Han pasado tres décadas desde que las dunas rojizas del Sáhara y los monasterios de la Toscana cautivaran al mundo a través de la gran pantalla. Estrenada en 1996, la película El paciente inglés se consolidó como una de las obras cumbres del cine de finales del siglo XX, logrando una efervescencia creativa que hoy se recuerda con especial nostalgia. Esta producción, dirigida por el británico Anthony Minghella, no solo fue un éxito de taquilla, sino que se convirtió en un clásico instantáneo al rescatar la esencia de las grandes superproducciones del melodrama épico.

El origen de esta odisea cinematográfica se encuentra en la novela homónima de Michael Ondaatje, publicada en 1992 y ganadora del prestigioso Booker Prize. El productor Saul Zaentz, artífice de éxitos como Amadeus, decidió adquirir los derechos de adaptación tras asistir a una lectura pública del autor, viendo en la compleja estructura literaria una oportunidad única para Hollywood. Minghella, quien por entonces contaba con pocos créditos como director de cine, se obsesionó con el texto y dedicó cuatro años de su vida a trabajar en este ambicioso proyecto. La gestación del guion, eso sí, fue un proceso arduo que requirió más de veinte tratamientos diferentes y constantes reescrituras para lograr una estructura que funcionara en pantalla.

Y es que Minghella, con una sólida formación previa como dramaturgo, buscaba establecer paralelismos precisos entre el pasado en el desierto egipcio y el presente en una Italia devastada por la Segunda Guerra Mundial. Según el propio director, el corazón de la historia funcionaba como un “horno de fuego” donde la pasión amorosa podía volver a los seres humanos ciegos, traidores o inmorales. El camino hacia el rodaje también estuvo lleno de obstáculos financieros, especialmente cuando el estudio Fox se retiró del proyecto por desacuerdos significativos con la conformación del elenco. La productora exigía una estrella de la talla de Demi Moore para el papel de Katharine Clifton, pero Minghella se mantuvo firme en su visión artística y en la elección de sus intérpretes. De ahí que finalmente Kristin Scott Thomas consiguiese el papel tras escribirle una carta personal al director, uniéndose a un excelente reparto que incluiría a Ralph Fiennes y Juliette Binoche.

La trama africana sumerge al espectador en el Egipto de los años previos a la guerra, donde el conde húngaro László Almásy lidera una expedición arqueográfica. En medio de la búsqueda del origen prehistórico de la Cueva de los Nadadores, surge un romance prohibido y fatalista entre Almásy y Katharine, la esposa de un expedicionario británico. Esta pasión, teñida de traición y secretos, se desarrolla bajo la mirada de un desierto implacable que define el destino de sus protagonistas y los lleva a sacrificar lealtades y principios. Para recrear estos paisajes, la producción se trasladó a Túnez, utilizando locaciones poco turísticas como Nefta y el Gran Lago Salado. En las gargantas de Midas se rodaron imágenes icónicas de la expedición, mientras que la famosa cueva se recreó en la ciudad de Degache, dada la inaccesibilidad de los sitios originales en la frontera entre Egipto y Libia. 

El rodaje en el desierto fue físicamente agotador para el equipo, enfrentándose a temperaturas extremas que oscilaban entre el calor sofocante del día y el viento helado de la madrugada. En cambio, en el otro lado del relato, la historia se traslada al norte de Italia, donde la enfermera Hana cuida a un hombre moribundo y totalmente quemado en un monasterio abandonado. En este refugio de la Toscana, Hana convive con personajes como el zapador de origen sijh Kip y el misterioso Caravaggio, quien busca venganza por las torturas sufridas durante el conflicto. A través de la lectura de un libro de Heródoto lleno de apuntes personales, el paciente de origen inglés revela a la enfermera fragmentos de su identidad y su trágica historia de amor acaecida en el norte de África.

Los escenarios italianos aportan una belleza estética fundamental al film, destacando la Basílica de San Francisco en Arezzo, donde se encuentran los frescos restaurados de Piero della Francesca. Una de las escenas más memorables ocurre cuando Hana es izada con una cuerda para contemplar estas obras pictóricas bajo la luz de las velas. Curiosamente, el hotel Shepheard de El Cairo que aparece en la pantalla no se encontraba en Egipto, sino que fue recreado por el equipo de arte en el Grand Hotel des Bains de Venecia. El éxito técnico de la cinta se apoyó también en un equipo de maestros, empezando por la fotografía del oscarizado John Seale, quien capturó la cadencia del viento sobre las dunas rojizas. La banda sonora de Gabriel Yared, que incluye ecos de Bach y música popular húngara, fue escrita en gran parte antes del rodaje para guiar la atmósfera poética de las escenas. El montaje de Walter Murch fue vital para amalgamar las dos historias paralelas, creando un complejo puzzle de sentimientos y emociones.

Nueve estatuillas

El reconocimiento de la Academia de Hollywood fue abrumador en 1997, otorgando a la película nueve Oscars de las doce nominaciones originales que recibió. Entre las estatuillas recibidas en la gala de los premios Oscar de aquel año destacan las de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actriz Secundaria, en este caso para Juliette Binoche, consolidando a la productora Miramax en la cima de la industria. Aunque algunos críticos señalaron un planteamiento amoral en la pasión de los protagonistas, el público y gran parte de los críticos cinematográficos la elevaron a la altura de mitos como Casablanca.

La narrativa de Minghella profundiza en el amor como una trampa conflictiva de posesión y una fuerza imposible de retener, donde todos los amores terminan por desvanecerse en el contexto de la guerra. El personaje de Almásy, interpretado magistralmente por Fiennes a pesar de quedarse sin estatuilla, simboliza al hombre derrotado por la muerte y la pérdida, atrapado bajo una piel espantosamente arrugada por las quemaduras. La película utiliza la metáfora de los cuerpos como ríos y territorios que se graban en la memoria, dejando al espectador boquiabierto ante un final de profunda emoción poética. Tres décadas después de su estreno, El paciente inglés permanece como una de las últimas grandes despedidas del cine analógico y de las historias de corazón clásico antes de la era digital de los efectos especiales. Su legado reafirma el poder de los melodramas románticos sostenidos por interpretaciones densas y una puesta en escena de soberbia ambientación. Anthony Minghella, fallecido prematuramente a los 54 años, dejó en esta obra maestra todo un testamento de elegancia cinematográfica.

Este verano, entre las fotos que la gente realiza a los libros que lee en la playa, se ha colado un intruso entre best sellers como La asistenta o la última entrega de Los juegos del hambre. Un libro escrito en el siglo VIII antes de Cristo aparecía en las redes sociales en alguna de las múltiples ediciones que se han ido publicando en los últimos años. Se trata de La Odisea, el poema épico griego atribuido a Homero y que vive una segunda vida en medio de anuncios de películas, publicaciones modernas que aportan nuevas miradas e incluso nuevas traducciones como la de Daniel Mendelsohn, que antes ya se ha atrevido a revisar cómo el texto de Homero se ha colado por las rendijas de su vida en las relaciones con su padre y sus alumnos a los que explicaba sus versos en Una Odisea: Un padre, un hijo, una epopeya (Seix Barral).

En España, la reedición que lanzó Blackie Books hace cuatro años se ha convertido en su 'clásico liberado' más leído con más de 40.000 ejemplares. Una versión plagada de aportaciones llegadas de la mano de nombres como Margaret Atwood, Nick Cave o Javier Krahe para enriquecer el texto original. Y todo esto sin que todavía se haya estrenado la superproducción de Christopher Nolan, que en julio de 2026 verá cumplido su sueño de adaptar el texto de Homero en un filme que dicen que apostará por los efectos visuales prácticos y que ha querido rodar en los escenarios naturales donde, supuestamente, tuvieron lugar los hechos relatados por Odiseo/Ulises (sin contar su polémico paso por el Sáhara Occidental que ha hecho que personalidades de la cultura como Bardem o Sorogoyen hayan firmado un manifiesto en su contra).

Un año antes de que Nolan estrene su versión de La Odisea ha llegado a los cines españoles El regreso de Ulises, en la que el cineasta italiano Uberto Pasolini junta, 29 años después de El paciente inglés, a Ralph Fiennes y Juliette Binoche para convertirles en Ulises y Penélope. Su filme se centra en la última parte de La Odisea y prescinde de los elementos mitológicos para hablar “del viaje de una familia que busca la manera de reunirse frente a obstáculos externos, pero, aún más importante, en sus propios corazones”.

El cineasta ha abordado esta película debido a su pasión por la obra, pero también porque cree que “a pesar de la omnipresencia de La Odisea en la cultura occidental y sus temas atemporales y universales, el cine nunca ha hecho justicia a la historia del regreso de este soldado a su tierra, a su esposa y a su hijo”. Además, en un mundo al borde del colapso “Homero nos obliga a afrontar la tragedia de la guerra, de quienes la libran y de quienes quedan atrás, de una manera que resulta increíble y tristemente relevante”.

En palabras del director, “los mitos sobreviven porque son historias excelentes, creíbles e increíbles a la vez”. La Odisea sigue vigente porque “sus personajes son trascendentales, pero también, en esencia, humanos”. “En esta película, tomamos un mito antiguo, conocido en todo el mundo, con el que muchas personas tienen una conexión emocional y guiamos a nuestro público a descubrir la verdad humana que se esconde tras esa historia ancestral, encontrando en las figuras míticas a seres humanos como nosotros”, dice en el dosier de prensa del filme.

Para la escritora Alana S. Portero, autora de La mala costumbre (Seix Barral) y del libro de poemas La habitación de las ahogadas (La Bella Varsovia), La Odisea es actual porque “de los grandes poemas o narraciones épicas es el más humano”. Compara a Odiseo con don Quijote por su “profunda humanidad”. “El gran héroe, el gran hombre, Aquiles, muere por una flecha lanzada por un cobarde. Odiseo sobrevive, sufre, engaña, disfruta como un loco, se equivoca, se arrepiente, ama, se apasiona, pide ayuda, no le mueven ideales de grandeza o de posteridad, solo quiere volver a casa y hace de la necesidad virtud, ya que ha de superar enormes obstáculos procura no desaprovechar la oportunidad de llenar su vida de experiencias de todo tipo. Odiseo podemos ser cualquiera”, explica.

Odiseo cae constantemente en la tentación, es un personaje dionisíaco. Es lo contrario a la oleada de masculinidad apolínea, estoica y protestantona que nos ha tocado vivir

Alana S. Portero — Escritora

La Odisea es “universal porque se adapta a los tiempos, porque conserva su capacidad de seducción siglo tras siglo y, sobre todo, porque nunca deja de desplegar ángulos desde los que ser leída”. De esos ángulos nuevos cree que el más interesante es ver cómo la obra habla “de la inutilidad del concepto de ‘hombre-hecho-a-sí-mismo’”. “Odiseo debe ajustar —usando un verbo muy generoso— sus principios constantemente, se apoya en sus compañeros de viaje y ellos en él. Sin la intercesión de Atenea, La Odisea hubiera sido un crucero turístico alrededor de la Isla de Tabarca. Odiseo cae constantemente en la tentación, es, sobre todas las cosas, un personaje dionisíaco. Es lo contrario a la oleada de masculinidad apolínea, estoica y protestantona que nos ha tocado vivir”, apunta.

Una de las personas que más sabe de La Odisea es Carlos García Gual, responsable de una de sus traducciones al español más alabadas, la de la editorial Alianza. Para él el libro es, sin dudas, “el más influyente y el que ha tenido más ecos a lo largo de la literatura occidental”. Destaca su variedad de temas y cómo, su héroe es, a la vez “un gran narrador”. “No solo es un gran guerrero, sino que también es un aventurero ágil y diestro en engaños, pero también un gran narrador. La Odisea está contada en gran parte por el propio Ulises”, recuerda.

Define a Ulises como “el primer narrador fantástico”. “Una de las normas de la literatura fantástica es que lo bueno es que el protagonista nos cuente sus propias aventuras, como hace Simbad el Marino. Por eso es un héroe diferente del puramente guerrero, como era Aquiles o al héroe trágico, como Agamenón. Ulises reúne varios aspectos. Es el héroe del retorno. Lo que quiere es volver a casa y contar su historia. Por eso su sombra está en toda la literatura posterior”, subraya y pone el foco en otra de las características que la distinguen de otras obras clásicas, su “final feliz”.

Es el héroe del retorno. Lo que quiere es volver a casa y contar su historia. Por eso su sombra está en toda la literatura posterior

Carlos García Gual — Traductor de 'La Odisea'

Tanto Alana S. Portero como García Gual rechazan que sea un libro complicado para las nuevas generaciones. El traductor destaca “sus múltiples aventuras y encuentros”, mientras que la escritora aboga por apelar a la inteligencia de los jóvenes y no creer en prejuicios. “La mayor muestra de respeto que se puede tener hacia la gente joven, sobre todo hacia los adolescentes, es dejar de darles las cosas masticadas. Estoy cansada de los ‘clásicos empanados’ y de dar por sentado que una chavala de 16 años nos necesita a nosotros y nuestras viñetas explicativas para entender y disfrutar cualquier cosa”, opina.

Por ello cree que hay que “intentar transmitirles la pasión por los clásicos”, algo que le consta que “hacen muchas profesoras y profesores cada día”. “Facilitar es un verbo que me repugna cuando se trata de abordar el conocimiento, lo que hay que facilitar es el derecho a la educación universal, y saber transmitir que quizá algún que otro clásico les va a resultar un ladrillo insufrible, pero que merece la pena leerlo entero y conocerlo”, zanja. Para ello, también cree que el cine es un buen incitador: “Cuando el cine adapta clásicos y sabe capturar su esencia, casi siempre alimenta la curiosidad por conocerlos. Incluso si los desafía con propuestas ‘sacrílegas’. Mientras no lo haga innecesariamente masticable y le extraiga la complejidad, siempre es buena idea hacer una película basada en un libro inmortal”.

La actriz francesa Juliette Binoche presidirá el jurado de la edición número 78 del Festival de Cannes, que se celebrará del 13 al 24 de mayo, según anunció este martes la organización.

En un comunicado, el Festival destacó que “Binoche ha conquistado al público y a la crítica reuniendo a algunos de los más grandes cineastas actuales en una filmografía de primer orden” y que representa “el ideal del compromiso con su arte y su tiempo”.

Conocida por sus papeles en títulos como El paciente inglés, Los amantes del Pont Neuf o Tres colores: Azul, su presidencia del jurado que decide la Palma de Oro se producirá 40 años después de su primera aparición en la Croisette con la película La cita (André Téchiné).

“Espero con impaciencia compartir estos momentos de la vida con los miembros del Jurado y el público. En 1985, subí las escaleras por primera vez con el entusiasmo y la incertidumbre de una joven actriz; nunca imaginé que volvería 40 años después en este papel honorífico de Presidenta del Jurado”, expresó Binoche (París, 1964) en el comunicado. “Sopeso el privilegio, la responsabilidad y la absoluta necesidad de humildad”, añadió la actriz.

Una trayectoria instintiva

El Festival resaltó igualmente que, a lo largo de 40 años de carrera y con más de 70 largometrajes en el currículum, su curiosidad la ha llevado a trabajar con nombres tan dispares como Michael Haneke, David Cronenberg, Olivier Assayas, Leos Carax, Claire Denis, Amos Gitaï, Hirokazu Kore-eda, Krzysztof Kieślowski o Hou Hsiao-hsien.

“Esta trayectoria instintiva en el corazón de la producción creativa mundial le granjeó rápidamente una reputación inigualable entre los cineastas de una constelación sin fronteras”, indicó el reputado certamen de la costa mediterránea francesa.

Binoche cuenta con el premio de interpretación de Cannes de 2010 por Copia certificada (Abbas Kiarostami), pero su palmarés incluye también todos los grandes premios del cine, como los César, los Bafta, los Goya o los Oscar.

Es, además, una “ciudadana comprometida” con temas como la educación, los derechos humanos en Irán o el Me Too y utiliza su influencia regularmente para concienciar sobre las crisis ecológicas que amenazan al mundo.

“Su compromiso a gran escala recuerda al de Olivia de Havilland, recordada por haber desafiado la omnipotencia de los estudios estadounidenses. Esta leyenda de Hollywood fue Presidenta del Jurado del Festival de Cannes en 1965, dejando paso por primera vez a otra mujer, también leyenda de Cinecittà, Sofía Loren”, subrayó el Festival.

Binoche sucede como presidenta del jurado también a otra mujer, la directora y actriz estadounidense Greta Gerwig.

Hace 30 años, los responsables de la Alianza Francesa en Málaga tuvieron una idea. Consistía en proyectar un puñado de películas en francés para que profesores y alumnos se reunieran alrededor de una pantalla (por entonces pequeña) en la modesta sede de la calle San Agustín. Lo llamaron “Festival de Cine Francés”, casi como una declaración de intenciones, pero tres décadas después aquella idea se ha convertido en una realidad consolidada en el denso mundo de los festivales de cine. Cada año, reúne en torno a una pantalla (ya grande) a 15.000 espectadores y 10.000 escolares, estrena una decena de largometrajes, programa conciertos y actividades paralelas, organiza gala de apertura y clausura, y trae invitados de relumbrón. En esta edición, Juliette Binoche, a la que también se dedica una retrospectiva.

La intérprete francesa, única con un Oscar, un César, un Bafta y los premios de interpretación de los tres grandes festivales de cine europeos (Cannes, Venecia y Berlín), fue la primera en recoger, de manos de Ángela Molina, el Premio Honorífico del Festival de Cine Francés de Málaga, cuyos responsables tienen la sensación de estar ante un punto de inflexión. El evento es ya uno de los grandes festivales de cine francés del mundo, junto con el de Hong Kong y el de Australia.

“Un festival de este tamaño organizado por una Alianza Francesa no existe”, comenta Sullivan Benetier, su director, quien se ve ahora ante la dificultad de gestionar un evento que, sin estar profesionalizado, se ha hecho un hueco en el circuito español de festivales. “En esta edición nos pusimos la máxima presión por ser el 30º aniversario, y esto ha generado una expectativa. Hemos llegado al máximo con la capacidad humana y financiera que tenemos. Si queremos seguir creciendo, necesitaremos más apoyo”.

La presencia de Binoche es uno de los grandes hitos del festival, que no empezó a usar las salas del cine Albéniz hasta 2004 y experimentó una transformación en 2011, con la creación del Premio del Público. También desde aquel año cuenta con el patrocinio principal del Ayuntamiento de Málaga, cuyo alcalde Francisco de la Torre fue distinguido, en 2017, con la Legión de Honor por su papel como colaborador excepcional con Francia en materia cultural.

Ahora el objetivo es servirse del trampolín de este año para internacionalizar el festival.

“Todo empieza en Cannes”

Benetier no revela lo que cuesta montar el evento, pero sí subraya que el coste es bajísimo. “El director del Festival de Angulema [con el que está hermanado el de Málaga] me dijo que no se lo creía: es lo que a ellos les cuesta un día”, revela, satisfecho con el resultado pero algo “frustrado” porque entrevé sus propios límites. Por ahora, la falta de presupuesto se suple con horas: apenas tres personas componen el equipo: él es el director y, a la vez, dirige la Alianza Francesa en Málaga. Julia Branché es la directora artística del festival y Antonio Rodríguez, el coordinador y responsable comunicación Alianza.

No hay más. Entre los tres, con la ayuda de dos becarios y 17 voluntarios (franceses o antiguos alumnos “francófilos”) levantan a pulso un evento de una semana, con 50 proyecciones (entre cortometrajes, documentales y largos) en diversos puntos de la ciudad (Centro Pompidou, Cine Albéniz, La Térmica, Ateneo), alfombra roja, galas y actividades paralelas. Este año han incorporado una sección documental, dedicada a las luchas feministas, y otra de “Experiencias Virtuales”, en colaboración con el Polo de Contenidos Digitales, donde pueden verse obras inmersivas en 360º.

La preparación dura meses, en los que ven cerca de 250 películas, las seleccionan y persiguen a las productoras para lograr un pase. Además, durante el año organizan una jornada de cine alternativo con la Escuela Superior de Arte y Diseño de San Telmo y  Cine Mômes, un festival de cine francés para escolares al que acuden unos 10.000 niños.

“Todo empieza en Cannes, pero siempre estamos pendientes de todo el cine en francés”, apunta Branché.

Un biopic de Maria Schneider y la última de François Ozon

En tres décadas han logrado proyectar por primera vez en España cintas de éxito, como el taquillazo internacional Intocable o Los Miserables, nominada al Oscar a Mejor Película Internacional en 2019. El año pasado se hicieron con Anatomía de una caída, ganadora de una ristra de premios que incluye la Palma de Oro en Cannes y el Oscar a mejor guion original. Y en esta edición, preestrenan la nueva cinta de François Ozon, Quand vient l’automne o Maria, sobre la devastadora experiencia de Maria Schneider durante el rodaje de El último tango en París.

El festival no se limita al cine francés (hay película belga -Les tortues- y otra quebequesa -Ru- en esta edición); ni siquiera, al cine exclusivamente en francés: en Everybody loves Touda, candidata de Marruecos a los Oscar, se escucha casi siempre el árabe. De ahí, que valoren cambiar el nombre del festival (Festival de Cine en Francés), como ya hizo en el pasado el Festival de Cine en Español de Málaga.

Por aquí han pasado también personalidades del mundo del cine, como los intérpretes Yvan Attal, Paul Kircher o Julie Gayet o el creador del Festival de Angulema Dominque Besnehard. También, personajes que han contribuido a la conexión hispano-francesa en el mundo del cine, y que han amadrinado el festival, como Rossy de Palma, Victoria Abril, Ángela Molina, Isabel Coixet, Lola Dueñas, Candela Peña o Carmen Maura.

“Olvídate de los subtítulos. Aprende francés”

Pero si algo ha distinguido su recién estrenada alfombra roja es la reivindicación del talento local. Por allí han desfilado en esta edición el polifacético artista La Dani (Te estoy amando locamente), la dramaturga Alessandra García (ganadora del Premio Max por Mujer en cinta de correr sobre fondo negro) o el cineasta Rakesh Narwani (El bazar de mis padres). “No tenemos dinero para invitar a grandes estrellas y, además, preferimos personas que han apoyado al festival desde siempre, gente vinculada a Málaga que iba todos los jueves a la Cinemateca del Albéniz”, cuenta con orgullo Antonio Rodríguez. “Tenemos muy claro nuestro anclaje a la ciudad”, completa Benetier.

El objetivo es que el festival sirva también para atraer alumnos a la Alianza Francesa, una entidad que no depende del Estado francés, sino que funciona a través de una asociación local diferente en cada ciudad. Cada año, la Alianza Francesa de Málaga, que cubre gran parte del territorio andaluz, presenta unos 4.500 candidatos a los exámenes del DALF. Es la segunda con más candidaturas en todo el mundo.

No ha sido un hándicap para el festival la inveterada costumbre española de consumir material audiovisual en versiones dobladas. Al contrario, el festival y la Alianza pretenden convertirla en una baza tirando de ironía. De ahí, su lema para esta edición: “Olvídate de los subtítulos. Aprende francés”.

“Tenemos un papel de educar”, dice el director del festival, reivindicando a la vez el rol que aún pueden jugar las salas frente a la dinámica de desconexiones en las relaciones humanas cotidianas, desde la caja del supermercado al streaming: “Ir al cine es una experiencia compartida de manera colectiva, y nosotros tratamos de que la gente nos vea como un lugar de encuentro”.  

Juliette Binoche (París, 1964) pasó por Málaga un día especial. Llueve por primera vez en muchos meses y ella, en lugar de fruncir el ceño porque el día pinte gris, sonríe y lo celebra: “Es un regalo de los dioses, lo necesitamos”, dice, despreocupada por que cuatro gotas parezcan cambiarlo todo, hasta los planes calculados al milímetro, en una ciudad sedienta.

Sentada bajo la tenue luz del salón de un céntrico hotel malagueño, vestida con elegante traje de chaqueta, Binoche confirma con sus gestos, con lo que dice y con lo que calla, que es el tipo de estrella que parece ser. A su alrededor se mueven los demás como en órbitas concéntricas mientras ella mantiene el brillo, afable y a ratos divertida.

Sus acompañantes subrayan su aura: una mujer que le coloca el pelo, un hombre que tapa un foco que le roba la luz, y que ahora se acerca a poner límite: última pregunta. “Rápido, no se preocupe: pregúnteme más cosas”, dirá ella luego, aprovechando que el otro ha vuelto a alejarse. También es firme para defender su territorio, que hoy es el de las palabras: no quiere fotos durante la entrevista porque la desconcentran de las respuestas, a las que da forma con paciencia y precisión. Sólo admite la presencia del periodista y de la intérprete que hoy la acompaña, Isabel Moyano.

La actriz francesa es lo más parecido que puede haber a una estrella del cine europeo, o del “cine de autor”, sea lo que sea eso. A sus sesenta años, en su filmografía hay obras de David Cronenberg, Jean Luc Godard, André Techiné, Louis Malle, Isabel Coixet o Leos Carax, y un puñado de papeles de los que perduran: el de Julie, la compositora doliente por la muerte de su hija y su marido en un accidente de coche, en Tres Colores: Azul (Krzysztof Kieslowski, 1993); el de enfermera en un monasterio toscano en la Segunda Guerra Mundial, en El Paciente Inglés (Anthony Minghella, 1993); el de mujer sufriente en Caché (Michael Haneke, 2005).

Binoche es la única actriz con un Oscar, un César, un Bafta y los premios de interpretación de los tres grandes festivales de cine europeos: Cannes, Venecia y Berlín. En 2022 recogió el Premio Donostia del Festival de San Sebastián y el año pasado el Goya Internacional. Y ahora pasó por Málaga para recoger otro de manos de su amiga Ángela Molina: el Premio Honorífico del Festival de Cine Francés, organizado por la Alianza Francesa, que reconoce así a una figura “imprescindible” para el desarrollo del cine en francés y la difusión de la cultura francesa.

Toda esta retahíla de premios ha reforzado la conciencia de que su ascendente conlleva una gran responsabilidad. Somos “políticos sin fronteras”, ha dicho en alguna ocasión. Su trabajo, dice, tiene la “suerte de cambiar vidas”, porque es una suerte de terapia sanadora del alma. Juliette Binoche eligió ser actriz porque no podía ser otra cosa.

El otro día repasé su discurso al recoger el Goya internacional en 2023. Dijo usted cosas muy bonitas y profundas sobre el oficio de interpretar. Dijo que era un reconocimiento al ardiente deseo que la invade, pero no le pertenece. “Sólo soy un instrumento de este ardiente deseo, una herramienta”. ¿De qué es herramienta un actor o una actriz? ¿De dónde sale su pulsión por actuar?

[Sonríe, duda. Mastica la respuesta] No lo puedo explicar. Pero puedo decir que he sido educada en una familia de artistas que había vivido la guerra y emigrado desde Polonia… Mis abuelos lo perdieron todo. Y el deseo de mi madre de ser artista era muy muy fuerte. Ese deseo no se cumplió del todo, porque tuvo a sus hijos bastante pronto. Y cuando nos proponía, por ejemplo, ir a un concierto, leer un libro o hacer teatro, yo siempre decía que sí. Para mí era una solución a mi incapacidad para entrar en la dinámica escolar, desde el punto de visto académico. Yo no fui al colegio al mismo tiempo que todos, ni aprendí a leer a la vez… Estaba apartada. ¡Y aquello supuso una puerta abierta a un mundo libre! Divertido, libre... De creación… Podía… ¡Ah! Ser libre. Fueron las circunstancias de mi educación, pero también mi sed de vivir, y el haber tenido una infancia difícil, lo que provocó que la salida hacia una vía artística fuera un medio de sobrevivir y expresar cosas que no habían sido expresadas antes. En las infancias difíciles, de sufrimiento, eso es absolutamente necesario.

Usted es actriz, pero también canta, pinta y escribe poesía. ¿El intérprete es también un autor?

Sí, por supuesto. Es la continuación de la escritura. El autor escribe a partir de una sensación, de una emoción, de una idea que viene y que desciende a su corazón por la escritura. Y un intérprete recoge lo escrito y lo mueve a través de su corazón hacia la cámara.

Si echa la vista atrás, tiene una carrera plena: premios, trabajos con los directores y directoras más prestigiosos, con papeles que muchos recuerdan, y el respeto de la industria. ¿Siempre eligió por dónde quería ir?

Hace falta trabajar con la intuición, con aquello que es importante en tu corazón. Puedes decir no a cosas que parecen magníficas, brillantes, pero debe haber un verdadero vínculo con el deseo, con aquello que es importante en el fondo del corazón. No puedes dejar de decidir. Porque después no hay lamentos. ¡No hay arrepentimiento! Si has elegido a partir de una sensación verdadera, entonces no puedes nunca dudar de la finalidad de lo que has hecho.

A usted le llegó una decisión importante cuando tuvo que elegir entre Parque Jurásico y Tres Colores: Azul. Son casi paradigma de sendas maneras de entender el cine. Pero ha explicado en alguna ocasión que ya se había comprometido con Kieslowski. ¿Cree que hubiese cambiado su carrera si la decisión, en ese cruce de caminos, hubiese sido otra?  

No, porque ¡en Parque Jurásico lo importante eran los dinosaurios, mientras que en Azul eran las personas! ¡Y elegí a las personas! Incluso aunque me gusten mucho a los animales. A ver, si no hubiera tenido otra cosa que hacer, ¡claro que lo hubiera hecho! ¡Me hubiese divertido mucho trabajando con Spielberg! Esperar diez horas en la caravana, salir y preguntar si todo va bien… [gesticula, ríe a carcajadas].

Dice que le interesan los papeles en los que el personaje se transforma. Y a usted, ¿cómo le influyen sus personajes?

Una película es una inmersión. En un universo, en sus circunstancias, en una historia, en personas, en la amistad, en situaciones emocionales… Así que eso a la fuerza te hace reflexionar y evolucionar. Mire, hay diferencias entre la terapia y la forma artística. En terapia intentamos modificar un comportamiento. En un papel, el actor, cuando ve que hay un comportamiento así da las gracias. Son dos cosas diferentes, pero no están totalmente separadas, porque se trata de psicología. No estudiamos psicología, pero tenemos una relación con su esencia, con la experiencia psicológica. De alguna forma, me provoca una reflexión el fondo de las cosas.

¿En qué sentido?

Cuando hice la película con John Boorman [Un país en África, 2004], trabajé con una coach norteamericana, negra, sobre el racismo, sobre mi personaje. Y yo me decía: “Juliette, yo no soy racista”. Pero al trabajar con el personaje, y con el coach, me di cuenta de que tenía un fondo racista del que no era consciente. ¡Voilà!

Dice el festival que usted es una figura “imprescindible” para el desarrollo del cine en francés, y es casi un lugar común calificarla como una de las grandes estrellas del “cine de autor”. ¿Se siente usted representante de una manera de hacer cine? ¿De una forma de entender la cultura? ¿Qué responsabilidad supone eso?

Yo creo que todos los actores y actrices son responsables de sus elecciones y tienen una responsabilidad de lo que emanan hacia la conciencia de la gente. Es una acción importante, y hay que saber ser responsable de eso. Esto lo siento desde hace bastante tiempo, no hacer elecciones marcadas solo por lo que nos gusta, porque es necesario ser conscientes que esas elecciones tendrán una repercusión. Ahora, a veces intento no pensar mucho en ello, porque lo importante es vivir de manera libre. Si estamos siempre pensando siempre en nuestra imagen, en una representación, dejamos de ser artistas. Para eso, hagamos una Inteligencia Artificial y me multiplico en mis entrevistas. ¡No! Hay que cuestionarse, cambiar, porque los valores de hoy no son los de mañana. Por eso, a veces cuando las entrevistas me dicen “usted dijo esto o aquello”, yo les digo que no, que no lo dije o lo pongo en cuestión, porque no nos parecemos a lo que seremos dentro de diez o veinte años.

Hace apenas unos meses suscribió un manifiesto exigiendo más medidas contra la violencia sexual ejercida contra las mujeres en el cine, coincidiendo con la última edición del festival de Cannes, cuando nueve mujeres acusaron a Alain Sarde, un reputado productor. ¿Qué parte del iceberg hemos conocido hasta ahora y qué puede hacer la industria para atajar estas conductas?

Hay cosas que se tienen que hacer ya. Lo primero es que se apliquen las leyes, porque hay muchísimos casos que no llegan a juzgarse. Creo que en España las leyes se han modificado de forma muy firme, y hay menos abusos sexuales en el ámbito familiar. En Francia es mucho más laxo, había un momento en el que se pensaba como si todo estuviera permitido, también en el cine. Creo que hay una toma de conciencia, que es dura para los hombres, que se sienten perdidos y atacados, pero creo que es importante que se den cuenta de que hay cosas que no son tolerables. Estamos obligados a remover la conciencia para evolucionar. 

El Festival de Cine Francés de Málaga ha inaugurado este viernes su 30ª edición con la entrega de su primer Premio Honorífico a la actriz francesa Juliette Binoche. Más de 300 personas han acudido a una gala presentada por el director del certamen, Sullivan Benetier, en la que la actriz española Ángela Molina ha sido la encargada de entregarle el premio a la invitada. Minutos antes se reunían numerosos malagueños que han asistido a la alfombra roja, donde ambas han protagonizado momentos históricos para este certamen.

“Es un honor y un placer estar en la Málaga de mi alma, para festejar este momento histórico con mi querida Juliette Binoche”, explicaba la actriz Ángela Molina, que además de haber trabajado con la actriz invitada, tiene una trayectoria internacional con una importante presencia de su trabajo en producciones francófonas.

“Quisiera, al poner en tus manos este premio, que recibieras una parte de lo que tú nos das. La emoción al sentir que la esmeralda de la esperanza se abre paso dentro de nosotros. Cuando tú estás en la pantalla basta escuchar tu voz para sentir refugio, basta necesitar algo de verdad para encontrarnos entre tus brazos, los brazos que nunca han dejado a nadie fuera, como si supieran que hacemos algo para todos, con todos. Así que muchísimas gracias, mi muy querida Juliette Binoche”, ha leído Molina en una carta que había preparado para recibir a la actriz.

Premio Honorífico y retrospectiva

Los más de 300 asistentes se han puesto en pie y han ovacionado durante más de 10 minutos a la estrella, Juliette Binoche, cuando asomaba por el escenario. “Lo que siento por Ángela es amor infinito en la sencillez, cuando hemos trabajado juntas nos lanzamos a lo más sencillo y a lo más profundo del sur”, explicaba la receptora del Premio Honorífico del 30FCFM, creado para reconocer la trayectoria de figuras que han revolucionado para siempre la historia de la cinematografía francesa.

“Es un honor maravilloso estar en la celebración de los 30 años del Festival de Cine Francés de Málaga. Yo a los 30 años concebí un hijo, los tuve en los 29, y a los 30 me asomé a esa ventana que es la creación que también supone tener un hijo. Y es que el amor siempre se encuentra en la creación, especialmente en el arte. Pero también en la cocina, en cosas como la elaboración de un queso, por ejemplo, especialmente en este mundo caótico. Así que lo que le deseo a este festival es que siempre sea creativo como es dar paso a luz de un hijo”, relataba la actriz en el escenario de la Sala 1 del Cine Albéniz, que ha acogido esta gala de inauguración.

“Agradezco muchísimo a los organizadores del festival por todo su trabajo, por creer y tener fe en el cine y en el arte francés. También a Dominique Besnehard que me hizo descubrir este festival, y que me hizo conectar con el certamen; para mí, una nueva oportunidad de tejer vínculos y lazos que espero que duren para siempre. También al alcalde y a la ciudad de Málaga. ¡Viva Málaga, y viva el arte y el cine!”, concluía la actriz, emocionada, y en compañía de Ángela Molina, junto a la que despedía al público malagueño. Previamente, la organización le mostraba las proyecciones de dos videos de cineastas que, a pesar de no haber podido asistir, no querían perder la oportunidad de mandarle un cariñoso saludo a la actriz; Rodrigo Sorogoyen, e Isabel Coixet.

Este reconocimiento nace con el objetivo de poder rendir homenaje a aquellas figuras que han sido imprescindibles para el desarrollo del cine en francés, y que han contribuido a la difusión de éste y su cultura a través del talento y la creación reconocida por unanimidad internacional.

Su presencia supone un hito para el Festival de Cine Francés de Málaga, que con motivo de su 30 cumpleaños se propone internacionalizar el certamen, así como profundizar en la difusión del cine francófono de forma que convivan grandes estrellas y momentos del séptimo arte, así como espacios que exploren la diversidad de las culturas francófonas, los nuevos formatos y las voces sociales de las generaciones más actuales.

Las entradas para la Sección Oficial, y Retrospectivas se pueden adquirir en la taquilla del Cine Albéniz y de forma online en unientradas.es y en festivalfrancesmalaga.es. Las entradas para la Sección de realidad virtual se pueden adquirir en la web del festival, que se celebrará hasta el próximo viernes.

Nueve preestrenos exclusivos en una semana de cine francés

Posteriormente se ha proyectado en exclusiva en España la comedia francesa Et plus si affinités, dirigida por Olivier Ducray, Wilfried Méance, que ha inaugurado la sección oficial del festival, fuera de concurso. Por delante, quedan siete días en los que el certamen preestrenará nueve films en exclusiva en España, ofrecerá secciones documentales, de cortometrajes y de realidad virtual abiertas al público, y anunciará su palmarés el 17 de octubre.

El 30 Festival de Cine Francés de Málaga contará, además, con las visitas de los directores Franck Dubosc, Edouard Bergeon y David Oelhoffen, que presentarán sus últimas creaciones cinematográficas; de la productora y galerista Anne-Dominique Toussaint; así como las artistas arøne y Marguerite Thiam que ofrecerán sus directos en una fiesta de clausura el 18 de octubre en La Térmica, abierta a todo el público.

Entre los invitados a la inauguración del certamen se encontraban el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre; Mariana Pineda, concejala delegada de Cultura y Patrimonio Histórico del Ayuntamiento de Málaga; y Manuel Mestanza, Diputado de Cultura de la Diputación de Málaga. Además de representantes de colaboradores y patrocinadores como Hamman Al Andalus, La Térmica, Mobalpa, Ateneo de Málaga, Escuela de Arte San Telmo, la alfombra roja ha contado con la presencia de invitados como los artistas y cineastas españoles Laura Baena, Alessandra García, La Dani, Rafatal, Rakesh Narwani, Ángelo Néstore, y Pinkchadora.

Organizado por la Alianza Francesa de Málaga, el 30FCFM cuenta con el principal apoyo y colaboración del Ayuntamiento de Málaga. Además, cuenta con otros patrocinios como los de la Diputación de Málaga, Soignon, Mobalpa, Fundación Caja Rural del Sur, Cerveza Victoria, Hammam Al Andalus, Saint James, ARTE, France 24, Unifrance, la Embajada de Francia, la Délégation Générale Wallonie-Bruxelles en Espagne, Explore France, el Polo de contenidos digitales, y Art Explora Festival. Las sedes en las que se desarrollarán las actividades del festival son el Cine Albéniz, el Centre Pompidou Málaga, La Térmica, el Ateneo de Málaga, Mk2 Cinesur, y en la propia Alianza Francesa de Málaga.

La ceremonia de apertura del Festival de Cannes arrancó este martes con una ovación en pie para recibir a la actriz estadounidense Meryl Streep. Y con unas cuantas lágrimas tanto de ella como de la intérprete francesa Juliette Binoche, encargada de entregarle la Palma de Oro de Honor.

“Has cambiado nuestra forma de ver a las mujeres en el mundo del cine y nos has dado una nueva imagen de nosotras mismas”, dijo Binoche intentando contener las lágrimas mientras leía su discurso ante Streep. La intérprete francesa destacó en su discurso tanto el humor de Meryl Streep como su capacidad para, pese a su gran talento, no tomarse demasiado en serio a sí misma.

A sus 74 años, la actriz ya cuenta con tres premios Oscar y otras 21 nominaciones, además de un premio a la mejor intérprete en el festival francés hace 35 años, por su trabajo en 'Evil Angels' (Un grito en la oscuridad', 1988).

“Este premio es único en el mundo del cine y estoy muy honrada de recibirlo”, expresó la actriz estadounidense desde el escenario del Gran Teatro Lumière. Streep recordó en su discurso que cuando ganó en Cannes tenía ya tres hijos y se acercaba a los 40 años, con lo que pensaba -admitió- que su carrera se acercaba a su final. “No era una expectativa poco realista en la época, era una previsión razonable”, añadió.

Con una carrera que incluye títulos emblemáticos de la historia del cine como 'Out of Africa' ('Memorias de África'), 'The Bridges of Madison County' ('Los puentes de Madison') y 'Sophie's Choice' ('La decisión de Sophie'), o incluso 'The Devil Wears Prada' ('El diablo viste de Prada') y 'Mamma mia!' en su vertiente más cómica, Streep desafió todos los presagios.

“Estoy muy agradecida de que no os hayáis hartado de mi cara”, bromeó la actriz nacida en 1949 en Basking Ridge (New Jersey, Estados Unidos), arrancando carcajadas a todo el auditorio vestido de gala.

La cocina está de moda. Solo hay que pasarse por Instagram o TikTok, donde las recetas, las visitas a los restaurantes y los críticos gastronómicos se multiplican hasta la saciedad. Luego está la televisión, donde la enésima edición de Masterchef, Masterchef Celebrity o Masterchef Junior pasea a sus anchas por la cadena pública mostrando que, en la sociedad del espectáculo, la cocina es competición y popularidad. Los chefs son estrellas, gente famosa que sale en las revistas y hasta dan las campanadas. Son celebrities. La gente va a sus restaurantes por verles a ellos y hacerse un selfi, no para que les den de comer.

La cocina es política, y el triunfo del neoliberalismo se manifiesta en la gastronomía, y eso queda mucho más claro cuando se ve A fuego lento, la película francesa elegida para representar a su país en los Oscar y que ha pasado el primer corte junto a La sociedad de la nieve. La dirige el cineasta de origen vietnamita Tran Anh Hung, que maravilló a todos con El olor de la papaya verde y que aquí cuenta la historia de una cocinera y un gastrónomo para el que trabaja. Es el año 1885, y la cocina era un arma de negociación. En torno a una mesa se decidía la geopolítica del mundo. Y cocinando uno se enamoraba.

La película es un ejercicio de puesta en escena que provoca los sentidos. A la vista y al oído, por supuesto, pero casi hasta el olfato y el gusto con la delicadeza con la que el director retrata el proceso creativo de cada plato. “Para mí el cine es el arte de la encarnación, y me gusta que no esté solo a nivel intelectual o espiritual, sino que tiene que ser una experiencia física”, cuenta Tran Anh Hung, que recuerda el origen de su pasión gastronómica en Vietnam, y cómo sus padres, obreros, se sentaban en torno a los platos que hacía su madre “de una manera muy sencilla pero maravillosa”. “Mi afición por el arte viene realmente de la belleza de los platos que ella cocinaba”, asegura.

A fuego lento reivindica el trabajo artesano, el que se hace con las manos, y a la cocina como arte y no como espectáculo, algo que Tran Anh Hung tiene claro: “La cocina es un arte. La diferencia entre algo que es arte y lo que es artesanal es que el arte permite hacer cosas infinitas, que no están limitadas por leyes y normas y creo que el arte culinario es así. Es el arte de mezclar especias, de dar importancia a un aroma más que a otro. Se trata de crear la personalidad de un gran chef, y ese espacio de creación es ilimitado, y por eso es un arte”.

Por tanto, si todo arte es político, la cocina también es política, algo que se muestra en el filme y que el director subraya sin ambages. “Por supuesto que la cocina es política. Napoléon lo entendió bien. A él no le gustaba comer. Es como Bergman, que podía comer un único plato y tenía bastante. A Napoléon no le gustaba comer pero entendió la importancia de la comida en el mundo diplomático. Dio un castillo a cada gran chef y negoció el destino del mundo alrededor de la mesa, porque las cosas se hablan mas tranquilas con un vino. Y eso es político, pero no solo por eso la comida es política. El gran problema de la comida es la comida mala, que encima es la comida para masas, y eso crea una injusticia y una desigualdad más entre ricos y pobres”, subraya.

Por supuesto que la cocina es política. Napoléon lo entendió bien. A él no le gustaba comer, pero entendió la importancia de la comida en el mundo diplomático

Tran Anh Hung — Cineasta

Para los morbosos, la pareja protagonista de A fuego lento, esa chef y ese gastrónomo que viven su pasión entre fogones y recetas son Juliette Binoche y Benoît Magimel, dos de los mejores intérpretes franceses y antigua pareja que estuvo casada y tuvieron dos hijos antes de separarse. No han tenido la mejor relación, pero Tran Anh Hung decidió que fueran ellos quienes dieran vida a sus personajes. Ellos aceptaron. Ahora, el director reconoce que su elección le dio “miedo”: “Ellos estaban separados y no han tenido una relación buena, pero son profesionales y su talento es lo que hace que se consiga crear esta sensación de amor que se ve en pantalla, pero no fue fácil. Son grandes actores, pero al principio estaba preocupado”.

Normalmente a la comida en las películas no se le presta atención. Aparece en el plano, de fondo, pero nunca es un elemento narrativo. Aquí lo es. Uno fundamental, y el director tuvo que pensar y repensar cómo mostrarlo, cómo su puesta en escena debía captar la majestuosidad de lo que se cocinaba. Su referencia no fue cinematográfica. “Quería que fuera como un ballet, que hubiera un impulso cinematográfico y que fuera algo físico. Cuando vas a ver un ballet eso es lo que ves. Tu cerebro no deja de moverse con las personas en danza y quería que eso ocurriera aquí. Para ello necesitamos una preparación y una filmación compleja”, explica.

Tran Anh Hung, que ganó el premio a la Mejor dirección en Cannes con esta película, será uno de los rivales de Juan Antonio Bayona por el Oscar a la Mejor película internacional. Su elección por el comité de la Academia Francesa fue muy polémica, ya que fue escogida por delante de la gran favorita, Anatomía de una caída, ganadora de la Palma de Oro y presente en todas las quinielas para las categorías más importantes en los próximos Oscar. Los productores de Anatomía de una caída mostraron su enfado por la elección de A fuego lento, algo que para el director es “una lástima”.

“Los productores de Anatomía de una caída han dicho cosas que han provocado esa polémica y creo que es una pena. Ha sido como en Cannes, un comité decide qué película va a los Oscar o qué película gana la Palma de Oro, y nadie protestó con su Palma de Oro, ¿por qué sí ha pasado con la elección de la película que va a los Oscar? Por suerte me pilló en Vietnam, preparando una exposición y estuve muy alejado de todo esto”. Quizás el juego les haya salido bien, y haya finalmente dos películas francesas presentes en las nominaciones mostrando el buen momento de su industria, que regresa con fuerza tras la pandemia. 

La rueda de prensa por el Goya internacional a Juliette Binoche quedó ensombrecida por la triste noticia de la muerte de Carlos Saura. El autor, que este año recibía el Goya de Honor, moría a los 91 años en su casa de Madrid, e hizo que la tarde en Sevilla se quedara gris, sin el júbilo que debía suponer el tener delante a una de las actrices más importantes del cine de las últimas décadas. Una intérprete que ha trabajado con los mejores. De Godard, a Kiarostami pasando por Kieslowski. Una de esas mujeres que solo entiende el arte desde el riesgo, y así lo explicó en su brillante encuentro con la prensa este viernes en Sevilla.

La actriz confesó que no era su primera vez en la capital andaluza, sino que una vez se plantó de forma improvisada en Nochebuena y casi se queda sin cenar. De aquella vez recuerda “los naranjos, el cielo azul y los palacios de la ciudad”. Ha calificado este premio como un honor, ya que lo recibe en un país que ama el arte. “España es un país de arte y de artistas y eso me inspira y me emociona. Veo los rostros verdaderos que pintó Goya, los cuerpos estilizados y luminosos que pintó el Greco, las obras de Gaudí, Velázquez, Lorca… Cervantes. España es una nación de arte y artistas, y eso es lo que necesitamos para evolucionar como seres humanos”, dijo en su primera intervención, donde también habló de las grandes actrices que la emocionaron de pequeña.

Binoche habló de la revolución feminista que ha vivido el mundo y el cine, y también de lo que ella soportó hace décadas, cuando la industria era mucho más masculina y menos paritaria. “Ahora todo ha cambiado, hay más mujeres directoras, pero cuando yo empecé eran más hombres y había un juego de seducción y atracción que no entiendo muy bien por qué ni cómo funcionaba. No sé cómo lo conseguí, quizás fue mi educación, que fui criada por una mujer consciente de esos peligros y que me educó sólidamente para estar preparada para detectarlos, para ser independiente y fuerte desde pequeña, pero gracias a eso he podido solucionar situaciones peligrosas. A mí me ha ocurrido. Hay directores y productores que me han querido besar o tocar y he dicho que no”, dijo de forma valiente. 

Considera que ser consciente de lo que pasaba le ayudó a “ser fuerte y salvar a la artista”. También reconoció que le encantó haberse enamorado de directores como Leos Carax o Techiné, “pero esa atracción que había con la juventud desaparece cuando una madura”. “Tienes otras necesidades. No eres la misma con 30, 40 o 50 años, y hay que aprender el no en la vida. Se hace camino al andar y hay que escucharse a una misma. Yo creo que tengo un ángel que a veces dice sí y a veces dice no, puede que sea intuición, pero creo que también se aprende mucho de los errores. Actuar siempre es descender, encontrar la luz desde la oscuridad. Yo estoy muy contenta de que haya pasado el Me Too, porque ha cambiado la vida para mejor, y desde aquí quiero decir que mi corazón está ahora con las mujeres de Irán, Afganistán y las que luchan por sus vidas a diario”, añadió.

No se arrepiente de ningún papel, y cree que aquellos que escogen papeles solo por dinero se equivocan. “Todas las películas me han cambiado de forma inesperada, y si una película no te cambia es que hay algo que no esta bien. Siempre hay que tomar un riesgo, ya sea físico o emocional. Cada director trabaja de una forma, y por eso me gusta tanto esta profesión, porque siempre es diferente. En una película un director de fotografía estaba comiendo un chicle mientras yo actuaba, y yo estaba en la escena viéndole. Cuando terminé le dije, por favor, ¿puedes dejar de mascar chicle? Cada momento es importante, y cada instante tiene que ser especial, porque si no, para qué dedicas tanto dinero, tanto trabajo y tanto tiempo. Si no lo sientes así, dedícate a otra cosa. Cada escena tienes que hacerla como si fuera la primera o la última”.

Los actores recibimos mucho amor, pero también queremos dar amor. Recibimos esperanza, pero también queremos darla. Queremos ayudar a la gente a ver otros horizontes distintos

Juliette Binoche — Actriz de cine y Goya Internacional 2023

Cuando no se dan esas condiciones ella lo tiene claro, “eso no es arte y no compensa hacerlo”. “Ya no sería una expresión de ti misma. Tiene que haber un salto, un lugar al que quieras ir. No hay películas más importantes que otras. Las menos importantes son importantes precisamente por haber sido menos importantes. Todas tienen una función. Es como la vida, todos los días importan, no hay días que sean más importantes que otros. Una vez me llamó una agente de Estados Unidos y me dijo, ‘haz esta película que es comercial e importante y eso te permitirá hacer esas de autor que te gustan’, y le dije que si ese era el sistema no me gustaba, que yo quería hacer las películas por una razón legítima, no regatear el hacer una para poder hacer luego otras tres. Todas tiene que merecer la pena, tiene que haber motivos internos porque si no, no merece la pena”, zanjó.

Recibir este Goya es un “honor”, pero cree que el premio no se lo dan a ella, sino a su “fuego y energía interior”. “Cuando hay un personaje siempre hay un comienzo y un final, pero lo importante es la transformación, y compartir esa transformación con otras personas. Mi vocación es ayudar a las personas a vivir. A mí la interpretación me ayudó mucho cuando era pequeña. He hecho más de 100 películas. Tienes que saber por qué eliges ser actriz y estar expuesta, porque a veces prefieres ir a tomar una copa con tus amigos en vez de estar expuesta, pero yo lo elijo porque esta es la esencia de lo que quiero hacer. Mañana intentaré hablar de esto. Los actores recibimos mucho amor, pero también queremos dar amor. Recibimos esperanza, pero también queremos darla. Queremos ayudar a la gente a ver otros horizontes distintos y a vivir de forma distinta. Creo que cuando me pongo delante de la cámara lo mas importante es ser humilde, porque a veces piensas que eres importante, y lo importante es hacer ese ejercicio de humildad y saber por qué estás ahí. Si no lo haces, es muy peligroso”.

Juliette Binoche recibirá el Premio Goya Internacional 2023. La actriz francesa ha sido elegida por la Academia en la segunda edición del galardón que inauguró Cate Blanchett el año pasado, por “su extraordinaria trayectoria que la sitúa como uno de los nombres mas admirados y reconocidos del cine europeo e internacional y su apuesta por autores arriesgados, plasmada en un buen número de interpretaciones inolvidables”.

La intérprete cuenta en su palmarés con un Óscar, un BAFTA y el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín por su trabajo en El paciente inglés (1996); además del Premio César por Tres colores: Azul (1993). También fue reconocida como Mejor Interpretación Femenina en Cannes por Copia certificada (2010) y recibió el Premio Donostia en el último Festival de San Sebastián. “A mí me han ofrecido, en el cine de Hollywood, papeles de 'mujer de', de mujer objeto, y he dicho que no”, aseguró a este periódico durante el certamen.

Binoche recibirá el galardón el próximo 11 de febrero en el Auditorio Andalucía de Sevilla, en una gala que contará con Antonio de la Torre y Clara Lago como presentadores.

En la amplia lista de películas que componen su filmografía figura títulos como Mala sangre (1986), La insoportable levedad del ser (1987), Los amantes del Pont-Neuf (1991), Herida (1992), Código desconocido (2000), Chocolat (2000), Caché (2005), El vuelo del globo rojo (2007), Copia certificada (2010), Cosmópolis (2012), Camille Claudel 1915 (2013), La verdad (2019), En un muelle de Normandía (2021) y Fuego (2022).

Binoche no ha acusado la falta de potentes papeles femeninos en su madurez. Reconocida como una de las mejores actrices del cine contemporáneo, ha trabajado desde sus inicios con grandes directores y directoras, entre las que se encuentra la española Isabel Coixet, con la que protagonizó Nadie quiere la noche, que le valió la nominación al Goya. La cinta, por su parte, se hizo con cuatro 'cabezones'.

Su segunda película, Yo te saludo María, fue a las órdenes de Jean-Luc Godard, nombre al que sumó los de los también franceses André Techiné (Rendez-vous y Alice y Martin), Leos Carax, Louis Malle, Jean-Paul Rappeneau (El húsar en el tejado), Olivier Assayas (Las horas del verano y Dobles vidas), Bruno Dumont, Patrice Leconte (La viuda de Saint-Pierre), Emmanuel Carrère y Claire Denis (Fuego). 

Philip Kaufman, Krzysztof Kieslowski, Anthony Minghella, Michael Haneke, Naomi Kawase, Hou Hsiao Hsien, Lasse Hallstrom, Abbas Kiarostami, David Cronenberg y Hirokau Koreeda completan la nómina de cineastas que han contado con esta hija de intérpretes que en 1996 debutó en el cine anglosajón con El paciente inglés, filme con el que conquistó el Oscar como mejor actriz de reparto. Desde entonces trabaja con un pie en el cine europeo independiente y otro en producciones comerciales como Godzilla o Ghost in the Shell.

Una actriz dispuesta a embarcarse en “viajes a lo desconocido”

'La Binoche', que nació en París en 1964, se formó en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático. La Academia ha valorado que la actriz siempre está dispuesta a embarcarse en proyectos que sean “un viaje a lo desconocido, que me descubran un mundo nuevo”. Igualmente ha destacado su “capacidad para escuchar y, sobre todo, para mirar del director”.

La intérprete, que también ha participado en la serie de televisión The Staircase y pisó Broadway con Betrayal, de Harold Pinter, recogerá el Goya Internacional en el año en el que se cumple los 40 años de su primera aparición en la gran pantalla, en el título Liberty Belle, de Pascal Kané. El día previo a la gala, 10 de febrero, el Goya Internacional tendrá un encuentro con los medios en rueda de prensa en Sevilla.

Pocas actrices se pueden merecer más un Premio Donostia que Juliette Binoche. Su nombre es sinónimo de cinefilia. De películas capitales de las últimas décadas como Azul. Ha trabajado con los mejores, de Godard a Carax pasando por Claire Denis, con quien repite por tercera vez en Fuego, la película que ha presentado -y que se estrena el 30 de septiembre- aprovechando que recibía el galardón que le ha entregado el Zinemaldia Festival de San Sebastián y que ha recogido de manos de Isabel Coixet.

Binoche debutó con 20 años, y desde aquellos primeros pasos nadie pudo pararla. Casi siendo una novata llegó un casting con la mayor leyenda del cine de autor francés, Jean-Luc Godard, fallecido la semana pasada por suicidio asistido en su casa de Suiza. La actriz, que siempre se muestra sincera ante la prensa, no tiró de palabras hagiográficas cuando fue preguntada por el integrante de la Nouvelle Vague y recordó su casting y su trabajo con él en Yo te saludo, María (1985).

“Con Jean-Luc tuvo que pasar una serie de castings. En el último ensayo tenía que estar desnuda y recitando un poema mientras me peinaba. En esa época yo trabajaba como cajera y tenía conjuntivitis. El contraste entre lo que me pedían como actriz y mi día a día es algo que permanece en mi memoria. No me eligió para el papel, pero creó uno para mí. En ese momento me di cuenta de que él no es una persona que fuera a ayudarte en ese recorrido interior, con Godard fue como una ducha de agua fría, sentía una especie de conflicto y contradicción con él. No fue una relación fácil, pero aprendí que hay que estar siempre preparada y esto no es el recreo del colegio. Me enseñó todo eso, que es esencial”, dijo Juliette Binoche del realizador francés.

Siempre se ha dicho que Spielberg le ofreció el papel de Jurassic Park y que ella dijo que no para rodar junto a Kieslowski. Hoy ha aclarado que fue al contrario, que ya le había dicho que sí al director polaco cuando Spielberg llamó a su puerta, pero con humor confesó lo que le dijo al director: “Si me pides que interprete al Tiranosaurus Rex entonces me lo pienso”. Hubiera sido una de las pocas veces que hubiera dicho que sí a Hollywood, que ha intentado atraerla muchas veces y muy pocas con éxito.

No es una decisión tajante, sino que tiene que ver con los papeles que le ofrecen. De hecho, explicó que ha sido desde EEUU desde donde le han llegado los guiones con más clichés sobre los personajes femeninos, aunque también dejó claro que nunca ha sufrido machismo en la industria. “Sé que hay mujeres que lo sufren, quizá en un cine más estereotipado, pero hay que saber rechazar ese cine; a mí me han ofrecido, en el cine americano, papeles de 'mujer de', de mujer objeto, y he dicho que no”, puntualizó y dijo que en el mundo del cine “es importante saber decir que no”.

También elegir los papeles que ofrezcan visiones poliédricas de uno mismo y rechazar “en los que solo se nos ve de una manera”. “Hay que saber trabajar fuera de los códigos machistas, como me criaron en esa independencia, yo enseguida lo detecto. La belleza transluce la verdad, cuando un actor es transparente y veraz no importa la edad, ni las ideas preconcebidas. Ese el desafío”, zanjó.

A mí me han ofrecido, en el cine de Hollywood, papeles de 'mujer de', de mujer objeto, y he dicho que no

Juliette Binoche — Actriz

Una de las personas con quien más veces ha trabajado es con Claire Denis, una cineasta que es un referente para toda una generación de mujeres cineastas como Carla Simón o Clara Roquet, que siempre la nombran por su forma de retratar el cuerpo y el deseo. Binoche entiende que sea un referente para ellas, pero pide a las directoras que ante todo “sean primero ellas mismas”. De Denis destacó que “se toma el tiempo para mirar en vez de asustarse”. “Creo que muchos directores no se toman el tiempo necesario porque están asustados. Están en el set, tienen que tomar una decisión, con el equipo esperando a ver dónde pone la cámara… y eso a ella no le importa una mierda. Y esto es importante porque también da a los actores el tiempo para dar la mejor interpretación”.

Binoche sigue apostando por el cine adulto, complejo, que habla de temas importantes, y vive el momento actual con las plataformas produciendo y las grandes empresas apostando por remakes y secuelas con sentimientos encontrados. “Todavía quedan amantes de las películas en el cine porque es una experiencia diferente, pero es verdad que estamos en un momento especial y no puedes ir en contra de la evolución, así que hay que hacerlo lo mejor que se pueda y hacer el cine más interesante posible. Ahora hay un festival de Cannes de series, algo que antes no existía, y no se cuándo pero quizás un día se junten, no puedes ir contra la evolución de lo que está pasando. Es verdad que vivimos un momento de multiplicación de pantallas, y eso es algo bastante fascinante y aterrador”.

La actriz francesa Juliette Binoche será distinguida con el Premio Donostia en la 70 edición del Festival de Cine de San Sebastián, que se celebrará entre el 16 y el 24 de septiembre.

El director del festival, José Luis Rebordinos, ha desvelado los primeros detalles de la próxima edición en una rueda de prensa este viernes en San Sebastián en la que han dado a conocer los carteles de sus diferentes secciones y ha informado de que Binoche recogerá la distinción en una gala en el Palacio de Congresos Kursaal que incluirá la proyección de 'Avec amour et acharnement (Fuego)', película dirigida por Claire Denis con la que ésta ganó el Oso de Plata a la Mejor dirección en el último Festival de Berlín.

Binoche, ganadora de un Oscar por su trabajo en 'El paciente inglés', (Anthony Minghella, 1996), visitará la ciudad por cuarta vez para recibir uno de los Premios Donostia de este año en reconocimiento a “una dilatada carrera en la que ha encarnado a cerca de 75 personajes, desde heroínas poderosas a seres frágiles, pasando por personajes históricos, roles dramáticos y papeles cómicos”.

La compañía donostiarra Dimensión, encargada de elaborar los carteles de este año, ha empleado un retrato de Juliette Binoche captado por la fotógrafa Brigitte Lacombe para crear el póster oficial de la 70 edición en el que destaca el nombre de la actriz. El resto de carteles de las diferentes secciones supone “un homenaje a la mirada y a todas las formas de mirar la vida y el cine”, ha explicado Rebordinos.

Iniciarse con Godard, despegar con Carax, asentarse con Kieslowski

Binoche (París, 1964) debutó en el cine con 'Liberty Belle' (Pascal Kané, 1983), a la que siguieron algunos papeles en obras de cineastas como Jean-Luc Godard ('Je vous salue, Marie /Yo te saludo, María', 1985), Jacques Doillon ('La vie de famille', Sección Oficial, 1985) o André Techiné ('Rendez-vous/ La cita', 1985), con quien volvió a coincidir años más tarde en 'Alice et Martin' ('Alice y Martin', 1998). La icónica 'Mauvais sang' ('Mala sangre', 1986) supuso su primera colaboración con Leos Carax, a cuyas órdenes también filmó 'Les amants du Pont-Neuf' ('Los amantes del Pont-Neuf', 1991).

Desde los inicios de su carrera ha alternado títulos rodados en francés con otros muchos realizados en inglés como las adaptaciones literarias de 'The Unbearable Lightness of Being' ('La insoportable levedad del ser', Philip Kaufman, 1988), 'Wuthering Heights' ('Cumbres borrascosas', Peter Kosminsky, 1992) o 'Damage' ('Herida', Louis Malle, 1992), en las que actuó con Daniel Day-Lewis, Ralph Fiennes y Jeremy Irons, respectivamente.

Binoche encarnó a una mujer en duelo en la película que inauguró la célebre trilogía de Krzysztof Kieslowski, 'Trois couleurs: Bleu' ('Tres colores: Azul', Zabaltegi, 1994), por cuyo trabajo recibió el Premio a la Mejor actriz en el Festival de Venecia y un Premio César, distinción a la que ha optado en nueve ocasiones más. También fue la novelista George Sand en 'Les enfants du siècle' ('Confesiones íntimas de una mujer', Diane Kurys, 1999). Pero el reconocimiento internacional masivo le llegó gracias a su personaje de enfermera en 'The English Patient' ('El paciente inglés', 1996), que le proporcionó el Oscar a la Mejor actriz de reparto y el Premio a la mejor actriz en el Festival de Berlín.

Ha trabajado al mando de cineastas europeos como Jean-Paul Rappeneau, que clausuró fuera de concurso la Sección Oficial del Festival de San Sebastián con 'Le hussard sur le toit' ('El húsar en el tejado', 1995); Chantal Akerman ('Un divan à New York / Romance en Nueva York', 1996), Patrice Leconte ('La veuve de Saint-Pierre / La viuda de Saint-Pierre', 2000), Lasse Hallström ('Chocolat', 2000), John Boorman ('Country of My Skull/ Un país en África', 2004) y Michael Haneke, con quien ha rodado 'Code inconnu: Récit incomplet de divers voyages' ('Código desconocido', 2000) y 'Caché' ('Escondido', 2005). En 2002, además, protagonizó 'Décalage horaire' ('Jet Lag', Danièle Thompson).

Su carrera reciente

Otros títulos de su filmografía incluyen 'Mary' (Abel Ferrara, Perlak, 2005), 'Le voyage du ballon rouge' ('El vuelo del globo rojo', Hou Hsiao-Hsien, 2007), 'Disengagement' (Amos Gitai, 2007) y 'Shirin' (Abbas Kiarostami, 2008), con cuyo director volvió a trabajar en 'Copie conforme' ('Copia certificada', 2010), una historia de amor ambientada en la Toscana que le valió el Premio a la Mejor actriz en el Festival de Cannes.

Entre sus últimos trabajos figuran 'La vérité' ('La verdad', Perlak, 2019), de Hirokazu Koreeda, con quien la actriz viajó a San Sebastián por tercera vez, y 'Ouistreham' ('En un muelle de Normandía', Emmanuel Carrère, 2021), que el año pasado participó en Perlak y se alzó con el Premio del Público Ciudad de San Sebastián a la mejor película europea.

Juliette Binoche (París, 1964) cree que el acto político más importante de un actor es elegir un papel. Eso no quita que a ella le guste defender bien alto su perfil ecologista y feminista también en las entrevistas, lo que la convierte en una de las actrices más cotizadas por los medios en los festivales de cine.

Este año, Binoche presenta en San Sebastián dos películas dirigidas por mujeres tan reputadas y aplaudidas como ella: Vision, de la japonesa Naomi Kawase, y High Life, de Claire Denis. En la primera interpreta a una escritora que viaja a los bosques de Osaka para encontrar una hierba medicinal que crece cada 1.000 años y cura el dolor humano. Pronto se descubre que el viaje es más bien un regreso y que, en lugar de buscar algo nuevo, llega para reencontrarse con su pasado. 

La francesa recibe a los periodistas con unos minutos de retraso porque saborea cada respuesta como si fuese la primera, soltando por el camino dardos de ironía y encandilando a toda la sala. Binoche no se corta al hablar del me too, movimiento al que contribuyó con su experiencia de acoso y abuso sexual cuando era joven, o de la “pasividad suicida” del ser humano con la naturaleza en las siguientes preguntas planteadas por un grupo de medios. 

La directora Naomi Kawase utiliza la naturaleza de una manera simbólica. ¿Existe en Vision un mensaje ecologista?Vision

La naturaleza es simbólica, pero no solamente. Cuando estaba en Yoshino, cerca de Nara, que es la región de donde proviene Naomi, sentía una emoción muy especial. Quizá es porque vivo en la ciudad y muchas veces estoy desconectada de la naturaleza por estar en coches, aviones, trenes y hoteles. 

Creo que nos ocurre a todos los que vivimos en ciudades, que son construcciones de los hombres, y por eso necesitamos volver a entroncar con esa otra parte dentro de nosotros mismos que encontramos en la naturaleza. Porque, si no hacemos algo de forma urgente, estamos abocados a un futuro un poco negro. Ya lo estamos cuando hay tantos cataclismos y fenómenos naturales. Lo contaminamos todo, jugamos con el entorno como si fuésemos niños avariciosos y la naturaleza nuestro juguete. 

Por lo tanto es urgente, tenemos que cambiar de actitud y si no lo hacemos puede que nos encontremos con esa sexta extinción de la humanidad y del planeta. Hay que dejar de ser actores y abandonar esa pasividad suicida en la que vivimos. Tenemos que despertar nosotros mismos y tenemos que provocar que despierten también los políticos y quienes toman decisiones.

Dice su personaje que hay una parte agresiva del cerebro que ha evolucionado muy lentamente. ¿Es trasladable al momento actual, con toda la xenofobia, los nacionalismos y aumento de las desigualdades? ¿Estamos evolucionando muy despacio?

Para mí esa es una de las imágenes que más me emociona. Creo que todos tenemos una forma animal que nos lleva a querer conquistar cosas, a la agresividad y hay que hacer que eso cambie. Ella se dirige a la parte femenina del chico en esa escena, a esa parte femenina que deben tener todos los hombres.

Es uno de los temas fundamentales de la vida, la diferencia entre el ser y el estar: tenemos que darle la vuelta y llegar al ser. La experiencia y el tiempo ayudan, pero tenemos que hacerlo rápido porque las cosas se está acelerando, los movimientos así lo indican y hay que cambiar la inercia. Ese movimiento se ve ahora con las mujeres, y también con la naturaleza y el medio ambiente, hay que dejar de ser pasivos para ser activos. Ahí tenemos un papel que jugar los actores, los medios de comunicación y los políticos.

Sobre el movimiento de las mujeres, usted ha contribuido con sus relatos de abuso y acoso. En cambio, las actrices francesas publicaron un manifiesto contra el puritanismo del me too. ¿Qué opina? me too

Creo que son movimientos necesarios. Hacen falta olas para que puedan moverse los barcos y la conciencia necesita también esas olas. No es un fin en sí mismo, pero creo que el hecho de que expresemos lo que está ocurriendo detrás de las puertas y que lo expresen las mujeres es una necesidad. Lo femenino es necesario. Lo femenino ha esperado con paciencia, pero ahora hay una impaciencia de querer y desear.

Nos hemos visto soslayadas desde hace milenios y por ello es necesario que artistas, tanto hombres y mujeres, puedan expresarse al respecto. Ese deseo de paridad. Por ejemplo, en los festivales debe haber paridad en el comité de selección. Luego lo que debe imperar es el arte, no que haya más películas de hombres o de mujeres, eso es otra cuestión. Habrá gustos y colores de unos y otros, pero es cierto que eso lo va a seleccionar alguien y ahí sí que tiene que haber paridad.

En cuanto al me too, yo creo que es un movimiento para que las mujeres hablen y expresen esos problemas vinculados a la violencia. Para mí es importante decirlo.

Sin embargo, las dos películas que presenta son de mujeres cineastas. ¿Este cambio se nota en la calidad de los papeles que le llegan como actriz veterana?

Que haya directoras no es es bueno solo para los actores, es bueno para el mundo. Lo que haría también falta es que haya realizadores y directores en lugares como África para escuchar a esa población; no pueden estar mudos, hay que oírles para escuchar su relación y cambiar su vida.

Sobre estas dos directoras, cuando dije sí a Naomi (Kawase), no había guion. Decidí viajar con ella sin saber adónde. Me pasó también en High Life, de Claire Denis, donde tampoco el guion estaba terminado. Es una forma de ir a la aventura con alguien a quien admiras. Es cierto que no conoces la finalidad de la película, porque naturalmente lo interesante para un actor es el proceso.

En esta película el amor se presenta de una forma muy sutil, casi sin cortejo. ¿Cree que los orientales tienen una forma de acercarse al amor en el cine diferente a la de los occidentales? ¿Menos violenta?

En el caso de esta película, creo que ninguno de los personajes se siente feliz. Ella tiene ese pasado que la perturba, una culpabilidad constante. Él también está preocupado por la naturaleza, los dos lo están. El caso es que están viviendo esa situación complicada, y por eso todo sucede tan despacio.

Ya cuando hablamos de intimidad, si comparamos entre oriental y occidental, creo que es lo mismo, no creo que haya tantísimas diferencias. Puede que haya diferencias en cómo aborda un hombre a una mujer en un contexto oriental. Bueno, yo no debo decirlo porque nunca he estado con un japonés (ríe). Pero a fin de cuentas seguimos hablando de un hombre y una mujer que se encuentran, se tocan, donde hay tacto y hay palabras.

Ha trabajado con Kawase y ahora prepara una película con Koreeda. ¿Cómo se dan los rodajes entre equipos con una cultura tan diferente?

La verdad que estoy encantada, siempre ha sido un placer inmenso rodar con directores de otro lado del planeta, me genera curiosidad y siempre he sido curiosa. Cuando decides trabajar con alguien, el guion es importante, pero Koreeda cree que él no dirige a los actores, sino que le gusta observarlos. No está en un pedestal dando órdenes. Observa la humanidad de cada persona y la captura con su cámara, y a mí eso me conmueve.

No creo que eso venga dado por el hecho de que sea japonés. Yo he tenido la suerte de que, como hablo inglés, muy pronto me abrí fronteras y trabajé con directores internacionales, y eso es un regalo que me ha ofrecido muchísimas oportunidades interesante. Creo que lo que nos une a la gente no son las culturas o las tradiciones, sino las sensibilidades. Y los actores deben estar más allá de las fronteras terrestres. Los artistas somos políticos sin fronteras.

¿Debe entonces el actor usar su altavoz para denunciar injusticias o, por el contrario, es una decisión personal?

Creo que el elegir las películas que uno hace es ya de por sí un mensaje, desde el principio. Es un acto político. Y tiene que haber coherencia entre las películas que eliges y cómo actúas en la vida.

Ha protagonizado varias películas sobre la pérdida de un ser querido. ¿Cómo es la preparación psicológica? ¿Es duro desprenderse de ese poso?

Por ejemplo, antes del rodaje de Azul, una amiga mía perdió a un hijo de 12 años. Durante dos años estuvimos hablando mucho de ello y eso me sirvió de preparación, inconscientemente. Cuando rodé, conecté con él, con Justine, y no me sentí infeliz, incluso casi feliz. En el filme no viví una pérdida sino una conexión más allá.

Los actores tenemos que encontrar vidas paralelas para actuar, vidas que no son forzosamente lo que está escrito en el guion. Porque eso nos alimenta de una forma mucho más misteriosa y hace que funcione la historia. Hay que actuar con el interior de uno, con sus emociones. Hay que crear. Y cada vez es diferente. Actuar es una experiencia de vida que alimenta el alma y alimenta la película. Para mí es crucial crear y aportar mi grano de arena. Si no, me aburro.

En el episodio 38 de Kinótico, el podcast de cine y series de eldiario.es, escuchamos algunos fragmentos de la entrevista que hemos mantenido con Nicolas Winding Refn. El director danés, que estrena en España 'The Neon Demon', asegura que el Festival de Cannes le debe tres Palmas de Oro por sus tres últimas películas, las tres presentadas a concurso en la muestra. Además escuchamos a Belén Rueda, premio de honor en el Festival MIM Series de Madrid, a Santiago Segura y a la actriz Juliette Binoche.

Contenidos del podcast

01:00.- Entrevista con Nicolas Winding Refn por The Neon Demon

04:30.- Santiago Segura recoge la Medalla de Oro de la Academia de Cine

09:50.- Charlamos con Juliette Binoche, que ha recogido el premio Women In Action! 2016

11:40.- La actualidad de las series, con María José Arias. Incluye el coloquio con Belén Rueda en el Festival MIM Series de Madrid

21:10.- Lo que tienes que saber

24:00.- Los estrenos de cine de la semana, con Bernardo Pajares

28:00.- El observatorio en Bremen de Janina Pérez Arias. Hoy, sobre la estrategia de comunicación de Brad Pitt

A contraluz. Casi como una metáfora. Había que entrecerrar los ojos para ver a Juliette Binoche (París, 1964), que esperaba al entrevistador de espaldas a una ventana luminosa en un hotel céntrico de Madrid. La actriz francesa, a la que no parece importarle el sol de noviembre clavándose en su espalda, ha viajado a Madrid para recibir el premio Women In Action! 2016, un galardón que le conceden la Asociación de Mujeres Cineastas (CIMA) y Movistar+ como recompensa a su decidida defensa de la presencia [y los derechos] de las mujeres en la industria audiovisual. El traductor de francés, dispuesto para la ocasión, permanecerá en silencio. La entrevista transcurrirá en inglés. Costará centrar el foco sobre la situación de la mujer, pero una vez ocurra... las respuestas serán nítidas...

¿Cree que los periodistas hacemos las preguntas adecuadas sobre la situación de las mujeres en la industria del cine?

A veces las preguntas que me hacen me parecen demasiado generales. Cuando yo interpreto un personaje soy muy específica, así que me gustaría que me hicieran preguntas más íntimas sobre ese trabajo. Pero al mismo tiempo hay... unos modelos que los periodistas aprenden sobre lo que se debe preguntar a los actores y a los directores, o a los guionistas. A veces siento celos de las preguntas que se les hace a los directores, ¡creo que son más interesantes! Y sin embargo mi tarea es encontrar respuestas que sean más inteligentes que las preguntas. A veces los periodistas me hacen pensar, pero es muy raro.

¿Dónde cree que deben empezar los cambios para que las mujeres y sus preocupaciones amplíen su presencia en el cine?

Lo que busco cuando me ofrecen un guión como actriz es una historia que apele a un espacio muy personal. Y eso tiene que proceder de un lugar muy oculto, dentro de los directores. A veces veo que la gente quiere hacer películas por el mero hecho de hacerlas, para ganar premios o para ser parte del juego, para obtener un reconocimiento. Pero las películas deben servir para expresar sentimientos íntimos. ¡Y son como una exploración! Para mí hacerlas es un círculo, es una obra de varias personas que se unen. Por eso es tan difícil sacarlas adelante. Quiero que haya películas que cambien mi vida, de las que pueda aprender cosas.

¿Dirigen los equipos de rodaje de forma diferente los directores y las directoras?

¡Depende de cada ser humano! La diferencia está en que los hombres están más acostumbrados a tener el poder, y por eso viven ese liderazgo con una mayor relajación. Depende, claro, de la persona de la que hablemos, pero como en general siempre han tenido el poder... nunca han tenido que luchar. ¡Y también depende de otra cosa! A veces es el productor el que tiene el poder. O en las series, el guionista. O algún actor, porque es una gran estrella. Yo diría que en Francia es el director el que tiene el poder. Las mujeres directoras a veces tratan de ser como hombres, porque sienten que no tienen una autoridad natural; otras veces su parte masculina es predominante. La parte femenina suele estar relacionada con la recepción, y la masculina con la donación; ¡y la femenina se relaciona más con ser director, porque los actores ya están ahí para dar!

¿Podemos decir que seguimos avanzando? ¿Hay cada vez más mujeres en la industria?

Sí, y aún así podemos decir también que es solo el principio. Yo cada vez trabajo con más mujeres, y últimamente he hecho películas con muchas: Mia Hansen-Løve, Claire Denis, Isabel Coixet, Chantal Akerman... ¡Paro la verdad es que a mí el sexo no  me importa! Quiero trabajar con alguien que tenga una visión y la capacidad de llevarla a cabo.

Francia puede elegir en 2017 a su primer mujer presidenta... pero esa mujer pertenece a la extrema derecha. ¿Cómo vive esa ambigüedad?

¡No quiero a ninguna mujer como presidenta el año que viene! (Risas) ¡No! ¡No me preocupa el asunto del sexo! ¡No quiero a ninguna mujer al frente de Francia! Tenemos que ser un país de intercambio, un país de influencias. No podemos ser egoístas, tenemos que abrirnos al mundo. 

¿Por qué cree que vivimos este divorcio entre la política tradicional y los votantes? Se acaba de evidenciar en Estados Unidos...

Creo que a veces la gente puede pensar que las soluciones están fuera de sí mismos, así que votan a “papá” para que les resuelva la vida. No se preocupan de evaluar qué pueden cambiar en sus vidas para que cambie el entorno. Tenemos que trabajar mucho en la vertiente social del sistema, porque hay grandes desigualdades. Pero no creo que Trump vaya a arreglar eso. Al contrario. Todos nos quedamos en shock cuando conocimos su victoria. Tenemos una canción en francés que dice “un paso hacia delante, tres pasos hacia atrás”. Eso es lo que siento hacia Trump. Es difícil encontrar a alguien que hable de forma tan clara sobre lo mal que trata a las mujeres, sobre la supremacía de la raza blanca, sobre el proteccionismo. Después de Obama es algo muy triste.

Pues quizá ocurra el año que viene en Francia si gana Marine Le Pen...

Le aseguro que rezo cada noche para que eso no ocurra.

Juliette Binoche estaba desnuda y sentada en la cama junto a Jeremy Irons. Le cuenta la cosa más horrible que le puede pasar a cualquiera: que alguien muera por ti. Termina y, con un gesto sobreactuado y seco, le dice que la gente herida es peligrosa. Esto era Herida, de Louis Malle, un impresionante melodrama en el que Irons se enamora de la prometida de su hijo (Binoche) y todo acaba mal. El sexo es violento, sucio, impulsivo y duele. Herida no fue la primera gran película de Binoche, esa es Rendez-vous de André Téchiné. Pero la cinta de Malle es mejor y más dura, y Binoche está más oscura y atractiva que nunca.

Han pasado más de 20 años desde aquella película y la actriz es mejor actriz, pero la industria le niega ya papeles de seductora. Hollywood es así de cruel. Ahora, en todo caso, ella es la seducida, el símbolo de la decadencia, el final de todo, lo que queda cuando no queda nada, el último paso antes de la vejez. En ese caso, Olivier Assayas ha encontrado un instrumento perfecto para su complejo (y terrible) juego de espejos titulado Viaje a Sils Maria, maltraducido del original Clouds of Sils Maria.

El título original tiene sentido. En otoño, en el centro de los Alpes suizos, ocurre una extraña formación de nubes que se van deslizando hacia arriba en forma de serpiente por los lagos italianos y a lo largo del pueblo Sils Maria. Maloja Snake es el nombre de este extraño capricho de la naturaleza. Y Maloja Snake es también el título de la obra de teatro que un día protagonizó el personaje de Binoche, Maria Enders. En esa obra de teatro que la catapultó ella era Sigrid, una joven que seduce al personaje mayor y desesperado, Helena, y la arrastra al suicidio. Han pasado 20 años y Enders, que está en la cima de su carrera, tiene que decidir si interpretar a Helena en una nueva versión de la obra.

Una obra de teatro dentro de una película dentro de la vida

Binoche ya no es la actriz francesa que más llaman en Hollywood (¿hay alguna película en la que no trabaje Marion Cotillard?). La industria se ha transformado y es difícil adaptarse: sólo hay remakes y superhéroes. En el filme de Assayas hay chistes sobre el supuesto dramatismo narrativo y la complejidad que hay detrás de estas obras que antes solo eran entretenimiento. Y la propia Viaje a Sils Maria compite con otro estreno llamado Jurassic World. Esta es la realidad.

La ficción solo es un reflejo. El personaje de Binoche también está cansada de rodar siempre colgada de unas cuerdas y delante de una pantalla verde. Ella tampoco se ha adaptado al nuevo giro de la industria. Pero hay más a parte del propio cine. La edad, el fin de la mejor época. La actriz que interpreta Binoche ensaya las frases del personaje de Helena, una mujer despojada de la virtud de la juventud, de su propia dignidad, perdida y asustada con el paso del tiempo, igual que Maria Enders. Por eso Enders odia ese personaje, porque se niega a asumir la vejez, porque todos queremos ser siempre Sigrid y detestamos ser Helena.

Viaje a Sils Maria es una versión laberíntica de Eva al desnudo. Binoche es una Bette Davis menos temperamental, más reflexiva y prudente, más natural, menos teatral. Y su Eva es Chloë Grace Moretz -Hit Girl en Kick-Ass-. la joven que interpretará a Sigrid y que es, por cierto, mucho más famosa de lo que fue nunca Binoche. Moretz halaga a Binoche pero sabemos que, en cuando se descuide, la devorará. Vive entre tornados de flashes, entrevistas, cotilleos de internet y mucho alcohol. Moretz es la nueva generación que devora a la antigua. Completa el triángulo Kristen Stewart, la joven que hizo de Bella en Crepúsculo -fuente de algún chascarrillo en el filme- y víctima real y permanente de su propia popularidad.

Assayas dice que vemos la película a través del personaje de Stewart. Ella es el agente de Binoche: le ordena la vida, la divierte, la sigue, la quiere, le enseña. Pero este es un descarado elemento narrativo que el director francés elimina de la película cuando ya no le sirve. Este excelente dominio de la metaficción que complica más todo que hace que en la película también se juegue a problematizar el endeble vínculo entre realidad y ficción.

Las palabras ya no sirven

Al final lo único que está claro es que la realidad es una farsa y la ficción es lo auténtico. A través de la ficción nos explicamos a nosotros mismos todo lo de fuera y también lo de dentro. En Persona de Bergman -filme con el que Viaje a Sils Maria tiene muchos paralelismos- Elisabeth (Liv Ullmann)  es muda por su propia decisión, no traicionarse significa estar en silencio porque hablar es decir cosas que no son las que pensamos. Pascal Mercier también reflexionaba sobre esto en Tren nocturno a Lisboa: “Y lo peor sucede cuando me escucho a mí mismo y me veo obligado a constatar que yo también digo eternamente las mismas cosas. Esas palabras están terriblemente gastadas y deterioradas, desgastadas por haber sido usadas millones y millones de veces. ¿Acaso tienen todavía algún significado?”

El personaje de Juliette Binoche solo dice lo que siente cuando ensaya y Assayas utiliza un encuadre más cerrado para esas escenas en las que Binoche escupe las terribles frases desesperadas de Helena. Es entonces cuando Binoche habla de verdad. Las réplicas se las da Stewart, que brilla incluso más que la actriz francesa. Ambas juegan al peligroso juego de esconder sus sentimientos detrás de los personajes de Helena y Sigrid y poco a poco son conscientes, como todos nosotoros, de que no hay nada como la ficción para vomitar lo que somos, para desnudarnos o para entender de qué va la vida.

Isabel Coixet es una habitual del Festival de Berlín. Ha sido miembro del jurado y seis de sus películas han participado en el certamen, Mi vida sin mí y Elegy, a competición, entre ellas. Y la relación sigue en forma, gracias, lo demuestró que la 65 edición del certamen arrancase con la nueva película de la directora catalana. Coixet desembarcó en Berlín arropada por sus dos actrices protagonistas: Juliette Binoche, en las pieles de la exploradora ártica de principios del siglo XX Josephine Peary, y Rinko Kikuchi, que interpreta a la joven inuit que la acoge en su desesperada expedición al Polo Norte.

Curtidas por una historia que se desarrolla en lo más crudo del crudo invierno ártico, no las asusta la alfombra roja bajo cero de una Berlinale que se ha permitido recibir a profesionales del cine y prensa internacionales solo con una fina capa de escarcha y sol.

A Juliette Binoche le fascinó que llevaras la cámara en el rodaje. En este caso, la cámara al hombro fué un intento de darle un aire contemporáneo a una historia que transcurre en 1908?

En realidad la película tiene una estructura interior muy clásica, de embudo diríamos, empezando con el helicóptero con planos muy abiertos y acabando con planos cerrados de las caras de dos mujeres en un iglú. También es verdad que yo siempre llevo la cámara en mis películas y para mí ese temblor es la traducción de lo que siente un espectador asistiendo a la intimidad de unos personajes. Lo he hecho sin intención de contemporizar la historia, creo que no le hacía falta, se sostiene sola.

Rodando el Ártico, con inuit, es inevitable recordar al Nanuk de Flaherty o Los dientes del diablo de Nicholas Ray? NanukLos dientes del diablo

La película que más vimos fué Nanuk, un falso documental, por cierto, que no rodaron donde dicen que lo rodaron. Cuando leí el guión de Nadie quiere la noche lo primero que pensé fue: es buenísimo. Y lo segundo: ¿Y esto cómo lo vamos a hacer? Yo he rodado en sitios muy raros, pero lo de las temperaturas de 14 bajo cero día sí y día también me parecía muy difícil, por no hablar de las avalanchas, la gente que se cae en el hielo... Pero al final, un rodaje es como una división acorazada panzer: cuando arranca no hay quién lo pare. Cuando estábamos localizando sí hubo momentos de pensar y aquí como trabajamos, si hasta los guías que están aquí todo el año se pierden, o de preguntarme si yo era la persona para hacerlo o si se necesitaría una infraestructura de producción en plan Transformers para hacer esta historia realidad. Al final, sí tengo un punto temerario y una vez dices “adelante” tienes que seguir.

En el Nanuk de Flaherty qué buscabas?Nanuk

Fundamentalmente una ayuda para Rinko Kikuchi (la actriz japonesa con la que Coixet ya trabajó en Mapa de los sonidos de Tokio). Para preparar el papel quería primero que la ayudara una inuit de verdad. Fue una de las mujeres que aparecen al principio de la película, mascando la piel, que, por cierto, es descendiente de una de las hijas de Allaka (uno de los dos personajes protagonistas de Nadie quiere la noche y que justamente interpreta Kikuchi). Rinko es una joven japonesa sofisticada y tenía que fijarse en cómo moverse, cómo hablar, como sonreír, como una esquimal. El otro referente fueron los visionados de Nanuk.

Que viste en el guión que te animó a aventurarte en un reto parecido?

No conocía la historia de los Peary. El único referente que tenía de expediciones de este tipo fue uno sobre Shackelton en la Antártica. Pero al leer el guión me entusiasmó, creo que Miguel Barros (Blackthorn) es un guionista increíble, que en otro país estaría haciendo todo lo de HBO, por poner un ejemplo. En el fondo, lo que más me inquietaba, aunque antes me refería a las avalanchas y al hielo, es cómo rodaría lo que pasa con dos mujeres pasado la noche ártica encerradas en un iglú. Yo nunca había visto un iglú por dentro. Eso me fascinaba, ese final del embudo, de la historia, con dos mujeres que están intentando saber quiénes son o ya casi sin intentar nada, al margen de resistir, me fascinaba y me imponía respeto.

Unos interiores helados que, por cierto, se rodaron en un plató en las islas Canarias. Todo un contraste, no?

Siempre me pareció una locura de producción... pensé: me estáis tomando el pelo? Pero confieso que fue una gran decisión. Después de rodar en Noruega y Bulgaria, acabar rodando con Juliette y Rinko solas, en el set del iglú, cuando ellas ya se conocían, conseguimos una intimidad muy interesante. Admito que sobre papel parecía una locura, pero funcionó! Sobre los exteriores en Noruega, no creo que uno tenga que sacrificarse o pasarlo mal para hacer las cosas, pero fué importante estar allí, especialmente para Juliette. Sintió qué pasa cuando tienes que llevar un abrigo de astracán de 14 quilos en la intemperie ártica, o un gorro que no le cubría las orejas. La gente de vestuario ha hecho un trabajo impresionante... es muy auténtico, esas mujeres iban así aunque nos parezca increíble: con gorro y velito en plena expedición... y el sombrero con pluma también, Josephine Peary lo llevaba. En ese sentido, estar allí, empujando el trineo así, era importante. Digo empujando el trineo porqué el tema de los perros no es tan fácil como parece. No les dices “venga” y arrancan así como así. Los 80 que teníamos en el rodaje hacían caso a un cuidador, a otro no, un día sí, otro no,... Y hubo momentos difíciles como cuando Gabriel Byrne tenía que rodar la escena en la que le llevan en trineo después de caer en el hielo. Estaba a 40 de fiebre pero trabajó... los labios morados no son de maquillaje. Pero todo ese caos y todo ese frío ayudó a interiorizar qué les pasaba por la cabeza a esta gente, para ir siempre más allá, pasar meses en medio de la nada.

Juliette Binoche parece hecha de esta misma pasta...

Juliette es una fuerza de la naturaleza. Se convirtió en Josephine Peary desde el momento que dijo sí al guión. Yo esperé mucho tiempo para que lo pudiera hacer ella, pensaba que era la actriz perfecta para el papel. Sabía que era un papel ideal para ella y que también se adaptaría a las duras condiciones de rodaje. Le puedes proponer una historia como ésta a Meryl Streep pero luego hay que estar en el quinto pino, en un tipi con estufa de tizones y un cubo de basura glorificado como letrina. Yo conozco el mundo de las actrices y sabía lo que estaba pidiendo con un guión así. Sabía también que Juliette, cuando acepta un proyecto, se tira de cabeza y no le importa nada. A mi me aterraba un poco, cuando estábamos en Bulgaria, donde hacía un frío que pelaba, pidió un camión frigorífico para meterse dentro cuando notaba que no estaba a una temperatura suficientemente extrema. Esto es así. Ella es así y por eso ha llegado dónde ha llegado. Una entrega y un rigor impresionantes. Es un privilegio trabajar con ella... pero cansado, eh (sonríe).

El personaje de Binoche se mueve por amor, en busca de su marido en plena expedición para plantar la bandera americana en el Polo Norte, pero por el camino acaba encontrando otra historia, de descubrimiento y ternura más íntima con la inuit que interpreta Rinko Kikuchi. Era esto lo que te apetecía explorar?

Robert E. Peary era un hombre que, a parte de tirarse a todas las inuit del mundo, cuando estaba en Washington también estaba en otra cosa, un señor que lo que único que deseaba realmente era la gloria y salir en la foto, pisando a quién hiciera falta. La adoración que las dos mujeres sienten por él no deja de ser una proyección. El amor más puro es el de Allaka, porqué en el caso de Josephine ella también comparte la ambición, el deseo de gloria. La médula de la película, ciertamente, es la relación de ellas dos, los cuerpos que se acaban juntando en busca de afecto, calor, la pureza de ese momento.

Una historia de amor es lo que pareces tener también con la Berlinale.

[Se ríe] Han dicho: “esto es lo que le falta”. Para mí es una cuestión de lealtad con el festival. La primera oportunidad me la dieron aquí, si ellos no hubieran aceptado Cosas que nunca te dije en Panorama hace exactamente 20 años yo no existiría como cineasta, así que si tengo película, se la enseño. Lo de la inauguración (se toma una pausa y un respiro) me parece importante porqué es un gran escaparate y lo que queremos es vender la película, que tenga distribución internacional, aunque desde el punto de vista personal sí hay un punto de paripé que no es lo más divertido del mundo. Yo ya estaba contenta con estar en sección oficial y fue un shock cuando me propusieron inaugurar. Sin ir más lejos, lo primero que les dije fue: “no sería mejor la de Terrence Malick, que es como un Dios?”

A por el oso

Nadie quiere la noche abre la sección competitiva de la Berlinale, a la que seguirán en las próximas jornadas, hasta el día 15, veteranos como Werner Herzog, Terrence Malick, Peter Greenaway o Wim Wenders, que participa fuera de concurso con Every Thing Will Be Fine, vuelta a la ficción del director alemán que este año ya tiene un oso garantizado: el honorífico.

Herzog también regresa al terreno de la ficción y a Hollywood con una de sus reinas, Nicole Kidman. En sintonía con la película de Coixet, ésta vez se trata de otra exploradora, Gertrude Bell (1868-1926) la intrépida mujer que inspira Queen of the Desert en un paisaje inhóspito, ésta vez de arena y sol. Dos ejemplos de los que el director del festival Dieter Kosslick define como “una vuelta al mundo en 11 días”, una Berlinale que acoge producciones de todo el mundo y las miradas de cineastas fascinados por paisajes ajenos a los suyos.

Si al principio de Nadie quiere la noche, el personaje de Juliette Binoche sonríe satisfecha con un “toma Park Avenue!” después de abatir un “gran” oso blanco, en la Berlinale será un jurado el encargado de decidir quién se lleva el plantígrado a casa. Presidido por el cineasta norteamericano Darren Aronofsky (Réquiem por un sueño, Cisne negro, Noé), el de sección oficial cuenta con dos miembros que, como Isabel Coixet, viven en Barcelona cuando su agenda lo permite: el actor catalanoalemán Daniel Brühl (Good Bye Lenin, Rush, Malditos bastardos) y Claudia Llosa que sabe de primera mano lo que significa cobrarse un oso de oro, el que ganó en 2009 por La teta asustada.