Es su primera serie, pero Berto Romero ya ha conseguido algo único: hacer una radiografía social con la que muchos pueden sentirse identificados. Es decir, el terremoto emocional, logístico y existencial que supone la llegada del primer hijo, un hecho que también es un paso hacia la madurez para quien de repente pasa de ser “el hijo de” a “el padre de”.

Todo esto contado con mucho humor, del políticamente correcto y sobre todo del incorrecto, y con algunos pequeños y no tan pequeños dramas de la vida misma. Así es Mira lo que has hecho (disponible al completo en Movistar+), una serie que Berto Romero ha escrito junto a Enric Pardo y Rafel Barceló, y en la que juega a interpretarse a sí mismo… o no.

Las situaciones por las que pasa el personaje al que interpreta Eva Ugarte son muy parecidas a las que vivió y las que sigue viviendo el propio Berto en la crianza de sus tres hijos (reales). No obstante, el creador ha querido distanciarse de su propia autobiografía: toma prestadas situaciones que podrían ser replicas de momentos de su propia vida, pero también parecidas a las que se enfrentan otros muchos padres con sus primeros hijos.

Ahondando en ella, descubrimos que la serie esconde mucho más de lo que podría esconderse en su premisa. Mira lo que has hecho se parece más a una comedia romántica con bebé a bordo. La historia de una pareja joven, más cerca de los 30 que de los 40, que se enfrenta a un choque emocional que pondrá sus vidas patas arriba y en el que tendrán que forman equipo si quieren sobrevivir.

La naturalidad e imprescindible conexión con el espectador son dos requisitos fundamentales exigidos a comedias de este tipo para generar lo que, en definitiva, es la clave de su humor: empatía. Mira lo que has hecho tiene a su favor la química de Berto Romero y Eva Ugarte como pareja.

La actriz es una de las grandes revelaciones de la serie, ya que logra desenvolverse de forma creíble en situaciones plagadas de humor incorrecto con las que es fácilmente indentificarse, ya sea por haberlas vivido, visto, o provocado.

Los seriéfilos más ansiosos también tendrán como reto particular intentar dosificar los seis capítulos de su primera temporada, misión casi imposible para unos espectadores que probablemente acaben sufriendo síndrome de abstinencia. Este solo puede ser paliado de una manera: revisionando cada minuto de humor.

Más que nunca, el consumidor de series puede elegir cómo, cuándo y dónde quiere ver sus favoritas o aventurarse a descubrir la nueva imprescindible. Hay algunas que piden degustarse poco a poco, y otras que ponen realmente difícil no acabárselas en dos tardes o menos, y resignarse después al síndrome de abstinencia.

De esto saben bastante los seguidores de Mozart in the jungle, que vuelve desde este sábado a Movistar+ con su nueva temporada (la cuarta) al completo.

Mozart in the jungle cumple al pie de la letra dos requisitos para ser carne de maratón: es muy entretenida y sus temporadas están compuestas por 10 de capítulos que no llegan a la media hora de duración.

Creada por Roman Coppola, Jason Schwartzman y Paul Weitz, la adaptación hace tiempo que dejó atrás el libro Mozart in the Jungle: Sex, Drugs and Classical Music, en el que el oboísta Blair Tindall contaba su experiencia en la Orquesta Filamórnica de Nueva York.

Ahora, la serie abraza el género de la comedia romántica a través de dos de sus protagonistas: Rodrigo (Gael Garcia Bernal), un conductor llamado a revolucionar la anquilosada institución musical neoyorquina, y Hayley (Lola Kirke), una oboísta con mucho talento que ha descubierto nuevas metas desde el comienzo de la serie.

Ellos se han convertido en el centro de la historia, pero Mozart in the jungle es tan disfrutable precisamente por la cantidad de tramas que suceden alrededor. Desde los viajes que emprende la orquesta, las excentricidades de cada uno de sus miembros, la exploración de los inesperados caminos que toma a veces la inspiración artística, hasta cómo conseguir que perdure o cómo pueden seguir interesando la música clásica y las grandes orquestas en esta época, cuya supervivencia depende muchas veces de métodos que nada tienen que ver con el amor por la misma y el arte.

En la cuarta temporada, vuelve a emerger la que en realidad es la verdadera protagonista de la historia. Hayley se enfrentó en la primera al reto de demostrar su talento con el oboe y conseguir hacerse un hueco en una orquesta casi dividida en castas, mientras que en la cuarta abraza por fin, sin complejos, su objetivo de convertirse en la directora.

Rodrigo seguirá jugando a ser el personaje irritante/adorable de la serie estrenando su nueva faceta sentimental. Lo que no sabemos es cómo lo manejará su ego.

En esta cuarta temporada, Mozart in the jungle se ha demorado dos meses en su regreso y dejó a sus seguidores sin un atracón navideño, pero a cambio será el alivio cómico de un mes dominado por los estrenos de dramas. Qué aproveche el maratón.

Cuando Portlandia (Movistar+) ponga punto y final a su octava temporada, nadie se preguntará si ha tenido una buena conclusión ni si ha estado o no a la altura. La serie de Fred Armisen y Carrie Brownstein- él alumno aventajado de Saturday Night Live, ella artista multidisciplinar- no exige a sus seguidores que vean todos y cada uno de sus capítulos para evitar enredarse con la trama.

El único requisito es dejarse imbuir por el espíritu noventero de Portlandia y reírse de algunas de las obsesiones de la sociedad actual a través de su colección de sketches. Ocho años dan para mucho, pero Portlandia da que pensar y se deja disfrutar en pequeñas dosis. Como esta colección de mejores momentos

Battestar Galactica. Es quizás unos de los sketches más célebres, y probablemente muchos lo conozcan aunque nunca hayan visto ni un solo minuto de la serie. Battlestar Galactica, serie de culto y manual de cómo se tiene que hacer un remake, es adictiva y aquí está la prueba

Este momento tuvo una segunda parte, cuando los dos adictos a la serie de Ronald D. Moore se empeñaban en tener más capítulos para poder maratonear

Spoiler.Spoiler De la dulce y adictiva sensación de no poder abandonar una serie pasamos a otro campo algo más complicado. Concretamente, a lo difícil que puede llegar a ser mantener una conversación cuando el resto no han visto el mismo numero de capítulos.

Is it local? El postureo en Portland(ia) es un estilo de vida, y el protagonista es el pollo que se disponen a comer la pareja protagonista. Empiezan preguntándose su procedencia y terminan cuestionando su vida hasta llegar al plato.

Catnap. CatnapPortlandia está emparentada con Saturday Night Live en estilo y por vía directa por Fred Armisten, integrante del veterano programa de la NBC durante varias temporadas. En una escena compuesta por un trío de rock, con gato incluido, y una seguidora muy intensa, se une otra de las grandes cómicas que ha salido de Saturday Night Live en los últimos años: Kristen Wiig.

Dream of the 90s.Dream of the 90s Portland, la ciudad donde el espíritu de los años 90 sigue vivo, literalmente. La serie de Fred Armisen y Carrie Brownstein dispara contra todo aquello que en Twitter podría ser etiquetado como #ProblemasDelPrimerMundo. También contra lo definido como cool, que tras pasar por el filtro de esta ciudad de la costa oeste ya no lo parece tanto.

The artisanal knott store.The artisanal knott store Uno de los puntos fuertes de la serie es su galería de cameos o estrellas invitadas (ver también el apartado de bola extra). En este, Jeff Goldblum mantiene la compostura en una de las mejores microhistorias del microuniverso hispteriano de Portlandia. Y, por supuesto, mucho mejor en versión original.

Put a bird on it. NPut a bird on ito podría faltar este gag, sobre todo en una lista de motivos para darle una oportunidad a la serie de Fred Armisen y Carrie Brownstein . En Portlandia saben cómo llevar una tendencia hasta sus últimas consecuencias.

Did you read it? Portlandia parece atrapada en su burbuja noventera hasta en esto. Por ello, decide que es mejor cambiar el agobio lector por la presión de estar al día con las series

Bola extra: Mejores cameosEddie Vedder

Eddie VedderPortlandia no ahorra en referencias a la rivalidad entre Portland y Seattle, la cuna del grunge. De todos los cameos musicales con los que ha contado la serie, es casi obligatorio elegir el protagonizado por el líder de Pearl Jam y un polémico tatuaje.

Kyle MacLachlan como Alcalde de Portlandia

Antes de la vuelta de David Lynch para al segundo advenimiento de Twin Peaks, y antes de muchos seriéfilos volvieran a tenerlo en el radar gracias The Good Wife, Kyle MacLachlan se convirtió en invitado recurrente de Portlandia dando vida a su inclasificable alcalde

Este apartado tiene lo que se podría llamar un cameo dentro del cameo, porque el exalcalde (real) de Portland interpreta al asistente del alcalde de Portlandia.

Jimmy McGovern se ha ganado su prestigio sin dar concesiones. No se las da al espectador que se adentra en sus dramas, ni a los personajes que los protagonizan. Las suyas son historias de personas anónimas y de temas sociales que escriben titulares en prensa pero a los que pocas veces se les pone el rostro de quien los sufre.

Sus series se han ganado la garantía de, por lo menos, merecerse un hueco dentro la saturada agenda seriéfila.

Broken, disponible al completo en Movistar+, estuvo en muchas listas de lo mejor de la ficción británica de 2017 y guarda grandes paralelismos con Accused, la serie que puso a Jimmy McGovern en el radar de muchos espectadores. Todo se enmarca en los paisajes y barrios del norte de Inglaterra, lugar donde florecen dramas sociales y personales perfectamente orquestados para que Sean Bean reluzca en pantalla.

En Accused era un anónimo profesor que llevaba una doble vida: respetado y querido por su alumnado por el día, pero sin poder mostrar su verdadero yo hasta que se transformaba en Tracey, una mujer solitaria en busca del amor. El proceso judicial que afrontaba su personaje estaba marcado por el estilo de Jimmy McGovern, encargado de mostrar a los espectadores todo el camino de aceptación y comprensión que había por recorrer.

En Broken, Sean Bean se aleja de nuevo de sus papeles más rudos y macarras para dar vida al padre Kerrigan. La historia vuelve a estar situada en una zona deprimida del norte del Reino Unido, y su personaje se erige como un pilar de la comunidad que sirve de apoyo para unos vecinos azotados tanto por la crisis económica como por varios dramas personales. 

La estructura narrativa de Accused se basaba en un caso/historia por capítulo, en Broken Kerrigan actúa de nexo entre tres historias: una madre separada y entregada con muchas dificultades para sacar a delante a sus hijos, una ludópata que afronta las consecuencias de haber robado en su escuela, un policía castigado por actuar en  conciencia…

Dejando la religión en un muy segundo plano, Broken también recoge el propio drama del padre Kerrigan. Un hombre atormentado por una complicada historia personal que también busca un consuelo ayudando a sus feligreses.  

Como no podía ser de otra manera, Broken es un drama sin secesiones. En algunas de las historias se acerca al cine de Ken Loach y la historia del policía casi podría formar parte de Line of Duty… pero aunque duela, trata una realidad que no merece ser olvidada.  

En ocasiones, solo es necesario el título para hacerse una idea del contenido que define al continente. Es el caso de Herrens veje (Los caminos del Señor), llamada en inglés Ride upon the Storm (Cabalgando sobre la tormenta) y en España Algo en que creer  (Movistar+), que podría resumir perfectamente el profundo drama al que se enfrentan los protagonistas de la nueva serie ideada por Adam Price, creador de la imprescindible Borgen.

La historia cuenta la vida de Johannes, un pastor protestante de personalidad explosiva y con una crisis de fe que comprueba cómo su familia empieza a resquebrajarse. Los problemas acechan por todos los frentes: su mujer Elisabeth se replantea su vida tras dejar pasar por alto demasiadas cosas, su hijo mayor Christian es víctima del menosprecio de su padre, o el hijo pequeño, August, que siente el peso de ser el favorito y tener que demostrar que es merecedor de ello.

Mientras su familia se desmorona, Johannes tiene enfrentarse a su propia carga. El personaje es cabeza de una familia de clérigos que ha estado 250 años ocupando altos cargos en la Iglesia Nacional Danesa, cuya máxima ambición es convertirse en obispo de Copenhague. Cuando pierde la elección frente a una mujer más joven y más progresista, cae en varias crisis: de confianza,  familiar y, sobre todo, de fe. Con esta última tendrá que lidiar mientras sigue intentando que sus fieles no abandonen la Iglesia.

En Borgen, Adam Price trazó un retrato de Dinamarca a través de la política, su relación con los medios de comunicación y de cómo se veía afectada la vida privada de sus propios protagonistas. Con un tono mucho más intimista y sobrio, Algo en que creer vuelve a ser una radiografía de la sociedad danesa pero, sobre todo, es una exploración del alma de sus personajes a través de la fe religiosa, ya sea la ausencia o la pérdida de ella.

Lo que hace la serie, en definitiva, es reflejar la crisis como tema central. La personal de cada uno de los protagonistas y la familiar, que se desata cuando aflora la de cada uno de sus miembros. Pero también la de un país como Dinamarca y de sus instituciones tradicionales.

A la deriva personal de Johannes también contribuye la crisis de la propia Iglesia Nacional Danesa, lejos del aspecto espiritual y más cerca de la logística del día a día, que afronta las consecuencias económicas de ver cómo muchas iglesias se quedan vacías en los servicios religiosos.

Algo en que creer vuelve a situar a Dinamarca como una de las potencias seriéfilas europeas que nunca hay que perder de vista. Y no solo eso, también vuelve a demostrar que más allá de la etiqueta nordic noir, hay más variedad de géneros.  Adam Price situó a Borgen como una de las series políticas de referencia y el modelo de Gobierno de su protagonista ha estado presente incluso en debates políticos españoles. Algo en que creer, no saltará a las tribunas del Congreso, pero no deja de ser un análisis de la actualidad desde otro punto de vista.

Alberto Rodríguez y Rafael Cobos han contado que el origen de La Peste está en su deseo de poder hacer un viaje en el tiempo y pasearse por las calles de la Sevilla del siglo XVI, cuando la ciudad andaluza era una de las urbes más poderosas del mundo.

Para este viaje imaginario, los dos creadores y su equipo hicieron un minucioso trabajo de documentación con el que poder conocer más de cerca aquella ciudad tan contradictoria: rebosante de riquezas por ser la puerta de entrada de las mercancías que llegaban de América, pero en la que la mayoría de su población vivía en condiciones miserables. Todo ello con el sueño político de convertirse en la capital del Imperio español que estaba a punto de venirse abajo por un inminente brote de peste.

Pero el viaje real que iban a emprender en el rodaje de las serie iba a complicarse un poco más porque, ¿cómo se podía recrear, casi resucitar, una ciudad de la que apenas quedan vestigios en la Sevilla actual?

Algunos lugares todavía existen la ciudad andaluza, algunos de sus barrios nacieron en la época en la que está ambientada la serie pero los cambios de usos, costumbres y fisionomía de la ciudad es la mejor muestra de los más de cinco siglos que separan la investigación que emprende Mateo por la Sevilla a pie de calle que muestra La Peste de la Sevilla actual, un destino atractivo para miles de viajeros que poco tienen que ver con los que llegaban por oleadas en el siglo XVI.

Aquí es donde el equipo de la serie se enfrentaba a uno de sus grandes retos. La producción, ya estrenada al completo en Movistar+, lo ha logrado y lo ha transformado en una de sus señas de identidad. Todo ello gracias el trabajo de los departamentos de arte, vestuario, maquillaje, efectos especiales… tan importante y minucioso detrás de las cámaras para que el espectador consiga hacer ese viaje en el tiempo que comenzaron a imaginar  Alberto Rodríguez y Rafael Cobos.

En la web oficial de la serie es posible conocer un poco más del proceso de producción de La Peste. No es imprescindible haberse visto los seis capítulos, pero hace mucho más interesante todos los secretos del rodaje que se cuentan en ellos.

El resto de vídeos se pueden ver aquí.

Universo transmedia

Como en La Zona, La Peste viene acompañada de un extenso universo transmedia que añade contenidos extras a la historia de la serie, que suman 350 minutos y se reparten en 8 formatos diferentes.

La Wikipeste: Reúne artículos  e imágenes que amplían los datos e información tanto de la ficción de La Peste como del contexto histórico real de la serie.

La Mancebía: Cecilia Gómez, Eugenia en La Peste, se convierte en una  youtuber del Siglo de Oro en una  web serie de 6 episodios sobre los usos y costumbres de la época.

CGI Sevilla: Dos apasionados de los efectos especiales y de las series policiales visitan a los responsables de los VFX de La Peste para ir conociendo como se llevaron a cabo todos los efectos especiales que ayudaron a recrear la Sevilla del siglo XVI.

El Yantar: El chef Daniel del Toro cocina con los actores Paco León, Manuel Solo, Patricia López, Sergio Castellanos , Lupe del Junco, Pablo Molinero y Cecilia Gómez , recetas del siglo XVI adaptadas al siglo XXI.

El Confesor: Rafael Cobos, cocreador de la serie, escucha la confesión de los protagonistas de La Peste lo que permite conocer algunos detalles de su pasado que no aparecen en la historia principal.

Los Inquisidores: Podcast en el que los responsables de la serie comentan cada uno de los capítulos de la ficción y  revelan las claves y retos de rodaje de las escenas más significativas

La Sevilla de La Peste: Los vecinos de la Sevilla actual y quienes la visiten estos días tienen la oportunidad de hacer una ruta por los lugares más emblemáticos de la serie y seguir las pistas de la investigación de Mateo.  Los que estén lejos de Sevilla también pueden hacerla aquí.

La premisa argumental La Zona nos lleva directamente a un territorio de exclusión en el norte de España, justo tras el accidente nuclear de la central Nogales. Concretamente, tres años después. Las consecuencias se hacen notar en el entorno, donde una vasta área fue desalojada, miles de familias fueron evacuadas, muchas preguntas se quedaron sin respuestas y el tiempo se congeló en las calles y viviendas quedaron contaminadas.

Este el contexto que dibuja el prólogo que antecede al arranque de la serie La Zona, cuya primera temporada está disponible al completo en Movistar+. La presencia del desastre, a veces en forma de elipsis, otras en el drama que se dibuja en el rostro de los personajes, se siente en el ambiente enrarecido, la atmósfera contaminada,  las vidas que quedaron en suspenso y todos los condicionantes que complican la investigación que emprende el inspector Héctor Uría (Eduard Fernández) tras la aparición de un cadáver mutilado en las cercanías de la central.

A través de su investigación los espectadores acceden a esas calles desiertas, a esas viviendas abandonadas a toda prisa y se asoman vidas marcadas por la tragedia. Algunos de esos personajes los vamos conociendo directamente a lo largo de los seis capítulos de la primera temporada, pero no de todos. De otros solo conocemos sus testimonios de pasada.

Aquel extenso universo de personajes era imposible de abordar en profundidad en la trama principal, pero sí a través del universo transmedia de La Zona. Uno de sus formatos está dedicado precisamente a ellos, a estas víctimas casi anónimas.

Cicatrices  es un relato de metaficción, que por momentos recuerda a Voces de Chernóbil, el libro de la premio Nobel rusa Svetlana Aleksiévich que tuvieron muy presentes Jorge y Alberto Sánchez Cabezudo en la gestión de La Zona, y que en Cicatrices se traslada al norte de España, al espacio imaginario donde tuvo lugar el accidente de Nogales.

Cicatrices, concebido como un documental, se sitúa antes del crimen que marca el inicio de la serie de Movistar+ y permite profundizar en la vida de personajes de la serie como Luisa (Maite Brik), el inicio de las investigaciones de Fabiana (Inma Cuevas) o de otras personas todavía más anónimas (en la serie) que vieron como el accidente nuclear los expulsó de la vida y los lugares que habían conocido hasta entonces.

Cicatrices (una producción de Movistar+ en colaboración con El Cañonazo) y los demás contenidos transmedia de La Zona se pueden ver en la web oficial de la serie y en su extensión transmedia La Otra Zona. Más que nunca, el relato serial desborda los límites de la pequeña pantalla.

En SMILF no es difícil confundir a Bridgette y a Frankie Shaw. La primera es la protagonista de una de las series que aspira a colgarse el cartel de revelación y la segunda es su creadora, que se inspiró en su propia vida para alumbrar hace dos años un corto del mismo título que gustó en el Festival de Sundance y se convirtió en la serie que ahora puede verse en España, en Movistar+.

Como su alter ego, Frankie Shaw empezaba a encadenar trabajos como actriz en televisión y buscaba tomar las riendas de su carrera. Sin limitaciones pero eso sí, tachando en el calendario cada fin de mes más al que había conseguido sobrevivir.

Trasladado a la pantalla de televisión, el resultado es SMILF, prima hermana de Shameless en su mezcla de humor incorrecto y drama cotidiano. La serie cuenta con una protagonista, Bridgette, que seguramente no es ejemplo de nada para nadie pero que triunfa al saber ganarse la empatía del espectador casi de forma inmediata.

SMILF es un retrato de la maternidad sin idealismo y sin ahorrar en detalles que no siempre están bien vistos que se digan en voz alta. Residente en un barrio de clase baja de Boston, expromesa del baloncesto femenino, exmilitar y víctima de abusos en su niñez, Bridgette es también madre de un bebé que no llega a un año. Mantiene una buena relación con el dispuesto pero inmaduro padre de la criatura, da clases particulares a los hijos de una familia acomodada, está a la caza del siguiente trabajo precario que la ayude a soñar con llegar a fin de mes y de paso se resiste a abandonar sus dos grandes sueños: jugar al baloncesto como profesional y retomar su carrera como actriz.

A todo esto hay que sumar la complicada relación que mantiene con su madre, interpretada por una gran y casi irreconocible Rose O'Donnell, y un trastorno alimentario. ¿Demasiado drama? Puede ser que sí, pero es lo que hace más efectivas y menos esperadas las bofetadas que da al espectador la historia de SMILF, que cuenta con esos momentos más escorados hacia el humor (el que antecede al desastre) que hacia la tragedia.

Sin pretender ser ejemplo de nada, lo mejor que tiene Bridgette es un optimismo innato del que ni siquiera es consciente, el amor por su hijo, que tampoco hace que sea una mejor madre, y la conexión que consigue con el espectador. De momento, a SMILF lo único que no le hace justicia es el título.

Jesús y Nuria son una pareja normal, o eso creían. Más bien, es lo que él cree y lo que empieza a dudar ella. La razón de todo lío es el desconcierto, incluso el pavor que son capaces de provocar entre sus conocidos sin ni siquiera ser conscientes del todo. Y es que ambos, sobre todo él, son especialistas en meter la pata y resultar lo más inoportuno posible en cualquier tipo situación.

Así es, a grandes rasgos, el retrato de los protagonistas de Vergüenza, la nueva comedia de Movistar+ que desde el 24 de noviembre estará disponible al completo en la plataforma. Sus creadores son Álvaro Fernández-Armero y Juan Cavestany, quienes también han trabajado a cuatro manos en el guion y dirección de todos los capítulos. Para ellos, el estreno de la serie es la culminación de un proyecto que ha tardado más de una década en materializarse por ser tan reconocible pero, al mismo tiempo, tan inclasificable.

Y es que Vergüenza no es una comedia al uso y a veces ni siquiera entra dentro de las costuras del género, porque con las cosas que le pasan a Jesús y Nuria y con las situaciones que provocan, el espectador lo va a pasar mal. No por ellos, sino porque va a ser inevitable que se sienta identificado por haberlas vivido en primera persona o por conocer a alguien que le recuerde a los protagonistas de la comedia de Movistar+.

El humor de Vergüenza es incorrecto y las risas que provoca, incómodas. Javier Gutiérrez es Jesús, un fotógrafo BBC (bodas, bautizos y comuniones) con ínfulas de fotógrafo artístico y una increíble incapacidad para callarse y alargar situaciones que cada vez se vuelven más insoportables. Nuria, que acaba de quedarse en el paro, se queda sola ante propios y extraños en la defensa de Jesús pero empieza a sospechar que la tirria social que provoca empieza a ser contagiosa. Esta dinámica de ambos es lo que hace que los propios creadores de la serie califiquen a Vergüenza como una “comedia romántica medio distorsionada”.

A su alrededor, sufriéndoles y en algún caso intentando disculparlos están los padres de ella (Miguel Rellán y Lola Casamayor), que no entienden qué hace su hija con semejante impresentable; el mejor amigo de Jesús (Vito Sanz), que también tiene lo suyo; o los cariacontecidos vecinos que viven enfrente de la pareja (Francisco Reyes y Estrella Olariaga).

Definiciones autoimpuestas al género y etiquetas aparte, Vergüenza se alimenta del concepto de vergüenza ajena, que a veces es difícil de explicar pero que todos hemos sufrido alguna o muchas veces. Esa que hace que no puedas evitar reírte, aunque sepas que no deberías. Por si acaso.

Las series de no ficción también está viviendo un momento dulce en televisión. En un panorama donde las ideas originales cotizan al alza, los casos reales siguen demostrando que no solo las fábulas son capaces de mostrar historias increíbles para mantener enganchados a los espectadores.

Algunas de estos relatos diluyen la fina frontera entre realidad y ficción, convirtiéndose en series documentales como Making a Murderer, O.J: Made in America o, en España, Muerte en León y Lo que la verdad esconde: Caso Asunta.

Se tratan de relatos seriados, que reconstruyen casos reales y no necesitan inventar nada, o casi nada, para competir en igualdad de condiciones con grandes dramas alejados de la verosimilitud. No obstante, algunas de estas historias también pasan al terreno de la ficción, aunque conservado su inspiración en hechos que realmente ocurrieron.

El año pasado, Ryan Murphy utilizó el caso del actor O. J. Simpson, que fue acusado del asesinato a su exmujer, para poner en marcha la serie antología de American Crime Story. La siguiente entrega reconstruirá el asesinato del diseñador italiano Gianni Versace y, desde hace unos días, también está disponible en Calle 13 Ley y Orden True Crime. El caso Menéndez.

La miniserie parte con dos condicionantes muy marcados por los que muchos espectadores ya la sitúan en su radar. El primero es estar encuadrada dentro de la franquicia Ley y orden, una de la más longeva y rentable de la pequeña pantalla, algo que también condiciona su tono narrativo. El segundo, y más mediático, es reconstruir, desde la ficción, uno de los casos criminales y juicios más famosos de la historia reciente de Estados Unidos.

El 20 de agosto de 1989, los servicios de emergencia de Los Ángeles registraron una llamada desesperada desde el millonario barrio de Beverly Hills. Una voz masculina pedía auxilio tras encontrar a sus padres tiroteados en el salón de la mansión familiar. Era Lyle Menéndez, y las víctimas era José y Kitty Menéndez, que habían muerto acribillados por más de 15 disparos realizados con escopetas.

En su primera declaración ante la policía, Lyle y su hermano Eric, un universitario de segundo año de Princeton y un jugador semiprofesional de tenis, relataron que se encontraron los cadáveres cuando regresaron a su casa tras ir al cine.

La cara oculta tras el lujo y la riqueza de los Menéndez

A pesar de la desesperante llamada al 911, la actitud de los dos hermanos pronto empezó a levantar sospechas entre los policías encargados en hallar a los presuntos autores del doble asesinato quienes, además, tenían como misión descubrir los motivos que les llevaron a irrumpir en una mansión de Beverly Hills, acribillar al matrimonio y salir sin llevarse aparentemente nada de la lujosa vivienda.

Hasta que fueron detenidos seis meses después como presuntos culpables, Kyle y Eric se gastaron casi un millón de dólares en artículos de lujo y empezaron a mostrar que, de puertas hacia adentro, la vida familiar de los Menéndez distaba mucho de la estampa feliz que proyectaban entre sus conocidos.

Kyle y Eric, que actualmente siguen en prisión, se rebelaron contra la férrea disciplina de padre de la manera más sangrienta posible. Tampoco se puede decir que, mientras estaba en marcha la investigación policial, pusieran mucho empeño en disimularlo.

José Menéndez era un emigrante cubano, un exitoso hombre de negocios hecho a sí mismo que imponía una férrea y asfixiante disciplina a sus hijos para que no dieran por sentado su riqueza. Lo que parecía una ventaja, terminó provocando una guerra abierta entre el padre y sus dos progenitores, que estaba minando la salud de la madre, y que en el juicio se convirtió en el principal argumento de la defensa.

Aquí es donde entra el otro personaje clave de la serie: la abogada Leslie Ambrason, a la que da vida Edie Falco. Si la gran protagonista deAmerican Crime Story: The People vs OJ Simpson era la fiscal del caso Marcia Clark (Sarah Paulson), aquí es Leslie Ambrason quien retrata a la sociedad de la época y la presión mediática que generó en torno al caso. Quizá, lo más interesante de la historia. Para el resto de detalles, y sobre todo para los espectadores más impacientes, siempre estará Wikipedia.

Hay actores que se pasan su carrera intentando escapar del papel que los encumbró. Matt Leblanc también lo intentó después de Friends, pero tras comprobar que para muchos siempre sería Joey Tribbiani, decidió que lo mejor era asumirlo hasta sus últimas consecuencias.

Ese es el motor que puso en marcha Episodes y el que lo ha mantenido en antena cinco temporadas. También, el que ha convertido a la comedia de Showtime, que en España puede verse en Movistar+ al completo, en una serie no tan popular como Friends pero sí en una fija en la lista de recomendables y reivindicables. Más por méritos propios que por ser popular.

Y no solo por Matt Leblanc. Como le pasa a 30 Rock con algunos de sus personajes secundarios, Episodes tiene otras grandes razones para ser reivindicada, como puede ser su cruel retrato de la industria televisiva estadounidense.

Está Matt Leblanc, interpretándose a sí mismo y prestándose a un retrato no precisamente amable la mayoría de las veces; pero sobre todo están detrás de las cámaras David Crane (uno de los creadores de Friends), y delante, los personajes a los que dan vida Stephen Mangan y Tamsin Greig. Dos guionistas británicos reclutados por una cadena estadounidense (generalista) para hacer un remake de la comedia que les dio prestigio y fama en la televisión británica.

Lo que a ellos les parece el sueño hollywoodiense se convierte en la pesadilla que podría acabar con sus carreras. Episodes tira de humor y explica con bastante mala baba por qué a la televisión estadounidense le encantan los remakes pero por qué casi nunca consigue hacer uno bueno.

Beverly y Sean, convencidos por el peloteo y las promesas, lo dejan todo y se creen que tendrán el poder creativo para enseñarle a la televisión estadounidense cómo se hace un buena comedia, conservando su poder como creadores y guionistas.

Gran error: los índices de audiencia son los que otorgan el poder, los réditos publicitarios, la mejor posición en la parrilla televisiva y el actor/actriz estrella de las portadas en los medios.

Así que lo primero que se encuentran es que Matt Leblanc será el protagonista de su serie, aunque ni de lejos se parezca al protagonista original de su cadena. También verán cómo su futuro lo dictan unos ejecutivos que lo único que tienen claro es que una serie de prestigio sin buenos índices de audiencia no paga sus casas en la playa, sus acuerdos de divorcio ni sus cenas para seguir captando a incautos con los que alimentar sus desproporcionados egos y cuentas bancarias.

A partir de ahí, nos reímos pero también nos compadecemos de Beverly y Sean, los verdaderos protagonistas de Episodes frente a un Matt Leblanc que se presta a que sigamos dudando de si estamos viendo al actor real, al personaje real ficticio basado en él o a Joey con unas cuantas canas, unos cuantos kilos y unas cuantas deudas económicas de más. El género metarreferencial en estado puro.

¿Cómo puede una comunidad sanar sus heridas si la recuperación se ha construido a base de mentiras? La Zona, nueva serie original de Movistar+, arranca en una región del norte de España en aparente proceso de reconstrucción tras un accidente nuclear. Pero tras los daños superficiales y la creación de una zona de exclusión alrededor de la central y el desalojo de los pueblos cercanos, se esconden unas heridas mucho más profundas que ni el paso del tiempo parece curar.

Alberto y Jorge Sánchez- Cabezudo, creadores, guionistas y, en el caso del segundo, director de la serie, llevaban varios años dándole vueltas al proyecto. Ya en 2011 estuvieron a punto de ponerlo en marcha, pero el 11 de mayo de ese año un fuerte terremoto en Japón provocó el accidente de Fukushima y tuvieron que volver a guárdalo en un cajón. Ahora, seis años después, llega a Movistar+ (en el servicio bajo demanda a partir del 27 de octubre) con la misma idea central pero con añadidos actuales, como la crisis económica y el descontento social.

El guía del espectador por el espacio físico y moral de La Zona es Héctor Uría (Eduard Fernández), un inspector de la policía que formó parte del primer grupo de personas que acudieron al rescate de la central. Fue el único superviviente de todo el grupo y, tras recuperarse de sus heridas físicas, se reincorpora a su puesto de trabajo justo cuando sucede un sangriento asesinato dentro de la zona exclusión.

Este suceso será el punto de partida para destapar una serie de actividades ilícitas dentro de dicha área. Como por ejemplo, el nuevo orden social establecido por los habitantes que se resistieron a abandonar aquel entorno, peligroso pero conocido por servir de exilio ante un futuro incierto.

Héctor, que físicamente parece recuperado pero psicológicamente continúa aturdido por la tragedia, se ve involucrado en una investigación donde conoce a todos los personajes de la nueva comunidad establecida en la zona. Uno de ellos es Martín (Álvaro Cervantes), compañero del protagonista, que es también conocedor, por haberlas tolerado, de muchas de las actividades ilícitas que se están desarrollando en la zona de exclusión.

Además de su socio de travesía, el inspector también se reúne con Zoe (Alba Galocha), una veinteañera que lo perdió todo y que se ha acostumbrado a hacer lo que sea para salir adelante. No obstante, Héctor también sufre encuentros no tan deseados como el de Marta (Emma Suárez), su exmujer. Aunque esta decidió alejarse tras la muerte de su hijo, regresa en un momento clave: cuando algunos datos ponen en duda la versión oficial de las causas del accidente.

Pero más allá de los dramas familiares también aparece Julia (Alexandra Jiménez), una médico militar que fue de las primeras en atender a las víctimas del incidente. Ahora tiene otra misión, la de velar por la salud de los habitantes que han empezado a regresar a las zonas afectadas. Aunque no solo de héroes está bañada la historia. Barrero (Sergio Peris-Mencheta) es un delincuente que ha prosperado gracias al mercado negro y los beneficios del mercado negro en el área de exclusión.

El dinero es igualmente la motivación de Fausto (Juan Echanove), un empresario convertido en referente de la comunidad por la ayuda (no tan desinteresada) que ha estado brindando a una larga lista de damnificados en la que también están los paisajes verdes y frondosos de Asturias, elementos de la naturaleza que en la serie reflejan su poder abriéndose camino sea como sea.

La otra zona: un universo de contenidos transmedia

La primera temporada de La Zona (8 capítulos en total, disponibles en Movistar+ en su servicio bajo demanda y en #0) estarán acompañados de un ambiciosa oferta de contendidos transmedia, creados para completar las historias de la serie y enriquecer la experiencia de sus seguidores.

La Zona plantea una realidad reconocible pero improbable: las consecuencias de un accidente nuclear en el norte de España donde la primera víctima es siempre la verdad. Esa es la premisa de los más de 300 minutos de contenidos extras creados por las agencias especializadas El Cañonazo y Flúor, las cuales han trabajado junto a los responsables de la serie y en paralelo a la fase de guion y rodaje.

En total son 16 formatos, como un podcast, un juego interactivo, la Wikizona, falsos documentales, reportajes de análisis de los capítulos, making of, o perfiles en redes sociales, entre otros. Estos empezarán a estar disponibles a medida que se vayan estrenando los capítulos y contarán con una protección para evitar los spoilers: cada seguidor podrá indicar cuántos capítulos ha visto antes de acceder.

Todo el contenido, tanto el de la serie como el material extra, estará disponible a través de la web oficial de La Zona y de La otra zona, que se pondrá en marcha tras el estreno de un primer capítulo que despierta más interrogantes que respuestas.

Las series alemanas siguen mirando hacia ese pasado al que durante tantos años le costó mirar. Hijos del Tercer Reich fue un fenómeno de audiencia, pero también una especie de catarsis colectiva. Durante su primera emisión reunió a millones de alemanes que oían por primera vez historias que muchas familias se negaban a compartir, detalles que sus mayores trataban de no recordar por la vergüenza que en muchos casos seguía generando. 

Babylon Berlin es una nueva mirada a ese pasado, que no parece tan lejano. Especialmente, cuando se pone de manifiesto cómo la sociedad, y no solo la alemana, tiene una peligrosa tendencia al olvido y a no aprender de los errores. Hijos del Tercer Reich estaba situada en los prolegómenos y el comienzo de la Segunda Guerra Mundial , cuando un grupo de jóvenes veía destrozado su futuro por una causa irreal a la que se adhirieron con entusiasmo apartando la mirada de señales preocupantes y sin sopesar las consecuencias.

Babylon Berlin va un poco más atrás y se sitúa en el periodo de entreguerras, cuando las consecuencias, el descontento y las heridas sangrantes de la I GM se estaban revelando con un peligroso caldo de cultivo de lo que vino después.

Basada en los bestsellers de Volker Kutscher, se presenta en el panorama seriéfilo como la producción alemana más cara de la historia. A los mandos está el triunvirato formado por Achim von Borris, Henk Handloegten  y Tom Tykwer (Corre, Lola, corre),  quien últimamente se ha aficionado al relato en formato televisivo enlazando una participación en Deutschland 83, sobre la Guerra Fría a los lados del Muro de Berlín, con Sense 8 y ahora Babylon Berlin.

El protagonista es Volker Bruch, quien también encarnaba a un personaje en Hijos del Tercer Reich. Aunque sus apariciones no están relacionadas, más allá del periodo histórico, su presencia en Babylon Berlin anima a repasar su interpretación en la serie anterior. 

Babylon Berlin (en Movistar+ desde el 14 de octubre) es un thriller policial situado en el decadente pero también efervescente Berlín de los años 20. Una ciudad que todavía se recuperaba de la IGM y estaba a punto de vivir un breve momento esplendor, sobre todo cultural, antes de caer de nuevo bajo la brutalidad de una nueva guerra.

El protagonista es Gereon Ruth, un detective de la policía de Colonia que se traslada a Berlín para incorporarse a la unidad antivicio. Su primera misión será investigar una red de pornografía relacionada con la mafia rusa y la corrupción política. Un punto de partida que le da el contexto histórico, que participa de la historia como un personaje más, a varias historias personales que construyen el mosaico del Berlín de la época y, que como pasaba en Hijos del Tercer Reich, Deutschland 83 Deutschland 83 o Bajo el mismo cielo,  puede que nuevas generaciones de (espectadores) alemanes oigan por primera vez.

De momento, Babylon Berlin tiene asegurada la segunda temporada. Quienes se enganchen no tendrán que esperar mucho, ya que la nueva tanda de 8 capítulos llegará el 12 de noviembre.

Cuando Transparent irrumpió en el panorama seriéfilo se presentaba como el viaje de Mort hacia su verdadera identidad. Maura era su verdadero yo, el que había mantenido latente desde hace años y el que ahora pedía paso y reconocimiento, primero por parte del propio protagonista de la serie y después por parte de su entorno. Pero el título de la serie guardaba un doble sentido y junto a la historia de Maura también estaba la de su propia familia, casi tan perdida como ella y con los mismos miedos ante sus propias inseguridades.

Cuatro temporadas después, Maura se sigue descubriendo a sí misma, superando dudas y dificultades y afrontando otras nuevas. Todo esto rodeada de sus tres hijos, su exmujer y unas nuevas amistades que han ampliado el foco de la serie más allá de la propia Maura.

Transparent se ha transformado en un retrato sobre la sociedad actual en general y una parte de la estadounidense en particular que, en estos días, tanto en la realidad como en la ficción, asiste preocupada y afectada por la llegada de Donald Trump a la Casa Blanca.

No podía de ser de otra forma en una historia firmada por Jill Soloway. La autora estadounidense ha subido enteros a velocidad de vértigo en la lista de los creadores más influyentes. De formar parte del equipo responsable de series como A dos metros bajo tierra o Buscarse la vida en América a compaginar en solitario I Love Dick, estrenada hace unos meses, y Transparent que acaba de estrenar su cuarta temporada (disponible ya en Movistar+) teniendo ya asegurada una quinta en 2018.

Este año, los Pfefferman bucean entre sus raíces familiares mientras en el presente la mayoría tiene la sensación de que ha vuelto a la casilla de salida. Maura sigue encontrando barreras en su intento de vivir su vida en plenitud después de años plegándose a su entorno. Josh, tan perdido como en el minuto uno de la serie, acoge en su casa a su madre. Como era de esperar, no tardará mucho en empezar a arrepentirse ante el torrente de emociones que despliega Shelly para sentirse aceptada y todavía importante en las vidas de sus hijos. Sarah ha vuelto con su marido y se vuelca en sus hijos para seguir huyendo de la sensación esa de autoengaño frente a sus verdaderos sentimientos. Ali sigue buscando nuevos referentes en una continua huida hacia adelante, que como siempre es hacia ninguna parte porque se cansa antes de completar nada.

En esta temporada, su necesidad imperiosa por experimentar cosas nuevas le hará acompañar a Maura a Israel en busca de esa historia familiar que la serie nos ha estado sirviendo a los espectadores en pequeñas dosis: conocer a los Pfefferman del pasado para intentar comprender los vaivenes emocionales de los Pfefferman del presente.

Y eso es precisamente lo que ha hecho que Transparent se haya ganado el privilegio de no estar respondiendo preguntas para ir construyendo un final. También que, aunque los Emmy la encuadren en comedia, después de cuatro años sea imposible escoger un género donde catalogarla. No lo necesita: sus seguidores solo queremos que los Pfefferman sigan teniendo muchos capítulos por delante.

Hace casi 10 años se estrenaba en Italia Romanzo criminale, una serie que sirvió de avanzadilla para que la ficción televisiva del país transalpino reclamara su lugar en las grandes ligas seriéfilas. Es la historia del grupo criminal que se convirtió en el dueño y señor mafioso de la Roma de los años 70. También una especie de libro de estilo e inspiración para series muy recomendables, en muchos casos imprescindibles, que llegaron después.

Podríamos hablar de Gomorra, basada en la famosa y trágica novela de Roberto Saviano; de The Young Pope, una coproducción internacional con Sorrentino al frente o de Suburra, que ultima su estreno y en la que Roma vuelve a mostrar su cara más violenta y corrupta. Por su parte, 1992 y su continuación, 1993 , se podrá ver desde el 14 de septiembre en Movistar+.

Con el recurso de narración río (un ciclo novelesco de varios volúmenes donde las historias confluyen a lo largo del tiempo), 1992 seguía el devenir de varios personajes en el año del Tangentópolis, una casi indescifrable red de corrupción que implicaba a las más altas esferas políticas y empresariales del país y el macro proceso 'Manos Limpias'.

La mafia dándose la mano sin ningún tipo de miramientos con el Gobierno, hecho que terminó desembocando en el colapso de los partidos tradicionales. Una época convulsa que removió como un terremoto a una sociedad italiana acostumbrada a Gobiernos breves, inestabilidad parlamentaria y alianzas antinaturales.

1993 trata las consecuencias de los acontecimientos que vertebraron el retrato de 1992. Nos encontramos con personajes conocidos como el tiburón empresarial Leonardo Notte, al que da vida Stefano Accorsi, protagonista e impulsor de la idea de las dos series junto con Alessandro Fabbri, Stefano Sardo (In Treatment) y Ludovica Rampoldi (Gomorra). También con Pietro (Guido Caprino), el ex soldado reconvertido en político de la Liga Norte; Luca (Domenico Diele), policía enfermo de SIDA metido en la investigación del proceso 'Manos Limpias'; Antonio di Pietro (Antonio Girardi) el juez líder del macroproceso y Verónica (Miriam Leone) que se ha convertido en una estrella televisiva.

Personajes de ficción algunos de ellos pero con inspiración real siempre y auténticos al 100%, que hacen que 1993 brille por su recorrido en un año marcado en rojo en la historia italiana que aún hoy tiene consecuencias.

El primer capítulo de 1993 se abre con la sonora protesta de una multitud a las puertas del hotel Raphael, donde Bettino Craxi había evitado gran parte de las acusaciones de financiación ilegal pero estaba liquidando su carrera política y huyendo a Túnez poco después.

Craxi funciona de enlace perfecto con la historia que centra 1993 al ser amigo íntimo de Berlusconi. El futuro primer ministro italiano y exitoso empresario por entonces era un personaje secundario en 1992. Pero será en este momento donde casi se convierta en cabeza de cartel: ya no sale desenfocado ni de espaldas y podremos apreciar cómo se pone en manos de Stefano Accorsi para que le construya un traje a medida de futuro estadista.

Aquí es donde 1993 se convierte en más que una serie, y como le pasaba a American Crime Story o al documental OJ Simpson: made in America, pone a prueba los recuerdos del espectador, que tiene que cuestionarse cosas, recordar y volver a creer que los hechos que está viendo en la ficción son tan reales como de nuevo increíbles.

Los fans de Juego de Tronos están empezando a experimentar un síndrome que los seguidores de Outlander llevan sufriendo más de un año. Ellos lo llaman el #droughtlander, un hashtag que se ha convertido en las redes sociales en punto de encuentro y que, traducido al castellano, vendría a ser esa época de sequía e impaciencia creciente, e inevitable, entre temporadas.

La complejidad de la producción y los viajes temporales que marcan a Outlander han hecho que entre la segunda y tercera temporada haya pasado más de un año. Pero la espera se acabó este lunes 11 de septiembre (Movistar+) con el estreno de la tercera temporada.

Una tanda de 13 capítulos que en tono recuperan la esencia de la primera temporada, el espíritu aventurero frente a las conspiraciones palaciegas del París de la segunda temporada y añade más humor para compensar el drama romántico que pasan sus dos protagonistas mientras están separados en dos épocas históricas y 200 años de por medio.

Claire ha vuelto al siglo XX, punto de partida desde que hizo su viaje al pasado a la Escocia del siglo XVII, donde Jamie sigue sufriendo las consecuencias de la derrota de los clanes escoceses frente a las tropas británicas en la histórica (y real) Batalla de Culloden.

Tanta ida y venida no es ninguna novedad para los fans de la saga de novelas en los que se basa la serie. El aliciente para ellos es ver transformados en pantalla las escenas literarias creadas por Diana Gabaldon y trasladadas por Ron D. Moore (Battlestar Galactica) a la ficción televisiva. Y como les pasaba a los fans literarios de Juego de Tronos en la época en la que los libros de George R.R. Martin servían de guía a la serie, esperar a ver las caras de sorpresa de los otros fans (los seriéfilos) cuando descubran todo lo que tienen Claire y Jamie por delante.

La tercera temporada, como el tercer libro de la saga, arranca con una separación que por supuesto acabará en reencuentro. También tendrá un gran salto de escenario que es mejor todavía no adelantar aunque la campaña de promoción, para quien lo quiera buscar, no ha escatimado en pistas sobre lo que está por venir. Cada uno vive los spoilers a su manera.

La saga literaria tiene ocho novelas publicadas y unas cuantas derivadas, así que seguro que los fans de la serie estarán esperando que el #droughtlander, aunque cueste, se siga repitiendo unas cuantos años más.

El futuro estaba en sus manos y, aunque tachados de perdedores, los cuatro protagonistas de Halt and Catch Fire sabían desde el principio de la serie que estaban destinados a iniciar una revolución.  

En la época en la que Apple, IBM y Microsoft ponían los cimientos de la era tecnológica que vivimos hoy, Cameron, Donna, Gordon y Joe eran unos visionarios con una clara misión, pero sin hoja de ruta.

Sus aciertos y errores, sus desavenencias y acuerdos, sus descubrimientos y fracasos, pero sobre todo su empeño por participar en una de las grandes revoluciones de la humanidad son los que han convertido a Halt and Catch Fire en una serie, minoritaria en la era del peak TV, pero de la que sus fans están a punto de despedirse sin poder evitar una sensación de nostalgia después de cuatro temporadas que siempre parecerán pocas.

Halt and Catch Fire, disponible en AMC España, ya está en su recta final, aupada a la lista de esas series imperdibles que seguramente no hayas visto. La excepcionalidad que le confiere esta etiqueta cuadra muy bien con su propia naturaleza de producción que cuenta una pequeña historia entre las líneas de una gran historia que todavía hoy se sigue escribiendo.

En la prehistoria de Internet, donde se encuadraba el comienzo de la serie, Cameron, Donna, Gordon y Joe eran cuatro personajes que aspiraban a hacer grandes cosas, pero que se sentían completamente fuera de lugar. Cameron Howe era una estudiante de informática, rebelde y dispuesta a reinventar la figura de Ada Lovelace dándole su nombre a su primer proyecto de ordenador. Lovelace, hija de Lord Byron, está considerada como la primera programadora de la historia por desarrollar en el siglo XIX un lenguaje de programación complejo.

Gordon Clark era un genio frustrado, con responsabilidades de padre de familia, que trataba de digerir su gran fracaso profesional echando horas en una pequeña empresa de informática. Su genialidad se puso en marcha de nuevo espoleada por la llegada de Joe McMillan, un ejecutivo agresivo dispuesto a convertir a la pequeña Cardiff Electric en un gigante informático gracias a un PC revolucionario. Completaba el cuarteto Donna Clark, mujer de Gordon y un verdadero cerebro en la sombra que solo necesitaba creer e ilusionarse con un proyecto para reactivarse.

La primera temporada, quizá las más floja de la serie y en la que el paso de la historia recaía sobre los dos personajes masculinos, se centraba en su proyecto de competir con el gigante IBM con ordenadores más rápidos, ligeros y baratos, al estilo de lo que hicieron Apple o COMPAQ a principios de los años 80.

Iniciaron una revolución, no todo lo exitosa que esperaban, pero que hizo mejor a Halt and Catch Fire porque fue entonces, a partir de la segunda temporada, cuando Donna y Cameron emergieron como verdaderas protagonistas. Al frente de Mutiny guiaron a los seguidores de la serie por el nacimiento de las primeras startups y los comienzos de Internet.

Pasaron los años 80 y Halt and Catch Fire ha aterrizado en los 90. Todo comienza a ir más rápido y las vidas de los cuatro protagonistas han saltado por los aires. Joe ha vivido su enésima reinvención, fiel al espíritu de un personaje que siempre ha sido un cruce atormentado entre Don Draper de Mad Men y Steve Jobs. Gordon tropieza de nuevo en la misma piedra y vuelve a asociarse con él en un nuevo proyecto, Cameron ha conseguido el reconocimiento profesional gracias a los juegos y Donna lidera una empresa de capital riesgo.

Halt and Catch Fire siempre ha retado a los espectadores que se perdían entre términos informáticos ofreciendo una gran historia de cuatro personajes en rebeldía  ante la etiqueta de perdedores, aferrándose al lema de que hay que fracasar unas cuantas veces antes de triunfar.

Para los seguidores que se acercaron a ellos precisamente por su vertiente informática, ha sido un apasionante viaje por una etapa crítica del mundo interconectado en el que nos movemos hoy. Para quienes todavía no la conozcan, Halt and Catch Fire está casi llegando al final de un viaje que nunca es tarde para empezar.

David Lynch no sabe estar quieto y entre sus múltiples facetas hay una que es a la que se ha dedicado más intensamente en los últimos años: la musical. Y la nueva entrega de Twin Peaks (Movistar+) es una de las grandes beneficiadas de la melomanía de Lynch.

Debates aparte, rarezas a un lado y ese capítulo 8º que todavía muchos estamos intentando asimilar, uno de los grandes hallazgos de la nueva entrega de la serie es su banda sonora: la que ya conocíamos –a estas alturas la BSO de Angelo Baladamenti es mucho más que una BSO–, la que se funde con la historia y la que vemos directamente en pantalla. Sobre todo esos minutos musicales que alargan la atmósfera de cada capítulo unos minutos más hasta que se completan los títulos de crédito.

Entre estas bandas hay viejas conocidas y otras que seguramente serán un descubrimiento para los fans de la serie. Muchas de ellas ya habían colocado canciones en otras series de televisión. Así que si necesitas una nueva lista musical tras la vuelta de las vacaciones, aquí va una selección.

Chromatics. Esta banda estadounidense es la encargada de cerrar el capítulo doble que inaugura la tercera temporada y que ha vuelto a sonar en el 12º. Se estrenan en televisión pero algunos de sus temas ya habían aparecido en las BSO de películas como Drive o Lost River, el debatido debut de Ryan Gosling como director.

The Cactus Blossoms. Tiene entre sus fans a David Lynch y su tema Mississippi suena al final del capítulo 3º sobre el escenario del Bang Bang Bar, convertido en lugar de culto musical en el universo de Twin Peaks.

Au revoir Simone. Esta banda de Brooklyn alcanza el olimpo seriéfilo en Twin Peaks pero sus temas ya habían sonado en Anatomía de Grey, serie-catapulta de canciones a audiencias más amplias, como las de Casual o Bored to Death, una serie (siempre a reivindicar) que se desarrollaba precisamente en el barrio de origen de la banda. En Twin Peaks hacen doblete tocando en los capítulos 4º y 9º.

Trouble. Aquí podríamos hablar de enchufe porque Ryley Lynch, hijo de David Lynch, forma parte del trío que interpreta el tema Snake Eyes en el capítulo 5º. Una actuación única en el Bang Bang Bar, porque por lo visto no tienen previsto editar, de momento, ningún otro tema.

Sharon van Etten. De actriz en The OA a aparición en Twin Peaks, en la que interpreta el tema Tarifa en el capítulo 8º. Antes ya había formado parte de las BSO de Boardwalk Empire, Parentehood o Anatomía de Grey.

Nine Inch Nails. La banda más célebre que ha aparecido hasta el momento para el capítulo más inclasificable de toda la tercera temporada, que si hablamos de Twin Peaks es todavía mucho más. A ver quién puede olvidarse de Trent Reznor y She's gone way.

Hudson Mohawke. En este capítulo vuelve a aparecer Au revoir Simone y este intérprete hace su debut en el Bang Bang Bar el tema electrónico Human.

Rebekah del Rio. En el universo Lynch llega directamente desde Mulholland Drive. A ella le corresponde el honor de cerrar el capítulo 10º con el tema No stars.

Lissie. David Lynch deja su sello en Twin Peaks hasta en la selección musical donde muchos de los temas que suenan son elecciones directas, como había dejado constancia en su cuenta de Twitter. Este Wild West es otra prueba.

The Veils. Único grupo no estadounidense, hasta el momento, de la lista y selección de los responsables de la serie. Aparecen en el capítulo 15º.

Eddie Vedder. El líder de Pearl Jam ha tenido el honor el invitado del capítulo 16, con permiso del 8 uno de los más comentados por los seguidores de la serie. Canta Out of Sand, con una letra que no le podría ir mejor a lo que sucede.

Bonus track: El homenaje a David Bowie

El momento ha llegado: miles de fans respiran aliviados mientras preparan sus mejores habilidades para evitar los spoilers, por si acaso no pueden ver el siguiente capítulo en el estreno simultáneo de madrugada (a las 3.00 en Movistar+). En las próximas semanas, las redes sociales serán un campo minado por el que habrá que moverse con mucho cuidado.

Sin embargo, el discurrir de la historia y sus revelaciones no son una exclusiva de los spoilers. Mientras los libros de George R. R. Martin sirvieron de inspiración para la serie, muchos de los seguidores de las crónicas de los Siete Reinos de Poniente sabían lo que iba a pasar y muchos de ellos tuvieron que morderse la lengua mientras, vamos a reconocerlo, se lo pasaban bien troleando al mismo tiempo a los que iban al ritmo de la serie.

A pesar de que algunas tramas fueron una primicia de la serie, la sexta temporada igualó a todos: seguimos con solo cinco libros publicados de la saga literaria (George R.R. Martin mantiene su intención de llegar a los siete), y la serie ya hace muchos capítulos que vuela libre.

Aún así, las teorías de lo que pasará y del final siguen vigentes ya sea porque muchas pistas siguen estando en los libros y en la serie y porque han servido para aliviar la espera, que este año ha sido más larga de lo normal.

Este es uno de los secretos del éxito de Juego de tronos. Una serie ya convertida en una referencia pop en novelas, películas, conversaciones diarias, discursos políticos y por supuesto otras series.

Ahora que ha arrancado la séptima temporada hay que empezar a prepararse también para el final de la historia que llegará en la octava. Después de tantos años de teorías y especulaciones, ¿sabemos ya cómo acabará la historia?

Estas son algunas de las teorías más populares: 

Canción de Hielo y Fuego. Hace unos días, un miembro del equipo de la serie soltó lo que podría ser uno de los grandes encuentros de la serie: uno largamente esperado por muchos fans y que justificaría el título de la saga literaria. Con Daenerys recién llegada a Poniente y Jon proclamado Rey en el norte, parece ya inevitable que se encuentre y más cuando en la anterior temporada se desveló que son familia. ¿Pasará algo más?

La venganza insaciable de Cersei. La sexta temporada de Juego de tronos tuvo como novedad y curiosidad, tal y como se había desarrollado la serie, de introducir flashback. Uno fue sobre el verdadero de origen de Jon Nieve y el otro mostraba la profecía que recibió Cersei de adolescente y la cual que le advertía que vería morir a todos sus seres queridos. Dejando a un lado a la familia que le queda y con la que no se habla, solo queda a su lado Jaime y con reticencias.

Cersei está sentada en el Trono de Hierro pero sus pérdidas personales, su sed de venganza y estar rodeada de cada vez más enemigos que amigos, puede pasarle factura muy rápido.

Azor Ahai. Es una de la teorías con más tradición entre los seguidores (expertos) de la saga y se ha reforzado con algunos grandes momentos que se vivieron en la sexta temporada. Melisandre resucitó a Jon y se reveló que era un Targaryen.

Según una profecía de la propia Bruja Roja “está escrito en los antiguos libros de Asshai que llegará un día tras un largo verano, un día en que las estrellas sangrarán y el aliento gélido de la oscuridad descenderá sobre el mundo. En esa hora espantosa, un guerrero sacará del fuego una espada llameante. Y esa espada será Dueña de Luz, la Espada Roja de los Héroes, y el que la esgrima será Azor Ahai renacido, y la oscuridad huirá a su paso.” O lo que es lo mismo, que Jon Nieve es el príncipe prometido que derrotará a los Caminantes Blancos y traerá la paz a Poniente.

Las tres cabezas de Dragón. También es muy veterana esta teoría que señala a Tyrion como otro de los miembros perdidos de la mermada familia Targaryen. El hermano de Cersei y Jaime y actual la Mano de la Reina Daenerys sería hijo de Joanna (madre, eso sí, de Cersei y Jaime) y Aerys II Targaryen, el rey loco y por el Jaime se ganó el apodo de Matarreyes.

El reencuentro de los Stark. Otra familia que está recuperando miembros es la Stark. Jon y Sansa ya están juntos en Invernalia y se espera que Arya y Bran se unan pronto. Igual sirve para rebajar la tensión que empieza a crecer entre Sansa y Jon por la elección del Señor de Invernalia y centre las historias de Arya, todavía dada por muerta por muchos de los protagonistas de la serie, y Bran, quien ahora mismo es el mayor exponente de la vertiente fantástica, si cabe, de Juego de tronos con su encuentro con los Caminantes Blancos y sus viajes temporales.

El nuevo villano de las Islas de Hierro. La muerte de Ramsay Bolton y la vuelta de Theon a su hogar natal no quieren decir que la situación en las Islas de Hierro sea tranquila. Su hermana Yara ha tenido que ganarse el reconocimiento de sus compatriotas derribando prejuicios y enfrentándose a las duras condiciones de las islas pero ahora junto a Theon tendrá que hacer frente a su tío Euron. El actor que lo interpreta, Pilou Asbæk, ya ha adelantado que, comparados con su personaje Joffrey y Ramsay, nos parecerán unos aficionados.

La espera por la séptima temporada se ha hecho tan larga como la llegada del invierno que se anuncia desde el principio de la serie. Da igual cuando se estrene porque automáticamente se convierte en el gran estreno, pero Juego de Tronos lleva varios meses siendo la serie estrella del verano.

El 17 de julio arranca la penúltima temporada y, a falta de que se confirme algún spin off o George R.R. Martin se anime a publicar una nueva novela, estamos ya en la recta final de la gran guerra por el Trono de Hierro y el futuro de los Reinos de Poniente.  

De dónde venimos y hacia dónde vamos

Del tablero de Poniente, instalado en ese invierno que ha amenazado siete temporadas con llegar y que se prepara para la batalla definitiva. Daenerys con su ejército y Tyrion como Mano de la Reina dejan atrás las tierras más allá del Mar Angosto para dar el asalto definitivo al Trono de Hierro. Cersey, casi sin familia y solo con Jaime como aliado -a ver cuánto le dura-, resiste en el Desembarco del Rey como soberana. En el norte, la subida al poder de Jon Snow y el reencuentro de los Stark supervivientes no parece que asegure la paz.

A todo esto se une la llegada del invierno, vía invasión de los Caminantes Blancos. También hay un mayor protagonismo de las Islas de Hierro. Allí ha vuelto Theon Baratheon, pero también ha aparecido su tío Euron, que se ha postulado ya para ser uno de los grandes/nuevos villanos de la serie.

Este es solo un resumen rápido, aunque a veces lo que parece más difícil es poder desarrollar tantas historias y recorrer tantos territorios en las dos temporadas, de solo siete capítulos cada una, que le quedan a la serie.

Corta pero intensa

La séptima temporada solo tendrá siete capítulos, pero uno de ellos (el último) batirá el récord de duración de la serie acercándose a los 90 minutos.

Para la octava temporada, a falta de fecha de confirmación y con un posible nuevo retraso por su compleja producción, los creadores están empezando a barajar la posibilidad de que cada uno de sus seis episodios sea concebido más como una película, por su duración y sentido narrativo, que como un capítulo.  

Poniente a la española

El rodaje ha vuelto a localizaciones españolas en esta temporada. Si en otras temporadas Andalucía, Aragón, la Comunidad Valencia, Cataluña o Extremadura se transformaron en alguno de los Siete Reinos de las Tierras más allá del Mar Angosto, en los capítulos de la séptima temporada será el turno del País Vasco. También han sido escenarios de esta nueva entrega de capítulos Sevilla, Cáceres, Los Barruecos o Almodóvar del Río.

Para la octava temporada, se ya han empezado los rumores, visitas para localizar y permisos para añadir nuevos parajes a la lista.

Bajo secreto de sumario

Para atajar posibles filtraciones, las medidas de seguridad volverán a ser férreas y ni siquiera los críticos y periodistas especializados, podrán ver ninguno de los nuevos capítulos por adelantado. Esto también ha provocado que los miembros del equipo hayan desarrollado un habilidad especial a la hora de contar detalles de la séptima temporada sin contar realmente nada.

Las únicas pistas las acaba de servir HBO dando a conocer los títulos y sinopsis de los tres primeros capítulos. Se abre la ronda de especulaciones:

7x01: Dragonstone (Piedra de dragón). Jon Snow (Kit Harington) organiza la defensa del Norte. Cersei Lannister (Lena Headey) intenta equilibrar la balanza. Daenerys (Emilia Clarke) llega a casa

7x02: Stormborn (Nacida de la tormenta). Daenerys recibe a un inesperado visitante. Jon se enfrenta a una revuelta. Tyrion (Peter Dinklage) planea la conquista de Poniente.

7x03: The Queen’s Justice (La justicia de la reina). Daenerys concede audiencia. Cersei devuelve un regalo. Jaime (Nikolaj Coster-Waldau) aprende de sus errores.

Dónde y cuándo verla

A pesar del retraso del estreno de la séptima temporada, Juego de Tronos no cambia de horario y nos hará madrugar de nuevo a los que no quieran tener esquivar spoilers en las redes sociales. Desde el 17 de julio, cada uno de los siete nuevos capítulos de la serie de HBO se podrá ver también a partir de las 3:00 cada madrugada del domingo al lunes, en simultáneo con EEUU,  en Movistar+.