Vanity Fair ha hecho pública la portada de su último numero especial sobre Hollywood y no ha pasado desapercibida por múltiples motivos.

La revista ha seleccionado a 12 estrellas, desde Oprah a Tom Hanks, pero en principio iban a ser 13. Vanity Fair decidió en el último momento borrar digitalmente de la sesión de imágenes a James Franco después de que cinco mujeres acusaran al actor de acoso sexual.

“Tomamos la decisión de no incluir a James Franco en la portada sobre Hollywood una vez que supimos de las acusaciones de comportamiento inapropiado contra él”, explica una portavoz de la revista a Hollywood Reporter.

El mismo medio confirma a través de varias fuentes que Franco posó para la sesión dirigida por la célebre fotógrafa Annie Leibovitz. Los artistas posaron en grupos y luego la composición final se montó a través de varias imágenes, por lo que la decisión de eliminar al actor californiano de la portada no requirió de una nueva sesión fotográfica.

Tras ganar el Globo de Oro como mejor actor por The disaster artist, Franco fue acusado por varias mujeres de acoso. Franco se quedó finalmente sin nominación en los Oscar por su intepretación, y la película que cuenta la historia de The Room solo opta al galardón al mejor guion adaptado.

Manos y piernas de más por exceso de Photoshop

La portada también está recibiendo críticas debido al exceso de Photoshop sobre sus protagonistas. Hasta tal punto se han pasado con los retoques digitales que la actriz Reese Witherspoon parece tener tres piernas en la fotografía y Oprah aparece con tres manos en una de las instantáneas.

La propia Witherspoon ha tuiteado al respecto, pidiendo con humor que espera que la acepten como es con sus tres piernas. Oprah le ha respondido haciendo alusión también al error con Photoshop que le ha puesto una mano de más.

Vanity Fair ha asegurado a través de Twitter que la mano extra de Oprah fue un error que ya han arreglado en la versión online, mientras que la tercera pierna de Witherspoon sería un pliegue del vestido.

Tres testimonios de mujeres se suman a las acusaciones de acoso sexual contra James Franco, el actor californiano que fue premiado en los Globos de Oro por su actuación en The Disaster Artist.

El diario Los Angeles Times recoge en total cinco entrevistas con mujeres que acusan de comportamiento inapropiado a Franco. Dos de ellas ya lo acusaron en las redes sociales la misma noche de los Globos de Oro.

“Hey James Franco, bonito pin #timesup en los Globos de Oro, ¿te acuerdas de hace unas semanas cuando me dijiste que mi desnudo completo en dos de tus películas por 100 dólares al día no era explotación porque firmé un contrato? ¡Se acabó el tiempo de eso!”, escribía la actriz Sarah Tither-Kaplan durante la gala.

Fue “como una bofetada en la cara”, señala Sarah Tither-Kaplan a Los Angeles Times sobre el momento en el que le concedieron un galardón. La actriz es ex alumna de actuación de la escuela de cine que fundó Franco y apareció en varias de sus producciones.

Tither-Kaplan detalla que en una escena que mostraba una orgía que filmó con Franco y varias mujeres hace tres años, él quitó los protectores plásticos que cubrían las vaginas de las actrices mientras simulaba sexo oral con ellas.

Antes de abrir Studio 4, Franco dio clases en Playhouse West en North Hollywood, una escuela donde había recibido formación como actor.

Hilary Dusome, de 33 años, que dio clases con Franco en 2012, dijo que al principio lo veía como “un espíritu realmente generoso” con ganas de ayudar a los aspirantes a actores.

Pero según recoge Los Angeles Times, sus sentimientos cambiaron después de ser seleccionada para aparecer, junto a otras estudiantes, en una escena dirigida por Franco.

Dusome relata que a mitad del rodaje Franco se acercó a las actrices -que llevaban máscaras y lencería- y les preguntó: “Entonces, ¿quién quiere quitarse la camiseta?”.

Cuando ninguna actriz se ofreció como voluntaria, Franco se marchó, visiblemente enfadado.

“Creía que me habrían seleccionado por algo basado en mi trabajo y mis méritos, y cuando me di cuenta de que era porque tenía unos pechos bonitos, quedó bastante claro que no era el caso”, asegura Dusome.

Chmiel, de 33 años, también recordaba este episodio en el que Franco preguntaba a las jóvenes si alguna de ellas quería quitarse la blusa, y que estaba “visiblemente enojado” cuando declinaron.

“Simplemente se aprovechó de nuestro afán por trabajar y ser parte de algo más grande”, asegura Chmiel.

Katie Ryan, que dio varias clases con Franco, señala que el actor hacía pensar “que siempre habría papeles posibles sobre la mesa si realizábamos actos sexuales o nos quitábamos la camisa”. Asegura que durante años, recibió de forma “masiva” peticiones de Franco por correo electrónico para audiciones de papeles de “prostituta”.

Tanto el abogado de James Franco como sus colaboradores en la escuela de interpretación lo niegan todo.

Violet Paley, de 23 años, es otra de las mujeres que denunció en las redes sociales un comportamiento inapropiado por parte de Franco. La noche de los Globos de Oro escribía:

“Bonito pin #Timesup James Franco. ¿Te acuerdas de la vez que me bajaste la cabeza hacia tu pene en un coche? ¿O la otra vez que le dijiste a mi amiga que fuera a tu hotel cuando tenía 17 años después de que te hubieran pillado haciendo lo mismo con otra chica de la misma edad?”, afirmó la intérprete.

Recordaba así un episodio de 2014, cuando el actor fue pillado intentando ligar por Instagram con una menor de edad. “¿Tienes novio, en qué hotel te quedas, alquilo una habitación?”, fueron algunas de las preguntas que le hizo a través de la red social a la joven.

Ahora relata al diario de Los Ángeles que cuando conoció a Franco a principios de 2016 estaba ilusionada con ser cineasta y él había accedido a darle anotaciones sobre su guion. Cuenta que comenzaron “una romántica” y que un día en un coche coche la presionó para que le practicara sexo oral.

“Estaba hablando con él, de repente su pene estaba fuera,” explica Paley. “Me puse muy nerviosa y le dije:” ¿Podemos hacer esto más tarde?“. ”Pero me estaba empujando la cabeza hacia abajo y no quería que me odiara, así que lo hice“, relata.

Paley señala que se sentía muy incómoda y para salir de la situación contó que había alguien cerca del coche.

La mujer cuenta que relató este episodio a varios amigos y familiares, varios de ellos han confirmado la existencia de estas conversaciones a The Times.

“No son exactas”

El abogado de Franco, Plonsker, ha asegurado que acusaciones de Paley, son “inexactas”, algo que ya dijo el actor durante su aparición en el programa de Stephen Colbert.

En el programa, Franco seguró estar “orgulloso por tomar responsabilidad por las cosas que hago, tengo que hacer eso para mantener mi bienestar. Lo hago cada vez que sé que he hecho mal o que tengo que cambiar”, explicó.

“Las cosas que he escuchado que estaban en Twitter no son exactas”, aseguró sin dar más detalles. “Pero yo apoyo completamente que la gente salga y pueda tener voz porque no tuvieron voz durante mucho tiempo ”, continuó,“ así que no quiero, callarlas de ninguna manera. Creo que es algo bueno y lo apoyo”.

Sobre el motivo que le llevó a lucir el pin de Time's Up, Franco aseguró que lo lució porque “apoya” la causa. “Estaba emocionado por ganar, pero estar en esa sala durante esa noche fue algo increíble, fue muy potente. Hubo voces increíbles y yo lo apoyo, apoyo el cambio”.

James Franco ha salido al paso de las acusaciones por acoso sexual de varias actrices. El actor aparecía este martes en el programa de televisión de Stephen Colbert, en el que se le preguntó por este tema que salió a la luz tras haber sido galardonado con el Globo de Oro a mejor actor.

Durante la ceremonia, varias actrices cargaron en las redes sociales contra la hipocresía de James Franco, por llevar un pin de Time's Up contra el acoso, ya que aseguraron que fue responsable varios episodios de comportamiento inapropiado.

La actriz Ally Sheedy publicó varios mensajes en Twitter en los que dejaba ver que había sido acosada sexualmente por Franco con el que trabajó en la obra de teatro The Long Shrift.

“James Franco acaba de ganar. Por favor nunca me preguntéis por qué dejé la industria del cine y la televisión”, escribió Sheedy. Pero no fue la única.

“Bonito pin, James Franco. ¿Te acuerdas de la vez en la que me bajaste la cabeza hacia tu pene al descubierto en un coche? ¿O de la otra vez en la que le dijiste a mi amiga que fuera a tu hotel cuando tenía 17 años después de que ya te hubieran pillado haciendo lo mismo a otra chica diferente de 17 años?”, dijo en Twitter la actriz Violet Paley.

La también intérprete Sarah Tither-Kaplan aseguró en la misma red social que Franco le dijo que su desnudo completo en dos de sus películas “por cien dólares al día no era explotación” porque había firmado un contrato para hacerlo.

Preguntado por Colbert, Franco aseguró que no había leído los mensajes de Sheedy, porque posteriormente los borró, aunque había oído hablar de ellos y aseguró “no tener ni idea” de lo que le hizo a “Ally Sheedy”. “No tuve nada salvo un fantástico tiempo con ella, la respeto y no sé por qué está disgustada”, aseguró.

Sobre las otras dos actrices, aseguró estar en su vida “orgulloso por tomar responsabilidad por las cosas que ha hecho, tengo que hacer eso para mantener mi bienestar. Lo hago cada vez que sé que he hecho mal o que tengo que cambiar”, explicó.

“Las cosas que he escuchado que estaban en Twitter no son exactas”, aseguró sin dar más detalles. “Pero yo apoyo completamente que la gente salga y pueda tener voz porque no tuvieron voz durante mucho tiempo ”, continuó,“ así que no quiero, callarlas de ninguna manera. Creo que es algo bueno y lo apoyo”.

Sobre el motivo que le llevó a lucir el pin de Time's Up, Franco aseguró que lo lució porque “apoya” la causa. “Estaba emocionado por ganar, pero estar en esa sala durante esa noche fue algo increíble, fue muy potente. Hubo voces increíbles y yo lo apoyo, apoyo el cambio”.

The New York Times cancela una charla con el actor

Por otro lado, el periódico The New York Times canceló un acto público previsto para mañana con el actor y director James Franco días después de que varias actrices le acusaran en redes sociales de diferentes episodios de acoso sexual.

Bajo el nombre TimesTalks, el diario organiza conversaciones públicas entre periodistas y personalidades de todo tipo de ámbitos.

En la web de TimesTalks se publicitó un encuentro protagonizado por James Franco y su hermano Dave Franco acerca de la película “The Disaster Artist” (2017), que tendría mañana en el Kaufman Music Center de Nueva York.

Sin embargo, la página web de TimesTalks señaló hoy que este acto ha sido cancelado, sin dar más detalles acerca de las razones.

Horas después de que James Franco se alzara con el Globo de Oro a Mejor Actor de comedia o musical por The Disaster Artist, varias actrices expresaron su indignación en las redes sociales afirmando haber sido víctimas de acoso sexual por parte del actor californiano.

Tras una ceremonia marcada por las protestas contra el abuso sexual en Hollywood, la actriz Ally Sheedy publicó varios mensajes en Twitter en los que dejaba ver que había sido acosada sexualmente por Franco con el que trabajó en la obra de teatro The Long Shrift, que supuso el debut del actor en 2014 como director en el circuito off-Broadway, teatro de corte independiente. Más tarde eliminó los tuits de la cuenta.

“¿Por qué un hombre es el maestro de ceremonias? ¿Por qué se permite a James Franco entrar? Dije demasiado. Buenas noches, os quiero”

“James Franco acaba de ganar. Por favor nunca me preguntéis por qué dejé la industria del cine y la televisión”, añadió Sheedy.

Por su parte, la actriz Violet Paley también acusó a Franco a través de la red social, donde recordó que el actor trató de mantener relaciones sexuales con una menor de edad.

“Bonito pin #Timesup James Franco. ¿Te acuerdas de la vez que me bajaste la cabeza hacia tu pene en un coche? ¿O la otra vez que le dijiste a mi amiga que fuera a tu hotel cuando tenía 17 años después de que te hubieran pillado haciendo lo mismo con otra chica de la misma edad?”, afirmó la intérprete.

La actriz Sarah Tither-Kaplan también criticó que Franco luciera en la solapa de su chaqueta el pin con el logo Time's Up creado por las actrices de Hollywood para luchar contra el acoso sexual.

“Hey James Franco, bonito pin #timesup en los Globos de Oro, ¿te acuerdas de hace unas semanas cuando me dijiste que mi desnudo completo en dos de tus películas por 100 dólares al día no era explotación porque firmé un contrato? ¡Se acabó el tiempo de eso!”, escribía la actriz de The Long Home.

Los vestidos y trajes de color negro inundaron la alfombra roja de la 75 edición de los Globos de Oro, reflejo del movimiento Time's Up, cuyo objetivo es denunciar el acoso sexual a las mujeres en Hollywood.

Tras el escándalo por las acusaciones de abuso sexual contra el productor Harvey Weinstein y la campaña “Me Too” (yo también), que señaló también a Dustin Hoffman, John Lasseter o Brett Ratner, se esperaba esta alfombra roja como la primera gran protesta pública contra el acoso en Hollywood a las mujeres.

Los hombres también se unieron a esta reivindicación luciendo un pin en la solapa, como fue el caso de James Franco.

- Título: The disaster artist (2017)

- Dirección: James Franco

- Guión: Scott Neustadter y Michael H. Weber (basado en el libro de Greg Sestero y Tom Bissell)

- Reparto: James Franco, Dave Franco, Alison Brie, Josh Hutcherson, Seth Rogen

Le han llamado el Ed Wood del siglo XXI. Han dicho que su calidad como cineasta es incluso peor que la del realizador de Plan 9 del espacio exterior. Lo cierto es que esa crítica podría ser bien acertada. Tommy Wiseau, el hombre tras la película The room (2003), protagoniza su propia historia: la de un actor sin talento ninguno que consiguió convertir una película penosa en una obra de culto. Cintas ambas que hay que visionar obligadamente en su versión original. Primero, porque es muy difícil encontrar una versión doblada de la original, y segundo, porque ojalá no la hubiera de la película que comentamos hoy.

Solo una quincena de años tras su estreno, James Franco y su séquito adaptan el más famoso -el único conocido- de los episodios biográficos de Wiseau en esta The disaster artist. He ahí el primer debate. ¿Realmente una película tan joven pero icónica merecía un homenaje del establishment hollywoodiense a este nivel? ¿No significa de alguna manera la muerte de su espíritu marginal?

Lo cierto es que los cameos de grandes figuras no dejan de suceder. El dilema entre los méritos de The room hace que merezca una revisión y constituye una peligrosa deriva a la hora de buscar historias que adaptar al cine. No debe ser sano dar tantas alas a una figura absolutamente falta de talento y gusto como la que preside este universo de serie B.

Tiene que haber un límite entre el guiño humorístico y la temeridad de seguirle el juego a un excéntrico personaje como el del autor, director, protagonista y productor al que encarna, de manera perfecta, James Franco (también director y protagonista, curioso). Tal paralelismo hace que nos zambullamos en un bucle reflexivo sobre el porqué de esta cinta.

¿Qué ha llevado a Franco a dirigir este proyecto, la simple admiración por The room o es más bien una forma de darle justicia al proyecto de Wiseau bajo lo que serían las manos de alguien que se cree tan entendido como para erigirse como su mecenas de cara al gran público? Nunca se sabrá.

Al margen de su universo, lo cierto es que el resultado es muy óptimo. El que fuera protagonista de 127 horas (Danny Boyle, 2010) se asegura prácticamente con The disaster artist la entrada por la puerta grande a los premios de la Academia de este año, a los que seguramente optará en las categorías de película, dirección, actor y guión adaptado.

Sin embargo, y aquí vienen los peros, todo es fruto de una gran imitación. El personaje se materializa en James Franco y eso hace la película creíble, que no interesante, porque al margen de cierta reacción tragicómica el resto de la deriva es bien conocida para los seguidores, previsible para los novatos en el universo The room y nada interesante para los indiferentes.

Las actuaciones de los hermanos Franco -Dave representa un agradecido equilibrio a la locura del personaje de Wiseau, en este caso- son lo único que realmente apuntala la película. Y menos mal. Al ser el cimiento, podremos olvidarnos de que aspectos como el de la dirección terminan convergiendo en una mezcla de corrección de planos a la cinta original con el contenido propio de The room y el humor característico de las películas protagonizadas por Franco y los suyos.

Anecdóticamente muy divertida, nos seguimos quedando, obviamente, con la cinta original, la de culto, la que hasta hace poco no tenía visos de volver a pisar los cines, si es que alguna vez lo consiguió, la proyectada en bares y pequeñas salas casi clandestinas.

Esa es la verdadera experiencia y no este homenaje que, al fin y al cabo, se resume en el favor que James Franco le ha hecho a la cinta de 2003 y, sobre todo, no nos engañemos, a sí mismo y a su carrera.

¿Cómo hemos llegado hasta aquí? Esta pregunta sobrevuela a menudo el patio de butacas de un festival de cine, donde pueden desfilar tantas obras maestras como proyectos inverosímiles. Es fácil despellejar una película por sus actuaciones y su guion, clamar al cielo porque nadie parase el despropósito a tiempo o reírse a carcajada limpia en su presentación. Lo difícil es lo contrario, y en eso James Franco nos ha dado una cura de humildad.

The disaster artist es una parodia en apariencia y un dulce homenaje en realidad. Una historia triste con final feliz disfrazada de comedia. La única que ha descifrado la pregunta del principio sobre “la película más mala de la historia” sin ridiculizar a su artífice y haciendo estallar de alegría al público en San Sebastián. Por todo ello, John Malkovich y los suyos han premiado a Franco este fin de semana con la Concha de Oro del festival donostiarra.

Muchos repetían por la noche lo insólito de que hubiese ganado una comedia, pero decir eso es quedarse en el envoltorio, como defendió el propio Franco en una entrevista previa a conocer su victoria. “De hecho, nuestro punto de vista es bastante dramático. Ellos son unos outsiders y lucharon mucho por su proyecto. Si formas parte del sistema de Hollywood no debes burlarte de los que están marginados”, razona el director sobre su respeto por el equipo de The Room.

Franco tuvo la gran idea gracias al libro The disaster artist de Greg Sestero, donde el actor secundario de The Room y mejor amigo de su creador revelaba los detalles de aquel rodaje. Él interpreta a Tommy Wiseau, el hombre que decidió llevar a cabo su propia película en 2003 tras ser rechazado a diario en los cástings de Los Ángeles. “Todos hemos sido actores mediocres al principio y hemos pensado en tirar la toalla. Tommy no lo hizo y por eso lo admiro”, cuenta sobre lo brutales que pueden ser los inicios, donde él mismo empezó preparando hamburguesas en el McDonald's.

Eso tampoco significa que Franco haya dulcificado su retrato de Wiseau. Poco se sabe de él aparte de su apariencia vampírica, su extraño acento de “Nueva Orleans” y su misteriosa cuenta bancaria sin fondo con la que financió esta película de culto. Sin embargo, una de las cosas que sí reseñaba el libro de Sestero era el trato vejatorio al que a veces sometía a los actores. Como dice el que se ha metido en su piel, “el estilo de dirigir de Tommy, desgraciadamente, era una extensión de su personalidad”.

“De una forma absurda, él nunca tuvo que aprender la lección porque por ser así The Room se convirtió en un éxito”, reflexiona. El actor considera que es un milagro que una película con unas actuaciones espantosas y una trama ridícula siga despertando el interés de la gente quince años después de su estreno. “Ha habido otras muchas películas horribles, como Sharknado, de las que nadie va a hablar. Pero Tommy ha conseguido que la suya no envejezca”, aplaude Franco.

A pesar de sus peculiaridades, el espectador empatiza con los sueños del personaje y sufre cuando el público humilla a carcajadas su cinta en la premiere; pero lo mejor llega al final, cuando Tommy se da cuenta de que, sea como sea, ha provocado algo en el patio de butacas. “Le costó mucho más tiempo del que mostramos en la película asimilar ese recibimento, por eso pagó para estar dos semanas más en cartelera y que pudiese llegar a los Oscar. Creía de verdad que podía aspirar al de mejor actor”, cuenta Franco sobre ese extraño concepto de sí mismo que posee el creador de The Room.

Wiseau supo abrazar la reacción del público y darle la vuelta para convertirse en un fenómeno de masas. La primera y única semana que estuvo en las salas recaudó solo 12.500 dólares y ahora, gracias a convenciones de serie B y su proyección en la sesión golfa, lleva más de 10 millones. “Yo también he hecho películas malas, pero nunca se han reído tanto que terminan siendo buenas. La mayoría desaparecen”, compara el actor de 127 horas y un centenar de títulos más.

La magia del peor guion de la historia

James Franco lleva intentando llevar a cabo un buen largometraje desde hace cuatro años, pero muy pocas veces ha recibido el aplauso de la crítica. Sus ansias por abarcarlo todo, desde la interpretación a la dirección, el documental, la poesía o las exposiciones de arte, dieron lugar a un currículum amplio y demasiado pomposo.

Ha adaptado a la gran pantalla a Cormac McCarthy, Faulkner y Sternberg, pero ha sido el peor guion de la historia lo que le ha dado una nueva carta de confianza. “Me fascina el proceso creativo y este es uno de los motivos por los que me interesó The disaster artist. Su personaje es tan loco y tan salvaje que creo que no se ha visto una historia de Hollywood igual. Pero, además, era increíblemente universal”, revela el director.

Igual que no tolera que reduzcan su película a una comedia, tampoco le gusta que se vea a Tommy Wiseau solo como un perdedor. “Puso toda su alma y su corazón en esta película y eso es lo que define a un artista. Sí, es un tipo chiflado e hizo un montón de cosas absurdas, pero también queríamos asegurarnos de mantener ese mensaje subyacente de que todos tenemos un poco de Tommy. Todo el mundo tiene un sueño e intenta hacer algo”, resume quien lleva 17 cintas a sus espaldas, incluida una de porno gay.

La muestra de que no pretendía hacer mofa y befa del creador de The Room es que contó en todo momento con él, antes y después del rodaje. Si alguien no ha visto la original puede caer en el error de creer que Franco sobreactúa su personaje. Sus gestos, el raro acento y la inquietante risa son parte del verdadero Tommy Wiseau, y el actor californiano simplemente lo calca.

El equipo le invitó a la presentación de The disaster artist en Los Ángeles, y todo el mundo estaba nervioso, pendiente de su reacción. “Acabada la proyección, recibió una enorme ovación. Después quise saber qué le había parecido. Me respondió que le había gustado al 99%. Le pregunté preocupado y me soltó: 'Está fatal la iluminación en la primera parte'”, ríe al recordarlo.

Porque, por muy excéntrico que sea y muchas etiquetas que le hayan colgado, Tommy sabe que los límites entre drama y comedia son menos prolijos de lo que pensamos. Que se puede hacer un homenaje que haga reír al público, si es que el público sabe discernir que no solo está viendo una caricatura. Y, como decíamos, es ahí donde Franco, pero también Wiseau, nos han dado una valiosa lección de humildad.

Los tweets, los comentarios en las colas de los pases, e incluso el Feroz Zinemaldia de los informadores de cine... todo apuntaba a que San Sebastián se iba a echar en brazos de la comedia en su edición número 65, y así ha ocurrido. El jurado que preside John Malkovich ha otorgado la Concha de Oro, el máximo ganador de la muestra, a The disaster artist, dirigida y protagonizada por el norteamericano James Franco. Es una sátira sobre el rodaje de la película The room, considerada por muchos críticos como el peor filme de la historia.

La Concha de Plata al Mejor Actor ha recaído en el intérprete Bogdan Dumitrache, protagonista de la cinta rumana Pororoca; la Concha de Plata a la Mejor Actriz ha sido para Sofía Gala Castiglione, protagonista de la película argentina Alanis. Esta cinta se ha llevado un segundo galardón, la Concha de Plata a la Mejor Dirección para Anahí Berneri. En la gala se ha dicho que es la primera vez en los 65 años de historia del festival que el trofeo recae en una mujer, aunque este dato es incierto: la china Xu Jinglei lo ganó en 2004 por Carta de una mujer desconocida.

Premios oficiales del 65 Festival de San Sebastián

Premios oficiales del 65 Festival de San Sebastián

“Al final, las cosas se vuelven tan trágicas que terminan siendo cómicas”, decía Mandy Patinkin en Ojalá estuvieras aquí.

Algo así ocurre con las dos comedias que se han presentado este jueves en el festival de San Sebastián, The disaster artist y Fe de etarras, donde una situación dramática acaba siendo la mejor excusa para reírse de lo absurdo del ser humano.

Solo el género bien ejecutado tiene ese poder de transformar el ambiente en el patio de butacas, donde las caras de cansancio han dejado paso a una alegría contagiosa. El público reía a carcajadas -esta vez con más razón que en Marrowbone- y aplaudía agradecido por un buen rato de humor y cine decente. Después de tantos días de dramas sociales y thrillers violentos -con la excepción de Wonderstruck, el cuentito de Todd Haynes-, a nadie le amarga una jornada dulce.

Además de Fe de etarras, se esperaba con expectación La peste, la serie histórica de Alberto Rodríguez que compite en la Sección Oficial. Pero la irrupción de Movistar+ y Netflix en el festival se merece otro tipo de análisis, así que nos centraremos en dos títulos estadounidenses que huelen a victoria. No en vano, The disaster artist y The Florida Project han sido calificadas por muchos como lo mejor que se ha visto hasta ahora en la capital donostiarra.

Fuegos artificiales desde los suburbios

Moonee y Scooty le hacen un tour guiado del motel donde viven a su nueva vecina Jancey. “Nadie coge el ascensor porque huele a pis. Aquí vive una que se cree que está casada con Jesús. A este hombre le viene a buscar la policía todo el rato”, le va explicando la pequeña de seis años a su amiga, que observa inocente como si le estuviesen contando la más divertida de las historietas.

Los tres son niños que viven por debajo del umbral de la pobreza en un barrio lleno de edificios de brillantes colores, casi todos moteles reservados para aquellos que no pueden permitirse una casa. El director Sean Baker hace un retrato de la brutal desigualdad del estado de Florida, donde decenas de familias pobres residen al lado del mayor imperio vacacional de Estados Unidos: Disneyland Orlando. Lo hace a través de la inocencia infantil y con una estética wesandersiana para no abusar de la emoción facilona. Pero así resulta casi más desgarrador.

Los críos crecen en un entorno de prostitución, drogas y pandillas, donde aprenden a robar para comer casi antes que a leer. En la superficie no hay drama. Ellos ríen, se entretienen con lo poco que tienen y dicen tacos más grandes que sus diminutos cuerpos. Son maleducados, cochinos, deslenguados y adorables granujas que pasan por encima de la miseria del motel con su vitalidad.

Baker, además, se centra en tres familias donde la figura de responsabilidad es una mujer. Moonee vive con su madre Halley, una chica tatuada de 22 años que está en el paro y se pasa el día fumando porros. Scooty también vive solo con su joven madre, una camarera negra que siempre roba gofres en su restaurante para dar de comer a sus vecinas. La última, Jancey, vive con su abuela porque su madre la tuvo con 15 años y se deshizo de ella. Todas estas mujeres luchan ante la adversidad mientras crían a sus hijos solas. Y nos puede parecer que lo hacen mejor o peor, pero es ahí donde el director nos hace conscientes de nuestra arrogancia.

La película funciona como un documental paradójico, agudo y lleno de grandes momentos que brillan por su cotidianidad. La actuación de los chavales es fresca, casi amateur, pero creíble gracias al trabajo de Willem Dafoe como conserje del motel y de la intérprete de Halley, a quien el director encontró a través de las redes sociales. Sean Baker se había consolidado como el retratista indie de los bajos fondos y un maestro de la paleta de colores, pero The Florida Project es todo eso más una preciosa loa a la amistad. El mejor trabajo que se ha visto en San Sebastián hasta la fecha.

James Franco y su dulce homenaje al ridículo

Ya hablamos -y mucho- de la nombrada peor película de la historia. De su trama ridícula, sus interpretaciones desastrosas y su presupuesto de seis millones de dólares tirado a la basura con una estética de serie B. Pero, ¿cómo se llegó hasta ahí? ¿Quién es el tipo que invirtió su tiempo, su dinero y su imagen en The Room? ¿Qué clase de genio consigue que la gente siga hablando de una película que estuvo una semana en cartelera?

Todas esas preguntas rondan por la cabeza de grandes productores y estrellas de Hollywood como James Franco. Y no hay mejor forma de darles salida que con una película sobre aquel loco rodaje y sus excéntricos protagonistas. Eso es lo que el actor se propuso hacer con The disaster artist, que también dirige, produce y protagoniza junto a su hermano Dave Franco.

Él interpreta a Tommy Wiseau, el cerebro detrás de The Room y una de las figuras más enigmáticas del mundillo. Poco se sabe de él aparte de su apariencia vampírica, su extraño acento de “Nueva Orleans” y su misteriosa cuenta bancaria sin fondo con la que financió esta comedia de culto en Estados Unidos. Franco simplemente borda la interpretación, que parece una sobreactuada parodia hasta que sobrepone en los créditos las imágenes de la película original. Ocurrió de verdad y James Franco no se ha reído de ello: lo ha calcado.

La virtud de The disaster artist es su ritmo, su hilarante guion y su humildad, pues en ningún momento pretende hacer mofa y befa de Wiseau. El espectador empatiza con los sueños del personaje y sufre cuando el público humilla a carcajadas su cinta en la premiere; pero lo mejor llega al final, cuando Tommy por fin se da cuenta de que, sea como sea, ha provocado algo en el patio de butacas. Esas primeras proyecciones de 2003 no dejaron a nadie indiferente y tampoco lo hará la película de James Franco: el homenaje más dulce que alguien le ha hecho jamás a algo tan ridículo.

Empecemos por el principio. Año 2003. Se estrena una cinta de bajo presupuesto producida, escrita, dirigida y protagonizada por un tal Tommy Wiseau. Se titula The Room. Y hay una realidad inobjetable: la película es mala. Indecente. Indigna del séptimo arte. Atroz. Esperpéntica. Un horror. Celuloide malgastado. La peor cinta de la Historia del cine... que se convierte en título de culto.

Tal cual. La película acaba triunfando gracias al boca-oreja de años y años. Ahora incluso se organizan tours mundiales para su proyección y tiene página web. Quienes asisten van con un runrún en la cabeza ('¿tan terrible es?') y se encuentran una hora y 39 minutos de esto.

Tommy Wiseau se dedica a ir festival por festival de cine cutre presentando The Room. Es un fenómeno clandestino, extrañísimo: la película recaudó solo 12.450 dólares su primer fin de semana. Se sabe que su presupuesto fue de seis millones, algo que nadie entiende. Ahora lleva en sus arcas más de 10.

Algunos rostros visibles han reconocido ser fans acérrimos de lo 'épico' de la propuesta: Alec Baldwin, Paul Rudd, Will Arnett, Jonah Hill, Kristen Bell, Michael Cera o Edgar Wright, entre otros. Y sus 'estrellas' son aclamadas por un público entregadísimo y sediento de anécdotas de, ante todo, Wiseau, el “Orson Welles de la mierda”, como le bautizó Entertainment Weekly.

Durante los seis meses que duró el rodaje, dos directores de fotografía (y sus equipos) renunciaron y tres actores fueron reemplazados por roles totalmente diferentes, hay escenas enteras que están desenfocadas y nadie se dio cuenta, el segundo acto completo de la cinta no interviene en la trama, se construyeron sets para secuencias que perfectamente se podían filmar al aire libre... Incluso se usó CGI y pantallas verdes en una producción mayoritariamente de interiores. 

Avanzamos catorce años. Marzo de 2017. Festival SXSW en Austin, Texas, uno de los más importantes del cine independiente de EEUU. Hay una enorme expectativa, porque James Franco, chico malo y mimado de la industria, presenta su nueva película como director y protagonista.

Lo que ha pergeñado tiene un título que no se corresponde con lo que enuncia su propio póster con un irreconocible y melenudo Franco: The Disaster Artist.

Es un éxito. En la web de Metacritic, que hace un compendio de las críticas de los especialistas del sector, ahora mismo posee un 82 sobre 100. La misma nota que obtienen películas como Sin perdón, Forrest Gump o Chicago.

¿Alguien dijo 'Ed Wood'?

En ella también actúan su hermano Dave Franco, Alison Brie, Seth Rogen, Zac Efron, Sharon Stone o Bryan Cranston. Y un tal Tommy Wiseau en un cameo.  La trama: la narración de la desastrosa producción de una película de 2003 de bajo presupuesto considerada, a la vez, de culto y la peor de la historia. Sí, la mismísima The Room.

Retrocedemos de nuevo. Hasta 2013. Hasta la vida de Greg Sestero. Sestero interpretaba al coprotagonista de The Room, Mark. Aquel año, por el décimo aniversario, sacó un libro, The Disaster Artist. 

En él explicaba los pormenores de un rodaje calamitoso: tomas que repitieron 32 veces aunque eran cuatro frases –y se necesitaban carteles para no olvidarlas–, reutilización de algunas escenas (obscenas, más bien) de sexo porque la actriz no se sentía cómoda o detalles como que el primer día llegó tarde Wiseau pero se puso a gritar por la lentitud del equipo. Y otro día montó en cólera porque un miembro del equipo se tiró un pedo. Todo lo jugosa que puede ser una mañana en Hollywood.

El libro se llevó el galardón a la Mejor No Ficción en los Premios Nacionales de Arte y Entretenimiento en una ceremonia en Los Ángeles. El jurado lo contemplaba como una mezcla de los Monty Python, Ciudadano Kane y, sobre todo, Ed Wood.

Esta comparación no es baladí. La película de 2017 ha recibido críticas positivas como “James Franco lo borda a ambos lados de la cámara en esta oda salvajemente divertida a lo Ed Wood dedicada al cine mal hecho” (The Hollywood Reporter) o “Se debería unir pronto a Ed Wood de Tim Burton en el ranking de grandes películas sobre películas malas” (Vulture).

Cine dentro de cine, que en Hollywood tanto gusta, sobre todo si sirve para airear sus propias vergüenzas, que vaya si las tenía.

Pero la gran pregunta es otra: ¿hace falta haber visto la antigua –y haber soportado 99 bochornosos minutos– para disfrutar de la nueva versión de la historia? La respuesta la ha dado Variety. La revista considera innecesario haber sufrido la auténtica The Room para no sólo asistir a una magnífica cinta, sino a la mejor interpretación de James Franco desde 127 horas (que le valió la nominación al Oscar).

Todavía no se sábe cuándo se estrenará The Disaster Artist, cuándo mostrará su primer tráiler o cuándo hará acto de presencia más allá del festival de Austin. Pero las expectativas ya están por las nubes. Los fans de The Room irán a verla para poder vivir su propio Ed Wood en vida. El resto, por el reparto, la historia, la comedia. Sea como sea, se prevé un eco: al fin y al cabo, pocas cosas unen tanto como odiar una misma película. O amarla.

Los relatos de Stephen King siguen siendo una mina para el cine y la televisión. Solo por las veces que sus creaciones han saltado a la pequeña pantalla, el autor estadounidense es casi un género por derecho propio aunque hay reconocer que muchas veces no ha podido presumir de afortunado. Conocido sobre todo por sus relatos de terror, la última de sus obras que se ha sido convertida en serie de televisión es curiosamente un relato que deja de lado el miedo y juega a cambiar el futuro.

22/11/63 arranca con viaje en el tiempo para evitar el asesinato de JFK y sus primeros capítulos dejan la impresión de que ha sido capaz de sacudirse esa falta de excelencia que caracteriza a otras adaptaciones de Stephen King, un autor de reconocida seriefilia, y hasta invitado de lujo en ficciones como Hijos de la anarquía.

En 22/11/63, miniserie que llega a Fox el miércoles, Jake Epping (James Franco) es un profesor de secundaria del presente que se convierte en un viajero en el tiempo para prevenir el asesinato de John Fitzgerald Kennedy en Dallas el 22 de noviembre de 1963. Epping hereda la tarea de uno de los hombres que mejor le conoce y que mejor comprende sus circunstancias personales pero que a su vez ha empezado a pagar las consecuencias de viajar en el tiempo y no poder haber evitado ir cambiando pequeños detalles, a priori sin importancia.

Jake Epping acepta la misión y unas mínimas directrices sobre lo que no tiene que hacer, pero tampoco puede evitar caer en la tentación de prevenir algunos hechos de cuyas consecuencias ha sido testigo en el presente. Se desata un efecto mariposa que en 22/11/63 da como resultado una historia de ocho capítulos llenos de sorpresas.

Además de inspirarse en el universo literario de Stephen King, 22/11/63 quiere sumar galones con J.J. Abrams ejerciendo de productor y sumarse al resurgir de los viajes temporales en la ficción televisiva.

Para Doctor Who, una de las series más veteranas de la pequeña pantalla y ya convertida en leyenda cuando todavía sigue en activo, es uno de sus temas centrales aunque más que cambiar la historia, hay puntos fijos que no deben modificarse bajo ningún concepto. La misión del Doctor y sus acompañantes no es tanto cambiar nada, como disfrutar de tener una TARDIS que viaja por el tiempo y el espacio.

Los viajes en el tiempo y sus consecuencias es un tema mucho más complicado, peligroso y también más lleno de posibilidades en El Ministerio de Tiempo, preservar el pasado para que nada cambien en el presente, y Outlander (Canal+ Series), que en su segunda temporada intentará frenar la rebelión escocesa de 1745. 22/11/63 añade el factor conspirativo con una historia que todavía sigue afectando a nuestro presente y que, como Stephen King, se ha constituido en un (sub)género de ficción con producción constante.

Hay escenas de sexo explícito. Y una atmósfera turbia. Todo ello en el marco de un documental que recrea e imagina los 40 minutos censurados de la película A la caza (1980), de William Friedkin, protagonizada por Al Pacino. James Franco lo hace con la intención de ponerse en la piel de los homosexuales que frecuentan ese Interior. Leather Bar que da título al documental y que se estrena en el festival de mediometrajes La Cabina. Es, en cierto modo, su ajuste particular de cuentas con aquella censura cinematográfica, al tiempo que una reflexión acerca de los límites de la creatividad y de la sexualidad humana.

Val Lauren es el actor que encarna en la película de Franco y Travis Mathews al perplejo Al Pacino, sumergido en el oscuro ambiente del ‘cruising’ homosexual. A través de su mirada y del diálogo que mantiene con el propio James Franco, en torno a su papel como heterosexual sorprendido por tan escabrosa sexualidad gay, se va radiografiando ese ambiente, así como las dudas de los propios actores a la hora de encarar el rodaje del film. Interior. Leather Bar es, por tanto, una inmersión a esos bajos fondos del sexo, para zarandear la plácida mirada del espectador identificado con el escandalizado Lauren.

Franco y Mathews utilizan la cámara de dos formas: una digamos más analítica, para recoger los testimonios de los propios actores, y otra explícitamente ficcional, recreándose en el morbo de esos cuerpos que se ofrecen al goce sexual. Mediante el falso documental, los actores van desarrollando sus dudas acerca del límite que estarían dispuestos a traspasar por exigencias del guión. “¿Llegarías a follar en una escena?”, le interroga uno de esos actores a Val Lauren, declarándose ambos heterosexuales. “¿Has besado alguna vez a un hombre?”, continúa diciéndole. Y mediante la declarada ficción, la homosexualidad campa a sus anchas en ese bar de cueros, azotes y miradas furtivas.

James Franco, he ahí su tesis central que tanto parece escandalizar al propio actor que encarna a Al Pacino, admite haber realizado la película cansado de la corrección política que supone la heterosexualidad. También con el fin, inherente a la creación, de explorar esos límites hasta el punto de incomodar nuestras más firmes creencias. De manera que la homosexualidad termina siendo un pretexto para defender esa caza y captura del comportamiento humano libre de cualquier atadura, salvo las explícitamente destinadas a la perversidad sexual.

Así es como la recreación de los 40 minutos censurados deriva en un conjunto de escenas protagonizadas por miradas más o menos lascivas, gestos seductores, cruces corporales y desahogos carnales del cada vez más frecuente porno en el cine más o menos comercial. La propuesta, sin duda provocadora, pone en cuestión el sentido final de tanta libertad creativa, toda ella encaminada a mostrar la pulsión sexual desatada en ese Interior. Leather Bar. Interior en el que la caza, ligada a los instintos más primarios, evoca la trasgresión de la censura aludida y lo que esa ausencia de límites muestra: el culto al goce sexual y la lógica del puro derroche de energía, muy en la línea sadiana. La ley es un obstáculo que hay que superar con el fin de hallar cierta arcadia ligada a la naturaleza.

La película abre el telón mostrándonos, en sus horas bajas, a un periodista del New York Times. Se llama Mikel Finkel (Jonah Hill) y acaba de ser despedido por intentar que la ‘realidad no le estropeara una buena historia’. Mientras intenta encontrar un nuevo trabajo y salvar la dignidad profesional que le queda, recibe un extraño encargo. El director de un periódico de provincias le pide que cubra la historia de un hombre al que han detenido por asesinar a toda su familia. Un hombre, Christian Longo (James Franco), que estaba haciéndose pasar por el periodista en el momento de su detención.  El descreído Finkel pensará que tiene ante sí una gran oportunidad para redimirse y remontar su carrera.

A partir de este planteamiento casual, que presenta su fuerza dramática, 'Una historia real' basará prácticamente toda la tensión emocional que consigue en el pulso que mantienen el periodista y el recluso a través de una serie de entrevistas.

El juego que plantea el director de la película, Rupert Goold, desde luego es interesante, pero resulta fallido. Tiene un planteamiento teatral que cuenta con sus alicientes, podría haber sido una alternativa dramática inteligente para contar un extraño suceso, pero lo más probable es que el espectador común se encuentre un tanto perdido ante la propuesta. La naturaleza de la historia pide a gritos más trabajo narrativo, algún que otro ‘flashback’ que nos pusiera sobre la pista de los personajes o quizás otro tipo de encuentros entre los protagonistas. Encuentros que supieran desvelar rasgos de la naturaleza de los personajes o nos ayudaran a reflexionar sobre ciertos dilemas en los que puede llegarse a ver envuelto un hombre en determinadas situaciones, ante determinados ‘abismos’. Sin embargo,  se pierde en el tira y afloja de una relación que cuenta con pocos alicientes, entre otras razones, porque no se sostiene más allá del relato del crimen.

No todo es un despropósito en la película. Lo cierto es que se sigue con interés gracias al esfuerzo de los actores. Hay buenas interpretaciones en el trío protagonista. El aire decadente de Franco tiene su atractivo. Su mirada de perdedor, atormentada, dejando entrever emociones contradictorias que juegan al despiste con el espectador más avezado… Al otro lado de la mesa y al borde del desequilibrio, Hill se muestra convincente. Nervioso, obsesivo, impaciente. Entre medias, Felicity Jones encarna el discreto pero vital contrapunto que ofrece la mujer del periodista. Fabulosa y doliente, Jones se desenvuelve en un personaje que tiene una intervención clave para el desenlace.

De todas formas, al salir del cine, es probable que más de uno eche mano de Google para intentar conocer la historia real que hay detrás de la que nos presenta Goold. Desaconsejamos encarecidamente su uso porque, en este caso, es cierto aquello de que la realidad supera a la ficción. Y lo hace de manera atronadora. No nos meteremos en camisa de once varas para explicar el porqué de esta afirmación tan rotunda, tendría algo de spoiler, pero baste decir que, para empezar, 'Una historia real' se desmorona en los primeros minutos de su metraje al utilizar el director un truco de principiante. Sostiene el suspense de la película partiendo de una farsa. Es decir, presentando a uno de los personajes protagonistas de manera engañosa. Y lo que no tiene perdón: restándole posibilidades dramáticas.

Nada bueno puede salir de cumplir 40 años y juntar a todos tus amigos y a tu ex novio en una casa para celebrarlo durante un fin de semana. Eso queda claro desde el inicio del planteamiento de 'Felices 140', cuando observamos a una ilusionada Elia (Maribel Verdú) convocando a sus amistades para tal efeméride. No se trata solo de volver a verles, de ponerse al día con sus vidas, de compartir recuerdos. La anfitriona tiene una sorpresa: le han tocado 140 millones de euros en el Euromillón. Cuando se lo comunica a sus amigos, las reacciones son del todo uniformes, como también es de esperar: debe compartirlo, ayudar a la gente que quiere. Y es por eso por lo que la película es tremendamente previsible hasta que un giro dramático la convierte en algo más.

El cine siempre amable y realista de Gracia QuerejetaGracia Querejeta se tuerce hacia caminos más oscuros en su última película. Hay detrás un magnífico guion, realizado en tándem con Santos Mercero, y un brillante reparto, que terminan por ponérselo difícil incluso a la propia directora. Salva los obstáculos (sus propias trampas) con un rodaje sencillo y naturalista, pero por el camino se le quedan algunos personajes innecesarios como el interpretado por Alex O`Dogherty (que siempre parece estar presentando una especie de circo) o la argentina Paula Cancio (demasiado poco natural).

En principio, fallar con algunos roles en una película que se sustenta básicamente en las personalidades, sería razón suficiente para el suspenso. Pero pasa que Querejeta consigue relanzar la narración en el ecuador de la cinta dejando que este grupo de amigos baile espontáneamente entre el drama, la comedia negra y el surrealismo. Ahí es donde comienza a crecer su complejidad y donde el retrato de sus miserias se hace más transparente, y por tanto más interesante. Que para contemplar evidencias, normalidades y rutinas ya tenemos la vida real.

Con el golpe de guion, despiertan también sus soberbios actores. Nuestra idolatrada Maribel Verdú es la maestra de ceremonias sin ninguna duda, a la que dan estupenda réplica Nora Navas, Marian Álvarez (un placer volver a verla en un registro tan diferente al de 'La herida'), Antonio de la Torre (el soberbio comodín el cine español, Eduard Fernández (uno de los mejores actores españoles de su generación como no nos cansamos de repetir) o el televisivo Ginés García Millán.

Llegados a ese punto de confluencia, la historia al final gusta porque resulta imposible no verse en una situación así y preguntarse ¿qué haría yo? Se aleja de los conceptos ingenuos y edulcorados de la amistad para asestarnos un duro golpe. Que la envidia, la ambición y la vanidad muchas veces se refuerzan con la edad. Que no sabemos hasta qué punto nuestros amigos son nuestros amigos. O si lo son solo en la normalidad o en las desgracias. O si simplemente nunca lo han sido. Obviamente se trata de una historia generacional. Todos ellos, los integrantes del grupo de Elia, recuerdan a aquellos amigos de Peter que Kenneth Branagh también encerróamigos de Peter en una casa hace más de 20 años o a los protagonistas, unos nostálgicos, otros perdedores, de Marta y alrededores y de 'En la ciudad'. Símbolos del final de una etapa, letras de una página pasada.

“Yo todavía creo que el periodismo tiene un valor. Y tiene una misión de servicio público. Y estoy convencido de que todavía habrá buenos lugares donde trabajen los periodistas y se haga buen periodismo”, así acababa David Simon una entrevista con Paula Corroto. Las grandes cabeceras deberían ser lugares de acogida donde todavía se trabaja el buen periodismo, lugares como The New York Times. Sin embargo, el famoso diario también tiene que hacer purgas. En el 2003, el periodista Michael Finkel cambió los datos a favor de la historia y llegó a inventar un testigo inexistente para su reportaje sobre la esclavitud en las plantaciones de cacao de África occidental. Finkel olvidó el valor de su profesión y lo echaron.

Poco después, en México, un tipo que había asesinado a su mujer y sus tres hijos y que después los había tirado a la costa de Oregón fue detenido mientras se hacía pasar por Michael Finkel. Estos sucesos son los que dan origen al filme dirigido por Rupert Goold e interpretado por Jonah Hill (Finkel) y James Franco (Christian Longo) titulado Una historia real. La película debería reflexionar sobre la identidad, sobre el asesinato y también sobre el rigor periodístico, y lo consigue, pero sólo a ratos.

Simon, creador de The Wire, una serie que unos cuantos colocan entre las mejores de la historia y que otros cuantos como Jorge Sánchez Cabezudo -director de Crematorio- reconocen en ella a la gran novela americana, siempre ha sido un apasionado del buen periodismo, del único periodismo posible. Ese que él hacía cuando compartía jornadas enteras con los policías de Baltimore, cuando les acompañaba al bar y cuando tenía amigos entre las filas de los buenos y también de los malos. La historia es importante, pero la utilidad social es el objetivo y para contar todo hay que verlo todo y conocerlos a todos.

David Simon vivió la última gran época de The Baltimore Sun antes de que fuera vendido a un gran grupo y el periodismo pasara de ser un servicio público para ser un producto rentable. Ante este panorama Simon se largó y apadrinado por HBO hizo The Wire. La quinta temporada, la última, se la dedicó a la profesión y a su antigua redacción. En este falso Baltimore Sun conviven todo tipo de periodistas, más o menos dotados y más o menos trabajadores que se rigen bajo las órdenes de un carismático editor llamado Gus Haynes. Y es en esta redacción donde aparece uno de los personajes más interesantes de toda la serie, Scott Templeton. El redactor que ama mal la profesión, que se obsesiona con las historias y olvida el rigor, la verdad y el único significado del periodismo. Templeton 'cocina' parcial o totalmente todas las noticias que escribe.  

Esto provoca un efecto mariposa en los acontecimientos de Baltimore pero también es una metáfora brillante que David Simon utiliza para ridiculizar el toque dickensiano que muchos periodistas deciden adoptar cuando se obsesionan con la historieta y crean una especie de aura literaria con la que rodean a los personajes de una noticia para convertirlos en memorables sin tener en cuenta las causas de sus desdichas. Todo lo contrario de lo que hace el creador de The Wire o Tréme, a las que dedica su profundo estudio de personajes reales, personajes que él mismo conoce -Little Omar sólo puede ser real, es demasiado bueno para que alguien se lo invente-, con el fin de analizar las causas que han llevado a toda una ciudad, o a toda una generación, a la debacle moral.  

Hay periodistas que como el personaje de Templenton o el Finkel que interpreta Jonah Hill acaban devorados por Dickens y se transforman en escritores obsesionados por el cuento, por los personajes, por la atmósfera, por su propio estilo... 

Entre Truman Capote y Stephen Glass

El nuevo periodismo consiguió combinar la literatura con la investigación periodística, las figuras alimentaban los textos de los corresponsales que vivían en primera mano el suceso. Compaginaban los elementos de la ficción con las herramientas periodísticas para ofrecer al lector un retrato más profundo, complejo y entretenido de los hechos. En Una historia real el Finkel interpretado por Jonah Hill ve la oportunidad de relanzar su carrera cuando un compañero le cuenta como el asesino Christian Longo ha usurpado su identidad al ser detenido en México.

Cuando por fin Finkel y Longo se encuentran, el thriller psicológico se desata y la ambición de ese desacreditado reportero del New York Time le empuja a pensar que ahí no hay un reportaje, sino un libro, su propio A sangre fría. Existe un paralelismo entre la relación que se estableció entre Truman Capote y Perry Smith y la que mantuvieron Finkel y Longo durante sus conversaciones. Motivado por el potencial de la historia que tenía entre manos, Finkel hace un trabajo de investigación muy superficial basado únicamente en su experiencia personal con el asesino. El libro que publica titulado True Story: Murder, Memoir, Mea Culpa (y en el que está basado esta película) es una exploración psicológica de Longo y de él mismo, pero apenas se adentra en el asesinato. De hecho Finkel llega a poner en duda la culpabilidad de Longo sin más pruebas que sus encuentros.

Finkel es consumido totalmente por el toque dickensiano. Pasa de ser Truman Capote a ser Stephen Glass, el periodista de The New Republic que se inventó la mitad de sus reportajes  y que Hayden Christensen interpreta en la maravillosa cinta (y también desconocidísima) El precio de la verdad. El periodista traicionado por su deseo de triunfar que viola la ética periodística sin ningún pudor. Poco de esto se refleja con claridad en la película de Rupert Goold, en la que existe una extraña carencia de dramatismo teniendo en cuenta todos los rasgos interesantes que nutren la historia real de Longo y Finkel. El ritmo irregular y la tensión intermitente de Una historia real dificulta al espectador disfrutar del todo la propuesta de este thriller que se salva gracias a un par de interpretaciones brillantes de dos actores en plena forma, Hill y Franco. Curiosamente, del mal periodismo de Finkel solo se ha conseguido extraer una mala ficción.

El Oso de Oro honorífico lo recibirá después de la proyección de El cielo sobre Berlín, pero Wim Wenders es un cineasta inquieto, en activo, y mientras La sal de la tierra (codirigida junto a Juliano Ribeiro Salgado) espera en la antecámara de los Oscar como candidata a mejor documental, la Berlinale ha sido también el escenario para la presentación de su nueva ficción: Every Thing Will Be Fine.

Wenders ya había experimentado con el cine en 3D. Su aproximación al personaje y obra de Pina Bausch fue un éxito. Buen conocedor y amigo de la coreógrafa, consiguió que Pina no sólo se amoldara a los movimientos de los bailarines sino que acercara también al espectador el juego de texturas de sus montajes, todo con una definición arrolladora.

En esta edición de la Berlinale no se había publicitado especialmente que Every Thing Will be Fine era también en 3D a juzgar por la sorpresa de buena parte de la prensa internacional al recibir las gafas a la puerta del cine. Sí se sabían pinceladas del argumento y no parecía cuadrar con la apuesta formal. A saber: un escritor (James Franco) atropella a un niño y la tragedia marca tanto su vida como la de la madre (Charlotte Gainsbourg) y hermano de la víctima. Pero para el director alemán tiene su lógica: “El 3D lo engrandece todo, también los sentimientos” y no es descabellado aplicarlo a un género como el melodrama que nunca ha rehuido las posibilidades ofrecidas por la tecnología en el cine.

Douglas Sirk, de origen alemán como Wenders, es uno de los nombres más asociados al melodrama clásico. Huyendo de la Alemania nazi acabó afincado en Hollywood y rodando títulos tan emblemáticos como Sólo el cielo lo sabe (1955), Escrito en el viento (1956) o Imitación a la vida (1959). Sirk tradujo el atormentado mundo interior de sus personajes a la pantalla con la ayuda del tecnicolor y elaborados movimientos de cámara. Nunca se amedrentó a la hora de experimentar con ello y, de haber estado a su alcance, el 3D habría sido incorporado muy probablemente a su lista de herramientas.

Wenders ha trabajado asiduamente en Estados Unidos también aunque no haya tenido que fijar su residencia allí por obligación. Otros tiempos los suyos. Pero un cineasta cinéfilo como él invita a buscar conexiones y la influencia del cine norteamericano -incluso de la pintura, como la obra de Edward Hopper- se percibe en toda su filmografía.

Como Fassbinder antes que él, Wenders rinde homenaje en su nueva película a Douglas Sirk y al melodrama. Se nota en la composición de buena parte de los planos de Every Thing Will Be Fine y en la exuberante naturaleza de Canadá -la nieve, los árboles de hoja caduca, los prados y lagos- donde transcurre la historia. El rostro impávido de James Franco, con su tupido pelo oscuro, recuerda también al de Rock Hudson en Sólo el cielo lo sabe o Magnífica obsesión (1954), película en la que un accidente era también el desencadenante de la acción.

Pero, a diferencia de Sirk, Wenders es contenido en la trama, en la banda sonora y en el perfil de sus personajes, tanto que el espectador que busque la catarsis del llanto está destinado al fracaso. En cuanto a la apuesta formal, será debatible la opción del 3D pero llama la atención que pocos se hayan preguntado por otro problema de profundidad que sí lastra la película: la interpretación de James Franco. Su frialdad impregna el relato y se acaba añorando el envoltorio kitsch con el que Sirk siempre arropaba a Rock Hudson, dejando a los secundarios la parte del león, de Dorothy Malone a Robert Stack.

El 3D no lo puede todo en el mundo de las emociones, pero el trabajo de Wenders deja claro que tampoco es un formato exclusivo de películas de acción o animación. El tedio que provocan algunas de ellas, además, ha demostrado que el formato puede resultar inútil en cualquier género cinematográfico.

¿Si Wenders hubiera rodado en blanco y negro, como en tantas otras ocasiones, habría habido objeciones? En El estado de las cosas (1982) uno de sus personajes afirmaba: “La vida es en color, pero el blanco y negro es más realista”. Habían pasado décadas desde que el cine invitara a descubrir la realidad en blanco y negro y que la crítica se lamentara del “reino de las sombras”, tal como describió Gorki el invento de los Lumière. Pero con los años, el cine, tan lleno de vida, pareció más realista a las generaciones que se criaron con él.

¿El 3D para el melodrama? Quizá sea solo cuestión de tiempo, de acostumbrarse. Pina, a su manera, ya abrió el baile de la música y el drama en tres dimensiones.

El estreno del polémico filme The Interview fue suspendido después del famoso ciberataque que sufrió la compañía Sony. El sabotaje, que ocurrió hace ya un mes, supuso para la multinacional americana el robo de películas y correos de relevancia notable cuyas filtraciones llevaron incluso a la cancelación de algunos títulos previstos y las consecuentes pérdidas económicas.

En el ciberataque, cometido el pasado 24 de noviembre, los “hackers” robaron -entre otros datos- números de identificación fiscal y partes médicos de más de 3.000 empleados de la compañía. Además se apropiaron de 5 grandes producciones que aún no se habían estrenado y el guión de la nueva película de la saga 007.

En vista de este ataque y tras ciertas amenazas de The Guardians of Peace, el grupo anónimo que se responsabilizaba del ataque, Sony decidió cancelar el estreno de la película en la que se narra la planificación del asesinato al líder norcoreano, Kim Jong Un. Esta comedia de Seth Rogen y James Franco que relata el complot ficticio de EEUU, fue tildada por el régimen de Pyongyang de “acto de guerra”.

Tiempo después la propia Casa Blanca ha responsabilizado a Corea del Norte de haber llevado a cabo estos actos, pero desde el país asiático siguen negando esta acción.

Los cines independientes toman la iniciativa

Las amenazas a quienes difundiesen The Interview no han impedido que finalmente Sony haya autorizado proyectarla. El Plaza Theater de Atlanta y The Alamo Drafthouse de Dallas fueron los dos primeros cines independientes en anunciar que estrenarían la cinta el día de Navidad como en un principio tenía previsto.

“¡La libertad ha prevalecido! ¡Sony no se ha rendido!” tuiteó Seth Rogen, uno de los protagonistas, codirector y coguionista de la película.

Tras la decisión, algunas salas de todo el país han tomado la determinación de estrenar la cinta finalmente. Una de ellas fue The Bijou en Michigan, que pertenece al documentalista Michael Moore, quien por cierto dejó un mensaje en Twitter agradeciendo a la compañía que no cediese al chantaje. Finalmente han sido más de 200 salas las que se han sumado a esta iniciativa.

Obama y Sony se muestran optimistas

“Nunca nos hemos rendido para estrenar The Interview y estamos entusiasmados porque nuestra película llegue a varios cines el Día de Navidad”, afirmó el consejero delegado de Sony Pictures, Michael Lynton, en un comunicado.

El propio Lynton aseguró que están trabajando para que el filme se vaya estrenando en más cines de los que ya se han apuntado, incluso no descarta que el estudio lo estrene en otras plataformas alternativas.

El presidente de Estados Unidos, Barack Obama, aplaudió la decisión de Sony de autorizar la proyección del filme en cines independientes. “Como el presidente dejó claro, somos un país que cree en la libertad de expresión y el derecho de expresión artística”, indicó un portavoz de la Casa Blanca, Eric Schultz.

De hecho fue Obama quien sentenció el pasado viernes que suspender el estreno de la película era un “error” por parte de Sony Productions. Este hecho provocó que el ejecutivo de Sony se molestase y responsabilizase a las salsa de no atreverse a proyectarla. Parece que este cruce de palabras fue la mecha que ha provocado que el estreno después de todo vaya a producirse.