Scarlett Johansson, Emily Blunt, Natalie Portman, Kate Hudson, Juliette Lewis o Kirsten Dunst antes de que fuera Hathaway la escogida.

Una de ellas, sin embargo, era la favorita y a la que se le ofreció directamente el papel de Andy Sachs en varias ocasiones. Hablamos de Rachel McAdams, que en esos primeros años de los 2000 era una estrella en potencia tras protagonizar ‘El diario de Noa’ y ‘Chicas Malas’, ambas de 2004, y que rechazó ser uno de los personajes principales de ‘El diablo viste de Prada’ debido a razones de su vida personal.

McAdams explicó más tarde que rechazó ser Andy Sachs en varias ocasiones porque se le ofreció directamente el papel, pero quiso alejarse de Hollywood y de la fama debido al ritmo acelerado y la presión que comenzaba a sentir después de protagonizar ‘El diario de Noa’ y ‘Chicas Malas’, y se marchó a su Canadá natal durante dos años.

Estos dos años lejos de Hollywood no estuvieron exentos de cierta culpa por no aprovechar su momento, como ella misma declaró: “Sin lugar a dudas, hay veces en las que pienso ‘me hubiera gustado hacer eso’. Pero luego lo pienso a la distancia, y siento que hubo alguien más para que la opción correcta fuera hacer eso”.

Durante su ausencia de Hollywood tras sus dos primeros grandes éxitos hicieron que no formara parte de papeles que le ofrecieron, no solo ‘El diablo viste de Prada’, sino también en ‘Casino Royale’, ‘Iron Man’ o ‘Misión Imposible 3’, pero reanudó su carrera y acabaría teniendo papeles relevantes en su trayectoria como ‘Una cuestión de tiempo’, ‘Spotlight’ o ‘Midnight in Paris’.

Cuando se estrenó ‘El diablo viste de Prada’ en 2006, las vidas de Stanley Tucci y Emily Blunt poco tenían que ver con lo que son ahora. Primero, por lo evidente del paso del tiempo, dos décadas, y lo segundo porque entonces coincidían por primera vez en un proyecto, y ahora tienen un fuerte vínculo personal, precisamente gracias a su participación en la película.

Un hecho que está siendo evidente en la promoción de su secuela, ‘El diablo viste de Prada 2’, que llega este 30 de abril a los cines españoles a la vez que lo hace en casi todos a nivel internacional, y en la que también repiten del elenco original tanto Meryl Streep como Anne Hathaway.

Así, en la segunda parte de la película tanto Stanley Tucci y Emily Blunt repiten en sus papeles de Nigel y Emily, dos piezas fundamentales para la historia que protagonizan Andy Sacks (Anne Hathaway) y Miranda Priestly (Meryl Streep) en una adaptación del libro homónimo, que se inspira en Anna Wintour, directora de la revista Vogue actualmente y redactora jefa de 1988 a 2025.

La química de Tucci y Blunt, a pesar de que en la secuela no comparten muchas escenas, ha quedado evidente durante la promoción de la película, y es que su relación personal ha ido más allá en estos veinte años, debido a que son cuñados en la vida real.

Stanley Tucci y Emily Blunt: de ‘El diablo viste de Prada’ a familia en la vida real

El vínculo familiar que comparten nació en la premiere de la primera parte de ‘El diablo viste de Prada’ en 2006, cuando Stanley Tucci conoció a la que se convertiría en su esposa, la hermana de Emily Blunt, Felicity.

Entonces al conocerse, nada más pasó entre ellos más allá que coincidir por primera vez cuando ella acompañó a su hermana al estreno, pero todo cambió cuando volvieron a verse en la boda de Emily Blunt con el también actor John Krasinski en 2010.

En aquel momento, Stanley Tucci había despedido a su primera esposa hacía tan solo un año, al fallecer por cáncer de mama, y Felicity Blunt llegaría a su vida como un reinicio que la cambiaría para siempre, a pesar de sus 15 años de diferencia. Se casaron en 2012 y comparten dos hijos, Matteo (2015) y Emilia (2018).

El convertirse en cuñados todavía unió más a los dos actores, que al coincidir en la secuela de ‘El diablo viste de Prada’ veinte años después se ha podido apreciar, además de que fue algo que ambos han compartido con los medios de comunicación. De hecho, Tucci apuntaba una cierta nostalgia al respecto.

Esto, además, ha hecho que la promoción de ‘El diablo viste de Prada 2’ se haya convertido en un viaje familiar, al unirse tanto el marido de Emily y sus hijas y Felicity, su hermana, con sus dos hijos fruto de su matrimonio con Tucci. “Es genial, porque viajamos mucho juntos. Nuestros hijos tienen edades similares y se han hecho muy amigos”, aseguró el actor en la revista People.

El nombre de Hannah Murray puede que no te suene a priori, pero esta actriz británica ha participado en dos de las series más relevantes de las últimas décadas. Dio vida al personaje de Cassie en el drama adolescente Skins (2007-2013) y, más tarde, a Gilly en la adaptación que hizo HBO de las novelas de fantasía de George R. R. Martin. A la vista de todos, Murray parecía tener una vida de éxito, pero había un lado oculto que pocos conocían.

Es esta parte más oscura de su vida la que ha contado en detalle en The Make-Believe, un libro que saldrá a la venta el 28 de mayo y en el que revelará su experiencia retirándose del mundo de la actuación por problemas de salud mental. Las “exigencias diarias de la actuación”, las “humillaciones” que vivía en las audiciones para los papeles y la repetición que tuvo que hacer de ciertas “escenas violentas” la dejaron totalmente devastada, según revela la sinopsis del libro.

Acabó en una organización con rituales sectarios

En búsqueda de una solución para encontrarse mejor, Murray recurrió a una organización con un “líder carismático” que le prometió “más recompensas espirituales” si se involucraba. “Las promesas de conocimiento y los rituales cada vez más complejos resultan seductores, casi sectarios, y en última instancia destructivos”, continúa la descripción de sus memorias. Hannah acabó participando en curso de una semana, alejada de sus amigos y familiares, donde su cordura se desmoronó.

Todo este escenario llevó a Murray a sufrir una crisis nerviosa sin precedentes, y acabó ingresada en un centro psiquiátrico, donde recibió el diagnóstico de que padecía un trastorno bipolar. Esta información no había trascendido hasta ahora y se conoce por primera vez del puño y letra de la protagonista de la historia. 

“Estoy muy orgullosa de este libro, cuya escritura me ha llevado siete años”, declaró la actriz en exclusiva a People. “Durante todo este proceso me he sentido empoderada para contar mi propia historia y recuperar mi propia narrativa. Me entusiasma compartirla con los lectores. Vivir los acontecimientos fue difícil, pero el proceso de escribir sobre ellos ha sido la experiencia más gratificante”. 

De ídolo adolescente a sufrir un infierno

Hannah Murray se convirtió en un icono adolescente a gracias a su papel en Skins, donde interpretó a Cassie Ainsworth. El suyo fue uno de los personajes más recordados de la primera generación de la serie, y logró conectar con la audiencia más joven gracias a su trama, marcada por los problemas de ansiedad y de identidad que sufría Cassie. 

Después de este éxito, llegó su papel en Juego de Tronos, donde siguió expandiendo su carrera, pero esto no la libró de los problemas que sufrió después, como muchos otros artistas que empezaron en la industria siendo muy jóvenes. Recordamos el caso de Britney Spears, Lindsay Lohan, Macaulay Culkin, Justin Bieber o Demi Lovato, por nombrar algunos. 

En Hollywood, las despedidas rara vez son definitivas. El último ejemplo lo protagoniza Cameron Diaz, que tras más de una década alejada del cine regresó el año pasado a la gran pantalla con la película De vuelta a la acción (2025) y ahora está rodando su nueva comedia romántica en Nueva York. Con más proyectos en camino, su vuelta no ha sido algo puntual, sino que confirma una segunda etapa en la industria y reaviva una idea que Hollywood conoce bien: retirarse no siempre significa desaparecer definitivamente, sino, en muchos casos, tomarse una pausa antes de volver.

Diaz fue una de las actrices más populares de finales de los noventa y principios de los 2000, con una carrera repleta de éxitos comerciales. Sin embargo, tras varios años en primera línea, decidió apartarse en 2014 alegando motivos personales, ya que quería alejarse del foco mediático y priorizar su vida fuera de la industria.

El regreso como segunda oportunidad

El caso de Cameron Diaz no es único. A lo largo de los años, muchos actores y actrices han decidido retirarse, ya sea por cansancio, falta de proyectos o motivos personales. Sin embargo, Hollywood es una industria que siempre deja la puerta entreabierta. La nostalgia del público, junto con el valor comercial de un regreso, convierte estas vueltas en auténticos acontecimientos.

Uno de los ejemplos más recientes es Brendan Fraser. Tras años alejado del foco, marcados por problemas personales y de salud que le apartaron de los grandes proyectos, regresó con fuerza gracias a La ballena (2022), una interpretación que le valió el Oscar y supuso una reivindicación total de su carrera. Su vuelta no fue solo profesional, sino también emocional: el reconocimiento de la industria y el apoyo del público convirtieron su historia en uno de los regresos más celebrados de los últimos años. Fraser pasó de ser una estrella olvidada a protagonizar uno de los relatos de redención más potentes de Hollywood, encarnando perfectamente esa idea de segundas oportunidades que tanto atrae al público.

Algo similar ocurrió con Ke Huy Quan, quien pasó de ser una estrella infantil a desaparecer prácticamente de la industria. Tras alcanzar la fama en los años 80 con títulos muy populares, su carrera se frenó por la falta de oportunidades para actores asiáticos en Hollywood, lo que le llevó a trabajar durante años detrás de las cámaras como coordinador de especialistas y asistente de dirección. Décadas después, su regreso con Todo a la vez en todas partes (2022) también le valió el Oscar.

En el caso de Renée Zellweger, la retirada fue voluntaria. La actriz decidió tomarse un descanso tras años de éxito, pero regresó con Judy (2019), donde interpretó a Judy Garland y consiguió también el Oscar a la mejor actriz. Su vuelta reforzó la idea de que el tiempo lejos de la pantalla puede fortalecer una carrera en lugar de debilitarla.

Otros casos responden a decisiones más personales. Rick Moranis se retiró tras su éxito en películas como Cariño, he encogido a los niños (1989) o Los Picapiedra (1994), decidió alejarse de Hollywood tras el fallecimiento de su esposa para dedicarse a tiempo completo a la crianza de sus dos hijos como padre soltero, alejándose durante décadas del cine. Su regreso, previsto para el año que viene con la película Spaceballs 2, ha sido recibido con entusiasmo por el público que creció con sus películas.

También destaca el 'resurgir' de Winona Ryder, cuya carrera sufrió un parón tras diversos problemas mediáticos. Su papel en Stranger Things la devolvió al primer plano de la industria y además la ayudó a conectó con nuevas generaciones de espectadores.

Como estos ejemplos hay muchos más en la industria de Hollywood que demuestran que volver no significa repetir el pasado, sino reinterpretarlo. Muchos de estos actores y actrices regresan con proyectos más personales o con personajes que les permiten explorar nuevas facetas, alejándose de los roles que marcaron su etapa anterior, y además con una gran cuota de éxito. Y es que en Hollywood, decir adiós nunca es del todo definitivo: a veces, es solo el comienzo de una nueva etapa.

Una madre que no atraviesa un buen momento en la relación con su pareja ha de recurrir a la ayuda de su propia madre para criar a su descendencia. Se parece bastante al planteamiento de Cinco lobitos, pero en realidad forma parte de otro filme posterior, muy diferente, protagonizado por Laia Costa. “Es gracioso porque justamente Lee Cronin vio el tráiler de Cinco lobitos y dijo ‘mira, ahí está Larissa”, cuenta la actriz (Barcelona, 1985) en conversación con elDiario.es. Por interpretar a Amaia en Cinco lobitos Costa ganó el Goya a Mejor actriz en 2023. Y ahora interpreta a otra madre, Larissa, enfrentada a asuntos algo más siniestros que el machismo o la desatención patriarcal.

Lee Cronin es el director de La momia. Lo sabemos a simple vista porque, en una llamativa decisión industrial, la película se titula La momia de Lee Cronin. Quizá se deba a la voluntad de distanciar la película de esa saga aventurera de La momia que empezó a finales de los 90 y ahora prepara una cuarta entrega con el regreso de Brendan Fraser y Rachel Weisz. O para esquivar cualquier parentesco con esa otra Momia que protagonizó Tom Cruise y que en 2017 resultó una película tan fatídica como para suspender la saga de monstruos clásicos (el Dark Universe) que pretendía inaugurar. O, por qué no, también puede deberse a que el nombre de Lee Cronin significa algo.

Para Costa es así, desde luego. “Cuando vi Posesión infernal: El despertar me pregunté ‘¿por qué?’ ¿Por qué querría trabajar conmigo?”. Cronin se dio a conocer entre los aficionados al cine de terror con la última entrega de Posesión infernal, estrenada hace tres años. Antes ya había brillado con unos cuantos cortos y una producción independiente, Bosque maldito. Es un entusiasta discípulo de Sam Raimi y eso implica que tiene gran afinidad por los efectos prácticos, el body horror y el humor negro. “Mi trabajo y su trabajo pertenecían a planetas distintos”, prosigue Costa en torno a las dudas que tuvo de unirse a La momia de Lee Cronin.

“Estuvimos cinco meses hablando de ello porque yo no lo tenía nada claro. El terror es un género que nunca he hecho, que no veo, y tenía muchas dudas. Muchas preguntas”. Costa revela que Cronin acabó viendo Cinco lobitos completa e insistió en ofrecerle el papel de Larissa. Larissa integra junto a Jack Reynor (Midsommar) el matrimonio Cannon, que durante una estancia en Egipto sufre la desaparición de su hija pequeña Katie. Ocho años después se han mudado a Nuevo México, en los EEUU, y han tratado de sobreponerse a la pérdida. Es entonces cuando de repente Katie reaparece en un estado muy distinto al que la conocieron. Lo ha hecho dentro de un sarcófago milenario.

Tal es el punto de partida de La momia de Lee Cronin. La reaparición de esta Katie irreconocible, en estado catatónico y sometida a terroríficos espasmos violentos, propulsa el argumento a unas cotas de tragedia doméstica que después de todo no le eran tan desconocidas a Costa. “La manera en cómo he trabajado mi personaje con Cronin no es muy distinta a la que trabajo cada personaje. Porque él no quería tonterías. Quería hablar de cosas reales, tratar el drama familiar con todo el respeto del mundo, y luego ir añadiendo distintos elementos a partir de ahí”.

Elementos como el terror puro y duro, evidentemente. La imprevisibilidad de cada movimiento de la Katie exmomificada, y la violencia que poco a poco se va abatiendo contra el hogar de los Cannon. “Cronin me decía que, para que la locura que buscaba bajara al suelo, necesitaba que las emociones fueran reales, y fue buscando aliados en ese sentido”. Lo que, dentro de una producción con las particularidades de La momia, implicaba coordinar varios departamentos artísticos. “Es mucho más difícil hacer La momia que un drama hiperrealista”, asegura Costa. “Porque tienes los dobles, las prótesis, los efectos especiales, el trabajo con menores, el sonido, todo el baile con las cámaras”.

Cada vez que me he atrevido a hacer cosas que no había hecho nunca he salido muy reforzada como actriz, y sobre todo como persona que ama el cine y la experiencia cinéfila

Laia Costa — Actriz

“Es sorprendente todo el trabajo que hay detrás de una película de terror. Y él estaba ahí en medio, con su batuta, insistiendo además en pasárselo bien”. Como buen discípulo del Raimi de Posesión infernal que es Cronin, la comedia termina hermanando con lo esperpéntico del argumento. “También necesitaba un poco de humor para que el cóctel funcionara y pudiera tenerte más de dos horas en la butaca como si fueran cinco minutos”, añade Costa haciendo hincapié en otro elemento sorprendente de la película: su extenso metraje. 

La momia de Lee Cronin se toma tiempo en arrancar. Y su argumento recorre varias localizaciones, con paciencia, desarrollando atmósfera y personajes. Además de por el aplomo con el que presume de firma, La momia de Lee Cronin también brilla dentro del género de terror actual por su escala.

Terror industrial del bueno

Así que a Costa no le queda otra que sentirse una privilegiada. “Soy muy consciente de la suerte que he tenido de debutar en el género de terror de la mano de Lee Cronin, Jason Blum y James Wan”. Porque, en efecto, la solidez de La momia de Lee Cronin como terror de gran estudio se debe en buena parte a la de sus productores. Además de tener por medio a New Line —uno de los brazos más fiables de Warner Bros., que el año pasado estuvo detrás tanto de Destino final: Lazos de sangre como del fenómeno popular de Weapons—, La momia de Lee Cronin surge de la alianza de dos sellos fundamentales del cine de terror contemporáneo.

Por un lado, en efecto, Jason Blum, al frente de Blumhouse. Estudio especializado en terror de presupuestos ágiles e imágenes intrigantes —Five Nights at Freddy’s es uno de sus hitos indiscutibles, como en su día lo fuera Paranormal Activity—, que se ha aliado providencialmente con Atomic Monster de cara a La momia de Lee Cronin. Siendo Atomic Monster, por su parte, el buque insignia de un cineasta tan básico como James Wan. El responsable de Saw, Insidious o Expediente Warren. El principal impulsor del cine de terror comercial durante el siglo XXI.

Así que Cronin no ha podido contar con mejores padrinos en su salto al terror multisalas. Incluso al terror, podríamos describirlo así, de propiedad intelectual… aunque La momia no sea una IP como otra cualquiera. En el linaje de monstruos clásicos que Universal estableció en los años 30, la momia tiene más en común con el Hombre Lobo que con Drácula o Frankenstein, por no proceder de ninguna novela prestigiosa. Cada cineasta puede hacer con ella lo que se le antoje, no hay un lore como tal, y es justo lo que ha hecho Cronin. “Estamos en su mundo, es una película completamente al margen de cualquier saga”, celebra la actriz.

“He tenido mucha suerte de debutar en el género con una producción tan potente”, insiste Costa. “Y qué suerte haberme atrevido. Cada vez que me he atrevido a hacer cosas que no había hecho nunca he salido muy reforzada como actriz, y sobre todo como persona que ama el cine y la experiencia cinéfila. Saber que hay tanto trabajo, tanta profesionalidad y amor, en una película como esta, no es algo que haya visto en muchos otros proyectos. Ahora me quedo con la idea de que hay muchísimas cosas que todavía puedo aprender”, señala.

Estas reflexiones de Costa se enmarcan curiosamente en una carrera de lo más polifacética. Gracias a esta intrepidez y, sobre todo, a su habilidad con los idiomas, Costa ya tenía un amplio recorrido internacional antes de que los Goya reconocieran su trabajo con Cinco lobitos (y, un año más tarde, volvieran a reconocerlo con otra nominación por Un amor). En 2015 había brillado al frente de Victoria, un thriller alemán rodado en un único plano secuencia por el que aspiró a varios premios. Y más tarde ya acumulaba proyectos anglófonos tan estimables como Piercing, inquietante adaptación de Ryu Murakami con un potencial creepy parejo al de La momia de Lee Cronin.

A Costa también la hemos visto con un papel principal en La rueda del tiempo, superproducción de fantasía heroica a cargo de Amazon Prime Video. De modo que su visión de la industria es bastante amplia, y puede reconocer la excepcionalidad de un título como La momia de Lee Cronin al mismo tiempo que desea que producciones cortadas por este patrón sean algún día posibles en España. Producciones ambiciosas, de género, y muy bien hechas. “Cada industria y cada país tiene sus pros y sus contras, y la producción funciona distinto según el lugar”, explica.

“En ningún lugar es fácil levantar películas y hay multitud de factores a tener en cuenta. Por eso no podía decirle que no a este tipo de película… pero cada industria va encontrando sus ventanas. Y el cine español está viviendo un momento muy chulo ahora mismo”, añade, fresco el recuerdo de la holgada presencia española en el próximo Festival de Cannes. “Creo que este año vamos a celebrar muchísimo el cine español, y es algo de lo que enorgullecerse. Mi deseo es que todos los creadores puedan encontrar los aliados correctos para sus proyectos, sean de género o no, y que puedan hacer justo lo que buscan. Es el ideal por el que hay que luchar en la industria”.

Isabelle Huppert parece adicta al riesgo. El que la hace estar tres días subida en el escenario de los Teatros del Canal interpretando la experimental Berenice reimaginada por Romeo Castellucci. El que la hace buscar a los cineastas más radicales de todo el planeta para trabajar con ellos. El mismo que le hizo escoger un papel suicida como el de Elle, de Paul Verhoeven, y lograr una nominación al Oscar. El que la ha hecho trabajar con los mejores directores de la historia del cine francés y colocarse como una de las grandes actrices del cine europeo.

Pero a la Huppert, una de esas intérpretes a la que se le puede poner el artículo antes del apellido, también le gusta jugar de vez en cuando en productos más populares. Lo ha hecho muchas veces al lado de su amigo François Ozon, como demostró en Mi crimen, y ahora en La mujer más rica del mundo, la película dirigida por Thierry Klifa y que se basa, aunque cambiando los nombres, en la historia real de Liliane Bettencourt, dueña de L’Oreal cuya historia saltó a los medios cuando regaló 1.000 millones de euros a su amigo y fotógrafo François-Marie Banier. Su hija demandó a Banier e intentó lograr la incapacidad de su madre en un caso que se convirtió en la comidilla de toda Francia.

Huppert da vida a la mujer más rica del mundo y atiende a la prensa española pocas horas después de haberse quitado el traje de Berenice, una experiencia que describe como “formidable”. “Ha sido genial, ha habido una escucha del público especialmente intensa. Me encanta el teatro, pero también es verdad que trabajo con directores excepcionales. Vine aquí con Bob Wilson, y ahora con Castellucci, que es un visionario, un formalista, pero que me da una libertad extraordinaria. Pero me encanta pasar del teatro al cine, porque son dos experiencias muy diferentes”, señala.

La película de Klifa se pudo ver en el pasado Festival de Cannes, y para esta próxima edición, Huppert estará presente como una de las protagonistas de la nueva película de Asghar Farhadi, Parallel Tales. Una nueva muestra del poderío de una industria francesa cuyo modelo es envidiado en todos los países. Pero cuando a Huppert se le menciona esa envidia, realiza una exhibición de cinefilia y de defensa del cine español. “Sí, el cine francés tiene una gran vitalidad y tenemos un sistema bastante virtuoso que envidian muchos países y que contribuye al buen funcionamiento del cine francés, porque el 10% de cada entrada se reinvierte directamente en producir cine, por lo que no es dinero de los contribuyentes. Pero vosotros tenéis un cine con una buena vitalidad también”, dice la actriz.

Comienza una enumeración que deja claro que pasa mucho tiempo en una sala de cine: “Tenéis este año tres películas españolas en Cannes y estamos encantados de que estén. He visto una película buenísima que se llama Los domingos y hay jóvenes cineastas como Jonás Trueba, Rodrigo Sorogoyen, Carla Simón acaba de estrenar en Francia… Y yo no hago cumplidos al cine español porque sí, sino porque culturalmente creo que antes había una especie de eje evidente que unía a Francia e Italia y creo que desde hace tiempo está cambiando y hay más interés por el cine español. Un cine que cada vez es más fuerte. Cuando uno ama el cine como lo amamos nosotros, eso es una buena noticia”. 

Reírse de los ricos

La mujer más rica del mundo entronca con esa fascinación actual de la ficción por los ricos. Y más explícitamente, por reírse un poco de ellos. Huppert cree que el caso fascinó a la gente “por supuesto porque sucede en el entorno de los ricos”, pero cree que hay un elemento que la distinguía de otras historias, y era “la personalidad del fotógrafo”. “El encuentro entre estas dos personas es fascinante. Por supuesto, no sería igual de fascinante si fuera en otro entorno, pero a través de ese encuentro se cuestionan temas como la familia, el dinero o el sistema político. En ese encuentro surge un amor que les une y que me parece lo realmente interesante de esta película, la sinceridad en la relación. Se hacen reír”, dice del filme.

No cree que lo ocurrido en la película pueda tener un eco con lo que les ocurre a los actores famosos y reconocidos. “Quizás la gente se hace una idea con los actores más conocidos y creen que hay una relación entre eso y la riqueza… Los actores generan fantasías en la gente, ya sean ricos o no, porque el actor ofrece una cara que no es la suya y a través de la cual la gente puede imaginarse muchas historias, pero más allá de eso no creo que sea comparable”, asegura, y afirma con contundencia que no cree que nunca se hayan acercado a ella por interés: “No es una pregunta que me haga cuando alguien se acerca a mí, eso sería tener una visión un poco cerrada de la existencia. Si alguien se acerca puede ser por un interés… pero por un interés por la persona, por la inteligencia o por el talento”.

Así es como ella se aproxima a sus papeles. No los elige por el personaje, por la trama… sino por el talento del director. Entiende “el cine como una expresión de una visión individual, la perspectiva compartida de un director”. “Sí, por supuesto está el guion, los diálogos, la historia… pero eso viene después. La motivación primera siempre para mí es el director”. De momento no ha trabajado con ninguno español, pero quizá este momento de vitalidad que ella subraya sea la oportunidad perfecta.

Una de las series más exitosas entre la generación Z de los últimos años, “Euphoria”, ha regresado después de tres años con una tercera temporada no exenta de polémica, por un cambio de tono, que no le ha llevado a conectar igual con su audiencia y se intuye que podría ser el final de la ficción con Zendaya, Jacob Elordi y Sydney Sweeney.

En esta tercera temporada de la serie creada por Sam Levinson se ha dado un salto temporal que ha traído también a nuevos personajes, entre los que está Angel, interpretada por una actriz que hemos visto crecer en la televisión española. Hablamos de Priscilla Delgado, que fue una de las protagonistas de ‘Los Protegidos’ a principios de los 2010, y que comparte pantalla con otra española como Rosalía.

Se dio a conocer con apenas 7 años en ‘Los Protegidos’

Nacida el 31 de marzo de 2002 en San Juan, Puerto Rico, la actriz creció en la televisión española siendo una de las caras más visibles de una de las series más famosas de la ficción televisiva a principios de la década de los 2010. Antes, sin embargo, había aparecido en series como “Los Hombres de Paco” o “La Chica de Ayer”.

Y es que con tan solo 7 años Priscilla Delgado se dio a conocer con “Los Protegidos”, donde daba vida a Lucía, una niña con poderes telepáticos, en una serie que fue todo un fenómeno y en la que también crecieron otros actores como Ana Fernández, Luis Fernández ‘Perla’ o Mari Marzo.

A pesar de que la actriz dio vida a uno de los personajes más queridos de la serie, no participó en el regreso en formato secuela, siendo una de las que no formó parte del reparto original. En su lugar, Maggie García dio vida a Lucía en “Los Protegidos: El regreso”, que se estrenó en 2021.

De Almodóvar a probar suerte en Estados Unidos

Después de su éxito en “Los Protegidos”, Delgado fue generando una trayectoria sólida tanto en cine como en televisión, apareciendo en “Julieta” de Pedro Almodóvar o “Las Brujas de Zugarramurdi” de Álex de la Iglesia. En 2019, optó por trasladarse a Estados Unidos y buscar continuar su carrera en Los Ángeles.

Desde entonces, ha ido participando en audiciones, destacando que casi llega a formar parte de proyectos como “West Side Story” de Steven Spielberg o “Stranger Things”, pues estuvo en las fases finales de estas producciones, en la última para hacer de Max, que finalmente dio vida Sadie Sink.

“Ellas dan el golpe” en 2022 fue su primer papel internacional, aunque fue una serie que se canceló tras su primera temporada. Ahora ha recibido su gran oportunidad participando en “Euphoria”, en esta tercera temporada, dando vida a Angel, un personaje del entorno nocturno cuya vida se cruza con la de Rue Bennett (Zendaya).