Han pasado más de seis décadas desde su fallecimiento, pero Marilyn Monroe sigue siendo uno de los rostros más populares y reconocibles del mundo del cine, trascendiendo a icono de la cultura popular, que celebra este 2026 el centenario de su nacimiento, que se produjo el 1 de junio de 1926 en Los Ángeles. 

En el certificado, Norma Jean Mortenson aparecía como hija de Gladys Pearl Baker y de su marido, Martin Edward Mortensen, pero esa no era la realidad cuya madre contaba, pues era fruto de una relación extramatrimonial que había tenido con un compañero de trabajo. 

La joven Norma Jean solo tenía una fotografía enmarcada del hombre que se suponía era su padre, que su madre había conocido mientras trabajó en una empresa de revelado y montaje de películas en Hollywood, pero el vínculo sentimental terminó antes de que la futura estrella del cine viniera al mundo y su padre biológico nunca se hizo cargo de ella ni estableció relación alguna. 

Todo ello a pesar de que Charles Stanley Gifford, que es como se llamaba el padre biológico de Marilyn Monroe, llegara a vivir durante un tiempo en el mismo edificio que su madre y ella, pero no asumió ningún vínculo familiar con la futura actriz, que más tarde, ya adulta, intentaría localizarlo y que la reconociera, sin éxito. En parte, Monroe lo hizo por buscar respuestas de su parte, teniendo en cuenta que pasó gran parte de su infancia entre familias de acogida y un orfanato por los problemas de salud mental que experimentó su madre. 

Charles Stanley Gifford nació en Newport, en Rhode Island en 1898, pero pasó gran parte de su vida en California debido a que desarrolló gran parte de su carrera profesional en la industria cinematográfica de Hollywood, siendo uno de sus principales cargos el de supervisor en los estudios RKO. En 1919 se había casado y tenía dos hijos, aunque el matrimonio terminó años después. Con el paso del tiempo, dejó el trabajo en el cine y se dedicó a la actividad lechera. Moriría en 1965, tres años después que la hija a la que nunca reconoció. 

Los intentos fallidos de Marilyn Monroe de reconocimiento 

Marilyn Monroe intentó desde joven tener contacto con su padre y encontrar respuestas. Ya siendo famosa continuó con su búsqueda, de hecho, su primer marido, James Dougherty reconoció en un documental que ella lo llamó y se identificó y que Gifford se limitó a responder que no la conocía y que hablara con su abogado. 

A pesar de la negativa que encontraba, la actriz no cesó y en la década de 1950 volvió a buscarlo, encontrándose la misma situación, que estaba casado, que tenía hijos y que no quería más problemas, un hecho que le afectaría profundamente a la estrella del cine, según varios testimonios de amigos. 

El único pequeño contacto que estableció Charles Stanley Gifford fue una tarjeta de pronta recuperación que envió a Marilyn Monroe, sin fecha y con el nombre de la actriz escrito a mano y equivocado, al poner “Marylyn”, y donde firmó con la dirección de la granja donde vivía en Hemet, lo que demostró que sabía cómo localizarla, pero no la reconoció nunca públicamente ni tuvieron nunca reconocimiento. 

Los dos fallecieron en la década de los 60 sin que nada cambiara, pero en 2022, un documental francés ‘Marilyn, su último secreto’ difundió que Gifford fue efectivamente el padre biológico de la actriz después de que se obtuviera una prueba de ADN positiva a través de un mechón de pelo de ella y material genético de una descendiente de él. 

Eva Marie Saint, la rubia que desafió el arquetipo de la protagonista de las películas de Alfred Hitchcock y se convirtió en una de las grandes actrices de la época dorada de Hollywood, falleció este martes a los 102 años. Saint falleció por causas naturales en su domicilio de Los Ángeles, según informó el medio Los Ángeles Times.

Nacida el 4 de julio de 1924 en Nueva Jersey, Saint se crió en Nueva York y se formó como actriz en la Universidad Estatal Bowling Green, en Ohio. Sus inicios profesionales comenzaron en televisión con series como 'Campus Hoopla' (1946), 'The Philco Television Playhouse' (1953) o 'Martin Kane, Private Eye' (1952).

Su debut en la gran pantalla llegó en 1954 en 'La ley del silencio', la mítica película dirigida por Elia Kazan y protagonizada por Marlon Brando que le valió el Óscar a mejor actriz de reparto, y que hasta hoy era la ganadora de este premio de mayor edad aún viva.

Saint recibió su estatuilla, de la mano de Frank Sinatra, dos días antes de dar a luz al primero de sus dos hijos. “¡Puede que tenga al bebé aquí mismo!”, dijo durante su discurso de agradecimiento. Más tarde, Saint rompió el molde de las rubias inocentes en la filmografía de Hitchcock cuando interpretó a Eve Kendall, una seductora agente secreta, en la cinta 'Con la muerte en los talones'. Su trabajo en dicha cinta la consagró como una de las más memorables “rubias hitchcockianas” de la historia del cine.

La actriz también trabajó junto a galanes de la época y leyendas de Hollywood como Paul Newman en 'Exodus' (1960) o Gregory Peck en 'The Stalking Moon' (1969). Exploró la comedia, con 'The Russians Are Coming', y los dramas históricos, en 'Raintree County'. Saint se casó en 1951 con el productor y director de televisión Jeffrey Hayden, con quien tuvo dos hijos y estuvo casada con él hasta su muerte en 2016.

La intérprete se alejó de los reflectores para criar a su familia, pero mantuvo una carrera intermitente en el cine y la televisión. Declaró que no estaba interesada en vivir la vida de una superestrella, por lo que rechazó proyectos que pudieron mantener su carrera en la cima. Su participación en televisión se mantuvo más firme con actuaciones en series como 'Moonlighting' (1985), en donde tuvo un papel recurrente como la madre de Cybill Shepherd, y también ganó un premio Emmy de televisión por 'People Like Us' (1990).

Entre sus últimas apariciones en cine destacan 'Superman Returns', de 2006, donde dio vida a la madre adoptiva de Clark Kent o 'Mariette in Ecstasy', de 2019. También prestó su voz para la serie animada 'The Legend of Korra' (2012) y participó en los pódcast 'Radio Play Revival' (2022) y 'The Pack Podcast' (2020).

Cuando estaba en la cima de su carrera, Mira Sorvino desapareció del mapa. Había ganado un Oscar y un Globo de Oro por una interpretación deslumbrante en Poderosa Afrodita (Woody Allen, 1995), y luego había saltado a la comedia más o menos gamberra (Romy y Michelle, 1997) y el cine de acción más comercial (Mimic -1997- y Asesinos de reemplazo -1998-), algo más o menos lógico para una estrella. Se codeaba con la farándula de la mano de parejas icónicas como Quentin Tarantino o Olivier Martínez. Hasta que se esfumó.

O la esfumaron. Años después, Mira Sorvino (Nueva York, 1967) contó que su nombre fue vetado de grandes producciones por Harvey Weinstein, entonces considerado un rey Midas de Hollywood, en realidad un abusador de mujeres que atormentó a decenas de actrices. Peter Jackson confirmó que Miramax (la productora de Weinstein) le pidió no contar con Sorvino para El Señor de los Anillos.

Casi tres décadas después de aquello, está de paso por España para la segunda edición de la San Diego Comic Con Málaga. Consciente de su papel de abanderada del movimiento MeToo, no rehúye su pasado ni tiene problema en explicarlo: “Durante veinte años estuve vetada en la industria. Entre 1998 y 2018 prácticamente no participé en grandes producciones de estudio. La influencia de Harvey Weinstein fue enorme y devastadora”, cuenta a elDiario.es.

Una escena “terapéutica”

Sorvino, que fue acosada por Weinstein antes de que este la metiera en una lista negra, lo pasó mal, pero subraya que nunca sabes por qué derroteros te va a llevar la vida: aquel paréntesis forzoso le sirvió para volcarse con una familia a la que adora. “Tengo cuatro hijos extraordinarios y probablemente no habría sido la madre que soy si hubiera mantenido ese éxito profesional”, explica: “Así que la vida es extraña: sí, me enfada profundamente que alguien me arrebatara algo que merecía, pero también siento gratitud porque la vida me dio otras cosas hermosas”.

Años después, la serie Hollywood (Ryan Murphy, 2020) le pondría ante una escena catártica, en la que interpreta a una actriz de los años 40 atrapada en una relación desigual con un productor, de la que solo sale gracias a la empatía de la mujer de este. “Fue una escena preciosa y bastante triste”, rememora la actriz, que lloró realmente en el rodaje: “Era muy consciente de que estaba inspirada en mi propia historia, pero también tenía un punto terapéutico: me permitió enfrentarme a ese dolor y liberarme un poco de él”.

Después de una década, ¿cree que Hollywood ha cambiado? “Sí, sin duda. ¿Siguen existiendo depredadores que creen que nunca serán descubiertos? Claro, porque es la naturaleza humana. Siempre ha habido depredadores y ladrones y asesinos. No podemos erradicar el crimen, pero sí podemos dejar claro que un plató, una sala de casting o cualquier lugar de trabajo no son espacios para eso”, advierte: “Ya no se salen con la suya. Durante décadas, ese comportamiento estuvo muy integrado en la industria de Hollywood desde su comienzo. Y creo que el movimiento ha tenido un impacto real. Hoy las mujeres están más protegidas. Los hombres también. Y los niños que trabajan en producciones audiovisuales están más seguros que antes. ¿Es perfecto? No. Pero sí creo que es mejor de lo que era”.

Recuerdos de Marbella

Sorvino rodó una de sus primeras películas en España (Barcelona, 1994) y otra, más desconocida, en la Semana Santa de Sevilla, donde pasó una larga temporada. No eran sus primeras veces en España. Tendría unos cuatro años cuando su padre, Paul Sorvino, rodó una película en la Costa del Sol junto a George Segal y Glenda Jackson. “Algunos de mis primeros recuerdos visuales son de Marbella”.

La actriz acaba de rodar con Lisa Kudrow la secuela de Romy y Michele (1997), una comedia que exploraba en tono ligero el camino del empoderamiento femenino y la sororidad. Treinta años después, la perspectiva de una nueva boda de una amiga vuelve a situarlas en un punto similar: “¿Nos hemos olvidado de casarnos? ¿Nos hemos olvidado de encontrar el amor?”. La respuesta es que han hecho con su vida lo que han querido.

Justo antes de rodar Romy y Michele 2 terminó That’s amore, un musical con John Travolta en la que tuvo que cantar O sole mío en napolitano. Una canción eterna que, cuenta, está inspirada en la hermana de su abuelo. “Al menos, según cuenta mi familia. Mi padre lo confirmó con la familia del autor de la letra. ¡Podría ser un mito, ¡pero quizá sea verdad!”, exclama.

Alta, imponente y con una vistosa cruz que le cuelga del cuello y acredita sus convicciones cristianas, la actriz creció en el seno de una familia de raíces italianas muy tradicional en la que su padre la trabaja como “el hijo que nunca tuvo”: “Compartía conmigo sus referentes: Muhammad Ali, Martin Luther King, Desmond Tutu… Veíamos juntos combates de boxeo, partidos de tenis de Björn Borg y, sobre todo, Star Trek. Yo estaba fascinada con el capitán Kirk. Puede que tuviera un pequeño enamoramiento infantil, pero también quería ser como él: valiente, decidido, aventurero”.

Este fin de semana, Sorvino se ha dado un baño de masas que, además, ha acompañado de un premio honorífico del Festival de Cine de Málaga. “Cuando hablas cara a cara con una persona y te cuenta lo que una película o una serie representó para ella, sientes que tu trabajo ha tenido un impacto real”, agradece la actriz: “En el cine normalmente no tienes ese contacto directo. No es como actuar en teatro, donde escuchas las risas, los aplausos o saludas a la gente a la salida. Aquí las películas se estrenan y luego quedan ahí, mientras tú te quedas bastante alejada del público. Por eso estos eventos son tan especiales”. Mira Sorvino está de vuelta y agradecida a la vida, a pesar de que una vez la tiraran de la cima.

Anne Hathaway ha querido reflexionar sobre lo dificil que es distinguir la verdad en el mundo actual marcado por Internet, las redes sociales y la multiplicación de relatos sobre un mismo acontecimiento. La actriz cree que existen hechos objetivos, pero también defiende la importancia de escuchar diferentes perspectivas antes de llegar a una conclusión. Un tema que está muy relacionado Verity. La sombra de un engaño, el thriller psicológico que acaba de estrenar.

La película, dirigida por Michael Showalter y basada en la exitosa novela de Colleen Hoover, está protagonizada por Anne Hathaway, Dakota Johnson y Josh Hartnett. Su historia sigue a Lowen Ashleigh (Johnson), una escritora que recibe el encargo de completar la saga de Verity Crawford (Hathaway), una famosa autora. Al adentrarse en su trabajo, descubre información inquietante que hace cada vez más complicado determinar dónde termina la realidad y comienza la ficción.

Hathaway, que además de interpretar a Verity es también productora, ha relacionado todo esto con el momento actual. “Lo que estamos viviendo ahora mismo es una especie de cambio en los pilares fundamentales de la sociedad, a los que antes podíamos acudir para obtener datos sin opiniones, sin sesgos políticos, sin sesgos de confirmación, sin nada de eso”, explica. “Habíamos vivido un periodo en el que podíamos confiar en ellos, y parece que el panorama está cambiando”, añade.

Escuchar varias versiones antes de juzgar

La ganadora del Oscar por Los miserables opina que “hay hechos objetivos”, aunque considera que eso no elimina la necesidad de conocer diferentes perspectivas. “Hay que escuchar siempre las dos versiones de la historia”, afirma. Hathaway reconoce que en determinadas situaciones resulta evidente saber qué ha sucedido, pero en otras puede existir un malentendido que cambie completamente la interpretación de los acontecimientos.

Por ello, la actriz prefiere mantener una posición abierta antes que alcanzar rápidamente conclusiones definitivas. “Me gusta, en cierto modo, dejarme llevar por la curiosidad y el encanto de intentar averiguar qué ha pasado o qué está pasando, en lugar de tener una opinión que no voy a cambiar”, señala. Hathaway también advierte de que actualmente existe cierta tendencia “a juzgar a la gente a la ligera”, un comportamiento que, para ella, fomentan las redes sociales.

Josh Hartnett, encargado de interpretar a Jeremy Crawford, marido de Verity, comparte esa reflexión. Para el actor, “existe una verdad objetiva, pero conseguir que la gente se ponga de acuerdo sobre esa verdad objetiva es casi imposible”. Hartnett pone como ejemplo la historia: un mismo acontecimiento puede ofrecer puntos de vista muy distintos cuando se reconstruye desde las perspectivas de todas las personas que participaron en él.

El intérprete considera que esta cuestión resulta especialmente relevante en el contexto actual porque, según sostiene, hay personas que manipulan los medios de comunicación, dificultando llegar a un entendimiento en asuntos importantes. Verity, explica Hartnett, permite jugar con el concepto de perspectiva dentro de un espacio más seguro: el de una película de suspense en la que el público debe decidir qué versión considera más convincente.

Un final abierto

Esa incertidumbre se mantiene hasta el desenlace. Al igual que sucede con el libro, la película apuesta por un final abierto que deja parte de la respuesta en manos del espectador. Dakota Johnson, que también participa como productora ejecutiva, apuesta por esta decisión frente a la tendencia de algunas grandes producciones a explicar de manera muy directa qué debe interpretar el público.

“Creo que puede resultar sorprendentemente satisfactorio que no te den una respuesta”, asegura Johnson, que es una gran defensora de que los espectadores puedan debatir y construir su propia opinión al terminar la pelicula. Hartnett coincide con ella y tambien apuesta por el hecho de salir del cine sin una única explicación cerrada y discutir qué versión de los acontecimientos resulta creíble. “Puedes ir al cine y debatir con la gente con la que estás sobre de qué lado te pones realmente y por qué”.

Durante hora y media, Millán-Astray canta al mismo tiempo que destila ideología y odio. Es un aquelarre satírico sobre el militar franquista y fundador de la Legión, interpretado por la actriz Ane Gabarain (Donosti, 1963) con el título Cantando bajo las balas, una producción teatral estrenada en Euskadi que ahora llega a Barcelona.

Un proyecto exigente y de riesgo en el que Gabarain se acompaña en escena por el músico y actor Marc Severa. Escrito por Antonio Álamo, dirigido por Asier Andueza y con escenografía de un histórico, José Luis Raymond, la obra permanece en cartelera hasta el 4 de octubre en el Teatre Apolo. En el horizonte, dos nuevas series para esta actriz: Infamia, con Susana Abaitua y la esperada Las vecinas, de Suma Content, la productora de los Javis.

Millán-Astray no deja de cantar en toda la función…

Es que le gustaba mucho cantar, cantaba mal, pero cantaba. Era un hombre al que le gustaba disfrutar de la vida y cantar le liberaba mucho. Era colega de Celia Gámez, de hecho fue padrino de su boda. Por lo visto cuando iban hacia el altar, la muchedumbre que había no les dejaba paso y él se puso a gritar: “¡A mí la legión!”. Era así.

La obra tiene un ritmo endemoniado, todo un reto también enérgico para el actor, ¿cómo la ha abordado?

Es intensísima, es una obra muy punky, de alto voltaje desde el principio. Millán-Astray se levanta de la tumba y empieza a pedir cuentas a las Españas. Luego va contando toda su biografía y se centra en el episodio que tuvo con Miguel de Unamuno en 1936. Es un texto magnífico, muy estilizado. Es increíble cómo Antonio Álamo ha cogido las actas de ese día y las ha convertido en puro teatro. Aquello ya fue muy teatral, pero Antonio lo convierte en teatro de culto.

Cuando acaba la función, después de estar hora y media encarnando a un personaje tan lejano a sus propios ideales, tan furibundo, ¿le pesa?

No sé si pesa, sí que es difícil. La obra es una sátira, Millán acaba siendo un esperpento, tiene mucho humor. Pero fíjate lo que te digo, creo incluso que la obra es luminosa... Teatralmente, es una celebración, lo siento así, lo vivo así. No es una obra que te tira para abajo, que te deja entre sombras. La obra tiene mucho de psicológico, de psiquiátrico, de filosófico, político e histórico, pero en el fondo es catártica, el espectador sale diferente, porque si de algo habla esta obra es del peligro de volvernos fanáticos y de que no seamos capaces de movernos un milímetro de nuestra posición.

¿En qué sentido Millán-Astray es un esperpento?

Es el personaje que se comió a la persona. Millán-Astray tiene mucho de folclórica, incluso llegas a reírte con él. En camerino, cuando me estoy vistiendo tengo que ir quitándome un brazo, luego un ojo, luego poniéndome el uniforme, luego el fajín, volviéndome coja... Es terrible y al mismo tiempo divertido.

Millán Astray fue el fundador de Radio Nacional, pero a nadie se le ocurre, digo yo, poner un gran retrato suyo en la entrada de la sede, aunque mejor no dar ideas

No sé cómo verá desde Euskadi que en Madrid se haya vuelto a poner el nombre de la calle Millán-Astray, quitándosela a la maestra Justa Freire, o que el alcalde José Luis Martínez-Almeida inaugurase un monumento a la legión en plena Castellana.

Me parece tremendo que personajes de estas características en 2026 tengan una calle, una estatua o lo que sea. Volver a ponerla es como una doble insistencia que clama al cielo. Millán-Astray fue el fundador de Radio Nacional, pero a nadie se le ocurre, digo yo, poner un gran retrato de Millán-Astray en la entrada de su sede, aunque mejor no dar ideas.

La obra trata también de la posición del fascismo ante los nacionalismos. El montaje se estrenó en Euskadi y ahora llega a Catalunya. Ciertos pasajes tienen que sonar bien fuerte en estos sitios, ¿no?

Aquí solo tengo que recitar las palabras del propio Millán: “[pone la voz del personaje] ¡Cataluña y el País Vasco, el País Vasco y Cataluña son dos cánceres en el cuerpo de la Nación! El fascismo, remedio de España, viene a exterminarlos, rotando en la carne viva y sana como un frío bisturí. La carne sana es la tierra; la enferma, su gente. El fascismo y el ejército arrancaron a la gente para restaurar en la tierra el sagrado reino nacional”.

¿Qué reflexión le merece el personaje después de haberlo estudiado para la obra?

Dios mío, librémonos de estos personajes. Millán-Astray representa el peligro del fanatismo. Era un iluminado. Al final ni los propios sabían qué hacer con él.

Cantando bajo las balas se estrenó en 2007 con Adolfo Fernández, quien falleció recientemente. Han pasado ya veinte años; cuánto ha cambiado todo, ¿no?

A Adolfo le tengo muy presente en este montaje, mucho. Y lamentablemente, esta obra escrita hace diez años y que habla de 1936, es más actual ahora. Algunas de las palabras, de las frases y de las consignas que podemos escuchar en escena no están lejos de lo que escuchamos ahora mismo. Y eso cala en el público.

Primera obra de la productora Luna Hiena, hora y media sola en escena con un monólogo en el que tiene que encarnar a una de las personalidades más endemoniadas de nuestra historia. ¿Qué le decidió a meterse en esta aventura?

Eso digo yo. La verdad es que soy una actriz absolutamente vocacional y un tanto kamikaze. A veces me digo: pero qué necesidad tengo de meterme en estos berenjenales, en un proyecto tan exigente… Pero no tengo remedio, es lo que me pone. Cuando vi el montaje de Adolfo ya me fascinó, pero cuando volví a leerlo me dije: qué pedazo de texto.

Comenzó carrera en los ochenta, con el gran Juan Pastor, con la compañía de Ramón Barea y Alex Angulo, Karraka, y también estuvo en los comienzos de otra compañía histórica vasca, Tanttaka… Una época bien distinta ahora e ilusionante, ¿no?

Claro, comencé en el 83. Las autonomías estaban recién constituidas, todo estaba por hacerse. El teatro y también la televisión. Éramos jóvenes y fuimos de la mano, construyendo la política lingüística, profesionalizándonos, creando… Fue una época donde ya compaginaba teatro y tele. Comenzamos haciendo programas infantiles, luego llegó la primera sitcom, Bi eta bat… Trabajamos mucho y duro.

Aunque nunca perteneció a ninguna compañía, ¿siempre fue un poco por libre?

Era menos orgánica en ese sentido. Sí lo fui con nuestra primera compañía Bederen 1, pero luego he trabajado con casi todas las compañías vascas, son 43 años currando.

Desprenderme de la Poncia de 'La casa de Bernarda Alba' de Lorca para mí fue dolorosísimo. Es tan inmensa la obra y el personaje, que hubiera seguido años haciéndola. Los grandes personajes son aquellos que te llevas a la intimidad

Conoce bien el teatro que se hace hoy en Euskadi. Si lo compara con aquel de los años 80 y 90 ¿qué grandes diferencias ve?

Creo que ahora se hace un teatro infinitamente más profesional y con más recursos. Hay compañías que siguen haciendo teatro más social y comprometido, pero no es lo que abunda. Posiblemente sea mi percepción, que ya estoy mayor y haya alguien que me diga que no es así. Es verdad que las líneas de lo social y lo comprometido a veces son muy difusas, pero yo estoy descreída ya de muchas cosas. Muy decepcionada también. Pero eso quiere decir también que creí… y sigo creyendo. Quizá sea el cansancio de la pelea.

Si tiene que recordar un momento sobre un escenario que, aunque fuera fugaz, le diera sentido a toda esa pelea, ¿cuál sería?

Mira, yo tengo un momento, igual lo tengo idealizado, pero me acuerdo de hacer Gure herria, Nuestro pueblo, de Thornton Wilder en 1986 con Juan Pastor. La hacíamos en castellano y euskera. Recuerdo tener un momento de iluminación en el escenario y decir: “qué bien que me dedico a esto, qué bonito que es”. Pero también he tenido momentos en que he dicho: “qué mierda, no sé qué hago haciendo esto”. Otro momento especial fue en 2014 con El amor después del amor que hice con Ados Teatroa. Fue un montaje con el que disfruté tanto, en el que estaba tan conectada, fue muy especial.

Creía que me iba a hablar de la Poncia que hizo en el Centro Dramático Nacional en La casa de Bernarda Alba de Lorca…

La Bernarda también, que se me olvidaba. Tienes razón, es uno de mis momentos mágicos absolutos. Siempre te duele cuando te desprendes de una obra o de un personaje, siempre hay un momento de duelo, pero desprenderme de la Poncia para mí fue dolorosísimo. Es tan inmensa la obra y el personaje, hubiera seguido años haciéndola, investigando. Los grandes personajes son aquellos que te llevas a la intimidad y Poncia es uno de ellos.

La Diputación de Badajoz ha levantado en los últimos años un ecosistema escénico que funciona como una red de sostén para el teatro profesional, el tejido amateur y la formación de públicos en toda la provincia. Lo ha hecho desde una premisa que atraviesa toda su política cultural: la cultura como herramienta de cohesión territorial y como garantía de igualdad entre municipios que, por su tamaño o recursos, nunca podrían sostener una programación estable sin apoyo institucional. Ese principio vertebra el I Plan Estratégico Provincial de Dinamización Cultural 2023‑2027 y explica por qué, solo en 2025, la corporación destinó más de 10,7 millones de euros a cultura dentro de un presupuesto departamental de 20,2 millones, alcanzando una cobertura del 100 % del territorio con más de 2.200 actividades anuales. En los pueblos de menos de 20.000 habitantes —el corazón rural de la provincia— la inversión asciende a 50,51 euros por habitante, casi el doble del promedio provincial, lo que permite sostener una media de 13,3 actividades culturales al año en cada localidad.

Ese esfuerzo se materializa en una arquitectura de programas que combina exhibición profesional, formación de públicos, apoyo a la creación y dinamización comunitaria. En ese entramado, D’Rule: Artistas en el Territorio es el dispositivo central de exhibición teatral profesional. Desde 2016, descentraliza la oferta escénica y garantiza que los pueblos puedan acceder a montajes de compañías extremeñas consolidadas sin asumir el coste real del caché. En 2026, el programa reparte 300.000 euros entre municipios y entidades locales menores, cubriendo hasta 2.500 euros por representación —5.000 en los casos de localidades con dos obras— y asegurando que todas las funciones se desarrollen entre octubre y finales de año. La resolución de este año ha beneficiado a 85 localidades, que programarán espectáculos de compañías como Samarkanda Teatro, Teatro Girigai, Karlik Danza Teatro, Verbo Producciones, Teatro de Papel, Las Cuatro Esquinas Producciones, De la Luna Teatro, Atakama, Maltravieso Teatro o Francis J. Quirós Producciones, todas ellas integradas en la Guía de Artistas y Grupos de la Diputación.

La formación de públicos se aborda desde la infancia con PequEscena, un festival que desde 2022 lleva títeres, clown, teatro de objetos y narración escénica a casas de cultura rurales. Su repertorio combina compañías extremeñas y nacionales —Tropos Teatro de Títeres, Titiriteros de Binéfar, Marmore Producciones, Chameleon Producciones, Bambalía Escénica o El Avispero— y este año volverá a desplegarse entre octubre y diciembre, consolidándose como la puerta de entrada al hecho escénico para miles de niños y niñas del medio rural. A su alrededor orbitan otros circuitos sectoriales —BadeCirco, Badakadabra, Danzaria— que diversifican la oferta de calle y sala en municipios pequeños y completan la estrategia de acceso temprano a la cultura dramática.

La Diputación sostiene además una constelación de festivales que amplían el mapa escénico provincial y regional: el Festival de Teatro de Vegas Bajas, el de Casas de Regina, el Festival de Teatro Musical de Don Benito, el Amateur de Extremadura, el Festival Internacional de Teatro de Badajoz y el Festival de Mérida. Todos ellos cuentan con financiación provincial, ya sea mediante patrocinios directos o a través de las convocatorias para ayuntamientos y asociaciones culturales, lo que permite que la programación profesional y de gran formato llegue a públicos que, de otro modo, quedarían fuera de los circuitos escénicos nacionales.

La estructura de subvenciones completa este modelo con dos líneas diferenciadas: una para administraciones locales y otra para asociaciones y fundaciones. El Plan Provincial de Cooperación para el Programa de Dinamización Cultural, dotado con 785.000 euros, funciona en concurrencia no competitiva y permite a cada municipio programar hasta tres actividades entre enero y octubre, con ayudas de 1.500 euros para compañías profesionales y 1.000 para agrupaciones amateur. En paralelo, las convocatorias para asociaciones sufragan festivales, muestras de teatro aficionado, certámenes y proyectos comunitarios, mientras que las ayudas de capital financian equipamiento técnico y reformas en espacios escénicos locales, un aspecto crucial para que los municipios más pequeños puedan cumplir los requisitos técnicos exigidos por circuitos como D’Rule.

El apoyo a la dramaturgia se articula mediante la cooperación con la Federación de Asociaciones de Teatro de Extremadura, FATEX, y las diputaciones de Badajoz y Cáceres. El Premio Internacional Raúl Moreno FATEX otorga 4.000 euros a la obra ganadora y 2.000 al accésit, y publica ambos textos en un volumen bilingüe castellano‑portugués que favorece el intercambio escénico a través de la Raya. Los grupos federados en FATEX estrenan y giran estas obras en la Red de Teatro Amateur. El Premio de Autor Extremeño, reservado a dramaturgos nacidos o residentes en la región, concede 500 euros y publica la obra en la colección Escena Extremeña, también en edición bilingüe. La Red de Teatro Amateur de FATEX completa la oferta con representaciones en salas municipales durante el otoño.

El impacto socioeconómico de este modelo es doble. Por un lado, la cobertura íntegra del caché en D’Rule y en el Plan de Dinamización estabiliza el mercado laboral escénico extremeño, garantizando ingresos recurrentes para cooperativas y pymes teatrales en un contexto donde la taquilla municipal no puede absorber los costes reales de producción. La Guía de Artistas y Grupos actúa como registro técnico que asegura condiciones salariales acordes al mercado y evita la devaluación del trabajo artístico. Por otro, la inversión concentrada en municipios pequeños neutraliza la brecha de acceso a la cultura dramática y consolida hábitos culturales tempranos gracias a programas como PequEscena. La cooperación transfronteriza de los premios FATEX proyecta la dramaturgia extremeña hacia Portugal y crea un espacio bilingüe singular en el panorama teatral español.

Los retos, sin embargo, persisten. La exigencia técnica de los recintos aptos para montajes profesionales sigue siendo una barrera para las entidades locales menores, lo que obliga a mantener líneas de modernización infraestructural para evitar exclusiones. También es necesario seguir afinando la coordinación entre los distintos agentes institucionales para evitar la concentración de programación en el último cuatrimestre y garantizar un flujo escénico continuo durante todo el año.

Equilibrar el territorio

El resultado es un modelo que no solo programa teatro: lo convierte en infraestructura pública, en una forma de presencia institucional que equilibra el territorio y sostiene la vida cultural de los pueblos. En un contexto donde la oferta escénica depende casi por completo del impulso público, cada función es una afirmación de igualdad y de derecho: la certeza de que la creación dramática no es un privilegio urbano, sino un bien común que pertenece a todas las comunidades. La Diputación de Badajoz ha construido una red que permite que el teatro profesional viva de su trabajo, que la infancia acceda a la cultura desde sus primeros años y que la dramaturgia extremeña circule más allá de sus fronteras. Ese es el verdadero impacto: un territorio donde la cultura no se improvisa y además consigue sostenerse. Donde el teatro no es considerado simplemente como un evento, sino como una forma muy presente de futuro.

Y por eso este modelo importa. Porque convierte la cultura en infraestructura cívica, garantiza que la profesión teatral pueda vivir de su trabajo y mantiene abierto un horizonte creativo que, sin esta red, se estrecharía hasta desaparecer.

Las calles de Nueva York han vivido una tarde de protestas contra la presencia de Benjamín Netanyahu en la ciudad mientras pronunciaba su discurso en la Asamblea General de Naciones Unidas. Sobre el primer ministro israelí, pesa una orden de arresto por la Corte Penal Internacional por delitos de genocidio, y el alcalde de la ciudad, Zohran Mamdani, pidió que fuera detenido, cosa que descartó el presidente de EEUU, Donald Trump, aliado preferente de Netanyahu.

Mientras Netanyahu hablaba ante la Asamblea General, y muchos delegados abandonaban sus asientos, cientos de personas participaban en una sentada en una calle aledaña a Naciones Unidas, la Primera Avenida, que acabó en detenciones por cortar el paso en una vía pública.

La actriz Susan Sarandon ha sido una de las personas detenidas este jueves en Nueva York mientras participaba en la concentración que también pedía que Estados Unidos dejara de enviar armas a Israel. En un vídeo de la detención se observa como varios policías levantan a la actriz.

Además de Sarandon, también ha sido detenida la actriz Hannah Einbinder, conocida por su papel en la serie Hacks, también a la vez que intervenía Netanyahu en la Asamblea General de la ONU.

En la manifestación, la policía también detuvo a Darializa Avila-Chevalier, miembro del DSA y candidata demócrata para la Cámara de Representantes de EEUU y respaldada por el alcalde, Zohran Mamdani.

“Benjamin Netanyahu debería estar en La Haya, no en las calles de la ciudad de Nueva York y, ciertamente, no dirigiéndose a la Asamblea General de las Naciones Unidas. La Corte Penal Internacional ha emitido una orden de arresto en su contra por crímenes de guerra y crímenes de lesa humanidad. La propia Comisión de Investigación de la ONU determinó que Israel está cometiendo un genocidio en Gaza y señaló a Netanyahu como su principal artífice”, declaró Darializa Avila Chevalier. “Como candidata demócrata por el 13.º Distrito Congresional de Nueva York, me niego a permitir que un criminal de guerra recorra las calles de nuestra ciudad sin oposición. Me niego a acoger a un hombre que ha supervisado la matanza o las lesiones de más de 64.000 niños en Gaza utilizando el dinero de los contribuyentes estadounidenses. Me niego a ser cómplice de un genocidio”.

También se encontraban en la protesta, organizada por la Jewish Voice for Peace, la actriz Cynthia Nixon, conocida por interpretar a Miranda en 'Sexo en Nueva York', y Brad Lander, exinterventor de la ciudad y candidato al Congreso en las elecciones de noviembre.

Entre los participantes de la protesta se encontraban, además los candidatos demócratas al Congreso Chris Rabb, Adam Hamawy y Melat Kiros, junto con más de 20 representantes de la ciudad y el estado de Nueva York. En total, nueve cargos electos y candidatos han sido detenidos.

Asimismo, Lucy Dacus y Julien Baker (del grupo Boygenius), Chelsea Manning, Glennon Doyle, Elliot Page, Linda Sarsour, Tony Kushner, Mary Beth Barone, Caleb Hearon, Cynthia Nixon, Sarah Sherman y otros neoyorquinos destacados también se sumaron a esta protesta.

La protesta se ha producido una semana después de que la Administración Trump propusiera la venta a Israel de bombas de una tonelada por un valor de 2.800 millones de dólares.

En los últimos dos años, Estados Unidos ha enviado más de 21.000 millones de dólares en ayuda militar a Israel.

Einbinder dijo en el Festival de Cannes que “el precio de no hablar sobre Palestina es más alto” que el de hacerlo porque “hay un costo mayor en el silencio”. “Uno simplemente tiene que tener claras sus prioridades”, añadió.

Sarandon, por su parte, habló en Venecia sobre cómo pronunciarse sobre Palestina había afectado a su carrera después de que le hubieran retirado de algunas películas porque “había agencias que pedían que no la contratasen”. En los Premios Goya de este año, en los que fue galardonada con el Goya de Honor, la actriz también alabó la posición con respecto a Gaza de España y, en concreto, del presidente del Gobierno, Pedro Sánchez. “Estos días en los que el mundo está tan dominado por la violencia, por la crueldad, miro a mi alrededor y veo a vuestro presidente y a muchos artistas de este país que hablan con tanta lucidez moral”, dijo entonces.

Además de la protesta que acabó con las detenciones de Sarandon, Einbinder y nueve dirigentes y candidatos progresistas, una manifestación recorrió las calles de Nueva York desde Bryant Park –calle 40 y Quinta Avenida– hasta las inmediaciones de la sede de Naciones Unidas.

En ella, miles de personas corearon consignas contra el genocidio israelí y a favor del pueblo palestino.

Llega otoño y para muchos comienza la temporada de ver (por primera o enésima vez) ‘Las Chicas Gilmore’ (‘Gilmore Girls’), una serie que despierta sensaciones de otoño por los temas que trata, pero también por su paisaje en el ficticio Stars Hollow, que se inspira en uno real del estado de Connecticut.

En esta serie comenzó su trayectoria la actriz Melissa McCarthy, que actualmente con 56 años y dos premios Emmy debajo del brazo, ha reflexionado sobre su carrera en una entrevista en Variety, donde se ha sincerado sobre lo que supuso su primer papel en televisión.

En ‘Gilmore Girls’, McCarthy interpretó a Sookie St. James, quien era la mejor amiga de Lorelai (Lauren Graham) y la cocinera del Independence Inn, y si bien fue el primer impulso en su trayectoria, también supuso una experiencia “nada fácil” en parte por tener que lidiar con los diálogos de Amy Sherman-Palladino:

“¡Fue difícil! Fue realmente difícil. Nuestros guiones tenían 93 páginas y no podías cambiar ni una contracción, aunque los recibieras esa misma mañana y fueran de 10 páginas”, comentó al respecto, a la vez que puntualizó que estaban además llenos de referencias.

Pero al mismo tiempo, la actriz criticó de forma positiva este hecho por parte de la creadora Sherman-Palladino, pero también como eso supuso un importante reto: “Me encanta que tuviera su propio estilo, y me encanta que haya creado ese mundo. Me encanta que luchara por él, porque una mujer al mando de ese programa en aquella época, creo que tenía que ser muy estricta. Creo que tuvo que luchar para mantenerlo como ella quería. Y me alegro de que lo hiciera, porque ha resistido el paso del tiempo. La gente realmente se identifica con ese programa”.

La siguen reconociendo por ‘Gilmore Girls’

En la mencionada entrevista en Variety, Melissa McCarthy también expresó la sorpresa que conlleva cada vez que la siguen reconociendo por su participación en la serie en la que participó de 2000 a 2007 y que cumplió el pasado otoño su 25 aniversario, entre rumores de reunión, con un documental que se encuentra en proceso.

Y es que la actriz se sorprende por la cantidad de jóvenes que se siguen acercando a ‘Las chicas Gilmore’ y que todavía se la vincule con ello a pesar de haber hecho mucho más: “¡He trabajado mucho desde entonces!”, bromeó al respecto, considerando que una de las claves de su éxito es el ambiente acogedor que genera en el espectador.

A Ester Expósito la fama la sorprendió cuando apenas había empezado a lograr papeles importantes. Nadie esperaba que Élite, la serie adolescente que reventó todos los índices de visualizaciones en Netflix se convirtiera en semejante fenómeno. Con 18 años recién cumplidos se enfrentó a una fama masiva e internacional. Desde entonces se escrutó cada uno de sus movimientos y de sus declaraciones.

Por eso, para ella lo más fácil hubiera sido pasar desapercibida. No hablar. Ser la chica buena que asiente y sonríe. Pero ella no es así. Lo deja claro en cada entrevista, y lo vuelve a dejar claro cuando no tiene miedo en señalar los comentarios machistas que recibe en redes o cuando acude a leer un manifiesto en contra del genocidio en Gaza. Normalmente, esos fenómenos se centran en contentar a todos, y politizarse nunca es lo más sencillo.

Cada paso que da en su carrera está más segura de esa posición, y no le importa estrenar una adaptación de un fenómeno literario como Enfrentados: Marfil (basado en las novelas adolescentes de Mercedes Ron y ya en Prime Video) y aprovechar para llamar la atención sobre el machismo, las redes sociales y la cosificación. Si las jóvenes tienen que tener referentes, mejor que sean como Ester Expósito.

¿Qué había en el guion que le hiciera decir que sí? Porque imagino que le llegarán bastantes guiones.

Me lo propusieron Álex de la Iglesia y Carolina Bang, con los que ya había trabajado en Venus, y al principio me daba un poco de cosa porque iba a ser un proyecto comercial dirigido a un público más bien juvenil. Después de Élite nos da miedo encasillarnos un poco en fenómenos juveniles, pero leí el guion y me gustó mucho la historia. Me parecía un romance bonito, clásico, con el que podíamos hacer algo guay. Me recordaba estas historias de las películas románticas de los 90 y nunca había hecho una película romántica. Entonces dije: esto puede ser divertido. Y el personaje me encantó.

Marfil es una tía a la que secuestran al principio de la película y pasa de ser una niña bien que vive en su burbujita a chocarse con la realidad y en vez de quedarse en ese lugar de víctima decide que quiere aprender a pelear y a defenderse. A valerse por sí misma. Y eso me gustó mucho. También que en la conquista, en la parte romántica, ella es muy proactiva. Siendo una historia de amor más o menos clásica sí que tiene una visión moderna. Lanza una mirada moderna sobre esos roles y estereotipos. Como el rol de conquista, que es el hombre el que va y entonces te haces la dura. Pues no, como que rompe un poco con eso. También me gustó la idea de aprender boxeo y defensa personal, y repartir.

Está basado en un fenómeno de literatura adolescente, y pienso en otros fenómenos de generaciones pasadas como Crepúsculo y sí que las relaciones eran más tóxicas, o más canónicas como has mencionado. ¿Era importante que no fuera esa traslación a pantalla de un amor tóxico en esta película?

Sí. Me habría costado mucho meterme en algo que fuese más anticuado en ese sentido. Me gusta la parte clásica que tiene la película de Un romance de Nueva York o El guardaespaldas. Pero era importante para mí la mirada, en qué tono contábamos esto. Lo otro ya se ha hecho mucho. No hace falta una historia más del malote en moto y la niña buena. Que está bien, pero ya lo hemos visto mil veces aquí. 

Hace poco estaba aquí Susana Abaitua que hablaba de la comedia romántica y de cómo ella se planteaba esa dualidad de saber que el amor romántico está obsoleto pero, por otro lado, tener esa parte Disney de que le gustaría creer en ello, ¿le pasa este choque?

Yo sí que lo creo. Sí, me pasa que soy muy escéptica con el mundo en el que vivimos ahora y que lógicamente nos hemos cansado de los estereotipos y el cliché del amor romántico tóxico. Es lógico que estamos hartos de eso, pero hay una parte… es que yo tengo a mis padres juntos todavía, con una relación increíble de toda la vida. Entonces, claro, el listón está muy alto, me parece muy bonito lo que tienen y como que me obligo y pienso que tengo que seguir el mismo camino, tener hijos y casarme. Hay una parte que te gusta creer en el amor, pero la cosa es ver cómo vivir el amor en el mundo de hoy y cómo desaprender todo lo que tenemos interiorizado, también negativo, del mundo de antes.

Hablando de relaciones tóxicas, ¿cómo de importante es un buen ambiente en el set? Esto es algo que ahora se habla más, el que en los rodajes se generen buenas dinámicas, ¿lo considera importante?

Sí, por supuesto. Es muy importante sentirte respetado, escuchado y que haya un ambiente bueno. Yo veo las ganas que tiene el equipo, cuando estamos todos con ganas y creyendo en lo que estamos haciendo.

¿Se nota cuando no ocurre en un rodaje?

Hay rodajes que notas que se la suda lo que están haciendo, pero hay veces que no, y en este yo creo que había ganas y nos divertía porque era muy divertido de hacer.

Su personaje no puede salir de casa porque está en peligro, tiene hasta un guardaespaldas, ¿ha sentido esa presión de no poder salir por la fama, la popularidad y esa presión?

Bueno, sentirme como observada, evidentemente, sí. Y enfadada con el mundo y con ganas de pelearme con todo también, como le pasa un poco a ella al principio. Pero bueno, es la vida y, al final, cuanto menos personal te tomes todo y más le quites importancia… aunque haya momentos en los que haya que poner límites y decir ‘hasta aquí’. Pero en general, por tu salud, hay que aceptar y asumir que no puedes controlar lo que pasa alrededor de ti, fuera de ti y sí puedes controlar cómo te lo tomas.

Me imagino que cuando una de niña quiere ser actriz no piensa en todas esas consecuencias que tiene ese nivel de exposición tan apabullante.

No, para nada. Pero bueno, se sabe que es una parte de ello. Y también, si no quieres esto te tendrías que haber dedicado a otra cosa. Es lo que me digo.

También si no saliera, si hiciera eso, de alguna forma es como que ellos ganan.

Yo me niego. Yo intento hacer mi vida lo más normal posible en eso.

Bardem siempre dice que cuando llegó el móvil cambió todo.

Sí, cualquier persona ahora es un paparazzi. 

¿Ha cambiado algo?

Bueno, está el juicio constante, la mirada constante, de a ver qué haces y qué opinas. Parece que hay que opinar de todo ahora.

Si no opina, mal. Si opina, también está mal.

Sí. La gente ahora con las redes puede decir lo que quiera desde la impunidad absoluta, desde la protección que te da estar detrás de una pantalla o incluso de un perfil falso. Se opina de absolutamente todo lo que hacemos. Y yo hago lo que puedo, yo quiero hacer mi trabajo, yo soy actriz, y luego resulta que estoy en esta situación y pienso que si puedo utilizar mi lugar para cosas importantes lo hago, pero ya está. 

Es una actriz con millones de seguidores, lo más fácil sería estar callada.

Sí, desde luego sería mucho más fácil… Bueno, es que para mí no. Para mí sería muy difícil estar callada por eso. No estoy callada, porque no puedo evitarlo. Para mí sería difícil estar callada y no hacer nada de las barbaridades que veo que pasan, que se dicen. Y por eso lo hago. Para tener una vida tranquila y contentar a todo el mundo, desde luego estaría más cerca si me quedase callada.

En eso también es como su personaje, lo de contentar a todo el mundo no le va.

No va conmigo nunca.

Como dijo la última vez que estuvo aquí, que tampoco es que diga cosas muy escandalosas.

Hablo de lo que a mí me resulta importante, pero no tengo que ser el ejemplo absoluto de todo. Intento utilizar mi posición en la medida que puedo para señalar cosas que me parecen importantes y de las que hay que seguir hablando. Y voy a seguir hablando.

¿Alguna vez le han recomendado no hacerlo?

Bueno, hay gente que dice, para qué, ahórrate que te critiquen, pero tampoco mucho. La gente que me conoce sabe que en lo privado también soy así. Siempre estoy hablando de política, va conmigo, está un poco en mi ADN.

La gente que me conoce sabe que en lo privado también soy así. Siempre estoy hablando de política, va conmigo, está un poco en mi ADN

Ester Expósito — Actriz

Marfil tiene ya un fenómeno fan gracias a los libros. El fandom puede ser a veces demasiado demandante, ¿cómo se enfrenta a ello?

A ver, porque es la primera vez que hago una adaptación de un libro que ha tenido muchísimo éxito y que tiene toda una comunidad de fans. Ojalá les guste y no solo cumplamos las expectativas, sino que las superemos. Pero creo que estamos tranquilos porque a nosotros nos gusta el resultado y somos muy exigentes. Hugo Diego García [su compañero de reparto] y yo somos muy exigentes y la vara de medir la ponemos alta. Si nos ha gustado, pues pensamos que también les va a gustar y que hemos respetado siempre la esencia, dado nuestro toque, que es un toque guay que puede sorprender un poco a lo que se podían esperar las fans.

Quizás por desgracia está tan acostumbrado a los ataques en redes que ya lo que diga el fandom…

Por supuesto, pero siempre quieres agradar, que les guste.

¿Se acostumbra una a que en redes le puedan decir lo que sea con esa impunidad?

Yo creo que te acostumbras. Pero, ¿hasta qué punto es bueno acostumbrarse y normalizarlo? Por eso digo que, en general, por tu salud y por tu paz, lo mejor es ni entrar, porque estarías todo el día saliendo a desmentir o a decir. Pero hay momentos en los que sí que creo que está bien, poner un límite y decir basta. No todo vale. Y no porque vayas a conseguir mucho con eso, porque la gente al final va a seguir haciendo lo que quiera, sino para que queden retratados. Siempre te están señalando y hay momentos que dices, pues ahora te voy a señalar yo a ti y voy a ponerle un nombre a lo que estás haciendo: difamación, odio contra las mujeres, misoginia pura. Como todo este tema de hablar, de opinar del físico… hay que ponerle un nombre y que también se sientan señalados, aunque sigan sobreprotegidos detrás de su pantalla, porque a nosotras no nos protege nadie ahí fuera en las redes. Pero bueno, por lo menos señalar y ponerle un nombre a lo que están haciendo.

Ha mencionado el físico, también decía Susana Abaitua lo preocupada que está con la extrema delgadez que llega desde Hollywood y se ve en redes sociales.

Ahora con las redes, la sociedad, el patriarcado… todo nos lleva a eso. Pero con las redes se amplifica todo. Imagínate. Y la gente que tiene 13 o 14 años y está con un móvil viendo constantemente fotos, comentarios, comparándose, viendo publicidades de skincare… es agotador. Yo es que si pudiera eliminaría todo, quitaría todo, volvería atrás en el tiempo y viviría en otra época. Te lo digo de verdad. Y nos desconecta tanto, ya no solo la cuestión estética, sino el simple hecho del móvil de chequear todo. Nos desconecta de la vida. No vivimos en el mundo real, casi ninguno. Y por eso me parece muy importante lo de prohibir las redes a menores de 16 años.

Una de las cosas que mencionaba la anterior vez que estuvo aquí era cómo por desvincularse de Élite había cuidado mucho que no se la sexualizara en las películas. En esta película hay una escena de sexo, ¿hubo coordinador de intimidad? ¿Se siente con la posición de poder suficiente para decir lo que no le gusta?

Sí, la hubo. Y creo que siempre tienes que poder tenerla, aunque no seas alguien conocido o tengas una carrera larga o nada. Aunque estés empezando. Son momentos muy delicados en los que se han cruzado muchos límites. Sobre todo, como siempre, las mayores perjudicadas han sido las mujeres. Aunque estés empezando, son momentos en los que siempre tendrías que poder decir algo, poder decir hasta aquí o estos son mis límites, no es algo que deberías ganar solo por tener un nombre. Por suerte se pone ya en cualquier proyecto esa figura del coordinador de intimidad para facilitar ese trabajo que puede ser muy arduo para un actor que está empezando: comunicar y exigir y poner unos límites. 

Entrevista completa

La nostalgia sigue trayendo títulos a la cartelera, que intenta aprovechar la emoción que genera la vuelta de algunas películas que se han ido convirtiendo en icónicas de la cultura pop o de culto con el paso del tiempo.

“Prácticamente magia 2” es una de esas novedades que hace regresar a su historia principal, estrenada hace más de 25 años y con Sandra Bullock y Nicole Kidman como protagonistas, ambas recuperando sus papeles de las hermanas Owen.

Una película que vuelve más de 25 años después tras convertirse en una película de culto, pero que fue incomprendida por la crítica en su día, pues la definió como “demasiado aterradora para niños y demasiado infantil para adultos” o “una comedia de brujas chapucera”.

La película es una adaptación de la novela de Alice Hoffman publicada en 1995, dirigida por Griffin Dunne y con guion de Robin Swicord, Akiva Goldsman y Adam Brooks, que dieron vida a un filme del que incluso se dijo que era “tan confusa que parece haber sido objeto de un maleficio”, y no iban desencaminados en cierta manera.

Una bruja amenazó con demandar a Warner Bros

De hecho, tras “Prácticamente Magia”, su director no volvió a dirigir una película, con la secuela siendo dirigida en esta ocasión por una mujer, Susanne Bier. En varias ocasiones, además, Dunne expresó que su versión todavía era más intensa, en temas como la violencia doméstica.

Aunque la anécdota más curiosa en ese aspecto es que una bruja real acabó amenazando con demandar a Warner Bros después de participar como asesora en los detalles para la película, y que no había dado problemas durante el rodaje.

Su presencia interesó mucho tanto a Bullock como a Kidman, como confirmó el propio director, tanto que siempre se interesaban por lo que decía antes de comenzar a rodar. Pero, entonces, cuando la llevó a Los Ángeles para conocer a las protagonistas, exigió a la productora el 3% de los beneficios porque se había sentido ofendida.

El hecho quedó en un pago por parte de Warner Bros y su equipo jurídico como cuenta Vanity Fair, pero también tuvo su dosis de misterio al asegurar Dunne que le había dejado una nota de voz en el teléfono en una lengua extraña.

Algo más positivo es el hecho de que las localizaciones de la película gustaron mucho en Hollywood, con actores como Ben Stiller o Barbra Streisand buscando la casa de la película para comprarla.

Cuando hablamos de Meg Ryan, muchos la relacionan como una de las principales protagonistas de la comedia romántica de los 80 y 90, con títulos destacados del género como es el caso de las míticas ‘Cuando Harry encontró a Sally’, ‘Tienes un e-mail’ o ‘Sintonía de amor’, aunque el camino pudo ser diferente para la actriz, que rechazó un papel que, sin embargo, haría que Julia Roberts se convirtiera en la mejor pagada de Hollywood.

‘Magnolias de acero’ o como Meg Ryan dio inicio a la carrera de Julia Roberts

Estamos en los últimos años de la década de 1980 y dos comedias románticas están gestándose casi al mismo tiempo, lo que pocos saben es que esto dará lugar a dos brillantes carreras en el género y en Hollywood en general. En concreto fue una decisión que sería, sin saberlo, definitiva para dos grandes trayectorias.

Y es que antes de ser Sally Albright de ‘Cuando Harry encontró a Sally’, Meg Ryan tuvo la oportunidad de ser una de las protagonistas de la recordada película ‘Magnolias de acero’, en concreto se le ofreció el papel de Shelby, la joven enferma que conmovía la trama del filme dirigido por Herbert Ross.

Ryan, sin embargo, no se veía en este papel, y por eso lo rechazó, a pesar de que el proyecto tenía argumentos para convencer a cualquiera, en especial por su reparto de lujo, encabezado por Sally Field, Shirley MacLaine o incluso la recién fallecida Dolly Parton, en uno de sus papeles más recordados en el cine.

Su rechazo acabó finalmente en el hecho de que fue a parar a Julia Roberts, que todavía era un nombre desconocido en Hollywood entonces, pero que gracias a su papel de Shelby en ‘Magnolias de acero’ logró no solo la fama, sino también la que fue su primera nominación al Premio Oscar. De hecho, de ella partieron luego otros títulos míticos de su trayectoria como ‘La boda de mi mejor amigo’ o ‘Pretty Woman’.

A pesar de que su participación en la película le llevaría a un camino que le haría ser la actriz mejor pagada de Hollywood, el rodaje con Herbert Ross no fue el más agradable, de hecho, ella misma afirmó que sufrió trato abusivo por su parte, aunque no fue la única, sí que fue sometida a constantes humillaciones, un hecho que compartieron también el resto del elenco.

Este hecho se hizo conocido por la industria del cine y la propia Meg Ryan, quien había rechazado formar parte de la película, se refirió a ello en una entrevista en su momento: “No sé si es de buen gusto hablar de esto, pero estoy feliz de que las cosas hayan salido como salieron”, apuntó.

El tiempo le dio la razón y llegó Sally

Meg Ryan rechazó ser parte del reparto de ‘Magnolias de acero’, pero finalmente el tiempo le dio la razón al llegarle el papel de Sally en la comedia romántica ‘Cuando Harry encontró a Sally’, que se estrenaría apenas unos meses antes, en julio de 1989, mientras la otra lo hizo en noviembre de ese mismo año.

En la comedia romántica escrita por Nora Ephron y dirigida por Rob Reiner, la actriz brilló, especialmente por su química con Billy Crystal. La relación de ‘enemies to lovers’, además de un guion inteligente y ritmo de los diálogos redefinió este género y a día de hoy sigue siendo uno de los títulos más destacados de este.

Cuando el pasado febrero Susan Sarandon atendió a la prensa española con motivo de su Goya internacional dijo en voz alta lo que muchos ya temían. En EEUU se había vetado a las actrices y actores que habían denunciado públicamente el genocidio en Gaza. Ella era uno de los casos. Su agente había roto con ella y a los directores se les presionaba para que no la contrataran. Desde entonces, los filmes en los que iba a participar en Hollywood se habían caído y no tenía ninguna oferta en su país. Por suerte, acababa de rodar un filme en Italia.

Aquella película que fue el salvavidas de la mítica actriz de Thelma y Louise o The Rocky horror Picture show se llamaba The echo Chamber, y se ha presentado en el Festival de Venecia, donde Sarandon ha recibido una calurosa acogida en la rueda de prensa del filme que ha dirigido Andrea Pallaoro basándose en un guion de Bernardo Bertolucci. Una historia de adicciones, desamor, fantasma y recuerdos donde Sarandon interpreta a una versión femenina de Leonard Cohen. Una cantante que actúa de confesora del protagonista, un hipnótico Luca Marinelli.

La actriz fue preguntada por si en estos meses ha habido un cambio y si en Hollywood le han abierto las puertas. La respuesta fue agridulce, porque aunque confiesa que la gente ha abierto los ojos, no lo han hecho los productores de su país. “La narrativa ha cambiado en términos de la relevancia histórica de Palestina. Los lazos que los sionistas tienen con EEUU han sido una revelación para la gente. Nadie entiende todo el dinero que EEUU le da a Israel, y ahora hasta hemos votado para que se unan el ejército de EEUU y el de Israel. La gente se ha dado cuenta de eso, y eso ha cambiado”, reconocía.

Sin embargo, en términos de “poder estructural” no nota el cambio. “Me han quitado de varias películas recientemente porque hay agencias que les dicen que no me contraten. Eso es el poder estructural. Pero con la gente, y sobre todo a nivel internacional, me siento bienvenida. Lo que ha pasado conmigo pasa con otra gente, por eso agradezco a Andrea Pallaoro por no hacer caso a las advertencias. Hay un cambio en como se entiende la situación, en el público general, pero todavía hay posiciones en mi industria lideradas por sionistas que no relajan sus sentimientos contra mí. Pero tengo a mi gente, a mi equipo y estoy bien”, dijo ante el aplauso de la sala.

La actriz habló también de la influencia que había tenido Bertolucci en su vida y en su visión del cine como arte poético y político, especialmente gracias a El conformista. “Nunca había visto nada así, no sabía que el cine podía hacer eso. Cómo miraba, cómo contaba… era completamente diferente a las películas americanas. Entonces no sabía lo que pasaba políticamente”, dijo Sarandon que luego recordó que gracias a Louis Malle, con quien trabajo en La pequeña y Atlantic City le conoció y se hicieron amigos.

Hace poco volvió a vercon su hijo, que es director de cine, y se percató de que “sigue siendo moderna: la fotografía, los planos, la escena del tren, la hermosa forma en que está rodada…”. A El conformista le recuerda esta The echo chamber, que se desarrolla completamente en una casa que se convirtió en su “pequeño mundo” en el que, en contraste con Hollywood, “no hay tráileres” para las estrellas y estaban todos juntos.

Cree que han rodado un filme “con esa sensibilidad tan europea que crea atmósferas y cuenta la historia más con imágenes que con palabras”. “Andrea se toma todo el tiempo para contar esta historia y no explicar todo al público. No pone cartelas de ‘dos meses después’ o ‘un año después’, desdibuja la línea de pasado y el presente; del sueño y el recuerdo. Un director americano no podía haber dirigido esto”, zanjó.

Aquí vuelve a cantar, como en The rocky horror picture show, pero aclaró que ella no canta, aunque eso vino bien a un personaje que está luchando contra sus demonios interiores, algo que ocurre a todos, y ahí bromeó con que ella había pasado por todo lo que su personaje: “Menos meterme heroína”. Pero sí hay algo que cree que une a todos en la película y en la vida real, y es que “buscan una conexión y eso es lo que cada ser humano está buscando ahora, conectar, ser visto, ser oído”.

Naomi Watts vuelve a ser noticia después de conocer que recibirá un Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián, cuya edición se celebrará del 18 al 26 de septiembre. Un reconocimiento que España brindará a esta actriz, cuyo salto a la fama llegó con la Mulholland Drive (2001) de David Lynch, pero que aquí será para siempre recordada por el papel que hizo en una de las películas más aclamadas del director J.A. Bayona.

Hablamos, como no podía ser de otra forma, de Lo imposible, el largometraje sobre el tsunami de 2004 que causó la muerte de unas 200.000 personas. La interpretación que Watts hizo de María Bennett, personaje inspirado directamente en la médica española María Belón cuya familia sobrevivió a aquel desastre, le valió una nominación al Oscar, aunque finalmente no ganó.

Lo que muchos no saben es que la actriz de Hollywood no tuvo claro desde el principio que quisiera ponerse al frente de este personaje. Fue ella misma quien reveló hace unos años a través de una entrevista para el medio Times Colonist que, en un primer momento, dudó en si aceptar o no la oferta de trabajo.

Una decisión clave

“Fue una tragedia, causó tanto dolor a tanta gente y se cobró tantas vidas que hacer una película que pudiera terminar siendo otra película de desastres... Hacer que pareciera espectacular de cualquier forma sería un gran error”, confesó Watts. A esta reflexión se sumaba otro problema: su gran miedo al agua. Cuando tenía 14 años, Naomi fue arrastrada por la marea junto a su hermano y su madre, una experiencia que la marcó profundamente.

Sin embargo, todo cambió cuando supo que quien estaba al frente del proyecto era Bayona. El último proyecto cinematográfico del director español había sido El orfanato, la película protagonizada por Belén Rueda que llegó tan lejos que incluso Watts admiraba. “Pensé: Bueno, es un cineasta de verdad. Él sabe de drama. Suena interesante”.

La idea de aceptar el papel terminó de formularse cuando leyó las primeras páginas de la historia que adaptaría a la gran pantalla la tragedia que se vivió en Tailandia en 2004. “Leí el guion y, desde las primeras cinco páginas, supe que lo iba a hacer”, compartió la actriz en aquella entrevista.

Su decisión dio sus frutos, pues Watts consiguió reconocimientos de toda la industria por la interpretación que hizo de María. Una mujer con la que, de hecho, coincidió en varias ocasiones durante la preparación del papel. “Cuando me senté a hablar con María por primera vez, simplemente no sabía qué decir. Me pareció extraño, en cierto modo, hacerle una sola pregunta. Yo solo soy una actriz, y ella se enfrentaba a la muerte y a la posibilidad de perder a toda su familia”, reveló tiempo después.

Más de 180 figuras de la industria, entre actores, directores y celebridades judías, han firmado una carta en defensa del actor estadounidense Mark Ruffalo, tras las acusaciones de antisemitismo de Paramount, después de que el intérprete criticara la polémica fusión con Warner Bros. Discovery. “Calificar a Mark Ruffalo de antisemita por cuestionar una fusión corporativa masiva no solo es absurdo, sino que es una forma peligrosa de silenciar la crítica legítima”, reza la carta, a la que ha tenido acceso este martes la revista Variety.

En el documento, titulado “¡Ya basta!”, Ruffalo ha obtenido el respaldo de figuras de peso de Hollywood como Joaquin Phoenix, Todd Haynes o la actriz Hannah Einbinder (Hacks), una de las voces más críticas de la industria en posicionarse contra la intervención de Israel sobre el territorio palestino.

“Basta ya de instrumentalizar de forma falsa y peligrosa las acusaciones de antisemitismo contra quienes tienen el valor de señalar lo obvio: que el ataque contra el pueblo palestino y el ataque contra nuestras libertades en casa están profundamente interconectados, y que no hay nada de antisemita en reconocer ese hecho”, agrega el escrito.

El documento también critica la transacción entre Paramount y Warner, que va más allá de “una simple combinación de dos enormes multinacionales”: “Sí, destruirá miles y miles de puestos de trabajo. Sí, consolidará aún más el control oligárquico de nuestros medios de comunicación. Sí, ahogará la competencia y la creatividad en la producción y distribución de cine y televisión”, indicaron los firmantes.

“El camino de la IA hacia WarnerMount (acrónimo de Warner y Paramount) pasa por Gaza, y Ellison (familia propietaria del conglomerado de medios) nos ha dejado claro en repetidas ocasiones el mundo orwelliano que nos tiene reservado mientras consolida el control sobre lo que vemos y cómo lo vemos, sabiendo que mientras miramos, él y su corrupta camarilla siempre nos estarán vigilando”, sentencia la carta.

La controversia entre Ruffalo y el conglomerado de medios comenzó cuando el actor criticó públicamente la macrofusión propuesta entre Paramount y Warner, una operación colosal valorada en unos 111.000 millones de dólares, pero también acusó a la familia Ellison de ser cómplices del “genocidio” contra los palestinos. En respuesta, un portavoz de Paramount acusó a Ruffalo de recurrir a “tópicos antisemitas” con el pretexto de resolver una disputa comercial.

La actriz Naomi Watts recibirá un Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián, cuya edición se celebrará del 18 al 26 de septiembre. La también productora será homenajeada en una gala en el Kursaal el día 19 debido a su larga y exitosa trayectoria, donde se presentará el largometraje The Housewife (La esposa perfecta), debut en la dirección del canadiense Ben Shirinian que ella misma protagoniza. Watts se une así a Werner Herzog, quien también recibirá dicha distinción.

Reconocida como una de las actrices más talentosas de su generación, la carrera de Watts abarca desde el cine independiente hasta grandes superproducciones tanto en televisión como en la gran pantalla. De hecho, acumula dos nominaciones al Oscar por sus interpretaciones en 21 gramos (2003), de Alejandro González Iñárritu, y Lo imposible (2012), de Bayona.

Su salto a la fama llegó con Mulholland Drive (2001), bajo la dirección de David Lynch, con una actuación que ya es considerada un referente del cine moderno. Además, a lo largo de su trayectoria ha trabajado con realizadores de la talla de Peter Jackson, David Cronenberg, Clint Eastwood, Michael Haneke, Audrey Diwan y Noah Baumbach, además de Rodrigo García, con quien presentó Madres e hijas en la clausura fuera de competición del Festival de San Sebastián en 2009.

De origen británico y crianza australiana, Naomi Watts inició sus estudios de arte dramático en la adolescencia y debutó en la gran pantalla con Flirting, de John Duigan. Más tarde produjo y protagonizó el corto Ellie Parker, presentado en Sundance y convertido posteriormente en largometraje. En su extensa filmografía, donde también hubo lugar para las superproducciones, destacan títulos como King Kong (Peter Jackson), la saga The Ring (Gore Verbinski), Promesas del este (David Cronenberg) o Funny Games (Michael Haneke).

Aparte de su faceta actoral, Watts destaca como productora, empresaria y activista que ha transformado la conversación sobre la salud de las mujeres. En 2025 logró posicionar su libro Me atrevo a contarlo: Todo lo que me hubiera gustado saber sobre la menopausia en la lista de superventas del New York Times. En 2022 lanzó Stripes Beauty, una firma de cuidado personal fundamentada en la ciencia que busca romper estigmas sobre esta etapa vital mediante productos innovadores, educación y apoyo comunitario.

En el ámbito televisivo, cosechó su primera candidatura al Emmy tras encarnar a Babe Paley en Feud: Capote vs. The Swans, la segunda entrega de la serie antológica de Ryan Murphy para FX. Además, ha dejado una huella importante con roles protagonistas en Vigilante y Gypsy (donde también fue productora ejecutiva) en Netflix, la miniserie La voz más alta (Showtime) dando vida a Gretchen Carlson junto a Russell Crowe, Twin Peaks: The Return de David Lynch, e incluso una recordada colaboración en BoJack Horseman.

Su trabajo ha sido reconocido con galardones como el Premio Montecito (Festival de Santa Bárbara), el Desert Palm (Palm Springs), el trofeo a la Estrella Femenina del Mañana de ShoWest, el premio a la Mejor Interpretación Novel en Hollywood y un tributo a toda su carrera en el Festival de Cine Americano de Deauville.

La actriz Glenn Close ha compartido un emotivo video en sus redes sociales desde su casa en Bozeman, Montana. La intérprete, sonriendo a cámara, ha contado a sus 1,3 millones de seguidores que ya está “en casa”. “Llevo puesta la camisa de mi madre, dejando que el viento me acaricie el pelo blanco. Veo la puesta de sol. Me siento bendecida. Un saludo a todos”, ha explicado en una publicación en Instagram en la que detalla que “Pip está justo detrás de mí”, en referencia a su perra.

El mensaje ha generado en sus comentarios una oleada de cariño. Entre las muestras de afecto, destacan la de los actores Jeremy Renner, que le ha escrito un cariñoso “te quiero, dulce ángel”, o de Josh Brolin, que le ha dejado unos emojis de corazón. Ambos participaron junto a Close en la película Puñales por la espalda: De entre los muertos.

Pocas horas después, Glenn Close ha vuelto a Instagram para compartir otra publicación con tres imágenes de ella en la que ha detallado que “todo se trata de luz, cabello limpio y una buena noche de sueño”. “Estoy en casa para descansar, reponerme y recargar energías. Mi maravilloso amigo @jasondeshaw me dijo una vez que no enfrentas el mundo con la copa vacía, sino con la copa rebosante. Un abrazo para todos”, ha escrito la actriz que ha añadido una broma sobre qué se hace más grande con la edad: “¡La nariz, la barbilla y las orejas! Gracias, papá, por la nariz. Gracias, mamá, por la barbilla”.

Tras este mensaje, sus comentarios se han vuelto a llenar del cariño de sus seguidores, entre ellos el de su Naomi Watts, que ha escrito que “se te ve muy feliz”. Ambas fueron compañeras en la película Divorcio a la francesa y en la reciente serie Todas las de la ley.

Glenn Close, que forma parte del elenco de la próxima película de Los Javis, La Bola Negra, recibirá un Oscar honorífico, y estará entre los homenajeados en la 17.ª edición de los Premios de los Gobernadores, que se celebrará el 15 de noviembre.

Este será el primer Óscar que reciba Close, de 79 años, quien ha sido nominada a los premios de la Academia en ocho ocasiones por filmes como El mundo según Garp, Las amistades peligrosas o La buena esposa. A lo largo de cinco décadas, la actriz ha trabajado en más de cien proyectos cinematográficos y se ha consolidado como una de las más versátiles de la industria.

Antes, el próximo 25 de septiembre, asomará de nuevo en las pantallas de la mano de Los Javis. Los cineastas, que se llevaron el premio a la Mejor dirección en el Festival de Cannes, presentarán esta emotiva carta de amor a Federico García Lorca, donde la memoria histórica es protagonista, podremos ver en pantalla a Guitarricadelafuente (en su debut como actor), Miguel Bernardeau, Carlos González o Penélope Cruz, entre otros.

Glenn Close interpretará en pantalla a Isabelle Durand, una reputada historiadora. “Leyó el proyecto y se enamoró de él. Será un honor trabajar con una leyenda como ella, una actriz a la que siempre hemos admirado”, declararon Javier Calvo y Javier Ambrossi a la revista Variety. Por lo que se puede ver en el tráiler, Close hablará en español durante la película.

Apenas un par de semanas después, Glenn Close viajará desde el universo de Lorca hasta el mismísimo Capitolio. La actriz tiene un papel en Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha, una precuela escrita por Suzanne Collins cuya trama se sitúa 24 años antes de la historia original de Katniss Everdeen y cuenta la juventud de Haymitch Abernathy durante el el segundo Vasallaje de los Veinticinco.

Es uno de los temas del momento en Reino Unido y uno de los más candentes del sector literario, y es el hecho de que el lanzamiento del nuevo libro de Rachel Cusk se ha definido como una “biografía no autorizada” de la actriz Natalie Portman, al encontrar diversos paralelismos entre la protagonista y la vida de la intérprete de Hollywood.

La que es una de las escritoras más respetadas y premiadas de la literatura inglesa contemporánea publica ‘Life of M’ este 25 de agosto, un libro que ha sido reseñado como “una forma calculada de humillación” por parte del Sunday Times o “un asesinato literario” por parte de The Telegraph.

¿Un retrato despiadado de Natalie Portman?

Si por algo es conocida la escritora Rachel Cusk es porque ya sabe lo que es lidiar con la polémica por usar su vida real para material literario, y esta ocasión sería una vez más en la que vuelve a suceder. En este caso, el libro ‘Life of M’ trata sobre una autora que se reúne con una actriz para realizar una autobiografía en la que ella haría de escritora fantasma para contar su vida.

Esto se ha visto como un retrato despiadado de Natalie Portman por diversos paralelismos que se encuentran en la historia, al describir una actriz de Hollywood que se hizo famosa de niña, que vive en una capital europea, está vinculada con una gran marca, tiene gran interés en los libros y uno de sus papeles más famosos es el de una bailarina de ballet.

Si se tiene en cuenta que Portman se dio a conocer con tan solo 13 años en la película “León” de Luc Besson, que vive en París desde 2014, que es la imagen del perfume Miss Dior, que tiene un club de lectura en Instagram y que su papel más famoso fue el de una bailarina de ballet en “Cisne Negro”, podemos decir que la actriz descrita en el libro de Cusk se asemeja bastante a la intérprete de Hollywood.

Es por ello por lo que estos argumentos se han usado para describir que este libro sería una especie de biografía no autorizada, aunque su nombre no figura en la obra, pero donde aparece en un retrato frío y calculador, en el que se describe una persona devorada por la fama. Cabe tener en cuenta que la escritora y la actriz tenían una relación cordial como habían demostrado en varios actos que coincidieron e incluso Portman se declaró fan, tanto que dos libros han formado parte de su club de lectura. A pesar de toda la polémica generada por el lanzamiento ‘Life of M’, ni la actriz ni la escritora han realizado declaraciones al respecto, ni confirmando ni desmintiendo.

Quién es Rachel Cusk, la escritora en el centro de la polémica

La autora de ‘Life of M’ es una destacada novelista y ensayista nacida en Canadá, pero afincada en Reino Unido. Estudió Filología Inglesa en la Universidad de Oxford y publicó su primera novela en 1993, ‘La salvación de Agnes’, con la que ganó el Premio Whitbread. Desde que saliera su libro ‘Un trabajo para toda la vida’ en 2001, ha convertido la gente de su alrededor en material para su actividad literaria, con lo que está habituada a generar polémica.

En ‘Un trabajo para toda la vida’ relató su propia experiencia como madre primeriza, con un relato tan descarnado que la acusaron de odiar a los niños, pero fue en ‘The Last Supper: A Summer in Italy“ cuando estuvo a punto de ser demandada después de que escribiera sobre un grupo de viajeros ingleses que vieron como su privacidad era vulnerada. En 2012, tres años después, contó el hundimiento de su segundo matrimonio en ‘Despojos’, que fue visto como una ”narcicista sin igual“.

M. es una célebre actriz de cine. Estrella desde la infancia, ahora rostro de una importante marca de moda, ha sido famosa toda su vida. Que su carrera se parezca mucho a la de Natalie Portman ha sido aprovechado con regocijo por la prensa, algo que Rachel Cusk seguramente anticipó: en la novela, las escenas de sexo de la primera película de M se cortan por insistencia de su madre, como sucedió con el debut de Portman en 1994, El profesional (Léon), mientras que su película de bailarina es fácilmente reconocible como Cisne negro. M es también, en palabras del narrador sin nombre ni género de La vida de M, “un buen deportista”. Cuando el narrador sugiere escribir la autobiografía de M, a ella le gusta la idea. “¿Te la inventarías?”, pregunta.

La autobiografía de una celebridad rara vez es obra de la propia celebridad. Sin embargo, cualquier insinuación de que el narrador actúe como una especie de escritor fantasma para M se descarta en pocas páginas. Ambos se encuentran para tomar un café en un hotel de lujo y, después de que la pareja del narrador enferma repentina y gravemente, para almorzar en un restaurante. El almuerzo resulta insatisfactorio, un intento de intimidad que el narrador reconoce posteriormente como un error. Aunque M está decidida a vivir una vida lo más normal posible (“su tarea personal es volverse real, o mejor dicho, adquirir cierta realidad”), el narrador es incómodamente consciente de su propia falsedad con M: “Era como si yo estuviera actuando, mientras que M parecía auténtica y real. Era como si ella fuera la única lo suficientemente buena actuando como para alcanzar la realidad”. Después de eso, los dos no se vuelven a ver “durante mucho tiempo”.

Y, sin embargo, surge un libro sobre M, o al menos parcialmente sobre ella. Episodios de la vida de M se intercalan con observaciones de las propias experiencias del narrador. Las secciones dedicadas a M son precisas y específicas: una clase de actuación impartida por un renombrado director de teatro, un encuentro difícil con un ex controlador, unas vacaciones en una villa impecablemente decorada en Grecia. La impresión es la de fragmentos de una película, un efecto acentuado por las meticulosas descripciones de los lugares que preceden a cada escena, como las acotaciones de un guion, detallando desde el mobiliario y la distribución hasta la textura específica del suelo de madera artificial en una suite de hotel de cinco estrellas. En un mundo donde todos actúan, parece decir Cusk, la apariencia de las cosas es la única certeza que tenemos.

En esta era de saturación de redes sociales, la intersección entre apariencia y autenticidad ha sido analizada exhaustivamente. Las reflexiones de Cusk no son sorprendentemente novedosas. Su fuerza reside en la autoridad de su prosa aguda y concisa, en la brillante precisión de sus frases. Escribe con nítida agudeza sobre la existencia sin fricciones (y por lo tanto extrañamente inerte) de la celebridad, el efecto corrosivo de la fama en las relaciones familiares, la mezcla de pureza ferviente y cinismo aplastante que delimita a una persona forjada en los campos de fuerza del poder y la simulación. En sus mejores momentos, y hay muchos aquí, las ideas de Cusk impactan como golpes o secretos incómodos susurrados al oído: es un shock darnos cuenta de que también son nuestros secretos.

La vida de M, al igual que la novela anterior de Cusk, Desfile, surgió de un artículo publicado en The New Yorker, en este caso un poderoso relato corto titulado Project. Aunque la historia se desarrolla casi por completo en los primeros capítulos, la mayor amplitud de la novela le brinda a Cusk el espacio necesario para explorar a M con mayor profundidad. Si bien en 2018 declaró que ya no creía que existiera “el concepto de personaje”, su obra, despojada de las convenciones habituales de personaje y trama, logra un mayor impacto cuando se arraiga en lo particular: una puesta de sol ardiente reflejada en la pantalla apagada de un televisor, una sala de museo meticulosamente decorada para dar la impresión de un espacio habitado, un fan “indiferente” que se acerca a M para tomarse un selfie “como si M fuera un monumento turístico”. Las escenas más cautivadoras de M, como las que se le narran a Faye en la aclamada trilogía Outline de Cusk, rebosan de detalles.

Faye era una ausencia deliberada, un vehículo para las historias de otros. El narrador de La vida de M es más bien un reflejo, su imagen de la fama de M forma parte de la ilusión tanto como la propia fama. Lo que comienza con un narrador en primera persona del singular se transforma rápidamente en un plural “nosotros”, que a veces parece representar al narrador y a su pareja, a veces un “nosotros” más público, a la vez contrapunto y voraz motor de la fama. Quizás Cusk pretende cooptar al lector, hacernos cómplices. Quizás busca desestabilizarnos. Lo cierto es que la prosa en estas secciones posee un absolutismo epigramático que, si bien ocasionalmente es brillante (“Ya no vemos, como cuando éramos jóvenes, la noche como un reino misterioso en el que podríamos encontrar nuestro destino”), resulta con frecuencia desconcertantemente específico.

¿Cómo es que “nosotros” visitamos el apartamento de una vidente con “el pelo despeinado” o recordamos que “nuestra relación más larga fue con alguien que ahora nos asusta”? No siempre queda claro qué aportan estas partes al conjunto. Los chistes, un placer innegablemente oscuro en la obra de Cusk, escasean desafortunadamente. La vida de M, impulsada por una inteligencia formidable y escrita con una habilidad técnica excepcional, en sus mejores momentos deja al lector atónito, pero la impresión que deja es de distanciamiento, incluso de desdén. Es un libro digno de admiración, pero no de amor.

El Ayuntamiento de Campo de Criptana ha presentado el Gigante de Sara Montiel, una figura que se incorpora al patrimonio festivo y cultural del municipio y que rinde homenaje a la artista criptanense más universal.

El proyecto, impulsado por la Comisión de Fiestas y financiado por la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, ha sido desarrollado por la Asociación Cultural El Burleta, responsable de su diseño, elaboración y vestuario.

La imagen de la actriz y cantante, que falleció en 2013, se incorpora así al grupo de 'Gigantes y Cabezudos' de esta población de Ciudad Real en la que nació.

La concejala de Festejos, Berna Manzaneque, ha defendido que este Gigante es un “homenaje a la vecina más universal de la localidad, a la mujer que puso a Campo de Criptana en lo más alto”.

El edil ha agradecido la financiación de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, así como el trabajo de la Asociación Cultural El Burleta, que lo ha hecho posible: desde los primeros bocetos hasta el espectacular vestuario que culmina el proyecto.

Un homenaje “con respeto” a la figura de Sara Montiel

Tras desear que “Sara siga paseando” por las calles del municipio y acompañando en las fiestas“, ha expresado su deseo de que ”este gigante sea el primero de muchos, porque Criptana tiene historia, tiene arte y tiene gigantes“.

El presidente de la Asociación Cultural El Burleta, Manolo Pintado, ha explicado que afrontaron el proyecto “con respeto”, ya que “no es lo mismo hacer una figura para una carroza que una que debe parecerse a la persona”.

Tras asegurar que ha sido “un proceso largo”, especialmente en este caso, por el trabajo del vestuario, ha añadido que han intentado ceñirse “al máximo al personaje”, trabajando “con la mayor ilusión” y recordando que son “simples aficionados, no profesionales”, lo que implica “mirar, revisar y rehacer cuando es necesario”.

La actriz británica Phyllida Law, madre de la también intérprete Emma Thompson , ha muerto a los 94 años. Su representante, Jacky Leggo, confirmó “con gran tristeza” la noticia a la cadena pública BBC News mediante un comunicado en el que dijo que la intérprete murió “con absoluta paz en su hogar, rodeada de toda su familia” tras una larga y prolifera carrera.

Law, que se mantuvo durante ocho décadas actuando en el teatro, la televisión y el cine británico, se hizo popular en los años 60 gracias a la televisión y su participación en programas como Dr Finlay’s Casebook, Dixon of Dock Green o The Troubleshooters, aunque su rostro se hizo más conocido para el gran público gracias a sus apariciones en filmes como Los amigos de Peter, Mucho ruido y pocas nueces, ambas junto a su hija Emma Thompson. Con ella también aparecería en El invitado de invierno, donde dieron vida a madre e hija, como en la realidad.

Nacida en Glasgow en 1932, la actriz escocesa se formó en la Bristol Old Vic Theatre School, donde orientó su carrera hacia la escenografía y la actuación. En 1957 se casó con el actor británico Eric Thompson, presentador de un programa infantil de los años 60 y reputado actor de doblaje para series animadas, con quien estuvo casada hasta que él falleció de un infarto a los 53 años.

A lo largo de su larga trayectoria profesional, Law combinó la aparición en programas de la televisión británica como Midsomer Murders o Doc Martin y una prolífica carrera en el mundo del teatro en el West End londinense donde trabajó junto a Alec Guinness en A Voyage Round My Father (1971) de John Mortimer. También se la vería en películas como Anna Karenina (1997), Saving Grace (2000) y Miss Potter (2006). En 2014 fue condecorada con la Orden del Imperio Británico por su carrera en las artes escénicas y diversas causas benéficas.

El legado artístico de Law, de casi ocho décadas, estuvo profundamente ligado a la carrera de sus hijas, Emma y Sophie Thompson, con quienes compartió pantalla en títulos como Los amigos de Peter (1992), Mucho ruido y pocas nueces (1993), la adaptación de Emma (1996) o El invitado de invierno (1997).

“En cierto modo, ambas son mis compañeras; no siguieron nuestros pasos, sino que nos superaron, arrollándonos”, bromeaba en 2017 en The Telegraph sobre la exitosa saga familiar de actrices que hoy continúa con su nieta Gaia, quien la despidió en redes con un “descansa en paz, mi reina”. Enamorada de su profesión hasta el final, la veterana actriz hizo un último guiño humorístico sobre su propia despedida en una entrevista en The Telegraph: “Tengo que celebrar mi funeral por la tarde, con la función a las 14:30, para que la gente pueda ir al teatro después”.