Hace tres años, el departamento de comunicación de la fundación AISGE, que gestiona los derechos de actores, bailarines, dobladores y directores de escena, publicó un informe bastante representativo de lo que sucede en todo el ámbito de la creación cultural, incluido el más importante en términos económicos y de influencia internacional, el del libro. Entre otras cosas, afirmaba que sólo el 23% de los profesionales gana más de 1.000 euros brutos al mes, que el 44% está por debajo de la línea de la pobreza y que, en consecuencia, más del 50% se ve obligado a ejercer empleos no relacionados con su profesión, con lo que eso implica (Estudio sociolaboral, 2023). El objetivo de “vivir dignamente de su trabajo se halla más cuestionado que nunca” —se decía en ese momento— y, por si eso fuera poco, la “degradación de las condiciones laborales” y la derivada “sobreoferta de productos” conducían a una “pérdida de valor de los mismos” que haría “insostenible” gran parte del sector.

Esta semana, ACE Traductores ha puesto en marcha la encuesta de su nuevo Libro blanco de la traducción editorial en España, que cuando esté concluido será el tercero de los que haya elaborado. Quien no esté informado al respecto, puede pensar que, hasta entonces, no hay forma de saber en qué situación se encuentra ese grupo de trabajadores de la cultura, que también son autónomos en su mayoría; pero, teniendo en cuenta que la precarización no ha dejado de aumentar desde la publicación del texto anterior (del año 2010), es difícil que sus conclusiones se alejen positivamente de lo que sabemos hoy: “tarifas estancadas o a la baja”, “trivialización y devaluación de la producción social”, indefensión generalizada, imposibilidad de verificar las ventas de libros (de las que dependen las liquidaciones de derechos) y lo que se definía en suma, quizá con excesiva suavidad, como “alto grado de incumplimiento de la ley de propiedad intelectual por parte de los editores”. Como resultado, más del 70% no se podía dedicar en exclusiva a su oficio cuando se publicó el Informe de valor económico de la traducción editorial (2017).

Por si les parece que los ejemplos anteriores son excepciones a la norma, añadiré algunas de las afirmaciones de la Encuesta de análisis del sector profesional de la ilustración (2025), que será la base de otro tercer libro blanco, el correspondiente a las circunstancias actuales de los ilustradores e ilustradoras de nuestro país: “ocho de cada diez” trabajadores “han visto congelados o reducidos sus ingresos desde 2019”, un 70% tiene problemas de “demora o impago por sus servicios” y una “amplia mayoría ingresa menos de 1.000 euros al mes”, lo cual explica que en el año 2005 ya se diera el caso de que el 17% de los encuestados ni siquiera ganaran lo suficiente “para cubrir los gastos de la Seguridad Social”.

Como se ve, es el mismo brete, y prácticamente en la misma gama de cifras; con dos agravantes que quizá habrán imaginado: la brecha histórica de género, imposible de cerrar con sueldos cada vez más bajos y la aparición de la IA, que está expulsando a miles de profesionales y dañando la calidad de las obras sin más utilidad real que la de aumentar los beneficios de las grandes empresas y de cuatro multinacionales.

Algunos de los que pertenecemos a dichos sectores —no cito más por falta de espacio— somos muy conscientes de que nada de lo planteado aquí tiene solución si no rompemos el silencio, nos movilizamos y desvelamos la imagen de la cultura en España, que desde luego no es la de un puñado de famosos televisivos; y al tratarse de ocupaciones tan diversas, tampoco se puede avanzar mucho si los actores, traductores, escritores, ilustradores, músicos y demás seguimos luchando estrictamente en nuestro campo, por la sencilla razón de que la propia disgregación nos resta fuerza y, de paso, impide un más que necesario intercambio de experiencias, algo particularmente grave cuando se trabaja en el mismo sitio, como sucede a menudo en el teatro. Pero, por supuesto, falta un factor esencial, el motivo de que se haya llegado a semejante situación: el desinterés de las administraciones públicas españolas, que a diferencia de casi todos los países de nuestro entorno, ni siquiera han sentado las bases de una verdadera política cultural, que pasa por conceder un tratamiento específico a los creadores y creadoras.

El grandísimo Peter Brook declaró en Between two silences que él nunca había tenido problemas de dinero a la hora de dirigir, y no porque fuera rico —que no lo era—, sino porque puenteaba la cuestión por el procedimiento de limitarse a “usar los medios disponibles”, es decir, lo que hubiera, por poco que fuese; de hecho, es lo normal cuando la creación es una forma de vida. Lamentablemente, el mundo donde dijo eso no es el mundo en el que estamos: aunque la UNESCO insista en recordar que la cultura es la clave del futuro de la humanidad (Informe mundial sobre políticas culturales), los hechos dicen que la creación ya no da ni para pagar medio alquiler en una ciudad media. Estoy seguro de que, al final, se caerá en la cuenta del tremendo error que se está cometiendo. Esperemos que no sea demasiado tarde.

“En España, protesta general contra la nueva dirección de un centro de arte”, titulaba todavía el pasado 18 de junio la historiadora del arte y comisaria de exposiciones Estelle Labeyrat su análisis en el semanario francés Le Quotidien de l'Art. Se trata del último artículo, pero no el único, que, en medios especializados internacionales, se ha detenido en la crisis abierta por la Xunta de Galicia al imponer una nueva directora en el principal museo de arte contemporáneo de la ciudad. La elección por concurso de libre designación de la desconocida Eva López Tarrío, una profesora y artista sin apenas experiencia curatorial, como directora del CGAC ha desatado una formidable tormenta de malestar y oposición que ha traspasado las fronteras gallegas y estatales.

Ya el 28 de mayo, cuando la polémica arreciaba, las tomas públicas de posición se sucedían, 1.500 personas suscribían un duro manifiesto, Art News se hacía eco de la situación. Una de las publicaciones dedicada al arte más antiguas, fundada en Nueva York en 1902, hablaba de lo sucedido en el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) y recordaba que al concurso ganado por López Tarrío se habían presentado, entre otras personas cuyos nombres no han transcendido, Susana Cendán y Alberto Ruiz de Sanmaniego. Sus currículums resultan objetivamente superiores al de la elegida por la Consellería de Cultura, “sin experiencia significativa en el mundo internacional del arte o los comisarios”. Art News también recogía los “aparente errores” de los méritos de López Tarrío -“haber trabajado en la Fundación Laxeiro antes de que esta existiese legalmente”- y las tres dimisiones en el consejo asesor del CGAC.

La Art Media Agency, un mensual online sobre el mercado del arte con sede en Mónaco y ediciones impresas que se reparten en eventos y ferias, recogía el 25 de mayo las disensiones en el mencionado órgano del centro. Las renuncias de Agar Ledo, Silvia García y Cecilia Pereira ocurrían, relataba la publicación, al mismo tiempo que protestas en el interior del museo, en las inauguraciones de las dos últimas exposiciones. En el consejo asesor permanecen el arquitecto Celestino García Braña en representación de la Real Academia Galega de Belas Artes y el discutido crítico Antón Castro, director de tesis de Eva López Tarrío, y, según fuentes del sector, muy próximo a algunos cargos del actual Gobierno gallego. La frecuentada web Call for Curators, una plataforma de apoyo a comisarios y profesionales de arte fundada en 2012 que “ofrece una cuidada selección de llamadas abiertas internacionales”, tampoco ignoró los problemas del CGAC: “La situación ha reavivado el debate sobre transparencia, profesionalización y estándares de gobierno en las instituciones culturales sufragadas con dinero público”.

La Xunta de Galicia, sin embargo, no se da por aludida. El propio presidente, Alfonso Rueda, desdeñó las prácticamente unánimes críticas al proceso de selección de López Tarrío y las redujo a “básicamente personas que presentaron al proceso y no fueron seleccionadas”. No es cierto. Incluso el Consejo Internacional de Museos (ICOM), que agrupa 45.000 socios y miles de museos de al menos 138 países, se pronunció el pasado 1 de junio. “La situación actual compromete principios esenciales de la museología contemporánea y pone en riesgo la integridad institucional de un museo que ha sido clave para el desarrollo del arte contemporáneo en Galicia y en el contexto internacional”, decía un comunicado que instaba al Gobierno gallego a “restaurar los principios de profesionalización, transparencia y excelencia que deben regir la dirección de un museo público”.

Solo dos días después, el conselleiro de Cultura, José López Campos, intervenía en el Parlamento de Galicia. Respondía a preguntas del BNG sobre el conflicto desatado tras el nombramiento de Eva López Tarrío y las protestas generalizadas en contra. Habló de propiciar el diálogo pero defendió una elección criticada en Galicia y más allá. Llegó a insinuar que el cuestionamiento de López Tarrío se debía al machismo y que la nueva directora buscará “una mayor internacionalización” del centro. De momento lo ha conseguido, pero como objeto de crítica.

Segade: “A la Xunta solo le queda corregirse”

El proceso que ha desembocado en elección de la nueva dirección se apoya en la Lei de Museos de Galicia aprobada por el PP en 2021. Una posterior modificación de la relación de puestos de trabajo del museo eliminó el contrato de alta dirección y los sustituyó por un puesto de libre designación al que solo podía optar personal funcionario. El sector ya había criticado estos cambios, pero fue la designación de López Tarrío la que desató una ola de protestas que nadie en el sector recordaba. El duro manifiesto Se afunde é porque pesa: SOS CGAC, promovido por la asociación cultural Vegliota, lo firmaron más de 1.500 personas, entre ellas el director del museo Reina Sofía de Madrid, Manuel Segade. Segade se extendió en sus argumentos en un artículo a cuatro columnas publicado el pasado domingo en La Voz de Galicia.

“Si el CGAC se merece lo mejor, a la Xunta solo le queda corregirse, aceptar su equivocación y dar marcha atrás en su intento de control”, escribe. El texto se titula En defensa de lo normal.

La historia es de sobra conocida. El lunes 26 de abril de 1937, cuando las fuerzas nacionalistas de Franco empujaban hacia el norte para cortar Bilbao y tomar el control del País Vasco, se tomó la decisión de aplastar la resistencia con una abrumadora muestra de fuerza. A las cuatro de la tarde, y durante las siguientes tres horas, sesenta aviones italianos y alemanes lanzaron bombas incendiarias sobre Guernica, reduciéndola a una bola de fuego. No se había visto nada parecido en Europa, y aquello lo cambió todo.

Unos meses antes, Pablo Picasso —que en ese momento era ya el artista vivo más famoso del mundo— había recibido un encargo del Gobierno Republicano para el pabellón español de la Exposición Universal de París prevista para aquel verano. Impactado por el ataque, el 1 de mayo comenzó a dar forma concreta al cuadro y durante las siguientes semanas, bocetos, dibujos y pinturas se derramaron con una pasión febril. A finales de junio de 1937, Picasso estaba listo para los toques finales de una obra ejecutada a una escala tan monumental que se había visto obligado a colocarla en ángulo en su enorme estudio de la parisina rue des Grands-Augustins. Todo el proceso quedó documentado por la fotógrafa Dora Maar, que era entonces su amante.

El lehendakari Imanol Pradales pidió el cuadro a Pedro Sánchez. Días antes de otro encuentro en La Moncloa, la vicelehendakari, Ibone Bengoetxea, le concretó al ministro Ernest Urtasun que la pintura se trasladase durante nueve meses al Museo Guggenheim de Bilbao a finales de 2026, como parte de los actos de conmemoración del 90 aniversario del Gobierno vasco y del ataque a Gernika. Pradales calificó la iniciativa de gesto de memoria histórica y de “reparación simbólica”, un lenguaje que ha generado polémica. “No estamos ante una cuestión meramente técnica, sino ante una cuestión de memoria, reconocimiento y reparación”, secundó la consejera de Cultura vasca Ibone Bengoetxea en un encuentro posterior en Madrid.

Desde entonces se ha producido un cruce de acusaciones, sobre todo desde el ámbito político, ya que el Guggenheim no ha querido hacer declaraciones por el momento, y el Reina Sofía ha respondido únicamente mostrando los informes de los restauradores sobre el estado del cuadro. El ministro de Cultura rechaza el traslado, “de forma rotunda”.

Un lienzo pintado con urgencia

Y es que el problema técnico existe, y no es menor. El Guernica es un óleo sobre lienzo de 349 x 776 centímetros, pintado con una rapidez casi violenta en apenas seis semanas. Esa urgencia, y las décadas de viajes posteriores, han dejado huella: la capa pictórica presenta grietas y zonas de fragilidad que lo convierten en uno de los casos más citados en conservación y restauración de arte contemporáneo.

Tras su exposición en el Pabellón Español, el Guernica emprendió en 1938 una larga gira organizada por el representante de Picasso, el marchante de arte Paul Rosenberg, para concienciar al mundo sobre la situación del bando republicano: los países nórdicos, América, Londres y de vuelta a Europa (Berlín, Milán). Ese trajín pasó factura a la pintura, que tuvo que ser restaurada en el MoMA de Nueva York en 1957, donde permaneció a petición del propio Picasso durante varios años. Por si fuera poco, el 28 de febrero de 1974 el artista estadounidense Tony Shafrazi pintó en el mural con spray rojo, en un intento de llamar la atención sobre las mentiras de la Guerra de Vietnam, dejando microresiduos en las fisuras del lienzo.

El 10 de septiembre de 1981 el Guernica volvió a España, concretamente al Casón del Buen Retiro en Madrid. José Carlos Roldán, restaurador del CAAC que participó en la comisión de restauración del Reina Sofía hace veinte años, explica cómo fue aquel traslado al museo el 26 de junio de 1992, del que tuvo conocimiento a través de su trabajo posterior en la comisión: “La pieza se extendió en el Casón del Buen Retiro y se le aplicó calor para que la cera que tenía le diera elasticidad”. Los daños eran tan patentes que en esa ocasión se decidió trasladarla enmarcada, en parte por la cercanía entre ambos puntos. “Además —recalca Roldán— es una obra bastante delicada por cómo fue pintada, y sufrió mucho en el traslado de Nueva York a Madrid porque vino enrollada”.

El mural se convirtió enseguida en una pieza fundamental del museo recién inaugurado, hogar definitivo de la obra más icónica del siglo XX, y en uno de los grandes referentes del arte moderno a nivel mundial, atrayendo cada año a millones de visitantes que peregrinan hasta Madrid para contemplar el lienzo.

Como explica el propio Reina Sofía, “el Guernica es un símbolo político, hasta el punto de que aparece como emblema ante cualquier episodio de violencia o de vulnerabilidad de la población civil”.

El historiador del arte e investigador Manu Martín, autor del ensayo Contra el Patrimonio, también coincide en esta visión de la obra como un símbolo reivindicativo: “Creo que hay que volver a poner en relación su temática, que es la denuncia de un bombardeo fascista que todavía forma parte de la memoria muy reciente de España”. “Me parece una decepción tremenda que el Ministerio de Cultura haya cerrado tanto la puerta a algo que creo que le vendría muy bien a la izquierda como es repolitizar el cuadro”, añade. Y es que precisamente esa carga simbólica es la que alimenta, una y otra vez, las peticiones de traslado.

Todas las solicitudes, denegadas

El museo enumera las más recientes: el Guggenheim en 1997 y de nuevo en 2007; el MoMA, que lo había albergado durante décadas, en 2000 —y como aclara el Reina Sofía, “ni siquiera esta vez el Guernica viajó a Nueva York, debido a las razones expuestas, motivos que fueron perfectamente comprendidos y asumidos por el MoMA”—; el Royal Ontario Museum de Canadá en 2006; el Grupo FujiExp de Japón en 2009; y el Gwangju Museum de Corea del Sur en 2012. Todas las solicitudes fueron denegadas.

El propio museo justifica su decisión mediante el informe técnico sobre el estado del mural: “El tamaño de la obra determina las dimensiones de la caja y el espacio en el que ha de transportarse”, y subraya que la obra “NO PUEDE ENROLLARSE por la naturaleza actual de los elementos que la componen, y ha de permanecer todo el tiempo en posición vertical y en unas condiciones de humedad y temperatura estables”.

Con todos estos datos concluyen que se trata de un mural que, “por su formato, naturaleza de los elementos que la componen y estado de conservación, junto con los numerosos daños sufridos a lo largo del tiempo, la hacen especialmente sensible a todo tipo de vibraciones inevitables en el transporte que podrían generar nuevas grietas, levantamientos y pérdidas de la capa pictórica, así como desgarros en el soporte”.

“Cualquier persona que conozca el estado de conservación de El Guernica sabe que no puede viajar”, afirma el historiador del arte y divulgador Miguel Ángel Cajigal Vera, conocido en redes como El Barroquista. “Incluso cambiarlo de pared dentro del Reina Sofía fue en su momento muy delicado. Ni siquiera sería prudente moverlo diez kilómetros, mucho menos enviarlo a más de 400 kilómetros de distancia. El cuadro viajó demasiado durante décadas y está en un estado muy precario: es el ejemplo que siempre se pone en la disciplina de los daños que puede sufrir una obra por exceso de movimiento”.

Roldán además añade otro punto de vista: “Si planteáramos por ejemplo que nos prestaran Las Meninas para una exposición temporal, estoy seguro de que el informe sería negativo. La Mona Lisa tampoco se presta. Es la joya del museo. Ya puedes hacer una caja perfecta, fletar un avión, tomar todas las precauciones del mundo… pero hay obras que, cuando pones en una balanza el riesgo y la ventaja, no admiten discusión”.

Símbolo político, objeto frágil

El Guernica llegó a España por primera vez ocho años después de la muerte de Picasso. El acuerdo con el MoMA recogía sus instrucciones explícitas: el cuadro no debía regresar a España hasta que no se restablecieran las libertades democráticas. Antes de instalarse en su sala actual, ya mostraba signos evidentes del desgaste acumulado, razón suficiente para no moverlo más. Desde entonces, el museo ha extremado las precauciones: la pintura se exhibe en condiciones de temperatura y humedad controladas, y cualquier intervención sobre ella —incluso un simple cambio de posición— se convierte en un operativo de alta precisión.

No todos comparten esa postura con la misma rotundidad. En el simposio celebrado en 1998 en torno al estado y el posible traslado del Guernica, Stephan Michalski, científico jefe del Canadian Conservation Institute, planteó una pregunta que Roldán recuerda con cierta ironía: “Si somos capaces de ir a la Luna, ¿por qué no somos capaces de trasladar este lienzo al Guggenheim?”.

A esta se le unieron las opiniones de los políticos vascos como Iñaki Anasagasti, que ya en el pasado veía la oposición al préstamo como parte de una política reaccionaria: “Con expertos como estos no se hubiera inventado la rueda, ni se hubiera ido a la Luna, ni se hubiera hecho una operación de trasplante de corazón. No entiendo que un problema técnico no pueda tener una solución técnica” afirmó en 1998.

Manu Martín, por su parte, también se muestra partidario del traslado de la obra a otros museos: “Yo creo que lo que está pidiendo el Gobierno vasco es más que lícito. Para cualquier exposición se piden obras. Me parecería bien desmitificarla un poco, y que se pudiera recuperar ver en otros sitios, de manera itinerante, pero tampoco me la llevaría a todas partes, yo lo veo más como una cuestión política más que técnica”.

Para Cajigal Vera, el debate ha entrado en un terreno incómodo: “Una parte pide el mural sabiendo que la petición es imposible de atender con los datos objetivos en la mano. La otra se limitará, todas y cada una de las veces, a recordar que hay información científica y técnica que nunca avalará ese préstamo. La razón de ser de cualquier museo es preservar los bienes que custodia para las generaciones futuras. Aprobar un viaje como este pondría en serio peligro la supervivencia del cuadro, y además la logística para mover una obra de semejante tamaño es absolutamente excepcional y no se justifica desde el punto de vista museográfico”.

El espejo de Sijena y Bayeux

La polémica recuerda a otros conflictos sobre patrimonio, como el reciente caso de la devolución por parte del MNAC de las pinturas murales medievales del Monasterio de Santa María de Sijena, en el que la historiadora Marisancho Menjón se mostró a favor de la restitución. Aunque Cajigal Vera matiza la comparación: “Son casos muy diferentes. En Sijena hay dos partes enfrentadas cuyos técnicos no se ponen de acuerdo, pero además existe una sentencia judicial de restitución. Con el Guernica, en cambio, no encontrarás a un solo técnico independiente que no te diga que moverlo es un riesgo injustificable”.

Una opinión que comparte Roldán: “Sijena es distinto, entre otras cosas porque el contexto también lo es: aquellas piezas fueron trasladadas a un museo en Catalunya por miedo a que fueran vandalizadas”. En aquel caso, una expedición de 1936 del Gobierno de la Generalitat republicana, capitaneada por Josep Gudiol, intentó salvar las pinturas de un incendio provocado. Permanecieron en el MNAC durante décadas con el objetivo de conservarlas y restaurarlas. Más tarde, en los años ochenta, la Generalitat compró a las monjas de Sijena las obras que ya tenía expuestas. La resolución judicial se ha inclinado por la restitución, aunque el debate sobre si la simbología de la devolución compensa la permanencia en el museo de Montjuïc sigue abierto.

Pero Sijena no es el único caso comparable que aflora en este debate. “El que sí me parece equiparable al del Guernica es el del Tapiz de Bayeux”, explica Cajigal Vera. “Macron decidió prestarlo al Museo Británico con todos los informes técnicos en contra, porque la decisión respondía a una lógica política, no técnica. Cuando se produzca el deterioro, y seguramente sucederá, habrá que ver quién asume la responsabilidad de haber hecho política con un tesoro nacional”.

La pregunta, entonces, es inevitable: ¿por qué unas obras pueden trasladarse pese a su fragilidad y otras no? Roldán da la respuesta: “Hay que poner en una balanza qué es lo prioritario y hacia dónde se quiere ir. ¿Es más importante el símbolo político o la integridad del objeto? Esas decisiones cambian con la política cultural. Ambos lados tienen buenas razones, por eso es tan polémico”. Y en esa tensión —entre el valor simbólico de una obra y su supervivencia física— se juega, en el fondo, todo el debate.

RankingEs más que obvio que este relato de vanguardia que nos quieren vender colisiona, sobre todo, con una realidad institucional que parece empeñada en el anacronismo: la reciente declaración de la ciudad como ‘Municipio Taurino de Extremadura’. En estos momentos, esto no ha sido una decisión aislada sino la banderilla por la que se desangra la coherencia de toda una candidatura.

No estamos ante un debate sobre gustos estéticos, sino ante una colisión de cosmologías. Europa no premia cualquier modelo cultural. A través de sus políticas y programas de financiación, impulsa una cultura orientada a la cohesión social, la diversidad, la libertad de expresión y el pensamiento crítico. Es decir, una cultura que construye ciudadanía y refuerza valores democráticos. En ese marco, resulta contradictorio aspirar a un reconocimiento como capital cultural europea mientras se institucionalizan prácticas que se sostienen sobre la violencia hacia los animales, cada vez más cuestionadas en el propio contexto europeo y esto sitúa a Cáceres en la periferia de la sensibilidad ética continental.

Esta desconexión no es solo simbólica, sino que ignora advertencias de calado internacional. El Comité de los Derechos del Niño de Naciones Unidas ha sido taxativo: España debe alejar a los menores de la tauromaquia para proteger su desarrollo emocional. Ignorar estas recomendaciones desde un ayuntamiento que aspira a la excelencia cultural europea no es simplemente una imprudencia.

Una caída en el ranking de excelencia

La falta de un rumbo cultural claro ya está pasando factura en los indicadores de prestigio. Es necesario recordar que Cáceres logró un hito excepcional en 2021: entrar en el selecto ‘Top Ten’ de las ciudades con mejor oferta cultural de España. Fue una proeza para una ciudad de su tamaño, compitiendo de tú a tú con gigantes como Madrid, Barcelona, Bilbao o Málaga. Aquella décima posición fue el reflejo de una ciudad vibrante y ambiciosa culturalmente.

Sin embargo, el espejismo se desvanece. En el reciente Observatorio de la Cultura de 2025 (publicado en enero de 2026), Cáceres ha caído hasta el 15º puesto. Esta pérdida de cinco posiciones en el ránking nacional es el síntoma de una gestión que ha sustituido el impulso creativo por la inercia institucional.

Del budismo al silencio: El caso de la 'Ciudad de la Paz'

La incoherencia del actual gobierno local alcanza su cénit con el boicot a proyectos que sí encajaban en ese concepto de ‘Transcultura’. Resulta paradójico que, mientras se abraza el rito taurino, se pongan trabas hasta hacer caer el proyecto ‘Gran Buddha’ y su 'Ciudad de la Paz'.

Este complejo budista, que incluía la construcción de un monasterio, una estatua de Buda de 47 metros y un centro de bienestar y meditación, aspiraba a convertir a Cáceres en un referente mundial de la espiritualidad y el diálogo intercultural. Era un proyecto de paz, formación y atracción de un turismo de calidad que buscaba la calma, no el estrépito de la plaza. Su descarte por falta de voluntad política reafirma que no hay una apuesta real por la diversidad cultural, sino un repliegue hacia lo de siempre.

De la cultura viva al escaparate privado

Esta falta de coherencia se extiende al resto de la política cultural: la privatización de lo común. La cesión de espacios públicos a entidades privadas, mientras se desplaza a instituciones educativas vitales como la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) o el Conservatorio de Danza, muestra qué tipo de “cultura” busca el gobierno local. Se prefiere el contenedor de prestigio y la marca privada frente a la formación artística y la creación joven. Se vacía el centro histórico de su pulso cotidiano para convertirlo en un decorado para el visitante. Lo mismo que con el Festival de Cine Español que directamente se ha desvinculado de la candidatura para Capital Europea de la Cultura 2031 por la falta de apoyos y por la dejadez institucional.

Y hablando de falta de lógica, otra muestra: porque la incoherencia no solo se mide en ránkings, sino en el desprecio a proyectos locales de éxito contrastado. Resulta sangrante que iniciativas como el Irish Fleadh hayan sido inicialmente rechazadas en la programación de la candidatura bajo el pretexto de una supuesta falta de “dimensión europea”. Es un argumento casi cómico (y dramático) cuando hablamos de un festival que lleva años hermanando a músicos de Irlanda, Reino Unido y el continente con el patrimonio extremeño. Que a un pilar de la cultura viva de la ciudad se le envíe una carta de rechazo estándar es, sencillamente, no haber entendido nada de lo que significa ser una Capital Cultural.

El dossier contra la realidad

Cáceres tiene el potencial, pero la ‘Transcultura’ no puede ser solo un concepto pegadizo en un dossier brillante. La cultura es una forma de entender el mundo y de relacionarnos con los otros seres vivos. No se puede pedir el respaldo de Europa mientras se subvenciona el sufrimiento, se ignora a la ONU, se espantan proyectos de paz internacional y se desplaza a estudiantes de arte o se ignora al cine de proyección internacional.

La ciudad aún puede elegir entre ser un referente de innovación o un reducto de anacronismos. Para que 2031 sea una oportunidad de progreso y no un simple espejismo, Cáceres necesita valentía política y honestidad intelectual. Ojalá 2031 sea el año en el que Cáceres consiga la capitalidad cultural, pero que lo haga siendo una ciudad repleta de cultura viva y vacía de violencia ritualizada y complejos frente a la modernidad. La modernidad de la buena.

En 2021, los siete integrantes de BTS recibieron pasaportes diplomáticos del Gobierno surcoreano para acompañar al entonces presidente Moon Jae-in a la Asamblea General de Naciones Unidas, y la imagen sintetizó una estrategia cultural desarrollada durante décadas por el Estado surcoreano: la conversión de la música popular en herramienta de proyección internacional y poder blando. En la última década, el k-pop se ha utilizado de forma recurrente para fines diplomáticos: en febrero de 2018, EXO actuó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno de PyeongChang, en un evento diseñado para un público internacional. Dos meses después, Red Velvet ofreció un concierto en Pyongyang ante Kim Jong-un y otros miembros del Gobierno norcoreano, en el marco de una visita diplomática que convirtió un espectáculo musical en un gesto de acercamiento entre las dos Coreas. 

Dicha circulación institucional también se aprecia en las relaciones del Tigre Asiático con EEUU. En septiembre de 2017, EXO fue recibido por Donald Trump durante una visita presidencial al país y, en mayo de 2022, BTS se reunió con el presidente Joe Biden en la Casa Blanca. Ese mismo proceso de institucionalización se había consolidado previamente en septiembre de 2018 y de nuevo en 2021, cuando BTS, que visitará el Metropolitano de Madrid este verano, intervino en la Asamblea General de Naciones Unidas.

Para Jane Yeahin Pyo (Corea del Sur, 1993), profesora de Comunicación en la Universidad de Tulane, especializada en cultura digital y k-pop, BTS opera hoy en un doble registro. “Fuera de Corea, BTS envía señales de solidaridad política”, explica, y pone como ejemplo la donación de la banda al movimiento BLM en 2020. Dentro del país, en cambio, su función es distinta: “BTS representa orgullo nacional y señala la nueva posición de Corea como líder cultural global. Mucha gente los percibe como un sustituto simbólico del lugar de Corea en la economía cultural mundial”.

La musicóloga Lorena Varela (Vigo, 1998), doctoranda por la Universidad de Oviedo y responsable del blog Con K de K-Pop, sitúa este despliegue internacional en un marco más amplio: “El género no surge como una actualización de la música tradicional coreana, sino como un producto pensado para circular internacionalmente”. Concebido para operar en el mercado global, el k-pop se construye desde una lógica de hibridación estructural, en la que referencias locales y globales se ensamblan de forma inseparable. Desde el interior del proceso creativo, Nuria de Andrés (26, Cádiz), conocida artísticamente como Sélpide y formada en producción vocal en Seúl, afirma que el género “se construye a partir de referencias globales y muy primordialmente estadounidenses, aunque también hay mucho que deriva de Suecia”, explica. En su experiencia en equipos de producción coreanos, esa mezcla no es una excepción, sino el punto de partida normalizado.

Sin embargo, la Marca País de Corea del Sur se define tras la crisis financiera asiática de 1997, cuando el país solicita un rescate al Fondo Monetario Internacional y se ve obligado a reestructurar su modelo económico. En ese contexto de pérdida de competitividad industrial y dependencia exterior, el Gobierno de Kim Dae-jung incorpora de forma estratégica la industria cultural como nuevo sector prioritario. La música, el cine y las series no se entienden entonces solo como productos culturales, sino como activos económicos de bajo coste, alta capacidad exportadora y fuerte impacto simbólico. “Es en ese momento cuando la música empieza a pensarse explícitamente como producto exportable”, explica la musicóloga Lorena Varela, “no solo como entretenimiento, sino como parte de una política cultural orientada al exterior”. 

Pyo coincide en ese diagnóstico y añade que el uso político de BTS no es intencional, sino progresivo. “BTS no empieza como una estrategia de poder blando pero, a medida que gana fama global, pasa a utilizarse estratégicamente para la agenda política, cultural y económica del país”. Como ejemplo, cita las campañas del Ayuntamiento de Seúl en 2018, que utilizan al grupo para promover el turismo internacional. Sin embargo, matiza que “no siempre es intencional”: “Los fans desarrollan sus propias estrategias con BTS, y muchas veces escapan al control institucional”.

Éxito global, fricción regional

El poder blando del k-pop funciona con eficacia a escala global, pero encuentra límites en su entorno regional inmediato. Japón y China no son solo mercados, sino espacios de disputa simbólica donde el k-pop se analiza en base al histórico de conflictos entre dichas potencias. “El éxito del k-pop en Japón ha suscitado el resurgir de ciertos movimientos proimperialistas”, afirma Varela. 

Como ejemplo de esa fragilidad simbólica, en noviembre de 2018 la cadena japonesa Asahi TV canceló una actuación prevista de BTS en el programa Music Station. La decisión se produjo tras la circulación de imágenes de Jimin vistiendo meses antes una camiseta que combinaba una fotografía del hongo atómico con consignas sobre la liberación de Corea del dominio colonial japonés en 1945. “En Corea se lee como el fin del dominio colonial; en Japón, como una banalización de Hiroshima y Nagasaki”, resume, evidenciando hasta qué punto la cultura pop puede activar conflictos de memoria histórica. Así, la cultura pop “no tapa el conflicto: de hecho, lo hace visible o más visible”, explica la musicóloga. 

En ese contexto, el k-pop opera de forma ambivalente: como lenguaje capaz de suavizar tensiones en el plano diplomático y, al mismo tiempo, como arma de presión. Sobre todo, con sus vecinos más cercanos. Desde el armisticio de 1953, la Zona Desmilitarizada (DMZ) entre las dos Coreas funcionó también como un espacio de guerra psicológica de baja intensidad. Durante décadas, ambos Estados desplegaron sistemas de altavoces orientados al otro lado de la frontera para emitir propaganda, mensajes ideológicos y otros contenidos. En el siglo XXI, Corea del Sur incorporó deliberadamente el k-pop (un género estrictamente prohibido en Corea del Norte) a esas emisiones. El objetivo no era tanto persuadir como introducir disonancia cognitiva en una sociedad sometida a un control informativo extremo, utilizando la cultura popular como vector de desestabilización entre la población. “El k-pop se incorpora con facilidad a agendas nacionales, pero esa misma visibilidad lo expone a conflictos históricos y geopolíticos que no puede resolver por sí solo”, señala Pyo.

El fandom como vector cultural

No obstante, la proyección global del k-pop no se explica solo por la acción de las grandes agencias ni por la diplomacia cultural del Estado, sino también por el papel activo de los fandoms, que funcionan como redes organizadas de circulación cultural. Camile Rocío Gálvez Soruco (22 años, Bolivia) y María Elena Piedra Camacho (22, Madrid) forman parte de ARMY Madrid, una subsección local del club de fans global de la banda. En su relato, el k-pop actúa como catalizador del turismo: “Cuando te haces fan de BTS, visitar Corea del Sur se convierte en tu sueño”. Ese viaje, además, sigue un itinerario concreto. “Nuestra ruta fue de tres días dedicados solamente a conocer lugares relacionados con BTS”, explica Soruco. Entre esos espacios mencionan la sede actual de HYBE o el antiguo edificio de Big Hit. “Ves a un montón de gente haciendo exactamente lo mismo que tú, y nos hacemos amigas aunque no hablemos el mismo idioma”, añade Camacho.

Además del apoyo musical, el fandom se articula como una red de acción colectiva en torno a causas públicas. En el caso de BTS, esa movilización suele activarse a partir de iniciativas impulsadas por el propio grupo. La colaboración con UNICEF, en 2017, es uno de los ejemplos más citados. “Cuando ellos empezaron a trabajar con UNICEF, ARMY se organizó desde distintos países para donar e informar sobre la causa”, explican, “así, organizamos una recaudación para comprar tablets y botellas de agua, que donamos a varios hospitales”. En ese sentido, el compromiso social que emerge alrededor del k-pop se activa desde la lógica industrial: son los ídolos los que convierten una iniciativa institucional en una causa compartida por millones de personas.

Para Pyo, el futuro del k-pop no depende tanto de su popularidad como de su capacidad de adaptación. “Su posición es ya lo suficientemente sólida como para sobrevivir a tensiones geopolíticas, conflictos internos entre artistas y empresas, o incluso la amenaza de la inteligencia artificial”, afirma, pero introduce una condición. “El K-pop tendrá que avanzar hacia una mayor diversidad cultural y condiciones laborales justas”, señala. Así, el k-pop no es un productor cultural aislado, sino que actúa como herramienta de proyección internacional, como modelo industrial transnacional y como catalizador social. La cuestión no es si es político, sino cómo su estructura lo convierte en un actor con efectos políticos: cuando entra en conflictos históricos o cuando se utiliza como instrumento de presión se convierte, en efecto, en un arma de doble filo.

Esta vez no han dejado pasar ni dos días. Si el pasado mes de diciembre la delegada de Turismo y Cultura del Ayuntamiento de Sevilla, Angie Moreno, anunciaba que en enero de 2026 saldría la esperada convocatoria de ayudas para el sector cultural andaluz, “con un incremento del 80% en las subvenciones concurrenciales, alcanzando cerca de dos millones de euros”, el mismo 2 de febrero ese mismo sector, indignado, lanzaba un nuevo comunicado en el que no solo clama contra el abandono de las políticas municipales, sino también contra el paradójico triunfalismo del alcalde, José Luis Sanz.

Hace apenas una semana, en rueda de prensa, Sanz sacaba pecho por la gestión del controvertido Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla (ICAS), defendiendo un incremento de hasta seis millones de euros, con una ejecución presupuestaria del 90 % y un aumento de ingresos de taquilla de un 45 % respecto a 2022. Asimismo, el primer edil destacó como hitos de su gestión el arranque de la programación de la Fábrica de Artillería y la creación del Festival de la Ópera. Una coyuntura según la cual, apostillaba Sanz, el ICAS atravesaba “su mejor momento”.      

La reacción del sector no se ha hecho esperar, ni ha sido sorprendente. En el comunicado suscrito por una veintena de asociaciones y colectivos (Asociación andaluza de compañías y profesionales de danza, Asociación de circo de Andalucía, Asociación de directoras de artes escénicas de Andalucía, Asociación de distribuidoras de artes escénicas de Andalucía, Asociación cultural MOSAICA, Asociación Escenarios de Sevilla, Asociación de galerías de arte de Sevilla, Asociación de gestores culturales de Andalucía, Asociación de museología y museografía, Asociación de profesionales de las artes escénicas para la infancia y la juventud de Andalucía, BNV Producciones, Editorial Barrett, Fonoteca de Sevilla. Cultura de la escucha, Gremio de la narración oral en Andalucía, GNOA, Instituto de arte contemporáneo, Mujeres en las artes visuales y Zemos98) discrepan del diagnóstico de Sanz: “Si bien reconocemos que la situación del ICAS arrastra problemas estructurales desde hace años, consideramos que en la etapa actual no se ha producido la mejora que se anuncia públicamente y que, en aspectos relevantes, la situación ha seguido deteriorándose, afectando de forma directa al tejido cultural de la ciudad”.

Espacios y festivales perdidos

En lo que respecta al ICAS, denuncian “una estructura de personal cada vez más limitada, dificultades administrativas recurrentes y una falta de planificación y diálogo que condiciona seriamente el desarrollo de proyectos culturales”, dicen. “El gobierno municipal destaca como logros la activación de nuevos espacios culturales, como la Real Fábrica de Artillería. Pero no se menciona que el Teatro Lope de Vega permanece cerrado desde hace tres años y que ambos espacios culturales siguen sin contar con direcciones artísticas seleccionadas mediante convocatorias públicas. Además, las antiguas Naves de Calatrava, dedicadas históricamente a la danza, han cambiado su uso convirtiéndose en cocheras para la policía municipal, perdiendo su función cultural”.

Asimismo, como contrapeso al Festival de Ópera oponen los programas y festivales que en los últimos años han desaparecido del calendario cultural de la ciudad, como Danza Mobile, Nocturama, Monkey Week, Contemporánea Sevilla Gallery Weekend o el Festival Internacional de Música de Cámara Joaquín Turina, entre otros.

“Los datos externos tampoco avalan el relato institucional”, prosigue el comunicado. “En el reciente ranking 'Lo mejor de la cultura 2025' de la Fundación Contemporánea, elaborado por más de 400 profesionales del sector, los proyectos estrella del gobierno de José Luis Sanz no aparecen entre los más de 500 de todo el país y se confirma la tendencia a la baja de la ciudad tanto a nivel nacional como regional solo salvada por entidades que no dependen del ICAS”.

Transparencia e igualdad

Especial preocupación genera la gestión económica y administrativa del organismo. A pesar de los anuncios sobre mejoras en los plazos de pago, los firmantes subrayan que “persisten retrasos, carencias de comunicación pública de sus propias actividades y falta de previsibilidad que afectan al normal desarrollo de la actividad cultural”, lamentan. “El aumento presupuestario del ICAS en los últimos años requiere además un análisis cualitativo sobre su destino. Parte de los recursos se ha concentrado en grandes eventos puntuales, como el espectáculo navideño Navigalia, con una inversión cercana al millón de euros, mientras que el presupuesto destinado a convocatorias públicas de apoyo a proyectos y espacios culturales ha sido menor de lo prometido, generando un desequilibrio entre el gasto en eventos singulares y el sostenimiento del tejido cultural estable”.

“Al mismo tiempo”, agregan, “se observa un incremento de las subvenciones nominativas, otorgadas de forma directa, frente a las líneas de apoyo a las que se accede mediante convocatorias públicas en régimen de concurrencia. Este desplazamiento reduce la transparencia, la igualdad de oportunidades y la diversidad del tejido cultural beneficiario. La situación se agrava con la gestión de las convocatorias públicas para el desarrollo de proyectos culturales de creación contemporánea y las ayudas destinadas al apoyo de los espacios culturales de la ciudad. La no publicación de estas convocatorias en 2023 y 2025, ha generado una fuerte inestabilidad e incertidumbre sobre la continuidad de numerosos proyectos culturales”.

A ello se suma, según estos colectivos, “la ausencia de espacios estables de interlocución con el sector. Las decisiones unilaterales, la falta de transparencia en los procesos y la inexistencia de mecanismos de evaluación compartida debilitan la confianza entre la administración y los agentes culturales. Asimismo, advertimos del progresivo debilitamiento de las políticas culturales de proximidad: reducción de la programación en barrios, pérdida de programas de mediación cultural y una creciente concentración de recursos en grandes eventos puntuales, en detrimento de procesos culturales sostenidos, diversos y accesibles”.

Diálogo necesario

Así, los firmantes insisten en la necesidad urgente de abrir “un proceso de diálogo real y estructurado que permita reformar los estatutos y el modelo organizativo del ICAS con el mayor consenso político posible y la participación activa del sector cultural, con el objetivo de dotarlo de mayor estabilidad, profesionalización, autonomía y eficacia”. En este sentido, hacen un llamamiento al gobierno municipal, pero también al resto de fuerzas políticas de la ciudad, “para que se sumen a este diálogo constructivo”.

Consultada por este periódico la delegada de Cultura del Ayuntamiento hispalense, afirma que “la valoración realizada por el Ayuntamiento de Sevilla en los últimos días se ha centrado en poner en valor la mejora de la gestión del ICAS, atendiendo a datos objetivos de actividad, ejecución presupuestaria y funcionamiento interno, tal y como destacó el alcalde. Ello no supone desconocer que el ICAS arrastra necesidades estructurales e infraestructuras complejas, ni afirmar que la situación sea perfecta. Al contrario, se es consciente de los retos existentes y del esfuerzo adicional que supone ampliar proyectos, espacios y programación, como la incorporación de la Real Fábrica de Artillería, nuevos festivales o el aumento del presupuesto del organismo”.

“Precisamente en ese contexto de crecimiento es donde se han producido mejoras relevantes en la gestión, que consideramos necesario visibilizar. Todo ello es compatible con seguir trabajando en la mejora del modelo y en dar respuesta a las demandas del sector”, añade la edil. “Asimismo, tal y como se comprometió el Ayuntamiento, las convocatorias de subvenciones públicas se publicarán de manera inminente esta misma semana, reforzando el apoyo al tejido cultural de la ciudad”.

“Toledo Capital Europea de la Cultura 2031... Decepción” o “Toledo, Ciudad del Cine... Muy, mal, muy mal, muy mal”.

Así arranca un vídeo publicado este viernes en las redes sociales por Andrea Delgado, que forma parte de la productora toledana LaBuitre, y que critica abiertamente las decisiones políticas que se han tomado recientemente con estas dos grandes apuestas culturales de futuro para la ciudad. ¿La razón? Afea que se haya dejado fuera a los y las profesionales de la provincia o de la comunidad autónoma.

Por un lado, el Ayuntamiento de Toledo acaba de presentar esta semana la candidatura de la ciudad que aspira a convertirse en 'Capital Europea de la Cultura 2031' en un acto celebrado en el Teatro de Rojas, donde el alcalde Carlos Velázquez pidió participación y colaboración ciudadana para lograrlo.

La puesta de largo de la iniciativa, de la que no se dieron detalles de la propuesta de programación o actividades, se centró sobre todo en conceptos y en la imagen corporativa que defenderá Toledo frente a otras candidaturas europeas.

Andrea Delgado muestra su “decepción” por una propuesta que habla de “transformación colectiva” o de “participación”, y que sin embargo no haya contado con el tejido empresarial cultural de la ciudad.

“¿Sabíais que todo el diseño gráfico y todo el diseño corporativo de la (candidatura) de la capitalidad cultural de Europa, Toledo 2031, no lo ha hecho una empresa toledana? ¿De dónde será? Vamos a decirlo todos juntos. 1, 2, 3... ¡De Madrid!”, comenta durante el vídeo.

“Muy mal, muy mal”, comenta en el vídeo ampliamente difundido. “¿Qué pasa? ¿Es que no hay profesionales en Toledo que lo puedan hacer bien?”, se pregunta.

Espero que el vídeo sirva para que les suene el teléfono a los profesionales de la región o por lo menos a mí, que me estoy quedando aquí, con el culo al aire

No es el único dardo que ha lanzado. También cita el proyecto para la futura Ciudad del Cine que se ubicará en Toledo. Habla de la promoción audiovisual sobre el arranque de las obras. “¿Y sabéis que la productora no es de Toledo? Ni siquiera es de Castilla-La Mancha. ¿Sabéis de dónde es? ¡De Madrid!”.

“¿Qué pasa? ¿Se trata de vender Castilla-La Mancha pero sin hacer ni puto caso a las productoras de aquí? ¿O es que nos viene muy bien que Toledo esté cerquita de Madrid? Y más baratos, provincianos, no se qué”, continua.

Delgado matiza: “Ojo, me gustan las dos propuestas. Están genial. Lo digo de verdad”, pero advierte: “Si queremos una ciudad cultural potente... Tendremos que tener un tejido cultural... potente”.

También hace autocrítica: “A lo mejor no hay buenos profesionales aquí. Entonces, si no los hay, por supuesto que no nos merecemos ser la Capital Europea de la Cultura. Y mucho menos que se gasten casi ocho millones de euros en hacernos -a nosotros- la Ciudad del Cine, porque se supone que es para nosotros, los castellanomanchegos”.

Se pregunta si hay tiempo para “corregirlo” o si “todo ha sido un tremendo error” y ha confiado en que su vídeo sirva “para que les suene el teléfono a los profesionales de la región o por lo menos a mí, que me estoy quedando aquí, con el culo al aire”.

Decenas de reacciones: “Más claro imposible”

Sus comentarios han suscitado numerosas reacciones: “Más claro imposible”, “bravo”, “en el clavo”, “acojonante”, escriben en la red social.

“Aunque el diseño de marca de otras ciudades candidatas a Capital Europea de la Cultura sí ha sido diseñado por artistas locales, como Granada o Burgos, es muy habitual que en el diseño de las marcas de municipios candidatos participen estudios de otras partes del país”, matizan otros usuarios en redes sociales.

Y sin embargo van “más allá de la imagen: lo que sí será clave a la hora de alcanzar los objetivos es la participación e integración de los diferentes agentes culturales locales en el programa, y realizar actividades con una marcada dimensión europea. Esto requiere cambiar el modelo de gestión, y, por ende, de trabajar”.

Este mismo comentario, que realiza José Uceta, de Apolo Toledo, subraya que “en Toledo hay mucho talento y conocimiento, ha quedado suficientemente demostrado, solo hay que procurar espacios y recursos para poder trabajar dignamente, y crear el ambiente ideal para que otros talentos puedan surgir y desarrollarse adecuadamente”.

El Gobierno de Suecia ha decidido crear un canon cultural (kulturkanon), una lista de 109 elementos que toda persona que viva en el país nórdico debería conocer y estudiar porque, según la medida, define los valores y la cultura del país nórdico. El Ejecutivo conservador, que se sustenta con el apoyo de la ultraderecha, considera que Pippi Långstrump (Pippi Calzaslargas), la tienda de muebles y decoración Ikea, el Premio Nobel y el cineasta Ingmar Bergman forman parte del patrimonio que define lo que significa ser sueco.

La creación de este canon cultural lleva años discutiéndose en Suecia y no ha estado exenta de polémica. El proyecto también fue una de las prioridades del partido ultra Demócratas de Suecia a cambio de dar su apoyo a la formación del Gobierno en 2022. Desde los sectores culturales y los partidos de la oposición se ha criticado mucho la elección de los elementos que pretenden definir a la cultura sueca, y se ha tachado el proyecto de excluyente, anticuado y nacionalista.

El Ejecutivo aún no ha especificado cómo se usará este canon cultural, aunque se ha señalado que la intención es que su enseñanza sea obligatoria en las escuelas y en los trámites para acceder a la ciudadanía. En la ecléctica lista también se han añadido inventos como el calefactor de cerámica o el avión de combate Viggen fabricado por la empresa Saab, junto con obras de literatura clásicas como Los emigrantes de Vilhelm Mober, e incluso el permiso de baja por paternidad, que se adoptó en Suecia de forma pionera en 1974.

Varios medios nacionales han protestado porque se haya dejado fuera de la selección al grupo musical ABBA, que ganó el festival de Eurovisión en 1974 con la canción Waterloo y que sigue siendo uno de los referentes culturales de Suecia más reconocidos internacionalmente.

El Gobierno ha explicado que el objetivo de sintetizar en una lista toda la cultura del país es “crear un marco de referencia común” para promover la integración de los extranjeros en los valores culturales propios del país nórdico. El primer ministro, Ulf Kristersson, ha defendido la iniciativa. “Comprender la cultura que ha dado forma a nuestro país es importante para todos. Pero quizás es más importante para quienes han llegado a Suecia y para quienes crecen en hogares donde faltan muchas referencias suecas”, dijo en sus redes sociales.

Por su parte, el portavoz de cultura de Demócratas de Suecia, Alexander Christiansson, celebró la aprobación del canon cultural asegurando que se trata de “una victoria histórica” de su partido. En un artículo de opinión publicado en el periódico Expressen, Christiansson escribió: “Consideramos el canon cultural como parte de un nacionalismo inclusivo. No excluye a nadie, pero demuestra claramente que Suecia tiene su propia historia y patrimonio”, escribió.

Supuesto remedio a la segregación social y educativa

Lars Trägårdh, el historiador y presidente del comité de expertos que ha elaborado la lista durante tres años, señaló en la presentación del canon que el proyecto “se opone al internacionalismo, al modernismo y al multiculturalismo” con el que “durante mucho tiempo se ha definido la identidad sueca”.

Trägårdh también ha defendido en varios artículos que el canon cultural nacional puede ser un remedio para contrarrestar “la fragmentación, la segregación, la falta de cohesión social, la integración fallida de los inmigrantes, la inseguridad percibida y la delincuencia sistémica” en un momento en que el país ha acogido a cantidades récord de personas extranjeras. En ese sentido, la ministra de cultura, Parisa Liljestrand, subrayó que la medida servirá “para crear igualdad de oportunidades para todas las personas de la sociedad”.

El canon se ha presentado como sucedáneo de una verdadera política cultural, en un momento en que el presupuesto estatal para la cultura es el más bajo en los últimos 20 años

Björn Wiman — Editor cultural del periódico 'Dagens Nyheter'

El criterio principal para elaborar el canon era que las obras seleccionadas tuviesen al menos 50 años; es decir, que se creasen antes de 1975. Una de las principales críticas que ha recibido el listado es que lo elaboró una mayoría de hombres con una media de edad de 67 años. Para Trägårdh esto no implica un problema, ya que “una tarea como esta requiere una cierta dosis de visión general y es necesario haber tenido tiempo de leer mucho”. En una de las sociedades más paritarias del mundo, en la lista hay finalmente 21 mujeres y 69 hombres.

Un canon “desfasado, poco interesante y opresivo”

Los actores culturales han vivido como un sinsentido la selección del canon cultural. El periodista Björn Wiman, editor cultural del periódico Dagens Nyheter, lo resumió diciendo que, si bien la idea de elaborar un canon “no es mala ni controvertida”, el resultado “es ridículo, y podría haber sido perfectamente creado por una inteligencia artificial”. Wiman denunció que “el canon se ha presentado como sucedáneo de una verdadera política cultural, en un momento en que el presupuesto estatal para la cultura es el más bajo en los últimos 20 años y se prevé que el Gobierno aún haga más recortes”. 

El sindicato de escritores considera, por su parte, que el canon es “poco interesante”, mientras que el sindicato de docentes escolares lamenta que el Gobierno no apueste por “invertir masivamente en escuelas y lectura”, en lugar de elaborar una lista. La escritora e histórica militante feminista Ebba Witt-Brattström también señaló que, desde una perspectiva de la inclusión, “Suecia ha experimentado un cambio enorme en la sociedad en los últimos 50 años”, por lo que no incluir nada de estos años le parece “una idea bastante desfasada”.

La asociación que reúne a las minorías reconocidas en el país (samis, romaníes y finosuecos), también ha criticado duramente al proyecto por haber ignorado por completo sus representaciones culturales, a pesar de estar reconocidas en la Constitución. Annette Kohkoinen, vicepresidenta de la Asociación Nacional Sueca de Tornedalianos —una minoría del norte— escribió en las páginas del Dagens Nyheter que el canon cultural les “afecta mucho”. “Significa escribir parte de la historia de Suecia, pero no se nos permite formar parte de la obra. Es absurdo, inaceptable y una opresión continua”, denunció.

El Congreso de los Diputados no ha aprobado este martes la toma en consideración de la Iniciativa Legislativa Popular (ILP) que buscaba acabar con el blindaje legal de la tauromaquia y dejar de considerarla Patrimonio Cultural. Un texto que fue promovido por 'No es mi cultura', que representa a unas 200 asociaciones animalistas, y que logró más de 600.000 firmas. De los 344 votos emitidos, 57 han sido a favor y 169 en contra.

PP y Vox ya se habían mostrado abiertamente en contra de la propuesta, que sí había contado con el apoyo de Sumar, IU, Más Madrid, Podemos, ERC, Junts, Verdes Equo, Alianza Verde y PACMA, entre otras formaciones. En el PSOE había distintas posiciones y su abstención ha acabado siendo decisiva.

El objetivo de la ILP era derogar la Ley 18/2013, aprobada durante el gobierno de Mariano Rajoy, que declaró la tauromaquia como patrimonio cultural en España. Una legislación que ha sido clave para garantizar la continuidad de las corridas de toros, al protegerla de posibles prohibiciones en distintas comunidades autónomas, como es el caso de Catalunya, donde el Tribunal Constitucional anuló la prohibición de los toros impulsada por el Parlament. La nueva norma hubiera determinado que las comunidades autónomas pudieran legislar libremente sobre este tema.

El primero en intervenir en la sesión del Congreso ha sido el portavoz de Sumar Nahuel González, que ha defendido que la tauromaquia se “sostiene con dinero público”, desde las comunidades autónomas gobernadas por PP y Vox, que “recortan en cultura, educación y vivienda, pero encuentran millones para mantener viva una práctica basada en la tortura”. Además de recordar que el foco del debate era decidir si ponerse “en el lado de la empatía, el progreso y la cultura viva”. El representante ha reivindicado que España es una “tierra de grandes artistas”: “Nuestra identidad no necesita sangre para existir, no se mide en astas ni banderillas, sino en creatividad, solidaridad y belleza compartida”.

En la misma línea se ha situado Etna Estrems de Esquerra Republicana, que ha asegurado que no se puede “disfrazar” la violencia de cultura: “La cultura es la lengua, la música, las fiestas populares, la creatividad, la memoria colectiva. La cultura no es ver cómo se desangra un animal dentro de una plaza, atrapado sin ninguna posibilidad de defensa, ni ver cómo un ser vivo se desangra delante de los aplausos”. La portavoz ha insistido en que las tradiciones que “no respetan la vida no sobreviven porque no resisten el paso del tiempo ni la memoria colectiva”, y que por ello la ILP es importante, por la forma en que “abre la puerta a una cultura sin crueldad”.

A favor de la iniciativa se ha postulado igualmente Podemos, desde donde Martina Velarde ha definido la tauromaquia como un “anacronismo” que se ha superado en otros países como Ecuador, Perú y Colombia, junto a CCAA como Catalunya y Canarias. “Que haya gente que siga disfrutando con el dolor y sufrimiento de un animal de carne y hueso no es nuestra cultura”, ha insistido. La portavoz ha criticado la labor de la televisión pública de Andalucía porque el pasado 8 de agosto, mientras se quemaba la Mezquita de Córdoba, Canal Sur “no cesó la emisión de la corrida de toros de Marbella para informar del accidente”, y que solo sucedió una vez se había extinguido el fuego: “Mientras ardía nuestro Patrimonio, que esto sí que lo es, Canal Sur emitía toros”.

Marije Fullaondo (Bildu), por su parte, ha cuestionado si “cualquier pueblo debiera enorgullecerse o no de mantener y apoyar prácticas contra animales proclamando que son un bien cultural común que hay que seguir preservando”. Para justificar su voto ha explicado que se suman a la ILP por “respeto a los animales, las iniciativas populares y las decisiones de la ciudadanía”.

El PSOE apela a la “diversidad” del país

“El papel del Estado no es defender qué es o no cultura, sino garantizar la libertad para sentir y expresar”, ha proclamado la portavoz del PSOE Maribel García López defendiendo que “este debate no necesita más ruido, sino más sosiego”: “Hay territorios donde la tauromaquia forma parte del acerbo cultural y en otras donde ha desaparecido de forma natural”. También ha cargado contra el PP por defender que “proteger el toro es proteger la dehesa”, mientras olvidan que protegerla es igualmente “invertir en prevención de incendios, gestión forestal, empleo verde y condiciones dignas para los bomberos”. Desde el PSOE consideran que están haciendo “todo lo contrario” en comunidades como Castilla y León, Andalucía y Extremadura.

García López ha insistido en que la cultura “no se impone ni se deroga por decreto, sino que evoluciona, cambia, adapta y se expresa libremente” en la sociedad. La representante ha afirmado en el PSOE respetan tanto a quienes firmaron la iniciativa como a quienes piensan distinto: “No queremos que este asunto se utilice para dividirnos”. “Ni prohibir ni promover, respetar”, ha concluido, recordando al recién fallecido Guillermo Fernández Vara.

PP y Vox, en contra

La ILP ha encontrado en Vox y PP a sus principales detractores. En el caso de Vox, Pepa Millán ha tachado al PSOE de “odiar a España” como motivo de su apoyo a la ILP: “La prohibición de esta fiesta llega en un contexto de liquidación de todo lo que nos identifica como nación”. Para la formación de extrema derecha la tauromaquia sí que es cultura y, por lo tanto, es su deber “defenderla”.

Cruz Guzmán García, desde el PP, ha declarado que el “que los toros son cultura lo sabe hasta el alumno de primero de antropología”. “La tauromaquia es el Toro de Osborne, la dehesa y sus ganaderos, la RAE, miles de plazas, las ferias de abril”, ha añadido antes de hacer alusión al documental de Albert Serra Tardes de soledad. “No podemos quedarnos callados ante este atropello. Apoyen a libertad frente a la censura”, ha sido su argumento.

Museos, bibliotecas, centros culturales, restos arqueológicos, escuelas, universidades. Israel ha arrasado con todo en Gaza. “Su intento de usurpar la cultura palestina ha sido una constante, desde el falafel a los bordados”, asegura el embajador de Palestina en España Husni Abdel Wahed. El representante lidera la delegación de su país en Mondiacult, la Conferencia Mundial de la UNESCO sobre Políticas Culturales y el Desarrollo Sostenible que se está celebrando esta semana en Barcelona. Su ministro de Cultura, Atef Abu Saif, no ha podido acudir a la cumbre, ya que el Gobierno de Netanyahu no le ha permitido salir del país.

Husni Abdel Wahed opina que el mayor éxito de Israel ha sido la “deshumanización” del pueblo palestino. Una deshumanización contra la que las artes tienen mucho que hacer, como así ha demostrado el éxito de la película La voz de Hind, premiada en los festivales de Venecia y San Sebastián: “Enseña que no somos tan inhumanos como nos presentan la propaganda sionista y sus protectores”.

¿Cómo está afectando el genocidio de Israel al ámbito cultural?

En el centro de este genocidio está también el genocidio cultural. El tema cultural es una constante en la política del Estado genocida de Israel, porque la cultura es algo que identifica a un pueblo y es parte de su identidad. La culminación del dominio colonial es la apropiación cultural de la potencia ocupante del pueblo ocupado. El intento de usurpar la cultura y los valores culturales palestinos ha sido constante. Desde el pañuelo kufiye a la comida como el falafel y el hummus, que son palestinos, pasando por los bordados del vestido de la mujer palestina. Algo que data de la época de los cananeos y han llegado a utilizarlo las azafatas de una aerolínea y en el concurso de Miss Universo.

Ni hablar de la historia, los lugares arqueológicos que constantemente son destruidos deliberadamente. En la Franja de Gaza todos los centros culturales, sin excepción, han sido destruidos. Todas las bibliotecas escolares, universitarias, públicas, y hasta privadas han sido destruidas. Todos los museos. La tercera iglesia más antigua del planeta se encontraba ahí y ha sido bombardeada. Los centros arqueológicos han sido destruidos. Y no solamente aquí, en Cisjordania pasa lo mismo con la judaización. Están imprimiendo un carácter judío sobre todo y están borrando todo lo que es propiamente palestino desde tiempos remotos, para demostrar que esto es algo propio.

Han arrasado con absolutamente todo.

Sí. En 1948 Israel destruyó, demolió totalmente 535 aldeas y pueblos palestinos, y expulsó a su población. Con todo lo que significa arrasar y demoler pueblos enteros. En el ADN del sionismo está la destrucción, la negación del otro y tratar de destruir todo lo que es propio del otro.

¿Ha habido margen para intentar proteger algo del patrimonio?

Sí. En la Franja de Gaza ha habido intentos de intentar salvar algunos tesoros históricos y arqueológicos, pero lamentablemente lo que se ha destruido es muchísimo más de lo que se ha podido salvar. Y no hay ninguna garantía de que lo poco que se salvó, siga a salvo.

¿Qué consecuencias puede tener para el pueblo palestino?

Esto es una pérdida para la humanidad porque Palestina es cuna de civilizaciones, culturas y religiones. Por lo tanto, el Patrimonio Nacional palestino, es Patrimonio de la Humanidad. Y la humanidad misma está perdiendo su patrimonio. Dentro de lo posible, tratamos de proteger y salvar lo que podamos, pero no siempre lo logramos. Y hay una política sistemática de judaización del territorio palestino, tanto del territorio como de los vestigios históricos, culturales, religiosos. Hay una negación de lo que no es israelí.

Israel tiene una política sistemática de judaización de lo palestino, tanto del territorio como de los vestigios históricos, culturales, religiosos. Hay una negación de lo que no es israelí

Husni Abdel Wahed — Embajador de Palestina

¿Y los artistas, cómo están?

Cuando Israel bombardea, el proyectil que llega no le pregunta a uno si es artista, deportista o sanitario. Simplemente mata a palestinos. Y entre las víctimas mortales asesinadas están artistas, escritores, poetas. En el centro de la política sistemática del Estado de Israel está también atentar en contra de los intelectuales y artistas palestinos. Es conocido el caso del intelectual, periodista y escritor Ghassan Kanafani, que fue asesinado junto a su sobrina menor de edad. De ahí no se salva absolutamente nadie, y no solamente en la franja de Gaza, también en Ciscorjania. Los intelectuales comprometidos con su causa están en la mira siempre.

Hay una privación absoluta de la libertad de expresión.

Y de la identidad palestina, porque la cultura siempre va de la mano de la identidad. En el caso de los pueblos que luchan por la liberación nacional, la cultura es una manifestación de la identidad de los pueblos. Esto siempre es objeto de exterminio por parte del Estado de Israel.

La cultura es una manifestación de la identidad de los pueblos, por eso es objeto de exterminio de Israel

Husni Abdel Wahed — Embajador de Palestina en España

El apoyo por parte de otros países, a la hora de ayudar a sacar obras o hacer exposiciones de artistas palestinos, ¿es útil?

Más que sacar obras, ha habido mucho, y España afortunadamente es uno de los países que más esfuerzo ha hecho tanto a nivel institucional como iniciativas de la sociedad civil, de proyectar cultura palestina, más que salvar o sacar.

¿Es importante el recorrido que está teniendo una película como La voz de Hind, premiada en el Festival de Venecia y recientemente en San Sebastián?

Curiosamente, en la cultura occidental, hay casos emblemáticos como Anna Frank. ¿Quién no conoce a Anna Frank? Pero como Anna Frank hay muchas niñas y niños palestinos. El de Hind Rajab es uno de los casos que más se difundió, ¿pero cuántas Hind Rajab hay en Palestina? Muchísimas. Quiero destacar y agradecer la labor de aquellas personas que han llevado La voz de Hind al cine, y ojalá esto incentive a más directores, productores, a proyectar historias de niños palestinos porque diría que el mayor éxito del Estado de Israel ha sido la deshumanización de los palestinos. Y esta película y casos similares muestran que somos seres humanos y que no somos tan inhumanos como nos presenta la propaganda sionista y sus protectores.

Ojalá 'La voz de Hind' incentive a más directores a proyectar historia de niños palestinos porque el mayor éxito de Israel ha sido la deshumanización de los palestinos

Husni Abdel Wahed — Embajador de Palestina

Palestina no participa en Eurovisión, pero sí que está habiendo debate sobre si Israel debe ser expulsado, con países como España confirmando que de no ser así, no participarán. ¿Sería importante si pasara?

Aquellos que aplican criterios distintos sobre casos similares ponen en evidencia su hipocresía y doble rasero. En 1980 decenas de países boicotearon las Olimpiadas de Moscú, y según ellos esto no es politizar, ¿por qué en otro caso sí lo es? Los mismos que critican las políticas de países que reclaman aplicar lo mismo que sobre Rusia cuando invadió Ucrania no aceptan que esto se aplique. Es una incongruencia, una hipocresía, que ellos tienen que mirarse al espejo y verse con esta doble vara de medir. Es inconcebible.

Es inconcebible que quienes apoyaron expulsar a Rusia de Eurovisión no acepten lo mismo con Israel

Husni Abdel Wahed — Embajador de Palestina

¿En algún momento se ha ofrecido a Palestina la opción de participar?

Silenciar la voz palestina ha sido una constante. En 1916 entre Gran Bretaña y Francia decidieron repartirse nuestra región, sin consultar a nuestros pueblos. En 1917, Gran Bretaña emitió la Declaración Balfour, donde se comprometió a facilitar la creación del Estado de Israel en Palestina, sin consultar al pueblo palestino. En 1947, la Asamblea General de la ONU aprobó una proposición de la partición de Palestina sin consultar al pueblo palestino. En 1948 se ocupó Palestina sin preguntar al pueblo palestino. En 1967 pasó lo mismo. En 1989 EEUU le negó la visa a Yasir Arafat para dirigirse a la Asamblea General, que se trasladó a Ginebra para escucharle.

Y ahora, una vez más, EEUU le negó la visa a las autoridades palestinas para impedir que se escuche la voz de Palestina. En Occidente es una constante negarle al pueblo palestino hacerse escuchar. No van a permitir que participemos en eventos como Eurovisión. Tampoco lo estamos pidiendo, porque se supone que esto es un certamen europeo y Palestina no queda en Europa, lo mismo que Israel. Ahora, los tan humanistas selectivos que solo les interesa parte de la humanidad, tienen que dar respuesta.

¿Qué se podría hacer a nivel internacional para ayudar a preservar la cultura palestina?

Lo peor no es lo que hacen los malos, sino el silencio de los buenos. Hay que alzar la voz cada uno en su área. No hay que permitir la deshumanización de un pueblo, y menos su exterminio. Ayer fue un pueblo, hoy otro, mañana puede ser un tercero. No se puede aceptar, por principios, por ética, por valores, por humanidad. Cada uno sabrá lo que puede hacer y nosotros no somos quién para decirle a nadie lo que tenga que hacer. Todos saben lo que tienen que hacer.

¿Cómo ve la situación? ¿Mira al futuro con algo de esperanza?

Esta semana, el presidente Trump junto a Netanyahu se jactaron de presentar un plan de paz, que la verdad es que tiene poco de paz. Y mientras lo anunciaban, el Estado genocida de Israel seguía perpetrando su genocidio en contra de nuestro pueblo. Mientras hablaba seguía el bombardeo y la muerte en la Franja de Gaza. Primero que nada, hay que detener el genocidio. Que no siga este derramamiento de sangre que ha costado la vida de centenares de miles de palestinos.

Volviendo a la cultura, el pueblo palestino estamos muy orgullosos de nuestra educación. Por tercer año consecutivo, nuestros niños no pueden acceder a su derecho a la educación. Todas las escuelas han sido destruidas o, las pocas que quedan, son refugio de los desplazados forzosamente. Todas las universidades han sido destruidas. Esto tiene un objetivo, porque no es casual: sumir al pueblo palestino en la ignorancia y devolvernos hacia atrás. Y que este pueblo, que tiene el orgullo de contar con las cifras y tasas más altas en educación y cultura, pierda esta condición. Están arrasando con todo, es una guerra de exterminio.

Un taller sobre cómo se construyen políticas de memoria(s) feminista(s), un festival de Cine de Derechos Humanos y una obra de teatro dedicada a la autora ganadora del Nobel Gabriela Mistral. Estas son tres de las actividades que coparán la cartelera del Museo de la Memoria y los Derechos Humanos de Chile en los próximos meses. Fundado en 2010, este centro referente fue concebido como un lugar para conservar y exhibir los testimonios y documentos que permitan mirar al pasado doloroso con el objetivo de aprender. Un espacio en el que no apartar la mirada a los hechos, sino apuntarla más si cabe para contribuir a que la cultura de los derechos humanos y de los valores democráticos sea la única que rija el futuro.

“Los museos son ahora un espacio distinto al que fueron, cuando solo exponían y esperaban que la gente simplemente mirara, ya fueran obras o documentos, sin que hubiese una comunicación más fluida entre el espectador y ese 'algo'”, describe la directora de la institución, María Fernanda García desde Mondiacult, la Conferencia Mundial de la UNESCO sobre Políticas Culturales y el Desarrollo Sostenible que se celebra esta semana en Barcelona. “Hoy tienen ocasión de ser un centro cultural y de constante reflexión e interpelación con un público que queremos que sea activo”, añade a elDiario.es.

Esta evolución convierte a los museos en espacios mucho más “complejos”, que adaptan a distintos públicos, ya sean niños, jóvenes, adultos, organizaciones de víctimas de derechos humanos, artistas y turistas. “Todos sienten que el museo es suyo, que es lo importante. Es un desafío responder de la mejor manera a cada una de las comunidades”, defiende.

El museo cuenta con tres plantas dedicadas a la colección principal, que aborda las violaciones de los derechos humanos desde el Golpe de Estado encabezado por Pinochet en 1973. Y lo hace a través de un relato basado en archivos de material donado, que es a partir del que está constituido todo el centro: “Al ser espacios donados, se hace presente la memoria colectiva de una sociedad. Nosotros no compramos nunca material”. A estas se añaden salas temporales, una explanada donde organizan “eventos masivos” de cine, teatro, música y danza; además de un auditorio con capacidad para 100 personas. En ellos se han celebrado desde festivales de rock a la grabación de un podcast de ficción.

Uno de sus grandes puntos fuertes son sus recursos interactivos, a los que se puede acceder a través de su página web desde cualquier parte del mundo. En ellos se puede consultar información relativa a los memoriales construidos a lo largo de todo el país como parte del proceso de reparación simbólica y homenaje a las víctimas de la dictadura y sus familiares. Los componen obras levantadas por el trabajo de iniciativas ciudadanas, organizaciones sociales y, en algunos casos, aportes estatales.

Uno de ellos es el Mausoleo ubicado en el Cementerio de Copiapó (Atacama). Sobre los nichos y placas recordatorias de las víctimas se alza la frase grabada en madera “por la fuerza y sin la razón”, aludiendo a la forma violenta en que murieron las personas de cuyos restos ahí descansan.

Otro de los recursos webs permite conocer los recintos que funcionaron como centros de reclusión política y/o de tortura, además de historial de las víctimas (tanto ejecutados políticos como detenidos desaparecidos); y sobre los hallazgos de restos de víctimas a lo largo del país, evidencias que dan cuentas de las violaciones de derechos humanos y que constituyen pruebas fundamentales en los procesos de búsqueda de la verdad y esclarecimiento de los crímenes de la dictadura. Por último, el apartado dedicado a la justicia, a través de una base de datos que recoge los textos completos de sentencias definitivas correspondientes a los procesos judiciales que investigan y en su caso sancionan las violaciones a los derechos humanos perpetradas en Chile entre 1973 y 1990.

En esta se permite la búsqueda por criterios como Víctima, Condenado, Caratulado, Episodio, Tipo de sentencia, Tipo de Delito y Rol de última instancia.

Sociedad pacífica implica compromiso

María Fernanda García anima a que España cuente con su propio Museo de la Memoria. Preguntada por si este podría ayudar a una posible “reconciliación social”, reconoce que esta es “difícil cuando hay un sector que se niega a que tengas a los cuerpos de tu familia contigo”. La directora insiste en que hay que seguir igualmente abogando por ello, “para que al menos haya una verdad histórica con algunos mínimos comunes que se respeten como pensábamos que teníamos ya resueltos”.

La gestora cultural incide en que la importancia de los espacios de memoria reside no solo porque aludan a los derechos humanos, sino porque son “lugares de conciencia para unirnos como sociedad en paz. Pero una paz como agentes activos en la construcción de sociedades más inclusivas, más empáticas, más solidarias y en contra de conflictos como las guerras y genocidios”. “Sociedad pacífica no significa inerte, sino todo lo contrario, implica mantenernos todo el tiempo alerta y muchos más comprometidos por lo que queremos construir”, reivindica.

Sociedad pacífica no significa inerte, sino todo lo contrario, implica mantenernos todo el tiempo alerta y muchos más comprometidos por lo que queremos construir

Mará Fernanda García — Directora del Museo de Memoria y Derechos Humanos de Chile

Además, María Fernanda García Iribarren advierte de que las construcciones de este tipo de museos son “decisiones políticas que nunca van a estar alineados” y que, precisamente por ello, conviene “aprovechar la oportunidad cuando hay gobiernos y alianzas para hacerlos, porque probablemente mañana no las haya”.

Dónde queda la ideología

Uno de los interrogantes que se plantean al idear un Museo de la Memoria es dónde debe quedar la ideología. La responsable explica que el límite está en una base consensuada tanto por la ONU o la UNESCO que establecen que “los genocidios y las dictaduras no son la vía por la que solucionar políticamente las sociedades. Por mucho que haya un conflicto político, ninguna de las dos serán la resolución frente a estos”. No obstante, asegura que no quieren la “intervención de otros países, el boicot, y menos aún que los propios conciudadanos persigan, desaparezcan, asesinen y torturen a otras personas que estuvieron en el poder o que piensen distinto a ti”.

De ahí a que sostenga que estas situaciones no deberían volver a ocurrir ni en Chile ni en ningún otro país del mundo, incluido España: “Creemos en la democracia y la solución política, en las artes y la cultura como vía de conexión social, que ayuda cultural, política y económicamente; y en crisis importantes como lo son hoy en día la migración y la seguridad”.

El papel (activo) de los jóvenes

Una de las claves para materializarlo dentro del Museo es la involucración de los jóvenes. “Hay que hacer que conozcan las fuentes, los archivos, los testimonios, y que los hagan suyos”, sostiene María Fernanda García, ya sea a través de una canción de trap que pase por sus vivencias, un ensayo o una exposición de fotografía. E incluso quienes no sean artistas, pero tienen igualmente derecho a serlo, y que en un momento determinado “quieren expresarse a través de todo lo que quieran decir con esa historia que les conmovió, para explicar el pasado”.

Un proceso creativo que, a su vez, puede estar mediado por las experiencias “propias”, como “las injusticias en la educación, el genocidio en Gaza o todo lo que conmueva y quieran expresar”. “Es vital hacer partícipes a los jóvenes y a la comunidad entera, que se expresen los dolores del pasado pasando por el presente”, concluye.

La responsable asegura además que esta es la vía para responder a la peligrosa era de fake news y de discursos de extrema gderecha que glorifican las dictaduras y el relativismo histórico: “Hay archivos, noticias y documentos que contrastan todo esto. Lo que pasa es que, lamentablemente, dejamos las redes sociales en manos de discursos de odio, que han acabado generando una sociedad con una parte despolitizada y otra negacionista o relativista frente a los hechos del pasado que involucran a todos”.

Un problema que afecta a Chile, pero también al resto del mundo. Motivo por el que propone como única solución aquella que implique a los conjuntos, mediados por la cultura: “Tenemos que unirnos y planificar cómo vamos a accionar frente a estos hechos y cómo vamos a ganar creativamente esta batalla”.

El Ministerio de Cultura arranca el curso con la celebración de Mondiacult 2025, la Conferencia Mundial de la UNESCO sobre Políticas Culturales y Desarrollo Sostenible, que se celebrará en Barcelona del 29 de septiembre al 1 de octubre. El evento, que traerá a España a los ministros de Cultura del mundo junto a expertos en los asuntos a tratar, ha sido presentado este jueves por Ernest Urtasun y Ernesto Ottone, subdirector general del organismo internacional.

Ambos líderes han insistido en que dos de los asuntos que se trabajarán durante la cumbre será el papel de la Cultura como motor de paz y cómo la IA está afectando al sector. Además de impulsar que, tras su ausencia en la Agenda 2030, sea incluida dentro de los Objetivos de Desarrollo Sostenible que formen parte del próximo plan de acción global.

“En un mundo marcado por crisis globales, sociales, climáticas, políticas, necesitamos defender la cultura como un bien público esencial, como un derecho humano y motor de cohesión, sostenibilidad y paz”, ha declarado el ministro español Ernest Urtasun. El político ha avanzado que se abordarán asuntos como los derechos culturales, los retos de la era digital, la integración de la cultura en la educación, la economía de la cultura, las dimensiones culturales del cambio climático y la defensa del patrimonio en situaciones de crisis y emergencia.

“No solo va a ser un diálogo entre gobiernos”, ha añadido sobre la participación de delegaciones gubernamentales de todo el mundo, junto a profesionales de la cultura, artistas, académicos y académicas, investigadores y representantes de la sociedad civil y del sector privado.

Mondiacult joven y Ágora Cívica

Los jóvenes entre 18 y 25 años contarán igualmente con su propio espacio de debate a través de Mondiacult Joven (Mondiayouth). Acudirán personas de diferentes regiones del mundo para que pueda participar activamente, debatir y aportar su visión sobre los grandes retos de la política cultural global. El objetivo es que no solo reflexionen en torno a los temas que ya forman parte de Mondiacult, sino que también formulen propuestas concretas y conclusiones, que serán expuestas en la clausura de la conferencia.

En la misma línea se situará el Ágora Cívica, que busca promover la participación de la sociedad civil en los debates sobre políticas culturales. Se celebrará del 26 de septiembre al 1 de octubre en diversos equipamientos de la ciudad. “Mondiacult no es solo una cumbre, es un camino colectivo que ya está en marcha. Barcelona se convertirá en faro de la cultura mundial. El lugar donde la comunidad internacional reconozca que sin cultura no hay futuro”, ha concluido, “la cultura es la llave para alcanzar la edad duradera, y su futuro no lo escribirá un solo país”.

Las sesiones temáticas irán precedidas por intervenciones de pensadores y pensadoras procedentes de diferentes ámbitos y territorios, como la filósofa india Gayatri Spivak, el escritor mozambiqueño Mia Couto, investigadoras en cultura digital e IA como Helen Hester, y Lluís Nacenta, la lingüista mexicana Yásnaya Aguilar, y otros expertos en cultura de paz y patrimonio, como Jorge Melguizo o Manuel Borja-Villel.

Museo de Objetos robados, IA y cambio climático

La Conferencia contará con en torno a 75 eventos paralelos, entre los que Ernesto Ottone ha avanzado que estarán la presentación del Museo virtual de objetos robados alrededor del mundo desarrollado junto a la INTERPOL, del primer Informe Mundial sobre el Estado de la Cultura, de los nuevos indicadores estadísticos en torno a la cultura que no se habían actualizado desde 2009 y de los dos informes sobre IA y Paz.

Sobre el último ha señalado que han sido realizados por expertos que darán recomendaciones a los ministros asistentes para poder poner en marcha el ejercicio de ciertas políticas públicas.

EEUU no ha confirmado su participación

Entre los ministros que todavía no ha confirmado su asistencia Estados Unidos. “Aún no tenemos claro que vayan a participar. No excluimos que vengan, están invitados”, ha afirmado al respecto, tras recordar que se retiraron de la UNESCO a finales del año pasado. “Ya en 2022 [fecha de celebración de la última cumbre] no apoyaron la Declaración resultante porque incluía ciertos términos como diversidad o inclusión”, ha declarado tras defender que las puertas a EEUU se mantienen abiertas: “Creemos que en una discusión general grande como esta. Cuantos más países participen, más rica será la discusión”.

El subdirector general ha incidido en que uno de los grandes objetivos de Mondiacult es que la cultura, a diferencia de lo que ocurrió de cara a la Agenda 2030, esta vez sí sea incluida: “La Cultura no se puede quedar ausente. No puede ser el ODS ausente”. La discusión en torno al próximo plan de acción global se iniciará en 2027, y confían en que en Mondiacult puedan debatir sobre el “esqueleto” de lo que consideran que deberá ser uno de sus puntos clave: “No es solamente un encuentro para compartir ideas, sino para preparar lo que se viene a nivel de políticas culturales. La futura Agenda se empieza a escribir hoy”.

La ministra de Trabajo y Economía Social Yolanda Díaz ha presentado este lunes el Real Decreto que regulará la relación laboral de personas artistas, técnicas y auxiliares en el ámbito de las artes escénicas, audiovisuales y musicales. Una relación laboral que bebe de una norma de 1985 y que ya fue modificada en 2022 para incorporar a los técnicos del sector cultural. Ahora suma el trabajo de los menores, la Inteligencia Artificial y la participación obligatoria de la figura del coordinador de intimidad. La norma entrará, según fuentes ministeriales, “pronto” a consulta pública, antes de pasar por el Consejo de Ministros.

Estos tres puntos se añadieron al desarrollo del Estatuto del Artista el pasado mes de febrero, después de que el Ministerio de Cultura y de Trabajo y Economía Social se reunieran con representantes de las artes escénicas, audiovisuales y musicales para avanzar en el desarrollo del texto; que sigue siendo una de las grandes demandas del sector cultural desde que en 2018 fuera aprobado por unanimidad en el Congreso. La vicepresidenta segunda del Gobierno ha defendido que se trata de una reforma laboral para el mundo de la Cultura, una “herramienta jurídica para actualizar los derechos” de los creadores y técnicos del país, cuya cifra supera las 720.000 personas.

Será la primera vez que se regule legalmente la participación de menores en actividades artísticas y su autorización, estableciendo reglas claras y únicas para todo el territorio, evitando abusos y competencia desleal entre empresas. “Hoy no vemos a niños y niñas en las fábricas, pero a los que lo hacen desde sus habitaciones, en Instagram, en publicidad”, ha señalado sobre los menores que “participan en la industria cultural sin los derechos que el resto de trabajadores de España”.

Para paliar este contexto, se excluye el fenómeno del trabajo en casa o autónomo. Es decir, solo se va a permitir el trabajo por cuenta ajena. A partir de ahora, tendrá que haber siempre una empresa que permita y sirva de vehículo que se responsabilice y que permita que los menores puedan ser formados en las escuelas, tengan tiempo de ocio y que se respeten los horarios. “Se acabó el trabajo infantil disfrazado de libertad”, ha asegurado Díaz.

La “selva” de la IA

“La regulación de la IA ha sido hasta ahora como una especie de ave rapiña, la 'Ley de la selva', un mundo sin normas”, ha lamentado Díaz sobre el “vacío que muchos han aprovechado para hacer negocio” y que esperan cubrir con el Real Decreto. “Vuestro talento se ha convertido en un archivo que se puede copiar y pegar, y esto se tiene que acabar”, ha sostenido, “la IA no puede suplantar a las personas. No podemos convertir la creación en una mercancía sin derechos”. Los derechos de propiedad intelectual frente a la IA se incorporan así a la legislación, reconociendo el derecho a una contraprestación expresa y diferenciada de otras remuneraciones en este concepto.

La imagen y/o voz de las personas artistas, así como el resto de los resultados de la actividad contratada, tales como la obra musical o escrita, las interpretaciones o ejecuciones artísticas no formarán parte de los contratos; ni tampoco su uso por parte de las empresas o su cesión a terceros para replicarlas o generarlas mediante sistemas de IA generativa. De ahí a que solo podrá producirse cuando exista acuerdo expreso formalizado por escrito. “No podemos permitir que la Cultura se reduzca a algoritmos o a un dato”, ha concluido en torno a este punto la ministra de Trabajo y Economía Social.

La coordinación de intimidad, obligatoria

La figura del coordinador de intimidad tendrá que estar presente tanto en la preparación como en los rodajes de cualquier escena íntima, que “va a proteger límites y consentimiento, así como velar por la actividad física y emocional de la persona que actúa”. “No va a depender de la buena voluntad de nadie”, ha asegurado Díaz.

“Sé que este Estatuto llega muy tarde, pero llega por fin”, ha reconocido sobre la norma que entrará próximamente en consulta pública. Treinta días después de que se abra este plazo, pasará por el Consejo de Ministros.

El Museo Carlos Maside era una de las joyas del proyecto cultural asociado a Sargadelos, la histórica compañía cerámica. Durante más de 40 años reunió en su sede de O Castro (Sada, A Coruña) una sustanciosa colección dedicada al arte gallego -sobre todo pintura- del XX, de las vanguardias renovadoras de los años 30 a la generación Atlántica. El conflicto empresarial que, a inicios de este siglo, cambió para siempre el carácter de la empresa lo sumió en cierta desidia. La Xunta de Galicia ha anunciado ahora que protegerá los fondos y el edificio -diseñado por el arquitecto Andrés Fernández-Albalat- como bienes de interés cultural (BIC). Lo hace casi dos años después de incoar el expediente, a solo unos días de que caduque.

El museo que lleva el nombre del pintor Carlos Maside, figura central de la vanguardia gallega de los años 30, lo fundaron en 1970 los artistas Isaac Díaz Pardo -hijo de un paseado- y Luís Seoane -exiliado en el 36. Se trataba de una pieza fundamental del entramado Sargadelos, una firma (re)fundada en los 50, inspirada en la Bauhaus alemana y que intentaba, además de vender artesanía cerámica, mantener erguidos los puentes culturales entre el exilio galleguista republicano y la resistencia antifranquista del interior. A su motor intelectual lo denominaron Laboratoria de Formas, una suerte de oficina ideológica y estética de la iniciativa. En él nace la idea inicial del centro expositivo. En concreto la discurre otro exiliado, según explican colaboradores cercanos a Díaz Pardo, el escritor Rafael Dieste. El objetivo consistía en, a partir de Castelao como germen de la renovación plástica gallega, exhibir a los vanguardistas históricos, de Luís Seoane al propio Maside, de Arturo Souto a Colmeiro. “La generación desconocida a causa de la muerte, del exilio exterior o interior o del olvido que sufrieron gran parte de sus miembros tras la Guerra Civil”, añadían.

No fue hasta 1982 que el singular inmueble de Fernández-Albalat, de planta hexagonal, acogió la colección. Esta había ido creciendo -cuadros de Urbano Lugrís, Sucasas, Reimundo Patiño, etcétera- y convirtiéndose en una magnífica panorámica de la pintura gallega contemporánea. A la vez, exposiciones temporales sobre Picasso, Joan Miró, George Gorsz o el dramaturgo Bertolt Brecht enriquecían su programación. Pero las tensiones accionariales que acabaron con el desplazamiento de Isaac Díaz Pardo de la dirección del grupo y la asunción del mando por parte del polémico Segismundo García -accionista mayoritario y administrador único de la firma- acabaron también con la dimensión cultural de Sargadelos. El museo, en la actualidad propiedad de la Fundación Sargadelos, permaneció cerrado al público entre 2016 y 2023. Entonces abrió de nuevo. García lo volvió a clausurar unos meses más tarde en protesta por la petición del pleno del Ayuntamiento de Sada a la Xunta para que declarase BIC todo el complejo de cerámicas de O Castro (Sada). Allí, además del museo, se encuentra la fábrica principal del Grupo Sargadelos.

“Conformidad del propietario”

Preguntado precisamente por los exabruptos y las arbitrariedades de la gestión de García -en abril cerró por unos días la planta de Cervo como reacción a las medidas de seguridad laboral que le obliga a adoptar Inspección de Trabajo-, el presidente de la Xunta de Galicia, Alfonso Rueda, se limitó a afirmar que la declaración de BIC cuenta con “la conformidad del propietario”. “A su valor arquitectónico, que reúne los avances y las innovaciones de los entonces nuevos espacios museísticos y culturales”, señala el comunicado del Gobierno gallego sobre el acuerdo adoptado en su Consello de este lunes, se uno su papel en la promoción de la obra de un grupo de artistas marcados por el exilio y por las generaciones posteriores que tomaron el relevo para reforzar y actualizar una identidad cultural gallega propia fundamentada en las más avanzadas tendencias artísticas y de pensamiento europeas“.

El Museo Carlos Maside es el segundo de los elementos del Sargadelos protegido como bien de interés cultural. La Fábrica de Sargadelos en Cervo (Lugo), también obra de Fernández-Albalat, lo es desde 2015. El Parlamento de Galicia solicitó esa figura en 2010 para los conjuntos de O Castro de Samoedo (Sada) y de Sargadelos ligados al Laboratorio de Formas, incluidas colecciones y bibliotecas. El Carlos Maside será el bien de interés cultural 790 de los registrados en Galicia.

El Ministerio de Cultura intervendrá en la reconstrucción del puente viejo de Talavera de la Reina, que fue destruido este fin de semana por la crecida experimentada por el río Tajo en la localidad y lo hará a través de una concesión directa del '2% Cultural.'

El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha visitado la localidad, asegurando que es un “shock” ver el derrumbe de la infraestructura y ha dicho que es “perfectamente consciente” como ministro de la importancia “cultural y simbólica” que tiene para la ciudad. Urtasun ha resaltado que al tratarse de un bien de interés cultural, se quiere trasladar también una “imagen de unidad institucional alrededor de los esfuerzos que tienen que hacerse para su reconstrucción”.

Es por ello por lo que ha recordado que ayer mismo contactó con la vicepresidenta tercera y ministra para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico, Sara Aagesen, para poner en marcha una financiación a través del '2% Cultural' del MITECO para la reconstrucción del Puente Viejo. “Estamos todas las administraciones remando en la misma dirección y vamos a tratar de buscar una solución para que los ciudadanos de Talavera de la Reina puedan ver su puente reconstruido lo antes posible porque la protección del patrimonio cultura es una prioridad, no sólo del Ministerio de Cultura sino del Gobierno de España y por eso estamos aquí y estamos plenamente movilizados”, ha argumentado.

La Comisión Mixta del 2% Cultural se reunirá este mismo miércoles para aprobar dicha concesión, algo que se hace “por primera vez” para la gestión de una crisis de este tipo. “Lo vamos a hacer porque creo que la situación y la reconstrucción del Puente Viejo lo merecen”, ha dicho el ministro, que también ha adelantado que su departamento, a petición del Gobierno regional, ha puesto en marcha el Plan Nacional de Emergencias en Materia Patrimonial, con el fin de movilizar a los técnicos de esta cartera para asistir a la comunidad autónoma en lo relativo a los daños patrimoniales.

De todos modos, Urtasun ha señalado que se debe esperar a que el caudal del río baje para que los técnicos, tanto de la comunidad autónoma como del Ministerio de Cultura puedan hacer una evaluación de los daños y una propuesta de la manera en la que se va a actuar para solventarlos.

Pasos “contundentes”

Amador Pastor, consejero de Educación, Cultura y Deportes de Castilla-La Mancha, ha agradecido que los pasos que se están tomando para la reconstrucción sean “contundentes” y ha insistido también en el argumento de que debe esperar a que baje el caudal del río para una evaluación conjunta de la situación. “Lo más importante es que la ciudadanía de Talavera, de Castilla-La Mancha y de España en general vea ese sentimiento de fortaleza que demostramos y el compromiso inequívoco”, ha manifestado.

El alcalde, José Julián Gregorio, ha agradecido la rapidez de las administraciones en dar una respuesta a esta emergencia por lo que ha dado las gracias al ministro de Cultura por haber acudido hoy a la Ciudad de la Cerámica: “Los talaveranos te lo van a agradecer porque son gente muy agradecida y muy hospitalaria”. Ha destacado que la infraestructura “es algo que está dentro del corazón de nuestra tierra”, por lo que también ha dado las gracias a la Junta de Comunidades y a la delegada del Gobierno; a lo que ha añadido que la Diputación de Toledo ha trasladado también al Consistorio que le va a apoyar en esta reconstrucción.

El alcalde quiere una “restauración integral”

Gregorio ha pedido una restauración “integral”. Según ha explicado, este puente comunica dos barrios y comunica zonas de esparcimiento de parques y es una zona que visitan “cientos y cientos de talaveranos todos los días”.

También ha recordado que una de las procesiones más importantes de la Semana Santa de Talavera de la Reina --la del Miércoles Santo--, que es de Interés Turístico Regional, se celebraba en este lugar, conocido también como puente de Santa Catalina. “Ya que nos han tendido la mano, nosotros la vamos a recoger. En este momento no hay enfrentamiento de ninguna clase ni partidismo de nada. Es un problema de fuerza mayor”, ha manifestado Gregorio.

La Real Fundación de Toledo: el puente tiene “deficiencias estructurales”

El director de la Real Fundación de Toledo, Jesús Carrobles, por su parte, ha recordado que la historia del Puente de Santa Catalina de Talavera de la Reina, destruido por la crecida del río Tajo este fin de semana, ha estado marcada por continuas reconstrucciones, algo normal teniendo en cuenta que está cimentado en arena.

Carrobles dice que la zona destruida por la avenida del Tajo es “el resultado de arreglos en un puente que ya se ha hundido en numerosas ocasiones”, siendo una infraestructura “con determinadas deficiencias estructurales”.

“No ha desaparecido el puente, es una página más de la historia de las pequeñas destrucciones por estar cimentado en arena. Por muchos fondos que vengan, seamos conscientes de que la historia del puente se escribe a base de reconstrucciones”, ha rematado.

La demarcación de Castilla-La Mancha del Colegio de Ingenieros de Caminos, Canales y Puertos ha ofrecido ayuda técnica para la reconstrucción, además de apuntar las razones del desplome de dos de sus arcos.

El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha participado este sábado en la ‘Conferencia Cultural de Ucrania: Cooperación para la Resiliencia’ de ministros de Cultura, organizada por el Ministerio ucraniano en la ciudad de Úzhgorod. Al encuentro, cuyos objetivos principales son la futura reconstrucción así como la salvaguarda cultural de Ucrania, han acudido representantes de más de una veintena de países europeos, entre ellos los ministros de Cultura de Alemania, Grecia, Finlandia, Polonia, Suecia o Bulgaria.

El ministro ha aprovechado su primera intervención en la cumbre para reafirmar el “apoyo incondicional” de España al pueblo ucraniano ante la “invasión ilegal” de Rusia. Urtasun también ha querido recordar a “todos los pueblos que son víctimas de guerras injustas” y ha mostrado su voluntad de “acompañar a dichos pueblos en su reconstrucción y la construcción de una paz duradera, donde la cultura y el respeto a la soberanía cultural de los países debe jugar un rol esencial”.

Ernest Urtasun ha detallado durante el encuentro las acciones de apoyo al sector cultural ucraniano que se han puesto en marcha por parte de España desde la invasión. Esta misma semana fue inaugurado el Centro Cultural de Lvov, financiado a través del Fondo Fiduciario de Cooperación España-UNESCO. A través de este Hub Cultural, España busca contribuir tanto a formar profesionales de la cultura como a la investigación en políticas culturales de excelencia.

Durante la jornada, en la que también han participado representantes de instituciones internacionales como la UNESCO o la Unión Europea, se han abordado cuestiones como la importancia del papel de la cultura en la soberanía nacional, la protección y reconstrucción del patrimonio o la lucha internacional contra el tráfico ilegal de bienes culturales en contextos de conflictos armados.

España aporta medio millón de euros para el cine ucraniano

El ministro Urtasun ha anunciado también una ayuda de 200.000 euros más destinados al Fondo Europeo de Solidaridad para el Cine Ucraniano en 2025, que se sumarán a los 300.000 euros que España aportó a lo largo de 2024. La medida forma parte de los esfuerzos para centrarse en ayudar a sectores culturales concretos como el del cine con ayudas que se suman a los 10 millones de euros de la Cooperación Española en Ayuda Humanitaria anunciados esta semana.

Desde el inicio de la guerra, España ha aportado un total de 100 millones de euros en cooperación para Ucrania que se coordinan con los 400 millones de ayuda a la reconstrucción que el país ya está desplegando.

La solidaridad española se ha visto también reflejada en las instituciones culturales y museos que se han sumado a la campaña ‘Profesionales y Museos con Ucrania’, que ha enviado camiones solidarios cargados de material de protección, entre los que se encuentran el Museo Nacional del Prado o el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Y, por último, como ha anunciado el ministro, “estamos trabajando en un acuerdo para el intercambio de profesionales de la cultura y la formación, así como en el conocimiento y difusión de la realidad ucraniana con el fin de fomentar la solidaridad entre nuestros países”.

Mondiacult 2025

La participación de España en esta cumbre se enmarca en la agenda que mantendrá el ministro de Cultura durante este año para la preparación de Mondiacult 2025, la Conferencia Mundial de Políticas Culturales y Desarrollo Sostenible de la UNESCO. En el marco de la cumbre, Urtasun está manteniendo reuniones bilaterales con sus homólogos de Ucrania, Mykola Tochytskyi; de Suecia, Parisa Liljestrand; de Polonia, Hanna Wróblewska; y de Bulgaria, Marian Bachev; así como con el Comisario de la Unión Europea para la Justicia Intergeneracional, Juventud, Cultura y Deporte, Glenn Micallef.

Los encuentros buscan avanzar en la preparación de la cumbre, que se celebrará en Barcelona del 29 de septiembre al 1 de octubre de este año. Mondiacult 2025 reunirá a los 194 Estados miembros de la UNESCO para definir juntos la agenda mundial para la cultura de los próximos años. 

El Observatorio de la Cultura, un panel de profesionales convocados por la Fundación Contemporánea que anualmente valora la vitalidad de su sector en toda España, ha elegido el festival Extrarradios como lo mejor de 2024 en Aragón. Es el que asumió el relevo de Periferias tras su cancelación por el Ayuntamiento de Huesca -exigida por Vox-, y lo hizo manteniendo su espíritu multidisciplinar y desprejuiciado y con el mismo técnico cultural, Luis Lles, alentándolo. Se celebró entre los pasados días 25 y 27 de octubre en Almudévar y del 31 de ese mismo mes al 3 de noviembre en Ayerbe, con toda la programación girando temáticamente en torno a la censura.

Este informe, que se confecciona desde 2009, se ha presentado por primera vez en un acto público y ha sido en una ciudad que lleva tiempo apostando por la cultura en su acción política, en Málaga, en el cine Albéniz. Estaban presentes, junto al alcalde, Francisco de la Torre, y el presidente de la Fundación Contemporánea, Alberto Fesser, directivos del Museo del Prado, el Teatro Real, el Círculo de Bellas Artes, Radio 3 o el Centro Niemeyer, entre otros de los 461 artistas y gestores de todo el país, responsables de muchas de las instituciones y programaciones más relevantes, que respondieron el cuestionario. Ha sido una celebración del sector en la que se ha alternado la comunicación de los resultados con las actuaciones de la violinista y ‘performer’ Luz Prado y la cantaora Rocío López ‘Boterita’.

Extrarradios estuvo representado en la gala por los alcaldes y concejales de Cultura de Almudévar y Ayerbe, además de por Luis Lles, y recibió una obra del artista Juan Cabello Arribas que acredita el reconocimiento obtenido. Tras este festival, se destaca en Aragón la labor del encuentro de arte urbano Asalto, el ciclo musical Bombo y Platillo, el festival SoNna, el Doña, el Caixaforum, la asociación OCRE, El Bosque Sonoro, el Festival de Cine de Huesca, el Manhattan, el Brizna, el Festival de las Artes de Ayerbe, Pirineos Sur, Vive Latino, Slap! y Danza Mínima.

Irrelevancia cultural

Cada uno de los panelistas participantes elegía, además de diez actividades de su propio territorio, otras tantas del resto de España que considera dignas de elogio. Con estas últimas se ha compuesto una relación a nivel nacional que da un número total de 108. Como en el anterior Observatorio, ninguna aragonesa se sitúa entre ellas, a excepción de las del Caixaforum (el zaragozano se integra en la red de estos centros distribuida en varias ciudades, que aparece en los primeros puestos tras el Museo del Prado, el Reina Sofía, el Festival de San Sebastián, el Guggenheim, el Thyssen y el CCCB) y, más tangencialmente, de Photo España, que, aunque tiene su sede en Madrid, también lleva alguna exposición a Zaragoza y otras localidades españolas y ocupa el vigésimo cuarto lugar del listado.

Los resultados aragoneses son esta vez particularmente pobres porque la valoración de la calidad e innovación de su oferta cultural en 2024 le hace caer dos posiciones respecto al año anterior, hasta dejarle en el último puesto de las 17 comunidades autónomas. Madrid, Cataluña y País Vasco encabezan el ‘ranking’, seguidas de Andalucía y la Comunidad Valenciana. En un segundo bloque figuran Galicia, Navarra, Asturias y Cantabria. A distancia, Castilla y León, Baleares, Canarias y, aún más lejos, Castilla-La Mancha, Región de Murcia, La Rioja y Extremadura.

A Aragón no se le nombra nunca ni en las clasificaciones temáticas (de los mejores festivales, ferias, museos, centros culturales o teatros) ni en otra que rastrea los avances en la cultura digital. Sí aparece en la que toma el pulso a las novedades más relevantes de la temporada pasada gracias a Extrarradios, y en otra que destaca lo sucedido en el medio rural, de nuevo por Extrarradios, esta vez en compañía de más festivales: Brizna, Doña, El Bosque Sonoro (elogiado también en otro apartado por su compromiso social) y Manhattan.

En cuanto a las ciudades, Zaragoza asoma en el décimo puesto de una lista de 50 (lo conserva respecto al año pasado), a Huesca se le encuentra en el número 37 (cae desde el 30) y Teruel ni siquiera entra.

En el Observatorio de la Cultura presentado en Málaga se preguntaba también a los encuestados, por primera vez, sobre qué consideran lo mejor del patrimonio histórico-artístico y natural de sus respectivas comunidades autónomas. Los aragoneses se han decantado por el monasterio de San Juan de la Peña, el castillo de Loarre, el palacio de la Aljafería, la Seo de Zaragoza y el castillo de Alquézar.

Correctivos nacionales

Las valoraciones de los profesionales expresadas en este informe no se corresponden, un año más, con las decisiones políticas que se están tomando en Aragón. La encuesta anterior, la que destacaba lo mejor de 2023, situó en primera posición a nivel autonómico precisamente al antecedente del Extrarradios: el festival Periferias, que fue cancelado por el Ayuntamiento oscense tras la edición de ese año. Y se señalaba también entre lo más valioso a Etopia, que a continuación dejó de ser el centro de arte y tecnología que le valió este reconocimiento para ponerse al servicio del emprendimiento empresarial, y a Harinera ZGZ, luego desmantelada como experiencia de cultura comunitaria para estar dirigida directamente por el Consistorio zaragozano.

El cambio de rumbo en Harinera también ha merecido otro reciente ‘toque’ nacional en forma de la Medalla al Mérito en las Bellas Artes para el colectivo que gestionaba este centro, Llámalo H, anunciada el pasado 23 de diciembre por el Gobierno central.

Olatz Gorrotxategi (1982, Bilbao) dramaturga y directora de escena con amplia experiencia en pedagogía teatral, así como en la gestión y producción escénica, comenzó siguiendo un hilo para crear el proyecto de artes escénicas Coordenadas, sobre testimonios y documentos de la Guerra Civil y la memoria histórica y terminó contando en 43º13'44'' (las coordenadas de su propia casa) una historia más cercana e íntima: la de su abuelo y el hermano de su abuelo, desaparecido en aquella época. Después, creó Mierda de ciudad, una obra sobre una generación: la del punk y el rock radical vasco. “Una obra sobre el fracaso. Caravanas de colonos que buscan un lugar mejor en el que empezar. Una generación que busca su lugar. El punk ha llegado. Un duelo. El silencio existencial del western”, describe.

La última de sus creaciones es Progreso, que se estrenará los días 9 y 10 de febrero –en euskera y castellano respectivamente– en Azkuna Zentroa de Bilbao, se trata de un documental en directo sobre al historia del plástico, una visión crítica sobre el maltrato que la especie humana da al planeta y que invita a reflexionar sobre quiénes son los responsables.

En la apertura de la página web de Gorrotxategi hay una frase: “Trabaja en lo que te gusta y no tendrás que trabajar ni un día”. La propia autora ha tachado lo de “no tendrás que trabajar ni un día” por “tendrás que trabajar muy duro todo el tiempo sin límites y tomándote todo extremadamente personal”. Por eso mismo, más que una “artista”, ella se describe como una “currela de las artes escénicas”.

¿Qué es el arte para usted?

Por un lado, considero que el arte y la cultura son lo que diferencia a nuestra especie de otras. Por otro, para mí es algo que me nutre y que disfruto. No soy tan osada de llamarme a mí misma artista, me describiría más como una currela de las artes escénicas.

Muchos de sus proyectos tienen un transforndo social. ¿Ese es uno de sus objetivos?

Más que objetivos, son unos de mis intereses. Cada proyecto es diferrente y plasmo en él, en cada pieza escénica, la obsesión del momento. A mí me gusta mucho trabajar desde el teatro documento que, como generalmente habla de historias y sucesos reales, es algo verídico y tiene que ver con la sociedad que vivimos. Normalmente lo que más me apetece contar es lo que más nos toca, lo social, lo político y lo histórico.

Dos de sus proyectos sobre memoria histórica son Coordenadas y 43º13'44''. ¿Cómo fueron esos procesos para usted?

Son dos piezas distintas y fueron procesos un poco diferentes pero es verdad que de uno de ellos salió el otro, de Coordenadas surgió 43º13'44''. Son proyectos de memoria histórica sobre las personas desaparecidas durante el alzamiento fascista. Supuso un proyecto de investigación muy grande de lectura y búsqueda. En esa búsqueda me encontré con una historia en casa donde mi aitite era el protagonista. Tirando del hilo pude hacer una segunda pieza de memoria histórica muchísimo más íntima, cercana y más humana. Y ese fue mi primer contacto con el teatro documental.

Después llegó Mierda de ciudad, una obra sobre la generación del rock radical vasco. ¿Cómo surge ese interés por escribir sobre ello?

La verdad es que la idea llegó mucho antes de ponerla en práctica. Llegó de una persona que estuvo durante mucho tiempo insistiendo en que estaría muy bien hacer algo sobre el rock radical vasco. Al principio, esa idea me sonaba un poco marciana o fuera de lugar. Yo estaba muy acostumbrada a esa música, porque es música de mi adolescencia y es algo que ha estado muy presente siempre, hasta que empecé a plantearme qué forma podría tener ese espectáculo. Empecé a juntarme con personas que tenían el mismo interés que yo y la idea fue creciendo hasta que terminó desarrollándose.

¿Había sitio para las mujeres en el rock radical vasco? ¿Se trata ese tema en la obra?

Hablamos del tema del machismo y en varios momentos de la pieza se reivindica el feminismo, no solo relacionado con el rock radical vasco, sino con todas las luchas de la época como las once de Basauri [once mujeres en situación precaria que fueron condenadas seis meses y un día de prisión, así como de once años de inhabilitación especial por haber abortado que estaban a favor de legalizar el aborto y en otros momentos diferentes.

Su última obra, que se estrenará el próximo febrero en Azkuna Zentroa de Bilbao se llama Progreso, y trata sobre la evolución humana y su relación con la historia del plástico. ¿Cómo la describiría?

Se trata de un documental, dentro de un documental que está dentro de otro documental. Somos un grupo de documentalistas que estamos en escena aprovechando que solemos trabajar mucho el teatro documento. Trabajamos mucho la cámara en vivo y grabamos un documental sobre el plástico en directo donde hacemos planos de cine y utilizamos lenguaje audiovisual. De repente, nos encontramos con una sociedad en el escenario que está empezando a desarrollarse desde los albores, desde el principio de su historia. Y el tercer documental somos nosotras viendo cómo miramos a esa sociedad, qué estamos contando nosotras a través de la cámara. Ese tercer documental hablasobre nosotras que estamos en escena.

En la nota de prensa de presentación de la obra escribes que “la obra es apta para todos los públicos siempre que sea un público responsable: cualquier ruido o movimiento brusco puede alterar a la nueva sociedad de Homo sapiens que evolucionará durante la obra, ya que esta especie animal, que ocupa el último lugar en la escala evolutiva, puede ser muy susceptible y atacar”. ¿Por qué?

Porque somos animales y a veces se nos olvida que somos vulnerables, que nos podemos sentir atacadas, de manera metafórica también, y podemos llegar a atacar y hacer daño. Ese daño puede ser emocional, pero también con acciones como las guerras o la destrucción.

En ese sentido la historia del plástico puede ser sobre destrucción. Algo de lo que los humanos pueden ser responsables.

Claro, yo siempre trabajo con analogías en mis espectáculos. Y esta vez, la analogía es la historia del plástico, que tiene un comienzo interesante y muy bonito. Es un material que viene a ayudar a toda la humanidad a crear objetos a bajo costo para que lleguen absolutamente a todo el planeta, para que todo el planeta pueda tener un cubo de plástico, por ejemplo, que son necesidades básicas para nosotras, pero que le cambian la vida a gente que viven en otros lugares. Entonces, una cosa que nace como algo tan maravilloso de repente puede ser nuestra destrucción. Y es un paralelismo con la propia historia del ser humano, de los homo sapiens, que algo que podría ser maravilloso, como la creación de una especie que ha evolucionado, que es inteligente, puede llegar también al fracaso de la especia, a maltratar el planeta o a generar guerras. Esa es la analogía de este espectáculo.

¿Considera que en ese sentido la sociedad está aprendiendo a dejar de destruir el planeta o, por el contrario, la sociedad consumista empuja a seguir consumiendo de manera descontrolada sin ser realmente conscientes de ello?

Creo que las personas hacemos todo lo que podemos. Creo que la responsabilidad no es nuestra. Podría serlo en un porcentaje muy bajo, pero nosotras consumimos porque se nos obliga a consumir, porque es algo que se potencia. Consumimos de manera tan exagerada porque las empresas, las fábricas y la gente que crea estos productos no buscan otras maneras de consumo. No les importa con tal de que ese material sea fácil, rápido de construir y sea barato. No les interesa buscar otro tipo de materiales y no piensan qué va a ser de ese objeto después de que termine su vida útil. Es absurdísimo. Te dan una pajita de papel dentro de un pástico en los zumos. No tiene sentido. Es algo que no necesitamos. Nadie necesita consumir así. Pero la responsabilidad no creo que sea de las consumidoras, nos obligan a hacerlo, nos meten necesidades en la cabeza. Y este mundo precario tampoco ayuda porque la gente prefiere comprar ropa de China porque es más barata que apostar por productos locales. La responsabilidad es de alguien que está bastante por encima de nosotras.

Ha mencionado la precariedad. ¿De qué manera impacta en una profesión como la suya?

La verdad es que no lo sé. Siempre he estado en esta profesión y he diversificado muchísimo mi trabajo. Mi futuro laboral no es algo que me preocupe, sé que de una forma u otra voy a buscar algo que hacer. Aunque es cierto que las condiciones no tientan para que más gente trabaje en la cultura, quienes nos dedicamos a esto lo hacemos por una apuesta personal, con todo lo que supone hacerte autónoma, buscar trabajo, estar peleándote con subvenciones, etc. Cuando en realidad estamos haciendo un trabajo que junto a la educación y a la sanidad es indispensable para vivir en una sociedad.

¿A lo largo de su carrera cómo valora la situación de las mujeres en el sector?

En artes escénicas siempre ha habido muchísimas mujeres trabajando. En mi círculo, la mayoría somos mujeres, también en roles de responsabilidad. No sé si es la burbuja en la que yo vivo o si es representativo de toda la profesión. Yo no he tenido dificultades en ese sentido más allá de algún rifirrafe con alguna persona que trabajaba en otras áreas relacionadas con las artes escénicas, a la que de repente no le hacía gracia que una mujer le dijera cómo tenían que ser las cosas, pero siempre ha sido algo puntual.

¿Qué puede pasar cuándo se licita un contrato con la mitad del presupuesto del año anterior, pero se mantienen exactamente las mismas condiciones? Pasa lo que ha pasado, que hay muchas papeletas para que se quede desierto. Reduciendo de 55.000 a 25.000 euros el presupuesto para la realización del Titiriguada es difícil poder ofrecer una oferta viable que exige cinco compañías extranjeras o quince espectáculos diferentes.

De nuevo, Guadalajara pierde su Festival Internacional de Títeres, decimos adiós al Titiriguada y lo hacemos con la tristeza de hacerlo por segunda vez. No es casualidad, durante los meses previos ha sido imposible para Alberto San Andrés, creador y director del Titiriguada, concertar una reunión, tener una conversación telefónica o resolver la más mínima duda con nadie del equipo de Ana Guarinos, no han tenido un momento ni el concejal de festejos, ni tampoco el de cultura.

Reducen el presupuesto a la mitad, licitan un contrato con unas condiciones imposibles, con unos plazos que no dan ningún margen y ahora dirán que no saben que ha podido suceder, que nada tienen que ver, que nada pueden hacer.

No es casualidad, es de nuevo la falta de interés, apoyo y sectarismo del Partido Popular y Vox. Esta perdida se suma a otras: Fescigu, Cine Lento, Panorámico, la falta de apoyo al Ke Kaña, la reducción del Festival Miradas de Danza o del Alfanhuí o, hasta la desaparición, después de tres décadas de existencia, del Concurso de Fotografía de Ferias y Fiestas que denunciábamos en el último Pleno.

Se acerca un otoño donde empezaremos a notar estas perdidas, donde echaremos en falta las tardes viendo una infinidad de cortos; los encuentros en el hall del Buero Vallejo, con más actividad que nunca durante una semana; la siempre llena de talento gala del Cine Lento; los coloquios después de las proyecciones; las sesiones para público infantil; la exposición con una estupenda colección de imágenes de las Ferias de cada año o juntarnos en los Jardines del Infantado alrededor de los títeres, esos actores tan pequeños y particulares capaces de crear momentos increíbles, de deleitar con sus hilos a públicos de todas las edades.

Ojalá esto no sea un adiós, solo un hasta pronto, y el Titiriguada tenga fuerzas y ánimos para llenar de nuevo los Jardines del Infantado de música, arte, historias, talleres y títeres venidos de aquí y de allá. El público estará, esperando, como ya hemos hecho antes, como ya hicimos durante nueve años. Esperando tener unos gestores públicos que trabajen para que esta ciudad consolide, amplíe y apoye las propuestas culturales que hace gente de la ciudad, que nos dan personalidad, que tienen público y que tanto nos han hecho disfrutar.

Seguiremos aquí, resistiendo en una ciudad que en el último año ha perdido más de la cuenta.

Fnac, El Corte Inglés, Reggaeton Beach Festival, Ticketmaster, Cinesa, Netflix, Game o la Casa del Libro lideran el listado de las grandes empresas donde los jóvenes se gastan los 400 euros del Bono Cultural que pueden solicitar al tener la mayoría de edad. Así consta en los datos obtenidos por elDiario.es como respuesta a una solicitud de información pública amparada en la ley de transparencia al Ministerio de Cultura y Deporte. 

Según los registros, nunca publicados hasta hoy, hay al menos 3.181 empresas y entidades adheridas al Bono Cultural Joven, entre pequeños y grandes comercios, pero el 95% de los 123,9 millones de euros gastados lo concentran tan solo 200 de ellas, la mayoría grandes compañías y distribuidoras. 

Los datos señalan que los jóvenes han canjeado esta ayuda principalmente en megatiendas como Fnac o El Corte Inglés, las cuales han ingresado 20 y 13 millones de euros cada una, concentrando entre ambas el 27% de las ventas totales desde la puesta en marcha del Bono Cultural Joven hasta mayo de 2024, último mes con datos disponibles.

Del listado de empresas donde los jóvenes pueden canjear esta ayuda, hay que tener en cuenta que Fnac y El Corte Inglés son de los pocos grandes almacenes en España donde se pueden comprar películas, libros, videojuegos, cómics, suscripciones para plataformas de streaming e incluso entradas a espectáculos y conciertos. A día de hoy, la cadena francesa tiene repartidas por toda España 34 tiendas físicas y la española 79, según registran en sus páginas web.

El ranking lo completan festivales como el Reggaeton Beach Festival, donde han canjeado 7,4 millones de euros, tiendas de videojuegos como Game, megalibrerías como La Casa del Libro, y empresas intermediarias dedicadas exclusivamente a la venta de entradas como Enterticket o TicketMaster, donde se han destinado 5 millones de euros.

En el listado también figuran grandes cadenas cinematográficas como Cinesa y Yelmo Cines, concentrando 3,7 millones, o plataformas de streaming como Netflix con 3,5 millones de euros. Solo estas diez empresas con más compras registradas con el Bono Cultural concentran el 60% del dinero gastado por los jóvenes en comercios de toda España.

El Bono Cultural Joven es una ayuda estatal directa de 400 euros para los que cumplen 18 años a lo largo del año (en esta edición la ayuda es para los nacidos en el año 2006) y que sirve para canjear en eventos culturales, teatro, música o espectáculos en vivo, entre otros.

El dinero lo reciben los jóvenes a través de una tarjeta en formato físico o digital, que está gestionada por Correos y operada por Mastercard. La compra la pueden realizar siempre y cuando el comercio figure como entidad adherida al programa Bono Cultural Joven.

Durante las dos primeras ediciones de esta ayuda económica, 2022 y 2023, se han canjeado alrededor de 124 millones euros, siendo los meses de noviembre y diciembre de 2023 cuando más se ha usado esta tarjeta. Justo coincidiendo con la época navideña, cuando gastaron entre 12 y 11 millones de euros respectivamente, según los datos obtenidos por elDiario.es.

Gracias a las cifras reveladas por este medio, que incluyen el mes de compra, la empresa adherida y la cantidad canjeada en cada registro, es posible conocer a qué empresas se han efectuado los pagos y así conocer el nombre comercial de ellas. La mayoría de los grandes beneficiarios son gigantes empresariales.

De hecho, hay 22 grandes empresas que han facturado ya más de un millón de euros tal y como consta en el siguiente gráfico. Además, es posible observar dónde se concentran los picos de gasto en cada compañía: los festivales entre invierno y primavera, coincidiendo con la campaña de abonos, y los grandes comercios justo antes de Navidad.

Según detalla el Ministerio de Cultura, los 400 euros de la ayuda deben repartirse en distintas categorías: 200 euros para artes como ópera, cine, danza, música en directo, museos, bibliotecas, festivales o espectáculos taurinos. Otros 100 euros para productos físicos a elegir entre libros, revistas, prensa o videojuegos y los 100 euros restantes para consumo digital en línea como audiolibros, podcast, videojuegos en línea o libros digitales. Para 2023 Cultura estimó que esta ayuda había llegado al 65,5% de los jóvenes de toda España. 

No es posible conocer qué libro o qué videojuego ha sido el más comprado, pues los registros obtenidos por transparencia no incluyen tal nivel de desglose, pero sí permite saber el nombre de la empresa que ha recibido mayores pagos y, por lo tanto, quiénes son los grandes beneficiados de esta subvención económica. 

Así, los pagos no solo son a grandes almacenes sino que adquieren un gran peso las empresas que únicamente gestionan festivales, las de videojuegos, las plataformas de streaming y grandes cadenas de salas de cine. En una cuantía más reducida figuran las pequeñas empresas que están únicamente dedicadas a la venta de libros o museos, por ejemplo. 

Fue en octubre de 2021 cuando el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, anunció la creación de un Bono Cultural que, según dijo, aparte de ayudar a los jóvenes, serviría para impulsar la industria cultural en el país tras el impacto de la pandemia en la economía.

Desde la Confederación Española del Comercio, entidad empresarial centrada en pymes y autónomos, señalan las dificultades que han presentado los comercios a la hora de adherirse al Bono Cultural. “Los comercios se quejan sobre todo de lo mucho que se dilata el proceso de adhesión” donde, según indican, “el plazo de resolución de las solicitudes puede ser de hasta seis meses desde que lo solicita el comercio”. 

Sobre la repercusión del bono en la industria, explican que esta ayuda sí está teniendo impacto en el comercio de proximidad “principalmente en el sector del libro”, impulsado también por la obligación de recoger los productos físicamente, algo que “aumenta la visibilidad de los comercios de proximidad y el flujo de personas en el establecimiento”. Sin embargo, lamentan que la cuantía destinada a libros (100 euros de 400) no sea exclusiva para estos productos sino que sea una cantidad a compartir con la categoría de videojuegos pues, según su experiencia, los jóvenes prefieren los segundos.  

Las empresas que organizan los macrofestivales figuran entre las grandes empresas beneficiadas por esta ayuda económica. Las que más dinero han ingresado por este motivo han sido las que llevan el Reggaeton Beach Festival,  Puro Latino Fest y el Boombastic Festival.

Para contabilizar el volumen de ingresos, para los festivales Zevra, Puro Latino y Boombastic se han incluido los importes de todas las sociedades y agrupaciones de interés económico (AIE) con las que canalizan las ventas de entradas para las distintas ediciones del festival. En el caso del Puro Latino Fest figuran hasta 8 sociedades distintas con las que han recibido fondos del Bono Cultural Joven, una estructura societaria usada habitualmente por los festivales para aumentar las bonificaciones fiscales.

En el caso del cine, las grandes cadenas como Cinesa, Yelmo Cines y Ocine son las que lideran en el mercado, concentrando entre 1 y 3 millones de euros cada una en todo el periodo. Le siguen Kinépolis, Cines ABC y Odeón Cines. En el caso de las cadenas de Ocine, Kinépolis y Odeon se han incluido las cifras de las distintas sociedades propietarias de distintas salas de cine que utilizan esas marcas comerciales.

El Bono Cultural no ha estado exento de polémicas desde su llegada. Una de ellas fue que al comienzo esta ayuda solo se podía solicitar por la vía digital y no presencial, dejando fuera a parte de la población que no disponía de acceso al mundo digital, así como la dificultad de registrarse en la aplicación.

Otra fue la exclusión de los toros del bono. Finalmente, el Tribunal Supremo declaró a comienzos de 2023 que esta ayuda también debía subvencionar el acceso a las corridas de toros. Desde su inclusión en el listado, según los registros, se han canjeado al menos 246.0000 euros en eventos taurinos. A la cabeza, con 91.000 euros, se encuentra la empresa que gestiona la Plaza de Toros de Sevilla y la de Las Ventas (Madrid), con 43.000 euros. 

En el siguiente buscador puedes consultar cuánto dinero ha recibido cada empresa, sociedad, entidad o persona de compras abonadas con el Bono Cultural Joven entre octubre de 2022 y mayo de 2024.

*Por error se incluyeron los canjeos de Tarraco Arena Plaza en el cómputo de eventos taurinos