Aitana Sánchez-Gijón recalará el viernes 12 de junio y el sábado 13 en el Palacio de Festivales de Cantabria para interpretar la 'Malquerida', de Jacinto Benavente, con adaptación de Natalia Menéndez y Juan Carlos Rubio.

La cita será a las 19.30 horas ambos días en la Sala Pereda, con una duración de 90 minutos sin descanso.

La actriz estará acompañada sobre las tablas por Juan Carlos Vellido, Lucía Juárez, Goizalde Núñez, José Luis Alcobendas, Daniel Pérez Prada, Álex Mola y Antonio Hernández Fimia, en esta producción de Mónica Reguerio Producciones Off.

Este clásico de Benavente cuenta cómo en la hacienda de verano de Esteban y Raimunda se celebra la pedida de boda de Acacia con Faustino.

Al quedar Raimunda viuda contrajo matrimonio con Esteban, odiado por su hijastra. La tragedia se cierne cuando matan al novio la noche de la pedida. Los hijos del tío Eusebio, padre del asesinado, acusan al sobrino de Raimunda, quien fue el primer pretendiente de Acacia, pero otros en el pueblo saben que es inocente.

Entonces, comienza a escucharse una copla por las calles: “el que quiera a la del Soto... tiene pena de la vida. Por quererla quien la quiere le dicen... la Malquerida”.

El cerco se estrecha y los deseos ocultos y prohibidos empiezan a aflorar. El Rubio, capataz de la hacienda, alimenta las rivalidades entre las familias. Raimunda decidida a descubrir la verdad, no descansará hasta encontrar esa luz que, como el fuego, arrasará todos sus sueños.

El Palacio de Festivales ha recordado que las entradas en venta anticipada para este espectáculo están agotadas desde hace meses. Sin embargo, ha incidido en que los dos días de las funciones saldrá a la venta el 10% del aforo a partir de las 11.00 horas en sus canales habituales -página web y taquilla- en cumplimiento con la Ley de Espectáculos de Cantabria.

JUEVES 4 DE JUNIO

Desfile de Diablos y Tarasca

FECHA: jueves 4 de junio

HORA: 19:00

LUGAR: Recorrido desde la plaza del Doctor Olivera, por las calles Herradores, Tabares de Cala, Obispo Rey Redondo y plaza de la Concepción.

Las calles de La Laguna recuperan una de las expresiones más antiguas y sorprendentes de nuestro patrimonio cultural. Diablos y Tarasca nos invita a redescubrir el universo festivo que durante siglos acompañó la celebración del Corpus Christi, una de las fiestas más antiguas de la ciudad. Un desfile cultural que reúne personajes, símbolos y tradiciones que forman parte de nuestra memoria colectiva: diabletes, gigantes y cabezudos, danzas, elementos rituales y representaciones populares que también dejaron huella en numerosos lugares de América.

Carmen - Danza en breve

FECHA: jueves 4 de junio

HORA: 19:00

LUGAR: Teatro Leal

El Colectivo La Cofradía presenta Carmen, un espectáculo interdisciplinar que destaca a la figura de la Virgen del Carmen. La puesta en escena explora la relación entre las comunidades isleñas, el mar y la presencia de símbolos religiosos dentro del imaginario oceánico.

La propuesta de la bailarina y coreógrafa Paula Quintana y el artista visual Héctor Gardez dará forma a relatos que abordan el papel de las islas como un territorio de resistencia frente a la hegemonía continental y ahondará en conceptos como la fe o los milagros más allá de su connotación religiosa.

VIERNES 5 DE JUNIO - SÁBADO 6 DE JUNIO

Apocalípticamente Correcto - Luis Piedrahita

FECHA: viernes 5 y sábado 6 de junio

HORA: viernes a las 17:30 y 20:00 horas y sábado a las 20:00 horas

LUGAR: Teatro Leal

Fiel al estilo que ha definido su trayectoria, Luis Piedrahita presenta un show en el que la observación de la realidad, el ingenio verbal y la capacidad para encontrar el lado más sorprendente de las situaciones cotidianas se convierten en el motor de la comedia. A través de una sucesión de reflexiones, historias y ocurrencias, el artista invita al público a cuestionar certezas y a descubrir nuevas perspectivas sobre asuntos que forman parte de la vida diaria.

SÁBADO 6 DE JUNIO

Menuda Cultura

FECHA: sábado 6 de junio

HORA: 18:00

LUGAR: Barrio de La Candelaria

Esta iniciativa del proyecto ‘Mi barrio es cultura’ ofrecerá una sesión de la actividad ‘Rescatando nuestras raíces’, a cargo de la Agrupación Folclórica Princesa Iraya.

Swing Hits - Sax Pack

FECHA: sábado 6 de junio

HORA: 20:00

LUGAR: Teatro Unión Tejina

Sax Pack propone un recorrido por el repertorio de swing y de soul en formato Big Band. La formación creada en 2021 por el saxofonista y flautista lagunero Fran Rodríguez, compuesta en su mayoría por alumnos sénior del músico y profesor, ha pasado de ser un laboratorio musical a un grupo amateur con una amplia trayectoria.

DOMINGO 7 DE JUNIO

Besay Pérez: A la luz de las velas

FECHA: domingo 7 de junio

HORA: 19:00

LUGAR: Teatro Leal

Besay Pérez regresa con su ya tradicional concierto A la luz de las velas. Acompañado en esta ocasión por una banda y con Diego Expósito al piano, hará un recorrido por canciones de autores conocidos como Francisco Céspedes, Alejandro Fernández, Falete y Marc Anthony, revisitando así los éxitos que le han acompañado a lo largo de su vida. Este concierto cumple su tercera edición habiendo agotado en los años anteriores todas las localidades.

LUNES 8 DE JUNIO - JUEVES 11 DE JUNIO

Muestra de los estudiantes de Timaginas Teatro

FECHA: domingo 7 de junio

HORA: 19:00

LUGAR: Teatro Leal

El alumnado de Timaginas Teatro ofrecerá una muestra de obras para todos los públicos, entre las que destacan Tiempo del 98, Aladín, El Rey León, Mamma Mia o Las comedias de Plauto.

La academia de Timaginas Teatro cumple 14 años en Tenerife impartiendo clases de interpretación para todas las edades y todos los públicos por profesores con más de 20 años de experiencia y que trabajan profesionalmente como actores de la escena actual.

JUEVES 11 DE JUNIO

Neuro Cultural

FECHA: jueves 11 de junio

HORA: 17:00

LUGAR: Asociación de Mayores Corazones de Tejina Penjucote

Los mayores del municipio podrán combatir la degeneración cognitiva a través de las actividades culturales guiadas que plantea este proyecto de Mi barrio es cultura.

Secret service of funk - MI5

FECHA: jueves 11 de junio

HORA: 19:00

LUGAR: Teatro Leal

M.I.5 es una banda explosiva formada por ocho músicos de élite, unidos con una misión clara: mantener vivo el funk y el soul más auténtico. Tras años en la escena barcelonesa, emergen con un show vibrante y sofisticado. La formación cuenta con las voces de Brigitte Emaga, Sandra Tangerina y Alex Dee, acompañadas por Sergio Cebrián (guitarra), Bernat Hernández (bajo), Kevin Díaz (teclados) y Rey Ponce (batería).

JUEVES 21 DE MAYO - MIÉRCOLES 17 DE JUNIO

Exposición Historias atrapadas en el tiempo

FECHA: del jueves 21 de mayo al miércoles 17 de junio

HORA: de lunes a viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00, y sábados de 11:00 a 14:00

LUGAR: convento de Santo Domingo

La exposición de Ana Orán García y Juan Sanz Fernández propone un recorrido visual y emocional a través de fotografías centradas en espacios cotidianos marcados por el paso del tiempo. Más allá de su valor estético, buscan detener la mirada en aquello que permanece: huellas, grietas, luces y sombras que hablan de quienes habitaron esos lugares.

VIERNES 22 DE MAYO - LUNES 22 DE JUNIO

Exposición Materia activa

FECHA: del viernes 22 de mayo al lunes 22 de junio

HORA: de lunes a viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 y sábados de 11:00 a 14:00

LUGAR: Ermita de San Miguel

Tras la exposición La Precuela, acogida en el convento Santo Domingo en enero del 2026, Materia activa constituye el segundo momento de un programa curatorial que entiende la práctica escultórica contemporánea no como producción de objetos, sino como procesos de transformación material, conceptual y relacional. Si en la primera exposición las obras aparecían como configuraciones inestables, en Materia activa comienzan a adquirir agencia.

Las propuestas reunidas en esta exposición abordan la escultura y la instalación como formas de investigación artística donde cuerpo, espacio, identidad y materialidad funcionan de manera interdependiente.

En Logroño, el teatro aficionado tiene un nombre: Teatro Pobre. Un nombre que esconde detrás mucha riqueza, decenas de talentos e incluso grandes nombres que encontraron en ese germen su vocación como Javier Cámara, David Tenreiro, Rebeca Hernando. Y todo ello graciasa la iniciativa de Fernando Gil Torner, el profesor que en el curso 1974/1975 impulsó aquel grupo de teatro en La Laboral, lo qu eenseguida se convertiría en el centro por excelencia del teatro aficionado en La Rioja.

El IES La Laboral era entonces un centro de lo que se denominaba Universidades Laborales. Y allí es donde nació el grupo aficionado que recibía a los jóvenes de las Enseñanzas Medias. Tomó el nombre de Teatro Pobre de las tesis del director polaco Jerzy Grotowsky: “Hacia un Teatro Pobre”.

Un grupo que nació de la inquietud política de los jóvenes de la época. Su profesor, Fernando Gil, trató de canalizar ese compromiso a través del teatro. Todavía Franco no había muerto y estas representaciones se presentaban como una forma de compromiso político, de denuncia social. También fue así durante los primeros años de la Transición. A día de hoy, el grupo lo siguen componiendo alumnos y ex alumnos de tres institutos de Logroño, el IES La Laboral, el IES Tomás Mingot y el Batalla de Clavijo.

Así, el Teatro Pobre acaba de cumplir 50 años y este fin de semana va a celebrarlo de la única manera posible, con teatro. Este viernes, 5 de junio, el Teatro Pobre representará en el Auditorio del Ayuntamiento de Logroño 'La Venganza de Don Mendo', de Muñoz Seca. Será una conmemoración a cinco décadas de teatro, en la que se contará con exalumnos del grupo que ahora viven en diferentes lugares del país y con los actuales, jóvenes que tienen desde 16 años. La celebración continuará el sábado, 6 de junio, con una cena en el Círculo Logroñés, con alumnos, exalumnos y amigos del Teatro Pobre.

“Cambió la historia personal de muchos de nosotros gracias al teatro”, decía Bernardo Sánchez de Fernando Gil cuando le concedieron la Insignia de San Bernabé el pasado año. Todos coinciden en el valor de Gil Torner de transformación, de enseñarles a amar la cultura y de acompañamiento para encontrar caminos de vida. En su trayectoria destaca también el impulso que ofreció para la creación de grupos profesionales como Tres Tristes Tigres o Mon Teatro.

En las letras flamencas abundan los locos. También asoman, de vez en cuando, los pintores y los bohemios. Lo que no había ocurrido hasta ahora es que unos artistas del género dedicaran un espectáculo al pintor loco por excelencia, Vincent Van Gogh. Eso es precisamente lo que tres de ellos van a estrenar este viernes en el marco del Festival Guirijondo de Palomares del Río (Sevilla).

El guitarrista holandés Tino Van der Sman, la bailaora californiana Cristina Hall y el cantaor jerezano David Lagos suman así talentos en A mí me llaman el loko, un montaje que se inspira en la obra y la mirada del autor de Los girasoles para moverse en la frontera entre la genialidad y el abismo. Según Van der Sman, la idea original fue sugerida por el director del festival Guirijondo, el crítico Manuel Bohórquez. “Empecé a trabajar con Cristina e incorporamos a un artista invitado, David Lagos. Sin embargo, a medida que avanzaban los ensayos, David se implicó tanto en la creación que decidimos eliminar lo de ‘artista invitado’, porque la obra también es suya. Es una creación de los tres”.

Aunque Van Gogh es el eje en torno al cual gira la obra, sus responsables han evitado contar su historia de forma literal. “Hemos tomado como referencia sus cuadros, su biografía y distintos aspectos de su vida: su trabajo en las minas, su profunda religiosidad, su complicada relación con las mujeres —tanto con su madre como con sus parejas—, la soledad y la sensación de no encajar. Esta última es una temática muy vinculada a los guirijondos, y algo que tanto Cristina como yo sentimos muy cercano: cómo encontrar nuestro lugar en el mundo”.

La fuerza de la escritura

“Es un espectáculo muy profundo y muy serio”, prosigue el guitarrista. “Lo hemos trabajado mucho, inspirándonos también en el cine, en las películas que se han hecho sobre Van Gogh. Hemos utilizado numerosos textos escritos por él, y quizá una de las grandes sorpresas ha sido descubrir no solo la fuerza de sus cuadros, sino también su enorme talento como escritor. Escribía extraordinariamente bien”.

La primera escena, por otro lado, en la que aparece Cristina Hall sola, “está inspirada en los dibujos a tiza de la época en la que Van Gogh aún vivía en Holanda y retrataba a la gente del campo. Toda esta primera parte está basada en el mundo rural y la religión. Él estudió para ser sacerdote y trabajó como predicador en las minas de Bélgica”, añade.

La segunda parte del espectáculo gira en torno al estudio, la imitación y la admiración. “Siempre me ha llamado mucho la atención, al leer sus cartas, la admiración que sentía por sus referentes. También abordamos aquí su relación con las mujeres. Hay una escena dedicada a la prostituta con la que mantuvo una relación en Holanda; de hecho, fue a una prostituta a quien entregó la oreja que se cortó. Y la tercera y última parte se centra en la locura y la muerte”.

Locura extrema

Todo esto se traduce musicalmente en el uso de palos como la petenera, “aunque en este caso se trata de una creación propia: tanto la melodía como la letra son nuevas. También interpretamos el polo, la caña y el taranto, este último vinculado claramente a la etapa de las minas en Bélgica, cuando aún no había decidido convertirse en pintor. He intentado reflejar musicalmente el impresionismo en una de las piezas, inspirándome en Debussy. El primer tema que interpreto tiene un carácter religioso, cercano a la Semana Santa, y evoca la iglesia. Hay también una bulería en la que busco una sonoridad muy tradicional, como reflejo de la etapa de aprendizaje y estudio. La caña fue quizá la pieza más difícil, porque en ella los tres buscábamos expresar la locura en su estado más extremo. Espero que esa búsqueda quede reflejada en escena”.

'A mí me llaman el loko' será el plato fuerte de una programación que hasta el sábado verá desfilar por Palomares del Río a flamencos tan singulares como la guitarrista china Lola Yang, su colega holandés Gaspar de Holanda o la bailaora igualmente holandesa María La Serrana, junto a artistas españoles de reconocido prestigio

En cuanto a la inspiración pictórica, cuadros como Los comedores de patatas están presentes desde inicio. “Fue su primera gran obra y, aunque hoy es considerada fundamental, fue muy rechazada en su momento. De hecho, un marchante de arte la desestimó por completo. También hemos trabajado a partir de La Berceuse, motivo por el que Cristina baila con una cuerda. En ese cuadro aparece una mujer sosteniendo una cuerda unida a una cuna que no se ve, y esa imagen nos sirvió como inspiración. Además, utilizamos su último cuadro, Campo de trigo con cuervos. Los cuervos tienen una presencia importante en la obra y, de hecho, el espectáculo concluye con una canción de Nina Simone, Blackbird, mientras hablamos de la muerte. Por último, también hemos tomado como referencia muchos de sus dibujos: las mujeres del campo, los trabajadores rurales y toda esa iconografía de sus primeros años”.

Flamencos del mundo

A mí me llaman el loko será el plato fuerte de una programación que hasta el sábado verá desfilar por Palomares del Río a flamencos tan singulares como la guitarrista china Lola Yang, su colega holandés Gaspar de Holanda o la bailaora igualmente holandesa María La Serrana, junto a artistas españoles de reconocido prestigio como el guitarrista Paco Peña (creador de la cátedra de guitarra de Rotterdam) o el cantaor El Pele. También estarán presentes divulgadores como el hispanista estadounidense Tyler Barbour o la periodista de Países Bajos Marlies Jansen.

Manuel Bohórquez, que creó el festival hace cuatro años, sigue creyendo que hay un flamenco más allá de las fronteras españolas que merece ser visto y escuchado con atención. “La idea de que cada año se dedique a un país va dirigida a que los aficionados conozcan bien cómo es el flamenco en el mundo, en este caso en los Países Bajos. El espíritu de Guirijondo es ese, dar una oportunidad a los artistas extranjeros y que Palomares tenga un sitio donde disfrutar y aprender”.        

El pueblo toledano de Madridejos será de nuevo testigo de la representación teatral del Siglo de Oro, 'El pleto que puso al diablo el cura de Madridejos', inspirada en hechos históricos en esta localidad a comienzos del siglo XVII.

Se trata de una de las obras “más singulares” del teatro barroco español y se representará el 13 de junio en forma de ruta teatralizada.

Este libreto, escrito entre 1629 y 1632 por Luis Vélez de Guevara, Francisco de Rojas Zorrilla y Antonio Mira de Amescua, está basado en el célebre caso de exorcismo protagonizado en 1604 por el cura Juan García Fernández y Catalina Díaz, conocida como La Rojela, un episodio que alcanzó una enorme repercusión en la época y que forma parte del imaginario popular manchego.

Previamente, el 12 de junio tendrá lugar en el Museo del Azafrán, la presentación de la adaptación contemporánea de la obra realizada por los catedráticos Nieves Algaba y Abraham Madroñal, especialistas en teatro del Siglo de Oro, quienes han acercado este clásico al lector actual manteniendo “intacta su esencia y su riqueza literaria”.

Recuperar el legado histórico de los municipios de Toledo

El diputado de Cultura de la Diputación de Toledo, Tomás Arribas, ha señalado el “compromiso” del Gobierno provincial con los municipios que trabajan por recuperar y divulgar su legado histórico. “Cuando un pueblo conoce y reivindica su historia, fortalece su identidad, genera oportunidades culturales y turísticas, impulsa la participación de sus vecinos y transmite a las nuevas generaciones el orgullo de pertenecer a una tierra con memoria, con raíces y con un patrimonio que merece ser conservado y compartido”, ha afirmado.

La concejala de Educación y Cultura del Ayuntamiento de Madridejos, María Soledad Ávila, ha explicado que “este proyecto nace de la inquietud por acercar a la ciudadanía una de las obras más singulares vinculadas a la historia de Madridejos y hacerla accesible al público actual”.

Ávila ha agradecido especialmente la labor de los catedráticos Abraham Madroñal y Nieves Algaba por la adaptación realizada y ha destacado “la colaboración de todas las personas e instituciones que han hecho posible convertir una investigación histórica en una propuesta cultural abierta a todos los públicos”.

La concejala ha recordado además que, de forma paralela a la adaptación de la obra, surgió la iniciativa de crear una ruta teatralizada que permitiera acercar a vecinos y visitantes “a distintos episodios documentados de la vida del cura exorcista de Madridejos a través de escenarios reales de la localidad y de una experiencia inmersiva que conecta historia, patrimonio y teatro”.

Por último, la coordinadora de Cuadernos de Historia y Cultura Popular, Lola Cézar, junto a sus compañeras, ha señalado que ambas actividades “comparten como eje central la obra ‘El pleito que puso al diablo el cura de Madridejos’ y la figura de Juan García Fernández, protagonista tanto de los hechos históricos como de la pieza teatral”.

Cézar ha explicado que la ruta recorrerá seis localizaciones del casco urbano relacionadas con los acontecimientos narrados y que contará con la participación de 17 actores y numerosos figurantes caracterizados con vestuario del siglo XVII, con el objetivo de ofrecer “una experiencia cultural rigurosa, atractiva y sorprendente para el público”.

La Consejería de Cultura y Deporte ha nombrado a Elena Carmona Sanjuán (Córdoba, 1981) nueva directora artística del Teatro Central de Sevilla tras la resolución del proceso selectivo público convocado para cubrir este puesto. La convocatoria, realizada mediante concurso público y publicada en el Boletín Oficial de la Junta de Andalucía (BOJA de 29 de diciembre de 2025) contemplaba la selección de la dirección artística de programación del teatro a partir de criterios de mérito, experiencia y proyecto de gestión.

Elena Carmona cuenta con una sólida trayectoria como gestora cultural con más de quince años de experiencia en programación escénica, en dirección de equipamientos públicos, y favoreciendo el impulso a la creación contemporánea y el desarrollo de estrategias de públicos como áreas de especialización en su trayectoria, informa la Junta en un comunicado.

Desde 2021 es directora de Artes Escénicas del Ayuntamiento de Girona, donde ha estado al frente de la dirección y gerencia del Teatro Municipal. En este tiempo ha compaginado el diseño de programación artística con foco en la proyección institucional y la apertura del teatro a toda la ciudadanía. Por ello, Carmona fue escogida como una de las 25 personas que han marcado el año 2025 en Gerona en la pasada edición de los Premios ARA.

Uno de los hitos al frente del teatro gerundés ha sido la creación del festival 'Aixó al poble no li agradarà', en colaboración con quince agentes culturales y administraciones locales de la provincia. Esta propuesta que persigue el acercamiento de las artes en vivo contemporáneas a distintos municipios fue destacada con el premio revelación en los galardones que concede la Asociación de Profesionales de la Gestión Cultural de Cataluña en 2025.

Previamente, la carrera profesional de Elena Carmona ha estado vinculada al Consorcio Mercat de les Flors de Barcelona, donde fue coordinadora artística de El Graner entre 2018 y 2021, uno de los principales referentes en la creación contemporánea a nivel nacional. La curadoría en proyectos de creación contemporánea ha sido otro de los pilares en su trayectoria, y fue una de las creadoras del festival de artes vivas, Sâlmon, que desde 2012 conecta a artistas, públicos y pensamiento crítico en torno a nuevos lenguajes escénicos.

Licenciada en Periodismo por la Universidad de Sevilla, cuenta con formación de posgrado en Gestión y Políticas Culturales por la Universidad de Barcelona y en Dirección y Gestión de Instituciones Culturales por la Universitat Pompeu Fabra.

Carmona asume durante tres años la dirección artística del Teatro Central de Sevilla y tiene entre sus principales funciones la dirección, planificación, diseño y ejecución de su programación escénica y musical. En su proyecto de dirección busca dar continuidad a la línea artística consolidada bajo la dirección de Manuel Llanes en los más de treinta años del espacio escénico con “una mirada continuista pero renovada”.

Asimismo, busca potenciar su papel como estructura articuladora del tejido artístico andaluz, reafirmando “su apuesta por una creación escénica contemporánea capaz de generar experiencias transformadoras”. Su propuesta incluye el impulso a la creación contemporánea mediante la coproducción, el apoyo a artistas y la colaboración en red, consolidando el espacio como nodo de referencia del sector a nivel andaluz, estatal e internacional.

A la par, su planteamiento es ampliar los usos más allá del propio espacio escénico, favoreciendo la ampliación y diversifican los públicos a través de estrategias de mediación, comunicación y fidelización para consolidar una comunidad cultural en torno al teatro.

En un fin de semana marcado por el inicio de las fiestas de San Bernabé 2026, el Teatro Bretón también se une a la celebración con la puesta en escena de dos grandes obras teatrales que se representarán el sábado 6 y el domingo 7, y una musical el lunes 8 de junio.

El sábado 6 de junio, a las 20:00 horas, llega al Teatro Bretón ‘El retablo de las maravillas’, un entremés de Miguel de Cervantes que busca satirizar la hipocresía social de la época en la que se escribió. Una realidad que, a día de hoy, sigue produciéndose incluso multiplicándose bajo el poder de los medios de comunicación.

Esta representación llega para permitir al público logroñés y visitante disfrutar de una de las compañías de teatro independientes más importante y reputada de España. Els Joglars celebra este año sus 65 años sobre el escenario y cuenta con más de 40 espectáculos producidos a lo largo de su historia.

El domingo 7 de junio, a las 20:00 horas, un elenco de primer nivel se sube al escenario para representar ‘Bestseller, la obra que Lorca nunca escribió’. Se trata de una comedia salvaje que se burla de la obsesión por la viralidad y la mercantilización de la literatura. Una comedia sobre el arte de vender humo y vaciar de sentido hasta lo más icónico. Bestseller es una comedia feroz sobre el ego, las redes y el precio de vender la propia voz.

Bajo la dirección de Gabriel Olivares y la autoría de Ozkar Galán, el riojano Nacho Guerreros, junto con Ana Arias, Rebeca Sala y Andrea Alvarado protagonizan esta comedia que nos hace preguntarnos si el talento sigue teniendo valor en un mundo gobernado por la viralidad y si, en el fondo, todos terminamos cediendo al sistema cuando se nos da la oportunidad de triunfar.

Y, para continuar con la celebración de San Bernabé, el lunes 8 de junio a las 20:00 horas, el Teatro Bretón acoge el musical ‘Madness’, un delirio musical a capela de Yllana y Primital Brothers.

El espectáculo promete risas, pero también estupefacción y una reflexión. La tecnología como nueva mitología, la vida cotidiana como locura y la risa como hilo conductor.

‘Madness’ mediante la música y el humor, reflexionar sobre los riesgos del capitalismo a través de la vida y las personas que viven en los márgenes del sistema, una sutil crítica social, rodeada de humor. Sorprendente, distinta, llamativa, imaginativa, absurda y también, inteligente.

El precio de las entradas varía entre los 8 y los 20 euros, y entre los 8 y los 18 euros en el caso de ‘Madness’. Se pueden adquirir como es habitual a través de la web, en la taquilla del Teatro Bretón o llamando por teléfono.

En Mérida hay varias visitas obligatorias. Hablamos de una de las ciudades más importantes de la Hispania romana, cuyo nombre original era Emerita Augusta. Fundada en el año 25 a. C. por orden del emperador Octavio Augusto, esta se convirtió rápidamente en la capital de la provincia romana de Lusitania. Todo esto favoreció la construcción de infraestructuras que hoy, dos mil años después, se pueden seguir visitando.

Entre ellas, encontramos el impresionante Teatro Romano de Mérida. A los romanos les gustaban las peleas de gladiadores en el anfiteatro y las carreras de cuadrigas en el circo, pero también el teatro, y una ciudad tan importante como Emerita Augusta no podía dejar de contar con un edificio dedicado a este tipo de representaciones. 

Según consta en una inscripción realizada en el propio teatro, este fue construido bajo el patrocinio del cónsul Marco Agripa, yerno de Augusto, entre los años 16 y 15 a.C. Se trata de un lugar que llegó a tener un aforo de hasta seis mil espectadores, distribuidos de abajo a arriba según su clase social en tres sectores de gradas, caveas summa, media e ima, separadas a su vez por pasillos y barreras.

Pero la edad dorada de este teatro llegó a su fin tras la llegada y consolidación del cristianismo. A partir del siglo IV d. C., este fue ganando influencia y los espectáculos teatrales comenzaron a considerarse inmorales o paganos por parte de las autoridades eclesiásticas. Como resultado, muchos teatros del Imperio, incluido el de Mérida, fueron abandonados.

Recuperación de un edificio de hace miles de años

Con el paso del tiempo, el edificio quedó en desuso, pero lo más impactante es que gran parte de la estructura quedó cubierta por tierra y arena hasta el punto que, durante siglos, solo se veía una parte de las gradas superiores. Los emeritenses tuvieron que esperar hasta el año 1910 para que empezaran las excavaciones arqueológicas en el recinto.

Así, no fue hasta pleno siglo XX cuando el teatro de una de las ciudades más importantes del Imperio Romano fue recuperado y restaurado. Hoy en día, este lugar acoge todo tipo de actividades, siendo una de las más importantes el Festival Internacional de Teatro Clásico, que se inauguró en 1933 y se celebra cada año en los meses de julio y agosto.

Algunos de los espacios que más destacan de este particular teatro son la orchestra, espacio semicircular con suelo de mármol reservado para el coro, y el frons scaenae, espectacular muro frontal que alcanza casi 30 metros de altura, estructurado en dos cuerpos de columnas entre las que podemos ver estatuas de emperadores divinizados y de dioses como Ceres o Plutón.

El patio de butacas del histórico Teatro de Rojas de Toledo, que este año cumple su 450 aniversario, ha vuelto a levantar la estructura original de sus asientos para poder colocar otras sillas más adecuadas (y más doradas) para aumentar su aforo y albergar el acto de entrega de las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes de 2024. Este evento estaba previsto para el pasado mes de enero, pero se aplazó por el trágico accidente ferroviario de Adamuz.

La Plaza Mayor de la capital castellanomanchega, que además se encuentra en obras, ha sido tomada desde primera hora por las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad, con vallados y férreos controles policiales. De hecho, el histórico Mercado de Abastos, que actualmente ocupa un supermercado y está prácticamente pegado al teatro, se ha cerrado: allí se han realizado los numerosos controles a los medios de comunicación acreditados para el acto.

Tras el desfile de los premiados, premiadas y de las autoridades por la escalinata del teatro, ha arrancado el acto, muy protocolario, bastante rápido y algo frío. Ha habido no obstante algunos breves momentos de especial emoción y diversión, en especial con el monólogo inicial de Eva Hache, una de las premiadas, y con la proyección del vídeo de homenaje a todos los galardonados con música de otros premiados como el grupo Los Planetas; el fallecido líder de Extremoduro, Robe Iniesta; José Mercé, Kase.O y Camela.

Pero la mayor intensidad del acto la ha protagonizado el actor y director teatral Josep Maria Pou, también galardonado y quien ha intervenido en nombre de todos ellos. Tras hacer mención al ‘Mercado de las Frutas’ que dio lugar al corral de comedias, germen del Teatro de Rojas, ha hablado de las bellas artes como un trabajo “nacido en la soledad, en la obstinación y en la duda”, pero que, al mismo tiempo, “no se construye en aislamiento”, sino que hay influencias variadas.

Ha querido así reconocer el esfuerzo “invisible” que acompaña a la obra, recordar a todas las personas que trabajan “en los márgenes de la invisibilidad” sosteniendo la cultura “desde lugares precarios”. “Sin su labor, ninguna obra alcanzaría su forma final”, ha remarcado.

El arte no es un lujo, sino una necesidad, una forma de conocimiento y de compromiso

Josep Maria Pou

Por eso, ha ensalzado que el arte es un trabajo colectivo. “No es un lujo, sino una necesidad, una forma de conocimiento, de compromiso, una manera de mirar el mundo, una forma de interrogar la realidad, cuando en lenguaje del día a día se nos queda corto”.

En este sentido, Pou ha ensalzado que en un contexto en el que las noticias no cesan y los conflictos se acumulan, el arte “puede parecer frágil”, pero “nunca ha sido tan imprescindible como ahora”. Porque, a veces, ha señalado, “cuesta poner en palabras lo que se siente; y una canción, una pintura, un poema, pueden contener eso que, sorprendidos, conmocionados, no sabemos cómo decir; un espacio de pausa, de reflexión que nos separa del ruido, no para huir, sino para mirar con más claridad”.

“Hacemos arte para reinventar el mundo. En estos días en que las bravuconadas y las fanfarronadas se imponen a la amabilidad, y la crueldad se impone a la compasión, el arte debe revolvernos contra la indignidad. Frente a un mundo en crisis, crear es tomar partido, abrir futuros que ni siquiera el poder sabe imaginar”, ha concluido.

Las referencias implícitas a la guerra, a las crisis en todo el mundo y a los mensajes de odio también han tomado forma durante la intervención del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, quien ha comenzado festejando el VIII Centenario de la Catedral de Toledo y los 450 años de historia del Teatro de Rojas.

Desde Lorca hasta hoy

Dicho esto, ha mencionado a Federico García Lorca como el “eterno retorno” de una figura que “ni el odio ni la muerte nos ha podido arrebatar”. “Nunca se irá de nuestras vidas”, ha remarcado, poniendo como ejemplo el reciente éxito de Los Javis en el Festival de Cannes, tras recibir el Premio a la Mejor Dirección por la ‘La bola negra’, sobre la figura del poeta y dramaturgo granadino.

Y junto a Lorca, Urtasun también ha querido hacer referencia a la denominada ‘Escuela de Vallecas’, el grupo vanguardista reunido por el pintor castellanomanchego Benjamín Palencia junto a la artista Maruja Mallo y el escultor Alberto Sánchez. Junto a ellos también ha hecho mención a la ‘Orden de Toledo’, esa “performance gamberra” que Lorca, Luis Buñuel, Salvador Dalí y Pepín Bello hicieron transitar por el “laberinto de las noches” de la ciudad.

Y al hilo de estas menciones, el ministro de Cultura ha precisado que el Gobierno ya está preparando la celebración del Centenario de la Generación del 27, “en torno al arte, el saber y la literatura”.

Finalmente, ha elogiado la labor de todos los premiados. “Todo lo que habéis hecho no cabe en un ‘reel’ ni en algoritmos. La cultura es la menos artificial de las inteligencias. Es fruto del esfuerzo, de la persistencia de la belleza, del compromiso ético con lo humano”.

“Frente a un mundo presidido por la crueldad, el odio, la guerra y la ley del más fuerte, os necesitamos a nuestro lado, para seguir hablando de esperanza, porque vuestro arte se opone a la mentira y a la mediocridad. Necesitamos palabras como libertad, paz, justicia e igualdad, y la creencia firme en otro mundo posible”, ha concluido.

450 años del Teatro de Rojas, 800 años de la Catedral Primada

Previamente, el alcalde de Toledo, Carlos Velázquez, ha celebrado ampliamente que la ciudad haya albergado este evento, justo cuando “ya huele a Corpus”, en referencia a la emblemática fiesta que se celebra la semana viene en esta ciudad. También ha hecho referencia a los 450 años de historia del Teatro de Rojas, hablando de sus orígenes como Corral de Comedias, y al VIII Centenario de la Catedral, que acaba de estrenar la exposición ‘Primada’ con motivo de esta efeméride.

Por su parte, el presidente de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page, ha arrancado su discurso también aplaudiendo a los premiados, y destacando el arte como una forma “tener muy claro los límites de lo que no debe hacerse”.

“Esos valores con la irrupción de la Inteligencia Artificial que nos está llevando como mundo, como compleja sociedad, a utilizar unos medios desconocidos que probablemente estén alterando los fines. Ese es el valor de su trabajo, un compromiso con su arte, con su oficio, con su tarea. Pero que trasciende lo personal para ser en realidad casi diría un servicio público”, ha dicho dirigiéndose a los galardonados y galardonadas.

Tras la actuación de José Mercé, ha sido el turno del Rey Felipe VI, que ha dedicado sus primeras palabras “en honor” a las víctimas del accidente de Adamuz, y ha elogiado profusamente a Toledo, ciudad que enseña que “la mejor creación artística jamás es pura, sino al revés”, está “imbuida de tradición y de referentes y por eso no envejece”. Ha hecho referencia a El Greco y al propio Teatro de Rojas.

También se ha dirigido a los premiados y premiadas para decirles que son “la prueba de que la cultura permanece viva en su capacidad de renovarse y de encontrar nuevas formas de expresión”. “Es en esa diversidad de voces, lenguajes, miradas donde reside también la proyección de España en el mundo. Sois extraordinarios embajadores de nuestro país”.

Los premiados y premiadas

Las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes son un reconocimiento que distingue a las personas y entidades que hayan destacado en el campo de la creación artística y cultural o hayan prestado notorios servicios en el fomento, desarrollo o difusión del arte y la cultura o en la conservación del patrimonio artístico.

Del ámbito de la música, han sido galardonados el cantaor flamenco José Mercé; el cantante y compositor Robe Iniesta, a título póstumo; el grupo musical Camela; el grupo musical Los Planetas; el cantante y compositor Kase.O; el cantante de ópera Carlos Chausson Gracia; y el representante musical José Emilio Navarro Viña 'Berry'.

En cine y teatro, han sido distinguidas las actrices Maribel Verdú, Aitana Sánchez-Gijón y Carmen Machi; el actor Eduard Fernández; el actor y director teatral Josep María Pou; la directora y productora cinematográfica Chelo Loureiro Vilarelle; el director, guionista y productor cinematográfico Pere Portabella; la supervisora de efectos visuales Laura Pedro Albiol; la dramaturga, directora de escena, bailarina, actriz y poeta visual Ana Vallés; y el director, dramaturgo y gestor cultural Luis Guillermo Heras Toledo, a título póstumo.

También han reconocido en el ámbito de las artes escénicas a la bailarina y coreógrafa Mónica Rodríguez Runde; y al Centro de las Artes del Circo Rogelio Rivel.

Las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes destacan en esta edición a diversas personalidades de la literatura: al poeta y escritor Bernardo Atxaga; la escritora y periodista Elvira Lindo; las poetas y escritoras Antònia Vicens, Eva Baltasar y Angelina Muñiz-Huberman; el salón Manga Barcelona; y la revista infantil ‘Camacuc’.

Las bellas artes y el patrimonio cultural han visto reconocidos a la artista interdisciplinar Sandra Gamarra; la fotógrafa y artista plástica Cristina de Middel; el arquitecto experto en patrimonio cultural Ángel Luis de Sousa Seibane; el colectivo artístico Cabello/Carceller; Segundo Castro Olmo, miembro del Colectivo Estampa Popular. Además, han recibido la distinción la cómica y presentadora Eva Hache; la diseñadora de moda Juana Martín; la gestora cultural Encarna Lago González; los expertos en derechos culturales Alfons Martinell Sempere y Jesús Prieto de Pedro; el Colectivo Llámalo H; y la Fundación Voces para la Conciencia y el Desarrollo.

Malena Alterio por 'Los amigos de ellos' y Pepón Nieto por 'La comedia de los errores' han sido premiados como Mejor Interpretación Femenina y Masculina, respectivamente, en la 34ª edición de los Premios Teatro de Rojas, correspondientes al año 2025.

La Gala de Entrega de Premios se celebrará para el inicio de la Temporada de Otoño, a finales de septiembre o principios de octubre, en el Coliseo toledano.

La Mejor Dirección Escénica ha sido para Andrés Lima por 'La comedia de los errores', el Mejor Texto de Autor Española para Fernando León de Aranoa, Ignacio del Moral y Javier Hernández por 'Los lunes al sol', el Mejor Espectáculo de Teatro ha sido para 'La desconquista' de la compañía Ron Lalá y el Mejor Espectáculo de Danza para 'El cascanueces' del Ballet Clásico Internacional.

El Mejor Espectáculo Infantil y Familia ha recaído (ex aequo) en 'Viaje a Oz. El Musical', de la Trencadis Produccions y en 'Beethoven para Elisa', de Manodesanto Producciones y Teatro Español; el Mejor Espectáculo de Compañías de Castilla-La Mancha ha sido para 'Cerca del Tajo, en soledad amena' de la compañía La Máquina Real; el Mejor Espectáculo de Teatro Lírico ha sido 'Nabucco' de LG Artist Management y el Mejor Espectáculo de Circo para 'Todo lo posible' de compañía Nueveuno.

Estos premios, que celebran ya su trigésima cuarta edición, son otorgados por los propios espectadores del Teatro de Rojas -cerca de 2.000-, que reciben en sus casas la programación del teatro y por los espectadores que han optado por hacerlo a través de internet o presencialmente haciendo uso de las papeletas habilitadas en la taquilla del teatro para tal fin y que hacen que estos premios hayan adquirido, a lo largo de los años, una gran relevancia en el mundo del teatro.

Entre los premiados de anteriores ediciones destacan actores, actrices y directores como Amparo Rivelles, Lola Herrera, Mari Carrillo, María Isbert, Nuria Espert, Carlos Hipólito, Juan Echanove, Emilio Gutiérrez Caba, Javier Cámara, Helena Pimenta, Adolfo Marsillach, Pilar Miró o José Luis Gómez, entre otros.

Hay lugares donde el tiempo parece haberse quedado suspendido entre las paredes. Espacios que no funcionan únicamente como monumentos, sino como cápsulas vivas capaces de transportar al visitante a otra época apenas cruzar una puerta de madera. Eso ocurre con el Corral de Comedias de Almagro, una joya teatral escondida en plena Mancha que conserva intacto algo extremadamente raro en Europa: la memoria física del teatro popular del siglo XVII.

Lo extraordinario no es solo su antigüedad. Tampoco que haya sobrevivido durante casi cuatrocientos años. Lo realmente asombroso es que este espacio siga cumpliendo hoy la misma función para la que nació: representar obras de teatro delante del público.

Tal y como dice la web de Turismo de Almagro, el recinto es “el único corral de comedias del siglo XVII que se conserva en toda Europa”. Una frase que explica perfectamente la singularidad de este rincón manchego y por qué se ha convertido en una de las grandes referencias del turismo cultural en España.

El Corral de Comedias de Almagro y la pasión por el teatro del Siglo de Oro

El origen del espacio se remonta a 1628, cuando Leonardo de Oviedo, presbítero de la Iglesia de San Bartolomé el Viejo, solicitó permiso para construir un corral de comedias dentro del patio del Mesón del Toro.

Solo un año después ya existe constancia de representaciones teatrales en el recinto. Aquellas funciones formaban parte de una auténtica fiebre cultural. El teatro del Siglo de Oro no era entonces un entretenimiento minoritario ni elitista. Movía masas. Enfervorizaba al público. Las obras de Lope de Vega o Calderón de la Barca llenaban patios teatrales donde se mezclaban distintas clases sociales en un ambiente ruidoso y popular.

El espacio original era mucho más grande que el actual. En sus inicios ocupaba más de seiscientos metros cuadrados y estaba concebido como un lugar dinámico y lleno de actividad. Hoy conserva unos trescientos metros rodeados por 54 columnas de madera pintadas de almagre, ese tono rojizo tan característico que todavía marca visualmente el recinto. Y quizá ahí reside gran parte de la magia del Corral de Comedias de Almagro. Porque al entrar no da la sensación de visitar un museo congelado, sino un espacio pensado para seguir respirando teatro.

El hallazgo que salvó uno de los grandes símbolos del turismo cultural en España

La historia del corral pudo haber terminado siglos atrás. De hecho, durante el siglo XVIII, tras la prohibición de este tipo de teatros, el recinto dejó de funcionar como espacio escénico y pasó a convertirse en el Mesón de la Fruta. Más adelante sería conocido como la Posada de las Comedias.

Y ahí permaneció oculto durante décadas. Parcelado, transformado y reutilizado para otros fines hasta que, en 1950, “el dueño de dicha posada, mientras realizaba unas obras, encontró una baraja española pintada a mano fechada a principios del XVIII. Puso el hallazgo en conocimiento del Ayuntamiento y las autoridades, por éste y otros documentos, decidieron iniciar las obras en busca del corral de comedias perdido”, relata la web.

El hallazgo provocó una compleja operación de recuperación patrimonial y, en 1972 el municipio fue declarado Conjunto Histórico-Artístico y, pocos años después, el desarrollo del Festival Internacional de Teatro Clásico consolidó definitivamente la relación de la localidad con el teatro del Siglo de Oro.

Lucía Miranda ha puesto en pie una obra desmedida, vibrante y excesiva sobre la relación de España con Filipinas, la gran olvidada. Las últimas es un ejercicio para reexaminar los cimientos del pensamiento español y su mirada eurocentrista hacia el mundo colonial. A través de la unión del teatro farsesco con el teatro político, la directora se interroga qué hay detrás de esa memoria tan española que tan solo recuerda la gesta “heroica” de aquellos últimos soldados que siguieron luchando cuando España ya se había rendido.

Y así comienza la obra que acaba de estrenarse en la sala grande del Teatro Valle-Inclán de Madrid, hasta el 21 de junio. Los actores, casi en su totalidad de origen filipino o descendientes de españoles que allí vivieron, acercan los testimonios de los descendientes de “los últimos de Filipinas” a través de la técnica del verbatim. Testimonios que se han recogido en entrevistas realizadas por la compañía y que se trasladan a escena sin ninguna modificación gracias a que los actores van escuchándolos por un pinganillo, una técnica que Miranda utiliza en los ensayos pero no ya durante la función.

Un comienzo de puro teatro político. El verbatim surgió a principios del siglo con el alemán Erwin Piscator. Desde que en 1925 Piscator estrenó Trotz alledem! (¡A pesar de todo!), obra que trasladaba a través de testimonios los aplastamientos de los movimientos obreros con la llegada de la República de Weimar, el verbatim nunca ha dejado de estar presente en el teatro.

En los setenta resurgió con fuerza en Estados Unidos, a principios de siglo lo hizo en Inglaterra, con obras, por ejemplo, del conocido David Hare. Y desde hace quince años en España ha vuelto a florecer con obras de gran impacto, como el teatro de Jordi Casanovas, y de gran calado como el teatro de AzkonaToloza. Pero el teatro de Lucía Miranda es bastardo, inquieto y no mantiene el distanciamiento y objetividad propio del teatro documental.

Las últimas se convierte en una túrmix en la que Miranda irá intercalando testimonios grabados y de los propios actores con revisitaciones de momentos significativos entre la relación de España con Filipinas: la visita de Imelda Marcos a la boda de la hija de Franco y su encuentro con Carmen Polo, la inauguración del monumento en Madrid a los héroes de Filipinas (con un delirante José Luis Martínez-Almeida y una no menos desternillante Manuela Carmena), o algunas ya más históricas como la llegada de Magallanes y su enfrentamiento a las diferentes tribus en 1521 o la historia de sor Jerónima de la Asunción que fundó el primer convento femenino en Oriente en 1621.

Todas esas escenas históricas las trata el elenco desde la farsa, con un teatro cercano al de Els Joglars, en el que la música estará bien presente —ya sea la tuna o el karaoke tan popular hoy en Filipinas—, y en las que Miranda apostará todo al juego teatral, dinámico, bufonesco y colorido en el que destaca un cuidado vestuario de Anna Tusell.

La obra irá así saltando del testimonio, más sencillo e íntimo, a la astracanada mordaz. El problema del montaje es lo irregular —y a veces excesivo— de las escenas farsescas. En los momentos testimoniales la obra coge la fuerza de la visión política y la intimidad confesional. Momentos donde podemos escuchar a la actriz Alexandra Masangkay explicar qué es ser filipino hoy en España con el desarraigo y conflicto de identidad que conlleva ser parte de una diáspora racializada en nuestro país. O la historia de la actriz filipina Julia Enríquez que narra el asesinato de su padre a manos de las fuerzas represivas del régimen del presidente Ferdinand Marcos.

Pero falta mesura en el montaje para pasar de unas escenas a otras, de un registro a otro. La obra está llena de buenas ideas, de situaciones relevantes, como la Exposición General de Filipinas en 1887 donde se inauguró el Palacio de Cristal con un poblado indígena incluido. Un episodio bochornoso que lleva al sonrojo incluso hoy en día. Pero las ideas necesitan ser mecidas en el escenario, darles su tiempo, aislarlas y que así pesen, signifiquen. Muchas de ellas pasan demasiado rápido corriendo así el peligro de quedar en ocurrencias.

Una pena, porque el trabajo actoral es muy remarcable. Otra vez Juan Paños, capaz de sostener cualquier registro, el buen hacer de Belén Ponce de León que está increíble como Quetita, la propia Belén Santiago que ya es veterana en los proyectos de Miranda y su compañía Cross Border, o las citadas Alexandra y Julia y los actores Laurence Aliganga y Chris Angelous Manalo. Todos están a una.

El teatro de Miranda es una rara avis en España. Destaca su capacidad de recoger géneros alejados, como el teatro farsesco y el documental; el sustrato colectivo que viene de grupos como Els Joglars, Tábano o la creación colectiva de Enrique Buenaventura; y su inmersión en códigos brechtianos que hoy ya no se estilan y que tan bien siguen funcionando. Hay muchos aspectos positivos en su teatro. Pero la falta de mesura y temple hace que la dramaturgia acabe descarrilando en numerosas ocasiones.

El teatro decolonial

España tiene una clara vocación de vivir de espaldas a su propia historia. Uno de los ejemplos más meridianos es, como queda claro en este montaje, Filipinas, colonia española durante 333 años de la que hoy sabemos bien poco. Es algo de alabar que el Centro Dramático Nacional sea capaz de abrir nuevos debates en la sociedad española. Ese es una de las finalidades del teatro y, más si cabe, del teatro público.

Han pasado muchas cosas en este país en los últimos años. Desde políticas generadas desde los propios gobiernos, como el actual plan de descolonización de los museos nacionales, hasta, y sobre todo, profundos movimientos revisionistas provenientes del activismo y el mundo de la cultura. Se ha luchado desde muchas trincheras contra el eurocentrismo y la falsa historia de este país tantas veces asociada al Imperio español, el “descubrimiento” de América o la misión evangelizadora de España en el mundo.

Y aunque el movimiento de descolonización es global, en el plano teatral patrio el germen de todo ha estado en América desde hace ya muchos años. Los laboratorios de teatro campesino en México en los ochenta y su actual teatro periférico, el teatro colectivo y decolonial del gran maestro colombiano Enrique Buenaventura en los setenta, el teatro foro del brasileño Augusto Boal, el teatro indigenista de Yuyachkani de Perú que llegó a asombrar al mundo entero… Los ejemplos son ya innumerables e irrenunciables.

En el caso de Miranda el gesto proviene del que fue colonizador. Su objetivo es el de apuntar los cánceres lastrados del colonialismo en nuestra cultura y aquellos que exportamos y ahora otros lastran. El montaje apunta a cómo esas dinámicas de poder colonial han afectado y afectan todavía a los individuos durante generaciones. Miranda pone sobre el tapete muchos temas que hacen de esta obra un montaje necesario y valiente. Y lo hace con respeto a la visión del otro, huyendo del apropiacionismo y sin concesiones hacía lo propio.

Además, el montaje es también una defensa de los verdaderos “héroes” de toda esta historia: las mujeres, a las que la obra erige como las verdaderas portadoras de la memoria y las únicas capaces de llevar a cabo los necesarios procesos de sanación. Una defensa que Miranda consigue que vaya calando poco a poco en el espectador. No es casual que el montaje se llame Las últimas.

Hace un mes saltó la noticia. El Festival de Avignon, meca del teatro europeo, invitaba a Andrea Jiménez a presentar Casting Lear, la obra con la que ha triunfado por toda España y que se llevó dos Premios Max. Pero antes, esta joven directora afronta otro gran reto: estrenar nada menos que la Antígona de Sófocles en la gran sala del teatro catalán, la grande del Teatre Lliure. Su título ya da pistas, Contra Antígona. Jiménez ha ideado un dispositivo con el que la ciudadanía toma el centro.

La actriz, directora y dramaturga madrileña explica a este medio que Casting Lear no solo fue un gran éxito, sino que le hizo descubrir una relación posible con los clásicos desde un lugar que, en vez de hacerla desaparecer, la hacía aparecer. “Tenía ganas de seguir explorando en esa dirección”, afirma sobre esta Contra Antígona que estará en cartel hasta el 21 de junio y la temporada que viene llegará al Centro Cultural Conde Duque de Madrid.

En Casting Lear un actor, cada día diferente, era invitado a entrar en escena sin saber qué iba a pasar y recibía indicaciones desde un pinganillo para guiarle durante la función. Rompía con este elemento performático, de riesgo. Nunca se sabía qué iba a pasar en esta revisitación del clásico de Shakespeare, que también se apoyaba en un “teatro de autoficción” donde la vida personal de la creadora entraba en juego.

El dispositivo que ha levantado para esta nueva obra sigue esa estela rupturista. Un dispositivo que consiste, explica, “en invitar a 14 espectadores cada función, como voluntarios, para constituirse en el coro de la obra. Y la premisa es clara: si no hay 14 personas que acepten, la obra no se hace”, afirma Jiménez. Para los ensayos ha contado con más de 300 voluntarios para poder ir trabajando y afinando esta participación ciudadana.

“El coro será dirigido en directo a través de un sistema de audioguías que permita que vayan atravesando la tragedia”, continúa la directora, que ha querido revertir la evolución contemporánea por la cual el coro había perdido relevancia en pos de los personajes individuales. “Su papel es fundamental, es la voz del pueblo. De hecho, en Grecia lo constituían ciudadanos que eran elegidos por un corego y era un gran honor”, explica Jiménez.

Este sistema que recuerda a ciertos montajes de Roger Bernat como La consagración de la primavera. “Aquí las notas también son escénicas, pero buscan conectar al miembro del coro con lo que está pasando como si fueran cuerpos sintientes, buscando que reaccionen a lo que está pasando. Se trata de que en todo momento se tengan que preguntar qué lugar toman ante lo que está pasando. No son figurantes, sino una especie de experiencia ampliada del espectador y, por lo tanto, no son una masa uniforme, sino una unidad de diferentes sentires, posicionamientos y opiniones”, aclara la directora.

El coro en la obra de Sófocles tiene grandes parlamentos que llevará a cabo la figura del corifeo, encarnada por la actriz Olga Onrubia. Júlia Truyol, actriz que lleva años trabajando en el Teatre Lliure, será Antígona; Xavi Sáez, Creonte y Clara de Ramon, Ismene. La directora explica que el montaje se ha basado mucho en la versión que hiciera Jeroni Rubio hizo para la propuesta que La Perla 29 montó en 2007.

Además, el proyecto cuenta con uno de los grandes activos de la dramaturgia catalana, Victoria Szpunberg, con la que ya trabajó en montajes como Mal de coraçón y Vulcano. “El trabajo con Victoria ha sido largo. Primero trabajamos en una versión, pero nos fuimos dando cuenta de que, más que actualizar la obra, la apuesta que queríamos tomar era someter a los cuerpos de hoy, a ese coro, al texto de Sófocles. Ha sido un trabajo de escarbar más que de añadir. Es más, cada vez que hemos intentado añadir la propia obra lo expulsaba”, explica Jiménez.

Al hablar sobre el texto, la dramaturga destaca la complejidad discursiva y la gran dialéctica de Sófocles. “El reto es que ese discurso no se quede solo en razonamientos enfrentados, sino que se convierta en verdad y que esa conmoción se traslade al coro”, explica la directora, que confiesa estar obsesionada con el concepto de “felicidad pública” de la pensadora Hannah Arendt, que defiende que la plenitud y realización personal se alcanza exclusivamente a través de la participación activa en los asuntos políticos.

De ahí que la obra se base en ese gesto de ocupar el escenario. “Es un gesto muy sencillo, pero creo que es potente que esos cuerpos ocupen la sala grande del Teatro Lliure, que es como el epicentro cultural catalán. Es un acto fuerte de toma de la institución”, argumenta. “Para mí, Antígona tiene mucho que ver con cómo nos relacionamos con las instituciones y cómo estas instituciones son, por un lado, fundamentales para sostenernos y, por otro lado, a veces, opresoras o inaccesibles”, sigue.

La directora confiesa que el título, Contra Antígona, nació de un deseo de desafiar la manera más idealizada de montar este clásico como ideal de los valores de la justicia, la democracia y el amor: “Esa es una lectura peligrosa”, afirma Jiménez, que apunta que “Antígona, al final, actúa sola. Y este montaje quiere cuestionar el relato del héroe como atajo simplificado que provoca la ilusión de una solución y desbanca la posibilidad de la inteligencia colectiva”.

Contra Antígona plantea la pregunta de qué podemos hacer con los restos de la democracia, que en la obra están representados por unas ruinas gastadas, a punto de derrumbarse, pero que todavía se sostienen. “Es un dilema actual, hay muchos aspectos de la democracia que hoy están en riesgo. Por eso me he basado en los conceptos de antagonismo y agonismo de Chantal Mouffe, que proponen no resolver los problemas, sino aprender a vivir en sabiendo que a veces son irresolubles”, sostiene.

Jiménez se remite a la filosofa belga Chantal Mouffe, que define el conflicto como uno de los elementos constitutivos de las sociedades, y propone dos maneras de abordarlo: el antagonismo, es decir la lucha violenta entre enemigos, y el agonismo, ideal democrático en el que existe un enfrentamiento entre adversarios, pero reconociendo el derecho a existir del otro. “El agonismo de Mouffe requiere un entrenamiento ciudadano para saber vivir en esa situación en la que uno acepta que el conflicto es irresoluble. Ese es el dilema que queremos plantear y colectivizar en escena con el público”, defiende Jiménez.

La directora también señala otras muchas preguntas que suscita la obra, preguntas que incluso la atraviesan personalmente, “mi apuesta por el teatro ha sido siempre total. Por eso, cuando veo a la hermana de Antígona, Ismene, que rechaza apoyarla y decida apartarse de esa familia disfuncional, de ese sufrimiento acumulado, me parece una elección por la vida que me atraviesa”, explica la directora. “Incluso Ismene y Antígona se han convertido en conceptos que ya utilizo recurrentemente con mi terapeuta”, confiesa.

Esta madrileña de 39 años lleva un lustro frenético de actividad. Dice ser consciente de que está en uno de sus momentos más álgidos. Tras el estreno de Contra Antígona revela a este periódico que se meterá de lleno en la versión francesa de Casting Lear. “Ya la tengo traducida, pero ahora tengo que aprenderme el texto”, confiesa. El reto no es menor: Jiménez estrenará esta obra en la Ópera de Avignon, centro teatral neurálgico del festival que cuenta con más de 900 butacas.

En España, para Casting Lear invitó a grandes actores como Pedro Casablanc, Alberto San Juan, Miguel Rellán, Andrés Lima o Fernando Guillén-Cuervo. En Francia ya cuenta Denis Podalydès y con Éric Ruf, actor total de teatro que dirigió la Comédie-Française. Después, la obra recalará en París, en el Théâtre de la Ville, unas funciones para las que ya cuenta con actores de la talla de Jérôme des Champs o Marcel Bozonnet. “Soy consciente, es un sueño hecho realidad y vamos con todo”, concluye.

“Que nadie olvide a José Martín Recuerda” es el lema con que el sello Ediciones El Bufón, con sede en Morón de la Frontera (Sevilla), se ha adelantado para conmemorar el vigésimo aniversario de la muerte del dramaturgo granadino, uno de los grandes nombres del teatro andaluz y español del siglo XX. Con motivo de esta efeméride, han publicado una antología que, bajo el título Trilogía de los asedios, recupera tres de sus títulos más sobresalientes.

“En la dramaturgia de Martín Recuerda, el protagonismo lo ocupan, en la mayoría de los casos, mujeres”, comenta Mercedes Martínez, responsable de la edición. “Se trata de mujeres de una rebeldía feroz, capaces de oponerse al poder establecido y de denunciar la hipócrita moral imperante. Estos dos elementos coercitivos, el poder político-social y la moral, confluyen en la represión sexual, frente a la que se levantan sus personajes femeninos”.

Así, Las arrecogías del beaterio de Santa María Egipciaca (1970), Las salvajes en puente San Gil (1961) y La llanura (1947) exhiben el talento más significativo del teatro de Martín Recuerda: la capacidad de construir personajes femeninos capaces de rivalizar con las heroínas clásicas. “Estas mujeres están decididas a amar por encima de lo que dictan las convenciones y la ley, y defienden su libertad sexual como expresión de fuerza”, apunta Martínez. “Mariana Pineda, por ejemplo, confiesa con orgullo en Las arrecogías: ‘¡A cambio de mi cuerpo salvé a muchos hombres!’. La Hija de La llanura, por su parte, se echa a las calles a buscar el afecto que ya no encuentra en casa. Y las vedetes que protagonizan Las salvajes se revuelven con furia contra la falsa moral y, sin miedo, alzan la voz contra quienes las juzgan”.

Un teatro violento

Nacido en Granada en 1922 y fallecido en 2007 en Salobreña, donde hoy se ubica la sede de la Fundación Martín Recuerda, el autor recibió a lo largo de su vida numerosos galardones, como el premio Lope de Vega, y llegó a estrenar en los principales teatros españoles. Su apasionada y obsesiva dedicación dramatúrgica abarcó más de seis décadas, y encandiló a las principales figuras de nuestro teatro: Adolfo Marsillach, Enrique Morente, Concha Velasco, Pilar Bardem, Carmen Linares o Mario Maya, entre otras estrellas de nuestra escena, protagonizaron sus obras.

Martín Recuerda fue un creador tan singular y genuino que alumbró su propia concepción estética y existencial bajo lo que se catalogó como teatro iberista o iberismo. Según Mercedes Martínez, “a la generación de Martín Recuerda, a la que pertenecían, entre otros, Lauro Olmo o Carlos Muñiz, se la denominó realista; sin embargo, al autor granadino le parecía un calificativo pobre e inexacto. Por ello, defendió el uso del término ‘iberismo’ para denominar el núcleo temático de su dramaturgia. Con este concepto hacía mención a la búsqueda de la identidad nacional, de la idiosincrasia española, lejos de cualquier tópico. Su mirada descarnada y crítica de la realidad desembocó en un teatro violento, a la vez que satírico. Ese posicionamiento ético-crítico se concretó en la creación de unos personajes marginados, ahogados en la amargura, sometidos a una opresión y una crueldad colectivas que los impele a actuar y a expresarse con brutalidad”.

Libertad y verdad

Según su editora, el granadino fue implacable con la hipocresía y la mediocridad espiritual de la sociedad de su tiempo, y denunció sin ambages la falta de libertad y la mezquindad que atenazaban a la España de la época, lo que le valió la censura y el hostigamiento del franquismo, al que resistió y plantó cara tanto desde los escenarios como en su vida cotidiana. Un mensaje plenamente vigente, en palabras de Martínez: “Toda la dramaturgia de MR se fundamenta en la búsqueda apasionada de la libertad y de la verdad. Estos dos principios rigieron la vida y la actividad teatral del autor granadino, y sobre ellos levantó su obra. Hoy en día la violencia colectiva se viste de otra forma, y no siempre, pero la opresión es incluso mayor. Hay algo catártico y contagioso en la lucha de esos personajes que se rebelan contra el bárbaro atavismo de una sociedad que parece la nuestra de ahora. Por ello, en este siglo XXI en el que la libertad está tan manoseada y depauperada, y la verdad, prácticamente negada, el teatro de Martín Recuerda se nos vuelve necesario”. 

Todo ello hace de esta 'Trilogía de los asedios' un “dique de contención contra el olvido, la necesaria y justa reivindicación de un creador que, veinte años después de morir, sigue interpelando a nuestra sociedad y poniendo luz en los abismos de nuestro tiempo”, añade la editora. Sobre la posibilidad de dar continuidad al rescate de este autor, actualmente casi desaparecido de nuestros escenarios, se antoja una tarea necesaria. “La Fundación Martín Recuerda hace una labor imprescindible desde Salobreña”, concluye Martínez, “pero es preciso seguir publicándolo, la mayoría de sus obras son inencontrables e incluso las hay inéditas. Y, por supuesto, llevarlo a escena”.

La música va a ser la gran protagonista esta semana en el Teatro Bretón con una nueva cita de ‘Mayo Jazzea’ el jueves 21 de mayo, y un espectáculo musical dedicado a Francisco de Goya.

El jueves 21 de mayo, a las 20:30 horas, regresa el jazz al Teatro Bretón con el espectáculo de Baldo Martínez Sexteto, enmarcado en el programa ‘Mayo Jazzea 2026’.

Baldo Martínez es uno de los músicos más representativos del jazz contemporáneo hecho en España, en la línea del Jazz europeo actual, con más de 30 discos en su haber y colaboraciones en medio centenar. En esta ocasión, el artista presenta su nuevo proyecto bajo el título ‘Música Imaginaria’.

Aprovechando su paso por la ciudad, el artista ofrecerá una charla coloquio para jóvenes y público en general en La Gota de Leche el miércoles 20 de mayo a las 20:00 horas. El acceso es gratuito hasta completar aforo.

La música continúa con un espectáculo el sábado 23 de mayo a las 20:00 horas, con ‘Goya, la melodía de una leyenda’. La obra explora la vida y obra del pintor Francisco de Goya, desde sus luchas personales hasta su papel como testigo y protagonista de una de las épocas más convulsas de la historia de España. Un viaje artístico lleno de pasión, drama y reflexión.

Sobre el escenario siete actores musicales y una banda que ofrecen al público 24 cancones originales interpretadas en directo. La obra tiene una duración estimada de 2 horas y media aproximadamente incluyendo descanso. El precio de las butacas varía entre los 12 y los 27 euros.

Las entradas de ambos eventos se pueden adquirir a través de la web del Teatro Bretón, en la propia taquilla de las instalaciones municipales así como llamando por teléfono al 941 207 231.

La próxima temporada del Teatre Nacional de Catalunya (TNC) tendrá inevitablemente algo de cierre de etapa. Carme Portaceli terminará en 2027 su tiempo como directora artística de la institución y este lunes ha presentado la que será su última programación antes de la llegada de una nueva dirección.

Lo ha hecho con un lema que vertebra todo el curso: Barcelona. La ciudad como escenario político, sentimental y cultural. La ciudad como memoria y como conflicto. La ciudad como lugar donde el teatro todavía puede ser un espacio de resistencia.

“Siempre he sentido un vínculo especial con Barcelona”, ha explicado la valenciana durante la presentación, recordando sus primeras visitas a la ciudad durante el tardofranquismo, cuando descubrió un lugar donde “había una libertad que en el resto de España no se encontraba”. Esa experiencia personal ha acabado impregnando una programación que mira a la capital catalana desde múltiples tiempos, lenguajes y fracturas.

La directora ha declarado, frente a un gran número de representantes del músculo escénico de la ciudad, que el teatro en Barcelona “siempre ha sido un lugar de esperanza”. De ahí que muchas de las producciones proyectadas dialoguen directamente con cuestiones contemporáneas como el auge de la extrema derecha, la violencia institucional, la memoria democrática, el feminismo o el desarraigo de la inmigración.

La despedida de Portaceli llega, además, en un momento de buena salud para el TNC. Según apuntó Joan Francesc Marco, Presidente del consejo de administración del TNC, la ocupación media de esta temporada 25-26 ha alcanzado el 82% y con un 25% del público joven.

Marco, también reivindicó el crecimiento internacional de la institución y su voluntad de consolidarse “como el teatro de toda Catalunya y no solo de Barcelona”. El presidente puso especialmente en valor el trabajo educativo y social del equipamiento, dirigido a estudiantes, docentes y familias. “Los niños son el público de hoy. Mañana serán el público del futuro, un público muy formado”, afirmó.

Barcelona como mapa emocional y político

Pero hablemos ya de algunas de las piezas que se presentarán durante la temporada 2026-2027, una programación que alternará grandes producciones, teatro político, danza, circo y proyectos híbridos.

Todo arrancará el 19 de septiembre con Repetir, repetir, repetir, un concierto, del que habrá dos únicas funciones, creado específicamente para el TNC por Sílvia Pérez Cruz, que recuperará el quinteto de cuerda con el que grabó Vestida de nit hace diez años.

Otro de los montajes más destacados será El Cadell, un nuevo texto de Josep Maria Miró escrito por encargo del TNC. La obra transcurre en una casa pairal dominada por una figura masculina mientras son las mujeres quienes sostienen realmente la estructura familiar y emocional. El texto recorre varias generaciones para hablar del peso de la herencia y de los silencios acumulados por las mujeres a lo largo de la historia.

También sobresale Songe, la particular relectura de Sueño de una noche de verano dirigida por Marcial Di Fonzo Bo, que incorpora Comedia sin título de Federico García Lorca en su tramo final. El montaje, concebido en varias lenguas y con intérpretes procedentes de distintos países europeos, explora la frontera entre realidad, sueño y revolución.

El teatro recupera también La tercera fuga, de Victoria Szpunberg, uno de los grandes éxitos recientes del TNC, que volverá a escena a finales de enero de 2027 y emprenderá gira tras haber tenido una excelente acogida de público y crítica en su anterior paso por Barcelona.

En paralelo, el TNC continuará reforzando las colaboraciones internacionales que Portaceli ha impulsado durante su mandato. La directora destacó el crecimiento de la actividad exterior del teatro, las alianzas con instituciones europeas y la participación en la Union des Théâtres de l'Europe, que permite intercambios entre actores, directores y creadores de distintos países. “Todas estas colaboraciones se irán ampliando”, ha asegurado.

Teatro contra la indiferencia

Como decíamos, buena parte de la programación está atravesada por preocupaciones contemporáneas y, especialmente, por el vínculo entre juventud y violencia social. La llei de la gravetat, de Pep Farrés, Biel Rossell y Daniela Feixas, aborda el abandono escolar y la expulsión simbólica de quienes quedan fuera del sistema educativo. “Queremos seguir posicionándonos como un puntal en tratar los temas que más preocupan a los jóvenes”, ha defendido Portaceli.

Más explícita todavía es La ràbia, de Josep Julien, centrada en el acercamiento de algunos adolescentes a discursos ultras y comunidades de extrema derecha en internet. Basada en un caso real, la obra sigue el proceso de radicalización de un joven tras una agresión violenta. El espectáculo también formará parte del Festival Zero y viajará a Budapest.

Otro de los proyectos con mayor carga política será 450 volts, creado por Marta Gil Polo y Marta Barceló a partir de la memoria de las torturas en la comisaría de Via Laietana, 43. El montaje llega en un momento en el que sigue abierto el debate sobre la conversión del edificio en un espacio de memoria democrática. La obra reunirá testimonios de víctimas y antiguos agentes policiales para reflexionar sobre la violencia institucional y los mecanismos del poder.

La programación también mira hacia Oriente Medio con una nueva edición de Barcelona Calling L’Orient Mitjà, el festival internacional impulsado por el TNC que este año lleva por subtítulo Les dones es reinventen. Participarán artistas de Líbano, Palestina, Irán, Siria y Egipto. “Como teatro del mediterráneo occidental no podemos dejar de mirar a esa otra parte del Mediterráneo”, señaló Portaceli.

Rodoreda, Roig y Brecht para leer el presente

La literatura catalana también ocupará un lugar central en esta última temporada. En noviembre Portaceli dirigirá L’hostal de les tres Camèlies, de Mercè Rodoreda, una obra atravesada por la violencia y el inmovilismo social de la posguerra. “Rodoreda ve una España y una Cataluña en la que el reloj no se mueve”, explicó la directora. En el montaje, coproducido con el Teatre Principal de Palma, los diferentes actores hablarán en sus propias variantes del catalán como el mallorquín, el valenciano o el andorrano.

También destaca Roig i violeta, inspirado en El temps de les cireres y L’hora violeta de Montserrat Roig. La producción reconstruye una Barcelona herida por la memoria del franquismo y pone el foco en las mujeres que quedaron fuera del relato oficial de la historia.

A ellas se suma Nada (No res), adaptación catalana de la célebre novela de Carmen Laforet, que recupera la Barcelona gris y devastada de la posguerra a través de la mirada de Andrea.

Pero la gran producción de la temporada será probablemente La mare Coratge i els seus fills, dirigida por Josep Maria Mestres a partir del clásico antibelicista de Bertolt Brecht. Con Emma Vilarasau al frente del reparto, el montaje quiere dialogar con las guerras contemporáneas y con la normalización del sufrimiento ajeno.

Una despedida abierta al riesgo

La programación también reserva espacio para propuestas más experimentales y formatos híbridos. El proyecto 365 dones l’any volverá a reivindicar, en El Born Centre de Cultura i Memòria, figuras femeninas fundamentales para la historia de Barcelona. La próxima edición estará dedicada por primera vez a una mujer viva, la activista vecinal y feminista Custodia Moreno.

Entre las propuestas más singulares aparece [The Frame], de la compañía Eléctrico 28, que convertirá lugares y escenas reales de la ciudad en un escenario improvisado observado por un público reducido mediante auriculares y acciones en directo.

Portaceli también quiso destacar Delay the Sadness, de la coreógrafa israelí Sharon Eyal, convertido en uno de los fenómenos recientes de la danza europea tras su paso por París, y Barber Shop Chronicles, un montaje internacional, que llegará a la Sala Gran en marzo de 2027, sobre las barberías afrodescendientes como espacios de identidad, memoria y comunidad.

La temporada culminará con uno de los nombres más radicales de la escena europea: Angélica Liddell. Su nuevo proyecto, 00:01 La creació, se desplegará durante siete días consecutivos con variaciones distintas de una misma pieza. Una especie de ritual escénico mutante que apunta bien al espíritu de esta última programación de Portaceli: un teatro dispuesto a provocar, experimentar y mirar de frente las fracturas del presente.

La compañía teatral Agrupación Escénica Unos Cuantos representará este miércoles, 20 de mayo, la obra ‘Tres mujeres’ en la sede del Ágora Solidaria Cultura y Memoria Luis Toca, ubicada en la calle Juan XXIII, 22 de Santander. La función comenzará a las 19.30 horas y la entrada será gratuita hasta completar aforo.

La obra sitúa al espectador en una ciudad devastada tras la denominada “Gran Crisis” y la aparición del “Bicho”, un contexto marcado por la precariedad y la supervivencia. En ese escenario conviven Mayor y Madura, dos mujeres obligadas a subsistir en los márgenes de una gran urbe.

Mayor, enferma pero resistente, carga con una vida marcada por las dificultades, mientras que Madura vive condicionada por la pérdida de memoria derivada de un trauma. Ambas mantienen un delicado equilibrio que se verá alterado con la llegada de Joven, una mujer decidida y con intención de abrirse camino en medio de un entorno hostil.

A partir de ese encuentro, la historia profundiza en las relaciones humanas, las contradicciones, los afectos y las heridas personales de sus protagonistas, en una trama atravesada también por la dureza de la realidad social en la que viven.

El autor de la obra es Ramón Qu, integrante de Agrupación Escénica Unos Cuantos desde 2014 y dramaturgo de diferentes montajes teatrales como ‘El Encuentro’, ‘El Callejón’, ‘El Muro’, ‘El Marqués de Valdecilla’ o ‘Meras Coincidencias’.

Además de su labor teatral, dirige la compañía El Callejón, coordina clubes de lectura y tertulias literarias y desarrolla trabajos periodísticos centrados especialmente en cuestiones sociales y políticas. Temas como la soledad, la incomunicación, el desarraigo o las consecuencias del capitalismo son habituales en su dramaturgia.

40 años de trayectoria

Por su parte, la Agrupación Escénica Unos Cuantos nació en Santander en 2012 y cuenta con más de una década de trayectoria bajo la dirección artística de Juan Manuel Freire, vinculado al teatro desde hace cerca de 40 años.

La compañía ha llevado a escena una docena de producciones y ha superado el centenar de representaciones en distintos puntos del país, entre ellos Cantabria, Madrid, Asturias, Extremadura, Castilla y León o A Coruña.

Entre sus últimos montajes destacan ‘Meras Coincidencias’, ‘Con las mujeres’, ‘La tienda impropia’, ‘Imágenes del otro lado’ y ‘La Odisea’.

Catalunya sigue rendida a los pies de su gran autora de teatro: Lluïsa Cunillé. El público y la profesión saben que tienen a una Pinter entre sus filas y la cuidan. Ahora llega un plato bien fuerte, una de las obras más esperadas de la autora escrita hace diez años, pero todavía no representada en Catalunya. Dinamarca se estrena esta semana con dirección de Albert Arribas y dos de los grandes actores del teatro catalán: Pere Arquillué e Imma Colomer. La historia: puro Cunillé.

La obra aterriza en uno de los espacios naturales de la autora, la Sala Beckett, donde Lluisa Cunillé comenzó andadura junto a Sanchis Sinisterra. Dinamarca cuenta la historia de la convivencia en un piso de dos personajes, madre e hijo. Allí viven encerrados, enquistados el uno en el otro, sin futuro, fuera del tiempo. Todo explotará cuando sean acosados por fantasmas del pasado.

“Lluïsa es una de las grandes que tenemos en este país. Y precisamente esta obra es Cunillé, Cunillé”, asegura Pere Arquillué a elDiario.es, “yo ya había hecho alguna otra como L'Emperadriu del Paral·lel, pero este montaje es un obrón, era una asignatura pendiente enfrentarme a su teatro en una obra como esta”, afirma con entusiasmo el actor.

Arquillué, uno de los grandes referentes del teatro catalán, afirma que además está muy contento al poder compartir escena con Imma Colomer: “Qué voy a decir, es una de las grandes, fundadora de Els Comediants, del Teatre Lliure, es una actriz con un pasado que pesa y se nota en escena”. “Es la dupla perfecta”, dice por su lado el director de la obra, Albert Arribas. “La potente presencia de Pere frente a la aparente fragilidad, pero llena de fuerza interna, de Colomer, es el juego de equilibrios le viene perfecto a la historia”, asevera.

La máscara y el actor

Albert Arribas es el director que en los últimos años mejor ha sabido leer la poética y la teatralidad de esta autora. Las tres veces que ha dirigido su teatro (El jardí, en 2021; El gos, en 2023 y Al contrari!, en 2024) ha sabido captar el mundo liminal y poético de Cunillé, así como la ironía y la capacidad de forzar los límites dramáticos presentes en su obra.

“Albert ha conseguido ponerle ojos nuevos y una respiración nueva al teatro de Cunillé”, afirma Arquillué. “Tiene una mirada muy personal, con referencias al teatro contemporáneo alemán, por ejemplo, que ha conseguido conectar con un tipo de público al que quizá la Cunillé le daba un poco de vértigo”, explica.

Arribas, además, llega a esta cita con una nominación a los Premio Max por el montaje de Opereta imaginària, una delicia imposible, tan gamberra como intelectual, que cuenta con un gran texto del francés Valère Novarina y fue uno de los éxitos de la temporada pasada. Confiesa que su acercamiento al teatro de Cunillé fue una manera de rencontrarse con el teatro de texto: “Llevaba años yendo hacia un teatro más experimental, performativo”, confiesa, “pero el día que Cunillé me ofreció dirigir una obra suya, se produjo un enganche que dura hasta hoy”, argumenta.

El director explica que el teatro de Cunillé y el de experimentación no están peleados, “su teatro puede parecer en un principio convencional, pero esconde una escritura muy sutil y radical que pervierte todos los mecanismos de lo que llamamos drama”, razona. Algo que en Dinamarca, según el Arribas, es muy claro: “Es el Hamlet de Lluïsa, los límites de la realidad y de la representación y, por lo tanto, de la fantasía y del deseo se borran y esto permite que te acerques a su escritura de una manera muy libre a nivel escénico, muy lúdica incluso”.

Arquillué desvela que en este montaje el director ha querido introducir un potente juego teatral basado en la máscara: “Ese juego convierte la obra en una tragicomedia que raya lo esperpéntico, un esperpento con unas gotas de Kafka. Más que unas gotas un buen trago”, explica.

“El teatro de Cunillé es muy delicado”, confiesa el actor, “es un teatro de lo invisible que tienes que conseguir hacer palpable, algo para lo que necesitas mucha finura y sutilidad. Con Albert esa necesidad de tener que afinar mucho se junta con ese juego teatral que además ha de parecer fácil. La combinación es todo un reto”, concluye.

Al conversar sobre este nuevo modo de trabajar el teatro de esta autora, Arquillué espeta que “Cunillé también ha cambiado, no es lo mismo la Lluïsa del 95 que la de ahora”. Al preguntarle qué ha cambiado, el actor dice no querer meterse en camisa de once varas, “pero valga una anécdota”, apunta: “Cuando leí la obra conté 165 pausas, de las cuales 25 eran pausas largas. En este montaje casi no hacemos pausas. Y esto no es solo del director, la autora ha venido a muchos ensayos y está muy de acuerdo, le gusta que no respetemos sus pausas”.

Shakespeare es una de las sombras que sobrevuelan este montaje donde los dos personajes van dinamitando todo su entorno para ver si encuentran un sentido a su relación y su existencia, “incluso está bien presente el suicidio como en Hamlet”, apunta Arribas. “Cunillé afronta con radicalidad el tema del suicidio, asumiéndolo en su vertiente política y también en contraposición con la esperanza de encontrar una pulsión de vida, ahí la autora consigue que afloren con mucha fuerza las cuestiones esenciales del ser humano”, sostiene.

Pero la sombra del inglés no está tan solo presente en la escritura, “sino también en los mecanismos de la teatralidad. Incluso el tratamiento del espacio, que es vital en esta obra; es muy shakesperiano. Aunque la situación comience en el interior de un piso, la obra va virando hacia el exterior”, explica Arribas, que ha trabajado con Silvia Delagneau la escenografía.

“Silvia no es una escenógrafa, es una dramaturga del espacio. Y no solo porque tenga una capacidad plástica, sino porque comprende en profundidad las obras y hace que el espacio ponga de manifiesto las tensiones del texto y acompañe a los personajes en su evolución a través de la obra”, comenta Arribas sobre esta escenógrafa y vestuarista que el año pasado ganó el Premio Max con Afanador y que está detrás de trabajos fundamentales de los últimos años como Personas, lugares y cosas, Travy, Gula o La muerte o la primavera, entre otros muchos.

Llega, en definitiva, una de las obras más esperadas de la temporada. En junio, Cunillé estrenará un nuevo montaje dirigido por Carlota Subirós, La Ruta, en el Festival Grec. Cunillé encarna una de las apuestas más personales e intransferibles de nuestra escena. Su teatro, tan liminal como ético, tan cotidiano como evocador en sus silencios y subtextos, abre al espectador un espacio fuera del tiempo donde poder mirarse. Lejos quedan montajes como L'aniversari (1999) o Barcelona, mapa d'ombres (2004). Pero lo bueno es que una de las historias más retadoras y asombrosas de nuestro teatro sigue bien viva y presente.

Las Cortes de Castilla-La Mancha van a celebrar el Día de la Región, este 31 de Mayo, con un programa de actividades que incluye la iluminación especial de la fachada con la bandera de la comunidad autónoma y una jornada de Puertas Abiertas con algunas escenas teatralizadas en su sede en el Convento de San Gil de Toledo, así como con una campaña mediática que lleva por lema ‘Nuestra palabra, tus derechos’.

Un año más, la institución que preside Pablo Bellido se adhiere a las celebraciones por el Día de Castilla-La Mancha, que coincide con el aniversario de la constitución por vez primera del parlamento el 31 de mayo de 1983. Lo hace además con una campaña en medios de comunicación y redes sociales, con el lema ‘Nuestra palabra, tus derechos’, con la que pretende reafirmar el compromiso con los avances legislativos y el bienestar de la población en estos 43 años de trayectoria autonómica y que, al poner el acento en la palabra y los derechos, aúna las dos funciones principales del parlamento: el debate político y la producción legislativa.

Teatro en los 'Gilitos' en la Jornada de Puertas Abiertas

Una de las principales novedades del programa de actividades con motivo del Día de Castilla-La Mancha en las Cortes Regionales pasa por una jornada de puertas abiertas que por vez primera en este aniversario -y como ya ocurrió en diciembre con motivo del Día de la Constitución- permitirá a la ciudadanía conocer la sede del parlamento en Toledo con una jornada de puertas abiertas que incluye algunas partes teatralizadas.

Además de las habituales explicaciones de la guía sobre el edificio y la actividad parlamentaria, una compañía de teatro ofrecerá escenas complementarias vinculadas a la historia y los usos pasados del Convento de San Gil, también conocido como ‘Gilitos’, sede del parlamento desde 1986.

Las personas interesadas en participar de forma gratuita en estas visitas guiadas, que tendrán lugar el sábado día 30 a las 10:30 y las 12:00 horas, tienen que dirigir un correo electrónico a la dirección puertasabiertas@cortesclm.es o telefonear al número 925 259 808.

Iluminación de la fachada del edificio los días 30 y 31 de mayo

Además, ese mismo sábado en víspera del Día de Castilla-La Mancha y el propio domingo día 31 por las noches se procederá a la iluminación de la fachada principal del Convento de San Gil con una imagen en movimiento de la bandera autonómica, visible desde el propio patio de las Cortes Regionales, pero también desde diversos puntos de la ciudad de Toledo.

El presidente de las Cortes Regionales, Pablo Bellido, participará también el domingo en el acto central que la Junta de Castilla-La Mancha organiza cada año con motivo de este aniversario y que acoge este año la ciudad de Cuenca.

La vedete Tania Doris, una de las reinas del Paral·lel barcelonés durante varias décadas, ha muerto a los 74 años de edad, según han informado fuentes próximas a la artista, diva del Teatro Apolo, donde protagonizó numerosas revistas como '¡Esta noche...sí' o 'Yo soy la tentación'.

Nacida en València en 1952 en el seno de una familia andaluza, bautizada como Dolores Cano Barón, estudió baile clásico español en una academia y, posteriormente, se hizo bailarina profesional, iniciándose en el mundo de la revista, donde pasó a ser, con apenas 17 años, una de las 'Chicas alegres de Colsada', descubierta por el empresario Matías Colsada.

Fue Colsada, con quien acabó conviviendo durante más de veinte años, quien le puso el nombre artístico de Tania Doris, y quien le abrió las puertas del Teatro Apolo. Se dedicó a la revista porque, por su altura -medía casi 1,80 metros-, no pudo ser bailarina, iniciando su carrera en el Paral·lel barcelonés hacia 1970.

Retirada desde hace más de un cuarto de siglo, protagonizó a lo largo de su trayectoria obras de revista como 'Seductora', que también presentó en Madrid, 'La Dulce Viuda', 'Acaríciame', 'Venus de fuego', 'Deseada' o 'Quiere ser mi amante'. En muchas de estos espectáculos estuvo acompañada por los galanes cómicos Luis Cuenca y Pedro Peña.

En el año 1983, presentó en Madrid la revista 'Un reino para Tania', una obra con la que viajó después a México, tras una invitación de Mario Moreno 'Cantinflas', y también presentó su película 'Historia de la Revista'.

Asimismo, en aquella época fue homenajeada por el entonces alcalde de Madrid, Enrique Tierno Galván, en el Club Internacional de Prensa. En el año 1984 protagonizó la película musical 'Las alegres chicas de Colsada', dirigida por Rafael Gil, y en 1988 estrenó en Madrid la comedia musical 'Bésame, Johnny'. Entre las últimas obras en las que participó destaca 'Taxi, al Apolo', en el año 1993.

Por otra parte, en 2006 su nombre volvió a los medios de comunicación después de presentar una demanda para que se determinara qué parte de la herencia del empresario Matías Colsada le correspondía a ella, después de que la Audiencia de Barcelona la reconociera beneficiaria de la misma, tras haber convivido con él durante años, aunque nunca se casaron. La herencia de Colsada, que murió en el año 2000, sin dejar testamento, fue objeto de disputa entre la viuda legal, sus dos hijas extra-matrimoniales y Tania Doris.

En declaraciones a EFE, el gestor cultural y amigo de Tania Doris, Joan Estrada, ha lamentado este miércoles la muerte de la artista, de quien ha dicho que fue “la auténtica vedete del Paral·lel, una mujer muy alta, muy guapa, muy esbelta, una persona muy honesta, que en los últimos años llevó una vida muy discreta, totalmente retirada del mundo del espectáculo”.

Asimismo, ha recordado su participación en numerosas obras en el Apolo junto a Luis Cuenca y Pedro Peña, los tres “auténticas estrellas del Paral·lel”. El velatorio tendrá lugar en el Tanatorio de Les Corts mañana jueves, mientras que la ceremonia de despedida se celebrará en el mismo lugar el viernes a las 9:00 horas.