El estreno de ‘Elle’, su serie precuela, coincide con un redondo aniversario, el de los 25 años desde que ‘Una rubia muy legal’ (Legally Blonde) llegara a los cines de todo el mundo y se convirtiera en uno de los éxitos inesperados de 2001, con un presupuesto inicial de 18 millones de dólares que se superó en cinco veces, con una recaudación que alcanzó los 95 millones.

Además de todo esto, la película supuso el estrellato definitivo de su actriz protagonista, Reese Witherspoon, que se convirtió en una de las interpretes mejor pagadas de Hollywood y que seguiría una carrera de éxito que la llevaría a ganar el premio Oscar en 2006. Más de dos décadas después, el filme sigue vigente y mantiene una segunda juventud que ahora revive con su precuela en Prime Video.

Reese Witherspoon no fue la primera opción para protagonizarla

‘Una rubia muy legal’ llegó a los cines en 2001, un año prolífico para el cine y también para el género de la comedia romántica, que semanas antes había tenido el estreno de otro clásico como ‘El diario de Bridget Jones’. Lo que pocos saben es que la historia de Elle Woods y su ascenso desde la universidad a graduarse en derecho, aunque todos la tomen como “la chica rubia tonta” está basada en una novela de Amanda Brown.

Sin embargo, entre el libro y la película hay un gran cambio, el de que la protagonista no se matrícula en la Universidad de Stanford. Pero esta diferencia se debe al hecho de que desde la universidad se negaron a que se grabara en ella o apareciera en la historia, al igual que sucedió con el plan B, la universidad de Chicago, así que finalmente fue otra entidad prestigiosa, la de Harvard, en la que Woods se graduaría.

La primera opción tampoco se cumplió en cuanto a la actriz protagonista se refiere. Si bien finalmente fue todo un éxito Reese Witherspoon como Elle Woods, la interprete no fue de las primeras que se consideraron, sino que vino después de una lista de tanteos que incluyó a nombres como Charlize Theron, Gwyneth Paltrow, Alicia Silverstone, Katherine Heigl, Christina Applegate, Jennifer Love Hewitt o Tori Spelling. Fue Witherspoon quien triunfó en el papel de la joven y que la aupó definitivamente en su carrera, pero además de todo ello, la actriz estipuló en su contrato quedarse con todo el vestuario y zapatos que vistiera su personaje en la película, del que, además, se hizo una Barbie inspirada debido a lo icónica que se volvió.

Para la preparación del papel, la actriz pasó dos semanas con una hermandad de universitarias, además de que se fijó en las clientas que entraban en la lujosa tienda Neiman Marcus para tomar referencias para Woods, que acudía a casi todos lados con su perrito chihuahua Bruiser, que en la vida real se llamaba Moonie y que falleció en 2016 con 18 años, una noticia que, además, se conoció gracias a la propia Witherspoon.

‘Una rubia muy legal’ no se quedó en cambios solo en lo que respecta a la universidad y la protagonista, sino también en su final. Y es que en un principio la película terminaba en el juicio, pero en los ‘test screenings’ que se hicieron el público pidió conocer más de Elle Woods y se grabaron nuevas escenas con ella y su interés amoroso al que daba vida Luke Wilson. Esto supuso trabajo de peluquería y ambos llevaron peluca, pues ella se había cortado el pelo para el rodaje de ‘La importancia de llamarse Ernesto’ y él se había rapado para ‘Los Tenenbaums’.

La película que despegó al estrellato a Reese Witherspoon

Tras el éxito de ‘Una rubia muy legal, Reese Witherspoon se consolidó como estrella en Hollywood y despegó una trayectoria que la hizo ser una de las actrices mejor pagadas, además de que la llevaría a lograr el premio Oscar por ‘En la cuerda floja’ en 2006. En los últimos años se ha convertido en un rostro habitual en televisión y plataformas, en parte por su trabajo en la productora ‘Hello Sunshine’ con la que ha acumulado un patrimonio de más de 400 millones de dólares.

Esto se debe a que Witherspoon se ha encargado de comprar derechos de novelas exitosas para adaptarlas al cine y televisión, en parte gracias a su famoso club de lectura ‘Reese’s Book Club’ fundado en 2017 y de cuya colaboración han salido éxitos que ha protagonizado como ‘The Morning Show’, ‘Big Little Lies’ o ‘Little Fires Everywhere’, así como otros títulos como ‘Todos quieren a Daisy Jones’.

Almagro andaba inquieto y eléctrico ante uno de los estrenos más esperados desde hace años. La directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Laila Ripoll, dirigía un espectáculo por primera vez desde que fue nombrada hace dos años. Ripoll se la jugaba y lo hacía con todo un reto: El Caballero de Olmedo, una de las obras más conocidas y difíciles de Lope de Vega.

Se abrió la noche en la Plaza de Almagro con un espectáculo producido por el propio festival. La propuesta giró en torno a la baraja de cartas pintada a mano que se encontró en 1950 en una posada de la Plaza de Almagro. Una baraja que dio la pista de que bajo la posada estaba enterrado el que es hoy el centro neurálgico del festival y del teatro áureo, el Corral de Comedias.

Malabares, telas aéreas, acrobacias y contorsiones abrieron esta edición en una invitación al juego que el público supo agradecer y siguió pese a que en esos momentos jugaba España su partido en el Mundial de fútbol. Una 49 edición en que la imagen del festival, creada por Judit Canela, recrea de manera colorida y contemporánea aquella baraja que acabó siendo brújula.

Ya con la noche cerrada todos los ojos se centraron en el Hospital de San Juan, sede al aire libre de la Compañía Nacional en Almagro. Un inmenso telón rojo de tul se dejaba cimbrear por el viento. No quiere ser poética esta frase, sino señalar uno de los vectores principales de esta propuesta, en las que esas inmensas gasas juegan un papel fundamental.

Ripoll presentaba con esa imagen sintética su visión de esta obra escrita en 1620, en la que Lope de Vega se inspiró en una tragedia real que se había convertido en mito popular. Alonso, caballero de Olmedo, visitando la cercana Medina conoce a una mujer, Inés, de la que se enamora. Rodrigo, vecino de Medina y pretendiente de Inés, despechado y humillado por la brillante figura del de Olmedo, acaba matándolo.

Lope une en esta obra la trama amorosa, con cierto grado de enredo y comedia, con la tragedia de este joven agraciado que, aun viéndose correspondido en amores, tiene un final funesto. Una tragicomedia donde se unen muerte y amor, destino y fatalidad, de un modo que se adelanta dos siglos al sentir romántico.

Esa misma ha sido la propuesta de Laila Ripoll: llevar el drama al espíritu romántico del XIX. El espectáculo tiene una estética subyugante. Ese tul rojo será remplazado por otros más vaporosos y negros, que son como la niebla de otro mundo y transportan al espectáculo hacia lo fantástico. El escenario geométrico del artista plástico Arturo Martín Burgos y el vestuario de Almudena R. Huertas acaban de dar ese imaginario que tanto recuerda a la película de Gonzalo Suárez Remando al viento.

La estética del espectáculo, además, se apoya en el trabajo de vídeo de Álvaro Luna, que va enfatizando cómo la obra pasa del juego a la pesadilla, de la vida amorosa al canto fúnebre. Una pintura de un paisaje se proyecta en la escenografía metálica, un horizonte romántico que recuerda a aquel cuadro de Caspar David Friedrich, El caminante sobre el mar de nubes. Ripoll marca mucho la estética para conseguir convertir a ese Cabellero de Olmedo en un Lord Byron castellano.

La obra comienza ligera con su trama amorosa y sus versos limpios a ritmo de juego juvenil y vivo, pero la directora aprovecha cualquier ocasión para anunciar, presagiar, lo que se viene. Ya en el primer encuentro entre Alonso y Fabia (la alcahueta que interpreta una estupenda Arantxa Aranguren), la directora deja caer las primeras gotas góticas acercando todo lo que puede a Fabia hacia la brujería y lo fantástico. Esa Fabia ya no solo bebe de la Celestina de Fernando de Rojas, sino también de los cuentos de terror de E.T.A. Hoffmann.

Del romanticismo al terror

La polimetría de la obra —los narrativos romances, las sentidas décimas y las amorosas redondillas— son acometidos con más que solvencia por todo el elenco. El verso se dice claro, musical y con intención semántica. Se nota la mano de Eva Rufo y el saber de la propia directora. Se nota también la maestría de actores como David Lorente, que se divierte como nadie con los versos de Tello, el criado de Alonso.

Pero Ripoll lleva su apuesta más allá en la segunda parte y quiere pasar del romanticismo al terror, entrar en territorio gótico. La obra lo acepta, y el tercer acto tiene apariciones, fantasmas y es de claro sentir negro. Pero la alquimia teatral es caprichosa y el espectáculo no acaba de eclosionar.

La Compañía Nacional no había producido esta obra desde 1990, cuando Miguel Narros la dirigió. Es curioso que el primer director de la Compañía, Adolfo Marsillach, no decidiera montarla. No es una obra fácil y la dificultad no la dan los versos, que también, sino ese tránsito de la comedia hacia una tragedia de naturaleza moderna. El Caballero de Olmedo es la tragedia de un joven Werther castellano donde el ideal de lo bello se enfrenta a la muerte. Hoy, el recuerdo de los que la vieron el montaje de Narros es dadivoso, dicen que el Alonso que interpretó Carmelo Gómez era magnífico. Leyendo las críticas de la época, uno puede deducir que la memoria es más generosa que el juicio desde el presente.

Se podría argüir que las interpretaciones de los más jóvenes es una de las causas por las que el montaje no acaba de despegar. Pero esa razón es demasiado fácil. Tanto Víctor Saiz como Alonso, Elisabet Altube como Inés y Jorge Varandela como Rodrigo están a la altura. Aunque también es cierto que esta obra gravita sobre Alonso, sobre ese caballero que debe encandilar a los enamoradizos, subyugar a los aprendices de Rilke y hacer suspirar a los mayores.

Es lo que tienen los estrenos, son complicados, engañosos, hay que dejarlos respirar. No está dicho todo en este montaje que tras Almagro llegará a la sede madrileña de la Compañía, el Teatro de la Comedia; y que, si bien en su estreno no voló en emoción trágica, desplegó maneras, sabiduría escénica y potencia estética.

Laila Ripoll es quizá una de las personas del teatro que mejor conoce la obra de Lope de Vega. Su compañía, Micomicón, nació del brazo de este autor. Primero serían Los melindres de Belisa en 1992, luego llegarían El acero de Madrid, Mudarra… Ripoll nació con Lope, siempre anduvo con él y con él posiblemente acabe su carrera. Y este Caballero trastocado, lanzado a esa Inglaterra del XIX de los Shelley y Byron, es una enigmática rareza a paladear.

Pamela Anderson ha vuelto a la escena principal de Hollywood en los últimos años con proyectos que ha revitalizado con películas como ‘The Last Showgirl’ o ‘Agárralo como puedas’, donde coincidió con Liam Nesson, al que se le unió de forma sentimental.

El estreno de la serie ‘Pam & Tommy’ en 2022 devolvió a lo público uno de los momentos más polémicos de la vida de la actriz, pero que también llegó con su propia versión en el documental ‘Pamela: una historia de amor’ emitido en Netflix.

Con las primeras imágenes y el esperado estreno del reboot de ‘Los vigilantes de la playa’, la serie que la hizo famosa, han vuelto a hacerse virales unas declaraciones que Pamela Anderson realizó sobre uno de los actores de acción más famosos de Hollywood.

“Sylvester Stallone me ofreció un piso y un Porsche”

En el documental ‘Pamela: una historia de amor’, la actriz desveló la curiosa conversación que tuvo con una de las estrellas de Hollywood y cómo le ofreció ser “una de sus chicas”. Hablaba de Sylvester Stallone y lo llamativo fue lo que le ofreció:

“Recuerdo haber hablado con Sylvester Stallone una vez. Me ofreció un piso y un Porsche a cambio de ser su chica número 1. Y me quedé en plan: ‘¿Significa eso que hay una número 2?’ y el me respondió: ‘Es la mejor oferta que vas a recibir, cariño. Ya estás en Hollywood”.

Pero Pamela Anderson tenía claro que no es lo que buscaba en ese entonces y rechazó la propuesta del protagonista de ‘Rocky’: “Quería enamorarme de verdad. No deseaba nada menos que eso”. A pesar de esto, al salir, un representante del actor negó que esta conversación se hubiera producido: “Las declaraciones atribuidas a mi cliente son falsas e inventadas. El señor Stallone confirma que nunca realizó esas declaraciones”.

Sin embargo, Anderson ha mantenido siempre su versión, y llegó a enfatizar en ‘Watch What Happens Live’: “Bueno, ¿cómo me lo podría haber inventado? Ha sido algo muy específico”, aseguraba al haber estado en ese momento ella sola con el actor, sin testigos.

La nueva Pamela Anderson en el remake de ‘Los vigilantes de la playa’

Las palabras de la actriz han vuelto a ser tendencia cuando es noticia de forma indirecta porque se ha conocido quién será la actriz que forme parte del ‘reboot’ de la serie que la hizo famosa ‘Los vigilantes de la playa’, que se espera se estrene en enero de 2027 en la cadena Fox.

Lo que se sabe es que será una serie de 12 capítulos que combinará acción, y tendrá tanto nuevas caras como algunas que regresan de la famosa ficción televisiva que entretuvo a muchos frente a la pequeña pantalla, sobre todo en verano y que llega con el lema “Same beach, new blood” (misma playa, nueva sangre).

En ella, a Jessica Belkin se la conoce ya como la ‘nueva Pamela Anderson’, aunque dará vida a un personaje diferente, a Charlie Vale, hija biológica que no conoce el protagonista Stephen Amell, que a su vez es hijo de Mitch Buchannon, el legendario jefe de socorristas al que interpretó David Hasselhoff. Del elenco original queda David Chokachi, que era el ‘rompecorazones’ Cody Madison, y que ahora hará del veterano propietario del chiringuito oficial. Belkin forma parte también del elenco de otro ‘reboot’, el de la serie ‘Elle’, que es precuela de “Una rubia muy legal”.

En el momento en el que Hollywood abraza el efecto nostalgia, en parte por el éxito que conlleva, con nuevas entregas de sagas como ‘Toy Story', el próximo título al unirse a este fenómeno es una comedia romántica que celebra los 25 años desde su estreno en cines en Estados Unidos.

Hablamos de ‘Una rubia muy legal’, que debutó en 2001 y que se convirtió en todo un éxito de taquilla con 95 millones de recaudación con 18 de presupuesto y que llevó a su protagonista, Reese Witherspoon, a ser una de las actrices mejores pagadas de Hollywood. Ahora estrena su serie precuela en Amazon Prime.

Se estrena este 1 de julio y lleva por título ‘Elle’, en la que Elle Wood será interpretada por Lexi Minetree, tomando el relevo de Witherspoon, que participa como productora con su empresa, para dar a conocer los orígenes de la abogada antes de su paso por Harvard.

El estreno de la precuela en formato serie ha hecho que el elenco original de la comedia se haya reunido 25 años después y esto ha dado lugar a una interesante y divertida anécdota de uno de sus personajes más queridos, al que dio vida Jennifer Coolidge.

Jennifer Coolidge: “Tontamente pensé que hacía la audición para Elle”

Actualmente Jennifer Coolidge es una de las actrices de comedia más queridas de Hollywood, reinventándose, y venía de saborear el éxito en la saga ‘American Pie’ cuando recayó en el proyecto de ‘Una rubia muy legal’, y ha desvelado una divertida anécdota en la reunión con el reparto en el evento ‘Elle World’.

“No, pero sí quiero decir esto, porque me pareció divertidísimo. Tuve muchísima suerte de ser elegida para esta película, y es uno de mis trabajos favoritos de todos los tiempos, pero tontamente pensé que, durante la audición, iba a ser Elle”, bromeó la actriz, que, finalmente, dio lugar a un personaje muy querido.

Coolidge da vida en ‘Una rubia muy legal’ a Paulette Bonafonté, manicurista y gran amiga de la protagonista Elle Woods, siendo uno de los personajes más icónicos de la comedia junto a la principal, y demostró su carisma, que ha acabado de conquistar Hollywood con el paso de los años.

En el evento por el estreno de ‘Elle’, se reunió Coolidge con Reese Witherspoon, pero también con Ali Larter, Selma Blair, Victor Garber y Matthew Davis, así como también se unió la cantante Vanessa Carlton y el músico Hoku, que interpretaron ‘Perfect Day’ y ‘A Thousand Miles’ que formaron parte de la banda sonora.

La trayectoria de Jennifer Coolidge: de ‘American Pie’ a ‘The White Lotus’

En ‘Una rubia muy legal’ dio vida a uno de los personajes más queridos, y llegaba ya con el éxito de ‘American Pie’, donde interpretó a la madre de Stifler. Más tarde también participó en comedias como ‘Una cenicienta muy moderna’ y ‘Dos chicas sin blanca’.

Sin embargo, pasó por un período complicado, en el que aseguró incluso haberse rendido como actriz y pasar por una depresión, pero entonces le llegó lo inesperado: el reconocimiento de la crítica por el papel de Tanya McQuoid en ‘The White Lotus’, lo que la ha consagrado con varios Emmy y Globos de Oro.

La actriz Daveigh Chase ha muerto a los 35 años en un hospital de Los Ángeles tras ser ingresada por una meningitis y sufrir una sepsis que produjo su fallecimiento. La noticia la confirmó su representante, John Ryan Jr a los medios de EEUU. Ryan explicó a la BBC que Chase fue ingresada en el hospital por desnutrición antes de su muerte.

“Era genial. Le encantaban los gatos. Colaboraba con nosotros en el rescate de gatos. Era muy reservada”, contó al medio el que fuera su amigo y representante durante 15 años, que añadió que Chase había preferido rechazar películas de grandes estudios para trabajar en proyectos independientes.

Chase saltó a la fama en 2002 por interpretar a la hermana de Donnie Darko en el título de culto, y retomó el personaje en 2009, en una secuela que pocos vieron. Sin embargo, su papel más emblemático y recordado es el de Samara, la niña que salía del televisor en el remake que Hollywood hizo de The ring (2002) y que dirigió Gore Verbinski. Aquel espíritu que amenazaba a los protagonistas fue su papel con más repercusión.

Chase también triunfó como actriz de doblaje. Ella fue quien puso voz a Lilo en el filme animado de Lilo & Stich en 2002, así como en sus secuelas directas para televisión y los productos surgidos a posteriori, como videojuegos y series. También fue Chihiro en la versión inglesa de la película de Hayao Miyazaki El viaje de Chihiro.

En televisión se la pudo ver en éxitos como la serie Big Love, ya que participó en 32 episodios. Antes había hecho apariciones esporádicas en shows populares como CSI, Sin rastro o Caso abierto. Tras abandonar Big Love, sus papeles se redujeron y limitaron a pequeñas interpretaciones. De hecho, desde 2016 no aparecía en ninguna serie o película.

El Goya que ganó en 2003 por Rencor vigila desde una estantería de la casa de Lolita Flores. De alguna forma hay un hilo que une aquel personaje con el que la trae de nuevo al cine 23 años después. Entre medias unos cuantos papeles, pero ninguno que nos hubiera devuelto a esa actriz pasional, de puro instinto y fuerza torrencial. Hasta ahora. El encargado ha sido David Ilundain, que vio en ella todo lo que necesitaba para dar vida a Chusa, la matriarca de Son Canal, un poblado que es el epicentro del narcotráfico de la isla donde ella maneja el negocio en Mallorca Confidencial.

Pero su Chusa es mucho más. Es una mujer que se deja la piel por los suyos, que intenta, a su manera, dar una vida mejor a su familia y amigos, y que hasta se enfrenta a la especulación inmobiliaria que quiere echar al poblado gitano de unos terrenos que empiezan a valer mucho dinero en una época donde el ladrillo empezaba a ser un bien demasiado preciado.

Lolita habla sin tapujos. Deja claro que no ha hecho más cine porque no le han ofrecido nada que le gustara, y toca madera porque este papel le traiga las mismas alegrías que el de la película que hizo junto a Miguel Albadalejo. Abre las puertas de su casa a elDiario.es para hablar del filme, que ya se puede ver en salas de cine, pero también de su carrera, de prejuicios, vivienda o su familia.

Mallorca Confidencial está basada en un personaje real, una matriarca de la droga…

Es un personaje que puede estar en cualquier poblado de cualquier parte del mundo, no solamente de España. Sí, hay mujeres que por situaciones en la vida, que se quedan viudas o que no tienen otros recursos, tienen que sacar su familia adelante y bueno, tienen que hacer ese oficio que es vender muerte, como yo digo siempre. Pero que sea realmente la vida de alguien en particular… no lo creo. Puede que el guion se haya basado en hechos reales, pero no es precisamente la vida de esa persona.

Es un personaje que es muchas más cosas que una traficante. Es un retrato más poliédrico.

Sí. Lógicamente, la quieren echar de su tierra, de su poblado. Eso ya lo hicieron los americanos con los indios hace muchos años. Aquí quieren coger terreno para edificar o para hacer centros comerciales. Igual que nos quitan teatros para hacer oficinas o para hacer otro tipo de cosas. La gente especula un poco con el terreno y en ese caso quieren quitar ese poblado, quieren que los gitanos se vayan de sus casas para poder edificar y lucrarse de alguna manera. Entonces ella lucha por su familia, lucha por su gente y lucha por ella misma también.

Ese tema de la vivienda trae la película al presente, a ese problema de la especulación. Como si dijera que de aquellos polvos estos lodos. 

Claro. Date cuenta de que todo es una rueda. Empezó en aquella época, pero ahora los fondos buitres existen y hay mucha gente que no puede pagar un alquiler, que no puede pagarse un piso. Y es todo por eso, porque han subido muchísimos alquileres y porque se especula muchísimo. La gente tiene derecho a una vivienda digna.

¿Qué pensó cuando leyó el guion?, ¿le dio miedo que se perpetuaran estereotipos hacia los gitanos?

Yo creo que eso es la mente de cada persona. Los gitanos ya hoy en día estudian, saben idiomas, saben de leyes, son políticos, son arquitectos. Mi raza ya no está excluida, está incluida en la sociedad. En la viña del Señor, hay de todo, pero no solamente son los gitanos los que venden droga. Hay mucha gente que no es gitana, que se dedica a vender drogas, a vender muerte.

La película comienza con un personaje contando ‘chistes de gitanos’ que muestran esos prejuicios, ¿han cambiado?

Eso tendrías que preguntárselo a la gente. Yo creo que todo se basa en la educación. Lo he dicho siempre. Depende de que tú críes a tus hijos con la mente abierta, con la libertad de ver gitanos, árabes, chinos, rusos y de cualquier etnia o cualquier raza, y que los trates como a un igual porque son iguales que tú. Con un color diferente a lo mejor, pero son seres humanos igual que tú y que yo. Depende mucho de la educación.

Habla mallorquín en la película, ¿ha sido el mayor reto?

Para mí no ha habido ningún reto, es decir, para mí simplemente ha sido hacer un papel dignamente, con todo el respeto del mundo, porque soy de raza gitana. Yo soy una gitana privilegiada, me he criado en otro ambiente, me han dado una educación y no he tenido que dedicarme a otra cosa nada más que cantar y bailar. Y ahora soy actriz. Pero mis padres no venían ninguno de la pata del Cid. Es decir, han tenido que luchar mucho para darnos a sus hijos una educación. Yo soy una gitana que he tenido en el colegio algún racismo que otro cuando era más pequeña, pero hoy en día yo creo que ya está la cosa muy, muy tranquila.

Me parece curioso lo que ha mencionado, que incluso siendo privilegiada, incluso siendo hija de quien era, de pequeña sí que ha sufrido racismo.

Claro, era otra época también en el colegio. De hecho, hace poco se vio en la televisión que había padres que no querían llevar a sus niños al colegio porque no sé si eran marroquíes los que estaban o eran gitanos. Es decir, que todavía existe, desgraciadamente. Sigue habiendo esa rueda. Y te vuelvo a decir, creo que es educación, ignorancia. La falta de la ignorancia te puede llegar a muchas cosas, al miedo, a la incertidumbre, al no conocer a la persona que tienes al lado, simplemente porque tengo un apellido diferente al tuyo o porque tenga un color distinto o incluso una religión diferente.

No se ha prodigado mucho en el cine, ¿ha habido muchos noes o no ha habido tanta oferta como se pudiera pensar?

El problema es que no me han llamado. No ha habido ofertas, porque si hubiera habido muchas ofertas hubiera hecho mucho cine. Lógicamente, ha habido alguna, pero no me ha cuadrado o por fechas o porque el guion no lo veía para mí. Pero realmente no he tenido tantas ofertas de cine. 

No fue su primer papel estrictamente, pero sí que de alguna forma entra con ese personaje de Rencor que es arrollador.

Sí, es un poco arrollador como esta Chusa. Las dos empiezan con 'Ch'. Chelo Zamora, que era la de Rencor y esta que es Chusa, en Mallorca Confidencial. A ver si me trae suerte.

Mis padres no venían ninguno de la pata del Cid. Es decir, han tenido que luchar mucho para darnos a sus hijos una educación

Lolita Flores — Actriz y cantante

Ese papel le dio un Goya. ¿Cómo recuerda ese momento que además fue en una gala histórica?

Sí, la del ‘No a la guerra’, cuando estábamos todavía con el PP de Aznar y fue el 'No a la guerra'. Lo recuerdo con mucha emoción. Me lo dio Javier Bardem y fue algo maravilloso. Está ahí, mi Goya —señala con la mirada la estantería donde se encuentra— y bueno, no me importaría tener otro.

Este año la hemos visto también de alguna forma en el documental de Flores para Antonio. Cuando entrevistamos a Alba Flores le preguntamos si el arte está en los genes, porque toda la familia ha acabado dedicándose a ello.

Bueno, venimos de una familia de arte. Mi padre, mi madre, mi tía… todos somos artistas. Yo creo que el arte viene en los genes, lo que pasa que luego también tienes que estudiar y tienes que perfeccionarlo. No vale con decir, “venga, ya está, ya sé cantar y bailar o sé hacer cine o teatro”. Tienes que estudiar y hacerlo bien. Entonces no todo el mundo que viene de una familia con arte en las venas son artistas.

¿Cómo ha vivido la llegada del documental? Siento que es pudorosa, que no le gusta en exceso hablar de su vida privada.

Bueno, eso lo ha hecho Alba. Yo creo que la familia Flores no somos tan herméticos. Al contrario, yo creo que desde mi madre, que ha expuesto a sus hijos, su familia, sus hermanos… Hemos sido gente muy mediática y gente muy popular. Lo que ha hecho Alba no es extraño. Una cosa es tu vida personal, privada, tus amores, tu vida, que eso sería un reality y yo realities no he hecho ni creo que los vaya a hacer. Pero hacer un documental como el que ha hecho ella… Creo que era necesario, sobre todo para mi sobrina, y si es necesario para mi sobrina, vamos todos de cabeza.

¿No han sentido que era reabrir la herida de alguna forma?

Era un documental de sanación y para ella ha servido para eso.

¿Pesa mucho el apellido Flores?

Yo creo que le pesará más a la gente. A mí no me pesa nada en absoluto. Yo estoy muy orgullosa de llamarme González Flores, aunque artísticamente soy Flores porque es más corto y porque los Flores somos los Flores, aunque el González también lo tenemos muy arraigado en nuestras venas y orgullosísima de mi padre.

En cine no ha tenido tantos papeles, pero en teatro sí, ¿siente que allí le han ofrecido papeles más diversos?

No he parado de hacer teatro. Empecé con Ana en el Trópico en 2005 y estamos en 2026. Llevo 21 años. De ahí pasé a La Plaza del Diamante. Hice un Don Juan Tenorio en Alcalá de Henares en verso, hice Asamblea de mujeres, Fedra, Poncia, Prefiero que seamos amigos, Llévame hasta el cielo… En fin, he hecho ya unas cuantas, sí. Y además temporadas largas.

¿Y qué le ha ofrecido el teatro, aparte de una continuidad como actriz?

El directo. Ahí sí que no hay planos. Ahí si te equivocas, amigo mío, te has equivocado y tienes que tirar para delante. Eso es esencial. Yo creo que para cualquier actor eso significa medirse con uno mismo, pisar una tabla y tener a la gente enfrente en directo. 

Decía hace poco Aitana Sánchez Gijón dice ahora que se habla tanto de inteligencia artificial el cine a lo mejor aguanta, pero el teatro aguanta seguro.

Yo espero que el cine también aguante. La inteligencia artificial está bien para preguntarle cosas, pero yo creo que el ser humano encima de unas tablas, haciendo teatro, haciendo cine, haciendo televisión… La energía que te da un ser humano no te lo va a dar nunca una inteligencia artificial, por muy bien hecha que esté. Así que yo espero que no nos cambien por inteligencia artificial. La inteligencia está muy bien para aprender, pero nunca para sustituir.

Me imagino que el teatro también es físicamente muy exigente. 

Sí, es cansado, pero igual que el cine. El cine, aunque haces diferentes cosas todos los días porque las escenas cambian, te tienes que levantar también muchas veces a las tres de la mañana y estar a lo mejor hasta las seis de la tarde. Es decir, que es cansado. Pero si es tu profesión y es lo que te gusta, pues lo haces con muchas ganas.

Después de esas giras tan intensas, ¿no se plantea un parón?

Hombre, sí. Tendré un mes de vacaciones como todo el mundo. Pero más allá de eso yo espero no tener parón. No me gusta estar parada. A mí me gusta trabajar. Me aburro mucho cuando no estoy trabajando.

Le he visto en alguna entrevista haciendo una reflexión sobre envejecer que ha sido muy celebrada. Es llamativo que haya todavía que reivindicar eso.

Yo no he reivindicado nada. Yo tengo 68 años y esta es la cara y el cuerpo que tengo con 68 años. Lo único que le pido a Dios es salud. Mis arrugas, lo digo siempre, son mis llantos y mis alegrías, mis viajes y mis teatros, mis películas, mis canciones. Me han costado. La arruga es bella porque es vivencia. Es vivir. Y yo, gracias a Dios, he vivido mucho y espero seguir viviendo mucho.

Hacia la mujer siempre ha habido mucha presión. ¿Lo ha sufrido también?

Las modas de la sociedad dicen que hay que estar más delgada de lo normal, que hay que tener unos labios más gruesos de lo normal. Que hay que tener la cara superestirada, aunque luego las manos no se pueden operar. Yo creo que todo va en concordancia con la edad y con el físico que tú tengas y como tú te encuentres. Yo creo que la edad está aquí [se señala la cabeza] y aquí, en el corazón. Yo me veo una mujer todavía joven, aunque tenga la edad que tenga. Y lo único que quiero, ya te digo, es seguir estando así para ver crecer a mis nietos y a mis hijos y tener salud y punto. Y una arruga más, una arruga menos… bueno, intentaré usar cremas y buenos masajes. Que sean más bonitas. Que no sea una señora muy mayor, muy arrugada. Pero no soy una esclava de la moda ni de las cirugías ni de nada de eso.

¿Hay menos presión ahora?

La sociedad te presiona, internet te presiona, tienes que tener unas tallas, una cara, un pelo, unas uñas, unas manos… Como las Barbies. Y yo no soy la Barbie gitana, te lo aseguro.

Ha mencionado internet. También ha cambiado mucho el periodismo, las entrevistas, ¿lee lo que se publica sobre usted?

No. Porque muchas veces sacáis… Bueno te meto a ti porque eres periodista.

Puede incluirme.

Sacáis muchas veces cosas de contexto. Cosas que se han dicho dentro de una conversación. Por ejemplo, yo ahora mismo he dicho que no soy una Barbie gitana, pero no me meto con la Barbie, que fue una muñeca que adoré y que quise tener toda mi vida. Y no la tuve porque solamente las había en Estados Unidos. No me meto con nadie que quiera hacerse estética, al contrario, las aplaudo. Yo soy miedosa. Pero muchas veces eso se saca de contexto. Entonces “Yo no soy una Barbie gitana”, sería un titular.

Hombre es que sería un titular muy bueno, Lolita, no voy a mentir…

Ya, pero dilo dentro de un contexto, ¿no?

Entonces le da más miedo enfrentarse a una entrevista ahora que antes.

A mí sí. Sí me da más miedo. Me da más miedo hablar con el corazón, porque a veces tú hablas con el corazón y luego te sacan las entrañas.

Va con el freno de mano.

Yo ya voy con el freno de mano puesto. Pero no todos, te he metido a ti porque eres periodista, pero gracias a Dios todavía se puede hablar tranquilamente con periodistas y hacer entrevistas con gente que sabe preguntar o que sabe que la contestación que te da una persona está dentro de unos límites y de un contexto. Yo sigo hablando con el corazón porque soy así. Yo soy transparente. No podría ser de otra manera.

Vídeo de la entrevista completa

“Me iré”. “Y yo me quedaré. Y estaremos bien”. El final de Normal People (2020) es probablemente uno de los más duros de la historia reciente de las series de televisión. Seis años después de su estreno en plataformas, son muchos los que siguen revisitando esta historia que Sally Rooney escribió en formato novela y que nos descubrió el talento de Paul Mescal y Daisy Edgar-Jones.

Desde entonces, sus actores protagonistas se han convertido en estrellas del mundo de la interpretación. Mescal ha protagonizado películas como Aftersun (2022), Desconocidos (2023), Gladiator II (2024) o Hamnet (2025). En 2028, lo veremos interpretando a Paul McCartney en las cuatro películas dirigidas por Sam Mendes sobre la vida de los Beatles.

A Edgar-Jones, por su parte, la hemos visto en Fresh (2022), La chica salvaje (2022) o Twisters (2024). Este año la veremos en la nueva adaptación de Sentido y sensibilidad, el clásico de Jane Austen en la que dará vida a la primogénita Elinor Dashwood. Pero no es la única adaptación cinematográfica que Daisy se trae entre manos.

Hace unos meses, Variety confirmó que la actriz protagonizará la próxima adaptación de Paramount de la exitosa novela de Gabrielle Zevin, Mañana, mañana y mañana. La película correrá a cargo de la cineasta y guionista Sian Heder, conocida por CODA (2021), largometraje que le valió un premio Oscar en la categoría de Mejor guion adaptado.

De qué va el libro

La novela de Zevin sigue a Sadie Green y Sam Masur, dos amigos de la infancia que se reencuentran en la universidad y que terminan convirtiéndose en socios y fundadores de Unfair Games, un estudio de videojuegos. El libro se desarrolla a lo largo de 30 años, tiempo en el que la relación de sus protagonistas evoluciona sin parar.  

Mañana, mañana y mañana, editado en castellano por AdN Novelas, se convirtió en un fenómeno especialmente en redes sociales, donde el movimiento literario de Booktok consiguió hacerlo viral. El libro ha vendido más de 4 millones de copias en todo el mundo, ganó el Premio Goodreads 2022, fue elegido Mejor novela del año para la revista Time, y permaneció más de un año en la lista de los libros más vendidos del New York Times.

En la película, Daisy Edgar-Jones interpretará a Sadie Green, una brillante diseñadora de videojuegos que protagoniza gran parte de la historia. Según publicó Variety, los papeles de Sam Masur y su amigo y compañero de Marx Watanabe, todavía no se han asignado. Por ahora, tampoco hay una fecha prevista para que empiece la producción.

No hay registros de la voz de Eleonora Duse. Apenas unas pocas fotografías y la única película en la que participó, Cenere (Cenizas) de Febo Mari, que rodó en 1916. Dicen que actuó por primera vez cuando tenía cuatro años. Nadie sabe si es verdad. Lo que sí recogen todos los libros históricos es que desde finales del siglo XIX y durante los primeros años del siglo XX fue la gran estrella de Italia gracias a su desgarro en los teatros de todo el país. Durante la Primera Guerra Mundial actuó para los soldados en el frente y para los heridos en las trincheras.

Era la mujer más querida de toda Italia, y el mundo se dividía entre quien pensaba que ella era la mejor actriz del mundo y los que pensaban que era Sarah Bernhardt. Para Bernhardt escribió, igual que para la Duse, Gabriele D’Annunzio, el poeta italiano que inspiró al fascismo de Mussolini. Pero para la actriz italiana fue algo más. Un amor que la hizo abrazar el nacionalismo italiano y coquetear con el fascismo, que rápidamente vio en la figura de la actriz un símbolo de la italianidad de la que apropiarse en su expansión.

El cineasta italiano Pietro Marcello se quedó fascinado por lo poco que realmente se conoce de Eleonora Duse, cuya historia muchas veces se ha visto eclipsada por su relación con D’Annunzio. El director de Martin Eden vio en los últimos años de su vida la metáfora perfecta para hablar de ese periodo de entreguerras que le recordaba al momento actual. Lo hace en Eleonora Duse, la divina, que llega hoy a los cines españoles y que retrata una etapa histórica en la que “Duse se vio confrontada con el fascismo”. Mussolini le rindió homenajes y hasta le ofreció una pensión del Estado, pero Marcello recuerda que ella “nunca recibió dinero de Mussolini porque se va a EEUU y no se queda en Italia”.

Como en Martin Eden, Marcello se sirve de material real de archivo que intercala con la ficción (donde una magnífica Valeria Bruni Tedeschi da vida a La Divina). Se ve a los camisas negras del fascismo ascendente, y hace especial hincapié en el material de un ataúd que atraviesa toda Italia en tren. Son imágenes de la procesión del cuerpo del soldado desconocido, un soldado sin identificar muerto en la Primera Guerra Mundial que se convirtió en un símbolo patriótico para Italia y cuyo monumento se puede ver en Roma. Cuando murió Eleonora Duse, un cuerpo transportó su cuerpo a través de Italia.

La elección de esas imágenes no son casuales, y Marcello deja claro que para él “el archivo es más poderoso que la ficción porque no se puede reproducir”. “El soldado desconocido representa a todos los soldados que murieron, más de 600.000. De estos, un soldado fue elegido porque las madres necesitaban llorar a sus hijos, y este soldado fue el elegido porque su nombre y orígenes eran, realmente, desconocidos. Representó una crítica al alto mando, el martirio de estos jóvenes. Fue una figura antibelicista. Pero luego el fascismo se apropió del Soldado Desconocido para crear un héroe nacional, porque en Italia no teníamos un héroe nacional. Este símbolo de paz se convirtió de repente en un símbolo de guerra que se usó para librar guerras coloniales”, explica el cineasta.

Sin memoria, no somos nada. Toda la memoria del mundo, la llevamos con nosotros. Y el cine lleva toda esta memoria

Pietro Marcello — Cineasta

Con ello quiere plantear que la historia la cuentan los vencedores, y nunca los vencidos, y por ello elige contar la historia de esta actriz en sus años de decadencia y no en los de esplendor, “porque nunca cuentan esta parte de los mitos de la historia”. “En cierto sentido, Eleonora Duse fue una ganadora, porque sigue siendo parte de la historia. Transformó e influyó el teatro moderno, porque ella era profundamente moderna. Pero normalmente, en el cine, siempre hablamos de las victorias, de los ganadores. A mí me interesan más los perdedores de la historia, porque son los olvidados”, argumenta sobre un filme que quiere reflexionar sobre “la relación entre el poder y el arte y cómo el poder quiere apoderarse del talento y de los artistas”.

También eligió ese momento de entreguerras, “un momento histórico intermedio”, porque le recuerda “al que estamos viviendo ahora”. “Las grandes esperanzas fueron las de la posguerra. Imagino que para los españoles surgieron con la muerte de Franco y antes, en el 36, cuando soñaban con cambiar el país. Nosotros, en cambio, pertenecemos a una época intermedia, una época horrible, una época de mierda, porque en definitiva es como si nos hubieran roto las alas. Duse es una figura del siglo XIX que se encuentra en el nuevo siglo XX, que luego será un desastre total, y es lo que anuncia la película, el desastre que está por venir”, subraya.

Gracias a la figura de la actriz se reivindica la memoria, porque “nos enseña a ser mejores”. “Sin memoria, no somos nada. Toda la memoria del mundo la llevamos con nosotros. Y el cine lleva toda esta memoria. Sin embargo, ahora mismo tenemos YouTube, Instagram, redes sociales… que son productos que representan la negación de la imaginación, y cuando se te niega la imaginación es muy difícil poder imaginar el futuro, porque alguien lo está imaginando por ti. Ahí tenemos la inteligencia artificial y todo lo que está sucediendo a nuestro alrededor ahora mismo. Incluso los ancianos se están volviendo ignorantes, son conscientes de ello, pero también se están convirtiendo en sujetos de la modernidad, pero deberíamos preguntarnos: ¿qué es realmente la modernidad?”, cuestiona el director

A pesar del pesimismo, cree que el cine “es una herramienta muy poderosa”. Aun así, sin dudar lanza una pregunta de vuelta: “Pero, ¿cómo se usa el cine? En Italia hubo el neorrealismo, que fue un movimiento importante, pero que sin la guerra no podría haber existido. Así que siempre es un efecto de la historia, y nos encontramos en un momento histórico donde reina la cobardía. Lo vemos cuando ves que alguien sufre y te das la vuelta. Por ejemplo, ¿quién lleva el símbolo de Palestina? ¿A quién oyes hablar de lo que ocurre en Palestina? Sí, aquí en Italia, algo en Francia, en España… pero otros países no hablan de ello en absoluto. Quizás son los jóvenes los que están empezando a ver el mundo de otra manera. Y quizás solo los jóvenes tienen esperanza. Mi generación lo mejor que puede hacer es dedicarse a los jóvenes, a aquellos que vendrán”.

Por eso pide “convertir el cine en algo poderoso”. Hacerlo en un momento “en el que se hacen muchas películas inútiles para plataformas que no funcionan para nada, solo para una industria cultural con muchos aspectos negativos”. Para ello también debe cambiar su propia visión. “Me gusta hacer películas, pero ya no me satisface”, asevera con sinceridad. Cree que los cineastas se comportan como “bizantinos que mantienen el cadáver de un animal muerto vivo, pero sin hacer un acto revolucionario con las películas”. Pide “autocrítica” a unos artistas que “suelen ser egoístas e individualistas y solo les interesa el dinero y tener una cierta posición privilegiada”. Por eso cree que centrarse en la educación y en los jóvenes es lo mejor que pueden hacer en un “mundo hipócrita y cobarde”. 

En pleno momento del ‘efecto nostalgia’ y del fenómeno ‘Backrooms’ que evidencia el buen momento que vive el terror en el cine, regresa una de las sagas más icónicas de este género, “Scary Movie”, cuya clave de su éxito fue mezclarlo con la comedia y que vuelve trece años después de su última película con una sexta entrega que aspira a batir récords tras su primer fin de semana en las salas.

Y es que ‘Scary Movie 6’ va camino de ser el mejor estreno de toda la franquicia, con una recaudación que superaría los 56 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, según datos de Deadline. Un regreso que hace contando con su reparto original, encabezado por la actriz Anna Faris en su papel principal, más de 25 años de su debut en la saga.

La actriz se convirtió gracias a su aparición en “Scary Movie” en una de las reinas de la llamada ‘comedia gamberra’, y le abrió carrera cuando menos lo esperó: “Nunca me sentí lo suficientemente atractiva para triunfar. Sabía que el rechazo sería parte del camino. La clave era ser valiente”, confesó en el podcast ‘Happy Sad Confused’, donde también admitió que volver fue como ponerse “un viejo par de pantalones vaqueros”.

Unos comienzos que no fueron nada sencillos para Faris, que no acababa de verse mentalmente preparada y sin creerse que fuera la seleccionada por los hermanos Wayans para la película: “Estaba en el avión camino de mi primer rodaje en Hollywood, pensando: No estoy preparada para esto, me van a despedir. Se han equivocado. No tenía representante. Era una desconocida en un lugar desconocido. Y de repente leo el guion y me quedo atónita: ¿de verdad tengo que quedarme pegada al techo por el semen de mi novio? ¿Me salen murciélagos de la entrepierna? No puedo hacer esto”, declaró para la revista Fotogramas.

Le cerró puertas y la encasilló: “Fue duro que me vieran fuera de la comedia”

Si bien la saga “Scary Movie” le dio fama, al mismo tiempo también hizo que se le encasillara dentro de la comedia: “Fue algo que definió mi carrera, porque yo nunca había hecho comedia. Cuando terminamos el rodaje, incluso antes de que se estrenara la película, alquilé un pequeño apartamento en Los Ángeles, cogí mi viejo Honda y empecé a hacer audiciones. Pero la gente en Hollywood tiene una imaginación muy limitada, y todos pensaban que yo solo servía para hacer comedia, así que no conseguía oportunidades en papeles dramáticos”, añadió en Fotogramas.

Todo ello a pesar de que Faris se veía mucho más cómoda en papeles dramáticos: “El drama era lo único con lo que me sentía cómoda. No entendía la comedia. Pero bueno, aquí estoy, aunque creo que todavía no la entiendo del todo. Siento que acabé convirtiéndome por accidente en una actriz de comedia física”, contó en la mencionada revista.

Anna Faris también lamentó en el podcast ‘Happy Sad Confused’ que no la vieran fuera de comedia y relató un ejemplo de ello cuando audicionó para la serie “Six Feet Under”: “Interpreté a una joven bajo los efectos del crack que recibe la noticia de la muerte de su padre. Alan empezó a reír en mitad de mi interpretación. Cuando terminé, solo me dijo: ‘Eres muy divertida’. Ahí comprendí lo difícil que era que me vieran fuera de la comedia”.

De hecho, la actriz también recuerda como esto le afectó en su paso por la película de “Lost in Translation”: “No sabía cómo modular mi personaje, estaba acostumbrada a un volumen alto y pensaba que estaba arruinando la escena. Al final aprendí a confiar en la esencia, aunque pareciera que no encajaba”, contó en el podcast.

Todo esto, sumado a su experiencia a lo largo de su trayectoria le ha llevado a reflexionar sobre la industria cinematográfica y el impacto en la autoestima de los intérpretes: “La industria es muy volátil y siempre me sentí un poco fuera de lugar. Conocí colegas que daban por hecho que el éxito estaba asegurado solo por el ambiente donde crecieron. Yo nunca tuve esa confianza innata”, reflexionó.

Norma Jeane Mortenson nació el 1 de junio de 1926, hace 100 años, pero el mundo la conocería como Marilyn Monroe, un mito que Hollywood creó y moldeó mucho más tarde, pero que quedaría como uno de los símbolos sexuales más populares de los años 50 y una de las actrices más cotizadas durante esa década.

De hecho, sus películas habían recaudado más de 200 millones de dólares a su temprana muerte en agosto de 1962 a los 36 años tras una sobredosis de barbitúricos. Su trayectoria cinematográfica le llevó a completar un total de 29 películas en 14 años, pero algunas de ellas son indispensables en su carrera y para conocer a la actriz más allá del mito. Todos estos filmes se encuentran disponibles actualmente en plataformas.

“Con faldas y a lo loco” (1959)

Es considerada para la crítica cinematográfica la mejor comedia de la historia. Obra de Billy Wilder, en ella Marilyn Monroe compartió protagonismo con Jack Lemmon y Tony Curtis, en una película que sigue a dos músicos que son testigos de un asesinato y al ser perseguidos por la mafia, se visten de mujeres para integrarse en un grupo de música femenino, y todo esto dará lugar a una serie de inequívocos que finalmente cerrará con uno de los finales más icónicos del cine.

A pesar de todo esto, en el contexto de la actriz, fue un rodaje muy duro porque estaba embarazada, aunque más tarde sufriría un aborto, además de que llegaba tarde y se bloqueaba en frases sencillas porque se encontraba adicta a los barbitúricos y perseguida por sus inseguridades. Sin embargo, consiguió conseguir que el personaje Sugar Kane fuera adorable y a la vez no ridícula, y en parte porque tomó a Curtis y Lemmon como “dos amigas de verdad” tras seguir el consejo de su mentor de actuación, Lee Strasberg. En ella interpreta el famoso número musical de “I Wanna Be Loved by You”.

“Los caballeros las prefieren rubias” (1953)

Pero si hay una película que consolidó el mito de Marilyn Monroe fue “Los caballeros las prefieren rubias”, que protagonizó junto a Jane Russell y dirigida por Howard Hawks. En ella aparece el destacado número musical con “Diamonds Are a Girl’s Best Friend” e interpreta a Lorelei Lee, el arquetipo de una ‘rubia ingenua’, pero también astuta, un toque que le proporcionó la actriz y que llevó a que fuera una mujer que controlaba la escena. Lo más curioso de este largometraje es que a pesar de ser uno de sus mejores trabajos, se le pagó un salario estándar aun sabiendo que era un imán para la taquilla, mientras su compañera recibió diez veces más porque venía de otro estudio.

“Vidas rebeldes” (1961)

Lamentablemente este título ostenta el hecho de ser la última película que completó la actriz antes de su muerte, un año más tarde, además de ser uno de sus mejores papeles dramáticos. Dirigida por John Huston y escrita por su entonces marido Arthur Miller, esto supuso que fuera uno de sus rodajes más complicados, porque ella consideraba que él usaba los traumas y problemas del matrimonio para el guion y los diálogos de su personaje. A todo esto, fue también la última cinta de Clark Gable, que murió en 1960, antes de que se estrenara, por un infarto. Montgomery Clift fue también compañero de reparto y fallecería apenas cinco años después.

“La tentación vive arriba” (1955)

Si hablamos del mito de Marilyn Monroe no podemos pasar por alto la que es seguramente su escena más famosa y una de las más conocidas de la historia del cine, la de la actriz sobre la rejilla del metro de Nueva York con su vestido blanco. Un momento de la película que tiene su propia leyenda, pues se rodó en la madrugada de la ciudad, rodeada de fans y fotógrafos, un hecho que se dice molestó a su entonces marido Joe DiMaggio, que provocaría una discusión violenta en el hotel más tarde y se asegura que esto marcaría el fin de su matrimonio.

En la película, dirigida por Billy Wilder, Monroe le da una voz al personaje que interpreta, que ni tenía nombre y que era una fantasía puramente sexual en la obra de Broadway, pero ella le pudo dar un toque de espontaneidad y mayor personalidad.

“Niágara” (1953)

Seguramente este sea uno de los títulos más desconocidos de Marilyn Monroe, además de mostrar uno de sus personajes más oscuros, evidenciando la versatilidad de la interprete, brillando en el cine negro y que le dio la confirmación a su estudio, la 20th Century Fox, de que podía tener más que personajes secundarios. En “Niágara”, la actriz da vida a Rose Loomi, una mujer fría y criminal que utiliza su atractivo como un arma narrativa. Una de sus curiosidades es que tiene la caminata más larga grabada de la historia del cine, con ella en un plano de espaldas durante varios metros.

Bonus: “Eva al Desnudo” (1950)

Si bien en esta película dio vida a un personaje secundario, supuso el primer trampolín hacia la fama, todo ello a pesar de ser solo unos minutos en pantalla, pero su impacto fue tal que marcaría su futura carrera como protagonista. De hecho, estaba despedida del estudio, pero finalmente el director Joseph L. Mankiewicz le dio una oportunidad por la insistencia del agente de la actriz Johnny Hyde, y finalmente quedaría fascinado por lo magnética que resultaba.

Después de unos pocos años en la industria de Hollywood, Jennifer Lawrence ganó el Oscar a Mejor Actriz en 2013 por su papel en la película El lado bueno de las cosas, la comedia romántica que protagonizó junto a Bradley Cooper. En cierta manera, fue el momento en el que la actriz consiguió dejar a un lado la etiqueta de “ídolo adolescente” que había alcanzado tras el fenómeno de Los juegos del hambre.

Fueron las películas basadas en la novela homónima de Suzanne Collins, cuya primera entrega se estrenó un año antes de recibir ese premio de la Academia, las que colocaron a Lawrence en el imaginario popular, especialmente el adolescente. Los cuatro largometrajes, que mezclaban acción, romance y distopía, fueron su primer proyecto cinematográfico a gran escala.

Pero la carrera de la mujer que dio vida a Katniss Everdeen en la gran pantalla podría haber sido muy diferente. Lo reveló ella misma hace unos años durante una conversación en el podcast de The Rewatchables, cuando contó que, apenas un año antes de aceptar este papel para Los juegos del hambre, hizo una prueba para otra película, que también se convirtió en un fenómeno juvenil. 

Su prueba para hacer de vampiro

“Hice una audición para Crepúsculo. Me rechazaron de inmediato. Ni siquiera me volvieron a llamar. Pero mi vida habría sido completamente diferente”, compartió en 2023 la intérprete. Más tarde, reveló que el éxito que tuvo la saga de vampiros protagonizada finalmente por Kristen Stewart y Robert Pattinson le hizo replantearse seriamente su futuro profesional. 

“Casi no participé en Los juegos del hambre porque Crepúsculo ya se había estrenado y se había formado todo un fandom. Cuando intentaba hablar con la gente sobre mi decisión después de que me ofrecieran el papel, me costaba explicarles este nivel de fama. Pensaba que sería como la fama de Crepúsculo, y eso nunca fue algo que tuviera en mente. Nunca quise ser la persona más famosa del planeta. Es una vida muy distinta a la que imaginaba para mí”, explicó la actriz. 

Lawrence no pudo escapar de esa fama, y las películas que protagonizó junto a Josh Hutcherson y Liam Hemsworth y que se estrenaron entre 2012 y 2015 sin duda la convirtieron en una de las estrellas más aclamadas de Hollywood. Después de aquello llegaron otras grandes producciones para ella, como ¡Madre! (2017), junto a Javier Bardem, o No mires arriba (2021), junto a Leonardo DiCaprio, por nombrar algunas.

La volveremos a ver como Katniss

Amanecer en la cosecha, la nueva película de la saga de Los juegos del hambre se estrenará el próximo 20 de noviembre de 2026 y contará la historia del personaje de Haymitch Abernathy, el mentor que Katniss y Peeta tuvieron durante su primera participación en los Juegos organizados por el Capitolio. Como confirmó la propia Lawrence en una entrevista hace poco, la actriz ha vuelto a ponerse en la piel de su icónico personaje para este largometraje, aunque lo más probable es que no aparezca más que en un pequeño cameo.

El director alemán Wim Wenders ha decidido retirar de momento de circulación su película Falsche Bewegung (Falso movimiento, 1975) tras un debate sobre una escena en la que aparece semidesnuda la actriz Nastassja Kinski cuando era adolescente.

“Como único superviviente de quienes entonces fueron responsables de Falso Movimiento veo que en su momento Nastassja Kinski debió ser mejor protegida. Por eso te pido perdón sin reservas, Nastassja”, dijo Wender en un comunicado difundido por la fundación que lleva su nombre.

En el mismo comunicado Wenders explica las reacciones y las conversaciones de los últimos días han contribuido a que él vea ahora con claridad lo que ocurrió entonces.

“Estoy agradecido por ello. Solo un intercambio abierto y respetuoso puede llevar a revisar posiciones”, aseguró.

El director dice que es necesario que la sociedad encuentre una manera adecuada de relacionarse con películas controvertidas del siglo XX y que desde la fundación buscará un debate al respecto con diversas instituciones.

“Sólo después, y aunque tarde mucho, y cuando hayamos encontrado una solución, también en consenso con Nastassja Kinski, podremos volver a permitir que la película circule”, afirmó.

Kinski explicó que llevaba años pidiendo a Wenders que recortara la escena, de dos minutos de duración, que la muestra con el torso desnudo.

“Aunque a los 13 años no podía juzgarlo, pronto me di cuenta de que algo no estaba en orden”, le dijo recientemente la actriz al diario “Süddeutsche Zeitung”.

Wenders, por su parte, durante la ceremonia de entrega de los Premios del Cine Alemán, dijo que actualmente no volvería a rodar una escena semejante, pero que no podía hacerle un reproche a su yo de entonces, que había hecho una película de su tiempo.

La situación, según Wenders en ese discurso, implicaba abrir una discusión sobre la manera de relacionarse con la herencia fílmica: “¿Es legítimo cortar una escena que lesiona a una actriz que he admirado y admiro? ¿Se puede recortar una película a posteriori?”.

El abogado de Kinski, Christian Schertz, había calificado el discurso de Wenders como un intento por eludir su responsabilidad individual y aseguró que el director se había negado durante años a hablar con la actriz sobre la escena, por lo que llegó a plantearse, antes de la declaración de este miércoles, acudir a los tribunales.

Wenders, que recibió este año el Premio de Honor de la Academia del Cine Alemán, tiene una serie de películas que se han hecho icónicas como El cielo sobre Berlín, Alicia en las ciudades o Buena Vista Social Club.

Con una Kinski ya adulta en un papel protagónico realizó también la “road movie” Paris Texas.

La conocimos en la serie ‘Juego de Tronos’ por dar vida a uno de los personajes más icónicos de la ficción de HBO, Daenerys Targaryen, pero Emilia Clarke no tuvo la misma suerte con su participación en otras franquicias de éxito como Marvel, Star Wars o Terminator, algo que ha reconocido la propia actriz en una reciente entrevista.

La interprete británica, actualmente promocionando la película independiente ‘Next Life’, ha repasado con sinceridad su trayectoria profesional, no solo los fracasos que tuvo en grandes sagas, sino también los problemas que atravesó en ‘Juego de Tronos’ y cómo esto le cambió la vida.

 ‘Taquillazos’ y fracasos su paso por Marvel o Star Wars

El participar en franquicias de éxito en el cine no siempre ha significado un paso hacia adelante en la carrera de algunos intérpretes, y en eso Emilia Clarke es un ejemplo. Después de que ‘Juego de Tronos’ la lanzara al estrellato, la actriz británica no tuvo un camino de rosas, y sobre ello reflexionó en una entrevista reciente con Variety.

En ella, la intérprete confirmó lo que piensa sobre su participación en el Universo Marvel: “No creo que a nadie le gustara Invasión Secreta, chicos. ¡Lo siento!”, aseguró sobre su papel en la serie sobre Nick Furia en la que interpretaba a G'iah, hija de Talos, que lucha contra los alienígenas que quieren conquistar la Tierra, y que no tuvo buena acogida a pesar de su elenco formado también por Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Olivia Colman y Kingsley Ben-Adir.

Una experiencia similar fue lo que tuvo en su incursión en las franquicias de cine como ‘Star Wars’ o ‘Terminator’, que no acabaron siendo dos proyectos que calaran dentro de las sagas reconocidas y que tuvieran buenas críticas, todo ello, aunque siguen siendo los dos mayores éxitos de taquilla de la actriz británica, con 275 millones y 440 millones de dólares recaudados respectivamente. “¿Star Wars? No les gustó. ¿Terminator? Eso nunca debería haber pasado”, señaló al respecto.

Sin embargo, Emilia Clarke fue más allá y fue sincera al expresar su opinión y papel en proyectos complejos cuando tienen tantas expectativas e historia detrás: “Entré en franquicias ya existentes, así que cuando no funcionan, no es personal. Mi conexión con un proyecto termina cuando dicen 'fin de rodaje' porque no me corresponde decidir qué pensará la gente de él”, explicó a Variety.

Dos hemorragias cerebrales cambiaron su criterio

La actriz que dio vida a Daenerys, también conocida por su participación en las comedias románticas ‘Antes de ti’ (Me Before You) y ‘Last Christmas’, aseguró en la misma entrevista que su criterio ha cambiado con el paso del tiempo y eso se debe a que prioriza otros proyectos que le aportan más satisfacción personal y mejor impacto positivo en la recuperación de sus lesiones cerebrales.

Y es que Emilia Clarke sufrió dos hemorragias cerebrales durante el rodaje de ‘Juego de Tronos’ y esto la marcó. De hecho, fundó la organización ‘SameYou’ junto a su madre en 2019 en la que ayuda a las recuperaciones de personas afectadas por daños cerebrales, a las que se acompaña en el proceso, además de colaborar con médicos y académicos para desarrollar nuevas terapias.

Lo que le sucedió le hizo también reflexionar sobre el valor de la fama, de lo verdaderamente relevante para el éxito profesional: “Me daba vergüenza admitir que no ganar un Emmy fue algo realmente importante. Ahora me siento muy afortunada de poder ser una productora real y de intervenir en conversaciones importantes”, concluyó anunciando un nuevo camino que podría explorar en su trayectoria.

Si hace dos meses el sitio en el que había que estar era el 'confesionario' de Rosalía, ahora la fiebre se ha contagiado del ritmo puertorriqueño de Bad Bunny y todo famoso que se precie quiere estar allí. La 'Casita' que ha construido el 'conejo malo' para los conciertos de su gira europea no deja de ser un escenario secundario, pero se ha convertido en uno de sus símbolos —y en un generador de virales—. 

Si a su paso por Barcelona se sumaron a la lista de celebridades que han pasado por sus conciertos las actrices Úrsula Corberó y Priscila Delgado, el presentador Marc Giró o los futbolistas del FC Barcelona Lewandowski o Lamine Yamal, ahora con su llegada a Madrid y una decena de conciertos por delante, la lista no ha dejado de ampliarse.

Entre los 'elegidos' para bailar en la 'Casita' al ritmo de las canciones de la gira Debí tirar más fotos ya hemos podido a ver a los actores y actrices Ana de Armas, Ester Expósito, María León, Clara Galle y Martiño Rivas. También se han dejado ver futbolistas del Real Madrid y del Rayo Vallecano como Álvaro Carreras, Dani Ceballos, Isi Palazón o Sergio Camello. Y no han faltado miembros de la Jet Set como la tercera mayor fortuna del país, Marta Ortega, hija de Amancio Ortega y presidenta no ejecutiva del grupo Inditex, aunque tratase de esconderse detrás de una columna.

También se pudo ver este pasado fin de semana a la empresaria e influencer italiana Chiara Ferragni entre los famosos o al cantante Mvrk. E incluso al legendario jugador de baloncesto y vencedor de seis anillos de la NBA Michael Jordan. Tal es la expectación por las personalidades que puedan acceder a tan codiciado espacio que se rumorea que incluso el jefe de la oposición y líder del Partido Popular, Alberto Núñez Feijóo, trató de acceder a la 'Casita' del Estadio Metropolitano. Por el momento, no lo ha logrado.

El domingo 31 de mayo fue el turno de los directores de cine Javier Calvo y Javier Ambrossi, a quienes se vio junto a la actriz Hiba Abouk. También estuvo presente la cantante Judeline, totalmente entregada, o el músico Álex de Lucas. De nuevo, no faltaron los futbolistas, en esta ocasión el capitán del Atlético de Madrid Koke Resurrección o el bético Héctor Bellerín. No faltó a la cita el actor y presentador valenciano Arturo Valls, habitual de los grandes conciertos en la capital.

Los padres de Candela Peña tenían un bar al lado de un cine. En vez de pasar su infancia jugando al escondite o saltando a la comba, ella estaba metida en una sala, a oscuras, viendo películas que muchas veces no correspondían a su edad. Se subía a la cabina de proyección y, desde allí, como si fuera la versión cañí de Cinema Paradiso, se quedaba fascinada con las historias que veía proyectar en la gran pantalla.

Ya entonces sintió esa fascinación que la llevaría a estudiar interpretación. Y aquella formación autodidacta la hizo mejor actriz. Una que está siempre atenta a todo, que construye sus personajes a conciencia. Los estudia, los prepara. Les da una vida con la que ella pueda moldear lo que luego saca delante de la cámara.

Lo ha demostrado desde hace décadas. Desde aquel debut que fue como un terremoto en Días contados hasta su nueva película, La desconocida, donde interpreta a una policía que vuelve tras un duelo personal para comenzar una investigación que apunta a trata de mujeres. Un filme que llegará a Netflix el próximo 5 de junio y donde construye un personaje roto y frágil. Mientras tanto, sigue plantándose en La revuelta a decir las cosas que pocos se atreven a decir en televisión. Y la gente lo agradece, porque Candela Peña no se corta, y eso sigue siendo algo raro hoy en día. 

¿Qué le atrajo de esta adaptación de un libro de Rosa Montero y Olivier Truc?

Fueron bastantes cosas, pero sobre todo me llamó mucho la atención un tema que es bastante tabú, del que no se habla mucho, que es el tema del suicidio, en el que he centrado yo todo el trabajo de la sargento Anna Ripoll. Para mí esa señora es una zombi funcional. La historia cuenta cómo esta señora vuelve de una baja y empieza el caso. Como actriz, la opción que tomé fue centrarme en el dolor que ella tiene. Ella pide regresar de esa baja sin estar preparada, como tregua a su propio dolor, y eso me llamó mucho la atención. 

¿Valora mucho esas cosas a la hora de elegir un guion, el reto como actriz, o el tema del que hable?

No te voy a mentir, yo ahora tengo que poner en la balanza pocas cosas, porque yo desde La boda de Rosa hasta ahora no se me ha ofrecido mucho cine, pero sí que he tenido la bendición o la suerte de los temas y de que el personaje pueda llevármelo a un terreno interesante. Los actores hay veces que caemos en el error de intentar hacer el oficio del personaje. Decir: “Voy a hacer de una mosso d’esquadra”. No, yo voy a hacer a la persona que hay detrás de cualquier oficio, y esta mujer era muy importante encuadrarla. Lo que yo construí antes de que empezara la película, para mí era muy gordo que se viera en el primer plano, y es que es una mujer devastada, una mujer con mucho dolor. Tanto su equipo como los otros personajes de la película son un poco víctimas colaterales de la situación de esta mujer.

Es interesante esto, porque la imagen que se tiene de ti es que trabajas mucho, ¿cree que pesa mucho la imagen que se tiene sobre usted?, ¿han pesado esos prejuicios?

Los prejuicios que hay en la profesión sobre mí me han pesado, absolutamente. Yo creo que han determinado la carrera que yo tengo. Me han pillado la matrícula completamente cambiada. Y sí que creo que de difamar cosas terribles, algo queda. Sí que soy una mujer que habla, que da su opinión, y eso molesta. Yo tengo una amiga que dice “haces lo contrario a lo que se tiene que hacer, porque el día que viene el productor en vez de comer con él y ser simpática, tú le dices que el catering es una mierda”. Soy lo que soy y no quiero pedir perdón por ser quien soy.

Yo creo que está demostrado que tomo interés por mis trabajos, que acompaño mis trabajos del principio hasta el fin. Me dejo los huevos tanto haciéndolos como vendiéndolos. No quiere decir que me salga ni bien ni mal, pero que yo estoy ahí, entonces no puedo hacer mucho más. Entonces no depende de mí la visión ajena. Pero sí que me sorprende, por ejemplo, que yo voy dos días a La revuelta al mes, que con eso vivo, y me hago un bolo porque yo soy madre soltera, tengo que conciliar y tengo que organizar mi vida, y parece que no paro de trabajar. Si tú lo sumas, son 24 minutos al mes, no trabajo ni media hora al mes. Que también creo que en algún momento se tendrá que regular que tú cedes tus derechos a Televisión Española, y luego eso va a TikTok, y yo todavía sigo viendo vídeos de la promoción que hice con El caso Asunta. Es algo que tengo que verbalizar. Pero no, yo no estoy en una terraza de Cannes con brillantes en el cuello.

Los prejuicios que hay en la profesión sobre mí me han pesado, absolutamente. Han determinado la carrera que yo tengo. Me han pillado la matrícula cambiada

Candela Peña — Actriz

Sin embargo, creo que hay dos fenómenos como son El caso Asunta y La revuelta que han hecho que sea un referente para los jóvenes, una estrella para ellos, ¿no siente ese vínculo con las nuevas generaciones?

Yo vivo muy al margen de la profesión. Ahora venía y la señora del taxi me dice “¿Cómo ves el mundo de la tele?”. Y le he dicho: “Si hoy no tengo wifi”. Quiero decir, yo voy a La Revuelta, pero luego mi vida es una vida absolutamente normal. Leo, veo cine…

No me creo que no haya gente joven que te pare y te diga cosas…

Soy una persona bastante solitaria. La gente joven que veo es gente de 14 años del equipo de mi hijo que el otro día les nombré en La revuelta, pero no tengo mucha relación. Sí que es cierto que en una época anterior en La revuelta, sí que me mandaban muchos adolescentes estas fotos de sus miembros que me sobrecogía. Pero ya también ha pasado. Me fui siendo una mujer fértil. Ha vuelto una infértil y ya no me envían este tipo de fotografías.

Es otro momento.

Es otro momento. Entonces ahora los adolescentes no sé en qué lugar me colocan, pero es gente que me interesa sobremanera. Los adolescentes me interesan mucho, me han interesado siempre. Es gente sobre la que se pone mucha responsabilidad y mucha crítica en un momento en el que tú estás muy perdido, tienes que hacerte como ser humano y se les da mucha caña y entonces es gente que me gusta. 

¿Cómo plantea las apariciones en La revuelta, como un papel más, lo prepara igual?

No, no, no. De hecho, absolutamente diferente, porque ahí sí que hay una absoluta inconsciencia. Para empezar yo voy a ese sitio porque admiro profundamente a esa gente. Admiro profundamente a David, admiro profundamente a Jorge, a Ricardo Castella, a Grison, al equipo de guionistas que hay detrás… Les admiro mucho, pero les admiro todavía más de que sean tan disparates de ir para decir dos mierdas que improviso en el momento. Sí que tengo unas líneas, porque joder, es la televisión pública. En eso soy responsable y pienso que es comedia y hay que entretener, pero que sea con cosas que tengan un poquito de sentido, que no vayan a un saco. Que digan algo para las mujeres, que somos las grandes borradas en ese programa. Y me da marcha estar ahí en representación de tías de a partir de 40 y pico. Muchas veces pienso, qué pinto yo ahí, pero por otro lado, a la gente le entretiene y creo que ahora las mujeres se empatan mucho conmigo y me devuelven mucho cariño. En algún momento estoy pensando en devolverlo de alguna manera. No sé cómo, pero las tías ahora es locura conmigo.

Quizás es porque reflejas a esas mujeres que siguen sin verse mucho en el audiovisual, tampoco en el cine o las series.

Y lo hago con mucho pudor también, el contar el momento que uno atraviesa. Porque yo me di cuenta de que cuando yo dije que estaba atravesando un trastorno hormonal, muchas mujeres me lo agradecieron. Y digo “¿pero agradecer qué?”. Y ahora entiendo que sí, que hay mujeres que son visibles y pueden poner voz a cosas que se intentan ocultar. O a esta cosa del ser eternamente joven, de estar eternamente buena. No me apetece. El otro día le decía a una amiga que creo que todos estos pinchazos, el Ozempic… todo eso es un poco el fascismo en el sentido de que hay que llegar a que todas seamos juncos novilleros. La delgadez se celebra mucho, el ‘estás hermosa’ se celebra mucho, pero nadie te celebra lo lúcida que estás, lo brillante que eres. Creo que las tías nos damos mucha caña entre nosotras y he llegado a los 50 y me doy cuenta, cuando veo a mujeres que admiro mucho de 30 años, de estas que ahora hay mogollón que me flipan, que perdemos mucho tiempo en justificarnos. Perdemos mucho tiempo en contarnos y los tíos no lo hacen.

No miramos atrás.

No. Y nosotras sí que deberíamos hacerlo. Mirar a las mujeres que nos preceden, porque es importante no borrarlas y creer que somos el último huevo del pícnic. Porque no es que haya muchas mujeres, hay pocas, pero las ha habido. Entonces echemos también una mirada a eso.

Me va a decir que no se siente referente, pero lo es.

Si lo soy, que lo decida el que lo mira. Veo a mucha gente mirando a cámara y sintiéndose el kilómetro cero de la carretera, de donde parte todo. No quiero ser ejemplo de nada. No quiero hablar por nadie. Pero si alguien abraza mi rollo y mi discurso, guay. Pero no quiero porque quiero permitirme cagarla, equivocarme. Soy una persona que toma decisiones y voy a muerte con ellas, y me he dado cuenta de que no quiero los reproches de quien me rodea frente a eso. Yo cargo con lo mío, no con lo de los demás. 

He leído que sus padres tenían un bar al lado de un cine y que su formación cinematográfica viene de estar en ese cine todo el rato, un poco Cinema Paradiso.

Sí, absolutamente. Mi infancia yo no la recuerdo jugando en el parque. Si estaba aburrida de estar en la sala, me subía con el proyeccionista, un señor con cabello blanco que aparte tenía unas botas con un zapato más alto que otro porque igual tuvo la polio y tenía una pierna más corta. He visto mucho cine que no era propio para la edad que tenía, desde Holocausto Caníbal a Vestida para matar. Desde Fernando Esteso y Pajares hasta Cassavetes. Eso es muy enriquecedor. Yo siempre he tenido vocación, yo siempre he querido ser una actriz de las que salían en esas películas que he visto desde que tengo cuatro años.

Preguntamos mucho si el cine puede cambiar las cosas, ¿cree que el cine sirve de algo? 

Bueno, es que a mí me ha salvado. Entonces yo hablo de mi experiencia personal. A quien no le pase nada y lo vea como purito entretenimiento, pues guay. Pero es que me da igual. Aunque un libro no te haya interesado en absoluto, a lo mejor tienes cuatro palabras más en tu vocabulario. O ves una escultura de alguien y dices ostras, solo el hecho de pensar que hay gente que trabaja el acetato en Soria, pues ya me parece interesante. 

¿Recuerda el momento de decirle a sus padres que quería ser actriz?

Se dio de manera natural cuando yo ya empecé a estudiar COU, que era solo por la mañana, y mi madre me dijo si por las tardes quería apuntarme a algún sitio, y yo, sin tener ni idea, me apunté a un curso en verano de psicomotricidad. Una profesora, con toda la lógica, me dijo: “Tú lo que tienes que ir es a una escuela de interpretación”. Y ya me dio la dirección de Nancy Tuñón, la primera profesora con la que estuve en Barcelona. Y de ahí, pues ya acabé en Madrid. Me acuerdo que el primer casting para Días contados era en verano. Yo estaba en Madrid. Le dije a mi padre: “Yo paso de ir”. Y me dijo: “No, querida. Tú vas”. Vengo de familia trabajadora y ellos lo entienden. Hay que trabajar y yo creo que también la actriz es por la familia de la que vengo.

Decía Antonio de la Torre que el barrio no se olvida.

Sí, claro, pero también sería falsa si no admitiera que mi vida es más fácil. Quiero decir, he dicho que yo trabajando media hora y haciendo un bolo con Secun, puedo pasar el mes. Y yo ahora también he tomado decisiones. Por ejemplo, he querido monetizar el hecho de ser más conocida ahora por La revuelta. Porque me han asustado mucho los 50 años. He visto a gente enfermar cerca de mí, he visto a gente morir cerca de mí, gente de edades parecidas. Y yo pienso, si yo caigo enferma, mi hijo no tiene un colchón económico y quiero que lo tenga. Y ahora estoy abriendo puertas que antes tenía cerradas como el tema de las marcas o la publicidad.

Piensa mucho en el futuro…

Tengo un hijo que depende única y exclusivamente de mí. Cuando no tienes a nadie que depende de ti, pues tú eres más disparate. Si yo no fuera madre es muy probable que ahora estuviera en Casablanca fumando opio, pero siendo madre la vida te mete en un carril. Y es que aparte, ese hijo solo me tiene a mí. Entonces me aterra pensar que no le pueda pagar la facultad o que no le pueda acompañar algún deseo que él tenga.

¿Sigue queriendo crear? Me acuerdo de la serie…

Absolutamente. Y no voy a desistir. O sea, voy a dirigir. Tarde o temprano sé que voy a dirigir. Solo me ha dado la posibilidad la directora de La 2, que me dejó dirigir un programa este verano pasado. Me encantó prestarme a eso, pero sí, quiero dirigir una película.

¿Qué le gustaría contar?

La complejidad de las mujeres. Las mujeres somos complejas y no nos tenemos que estar justificando todo el rato de lo que somos, lo que hemos conseguido, o dónde hemos llegado.

Vídeo de la entrevista completa

Llegar a Netflix es para algunas películas toda una bendición, pues pasan de estar olvidadas por el gran público a convertirse en virales y encontrar su audiencia, que las descubre en muchos casos por primera vez, o bien aquellos que no la recordaban y que reviven viejos recuerdos. Así, no es de extrañar que ciertos títulos de cine aparezcan entre lo más visto de la plataforma a pesar de que ya tienen varios años o décadas.

En esta ocasión la beneficiada por ello ha sido una comedia romántica que se estrenó hace 21 años, pero que parece haber envejecido mejor de lo que muchos pensaban. Hablamos de ‘En sus zapatos’ (In Her Shoes), que se ha emplazado en el top 10 de Netflix con su entrada en el catálogo.

Reparto de lujo, pero denostada por la crítica española: “Cosas de chicas”

‘En sus zapatos’, película estrenada en 2005, es una comedia dirigida por Curtis Hanson, y que cuenta con un trío protagonista formado por Cameron Díaz, Toni Collette y Shirley MacLaine que encabeza el reparto y que es uno de los puntos fuertes de la cinta. La historia gira alrededor de dos hermanas huérfanas que son muy diferentes entre ellas y se pasan el día discutiendo, pues mientras Maggie triunfa en lo social con una vida laboral inestable, su hermana Rose es una exitosa abogada de Filadelfia que no se preocupa por su aspecto físico. Todo cambiará entre ellas cuando descubren que su abuela materna, aquella que creían muerta, no lo está.

Esa abuela es Shirley MacLaine, uno de los personajes más destacados de la película y que le valió ser nominada a mejor actriz de reparto a los Globos de Oro. Además, fue una gran defensora del largometraje, que, si bien contó con algunas reseñas positivas, especialmente en Estados Unidos, en España, por ejemplo, fue tildada de ser “cosas de chicas”, “solo para chicas (y novios bienintencionados” o “rozar la ñoñería”, como se puede leer en las críticas del momento en El País, ABC o Fotogramas, recogidas por el portal Filmaffinity.

Sin embargo, la veterana actriz, que protagonizó ‘El apartamento’ con Jack Lemmon en 1960, defendió que era algo más que una “película para mujeres, solo por el hecho de estar protagonizada por tres actrices”: “Es la historia de una familia que finalmente supera una tragedia terrible. La hija de mi personaje se suicidó. La madre de estas chicas también se suicidó y mi yerno —el marido de mi hija— no les ha dicho que tienen abuela. Vamos, es algo muy dramático. No es una película romántica. Es algo que afecta a toda la familia, y todas las familias del mundo viven algo parecido. Todas las familias son un ejemplo de una pequeña civilización”, aseguraba en su día durante la promoción del estreno.

Cameron Diaz no fue la primera opción

La película se basó en el libro del mismo título publicado por la escritora Jennifer Weiner, tuvo algunos pequeños cambios con la historia principal, pero uno de los más emotivos es el hecho de que se cambió la raza de la mascota de Maggie para promocionar la adopción de perros. Y es que pasó de ser un pug a raza mixta para inspirar al público.

Sin embargo, una de las curiosidades más desconocidas es que Cameron Diaz, una de sus principales estrellas protagonistas, no fue la primera opción para interpretar a Maggie Feller, sino que lo fue su compañera de reparto Toni Colette. Pero ella finalmente aceptó cambiar e interpretar a Rose después de que Sarah Michelle Gellar (‘Buffy Cazavampiros’) se retirara del proyecto y se necesitara una nueva actriz para el elenco.

‘En sus zapatos’ tiene además el extraño hito de ser una de las primeras películas que se lanzó solo en DVD, sin pasar por VHS, en un momento en el que este formato se encontraba en declive. Esta comedia romántica tiene también un pequeño guiño a su directora, pues en una escena en la que Maggie audiciona para MTV, en el ‘teleprompter’ se puede leer que se va a estrenar un nuevo videoclip de Eminem, y es que él fue quien dirigió ‘8 Mile’ que se basó en la vida del rapero.

He tenido el honor de asistir, por invitación del diputado del Área de Educación y Cultura de la Diputación de Albacete, al estreno oficial del documental 'María, la bien pagá', dirigido magistralmente por Marcos Moreno.

A través de sus propias palabras y con un sentido del humor intacto, María Isbert (1917-2011) recorre su larga y fecunda vida en este documental. Y lo hace como ella era: directa, vital y sin victimismos. Lo que surge ante el espectador es el retrato de una gran mujer de su tiempo: luchadora, resiliente y trabajadora incansable.

Tenemos que destacar que el ejemplo de María Isbert debe ser un auténtico referente para nuestra juventud. Su vida representa a toda una generación de mujeres luchadoras que, lejos de rendirse ante las dificultades, supieron salir adelante con valentía, sacrificio y una enorme dignidad. Ni la edad, ni las dificultades económicas, ni la enfermedad, ni siquiera la enorme responsabilidad de sacar adelante sola a una familia numerosa pudieron frenar su vocación, su fuerza ni sus ganas de vivir.

Eso es precisamente lo que convierte este documental en algo mucho más profundo que un homenaje a una actriz querida. “María, la bien pagá” es también un reconocimiento a tantas mujeres invisibles que sostuvieron familias enteras mientras trabajaban, cuidaban y seguían luchando día tras día sin perder la ilusión. Mujeres que rara vez ocuparon titulares, pero cuyo esfuerzo silencioso hizo posible la vida de muchas generaciones.

Viuda con siete hijos, María superó enfermedades, dificultades económicas y las durezas de una profesión inestable, pero nunca dejó de amar su trabajo. Siguió actuando prácticamente hasta el final de sus días, demostrando una energía y una dignidad que conmueven. Su trayectoria es la de miles de mujeres de su generación que, con enorme entereza, sacaron adelante a sus familias mientras ejercían su vocación.

María Isbert nunca se instaló en el victimismo. Afrontó las dificultades con naturalidad, con humor y con una energía admirable. Continuó trabajando prácticamente hasta el final de sus días porque amaba profundamente su profesión y porque entendía la vida desde el compromiso y la entrega. Esa capacidad de resistencia, esa dignidad y esa pasión son valores que hoy necesitamos reivindicar más que nunca.

Por eso resulta tan importante el mensaje del documental frente al edadismo que todavía existe en nuestra sociedad. Parece que, al llegar a cierta edad —especialmente en el caso de las mujeres—, muchas personas dejan de ser visibles o de tener espacio público, como si la experiencia, el talento y la capacidad de aportar desaparecieran con los años. María Isbert demuestra exactamente lo contrario. Su figura nos recuerda que las personas mayores siguen siendo valiosas, creativas, activas y necesarias.

En un momento en el que parece que algunos quieren apartar a quienes ya han dado tanto, recuperar el ejemplo de María Isbert es también un acto de justicia y de memoria. Su vida y su trayectoria merecen ser admiradas no solo por su brillante carrera artística, sino por todo lo que representan: esfuerzo, resiliencia, humanidad y amor por la vida.

'María, la bien pagá' no es solo un documental sobre una actriz querida y popular —hija del mítico Pepe Isbert e intérprete en más de 250 películas—, sino también un hermoso alegato contra los estereotipos que todavía pesan sobre la vejez y, especialmente, sobre las mujeres mayores.

Un documental necesario, tierno y lleno de luz que reivindica la memoria de una mujer que se ganó con creces el título de 'bien pagá' por su talento, su esfuerzo y, sobre todo, por su ejemplo.

“La asistenta” se ha convertido en todo un fenómeno. Primero lo fue literario y con su adaptación al cine lo ha sido también en formato película, pues fue uno de los estrenos de principios de año, con una recaudación que se ha asentado en más de 400 millones de dólares en todo el mundo.

La adaptación fue dirigida por Paul Feig, conocido por películas como ‘Espías’ (2015) o ‘Un pequeño favor’ (2018), tuvo un trío protagonista formado por Amanda Seyfried, Sydney Sweeney y Brandon Sklenar, que daban vida a los personajes que creó la autora Freid McFadden, una de las escritoras más vendidas actualmente y que se ha convertido en toda una revelación dentro del thriller psicológico. ¿Qué opina ella sobre la película basada en su novela más famosa?

Pues a eso ha respondido la autora en una entrevista reciente en la revista literaria estadounidense SheReads, donde ha reconocido sentirse orgullosa del trabajo de Feig al adaptar ‘La asistenta’ al cine y del que se declaró admiradora:

“Me quedé completamente impresionada. En un momento dado, se me saltaron las lágrimas por lo bien que lo hicieron. Cuando vi la película completa con mi familia, de camino a casa, no parábamos de hablar de lo buena que era. Incluso a mis hijos adolescentes les encantó, y son conocidos por ser muy difíciles de complacer”, declaró en el mencionado medio.

En la entrevista, Freida McFadden también desveló cuál fue uno de sus mayores miedos al saber que la novela se iba a adaptar al cine: “Una de las cosas que me preocupaba era si la película lograría capturar el humor del thriller, pero no tenía por qué haberme preocupado, porque [Feig] lo consiguió”, afirmó finalmente.

Freida McFadden sobre Sydney Sweeney: “Sentí que era Millie hecha realidad”

Aunque uno de los aspectos que más ha destacado la autora fue la elección del reparto, algo que ha alabado no solo por su adaptación, sino por también el resto de las películas dirigidas por Paul Feig: “Sinceramente, todos y cada uno de ellos superaron por completo mis expectativas para sus papeles. La primera escena que vi fue muy intensa, protagonizada por [Seyfried y Sklenar], y me puso la piel de gallina”.

Pero a quien ha apelado directamente ha sido a Sydney Sweeney, la actriz que dio vida al personaje de Millie Calloway, una joven recién salida de prisión que acepta un trabajo como empleada doméstica para el matrimonio formado por Andrew y Nina Winchester (Sklenar y Seyfried): “Ella apareció de repente en una foto en la que yo estaba, y lloré un poco cuando la vi porque realmente sentí que era Millie hecha realidad”.

No solo se quedó ahí, Freida McFadden también valoró positivamente el trabajo del resto del reparto, con quien además compartió momentos al visitar el rodaje: “Cuando vi la película completa meses después, quedé impresionada por todas sus interpretaciones. Estoy muy agradecida al reparto por haberse entregado al 110% a sus personajes. También me encantó lo genuinamente amables que fueron todos cuando los conocí en el set”, recordó McFadden.

“La asistenta” tendrá secuela y próximas adaptaciones de McFadden

La autora de ‘La asistenta’ está de enhorabuena porque debido al éxito que tuvo la adaptación se anunció una secuela, en la que Sydney Sweeney volverá a repetir su papel. Además de esto, StudioCanal se ha hecho con los derechos de ‘The Divorce’, su próxima novela de suspense. Todas estas noticias han convivido al mismo tiempo con el hecho de que tras años publicando, la escritora por fin reveló su verdadero nombre: Sara Cohen.

El cine español ha vuelto a hacer historia en la 79ª edición del Festival de Cannes, y lo ha hecho con un marcado acento extremeño. Pepa Gracia, natural de Puebla de la Calzada, ha desembarcado en el Grand Théâtre Lumière como parte del reparto de ‘El ser querido’, el esperado largometraje de Rodrigo Sorogoyen que compite por la Palma de Oro. La cinta, que se presentó el pasado 16 de mayo, recibió una de las acogidas más calurosas del certamen, con una ovación en pie que se prolongó durante ocho minutos y que sitúa a la producción como una de las grandes favoritas de la crítica internacional.

En este drama de madurez, Pepa Gracia interpreta a uno de los personajes integrándose en un elenco de primer nivel que encabeza Javier Bardem y Victoria Luengo. La película explora la compleja y a veces tóxica relación entre un aclamado director de cine y su hija actriz durante un rodaje en Fuerteventura, un marco de “cine dentro del cine” donde Gracia aporta la solidez de una intérprete formada en la constancia y el rigor escénico. Para la actriz poblanchina, esta presencia en Cannes no es un golpe de suerte, sino el resultado de un compromiso inquebrantable con el oficio que comenzó en su Extremadura natal.

La trayectoria de Gracia es un ejemplo de cómo el talento regional puede escalar hasta la cima de la industria cinematográfica europea. Hija de Teodoro e Isabel, y formada inicialmente en el colegio Nuestra Señora de la Encarnación de Puebla de la Calzada, Pepa creció rodeada de teatro gracias a la influencia de su padre. Aunque sus estudios oficiales la llevaron a diplomarse en Turismo en Cáceres, su vocación artística la impulsó a una formación de más de veinte años que incluye pasos por el Centro Andaluz de Teatro en Sevilla, la École des Sables en Senegal y el laboratorio de José Carlos Plaza en Madrid, a quien considera su gran maestro. Su “bautizo” profesional no pudo tener un escenario más emblemático: el Festival de Teatro Clásico de Mérida, donde debutó con la obra ‘Edipo Rey’ bajo la dirección de Juan Margallo.

En los últimos años, su rostro se ha hecho habitual tanto en la gran pantalla como en las principales plataformas de streaming. Ha participado en películas destacadas como ‘Objetos’, ‘Fatum’ o la aclamada ‘Te estoy amando locamente’, además de formar parte de series de éxito como ‘La Unidad’, ‘La Otra Mirada’ o ‘Feria’. A pesar de este currículum ascendente, Pepa Gracia mantiene una filosofía de trabajo basada en el esfuerzo diario, huyendo de la mitificación de la fama y reivindicando el escenario como el lugar donde realmente se siente libre.

Su paso por la alfombra roja de Cannes representa no solo un hito personal, sino un orgullo para las Vegas Bajas del Guadiana. La presencia extremeña en la sección oficial de Cannes, en un año en el que el cine español ha logrado una representación histórica con tres películas en competición, subraya la madurez de una generación de intérpretes que, como Pepa Gracia, llevan sus raíces por bandera mientras conquistan los templos del cine mundial. Tras su estreno mundial en Francia, el público español tendrá que esperar hasta el próximo 26 de agosto para ver su trabajo en salas comerciales.

Esta semana se nos fue Jack Taylor, un grande de lo que aún se llama “serie B”. No es una expresión que me agrade demasiado; en mi opinión, oculta más de lo que enseña y tiende a no definir gran cosa: en primer lugar, porque no hay subgéneros absolutos; en segundo, porque hay obras buenas, regulares y malas en cualquier forma de expresión y, en tercero, porque los tratamientos y las tramas de lo que vendría a ser —por contraposición— una serie A se han vuelto tan reiterativos y previsibles en general que, por mi parte, los considero una especie de pulp burgués. Ni la vieja y más seria diferencia de presupuesto económico, que trazaba una línea divisoria, dice nada a estas alturas. Y frente a un planteamiento comercial atascado, de tapón pasado de rosca que gira y gira sobre sí mismo sin abrir botella alguna, hasta las obras de menor calidad técnica parecen joyas si ponen algo nuevo sobre la mesa.

En circunstancias normales, este artículo sería un homenaje a aquel actor estadounidense que trabajó a las órdenes de directores como Corona Blake, Jesús Franco, Paul Naschy, John Millius y Roman Polanski y dejó dos autobiografías sin duda interesantes (Cuento lo que mi disco duro me permite y Mis 100 años de cine). Lo sería porque lo merece, y también lo sería por la importancia que tuvo para mi generación y alguna más, que crecimos viendo sus películas en un mundo ya desaparecido; en uno donde era fácil que hubiéramos visto casi todo el cine clásico al llegar a la adolescencia y, además, por poner el asunto en contexto, se fuera adicto a todo lo que proyectaban los cinestudios. Pero supongo que el domingo, cuando se publiquen las líneas que tienen ante ustedes, la prensa habrá hecho justicia a Taylor y al género que le hizo famoso, a diferencia de lo que habrá pasado con otro género y otra artista, fallecida igualmente el martes: Tania Doris, una de las pocas vedettes del antiguo Paralelo barcelonés que seguía con vida, tras la muerte hace unos meses de Merche Mar.

Hubo un tiempo en que los espectáculos de variedades ocupaban un espacio central en el paisaje cultural de nuestro país. Durante décadas, contaron con espectadores –y a veces protagonistas indirectos– de la categoría que mencioné una vez aquí mismo, como apellidos como Barga y Valle-Inclán (ver “Los pasos contados”) y, cuando los nacionales destruyeron la práctica totalidad de lo bueno que se podía destruir, siguieron siendo espacios de libertad, aunque limitados por la moral y las leyes del régimen. Se hacía lo que se podía; al principio, desde números y chistes tan blancos como el que contó la grandísima vedette que fue Mary Santpere en la entrevista que le hizo Pablo Lizcano en “Autorretrato” (TVE-1, 1985); después, tras la apertura relativa de la década de 1960, con más filo y, frecuentemente, entre apariencias como la del descubridor de Lina Morgan y Tania Doris, Matías Colsada, que ocultó su pasado republicano y se inventó o le inventaron una identidad y una biografía completas que le permitieron convertirse en uno de los principales empresarios de paredes.

Quien tenga interés en la aventura de Colsada debería echar un vistazo al capítulo que Juan Antonio Ríos Carratalá, autor de textos tan relevantes como Los consejos de guerra de Miguel Hernández, le dedica en De mentiras y franquistas. Pero, volviendo a la revista, el vodevil, el cabaret y demás, lo que acabó convirtiéndolos en una clase distinta de “serie B”, la derivada de la pérdida de influencia social, de acabar en un ámbito minoritario, no fue ni la censura ni la competencia de las salas cinematográficas; fue la comodidad del cine grabado (ahora serían las plataformas) y una serie de decisiones políticas que se demostraron nefastas, como ocurrió con el sector de Taylor tras la ley Miró, que se cargó el cine fantástico español con la fantástica excusa de hacer obras de calidad. Básicamente, lo que dice el chiste de Santpere, sobre un tipo que está disparando a los pájaros durante horas y que al final, harto de no cobrarse una pieza, pega otro tiro y suelta: “Matar, no te mataré, pero te echaré de España”.

Si no nos andamos con cuidado, llegará un día en que todas las expresiones artísticas ajenas al comercialismo audiovisual se consideren marginales y lo sean en la práctica, por falta de público o de lectores, porque una parte de la música y la literatura también sufre esa situación. Por ejemplo, es cierto que nuestras tablas no han tenido nunca tantos problemas como tienen ahora, pero lo es aún más que jamás se han leído menos obras de teatro, para vergüenza del país y desaprovechamiento de nuestra magnífica y altamente entretenida historia dramática. En un mundo donde todo tiene que ser igual, todo lo que no lo sea es “serie B”; aunque, en este caso, los monstruos de cartón piedra no pertenezcan precisamente a ella.