elDiario.es pone en marcha una nueva edición del Festival de las Ideas y la Cultura (FIC), un gran encuentro cultural totalmente gratuito que tiene como objetivo acercar el mejor periodismo, ocio y cultura a nuestra comunidad de lectores y lectoras.

Tras el éxito de nuestras anteriores ediciones en València, A Coruña, Barcelona y Las Palmas de Gran Canaria, el Festival de las Ideas y la Cultura (FIC) de elDiario.es se celebra por primera vez en la Comunidad de Madrid los días 26 y 27 de junio. 

Rivas-Vaciamadrid acogerá esta V edición tan especial. elDiario.es une fuerzas con el Ayuntamiento de la localidad para integrar nuestro festival con la iniciativa Ágora Rivas 2030. Juntos, transformaremos la ciudad en un gran espacio de encuentro intergeneracional donde la participación, la cultura y el pensamiento crítico serán los absolutos protagonistas.

En esta gran ágora ciudadana que será el FIC 2026, sacaremos el periodismo a la calle para unirlo con conciertos, debates, entrevistas, espectáculos y mucho humor. Una plaza pública donde acercaremos los grandes debates a la ciudadanía para demostrar que otra forma de convivir en nuestras ciudades es posible.

Los escenarios principales vibrarán en espacios emblemáticos de Rivas, como el Auditorio Pilar Bardem y la Plaza de la Constitución, con actividades pensadas para todos los públicos.

La diversión sobre el escenario está más que garantizada: el inigualable Marc Giró coge de nuevo las riendas para repetir como nuestro maestro de ceremonias. El presentador, que acaba de estrenar en LaSexta su nuevo programa Cara al Show, será el genial hilo conductor de las distintas actividades que se sucederán en la plaza.

Un cartel de primer nivel para pensar y disfrutar

El pistoletazo de salida lo dará el director de elDiario.es, Ignacio Escolar, quien participará en la gran mesa inaugural del festival junto a dos referentes indiscutibles de la profesión: Silvia Intxaurrondo y Jordi Évole. Esta imprescindible charla estará moderada por la subdirectora de elDiario.es, Natalia Chientaroli.

La música en directo será uno de los platos fuertes del fin de semana. El viernes 26 de junio por la noche, la plaza se llenará de pura energía rockera con el gran concierto gratuito de apertura a cargo del mítico Ariel Rot. 

A continuación, llegará el turno de la incombustible Inés Hernand. La presentadora nos regalará su vibrante DJ set con el que promete poner a toda la plaza a bailar y cerrar la primera jornada del festival por todo lo alto.

El sábado 27, la fiesta musical continuará de la mano del propio Jordi Évole, que dejará el micrófono de periodista por un momento para subirse al escenario junto a su banda, Los Niños Jesús. 

El broche de oro musical de la noche del sábado lo pondrá La Bien Querida. Referente indiscutible y una de las voces más aclamadas de la escena indie nacional, llenará el escenario de magia y nos ofrecerá un concierto imprescindible para disfrutar coreando sus grandes himnos.

La alta gastronomía y el rock más actual se darán la mano en un showcooking espectacular diseñado para los paladares más exigentes. La chef revelación con estrella Michelin Sara Peral cocinará en directo con la ayuda de la sección rítmica de la arrolladora banda Arde Bogotá: José Ángel Mercader (batería) y Pepe Esteban (bajo).

Además, seremos testigos de un formato muy especial: la “entrevista boomerang”. Un cara a cara vibrante protagonizado por la presentadora Marta Flich, de la mano del redactor jefe de Ediciones de elDiario.es, Toño Fraguas.

El FIC es también un espacio para la reflexión. Volveremos a montar el ‘Rincón de Pensar’ en la plaza. En esta ocasión, la directora adjunta de elDiario.es, Neus Tomàs, nos invitará a debatir sobre los retos de nuestro tiempo junto a la jurista María Eugenia Rodríguez Palop y la politóloga Cristina Monge.

El guiño más irreverente y comprometido lo pondremos riéndonos sin censura con 'Chistes contra Franco'. Una afilada acción teatral con Darío Adanti, Eugenio Merino y una actriz invitada. Con este espectáculo recuperaremos los chistes populares que se contaban en la clandestinidad durante la dictadura; un acto de memoria disidente y un sentido homenaje a quienes se jugaron la libertad recurriendo al humor para desafiar al régimen.

No faltará a esta gran cita el escritor y comunicador Bob Pop, que se subirá al escenario para conquistarnos con su espectáculo 'De cuerpo presente', un monólogo brillante, tierno y mordaz en el que, acompañado por el bailarín Miquel Barcelona y Salvador Blanch a la guitarra, repasa su vida y nos invita a reír y reflexionar a partes iguales sobre la vulnerabilidad, los cuidados y la condición humana.

Los podcasts imprescindibles

El periodismo sonoro y la memoria tendrán un espacio muy destacado. La aclamada periodista y escritora Isabel Cadenas Cañón se subirá al escenario con su premiado podcast documental 'De eso no se habla'. Nos regalará un momento íntimo y sobrecogedor con la presentación en directo de 'Rocío', un episodio profundamente especial que rompe silencios históricos.

Y como un FIC no está completo sin nuestros clásicos, viviremos la fuerza del show en vivo de Carne Cruda y descubriremos los entresijos de la actualidad con la grabación en directo de nuestro premiado podcast 'Un tema Al día', dirigido por Juanlu Sánchez.

¡Y esto es solo el principio! Próximamente iremos desvelando nuevas sorpresas y personalidades que se sumarán a este cartel de lujo.

Recuerda que todas las actividades son totalmente gratuitas, pero si no puedes acompañarnos en Rivas, podrás vivir la experiencia en streaming a través de la web y las redes de elDiario.es.

Ventajas exclusivas para socias y socios

Si eres socia o socio y asistes al FIC 2026, podrás disfrutar de una serie de ventajas exclusivas, todas ellas posibles gracias a tu apoyo:

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Ya puedes visitar la web del FIC, en la que próximamente anunciaremos el programa completo y otras grandes figuras invitadas que se incorporarán al cartel.

La directora Escénica y Dramaturga Nuria Hernando se dio cuenta de que ella también era parte del problema del turismo masivo cuando tras querer escapar de su día a día tomó el vuelo más barato que partiera aquel día desde Bilbao aterrizó en Lisboa. “Allí alquilamos una vivienda turística en uno de los barrios más gentifricados e hicimos todo lo turístico. Hasta que cogiendo un autobús de línea una mujer nos gritó que otra vez iba a llegar tarde al trabajo por culpa de los turistas. Algo en mi cabeza hizo 'click' al darme cuenta de que aquello que me molestaba en mi ciudad, yo también lo estaba haciendo. Cuesta ver que al viajar también somos parte del problema”, explica a este periódico.

Con el objetivo de reflexionar sobre ello y tratar de darle una solución, que no pasa solo por lo individual, Hernando ha creado 'Free Tour-X', una obra de teatro relacional que convierte el Casco Viejo de cualquier ciudad en un escenario. Este sábado y domingo, 18 y 19 de abril Bilbao será el escenario de la obra. “El recorrido se ha creado tras una investigación exhaustiva acerca de las heridas del turismo masivo en la ciudad. Comienza como uno de tantos 'free tours' que parten de la Plaza del Teatro Arriaga y recorre las calles con ejemplos concretos: una zapatería histórica que ahora es un café de especialidad o una tienda de disfraces que ahora es una consigna para maletas”, detalla.

La obra ha sido desarrollada a través de residencias artísticas en Madrid (Esquina Nua), Pamplona (Teatrodix) y ahora recala en Bilbao, la ciudad de la dramaturga, con el programa de Artistas en Residencia de BilbaoEszena. “Es importante que la obra cuente con la participación de vecinos afectados y también de artistas y performers locales, en el caso de Bilbao a actriz Juana Lor o la artista Haizea F. Allika. Me parece más valioso que la ciudad la explique alguien que ha vivido su transformación de cerca y hable desde lo que le hace sentir esta situación”, reconoce Hernando.

Para participar, el público necesita llevar consigo un teléfono y auriculares. A través de una aplicación web, los asistentes reciben audios, vídeos e instrucciones que guían la experiencia. “En el caso de Bilbao, encontramos 60 viviendas de uso turístico en tan solo cuatro calles. Queremos utilizar el teatro relacional como un altavoz para contar qué ocurre con los habitantes de una ciudad cuando esta se convierte en un producto”, sostiene la creadora, cuya obra, a medio camino entre la performance y el teatro, presenta las limitaciones legales al turismo o las estrategias de resistencia vecinal contando con la participación de los habitantes de los barrios, que se han visto desplazados por la compra de edificios por parte de fondos de inversión o la proliferación de negocios orientados a los visitantes vacacionales.

El estreno se realizará en el marco del Festival BLV ART 2026 del Ayuntamiento de Bilbao, el sábado 18 a las 17:00h y el domingo 19 de abril a las 11:30h. Las entradas pueden adquirirse en la web Kultura Bilbao. Esta obra es la última producción de la compañía de teatro y danza emergente Perpetûa Vastarda. Se trata de una compañía de Artes Vivas creada por Nuria Hernando (Bilbao) y María Pizarro (Barakaldo) en el año 2024, con el objetivo de producir, investigar y promover espacios creativos híbridos. Su nombre es 'Free Tour-X' porque, con la aplicación web y el formato de teatro relacional se puede extrapolar a otras ciudades afectadas por la misma problemática. “Se trata de un problema que afecta a prácticamente todas las ciudades y, si desde las instituciones no se pone solución, no sabemos cómo podrá acabar”, reconoce Hernando, que sostiene que aunque la responsabilidad no sea únicamente individual, es importante realizar una reflexión sobre la situación que están viviendo las ciudades por el turismo masivo.

Seguramente usted fue uno de los miles de lectores que hace unos años leyeron Permagel (o Permafrost en su traducción al castellano), el fenómeno literario internacional que convirtió a su autora, Eva Baltasar, en una de las escritoras más interesantes de las letras catalanas. 

La novela es el retrato psicológico de una mujer lesbiana, inteligente y extremadamente lúcida, que atraviesa una compleja etapa de su vida adulta bajo una constante pulsión suicida. El permagel o permafrost del título hace referencia a cómo se siente: aislada de los sentimientos y las expectativas sociales, como rodeada de una espesa capa de hielo que la separa del mundo exterior y que nunca se derrite.

El hecho de que Baltasar hubiera dedicado gran parte de su obra anterior a la poesía, contribuye a que la prosa de Permagel sea precisa y finísima a la hora de describir los estados emocionales que atraviesa la protagonista. La novela habla del deseo, del sexo, de la familia, de la maternidad, de la muerte con honestidad y esa fría ironía de los que están desesperados.

Del papel al escenario

Ahora, la novela acaba de dar el salto al teatro de la mano de una de las directoras más interesantes del momento, Victoria Szpunberg, y con María Rodríguez Soto dando vida a la protagonista de la historia. La obra, que se titula también Permagel, se estrenó el pasado día 8 de abril en el Espai Texas de Barcelona, y las entradas se han vendido a una velocidad tal que se ha prorrogado hasta el 28 de junio.

La traducción a la escena de Permagel no era una tarea sencilla, se trata de una novela que transcurre básicamente en la mente de la protagonista. Por eso mismo, convertir ese flujo de pensamiento en acción escénica comportaba el riesgo de perder su esencia. 

De hecho, Szpunberg ha confesado que aceptó el reto casi a regañadientes: “Anna Rosa Cisquella y Sem Pons [responsables de Dagoll Dagom y Barc, coproductores de la pieza] fueron quienes me llamaron y me propusieron llevar al teatro Permagel. Hasta entonces, yo no conocía la obra de Eva Baltasar y tampoco he adaptado muchas novelas al teatro”, reconoce.

Todo cambió tras leer el libro. “El libro de Eva destila oralidad y poesía, con una voz protagonista tan irreverente como sensible y unas imágenes que son realmente muy tentadoras para la escena”, explica la directora. “La adaptación que hemos hecho con Albert Pijuan, si bien respeta el texto original, aporta una nueva estructura que pensamos que se adecua mejor al hecho teatral”.

Que todo cambie para que todo siga igual

Partir de una obra tan conocida por el público complicaba todavía más el reto. La adaptación no ha buscado trasladar la novela de manera literal, sino que ha consistido más bien en remontar la historia desde la lógica del teatro. 

La estructura cambia, el tiempo gana linealidad, pero se respeta el texto de la novela y su carácter fragmentario. No renuncia a su densidad ni a su profundidad, ni es en absoluto una lectura dramatizada. De alguna forma encuentra un punto intermedio en el que la actuación de Maria Rodríguez Soto es clave.

Y es que es imposible hablar de esta adaptación de Permagel sin resaltar el trabajo de Maria Rodríguez Soto, que se presenta en completa soledad frente al público con una intensidad máxima desde el momento en el que pone el pie en escena. 

La actriz, que muchos recordarán por Casa en flames (2024) o Los días que vendrán (2019) en el cine o Els criminals (TNC, 2024) o Una gossa en un descampat (Sala Beckett, 2018) en el teatro, despliega una capacidad sobresaliente para atravesar estados emocionales muy distintos sin perder la continuidad, pasando de la ironía a la vulnerabilidad, o de la desesperación al enfado de una forma tan orgánica que nunca resulta forzado ni sobreactuado.

Dentro de estos cambios de registro, el humor ocupa un lugar central. La ironía atraviesa todo el texto y la interpretación la utiliza para modular la intensidad del monólogo. Gracias a ella, la obra avanza y la dureza del relato se hace visible pero sin resultar asfixiante. La risa puede aparecer incluso en momentos en los que la dureza de lo que se está contando no la justificaría, lo que también contribuye a construir el contradictorio andamiaje sentimental de la protagonista.

Esa combinación es la clave del trabajo de Rodríguez Soto. Su energía sostiene la función. Los matices que introduce evitan que el texto caiga en el exceso. Y su capacidad para encarnar distintos personajes, modular la voz y transformar su cuerpo, convierten el monólogo en una experiencia muy rica.

Un espacio en blanco

El espacio en el que la actriz desarrolla su trabajo es completamente blanco y está casi vacío. Representa tanto una fría habitación de hospital, como la mente de la protagonista; el hielo que recubre su corazón o la cima del edificio desde el que fantasea con suicidarse. 

Una escenografía, creada por Paula Gómez Infante, discreta pero que funciona. Los elementos son los imprescindibles. Se desplazan, se reorganizan, generan nuevas formas y acompañan el recorrido del personaje, en ocasiones, literalmente.

Un espejo helado

Permagel plantea una cuestión que sigue plenamente de actualidad ocho años después de su lanzamiento como novela: la dificultad para habitar el mundo, la sensación de no encajar y la presión insoportable de algunos roles sociales.

En ese sentido, la obra sigue funcionando como espejo para muchas personas que, como la protagonista, tratan de resquebrajar ese hielo eterno que las mantiene separadas de la vida “normal”.

La obra no proporciona una respuesta clara ni reconfortante, ni pretende curar ni cerrar heridas. Se limita a exponerlas, a ponerlas en común, a hacerlas visibles en un espacio compartido. Y ahí el espacio teatral quizá sí que tiene una ventaja sobre la novela, el hecho de vivirlo en comunidad hace que este efecto se multiplique.

Dansa Valencia es la gran cita de la danza en España. Cuenta con un presupuesto de más de cuatrocientos mil euros, 37 espectáculos, más de cien programadores nacionales e internacionales, talleres, proyectos de mediación y extensiones del programa en las localidades afectadas por la DANA como Aldaia y Alfafar. Una actividad frenética durante toda una semana. Es, sin duda, uno de los festivales más veteranos del país y vuelve a estar bien vivo. 

Pero aparte de encuentros profesionales, programadores, plataformas y estrategias de comunicación, un festival es, ante todo, lo que se baila. Y al festival le ha costado arrancar. Se esperaba como agua de mayo el estreno de la compañía Led Silhouette que inauguraba el festival.  

Toda la plana mayor de la danza se dio cita en el Teatro Principal, incluidos los nuevos responsables del Ministerio de Cultura. Acudió el director general de Artes Escénicas del Ministerio de Cultura, Javier Monsalve Iglesias y el recién nombrado subdirector general de Danza, Franciso Villar. 

La compañía dirigida por Jon López y Martxel Rodríguez estrenaba Utimatum, una propuesta distópica, de estética cercana a La Veronal y que suponía un paso grande para esta compañía que pasaba a un formato más grande. Pero no se dio. La conjunción de un texto postapocalíptico con unas coreografías circulares y grupales no llegó a fusionarse en el lenguaje que esta compañía anda buscando. 

En los próximos días llegarán más propuestas, sobre todo ese obrón de Rocío Molina, Calentamiento, que seguro que hará temblar los cimientos del Principal. Las entradas para este espectáculo se agotaron al instante. Y el domingo retornará a Valencia María Muñoz con su compañía Malpelo, la valenciana junto a Pep Ramis presentan We, nosoltres i els temps, uno de los mejores espectáculos de los últimos años de esta compañía. Las entradas también se han agotado.

De temazo en temazo

Pero fue en la sala La Mutant donde el presente entró en el festival como un vendaval. Una jovencísima coreógrafa valenciana, Nuria Crespo, junto con 5 bailarinas de su generación —Marta Fernández, Esther Solé, Emma Romeu, Carlota Malo y María Gómez— fueron las artífices de un verdadero akelarre llamado Morphopop. 

Con una actitud pop engañosa, hijas de una cultura foránea, americana y mercantilizada, y de una época tecnologizada e intelectualmente despreciada, estas cinco jóvenes fueron atacando los conceptos de la composición y la coreografía tradicional. A ritmo del Shut up de los Black Eyed Peas, primero, y a lomos de Oops!... I Did it Again de Britney Spear después, sus cuerpos retaban al público con caras seductoras, con bailes expositivos, centrípetos. El espacio vacío, el público bien cerca, incluso pisando el mismo tapiz de danza. Y ellas desafiantes, hijas de su época, buscando con cada movimiento en sus cuerpos. 

Los hits caían uno detrás de otro, Bad Gyal, Rihanna, Destiny’s Child, Lady Gaga. Las letras repetían palabras como 'love', 'need', 'crazy', 'hit me' o 'hell' y las bailarinas, sin nunca componer, sin entrar en ningún estilo de danza, seguían en un baile extenuado buscando en sus cuerpos el amor, el fracaso, el dolor, la seducción y su vacío. Una búsqueda presente en cada mirada, en cada torsión de cadera con actitud. Una vorágine que se fue convirtiendo en pura investigación en vivo. 

Tenía que pasar. Valencia llevaba avisando tiempo. Antes fueron Sandra Gómez o Norberto Llopis. Nada surge de la nada. Pero desde hace unos años, a través de espacios como La Granja o La Mutant y de relaciones fructíferas con espacios de creación en Barcelona como La Caldera o El Graner, toda una generación de creadores de danza, muy jóvenes, de menos de treinta años venía empujando. Dando señales de que la cosa ha cambiado, de que están en otra. 

Los ejemplos valencianos son ya muchos. Julia Zac, Lucía Jaen, la gran mamarracha Julia Irango, Inca Romani, Javier Hedrosa, toda una generación que transita sin dificultad entre las danzas y las artes vivas, entre los visuales y la música experimental. Son lenguajes que llevan ya incorporados. Algo que se pudo constatar en Morphopop. El uso de la cámara en vivo a través del portátil, el musicón diseñado por el DJ Manel Ferrándiz o el sampleo de imágenes en directo realizado por Raúl León no arropaban la pieza, sino que era parte consustancial de la propuesta. 

En el proceso ha acompañado a la coreógrafa Nuria Crespo un veterano, Juan Carlos Lérida. También se nota su mano, su ojo externo que ha sabido comprender y aquilatar esos seis cuerpos tan disímiles, la disidencia de Esther Solé, la locura desenfrenada de Emma Romeu, la propia capacidad inusitada de Crespo. Lerida no pone focos, deja ser a cada una en su autonomía y su libertad, y eso es una maravilla. 

No hay narración alguna, no hay composición ni desarrollo, tan solo unos cuerpos despegando, arrancando, escrutándose. En un momento de la pieza se accionan unos ventiladores, el público nota el aire que desprende el espacio, comienza a sonar Daddy Yankee, “zúmbale mambo pa que mi gata prenda los motores”, los cuerpos siguen dándole, retando, torsionándose, pasando por encima de los espectadores. Unos están dentro, otros tuercen el gesto. Yankee grita “tú me debes algo y lo sabes” y ellas miran fijo al mismo tiempo que se interrogan hacia dentro. Un momento espectacular. Pero sin descanso sueña Pump it, otra vez los Black Eyes Peas con ese riff tarantiniano de Dick Dale. Pura vida sin inicio, sin pausa, en deriva. 

Al comienzo de la pieza hay una dedicatoria a la coreógrafa y pedagoga Amparo Ferrer, creadora del espacio Botanic Espai de Dansa, espacio donde se han formado la mayoría de las bailarinas en Valencia. Falleció hace dos años. Porque, aunque uno pueda pensar que este trabajo que emerge como referente de toda una generación levantina nace de la nada, todo tiene una historia. Esta otra danza también la tiene y, gracias a Dios, sigue viva.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro alcanza este año su 49ª edición consolidado como una de las grandes citas escénicas del país y un referente internacional en la difusión del teatro del Siglo de Oro.

La nueva edición contará con 50 espectáculos y se celebrará del 2 al 26 de julio. En esta ocasión propone un recorrido en torno al juego como metáfora del universo barroco, con una programación que combina tradición y vanguardia.

Durante la jornada inaugural del festival este año distinguirá al actor Pepe Viyuela con el Premio Corral de Comedias y la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz recibirá un homenaje.

Intérpretes como Ana Wagener, Secun de la Rosa, Mina El Hammani, Marta Poveda, David Lorente, Itziar Miranda, Lola Baldrich, Joaquín Notario y directores como Juan Mayorga, Rakel Camacho, Alberto Conejero, Rosa León o María Goiricelaya serán algunos de los protagonistas de la edición de este año, con Cervantes como el autor más representado.

Habrá 16 estrenos absolutos en los nueve espacios del certamen

La directora del festival, Irene Pardo, ha presentado este jueves en el Teatro de la Comedia una programación que invita a “jugar para encontrarse en el laberinto del barroco”, con 16 estrenos absolutos y tres en España que se representarán en los nueve espacios que integran el certamen.

El hilo conductor de esta edición se encuentra en el propio “redescubrimiento” del Corral de Comedias en 1952. El hallazgo de una baraja de cartas del siglo XVIII —tal vez abandonada por una compañía teatral en un contexto en el que el juego estaba prohibido— permitió identificar el lugar como espacio escénico.

La visita de Pepe Viyuela no será solo para recoger el premio pues junto a Rosa León protagonizará 'A quién contaré yo mis quejas', un concierto-recital a partir de romances en torno al amor.

Irene Pardo se ha emocionado al anunciar que el Premio Corral de Comedias lo recogerá un “cómico, un payaso entregado a hacernos reír”.

“Es un actor, payaso y poeta es una alegría enorme no sólo por lo muchísimo que ha hecho a lo largo de su trayectoria, sino también por cómo lo ha hecho, por la coherencia, por la honestidad, por esa manera de estar en el escenario y también fuera de él”.

La Compañía Nacional de Teatro Clásico abrirá el festival

La Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) será la encargada de abrir el festival con 'El caballero de Olmedo', que dirigirá por primera vez su directora artística Laila Ripoll.

Cogerá el testigo una nueva promoción de la Joven CNTC con 'El escondido y la tapada', una versión de Carolina África y dirigida por Beatriz Argüello.

Lope de Vega estará presente con 'La vengadora de las mujeres', que Alfonso Plou y María López Insausti acercan a las sufragistas del siglo XIX.

La 'Laurencia' de Alberto Conejero, interpretada por Ana Wagener, se adelanta a Manuela Barrero y su 'Bruja!' a través de la danza, un sentido contemporáneo de los grandes personajes femeninos del Siglo de Oro.

'Lope para todos. Lope de Vega y la CNTC: 40 años de sintonía' es la exposición que conmemora las cuatro décadas de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

El autor estrella de esta edición, Cervantes, llega de la mano de Rakel Camacho con 'Palabra de perro', la reimaginación de ‘El coloquio de los perros' escrito por Juan Mayorga.

Además, se subirán al escenario 'El trujamán entre Cervantes y Shakespeare'; y también 'El compuesto milagroso de Cervantes y Saavedra'; también se apunta 'Cautivas por Cervantes', protagonizado por Mina El Hammani. Y ya recuperadas las sesiones del cine al aire libre se progrma la película 'El cautivo', de Alejandro Amenábar.

La histórica compañía italiana de marionetas Carlo Colla & Figli traerá una versión de 'Don Chisciotte' inédita desde 1879; Julieta Soria se incorpora con las 'Quijotescas'. Y, dentro del certamen Barroco Infantil llega 'Al son de Cervantes'.

Títulos esenciales del Siglo de Oro como 'La dama boba', de Lope de Vega dirigida por Josep María Mestres; 'El lindo don Diego', de Agustín Moreto; 'Entre bobos anda el juego', de Rojas Zorrilla.

'L’Avare', de Molière, en versión del Théâtre de la Tempête, además de 'R&J', una vuelta de tuerca a 'Romeo y Julieta', de Shakespeare con la que María Goiricelaya busca el nuevo paradigma romántico del siglo XXI.

Los versos de Calderón, Lope y Quevedo se convierten en 'El noble arte del engaño', una pieza de Laura Ferrer y Arturo Martínez Vázquez. Ferrer es también una de las tres directoras de 'Fiesta', junto a Marta Poveda y Natalia Llorente.

Las colaboraciones internacionales se concentran en China con 'Written in sound', de la compañía Shanghai Opera Troupe y 'Romances. Entre Oriente y Occidente, con la que regresa Fahmi Alqhai con la Accademia del Piacere.

“Ahora que vivimos inmersos en algoritmos que anticipan lo que pensamos y en una inteligencia artificial que orienta cómo lo pensamos, el Festival propone algo distinto, un lugar donde sentir, jugar y cuestionar libremente como un espíritu más del Corral”, ha concluido su directora.

El segundo año de las residencias artísticas

El consejero de Educación, Cultura y Deportes de Castilla-La Mancha Amador Pastor ha destacado que, a lo largo de sus casi cinco décadas de trayectoria, el festival ha experimentado un crecimiento sostenido que se traduce en una mayor capacidad de atracción de público, un incremento de su impacto económico en el territorio y una consolidación de su proyección nacional e internacional.

Este crecimiento se refleja también en la diversificación de su programación y en la incorporación de nuevas iniciativas como las residencias artísticas, que celebran este año su segunda edición, según ha recordado.

La programación se completa con exposiciones, actividades formativas, cine, espectáculos de calle y proyectos de mediación cultural, así como con una oferta paralela vinculada a la gastronomía, la historia, la arquitectura y el patrimonio, que convierten el festival en “una experiencia cultural integral”.

Narrar a través de los tejidos, construir una historia con colores, texturas y movimiento. A través del diseño de vestuario, Pedro Moreno no solo ha obtenido reconocimientos como dos premios Goya o el Premio Nacional de Teatro, sino que ha construido los cimientos de una profesión que, en ocasiones, pasa desapercibida. Esta semana pasará por Toledo, invitado por el Museo El Greco coincidiendo con una exposición en la que la pintura y el teatro se dan la mano “en un diálogo compartido”.

Pedro Moreno (Madrid, 1942) nació en una época en las que las oportunidades ‘no colgaban de los árboles’. Él mismo la define como una “época complicada, marcada por la Guerra Civil y en plena Segunda Guerra Mundial”. Aunque nació en Madrid, se crio y vivió hasta los doce años en el pueblo segoviano de Riaza. “Los que provenimos de medios rurales vivíamos en una especie de burbuja, en la que de algún modo tratábamos de soñar un poquito, lo que se podía y lo que nos dejaban”, expone al recordar su infancia.

Pedro no tenía clara ninguna vocación cuando era pequeño. Él asegura que solo quería “ser mayor”. Sin embargo, a partir de visitar diferentes edificios eclesiásticos encontró allí “retablos, luces, incienso, elementos que eran magia” y que potenciarían su interés por el diseño. Moreno comenta que la única forma de poder disfrutar del cine o el teatro “era a partir de la Iglesia”, a la que recurrió como “escapatoria”, como una forma de acceder al arte. Por eso, él y once compañeros más ingresaron en el seminario para hacerse curas y tener al alcance a esa oferta cultural: “Yo solo duré tres meses allí”, explica.

Después tuvo diferentes trabajos como repartidor, antes de llegar a estudiar Bellas Artes: “Yo era pobre, mi familia no era rica y no podía acceder a ninguna carrera oficial, pero iba a la Escuela de Bellas Artes [Real Academia de Bellas Artes de San Fernando], donde había oportunidad de pintar con modelos gratis y luego modelos vivos, o ir al zoo a dibujar animales”, rememora.

El salto a la alta costura: “Fue un aprendizaje fantástico”

Moreno también trabajó como maestro en un centro de menores, pero en la década de 1960 “de pura casualidad” pasó a trabajar en el mundo de la moda, concretamente a las órdenes del modisto Elio Berhanyer. Recuerda que la moda en aquel entonces “era una cosa realmente elitista, inasumible para el 80% de los españoles” y que suponía “una especie de privilegio para una determinada clase social, pero para mí era un aprendizaje fantástico”.

Su contacto con la alta costura le llevó a aprender “acerca de la armonía de los colores, trabajar volúmenes para conseguir texturas, investigar el mundo de los tejidos, fue muy interesante”. Apunta que la construcción de un traje de alta costura era “casi como hacer una escultura”.

Pedro señala tener unos “estupendos recuerdos de todo aquello. La época en la que yo hacía alta costura ha desaparecido prácticamente”, expone, al mismo tiempo que indica que en la actualidad “todo es más democrático, la gente puede elegir sin saber si el color que les gusta es el que está de moda este año o el que le proponen las marcas. Hay mucha más libertad de elección sobre todo para las mujeres”.

Sin embargo, con el auge del movimiento prêt-à-porter -listo para llevar o ropa hecha a demanda y en serie-, Berhanyer le recomendó que se ‘mudase’ al mundo del teatro y la cinematografía.

A partir de ahí, Pedro Moreno comenzó a diseñar vestuario para películas, obras de teatro, ópera, zarzuela y otras modalidades culturales de las artes escénicas: “Para mí lo más interesante ha sido [diseñar para] el ballet, la danza, porque el mejor desfile para cualquier persona que haga moda sería un escenario, y que en lugar de modelos fueran artistas que bailan”, apunta y señala que los bailarines y las bailarinas eran su “máxima inspiración”.

El oficio de contar historias a través de la indumentaria

Para Pedro, convertirse en un buen figurinista, diseñador y vestuario y escenógrafo pasa por “conocer lo que estamos intentando contar, hay que aprenderse los textos y es un trabajo colectivo, de todos los implicados”. Aquí entra en juego que todas las personas y profesionales implicados, desde el director, el escenógrafo, el diseñador... “todos en definitiva tengan un acuerdo de opiniones”, aunque para él, “lo más importante es conocer los textos”.

Con respecto al teatro, Moreno explica que “tiene muchas más posibilidades” a la hora de variar el trabajo: “Una obra de teatro se ensaya y se estrena. A veces durante una temporada, hay obras que aguantan años, pero cada día los actores pueden modificar y perfeccionar”. Eso no ocurre en el cine “porque solo es una sola toma. Aunque se repita cinco veces, se elige una y lo que queda, queda”.

En su opinión, “el figurinista o el diseñador de vestuario es un narrador. Lo que hacemos es contar historias. Yo tengo que ayudar a que lo que el actor cuenta parezca verdad, y es una parte muy importante”.

Moreno recalca que en todas las propuestas siempre se parte de cero. “Es lo que me apasiona de la profesión. No sirven de nada los éxitos anteriores. Cada vez te la juegas, puede ser la primera y la última”.

El mundo de las artes escénicas, dice, “es un continuo ponerse de acuerdo, una suma de pareceres, tanto con los directores como con otros agentes” y el diseñador de vestuario “vale lo que vale tu última película o tu último éxito teatral”.

El figurinista o el diseñador de vestuario es un narrador. Lo que hacemos es contar historias. Yo tengo que ayudar a que lo que el actor cuenta parezca verdad, y es una parte muy importante

De esta manera, apunta también que el vestuario puede condicionar la actuación de un intérprete: “Es relevante un acuerdo. Si el actor se siente incómodo va a rechazar ese vestuario, pero si está convencido de qué forma parte de su personaje, pues lo acepta. Hay ocasiones en las que los intérpretes te piden más dificultad para superarlo”.

Otro de los retos del oficio es adaptarse al presupuesto de una determinada producción y tratar de buscar una verosimilitud. A pesar de ello, Pedro recuerda que cuando trabajó en El perro del hortelano, de Pilar Miró, tuvo que viajar hasta Italia para conseguir telas adecuadas para el diseño del vestuario por su forma y colores: “Las comedias son más ligeras, tiene que haber más luz y rapidez, más color, por eso me fui a Italia a buscar estas telas. En España había telas, pero lo que había eran cortinas, que pesan mucho, es imposible que el actor se mueva con ligereza”, explica.

Cómo ha cambiado la forma de trabajar y retos de la profesión

La forma de trabajar en la escenografía y el diseño ha cambiado, y también la implicación del propio diseñador de vestuario: “Mi trabajo aparte de dibujar era traducir los diseños en los talleres para la gente que corta y cose. Ahora, una de las modistas con las que he trabajado más tiempo me dice que la gente le lleva fotos de internet, y que cuando les pregunta sobre la tela utiliza o cómo lo quiere le dicen ‘tú sabrás’. [Para un diseñador] no es necesario saber coser, pero sí saber cómo se cose y de qué forman funcionan las telas”.

Actualmente, “muchas prendas se compran ya hechas” y también se alquila vestuario, por lo que considera que el oficio está evolucionando a consecuencia de una “penuria económica”: “En algunas óperas que tenían que ser barrocas como no hay dinero van con trajes normales de la calle”, señala.

A lo largo de su carrera durante varias décadas, Pedro Moreno ha obtenido dos Premios Goya a mejor diseño de vestuario -en 1997 por ‘El perro del hortelano’ de Pilar Miró, y por ‘Goya en Burdeos’ de Carlos Saura-, así como el Premio Nacional de Teatro (2015) y la Medalla de Oro de la Academia de Artes Escénicas de España (2021).

Los premios no son siempre del todo justos, porque no todo el mundo ve todas las películas o todas las obras de teatro, y los premios no los concede el público, sino profesionales de tu gremio

Pedro considera que el reconocimiento “siempre es algo raro y difícil” porque “depende de que tu nombre se asocie a algo que tiene calidad” y en ocasiones en diferentes carteleras “se omite el nombre del diseñador de vestuario y esto es un perjuicio para él”. No obstante, explica que “por suerte, aunque en el pasado ha habido un problema de representación de género, cada vez hay más mujeres que hacen vestuario, dirección, guion y ha sido una gran conquista” y que podemos decir que “la paridad está prácticamente igualada” en el sector.

Al igual que otros sectores, las artes escénicas la profesión de diseñador de vestuario se enfrenta al auge de la inteligencia artificial: “La gente tiene mucho miedo de que nos deje sin trabajo, pero no es cierto en absoluto. Es una herramienta que hay que utilizar, pero la IA no piensa”, apunta Moreno.

Sobre el futuro del oficio, el diseñador cree que sigue habiendo posibilidades, a pesar de las diferentes crisis que estamos atravesando. “En la década de los ochenta y los noventa o principios de los 2000 había muchas posibilidades a nivel cultural para todo, pero el poder siempre considera que la cultura es un lujo y ahora llega un momento donde hay precariedad y la gente prescinde de los lujos. Por suerte, la gente sigue llenando los teatros y los cines, pero falta financiación en los proyectos”.

En el camino de buscar salida laboral recuerda cómo muchos tuvieron que emigrar. “Hay bastante gente que se ha tenido que ir a trabajar a Estados Unidos porque aquí no les daban oportunidades y cuando han salido fuera realmente se lo han reconocido y han tenido ocasión de degustar la calidad de su trabajo”.

“La censura no existía en la moda, pero sí en el arte”

El diseñador describe que en España “siempre hubo censura, no en la moda, ni en la época de la dictadura, pero sí en el teatro, en la literatura y en casi todas las cuestiones artísticas”, a pesar de que en la actualidad “hemos gozado de mucha libertad de acción”.

Recuerda que donde más censura sintió en lo artístico fue en Los Ángeles en 2019, durante la preparación de la ópera ‘Un gato montés’ junto a Plácido Domingo, donde aparecían toreros y picadores: “Los toreros llevan trajes ajustados, donde se les marca el paquete, y me dijeron que allí no, que nada de eso, ni transparencias ni paquetes”, explica.

Moreno detalla que el grupo que le contrató estaba vinculado con la productora Disney, “que está controlada por hispanos católicos y que tienen sus normas” y resalta que, a veces, la censura no existe porque la marquen las leyes, sino determinadas personas o lobbies. “Te censura la gente que dice esto sí o esto no”.

Apunta que en la actualidad la censura sigue existiendo, también en España: “[En 2023] me enteré de que Ana Belén quería hacer una función en Jaén y resulta que la prohíben porque es Ana Belén, ¿qué pasa? ¿Qué es como el enemigo terrorista?”, apunta.

Sin embargo, recalca que “hay algo mucho peor que es la autocensura, cuando hay gente que no hace cosas por si acaso no la llaman más. El miedo es la peor censura para uno mismo, miedo a no trabajar y a no poder vivir de tu trabajo”.

Hay gente que no hace cosas por si acaso no la llaman más. El miedo es la peor censura para uno mismo, miedo a no trabajar y a no poder vivir de tu trabajo

Pedro recuerda que tuvo que exiliarse a París en multitud de ocasiones porque la policía le perseguía durante la dictadura franquista: “No era por la moda ni por el teatro, sino por meterme en líos políticos, asistir a reuniones que no estaban permitidas, hablaba de cosas que no se podían hablar y tuve que irme a Francia porque me buscaban”, expone.

Si mira al panorama actual señala con preocupación ciertas corrientes sociales que están surgiendo. “Hay gente que está pidiendo que esa historia vuelva de nuevo. Es la que dice que entonces se vivía mejor. Claro que había gente que vivía mejor y son los que siguen viviendo mejor ahora (…) y pretenden que involucionemos, y eso es un peligro enorme”.

Hay gente que está pidiendo que esa historia vuelva -la dictadura- de nuevo. Es la que dice que entonces se vivía mejor. Claro que había gente que vivía mejor y son los que siguen viviendo mejor ahora (…) y pretenden que involucionemos, y eso es un peligro enorme

Este 16 de abril, a las 17.30 horas, el diseñador estará en Toledo para participar en una ponencia en el Museo del Greco. Esta institución cultural cuenta con piezas artísticas de distintas épocas y procedencias en el pasado, pertenecientes a su fundador, el marqués de la Vega-Inclán que recreó la casa y el taller del pintor griego al reformarla.

Ahora, la exposición ‘Otro escenario. El teatro al encuentro del Greco’, cuenta entre sus piezas con uno de los diseños que Pedro Moreno creó para la adaptación teatral de Ángel Fernández Montesinos en 2003 de Don Juan Tenorio. El diseñador ofrece una conferencia sobre su trabajo a raíz del hallazgo de los diseños originales de Salvador Dalí que sirvieron para la versión de Luis Escobar de 1949.

“Fue un caso muy excepcional porque tuve que repetir los dibujos de Dalí y era muy complicado”, explica. Realizó una incursión en la obra del gran artista del Surrealismo, todo un reto para “intentar saber, interpretar para introducirlo en un tejido y que luego se lo pueda poner un actor”. Fue un estudio que define como “muy intenso” pero con el que aprendió “muchísimo”: “Volvería a hacerlo cien veces para corregir algún defecto, hacerlo de otra manera, profundizar mucho más en su mundo surrealista”, explica.

Por suerte, aunque en el pasado ha habido un problema de representación de género, cada vez hay más mujeres que hacen vestuario, dirección, guion y ha sido una gran conquista

A pesar de ello, considera importante que en obras de teatro, el diseñador tenga en cuenta “lo que ha ocurrido antes, no solo lo que sale en escena. Por ejemplo si alguien viene de viaje, aunque no se detalle en el diálogo, pero que el vestuario lo cuente, por ejemplo si viene de lejos que lleve los zapatos desgastados o que lleve una maleta, pues forma parte del relato”.

Ese trabajo minucioso de documentación le ha llevado a Moreno a obtener varios premios por sus creaciones artísticas. No obstante, apunta que “los premios no son siempre del todo justos, porque no todo el mundo ve todas las películas o todas las obras de teatro, y los premios no los concede el público, sino profesionales de tu gremio. Es una muestra de la gente que te quiere y no siempre te premia porque tu trabajo sea el mejor, sino simplemente porque te quiere”.

La cuarta edición de Malasaña a Escena, un barrio de teatro regresa este jueves al barrio con un extenso programa gratuito de funciones, microteatros, monólogos, talleres y otros eventos. La iniciativa, fruto de la unión entre vecinos y salas independientes de la zona, acercará el teatro por cuarto año consecutivo al corazón de Madrid del 16 al 26 de abril.

Después de su primera edición, celebrada en 2023, y otras dos con las que terminó de consolidarse en 2024 y 2025, el festival regresa con nuevos espacios y grupos teatrales hasta el 26 de abril. Este año se cuela en 10 espacios del barrio, entre los que se encuentran el Teatro IES Lope de Vega , la EMAD , el Bar Tatiana y El garaje del actor. También abrirán sus puertas el Teatro La Madrilera , la Escuela Superior de Canto , el Museo de Historia de Madrid y la Casa del Cura. Completan este circuito cultural el IES Cardenal Cisneros y los espacios dedicados a la formación y el microteatro: La Integra Teatro y la Escuela Blanca Oteyza.

La programación incluye talleres formativos impartidos por profesionales de las artes escénicas, actuaciones de asociaciones culturales y representaciones de compañías profesionales y amateurs que transformarán las calles de Malasaña en un teatro al aire libre. Teatros, comercios, escuelas y plazas serán el escenario de todas las actividades que se plantean durante el festival, manteniendo el objetivo con el que surgió esta iniciativa: hacer partícipes de cada paso a los vecinos del barrio. En total, la programación cuenta con 37 propuestas teatrales diferentes en las que participarán 20 compañías y colectivos artísticos.

El pistoletazo de salida lo darán este jueves La valentía de Clap Clap Teatro y el clásico Sueño de una noche de verano. A lo largo de diez días, compañías como Las insumisas, Aristas Teatro o Kore Teatro tomarán las tablas con géneros que van desde el drama contemporáneo hasta el microteatro.

Habrá una importante presencia del teatro social con propuestas como El muro en el Museo de Historia y talleres abiertos en la Casa del Cura. También música en directo, destacando el concierto de Emma y Jesús en el Bar Tatiana y el Concierto encanto de Hemiolia Espectáculos para cerrar el evento. Además, habrá un maratón de microteatro durante el último fin de semana a cargo de La Integra Teatro, que ofrecerá pases constantes de obras breves como El cuadro o Risas enlatadas.

El Festival, impulsado por la asociación cultural Esto es Pez, nació en 2023 con el propósito de “fortalecer el tejido vecinal”, creando un “punto de encuentro” entre sus habitantes y quienes participan regularmente en el ámbito escénico, ya sea de manera profesional o aficionada. En este sentido, el evento pretende poner también en valor las salas y escuelas del barrio, facilitando su visibilidad e invitando a la ciudadanía a descubrir el teatro en su entorno más cercano y a integrarlo en su vida cotidiana.

La mayoría de actividades son de acceso gratuito, excepto algunas que requieren entrada con precios que oscilan entre los diez y los doce euros. Puedes consultar el precio y acceder a la venta de entradas a través de este enlace.

A continuación, detallamos el programa completo de Malasaña a Escena 2026 (puede consultar la versión más actualizada en este enlace):

Jueves, 16 de abril

Viernes, 17 de abril

Sábado, 18 de abril

Domingo, 19 de abril

Lunes, 20 de abril

Martes, 21 de abril

Miércoles, 22 de abril

Jueves, 23 de abril

Viernes, 24 de abril

Sábado, 25 de abril

Domingo, 26 de abril

La actriz, directora y dramaturga Mabel del Pozo (Logroño, 1975) ha sido reconocida con el Galardón de las Artes y la Cultura de La Rioja 2026. Con esta concesión, se convierte en la tercera mujer en recibir este reconocimiento desde su creación en 1998, tras la documentalista Micaela Pérez (2021) y la pintora Rosa Castellot (2022). El comité de valoración, presidido por el consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, ratificó esta decisión, destacando la solidez de una carrera articulada en torno al teatro y su aportación sostenida al panorama cultural riojano. La entrega del reconocimiento tendrá lugar en el acto institucional del Día de La Rioja.

El acta de entrega del galardón destaca especialmente una vocación temprana que comenzó a materializarse en el grupo riojano La Garnacha, donde inició su actividad escénica con apenas once años. Ese primer contacto con la escena en el ámbito amateur de la comunidad marcó el inicio de un itinerario profesional que ha mantenido siempre un vínculo activo con su tierra natal.

Licenciada en Filología Hispánica por la Universidad de La Rioja, completó su formación interpretativa en espacios de referencia del teatro contemporáneo español, como el entorno del Laboratorio de William Layton y la escuela de Cristina Rota, y profundizó durante más de una década en su preparación junto a Fernando Piernas. Esta formación especializada ha sustentado una trayectoria amplia y diversa.

Su recorrido como intérprete incluye montajes de repertorio clásico y dramaturgia contemporánea, entre ellos ‘Doña Rosita la soltera’, ‘El curioso incidente del perro a medianoche’, ‘Trainspotting’, ‘Famélica’, ‘La máquina de abrazar’, ‘Las horas vacías’, ‘Camino al zoo’ y ‘Sfogato’, consolidando una presencia constante en circuitos teatrales de exigencia artística. En el ámbito internacional, recibió en Estados Unidos el premio Helen Hayes por su labor en ‘Yerma’, reconocimiento que avala la proyección exterior de su trabajo escénico.

A esta dimensión interpretativa se suma su trabajo como creadora y directora en propuestas propias como ‘Recordis’, ‘Calígula debe morir’ y ‘Hace frío en Moscú’, que refuerzan una concepción del teatro como espacio de memoria, reflexión y comunidad.

Su compromiso con la cultura riojana se ha concretado de forma especialmente significativa desde 2019 al frente de la dirección de la Crónica Najerense, uno de los espectáculos históricos más relevantes de la región. Su nombramiento supuso un hito al convertirse en la primera mujer en asumir esta responsabilidad, etapa en la que ha incorporado nuevas miradas escénicas manteniendo la esencia identitaria del proyecto.

Además, ha mantenido colaboraciones con creadores riojanos, como su participación en 2025 en el cortometraje ‘Marciano García’, dirigido por el realizador Luis Arrojo.

Su actividad profesional se extiende también al cine y la televisión con intervenciones en producciones como ‘Antidisturbios’, ‘HIT’, ‘Acacias 38’, ‘White Lines’, ‘Cerdita’ o ‘Las leyes de la frontera’ o ‘Yo soy Nevenka’, en una conexión total con el tejido escénico y audiovisual contemporáneo.

El Galardón de las Artes y la Cultura Riojanas, instituido en 1998, ha distinguido a lo largo de casi tres décadas a referentes de disciplinas como la escultura, la pintura, la arquitectura, la música, el cine, la fotografía, la interpretación o la dramaturgia. Desde el primer reconocimiento concedido al escultor Vicente Ochoa, el premio ha recaído en creadores como el guionista Rafael Azcona, el músico Pablo Sáinz Villegas, el director teatral Vicente Cuadrado, el actor Javier Cámara o el dramaturgo Bernardo Sánchez, entre otros nombres que han proyectado la identidad cultural riojana dentro y fuera de la comunidad.

La concesión del galardón ha sido respaldada por un comité formado por Carlos Fuentes (Fundación Cajarioja), Andrea Ruiz (Fundación Ibercaja), Vicente Cuadrado (La Garnacha Teatro), Sonia Oliveira (Aescena), Félix Abel de la Cruz (FC35), los jefes de los servicios de Promoción Cultural y de Patrimonio Histórico, el gerente del Instituto de Estudios Riojanos, el director general de Cultura Roberto Iturriaga y el consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor.

Con esta concesión, el Ejecutivo autonómico reconoce una carrera artística construida desde La Rioja y en diálogo permanente con su entorno cultural, caracterizada por la continuidad, la versatilidad y el compromiso con la identidad colectiva.

El Teatro Bretón vuelve una semana más con una programación para todos los gustos en la que encontramos flamenco en la tarde del jueves, teatro el viernes y circo el sábado 18 de abril.

El artista Israel Galván llega al teatro municipal de Logroño el jueves 16 de abril, a las 20:00 horas, para poner sobre el escenario su espectáculo ‘La edad de oro’. “El bailaor de los bailaores” celebra el 20 aniversario de este clásico de su repertorio renovando el programa con la voz de María Marín y Rafael Rodríguez a la guitarra.

Galván es uno de los artistas más innovadores y reconocidos del flamenco contemporáneo. Hijo de bailaores, se hizo con el Premio Nacional de Danza en 2005 y desde entonces se ha mostrado vanguardista, reconstruyendo un baile flamenco moderno usando sólo los materiales que hasta hace muy poco eran herramientas exclusivas de los flamencos. El espectáculo se estima que dura en torno a una hora y el precio de las butacas varía entre los 12 y los 20 euros.

El viernes 17, a las 20:00 horas, el Teatro Bretón cambia de tercio y recibe en sus tablas ‘La Barraca’ una obra de Vicente Blasco Ibáñez adaptada por primera vez al teatro por Marta Torres y dirigida por Magüi Mira.

Se trata de una historia que conmociona por la actualidad de sus personajes y de sus conflictos y que está incluida en el Club de lectura ‘Crear Letras’. Cuenta el rechazo al que se ve sometida la familia de Batiste Borrull al instalarse en una barraca y en unas tierras de la huerta valenciana de las que fue desahuciada por impago otra familia que vivió y trabajó en ellas durante varias generaciones. La obra dura en torno a 90 minutos y el precio de las entradas oscila entre los 9 y los 23 euros.

Y para conmemorar el Día Mundial del Circo, que se celebra el tercer sábado del mes de abril, llega el espectáculo circense Sustrai, de la compañía ZirKuSS. Será el 18 de abril a las 20:00 horas. SUSTRAI es un espectáculo de circo de vanguardia de gran formato. Cuenta la unión de muchas situaciones vividas, por los y las intérpretes de la obra, e hiladas a través de los encuentros con una artista plástica. Durante algo más de una hora, el espectador podrá disfrutar y emocionarse con la destreza, valentía y singularidad de sus acróbatas.

Las entradas de todos los eventos están disponibles para su compra en la taquilla, a través del teléfono habitual y en la web teatrobreton.org

La VII edición de Santander Escénica ofrecerá 19 experiencias artísticas para conectar con el teatro y la danza de la ciudad de abril a junio.

La programación del ciclo se ha presentado este lunes en Enclave Pronillo, sede de la Fundación Santander Creativa (FSC), por la concejala de Cultura del Ayuntamiento de Santander, Noemí Méndez, la directora de la FSC, Almudena Díaz, la creadora de la imagen gráfica, Nikolina Radulovic; y varios representantes de las compañías participantes.

Santander Escénica es una de las iniciativas que forman parte de las propuestas propias de la FSC y como en anteriores ocasiones, cuenta con una subvención de la Consejería de Cultura del Gobierno de Cantabria y con la colaboración de una red de espacios públicos que acogen los espectáculos.

Este año, el ciclo llegará a las instalaciones del Centro Cívico Juan de Santander, el Centro Cívico Tabacalera, el Paraninfo de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP) y el Paraninfo de la Magdalena.

Las piezas de este año no han sido programadas en ninguna de las dos últimas ediciones del ciclo y fueron seleccionadas, por primera vez, por una comisión de profesionales del sector que valoró la calidad artística, la diversidad de lenguajes, la adecuación presupuestaria y las necesidades de producción de cada trabajo presentado.

Como novedad, las invitaciones estarán disponibles siete días antes de cada actuación. Así, las entradas para asistir al primer espectáculo del ciclo, programado el lunes 20 de abril, se pueden reservar -desde hoy- a través de Eventbrite (santandercreativa.eventbrite.com) y llamando al 942 34 07 63.

El ciclo mantiene la esencia de otras ediciones: ofrecer a la ciudadanía una amplia muestra del talento y el trabajo de las compañías locales profesionales viajando entre la comedia y la tragedia, conectando con el arte de la magia y el mimo; y adentrándose en el lenguaje de la danza contemporánea, el clown y el teatro musical.

Un circuito diverso que se extenderá durante las próximas semanas y que siempre exhibirá las propuestas en lunes, martes y miércoles. En concreto, se podrán ver 16 piezas pensadas para público adulto a las 19 horas y tres para público familiar a las 18 horas.

El ciclo comenzará el lunes 20 de abril a las 19 horas en el Centro Cívico Juan de Santander con la compañía Ruth Garreta y su espectáculo 'Oumuamua 2.0', una comedia pensada para público adulto y juvenil que apuesta por el clown.

El martes 21 de abril, también a las 19 horas en Juan de Santander, La Machina Teatro compartirá con el público 'Ecos en el fango', una obra para espectadores a partir de 12 años que explora la violencia machista en el ámbito familiar.

Al día siguiente, a las 18 horas, el ciclo se trasladará a Tabacalera con la propuesta para público familiar (a partir de 2 años) que llevará a escena El Café de las Artes Teatro titulada 'El inolvidable viaje de Nana'.

El Centro Cívico Juan de Santander recibirá de nuevo las propuestas de este circuito el lunes 27 de abril a las 19 horas gracias a la compañía Rita Cofiño Producciones Escénicas y la pieza '25 vacas', de la dramaturga cántabra Maije Guerrero, para público adulto.

Edy Ansejo & Co mostrará el martes 28 de abril a las 19 horas en el Paraninfo de la UIMP, 'Cucarachas', un thriller psicológico de alta intensidad dramática que indaga en la culpa, el poder y la identidad a través de un duelo interpretativo sostenido entre dos personajes. A partir de 16 años.

La programación de abril finalizará el miércoles 29 a las 19 horas en el Paraninfo de La Magdalena con 'WoooW', de Nando Caneca, una pieza para público general que mezcla circo, magia, teatro e improvisación.

El lunes 4 de mayo a las 19 horas, el ciclo recalará de nuevo en el Paraninfo de la UIMP con el espectáculo 'Atra bilis' de la compañía Hilo Producciones, que presenta una comedia negra, feroz, brillante y dinámica dirigida a espectadores a partir de 15 años.

Quásar Teatro se instalará el martes 5 de mayo a las 19 horas en el Centro Cívico Juan de Santander para compartir con el público adulto 'La maladie de la mort', una novela corta de la dramaturga y directora de cine francés Marguerite Duras publicada en la colección erótica La sonrisa vertical.

El miércoles 6 de mayo a las 19 horas, Espacio Espiral exhibirá en el Paraninfo de la UIMP 'Leyenda, dirigida a espectadores a partir de 12 años, inspirada en los textos de la obra 'Así que pasen cinco años' del poeta Federico García Lorca.

El público familiar (a partir de 3 años) podrá ver el lunes 11 de mayo a las 18 horas en el Paraninfo de La Magdalena 'El dragón, la princesa y el caballero por sorpresa. La leyenda del Culebre', de Arte en Escena. Un espectáculo ágil y divertido que nos devuelve a los “títeres de cachiporra”.

Al día siguiente, el martes 12 de mayo a las 19 horas, el ciclo regresará a la UIMP con 'Antígona Lex', de The Santa Rosa Co., una propuesta contemporánea basada en el clásico de Sófocles.

El miércoles 13 de mayo a las 19 horas en el Paraninfo de la Magdalena, Yolanda G. Sobrado presentará 'Vientos del sur', una pieza para público adulto sobre la fuerza del flamenco, la diversidad de sus ritmos y la musicalidad en directo.

La tercera de las propuestas dirigidas a público familiar (en concreto a partir de 2 años) podrá verse el lunes 18 de mayo a las 18 horas también en el Paraninfo de la Magdalena gracias a Escena Miriñaque y su espectáculo de danza-teatro 'En la casita Klimt'.

El martes 19 de mayo a las 19 horas en el Paraninfo de la UIMP llegará el turno de la compañía José Piris & Mimox Teatro y 'Más allá de las palabras', un espectáculo de teatro gestual que combina el arte del mimo moderno, el juego del clown y el juglar contemporáneo.

El miércoles 20 de mayo a las 19 horas y también en la UIMP, la compañía Babirusa Danza bailará 'El vacío que llena“' un solo de danza contemporánea pensado para público adulto.

Adrián Alonso Producciones mostrará el martes 26 de mayo a las 19 horas en el Centro Cívico Juan de Santander su nuevo trabajo, 'Bárbara, el musical', una adaptación de la comedia musical de la directora Mar Galera, inspirada en la obra teatral 'Las criadas' de Jean Genet.

La compañía Delinfame presentará el miércoles 27 de mayo a las 19 horas en el Paraninfo de la UIMP su obra 'Remanso de paz', una comedia basada en hechos reales que plantea un mundo actual sin raíz, un mundo que ha perdido el anclaje con la tierra.

En junio, el lunes día 1 a las 19 horas, el público podrá ver en Tabacalera 'La decadencia', de Rebeca García y Jaime Peña (JPEGr), un solo de danza de 45 minutos de duración que intenta trasladar el cuerpo a un contexto político o, por el contrario, llevar el contexto político al cuerpo.

Por último, el martes 2 de junio a las 19 horas en el Centro Cívico Juan de Santander, Trueba & Trueba exhibirá 'Macho', una experiencia teatral participativa que a través de recuerdos íntimos, humor incómodo y momentos de participación directa de los asistentes desmonta el mito del “macho alfa”.

Hace cuatro años Sato Díaz, periodista de Público y actor, pidió a Cristina Fallarás que le escribiera un monólogo sobre la figura del aliado. Después de más de dos años de escritura Fallarás entregó el texto. En él, la periodista, escritora y activista feminista decide meterse en todos los charcos: “Me he metido en todos los que he podido”, confiesa. La señalización en redes, las diferencias entre las feministas viejas y jóvenes, el mundo del periodismo y sus popes, la existencia de una verdadera cancelación… El texto no tiene desperdicio.

El encargo era claro: escribir un monólogo sobre un hombre de izquierdas que se define como feminista, “un tipo que conocemos bien todas”, apunta Fallarás quien ha creado un personaje que es un periodista conocido de la televisión acusado de abusos sexuales. Antes de que lo echen o antes de aguantar el chaparrón, decide irse. “Cuando lo escribí el tema estaba un poco virgen, todavía no habían sucedido los casos mediáticos en España”, explica Fallarás.

La periodista afirma que fue un proceso de escritura difícil, que no quería caer en lo “facilón” de ridiculizar al macho, “y eso que tenemos muchas cartas en esa baraja”, apunta. Al describirlo Fallarás dice: “No es un youtuber, no es un mierda, no es un cerdo, o no solo es un cerdo. El personaje tiene sus flancos queribles, o por lo menos comprensibles. No quería vengarme del macho violento a través de una obra”, aclara.

Cuéntalo

Fallarás explica que se basó en los muchos testimonios que durante los últimos años ha ido recogiendo a través de diferentes hashtags como #cuéntalo y el movimiento de recopilación testimonial anónima. “Me costó mucho meterme en la piel del personaje, fue una escritura lenta”, confiesa.

El monólogo La diatriba del perro, que se estrena este domingo 12 de abril en el Teatro del Barrio de Madrid (y se podrá ver también los días 18, 25 y 26 de este mes), está interpretado por Sato Díaz y dirigido por Rubén Romero. El montaje, cuenta Díaz, recorre códigos teatrales distintos, “hay un pequeño juego de máscaras, se juega con el audiovisual, se pasa por la conferencia motivacional”. “Se trata de ir jugando y acercándolo al personaje” explica el actor.

En el texto se hace referencia, bajo seudónimos o acrósticos, a figuras bien conocidas del periodismo. “En mi obra los personajes tienen nombres reales, a estas alturas me da igual. La compañía, sin embargo, ha preferido hacerlo así, cosa que respeto, como otros cambios o cortes del texto que han realizado, respeto total”, afirma Fallarás.

El espectador tendrá que estar atento a ese morbo nominal si quiere, pero el texto contiene muchos más alicientes. Fallarás no se arredra en meterse en terrenos pantanosos y controvertidos, tan comentados entre amigos pero que tan pocas veces vemos encima de un escenario. Los que vienen son algunos de ellos.

Hombres perro

Una de las tesis principales de la obra es la participación activa de los hombres en los procesos de cancelación. “Revisé varios casos antiguos sobre cómo reacciona la sociedad ante un hombre señalado por cualquier tipo de asunto ligado con lo sexual o similar. Y me di cuenta de que las mujeres no ejercemos la crueldad ahí, hay una especie de compasión de género. Sin embargo, los hombres sí la ejercen. La cancelación y señalamiento social en las redes y en los medios es un ejercicio macho”, explica Fallarás.

El delito

Uno de los casos antiguos en los que el personaje se mira es un caso donde la persona señalada no ha cometido delito, sino que es expuesto por hábitos sexuales que la sociedad reprueba como la prostitución y la sodomía. Al preguntarle a la periodista por esta diferencia, Fallarás dije tajante: “A mí la idea del delito no me interesa. Desde cierta mirada feminista la idea del delito la hemos superado un poco. El delito es algo que han decidido los hombres que sea delito, yo no puedo mirar desde lo punible, no debo. Vivo manejando violencias y la mitad de ellas no son punibles”.

La periodista también quiere señalar que para la obra le interesaba comparar esos dos casos porque la diana a la que apuntaba era la vulnerabilidad en el hombre. “Cuando rechazamos la posibilidad de ser vulnerado renunciamos a legislar y, por lo tanto, a hablar de delito. Es decir, si un macho no puede ser violado, porque eso no va a ser admitido por ellos, 'a los hombres no se les viola', no hay nada que legislar y ahí caes en la trampa brutal que acaba por disfrazar lo que claramente es un delito con otras ideas como, por ejemplo, el honor”, zanja.

Desproporción y cancelación

Uno de los aspectos más interesantes del texto es que aunque el personaje utilice un lenguaje machista y desagradable no es ningún tonto. “No quería retratar a un idiota, es un hombre culto y capaz”, señala Fallarás. El personaje denuncia la injusticia ante las consecuencias de unos actos que hasta hace no tanto eran, dice él, costumbre. “Es algo que en hombres de mi generación es muy común, el personaje tiene sus razones y las expone, y yo recojo esas reflexiones”, argumenta Fallarás.

Fallarás sí concede que hay una desproporción en el señalamiento: “Pero ahí vuelvo a la crueldad del macho, son ellos los que hacen sangre”, afirma. En la pieza de manera repetitiva el personaje se revuelve contra sus semejantes, acusándolos de que son ellos quienes lo han crucificado. En un momento del texto —al cual accedió este periódico— el personaje dice sobre un tuit que provocó la viralización de su caso: “Juanito Sánchez Iribarren… Ay, hijo de la gran perra. Qué listo, ¿verdad? Qué valiente debiste de sentirte al señalarme. Cabeza de manada, vanguardia animal. Qué gracioso debió de parecerte aquel tuit: '¿No queríais aliados? Pues ahí tenéis aliados. De nada'”.

Pero Fallarás pone en duda el mismo concepto de cancelación: “Tampoco es cierto que a los hombres se les cancele, hay quien ha acabado en la cárcel porque tenía que estar en la cárcel, como Weinstein. Y luego hay un montón de hombrecillos que han cometido delitos y agresiones sexuales, Plácido Domingo y compañía, que han dicho que eran otros tiempos y se han ido de rositas. La idea de la cancelación es una idea que pongo muy en duda. A quien se cancela es a la mujer y a quien le destrozan la vida es a la mujer”, asevera.

Periodismo

En otro momento de la obra el personaje afirma: “Era mentira que fueran a salir todos los nombres de los agresores 'conocidos' (…) Les bastó con un periodista, un cantante y un director de cine”. Fallarás explica que escogió el mundo del periodismo porque es el que más conoce. Al preguntarle si en las redacciones ha disminuido la toxicidad machista, reacciona inmediatamente: “Las relaciones interpersonales siguen siendo violentísimas, por eso hace tiempo que decidí dejar las redacciones. Se rigen por unas dinámicas brutales y machistas que no tolero. Llegó un momento que no me era posible aguantar la violencia constante, explícita y macho”, afirma con contundencia.

Al preguntarle si cree que en otros ámbitos de la sociedad sí ha habido cambios Fallarás dice que no tantos, aunque señala que en el mundo del cine sí ha habido un movimiento asociativo que ha elaborado protocolos de actuación y denuncia, “pero en el periodismo esto no ha calado, seguimos en el siglo XX, por no haber no hay ni comités de empresa”, señala. Luego apunta que los relatos de la cultura machista no han llegado por los medios, sino por las redes, “unas redes que ahora los medios dicen que son dominadas por machos violentos de extrema derecha, cosa que no es cierta como bien han demostrado las mujeres”.

Una visión sobre la profesión crítica pero también amarga. “Qué se puede esperar de una profesión que en sus primeros cuarenta años de vida democrática hizo que Franco siguiera enterrado con honras de Estado, que el Rey siguiera en su trono robando, que las fosas estuvieran sin exhumar y la Iglesia Católica sin admitir sus violaciones. Todo eso es una construcción del periodismo, un periodismo que va muy por detrás de la sociedad, cuando nos echamos las manos a la cabeza porque los menores de 40 años no se informan a través de los medios, yo siempre pienso pero, ¿de qué se van a informar?, ¿qué les has dado tú más allá de falsedades?”.

Las viejas rockeras del feminismo

En la obra el personaje habla de Ana y Laura, viejas feministas con las que se codeaba. Con ellas sí se podía hablar, no cundía el drama como con las jóvenes. Cuando el personaje es señalado sus amigas desaparecen. “Me interesaba la percepción que tiene un hombre de las que ya somos viejas y, por lo tanto, podemos ser amigas. Cuando un hombre quiere ser aliado y llamarse feminista no se suele acercar a los movimientos de las jóvenes, sino a las que ya somos bastante mayores”, explica Fallarás.

Es una parte que estuvo a punto de quitar: “Era una parte jodida para mí, pero que he mantenido por honestidad, no colaba que estuviese con jovencitas, las jóvenes son más duras, sin embargo, nosotras sí tenemos unas relaciones diferentes con ellos”.

No puede acusarse a esta periodista de haberse acobardado en su primer texto para el teatro. El texto concita innumerables controversias, pero también la capacidad de nombrar y definir. Valga una buena descripción de aliado: “Nos ponemos la funda de macho. Sobre la funda de macho, yo me puse una funda de hembra. Sobre la funda de hembra que hay sobre la funda de macho, alguien te pone la capucha que te conduce al cadalso. Debajo, un ser humano tiembla. Yo mismo”.

Paco Paricio tiene muy claro que un títere no es solo un muñeco. El títere es un objeto de juego intergeneracional, que “coge vida al moverlo” y que, en ocasiones, se convierte en “objeto mediador, mejor que la palabra”. Es la máscara al actor. Un ser inanimado, a priori, pero que se convierte en todo un medio de comunicación. El títere es también protagonista en Abizanda. 

En este pequeño pueblo oscense de menos de 200 habitantes se alzó hace ya dos décadas La Casa de los Títeres, un refugio para la cultura en plena comarca del Sobrarbe, en el Pirineo aragonés. La Casa de los Títeres es, en realidad, la unión de tres casas de pueblo: casa Simona, casa Lecina y casa Maza. Rescatadas de la ruina, se han restaurado transformándose en un teatro, un museo y una residencia de artistas. “Nos parecía en principio una utopía, pero teníamos mucha ilusión. Hemos viajado por todo el mundo y siempre decíamos que nos gustaría tener un teatro donde poder hacer nuestras funciones, que viniera el público a vernos. Luego, acoger todo el material que tenemos precisamente de los viajes, los títeres y los grabados, y poderlo mostrar”, relata Pilar Amorós.

Amorós y Paricio son los creadores de este hogar teatral pirenaico así como los fundadores, directores y miembros de Los Titiriteros de Binéfar. Una compañía que lleva en activo desde hace 50 años y que, por ende, no requiere de mucha presentación. Aunque por entonces ser titiritero estaba visto “como un trauma para nuestros padres”, como explica Paricio, ellos han sido los compañeros de viaje de miles de infancias en el mundo. En la actualidad, son 12 los integrantes de la agrupación, a los que se suman entre seis y siete colaboradores. 

Decenas de países visitados con sus espectáculos, libros —como su último ejemplar 'Juegos y recursos del titiritero'—, discos con más de 170 canciones versionadas (algunas son propias) y, por supuesto, más de 50 obras de teatro, destinadas a un público familiar que no infantil. “Ver reír a padres, abuelos y niños es fantástico. Intentamos que los espectáculos siempre sean para todos los públicos y que no se queden solo en el teatro; sino que, al salir, les quede un poso con el que luego hablar”, detalla Amorós. Por todo ello, no es de extrañar que en el año 2009 fueran galardonados con el Premio Nacional de Teatro para la infancia y la juventud gracias a 'El hombre cigüeña'.

Más allá del teatro

En el interior de casa Simona se encuentra el teatro de este 'hogar titiritero'. Esta sala tiene un aforo de 100 personas y cuenta con gallinero —que no el de aves—, sino ese “conjunto de localidades en la parte más alta”, que define la RAE. Siendo los meses de julio y agosto los más intensos, el escenario acoge actuaciones en festivos y puentes como San Jorge, Todos los Santos o estos días de Semana Santa.

Cabe destacar que no solo actúan los veteranos titiriteros, sino que otros grupos teatrales internacionales se hacen eco entre sus bambalinas, y no solo en este género: “No somos muy fanáticos de que la programación tenga que ser de títeres. Siempre nos gusta que haya de todo, que sea multidisciplinar en todos los sentidos”, indica Amorós.

A casa Simona se suma su museo de títeres, grabados y pinturas teatrales de casa Lecina. Un museo manipulativo con piezas traídas de Francia, Inglaterra, India, China, Vietnam, Brasil, Ucrania… que muchas han sido obtenidas de mercadillos o rastros. De hecho, en sus espectáculos también utilizan este tipo de material, aunque en su mayoría los fabrican y diseñan ellos. Madera, cartón y tela; esas son sus materias primas, pero como advierte Paricio: “Para nosotros es importante los títeres, pero todavía es más importante la historia que vamos a contar y por qué la vamos a contar”.

La tercera es casa Maza, el alojamiento artístico. Además de brindar techo a los artistas que trabajan en La Casa de los Títeres, es refugio de residencias artísticas. Es decir, elencos que huyen del mundanal ruido, buscando un lugar de trabajo inspirativo: “Es un espacio para la creación estupendo: tiene el teatro, una sala de ensayo, alojamiento y, sobre todo, la tranquilidad, el relax… Ese binomio de naturaleza y teatro es muy importante, muy interesante y muy agradable”, declara Amorós. 

Abizanda y los títeres

“Desde siempre, todos los vecinos nos han acogido muy bien. Ellos sienten que es una casa más, un espacio más del pueblo”, analiza Amorós. Así, cada puente de Todos los Santos, la falsa de casa Maza es el escenario de una actividad muy especial. Es el final de una actuación, que culmina con música, vino, dulces preparados por las mujeres abizandinas y memoria. “El año pasado fue muy emocionante porque trajeron fotos de sus padres, de sus abuelos, de cuando se casaron…”.

Y es que la música siempre está presente en los shows de Los Titiriteros de Binéfar. Es una de sus señas de identidad, que ha ido cambiando durante estas décadas: “Hemos evolucionado. Estábamos en el folclore puro y duro, con gaitas y dulzainas, y ahora vamos poniendo algo de electrónica”, agrega Paricio.

Pero si hay algo que es inherente a ellos, como se señalaba al inicio de este texto, es el títere. El títere que ya es emblema de este pueblo de Sobrarbe. Ese objeto para jugar y mediar, pero que también parece cobrar vida propia: “Cuando el títere, no voy a decir protagonista, es personaje de la historia; es lo que yo llamaría teatro de títeres”, sentencia Paricio.

Próximas actuaciones

Con un precio de 10 euros por entrada, La Casa de los Títeres ha acogido estos días varias actuaciones: ‘Niña Jaguar’ de la compañía brasileña Mosaico Cultural, un espectáculo de clown titulado 'A comer…!' de Cía Patri Coronas y Monopájaroverde Circus Company, así como 'El jardín de la alegría' de los propios Titiriteros de Binéfar. Esta última obra protagonizada por la propia Amorós y acompañada por el músico Quiri Aquilué, está inspirada en la cultura tradicional, pero con un aire renovado: “Lo que monto es un jardín con recuerdos, con objetos, con canciones, con mi memoria. La comparto con todos y con el músico que me ayuda efectivamente a ponerla en valor”, aclara la titiritera.

La libertad de un director para adaptar los textos de otros autores debe ser total. Es más, poco sentido tiene el teatro que se quiere arqueológico. Primero, porque es misión imposible. No hay vasijas que recuperar y siempre es ilusorio creerse que uno está viendo aquello que fue. En teatro solo existe el presente. Y segundo, porque la búsqueda de revivir el pasado es simplemente eso, una veleidad romántica o una actividad evasiva. Ernesto Caballero ha llevado a escenaTras el ensayo, y lo ha hecho con esa voluntad de meterle mano, de acercar la creación que realizó Ingmar Bergman en 1984 para la televisión sueca. El resultado es agridulce.

Bergman dejaría el cine —aunque luego dirigiría un buen puñado de películas para televisión— en 1982 con esa bestialidad llamada Fanny y Alexander que incluso doblegó a los americanos y se llevó cuatro premios Oscar. Una película que justo termina con la abuela de Alexander leyendo una nueva pieza de teatro que ha llegado a sus manos, El sueño de August Strindberg. Alexander, trasiego de un joven Bergman de tan solo doce años, escucha adormilado en sus rodillas. Así se despidió del cine después de casi cuarenta años de carrera. Al mismo tiempo, Bergman estaba escribiendo esta película para la televisión (Efter repenitionen, se titula en el original) que estrenaría en el 84 y en el que su alter ego (Erland Josephson) interpreta a un director afamado y ya mayor, Vogler, que está dirigiendo esa misma pieza de Strindberg. 

La trama ocurre tras un ensayo al “calor especial, íntimo, alentado por los rescoldos de recientes intensidades emocionales” del espacio ya vacío. Allí llegará Anna, joven actriz, hija de una antigua amante y también actriz del director, Rachel, que murió presa de un proceso de alcohol y autodestrucción. La película es una declaración de amor del sueco al teatro y a los actores. 

Ernesto Caballero comienza la obra con toda una declaración de intenciones. En vez de comenzar con ese aire bergmaniano de ensueño decide realizar un ejercicio de metateatralidad tan de moda en el teatro actual. Vogler (Emilio Tomé) comienza con una acertada cita del libro de memorias del director sueco, Linterna mágica. Ese momento en el que con doce años descubre la magia del teatro justamente viendo entre cajas un montaje de El sueño. Pero luego, para situar la acción, dice que está pensando en una nueva obra, exactamente la que vamos a ver. 

La idea es buena, pertinente, incluso su ejecución quiere realizarse al modo del Veronese de Un Hombre que se ahoga o como ya hiciera antes Louis Malle en esa enorme película titulada Vania en la Calle 42, donde se pasa de una supuesta realidad a la representación de la pieza de manera orgánica, sin que uno note cuando el actor entra en personaje. No ocurre esa magia en el montaje. Lo representativo está demasiado presente, desde el propio Vogler hasta la entrada en tromba de Rachel (Lucía Quintana), esa actriz ya muerta, que en vez de como espectro entra un tanto desaforada y con una demasiado remarcada botella de licor entre manos.

Las dos actrices, la propia Quintana, y la joven Elisa Hipólito, que interpreta a Anna, son ambas hijas de actores, de Juan Antonio Quintana y de Carlos Hipólito. Llevan en la sangre la misma herencia que sus personajes. Ahí la obra entra en uno de sus centros neurálgicos: los entresijos emocionales de la vida interna del teatro, de sus actores y directores con sus miedos, sus manipulaciones y su entrega. 

Aquí la obra remonta a través de las reflexiones sobre lo teatral, sobre el actor o sobre el papel de dirigir. Qué bonitas son esas palabras de Bergman cuando dice: “Un director debe aprender dos cosas. Primero, a escuchar. Y segundo, a mantener la boca cerrada. Los actores son artistas creativos, pero no siempre saben expresarse con palabras. Hay que escucharlos, tener paciencia y esperar. No puedes destrozar sus ideas solo porque, de entrada, suenen confusas o inciertas”. Qué lejos está esa visión de la del director autoritario que hoy, lamentablemente, sigue existiendo. 

Alguien podría argüir que el reparto es demasiado joven. Que Emilio Tomé no tiene edad para representar el declive de Erland Josephson, ni Lucía Quintana es la gran Ingrid Trulin. Elisa Hipólito, sin embargo, si está en la edad del papel de otra grande, Lena Maria Jonna Olin. Pero todo esto es seguir en la comparación estéril. Los tres actores son bien capaces de asentarse cada uno en su papel. Más enérgico Tomé, pero con la suficiente distancia. Más dramática Quintana, pero con fuerza; y misteriosa y seductora Elisa Hipólito que acomete su primer trabajo puramente teatral con solvencia. 

La obra se estructura en tres actos, primero el encuentro con Anna. Segundo la aparición del espectro de Rachel que se hace carne en los recuerdos del director. Y tercero, la segunda acometida de Anna donde el director cae seducido, incapaz de no caer en brazos de una vida que ve florecer ante sus ojos.

Caballero da una presencia mayor, más autónoma, al papel de ambas mujeres, sobre todo a Rachel para quien añade un epílogo. Pero no todo funciona. Primero hay una escena para la galería que no se sabe bien qué añade y en la que Caballero hace a Lucía Quintana interpretar un pequeño texto de Gritos y Susurros bajo focos bien rojos, aquello de “el dolor no se va nunca”. 

Y, segundo, si bien es imposible la transposición del lenguaje del cine al teatro, Caballero no llega a dominar la mirada, el punto de vista. Y en los diálogos entre el director y las actrices convierte en ciertos momentos el asunto en escenas dramáticas para el lucimiento interpretativo de las actrices que cogerán un mayor peso, sí, pero que terminan dislocando el punto de eje. 

La película de Bergman puede leerse toda ella como un sueño, como el sueño de un director en ese espacio vacío donde se dejó la vida, incluso el sueco tiene la maestría de cuando entra Rachel en escena dejar a Anna presente, sentada y con los ojos cerrados, apoyando así ese momento fantasmal donde recuerdo y realidad se juntan. 

Ernesto Caballero tiene los arrestos de intentar no ser canónico con uno de los más grandes, y si bien no naufraga tampoco consigue enriquecer en demasía esta pieza

Caballero, sin embargo, opta por las entradas y salidas de las actrices, por una versión más dramática y 'teatral'. Y si bien es capaz de trasladar la riqueza de ese mundo interior del teatro que Bergman puso en los diálogos, pierde esa otra dimensión especular. Algo que llega a cierto delirio en el epílogo con música de Abba (¿será porque son suecos?).  

Este director y autor madrileño tiene una de las carreras más largas de la escena. Una carrera sorprendente, capaz de lo mejor y lo peor. Sin remontarse muy lejos valgan los ejemplos de su montaje sobre Ortega, un desatino; y su más reciente La Gramática con María Adánez, una muy reseñable comedia llena de saber teatral. 

Aquí, en este montaje propuesto por el director del Teatro Español, Eduardo Vasco, Caballero tiene los arrestos de intentar no ser canónico con uno de los más grandes, y si bien no naufraga tampoco consigue enriquecer en demasía esta pieza televisiva que en Europa (aquí la montó Emilio Gutiérrez Caba en 2017) se hace con asiduidad en los teatros. En 2012, por ejemplo, recorrió toda Europa un montaje de Ivo van Hove en programa doble junto a una versión teatral de Persona. Qué pena que no pudiéramos verla. 

Cómo hacer a Bergman hoy en día, esa una de las preguntas que plantea este montaje. La propuesta de Caballero da alguna pista, otras las hemos ido encontrando por el camino como aquel diálogo final de Angélica Liddell ante el ataúd del sueco en DÄMON. El funeral de Bergman. Y otras las indica el propio Bergman como en su despedida del cine, en Fanny y Alexander, cuando Elena (Gunn Wållgren) lee aquellas palabras con las que comienza El sueño de Strindberg, aquellas que dicen: “Todo puede ser, todo es posible e inusitado. El tiempo y el espacio no existen, sobre una débil trama de realidades la imaginación teje y modela nuevas formas…”.

La localidad albaceteña de Chinchilla de Montearagón se prepara un año más para acoger una nueva edición de su Festival de Teatro Clásico. La de 2026 será una edición muy especial, ya que el certamen, que se celebrará del 19 al 28 de junio, celebrará su treinta aniversario.

De esta forma, el festival amplía su duración hasta las diez jornadas, incrementando también el número de representaciones hasta un total de 12. Incluye un espectáculo de calle, la presencia de El Brujo y de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, la actuación de la primera promoción de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla-La Mancha y un estreno absoluto.

El Claustro de Santo Domingo acogerá todas las representaciones a las 22:30 horas, arrancando el 19 de junio con ‘Las voces de Cervantes’, de la compañía Silvia Nogales, en una jornada inaugural en la que se dan la mano la música, la pintura y el teatro.

Un día más tarde tendrá lugar el espectáculo de calle, ‘Quimera’ de La Fam Teatre, con la Plaza de la Mancha como escenario a partir de las 21 horas y totalmente gratuito. Ya en el horario habitual de las 22:30 horas, y este mismo día, se ha programado la representación ‘Promesa incumplida’, a cargo de la primera promoción de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla-La Mancha, y el 21 de junio llegará uno de los grandes hitos de esta edición con el estreno absoluto de ‘La Saeta del Quijote’, de Antonio Campos.

En orden cronológico, y con una actuación por jornada, el 22 de junio será el turno del Rafael Álvarez ‘El Brujo’, que pondrá en escena ‘Volar con los pies en el suelo’, al que sucederá ‘El avaro’ de Molière a cargo de la compañía Atalaya; ‘La dama boba’ de la compañía Octubre Producciones; ‘Macbeth’, interpretada por Teatro Clásico de Sevilla; ‘El Buscón’ de Antonio Campos para público familiar; ‘La hoguera de las maravillas’ de Producciones Teatrales Viridiana; y ‘Fabra’, una propuesta de la Compañía Nacional de Teatro Clásico junto a la compañía Lucas Escobedo, que incluye circo. Para poner el broche final a este Festival, ya el día 28 de junio, con ‘La venganza de don Mendo’ de la compañía El Perro Producciones.

Precios y abonos

Los precios de los espectáculos varían entre 9 y 25 euros, y la venta de abonos (130 euros) dará comienzo el 27 de abril hasta el 15 de mayo en el Teatro Circo, en la Oficina de Turismo de Chinchilla y de forma online. Pudiéndose adquirir las entradas genéricas a partir del 18 de mayo y hasta completar aforo (320 butacas por función).

Hablamos con Nao Albet (Barcelona, 1990) y Marcel Borràs (Olot, 1989) el día en que todo comienza a materializarse. Por fin hoy pasan al escenario grande del Teatre Lliure, ya están montando la escenografía y podrán oír a la orquesta del Liceu y a los cantantes juntos. “Es un subidón, después de dos años, dos años enteros de curro, ahora comenzamos a ver las piezas juntas”, confiesa Albet a este periódico. 

El estreno de esta producción, auspiciada por el Teatro Real, será el 15 de este mes en el Teatre Lliure, coproductor catalán junto al Liceu. La ópera, ya en junio, llegará a los Teatros del Canal de Madrid con la Joven Orquesta Nacional de España. 

Ocho actores, cinco cantantes de ópera, ocho especialistas, la Formació orquestral del Gran Teatre del Liceu, música de Fernando Velázquez, escenografía de Max Gaenzel, vestuario de Delagneau y luces de Andreu Fabregas. Una gran producción, a medio camino entre la ópera y el teatro, para la que estos dos creadores de teatro se han centrado en la figura del estunmen, los especialistas del cine.

Se esperan grandes piruetas, explosiones y toda la retranca pop y gamberra de estos dos creadores conocidos por trabajos como Atraco, paliza y muerte en Agbanäspach o Mammón. Aun así, el giro no deja de sorprender. 

¿Por qué una ópera?

Nao Albet: Era un reto. Marcel y yo tenemos una norma no escrita: siempre que empezamos un proyecto, intentar hacer algo que no sepamos. Luego al final tiramos de cosas que sabemos, pero la premisa es alejarnos de lo conocido. 

Marcel Borràs: Además, muchos directores que nos molan han dado ese salto y a nivel formal han podido plantear poéticas diferentes. Me acuerdo de una ópera de Rodrigo García en Alemania en la que sacaba un coche con cuatro ruedas gigantes, de esos de los shows americanos de los Monstercars. Aparecía el coche con una cantante encima cantando, destrozando otros coches y generando un terror que el teatro no permite. También creo que la desconexión entre la ficción y la parte musical al final te induce a hacer propuestas más formales y estéticas.

N.A: Creo que tiene que ver con el concepto de lo sublime. El código de la ópera es tan fuerte, te aleja tanto de la realidad, que te induce a llevar lo formal al extremo para llegar a esa sublimación a través del artificio. 

M.B: Por ejemplo, las propuestas formales de Romeo Castellucci toman incluso más sentido en sus óperas, parecería en un punto que todo lo que hizo en el teatro era una preparación para que lo que luego ha podido hacer en la ópera. 

¿Por qué una ópera sobre los especialistas en el cine, los estunmen?

M.B: Por un lado, porque nos fascinaba la esencia de su curro, el especialista es alguien que pone su vida en riesgo para recrear una ficción, es algo de medio zumbaos. Pero desde otra perspectiva, muy rápido vimos que también había algo que tenía que ver con la figura del héroe. Y juntamos esos dos mundos. E inmediatamente nos comenzamos a preguntar también no solo por la tradición del héroe en la historia, sino en nuestra tradición más íntima, ¿cuáles eran nuestros referentes? ¿Por qué nos mola tanto las películas de los noventa llenas de violencia? ¿Por qué en nuestras obras de teatro siempre hay pistolas, peleas? ¿De dónde nace esa pulsión?

¿Y qué razones os habéis dado para explicar esa fascinación? 

N.A: Hay una reflexión que aparece en el espectáculo que me parece bonita que dice algo así como que el propio narrador, no ya el espectador, se excita cuando habla de violencia y el motivo es porque en última instancia eso le lleva a una reflexión existencialista de ver que uno no es nada y que la vida se te puede ir de las manos en cualquier momento.

M.B: Y en el espectador pasa otro tanto, la distancia que permite la ficción produce ese encantamiento. Estás como seguro en la butaca y te puedes reír o disfrutar de un dolor que sabes que no te está pasando a ti, pero, en cambio, sabes, de un modo profundo e inconsciente, que tiene que ver contigo. Y ahí se crea una pulsión que también está llena de cierto morbo. Es espectacular la cantidad de entradas en internet sobre la violencia. Una amiga mía hizo una tesis doctoral sobre la cantidad de vídeos y de material de violencia que hay en Internet y supera con creces las que hay de porno.

¿Qué pelis os han marcado?

N.A: Bueno, a nosotros ahora ya nos da un poco de vergüenza porque es muy mainstream y además ahora ha parecido que es un gran capullo, pero Tarantino fue un gran referente cuando lo descubrimos con 13 años. Aunque ahora está hecho un capullo con sus críticas a actores y su posición respecto a Israel…

M.B: Al final es la representación del cínico. En la obra también indagamos sobre esa figura del cínico, sobre cómo tienes que ser para poder hablar de la violencia desde el disfrute, que es al final lo que hace él. Es algo que hemos hecho nosotros también y que en este espectáculo nos ha pasado. Cuando Nao y yo veíamos a los especialistas coreografiar una pelea super bien hecha nos mirábamos super excitados. 

N.A: También somos fans de gente que habla de la violencia de manera quizá un poquito más intelectual, quizá no tan espectacular, como Michael Haneke o Pier Paolo Pasolini. Pero es verdad que de adolescentes la pulsión, la fascinación hacia este tipo de cine de acción estaba. Luego también está Oldboy de Pak Chan-wook, que nos marcó muchísimo.

Habláis del especialista de cine como héroe, pero también el especialista está condenado en cierto modo al anonimato, a que no se le vea ni la cara, ¿no?

N.A: Cierto, y dándole vueltas a eso llegamos a una conclusión que queríamos poner al estunmen en el centro y al cantante, que es el protagonista en la ópera, en segundo plano. Los momentos más épicos están protagonizados por los estunmen y quien le pone la voz lírica, es decir los cantantes, están en segundo plano, en sombra.

M.B: Al final los únicos que tienen voz e interpelan directamente al espectador son los especialistas. Incluso nosotros dos, que interpretamos a unos pseudo poetas clásicos, no hablamos con el público. La cuarta pared solo la rompen ellos.

Y ese segundo plano de los cantantes ¿no ha herido alguna susceptibilidad en un mundo tan particular cómo es la ópera?

N.A: A nosotros ya nos había llegado eso y estábamos un poco “cagaos”, pero luego ha sido muy fácil. Creo que también tiene que ver con las generaciones. No contamos con ninguna vieja gloria.

M.B: Ha sido un gustazo trabajar con ellos. También creo que es un proyecto muy concreto. Y han entendido que no son los protas de la historia. Son una parte imprescindible, muy importante, pero han aprendido a estar en la sombra. Y al final es super bonito, es maravilloso el trabajo que hacen desde ahí, yo no puedo dejar de mirarles todo el rato. 

Los dos personajes que interpretáis vosotros, ¿qué papel juegan dentro de la trama? 

M.B: Son dos tipos que la protagonista ha ido a buscar para que la ayuden y se convierten en dos deus ex-máquina que van acompañando a la protagonista durante todo el relato y reflexionan sobre lo que ocurre en escena...

N.A: Son el master of puppets que va guiando a la protagonista y decidiendo el porvenir de la historia.

M.B: Son alter egos nuestros, pero que acaban teniendo su propio viaje... 

N.A: También se les cae la ficha. Cuando empiezan están muy seguros, pero a medida que van intentando contar la historia también se ponen en crisis, terminan peor de lo que han empezado.

A parte de vosotros, los cantantes y los estunmen, en escena también está una de las grandes actrices y performers de teatro catalán, Nuria Lloansi, ¿qué papel juega?

N.A: Nuria es Evangelina, la protagonista. Es la excusa para hacer todo este viaje, ese despliegue de la tradición del héroe. El hijo de Evangelina fallece de manera trágica y entonces ella comienza un viaje para entender por qué su hijo se vio sumido en esa tragedia. Un viaje parecido al del héroe. Evangelina se va encontrando con diferentes personajes, los estunmen, que le dan pistas o poderes como la astucia, la fuerza o el valor.

M.B: Los estunmen tienen un papel que es casi sacro. Intentan ayudar a esta madre a entender algo muy profundo y doloroso. Son los héroes del mundo contemporáneo.

N.A: Queríamos aprovechar la excusa de que estábamos haciendo una ópera para intentar escribir una tragedia más canónica para luego darle la vuelta al estilo “Nao Marcel”: fumárnoslo todo, arrugarlo y reinventarlo para así poder hacer lo que nos diese la gana. 

¿Cómo habéis manejado el código más musical?

M.B: El canto lírico está muy alejado de la verdad teatral que nosotros solemos trabajar. Es casi un artefacto que te puede expulsar. Al principio optamos por que el canto fuese en otro idioma, utilizar subtitulado y así distanciarlo para poder vincularte mejor. Pero en un momento nos dijimos, “qué coño, vamos a escribirla en catalán”. 

N.A: Y la traduciremos al castellano cuando vayamos a Madrid. La idea es hacerlo en la lengua común de la ciudad donde estemos para que el espectador no se vea obligado a leer subtítulos, aunque estará subtitulado porque sabemos que es complejo a veces escuchar las letras cantadas. 

Habéis contado con Fernando Velázquez para la dirección musical. Un compositor de orquesta que también es conocido por sus bandas sonoras en cine (El orfanato) y sus incursiones en teatro (El Golem), ¿cómo ha sido esa colaboración?

M.B: Fernando entró muy al principio del proyecto. Era perfecto porque también entendía perfectamente el código del cine. Además, ha sido muy generoso y nos ha dejado contribuir, proponer referentes e ideas.

N.A: Lo más difícil ha sido que entendiera la voluntad iconoclasta del proyecto, la voluntad de cambiar continuamente de códigos, estilos y tonos. Una línea en la que Marcel seguimos siempre, somos los reyes de “ahora una de tal y ahora una de cual”. Pero al final lo convencimos de que esa locura era posible, que tenía su lógica, su coherencia. 

Se esperan grandes explosiones y momentos espectaculares…

N.A: No podemos contar, pero los habrá. Hemos contado con la participación de In Extremis, que es una escuela y una empresa que hacen efectos especiales. Gracias a ellos hemos podido levantar esta producción tan ambiciosa porque los vuelos y las explosiones sin ellos hubieran sido imposible. 

M.B: La ambición era hacer un show de PortAventura, muy testosterónico y reflexionar desde ahí. 

En la anterior obra, De Nao Albet y Marcel Borràs, jugabais con la idea de vuestra separación, nada que ver, ¿no?

N.A: Es curioso que incluso la gente que nos conoce mucho, aun así, nos siga creyendo. Ya deberíais haber entendido que no te fíes de Nau y Marcel. ¡Era todo una puta mentira! 

M.B: A mí me gusta insistir más en que era un momento real que atravesamos y que partió de toda una serie de temas que nos atravesaban y que nos siguen atravesando. Conste.

''Bárbara, el musical' llegará este sábado, 11 de abril, al Palacio de Festivales de Cantabria en una única función que tendrá lugar a las 19.30 horas en la sala Pereda, con una duración de 100 minutos con descanso.

Esta obra musical de la productora de Adrián Alonso, versionada por él mismo junto a Ana Conde y codirigida por el propio Alonso y Mar Galera, es una adaptación de la comedia musical del mismo nombre de Galera, inspirada en la obra teatral 'Las criadas' de Jean Genet.

La protagonista es una periodista televisiva que ha sido la reina de las mañanas durante los últimos 20 años. Todo cambia cuando Clara y Sole, sus dos becarias, deciden que quieren dejar de llevar cafés, pasar llamadas de teléfono y recoger los trajes de la tintorería porque ellas quieren triunfar en la televisión y vivir el sueño de ser las protagonistas de la parrilla.

'Bárbara' es una crítica a los programas sensacionalistas y 'reality shows' que han formado parte de la cultura popular en los últimos años. El espectáculo cuenta con tres actrices en escena -Begoña Agüero, Nuria Gedack y Rocío Riego- acompañadas del cuerpo de baile Dantea, formado por seis bailarinas.

Por su parte, Adrián Alonso es un productor, director de teatro y cine, licenciado en arte dramático en la especialidad de Interpretación Musical y becado para estudiar en la escuela de teatro americano 'Rose Bruford College' de Londres. Director residente de 'SEQUINS & FEATHERS' para Royal Caribean, ha trabajado en montajes en España, Londres, Estados Unidos, Francia, China y Japón. En 2022 fundó su propia compañía, especializada en teatro musical con 'REconectando, el musical' (2023-actualidad). Además, fue actor-creador de la gira internacional 'Un intento valiente' de Trueba y Trueba (2022-Actualidad).

Desde 2021 es director artístico de la gala de clausura del Festival Internacional de Cine de Piélagos, donde ha participado también como actor y presentador. Desde ese año es profesor de la Escuela de Cine y TV de Cantabria.

Por otro lado, Mar Galera, licenciada en Arte Dramático en la especialidad de teatro musical, es actriz, productora, directora y docente. Como actriz ha sido protagonista de 'Esas 6 cosas del querer', 'Fly, el hombre pájaro', 'Cena para dos', 'La llamada de Lauren', 'Pareja abierta', 'Noviazgo, boda y divorcio', 'Divorciadas, evangélicas y vegetarianas', 'A solas', 'La hija de la generala', 'Mía' o 'Juana', actualmente programada en Teatro Arlequín (Madrid) y en gira nacional.

Ha dirigido 'Juegos moriscos Aben Humeya', 'Políticamente incorrecto', 'Cuadros de amor y humor al fresco', 'Dinero B', 'Pares y Nines' y 'El flechazo', entre otros. Desde 2017 dirige su propia productora teatral 2 Galeras Producciones, con expansión nacional e internacional.

Lo que es evidente es que el Gran Teatro vive una crisis silenciosa que está empobreciendo la vida cultural de la ciudad. Uno de los momentos más intensos de la última temporada fue la llegada de José Sacristán con Señora de rojo sobre fondo gris. Más allá del prestigio del actor o del texto de Delibes, lo que aquella noche devolvió a Cáceres fue la sensación de estar ante un teatro vivo, capaz de convocar emoción y pensamiento.

Sacristán ofreció una interpretación llena de matices y silencios, sostenida por esa ternura lúcida —la misma que Alfredo Sanzol ha convertido en seña de identidad— que permite mirar el dolor sin estridencias y encontrar humanidad incluso en la grieta. Fue una de esas veladas en las que el teatro se vuelve íntimo, casi respirable. Y, precisamente por eso, dolió comprobar hasta qué punto lo excepcional ha sustituido lo que antes era habitual.

El Gran Teatro no es un edificio cualquiera: es el principal escenario de la provincia y un referente histórico de Extremadura. Pero desde hace tres años, su programación parece haber entrado en una fase de amnesia. Lo que antes era una cita fija en el calendario cultural de muchos cacereños y cacereñas se ha convertido en una rareza.

Quienes antes encontraban en la butaca un hábito, un refugio o un punto de encuentro, hoy miran hacia Madrid con resignación, asumiendo un exilio cultural que cuesta tiempo, dinero y energía. No es una percepción subjetiva, ojo, basta revisar la hemeroteca para comprobar que lo que hoy se vive como excepción fue durante años la norma.

Cuando Cáceres formaba parte del mapa teatral

No hace tanto, Cáceres estaba integrada en el circuito teatral de grandes producciones nacionales. Obras de enorme relevancia artística recalaban aquí con naturalidad: desde piezas conmovedoras como Una noche sin luna, con Juan Diego Botto, hasta montajes de gran envergadura como Incendios, La isla del aire, El funeral, Adictos, Bodas de sangre o La casa de Bernarda Alba dirigida por José Carlos Plaza con un reparto excepcional.

No eran “eventos extraordinarios”, era una programación con criterio, ambición y mirada. El público cacereño podía ver teatro de primer nivel a precios accesibles, sin necesidad de cruzar el túnel de Guadarrama ni asumir entradas prohibitivas. Aquello generaba algo más que entretenimiento: generaba una necesaria pertenencia.

El teatro como tejido social

La pérdida de ambición no solo afecta a la cartelera: afecta a la ciudad. El teatro era un punto de encuentro, un lugar donde se tejían vínculos que no nacían en una cena ni en un bar, sino en la platea. Muchas de nosotras tenemos ese “amigo de teatro” con quien compartíamos función y debate. Al desaparecer la oferta que alimentaba esas conversaciones, también se han debilitado esos lazos.

Pienso en personas como mi amiga Pilar, ya nonagenaria, para quien una entrada que le regalé hace unos años fue “el mejor regalo de su vida”. Para ella —y para tantos— el Gran Teatro era una ventana al mundo, casi el único. Hoy esa ventana apenas se entreabre.

¿Qué ha pasado?

La música y el humor llenan por inercia los espacios culturales, pero el teatro de texto, el que exige riesgo, negociación y apuesta, hay que ir a buscarlo. Requiere gestión, voluntad y una programación que no se conforme con lo fácil. Defender el teatro extremeño y a las promotoras locales es imprescindible, pero no puede convertirse en excusa para renunciar a lo nacional e internacional. Antes convivían a la perfección ambos mundos; ahora la desidia o la ignorancia ha reducido esa convivencia a la mínima expresión.

Sin embargo, conviene decirlo sin rodeos: la cultura no se sostiene con inercias ni con programaciones de mínimos.

El Gran Teatro no puede resignarse a ser un contenedor de nombres propios. Cáceres merece recuperar el privilegio de que, cuando se levanta el telón en la calle San Antón, lo que aparece en escena sea lo mejor que ofrece el país. Esta ciudad sabe distinguir perfectamente cuándo le están dando arte y cuándo le están dando largas.

La cultura como acto de ciudadanía

La cultura no es un adorno ni un lujo: es una forma de ciudadanía, de idiosincrasia, de vivir las vidas. Un teatro vivo no solo entretiene; educa, conmueve, cuestiona, une. Es un espejo donde una comunidad se reconoce y un laboratorio donde imagina quién quiere ser. Cuando un teatro se deja en penumbras, no se apaga solo un escenario: se apaga una parte de la ciudad y con ella sus habitantes.

Por eso defender una programación ambiciosa no es un capricho, sino un acto de responsabilidad colectiva y más en estos momentos en los que aspiramos a ser Capital Europea de la Cultura. Cáceres merece volver a levantar el telón con riesgo, con belleza, con exigencias. Merece volver a sentir que el arte sucede aquí, no en otra parte. Merece tener la posibilidad de desentrañar con curiosidad y deseo todas las capas que conforman nuestra existencia. Merece poder volver a mirarse.

Malena Alterio y Carmen Ruiz protagonizan la versión española de La vida extraordinaria, de Mariano Tenconi. Una obra que aborda la vida de dos amigas en un teatro de gran carga literaria y actoral. A pesar de la entrega de las dos actrices, que en ciertos momentos brillan y se lucen, de un buen texto y de una cuidada producción, la obra no llega a explotar. Esta vez, el ida y vuelta entre el teatro argentino y español, tan transitado y exitoso en otras ocasiones, no se dio. 

Mariano Tenconi maravilló a propios y extraños hace dos años con Cautiva. Una pieza bien “localista”, pero que volaba alto con dos grandes actrices porteñas, Lorena Vega y Laura Paredes. Un trabajo que instaba a seguir conociendo el teatro de Tenconi. La vida extraordinaria era la oportunidad perfecta. Se estrenó primero en Avilés, y ahora ha llegado los Teatros del Canal de Madrid. Se trata de la versión española de un trabajo anterior a Cautiva que, si bien se estrenó hace 8 años, hoy sigue en cartel en Buenos Aires. El montaje argentino supuso uno de los éxitos más sonoros del teatro porteño de los últimos tiempos.

La obra cuenta la vida de dos amigas, desde su infancia hasta su muerte. Tenconi crea un universo propio para Aurora Alonso (Malena Alterio) y Blanca Sancho (Carmen Ruiz). Literalmente. La obra comienza con la creación del mundo y acaba con la destrucción de La Tierra. Entre medias, veremos cómo estas dos mujeres crecen, descubren y desean por primera vez, ven morir a sus seres queridos, engañan y son engañadas, fracasan y se levantan. Es decir, viven. 

La vida extraordinaria está dividida en dos partes y un epílogo. La primera parte es la infancia y la juventud, el descubrimiento del deseo y de la muerte. La segunda es la llegada de la madurez, la rutina, el fracaso y el desengaño. Sus vidas podrían ser las nuestras, donde todo es común, pero a la vez asombroso: el primer orgasmo, el primer hijo, la muerte de un padre… Un periplo para el que Tenconi despliega un amplio juego de géneros literarios y teatrales. Desde el melodrama hasta el folletín. Desde el género epistolar al modo de Manuel Puig a la poesía que unas veces suena a Borges y otras a Copi, como en el delirante poema en que Blanca se introduce el mundo por la vagina. 

Tenconi consigue establecer un diálogo entre ficción y realidad bien atrayente, una reflexión profunda de que la vida es también cómo nos la contamos, de que relato y realidad van siempre de la mano, que son indivisibles. El público empatiza con esas dos mujeres, con esas dos vidas tan reconocibles, tan normales como extraordinarias. Todo está contado con sensibilidad, con humor, siempre con amor hacia esos dos personajes zarandeados que aunque la vida las aleje no dejan de apoyarse la una en la otra. 

Para el viaje propuesto ambas actrices deben desplegar una infinidad de registros. Pasan del humor de vodevil al drama sentido, de la palabra poética al diálogo trepidante, de lo narrativo a la farsa. Alterio y Ruiz se entregan y en ciertos momentos brillan, como en el diario íntimo de Aurora donde Alterio consigue coronar un in crescendo monumental nada fácil actoralmente. Pero en otros momentos el asunto no funciona y se vislumbra una distancia entre lo propuesto y lo que pasa en escena. 

Y es que en ocasiones, cuando se traen creaciones del otro lado del Atlántico, por el camino se van perdiendo flecos que vacían en exceso. El problema no radica en la adaptación que se ha hecho para España. Los dos personajes ya no viven en el fin del mundo, una de las últimas poblaciones al sur de Argentina, Ushuaia. Buenos Aires es sustituida por Madrid. Los nombres de las protagonistas pasan de remitir a dos de los personajes fundacionales de la literatura argentina (Fierro y Cruz de Martín Fierro), a los del Quijote de Cervantes (Sancho y Alonso). Pero esas traslaciones dan igual. Es más, ni suman ni restan. Son otros fardos los que se pierden por el camino. 

La operación para trasladar la obra ha sido realizada por una histórica de ese transitar entre Argentina y España, Ana Jelín de Producciones Teatrales Contemporáneas. Veterana y responsable de otras idas y venidas como las de Claudio Tolcachir y Daniel Veronese. La producción está cuidada: dos buenas actrices, la musicalización con Jorge Naveros al piano y Diana Valencia al violín, y la voz de Alicia Borrachero que en off nos cuenta el origen del mundo (en la versión argentina era Cecilia Roth). 

Pero el tropiezo del proyecto está en las cualidades de la interpretación. Argentina y España a nivel interpretativo no están tan alejadas como hace 20 años. La influencia de Argentina en la actuación española gracias a figuras como Daulte, Veronese, Tolcachir, Messiez u Orazi, ha sido extensa y profunda. Pero sigue habiendo distancias que no se pueden transitar tan fácil y menos en este proyecto que Tenconi escribió ya pensando en dos grandes actrices de allá: Valeria Lois y Lorena Vega. 

Tenconi reunió en 2018 para esta obra a dos de las grandes actrices de su generación, dos actrices que si ahora son bien conocidas y queridas por el público, comenzaron juntas creando una compañía independiente del off bonaerense, Grupo Sanguíneo. Ese volver a estar juntas en un escenario estaba lleno de significados. Era ya en sí una fiesta y una reivindicación: la capacidad de juego, el saber estar y no estar en el personaje al mismo tiempo… Verlas actuar era estar viendo buena parte de la historia de la actuación del teatro argentino de los últimos lustros. 

No se trata de que allá sean mejores que acá ni viceversa, sino de modos disímiles de hacer y entender. En la actuación, la transmisión entre actores a lo largo de los lustros es un río subterráneo que va construyendo la escena. Y en este proyecto esto era fundamental. Eso en la versión española se pierde y en ocasiones vemos a dos actrices que no llegan a lo que la escritura dramática está proponiendo. 

El problema es la demasiado usual concepción del teatro a través de las figuras del Director y el Autor. Una concepción muy siglo XX y que en este caso lastra. No es la primera vez que esto ocurre. En España a lo largo de los años se han dado estrenos de compañías argentinas que han percutido muy fuerte en nuestra realidad escénica. Los ejemplos son muy numerosos: La escala humana de Tantanian, Daulte y Spregelburd en el 2001, La muerte de Margarite Duras con Pavlovsky dirigido por Veronese en 2002, Un hombre que se ahoga o Espía a una mujer que se mata del propio Veronese en 2007, La omisión de la familia Coleman de Tolcachir, o las pocas veces que hemos podido ver el gran teatro de Ricardo Bartís…

Todos ellos estrenos que pudieron venir a España con su elenco original. Muchos se acuerdan, por ejemplo, del estreno de Veronese de Mujeres soñaron caballos en España, pero ¿quién se recuerda la versión española que se montó en el Centro Dramático Nacional de la misma obra? Y eso que contaba con Ginés García Millán y Blanca Portillo. 

Estas operaciones a veces consiguen tomar suelo, como la versión española que se hizo de Emilia, de Claudio Tolcachir en la que estaba la propia Alterio. Pero, lamentablemente, intentar “remontar” con nuevos elencos un teatro muy anclado en la investigación actoral y que conlleva procesos de investigación largos es una operación que a veces está condenada a acabar en sucedáneo. Y en La vida extraordinaria, a pesar de sus virtudes, esa distancia es demasiado patente. 

Fundación Caja Rioja organiza Microescena, tres espectáculos en pequeño formato que se desarrollarán en el Centro Fundación Caja Rioja La Merced los días 17 y 18 de abril en dos sesiones; el día 17 habrá una sesión a las 20:00 horas, mientras que el sábado serán a las 19:00 y a las 20:00 horas. Terminarán con un vino en la bodega del edificio histórico.

Los tres espectáculos son “A centímetros de lo imposible”, del mago Iceman; la obra de teatro “Hija no hay más que una”, de la compañía Calle es Cultura; y la música de Cielo Arissa, que pondrá el punto final a cada sesión junto con un vino en la bodega del Centro Cultural.

Estela Etayo, responsable de Comunicación de Fundación Caja Rioja, ha explicado que esta edición es “la primera de las programadas este año, ya que en otoño volveremos con espectáculos en pequeño formato para primeros públicos”. Un año más, al igual que la edición pasada, “se incluyen tres disciplinas como teatro, música y magia, y se añade un encuentro con un vino de Rioja para terminar la actividad”.

El formato de la actividad consiste en disfrutar durante una hora de tres espectáculos de pequeño formato que se desarrollan en salas diferentes del Centro Fundación Caja Rioja La Merced en grupos de 60 personas cada uno de ellos.

El viernes 17 la sesión será a las 20:00 horas, mientras que el sábado se han programado dos, a las 19:00 y a las 20:00 horas, respectivamente.

Las entradas pueden adquirirse en la web de Fundación Caja Rioja (www.fundacion-cajarioja.es) para ambos pases. Los tres espectáculos y la degustación de un vino tienen un precio de 10 euros; la venta en taquilla los días del espectáculo será de 12 euros.

Espectáculos

Magia “A centímetros de lo imposible” con Iceman. Un espectáculo donde lo extraordinario sucede a la distancia de un susurro. Las cartas cambian en tus propias manos, las coincidencias suceden ante tus ojos y los pensamientos parecen leerse sin decir una palabra. En un formato íntimo y elegante, cada efecto ocurre a centímetros del espectador, borrando la línea entre la realidad y la ilusión. No hay pantallas ni trucos de cámara: solo asombro puro, directo y personal. Una experiencia donde lo imposible no se observa… se vive.

Teatro “Hija no hay más que una”, de la compañía Calle es Cultura. Comedia en la que conoceremos a Purita, una mujer que vive en su mundo, hecha a la antigua y con unos pilares muy rígidos que harán que su padre Daniel, un pobre hombre, pierda las ganas de vivir.

Música de Cielo Arissa. Cantautora, licenciada en música, gestora cultural y directora coral. Desde los 11 años de edad interpreta sus propias canciones enmarcadas en géneros como pop artesanal, música de la costa atlántica y andina colombiana. Actualmente acaba de lanzar en físico su segundo trabajo discográfico “Todo Locuras” Pop Fusión.

En 1948, recién empezada la guerra fría, un grupo de profesionales de las artes escénicas decidieron crear el Instituto Internacional del Teatro (IIT), con el apoyo de la UNESCO y de su primer director general. Dicho así, parece poco; pero si se añade que dicho director se llamaba Julian Huxley, hermano del autor de Un mundo feliz y, especialmente, que el principal defensor de la nueva organización era el dramaturgo británico J.B. Priestley, casi se adivinan sus objetivos fundacionales. Priestley, siempre perseguido por sus ideas socialistas –Orwell lo llegó a denunciar a los servicios secretos británicos– lo resumió de este modo al año siguiente: “Una comedia bien escrita puede hacer más que cincuenta discursos de políticos bienintencionados. Un mundo en el que se encuentra sólidamente establecido un Instituto Internacional del Teatro es un mundo mucho más seguro y civilizado que uno en el que el arte dramático está encarcelado entre altas barreras nacionales” (El Correo de la UNESCO, agosto de 1949).

Obviamente, la apuesta del IIT por la comprensión mutua y la paz mundial no fue bien recibida en Washington. Estados Unidos se ha retirado varias veces de la UNESCO a lo largo de su Historia; y todas ellas, con independencia de la excusa que se pusiera, por lo que el autor de La visita del inspector, El tiempo y los Conway y Yo estuve aquí una vez había denunciado en 1947: su pretensión de “imponer su cultura al mundo mediante el uso de todos los medios técnicos a su alcance” (New York Times, 14 de noviembre). Sin embargo, el IIT sobrevivió y, tras fundar el Teatro de las Naciones en París, rompiendo el bloqueo que sufrían el Berliner Ensemble, el Teatro del Arte de Moscú y la ópera de Pekín, dio un paso más e instauró el Día Internacional del Teatro, que se celebra cada 27 de marzo desde 1961 y que siempre cuenta con un mensaje de una figura relevante del sector. Búsquenlos, si tienen tiempo; en mi opinión, leer a gentes como Jean Cocteau, Arthur Miller, Miguel Ángel Asturias, Peter Brook, Antonio Gala y Darío Fo no está nunca de más.

Cuando se publique este artículo, ya habrán pasado unos días desde la distribución del mensaje de este año, cuyo responsable es un actor impresionante, Willem Dafoe. En él, afirma un par de cosas que también se mencionaron esta semana en el Teatro de la Comedia de Madrid, durante la 39ª edición de los premios de la Asociación de Directores y Directoras de Escena de España (ADE); al fin y al cabo, las palabras tienden a converger —por muy distintas que sean— cuando coinciden las preocupaciones, los afectos, el compromiso, la necesidad. “Hay que estar ciego para no reconocer que el contacto humano corre el riesgo de ser remplazado por relaciones con dispositivos —dice Dafoe, refiriéndose en parte a la IA—. Aunque cierta tecnología nos pueda ser de utilidad, el problema de no saber quién está en el otro extremo del círculo de comunicación es grave, y contribuye a una crisis de verdad y realidad”. Una crisis que justifica otra afirmación del actor de Wisconsin: “Socialmente, políticamente, el teatro nunca ha sido tan importante y vital para la comprensión del mundo y de nosotros mismos”.

Ahora bien, ¿qué teatro? La pregunta tiene la suficiente relevancia como para que Dafoe puntualice que los creadores se enfrentan hoy a un desafío, el de “impedir la corrupción del teatro entendido exclusivamente como una empresa comercial de distracción” o “como seco conservador institucional de tradiciones”. Se trata de conectar “personas, comunidades y culturas” y, “por encima de todo, de cuestionarnos hacia dónde vamos”, algo imposible si se encubren los conflictos, empezando por la creciente precariedad. A veces se olvida que lo primero que necesita el teatro son medios; las obras cuestan dinero, y la combinación de entrega, talento y sacrificio ya no basta para salir adelante en países cuya política cultural consiste en regatear las migajas a los creadores —cuando hay migajas— y dejar el resto al mercado. Si no se quiere que el arte acabe en capricho de unos cuantos privilegiados, hay que afrontar el problema con urgencia, y eso implica lo que pidió Ángel Fernández Montesinos, presidente de honor de la ADE, en la sede de la Compañía Nacional de Teatro Clásico: plantar cara y plantarla en serio.

En el acto de Madrid, sobre el que sobrevoló la máxima de que “si el teatro fuera un verbo, éste sería recordar” (Anne Bogart, La preparación del director), se oyeron muchas voces dignas de oírse; y casi todas las personas que subieron al escenario se refirieron de uno u otro modo a la difícil situación del sector, pero sin apartarse un milímetro del contexto político, sin dejar de enfrentarse a “tanta guerra y tanta chulería, a tanto delincuente que ensucia con sus palabras la verdad”, como declaró Emilio Gutiérrez Caba tras recibir el premio Juan Antonio Hormigón por toda una vida dedicada a la escena. Y en determinado momento, gracias a la dirección de Aitana Galán —que estuvo a cargo de la gala— y al gran trabajo de Nuria Gallardo y Críspulo Cabezas, Bertolt Brecht volvió a gritar irónicamente desde su “Canción de los poetas líricos” (Poemas y canciones): “¡Tened cuidado! ¡No podéis prescindir de nosotros!”. Porque el poder puede, sin duda; pero la humanidad, no.