El verano de 2006 fue el de “Hips Don’t Lie” de Shakira, de una banda sonora de pop español con éxitos de La Oreja de Van Gogh, El Canto del Loco, Amaral o Bisbal, pero fue también el de la eclosión de todo un fenómeno con doble disco de platino y dos discos de Oro.

Hablamos del grupo mexicano RBD surgido de la telenovela juvenil ‘Rebelde’, que fue todo un fenómeno a nivel internacional y que desembarcó con cierto retraso en España en las tardes de verano de 2006 en televisión para luego pasar a la escena musical con el grupo, que marcó a toda una generación.

De ‘Rebelde Way’ a ‘Rebelde’: el fenómeno nacido hace 20 años en España

Fue el 26 de junio de 2006 cuando la serie mexicana ‘Rebelde’ llegó a las televisiones españolas en las tardes de la cadena Antena 3, que decidió apostar por una ficción que estaba siendo todo un éxito en su cierre en México, pero también en otros puntos de América, como Brasil o Estados Unidos.

La apuesta de Antena 3 en ese momento se sustentaba en el fenómeno que había conseguido ‘Rebelde Way’, la telenovela juvenil argentina en la que se basaba la mexicana, que fue un éxito inesperado en 2006, casi tres años después de su final en Argentina y que comenzó en televisión por cable (en canales como Jetix) para luego conquistar ‘Localia’ y dar finalmente el salto a Cuatro en la televisión en abierto.

De esta forma, ambas convivieron en el verano de 2006 en España, y fueron todo un fenómeno tanto a nivel televisivo como musical, con ambas ficciones con su propio grupo de música. Antes del estreno, Antena 3 probó en la desconexión regional en Canarias en mayo, que finalmente la auparía a nivel nacional. La serie contaba las aventuras de jóvenes internados en la escuela privada Élite Way School. En sus comienzos obtuvo una audiencia media del 13 % de cuota de pantalla, sobre 1,3 millones de espectadores en las tardes de ese verano de 2006, un éxito que en España ayudó a expandir y consolidar la marca del grupo surgido de la serie, RBD, que fue la banda revelación del momento.

El éxito que superó la ficción: RBD

El grupo de la serie superó todas las expectativas e incluso llegó a tener más éxito del que tuvo en la ficción. En su primer disco reunían gran parte de los temas que salían en ‘Rebelde’ como la canción homónima que abría los créditos en la primera parte, como otros temas de la talla de ‘Solo quédate en silencio’, ‘Enséñame’ o ‘Sálvame’.

El álbum fue doble platino en España, tras haber sido disco de diamante y oro en México y cuádruple platino en Estados unidos, obteniendo también una versión en portugués para el mercado brasileño, donde fue también todo un fenómeno de masas. Sin embargo, RBD vivió mucho más que la serie y lanzaría cuatro discos de estudio más: ‘Nuestro Amor’, ‘Celestial’, ‘Empezar desde cero’ y ‘Para Olvidarte de mí’, que puso fin a la banda en 2009, tres años después del final de la ficción.

Un éxito que sorprendió a sus integrantes: Alfonso Herrera, Anahí, Dulce María, Maite Perroni, Christian Gálvez y Christopher Uckermann, este último llegando a poner en palabras lo que muchos pensaron: “Nadie esperaba que RBD iba a crecer tanto. Se pensaba que a partir de telenovela el grupo iba a durar un par de años. Empezamos haciendo conciertos pequeños en México hasta que nos llevaron a un estadio de Bogotá con más de 50.000 personas. Fue algo que no me dio tiempo de digerir”, contó el actor.

Y es que eran intérpretes más que cantantes, cada uno tenía su carrera, y se sabía que tenía un final. Después de RBD, todos retomaron su trayectoria con nombres como Maite Perroni o Alfonso Herrera haciéndose un hueco en la televisión, actualmente protagonista de la adaptación de ‘La casa de los espíritus’, siendo Anahí y Dulce María las que se enfocarían más en el lado musical. El grupo protagonizó un reencuentro en 2023 con la gira ‘Soy Rebelde Tour’ con todos sus integrantes menos Alfonso Herrera, aunque finalizó con cierta polémica, sin el disco nuevo anunciado y sin llegar a pisar Europa.

Una joven holandesa aterriza en Barcelona para trabajar en una agencia creativa. Descubre la ciudad, se enamora, encuentra su lugar en el mundo y termina construyendo una nueva vida bajo el sol mediterráneo.

La premisa podría pasar por una comedia romántica más dentro del catálogo de plataformas de streaming. Sin embargo, antes incluso de que el primer episodio haya visto la luz, esa historia ya ha desencadenado un intenso debate sobre turismo, vivienda, identidad y el futuro de Barcelona. No son pocos los vecinos que consideran que representa exactamente el modelo de ciudad contra el que llevan años movilizándose.

El primer foco mediático llegó a comienzos de julio, cuando El Periódico de Catalunya publicó un amplio reportaje desde el rodaje de la serie. La pieza describía La vida Barcelona como una posible heredera de la exitosa Emily in Paris.

La serie aspira a seducir al público joven a través de una Barcelona luminosa, cosmopolita y aspiracional. Entre las localizaciones figuran el Born, la Ciutadella, Montjuïc o el día de Sant Jordi, mientras que el reparto combina intérpretes neerlandeses con nombres conocidos en España como Greta Fernández, Martiño Rivas o Priscilla Delgado.

Los responsables de la producción defienden una mirada optimista sobre la ciudad. La directora Katina Medina Mora habla de una Barcelona “viva” y “encantadora”, pero las críticas en redes sociales no han tardado en aparecer.

La sinopsis supone, a ojos de muchos usuarios, la representación perfecta de un fenómeno que lleva años transformando Barcelona: la llegada de trabajadores internacionales con mayor poder adquisitivo, la presión sobre el mercado inmobiliario y la progresiva expulsión de los residentes de sus barrios.

En Instagram, la cuenta @lavidabarcelona, creada por el activista Tommy Blanco, dirigida a llamar la atención sobre la gentifricación, suma casi seis mil seguidores. “La serie no es el problema, es el síntoma”, apunta Blanco, que reconoce que creó la cuenta desde la rabia profunda.

“Esta rabia nace de ver cómo los barrios se vacían de vida real para llenarse de pisos turísticos, comercios tradicionales que cierran y vecinos que tienen que marcharse. Esta serie no es la causa de todo eso, es la gota que confirma un patrón que llevamos años sufriendo”, explica el activista.

Su mensaje ha conectado con un sentimiento ampliamente compartido entre muchos barceloneses. “La respuesta ha sido muchísimo mayor de lo que esperaba”, confiesa. “Creo que demuestra el agotamiento que existe con el modelo turístico y económico que ha terminado imponiéndose en la ciudad”.

Blanco también relativiza el impacto real que pueda tener una sola producción audiovisual. “El problema es quién nos ha llevado hasta aquí. Es el lobby turístico y determinados intereses económicos”, apunta. “La ficción simplemente llega en un momento en el que la situación ya resulta insostenible para mucha gente”.

Una ciudad convertida en producto

Entre las voces más críticas figura también la periodista, humorista y guionista Ana Polo, que interpreta la polémica como una consecuencia lógica del momento que atraviesa Barcelona.

“Mi reacción al saber de la serie fue de hartazgo e indignación”, explica. “Tenemos la sensación de que nos están expulsando de nuestros barrios y ahora, además, vamos a verlo romantizado en una serie. Esa es la parte que provoca todavía más rabia”.

“Barcelona no es una marca. Es la ciudad donde vivimos, y no necesita más promoción”, continúa. El discurso de Polo cuestiona uno de los argumentos más habituales utilizados para justificar este tipo de proyectos: el supuesto retorno económico para la ciudad. “Se habla mucho de atraer riqueza, pero esa riqueza no llega a quienes trabajan atendiendo turistas o intentando pagar un alquiler”, apunta. “Los beneficios se concentran siempre en los mismos sectores”.

Polo considera que las administraciones deberían revisar el tipo de producciones que reciben apoyo institucional, permisos de rodaje y subvenciones. “Quienes gobiernan tendrían que proteger la ciudad y a quienes viven en ella”, señala. “Si una producción contribuye a reforzar un modelo que agrava estos problemas, debería existir una reflexión antes de facilitar ese tipo de proyectos”.

La ciudad como decorado

La portavoz del Sindicat de Llogateres de Barcelona, Carme Arcarazo, cree que el problema de La vida Barcelona no es que venga gente de fuera a vivir a Barcelona, sino que se presenta un perfil muy concreto: “Personas con trabajos mucho mejor remunerados que los de la mayoría de la población local”.

En su opinión, la serie convierte la ciudad en un escenario donde desaparecen las tensiones sociales que forman parte de la realidad cotidiana. “Barcelona acaba funcionando como un decorado donde no existe ningún conflicto”, resume. “Todo parece pacificado, como si la llegada de estas personas no tuviera consecuencias para quienes ya viven aquí”.

Arcarazo también cuestiona el modelo de ciudad que, a su juicio, proyecta la ficción. “Se transmite la idea de que puedes vivir en cualquier parte del mundo sin implicarte en nada, completamente desarraigado”, sostiene. “Hay una fuerte despolitización de lo que significa vivir en un lugar y formar parte de una comunidad”.

Desde su punto de vista, este tipo de ficciones contribuyen a reforzar un imaginario con efectos nefastos sobre el mercado inmobiliario. “Funcionan como un imán para atraer más turistas y más nómadas digitales. Después hay que preguntarse dónde se aloja toda esa gente. No viven en alquileres regulados, sino en alquileres de temporada o en colivings que alimentan nuevas formas de especulación y siguen empujando los precios al alza”, explica.

Arcarazo recuerda además que Barcelona ha sido la ciudad española donde más Golden Visa [permiso de residencia que se otorga a extranjeros a cambio de una inversión significativa en el país] se han concedido durante los últimos años, una política que, en su opinión, ha favorecido la llegada de inversión inmobiliaria especulativa orientada al mercado internacional.

El humor, la indignación y las redes como altavoz

Si Tommy Blanco impulsó el movimiento de protesta, otras voces muy conocidas en redes sociales han ayudado a amplificar el debate. Una de ellas fue la de Carlos Ramírez, más conocido como Calva Tatuada, creador de contenido que lleva mucho tiempo divulgando sobre vivienda, desigualdad y gentrificación.

Su primera reacción al conocer la serie, asegura, fue una mezcla de enfado y preocupación. “Sentí mucho miedo por lo que puede venir”, confiesa. “La serie vuelve a presentar Barcelona como un oasis donde cualquiera puede venir a vivir una experiencia maravillosa, cuando la realidad de muchos vecinos es muy distinta”.

Ramírez ha convertido el humor en su principal herramienta para abordar cuestiones sociales. Cree que el lenguaje de internet permite abrir conversaciones que, de otra forma, apenas tendrían recorrido. “Es una forma de compartir estas preocupaciones sin convertirlas en un sermón”, afirma. “Los memes y los vídeos ayudan a que el debate llegue a mucha más gente y permiten expresar una rabia que existe desde hace mucho tiempo”.

Su propuesta para luchar contra iniciativas como La vida Barcelona pasa por mantener viva la conversación pública y expresar el rechazo social al proyecto. Respecto al papel de las administraciones, el activista opina que deberían preguntarse qué tipo de producciones autorizan y qué retorno real generan para la ciudad y para quienes viven en ella. “El beneficio no puede medirse únicamente en términos económicos”, apunta. “También debería tenerse en cuenta el impacto social”.

¿Hasta dónde llega la responsabilidad de los actores?

Una de las cuestiones que más división ha generado en los últimos días tiene que ver con la participación de intérpretes españoles y catalanes en la producción. Las críticas señalaban la falta de sensibilidad ante los problemas de una Barcelona sofocada por el turismo masivo y el aumento de los precios de la vivienda, producido, entre otras cosas, por la llegada de miles de expats.

Las respuestas, sin embargo, están lejos de ser unánimes. Polo admite comprender las dificultades económicas del sector audiovisual, aunque reconoce que personalmente le costaría mucho aceptar un proyecto con estas características. “Todo el mundo necesita trabajar y pagar las facturas”, explica. “Pero a mí no me gustaría que mi nombre quedara asociado a una producción que, en mi opinión, puede contribuir a agravar un problema que ya sufrimos. Creo que cada uno debe reflexionar sobre dónde decide poner su granito de arena”.

Ramírez comparte parte de esa reflexión, aunque introduce matices con respecto, por ejemplo, al personal técnico. “No señalaría a quienes trabajan en departamentos muy precarizados porque todos necesitamos sobrevivir. Otra cuestión son las caras más visibles del proyecto”, señala. “Ahí sí creo que existe un mayor margen para decidir y para plantearse si merece la pena participar en una historia que parte de un imaginario tan problemático para quienes vivimos aquí”.

Frente a esas posiciones aparece otra visión muy distinta. La periodista Noelia Ramírez, que recientemente publicó una columna en El País sobre este fenómeno, considera que centrar el foco sobre los actores puede desviar la atención del verdadero problema.

“El sector está muy mal pagado y no voy a criticar a quien acepta un trabajo para poder pagar el alquiler. Ojalá les hayan pagado muy bien. En una profesión tan precaria resulta complicado exigir a los intérpretes que asuman ese coste individual”, explica.

Este periódico se ha puesto en contacto con los representantes de Greta Fernández y Martiño Rivas para darles la oportunidad de dar su opinión. Los representantes de Rivas han comunicado que el actor está actualmente inmerso en otros proyectos y que por ahora no dará declaraciones al respecto de esta serie. Al cierre de este artículo, no se ha recibido contestación de los de Greta Fernández.

Cuando el rechazo también se convierte en publicidad

Paradójicamente, la enorme repercusión que ha tenido la polémica podría acabar beneficiando a la propia serie. La periodista Noelia Ramírez recuerda que, según la información publicada por medios especializados, la distribución inicial de La vida Barcelona parecía bastante limitada y estaba prevista, principalmente, para una plataforma neerlandesa.

“Con todo el boicot y todo el ruido que se ha generado, la serie ha conseguido una publicidad enorme”, apunta. “Tengo la impresión de que ahora es mucho más probable que alguna plataforma internacional termine comprándola”.

La periodista introduce además una reflexión que amplía el foco del debate. Durante décadas, explica, buena parte de la cultura occidental ha consumido relatos protagonizados por europeos o norteamericanos que viajaban a otros lugares para reinventarse. Novelas, películas y series ambientadas en Marruecos, Tailandia o Bali construyeron una mirada romántica sobre esos destinos sin prestar demasiada atención a quienes vivían allí.

Ahora, sostiene, Barcelona ocupa ese mismo lugar en el imaginario internacional. Quizá por eso la reacción haya sido tan intensa. Muchos vecinos sienten que, por primera vez, les toca ocupar el papel de quienes observan cómo su ciudad aparece retratada como el escenario perfecto para cumplir los sueños de otros.

Desde hace tres semanas es casi imposible escapar en Netflix de alguna promoción de Te encontraré. Su algoritmo la recomienda a todos los usuarios que entran en la aplicación de la plataforma, y desde su estreno se ha consolidado como el último fenómeno de la compañía. La miniserie de ocho episodios lleva en el primer lugar de las series más vistas desde su estreno con grandes datos de audiencia (que publica Netflix cada martes). No es de extrañar cuando uno ve que detrás del argumento se encuentra una novela de Harlan Coben.

Seguramente casi nadie haya oído hablar de Harlan Coben, y con la misma seguridad pocos habrán leído una de sus creaciones, aunque es un escritor con decenas de novelas publicadas y está considerado como uno de los mayores creadores de best sellers de la actualidad, de esas novelas de aeropuerto de consumo rápido. Sin embargo, lo que es prácticamente imposible es que alguien no haya visto al menos un episodio de una serie basada en sus libros.

Te encontraré, que cuenta la historia de un padre encarcelado injustamente por el asesinato de su hijo que logra escapar de prisión tras descubrir una fotografía que sugiere que el niño sigue vivo, es el último ejemplo. Y todas siguen los mismos patrones. Thrillers de tramas rocambolescas, imposibles, sin lógica aparente y que se lo juegan todo a giros aún más locos que dejan sorprendido al espectador. Lo ha demostrado en otros fenómenos del streaming como Safe, No hables con extraños y El inocente.

Lo curioso del fenómeno de Harlan Coben es cómo su estatus de prestigio o éxito se ha construido gracias a las adaptaciones de sus libros más que gracias a los propios libros. Y cómo todos los países donde se ha publicado han coqueteado con sus creaciones intentando aprovecharse de esas historias que de puro delirio acaban conquistando a los espectadores. Aunque ahora haya sido Netflix quien esté explotando la gallina de los huevos de oro —la plataforma tiene un acuerdo de exclusividad para adaptar sus libros desde 2018 y hasta tiene una categoría propia donde agrupa sus series y películas— fueron los franceses los primeros que se fijaron en Coben.

Fue en 2006, mucho antes de que Netflix lo descubriera y de que se convirtiera en un éxito. El cineasta francés Guillaume Canet adaptó una de sus novelas en el thriller No se lo digas a nadie. Tuvieron que pasar nueve años para que se produjera otra adaptación. Fue de nuevo en Francia, donde François Velle adaptó Última oportunidad en formato miniserie. Un año después llegaría el debut de Coben como creador de series. La británica The five contaba con él como guionista, pero no adaptaba ninguna de sus novelas, algo que sí hizo la francesa Solo una mirada en 2017 y, sobre todo la inglesa Safe, que en 2018 se convirtió en la primera vez que Netflix apostó por una de sus novelas. Su éxito fue lo que cambió todo.

¿De dónde sale Harlan Coben?

Según la biografía oficial de su editorial en España y la que circula por diferentes medios, Harlan Coben nació en Nueva Jersey en 1962 en el seno de una familia judía. Estudió ciencias políticas, y fue en el último año de universidad cuando decidió probar suerte como escritor. A los 26 años aceptaron su primer manuscrito, una novela donde ya apostaba por el suspense de título Sin un adiós, que salió a la venta en 1990. Sin embargo, fue su saga dedicada al personaje de Myron Bolitar, un exbaloncestista convertido en agente de deportistas de élite que acaba enredado en crímenes y asesinatos la que le hizo famoso y exitoso.

La primera entrega, Motivo de ruptura, llegó en 1995, y desde entonces su producción de nuevos episodios de la franquicia ha sido constante. Solo un año después publicó dos nuevos libros sobre Bolitar, personaje al que ha seguido explotando comercialmente hasta en 12 ocasiones. La última en 2024.

Según RBA ha vendido más de 50 millones de ejemplares en todo el mundo y sus libros se han colocado en la primera posición de los best sellers del New York Times, además de traducirse a más de 46 idiomas. Le describen como el único escritor ganador de los cuatro premios de misterio y novela criminal más importantes: el Edgar Award, el Shamus Award, el Anthony Award y el Premio RBA de Novela Policiaca. Como curiosidad, en una entrevista en Vanity Fair contó que trabajó de joven como guía turístico en Marbella.

Un éxito en muchas lenguas

Una de las peculiaridades del éxito de Harlan Coben, especialmente desde su llegada a Netflix, es que sus adaptaciones no se limitan al mercado anglosajón, sino que se han producido en muchos idiomas y países. Bosque Adentro y Ni una palabra se han hecho en Polonia, mientras que El inocente fue una de las series españolas más vistas. Oriol Paulo se trajo a Barcelona y a su universo la creación de Coben en una miniserie con Mario Casas, José Coronado y Aura Garrido. También Argentina ha caído a sus encantos, donde Miguel Cohan y Hernán Goldfrid se encargaron, en 2025, de Atrapados.

Todas forman parte del acuerdo de colaboración global con Netflix que firmó en 2018 para adaptar, al menos, 14 de sus novelas como series o películas. En todas ellas él entra como productor ejecutivo y supervisa los proyectos. La primera producción de ese acuerdo se estrenó en 2020, y desde entonces se ha convertido en uno de los focos de producción más importante para la empresa de la N roja.

Un acuerdo que se ha extendido de nuevo, pero que no es exclusivo. Harlan Coben también prevé de giros y thrillers a otras plataformas. De hecho, en Prime Video se pueden ver Refugio y Lazarus. Ambos títulos vienen acompañados de la frase ‘De Harlan Coben’, dejando claro que el autor ya es una marca reconocible para aquellos espectadores que quieran ver una serie de suspense con final sorprendente.

Eso sí, será Netflix quien estrene una de sus adaptaciones más esperadas, la que tiene que ver con su personaje más popular en las novelas, ese Myron Bolitar que ya tiene showrunners (David E. Kelley y Kyle Long) y reparto para sus papeles más importantes. Colin Woodell interpretará a Myron Bolitar, KJ Apa a Win Lookwood, y Diane Guerrero dará vida a Esperanza en una serie que será, sin duda, uno de los platos fuertes de Netflix en 2027.

El estreno de ‘Elle’, su serie precuela, coincide con un redondo aniversario, el de los 25 años desde que ‘Una rubia muy legal’ (Legally Blonde) llegara a los cines de todo el mundo y se convirtiera en uno de los éxitos inesperados de 2001, con un presupuesto inicial de 18 millones de dólares que se superó en cinco veces, con una recaudación que alcanzó los 95 millones.

Además de todo esto, la película supuso el estrellato definitivo de su actriz protagonista, Reese Witherspoon, que se convirtió en una de las interpretes mejor pagadas de Hollywood y que seguiría una carrera de éxito que la llevaría a ganar el premio Oscar en 2006. Más de dos décadas después, el filme sigue vigente y mantiene una segunda juventud que ahora revive con su precuela en Prime Video.

Reese Witherspoon no fue la primera opción para protagonizarla

‘Una rubia muy legal’ llegó a los cines en 2001, un año prolífico para el cine y también para el género de la comedia romántica, que semanas antes había tenido el estreno de otro clásico como ‘El diario de Bridget Jones’. Lo que pocos saben es que la historia de Elle Woods y su ascenso desde la universidad a graduarse en derecho, aunque todos la tomen como “la chica rubia tonta” está basada en una novela de Amanda Brown.

Sin embargo, entre el libro y la película hay un gran cambio, el de que la protagonista no se matrícula en la Universidad de Stanford. Pero esta diferencia se debe al hecho de que desde la universidad se negaron a que se grabara en ella o apareciera en la historia, al igual que sucedió con el plan B, la universidad de Chicago, así que finalmente fue otra entidad prestigiosa, la de Harvard, en la que Woods se graduaría.

La primera opción tampoco se cumplió en cuanto a la actriz protagonista se refiere. Si bien finalmente fue todo un éxito Reese Witherspoon como Elle Woods, la interprete no fue de las primeras que se consideraron, sino que vino después de una lista de tanteos que incluyó a nombres como Charlize Theron, Gwyneth Paltrow, Alicia Silverstone, Katherine Heigl, Christina Applegate, Jennifer Love Hewitt o Tori Spelling. Fue Witherspoon quien triunfó en el papel de la joven y que la aupó definitivamente en su carrera, pero además de todo ello, la actriz estipuló en su contrato quedarse con todo el vestuario y zapatos que vistiera su personaje en la película, del que, además, se hizo una Barbie inspirada debido a lo icónica que se volvió.

Para la preparación del papel, la actriz pasó dos semanas con una hermandad de universitarias, además de que se fijó en las clientas que entraban en la lujosa tienda Neiman Marcus para tomar referencias para Woods, que acudía a casi todos lados con su perrito chihuahua Bruiser, que en la vida real se llamaba Moonie y que falleció en 2016 con 18 años, una noticia que, además, se conoció gracias a la propia Witherspoon.

‘Una rubia muy legal’ no se quedó en cambios solo en lo que respecta a la universidad y la protagonista, sino también en su final. Y es que en un principio la película terminaba en el juicio, pero en los ‘test screenings’ que se hicieron el público pidió conocer más de Elle Woods y se grabaron nuevas escenas con ella y su interés amoroso al que daba vida Luke Wilson. Esto supuso trabajo de peluquería y ambos llevaron peluca, pues ella se había cortado el pelo para el rodaje de ‘La importancia de llamarse Ernesto’ y él se había rapado para ‘Los Tenenbaums’.

La película que despegó al estrellato a Reese Witherspoon

Tras el éxito de ‘Una rubia muy legal, Reese Witherspoon se consolidó como estrella en Hollywood y despegó una trayectoria que la hizo ser una de las actrices mejor pagadas, además de que la llevaría a lograr el premio Oscar por ‘En la cuerda floja’ en 2006. En los últimos años se ha convertido en un rostro habitual en televisión y plataformas, en parte por su trabajo en la productora ‘Hello Sunshine’ con la que ha acumulado un patrimonio de más de 400 millones de dólares.

Esto se debe a que Witherspoon se ha encargado de comprar derechos de novelas exitosas para adaptarlas al cine y televisión, en parte gracias a su famoso club de lectura ‘Reese’s Book Club’ fundado en 2017 y de cuya colaboración han salido éxitos que ha protagonizado como ‘The Morning Show’, ‘Big Little Lies’ o ‘Little Fires Everywhere’, así como otros títulos como ‘Todos quieren a Daisy Jones’.

A comienzos del verano de 2011, había una canción que se había colocado entre lo más escuchado y de lo que no se podía escapar durante todo ese mismo año, además de que aupó a lo más alto a su interprete, que luego tocaría también el número uno de todo el mundo con colaboraciones con Jennifer López, Enrique Iglesias o Christina Aguilera.

Hablamos de “Give Me Everything” de Pitbull, que era número uno en España hace 15 años, justo al comienzo del verano, en el que sonó como uno de los temas veraniegos, y que lo consolidó como una de las estrellas de la música de la década de los 2010, que certificaría con otros como ‘On the Floor’ o ‘Feel this Moment’.

El número 1 que consolidó el éxito de Pitbull

El mezclar el hip hop con el reggaetón hizo a Armando Christian Pérez, músico de Miami de ascendencia cubana más conocido como Pitbull, todo un número uno a nivel mundial, al generar un sonido original y característico que le llevó a acumular varios éxitos durante la década de los 2010, aunque su carrera había comenzado mucho antes, en 2004, con el lanzamiento de su primer disco 'M.I.A.M.I.'.

Sus primeros temas conocidos, sin embargo, llegaron entre 2008 y 2009 con “I Know You Want Me” y “Hotel Room Service”, que alcanzaron el top 10 de la lista Billboard Hot 100 y lo hicieron reconocido a nivel internacional. Aunque tendría que esperar hasta 2011 para que “Give Me Everything” lo consolidara como estrella musical y obtuviera el número 1 de la lista Billboard, rompiendo el récord de Adele con “Rolling in The Deep” y con la que puso fin a la racha de artistas femeninas en lo más alto, la segunda más larga de la historia hasta la fecha.

En canción contó con la colaboración del rapero Ne-Yo y la cantante y modelo Nayer, también de origen cubano, que acompañaron a Pitbull en las voces, y con una producción a cargo de Afrojack. El tema todo un fenómeno, no solo en Estados Unidos, sino a nivel internacional, con España incluida. Así, no extraña que su videoclip en Youtube haya sido uno de los que ha llegado a los mil millones de visualizaciones, entrando en el selecto club del ‘Billion Views Club’.

La cosa no se quedó ahí, pues en ese mismo 2011, Pitbull colaboró con Jennifer López en el que fue otro de sus éxitos más reconocidos, “On the Floor”, y con la que la artista revivió su carrera. A ella le siguieron colaboraciones con otros artistas como Enrique Iglesias con “I Like It”, que también llegó al top 5 de Billboard y “Feel This Moment” con Christina Aguilera, que grabada en 2011 no fue publicada hasta 2013.

Una segunda vida gracias a ‘Los Bridgerton’

“Give Me Everything” tuvo una segunda popularidad en 2024, cuando apareció en la primera parte de la tercera temporada de ‘Los Bridgerton’, que tiene como una de sus características el uso de canciones pop dentro de su trama de ficción histórica. La canción de Pitbull aparece en una de las escenas más memorables, cuando Colin y Penelope se encuentran en el carruaje.

De hecho, el artista no dejó escapar la ocasión para comentar este hecho en sus redes sociales: “Esto le demuestra una vez más al mundo que la música es el lenguaje internacional que trasciende fronteras y cómo una canción de éxito puede seguir siendo actual”, escribió a la vez que agradecía a Netflix la oportunidad.

El gran éxito que tuvo la serie de Netflix ‘The Crown’ sobre la monarquía británica, parece haber generado tendencia, ya no solo porque se haya decidido continuar con una especie de precuela, sino también porque en otras casas reinantes de Europa se están preparando proyectos similares que contarán la historia de monarcas de la era reciente.

En este caso, será una serie que hablará sobre un monarca reinante, Carlos Gustavo XVI de Suecia, de la dinastía Bernadotte, del que se está preparando una serie documental sobre su vida al estilo ‘The Crown’, y que recientemente ha celebrado su 80 cumpleaños con evento grande en el que España estuvo representada a través de la Reina Sofía.

Suecia tendrá su propio ‘The Crown’ con producción alemana

La monarquía sueca será la próxima en tener su propia serie, en la que se repasará los momentos más relevantes de la vida del actual monarca Carlos Gustavo XVI y de su esposa, la reina Silvia, que tomará el protagonismo principal considerando que va a recibir de título ‘The Queen Silvia’.

Y es que esta serie documental se trata de una producción de televisión alemana, país donde nació la reina Silvia, en concreto en la ciudad de Heidelberg en 1943, y de lo que se sabe actualmente es que comenzará centrándose en la historia de amor de los reyes suecos y su llegada al trono.

El rey Carlos Gustavo y la reina Silvia se conocieron en los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972, donde él acudió como representante de su país y ella trabajaba como azafata e intérprete, debido a su conocimiento amplio de idiomas, entre ellos el castellano. “Lo que comenzó como un encuentro casual entre la intérprete germano-brasileña Silvia Sommerlath y el joven príncipe heredero sueco Carlos se convirtió en una de las historias de amor reales más emblemáticas de Europa”, presenta así la ficción la productora Pyjama Pictures.

Los detalles que se conocen de la serie es que tendrá una duración de seis horas totales, sin saberse el número concreto de capítulos, y que se estrenará en Prime Video en Alemania, Austria, Suiza y los países nórdicos, mientras el canal SAT.1 la emitirá en abierto en la televisión alemana. Su rodaje se ha dado entre Múnich, Berlín y Estocolmo, y será distribuida de forma internacional por Beta Films, que ya tiene experiencia en el mundo ‘royal’ al haber ya distribuido ‘Máxima’ sobre la reina Máxima de Holanda.

Una condesa interpretará a la reina Silvia de Suecia

Otro de los detalles que se conoce de ‘The Queen Silvia’ es su pareja protagonista, con el actor Edvin Endre encargándose de dar vida al rey Carlos Gustavo, mientras la reina será interpretada por la condesa Alice von Rittberg, cuya familia perteneciente a la nobleza germana tiene unos orígenes que se remontan al siglo XVI.

Esto contrasta con el origen plebeyo de la propia Silvia de Suecia, hija del director de cine Walther Sommerlath y la brasileña Alice Soares de Toledo. De hecho, al principio de su historia de amor, la pareja tuvo que luchar ante el impedimento legal de que el heredero de Suecia se pudiera casar con alguien que no tenía sangre real ni origen noble.

Finalmente, Carlos Gustavo y Silvia lograron casarse y este pasado junio celebraron sus bodas de oro, su 50 aniversario. El matrimonio tuvo lugar el 19 de junio de 1976, que fue la primera boda de un monarca reinante en Suecia desde 1797 y en la que se estrenó la famosa canción de ABBA “Dancing Queen”, inspirada en la entonces recién casada.

El 9 de julio de 2026, Netflix estrena globalmente su nueva versión de La casa de la pradera, una de las series más vistas de la historia de la televisión. Por ahora la serie contará con ocho episodios de una hora bajo la batuta de Rebecca Sonnenshine como showrunner, respaldada por CBS Studios y Anonymous Content, y ya tiene confirmada una segunda temporada antes incluso de que el público haya visto el primer episodio. Así que, medio siglo después del estreno de la original en NBC, uno de los clásicos más reconocibles de la televisión mundial vuelve en una plataforma que no existía cuando Laura Ingalls se convirtió en un fenómeno global.

El legado de la serie original es muy amplio. La versión de NBC se emitió entre 1974 y 1983 con nueve temporadas y 204 episodios, y los libros de Laura Ingalls Wilder en los que se basa han vendido más de 73 millones de ejemplares desde la década de 1930. Además, la serie original registró más de 13.000 millones de minutos de visualización a nivel mundial solo en 2026, antes incluso del estreno de esta nueva versión.

No es un remake de los años 70, es una adaptación directa de los libros

La gran diferencia entre ambas es que la nueva version es una adaptación directa y realista de los libros originales de Laura Ingalls Wilder, y no una copia de la serie televisiva de los años 70. La descripción oficial la define como “parte de drama familiar, parte de relato épico de supervivencia y parte de historia de origen del oeste estadounidense”, una combinación que apunta a tener una mirada más cruda y honesta sobre la vida de los pioneros en el siglo XIX. La historia arranca con la familia protagonista abandonando Wisconsin para iniciar una nueva vida en Kansas, con más peso en la supervivencia y menos en el tono idílico que tenía la versión de Michael Landon.

A nivel técnico, cada episodio tiene una directora distinta, todas con trayectorias sólida sen el drama televisivo de calidad. Esta decisión busca aportar diversidad de estilos narrativos a una misma serie, algo inusual en una producción de este tipo. El reparto apuesta mayoritariamente por caras nuevas. Alice Halsey interpreta a Laura Ingalls, Luke Bracey da vida a Charles, Crosby Fitzgerald es Caroline y Skywalker Hughes interpreta a la hermana mayor Mary.

El regreso de Nellie Oleson, para la segunda temporada

La gran noticia para los fans ha llegado hace unas semanas. Según avanzó en primicia Deadline, la producción fichó a Willa Dunn para interpretar a Nellie Oleson en la segunda temporada. En la serie original, la archienemiga de Laura fue interpretada durante siete temporadas por Alison Arngrim, convirtiéndose en uno de los personajes más recordados y odiados de la televisión familiar de los 70. Dunn le dará una versión más compleja al personaje ya que seguirá siendo la antagonista de Laura, pero explorando también su vulnerabilidad interior y su deseo de construir vínculos reales.

La decisión de renovar para una segunda temporada antes del estreno de la primera dice mucho de la confianza de Netflix en el proyecto, y también de la dimensión del fenómeno que pretende recuperar. A partir del 9 de julio se verá si la pradera vuelve a conquistar al mundo con la misma fuerza que lo hizo hace medio siglo.

Pamela Anderson ha vuelto a la escena principal de Hollywood en los últimos años con proyectos que ha revitalizado con películas como ‘The Last Showgirl’ o ‘Agárralo como puedas’, donde coincidió con Liam Nesson, al que se le unió de forma sentimental.

El estreno de la serie ‘Pam & Tommy’ en 2022 devolvió a lo público uno de los momentos más polémicos de la vida de la actriz, pero que también llegó con su propia versión en el documental ‘Pamela: una historia de amor’ emitido en Netflix.

Con las primeras imágenes y el esperado estreno del reboot de ‘Los vigilantes de la playa’, la serie que la hizo famosa, han vuelto a hacerse virales unas declaraciones que Pamela Anderson realizó sobre uno de los actores de acción más famosos de Hollywood.

“Sylvester Stallone me ofreció un piso y un Porsche”

En el documental ‘Pamela: una historia de amor’, la actriz desveló la curiosa conversación que tuvo con una de las estrellas de Hollywood y cómo le ofreció ser “una de sus chicas”. Hablaba de Sylvester Stallone y lo llamativo fue lo que le ofreció:

“Recuerdo haber hablado con Sylvester Stallone una vez. Me ofreció un piso y un Porsche a cambio de ser su chica número 1. Y me quedé en plan: ‘¿Significa eso que hay una número 2?’ y el me respondió: ‘Es la mejor oferta que vas a recibir, cariño. Ya estás en Hollywood”.

Pero Pamela Anderson tenía claro que no es lo que buscaba en ese entonces y rechazó la propuesta del protagonista de ‘Rocky’: “Quería enamorarme de verdad. No deseaba nada menos que eso”. A pesar de esto, al salir, un representante del actor negó que esta conversación se hubiera producido: “Las declaraciones atribuidas a mi cliente son falsas e inventadas. El señor Stallone confirma que nunca realizó esas declaraciones”.

Sin embargo, Anderson ha mantenido siempre su versión, y llegó a enfatizar en ‘Watch What Happens Live’: “Bueno, ¿cómo me lo podría haber inventado? Ha sido algo muy específico”, aseguraba al haber estado en ese momento ella sola con el actor, sin testigos.

La nueva Pamela Anderson en el remake de ‘Los vigilantes de la playa’

Las palabras de la actriz han vuelto a ser tendencia cuando es noticia de forma indirecta porque se ha conocido quién será la actriz que forme parte del ‘reboot’ de la serie que la hizo famosa ‘Los vigilantes de la playa’, que se espera se estrene en enero de 2027 en la cadena Fox.

Lo que se sabe es que será una serie de 12 capítulos que combinará acción, y tendrá tanto nuevas caras como algunas que regresan de la famosa ficción televisiva que entretuvo a muchos frente a la pequeña pantalla, sobre todo en verano y que llega con el lema “Same beach, new blood” (misma playa, nueva sangre).

En ella, a Jessica Belkin se la conoce ya como la ‘nueva Pamela Anderson’, aunque dará vida a un personaje diferente, a Charlie Vale, hija biológica que no conoce el protagonista Stephen Amell, que a su vez es hijo de Mitch Buchannon, el legendario jefe de socorristas al que interpretó David Hasselhoff. Del elenco original queda David Chokachi, que era el ‘rompecorazones’ Cody Madison, y que ahora hará del veterano propietario del chiringuito oficial. Belkin forma parte también del elenco de otro ‘reboot’, el de la serie ‘Elle’, que es precuela de “Una rubia muy legal”.

La construcción del imaginario colectivo es fundamental en el desarrollo de las personas tanto a nivel individual como colectivo. La representación de lo que ocurre en la calle y en los hogares en el audiovisual, ya sean películas o series, genera un viaje de ida y vuelta que no necesariamente tiene efectos positivos. Precisamente por ello, es necesario seguir realizando un trabajo de análisis que permita detectar las carencias y valorar los logros sobre lo que vemos en pantalla –sea el tamaño que sea–.

El Observatorio en los Medios Audiovisuales (ODA) y el Instituto de la Juventud de España (INJUVE) han hecho lo propio en el informe La representación de las juventudes en el audiovisual español, presentado este lunes, que advierte que existe una desconexión entre la realidad de los jóvenes y su reflejo en las series y películas realizadas en nuestro país. El estudio ha analizado 1.870 personajes, de los cuales 590 son jóvenes. Estos se encuentran en 102 películas y 79 temporadas de 78 series de ficción.

El informe indica que existe una “sobrerrepresentación cuantitativa” de la juventud dado que, mientras esta supone aproximadamente un 15,6% de la población, en la ficción alcanza el 31,6% de los personajes, lo que conlleva a un “peso desproporcionado en pantalla”. Sin embargo, esta proliferación de papeles no conlleva a una “aproximación realista” a sus condiciones de vida. Las narrativas ignoran en gran medida problemáticas clave como la precariedad laboral, las dificultades de emancipación (solo el 15% de los jóvenes viven independizados y la edad media supera los 30 años) y la salud mental (el 54,7% ha experimentado problemas en el último año).

Un imaginario homogéneo y normativo

El informe concluye que el audiovisual español va un paso por detrás en la representación de la diversidad real de las juventudes: “Sigue construyendo un imaginario homogéneo y normativo, que simplifica y distorsiona esta pluralidad”. Como ejemplos destacan que pese a que la sociedad española cuenta con un 18,5% de jóvenes de origen extranjero, un 27,3% con al menos un progenitor migrante y un 14,9% que se identifica como LGTBIQA+; estos perfiles apenas se trasladan con complejidad a las narrativas.

En lo que respecta a la presencia de personas racializadas en pantalla, dentro de que se observa cierto aumento (hasta el 16,4% de los personajes jóvenes), esta representación pierde relevancia en los papeles protagonistas y continúa asociada a procesos de extranjerización o roles estereotipados. La representación de la diversidad de género sigue siendo muy limitada, con menos de 1% de personajes no binarios, restringiendo la visibilidad de identidades disidentes.

Adolescencia y cuerpos “perfectos”

El informe revela que la representación por género en los personajes entre 13 y 30 años es paritaria y que, de hecho, las mujeres incluso tienen más presencia en la ficción audiovisual, pese a que el porcentaje masculino es superior según las cifras de población que ofrece el Instituto Nacional de Estadística (INE). En el caso de las películas contamos con un 49,2 % de hombres, un 50,4 % de mujeres y un 0,4 % de personas no binarias. En las series la representación masculina desciende al 43,9 %, y aumenta la femenina con un 55,3 %, además de la no binaria al 0,8 %.

Al comparar con las cifras de todas las edades, en películas ellas suponen el 47% y en ficción seriada el cambio es más sustancial, al haber un 46,8 % de mujeres. Esto se debe principalmente a que, según envejecen, las mujeres van desapareciendo en pantalla, y que la mayor presencia de mujeres jóvenes está ligada a la belleza asociada a la juventud. ODA detecta que la división por géneros no se traduce en un amplio imaginario de feminidades y masculinidades, sino que, en su mayoría, se mantienen dentro de la normatividad, destacando la corporal.

Sexualidad y violencia

El estudio subraya que la ficción “no solo invisibiliza realidades estructurales, sino que además reproduce esquemas narrativos y simbólicos que condicionan la construcción social de la juventud”. En este sentido, predominan temáticas recurrentes como el deporte o las relaciones sexuales, en detrimento de otros más vinculados a la experiencia cotidiana, contribuyendo a una imagen parcial y sesgada. Este enfoque se vincula además con la reproducción de mandatos normativos en torno al cuerpo, la sexualidad o el éxito individual; dejando fuera experiencias como la citada diversidad corporal, la vida en entornos no urbanos y las trayectorias marcadas por la precariedad.

El informe recoge que la presencia de tramas sobre violencia sexual está expandida en elemplos como Ni una más, Las chicas de la estación, Nudes, Élite, Nevenka y HIT 3. Aunque no todas representan la cuestión de la misma forma, ODA destaca la centralidad de temáticas sobre abusos sexuales, acoso, violencia sexual y de género.

En este punto inciden en el terror sexual, haciendo alusión a Microfísica sexista del poder (2018) de Nerea Baroja, que explica cómo ante cada cambio en la percepción de la feminidad y la libertad sexual se generan narrativas que actúan como tecnologías de control para las mujeres. Así, ejemplos como Ni una más o Nudes, crean un imaginario sobre los peligros constantes de las relaciones de hombres con mujeres en la adolescencia, especialmente cuando son mediadas por las redes sociales.

Visiones simplificadas, normativas y adultocéntricas

A raíz de los datos del estudio, ODA e INJUVE concluyen que el audiovisual tiende a reforzar visiones simplificadas, normativas y adultocéntricas de la juventud. Esta brecha entre representación y realidad “no solo limita la visibilidad de la diversidad juvenil, sino que también condiciona la comprensión social de sus problemáticas y aspiraciones”.

Para ambas instituciones, el análisis “subraya la necesidad de impulsar cambios en la industria cultural orientados a generar relatos más complejos, inclusivos y conectados con las condiciones materiales y simbólicas de las personas jóvenes”.

La actriz Daveigh Chase ha muerto a los 35 años en un hospital de Los Ángeles tras ser ingresada por una meningitis y sufrir una sepsis que produjo su fallecimiento. La noticia la confirmó su representante, John Ryan Jr a los medios de EEUU. Ryan explicó a la BBC que Chase fue ingresada en el hospital por desnutrición antes de su muerte.

“Era genial. Le encantaban los gatos. Colaboraba con nosotros en el rescate de gatos. Era muy reservada”, contó al medio el que fuera su amigo y representante durante 15 años, que añadió que Chase había preferido rechazar películas de grandes estudios para trabajar en proyectos independientes.

Chase saltó a la fama en 2002 por interpretar a la hermana de Donnie Darko en el título de culto, y retomó el personaje en 2009, en una secuela que pocos vieron. Sin embargo, su papel más emblemático y recordado es el de Samara, la niña que salía del televisor en el remake que Hollywood hizo de The ring (2002) y que dirigió Gore Verbinski. Aquel espíritu que amenazaba a los protagonistas fue su papel con más repercusión.

Chase también triunfó como actriz de doblaje. Ella fue quien puso voz a Lilo en el filme animado de Lilo & Stich en 2002, así como en sus secuelas directas para televisión y los productos surgidos a posteriori, como videojuegos y series. También fue Chihiro en la versión inglesa de la película de Hayao Miyazaki El viaje de Chihiro.

En televisión se la pudo ver en éxitos como la serie Big Love, ya que participó en 32 episodios. Antes había hecho apariciones esporádicas en shows populares como CSI, Sin rastro o Caso abierto. Tras abandonar Big Love, sus papeles se redujeron y limitaron a pequeñas interpretaciones. De hecho, desde 2016 no aparecía en ninguna serie o película.

El cine y las series son el reflejo de la sociedad a la que representan. En los últimos años, los avances en feminismo, diversidad e integración de colectivos infrarrepresentados han hecho que aumenten el tipo de personajes en el audiovisual español. Pero, ¿es cierta esa tendencia o simplemente se ha aceptado que se avanza en el buen sentido? Para confirmar que los pasos se dan en el sentido correcto, el Observatorio de la Diversidad en los Medios Audiovisuales presenta cada año su informe ODA, que estudia esa representación respecto a variables como el género, la edad, la clase social, la raza o su pertenencia al colectivo queer.

En su estudio del año 2025 se han analizado 2.015 personajes en 125 películas y 91 temporadas de 89 series de ficción. Las conclusiones son que en esta ocasión se han encontrado con una “situación dicotómica respecto a la división por género”. En las películas hay un descenso del porcentaje de mujeres, con un 44,79% frente al 46,98% de 2024. Sin embargo, en las series ha aumentado, suponiendo las mujeres el 48,44 % del total de personajes, una cifra más elevada que el 46,75% del curso anterior. Por su parte, la representación no binaria ha caído a la mitad al pasar de 4 personajes a tan solo 2. Lo que, según el informe implica que “desgraciadamente su ya escasa presencia en pantalla ni siquiera estaba asentada, de modo que podría incluso desaparecer”. 

Creen que los datos muestran “un sesgo patriarcal que tiene su punta del iceberg en el desfase de representación entre realidad y ficción”. Y analizan como parte de ese iceberg la distribución por edades de los personajes femeninos. “Si demográficamente el porcentaje de mujeres aumenta según aumenta la edad, en el audiovisual ocurre lo contrario”, avanzan. El informe desvela que en edades más jóvenes, el número de mujeres llega a superar incluso a los hombres. Pero, según avanza la edad, los personajes masculinos se hacen más presentes.

“Como resultado, encontramos cifras similares de personajes masculinos y femeninos hasta la franja de entre 18 y 30 años, que se convierte en una amplia diferencia en la de 30 a 50, y que se acrecienta todavía más en la de mayores de 50. En definitiva, las mujeres se concentran sobre todo en la juventud, una restricción que no afecta a los hombres por igual”, analizan y ponen el foco en que una de las principales tramas que afectan a los personajes femeninos es la violencia sexual.

En las películas el número de personajes entre 18 y 30 años es casi igual. 114 mujeres, 119 hombres y 1 personaje no binario. La diferencia se agudiza cuando se pasa a la franja de 30 a 50 años, donde hay 213 hombres frente a 164 mujeres, y se agudiza cuando la edad pasa de los 50 años, donde solo hay 75 mujeres por 132 hombres. Además, el estudio subraya que las mujeres de más de 50 en el audiovisual lo hacen en personajes aislados, en comedias familiares o propuestas muy corales, también se muestra la vejez como algo a temer. 

En este informe han analizado también la clase como apartado propio, y los datos señalan que “la clase media predomina, englobando al 47,19% de personajes en las películas y al 48,34% en las series”. “Pero, en general, existe un desclasamiento, ya que pocas obras abordan el impacto real de las desigualdades económicas, con excepciones relevantes como Los tortuga, que demuestra cómo la clase condiciona todo, incluidos los procesos de duelo”, explican.

Estancamiento en la diversidad

En 2025, los personajes LGBTIQA+ representaron el 10,07% del total en el cine y las series, lo que supone un estancamiento respecto a 2024, cuando el porcentaje era del 10,11%. Pero a pesar de que las cifras no sean tan positivas, señalan como algo positivo que han aumentado los personajes que pasan el test de Vito Russo, un conjunto de normas que analiza si la representación queer es correcta o un mero adorno. Sin embargo, aunque más del 60% de los personajes queer son principales, menos de la mitad de ellos tienen una trama relacionada con algo que no tenga que ver con su identidad.

Hacen hincapié en que los personajes queer se concentran en pocas ficciones, lo que implica que en otras muchas no hay ningún tipo de diversidad. Además, se comprueba que se vincula lo queer con la juventud, aunque señalan como ejemplos positivos obras como Maspalomas o Mariliendre. Las narrativas más estereotipadas que muestran al colectivo como personas promiscuas pierden vigencia, aunque la mayor parte de historias se centran en temas como “la discriminación, el acoso y las relaciones afectivas, lo que limita el abanico de experiencias representadas en pantalla”.

Tampoco mejoran las cosas para los personajes racializados. En 2025 se encontraron, según el informe, 201, lo que equivale a tan solo un 9,98% y representa una caída de casi tres puntos porcentuales respecto a 2024. De nuevo, son los personajes latinos quienes tienen más representación, con un 40,67% del total. Les siguen los personajes negros, árabes, gitanos y asiáticos. Como punto positivo se señala el aumento de personajes gitanos en las series, aunque en casi todas las ficciones lo hacen en tramas “vinculadas con la criminalidad, las drogas y la cárcel”, insistiendo en el estereotipo hacia ellos.

El informe ODA detecta lo que han bautizado como fenómeno ‘Pepito Grillo’, es decir, personajes racionalizados cuya trama consiste en ser la voz de la conciencia en las tramas de los personajes blancos o que son ayudados por los salvadores blancos.

Entre los datos positivos del informe se encuentra el aumento en los personajes con discapacidad, que pasan del 3,2% de 2024 al 5,8% en 2025 y destacan que la salud mental cada vez está más presente en las tramas, así como el fenómeno que supuso la película Sorda, “que ha permitido llevar la discapacidad al centro de la conversación pública y explorar la sordera de la protagonista desde ángulos complejos y poco habituales”.

La tercera temporada de The Last of Us está en pleno desarrollo. Tras la emisión del último capítulo de la segunda temporada hace ya un año, que dejó sorprendidos a todos, la serie protagonizada por Pedro Pascal y Bella Ramsey está inmersa en la producción de su tercera parte. Las noticias sobre ella no dejan de llegar.

Hace unos días supimos que el rodaje, que empezó el pasado mes de marzo, estará interrumpido durante dos meses. ¿La razón? La Copa Mundial de Fútbol de 2026. Canadá es una de los tres anfitriones de la competición y Vancouver, una de las sedes. En esta ciudad se rueda gran parte de la serie de HBO, por lo que la productora ha decidido hacer un parón hasta que termine el torneo de fútbol. 

Tras la pausa por el Mundial, el rodaje continuará hasta finales de año para un estreno que está previsto para 2027. Aunque Neil Druckmann y Craig Mazin, creadores de la serie, no lo han confirmado, todo apunta a que los siguientes serán los últimos capítulos que podremos ver de The Last of Us.

Pero además del rodaje, ahora llega otra noticia, esta vez sobre el reparto. La serie basada en el famoso videojuego de Naughty Dog ha fichado a Peter Sarsgaard, según informó en exclusiva el medio Deadline. El actor, nominado al Emmy por Dopesick de Hulu y Presumed Innocent de Apple TV, interpretará a un personaje llamado Amon, líder de los Serafitas.

Qué esperar de la tercera temporada

Los Serafitas son un grupo de extremistas religiosos que tienen bastante importancia en el juego The Last of Us Part II, donde se presentan como una secta que vive bajo normas muy estrictas y hace un uso letal de la violencia. En el juego, Abby se alía con dos niños serafitas que han sido expulsados de la organización, Lev y Yara, por lo que se espera que esta organización tenga un papel bastante importante en los próximos episodios de la serie.

En este sentido, no está claro cuánto tiempo en pantalla tendrá Sarsgaard. De hecho, el personaje de Amon no existe como tal en el videojuego original, por lo que no hay apenas pistas sobre cómo se desarrollará su historia, ni tampoco sobre qué papel tendrá a lo largo de la trama. El actor es uno de los nuevos fichajes junto a Li Jun Li, Michelle Mao, Kyriana Kratter, Jason Ritter, Clea Duvall, Jorge Lendeborg Jr. y Patrick Wilson. 

Después de haber seguido el de Ellie (Bella Ramsey) para llegar a Seattle y poder matar a Abby (Kaitlyn Dever) como venganza por el asesinato de Joel (Pedro Pascal), esta tercera temporada será el momento de ver cómo fueron estos últimos días desde la perspectiva de la antagonista de esta historia postapocalíptica.

El pasado octubre la cantante Lily Allen volvía a la música con el lanzamiento del álbum ‘West End Girl’, cuyo lanzamiento abrió conversaciones sobre su vida personal debido a que muchos interpretaron varias letras como el relato del posible fin de su matrimonio con David Harbour, actor conocido por su papel en ‘Stranger Things’.

Reproches, dolor y supuestas infidelidades es lo que muchos pudieron leer en las canciones de Lily Allen que se veían como una referencia a su ex. El intérprete de Jim Hopper en la serie de Netflix ha roto su silencio meses después para dar su versión de los hechos.

Sobre ‘West End Girl’ de Lily Allen : “No fue mi experiencia”

El pasado otoño, David Harbour vivió un complicado momento personal al coincidir el final de ‘Stranger Things’ con el lanzamiento del disco de su exmujer, Lily Allen, en el que relata sus supuestas acciones que pusieron fin al matrimonio. Todo esto, además, en medio de una posible denuncia de acoso por parte de su compañera de reparto Millie Bobby Brown.

Un revuelo mediático en el que el actor se mantuvo en silencio hasta que ha decidido hablar de todo ello a través de una entrevista en Variety, donde asegura ante todo que respeta a su exmujer por mostrar su lado personal para hacer arte: “Fue extraño. Sí creo que es un privilegio de todo artista usar su experiencia para crear arte, y por eso la respeto por hacerlo”.

Sin embargo, no quiere dar detalles de nada más, porque asegura que quiere mantener su vida privada al margen: “No puedo decir mucho más porque es mi vida privada. A pesar de que mucha gente no me permite una, yo la valoro. Y también valoro las vidas de las personas con las que interactúo de manera privada. Simplemente no hablaré de eso”, explicó en el mencionado medio.

A pesar de ello, David Harbour sí que quiso dejar claro que se pueden dar diferentes perspectivas en una historia: “Las historias son complejas y por eso digo que respeto su creación de arte para canalizar su experiencia. No fue mi experiencia”. La propia artista también expresó en varias ocasiones que había usado “licencia artística” a la hora de crear varias canciones de su disco.

Admite que tuvo un conflicto con Millie Bobby Brown

En esta entrevista con Variety, el actor de ‘Stranger Things’ ha admitido que sí que pasó por un problema con Millie Bobby Brown: “Es sencillo. Fue simplemente un problema menor que, una vez que apartamos a todos y hablamos entre nosotros, todo está bien”.

Casi al mismo tiempo del lanzamiento del disco del álbum de Lilly Allen, se publicó en varios medios que la actriz lo había denunciado por acoso. Harbour enfatiza en que considera que hay mucha hipocresía a la hora de abordar conflictos en la industria, a la vez que repite que le une una relación familiar con su compañera de reparto, que interpreta a su hija en la ficción:

“Hoy en día, todo el mundo tiene mucho miedo de hablar de las cosas. La gente tiene mucho miedo de ser humana. Es una lástima, porque no sé cómo desenvolverme en este extraño mundo de los medios. Pero fue algo completamente normal, nos adoramos y siempre nos hemos querido”, concluyó.

Las salas españolas se encuentran actualmente en la Fiesta del Cine, donde existen varias opciones que van más allá de franquicias, sagas y biopic, con varios fenómenos que han sorprendido en la taquilla como ‘Backrooms’, que se ha colocado como la primera opción superando el millón de espectadores.

Pero entre las películas más vistas en España figura una que ha superado las expectativas, como es el caso del fenómeno del 'El asombroso circo digital', que en su primer día se colocó en lo más alto de la lista y ha terminado en su primer fin de semana en el top 5, por delante de ‘Michael’ o ‘The Mandalorian and Grogu’.

¿Qué es 'El asombroso circo digital' y de donde viene este fenómeno?

'El asombroso circo digital' que ha llegado a los cines es solo uno de los capítulos, aunque el más largo, del que forma parte esta serie online que fue creada por la animadora Gooseworx y producida por Glitch Productions. Se estrenó en 2023 de forma gratuita en YouTube y con el paso del tiempo ha pasado por ser un fenómeno viral con más de 1.000 millones de visualizaciones.

Su propuesta visual ha sido uno de los detalles detrás de su éxito, que le ha supuesto también premios como el Annie Award por su innovación, un reconocimiento que avala el éxito de espectadores logrado en tres años.

La historia sobre la que se desarrolla 'El asombroso circo digital' gira en torno a un grupo de humanos que se quedan atrapados en un mundo digital que está gobernado por una inteligencia artificial ‘malvada’ que los tiene a su merced.

Un estreno en cines que ha superado expectativas

'El asombroso circo digital' fue concebida desde su comienzo como una miniserie de nueve episodios, pero debido a su éxito, el estudio que la produce consideró que era buena idea un lanzamiento especial para el último en salas de cine, por eso tiene una duración de 93 minutos frente a los entre 25 y 30 minutos habituales.

Este estreno especial, sin embargo, se consideró que en un principio tendría una distribución limitada en cines, pero esto hizo que sus aficionados llegaran incluso a montar una campaña en redes sociales para ampliarlo. Así se pasó de 900 salas planteadas a 2.200 en Estados Unidos en total.

De esta forma, si bien se esperaba un buen número, las cifras de taquilla incluso han superado las expectativas, con 26,48 millones de dólares solo en su primer fin de semana en EE.UU, y que en España ha alcanzado ya los 493.000 euros cuatro días después de su estreno el 4 de junio.

‘The Amazing Digital Circus: El último acto’ se puede ver actualmente en cines, pero también será estrenado en YouTube y Netflix el próximo 19 de junio, con el que terminará la ficción que se ha mantenido activa de forma dosificada durante tres años.

Las teorías de predicciones que han tenido lugar en la serie de ‘Los Simpson’ circulan desde los inicios de internet y se han convertido también en contenido habitual en las redes sociales, que demuestran que los casi 40 años de emisión de la ficción creada por Matt Groening.

En este sentido, un acontecimiento grande de la talla del Mundial 2026 no podía escapar de una posible predicción de ‘Los Simpson’, en este caso relacionada con su final, pues los aficionados ya han hecho circular las dos posibles selecciones que la jugarían si traspasamos lo que pasó en la serie en un episodio estrenado hace casi 30 años.

La Portugal de Cristiano Ronaldo jugaría la final del Mundial 2026 según ‘Los Simpson’

Las teorías sobre predicciones de ‘Los Simpson’ son tan viejas como el propio internet y las redes sociales. Sus más de 800 episodios han dado para mucho, y en este caso un capítulo emitido en 1997 habría apuntado las dos selecciones que disputarían la final del Mundial 2026 que se juega entre Estados Unidos, México y Canadá.

En este episodio, el sexto de la temporada 9, titulado ‘La familia Cartridge’, comienza con la disputa de un partido en Estados Unidos para ver cuál de las que están jugando son “la nación más grande de la tierra”, y las dos que compiten son México y Portugal, que para muchos es una predicción de lo que sucedería el próximo 19 de julio en el estadio MetLife de Nueva Jersey.

La explicación no es más que el hecho de que Estados Unidos y la propia México son dos de las sedes del Mundial y que las coincidencias lo han resultado como un supuesto ‘vaticinio’. Además, si bien no es una de las máximas favoritas, que Portugal esté en la final no es descabellado para muchos, teniendo en cuenta la participación de Cristiano Ronaldo a sus 41 años.

Algunas predicciones famosas de ‘Los Simpson’

A falta de ver si realmente esta serie predijo la final del Mundial 2026, ya hay algunas que se han atribuido a lo largo del tiempo, como el hecho de que ya predijeron que Donald Trump llegaría a ser presidente de los Estados Unidos, en un capítulo emitido años antes de que fuera elegido.

En temática deportiva, aunque relacionada con la música aparece que Lady Gaga realizará un espectáculo aéreo en ‘Los Simpsons’ años antes de que en la vida real se le encargará el ‘halftime’ de la Super Bowl.

El estreno de ‘The Mandalorian and Grogu’ ha tenido una acogida más tibia de lo esperado, con una recaudación que, si bien se acerca a los 300 millones de dólares que costó. Las críticas han sido mixtas, elogiando la banda sonora o la actuación de Pedro Pascal, mientras la trama o la acción ha sido lo que peor crítica ha recibido.

Esto, sin embargo, no hace que la franquicia ‘Star Wars’ decaiga y se mantienen los planes de estrenos, tanto en cine y televisión, con nuevas estrellas que se incorporan al universo como es el caso de Ryan Gosling o series de todo tipo para Disney plus.

‘Star Wars Visions – El noveno Jedi’

No habrá que esperar mucho para el próximo estreno, pues llegará en algún momento de 2026, con la serie anime de ‘Star Wars visions’ que está basada en el aclamado cortometraje. En él, se sitúa la acción después de ‘El ascenso de Skywalker’, mostrando a la Orden Jedi prácticamente desaparecida y es entonces cuando aparece un herrero llamado Lah Zhima, que construye seis sables para restaurarla, pero será capturado por los Sith. Entonces su hija, Kara, decidirá completar la misión de su padre emprendiendo un peligroso viaje.

‘Star Wars: Starfighter’

Pero es, sin duda, esta nueva película original la que despierta mayor interés. Ryan Gosling y Amy Adams debutan en el universo ‘Star Wars’ con una historia desarrollada con guion de Jonathan Tropper, que se ambientará cinco años después de ‘El ascenso de Skywalker’ y en la que Gosling es un piloto que tiene que proteger a un joven frente a peligrosos enemigos. Estará dirigida por Shawn Levy y se estrenará en mayo de 2027.

Segunda temporada de ‘Ahsoka’ y ‘Star Wars: Maul – Señor de las Sombras’

La segunda temporada de la serie llegará a Disney + a principios de 2027. En ella, Rosario Dawson se pondrá en la piel de la rebelde y experimentada Jedi junto a su aprendiz, Sabine Wren, que siguen atrapadas tras la reaparición del villano Gran Almirante Thrawn, y cuya historia quedó pendiente de continuar.

Otra serie que espera su estreno de nueva temporada en plataforma es ‘Star Wars: Maul – Señor de las Sombras’, en la que se podría profundizar en las acciones de Maul antes de su enfrentamiento final en Star Wars Rebels y expandir la historia insinuada en ‘Solo’.

Los proyectos de ‘Star Wars’ que vienen

Además de todo esto, a la franquicia de ‘Star Wars’ hay que sumar cuatro películas anunciadas con directores de renombre que desarrollarían historias dentro de este universo, uno de ellos un largometraje por parte de Dave Filoni, máximo mandatario en Lucasfilm, que se espera gire en torno a la Nueva República y que culminará las historias interconectadas de las distintas series.

Pero además de esta también hay una anunciada que será dirigida por James Mangold, que indagará en el pasado remoto de los Jedi y el origen de la fuerza, así como la de Sharmeen Obaid-Chinoy, que dirigirá una historia escrita por Steven Knight y que retomaría donde se quedó el Episodio IX, siendo así el primer largometraje después de la última trilogía. Además de todas estas, Taika Waititi también será director de un próximo estreno de ‘Star Wars’, además de guionista junto a Krysty Wilson-Cairns. Estas cuatro películas sin fecha de estreno prevista.

Mucho había llovido desde que Bram Stoker publicó su obra maestra cuando Anne Rice (Nueva Orleans, 1941 - Rancho Mirage, California, 2021), por entonces una escritora en ciernes que acababa de perder a su hija de cinco años por una leucemia, decidió escribir una novela sobre vampiros. Entrevista con el vampiro (1976), cuyo éxito fue fulgurante, dio comienzo a un ciclo que sumaría un total de trece volúmenes, Crónicas vampíricas (1976-2018), que no hay que confundir con la saga homónima de L. J. Smith. La autora, que durante el intenso proceso de redacción se documentaba de día y escribía de noche, se alejó del arquetipo de Drácula (1897) e introdujo un nuevo modelo de vampiro en la cultura popular que influyó en autoras como Stephenie Meyer o Charlaine Harris.

En España, la publicación estuvo en manos de Ediciones B, con traducción de Marcelo Covián Fasce. No obstante, es probable que muchos conozcan la obra no por el original de Anne Rice, sino por la adaptación de 1994 a cargo de Neil Jordan, que inmortalizó a unos jóvenes Tom Cruise, Brad Pitt, Antonio Banderas y Kirsten Dunst como los cuatro vampiros protagonistas, unas criaturas de aspecto andrógino y sensual que cautivaron al público juvenil y establecieron, con su estética gótica, un nuevo paradigma del género.

De forma más reciente, en 2022, se hizo una serie de televisión dirigida por Rolin Jones y este lunes 8 de junio AMC+ estrena El vampiro Lestat, adaptación del segundo volumen de Crónicas vampíricas en el que el inmortal al que hace referencia el título se convierte en estrella del rock. De un modo u otro, su historia sigue presente cincuenta años después de su publicación, por lo que merece la pena analizar algunas claves de esta reinvención del mito.

Quién inventó al vampiro

En su origen, y aunque cada cultura tiene sus variantes, el vampiro se presentaba como una criatura siniestra, poco más que un monstruo macabro que atacaba con saña a unas víctimas inocentes. Durante la Edad Media, a raíz de las grandes epidemias, arraigó en el folclore europeo la figura del vampiro ligada a personajes históricos, que dio lugar a numerosas supersticiones y acusaciones. Sin embargo, fue en la región de Transilvania donde se fraguó el mito que ha moldeado el imaginario occidental, gracias al legendario príncipe Vlad III de Valaquia, el Empalador, la base del Conde Drácula de Bram Stoker. Un vampiro cruel y poderoso que se debilita con el sol, el ajo y los crucifijos.

Junto con Drácula (1897), hubo dos títulos en la literatura moderna que asentaron esta figura: el cuento El vampiro (1816), del malogrado John Polidori –que surgió en aquel emblemático verano en Villa Diodati orquestado por Lord Byron que también inspiró el Frankenstein (1818) de Mary Shelley–, y Carmilla (1872), de J. T. Sheridan Le Fanu, inspirada en la legendaria condesa Elizabeth Báthory, a quien se atribuye la tortura y la muerte de miles de chicas jóvenes, de quienes se decía que extraía la sangre para usarla como antídoto de belleza, una suerte de fuente de la eterna juventud.

Esos vampiros decimonónicos ya tenían un lado seductor, que Anne Rice potencia con sus libros. Entrevista con el vampiro parte de la táctica clásica del personaje que cuenta su historia a un interlocutor que solo interviene de forma tímida al comienzo y al final del relato –como Frankenstein, a propósito– para contar la vida de Louis de Pointe, un vampiro de más de cien años. Su periplo comenzó en Nueva Orleans en el siglo XVIII, cuando era el propietario de una plantación. La muerte de su hermano menor le sumió en una crisis, y en ese estado se cruzó en su camino el misterioso Lestat de Lioncourt, un vampiro que lo convierte en uno de los suyos, y con quien vive un intenso romance a lo largo de un siglo.

Criaturas de la noche sureña

Los vampiros de Anne Rice siguen ligados a la noche, la transgresión y la sangre, pero ni el ajo, ni las estacas, ni la luz los dañan. La autora introduce variaciones con respecto al modelo europeo; del mismo modo, el escenario difiere también del paraje donde vive el Conde Drácula: una plantación del sur de Estados Unidos, que da pie a tratar la cuestión de la esclavitud, las supersticiones y los rituales del lugar. En cierto punto de la historia, los protagonistas viajan a Europa en busca de sus ancestros. Allí, entran en escena otros vampiros, con particularidades diferentes en sus costumbres, como el seductor Armand, que enreda todavía más el conflicto amoroso.

La principal novedad, con todo, es la “humanización” del vampiro, al menos del recién convertido Louis: a diferencia de Lestat, que se alimenta de sangre humana, lo hace con animales; como harán sus homólogos de Crepúsculo (2005), de Stephenie Meyer. Su nueva condición le genera un problema moral: su mente sigue funcionando según los valores de la sociedad humana, pero el cuerpo, el instinto, lo empuja en una dirección que no le gusta, porque, para él, matar sigue siendo un pecado. En su intento por no degradarse, se reprime, pese a la tensión constante en la que vive.

El hecho de conseguir que los vampiros resulten, además, sensuales y atractivos, tiene algo que ver con esta dimensión psicológica: es necesario dotarlos de personalidad, de matices, de sombras, para que fascinen al lector y no sean meros monstruos matarifes. La atracción, los remordimientos, la culpa, la tentación o el trauma son algunas de las emociones que experimentan, y que hacen del libro una novela llena de pasiones, unas pasiones que también despierta —en un polo u otro: las críticas nunca fueron unánimes— en los lectores. Y, por supuesto, está la erotización del vampiro, aquí un ser asexuado para el que no existen tabús cuando se trata de amar.

La palabra “tóxico” se quedaría corta si tuviéramos que juzgar el tipo de relación que establecen los personajes. Buena parte de la polémica que rodea la obra se debe, no en vano, a todas las fronteras que cruza, como el homoerotismo o, incluso, cierta pederastia al introducir el personaje de Claudia, una vampira convertida a los cinco años, que madura como cualquier mujer pero que mantiene el mismo cuerpo, que no crece ni crecerá; otro ejemplo del sufrimiento que padecen estos vampiros. Y hay, además, triángulos, alianzas entre amantes y tentativas de venganza; todo gira en la corriente de un amor obsesivo, que en un periodo tan largo da tantos giros que el interés del lector no decae.

Y, cuando se habla de amor, hay que hablar también de soledad. La herida incurable del vampiro, una criatura que se siente tentada por la inmortalidad para luego descubrir que, en la práctica, trae más desdicha que placer. La naturaleza eterna, además, frustra sus pretensiones de romper por completo con el otro cuando la situación no es grata. Y, en otro orden de cosas, los empuja a matar a más humanos, en un intento desesperado por tener compañía. El vampiro es, desde esta perspectiva, un ser débil, impulsivo, voluble, con un profundo dolor enquistado imposible de sanar.

Entrevista con el vampiro es una novela oscura, porque oscuras eran las circunstancias de la autora cuando la escribió: sumida en una grave depresión por la pérdida de su hija, el libro, que tuvo su origen en un relato escrito años antes, fue un refugio y a la vez tuvo un efecto catártico en ella. De algún modo, su inclinación por los extremos —la soledad y el apego enfermizo, la muerte y la pulsión sexual, el amor y la destrucción, la culpa y el castigo, la carnalidad y el espíritu, la lujuria y la moral— actúa asimismo sobre el lector como la buena narrativa gótica, que a través de la ficción, de las atmósferas lúgubres, la pasión encendida y los escenarios tétricos, canaliza el lado más turbio del ser humano.

Y es que los vampiros, como los zombis, son las criaturas que mejor parecen captar el aire de estos tiempos: seres narcisistas, atractivos en la apariencia y seductores por sus promesas, pero atormentados consigo mismos y chupópteros con los demás. La estética sórdida de su mundo no deja de ser un reflejo de su alma doliente y pérfida, que ejerce tanta fascinación como miedo. Nadie quiere toparse con un “vampiro” de carne y hueso, pero disfrutarlo en los mundos de la imaginación es, nunca mejor dicho, otra historia. Y, además de las nuevas versiones que llegan a las librerías y al cine, esta Entrevista con el vampiro de Anne Rice, convertida ya en todo clásico moderno, sigue siendo una lectura capaz de levantar pasiones entre los lectores, para bien o para mal.

La conocimos en la serie ‘Juego de Tronos’ por dar vida a uno de los personajes más icónicos de la ficción de HBO, Daenerys Targaryen, pero Emilia Clarke no tuvo la misma suerte con su participación en otras franquicias de éxito como Marvel, Star Wars o Terminator, algo que ha reconocido la propia actriz en una reciente entrevista.

La interprete británica, actualmente promocionando la película independiente ‘Next Life’, ha repasado con sinceridad su trayectoria profesional, no solo los fracasos que tuvo en grandes sagas, sino también los problemas que atravesó en ‘Juego de Tronos’ y cómo esto le cambió la vida.

 ‘Taquillazos’ y fracasos su paso por Marvel o Star Wars

El participar en franquicias de éxito en el cine no siempre ha significado un paso hacia adelante en la carrera de algunos intérpretes, y en eso Emilia Clarke es un ejemplo. Después de que ‘Juego de Tronos’ la lanzara al estrellato, la actriz británica no tuvo un camino de rosas, y sobre ello reflexionó en una entrevista reciente con Variety.

En ella, la intérprete confirmó lo que piensa sobre su participación en el Universo Marvel: “No creo que a nadie le gustara Invasión Secreta, chicos. ¡Lo siento!”, aseguró sobre su papel en la serie sobre Nick Furia en la que interpretaba a G'iah, hija de Talos, que lucha contra los alienígenas que quieren conquistar la Tierra, y que no tuvo buena acogida a pesar de su elenco formado también por Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Olivia Colman y Kingsley Ben-Adir.

Una experiencia similar fue lo que tuvo en su incursión en las franquicias de cine como ‘Star Wars’ o ‘Terminator’, que no acabaron siendo dos proyectos que calaran dentro de las sagas reconocidas y que tuvieran buenas críticas, todo ello, aunque siguen siendo los dos mayores éxitos de taquilla de la actriz británica, con 275 millones y 440 millones de dólares recaudados respectivamente. “¿Star Wars? No les gustó. ¿Terminator? Eso nunca debería haber pasado”, señaló al respecto.

Sin embargo, Emilia Clarke fue más allá y fue sincera al expresar su opinión y papel en proyectos complejos cuando tienen tantas expectativas e historia detrás: “Entré en franquicias ya existentes, así que cuando no funcionan, no es personal. Mi conexión con un proyecto termina cuando dicen 'fin de rodaje' porque no me corresponde decidir qué pensará la gente de él”, explicó a Variety.

Dos hemorragias cerebrales cambiaron su criterio

La actriz que dio vida a Daenerys, también conocida por su participación en las comedias románticas ‘Antes de ti’ (Me Before You) y ‘Last Christmas’, aseguró en la misma entrevista que su criterio ha cambiado con el paso del tiempo y eso se debe a que prioriza otros proyectos que le aportan más satisfacción personal y mejor impacto positivo en la recuperación de sus lesiones cerebrales.

Y es que Emilia Clarke sufrió dos hemorragias cerebrales durante el rodaje de ‘Juego de Tronos’ y esto la marcó. De hecho, fundó la organización ‘SameYou’ junto a su madre en 2019 en la que ayuda a las recuperaciones de personas afectadas por daños cerebrales, a las que se acompaña en el proceso, además de colaborar con médicos y académicos para desarrollar nuevas terapias.

Lo que le sucedió le hizo también reflexionar sobre el valor de la fama, de lo verdaderamente relevante para el éxito profesional: “Me daba vergüenza admitir que no ganar un Emmy fue algo realmente importante. Ahora me siento muy afortunada de poder ser una productora real y de intervenir en conversaciones importantes”, concluyó anunciando un nuevo camino que podría explorar en su trayectoria.

En Baker Street, en las novelas y en las pantallas, el mismo nombre vuelve una y otra vez: Sherlock Holmes, el detective de la lógica implacable, la pipa encendida y el abrigo arrastrado por el viento londinense. Detrás de él, casi siempre relegado a un segundo plano, aparece Arthur Conan Doyle, escritor y médico nacido en Edimburgo el 22 de mayo de 1859 (hace 167 años), que quiso ejercer la medicina, viajó por mar, se interesó por el espiritismo y denunció distintos abusos de su tiempo, pero que terminó pasando a la historia por haber creado a uno de los personajes más reconocibles de la cultura popular.

Pocos podían imaginar entonces que aquel detective concebido entre relatos victorianos y calles envueltas en niebla terminaría convirtiéndose en uno de los personajes más adaptados de la ficción contemporánea. Más de un siglo después, Holmes sigue vivo no solo en las novelas originales, sino también en películas, series, miniseries, animaciones y plataformas de streaming que han reinterpretado al detective una y otra vez, a veces desde la fidelidad al canon y otras desde la reinvención más radical.

Cada aniversario relacionado con Conan Doyle se convierte también en una excusa para recorrer la evolución audiovisual de Sherlock Holmes: desde el cortometraje mudo de principios del siglo XX hasta las producciones contemporáneas protagonizadas por Benedict Cumberbatch, Robert Downey Jr. o Hero Fiennes Tiffin. A lo largo de ese recorrido, el detective se ha transformado constantemente, adaptándose a los miedos, obsesiones y códigos culturales de cada época.

Del cine mudo al Sherlock clásico de Basil Rathbone

La presencia de Sherlock Holmes en el cine comenzó muy pronto. En 1900 apareció Sherlock Holmes Baffled, un breve cortometraje estadounidense considerado la primera aparición filmada documentada del personaje. Aunque apenas supera el minuto de duración, la pieza ya anticipaba algunos elementos visuales que terminarían formando parte de la iconografía del detective.

En 1922 llegó una de las grandes referencias del periodo silente: Sherlock Holmes, protagonizada por John Barrymore. Con la consolidación del cine sonoro, la imagen clásica del detective quedó estrechamente vinculada a Basil Rathbone y Nigel Bruce, que interpretaron a Holmes y Watson entre 1939 y 1946 en títulos como The Hound of the Baskervilles, The Adventures of Sherlock Holmes o Sherlock Holmes in Washington. Las fichas de estas producciones y sus repartos aparecen recogidas en bases de datos cinematográficas e historiales audiovisuales posteriores.

Durante las décadas siguientes, el personaje siguió multiplicándose en cine y televisión mediante nuevas adaptaciones, parodias y reinterpretaciones. Christopher Lee, Peter Cushing, Robert Stephens, Christopher Plummer o Ian McKellen figuran entre los actores que acabaron encarnando distintas versiones del detective en producciones británicas e internacionales. Incluso Michael Caine participó en una reinterpretación humorística del universo Holmes en Without a Clue.

La televisión británica convirtió a Holmes en canon

Si el cine ayudó a popularizar el personaje, la televisión británica terminó consolidando una imagen casi definitiva del detective. En los años sesenta, la BBC produjo varias adaptaciones protagonizadas primero por Douglas Wilmer y posteriormente por Peter Cushing, series que todavía figuran en registros históricos de programación y bases de datos audiovisuales.

Sin embargo, la adaptación que marcó a varias generaciones fue la realizada por Granada Television entre 1984 y 1994 con Jeremy Brett como Holmes. La serie, basada de manera muy cercana en los relatos originales de Conan Doyle, convirtió al actor británico en una referencia casi inseparable del personaje. Las aventuras producidas durante aquella etapa aparecen ampliamente documentadas en archivos audiovisuales, catálogos televisivos y plataformas especializadas.

La producción fue considerada durante años una de las aproximaciones más fieles al espíritu literario de Conan Doyle, especialmente por la interpretación obsesiva y minuciosa de Brett, cuya figura continúa siendo central en buena parte del imaginario sherlockiano contemporáneo.

El salto al siglo XXI y las plataformas globales

En el siglo XXI, Sherlock Holmes volvió a transformarse para adaptarse al lenguaje audiovisual contemporáneo. La BBC lanzó en 2010 Sherlock, creada por Steven Moffat y Mark Gatiss, una reinterpretación ambientada en el Londres moderno con Benedict Cumberbatch como detective y Martin Freeman en el papel de Watson.

La serie convirtió los casos clásicos en relatos contemporáneos atravesados por teléfonos móviles, redes digitales y terrorismo global, pero manteniendo intacta la lógica deductiva del personaje. Su éxito internacional ayudó a introducir nuevamente a Holmes entre el público joven y consolidó el modelo de episodios largos concebidos casi como películas televisivas.

Casi al mismo tiempo, CBS desarrolló Elementary, una reinterpretación ambientada en Nueva York con Jonny Lee Miller como Holmes y Lucy Liu como una versión femenina del doctor Watson. La serie reformuló la relación clásica entre ambos personajes y trasladó el universo sherlockiano al formato procedimental estadounidense.

El personaje también regresó al cine comercial con las películas dirigidas por Guy Ritchie y protagonizadas por Robert Downey Jr. junto a Jude Law como Watson. Sherlock Holmes (2009) y Sherlock Holmes: A Game of Shadows (2011) apostaron por una versión más física, acelerada y espectacular del detective, alejándose parcialmente del canon clásico victoriano para acercarlo al blockbuster contemporáneo.

La expansión reciente del universo sherlockiano también incluye Young Sherlock, una nueva serie producida para Prime Video y vinculada creativamente a Guy Ritchie, centrada en la juventud del detective antes de convertirse en el investigador conocido mundialmente. La ficción, protagonizada por Hero Fiennes Tiffin en el papel de Holmes, adapta las novelas juveniles de Andy Lane y apuesta por una versión más aventurera y formativa del personaje, reflejando cómo el detective continúa adaptándose a nuevas generaciones y formatos audiovisuales. Recientemente la plataforma confirmó que se realizará la segunda temproada de la serie.

Japón, animación y nuevas mutaciones del detective

El personaje también terminó expandiéndose hacia territorios muy alejados del canon victoriano. Uno de los ejemplos más conocidos fue Sherlock Hound, la serie animada japonesa de los años ochenta vinculada al entorno creativo de Hayao Miyazaki, donde Holmes y Watson aparecían convertidos en personajes antropomórficos.

Con el paso del tiempo, las reinterpretaciones continuaron multiplicándose: desde versiones humorísticas hasta adaptaciones juveniles, spin-offs centrados en Watson o producciones futuristas que apenas conservan algunos rasgos esenciales del detective original. IMDb mantiene registradas cientos de créditos audiovisuales relacionados con Arthur Conan Doyle y los personajes creados en sus relatos.

La dimensión cultural alcanzada por Sherlock Holmes también aparece reflejada en exposiciones y archivos dedicados específicamente a la obra de Conan Doyle. La Biblioteca Nacional Mariano Moreno recordaba en una muestra dedicada al escritor escocés que Holmes se convirtió en “el detective de ficción más importante y famoso de la literatura universal” y uno de los personajes más trasladados al cine y la televisión.

Conan Doyle nunca logró escapar del todo de Holmes

La paradoja es que Arthur Conan Doyle mantuvo siempre una relación ambivalente con el personaje que le dio fama mundial. El escritor intentó alejarse en distintos momentos de Sherlock Holmes para centrarse en novelas históricas, ciencia ficción o ensayos sobre espiritismo, pero el detective terminó eclipsando buena parte de su obra.

El propio curador de la exposición Los libros de sir Arthur Conan Doyle resumía esa tensión explicando que Holmes terminó convirtiéndose “en un antagonista de su propia vida”. Conan Doyle llegó incluso a matar al personaje en los relatos, antes de recuperarlo posteriormente por la presión de los lectores.

Más de cien años después de su creación, Sherlock Holmes sigue reapareciendo en nuevas películas, series, videojuegos y plataformas digitales. Cambian el formato, el contexto histórico y el rostro del actor que lo interpreta, pero el detective continúa regresando una y otra vez al mismo lugar del que nunca ha terminado de desaparecer: Baker Street.

Tras 12 años y 8 temporadas en pantalla, ‘Outlander’ se ha despedido con la emisión de su capítulo final este fin de semana y pone fin a la que ha sido una de las series principales del drama romántico e histórico en televisión y plataformas, con el prestigio conseguido con varios premios Saturn Awards, People's Choice Awards y nominada en varias ocasiones a Globos de Oro y Emmy.

Caitriona Balfe, como protagonista de la serie en el papel de Claire, se han ganado el reconocimiento individual con un premio BAFTA, dos Saturn, dos People’s Choice y cuatro nominaciones en total en los Globos de Oro. Pero con el final de la historia de Claire y Jamie Fraser, ¿qué van a hacer los fans de la ficción ahora que terminó? Hay varias propuestas que pueden ayudar a superar el ‘duelo’.

“Outlander: Sangre de mi sangre” (2025-)

Es la opción más evidente. Antes del estreno de la última temporada de ‘Outlander’, este verano nació su precuela oficial, en la que se cuenta de forma paralela la historia de amor de los padres de Jamie en la Escocia de los clanes y la de los padres de Claire en el contexto de la Primera Guerra Mundial. Protagonizada por Harriet Slater, Jamie Roy, Hermione Corfield y Jeremy Irvine.

“Poldark” (2015-2019)

Si nos salimos del universo de ‘Outlander’, la serie más similar por argumento y tono es ‘Poldark’, que se centra en la vida de un soldado británico durante el siglo XVIII. Ross Poldark, su protagonista, tiene que volver a su casa y construir su vida en la Inglaterra rural de entonces. Es un drama romántico e histórico también, con un contexto social diferente, pero que puede conectar en cierta manera con lo que vemos en la serie basada en los libros de Diana Gabaldón.

“Beforeigners” (Los Visitantes) (2019-2022)

Esta serie noruega de dos temporadas es una historia de ciencia ficción que, al igual que ‘Outlander’ también gira en torno a viajes en el tiempo, aunque en este caso son personajes del pasado los que viajan al presente. En concreto una antigua guerrera vikinga que se ve en el año 2020, lo que la conecta con una trama de suspense y acción que ha sido aplaudida por la crítica. Está disponible en HBO Max.

“Shogun” (2024- )

Si se quiere seguir en el género del drama histórico, una opción interesante y que sale de la historia del mundo occidental es la que ofrece la serie ‘Shogun’ de FX y disponible en Disney plus. Basada también en una novela y tiene como protagonista al marino inglés William Adams, que naufraga en Japón y debe comenzar su vida en una tierra cuya cultura le es desconocida. En los premios Emmy 2024 hizo historia al conquistar 18 estatuillas de 25 nominaciones.

“El ministerio del tiempo” (2015-2020)

Si mencionamos los viajes en el tiempo y el argumento histórico, la serie española que nos sale es ‘El ministerio del tiempo’, que se emitió durante cinco años y cuatro temporadas en RTVE y que sigue disponible en su plataforma RTVE Play, pudiéndose ver también en HBO Max.

Ha sido, además, una de las ficciones nacionales con más seguidores de los últimos años, con un argumento que gira en torno a personajes que trabajan en un ministerio secreto del Gobierno de España en el que tienen que evitar y controlar que no haya cambios en acontecimientos de la historia de España, así como no pueden dejar que alguien del pasado llegue al presente y viceversa.