El Día Mundial de Los Simpson se celebra oficialmente cada 19 de abril desde 2017. Esta fecha fue instituida para conmemorar el 30 aniversario de la primera aparición de la familia en televisión, el 19 de abril de 1987 en el corto ‘Good Night’ dentro de ‘The Tracey Ullman Show’. Es decir, desde hace casi diez años, la familia más famosa de Springfield cuenta con su propia efeméride, una celebración que se replica en cada rincón del mundo, con millones de fans desde que comenzara la emisión de su primer capítulo.

Desde entonces Los Simpson se ha convertido en la serie de animación más aclamada de la historia de la televisión, con un poso único en la cultura popular y en la iconografía audiovisual, hasta el punto de que sigue captando seguidores entre las generaciones más jóvenes.

Se trata de una constante suma de adeptos que siguen las diatribas de Homer, Marge, Lisa, Bart, Maggie y un sinfín de personajes, algunos tristemente desaparecidos, que durante casi cuatro décadas no han dejado de sorprender por sus ácidos diálogos, sus disparatadas aventuras y sus singularidades únicas.

Con motivo de esta efeméride, hablamos con Sara Infante Pineda, profesora de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Alcalá (UAH), una “auténtica fan” de la serie, como ella misma se proclama.

Un retrato de la sociedad “tamitazado por el filtro del humor”

¿Por qué han tenido y tienen tanto éxito? La profesora considera que el imán principal es su capacidad para entretener al mismo tiempo que realizan una “inteligente sátira” de la sociedad estadounidense, todo ello “tamizado por el filtro del humor”.

Recuerda que se trata de una comedia o ‘sitcom’ en formato de animación que utiliza “arquetipos universales” como la familia, el trabajo, la escuela o el éxito, lo que hace que cualquier espectador, en cualquier lugar del mundo, “se pueda sentir identificado y caricaturizado”. 

Desde la misma vida cotidiana, pasando por la política, la sociedad o la religión, no hay cuestión intergeneracional que escape “de la garra crítica” de su creador, Matt Groening, y de su equipo de guionistas.

Constata además Sara Infante que la serie ha contribuido enormemente a la cultura contemporánea. En cuanto a la iconografía, personajes como Homer o Lisa son “reconocibles a nivel mundial”.

Y en lo audiovisual, la serie ha sido consolidada como “un modelo de animación adulta” en ‘prime time’ y ha abierto el camino a otras series. “Ha generado un lenguaje propio, desde expresiones, memes y referencias que forman parte del imaginario colectivo”.

En estos últimos 40 años, la sociedad y el mundo se han transformado, globalizado y digitalizado y eso “también aparece magníficamente retratado” en la serie. Sara Infante analiza cómo en la primera temporada, en el capítulo ‘Simpson Roasting on an Open Fire’ (conocido como ‘Sin Blanca Navidad’ en España), la trama gira en torno a los problemas económicos de la familia o los valores navideños. Viajando en el tiempo, en la temporada número 15, en el capítulo ‘The President Wore Pearls’ (‘El presidente llevaba perlas’), la política en general y la educación se convierten en los protagonistas.

A nivel visual, ha pasado de una animación más “manual” a una estética “más pulida y digital”. Y en cuanto a la narrativa, pone como primer ejemplo el capítulo ‘Lisa’s Substitute’ (‘El sustituto de Lisa’), de la segunda temporada, en 1991, que se centra en la construcción de los personajes, en una “narrativa emocional”. Casi una década después, ya en el año 2000, en la temporada número 11, el capítulo ‘Behind the Laughter’ (‘Detrás de las risas’) se presenta como un documental real, donde los personajes se convierten en actores y no en personajes.

Y precisamente ahondando en los personajes, es imprescindible detenerse en Homer Simpson, el padre de familia y ‘antihéroe’ de la serie. “Homer triunfa por ser una caricatura del ciudadano medio, un ser humano imperfecto, con defectos que lo hacen aún más cercano”.

La profesora explica que si se aplica la teoría de la comunicación e incluso los valores del héroe, podría decirse que Homer es “la crítica, en clave de humor, al modelo de ciudadano americano que quiere imponerse”. “Y son sus emociones las que le conectan con el espectador medio”, destaca.

Lisa Simpson simboliza la conciencia crítica y representa la educación, los principios y la ética. Es el contrapunto necesario dentro de una familia caótica

También Lisa Simpson, su hija, ha ido adquiriendo mayor protagonismo con el tiempo. “Ella simboliza la conciencia crítica y representa la educación, los principios y la ética. Es el contrapunto necesario dentro de una familia caótica. De alguna manera, encarna la voz de la razón en un entorno dominado por el caos”, apunta Sara Infante.

Durante el transcurso de la serie, este personaje encarna igualmente “el pensamiento reflexivo, el feminismo o la preocupación por el medio ambiente”, acompañada de una frustración “al sentir que su entorno no la comprende”. Aquí se detiene en capítulos como ‘Lisa the Vegetarian’ (‘Lisa, la vegetariana’, de la séptima temporada, en 1995), donde dejar de comer carne para ensalzar los derechos de los animales: o en el mencionado ‘The President Wore Pearls’ (en la temporada número 15, en 2003), en el que Lisa encarna el liderazgo al convertirse en presidenta del consejo escolar.

Hay una curiosidad innata en Los Simpson: sus personajes no envejecen. “La serie en sí misma es un presente continuo, en la cual los personajes mantienen su esencia y son perdurables en todas las épocas”. Para la profesora, esto responde a una “lógica narrativa y también comercial”, pues la serie se convierte así en un producto “atemporal”.

“La vida cambia, la sociedad se transforma, se moderniza, pero los personajes y su estructura no se altera para poder adaptarlos a todos los momentos. En el lenguaje audiovisual lo atribuimos al pacto de ficción que se firma con el público y es aceptado por este”, añade.

Y otra cuestión: los ‘presagios’. Ese continuo axioma de: “Esto ya lo vaticinaron Los Simpson”. La profesora de la UAH lo atribuye a la “capacidad increíble” que tienen sus guionistas y productores de observar la realidad y representarla desde su propio lenguaje.

“En ella se identifican tendencias sociales, políticas o tecnológicas que ya están emergiendo y se llevan al extremo en clave de humor. Con el paso del tiempo, algunas de estas historias, como la presidencia de Donald Trump o los avances tecnológicos, se han convertido en hechos. Una gran interpretación del presente ha conllevado predecir el futuro, ello sumado a la capacidad del producto para mantenerse siempre vigente”.

La pregunta ineludible en este punto en cuál será su legado. Después de tres décadas, esta serie será recordada “por haber convertido la animación en una herramienta para entender la sociedad”. Es algo que ha provocado una gran influencia en muchos creadores y ha contribuido “a ensalzar el género de ficción y en concreto el subgénero de la comedia”. Pero lo ha hecho yendo un paso más allá, al emplear la sátira para analizar y criticar la realidad social, política y cultural, generando al tiempo entretenimiento.

“Podemos afirmar sin temor a equivocarnos que Los Simpson es uno de los más importantes productos culturales de nuestros tiempos, que ha aportado otra manera de ver y consumir televisión”.

La serie ha demostrado con creces que con humor todo se puede poner en tela de juicio

Sara Infante hace su propia selección “casi imposible” de sus mejores momentos. Se queda con la “¡D’oh!” de Homer, que se ha convertido en “universal”. Y en cuanto a capítulos, elige ‘Marge contra el monorraíl’, por su ritmo narrativo y su crítica social sobre todo a la corrupción. Añade otro: ‘Homer, el hereje’, que invita a una “reflexión profunda sobre la religión y la moralidad”.

Como docente en el Grado en Comunicación Audiovisual en la UAH, Sara Infante reconoce que Los Simpson la han sacado de muchos apuros, pues ha utilizado referencias en clase, en la asignatura de ‘Gestión de Contenidos en Televisión’. 

Lo ha hecho a la hora de abordar los géneros y formatos, la construcción de estereotipos y cómo este producto ha encajado en las parrillas de programación de la televisión española, perfectamente adaptado a su contexto y época.

“En definitiva creo que la serie ha demostrado con creces que con humor todo se puede poner en tela de juicio, y eso es bueno, reflexionar, hacer autocrítica. En estos tiempos de política populista, consumismo masivo y desinformación, la serie se hace más necesaria que nunca, pues refleja patrones sociales que siguen vigentes. Así que invito a seguir la serie que de momento ha superado los 800 capítulos y parece que hay confirmada una temporada 40, ¡larga vida a Los Simpson!”, concluye.

Una de las series más exitosas entre la generación Z de los últimos años, “Euphoria”, ha regresado después de tres años con una tercera temporada no exenta de polémica, por un cambio de tono, que no le ha llevado a conectar igual con su audiencia y se intuye que podría ser el final de la ficción con Zendaya, Jacob Elordi y Sydney Sweeney.

En esta tercera temporada de la serie creada por Sam Levinson se ha dado un salto temporal que ha traído también a nuevos personajes, entre los que está Angel, interpretada por una actriz que hemos visto crecer en la televisión española. Hablamos de Priscilla Delgado, que fue una de las protagonistas de ‘Los Protegidos’ a principios de los 2010, y que comparte pantalla con otra española como Rosalía.

Se dio a conocer con apenas 7 años en ‘Los Protegidos’

Nacida el 31 de marzo de 2002 en San Juan, Puerto Rico, la actriz creció en la televisión española siendo una de las caras más visibles de una de las series más famosas de la ficción televisiva a principios de la década de los 2010. Antes, sin embargo, había aparecido en series como “Los Hombres de Paco” o “La Chica de Ayer”.

Y es que con tan solo 7 años Priscilla Delgado se dio a conocer con “Los Protegidos”, donde daba vida a Lucía, una niña con poderes telepáticos, en una serie que fue todo un fenómeno y en la que también crecieron otros actores como Ana Fernández, Luis Fernández ‘Perla’ o Mari Marzo.

A pesar de que la actriz dio vida a uno de los personajes más queridos de la serie, no participó en el regreso en formato secuela, siendo una de las que no formó parte del reparto original. En su lugar, Maggie García dio vida a Lucía en “Los Protegidos: El regreso”, que se estrenó en 2021.

De Almodóvar a probar suerte en Estados Unidos

Después de su éxito en “Los Protegidos”, Delgado fue generando una trayectoria sólida tanto en cine como en televisión, apareciendo en “Julieta” de Pedro Almodóvar o “Las Brujas de Zugarramurdi” de Álex de la Iglesia. En 2019, optó por trasladarse a Estados Unidos y buscar continuar su carrera en Los Ángeles.

Desde entonces, ha ido participando en audiciones, destacando que casi llega a formar parte de proyectos como “West Side Story” de Steven Spielberg o “Stranger Things”, pues estuvo en las fases finales de estas producciones, en la última para hacer de Max, que finalmente dio vida Sadie Sink.

“Ellas dan el golpe” en 2022 fue su primer papel internacional, aunque fue una serie que se canceló tras su primera temporada. Ahora ha recibido su gran oportunidad participando en “Euphoria”, en esta tercera temporada, dando vida a Angel, un personaje del entorno nocturno cuya vida se cruza con la de Rue Bennett (Zendaya).

Las redes sociales se prendaron del estilo noventero y de la trágica historia de amor entre John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette, retratada en la serie ‘American Love Story’ y que se ha convertido en lo más visto en la plataforma Hulu y Disney +, así como lo más viral en redes como TikTok.

Si bien fueron dos iconos de los 90, una nueva generación ha descubierto a estos personajes que fallecieron en un accidente aéreo en 1999 como se pudo ver en su capítulo final, estrenado a finales de marzo. Este éxito, además, ha convertido en estrellas a los actores protagonistas, Paul Anthony Kelly y Sarah Pidgeon.

Debido a la buena acogida de la primera entrega de ‘American Love Story’, son muchos los que se preguntan si habrá continuación y formara una antología como es el caso de otras como ‘American Horror Story’, ‘American Crime Story’ o ‘American Sports Story’, todas ellas de la mente de Ryan Murphy.

Elizabeth Taylor y Richard Burton podrían protagonizar la segunda temporada

Poco antes del final de la primera temporada de ‘American Love Story’ con la historia de John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette, fue cuando comenzó la especulación sobre la posible nueva pareja que ocupe la trama de una continuación, y hay una sobre la época dorada de Hollywood que ganó muchas papeletas debido a unas declaraciones.

El director Connor Hines inició los rumores sobre una serie que abarcara la historia de amor entre los actores Elizabeth Taylor y Richard Burton al reconocer a Vanity Fair que “tienen la intensidad adecuada”, aunque de momento no se ha dado confirmación oficial y se ha llegado a afirmar que los ejecutivos no lo han visto con buenos ojos.

En cualquier caso, tampoco se ha desmentido la idea, con lo que se mantiene el hecho de que la pareja que protagonizó dos matrimonios y un amor intenso en el momento dorado de Hollywood. Los actores se conocieron en el rodaje de Cleopatra en Roma, cuando ambos estaban casados, lo que desató la polémica en medio de una de las producciones más caras de la historia del cine.

Elizabeth Taylor llegó a casarse hasta en ocho ocasiones, pero declaró que Burton fue el gran amor de su vida. “Cuando lo vi en el set de Cleopatra, me enamoré y lo he amado desde entonces”, admitía sobre sus años con el también actor, con el que también protagonizó numerosas películas, pero con el que vivió un romance marcado por los excesos, la adicción y peleas.

La broma con Stevie Nicks y Lindsey Buckingham

Aunque no ha habido confirmación oficial, hubo un conato de ello el 1 de abril, un día en el que se suelen hacer bromas, como en España el Día de los Inocentes. La cuenta oficial de Instagram de ‘American Horror Story’ publicó una publicación en la que aseguraba que se confirmaba una segunda temporada de la antología que iría sobre los cantantes Stevie Nicks y Lindsey Buckingham.

Ambos protagonizaron una relación turbulenta en medio del liderazgo de la banda Fleetwood Mac durante cinco décadas hasta que Buckingham dejó el grupo en 2018, pero que parece que ha llevado a intentos de acercamiento desde entonces.

Este 10 de abril vuelve una de las series más icónicas de principios de los 2000, ‘Malcolm in the middle’ con la miniserie ‘Malcolm: de mal en peor’, que contará con cuatro episodios donde la familia Wilkerson se reúne con la excusa del aniversario de los padres.

20 años después vuelve la ‘sitcom’ con su reparto casi al completo, a excepción de Erik Per Sullivan, que ha renunciado a regresar a la interpretación para hacer de Dewey, que será interpretado por un actor diferente, Caleb Ellsworth-Clark. Y mientras algunos como Bryan Cranston han seguido siendo rostros conocidos en la pantalla debido a su papel protagonista en ‘Breaking Bad’, gran parte del resto vivieron más alejados de las cámaras, entre ellos su protagonista, Frankie Muniz.

Interpretar a ‘Malcolm’ en la serie le convirtió en uno de los actores infantiles mejor pagados de Hollywood y en toda una estrella adolescente a principios de los 2000, trabajando con también nombres reconocidos de entonces como Hilary Duff o Amanda Bynes. Sin embargo, Frankie Muniz decidió cambiarlo todo cuando estaba en lo más alto.

De estrella adolescente en Hollywood a piloto de carreras

Frankie Muniz nació como Francisco Muniz IV en Nueva Jersey en el seno de una familia trabajadora. Por parte de padre desciende de emigrantes asturianos, mientras que por su rama materna tiene genes irlandeses e italianos. Comenzó en la interpretación por casualidad, al acompañar a su hermana Cristina a una audición para la obra de teatro ‘Un cuento de Navidad’ y ser seleccionado para un papel principal.

De ahí se mudó a California con su familia y en el año 2000 fue seleccionado para dar vida a Malcolm Wilkerson, con tan solo 14 años. Esto lo lanzó al estrellato, y de ahí compaginó durante seis años su trabajo en la serie con películas como como 'Mi perro Skip', 'Agente Cody Banks' o 'Big Fat Liar', todo ello con menos de 20 años.

Cuando llegó el final de ‘Malcolm’ en 2006, el actor reflexionó sobre su vida, entonces formada por rodajes largos, presión constante y una identidad que iba ligada a un personaje. Pensando en lo que sería su futuro, no dudó en explorar otra de sus pasiones y en 2007 se embarcó en una carrera profesional como piloto, llegando a competir en campeonatos como el Atlantic Championship o la Indy Lights.

Aunque no cerró la puerta a su trayectoria como actor, la fue aparcando en detrimento al motor y también a la música, pues formó un grupo cuando las lesiones y dolencias físicas no le dejaron competir. Se dejó ver menos, aunque participó en televisión en programas como ‘Dancing with the Stars’, y fue noticia cuando debido a varios accidentes sufrió lesiones cerebrovasculares que le llevó incluso a olvidar parte de su tiempo en ‘Malcolm’, aunque ahora asegura que eso fue parte de una exageración.

“Literalmente eres Malcolm”: Frankie Muniz sobre su personaje más famoso

20 años después vuelve a ponerse en la piel de su icónico personaje y lo hace como padre de familia. Frankie Muniz asegura que no quiere que su hijo se dedique a la interpretación: “No es que haya tenido una experiencia negativa, porque, para ser sincero, mi experiencia fue totalmente positiva. Pero conozco a muchísima gente, amigos cercanos, que han tenido experiencias terriblemente negativas. Y creo que el mundo en general es feo. A mí nunca me afectó el rechazo, pero hay muchísimo rechazo en la industria”, afirmó en una entrevista en Australia.

El volverse a poner en la piel de su personaje más icónico le hace estar “muy contento” y sentirse “como en casa”, tanto que compartió una anécdota que sucedió cuando revisitó la serie con su mujer: “Entonces me di cuenta de que mi personaje no era tan buen tipo. Ella me miró y me dijo: ‘No actuabas nada. Literalmente eres Malcolm’. Y yo le dije: 'No sé cómo tomármelo porque Malcolm era un desastre'. ¡Era el peor personaje de esa serie!”, dijo en una entrevista en People.

La vuelta a ser Malcolm no ha apartado a Muniz de su carrera en el motor. En 2024 se reincorporó como piloto de NASCAR en 2024 y tuvo que compaginarlo con su rodaje para ‘Malcolm: de mal en peor’, lo que hizo que se diera un calendario atípico de un programa de domingo a jueves: “Era agotador, pero también sé lo genial que es tener la oportunidad de volver a hacerlo, así que no me iba a quejar en absoluto. Estoy muy agradecido a todo el equipo de producción por adaptarse a mi agenda”.

Brian Cox lleva más de 50 años dedicándose al cine y la televisión. El escocés fue el primer actor en representar al personaje de Hannibal Lecter en cine, antes incluso que Anthony Hopkins. Ha participado en películas como Troya, Braveheart o X-Men, aunque uno de sus papeles más emblemáticos llegó en 2018 cuando se estrenó Succession, serie de HBO en la que interpreta a Logan Roy, magnate de un conglomerado de medios de comunicación.

Al actor de 79 años no le ha hecho falta participar en Piratas del Caribe ni en Juego de Tronos para ser uno de los grandes intérpretes de la industria, aunque podría haberlo hecho. Así lo reveló Cox en Putting the Rabbit in the Hat, el libro de memorias que el intérprete publicó en 2022 y donde compartió algunos de los eventos que marcaron su carrera y que muy pocos conocían.

“A menudo me preguntan si me ofrecieron un papel en Juego de Tronos, porque a todos los demás se lo ofrecieron, y la respuesta es sí, se suponía que iba a ser un rey llamado Robert Baratheon”, confesó Cox en el libro. “Sé muy poco sobre la serie, así que no puedo decirles si era un personaje importante o no, y no voy a buscarlo en Google por si acaso, porque lo rechacé”. 

¿La razón? Para sorpresa de muy pocos, el dinero. “Cuando me lo ofrecieron, el dinero no era tan bueno, digamos. Además, mi personaje iba a morir bastante pronto, así que no habría tenido ninguno de los beneficios a largo plazo de una serie exitosa, donde el sueldo aumenta con cada temporada”. Fue Mark Addy quien acabó dándole vida al rey de la casa Baratheon en la producción de fantasía y dragones de HBO.

En el mismo libro, Cox contó la casi relación que inició con la saga de películas dirigida, entre otros, por Gore Verbinski. “Rechacé el papel del Gobernador en la franquicia de Piratas del Caribe, un rol que finalmente interpretó Jonathan Pryce”. Pero no contento con esto, el actor británico aprovechó el momento para cargar contra Johnny Depp, la cara más visible de esta serie de largometrajes.

“Estoy seguro de que es simpático, pero…”

La crítica de Cox hacia su compañero de profesión en aquellas memorias fue directa. “Piratas del Caribe es que es en gran medida el show de Johnny Depp como Jack Sparrow, y Depp, aunque estoy seguro de que es simpático, está tan exagerado, tan sobrevalorado (...). La gente lo adora. O al menos lo adoraban. Claro que hoy en día ya no tanto”.

El actor no tiene pelos en la lengua y ha criticado a muchos otros compañeros en todos estos años. También a directores como Quentin Tarantino, al que ha tildado de “rimbombante” en una entrevista reciente para The Times. Ha sido a este mismo medio al que confesó que, aunque estas críticas puedan traerle problemas, el silencio no es una opción para él. “Mi esposa no para de decirme: Brian, ten cuidado. Y yo pienso: ¡Al diablo! ¡Ya no quiero tener cuidado! Cumplo 80 este año. Voy a decir lo que me dé la gana”. 

En un momento en el que la nostalgia sigue acaparando gran parte de la producción en cine, música o series, se da un nuevo capítulo con el regreso de la mítica ‘Malcom in the middle’, que en España se conoció como ‘Malcolm, el de en medio’ o ‘Malcolm’.

Será con la miniserie ‘Malcolm: de mal en peor’ que contará con cuatro episodios en total, y que se estrena este 10 de abril directamente en la plataforma Disney +, donde ya se encuentra la serie previa al completo, con más de 150 episodios.

En este ‘revival’ estarán de nuevo en sus papeles Bryan Cranston, Frankie Muniz, Jane Kaczmarek, Christopher Kennedy Masterson, Justin Berfield y Emy Coligado, que compartirán reparto con nuevas caras como es el caso de Keeley Karsten, y entre las que no estará la única gran ausencia del ‘cast’ original.

Se trata de Erik Per Sullivan, que daba vida a Dewey, el hermano pequeño de Malcolm, y que no volverá para ‘Malcolm: de mal en peor’, a pesar de que habría obtenido una oferta millonaria para volver al reparto. En su lugar, su papel será interpretado por otro actor, Caleb Ellsworth-Clark.

Los motivos detrás de la ausencia del actor Erik Per Sullivan para esta nueva entrega de ‘Malcolm’ las dio uno de los rostros más conocidos de esta sitcom, Jane Kaczmarek, que hace de su madre en la pantalla. En una entrevista con The Guardian, afirmó que el intérprete ha priorizado su formación universitaria:

“Está estudiando a Dickens y es un estudiante increíble. Le ofrecieron muchísimo dinero para volver, y simplemente dijo: ‘No, gracias’”, comentó. Se había revelado antes que Sullivan se había querido centrar en su doctorado en la Universidad de Harvard, y no le importó rechazar millones para volver a la serie que lo hizo famoso.

De qué va ‘Malcolm: de mal en peor’, el último producto de la nostalgia

De la celebración del 20 aniversario de ‘Hannah Montana’ no dejamos Disney + y llegamos a otro producto de la nostalgia cultural como es ‘Malcolm: de mal en peor’, en el que durante cuatro episodios volveremos a entrar dentro de la caótica vida de los Wilkerson.

En estos cuatro episodios la trama gira en torno al regreso de Malcolm al entorno familiar después de haberse mantenido alejado junto a la familia que había formado, con hija incluida, debido a que sus padres lo invitan a su 40 aniversario.

Linwood Boomer, creador original, es guionista y productor ejecutivo de un regreso que firma como director Ken Kwapis. Keeley Karsten es una de las nuevas caras, como hija de Malcolm, junto a Vaughan Murrae como la hermana menor de Malcom, Kelly, y Kiana Madeira como Tristan, la novia.

Este año volveremos a ver a Harry, Ron y Hermione. El primer capítulo de la serie sobre Harry Potter y la piedra filosofal se estrenará el 25 de diciembre de 2026 en HBO, desvelando por fin cómo será la nueva adaptación sobre la novela de magia y fantasía que catapultó la fama de la escritora J.K.Rowling hace casi 30 años. Hasta entonces, solo podemos especular fijándonos en el tráiler.

Las primeras imágenes del remake se lanzaron a finales de marzo y dejaron las primeras pistas sobre lo que podemos esperar de esta adaptación. Así, el tráiler confirmó lo que ya se venía tiempo anunciando: la serie, que tendrá una temporada dedicada a cada libro, será mucho más fiel a las novelas originales que lo que fueron las míticas películas de Warner Bros.

En el tráiler, vemos escenas que no aparecieron en esos largometrajes, como la de la tía Petunia cortándole el pelo a Harry, reflejando su obsesión por hacerlo parecer una persona “normal”, o aquella en la que el joven mago sufre acoso escolar por parte de su primo Dudley y su grupo de amigos en su colegio habitual, antes de estudiar en la escuela de magia de Hogwarts. 

Hablamos de momentos que, sin duda, ofrecerán más profundidad a esta primera parte de la historia, pero ¿qué más escenas novedosas podremos ver en la nueva serie de HBO? Hoy recuperamos cuatro momentos que sí aparecen detalladas en las novelas originales pero que no llegaron a desarrollarse del todo en los filmes protagonizados por Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson.

Los Dursley, Snape, Voldemort y Godric’s Hollow

El tráiler dejó claro que esta primera temporada dedicará más tiempo a desarrollar cómo fue la convivencia de Harry con los Dursley. Aunque esto es algo que sí aparece en las películas, todo quedó muy condensado en ellas, teniendo en cuenta que incluso el inicio del primer libro está narrado desde el punto de vista de Vernon, el tío muggle de Harry. Conocer en profundidad cómo era la vida del chico con esta familia servirá para entender mejor la vida de los muggles y el rechazo que estos sienten por la magia.

Aunque en las películas se presentan flashbacks sobre la infancia de Tom Riddle, se espera que la serie desarrolle mucho más cómo el joven mago acabó convirtiéndose en Voldemort. El abandono de su padre, a quien asesinó tiempo después, y la muerte de su madre, algo que se explica con bastante detalle en los libros, podrían ganar mucho más peso en HBO.

Lo mismo podría ocurrir con el personaje de Snape y su historia sobre cómo se ganó el título de “Príncipe Mestizo”, algo que en las películas apenas se profundizó. También se cree que la serie mostrará con mucho más detalle el ataque en Godric’s Hollow, la noche en que murieron los padres de Harry, James y Lily Potter. 

Además de estos cuatro momentos, hay personajes como Peeves, Ariana Dumbledore o Teddy Lupin, que ni siquiera fueron mencionados en los largometrajes, que podríamos ver por primera vez en la pantalla.

Han pasado quince años desde el final de El cuento de la criada. A la incógnita sobre lo que le ocurrió a Defred, la protagonista, se suman nuevos interrogantes, como el futuro de las nuevas generaciones de mujeres, las primeras que no han conocido un sistema de organización gubernamental diferente al autocrático Gilead, o las tensiones subyacentes en el propio estado, que van en aumento y amenazan con reventar el orden en cualquier momento. Ese es el planteamiento de Los testamentos, la nueva serie de Disney+ que se estrena este 8 de abril y adapta la secuela homónima que Margaret Atwood publicó con gran éxito en 2019 y que le valió, entre otros, el Premio Booker, ex aequo con Niña, mujer, otras, de Bernardine Evaristo.

Si bien las adaptaciones audiovisuales suelen tomarse licencias con respecto a la novela original (con las sucesivas temporadas de El cuento de la criada esto quedó patente), de entrada se puede tomar la obra literaria como referencia para analizar qué cabe esperar o qué preguntas deberían afrontarse en esta segunda parte. Para empezar, hay que pensarla más como una secuela que como una continuación, puesto que han transcurrido los años y sus protagonistas no son, al menos en los primeros capítulos, los mismos que antes.

Un nuevo relato para una realidad distinta

Es bien sabido que la ficción especulativa, aunque se sitúe en un futuro hipotético, habla de conflictos ya existentes en el presente. Margaret Atwood (Ottawa, 1939) concibió El cuento de la criada (1985) en el contexto de los años ochenta, durante una estancia en la Alemania Oriental. Allí se respiraba aún una atmósfera de miedo, represión e inquietud, a lo que se sumaba la deriva neoliberal que había tomado Occidente con los liderazgos de Ronald Reagan y Margaret Thatcher. Como cuenta la autora, la novela surgió de un convencimiento habitual entre quienes crecieron durante la Guerra Fría: que cualquier sistema político, en cualquier lugar, podía derrumbarse. Sí, incluso una gran potencia.

Nunca estuvo prevista una segunda parte, pero el fenómeno que supuso la adaptación televisiva, que recuperó la obra original en un momento, el del #MeToo, que conectó especialmente con la renovada conciencia feminista, inspiraron a la escritora. Eso sí, Los testamentos (2019) no se limita a continuar la acción siguiendo los parámetros del primero, sino que se erige en una obra con entidad propia, que explora personajes y espacios de Gilead que hasta ahora no existían o permanecían en un segundo plano.

Sobre todo, hay que entenderla como una historia que responde a una realidad distinta: la segunda década del siglo XXI, el mundo anterior a la pandemia, que quizá no era tan oscuro como el de hoy, pero que ya había vivido el primer triunfo de Donald Trump, el Brexit, la escalada terrorista del Estado Islámico en Europa y, por supuesto, el auge de las plataformas digitales, de las que se comenzaba a sospechar que no eran el invento fabuloso que parecían al principio. Tampoco Margaret Atwood era ya una escritora de cuarenta años en la mitad de su carrera, sino una veterana reconocida en todo el mundo a punto de cumplir los ochenta; sobre la que existía, además, la presión de saber que El cuento de la criada se había popularizado y había expectativas en torno a un nuevo libro situado en ese universo narrativo.

Las preguntas, por lo tanto (y toda obra artística es una formulación de interrogantes), no podían ser las mismas que antaño. Tampoco el público potencial iba a serlo: había unas generaciones jóvenes a la espera, que habían crecido bajo movimientos como el #MeToo y el #BlackLivesMatter. Lo que no cambió, no obstante, es el espíritu crítico de la autora, siempre comprometida con la igualdad y los derechos civiles; ni su astucia narrativa, que de nuevo consigue crear una atmósfera asfixiante llena de ambigüedades y no exenta de su mordaz sentido del humor, además de una trama tan intrigante como, a buen seguro, será la serie.

El protagonismo para otros colectivos

De acuerdo: en el despótico Gilead, ninguna mujer puede expresarse con libertad. Ahora bien, dentro de la jerarquía hay perfiles más invisibilizados que otros, que coinciden con las que más tienen que luchar en la sociedad contemporánea para defender sus derechos. Al fin y al cabo, Defred, aunque sometida, no dejaba de ser una mujer blanca en edad fértil, cultivada, sana y sin defectos visibles. Tenía sentido que fuera el centro de El cuento de la criada, porque las criadas como ella son el bien más codiciado de Gilead.

En Los testamentos, el protagonismo se traslada a otros dos colectivos. Por un lado, las chicas jóvenes, una generación que por primera vez ha crecido sin referentes del orden social precedente (algo que también se repite al hablar de los nativos digitales). Son dos: Agnes Jemima, que crece dentro de Gilead; y Nicole, criada de forma libre en Canadá, con el atractivo de ofrecer un punto de vista externo al país. Con ellas, que liderarán el movimiento de liberación, Atwood lanza un mensaje de confianza en los jóvenes como motor del cambio: no todo está perdido, siempre se puede construir una nueva realidad.

Las chicas no están solas al frente de Los testamentos: Tía Lydia, una secundaria en El cuento de la criada, adquiere peso en esta segunda parte. Ella encarna a las mujeres en la madurez, que ya no interesan por su cuerpo, pero resultan clave para sostener Gilead; unas ideas que resuenan, con otra dimensión práctica, en la sociedad occidental de hoy. Es una figura que se percibe, desde los ojos de sus discípulas –las tías se encargan de educar a las futuras criadas–, como una aliada del poder. En Los testamentos, se revela como un personaje más complejo y ambiguo, interesante tanto por su historia pasada como por la enorme inteligencia con la que actúa en el presente. Con ella, se pone de relieve esta etapa vital de las mujeres, tan invisibilizada, en la que la experiencia suma.

Un movimiento colectivo para la transformación

El cuento de la criada dejó patente la importancia de la colaboración para tener alguna posibilidad de liberarse, de escapar de las estructuras rígidas del régimen. La sororidad va un paso más allá en Los testamentos: además de su naturaleza coral, que da magnitud y voz a los diferentes grupos sociales de Gilead y alrededores, el grueso de la trama no se sustenta ya en un viaje personal individual, sino que apuesta en grande por la acción del movimiento colectivo, un intento de ruptura radical con la dictadura que los lleve a todos –y no solo a las protagonistas– hacia un nuevo orden social.

El mensaje es claro: solo a través de los vínculos, del tejido social colectivo, se puede aspirar a cambiar lo que no funciona, a derribar los sistemas opresivos desde dentro. Y esta responsabilidad no recae solo en un pequeño reducto de activistas, sino que implica a diferentes perfiles, de todas las edades, formación y procedencia, que de distinta forma contribuyen desde sus posiciones a boicotear el régimen. Aunque cada uno pueda tener sus preocupaciones particulares, actúan juntos por un objetivo común, porque lo que los une es más fuerte que las posibles discrepancias. Solo así se entiende la colaboración con personajes que, a priori, podían resultar antipáticos e incluso hostiles.

Es, a la vez, una llamada urgente a la acción: cuando se quiere algo, hay que moverse, implicarse, correr riesgos, sin esperar a que otro lo haga por ti. La autora recupera ese espíritu de rebeldía intrínseco de la juventud, ese cuestionamiento de la realidad que les hace soñar con cambiar el mundo. Incluso si no imaginan cómo podría ser el futuro, sí saben con seguridad que no quieren más de lo mismo, que lo que tienen es doloroso; y eso es un motivo más que suficiente para participar en la transformación, para ser parte de ella.

Y es que, por extraño que parezca y dados los tiempos que vivimos, Los testamentos es una novela más esperanzadora que su predecesora. Bien mirado, quizá por eso mismo se obliga de algún modo a mirar hacia delante. Las secuelas y segundas partes suelen despertar suspicacias por si no se estará alargando el chicle –ocurrió ya con el libro, que a pesar de los premios y de su repercusión global no recibió un aplauso tan unánime ni de la crítica ni de los lectores–, pero Los testamentos merece tanta atención como El cuento de la criada. Si Margaret Atwood nos recordó en los años ochenta que cualquier sistema democrático puede derrumbarse, quizá ha llegado el momento de dar la vuelta a esa idea: los sistemas fallidos, corrompidos, (des)gobernados por presidentes déspotas, también pueden, por qué no, revertirse. Eso sí: no será desde el sofá.

Lo que sí se disfrutará desde el sofá es la serie. Ojalá después impulse a ponerse en pie.

Lisa Kudrow es un rostro querido por millones de personas debido a su papel de Phoebe Buffay en la icónica serie ‘Friends’, lo que la ha hecho mundialmente conocida por diferentes generaciones. Recientemente se hizo viral por las reflexiones que hizo respecto a su carrera en Hollywood, en la que también admitió que hubo errores.

En el Club Random Podcast, conducido por Bill Maher, la actriz de ‘Friends’ relató la que considera su peor audición y el error más torpe que cometió cuando comenzaba en el mundo de la interpretación, los que ve como dos momentos que influyeron en su carrera profesional.

Los dos momentos más humillantes en la carrera de Lisa Kudrow

Así, Lisa Kudrow contó los dos momentos que para ella resultaron más determinantes a nivel negativo en su trayectoria, aunque también le valieron para su desarrollo. Uno de ellos fue el de la que considera su audición más incómoda, que tuvo lugar cuando postuló al elenco de la serie ‘The Larry Sanders Show’.

En el mencionado podcast, la actriz de Friends contó cómo le ofrecieron una prueba para interpretar el personaje que finalmente interpretaría Janeane Garofalo: “Me emocioné mucho cuando Gary Shandling, creador de la serie, me propuso leer juntos la escena, y yo solo atiné a decir: ‘Ah, ok. No lo leo sola, perfecto.’”

Después de esto, Kudrow contó como el ambiente resultó desconcertante y no logró generar complicidad, algo de lo que salió convencida: “Recuerdo a Gary asomándose por la puerta, con cara de susto, solo para decir: ‘Llamaremos. En serio, llamaremos.’ En ese momento entendí que de verdad no había logrado conectar”, confesó.

A la actriz de ‘Friends’ le impactó también el error que cometió cuando comenzaba en Hollywood, al emitir un juicio que no tocaba sobre un guion sin saber que estaba escrito por los que tenía delante de ella. “Cuando empecé, no sabía que los productores también eran los guionistas, así que en una lectura de guion dije ‘¿Quién escribió esto?’, sin considerar que quienes me escuchaban eran justamente los autores”, contó entre risas en el podcast.

Lisa Kudrow enfatizo que esto suele suceder “cuando eres joven y no entiendes los roles en la industria”, pero que su error la llevó a asumir la dificultad de identificar responsabilidades en una producción y la necesidad de tiempo para saber quién verdaderamente toma las decisiones en una sala. “A veces siento que puedes casi arruinar tu futuro por una frase fuera de lugar”, concluyó.

No le importa que la recuerden por Phoebe

Recientemente, la actriz también se hico viral debido a que en una entrevista en la CBS admitió no tener ningún problema en que la recuerden por el personaje de Phoebe Buffay en ‘Friends’, porque nunca sintió la necesidad de distanciarse de la serie.

“Friends me lo dio todo”, admitía. “Si todo lo que conoces de mí es eso, está bien”, a la vez que también reconoció estar sorprendida por como la serie conecta con nuevas generaciones, pero que entiende que puede funcionar como “una especie de refugio, una conexión emocional que ayuda a combatir la soledad”.

La semana pasada se estrenó el capítulo final de la serie ‘Love Story’, que cuenta la historia de amor y tragedia de John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette y que se ha convertido en uno de los fenómenos televisivos del comienzo del año, sobre todo en redes sociales, siendo habitual ver imágenes en Tiktok sobre la pareja o escenas destacadas.

El éxito de la serie ha traído una revalorización de la figura de JFK Jr y de Carolyn Bessette, pero también la inesperada segunda vida de popularidad de ‘George’, la revista que fundó y dirigió el hijo del que fuera presidente de los Estados Unidos, que ha visto como la demanda de sus números antiguos ha ido subiendo hasta alcanzar precios inimaginables hace semanas.

Desde la emisión de la serie ‘Love Story’, los números antiguos de la revista de JFK Jr han llegado en plataformas de ventas de segunda mano como Ebay a precios inimaginables hace apenas unos meses o años, pasando de 20 o 30 dólares a 300 o incluso 500 dolares, sobre todo el primer número.

Ya en su día, la muerte inesperada de su fundador provocó un aumento de las ventas e ingresos publicitarios, que parece que se repite al revivir sus últimos años en la serie de Ryan Murphy. ‘George’ fue una revista mensual que nació no solo por John F. Kennedy Jr, sino por también su socio comercial, Michael Berman, siendo ambos los que lanzaron este proyecto en 1995 con la editorial Hachette Filipacchi Media.

La primera portada: Cindy Crawford como George Washington

JFK Jr y Berman se conocieron en los años 80 y quisieron fundar la revista con la intención de hacer una política más accesible y entretenida, al combinar la cultura pop con ella y también con temas de actualidad, que fue un adelanto de lo que sería con el paso de las décadas. Y esto se haría realidad bajo el lema “no es la política de siempre”, y es que Kennedy creía que si los políticos eran vistos como seres humanos lograría que se involucrasen más en la vida cívica, sin mirar tanto los partidos.

En su primer número consiguieron llamar la atención y que se hablara de ella, al mostrar a Cindy Crawford vestida como George Washington, en septiembre de 1995. En ella se solía innovar en portadas con personajes de Hollywood y cultura popular, unido a entrevistas de alto perfil y de contenido político.

La revista ‘George’ continuó con este estilo y tuvo versiones llamativas como Barbra Streisand como Betsy Ross, Drew Barrymore como Marilyn Monroe y Harrison Ford como Abraham Lincoln. Pero en ninguna portada apareció JFK Jr aunque muchos lo demandaban, aunque como editor escribía su pensamiento de forma indirecta, para lo que recurría a menudo a historiadores como Steve Gillon, profesor en Oxford, a quien Kennedy contrató para que le ayudara a contextualizar sus ideas históricamente.

La revista ‘George’ tuvo un gran comienzo al atraer gran interés, pero fue durante un breve período, aunque fue la mayor circulación de cualquier revista política de Estados Unidos, en parte por la fama de JFK Jr en ese momento, aunque pronto comenzaría a perder dinero. Las discusiones entre los dos fundadores fueron a más e incluso llegó a la violencia, lo que hizo que en 1997 Berman dejara el proyecto.

La revista llegó a sobrevivir a JFK Jr, pero con el paso del tiempo perdió parte de sus características, siendo cada vez más política y seria, y cerraría en enero de 2001. La marca siguió existiendo y fue adquirida en 2022 por Gene Ho, un antiguo fotógrafo de campaña de Donald Trump, con lo que relanzó la revista con mucha diferencia a lo que fue, al presentar al actual presidente con toque de celebridad, pero el legado se reutiliza con una diferencia importante de ideología.

Sábado a las cinco y media de la tarde, treinta minutos antes del tiempo acordado, más de una docena de personas esperaban la apertura del Akihabar de Barcelona, un bar de temática japonesa que reúne eventos de cultura pop y noches temáticas. “Se ha llenado en dos segundos”, decían a las 18:06 las asistentes que esperaban para entrar, “la cola empieza en la calle”.

El evento, que acabó reuniendo un centenar de personas, iba de la serie que ha roto internet: Heated Rivalry (Crave, 2025).Heated Rivarly, traducida en España como Más que Rivales (Movistar+, 2026), es una serie televisiva canadiense basada en el segundo libro de la colección Game Changers de Rachel Reid. La trama de la historia es simple: “un enemies to lovers”, explica Carol, organizadora del evento. Y es que, como indica el nombre, Más que Rivales se centra en dos jugadores de hockey hielo de equipos distintos que inician una turbulenta relación íntima, primero física y luego emocional. 

Eventos de Boy’s Love: una comunidad y un espacio seguro

Carol y Vero, las organizadoras del evento, son fans del género BL o Boy’s Love, que reúne historias de amor entre hombres en diferentes formatos, desde cómic o manga hasta libros o series de televisión. Entre ellas la viral Heated Rivalry. 

La idea de crear estos eventos por fans y para fans surgió de la experiencia de Carol, quien vivió en Corea del Sur durante un tiempo. “Lo empezamos a hacer con la idea que tienen ahí en Seúl”, explica Carol, “un evento de fans para fans, para estar en un espacio seguro, disfrutando de lo que nos gusta”. 

Las organizadoras destacan la necesidad de crear un espacio seguro en estos eventos ya que reconocen que hay un estigma entorno a las fans del género BL. “Porque principalmente somos mujeres o gente del colectivo LGTBI”, señalan. 

Durante las cuatro horas que duró el evento, el ambiente fue distendido y acogedor. Algunas de las fans iban trajeadas con jerséis de hockey inspirados en los dos jugadores protagonistas de la serie: Shane Holander y Ilya Rosanov, interpretados por los actores Hudson Williams y Connor Storrie.

Otras se hicieron sus propias camisetas o chaquetas copiando las de la serie como Miriam, quien junto a sus amigas personalizó una prenda de H&M para que pareciera la que lleva el protagonista durante los juegos olímpicos de invierno en Sochi. 

Miriam, como muchos otros asistentes, tuvo que esperar en la fila que llegaba desde la barra del bar hasta la calle. Los fans de la serie, contentos de poder compartir su afición con otra gente, vinieron de diferentes lugares. Fue el caso de Giselle, de la Garriga, que acompañaba a su amiga Rocío, de Badalona y también a Daniel, que era su primer evento, y a María de Ripollet.

Los cuatro, de diferentes localidades y edades, se unieron por su amor por la serie y el género BL. “El BL está considerado como un género menor, para mujeres, y para gays”, explica Rocío, pero asegura que no debería ser así y que cualquiera debería poder disfrutar de estas historias sin estigmas. 

'Más que rivales': más que un BL

No es solo la trama o los atractivos actores y actrices lo que ha despertado pasiones en los fans. “Está muy bien grabada”, afirma Jessica, una de las asistentes. Y no es la única que lo cree. El director de la serie Jacob Tierney junto a su equipo han sido honorados con trece nominaciones a los premios Canadian Screen Awards incluyendo las categorías de mejor guion, mejor dirección, mejor fotografía y mejores actores principales y secundarios entre otras. 

Las colas, como en el anterior evento, han sido masivas, con fans esperando conseguir los freebies, los pequeños regalos que dan en estos eventos con las consumiciones, y también comprar merchandising hecho por otros fans y participar en actividades como trivials o torneos.

“Empieza el torneo de hockey”, avisaron a las 19h las organizadoras. Alrededor de una mesita se reuniron varias espectadoras y concursantes que jugaron a una versión en miniatura de airhockey. El premio: un libro de Mas que rivales. 

Entre los asistentes estaba Anaís Badilla una de las co-traductoras del libro de Heated Rivalry o Más que Rivales (Montena, 2026). Badilla destacó que el proceso de co-traducción no estuvo exento de retos pero junto a su compañera Ana Mata Buil, quien tiene amplia experiencia en traducción literaria, incluyendo la narrativa queer, pudieron hacer un trabajo del que tanto ellas como las fans puedan estar orgullosas. 

“Este evento me ha sorprendido muchísimo”, explica la traductora, “muchísima gente se está abriendo a leer estas novelas a partir de la serie, y eso a mí, como traductora, me hace especial ilusión”. 

El sello Montena, propiedad de Penguin Random House, adquirió las licencias de las seis obras de Rachel Raid. El pasado 2025, cuando la serie de Heated Rivalry justo estaba siendo estrenada, puso en marcha el proceso de traducción. Actualmente planean publicar en España todos los libros este mismo año y están a la espera de un séptimo libro que la autora está pendiente de publicar.  

“Nos autogestionamos” explica Carol, la organizadora. Con lo que recaudan vendiendo los pequeños detalles y haciendo un Lucky Draw, una rifa con premio asegurado, recuperan la inversión en decoración y organización. Y las participantes estan encantadas de contribuir consiguiendo detalles de su series favorita: desde photocards al estilo de los idols de K-pop hasta pegatinas y puntos de libro.

Aunque el bar Akihabar tiene una temática japonesa con un trozo del bar inspirado en un vagón de metro japonés, durante la tarde del sábado pasó a ser un bar deportivo, donde las escenas de la serie canadiense iban pasando en un proyector mientras las fans disfrutaban de la música con temas como ‘All the things she said’ de t.A.T.u. o ‘I'll believe in anything“ de Wolf Parade que se han vuelto virales en redes sociales. Además, el bar ofrecía una bebida especial para la ocasión: ”Hollanov Spit“, inspirada en los personajes de Heated Rivalry y sus bebidas favoritas: Ginger Ale y Vodka.

Se cumple 20 años del estreno de la serie ‘Hannah Montana’ y esto se ha celebrado con un especial estrenado en Disney + que ha contado con la presencia de su protagonista, Miley Cyrus, y con el que los fans de la mítica ficción juvenil han podido revivir los momentos y canciones que dejó.

Un especial que ha dejado una ligera decepción en los fans por el hecho de que se han producido dos marcadas ausencias, las de Emily Osment y Mitchel Musso, los actores que interpretaban a los mejores amigos de Miley Stewart (Miley Cyrus). La primera explicó que no pudo participar por estar en pleno rodaje de la serie ‘Georgie & Mandie’, spin-off de ‘El joven Sheldon’, mientras el segundo ha tenido una limitada presencia después de ser arrestado para conducir bajo los efectos del alcohol hace años.

A pesar de ello, sí que han estado otros miembros del reparto como es el caso de Cody Linley, Moisés Arias, Shanica Knowles, Anna Perez, así como Billy Ray Cyrus, padre en la serie y en la vida real de Miley Cyrus, y también Jason Earles, quien interpretaba al hermano de la protagonista, Jackson.

Jason Earles mintió para ser el hermano de ‘Hannah Montana’

Precisamente este último ha sido uno de los grandes protagonistas en el especial de ‘Hannah Montana’ en su 20 aniversario por una confesión que hizo antes del estreno en el podcast relacionado con la serie, ‘Best of Both Our Worlds’, donde contó que mintió sobre su edad real para poder obtener el papel de Jackson Stewart.

Jason Earles fingió tener 18 años cuando realizó el casting para la serie porque quería conseguir ese papel, pero en realidad tenía diez más, 28 años, algo que le mantuvo nervioso por temor a ser descubierto: “Tenía muchísimo miedo de que me despidieran y reemplazaran porque tenía un gran secreto”, explicó en el podcast.

Este detalle, sin embargo, fue finalmente descubierto por uno de los ejecutivos de la serie durante la primera temporada, y este lo confrontó directamente. El actor confesó que efectivamente tenía 28 años, pero que a pesar de que finalmente se supo la verdad, mantuvo su papel en la ficción de Disney Channel.

Este no fue el único detalle sobre el que mintió Jason Earles, o que ocultó al menos a los productores, sino que tampoco contó nada de su vida personal, como su estado civil, porque pensaba que esto podía afectar a su trabajo en ‘Hannah Montana’. Tanto es así que cuando acudía una joven al set junto a él aseguraba que era tan solo una amiga, cuando era realmente su mujer, aunque al final también fue descubierto:

“Sí, esa chica con la que me ven besándome. Es mi esposa”, detalló. Tras el descubrimiento de ambos secretos, los ejecutivos bromeaban preguntando si tenía hijos, a lo que Earles respondió que no.

Desde su estreno el pasado 12 de febrero, la primera entrega de American Love Story se ha convertido en la serie del momento, sobre todo en su conversación en redes sociales. La ficción retrata de forma íntima el romance entre Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr, que finalizó trágicamente con el fallecimiento de ambos en un accidente aéreo en 1999.

El desenlace previsto se da en el capítulo final que llega este viernes 27 de marzo en la plataforma Disney +, donde es la serie más vista a nivel global, según datos de FlixPatrol, y que también se evidencia con la tendencia de conversación sobre Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr en TikTok, Instagram o X.

Precisamente, el éxito de la serie no solo ha revivido la fascinación por los personajes reales que retrata, sino también por los actores que dan vida a los protagonistas como es el caso de Paul Anthony Kelly, que se ha convertido en uno de los hombres del momento tras meterse en la piel de JFK Jr, por lo que ha pasado de ser un desconocido a uno de los actores de moda.

Quién es Paul Anthony Kelly, el nuevo actor de moda

Paul Anthony Kelly nació en el pequeño pueblo Port McNicoll, en Ontario, Canadá, en octubre de 1988, “un lugar en medio de la nada” para el actor, que, si bien tuvo claro que su pasión era la actuación, comenzó como modelo. Trabajó con marcas internacionales y viajó por todo el mundo, pero se mantuvo en su idea de dedicarse a la interpretación, por lo que estudió en Stella Adler Studio.

Desde entonces, Kelly compaginó su carrera como modelo junto con la de actor, que arrancó en producciones teatrales. Así, se centró y encontró sus primeros pasos en el teatro independiente, lo que le valió para perfeccionar su técnica y adquirir experiencia para buscar su oportunidad en la televisión o en el cine.

Tuvieron que pasar, sin embargo, diez años para que encontrara el papel que lo ha convertido en estrella. El actor se preparó el personaje a conciencia, estudiando biografías, entrevistas y grabaciones de John F. Kennedy Jr, pero el casting fue un proceso largo por el que tuvo que imponerse a más de cien aspirantes. Su apariencia acabaría siendo clave para hacerse con él.

A los productores les costó encontrar a su JFK Jr: “Ya no hacemos ese tipo de chicos”

Y es que mientras Paul Anthony Kelly buscaba su lugar, los productores de American Love Story comenzaban a estar desesperados por no encontrar a su JFK Jr perfecto, un hecho que ha confirmado recientemente en una entrevista el productor ejecutivo Brad Simpson:

“Estábamos a tres semanas de empezar a rodar y todavía no lo habíamos elegido. Habíamos visto a todos los actores masculinos de entre 25 y 38 años. En parte, se trataba simplemente de esa masculinidad de los 80, de la vieja escuela: un hombre con pelo en el pecho, al estilo de Richard Gere o Tom Selleck, con ese aspecto clásico y musculoso. Por alguna razón, ya no hacemos hombres así, y él realmente necesitaba tener eso”, afirmó al respecto.

Finalmente encontraron a Kelly, que no solo se parecía físicamente a John F. Kennedy Jr, sino que además tenía ese corte clásico que buscaban desde la producción y que en parte se ha convertido en tendencia en redes sociales, con un cierto regreso a la moda de los 90.

Para muchos niños nacidos entre los 80, 90 e incluso principios de los 2000, ‘Dragon Ball’ ha supuesto más que una serie de anime, sino todo un fenómeno cultural que marcó su infancia e identidad, y que en España llegó de la mano de las cadenas televisivas autonómicas, donde primero se vio esta ficción que sigue a Goku y los guerreros Z.

Así, muchos niños han crecido con ‘Bola de Dragón’ o ‘Bola de Drac’ dependiendo de donde la vieron, ya fuera en la televisión andaluza, gallega, catalana o valenciana. Sin embargo, todo esto pasará a ser historia porque la productora de la serie, Toei Animation, ya no permite las traducciones del título del anime.

Es un hecho que ha desvelado el doblador de Goku en catalán, Marc Zanni en una entrevista en el podcast VozCast. “Se hizo una presentación por todo lo alto en el teatro Victoria, en Barcelona, y en rétulos ponía; 'Dragon Ball', y yo me quedé un poco alucinado, porque si es para TV3, ¿por qué no se podía poner 'Bola de Drac'?”, comentó.

Un hecho que se debe a que Toei Animation ha prohibido explícitamente la traducción del título no solo en España, sino en todo el mundo con el objetivo de unificar la franquicia desde Japón para que todos los aficionados se refieran a la ficción de la misma manera.

Los openings traducidos tampoco se pueden traducir

Una decisión que no solo afecta al título de ‘Dragon Ball’, sino que también lo hace a los openings, que ya no tendrán canciones dobladas, aunque este hecho todavía no se aplica en Estados Unidos, donde todavía se realizan episodios con la versión de los créditos de entrada en inglés. Lo que sí que todavía está permitido es el doblaje, que seguirá pudiendo entretener a niños y adultos de todo el mundo.

A pesar de todo esto, los títulos de ‘Bola de Drac’ o ‘Bola de Dragón’ se pueden ver todavía en algunos productos de merchandising, pero ya no se hará referencia a ella en el anime. Este tiene planes de futuro con un remake de ‘Dragon Ball Super’ y la llegada al streaming de ‘Dragon Ball Super: The Galatic Patrol’, este último sin fecha de estreno, pero con el primero esperandose en otoño de 2026 en la televisión japonesa.

Una serie icónica de la televisión autonómica en España

Canal Sur fue la primera cadena televisiva que decidió apostar por la serie anime emitiéndose por primera vez en 1989, aunque no tuvo el éxito esperado y tras 18 capítulos fue retirada. Sin embargo, con la llegada a las televisiones de Galicia (TVG), Euskadi (EiTB) y Catalunya (TV3) en febrero de 1990 se convirtió en un fenómeno cultural.

Un año después, en 1991, Canal Sur recuperó la serie y se estrenó también en Canal 9. En la cadena televisiva valenciana fue todo un fenómeno social con audiencias del 50 % de share dentro del club ‘A la Babalà’, pero fue la única que no cedió los audios de su doblaje a las ediciones de VHS y DVD.

Una de las series británicas más vistas y queridas de los últimos años está de vuelta, aunque de forma especial. El pasado 20 de marzo se estrenó la película ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’, en un formato diferente con el que se hizo conocida, y que en esta ocasión ha sido producida por Netflix y no por BBC, encargada de las seis temporadas anteriores.

La película de ‘Peaky Blinders’ llega cuatro años después del último episodio de la sexta temporada como ese complemento final para la historia de la familia Shelby protagonizada por Cillian Murphy en el papel de Thomas Shelby, que ha incorporado también otros actores de la talla de Rebecca Ferguson o Barry Keoghan.

Sin embargo, esto también quiere decir que hay ausencias de personajes icónicos de la serie como es el caso de Arthur Shelby, el mayor de los hermanos, que interpretado por el actor Paul Anderson no está en ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’, algo que no pilla del todo por sorpresa tanto por la trama de la ficción como por la situación personal del interprete.

Y es que a finales de 2024 se publicaron fotos preocupantes sobre el estado desmejorado del actor en las calles de Londres después de salir de la cárcel por una condena de consumo y posesión de drogas, una adicción sobre la que estaría actualmente luchando, como ha reconocido en los medios de comunicación donde ha roto el silencio sobre su participación en la película de la serie en la que fue uno de los personajes principales.

Recordemos que Arthur Shelby tiene un final ambiguo en la sexta temporada de ‘Peaky Blinders’, donde envía una carta de despedida a su hermano Tommy al no acudir a la cena, y asegura que prefiere ir a “un lugar que su hermano visitará más temprano que tarde”, lo que llevó a insinuar que se podría haber suicidado, aunque podría no ser así.

“Las cosas son como son. Yo no soy el que toma las decisiones sobre mi personaje”, aseguró en una reciente entrevista Paul Anderson sobre su participación en ‘Peaky Blinders’. A su vez que define la película recién estrenada como “magnífica”, pero que no le acaba de convencer: “Hicimos una gran serie y me parece que no suficientes temporadas. Deberíamos haber rodado al menos un par más, para ser sincero, no entiendo por qué hacen una película”, explicó.

El final de ‘Peaky Blinders’ que pudo ser

En sus declaraciones, el actor va más allá y también ha desvelado el final alternativo de ‘Peaky Blinders’ que tenía en mente su creador, Steven Knight. Este había imaginado un cierre circular con Tommy, Arthur y John Shelby en el que escuchaban las campanas que anunciaban la Segunda Guerra Mundial mientras sus hijos partían hacia el conflicto, lo que aportaba una potente imagen de un relevo generacional ‘maldito’ y que conectaba el trauma con otra nueva tragedia.

Sin embargo, este final se cayó cuando el actor que daba vida a John Shelby, Joe Cole, se marchó del proyecto y con ello se dio muerte a su personaje en la cuarta temporada, lo que alteró también la trama de los Shelby en la ficción. Ahí fue también donde se comenzó a plantear la película como continuación de la historia después de desbaratarse el plan inicial.

Aun así, Netflix y Knight han anunciado que ‘Peaky Blinders’ no acaba en ‘El Hombre inmortal’, sino que habrá dos series de trama consecutiva, cada ella de seis episodios que tratará sobre la reconstrucción de Birmingham durante la posguerra y la búsqueda de los Shelby de hacerse con el control de la ciudad.

La plataforma de vídeo bajo demanda de EiTB, Primeran, tiene nueva producción. De Vidania Films y protagonizada por Itziar Ituño, una de las actrices de referencia en el panorama vasco, llega ‘Argi Gorriak’. Es una serie en euskera con humor negro y toques de 'thriller'. Estará disponible a partir del viernes 20 de marzo en un soporte que es gratuito.

La serie se ha presentado este miércoles por la mañana en el Hotel Maria Cristina de Donostia. Horas después, por la tarde, el Kursaal ha acogido una alfombra roja con el elenco y los invitados a la proyección de los tres primeros episodios. La producción, a cargo de Àlex Merino, Alejandra Arróspide y Alberto Gastesi, retrata a una familia marcada por el regreso del padre tras sufrir un ictus. Cinco años después de haber sido abandonados por él, los Mugika se reencuentran para cuidar a su familiar incapacitado. Sin embargo, deberán descubrir qué ha estado haciendo durante ese tiempo, ya que su regreso coincide con una inesperada amenaza de muerte.

La serie ha contado con la participación de EiTB y el apoyo del Gobierno vasco para su producción. La directora de Televisión de la radiotelevisión pública vasca, Isabel Octavio, ha recalcado su intención de ofrecer a quienes consumen productos en euskera “contenidos de calidad”, así como atraer a “nuevos consumidores”. Por su parte, Vanesa Fernández, directora de Cultura y Euskera de EiTB, ha afirmado que ese compromiso se mantiene con este proyecto: “[Quedó] muy claro, desde el primer capítulo, que estábamos ante un equipo muy profesional”.

Alberto Gastesi, creador y director de la serie, ha explicado a este periódico que en la relación entre la productora y EiTB se “ha forjado una amistad”. Además de la colaboración financiera, ha destacado sus “aportaciones creativas” a la producción, calificando la experiencia como positiva. Por su parte, Ituño ha señalado a elDiario.es/Euskadi que haciendo “comedia en euskera” es donde la “pueden encontrar”. También ha reflexionado sobre lo “maravilloso” que es trabajar en euskera, aunque la lengua “no la está pasando tan bien últimamente”. La actriz confía en que la serie “divierta y haga pensar” a los espectadores, ya que “plantea problemas serios” como los cuidados o la interculturalidad.

En 2023, en colaboración con Mediapro, EiTB lanzó Primeran, la primera plataforma de vídeo bajo demanda en euskera. Su responsable, Iraide Muga, ha asegurado que el compromiso de la cadena vasca con la calidad de las series en euskera “se ha visto reforzado desde que nació la plataforma”. Primeran ha impulsado producciones originales como ‘Limbo’, ‘Itsatsita’ o ‘Itxaso’, además de incorporar contenido extranjero doblado al euskera. Ahora apuesta por ‘Argi Gorriak’, cuyo piloto fue previamente estrenado en la duodécima edición del Festival de Series de Barcelona, Serielizados, en 2025.

Desde el estreno el pasado 10 de marzo de su segunda temporada, la serie live-action de ‘One Piece’ se ha convertido en lo más visto de la plataforma Netflix, lo que evidencia las buenas sensaciones entre los aficionados al anime y espectadores, que siguen las aventuras de Monkey D. Luffy y sus amigos.

‘One Piece’ fue una serie creada por Eiichiro Oda en 1997 a través de una serie en la revista Weekly Shonen Jump que creó basándose en su afición a las historias de piratas, en parte gracias a la serie de dibujos animados de ‘Vickie, el Vikingo’. Una narración que tenía su origen en ‘Romance Dawn’, que sentó las bases de lo que sería la aventura de Luffy.

Sin embargo, fue la serie anime de televisión de 1999 la que dio popularidad a los personajes creados por Oda y que quedaron en la infancia y cultura popular para muchos, y que ahora convive con la serie de la plataforma digital.

Uno de los retos del live-action era que los actores fueran capaces de mantener la esencia de los personajes de anime, algo nada sencillo, sobre todo con algunos tan icónicos como los de ‘One Piece’, y un detalle que ayudó fue el hecho de que su creador había dado clara nacionalidad a cada uno de ellos.

De dónde procede cada personaje de ‘One Piece’

Habitualmente, en los volúmenes impresos de ‘One Piece’ aparece una sección que se conoce como SBS, derivado de palabras como ‘Shitsumon’ o ‘Boshuu Suru’ que hacen referencia a un estilo “respondo a tus preguntas”, como un Q&A de los lectores y aficionados al propio escritor de la serie. En el volumen 56 es el que nos da una información valiosa para conocer la nacionalidad y el origen de cada uno de los personajes del anime trasladándolos al mundo real. Así, Eiichiro Oda fue claro sobre lo que tenía en mente como lugar de nacimiento para cada uno, siendo en algunos más concreto, en otros menos.

Por ejemplo, con el protagonista, Monkey D. Luffy, Oda siempre lo situó en Latinoamérica, concretamente en Brasil, un detalle que combina perfectamente con el actor mexicano Iñaki Godoy, que lo interpreta en el live-action de Netflix. En otras situaciones, como en la de Usopp, Eiichiro Oda la referencia que da es un continente entero, al escribir “Africa” como lugar de origen del personaje, que en el live-action es interpretado por Jacob Gibson, de Jamaica.

El más claro y que en la serie de Netflix coincide plenamente es Zoro, con su mítico pelo verde, que es originario de Japón, al igual que su actor, Mackenyu. En el caso de Sanji, por ejemplo, sí que cumple el hecho de ser europeo, pero no en el país, pues mientras Oda lo imaginó francés, el actor Taz Skylar es español, de islas Canarias, con ascendencia británica.

Uno de los personajes principales que tiene origen diferente en el comic respecto a la serie de live action es Nami, que mientras su creador la vio de Suecia, Emily Rudd, quien le da vida, es proveniente de Estados Unidos. Otros orígenes que también fueron desvelados es que Robin proviene de Rusia, Franky de Estados Unidos, Chopper de Canadá o Brook de Austria. Algunos de ellos debutan precisamente en esta segunda temporada.

Hay muchas personas que seguro tienen una serie en mente que les transporta a las mañanas de verano, en las que las cadenas de televisión centraban su atención en los más pequeños y jóvenes de las casas, y para la generación que creció a principios de los 2000, “H20” es una de esas ficciones con las que desayunaban o pasaban las horas de después del desayuno.

Y es que “H20”, una serie que seguía la vida de tres jóvenes que por una casualidad se convierten en sirenas cuando tocan el agua, traspasó fronteras con su éxito de su Australia natal a ser un fenómeno global de más 250 millones de espectadores, y siendo doblada en 120 idiomas.

España fue uno de esos países donde la serie alcanzó el éxito, con espectadores que seguían los pasos de Emma, Rikki y Cleo, interpretadas por las actrices Carina Heine, Claire Holt y Phoebe Tonkin. Debutó en la cadena Network Ten de Australia en 2006, de cuyo estreno se cumplen 20 años, y fue creada por Jonathan M. Shiff.

La isla de Mako es ficticia

La historia principal de “H20”, que en su versión original portaba el subtítulo de “Just add water” (solo añade agua), se desarrolla en parte en la isla de Mako, un lugar ficticio que se inspira en otras de la Costa Dorada de Australia, donde fue rodada la serie, siendo el Sea World de Queensland otra de sus localizaciones.

En la isla de Mako, un lugar mágico, es donde las jóvenes, movidas por la curiosidad de un antiguo volcán activo, caen de forma accidental en una cueva que guarda un estanque oculto, del que al bañarse en luna llena toman los poderes de convertirse en sirenas al tocar el agua. Solo bastan diez segundos para que se transformen, lo que hace que deban pasar por situaciones rocambolescas para no ser descubiertas, ya que solo confían su secreto a su amigo Lewis.

El éxito alargó la serie y se crearon dos spin-off

En un principio, los creadores de “H20” preveían solo dos temporadas de 52 episodios, pero debido a todo el fenómeno que se generó, se llevó a cabo una tercera que se estrenó con dos y tres años de diferencia respecto a las anteriores. Todo ello a pesar de que una de sus protagonistas, Claire Holt, que interpretaba a Emma, dejó la serie.

Aunque fue una producción australiana, la televisión pública alemana ZDF estaba detrás como coproductora y facilitó su distribución a nivel mundial. Tan solo un año y medio después del final, se anunció un spin-off que se llamó “Las sirenas de Mako” con tres protagonistas diferentes, y que llegó a tener 26 capítulos. Existe también una adaptación en dibujos animados llevada a cabo por la plataforma Netflix, que se tituló “H20: Mermaid Adventures”.

La canción de inicio cambió de cantante tres veces

Otra de las curiosidades de “H20” es sobre su canción de intro, compuesta para la serie de sirenas y que se llamó “No Ordinary Girl”. El tema fue interpretado por hasta tres artistas, una por temporada, comenzando con Ellie Henderson, seguida de Kate Alexa en la segunda e Indiana Evans en la tercera. La que se distribuyó en un CD fue la interpretada en la temporada 2, por Kate Alexa.

Para los niños que nacieron entre la década de los 90 y principios de los 2000, los Teletubbies son unos personajes de lo más conocidos y con los que crecieron viéndolos a través de la televisión. Y es que la serie, creada por la BBC, fue todo un fenómeno internacional que también llegó a España y a cientos de países más.

A pesar de su éxito, fue una serie de televisión muy controvertida, no solo porque adultos y expertos aseguraban que no ayudaba en el aprendizaje por su lenguaje simple, sino también por la estética inusual, llevando a distintas teorías de la conspiración.

Sin embargo, los Teletubbies son personajes icónicos para la infancia de toda una generación, que dijeron adiós con el último episodio de a serie original en febrero de 2001, hace 25 años, a pesar de que han tenido una segunda vida con las plataformas y un reboot incluido.

El final de la casa de los Teletubbies: bajo el agua para no ser destino turístico

La ficción creada por Anne Wood y Andrew Davenport para BBC en 1997 y que contó con un total de 365 episodios creó de forma real el escenario en el que vivían los cuatro personajes: Tinky Winky (violeta), Dipsy (verde), Laa-Laa (amarilla) y Po (roja). Un hogar, el llamado Valle Tubby o Tubbytronic Superdome, que existió en verdad.

El Valle Tubby o Tubbytronic Superdome era una especie de cabaña semi-subterránea ubicada en el mundo Teletubbylandia, con un potente verde y ondulaciones que la hacían toda una localización emblemática, que se construyó en Wimpstone, Warwickshire, al sur de Birmingham. Un hogar de los Teletubbies fue construido aposta para la serie, que tenía como objetivo que parecieran pequeños a pesar de que los trajes de los personajes, en los que dentro iban actores, era enorme, lo que hizo que el set fuera más grande de lo habitual para logar la proporción deseada.

El hogar de los protagonistas fue construido de manera tal que los teletubbies parecieran pequeños. El traje de los personajes era enorme, por lo que el sitio debía ser más grande de lo normal para que las proporciones fueran las deseadas.

Un lugar que ya no existe, porque el set ha quedado bajo el agua. El propietario de las tierras, Rex Harding, inundó el sitio para evitar que estuviera lleno de turistas y lo reconvirtió en un hábitat natural porque ya después del estreno de la serie vio como personas acudían a visitar la famosa localización.

Un cambio que pudo realizar gracias al dinero de la productora Ragdoll Productions, que también pagó al propietario mil libras mensuales mientras rodaban en el terreno, a tan solo tres campos de la granja donde Harding vive con su esposa, siendo así testigos del rodaje de los Teletubbies y otras series de la compañía.

El 26 de febrero de 1995, en el programa “What a Cartoon”, debutaba la considerada la primera serie original del canal Cartoon Network en Estados Unidos, que marcaría a toda una generación con ficciones como Las Supernenas, Hora de Aventuras o Agallas, el perro cobarde.

Hablamos de El Laboratorio de Dexter, que cumple 30 años, y que con su debut en televisión fue el comienzo de todo un estilo de animación en televisión, con una trama que giraba en torno a un niño genio y las continuas peleas con su hermana, que sueña con ser bailarina.

De qué trata ‘El Laboratorio de Dexter’

En la década de los 90, el canal Cartoon Network se dedicaba a reponer clásicas series de Hanna Barbera y de la división de animación de Warner Bros, pero tenía siempre un tono más agresivo y excéntrico en comparación con el de la factoría Disney. En ese momento, querían hacer cosas diferentes y su propia ficción, y fue entonces cuando llegó El Laboratorio de Dexter, su primer título original.

Una serie que protagoniza Dexter, un niño que tiene un laboratorio secreto en el sótano de su casa para sus inventos o el intento de ellos. La relación con su hermana mayor, Dee Dee, es una de las tramas principales de la serie, que siempre consigue entrar e interrumpir a su hermano en sus experimentos.

Dexter, tienen que además superar también los problemas de su rival, Mandark, que es otro niño que también tiene un laboratorio secreto, y que experimenta para fastidiar y hacer daño al protagonista. Una serie que destaca por su originalidad y por un marcado estilo de animación.

‘El Laboratorio de Dexter’: una serie que formó una escuela de animadores

El Laboratorio de Dexter es una serie creada por Genndy Tartakovsky y que también significó su primer trabajo en la animación. Actualmente conocido por ser la persona detrás de éxitos como el de la trilogía de Hotel Transilvania y uno de los nombres más destacados de los dibujos animados de televisión durante finales de los 90 y principios de los 2000.

Tartakovsky emigró con su familia a Chicago cuando tenía tan solo siete años y creció con los cómics, que le ayudaron a aprender inglés y que despertaron su lado creativo desde muy temprano. Estudió en el Instituto de Artes de California (CalArts), de donde han salido animadores de Pixar, y empezó en la industria de la animación al trabajar para Hanna Barbera, donde aprovechó para presentar un corto que sería luego el germen de la serie El Laboratorio de Dexter.

Espero su oportunidad y mientras preparó dos pilotos hasta que recibió el visto bueno para crear una serie de animación, que sería la primera original de la cadena televisiva, que aguantaría hasta cuatro temporadas en antena con episodios de media hora. Después de ella crearía otras ficciones como Samurai Jack o Clone Wars, lo que le dio dos Emmy al mejor programa animado en 2004 y 2005.

Con El Laboratorio de Dexter, Genndy Tartakovsky creó una escuela de animadores que acabarían creando series icónicas de Cartoon Network, como es el caso de Craig McCracken, que crearía Las Supernenas en 1998, Seth MacFarlane que sería la mente detrás de Padre de Familia o Buth Hartman con Los Padrinos Mágicos.