“O mueres como un héroe o vives lo suficiente para verte convertido en un villano”. Es probablemente una de las frases más emblemáticas del cine de superhéroes. El personaje de Harvey Dent, interpretado por Aaron Eckhart, fue el encargado de pronunciar estas palabras, y lo hizo en El Caballero Oscuro (2008), película sobre Batman que dirigió Christopher Nolan.

El cineasta no solo dirige sus proyectos, sino que también se encarga de escribir los guiones de la mayoría de ellos. Sin embargo, en este caso, Nolan no escribió la reflexión que el fiscal del distrito de Gotham, encargado de combatir el crimen y la corrupción de la ciudad, lanzó al principio de la película en una conversación con Bruce Wayne (Christian Bale).

El equipo del largometraje buscaba un giro que encapsulara los arcos de transformación de los personajes principales. En este caso, la sorprendente transformación de Harvey Dent en Dos Caras termina no solo explicando, sino confirmando el sentido de la frase, convirtiéndola en una idea central que atraviesa toda la película. 

Pero esto no fue cosa de Christopher, sino de Jonathan Nolan, hermano del cineasta, al que se le ocurrió la frase. Así lo compartió el director de películas como Oppenheimer (2023), Tenet (2020), Dunkerque (2017), Interstellar (2014) y Origen (2010) en una entrevista con Deadline. “Me atormenta una frase de El Caballero Oscuro, y me atormenta porque no la escribí yo. La escribió mi hermano”, empezó explicando. 

“Me mata, porque es la frase que más me impacta. Y en ese momento, ni siquiera la entendía. La leí en su borrador y pensé: ‘Vale, la dejaré, pero no sé muy bien qué significa. ¿De verdad es así?’ Y luego, con el paso de los años desde que se estrenó la película, me parece cada vez más cierta. En esta historia, es exactamente eso. Los ensalzamos, los destruimos. Es la forma en que tratamos a la gente”, añadió el cineasta. 

La colaboración de los Nolan

Jonathan y Christopher Nolan llevan años trabajando juntos. Su primera gran colaboración empezó con un relato corto escrito por Jonathan y titulado Memento Mori, que trataba sobre un hombre con pérdida de memoria a corto plazo que intenta resolver un crimen. Christopher utilizó esta historia como base para desarrollar el guion de Memento (2000), una de las películas más reconocidas de su trayectoria cinematográfica.

En todo este tiempo, los hermanos han coescrito juntos los guiones de películas como El truco final (El prestigio) (2006) o El Caballero Oscuro (2008), pero también han hecho proyectos por separado. Por ejemplo, muchos no saben que, en 2016, Jonathan Nolan creó y dirigió la primera temporada de la serie Westworld para la plataforma HBO.

Matt Damon se comprometió a poner su cuerpo a la altura de un antiguo guerrero griego para su papel en La Odisea, la próxima película épica dirigida por Christopher Nolan. Para conseguirlo, el actor de El indomable Will Hunting tuvo que seguir una estricta rutina de alimentación y ejercicio, según ha revelado recientemente él mismo en una entrevista para el podcast de New Heights.

“Estaba en muy buena forma. Perdí mucho peso. [Nolan] quería que estuviera delgado pero fuerte. Gracias a otra consulta con mi médico, dejé de comer gluten. Antes pesaba entre 84 y 90 kilos, y la película la hice en 74. No había estado tan delgado desde el instituto. Así que tuve que entrenar mucho y seguir una dieta muy estricta”, explicó el actor en el programa presentado por los jugadores de la NFL, Jason y Travis Kelce. Damon también confesó que se sintió como si estuviera participando en la preparación física para la competición de un deporte profesional.

Pese al esfuerzo, no es la primera vez que el actor de Hollywood transforma su cuerpo para un papel. Para The Informant!, película de 2009 dirigida por Steven Soderbergh, tuvo que engordar unos 14 kilos. “Empecé a comer como un loco y a beber cerveza negra. Me puse gordito. Entre comidas en el set, comía un menú de McDonald's y encima Doritos. Era una auténtica delicia”, compartió entonces con Entertainment Weekly.

La Odisea, cuyo estreno en cines está previsto para el 17 de julio de este año, se basa en el poema épico de Homero. Así, cuenta la historia de Odiseo quien, tras pelear junto a sus hombres en la sangrienta Guerra de Troya, emprende el viaje de regreso a casa. Además de Damon, el reparto de la película se completa con Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya, Lupita Nyong'o, Robert Pattinson, Charlize Theron, Jon Bernthal, John Leguizamo y Benny Safdie, entre otros.

Las dificultades de grabar con IMAX

Damon, que trabajó previamente con Nolan en Interstellar y Oppenheimer, también hizo referencia durante la entrevista al hito que ha conseguido La Odisea. Hablamos de la primera película de la historia del cine rodada íntegramente con cámaras IMAX. Esto ha hecho que el rodaje haya tenido que contar con ciertas particularidades. “Las cámaras IMAX son muy ruidosas. Suenan como una licuadora”, explicó en New Heights.

Así, Nolan y su equipo tuvieron que encontrar una solución para poder grabar las conversaciones entre los actores y actrices del filme y que estas se escucharan correctamente. “Construyeron una estructura gigante alrededor de la cámara para las escenas de diálogo y un sistema de espejos para que la línea de visión estuviera cerca de la cámara y se pudiera hablar con el otro actor. [Nolan] quería hacerlo 100% IMAX y lo logró”, compartió el actor. 

La Odisea es uno de los largometrajes con mayor presupuesto que ha firmado jamás este director, con un total de 250 millones de dólares invertidos en su producción. Estas cifras tan sólo se pueden equiparar con El caballero oscuro: La leyenda renace (2012), la película de Nolan con Christian Bale en el papel de Batman que entonces contó con el mismo presupuesto.

La presencia de Tardes de soledad al frente de la lista de Cahiers du Cinéma de lo mejor del año ha sido un buen corolario para lo que ha dado de sí internacionalmente el cine español. Al margen del desempeño que le quede por tener a Sirât en la carrera de premios, pocas dudas caben de que 2025 ha sido un año excelente para nuestra cinematografía y su proyección extramuros. Y este honor “tardío” para el documental de Albert Serra es significativo, pues de cara a 2026 se espera su nueva película de ficción. Out of this World será su primera producción en inglés, con F. Murray Abraham y Riley Keough (luego de que se tanteara a Kristen Stewart) de protagonistas.

Como Pacifiction, Out of this World abordará la geopolítica —en este caso la guerra de Ucrania— y es posible que, como Pacifiction, tenga su premiere en el Festival de Cannes. Antes de eso llegaría en marzo lo nuevo de otro de nuestros autores más universalmente aclamados, Pedro Almodóvar, que con el León de Oro de Venecia bajo el brazo (por La habitación de al lado) regresa a su idioma materno en Amarga Navidad rodeándose de Bárbara Lennie, Aitana Sánchez-Gijón o Vicky Luengo. Esta última, cada vez más solicitada, se dejaría ver meses después en El ser querido de Rodrigo Sorogoyen, donde Javier Bardem interpretaría a un padre director de cine que le ofrece un papel a su hija actriz, en una tesitura curiosamente similar a la que plantea la reciente Valor sentimental.

Los Javis estrenarán el año que viene su primera película como directores tras La llamada —y la primera desde su ruptura sentimental—, basándose La bola negra en una obra inconclusa de Lorca. Quieren estudiar “lo que significa ser maricón a lo largo del tiempo” con un reparto muy llamativo —de Penélope Cruz a Guitarricadelafuente— y ajustándose a una ambientación histórica que guiará algunas de las producciones españolas más ambiciosas de la temporada. Como Sacamantecas —lo nuevo de David Pérez Sañudo, aquí inspirándose en el primer asesino en serie de nuestro país— o Minotauro, con la que Julio Medem se adentra en la génesis del Guernica de Picasso.

Tras el éxito de su serie Yo, adicto, Javier Giner debutará en el largo con Esta soledad, mientras Cesc Gay se propone adaptar su propia obra de teatro en 53 domingos, apoyado por Netflix. También es un fenómeno teatral lo que impulsa Burundanga, el regreso de José Corbacho a la dirección y una prueba del volumen al que seguirá rindiendo la comedia en nuestro país. El taquillazo de Perfectos desconocidos en 2017 es uno de los hitos del género, y por fin tendrá secuela casi diez años después. Perfectos conocidos será sin embargo dirigida por Javier Fesser y no Álex de la Iglesia: él está ocupado con La cuidadora, donde por fin se reúne con Carmen Maura tras La comunidad.

Hay buenas previsiones para Cada día nace un listo —Arantxa Echevarría volviendo al molde de Políticamente incorrectos tras coronarse con La infiltrada—. También las hay para La familia Benetón+2, la inevitable secuela de la comedia de Leo Harlem, que será, sin embargo, eclipsada por Torrente presidente, donde su compañero Santiago Segura amenaza con satirizar a la clase política una vez ha concluido su ciclo Padre no hay más que uno y se propone resucitar a su personaje más recordado. Está por ver cómo funciona antes el experimento meta de Aída y vuelta a principios de año, mientras la cuarta entrega de Tadeo Jones lo tiene todo para arrasar.

Animación, videojuegos y secuelas aterradoras

Los dibujos animados atraen cantidades masivas de público. Lo acaba de demostrar Zootrópolis 2, aunque está por ver si la siguiente película de Disney Animation prevista para noviembre de 2026 tiene la misma suerte: Hexed, que narra una relación madre-hijo en un mundo de fantasía medieval, no es secuela de nada, y eso últimamente está deparando grandes fracasos para la Casa del Ratón. Así que su estudio subsidiario, Pixar, cruza los dedos con Hoppers —una suerte de Avatar donde una joven ecologista se hace pasar por castor—, aunque, si esta no funciona, al menos tiene previsto estrenar unos meses después, para verano, Toy Story 5.

La nueva aventura de los juguetes —ahora enfrentados a una tablet maligna— será otro bombazo de Disney. Existe la posibilidad, sin embargo, de que Super Mario Galaxy supere su recaudación: el 3 de abril volverá el fontanero de Nintendo. Illumination sigue a cargo de la licencia —preparando también Los Minions 3 para el verano—, mientras que Super Mario Galaxy no será la única adaptación animada de unos videojuegos icónicos: de cara a las siguientes Navidades llegaría una tercera entrega de Angry Birds. Sony Animation está detrás de ella, en un año donde se las promete muy felices gracias a Como cabras —baloncesto con animales antropomórficos— o al Oscar a Mejor película animada que es probable que le dé Las guerreras k-pop.

Volviendo a Disney no habría que perder de vista a Vaiana: remake de acción real de una película de dibujos con apenas una década de vida, que conserva a un Dwayne Johnson de carne y hueso como Maui. Los remakes y reboots siguen a la orden del día en Hollywood. Sin alejarnos de los videojuegos tendremos nuevas películas de Mortal Kombat y Street Fighter —con Noah Centineo de protagonista tras haberse quedado sin interpretar a He-Man; este tendrá el rostro de Nicholas Galitzine en la Masters del Universo que Mattel quiere para la temporada veraniega—, mientras que la nostalgia allanará el camino de las secuelas de El diablo viste de Prada, Prácticamente magia y… Los padres de ella, cuya cuarta entrega ha fichado a Ariana Grande tras el triunfo de Wicked.

El mencionado Johnson estrenará asimismo una nueva Jumanji en las Navidades de 2025 queriendo homenajear a Robin Williams, y consolidando la dinámica de recurrir a éxitos previos para asegurar una taquilla imprevisible. Es algo que también suscribe el cine de terror, aunque es cierto que la idea de partida de 28 años después ya era que su historia continuara en dos entregas: El templo de los huesos inaugurará en enero la cosecha terrorífica, muy conectada igualmente a los videojuegos. Christophe Gans estrena Return to Silent Hill, mientras que un Zach Cregger recién catapultado por el éxito de Weapons tiene vía libre para hacer con la marca Resident Evil lo que se le antoje.

Quizá el gran evento de terror del año —con permiso de Terrifier 4, que se supone concluiría la sangrienta historia de Art el Payaso en Halloween— sea Scream 7, con el reparto antiguo de vuelta para enfrentarse a Ghostface, y así disimular que ha perdido a las actrices principales (Jenna Ortega y Melissa Barrera) y a los directores de las dos últimas entregas (Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin volverán a sus orígenes con Noche de bodas 2). Aunque seguramente nada le haga tanto daño como tener cerquísima el estreno de Scary Movie 6, con los hermanos Wayans de vuelta para parodiar todo lo que haya propuesto el género en los últimos años.

Entre el blockbuster y el cine de autor

Clayface es otro filme de terror previsto para septiembre, dirigida por James Watkins tras haber convencido a la cinefilia con No hables con extraños. Su gran particularidad es que pertenece al Universo DC de James Gunn, decidido a inyectarle variedad al adocenado cine de superhéroes. Lo hará, eso sí, después de que Supergirl continúe la senda del Superman previo, con Milly Alcock en el papel de su prima kryptoniana. Frente a este lento reinicio de la Distinguida Competencia, Marvel Studios prepara para el año que viene el gran clímax de su Saga del Multiverso, que volverá a constar, como cuando Vengadores: Infinity War/Endgame, de dos partes.

Luego de que Tom Holland vuelva a balancearse en Spider-Man: Brand New Day —película que, pese a añadir a Mark Ruffalo como Hulk, quiere devolver al trepamuros a una cotidianidad urbana fuera de los excesos multivérsicos de No Way Home—, la incansable máquina de Kevin Feige estrenará en diciembre Vengadores: Doomsday. Tras las últimas decepciones de crítica y público, Marvel orquestará un nuevo evento Vengador —con vistas a continuar en 2027 con Vengadores: Secret Wars— sin tampoco jugársela en exceso. Por eso volverán Anthony y Joe Russo como directores, junto a los X-Men de los 2000 e incluso Robert Downey Jr. (ahora como villano).

Este conservadurismo de Disney explica también que la primera película de Star Wars que produce en seis años —tras la debacle de El ascenso de Skywalker— vaya a ser The Mandalorian & Grogu, culminando aquella serie que tan bien le sirviera para vender suscripciones a su plataforma de streaming. La taquilla mundial parece garantizada con esta aglomeración de jugadas seguras —no hay que perder de vista lo mucho que puede arrasar Michael, tanto como para que sus artífices ya estén pensando en dividir este biopic de Michael Jackson en dos partes—, y quizá haya que buscar en otro sitio para hallar películas que aúnen el espectáculo con cierta ambición o personalidad.

Nos habría gustado que Greta Gerwig escogiera un proyecto más apetecible tras Barbie, pero habrá que confiar en esa adaptación de Las crónicas de Narnia que desarrolla con Netflix. Proyecto Salvación, con Ryan Gosling, adapta otra novela del estimulante autor de El marciano, y le sigue de cerca una nueva precuela de Los juegos del hambre. Amanecer en la cosecha —con Ralph Fiennes, Elle Fanning o Jesse Plemons al frente— quiere seguir enriqueciendo el legado de Suzanne Collins.

Lo mismo que Denis Villeneuve quiere hacer con su amado Frank Herbert, en una Dune: Parte 3 que Warner quiere tener lista para Navidad (veremos si lo logra). Y entre todos estos autores comerciales se erige, por supuesto, Christopher Nolan, fijando a Homero como objetivo y a la historia de la que nacen todas las historias: seguramente sea La Odisea la superproducción más esperada del año, encabezada por Matt Damon como un Ulises ansioso por volver a casa.

Alrededor de Nolan se perfilan otras propuestas tan sugerentes como el nuevo y enigmático film de Steven Spielberg —que aún no tiene título, pero sabemos que retomará su obsesión por los extraterrestres—, Remain de M. Night Shyamalan o Artificial de Luca Guadagnino. El incansable italiano quiere ahora arremeter contra Silicon Valley alrededor de los inicios de ChatGPT, dentro de un proyecto que halla ecos con The Social Reckoning. Por supuesto que La red social debía tener una secuela que siguiera cubriendo el turbio historial de Mark Zuckerberg, con Aaron Sorkin ahora dirigiendo además de escribiendo, pues David Fincher está ocupado.

¿En qué estará ocupado Fincher? En la secuela de Érase una vez en Hollywood, que protagoniza Brad Pitt y produce Netflix con guion de Quentin Tarantino (quien sigue dándole vueltas a cuál debería ser la película merecedora de clausurar su carrera). The Adventures of Cliff Booth volverá a echar un vistazo a las bambalinas de Hollywood, si bien hay otra propuesta de este corte que va a atraer todas las miradas en 2026: la nueva película en inglés de Alejandro G. Iñárritu, que ha fichado a Tom Cruise para un misterioso papel. Uno que, asumimos todos por el precedente Birdman, estará basado en él mismo.

El regreso de Cruise al cine de autor encabezará la carrera al Oscar, rodeado de talentos más jóvenes que acaparen la conversación. Es lo que pronto hará Emerald Fennell con Cumbres borrascosas coincidiendo con San Valentín, precediendo lo nuevo de David Lowery (Mother Mary) o David Robert Mitchell (Flowervale Station). Todo para concluir en Navidades con otra versión del Hombre Lobo a cargo de Robert Eggers (similar a la jugada de Nosferatu en 2024) y una más del Cuento de Navidad de Charles Dickens. Dirigiendo en este caso Ti West, asiduo al cine de terror, con nada menos que Johnny Depp como Scrooge. Una forma de acabar el año como otra cualquiera.

La Odisea de Christopher Nolan es, sin duda alguna, una de las películas más esperadas del año que viene. Después de triunfar en los Premios Oscar con Oppenheimer (2023), el cineasta británico viene dispuesto a dar que hablar con esta adaptación cinematográfica de la epopeya griega más famosa de Homero junto a La Ilíada. La película llegará a cines el 17 de julio de 2026 pero, antes de su estreno, ya ha conseguido su primer récord.

La nueva de Nolan será será la primera película de ficción de la historia rodada íntegramente con cámaras IMAX. Hasta ahora, muchas producciones habían filmado secuencias con este equipo, pero ninguna había capturado todo un largometraje con él. Hablamos de las cámaras con mayor resolución del mercado y con dos particularidades que las hacen casi exclusivas: solo hay ocho en el mundo y cuestan alrededor de 500.000 dólares. 

Pero más allá de los aspectos técnicos, la adaptación de La Odisea también promete estar en el centro de la conversación por el reparto que participará en ella. En las primeras imágenes reveladas del filme, podemos ver a Anne Hathaway como Penélope y Tom Holland como Telémaco. Por su parte, Robert Pattinson dará vida a Antínoo, Zendaya será la diosa Atenea, mientras que Odiseo será interpretado por Matt Damon. 

El nuevo proyecto de Christopher Nolan no es solo ambicioso por adaptar este clásico de la literatura y la mitología griega. La Odisea será uno de los largometrajes con mayor presupuesto que ha firmado jamás el cineasta, con un total de 250 millones de dólares invertidos en su producción. Estas cifras tan sólo se pueden equiparar con El caballero oscuro: La leyenda renace (2012), su otra película que contó con el mismo presupuesto.

Una experiencia épica

Uno de los actores que ya ha compartido su experiencia en el rodaje de la película ha sido Matt Damon, que encarna al personaje protagonista de esta historia. La Odisea cuenta el viaje de regreso de Odiseo a lo largo de 10 años a su hogar, Ítaca, después de la guerra de Troya. “Puedo decir, sin exagerar, que fue la mejor experiencia de mi carrera”, ha confesado el actor en una entrevista para Empire.

Es la tercera vez que Nolan y Damon colaboran, tras Interstellar y Oppenheimer, pero esta es la primera vez que el actor protagoniza una película del director. “Vi el caballo de Troya en la playa y pensé: ¡Joder! Fue simplemente genial”, confesó el intérprete, que ha destacado el realismo del rodaje. “Si dice que vas a correr por tu vida huyendo de un cíclope, vas a correr por tu vida. Chris no se guarda nada”.

Todo apunta a que Nolan no se limitará a narrar los episodios de La Odisea y que podría incorporar algunos pasajes de La Ilíada, ampliando la historia que da inicio al viaje de Odiseo. Además, existe el rumor de que un prólogo se proyectará en cines durante la emisión de Avatar: Fuego y Ceniza. Este empezaría con la frase “¿Han oído la historia del caballo?” y ofrecería a los espectadores un pequeño adelanto de la película. Habrá que esperar para ver si se confirma la noticia. 

Este verano, entre las fotos que la gente realiza a los libros que lee en la playa, se ha colado un intruso entre best sellers como La asistenta o la última entrega de Los juegos del hambre. Un libro escrito en el siglo VIII antes de Cristo aparecía en las redes sociales en alguna de las múltiples ediciones que se han ido publicando en los últimos años. Se trata de La Odisea, el poema épico griego atribuido a Homero y que vive una segunda vida en medio de anuncios de películas, publicaciones modernas que aportan nuevas miradas e incluso nuevas traducciones como la de Daniel Mendelsohn, que antes ya se ha atrevido a revisar cómo el texto de Homero se ha colado por las rendijas de su vida en las relaciones con su padre y sus alumnos a los que explicaba sus versos en Una Odisea: Un padre, un hijo, una epopeya (Seix Barral).

En España, la reedición que lanzó Blackie Books hace cuatro años se ha convertido en su 'clásico liberado' más leído con más de 40.000 ejemplares. Una versión plagada de aportaciones llegadas de la mano de nombres como Margaret Atwood, Nick Cave o Javier Krahe para enriquecer el texto original. Y todo esto sin que todavía se haya estrenado la superproducción de Christopher Nolan, que en julio de 2026 verá cumplido su sueño de adaptar el texto de Homero en un filme que dicen que apostará por los efectos visuales prácticos y que ha querido rodar en los escenarios naturales donde, supuestamente, tuvieron lugar los hechos relatados por Odiseo/Ulises (sin contar su polémico paso por el Sáhara Occidental que ha hecho que personalidades de la cultura como Bardem o Sorogoyen hayan firmado un manifiesto en su contra).

Un año antes de que Nolan estrene su versión de La Odisea ha llegado a los cines españoles El regreso de Ulises, en la que el cineasta italiano Uberto Pasolini junta, 29 años después de El paciente inglés, a Ralph Fiennes y Juliette Binoche para convertirles en Ulises y Penélope. Su filme se centra en la última parte de La Odisea y prescinde de los elementos mitológicos para hablar “del viaje de una familia que busca la manera de reunirse frente a obstáculos externos, pero, aún más importante, en sus propios corazones”.

El cineasta ha abordado esta película debido a su pasión por la obra, pero también porque cree que “a pesar de la omnipresencia de La Odisea en la cultura occidental y sus temas atemporales y universales, el cine nunca ha hecho justicia a la historia del regreso de este soldado a su tierra, a su esposa y a su hijo”. Además, en un mundo al borde del colapso “Homero nos obliga a afrontar la tragedia de la guerra, de quienes la libran y de quienes quedan atrás, de una manera que resulta increíble y tristemente relevante”.

En palabras del director, “los mitos sobreviven porque son historias excelentes, creíbles e increíbles a la vez”. La Odisea sigue vigente porque “sus personajes son trascendentales, pero también, en esencia, humanos”. “En esta película, tomamos un mito antiguo, conocido en todo el mundo, con el que muchas personas tienen una conexión emocional y guiamos a nuestro público a descubrir la verdad humana que se esconde tras esa historia ancestral, encontrando en las figuras míticas a seres humanos como nosotros”, dice en el dosier de prensa del filme.

Para la escritora Alana S. Portero, autora de La mala costumbre (Seix Barral) y del libro de poemas La habitación de las ahogadas (La Bella Varsovia), La Odisea es actual porque “de los grandes poemas o narraciones épicas es el más humano”. Compara a Odiseo con don Quijote por su “profunda humanidad”. “El gran héroe, el gran hombre, Aquiles, muere por una flecha lanzada por un cobarde. Odiseo sobrevive, sufre, engaña, disfruta como un loco, se equivoca, se arrepiente, ama, se apasiona, pide ayuda, no le mueven ideales de grandeza o de posteridad, solo quiere volver a casa y hace de la necesidad virtud, ya que ha de superar enormes obstáculos procura no desaprovechar la oportunidad de llenar su vida de experiencias de todo tipo. Odiseo podemos ser cualquiera”, explica.

Odiseo cae constantemente en la tentación, es un personaje dionisíaco. Es lo contrario a la oleada de masculinidad apolínea, estoica y protestantona que nos ha tocado vivir

Alana S. Portero — Escritora

La Odisea es “universal porque se adapta a los tiempos, porque conserva su capacidad de seducción siglo tras siglo y, sobre todo, porque nunca deja de desplegar ángulos desde los que ser leída”. De esos ángulos nuevos cree que el más interesante es ver cómo la obra habla “de la inutilidad del concepto de ‘hombre-hecho-a-sí-mismo’”. “Odiseo debe ajustar —usando un verbo muy generoso— sus principios constantemente, se apoya en sus compañeros de viaje y ellos en él. Sin la intercesión de Atenea, La Odisea hubiera sido un crucero turístico alrededor de la Isla de Tabarca. Odiseo cae constantemente en la tentación, es, sobre todas las cosas, un personaje dionisíaco. Es lo contrario a la oleada de masculinidad apolínea, estoica y protestantona que nos ha tocado vivir”, apunta.

Una de las personas que más sabe de La Odisea es Carlos García Gual, responsable de una de sus traducciones al español más alabadas, la de la editorial Alianza. Para él el libro es, sin dudas, “el más influyente y el que ha tenido más ecos a lo largo de la literatura occidental”. Destaca su variedad de temas y cómo, su héroe es, a la vez “un gran narrador”. “No solo es un gran guerrero, sino que también es un aventurero ágil y diestro en engaños, pero también un gran narrador. La Odisea está contada en gran parte por el propio Ulises”, recuerda.

Define a Ulises como “el primer narrador fantástico”. “Una de las normas de la literatura fantástica es que lo bueno es que el protagonista nos cuente sus propias aventuras, como hace Simbad el Marino. Por eso es un héroe diferente del puramente guerrero, como era Aquiles o al héroe trágico, como Agamenón. Ulises reúne varios aspectos. Es el héroe del retorno. Lo que quiere es volver a casa y contar su historia. Por eso su sombra está en toda la literatura posterior”, subraya y pone el foco en otra de las características que la distinguen de otras obras clásicas, su “final feliz”.

Es el héroe del retorno. Lo que quiere es volver a casa y contar su historia. Por eso su sombra está en toda la literatura posterior

Carlos García Gual — Traductor de 'La Odisea'

Tanto Alana S. Portero como García Gual rechazan que sea un libro complicado para las nuevas generaciones. El traductor destaca “sus múltiples aventuras y encuentros”, mientras que la escritora aboga por apelar a la inteligencia de los jóvenes y no creer en prejuicios. “La mayor muestra de respeto que se puede tener hacia la gente joven, sobre todo hacia los adolescentes, es dejar de darles las cosas masticadas. Estoy cansada de los ‘clásicos empanados’ y de dar por sentado que una chavala de 16 años nos necesita a nosotros y nuestras viñetas explicativas para entender y disfrutar cualquier cosa”, opina.

Por ello cree que hay que “intentar transmitirles la pasión por los clásicos”, algo que le consta que “hacen muchas profesoras y profesores cada día”. “Facilitar es un verbo que me repugna cuando se trata de abordar el conocimiento, lo que hay que facilitar es el derecho a la educación universal, y saber transmitir que quizá algún que otro clásico les va a resultar un ladrillo insufrible, pero que merece la pena leerlo entero y conocerlo”, zanja. Para ello, también cree que el cine es un buen incitador: “Cuando el cine adapta clásicos y sabe capturar su esencia, casi siempre alimenta la curiosidad por conocerlos. Incluso si los desafía con propuestas ‘sacrílegas’. Mientras no lo haga innecesariamente masticable y le extraiga la complejidad, siempre es buena idea hacer una película basada en un libro inmortal”.

El cine español se ha movilizado contra Christopher Nolan y el rodaje de La Odisea. Artistas como los realizadores Rodrigo Sorogoyen e Icíar Bollaín y actores como Javier Bardem, Juan Diego Botto, Carolina Yuste o Luis Tosar se han sumado al manifiesto del Festival Internacional de Cine del Sáhara (FiSahara) contra la grabación de la película en este lugar africano.

En dicho manifiesto, remitido a los medios de comunicación, se pide a Universal Pictures, Syncopy y Nolan “que rompan su silencio sobre por qué eligieron la ciudad de Dajla, ocupada por Marruecos, en el Sahara Occidental, como lugar de rodaje de escenas de la película”.

“El señor Nolan filmó allí sin el consentimiento del pueblo saharaui. El único consentimiento que recibió provino de la fuerza ocupante: Marruecos. A día de hoy, Dajla y el Sahara Occidental no son el lugar soñado que Nolan imagina para su película”, denuncia el texto. A lo largo del mismo se señala, entre otros puntos, que el pueblo saharaui fue “expulsado” de su tierra en 1975, “obligado a huir al desierto y fue bombardeado con fósforo blanco y napalm por aviones marroquíes y franceses”.

Consentimiento del pueblo saharaui

“Nolan y su equipo pueden haber contribuido sin saberlo a la represión del pueblo del Sahara Occidental, ayudando a normalizar la brutal ocupación de Marruecos”, continúa el manifiesto, en el que se pide al equipo de la película que reconozca públicamente que no debería haber firmado escenas en Dajla y que “no las editen o que obtengan el consentimiento para hacerlo del pueblo saharaui”.

Asimismo, se invita al cineasta estadounidense a “utilizar su poderosa plataforma para arrojar luz sobre la crítica situación de los y las saharauis bajo la ocupación marroquí y de los que viven en condiciones extremas en los campos de refugiados de Argelia”, donde tiene lugar FiSahara.

La lista de firmantes del manifiesto incluye un buen número de personalidades españolas. Así, además de los citados, aparecen los también intérpretes Javier Gutiérrez, Nathalie Poza, Carlos Bardem, Guillermo Toledo, Alberto San Juan y Melanie Olivares y los directores Benito Zambrano y Fernando Colomo, entre otros.

Una de las películas más esperadas del próximo año

La adaptación cinematográfica que el cineasta está preparando de La Odisea ya se ha convertido en uno de los títulos más anticipados de 2026, con un reparto que incluye a importantes figuras del cine como los actores de moda Tom Holland y Zendaya, así como Matt Damon, Robert Pattinson, Jon Bernthal y Anne Hathaway.

El británico-estadounidense ha logrado que esta epopeya mitológica que sigue la historia de Odiseo y su largo viaje a casa, de 10 años de duración, tras la guerra de Troya, ya se haya postulado como el estreno más potente del año que viene. De hecho, Christopher Nolan ha sacado entradas un año antes y ha desatado el caos por la reventa. Los cines IMAX, formato en el que se ha rodado su adaptación de la obra de Homero, han puesto a la venta los primeros tickets que alcanzan ahora los 400 dólares.

El director, que se ha convertido en uno de los más influyentes de su tiempo gracias a trabajados como El caballero Oscuro y Origen, ha asentado una legión de seguidores incondicionales que abarrotan las salas cuando estrena una película, por lo que es evidente que La Odisea hará mucho ruido cuando llegue a las salas. Sin embargo, parece que la expectación se está produciendo mucho antes de ese anticipado estreno.

Hay pocos directores cuyo nombre sea el principal reclamo de una película. Que cuando la gente vea su apellido en un cartel actúe como imán, como efecto promocional como normalmente pasa con los actores y actrices. Sin duda uno de ellos es Christopher Nolan. El director se convirtió, gracias a títulos como El caballero Oscuro y Origen, en un cineasta con una legión de seguidores incondicionales que abarrotan las salas cuando estrena una película.

Pocos hubieran apostado que un filme sobre el creador de la bomba atómica de más de dos horas de duración y con partes en blanco y negro se convertiría en un pelotazo comercial, pero ahí llego Nolan y con su Oppenheimer no solo arrasó en los Oscar (llevándose el primero de su carrera como Mejor director además del de Mejor película), sino que también logró la estratosférica cifra de 975 millones de dólares en todo el mundo. Una cantidad reservada, normalmente, para franquicias como Los vengadores y productos parecidos.

Tras su golpe en la mesa con Oppenheimer, Nolan decidió abordar uno de sus proyectos soñados, La odisea. La adaptación del relato clásico de Homero tenía por fin luz verde con los mismos socios (Universal al frente tras dejar a Warner por el maltrato que dio a Tenet durante la pandemia) y con la promesa de intentar ser lo más fiel posible a la obra original. El rodaje de La Odisea comenzó hace unos cuantos meses, y todavía se está llevando a cabo en los escenarios que, supuestamente, Ulises recorría en el texto.

Por tanto, al ser un filme en pleno desarrollo al que le falta no solo culminar su rodaje, sino un proceso de posproducción muy extenso, sorprendió mucho que se anunciara que justo un año antes de la fecha de estreno del largometraje, que tendrá lugar el 17 de julio de 2026, se pondrían a la venta unas primeras entradas para poder ver el filme en cines IMAX, ya que La Odisea será el primer filme rodado en su totalidad con cámaras de dicho formato.

26 cines de EEUU, Canadá, Reino Unido, Australia y República Checa (los cines oficiales IMAX) sacaron a la venta las primeras entradas para una serie de pases especiales que tendrán lugar desde la tarde del jueves 16 de 2026 hasta el domingo 19. Es decir, el primer fin de semana de estreno del filme. Como no se sabe la duración final, las entradas son para un pase que comienza a las 19h y que puede durar hasta las 22h, por lo que se estima que la película superará las dos horas y media de un metraje que todavía se está rodando.

El Bad Bunny del cine

Así, Christopher Nolan se convirtió en el Bad Bunny o en la Taylor Swift de los cineastas. Es habitual que los grandes estrenos de franquicias como Marvel pongan sus entradas a la venta con meses de anticipación, pero nunca hasta ahora se había hecho un año antes, y menos con un filme que no se ha terminado. Por supuesto, la estrategia funcionó, 24 horas después el 95% de las entradas se han vendido y en casi todos los cines ya aparece el cartelito de 'Sold Out' que indica que no quedan localidades.

Como con las estrellas musicales, la estrategia de Nolan ha provocado un daño colateral… la reventa. En los cines de las ciudades más grandes desaparecieron las entradas en cuestión de horas, pero estas ya han reaparecido en webs de reventa y en otros portales como eBay, donde horas después ya había tickets por más de 200 dólares, cuando el precio habitual de una proyección IMAX está en torno a los 25 dólares. Un día después los precios ya se encontraban en torno a los 400 dólares.

Tal como ha contado Variety, una función el domingo 19 de julio por la noche en Dallas se vende al 400% de su valor original, y además en un asiento con mala visibilidad y se han iniciado pujas por paquetes de cuatro entradas para el sábado en AMC Lincoln Square en Nueva York por 1000 dólares. Es decir, a 250 dólares cada una.

Lo ocurrido con La Odisea de Nolan vuelve a poner de manifiesto el problema de la reventa en eventos culturales, algo que en España quieren atajar desde el Ministerio de Consumo con la Ley de Consumo Sostenible que fue aprobada hace unas semanas en el Consejo de Ministros y que ahora se enfrenta al trámite parlamentario. Lo que pretende la cartera liderada por Pablo Bustinduy es prohibir el aumento de precios de las entradas de eventos culturales.

En la actualidad ya está prohibida la utilización de bots para adquirir entradas de espectáculos culturales y posteriormente revenderlas, pero la realidad muestra que esa prohibición no está funcionando. Por tanto, ahora quieren impedir que en esa reventa se pueda incrementar el precio de la entrada más allá de la variación del IPC desde el momento de la compra inicial.

Con dicha medida se busca atacar los incentivos económicos que hay actualmente en la reventa para poder acabar con la misma. Es decir, que la compra de entradas masiva a través de bots para después vender la misma a precios desorbitados deje de ser posible.

Para ello plantean un plan de actuación similar al que están usando con la publicidad de pisos turísticos. La puesta a la venta de entradas de espectáculos culturales en reventa que tengan un precio superior al regulado convertirían dicha actividad en ilícita, lo que provocaría que se pudiera instar al bloqueo de las páginas web donde se estuviese produciendo la infracción, y la consecuente sanción para el infractor.

Lo que sabemos de 'La Odisea'

Como en cualquier película de Christopher Nolan, el secretismo ha sido la tónica dominante durante el rodaje. Apenas se han filtrado unas imágenes, aunque se ha podido ver un primer teaser trailer antes de Jurassic World. Apenas un minuto que se filtró en redes sociales (solo se ha visto en salas) pero que no da casi pistas de la ansiada adaptación de Nolan.

Aun así ya hay varias cosas que sí se saben del proyecto. Además de su fecha de estreno, el 17 de julio de 2026, se ha confirmado un reparto extensísimo: Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya, Lupita Nyong'o, Robert Pattinson, Charlize Theron y Jon Bernthal, entre otros muchos. Damon será el encargado de interpretar a Ulises, y Holland a Telémaco, pero del resto no se sabe qué personajes encarnarán. Se ha rumoreado que Theron será Circe, y que Zendaya podría ser Nausicaa por unas imágenes del rodaje.

También se sabe que Nolan recurrirá a sus sospechosos habituales al frente de los equipos técnicos. Ludwig Göransson se encargará de la banda sonora; Hoyte Van Hoytema de la fotografía y Jennifer Lame del montaje. Todos trabajaron con el cineasta en Oppenheimer y todos ellos ganaron el Oscar. Una de las películas más esperadas del próximo año y que ha iniciado una nueva moda, la de la reventa como si fuera un concierto.

Después de ganar 7 premios Oscar con su última película, Oppenheimer, la expectativa es máxima sobre el próximo proyecto del director Christopher Nolan, que se embarca en la tarea de adaptar un clásico como es la Odisea de Homero en un estreno para el que todavía hay que esperar un año para ver en las salas de cine de todo el mundo.

La Odisea de Christopher Nolan ha entrado de lleno en la actualidad debido al estreno de su primer tráiler, que nos ofrece las primeras imágenes de la que es una de las películas más esperadas y una de las próximas adaptaciones literarias en el cine.

Cómo ver el tráiler de La Odisea en cines

Al igual que hizo en anteriores ocasiones el director de cine, este primer avance de la Odisea ha optado por la estrategia de que solo se vea en salas, en este caso antes de una de las películas de Universal que están en la taquilla este verano de 2025, como es el caso de Jurassic World: Rebirth.

Es precisamente de esta forma cómo se puede ver el primer tráiler de la Odisea de Christopher Nolan, acudiendo a las salas de cine para disfrutar de Jurassic World: Rebirth, la última entrega de la saga de Steven Spielberg, protagonizada por Scarlett Johansson y Jonathan Bailey.

Si bien el tráiler de la Odisea se ha filtrado también por internet y redes sociales, de forma oficial solo se puede ver a través de la pantalla grande, y en el video solo aparece Tom Holland como uno de sus principales nombres de un elenco que incluye también a Matt Damon, Anne Hathaway, Zendaya, Lupita Nyong'o, Robert Pattinson, Charlize Theron, Jon Bernthal, Benny Safdie, John Leguizamo, Elliot Page, Himesh Patel, Mia Goth o Corey Hawkins.

Matt Damon fue precisamente el protagonista de la primera imagen promocional del proyecto, ataviado como Ulises, en una instantánea que sirvió para abrir boca de la próxima película de Nolan, de la que se fue conociendo más y de la que también se ha compartido el primer poster, con cabeza de una estatua clásica junto al nombre del director, que ha sido rodada en IMAX y la línea “desafía a los dioses”.

Fecha de estreno de la Odisea de Christopher Nolan

La fecha prevista de estreno de la Odisea de Christopher Nolan está para el 17 de julio de 2026, un dato que se puede ver también en el primer poster compartido del largometraje que aspira a ser uno de los proyectos más ambiciosos del director al adaptar el poema clásico de Homero.

De hecho, se ha afirmado que va a ser la película más cara de Nolan con un presupuesto que superaría los 250 millones de dólares, superando a otro de sus grandes proyectos, ‘El caballero oscuro’, la segunda entrega de su trilogía de Batman con Christian Bale como protagonista.

Tras ser uno de los grandes nombres de los Premios Oscar 2024 con Oppenheimer al ganar 7 estatuillas, Christopher Nolan levanta grandes expectativas desde que se anunció su último proyecto: una adaptación de La Odisea de Homero, algo que se puede apreciar cada vez que se dan nuevos detalles de este y también otras adaptaciones literarias que copan los próximos estrenos más esperados en el cine.

La Odisea

Para el verano de 2026 está previsto el estreno de la adaptación de la Odisea por parte de Christopher Nolan, de la poco más se sabe que parte del elenco con el que contará, con Matt Damon en el papel de Ulises, del que se distribuyó una fotografía en el set, y que tendrá también actores de la talla de Charlize Theron, Tom Holland, Zendaya, Lupita Nyong'o o Robert Pattinson.

Las crónicas de Narnia

Otra de las adaptaciones literarias más esperadas son las dos películas que Greta Gerwig está preparado de la saga Las Crónicas de Narnia. Una nueva versión para Netflix de los libros de C.S Lewis, que comenzaría por el primer libro El sobrino del mago, y que estaría previsto su estreno en noviembre de 2026.

De momento, poco más se conoce de este proyecto, del que se ha rumoreado que parte de su elenco podría ser la artista Charli XCX como la reina blanca, así como Meryl Streep o Daniel Craig.

Cumbres Borrascosas

Para mediados de febrero de 2026, coincidiendo con la celebración del Día de San Valentín está previsto el estreno de la nueva versión del clásico de Emily Brontë, Cumbres Borrascosas, de la mano de Emerald Fennell, que dirigirá su otra película tras filmar Una joven prometedora y Saltburn. De lo que se sabe de esta adaptación es que contará con Margot Robbie y Jacob Elordi como protagonistas en los papeles de Catherine y Heathcliff.

Frankenstein

Para otoño de 2025, en concreto noviembre, está previsto que llegue el Frankenstein de Guillermo del Toro, con Oscar Isaac como el científico y Jacob Elordi en el de la criatura que este crea, en una nueva adaptación de la novela de Mary Shelley. Christoph Waltz es otro de los nombres que engrosan el elenco de un largometraje que era uno de los grandes deseos desde niño, en palabras del director mexicano.

Hamnet

Uno de los clásicos recientes de la literatura, el best seller Hamnet, de Maggie O’Farrell, es otra de las adaptaciones más esperadas en el cine, y que llegará de la mano de la ganadora de un Oscar, Chloë Zhao, con Paul Mescal y Jessie Buckley en los papeles protagonistas, de una película de la que poco se sabe más y que podría tener su estreno este mismo 2025.

Uno de los eternos debates en torno a los premios es su escasa conexión con el sentir popular. No siempre, o mejor, casi nunca, la película que más gusta a los espectadores es la que se lleva los reconocimientos. Se escucha mucho esa frase que dice que “antes la que ganaba el Oscar era la que había arrasado en la taquilla”. Para fortalecer ese argumento se suele citar Casablanca o Lo que el viento se llevó, títulos que no solo triunfaron entre la crítica sino en las salas de cine. Los Oscar llevan años intentando encontrar ese equilibrio. Durante años las obras vencedoras fueron títulos más minoritarios en ceremonias que fueron perdiendo audiencia, lo que muchas personas vincularon en una relación de causa-efecto. 

Al final, los Oscar son también un show televisado que quiere ser visto y tener repercusión. Por eso, en los últimos años se han hecho intentonas como ese fallido premio al filme más popular del año pasado (¿alguien se acuerda quién lo ganó?). Muchos creen que por eso en las últimas ediciones se están nominando (Black Panther), e incluso premiando (Todo a la vez en todas partes) películas más populares. Este 2024 lo tenían muy fácil. En un año complicado, todavía con resaca pandémica y con una huelga de actores que paralizó la industria, Hollywood vio cómo se creaban dos fenómenos como hacía tiempo que no se veían. Uno con nombre muñeca, Barbie; y el otro con nombre de físico, Oppenheimer.

Ambos han sido, sin ninguna duda, los títulos del año. Dos películas que han pasado al imaginario popular en poco tiempo, que son reconocidas y que han reventado la taquilla. Las nominaciones ya dejaron claro que la Academia de Hollywood iba más con Oppenheimer que con Barbie, y con la entrega de los Oscar lo han confirmado. El filme de Christopher Nolan ha arrasado como se esperaba. Siete estatuillas, entre ellas las más importantes, Película —que llegó tras uno de los mayores anticlímax posibles cuando Al Pacino dijo el ganador saltándose el vídeo de nominados previo—, dirección para Christopher Nolan; Actor protagonista (Cillian Murphy), Actor de reparto (Robert Downey Jr.), montaje, fotografía y banda sonora.

El arrase de una parte del Barbenheimer ha dejado a la otra con apenas un premio de consolación, el de Mejor canción original para el What I was made for? de Billie Eilish para el filme de Greta Gerwig. Barbie fue ignorada casi por completo en cuanto a galardones se refiere, ya que perdió en las otras siete categorías, pero la velada dejó claro que es la película más importante del año. El primer vídeo con el que abrió la gala acabó con un plano de Margot Robbie, y el primer sketch de Jimmy Kimmel también fue a costa del filme. Hubo bromas, menciones, y suyo fue el momento de la noche y uno de los mejores en una ceremonia de los Oscar recientes, el increíble I’m just Ken que Ryan Gosling interpretó en el escenario con decenas de bailarines, Slash a la guitarra y con bajada a la platea para que cantaran Greta Gerwig, Margot Robbie y Emma Stone. Hay que ser una estrella para salir al escenario tras perder un premio y lograr desprender esa energía y convertir una actuación en icónica con esa facilidad.

Hollywood se rinde a Nolan

El premio a la Mejor dirección para Christopher Nolan redime a uno de los cineastas más importantes del Hollywood de las dos últimas décadas que, extrañamente, no tenía ningún Oscar. De hecho, esta era su segunda nominación en toda su carrera. La primera fue por Dunkerke, lo que demuestra que a Hollywood le gusta cuando Nolan se pone serio, aunque realmente siempre lo está. Ha tenido que hablar de armas nucleares, de los miedos post Segunda Guerra Mundial, para que le reconozcan como lo que es, uno de los pocos directores cuyo nombre es una marca y que dignifican el blockbuster con inteligencia. Habrá pocos realizadores que hayan conectado de forma tan brutal con la gente gracias a cintas como Origen, Memento, Interestelar o la trilogía de El caballero oscuro, que no fue nominada ―ni como mejor película ni por su dirección―en ninguna de sus entregas a pesar de cambiar para siempre la historia del cine de superhéroes. 

La gala tuvo el sabor amargo de ver cómo en la primera parte las opciones del cine español iban desapareciendo. Pablo Berger perdió frente al maestro Miyazaki, que con El chico y a la garza dio la sorpresa y pilló a contrapié a la todopoderosa Spider-Man, que partía como gran favorita. El maquillaje de La sociedad de la nieve vio cómo Pobres criaturas se llevaba su estatuilla y Bayona vio cómo Jonathan Glazer cumplía con todas las quinielas al hacerse con el de Mejor película internacional por La zona de interés. El filme de Glazer se llevó otro premio, el de Mejor sonido. Merecidísimo para el inmersivo, inteligente y desasosegante trabajo del largometraje.

Glazer fue uno de los pocos que se atrevió con uno de los elefantes en la habitación. La guerra en Gaza fue completamente ignorada por todos y cada uno de los ganadores menos por él. Lo hizo, además, el que tenía la papeleta más complicada. El director de una obra sobre el Holocausto tuvo el valor de hablar del tema, algo que el resto de Hollywood ni se lo planteó. “Nuestra película nos enseña adónde nos lleva la deshumanización, en el pasado y en el presente. Rechazamos la apropiación del judaísmo o del Holocausto por una ocupación que ha llevado a un conflicto a tanta gente inocente. Ya sean las víctimas del 7 de octubre en Israel o las víctimas actuales en Gaza: todas son víctimas de esta deshumanización”, dijo el director.

A pesar de que varios miembros del equipo llevaban chapas con la bandera palestina y que en otros premios habían realizado peticiones de alto al fuego, Justine Triet y Arthur Harari no se atrevieron en los Oscar. Ellos fueron los ganadores al Mejor guion original por Anatomía de una caída, uno de los grandes fenómenos del año y que venció en su categoría a Los que se quedan, el filme de Alexander Payne que se tuvo que conformar con el galardón a la Mejor actriz de reparto para Da'Vine Joy Randolph, uno de los premios más cantados de la noche. Ella fue de las pocas que realizó un discurso que se saliera de los clásicos agradecimientos al equipo y a la familia recordando que en su clase de interpretación era la única niña negra.

La falta de valentía, compromiso y activismo en los agradecimientos fue notable y decepcionante. Solo Cillian Murphy, Oscar al Mejor actor, hizo una mención dedicando su premio a los que buscan la paz; además de Mstyslav Chernov, director del documental ganador, 20 días en Mariúpol, que muy emocionado afirmó que “ojalá nunca hubiera tenido que hacer esta película”. “Ojalá pudiera cambiar este Oscar porque Rusia nunca hubiera ocupado nuestras ciudades ni atacado Ucrania. Ojalá no hubieran matado a decenas de miles de nuestros ciudadanos, pero no lo puedo cambiar, no puedo cambiar la historia ni el pasado. Pero vosotros, algunas de las personas con más talento de la historia, podemos hacer que la verdad prevalezca y que la gente de Mariúpol y los que dieron su vida nunca sean olvidados, porque el cine construye memoria y la memoria hace historia. Gracias a todos. Gracias, Ucrania”, dijo.

Una pena que su interpelación directa a los miembros de Hollywood no calara en nadie. Ni siquiera en una Emma Stone que con solo 35 años ya cuenta con dos Oscar a la Mejor actriz protagonista. Por su excelente y valiente interpretación en Pobres Criaturas se ha llevado su segundo premio tras el logrado por La la land. Era uno de los galardones que llegaba con más emoción en una carrera ajustada entre ella y Lily Gladstone. Pobres Criaturas rascó más de lo esperado, ya que también se hizo con otros tres premios técnicos (vestuario, diseño de producción y maquillaje y peluquería) convirtiéndola en la segunda película más premiada de la noche con cuatro estatuillas.

Como viene siendo habitual, Scorsese fue el gran perdedor de la noche. Su épica y maravillosa Los asesinos de la luna no pudo hacerse con ninguno de sus premios. Lo mismo que le pasó con El irlandés. Es preocupante que un cineasta como él solo haya ganado en su carrera un Oscar a la Mejor película y al mejor director. De vacío también se fueron Maestro y Vidas pasadas, mientras que American Fiction logró el de guion adaptado por encima de Barbie y Oppenheimer.

Un Kimmel ácido y correcto

Ante unos discursos tan sosos y sin intención fue Jimmy Kimmel el único que puso un poco de picante al asunto en sus intervenciones. Es destacable que él fuera el único que se acordara de la huelga de actores y guionistas que paralizó la industria en verano. Una huelga que, además, coincidió con la campaña promocional de Barbie y Oppenheimer. Ninguno de los ganadores se acordó de aquella lucha, pero el presentador sí lo hizo y hasta se atrevió a realizar unos gags con ella. Primero les dijo a los actores que ya no debían temer a que les sustituya la inteligencia artificial, sino a que les “reemplacen por gente más joven y más guapa”. Tras su monólogo sacó a los técnicos al estrado, víctimas colaterales del paro, y la platea les dedicó una ovación, aunque luego nadie se acordara de ellos.

El monólogo inicial tuvo pullas a Madame Web, uno de los fiascos de la taquilla del año, a Barbie, y a aquellos que no votaron por Gerwig. “Previamente a la película, mi mujer le hubiera comprado antes a mi hija un paquete de Marlboro que una Barbie, y ahora es un icono feminista gracias a Greta Gerwig”, dijo y dejó sonar los aplausos de la gente antes de lanzarles el golpe que tenía preparado: “Ahora la aplaudís, pero no la votasteis, que no está nominada como Mejor directora”.

Los otros dos dardos más sonoros fueron para Depardieu y Robert De Niro. “Messi —el perro de Anatomía de una caída— es el fenómeno de la película. No he visto a ningún actor francés comerse mejor su vómito desde Gerard Depardieu”, dijo Kimmel. Para De Niro le tenía reservada una broma sobre la diferencia de edad con su pareja actual, 34 años más joven que él. Este año estaban nominados Robert De Niro y Jodie Foster, y ambos fueron también nominados en el 76 por Taxi Driver, la excusa perfecta para el cómico: “En aquel momento Jodie Foster era lo suficientemente joven como para ser la hija de Robert De Niro. Ahora es 20 años demasiado mayor para ser su novia”, dijo mientras Foster asentía con la cabeza. Algo de ironía y mala leche en una ceremonia que recuperó el formato de colocar a cinco antiguos ganadores de los premios de interpretación en el escenario para hablar de los actores y actrices nominadas. Un recurso emotivo que, además, nos hizo viajar al pasado 15 años, cuando Penélope Cruz logró su premio con esta misma puesta en escena.

Al final, la gala de los Oscar perteneció a las dos mismas películas de las que se habla desde finales de julio. Barbie y Oppenheimer. Oppenheimer y Barbie. Las dos lograron devolver la ilusión a la industria. Una acabó la temporada con siete premios, la otra con uno, pero con la seguridad de que habrá pocos fenómenos culturales tan importantes como aquella película de la que todo el mundo se rio cuando era un proyecto y que terminó haciendo que todos vistieran de rosa para ir a una sala de cine a reírse del patriarcado. Como dijo Juan Antonio Bayona días antes de la gala desde Los Ángeles, “los premios se olvidan, las películas se recuerdan”, y nadie duda de que todos se acordarán de 2023 como el año de Barbie.

Mejor película

Mejor dirección

Mejor actriz protagonista

Mejor actor protagonista

Mejor actriz de reparto

Mejor actor secundario

Mejor película internacional

Mejor película de animación

Mejor documental

Mejor guion original

Mejor guion adaptado

Mejor diseño de producción

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor diseño de vestuario

Mejor efectos especiales

Mejor montaje

Mejor dirección de fotografía

Mejor sonido

Mejor banda sonora

Mejor canción

Mejor cortometraje de animación

Mejor cortometraje documental

Mejor cortometraje de acción real

Mucho tiene que cambiar el guion para que la ceremonia de la 96 edición de los Premios Oscar no se convierta en una de las más previsibles, y por tanto, aburridas de los últimos años. A estas alturas pocos dudan de que Oppenheimer acabará la noche coronada como la Mejor película del año por la Academia de Hollywood, la duda es hasta dónde llegará su onda expansiva (prepárense también para los juegos de palabras sobre bombas).

Pero, ¿qué pasará en las categorías interpretativas?, ¿será también un paseo para el filme de Christopher Nolan? Y la pregunta más importante, ¿quién debería ganar el Oscar este año? 

Mejor película 

Lo que ganará: Oppenheimer

La Academia debería protagonizar uno de los giros más locos de toda su historia para que el filme de Christopher Nolan perdiera. No ha dejado premio libre. Se ha llevado el del sindicato de productores, el BAFTA, el Globo de Oro y el Critics Choice. Por si fuera poco también el de Mejor reparto en el sindicato de actores (el gremio que compone la masa de votantes más numerosa). Es una película de consenso, la consagración de un cineasta fundamental del cine reciente y encima un éxito rotundo de taquilla en un año que necesitaba títulos como este.

Lo que debería ganar: La zona de interés

Que Hollywood se haya acordado de una película tan arriesgada y compleja como La zona de interés es de agradecer. Se merece más que la nominación. La zona de interés es la película que cambia el cine sobre el Holocausto. Que hace que cuestionemos cómo se había mostrado hasta ahora y que nos hace vernos representados en el perpetrador en vez de sufrir con la víctima. Una película que sobrecoge sin mostrar un solo muerto y que está destinada a quedar en el recuerdo. 

Mejor dirección

Lo que ganará: Christopher Nolan, por Oppenheimer

Ha ganado el premio del sindicato de directores y el Critics Choice y la fuerza de Oppenheimer se extiende también a esta candidatura. La Academia de Hollywood siempre había despreciado a Nolan. De hecho, esta es solo su segunda nominación a pesar de tener en su filmografía varias de las películas más taquilleras y populares de las últimas dos décadas. Este es su gran momento, y lo saben. Si perdiera empezaríamos a estar ante un caso como el de Scorsese, que tuvo que esperar demasiado para ser reconocido.

Lo que debería ganar: Jonathan Glazer, por La zona de interés

De nuevo Glazer, pero es que su coherencia ética y estética a la hora de hablar del Holocausto está en otra liga. Una película en donde cada cuadro, cada escena y cada decisión está tomada pensando en su significado y en la representación que hace. Su forma de alejarse de las narrativas y las dramatizaciones de las historias sobre los campos de concentración merecería el Oscar a la mejor dirección.

Mejor actor protagonista

Lo que ganará: Cillian Murphy, por Oppenheimer

Parece difícil que una película que tiene el nombre de su personaje protagonista y que parece dispuesta a arrasar no se lleve el premio al mejor actor protagonista. A Hollywood le gustan los biopics, y este por suerte no se parece a esas películas académicas y aburridas de líderes musicales. Cillian Murphy está estupendo en el filme de Nolan, su rostro anguloso y su mirada perdida son un elemento fundamental y la Academia parece que lo reconocerá. Ganó el Globo, el BAFTA y el premio del sindicato de actores y llega con más fuerza que sus rivales.

Lo que debería ganar: Paul Giamatti, por Los que se quedan

A Giamatti los Oscar le deben, al menos, un par de nominaciones. Si no gana este año le deberán también el Oscar. Su interpretación del profesor cascarrabias de Los que se quedan es un prodigio de humanidad, de emoción y de complejidad que él afronta con una sencillez que hace que parezca fácil. Es el típico trabajo que suele quedar en segundo plano y que este año tiene la oportunidad de ganar. Es la alternativa a Murphy.

Mejor actriz protagonista

Lo que ganará: Emma Stone, por Pobres criaturas

Sí, Emma Stone es lo mejor del filme de Yorgos Lanthimos. Y sí, es una interpretación arriesgada en una industria tan pacata, pero también es la interpretación más efectista. El papel que, en las manos adecuadas, huele a Oscar de lejos y Stone no lo ha dejado de aprovechar. La locura y excentricidad de su Bella, que la actriz domina a su antojo, son un terremoto difícilmente ignorable. 

Lo que debería ganar: Sandra Huller, por Anatomía de una caída

Lo que hace la actriz alemana en el filme de Justine Triet es complicadísimo. Siempre en la línea perfecta para que el espectador no termine de empatizar con ella pero no la demonice. El guion de Triet es un caramelo envenenado, hay que tener muchas tablas para que funcione y no quede acartonado. Cada palabra, cada pausa, cada cambio de idioma es fundamental. Huller tiene parlamentos larguísimos que tienen su propia evolución dramática gracias a cómo es capaz de decirlos. Tampoco nos importaría que ganara Lily Gladstone, auténtico centro emocional de Los asesinos de la luna y que, además, seguramente daría el mejor discurso de la noche.

Mejor actor de reparto

Lo que ganará: Robert Downey Jr., por Oppenheimer.

Llega a los Oscar después de haber ganado todo y con dos factores a su favor. Uno, la importancia de su personaje, muy protagonista y con más metraje que muchos de sus competidores. Dos, la narrativa del hijo pródigo que tanto le gusta a Hollywood. El actor descarriado que se reintegra tras sus problemas de drogas y mal comportamiento. Un clásico que en este caso viene acompañado de una gran interpretación.

Lo que debería ganar: Robert De Niro, por Los asesinos de la luna

Actor de reparto es una categoría un poco pocha en esta edición, donde la Academia ha obviado trabajos mucho más destacables, como el de Dominic Sessa en Los que se quedan, el de Charles Melton en Secretos de un escándalo o el de Paul Mescal, en Desconocidos. De las cinco interpretaciones nominadas la de Robert De Niro destaca, no por mucho, pero es uno de esos actores que imponen con un gesto, y Scorsese lo juega todo a su favor con un personaje que debe dar miedo con una mirada.

Mejor actriz de reparto

Lo que ganará y lo que debe ganar: Da’Vine Joy Randolph, por Los que se quedan

Parece que será el único premio de Los que se quedan, pero este es uno de los más cantados de la noche. Pocos premios ha dejado sin recoger este año la actriz que interpreta a esa madre que ha perdido su hijo en Vietnam y que ve cómo los niños pijos blancos celebran la Navidad con su familia mientras ella se queda trabajando en el colegio de élite donde está empleada como cocinera. El acierto de esta interpretación está en su contención. Podría haber sido un cliché pero Randolph y Payne como dirección apuestan por la mesura hasta en la gran escena de su personaje, donde se rompe con elegancia en vez de con histrionismo. 

La sociedad de la nieve se enfrentaba este fin de semana a dos retos importantes. Uno, su llegada a Netflix, donde la película de Juan Antonio Bayona desembarcaba tras su paso por las salas. Y dos, su primera cita en la carrera de premios que, presumiblemente -y nominaciones el 23 de enero mediante-, concluirá en los próximos Oscar en marzo. El primer reto lo superó con creces. El filme es el más visto en todo el mundo y promete tener unas cifras de visionados que compensen el desembolso en el ambicioso filme hablado en español. En el segundo no pudo llevarse el Globo de Oro a la Mejor película de habla no inglesa, que ganó la francesa Anatomía de una caída que se confirma una vez más como uno de los títulos del año.

El filme de Justine Triet fue la sorpresa de la noche, ya que también se llevó el galardón al mejor guion por encima de varias de las favoritas de la noche. El libreto de Justine Triet y Arthur Harari, un thriller impecable que bajo la coraza de un thriller judicial radiografía una pareja, sale lanzado hacia los Oscar. Un éxito rotundo para el filme y para Cannes. El Festival afianza su posición como la cita imprescindible para el cine de autor y su influencia en la carrera de premios es ya indudable. Ganar la Palma de Oro es cada vez más importante, como demostró Parásitos y como recordó Triet en su discurso. No es de extrañar que en la mesa de Anatomía de una caída estuviera el director del certamen francés, Thierry Frémaux. 

La victoria de Anatomía de una caída no se podrá repetir en los Oscar, ya que Francia ha optado por elegir a A fuego lento, el drama culinario con Juliette Binoche en vez del filme de Triet. Una decisión polémica que cada día que pasa se confirma como más errónea. Bayona lo tenía en esta ocasión más complicado que nunca, ya que en los Globos de Oro, al contrario que en los Oscar, puede optar cualquier filme que no esté hablado en inglés, por lo que este año había un popurrí de títulos que no podrán estar nominados en los premios de la Academia y que por tanto no serán rivales de la representante española. 

Era el caso de Anatomía de una caída, pero también de Vidas pasadas. Ambas optaban también al premio a la Mejor película dramática del año, y allí no tuvieron nada que hacer ante la mitad del fenómeno del año. El Barbenheimer explosionó también en Los Ángeles, pero solo a medias. Oppenheimer arrasó con todo y terminó la noche con cinco premios. Fue elegido como Mejor filme dramático, mejor dirección, mejor banda sonora, y también dos premios interpretativos. Tanto Cillian Murphy como Robert Downey Jr vencieron como Mejor actor protagonista en una película dramática y Mejor actor de reparto. “Gracias a los Globos de Oro por haber cambiado”, dijo Downey Jr. en su discurso, dejando claro algo que no hacía falta hacer explícito al ver que todas las estrellas habían acudido a la llamada. Atrás quedan los años de castigo y polémica por la falta de diversidad y prácticas irregulares.

La otra parte del fenómeno del año, Barbie, se tuvo que conformar con los premios a la Mejor canción para el What I was made for? De Billie Eilish y la categoría recién sacada de la manga de ‘Éxito comercial’. Un premio que no podía ser para nadie más. La película de Greta Gerwig logró que millones de personas se vistieran de rosa y llenaran las salas en verano, tal como recordó Margot Robbie, su productora y actriz protagonista. Lo hicieron en un momento crítico para la industria, con la huelga paralizando todo e impidiendo que las estrellas promocionaran las películas. “Gracias por crear un premio que conmemora a los fans”, dijo Robbie que vio como Pobres Criaturas le quitaba casi todos los galardones a su filme. El frankenstein feminista de Yorgos Lanthimos empieza a parecer la única alternativa a Oppenheimer para los Oscar al vencer como Mejor comedia y Mejor actriz. 

Ante el arrase de Oppenheimer fueron muchas las que quedaron como las grandes derrotadas de la noche. La zona de interés, Vidas pasadas y Maestro se fueron de vacío, y Los asesinos de la luna se tuvo que conformar con el premio a la Mejor actriz dramática para Lily Gladstone, que recogió su premio hablando en la lengua de su comunidad nativa, reivindicando su idioma y su cultura. Merecidísimo premio para Gladstone pero poco botín para la increíble e importante obra que ha creado Martin Scorsese sobre el genocidio de la comunidad Osage. “Gracias Martin porque estáis ayudando a cambiar las cosas”, dijo la actriz en el mejor discurso de la noche y uno de los pocos momentos de emoción en una gala larga y aburrida.

En los apartados interpretativos se reconoció la excelente labor de Alexander Payne como director de actores en Los que se quedan. Dos de sus intérpretes se llevaron el Globo de Oro. Paul Giamatti el de Mejor actor de comedia o musical por su cascarrabias profesor. El actor, que ya trabajó con Payne en Entre copas, le dedicó el premio a los maestros y dio las gracias al director por seguir teniendo fe en él. Por su parte, Da’Vine Joy Randolph se hizo con el de Mejor actriz de reparto y puede ir dando brillo a su próximo Oscar. No ha dejado escapar ni un premio en esta temporada y es la rival a batir. Como mejor película de animación se premió a un maestro, Hayao Miyazaki, que con El chico y la garza venció a la favorita Spider-Man:cruzando el multiverso.

Todo en una gala que demostró que los Globos de Oro ya han pagado su culpa por los pecados del pasado y vuelven a ser la fiesta a la que todos van. No faltó nadie. Ni Spielberg ni Oprah Winfrey, que dio el último premio de la noche. Fueron, eso sí, para sufrir una gala que nadie quiso presentar y que 10 días antes acabó cayendo sobre los hombros del humorista Jo Koy, que estuvo incómodo, tiró alguna pulla, pero nunca funcionó. Las caras de los nominados eran un poema y en varias ocasiones justificó la falta de tiempo. “Recibí el encargo hace diez días, ¿qué esperabais, una gala perfecta?”, dijo cuando alguno de sus gags no funcionó.

Lejos queda la mala baba de Ricky Gervais, las menciones políticas o a asuntos de actualidad (solo Jim Gaffgan se atrevió a mencionar de pasada a Epstein) y los momentos brillantes. Solo Kristen Wiig y Will Ferrell levantaron el nivel al presentar el premio al mejor actor de comedia o musical. Presentar los Globos de Oro seguirá siendo el año que viene un marrón que alguien tendrá que sufrir, aunque quizás, viendo que nadie se acuerda de las polémicas, tenga más pretendientes.

Oppenheimer, la última película de Christopher Nolan que aborda la historia del conocido como el 'padre de la bomba atómica', continúa sin fecha de estreno en Japón. El filme del cineasta británico llegó a las salas de cerca de medio centenar de países el pasado 21 de julio y ya ha recaudado más de 400 millones de dólares en todo el mundo. Sin embargo, la proximidad al aniversario del primer bombardeo nuclear y las críticas de diversos espectadores mantienen su desembarco en el país nipón en el aire.

El largometraje, que aterrizó de la mano del gran fenómeno del año, Barbie, tiene programada su llegada a otras regiones durante este mes de agosto. A excepción de Japón, donde algunas distribuidores locales alegan que están esperando a ver cuál es la recepción del título a nivel internacional. Esta es una práctica habitual en el país asiático con las cintas llamadas a convertirse en taquillazos. No es extraño que los largometrajes extranjeros se estrenen incluso meses o hasta un año después que en el resto del planeta, permitiendo a sus salas optar por lanzamientos más modestos y en un número más reducido de salas si estos no terminan de funcionar en otros territorios.

Esta podría ser la explicación de los planes todavía en el aire de Oppenheimer. Sin embargo, muchos expertos consideran que en este caso los distribuidores estarían esperando a que pase el aniversario de los bombardeos sobre Hiroshima y Nagasaki, que se produjeron el 6 y el 9 de agosto de 1945, respectivamente; considerando de mal gusto hablar del posible lanzamiento del filme antes de estas señaladas fechas.

La película de Nolan narra la historia de J. Robert Oppenheimer, el físico teórico estadounidense de origen alemán concebido como 'el padre de la bomba atómica' por su destacada implicación en el Proyecto Manhattan. El científico nunca expresó arrepentimiento por la fabricación de este arma, aunque sí por la muerte de civiles. Se calcula que unas 210.000 personas perdieron la vida en ambas ciudades, además de haber dejado a 150.000 heridos y una serie de consecuencias humanitarias y medioambientales que perduraron décadas después del suceso.

El escritor Akihiko Reizei explica en un artículo de opinión para la revista Newsweek: “Japón, como país que sufrió bombardeos atómicos, tiene derecho a evaluar este trabajo sobre el tema del desarrollo de la bomba atómica”. Otros usuarios japoneses han expresado en Twitter que el largometraje debe ser proyectado en su país porque “narra hechos históricos con la debida consideración y cuidado”.

“Como alguien nacido en Hiroshima, tengo muchos pensamientos al respecto, pero estoy firmemente en contra del movimiento de boicot a la proyección. Creo que es natural que la gente exprese sus sentimientos después de ver la película, o más bien, garantizar la libertad de crítica una vez se haga pública”, expuso uno de ellos. Igualmente los ha habido que han expresado que sería por oportuno, por su proximidad al aniversario de los bombardeos y la preocupación porque el filme pudiera idealizar la figura de J. Robert Oppenheimer.

La cinta de Nolan no es, ni mucho menos, la primera que aborda las consecuencias de los bombardeos. Dentro de esta particular filmografía se enmarcan títulos como Los niños de Hiroshima (Kaneto Shindo, 1952), Hiroshima (Hideo Sekigawa, 1953); y las más recientes cintas de animación La tumba de las luciérnagas (Isao Takahata, 1990) y En este rincón del mundo (Sunao Katabuchi, 2016).

Jueves 20 de julio, cerca de la medianoche. La céntrica calle Fuencarral de Madrid vive una marea de gente vestida de rosa. Cientos de personas pasean por la calle ataviadas con prendas del mismo color. No salen de un acto de Sumar. Lo hacen del cine. Acaban de acudir al fenómeno del año, Barbie. La película dirigida por Greta Gerwig sobre la famosa muñeca se ha convertido en un acontecimiento cultural. Barbie es la película que hay que ver, lo que nadie esperaba es que su resultado reventara de tal forma la taquilla.

Solo había que dar un paseo cerca de los cines para ver que el éxito de Barbie era obvio. Nadie daba un duro hace unos años por un filme como este, pero el talento de Gerwig, que ha convertido la película en un alegato divertidísimo y feminista contra el patriarcado, le ha dado la vuelta a la tortilla. Barbie es una película para las mujeres, para las niñas, para el colectivo LGTB y para una generación joven y moderna. Los datos del primer fin de semana en taquilla en España y en todo el mundo le dan la razón y confirman que la apuesta de marketing de Warner ha funcionado a la perfección. 

Ha logrado más de 6,8 millones de euros en sus primeros cuatro días en España con más de 700.000 espectadores, según las cifras provisionales de ComsCore, la agencia que se encarga de los datos de los cines en España. Supera a Super Mario Bros –aunque el filme animado ganó contando las cifras de su estreno adelantado varios días– y a las películas de franquicias como Marvel. Barbie ha hecho más que Guardianes de la Galaxia, Flash o Indiana Jones. La heroína del año es una muñeca. 

El pelotazo de Barbie no ha venido solo, y aquí está lo histórico. Por primera vez dos películas no han competido entre sí, y el éxito de una no ha fagocitado a a otra. El mismo día se estrenaba otra de las películas más esperadas del año, Oppenheimer, el thriller de Christophjer Nolan sobre el creador de la bomba atómica. Lo que muchos se empeñaron en ver como un duelo a muerte donde solo una podía vencer se ha convertido en una alianza donde las dos han sido vencedoras.

Desde las salas de cine y las redes se dio la vuelta a ese enfrentamiento creando el fenómeno #Barbenheimer, apostando por que los espectadores fueran a ver las dos películas. Ha funcionado. Oppenheimer ha abierto con 3,2 millones de euros, una cifra espectacular, y más para una película de tres horas dedicada a un público adulto y no a las familias. La unión de ambas –a lo que hay que sumar la segunda semana de Misión Imposible y el mantenimiento de títulos como Vacaciones de verano– ha provocado una cifra que hacía mucho que no se veía. En España, en un fin de semana de ola de calor y con unas elecciones generales de por medio, han ido al cine más de 1,6 millones de espectadores, la mejor asistencia en cuatro años. Exactamente desde noviembre de 2019.

Récords para Barbie

El resultado en España es el reflejo de lo que ha pasado en el resto del mundo, donde Barbie ha destrozado récords y ha hecho historia. Primero, al convertirse en la película dirigida por una mujer más taquillera en su primer fin de semana. Las predicciones hasta hace unas semanas eran de 75 millones en sus primeros días. Finalmente han sido más de 164 millones. Más del doble. El anterior récord para una directora era para Wonder Woman, dirigida por Patty Jenkins, con 103 en su primera embestida a las salas, y Capitana Marvel, codirigida por Anna Boden y Ryan Fleck, que en 2019 hizo 153 millones. Barbie ha pisoteado cualquier previsión y su nota en Cinemascore, los analistas sobre el boca a boca de cada título, augura un futuro muy largo, ya que los espectadores le han dado una A, la nota más alta, que equivale a un sobresaliente.

En EEUU supera también a Super Mario Bros como la película más taquillera del año en su primera fin de semana, y ahora solo queda ver hasta dónde puede llegar. Los 300 solo en EEUU están más que asegurados. En sus tres primeras, el total mundial de Barbie ya pasa de los 340 millones, al sumar los 163 de EEUU y los 182 del resto de países. Unas cifras apabullantes.

Lo de Nolan también es digno de estudio y para celebrar. En EEUU las previsiones más optimistas le daban unos muy buenos 50 millones en el fin de semana. Ha llegado a los 82,4 millones. Allí, además, la calificación por edades obtenida, una R que la marca como película para mayores de 17 años o acompañados por un adulto, parecía limitar sus opciones de taquillazo. Ni por esas. Casi compensa su presupuesto de 100 millones en una semana. Es la película con dicha calificación más exitosa desde Joker en 2019, ha superado a John Wick 4 y se coloca en el puesto 11 de las películas R más taquilleras en su primer fin de semana en toda la historia, justo por detrás de La pasión de Cristo. 

Más datos para el optimismo. Sus 82,4 millones la convierten en la película más taquillera de Nolan sin contar sus secuelas de Batman (El caballero oscuro y El caballero oscuro: la leyenda renace). Ha hecho más que Origen o Interestelar en sus respectivos fines de semana. La nota que le otorgan los usuarios es otra A, por lo que, como Barbie, su paso por taquilla se espera largo. A eso hay que añadir que, muy probablemente, ambas se verán recompensadas con varias nominaciones a los próximos Oscar, por lo que su éxito se prolongará hasta, al menos, febrero del año que viene. Es la primera vez en la historia que dos estrenos abren con más de 80 millones cada uno. Su suma ha provocado que este sea el cuarto fin de semana más taquillero de la historia en EEUU y el mejor desde la pandemia.

El éxito de ambas películas también pone en cuestión el modelo de taquillazos de Hollywood, que ha apostado durante años por explotar sus franquicias, agotándolas y cansando a los espectadores. A ello ha contribuido su expansión en forma de series, como ha pasado en el caso de Marvel. Tanto Barbie (con un coste estimado de 145 millones de presupuesto) como Oppenheimer (con 100) están lejos del dinero que ha costado Indiana Jones y el dial del destino, con 300 millones de presupuesto, o la última parte de Misión Imposible, que ha valido 290 millones. Sin embargo, su resultado ha sido mucho mejor que el de las dos sagas y la rentabilidad para los estudios, mayor. Quizás ha llegado la hora de producir películas originales y de calidad en vez de estirar un chicle que ya sabía a revenido. 

Christopher Nolan es uno de los pocos directores cuyo apellido es la marca que vende sus películas. Da igual quiénes actúen en ellas, que sea un drama bélico como Dunkerke o un thriller de acción como Tenet. La gente quiere ir a ver ‘la nueva de Nolan’. Es un privilegio que tienen muy pocos realizadores, y también una presión que se vive con cada estreno. A Nolan parece que se le exige que siempre repita lo que se espera de él. La gente quiere un nuevo Origen, una nueva peonza que no se sabe si cae o no. Un nuevo truco de magia temporal que haga pensar y sentir al espectador que ha visto algo tan divertido como diferente. 

Los intereses de Nolan, sin embargo, son mucho más diversos de lo que parecen, aunque siempre se acaben definiendo por su particular obsesión por el tiempo. Es el tiempo lo que tiene en común su nuevo filme, Oppenheimer, con el resto de su carrera. Sin embargo, cuando se anunció que su nueva obra sería un biopic sobre Robert Oppenheimer, el científico que creó la bomba atómica y basado en la obra ganadora del Pulitzer Prometeo americano, muchos creyeron que se trataría de un thriller trepidante sobre la guerra.

Puede que tenga algo de ello, pero seguramente los que esperen al Nolan de los giros y las sorpresas se vean algo desconcertados; porque, aunque están todos sus sellos estilísticos, aquí apuesta por una película que bebe más del JFK de Oliver Stone que de cualquier otra película. Un thriller de pasillos. Una película donde se habla mucho, pero donde Nolan logra meterte en la cabeza de Oppenheimer gracias a su apuesta visual e inmersiva.

Es curioso que una película que muestra las contradicciones de Oppenheimer y cómo llegó a creer que la bomba atómica podía provocar que las guerras terminaran, se estrene en medio de otra guerra, la de Ucrania, que sigue teniendo en vilo a todo el mundo. Aquella frase de “ahora me he convertido en la Muerte, el destructor de mundos”, que se escucha en el filme tiene más sentido que nunca, y hace que el visionado de Oppenheimer se convierta también en un análisis de la geopolítica del último siglo y sus consecuencias en el presente.

Cuando Nolan comenzó a escribir el guion, tuvo una conversación con su hijo y le contó la historia en la que estaba trabajando. “Me dijo que pensaba que las armas nucleares no le importaban a nadie”, recuerda en un encuentro internacional con periodistas en el que se participó elDiario.es. “Mi respuesta fue que quizás esa podría ser una razón para hacer esta película, pero la triste ironía, lo terrible, es que dos años después ya no hace esa pregunta y nadie la hace. Creo que eso es sintomático de nuestra relación con las armas nucleares y el miedo al armagedón nuclear. Yo crecí siendo un adolescente en los años 80 en el Reino Unido, y fue una época de gran controversia y miedo en torno a las armas nucleares. Era el momento del apogeo y de la Campaña por el Desarme Nuclear”, explica.

Nuestro miedo como sociedad y nuestra preocupación por este tema tiende a ir y venir. Parece como si no pudiéramos preocuparnos demasiado por solo una cosa en particular

Christopher Nolan — Director de cine

Fue una de las muchas generaciones que sufrieron las consecuencias de la bomba creada por Oppenheimer. “Cuando tenía 12 o 13 años, mis amigos y yo estábamos convencidos de que en algún momento todos íbamos a morir en un holocausto nuclear. He tenido conversaciones con, por ejemplo, Steven Spielberg, que es de una generación anterior a la mía, que creció a la sombra de la crisis de los misiles en Cuba y tenía exactamente la misma sensación de pérdida. Así que nuestro miedo como sociedad y nuestra preocupación por este tema tiende a ir y venir. Parece como si no pudiéramos preocuparnos demasiado por solo una cosa en particular y tuviéramos que tomarnos un descanso y preocuparnos por una forma diferente de armagedón, como el cambio climático. Pero la verdad subyacente, y esto pesa mucho sobre la película, es que la amenaza de las armas nucleares nunca desaparece, decidamos preocuparnos por ello o no. Eso es algo me atormenta a mí y creo que a muchas otras personas”, añade.

Una película que, en sus idas y venidas temporales y narrativas, aborda mucho más que la simple construcción (y explosión) de la bomba nuclear. Oppenheimer es una película que señala de forma clara a EEUU, un país que usa a sus héroes y los tira a la basura. Un país donde se teme más al socialismo que al fascismo y donde el propio científico fue cuestionado por sus vínculos con el comunismo, viviendo una especie de juicio sumario para retirarle su credencial como investigador. “¿Es que nadie va a decir la verdad?”, se pregunta el protagonista con los rasgos de Cillian Murphy.

Para Nolan, su contribución al legado de Oppenheimer ya es mayor que la de aquellos que le auparon y hundieron. “Creo que lo estoy haciendo mejor que el gobierno de EEUU, que este año anuló la decisión que se tomó contra Oppenheimer. Les ha costado 76 años hacerlo, aunque afortunadamente finalmente lo hayan hecho y el Departamento de Energía anulara la decisión que se tomó en 1954”, dice de forma crítica el director de El caballero oscuro, que lleva años obsesionado con hablar del personaje, pero que cree que hasta ahora no había “desarrollado las habilidades necesarias para contar esa historia en particular”. 

Con cada película intenta aplicar lo que aprende con sus otras cintas, y solo ahora se sintió “listo para asumir esta historia”. Ya en Tenet había una referencia muy concreta al Proyecto Manhattan, pero no fue hasta que leyó la obra de Kai Bird y Martin Sherwin que ha adaptado cuando sintió que había llegado el momento: “El material original me dio confianza para abordar un tema histórico tan complicado. Les llevó 25 años de investigación escribirlo y es muy completo. La adaptación era muy complicada porque es un libro enorme con mucha información, pero fue el trampolín que me dio confianza. Esta fuente autorizada fue la que me liberó para comenzar a usar mi imaginación para tratar de producir algo que no fuera un documental, sino mi interpretación de su vida”.

Se trataba de estar en su cabeza y experimentar lo que él experimentó y, por lo tanto, llegar a comprenderlo en lugar de juzgarlo

Christopher Nolan — Director de cine

Una película “basada en el principio de subjetividad”. “Se trataba de estar en su cabeza y experimentar lo que él experimentó y, por lo tanto, llegar a comprenderlo en lugar de juzgarlo. Es una persona que se enfrentó a dilemas éticos reales de una magnitud que pocos de nosotros podemos imaginar. Situaciones muy paradójicas. Cuando comienzas a investigar la historia, queda claro que estos científicos no tuvieron más remedio que desarrollar esta arma. Se había establecido la división del átomo y los nazis estaban tratando de desarrollar una bomba. Todos lo sabían, por eso no me interesaba contar una historia sobre científicos que eran tan estúpidos que no podían prever el impacto negativo de traer algo así al mundo”, subraya Nolan.

Le interesaba ese dilema ético, el sentir que no tenían otra opción. Ahí ve el “verdadero drama” de esta historia. “Creo que no hay respuestas fáciles a las preguntas inquietantes y creo que el cine es mejor cuando no pretende responder a estas preguntas, cuando acepta las ambigüedades y las contradicciones de las personas. Nuestro viaje con Oppenheimer en esta película es de comprensión más que de juicio”, concluye.

Todo el cine de Christopher Nolan está marcado por una misma obsesión: la fractura del tiempo. Si cualquier director manipula el tiempo y el espacio para contar una historia, en la mente de Nolan esa manipulación se convierte en algo parecido a un truco de magia –a veces incluso de forma literal, como en El truco final–. La obsesión por esa ruptura le ha llevado a enfrascarse muchas veces en thrillers donde los juegos temporales eran claves como argucia narrativa (Memento o Tenet como ejemplos paradigmáticos). Sin embargo, la obsesión por el tiempo no es solo algo que marque la estructura de sus obras, sino algo que se traslada también a sus películas más sobrias. 

El tiempo era clave en Insomnia (con el peso de la culpa y el pasado como leitmotiv); en Interestelar (donde se especulaba con la posibilidad de que el amor fuera lo único que trascendía el tiempo y el espacio) o incluso en Dunkerke, donde sus tres historias de tres duraciones diferentes convergían en un punto en donde el tiempo es fundamental, como es una guerra. Había mucho interés por ver si en lo que parecía su apuesta más sobria y más convencional, un biopic sobre Robert Oppenheimer, el creador de la bomba atómica, era capaz de trasladar sus obsesiones, sus formas y su puesta en escena que funciona a la perfección para un thriller de acción, pero que parecía chirriar para contar la historia del físico.

Una vez vista Oppenheimer, queda claro que Christopher Nolan es un cineasta insobornable. Que su cine tiene unas señas de identidad claras que aparecen siempre, y que consigue que cualquier proyecto esté impregnado su ADN. Es Oppenheimer una película de Nolan desde el primer fotograma. Es la versión del cineasta de un thriller político que podría hermanarse con JFK, otro largometraje donde la fragmentación del tiempo y el montaje eran claves para trasladar el clima conspiranoico que pretendía Oliver Stone.

El tiempo es fundamental en Oppenheimer por varios motivos. Primero, porque el cineasta apunta al momento exacto de la explosión de la bomba atómica como punto de inflexión de la sociedad moderna. Un cambio en las políticas, en la confianza en los gobiernos y en la historia reciente. El mundo podía destruirse al pulsar un botón. Segundo, porque el filme de Nolan actúa como la cuenta atrás de la misma bomba. O, al menos, en una de sus varias tramas ya que –y de nuevo aquí el tiempo es la clave– la película está desestructurada y viaja del pasado al presente sin tener que explicar al espectador en dónde nos encontramos.

Tenemos una línea donde Oppenheimer ve cómo sus amigos y enemigos pasan delante de él en una pantomima de acto para intentar hundirle y quitarle su credencial como científico; tenemos al investigador obsesionado con la creación de la bomba atómica; tenemos al de antes de que la construyera; y tenemos al que queda devastado tras ver las consecuencias de su invento. Todos se mezclan, se funden y son el mismo gracias al trabajo de montaje y de guion de Nolan. Es una película densa, complicada, que se mueve de una a otra sin pedir permiso, pero que las trenza todas de forma magistral, haciendo dialogar a todas entre sí.

Nolan sigue siendo un perro viejo, y sabe que su experiencia también tiene que funcionar para un espectador que acude al cine para que le entregue una película diferente, pero que no quiere sentirse completamente perdido en su estructura. Por ello le otorga a todo la forma de un thriller político con traición incluida y giro final sorprendente, pero realmente no es lo que le interesa. Lo que al director le interesa es el estudio de un personaje contradictorio, ambiguo, complejo y poliédrico al que da vida de forma magistral Cillian Murphy.

Un estudio de personaje que se hace desde dos puntos de vista, y de ahí la decisión estética de que uno sea en color, el que es subjetivo, en el que el espectador comparte las sensaciones y pensamientos del propio Oppenheimer y con el que Nolan mete al espectador de forma directa en su cabeza; el segundo, en blanco y negro, es el punto de vista del resto, de los que miran a Oppenheimer, especialmente de un Lewis Strauss interpretado de forma colosal por un Robert Downey Jr que entrará seguro en todas las quinielas por los premios este año. En la parte en color, Nolan introduce visiones, imágenes de átomos, insertos nucleares que parecen ideados por el mismísimo Terrence Malick.

El cineasta convierte su película más sobria en una bomba de relojería, valga la redundancia y el juego fácil de palabras. Desde el primer minuto, provoca experiencia física y sensorial que arrasa. Consigue que una simple conversación sea tensa. Su puesta en escena es tan afilada, su uso del sonido y de la banda sonora (la de Ludwig Garnsonn, llena de chisporroteos es, fácilmente, la mejor del año) tan excelso que uno se siente arrollado ante quizás su película más compleja.

También sus habituales fallos quedan más expuestos en Oppenheimer. Nolan sigue siendo un pésimo escritor de personajes femeninos. Aquí el de Florence Pugh es ridículo y, aunque Emily Blunt borde sus dos momentos, el suyo también carece de cualquier tipo de desarrollo y sus escenas se notan forzadas, escritas por alguien que sabe que le van a acusar de ausencia de mujeres y se esfuerza por corregirlo, resultando artificial. También hay momentos en los que la película se sabe importante y engola demasiado la voz, algo que suele ocurrirle al cineasta. Es lo que tiene intentar un nivel de intensidad tan alto durante tres horas que, por suerte, aquí nunca pesan.

Y luego está el gran momento, claro, el de esa explosión nuclear que actúa como punto de inflexión antes del tercer acto y que es puro espectáculo. La escena que todos esperan y que Nolan resuelve de la forma más sorprendente, con un silencio que recuerda al que Rian Jonhson regaló en una escena de Los últimos Jedi y que descolocó a tanta gente. Lo que diferencia a Oppenheimer del resto del cine de Nolan es que, por primera vez, lo que le interesa contar tienen una implicación política y social. Si en sus thrillers abogaba por reflexionar sobre la culpa, el amor o la redención, aquí de lo que habla es del momento en el que el mundo cambió para siempre. 

El cineasta acusa de forma directa a EEUU de pervertir la paz mundial, de utilizar a sus científicos y de crear un miedo que ya nunca se iría. Señala también al macartismo, a cómo un país fue capaz de perseguir a media población solo por sus ideales. “EEUU teme más al socialismo que al fascismo”, se oye en un momento del filme (que también marca la derrota del bando republicano en la Guerra Civil española como otro de los puntos de inflexión de la historia moderna); y es imposible no pensar que de aquellos polvos estos lodos. Que quizás el auge de la extrema derecha viene marcado por la connivencia histórica de casi todos los países con un neoliberalismo que prefería al reaccionario que al científico de izquierdas. 

Oppeheimer acaba siendo una radiografía de la historia reciente del mundo a nivel político, y es una historia con una mirada pesimista, como lo es el final de esta película. Un final brillante que cierra una de los enigmas con los que Nolan juega durante todo el metraje en forma de macguffin con una conversación entre el protagonista y Albert Einstein que supone uno de los mejores cierres de su carrera como cineasta. 

España se juega mucho este fin de semana. La población se encuentra dividida y, aunque muchos tienen claro lo que harán, otros tantos decidirán a última hora, cuando estén frente al momento decisivo. No, no nos referimos a las elecciones del domingo. O no solamente a ellas. Hay otro país polarizado en el combate cinematográfico del año. El que enfrenta a Barbie y a Oppenheimer, dos películas destinadas a convertirse en dos de los eventos cinematográficos de 2023 y que se ven las caras en la taquilla y en los medios.

Desde que se anunció que ambas llegarían a las salas el mismo día, muchos han especulado con que una de ellas movería ficha y huiría del combate cuerpo a cuerpo. ¿Por qué competir pudiendo irse a otra semana menos competitiva? Lo cierto es que ambas han jugado con esa fecha de estreno, que han convertido en parte de su campaña y elemento clave. El filme de Christopher Nolan, un biopic sobre el creador de la bomba atómica, realizó una cuenta atrás como si de la bomba se tratara, hasta la llegada del 21 de julio (en España ambas adelantan un día su estreno al 20). Es un clásico de los filmes de Nolan. Vender el día como un acontecimiento. Él es uno de los pocos directores que son una marca en sí mismo. La gente no va a ir a ver a Cillian Murphy ni a Robert Downey Jr., sino que van a ir a ver la nueva de Nolan. 

Hay, también, algo personal en este enfrentamiento entre Nolan y Barbie. El director estrena Oppenheimer con Universal, siendo la primera película que hacen juntos, mientras que Barbie se lanza de la mano de Warner, antigua casa del cine de Nolan. El director acabó su relación con el estudio de malas maneras por el estreno de Tenet en plena pandemia y su estrategia de lanzar los filmes a la vez en salas y plataformas digitales. Nolan quiso proteger su película, luchó para que fuera el primer filme que llegara tras el parón de los cines mundiales y la empresa para la que trabajó durante años no le apoyó en su estrategia mundial. Como defensor de las salas y bestia negra de las plataformas, Nolan se plantó y cambió de casa.

El enfrentamiento Barbie Vs Oppenheimer, por tanto, tiene mucho de enfrentamiento empresarial y personal. De momento, las predicciones apuntan a que el éxito económico, al menos a corto plazo, será para Barbie. Las estimaciones de los gurús económicos prevén que el filme basado en la muñeca de Mattel hará en su primer fin de semana en EEUU entre 85 y 115 millones de dólares para un final entre 200 y 300. Un éxito brutal. Las predicciones de Oppenheimer son más conservadoras: entre 45 y 57 millones de comienzo, y un final entre 150 y 200; también unas cifras excelentes, teniendo en cuenta que ambas son películas originales, no franquicias ni sagas. Barbie se beneficiará de dos factores: su duración (dos horas), y su calificación por edades (para todos los públicos). Oppenheimer, por su lado, se verá perjudicada por su larga extensión (tres horas que hacen que tenga menos pases por cada sala) y su calificación para mayores de 18 años. Su resultado de cara a la campaña de premios será también fundamental para ver qué patas tienen y hasta dónde pueden llegar ambas.

Una campaña polarizada

Hay que reconocer que ambas películas, especialmente Barbie, han puesto toda la carne en el asador promocional. Lo han hecho apelando a públicos completamente distintos. El filme de Greta Gerwig ha jugado sus cartas de una forma sobresaliente y ha conseguido ser atractivo para las niñas (con sus colores rosas y apelando a una marca conocida para ellas), pero también ha usado, desde sus tráileres, la baza de revisión feminista que ha aportado Greta Gerwig. No nos encontramos ante una explotación de un juguete más, sino a un largometraje dirigido por la autora de Mujercitas y Lady Bird y escrito por ella junto a su pareja, Noah Baumbach, uno de los guionistas y directores más reputados del cine moderno y autor de Historia de un matrimonio. 

Esa campaña metarreferencial ha hecho que tanto las mujeres como el colectivo LGTBI hayan abrazado el estreno de una forma bestial. Además, Warner ha colocado Barbie en cada evento. En Madrid han tenido carroza en el Orgullo y puesto en el Mad Cool, han recorrido todo el mundo con alfombras rojas donde Margot Robbie ha lucido los trajes más emblemáticos de la muñeca y hasta han convertido todas las bolas rosas del Candy Crush en bolas con la B del símbolo del filme. Oppenheimer, por su parte, ha estado menos omnipresente y ha preferido apelar a un público más adulto, de un corte más cinéfilo al que quiere convencer con una propuesta sobria que vende su experiencia en salas como única. Es la película menos efectista del autor, pero la campaña ha mantenido las señas características de sus anteriores filmes. 

Desde que se anunció la coincidencia de ambas, lo que ha surgido ha sido una guerra en redes sociales entre los que apoyan a Barbie y los que apoyan a Oppenheimer. Esto ha provocado una batalla de memes, riéndose de cada declaración del contrincante (Nolan aseguró que el espectador iba a sentir que asistía a una explosión real y la gente pro Barbie realizó un arsenal de memes hilarantes), y jugando a la oposición de ambos títulos. Desde hace meses parece que o eres del equipo Barbie o eres del equipo Oppenheimer.

Sin embargo, en las últimas semanas ha surgido una tendencia a hermanar a ambos estrenos. Una estrategia que Hollywood ha potenciado, ya que se juega mucho con ambos títulos. Dos películas caras, sin una franquicia detrás y que han querido enfrentar. La idea era convencer a la gente de que viera las dos. Así, Tom Cruise dijo en la premiere de Misión Imposible que iría a ver tanto una como la otra el día del estreno; desde los propios cines se alienta a hacer programa doble, y los actores de ambos filmes han declarado públicamente que se mueren de ganas de ver el filme rival.

En redes el fenómeno por ambas ha dado hasta un hashtag propio, 'Barbenheimer' y ha provocado que muchos artistas gráficos se lancen a realizar imágenes y pósteres que mezclan ambas películas y estilos, dando lugar a una de las campañas más originales que ha pasado del enfrentamiento directo a la convivencia pacífica por el bien de Hollywood. Especialmente cuando ambas son las últimas obras que han podido promocionarse con sus estrellas antes de la huelga (los intérpretes de Oppenheimer abandonaron la premiere, que se adelantó una hora para que pudieran hacer la alfombra roja). De momento, la campaña ha logrado que se vendan más de 20.000 entradas para hacer un programa doble y ver una tras otra en su estreno en EEUU.

Un extraño precedente

No es la primera vez que dos películas que no tienen nada que ver, pero con voluntad de arrasar en la taquilla, se enfrentan. Muchos tuiteros se acordaron rápido de que en 2008, en España, se produjo un enfrentamiento similar, el que tuvieron El caballero oscuro, también de Christopher Nolan, contra Mamma mia, la adaptación del musical de Broadway. Aunque en el resto del mundo no se juntaron sus estrenos, en nuestro país solo hubo tres días de diferencia entre ambas. Las predicciones se decantaban por la victoria de la película de superhéroes, que en EEUU había sido un fenómeno de crítica y público.

Pero aquí no fue así. En España El caballero oscuro recaudó más de 11 millones de euros y se quedó cerca de los 2 millones de espectadores. Mamma Mía superó los 13 millones y rozó los 2,4 millones de entradas vendidas. El resultado global, por su contra, fue más beneficioso para la película sobre Batman, que superó los 1.000 millones de dólares contra los 694 millones del musical. Eso fue antes del boom de las redes sociales, pero ambos títulos demostraron que se puede convivir en salas y salir de forma triunfante. Las salas necesitan que eso se repita.

No soy de los que conciben la experiencia cinematográfica como un ritual religioso, aunque sí que confieso que prohibiría la entrada a la sala de cualquier tipo de alimento que huela y/o haga más ruido que un recipiente de palomitas... Pero eso es otro tema. Tampoco pertenezco a ese “club privado” de cinéfilos, empeñados en desarrollar la definición más selecta posible de “cine” y en dejar fuera de ella las películas de superhéroes y las que no se han bautizado en las salas. Pero sí que creo en la gran pantalla como un lugar especial, cuyos atributos técnicos hacen de ella un medio hiperconductor y un puente directo entre el cineasta y el espectador. Un espectador que, a su vez, se ve a sí mismo un poco más vulnerable y, desde luego, mucho más a merced de la historia que con su sofá con el móvil en la mano. Y es por eso, por el mismo motivo por el que esperamos a ocasiones especiales para ir a sitios especiales, quise reservar el estreno de Tenet para mi vuelta a las salas de cine.

También lo fue por ser hija de su padre, Christopher Nolan. Aunque todavía no tenga ninguna estatuilla, Nolan llena su estantería con el calor del público y el beneplácito de la crítica, que no duda demasiado en considerarle uno de los mejores cineastas de los últimos años. Además, en el caso de Tenet, su empeño por aprovechar la reapertura de las salas para hacer de su estreno un acontecimiento mundial, levantó el suficiente ruido como para que las expectativas no parasen de crecer a lo largo del confinamiento. Unas expectativas, a su vez, retroalimentadas por la promesa de ser una demostración más de su absoluto dominio de las narrativas más enrevesadas (Memento (2000), Origen (2010) e Interestellar (2014)) y habilidad para entregar grandes obras, como El caballero oscuro (2012) y El truco final (el prestigio) (2006); por nombrar alguna de ellas. Es decir, Tenet solo podía existir de una forma: siendo muy compleja y buena. Como mínimo. 

Pero a Nolan no le pesa lo más mínimo lo que todo el mundo espere de él: él mismo lo construyó y lo hizo sabiendo que se mantendría, por lo menos, imbatible. Tenet no es un prototipo futurístico que vaya a revolucionar el cine –tampoco creo que lo pretenda–, pero es tan compleja y buena como cabria esperar. Es, más bien, un nuevo modelo de gama que, por sus grandes cualidades, nos recuerda las deslumbrantes capacidades de la empresa. Tenet es la nueva experimentación de un inventor que, tras sellar la patente, se limita a jugar y disfrutar con las distintas posibilidades que esta le brinda. Desde fusionar con elegancia el estilo James Bond con futuristas escenas de acción, hasta apostar por una banda sonora casi electrónica (Ludwig Göransson); una propuesta mucho más vertical y atrevida que a la que nos tenía acostumbrados Hans Zimmer. 

De hecho, si cabe cierto comentario al respecto de Tenet, este deriva de su propia naturaleza. Para que, como espectadores, podamos llegar a comprender los cimientos sobre lo que la película de sostiene, debemos despreocuparnos de cualquier otro asunto que nos distraiga del desarrollo racional de la historia. Un truco marca de la casa que nos mantiene imantados a la pantalla, pero que también puede vaciarla de cualquier connotación emocional para el espectador; huellas que podrían hacer de Tenet una película mucho más perenne. A no ser, claro, que su recuerdo ya venga ligado a otro sentimiento.

Probablemente, Tenet no sea más que una pieza más de la obra de Cristopher Nolan. Una pieza que no perduraría en el tiempo de no ser porque su innegable calidad y rasgos la hacen sumamente adecuada para ecuadrarse junto al resto de la colección. Una colección que, quizá en no muchos años, salga a la venta –física o digitalmente– bajo un título tan interesante como “Saga del tiempo”. Quizá entonces sí que la señalaremos, pero para explicar que fue la primera película que vimos cuando reabrieron los cines.

Es justo afirmar que la nueva película de Christopher Nolan se enfrentaba al juicio del público y la crítica en una situación francamente difícil. En el fondo, 2020 nos ha deparado tantas y tan desagradables sorpresas que plantearle algo realmente sorprendente resultaba ser una labor titánica.  

A la dramática situación cabría sumar el hecho de que tanto Warner como el propio Nolan han decidido conscientemente ser la avanzadilla de una industria sumida en una profunda crisis. Han puesto la otra mejilla. Tenet es el primer gran estreno mundial desde marzo y su promoción estaba definida por esa sola idea: esta debiera ser la película gracias a la cual el público supere sus reticencias a volver a las salas de cine.

A Tenet no le bastaba con convencer a los fans del brillante realizador británico: tenía que ‘salvar’ a la industria de este annus horribilis. Un ejercicio en el que muchos agentes coinciden: sin grandes estrenos es realmente difícil volver a convocar a la audiencia. Warner no lo tenía nada fácil. Pero al fin y al cabo, Nolan es Nolan, ¿no?

La ignorancia te protege, espectador

Estando las cosas como están también sería justo reconocer de entrada que si, como servidor, no se ha pisado un cine en varios meses, Tenet cumple exactamente con lo que promete: ofrece un espectáculo visual y sonoro —muy sonoro— que merece la pena vivir en una sala de cine. Es la reconciliación con la experiencia cinematográfica que mucho necesitábamos. Pero eso no implica necesariamente que estemos ante un gran filme. 

En pocas palabras, decir más es en cierto modo arruinarla, Tenet cuenta la historia de un agente secreto que debe dar con un traficante de armas cuya mercancía es de lo más peligrosa: armamento capaz de ‘invertir’ el tiempo tal y como lo conocemos. 

No entraremos en más detalles sobre la ‘inversión’ ni sobre el gusto por la física cuántica de Nolan, pero baste el apunte para comprender que en manos de este realizador el material era de lo más jugoso. El tiempo, como experiencia maleable a partir del cual vigorizar sucintas tramas en sala de montaje, era un elemento fundamental de Memento, Origen, Interstellar o Dunkerque. 

Sin embargo, resulta una agradable sorpresa comprobar que durante la primera hora de Tenet lo que mejor funciona no son las manías de este realizador sino su amor por un género: el thriller de espionaje clásico. El desarrollo narrativo de algo más del primer tercio de este filme es ciertamente impecable. 

Una espectacular operación de rescate en una ópera, en la que bien podría haberse interpretado la Turandot que se escucha en Misión Imposible 5 y que tanto recordaba a El hombre que sabía demasiado, marca el punto de partida de una aventura que se mantiene tensa, rara y elegante. Especial mención al porte que demuestra John David Washington como protagonista de esta función, capaz de imponer con el gesto mínimo de ajustarse el traje después de una sucia pelea. 

Pero tras el electrizante arranque, Tenet opta por explotar a fondo la ‘inversión’. Y en cuanto este elemento entra en juego de forma arrolladora, tras un memorable atraco sobre ruedas, la película empieza a perder fuelle como thriller de acción y a ganar como vehículo de lucimiento nolaniano. 

Los elementos iniciales están ahí: la atronadora banda sonora de Ludwig Göransson —ciertamente continuista con Hans Zimmer—, el clímax perpetuo y preciso del inteligente montaje de Jennifer Lame, el carisma de Washington, la presencia perturbadora y tranquilizadora al mismo tiempo de Robert Pattinson… pero todo queda sepultado por una lluvia de ideas, verborrea y explosiones que hacen que el conjunto pierda interés. 

Nolan insiste a través de varios de sus personajes en un concepto que bien pareciera aplicar a muchos de sus espectadores: la ignorancia es protección. Para los espías de la cinta ignorar su futuro o el destinatario último de una operación, les protege frente a las dudas que podrían conllevar sus acciones moralmente reprobables. Para los espectadores su desconocimiento en asuntos de mecánica y física cuántica, así como el difuminado mapa de hacia dónde va la trama y por qué los personajes están acometiendo tal o tal maniobra, les protege frente a la intelectualización y les permite abandonarse hedonistamente a una acción sin pausa. 

Arquitecturas imposibles para sostener... ¿qué?

Se puede argumentar, y se argumentará, que sin un segundo visionado Tenet no se puede comprender. O que si no la has disfrutado es, probablemente, por eso mismo: no la habrás entendido. Pero lo cierto es que la última película de Nolan enfrenta otros problemas más allá de su enrevesado aparato narrativo.

Los hallazgos que sostenían las arquitecturas narrativas de sus obras solían tener, en el fondo, un sentido dramático. El clímax de Interstellar perseguía el reencuentro y reconciliación paternofilial. Una relación previamente desarrollada y estupendamente defendida por Matthew McConaughey y Jessica Chastain. 

Lo mismo ocurría con el protagonista de Origen, que no solo debía reencontrarse con sus vástagos, sino también superar la muerte de su esposa: perdonarse a sí mismo por los errores que cometió y enfrentar un trauma que pone en peligro a quienes le rodean.

Tenet, en cambio, relega su clímax emocional en un personaje secundario: una madre que, de nuevo, tiene que reencontrarse con su hijo —qué tendrá Nolan con este tema—. Aún obviando que una lectura de género dejaría a este único personaje femenino con cierta entidad —interpretado Elizabeth Debicki—, como una dama en apuros, víctima de un maltratador, madre sufridora y ‘zorra vengativa’, como se autodefine, resulta ser que la mayoría de personajes carecen de arco dramático alguno. Son funciones narrativas en perpetuo movimiento. 

El protagonista, que no tiene ni nombre —literalmente se llama ‘protagonista’—, se nos presenta como alguien ciertamente noble al inicio del filme. Pero tras esa pequeña pincelada lo único que sabemos de él es que le encanta hacer dominadas supinas. Sus actos no están motivados por nada en concreto: simplemente los lleva a cabo porque, ya se sabe, es el protagonista y debe impulsar la acción. Ah, y evitar un supuesto apocalipsis que jamás se siente como tal. 

Bien es cierto que la precariedad de asideros emocionales no es algo que preocupe especialmente a Nolan, como se puede ver en películas como Dunkerque. Pero es que más allá de ser una película fría, Tenet adolece de un potencial formal desaprovechado. O, por lo menos, no a la altura de otras películas de su director. 

La ‘inversión’ resulta ser una idea visualmente atractiva que nunca termina de elevarse. En Tenet cunde una acción confusa ambientada en anodinos pasillos, impersonales aeropuertos o desolados eriales. No hay confusiones entre montañas y olas gigantes, ni acercamientos a agujeros negros, ni ciudades que se pliegan sobre sí mismas: solo personas que caminan raro. A los Monty Python les encantaría. 

Acorde con los tiempos pandémicos que vivimos, Frank Capra decía que el cine era una como una enfermedad: “cuando infecta tu sangre, se apodera de tu cuerpo hasta llegar a tu mente y, al igual que la heroína, el antídoto para el cine es más cine”. Y justo de infecciones hablaba también DiCaprio en Origen cuando decía que el parásito más resistente que existe es una idea. 

El cine se nutre de esas ideas y, con suerte, permanece y trasciende su medio. Pero lo que propone Nolan en Tenet está lejos de sus hallazgos anteriores: ha perdido capacidad de fascinación. Y eso es decir mucho en una película que repite el término ‘posteridad’ de forma insistente.