El parque de Jado de Santander acogerá este agosto la segunda edición de 'Veranos en Jado', una iniciativa municipal que incluye un total de nueve propuestas culturales al aire libre con espectáculos de música, teatro, danza, circo, artes plásticas e instalaciones participativas. Este año contará con la participación del actor Pepe Viyuela y de la Orquesta Sinfónica del Cantábrico (OSCAN), entre otros.

La programación arrancará el viernes 31 de julio con la comedia de teatro gestual y música 'Globe Story' de la compañía El Perro Azul. La concejala de Cultura, Noemí Méndez, ha presentado este miércoles en rueda de prensa la propuesta acompañada por algunos de los artistas y compañías que participarán en el ciclo y vecinos de Entrehuertas.

Según ha destacado Méndez, la iniciativa responde “al compromiso municipal de acercar la cultura a la ciudadanía, favorecer el acceso a las artes en espacios cotidianos y reforzar el papel de los parques y plazas como lugares de encuentro y participación”.

El programa está coordinado por Mónica González Megoya, de Quasar Teatro, a quien Méndez ha agradecido la ayuda al Consistorio para materializar esta propuesta en su primera edición y ha felicitado por mantener la impronta en esta segunda.

“Los espacios públicos son lugares donde convivimos, compartimos experiencias y construimos ciudad. La cultura tiene la capacidad de activar esos espacios, hacerlos más dinámicos y fortalecer el sentimiento de pertenencia a la ciudad”, ha recalcado.

La edil ha subrayado que esta iniciativa pone el foco en entender el espacio urbano como escenario cultural “vivo”, al tiempo que contribuye a descentralizar la oferta cultural, acercarla a los barrios y a facilitar que los ciudadanos puedan disfrutar gratuitamente de propuestas contemporáneas “de gran calidad sin salir de su entorno”.

Además, ha valorado que la programación combina distintas disciplinas y lenguajes artísticos para que “cada persona encuentre una propuesta con la que sentirse identificada”.

Nueve propuestas

La compañía El Perro Azul iniciará el viernes 31 la programación con la comedia de teatro gestual y música 'Globe Story'.

Ya en agosto, el sábado 1 llegará la propuesta de danza y mediación '8 segundos, 4 especies', de la compañía Mymadder, que culminará con un taller de baile social abierto a participantes de todas las edades.

El viernes 7 será el turno de 'MicroShakespeare', una original instalación participativa creada por Toti Toronell que muestra pequeñas piezas teatrales a través de auriculares mientras otro espectador actúa como titiritero.

El sábado 8, el actor Pepe Viyuela llegará a Jado con 'Encerrona', un espectáculo de teatro gestual y clown para todos los públicos que convierte las situaciones más cotidianas en una divertida reflexión sobre la condición humana.

La música regresará el viernes 14 con el concierto comentado del 'Themis String Quartet', una formación integrada por músicas vinculadas a la Orquesta Sinfónica del Cantábrico (OSCAN) que ofrecerá un recorrido por la creación musical escrita por mujeres desde la Edad Media hasta la actualidad.

Mientras, el sábado 15 actuará el grupo cántabro Re^Pande, que revisita el folclore tradicional con una propuesta innovadora en la que conviven panderetas, instrumentos de cuerda, viento y objetos cotidianos.

A continuación, el viernes 21 será el turno de 'Ma solitud', del creador Guillem Albà, un espectáculo familiar de títeres, humor y poesía que ha recibido reconocimientos internacionales.

Las artes plásticas tomarán el relevo el sábado 22 con 'Sericleta', una propuesta participativa que instalará un estudio portátil de serigrafía en el parque para que el público pueda crear sus propias estampaciones inspiradas en la arquitectura y la naturaleza del entorno.

Ya el viernes 28 llegará 'Poi', un espectáculo de circo, malabares e instalación basado en la manipulación de peonzas tradicionales.

Finalmente, el sábado 29 clausurará el ciclo el Dúo Otero, formado por los cántabros Miguel Díez y Hugo Selles, con un concierto de violonchelo y piano que recorrerá obras desde el clasicismo hasta la creación contemporánea.

Hay muchas definiciones de estigma. Se podrían buscar todas ellas en el diccionario de la RAE, aunque ninguna recoge el verdadero, doloroso y personalísimo significado que golpea a todos aquellos estigmatizados. Zaida Alonso, Javier Zarapico, Fernando Mercè y Júlia Solé parten de sus diagnósticos médicos, si es que existen, para desnudarse en el escenario. Sus palabras retumban acompasadas de la música estridente que emana de los dedos de Jesús Irimia, se revuelven sobre la sala y dejan el justo y necesario aire y espacio para que de ellas brote la gran duda: ¿qué es ser normal?

El hambre imposible es el nombre de esta dramaturgia dirigida por la misma Alonso, autora del trabajo de fin de grado del que parte la obra. El concepto sobre el que eligió trabajar en el segundo curso de la carrera de dirección de escena fue el estigma: “Siempre había pensado crear algo así como paciente oncológica, pero nunca había tenido el valor suficiente”, confiesa. La función, que volverá en septiembre al Teatro del Barrio en Madrid, se vehicula en torno a una primera persona que se convierte para la mayoría de sus intérpretes en sinónimo de una gran salida del armario ante el público, conocidos y seres queridos.

Alonso ha superado tres cánceres. “Parece que es algo naturalizado, pero no lo sientes así cuando lo vives en primera persona”, concede la actriz. Tanto ella como sus compañeros concuerdan en señalar que el estigma aparece en los detalles más nimios. “Es impactante ver a una mujer calva por la quimio, pero esas miradas te recuerdan todo el rato que te puedes morir”, añade.

La dramaturga defiende una mirada anticapitalista para encontrar una respuesta a esta realidad: “El cáncer te baja a tierra. Todos vamos a morir, pero en cierto modo esta sociedad consumista donde solo servimos para producir nos hace estar alienadas y olvidarnos de ello”. El estigma está ahí. No digas en una entrevista de trabajo que tienes cáncer. No digas que llevas peluca en un casting. No lo digas, aun sabiendo que lo que no se dice no existe.

Estigma cuenta con siete acepciones en el diccionario de la RAE, las últimas circunscritas al campo de la botánica, la medicina y la zoología. En El hambre imposible hay muchas más, y mucho más reales: estigma es sentirte señalada, estigma es no poder tener hijos, estigma es arte, estigma es una cicatriz, estigma es hablar sola por la calle, estigma es un hospital, estigma es un tío en la cárcel, estigma es tropezar, estigma es el margen, estigma es hacerse ilusiones, estigma es que no haya cura, estigma es que me mires raro, estigma es la línea 1 de metro, estigma es que me empieza a dar ya por puto culo que me rechaces.

Cuando la normalidad no existe

Javier Zarapico vive desde hace más de 20 años con una enfermedad muy rara de la que no existe ni siquiera nombre. Este actor y profesor de adaptación de textos dramáticos en la Universidad Internacional de La Rioja recibe al público sentado en su silla de ruedas, mirada al frente, impasible. “A mí los médicos solo me miran, observan cómo evoluciona la enfermedad, pero no buscan un tratamiento porque no existe”, comenta el también doctor en Artes Escénicas.

Para este actor, incluido en cuatro estudios genéticos de los que duda que den resultados, la normalidad no existe desde hace mucho tiempo. “Yo me defino como anormal porque es la etiqueta que me pone la sociedad, que es quien estima que se debe vivir bajo unos parámetros. Esto es duro, muy duro”, relata. La aparición de esta enfermedad que le hace perder la sensibilidad en algunas partes de su cuerpo hizo que se tuviera que apartar del teatro profesional. “Yo ahora soy un lastre, salgo caro. Las compañías prefieren coger a una persona que no vaya en silla de ruedas y ponerle en una que gente como yo, aunque podamos aportar muchas más vivencias y trasfondo”, denuncia.

La ignorancia del estigma

Fernando Mercè es otro de los nombres propios que se desnudan metafórica y literalmente en escena. El estigma que pesa sobre él es mucho más invisible, pero duerme en su cabeza y lo despiertan personas cuya boca grita ignorancia. Sufre VIH indetectable. Es decir, bajo tratamiento el virus no se transmite se tenga la relación sexual que se tenga y tampoco se transfiere a la potencial descendencia. “Solo aparece cuando yo lo digo”, subraya.

Yo me defino como anormal porque es la etiqueta que me pone la sociedad, que es quien estima que se debe vivir bajo unos parámetros. Esto es duro, muy duro

Javier Zarapico — Actor

Y lo dice. Y le insultan por ello. Le llaman sidoso, y bloquean su perfil en las aplicaciones de citas. “¿El Fer de hace un rato no es el Fer de ahora?”, pregunta sobre las tablas a un imaginario amante que le llama egoísta y le rechaza por no haber contado antes que tenía VIH. En su cuerpo anida algo que ni tiene consecuencias para él ni para los demás. La mente, sin embargo, alberga las mayores traiciones a uno mismo. “Aun sabiendo que se podía tratar y llegar a hacer tu vida con normalidad, lo primero que piensas es que te puedes morir y todo se hace un mundo”, profundiza.

Qué es ser normal

Alonso decidió escribir un ‘Manual de instrucciones para ser normal’, un elemento que aparece varias veces durante el relato teatral como asidero para que el público tuviera donde agarrarse dentro de la tragedia y así poder liberar alguna carcajada. Cuestionarse qué es lo normativo fue un proceso arduo que el elenco todavía mantiene abierto. “Evidentemente, yo no soy normal, y creo que nadie lo somos. Es un constructo social en el que intentamos encajar”, sostiene la directora, quien reflexiona sobre la idea de triunfo y éxito inculcada en esta sociedad: “Hay que cumplir con ciertos cánones impuestos. Ser verdaderamente antisistema en esta sociedad es prácticamente imposible”.

Así comienza el Manual: “Nace en una familia de clase media normal, preferiblemente burguesa tirando a high class; en un cuerpo normal, preferiblemente cis hetero y susceptible de ser esculpido en un gimnasio anodino llegada la edad pertinente; con una raza normal, preferiblemente blanca, y unas inquietudes normales”. Así continúa: “Una persona normal jamás llora a deshora, roba en el supermercado o sale en pijama a la calle. Una persona normal jamás tiene la cuenta a cero, un ataque de pánico o una enfermedad de transmisión sexual. Una persona normal no sufre, no bebe, no come, no duerme, no folla, no ríe, no grita, no ama, no piensa, no caga ni la caga más de lo conveniente”. Y así termina: Recuerda: ser normal no es una opción, es una obligación. La obligación de vivir la vida que no elegiste“.

El hambre imposible de ser normal

Sobre la normatividad también ha pensado Mercè: “Esto del VIH te convierte en una persona que puede parecer normal”, asegura a elDiario.es tras representar la obra. El propio guion lo recoge al principio, durante la presentación de personajes. “Fernando, la persona aparentemente más normal”.

Mercè es el elegido para pronunciar la oración de la que emana el título de la pieza teatral: “Yo crecí con el hambre imposible de ser normal, rechazando mi propio semen y mi propio cuerpo”. Y en esa hambre imposible se dan la mano muchas otras cosas que le conforman como persona. Como si de una lucha contra el mundo de ahí afuera se tratara, el actor ha tratado de no quedarse únicamente en la etiqueta impuesta durante el desarrollo de este trabajo escénico.

“Uno es mucho más cosas que alguien con VIH. A mí me daba pánico que me quedara como Fernando el que tiene VIH y no como ese Fernando que ha hecho el Don Juan Tenorio, ha actuado en el Festival de Almagro y ha trabajado con el Teatro Español en La Abadía”, ilustra este intérprete gallego de ascendencia catalana. Zarapico, por su parte, completa el testimonio con estas palabras que marcan la bajada del telón: “Yo volvería a nacer aunque sea un anormal. Porque donde tú ves un error, yo veo una señal. Porque quizás la trascendencia no está en la perfección, sino en aceptar la marca”.

El hambre es imposible se estrenó en el Festival Meet You de Valladolid. La obra ya ha girado por Barcelona, Zamora y Valladolid, y lo hará próximamente en Alcalá de Henares por el Día Internacional del VIH. También repetirá pases en el Teatro del Barrio en septiembre. A partir del próximo enero, es posible que la creación de Alonso gire por diferentes provincias de España.

Juan Mayorga se ha dejado meter mano a fondo. A la directora Rakel Camacho le interesó la versión teatral que Mayorga realizó hace años de la novela de Cervantes. Se lo propuso, Mayorga aceptó y se puso a reescribirla. Una reescritura profunda y siempre a favor del universo de la directora. El resultado es una obra mucho más política. Palabra de perro es una revisitación de Cervantes, de la novela picaresca, pero ante todo es un alegato político contra la inmoralidad de esta sociedad que veja al inmigrante hasta deshumanizarlo.

Aunque es más conocida la mala leche de Quevedo o Góngora, Cervantes también la tenía. Un claro ejemplo es El coloquio de los perros, donde el autor no deja títere con cabeza. Cervantes nos presenta la novela como el fruto de la alucinación del soldado Campuzano, un sifilítico que cree oír a dos perros conversar por la noche en el Hospital de la Resurrección de Valladolid.

Pero no se engañen, aquello no era como el Hospital 12 de Octubre, sino un antiguo prostíbulo reconvertido en almacenamiento y contención de pobres de la ciudad. Ese es el emplazamiento elegido por Cervantes para llevar a cabo una afilada crítica a la sociedad del siglo XVI. Con estructura de novela picaresca, el perro Berganza relata su vida a su compañero Cipión para intentar entender cómo y cuándo adquirieron la facultad del habla. Cervantes utiliza este ardid narrativo para reflejar la bajeza moral de una sociedad hipócrita y corrupta. Pero los perros al final del día vuelven a ser guardianes del hospital en silencio. En la versión de Mayorga el asunto cambia, y mucho.

Mayorga escribió este texto hace ya más de veinte años. Se llevó incluso a escena en el 2010 en un pequeño montaje dirigido por Sonia Sebastián. Ahora, la obra ha renacido en el Festival Internacional de Almagro. La directora ha llamado a dos muy buenos actores para interpretar a los perros, a Jimmy Castro y Cecilia Solaguren. Y a su actor más cercano, Jorge Kent, que interpreta a los diferentes amos que va teniendo Berganza: un químico que experimenta con él, un granjero, un potentado empresario con casa en Madrid, un maestro, un policía torrentiano, una poeta teatrera y hasta una bruja.

Mayorga, en esta nueva versión, ha dado mayor entidad a todos esos personajes. En la anterior versión, gran parte de lo que decían los personajes era dicho por el propio perro. Aquí, pensando en el montaje y el potencial de Jorge Kent, el autor los dota de palabra y entidad. Y la obra, que parece que está pensada para tener a dos perros en escena que dialogan, vira por completo.

Estética camp-cañí

Las aventuras de Berganza están narradas hacia atrás, “de la Z a la A”, se dice en el texto. Y Camacho convierte ese periplo invertido de este Lazarillo del siglo XXI en una pesadilla cutre, en una sátira que llega a la síntesis a través de la deformación grotesca. Kent la acompaña en ese viaje dibujando cada personaje con escalpelo despiadado.

La mezcla entre el diálogo de otro tiempo de Berganza y Cipión con esa España tan alucinada como real y desagradable es uno de los atractivos de esta propuesta. Además, Camacho no perderá una posibilidad de bajar a tierra lo dicho en romance por Mayorga. Los policías llevarán uniformes del ICE, la policía nazi de Donald Trump. La escenografía será un centro de detención destartalado, no deja que el espectador se vaya a la belleza de la palabra dicha por los canes. A cada momento lo coge del cuello para que mire y se vea en ese espejo donde se refleja la podredumbre de esta sociedad democrática que trata a algunos de sus iguales peor que a perros.

Mayorga atiza siguiendo la estela de la picaresca a todos los estamentos de la sociedad española. Alguno de ellos, de manera curiosa. Su parlamento sobre la vanguardia teatral es cuando menos “picante”. Algunos asistentes quisieron ver referencias en esas pullas al trabajo de Angélica Liddell. No lo creo, pero tampoco anda lejos y tampoco pasaría nada. Es ring dialéctico. La Liddell en algunas de esas performances vanguardista bien que se despachó con el propio Mayorga.

También contiene la obra su parte de misterio. El pasaje con la bruja satánica es uno de ellos. Camacho lo lleva hasta el paroxismo con un Kent encendido en ubres y latigazos. Acaba el periplo hispano otra vez en aquelarre. En qué, si no, puede acabar esa España animal, parece preguntarse la obra. En Cervantes, el pasaje de la bruja era también una crítica a la ignorancia que cree en sortilegios antes que en la razón, una crítica incluso a la Inquisición y su delirante dogma. Aquí es conclusión, decantación de una España brutal y cada vez más desacomplejada a la que Camacho viste con traje camp y alma cañí.

Palabra de perro es uno de los textos políticamente más explícitos de este autor. Su final, en que una “patrulla ciudadana” acaba humillando y silenciando a Berganza por negro e ilegal, no tiene doblez ni segundos sentidos: es una acusación directa a esta sociedad. Y las últimas palabras, en las que se aboga directamente por la lucha, aunque sea a dentelladas, sorprenden.

La obra (después de su estreno absoluto en el Festival de teatro clásico de Peñiscola) se estrenó en la Casa Palacio de los Villarreal, al aire libre. Difícil plaza. El 28 de octubre llega al Teatre Romea de Barcelona. Ahí llegará, seguro, más erguida y consistente. Algunas escenas todavía no han cogido su sitio y las idas y venidas de Jorge Kent por detrás del escenario han de ir asentándose. Del estreno, constatar el vuelo que cogen las palabras de Mayorga en manos de Rakel Camacho. Su universo y su mano firme en la dirección le dan una fuerza nueva, furiosa, al teatro de este dramaturgo.

Hay que resaltar el buen momento que vive el Festival de Almagro. En esta tercera semana se vieron las calles y la plaza llenas, a rebosar. Al igual que los teatros. Además, se pudo ver un hermoso El avaro de Molière de la compañía parisina Théâtre de la Tempête. Un trabajo grupal, comunal y lleno de vida de esta ya legendaria compañía que el público disfrutó a rabiar. Uno de los mejores Molière que el que escribe haya visto.

Y otra vez en las mañanas hubo premio. Si el año pasado fue Scándere con Errantes, este año fue De ida y vuelta. Obra producida por el festival y su programa Plataforma Corral que contaba con los mismos autores, Laura Garmo y Nacho León, pero nueva directora: Cristina Martín-Miro. Directora y actriz que el año pasado impresionó con una estupenda Laurencia en Fuenteovejuna.

De ida y vuelta es una maravilla que viaja al México del XVII y celebra la diversidad y el hermanamiento a través de la palabra y el juego escénico. Todavía quedan dos funciones, el 25 y el 26 de julio. Por la respuesta del público, es de esperar que haya tortas para entrar. Y atención a Cristina Martín-Miró, actriz que surge de la penúltima compañía joven de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, pero que comienza a volar por cielos más amplios y se dibuja ya como una de las figuras más prominentes del teatro de los próximos años.

La Asociación Teatral Los Milagros del Santo ha presentado esta mañana el cartel de la 32º edición de “Los Milagros del Santo”. Este año se realizarán del 6 al 9 de agosto y volverán a ser en el claustro del convento de San Francisco, dirigidos de nuevo por su actual director, Martin Nalda. Como cada año, colabora en la representación el Gobierno de La Rioja, el Ayuntamiento de Santo Domingo de la Calzada y el Cabildo Catedralicio.

En su nuevo cartel, podemos ver la figura del actual Santo, José Arín. De fondo aparecen una imagen de la torre y otra del Ayuntamiento de Santo Domingo. La entrada costará 10 euros y se podrá adquirir tanto en puntos de venta físicos como a través de la plataforma de entradas “Entradium”. Las entradas en físico se venderán del 5 al 9 de agosto en la Oficina de Turismo de 11h a 14h. Además, se podrán adquirir una hora antes de cada una de las representaciones en el Convento de San Francisco.

Por otro lado, la AT Los Milagros del Santo quiere homenajear este año a Carlos García La Calle, por su ayuda desinteresada a los ancianos del Hospital del Santo. Esta conmemoración se realizará el día 5 de agosto, coincidiendo con el pase de prensa y para autoridades, peregrinos y ancianos del Hospital del Santo.

El día en que los sublevados segaron la vida de Federico García Lorca en Víznar (Granada), aquel 18 de agosto de 1936, también murió todo un porvenir que ya había empezado a tomar forma y cuyo destino eran las tablas de los teatros. El sueño de la vida, El poema del café cantante, Los sueños de mi prima Aurelia y Los títeres de cachiporra son cuatro títulos de obras teatrales que el también poeta pergeñaba en el momento de su asesinato. Al mismo tiempo, Margarita Xirgu, Carmen Díaz, María Fernanda Ladrón de Guevara y Encarnación López, conocida como La Argentinita, eran las actrices llamadas a representar estas creaciones inacabadas.

Estos artefactos teatrales del granadino, convertido en los años 1935 y 1936 en un gran dramaturgo, “podían acabar en manos de cualquier compañía teatral de la época tras el éxito de Bodas de sangre y Yerma, porque todas querían trabajar con él”, explica el investigador Andrew A. Anderson. Este profesor emérito de Literatura Española de la Universidad de Virginia acaba de publicar Lorca y las actrices de sus últimos proyectos teatrales (Residencia de Estudiantes, 2026). El experto incide en que lo que más le ha llamado la atención de su investigación es que Lorca multiplicó sus proyectos durante los últimos meses de su vida: “Su imaginación estaba en plena ebullición e iba en distintas direcciones”.

Anderson, que se expresa en un castellano bastante pulcro al otro lado del teléfono, halló numerosos proyectos que ocupaban la mano y la mente de un Lorca a punto de perecer por las balas de la intolerancia. “En algunos casos, se trataba tan solo de un título, de una idea apuntada en una hoja de papel. En otros, eran proyectos con cierta sustancia”, introduce el también doctor por la Universidad de Oxford. Entre todos los proyectos que nunca concluyeron sobresale la mal llamada comedia sin título, apunta el hispanista, aunque sí que lo tenía: El sueño de la vida. Esta obra estaba pensada para la archiconocida Margarita Xirgu, la actriz que estrenó o repuso más obras de Lorca. “Ella iba a representar La casa de Bernarda Alba en otoño de 1936, pero el estallido de la Guerra Civil lo desbarató”, recuerda el investigador.

En el caso de El sueño de la vida, Xirgu iba a encarnar al personaje Titania. “Es una obra muy moderna, metateatral y muy experimental”, cataloga el especialista en la obra lorquiana. Desde luego, no era la primera vez que la actriz barcelonesa que poco después tomaría el camino del exilio ante el triunfo de las fuerzas golpistas en España trabajaba junto a Lorca. Mariana Pineda, La zapatera prodigiosa, Yerma y la reposición de Bodas de sangre en Barcelona en 1935 son apenas varios ejemplos en los que Xirgu jugó el papel más destacado que podía jugar como actriz protagonista. “Su relación era muy estrecha, de admiración, respeto y cariño mutuos”, destaca el también comisario de la exposición Lorca y el archivo. Memoria en movimiento, que se puede visitar de forma gratuita en la Residencia de Estudiantes hasta el 26 de julio.

Las otras obras por terminar

Anderson, asimismo, ha ubicado algunos “proyectos algo más fantasmales”, tal y como los denomina. Se trata, por ejemplo, de Los títeres de cachiporra, una obra temprana concebida en torno a 1922, pero que en 1935 quería adaptar. La idea era realizar una versión musicalizada de la misma, para lo que ya trabajaba con un joven y moderno compositor hispanofilipino, Federico Elizalde. Lorca quería que fuera Carmen Díaz quien se encargara de la representación. Fue el mismo dramaturgo quien finalmente cambió de opinión y acabó esbozando como obra final una suerte de ballet con texto, música y baile que llevaría a cabo La Argentinita, Encarnación López Júver.

Le sigue El poema del café cantante, donde Lorca desenfunda su creatividad en torno a un desafío de baile entre dos bailaoras. Esta vez sí, sería Carmen Díaz la actriz elegida para desarrollar la trama sobre los escenarios. El guion evoca el ambiente “de esos cafés famosos de Málaga y Sevilla, de principios de siglo XX”, tal y como explica Anderson.

Algunas personas se sorprendieron al enterarse de que el poeta y dramaturgo granadino se interesaba por Díaz como intérprete, quien se estaba especializando en el género de la comedia flamenca. Pensaban que era una actriz bastante convencional, que trabajaba mucho con autores como los hermanos Álvarez Quintero, y que no daba la talla para sus creaciones.

Ante dicho extremo, Anderson se decanta por subrayar que “Lorca consiguió adecuar la actriz a la obra y la obra a la actriz”. No queda rastro alguno del manuscrito de El poema del café cantante, y Díaz, que la escuchó de la voz de su creador tras desplazarse este hasta Zaragoza, nunca la llegó a representar.

Para María Fernanda Ladrón de Guevara, Lorca reservaba Los sueños de mi prima Aurelia, libreto cuya trama se localiza en la vega de Granada. “Parece que era una prima auténtica suya. También aparece un niño, que es la propia versión de Lorca de pequeño, y escenifican la vida de provincias, donde la gente se divertía leyendo novelas de folletones”, describe el profesor emérito de la Universidad de Virginia.

En cuanto a los grandes temas que aborda el escritor en estas obras, Anderson incide en cómo van cambiando a lo largo de sus creaciones. Si en La casa de Bernarda Alba Lorca toca algunos de los grandes temas de todos los tiempos, en el caso de El sueño de la vida la narrativa se centra en una reflexión sobre el mismo teatro, su naturaleza y la ilusión teatral. “Al mismo tiempo, es una obra radicalmente social y política, donde hay una manifestación en las calles y una carga militar contra los manifestantes, que se refugian en el mismo teatro donde sucede la obra”, agrega.

Sin ánimo de querer adelantar el final de la obra, pues el autor tan solo dejó escrito el primer acto, llega un momento en que un espectador de clase alta, vestido con smoking, saca un revólver y dispara contra un obrero sentado en una de las butacas de arriba, en los asientos más baratos. “Y ahí vemos una variación enorme entre la evocación melancólica y nostálgica, incluso cariñosa, que hace de un periodo pasado, como puede llegar a suceder en Los sueños de mi prima Aurelia, con esta forma tan radical de presentar una creación teatral en la que se rompe con la cuarta pared”, apunta el estudioso.

Las mujeres, al frente del teatro español

Anderson incide en cómo España se situó a la vanguardia del teatro durante el periodo de entreguerras en lo que a actividad profesional se refiere. “El teatro era muy importante, existían muchísimas compañías teatrales, y muchas de ellas tenían como jefe a una actriz, ya fuera Xirgu, Díaz o Ladrón de Guevara, cuando eran los hombres quienes dominaban la inmensa mayoría de áreas de la vida social”, abunda el experto sobre un fenómeno que ya había comenzado con María Guerrero.

En el caso concreto de Xirgu, la actriz representó también obras de los hermanos Álvarez Quintero y de Jacinto Benavente. “Estaba junto a los consagrados de la época, pero la distinguía el querer trabajar junto a los autores más noveles. Tenía ganas de hacer cosas distintas”, profundiza Anderson. Xirgu, asimismo, estrenó la primera obra de Alejandro Casona, La sirena varada.

De las demás la distinguía su actitud abierta y receptiva. Tal fue su distinción, que Anderson asegura que se convirtió en la primera persona en nombrar un director de escena en su compañía cuando en aquel tiempo eran las primeras actrices o actores los que dirigían los ensayos. Así lo concluye el propio experto: “Ya había trabado una importante relación con Cipriano Rivas Cherif. Le terminó contratando. Así se creó el puesto de director de escena, algo no visto hasta el momento. Es una innovación muy importante que luego se implementará universalmente”.

La fuerza actoral de Pepe Viyuela pudo de nuevo con el Teatro Romano de Mérida. Pero en esta ocasión no fue gracias a un papel cómico, sino galopando a lomos de un personaje amargo, bien negro y resentido. Viyuela es Timón de Atenas, un noble de una generosidad desmedida que cuando se arruine y nadie lo ayude se transformará en un anacoreta lleno de odio hacia sus congéneres. En un protoanarquista cabreado.

Timón de Atenas es una de las obras “raras” de Shakespeare. Nunca la estrenó en vida. Los teóricos creen que está en cierto modo inacabada, que el inglés la abandonó cuando se le cruzó otro proyecto, nada menos que Coriolano. Timón es una de sus obras menos representadas. En España, la llevó a escena Ariel García Valdés con Lluís Homar en los noventa. Francisco Suárez la dirigió en este mismo festival en 2008 y el último montaje, de la compañía La Brutal con Julio Manrique a la cabeza, fue hace doce años.

Ahora le ha llegado el turno al argentino Hernán Gené, director ya senior que además es teatrero de raza. Hernán es hijo del gran Juan Carlos Gené, uno de los hombres de teatro más relevantes del siglo XX latinoamericano. Desde que este director se quedó a vivir a principios del siglo XXI en nuestro país ha dado buena cuenta en numerosos montajes de su saber y buen hacer. En esta ocasión tampoco ha decepcionado. Es un director con olfato y aunque es un especialista en el clown y el teatro físico, Gené no se ha perdido en vericuetos cómicos y ha sabido centrarse en la naturaleza negra de la obra, que es donde reside su verdadera fuerza.

La escenografía, que firma Mónica Florensa, da ya muchas pistas de la orientación que este director ha querido dar al montaje. Una escenografía simple, mínima, que aparece cubierta por una tela negra al comienzo de la pieza. Gené, en ese ambiente funesto, incluso gótico, se atreve a comenzar por el final de la obra, con Timón ya muerto. Una declaración de intenciones donde el director deja bien claro que no es la trama lo importante.

La trama de la obra, por otro lado, es bien simple. Timón, noble y rico ateniense, vive rodeado de los que cree son sus amigos. Con ellos es de una generosidad tan grande como inconsciente. Todos se aprovechan. Al final, de tanto dar se verá en la ruina. Pedirá ayuda a sus amigos, nadie se la dará. Desilusionado del mundo se irá a vivir a las afueras de la ciudad, donde comerá raíces y dormirá a la intemperie.

Shakespeare “anticapi”

Es ahí, ya en el tercer acto, cuando Timón sufre una metamorfosis. Un cambio total de personalidad. El resultado es un ser desengañado que luchará con todas sus fuerzas contra la sociedad, el ser humano e incluso la vida misma. Por su boca saldrán, quizás, las palabras más duras que escribió Shakespeare contra el género humano. Timón se convierte en un eremita descreído y 'anarca' que despotrica contra todo: la amistad, el amor, la justicia y, especialmente, contra el dinero, en el que ve el elemento corruptor por excelencia. Pero no es el enfado lo que motivan esas palabras, sino la profunda convicción de que ha descubierto el verdadero rostro de la vida. No se bajará nunca de la burra y llevará sus ideas hasta las últimas consecuencias.

Es increíble cómo acoge ese cambio Viyuela, que se transforma en un verdadero Mr. Snoid, ese personaje de cómic que creó Robert Crumb al que Kortatu dedicó una canción, aquella que decía: “Odio a todo el mundo / estoy lleno de mezquindad / y rezo para que llegue / una guerra nuclear”. Viyuela, de igual modo, se convierte en un ser furibundo. Un anticapitalista de tomo y lomo que incluso cuando encuentra oro buscando raíces para comer lo utiliza para destruir Atenas. Dinero con el que financiará a las prostitutas, a los ladrones y al militar golpista Alcibiades (Miguel Uribe) para que así reine la confusión que acabe con todo.

La totalidad del elenco juega a favor de la propuesta. La obra inicialmente está pensada para 40 personajes. Aquí no son tantos, pero hay unos cuantos y los actores tienen que ir desdoblándose con agilidad y juego. Aparte de su fiel sirviente Flavio (Esther Acevedo) y del filósofo cínico Apemanto (Tomás Pozzi) los demás personajes son más secundarios. Un aparte merece Pozzi, actor que da vida a ese filósofo que sirve a Shakespeare para dar réplica argumental al protagonista. La batalla dialéctica entre Pozzi y Viyuela es canela fina.

Pero lo dicho, todos están muy bien. Es un gusto volver a ver a Pepa Zaragoza con esa fuerza o al hijo del propio Viyuela, Samuel, que dibuja con tino el personaje del poeta. Completa el elenco una Beatriz Melgares llena de brío, actriz que hace dos años estuvo en este mismo teatro justamente con Coriolano.

Gené ha utilizado la versión que del texto hiciera Joaquín Hinojosa, versión que también ha podado con inteligencia para que el montaje no sobrepase las dos horas. En la primera parte de la obra, cuando la vida todavía es una fiesta, Gené dinamiza ciertas escenas con música de los Beatles o Madonna. Este recurso, de amenizar a los clásicos con música contemporánea para mover la escena y mantener entretenido al público, se ha convertido hoy en lugar demasiado común.

También se permite Gené la licencia de meter un periodista que nos narra la muerte de Timón como en un reportaje televisivo. No le hacen bien a la obra este tipo de recursos tan manoseados, alejan más que suman. El montaje, que está lleno de buenas soluciones teatrales, se sostiene por sí solo. Los diferentes registros que se utilizan, cercanos al clown y la Comedia del Arte, como esos senadores tan risibles como melifluos, son estupendos.

Pero no hay que engañarse, la obra es de Pepe Viyuela. En los dos últimos actos, se come la obra construyendo un Timón que más que trágico es terrorista. Timón es uno de los personajes más desconocidos de Shakespeare y merece mucho la pena. El inglés lo hará morir fuera de escena, no sabemos si se suicida o cómo acaba sus días, tan solo lo vemos hacer mutis por el fondo deseando la peste y el contagio a sus congéneres. Timón es de una modernidad aberrante, es el comienzo de la desobediencia civil, es un “anticapi” del siglo XVII en esa Inglaterra que comenzaba a “florecer” al capital. La obra, que estará hasta este domingo en el Festival de Mérida, llegará el 23 de julio al Festival Olmedo Clásico.

El verano es tiempo de verbenas en barrios y pueblos, pero para David Montero (Sevilla, 1973) estas celebraciones poseen un significado profundo que las artes escénicas pueden aprovechar. Así lo pone de manifiesto en Loverbena, un díptico que incluye una propuesta de calle (La verbenera) y otra para salas (Ser verbena) con el mismo fundamento: “La fascinación por el espacio de comunidad que genera una verbena, definida como una fiesta popular callejera con música en directo, pero de la que me interesa, sobre todo, el hecho de que es lo contrario de la espectacularización. Un evento autogestionado, donde lo importante es la gestión del espacio y del tiempo por parte del colectivo”, explica el dramaturgo y actor sevillano.

Después de presentar La verbenera en Valladolid el pasado mes de mayo y Ser verbena en la última feria de Palma del Río, David Montero se dispone a llevar su fiesta escénica a La Rábida (Huelva) este jueves 16 de julio. “Al principio pensábamos en trasladar a verbena a una sala, pero pronto nos dimos cuenta de que era más interesante hacer un acercamiento más oblicuo. Ahora no se trata de replicar una verbena, sino de robar el espíritu de estas celebraciones o, por así decirlo, hacer una verbena comisariada. Un espacio de libertad donde se puedan acoger todas las disidencias, donde se genere ese espacio y tiempo propios que decide la comunidad. Mi intención es tomar elementos de esa fuerza política de a alegría colectiva y ponerla en un primer plano”.

Aunque el trabajo de Montero se ha caracterizado en los últimos tiempos por la interacción con el público, en creaciones como Turismointerior o El tiempo del hijo, en esta ocasión se apoya en compañeros de viaje como María Castañeda, Esther Alonso, Pedro Rojas Ogáyar, Vanesa Aibar o Roberto Martínez. “También invitamos en la propuesta de calle a artistas locales amateurs para que se sumen a la obra”, apunta, “y con ellos generamos un contexto que da un nuevo sentido al resultado final. Las dos piezas tienen sentido de manera independiente, pero el objetivo es que se hagan alguna vez las dos juntas, por muy suicida que parezca”.

Comunidad y horizontalidad

“El público se involucra también, aunque no tanto en la pieza de sala”, prosigue el sevillano. “Una de las cosas que nos interesaban más era investigar los mecanismos para que seamos todo el rato intérpretes y público casi a la vez. Por ejemplo, ves al humorista del barrio que está en el escenario contando chistes, y al cabo de un rato vuelve a subir para entregar un premio. Hay un continuo cambio de roles que me apasiona. Si en Turismo interior estaban en primer plano las vidas cotidianas de las personas, los relatos individuales, aquí la experiencia es más colectiva y escapa de la espectacularización. Un festival como Icónica, por ejemplo, no es verbena: no tiene una escala humana”.

Pero, ¿cómo se traducen esas intenciones en la práctica teatral? Pues a través de un ficticio, improbable encuentro entre Dolores Montoya, Chispa, la viuda de Camarón, y Priscilla Presley, quien fuera esposa del Rey del Rock. “Empezamos a fabular ese encuentro entre las viudas de dos mitos del siglo XX”, explica Montero, “y vimos que las dos van a descubrir que lo importante no es ‘ser verbena’ –ahora mismo todo el mundo lo es, Donald Trump el que más: es muy fácil adoptar esa estética– sino generar ese espacio de comunidad y horizontalidad”.

Bajo esta búsqueda subyace una crítica velada al consumismo, que ha transformado las fiestas y el ocio en general. “Todo ese fenómeno de los selfis y la exhibición del ego es el último paso del consumo. Hoy todo es consumo”, asevera Montero. “La fiesta en general tiene sentido porque escapa de la lógica de inversión-beneficio. Si todo es consumo, nada es humano. El tiempo libre es libre porque no es consumo, la fiesta es fiesta porque no busca el beneficio. Nuestro proyecto quiere reivindicar eso”.

Música de orquesta

Lo mismo puede decirse de la condición de la verbena como evento intergeneracional, no segmentado por edades. “Estudiando la estructura de la verbena”, añade Montero, “nos dimos cuenta de cómo las orquestas tienen clarísimos los estilos de cada pase: empiezan con un pasodoble, pasan a la pachanga, quizá un bolero, luego pasan a la música de ahora... En una verbena no es raro ver a la abuela bailar con el nieto. Ha desaparecido esa segmentación que es propia del mercado”.

En definitiva, concluye el dramaturgo, “lo que intentamos es robar, preguntarnos qué podemos aprender de todo esto para aplicarlo a una pieza escénica. Coger esa sabiduría ancestral y hacer que dé resultados sobre las tablas”.

A la espera de su cita en La Rábida, Montero afirma que la respuesta del público está siendo hasta ahora muy positiva. “Teníamos dudas de cómo funcionaría fuera de Andalucía un personaje tan de la Bahía de Cádiz como Chispa, pero en Valladolid funcionó muy bien. Todo el mundo conoce cuál es el espíritu de una verbena, y ya se sabe que ser local es la mejor manera de ser universal”.

Sentirse joven después de los 26 ya no es solo una cuestión de actitud. El Ayuntamiento de Madrid acaba de anunciar que su versión del bono cultural, el JOBO, se ampliará hasta los 30 años de edad para “acompañar durante más tiempo a una generación que ya ha incorporado el teatro, la danza, el cine o la música en directo como parte de su forma de vivir la ciudad”. Es lo que ha destacado la concejala de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, que abrirá el ángulo a partir de la siguiente temporada de espectáculos, la de 2026-2027.

Una vez que concluya el verano, los jóvenes de entre 16 y 30 años podrán solicitar su Joven Bono Cultural, nombre oficial del JOBO, que da acceso gratuito a la programación de siete espacios municipales dedicados a la cultura: Nave 10 Matadero; el Teatro Español o el Circo Price; el Fernán Gómez (Centro Cultural de la Villa); el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque; la Cineteca y Centro Danza Matadero. Hasta ahora, los mayores de 26 años dejaban de ser beneficiarios, pero quienes hayan perdido su cuenta por esta razón podrán volver a solicitar el JOBO y recuperar su usuario habitual, tal y como detallan desde el consistorio.

Asimismo, quienes tuvieran ya 26 años y al inicio de la nueva temporada de espectáculos haya cumplido los 27 no tendrá que renovar su bono, pues se hará de forma automática. En cambio, quienes estuvieran ya fuera de ese rango en la veintena tienen que volver a expedir su título.

Mejoras digitales para prevenir un uso desaprovechado

Con esta ampliación en la edad, el Ayuntamiento de Madrid busca “consolidar nuevos públicos para los equipamientos municipales y favorecer el descubrimiento de nuevas disciplinas artísticas entre las generaciones más jóvenes”, por lo que también se ha optimizado el sistema de reservas para “prevenir el absentismo en las entradas reservadas a través de JOBO”, y facilitar su aprovechamiento real. Esto es algo que ya ocurrió con el abono Verano Joven de Renfe, que terminó creando un modelo de sanciones para penalizar a quienes ocuparan un billete con descuento y luego no lo utilizaran.

Desde su puesta en marcha, JOBO ha facilitado más de 300.000 entradas a distintos espectáculos que han tenido lugar en Madrid, favoreciendo el acceso de los jóvenes a la oferta municipal y fomendo que esta pueda extenderse hacia nuevos públicos u horizontes. Cada usuario puede obtener una entrada por espectáculo y asistir a un evento al día, siempre dentro de las actividades incluidas en el programa y hasta completar el cupo reservado para JOBO.

El bono puede solicitarse de forma sencilla a través de la plataforma de venta de entradas de Madrid Destino, o bien de forma presencial en el Centro de Turismo de la plaza Mayor. Una vez validado el registro, los usuarios pueden acceder con su cuenta personal para descargar gratuitamente las entradas disponibles para la programación adherida al programa. Las entradas pueden reservarse desde diez días antes de la celebración de cada espectáculo y son personales e intransferibles.

Valle-Inclán ha renacido en escena con el estreno de Farsa y licencia de la Reina Castiza. Un Valle más Valle que nunca y nuevo a la vez. La culpable es Ana Zamora y su compañía Nao d’amores. El texto, nada menos que una de las obras donde el teatro del gallego comienza a mutar hacia el esperpento. Una época de su teatro oscura, por poco y mal representada, que Zamora consigue iluminar.

La obra transcurre a lo largo de un día en que la Isabelona, como buena borbona, sale de juerga a un baile de candil, que era cómo los jóvenes de la época se divertían por la noche. Sería, salvando las distancias, como hoy irse de rave. Era la manera que tenía la reina de poder pescar amantes tersos y de buen ver. La correrías de Isabel II fueron bien conocidas en esta reina que se movía entre el desenfreno y su confesor, el Padre Claret y Sor Patrocinio, aquella monja de las llagas que tan bien inmortalizó Valle.

Valle utiliza esta velada para mostrar la decadencia moral y política de la corte en todos sus estamentos. Convierte la corte en un gran guiñol, tan vivo como abyecto. Cada personaje, desde los criados hasta el rey consorte, está retratado en mueca, son fantoches con alma de títere. Esa visión satírica permite al autor el retrato de una época sin concesiones, un retrato lleno de libertad crítica donde no queda títere con cabeza.

Todo eso recoge Zamora. El teatro nuevo de Valle que todavía tiene retazos modernistas en el léxico y métrica, pero que ya mira desde otro lado y está dos pasos del esperpento. El juego teatral que recoge la tradición del sainete y Valle transforma en otra cosa. La vena popular llena de vida que Zamora sabe recoger en tonadillas de la época como el Tripili, en coplillas de tradición oral castellana o en ese “trágala perro, tú que no quieres la constitución” que los españoles cantaron desde Fernando VII hasta la Guerra Civil.

Qué importante es la música en esta compañía. Y en esta ocasión, con Isabel Zamora al piano, la música vuelve a relanzar el montaje, a elevarlo al conseguir iluminar los hilos que unen la prosa de Valle con el arte popular. Y es que Zamora sabe fusionar como nadie la investigación y la creación. La combinación del rigor con una clara apuesta por la creación (tanto a nivel actoral, de vestuario, de concepción espacial y de dramaturgia) consiguen que la directora alcance hallazgos memorables.

Un pequeño ejemplo: al comenzar la obra, la Isabelona (Paula Iwasaki) reina vertical en el espacio. Y en sus faldas enormes, que se despliegan por todo el escenario, descansa el pueblo, una sarta de muñecos dormidos en su regazo. La falda construye un ruedo emulando así la serie literaria que Valle comenzó a escribir y no pudo acabar, El ruedo ibérico. Sintético comienzo, tan metafórico como pertinente, ahí está toda España habitada con sus seres de cachiporra en vertical injusticia.

El proyecto del ruedo ibérico comenzó precisamente con uno de los libros más impresionantes de este autor, La Corte de los milagros, ejemplar donde el autor acomete la autopsia más despiadada sobre, precisamente, el reinado de Isabel II. Esa ligazón que hace Zamora entre la obra narrativa y el teatro de Valle es inspiradora.

Hay que recalcar que el teatro de Valle no solo no se estrenaba por su dificultad, sino también por razones políticas. Farsa y licencia se publicó por partes en la revista La Pluma en 1920, pero tardaría once años en estrenarse. Tuvo que llegar la II República Española para que la compañía de Irene López Heredia y Mariano Asquerino la estrenasen en el Teatro Muñoz Seca.

La obra recoge una época que dista 60 años del momento en que Valle lo escribió. Pero la intención es clara: hablar del pasado reciente y afrontarlo con furibunda mirada de presente. Valga una anécdota que ilustra esta voluntad. El historiador Melchor Fernández Almagro contó que Valle Inclán hizo llegar a Alfonso XIII la primera copia de la obra con este dedicado: “A S. M. el Rey D. Alfonso XIII. Señor: Tengo el honor de enviaros este libro, estilización del reinado de vuestra abuela Doña Isabel II, y hago votos porque el vuestro no sugiera la misma estilización a los poetas del porvenir”.

Durante la dictadura de Primo de Rivera, y bien que lo intentó con denuedo Cipriano Rivas Cherif, no fue posible. Alguien debería escribir un libro sobre la vida truncada, tanto política como teatral, de este madrileño. Lo tiene todo. Este montaje es en cierto aspecto un acto de justicia hacia él. Rivas Cherif siempre quiso montarla incluyendo las acotaciones líricas, como ahora ha hecho Zamora.

Hay cierta emoción histórica cuando los actores las dicen. Zamora las incorpora todo lo que puede a la acción dramática. Es increíble cómo encajan, cómo podemos oír a Valle describiendo con escalpelo a sus personajes. Un ejemplo es la descripción de Isabel II cuando flirtea: “Ríe la comadre feliz y carnal, y un temblor cachondo le baja del papo al anca fondona de yegua real”. Maravilla que desvela la mirada de Valle a sus personajes, desde la reina hasta el general Narváez (Rafa Ortiz) o el codicioso Soplón (Aisa Pérez).

Pero los hallazgos caen uno detrás de otro. Quizá el mayor esté en la manera de tratar actoralmente lo guiñolesco sin que se llegue a robotizar la mecánica del actor, sin caer nunca en la caricatura, salvando al personaje siempre. Incluso permitiéndose un homenaje como el que se hace con Jorobeta (Alejandro Pau), quien de repente sale de registro para acometer unas hermosísimas palabras —“Mi reino fue una nube de verano…”— con toda la dignidad del pueblo llano.

El secreto de este montaje está en la medida. En tratar todo con equilibrio, con mala leche, pero sin llegar a la caricatura que reste vida y juego. Un gran ejemplo es cómo está tratado el rey consorte, Francisco de Asís y Borbón (Miguel Ángel Amor), de quien cantaba el pueblo lo siguiente: “Paco Natillas es de pasta y flora, y mea de cuclillas como una señora”. Zamora lo dibuja blando y afectado, un tanto histriónico y melifluo, pero sin ensañarse nunca.

Un elenco que brilla

Todo el elenco está magnífico. Un elenco muy joven que significa también una renovación de la compañía. Por último, señalar la escenografía y el vestuario a cargo de Deborah Macias y David Faraco. Son descomunales. Y lo son porque están entregados al juego escénico al mismo tiempo que a la metáfora. El juego con los sombreros, que servirán para que el actor cambie de personaje, no puede ser más efectivo. Pero, además, esos sombreros se construyen con los tabloides de la época que al principio están esparcidos por el espacio.

Los personajes surgen de esas letras impresas, de esa época, la de Isabel II, donde nacieron más de 600 periódicos. Una prensa que se leía en voz alta en cafeterías y ateneos. Combativa, parcial y punzante donde el trampantojo y la caricatura iba vistiendo a este país de carnaval funesto. Y qué decir de esas faldas de la Isabelona, que unas veces son ruedo ibérico, otras campo de lenocinio y otras palacio.

Este montaje debería girar por toda España y que el pueblo pueda mirar a su autor renacido, con fuerza, tan teatral como vanguardista, tan barriobajero como excelso. Cómo suenan hoy esas últimas palabras en este Madrid recalentado hasta la médula: “En el reino de Babia de la Reina Castiza rueda por los tejados la pelota del sol”.

Decía Manuel Machado que esta era la pieza más importante de las tres farsas que Valle publicó bajo el título Tablado de marionetas para educación de príncipes. Y en este último agraciado trienio teatral, en el que hemos visto tres muy buenos valles —Luces de bohemia, Los cuernos de Don Friolera y este montaje—, destaca sobre manera esta farsa, por innovadora, valiente e iluminadora.

La reapertura del Teatro Lope de Vega contará con una programación extensa coincidiendo el próximo mes de septiembre con la Bienal de Flamenco, que contará con nombres como Aitana Sánchez-Gijón, José María Pou, Carlos Hipólito y Lolita Flores. Cinco años después de su cierre, el Ayuntamiento de Sevilla se ha comprometido a resolver las deficiencias que aún quedan en los intervalos donde no haya actividad escénica. “El Teatro no se vuelve a cerrar”, ha adelantado Angie Moreno, la delegada de Turismo y Cultura.

Entre las actuaciones que quedan pendientes está la adecuación de los aseos, la instalación de ascensores y otras mejoras técnicas y funcionales que completarán una rehabilitación que ha contado con una inversión de 9,5 millones. Después de un lustro, el centro cultural volverá a abrir sus puertas.

“La gestión del Teatro se hará desde la Dirección General, desde el equipo de Cultura, y contará con apoyo”, ha referido la concejala sobre el modelo que ha escogido el Ayuntamiento para esta reapertura. “Habrá ciertas obras coincidiendo que no hay programación”, ha resaltado, cuestiones que se abordarán en el verano de 2027.

'Vuelve el Lope'

Bajo el lema Vuelve el Lope, la propuesta reunirá entre octubre y diciembre una veintena de espectáculos de teatro, música, danza y flamenco, en los que producciones de referencia nacional e internacional compartirán cartel con compañías y artistas de la escena sevillana. Las entradas estarán disponibles a partir de este lunes 13 de julio, a partir de las 9.00 horas, a través de la web del propio teatro, señala el Consistorio.

En este sentido, el alcalde de Sevilla, José Luis Sanz, ha destacado el regreso de uno de los “grandes símbolos culturales” de la ciudad. Así, ha indicado que “la cultura es una inversión en ciudad, en identidad, en economía y en futuro”. “El Lope de Vega vuelve para quedarse y vuelve a ocupar el lugar que nunca debió perder como uno de los grandes teatros de España”, ha concluido.

La actuación contemplaba la renovación de los sistemas de sonido e iluminación, la digitalización de equipos, la sustitución de carpinterías, la instalación de un telón cortafuegos y la reparación del patio de butacas, los palcos y el paraíso, entre otras actuaciones, así como la transformación del entorno urbano que rodea el teatro y el Casino de la Exposición, con la creación de un auditorio al aire libre, la plantación de más de un centenar de árboles y la mejora de la accesibilidad peatonal, cuyas obras se prolongarán hasta 2027.

La programación

Esta programación propia arranca con Ad Mariam, concierto con el que compieza también la III Ruta Turina, una partitura “de raíz sevillana -voces de Soraya Méncid, Alicia Naranjo y Sergio Escobar, piano de Cristina Lucio-Villegas y La Orquestina bajo la dirección de Rafael Ruibérriz de Torres- pensada como primer gesto simbólico de esta nueva etapa”.

Carlos Hipólito encabeza Largo viaje hacia la noche, el descenso a los silencios y las culpas de una familia que Eugene O'Neill escribió como testamento y que Ernesto Caballero dirige “con crudeza y precisión” (16 al 18 de octubre). Le sigue Gigante, la coproducción del Teatre Romea y el Grec Festival de Barcelona con la que José María Pou cierra el mes bajo la dirección de Josep María Mestres (31 de octubre y 1 de noviembre).

Ya en noviembre, Cecilia Freijeiro presta su voz a Marcela, el personaje cervantino que se rebela contra quienes la juzgan, en una producción que Leticia Dolera dirige con mirada contemporánea (6 de noviembre); y Lolita Flores debuta en la escena sevillana con Poncia, el monólogo que Luis Luque construye a partir de La casa de Bernarda Alba para dar voz a la criada que calló durante toda la obra de Lorca: “Culpa, deseo y libertad reunidos en setenta minutos de una intensidad excepcional (7 y 8 de noviembre)”.

Diciembre cierra este eje con Malquerida, el drama rural de Jacinto Benavente sobre el amor prohibido y los secretos que arrasan una familia, con Aitana Sánchez-Gijón bajo la dirección de Natalia Menéndez (5 al 7 de diciembre).

Más propuestas

Ese mismo diálogo entre grandes producciones y creación sevillana tiene, en esta temporada, un peso singular. Del ámbito de la danza y el flamenco llegan dos propuestas nacidas en Sevilla: Fractus, de Manuela Nogales y Fernando Romero (23 de octubre), y Bien vale un imperio, de la bailaora Paula Comitre, programada el Día Internacional del Flamenco (16 de noviembre).

Teatro Clásico de Sevilla presenta El Público, uno de los textos más arriesgados de Lorca, en un montaje de Alfonso Zurro que combina belleza plástica y vértigo poético (20 al 22 de noviembre). Y Atalaya, una de las compañías más premiadas de la ciudad, regresa al Lope de Vega con 'Divinas Palabras', su relectura visceral de Valle-Inclán -avaricia, lujuria y muerte narradas con una potencia escénica que Ricardo Iniesta ha convertido en sello de la compañía (11 al 13 de diciembre).

Ya fuera de la temporada de otoño, el teatro adelanta su primera cita de 2027: Seis personajes en busca de autor, de Luigi Pirandello, dirigida por Pepa Gamboa y Antonio Álamo (8 al 10 de enero).

Vuelve la música

La música recorre la temporada con acentos muy distintos. El fado tiene una cita doble con dos de sus grandes voces actuales, Sara Correia y Beatriz Felício, en un fin de semana pensado para la nostalgia y el recogimiento (24 y 25 de octubre).

El Festival de Sevilla (SEFF) suma también su sello a la programación, con la proyección de 'Otra Ronda', dirigida por Carlos Álvarez-Ossorio (11 de noviembre), y un concierto de la Banda Sinfónica Municipal de Sevilla (14 de noviembre).

El jazz cierra el mes con dos propuestas que exploran sus fronteras: Tornado, el trío que lidera el pianista Marco Mezquida, una de las figuras más premiadas del jazz europeo actual (28 de noviembre), y el concierto de Andalucía Big Band junto al saxofonista y cantaor Antonio Lizana, que lleva el flamenco al formato de gran banda en una de las citas más esperadas del otoño (29 de noviembre).

El año se despide con el espíritu de la Navidad sevillana. Siempre Así sube por primera vez al escenario del Lope de Vega con El sentido de la Navidad, su repertorio de rumba y raíz flamenca convertido, tras tres décadas de carrera, en banda sonora de la ciudad (19 de diciembre).

A esta cita se suman tres citas institucionales por invitación que forman parte también del calendario navideño del teatro: el Pregón de la Cabalgata de Reyes y el Concierto de Navidad de la Banda Municipal de Sevilla, ambos con el Ateneo de Sevilla (17 y 18 de diciembre), y el concierto In Memoriam de la Fundación Jiménez Becerril (20 de diciembre).

JUEVES 9 DE JULIO

Conferencia y diálogo La figura de Gregorio Peces-Barba en la defensa de la democracia y los derechos humanos

Casa Anchieta - 18:00

Humberto Ríos Rodríguez y Dulce Cairós Barreto conversarán sobre el legado de Gregorio Peces-Barba, destacando su contribución a la democracia, los derechos humanos y la Constitución de 1978. Tras el coloquio, el comisario de la muestra, Honorio Penadés de la Cruz, ofrecerá una visita guiada para profundizar en la dimensión humana, política y académica de una de las figuras clave de la España democrática.

JUEVES 9 DE JULIO

Noche de comedia – Cruz Roja

Teatro Leal - 20:00 H

La gala solidaria reunirá en el Teatro Leal a David García del Castillo, Exhuberancia Carey, Jéssika Rojano y Gerson Ramos, cuatro humoristas con estilos muy diferentes que ofrecerán una noche repleta de ironía, improvisación, sátira y humor canalla. La recaudación del espectáculo se destinará a apoyar los proyectos sociales de Cruz Roja.

SÁBADO 11 DE JULIO

FIMUCITÉ 20 - Golden Piano Stories

Teatro Leal - 20:00 H

Golden piano stories es una joya intimista y única que nos transportará por icónicas melodías, momentos que han marcado nuestras vidas. El virtuoso polaco del piano Aleksander Dębicz es el autor de los arreglos exclusivos de bandas sonoras oscarizadas que interpretará en riguroso estreno en el mágico escenario del Teatro Leal.

SÁBADO 11 DE JULIO

Veladas Conciertos selectos - Ariann. Chelo y Voz

Exconvento de Santo Domingo - 20:00 H

Las Veladas en el Exconvento de Santo Domingo de San Cristóbal de La Laguna son ciclos de conciertos y espectáculos que se celebran en la Sala Capitular o el claustro. Se caracterizan por ofrecer una atmósfera íntima y tenue, a menudo iluminada por miles de velas, creando una experiencia única en un entorno histórico

SÁBADO 11 DE JULIO

Kike Pérez

Teatro Unión Tejina - 20:30 H

En este nuevo espectáculo, Kike Pérez reflexiona con humor sobre la sociedad actual, marcada por las redes sociales, la inmediatez y las contradicciones del día a día. A través de anécdotas y observaciones cargadas de ironía, el cómico invita al público a reírse de la realidad sin dejar de cuestionarla, en un montaje que combina entretenimiento, cercanía y reflexión.

SÁBADO 11 DE JULIO

DAPHNE

Teatro Leal - 21:30 H

Daphne es un power dúo de rock en español nacido en la escena underground madrileña e integrado por Marcos Cabello (voz y bajo) y Jesús Rivera (batería). Desde 2018 han construido un sonido propio, basado en la fuerza del bajo y la batería y en letras que exploran la vulnerabilidad y el conflicto. Tras publicar su primer EP, en 2024 grabaron su álbum debut, Tensión, producido por José Caballero y presentado en 2026.

DOMINGO 12 DE JULIO

Javi Hernández - Laguneando

Teatro Leal - 20:30 H

Javi Hernández presenta Laguneando, un espectáculo musical que rinde homenaje a San Cristóbal de La Laguna a través de un recorrido íntimo por sus calles, recuerdos y tradiciones. Entre serenatas y canciones de raíz, la propuesta combina emoción, identidad y cercanía para invitar al público a redescubrir la ciudad desde la música y la memoria.

DOMINGO 12 DE JULIO

POLLABOBAS Y AGUANTAVELAS - TEATROSCOPIA

Teatro Unión Tejina - 19:30 H

Pollabobas y aguantavelas es una adaptación autorizada de la novela The Lightning-struck Heart de T. J. Klune, autor galardonado con el premio literario Lambda. Es una comedia de fantasía medieval en la que el amor, el deber y la aventura se afrontan desde perspectivas inusuales.

MARTES 14 DE JULIO

Encuentro Literario de Mujeres Escritoras

Casa Anchieta - 19:00 H

Las escritoras canarias Acerina Cruz y Lana Corujo conversarán con la filóloga Beatriz Ortiz González sobre el paisaje insular como fuente de inspiración y protagonista de la literatura canaria. Este encuentro propone un espacio de diálogo y reflexión en torno a la creación literaria contemporánea y las nuevas voces del archipiélago.

MARTES 14 DE JULIO

Solo Palique

Teatro Leal - 20:30 H

Solo Palique La Chosita es un espacio de conversación y humor en el que las anécdotas, la improvisación y el ingenio se convierten en los verdaderos protagonistas.

MIÉRCOLES 15 DE JULIO

TALLER DE DANZA - ASOC. DAD-SEMILLERO DE CUERPOS

Teatro Unión Tejina - 11:00

MIÉRCOLES 15 DE JULIO

La Tuerta, una historia de supervivientes

Teatro Leal - 20:00 H

Basada en la novela de María del Mar Rodríguez y adaptada y dirigida por Aranza Coello, esta obra aborda la memoria, la supervivencia y las heridas de un país marcado por la guerra. A través de historias silenciadas, pone el foco en quienes intentaron reconstruir sus vidas y, especialmente, en las mujeres que sufrieron las consecuencias más devastadoras del conflicto.

JUEVES 16 DE JULIO

La felicidad no importa - Societat Doctor Alonso

Teatro Leal - 19:00 H

La felicidad no importa es una performance de Tomàs Aragay (Societat Doctor Alonso), en colaboración con Joan Forner, que explora la relación entre la realidad y la representación a través de la escena y el lenguaje audiovisual. La propuesta combina reflexión, imagen y palabra para cuestionar el significado de la vida cotidiana y la forma en que construimos nuestra percepción de lo que nos rodea.

JUEVES 16 DE JULIO

José James with Célia Kameni: Marvin Gaye's I Want You

Teatro Leal - 20:00 H

El cantante de jazz José James llega al Teatro Leal dentro del Festival Internacional Canarias Jazz & Más con un concierto homenaje al 50.º aniversario de I Want You. Acompañado por Célia Kameni y una banda de primer nivel, el artista revisita este influyente disco para celebrar el legado de Marvin Gaye y Leon Ware, fusionando jazz, soul y R&B en un espectáculo concebido como un tributo a una de las grandes obras de la música contemporánea.

Este jueves 9 de julio arranca la celebración de la undécima edición de la Semana de la Ópera en el Teatro Real. Para festejar la señalada fecha, la institución ofrecerá para todos los públicos cuatro retransmisiones de sus últimas producciones en el “gran auditorio al aire libre” que es la Plaza de Isabel II, entre otras actividades.

Así, hasta el 12 de julio, en la plaza madrileña se colocarán 1.100 sillas a las que el público podrá acceder, por orden de llegada, hasta completar aforo. Todas las sesiones serán gratuitas.

El primer día se programará la ópera Romeo y Julieta y el día 10 de julio en directo será el turno de Il Trovatore. El día 11 la pantalla de la plaza acogerá La novia vendida, y el domingo 12 de julio, El lago de los cisnes: la nueva generación.

Además, como celebración de esta Semana de la Ópera, el Teatro Real también ha organizado una jornada de puertas abiertas. Los visitantes podrán acceder al teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones, espacios emblemáticos del edificio.

También a lo largo de toda la semana, a través de la redes sociales y de la página web del Real, se podrá participar en sorteos de premios como entradas para las óperas Il trovatore, que clausura esta temporada, y Manon Lescaut, que inaugurará la próxima, la gran compañía americana de danza Alvin Ailey American Dance Theater, el concierto del tenor español Xabier Anduaga, espectáculos del ciclo Flamenco Real, una suscripción anual para My Opera Player, plataforma de vídeo del Teatro Real, y visitas especiales al Teatro Real.

A continuación, puedes consultar las fechas y horarios de las cuatro óperas que se retransmitirán este fin de semana desde la plaza de Isabel II:

Fechas y horarios de las retransmisiones

Romeo y Julieta, de Charles Gounod

La historia de amor imposible más famosa del mundo. El drama inmortal de Shakespeare en una espectacular producción de Thomas Jolly.

Il Trovatore, de Guiseppe Verdi

Una de las óperas más populares del compositor que culmina la temporada 2025-2026 del Teatro Real.

La novia vendida, de Bedrich Smetana

Considerada la ópera de la felicidad humana y comedia en estado puro que cautivó al público del Real el pasado mes de abril.

El lago de los cisnes: la nueva generación, de Matthew Bourne

Una icónica versión radical del clásico de Chaikovski que desafía las normas del ballet clásico gracias al coreógrafo y director artístico Matthew Bourne.

Alberto Cortés lleva ya cinco años y cuatro piezas navegando solo hacia el desastre y la salvación. Su teatro es contradicción atravesada de poesía. En su última pieza, El corazón de Ester, Cortés eleva la apuesta. Un teatro difícil, hilvanado por un texto de una poesía libérrima, en el que el artista se ofrece al público como alimento. Cortés quiere ser comido hasta desaparecer y al mismo tiempo ser sol. Narciso y Agnus Dei al mismo tiempo.

Atrás queda aquella pieza, El ardor, que estrenó también en Barcelona en el festival Sâlmon, en la que Cortés clamaba por un batallón de maricas que incendiaran la ciudad de deseo. Cortés hoy está más solo, más viejo, más sabio. Su teatro se ha ido destilando, también amanerando, torciéndose sobre sí mismo hasta poder lamerse la espalda.

Entonces, en aquel 2022, Cortés era la gran esperanza blanca del teatro contemporáneo, de un teatro anti representativo y de creación. Hoy el malagueño es una diosa para un buen número de espectadores que cada día sigue creciendo. Su presencia escénica y su apuesta extrema por un teatro de exposición máxima, ha hecho que mucha gente lo adore.

Algo que en septiembre, cuando se estrene la película de los Javis, La bola negra, donde Cortés encarna a Lorca en una sorprendente coda final, se multiplicará exponencialmente. Alberto es puro magnetismo entregado y eso hoy, en esta sociedad insaciable del espejo y la avidez consumista, es convertirse en alimento para los peces. Pero centrémonos en esta Ester.

Ester es una Dickinson calenturienta, una Catherine de Cumbres borrascosas queer y entregada. Cortes ha creado un alter ego que lo atraviesa. Dice, para presentar la pieza, haber encontrado unos poemas y cartas en la campiña inglesa de esta mujer romántica del XIX. Para encarnarla, Cortés se viste como mujer victoriana, invocándola para ser poseído por ella. Tiene algo de fantasmal esta obra que recuerda a su anterior trabajo, Analphabet, donde Cortes también invocaba a un fantasma romántico y marica.

En esta obra también estarán, como en aquella, el niño analfabeto de Bergamín, el acto de salir de uno mismo y verse desde fuera y, sobre todo, todavía de manera más extrema, la poesía. Bien es cierto que a Cortes lo adoran, pero su teatro, cada día más gobernado por una poesía casi surrealista, es dificilísimo. Su escritura es críptica al mismo tiempo que posee la iluminación de un Rimbaud extrañado. Seguir como espectador esa escritura alterada, que mira al mundo con los ojos del místico, del San Juan nocturno y elevado, no es fácil.

En esta Ester, Cortes utiliza binomios como amor/teatro, amante/público o Ester y él mismo que en escena se confunden hasta hacerse intercambiables. Habla Cortés de esta Ester que se entrega hasta desaparecer en un amor carnal y masoquista al mismo tiempo que está hablando de él mismo que se entrega como diosa queer al público para que lo coma hasta hacerlo desaparecer. Un público de quien también sabe que un día acabará arrastrándolo por el suelo, “y se acercará el momento / en que todo mi rebaño / una noche de verano / abandone a este pastor”, dice en escena.

Como en el amor, la relación entre el artista y el espectador, a quien llama su “Milord”, es una relación llena de masoquismo. El se dejará comer a cambio de ser el sol venerado, “aquí ver es comer” dice al público ofreciéndose. Un ritual satánico, enfermo, pero al mismo tiempo valiente, lleno del deseo de vivir en comunión que muchas veces acaba anegado. En la vida, el amor acaba anegado por el sexo vacuo. En el teatro, por el triunfo, por ese deseo malsano de que lo adoren y ese espectador que lo mira como un siervo.

Detrás de todo ese aquelarre (al que como banda sonora le encajaría a la perfección aquel tema de los Sonic Youth Bull in the Heather) vemos a un Cortés erosionado, que ve cómo va gastándose en esas relaciones a las que apostó todo: la poesía escénica y el amor. Por eso, no dejará en toda la obra de mirarse las manos, cada día más gastadas, más traslucidas e insatisfechas. Unas manos que bailarán gracias a esos brazos gigantescos que las moverán denodadamente por el espacio.

Me repito. Cortés en esta obra es Emily Dickinson escribiendo el poema No soy nadie, ese que dice “¡No soy nadie, ¿Quién eres tú? / ¿Tú tampoco eres nadie? / ¡Ya somos dos!”. Lean el poema, vean cómo acaba, sus palabras parece haberlas escrito el propio Alberto para este trabajo. Porque la comunión que busca Cortés está en compartir con el otro un amor despojado, lleno de la conciencia dolorida ante lo efímero, lleno de entrega al otro en medio de un páramo.

Más lejos de divismos, de ese final ego maniaco que tiene la obra, el aroma final de la pieza es amargo, triste. El espectador puede oler el sudor de un Cortés asustado ante la apuesta que le hizo a la vida, oler su miedo a que este teatro y esa manera de amar acabe en martirio. Aún sí Cortés decir seguir en lucha, decide seguir buscando un teatro que sea amor y un amor que sea renacimiento. Puro misticismo teresiano.

De ahí la carta del Tarot enorme que aparece en escena al final de la pieza. La carta no es otra que La Estrella. Ester quiere decir justamente estrella en persa. Ester la que escondió su naturaleza judía para luego salvar a su pueblo, Ester la que hoy siguen celebrando los judíos en su Purim. Pero, sobre todo, esa carta con el número 17 significa esperanza, sanación, paz interior.

Cortés acaba de publicar nuevo libro en Continta me tienes. Se llama Libro de las devociones. Muy recomendable. Aparte del texto de la obra, el libro contiene la relación epistolar que el artista ha mantenido con el religioso carmelita descalzo y sacerdote Fernando Donaire. Las cartas que se envían son el mejor prólogo de esta pieza, en ellas Cortés se desnuda en prosa clara y confesional.

Al final de la pieza, el malagueño dejó su corazón en medio del escenario e invitó al público a cogerlo, “solo un pedazo”, dijo el artista mientras citaba la hora, el lugar y el número de función en que lo hacía. La que hoy narro fue la quinta tras su paso por el festival belga Kunsten donde estrenó la pieza. Una función que acabó en aplauso entregado.

Están proyectadas 50 funciones. La obra emula así la pieza numerada de las artes plásticas, pero sobre todo quiere también avisar del desgaste de este teatro de gran exposición y entrega, de un teatro que también va desgastándose con la mirada del público. Así será pues, 50 funciones para desaparecer y renacer en este teatro tan carnal como místico, tan marica como universal.

Este fin de semana, también pudo verse en el Grec la última pieza de uno de los grandes, el italiano Romeo Castellucci. Credere alle maschere es un trabajo performático e inmersivo en el que el público debe portar unas máscaras hiperrealistas. Pieza corta, menos de cuarenta minutos, con toda la finura dispositiva y performática del italiano. Un público sin identidad mira por las ranuras mínimas de sus caretas lo que pasa en escena. Dos operarios muestran objetos que van siendo titulados con palabras en un asociacionismo libre.

Un crucifijo llevará el título de lluvia, un altavoz el de pulso, un zorro el de caballo… Así sucesivamente, proponiendo un lenguaje poético, expansivo y abierto hasta que a escena sale una silla eléctrica en la que el título coincidirá con el objeto. En ese momento donde se impone el lenguaje exacto, científico, Castellucci, con bastante mala leche, propone un juego naif y violento a esa masa informe de espectadores callados. Piza sutil, pequeña, pero retadora: ¿Hasta cuándo estaremos mirando el horror en silencio?

'Bárbara, el musical', de la compañía cántabra Adrián Alonso Producciones, se ha alzado con el galardón a Mejor Caracterización en la gala anual de los Premios Off nacionales, celebrada en los Teatros Luchana de Madrid el 29 de junio. Estos premios reconocen la excelencia, la innovación y el riesgo artístico en el circuito del teatro independiente de todo el país.

La producción ha logrado un doble hito para la distribuidora independiente: clasificarse como finalista al máximo galardón de Mejor Musical Off y, a su vez, convertirse en el segundo musical más votado por el público.

Según la productora, la nominación a Mejor Musical Off ha situado al montaje “entre la elite del teatro independiente nacional, premiando la solidez global del espectáculo, su dramaturgia, dirección e interpretación”.

Por su parte, el premio en la categoría de Mejor Caracterización pone en valor el meticuloso trabajo plástico y de diseño visual que da vida a la atmósfera de la obra. Los creadores MIA MOI y el propio Adrián Alonso han sido los artífices de esta propuesta estética única.

“Regresar a Cantabria no solo con la nominación a Mejor Musical, sino también con este premio nacional y con la maravillosa sorpresa de haber sido el segundo musical más votado por el público es un orgullo inmenso para todo el equipo. Es el reflejo de que desde Cantabria se está haciendo teatro musical competitivo, ambicioso y con un sello de calidad indiscutible”, han señalado este lunes desde la dirección de la compañía.

'Bárbara, el musical' es una adaptación de Adrián Alonso y Ana Conde de la comedia musical 'Bárbara', de Mar Galera, inspirada en la obra teatral 'Las criadas', de Jean Genet.

La trama sigue a Bárbara (interpretada por la actriz y soprano cántabra Begoña Agüero), la poderosa reina de las mañanas televisivas cuyo estatus se tambalea cuando Clara y Sole (que encarnan Rocío Riego y Nuria Gedack, ambas actrices de trayectoria consolidada en la región), sus dos becarias, deciden rebelarse para perseguir su propio sueño de triunfar en la pantalla. El elenco se completa con la participación de la compañía de danza Dantea y ofrece una ácida crítica a los programas sensacionalistas y a los reality shows actuales.

El musical, que forma parte del circuito 'La cultura a Escena' del Gobierno de Cantabria, inició su trayectoria con su estreno en el Teatro Arlequín de la Gran Vía de Madrid, y actualmente se encuentra inmerso en su gira nacional. Podrá verse los días 3 y 4 de octubre en Madrid; el 16 en Reocín; el 17 en Castro Urdiales; el 23 en Solares (Medio Cudeyo), y el 24 en Cabezón de la Sal. En el mes de noviembre llegará a Los Corrales de Buelna, el día 13; Viño de Piélagos, el 14; Camargo, el 26 y Laredo, el 28.

En marzo de 2008, el Teatro Pemán de la ciudad de Cádiz cerró sus puertas, dejando un vacío inmenso en las noches veraniegas de la capital gaditana. Durante este tiempo, el silencio ha reinado donde antes hubo aplausos y melodías inolvidables bajo la luna. Sin embargo, tras años de retrasos y proyectos y polémicas respecto al nombre del propio teatro, Cádiz se prepara ya para recuperar su gran escenario. Y es que la ciudad echa de menos aquel movimiento artístico que llenaba los bares del barrio del Mentidero. La nostalgia pronto dará paso a la realidad de una reapertura que promete devolver el alma al parque. Este rincón privilegiado, unido a sus playas y eventos, reforzará de nuevo la apuesta estival gaditana.

El teatro no solo fue un edificio, sino un imán que atraía a todas las figuras rutilantes. Durante las décadas de los setenta y ochenta, Cádiz vivió festivales que renovaron la pasión por el ocio. La canción melódica, el humor, la danza, la copla, el rock y el jazz se daban cita en este complejo. En sus tablas se fraguaron éxitos que hoy forman parte de la rica memoria colectiva de la ciudad. No era fácil llenar sus gradas ni triunfar ante el exigente pero entregado público de esta tierra. El invierno era una playa desierta de espectáculos, pero el sector cultural echaba el resto en vacaciones. Aquellas galas de gran categoría convertían cada noche de mayo a septiembre en un evento único.

Un ejemplo muy claro fue Rocío Jurado, quien manejó los hilos emocionales de este teatro durante un cuarto de siglo. La chipionera se apropió del espíritu del teatro a lo largo de veintiséis veranos de éxitos absolutos. Sus devotos pujaban en la reventa para no perderse el idilio permanente de la artista con Cádiz. Junto a ella, figuras como Isabel Pantoja garantizaban reinados de copla que llenaban el aforo hasta la bandera. Rocío Jurado creció sobre estas tablas hasta alcanzar la eternidad, compitiendo en buena lid con otras grandes figuras. Incluso llegó a pregonar el Carnaval sin cobrar, costeando ella misma sus gastos por puro amor. Lucía composiciones de Manuel Alejandro y vestidos de Antonio Ardón ante un auditorio rendido a su talento. El recuerdo de aquellas noches sigue vivo en los centenares de seguidores que hoy cantan sus temas.

A la brisa marina del Atlántico, el teatro ejerció también de imán para el folklore suramericano más profundo. Los veteranos aún rememoran los recitales de Mercedes Sosa dando gracias a la vida con su voz. Alberto Cortez, Atahualpa Yupanqui y Alfredo Cafrune mostraron su enorme humanidad y rebeldía en el parque. Facundo Cabral subrayó con su lírica cosmopolita una oda que caló hondo en el corazón de los gaditanos. Todo ocurría de un modo asombrosamente natural, permitiendo que la cultura aireara la mente del público. Joan Manuel Serrat escribió allí varias de sus páginas más hermosas bajo el amparo de los vientos. Carlos Cano, el juglar andaluz, se transformó en institución y tocó el cielo junto al Callejón de los Negros. Fue una etapa de amplitud de horizontes que conectó a Cádiz con el resto del mundo.

El misterio del jazz y el vigor del rock también encontraron su hueco en este espejo de mil colores. Paco de Lucía, en los años ochenta, deslumbró interpretando el Concierto de Aranjuez junto a Chick Corea. Desde Triana hasta Los Planetas, el recinto mostró atención a todos los géneros y ritmos vivos del momento. El carnaval y el flamenco, dueños absolutos de la escena, depararon festines fascinantes para los grandes ases. Multitud de tipos y coplas adornaron grabaciones antológicas que capturaron la esencia de la fiesta gaditana. Incluso el poeta Jean Cocteau visitó el lugar invitado por Pemán para los Cursos de Verano. El auditorio fue, sin duda, el epicentro donde la tradición y la vanguardia se abrazaban cada noche.

Mayor accesibilidad

El proyecto de reconstrucción busca integrar definitivamente el edificio con su entorno natural y paisajístico. Las nuevas instalaciones contarán con una piel traslúcida de vidrio que permitirá que el teatro parezca flotar. Esta visibilidad abrirá la parte trasera hacia las vistas del paseo de Santa Bárbara y del mar. El nuevo diseño contempla tres niveles: sótano para la orquesta, escenario con fondo acristalado y graderío. Se han dispuesto 22 palcos y una capacidad total de 1.152 plazas de aforo, distribuidas en 954 asientos fijos, ya instalados, otros 192 móviles, y 12 plazas para personas con movilidad reducida. De hecho la accesibilidad ha sido prioritaria, con los mencionados espacios adaptados para personas con movilidad reducida y bucles magnéticos. El patio de butacas tendrá la inclinación necesaria para facilitar una visión perfecta desde cualquier punto. Además, parte del suelo podrá retirarse para crear un espacio escénico flexible sobre lámina de césped.

Tras más de tres lustros de parálisis y contratiempos, el teatro encara por fin su recta final de restauración y este mismo mes de agosto volverá a abrir sus puertas. Este histórico espacio volverá a ser un referente cultural estable. La Fundación Municipal de Cultura ya trabaja en un calendario variado de música, danza, cine y teatro. El recinto será el complemento perfecto al Gran Teatro Falla para desarrollar actividades escénicas al aire libre, buscando dinamizar económica y culturalmente los barrios cercanos, devolviendo la vida al cinturón universitario. Cádiz recuperará así un rincón donde enamorarse de la ciudad mientras los aplausos vuelven a sonar. Las grúas darán paso al arte, cerrando un largo capítulo de silencio en el Parque Genovés.

Spartacus’ ha subido el telón del Festival de Teatro de Mérida para acercarnos al mundo sensible del gladiador tracio con un diálogo sincrónico entre narrativa y ballet. Un grito que resuena en la actualidad a través del eterno conflicto entre el yugo del opresor y la sed de libertad del ser humano.

Con la adaptación del texto de Ana Graciani y la dirección artística de María Graciani, esta propuesta despoja al héroe mítico de su armadura para descubrir al hombre, interpretado por Miguel Ángel Muñoz. Un espectáculo que define un viaje a través del limbo difuso entre la vida y la muerte en un escenario donde coexisten el delirio onírico y la realidad más pura.

Con una escenografía cuidada al detalle, el teatro romano de Mérida se convierte en el cómplice perfecto para humanizar el mito de un hombre que luchó por su libertad hace 2.000 años. Una apuesta que desde el amor a la vida y el miedo a morir ha permitido al espectador palpar las emociones del guerrero que no solo luchó, sino que también supo de miedos, pasiones y llantos.

El público ha podido empatizar con el esclavo tracio a través de un lenguaje que fusiona la palabra, con un texto narrado por Muñoz, y la plasticidad del ballet clásico.

En este sentido, los bailarines del Düsseldorf Ballet Theater, dirigidos por Peter Agardi,han elevado el espectáculo en una propuesta donde Igor Person asume la responsabilidad de dar cuerpo, a través de la danza, al joven Espartaco.

De actor a mito en escena

Frente a la tiranía implacable y el egoísmo puro de una Roma que no quiere perder el poder sobre los esclavos, estos empiezan su rebelión gracias a un Espartaco derruido tras haber matado a su mejor amigo en la arena. En la batalla, Muñoz carga de soberbia al personaje a través de su voz, hilando un discurso sobre la dignidad y los derechos de sus iguales que, irremediablemente, pagarán su libertad con sangre.

En una fusión casi idílica, el actor le da la oportunidad y la fuerza a Espartaco para revivir su pasado, asumiendo tanto sus errores como los egocentrismos del pasado.

El escenario, a través del cuerpo de los bailarines, se llena de una desgarradora fragilidad donde los cuerpos heridos de sus seguidores revelan la agonía de aquel que sufre bajo la fuerza del poder y la tiranía absoluta. Por esta razón el dolor que consume a Espartaco cobra más fuerza al acompañarse por composiciones musicales en directo, además del sonido de esas cadenas y látigos que recordaban su pasado trágico.

Del odio al perdón

La propuesta de las Graciani otorga todo el peso dramático a la evolución interna del propio protagonista. Espartaco es quien, frente a la inmensidad del teatro, asume el papel del narrador para que, con gracia y estilo, el cuerpo de baile exprese los pasajes de su pasado.

En el inicio de la historia, el relato nos muestra a un Espartaco visceral, consumido por el odio y el resentimiento, pues solo eso le “mantienen con vida” al mismo tiempo que le consume. Con bravura y una fuerza salvaje reflejada en la danza, el personaje verbaliza la rabia de verse despojado de su identidad.

Con una coreografía excepcional en la sincronicidad de movimientos de los 18 bailarines, el gladiador lanza una proclama de igualdad, pues “todos nacemos iguales con dos manos para aferrarnos al mundo”, por lo que, a su juicio, es sensato rebelarse “ante los hombres, pero también ante los dioses que permiten esta barbarie”.

Así, con una fuerza inquebrantable, el gladiador alienta a todos los esclavos de Roma, incluidos los emeritenses, a luchar, aunque el desenlace es inevitable y la puesta en escena que se vuelve más sobria, la coreografía abandona la espectacularidad de los combates iniciales para centrarse en la pesadez de los cuerpos cansados, reflejando el peso del destino que se avecina.

La muerte por una causa digna La muerte de Espartaco representa el sacrificio de un hombre que prefirió caer herido antes que verse nuevamente encadenado y que con amargura proclama que “no queda nada” y han “perdido la guerra”. En ese instante, cuestiona en qué momento confundió destino con soberbia, se castiga por su actitud y lanza al aire una duda existencial: “¿merece la pena matar y morir por muy digna que parezca la causa?”.

Con el dolor de saber que 6.000 de sus iguales están crucificados, el guerrero comprende y acepta su final, admitiendo que debió morir por una causa mayor, dejando resquicios de su testamento vital: “aquí llegué yo, lo demás es cosa vuestra”.

El final se corona con la muerte, representada por un caballo blanco, siendo aceptada por el tracio mientras escuchamos el emotivo discurso de su hijo, quien proyecta hacia el futuro la esperanza de que todo el sufrimiento habrá merecido la pena mientras la muerte se lleva a su padre. Al grito unísono de ‘¡Spartacus!’, la obra culmina en el teatro romano logrando una ovación.

Almagro andaba inquieto y eléctrico ante uno de los estrenos más esperados desde hace años. La directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Laila Ripoll, dirigía un espectáculo por primera vez desde que fue nombrada hace dos años. Ripoll se la jugaba y lo hacía con todo un reto: El Caballero de Olmedo, una de las obras más conocidas y difíciles de Lope de Vega.

Se abrió la noche en la Plaza de Almagro con un espectáculo producido por el propio festival. La propuesta giró en torno a la baraja de cartas pintada a mano que se encontró en 1950 en una posada de la Plaza de Almagro. Una baraja que dio la pista de que bajo la posada estaba enterrado el que es hoy el centro neurálgico del festival y del teatro áureo, el Corral de Comedias.

Malabares, telas aéreas, acrobacias y contorsiones abrieron esta edición en una invitación al juego que el público supo agradecer y siguió pese a que en esos momentos jugaba España su partido en el Mundial de fútbol. Una 49 edición en que la imagen del festival, creada por Judit Canela, recrea de manera colorida y contemporánea aquella baraja que acabó siendo brújula.

Ya con la noche cerrada todos los ojos se centraron en el Hospital de San Juan, sede al aire libre de la Compañía Nacional en Almagro. Un inmenso telón rojo de tul se dejaba cimbrear por el viento. No quiere ser poética esta frase, sino señalar uno de los vectores principales de esta propuesta, en las que esas inmensas gasas juegan un papel fundamental.

Ripoll presentaba con esa imagen sintética su visión de esta obra escrita en 1620, en la que Lope de Vega se inspiró en una tragedia real que se había convertido en mito popular. Alonso, caballero de Olmedo, visitando la cercana Medina conoce a una mujer, Inés, de la que se enamora. Rodrigo, vecino de Medina y pretendiente de Inés, despechado y humillado por la brillante figura del de Olmedo, acaba matándolo.

Lope une en esta obra la trama amorosa, con cierto grado de enredo y comedia, con la tragedia de este joven agraciado que, aun viéndose correspondido en amores, tiene un final funesto. Una tragicomedia donde se unen muerte y amor, destino y fatalidad, de un modo que se adelanta dos siglos al sentir romántico.

Esa misma ha sido la propuesta de Laila Ripoll: llevar el drama al espíritu romántico del XIX. El espectáculo tiene una estética subyugante. Ese tul rojo será remplazado por otros más vaporosos y negros, que son como la niebla de otro mundo y transportan al espectáculo hacia lo fantástico. El escenario geométrico del artista plástico Arturo Martín Burgos y el vestuario de Almudena R. Huertas acaban de dar ese imaginario que tanto recuerda a la película de Gonzalo Suárez Remando al viento.

La estética del espectáculo, además, se apoya en el trabajo de vídeo de Álvaro Luna, que va enfatizando cómo la obra pasa del juego a la pesadilla, de la vida amorosa al canto fúnebre. Una pintura de un paisaje se proyecta en la escenografía metálica, un horizonte romántico que recuerda a aquel cuadro de Caspar David Friedrich, El caminante sobre el mar de nubes. Ripoll marca mucho la estética para conseguir convertir a ese Cabellero de Olmedo en un Lord Byron castellano.

La obra comienza ligera con su trama amorosa y sus versos limpios a ritmo de juego juvenil y vivo, pero la directora aprovecha cualquier ocasión para anunciar, presagiar, lo que se viene. Ya en el primer encuentro entre Alonso y Fabia (la alcahueta que interpreta una estupenda Arantxa Aranguren), la directora deja caer las primeras gotas góticas acercando todo lo que puede a Fabia hacia la brujería y lo fantástico. Esa Fabia ya no solo bebe de la Celestina de Fernando de Rojas, sino también de los cuentos de terror de E.T.A. Hoffmann.

Del romanticismo al terror

La polimetría de la obra —los narrativos romances, las sentidas décimas y las amorosas redondillas— son acometidos con más que solvencia por todo el elenco. El verso se dice claro, musical y con intención semántica. Se nota la mano de Eva Rufo y el saber de la propia directora. Se nota también la maestría de actores como David Lorente, que se divierte como nadie con los versos de Tello, el criado de Alonso.

Pero Ripoll lleva su apuesta más allá en la segunda parte y quiere pasar del romanticismo al terror, entrar en territorio gótico. La obra lo acepta, y el tercer acto tiene apariciones, fantasmas y es de claro sentir negro. Pero la alquimia teatral es caprichosa y el espectáculo no acaba de eclosionar.

La Compañía Nacional no había producido esta obra desde 1990, cuando Miguel Narros la dirigió. Es curioso que el primer director de la Compañía, Adolfo Marsillach, no decidiera montarla. No es una obra fácil y la dificultad no la dan los versos, que también, sino ese tránsito de la comedia hacia una tragedia de naturaleza moderna. El Caballero de Olmedo es la tragedia de un joven Werther castellano donde el ideal de lo bello se enfrenta a la muerte. Hoy, el recuerdo de los que la vieron el montaje de Narros es dadivoso, dicen que el Alonso que interpretó Carmelo Gómez era magnífico. Leyendo las críticas de la época, uno puede deducir que la memoria es más generosa que el juicio desde el presente.

Se podría argüir que las interpretaciones de los más jóvenes es una de las causas por las que el montaje no acaba de despegar. Pero esa razón es demasiado fácil. Tanto Víctor Saiz como Alonso, Elisabet Altube como Inés y Jorge Varandela como Rodrigo están a la altura. Aunque también es cierto que esta obra gravita sobre Alonso, sobre ese caballero que debe encandilar a los enamoradizos, subyugar a los aprendices de Rilke y hacer suspirar a los mayores.

Es lo que tienen los estrenos, son complicados, engañosos, hay que dejarlos respirar. No está dicho todo en este montaje que tras Almagro llegará a la sede madrileña de la Compañía, el Teatro de la Comedia; y que, si bien en su estreno no voló en emoción trágica, desplegó maneras, sabiduría escénica y potencia estética.

Laila Ripoll es quizá una de las personas del teatro que mejor conoce la obra de Lope de Vega. Su compañía, Micomicón, nació del brazo de este autor. Primero serían Los melindres de Belisa en 1992, luego llegarían El acero de Madrid, Mudarra… Ripoll nació con Lope, siempre anduvo con él y con él posiblemente acabe su carrera. Y este Caballero trastocado, lanzado a esa Inglaterra del XIX de los Shelley y Byron, es una enigmática rareza a paladear.

La Asociación Los Milagros del Santo busca nuevos participantes para la edición de la representación histórica de este año. De esta forma, hace un llamamiento a todas las personas que deseen formar parte de una de las tradiciones culturales y populares más emblemáticas del verano en Santo Domingo de la Calzada.

Con el objetivo de incorporar nuevos actores y colaboradores, la asociación convoca una jornada abierta el próximo 13 de julio, a las 21:00 horas, en el Claustro del Convento de San Francisco, donde darán comienzo los ensayos de la nueva edición.

La invitación está dirigida a vecinos y vecinas de Santo Domingo de la Calzada, así como a personas de otras localidades que quieran vivir una experiencia única basada en el compañerismo, la convivencia y la pasión por el teatro y la historia. Desde la Asocaición aseguran que no es necesario contar con experiencia previa, “únicamente tener ganas de participar y disfrutar formando parte de un proyecto colectivo”.

Cita cultural del verano

La representación de Los Milagros del Santo recrea algunos de los episodios más destacados de la vida y los milagros de Santo Domingo de la Calzada, constituyendo una de las citas culturales más reconocidas del verano calceatense y un referente para vecinos y visitantes. Los ensayos se celebrarán de lunes a jueves, entre las 21:00 y las 23:00 horas. La participación está abierta a personas de todas las edades, si bien los menores de 13 años deberán acudir acompañados por una persona adulta.

Desde la Asociación Los Milagros del Santo animan a toda la ciudadanía a sumarse a esta iniciativa y contribuir a mantener viva una representación que, año tras año, reúne a decenas de personas comprometidas con la conservación y difusión del patrimonio histórico y cultural de Santo Domingo de la Calzada.

Un total de once municipios de Cantabria acogen este fin de semana las actuaciones del circuito cultural 'Territorio'. La programación promovida por la Consejería de Cultura arrancará este viernes con seis propuestas repartidas por la región. A las 18.00 horas, los jardines del Ayuntamiento de Gama, en Bárcena de Cicero, acogerán el espectáculo 'Moon Boom Magic' de Asier Moon. Una hora más tarde, a las 19.00 horas, la Plaza de la Rueda de Cieza recibirá a Mariu Torre con 'Orquestuca La Runfona'.

La jornada continuará a las 20.00 horas con tres citas simultáneas: Esfera presentará 'Lost in Covers' en La Granja de Polanco; Nach Viking ofrecerá su espectáculo 'Atardecer musical' en la Plaza de la Bodega de Cabezón de la Sal, y After Perdices llevará 'Cuentos desde abajo' al Parque de Sansis de Ajo, en Bareyo.

Los actos previstos para este viernes concluirán a las 21.00 horas en Colindres, donde Casapalma actuará en la Plaza de la Constitución.

El sábado 4 la programación comenzará con una actividad formativa en Reinosa. A las 12.00 horas, el Impluvium albergará el Taller DJ impartido por Gou Music. Posteriormente, a las 13.30 horas, la Plaza del Ayuntamiento de Ampuero será escenario de la actuación de 14 Cuerdas con su propuesta 'Jazz & Funky Band'.

Ya por la tarde, a las 20.30 horas, el Centro Cultural de San Miguel de Aguayo recibirá a Dani Peña con 'The Gypsis'. La jornada se cerrará en Noja, donde 14 Cuerdas volverá a interpretar 'Jazz & Funky Band' a las 22.00 horas en el Palacio del Marqués de Albaicín.

El circuito concluirá el domingo 5 con una propuesta teatral en Comillas. A las 21.00 horas, el Centro Cultural El Espolón acogerá la representación de 'Mamá', a cargo de La Machina Teatro.

“¿Dónde está el maná de los cómicos, en qué tierra caerá que sea nuestra, si nosotros no somos de ninguna parte? Somos... del camino”. Esta frase del personaje Carlos Galván, un actor errante interpretado por José Sacristán en ‘El viaje a ninguna parte’, es la esencia de esta mítica película de Fernando Fernán Gómez, también guionista y actor en la cinta, rodada en 1986. El cineasta adaptó ese año para el cine su propia novela: la historia de un grupo de cómicos y actores ambulantes, que viajan en caravanas de pueblo en pueblo durante la posguerra franquista, y buscan el éxito y el amor del público.

Paradójicamente, este último objetivo lo consiguió la película. Amada por el público y la crítica, fue la primera en triunfar en los Premios Goya, que se estrenaron en 1987, cuando se hizo con los principales galardones.

El destino quiso que también cambiara para siempre la historia de Arisgotas, una pedanía de medio centenar de habitantes del municipio toledano de Orgaz. Por entonces, su alcaldesa, Juana Martín-Maestro, acudía a la localidad vecina de Mora a trabajar en una fábrica de guantes, y un día, al pasar por la céntrica plaza de Arisgotas para desplazarse, se encontró con Fernando Fernán Gómez, que buscaba escenarios por lugares de la zona para llevar su novela al cine.

Juana era arrolladora, impulsiva, emprendedora. “Solucionadora” o “disponidora”, que dirían en la Mancha. Se acercó al actor y cineasta y le propuso hacerlo allí mismo, en ese pequeño pueblo, y en los aledaños de la iglesia, una de las principales localizaciones que buscaba Fernán Gómez. Aceptó gracias a las bondades que esta mujer le vendió de su pequeño lugar en el mundo. Todo lo demás, nunca mejor dicho, vino rodado.

Lo cuenta su hija, Virginia García Martín-Maestro, hoy también alcaldesa de Arisgotas, que por entonces no había nacido, pero que se crio y creció con los recuerdos de su madre sobre el rodaje de la película. Los mismos que comparten todos los vecinos y vecinas que todavía rememoran aquellos días, pero que ella sacaba a relucir constantemente en las comidas familiares, en sus conversaciones con los parroquianos. “Le cambió la vida”, comenta.

Juana falleció hace tres años. “Es una pena”, apunta su hija, porque no podrá ver la increíble organización que este pueblo ha llevado a cabo para celebrar, durante este fin de semana, el aniversario de los 40 años del rodaje. De hecho, es la primera vez que Arisgotas realiza un evento de estas características, que lleva meses preparando, con la implicación de todos sus habitantes y la ayuda del Ayuntamiento de Orgaz y de su Oficina de Turismo.  

Fernando Fernán Gómez lo dejó claro desde el principio. Le dijo a Juana que, ante todo, necesitaban una persona que trabajara con ellos, que les ayudara a organizar a los vecinos y vecinas que serían los figurantes, y cualquiera de las necesidades que pudieran surgir. Ella se ofreció: “Yo me encargaré”.

El equipo de actores, decoradores, cámaras y atrezzistas (o “utileros”) desembarcó en el pueblo. A Juana le iban indicando cuánta gente necesitaban cada día y lo que tenían que hacer. Ella tomó las riendas de ese cometido.

Una semana que marcó muchas vidas

El equipo estuvo en el pueblo tan solo una semana. Entonces los rodajes eran más cortos, más sencillos. “Rodaron todo casi todo de seguido”, y después se marcharon a otros emplazamientos. La vida errante de sus personajes así lo requería.  

Pero una semana se convirtió en toda una historia en Arisgotas. La anécdota que más recuerda la hija de Juana, por ser la que más relataba su madre, tiene que ver con el aspecto de los ‘extras’. Todos se tenían que cortar el pelo y la mayoría no quería. La ambientación en posguerra de la historia requería que los rostros se vieran, y el director quería que la gente del pueblo tuviera protagonismo. Pero muchos se negaron en rotundo.

Esto provocó uno de los famosos cabreos derivados del fuerte carácter del actor y director. Pero Juana supo aplacarlo. “Le dijo: mira, vete a comer o a tomar algo al bar y cuando vuelvas, veremos qué pasa”.

Dicho y hecho. La mujer se plantó delante de los vecinos y “les pegó una voz”. “Le dijo que quien quisiera participar en la película y cobrar, se tenía que cortar el pelo y que si no, no salían. De repente, la gente empezó a hacer cola. Se empezaron a cortar el pelo y cuando volvió el director, todo se había solucionado y se pusieron a rodar”.

No pudieron rodar dentro de la iglesia porque decían palabrotas. Pero no hubo problema. Se rodó fuera

Virginia García Martín-Maestro — Alcaldesa de Arisgotas

La cuestión dio bastante de sí. El propio abuelo de Virginia tenía “una barba enorme” y se negó a afeitársela. “No había manera de convencerle”. Pero se empeñaba en salir en la película. “El director gritó ‘¡Esas barbas, fuera!’, pero nada. Mi madre, Juana, al final le convenció para que, cuando el plano enfocara donde salía mi abuelo, este se diera la vuelta. Y así se quedó. Aparece todo el rato de espaldas”, comenta entre risas.

También cuenta que pese a que el director estaba especialmente interesado en rodar dentro de la iglesia, nunca llegó a hacerlo, porque “decían palabrotas en la película”. “No hubo problema, se hizo fuera”.

Fernando Fernán Gómez aprovechó el tirón de contar con tantos figurantes, “casi todo el pueblo”. “Pero nunca se aprovechó de ello, les pagaban muy bien, hasta 5.000 pesetas al día por aparecer solo un rato. Eso era un dineral para esa época. Porque apenas tenían que hacer nada. La película dejó mucho dinero en el pueblo. Fue una maravilla”.

La actual alcaldesa dice que su madre se deshacía en elogios con Fernán Gómez. Desmontaba muchos mitos sobre su carácter. “Contaba que era muy brusco, pero a la vez muy cercano. Rotundo y amable al mismo tiempo. La gente llegó a tenerle cariño, y se notaba que había buen clima en todo el equipo cinematográfico”.

“La cercanía siempre estuvo ahí. Por ejemplo, cuando terminaban los rodajes, comían todos juntos. No había sitio para la gente de la película y otro para los vecinos. No había distinciones. Todos se juntaban con todos. Con el director, con José Sacristán, con Gabino Diego, con Laura del Sol… Allí todos eran lo mismo”.

Esa es la esencia de lo que recuerdan los habitantes de Arisgotas. Al igual que Juana, fue un momento “inolvidable” de sus vidas.

Y de ahí el homenaje que preparan para este fin de semana, principalmente los días 3 y 4 de julio. Arisgotas se convertirá de nuevo en un escenario de cine para recordar un acontecimiento que forma parte de la “memoria colectiva” del municipio y que contribuyó a dar a conocer el patrimonio y el encanto de esta pedanía toledana.

La programación comienza este viernes, 3 de julio, con una gran fiesta del cine de verano. A las 22.30 horas se proyecta, en la Plaza de la Iglesia, la propia película, en el mismo entorno donde hace 40 años se vivió el rodaje. La noche continuará con un gran guateque amenizado por el DJ Pedro Carbonell. Será con tocadiscos y canciones de la época.

El homenaje a Juana, “una sorpresa”

El sábado 4 de julio, desde las 20.00 horas, la celebración ofrecerá actividades para todos los públicos, entre ellas un taller infantil, una exposición colaborativa con objetos de la época que han proporcionado vecinas y vecinos del pueblo, una muestra de piezas originales relacionadas con la película y la recreación de un set de rodaje.

La jornada incluirá además el acto institucional de bienvenida, una presentación conmemorativa y un emotivo homenaje a Juana. “Habrá una sorpresa muy emotiva, que no podemos desvelar”, avanza su hija Virginia.

Después, los vecinos y vecinas serán los protagonistas de un coloquio bajo el título “Rodaje de ‘El viaje a ninguna parte’ en Arisgotas”, que reunirá a invitados especiales vinculados a la película y a su historia.

La celebración concluirá con una verbena popular, un concurso de vestimenta y peinados inspirados en los años 40 y 50, así como un nuevo guateque para poner el broche final a este aniversario.

Con esta iniciativa, el Ayuntamiento de Orgaz pretende poner en valor el legado cinematográfico de Arisgotas, recordar el impacto que supuso el rodaje de una de las grandes obras maestras del cine español y acercar esta historia a nuevas generaciones, convirtiendo el municipio en un punto de encuentro para amantes del cine, vecinos y visitantes.

“Es una forma también de hacer memoria histórica. Todos recuerdan que fueron unos días maravillosos y que vieron la magia del cine, y además con humor, con risas, con buen ambiente”, subraya la actual alcaldesa, que lamenta que apenas se hayan conservado fotografías del rodaje en Arisgotas, ni exista un archivo de imágenes de aquellos días.

De ahí que la celebración de los 40 años del rodaje quiera compensarlo. Para que no caiga en el olvido. Para recordar que hubo un tiempo en que los rodajes se hacían “pegados” a la gente y se contaban historias de personas sin un rumbo fijo. Y para que, como pedía el personaje de Carlos Galván, esta vez, no haya solo caminos, sino también algún sitio al que llegar.