La conocimos en la serie ‘Juego de Tronos’ por dar vida a uno de los personajes más icónicos de la ficción de HBO, Daenerys Targaryen, pero Emilia Clarke no tuvo la misma suerte con su participación en otras franquicias de éxito como Marvel, Star Wars o Terminator, algo que ha reconocido la propia actriz en una reciente entrevista.

La interprete británica, actualmente promocionando la película independiente ‘Next Life’, ha repasado con sinceridad su trayectoria profesional, no solo los fracasos que tuvo en grandes sagas, sino también los problemas que atravesó en ‘Juego de Tronos’ y cómo esto le cambió la vida.

 ‘Taquillazos’ y fracasos su paso por Marvel o Star Wars

El participar en franquicias de éxito en el cine no siempre ha significado un paso hacia adelante en la carrera de algunos intérpretes, y en eso Emilia Clarke es un ejemplo. Después de que ‘Juego de Tronos’ la lanzara al estrellato, la actriz británica no tuvo un camino de rosas, y sobre ello reflexionó en una entrevista reciente con Variety.

En ella, la intérprete confirmó lo que piensa sobre su participación en el Universo Marvel: “No creo que a nadie le gustara Invasión Secreta, chicos. ¡Lo siento!”, aseguró sobre su papel en la serie sobre Nick Furia en la que interpretaba a G'iah, hija de Talos, que lucha contra los alienígenas que quieren conquistar la Tierra, y que no tuvo buena acogida a pesar de su elenco formado también por Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Olivia Colman y Kingsley Ben-Adir.

Una experiencia similar fue lo que tuvo en su incursión en las franquicias de cine como ‘Star Wars’ o ‘Terminator’, que no acabaron siendo dos proyectos que calaran dentro de las sagas reconocidas y que tuvieran buenas críticas, todo ello, aunque siguen siendo los dos mayores éxitos de taquilla de la actriz británica, con 275 millones y 440 millones de dólares recaudados respectivamente. “¿Star Wars? No les gustó. ¿Terminator? Eso nunca debería haber pasado”, señaló al respecto.

Sin embargo, Emilia Clarke fue más allá y fue sincera al expresar su opinión y papel en proyectos complejos cuando tienen tantas expectativas e historia detrás: “Entré en franquicias ya existentes, así que cuando no funcionan, no es personal. Mi conexión con un proyecto termina cuando dicen 'fin de rodaje' porque no me corresponde decidir qué pensará la gente de él”, explicó a Variety.

Dos hemorragias cerebrales cambiaron su criterio

La actriz que dio vida a Daenerys, también conocida por su participación en las comedias románticas ‘Antes de ti’ (Me Before You) y ‘Last Christmas’, aseguró en la misma entrevista que su criterio ha cambiado con el paso del tiempo y eso se debe a que prioriza otros proyectos que le aportan más satisfacción personal y mejor impacto positivo en la recuperación de sus lesiones cerebrales.

Y es que Emilia Clarke sufrió dos hemorragias cerebrales durante el rodaje de ‘Juego de Tronos’ y esto la marcó. De hecho, fundó la organización ‘SameYou’ junto a su madre en 2019 en la que ayuda a las recuperaciones de personas afectadas por daños cerebrales, a las que se acompaña en el proceso, además de colaborar con médicos y académicos para desarrollar nuevas terapias.

Lo que le sucedió le hizo también reflexionar sobre el valor de la fama, de lo verdaderamente relevante para el éxito profesional: “Me daba vergüenza admitir que no ganar un Emmy fue algo realmente importante. Ahora me siento muy afortunada de poder ser una productora real y de intervenir en conversaciones importantes”, concluyó anunciando un nuevo camino que podría explorar en su trayectoria.

En Baker Street, en las novelas y en las pantallas, el mismo nombre vuelve una y otra vez: Sherlock Holmes, el detective de la lógica implacable, la pipa encendida y el abrigo arrastrado por el viento londinense. Detrás de él, casi siempre relegado a un segundo plano, aparece Arthur Conan Doyle, escritor y médico nacido en Edimburgo el 22 de mayo de 1859 (hace 167 años), que quiso ejercer la medicina, viajó por mar, se interesó por el espiritismo y denunció distintos abusos de su tiempo, pero que terminó pasando a la historia por haber creado a uno de los personajes más reconocibles de la cultura popular.

Pocos podían imaginar entonces que aquel detective concebido entre relatos victorianos y calles envueltas en niebla terminaría convirtiéndose en uno de los personajes más adaptados de la ficción contemporánea. Más de un siglo después, Holmes sigue vivo no solo en las novelas originales, sino también en películas, series, miniseries, animaciones y plataformas de streaming que han reinterpretado al detective una y otra vez, a veces desde la fidelidad al canon y otras desde la reinvención más radical.

Cada aniversario relacionado con Conan Doyle se convierte también en una excusa para recorrer la evolución audiovisual de Sherlock Holmes: desde el cortometraje mudo de principios del siglo XX hasta las producciones contemporáneas protagonizadas por Benedict Cumberbatch, Robert Downey Jr. o Hero Fiennes Tiffin. A lo largo de ese recorrido, el detective se ha transformado constantemente, adaptándose a los miedos, obsesiones y códigos culturales de cada época.

Del cine mudo al Sherlock clásico de Basil Rathbone

La presencia de Sherlock Holmes en el cine comenzó muy pronto. En 1900 apareció Sherlock Holmes Baffled, un breve cortometraje estadounidense considerado la primera aparición filmada documentada del personaje. Aunque apenas supera el minuto de duración, la pieza ya anticipaba algunos elementos visuales que terminarían formando parte de la iconografía del detective.

En 1922 llegó una de las grandes referencias del periodo silente: Sherlock Holmes, protagonizada por John Barrymore. Con la consolidación del cine sonoro, la imagen clásica del detective quedó estrechamente vinculada a Basil Rathbone y Nigel Bruce, que interpretaron a Holmes y Watson entre 1939 y 1946 en títulos como The Hound of the Baskervilles, The Adventures of Sherlock Holmes o Sherlock Holmes in Washington. Las fichas de estas producciones y sus repartos aparecen recogidas en bases de datos cinematográficas e historiales audiovisuales posteriores.

Durante las décadas siguientes, el personaje siguió multiplicándose en cine y televisión mediante nuevas adaptaciones, parodias y reinterpretaciones. Christopher Lee, Peter Cushing, Robert Stephens, Christopher Plummer o Ian McKellen figuran entre los actores que acabaron encarnando distintas versiones del detective en producciones británicas e internacionales. Incluso Michael Caine participó en una reinterpretación humorística del universo Holmes en Without a Clue.

La televisión británica convirtió a Holmes en canon

Si el cine ayudó a popularizar el personaje, la televisión británica terminó consolidando una imagen casi definitiva del detective. En los años sesenta, la BBC produjo varias adaptaciones protagonizadas primero por Douglas Wilmer y posteriormente por Peter Cushing, series que todavía figuran en registros históricos de programación y bases de datos audiovisuales.

Sin embargo, la adaptación que marcó a varias generaciones fue la realizada por Granada Television entre 1984 y 1994 con Jeremy Brett como Holmes. La serie, basada de manera muy cercana en los relatos originales de Conan Doyle, convirtió al actor británico en una referencia casi inseparable del personaje. Las aventuras producidas durante aquella etapa aparecen ampliamente documentadas en archivos audiovisuales, catálogos televisivos y plataformas especializadas.

La producción fue considerada durante años una de las aproximaciones más fieles al espíritu literario de Conan Doyle, especialmente por la interpretación obsesiva y minuciosa de Brett, cuya figura continúa siendo central en buena parte del imaginario sherlockiano contemporáneo.

El salto al siglo XXI y las plataformas globales

En el siglo XXI, Sherlock Holmes volvió a transformarse para adaptarse al lenguaje audiovisual contemporáneo. La BBC lanzó en 2010 Sherlock, creada por Steven Moffat y Mark Gatiss, una reinterpretación ambientada en el Londres moderno con Benedict Cumberbatch como detective y Martin Freeman en el papel de Watson.

La serie convirtió los casos clásicos en relatos contemporáneos atravesados por teléfonos móviles, redes digitales y terrorismo global, pero manteniendo intacta la lógica deductiva del personaje. Su éxito internacional ayudó a introducir nuevamente a Holmes entre el público joven y consolidó el modelo de episodios largos concebidos casi como películas televisivas.

Casi al mismo tiempo, CBS desarrolló Elementary, una reinterpretación ambientada en Nueva York con Jonny Lee Miller como Holmes y Lucy Liu como una versión femenina del doctor Watson. La serie reformuló la relación clásica entre ambos personajes y trasladó el universo sherlockiano al formato procedimental estadounidense.

El personaje también regresó al cine comercial con las películas dirigidas por Guy Ritchie y protagonizadas por Robert Downey Jr. junto a Jude Law como Watson. Sherlock Holmes (2009) y Sherlock Holmes: A Game of Shadows (2011) apostaron por una versión más física, acelerada y espectacular del detective, alejándose parcialmente del canon clásico victoriano para acercarlo al blockbuster contemporáneo.

La expansión reciente del universo sherlockiano también incluye Young Sherlock, una nueva serie producida para Prime Video y vinculada creativamente a Guy Ritchie, centrada en la juventud del detective antes de convertirse en el investigador conocido mundialmente. La ficción, protagonizada por Hero Fiennes Tiffin en el papel de Holmes, adapta las novelas juveniles de Andy Lane y apuesta por una versión más aventurera y formativa del personaje, reflejando cómo el detective continúa adaptándose a nuevas generaciones y formatos audiovisuales. Recientemente la plataforma confirmó que se realizará la segunda temproada de la serie.

Japón, animación y nuevas mutaciones del detective

El personaje también terminó expandiéndose hacia territorios muy alejados del canon victoriano. Uno de los ejemplos más conocidos fue Sherlock Hound, la serie animada japonesa de los años ochenta vinculada al entorno creativo de Hayao Miyazaki, donde Holmes y Watson aparecían convertidos en personajes antropomórficos.

Con el paso del tiempo, las reinterpretaciones continuaron multiplicándose: desde versiones humorísticas hasta adaptaciones juveniles, spin-offs centrados en Watson o producciones futuristas que apenas conservan algunos rasgos esenciales del detective original. IMDb mantiene registradas cientos de créditos audiovisuales relacionados con Arthur Conan Doyle y los personajes creados en sus relatos.

La dimensión cultural alcanzada por Sherlock Holmes también aparece reflejada en exposiciones y archivos dedicados específicamente a la obra de Conan Doyle. La Biblioteca Nacional Mariano Moreno recordaba en una muestra dedicada al escritor escocés que Holmes se convirtió en “el detective de ficción más importante y famoso de la literatura universal” y uno de los personajes más trasladados al cine y la televisión.

Conan Doyle nunca logró escapar del todo de Holmes

La paradoja es que Arthur Conan Doyle mantuvo siempre una relación ambivalente con el personaje que le dio fama mundial. El escritor intentó alejarse en distintos momentos de Sherlock Holmes para centrarse en novelas históricas, ciencia ficción o ensayos sobre espiritismo, pero el detective terminó eclipsando buena parte de su obra.

El propio curador de la exposición Los libros de sir Arthur Conan Doyle resumía esa tensión explicando que Holmes terminó convirtiéndose “en un antagonista de su propia vida”. Conan Doyle llegó incluso a matar al personaje en los relatos, antes de recuperarlo posteriormente por la presión de los lectores.

Más de cien años después de su creación, Sherlock Holmes sigue reapareciendo en nuevas películas, series, videojuegos y plataformas digitales. Cambian el formato, el contexto histórico y el rostro del actor que lo interpreta, pero el detective continúa regresando una y otra vez al mismo lugar del que nunca ha terminado de desaparecer: Baker Street.

Tras 12 años y 8 temporadas en pantalla, ‘Outlander’ se ha despedido con la emisión de su capítulo final este fin de semana y pone fin a la que ha sido una de las series principales del drama romántico e histórico en televisión y plataformas, con el prestigio conseguido con varios premios Saturn Awards, People's Choice Awards y nominada en varias ocasiones a Globos de Oro y Emmy.

Caitriona Balfe, como protagonista de la serie en el papel de Claire, se han ganado el reconocimiento individual con un premio BAFTA, dos Saturn, dos People’s Choice y cuatro nominaciones en total en los Globos de Oro. Pero con el final de la historia de Claire y Jamie Fraser, ¿qué van a hacer los fans de la ficción ahora que terminó? Hay varias propuestas que pueden ayudar a superar el ‘duelo’.

“Outlander: Sangre de mi sangre” (2025-)

Es la opción más evidente. Antes del estreno de la última temporada de ‘Outlander’, este verano nació su precuela oficial, en la que se cuenta de forma paralela la historia de amor de los padres de Jamie en la Escocia de los clanes y la de los padres de Claire en el contexto de la Primera Guerra Mundial. Protagonizada por Harriet Slater, Jamie Roy, Hermione Corfield y Jeremy Irvine.

“Poldark” (2015-2019)

Si nos salimos del universo de ‘Outlander’, la serie más similar por argumento y tono es ‘Poldark’, que se centra en la vida de un soldado británico durante el siglo XVIII. Ross Poldark, su protagonista, tiene que volver a su casa y construir su vida en la Inglaterra rural de entonces. Es un drama romántico e histórico también, con un contexto social diferente, pero que puede conectar en cierta manera con lo que vemos en la serie basada en los libros de Diana Gabaldón.

“Beforeigners” (Los Visitantes) (2019-2022)

Esta serie noruega de dos temporadas es una historia de ciencia ficción que, al igual que ‘Outlander’ también gira en torno a viajes en el tiempo, aunque en este caso son personajes del pasado los que viajan al presente. En concreto una antigua guerrera vikinga que se ve en el año 2020, lo que la conecta con una trama de suspense y acción que ha sido aplaudida por la crítica. Está disponible en HBO Max.

“Shogun” (2024- )

Si se quiere seguir en el género del drama histórico, una opción interesante y que sale de la historia del mundo occidental es la que ofrece la serie ‘Shogun’ de FX y disponible en Disney plus. Basada también en una novela y tiene como protagonista al marino inglés William Adams, que naufraga en Japón y debe comenzar su vida en una tierra cuya cultura le es desconocida. En los premios Emmy 2024 hizo historia al conquistar 18 estatuillas de 25 nominaciones.

“El ministerio del tiempo” (2015-2020)

Si mencionamos los viajes en el tiempo y el argumento histórico, la serie española que nos sale es ‘El ministerio del tiempo’, que se emitió durante cinco años y cuatro temporadas en RTVE y que sigue disponible en su plataforma RTVE Play, pudiéndose ver también en HBO Max.

Ha sido, además, una de las ficciones nacionales con más seguidores de los últimos años, con un argumento que gira en torno a personajes que trabajan en un ministerio secreto del Gobierno de España en el que tienen que evitar y controlar que no haya cambios en acontecimientos de la historia de España, así como no pueden dejar que alguien del pasado llegue al presente y viceversa.

El efecto nostalgia continúa dando sus frutos en la industria del cine y la televisión y se ha anunciado un nuevo proyecto que se basa en un título ya conocido como es el caso de ‘El jovencito Frankenstein’, un éxito de hace 50 años que regresará en formato serie de la mano de FX y Hulu, producida por 20th Television.

La serie, que llevará originalmente el título de ‘Very Young Frankenstein’, estará basada en una de las comedias de terror más queridas del cine, aunque según un ejecutivo de FX a Variety será “una versión completamente original”, todo ello aprobado por Mel Brooks, director de la película de 1974.

De los detalles que se conocen de esta nueva serie, lo que se sabe es que el piloto será dirigido por Taika Waititi, escrito por Stefani Robinson, ambos también como productores ejecutivos de un proyecto que los vuelve a unir en una comedia de terror con FX después del éxito de ‘What We Do in the Shadows’, que tuvo seis temporadas y buenas críticas.

Junto a ellos estarán como productores ejecutivos también Garrett Basch, Michael Gruskoff y Kevin Salter, así como Mel Brooks, que ha dado visto bueno a la adaptación que tendrá la película que en su día escribió junto a Gene Wilder.

Además, se conoce que el elenco será liderado por Zach Galifianakis como protagonista junto a Dolly Wells, Spencer House, Cary Elwes, Kumail Nanjiani y Nikki Crawford. La sinopsis podría girar en torno a los anteriores Dr. Frankenstein que intentaron dar vida a los muertos, aunque con resultados más hilarantes de lo esperado.

La parodia de las películas de terror de Universal que se convirtió en clásico

Con esta nueva serie, la película estrenada hace más de 50 años vuelve a la actualidad. El proyecto nació en su día como una parodia cariñosa del cine de terror de Universal de la década de los 30 y 40, y es por eso por lo que se rodó en blanco y negro por expreso deseo de imitación de Brooks, que se impuso a las exigencias de la productora, que la quería en color.

De hecho, Mel Brooks también consiguió usar el equipamiento original de ‘Frankenstein’ de 1931 porque descubrió que seguía existiendo y que se guardaba en el garaje de Ken Strickfaden, que lo había fabricado expresamente, dándole además el crédito que no tuvo con Universal.

‘El jovencito Frankenstein’ es uno de sus éxitos que superaron expectativas, contando con un presupuesto inicial de apenas 3 millones de dólares y recaudando finalmente más de 86, además de incluir dos nominaciones a Premios Oscar a Mejor Guion Adaptado y Mejor Sonido. La idea original había nacido del actor Gene Wilder, que escribió el guion necesitado de un proyecto después de varios fracasos en taquilla y para el que contó con Mel Brooks, con quien tuvo desavenencias y al que pidió no hacer un cameo en la cinta, como solía hacer.

Ambos no volvieron a trabajar juntos después de esto. Gene Wilder falleció hace diez años, en 2016, mientras Mel Brooks es una de las míticas figuras del cine que sigue vivo, a punto de cumplir los 100 años el próximo junio y con un resurgimiento no solo por el próximo proyecto, sino también con una secuela de su comedia ‘History of the World, Part I’ y con el próximo estreno de ‘Spaceballs: The New One’, con los papeles duales del presidente Skroob y Yogurt.

Muchos visitantes entran en un museo buscando un solo cuadro y apenas recuerdan el resto de la sala cuando salen. La Mona Lisa ocupa ese lugar dentro de la historia del arte desde hace siglos.

El retrato se convirtió en la imagen más reconocible de Leonardo da Vinci por varios motivos que fueron creciendo con el tiempo. La sonrisa ambigua, la mirada que parece seguir al espectador y la enorme difusión de la obra ayudaron a crear un fenómeno mundial que terminó fuera de los museos. También influyó el robo del cuadro en 1911, un episodio que multiplicó su fama en periódicos de todo el planeta.

Sin embargo, el maestro dejó otros retratos y pinturas que marcaron el Renacimiento italiano. Entre ellos aparece La dama del armiño, una obra que muchos historiadores colocan entre los trabajos más sofisticados del pintor.

La dama del armiño cambió los retratos del Renacimiento

Este trabajo se convirtió en uno de los retratos más admirados de Leonardo por la innovación técnica, la historia de Cecilia Gallerani y el recorrido histórico del cuadro. La pintura, conservada hoy en el Museo Czartoryski de Cracovia, muestra a una joven que gira ligeramente el cuerpo mientras sostiene un pequeño armiño blanco, un mustélido que vive en diversas partes del mundo. Ese movimiento rompió con la rigidez habitual de muchos retratos del siglo XV. Además, el cuadro llegó en muy buen estado hasta la actualidad, algo poco frecuente entre las obras de Leonardo.

La posición de la figura ayudó a cambiar la manera de retratar personas en Europa. Leonardo abandonó la frontalidad usada en numerosos retratos renacentistas y colocó a Cecilia Gallerani en una pose de tres cuartos que transmite movimiento. El rostro no mira al espectador de frente, sino hacia un punto situado fuera del cuadro, y esa decisión da sensación de continuidad.

Algunos especialistas consideran que ahí apareció uno de los primeros retratos modernos de la historia del arte. Un estudio realizado con tecnología actual incluso sugirió que Leonardo trabajó sobre tres versiones distintas antes de alcanzar el resultado final.

Cecilia Gallerani destacó en la corte de Ludovico Sforza

La protagonista suele identificarse como Cecilia Gallerani, una joven vinculada a la corte de Ludovico Sforza, duque de Milán. Nacida en Siena en 1473 dentro de una familia sin títulos nobiliarios, destacó por su formación intelectual y por su participación en las actividades culturales de la corte milanesa.

Leonardo trabajaba cerca de Sforza y recibió el encargo de retratar a la amante del duque. Cecilia escribía poesía, tocaba música y participaba en conversaciones reservadas casi siempre a hombres de la época. Esa imagen culta y refinada aparece reflejada en la expresión del retrato, que evita la pose fría habitual en muchos cuadros renacentistas.

El armiño que sostiene la joven también ayudó a convertir la obra en una pieza muy estudiada. El animal se relacionaba con Ludovico Sforza, conocido como el armiño blanco tras recibir una distinción vinculada a ese símbolo.

Algunos historiadores interpretan además que Leonardo jugó con el apellido de Cecilia Gallerani, porque una palabra griega relacionada con Galle podía asociarse con la comadreja o el armiño. El animal también se ha entendido como una referencia a la pureza y a la nobleza. Leonardo convirtió ese detalle en una parte importante del retrato y evitó que quedara como un simple elemento decorativo.

Los nazis se llevaron la pintura durante la ocupación de Polonia

La historia posterior del cuadro aumentó todavía más su fama. Tras desaparecer durante años, la obra reapareció en Polonia a finales del siglo XVIII y acabó en manos de la familia Czartoryski. La Segunda Guerra Mundial volvió a cambiar su destino. Los nazis confiscaron la pintura durante la invasión de Polonia y Hans Frank, gobernador general del territorio ocupado, terminó quedándose con ella. El cuadro fue recuperado en 1945 y regresó después a Cracovia. Ese recorrido alimentó la imagen legendaria de una pintura que atravesó saqueos, guerras y ocupaciones militares durante siglos.

España también formó parte de esa trayectoria. En 2011, La dama del armiño llegó al Palacio Real de Madrid dentro de la exposición Polonia. Tesoros y colecciones artísticas. La presencia de la obra atrajo una enorme atención porque el cuadro rara vez abandona Cracovia debido a su fragilidad y a su valor histórico.

Para muchos visitantes españoles fue la primera oportunidad de contemplar de cerca uno de los cuatro retratos femeninos conservados de Leonardo, junto con La Gioconda, Ginevra de’ Benci y La belle ferronnière.

Netflix recuperó La dama del armiño en la nueva temporada de Berlín

La popularidad actual del cuadro demuestra que Leonardo no quedó reducido a La Mona Lisa. Esta obra sigue apareciendo en debates sobre el retrato moderno, sobre la representación femenina en el Renacimiento y sobre la capacidad de una imagen para atravesar siglos enteros sin perder atractivo. El fondo oscuro, la torsión del cuerpo y la sensación de movimiento mantienen viva una obra pintada hace más de 500 años.

Netflix recuperó ahora esa fascinación en la nueva temporada de Berlín. La serie utiliza el cuadro como una pieza muy deseada dentro de la trama, aunque evita alterar la historia real de la pintura.

De esta manera, el retrato entra en la ficción después de haber sobrevivido a robos, guerras y desplazamientos por media Europa, y esa trayectoria explica por qué sigue despertando tanta admiración mucho tiempo después de salir del taller de Leonardo da Vinci.

En época en el que la nostalgia vende más que nunca en la música, el cine y la televisión también se han apuntado a este fenómeno con el anuncio continuado de ‘remakes’, secuelas, biopics sobre personajes famosos o también spin-offs, es decir, productos relacionados con algo ya conocido como franquicias o sagas.

Y esto es lo que sucede con la saga ‘Fast and Furious’ que desde que arrancara con una primera película del mismo nombre en 2001 como un filme sobre una historia de carreras de coches callejeras y delincuencia, se ha ido convirtiendo en algo más allá de eso, incluyendo giros argumentales inverosímiles, pero con gran éxito en la taquilla y ahora se convertirá en una serie o varias.

Cuatro series de ‘Fast and Furious’ planteadas

El hecho de que tenga tantos fans ha hecho que el universo se haya estirado con 11 películas estrenadas y una, ‘Fast Forever’, que se espera llegue a los cines en primavera de 2028, con la que finalizará la franquicia principal. Y también supone que será otra franquicia más que pase del cine a la televisión con hasta cuatro series planteadas por Universal.

De esta forma, la saga de ‘A todo gas’ (como se tradujo el título de las primeras películas en España) podrá seguir viva más allá de las salas de cine, llegando al streaming, en Estados Unidos en Peacock, sin saber dónde se podría estrenar en España o Europa, según recoge el diario especializado Deadline.

El hecho de que ‘Fast and Furious’ se convertirá en serie ha sido desvelado por el actor protagonista de la saga, Vin Diesel en una entrevista reciente: “Durante la última década llegamos a la conclusión de que los fanáticos querían más. Queríamos que expandiéramos las historias de los personajes clásicos. Y durante la última década nuestro deseo fue el de ingresar al mundo de la TV”.

Por el momento, lo que ha trascendido es que la primera serie se encuentra ya en desarrollo, siendo las otras tres todavía ideas en fases de producción, y contará con Vin Diesel como productor ejecutivo, aunque sin saber si recuperará su personaje de Dominic Toretto o contará con otros protagonistas.

Lo que se sabe de la primera serie

La serie de ‘Fast and Furious’ que está más desarrollada tendrá como ‘showrunners’ a Mike Daniels y Wolfe Coleman, que se encargaran de escribir también el episodio piloto. El primero participó con éxito en ‘Sons of Anarchy’ y los dos juntos ya trabajaron en ‘Shades of Blue’, serie con Jennifer López y Ray Liotta.

No han trascendido detalles argumentales, lo que sí que se ha podido saber según informa el portal Hipertextual es que serían ‘spin-offs’ de la saga cinematográfica.

Esta no será la primera incursión de la franquicia en televisión, pues ya hubo un proyecto relacionado como fue la ficción animada ‘Fast and Furious Spy Racers’ que se enfocaba en un grupo de jóvenes que lideraba Tony Toretto, primo de Dominic, y que fue estrenada en Netflix.

Los datos no fueron del todo malos. Cuando se estrenó en mayo de 2017, La casa de papel consiguió un 25,1% de cuota de pantalla y 4.090.000 espectadores en Antena 3, convirtiéndose en el mejor estreno de ficción en España de los dos años anteriores. Sin embargo, en solo una semana, la serie había perdido un millón de espectadores (18,4% y 3.041.000 espectadores). Y siguió perdiendo fuelle.

Tras un parón de cuatro meses, coincidiendo con las vacaciones de verano, llegó a la televisión en abierto la segunda parte, que vivió en primera persona cómo la audiencia se iba distanciando cada vez más de la ficción creada por Álex Pina. El capítulo final de aquella primera, y en principio única, temporada consiguió un 12,1% y 1.798.000 espectadores. 

“La casa de papel no es una serie pensada para arrasar en audiencias”, llegó a decir Pina en aquella época. Ni él ni nadie podía imaginar que aquella historia terminaría siendo una de las producciones españolas con alcance internacional más relevantes de todos los tiempos. Y todo gracias a que Netflix adquirió sus derechos de transmisión global ese mismo año. 

Días después de que aquella primera temporada llegara a la plataforma de streaming, la compañía anunció que ya era la serie de habla no inglesa más vista de su historia. Tan solo un mes después de aquello, adquirían los derechos para producir más temporadas y seguir desarrollando esta historia. Una historia que, casi diez años después de su estreno, sigue en expansión. 

¿El error estuvo en la espera?

Después de que la serie protagonizada por actores como Álvaro Morte, Úrsula Corberó, Pedro Alonso y Alba Flores se convirtiera en un éxito global más allá de España, fueron muchos los que se cuestionaron qué era lo que había fallado para que esta no llegara a triunfar del todo en su paso por el canal de Atresmedia. También sus creadores pasaron por este momento de reflexión. 

Javier Gómez tiene su propia versión de lo que ocurrió entonces. El jefe de guionistas y coproductor ejecutivo de La Casa de Papel compartió una entrevista para Infobae Colombia que la serie estaba pensada para “un consumo impulsivo, no un consumo de pararse cada semana”. En la conversación con el medio, Gómez recordó que, durante la etapa en Antena 3, los capítulos salían semanalmente, acompañados de la típica publicidad en televisión, y eso no funcionaba con la historia que habían desarrollado. 

“El espectador no toleraba esperar al miércoles a las 10 de la noche o a las 11 para ver un capítulo. La gente quiere tener el control (...). Uno se terminaba un capítulo de la serie y no quería esperar para verse el siguiente. Era adictiva, no quería esperar ocho días para volver a cogerle el hilo”. La plataforma ofreció al espectador exactamente eso: la posibilidad de hacer maratón y, en unas pocas horas, saber cómo terminaba el plan de El Profesor.

El universo de Stephen King sigue expandiéndose más allá de las novelas originales, y tras el éxito de la primera temporada de It: Bienvenidos a Derry, la producción ya prepara una segunda entrega que cambiará completamente de época para adentrarse en uno de los periodos más oscuros y violentos de la historia de Derry. Esta vez, la acción se trasladará a 1935, alejándose del ambiente suburbano más reconocible de It para sumergirse en una ciudad marcada por la pobreza, la precariedad y la violencia de la Gran Depresión.

La información la ha confirmado el director Andy Muschietti en declaraciones concedidas a la revista Deadline, donde explicó que el nuevo arco narrativo girará alrededor de la llamada banda de Bradley, un grupo de atracadores cuya historia aparece mencionada brevemente en la novela original de King, pero que hasta ahora nunca había sido desarrollada de forma profunda dentro del universo audiovisual de It.

La matanza de la banda de Bradley será el gran eje de la temporada

“Es 1935; ya estamos trabajando en ello y es muy divertido”, explicaba Muschietti durante la entrevista, antes de profundizar en el evento histórico y narrativo que servirá de base para la nueva temporada.

Según detalló el director, la serie explorará el episodio de la banda de Bradley, un grupo de criminales que llega a Derry durante una huida y termina enfrentándose a un acontecimiento brutal ligado al ciclo de violencia que siempre ha rodeado a Pennywise.

Muschietti recordó además que este grupo está inspirado en la banda de Brady, una organización criminal real que operó en Estados Unidos durante los años treinta y cuyos miembros terminaron ejecutados en Bangor, Maine, el mismo estado que ha servido tantas veces como inspiración geográfica para las historias de Stephen King.

“El gran evento de la temporada será la matanza de los atracadores”, adelantó el director, dejando claro que este episodio pasará de ser una simple referencia secundaria dentro de la novela a convertirse en el centro absoluto de la trama.

Uno de los aspectos que más cambiará respecto a otras historias relacionadas con It será el contexto social y visual de Derry. Según explicó Muschietti, la serie abandonará esa estética más reconocible de niños en bicicleta y barrios residenciales tranquilos para mostrar una ciudad golpeada por la crisis económica y por un ambiente mucho más áspero.

“Esto es 1935, por lo que no existe ese confort suburbano típico de las historias de niños que van con sus bicis y uno de ellos desaparece. Aquí la situación es muy precaria. La gente es muy pobre e intenta sobrevivir como puede”, señaló el director durante la conversación con Deadline. Ese cambio de enfoque permitirá explorar otra cara del universo de It, más cercana al terror social y a la violencia estructural que atraviesa muchas de las obras de Stephen King.

Un episodio menor convertido en historia principal

En la novela original, la matanza de la banda de Bradley apenas aparecía como un fragmento más dentro de la larga lista de tragedias vinculadas a Derry y a la influencia de Pennywise, funcionando más como una pieza de trasfondo que como una historia desarrollada.

Sin embargo, la serie aprovechará precisamente ese vacío narrativo para construir una nueva temporada completa alrededor del acontecimiento, ampliando el lore de la ciudad y explorando cómo el miedo y la violencia se repiten generación tras generación.

Ese enfoque encaja bastante bien con la manera en la que las adaptaciones recientes del universo de It han ido construyendo la mitología de Derry, transformando referencias pequeñas o casi anecdóticas en historias independientes capaces de sostenerse por sí solas.

No sé si existe eso que llamamos memoria sentimental, pues en una sociedad conviven muchas memorias, a veces contrapuestas. Esta es la de alguien que ha nacido en 1974, se ha criado en Extremadura en una familia obrera y de izquierdas, y que llegó a la edad adulta en el Madrid del cambio de siglo. Quienes tengan más o menos años, hayan vivido otras realidades familiares o en otros territorios, seguramente tengan su propia memoria sentimental. Pero creo que hay elementos compartidos por una mayoría social en un tiempo y lugar. Son los que intento recoger aquí, década a década.

1981

¡Chanquete ha muerto!

Españoles, Franco ha muerto. Españoles, Chanquete ha muerto. La Transición se abre con una muerte y se cierra con otra. Las dos anunciadas en televisión, las dos recibidas con gran conmoción. Fin del paralelismo. En términos políticos podemos discutir si la Transición termina en realidad con la aprobación de la Constitución, el golpe de Tejero o la victoria socialista. En términos populares no ofrece discusión: ‘Verano azul’ es la bisagra entre dos tiempos. Hasta aquí la Transición, a partir de aquí la democracia. Silba un poquito la sintonía antes de seguir leyendo.

La mítica serie de Antonio Mercero tenía algo de ingeniería social: capítulo tras capítulo sus tramas daban carta de naturaleza a transformaciones que ya estaban en marcha, imparables pero que encontraban todavía fuertes resistencias: voto ciudadano, protesta social, divorcio, madres solteras, emancipación de la mujer, especulación inmobiliaria, enfrentamientos generacionales… Todo en versión suave, para todos los públicos, que nadie se molestase. Una serie donde los policías eran bonachones (aquel entrañable Barrilete); y que reinterpretó y desactivó un clásico canto de la lucha obrera (“No nos moverán”).

Con Verano azul, estrenada en octubre de 1981, se acabaron las vacaciones políticas como se acaban las vacaciones de la pandilla en Nerja, fin al tiempo de aventura y experimento que fue la Transición. Y con ella empieza la democracia, un tiempo de convivencia pacífica que se quería guiado por el sentido común, la calma y la sabiduría mediadora de un Chanquete.

Los 80

Ni la madre que la parió

A España, tras la victoria socialista del 82, no la iba a conocer ni la madre que la parió, profetizó Alfonso Guerra. Y en efecto la década de los ochenta fue una fuerte sacudida en la España todavía tardofranquista. La década prodigiosa para algunos, el desencanto para otros, arrasó astilleros y siderurgias en la reconversión industrial, barrios enteros con la heroína y más de 400 vidas a manos de ETA. Los obreros levantaban barricadas en carreteras y polígonos, y los estudiantes se enfrentaban a pedradas con la policía mientras el icónico Cojo Manteca rompía mobiliario urbano con la muleta. Los ochenta se llevaron también parte del ideario del PSOE, que una vez en el gobierno moderó sus posiciones (“OTAN, de entrada no”), se tragó sucesivos sapos ideológicos (la educación concertada) y dejó la economía en manos de un neoliberal: Miguel Boyer. Su relación con Isabel Preysler (ex de Julio Iglesias y del Marqués de Griñón) mezcló la política con la prensa rosa, y fue emblema de la ‘Beautiful People’: el coqueteo del socialismo gobernante con las clases altas y el poder financiero, para estupor de sus votantes más obreristas, que todavía tenían en la pared aquel póster naif dibujado por José Ramón Sánchez.

Los 80 son la zona cero de toda la chatarra nostálgica que todavía hoy nos enternece: la generación EGB, ‘La Bola de Cristal’, Naranjito, el 12-1 a Malta, la muerte de Chanquete...

Pero las palabras de Guerra se referían a la modernización de un país que se sacudía el atraso de décadas. Nuestros ochenta fueron lo que los sesenta a otros países occidentales, ya que no habíamos tenido revoluciones culturales y sociales en 1968. Había que acelerar para que la histórica entrada en la Comunidad Económica Europea no fuese un mero trámite: decir adiós al ‘Spain is different’. Mientras crecía la población universitaria y todavía funcionaba el hoy añorado ascensor social, los jóvenes daban salida a su rebeldía por la vía cultural, sobre todo musical.

La Movida puso la dosis justa de transgresión y radicalidad, pero sin pasarse: centralizada sobre todo en Madrid (con episodios locales), pronto institucionalizada y patrocinada por los socialistas (con el alcalde Tierno diciendo aquello tan loco de “el que no esté colocado, que se coloque”), la Movida excitaba (y despolitizaba) a los jóvenes y espantaba a los viejos, mientras opacaba una contracultura mucho más transgresora y menos publicitada. Ajenos a la Movida eran también quienes se integraban en tribus urbanas, tema habitual de la prensa de la época con su dosis de pánico moral. Por no hablar de los últimos quinquis que dejaron huella en barrios marcados por la heroína.

A la Movida la mayoría la vimos por la tele, como casi todos los grandes cambios. En la televisión pública triunfaban programas musicales como Tocata (más popular que el minoritario La Edad de Oro) que renovaban el más rancio Aplauso de los setenta, y cuya finalidad principal, ahora lo sabemos, era alimentar los Cachitos nostálgicos del futuro. Para los no tan jóvenes, los ochenta fueron los años dorados de la canción socialdemócrata: Serrat, Sabina o Miguel Ríos llenaban plazas de toros, mientras La puerta de Alcalá (Víctor y Ana) quedó para toda una generación como himno de la década. Pensaba enumerar grupos del entonces pujante pop español, pero la práctica totalidad siguen en activo cuarenta años después, con la excepción del más popular entonces: Mecano. Si te digo “no hay marcha en Nueva York”, tú me contestas “y los jamones son de York”. Te vas a pasar el día cantándola, ódiame.

Volviendo a la Movida, mientras copiábamos hombreras y cardados de aquellos artistas radicales ‘ma non troppo’ (algunos acabarían en la ultraderecha con el correr de los años) y queríamos ser chicas Almodóvar y dedicarnos a trabajos creativos (“¿Estudias o diseñas?”, era el chiste), vivíamos una revolución sexual (pese al SIDA), el divorcio y el aborto se normalizaban contra la resistencia de la derecha y de la iglesia católica, la homosexualidad asomaba del armario (a riesgo de recibir una paliza), a nuestras ciudades llegaban las primeras familias inmigrantes y también los primeros hipermercados o los restaurantes chinos. Los jóvenes seguían haciéndose hombres en la mili, las mujeres accedían a profesiones antes vetadas (las primeras policías), contábamos chistes sobre el recién creado IVA, y envidiábamos las vidas de ricos en culebrones como Falcon Crest.

Por aquella televisión pública desfilaban Jesús Hermida, Mercedes Milá, Pedro Ruiz, Rosa María Sardà, la Trinca, Juan Tamariz con su inolvidable “air-violin”, Torrebruno, Con las manos en la masa (te has puesto a cantar la sintonía, reconócelo), los “zero points” de Remedios Amaya en Eurovisión, Miguel Bosé con falda, y la mitificada La Clave de José Luis Balbín, donde señores hablaban de cosas serias (nada que ver con los tertulianos de hoy) mientras fumaban sin parar en una España que apestaba a Ducados en cines, autobuses y hospitales.

El fundido a negro de TVE el 14 de diciembre de 1988, en la huelga general , anticipó que bajo los grandes cambios crecía el malestar

En aquella tele cohesionadora vimos la muerte de Paquirri y a la Pantoja convertida en viuda de España, la victoria de Perico en el Tour y de Arantxa en Roland Garros, Lola Flores pidiendo una peseta a cada español, Camilo José Cela contando que podía absorber un litro de agua por el ano, Montserrat Caballé en extraño dúo con Freddy Mercury, Bárbara Rey y Ángel Cristo, los primeros pasos de un joven triunfador llamado Mario Conde y, por supuesto, a nuestra omnipresente Familia Real encabezada por un rey campechano al que respetábamos y queríamos. Y Felipe González, entonces un líder carismático, popular, de izquierdas y hasta guapo a ojos de unos votantes que le dieron tres mayorías absolutas.

Los ochenta son también la zona cero de toda la chatarra nostálgica que todavía hoy nos enternece: la generación EGB, ‘La Bola de Cristal’, ‘Barrio Sésamo’, la SuperPop y la Teleindiscreta, la serie V, el Un, dos, tres, la teta de Sabrina, las empanadillas de Martes y Trece, los anuncios que hoy seguimos canturreando (Tu primera colonia Chispas, Tenemos chica nueva en la oficina…), Naranjito, el 12-1 a Malta, la vajilla Duralex, el walkman y el VHS… Una década embellecida en el recuerdo, llena de conflictos sociales pero que hoy queremos recordar como despreocupada y hedonista, y que además remató con la caída del Muro y la promesa de un futuro mejor.

Ya que los ochenta los vimos en televisión, el quiebro de la década prodigiosa no pudo ser más simbólico: el fundido a negro de TVE el 14 de diciembre de 1988, la gran huelga general que paralizó el país como recordatorio de que, bajo esa superficie de grandes cambios, crecía el malestar.

Los 90

Póntelo, pónselo

A la sombra de los añorados y coloridos ochenta, los noventa parecen en el recuerdo una década gris. La Expo de Sevilla y los Juegos de Barcelona fueron el canto del cisne de la modernización: ahora sí que éramos del todo europeos, incluso estrenamos el AVE, que nos hacía parecer un país rico. Pero la resaca de los grandes eventos fue tremenda: crisis económica y corrupción con un gobierno socialista en descomposición y una sociedad que parecía agotar su empuje transformador. Hasta la revolución sexual parecía acabada, pese a que los noventa arrancaron con el ‘Póntelo, pónselo’ con que el gobierno escandalizaba otra vez a derecha e iglesia católica (nunca fallan) repartiendo preservativos a los jóvenes. Unos jóvenes que escuchaban la llamada de la legendaria Ruta del Bakalao, demonizada por los medios. Otros se hacían okupas, movimiento de gran fuerza, o se alistaban en una tribu en auge: los skinheads, nazis rapados que salían de cacería los fines de semana.

La modernidad llegaba por el lado tecnológico: no nos cabían en el bolso los primeros teléfonos móviles (ni podíamos llamar por lo elevado de la factura), y entraban en nuestras casas las prehistóricas conexiones al todavía misterioso Internet (aquellos modems cuyo ruidito tienes ahora en la cabeza, lo sé). Apenas nos servía para enviar correos, Google no existía (teníamos un buscador llamado Olé), ni redes sociales para difundir memes y bulos. Eso no impidió que convirtiésemos en meme cualquier anuncio (“hola, soy Edu, feliz navidad”), o echase a rodar el mayor bulo de nuestra historia reciente, protagonizado por el cantante Ricky Martin, un perro y un tarro de mermelada.

La televisión seguía siendo nuestra ventana, ahora ampliada con las primeras cadenas privadas: Telecinco, Antena 3 y un Canal Plus al alcance de unos pocos (otros se dejaban los ojos viendo porno codificado). La riqueza y pluralidad de las nuevas teles se confirmaron pronto: las Mama Chicho nos daban las buenas noches, Jesús Gil tenía programa propio, el fútbol era de pago, nos enganchábamos a culebrones latinoamericanos (sí, yo también vi Cristal), y descubrimos la televisión basura: el fundacional ‘Tómbola’, Pepe Navarro y Javier Sardá compitiendo por escandalizar, la infame “máquina de la verdad” de Julián Lago, o el morbo que alimentó la caza de brujas contra homosexuales famosos del ‘Caso Arny’, mientras Nieves Herrero cruzaba todas las líneas rojas con la cobertura del asesinato de las niñas de Alcàsser.

Por el lado más amable son los años de Chiquito de la Calzada y Carlos Arguiñano, Rafaella Carrá y el telecupón de Carmen Sevilla, Farmacia de guardia y Médico de familia reuniendo a las audiencias en un tiempo anterior a las plataformas, o los primeros programas del inmortal Jordi Hurtado. Y por supuesto las bodas reales, que prolongaban el idilio entre los españoles y la Familia Real: las infantas se casaban con pompa, una de ellas con un rubio jugador de balonmano de cuyo nombre no quiero acordarme.

Paco Lobatón buscaba a desaparecidos en ‘Quién sabe dónde’, mientras un terror más cotidiano se asomaba por primera vez a los hogares desde la televisión: la violencia machista, con la confesión de Ana Orantes, quemada viva por su exmarido días después. Su asesinato fue el germen de cambios legales para proteger a las víctimas. La terrible muerte de Orantes, los detalles espeluznantes del triple asesinato de Alcàsser con la fantasmal huida de Antonio Anglés, y la cruel ejecución de Miguel Ángel Blanco por ETA, conmocionaron a una España deprimida económica y socialmente. Así llegamos al final del siglo, pidiendo la hora para que acabase la década y llegase el esperadísimo año 2000.

Los 2000

Un euro, 166 pesetas

El siglo XXI empezó con dos sobresaltos, uno de broma y otro terrible. El primero, el ‘Efecto 2000’, el fin del mundo que temimos hasta minutos antes de comernos las uvas, y solo respiramos aliviados (y hasta un poco decepcionados) cuando comprobamos que no se apagaban los semáforos, ni se bloqueaban los cajeros ni caían los aviones en vuelo. El segundo susto, inesperado y terrorífico, derribó las Torres Gemelas en directo (en el telediario, mientras comíamos) e inauguró un tiempo oscuro y violento, que en España tuvo su coletazo mortal el 11-M de 2004. “Pásalo”.

En la primera década del siglo echamos muchas cuentas: para pasar a pesetas los euros y para tasar mentalmente nuestras viviendas

Otro mundo se esfumó, un mundo económico pero también popular: la España de la peseta. “Un euro, 166 pesetas”, recordamos los que tenemos ya una edad. Nos pasamos la década calculando mentalmente de pesetas a euros, redondeando para facilitar la operación, aunque el verdadero redondeo fue el de unos precios que nos empobrecieron. Tras ser incondicionalmente europeístas, empezábamos a desencantarnos de una Europa que mostraba su rostro más neoliberal.

En esta primera década del siglo echamos muchas cuentas: no solo para pasar a pesetas los nuevos euros, también para tasar mentalmente nuestras viviendas que no dejaban de subir (nos contábamos una y otra vez el cuento de la lechera), recalcular la hipoteca en plena burbuja, o intentar entender cantidades astronómicas con la crisis financiera global que venía.

Mientras no nos alcanzaba la crisis, nos dimos el gusto de conquistar derechos como el matrimonio homosexual (con la oposición, oh sorpresa, de la derecha y la iglesia católica), y una parte de la cultura vivió un romance con el Gobierno Zapatero, los artistas de “la ceja”: ahí empieza la culturofobia de la derecha. El entonces príncipe Felipe se casó con una periodista, y dejamos de fumar en bares y espacios públicos cerrados. Pocos cambios tan radicales en lo que a usos y costumbres se refiere.

Mientras esperábamos el estallido de la burbuja, nos distraíamos con los muchos canales de la TDT. El mundo de ayer se derrumbaba entre la “guerra contra el terrorismo” y la crisis global, y nosotros nos atontábamos con realities y talent shows, formatos triunfantes junto a las nacientes tertulias políticas. Tiempo de ‘Gran Hermano’ y ‘Operación Triunfo’, las primeras mañanas de Ana Rosa, fútbol diario y comedias para pasar el mal trago social (7 vidas, Los Serrano o Aquí no hay quien viva). Además, nos acostumbrábamos a algo que durante todo el siglo XX había sido una excentricidad: deportistas españoles triunfando en competiciones internacionales, de Nadal a Fernando Alonso pasando por las selecciones de fútbol y baloncesto.

Algunos se evadían de la fea realidad con atracones de películas pirateadas (quién se acuerda de aquel eMule), en un tiempo en que se nos decía que la gente nunca pagaría por ver cine o series pudiendo conseguirlas gratis. Ah, y en esos años apareció la familia Alcántara en TVE, contándonos una versión edulcorada de nuestra historia reciente, en un tiempo en que el espanto presente (la serie Cuéntame se estrenó el 13 de septiembre de 2001, con las Torres Gemelas humeantes) nos empujaba a refugiarnos en la nostalgia del pasado.

Los 2010

Un país de tertulianos

Crisis era la palabra más repetida en la segunda década del siglo. Todo entró en crisis: la economía, el empleo, numerosos sectores y empresas, la banca, la vivienda, el periodismo, la cultura, el Estado autonómico, el bipartidismo, la democracia y hasta la monarquía, con el rey borboneando a lo loco. El idilio del pueblo español con don Juan Carlos terminó en la mayor de las decepciones, el episodio de Botsuana (“Lo siento, me he equivocado, no volverá a ocurrir”) y la posterior abdicación. No solo el rey, también su familia, caída en desgracia desde el caso Nóos que afectaba a aquel rubio jugador de balonmano que un día nos enamoró.

La democracia española acusaba fatiga de materiales. Hacía aguas por todos lados, y mirábamos al pasado con otros ojos: hasta la sacrosanta Transición empezó a ser cuestionada, sobre todo por los más jóvenes que se sentían estafados, llamados a ser “generación perdida”, “generación de la crisis” o “la primera generación que vivirá peor que sus padres”.

Años en que la sociedad parecía sacudirse una modorra de décadas y volver a interesarse por la política (el 15-M, aparecía Podemos, que en pocos años pateó el tablero político pero también la estética democrática. Solo unos años antes habíamos visto al presidente del Congreso (José Bono) regañar a un ministro (Miguel Sebastián) por quitarse la corbata, ahora la política se llenaba de gente corriente con aspecto de venir de la facultad, para felicidad de algunos y espanto de otros. Las mujeres, sobre todo las más jóvenes, convertían el feminismo en el movimiento transformador más fuerte de la década. También los balcones se llenaron de banderas de España.

Los 10 terminaron con un gesto tardío, pero altamente simbólico para la joven democracia: la salida de Franco del Valle de Cuelgamuros 

Normal que las televisiones apostasen por la política-entretenimiento, multiplicando tertulias a primera hora, media mañana, mediodía, tarde, noche y fines de semana, mientras los españoles tertulianeábamos en las nacientes redes sociales, que llegaron para transformar la conversación pública: aún esperábamos que Twitter o Facebook se convirtiesen en ágora democrática, plaza pública, espacio de encuentro y diálogo para organizar movilizaciones, compartir la creatividad, hacer amigos… No te rías, anda.

En el televisor ya no nos cabían más canales cuando irrumpieron las plataformas, convirtiendo el ver la tele de toda la vida en un acto cultural y exento de culpa: era la edad de oro de las series, acuérdate. Resultado: cada vez pasábamos más horas delante de pantallas, ya fueran de televisión (viendo tertulias y debates electorales, pero también Masterchef, First Dates o Amar en tiempos revueltos), plataformas (La casa de papel, entre nosotros) o redes sociales. O en Tinder y otras apps de citas que transformaron también nuestra manera de ligar.

La década terminó con un gesto tardío pero altamente simbólico para la joven democracia: la salida de Franco del Valle de Cuelgamuros.

Los 2020

¿Qué quedará de esta década?

Y así llegamos a la década actual, cuya memoria sentimental todavía no podemos atesorar por falta de distancia. Dentro de unos años seguramente recordaremos la pandemia, los aplausos en el balcón o a Fernando Simón. Contaremos los maratones de series que nos metíamos cada fin de semana, la locura de los grandes conciertos y festivales, la turismofobia y la crisis de vivienda que obliga a los divorciados a seguir conviviendo. Veremos en qué queda el “nuevo punk” de los jóvenes seducidos por la ultraderecha. No sabremos a dónde mirar para señalar referencias musicales compartidas, en tiempos de fragmentación de audiencias y consumo bulímico en Spotify. Hablaremos de youtubers y tiktokers, de adicciones digitales, del porno generalizado, de algún fenómeno social que no haya sido el enésimo vaticinio de suplemento dominical. Haremos recuento de monstruos y juguetes rotos. Recopilaremos memes y bulos, y señalaremos el miedo a la Inteligencia Artificial. Pero mira, este artículo no lo podría haber escrito una IA, porque en eso tampoco es inteligente: no tiene memoria sentimental. Yo sí, y tú también.

Rosalía será la gran estrella invitada del evento que prepara Netflix para este sábado en las aguas del río Guadalquivir con motivo del estreno de la segunda temporada de Berlín, la precuela de La casa de papel. Un espectáculo que servirá como colofón para la presentación mundial del spin-off de uno de los mayores éxitos de la plataforma de streaming.

Antes, Las Setas de la capital andaluza acogerán la fiesta principal el viernes 8 a partir de las 19.30 horas, para la que hay aún entradas disponibles. A los pies del monumento, se pasearán las estrellas del reparto de Berlín y la dama del armiño, entre otros, Michelle Jenner, Tristán Ulloa, Begoña Vargas o Julio Peña, cuyas aventuras para esta temporada tienen un nuevo objetivo: robar una obra de arte de Leonardo da Vinci.

En esta ocasión, el público verá a sus personajes favoritos pasear por el Puente de Triana, el entorno del Guadalquivir, la Torre del Oro, la calle Cuna, y las inmediaciones de la Facultad de Bellas Artes, entre otras localizaciones que se dieron durante el rodaje.

La guinda del pastel a esta celebración que Netflix ha llamado La Jarana será al sábado. En el Muelle de la Sal se realizará un pre-show a las 20.00 horas, al que le seguirá una actuación a las 21.15 horas y, finalmente, un concierto sorpresa y gratuito a las 22.30 horas. A esa hora se prevé que sea Rosalía, en plena gira por su último álbum, Lux, quien actúe, según ha avanzado elEconomista.es. Una información que la plataforma ha evitado confirmar y para la que no ha emitido ningún comunicado.

Cortes de tráfico

Entre los días 7 y 10 de mayo habrá importantes afecciones al tráfico, entre ellas, el corte total para tráfico rodado en la calle Laraña desde las cinco de la mañana del 8 de mayo hasta las siete de la mañana del 9 de mayo, en el tramo comprendido hasta la calle Imagen. También, en la calle Campana habrá restricciones entre las 16.00 horas del 8 de mayo y hasta las 00.00 horas del 9 de mayo. En este caso, se cortará el tráfico rodado hasta Imagen, pero se permitirá de forma excepcional el paso de autobuses y taxis.

En cuanto a Triana, la calle Betis permanecerá cerrada entre las 16.00 del 9 de mayo hasta las ocho de la mañana del 10 de mayo. Los vehículos serán desviados por la calle Troya y se restringirá el acceso peatonal en el lado izquierdo de la calle, la zona que da al río. Acerca del Puente de San Telmo, quedará cortado el acceso peatonal desde las 00.00 horas del 8 de mayo hasta las 7.00 horas del 10 de mayo. Como alternativa, se habilitará un carril peatonal provisional en el lado del Círculo de Labradores. Además, la zona de Marqués de Contadero permanecerá cerrada durante toda la jornada del viernes debido a pruebas técnicas y ensayos de sonido e iluminación relacionados con los eventos.

Desde su estreno en 2016, ‘The Crown’ ha sido una de las series de ficción más destacadas de la plataforma Netflix, con récords históricos de ser una de las más premiadas con varios Emmy, así como de presupuesto, llegando a costar más de 130 millones de euros su última temporada, siendo todo un fenómeno de visualizaciones, pero también de prestigio.

La sexta temporada de la serie finalizó con el matrimonio entre Carlos y Camilla en 2005 y la reina Isabel II afirmando su compromiso con la corona británica, y se daba por sentado el desenlace de la ficción, pero esta podría tener una precuela que tendría, además, un acuerdo de presupuesto de 500 millones de libras. Según los detalles que publican medios británicos como The Telegraph y Daily Mail, este spin-off the ‘The Crown’ abarcaría desde la muerte de la Reina Victoria hasta la boda de la reina Isabel II con Felipe de Edimburgo, es decir, de 1901 a 1947, lo que serían un total de 46 años de historia en los que el Reino Unido tuvo cuatro diferentes monarcas entre las dos reinas mencionadas y muchos eventos históricos de alto alcance.

El caos en el fallecimiento y el funeral de la Reina Victoria

Esta serie precuela de ‘The Crown’ podría comenzar con la noticia del fallecimiento de la Reina Victoria, una de las monarcas más longevas de la historia del Reino Unido, que tuvo lugar el 22 de enero de 1901 en la Isla de Wight, en el castillo de Osborne House que la familia tenía en propiedad allí.

Unos días que fueron de cierto desconcierto, no solo porque fallecía una reina que había reinado durante más de 63 años, sino porque desde 1837 no se realizaba el funeral de un monarca, lo que hizo que no se estuviera familiarizado con el procedimiento, lo que llevó a un plan más caótico de lo esperado, como dejó por escrito Sir Frederick Ponsonby, caballerizo mayor, como relata un artículo de Vanity Fair al respecto. La reina Victoria murió junto a su nieto, el que sería el último emperador de Alemania, Guilermo II, no había féretro preparado y se tuvo que construir a toda prisa, se trasladó el cuerpo en yate real debido a que falleció fuera de Londres y un aguacero caía sobre la capital cuando tuvo lugar el funeral finalmente el 2 de febrero.

De la austeridad de Victoria a la modernidad y carisma de Eduardo VII

El comienzo del reinado del hijo de la reina Victoria fue una ruptura con el estilo que había hasta entonces, pasando de la austeridad a la modernidad con Eduardo VII. Su vida estuvo llena de extravagancias y fue un hedonista que disfrutaba con la comida, las apuestas y mujeres, además de que tuvo acontecimientos como ser el primer rey británico en visitar oficialmente a un Papa, a Pío X, y su carisma le han hecho ser llamado “influencer” de su época, con lo que podría abarcar tramas interesantes para la serie.

Jorge V vs Guillermo II: dos primos enfrentados en la Primera Guerra Mundial

Con el rey Eduardo VII se vivía una Europa en tensión que derivaría en el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, un hecho que no llegaría ver el monarca, que falleció a los 68 años con menos de diez años de reinado. Le sucedió su hijo Jorge V, que ocuparía la corona entre 1910 y 1936, durante 26 años, y al borde también de una guerra mundial. Esta época tiene también detalles interesantes como el hecho de que en el bando contrario estaba Guillermo II como uno de los líderes, también nieto de la Reina Victoria, por tanto, primo del rey del Reino Unido.  

Fue bajo su reinado cuando se rebautizó a la Casa Real como Windsor, eliminando cualquier referencia al origen alemán de la monarquía británica. También hubo hechos destacados como la Huelga General de 1926 o que fue el primer rey que se dirigió al pueblo por radio, en la Navidad de 1932.

La abdicación de Eduardo VIII y sus simpatías con el nazismo

Sin lugar a dudas uno de los momentos que más juego puede dar para el spin-off de ‘The Crown’ es durante el reinado más breve, el de Eduardo VIII, sucesor de su padre Jorge V y que abdicó para poder casarse con Wallis Simpson, una divorciada estadounidense, que no fue aceptada por la iglesia anglicana. Sin embargo, su historia da para más: se ha escrito sobre sus vínculos con el nazismo, llegándose a reunir con Hitler durante la guerra, unas simpatías que despertaron gran alarma en el gobierno y la sociedad.

Jorge VI, el sucesor inesperado y la Segunda Guerra Mundial

Así, con la abdicación de su hermano, Jorge VI subió al poder sin estar preparado ni desearlo, debido a su timidez y tartamudez, que quedó inmortalizada para el gran público en la película ‘El discurso del rey’ en 2010. Su figura, sin embargo, fue subiendo en popularidad, al convertirse en una de las principales personalidades de la resistencia, quedándose en Londres durante los bombardeos, lo que reforzó la imagen de la monarquía, que heredaría su hija mayor, Isabel II.

La cuarta temporada de la serie de HBO ‘The White Lotus’ ha dado recientemente que hablar al haber perdido a una de sus grandes estrellas y reclamos, Helena Bonhnam Carter, una vez ya comenzado el rodaje debido a que “no encajaba en el personaje”, según aseguró el medio Deadline a través de un portavoz de la plataforma.

La ficción creada por Mike White afrontaba un duro problema y un importante reto de encontrar una sustitución a la altura, un hecho que se había anunciado a través de un comunicado que rezaba: “se ha replanteado, se está reescribiendo y se buscará una nueva actriz en las próximas semanas”.

El anuncio oficial se hizo tan solo una semana después, cuando se confirmó que la actriz Laura Dern sustituirá a la británica, un hecho que ha despertado teorías debido a que no es la primera vez que aparecería en la serie, en la que ya interpretó una voz en off y que podría crear un enlace entre diferentes temporadas, tal y como ya se dio con el personaje de Jennifer Coolidge entre la primera y la segunda.

El personaje que Laura Dern podría interpretar en ‘The White Lotus 4’

Si recordamos, la segunda temporada de la serie ‘The White Lotus’ se ambientó en Italia, en concreto en Sicilia, y en ella ya participó Laura Dern con un pequeño cameo, aunque solo con su voz. Entonces interpretó a Abby, la mujer de Dominic Di Grasso, productor de Hollywood al que dio vida Michael Imperioli, y este personaje fue también mencionado por otros como su suegro Bert y su hijo Albie.

Esto no ha pasado desapercibido para los fans de la serie, que en redes sociales han comenzado a crear teorías sobre el papel al que podría dar vida Laura Dern, pues muchos han pensado que su fichaje significaría que se escribiera más sobre Abby y crear así conexión con la familia Di Grasso que apareció en la segunda temporada.

Cabe recordar que Di Grasso interpretaba a un productor de Hollywood y teniendo en cuenta que se ha desvelado que ‘The White Lotus 4’ está ambientado en torno al festival de Cannes, son muchos que ven la conexión factible, creando así un interés importante teniendo en cuenta la perdida de Bonham Carter.

Actualmente, la cuarta campaña de la serie de HBO se está rodando en la Riviera Francesa, Saint-Tropez y Mónaco, y entre el reparto también confirmado están actores de la talla de Steve Coogan, Rosie Perez, Heather Graham, Max Greenfield, Kumail Nanjiani, Vincent Cassel y Chloe Bennet, Sandra Bernhard, Frida Gustavsson, Charlie Hall, Jarrad Paul, Ben Schnetzer y Laura Smet.

Las formas que adopta un villano a lo largo de una historia suelen cambiar con el tiempo, pero pocas figuras mantienen una identidad tan marcada como Lord Voldemort dentro del universo de Harry Potter. El que nunca debe ser nombrado fue un mago oscuro con una obsesión clara por el poder absoluto y por evitar la muerte a cualquier precio, lo que le llevó a romper su propia alma en varios fragmentos para sobrevivir.

Ese proceso, conocido dentro de la historia como la creación de horrocruxes que guardan partes de su esencia, explica por qué su presencia sigue activa incluso cuando su cuerpo desaparece. A partir de ahí, sus acciones marcaron cada etapa del conflicto principal, ya que organizó un grupo de seguidores fieles y extendió el miedo en todo el mundo mágico.

También persiguió a Harry Potter desde que este era un niño, lo que convirtió su enfrentamiento en el eje de la saga. Su importancia nace de ese papel constante como enemigo que obliga a reaccionar a todos los demás personajes, y de una historia personal que explica cómo alguien con talento terminó tomando ese camino. Esta trayectoria deja a las claras que no todos los actores pueden interpretarlo.

El propio Fiennes propone a Tilda Swinton como opción

Ralph Fiennes ha dado por cerrada su etapa en ese papel tras haberlo interpretado en cinco de las ocho películas, según explicó durante su paso por The Claudia Winkleman Show, recogido por The Hollywood Reporter. El actor británico reconoció que en el pasado estaba dispuesto a volver, pero ahora cree que esa posibilidad ya no está sobre la mesa.

Esa decisión deja libre uno de los papeles más exigentes de la nueva adaptación televisiva que prepara HBO, que necesita encontrar a alguien capaz de mantener el nivel que dejó en pantalla. De hecho, es uno de los personajes importantes que todavía no tiene a nadie asignado para interpretarlo en esta nueva versión.

El propio Fiennes no se limitó a apartarse del personaje, ya que también señaló a una posible sustituta. Durante esa misma intervención mencionó a Tilda Swinton como una candidata que le parece adecuada y afirmó que “sería increíble” en el papel. La propuesta tiene un matiz llamativo, ya que se trataría de una versión femenina del villano, algo que encajaría con la intención que se ha comentado en torno a la serie de explorar cambios importantes en los personajes respecto a las películas.

La actriz cuenta con una trayectoria amplia, incluido un Oscar y un BAFTA, y ya ha interpretado a figuras con rasgos similares en otras producciones, lo que abre la puerta a una reinterpretación del personaje en esta etapa. Ese tipo de decisiones, sin embargo, no llega en un contexto tranquilo, porque el nuevo reparto ya ha generado debate.

La elección de Paapa Essiedu como Severus Snape ha provocado críticas y ataques racistas, además de amenazas de muerte contra el actor británico-ghanés, con parte del público reclamando una apariencia más cercana a la descrita en los libros. Ese precedente muestra que cualquier cambio relevante en personajes tan conocidos puede desatar reacciones intensas antes incluso del estreno.

Cillian Murphy rechaza el papel y corta rumores

Las dudas sobre quién asumirá ese rol se mantienen en parte porque Cillian Murphy, uno de los nombres que más se han repetido, ha rechazado esa opción de forma clara. En un reportaje publicado en The Times fue tajante al afirmar que “categóricamente no voy a ser Voldemort”, y pidió que esa frase quedara reflejada en el texto para cortar cualquier especulación por parte de los fans. Esa respuesta deja fuera a uno de los candidatos más mencionados en los últimos meses.

Antes de esa negativa, el nombre del actor irlandés había ganado fuerza por su trayectoria reciente y por el perfil que encaja con el personaje. El propio Murphy, en el pódcast Happy Sad Confused, ya había dejado claro que asumir ese papel implicaría compararse con el trabajo previo de Fiennes, algo que considera difícil. Por lo tanto, el interés del público es mucho mayor que el del propio actor.

El proyecto de HBO ha optado por un reparto casi completamente nuevo, con una única excepción confirmada hasta ahora. Warwick Davis volverá como el profesor Filius Flitwick después de haber participado en las películas originales, aunque no está claro si también retomará otros personajes que interpretó en el pasado. La serie encara así una reconstrucción completa de figuras muy reconocidas.

La saga ya contó con varios actores en distintas etapas

La historia del propio Voldemort en pantalla ha pasado por varias manos antes de consolidarse con Fiennes. Richard Bremmer dio vida a una versión inicial del personaje, mientras que Christian Coulson, Hero Fiennes-Tiffin, Frank Dillane o Ian Hart interpretaron distintas etapas de su vida. Esa variedad de actores refleja cómo el personaje ha evolucionado en función del momento de la historia.

La nueva serie tiene previsto su estreno en Navidad de 2026 con una primera temporada basada en Harry Potter y la piedra filosofal. Aunque el personaje no aparece de forma completa hasta etapas más avanzadas de la historia, la elección del actor que lo interprete sigue siendo una de las decisiones más observadas del proyecto, ya que de ella depende buena parte de la tensión que define toda la saga.

El Día Mundial de Los Simpson se celebra oficialmente cada 19 de abril desde 2017. Esta fecha fue instituida para conmemorar el 30 aniversario de la primera aparición de la familia en televisión, el 19 de abril de 1987 en el corto ‘Good Night’ dentro de ‘The Tracey Ullman Show’. Es decir, desde hace casi diez años, la familia más famosa de Springfield cuenta con su propia efeméride, una celebración que se replica en cada rincón del mundo, con millones de fans desde que comenzara la emisión de su primer capítulo.

Desde entonces Los Simpson se ha convertido en la serie de animación más aclamada de la historia de la televisión, con un poso único en la cultura popular y en la iconografía audiovisual, hasta el punto de que sigue captando seguidores entre las generaciones más jóvenes.

Se trata de una constante suma de adeptos que siguen las diatribas de Homer, Marge, Lisa, Bart, Maggie y un sinfín de personajes, algunos tristemente desaparecidos, que durante casi cuatro décadas no han dejado de sorprender por sus ácidos diálogos, sus disparatadas aventuras y sus singularidades únicas.

Con motivo de esta efeméride, hablamos con Sara Infante Pineda, profesora de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Alcalá (UAH), una “auténtica fan” de la serie, como ella misma se proclama.

Un retrato de la sociedad “tamitazado por el filtro del humor”

¿Por qué han tenido y tienen tanto éxito? La profesora considera que el imán principal es su capacidad para entretener al mismo tiempo que realizan una “inteligente sátira” de la sociedad estadounidense, todo ello “tamizado por el filtro del humor”.

Recuerda que se trata de una comedia o ‘sitcom’ en formato de animación que utiliza “arquetipos universales” como la familia, el trabajo, la escuela o el éxito, lo que hace que cualquier espectador, en cualquier lugar del mundo, “se pueda sentir identificado y caricaturizado”. 

Desde la misma vida cotidiana, pasando por la política, la sociedad o la religión, no hay cuestión intergeneracional que escape “de la garra crítica” de su creador, Matt Groening, y de su equipo de guionistas.

Constata además Sara Infante que la serie ha contribuido enormemente a la cultura contemporánea. En cuanto a la iconografía, personajes como Homer o Lisa son “reconocibles a nivel mundial”.

Y en lo audiovisual, la serie ha sido consolidada como “un modelo de animación adulta” en ‘prime time’ y ha abierto el camino a otras series. “Ha generado un lenguaje propio, desde expresiones, memes y referencias que forman parte del imaginario colectivo”.

En estos últimos 40 años, la sociedad y el mundo se han transformado, globalizado y digitalizado y eso “también aparece magníficamente retratado” en la serie. Sara Infante analiza cómo en la primera temporada, en el capítulo ‘Simpson Roasting on an Open Fire’ (conocido como ‘Sin Blanca Navidad’ en España), la trama gira en torno a los problemas económicos de la familia o los valores navideños. Viajando en el tiempo, en la temporada número 15, en el capítulo ‘The President Wore Pearls’ (‘El presidente llevaba perlas’), la política en general y la educación se convierten en los protagonistas.

A nivel visual, ha pasado de una animación más “manual” a una estética “más pulida y digital”. Y en cuanto a la narrativa, pone como primer ejemplo el capítulo ‘Lisa’s Substitute’ (‘El sustituto de Lisa’), de la segunda temporada, en 1991, que se centra en la construcción de los personajes, en una “narrativa emocional”. Casi una década después, ya en el año 2000, en la temporada número 11, el capítulo ‘Behind the Laughter’ (‘Detrás de las risas’) se presenta como un documental real, donde los personajes se convierten en actores y no en personajes.

Y precisamente ahondando en los personajes, es imprescindible detenerse en Homer Simpson, el padre de familia y ‘antihéroe’ de la serie. “Homer triunfa por ser una caricatura del ciudadano medio, un ser humano imperfecto, con defectos que lo hacen aún más cercano”.

La profesora explica que si se aplica la teoría de la comunicación e incluso los valores del héroe, podría decirse que Homer es “la crítica, en clave de humor, al modelo de ciudadano americano que quiere imponerse”. “Y son sus emociones las que le conectan con el espectador medio”, destaca.

Lisa Simpson simboliza la conciencia crítica y representa la educación, los principios y la ética. Es el contrapunto necesario dentro de una familia caótica

También Lisa Simpson, su hija, ha ido adquiriendo mayor protagonismo con el tiempo. “Ella simboliza la conciencia crítica y representa la educación, los principios y la ética. Es el contrapunto necesario dentro de una familia caótica. De alguna manera, encarna la voz de la razón en un entorno dominado por el caos”, apunta Sara Infante.

Durante el transcurso de la serie, este personaje encarna igualmente “el pensamiento reflexivo, el feminismo o la preocupación por el medio ambiente”, acompañada de una frustración “al sentir que su entorno no la comprende”. Aquí se detiene en capítulos como ‘Lisa the Vegetarian’ (‘Lisa, la vegetariana’, de la séptima temporada, en 1995), donde dejar de comer carne para ensalzar los derechos de los animales: o en el mencionado ‘The President Wore Pearls’ (en la temporada número 15, en 2003), en el que Lisa encarna el liderazgo al convertirse en presidenta del consejo escolar.

Hay una curiosidad innata en Los Simpson: sus personajes no envejecen. “La serie en sí misma es un presente continuo, en la cual los personajes mantienen su esencia y son perdurables en todas las épocas”. Para la profesora, esto responde a una “lógica narrativa y también comercial”, pues la serie se convierte así en un producto “atemporal”.

“La vida cambia, la sociedad se transforma, se moderniza, pero los personajes y su estructura no se altera para poder adaptarlos a todos los momentos. En el lenguaje audiovisual lo atribuimos al pacto de ficción que se firma con el público y es aceptado por este”, añade.

Y otra cuestión: los ‘presagios’. Ese continuo axioma de: “Esto ya lo vaticinaron Los Simpson”. La profesora de la UAH lo atribuye a la “capacidad increíble” que tienen sus guionistas y productores de observar la realidad y representarla desde su propio lenguaje.

“En ella se identifican tendencias sociales, políticas o tecnológicas que ya están emergiendo y se llevan al extremo en clave de humor. Con el paso del tiempo, algunas de estas historias, como la presidencia de Donald Trump o los avances tecnológicos, se han convertido en hechos. Una gran interpretación del presente ha conllevado predecir el futuro, ello sumado a la capacidad del producto para mantenerse siempre vigente”.

La pregunta ineludible en este punto es cuál será su legado. Después de tres décadas, esta serie será recordada “por haber convertido la animación en una herramienta para entender la sociedad”. Es algo que ha provocado una gran influencia en muchos creadores y ha contribuido “a ensalzar el género de ficción y en concreto el subgénero de la comedia”. Pero lo ha hecho yendo un paso más allá, al emplear la sátira para analizar y criticar la realidad social, política y cultural, generando al tiempo entretenimiento.

“Podemos afirmar sin temor a equivocarnos que Los Simpson es uno de los más importantes productos culturales de nuestros tiempos, que ha aportado otra manera de ver y consumir televisión”.

La serie ha demostrado con creces que con humor todo se puede poner en tela de juicio

Sara Infante hace su propia selección “casi imposible” de sus mejores momentos. Se queda con la “¡D’oh!” de Homer, que se ha convertido en “universal”. Y en cuanto a capítulos, elige ‘Marge contra el monorraíl’, por su ritmo narrativo y su crítica social sobre todo a la corrupción. Añade otro: ‘Homer, el hereje’, que invita a una “reflexión profunda sobre la religión y la moralidad”.

Como docente en el Grado en Comunicación Audiovisual en la UAH, Sara Infante reconoce que Los Simpson la han sacado de muchos apuros, pues ha utilizado referencias en clase, en la asignatura de ‘Gestión de Contenidos en Televisión’. 

Lo ha hecho a la hora de abordar los géneros y formatos, la construcción de estereotipos y cómo este producto ha encajado en las parrillas de programación de la televisión española, perfectamente adaptado a su contexto y época.

“En definitiva creo que la serie ha demostrado con creces que con humor todo se puede poner en tela de juicio, y eso es bueno, reflexionar, hacer autocrítica. En estos tiempos de política populista, consumismo masivo y desinformación, la serie se hace más necesaria que nunca, pues refleja patrones sociales que siguen vigentes. Así que invito a seguir la serie que de momento ha superado los 800 capítulos y parece que hay confirmada una temporada 40, ¡larga vida a Los Simpson!”, concluye.

Una de las series más exitosas entre la generación Z de los últimos años, “Euphoria”, ha regresado después de tres años con una tercera temporada no exenta de polémica, por un cambio de tono, que no le ha llevado a conectar igual con su audiencia y se intuye que podría ser el final de la ficción con Zendaya, Jacob Elordi y Sydney Sweeney.

En esta tercera temporada de la serie creada por Sam Levinson se ha dado un salto temporal que ha traído también a nuevos personajes, entre los que está Angel, interpretada por una actriz que hemos visto crecer en la televisión española. Hablamos de Priscilla Delgado, que fue una de las protagonistas de ‘Los Protegidos’ a principios de los 2010, y que comparte pantalla con otra española como Rosalía.

Se dio a conocer con apenas 7 años en ‘Los Protegidos’

Nacida el 31 de marzo de 2002 en San Juan, Puerto Rico, la actriz creció en la televisión española siendo una de las caras más visibles de una de las series más famosas de la ficción televisiva a principios de la década de los 2010. Antes, sin embargo, había aparecido en series como “Los Hombres de Paco” o “La Chica de Ayer”.

Y es que con tan solo 7 años Priscilla Delgado se dio a conocer con “Los Protegidos”, donde daba vida a Lucía, una niña con poderes telepáticos, en una serie que fue todo un fenómeno y en la que también crecieron otros actores como Ana Fernández, Luis Fernández ‘Perla’ o Mari Marzo.

A pesar de que la actriz dio vida a uno de los personajes más queridos de la serie, no participó en el regreso en formato secuela, siendo una de las que no formó parte del reparto original. En su lugar, Maggie García dio vida a Lucía en “Los Protegidos: El regreso”, que se estrenó en 2021.

De Almodóvar a probar suerte en Estados Unidos

Después de su éxito en “Los Protegidos”, Delgado fue generando una trayectoria sólida tanto en cine como en televisión, apareciendo en “Julieta” de Pedro Almodóvar o “Las Brujas de Zugarramurdi” de Álex de la Iglesia. En 2019, optó por trasladarse a Estados Unidos y buscar continuar su carrera en Los Ángeles.

Desde entonces, ha ido participando en audiciones, destacando que casi llega a formar parte de proyectos como “West Side Story” de Steven Spielberg o “Stranger Things”, pues estuvo en las fases finales de estas producciones, en la última para hacer de Max, que finalmente dio vida Sadie Sink.

“Ellas dan el golpe” en 2022 fue su primer papel internacional, aunque fue una serie que se canceló tras su primera temporada. Ahora ha recibido su gran oportunidad participando en “Euphoria”, en esta tercera temporada, dando vida a Angel, un personaje del entorno nocturno cuya vida se cruza con la de Rue Bennett (Zendaya).

Las redes sociales se prendaron del estilo noventero y de la trágica historia de amor entre John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette, retratada en la serie ‘American Love Story’ y que se ha convertido en lo más visto en la plataforma Hulu y Disney +, así como lo más viral en redes como TikTok.

Si bien fueron dos iconos de los 90, una nueva generación ha descubierto a estos personajes que fallecieron en un accidente aéreo en 1999 como se pudo ver en su capítulo final, estrenado a finales de marzo. Este éxito, además, ha convertido en estrellas a los actores protagonistas, Paul Anthony Kelly y Sarah Pidgeon.

Debido a la buena acogida de la primera entrega de ‘American Love Story’, son muchos los que se preguntan si habrá continuación y formara una antología como es el caso de otras como ‘American Horror Story’, ‘American Crime Story’ o ‘American Sports Story’, todas ellas de la mente de Ryan Murphy.

Elizabeth Taylor y Richard Burton podrían protagonizar la segunda temporada

Poco antes del final de la primera temporada de ‘American Love Story’ con la historia de John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette, fue cuando comenzó la especulación sobre la posible nueva pareja que ocupe la trama de una continuación, y hay una sobre la época dorada de Hollywood que ganó muchas papeletas debido a unas declaraciones.

El director Connor Hines inició los rumores sobre una serie que abarcara la historia de amor entre los actores Elizabeth Taylor y Richard Burton al reconocer a Vanity Fair que “tienen la intensidad adecuada”, aunque de momento no se ha dado confirmación oficial y se ha llegado a afirmar que los ejecutivos no lo han visto con buenos ojos.

En cualquier caso, tampoco se ha desmentido la idea, con lo que se mantiene el hecho de que la pareja que protagonizó dos matrimonios y un amor intenso en el momento dorado de Hollywood. Los actores se conocieron en el rodaje de Cleopatra en Roma, cuando ambos estaban casados, lo que desató la polémica en medio de una de las producciones más caras de la historia del cine.

Elizabeth Taylor llegó a casarse hasta en ocho ocasiones, pero declaró que Burton fue el gran amor de su vida. “Cuando lo vi en el set de Cleopatra, me enamoré y lo he amado desde entonces”, admitía sobre sus años con el también actor, con el que también protagonizó numerosas películas, pero con el que vivió un romance marcado por los excesos, la adicción y peleas.

La broma con Stevie Nicks y Lindsey Buckingham

Aunque no ha habido confirmación oficial, hubo un conato de ello el 1 de abril, un día en el que se suelen hacer bromas, como en España el Día de los Inocentes. La cuenta oficial de Instagram de ‘American Horror Story’ publicó una publicación en la que aseguraba que se confirmaba una segunda temporada de la antología que iría sobre los cantantes Stevie Nicks y Lindsey Buckingham.

Ambos protagonizaron una relación turbulenta en medio del liderazgo de la banda Fleetwood Mac durante cinco décadas hasta que Buckingham dejó el grupo en 2018, pero que parece que ha llevado a intentos de acercamiento desde entonces.

Este 10 de abril vuelve una de las series más icónicas de principios de los 2000, ‘Malcolm in the middle’ con la miniserie ‘Malcolm: de mal en peor’, que contará con cuatro episodios donde la familia Wilkerson se reúne con la excusa del aniversario de los padres.

20 años después vuelve la ‘sitcom’ con su reparto casi al completo, a excepción de Erik Per Sullivan, que ha renunciado a regresar a la interpretación para hacer de Dewey, que será interpretado por un actor diferente, Caleb Ellsworth-Clark. Y mientras algunos como Bryan Cranston han seguido siendo rostros conocidos en la pantalla debido a su papel protagonista en ‘Breaking Bad’, gran parte del resto vivieron más alejados de las cámaras, entre ellos su protagonista, Frankie Muniz.

Interpretar a ‘Malcolm’ en la serie le convirtió en uno de los actores infantiles mejor pagados de Hollywood y en toda una estrella adolescente a principios de los 2000, trabajando con también nombres reconocidos de entonces como Hilary Duff o Amanda Bynes. Sin embargo, Frankie Muniz decidió cambiarlo todo cuando estaba en lo más alto.

De estrella adolescente en Hollywood a piloto de carreras

Frankie Muniz nació como Francisco Muniz IV en Nueva Jersey en el seno de una familia trabajadora. Por parte de padre desciende de emigrantes asturianos, mientras que por su rama materna tiene genes irlandeses e italianos. Comenzó en la interpretación por casualidad, al acompañar a su hermana Cristina a una audición para la obra de teatro ‘Un cuento de Navidad’ y ser seleccionado para un papel principal.

De ahí se mudó a California con su familia y en el año 2000 fue seleccionado para dar vida a Malcolm Wilkerson, con tan solo 14 años. Esto lo lanzó al estrellato, y de ahí compaginó durante seis años su trabajo en la serie con películas como como 'Mi perro Skip', 'Agente Cody Banks' o 'Big Fat Liar', todo ello con menos de 20 años.

Cuando llegó el final de ‘Malcolm’ en 2006, el actor reflexionó sobre su vida, entonces formada por rodajes largos, presión constante y una identidad que iba ligada a un personaje. Pensando en lo que sería su futuro, no dudó en explorar otra de sus pasiones y en 2007 se embarcó en una carrera profesional como piloto, llegando a competir en campeonatos como el Atlantic Championship o la Indy Lights.

Aunque no cerró la puerta a su trayectoria como actor, la fue aparcando en detrimento al motor y también a la música, pues formó un grupo cuando las lesiones y dolencias físicas no le dejaron competir. Se dejó ver menos, aunque participó en televisión en programas como ‘Dancing with the Stars’, y fue noticia cuando debido a varios accidentes sufrió lesiones cerebrovasculares que le llevó incluso a olvidar parte de su tiempo en ‘Malcolm’, aunque ahora asegura que eso fue parte de una exageración.

“Literalmente eres Malcolm”: Frankie Muniz sobre su personaje más famoso

20 años después vuelve a ponerse en la piel de su icónico personaje y lo hace como padre de familia. Frankie Muniz asegura que no quiere que su hijo se dedique a la interpretación: “No es que haya tenido una experiencia negativa, porque, para ser sincero, mi experiencia fue totalmente positiva. Pero conozco a muchísima gente, amigos cercanos, que han tenido experiencias terriblemente negativas. Y creo que el mundo en general es feo. A mí nunca me afectó el rechazo, pero hay muchísimo rechazo en la industria”, afirmó en una entrevista en Australia.

El volverse a poner en la piel de su personaje más icónico le hace estar “muy contento” y sentirse “como en casa”, tanto que compartió una anécdota que sucedió cuando revisitó la serie con su mujer: “Entonces me di cuenta de que mi personaje no era tan buen tipo. Ella me miró y me dijo: ‘No actuabas nada. Literalmente eres Malcolm’. Y yo le dije: 'No sé cómo tomármelo porque Malcolm era un desastre'. ¡Era el peor personaje de esa serie!”, dijo en una entrevista en People.

La vuelta a ser Malcolm no ha apartado a Muniz de su carrera en el motor. En 2024 se reincorporó como piloto de NASCAR en 2024 y tuvo que compaginarlo con su rodaje para ‘Malcolm: de mal en peor’, lo que hizo que se diera un calendario atípico de un programa de domingo a jueves: “Era agotador, pero también sé lo genial que es tener la oportunidad de volver a hacerlo, así que no me iba a quejar en absoluto. Estoy muy agradecido a todo el equipo de producción por adaptarse a mi agenda”.

Brian Cox lleva más de 50 años dedicándose al cine y la televisión. El escocés fue el primer actor en representar al personaje de Hannibal Lecter en cine, antes incluso que Anthony Hopkins. Ha participado en películas como Troya, Braveheart o X-Men, aunque uno de sus papeles más emblemáticos llegó en 2018 cuando se estrenó Succession, serie de HBO en la que interpreta a Logan Roy, magnate de un conglomerado de medios de comunicación.

Al actor de 79 años no le ha hecho falta participar en Piratas del Caribe ni en Juego de Tronos para ser uno de los grandes intérpretes de la industria, aunque podría haberlo hecho. Así lo reveló Cox en Putting the Rabbit in the Hat, el libro de memorias que el intérprete publicó en 2022 y donde compartió algunos de los eventos que marcaron su carrera y que muy pocos conocían.

“A menudo me preguntan si me ofrecieron un papel en Juego de Tronos, porque a todos los demás se lo ofrecieron, y la respuesta es sí, se suponía que iba a ser un rey llamado Robert Baratheon”, confesó Cox en el libro. “Sé muy poco sobre la serie, así que no puedo decirles si era un personaje importante o no, y no voy a buscarlo en Google por si acaso, porque lo rechacé”. 

¿La razón? Para sorpresa de muy pocos, el dinero. “Cuando me lo ofrecieron, el dinero no era tan bueno, digamos. Además, mi personaje iba a morir bastante pronto, así que no habría tenido ninguno de los beneficios a largo plazo de una serie exitosa, donde el sueldo aumenta con cada temporada”. Fue Mark Addy quien acabó dándole vida al rey de la casa Baratheon en la producción de fantasía y dragones de HBO.

En el mismo libro, Cox contó la casi relación que inició con la saga de películas dirigida, entre otros, por Gore Verbinski. “Rechacé el papel del Gobernador en la franquicia de Piratas del Caribe, un rol que finalmente interpretó Jonathan Pryce”. Pero no contento con esto, el actor británico aprovechó el momento para cargar contra Johnny Depp, la cara más visible de esta serie de largometrajes.

“Estoy seguro de que es simpático, pero…”

La crítica de Cox hacia su compañero de profesión en aquellas memorias fue directa. “Piratas del Caribe es que es en gran medida el show de Johnny Depp como Jack Sparrow, y Depp, aunque estoy seguro de que es simpático, está tan exagerado, tan sobrevalorado (...). La gente lo adora. O al menos lo adoraban. Claro que hoy en día ya no tanto”.

El actor no tiene pelos en la lengua y ha criticado a muchos otros compañeros en todos estos años. También a directores como Quentin Tarantino, al que ha tildado de “rimbombante” en una entrevista reciente para The Times. Ha sido a este mismo medio al que confesó que, aunque estas críticas puedan traerle problemas, el silencio no es una opción para él. “Mi esposa no para de decirme: Brian, ten cuidado. Y yo pienso: ¡Al diablo! ¡Ya no quiero tener cuidado! Cumplo 80 este año. Voy a decir lo que me dé la gana”. 

En un momento en el que la nostalgia sigue acaparando gran parte de la producción en cine, música o series, se da un nuevo capítulo con el regreso de la mítica ‘Malcom in the middle’, que en España se conoció como ‘Malcolm, el de en medio’ o ‘Malcolm’.

Será con la miniserie ‘Malcolm: de mal en peor’ que contará con cuatro episodios en total, y que se estrena este 10 de abril directamente en la plataforma Disney +, donde ya se encuentra la serie previa al completo, con más de 150 episodios.

En este ‘revival’ estarán de nuevo en sus papeles Bryan Cranston, Frankie Muniz, Jane Kaczmarek, Christopher Kennedy Masterson, Justin Berfield y Emy Coligado, que compartirán reparto con nuevas caras como es el caso de Keeley Karsten, y entre las que no estará la única gran ausencia del ‘cast’ original.

Se trata de Erik Per Sullivan, que daba vida a Dewey, el hermano pequeño de Malcolm, y que no volverá para ‘Malcolm: de mal en peor’, a pesar de que habría obtenido una oferta millonaria para volver al reparto. En su lugar, su papel será interpretado por otro actor, Caleb Ellsworth-Clark.

Los motivos detrás de la ausencia del actor Erik Per Sullivan para esta nueva entrega de ‘Malcolm’ las dio uno de los rostros más conocidos de esta sitcom, Jane Kaczmarek, que hace de su madre en la pantalla. En una entrevista con The Guardian, afirmó que el intérprete ha priorizado su formación universitaria:

“Está estudiando a Dickens y es un estudiante increíble. Le ofrecieron muchísimo dinero para volver, y simplemente dijo: ‘No, gracias’”, comentó. Se había revelado antes que Sullivan se había querido centrar en su doctorado en la Universidad de Harvard, y no le importó rechazar millones para volver a la serie que lo hizo famoso.

De qué va ‘Malcolm: de mal en peor’, el último producto de la nostalgia

De la celebración del 20 aniversario de ‘Hannah Montana’ no dejamos Disney + y llegamos a otro producto de la nostalgia cultural como es ‘Malcolm: de mal en peor’, en el que durante cuatro episodios volveremos a entrar dentro de la caótica vida de los Wilkerson.

En estos cuatro episodios la trama gira en torno al regreso de Malcolm al entorno familiar después de haberse mantenido alejado junto a la familia que había formado, con hija incluida, debido a que sus padres lo invitan a su 40 aniversario.

Linwood Boomer, creador original, es guionista y productor ejecutivo de un regreso que firma como director Ken Kwapis. Keeley Karsten es una de las nuevas caras, como hija de Malcolm, junto a Vaughan Murrae como la hermana menor de Malcom, Kelly, y Kiana Madeira como Tristan, la novia.

Este año volveremos a ver a Harry, Ron y Hermione. El primer capítulo de la serie sobre Harry Potter y la piedra filosofal se estrenará el 25 de diciembre de 2026 en HBO, desvelando por fin cómo será la nueva adaptación sobre la novela de magia y fantasía que catapultó la fama de la escritora J.K.Rowling hace casi 30 años. Hasta entonces, solo podemos especular fijándonos en el tráiler.

Las primeras imágenes del remake se lanzaron a finales de marzo y dejaron las primeras pistas sobre lo que podemos esperar de esta adaptación. Así, el tráiler confirmó lo que ya se venía tiempo anunciando: la serie, que tendrá una temporada dedicada a cada libro, será mucho más fiel a las novelas originales que lo que fueron las míticas películas de Warner Bros.

En el tráiler, vemos escenas que no aparecieron en esos largometrajes, como la de la tía Petunia cortándole el pelo a Harry, reflejando su obsesión por hacerlo parecer una persona “normal”, o aquella en la que el joven mago sufre acoso escolar por parte de su primo Dudley y su grupo de amigos en su colegio habitual, antes de estudiar en la escuela de magia de Hogwarts. 

Hablamos de momentos que, sin duda, ofrecerán más profundidad a esta primera parte de la historia, pero ¿qué más escenas novedosas podremos ver en la nueva serie de HBO? Hoy recuperamos cuatro momentos que sí aparecen detalladas en las novelas originales pero que no llegaron a desarrollarse del todo en los filmes protagonizados por Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson.

Los Dursley, Snape, Voldemort y Godric’s Hollow

El tráiler dejó claro que esta primera temporada dedicará más tiempo a desarrollar cómo fue la convivencia de Harry con los Dursley. Aunque esto es algo que sí aparece en las películas, todo quedó muy condensado en ellas, teniendo en cuenta que incluso el inicio del primer libro está narrado desde el punto de vista de Vernon, el tío muggle de Harry. Conocer en profundidad cómo era la vida del chico con esta familia servirá para entender mejor la vida de los muggles y el rechazo que estos sienten por la magia.

Aunque en las películas se presentan flashbacks sobre la infancia de Tom Riddle, se espera que la serie desarrolle mucho más cómo el joven mago acabó convirtiéndose en Voldemort. El abandono de su padre, a quien asesinó tiempo después, y la muerte de su madre, algo que se explica con bastante detalle en los libros, podrían ganar mucho más peso en HBO.

Lo mismo podría ocurrir con el personaje de Snape y su historia sobre cómo se ganó el título de “Príncipe Mestizo”, algo que en las películas apenas se profundizó. También se cree que la serie mostrará con mucho más detalle el ataque en Godric’s Hollow, la noche en que murieron los padres de Harry, James y Lily Potter. 

Además de estos cuatro momentos, hay personajes como Peeves, Ariana Dumbledore o Teddy Lupin, que ni siquiera fueron mencionados en los largometrajes, que podríamos ver por primera vez en la pantalla.