La adaptación televisiva de Alas de sangre, la primera novela de la saga Empíreo de Rebecca Yarros, ya tiene protagonistas. Esther McGregor interpretará a Violet Sorrengail y Emilio Sakraya dará vida a Xaden Riorson en la serie que prepara Prime Video, según ha adelantado el medio especializado Deadline, que cita fuentes cercanas a la producción. El anuncio supone un nuevo avance para un proyecto que recibió luz verde en mayo de 2026, después de que Amazon MGM Studios adquiriera los derechos de adaptación en 2023. La ficción trasladará a la pantalla una historia de fantasía, romance y dragones que se ha convertido en un fenómeno editorial internacional.

La elección del reparto ha generado opiniones diversas entre los seguidores de las novelas. Según recoge el medio especializado en entretenimiento, algunos lectores han cuestionado las diferencias que perciben entre la apariencia física de los intérpretes y las descripciones literarias de sus personajes, con comentarios sobre la estatura y el aspecto físico, especialmente el de Xaden, que es muy concreto y específico. Otros, en cambio, han defendido las decisiones de la producción y han pedido esperar a ver sus interpretaciones. En particular, Sakraya figuraba entre los candidatos favoritos de una parte de los seguidores para encarnar a Xaden, como también señala Deadline. Las reacciones recogidas no permiten determinar hasta qué punto estas opiniones representan al conjunto de los lectores.

La expectación responde en parte a la popularidad de la obra original. Publicada en mayo de 2023, Alas de sangre vendió más de dos millones de ejemplares en todo el mundo durante sus primeros seis meses. Su combinación de aventuras, conflictos militares, romance y criaturas fantásticas también ha encontrado una amplia audiencia en comunidades literarias como BookTok. El éxito de la primera entrega dio continuidad a una saga que cuenta actualmente con tres novelas publicadas y que ha despertado grandes expectativas ante su adaptación televisiva.

Quiénes son los actores elegidos para interpretar a Violet y Xaden

Esther McGregor, hija del actor Ewan McGregor, ha participado en producciones como Éramos mentirosos, donde interpretó a Mirren Sinclair Sheffield, y Obi-Wan Kenobi, en la que encarnó a Tetha Grig. Su trayectoria cinematográfica incluye Babygirl y La habitación de al lado, dirigida por Pedro Almodóvar. También trabajó junto a su padre y su hermana Clara McGregor en Bleeding Love. Según señalan, la actriz se encuentra rodando para Prime Video la adaptación televisiva del videojuego Life Is Strange, otro de sus proyectos recientes.

Por su parte, Emilio Sakraya es un actor y cantante alemán conocido por su trabajo en series como La monja guerrera, Tribus de Europa y Los que van a morir te saludan. También ha participado en la película 60 minutos y ha completado el rodaje de su intervención en la tercera temporada de la adaptación de imagen real de One Piece, donde interpretará a Koza, líder del ejército rebelde.

Una historia de dragones, rivalidades y romance

La trama sigue a Violet Sorrengail, una joven de 20 años que pretende convertirse en escriba, siguiendo los pasos de su padre, en el Colegio de Guerra Basgiath. Sin embargo, su madre, la general Lilith Sorrengail y máxima autoridad del centro, la obliga a ingresar en el cuadrante de jinetes, donde los aspirantes deben superar pruebas extremadamente peligrosas para convertirse en jinetes de dragones. Allí conoce a Xaden Riorson, un cadete descendiente de una facción rebelde cuya familia mantiene una historia conflictiva con la de Violet. La desconfianza inicial entre ambos evoluciona hacia una relación sentimental que constituye uno de los ejes de las novelas.

La adaptación cuenta con Meredith Averill como showrunner y productora ejecutiva, mientras que Lisa Joy dirigirá el primer episodio y también participará en la producción ejecutiva. Entre las compañías responsables figuran Outlier Society, la productora de Michael B. Jordan; Kilter Films, vinculada a Jonathan Nolan y Lisa Joy; y Premeditated Productions. La propia Rebecca Yarros está involucrada como productora ejecutiva. Por el momento, Prime Video no ha comunicado una fecha oficial de estreno, y todavía quedan por conocer otros integrantes del reparto.

La saga Empíreo está concebida para cinco novelas, de las que ya se han publicado tres: Alas de sangre (2023), Alas de hierro (2023) y Alas de ónix (2025). Yarros trabaja actualmente en una cuarta entrega, todavía sin título anunciado, a la que seguirá una quinta. A principios de este mes de octubre se publicó El día de la Trilla, una novela que narra 13 historias de 13 personajes distintos, uno de los cuales es el propio Xaden Riorson, del momento de la vinculación de los cadetes con sus dragones. No solo es un libro complementario, sino que es el único, hasta la fecha, que no está traducido por el personaje literario de Jesinia Neilwart, como los otros tres, y que, por lo tanto, presenta diferencias narrativas claves en la resolución de los enigmas que tiene la saga.

Apenas quedan cuatro meses para conocer el final de la historia de Daryl Dixon (Norman Reedus) y Carol Peletier (Melissa McBride), una trama que empezó en 2010 con el estreno de The Walking Dead y que siguió desarrollándose después a través del spin-off que AMC decidió dedicar al personaje interpretado por Reedus.

Así lo anunció la propia AMC durante la pasada Comic-Con celebrada en la ciudad de Nueva York, el macroevento en el que confirmó que la cuarta temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon se estrenará en exclusiva en la plataforma en febrero de 2027. Aunque sin día concreto, ya sabemos que será a principios del año que viene cuando digamos adiós a estos personajes.

El anuncio se realizó en un panel en el que participaron sus protagonistas, Reedus y McBride, junto al showrunner David Zabel y el productor ejecutivo del proyecto Scott M. Gimple. Ahora también está disponible el tráiler de la que será será no solo la última temporada de la serie, sino también la última vez que veremos a Reedus en el papel de Daryl.

El actor anunció su despedida de este universo apocalíptico lleno de zombies en un comunicado compartido en sus redes sociales a finales de 2025: “Hoy es el último día de rodaje de Daryl Dixon. Ha sido un verdadero placer interpretar a este personaje con todos vosotros durante tanto tiempo. Me siento muy afortunado. De verdad. Muchas gracias a todos de corazón”. 

España vuelve a ser escenario

La tercera temporada de la serie, que se estrenó el 6 de septiembre de 2025, se rodó íntegramente en España. En los diez meses que duró el rodaje, el equipo (al 98% integrado por profesionales españoles), recorrió ocho comunidades autónomas diferentes (Castilla y León, Aragón, Galicia, Andalucía, Comunidad Valenciana, Cataluña, Castilla-La Mancha y Madrid), 22 municipios distintos y un total de 38 localizaciones.

Esta cuarta y última temporada también estará ambientada en distintas localizaciones de España y contará, además, con la incorporación de Jimmy Smits, conocido por su trabajo en Sons of Anarchy y Star Wars. En The Walking Dead: Daryl Dixon interpretará al capitán Alejandro Perkins, un antiguo oficial de la Marina estadounidense y médico que ha desarrollado sus propios métodos para sobrevivir entre muertos vivientes.

La temporada final reúne a un reparto internacional y español en el que también figuran intérpretes como Eduardo Noriega, Óscar Jaenada, Hugo Arbués, Candela Saitta y Romain Levi, entre otros. Apenas quedan cuatro meses para verlos a todos juntos en pantalla.

Hace cincuenta años, se estrenó la primera adaptación audiovisual de Carrie (1974), la novela de Stephen King (Portland, Maine, 1947) que desde su lanzamiento se convirtió en un referente de un renovado género del terror. La película, bajo la dirección de Brian de Palma y con Sissy Spacek y Piper Laurie como protagonistas, se convirtió enseguida en un clásico que no ha dejado de estar presente en los anales de los amantes del cine, y no, no hace falta ser un apasionado de lo terrorífico para entender por qué.

Más de medio siglo después, llega una nueva adaptación del libro, esta vez en forma de miniserie de ocho capítulos, capitaneada por Mike Flanagan, que en 2018 ya se encargó de llevar a la pequeña pantalla La maldición de Hill House (1959), de Shirley Jackson (una autora muy admirada por Stephen King, por cierto), y, en 2019, de dirigir el filme basado en Doctor Sueño (2013), del propio Stephen King, entre otros. La miniserie se podrá ver desde este mes de octubre en la plataforma Amazon Prime Video.

La historia en torno a la publicación de Carrie es tan legendaria como su contenido: el autor, que por aquel entonces aún no se había estrenado como novelista y malvivía de su trabajo como profesor, colaboraba con publicaciones periódicas dirigidas al público masculino. Las primeras páginas de lo que sería Carrie estaban destinadas ahí, pero no le convencieron y las tiró a la basura. Sin embargo, su esposa, Tabitha –él siempre ha reconocido lo importante que ha sido ella a lo largo de su carrera–, las recogió, las leyó y lo animó a seguir. Esa intuición acabó significando su debut en el mercado editorial, con un éxito que se mantendría a lo largo de toda su carrera.

Tanto la novela como el filme captaron a la perfección ese cóctel emocional llamado adolescencia, pero hubo algo más que explica por qué trasciende los parámetros de un producto cultural juvenil y despierta una fascinación intergeneracional. Una atracción que, salta a la vista, se mantiene cincuenta años después, como demuestran esta nueva versión fílmica o el hecho de que el libro no ha dejado de leerse. Y no es para menos: hay unas cuantas razones para explicar por qué Carrie sigue conectando con el público.

1. El acoso escolar

El acoso escolar, que podría extenderse a cualquier tipo de acoso, a cualquier edad, más todavía en estos tiempos de crispación permanente. Stephen King toma como punto de partida un problema común, aunque entonces no se verbalizara. La adolescente que no encaja sufre el rechazo del grupo, con violencia y marginación. Es fácil ponerse en su lugar, es fácil evocar escenas similares en nuestro centro de estudios. Detectar las fisuras del día a día y convertirlas en literatura es un talento del buen escritor.

2. El tabú femenino: la sangre menstrual

Stephen King no solo se atrevió a poner la menstruación en primera fila –un asunto que hoy sin tener mucha presencia en el cine y la literatura–, sino que la revistió de los atributos del género terror, lo que podía resultar tan provocador como clarividente: nada produce más pavor, a esa edad, que ese cuerpo cambiante que no podemos controlar, ese cuerpo que nos traiciona y puede provocar la burla de los demás. Y la sangre es sangre, viejo tropo del género, más oscura si cabe por no brotar de una herida, sino por representar la transición de la niña a la mujer adulta.

3. La madre trastornada

El autor es experto en crear personajes extremos, obsesivos, y cuenta con una nutrida galería de protagonistas femeninas memorables, como Annie Wilkes (Misery, 1987) o Dolores Claiborne (Dolores Claiborne, 1993). En el caso de la madre de Carrie, se trata de una fanática religiosa que derriba el tópico de la progenitora tierna y protectora: lejos de convertir el hogar en un espacio seguro para la joven, hace de este una pesadilla que aumenta aún más, a ojos del resto, su condición de chica rara. La brutalidad de las escenas añade tensión emocional, general un impacto que perdura.

4. La tentación de la venganza

Stephen King proporciona a su antiheroína particular un don (o una maldición) para hacer realidad la fantasía secreta de cualquier adolescente oprimido: vengarse de sus maltratadores. Es un deseo políticamente incorrecto, que saca a la luz la rabia acumulada por la chica, con la paradoja de que la víctima se convierte en monstruo, esto es, el odio genera odio, la violencia genera violencia. Pero él no lo cuenta desde la moralidad, sino con mucha empatía y una atmósfera desasosegante.

5. El toque paranormal

Introducir un elemento que se sale de la realidad pura y dura, pero que tampoco llega a ser tan inconcebible como un mago volando en una escoba, es un estímulo, añade a la historia la atracción por lo desconocido, lo misterioso, algo que no se comprende del todo y que por eso mismo puede causar situaciones imprevisibles. En los cuentos tradicionales –que, como Carrie, tienen marcado el rito de paso que es la adolescencia–, la magia tiene su origen en un conflicto, a menudo representa un trauma, y es a su vez el canal para solucionarlo, como la ayuda del hada madrina a Cenicienta. Aunque, a Carrie, la “varita” le da una habilidad que no la ayuda a seducir a nadie.

6. Una sociedad de perdedores

Son bien conocidos los orígenes humildes del autor, y de las condiciones en las que escribió Carrie en particular –el matrimonio y sus hijos vivían en una caravana–. El ambiente que retrata en sus novelas es el del proletariado, lo más bajo de la clase urbana, que saca a la luz los instintos más bajos del ser humano. El casting de Stephen King lo componen inadaptados, desquiciados, alcohólicos, malvados y un sinfín de personalidades llenas de sombras. Ese mundo sigue existiendo aunque se intente tapar, y ya se sabe que la labor del novelista es alumbrar zonas incómodas.

7. El terror en lo cotidiano

No es un invento del autor, pero supo cómo adaptarlo a su contexto: el verdadero miedo no reside tanto en lo que escapa a la razón humana como a la realidad tangible, lo que sospechamos que puede hacernos daño de verdad, lo que nos perturba. Ese temor a lo desconocido –la telequinesis, pero también el tabú del periodo menstrual, el “origen” del don paranormal– es lo que alimenta el clima de terror, y le da una verosimilitud más escalofriante sin poner en escena fantasmas y muertos vivientes.

8. Un retrato sin paliativos de la adolescencia

Si en 2025 la miniserie Adolescencia causó pavor por mostrar hasta qué punto puede llegar la violencia entre muchachos (y hasta qué punto esta escapa a los adultos, comenzando por los propios padres), Carrie tampoco se queda corta en cuanto a captar el acoso, como la crueldad de las jóvenes. El personaje de Carrie concentra el conflicto identitario, el deseo de integración, el miedo, la inseguridad y la rabia que todo adolescente experimenta en mayor o menor grado. El libro habla de tú a tú, al adolescente y al adulto que no mira hacia otro lado.

9. El efecto catártico

Cualquier narración, pero sobre todo las que permiten explorar situaciones límite, como el thriller psicológico o la novela de terror, proporciona una experiencia liberadora en el lector. A través de la ficción, se tiene la oportunidad de experimentar sensaciones extremas sin exponernos al peligro real; en este sentido, leer puede ser una actividad terapéutica, que ayuda a calmar la angustia, a reflexionar y a aumentar la empatía. Leer a Stephen King provoca tal tumulto de emociones que la adrenalina generada a lo largo de las páginas culmina en una purificación sanadora.

10. Stephen King, un creador mítico

Stephen King es, probablemente, el escritor vivo más conocido alrededor del mundo, y sin duda uno de los más leídos, porque sus libros no solo se citan, sino que, sobre todo, se leen, se leen con avidez, de una generación a otra. Su extensión, que tiende a ser larga –no es el caso de Carrie, que no llega a las trescientas páginas–, no es un inconveniente a pesar de la pérdida de concentración contemporánea: sabe mantener la atención del lector, no se anda con florituras; en definitiva, engancha. Ha dado forma a una serie de personajes y escenas que, de la mano del cine, son un icono de la cultura popular. Todo lo que viene de él, desde un libro a una declaración controvertida, tiene hoy un aliciente. Porque se lo ha ganado. Larga vida al rey.

Nota: la última edición de Carrie en castellano, publicada en 2024 por Plaza & Janés para conmemorar el 50º aniversario de su lanzamiento, se presenta en tapa dura, con una cubierta brillante que adapta la original y un nuevo prólogo de Margaret Atwood. La traducción es de Gregorio Vlastelica.

Desde que se emitió el último episodio de la segunda temporada, los fans de The Last of Us están pensando en la tercera entrega. Aunque apenas hay información sobre ella, más allá de que su estreno está previsto para 2027, empiezan a llegar las novedades. La última la ha dado Deadline en exclusiva y tiene que ver con el reparto que veremos al frente de los nuevos episodios.

Según ha publicado el medio estadounidense, John Goodman, Ian Alexander y Laura Bailey participarán como actores en la tercera temporada de la producción de HBO. La noticia ha emocionado a los seguidores de esta historia, pues dos de ellos ya prestaron sus voces a personajes del videojuego original,The Last of Us: Parte II, hace unos años.

Alexander puso voz a Lev y Bailey hizo de Abby. En la serie de acción real, estos personajes ya tienen a sus intérpretes: Kyriana Kratter interpreta a Lev y Kaitlyn Dever da vida a Abby. Así que, según compartió Deadline, Goodman interpretará a Joey y Alexander a Paco, un grupo de amigos, mientras que Bailey se pondrá en la piel de Elizabeth, una de las líderes de la secta religiosa de los Serafitas.

No es la primera vez que HBO cuenta con actores de los videojuegos originales de Naughty Dog. Merle Dandridge y Jeffrey Wright repitieron sus papeles del videojuego haciendo de Marlene, líder de las Luciérnagas, y de Isaac Dixon, responsable de la milicia WLF. Por su parte, Ashley Johnson, quien dio voz a Ellie en el videojuego, interpretó a la madre de este mismo personaje en la serie.

Nueva cartera de actores

La tercera temporada de The Last of Us dará un giro con respecto a la anterior y situará a Abby Anderson (Kaitlyn Dever) en el centro de la historia para reconstruir, desde su perspectiva, algunos de los acontecimientos que tuvieron lugar en la segunda entrega. La serie mostrará su relación con la WLF, su enfrentamiento con los Serafitas y, especialmente, la relación que entabla con Lev y Yara.

Ellie (Bella Ramsey) seguirá formando parte de la historia, aunque tendrá inicialmente un protagonismo más reducido en los nuevos episodios. La participación de Joel (Pedro Pascal), por su parte, no está del todo clara, teniendo en cuenta lo que ocurre en los últimos episodios de la segunda entrega. Algunos creen que podría aparecer en algún flashback.

Las nuevas caras (Goodman, Alexander y Bailey) se unirán a otras incorporaciones anunciadas previamente para esta tercera parte, como Li Jun Li, que interpretará a Miriam, una serafita, o Peter Sarsgaard, que hará de Amon, uno de los líderes de la secta. En esta tercera temporada también veremos a Jason Ritter como Hanley, un soldado del WLF, Patrick Wilson como Jerry, el padre de Abby, y Michelle Mao como Yara.

La productora de Los Javis, Suma Content, se encuentra participando en un proyecto con Atresmedia y la productora Buendía Estudios Canarias para el rodaje de una serie llamada Crimen en España. La grabación ya ha comenzado en Barcelona, pero se trasladará pronto a Canarias, donde ya están buscando figurantes para las escenas.

Según ha informado atresplayer, Crimen en España es una serie original de ficción protagonizada por las actrices Macarena García (La Mesías, Se tiene que morir mucha gente, Casa en llamas, La Llamada) y Belén Barenys (Autodefensa). Ambas interpretan a una periodista y a una joven “acosada por sus propios demonios”. Ambas vivirán desde dentro la relación entre España y la cobertura mediática de la violencia.

La seria tendrá cinco episodios y su rodaje ya se está desarrollando en Barcelona, aunque continuará en Lanzarote. El hilo conductor de la seria conjuga el thriller con el escenario fantástico, el terror psicológico, la metáfora y el ensueño.

Completan el reparto de la serie reconocidos nombres de la ficción nacional como Ana Torrent, Julián Villagrán, Mónica Cruz, Adelfa Calvo, Milo Quifes, Jedet, Daniel Ibáñez e Itsaso Arana, entre otros.

Crimen en España es una producción de Buendía Estudios Canarias con la colaboración de Suma Content (la productora de Javier Ambrossi y Javier Calvo) y la participación de Atresmedia. La serie está dirigida por Claudia Costafreda y creada por María Bastarós.

Cásting para figurantes en Canarias

Las productoras están buscando ya figurantes para el rodaje en Canarias, concretamente, en Lanzarote, donde se grabará la serie los días 7 y 8 de octubre.

En caso de ser elegido, la remuneración oscila entre los 62 y los 72 euros, aunque puede haber figuraciones especiales, con mayor pago.

Los perfiles requeridos son jóvenes de 16 a 23 años para ambientación de un centro de menores, por lo que se busca un perfil “cani” y gente con “perfil de la calle”.

También se buscan chicos y chicas con ancento andaluz,  mayores de 18 años, con estética heavy/metal, preferiblemente pelo largo o media melena y “estilo auténtico”.

No es necesaria experiencia previa. Para inscribirse, la productora ha facilitado un formulario online.

Con cada llegada del otoño, la serie Gilmore Girls vuelve a la escena, por los que vuelven a verla por enésima vez o los que se adentran en la aventura de descubrirla al ser una de las series por excelencia de esta época del año. Hace más de 25 años que debutó en la televisión, pero sigue vigente.

Lo demuestra, por ejemplo, el entusiasmo que generó la reunión de dos de sus protagonistas, Lauren Graham y Melissa McCarthy en la ceremonia Power of Women 2026 de Variety. Las intérpretes de Lorelai y Sookie, respectivamente, posaron juntas en la mencionada gala y los fans no pudieron evitar emocionarse, al recordar los tiempos de las dos amigas en la ficción creada por Amy Sherman-Palladino.

Si bien la mayor parte de ‘Gilmore Girls’ es ficción, para los que busquen sentirse dentro de la serie, pueden visitar Stars Hollow, o al menos los pueblos que lo inspiraron y que se encuentran en el estado de Connecticut, a dos horas de Nueva York.

Washington Depot, el verdadero pueblo de Stars Hollow

El pueblo de Stars Hollow, donde sucede gran parte de la acción de ‘Las Chicas Gilmore’, es una creación para la serie, pero la inspiración es real, y la mayor parte de ella proviene de Washington Depot, una localidad en el estado de Connecticut.

En este pequeño municipio de Estados Unidos se pueden encontrar lugares que recuerdan al café Luke’s, a la librería, la tienda de antigüedades de la madre de Lane o la heladería Taylor’s Olde Fashioned Soda Shoppe, además de lugares pintorescos como puestos de venta de maíz, de tomates o de calabazas.

Sin embargo, que Washington Depot se vincule con ‘Gilmore Girls’ ha hecho que haya un incipiente turismo por visitar el lugar que inspiró Stars Hollow, lo que no gusta entre los vecinos, que no dejan que entren buses turísticos. De hecho, su alcalde habla sobre la opinión que tienen al respecto: “Todo el fenómeno ha sido beneficioso para Washington. Durante todo el año, recibimos visitantes que vienen a la ciudad y disfrutan de los lugares de interés. Sin duda, es un reto para los negocios mantener la tranquilidad de nuestra ciudad para los residentes”, aseguraba para Traveler, James Brinton.

Así nació la inspiración para ‘Gilmore Girls’

Pero Washington Depot no es el único lugar que ha inspirado la serie, sino que fue una mezcla de pueblos del condado de Litchfield, en Connecticut, donde Amy Sherman-Palladino se imaginó una serie de personajes excéntricos, y todo a tan solo dos horas de Nueva York. A pesar de ello, los exteriores se filmaron a 2871 millas de distancia en los estudios Warner Bros en Burbank, California

Uno de ellos es New Preston, que tiene seis tiendas de artículos para el hogar en una misma calle, entre ellas una que se encuentra ubicada en una antigua iglesia. Otro es Litchfield, una localidad famosa por uno de los helados más cremosos y el queso Gouda más premiado de Estados Unidos.

Aunque lo que realmente inspiró a Amy Sherman-Palladino fue el Mayflower Inn en Washington Depot, donde se hospedó durante un fin de semana de 1999 y obtuvo la idea de escribir una serie en la que una de las protagonistas era una trabajadora de gerente de un hotel.

Las plataformas han convertido el sofá en una cartelera casi infinita, con Netflix, HBO Max, Disney Plus y Prime Video alimentando una oferta que crece junto a presupuestos cada vez mayores. Esa abundancia multiplica las posibilidades de encontrar buenas series y también complica la tarea de separar los títulos que merecen atención entre tantos estrenos.

The New York Times ha publicado su selección de las 100 mejores series de televisión del siglo XXI después de consultar a más de 500 actores, guionistas, realizadores, productores y críticos de la industria. El periódico desveló 20 títulos cada día hasta completar una clasificación encabezada por Breaking Bad, The Wire y Mad Men.

Walter White convierte su enfermedad en una carrera criminal

Breaking Bad ocupa el primer puesto gracias a una transformación de Walter White que convierte una situación familiar desesperada en un descenso progresivo hacia el mundo criminal. El profesor de química interpretado por Bryan Cranston recibe un diagnóstico de cáncer y comienza a fabricar metanfetamina con la intención inicial de afrontar sus gastos y asegurar económicamente a su familia. La serie creada por Vince Gilligan utiliza esa premisa para plantear hasta dónde puede llegar una persona cuando descubre que el poder, el dinero y el reconocimiento satisfacen ambiciones que llevaba años conteniendo.

El espectador encuentra una historia criminal cargada de tensión, pero también el estudio prolongado de un personaje que teóricamente es una persona comedida y recta que va modificando sus límites morales a medida que aumenta su influencia. The New York Times destaca su “exploración moral y humanista” como uno de los motivos que explican el primer puesto. En Espala se puede ver en Netflix.

Baltimore permite examinar las instituciones estadounidenses

The Wire, disponible en HBO Max y Movistar Plus, aparece segunda con un retrato de Baltimore que amplía su campo de observación temporada tras temporada para examinar varias instituciones de la ciudad y las personas atrapadas en su funcionamiento. Creada por David Simon, comienza prestando especial atención al narcotráfico y al trabajo policial, aunque después incorpora el puerto, la política municipal, el sistema educativo y los medios de comunicación.

Esa estructura permite al espectador seguir numerosas historias conectadas y observar cómo las decisiones de policías, traficantes, políticos, profesores, periodistas y funcionarios terminan condicionadas por las organizaciones a las que pertenecen. Su posición en la clasificación responde también a una ambición que supera el relato policial y convierte Baltimore en un escenario desde el que estudiar problemas sociales e institucionales de Estados Unidos. The New York Times considera que la serie se adentra en un “rincón oscuro del experimento estadounidense”.

Don Draper atraviesa los cambios sociales del Nueva York sesentero

Mad Men completa el podio trasladando al espectador hasta las agencias de publicidad del Nueva York de los años 60, un escenario desde el que observa tanto la vida profesional de sus protagonistas como las transformaciones sociales de aquella década. La ficción creada por Matthew Weiner tiene en Don Draper, interpretado por Jon Hamm, a su personaje principal, un publicista de éxito que arrastra secretos relacionados con su identidad y un pasado que condiciona sus relaciones personales. A su alrededor aparecen compañeros, ejecutivos y mujeres que intentan avanzar dentro de un sector dominado por códigos laborales y sociales que comienzan a cambiar.

El espectador encuentra así una serie sobre publicidad, ambición, identidad, familia, relaciones laborales y ascenso profesional que utiliza el paso de los años para mostrar la evolución de sus personajes. The New York Times valora especialmente ese relato de transformación personal situado en una época de profundos cambios culturales que se puede visionar en Disney Plus.

Las 100 mejores series del siglo XXI según The New York Times

“Si tuviéramos tradición de ir a buscar a los autores muchas cosas irían mucho mejor”. Lo decía Eduard Sola, uno de los guionistas con más visibilización del cine español con motivo de la publicación de su primera novela, El nido. Pensaba que, si nos fijáramos quién escribe las películas, los cuentos y hasta las noticias, nos prevendríamos de la desinformación. Si le hiciéramos caso, si miráramos quién ha escrito algunas de las mejores películas y series de los últimos años del audiovisual español encontraríamos un nombre, el de Isabel Peña.

Ella es la firma que acompaña a Sorogoyen en títulos como As bestas, Antidisturbios, El reino o El ser querido. Casi nada. Quienes no la conozcan solo tenían que haber estado un poco atentos. Hay en el cineasta una voluntad de reivindicarla siempre como una cocreadora. La escritura a cuatro manos de la dupla funciona siempre, pero Isabel Peña es mucho más que la coguionista de Sorogoyen, es una escritora con un ojo único, con una capacidad de tensionar sin manipular, de buscar los sitios moralmente ambiguos para que el espectador bucee en esa zona incómoda.

Lo demuestra ahora en su primera serie como showrunner, El castillo, creada junto a Eduardo Villanueva y Elena Martín Gimeno, la directora de Creatura que se encarga de la puesta en escena de algunos episodios (los otros los dirige Sandra Romero) y cuya aportación ha sido tan importante que se ha unido al tridente de creación de esta adaptación del libro El proxeneta, de Mabel Lozano.

Peña ha creado una miniserie de seis episodios —que el 8 de octubre se podrá ver en Movistar Plus— seca, sin concesiones ni recursos melodramáticos. Una mirada a la trata desde dos puntos de vista, el del chulo al que da vida un transformado, terrorífico y espectacular Raúl Arévalo; y el de una de las mujeres explotadas, el gran descubrimiento llamado Valentina Vidal con el que el espectador transitará este castillo de esclavitud moderna. El resultado es una de las mejores series españolas del año, lo que unido a El ser querido, vuelve a confirmar a la guionista como esa figura tranquila que convierte en éxito todo lo que escribe. 

La conjunción de estos dos proyectos ha sido “una casualidad”. De hecho, si ella hubiera podido elegir, hubiera preferido que no coincidieran en el tiempo. “Siempre quieres controlar los calendarios, pero cada proyecto tiene su propia vida y lo que es mejor para ese proyecto. Ha dado la coincidencia de que lo mejor para ambos proyectos es esto que está sucediendo ahora. Influye que nos ha costado mucho escribir este guion. Empezamos a escribirlo en 2018. Soy muy lenta”, dice riendo.

Fue Villanueva quien leyó el libro hace mucho y supo que ahí había una serie. Abordaba un tema, la trata, sobre el que siempre había querido trabajar. “Cuando llegó a mis manos, desde el primer momento se lo propuse a Isa, porque me parecía la persona ideal para hacerlo. Ya estábamos con Antidisturbios en marcha, y fue una cosa que fue muy poco a poco, compaginándola con todas las cosas que han estado en nuestra carrera. En concreto en la de Isa como guionista durante todo este tiempo, pero siempre sacando los huecos para ir haciendo distintas aproximaciones hasta encontrar la forma que ha acabado teniendo El castillo”, añade el productor de Caballo Films que aquí salta a la silla de creador.

Siento que en toda esta trayectoria y relación con Sorogoyen y la productora yo no he sido solo una guionista. Somos un equipo en cuanto a que muchas decisiones las tomamos juntos

Isabel Peña — Guionista

En una industria donde solo se mira al director, y donde a la mujer se le suele dar menos espacio, podría parecer que este proyecto supone la ‘emancipación’ de Isa Peña de Sorogoyen. O al menos un paso en la visibilidad de su trabajo. Pero para ella, siempre tranquila, siempre sincera, este paso “no es algo ni consciente ni inconsciente, sino que ha surgido así”. “Es que es demasiado orgánico y demasiado natural como para que haya un plan para conmigo misma o para con el mundo”, dice y continúa. 

Al rato retoma la respuesta. “Creo que no te he respondido bien”, apunta, y vuelve. Como buena guionista, reescribe de alguna forma lo dicho. “Siento que en toda esta trayectoria y relación con Rui (Sorogoyen) y con Caballo (la productora) yo no he sido solo una guionista. Yo creo que somos un equipo en cuanto a que muchas decisiones las tomamos juntos. Sí que hay, digamos, más responsabilidad sobre mis hombros en este proyecto que en otros anteriores que haya podido hacer con Rui, pero aunque todo sea más bestia y más grande, no me siento extraña con respecto a lo que yo había podido hacer antes”, explica.

Señala también a otra de las claves de Caballo Films, la productora que se ha convertido en familia creativa detrás de todos los proyectos, el trabajar en grupo y con la misma gente: “Lo he podido hacer más acompañada, y eso me ha ido dando conocimiento. Si me hubieran soltado en El castillo creo que me hubiera dado algo. Pero todo lo que hemos aprendido juntos como equipo, con Rui, con Nacho Lavilla… eso nos ha permitido enfrentarnos a los dos a un casting con más experiencia, porque yo nunca había ido a casting con tanta responsabilidad como ahora. Pero gracias a haber estado presente en algunos procesos, he pensado que podía hacerlo un poco mejor que antes”, aclara de un reto que define como “exigente” y de “mucho vértigo”, pero también “muy estimulante”. Eso sí, no sabe si repetiría: “Muy bueno tiene que ser el proyecto para que repitamos y tendrá que pasar dentro de un tiempo”.

En El castillo, gracias a esos puntos de vista, y a un guion complejo lleno de aristas políticas y económicas, consiguen trasladar que sobre la prostitución no hay solo una mirada unívoca. Peña define el universo retratado como “tan complejo” que cuanto más leían, más difícil se volvía. “Nuestra máxima era que cada vez que hubiera una grieta por donde pudiéramos abrir complejidad, había que hacerlo. Poner matices en todo momento, en todo lo que nos lo permitía la historia, sin faltar a la verosimilitud, sin pecar de pedagógicas”, subraya. 

En esa complejidad decidieron que su protagonista supiera desde el primer momento que iba a ejercer la prostitución y lo aceptara. “Es peligroso el pensar que todas vienen engañadas, porque entonces ya estamos empezando a generalizar. Y una de las muchas cosas que nos han obsesionado durante este proceso es el decir que cada mujer es un individuo, aunque todas padezcan el mismo abuso”, analiza la guionista.

También se nota en cómo la serie va desgranando las connivencias empresariales que siempre hubo y hay con la prostitución. Desde la sanidad privada, que se encargaba de los análisis médicos de las mujeres, a los bancos, que colocaron cajeros dentro de los prostíbulos para que los hombres sacaran dinero en efectivo. Una trama económica que El castillo analiza de forma brillante y que siempre tuvieron claro que quería que “atravesara toda la serie” para mostrar que hay muchos intereses en que esa esclavitud siga existiendo.

Llega otoño y para muchos comienza la temporada de ver (por primera o enésima vez) ‘Las Chicas Gilmore’ (‘Gilmore Girls’), una serie que despierta sensaciones de otoño por los temas que trata, pero también por su paisaje en el ficticio Stars Hollow, que se inspira en uno real del estado de Connecticut.

En esta serie comenzó su trayectoria la actriz Melissa McCarthy, que actualmente con 56 años y dos premios Emmy debajo del brazo, ha reflexionado sobre su carrera en una entrevista en Variety, donde se ha sincerado sobre lo que supuso su primer papel en televisión.

En ‘Gilmore Girls’, McCarthy interpretó a Sookie St. James, quien era la mejor amiga de Lorelai (Lauren Graham) y la cocinera del Independence Inn, y si bien fue el primer impulso en su trayectoria, también supuso una experiencia “nada fácil” en parte por tener que lidiar con los diálogos de Amy Sherman-Palladino:

“¡Fue difícil! Fue realmente difícil. Nuestros guiones tenían 93 páginas y no podías cambiar ni una contracción, aunque los recibieras esa misma mañana y fueran de 10 páginas”, comentó al respecto, a la vez que puntualizó que estaban además llenos de referencias.

Pero al mismo tiempo, la actriz criticó de forma positiva este hecho por parte de la creadora Sherman-Palladino, pero también como eso supuso un importante reto: “Me encanta que tuviera su propio estilo, y me encanta que haya creado ese mundo. Me encanta que luchara por él, porque una mujer al mando de ese programa en aquella época, creo que tenía que ser muy estricta. Creo que tuvo que luchar para mantenerlo como ella quería. Y me alegro de que lo hiciera, porque ha resistido el paso del tiempo. La gente realmente se identifica con ese programa”.

La siguen reconociendo por ‘Gilmore Girls’

En la mencionada entrevista en Variety, Melissa McCarthy también expresó la sorpresa que conlleva cada vez que la siguen reconociendo por su participación en la serie en la que participó de 2000 a 2007 y que cumplió el pasado otoño su 25 aniversario, entre rumores de reunión, con un documental que se encuentra en proceso.

Y es que la actriz se sorprende por la cantidad de jóvenes que se siguen acercando a ‘Las chicas Gilmore’ y que todavía se la vincule con ello a pesar de haber hecho mucho más: “¡He trabajado mucho desde entonces!”, bromeó al respecto, considerando que una de las claves de su éxito es el ambiente acogedor que genera en el espectador.

El colegio de Hogwarts tiene nuevas incorporaciones. HBO ha fichado a nuevos actores para la serie que está preparando sobre Harry Potter, la primera vez que veremos en la pantalla el universo que creó J.K. Rowling desde que Warner Bros convirtió en películas sus libros de fantasía hace ya unos años. Uno de los últimos en sumarse al nuevo reparto es Rafe Spall, actor británico de 43 años.

Conocido por su trabajo en series como Pete Versus Life y en las películas Siempre el mismo día, Anonymous, Prometheus o La vida de Pi, Spall seguirá los pasos de su padre, Timothy Spall. Este es famoso por haber interpretado al personaje de Peter Pettigrew, el único mortífago conocido de Hogwarts que no era de la Casa Slytherin, también conocido como Colagusano, en las películas originales de la saga.

En su caso, el hijo de la familia Spall se pondrá en la piel de un Weasley. En la producción de HBO, será Arthur Weasley, un mago al servicio del Ministerio de Magia que es padre de siete hijos, entre ellos Ron, el mejor amigo de Harry. Este personaje aparece por primera vez en el segundo libro, La cámara secreta, por lo que a Rafe no podremos verlo hasta la segunda temporada de la serie.

La serie de HBO dedicará cada temporada a uno de los siete libros publicados entre 1997 y 2007 por lo que, a diferencia de las películas, tendrá más tiempo para desarrollar las tramas y los personajes secundarios. La primera temporada, titulada Harry Potter y la piedra filosofal, tendrá ocho episodios y su estreno está previsto para el 25 de diciembre de 2026.

Otros actores anunciados

Además de a Spall, HBO también ha fichado nuevas caras para su segunda temporada. Entre las nuevas incorporaciones está Molly Hewitt-Richards, que interpretará al personaje de Myrtle la Llorona, y Jasper Ambrose, quien se pondrá en la piel del joven Colin Creevey, estudiante de la casa Gryffindor conocido por ser un fiel admirador de Potter y por ir con su cámara de fotos a todos lados.

Esta segunda temporada se centrará en los acontecimientos que tienen lugar en Harry Potter y la cámara secreta, el segundo libro de la saga literaria que se publicó en 1998. Su rodaje ya está en marcha en los estudios Warner Bros. Leavesden, en el Reino Unido, aunque todavía no hay fecha de lanzamiento prevista.

Por ahora, sabemos que el reparto incluye a Dominic McLaughlin como Harry Potter, Arabella Stanton como Hermione Granger, Alastair Stout como Ron Weasley, John Lithgow como Albus Dumbledore, Janet McTeer como Minerva McGonagall, Paapa Essiedu como Severus Snape, Nick Frost como Rubeus Hagrid, Kit Harington como Gilderoy Lockhart, Bonnie Hill como Ginny Weasley, Lenny Rush como Dobby y Billy Barratt como Tom Riddle.

Hollywood nos ha dicho que los fantasmas vienen a asustarnos. Normalmente, lo hacen porque tienen cuentas pendientes con el presente, y su presencia en el mundo de los vivos es violenta, vengativa y provoca el caos. Pero, si pensamos en un país como España, como Argentina, o como Chile, en los que las dictaduras han dejado tantos muertos en las cuneras, ¿no sería un territorio lleno de muertos que reclamaran ser oídos? El pasado violento de la historia de Argentina late en Mis muertos tristes, la serie que ha dirigido Pablo Larraín y que adapta cuatro cuentos de Mariana Enriquez, que ha participado en la escritura del guion.

Ambos han hecho algo mucho menos obvio y mucho más turbio. Los muertos que aparecen en su serie de cuatro episodios que se ha presentado en su versión cinematográfica en San Sebastián no son los muertos por la dictadura, son más recientes, pero tienen en común la herida violenta de un país donde la violencia nunca cesa. Mires a la década que mires hay una violencia política que deja cadáveres en las cunetas. 

Lo hace a través de la historia de una médica retirada a la fuerza (por matar por compasión durante la pandemia) que puede ver y hablar con los muertos. La llegada de su hermana y su sobrina —que comparte su don— desde EEUU es la chispa para terminar de encender un barrio humilde marcado por la violencia que asola la ciudad. Una violencia que es también burocrática, ejercida desde hospitales que no atienden y servicios públicos que no funcionan. Aquí los muertos no asustan, y no hay jump scares hollywoodienses. Los muertos solo quieren ser escuchados. Otros, salir del bucle violento que se les obliga a repetir. Otros solo que alguien les preste atención. 

Larraín llevaba tiempo queriendo trabajar con la literatura de Mariana Enriquez, y estuvo cerca de hacerlo en el pasado, pero no fue hasta que una de las productoras de su compañía, Fábula, le enseñó antes de que se publicara Un lugar soleado para gente sombría cuando vio realmente la oportunidad hecha realidad. “Me pareció que había una posibilidad de coger Mis muertos tristes como cuento central y trabajar con otros dos más y traer argumentos y personajes al cuento central”, cuenta Larraín desde San Sebastián. A su lado, Mariana Enriquez añade que se juntaron unas cuantas veces en Buenos Aires, pero que el resto fue online, y que ambos tuvieron claro que la idea era “fusionar relatos para hacer otro nuevo a partir de esos fundamentos y con el eje de Mis muertos tristes”.

Aunque Larraín sea chileno y Enriquez argentina, ambos tienen muchas cosas en común, y muchas de ellas “tienen que ver con un pasado político inmediato, dictatorial”. Sin embargo, una de las cosas que más le interesó es que la mirada de la escritora “con respecto a esas personas, a ese pasado y a esa idea de memoria es más amplia que las últimas tres décadas”. “Es más atemporal, y tiene que ver no solo con cómo nosotros los vivos, recordamos a los muertos o vivimos junto a ellos o habitamos el universo con ellos, sino que aquí se abre una puerta nueva y muy interesante, que es que cambia el punto de vista también hacia el muerto, porque es el muerto quien se manifiesta, es el muerto quien pide ser recordado, que llama la atención que no quiere ser olvidado. El primer acto de memoria tal vez viene de la reclamación de ese muerto a no ser olvidado”, subraya el cineasta.

El fantasma no es un ente que viene de otro lugar, sino una persona que vivió y que vuelve para pedir que se la recuerde, pedir que se le haga justicia 

Mariana Enriquez — Escritora

La escritora asiente y añade que “es que eso es una historia de fantasmas”. “El fantasma es como el que repite todo para que no se olvide de lo que le pasó, de lo que ocurrió”, analiza. Para Enriquez, las afinidades entre ambos van más allá de esa historia parecida o de la cercanía geográfica, y “tiene que ver con una manera de abordar la política desde lo artístico”. También cree que les une el interés por los personajes femeninos. “No es que yo escriba todo el tiempo sobre mujeres, pero en el caso de Mis muertos tristes y los cuentos elegidos las voces son de mujeres, y Pablo venía trabajando con voces femeninas fuertes, pero con una sensibilidad por la oscuridad”, añade. 

Tanto en sus libros como en este guion, Enriquez intenta “desmontar lo que hay detrás del fantasma y del cuento de fantasmas como cuento solamente de miedo”. Para ello siempre se pregunta qué es un fantasma, y para ella “no es un ente que viene de otro lugar, sino una persona que vivió y que vuelve para pedir que se la recuerde, pedir que se le haga justicia y para decir ‘yo también existí', no para dar miedo”. Una obra sobre los fantasmas de la memoria que se va a ver en 2026, en plena época de Milei, aunque eso es algo que Enriquez cree que no cambia nada: “Podrías cambiar ese año por cualquiera de los últimos 50 y sería lo mismo. La Argentina del 82 que entraba en la guerra, la Argentina del 89 con la hiperinflación, la de mediados de los 90, la de Menem, que es una de las épocas más violentas de la democracia argentina. Es un problema estructural”.

Una Argentina que, en la serie, se muestra inoperativa y con unos servicios públicos colapsados que no dan nunca una respuesta. La burocracia como barrera para solucionar los problemas de la gente, algo que para la escritora es “literariamente muy interesante porque es muy reconocible y muy argentino”. “En Argentina no sabes lo que puede significar un corte de luz, la cantidad de vida que se desvanece cada vez que se te corta la luz. Me parece uno de esos elementos que hace que tu vida sea penosa. Me interesa mucho trabajar eso literariamente. Primero porque la burocracia no se trabaja mucho literariamente o se trabaja en estos términos kafkianos, que tienen algo del absurdo, pero no tienen el agobio y el peso cotidiano de decir por qué mi vida tiene que ser hablar con una persona por teléfono todo el día”, zanja Enriquez.

Matthew Rhys ha vivido un recorrido profesional difícil de imaginar cuando, hace 26 años, llegó a plantearse abandonar la interpretación. Tras trabajar junto a Kathleen Turner en The Graduate en 2000, el actor galés pasó más de un año y medio sin encontrar un nuevo papel. La situación le llevó incluso a valorar una alternativa radical, entrar al ejército británico. Sin embargo, las Fuerzas Armadas también rechazaron su candidatura. 

De quedarse sin papeles a hacer historia 

El propio Matthew Rhys recordó aquella etapa en una entrevista con la BBC y explicó que llegó a reunirse con un oficial del ejército para valorar las posibilidades que tenía de alistarse. Muy a su pesar, la respuesta no tardó demasiado en llegar y fue negativa. En una carta le comunicaron que agradecían su interés y le deseaban suerte en su carrera. Sin embargo, años después aquel rechazo adquiere un significado completamente distinto, teniendo en cuenta la trayectoria que ha acabado teniendo el actor galés. 

Actualmente, ha conseguido uno de los mayores hitos de su carrera durante la 78ª edición de los premios Emmy. Rhys se llevó dos estatuillas en una misma noche, ambas por trabajos diferentes y en categorías protagonistas. Es decir, que la Academia de Televisión confirmó su victoria como mejor actor protagonista de comedia por La maldición de Widow's Bay y como mejor actor protagonista en una serie limitada o antología por The Beast in Me. 

No solo eso, sino que Rhys se convirtió en el primer intérprete que gana dos Emmy por interpretaciones protagonistas en un mismo año. El logro amplía también un palmarés que ya incluía el premio conseguido en 2018 por The Americans. Con sus nuevas victorias, el actor ha conseguido premios como protagonista en las tres grandes categorías interpretativas de televisión: drama, comedia y serie limitada o película. 

Dos personajes totalmente diferentes 

Uno de los premios llegó por su trabajo en The Beast in Me, producción de Netflix en la que Rhys interpreta a Nile Jarvis. La serie sigue a Aggie Wiggs, una escritora interpretada por Claire Danes que se ha apartado de la vida pública después de la muerte de su hijo. La llegada de Jarvis a la vivienda vecina altera su rutina y acaba convirtiéndose en una inesperada fuente de inspiración para ella. Rhys obtuvo el Emmy por encarnar a este personaje. 

Por otro lado, la segunda estatuilla llegó gracias a La maldición de Widow's Bay, una producción de Apple TV en la que interpreta a Tom Loftis. Su personaje es el alcalde de una pequeña localidad situada en una isla marcada por una misteriosa maldición. Loftis trata de convertir el lugar en un destino turístico para conseguir recursos y promocionarlo como una especie de nuevo Martha's Vineyard. La serie se mueve entre la comedia y el terror y también terminó llevándose el Emmy a mejor comedia. 

Además, el éxito de La maldición de Widow's Bay convirtió la ficción en una de las grandes protagonistas de la gala. La serie consiguió seis premios y terminó la temporada de los Emmy con 14 galardones, superando el récord que había establecido The Studio el año anterior con 13. 

Annie Jacobson, una adolescente de 17 años, inesperadamente ha heredado una isla privada en un lago de Canadá de un abuelo al que nunca conoció. La joven se traslada allí para averiguar por qué su familia le ha ocultado durante tantos años la existencia de ese hombre, un viaje donde conocerá a un grupo de jóvenes que cambiará su vida para siempre. 

La premisa parece sencilla, pero los ochos capítulos de Sterling Point han conquistado a la audiencia de Prime Video, convirtiéndose en uno de los grandes estrenos de la plataforma durante este verano. Al igual que ocurrió con El verano en el que me enamoré, la serie se ha transformado en uno de los fenómenos audiovisuales de la temporada, generando una gran conversación en redes sociales.

“¿Dónde se ha grabado la serie creada por Megan Park?” es una de las preguntas que más interés ha generado desde que esta se estrenó en la plataforma de Amazon. Hoy resolvemos la duda y nos trasladamos hasta Muskoka Lakes, el municipio canadiense de Ontario donde se rodó la mayor parte de esta historia.

Los lagos de Muskoka

Muskoka Lakes se ubica aproximadamente a dos horas en coche al norte de Toronto y forma parte de la región de Muskoka, conocida como la “cottage country”, una zona rural donde la gente de la ciudad se escapa de vacaciones y cuyo paisaje está marcado por grandes lagos y bosques de pinos. 

Precisamente ese aspecto de naturaleza prácticamente intacta, combinado con las cabañas junto al agua, ha convertido a Muskoka en un lugar muy utilizado como set de rodaje. Además de Sterling Point, en esta zona de Canadá también se rodaron algunas escenas de Más que rivales (Heated Rivalry), la serie basada en la novela de Rachel Reid.

El caso de Sterling Point es especialmente interesante porque Muskoka no es simplemente un lugar que aparece de fondo, sino que su paisaje forma parte fundamental de la identidad visual de la serie. “Tuvimos la oportunidad de mostrar Muskoka tal como es, y lo que realmente está sucediendo en esa zona”, explicó Megan Park a Condé Nast Traveler.

La elección del lugar fue clave, y su creadora lo tuvo muy claro desde el principio. “Se crea un contraste entre Nueva York, de donde proviene Annie [la protagonista], y este mundo natural salvaje y hermoso; ambos entornos siempre estuvieron concebidos para coexistir en marcado contraste. Megan pasa tiempo allí y también le interesaba explorar la división de clases y el proceso de gentrificación de la región”, compartió la productora ejecutiva Dani Gorin con la revista.

Algunas de las escenas más importantes se rodaron en el lago Muskoka, el puerto deportivo de Mortimer’s Marina, el pueblo de Port Carling y el campamento Sparrow Lake Camp, entre otros, y sirvieron para dar vida al ficticio Sterling Point.

En septiembre de 2001 llegaría a las televisiones españolas una serie que pasó de conmemorar la Transición a hacer historia de la televisión y cultura en general al estar más de veinte años en pantalla y pasar de los 400 episodios. Hablamos de ‘Cuéntame cómo pasó’, de cuyo estreno se cumplen 25 años.

El origen de ‘Cuéntame cómo pasó’: entre mito y realidad

En 2001 llegó ‘Cuéntame cómo pasó’ a La 1 de TVE como una especie de versión de la estadounidense ‘Aquellos maravillosos años’, y ya viendo cuando se estrenó anticipaba que iba a hacer historia, llegando en la recta final de la peseta como moneda en España y tan solo dos días después del 11S.

La serie lograba estrenarse así en septiembre de 2001 tras haber sido rechazada por varias televisiones durante ocho años, pero después de encontrar su oportunidad gracias a RTVE. Sobre su origen, existe una leyenda urbana de que surgió durante una comida que Ana Duato, una de sus protagonistas, preparó al entonces presidente del gobierno, José María Aznar.

Sin embargo, Javier Cuadrado, gerente ejecutivo de Grupo Ganga, productora de la serie, negó la misma en declaraciones a ABC: “El origen de 'Cuéntame' no tiene nada que ver con Aznar, aunque esa paella existió”, aseguró sobre la ficción, que se emprendió con el propósito de celebrar el primer cuarto de siglo de la Transición.

A pesar de su icónico título que hace referencia directa a la canción del mismo nombre de Fórmula V, no fue el primero que se le dio a la serie, que en un primer borrador se tituló ‘Nuestro ayer’. Además, nació sin tener un final planteado, lo que ayudó a seguir para alcanzar un récord televisivo.

La serie más longeva de la televisión

‘Cuéntame cómo pasó’ seguiría en activo durante dos décadas después de su éxito, lo que la convirtió en la serie de prime time más longeva de la televisión en España y la sexta a nivel mundial. En concreto, entre el 13 de septiembre de 2001 y el 29 de noviembre de 2023 se emitieron 413 episodios en 23 temporadas.

La ficción comenzó en 1968 con un hecho histórico de la cultura pop como fue la victoria de España en Eurovisión con Massiel, que vieron los Alcántara desde su mítico sofá, para en esa misma primera temporada pasar a otro momento mítico, la llegada del hombre a la Luna en julio de 1969.

Versiones en otros países

El éxito de ‘Cuéntame cómo pasó’ traspasó las fronteras nacionales, con varias adaptaciones, además de que se transmitiera en otros. De las adaptaciones que se hicieron, todas replicaban el formato de drama histórico en el que una familia era protagonista, adaptándose a sus propias transiciones políticas y sociales.

Así, las más conocidas fueron ‘Raccontami’ en Italia, que se inspiraba en los años 60 con la familia Ferrucci; ‘Conta-me como foi’ en la televisión portuguesa y centrada con la familia Lopes durante el final del régimen de Salazar; o una del mismo nombre en Argentina, que narraba la historia de los Martínez durante los años 70 en plena dictadura militar.

“Friends” es sin duda una de las series de los años 90 que más han trascendido a la cultura popular y ha conquistado a varias generaciones, sobre todo al estar disponible en varias plataformas y seguir emitiéndose en algunos momentos en televisión, lo que ha hecho que incluso los más jóvenes conocen a Rachel, Ross, Mónica, Chandler, Phoebe y Joe.

El éxito que tuvo la serie ha hecho que haya influido en varias ficciones, y por eso no extraña que, en su día, desde España se hizo una especie de versión, aunque apenas duró una veintena de capítulos.

La fallida versión española de “Friends”

Producida por Globomedia y emitida en Telecinco entre julio de 1997 y marzo de 1998, “Más que amigos” fue el intento desde España de emitir una serie al estilo “Friends”, con una misma premisa de seguir la vida de un grupo de amigos, aunque en este caso es en Madrid y no en Nueva York.

El primer capítulo de esta serie se estrenó en el verano de 1997, concretamente en julio, y no llegaría a cumplir un año en antena, poniendo fin en marzo de 1998, con su capítulo 29.

Si nos vamos a la información que se compartió en su momento, la sinopsis habla de “con una mezcla conmovedora de drama y humor, esta serie cuenta la historia de un grupo de amigos veinteañeros que tienen que lidiar con los problemas que les surgen en su paso a la edad adulta”.

Evidentemente, la trama recuerda a la de “Friends”, y en cierta manera, como la serie americana, el reparto estaba formado por un elenco de jóvenes prometedores en la escena audiovisual. De hecho, nombres tan habituales en el cine o la televisión como son Paz Vega, Melani Olivares o Alberto San Juan eran algunos de sus protagonistas.

El germen de “Siete Vidas”

Si bien “Más que amigos” no duró mucho en pantalla, fue el precedente a otra sitcom que sí que se llegaría a asentar en televisión como es “Siete Vidas”, por la que decidieron apostar para dar rienda suelta a este formato.

De hecho, recupera en parte la trama de un grupo de amigos que se reúnen, con similitudes como que también hay dos hermanos, un chico y una chica, o que es habitual verlos en la cafetería y siempre en el mismo sofá. Paz Vega, además, formaría parte también del reparto de la serie, junto a Blanca Portillo, Toni Canto, Amparo Baró, Gonzalo De Castro o Javier Cámara.

El éxito de “Siete Vidas”, además, propició que Globomedia se lanzara a dar luz verde a otro proyecto de comedia, “Los Serrano”, que se convertiría también en un éxito entre varias generaciones y se integraría en la cultura popular española.

La serie de ‘Los Bridgerton’ es una de las más populares de Netflix en todo el mundo, siendo una de sus diez más vistas en la plataforma en el idioma inglés, y mientras los fans esperan la quinta temporada de este drama de época, se presenta una nueva ambiciosa apuesta del género: ‘La Muñeca’, que llega este mes de septiembre.

De qué va ‘La Muñeca’, la ‘Bridgerton’ polaca que llega a Netflix

Desde el éxito de ‘Los Bridgerton’ en 2020, son muchas las series de época que han ido llegando a las plataformas en cuanto a los dramas y comedias de época como ‘La edad dorada’ de HBO, ‘The Buccaneers’ en Apple TV o ‘The Forsytes’ de la BBC, que siguen un camino que abrieron otras mucho antes como ‘Downton Abbey’.

Quien quiere engancharse a una nueva serie, Netflix está cerca de dar la bienvenida a su nuevo drama al estilo ‘Bridgerton’, con el estreno este 16 de septiembre de ‘La Muñeca’, la ficción polaca que llegará con seis episodios para adaptar uno de sus clásicos de la literatura.

La serie está dirigida por Paweł Maślona, conocido especialmente por la película ‘Scarborn’ de 2023, en la que narraba la vida del héroe revolucionario Tadeusz Kościuszko, que llegó a organizar una rebelión contra el imperio de Rusia en el siglo XVIII. En este caso, el director se vuelve a poner ante una ficción histórica en una trama que se desarrolla en la Varsovia del siglo XIX.

La historia de la serie ‘La Muñeca’ se centra en dos personajes principales: Stanisław Wokulski e Izabela Łęcka, interpretados por los actores Tomasz Schuchardt y Sandra Drzymalska. Él es un hombre de mediana de edad que se ha convertido en una de las personas más ricas por su gran ambición, lo que lo lleva a ascender de forma social y es cuando se obsesiona con una joven, que, si bien aspira a ser una más, busca a su vez liberarse de la rigidez de su sociedad y dejar huella. Todo esto hace que entre ambos se genere un vínculo, pero que vive continuamente amenazado por el estatus social.

Adapta una de las mejores novelas polacas de la historia

Tal y como hizo Netflix recientemente con ‘El Gatopardo’, al adaptar a serie este clásico de la literatura italiana, en este caso, ‘La muñeca’ es una nueva versión de una de las novelas de Bolesław Prus, ‘Lalka’ en polaco, que es considerado uno de los mejores libros polacos jamás escritos.

Este libro que se convirtió en una saga épica de negocios, comercio, romance y guerra, en medio de una Europa convulsa. El hecho de adaptar una de sus mejores historias, hace ver como Netflix pone a Polonia como uno de sus países europeos de prioridad, como demuestran los otros proyectos que ha llevado a cabo.

De hecho, otros destacados han sido ‘Lead Children’, la película que cuenta la historia de Jan Borysewicz ‘Less than a Stranger’, la serie ‘Anesthesia’, la película ‘Saint’, la segunda temporada de ‘Mothers of Penguion’, así como la versión polaca de ‘Love is Blind’.

Stephen Kalyn, uno de los rostros que ha ganado popularidad con la adaptación televisiva de Off Campus, se incorpora al reparto de El secreto de la asistenta, la secuela protagonizada por Sydney Sweeney. El actor canadiense, que interpreta a Dean Di Laurentis en la serie de Prime Video, dará vida en la película a Brock, un abogado adinerado que mantiene una relación sentimental con Millie Calloway, el personaje de Sweeney. El propio intérprete confirmó su fichaje después de que Deadline adelantara la noticia, apareciendo en un vídeo con la novela de Freida McFadden que servirá de base para esta segunda entrega. La película tiene fijado su estreno para el 17 de diciembre de 2027.

El nuevo proyecto llega en pleno ascenso de Kalyn gracias a Off Campus, basada en las novelas románticas de Elle Kennedy. En la primera temporada, su personaje tuvo un papel secundario, pero en la segunda, actualmente en proceso de rodaje y prevista para 2027, Dean pasará a ocupar el centro de la historia junto a Allie, interpretada por Mika Abdalla. Antes de este salto de protagonismo, Kalyn había participado también en series como Gen V, Cruel Intentions y Motorheads.

Un nuevo personaje en la vida de Millie

Brock entrará en escena mientras Millie trata de reconstruir su vida después de los acontecimientos de la primera película. Las informaciones publicadas hasta ahora lo presentan como un abogado que inicia una relación con ella sin conocer su pasado criminal, aunque no se han avanzado más detalles sobre el recorrido que tendrá el personaje en la adaptación. Su incorporación amplía un reparto en el que Sweeney volverá a encabezar la historia y que contará también con Kirsten Dunst, Brittany Snow y Paul Anthony Kelly, además del regreso de Michele Morrone como Enzo.

La secuela trasladará al cine la segunda novela de la trilogía original de McFadden y situará a Millie ante otro trabajo doméstico aparentemente convencional que pronto empieza a despertar sus sospechas. Tras su experiencia con los Winchester, la protagonista acepta un empleo en la casa de otro matrimonio adinerado, interpretado por Dunst y Kelly, pero existe una circunstancia que convierte desde el principio el nuevo hogar en un lugar inquietante: Millie no puede ver a la mujer para la que trabaja. Sus sospechas aumentan mientras intenta averiguar qué se esconde tras una puerta cerrada, un descubrimiento que amenaza con sacar a la luz secretos todavía más oscuros que los vinculados al problemático pasado de la protagonista.

La continuación de un éxito de taquilla

Lionsgate vuelve a confiar el proyecto a Paul Feig, responsable de la primera entrega, mientras Rebecca Sonnenshine retomará el trabajo de adaptación después de haber escrito el guion de la película original. Está previsto que el rodaje comience a finales de 2026 con vistas a cumplir la fecha de estreno de diciembre del año siguiente. Sweeney no se limitará a repetir como protagonista: también participa en la producción a través de su compañía Honey Trap, junto a Todd Lieberman, de Hidden Pictures, y Laura Fischer y Paul Feig, de Pretty Dangerous Pictures. Carly Elter y Alex Young figuran como productores ejecutivos y Kaylee McGregor como coproductora.

La rapidez con la que la segunda película se ha puesto en marcha se explica por el rendimiento comercial de La asistenta. Estrenada durante las fiestas navideñas de 2025, la adaptación del primer libro de McFadden rondó los 400 millones de dólares de recaudación mundial, según las cifras recogidas por los distintos medios, y se convirtió en la película más taquillera de la carrera de Feig. La primera entrega reunió a Sweeney con Amanda Seyfried, Brandon Sklenar y Michele Morrone y presentaba a Millie como una joven con un pasado problemático que conseguía trabajo en casa del acomodado matrimonio formado por Nina y Andrew Winchester, donde terminaba atrapada en una peligrosa red de secretos.

Dos fenómenos editoriales adaptados a la pantalla

El fichaje de Kalyn conecta ahora dos universos nacidos de fenómenos literarios recientes. Off Campus adapta la serie de novelas de Elle Kennedy ambientadas alrededor de jugadores universitarios de hockey y sus relaciones sentimentales, mientras que El secreto de la asistenta procede de la saga de suspense doméstico de Freida McFadden. En ambos casos, el actor ocupará un papel mucho más visible en 2027: como Dean en la segunda temporada de la serie de Prime Video y como Brock en la secuela cinematográfica encabezada por Sweeney.

El secreto de la asistenta continuará así la expansión cinematográfica de una saga que comenzó en las librerías en 2022. La trilogía principal de Freida McFadden está formada por La asistenta, El secreto de la asistenta y La asistenta te vigila, a las que se suma el relato La boda de la asistenta. Por ahora, sin embargo, no existe confirmación de una tercera película, de modo que el recorrido cinematográfico más allá de esta segunda entrega sigue abierto.

Matthew McConaughey y Woody Harrelson son dos actores con una carrera consolidada en Hollywood por varias décadas de trayectoria, y que han trabajado juntos anteriormente en varios proyectos, uno de los más conocidos el de la primera temporada de la serie ‘True Detective’.

Pero ahora se embarcan en uno de los proyectos más originales, con una serie de comedia, ‘Brothers’ en la que exploran el hecho real de que podrían ser hermanos, y que estrena su primer tráiler un mes antes de su estreno en streaming. Una historia increíble, pero que es cierta.

¿Son Woody Harrelson y Matthew McConaughey hermanos?

Esta pregunta tiene fundamento, no solo por la próxima serie de estreno, sino porque es un hecho sobre el que se ha hablado y han comentado al respecto tanto Woody Harrelson y Matthew McConaughey, que son amigos íntimos y que han trabajado juntos en varias ocasiones: en las películas ‘EDtv’ (1999), de Ron Howard, ‘Surfer Dude’ (2008), de S. R. Bindler, y la primera temporada de la aclamada serie de televisión ‘True Detective’ (2014).

Lo que no es tan conocido es que ambos ciertamente sospechan que podrían ser hermanos por parte de padre, desde que la madre de McConaughey les confesara durante un viaje en Grecia que estuvo de forma breve con el padre de Harrelson, justo en el momento en el que se separó de su marido, justo cuando fue concebido su hijo.

Desde que conocieran esto, los dos actores se pusieron a investigar y ataron cabos de sus posibles lazos familiares. Sin embargo, a pesar de todo lo que descubrieron y que hay cierto parecido físico, no se han hecho una prueba de ADN, y Matthew McConaughey ha explicado que no lo ha realizado porque teme saber de forma oficial que el que ha pensado que siempre ha sido su padre durante tantos años no lo sea.

Quién fue el posible padre de ambos

El padre de Woody Harrelson y posible también de Matthew McConaughey fue Charles Harrelson, un sicario a sueldo que cometió varios asesinatos y que llegó a ser protagonista de prensa sensacionalista, también porque confesó en una ocasión ser el verdadero asesino de Kennedy.

Un hecho no probado, pero que se quedó como leyenda. Harrelson abandonó a su familia cuando su hijo era pequeño, por lo que la familia no supo de él hasta que fue protagonista de un crimen mediático, que le hizo ser condenado a cadena perpetua. Desde entonces tuvo relación con el actor, que llegó a declarar sobre él: “Mi padre es una de las personas más elocuentes, cultas y encantadoras que he conocido. Aun así, ahora estoy evaluando si merece mi lealtad o amistad. Lo veo como alguien que podría ser un amigo más que alguien que era un padre”.

Mientras estaba en la cárcel en Atlanta, Charles Harrelson realizó un intento de fuga en 1995 y por eso fue trasladado a una prisión de máxima seguridad, que se conocía como la ‘Alcatraz de las Montañas Rocosas’, donde finalmente fallecería en 2007 a los 68 años debido a un ataque cardíaco.

De qué trata ‘Brothers’ y dónde verla

Dicho todo esto, la serie ‘Brothers’ juega de forma ficcionada con la posible realidad de que Woody Harrelson y Matthew McConaughey sean hermanos con una trama que gira en torno a lo que sucede después de la boda de la hija de Woody reúna a toda la familia en el rancho de Matthew y sea allí donde la madre de este cuente el secreto que lo cambia todo.

Detrás de la serie ‘Brothers’ está como creador Lee Eisenberg, conocido por ‘Jury Duty’ y el piloto de ‘Colin de Cuentas’, y se podrá ver desde la plataforma Apple TV desde el próximo 23 de septiembre con los propios Woody Harrelson y Matthew McConaughey como protagonistas.

El rodaje de God of War llevaba meses acumulando tropiezos, desde las críticas de parte de los aficionados al aspecto de Ryan Hurst hasta la lesión de bíceps que acabó apartándolo del papel, y la llegada de Dave Bautista salda ahora una especie de deuda con quienes reclamaban un Kratos de presencia física más cercana al videojuego. Amazon MGM Studios y Sony Pictures Television han cerrado así una etapa movida del reparto con una elección que llevaba días circulando y que ya es oficial.

Dave Bautista asume el papel tras la baja de Hurst

La producción tenía trabajo ya realizado cuando Hurst tuvo que abandonar el proyecto, por lo que el relevo implica volver a filmar todas las escenas en las que aparecía el anterior Kratos. El rodaje había comenzado en febrero en Vancouver y está previsto que se retome este otoño, con la intención de grabar seguidas las dos temporadas encargadas por Prime Video y prolongar la filmación hasta comienzos de 2027.

Bautista llega al personaje con una trayectoria que incluye la WWE y grandes producciones como Guardianes de la Galaxia y Dune: Parte 2, además de trabajos previos con Amazon MGM Studios en Juego de espías y The Wrecking Crew.

Su condición física, pese a haber perdido bastante masa muscular en los últimos meses, permite afrontar el papel con menos preparación previa que otros candidatos, un factor muy útil para una producción que quiere recuperar el calendario después de la lesión sufrida por Hurst.

Kratos educa a Atreus durante su viaje nórdico

La adaptación tomará como punto de partida los dos videojuegos más recientes de la saga y seguirá a Kratos mientras cría a Atreus, su hijo de diez años, en un mundo dominado por los dioses de la mitología nórdica.

Kratos y Atreus emprenden el viaje para esparcir las cenizas de Faye, esposa y madre de ambos, mientras su relación avanza entre aprendizaje y conflicto. “A lo largo de sus aventuras, Kratos trata de enseñar a su hijo a ser un dios mejor, mientras Atreus intenta enseñar a su padre a ser una persona mejor”, dice la sinopsis.

Callum Vinson interpreta a Atreus dentro de un reparto que también incluye a Mandy Patinkin como Odín, Ólafur Darri Ólafsson como Thor, Ed Skrein como Baldur y Max Parker como Heimdall. Por otra parte, Alastair Duncan dará vida a Mimir, mientras Danny Woodburn y Jeff Gulka interpretarán a los hermanos Brok y Sindri, dos personajes vinculados al recorrido de Kratos y Atreus en los juegos.

La lesión de Hurst provocó la búsqueda de sustituto

Variety confirmó la incorporación después de que, a comienzos de agosto, varios medios adelantaran que Amazon negociaba con Bautista para asumir el papel. Las conversaciones todavía no se habían traducido entonces en un anuncio oficial, algo que cambia ahora con el acuerdo ya cerrado para que el actor encabece la adaptación.

Hurst había sido anunciado para el papel en enero de 2026, pero una rotura de bíceps sufrida durante una escena de acción exigió cirugía y amenazaba con retrasar la producción hasta 2027, motivo por el que las compañías optaron por buscar otro protagonista.

La franquicia amplía sus historias entre televisión y videojuegos

Ronald D. Moore, guionista, productor ejecutivo y showrunner de God of War, encabeza el equipo creativo bajo su sello Tall Ship Productions, acompañado por Frederick E. O. Toye como responsable de los dos primeros episodios.

La serie está coproducida por Sony Pictures Television y Amazon MGM Studios junto a PlayStation Productions y Tall Ship Productions, y todavía carece de una fecha de estreno anunciada en Prime Video.

El universo de God of War seguirá creciendo también en videojuegos con God of War: Laufey, una entrega protagonizada por Faye prevista en exclusiva para PS5 a comienzos de 2027.

Cory Barlog, responsable creativo vinculado a Sony Santa Monica, ha apuntado a que el estudio continuará desarrollando títulos con Kratos como protagonista, de modo que la franquicia mantiene abiertas varias líneas después de un casting televisivo que ya ha encontrado nuevo dueño para el hacha.

El Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife realizará la próxima semana varias reservas y supresiones temporales de plazas de estacionamiento en distintos puntos de la ciudad con motivo del rodaje de una serie de ficción para el canal TV3.

Las medidas afectarán exclusivamente al aparcamiento y no implicarán cortes de tráfico ni modificaciones en la circulación, según ha informado este viernes el Consistorio capitalino.

Horario de las calles reservadas para el rodaje

La primera reserva tendrá lugar el lunes 24 de agosto, en la avenida Marítima, junto a la Alameda del Duque de Santa Elena. Se ocuparán unos 20 metros de estacionamiento en línea situados en el margen derecho, en sentido hacia la plaza del Cabildo, entre las 08.00 y las 20.30 horas.

El miércoles 26 de agosto, las restricciones se trasladarán a la calle Doctor Jiménez Díaz, donde se reservarán aproximadamente 125 metros de estacionamiento en línea en ambos márgenes, en el tramo comprendido entre las calles Benito Pérez Armas y Blas Cabrera. La medida estará vigente desde las 00.00 hasta las 19.30 horas.

Por último, el viernes 28 de agosto, se reservarán unos 90 metros de aparcamiento en la avenida de Madrid, en el lateral del Parque La Granja. La ocupación afectará al margen derecho en sentido hacia la avenida Benito Pérez Armas y se mantendrá entre las 07.00 y las 22.30 horas.

El Ayuntamiento precisa que estos espacios estarán destinados exclusivamente al estacionamiento de los vehículos vinculados al rodaje. Asimismo, la autorización municipal establece que la parada y el estacionamiento de los vehículos de la producción deberán realizarse únicamente dentro de las zonas expresamente habilitadas para ello.

Las actuaciones forman parte de la logística necesaria para el desarrollo de la grabación y no contemplan afectaciones a la circulación rodada en las vías señaladas.