Vale, el domingo pasado nos tomamos un pequeño descanso. Qué pasa, ¿acaso no tenemos derecho teniendo en cuenta que llevamos desde abril publicando una entrevista a la semana? Somos humanos, y por ello también podemos deprimirnos, tener un descuido, irnos de fiesta tres días o derrochar nuestros ahorros en merchandising de Pokémon o cualquier otra idiotez.

Pero no por ello dejamos de trabajar durante toda la semana tratando de apoyar el desarrollo de videojuegos patrio. Por poner algún ejemplo, asistimos al Zerouno de noviembre y publicamos una completita crónica con nuestras impresiones, además de escribir un artículo sobre el peculiar The amazing odyssey of growing up contando con declaraciones de sus responsables o cubrir el retorno de Song of Horror a Kickstarter y el lanzamiento de The Purring Quest, un videojuego que hará las delicias de los amantes de los gatos.

Además de todo esto, para dar forma a una nueva entrega de Hablan los indies nos pusimos en contacto con los chicos y chicas de WasFan Studios, quienes preparan un título de aventuras y plataformas en 2D realmente prometedor, Dusk Memories, el cual pudimos probar el pasado mes de octubre durante la Madrid Games Week.

Toca decir que nos enamoró su apartado visual, y que por ello teníamos bastantes ganas de charlar con sus responsables. Y por fin, aquí está el resultado.

Empecemos por una presentación formal. ¿Quién hay detrás de WasFan Studios? Ilustradnos con un poco de historia.

Wasfan es un proyecto que empezamos en torno al 2014. Inicialmente le dedicamos tiempo de forma esporádica para ir conociendo la industria e hicimos un par de proyectos para ir dominando las herramientas y fuimos evolucionando. Fue entonces, cuando a mediados de 2014 decidimos intentar un proyecto distinto. Le empezamos a dedicar más tiempo, ese proyecto fue Project Cell y era un juego de disparos en tercera persona al estilo Gaunlet que transcurría en el cuerpo humano. Posteriormente decidimos a finales de 2014 que queríamos dedicarnos a tiempo completo y fue entonces cuando empezamos a trabajar en Dusk Memories. Actualmente el equipo esta forma por cinco personas de las cuales tenemos a dos responsables del apartado gráfico, Verónica y Paz, por otro lado hay responsable del diseño, Gabriel, y dos programadores, Javier y José Luis.

Actualmente tenemos previsto algunos planes interesantes que nos encantaría comentaros el día 24 de noviembre y creemos que os gustaran.

Nosotros particularmente os conocimos en la Madrid Games Week. ¿Sois muy dados a acudir a eventos de este tipo? ¿Creéis que realmente sirven para potenciar la visibilidad de un estudio y sus proyectos?

Son eventos útiles, no solo es la visibilidad la razón para acudir a estos eventos. Te sirve para algo que creemos muy valioso, el trato con los jugadores, sus opiniones, sus intereses y sobretodo que opinan del juego.

En concreto es la cuarta vez que hemos acudido a una feria (con Project Cell ya acudimos a dos de ellas) y la verdad que de todas hemos salido bastante satisfechos.

En esta última en concreto nos galardonaron con el premio a la mejor dirección artística por parte de Made In Spain, lo que nos sirvió como indicador de que al menos en el apartado gráfico estamos por el buen camino.

¿Qué feedback os llevasteis de la feria? ¿Tenéis alguna anécdota curiosa que podáis compartir?

La verdad que el feedback fue valioso. Nos indicaron varios errores que una vez expuestos dejaban claro que lo eran, como por ejemplo que al usar la habilidad de la gema (en su momento la habilidad principal) te quitaba vida y al final te acababa matando y casi nadie entendió por qué les mataban. Nos dimos cuenta de que estábamos fallando en el feedback al jugador. Por otro lado, nos dimos cuenta que un escenario 2D en zigzag no siempre es una buena idea, pues el jugador corre el riesgo de volver al inicio de nivel y perderse y así otras muchas cosas.

Respecto a anécdota pues la verdad que ya nos ha pasado varias veces que se acerca un jugador, de perfil de FPS, y nos dice que nuestro juego en 3D primera persona y con tiros mejoraría mucho…. Y claro…. No sabes que decir (risas).

Por norma dentro de los estudios independientes se oye mucho que ‘lo importante es hacer lo que uno quiere’, en ocasiones casi menospreciando la idea de hacer negocio y la realidad de que esto, a fin de cuentas, es una industria. Sin embargo vuestra web destila cierto aire corporativo y ya de entrada compartís ideas que suenan a negocio, como por ejemplo ‘analizamos dónde podemos desarrollar videojuegos para encontrar las mejores oportunidades’ o ‘entendemos que no siempre se puede hacer lo que uno quiere’. ¿Tenéis claro entonces que vuestro objetivo es crear, mantener y hacer prosperar una empresa?

Este punto es delicado la verdad. Hemos visto muchas veces gente que se empeñaba en hacer el ‘lo que uno quiere’ y a veces tiene un final feliz y otras en cambio no acaban tan bien. Creemos que es un negocio, es decir, para poder hacer juegos mucho tiempo, tienes que poder vivir de ello. Para poder vivir de ello tienes que enfocarlo (nos guste o no) a medio/largo plazo, es decir teniendo en cuenta que por ejemplo si sois cinco personas tienen que poder tener unos ingresos que les permitan vivir dignamente.

Por otro lado, para hacer proyectos más interesantes, con mayor alcance, aparte del dinero se necesitan unos objetivos y una organización que lo sustente. Incluso aunque consiguieras el dinero si no tienes cuidado puedes acabar mal. Un ejemplo fue el triste caso de Kingdoms of Amalur, un buen juego que incluso vendiendo si no me equivoco por encima de 2 millones de unidades obligo al estudio a cerrar, porque necesitaban el doble o más para que fuera viable.

Así que sí, creemos que se puede hacer lo que quieras, pero teniendo en cuenta muchos peros como: plazos rentabilidad, escalabilidad, alcance… que suenan fatal y muchos desarrolladores les/nos dan un poco de urticaria.

Teniendo en cuenta lo anterior, ¿alguna vez habéis aceptado o buscado trabajar para otros? ¿Dejaríais lo que estáis haciendo para desarrollar un videojuego a petición de otra empresa?

Por el momento nos gustaría centrarnos en el desarrollo de nuestros propios proyectos, pero si fuera necesario o una buena oportunidad estaríamos encantados de planteárnoslo. Eso sí lo enfocaríamos como una herramienta más que como un fin en sí mismo, pues tenemos claro queremos hacer juegos, contar historias y que la gente se entretenga y disfrute jugándolos.

Para lograr vuestros objetivos os habéis impuesto tres líneas guía: entretener, retar e inspirar. Contadnos más de esto.

Bueno más que impuesto es una búsqueda incesante por conseguirlo, pero sí creemos que son clave para hacer de un gran juego. Por partes:

Entretener: Se trata desde nuestro punto de vista el elemento clave de casi la totalidad de los juegos, es lo que te permite pasar tiempo haciendo aquello que te gusta, que quieres hacer, y si no fuera entretenido simplemente harías otras cosas. Además tiene otra gran ventaja y es que entreteniendo se llega mucho mejor a los jugadores y estos además son mucho mas tolerantes. Si me permites dos ejemplos que creo que son clave puesto que son antagónicos.

El primer ejemplo es el de un gran juego que simplemente no es suficientemente divertido pese a que en lo demás es casi perfecto. Se trata del Crysis 3, todos los que lo hayáis jugado sabréis de lo que hablo: un acabado gráfico impecable, unas buenas mecánicas, una historia aceptable… pero es que siendo muy suaves, es bastante aburrido y al final lo único que quieres es terminarlo y olvidarte o incluso peor, ni siquiera terminarlo. Por enlazar con el ejemplo siguiente otro caso de libro es el de Far Cry 2, buen juego pero no era especialmente divertido y casi se carga la saga.

El segundo ejemplo es la saga Fallout, nadie dirá que su acabado gráfico es impecable, que sus conversaciones son las mejores, pero lo que también es cierto es que muy divertido y la gente lo disfruta y compra con ganas. Tanto es así que en PC ha superado (vapuleado) el record en Steam de jugadores concurrente, que hasta entonces tenía el GTA V con 80.000 usuarios concurrentes más ¡y esto es en PC! Y todas las papeletas apuntan a un gran éxito en ventas.

Retar: Esta parte hace referencia a que una parte para hacer un juego entretenido suele ser importante que haya algún tipo de reto ya sea intelectual, de coordinación o de reflejos que permita al jugador tener un cierto margen de mejora para evolucionar y crecer con el juego, lo que le permite ser más parte de ello y contribuir.

Inspirar: Esta es la más de la casa la verdad. Creemos que toda experiencia te cambia en alguna manera. Nosotros como desarrolladores de videojuegos tenemos una responsabilidad y es que esa experiencia de una u otra manera te haga crecer y evolucionar.

Frente al ‘toque corporativo’ de vuestra web choca cierto ‘toque RPG’: ¡tenéis una gráfica hasta para definir los talentos y habilidades del equipo de forma individual y colectiva!

Sí, (risas), en el fondo somos jugones. Aunque entendamos la necesidad de un enfoque empresarial, también comprendemos que la mejor forma de transmitir las cosas no es siempre simplemente escribiéndola. A veces una historia o elemento extra como son las habilidades permite entenderlo mucho mejor y rápido. Además si alguien desea información más detallada estaremos encantados de proporcionársela en un forma más estándar en el formulario de contacto.

Hablemos de la industria del videojuego patria. ¿Cómo la veis de salud? ¿Estamos en plena ‘burbuja indie’ como se comenta por ahí?

No sé, una burbuja, si no me equivoco suele llevar mucho dinero detrás, una inmensa inversión, apuestas súper arriesgadas… creemos que no es el caso.

Lo vemos más bien como una respuesta natural a una necesidad que cada vez crece más y es la necesidad de entretenerse, de desconectar de huir por unas horas del estrés, el ruido, los estudios, el trabajo, la política… vamos de casi todo (risas).

Aunque si hay un enorme boom de empresas y a mi pesar la mayoría no conseguirán su objetivos, pero es que esto no pasa con ningún sector, de hecho la tasa de éxito a medio plazo ronda solo el 10% (o menos).

Por otro lado somos mucha gente y con muchos gustos, no creo que falte mercado, aunque sí que hará que nos tengamos que esforzar más para salir adelante, lo que para la industria creemos que será bueno, pero también duro.

Hora de alabar a los colegas. Recomendadnos algún que otro estudio indie al que haya que seguir de cerca por sus trabajos anteriores o porque tienen entre manos uno de esos juegos que lo van a petar.

Pues en general cualquiera que se presentó en el stand de Made In Spain son muy interesantes. Así a destacar nos gustó mucho Kromaia, Calendula o Missing Translation. En cuanto a estudio, pues una mención especial a AlPixel, en concreto a Ludipe, que es un crack.

Por otro lado nos gustaría mencionar las otras iniciativas de indies de la MGW como fueron Games From Spain o los Premios Playstation donde se presentaron proyectos muy interesantes, en concreto uno de unos compañeros que apreciamos, que es un juego de coches llamado Motor Strike: Immortal Legends.

Y ahora sí, hablemos largo y tendido de los proyectos de WasFan Studio. Vuestro gran as bajo la manga es Dusk Memories. ¿Qué nos podéis contar?

Dusk Memories es un plataformas en 2D en el cual encarnamos el papel de una pequeña niña a la que le ha pasado un extraño suceso que le ha llevado a un mundo misterioso y tenemos que ir ayudándola a lo largo de una serie de niveles donde te encontrarás con retos en forma de plataformas y puzles, así como conversaciones que podrás resolver de múltiples maneras generando distintos resultados.

Durante la historia vas descubriendo que es realmente Dusk Memories y porqué te encuentras en un mundo tan extraño y con poco sentido.

Todo ello presentado con una estética muy refinada realizada a mano como una combinación de la técnica de aguafuerte (adaptada a lápiz) y las ilustraciones clásicas del siglo XIX ¿Serás capaz de desentrañar el secreto que se esconde tras Dusk Memories o Serás un recuerdo más?

Es cierto que Dusk Memories cuenta con un soberbio trabajo artístico por parte de Verónica, pero también es verdad que no pocos títulos independientes/alternativos están jugando la baza de sorprender al público con un apartado visual preciosista hecho a mano. ¿Qué puede ofrecer vuestro juego para sobresalir en este campo?

Bueno en primer lugar incluir en este punto a Paz que se incorporó un mes antes de la MGW y que está colaborando de la mano de Verónica con muchas ganas, esfuerzo y buenos resultados.

Creemos que el enfoque artístico tiene una estética especial, está basada en un largo proceso que comenzó con un análisis de opciones de múltiples estéticas clásicas de videojuegos, a pintores clásicos o romanticistas, así como otras muchas opciones. Al final nos decantamos por Goya y analizamos sus obras, y aunque nos encantan las pinturas negras, también es cierto que tiene un enorme recorrido en la técnica del aguafuerte, así que la analizamos y nos quedamos con ella. Luego al adaptarla no nos acaba de convencer (no somos Goya) así que seguimos analizando y evolucionamos hacia una estética de ilustraciones de cuentos de época victoriana, lo que al final nos permitió llegar hasta el punto actual.

Por otro lado nos ayudamos de una limitación autoimpuesta que fue el uso casi en exclusiva del blanco y negro (como se puede apreciar en las imágenes) permite trasladarnos mejor a esa época. Es cierto que al final decidimos usar el color en el fondo con tonos muy apagados como transgresión deliberada, para destacar la parte jugable y separar elementos de escenario y elementos jugables.

Con estos elementos como tu comentabas establecemos las bases, ahora bien con estas bases buscamos diferenciarnos no solo con el estilo especial si no con el enfoque de cuento clásico que creemos que ayuda al propio juego a ser más inmersivo y diferenciarlo de otras alternativas.

¿Qué podemos esperar entonces en cuanto a mecánicas jugables y narrativa? ¿Podemos esperar un viaje del héroe ‘tradicional’ de esos que siempre enamoran o estáis pensando implementar algo un tanto más arriesgado?

Me gustaría decirte con total seguridad que aunque tendrá elementos tradicionales es nuestra intención y estamos trabajando en crear un sistema que no sea el viaje del héroe al uso, si no aprovechando la diferencia principal entre literatura/cine y videojuegos, que es la interactividad (hasta aquí te puedo decir), pero ya te digo es algo que no hemos cerrado y si no conseguimos cerrarlo de forma que nos guste es probable que acabemos aceptando una aproximación al uso.

¿Qué videojuegos os han servido de inspiración para crear Dusk Memories?

Buff, aquí entran muchísimos, no es solo uno la verdad, bueno paso a enumerar algunos de ellos: Limbo, Child of light, Las aventuras de P.B Winterbottom, Braid, Rayman, Super Mario…

Algunos por las mecánicas, otros por la distribución de los elementos en escena, otros por el componente plataforma. En general te diríamos que son todos los juegos que hemos jugado alguna vez por que inevitablemente dejan una marca, aunque creemos que los de arriba son una buena aproximación.

Nos han chivado que podría llegar a Steam por febrero de 2016. Según van pasando las semanas, ¿dicha fecha se va volviendo más o menos factible?

Pues, si nos vuelves a preguntar más adelante, te lo podremos decir con seguridad. Ahora mismo vamos a embarcarnos en una pequeña aventura que anunciaremos el día 24 de noviembre y a la que estáis todos invitados claro. ¡Publicaremos detalles por nuestra cuenta de Twitter!

¿Tenéis planteado lanzarlo en otras plataformas o todo dependerá de lo bien que funcione en PC?

Lo tenemos claro: ¡si funciona en PC es muy probable que se lance allí donde nos dejen!

Por último vamos a por el clásico minijuego. Dejamos caer un par de opciones y vosotros os quedáis con una.

C) Nos pareció el paso lógico y además parecía fácil…. *Se oye de fondo* It’s a trap!!

C) Hay mucha seguridad y padres… la opción A claro, le tratamos con respeto… bueno… ¿hay alguien mirando?…

C) ¡¡Los años 70!! ¡¡Ya nadie se acuerda del Pong!! *voz de abuelete*

Por desgracia ya toca decir adiós. ¿Un último mensaje a los lectores?

Como despedida nos gustaría dar un consejo y es que a todos aquellos que os queráis dedicar al desarrollo de videojuegos perseverar, es algo apasionante y magnifico. Pero será difícil y querréis retiraros, aguantar y luchar por ello. ¡Lo que merece la pena hay que lucharlo!

Como cita, un poco de autobombo que siempre viene bien.

‘No dudéis en jugar nuestros juegos que van a molar mucho, estamos en Twitter’.

Siempre lo he dicho; por mucho que lleve meses entrevistando a estudios independientes españoles, mi principal objetivo es aprender de cada una de las entrevistas que realizo. El motivo es simple, aún en estos tiempos existe un abismo entre lo que consideramos videojuegos comerciales, aquellos que niños y no tan niños piden a los Reyes Magos, y los videojuegos independientes/alternativos, títulos que suelen escaparse de lo convencional para alegría de aquellos que ya estamos hasta las gónadas de shooters genéricos y simuladores futbolísticos. Desgraciadamente en este campo yo soy un mero iniciado; como quien dice acabo de sacarme la ‘L’ y trato de acelerar en mitad de la autopista guiado por la inocencia, por ese sentimiento de que nada malo puede pasarme sólo por llevar puesto el cinturón.

Por eso he creído más que conveniente charlar no ya con un nuevo estudio, que hoy en día los hay a patadas, como para mantener viva esta sección semanal por los siglos de los siglos, si no con un verdadero experto en la materia, alguien que lleva ya bastante tiempo siguiendo la pista a nuestros desarrolladores. Hablo de Juan Manuel Moreno, co-fundador de Nivel Oculto e Indiefan.

Si acabáis de salir de una cueva o si bien os estáis iniciando en esto de los videojuegos indies, toca decir que Nivel Oculto es una página web que se ha convertido en referente para los amantes de lo indie de habla hispana, mientras que Indiefan es una nueva plataforma que permite al desarrollador medir la aceptación de su propuesta entre los futuros usuarios y conseguir una mayor difusión, dos temas cruciales para todo aquel que se propone crear un videojuego sin ser, qué deciros, Peter Molyneux o cualquier otro genio medio loco e híper mediático de esos que arrojan a una cazuela una pizca de brillantez y otra de egolatría para crear algo que amas y aborreces a partes iguales.

Pero sobre todo de lo que quiero hablar con Juanma es de Indiefan, porque es un proyecto que personalmente conocí en el ZeroUno de noviembre –sí, ya he dicho que voy con bastante retraso– y la verdad es que me pareció bastante interesante. Desde luego no sé si llegará a convertirse en el vademécum de los indies, pero creo que al menos trata de impulsar una idea que merece ser explorada y compartida. Vamos a ello.

Empecemos siendo tan originales como siempre: qué es Indiefan y cuál es su objetivo.

Indiefan es una plataforma que permite a los desarrolladores adquirir feedback de sus proyectos mientras consiguen difusión. Simplificándolo mucho podríamos decir que es algo así como Kickstarter, pero los usuarios en lugar de apoyar con dinero apoyan a través de sus redes sociales. Para ello los desarrolladores crean una campaña en la que enseñan su proyecto a los usuarios y les piden a éstos una cantidad de votos para ‘validar’ su propuesta. Los usuarios pueden comentar la campaña directamente con el desarrollador, y si les gusta lo que ven, pueden apoyarla votándola a través de su red social. Si la campaña alcanza un número de votos previamente determinado por el desarrollador, se lanza un mensaje a través de las redes sociales de los usuarios que la hayan votado para darle una mayor promoción. Ahora que lo leo quizás no sea tan simple.

El objetivo final es proporcionar al desarrollador una herramienta sencilla con la que medir la aceptación de su proyecto en una fase temprana de desarrollo. Crear un juego no es sencillo. Por el camino siempre están surgiendo dudas, que van desde el apartado artístico hasta la implementación de mecánicas, por lo que consideramos que es interesante otorgar un espacio en el que esas dudas se enfrenten al veredicto de un posible jugador final.

Vale, y cómo surgió esta idea. Háblanos de los cerebros que hay detrás.

Llevamos dentro del mundillo (¿se dice todavía mundillo?, ¿lo dicen los youtubers?) desde que en 2010 empezamos con Nivel Oculto, una web que comenzó sin un objetivo claro y que ella solita ha ido desviándose hacia el sector independiente de una manera tan natural que ahora prácticamente no hablamos de otra cosa. Nos hemos afianzado como una web de referencia en castellano sobre el sector indie, así que como podrás imaginar no hacemos otra cosa que ampliar la plantilla de mayordomos que nos acompañan en nuestros yates. Pero esta vida de lujo y desenfreno no nos ha alejado de la gente normal, de nuestra gente, esos pequeños desarrolladores que sobreviven a base de snacks y bebidas energéticas mientras pierden la vista delante de un monitor y tratan de retener a sus parejas explicándoles que algún día serán muchimillonarios. En su momento nos dimos cuenta de que en Nivel Oculto no dábamos abasto para otorgar el hueco que se merecía el desarrollo independiente de habla hispana, y pensamos que necesitábamos una plataforma diferente, pero complementaria, que hiciese justicia a todos esos Quijotes digitales.

Centrémonos en el tema de la difusión. Efectivamente en Indiefan consideráis que esta es una de las mayores trabas a las que tiene que hacer frente el desarrollador indie. En dicho sentido, qué crees que han estado haciendo bien y mal hasta ahora. ¿Algún ejemplo?

El mayor problema al que se enfrenta lo indie es que su propia concepción obliga a los implicados a ser algo así como hombres del renacimiento. Hablamos de grupos habitualmente pequeños que han de desarrollar el juego, buscar financiación, manejar redes sociales, contactar con prensa y de vez en cuando comer. Todo esto es imposible si no eres un pro-hombre o Pérez Reverte, por lo que alguna parte del proceso suele flaquear, y este suele ser en muchas ocasiones la relación con la prensa. Yo no soy quién para dar consejos, pero puedo poner ejemplos, y ese sin dudarlo sería Luis Oliván de Fictiorama, creadores de Dead Synchronicity. Su labor con la prensa me parece el paradigma de lo que cualquier estudio o desarrollador independiente debería intentar hacer.

¿Qué requisitos pedís a un desarrollador para que pueda meter su juego en Indiefan? ¿Qué es lo que aconsejáis a la hora de realizar una campaña para que pueda tener éxito?

Nuestros requisitos son mínimos, se limitan a aquello que consideramos imprescindible para mantener la esencia de la plataforma. La campaña ha de estar bien presentada, es decir, debe contener información escrita sobre el título, así como cualquier elemento en forma de imagen, vídeo o sonido que permita al usuario hacerse una mejor idea del acabado final del mismo. Pensamos que si un usuario va a prestar su propia red social para promocionar un juego, al menos que pueda enorgullecerse de ello.

En cuanto a los consejos para que una campaña tenga éxito, lo principal es tener una perspectiva conservadora del nivel de aceptación de la propuesta. Siempre es mucho mejor quedarse algo corto a la hora de pedir votos y alcanzar el objetivo, que venirse arriba y no completar la campaña, porque entonces no se publicarán los votos a través de las redes sociales de los usuarios. Luego evidentemente está el hecho de saber explicar correctamente el proyecto. Está claro que un juego entra primeramente por los ojos, pero si el contenido artístico no es el mayor fuerte de tu juego, has de saber enfocar la campaña hacia aquellos puntos que quieres destacar.

Te voy a pedir números como si fueras un señor Ministro ante el Congreso. Cuántos juegos se han presentado a Indiefan y cuántos de ellos han logrado su objetivo. ¿Puedes ilustrarme con algún que otro caso concreto?

Si fuese un ministro esquivaría la pregunta hábilmente pero hemos venido a jugar, así que ahí va. Hemos recibido algo más de 100 proyectos, de los cuales hemos aprobado 23. De estos, únicamente 2 han salido adelante en el momento de contestar tus preguntas, aunque ahora mismo tenemos dos que seguramente también lo conseguirán. El tema de la consecución del objetivo va en parte ligado a lo que comentaba anteriormente. Aquellos que han conseguido el objetivo han realizado fuertes esfuerzos a través de sus propias redes sociales para dar a conocer la campaña, lo cual ha terminado dando resultado. De todos modos ha habido títulos que se han visto perjudicados por ofrecernos su apoyo al comienzo de nuestra andadura, como LaraaN, Missing Translation o FreezeME, poseedores todos ellos de una calidad envidiable que no supimos ‘vender’ correctamente en su momento. Por último está el hecho de que la propia plataforma va encuadrando los niveles de éxito, es decir, ha tenido que pasar un tiempo para que todos podamos empezar a calcular qué tipo de objetivos son realistas y cuáles se antojan imposibles en este momento.

Ahora que Indiefan ya lleva un tiempo rodando, ¿cómo valoras su evolución y, sobre todo, su aceptación entre los desarrolladores?

Creo que la aceptación entre los desarrolladores es buena, puesto que les permite un lugar donde dar a conocer su juego sin más esfuerzo que media hora delante de la pantalla creando la campaña. En cuanto a la evolución de la plataforma nos hemos dado hasta el Q1 el próximo año para ir anotando cada una de sus debilidades y preparar una versión hipervitaminada que nos permita mejorar a todos los niveles. Digamos que el objetivo inicial era enseñar la plataforma e ir aprendiendo de ella para reforzar sus aspectos positivos y minimizar los negativos.

Al final esto va de captar la atención de los futuros jugadores. ¿Salen las cuentas? ¿Estáis consiguiendo que la comunidad gamer se involucre aún más con el sector indie?

La respuesta corta es no. La respuesta larga es que sabíamos que sería complicado atraer a la gente para que preste su red social como apoyo a un desarrollador independiente a cambio de nada. En este momento todos los esfuerzos de nuestros monos amaestrados se centran en mejorar este aspecto.

Campaña para conseguir financiación en Kickstarter, campaña para conseguir luz verde en Steam Greenlight, ahora también campaña para lograr difusión… al final los desarrolladores van a pasar más tiempo en campaña que los políticos, y ya sabes que eso conlleva estrés, alopecia, pérdida de la inocencia y otros muchos problemas que no cubre la Seguridad Social. ¿No crees que se nos van a descentrar con tanta historia?

Yo antes de empezar con esto tenía una melena rojiza como el fuego del infierno, pero ahora el sol se refleja en mi cabeza deslumbrando a las palomas. Efectivamente, todo esto es demasiado para cualquiera, pero por el momento forma parte de distintos procesos del desarrollo. No puedo comparar Indiefan con Kickstarter o Greenlight porque sería ridículo, pero en cualquier caso cada una de ellas se centra en un objetivo diferente que valida una parte diferente del desarrollo complementándose entre sí. Otra cosa es que un estudio independiente medio sea capaz de asumir el camino de espinas a nivel promoción que tiene por delante cualquier desarrollo.

Responde ahora como co-fundador de Nivel Oculto: ¿cómo ves la actual relación entre la prensa del videojuego y los desarrolladores indies nacionales? ¿Crees que por norma no obtienen la visibilidad que merecen frente a los proyectos de fuera y las superproducciones?

En España ocurre una cosa muy rara, y es que existe un déficit de atención que se mezcla con un exceso de optimismo. Lo primero se va solucionando poco a poco por parte de los medios grandes, quienes ven en el desarrollo español una manera de rellenar sus exigencias de contenido. Quizás no sea la mejor manera de abordarlo, pero desde luego mejor esto que nada. Lo curioso es que desde esas mismas fuentes se nos vende el boom de desarrollo patrio como una especie de milagro económico cuando aquí casi nadie gana un euro. Digamos que la relación entre prensa y desarrollo es muy español y mucho españoles.

Hasta el punto de que no son pocos los que nos acusan de ser demasiado benevolentes cuando un juego nos llega firmado por un estudio español…

Nosotros al menos lo somos, pero únicamente en el tema de la cobertura. Mira, Javier Alemán (el otro administrador de Nivel Oculto) y yo llegamos a un acuerdo con respecto al contenido de la web hace tiempo. La cosa consiste en que no hablaríamos de nada que no nos interesara. Esto descarta muchos juegos, pero con el desarrollo español hacemos una discriminación positiva porque creemos que es necesaria. ¿Significa esto que vamos a hablar bien de un juego porque se haya desarrollado en Murcia? No, significa que le vamos a prestar una especial atención porque se ha desarrollado en Murcia. Luego la crítica será como nosotros la entendemos, que es un diálogo entre la obra y el autor de la crítica, y en este sentido puede (o no) que el hecho de ser un título español tenga (o no) importancia, pero esto también lo hacemos con otro tipo de juegos vengan de donde vengan. No entiendo esa manía de algunos por impedir la contextualización de la obra. No digo que sea imprescindible, pero en algunos casos me parece interesante. Te pongo un ejemplo. Hace unos meses sacamos la crítica de un título independiente llamado Neverending Nightmares creado por Matt Gilgenbach, un tipo que padece un trastorno obsesivo-compulsivo, el cual se ve reflejado de manera evidente en el juego. Yo no entiendo esa crítica sin conocer estos detalles sobre el autor porque los considero imprescindibles para comprender el título. Yo no sé si el hecho de que un videojuego sea español tiene importancia hasta que lo juego, pero si la tiene lo voy a decir. Dead Synchronicity por ejemplo me parece un reflejo estupendo de la crisis de los últimos años en este santo país. Otra cosa es que empecemos con ‘es que en España sólo se hacen juegos de la Guerra Civil’. Entonces únicamente queda irse a una esquina a llorar mientras te agarras muy fuerte las rodillas.

Cómo ves el presente y futuro de la industria patria.

Vivimos el mejor momento de desarrollo patrio desde la mal llamada “Edad de Oro” del videojuego español. Hay literalmente cientos de personas llenas de talento trabajando en diferentes proyectos con intereses muy diversos. Tú has entrevistado a un buen puñado y puedes dar cuenta de ello. En cuanto al futuro no soy demasiado optimista. Me temo que estamos cometiendo los mismos errores que se cometieron en los 80, con la única ventaja de que aparentemente no vamos a sufrir un colapso similar al de la llegada de los 16 bits. Se está trabajando únicamente en una dirección, que es en la del desarrollo, y nos falta trabajar de arriba hacia abajo con la creación de publishers centrados en el contenido independiente. No se trata de inventar nada, es algo que se lleva haciendo durante décadas en sectores como la música o el cine, en la que los sellos independientes se especializan en propuestas concretas que ayudan a los desarrolladores a focalizar su producto. Tengo la sensación de que hay mucha gente haciendo cosas buenas pero no hay nadie al otro lado escuchando. De momento sólo tenemos cifras, que no es poco, pero no es suficiente a medio plazo.

¿Dirías lo mismo si fueras Sandro Rey?

Si fuera Sandro Rey me pasaría el día entero investigando cómo fusionarme con Mario Vaquerizo para crear al Hombre de Vitruvio Televisivo. También me lo imagino viendo los mejores momentos de Hugo en el Telecupón en un loop infinito, pero esa es otra historia.

Aprovechando que lo tuyo es dar difusión, vamos allá con una pregunta típica: ¿A qué estudios españoles hay que tener bien localizados en el radar?

Magnífica pregunta con la que buscarme enemigos, te lo agradezco. Centrándome en lo que está por venir y en mis gustos personales, que nada tienen que ver con la calidad de un proyecto, te puedo decir que dos de los juegos que más espero para el próximo año son Rise & Shine y Crossing Souls, de Super Awesome Mega Team y Fourattic respectivamente. Luego hay gente que tiene proyectos entre manos muy interesantes, como Blooming Buds Studio (Calendula), Team Gotham (The Guest), Alike (Love You to Bits), Baroque Decay (Catequesis), Protocol Games (Song of Horror), Trim Tangle (Therefore), AlPixel Games (A Place for the Unwilling) o Asthree Works (Paradise Lost: First Contact).

Ya para ir acabando, vamos a darle al clásico minijuego. Dejo caer alguna que otra cuestión para que contestes de forma rápida, certera y… sin demasiado criterio.

Entiende el concepto indie como algo más allá de la miseria económica.

Acaricio mi gato. Sonrío. Tomo un último trago de brandi… e intento encasquetárselo a cualquiera de nuestros sufridos colaboradores.

Inaugurarían el post-indie. Unos genios.

Tristemente toca decir adiós. ¿Un último mensaje para los lectores?

Por supuesto. Si se encuentran con un desarrollador independiente alguna vez, no lo duden y corran a abrazarlo. Seguro que lo necesita. Ah, y no olviden entrar diariamente en Nivel Oculto e Indiefan, sus páginas amigas.

Hemos quedado a las once en la salida del Metro Diego de León a la altura del cruce Juan Bravo con Alcántara. El objetivo es estar a las doce en Tuulibrería, por lo que tenemos una hora por delante para tomar un café y meternos en el papel de entrevistador y entrevistado. Estoy un poco inquieto, porque esta no es una de esas zonas de Madrid que me conozco al dedillo, Diego de León tiene varias salidas a la calle, demasiadas para mi gusto, y no sé si AC Ojeda acabará saliendo a la calle por Francisco Silvela o Conde de Peñalver. Sin embargo ha llegado poco antes que yo y no tardamos en encontrarnos. Parece que se maneja bien con el subterráneo, pese a ser de Sevilla.

Ojeda se pide un café con leche, yo lo mismo sumándole unas tostadas con tomate por aquello de que el desayuno es la comida más importante del día según dice mi novia y a ella intento hacerle siempre el caso que no le hice a mi madre. Pero a lo que vamos, pronto empezamos a hablar un poco de todo. Me cuenta de su nuevo proyecto, por supuesto, consiguiendo elevar mis expectativas gracias a ese 'rescate' de sensaciones que tiene en mente y a la gente con la que se está juntando para llevarlo a cabo.

No tarda en salir el tema de cómo vamos a hacer la entrevista junto a ese '¿pero por qué yo?' limpio, honesto, que ya me preguntó días atrás, al poco de proponerle todo esto. Contestaré aquí para los lectores. AC Ojeda es un diseñador indie venido del mundo de las palabras. Es decir, no empezó picando código o pintando escenarios y ‘monigotes’. Él se adentró en este terreno como guionista, y esa es una tarea quizás desconocida para muchos, yo el primero. ¿Cómo se hace el guion de un videojuego? ¿Es muy distinto al de una película? ¿De dónde se sacan las ideas? Es un tema que siempre me ha intrigado y más en un caso como el de Ojeda, que viene por así decirlo de fuera, de escribir relatos de terror y muchas otras cosas que bien pueden tener poco o nada que ver con el ocio interactivo.

Establecemos una pequeña línea a seguir para la entrevista. Cierto es que no he cumplido con sus exigencias, el presupuesto no da para camerinos repletos de lirios amarillos ni para eunucos vírgenes, pero pese a ello Ojeda entra de muy buen grado en Tuuulibreria en la Calle Padilla 78, el lugar que elegimos para grabar la entrevista después de que Ojeda me confesara que era uno de sus rincones favoritos de Madrid.

Eso lo pude entender en cuanto conocí el proyecto de Tuuulibreria. Sí, venden libros, pero tú pagas lo que crees conveniente por ellos en forma de donativo. Por supuesto también puedes darles los que te sobran por casa, esos que, por lo que sea, sólo cumplen la triste función de acumular polvo en una estantería. De esta forma Tuuulibreria más que como un negocio puede entenderse como una entidad socialmente comprometida que facilita el intercambio de cultura, un bien que no abunda precisamente en estos tiempos.

Sigamos. Nada más entrar me apabulla un poco el encontrarme tan rodeado de libros. Libros en las estanterías, en el suelo, en cajas. Libros sobre libros, junto a libros, debajo de libros. Libros de tapa dura, de tapa blanda, de ciencia ficción, de terror, infantiles, libros de cocina, atlas, de religión, de filosofía. Una vez más, entiendo la fijación de Ojeda por este sitio.

Con la ayuda de Natalia encontramos un sitio ideal para grabar. Buena luz, buen decorado. Además podemos grabar sin molestar a nadie igual que nadie puede colarse en plano o estropearnos del todo un sonido ya justito por nuestra habitual ausencia de micrófono. En definitiva, es el lugar perfecto, idóneo para que ambos podamos sentirnos cómodos. Quizás demasiado si tenemos en cuenta la cantidad de tomas que son necesarias para sacar adelante la entrevista tratando de aparentar un mínimo de corrección, profesionalidad y cordura.

El resultado de todo esto es el vídeo que tienes justo aquí debajo. Si quieres saber más sobre AC Ojeda, sobre su visión del panorama indie y sobre su nuevo proyecto, dale al play.

Durante la Madrid Games Week pudimos probar no pocos juegos de esos que prometen ofrecernos horas y horas de diversión. Desde grandes superproducciones apoyadas en campañas de marketing bestiales hasta pequeñas y medianas joyas desarrolladas por estudios patrios con un presupuesto sacado de debajo de las piedras, muchísimas ganas y, sobre todo, un talento que sería difícil de medir con las escalas existentes.

Y entre toda esa marabunta indie nos encontramos con que la propia Playstation España tenía un stand reservado para pequeñas producciones de este tipo. Pero vamos a ver, ¿puede un juego ser indie si tiene a Playstation detrás? ¿No se supone que los indies deben buscarse su propio camino aunque ello conlleve vivir debajo de un puente y vender droga a la salida de los colegios? No amigos, desde luego que no vamos a entrar a definir aquí lo que es o no es indie, más que nada porque a buen seguro rodarían cabezas –la de un servidor–.

Lo que sí puedo decir es que los juegos que había en el citado stand de Playstation sí que eran indies 100% bellota, puesto que detrás de ellos nos encontramos con pequeños estudios formados por jóvenes talentos nacionales que quieren hacerse un hueco en el sector, y qué mejor forma de hacerlo que participando en los Premios Playstation, una iniciativa que busca dar difusión a la industria patria y facilitar la vida quien desde Sony consideren que es el estudio con un mayor potencial. Es decir, al estudio que cuente con un juego en una fase prematura de desarrollo que pueda llegar a convertirse en un videojuego completo con todas las letras.

Pero a lo que vamos, el caso es que me tocó pasarme por ahí a catar los juegos de los candidatos, algo por supuesto que hice encantado. Y entre todos ellos hubo uno en particular que llamó mi atención: Super Red-Hot Hero. Ya sólo el nombre mola, ¿verdad? Pues los individuos que hay detrás molan tanto o más que el propio juego, y como me dedico a hacer entrevistas por amiguismo y sobornos pues les propuse a los chicos de StrangeLight Games, que protagonizaran una de las entregas de ‘Hablan los indies’.

Y aquí está el resultado, una amena conversación con Bernardo Marcos, cofundador del estudio. Espero que lo disfrutéis.

Empecemos por donde siempre, quiénes sois en StrangeLight Games. Cómo y cuándo surgió el estudio.

¡Buenas Daniel! Pues mira es una historia bastante curiosa. Resulta que hace un par de años le dije a Marion, mi pareja, que quería ponerme a hacer videojuegos. Yo era ilustrador, pero no sabía programar ni la lavadora. Ella me comentó que tenía un ex novio que era programador y que siempre había querido hacer juegos. Decidí llamarlo y nos conocimos. Pere trabajaba ya haciendo webs con Alberto y nos juntamos. El pacto fue nunca explicar de qué nos conocíamos… ¡Ouch!

¡Tarde! Toca desatar nuestra pasión por los cotilleos y la prensa amarilla. Bueno, venga, va… lo dejaremos pasar. ¿Qué tal os iba antes de lanzaros a esta aventura? Como tantos otros desarrolladores, ¿habéis dejado atrás un trabajo estable para lanzaros a cumplir un sueño?

Pues no, aún seguimos en ello. Quizá es porque el sueño aún no está cumplido y hay que comer (risas). Lo compaginamos como podemos. Como somos autónomos, nuestro despacho es multifunción. Tampoco sabemos si llegaremos a dejar del todo otros proyectos, dependerá de cómo vayan las cosas. A mi personalmente me gusta hacer otros encargos de vez en cuando y nos da una seguridad económica que nos permite hacer los juegos que queramos.

El término ‘seguridad económica’ no es muy indie, ¡que lo sepas! Sigamos, ¿cómo reaccionaron amigos y familiares cuando les comentasteis que queríais fundar un estudio de videojuegos? ¿Entienden que se puede sobrevivir e incluso llegar a hacer negocio con algo así?

Al principio les pareció genial, porque: ‘el videojuego es una industria en alza’. Un tiempo después era más como: ‘¿Pero no vais a salir en móvil? ¡Si es donde hay pasta!’. Hoy en día es más tipo: ‘¿Aún no cobráis? ¿Por qué no aceptasteis lo que os ofrecieron aquella vez que…?’. De todos modos en general confían bastante en nosotros. Creo que es porque nos ven trabajar mucho y salir poco. A saber dónde estaríamos si no…

Lo de ‘salir poco’ también es poco indie, no me rompáis estereotipos ahora. Pero lo dicho, sigamos, ¿ha sido necesario un profundo reciclaje profesional para comenzar a desarrollar un videojuego o lo habéis tenido relativamente fácil gracias a las herramientas actuales?

Bueno, aunque Pere es ingeniero informático y yo soy de Bellas Artes (no digo artista, porque me parece un poco de ‘repelentín’), no sabíamos nada de hacer videojuegos. Por suerte somos autodidactas por naturaleza y hemos ido aprendiendo sobre la marcha. Es un campo en el que no creo que se pare nunca de aprender de todos modos. Las herramientas actuales nos han permitido funcionar siendo un estudio muy pequeño, eso está claro…

¿Cómo fueron los comienzos? ¿Tenéis la sensación como tantos otros estudios independientes de estar tirando vuestro dinero a un pozo insondable del que no escapa ni la luz? Eso sí, siendo igualmente felices y estando orgullosos de lo que hacéis, claro.

¡Estamos tirando dinero todo el rato! ¡A todas partes! Lo bueno es que tampoco tenemos mucho tiempo para gastar en otras cosas (risas). Siempre hemos tenido claro que queríamos hacer un buen juego, aunque fuera un camino largo. Con el tiempo hemos visto que quizá no es la mejor estrategia para empezar, pero creemos que vamos bien y que recuperaremos la inversión. Sobre la felicidad y el orgullo, hay ratos para todo, pero nos encanta lo que hacemos, y creo que cuando acabemos y veamos el juego acabado fliparemos.

Corrección: Pere dice que diga que es todo pasión y felicidad, que vende más. Pues eso, que estamos en la cresta de la ola y que es un no parar de reír. El desarrollo no remunerado es como una guerra de cojines infinita.

Nos conocimos durante la Madrid Games Week, feria a la que acudisteis dentro de la iniciativa ‘Premios Playstation’. Contadnos cómo está siendo para vosotros esta experiencia.

Pues está siendo muy constructivo. Era la primera vez que enseñábamos Super Red-Hot Hero en público y, tener la oportunidad de hacerlo en el stand de Playstation en una feria como la MGW es una gran experiencia, sin duda. Además aprendes a vender tu juego a grito pelao, intentando hacerte oír por encima del comentarista del FIFA.

Fuera bromas, estamos muy agradecidos. Es genial.

Cuando os presentasteis con vuestro juego, Super Red-Hot Hero, en qué fase de desarrollo se encontraba y cómo marcha ahora.

Estaba casi como en la MWG, acabando la versión Alpha. Ahora mismo estamos modificando algunas cosas antes de cerrarla, teniendo en cuenta el feedback que recibimos allí.

Efectivamente durante la feria no pocas personas, un servidor incluido, se pasaron a probar vuestro juego. De entre todo el feedback que comentas, ¿qué es lo que os caló más hondo? ¿Hubo alguna crítica feroz que os hirió la patatita o todo fueron halagos?

Por primera vez mostramos Super Red-Hot Hero y recibimos un feedback absolutamente positivo. Nos quedamos muy tranquilos, porque este proyecto es una evolución de uno anterior que no acababa de cuajar. Lo rediseñamos entero y parece ser que hemos acertado.

También recibimos críticas súper constructivas en lo referente a las sensaciones del control y cámara, gracias a las cuales el juego que tenemos hoy es mucho más agradable que el que se vio en Madrid. Especial mención a Jordi de Paco que nos dedicó un ratazo y nos dio un feedback muy útil. Por otro lado hubo dos chicos que odiaron el juego. Luego fui al baño y estaban allí criticándonos muy fuerte a la mayoría de estudios. No me reconocieron. Les saludé y lo pasaron muy mal, se pusieron rojos y tal. ¡Si hay 20 estudios con entre 3 y 14 miembros cada uno, es muy probable que te encuentres a alguno en el baño!

Ya ves, desde aquí animo a esos dos colegas a ponerse a picar un juego, a ver qué sacan… aunque quién sabe, quizás sean unos genios incomprendidos. ¿Qué destacaríais de participar en los Premios Playstation? ¿La visibilidad? ¿La posibilidad de que os financien el proyecto?

La visibilidad es sin duda lo más destacable para nosotros. También el ‘feedback’. La financiación del proyecto no es uno de los premios del concurso, aunque si ofrecen una suma en metálico. Ellos invierten principalmente en marketing.

En diciembre es la gran final. Quizás sea una pregunta un tanto estúpida pero, ¿creéis que tenéis posibilidades? A ver si os mojáis un poco, ¿cuáles de los proyectos finalistas veis como posibles vencedores?

A ver, quedamos 12 proyectos… Pere me comenta que así a bote pronto tenemos un 8,333 de posibilidades. De todos modos, mi madre dice que lo importante es participar y no seré yo quien la contradiga.

En el caso de ganar… ¿habrá champán para todos y fiesta con confeti? ¿Cuál es vuestra hoja de ruta si no lo conseguís?

En el caso de ganar podríamos encargar más temas a Carles a Fran, compositor musical y sound designer del juego, respectivamente. En caso contrario estamos aprendiendo a tocar la flauta, pero no es lo mismo. No sé si contesto a tu pregunta… El juego se publicará de un modo u otro.

Eso es lo que quería oír. Hemos ido al tema con los Premios Playstation sin presentar primero vuestros juegos, ¡qué maleducados somos! Hasta lo que sé tenéis cuatro títulos: ‘Magma Tsunami’, ‘Strangelight’, ‘What Happened Here?’ y ‘Super Red-Hot Hero’. ¿Podéis presentarnos los tres primeros? De Super Red-Hot ya hablaremos más tarde…

Vamos allá:

A mi particularmente me ha llamado la atención ‘What Happened Here?’. Me ha gustado el hecho de despertar en una habitación destartalada y que, dependiendo de lo paranoicos que nos pongamos el final sea uno u otro. ¿Su idea central surge de alguna experiencia personal? ¿Alguna vez habéis despertado en una habitación de hotel pensando que os habían extirpado un riñón, que un extraterrestre ha experimentado con vosotros o que una prostituta asiática os ha robado la cartera?

A veces soñamos con el día en que nos despertemos a menudo en suites de hoteles de lujo sin recordar nada. Supongo que ‘WHH?’ es una proyección de esos deseos. A parte, un amigo de un amigo mío, que una vez después de una juerga no se acordaba de casi nada, me ayudó con el guión.

¿Os plantaríais expandir su concepto con un proyecto más ambicioso o estamos ante un mero experimento que acaba ahí?

Me alegra mucho que te guste y que me preguntes esto. ‘What Happened Here?’ es un proyecto bastante fetiche para mí. Siempre me ha atraído continuarlo, de hecho he seguido trabajando sobre él en la facultad de Bellas Artes.

El juego gustó y se movió mucho por diferentes páginas de minijuegos (evidentemente sin pedirnos permiso y sin pagarnos). Si alguien lo quiere jugar que lo juegue en nuestra web, gratis, y sin anuncios. Además pusimos un secreto en el juego para comprobar que opinaba a la gente y recibimos mucho feedback al respecto… Hasta aquí puedo leer.

Volviendo a la pregunta, es más que probable que algún día retomemos el concepto, pero si lo hacemos, no lo ampliaremos a saco, sino que lo replantearemos desde cero, sobretodo porque durante la entrevista has hecho spoilers del concepto principal del juego. Sin rencores.

Hablemos ya de Super Red-Hot Hero. Es el turno de su presentación en sociedad.

Super Red-Hot Hero es un juego de plataformas en 2.5D inspirado en los grandes juegos de nuestra infancia, combinado con los plataformas independientes más frenéticos de hoy en día. El jugador controla a Red-Hot Hero, un androide cuyo corazón fue substituido por un núcleo de Red-Hot Energy, una poderosa energía térmica que sirve de sustento a todo un ejército de adorables robots. Con semejante poder, Red-Hot Hero puede viajar a la velocidad de la luz entre las concentraciones de Red-Hot Energy que dejan las explosiones de sus enemigos al ser pisados, golpeados o disparados por nuestro héroe. El problema es que su núcleo está averiado, por lo que pierde energía constantemente, así que debe moverse rápido para absorber toda la que pueda encontrar, aunque para ello tenga que destruir a todo el ejército de la Kazan Army.

Estamos buscando un título frenético y exigente, que ponga a prueba los reflejos de los jugadores con más nervio.

Personalmente he de decir que me pareció uno de los títulos más potentes de entre los que aspiran a ganar los Premios Playstation. Pero estoy aquí para criticar, ¿no? Creo que, pese a que cuenta con unas mecánicas ricas y un ritmo feroz, al principio cuesta un poco pillarle el punto. ¿Ofreceréis un pequeño tutorial para los más torpes? ¿Cómo va el proceso para conseguir una curva de dificultad equilibrada?

Pues no lo tenemos claro, seguramente simplificaremos un poco el principio, pero casi todo el mundo lo pilla tras pocos intentos y se sienten muy satisfechos. Nos gustaría seguir el magnífico ejemplo de Super Mario Bros e intentar explicar lo máximo posible con el diseño de niveles, evitando los tutoriales. En Madrid teníamos que enseñar muchas cosas en poco tiempo y tampoco queríamos que pareciese un juego muy fácil si nos quedábamos cortos. Lo que la gente jugó como tercera pantalla, quizá será la quinta o la octava. También teníamos algún que otro problemilla con la cámara que dificultaba mucho el aprendizaje. Ahora mismo estamos trabajando en eso, con buenos resultados. Cuando estemos cerca de publicar haremos sesiones de testeo a lo bestia e intentaremos que sea lo más intuitivo posible, manteniendo el ritmo y la dificultad. Es algo muy importante para nosotros, así que trabajaremos en ello lo que haga falta.

Es indudable que Super Red-Hot Hero bebe de uno de vuestros anteriores trabajos, Magma Tsunami, que viene a ser un runner más tradicional. Pero vuestra nueva propuesta destaca en concreto por dos mecánicas: el uso de portales preestablecidos o que podemos crear en tiempo real y el tener que recoger forzosamente baterías para nuestro protagonista si no queremos que muera. ¿Cómo se os ocurrió todo esto?

Después de Magma Tsunami íbamos a hacer Super Magma Tsunami, que iba a ser más plataformas, menos runner y más inspirado en los clásicos. Llegamos a tener una demo jugable bastante avanzada, pero no acababa de cuajar entre la gente, por ser un género poco original. Aunque iba a ser prácticamente una versión ‘pasada a limpio’ de Magma Tsunami, perdimos mucho tiempo intentando mejorarlo, ampliarlo, etc… Finalmente nos dimos cuenta de que lo habíamos convertido en un proyecto largo y que no estaba bien enfocado. Decidimos rediseñar el juego desde el principio buscando unas mecánicas más atractivas y testeando desde el principio. Fue una locura, pero bueno, supongo que en eso consiste madurar como desarrolladores (risas). Estamos contentos porque aunque tiramos cantidad de horas de trabajo, ahora está gustando mucho. A nosotros también nos gusta mucho más.

Efectivamente si lo resumimos podríamos decir que Super Red-Hot Hero es una mixtura de plataformas, acción y runner. ¿Tenéis pensada alguna otra sorpresa? ¿Cómo vas a evitar el desarrollo repetitivo que suele acechar a los juegos de este tipo? ¿Habrá por ejemplo jefes finales que machacar?

Solemos rechazar un poco el término runner, porque la gente tiende a asociarlo a juegos sencillos de móvil. Super Red-Hot Hero tiene muchas mecánicas y es complejo de dominar, además de que el jugador controla totalmente a Red-Hot Hero y tiene libertad para explorar las pantallas como quiera. No ‘corre solo’ como en los runners. Aunque si nos interesa el frenetismo que estos suelen tener y si que es probable que haya pantallas con dinámicas que beban de ese género.

Los poderes se irán adquiriendo de manera progresiva, introduciendo poco a poco distintas posibilidades de combeo entre el teletransporte, el puñetazo y el disparo, además de muchas plataformas y enemigos que no hemos mostrado aún. Hay cientos de combinaciones y de ideas para ir explotando a lo largo de las pantallas. Habrá algún jefe final, pero no sabemos aún si uno o varios. No creemos que vaya a hacerse repetitivo, más bien lo contrario.

Entendemos que si sale elegido Mejor Juego en los Premios Playstation será un exclusivo de PS4. En caso de no ser así, ¿lo llevaréis a otras plataformas como PC y Xbox One? ¿No lo veis como un título con mucho potencial en consolas portátiles, smartphones y tablets?

Cómo comentábamos antes, para salir en smartphones y tablets habría que rediseñarlo desde cero y no está en nuestros planes. Aunque nunca digas nunca… Sobre el resto de las plataformas, es un poco pronto para decir nada seguro. Dependerá de cómo vayan los próximos meses.

Y la pregunta del millón. ¿Cuándo estará listo?

Pues te tengo que decir lo mismo que en la pregunta anterior (risas). Depende de varios factores, pero será durante 2016.

Para ir terminando siempre pedimos que nos recomendéis algún estudio indie nacional al que haya que tener en el radar. ¡Vuestro turno!

Pues me llama mucho la atención Calendula de Blooming Buds. Por lo que tengo entendido el juego va de conseguir jugar a un juego que no se deja jugar. Tenía muchas ganas de probarlo en Madrid y al final entre una cosa y otra no pude, pero tiene pintaza.

Por último un minijuego. Toca ronda de preguntas rápidas:

Lamentablemente toca despedirse. ¿Un último mensaje para los lectores?

Pues nada ha sido un placer responderte esta entrevista Daniel. Muchas gracias por la implicación y el cariño en la divulgación de los estudios independientes en prensa no especializada.

A los lectores, nada, que esperamos lograr que Super Red-Hot Hero os haga morir una y otra vez, que os ponga de los nervios, os haga apretar el mando hasta hacerlo crujir… ¡Y que aún así lo disfrutéis un montón! Ah y que buscamos siempre gente que quiera probar el juego y darnos ‘feedback’. Estamos cerca de Barcelona, si eres de por aquí, estaremos encantados de que nos escribas y vengas. No pagamos pero solemos sacar unos aperitivos de calidad media. ¡Un abrazo!

Llevo ya unas cuantas entrevistas a desarrolladores, sin embargo pese haber visitado algún que otro estudio, aún no había tenido ocasión de pasar toda una tarde con ellos viendo cómo establecen las líneas básicas de un juego entre ideas a ratos brillantes a ratos disparatadas, y cómo le dan vida a sus escenarios y personajes protagonistas con un mimo digno de la artesanía más elaborada.

Por ello, aprovechando que durante la Madrid Games Week el bueno de Ludipe me invitó a visitarles, no desaproveché la ocasión de pasarme por las oficinas de AlPixel Games en plena calle Fuencarral, a la altura del mercado. Sí, se trata de una ‘zona hipster’ en la que se dan cita no pocos turistas, gente de barrio, modernos que aspiran a dominar el mundo, captadores de socios para ONG y músicos callejeros entre tiendas de moda, cafeterías con precios abusivos, bares de copas, kebabs y ‘chinos’. Y eso mola mucho, qué queréis que os diga.

La verdad es que no tenía una idea clara en la cabeza para esa tarde, porque además de visitarles para aprender cómo trabajan, se supone que tenía que sacar algo de material para publicar. En dicho sentido, bajar desde Bilbao hecho una maldita bola después de quedar para comer con mi señora en una especie de buffet asiático no ayudaba, y mi único apoyo era un cuaderno con escuetas notas, la cámara réflex y un trípode que jamás había usado antes. Ni siquiera sabía si estaría cojo o si sería compatible con la réflex, con eso os digo todo. Pero oye, algo tenía que hacer, y tras llevar meses picando entrevistas en mi teclado, intuía que venía siendo necesario un pequeño cambio dentro de ‘Hablan los indies’, una pequeña gota en forma audiovisual. Es decir, ¡una entrevista en vídeo!

Pero, ¿cómo hacerla? Vamos a ver, mi relación con la cámara –que por cierto no es mía, es de mi señora– se resume a controlar el zoom y darle al botón de disparo para tomar tres o cuatro fotos. Sé que términos como encuadre, enfoque, distancia focal y exposición tienen algo que ver con todo esto, pero no me preguntéis el qué. Y de esta guisa entré por la puerta de esa coqueta pero maravillosa oficina que AlPixel Games comparte con los chicos y chicas de BytecoreGames gracias a la generosidad de Made in Spain, y les expuse mi situación.

Quería hacer una entrevista divida en dos partes, siendo la primera de ellas una serie de preguntas cortas dirigidas a Ludipe para que nos hable de su anterior juego, esa joyita llamada Missing Translation que nadie debería perderse y que, una vez más, está gratis en Steam y pesa 50 mb; además de hablarnos de como era antes su situación y cómo es ahora. Esta parte de la entrevista iría con cortes, uno por pregunta, con solo Luis en plano. Por el contrario para la segunda parte quería contar con los tres actuales integrantes de AlPIxel; Ludipe, el artista Rubén Calles y el compositor y sound designer Celer Gutiérrez, para que nos cuenten sobre su próximo trabajo, ese proyecto recién salido de sus cerebros que ni siquiera tiene nombre aún.

Les pareció bien, y nos pusimos manos a la obra. Pero a mi ineptitud con la cámara y nulas dotes de director se le unió que no encontrábamos un sitio adecuado para grabar. Aquí hay contraluz, aquí el encuadre es feo, aquí hay demasiado ruido de fondo y ni siquiera traigo un micro. Finalmente parecía que ya lo teníamos, que podíamos poner a Ludipe a parlotear frente a la cámara. Y así fue como grabamos unas cuantas tomas que no nos terminaban de convencer. Había muy buen rollo en el ambiente, y con un formato de graba, corta, vuelve a grabar todo ese buen rollo se iba por el retrete.

Entonces saltó Ludipe: ‘¿y por qué no nos ponemos los tres en el sofá, empezamos a hablar y listo?’. Pues mira, creo que si algo caracteriza a los game desing es que suelen tener buenas ideas, y esta me pareció realmente fantástica. Teniendo en cuenta que publicamos en un medio como eldiario, que siempre busca la creatividad y la autenticidad, ¿por qué no plantar la cámara frente a estos chicos y dejar que ellos hagan lo que les venga en gana? Eso fue lo que finalmente hicimos.

Claro, para que esto no se convirtiera en un despropósito mayor del que ha acabado siendo, marcamos un par de normas, un breve guion: hablar de lo que fue y es AlPixel Games, hablar de Missing Translation y, sobretodo, contar algo sobre ese nuevo y enigmático proyecto que tienen entre manos.

He aquí el resultado:

Los videojuegos se han convertido por méritos propios en uno de los mayores nichos de mercado de la industria cultural y de ocio, llegando a mover cada año mucho más dinero que el cine, la música y la literatura. Nos encontramos pues ante una industria emergente que busca cimentar sus bases en España desde la mismísima formación de los profesionales del mañana, y por eso mismo no son pocas las universidades tanto públicas como privadas que, durante los últimos años, están ofreciendo una carrera muy atractiva para los jóvenes: Grado en Creación de Desarrollo de Videojuegos.

Entre todas ellas encontramos la Universidad Europea. Sin embargo, ¿qué ocurre si cuando empezaste a estudiar aún no existían estas carreras tan ‘modernas’ y tu sueño siempre ha sido desarrollar un videojuego? La respuesta es simple: reciclaje profesional. Es el caso de Ares Pérez Ávila y Juan Antonio Raya Rubio, dos jóvenes recién titulados en Ingeniería Informática por dicha universidad que, pese a haber llegado tarde al famoso Grado de Videojuegos, no han cedido a la hora de dedicarse en cuerpo y alma a aquello que siempre han deseado: dar a luz a su propio videojuego.

Así nace OWYS, título que en un comienzo surgió como un Proyecto de Fin de Grado y que ahora mismo es un videojuego hecho y derecho que cualquiera puede adquirir para PC, Mac y Linux a través de Steam, la mayor tienda digital del mundo. Además pronto llegará a PS4 y Xbox One, algo que sus responsables entienden como un gran paso adelante para seguir creando nuevas experiencias.

Contadnos, ¿quién está detrás de Gameware Studios? ¿Cuándo y cómo surge vuestro estudio?

Detrás de Gameware Studios están dos ingenieros recién titulados, Ares Pérez Ávila y Juan Antonio Raya Rubio. Sí, somos solo dos pero tenemos más ganas de crear videojuegos que algunas empresas modernas.

Siempre hemos querido conocer el mundo de los videojuegos en su parte profesional y es ahí cuando surge nuestra idea de estudio. Nos dimos cuenta de que nuestro Proyecto de Fin de Grado estaba comenzando a crear expectación y vimos que esa era nuestra oportunidad de entrar en este mundo.

Concretamente qué fue lo que os motivó a lanzaros al peliagudo campo del desarrollo de videojuegos. ¿Se trata, como viene siendo habitual en estos casos, de un sueño de la infancia que va camino de hacerse realidad?

Desde pequeños hemos querido desarrollar videojuegos pero siempre lo hemos visto como una ilusión y un mercado en el que no se podía entrar. Sin embargo una vez que adquieres conocimientos más avanzados te das cuenta de que ese mundo no está tan distante y que estás capacitado para comenzar en él, aun sin saber mucho que hacer.

Como bien comentáis se trata de un mercado difícil, y ya sabéis que los sueños por sí solos no llevan comida a la mesa. ¿Barajasteis otras opciones? ¿Medisteis bien riesgos y oportunidades?

Ciertamente sí que barajamos la posibilidad de fracasar y no conseguir llegar a nuestros objetivos pero creemos que sería mucho mayor el fracaso de no intentar cumplir nuestro sueño ahora que tenemos la oportunidad. Es cierto que es un mercado muy competitivo a nivel global, pero todos los grandes desarrolladores empezaron con títulos muy pequeños y mucha ambición.

Teniendo en cuenta que el mundillo de los videojuegos sigue siendo visto por ciertos sectores de la sociedad como un pasatiempo para adolescentes en vez de como lo que realmente es, un negocio con futuro y un ingrediente de peso de la cultura contemporánea, ¿os habéis encontrado con algún tipo de oposición al querer dedicaros a esto?

En el entorno familiar no hemos encontrado ninguna oposición a que intentemos desarrollar videojuegos, por el contrario familiares y amigos nos han intentado apoyar ilusionados por conocer también ese mundo. Es cierto que en muchas ocasiones hay gente que piensa que no es realmente un trabajo, sino solo un hobby, y no imaginan la complejidad del mismo y la cantidad de dinero que mueve este sector.

Si no me equivoco habéis estudiado Ingeniería Informática en la Universidad Europea. A sabiendas de que dicha universidad ofrece Grado en Creación y Desarrollo de Videojuegos, ¿por qué no escogisteis esta carrera en concreto? ¿No existía cuando empezasteis la carrera? Si pudierais elegir ahora, ¿estudiaríais la Ingeniería Informática o tiraríais por el Grado de Videojuegos?

Cuando empezamos no existía el Grado de Videojuegos por lo que no tuvimos esa opción. Es cierto que es realmente interesante y a día de hoy no sabríamos que escoger, tanto uno como otro tiene ciertas ventajas y desventajas. Por una parte en el Grado de Videojuegos se trabaja mucho el 3D y otra serie de aspectos muy interesantes que suelen ser difíciles de adquirir de forma autónoma. Por otra parte en Informática se aprende mucho sobre programación y conceptos técnicos sin los que algunos aspectos de nuestro videojuego no serían posibles.

En concreto, ¿cuáles de los conocimientos aprendidos en la Ingeniería Informática podéis aplicar al desarrollo de un videojuego? ¿Habéis completado vuestra formación por alguna otra vía alternativa como por ejemplo cursos externos o de forma autodidacta?

En nuestro videojuego hemos tenido que utilizar la mayoría de conocimientos que adquirimos como son la programación en diversos lenguajes, bases de datos, ingeniería del software, redes, etc. La complejidad consiste en reunir todos esos conceptos aprendidos y unificarlos en un solo ‘producto’.

Además hemos tenido que aprender por nuestra cuenta, a base de prueba y error, búsquedas en foros, vídeos de YouTube y todos los mecanismos a nuestra disposición, ya que las bases necesarias para elaborar un videojuego son aún más diversas.

En la Universidad Europea existe un ‘Club de Videojuegos’, que es desde donde, hasta lo que sabemos, empezasteis a trabajar en vuestros primeros proyectos. ¿No fue así? ¿Qué impacto ha tenido este club para vuestro trabajo?

Efectivamente, el año pasado creamos el club ‘UEGameStudio’ con el objetivo de empezar a aprender sobre este mundo y formar un equipo multidisciplinar con la idea de crear un videojuego en cada curso. El club comenzó con mucha expectación, pero es difícil unificar las ideas de todos los integrantes en un único proyecto en común cuando los estudiantes comienzan a tener trabajos que entregar y diversos exámenes.

Aun así fue una buena experiencia y proporcionamos una gran base, con la que estamos seguros del que el club seguirá creciendo y creando nuevos proyectos.

Aunque nuestro proyecto sea ajeno al club, hemos aprendido las diferentes partes que debe tener un estudio de desarrollo y como unificarlas todas para crear un videojuego a partir de una simple idea.

¿Cómo ven vuestros compañeros de universidad que os dediquéis a algo tan chulo como desarrollar un videojuego? ¿Podéis andar orgullosos por los pasillos levantando envidias a cada paso o a la mínima que os dais la vuelta os plantan el cartel de ‘freak’ en la espalda? ¿Se liga más o tan sólo es una leyenda urbana?

La verdad es que no nos podemos quejar, los compañeros nos ven con grandes posibilidades de triunfar y nos han apoyado siempre. Claro que eso depende de por dónde pasemos, si nos alejamos un poco del edificio de ingeniería, arquitectura, etc., empiezas a ser desconocido y observado. Si llegas al edificio más lejano, simplemente eres ‘el friki’.

Como bien comentas llegar a desarrollar un videojuego es una meta muy compleja que suele requerir de una polifacética plantilla de profesionales. Es decir, pueden llegar a necesitarse diseñadores, programadores, artistas, técnicos de sonido… ¿Cuál es vuestro caso? A la hora de trabajar, ¿hacéis todos un poco de todo o cada cual tiene un papel específico?

Al tener un equipo tan pequeño nos hemos visto obligados a intentar hacer de todo un poco, investigando sobre los diversos campos de los que desconocíamos más y profundizando en nuestras especialidades. Es cierto que teníamos carencia en la parte artística, ya que solo somos dos informáticos. Estamos trabajando en ello e intentando ampliar nuestro equipo para mejorar esta parte en futuros proyectos. No queremos pintar cuadrados eternamente.

Hablemos ya de OWYS, vuestra gran baza para haceros un nombre. ¡Presentádnoslo!

OWYS es un juego de plataformas en el que intentamos rescatar esa jugabilidad clásica donde lo importante era la diversión y hacer que el jugador superase una serie de retos. Para ello hemos planteado una serie de mecánicas que se reparten a lo largo de diferentes mundos y que hacen que el juego no se haga repetitivo. Definitivamente el juego se ha creado para poner a los jugadores a prueba.

Además también queríamos fomentar la creatividad de los usuarios y su ‘mala leche’ creando niveles mediante nuestro editor que permite plasmar sus ideas en tiempo real.

Es incuestionable que géneros aparentemente dormidos durante la generación de PS3 y 360 están volviendo ahora a la vida con el boom independiente. Las plataformas por supuesto son uno de ellos. Sin embargo OWYS no es un Super Mario cualquiera, ¿verdad? ¿Qué lo diferencia respecto a otros títulos?

Sobre todo tenemos que destacar las nuevas mecánicas que no se habían visto antes en ningún plataformas, unificando una velocidad bastante elevada y un ritmo frenético conseguimos crear el ‘hardcore’ de los plataformas. De hecho creemos que puede ser bastante elevada, por lo que hemos actualizado con un modo un poco más ‘fácil’ equiparable a la versión difícil de otros plataformas.

Su estética también resulta realmente llamativa con sus colores nítidos, vibrantes, y el uso de la iluminación. Todo ello con un toque un tanto minimalista y un protagonista en forma de… ¿Nube? ¿Muela? ¡Cómo surgió todo esto!

Ya que no somos expertos artistas, como ya sabéis, tuvimos que centrarnos en funcionalidades como la iluminación para dar un toque carismático y de calidad visual al juego. La verdad que OWYS no es una nube, y mucho menos una muela es simplemente un ser con patitas muy gracioso que nos ayudó en nuestra necesidad de no pintar mucho.

Además queríamos un monigote simpático que acompañase a nuestra música simpática para darle un toque de ironía a la cantidad de veces que queríamos matarlo.

OWYS tiene modo para un solo jugador y multijugador tanto competitivo como cooperativo local y online, pero además ofrece toda una golosina; la posibilidad de crear nuestros propios niveles en tiempo real para después poder compartirlos con la comunidad. ¿Le están dando buen uso los jugadores a dichas posibilidades? ¿Os habéis encontrado con alguna creación fuera de lo común?

Debemos tener cuidado con el editor de niveles. Si bien es cierto que nuestro objetivo es fomentar la creatividad de los usuarios y que estos puedan divertirse diseñando niveles sin la complejidad técnica que suele suponer, nos encontramos con que puede aparecer contenido que no es apropiado para la muchos jugadores. Hemos intentado ponérselo difícil a los ‘trolls’, asegurándonos de que cada nivel subido cumple unos requisitos mínimos de jugabilidad, y que cada nivel puede omitirse si el usuario lo desea.

También hemos implementado un sistema de votos para destacar los niveles que le gustan más a la comunidad. Queremos potenciar la herramienta y darle un mayor protagonismo en con las próximas actualizaciones del juego.

Esta primavera OWYS consiguió la luz verde en Steam Greenlight y ya está disponible en PC Windows, Linux y Mac. Sin embargo sabemos que también tenéis pensado lanzarlo en otras plataformas. ¿Cuándo y dónde podremos jugarlo?

Sin duda cuando conseguimos el Greenlight para nosotros supuso todo un logro, ese día fue especialmente feliz porque no habíamos presentado ni siquiera el proyecto aún y ya íbamos con un juego que se publicaría más adelante en una Store internacional. Pero sin duda ahora estamos centrados en dos grandes lanzamientos: PS4 y Xbox One.

Hace relativamente poco hemos sido aceptados como desarrolladores y el concepto de OWYS ha sido aprobado tanto por PlayStation como por Microsoft por lo que dentro de unos meses podremos verlo en estas plataformas, lo que será un gran hito para nosotros y un sueño hecho realidad por supuesto.

¿Viene dicho movimiento apoyado por un partner que os ayude con la publicación, el marketing y la tramitación de todo el ‘papeleo’ para desarrollar en PS4 y Xbox One?

Por el momento estamos solos en esta aventura.

¿Existe una gran diferencia entre desarrollar para PC y para consolas de nueva generación? ¿Qué tal lleváis el tema de los kits de desarrollo?

Sin duda es un abismo la diferencia que supone. En PC todo es mucho más libre y menos estricto, por lo que es más fácil encontrar información en cualquier rincón de internet. El mundo de las videoconsolas es totalmente otro tema, perdemos más tiempo en puros trámites burocráticos y en encontrar información (la cual solo está disponible en los propios foros privados) que en el propio desarrollo en sí. No obstante poder juguetear con material confidencial es el sueño de todo friki y aunque sea bastante complejo, ¡nos encanta!

Parece que todo el mundo está deseando, como vosotros, desarrollar en PS4 y Xbox One. ¿Se debe a una mera cuestión de prestigio o realmente existe la posibilidad de llegar a un público mucho mayor? Lo digo porque donde realmente encontramos un mercado boyante de ‘jugadores indies’ es en PC.

Es cierto que el mayor mercado de jugadores indie se encuentra en PC pero los jugadores de PS4 y Xbox de este género también está creciendo en gran medida, ya que cada vez hay mayor número de jugadores también en consolas.

Por supuesto da prestigio tener un juego en las plataformas principales como son PS4 y Xbox One. Además es bastante más complicado entrar en este mercado, lo cual hace que cada título que aparece sea más visto y por ende podamos darnos a conocer más fácilmente. Además, ¿quién no ha querido jugar a su propio videojuego en su ‘Play’?

En cuanto a vuestro futuro ‘tras OWYS’, ¿qué tenéis en mente? ¿Aprovecharéis vuestra capacidad para desarrollar títulos multiplataforma?

Por supuesto, ya estamos pensando en nuestro siguiente título… aún es pronto para decir nada claro, porque estamos con el desarrollo en consolas de OWYS, pero será algo espectacular, eso seguro.

Para acabar un minijuego. Dejamos caer una o varias opciones y vosotros tenéis que elegir rápidamente.

El boom indie surgió hace poco, hace apenas unos años. Por ello se sigue sintiendo como un fenómeno fresco dentro de la ya tan dilatada historia de la industria del videojuego, y nadie duda de que no pocos de los pequeños estudios que encontramos dentro de este ecosistema indie son los responsables directos de ofrecernos algunas de las experiencias más gratificantes de los últimos años; ya sea por recuperar mecánicas aparentemente olvidadas, por experimentar con nuevas fórmulas o por dejar de tratar al jugador como a un crio para plantarle ante un auténtico reto.

Ahora bien, concretamente, ¿qué ocurre en nuestro país? Pues ocurre que tenemos algunos estudios con un talento arrollador, pero que debido a la falta de apoyo al sector por parte de las instituciones o al mero hecho de lo difícil que resulta montar una empresa en España, no todos ellos logran sacar adelante sus producciones.

Es cierto que cada año hay más estudios que abren sus puertas, pero igual de cierto es que otros tantos se ven obligados a malvivir para seguir trabajando en esto o directamente a echar el cierre. A sabiendas de que la industria del videojuego es una de las más potentes a nivel cultural y de ocio de la actualidad, casos así sólo pueden ser tildados de auténtico desperdicio. Es como si cogeríamos diamantes en bruto y los tiráramos por el retrete.

Por suerte, ya sea por tradición dentro de la marca o bien como una nueva iniciativa, existen ciertas firmas que tratan de potenciar el desarrollo local de videojuegos aplicando diferentes estrategias. Una de las más potentes es sin lugar a dudas Playstation España, quienes han querido aprovechar la tercera edición de la Madrid Games Week para presentar Playstation Talents, su programa para potenciar aún más el desarrollo patrio.

Según Roberto Yeste, responsable de desarrollo local de Playstation España, desde su compañía llevan diez años tratando de “potenciar el desarrollo local”, diez años “desarrollando contenidos en España”. Pero hasta hace escasos meses sus diferentes iniciativas carecían de un nexo común: “a todo lo que hacíamos le faltaba un sentido, una marca paraguas que englobara todo lo que venimos haciendo en la última década. Así creamos Playstation Talents”.

Playstation Talents se compone como decimos de diferentes frentes, siendo un movimiento ambicioso con el que desde Playstation España quieren abarcar desde la formación de futuros profesionales hasta el desarrollo consolidado. Es más, quieren empezar desde las bases fomentando la creación de videojuegos en las aulas de secundaria con Playstation Futuros Talentos, tratando de inculcar pasión por el desarrollo en los chavales para después hacer un seguimiento a los más capaces. Que lleguen a introducirse en Playstation First, el programa que presta apoyo a los universidades, es ya el siguiente paso.

Para los indies existen los Premios Playstation, un certamen anual que busca impulsar la visibilidad de los estudios participantes ofreciendo al ganador los medios para sacar adelante su juego, incluyendo un espacio para desarrollarlo, financiación, kits SDK y una campaña de marketing. La segunda edición de los Premios ya está en marcha, y de hecho durante la Madrid Games Week pudimos probar las propuestas de los finalistas.

Sin embargo para participar en los Premios Playstation debes ser un estudio que empieza a rodar. Si por el contrario ya tienes experiencia publicando juegos e incluso si has conseguido algún que otro pelotazo en el pasado pero te encuentras atascado en el presente, tienes a tu disposición la Lanzadera; una iniciativa que pretende ofrecer los medios para terminar un juego en fase beta a aquellos estudios que, por una razón u otra, no pueden hacerlo por sí solos.

“Cogemos los cuatro mejores proyectos y los metemos en el mismo espacio físico –el Matadero de Madrid– con cuatro estudios de desarrollo independientes, les pagamos todo lo relacionado con la infraestructura y redes, incluso los SDK de PS4”. Todo ello con un objetivo muy concreto en mente, que logren publicar su juego el próximo año. Una vez lanzado también recibirán el correspondiente apoyo de marketing por parte de Playstation.

Por último encontramos Playstation Alianzas, la marca bajo la que encontramos todos aquellos estudios ya consolidados que desarrollarán en exclusiva para consolas Playstation. Estudios como Novarama, creadores de los mundialmente famosos Invizimals, o Virtual Toys, quienes preparan Phineas y Ferb: El día de Doofenshmirtz, ya forman parte de este programa.

Por todo esto Playstation Talents “es una iniciativa única en el mundo, un programa centrado al 100% en el desarrollo del talento dentro del ámbito de los videojuegos”. Roberto Yeste remarca que hay muchas otras iniciativas en otros países ideadas por universidades y empresas, pero ninguna que englobe tantos puntos, tantas estrategias para abarcar desde la formación hasta la publicación un videojuego con todo lo que ello implica. “Ni en Japón ni en Estados Unidos. Somos los primeros”.

A mi insistencia por si Playstation Talents es una especie de reacción al actual boom indie nacional, Roberto contraataca: “Nosotros llevamos haciendo esto ya diez años. Nos sorprende que digan que ‘la industria va creciendo, que si los estudios indie…’. Nosotros llevamos ya diez años, veintitrés juegos. Siempre hemos apoyado a nuestra industria y creo que hoy, viéndolo con perspectiva, te das cuenta de que lo que hemos hecho no tiene comparación en otros países”.

Pero si nos tenemos que quedar con una declaración concreta dentro de la entrevista que realizamos a Roberto Yeste, nos quedamos con la siguiente: “lo importante de todo esto no es quién gane o deje de ganar en los Premios Playstation. Lo importante es crear una comunidad de developers, tanto indies como consolidados”. Creemos que se trata de una declaración de intenciones que, llevada a cabo como parece que están haciendo desde Playstation España, puede darnos para muchas alegrías dentro del prometedor ecosistema formado por el conjunto de la industria del videojuego española.

Llevamos ya más de veinte entrevistas realizadas a estudios independientes españoles. Quizás parezcan pocas, pero dan para muchas historias, para muchas formas de entender esta industria. Hemos entrevistado a estudios fundados por históricos como WildBit, a pesos pesados como A Crowd of Monsters, a grandes promesas como Red Little House Studios y Team Gotham. También a estudios y creativos que apuestan por lo retro, como Mad Gear Games y Locomalito, a grandes talentos experimentales como Edu Verz, y a aquellos que han sabido rescatar de forma magistral las aventuras gráficas, como Deconstructeam y Fictiorama.

Casi todos tienen diferentes orígenes, han recorrido caminos dispares para llegar a cumplir su sueño: desarrollar un videojuego. Pero hay algo en lo que todos coinciden, que no es nada fácil. Encontrar financiación, buscar ayuda en las diferentes administraciones y sobretodo alcanzar a un público que te permita recuperar la inversión puede ser una auténtica locura.

Y sobre este punto concreto saben mucho los chicos de Delirium Studios, quienes con sus más de nueve años de historia han sabido dar forma a uno de esos títulos capaces de dejar su huella en la tan dilatada línea temporal de la industria del videojuego española. Hablamos obviamente de Los Ríos de Alice, un viaje interactivo realmente hermoso que cuenta con la particularidad de servir de nexo de unión entre música y videojuego como pocos títulos han logrado hasta ahora.

Si los chicos de Gammera Nest intentan y consiguen llevar los cuadros del Museo Thyssen a los videojuegos con Nubla, desde Delirium consiguieron en 2013 junto a la música del grupo Vetusta Morla crear un ‘universo sensorial’ en el que música y juego son un todo con Los Ríos de Alice, título que acaba de aterrizar en Wii U.

¿Quieres saber más? Pues échale un vistazo a nuestra charla con Arturo Monedero, uno de los fundadores de Delirium Studios.

Siempre empezamos por los orígenes. Cuéntanos cuándo y cómo surgió Delirium Studios.

¿Cuánto tiempo tenemos? (Risas) bueno, Delirium Studios tiene ya más de 9 años, la fundamos Asier Quesada, Iván Armada y yo, Arturo Monedero... Tanto Iván como yo veníamos del mundo de la Demo Scene (Arte digitial) y siempre nos habían gustado los videojuegos. Él era programador y yo grafista; Asier, había terminado la carrera de Derecho y fue el que nos animó a dejar nuestro trabajo en una productora audiovisual y cumplir nuestro sueño. Nos ha pasado de todo a lo largo de este tiempo, más fracasos que otra cosa, pero nos ha ayudado a aprender, mejorar y marcarnos nuevos retos. Tuvimos un inicio muy bonito creando unos cuadros virtuales de ‘Las Meninas’ de Velázquez y no paramos de salir en medios. Eso nos permitió poner la etiqueta de ‘anunciado en televisión’ y empezar a ser más conocidos fuera de Bilbao. El tiempo pasó, la crisis llegó y todas las agencias de publicidad que nos contrataban empezaron a caer. Ese fue un punto importante de inflexión en el estudio, donde decidimos empezar a producir nuestros propios videojuegos. No nos ha ido tan mal, aquí seguimos haciendo ruido.

A día de hoy, ¿cuántos formáis parte del estudio y cómo valoráis vuestra trayectoria? ¿Baila mucho el número de integrantes dependiendo de la fase en la que os encontréis?

Esa es la parte que más nos está costando como emprendedores/empresarios. El estudio muta muchísimo en cada proyecto y en cada fase de este. Hace unos años llegamos a 21 personas, ahora estamos 11. Digo que es la parte más dolorosa porque siempre hemos formado muy buenos equipos y tener que prescindir de ellos al acabar alguna parte del proyecto se hace duro. Aun así somos una empresa muy ‘familiar’ y siempre intentamos contar con los mismos trabajadores desde el principio del estudio. Para el último juego que lanzaremos en unos meses, han participado más de 40 personas en 4 años y teniendo en cuenta que somos un estudio independiente y auto producimos nuestros juegos, podéis imaginar cuanto hemos tenido que trabajar para sacarlo adelante.

Has comentado que la crisis marcó un punto de inflexión a la hora de ‘modificar’ vuestro rumbo. ¿Hay más factores que hayan definido el presente y futuro de Delirium?

Hay muchos puntos clave, el día que decidimos hacer nuestro primer videojuego Kinito Ninja para iOS/Android fue algo muy emocionante y aterrador (risas). Llegar a la feria japonesa Tokyo Game Show con tu juego fue como un sueño cumplido. Los Ríos de Alice, la aventura gráfica que hicimos junto a Vetusta Morla, también es un punto muy importante en nuestra vida, y como el 24 de septiembre publicamos para Wii U, seremos la primera empresa vasca en hacer un juego para Nintendo. Nos sentimos muy orgullosos de ir abriendo camino en una región que está apostando por los videojuegos de una forma muy seria.

Antes de seguir metiéndonos en harina, hagamos un mini-break. Hemos oído por ahí algo de un tal ‘Delirium Café’. ¿Qué es exactamente?

Delirium café, ahora ‘DOCK’ es una locura más de este pequeño estudio. El Delirium Café fue un embrión de lo que ahora es el DOCK, un café/bar en el centro de Bilbao enfocado en el emprendimiento. Conciertos, charlas, conferencias, exposiciones... una pequeña planta carnívora atrapa ‘creativos’ que nos sacamos de la manga hace unos años. Queríamos (o soñábamos) con un sitio donde artistas, músicos, programadores pudieran reunirse, un lugar de encuentro donde encontrar a gente con intereses similares y que pudieran surgir sinergias entre ellos. Un grafista más un programador, o un escritor con un músico. Era una forma de juntarlos para que crearan cosas. ¿Qué ganábamos nosotros de esto? Tener una cantera de artistas debajo de la oficina, donde poder conocer gente con talento y ‘aprovecharnos’ de ello. Existe otra razón más importante, hacer videojuegos y tener un Bar, ya podemos morir tranquilos.

Teniendo en cuenta que sois ya un equipo histórico (casi diez años en la brecha no los cumple cualquiera) la pregunta es obligada: ¿qué ha cambiado en la industria del videojuego española en todo este tiempo?

Muchas cosas, se ha democratizado tanto la posibilidad de hacer y publicar juegos que ahora hay muchísimos estudios. Tiene sus cosas buenas y malas, y creo que se acerca una pequeña burbuja en la industria donde los fuertes sobrevivirán. Ya veremos qué pasa. Lo positivo es que la sociedad está viendo cada vez con mejores ojos lo juegos, algo normal, pues empiezan a ‘mandar’ en el mundo una generación que creció con los juegos. El problema radica ahora una vez más en el dinero: o tienes capital para publicitar tu producto o desapareces en ese océano de apps zombies.

Efectivamente ahora mismo vivimos un auténtico boom de estudios indies nacionales. ¡Más de 400 el pasado año! ¿Crees que hay mercado suficiente? ¿Qué se puede hacer frente a una posible burbuja?

Se está creando una nueva industria, estamos aprendiendo y cometeremos errores, 400 estudios en un año es una barbaridad, muchos desaparecerán. Siempre hay una especie de selección natural. Lo importante, es que por el camino se aprenda. Yo soy más partidario de la unión, puede hacer mucho más ruido un estudio formado por 8 personas que 4 formados por 2 cada uno de ellos.

Ojala aprendamos a unirnos y ser competitivos en el mercado internacional, porque no nos engañemos, los únicos mercados que nos deben preocupar son el Estadounidense y el Japonés, que es donde hay un gran público masivo consumidor de videojuegos.

También comentas que la propia sociedad ve ahora con mejores ojos los videojuegos. ¿Crees que ya no os consideran una especie de ‘post-adolescentes haciendo matamarcianitos’?

No, ya se nos respeta mucho más, nunca olvidaré los primeros años, donde nuestro discurso sonaba a latín. No nos respetaban, nos echaban a patadas de los bancos o nos hacían comentarios como que ‘la vida era muy real’. Más de 9 años te dan para aprender y hacerte un sitio, no pasó mucho tiempo hasta que algún banquero de esos nos dio algún premio en mano.

La sociedad empieza a entender que los videojuegos son cultura, incluso arte, y que deben ser respetados igual que la literatura, la música o el cine por ejemplo.

Es a lo que iba, suelo contar en alguna conferencia, que es absurdo comparar la Gran Pirámide de Giza con un verso de Lorca, o Ciudadano Kane con el David de Miguel Ángel. Tampoco compararía el Tetris con la 9ª Sinfonía de Beethoven. Cada una tiene su momento y su lugar. Los videojuegos tienen 40 años, no podemos competir contra los 4.000 años de la literatura. Pero tampoco hay que competir. Son formas de expresión distintas y nuevas, solo el tiempo dará importancia a las cosas. Los videojuegos son cultura y son arte (no todos) y el que no lo vea así es un troglodita.

Y en cuanto a las instituciones, a qué achacas que ahora miren algo más de reojo que antes (pero tampoco mucho) hacia esta industria. ¿Es una mera cuestión económica?

El tiburón huele la sangre a mucha distancia, cambia sangre por dinero y tiburón por... bueno, ese no lo cambies. (risas). Ahora en serio, la industria del videojuego mueve muchísimo dinero, es normal que se interesen por ella.

Además requiere de un trabajador joven, preparado, no necesita mucha inversión, no importas nada, todo lo puedes exportar y es un producto global. El problema es que aún hay que enseñar a las instituciones lo que es un videojuego y cuáles son las necesidades reales de los pequeños y medianos estudios. Nosotros conocemos un poco mejor (a parte de las nacionales), las ayudas que da el Gobierno Vasco y el Ayuntamiento de Bilbao y hemos de decir que siempre nos han ayudado mucho a la hora de emprender.

Temas económicos aparte, el día que los videojuegos sean vistos como un ingrediente más de la cultura moderna como puede ser el cine o la música… ¡qué haremos!

Y a nivel de país exportador de juegos, ¿cómo lo ves? No cabe duda de que cada vez más estudios están triunfando en la escena internacional. ¿Seguiremos por ese camino?

Es el único camino posible para sobrevivir, si te quedas dentro de estás fronteras, desaparecerás en menos de dos años. El camino de todo estudio sería desembarcar en América y Asia. Eso te debería obligar a pensar en ese público y en sus gustos. Hay gran cantidad de estudios nacionales que están haciendo un muy buen trabajo en ese sentido.

En cuanto al propio boom indie, ¿crees que los abusos de las grandes editoras (micropagos incomprensibles, DLCs abusivos, medidas anticopia que nos convierten a todos en poco menos que terroristas…) están propiciando que cada vez más jugadores se giren hacia esta escena alternativa? Y eso por no hablar claro de las mecánicas agotadas, de los juegos sin terminar, de las secuelas de las secuelas de las secuelas…

Es normal, los llamados AAA han encontrado esa fórmula y hasta que no se agote, seguirán. Yo debo de ser una persona muy anticuada, porque sigo prefiriendo jugar a juegos ‘completos’ sin micropagos. Siempre digo que los Free To Play no son ni tan Free ni tan Plays... nos acercamos a la escena indie cada vez más porque son juegos más cortos, más baratos y nos ofrecen con más o menos éxito nuevas mecánicas, historias o propuestas. Tiene su lógica, lo hemos notado nosotros con Los Ríos de Alice, hemos podido arriesgar, hacer lo que sentíamos. Un juego en 2D, con una niña como protagonista en blanco y negro y con fondos pintados a mano, donde no se puede morir... a priori era un suicidio comercial. Una gran compañía no arriesga, una pequeña puede hacerlo. Lo que para ellos es un nicho pequeño, para nosotros puede ser un nicho enorme.

No podemos competir con dinero contra las grandes compañías, pero podemos ser más creativos y arriesgar, ahí radica nuestra fuerza y diferenciación.

Sin embargo cada vez más estudios indies se acercan a las grandes empresas. Sony y Microsoft reservan siempre un espacio a dichos estudios, de forma que ya no sabes si cierto juego es indie o no. ¿Están ‘convirtiendo’ a los indies al ‘lado oscuro’?

Creo que debemos hacer un debate muy largo sobre lo que es indie y lo que no. Para mí, Rockstar, Naughty Dog o incluso Kojima son indies, porque hacen lo que les apetece y seguro que ponen las condiciones mientras Sony o Microsoft se arrodillan ante ellos. Creo que si haces lo que te apetece y no haces un producto por encargo, eres Independiente. Ahora bien, si cogemos el termino como un estudio pequeño que hace juegos raros y pequeños, entonces ok. Es una moda, y como tal, las grandes compañías están haciendo un hueco a esos productos porque saben que generan dinero. El público se está cansando de los FIFAs y COD. Viene buena época para los creativos.

No nos enrollemos más con este tema, hablemos de vuestros juegos. Evidentemente el más conocido es Los Ríos de Alice, que acaba de dar el salto a Wii U. Preséntanoslo para aquellos que aún no lo conocen.

‘Los Ríos de Alice – versión extendida’ es una aventura gráfica emocional de corte clásico. Alice es una niña que se queda dormida y despierta en un mundo onírico donde debe de enfrentarse a sus miedos, por ahí estará la pereza, la mentira, la envidia... a través de personajes y puzles, iremos descubriendo ese mundo imaginario ilustrado por la artista y actriz Ane Pikaza y con música compuesta por Vetusta Morla. Es una experiencia especial que ha tenido una gran acogida de público y crítica. Esta nueva versión viene a cerrar el juego, se han pulido algunas mecánicas que no acababan de convencernos, hemos creado una pantalla nueva con más puzles y una canción nueva. La experiencia de jugarla en Wii U o PC/MAC hace que el juego gane muchísimo más. Estamos muy contentos.

¿Qué os motivó a apostar por un proyecto tan peculiar? Lo digo porque tratándose de una aventura gráfica originalmente para dispositivos móviles y con un apartado de arte tan característico… se aleja radicalmente de lo que podemos esperar de un juego para móviles.

Es el juego que siempre quise hacer, soy amante de las aventuras gráficas y tuve la suerte de que el estudio me apoyara en este proyecto (a priori suicida). Solo tenía una cosa clara, suponíamos que vendría mucho jugador casual por el lado de la banda, era nuestra oportunidad para reivindicar el videojuego y ofrecer un reto a los jugadores. Desde hace años, siento que la dificultad en los videojuegos se ha vendido. Apenas sufres en los juegos de hoy en día. En seguida te dan más municiones, o soluciones, o si pagas puedes pasarte la pantalla. Eso no son los juegos con los que crecí, lo que me hizo amar esta profesión. Ya nadie bota de alegría al pasarse un nivel que parecía imposible. Atraer a los jugadores casuales ha hecho que matemos un poco el alma de los videojuegos, de luchar contra uno mismo y buscar tus límites. Creo que no todos los juegos deben ser finalizados por todos los jugadores, solo el constante y atento debe lograrlo. Por eso hicimos el juego difícil, un reto para pensar, recuperar el lápiz y papel y disfrutar de cada puzle para sentirte orgulloso de ti mismo al ir avanzando paso a paso.

Sin mirar a nadie en concreto, los videojuegos para móviles no suelen están bien vistos entre los jugones más exigentes, por aquello de que los consideran juegos a medias o ‘cosas’ aún peores. ¿Creéis que esta percepción está cambiando gracias a títulos como Monument Valley, Machinarium y, por supuesto, Los Ríos de Alice?

Claro, y creo que las aventuras gráficas gracias a las pantallas táctiles han vuelto a la vida. No hay nada mejor para pasar un viaje de 10 horas en tren, bus o avión que una buena aventura gráfica en tu tablet. Juegos de caramelitos y chispitas son el mal, hacen trampas y se auto regulan para crear adicción a los jugadores, si no pagas, lo propagas como la peste entre tus contactos. Un juego que cambia sus reglas de forma intencionada hace trampas. Ese tipo de productos han hecho que tenga mala imagen los juegos para móviles, pero si escarbamos entre tanta paja, en ocasiones podemos encontrar pequeñas joyas.

Te lo habrán preguntado un millón de veces, así que antes que nada pediros perdón si ya estáis hasta el gorro. ¿Qué tal fue trabajar con Vetusta Morla? Quieras o no vuestra iniciativa es ‘especial’ por no decir ‘rara’, en el sentido de que, si no recuerdo mal, juego y banda sonora surgieron de la mano, ergo imagino que hizo falta una relación muy estrecha… ¡con el ego que tienen los músicos!

El éxito de Los Ríos de Alice se ha debido a que Delirium Studios y Vetusta Morla han hecho una pieza de arte colectiva, de igual a igual y pensando solo en crear algo bonito. La relación con ellos es fantástica y pasados ya dos años puedo considerarlos amigos. Yo escuchaba su música, pero no les conocía, nadie nos aseguraba que no fueran unos rock star insoportables o con el ego subido. Nada más alejado de la realidad, han sido siempre súper cercanos y se involucraron en este ‘marrón’ desde el día uno. Juanma Latorre, guitarrista del grupo ha sido el vínculo más activo, amante de los videojuegos también, se tomó muy en serio el proyecto y fuimos dándole forma entre concierto y concierto, Skype y teléfono. Hemos logrado que jueguen a más videojuegos y en sus viajes largos van descubriendo cosas nuevas.

Estás siendo… ¿políticamente correctos? Venga va, ¡con sinceridad!

Ok, lo confieso, hice el juego por la fama, el éxito y verme todos los conciertos gratis.

¿Hubo una relación equilibrada entre el juego y la música? Quiero decir, ¿las canciones de Vetusta ‘obligaron’ a modificar algún elemento del juego o viceversa?

Alguna vez lo ha contado Vetusta Morla, ellos siempre han hecho la música con total libertad, sin depender de nadie. En cambio, Delirium siempre o casi siempre hasta Alice ha dependido de clientes, dinero, usuarios etc... Aquí se dio la vuelta la tortilla. Delirium tenía total libertad de crear, Vetusta en cambio, tenía que adaptarse a unas imágenes, una coherencia en los puzles, una atmósfera particular. Lo disfrutaron y en el fondo fue muy mágico porque las imágenes salieron de sus estrofas y música y luego el resultado de esas imágenes se volvió a convertir en música, cerrando un bucle música-imagen-música muy especial. Me da vergüenza decirlo, pero creo que pocos juegos llegan a conectar la imagen y el sonido como lo hace Los Ríos de Alice, y en parte es porque la música ha estado presente desde el mismo día de empezar la producción. Cosa que por desgracia no ocurre por lo general en los videojuegos, siendo la música la más maltratada por lo general.

Lo mires por donde lo mires esto de trabajar con una banda tan reconocida habrá sido un pelotazo comercial. Imagino que en vuestras oficinas corren ríos de oro y que almorzáis todos los días langosta alimentada con caviar, ¿verdad?

Pfff, se acaban de llevar la vajilla de vuelta, la han traído de plata y la habíamos pedido de oro, ¿¿puedes creértelo??

Estaremos rondando las 14.000 unidades vendidas, no es mucho, pero no está nada mal. Por ejemplo, la banda sonora que salió en físico, ha alcanzado ya las 7.000 unidades, siendo seguramente la banda sonora de un videojuego más vendida a nivel nacional. Hemos sido dos días seguidos número 1 en el top de descargas de iTunes en España, pero ahí radica el problema... las ventas en España y Sudamérica (justo donde el grupo es más fuerte) son históricamente los peores mercados para vender videojuegos. Si me lo permitís, os hablo un poco de cifras y porcentajes. Los primeros meses (donde más fuerza mediática tuvimos) las ventas en España eran el 66% del total, en unos meses el público nacional se ha quedado en un 22%, siendo el Estadounidense el que más ha comprado el juego (23%). Esto nos dice algo interesante, todo el poder mediático que un estudio pude lograr en España incluido el ‘efecto Vetusta’ es superado por un público residual americano. Sin hacer publicidad en USA, vende más que todo lo que puedas lograr en España/Europa.

Para ir acabando con este tema, sabemos que Los Ríos de Alice ha estado nominado a no pocos galardones. Muchos de ellos los ha ganado, otros se han quedado por el camino al tener frente a sí a adversarios de la talla de The Last of Us (cuasi nada). ¿Cuál de todos estos galardones, recibido o no, destacarías más? ¿Alguna anécdota curiosa?

Estar nominado a mejor banda sonora junto a The Last of Us o GTA V asusta pero es un orgullo tremendo. Hemos tenido ya muchas nominaciones y premios como por ejemplo las dos ‘pulgas’ de la GameLab. Los Premios de la Academia. Nos enfrentábamos a Castlevania 2, un título impresionante creado por Mercury Steam y algún astro se debió alinear esa noche, porque ganamos Mejor Dirección Artística y Mejor Banda sonora. Una noche que jamás olvidaré. Como anécdota curiosa, Juanma y yo nos reímos mucho en los premios Ariadna que daba el periódico El Mundo a los 100 mejores productos del año. Fue una pena no ganar una de las categorías, pero más duro fue que nos ganara la ‘Termomix 6000’ (risas), lo pasamos genial. Ha sido un año de premios y conferencias que no olvidaremos. Un viaje que queremos que siga.

Tenéis otros juegos. Háblanos de ellos. ¿Cuál es vuestro favorito? Sí, sé que esto es tan chungo como pedir a un padre que se quede con uno de sus hijos.

Destacaría en orden de aparición Kinito Ninja por ser el primero, por tener un gran acabado y por ser muy divertido. Y Los Ríos de Alice por ser algo muy muy personal, aunque quiero todos los juegos que hago, en Alice hay una parte muy importante de mi dentro de él.

¿Y en cuanto al futuro próximo? ¡Qué carajo os traéis entre manos!

El gran trabajo de Delirium Studios en el que ha invertido 4 años de su vida: “Los Delirios de Von Sottendorff y su mente cuadriculada”. Un juego fascinante del cual tenemos muchísimas ganas de poder mostrar cosas.

Nos pondremos en la piel de un Barón de principios de Siglo que está un poco loco y jugaremos en su mente, que estará representado como una gigantesca mansión. Es como si jugáramos dentro de una casita de muñecas, pero con la diferencia de que podremos mover las habitaciones a nuestras anchas, lo que hará que a parte de un juego de plataformas, tenga elementos de puzle.

Venga, ya que has hablado no podemos evitar preguntar. ¿Hay fecha de lanzamiento prevista para marcar en el calendario?

Por desgracia, no me puedo atrever a confirmar una fecha exacta, pero si os puedo confesar cual sería mi deseo. Diciembre sería una fecha perfecta para que el barón se paseara por nuestras 3DS.

Casi se me olvida, todo invitado que pasa por esta sección debe recomendarnos algún otro estudio patrio. Vuestro turno:

¡Pues diría muchísimos! Los vecinos Relevo Videogames, los eternos Devilish Games, o Evil mind, Fictiorama, Milkstone, entre muchos otros. En estos años hemos conocido a muchísima gente que nos ha ayudado al máximo.

Y ya para acabar, queríamos proponerte un par de ‘mixturas’ estilo videojuego + grupo de música, a ver qué te parecen. ¿Qué tal un juego sobre ancianos que se niegan a vivir en un asilo con los Rolling Stone o un ‘Carmageddon’ versión ‘Conductores suicidas’ con Sabina?

La versión de Carmageddon con B.S.O. de los chunguitos, el fary, melendi o estopa puede darnos muchísimo juego. Creo que aquí tenemos un AAA en toda regla.

¡Nos despedimos!

¡Ha sido un auténtico placer charlar con vosotros! y gracias por la entrevista, la he disfrutado de verdad. Un abrazo.

Cada vez se tergiversa más lo que son los videojuegos indie. ¿Qué los diferencia de los de las grandes editoras? ¿Es tan sólo cuestión de no tener a una gran compañía detrás? ¿Se puede ser indie con varios millones de presupuesto y el apoyo de un reconocido publisher? Quizás porque a nosotros el tema económico es el que menos nos motiva, queremos creer que lo que realmente diferencia a un título indie del resto es su apuesta experimental, su búsqueda por ofrecer algo diferente, rompedor y que puede tener tintes críticos y elementos controvertidos.

El objetivo final debería ser crear un impacto en el jugador, ya sea permitiéndole descubrir nuevas formas de jugar o bien posibilitándole el plantearse dilemas éticos. En definitiva, hacer aquello que no puedes hacer cuando tienes a una editora encima imponiéndote una serie de normas destinadas únicamente a recuperar la inversión. Y para ello hace falta auténticos cerebros creativos sin temor a crear piezas ‘raras’, diferentes, asombrosas y, por qué no, hasta escandalizadoras.

En dicho sentido nos cuesta encontrar un ejemplo mejor que Edu Verz, un joven madrileño que tiene tras de sí un extenso currículo creando ‘pequeños videojuegos’. Completamente gratuitos y disfrutables vía navegador web, nos permiten experimentar qué se siente al realizar una gran purga estilo Stalin mientras velamos por los recursos y la estabilidad social de nuestra nación; o bien la confusión al tener que disparar en unos segundos al ‘traidor’ que tenemos enfrente de entre tres camaradas, teniendo que descubrir cuál de ellos es. Todo sin tutoriales, sin tratar al jugador como a un crío de seis años, soltándole a la arena para que se enfrente (si quiere) a lo que tiene delante.

No queremos desvelaros nada más, baste con decir que sus obras sorprenden, igual que creemos que esta entrevista sorprenderá (o al menos interesará gratamente) a todo aquel que sueñe con convertirse en el cerebro que hay detrás de todo videojuego.

Caballero, ¡preséntese! ¿Quién es Edu Verz? ¿De dónde ha salido y qué es lo que hace con su vida?

¡Hola! Pues Edu Verz soy yo, como te habrás podido imaginar… Salí hace 24 años de la parte baja del vientre de mi madre, por desgracia fui a nacer en Madrid, España, Tierra de la Corrupción, ya sabéis, ¡aunque por suerte me toco en una familia cojonuda y en un barrio de puta madre! Desde entonces he hecho bastantes cosas relacionadas con las artes gráficas y movidas así, pero desde hace unos dos años he estado haciendo pequeños videojuegos.

Dices que haces ‘pequeños videojuegos’. Explícamelo como si yo fuera un niño de cuatro años. ¿Hablamos de lo que sería un cortometraje en relación a una película?

Habitualmente en mis círculos me cuesta explicarles qué cojones es lo que se supone que hago, nunca lo entienden y tienen más de 4 años, definitivamente no soy bueno explicándome, pero intentare explicarlo lo más sencillo posible: Hago juegos pequeños. (Risas) La verdad que el símil que tú propones con respecto al cine es una buena aproximación, en todos sus sentidos, en cuanto a riesgo y capacidad de producción.

¿Y por qué juegos pequeños y no un videojuego ‘hecho y derecho’? ¿No te sientes tentado por desarrollar ese ‘gran proyecto’ que todo creativo tiene siempre en mente? ¿Cuál sería?

En realidad creo que todo ‘creativo’ suspira por esta situación mía, poder picotear a su antojo cosas muy concretas sin ningún tipo de riesgo a no rentabilizar su trabajo, es sin duda algo que creo que echare de menos en el futuro. Porque sí, efectivamente, esto que hago está bien, pero en algún momento tendré que empezar a generar pasta, más que nada porque soy un mantenido y los mantenidos tienen un sentido si es que lo son para dejar de serlo algún día.

Realmente me plantee invertir un periodo de tiempo que más o menos se está acercando a su final, es decir, me dije, voy a aprender por mi cuenta qué hostias es esto del Game Design y cómo se puede domar. Aunque lo cierto es que después de estos dos años el pequeño pony que intenté apaciguar se ha convertido en un caballo de tres cabezas, la crin de fuego y pega unas hostias que se te salta la boina. En definitiva, no sé qué coño pasará el día de mañana.

Siendo conscientes de las dificultades, del sacrificio y de las limitaciones de cada uno… ¿tienes pensado llegar a vivir de esto?

Realmente es algo que por ahora no me ha preocupado, me gusta pensar que todo esto está sirviendo para algo, también desde un punto de vista económico. Y la verdad, aunque pueda sonar engreído o llámelo usted como quiera, creo que el momento en el que plantee lanzar algo con un fin económico, toda esta experiencia que me están dando estos juegos pequeños me harán salir desde un punto de partida con más ventaja que al resto de empresas/gente.

Mi padre dice que ‘cortando cojones se aprende a capar’. Al lector le podrá sonar un poco obsceno, pero es el mejor símil que se puede hacer en esto del desarrollo de videojuegos. Cortemos cojones entonces… (risas).

Imaginamos que por las características propias de estos juegos es por lo que se alejan completamente del mainstream… ¿No hay negocio posible con ellos?

Supongo que debería decir que sí y que cada vez va a ir a más esto del ‘indie’, como todos, supongo. Pero me parece una perspectiva un poco sesgada con respecto a lo que yo creo que va a pasar. Siempre he pensado que los éxitos comerciales rápidos están bien para generar pasta y en este sentido es un proceso ‘natural’, pero donde realmente tienen cabida los indies es en el largo plazo.

Podríamos hacer un símil entre las películas de presupuestos millonarios con los juegos AAA (Call of Duty, FIFA y demás juegos infames), lo petan muchísimo y un año después ese producto no vale nada, se devalúa a una velocidad vertiginosa. Los juegos indie, sin embargo, son esa película que pese a no ser la película con más explosiones y escotes, consigue tener algo que la guarda en tu memoria; no es esa fast food que echaras por el culo horas más tarde, es esa pizza que te comiste en la Toscana a la luz de una vela.

Por tanto, el indie podrá sobrevivir mientras pueda jugar en esa liga de mantenerse en el recuerdo de las personas, quizás sea por las mecánicas, quizás sea por un arte muy concreto, por los diálogos, etc. En cualquier caso va a tener que jugar muy bien sus cartas, el mercado se está abriendo a estas propuestas, pero tampoco vale todo.

La experimentación no tiene límites en estos juegos. Si ya de por sí muchos indies parecen ‘rarunos’ a ojos del gran público, no quiero ni imaginar los juegos pequeños. Aclárame una cosa, ¿se puede conseguir el mismo impacto en el usuario (generar emociones, adición, diversión, etcétera) con un juego pequeño que con uno grande?

Esto es un poco como la alta cocina, ¿puede un bocado estar tan bueno como el mejor de los platos? Seguramente sí e incluso me atrevería a decir que más, cuanto más pequeño es un producto, más facilidad tienes de cuidar los detalles. Y ya sabes lo que dicen de los detalles…

En dicho sentido, cuál es el juego de este tipo que te ha dejado más impactado o descolocado, ya sea por sus mecánicas o por su mensaje. Cuál es ese juego (o juegos si nos ponemos) que te ha hecho flipar.

How do yo do it? Una niña que juega con muñecos a darle vueltas y a chocarlos entre ellos para descubrir cómo se hacen los bebés. Me lo enseño el Señor Lentes AKA Ludipe. Es bastante rompementes pensar que en Steam hay un juego así y que a la gente le gusta.

Hablemos de las Game Jam. ¿En qué consisten exactamente?

Consiste en lanzar aros (risas). No en serio, va de hacer juegos a toda polla en un tiempo determinado. Normalmente te dan un tema, es decir, el juego tiene que ir sobre algo en concreto, por ejemplo ‘heces’, entonces tú puedes hacer un simulador de heces, un juego en el que llevas a una mosca y se come las heces o cualquier cosa que esté relacionado con las mismas. Habitualmente no suelen ser temas tan escatológicos como este ejemplo.

¿Son esas limitaciones de tiempo y recursos las que disparan la creatividad? Al final se podría decir que todo se reduce a encontrar una salida rápida, sencilla e ingeniosa a un ‘problema’, ¿no? ¿Crees que sin esa premisa el resultado final sería peor o menos curioso?

Personalmente no creo que hacer juegos en jams condicione de una manera positiva la creatividad de una persona, creo que el resultado es algo más circunstancial, es decir el ingenio siempre está ahí. El tema de la jam (que en definitiva es lo que hace que un juego gire en torno a algo o que hable de ello) es algo que a mí personalmente nunca me ha ‘beneficiado’.

Sabemos que de muchas de las ideas surgidas en las Game Jam acaban saliendo grandes videojuegos. A Hole New World de Mad Gear Games sin ir más lejos es sólo un ejemplo. Y por norma estos proyectos surgen de la unión de dos o más talentos que se han conocido en la propia Game Jam. ¿Al final funcionan como un escaparate y punto de reunión para creativos? ¿Con qué expectativas debe acudir alguien que empieza?

Sin duda, las jams recientemente están recibiendo muchos focos mediáticos. Pero lo cierto es que la gente que lo peta ya venía de antes arrastrando un background de cosas guapas y bien hechas. Mucha gente piensa que hacer una jam es llegar y besar el santo. Y en cierto punto puede serlo, pero si un colega se me acercara buscando consejo queriendo iniciarse en las jams por el mero hecho de ser un escaparate y poder lanzarse a vivir de esto, le diría que es más fácil que pegase un braguetazo por ahí con algún/a millonetis.

Por tanto, para mí es un poco deshonesto querer meterse en algo tan ‘puro’ como las jams con el fin de sacar pasta, está bien ese factor y puede llegar, pero hacerlo solo por sacar pasta… Me parece ya acabar con el último bastión de la creatividad en el desarrollo de videojuegos.

Hablemos de tus juegos. For the Homeland, RimorD, Another Dawn, Skinners Cube, Iron Sunset… Tienes un catálogo abundante y curtido. ¿De cuál de todos ellos te sientes más orgulloso?

Creo que el más especial para mí de los publicados hasta ahora es RimorD, es un juego jodidamente raro, no desde el punto de vista de gente haciendo cosas locas, sino como concepto. Es un juego que no ha conseguido entender mucha gente, pero esas personas que lo han terminado suelen flipar bastante. No quiero hacer spoilers, pero lo recomiendo. Aparte fue mi primera Ludum Dare y la verdad que la recuerdo con bastante nostalgia, (fue un infierno, no dormí nada).

¿Y cuál te supuso el mayor quebradero de cabeza?

Los que estoy desarrollando ahora son los que me traen la cabecita loquita (risas).

Por lo que hemos visto más allá de ‘trastear’ con mecánicas poco convencionales en muchos de ellos también tratas de ofrecer un mensaje, o al menos hacer pensar al jugador. Iron Sunset es un claro ejemplo al ponernos en la piel de un verdugo en un paredón de fusilamiento. No me negarás que no es un tema un tanto ‘delicado’…

Realmente cuando hablo de esto con la gente intento ser aclarador, no es que yo dé un mensaje como tal, a mi los panfletos, propaganda, discursos y demás recursos alienantes me dan sarpullidos; yo lo que pretendo es plantear una situación muy concreta donde las personas sacarán un mensaje según sea la perspectiva desde la que ven la vida.

Por tanto, juegos con moraleja, bien, pero yo no soy nadie para dar lecciones a los demás. Estoy seguro de que un juego mío no hará que el mundo sea un poco mejor, pero puede que gracias a él otra persona lo haga.

¿Cuál ha sido el feedback? Lo digo porque yo mismo me sentí un poco aterrado al jugar la primera vez, y más aterrado aún la segunda vez al descubrir lo poco que tardé en disparar al reno (si no recuerdo mal). Al final consiguió que me planteara si tengo algún perjuicio contra los renos.

Los renos siempre son seres bastante despreciables, a mí personalmente me parecen unos colaboracionistas del máximo exponente del capitalismo, Papa Noel (risas).

El feedback de todo tipo en realidad, a mí me suele importar tres cojones, por aquello de que no me da de comer, pero siempre tomo nota de por donde le ha gustado más a la peña o menos. Personalmente en este que comentas del Iron Sunset ha ido fantásticamente. Hay una especie de tendencia a ver ‘arte’ en este juego, algunas personas han dicho que era la prueba (como si no hubiera una anterior) de que los juegos también podían ser arte, otro tío dijo que era el Banksy de los videojuegos y también un tipo me dijo ‘Fucking game, fucking mexican’. Un poco en esa proporción, a bastante más gente le ha gustado de la que no, ¡y a los que les ha gustado les ha hiperflipado!

Creo que más allá del no saber muy bien qué es lo que está pasando exactamente y peor aún, de no saber qué es lo que pasará, y más allá de su capacidad para hacer que te plantees cuestiones trascendentales, la magia de Iron Sunset está en su faceta social. ¿Cómo surgió la idea?

Me hablaron de un juego que usaba el mail y se retroalimentaba. Me pareció bastante guay y la verdad que ensamblar las piezas no fue fácil. La idea en si parte de una especie de cadena en la que se ‘desarma’ por así decirlo, el propio ejército, como si un sistema totalitario decidiera acabar con todo su músculo para que este no sea capaz de tumbarlo el día de mañana. Por ahí viene un poco la idea, lo ideal en este contexto seria que todos se negaran a seguir las ordenes, es la única manera de hacer que la cadena se rompa. De hecho si esto pasara el juego dejaría de funcionar, para siempre.

Tienes otro, For the Homeland!, que también nos pone en la piel de otro tipo de verdugo. En este caso de un dictador que parece el hijo ilegítimo de Stalin con Minnie Mouse. En él tenemos que ir decidiendo qué hacemos con los presos mientras gestionamos los recursos básicos de nuestra nación y nuestras tropas, siempre velando por que todas las clases sociales sean felices. Este juego surgió en la Ludum Dare 31. Cuéntanos más.

La idea viene de las famosas purgas de Stalin, el cual veía enemigos por todas partes. Mucha gente lo achaca a que era un loco genocida y ya está, pero yo prefiero pensar que había una causa mayor, es decir creo que Stalin fue un tirano, pero un tirano que perseguía algo que estaba por encima de él mismo; no ser aplastado por el fascismo que venía desde el oeste. En cualquier caso la idea era que al principio la gente iba a ver a los pobres animales ahí a punto de ser ejecutados y pensaba que hacer con ellos, pero al cabo de un rato eran meros recursos, o comida o minerales. Y ese punto era lo que buscaba yo, que para el jugador ‘las personas’ pasaran a ser números, algo parecido a lo que creo que puede pensar un presidente como el que tenemos (un saludo a la GC) o un dictador clásico.

Hemos visto otras ideas muy locas en tu ‘juegoteca’. En RimorD somos un mono con un chaleco de fuerza encerrado en un manicomio. Frente a nosotros tenemos a una rata con una pistola. En serio, te iba a preguntar qué tipo de droga consumes habitualmente, pero creo que prefiero que me hables sobre cómo funciona tu cerebro para llegar a dar con propuestas tan peculiares.

El caso de RimorD es algo muy muy concreto, fue algo realmente extraño. Pero creo que a partir de ahí empecé a utilizar una ‘metodología creativa’. Normalmente lo que hago es buscar situaciones muy concretas, intento que esas situaciones tengan una carga emocional importante, no me refiero a que se te caiga una lagrimilla, sino a que sea una situación poderosa. En base a eso suelo desarrollar una especie de metahistoria, algo que puede que aparezca o puede que no, pero que para mí hace que gane una fuerza brutal en coherencia. Cualquier cosa puede salir de eso, realmente mucha gente me dice eso, que si fumo en base o algo así, pero si utilizas este sistema casi cualquier cosa podría ser un juego.

Para ir acabando siempre pido que nos dejéis el nombre de algún que otro estudio desarrollador nacional al que haya que seguir de cerca. Te toca.

Oddly Shaped Pixels creo que trama algo, demasiados gatos veo yo ahí. También sé que Mechanic Moon estaban haciendo cositas chingonas, aparte la gente de Mechanical Boss están metiéndose en un berenjenal cojonudo (risas).

Juguemos antes de irnos. Yo dejo caer una o varias opciones. Tú tienes que contestar de forma rápida y concisa:

Un personaje histórico para protagonizar tu próximo videojuego: Mi astronauta favorito, Carrero Blanco.

¿Tu próximo híbrido imposible de animal y humano? El hombre polla (de agua).

Un creativo o estudio español por el que pagarías por unirte a trabajar: Mi propio estudio T.T

La Game Jam perfecta es aquella en la que… entregas el juego algo pulido.

Y para decir ‘hasta la vista’…

Pues nada chavales/as, espero que os haya entretenido este fragmentón de mi persona, ¡la verdad que ha sido bastante entretenido pensar en estas movidas! Gracias también a Daniel por darme la oportunidad de soltar burradas en un medio tan molón como es eldiario.es.

Si quieres probar los juegos de Edu Verz, visita su página webpágina web.

*Fotografías de Edu Verz cedidas por Víctor Herrera Martínez.

¿Son los videojuegos una nueva forma de arte? ¿Pueden acaso llegar a serlo algún día recibiendo la misma consideración que el cine, la música o la fotografía? Estas preguntas pueden dar para muchas líneas, y de hecho existe un debate abierto dentro de la propia industria del videojuego en el que podemos encontrar dos o más versiones: ‘sí, son una forma de arte con todas las letras’ o ‘no, por ahora son un compendio de otras artes, pero pueden llegar a serlo’. Sea cual sea la respuesta correcta, lo que nosotros creemos, como consumidores de videojuegos de toda la vida que somos, es que propuestas como Candle elevaban los videojuegos a una categoría superior a la de mera ‘manifestación cultural’, para ser, si no un arte en sí mismo, al menos una maravillosa exposición artística tanto en el plano sonoro, como visual y de artesanía.

¿Creéis que estamos bailando el agua a Teku Studios porque nos caen bien o algo de eso? Pues seguid leyendo, y así descubriréis vosotros mismos lo que están haciendo con Candle, un videojuego construido sobre acuarelas, con técnicas de animación fotograma a fotograma, una muy cuidada banda sonora y la poderosa voz del actor de doblaje Pepe Mediavilla para narrar su historia. Si a todo esto le añadimos una jugabilidad rica en puzles y minijuegos, ¿qué más podemos pedir?

Pues podemos pedir por ejemplo que sean (por lo que sabemos) el único estudio de videojuegos afincado en Teruel, demostrando que para trabajar en esta industria, para crear grandes títulos capaces de acaparar todas las miradas tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, poco importa desde donde trabajes… siempre y cuando tengas conexión a internet. ¡Empezamos!

Hagamos las presentaciones. Cómo y cuándo surgió Teku Studios.

Teku Studios surgió ya hace años. Inicialmente éramos dos personas, Jose y Miguel, nos conocimos en la Universidad y allí surgió la idea de hacer un videojuego. En 2011 comenzamos a trabajar en las primeras ideas de Candle, pero no fue hasta 2012 que, tras presentar el proyecto a varios premios emprendedores y ganarlos, fundamos la empresa, ¡y aquí seguimos!

¿Y quiénes sois actualmente?

Actualmente somos un buen grupo de personas. En arte trabajan en esta recta final siete personas, en audio tres y en programación otras dos. No todos residimos en Teruel. En el estudio trabajamos cinco personas, dos programadores y tres artistas. En Madrid se encuentran los diseñadores de sonido, el compositor es de Huesca, el artista FX de Barcelona, y el resto de ilustradores de Canarias. No todos estamos a tiempo completo pero ¡En pocos años hemos crecido un montón!

Sabemos que mañana es el aniversario de Teku Studios. ¿Cuántos cumple? ¿Creéis que está ganando con los años como Brad Pitt?

¡Teku cumple 3 añitos! Y no os quepa duda, esto es como el buen vino: cuanto más años pasan mejor es el contenido. ¡Y eso que se nos han pasado en un parpadeo!

Efectivamente Teku Studios surge en 2011, pero no se convierte en una empresa registrada hasta septiembre de 2012. ¿Tanto se tarda en hacer los trámites? Si total, sólo se necesita una copia original del libro de familia, un maletín lleno de diamantes africanos, un par de muestras de ADN y un autógrafo de Michael Jackson de cuando aún era negro, ¿no? ¿A qué viene entonces tal demora?

Bueno, lo fuimos dejando, lo fuimos dejando...

No, en realidad ocurrió que comenzamos a trabajar cuando aún estábamos en la Universidad, y compaginamos los primeros prototipos del juego con nuestros estudios. Una vez dejamos todo eso atrás ya pudimos ponernos en serio a fundar la empresa (además, necesitábamos algo de financiación antes de poder lanzarnos a la creación de una empresa). Nos presentamos a varios premios emprendedores precisamente con Candle y, casualmente, los ganamos, así que con el dinero que conseguimos de ahí dimos ya el salto de constituir la empresa. Aunque no creáis que los trámites fueron cosa sencilla...

También decir que en un principio la idea era sólo desarrollar un juego, lo de la empresa vino después, gracias a estos premios. Vimos una gran oportunidad para dedicarnos a lo que nos gusta, y aunque al principio tuvimos que compaginar estudios con trabajo, nos lanzamos a ello.

Estáis afincados en Teruel. Perdonad nuestra ignorancia pero ni siquiera sabemos si sois o no el único estudio de videojuegos de tales lares. ¿La tierra tira demasiado como para mudaros a ciudades en las que los estudios salen hasta de debajo de las piedras como Madrid, Barcelona o Valencia?

En Teruel sí somos el único estudio, aunque en Aragón hay otras buenas gentes como Kraken Empire o No Wand Studios, ¡poco a poco vamos siendo un buen grupito!

La idea de crear la empresa en Teruel fue sencilla. Ambos vivíamos aquí, ambos salíamos del mismo campus de la ciudad y ninguno teníamos dinero para plantear una mudanza y el montar una empresa lejos de casa. Y a día de hoy realmente la localización no es tan esencial como pudiera parecer. A fin de cuentas, con una simple conexión a Internet ya llegas a cualquier parte.

Rebuscando por ahí hemos encontrado ‘Ultimate Blow’ (Hostia Suprema), un juego de lucha estilo Street Fighter protagonizando por personajes políticos españoles que tienen que zurrarse para conseguir arrebatar a ‘Luis el Cabrón’ (el final Boss) el galardón de la Hostia Suprema. ¿Era una mera coña o realmente fue un proyecto serio? ¿Cuál era vuestro objetivo teniendo en cuenta que no tiene nada que ver con Candle?

Bueno, eso... fue un intento de broma del Día de los Inocentes que montamos junto a las gentes de Otogami.com, pero que no terminó de cuajar. ¡Casi nadie se lo tragó! Pero oye, que si vemos que tiene futuro, puede que hasta nos lo pensemos y todo (NO).

De todas maneras... ¡algunos lo creyeron! Y todavía hay gente que nos pregunta que como va el desarrollo del juego. Cuando les hablamos (inocentemente) de Candle, nos dicen ‘¡No, no! ¡El hostia suprema!’ Increíble pero cierto.

Hablemos de la escena del videojuego patria. ¿Creéis que títulos ya asentados como Dead Synchronicity y Gods Will be Watching, además de otros tantos que están por venir como Megamagic, Rime, Castle y Crossing Souls, están consiguiendo dar una visibilidad a nuestros creativos impensable hace apenas unos años? ¿Es el momento de mirar con optimismo tanto el presente como el futuro de nuestra industria?

Por supuesto que sí. Poco a poco iremos viendo cómo muchos estudios españoles se hacen un hueco en el panorama internacional. Hace unos años parecía imposible, pero a día de hoy crear videojuegos es más fácil que nunca, y eso ha propiciado una explosión de nuevos estudios que, sin duda, darán mucho que hablar. En el panorama videojueguil, España será la nueva Polonia, ya lo veréis. Capacidad hay de sobra.

¿Creéis que la aparente atención que están prestando actualmente tanto el Gobierno como los inversores y determinadas universidades públicas y privadas hacia este sector es acorde a su potencial?

Ni de lejos. Todavía queda muchísimo camino por andar, sobre todo en lo tocante a los pequeños estudios independientes. Es muy importante que se den ciertos pasos y que se esté comenzando a tomar en serio por fin esta industria, pero el apoyo institucional está todavía en pañales y muy mal orientado.

¿Qué cosas creéis que faltan para que nuestros pequeños y medianos estudios puedan hacerse un hueco sin tener que dejarse la piel en el camino?

La piel te la vas a tener que dejar sí o sí, eso cualquiera que pretenda montarse un estudio debe saberlo. No hay camino fácil para esto. Ahora, está claro que falta mucho apoyo estatal para el medio, más y mejores ayudas específicas, ciertas facilidades para las empresas del videojuego que sí se tienen en otros países como Francia o Canadá, un mejor apoyo de los medios que a veces tienden a pasar de puntillas por la escena indie nacional... creemos que se están empezando a mostrar los primeros síntomas de cambio, pero hay mucho camino por recorrer.

Os toca. De todos los videojuegos Made in Spain que hay ahora mismo por ahí pululando, ¿cuál es el que más os llama la atención?

¡Uy, qué pregunta tan difícil y comprometedora! No sabríamos decir, estamos tan enfrascados en el desarrollo de Candle que no hemos tenido tiempo ni de probar los que ya se han lanzado, aunque en el estudio le tenemos muchas ganas a Dead Synchronicity, Gods Will Be Watching y Paradise Lost. Y hemos leído que Blues & Bullets tiene un guión espectacular.

¿Y si tuvierais que quedaros con un estudio español en concreto de ayer o de hoy?

Pyro y Pendulo. Son los dos grandes estudios patrios que marcaron nuestras adolescencias.

Vayamos ya con Candle. ¿Qué es lo que ofrece?

Candle es un juego de aventuras 2D con puzzles, cercano al planteamiento de las aventuras cinemáticas más clásicas. Podéis pensar en una fusión de Another World y Heart of Darkness con un poco de Oddworld. Se hacen muy poquitos juegos así y nos apetecía desarrollar nuestra propia versión de ese enfoque jugable. A lo largo de Candle, el jugador se ha de enfrentar a un sinfín de puzzles y minijuegos que deberás superar prestando especial atención a los entornos y sus pistas. Además, todo el apartado visual del juego está hecho a mano, todo pintado de cero con acuarelas y animado fotograma a fotograma, al más puro estilo de las películas de animación tradicionales.

La principal diferencia con los ejemplos nombrados radica en el peso que le damos a los puzzles. Falshback se apoyaba más en la acción y las plataformas por ejemplo, y nosotros esa importancia la hemos volcado en la resolución de puzzles. También hemos incluido un inventario, cosa de la que carecían la mayor parte de este tipo de aventuras, lo que le da a Candle un sabor a aventura gráfica que nos gusta mucho. De todas maneras creemos que Candle tiene un sabor genuino y propio, de ahí que lo hayamos denominado ‘aventura gráfica dinámica’. Los pilares son los de una aventura gráfica tradicional, pero tomamos el sistema de control de las aventuras cinemáticas, eliminando el control del ratón y explotando las posibilidades de exploración que nos ofrecen las plataformas, el buceo, etc. También es muy importante el uso de la vela de Teku (el protagonista). A veces tendremos que averiguar cómo encenderla, o como mantenerla a salvo para que la llama no se extinga. En otras ocasiones el jugador tendrá que decidir si la apaga voluntariamente, para evitar ser detectado por ejemplo. Por supuesto hay muchas sorpresas en torno a la vela, pero es mejor que el jugador las descubra por sí mismo.

De la historia no queremos hablar mucho, ya que es un aspecto muy importante del juego y estamos tratando de guardarlo todo hasta que la gente lo juegue. Pero sí podemos decir que cuenta con un doblaje de lujo tanto en español (Pepe Mediavilla, voz de Morgan Freeman o Ian McKellen) como en inglés (Terry Wilton, el narrador de la saga Trine).

En julio de 2013 lo presentasteis en Kickstarter. Contadnos qué tal fue la experiencia, cuál era vuestro objetivo y cuánto recaudasteis finalmente.

Una campaña de crowdfunding es siempre muy dura. Te expone mucho, requiere mucho trabajo y nunca tienes garantías de que vaya a salir adelante. Lo bueno es que te da a conocer y consigues a muchos seguidores que se interesan por tu trabajo, y eso no tiene precio. Inicialmente teníamos un objetivo de 40.000 $, pero logramos recaudar 52.360 $, que no está mal.

Contadnos cómo era Candle en sus orígenes y cómo ha ido evolucionando desde entonces.

No ha variado tanto como cabría esperar realmente. Las bases que nos planteamos siguen siendo las mismas. Candle surgió como un juego de aventuras 2D hecho a mano y eso ha continuado siendo así. Sí que es cierto que inicialmente planteamos un juego bastante oscuro... gore incluso que luego se fue convirtiendo en lo que Candle es a día de hoy. Fuimos también introduciendo el humor en los puzzles, conservando el tono serio en la historia pero dotando al gameplay de momentos divertidos. Jugablemente se han añadido algunas cosas a lo largo del desarrollo, como el ‘destello’ que puede realizar Teku con la vela, que nos abrió un abanico de posibilidades muy interesante.

El nombre original de Candle era ‘Project Light’. ¿Queríais haceros los interesantes? Todos sabemos que cualquier cosa que se llame ‘Project nosequé’ suena siempre irresistiblemente interesante…

Queríamos tenerlo todo atado antes de dar a conocer Candle en su totalidad, y por eso optamos por ese nombre. Como por aquél entonces pululaba por la red ese 'Project Dark' que más tarde se revelaría como Dark Souls, nosotros optamos por presentar Candle como 'Project Light', la antítesis del otro.

Aquí no cabe duda, si por algo destaca Candle es por su sensacional apartado artístico construido a base de técnicas artesanales como la acuarela. Así se consigue la sensación de estar jugando con un cuadro interactivo. Contadnos más sobre este punto.

El proceso creativo en Candle ha sido sin duda el pilar fundamental del desarrollo, y algo que nos llevó bastante tiempo plantear. La idea de realizar un videojuego mediante arte tradicional en papel era una locura, y no teníamos ningún referente al que aferrarnos. El único ejemplo que podíamos seguir era el de la animación clásica, pero aún así con una gran diferencia: nosotros íbamos a usar acuarelas. Esto significa que el papel que usas, al contrario del utilizado en animación, no es transparente, por lo que digitalizarlo todo, teniendo que limpiar todo el papel para que las animaciones quedaran ‘libres’ iba a llevar mucho tiempo.

Otra de las claves es la técnica de la acuarela en sí. Es una técnica húmeda y transparente, justo lo contrario del acrílico, que es lo más común a la hora de animar. Esto quiere decir que una vez das una pincelada no puedes corregir pintando encima, por lo que la planificación de cada pintura tiene que ser muy minuciosa. El proceso normalmente ha consistido en plantear primero el puzzle, y luego diseñar la sala (o las salas) acordes con él. Una vez tenemos los bocetos, los escaneamos y ampliamos para trasladar el dibujo al papel de acuarela (una vez más calcándolo a mano, puesto que no puedes imprimir sobre el papel de acuarela ya que se correría la tinta al pintar). Una vez tenemos eso ya podemos pintarlo (tras arduos debates sobre los colores a utilizar). El último paso tras pintarlo es el entintado, para el cual hemos usado rottrings de los de toda la vida. Las salas además están planteadas por piezas, para poder montarlas sobre un plano 3d y aprovechar el efecto de profundidad.

Con las animaciones el sistema es básicamente el mismo, solo que además los fotogramas están hechos en papel sobre una mesa de luz, al estilo clásico. Todo ello da con un resultado final que nos encanta, con una vibración en los gráficos del juego que realmente te hacen sentir que las ilustraciones cobran vida.

Trasladar todo esto a Unity también nos trajo muchos quebraderos de cabeza. Todas las acuarelas están escaneadas y tratadas en alta resolución y no hubiera tenido sentido comprimirlo todo mucho perdiendo la calidad que obtenemos de un proceso así. Al principio el motor reventaba por todos lados ya que no soportaba Atlas de sprites tan enormes, y realmente tardamos un tiempo en saltarnos ese obstáculo. Al final pudimos gracias a una combinación de un método de compresión que fuimos diseñando (conseguimos reducir el peso de las imágenes a un 30% sin perder calidad aparente) y a una estrecha colaboración con Dinesh Kumar, el diseñador del plugin ‘2D toolkit’ que es el que usamos para construir las librerías gráficas de Candle y gestionar las animaciones.

Obra de Pascual Gállego, la música del juego también es un puntazo. ¿Qué es lo que queríais transmitir con ella? Por cierto, hablando de música, soy incapaz de sacarme de la cabeza el hilo musical de vuestra página web…

¡Pues el hilo musical de la web es el único que no es cosa nuestra! No es más que un tema libre de derechos que encontramos por ahí y nos gustó.

La música en Candle lleva mucho tiempo componiéndose y siempre hemos querido que fuese un buen acompañamiento para el juego. Cada escenita de Candle se plantea como un lugar independiente a nivel de efectos sonoros, así que fuimos planteando músicas específicas para cada situación. Quisimos en todo momento darle un aire muy tribal, así que hay mucha presencia de percusión y de instrumentos como flautas. También hemos incluido mucha guitarra española en las composiciones, ya que nos apetecía mucho incluir ese elemento tan propiamente español en el ambiente sonoro del juego.

Como bien habéis comentado, Terry Wilton y Pepe Mediavilla son los encargados de la narración en la versión en inglés y en castellano respectivamente. ¿Cómo habéis conseguido ficharles? ¿Qué les pareció vuestra propuesta y qué tal es trabajar con ellos?

No fue muy difícil. Unos jamoncitos por aquí, unos cheques por allá... y les convencimos en seguida.

La verdad es que es un lujazo contar con voces de la talla de esos dos actores, son además profesionales muy abiertos y comprometidos y en seguida se sintieron atraídos por Candle y se tomaron el trabajo muy en serio. En el juego final se podrá ver el resultado de su esfuerzo, y creemos que el trabajo de voz es insuperable.

No podemos ocultarlo, poder contar con Pepe ha sido un sueño cumplido. Somos grandes admiradores y ha significado mucho para nosotros que accediera a trabajar en Candle. Además se ha volcado totalmente.

Perdón por esta pregunta ya tan típica, pero en vuestro caso es inevitable: ¿creéis que los videojuegos son una nueva forma de arte o que por el contrario son una ‘mezcla’ de otras artes (música, pintura, cine, literatura, etcétera) que aún debe perfilar su propia idiosincrasia?

Es una pregunta que da para un debate mucho más amplio que esta entrevista. El videojuego es un medio único con su propia identidad y sus propios tics, y creemos que lo más importante es que todos los creadores sepan aprovecharse de las particularidades que ofrece este medio a la hora de llevar a cabo sus creaciones. Primero hemos de definir correctamente los videojuegos como forma de expresión antes de pararnos a valorar si se les considera un arte o no, aunque de todos modos esa valoración es difícil de hacer a la ligera.

Al final siempre dejo caer una serie de preguntas rápidas para poder conoceros un poquito mejor. Vamos allá.

Un plataformas de Super Nintendo o un Triple A next gen:

Miguel: Pues yo me quedo con un plataformas de SNES, sinceramente.

Jose: Lo mismo digo. ¡Nada como el rey León o el Aladdin de SNES!

Dibujar el mundo de Candle o practicar body paint con un grupo de supermodelos.

Miguel: ¿Y hacer body paint de Candle con supermodelos?

Jose: Pintar supermodelos en el mundo de Candle. Ya está bien de tanta roca y tanto árbol (en serio, socorro).

¿Un creativo al que acosaríais por las calles?

Miguel : ¡A varios! Pero yo personalmente acoso mucho a Terry Cavanagh.

Jose: Una simple orden de alejamiento no me hace olvidar a mi querido Kojima.

¡Toca despedirse!

Deseamos sinceramente que disfrutéis de Candle. Ha sido la prueba más dura de nuestra vida, y nos ha costado muchos sacrificios que vea la luz. Todo nuestro cariño está volcado en él. Esperamos poder sorprenderos con su mundo y sus puzzles (y que narices, ¡Teku es una pocholada!).

Pixels, pixels y pixels. Por mucho que Adam Sandler y sus secuaces defiendan ahora que esa palabra es suya, igual que los hermanos Warner defendieron en su día que ‘Casablanca’ era de su propiedad por haber rodado una película con Humphrey Bogart e Ingrid Bergman (brillante Groucho Marx al mandarles elegantemente al carajo), lo cierto es que los desarrolladores indies se han convertido en los máximos responsables de que hoy en día veamos pixeles como panes por todas partes, provocando (o no) acidez de estómago al creador del antialiasing y esas otras técnicas que tanto se esfuerzan en ocultarlos.

Porque el pixelart está de moda y parece que ha venido para quedarse por mucho tiempo. Pero no sólo hablamos de algo visual, si no de una cultura del videojuego que resurge frente a las propuestas actuales rescatando el sabor de los grandes clásicos, de aquellos juegos gracias a los cuales muchos de nosotros comenzamos a sentir un profundo amor por este ocio cuando aún éramos demasiado micos para entender siquiera la maravilla que teníamos entre manos.

Como decimos todo esto no es tan sólo un mero síntoma de una nostalgia difícil de cubrir con los juegos comerciales. Es la necesidad de acceder a propuestas más directas, más rápidas y, sobre todo, más naturales. Títulos como Mega Man y Castlevania no requerían de extensos tutoriales, pero sin embargo son joyas realmente profundas y complejas, capaces de ofrecer muchas horas de diversión al usuario.

Tomando todo esto como base surge ‘A Hole New World’, el proyecto de Mad Gear Games, un estudio indie cuyo núcleo duro está formado por Daniel Pellicer, Miguel Murat y Juan Jesús Ligero. Hemos tenido el gusto de poder charlar con ellos y esto es lo que nos han contado sobre su trayectoria, sobre sus inquietudes, sobre su proceso creativo. Seguid leyendo.

Primera pregunta obligada, ¿cuándo y cómo surgió Mad Gear Games?

Pues se podría decir que hay dos etapas en la historia de Mad Gear Games: pre ‘A Hole New World’ y post ‘A Hole New World’. Las llamaremos a partir de ahora Pre y Post. En la etapa Pre, JJ se puso a buscar un grupo de colegas para hacer videojuegos, ahí nació el nombre de Mad Gear Games (el nick completo de JJ es JJHaggar, así que os dejaremos adivinar de qué sindicato del crimen reformado a base de cascanueces surgió el nombre), y poco después empezamos a hacer el Ninja Trials, juego tipo ‘Combat School’ pero en HD y con Ninjas que de momento tenemos aparcado. El 23 de agosto de 2014 fue la fecha que cambió el destino de Mad Gear, y es que ese día fue la ludum dare 30, y el inicio de la etapa Post. Como nos los pasamos tan bien haciendo el juego y además consiguió una buena posición, decidimos desarrollar un juego hecho y derecho con lo que habíamos completado ese fin de semana. A partir de ahí, y pensando en Greenlight y Kickstarter, formamos legalmente la empresa en Cádiz este pasado mayo.

¿Actualmente cuántos formáis la plantilla? ¿Ha habido muchos cambios desde la creación del estudio?

Ahora mismo el ‘núcleo duro’ somos tres: Daniel Pellicer, Miguel Murat (Migue) y Juan Jesús Ligero (JJ). De la plantilla original sólo está JJ.

Desde el principio del estudio mucha gente ha ido pasando por él, Alfonso, Alejandro, Álvaro, Sergio, Bruno, Víctor, Alicia, Sergio (es otro Sergio)... Algunos han tenido que ir dejándolo por asuntos personales (Alf es ahora papá de una pequeña llamada Alejandrita) o porque les han ido surgiendo otros proyectos (Álvaro está haciendo juegos de mesa), algunos siguen colaborando más o menos tiempo y otros no, pero todos dejan una huella propia que ha ayudado (y sigue ayudando) a enriquecer el estudio.

¿Cómo trabajáis? Me gustaría saber si cada cual tiene un espacio definido, si las decisiones se toman en común, si las ideas se disparan y rebotan de un lado a otro, si tenéis sede física o si cada cual trabaja desde casa… todas esas cosas y lo que queráis contarme.

Cada uno tiene asignados unos trabajos, por ejemplo Dani programa y compone, Migue diseña el juego y las fases, y JJ hace los gráficos y los papeleos, pero si hace falta todos arrimamos el hombro para ayudar a lo que sea. Las decisiones intentamos tomarlas siempre entre todos, y siempre intentando que todos estemos lo más contentos posible. Cada uno trabaja desde casa: Daniel en Austria, Miguel en Japón, Londres, Madrid, etc. y JJ en Cádiz, pero estamos todo el día conectados vía Hangout y similares, así que nos sentimos un poco como si viviésemos uno al lado del otro.

¿Y vuestra experiencia previa? Quiero decir, ¿de dónde viene cada uno de los miembros de Mad Gear Games? ¿Habéis estudiado con el objetivo de desarrollar un videojuego o habéis acabado haciendo esto como quien dice ‘de rebote’ y aprendiendo a base de experimentar?

Dani: Supongo que sonará a tópico pero yo, como tantos otros, siempre quise hacer juegos, es solo que a la hora de escoger una carrera, fui convencido de que había que hacer algo que tuviese salida profesional. Así que hice ingeniero técnico industrial y luego teleco. Poco antes de acabar la carrera, me dio por hacer música para juegos, pero como todavía no tenía mucha experiencia, me hice mis propios juegos para poder hacerle la música. Mi sorpresa fue muy grande cuando me di cuenta de que programar los juegos era súper divertido, no como todas esas voces a mi alrededor me habían dicho cuando tenía 18 años. Luego juan me llamó para hacer música para Ninja Trials y en un momento determinado y de forma muy inocente le ofrecí ayuda para programar también en caso de que hiciera falta. Él lo entendió de otra manera y me unió a todos los repositorios y me dio un montón de cosas que hacer. Ya no tenía escapatoria.

Migue: Antes de hacer la carrera ya hacía juegos con un motor para MS-DOS que se vendía en los kioscos (DIV) y quedaba con gente que hacía lo mismo. Estudié informática pensando en programar juegos pero finalmente acabé trabajando primero en QA en EA, luego en producción en Enigma (porque en Zed pagaban poco de programador), más tarde diseñando juegos para iPhone cuando salió el App Store y finalmente de project manager en Unkasoft. Y ahora vuelta al diseño de juegos :)

JJ: De pequeño, antes de saber que existían, ya quería hacer videojuegos. Con 5 años solía fabricar y jugar con una especie de ‘teatro de papel’, que era básicamente un escenario de lo que podría ser un juego de plataformas y un monigote que se movía por el escenario con un palito a modo de mando como si saltase precipicios y esquivase trampas para llegar a un tesoro, al estilo Indiana Jones. Luego conocí por fin los videojuegos con la Atari, me encantaron, y he seguido jugando desde entonces. A la hora de elegir carrera dudé entre psicología e informática, pero curiosamente ganó la primera. En mi defensa diré que siempre he estado un poco loco y pensé que así podría ayudar a los demás y a mí mismo. Un día, varios años tras acabar la carrera, de repente tuve una especie de ‘iluminación’, me di cuenta de dos cosas: primero que tenía tantas ganas de hacer videojuegos como el primer día, y segundo que no tenía por qué echar currículums para hacerlo por cuenta ajena, así que tomé una decisión, iba a hacer videojuegos a toda costa. Como no tenía dinero para pagarme la carrera de informática, estudié el CFGS desarrollo de aplicaciones informáticas, y cuando lo estaba acabando, casi sin darme cuenta, ya estaba en contacto con un grupo de amigos que querían hacer lo mismo. Así que sí, se podría decir que he acabado en esto un poco de rebote, pero yo prefiero pensar que ahora por fin he hallado mi camino.

Lo pregunto porque, si bien es cierto que cada vez hay más escuelas universitarias que ofrecen grados oficiales en diseño de videojuegos, también es verdad que existe un altísimo número de desarrolladores que vienen de crear páginas web o que compaginan esto con trabajos como poner ventanas, vender hamburguesas o sacarse otra carrera completamente diferente…

La gente que tiene interés en hacer juegos los hace. No hace falta nada más que ganas (¡y una conexión a Internet a poder ser!).

Migue: Mi panadero me preguntaba el otro día por grados y estudios en videojuegos. Yo le dije… ‘¡haz un juego!’ Y él me dijo ‘pero necesitaré un equipo potente…’. ‘¡Excusas!’.

Como estudio de videojuegos, ¿qué es lo que más os ha costado aprender y lo que creéis que es fundamental para sacar adelante un proyecto que sepa cumplir con unas metas previamente establecidas?

¿Metas previamente establecidas? ¿Eso qué es?

Bromas aparte, en realidad trabajamos con una metodología de trabajo para software llamada Scrum que se centra siempre en bloques de dos semanas. ¡Sabemos lo que vamos a hacer en el futuro pero nos centramos más en el presente!

¿Y aquello que os ha dado más de un quebradero de cabeza? ¿Qué consejo le daríais a todo aquel que esté pensando en desarrollar un videojuego?

Por ahora lo que más quebraderos de cabeza nos ha dado es elegir un motor para nuestros juegos. Empezamos usando AndEngine con la idea de hacer un juego de ninjas para Ouya, luego nos pasamos a libGDX por conseguir portabilidad multiplataforma instantánea usando open source, y ahora estamos trabajando en pasar nuestro juego a Unity para mayor portabilidad y dar una mayor comodidad a nuestros usuarios (con libGDX el ‘ejecutable’ que podemos darles para que jueguen a nuestro juego es un archivo ‘.jar’).

Como consejos se nos ocurren varios, pero si hay que elegir uno creo que diremos ‘No empieces con un proyecto demasiado grande’. Casi todos los proyectos son más grandes de lo que uno se piensa al principio, nosotros sin ir más lejos hemos tenido que dejar aparcado el juego de ninjas que os comentamos porque acabó siendo mucho más complejo de lo que pensábamos en un principio.

Sabemos que sois un estudio activo en cuanto a que si hay ocasión de tener presencia en un evento o feria, no os lo pensáis dos veces. ¿Cómo es la experiencia de llegar a una feria, plantar tu stand, y dejar que todo un grupo de desconocidos trastee con tu juego? ¿Tenéis alguna anécdota curiosa?

Es muy cansado, pero increíblemente interesante. Uno no se imagina las cosas que va a querer hacer la gente (dirigidos en cierta manera por la forma en que lo has diseñado) hasta que no lo ves. En ocasiones crees que has puesto indicaciones claras de cómo ir a un determinado sitio y nadie se da cuenta y en ocasiones crees que has hecho un lugar del juego todo un reto y el jugador descubre una forma de hacerlo fácil que no se nos había ocurrido a nosotros. A parte de eso, y en particular para este juego, siempre es muy divertido ver las caras que pone la gente la primera vez que caen por un agujero. Si no conocen el juego no se lo esperan para nada.

Pues una cosa que nos suele hacer reír y sentir como dinosaurios es cuando vienen niños pequeños a probar el juego y cogen el mando (imitación del de NES) del revés. Pero la anécdota más graciosa probablemente fue en el GamerCon que se celebró en el Salón Manga de Jerez de este año. Viene un niño con sus padres, y se pone a jugar, le gustó mucho pero como era chiquitillo le costaba trabajo avanzar, así que convenció al padre de que le ayudase, ¿que cómo? pues...

También sabemos que sois muy de hacer peña con otros estudios como AlPixel Games, S0ns of B1t, Risin’ Goat, Gazpacho Games, Kinoko Studios… ¿Qué pasa aquí, que todos los indies os lleváis bien entre vosotros? No estaréis tramando algún plan maligno en esas quedadas pre y post ferias, ¿verdad?

Nos sentimos como si… como si pudiésemos… ¡conquistar el mundo!

Quizá los estudios de por aquí no sean empresas súper grandes, con presupuestos millonarios, que salgan en todos los medios por decir obviedades como que están desarrollando un nuevo [Introduzca nombre de juego que sale todos los años], pero creo que podemos estar muy orgullosos del BUEN ROLLO que hay en nuestra industria. No hemos conocido a nadie que no esté dispuesto a echar un cable cuando hace falta.

Hablando de los colegas, tenéis que recomendarnos algún que otro estudio que haya que tener bien presente. Con sus respectivos juegos, claro.

Creo que no habéis entrevistado a la gente de Milkstone que llevan ya un tiempo sacando juegazos. También Super Awesome Mega Team (creo que es más largo), 2Awesome Studio, Dolores Entertainment, Planet Apolion… ¡No hay gente ni nada! ¡El panorama indie está súper interesante!

Toca presentar ‘A Hole New World’. Os dejo los honores.

A Hole New World es el juego que surge al combinar nuestros juegos favoritos de antaño (Mega man, Castlevania, Ghouls ‘n Ghosts…) y darle una vuelta de tuerca que básicamente es entrar en otro mundo al caer en agujeros en la parte más baja de la pantalla que, en videojuegos de antaño, habría supuesto tu muerte.

Un juego sin tutoriales rollo, sin complicaciones en los controles (salto y disparo), sin tiempos de carga eternos, sin DLCs… para jugar y pasarlo bien al momento.

Sabemos que la idea original surgió en la Ludum Dare 30, en la cual por cierto consiguió un magnífico resultado. Contadnos en qué consiste este evento y cómo fue la experiencia.

Ludum Dare es una competición de hacer videojuegos en un fin de semana sobre un tema que te dan justo antes de empezar. Hay dos modalidades, una que estás sólo y hay una serie de restricciones (compo), y otra un poco más ‘sencilla’ en la que pueden trabajar varias personas (jam). Nosotros hicimos esa última.

Nos reunimos todos vía Hangout un par de horas antes de empezar la competición, y desde que empezó hasta que faltaban unos pocos minutos estuvimos literalmente sin parar salvo para dormir un poco (muy poco). Lo más complicado en un evento de este tipo es completar un juego en el tiempo establecido, ¡pero lo conseguimos! Así que acabamos muy contentos. Más aún porque la gente votó a nuestro juego de forma muy positiva, y por eso decidimos hacerlo más grande y mejor.

Efectivamente ‘A Hole New World’ es un título con mucho sabor retro. ¿Por qué creéis que estas experiencias clásicas están volviendo con tanta fuerza hoy en día?

Probablemente porque había un público que estaba esperando este tipo de juegos y, hasta que alguien no pensó en echar la mirada hacia atrás y hacer un título como los de antes, la industria no se dio cuenta.

Sin duda os estáis currando un apartado audiovisual digno de NES. ¿Una muestra más de que le disteis duro al Ghosts’n Goblins, Castlevania y derivados?

Hay quien piensa que los gráficos retro son fáciles. ¡Es al contrario! Tener una limitación de colores como la de la NES hace bastante difícil el crear gráficos bonitos. Sin embargo es un reto súper interesante y los resultados son preciosos. Las imágenes en pixelart son obras de arte de un trabajo incomparable, no hay más que ver los gráficos de los grandes clásicos, o algunos trabajos actuales como los de Paul Robertson. Nosotros no llegamos a tanto, pero nos esforzamos todo lo que podemos en que quede un juego bien resultón.

Teniendo en cuenta que vuestro juego funciona a 240p me interesa saber vuestra opinión sobre la actual guerra por la resolución. Ya sabéis, que si Xbox One es peor por no alcanzar los 1080p, que si los juegos a 4K en PC pueden provocar orgasmos múltiples…

Parte del equipo tenemos unos ojos que ni con gafas vemos tres en un burro. Probablemente no se note mucho la diferencia. Sin embargo, sí es cierto que la carrera tecnológica que a priori parece absurda (¿4K en móviles?) luego acaba derivando en nuevas tecnologías (Google Cardboard / Oculus) que no habrían sido posibles de otra forma.

Con ‘A Hole New World’ habéis conseguido superar con éxito un Kickstarter y el filtro de Steam Greenlight, actualmente las dos ‘barreras de fuego’ para todo aquel que quiere financiar y publicar su juego. ¿Perdisteis mucho pelo por el estrés o supisteis controlar los nervios?

Pues la campaña de Greenlight la lanzamos un mes antes del Kickstarter, con la idea de que hubiera cierta sinergia entre ellas, pero aunque sí que hubieron nervios y excitación cuando la empezamos y cuando vimos que nos habían dado luz verde nos la tomamos con bastante más calma que la de Kickstarter. Kickstarter fue una locura. Estábamos continuamente intentando pulir toda clase de detalles, haciendo turnos para estar las 24 horas atentos al público, todo el rato mirando la web pendientes de ver si lo íbamos a conseguir o no, si íbamos a conseguir uno u otro stretchgoal… Poco dormimos ese mes (risas).

¿Aún mantenéis el contacto con vuestros mecenas? ¿Siguen colaborando activamente para pulir ‘A Hole New World’ y aportar feedback?

¡Claro, de hecho acabamos de abrir el foro y de distribuirles la primera beta privada, y ya estamos recibiendo feedback muy interesante! Aparte, varios de ellos van a tener un personaje que saldrá en el juego, así que a todos ellos les tendremos que ir preguntando detalles e irles enseñando el resultado para ver qué les parece.

Y la gran pregunta de siempre, ¿cuándo estará listo? ¿Cabe la posibilidad de verlo más allá del PC?

Pues si todo va bien queremos tenerlo listo para PC en diciembre de este año (2015). Respondiendo a lo otro, nosotros queremos que el juego salga en todas las plataformas posibles, por lo que si bien en Kickstarter no conseguimos la financiación que necesitábamos para sacarlo en consolas, estamos estudiando las diferentes opciones que tenemos. A lo mejor no conseguimos que llegue a todos los mercados que nos gustaría, pero no nos daremos por vencidos tan pronto.

Por último vamos a hacer una ronda de preguntas rápidas:

Un contrato ya mismo con una gran editora o seguir de ‘indis’ por la vida:

-Dani: Yo siempre he querido probar a vivir debajo de un puente.

-Migue: El ramen instantáneo está sorprendentemente bueno.

-JJ: ‘Indy’ me gusta más que ‘Henry Jr’.

El juego clásico por el que seríais capaces de luchar contra dragones, cruzar océanos de fuego y lanzar rayos láser por los ojos:

-Dani: Megaman 2. Magníficoooooooo. Por eso estamos haciendo A Hole New World.

-Migue: Creo que antes de pasarse a las 3D decidieron hacer EL súmmun clásico. Alguien metió en una batidora todos los juegos buenos de los 8 y los 16 bits... y salió Castlevania Symphony of the Night claro.

-JJ: Pues hay muchos por los que si es necesario masticaría dragones de fuego con los ojos. Pero como sólo me dejáis decir uno, os diré el Demon’s Crest.

Vuestro primer amor virtual:

-Dani: pues aunque parezca raro creo que del primer juego que me acuerdo es del Konami Wai Wai World 2 de la Family Computer.

-Migue: ¡Ranma tía! Ah no espera… ¿Hablamos de juegos? Em… ¡Ranma tía! (de importación).

-JJ: Dependiendo de lo que hayas querido decir te respondería ‘Double Dragon’ o ‘Tyris Flare’.

Un último mensaje.

-Dani: Chicos y chicas de hoy en día: ¡Jugad juegos retros e indie! ¡Molan mucho!

-Migue: ¡Nunca pagues más de 20 pavos por un videojuego!

-JJ: Ia! Ia! Cthulhu Fthagn!

¡Querido lector! Si por lo que sea se te pasó colaborar con 'A Hole New World' y tras leer esta entrevista te ha picado el gusanillo, que sepas que aún puedes hacerlo siguiendo este enlace. este enlace

¡Qué poderosa es la nostalgia! ¿Os acordáis de cuando aún erais críos, de esos maravillosos días de verano que se abrían ante ti como un lienzo en blanco a rellenar con series de televisión, videojuegos, horas y horas de aventuras con los colegas, con juegos en la playa y la piscina hasta que tu piel adquiría la apariencia de una uva pasa? Ahora los veranos ya no son lo mismo, no nos pasamos el día fuera de casa a la caza de lagartijas, pegando balonazos a una pared o recorriendo los alrededores de nuestro pueblo con la bici. Ahora tenemos quince días máximo, y la mitad de ellos los pasamos organizando cosas o con la mente puesta en las obligaciones que tendremos que encarar a nuestra vuelta.

Si a esto le sumas que naciste a finales de los 70 o comienzos de los 80, se le une ese torrente ochentero que tanto ha ganado con los años, que tan fuerte está volviendo en los últimos tiempos. Por eso, sabiendo que los ochenta están de moda y que la nostalgia es un arma realmente poderosa, los chicos de Fourattic no han dudado en utilizar estos dos elementos para dar forma a Crossing Souls, una aventura de acción con toques RPG que nos pondrá en la piel de un grupo de chavales que, mientras disfrutaban de sus vacaciones, se ven obligados a encarar una aventura épica, con artefactos misteriosos, conspiraciones del gobierno y tantas otras cosas que nos recordarán a cintas como Los Goonies y la más reciente Super 8 (un ‘revival’ de las grandes pelis ochenteras de este tipo).

Todo esto, aliñado con un apartado visual retro estilo pixelart, les ha valido para hacerse un hueco en la mismísima conferencia de Sony en el E3 2015. Suena de la leche, ¿verdad?

Empecemos como siempre, ¿cuándo, cómo y dónde surgió vuestro estudio?

Fourattic como tal se creó hace casi 3 años en un bar cualquiera de Sevilla. Nos reunimos cuatro personas con ganas de crear y hacer crecer algo propio y en lo que creyéramos de verdad. Aunque alguno tuviera trabajo por aquél momento, no costó demasiado abandonarlo ya que las condiciones que teníamos eran muy pobres. Las alternativas en esta época de crisis eran (y son) de chiste, así que ¿por qué no hacer lo que hicimos? En nuestra situación lo vimos más que razonable, pero no fue fácil.

Así que lo dejamos todo atrás y apostamos por labrarnos nuestro propio futuro poniendo nuestro alma en ello desde el minuto uno.

Por el nombre y por lo que cuentas sonáis a 4 Fantásticos o algo así. ¿Hay algo heroico detrás de Fourattic?

(Risas) que va, todo lo contrario, somos cuatro tíos normales trabajando día a día en algo que les apasiona. Si hay algo heroico en eso no lo sabemos, suponemos que es lo que todo el mundo haría si tuviera una oportunidad, o si la propiciara a base de intentos. Suena muy guay, pero la verdad es que cuesta lo suyo llegar hasta este punto. A veces, charlando con gente que nos ha seguido desde el principio, parece que hemos tenido la suerte de llegar y pegar, pero la verdad es que lo hemos tenido complicado.

Cada integrante del grupo tiene su formación y años de experiencia en otros campos, pero nos ha tocado una época muy jodida en lo laboral. Buscarnos la vida y agudizar el ingenio nunca ha sido una opción, antes de acabar la Universidad todos sabíamos que nos tocaba pelearnos por una oportunidad ahí fuera. Así que si hubiera algo heroico en nuestra cruzada puede que sea esa fe en no perder el norte y no dejar de tener ese ojo avizor a la caza de oportunidades para poder meter la cabeza en este mundo. Las oportunidades están ahí, así que siempre hay que estar preparado para saber verlas y aprovechar cuando lleguen.

Empezasteis realizando trabajos tipo páginas web y derivados. Sin embargo os distéis cuenta de que eso no era lo vuestro…

Exacto. Veníamos de trabajar en empresas que realizaban servicios similares y las abandonamos para comenzar algo propio. Al día siguiente de dejar nuestros anteriores trabajos, ya estábamos reunidos para empezar a captar clientes. Como hemos comentado, al principio contamos con un ático prestado como lugar para reunirnos y poder dar los primeros pasos. Pero unos meses más tarde tuvimos que mudarnos y necesitábamos pagar el primer mes de alquiler. Ese era el humilde objetivo que nos propusimos, por eso comenzamos a dar servicios digitales como crear webs, gestionar redes sociales o diseñar logotipos, era económico (con nuestros portátiles bastaba) y necesitábamos cobrar rápido.

Pasamos un año así. Al principio cualquier progreso emociona, pero en el fondo sabíamos que no estábamos disfrutando. Somos un grupo creativo, si no tenemos algo entre manos que sacie nuestra curiosidad no funcionamos. De hecho, cuando estábamos liados creando webs teníamos tal necesidad de hacer algo realmente creativo que creamos una pequeña red social (tal como suena) relacionadas con fotos y hashtags en un mes. No conseguimos sacar nada de ella más allá que la experiencia y la realización personal. Lo siguiente fue Odd Pic Out, el juego casual para móviles, y ahí ya comenzamos a meter la patita por debajo de la puerta del mundo de los videojuegos. ¡Hasta ahora!

¿Realmente hay un salto tan grande entre trabajar solo para comer y trabajar persiguiendo un sueño? Digo a nivel emocional, creativo, etcétera. Desde que os dedicáis por entero al desarrollo de juegos, ¿os sentís más altos, más guapos, más rubios y más felices?

Sí que hay un salto bastante importante, la verdad. Trabajar en cualquier ámbito por un salario que te permita ‘vivir’ es lo básico a lo que estamos acostumbrados a aspirar, pero de ahí hay que ir escalando hacia arriba según prioridades personales. Todos en el equipo hemos trabajado anteriormente en empresas cuyos servicios no se parecían en nada a la creación de videojuegos. En el equipo contamos con ex-heladeros, ex-botones de hotel, ex-albañiles, ex-camareros, ex-montadores de conciertos... Ex-plotados, básicamente (risas).

Eso sí, creemos que es totalmente necesario desempeñar todo tipo de trabajos en la vida para valorar las oportunidades que luego pueden llegar. Saber lo que se siente al sudar la gota gorda en trabajos que requieren esfuerzo físico a cambio de un mal salario y cero realización personal es útil a la larga. Establece una escala de valores diferente a la de alguien que quizás haya tenido la suerte de no tener que maltratarse en lo que a trabajos feos se refiere. En el equipo nos entendemos muy bien en ese aspecto y estamos seguros que no hubiéramos aguantado el año y pico que pasamos antes de existir siquiera Crossing Souls si no hubiéramos tenido experiencias laborales similares. Sacamos algo positivo de cada situación, y a los problemas le damos soluciones basándonos mucho en estas experiencias anteriores. En esos valores. Hablamos el mismo idioma, como se suele decir.

La sensación actual es un equilibrio entre ‘estamos cumpliendo un sueño’ y ‘tenemos que comer mientras lo cumplimos’ (risas). Es decir, se nos hincha el pecho de lo felices que somos creando Crossing Souls, ¡eso es así! Y de vez en cuando viajamos para mostrar el juego y nos da tiempo para pararnos a pensar lo afortunado que somos... Pero no queremos que esto sea una anécdota que contar a nuestros nietos (solamente). Queremos aprender de cada paso para ir a mejor y que esto sea tan sólo la primera página de muchas por escribir.

¿Y cómo habéis hecho para que ir tras la realización de un sueño no juegue en contra de vuestras carteras? Lo digo porque todos sabemos que un juego exige trabajo constante sin reportar un mísero céntimo durante meses o años…

Al principio íbamos ingresando lo justo para poder pagar los costes básicos, sin beneficios para nosotros pero lo suficiente para seguir trabajando en lo que queríamos. Por otra parte, cada uno de nosotros teníamos algo de dinero ahorrado que sirvió como colchón para gran parte del primer año, pero cuando esta fuente se agotó también hubo que apretarse aún más el cinturón y hacer malabares para seguir apostando por todo esto. Vivir con nuestros padres también ayudaba claro, pero todo tiene un límite y estuvimos a punto de dejarlo todo debido a estos problemas.

Al final, cuando decidimos dedicarnos a hacer juegos pudimos ganar algo más de dinero con algún juego móvil que hicimos en colaboración con Genera, una desarrolladora y distribuidora muy importante de Sevilla, y aunque no fue una cantidad exagerada, nos dio la ayuda que faltaba para apostar por Crossing Souls en Kickstarter :)

Habladnos de vuestra experiencia en Kickstarter. Todos los estudios nos dicen que es una auténtica odisea no apta para cardíacos. ¿Cómo lo llevasteis vosotros?

Buaff! Seguro que te da para escribir un libro con las anécdotas que te puedan dar del Kickstarter, ¡hasta nosotros nos planteamos de hacer uno! (risas). La verdad es que sí que es un deporte extremo. Para empezar, hay que meterse una cosa en la cabeza: tienes que plantear la campaña con bastante tiempo de antelación y muy bien. ¡Una vez en el aire todo lo que hayas planeado descubrirás que no servirá para nada! (risas) Es (casi) broma. En realidad lo que ocurrirá es que te quedarás corto con tu planificación casi seguro.

Para que el Kickstarter te funcione bien lo importante es hacerte oír. Por lo cual no solo te valdrá con lo que hayas planeado si no que tendrás que estar spameando constantemente las redes, haciendo shout outs con todo el mundo y hablando con el máximo de prensa/blogs que puedas. Lo que puede ser bastante estresante, ya que si no lo mueves bien es difícil conseguir nuevos backers. Aunque había días que por mucho que se moviese apenas conseguíamos nada, pero aún así no había que desanimarse y teníamos que seguir a tope.

También hay que decir que tuvimos un par de variables jugando en nuestra contra. La primera, que tuvimos que retrasar la fecha de salida de kickstarter unas semanas y casi la terminamos justo al empezar navidad. La segunda, Ron Gilbert. Que sacó el Kickstarter para Thimbleweed Park justo uno o dos días después que nosotros. Si ya la gente quiere gastar poco antes de navidad imagina si tienen que elegir entre dos (o más) juegos. Aunque hay que decir que a última hora (tras insistirles un poco) R. Gilbert y G. Winnick sacaron una update en la que nos mencionaban a nosotros junto a otros juegos de Kickstarter y nos dio un subidón tremendo de backers.

La experiencia es bastante bonita de recordar, pero no sabemos si es como para repetirla dos veces.

Solicitabais 45.000 dólares y recaudasteis cerca de 52.000. ¡Sois unos sobraos!

¡Somos unos suertudos pero aquí hay truco! Superamos nuestra meta y nos podemos dar con un canto en los dientes por ser un proyecto de Kickstarter financiado con éxito. Esta plataforma es como un ente vivo y cada año y mes es una historia diferente. Por la época de nuestra campaña, si tu idea era molona y lo hacías de forma seria y profesional, hacer 45.000 dólares no era descabellado. Nosotros pusimos un límite mínimo por el cual nos comprometíamos a acabar el juego, estudiando previamente las cantidades que solían ser financiadas y las que no en la categoría de videojuegos. Así que 45.000 dólares fue la cifra y pensamos que al ser baja para el videojuego que traíamos entre manos podría existir cierto empujón final que nos diera más financiación aún. ¡Y así fue! Pero bueno, conocemos juegos que han doblado, triplicado y quintuplicado su objetivo inicial. ¡Eso sí que es ir de sobraos! Además, en el desarrollo de videojuegos, rara vez creemos que sobre dinero (risas). Cuesta un ojo de la cara mantener todo a flote el tiempo necesario para hacer un juego de un año o dos de desarrollo.

Finalizando la pregunta, para haber acabado nuestro Kickstarter a pocos días antes de la campaña anual de rebajas de Steam (un riesgo bastante gordo) es todo un logro que los backers dejaran su dinero en nuestro proyecto. ¡Gracias backers! ¡Os queremos con locura! ¡Ya queda menos, no os preocupéis! (risas).

Ah, y para los que aún no sois backers y queréis serlo, PayPal está habilitado. ¡La familia crece y eso es maravilloso!

¿Creéis que la planificación que comentabais y el marketing son clave para lograr el éxito, que muchos grandes juegos se quedan a mitad de camino por no prestar suficiente atención en estos puntos?

Salir airoso de un Kickstarter es una tarea complicada (y cada día que pasa aún más). Para conseguirlo has de tener en cuenta mil y un detalles desde meses antes de que comience la campaña: Facebook y Twitter, blogs y revistas, marketing, un buen tablón y video de presentación... y desde luego el mantener actualizaciones constantes es uno de los puntos más importantes de todos. Aún así, no creemos que sea el único punto para lograr el éxito en Kickstarter, nosotros por ejemplo notábamos que ‘dar la brasa’ en Twitter funcionaba muy bien, el buen uso de hashtags es una herramienta muy potente que puede ayudar a que tu campaña sea conocida por muchísima más gente. A la larga puede hacer que más backers acaben apostando por ti.

Kickstarter es un ente vivo que no para de cambiar y hay grandísimos juegos que se han quedado en el camino del éxito y mucha gente no sabe por qué, suponemos que algo de suerte hay que tener también... Lo que está claro es que si tu video de presentación es regular, tu tablón está falto de información y no actualizas asiduamente para que todo parezca que está vivo y que os interesáis en lo que estáis ofreciendo, tienes todas las papeletas para no lograrlo.

Teniendo en cuenta que el crowdfunding suele ser la única bala en la recámara para muchos estudios indie, ¿no os parece de coña que creativos archiconocidos de la industria como Yu Suzuki o el propio Ron Gilbert acudan a Kickstarter para financiar sus juegos? ¿No se están perdiendo el valor de apoyar al pequeño emprendedor?

La verdad es que la idea del crowdfunding se está desvirtuando poco a poco, tanto por el ejemplo que dices como por el de los más indies. Hay bastantes casos de juegos fundados que luego se han quedado con la pasta y se han volatilizado. Lo que pensamos ha hecho que se desprestigie un poco y se confíe un tanto menos a la hora de apoyar una campaña de crowdfunding. Sólo hay que mirar las cantidades que se pedían hace unos años y las que se piden ahora (casi la mitad), ya que hay que ir a lo seguro.

Por otro lado, es preocupante el uso de los grandes estudios del sistema de canales de crowdfunding del estilo de Kickstarter, ya que esto apisona a los pequeños estudios. Si se crearon estos canales fue porque es imposible competir en un mano a mano con las grandes marcas. Si estudios como el de Yu Suzuki invaden los espacios de campañas de mecenazgo ¿qué pasará con los pequeños emprendedores?

Es cuestión de autofinanciación, si no puedes desarrollar un nuevo proyecto con lo que tienes o no tienes el apoyo de nadie está claro que no te queda otra que el crowdfunding. Seas quien seas. Pero hay más de una campaña en la quizás no se dé este caso.

Sabemos que vuestro publisher, Devolver Digital, contactó con vosotros a mitad del Kickstarter. ¿Qué os ha aportado este acuerdo?

La llegada de Devolver fue la guinda a todo lo que estábamos pasando para lograr que Crossing Souls se convirtiera en una realidad. ¡Es el mejor publisher ever! Prácticamente son como nuestra familia y nos cuidan genial :)

Después de esta publicidad hablemos en serio :P De verdad, sin Devolver no podríamos haber conseguido la mitad de todo lo que tenemos hoy por hoy. En Junio fuimos a Los Ángeles para asistir al E3 y Crossing souls apareció en la conferencia de Sony de este año. Si eso no es cumplir un sueño… Nos ayudan con la traducción, testeo y marketing del juego entre otros miles de pequeños detalles que serían imposibles de conseguir sin su ayuda.

Al final lo importante es que el juego se conozca para que más gente se interese por él y ayude a las ventas finales y el estar amparados por uno de los sellos de distribución de juegos indies más molones e importantes actualmente nos honra y nos empuja para que hagamos el mejor juego que podamos hacer. Como hemos dicho, todo es como una gran familia en la que estamos súper felices y esperamos estar a la altura del resto de equipos que desarrollan juegos junto a ellos.

Ya como desarrolladores, ¿qué habéis aprendido desde el lanzamiento de vuestro primer juego, Odd Pic Out, hasta llegar al último, Crossing Souls?

Son juegos bastante diferentes y creados para diferentes plataformas por lo que hemos tenido que adaptarnos y aprender a marchas forzadas entre uno y otro. El primero se creó como prueba para ver qué tal nos iba con los juegos móviles por lo que se hizo directamente por y para dispositivos Apple, que era lo que sabíamos hacer por aquella época. Tanto el diseño, creación e incluso el lenguaje de programación son totalmente adaptados al móvil en si ya que no había (o no conocíamos) un ‘framework’ de desarrollo de videojuegos para iPhone. Se podría decir que lo hicimos un poco ‘a lo bestia’ pero nos sirvió para aprender muchísimo, tanto como desarrolladores como para aprender todo el proceso de lanzamiento y mantenimiento de una app en las listas de la App Store.

Ya con nuestro segundo juego móvil nos pasamos a Unity, un ‘engine’ de desarrollo pensado por y para crear juegos. Éstos se programan con un lenguaje diferente y, aunque Unity no estaba pensado para juegos 2D por aquel entonces, pudimos aprender a usar el entorno y desarrollar el juego aprendiendo aún más cosas en el camino. Ninguno de estos juegos estaba exento de fallos pero creemos que así es como mejor se aprende y nos servía mucho para demostrarnos a nosotros mismos que podíamos aprender y hacer lo que nos propusiésemos.

Crossing Souls se trata de un juego aún más grande por lo que no hay un día sin el que no nos demos de bruces con un problema y tengamos que aprender a solucionarlo, retrasando un poco el desarrollo pero adquiriendo muchísima experiencia en el proceso. Nadie te enseña a hacer videojuegos por lo que vas leyendo aquí y allá y vas adaptando lo que aprendes a lo que necesitas hasta que todo encaja. Al final la actitud es crucial y no hay que venirse abajo porque no te salga algo. ¡Además Unity cuenta con una comunidad muy activa y foros en los que puedes preguntar cualquier cosa y obtener ayuda de verdaderos profesionales!

¿Hay algo que cambiaríais, alguna oportunidad que dejasteis pasar?

La verdad es que no cambiaríamos nada. Estamos en el punto que estamos gracias a todas las cosas que hemos pasado, ya sean buenas o malas. Las buenas encauzan en el buen camino y las malas son las mejores para aprender. Como todos, hemos pasado por muchos altibajos, pero la verdad es que estamos muy felices de estar donde estamos ahora mismo.

Centrémonos ya en Crossing Souls. ¿Qué podemos esperar de él?

Pues Crossing Souls es una aventura de acción en diseño ortogonal con toques de RPG. Lo que prima en este juego es el argumento, rollo Final Fantasy, en el que vas avanzando según se desarrolla la historia. Aunque la referencia más clara es Zelda, ya que el juego estará plagado de puzzles donde tendremos que sacar nuestro ingenio y saber utilizar a nuestros personajes para resolverlos. En cuanto al combate, lo más parecido actualmente es Hyper Light Drifter.

La dinámica del juego consistirá en saber utilizar a nuestros personajes según sus habilidades especiales y de combate para poder afrontar todas las situaciones en las que nos vamos a ver envueltos. Y por si fuera poco, y no menos importante, también contamos con la piedra Duat. Que nos permitirá discernir entre dos realidades, el mundo de los vivos y el plano fantasmal.

Crossing Souls cuenta con cinco personajes, Chris, el líder del grupo; Math, el más listo de todos, una especie de homenaje a personajes como Data de los Goonies; Charlie, la chica del grupo, más ágil que el resto y de carácter más duro; Big Joe, el típico grandullón bonachón; y Kevin, hermano pequeño de Chris y el que por culpa de sus travesuras nos vemos metidos de lleno en esta aventura.

El argumento del juego va sobre esta pandilla, situada en California, en el verano de 1986. Que tras el inicio de sus vacaciones de verano encuentran un cadáver con una misteriosa piedra egipcia. La Duat, llave de paso entre el mundo de los vivos y el de los muertos. Resulta, que como en todo peliculón ochentero hay un hombre malvado que quiere esta piedra para conquistar el mundo, así de malvado es nuestro enemigo: El Major Oh Rus.

Los chicos descubren que si usan la piedra de la forma correcta pueden alternar entre las dos realidades. Pero pronto serán encontrados por los secuaces del Major y aquí es donde empieza tu gran aventura. Con muchas dosis de amistad, valor, algún amor escondido y todas aquellas cosas que recuerdas de los veranos junto a tus amigos de la infancia cuando tenías diez o doce años.

Hasta aquí poco más que decir, de verdad que esperamos que la gente lo disfrute tanto como nosotros lo estamos disfrutando en su desarrollo.

California, años 80, un grupo de amigos que están disfrutando del mejor año de su vida, un artefacto misterioso, una conspiración del gobierno… Habéis visto demasiadas pelis, ¿eh?

¡Somos unos enfermos del audiovisual! Desayunamos anime, almorzamos pelis, merendamos cómics y cenamos series. Y todo eso con buena música de fondo. En el equipo solemos trabajar con los cascos puestos, aunque estemos el uno al lado del otro, cada uno tiene su propio método de inspiración y focalización. Unos se ponen a codear escuchando la banda sonora de Cowboy Bebop y otros pixelan con Four Tet. Pero no es nada nuevo, hablar con otros estudios de videojuegos es comprobar que este mundillo está lleno de cinéfilos y melómanos bastante locos.

Respecto a la inspiración de Crossing Souls, podríamos decir que es como si cogiéramos una olla para cocinar y pusiéramos como ingredientes las películas ochenteras de Steven Spielberg, rebajadas con un poco de synthpop, cuartos de dibujitos mañaneros de la época y un toque de colorante que mezcla Earthbound con un pixel estilo CAPY. Lo cocinas a fuego lento y ya veremos qué sale…

Estuvimos creando la idea base durante tres días completos y salió de una forma bastante natural, como un puzzle que se va resolviendo poco a poco. Hicimos dos listas al principio para saber qué teníamos dentro de nuestros caparazones: una lista con los juegos que nos habían marcado y otra con las películas que cambiaron nuestra vida. Salieron muchísimos títulos, dos folios que dieron lugar a un brainstorming en el que ya comenzamos a mezclar conceptos locos: Zelda con Los Goonies, Ghost con Alundra, Earthbound con las Tortugas Ninja, Stargate bajo el sol californiano, la amistad de Stand by Me, los veranos de nuestra infancia… Y comenzamos a escribir el guion.

Con todo esto no estaréis apelando a la nostalgia de los jugadores, ¿verdad? Que se os ve el plumero…

¡Noooo, que va! Si en el juego apenas hay referencias ni guiños para tocarte la patata... (guiño). Hay muchos momentos que apelan a cosas que nuestra generación ha vivido, pero tenemos que aclarar que no lo estamos creando con el objetivo de ser un simple revival. Más bien lo que queremos lograr ante todo es que sea un buen juego. Queremos que el jugador se sumerja en el mundo de Crossing Souls de tal forma que los 80s pasen de ser algo sorprendente al principio del juego a ocupar un lugar secundario a medida que avanzas en la aventura. La experiencia total es jugar esta aventura llevándote al final algo nuevo contigo, usamos los 80s como un vehículo para conducir la historia, pero no es nuestro objetivo final. El mensaje no está sujeto a una época.

Ya os lo habrán comentado muchas veces; tanto el estilo pixelart que luce vuestro juego como todo lo ochentero está de moda. ¿Creéis que esto juega a favor o en contra?

La verdad es que sí, ¡no veas si ha dado fuerte lo retro! No sabemos si jugará en nuestra contra o a favor. Estamos haciendo algo que nos gusta, de hecho, de ahí viene la idea. De plasmar en un juego algo que nos gusta, cargado de pedacitos de nuestra infancia. Nos lo pasamos pipa haciéndolo y creemos que a los jugadores les gustará por lo mismo. Se trata más de conectar con el jugador a un nivel más emocional, independientemente de que sea pixel y los ochenta.

En cuanto a los más jóvenes. Da igual que no hayan podido vivir aquella época, el argumento va sobre un sentimiento universal: la amistad y el sacrificio por lo que quieres.

Así que al igual que para los más entradetes en años el estilo y el argumento les evocará historias de su infancia, también esperamos que para los que estén aún en su más tierna juventud Crossing Souls signifique lo mismo que significó para nosotros el Zelda de la NES, los Goonies o la Historia Interminable.

A nivel de mecánicas el ‘core’ es ‘morir, explorar, luchar, pensar y conversar’. ¿Cómo están integradas estas mecánicas? ¿Habrá secciones del juego dedicadas a potenciar cada una de ellas o se trata más bien de una experiencia orgánica en la que de repente estamos luchando y un segundo después de cháchara?

Crossing Souls es muy parecido a los Zelda clásicos de Súper Nintendo o Game Boy Advance. Habrá momentos para la tranquilidad en los que tendrás que explorar y hablar con los personajes que pululan el mundo del juego, otros para pensar y resolver puzzles uniendo las habilidades de los personajes que conforman la pandilla y otros en los que tendrás que enfrentarte a hordas de enemigos y derrotar a grandes Bosses que querrán poner fin a tu aventura.

Queremos que el flujo entre un momento y otro sea bastante natural por lo que estamos haciendo todo lo posible para que las mecánicas estén integradas de la forma más orgánica posible. Para nosotros es muy importante la historia que vamos a contar y que el jugador se sienta identificado con los personajes a los que va a controlar por lo que no queremos que el gameplay sea un handicap en ese sentido.

Crossing Souls saldrá a la venta para PC, Linux, Mac, PS4 y PS Vita. ¿Qué pasa con las otras consolas? ¿Podría haber una versión para ellas dependiendo de su éxito en compatibles y Playstation?

Bueno la verdad que ahora mismo nuestro objetivo es publicar la versión de PC, Linux y Mac por Steam, y después de un tiempo de testeo con la comunidad de Steam empezar a trabajar con los ports de PS4 y Vita.

El resto de plataformas… Bueno, ¿Xbox es la única que queda no? Por ahora ni se ha planteado la versión de Xbox pero vamos si al final vamos bien de tiempo y vemos que sería fácil portarlo a Xbox sería algo a tener muy en cuenta, la idea de usar Unity fue precisamente poder llegar a las máximas plataformas posibles.

Qué malos sois. ¿Y Wii U qué? Con el GamePad podría salir una versión del juego muy molona… y así de paso usaríamos ese mando tableta para algo más que como tabla de cocina para cortar verduras.

(Risas) ¡La verdad es que ese mando puede servir para mil cosas a parte de para jugar! Siempre le hemos tenido un cariño especial a Nintendo ya que la mayoría de nosotros ha crecido con sus consolas (de ahí que Crossing Souls se inspire tanto en juegos ‘Nintenderos’) y sabemos que podría salir una versión muy molona del juego en Wii U y/o 3DS ya que esas dobles pantallas darían mucho juego a la hora de controlar a la pandilla a lo largo de la aventura, pero por ahora no hay planes de portarlo a esas consolas, no por nada en especial, sino porque no ha surgido la posibilidad y tenemos mucho que hacer aún en las plataformas ya propuestas :) 

Su lanzamiento está previsto para marzo de 2016. ¡Decidme que no nos haréis esperar más!

A ver como decimos esto con delicadeza (risas), digamos que nos haremos de rogar hasta finales de verano del 2016, el hecho de ir al E3, lo cual ha sido una experiencia única, y al GameLab de Barcelona nos han quitado casi un mes que no se ha podido programar ni diseñar nada.

Por otro lado todo el feedback que hemos recibido en ambas ferias nos ha servido mucho para ver en qué sitios nos estábamos equivocando y que podíamos mejorar, por lo que hemos tenido que volver a la mesa y decidir nuevas mecánicas, cambiar algunas, pero esperamos que el retraso merezca la pena y el jugador disfrute más aún el juego.

¿Y para después? ¿Da Crossing Souls para nuevas entregas o tenéis pensado apostar por otra cosa?

¡Alerta spoiler! Es broma, es broma, CrossingSouls ha sido y está siendo un gran viaje para nosotros, pero una segunda parte sería complicado la verdad, creemos que cuando se abusa mucho de algo se pierde esa esencia que lo hacía especial, además que nos encantaría poder explorar otras ideas y ver a dónde nos llevan. Pero todo se verá, es pronto para saberlo.

Vamos a ir acabando. Siempre os pedimos que nos recomendéis algún estudio indie español que haya que tener en el radar. ¿Ya os pensabais que os libraríais?

¡Esa es fácil! Decostructeam, son los desarrolladores de Gods Will Be Watching y los consideramos parte de nuestra familia ya que hemos compartido muchos momentos. Ellos también han trabajado con Delvolver Digital y eso quieras o no une desde el principio. Estuvimos en GameLab este año y Jordi de Paco (Deconstructeam) nos abrió las puertas de su casa. Son la leche, sinceramente. Los proyectos de ese estudio dan y darán mucho que hablar, ¡así que ya estáis tardando en ir a Steam!

Por último siempre hacemos un ‘minijuego’. Yo dejo caer dos opciones y vosotros os quedáis con una. Vamos allá:

Gremlins o Critters: Gremlins, las bolas con ojos y dientes nunca nos parecieron de fiar.

Una ‘Game Jam’ o una ‘Disco Session’: Game Jam, nunca sabes dónde conocerás a la madre/padre de tus hijos...

Torneos ‘de sofá’ con los colegas o partidas online contra ‘misteriosos desconocidos’: Torneo de sofá con los colegas, mola más verle la cara de desesperación cuando le pateas en algún juego.

¿Un mensaje a los lectores? Despedidas, citas célebres, consejos, poemas…

Mmmm un mensaje, eh… Pues para aquellos que están currando para poder vivir de lo que realmente les apasiona, decirles que el truco es muy simple: paciencia, pasión y constancia en cantidades industriales. Más de las que creíais que ibais a necesitar, la realidad supera a la ficción ;) Cuando nos sentimos cansados y creemos que ‘es suficiente’, nos da fuerzas pensar que allá en alguna parte hay alguien dando un poquito más de sí. Adivina quién de los dos va a llegar...

Ahí lo dejamos. ¡Abrazacos!

Podéis saber más de Fourattic en su página oficial. ¡Visitad también la web de CrossingSouls!página oficialweb de CrossingSouls

Sí, nuestra sección ‘Hablan los indies’ no cierra en agosto, así que podéis seguir leyéndonos allá desde donde estéis disfrutando de vuestras merecidas vacaciones, ya sea desde la playa, la montaña o desde el rico mundo virtual de World of Warcraft. Sea como sea, lo único que os pedimos es que por favor no nos restreguéis por la cara el estar disfrutando de una caña fresquita en una terraza o el poder mojar los pies en agua salada.

Porque durante todo lo que queda de mes seguiremos publicando nuevas entrevistas a desarrolladores indies nacionales, eso seres casi épicos que son capaces de sacar tiempo, recursos y mucho talento de dios sabe dónde para crear juegos increíbles. Y en dicho sentido la entrega de hoy es bastante especial, puesto que hemos entrevistado a Alex Notario, fundador y principal responsable de Studio Paint, un equipo formado por amateurs que ha sido capaz de sorprender a la comunidad de jugadores con Niko: Through the Dream, una peculiar viaje interactivo con toques de puzles, aventuras y exploración bajo un preciosista apartado audiovisual.

Hablamos de un proyecto 100% indie y 100% amateur, desarrollado durante el tiempo libre de sus responsables y en estrecha colaboración con la comunidad. Alex afirma haber sacado sus mejores ideas mientras curraba subido a un andamio, siempre con el objetivo en mente de cumplir un sueño. ¿Y acaso esto no es digno de admiración? Desde luego que sí.

Cuéntanos cuáles son los orígenes de Studio Paint, quién formó el estudio y cuánto tiempo lleváis dando guerra.

Hará unos cuatro años hice como hobby una pequeña demo con el motor Unreal, eso me sirvió tanto para aprender a usar las herramientas básicas para construir un videojuego como para conocer mis propias limitaciones. Durante un tiempo pensé conceptos básicos de como me gustaría que fuera lo que es hoy Niko, como su estética y su jugabilidad. Una vez lo tuve claro lo comenté en unos foros de videojuegos donde suelo escribir... Al poco tiempo ya éramos diez amigos intentando cumplir su sueño, ¡crear nuestro primer videojuego!

A día de hoy, ¿habéis ampliado o seguís siendo los mismos? ¿Cómo ha sido la evolución desde el germen de Studio Pain hasta el presente?

Niko ha sido un proyecto personal gestado en horas libres, es decir, fuera de horas de estudios o trabajo, por lo que se ha ido avanzando en su desarrollo en horas libres, festivos o altas horas de la noche. Es un proyecto 100% indie y amateur. Algunos están en este proyecto para coger experiencia y tener un curriculum de cara a buscar algo mas serio, otros por puro hobby. Como pasa en estos proyectos, varios amigos tubieron que dejarlo por falta de tiempo o por encontrar un trabajo estable y remunerado (y yo que me alegro).

¿Alguno de vosotros ha estudiado un grado universitario especializado como los que ofrecen ESNE, CICE, U-Tad, etcétera, o venís de otros campos? ¿En qué grado favorecen las herramientas actuales el poder sacar adelante un juego sin la supuesta formación necesaria?

Yo tengo una pequeña carpintería de aluminio, no se si eso cuenta como experiencia técnica (risas). En el equipo hay de todo, por eso digo que es un desarrollo bastante atípico. Lo bueno de los motores actuales es que te permiten centrarte en la creación del propio juego mas que en la parte técnica de la programación, al menos para hacer algo sencillo. En mi caso ha sido todo muy autodidacta a base de leer libros y tutoriales por internet.

Y la pregunta tonta de siempre, ¿qué es lo que te ha impulsado a desarrollar videojuegos?

Quería quitarme una espinita que tenia clavada... Crear mi propio videojuego. Soy un ‘jugón’ desde que tengo uso de razón, pero por cosas de la vida nunca he cursado estudios que fueran encauzados en esa dirección.

¿Cómo trabajáis? ¿Contáis con algún lugar físico en el que reuniros o cada uno hace su parte a distancia? De ser así, ¿dicha distancia no supone un inconveniente a la hora de llevar vuestra hoja de ruta al día?

Cada uno ha colaborado desde su casa y cuando ha podido. Trabajar online tiene sus cosas buenas pero en general siempre será mejor hacerlo en un sitio físico ya que el contacto es mas directo y rápido. Por suerte hoy día tenemos muchas herramientas para comunicarnos o compartir contenídos. ¡No quiero imaginar como lo harían los indios a base de señales de humo!

En cuanto a la organización, ¿cada uno de vosotros tiene un área bien delimitada o por el contrario todas las decisiones se toman en común?

Excepto por la banda sonora que ha sido creada por dos personas, el resto esta bastante delimitado por su función. Uno dibuja, otro traduce, otro programa, otro modela, etc. Eso no significa que no podamos opinar del trabajo del otro para poder mejorar, las críticas constructivas siempre son positivas.

Los estudios que entrevistamos siempre nos hablan de la gran cantidad de ideas que surgen mientras se reúnen para comer, para tomar el aire o en definitiva para hacer cualquier cosa que puede no tener nada que ver con el trabajo puro y duro. ¿Es cierto que las mejores ideas surgen en estos momentos? ¿Pecáis entonces los estudios indie de una falta total de desconexión hacia vuestro trabajo?

No sé cómo es en el resto de desarrollos, pero al estar nueve horas subido a un andamio la mayoría de ideas se me ocurrían allí arriba (risas). Siempre iba con una libreta en el bolsillo. Por eso cuando estaba con el juego avanzaba rápidamente, iba con las cosas pensadas de antemano.

Sabemos que el término indie anda un tanto desdibujado durante los últimos años. ¿Crees que se está perdiendo esa experimentación brutal de los primeros proyectos a favor de propuestas algo más comerciales o al menos más fáciles de asimilar por un público amplio?

Creo que no, juegos experimentales y arriesgados seguirán existiendo porque va muy ligado a esa limitación de recursos y por querer destacar en un apartado que no sea puramente técnico. Lo que ocurre es que ahora con las plataformas de distribución digital se abre un mercado muy lucrativo para juegos de este tipo y muchos estudios profesionales con muchos mas recursos aprovechan esta oportunidad. Era el paso lógico.

¿Puedes decirnos en qué grado crees que está la proporción éxito/fracaso dentro de los indies? ¿Son demasiados los estudios que desaparecen al poco de publicar su primer juego? ¿Se peca de exceso de optimismo y de falta de constancia?

La sensacion que tengo es que sí, que se peca de optimismo. Pero es normal, solo nos hablan de esos pocos juegos que han conseguido el éxito y que han vendido millones y que Steam es una plataforma con millones de potenciales compradores... Así que piensas que cualquier cosa que saques venderá bien. Pero lo cierto es muchísimos estudios indies con una calidad fuera de toda duda acaban cerrando con su primer juego. Cada día en Steam salen decenas de juegos, supongo que esa gran oferta hace que no sea suficiente tener un buen juego, también tienes que darlo a conocer.

Venga, recomiéndanos algún estudio español que te llame la atención. Por supuesto vale mencionar amigos, no vaya a ser que se enfaden…

Me encantan las aventuras gráficas así que diría Pendulo Studio, pero hay mucho potencial creativo aquí en España.

Hablemos ya de Niko: Through the Dream, vuestro primer juego. ¿Cuál es su origen? ¿De dónde surge el concepto base?

Me gustan los juegos de puzles y en un inicio iba a ser solo un juego sencillo para tablets de ir resolviendo puzles uno detrás de otro. Como el equipo creció también creció la ambición por hacer un juego más profundo y complejo dentro de nuestras posibilidades, así que lo dotamos de una historia íntima y ciertos toques de aventura. Los elementos de plataforma u otras mecánicas jugables no dejan de ser algo secundario para darle variedad a ese viaje que queríamos contar.

Se trata de un título cuanto menos peculiar, con un llamativo aparatado audiovisual minimalista que favorece el disfrutar de una la ‘experiencia sensorial’. ¿De dónde vino la inspiración?

Sinceramente por limitaciones. No era viable hacer un juego lleno de texturas y objetos con el poco tiempo que disponíamos, así que usamos esa limitación para que jugara en nuestro favor. Buscamos un mundo donde lo importante fuera lo estético y lo simbólico. El mundo de los sueños era un buen punto de partida.

Niko además de ser una especie de viaje para el jugador, también ofrece un toque de aventura, plataformas, exploración y no pocos puzles. ¿Es tan sencillo como parece integrar todos estos elementos para crear una fórmula redonda? ¿Cómo se consigue el equilibrio entre diferentes géneros?

Es muy complicado mezclar la estética, jugabilidad e historia y que todo encaje perfectamente. Por suerte estar en un mundo onírico tienes mas manga ancha, no tienes que regirte por conceptos del mundo real. Aun así tuvimos que cambiar o incluso eliminar partes del juego para adaptarlo mejor. Los comentarios de la comunidad nos sirvieron de mucho.

Sabemos que Niko tuvo que superar el filtro que supone Steam Greenlight. Cuéntanos qué tal fue la experiencia y qué es lo que crees que os sirvió para destacar entre las decenas de juegos que semana a semana llegan a esta plataforma.

Sinceramente no me gustan los ‘concursos de popularidad’. En nuestro caso no tuvimos problemas para conseguir el apoyo necesario, pero sé de amigos con buenos juegos que han sufrido para conseguirlo o no lo han logrado. Creo que se tendría que mejorar... No sé, tener por ejemplo a un jurado profesional detrás para que aunque tu juego no sea popular se valore si es bueno o no y consiga igualmente pasar ese filtro inicial.

Mañana lunes Niko cumplirá un mes a la venta. ¿Cómo lo ves ahora que se ha independizado y ya va por ahí él solo sin vuestra ayuda? ¿Cómo valoras el feedback de los usuarios y de la prensa especializada?

Es una sensacion rara el ver a tu pequeña creación andando por ahí sola, se ha hecho grande y ya no nos necesita snif, snif. La comunidad ha sido genial, tanto para mejorar el juego como para ayudarnos a darnos a conocer. No podiamos estar mas agradecidos a lo Youtubers, que dedican su tiempo a dar a conocer pequeños juegos como este sin importar que no sean grandes producciones.

Con la prensa especializada como es lógico es más complicado, pero poco a poco medios más generalistas nos están dando voz en un mercado tan competitivo como este, así que estamos muy contentos.

¿Qué tiene que pasar para que veamos a Niko: Through the Dream dando el salto a otras plataformas como PS4 y Xbox One?

Portear el juego a consolas se requiere de una fuerte inversión, desde comprar los kits de programación como pagar nuevas licencias. Nos encantaría sacar el juego en todas las plataformas posibles pero dependerá de las ventas.

¿Y qué podemos esperar de Studio Paint a partir de ahora? ¿Habrá secuela de Niko? ¿Os lanzaréis por otros derroteros?

Es un juego fruto de la colaboración puntual, puede que repitamos la experiencia o que sigamos cada uno por nuestro camino, es algo que hablaremos más adelante. Lo que sí os puedo asegurar es que no sería una secuela. Con Niko hemo contado todo lo que queríamos contar.

Para ir cerrando sin perder la ocasión de conocer mejor al entrevistado, siempre dejamos caer un par de opciones y os tenéis que quedar con una:

Journey versus The Unifished Swan: Si Unfished es la mitad de bueno que Jouney ya estoy tardando en probarlo.

Un buen PC o la comodidad de una consola: Usaría hasta una cafetera si en ella saliera un juego que me interesa.

Seguir por la filosofía indie o unirse al mainstream (si surgiera la ocasión): Seguiríamos con la filosofía de hacer el juego que más nos apetece en ese momento... Pero siempre con la intención de dominar el planeta y sucumbir a los humanos en una nueva era de oscuridad y miedo...

¿Algo más que decir a los lectores?

Que nunca os quiten la ilusión de crear.

Venga sí, estamos a finales de julio y hace un calor de justicia, tanto que hasta da pereza encender el ordenador para echarnos un vicio. Ya sólo despegarnos de las sábanas sudadas cada mañana es un desafío, y por ello tiene aún más mérito que la sección ‘Hablan los indies’ siga de puertas abiertas gracias a la inestimable colaboración de los pequeños y medianos estudios nacionales que tantas alegrías nos están dando durante los últimos años.

Este domingo lo dedicamos a un juego que te atrapará sin remedio durante mucho, mucho tiempo. Se trata de Empire TV Tycoon, un prometedor juego de gestión que nos permitirá crear y gestionar nuestro propio canal de televisión, contando con tal cantidad de detalles como para que más de uno pierda el sentido.

Tendrás que programar la parrilla, comprar series y películas, rodar las tuyas propias, contratar actores, lidiar con la ley antipiratería, contentar a las audiencias… Todo ello con un gran sentido del humor y con no pocas referencias a los programas, series y películas más famosas de ayer y de hoy.

¿Te llama su propuesta? Pues a nosotros también, ¡mucho! Por eso hemos charlado con los chicos de Dreamsite Games, estudio madrileño encargado de desarrollar esta joya. ¡Sigue leyendo para saber más!

Como siempre, empecemos por los comienzos. ¿Cuándo y cómo surgió Dreamsite Games?

Dreamsite Games es una división de la agencia de comunicación en la que trabajamos llamada Dreamsite. Aunque la actividad principal de Dreamsite no es la creación de videojuegos, debido a la naturaleza de los proyectos que desarrollamos sí que hemos podido desarrollar videojuegos para marcas comerciales, online, offline e incluso algunos juegos para móvil, tanto iPhone como Android.

Este tipo de trabajos cada vez son más habituales en la empresa y cuando empezamos a gestar Empire TV vimos que era el momento de darle un poco más de importancia, potenciar más los recursos y comenzar a separar la parte de videojuegos del tipo de actividad que realiza la empresa en el día a día. De momento los recursos son muy limitados en este aspecto por lo que es un indie en toda regla (risas).

Ya veo. Habladnos con más detalle de cómo fue esa transición hasta llegar a la creación de un videojuego con todas las letras.

Cuando nació Dreamsite, los proyectos en los que trabajábamos poco nada tenían que ver explícitamente con videojuegos pero, como comentábamos, en los últimos 6 o 7 años se están empezando a equilibrar las fuerzas, (risas).

El primer juego que programamos fue allá por el 2002 y estaba realizado en Adobe Flash. Era un side scroller de coches para una empresa de automoción en el que tenías que ir avanzando por una carretera esquivando coches, charcos de aceite y demás obstáculos mientras ibas subiendo tu puntuación. Vamos, completamente innovador, (risas). Desde entonces ha llovido mucho y hemos podido hacer cosas más avanzadas, pero en ningún caso sin llegar al nivel de complejidad que tenemos entre manos con Empire TV.

Últimamente nos encontramos con muchas empresas y profesionales particulares que, como vosotros, deciden dar el salto desde el diseño web, el marketing online, aplicaciones móviles y otras tantas áreas relacionadas de alguna forma con la informática y las nuevas tecnologías al desarrollo de videojuegos. ¿A qué creéis que se debe algo así?

Hablando en primera persona, para nosotros ha sido un salto más o menos ‘lógico’.

Por un lado nos encontramos con que la barrera que separa el marketing online de los videojuegos cada vez es más estrecha. El término gamificación ha pasado de ser un completo desconocido a un invitado habitual en casi todas las reuniones que tenemos a la hora de empezar proyectos nuevos. Muchas empresas han perdido el miedo a introducir conceptos o mecánicas propias de videojuegos lo cual hace unos años, con determinado tipo de empresas, esto era impensable, así que prácticamente todas las empresas que trabajan en marketing de una forma o de otra acaban realizando labores relacionadas directamente con los videojuegos.

Y por otro lado la evolución de los sistemas tanto de creación (con herramientas como Unity) como de distribución (con el propio Steam, GOG, etc.) han hecho que el proceso de transformar una idea en una realidad palpable, o en este caso jugable, sea accesible para mucha gente, incluso sin los conocimientos adecuados. Si tenemos en cuenta que entre el tipo de empresas que mencionabas hay muchos perfiles que por su actividad diaria sí tienen estos conocimientos, y como buenos jugones les sobran buenas ideas, la transición está clara.

¿Creéis que todo este movimiento puede derivar en una nueva burbuja que acabe por explotar algún día?

Bueno, esperemos que no, (risas). Sí es cierto que debido a la facilidad de la que hablábamos antes estamos presenciando un boom en toda regla, sobre todo a nivel indie, y gracias a este boom gente como nosotros deciden dar el salto y embarcarse en el desarrollo de videojuegos. Sobre si acabará convirtiéndose en burbuja y explotará, ya te digo, yo espero que por el bien de los jugones como nosotros, no explote nunca.

En Steam puede leerse que tenéis experiencia en la ‘gamificación’, término que habéis usando antes. Explicadnos mejor qué es esto. ¿Acaso vais por ahí convirtiendo a gente decente en jugones adictos?

(Risas) ¡Pues yo a unos cuantos te aseguro que los he convertido, al menos en la oficina! Más allá del término en sí, la gamificación consiste en transformar a través de mecánica propias de videojuegos determinadas tareas o funcionalidades que de por sí son, digamos, poco apetecibles, en otro tipo de actividades mucho más atractivas. Esto hace que se potencie la motivación de aquellos que tienen que realizar dichas tareas y finalmente aumente la productividad, la interacción del usuario con tu marca, la fidelización… vamos todos estos términos que a las empresas les son tan atractivos (risas).

Al final es un concepto que está tan metido en nuestro día a día que apenas nos damos cuenta de que existe. Por ejemplo algo que nos toca muy ‘de cerca’, simplemente con el uso de la plataforma web de un banco participando diariamente en los retos que se te proponen vas obteniendo logros y acumulando puntos que, por un lado te sitúan dentro de un ranking fomentando así la competitividad y que, por otro lado, puedes canjear por regalos, sorteos, etc.

Volviendo a donde estábamos, sin lugar a dudas plataformas como Steam han permitido que cada vez más gente se anime a crear y lanzar sus propios videojuegos, potenciando el boom indie. Vosotros pasasteis por Steam Greenlight. Contadnos cómo fue la experiencia.

Directamente, ¡como una montaña rusa! La verdad es que el término Greenlight ya de por sí nos daba muchísimo respeto, en nuestro caso era la primera vez que enseñábamos el juego en el que llevábamos trabajando 10 meses y como te puedes imaginar no sabíamos muy bien qué nos íbamos a encontrar, ¿gustará? ¿no gustará? Al final tienes un tiempo muy limitado, 2-3 minutos a lo sumo, de enseñarle a alguien que acaba de aterrizar por ahí lo que tienes entre manos. Tú tienes las ideas muy claras pero ¿y si no has sabido transmitirlas?

En fin, nuestra idea era entrar un poco más adelante pero para evitar coincidir con las summer sales de Steam, pero adelantamos la entrada y nos lanzamos. Te puedo decir que durante la semana que duró el Greenlight no podíamos parar de mirar las estadísticas de votación, (risas), ahora sube, ahora baja, y al final subía mucho más de lo que bajaba, total que en sólo siete días conseguimos que Steam nos diera luz verde.

Sí qué es difícil destacar entre toda esa marabunta de juegos que día a día aterrizan en Greenlight. ¿Cómo de importante es la visibilidad y cuáles son las claves para potenciarla?

Cuando entras en Greenlight tu visibilidad es buena, estás en la primera página y la gente accede sin mucho problema, pero claro cada día entran entre 10 y 20 juegos nuevos a la plataforma con lo cual tienes tres o cuatro días para intentar conseguir que tu proyecto arranque. Hay un dicho que viene a decir que Greenlight, más que una plataforma para presentar tus habilidades como desarrollador, es una plataforma en la que mostrar tus habilidades de marketing, y parte de razón tiene.

En cuanto a la parte técnica sí me gustaría aconsejar una cosa que en nuestro caso creo que ayudó bastante, crear un buen trailer que muestre tu juego en movimiento tal y como es, sin tener que añadir muchos efectos de montaje o manipulando más de lo necesario al contenido del trailer.

Y sobre todo contar con la difusión que las páginas del sector dais y, en nuestro caso, nos habéis dado, es importantísimo a la hora de atravesar el arduo camino que es Greenlight. Si desde aquí me está leyendo alguien que esté planteándoselo, perder el miedo, contactar con los medios y explicarles vuestra idea, la colaboración que nosotros hemos tenido es impagable.

¿Cuáles son las ventajas e inconvenientes de ese contacto tan directo con los futuros usuarios que ofrece Steam Greenlight? ¿Creéis que en ocasiones pueden generarse ciertas expectativas difíciles de cumplir?

Ventajas todas, sobre todo me gustaría resaltar el poder obtener feedback de primera mano. Al final la gente no te conoce de nada y tampoco tiene ningún compromiso, las opciones que te da Steam son muy claras (si lo compraría, no lo compraría) y es fácil medir la aceptación de tu proyecto. Ahora, lo que dices tú, el gran problema pueden ser las expectativas y las ideas que alguien puede hacerse de tu proyecto, nosotros para evitarlo hemos tratado de ser lo más honestos posibles y hacer un tráiler en el que mostráramos todo el juego de la forma más real posible, desde el punto de vista del jugador, todo el contenido está ahí.

Hablemos ya concretamente de vuestro primer gran juego, Empire TV Tycoon. ¡Presentádnoslo!

Empire TV Tycoon es un juego de gestión en el que tienes que administrar un canal de televisión con el objetivo de ser el más exitoso de toda la parrilla. Para ello estarás a cargo de la administración de los contenidos que se muestran en tu canal: películas, series, anuncios, deberás contratar trabajadores que te ayuden a realizar las labores del día a día, podrás crear tus propias producciones partiendo de un guion, contratando actores y gestionando la distribución de recursos teniendo en cuenta el género de la producción (por ejemplo, si vas a hacer una película de ciencia ficción estaría mejor potenciar los efectos especiales mientras que si vas a hacer una serie musical de 10 episodios tal vez deberías hacer hincapié en la banda sonora). Y todo ello teniendo en cuenta el tipo de audiencia, y por ende sus gustos, que está viendo tu canal en cada momento, niños, ancianos, rockeros…

Esto es digamos la base del juego, a partir de aquí hay un montón de opciones que harán que tu partida sea diferente cada vez que la juegues.

Existen eventos aleatorios relacionados con el cine que te harán tomar decisiones importantes, por ejemplo, se han visto fantasmas en el cementerio de la ciudad o los ovnis han hecho acto de presencia, estaría bien enviar un reportero a cubrir la noticia y poner el reportaje en prime time o, por el contrario, dado que tu analista de audiencia te está diciendo que esta noche los ancianos van a ocupar la parrilla del prime time, tal vez decidas programar un buen documental de la Segunda Guerra Mundial.

Queremos un juego que te haga pasar muchas horas entretenido, que te divierta, que lo puedas rejugar y que te haga sentir realmente a los mandos de un canal de televisión.

Se trata por lo tanto de un simulador en toda regla. ¿En qué grado será accesible para los jugadores menos hábiles y profundo y exigente para los más apañados?

Los videojuegos de simuladores llevan consigo una gran carga de números y fórmulas que de por sí los hacen un pelín complicados. Lo que nosotros queremos conseguir es un juego en el que sea fácil introducirte pero al mismo tiempo sea difícil llegar a exprimir todas las posibilidades del mismo. Para que os hagáis una idea, ahora mismo estamos dándole vueltas a toda la parte de tutorial/introducción/ayuda a fin de que la entrada de alguien que juega por primera vez sea lo más gratificante posible.

Podremos elegir literalmente lo que ‘echan por la tele’. Creo que este el sueño de más de uno. Habladnos del tipo programas que podremos ofrecer. ¿Dices que podremos crear nuestros propios shows?

Tal cual (risas). A la hora de programar el contenido de tu canal de televisión tienes dos opciones, por un lado puedes comprar películas y series ya establecidas, que es la forma en la que empiezas a hacer despegar tu canal, y a medida que vas evolucionando ya empiezas a ser tú el que crea los contenidos desde cero.

Esta parte es una de las que más ilusión y trabajo nos ha llevado, queríamos hacer un sistema en el que el jugador no se limitará sólo a pulsar un par de botones sino que por el contrario pudiera decidir qué camino tomar en cada producción.

Para crear una película o una serie necesitas tres cosas: un guion, un par de actores y un buen estudio de producción. Dependiendo del nivel de tu trabajador serás capaz de crear guiones muy buenos y si escoges un par de actores que entre sus cualidades se encuentre el género que quieres hacer irás por muy buen camino. Finalmente tendrás que distribuir tus recursos y ya puedes empezar la producción, pero esto no acaba aquí. Durante la producción pueden pasar cosas que te harán tomar decisiones que influyen directamente en la calidad de la misma, por ejemplo, las estrellas con mucho ego no se llevan muy bien y pueden surgir disputas (o romances), un anunciante que intenta meter publicidad subliminal de sus productos en tu producción, el desenlace de la serie filtrado a la prensa antes de tiempo, la extorsión de la mafia…

¿Y en qué medida afectará al éxito de los programas la acogida entre la audiencia? ¿Se tienen en cuenta temas como el público objetivo, la franja horaria, la programación de la competencia, etcétera?

¡La audiencia lo es todo! Ellos son los que van a dictar el éxito o fracaso de tu canal. Es decir, en cada franja horaria estarán presentes entre uno y tres grandes tipos de audiencia y esto tiene mucha importancia porque el contenido que programes en esa franja deberá ser de su gusto. De ser así, más gente verá tu canal, podrás poner mejores anuncios y, en definitiva, tu fama aumentará. Por poner un ejemplo, si pones una película de terror en una franja horaria en la que los niños están presentes, no solo probablemente serás el que menos audiencia tiene de toda la parrilla sino que además el ‘amor’ que sienten los niños hacia tu canal se verá resentido. Todos los grupos de audiencia tienen su canal favorito, igual que yo cuando enciendo la tele siempre hago una pasada por mis canales favoritos ellos también tienen sus preferencias.

En cada momento estás compitiendo contra los otros canales por lo que la contraprogramación es algo importante, al final el canal con el mejor contenido y más adecuado a la audiencia de cada momento es el que se lleva el gato al agua.

Todos sabemos de la controversia que rodea a los grandes medios como Mediaset y Atresmedia. ¿Veremos un poco de toda esa supuesta ‘mafia’ que controla la información? ¿Podremos elegir de qué temas se hablan y de cuáles no en los noticieros?

Concretamente en los noticieros no porque es algo que hemos querido dejar un poco al margen (al menos por el momento) pero sí estamos desarrollando una parte compleja en el sistema de eventos que te permite crear bloques de información entre diferentes propuestas. Todavía tenemos que ver como evoluciona.

Si la pasta escasea… ¿podremos publicar material ilegal en nuestro canal? En plan sin pagar los derechos de autor…

Concretamente hay un personaje dentro del juego que todos los días te vende contenido pirata, a un precio de colega, que puedes poner en tu parrilla. Es el lado oscuro en toda regla, más rápido, más fácil, más seductor (risas) pero obviamente tiene sus consecuencias. Al hacerlo existe la posibilidad de que la policía de Empire City se dé cuenta y las consecuencias, bueno, digamos que mejor que no te pillen. En cualquier caso es un camino válido dentro del juego, aquí los empleados tienen un papel importante, por ejemplo el hacker (que te ayuda a pasar tu contenido ilegal más desapercibido).

¿Podremos contratar y despedir a nuestros empleados, desde el bedel hasta la estrella de turno? En plan… ¡Rodarán cabezas!

A medida que vas creciendo podrás contratar hasta un total de 4 trabajadores pero claro, cada trabajador está especializado por lo que en función del camino que quieras seguir en cada momento es muy probable que tengas que despedir a uno de ellos para poder contratar un trabajador diferente, bien porque encuentras uno con más nivel o por ejemplo, porque necesitas un trabajador especializado en otro tipo de tareas.

Algunos te ayudan a mejorar tus anuncios, otros se enfocan en las producciones, otro tipo mejora tu comunicación con las estrellas y su actitud a la hora de actuar, en fin es algo que el jugador tendrá que ir variando durante la partida para poder ganar, con lo cual, mejor que no te tiemble el pulso con el botón de despido (risas).

¿Veremos cosas disparatadas como en grandes clásicos del género como Theme Hospital? ¿Hasta qué punto es importante el humor en Empire TV Tycoon?

El humor está presente en cada rincón del juego, además de los guiños a películas que, bueno, todos nosotros recordamos con cierta nostalgia y queríamos rendirles una especie de homenaje. Hay varios detalles que están enfocados directamente al humor.

Por ponerte un ejemplo, cuando creas un guion para una película no sólo obtienes el item dentro del juego que te permite empezar tu producción sino que además se crea una historia real que el jugador puede leer, con su presentación, su nudo y su desenlace. Como te puedes imaginar aquí es donde hemos dado rienda suelta a nuestras maquiavélicas mentes y las combinaciones, en muchos casos, producen resultados completamente bizarros.

Desde el clan vegano que busca esclavizar la tierra y que toda la población acabe comiendo tofu al cazarecompensas que descubre los planes del imperio galáctico de introducir tentáculos viciosos en todos los baños de la galaxia y obviamente acaba uniéndose a ellos (risas).

Sabemos que existen referencias a grandes series y programas de todos los tiempos. Decidnos algunas.

Por ejemplo el personaje que te vende las mejoras de tu canal está inspirado en Doc, de Regreso al Futuro. De hecho uno de los eventos que tenemos planteado es poder obtener un bote de uranio y dárselo, con lo cual activará el ‘condensador de fluzo’, te enviará al futuro y, entre otras cosas, obtendrás la información de toda la audiencia que va a ver la televisión entre hoy y mañana.

Cosas de este tipo tenemos unas cuantas, tenemos que hacer que todas las piezas del puzzle encajen. Los prestamistas del edificio son Vincent y Jules de Pulp Fiction (a las órdenes de Marcellus, por supuesto), el personaje que te ofrece los anuncios es Don Draper de Mad Men (como no podría ser de otra manera), en el escenario puedes ver los edificios del Nakatomi Plaza de la Jungla de Cristal o el de los Cazafantasmas, ¡y así un montón de cosas más!

Si no me equivoco lo estáis desarrollando con Unity 3D. ¿Por qué optasteis por este motor en vez de por cualquier otro? ¿Tenéis experiencia con Unreal, Source, etc.?

Básicamente por dos razones, la primera es porque yo personalmente ya había trabajado en proyectos anteriores con C# con lo cual cuando empecé a buscar una herramienta en la que poder desarrollar el juego, Unity era la herramienta perfecta para ello.

La segunda razón es la facilidad que tienes de adaptar tu videojuego a diferentes dispositivos desde la misma herramienta. Aquí somos muy linuxeros y la posibilidad de poder adaptar el juego a Linux, a Mac, o a los dispositivos móviles en un futuro era algo que finalmente decantó la balanza en favor de Unity.

Sinceramente no, no hemos hecho nada con Unreal (del que he oído maravillas por otro lado) o Source.

¿Y por qué os animasteis con el PC en vez de optar por plataformas móviles con un juego para iOS y Android? ¿No es preferible poder acceder a un público mucho más amplio aunque sea a costa de sacrificar en cierta medida la profundidad del juego?

Concretamente pensamos que el jugador de PC está mucho más acostumbrado al género de tycoon, a pesar de que la gestión de un canal de televisión es un argumento que puede atraer a cualquier tipo de jugador, la simulación siempre ha sido más del ámbito de los videojuegos para PC.

Juegos como Game Dev Tycoon, o los comentados Theme Hospital o Roller Coaster han ayudado mucho. La idea es que una vez que el juego esté establecido y todo bien depurado, lanzar la versión para iOS y Android. Yo personalmente tengo muchas ganas de jugar a Empire TV en mi iPad.

Y si la cosa funciona, ¿os planteáis el salto a otras plataformas como PS4 y Xbox One? No tiene que ser fácil sacar un simulador así del tándem teclado + ratón, ¿no?

Efectivamente, si la cosa funciona en dispositivos móviles y conseguimos trasladar el funcionamiento de teclado y ratón (que no es fácil) a este otro tipo de plataformas, sí nos plantearíamos ampliar a otros dispositivos en base a las funcionalidades que nos da Unity, pero bueno, ¡todavía nos queda muy lejos!

Una prueba. Vamos a dejar caer unas cuantas series/shows y vosotros os quedáis con la que más os guste para retransmitir en vuestro propio canal de televisión idílico:

Los Simpson o Padre de Familia: Difícil, pero Homer es Homer.

V o Star Trek: Piedra, papel, tijera, lagarto, Spock… ¡Star Trek por supuesto! (además, ¡en el juego verás detalles de Star Trek por muchos sitios!)

Seinfeld o Friends: Jennifer Aniston gana el duelo por sí sola.

Noche de Fiesta o El Gran Prix: Por favor, ¡que repongan El Gran Prix ya! Los veranos no han vuelto a ser lo mismo.

Y la gran pregunta de siempre, ¿cuándo podremos disfrutar de Empire TV Tycoon?

La pregunta del millón (risas). Bueno, ya te puedo decir en primicia que esperamos ver la luz en Early Access a través de Steam en Septiembre.

Para terminar, siempre os pedimos que nos recomendéis algún que otro estudio indie nacional al que haya que tener muy en cuenta. ¡Os toca!

Milkstone Studios en general y su Ziggurat en particular me parecen de lo mejorcito. Desde aquí os insto a todos a probarlo, qué pasada. Eso sí, tengo que hacer una mención especial a Fran y su Unepic que, entre otras muchas cosas, no sólo me parece un referente sino que además a nivel personal leyendo cómo evolucionó el juego, me metió el gusanillo del indie.

¿Un último mensaje a los lectores?

Pues nada, como dije antes muchísimas gracias no sólo por esta entrevista sino por toda la ayuda y difusión que nos habéis dado, sin toda la ayuda de los medios nacionales habría sido muchísimo más difícil. Esperamos estar a la altura y poder conseguir un juego que proporcione muchas horas de diversión… ¡Septiembre está a la vuelta de la esquina!

Esta misma semana se han presentado los requisitos para participar en la segunda edición de los Premios Playstation (anteriormente Playstation Awards), una iniciativa de Playstation España nacida con el objetivo de apoyar el desarrollo de videojuegos independientes dentro de nuestras fronteras. Pues bien, aprovechando que con ‘Hablan los indies’ no echamos el freno ni en pleno mes de julio, hemos entrevistado a los chicos y chicas de Animatoon, el estudio ganador de la edición del año pasado.

Fundado en 2012 por Darío Ávalos, andan inmersos en el desarrollo de Dogchild, una prometedora licencia de aventuras que nos pondrá en la piel de un joven, Tarpak, siempre acompañado por su fiel amigo canino, Tarao. Juntos deberán enfrentarse a una misteriosa corporación mientras investigan la desaparición de los padres de Tarpak.

Con vistas a llegar a PS4 a finales de este mismo año, tiene lo que hay que tener para que niños y no tan niños podamos pasar grandes ratos con nuestra consola, sin echar manos de recursos tan vistos y tan poco aconsejables para los más pequeños como la violencia, la guerra, etc. Dogchild es pura simpatía, buscando desafiar al jugador con cosas tan aparentemente sencillas como hacer rebotar una pelota de pared en pared; todo ello bajo un apartado visual que destila atractivo por los cuatro costados.

¿Ha llamado tu atención? Pues sigue leyendo:

Como siempre empezamos por vuestros orígenes. ¿Cuándo y cómo surgió Animatoon?

Animatoon surgió en el 2012 a raíz de una idea ganadora en un concurso en 2010… Un guion escrito de forma espontánea que se convirtió en un IP muy versátil y nos pusimos a darle forma.

¿Qué fue lo más complicado durante los primeros meses de vida? ¿Recordáis algún momento de esos en los que dan ganas de mandarlo todo a paseo para dedicarse a otra cosa, o nos encontramos ante un nuevo caso de ‘yo por desarrollar videojuegos mato’?

Darío: Lo más complicado, como siempre es la manera de financiarse, que en nuestro caso ha sido propia, he utilizado todos mis ahorros para llevar a cabo el proyecto. Al principio fue más ‘casero’, pero según pasaban los meses empecé a verle muchas posibilidades.

¿Momentos de bajón? Si, muchos, sobre todo con el proceso de creación del tráiler… Pero eso nunca nos desanimó, incluso ahora nos pasa, pero nuestra pasión por hacer lo que nos gusta no tiene límites. Ahora por ejemplo estamos terminando Dogchild y seguimos trabajando muy duro ¡Nos encanta lo que hacemos!

¿Cuántos sois en el estudio y de dónde venís? Por lo que sabemos al menos Darío Ávalos estudió en CICE. Pero, ¿de dónde proceden el resto de miembros? ¿Todos vienen del mundo desarrollo o nos encontramos con algún que otro curioso caso de ‘reciclaje’ profesional?

Somos un equipo multidisciplinar (guionistas, ilustradores, modeladores, programadores, etc) de los cuales nueve trabajamos en la oficina, mientras que de manera externa se encuentran otras ocho personas más. Algunos son amigos, otros directamente han entrado en el proyecto porque les gustaba…ahora somos una gran familia.

Y dado lo complicado que resulta fundar una empresa a día de hoy, ¿recurristeis a algún tipo de ayuda para comenzar, véase ayudas del estado, inversión de terceros, etc.?

La empresa se fundó con recursos propios. Y fuera del premio de los Playstation Awards no hemos recibido ayuda económica de ninguna institución o inversor.

¿Cómo os organizáis trabajando? Quiero decir, ¿existe una ‘pseudo-democracia’ en la que todas las ideas se ponen sobre la mesa pudiendo generar cambios trascendentales en el proceso de desarrollo o el rumbo a seguir es fijo y con un organigrama claro desde el comienzo?

Es un poco un mix, el organigrama está bastante claro pero todas las opiniones cuentan y más de una vez hemos modificado alguna cosa del juego por votación entre los miembros del equipo (previa argumentación y explicación del por qué debía hacerse el cambio). Incluso el guion sufrió algunos cambios en su momento debido a la opinión del equipo.

Hablemos del ecosistema indie nacional. Siempre pedimos a los entrevistados que nos recomienden algún que otro estudio al cual seguir de cerca. ¡Es vuestro turno!

Los estudios presentes en los PS Awards. Gente muy maja y preparada con proyectos bastante interesantes. Y con los que además tenemos contacto por las RRSS (GamerON Studio, Model Sheep Studio, Indiefferent Games, Code Harvest Studio).

Sabemos que existe muy buen rollo entre los estudios indie nacionales. ¿Qué tal va el colegueo y la colaboración por vuestra parte? ¿Existe algún estudio en concreto con el que hayáis hecho muy buenas migas? ¿Y fuera de nuestras fronteras?

Aunque no podamos asistir a muchos, siempre estamos pendientes de lo que se cuece en los eventos de la industria que ayudan a impulsar a los ‘indies’ (Gamelab, inngames, Madrid Games Conference, Game Jam, Fun&Serious, etc). Los chicos de Tequila Works por ejemplo, son muy profesionales pero también muy apañados (como David Canela que además de diseñador es también profesor en la U-Tad).

Cada vez existen más eventos, ferias, premios y congresos de todo tipo orientados al desarrollo independiente. ¿Creéis que efectivamente están sirviendo para potenciar aún más el famoso ‘boom’ indie?

Sí, porque les otorgan visibilidad y oportunidad a los nuevos estudios que surgen con ideas frescas y ganas de mostrar al mundo lo que pueden hacer. Nos alegramos que en nuestro país se fomente cada vez más este ‘boom’ indie y que el compañerismo entre desarrolladores sea un valor añadido extraordinario.

Siempre existe un ‘micro-debate’: centrarse más en productos ‘made in Spain’ versus trabajar con más de un ojo en el exterior. ¿En qué grado creéis que es importante la ‘internacionalización’ de un estudio y sus videojuegos para que pueda alcanzar el éxito?

Siempre es bueno tener distintas perspectivas de negocio, y dependiendo de la inversión y la magnitud del proyecto en el que te embarcas, debes tener bien claros tus objetivos y preguntarte a ti mismo si tu producto es lo suficientemente fuerte como para internacionalizarlo.

En principio, nos gusta la idea de crecer junto a la industria del videojuego en España y generar sinergias en el panorama nacional, pero también es cierto que no solo de ilusiones haces videojuegos. Si se presenta una empresa extranjera y nos brinda la ayuda que no encuentras aquí, pues bienvenida sea.

En vuestra sana y honesta opinión, ¿creéis que los indies le han comido un espacio importante a las grandes producciones?

Hombre, los juegos AAA siempre van a estar ahí y van a vender igualmente. Un espacio importante no lo sabemos, pero si hemos conseguido llamar la atención de la comunidad de jugadores y que ‘se giren’ a vernos. Las propuestas indies presentan historias diferentes, entretenidas y creativas (de jugadores para jugadores diríamos nosotros).

¿Y en qué medida creéis que han podido afectar para bien a la visión que tienen las grandes editoras? Lo digo porque es evidente que compañías como Sony, Microsoft e inclusive Ubisoft y Electronic Arts cada vez se fijan más en el mercado indie, apostando directamente por ellos o permitiendo a sus estudios internos que desarrollen títulos que, indiscutiblemente, ‘huelen a indie’…

Si han empezado a hacerlo las grandes desarrolladoras, quiere decir que se han dado cuenta de la buena acogida de estos títulos por parte de las comunidades de jugadores. Casos como el Valiant Hearts o Child of Light son claros ejemplos de cómo se puede hacer un excelente juego sin necesidad de invertir cantidades exorbitantes de dinero (sagas AAA).

Vamos ya con vuestro primer proyecto, Dogchild, título que estáis desarrollando para Playstation 4. Para todo aquel que no lo conozca, ¿qué podemos esperar de él?

Dogchild es un juego de trayectorias en tercera persona, con un ritmo trepidante que desafía la capacidad de concentración, coordinación y precisión del jugador, el cual deberá calcular el ángulo perfecto para batir a sus enemigos con un pelotazo certero. Para los amantes de los cánidos tendremos alguna sorpresa.

En cuanto a la historia, planteamos Dogchild como una alternativa a los juegos de acción tradicionales. El argumento principal del juego es la búsqueda de los padres de Tarpak (desaparecidos en extrañas circunstancias) pero también la lucha contra una malvada corporación que pretende manipular y explotar los recursos naturales y animales para su propio beneficio.

Se trata sin lugar a dudas de una propuesta para todos los públicos. Sin armas ni nada por el estilo, sólo un chaval y su fiel colega canino. Aún y así, ¿podéis asegurarnos que ningún perro ha salido mal parado durante el desarrollo de Dogchild?

(Risas) Os podemos asegurar que ninguna de nuestras mascotas ha salido lastimada. Dogchild es un videojuego pensado para todos los públicos aunque son los peques quienes se lo pasarán en grande con los personajes principales y las mecánicas del juego.

Hace poco se pasó por la oficina la sobrina de Darío, Daniela, a quién le encantó el juego y no paraba de hacernos preguntas al respecto. ¡Eso sí! Recibimos un asombroso feedback que solo te lo pueden dar niños de 8 años.

Dogchild se hizo con el premio al Mejor Juego en los Playstation Awards de 2014. ¿Qué supuso para vosotros el poder participar en este certamen y haber salido tan bien parados? ¿Se trata de una experiencia que recomendaríais a otros estudios?

Después de tantos años trabajando en el proyecto pensamos que participar en este evento podía darnos muchísima visibilidad y decidimos inscribir a Animatoon. Sin lugar a dudas fue una experiencia muy gratificante a nivel personal y profesional. El feedback recibido en la Madrid Games Week 2014 fue muy positivo y nos alentó a seguir adelante. Recomendamos encarecidamente a los estudios que puedan hacerlo, apostar por esta gran oportunidad que brinda SCEE en pos del crecimiento de la industria en España.

Pero el juego ‘original’ ha salido ya a la venta en iOS y Android para tabletas y smartphones. ¿Qué os empujó a plantearos el salto a Playstation 4?

¡Llegar a más jugadores! Dar a conocer un enfoque más completo de lo que se quería transmitir con el juego, y que no se podía mostrar a través de los móviles.

Además tener la oportunidad de profundizar las mecánicas de nuestros personajes y sus animaciones (la trayectoria de la pelota, Tarao corriendo tras ella, los elementos parkour, etc).

Por lo que hemos leído Dogchild se ideó originalmente como un rico universo que pudiera dar cabida, por ejemplo, a una serie de televisión. ¿Seguís manteniendo esa idea?

¡Por supuesto! Dogchild fue concebido como un producto transmedia y nos gustaría hacerlo llegar al mayor número de segmentos de consumidores. Una peli, una serie animada, un comic, merchandising, etc.

Demostrad vuestro amor por los animales de compañía. ¿Cuántos de vosotros tenéis un perro o gato? ¿Alguno en cambio preferiría adoptar un velocirraptor (se ve que son ideales para salir a pasear con ellos en moto atravesando la espesa jungla como si fuera la Gran Vía en ‘Abre los ojos’ -Jurassic World, ejem-), uno de los dragones de Daenerys Targaryen o quizás un Big Daddy protector?

(Risas) De hecho, Tarao fue una querida mascota de Darío… Era un perro increíble y un poco todo este juego se puede decir que se basa en esa experiencia vital, perro y humano que con un poco de imaginación pretenden salvar el mundo.

Ahora tiene a uno de los vástagos del ya desaparecido Tarao… Se llama TJ (Tarao Junior) y estuvo durante el proceso de creación del juego….

Manuel (programador) tiene una gata llamado Ellie, Javier Medrano (Diseñador de Niveles) tiene un gato que se llama Cairo y Fran (Animador) tiene una gata que se llama Simoncita. Los demás no tienen pero les encantan los animales… Algún día tendremos una oficina donde podamos llevar a nuestro ‘bichos’.

No sé qué pensará TJ de ir a ‘currar’ con tanto gato.

La pregunta del millón, ¿para cuándo podremos ver Dogchild en la Playstation Store?

Dogchild está programado para salir durante el último trimestre de este mismo año. Aunque la fecha exacta la determinará SCEE.

Con todo esto… sed sinceros, no le estaréis tratando de quitar el puesto a Naughty Dog, ¿no?

(Risas) ¿Lo decís por el logotipo del juego? (es lo que más nos han dicho). Es pura coincidencia (suponemos que las grandes mentes piensan igual :P). Por otra parte, hacernos ‘First Party’ de Sony no estaría nada mal. Mientras tengamos los medios para hacerlo, seguiremos en la industria del videojuego dando guerra.

¿Y qué hay para después? ¿Se trata de información confidencial guardada en un almacén del Área 51 junto al Arca de la Alianza de Indiana Jones?

Aquel almacén donde estaba el Arca daba para muuuchas pelis (desaprovechado totalmente con La Calavera de Cristal). En cuanto a Dogchild, sabemos que la continuidad de una saga depende enteramente de la acogida del juego por parte del público. Por lo que… ‘Dogchild 2: El reino de Cornish’ y ‘Dogchild 3: Tarpak’s deception’ podrían concretarse algún día (risas). También podría tratarse de una nueva IP pues en Animatoon Studio las ideas fluyen mucho y a menudo la hora de la comida se convierte en un brainstorming alucinante.

Para conoceros un poquito mejor antes de acabar, vamos a dejar caer un par de opciones y vosotros os quedáis con la que más os guste argumentando vuestra decisión brevemente:

Lassie o Jake, el perro de ‘Hora de Aventuras’: Lassie ¿?, porque es un amigo fiel como Tarao ;)

Consola portátil o sobremesa: Sobremesa. La experiencia portátil la dejamos para los móviles que ya la hacen bastante bien.

Crash Bandicoot o Spyro the Dragon: ¡Crash Bandicoot! 1, 2 ,3 y team racing :D

3D o 2D: 3D, que a nuestros programadores les encanta (sobre todo a Manuel)

¿Algo más que decir a los lectores?

¡Muchas gracias por dedicar parte de vuestro tiempo para leernos! Ahora ya nos conocéis un poquito más gracias a los cracks de Juegoreviews y a su gran apartado Hablan los indies el cual seguimos cada semana. Sin duda un gran apoyo a los estudios españoles para darnos a conocer en la industria que tanto nos apasiona.

Esperamos que os haya gustado la breve reseña y siempre podéis seguirnos en las RRSS (Twitter, Facebook y Google+) para estar al tanto de nuestras últimas novedades. Ahh y también podéis leer las opiniones de los foreros en el hilo oficial Dogchild de la Comunidad PlayStation España. ¡Un saludo!

Como cada domingo aquí está una nueva entrega de ‘Hablan los indies’, la sección de entrevistas con la que desde Juegoreviews tratamos de dar una mayor visibilidad a todos esos pequeños, medianos y grandes estudios indies que dan forma a uno de los motores más importantes de la industria del videojuego nacional, siendo a día de hoy el baluarte de la innovación y una de las mayores puertas de acceso a la escena internacional.

En esta ocasión hemos charlado con MeigaLabs, un pequeño y joven estudio gallego, de Ourense concretamente, formado por tres jóvenes que decidieron dejar atrás sus respectivos puestos en empresas ya asentadas para hacer lo que siempre han querido hacer; desarrollar videojuegos.

Su última creación, Alcalde Corrupto, es un ejemplo más de cómo los videojuegos pueden servir de crítica hacia una de las mayores lacras de nuestra sociedad, la corrupción. En él encarnamos a un alcalde con el único objetivo de forrarnos, algo que podremos hacer mediante artimañas tan sucias como firmar ‘contratos poco legales’, comprar votos, sobornar a jueces y silenciar periodistas; mientras levantamos aeropuertos vacíos y reformamos la sede de nuestro partido con dinero negro.

¿Quieres saber más? ¡Pues sigue leyendo!

Toca empezar por los comienzos. Cómo surgió la idea de fundar MeigaLabs y qué tal fueron los primeros meses de vida del estudio.

Siempre tuvimos en mente la idea esa de diseñar videojuegos, era como el trabajo de ensueño que nunca íbamos a alcanzar. Empezamos a toquetear algo por nuestra cuenta desde que acabamos la carrera hasta que entramos a trabajar en una empresa pero a partir de ahí ya no teníamos tiempo, por eso en cuanto abandonamos nuestras respectivas empresas decidimos lanzarnos de cabeza, juntarnos y así surgió MeigaLabs. Los primeros meses fueron básicamente de aprendizaje, un ‘prueba y error’ que llevábamos a cabo trabajando en la biblioteca de la universidad. Cumpliendo unos horarios, esforzándonos todo lo que podíamos y haciendo muchas horas extra.

¿Y qué os dijeron vuestros familiares y conocidos cuando decidisteis abandonar vuestros respectivos trabajos en empresas ya asentadas para dar ‘el salto a lo desconocido’? Es más, ¿qué os dijisteis a vosotros mismos? ¿No os carcomió la duda por dentro?

La pregunta común que nos hicieron nuestros padres fue: ‘¿Pero eso da dinero?’ Básicamente esta duda sale por no conocer los entresijos del desarrollo de juegos. De todas maneras nuestros familiares nos prestaron un total apoyo a nuestra idea.

La duda nos carcomía antes de lanzarnos, cuando estábamos trabajando en otras empresas realizábamos una labor monótona, estresante y nada creativa; todos los días nos preguntábamos: ¿Cómo nos iría si hubiésemos continuado con nuestra idea? Siempre nos respondíamos que a esas alturas ya tendríamos un juego en el mercado. Lo que nos daba más motivos y ganas para lanzarnos.

Los tres venís de campos ‘tecnológicos’ por así decirlo (software, desarrollo web). Pero, ¿qué es lo que habéis estudiado concretamente? ¿Alguno de vosotros se ha especializado en el diseño y desarrollo de videojuegos?

Para nada, los tres somos Ingenieros Informáticos y estudiamos juntos. Durante la carrera no dimos nada relativo al diseño y desarrollo de juegos pero nuestros respectivos proyectos fin de carrera fueron relacionados con ese ámbito. Nos habría gustado mucho que en nuestra carrera nos hubieran impartido alguna asignatura relacionada con los videojuegos, aunque fuera una mera introducción.

¿Había alguna otra área que os llamara especialmente la atención, como por ejemplo el desarrollo de aplicaciones para móviles, o desde un principio sabíais que donde realmente os ibais a sentir satisfechos con vuestro trabajo era desarrollando videojuegos?

El desarrollo de videojuegos era nuestro sueño y parecía inalcanzable, nuestra única opción de estudiar eso era hacer otra carrera o un master carísimo en la otra punta del país. A fin de cuentas, desarrollar videojuegos es algo que casi todos los informáticos desearían realizar pero que solo algunos lo consiguen.

Cómo os organizáis. ¿Cada cual tiene su ‘zona’ o todos sois ‘multitarea’?

Durante el proceso de aprendizaje y al ser solo tres personas, tuvimos que ‘especializarnos’ en distintos campos. Por ejemplo: mientras uno iba haciendo los modelos y animando, otro iba creando las interfaces de usuario y el tercero estaba programando los comportamientos internos. De todas las maneras, las decisiones de diseño se toman de manera conjunta y si hace falta echar una mano en un campo concreto nos ponemos a ello sin problema. Lo que nos enseñó la carrera es que podemos aprender casi de todo.

Y cómo se os ocurrió el nombre de MeigaLabs. ¿Es una muestra de lo mucho que tira la tierra?

Obviamente somos gallegos por lo que queríamos que nuestro nombre reflejara nuestro origen pero a la vez tuviera un toque internacional (De ahí lo de Labs). Así a todo la búsqueda del nombre ideal nos llevó bastante tiempo, parece una tontería pero es bastante difícil encontrar el nombre perfecto.

Creo que sois el primer estudio gallego con el que hablamos. ¿Qué tal veis el panorama del videojuego en Galicia? ¿Están surgiendo estudios como setas tal y como ocurre en Madrid, Barcelona y otras provincias?

El panorama actual a nivel nacional es muy bueno porque hay una gran variedad de estudios, pero a nivel de Galicia creo que vamos un poco por detrás. Por lo que sabemos nosotros, no hay demasiados estudios de desarrollo en Galicia; principalmente en A Coruña y Vigo. En cuanto a nuestra ciudad, Ourense, creo que somos los únicos por el momento.

Por ahora tenéis dos títulos publicados, Time Pirates y Alcalde Corrupto (Corrupt Mayor Clicker). Ambos han sido desarrollados para plataformas móviles. ¿Qué tal es desarrollar un juego para iOS y Android y cómo de difícil resulta promocionarlo para que resalte entre tantos y tantos juegos de todos los tipos y colores?

Entramos en un terreno delicado. Me explico, el desarrollo de videojuegos para plataformas móviles es difícil debido a la amplia variedad de dispositivos que hay en el mercado. A la hora de realizar pruebas y testear, todo depende del hardware específico de ese dispositivo. Obviamente no disponemos de todos los dispositivos del mercado para hacer pruebas antes de lanzar el juego, lo único que podemos hacer es cruzar los dedos para que funcione bien en todos.

En cuanto a la promoción, debido a la saturación del mercado de videojuegos para móviles, es obligatorio hacer algo distinto o por lo menos tener una temática llamativa para que destaque entre los demás. Aún así sigue siendo una tarea titánica y más cuando dispones de un presupuesto pequeño.

En el caso de Alcalde Corrupto lo tuvisteis más fácil, ¿no? ¡Más de 70.000 descargas en un mes! ¿Cómo se os ocurrió aprovechar un tema como el de la corrupción? ¿Fue por pura frustración al seguir el día a día de la actualidad política local y nacional?

Así es, actualmente tenemos cerca de 75.000 descargas en todo el mundo, pero queremos más (insertar aquí risa malévola). Para la temática no tuvimos que estrujarnos mucho los sesos, cada mañana al desayunar ya nos iban informando los medios de los casos de corrupción del día. Es un tema del que habla todo el mundo y que toca mucho la moral. Decidimos usarlo con sarcasmo para sacar una sonrisa a modo de burla del tema (la famosa retranca gallega que nos sale de forma natural).

¿Cómo se lleva el tratar que la gente se divierta con un tema que ha hecho tanto daño? Sabiendo lo mucho que han robado y la sinvergonzonería que caracteriza a tales personajes, ¿creéis que el humor y la crítica efectivamente ayudan a soportar el chaparrón?

El humor y la crítica es lo único que ‘ayuda’ a soportar este tipo de noticias. Se trata de ser sarcástico porque si te lo tomas en serio todo el tiempo acabarás por enfermar. Al mismo tiempo se trata de ser crítico y que el usuario se dé cuenta de que esa barbaridad ocurrió en realidad.

No sólo es un juego crítico que busca entretener, también es un título divulgativo. Prueba de ello son las 60 frases reales de políticos que habéis incluido en el juego. ¿Podéis citarnos vuestras favoritas? Y… ¿no os habéis quedado cortos con ‘sólo’ 60?

No nos hemos quedado cortos, de hecho tuvimos que quitar muchas porque se hacían demasiadas. Aún así, hay más de 60, tenemos 60 frases de políticos españoles y otras 60 de políticos de todo el mundo para la versión en inglés.

Nuestro top 5:

Hasta dónde llega la profundidad del juego como ‘simulador de política’. Quiero decir, ¿qué acciones podemos llevar a cabo como alcaldes corruptos que somos? Dichas acciones, ¿también están basadas en casos reales?

Todas las acciones (excepto dos o tres) están basadas en hechos reales, tampoco es que nos faltaran muchos ejemplos, nos hemos dejado tantos en el tintero que podríamos sacar la segunda y tercera parte del juego.

En el juego puedes efectuar contratos como: construir aeropuertos vacíos, hacer reformas en negro en la sede, inaugurar rotondas, privatizar hospitales, usar tarjetas black, etc... Además de realizar estos contratos ‘poco legales’, en ocasiones tendrás que decidir cómo resolver una crisis. Por ejemplo, si se acerca un petrolero que pierde fuel a la costa, ¿qué harás? ¿Lo metes en un puerto o lo empujas un poquito hacia mar adentro?

Llegados a este punto, ¿de verdad no se os ocurría un tema más macabro sobre el cual crear un videojuego? Yo que sé, quizás poner al jugador en la piel de Jack el Destripador o en la del Cobrador del Frac hubiera sido menos perverso.

Pedimos disculpas si alguien se siente ofendido por tener que realizar acciones tan despreciables y sucias. Hubiera sido más facil sentirse identificado con Sauron que con el protagonista de nuestro juego, la verdad.

¿Es el éxito de vuestro juego una muestra más de que hoy en día los villanos están de moda o más bien responde a que… si más de uno de nosotros (los españolistos) pudiésemos ponernos en la situación de tan ilustres políticos, acabaríamos haciendo exactamente lo mismo que ellos?

Creemos que el éxito se debe en parte a la burla que hacemos de la corrupción en clave de humor, pero no negamos que ejercer de villano tiene su atractivo. No obstante, no creemos que en la vida real todos seríamos corruptos, eso es lo que nos quieren hacer creer ellos para que acabemos aceptando la corrupción.

Y después de todo el trabajo de documentación que habéis llevado a cabo, ¿creéis que lo de la corrupción tiene alguna solución posible?

Holocausto ‘Nucelar’... no en serio, es un tema delicado, habría que hacer una limpieza a fondo para separar a los honrados de los corruptos, porque ahora van en el mismo saco. Según nuestros cálculos se deberían construir entorno al medio millar de cárceles nuevas para ‘alojar’ a los corruptos y que no hagan más daño.

Recordando el caso de Gazpacho Games, quienes lanzaron en móviles y tabletas Carrera Cófrade, un título sobre la Semana Santa sevillana, como medio para financiar futuros proyectos más ambiciosos como es el caso de CAIN, ¿cuál es el futuro de MeigaLabs? ¿Queréis seguir apostando por los videojuegos para móviles? ¿Os planteáis dar el salto a PC y consolas?

Creemos que el salto a consolas y PC es el camino a seguir tan pronto como tengamos posibilidades. Aunque por ahora seguiremos apostando por videojuegos para móviles porque hoy en día todo el mundo tiene smartphone y cada vez son más potentes. También intentamos hacer alguna que otra app para sacarnos unas pelas.

¿Y podéis adelantarnos qué es lo que os gustaría hacer en consolas?

Nos gustaría hacer un sandbox o uno de estrategia. Exprimir a tope las posibilidades de la plataforma, pero todavía no nos es posible.

Para ir cerrando nos gustaría como siempre que nos dejarais el nombre de aquellos estudios indie nacionales a los que consideréis que hay que seguir muy de cerca.

Tenemos que tirar hacia casa por lo que el primer estudio a seguir la pista es el estudio gallego Gato Salvaje, que sacó la aventura AR-K. Han hecho un trabajo impecable y son un ejemplo de cómo obtener una financiación para tu proyecto.

Otro estudio indie para seguirle la pista es Fozen Shard, que va a sacar el proyecto Castles para PC. Tiene una pinta bárbara y estamos deseando ver el resultado final.

Una última prueba. Vamos a dejar caer dos o tres opciones y vosotros os quedáis con la que más os guste argumentando vuestra decisión brevemente:

Gürtel o los ERE (o cualquier otro de tantos): ¡¡¡La caja, la caja!!!

Voldemort, Sauron o un político corrupto: Sauron por su mirada penetrante.

Una cuenta en Suiza o en Bankia: Suíza porque en Bankia a lo mejor jubilan a un directivo con mi dinero.

¿Vuestro mensaje de despedida? Citas célebres, agradecimientos, recomendaciones…

Agradecer la oportunidad de poder realizar esta entrevista y al lector por haber llegado hasta aquí abajo. Continuaremos aprendiendo, mejorando nuestras aptitudes y sacando más y mejores juegos. Podéis seguirnos en Twitter o Facebook para estar informados. Y si algún inversor lee esto y está interesado, le ofrecemos una queimada para hablarlo.

¡Nada! El calor del verano no va a parar ‘Hablan los indies’, la sección que como muchos de vosotros ya sabéis dedicamos a charlar con los estudios indies nacionales ofreciéndoles un espacio en el que puedan ilustrarnos sobre las dificultades de montar y sacar adelante una empresa en España, sobre ese fantástico trabajo que realizan día a día a base de pasión, sudor y lágrimas, sobre cómo ven ellos la salud de nuestra industria y, por supuesto, sobre esos videojuegos con los que esperan alegrarnos la vida a todos (o al menos hacérnosla algo más llevadera, ¡qué demonios!).

Para este domingo contamos con una colaboración muy especial, la de Alberto Pérez Rodríguez, CEO de WhootGames, sin lugar a dudas uno de los estudios de desarrollo patrios más llamativos gracias a ese juegazo de puzzles bajo una estética encantadora que preparan, Castles, un título que bajo el amparo de BadLand Indies, distribuidora que por cierto entrevistamos en esta misma sección, debería llegar a PC, PS4, Wii U y Xbox One a finales de este mismo año.

Su historia es bastante peculiar, ya que como tantos otros estudios españoles estuvieron a puntito de emigrar debido a que las ofertas recibidas por países como Canadá y Malta pesaban mucho más que el pasotismo del gobierno español hacia la industria del videojuego. Sin embargo finalmente decidieron quedarse en su querida Asturias, por aquello de que la tierra tira mucho aunque haya que sufrirla a rabiar de vez en cuando.

Su trayectoria les ha llevado desde la nada hasta hacerse un hueco destacado en certámenes y ferias como el GameLab y la Madrid Games Week. ¿Queréis saber más? ¡Pues seguid leyendo!

Vamos allá con las presentaciones. ¿Cuándo y cómo surgió WhootGames?

WhootGames se formó como empresa hace un año con la unión de seis socios: cinco ex alumnos que acababan de terminar la primera promoción española del Grado en Diseño y Desarrollo de Videojuegos y un ex profesor del mismo. Con el tema de la crisis no veíamos claro encontrar trabajo en el sector en ese momento en España y decidimos dar el salto mortal y formar nuestra propia empresa.

¿Qué tal fueron los comienzos? ¿Se come tanta pasta y arroz como se dice o es sólo una leyenda urbana?

Pues los comienzos, como todas las cosas, fueron bastante difíciles. Nosotros veníamos de la parte de diseño y todo el tema de crear una empresa era nuevo para nosotros. Sin duda alguna con la parte más difícil con la que nos hemos tenido que enfrentar ha sido con todo el papeleo… pero sí que es cierto que desde el principio hemos tenido un inversor que nos ha ayudado con esa parte, sino creo que en tres meses hubiéramos conseguido acabar en la cárcel (risas).

Y si, pasta y arroz por un tubo, los primeros ocho meses de trabajo no cobramos directamente de la empresa, sino que vivíamos de trabajos de freelance que cada uno de nosotros hacíamos en nuestro tiempo libre, y hasta que no empezamos a cobrar los primeros trabajos a terceros no pudimos empezar a tener un sueldo mensual.

En cualquier caso estando donde estáis no podréis quejaros de la comida. De hecho conociendo Asturias puede que esta sea la pregunta más estúpida de toda la entrevista pero, ¿qué os llevó a buscar una oficina en Gijón en vez de probar suerte en Madrid o Barcelona como tantos otros estudios?

Pues teníamos las maletas prácticamente hechas, pero no para Madrid o Barcelona como otra mucha gente, sino para Malta, ya que el gobierno de Malta en el Gamelab del 2013 estaba buscando empresas españolas que quisieran montar su propio estudio de videojuegos en su país, y la verdad que nos daban una cantidad muy sustanciosa de dinero por establecernos ahí… pero finalmente encontramos un inversor en nuestra tierra, que aunque era mucho más modesta, el tema de poder quedarnos en nuestra tierra al final tiró más, y por supuesto, si nosotros solos aquí en España hubiéramos acabado en la cárcel en tres meses, en Malta igual podíamos romper cualquier record con el cambio de leyes en un país desconocido para nosotros (risas).

Vaya, ¿es habitual que vengan de otros países tentando a los estudios españoles? ¿Sabes si se da el caso inverso, es decir, si nuestro gobierno va por el extranjero ofreciendo caramelitos a los estudios indies o simplemente esta es una prueba más de que aquí lo de desarrollar videojuegos sigue sin verse como algo serio y con un gran potencial?

No sólo durante la fase de creación de nuestra empresa se puso en contacto con nosotros Malta, también en su día tuvimos ofertas del gobierno de Canadá, y ese país es todo un referente en cuanto estudios de desarrollo de videojuegos. Para que todos nos entendamos, sería el Hollywood de la industria (Pixar, EA, Ubisoft y muchas más tienen sus oficinas allí...)

Pero vamos, hasta donde yo puedo saber, para nada el gobierno español intenta hacer una jugada inversa, es más, no tendría mucho sentido, porque actualmente es casi inexistente el apoyo desde el gobierno central a esta industria. Sí que es cierto que se han creado unas ayudas, pero son insuficientes y tienen unos requisitos (presupuesto de más de 100.000 euros, que los proyectos duren más de un año...) que solamente pueden ser pedidas por las empresas grandes del sector, con lo que al final, las pequeñitas como nosotros, que somos las que estamos intentando salir adelante y podríamos crear un tejido industrial potente, nos encontramos con cero ayudas.

En cuanto a lo que comentas sobre la seriedad, muchas veces nos comentan eso de que nos pasamos la mañana jugando en la oficina. Sí que es cierto que nos lo dicen, y nos cabrea sobre manera porque indica un desconocimiento total, ya que en nuestro día a día manejamos mucha más tecnología que muchos otros sectores que tienen la etiqueta de tecnológicos o pioneros, pero bueno, poco a poco, esa idea va cambiando y eso es gracias a la cantidad de gente que ahora mismo está metida en este mundo y que va evangelizando sobre este nuevo sector. 

Sabemos que una de las cosas más complicadas es el tema de la financiación. ¿Recurristeis a algún tipo de ayuda pública como la que has comentado u os espantó el famoso fantasma de la burocracia antes de tiempo como a tantos otros?

Pues básicamente hemos subsistido de una primera inversión de una persona que ha confiado en nosotros, y finalmente de un par de créditos participativos (que no subvenciones, que esto sí que lo tenemos que devolver) que es lo que nos ha dado la tranquilidad y la independencia para poder dejar los proyectos de terceros a un lado y poder trabajar en nuestros proyectos.

Cuéntanos cuáles han sido los principales puntos de inflexión en la historia de Whoot Games.

Punto de inflexión como tal, creo que el más importante fue cuando después de una ronda de reuniones en Madrid con gente bastante importante del negocio que nos comentó que de los juegos que estábamos preparando en ese momento nos tendríamos que centrar en uno en concreto, Castles, y que aunque los otros eran interesantes, Castles era el que más llamaba la atención y por el que podrían apostar.

Al volver de Madrid tuvimos que hacer reunión de emergencia y pensarnos bien qué hacer con respecto a esto, si seguir con los otros proyectos, que llevaban más tiempo de desarrollo, o dejar todo de lado y coger Castles que estaba en una versión de prototipado muy inicial. Al final recapacitamos y creímos conveniente el parar el resto de proyectos y centrarnos en este, y de momento muy contentos porque parece que hemos acertado…

Hablemos ya del presente. ¿Cuántos sois actualmente en Whoot Games? ¿Todos venís de campos como la programación, el diseño y el modelado 3D o hay algún curioso caso de ‘reciclaje’ profesional? ¿Alguno ha trabajado antes en otro estudio?

Actualmente somos ocho personas y por lo general sabemos hacer un poco de todo (y a veces no nos queda otra que aprender a hacerlo), aunque estemos cada uno especializado en un área. La mayoría de nosotros hemos estado en mayor o menor medida en diferentes estudios, todos teníamos experiencia y aplicaciones publicadas antes de formar la empresa.

De entre las muchas cosas que habéis aprendido hasta ahora, ¿cuál destacarías sobre el resto?

La más importante es que lo mejor es centrarse únicamente en las cosas que sabemos hacer. Es por eso que nosotros, como jugones de toda la vida, no somos gente de juegos de móviles, y es por eso que aunque hemos desarrollado un juego para dispositivos móviles que está teniendo muy buena acogida, nuestro futuro es y será el hacer productos para consolas y PC, que es realmente donde hemos invertido toda nuestra vida disfrutando y aprendiendo. Luego está lo típico de saber organizarse y demás cosas, pero bueno, eso creo que como en cada faceta en la vida es cuestión de práctica y rodaje. Pero sin duda destacaríamos el ‘si eres bueno en algo, aprovéchalo’.

Sabemos que tenéis al menos dos videojuegos entre manos, Random Fighters y Castles. ¿Cómo os las apañáis? ¿Dividís el trabajo de forma estricta o ambos proyectos son cosa de todos?

Nuestra filosofía de estudio siempre fue el tener dos proyectos siempre en marcha, por un lado proyectos de mayor tamaño (con esto me refiero a meses de desarrollo) y por otro lado juegos más simples con los que poder explorar nuevas técnicas narrativas, de jugabilidad o experimentar directamente, lo que nosotros llamamos Labs. De ahí que ahora mismo tengamos entre manos dos juegos, Random Fighters, destinado a dispositivos móviles y Castles, nuestro juego ‘estrella’ para este año, enfocado a consolas y PC.

En cuanto al panorama indie nacional, ¿has visto algún gran cambio desde que comenzasteis vuestras andadas hasta ahora? ¿Cómo de optimistas te sientes respecto al presente y futuro de los videojuegos en España?

La verdad es que no hace falta más que asistir a eventos como el reciente Gamelab para darse cuenta de que, en cuestión de un solo año, se han formado muchas nuevas empresas y proyectos, y aumentado el apoyo por parte de centros educativos, universidades, etc a la industria nacional de videojuegos. Sin ir más lejos, tan sólo en Asturias actualmente hay diez empresas de videojuegos que han formado hasta su propia asociación, UNEVA. Ni que decir tiene que también la ambición y el acabado de los juegos que se realizan en España también se ha visto incrementado; creemos que ya podemos mirarnos de tú a tú con otros proyectos venidos de fuera sin ningún complejo.

Venga va, toca hablar bien de vuestros colegas. ¿Qué estudios indies patrios nos recomiendas? ¿Hay alguno en particular que te haya dejado perplejo con su último proyecto?

Hay un estudio, Milkstone, que claramente lleva bastante ventaja sobre los demás aquí en Asturias y ya han lanzado muchos títulos buenos, entre los que se encuentra Ziggurat, que ha conseguido dos premios nacionales en este reciente Gamelab de Barcelona (aparte de dos Indie Burguer) y que tienen nuevos proyectos muy ambiciosos, y ¡qué narices! son unos tíos muy majos. Sí que es cierto que otros estudios, como Nuberu Games, que son nuestros vecinos de ventana aquí en Asturias, o Big Tree Games, en los próximos meses fijo que darán que hablar con sus proyectos.

A nivel nacional no queremos olvidarnos de nadie, pero recordando un poco el pasado Gamelab, tenemos a la gente de Beatifun Games con su juego de Megamagic que son la caña, Lubiterum Studio, Team Gotham, Gazpacho Games, super awesome hyper dimensional mega team (¡¡¡con ese nombre como para no petarlo!!!) la gente de Tequila Games con el Ryme, alpixel games con su Missing Translation, Fourattic con Crossing Souls… pero que vamos, ¡que no se nos enfade ninguno porque es que actualmente hay tantos estudios y tan buenos que necesitaríamos dos hojas más sólo para comentar los proyectos nuevos que nos encantan!.

Y ya como recomendación, aquí va nuestra apuesta especial, ¡¡Crazy Bits Studios con Trespassers, juego de acción en pixel art que este otoño va a dar mucho que hablar, palabra!!

En un mundo en el que conseguir visibilidad es casi tan difícil como mandar a un político a la cárcel, ¿cómo de importantes son a día de hoy eventos como el Gamelab, Madrid Games Week o los Playstation Awards para dar a conocer el trabajo de los indies e impulsarles en su tarea? ¿Qué más se podría hacer en dicho sentido?

Para nosotros, estos eventos son una parte muy importante de los proyectos que llevamos a cabo e intentamos estar presentes en el mayor número de ellos. Algunas empresas se olvidan de la parte social de los productos que van a comercializar y es difícil conseguir vender algo que nadie conoce. A parte de los eventos, intentamos tener contacto directo con los usuarios a través de redes sociales como Facebook, Twitter… para recibir feedback e ir creando comunidad alrededor de nuestros juegos y del estudio.

Para impulsarlo, yo creo que eso ya tiene que ser directamente la gente que se dé cuenta de la industria que está creciendo en este país y que, aunque todos tenemos ganas de los próximos juegos AAA, apoyando a la industria de nuestro país dentro de unos años no tendremos que mirar más allá del charco para ver proyectos con una calidad excepcional.

Hablemos ya de vuestros juegos. Qué podemos esperar de Random Fighters y de Castles.

Castles es un juego de puzzle con altas dosis de acción en el que tomas el control de un arquitecto que deberá reunir materiales y herramientas para construir la torre más alta del mundo. La tarea no será nada fácil, porque tendrán que enfrentarse a cambios meteorológicos, problemas de construcción, asedios y enormes enemigos enviados por el envidioso rey vecino. Solo o con un amigo, podrás disfrutar la historia en el modo aventura, ver lo alto puedes llegar en el modo Supervivencia o enfrentarte a un amigo en el modo Batalla.

Random Fighters es un juego de lucha y puzles (La mezcla perfecta entre Street Fighter y Hundir la flota) que arroja al jugador a una batalla de golpes y de ingenio. Tienes que poner a punto tu memoria y tu capacidad de adivinación para encontrar los golpes en una rejilla de 5x5, y darle una paliza a tus rivales. Personaliza tu luchador y ataques, y prepárate para derrotar a tus enemigos y obtener ventajas únicas, incluyendo brutales ataques especiales. ¿Te crees que eres lo suficientemente duro? ¡Atrévete a pasarte el modo historia y desafía a gente de todo el mundo en el modo online!

Random Fighters es un título para Android, mientras que Castles va camino de PC y consolas. ¿Existen muchas diferencias entre desarrollar un juego para una consola de nueva generación o hacerlo para un smartphone?

Se diferencian prácticamente en todo, desde el diseño del juego y la magnitud del proyecto hasta el mercado en el que se va a lanzar el juego. Actualmente en móviles salen miles de aplicaciones diarias y es muy fácil hundirse antes siquiera de despegar, y los usuarios suelen ser jugadores ‘casual’ que no tienen tanto contacto con el mundo de los videojuegos como los de consola y PC, aunque como ventaja es un mercado bastante más accesible para empresas que están empezando.

Por otro lado, el desarrollo en consolas y PC suele ser bastante más largo y con costes más altos, al igual que tiene una mayor dificultad para conseguir comercializar el producto en estas plataformas, pero es mucho más agradecido al conseguir superar las primeras barreras ya que es un mercado mucho más pequeño y enfocado a jugadores con mucha más experiencia.

Sabiendo lo delicado que es este tema, ¿qué modelo de negocio planteáis para Random Fighters?

Pues en principio es un juego ‘free to play’, pero esa es una de las cosas que nos hacen alejarnos de los dispositivos móviles. Es un modelo de negocio que creemos que usado correctamente puede servir como una fuente de ingreso bastante buena, pero ahora mismo vivimos en una burbuja de juegos F2P que creo que tarde o temprano va a explotar, porque actualmente las inversiones en crear estos productos cada vez se están disparando más y ya pasan a convertirse en simples productos de marketing donde lo que importa son los datos que se recogen por detrás que el propio juego.

Además, un mercado como el móvil, que tendría que ser una fuente de lanzamiento de muchos equipos de desarrollo, ahora mismo es un agujero negro en el que tenemos a grandes multinacionales que acaparan el sector, un pozo oscuro en el que lanzas tu aplicación, la que te ha llevado tanto tiempo, mimo y esfuerzo, y que en cuestión de horas puede desaparecer y ser sepultada con la ingente cantidad de títulos que no paran de salir. Es por eso que aunque nosotros empezamos con el sector móvil con Random Fighters, queremos desligarnos, al menos estando como está el panorama, y centrarnos en el mercado de PC y consola, donde la gente está más acostumbrada a pagar por lo que disfruta y además agradece mucho más el tiempo y el trabajo invertido.

Los jugadores ya han podido probar Castles en algún que otro evento. ¿Qué tal las reacciones? ¿Habéis recibido cierto feedback que os haya servido para redefinir alguna de las características principales del juego?

Por lo general, las reacciones superaron mucho las expectativas, empezando por llegar a ser finalista de los Playstation Awards en el Madrid Games Week 2014 donde lo mostramos por primera vez. En ese evento concretamente vimos muchísimas cosas que mejorar y las primeras opiniones de la gente nos ayudaron mucho, la reacción de la gente que juega por primera vez es totalmente diferente a alguien que lleva meses y meses testeándolo y conoce el desarrollo.

Pero no sólo en Madrid recibimos ayuda, otros eventos como el Fun&Serious de Bilbao o la Gamercon de Jerez nos sirvieron para ir mejorando la jugabilidad, nivelar la dificultad del juego, etc… Es por eso que ahora creemos que tenemos un producto mucho más pulido y directamente moldeado por muchos de los futuros jugadores de nuestro juego, lo que hace que tengamos confianza en que el producto va a gustar bastante a los usuarios finales.

Concretamente, ¿en qué plataformas podremos disfrutar de Castles?

Pues gracias al apoyo de nuestro Publisher, Castles será multiplataforma desde el primer día de lanzamiento en todas las consolas de nueva generación (Xbox One, PS4 y WiiU) y PC.

Y la reina de las preguntas, ¿cuándo podremos disfrutar de ambos juegos?

Pues Random Fighters ahora mismo está en fase final de corrección de bugs y estamos negociando con publishers, pero la idea es sacarlo en cuanto podamos (¿un mes?). En cuanto a Castles, y dependiendo un poco de los procesos de certificación de las consolas, nuestra idea es tenerlo disponible para el mes de octubre (¡cruzamos los dedos!)

Sabemos que habéis estado trasteando con un kit de Oculus Rift, ¿estáis barajando la posibilidad de desarrollar algo para la realidad virtual?

Pues la verdad es que le tenemos unas ganas terribles, e incluso tenemos un proyecto pensado directamente para realidad virtual, pero ahora mismo creemos que hay que dejar que el mercado propio de estos dispositivos se afiance y ver si realmente sale adelante o le pasa como en otros sectores (televisiones domésticas y cine) donde al principio empezó muy fuerte y poco a poco se ha ido desinflando hasta quedar en algo anecdótico.

Para ir acabando, vamos a dejar caer un par de opciones y tú te quedas con la que más te guste argumentando la decisión brevemente:

Una clásica, PC o consolas:

PC, En la oficina jugamos a todo pero por lo general hay más gente de PC.

Aporrear botones o pensar cada movimiento:

Aporrear a tu compañero cuando te gana.

Oculus Rift versus Hololens:

Hololens, realmente flipante lo que han enseñado en el E3, ¡a eso sí que le tenemos unas ganas locas de echarle el guante!

Cachopo o fabes (perdón por esta, os juro que no puedo evitarla):

Cachopo, es más, cada vez que se viene gente de fuera a visitarnos, lo primero que hacemos es llevarlos a degustar uno (risas).

¿Un último mensaje a los lectores?

Pues nada, ¡que a todo aquel que haya conseguido leer la entrevista entera que por favor nos lo diga porque se merece un premio! (risas). Y nada, que si les interesa saber un poco más de nosotros que nos sigan en Twitter y Facebook y que no duden en ponerse en contacto con nosotros, ¡que nos encanta el poder charlar con la gente y recibir cualquier duda, critica y sugerencia!

Tras el correspondiente parón por el E3 2015, vuelve nuestra sección ‘Hablan los indies’, la cual como muchos ya sabréis nació hace ya cosa de unos meses para ofrecer a los estudios independientes un lugar en el que hablar abiertamente de sus comienzos, de las dificultades para abrirse camino, del actual panorama del videojuego nacional e internacional y, por supuesto, de sus juegos presentes, pasados y futuros, tratando de hacer hincapié en su proceso creativo y de desarrollo para que todos podamos conocer en mayor medida el gran esfuerzo, dedicación y pasión que hay detrás de los videojuegos que disfrutamos.

Y volvemos con fuerza entrevistando a Winko Games, un estudio barcelonés que parece funcionar un tanto a la contra. Frente a ese gran lastre que supone la falta de financiación, ellos han conseguido gracias a su trabajo una potente inversión que les permite dedicarse por completo a desarrollar videojuegos; y frente a esa norma no escrita de que un juego para móviles y tabletas no puede ser hardcore, se han propuesto lanzar en estas plataformas un complejo RPG estratégico de ambientación futurista.

Suena cuanto menos atractivo, ¿verdad? Por eso hemos charlado con Sergio Gil Moreno, un catalán de 32 años que además de ser el co-fundador del estudio ejerce como COO.

¿Fue difícil llegar a formar un equipo de diez integrantes? Háblanos de vuestros primeros pasos y de cómo organizáis vuestro trabajo.

Convencer a gente con un buen sueldo y muchos años de experiencia a que se una a un proyecto en fase embrionaria es como poco interesante… La suerte que tuvimos es que todos ellos tienen una mentalidad emprendedora y sobretodo muchas ganas de crear algo propio y verlo crecer desde cero hasta un proyecto con cara y ojos. Si algo teníamos claro ambos fundadores es que o luchábamos por tener un gran proyecto o mejor quedarse en casa.

En cuanto a la estructura somos partidarios de trabajar en la medida de lo posible de una forma autónoma, con una estructura muy plana que promueva la creatividad y la originalidad. Creemos firmemente que los mejores equipos son los que harán los mejores juegos. Actualmente los departamentos están divididos de la siguiente manera: cuatro desarrolladores, un game designer y tres artistas más los dos fundadores.

A lo largo de todas las entrevistas que llevamos nos hemos encontrado con currantes de todo tipo: desde arquitectos ‘reconvertidos’ hasta historiadores, músicos y economistas que, dejando a un lado su campo, han decidido dar el salto al desarrollo de videojuegos siendo capaces de crear cosas alucinantes. Por supuesto también los hay que se ven obligados a trabajar en esto en sus ratos libres, entre trabajo y trabajo. ¿Cuál es vuestro caso? ¿Todos los integrantes del equipo sois ‘desarrolladores pata negra’? ¿Os dedicáis al desarrollo a tiempo completo?

Pues la verdad es que el background de los dos fundadores es puramente de negocio. Aunque en mi caso particular los videojuegos siempre han formado parte de mi vida y me considero un auténtico freak de este mundo, de hecho aún me rio del día en que mi madre me dijo que al final tantos años delante de las maquinitas me iban a servir de algo.

Creo que nuestra historia es algo diferente a la habitual ya que al contrario de la mayor parte de estudios, nosotros creímos que la única forma de lanzarse a esta aventura era primero consiguiendo financiación para el proyecto y luego lanzar el mejor producto posible, así que básicamente lo que hicimos es entender qué es lo que necesitábamos para conseguir ese dinero. Por suerte lo conseguimos y en la actualidad todos nuestros trabajadores no tienen que preocuparse de nada más que desarrollar el mejor videojuego posible.

Sí, sabemos que una de las cosas más difíciles es encontrar financiación, sin embargo vosotros hace bien poco habéis conseguido una inversión de 1.4 millones de dólares por parte de London Venture Partners, Initial Capital y Kibo Ventures. ¿Cómo les sedujisteis? ¿Cómo lograsteis algo por lo que matarían no pocos estudios indies nacionales?

Sinceramente la clave de todo esto es la preparación, entender exactamente qué es lo que esperan estos fondos de ti y sus perspectivas. A partir de ahí tener muy clara la visión de empresa, un producto innovador, preparar el plan de proyecto, apuntar a un mercado global y en expansión y ofrecer un equipo que sea capaz de hacer realidad el proyecto. Si tienes todos estos ingredientes es muy posible que puedas conseguir financiación.

Vuestro propósito principal es crear videojuegos ‘hardcore’ para dispositivos móviles. Os lo habrán preguntado ya un millón de veces pero… ¿es esto realmente posible? ¿Qué fue lo que os empujó a ello en vez de optar por campos como el PC y las consolas tradicionales?

Básicamente esta es la pregunta por la que nace Winko. Creemos que los usuarios que esperan una experiencia más profunda y enriquecedora no la están encontrando en las plataformas móviles y es algo que nos gustaría ayudar a cambiar. Cuando nos referimos a una experiencia ‘hardcore’ desde luego no podemos y nunca podremos competir con juegos de acción como los de PC o consolas, simplemente por un tema de controles, cuando tu dispositivo se basa en taps y compites contra teclados y mandos con XXX combinaciones tienes las de perder. Por eso creo que lo que los móviles tienen que ofrecer son grandes juegos de estrategia y RPG donde lo importante es el cerebro y la preparación más que juegos donde la acción es lo que manda.

Pero la mayoría de los jugadores cuando piensan en videojuegos para móviles piensan inevitablemente en Candy Crush, juegos ‘runner’ y títulos de gestión sencillos. Todos ellos son géneros ideales para el público casual. ¿Cuál es concretamente vuestra propuesta ‘hardcore’ de y cómo tenéis pensado cambiar esta percepción?

Nuestra idea es traer algo nuevo al mercado, que no haya nada con lo cual puedas comparar directamente. Obviamente aquí nadie va a inventar la rueda, pero desde luego no esperéis que seamos la copia 25 del Clash of clans o la 985 del Candy Crush. Lo que puedo adelantar es que estamos trabajando en un juego con una temática futurista, batallas en tiempo real y gestión de múltiples unidades en combate, ¡además aplicándoles un componente RPG!

Sabemos que hay opciones que permiten solventar en cierta medida las limitaciones de control de estas plataformas, las cuales como bien dices nos impiden a priori disfrutar de forma óptima de una propuesta shooter, de un título de aventuras en tercera persona o de un videojuego de estrategia complejo. ¿Cómo solventaréis vosotros dichas limitaciones?

Estos son exactamente los géneros que no queremos atacar directamente. Como bien has dicho partimos con una seria desventaja, el género donde creemos que podemos aportar algo novedoso es en el de juegos de estrategia complejos. Creemos que hemos encontrado una forma de control innovadora (para móvil) y que ayudará a asemejar esta experiencia a la de los jugadores de PC.

Para solventar estos problemas y expandir los videojuegos para móviles, durante los últimos años han surgido no pocas ‘consolas Android’. Ouya, la más conocida de todas ellas, se encuentra en una situación más que delicada, lo cual no impide que grandes gigantes como Amazon y Google apuesten por propuestas hasta cierto punto similares. ¿Crees que aquí está el futuro de los juegos para móviles? ¿No se trata de una especie de contradicción?

Yo no creo demasiado en mover un juego de una plataforma a otra y que funcione sin más (excepto en algunas casos bien sabidos por todos). Cada plataforma tiene sus peculiaridades; controles, potencia, capacidad, expectativas de usuario... Así que cada juego tiene que estar pensado por y para el dispositivo en el que va a ser jugado.

¿Opinas que finalmente desbancarán a las consolas tradicionales o pasará como con el PC, cuya muerte lleva anunciada desde hace ya ni se sabe y ahí sigue el tío, con más salud que nunca gracias a Steam, GOG, etc.?

Creo que cada plataforma debe tener su propio público aunque definitivamente creo que el potencial de los dispositivos móviles es enorme comparado con estas plataformas. Si lo piensas un segundo, ¿cuantos amigos tienes que no posean actualmente un smartphone? (seguramente los puedes contar con una mano). Estos dispositivos cada año son más grandes y con mayores prestaciones, lo que hace que cada año el nivel de videojuegos que los desarrolladores pueden crear es superior. La pregunta es; ¿llegarán algún día a soportar una calidad como un ordenador? ¡Sólo el tiempo lo dirá!

Queramos o no otro tipo de limitación de este mercado, visto desde el lado de los jugadores, es el sistema de negocio predominante. El ‘free to play’ campa a sus anchas, a veces de forma justa y otras tantas ganándose a pulso su mala fama. ¿Qué opináis de este tema? ¿Cuál es vuestra propuesta?

Nosotros apostamos por este modelo con ciertos matices. Nunca, nunca y nunca aceptaremos el pagar para ganar, nuestro juego se basa en skill y progresión, así que un usuario pagador avanzará más rápido pero nunca tendrá objetos mejores que otro usuario por el mero hecho de pagar. Otro tema que queremos fomentar es que los usuarios hardcore quieren pasar horas jugando si les gusta realmente el juego, nuestro juego no tendrá stoppers de energía o por movimientos, si eres un buen jugador podrás jugar sin problemas todo el tiempo que quieras.

No pocos desarrolladores indican que lo más complicado de lanzar un videojuego para móviles es conseguir que destaque entre toda es marabunta de títulos que existe actualmente. En otras palabras, lo califican como un mercado sobresaturado. A nivel puramente práctico, ¿cuál es vuestra receta para destacar más allá de desarrollar títulos hardcore?

Totalmente de acuerdo con ellos. De hecho mi background es puramente de marketing y adquisición de usuarios, así que puedo asegurar que los costes de adquisición están actualmente por las nubes y que hay que buscar formas alternativas para difundir el producto (Como hablando con gente como vosotros jeje). Ahora ya no vale únicamente con músculo para promocionarse, necesitas construir una relación sólida con tus distribuidores (Apple, Android, Microsoft...). Venderles tu producto e intentar impresionarles igual que lo intentas hacer con un usuario. Ellos son jugadores también y les encanta ver algo realmente nuevo y original, os digo más, ¡son mucho más fan de David que de Goliat! Porque fueron una vez uno de nosotros, trabajando día y noche por un sueño.

Hablemos ya de los juegos, que como siempre es lo que realmente importa. Sabemos que andáis desarrollando un RPG futurista con combates estratégicos. ¡Cuéntanos más!

Como bien comentas estamos trabajando en un RPG (role playing game) con batallas RTS (real time strategy game) y con temática ciencia ficción. Estamos mezclando mecánicas de RPG donde debes incrementar el poder de tus ‘héroes’ o imperio, con batallas en real time donde poder dar órdenes a tus unidades al más puro estilo StarCraft o Command & Conquer. Aunque introduciendo un nuevo sistema de control que se adecua a los dispositivos móviles.

¿Cómo fue el proceso creativo hasta llegar a la idea central del juego? ¿Dudasteis entre este proyecto y algún otro radicalmente distinto? ¿Se quedaron muchas ideas por el camino?

La verdad es que el proceso creativo es siempre uno de los momentos más emocionantes. Todo empezó con una libreta y unas cervezas entre Ricardo (game designer) y un servidor, aquí empezó a esbozarse el proyecto con muchísimas ideas, mecánicas que nos gustaban y otras que debíamos utilizar para completar los loops principales del juego. ¡Definitivamente de la primera idea del juego a como está actualmente no tiene absolutamente nada que ver!

¿Se trata de una propuesta para un solo jugador o contará con multiplayer?

De momento contará con un modo campaña y un modo multijugador en formato asíncrono. La idea es acabar derivando a un modo multijugador en tiempo real, pero empecemos poco a poco ;)

¿Hasta qué punto contará con una profundidad semejante a la que podemos encontrar en cualquier título del mismo género de PC y consolas?

En el momento de lanzamiento creemos contará con una profundidad suficiente para satisfacer al usuario hardcore, pero desde luego la idea es seguir desarrollando post lanzamiento para hacer que el juego pueda competir en igualdad de condiciones con los grandes del sector.

Entonces lo respaldaréis ampliándolo con nuevo contenido. ¿Hasta qué punto esto depende de su aceptación entre los jugadores?

¡Por supuesto que seguiremos trabajando en el juego! El modelo freemium se basa precisamente en eso. Ya no es un juego que compras para jugar 80 horas y dejarlo, para nosotros los videojuegos han pasado a ser un servicio, en el que la empresa debe desarrollar contenido y mejoras continuamente para que los usuarios puedan jugar años si lo desean.

Hablemos ya de vuestros colegas de profesión. Siempre os pedimos que nos recomendéis aquellos estudios indie nacionales que están en vuestro punto de mira.

Pues hay un par de estudios como Deconstructeam o 5ants que creemos están haciendo un gran trabajo a nivel nacional. ¡Es genial ver como equipos tan reducidos hacen juegos tan pulidos! En cuanto a la escena internacional nos declaramos muy fans de Ironhidegames y su Kingdom Rush.

Y ya en general, ¿qué videojuegos para móviles crees que están rompiendo esquemas últimamente ofreciendo propuestas más hardcore?

Sin lugar a dudas el juego referencia para el público hardcore es el Game of War con muchas similitudes a nuestro querido Travian que tanto éxito tuvo durante muchos años. Otros juegos más estilo RPG que nos gusta poner como referencia son: Summoners Wars, Brave frontiers o Heroes charge, que poseen una profundidad y complejidad como pocos juegos ofrecen en el aspecto de colección y evolución de personajes.

Por último, para conocerte un poquito mejor antes de despedirnos, dejamos caer un par de opciones y tú te quedas con la que más te guste argumentando la decisión brevemente:

Android o iOS: ¡iOS porque sabes que si funciona en un iPad Mini funciona en todo lo demás!

Smartphone o tablet: Tablets porque es la consola que hubiera soñado tener cuando tenía 12 años :D

Ouya o Steam Machine: Steam Machine porque Gabe Newell fue el cuerpo número dos más votado de Victoria Secret.

Robots armados hasta los dientes o perros bestia alienígenas: Tengo una camiseta de robots gigantes. ¿Tú que crees?

¿Un mensajito final para los lectores?

Que valoren lo que los desarrolladores están haciendo, ya sea un free to play, un juego de consola de 60€ o un juego indie en Steam. El nivel de pasión en el trabajo que hay en esta industria es muy raro de ver en otros sectores así que un aplauso a todos los que tienen una idea y la llevan a cabo, ¡triunfe o no! ¡KUDOS!

Deconstructeam, Fictiorama, A Crowd of Monsters, Beautifun Games, Gazpacho Games, Team Gotham… son los nombres de algunos de los estudios patrios que han pasado ya por la sección ‘Hablan los indies’ permitiéndonos conocer más de cerca su trabajo sin tener miedo alguno a charlar sin tapujos sobre el actual estado de la industria del videojuego en España, bastante precaria en ciertos puntos si la comparamos con la de países vecinos pero no por ello falta de talento, de muchísimo talento y de unas ganas incontenibles por sacar adelante multitud de juegos con los que alegrarnos la vida a los jugadores.

Son ellos, todos y cada uno de estos pequeños (y a veces no tan pequeños) estudios indies, los responsables de que en nuestro país exista una escena del videojuego floreciente, en ebullición, demostrando ese tipo de inquietud que te impide quedarte quieto en una silla sin hacer nada, esa inquietud que te escuece por dentro, que quiere convertirse en nuevas ideas, en proyectos palpables. Y si para conseguirlo hace falta no tener vida social, comer sólo arroz nueve de cada siete días a la semana y sufrir una severa alopecia por el estrés, pues que así sea.

Bien, el caso es que hoy tenemos un nuevo estudio protagonista, un equipo que está demostrando que se pueden hacer grandes cosas con pasión y ganas. Pero en fin, vamos a dejar ya de dorarles la píldora para presentarles como es debido: se trata de Risin’ Goat, responsables de A Rite from the Stars, título que ha captado la atención de no pocas miradas habiendo superado ya la dura prueba del Kickstarter al recaudar más de 41.300 dólares.

En concreto hemos charlado con Carlos L. Hernando, Game Designer, Guionista y Community Manager del estudio entre muchas otras cosas, como ser una persona muy interesada en hacer del mundo un lugar mejor, o al menos eso es lo que pone en la web oficial de Risin’ Goat.

Empieza a soltar prenda. ¿Quién, cuándo y cómo se fundó Risin’ Goat?

Risin' Goat surgió a finales de 2013 en las inmediaciones de Madrid cuando ocho personas de distintos orígenes decidieron unirse para cumplir un sueño común: desarrollar un videojuego. Aunque ahora mismo estamos en Móstoles, los primeros seis meses estuvimos afincados en Villaviciosa de Odón. A pesar de ello, fue internet nuestro verdadero punto de reunión, pues así entramos en contacto la mayoría, siguiendo un anuncio colgado por David (nuestro project manager). Ahora mismo somos nueve y algunos miembros han ido y venido, pero el espíritu es el mismo.

Lo de adoptar una cabra como logo, nombre y de todo… ¿debería preocuparnos? Además de ser ‘zombi’, que se la ve a la legua, ¿le habéis hecho un test para saber si en vida fue pura raza hispánica, si viene de algún ritual satánico o algo parecido?

La Cabra es más que una simple cabra. Nosotros apenas hemos llegado a apreciar una porción de su poder y magnificencia. No estamos seguros de su raza y no creemos el término “ hispánica” se le pueda aplicar fácilmente, ya que La Cabra existe desde antes de la formación de los reinos de Aragón y Castilla. Ciertos registros históricos desvelan que ya hacía de las suyas durante el Imperio Romano, influyendo sibilinamente en sus políticas. Lo que sí es seguro es que puede morir, pero no permanece mucho tiempo en ese estado. La última vez que resurgió fue a raíz de unas obras en la M-30 que coincidieron con el lanzamiento de la versión 1.2 del Terraria. A partir de ese momento nos reclutó para desarrollar un videojuego. No estamos seguros de cuál es su objetivo final, pero probablemente tenga algo que ver con la dominación global y la extinción parcial de la raza humana.

¡Madre mía! Mejor vamos a por otro tema, ¿qué tal fueron los primeros pasos? ¿Se suda tanto como dicen algunos sacando adelante un estudio de videojuegos prácticamente de la nada?

Es una locura, sobre todo cuando tienes una cabra paseándose entre las mesas y respirándote en la garganta. La presión es máxima. Hay que tener en cuenta que hacer un videojuego es una labor extremadamente multidisciplinar, por lo que todos los miembros del equipo deben compenetrarse a la perfección. A parte de eso, muchas veces la única forma de saber si algo funciona es probándolo y, a veces, fallando. Por otra parte, requiere una gran inversión de tiempo y, bueno, hay que comer. Por ello muchos de nosotros tenemos trabajos eventuales de vez en cuando para poder seguir invirtiendo nuestro tiempo en el estudio.

Queremos saber cuántos sois y cómo trabajáis. ¿Recurrís a un esquema de ‘yo soy el jefe y mando’ o cada cual se encarga de un ‘departamento’ y tomáis las decisiones entre todos democráticamente?

En la empresa somos siete socios y dos empleados. Las decisiones se toman democráticamente, pero cada uno tiene la última palabra sobre su departamento. En ocasiones, algunas decisiones requieren la intervención de varios departamentos. Sin embargo, siempre logramos solventar los esporádicos conflictos sin demasiados problemas y a gran velocidad. El diálogo es fundamental.

¿Teníais claro ya desde el principio que vuestro primer proyecto debía ser A Rite from the Stars o pasasteis algún tiempo divagando entre varias aguas?

Teníamos claro que queríamos hacer una aventura gráfica y que queríamos darle algún toque diferente, así como aportar ciertos elementos sobrenaturales a la trama. También nos gustaban (y nos gustan) las máscaras. Creo que teníamos claro que nuestro proyecto debía ser A Rite from the Stars, pero aún no estábamos del todo seguros de qué era exactamente A Rite from the Stars. Sin embargo el proyecto tomó forma muy rápidamente y el primer mes ya teníamos los primeros concepts y la base del juego estaba diseñada.

Sabemos que los indies españoles (y de fuera) sois una auténtica piña, que siempre hay alguien por ahí dispuesto a ayudar a un semejante sin pedir nada a cambio. Qué nos puedes decir al respecto.

Estamos totalmente de acuerdo. Siempre hemos tenido muy buena relación y siempre nos hemos ayudado mutuamente para alcanzar nuestros objetivos. La empatía surge de forma natural, ya que todas las historias de las desarrolladoras indies parecen tener ciertos puntos en común: sangre, sudor y lágrimas de sangre.

Otra cosa que sabemos es que entre los indies siempre hay muchas y en la gran mayoría de los casos muy buenas ideas. De esa efervescencia surgen videojuegos realmente ambiciosos que no siempre terminan de cumplir con las expectativas. Quizás por falta de medios, quizás por exceso de ambición. A lo que vamos, ¿también existe el ‘hype’ dentro de la escena indie? ¿Qué es lo más importante a la hora de plantear un proyecto que pueda cumplir con las expectativas?

El hype existe, desde luego. Mucha gente; no sólo desarrolladores, también multitud de jugadores; sueña con hacer ESE GRAN JUEGO. Me he encontrado con muchos estudiantes de máster que querían hacer un juego multijugador masivo con caza de criaturas a lo Pokémon y una historia totalmente abierta, que cambie con cada partida o proyectos de similar calado. Yo les suelo responder que con cuántos millones cuentan. En un estudio indie una idea revolucionaria puede matar el estudio porque no todas las grandes ideas son factibles con un presupuesto limitado. A la hora de plantear un proyecto, siempre hay que saber acotarlo para que no fagocite al equipo. Un buen método suele ser plantear pocas mecánicas pero explotarlas al máximo o buscar caminos creativos a la hora de solucionar problemas que, por el camino tradicional, requieren de una gran inversión en tiempo y/o dinero. Muchos juegos indies de éxito han seguido estas premisas.

Sabemos que no es un tema agradable, pero desde vuestra posición ¿habéis visto hundirse muchos barcos? En caso afirmativo, ¿cuál crees que es el motivo predominante? ¿Falta de financiación? ¿Discordancia entre los miembros de un mismo equipo? ¿Escasa visibilidad?

Creo que un fallo recurrente en los estudios indies es esperar a terminar el producto antes de comenzar a venderlo. El márketing debe estar presente desde el día cero. Si no, un gran juego puede verse condenado a las entrañas inexploradas de Steam. O peor, de internet en general. Y eso es malo para todos, porque nosotros también nos quedaremos sin jugar a ese gran juego perdido y abandonado. Por supuesto, la falta de financiación es otro problema, pero creo que puede llegar a solventarse con trabajo duro... y visibilidad.

Del tema de la visibilidad, ¿crees que existe el apoyo suficiente por parte de los medios especializados, instituciones públicas, empresas del sector y demás?

Los medios especializados españoles tienden a ser de gran ayuda, volcándose con los estudios patrios. Sin embargo, conseguir la atención de los grandes medios especializados extranjeros es más complicado. En parte es lógico, reciben muchísimos mensajes al día con nuevos juegos. Con las instituciones públicas no hemos tenido demasiado contacto y las ayudas destinadas a videojuegos no suelen llegar a los indies. En cuanto a las empresas del sector, como ya he dicho, otros estudios indies siempre están dispuestos a ayudar. A parte de ellos, también hay empresas como Made in Spain Games que trabajan muy duro para apoyar a la industria indie nacional.

Bien es cierto que cada vez surgen más y más eventos para los indies. ¿Cuál fue el último por el que os pasasteis y cuál será el próximo en el que pongáis la banderita de ‘conquistado’?

El último evento en el que estuvimos fue el Expomanga de Jérez, del que nos llevamos muy buenos recuerdos. Ahora mismo no sabemos a cuál iremos próximamente, porque estamos muy centrados en cerrar el desarrollo de A Rite from the Stars lo antes posible.

En cuanto a la financiación, muchos estudios independientes recurrís a Kickstarter en busca de unos medios entendemos que prácticamente imposibles de conseguir sin iniciativas de crowdfunding como esta. ¿No te resulta indignante que para que podamos disfrutar de videojuegos desarrollados dentro de nuestras fronteras en buena parte de los casos todo dependa de la suerte de un Kickstarter?

Es indignante que en este país no exista un tejido industrial lo suficientemente fuerte como para sustentar el nacimiento de nuevas empresas de videojuegos pequeñas sin tener que recurrir a plataformas externas como Kickstarter. Muchas veces, más que de la suerte de un Kickstarter, los videojuegos dependen del nivel de sacrificio que los desarrolladores sean capaces de invertir. Muchas veces simplemente no es posible, hay muchos factores en la vida de cada persona que pueden interponerse.

Pero el caso es que vosotros lo superasteis con éxito. ¿Cómo fue la experiencia? Háblame de los preparativos, de los nervios a la hora de no saber a ciencia cierta si lo conseguiríais o no, del subidón una vez logrado…

La preparación nos llevó meses. Había mucho que aprender y en Kickstarter te lo juegas todo. Además, crear una campaña de Kickstarter te obliga a desarrollar ciertas partes del juego a niveles que no se suelen ver hasta que el juego está cerca de la versión final, sobre todo en el apartado gráfico. Básicamente, no puedes vender un prototipo con cubos, la gente necesita ver algo cercano a la versión final.

El desarrollo de la misma fue un infierno. Todo el equipo unió esfuerzos para mover la campaña por todo internet, de forma que siempre hubiera alguien veinticuatro horas preparado para contestar a los backers o haciendo lo que hiciera falta para llegar hasta cualquier rincón para sacar adelante la campaña. Fue realmente duro y la tensión, máxima. Mi cerebro incluso llegó a borrar alguno de los días de campaña. Pero finalmente lo conseguimos. Me alegro mucho de poder contarlo.

Superasteis los 41.300 dólares, que se dice pronto. Después de comprar alfalfa (o lo que sea que coma una cabra) y celebrarlo por todo lo alto, ¿ha quedado algo para el juego?

Lo cierto es que La Cabra es insaciable y siempre pide un poco de sangre especiada mezclada con sus manjares (de cuyo contenido no puedo hablar, pues su origen escandalizaría a muchos). El dinero de Kickstarter nos ha permitido pagar licencias de software, costear ciertos servicios externos, contratar más personal y además alimentarnos con algo más que arroz algunos meses. Además, nos está permitiendo llevar el juego a cotas de calidad que antes no nos habíamos planteado. Por supuesto, estamos muy agradecidos a nuestros backers. Sin ellos no sé dónde estaríamos ahora (en algún tipo de infierno regido por cabras, probablemente).

Hablemos ya del propio A Rite from the Starts, una aventura point & click que nos pondrá en la piel de un niño perteneciente a la tribu de los Makoa. ¿Qué podemos esperar en líneas generales?

A Rite from the Stars es la historia de Kirm, un niño mudo que debe alcanza la madurez, convertirse en hombre. Eso es algo que nos ocurre a todos eventualmente, pero en su caso, será más complicado que a lo que estamos acostumbrados en las sociedades occidentales. Kirm deberá demostrar su valía en diversas pruebas y, además aprender a tomar sus propias decisiones, mientras se va empapando en la cultura de su tribu y en la realidad de su entorno. Aunque se trata de una aventura point & click, quisimos retorcer un poquito el género, por lo que eliminamos ciertos elementos que suelen estar muy asociados al mismo, como el inventario o los sistemas de diálogo en árbol. Por otra parte, quisimos incluir desafíos diferentes, por lo que el jugador se encontrará ciertos puzzless inesperados. Además, Dani (nuestro músico) ha creado una banda sonora de más de dos horas trabajando desde el primer día con nosotros.

En cuanto a mecánicas, destaca la mezcla de un estilo clásico con ciertos toques más actuales. A mí personalmente me ha generado cierta nostalgia ver los tráilers, ¿queríais engancharnos tocando la vena sensiblera a los ‘veteranos’?

Bueno, nosotros también somos veteranos. Si hacemos videojuegos es porque algunos nos tocaron el alma cuando éramos niños y nos encantaría revivir esa sensación en nuestros jugadores. De hecho, uno de nuestros tráilers se llama Nostalgia y representa exactamente eso. De hecho casi ni se ve el juego, es nuestro tráiler con actores de carne y hueso.

También decís que habrá tres caminos en esta aventura, tres sendas para recorrer de forma independiente y en cualquier orden, derivando en varios finales distintos. ¿Puedes darnos algún detalle más concreto al respecto?

Los caminos son Sabiduría, Valor y Espíritu. Representan las bases de la cultura Makoa y todos los Elegidos deben recorrerlos para ser reconocidos como tales en su tribu. Además, cada uno incluirá diferentes mecánicas y desafíos, para darle un carácter único a cada uno. Efectivamente, hemos querido romper la linealidad clásica de las aventuras gráficas permitiendo que cada jugador los complete en el orden que prefiera. Una vez completados, le espera un Rito Final que determinará su destino.

A nivel visual destaca por ser colorido y cálido. A mí quizás por el toque ‘tribal’ me recuerda a Crash Bandicoot, pero no me hagáis mucho caso. ¿De dónde sacasteis la inspiración?

Las culturas hawaianas y polinesias fueron nuestra inspiración inicial (de hecho Makoa significa intrépido en polinesio). Ésa fue la verdadera base, pero desde luego hubo videojuegos que nos inspiraron. El Crash Bandicoot no fue uno de ellos, pero estoy seguro de que tomaron referencias iniciales parecidas a las nuestras. Algunos de nuestros juegos de referencia visualmente hablando son la saga The Legend of Zelda, la saga Monkey Island y World of Warcraft.

Si tuvieras que diseccionarlo, ¿qué creéis que fue aquello que consiguió llamar en mayor medida la atención de los mecenas durante la campaña en Kickstarter? ¿Su jugabilidad? ¿Su historia? ¿El carisma de sus responsables?

Creo que fue un poco de todo. Apoyados sobre todo por el estilo visual y la música, que son dos aspectos que creo que otorgan una gran identidad al juego.

¿Cuándo y en qué plataformas lo veremos?

Tenemos prevista su salida para después del verano aproximadamente. En primer lugar saldrá de forma casi simultánea en Ouya, PC, Mac y Linux. Después prepararemos un port a Wii U. Quizás nos animemos a lanzarlo en otras plataformas, pero aún es demasiado pronto como para tomar ninguna decisión en firme.

Qué hay para después de A Rite from the Stars. Imaginamos que querréis seguir juntos como estudio para embarcaros en un nuevo proyecto. ¿Tenéis algo ya en mente?

Lo cierto es que queremos hacer más videojuegos, pero aún no tenemos ni la más remota idea de lo que puede llegar a ser nuestro próximo proyecto. Tenemos mil ideas, algunas completamente descabelladas, pero hay que sentarse y hablar. Pero eso será cuando finiquitemos A Rite from the Stars. Sí que es bastante unánime que queremos hacer algo diferente.

Volviendo a las tradiciones de esta sección, queremos pedirnos que nos recomendéis algún que otro juego o estudio independiente español que os llame la atención. Prometemos situarlo en nuestro radar.

Lo cierto es que hay muchos, pero ahora mismo os recomendaría Dead Synchronicity, que lleva dos meses en la calle y propone un tipo de aventura gráfica muy diferente a la nuestra, pero no por ello menos interesante.

Y ya para conocerte un poquito mejor, vamos a dejar caer un par de opciones y tú te quedas con la que más te guste argumentando la decisión:

16 o 32bits: ¿Si digo 24 puedo quedarme con los 8 y los 16?

E3 o IGF (Independent Games Festival): Lo cierto es que nos toca más de cerca el IGF, pero nos encanta ver los shows de Reggie Fils Aime.

Tim Schafer o Ron Gilbert: Tim Schafer ha sabido mantenerse mejor en el tiempo, creando esa maravilla que es Double Fine.

Sonic o el último machote hiperhormonado de Call of Duty: Sonic, sobre todo el de 16 bits

¿Un último mensaje a los lectores?

Mil gracias por otorgarnos una parte de su tiempo, es un bien preciado, por lo que esperamos haber despertado su curiosidad respecto a nuestro juego. Estamos abiertos a cualquier tipo de sugerencia. Podéis contactarnos por Twitter, Facebook o por mail. La Cabra acepta sacrificios, por cierto (estoy obligado a decirlo).

Ya es domingo, día que muchos dedican a estar con la familia, a salir al campo, a ver el fútbol o, por qué no, a viciarse un poco más a ese videojuego que le tiene enganchado desde hace no pocas semanas. Nosotros por nuestra parte intentamos hacer un poquito de todo eso, y además reservar un hueco muy especial a uno de los muchos estudios independientes que nutren la efervescente escena indie nacional, sin la cual sería muy difícil a día de hoy decir que en España existe una industria del videojuego asentada, seria y, sobre todo, con un futuro realmente prometedor.

Por esta sección han pasado nombres reconocidos tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Nombres como Deconstructeam, Fictiorama o A Crowd of Monsters, todos ellos estudios que han conseguido generar no pocas expectativas con cada uno de sus proyectos, y lo que es aún más difícil, han sabido cumplirlas en la gran mayoría de los casos. Siguiendo esta línea nos hemos puesto en contacto con otro de los grandes estudios indies nacionales, Beautifun Games, a quienes muchos conoceréis por ser los creadores del notable Nihilumbra, un original plataformas que ha sabido ganarse el cariño de los jugadores.

Habiendo dado ya el paso de ‘grupo de amigos que quieren hacer videojuegos’ a ‘empresa del sector del videojuego que ama los videojuegos’, ahora andan inmersos en el desarrollo a tiempo completo del prometedor Megamagic, un título peculiar donde los haya con el que esperan revolucionar el género de los RPG de acción apostando por un apartado artístico ochentero realmente llamativo.

¿Quieres saber más? Pues sigue leyendo, porque Julián Quijano, Director de comunicación y RRPP de Beautifun, nos ha ofrecido en primicia no pocos detalles sobre la evolución del estudio y del propio Megamagic.

Siempre empezamos preguntando por los inicios. Contadnos cómo comenzó la aventura de Beautifun Games y cómo ha ido evolucionando la cosa hasta ahora.

Como muchos saben, BeautiFun Games empezó como un proyecto entre compañeros de un máster. Un grupo de colegas con una misma pasión y una visión similar del sector y que, básicamente, tenían ganas de poner a prueba sus skills para convertir una idea en un proyecto real. El resultado fue Nihilumbra.

Pero mucho ha llovido desde entonces. Esa primera etapa fue esencial en determinar el ADN de BeautiFun; pero aunque la pasión es un ingrediente clave para la creación de un buen estudio, ¡no es suficiente! Desde entonces ha habido cambios de todo tipo que se podrían resumir en que la empresa ha pasado por un proceso de maduración y profesionalización. Ha habido bienvenidas y despedidas, la estructura ha cambiado radicalmente y se han ido formalizando unas estructuras y metodologías que van permitiendo, cada vez más, un desarrollo profesional y óptimo del trabajo.

¿En qué nos hemos mantenido fieles a la esencia? En la pasión y en la voluntad de hacer juegos que nos pirraría jugar si no fueran nuestros (¡bah! Nos pirra jugarlos aun siendo nuestros)

¿En qué hemos intentado cambiar? En esa maduración de “grupo de colegas con una pasión común” a “empresa del sector de los videojuegos que ama los juegos pero también entiende la profesionalidad que requieren”.

¿Cuántos sois y cómo os organizáis? Lo digo porque nos hemos topado con muchas ‘formas’ de estudio, desde aquellos en los que uno organiza todo hasta otros en los que las diferentes partes son completamente independientes y no hay un ‘jefe’ claro.

¡El número va cambiando constantemente! Rondamos casi las 10 personas. Te explico: somos cinco departamentos principales. Tenemos a cuatro personas en arte que se reparten distintos tipos de tareas; dos programadores conforman el departamento de programación; y después hay tres departamentos unipersonales que son game design, narrative design y comunicación+RRPP. El narrative designer es externo y cabe decir que nuestro game designer también hace las veces de producer, empleando metodologías ágiles (SCRUM) para gestionar el proyecto de manera óptima. Todo esto conformaría el equipo que actualmente trabaja en Megamagic. Obviamente también tenemos todo tipo de colaboradores externos también, gente llena de talento que acaba de redondear esa fórmula ganadora.

Tal y como habéis comentado en más de una ocasión, vosotros no queríais hacer juegos de Facebook ni juegos de móviles orientados a un ‘público casual’. ¿Por qué?

Bueno, tampoco es que los menospreciemos, ojo. Pero no es el tipo de juegos que nosotros jugaríamos, y la verdad es que hemos decidido tener como Norte en BeautiFun aquello que ya comentamos de hacer juegos que nos encantaría poder jugar. No tiene más. Metidas de pata y malas prácticas te las encuentras en el sector indie, el del triple a y el de los juegos casual. De la misma manera que te topas con absolutos genios en cualquiera de esos campos. Empresas que se han erigido sobre el concepto de juegos de FB como Social Point son absolutamente admirables. Respetamos esa dirección; pero no es la nuestra, definitivamente. ¿Por qué los de Eristoff no hacen batidos de chocolate? Quiero decir, de la misma manera que hay un abismo entre distintos tipos de bebidas, hay mil ramas distintas en el mundo de los videojuegos. Los juegos casual no son nuestro terreno. Ojo, nunca digas “de esta agua no beberé”. Que hoy te digo esto y lo mismo el día de mañana nos veis desarrollando un juego casual. O batidos de chocolate.

Pero sabiendo lo difícil que es empezar en este sector, ¿no os visteis tentados a desarrollar un videojuego para móviles por aquello de que, con pocos recursos, se les puede sacar una buena rentabilidad que os permita empezar a rodar?

Uhm; pero Nihilumbra es un juego para móviles que requirió pocos recursos y al que se le pudo sacar buena rentabilidad, y que nos permitió empezar a rodar. Así que la respuesta correcta sería… ¡sí! Y no creo que sea algo malo, ¿eh? Al revés, es algo muy inteligente para quien quiera lanzarse al sector: siempre empezad por un proyecto que requiera pocos recursos y que os permita empezar a rodar (lo de la plataforma ya es un tema muchísimo más subjetivo en el que no entraremos ahora).

Nihilumbra empezó en móviles porque era lo más accesible en la época, era algo que estaba a pocos clics de ti, y el proceso de validación y certificación era mucho más sencillos que, por ejemplo, picar a la puerta de consolas de sobremesa y conseguir un kit de desarrollo. Fue una plataforma que dio bastante libertad, y un buen lugar por donde empezar para la gente con pocos recursos. Cabe destacar, eso sí, que empezó en iOS, pero que se diseñó teniendo en mente un tipo de jugabilidad y control que fuera natural y fácilmente adaptable a otras plataformas. De ahí que haya salido ya en tantas (PC, PSVita, WiiU, Android, etc).

Desde el primer momento apostasteis muy fuerte por Nihilumbra, vuestro primer título, un plataformas con puzles fresco y entretenido. Habladnos de él para presentárselo a todos aquellos lectores que no lo conozcan.

Vamos a ver, Nihilumbra es un juego en el que una criatura llamada Born ha de escapar del Vacío, que avanza lentamente, devorando todo a su paso. Born tendrá que hacer frente a un entorno hostil y una voz en off nos recordará constantemente que “no pertenecemos a ese sitio”, que “no somos bienvenidos”. Esto es importante, porque la carga narrativa del juego tiene un peso importante. Se nos presenta una realidad desoladora, desesperanzadora. Ahí es donde se introduce un giro: poco a poco vamos adquiriendo colores que nos permiten alterar las físicas del mundo que nos rodea. Además de aportar el twist en jugabilidad (tendremos que aplicar estos colores inteligentemente para resolver todo tipo de puzles), la adquisición de colores hace no sólo que el juego avance, sino que también empieza a dejarnos ver ciertos atisbos de esperanza. No entraré en detalle para no destripar el juego a nadie; pero básicamente se trata de un juego que ha brillado no sólo por su jugabilidad, sino también porque plantea una serie de cuestiones al jugador con el fin de moverlo a reflexionar. Sí que te puedo decir, como director de comunicación, que es absolutamente grato recibir mails periódicamente de jugadores que nos agradecen infinitamente haber creado el juego y que nos cuentan cómo su manera de ver las cosas ha cambiado después de pasárselo. ¿Y no es ése el objetivo de cualquier producción textual? Aquello de incidir en la vida de los “lectores del texto” y hacer que se cuestionen aspectos de la vida y la realidad que les rodea. Que sea distinto el lector antes de la lectura que el lector después de la misma. Y, mira, parece que Nihilumbra ha conseguido esto en más de un caso.

El caso es que ahí está, disfrutable en múltiples plataformas como Vita, Android, PC… y desde hace bien poquito Wii U. ¿Aún le queda cuerda para rato? ¿Lo veremos en otras plataformas como PS4 y Xbox One? Y ya por aprovechar el teneros aquí, ¿hay secuela a la vista?

¡Siempre hay que sacar el máximo provecho de los activos que se tienen! Nihilumbra ha funcionado muy bien, así que no vemos razón para no extenderlo a lo largo de cuantas más plataformas mejor. Sí que es cierto que se ha hablado con según qué gente de la posibilidad de lanzarlo en nuevas plataformas. ¿Cuáles? ¡No hay que vender la piel del oso que no se ha cazado! Pero sí que es verdad que, por ahora, estamos en modo all in con Megamagic. Lo mismo respecto a la idea de una secuela: no es una idea del todo descabellada; pero ahora mismo no está sobre la mesa, porque tenemos toda la carne en el asador (y ese asador se llama Megamagic, insisto).

Podemos confirmar que Nihilumbra está funcionando lo suficientemente bien como para daros a conocer en todas partes y asentar unas bases sólidas para vosotros. ¿Esperabais tal éxito u os ha pillado un tanto por sorpresa?

La verdad es que jamás se esperó tal éxito. Piensa que, en sus orígenes, BeautiFun Games era eso, un grupo de amigos con muchas ganas de hacer juegos. No se trataba de cosechar un éxito más pequeño o más grande, sino de hacer un juego de principio a fin. Y eso está muy bien. Sí que es cierto que hay que buscar siempre una mirada empresarial (porque no es lo mismo hacer un videojuego que montar una empresa de vidoejuegos); pero de cara a un primer proyecto, el equipo, antes de hablar de volúmenes de éxito, ha de centrarse en validar su capacidad para desarrollar ni que sea un producto. BeautiFun consiguió eso, ¡y encima un gran éxito! Pero no, eso último no estaba en la “hoja de ruta” del proyecto. Pero mejor, ¿no? Las buenas noticias, si son inesperadas, resultan doblemente gratificantes (fórmula no contrastada).

De seguir creciendo, ¿valoraríais el ser comprados por una compañía extranjera? ¿Cómo podrían tentaros? ¿Y dónde estarían los límites en cuanto a vuestra libertad creativa?

La verdad es que no es algo que se haya ponderado. No es que sea algo malo, ojo. Este tipo de movimientos funcionan cada uno a su manera. ¿Qué querríamos? Que se respetase la visión de BeautiFun Games respecto a qué significa crear juegos con nuestro sello personal. Esto puede traducirse en veinte juegos muy distintos; pero se ha de respetar cierto ADN (el ya comentado antes). ¿Qué nos tentaría? Pues lo que realmente te puede aportar una empresa más grande: recursos de todo tipo para poder seguir haciendo lo que hacemos, pero a mucha mayor escala.

Sé que esto de “ser comprados” suele relacionarse con lecturas negativas. ¡Pero eso no son más que prejuicios internos del sector! Al final del día, si una empresa grandota quiere comprar a una pequeña puede ser perfectamente, a grandes rasgos, porque piensa que lo que la empresa pequeña hace mola mucho, y quiere ayudarla a que siga haciendo eso pero más y mejor (y, claro, quedarse con un trozo del pastel, que ha juzgado muy suculento).

Y hablando de las grandes compañías, ¿creéis que estas deberían prestar aún más atención a la efervescencia indie? ¿Qué les pediríais en dicho sentido?

Bueno, digo yo que tienen derecho a prestar cuanta atención prefieran. Tampoco es que las compañías grandes le deban nada a las compañías indie, ¿no? No hablaría en términos de deber. Si una compañía indie tiene algo grandioso entre manos, la gente se acabará enterando y las grandes compañías y los medios y todos querrán trabar amistad y formar alianzas. Mirad el caso de Shovel Knight. Los de Yacht Club Games no es que fuesen nadie conocido en el sector; pero se plantaron ahí con un producto de puta madre y las cosas sencillamente siguieron su curso. Y ahí los tienes ahora, pudiendo incluir a Kratos o a los Battletoads en algunas de sus versiones. Si haces un buen trabajo, la gente lo va a saber ver.

Por descontado, tenemos buenas vibras con las grandes compañías. Tenemos amigos que trabajan en algunas de ellas y nosotros jugamos tanto a títulos indie como triple a. Al final, todo se reduce a hacer y jugar buenos videojuegos.

Me da que nos empezamos a repetir, pero es una pregunta obligada: ¿cuál es vuestra opinión sobre el estado actual de la industria del videojuego en España? Qué cosas fallan estrepitosamente, qué cosas marchan bien y qué cosas se pueden mejorar.

Este es el clásico momento donde digo que la gente tiene prejuicios con los videojuegos y que nadie entiende el sector, ¿no? Nah, eso son llantos y quejas que no hacen falta. Seamos honestos: estamos viviendo una época dorada para el sector. Hay herramientas al alcance de todos, cada mes te enteras de nuevos proyectos indie, surgen proyectazos en Kickstarter con buenísima pinta que consiguen financiarse fácilmente, e incluso podría hablarse de una burbuja en términos de que los inversores están mirando mucho el sector de los videojuegos. Ostras, si es que ya existen en Barcelona incubadoras dedicadas exclusivamente a este sector (sí, hablo de GameBCN).

Vamos, que cuando se habla, por ejemplo, de que no tenemos visibilidad o no se toman en serio la industria es un poco hablar por hablar. ¿Hay problemas? Seguro; pero como en cualquier otra industria.

La industria está más bien en situación de burbuja: hay mil maneras de financiar proyectos y quizá el problema, aunque suene feo decirlo así, es que más entra al ruedo de la que debería. Quiero decir, que es tan fácil “proponer” un juego, que hay gente que se lanza a la piscina antes de haber tomado las suficientes clases de natación. Y si no, basta mirar todos esos proyectos financiados ya sea con crowdfunding o mediante financiación privada que jamás consiguen cumplir las metas que se habían propuesto. Vivimos en una época repleta de juegos y estudios emergentes. Esto puede ser un problema; porque la facilidad de recursos y medios puede llevar a la gente a un estado de confort; pero toda persona que se adentrase en el sector debería tener grabado en la mente que esto es un sector tan serio como cualquier otro. Si queremos que nos tomen en serio, debemos actuar en serio. Lo que decía antes: hay un abismo entre hacer un juego y montar una empresa de videojuegos. Cada equipo debería contar con al menos una persona que tenga visión empresarial, que tenga los pies en el suelo. Así el sector será tan serio como cualquier otro.

Tiempo de alabar a los colegas. Qué estudios nacionales creéis que están llevando un poquito más allá el nivel, siendo capaces de darnos muchas alegrías ahora y en un futuro próximo.

Pues ahora mismo hay cosillas interesantes cocinándose. Por descontado Rime tiene muy buena pinta, con ese rollito que te recuerda rápidamente a un ICO con toques de Zelda. ¡Y encima hay un ex-BeautiFun que recientemente se ha unido a sus filas! Así que queremos y confiamos en que será un muy buen juego.

Con su campaña en The CrowdAngel, la gente de A Crowd of Monsters ha demostrado que el sector de los videojuegos es un sector que puede ser tan respetado como cualquier otro. Completaron sus objetivos rápidamente, consiguiendo financiación de gente que supo confiar en un estudio de videojuegos como empresa en la que invertir.

Después no podemos olvidarnos de Deconstructeam, gente muy cercana a nosotros que siempre ha estado ahí cuando se les ha necesitado. Creadores de ese juegazo que ya brilla sólo con su título: “Gods will be watching”. Y también de Lince Works, con su Path of Shadows. Parece que están encauzando bien el proyecto, la verdad.

Y para cerrar: especial cariño a la gente de Asthree Works, que están trabajando en Paradise Lost. Han tenido algunos contratiempos recientemente; pero son gente estupenda que tiene entre manos un proyecto con una pinta alucinante. Son la viva imagen de todo lo bueno de lo indie: gente activa, humilde, trabajadora, comprometida, apasionada, y más. ¡A por todas, Asthree Works!

Hablemos de vuestro otro gran proyecto, Megamagic, el cual si no me equivoco comenzasteis a desarrollar de forma paralela a Nihilumbra. ¡Habladnos de él!

Ah, Megamagic, ¿qué decir del bueno de Megamagic? Megamagic es un proyecto enorme como la vida misma.

Como iréis viendo estos meses, se trata de un juego ambicioso y lleno de pequeñas y gratas complejidades. Mezcla sistemas de distintos géneros, volviéndose un auténtico experimento, un híbrido bastante interesante. A grandes rasgos tiene mucho de un action RPG, pero con un sistema de gestión de invocaciones que recuerda por momentos a un RTS. Además incluye mucho mazmorreo (cuando uso este término siempre me siento tentado de cambiarlo: “incluye mucho mamoneo”) y sistemas de misiones y puzles que intentan aprovechar al máximo las distintas mecánicas disponibles de magia e invocación.

Los pilares de Megamagic son:

Sabemos por vuestra participación en el documental ‘Detrás del juego’ que se trata de una apuesta realmente ambiciosa y arriesgada. Llegasteis a decir que “si Nihilumbra era kamikaze, Megamagic es suicida”. Estas palabras merecen cuanto menos una buena argumentación.si Nihilumbra era kamikaze, Megamagic es suicida

¡Claro! Piensa que Megamagic es un auténtico desafío. Antes no decía en vano que Megamagic es enorme como la vida misma: se trata de un juego bastante complejo, sobre todo a nivel de producción. Hablamos de un juego con mecánicas que requieren de un game design muy pulido y balanceado (por la gran cantidad de hechizos y monstruos que invocar), un montón de elementos que tienen que funcionar a las mil maravillas (Dios bendiga a nuestros programadores), y que ocurre en un mundo con una diversidad altísima de mapeados, personajes, criaturas y hechizos (nuestro equipo de arte está en proceso de ser oficialmente canonizado por el Vaticano).

Ahora encima imagina que Megamagic se planteó no con el equipo actual, sino con uno mucho más pequeño. Las cosas como son: era llanamente inviable. En esto no tememos ser transparentes: los hechos hablaron por sí solos y el proceso de desarrollo se volvió torpe y tortuoso. El resultado fueron esos míticos meses de silencio (y digo meses, pero hablo de más de un año) entre la primera vez que hablamos de Megamagic y estas fechas, en las que POR FIN podemos mostrar material bien hilado. El equipo no estaba preparado aún y los procesos no estaban bien estructurados. Ojo, no lo digo en tono de crítica: cada tropiezo de aquel entonces fue necesario para llegar al punto presente. Puedo decir sin miedo que el último año no ha sido tanto un año de desarrollo de Megamagic como un año de desarrollo de BeautiFun Games. No es ningún secreto que ha sido un año en el que algunas personas han marchado y otras han venido a unirse al equipo. Básicamente la empresa ha ido mutando hasta convertirse en aquello que Megamagic necesitaba ¡Pero no es malo! Au contraire: era algo necesario y es maravilloso que haya sido así. Hoy podemos decir orgullosos que tenemos un equipo mucho más estructurado y unas metodologías mucho más profesionales, frutos de horas de reuniones y trabajo duro. Y todo ello manteniendo siempre la esencia de BeautiFun Games: verdadera pasión por lo que hacemos.

Efectivamente Megamagic era suicida: mató BeautiFun tal y como era; pero le obligó a renacer, a evolucionar.

¿Ha cambiado mucho Megamagic desde sus comienzos? Habladnos de su evolución.

Sí y mucho. Veamos, el concepto primigenio es el mismo. Pero, bueno, hablamos de un videojuego, así que en esencia es lo de menos. Lo que importa, al final, es la ejecución y los pequeños detalles. En ese aspecto el juego ha cambiado enormemente y ya no se parece en nada a lo que fue en su concepción. Sí que se habló desde buen principio sobre conceptos básicos que se han mantenido. Pero no se trata tanto de si es un juego con hechizos e invocaciones. El entendido sabe que decidir simplemente eso no es lo que tiene verdadero mérito, ¡el mérito es diseñar, por poner un ejemplo, un sistema de controles que implemente ambas mecánicas de manera fluida (no es un ejemplo cualquiera, sino un verdadero gran monstruo al que nos hemos enfrentado largo y tendido)! Es en este tipo de aspectos en los que Megamagic sí que ha estado mutando bastante en los últimos meses, en busca de su forma definitiva (nótese mi esfuerzo desmedido por no hacer en este punto ninguna referencia a Freezer). Se decidieron unos pilares para el juego; pero a partir de ahí se ha iterado un montón. Controles, volumen total de personajes, giros de la trama, mapas enteros. Como bien te decía, la primera etapa de Megamagic fue una de caminar entre brumas. El mayor cambio que ha sufrido Megamagic es imperceptible a ojos ajenos a BeautiFun Games: el mayor cambio es que por fin tenemos una dirección marcada y que por fin estamos yendo en esa dirección, ya sin vacilar (aquí nos tienes que imaginar como un grupo de héroes de fantasía, caminando con decisión y compromiso hacia el final boss).

¿Qué os llevó a apostar por su llamativa estética ochentera? Hay que decir que su estilo en plan ‘dibujos animados’ y su música a base de sintetizadores es la caña…

Bueno, básicamente es una estética que mola. Y mezclaba dos enfoques que nos interesaban mucho. Por un lado es una estética que nos gusta y que nos permitía trabajar en una dirección que nos era gratificante (aquello de hacer un juego que nos molaría jugar); pero, a su vez, es una estética que gusta en general, lo que nos daba cierta seguridad respecto a estar trabajando en algo que podía encontrar fácilmente un público. Vamos, nuestros cálculos no andaban errados: basta ver cómo van apareciendo juegos, películas y series que hacen constante homenaje a esta estética. El referente más reciente que nos encanta es obviamente Kung Fury, película financiada mediante Kickstarter y cuya BSO viene de la mano de Mitch Murder, absoluto genio que también ha preparado un buen ramillete de melodías brutales para Megamagic.

En definitiva: porque mola y porque nos mola.

A nivel puramente jugable, ¿qué es lo que hace verdaderamente especial a Megamagic? ¿Qué es lo que lo diferencia de cualquier otro juego?

Lo genial de Megamagic es su coherencia en el sentido de ser un producto pensado para responder a ese claim de “Unleash your inner kid”. En un principio uno podría pensar que la frase hace referencia a la estética ochentera del juego, a cómo intentamos llevar al jugador de viaje a los referentes de su infancia. Esto es parcialmente cierto; pero también defendemos la afirmación a través de la jugabilidad. Antes de ponernos con ello, quiero lanzaros una última reflexión: Megamagic incluye acción, magia, robots, monstruos, zombies y mucho más. Se persigue una especie de apología al exceso: mezclar TODO AQUELLO QUE MOLA. Como esos dibujos animados ochenteros. Thundercats, por ejemplo, tenía aspectos de fantasía, máquinas tecnológicas, extrañas referencias egipcias y acción a mansalva. Si alguien hubiese preguntado “¿qué coherencia hay ahí?” la respuesta hubiese sido “¿Qué coherencia tiene que haber? La única coherencia necesaria es que todo eso son cosas que molan mucho”. Abrazamos esa filosofía en Megamagic, porque es uno de los aspectos más esenciales de las ficciones en que nos basamos.

En términos de jugabilidad, básicamente mezclamos un sistema de hechizos e invocaciones que ofrecen al jugador un amplio abanico de posibilidades. Todo tipo de magia y criaturas, ¡hasta donde llegue la imaginación! Ya vais viendo la conexión, ¿eh? Además, una de las cosas interesantes de Megamagic es que uno puede invocar prácticamente cualquier monstruo con el que se encuentra. Si lo ves, lo puedes invocar. Esto responde al concepto unleash your inner kid. Cuando jugábamos a un juego de chavales, era frustrante encontrarte con aspectos del juego que estaban diseñados y modelados pero que no podías controlar. Un caso clásico se daba en los juegos de lucha, donde siempre había un final boss que, por alguna inexplicable razón, no podía controlarse jamás, a pesar de que técnicamente esto fuese posible. El resultado: todos buscando cheats para poder usar estos personajes (pensad en la Master Hand o en Giga Bowser, en Super Smash Bros Melee). O pensad en PKMN, ¡el juego te obligaba a elegir entre los 3 starters y o te pillabas un cable link y estafabas a dos colegas para que te diesen a Bulbasaur y Charmander (sí, yo Squirtle a muerte, siempre), o te tenías que aguantar! Y ahí te quedabas tú, enfadado viendo como tener los 3 starters era un privilegio reservado a Ash Ketchum. ¡Contra ese tipo de restricciones luchamos en Megamagic! Si hemos diseñado un monstruo, te vamos a permitir controlarlo. Se repite esta celebración del exceso tan ochentera, pero esta vez en términos de jugabilidad.

Música, gráficos y hasta jugabilidad, todo ruge bien fuerte: UNLEASH YOUR INNER KID!

A ver si soltáis prenda. Qué nos podéis decir en cuanto a su fecha de lanzamiento, plataformas de destino, etcétera.

Megamagic está inicialmente planteado para PC (vamos, a través de Steam). Pero, claro, no nos cerramos a nada. Primero queremos cerrar el proyecto en esta primera plataforma y, a partir de ahí, en función a los resultados y el impacto, investigaremos maneras de escalar el proyecto.

Sobre fechas, ¡es un poco más complicado! Si todo va según lo planificado, debería poder ver la luz del sol durante la primera mitad de 2016. Aunque los vaivenes recientes nos han hecho plantearnos opciones alternativas para testear la aceptación del juego y buscar vías de financiación adicionales (*cof* *cof* *Kickstarter* *cof*). Esto nos permitiría saber sobre la marcha si vale la pena desarrollar material adicional, además de permitirnos los medios para ello.

¿Y después de Megamagic? ¿Qué ronda por la cabeza colectiva de Beautifun Games?

¡Unas merecidas vacaciones! No, no, la verdad es que el equipo tiene en mente ahora mismo darlo todo por acabar Megamagic y convertirlo en un juegazo. ¿Líneas de futuro? Ojalá que encontremos una buena aceptación por parte del público para así no pensar tanto en un título nuevo como en métodos para seguir expandiendo Megamagic. Hemos creado un universo muy grande y nos encantaría poder revisitarlo más veces, ofreciendo al jugador nuevas experiencias que le permitan ir conociendo más y más el mundo de Megamagic.

Y ya más adelante, respecto a un tercer título, ¡aún es muy pronto para hablar!

Ya para que los lectores os conozcan un poquito mejor, vamos a dejar caer un par de opciones y vosotros os quedáis con la que más os guste argumentando vuestra decisión brevemente:

Plataformas o shooters: roguelikes y pelea (muy a título personal)

Atari 2600 o Playstation 4: PC a muerte. Y si nos ponemos nostálgicos, casi que antes nos quedamos con Megadrive, ¿no?

Limbo o Braid: Nuclear Throne. Aunque en la oficina están que no paran con el Evolve. Yo si instalo eso en mi ordenador, lo mismo explota.

Markus Persson o Bobby Kotick: los dos tienen su encanto; pero no disparo en esa dirección. Me quedaba antes con, no sé, Sasha Grey. Pero va, si tenemos que decantarnos por uno de estos dos, nos vamos con Markus Persson, que el tipo ha tenido un ojo tremendo y ha montado un imperio de la nada (recomendación personal: a partir de ahora preguntar “Markus Persson, Sasha Grey o Bobby Kotick”)

Por último, os pedimos que dejéis un mensaje a los lectores:

Queridos lectores, si queréis triunfar en la vida, compradnos Megamagic, va. O mejor aún, consultad nuestra dirección y enviadnos un cheque por valor de diez mil euros. Había un sabio oriental que solía decir magnánimamente: “la paz del alma se reserva para aquellos que envían diez mil euros a BeautiFun Games”. ¿No os suena? Sí, aquel que era muy oriental y muy sabio y muy poco inventado.

¡Ánimos y éxitos!