“¡Qué buena cara tienes!”, saluda el presidente de la Xunta, Alfonso Rueda. El interlocutor de la videollamada es el director de cine Oliver Laxe, que replica dudando de la veracidad de la apreciación. El jefe del Gobierno gallego ha publicado en sus redes sociales un vídeo en el que felicita al cineasta por su participación en los Oscar, en los que su última película, Sirat, tuvo dos nominaciones, aunque finalmente no lograse ninguna de las dos estatuillas. Laxe afirma que “es fácil perder contra cineastas tan buenos” y Rueda le traslada su apoyo: “Es para estar orgulloso”.

La conversación se desarrolla con la reflexión de Laxe sobre lo aprendido en los últimos meses, con el recorrido de la película en salas y premios (como en el Festival de Cannes, en el que sí se llevó un premio, el del Jurado), y la buena posición en la que considera que se encuentra ahora para sus nuevos proyectos. La Xunta ha sacado pecho también del trabajo del cineasta, al que dio apoyo para la realización de Sirat y al que concedió después una ayuda para la promoción internacional del filme.

“Eres nuestro frontman, así que cuídate mucho y siéntete muy orgulloso, que nosotros estamos muy orgullosos de ti”, insiste Rueda, antes de despedir la llamada y enviarle “un abrazo de toda Galicia”.

Una broma del presidente gallego durante la videollamada permite recordar que la vicepresidenta segunda del Gobierno y ministra de Trabajo, Yolanda Díaz, no ha sido la única representante de una administración pública que viajó a Los Angeles para la gala. Su asistencia fue criticada por el PP, el partido de Rueda, que publicó en sus redes un montaje de la ministra sujetando un Oscar y citando una información sobre el coste del billete de avión.

“Te mandé a Jose a que te diese un poco de suerte”, dice Rueda. Ese Jose es José López Campos, el conselleiro de Cultura, que estuvo en la ciudad estadounidense para compartir el “acontecimiento histórico” que representa para el audiovisual de la comunidad que, por primera vez, una película gallega haya estado nominada a los Oscar.

El Gobierno gallego informó en una nota de prensa de que López Campos viajó acompañado del director de la Axencia Galega das Industrias Culturais, Jacobo Sutil, para “ejercer la representación institucional de la Xunta en la ceremonia de entrega”. 

Parecía una broma de mal gusto que hasta ahora Paul Thomas Anderson no tuviera un Oscar. Ninguno. Ni a mejor guion, ni como director… nada. El genio detrás de varias de las mejores películas de las últimas tres décadas como Magnolia, Pozos de ambición o El hilo invisible ha tenido que esperar a su décima película para lograr que la Academia de Hollywood se rinda ante él. Eso sí, lo ha hecho a lo grande, coronando Una batalla tras otra con seis premios Oscar, entre ellos los más importantes: Mejor película, Mejor dirección, Mejor guion adaptado (por ser una libérrima adaptación del Vineland de Thomas Pynchon), además de Actor de reparto para Sean Penn (que se llevó su tercer Oscar pero no acudió a recogerlo), montaje y casting, premio que se entregaba por primera vez este año.

No podía ser de otra forma, Una batalla tras otra es la mejor película del año. O, al menos, la mejor hecha en Hollywood. El Oscar para el filme es, además, una declaración de intenciones en el momento actual de la industria de cine en EEUU y del país en general. Primero, por ser un filme arriesgado, caro, que no depende de una franquicia conocida y que ha producido un estudio de los de toda la vida (Warner) dando la libertad creativa y financiera a un director tan personal pero, a priori, poco taquillero como Paul Thomas Anderson. Encima, en un momento en el que Warner será comprada dentro de poco por Paramount y el futuro de filmes como este queda pendiendo de un hilo.

Segundo, porque en la América de Trump, Una batalla tras otra era una de las películas que se atrevía a mostrar sus heridas y las formas de confrontarlas. La película de PTA habla de las revoluciones fallidas y de cómo el amor y el cariño es la forma de transmitir el activismo como legado de padres a hijos. A pesar de ser alérgico a los discursos políticos, en esta ocasión asomó algo de colmillo cuando contó que escribió este filme para sus hijos, “para pedirles perdón por el desastre que hemos dejado en este mundo que les estamos entregando, pero también con la esperanza de que ellos sean la generación que, ojalá, nos devuelva el sentido común y la decencia”.

Los pecadores puso emoción hasta el final, ya que fue sumando estatuillas como guion original, Mejor banda sonora para Ludwig Goransson —el tercero tras los logrados por Black Panther y Oppenheimer–, fotografía (premio histórico al ser Autumn Durald Arkapaw la primera mujer en lograrlo en 98 años) y, sobre todo, hizo pensar en que podía dar la sorpresa cuando Michael B. Jordan ganaba al favorito Timothee Chalamet como Mejor actor, un premio que fue recibido en la sala de prensa del Dolby Theatre con un estruendoso aplauso. Un estupendo botín para una de las películas más queridas en EEUU este año. Si sorprendente fue el de Mejor actor, cero sorpresas hubo en el de Mejor actriz, que fue para la desgarradora interpretación de Jessie Buckley en Hamnet, la adaptación del libro de Maggie O'Farrell. La película de Chalamet, Marty Supreme, fue de lejos la gran derrotada de la noche. El filme de Josh Safdie no pudo convertir en premio ninguna de sus nueve candidaturas.

Para España no hubo buenas noticias. Sirat no pudo materializar ninguna de sus dos nominaciones. La de Mejor película internacional estaba casi imposible, y finalmente fue para la noruega Valor sentimental, un premio entregado por un Javier Bardem que volvió a demostrar su compromiso político diciendo desde el escenario: “No a la guerra, Palestina libre”. Con el de Sonido había una esperanza de que el equipo Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas hiciera historia y se convirtiera en el primero enteramente femenino en llevarse la estatuilla. Tampoco pudo ser, y el premio fue para la favorita F1. 

Oscar para los fenómenos populares

El primer premio de la noche no fue para ninguna de las dos favoritas. Amy Madigan ganó el premio a la Mejor actriz de reparto por el personaje más icónico de la temporada, la Tía Gladys de Weapons, otro éxito de Warner este año. Era una de las categorías más abiertas de la noche, pero tras ver el brillante comienzo de Conan O’Brien parece hasta lógico. El presentador se coló en las películas nominadas caracterizado como Gladys y, poco después, Madigan fue coronada con el Oscar por ese personaje. Madigan, que protagonizó hace décadas un momento emblemático de la historia de los Oscar cuando no aplaudió ni se levantó a aplaudir a Elia Kazan —que delató a sus compañeros comunistas durante el Macartismo—, tiene ahora otro para el recuerdo.

Sin duda, los Oscar este año se rindieron a los fenómenos populares, y así lo acreditan también los dos previsibles Oscar a Las guerreras K-Pop, la película más vista de la historia de Netflix, que ganó el de Mejor película de animación y el de Mejor canción para la hiper cantada y tarareada Golden. Netflix, por cierto, se llevó uno de los mejores dardos de Conan O’Brien, que le dijo que Ted Sarandos, el mandamás de la plataforma allí presente, era la primera vez que pisaba un cine en su vida. Incluso se podría entender así los tres premios técnicos que se llevó el Frankenstein de Guillermo del Toro (vestuario, maquillaje y peluquería y diseño de producción) y todo un éxito en Netflix.

Y, como si fueran los Goya del año pasado, hubo un 'ex aequo', aunque no fue en Mejor película, sino en la de Mejor corto de ficción, pero provocó un momento de sorpresa muy bien resuelto por el presentador, Kumail Nanjiani, que aclaró que no era una broma y que leería primero un nombre, y tras agradecer el premio, el segundo. Así, The Singers y Two People Exchanging Saliva recogieron su Oscar en un momento que no se daba desde 2012, tal como aclararon rápidamente los documentalistas de la Academia de Hollywood en la sala de prensa.

Conan O'Brien triunfa en una gala brillante

Aunque no estuviera nominado a nada, quien salió triunfante de su difícil papel fue Conan O'Brien, que repitió como maestro de ceremonias y lo clavó desde el primer momento, con ese gag vestido de Tía Gladys, hasta su última aparición. Entre medias un primer monólogo cargado de dardos a Netflix y hasta al príncipe Andrés. “No hay británicos nominados en la categoría de mejor actor o mejor actriz. El portavoz de los británicos ha dicho, 'bueno, por lo menos hemos arrasado en el sector de la pedofilia'”, dijo el presentador ante la risa y el asombro del público del Dolby.

Hubo gags muy divertidos sobre ver cine en el móvil, clásicos reactualizados, y una aparición de Jimmy Kimmel, que subió al escenario tras un año en el que su programa fue cancelado por sus críticas a Trump y finalmente recuperado por las críticas del sector y el público. Kimmel no se domesticó en su discurso: “Como saben, hay países cuyos líderes no aceptan la libertad de expresion, pero no nos permiten decir cuáles. Llamémosles Corea del Norte y CBS”. Minutos después, cuando presentó el premio al mejor documental dijo, refiriéndose al presidente de EEUU, que se iba a enfadar cuando viera que el documental de su esposa no estaba ni siquiera nominado.

No todo fue tan brillante. Se esperaba más de la reunión de las protagonistas de La boda de mi mejor amiga, y la actuación de Golden dejó mucho que desear. No así la actuación de la canción nominada de Los pecadores, puro riesgo en el escenario. Pero, sobre todo, emocionó la forma en la que afrontaron el 'in memoriam' en un año donde las muertes han sacudido Hollywood. Los homenajes a Rob Reiner (por parte de Billy Crystal y junto a actrices como Meg Ryan y otras de sus películas), Diane Keaton y, sobre todo, el que hizo Barbra Streisand a Robert Redford cantando The way we were sacaron las lágrimas a más de uno. Eso sí, las alusiones políticas volvieron a ser escasas. Más allá de Bardem, los ganadores del Oscar al Mejor documental por Mr. Nobody against Putin y algún dardo de los presentadores, Hollywood volvió a demostrar que el miedo sigue reinando a la hora de dar discursos.

Sirat, la película de Oliver Laxe, no pudo culminar su hazaña en los Oscar y se fue sin materializar sus dos opciones en los Oscar. F1, la película sobre Fórmula 1 dirigida por Joseph Kosinski dejó al equipo de sonido a un paso de hacer historia. Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas llegaban como el primer equipo enteramente femenino nominado en esta categoría, por lo que si hubieran ganado hubieran sido las primeras en llevarse la estatuilla. Sin embargo, la historia sigue resistiéndote en un campo eminentemente masculino. Una pena, porque el excelente trabajo del equipo español hizo soñar hasta el último segundo que podría lograrse el hito.

Media hora más tarde Javier Bardem subía al escenario, y durante un segundo pensamos que aquel momento de Penélope Cruz y Antonio Banderas dándole el Oscar a Almodóvar se podría repetir. Sin embargo, Bardem no leyó el nombre de Oliver Laxe, sino el de Joachim Trier, que con su emocionante Valor Sentimental, venció a la otra favorita, el thriller setentero sobre la memoria y la dictadura brasileña El agente secreto, y también al iraní Jafar Panahi, que a dos días de la ceremonia reconocía en un encuentro en el Museo de la Academia que había realizado esta carrera por el Oscar casi “obligado” por su distribuidora aunque él no quería por la guerra en su país. El propio Laxe contaba en este periódico que sabía que sus opciones eran casi nulas.

La semana previa a los Oscar, la Academia de Hollywood organiza en su flamante museo de Los Ángeles varios encuentros con los nominados de varias categorías. Uno de los más esperados es el de Mejor película internacional. Los ciudadanos de los países nominados residentes en LA abarrotan la sala, y tiene la peculiaridad que, al contrario que con el galardón de Mejor película, donde suelen ir los productores, son los cineastas los que acuden a un encuentro donde suelen destacar las bondades de sus rivales a menos de 48 horas de la ceremonia de los Oscar.

Este año el nivel de las películas nominadas al Oscar internacional lo hacía aún más interesante, pero sobre todo había interés por cómo afrontaba el evento el director iraní Jafar Panahi, nominado por 'Un simple accidente', mientras el país en el que se encuentra bombardea el suyo. Su familia sigue allí, y a pesar de haber manifestado su rechazo a la dictadura en Irán e incluso saber que cuando pusiera un pie allí le iban a arrestar y meter en prisión, lleva desde que salió para hacer la promoción del filme asegurando que quiere regresar a Irán.

El encuentro entre los cinco nominados, nuestro Oliver Laxe, por Sirat; Joaquim Trier, por Valor sentimental; Kleber Mendonça Filho, por El agente secreto; Kaouther Ben Hania, por La voz de Hind y el propio Panahi comenzó de forma extraña. Las moderadoras no mencionaron la guerra ni las bombas sobre Irán, y solo Kaouther Ben Hania hacía una referencia a lo que estaba ocurriendo. 

Sin embargo, en un momento concreto Panahi reconoció cuando le preguntaron por la valoración de la campaña por el Oscar, que no entendía ni siquiera qué hacía allí. “La verdad es que tengo sentimientos encontrados y realmente no entiendo por qué estoy aquí. Tal vez ni siquiera quería estar aquí. Comparar los Oscar o cualquier otra cosa con lo que está ocurriendo en mi país carece de sentido”, comenzó diciendo.

El director, que ganó la Palma de Oro por su película, subrayó esa “dualidad de sentimientos”, y reveló que había sido empujado a hacer una promoción que no quería. “No estoy pasando por días ni noches muy buenos. Pero continué porque me había comprometido con mi distribuidora y con esta campaña. El día en que terminó el plazo de votación escribí una carta a mi distribuidora y les pedí que me dieran permiso para no continuar. Les pedí que se guardaran la noticia, que yo no estaría presente hasta el mismo día de los Oscar, pero me dijeron que si hacíamos eso tendríamos que notificarlo a la Academia y podría ser controvertido. Como no quería armar un escándalo seguí adelante, en cierto modo, por obligación”, dijo lanzando una pulla a Neon, su distribuidora en EEUU y también la de los filmes de Laxe, Filho y Trier.

Panahi se refirió a Irán en casi cada intervención, también cuando le preguntaron por los retos creativos de una película hecha en clandestinidad. “Cada película tiene sus problemas, a veces son económicos, y los míos son políticos. En los regímenes autoritarios existen las intervenciones gubernamentales, las cuales generan problemas en todo. En Irán existe el problema de la censura, y la gente tiene que ingeniárselas para sortearla”, explicó. Pero también añadió que, sin haber estado en prisión, no hubiera podido hacer esta película, y subrayó la ironía: “Este régimen, al arrojarme a la cárcel, en cierto modo me regaló esta película. Todos estos personajes eran personas que yo había conocido en prisión”.

¿Qué va a suceder después de este régimen?, ¿quién estará al mando?, ¿continuará el ciclo de violencia? Cada minuto surgen nuevos acontecimientos que nos alejan de este ideal

Jafar Panahi — Cineasta

Un filme que habla sobre la violencia, sobre cómo romper el círculo que genera, algo que considera difícil ya que “el régimen está inyectando violencia en la sociedad”. “Cuando estaba haciendo esta película me decía a mí mismo que no era para el momento presente, sino para después de la caída del régimen. Y me planteé esta pregunta: ¿qué va a suceder después de este régimen?, ¿quién estará al mando?, ¿continuará el ciclo de violencia? Cada minuto surgen nuevos acontecimientos que nos alejan de este ideal de que se rompa la violencia. Solo en cuestión de dos días el régimen mató a entre 30.000 y 40.000 personas. Lo cual significa, una vez más, que intentó introducir la violencia en la sociedad. Esta película es un buen documento que muestra cómo es el pueblo de Irán”, apuntó con pesar.

El genocidio en Gaza también se coló en la conversación en boca de Kauother Ben Hania, que en su primera intervención recordó que el protagonista de su película Motaz Malhees, no podrá estar en la ceremonia, ya que se le ha prohibido la entrada por ser palestino. Pero mostró confianza en que el cine sirva para algo. De hecho, informó de que se ha presentado un proyecto de ley ante el Congreso de EEUU, la Carta de Derechos para la Rendición de Cuentas, con la que ha sentido que su trabajo tiene sentido porque “puede tener un impacto real en la realidad misma”. “No sé si llegará a aprobarse en un sistema que ya está tan viciado como este. Y, de nuevo, pido disculpas por la atmósfera tan densa que estoy generando, pero esta noche también me siento muy enfadada porque Motaz no pueda asistir a los Oscar por la simple razón de ser palestino”, contestó a las moderadoras, que lograron que el resto de conversación girara en torno a ese sentimiento de comunidad que se ha creado entre los cinco nominados de una de las ediciones más potentes que se recuerdan en la categoría de Mejor película internacional.

Oliver Laxe lleva, como el padre protagonista de su película, más de un año viajando con Sirat. La última parada es en Los Ángeles, o eso parece, porque rápidamente él aclara que la última de verdad será en su tierra, Galicia, en los premios Mestre Mateo. El peso del trayecto se nota. Mientras que en todos los encuentros que ha tenido con la prensa su energía se contagiaba a borbotones, ahora se le ve cansado. No lo niega, lo está. Ha sido un trayecto duro, de mucha exposición, donde ha logrado lo impensable, que un filme radical, que apuesta por un cine sensorial más que narrativo se convirtiera en un fenómeno de masas capaz de hacer medio millón de espectadores y lograr dos nominaciones a los Oscar, a Mejor película internacional y a Mejor sonido.

Sabe que su categoría está muy complicada, por no decir imposible, pero confía en ese equipo enteramente femenino que ya ha hecho historia en los Oscar en un campo históricamente masculinizado que no había tenido nunca una nominación enteramente compuesta por mujeres. A pesar del cansancio y de estar “feliz por cerrar una etapa”, también aclara rápido que está “contento”, y sobre todo de que ese final sea “en casa”.

No miente cuando dice que ya tiene ganas de poner el lazo al filme. “Estoy con ganas. Ha sido bonito y tenía que ser así. Cero quejas, todo gratitud y ha sido increíble. He estado viajando con Santiago Fillol, mi guionista, y hemos estado en muchos estados del interior. Hemos estado en Nashville, Tennessee, en Austin, hemos estado acompañando la peli y la verdad es que sigue siendo superbonito. Me sigue encantando compartirla y entrar en una sala de cine y ver toda la electricidad que hay, ver su diversidad”, dice.

De lo que está cansado, y pide disculpas por reconocerlo, es “de las galas y de las entrevistas”, pero la conexión con el público le sigue “dando muchísima energía y le sigue dando sentido”. “Hacemos pelis para eso, para entrar en una sala de cine y sentir al público presente, vivo”, añade. En esta maratón promocional su figura se ha convertido en, de alguna forma, pública, y cada cosa que ha dicho ha sido escrutada y convertida en tema de discusión. Se han hecho memes, parodias… Una exposición inusitada y desconocida para un cineasta de autor.

Sí que se ha sentido expuesto y vulnerable, pero también ha sido una lección. “He aprendido mucho, la verdad. Para mí hay muchas cosas que eran nuevas, pero no le daría más importancia. Es normal. Yo creo que también, en España como que se te intenta siempre encajar. Y si no encajas, es tu culpa. En cambio, aquí tengo la sensación de que están más acostumbrados a la diversidad y cuanto más diferente seas, mejor. Se acoge esa diversidad. O se entiende que el artista tiene que tener un aire”, señala. Como si fuera consciente de que esa declaración puede volver a ser tomada como literal lo aclara: “Estoy generalizando, ojo. Hemos hecho medio millón de espectadores en España. Hemos ganado seis Goyas. Ha sido precioso. La comunión con la cinefilia, también con vosotros, cero quejas. Pero sí que obviamente mi personaje público ha trascendido y… No sé, mi cine a lo mejor sí es para todos los públicos, pero a lo mejor yo no soy para todo el público. No lo sé. Pero estoy contento de todo lo que estoy aprendiendo”, remarca.

A pocas horas siente nervios, pero no tantos. “Sé que no voy a tener que salir a recoger un premio, y eso alivia en parte porque vas a poder disfrutar más”, bromea sobre sus posibilidades y hace balance de todo lo que se lleva de EEUU, entre otras cosas un agente en el país y las primeras pistas de lo que será su próxima película. “Creo que en EEUU tienen mucho olfato. Aquí saben reconocer un artista y me han reconocido como tal. Me llevo la oportunidad de poder construir un caballo de Troya con mi siguiente película. Me parece que tengo una buena oportunidad”, dice.

Creo que en EEUU tienen mucho olfato. Aquí saben reconocer un artista y me han reconocido como tal. Me llevo la oportunidad de poder construir un caballo de Troya con mi siguiente película

Oliver Laxe — Cineasta

Junto a Santiago Fillol han hablado de las primeras imágenes con las que empezar a tirar del hilo. “Empezamos a pensarlas, a tensarlas a ver cómo se comportan, pero pinta bien”, avanza. ¿Será en EEUU? “Desde luego que hay ofertas. Hay proyectos. Hay muchos productores, que no puedo decir los nombres, pero que quieren trabajar con nosotros, hay actores… Pero lo que es bonito es que lo que me piden es mi cine. No quieren que me adapte para hacer nada, dicen ‘danos más de ti, de tu movida’. Han reconocido un cineasta serio, un autor”, comenta sin dar muchas más pistas. No sabe cuánto necesitará descansar después de toda esta aventura, de hecho su forma de descansar es pensar en la próxima y pasar página. “Desgraciadamente sí, es así. Desgraciadamente soy incorregible”, responde con una sonrisa.

Sabe que los Oscar llegan en un momento políticamente inflamable, y cree que “a toda la sociedad le vendría muy bien bailar más” porque “es muy terapéutico, purgas, limpias, te desahogas”. “Es un momento de mucho dolor. Estamos en un telefilme americano de buenos y malos. Por eso me gusta tanto la película iraní, Un simple accidente, que es mi favorita. Es una película que acoge el dolor del otro. Me parecen buenas noticias. Eso es lo que los artistas tenemos que repetir, que la herida no tiene país, no tiene clase social. Es algo muy complejo que arrastramos y hay que curar eso. Hay que sostener la herida de todos”, apunta.

Para explicarlo cita una frase de O que arde, que decía que “quien hace sufrir es porque sufre”, y por si acaso alguien ha podido pensar que está justificando a Trump y compañía lo aclara: “No estoy legitimándolo. No lo estoy justificando. Pero es momento de más piedad, de abrazar más. Como decía Chelo Loureiro cuando recogió el Goya: Más amor y menos redes sociales”.

De lo político vuelve a opinar sobre si los cineastas deben hablar o no, pero pide por favor lo que diga se transcriba de forma exacta. “Si no, al final no vamos a decir nada. Los artistas vamos a robotizarnos y no es lo que queréis, así que ayudadnos”, comienza para opinar que cree que “está bien expresarse, pero es difícil porque dices algo y está mal, no dices nada y está mal, y si lo dices no se va a recoger con la complejidad, se va a recortar y también mal”.

“Se tiene que entender que es muchísima exposición. Hacer una película te pone en un estado de vulnerabilidad muy fuerte. Creo que no se es suficientemente consciente del grado de depresión que hay. Igualmente estamos en un momento con mucho miedo. Yo creo que va a haber pocas proclamas políticas en la ceremonia, pero está bien cuando las hago. Me parece bien ser valiente. Pero no somos tan fuertes. O yo por lo menos no lo soy tanto. Mi película ha hecho llorar a palestinos, a iraníes, a americanos conservadores, a americanos progresistas. Pongamos toda la energía en que nuestras películas toquen. Muevan algo. Ahí hay que poner la energía”, zanja siendo el mismo Laxe que hace un año puso a bailar a un festival de cine con la más personal de las películas sin saber que acabaría en Hollywood.

Nunca en 98 años de premios Oscar había ocurrido. Han tenido que llegar las españolas Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas para romper uno de esos hitos vergonzosos que muestran el machismo de la industria del cine. Ellas son el primer equipo enteramente femenino que ha estado nominado en la categoría de Mejor sonido. Un campo históricamente masculinizado en el que ellas están derribando barreras. Si el domingo ganaran serían, evidentemente, las primeras mujeres en hacerlo.

Su trabajo en Sirat es de los que se recuerdan. Lo han convertido en un elemento esencial de la historia diseñada por Oliver Laxe. Es, como se suele decir, un personaje más. Hace años una película jugó esa misma baza, la del uso narrativo del sonido. Fue La zona de interés. Y dio la sorpresa y ganó el Oscar. A priori no son las favoritas, pero hay una sensación de que se puede, de que por qué no van a vencer a películas que han costado 20 veces más que la de Laxe como F1. 

Desde un hotel de Los Ángeles, estas tres españolas atienden a la prensa que ha venido a ver si culminan la hazaña, pero sobre todo a terminar el viaje que ellas mismas reconocen que ha sido “largo”. Hace un año, recuerdan, estaban terminando una película que tenía “más de 700 pistas de sonido” para montar. Casi nada. Se sienten “embriagadas por el entorno y la situación”, pero aun así lo están “disfrutando bastante”. Destacan haber conocido al resto de nominados y compartir cosas en estos “más de dos meses de promoción”. 

Son conscientes de que pueden hacer historia, y “hay algo en eso de ser el primer equipo enteramente femenino que es muy bonito”. “Nos contactan también mujeres que trabajan dentro del gremio de sonido diciéndonos que están muy contentas de que esto haya pasado y que lo están celebrando”, dice Yasmina Praderas. 

Ven el vaso medio lleno. Dicen que “al menos una opción entre cinco tenemos”, pero también piensan que “la película tiene un sonido muy especial, eso sale en todas las conversaciones y genera una energía muy chula, y si a eso le añades que podría ser un hito, pues es una combinación de factores muy especial”, opina Amanda Villavieja. Se quedan “con la energía que gravita estos días”. “Y si al final pasa, pues será una pasada, pero entendemos que es difícil”, añade. 

Tras una de sus primeras visitas a Los Ángeles para promocionar Sirat, Oliver Laxe contaba que Paul Thomas Anderson se le había acercado para preguntar cómo lo habían hecho. El equipo de sonido confirma que ocurre, que los grandes del cine les preguntan cómo han logrado ese sonido que mezcla rave con el cine de aventuras a lo Mad Max. “Preguntan mucho por la secuencia del río”, apunta Laia Casanovas. Uno de los que las ha parado para alabar su trabajo es Michael Minkler, que solo tiene 11 nominaciones a los Oscar y tres estatuillas en su casa por trabajos como Black Hawk Derribado o Chicago. “Hay algo en común. Al final todos hacemos el mismo trabajo, sea con unos recursos o con otros, y tenemos los mismos problemas y disfrutamos de lo mismo. Y hay algo que nos une”, añade Casanovas.

Nos contactan también mujeres que trabajan dentro del gremio de sonido diciéndonos que están muy contentas de que esto haya pasado y que lo están celebrando

Yasmina Praderas — Mezcladora de sonido de 'Sirat'

De momento no ha habido llamadas de Hollywood. Han tomado contactos, han conocido a gente, y entre bromas, Villavieja explica que no se maneja muy bien con las redes sociales, y que fue Laia quien le dijo que actualizara su IMDBpro para poner su contacto, teléfono y mail para que pudieran localizarla. “Me levanté por la noche con el jet lag y pensé, tengo que hacérmelo, y me lo hice al día siguiente. Poco a poco, a ver qué pasa”, cuenta la encargada del sonido directo que empezó su carrera en una de las películas más importantes del cine español reciente, En construcción. 

Todas coinciden en que la mezcla de los mundos diferentes de los que provenían ha sido clave para encontrar la esencia de Sirat, porque al cine de autor de Guerín se le suma el trabajo de Laia Casanovas en el diseño de sonido de filmes como Anacleto o El niño, y el de Yasmina Praderas mezclando títulos como As bestas. “Ha sido un aprendizaje, porque esto me ha implicado tener una escucha mucho más activa del sonido directo, de todo lo que hizo Amanda y analizarlo y ver qué nos podía aportar expresivamente este sonido y cómo realzarlo. Entonces es un proceso creativo un poco distinto y estoy superagradecida. Hemos aprendido muchísimo con la película”, opina Casanovas.

Lo que todas coinciden es que todos los premios y, por supuesto esta nominación al Oscar han dado visibilidad. Nunca pensaron que en el telediario se fuera a hablar del sonido de una película. “Se le ha dado énfasis a la especialidad y hay un público que está reconociendo que también se pueden transmitir emociones a través del sonido, y eso también refuerza a nuestro departamento. Me refiero globalmente, porque de alguna manera todos crecemos con esto y eso es lo más emocionante de todo”, subrayan.

A pesar de la emoción, de lo bonito que ha sido, también saben que es el momento de cerrar el viaje de Sirat. De ponerle un lazo y despedirse de ella. Todas han hecho películas entre medias, y han ido y vuelto a esa rave en medio del desierto para lograr esa hazaña que ha demostrado que tres mujeres pueden hacer uno de los mejores sonidos del año, y quien sabe si ganar un Oscar y hacer historia. 

Si el termómetro de unos premios fuera lo que se habla de las películas, estaba claro que los Goya iban a ser cosa de dos. Los domingos y Sirat han monopolizado las conversaciones cinéfilas todo el año. La película de Oliver Laxe desde que dejó noqueados a todos los espectadores en Cannes, y desde que muchos conocieran la personalidad especial y espiritual de un director sin miedo a mostrarse tal y cómo es. La de Alauda Ruiz de Azúa desde que en San Sebastián provocó los debates más encendidos. Su apuesta austera, de escuchar sin juzgar, e mostrar todos los puntos de vista, demostró que el espectador está dispuesto a que le traten con inteligencia. La Academia de Cine confirmó con sus galardones que esto ha sido cosa de dos. Y quizás cosa de una, porque el arrase de Los domingos en todas las categorías de peso ha sido incontestable.

La historia de una niña de 17 años que provoca un terremoto en su familia con su anuncio de que quiere ser monja ha consagrado a su directora, Alauda Ruiz de Azúa, gracias a los cinco Premios Goya logrados, entre ellos los más importantes: Mejor película, dirección, guion original, actriz protagonista (Patricia López Arnaiz) y actriz de reparto para Nagore Aramburu. Alauda Ruiz de Azúa reivindicó en el escenario no tener miedo, y no tener miedo tampoco a “condenar la barbarie”. “No olvidemos Gaza”, dijo una de las varias ocasiones en las que subió al escenario como la gran triunfadora de la noche. También recordó, ahora que se cuestionan las cuotas en las ayudas al cine, que en 40 años de Goyas, ella es solo la cuarta mujer en ganar este galardón tras Pilar Miró, Isabel Coixet e Icíar Bollaín.

Ante semejante arrase, la rave política y sensorial de Oliver Laxe en Sirat se ha tenido que conformar con los premios técnicos. Eso sí, se llevó seis y acabó como la más galadronada de la noche. Era de esperar de un filme que ha logrado la nominación al Oscar a la Mejor película internacional, pero también la de Mejor sonido y pasar el corte de la Academia de Hollywood con otras cuatro categorías técnicas. El filme acumuló los reconocimientos de Mejor sonido, montaje, banda sonora, dirección de producción, Fotografía y dirección de arte.

Se vuelve a confirmar lo que suele ocurrir con masas de votantes tan amplias, como pasó también con los Feroz este año, y es que el voto por arrastre acaba dejando sensaciones injustas. ¿No hubiera sido más bonito repartir este año?, ¿se podría haber reconocido a Laxe como Mejor director y a Los domingos como Mejor película? O yendo todavía más lejos, que una película como Romería, que compitió por la Palma de Oro en Cannes, se vaya de vacío da que pensar. Pero está claro que el año era de Alauda Ruiz de Azúa, y ante unos galardones tan claros poco hay que rechistar.

La otra gran ganadora de la noche también estaba bastante evidente. Sorda enamoró desde su pase hace más de un año en Berlín, y pocos dudaban ya entonces que sería el debut del año y el más que seguro Goya a la Mejor dirección novel. Eva Libertad hizo buenas las apuestas y se llevó ese Goya, pero al final sumó tres, el de Actor de reparto para Álvaro Cervantes y el de Actriz revelación para Miriam Garlo, hermana de la directora, y que se convierte en nuestra Marlee Matlin, nuestra primera actriz sorda en ganar el premio de la Academia. 

Garlo quiso compartir su premio “con todas las personas con discapacidad, especialmente para la comunidad sorda”. Denunció, como en la película, la violencia obstétrica, y también la “violencia de la no comunicación”. “Sin comunicación somos muebles, un fracaso como sociedad, aprendamos lengua de signos si podemos, y si no, usemos nuestros cuerpos para comunicarnos sin fronteras, sin miedos, sin vergüenzas, porque ningún ser humano es invisible, y ninguna persona sorda es muda. Tenemos identidad propia, y voz propia”, subrayó en uno de los momentos más emocionantes de la noche.

Muchos pensaban que Sorda también se llevaría el de Guion adaptado, pero en una de las pocas sorpresas de la noche el galardón fue para La cena, que adapta la obra de José Luis Alonso de Santos y que hizo que tres veteranos, Manuel Gómez Pereira, Joaquín Oristrell y Yolanda García Serrano, lograran el cabezón. Oristrell habló en nombre de los tres y defendió el poder de la comedia, en esta ocasión para “recordar que Franco fue un dictador y que los dictadores someten a los pueblos a sus caprichos, ya sea una cena, prohibir un idioma, negar la violencia de género o el cambio climático, deportar inmigrantes o montar un resort en Gaza”.

De la sorpresa a uno de los más cantados, el de Mejor actor protagonista para José Ramón Soroiz, que agradeció en euskera y dio gracias por lo feliz que le ha hecho este premio y le dedicó esa felicidad a los “Vicentes del mundo”, en una alusión a su personaje en Maspalomas, un anciano que al volver a la residencia, vuelve al armario de la homofobia y el miedo.

El cine, y los Goya, son políticos

Una gala que estuvo atravesada por el clima político que marcaba la actualidad política. Si en las últimas semanas la derecha mediática, y figuras como Wim Wenders desde la Berlinale planteaban de nuevo el debate sobre si el cine debe ser político y los artistas usar su micrófono para hablar, el cine español dio un paso adelante y volvió a dejar claro que sí. Fue el tema de la alfombra roja, pero es que las referencias estuvieron desde el primer minuto.

Luis Tosar se acordaba que “esta industria siempre ha condenado la violencia, ya sea en Irak, en Ucrania o el Genocidio en Gaza”. Hasta el presidente de la Academia, Fernando Méndez-Leite, que afronta su última gala antes de las próximas elecciones de la institución, se pronunció, algo que normalmente no había hecho: habló del ICE, de Irán, de Gaza… “Ya sé que nosotros no vamos a arreglar esto, pero las noticias no invitan a mirar hacia otro lado”, apuntó con tino.

Por supuesto habló, alto y claro, Susan Sarandon, que un día después de su rueda de prensa donde se emocionó hasta las lágrimas, volvió a alabar a Pedro Sánchez: “Estos días en los que el mundo está tan dominado por la violencia, por la crueldad, miro a mi alrededor y veo a vuestro presidente y a muchos artistas de este país que hablan con tanta lucidez moral. Eso me ayuda, desd donde yo estoy, en medio del caos y de la represión, a sentirme menos sola y a sentir que formo parte de una comunidad mayor”, dijo de nuevo conmovida. 

Y lo hizo el Goya de Honor. Un premio impepinable para un cineasta mayúsculo, Gonzalo Suárez, que hizo un discurso sobresaliente en el que tras acordarse de “ese personaje que juega al golf con nuestro mundo impunemente para meterlo en un agujero”, contó un cuento y ensalzó el poder del cine para contar historias y para contarnos. “Hemos sobrevivido a las cuevas”, dijo y acabó con un irónico: “El bisonte soy yo”. Conciso, bonito y político.

Hasta Albert Serra se contagió del asunto y al recoger su premio al Mejor Documental por Tardes de soledad dijo que en este momento, “en el que lo político choca con la intimidad” él ha hecho una película para “ver cómo se vive desde esa intimidad un tema que no a todo el mundo le gusta”. “Esa es una posición extremadamente peligrosa. Nos dieron un acceso al que ningún político accedería, y en este cruce entre política y verdadera intimidad, asumiendo el riesgo de mostrarla, esta película tiene un poco de verdad”, zanjó al recoger el que es su primer premio de la Academia de Cine.

La victoria de Serra en documental no dejó sin galardón a la otra favorita en esa categoría, Flores para Antonio, que se llevó el de Mejor canción original para Alba Flores y Silvia Pérez Cruz. Flores se acordó, cómo no, de su padre, pero también de su abuelo El Pescaílla, su abuela que le cantaba nanas, y pidió, que en este momento, hiciéramos lo que cantaba su padre, y consiguió que todos entonaran esos versos tan repetidos: “Prometo ver la alegría y escarmentar de la experiencia pero nunca, nunca más usar la violencia”, dijo y terminó con un grito de “¡Viva Palestina Libre!”.

Y como avanzaba a elDiario.es desde la alfombra roja, la actriz y directora argentina Dolores Fonzi tenía un “discurso incendiario” si ganaba el premio a la Mejor película iberoamericana con Belén, filme argentino sobre el aborto. No fue tan incendiario, pero dijo las cosas muy claras hablando “desde el futuro”. “Ustedes tienen tiempo todavía, no caigan en la trampa. La ultraderecha vino a destruirlo todo. Vengo del futuro, de un país que incluso puso en venta el agua. No solo defendemos el cine, defendemos el agua”, agregó. 

Apenas hubo sorpresas en cuanto a los premios, quizás el de Actor revelación, que pocos esperaban que fuera para Antonio ‘Toni’ Fernández Gabarre por dar vida a ese niño de la Cañada Real en Ciudad sin sueño. “¡Qué vivan los Fernandez!”, acertó a decir en un momento tan tierno como sencillo.

Nostalgia y discursos breves

Todo en una gala que se la jugó a una única baza: la nostalgia con motivo del 40 aniversario de los Goya. Y les salió bien. Al gran material documental que se usó con buen gusto (aunque repetido demasiadas veces), se unió la petición de la Academia de abreviar los discursos. Funcionó. No es que fuera una gala corta, pero se rebajó casi media hora respecto a las tres horas y media del año pasado y nunca dio una sensación de estancamiento.

Luis Tosar y Rigoberta Bandina no tuvieron mucha tarea, pero demostraron oficio en lo que les tocó. Hubo destellos de buen gusto, como el Tú mirá con Ángeles Toledano, un coro de niños, y orquesta de cuerda. Un guiño a una de las grandes olvidadas de la ceremonia, Romería, de Carla Simón, que como ocurrió con Alcarrás, se fue de vacío. También fue elegante e inteligente hacer sonar en el In memoriam una versión del Si te vas de Extremoduro, que sirvió como homenaje a otro de los artistas que nos ha dejado este año, Robe Iniesta. A pesar de todo, las actuaciones musicales siguen siendo demasiadas, y la gala hubiera ganado en ritmo con unas cuantas menos. 

Aun así, una gala que cumple, y que sirve como recordatorio de la calidad del cine español de estos 40 años de Goyas y que sirven para mirar al futuro en un año que promete ser, de nuevo, de éxito internacional de nuestras películas. 

En 2006, Albert Serra presentó la que se considera su primera película, Honor de Cavallería. Antes había dirigido, en 2003 y sin estreno comercial, Crespia, pero fue con su siguiente obra cuando llamó la atención de todo el mundo. Llegó al festival de Cannes, a la Quincena de los realizadores. Dos años después repetiría sección con El cant des Ocells; y ya en 2019 ascendería a la sección 'Una cierta mirada', donde logró el Premio Especial del Jurado por Liberté. Tres años después se consagraría con Pacifiction, su primera presencia en la Sección oficial a Concurso del festival más prestigioso del mundo. Las críticas fueron unánimes y hasta estuvo nominado al César a la Mejor película y a la Mejor dirección. 

Por ninguna de esas películas estuvo nominado al Goya. Mientras el resto del mundo se rendía ante el enfant terrible del cine español, la Academia de Cine lo ignoraba una y otra vez. Ni siquiera fue nominado como dirección novel ni en categorías técnicas. Tampoco la increíble fotografía de Artur Tort… Nada. 

Paralelamente, Oliver Laxe comenzaba también su carrera. El gallego debutaría un poco más tarde, en 2010. Lo haría con Todos vosotros sois capitanes, desde el mismo festival, Cannes. En la Quincena de los Realizadores enamoró a la crítica y se llevó el premio Fipresci. La lógica diría que un debut premiado en Cannes lograría, al menos, la nominación a Mejor dirección novel en los Goya. Tampoco. Ni esa ni ninguna otra.

Seis años después presentaría su segundo filme en el mismo certamen. Cambió de sección, y desde la Semana de la Crítica logró el galardón a la Mejor película con Mimosas. El eco de aquel éxito tampoco llegó a la Academia de Cine de España. Cero nominaciones. La suerte de Laxe cambió antes que la de Serra. Con O que arde, en 2019 —donde coincidió con el director catalán— ganó el Premio del Jurado. Esta vez, sí. Esta vez los Goya quedaron conquistados por Benedicta, y la historia de este pirómano que regresa al pueblo logró cuatro nominaciones a los Goya, entre ellas Mejor película y Mejor dirección. Ganó dos: fotografía para Mauro Herce y Actriz revelación para Benedicta Sánchez.

En la edición de 2026, ambos se encuentran en un escenario donde pocos pensaban que se encontrarían, los de unos premios que suelen reconocer un cine más convencional. Sin embargo, la apertura de la Academia ha hecho que en esta ocasión Albert Serra y Oliver Laxe compitan por el Goya a la Mejor dirección. El primero, además, por un documental, Tardes de soledad, su mirada a la tauromaquia con la que ganó la Concha de Oro de San Sebastián. El segundo con Sirat, Premio del jurado en la Sección Oficial de Cannes y nominada al Oscar a la Mejor película internacional.

En 20 años, ambos han pasado de los márgenes, de ser considerados francotiradores fuera de la industria, dos hijos de Cannes olvidados por su país, a estar nominados en los premios de la industria del cine español. Los Goya han ensanchado sus márgenes y, por suerte, ahora entran otras propuestas. 

No quiero estar en ningún saco. No tengo ni maestros, no quiero formar parte de ningún sitio, ni de ningún club, ni de ningún éxito, ni de nada que no sea yo mismo. Solo

Albert Serra — Cineasta

En los pasados premios del cine europeo, Serra y Laxe ya se vieron las caras. Ambos atendieron a la prensa española, por separado, y se les preguntó si pensaban que esa conjunción de ambos nominados significaba algo. Para Serra ambos son fenómenos “que no se pueden comparar” y pedía que no le metieran en ningún saco o grupo. “Yo no voy con nadie más. No me metas en el saco de otras personas que hacen cosas que no tienen nada que ver con las mías. Yo no he visto esta película [Sirat]. Yo voy solo. Llevo mucho tiempo solo. Estoy muy bien donde estoy. No molesto a nadie, y que no me molestan a mí porque yo no me quiero meter en ningún saco de nadie más. No tengo ni maestros, no quiero formar parte de ningún sitio, ni de ningún club, ni de ningún éxito, ni de nada que no sea yo mismo solo. Yo no quiero ser un fan de Scorsese, ni amigo de Scorsese ni amigo de nadie”, decía con su habitual ironía.

Aun así, reconoce que esas películas, “sin haberlas visto, al menos son películas”, y pide que no le hagan decir títulos españoles que no lo son porque le llevaría todo el día. Cree que sí que hay algo en común entre ambas películas, y es “la experiencia”. “Esto es lo que la gente quiere, aunque sea una experiencia con la que yo no estoy de acuerdo, que a mí no me gusta o no me interesa, pero una experiencia diferente de la que habitualmente tienes. Para eso se inventó el cine. La pantalla grande. El acontecimiento. Y si es tan fácil, ¿por qué no lo hacen las plataformas? Pues porque esto requiere un tipo de predisposición del espectador diferente, y claro, allí están obsesionados en que no te distraigas, que estés todo el rato consumiendo”, zanja. 

Laxe cree que este éxito de ambos no es algo “de personas en concreto”, sino que lo ve “algo más generacional”. “Había una manera de hacer cine en España muy clara y se ha complejizado. El ecosistema del cine español es mucho más diverso, hay voces más diversas, y eso es un síntoma de madurez. Es bonito tener el respeto de la gente, que ve que hacemos películas, que las hacemos bien y, sobre todo, que son coherentes con nosotros. Son películas donde yo nos veo a todos. Te pueden gustar más o menos algunas películas de los compañeros, pero todas son honestas y eso es importante”, explica el gallego.

Se refiere a la cosecha de este año, donde casi todas las novedades tienen un perfil de cine medio adulto o de autor. Casi todas, además, han estado en un festival internacional. Para Laxe, eso es porque “estamos en un momento en el que la gente y la industria está cansada de las mismas pelis”. Por eso, y cita a Thierry Frémaux, director del Festival de Cannes, los filmes deben convertirse en “eventos, experiencias que hagan recordar que el cine es un sitio de transformación, de catarsis”.

Por ello nunca ha creído “en la dialéctica de cine de autor y cine comercial”. “Sobre todo porque el mal llamado comercial tampoco era un cine tan comercial. Y mucho cine de autor muchas veces no tiene alma o está hecho desde el cálculo y es predecible. Lo que queremos es compartir películas, que se vean. Hacer una película es demencial, te lleva a tus límites, es muy duro. Yo creo que desde hace tres años habré estado muy poco en casa. Entre el rodaje, la postproducción y la exhibición. Entonces, tu trabajo tiene que servir”, puntualiza, dando a entender que sus compañeros, junto a él, lo han logrado.

Pocas herramientas testifican el momento presente mejor que el arte. El cine no es ajeno a ello, a pesar de que los tiempos de financiación y producción suelen provocar un desacompasamiento entre el instante de germinación de la idea y el de estreno de la pieza. Pero, otras veces, ocurre lo contrario. En ocasiones, las películas que se estrenan parecen dialogar de manera directa con la inmediata realidad política. Y la que hoy nos toca parece guionizada por Donald Trump. El tema estrella ya lo conocen: agitación de la llama de un nacionalismo que se creía en decadencia y nuevas muestras de imperialismo. 

El caso es que de manera (quizás) involuntaria el cine español ha reaccionado a ello. Un repaso general por las películas más destacas del 2025 nos pone delante de los ojos una ruptura con los moldes patrios. Conviene mirar bien. El análisis fílmico desde los estudios transnacionales y desde la crítica al nacionalismo parece en desuso, opacada por otras preocupaciones de mayor debate social. Sin embargo, mirar desde ese lugar puede albergar pistas significativas de aquello que late en una industria. De los intereses de quienes crean. De eso tan propio de la crítica cinematográfica denominado “mirada”.

Pues bien, esta mirada, la de 2025 (ahora en fase de galas y premios en 2026), parece traspasar las fronteras como si estas fueran invisibles. Ineficaces en algunos casos. Directamente imposibles en otros. Me estoy refiriendo, como es obvio, a las fronteras nacionales, a los marcos estrictos de los Estados-Nación ante los que el cine tiende a subordinarse y, qué fortuna, a veces también a rebelarse. Un cine como medicina a la obsesión global por “nacionalizar” al otro.

Conviene comenzar por Sirât, probablemente la obra que nos traslada a un paisaje menos evidente. Puede que el espacio más opuesto al del occidente actual. El territorio de la película es, antes que ninguna otra cosa, un poderoso no lugar en el que personajes de distintas nacionalidades permanecen a la deriva. La patria de Sirât podríamos decir que es una no patria. Una quinta portuguesa ya anuncia en el título que España se le queda corta. En otro género y con otras intenciones, Avelina Prat tiene en el desmembramiento de la identidad nacional una clave poderosa de su cine. Algo así como lo que Coixet ha desarrollado en distintos títulos a lo largo de su carrera.

Molt lluny nos transporta a una Holanda convertida en espacio de exilio de una realidad asfixiante para ese protagonista interpretado por Mario Casas. El marco de procedencia no es satisfactorio y busca un país donde poder desarrollarse laboralmente y, sobre todo, identitariamente. Curiosamente, también a Holanda se había marchado el hijo de Ricardo Darín en Truman, de Cesc Gay, interpretado por Oriol Pla, aunque de eso hace ya once años. Ahora, Nora Navas competirá por el premio a mejor actriz por su trabajo en la nueva película del director, Mi amiga Eva, que arranca en Roma para retratar cómo las relaciones laborales pueden ser internacionales, pero las amorosas tienen esencia transnacional. Ninguna frontera puede contener el deseo. Barcelona, Roma, o un recorrido por el Danubio, como en el caso de Estrany riu, película donde ese deseo fluye a través de ese río que tiene precisamente su gran identidad en el carácter transnacional. Surca distintos países, ninguno puede poseerlo. El agua no puede tener nacionalidad. Es mero tránsito. Movimiento. 

Pero también se viaja para permanecer estáticos. Para no moverse. Eso ocurre en El cautivo. Una prisión en otro continente se transforma en diáspora. Y, por otro lado, termina por convertirse en germen de la genialidad literaria. La cárcel no es capaz de colocarle fronteras al pensamiento. Tampoco la nación. El castellano sigue siendo el mismo idioma se hable en un pueblo castellano o en una celda de Argel.

Conviene recordar que el hecho de rodar en distintos países no implica ofrecer un discurso transnacional. El ejemplo más evidente es Un fantasma en la batalla, en la que el paso del Estado español al francés tiene que ver, precisamente, con diferentes atributos, intensidades y vigores que esos dos sistemas judiciales y policiales aplican sobre los miembros de ETA de la película. En la obra dirigida por Agustín Díaz Yanes cruzar la frontera evidencia la rigidez de los Estados del pasado. 

Otras veces, el territorio en el que se difumina la nación resulta ser el cuerpo. Pongamos de ejemplo a Delia, taxista chilena que interpreta Antonia Zegers en Los tortuga y que nos recuerda que tras unos (tortuga) vendrán otros. Que el mundo es diáspora. Que a exilios viejos les suceden migraciones nuevas y viceversa. Precisamente desde lejos, desde el exilio obligado, llegan las cartas imposibles que recibe Ana (Loreto Mauleón) en La buena letra. 

Los paralelismos pueden resultar forzosos en películas que poco tienen que ver entre ellas. O puede que, sin pretenderlo, se parezcan más de lo que creamos. Porque todas comparten, al menos, haber sido estrenadas en la misma temporada. Y todas coinciden también en convivir con un contexto internacional concreto. En años anteriores ya se venía dando un muestrario cada vez más amplio de cine transnacional. Upon entry, Un año una noche, la primera película en inglés de Almodóvar o los personajes franceses de As bestas. Isaki Lacuesta, Almodóvar, Coixet, Albert Serra o Sorogoyen muestran una coincidencia que los conecta: su cine no ha cabido en un solo idioma ni en el marco estatal que los toca.

Es conveniente finalizar el artículo mencionando el estreno de Tres adioses, de Isabel Coixet, que ya había pasado por el Festival Internacional de Cine de Toronto el año pasado. La película nos traslada a Italia. Pocas directoras han hecho de su carrera un alegato de la multiculturalidad más sólido y evidente. Su filmografía es de un sitio y de muchos. Es Barcelona, Roma, Tokio o una plataforma petrolífera en el medio del mar. A pertenencias uniformes, arte inclasificable. A nacionalismo estanco, cine sin fronteras.

Es uno de los nombres del momento en el cine español, sobre todo desde que en el pasado Festival de Cannes recibiera el Premio del Jurado su película ‘Sirat’ y con una trayectoria que le ha llevado a ser una de las nominadas para la próxima edición de los premios Oscar a Mejor película internacional y también en la categoría de Mejor Sonido.

Pero antes de todo esto, en la vida del director Oliver Laxe estuvo el baloncesto, en concreto cuando formó parte del equipo junior del Basquet Coruña y en el que apuntaba maneras, tanto que podría haber hecho carrera como profesional en este deporte.

El director de cine, nacido en París, pero de familia gallega, era uno de los jugadores que “podrían haber llegado al primer equipo” afirma Javier Codesido, quien fuera entrenador suyo en la cantera, en declaraciones al medio Dxt Campeón de El Ideal Gallego en un reportaje de Chaly Novo.

Codesido también describe al Oliver Laxe como jugador de baloncesto y asegura que “tenía un físico privilegiado” con sus dos metros de altura, de hecho, también cuenta una anécdota en la que el entrenador Víctor Lapeña le llegó a preguntar de dónde lo había sacado porque “su superioridad era terrible”.

 “Era un jugador durísimo; en los entrenamientos daba hostias como pianos. En aquel momento y contexto, era un tío que se movía rapidísimo, que tenía unos muelles tremendos... Es cierto que después de junior se quedó pequeño para jugar de pívot, porque tenía un rango de tiro algo corto, la media distancia esta que ha desaparecido ahora; y de tres no le apuntaba a un piano. Pero, claro, estamos hablando del baloncesto del año 2000, aunque con dos metros y esa capacidad física era un tío muy difícil de defender”, continúa el que fuera uno de sus entrenadores en la cantera.

El baloncesto, sin embargo, evolucionó y en él jugadores como era entonces Oliver Laxe lo comenzaron a tener difícil, por lo que unido a que no era apasionado de este deporte lo llevó a escoger otros caminos. En eso apareció el cine tras formarse en Comunicación Audiovisual.

El baloncesto también formó parte de la vida de Yorgos Lanthimos

Este pasado desconocido del director español coincide con otro que también tiene película entre las nominadas a los Premios Oscar 2026 como es Yorgos Lanthimos, que participa con ‘Bugonia’ en esta ocasión, aunque no ha sido nominado como mejor director. Y es que el griego llegó a jugar en la Primera división de la liga de su país, siendo además hijo de Antonis Lanthimos, internacional en la década de 1970.

Fue durante la temporada 91-92 cuando Yorgos Lanthimos disputó tres partidos en la primera división de baloncesto griego con el Pagkrati BC, y promedió 7 puntos y 5 rebotes. Esto se debió a que entonces se daba una huelga de jugadores y su amor por el deporte le llevó a unirse a este equipo que necesitaba de forma temporal integrantes en su plantilla.

La película española Sirāt, de Oliver Laxe ha sido nominadas a los premios BAFTA, los más importantes del cine británico, y optarán a la máscara dorada en la categoría de mejor película en lengua no inglesa, según anunció este martes la Academia Británica de Cine y Televisión. La cinta del cineasta franco-gallego competirá con la brasileña El agente secreto, de Kleber Mendonça Filho; con Valor Sentimental, de Joachim Trier; La voz de Hind, de Kaouther Ben Hania, y Un simple accidente, de Jafar Panahi.

Escrita y dirigida por Laxe, Sirat continúa acumulando reconocimiento internacional, tras lograr dos nominaciones a los Óscar, con una historia que se adentra en el desierto de Marruecos para seguir la desesperada búsqueda de un padre, Luis (Sergi López), y su hijo menor, Esteban (Bruno Núñez), por encontrar a Mar, su hija y hermana mayor, que desapareció hace meses en una 'rave' ilegal en la montaña.

Sirāt logró afianzar una de las dos nominaciones a las que optaba en esta 79 edición de los BAFTA, pues también había sido preseleccionada para la categoría de mejor 'casting', pero finalmente ha caído de la lista final. Ambientada en las inmensidades del desierto marroquí, el reparto está compuesto en su mayoría por actores no profesionales. Una reflexión sobre la muerte que es una experiencia inmersiva y radical que desafía las convenciones narrativas.

Los actores británicos Aimee Lou Wood ('The White Lotus') y David Jonsson ('Industry') fueron los encargados de anunciar las nominaciones en una ceremonia celebrada este martes en la sede de BAFTA, en el centro de Londres y en donde los favoritos a los Oscar han repetido. Una batalla tras otra, Sinners, Hamnet, Valor Sentimental y Marty Supreme optan al premio a la Mejor película del año que se dará en la ceremonia de entrega, presentada por primera vez por el actor y presentador escocés Alan Cumming, que tendrá lugar el próximo 22 de febrero en el Royal Festival Hall de Londres.

Era la película que optaba a más galardones y ha sido la gran triunfadora de la noche: Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, ha arrasado en los Premios Feroz alzándose con hasta cinco estatuillas. La cinta protagonizada por una joven que se plantea abrazar la vida de monja de clausura ha sido coronada como la mejor película dramática del año, perfilándose así como la gran favorita a los próximos Goya e imponiéndose al otro gran título de la temporada, Sirât. La propuesta de Oliver Laxe, que acaba de celebrar dos nominaciones a los Oscar, se ha tenido que conformar con dos galardones que saben a poco tras su éxito internacional.

Presentada por Petra Martínez, Samantha Hudson, Elisabet Casanovas y Antonio Durán 'Morris', la gala celebrada este sábado en Pontevedra ha vuelto a reconocer lo mejor de la industria audiovisual del país, elegido por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España. Lo ha hecho, además, reivindicando la diversidad, poniendo en el foco los derechos laborales y la huelga general de los actores de 1975, y sin pasar por alto la denuncia de dos extrabajadoras de las mansiones de Julio Iglesias, que han acusado al cantante de agresiones sexuales.

María Guerra, directora de la AICE, ha defendido la importancia del periodismo en “estos tiempos digitales” donde la lucha reside en “señalar los bulos, la desinformación”: “El periodismo real ni difama ni adula. Nosotras no linchamos, informamos. Este es un oficio que requiere dinero para que las periodistas investiguen casos como el de las acusaciones de abuso sexual de dos exempleadas de Julio Iglesias, una investigación que llevan años haciendo elDiario.es y Univision y que renueva el compromiso del periodismo contra el abuso de poder”.

“Este foco mediático tan potente no os atañe solo a vosotros”, ha comunicado Guerra a los cineastas y actores nominados, resaltando que se trata de una comunidad que sirve como “reflejo de toda la sociedad”. “Lo que pasa aquí también pasa fuera, y nosotras y nosotros, en la AICE, siempre estamos del lado de las víctimas”, ha sentenciado. Por su parte, Elisabet Casanovas también ha aprovechado la ceremonia para condenar la violencia. “Qué ganas tengo de que películas que cuentan historias sobre abusos sexuales solo formen parte de la ficción”, ha sostenido la presentadora.

Asimismo, Secun de la Rosa ha dedicado su Premio Feroz a Mejor actor secundario por Superestar a Leonardo Dantés, el artista al que ha interpretado en la serie: “Es un personaje al que se le tuvo tanto prejuicio en su momento, y que luego ha sabido envejecer tan bien, que me encantaría que hubiera tantos cantantes y artistas que en su momento se les valorara tanto que hoy también hubieran sabido crecer y no fueran estos personajes en los que se han convertido”.

Alauda Ruiz de Azúa, la gran protagonista de la noche gracias al arrase de Los domingos, ha destacado el trabajo de los informadores de cine y ha insistido en la necesidad de que la gente siga asistiendo a las salas. “Como estoy convencida de que esta gala la están viendo millones de personas, me gustaría pedirles que vayan a las salas de cine. Y, si no podéis ir a las salas, no las veáis a doble velocidad, porque las películas se pueden acelerar, pero las personas no podemos sentir en reproducción rápida. El cine es sentir y sentir necesita el tiempo de lo humano”, ha enfatizado la directora. “En esta época en la que vivimos, en la que hay mucho ruido, se siente muy bien formar parte de esta comunidad de informadores que siguen apostando por las historias, por mirar a otros y entenderlos”, ha concluido.

Precisamente por su papel en Los domingos, la estatuilla a la Mejor actriz protagonista ha ido a parar a las manos de Patricia López Arnaiz, quien ha centrado su discurso en la vulnerabilidad de los niños. “Me gusta pensar en la idea de que, dentro de toda la multitud de gente que ha visto la película, haya aunque sea una persona que haya tenido la valentía y el amor para poder ver sus propias dinámicas de maltrato hacia algún menor”, ha alegado la intérprete, agregando que “ojalá que esa criatura tenga la oportunidad de ser acompañada sin ser manipulada y teniendo el espacio para poder ser sí misma”.

Por otro lado, Jose Ramon Soroiz se ha llevado el premio al Mejor actor protagonista por Maspalomas, una película producida en Euskadi que visibiliza la situación que viven muchas personas mayores al ingresar en una residencia y verse obligadas a ocultar su homosexualidad. “Quiero dedicar este premio a todos los Vicentes del mundo. Deseo que encontréis vuestro sitio”, ha indicado, agradeciendo a la prensa “por este regalo” y acordándose del resto de nominados. “Lo siento por ellos, pero es que estoy de racha”, ha bromeado tras felicitarlos. Su compañero Kandido Uranga también ha dado la sorpresa llevándose el galardón al Mejor actor de reparto, que lo ha recibido emocionado y acompañado por Petra Martínez.

Oliver Laxe, por su parte, ha recogido el premio a Mejor sonido logrado por Sirât, una de las categorías en las que la película también opta al Oscar, momento en el que ha reconocido a todos aquellos que se dedican a la parte más técnica del cine. La cinta, al igual que Maspalomas, optaba a siete galardones, aunque se ha conformado con dos tras el fenómeno de Los domingos. Sin embargo, antes de que Laxe recogiera el galardón a Mejor sonido, el Coro del IES Xunqueira ha irrumpido en el escenario para dedicar una emotiva actuación a Yurena, nominada por Superestar, versionando su canción Yo Cambié.

En cuanto a la mejor película de comedia, La cena ha sido la cinta que se ha hecho con el codiciado trofeo, mientras que Yakarta ha sido la ganadora en la categoría de Mejor serie dramática en tanto que Poquita fe ha hecho lo propio en la categoría de Mejor serie de comedia. Uno de los discursos más potentes de la noche se lo ha adjudicado Julia de Castro, que ha sido galardonada con el Feroz a la Mejor actriz de reparto por su papel en Poquita fe, manifestando que “hay que erotizar la bondad”.

“La bondad es algo muy importante. Me gustaría hacer un llamamiento a no normalizar la violencia verbal en redes, en prensa, en grupos de WhatsApp. Hay mucha más gente buena, pero hacemos menos ruido”, ha declarado con convicción Julia de Castro, agradeciendo a su familia por haberla “educado en la tolerancia, en entender que personas que no piensan como nosotros son importantes”.

La ceremonia también ha celebrado las cinco décadas de trayectoria de la actriz Marta Fernández-Muro, quien ha sido honrada con el Feroz de Honor tras haber trabajado con directores como Fernando Colomo, Iván Zulueta o Pedro Almodóvar. “He oído decir a muchos actores que han recibido estos premios antes que yo que les parece que todo esto fue ayer, que se les ha hecho muy corto. A mí me pasa lo contrario, que me parece que mi carrera se me ha hecho larguísima”, ha señalado la actriz, que ha sostenido que ha tenido “la dicha de trabajar con actores grandísimos” de los que aprendió “no solo el oficio, también la manera de estar en este mundo tan variable y tan loco a veces de la interpretación”.

Sirat, de Oliver Laxe, ha logrado dos nominaciones a los Oscar. El filme español ha conseguido colarse en la competida categoría de Mejor película internacional y en la de Mejor sonido, donde Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas se convirtieron en el primer equipo completamente femenino que logra la nominación. Sirat culmina así una carrera que comenzó el pasado mayo en Cannes, donde sorprendió a todos y logró hacerse con el Premio del jurado. Desde ahí todo han sido éxitos que pocos esperaban para un filme tan autoral. Su éxito en taquilla, sus cinco Premios del Cine Europeo, las 11 nominaciones a los Goya, y ahora, esas dos candidaturas a los premios de la Academia de Hollywood, el mismo número que lograran antes Hable con ella, Madres paralelas y Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar —uno de los productores de Sirat—, La sociedad de la nieve o Mar adentro. 

Desde que el filme de Laxe pasara el primer corte de la Academia de Hollywood hasta en cinco categorías se especuló sobre la fuerza de una película que no deja indiferente a nadie. Finalmente ha conseguido materializar dos. Lo hace, además, en un año complicado debido a la fuerza del cine de fuera de EEUU, que ha sacudido al cine de Hollywood. 

De hecho, dos de sus rivales en la categoría de Mejor película internacional optan al premio al Mejor filme del año. Se trata de Valor sentimental, de Joaquim Trier; y El agente secreto, de Kleber Mendoça Filho. Esto hace que su victoria en esa categoría sea casi imposible, pero también refleja lo importante que era entrar en ese quinteto que ha completado Jafar Panahi con Un simpe accidente y la película tunecina La voz de Hind, sobre el asesinato de la niña palestina Hind Rajab por parte del ejército israelí. 

El equipo de Laxe invitó a la prensa a vivir el anuncio de las nominaciones junto a ellos y el equipo del filme en un acto en el espacio Movistar, productores de la película. Un evento que comenzó con la música de Kanding Ray, y que vivió momentos de tensión cuando las primeras opciones del filme no se materializaron. Cuando no lograron entrar en el quinteto de Casting ni Banda sonora hubo tensión, pero pronto se recuperó al anunciarse que sí estaba en las dos donde era más favorito. Un éxito para un cine radical, de autor, arriesgado y que coloca la mirada de Laxe en el foco del cine mundial. Quien no tuvo suerte fue el corto animado El fantasma de la quinta, que pasó el primer corte, pero, finalmente, no logró la nominación.

A pesar de la presencia de dos películas internacionales entre las diez finalistas a Mejor película, la Academia volvió a demostrar que es más conservadora de lo que pretende aparentar. Así se desprende de incluir una película como F1 en vez de Un simple accidente o Sirat. A F1 le acompañan en la categoría reina las dos favoritas, Los pecadores, que ha reventado todos los récords posibles con 16 nominaciones y se convierte en la más nominada de la historia, y Una batalla tras otra, con 13. Ambas han arrasado con todo. Completan la lista Valor sentimental, Marty Supreme, Hamnet, El agente secreto, Sueños de trenes, Frankenstein y Bugonia.

También se nota en la categoría de mejor dirección, donde solo un director internacional entra en el quinteto finalista. Se trata del noruego Joachim Trier, que ha enamorado a Hollywood con su drama bergmaniano. Pero, de nuevo, ni Panahi ni Kleber Mendoça Filho se colaron. Junto al europeo está el favorito Paul Thomas Anderson, por Una batalla tras otra; Ryan Coogler, con Los pecadores; Josh Safdie, por Marty Supreme y Chloe Zhao, la unica mujer del quinteto por su hermosa adaptación de Hamnet, la novela de Maggie O'Farrell.

A Los pecadores no se le escapó ninguna de las posibilidades que tenía, y si algunos ya especulaban con que podría tener 15 y romper el récord de Titanic, La La Land y Eva al desnudo (que se habían quedado en 14), la película de Coogler dio un golpe en la mesa y decidió que mejor 16. La que pocos esperaban es la de Delroy Lindo como actor de reparto, que unida a las de Michael B. Jordan como protagonista y Wunni Mosaku como actriz de reparto.

Michael B. Jordan se enfrentará a los dos favoritos, el Timothee Chalamet de Marty Supreme y el Leonardo DiCaprio de Una batalla tras otra. También a las dos agradables y merecidas presencias de Wagner Moura por El agente secreto y Ethan Hawke, por Blue Moon. Delroy Lindo poco tiene que hacer frente a la dupla de Una batalla tras otra, Benicio del Toro y Sean Penn, ambos nominados, Stellan Skarsgard, por Valor Sentimental y Jacob Elordi, por el Frankenstein de Guillermo del Toro. Mosaku también tiene como rivales otra dupla, la de Valor Sentimental. Elle Fanning y Inga Ibsdotter Lilleas lograron entrar en un quinteto que completan Amy Madigan, por la icónica Tía Gladys de Weapons y Teyana Taylor, por Una batalla tras otra.

El arrase de las películas de Coogler y Anderson dejaron, a pesar de todo, bastante hueco para otras opciones. Tanto Frankenstein, como Valor Sentimental, como Marty Supreme llegaron a las 9 nominaciones, mientras que Hamnet se quedó con 8 (se quedó sin la de Paul Mescal como actor de reparto). Tras ellas se colocó Bugonia, de Yorgos Lanthimos, con cuatro candidaturas. Otro éxito para el director griego, que vuelve a colocar una obra de las suyas entre las nominadas a Mejor película.

Hubo algo de espacio para las sorpresas, como la de Kate Hudson, que entró en las nominaciones de Mejor actriz por Song Sung Blue y dejó fuera a Chase Infiniti, la joven protagonista de Una batalla tras otra, que se quedó a las puertas de un quinteto que completa Emma Stone, por Bugonia; Rose Byrne, por Si pudiera te daría una patada; Renate Reinsve, por Valor Sentimental y la gran favorita, Jessie Buckley por Hamnet.

Una celebración en directo

Tras compartir el acto con la prensa, Oliver Laxe realizó una pequeña rueda de prensa con los asistentes para valorar las nominaciones. Subrayó que hubiera pasado lo que hubiera pasado, incluso que no hubieran logrado ninguna, no pasaba nada. “Lo que queremos es el suspense, siempre. Espero que hayáis disfrutado”, dijo antes de agradecer a todo su equipo, y extender la celebración “a todo el cine español”.

“Somos una representación y sinónimo de que se están haciendo muy bien las cosas a muchos niveles. Yo creo que hay mucha madurez y se está reconociendo fuera, hay mucha diversidad. Es un ecosistema muy variado, con voces muy diferentes y ojalá que todos nuestros compañeros y compañeras consideren esto un éxito, porque lo es”, añadió.

Somos una representación y sinónimo de que se están haciendo muy bien las cosas a muchos niveles. Yo creo que hay mucha madurez y se está reconociendo fuera

Oliver Laxe — Cineasta

Laxe se mostraba “tranquilo”. Sin “nada que perder”. “No hacemos las pelis para esto, y por eso estamos disfrutando tanto. Por eso estamos tan agradecidos. Es totalmente inesperado”, subrayó. Lo que más ilusión le hace no es la gala, sino “la gente”. “No tanto de la industria del cine, me refiero a mis vecinos, a mi familia, que se van a ilusionar”, confesaba todavía con la emoción en el cuerpo.

Es consciente de que estas nominaciones implican, además, una exposición extra muy necesaria para la película en un momento en el que se va a estrenar en EEUU: “Sabemos lo difícil que es y venimos de ahí, no. Por tanto, no nos proyectamos más. Estar allí es visibilizar nuestro trabajo, visibiliza el cine español, y eso ya es un éxito. Sirat es una película que no hace rehenes, es una película radical, audaz, y que haya llegado tiene muchísimo mérito”, dijo e hizo hincapié en la nominación de sonido, que calificó de “proeza”. “¿Sabéis el presupuesto que tiene las pelis contra las que competimos? Pues estas tres artesanas, con esfuerzo, sacrificio, dedicación y talento está compitiendo con esos dinosaurios. Pero ya se sabe, los pequeños mamíferos sobreviven a los dinosaurios”, zanjó.

Los Premios del Cine Europeo cambiaron este año su habitual fecha de entrega, en el puente de diciembre, para moverse a enero. La idea es entrar en la temporada de premios y no alejarse tanto de ella. Colocar en el foco la o las películas europeas que suenan para los Oscar —que este año se anuncian el jueves 22— y aprovechar las giras mundiales de los directores para poder traer a todos a la ceremonia. La idea salió bien. 

Por la alfombra roja pasaron todos los nominados en un año en el que, además, todos ellos suenan para los premios de la Academia de Hollywood: Joachim Trier, Jafar Panahi y Oliver Laxe, el director español que entraba en el auditorio con el récord de nominaciones para Sirat. Nueve posibilidades de las que acabó materializando cinco, todos y cada uno de los apartados técnicos donde no tuvo rival y que pueden ser un buen augurio de lo que puede pasar el jueves. Fotografía, montaje, casting, diseño de producción y sonido. Era la primera vez que las categorías técnicas tenían nominados y se entregaban en la ceremonia. Y en esa primera ocasión la película española pone el listón muy arriba.

Sin embargo, y en su línea habitual, los Premios del Cine Europeo decidieron concentrar en una película todos los premios importantes. Si en los años anteriores había ocurrido con Emilia Pérez o Anatomía de una caída, esta vez ha sido la película noruega Valor sentimental la que lo ha hecho. El filme de Joachim Trier sumó uno más, seis premios: Película, dirección, guion, actor para Stellan Skarsgard y actriz para Renate Reinsve, además del de mejor banda sonora. De nuevo, puede ser una premonición de lo que ocurra en las nominaciones de los Oscar donde Valor Sentimental llega colocada con mucha fuerza. Trier destacó que “el otro no es el enemigo” y que nos urge crear “empatía” en estos momentos. “Hay que mantener el cine vivo”, culminó.

Entre las dos películas se llevaron once de los galardones, dejando para el resto nada más que la pedrea. Menos suerte tuvieron las otras dos películas españolas nominadas. Tardes de soledad, la película de Albert Serra sobre la tauromaquia no logró el de Mejor documental, que se llevó Fiume o Morte!, de Igor Bezinović; y la película animada Olivia y el terremoto invisible, de Irene Iborra, no pudo dar la sorpresa frente a la favorita, la francesa Arco.

La mañana de los premios, la presidenta de la Academia, la actriz francesa Juliette Binoche, anunciaba que sería una gala política, ya que el cine no puede esconderse de lo que ocurre en el mundo. Acertó. Quedó claro cuando la gala, que fue comisionada por el cineasta Mark Cousins, abrió dándole la palabra al cineasta iraní Jafar Panahi —que se fue de vacío con Un simple accidente—, condenado por el régimen y que deberá entrar en prisión cuando vuelva a su país.

Panahi denuncio la violencia y la masacre que ha sufrido su tierra, pero dejó un mensaje de advertencia para todos: “Esto no trata solo de Irán, sino que todo el mundo está en riesgo. La violencia se ha normalizado, se extiende, se contagia. Nadie esta salvo. Ni en Irán ni en el resto del mundo. Por eso nuestra tarea como cineastas es más complicada y difícil que nunca. Si estamos decepcionados con nuestros políticos debemos hablar, porque el silencio en tiempos de crímenes no es neutralidad, sino contribuir a la oscuridad”. 

Política, como su película, fue la portuguesa Laura Carrera, que ganó el premio al descubrimiento del año por la excelente On falling, una mirada a las empresas tipo Amazon y la alienación y explotación de sus trabajadores. Por ello remarcó al ganar el galardón que su obra hablaba de “un mundo deshumanizado por la expansión del capitalismo”.

Uno de los momentos más emotivos de la gala fue el premio de honor para Liv Ullmann, emocionada y que comenzaba diciendo que si temblaba no era “por los nervios, sino por la edad”. Ullmann tampoco pasó la oportunidad de hacer un discurso sobre el complejo momento que pasa en el mundo. “Lo que está pasando ahora está fuera de nuestra comprensión. Soy Noruega, le hemos dado el premio Nobel a alguien, ¿y ahora se lo da a otra persona? Soy noruega, tenemos normas, y si vas a despreciar el Nobel, deberíamos quitártelo”, dijo Ullmann refiriéndose a María Corina Machado.

Concluyó subrayando la importancia del cine: “La gente nos verá en las películas y entenderá quienes somos y verá que estamos todos juntos, en el mundo”. Un discurso que emocionó al otro premio honorífico, el de Alice Rohrwacher, que agradeció a Ullmann sus palabras y apuntó al cine como una forma de imaginar alternativas ante lo que viene. “El único futuro que parece que vamos a recibir es la guerra y las armas”, dijo la directora de filmes como Lazzaro Feliz o La quimera.

Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, y Sirat, de Oliver Laxe, han cumplido con todas las apuestas y han dominado las nominaciones a los Goya. Ambas han sido las dos películas más mencionadas en la lectura de las candidaturas que han realizado Toni Acosta y Arturo Valls. Son las dos películas que más debate han provocado el pasado curso, además de dos éxitos en la taquilla, y ahora llegan como claras favoritas tanto en número de nominaciones como por el músculo que han demostrado en todos los premios. Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13, mientras que Sirat le sigue en la cuenta con 11.

Se verán las caras en las principales categorías: película, dirección y guion original, además de en un buen puñado de los apartados técnicos. Completando el quinteto de nominados se encuentra la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad —que logró 7 nominaciones—; Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi —que amasó 9— y La cena, de Manuel Gómez Pereira, que terminó con 8.

Aquí llegó una de las grandes sorpresas de la tarde, aunque una que se venía barruntando desde hace meses. La quinta plaza de Mejor película fue para la comedia antifranquista, un éxito en taquilla, dejando fuera del quinteto a Romería, de Carla Simón, que se conformó con la nominación de Mejor dirección y guion adaptado, pero que por primera vez se queda fuera de la categoría reina. Al final fueron solo seis para el filme de Simón, que estuvo en la Sección Oficial de Cannes.

La categoría de Mejor dirección tenía guardada otra de las sorpresas. Solo tres de las películas nominadas a Mejor película repiten en la categoría de Mejor dirección. Sorda no podía al ser una dirección novel, y La cena no logró dar la campanada. Al final, esas dos plazas fueron para la ya citada Carla Simón y para Albert Serra, que por Tardes de soledad logró también la nominación a Mejor documental. Junto a ellos: Alauda Ruiz de Azúa, por Los domingos; Oliver Laxe, por Sirat, y Aitor Arregi y Josemari Goenaga, por Maspalomas.

Otra de las nominaciones donde hubo giro final fue en la de mejor actor. Cuatro de los favoritos cumplieron con las apuestas: Mario Casas, por Muy lejos; Jose Ramón Soroiz, por Maspalomas; Miguel Garcés, por Los domingos, y Alberto San Juan, por La cena. Todos esperaban que la quinta plaza fuera para Sergi López, por Sirat, pero finalmente ese hueco fue para Manolo Solo, por Una quinta portuguesa, que también logró las menciones de guion original y Actriz de reparto para María de Medeiros. Tampoco ninguno de los raveros del filme de Laxe consiguieron entrar entre los finalistas.

En la categoría de Mejor actriz también hubo hueco para una sorpresa, la presencia de la actriz chilena Antonia Zegers, por Los tortuga, que se suma a Patricia López Arnáiz, por Los domingos; Ángela Cervantes, por La furia; Susana Abaitua, por Un fantasma en la batalla; y Nora Navas, por Mi amiga Eva.

Quien no dejó una categoría interpretativa libre fue Los domingos. Todos y cada uno de sus protagonistas fueron nominados. Desde Patricia Lóper Arnáiz y Miguel Garcés, sus protagonistas, a Blanca Soroa como revelación —donde es la favorita junto a Miriam Garlo, por Sorda—, a Nagore Aramburu, como actriz de reparto y a Juan Minujín, como actor de reparto. Es la película que consigue más actores nominados, seguida por Romería, que consigue nominación para Llucia Garcia como actriz revelación; Mitch, como actor revelación y Miriam Gallego, como Actriz de reparto. También tres menciones tiene La cena: actor protagonista para Alberto San Juan, Actriz de reparto para Elvira Mínguez y Actriz revelación para Nora Hernández.

Sorda será el rival a batir en la categoría de Mejor dirección, donde también lograron la nominación Jaume Claret Muxart, por Extraño río; Gemma Blasco, por La furia, Gerard Oms, por Muy lejos y la sorpresa de Ion de Sosa con la inclasificable y libérrima Balearic. En Mejor documental Tardes de Soledad y Flores para Antonio llegan como favoritos en un quinteto que completaron 2025: Todos somos Gaza; The sleeper, el Caravagio perdido y Eloy de la iglesia, adicto al cine.

Aunque no lograron entrar en las categorías grandes, sí que arrasaron en lo técnico dos filmes como El cautivo y Los tigres. La película sobre el cautiverio de Cervantes en Argel de Alejandro Amenábar acabó la cuenta con siete candidaturas, entre ellas la de Julio Peña como actor revelación; el mismo número de candidaturas que Los tigres, el thriller de Alberto Rodríguez, que también se quedó fuera de Mejor película y Mejor dirección.

Parece que el momento de Paul Thomas Anderson finalmente ha llegado. Al menos en los premios. Nadie duda que el director de obras maestras como Magnolia o El hilo invisible es uno de los cineastas más importantes del cine reciente, y sin embargo, hasta ahora los galardones se le habían resistido. Quizás porque hacía un cine más autoral que lo que se suele premiar, quizás porque nunca había encontrado ese momentum que le colocara como el gran favorito. Ese momento ha llegado con Una batalla tras otra, otro peliculón para su filmografía que, ahora sí, le coloca como el favorito a todo, sobre todo después de arrasar en unos Globos de Oro en donde Sirat, el filme de Oliver Laxe, se fue de vacío a pesar de sus dos nominaciones.

La película de Paul Thomas Anderson arrasó con cuatro Globos. Entre ellos los tres más importantes: Película de comedia o musical, dirección y guion. Que Una batalla tras otra iba a arrasar se supo pronto. Teyana Taylor ganó el primer premio de la noche, el de mejor actriz de reparto, y lo hizo en el mejor momento posible, cuando los últimos galardones la habían dejado atrás y colocado a Amy Madigan como la gran favorita por Weapons. Taylor, maravillosa como la activista Perfidia, abrió la gala con un discurso potentísimo en el que se lo dedicó a sus “hermanas y a las niñas morenas que nos observan esta noche, nuestra ternura no es una desventaja”. “Nuestra profundidad no es excesiva. Nuestra luz no necesita permiso para brillar. Pertenecemos a cada espacio que entremos. Nuestras voces importan y nuestros sueños merecen espacio”, añadió.

Si esta era la primera señal, la segunda y casi definitiva, aunque solo se llevara poco más de una hora de gala, fue cuando Paul Thomas Anderson ganó el premio al mejor guion por encima de Jafar Panahi o Joaquim Trier, a priori favoritos. Lo hizo por su adaptación libérrima del Vineland de Thomas Pynchon, del que se ha quedado la esencia para volar a su propio terreno en la que es, desde ya, una película marcada a perdurar y la favoritísima para los Oscar. El cineasta se acordó de Nina Simone, cuyas palabras fueron una inspiración para esta película: “¿Qué es la libertad? No tener miedo”.

Es el reconocimiento a uno de los mejores directores de las últimas décadas. Un realizador único, personal, y que ha demostrado este año que se pueden hacer películas de estudio ambiciosas, diferentes y arriesgadas en un momento donde la originalidad escasea y los estudios apuestan por las franquicias. Donde las películas apenas duran unos días en las salas. Eso sí, ni rastro de todo esto cuando subió a recoger los premios. No hubo ni un discurso comprometido, sobre todo teniendo en cuenta que su película habla sobre el activismo y la lucha contra el poder. El premio para Una batalla tras otra es también una declaración de intenciones, ya que es una apuesta de Warner Brothers por el cine original y en salas en un momento en el que parece que el estudio será comprado por Netflix. Pero tampoco hablaron de ello.

En la categoría de drama el triunfo fue para Hamnet, la adaptación del libro de Maggie O'Farrell que ha dirigido Chloe Zhao y que ha adaptado junto a la propia autora. La historia de la mujer de William Shakespeare y el duelo ante la pérdida de un hijo y la ausencia del escritor en ese momento, en el que, en esta ficción, escribe su obra maestra, Hamlet, como proceso para sanar esa herida. Una película producida por Steven Spielberg, que recogió el premio final de la noche. No fue el único para Hamnet, ya que Jessie Buckley hizo buenas las apuestas. Era la favorita para ganar en la categoría de actriz dramática, y ganó el galardón por su conmovedora interpretación. Es la favorita a un Oscar que ya roza con las manos y donde solo la sorpresa de Rose Byrne, que ganó el Globo en la categoría de comedia por Si pudiera te daría una patada, podría aguarle la fiesta.

El triunfo de Brasil

Sirat no pudo materializar ninguno de sus dos globos de oro, el primero, el de banda sonora lo perdió frente a Los pecadores, y lo hizo sin que se viera en directo. La CBS decidió no emitirlo en la ceremonia sino en un bloque publicitario, una falta de respeto absoluta a los nominados y al galardón. Eso sí, el recién creado premio al mejor podcast sí se emitió en la gala. Lo de sacar premios del directo se convierte este año en una práctica habitual preocupante. Solo hay que recordar que en los recientes Critics' Choice el cineasta Kleber Mendonça Filho recogió el premio de película extranjera para El agente secreto… en la alfombra roja en un momento sonrojante. 

El otro Globo de Oro al que optaba, el de película de habla no inglesa, lo perdió frente a, precisamente, El agente secreto, que venció a las dos favoritas, Un simple accidente y Valor sentimental. El director brasileño dejó una de las pocas menciones a la actualidad cuando subrayó el “importante momento en la historia actual para hacer películas en EEUU y en todo el mundo”. No fue el único premio para el filme brasileño, ya que el actor Wagner Moura, conocido por su papel en Narcos, se llevó merecidamente el premio al Mejor actor de drama.

Ya ganó en Cannes, y repite ahora en los premios de la prensa extranjera. “Esta película trata sobre la memoria, sobre la ausencia de memoria y sobre el trauma generacional. Creo que el trauma puede pasar de generación en generación, pero creo que los valores también”, dijo Moura que terminó su discurso en brasileño dedicándoselo a su país y a la cultura brasileña.  Fueron los dos únicos premios para las películas de habla no inglesa, que llegaron haciendo historia por su amplia presencia, pero que finalmente acabaron como meras comparsas de las producciones hollywoodienses a las que la prensa extranjera se ha vuelto a rendir.

El que va lanzado a su primer Oscar es Timothée Chalamet. No se puede decir que no lleve tiempo intentándolo, y esta vez parece que no se le va a escapar. Venció en una de las categorías más competidas, la de Mejor actor de comedia, por su excelente trabajo en Marty Supreme, una mirada perversa y febril al falso sueño americano a través de un jugador de ping-pong que demuestra que es una de las grandes estrellas del momento, pero también uno de los actores más prometedores. 

No fue una buena noche para Los pecadores, que a pesar de su triunfo en los Critics Choice unas noches antes tuvo que conformarse con dos premios menores, el de Banda sonora y el del logro en la taquilla, un galardón absurdo inventado por los Globos hace unos años y que suena a premio de consolación para el filme de Ryan Coogler. También se llevó solo un premio Valor sentimental, el drama del noruego Joachim Trier que llegó como la segunda película con más nominaciones y solo logró el de mejor actor de reparto para Stellan Skarsgard, que emocionado pidió que la gente viera “el cine en los cines”. Peor todavía le fue al iraní Jafar Panahi, que llega a la recta final de cara a las nominaciones de los Oscar desfondado. Un simple accidente optaba a casi todo y se fue de vacío, igual que el Frankenstein de Guillermo del Toro.

Todo en una gala que parecía que ocurría de espaldas a su tiempo. Mientras en las calles la gente se manifestaba contra el ICE y el asesinato de Renee Good, los Globos de Oro no alzaron la voz contra nada. Ni contra Trump, ni contra una industria que puede verse sacudida por la compra de Warner Bros por parte de Netflix. Solo Judd Apatow se atrevió al entregar el premio al Mejor director a decir que “vive en una dictadura” en EEUU, y algún ganador como Jean Smart que llevaba una chapa en honor a Renee Good.

Tampoco hubo chistes políticos en el monólogo inicial de la presentadora, una divertida Nikkie Glaser que sí tuvo pullas para la lista Epstein y para el año convulso de Warner Bros, pero que prefirió bromear sobre las estrellas y dirigir sus dardos hacia ellos. Una pena que una gala como esta haya perdido el colmillo político precisamente en el momento en el que más debería haberlo sacado. Quizás lo estén guardando para los Oscar, pero lo que parece es que el miedo se ha instaurado en la industria y se prefiere celebrar a poder incomodar.

Tras unos años complicados, los Globos de Oro vuelven a colocarse como la antesala de los Oscar. El año pasado la victoria de Fernanda Torres en estos galardones fue el impulso que finalmente llevó a la actriz brasileña a estar nominada en los premios de la Academia de Hollywood. Desde las 2:00 de la madrugada del domingo al lunes, consulta aquí todos los ganadores de una ceremonia que tiene al filme español de Oliver Laxe, Sirat, nominado en dos categorías (película de habla no inglesa y banda sonora) y a Paul Thomas Anderson y su Una batalla tras otra como gran favorita.

Cine

Mejor película – Drama

Mejor película – Comedia o Musical

Mejor película en lengua no inglesa

Mejor director

Mejor actor – Drama

Mejor actriz – Drama

Mejor actor – Comedia o Musical

Mejor actriz – Comedia o Musical

Mejor actor de reparto

Mejor actriz de reparto

Mejor guion

Mejor banda sonora

Mejor canción original

Mejor logro cinematográfico en la taquilla

Mejor película de animación

Televisión

Mejor serie de televisión – Drama

Mejor serie de televisión – Comedia o Musical

Mejor miniserie, serie antológica o película para televisión

Mejor actor en serie de drama

Mejor actriz en serie de drama

Mejor actor en miniserie o película para televisión

Mejor actor en serie de comedia o musical

Mejor actriz en serie de comedia o musical

Mejor actriz en miniserie o película para televisión

Mejor actor de reparto en televisión

Mejor actriz de reparto en televisión

Mejor actuación en comedia en vivo (Stand-Up)

El cine español ha elegido las mejores películas del siglo XXI. En una votación organizada por elDiario.es, 56 cineastas han escogido a Mulholland Drive, de David Lynch, como la mejor obra de estos últimos 25 años. Un podio que cierran In the mood for love, de Wong Kar-Wai y La ciénaga, de Lucrecia Martel. Esta es la lista de las mejores películas de Oliver Laxe.

El cine de 2025 ha sido la confirmación de las nuevas miradas del cine español. Por primera vez en años hubo dos películas españolas en la sección oficial de Cannes y otra tercera (la estupenda Ciudad sin sueño) en la Semana de la Crítica. Es un triunfo y un cambio de paradigma que se refleja en este top de lo mejor del año que tiene en cuenta el cine estrenado desde el 1 de enero al 31 de diciembre y que tiene una vencedora tan previsible como lógica.

Todo en un año que vivió, en sus últimos compases, un movimiento que puede sacudir toda la industria. La posible compra de Warner por parte de Netflix puede cambiar todo en unos meses. Aunque aquí haya diez títulos, hay muchos más que merecían estar: Los tortuga, Una casa llena de dinamita, Valor Sentimental, La luz que imaginamos, Madrid EXT, Kontinental '25 o el estupendo Superman que hizo James Gunn. O el corto de Elena López Riera, Las novias del sur, y el riesgo de la distribuidora Atalante trayendo y descubriéndonos el cine de Maurice Pialat. Poder ver La infancia desnuda en una sala de cine es una de las grandes experiencias cinematográficas del año.

10. 'Un simple accidente'

Jafar Panahi logró su primera Palma de Oro por esta película rodada en clandestinidad en Irán, y que le permitió salir del país por primera vez en años. Ahora se enfrenta a una nueva pena de prisión cuando regrese al país. Son motivos extracinematográficos, pero importantes para ver el talento del cineasta iraní para, con todos los impedimentos posibles, crear un thriller lleno de humor negro que habla sobre cómo romper el círculo de la violencia y si la venganza es la mejor forma de lograrlo. Su plano final, con ese fuera de cuadro y el sonido que amenaza de nuevo es uno de los mejores del año.

9. 'Los chicos de la Nickel'

Menuda adaptación personal, compleja e interesante la que se sacó de la manga el casi debutante Ramel Ross, que solucionaba los problemas de la novela de Colson Whitehead con una solución que subrayaba cómo el punto de vista de una película es fundamental. El espectador veía el filme desde los ojos, literal, de estos dos chavales conocidos en un reformatorio donde se asesinaba a los jóvenes negros y se les enterraba sin dar noticias a sus familiares. Sin acudir al drama fácil, con una puesta en escena excelente, Ross se confirmaba como un gran director a seguir.

8. 'Alpha'

Sí, Alpha es una película irregular, pero como su propia directora, Julia Ducournau, decía cuando recogió la Palma de Oro por Titane, ella es consciente de que sus películas están lejos de ser perfectas, y por ello son tan únicas, se sienten tan diferentes y personales. Qué fácil hubiera sido para la cineasta francesa acomodarse y hacer algo grande en EEUU, y, sin embargo, desde su estilo descarnado e intenso aborda las heridas que dejó el SIDA en un filme que siempre apuesta por ofrecer algo nuevo. Va tan a saco, que muchas veces se estrella, pero cuando funciona es mejor que la mayor parte del cine que se estrena.

7. 'The mastermind'

Qué buena es Kelly Reichardt. Sin hacer ruido, sin aspavientos, se ha convertido en una de las cineastas fundamentales del cine independiente de EEUU de las últimas décadas. A una filmografía impecable con títulos como First Cow y Old Joy une ahora esta película que revienta los clichés del cine de robos. Le quita el glamour, lo imprime del gris de las vidas cotidianas, y de fondo las protestas contra la guerra de Vietnam en un momento que pudo ser de cambio, pero acabó en una ilusión. Todo con un Josh O’Connor pletórico.

6. 'La voz de Hind'

Muchas veces se usan con demasiada facilidad adjetivos como ‘necesaria’ o ‘importante’ para hablar de una película. Con La voz de Hind se pueden decir sin tener miedo, porque lo que ha hecho Kaouther Ben Hania con este filme es un cine de urgencia, un puñetazo en la mesa para concienciar a la gente sobre el genocidio en Gaza. Lo ha hecho con una película que huye de la pornografía emocional y que se mantiene fiel a su propuesta ética y estética: usar la voz real de Hind Rajab, la niña asesinada por el ejército israelí a tiros, para recrear las labores de la Media Luna roja que intentaron rescatarla. Un thriller de cuenta atrás en donde uno sabe el final y que es una de las películas que marcan este año, sin ninguna duda.

5. 'Sirat'

Y nos fuimos de rave gracias a Oliver Laxe. Su propuesta más popular, sin renunciar a sus señas de identidad ya apuntadas en su obra anterior, se ha convertido en un fenómeno internacional. En Cannes todo el mundo hablaba de ella y ganó el Premio del Jurado. Ahora en Hollywood dan palmas con esta propuesta sensorial, inmersiva y hasta física. Ha pasado el corte en cinco categorías de los Oscar y ha confirmado a Laxe como uno de los grandes directores españoles. Una película que cuenta, además, con un mensaje político contundente: hasta aquellos que quieren salir del sistema acaban salpicados por lo que ocurre en el mundo. Su primera hora es de lo mejor del cine de 2025.

4. 'Tardes de soledad'

Albert Serra dinamitó el Festival de San Sebastián de 2024 con este documental sobre la tauromaquia que, como esperábamos de él, supuso mirar por la cerradura de lo prohibido, de lo que no queremos mirar. Puso a todos a debatir sobre sus imágenes y consiguió que el debate volviera al centro. Hay en su puesta en escena, porque es un documental donde hay una clara labor de dirección, un retrato sobre la crueldad de los toros, y también sobre esa masculinidad que impera en las cuadrillas. Imágenes como la de Roca Rey siendo vestido como si fuera una drag queen son para el recuerdo. Cine libre, arriesgado, de una de las mentes más únicas del cine español. Ahora solo queda esperar a ver qué ha hecho con su debut en inglés en lo que parece será una comedia sobre las relaciones políticas entre Rusia y EEUU.

3. 'Romería'

Menudo año para el cine español. Cannes vivió la consagración de una generación de cineastas que están cambiando las normas de la industria. Laxe y Carla Simón se plantaron en el festival más importante del mundo con sus nuevas obras y enamoraron a todos. Romería es una película hermosa, que confirma la gran sensibilidad de la directora, su capacidad para ser política y poética a la vez, sin diálogos innecesarios, dando el poder a la imagen. Tiene un control total de su película y se nota. Pero si hay algo que emociona en este filme que cuenta la historia de sus padres, muertos por el SIDA y la heroína, es su defensa del cine como agente reconstructor de la memoria, incluso inventada, como muestra esa media hora final onírica, de las más emocionantes del año y que además apunta a nuevas direcciones en la carrera de Simón, que con solo tres películas es ya una de las figuras más importantes del cine español.

2. 'The brutalist'

Una de esas inclusiones raras, porque claramente es una película de 2024, pero se estrenó en España en enero de 2025, y por ello debe estar casi en lo más alto de esta lista, porque la epopeya histórica de Brady Corbet nos dejó a todos con la boca abierta. Un sopapo al sueño americano, al capitalismo más brutal, que devuelve la fe en un cine ambicioso en lo estético y en lo temático. Rodada en Vistavisión, con una banda sonora hipnótica, con un Adrien Brody que ganó con merecimiento el Oscar… todo en The brutalist es cine de primera categoría. 

1. 'Una batalla tras otra'

Pocas veces hay tal consenso con una obra, pero lo nuevo de Paul Thomas Anderson es una obra maestra. Es, además, una de las películas que mejor definen el momento actual. Una adaptación libérrima del Vineland de Thomas Pynchon que mezcla géneros, estilos, tonos, y que siempre sale victoriosa. Es capaz de jugar al humor absurdo de El gran Lebowski para luego entregar una de las mejores escenas de acción que se han visto en años (esa persecución por las carreteras). Todo fluye, todo parece a punto de desbordarse y siempre acaba encontrando su sitio. Una película que nos enseña que las revoluciones hay que transmitirlas de generación en generación para no arrepentirnos de lo que puede venir. Es la película del año.

Me dicen hace cinco años que Oliver Laxe iba a estar en la carrera por el Oscar y con el mundo cinéfilo a sus pies y no me lo hubiera creído, pero noticias como las de esta semana alegran y devuelven la fe en que el cine sigue vivo y, al menos, generando una conversación. Laxe ha dado un 'Siratazo' en toda regla.

Esperábamos con muchas ganas las llamadas shortlist de los Oscar para ver si España pasaba el primer corte de película internacional. Después de ver por dónde habían ido los premios previos y los Globos de Oro estaba la ilusión de que Sirat pudiera entrar en otras dos categorías (sonido y banda sonora). Nadie esperaba que pasara el corte hasta en cinco: las tres esperadas además de fotografía y cásting, recién creada y donde el cásting de raveros reales se codea con filmes como Una batalla tras otra o Sinners.

La rave sensorial, hipnótica y política de Laxe se lo merece. Desde sus primeros pases en Cannes la prensa española vimos cómo todos se quedaban cautivados por la propuesta. Eso se ha trasladado a EEUU y nos puede hacer soñar con que Laxe puede llegar muy lejos en los Oscar. Y esto es bueno para todos. Cabrea ver cómo mucha gente espera al director gallego con los cuchillos en alza, esperando cada respuesta, cada nuevo premio o cada nueva aparición para intentar atacarlo. 

Tenemos que sentirnos orgullosos de que el cine español llegue lejos, de que sea reconocido. Es bueno para todos, empezando para una industria que necesita figuras como esta, y que está encontrando en cineastas como Laxe, Serra, Carla Simón o Alauda Ruiz de Azúa nuevos nombres que van por otros derroteros, que se salen del carril marcado y que hacen un cine que confía en la inteligencia del espectador. Que un filme como Sirat guste fuera y gane premios hará que los productores pierdan el miedo a financiar películas así.

Pensaba mucho en una comparación que sé que es simplona, pero que creo que funciona. Cuando la selección española juega un partido nadie quiere que pierda, aunque juegue mal, o aunque hayan seleccionado jugadores que no quieres que estén. Primero quieres que gane y luego ya si eso debates sobre si lo merecía o no, pero me cuesta pensar en alguien que celebre los goles del rival solo porque no están jugando cómo a él le gustaría.

O Eurovisión. ¿Algún fan del festival —qué gusto que este año hayan dado el golpe en la mesa y no se celebre por la presencia de Israel— querría que no ganara España porque ellos preferían otra canción o no les gustara el tema elegido? Lo dudo mucho. Unámonos en torno al siratazo. Eso sí que bajará la polarización y no el anuncio de la marca de chopped.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

La música y, en definitiva, el arte, es una herramienta social y política. Por eso mismo fue importante el concierto con entradas agotadas en Wembley que, organizado por Together for Palestine, recaudó más de 2 millones de libras para Gaza. Este mismo colectivo ha publicado una canción para seguir luchando contra el genocidio, y es una de las recomendaciones que puedes escuchar en nuestra playlist. Recuerda que comprar los discos de los artistas es una mejor forma de apoyarlos.

‘Lullaby’ de Together For Palestine. El colectivo propalestino acaba de publicar esta canción benéfica a favor de la organización Choose Love. En un momento en el que sigue siendo importante visibilizar e intentar frenar el genocidio que Israel ejerce sobre Palestina, este tema busca rendir homenaje a la memoria cultural y seguir haciendo del arte una herramienta de lucha. La balada es una reinterpretación de una melodía tradicional palestina basada en Yamma Mweel El Hawa.

‘Huesos’ de Flor y Trol. Esta canción, que abre el recién publicado disco Sami, es uno de los temas que mejor definen el proyecto de Flor y Trol. Detrás del mismo se encuentra Sophi, quien ha autoproducido y autogestionado el disco, interpretando batería, voces, guitarras acústicas, coros y percusiones. La canción es una potente propuesta rock que reflexiona sobre el pasado y los miedos personales.

‘Un Mundo Feliz’ de Rodrigo Cuevas y Massiel. Después de 30 años desde su última grabación, Massiel regresa a la industria musical para acompañar a este artista asturiano en su nuevo trabajo. La canción invita al oyente a un mundo idílico en el que sus habitantes son tratados bien, pueden hacer lo que quieran e incluso “el tabaco no crea adicción”. “Los ricos no van al espacio y todo el mundo es maricón”, declara Massiel en un tema que llama la atención de principio a final.

Tres libros, por Elena Cabrera

'13 maneras de ver la IA, el arte y la música' de Jennifer Walshe (Alpha Decay). En este pequeño ensayo, la profesora irlandesa de composición Jennifer Walshe decide pensar a la manera de la IA: desde múltiples posiciones, todas a la vez, para así reflexionar de maneras más inesperadas sobre la música y el arte creadas con Inteligencia Artificial. Una de ellas es imaginar la IA como fan fiction, una idea muy interesante que pone sobre el alambre el concepto de autoría. “La IA es pringue” es otra idea, “la IA es una bebida energética” es una más. Ballard sirve para adentrarse en la IA como “literatura invisible”. ¿Y si pensamos la IA como naturaleza, qué seríamos los seres humanos? ¿Inquilinos, propietarios, sustrato?

'Don Quijote, que fue un sueño' de Kathy Acker (Anagrama). Reaparece con tapa amarilla en las librerías esta fantasía de la feminista punk Kathy Acker que en su momento (el libro es de 1986) publicó Anagrama en su posmoderna, divertida y añorada colección Contraseñas. Acker es la autora de un libro de culto, Aborto en la escuela, una salvajada con ecos de Burroughs, Miller y Nin. Es en esta novela, que Acker aborda en profundidad las relaciones sexuales entre mujeres y la fluidez de género. Aquí, Don Quijote es una mujer que ha enloquecido no por leer libros de caballerías sino tras realizarse un aborto. En su mundo de fantasía hay putas, transexuales, sacerdotes masoquistas y Richard Nixon.

'BUE' de Martín Caparrós (Random House). Perfilar una ciudad. Contar Buenos Aires. Quién mejor que Caparrós, uno de los grandes cronistas de este tiempo, para afrontar el desafío de arrojarse a la ciudad del caos. De la vida total. El libro remezcla la observación con la invención, con el Martín Caparrós más suelto, menos sujeto al titular (si es que alguna vez lo estuvo). Lo que importa sigue siendo buscar, no tanto encontrar.

Tres películas, por Javier Zurro

'Emergency Exit'. Lluis Miñarro ha sido uno de los productores más arriesgados y radicales del cine español, y también un cineasta que siempre intenta ir un paso más allá. Regresa como director en esta comedia surrealista que también supone el último papel de Marisa Paredes, que interpreta a una actriz que se parece mucho a sí misma y que tiene una escena realmente conmovedora.

'Vida privada'. Solo por ver a Jodie Foster pasándoselo pipa como terapeuta investigando un crimen y hablando francés merece la pena esta película, pero es que además es un divertimento de primer nivel que remite a clásicos de Woody Allen como 'Misterioso asesinato en Manhattan', donde el crimen es una excusa para radiografiar a un matrimonio burgués en decadencia.

'El extranjero'. François Ozon no para de trabajar, y ahora vuelve con una adaptación de la obra de Camus que está rodada con un hermoso blanco y negro pero haciendo más hincapié en el pasado colonial francés que la anterior versión de Visconti de 1967. Benjamin Voisin confirma que va a ser una estrella magnética y carismática.

Tres planes para el finde, por Laura G. Higueras

El Día más Corto [ED+C] (Madrid). El Palacio de la Prensa de Madrid acoge este domingo 21 de diciembre este festival en el que podréis ver varios cortos y disfrutar de un coloquio con sus directores. Podrán verse Tenemos que hablar de Caterina Muñoz, Capitanes de Kevin Castellano y Edu Hirschfield; Lola, Lolita, Loaza de Mabel Lozano, Polígono X de Néstor López y Cambio de rueda de Bego Arostegui. La edición rendirá homenaje a Jorge Sanz, director del Aguilar Film Festival.

Feria Friki y Talleres Lego (Valencia). Desde este sábado 20 de diciembre hasta el siguiente, día 27; podréis acudir al Centro Comercial Las Américas para disfrutar de este mercado friki en el que habrá artistas, diseñadores 3D, artesanos y coleccionistas. Y para los fans de Lego, una serie de talleres de juego libre no dirigido de Lego. No olvidéis llevar alimentos no perecederos, productos de higiene, ropa y juguetes, ya que habrá una recogida solidaria.

Concurso de Villancicos (San Vicente de la Barquera). ¡Vamos con un plan navideño! Este pueblo cántabro organiza este fin de semana un concurso de villancicos, que se desarrollará en distintos puntos de la ciudad. Contará con grupos compuestos entre cuatro y cincuenta personas, que interpretarán dos villancicos que podrán elegir libremente, con música y voz en directo. No faltarán panderetas, zambombas, campanillas, bandurrias, laudes, guitarras, triángulos... Si queréis ir calentando motores para la Nochebuena, este es el plan perfecto.

Tres exposiciones, por Jordi Sabaté

'Juan Muñoz. Historias de Arte'. Hasta el 8 de marzo de 2026 se puede visitar en el Museo del Prado la interesante exposición sobre la obra escultórica del artista madrileño Juan Muñoz, fallecido prematuramente en 2001. Muñoz, siempre innovador, fusionaba lo clásico con lo contemporáneo, creando esculturas y narrativas en sus instalaciones, explorando la incomunicación y la condición humana. Con obras emblemáticas como The Prompter, Conversation Piece o The Nature of Visual Illusion, el recorrido propone una experiencia en la que el visitante se enfrenta a figuras silenciosas que parecen observarle.

'El Prado en femenino III. La reina Isabel de Farnesio (1692-1766)'. De nuevo en el Museo del Prado, y hasta el próximo 24 de mayo de 2026, el museo se traslada al siglo XVIII para descubrir el legado de la promotora artística que más significativamente contribuyó al engrandecimiento de la antigua Colección Real y, en consecuencia, del actual Museo: la reina Isabel de Farnesio. La magnitud y calidad de la colección, así como su presencia esencial en las salas del museo, motivan que el Prado le dedique íntegramente este itinerario, enmarcado en un ambicioso programa que lo sitúa a la vanguardia de las instituciones comprometidas con visibilizar el papel de la mujer en la historia del arte. 

'Andrea Canepa. Entre lo profundo y lo distante'. Hasta de 12 de abril de 2026, la artista peruana Andrea Canepa presenta diversas instalaciones en el Institut Valencià d'Art Modern (IVAM). La instalación inferior explora las formas del pasado inscrito en el espacio, invisibles a la experiencia, e invita a adentrarse en un territorio desconocido. En la planta superior, una línea metálica recorre el perímetro de la sala como un horizonte, casi al alcance de la mano, y se interrumpe con esculturas que alteran su curso. La instalación dialoga con el sistema de ceques del mundo andino precolombino, red de líneas sagradas que partían del centro de la ciudad hacia el horizonte.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Los mejores debuts literarios. Viendo esta, la primera de las muchas listas (ya lo siento) que publicaremos este final de año, veo el gran nivel de las novelistas españolas debutantes. Tomad nota para regalos. 

La casa de El Bola. Menuda entrevista brillante la que le hizo Isabel Navarro a Elvira Navarro, y cómo la escritora resumió el problema de la vivienda en un titular magnífico que habla de la precariedad.  

Adiós a Rob Reiner. Seguimos traumatizados por la muerte de Rob Reiner y su mujer. Supuestamente asesinados por su hijo. Nos deja varias obras maestras como 'Misery' o La princesa prometida'.