El teatro Victoria Eugenia de Donostia recibirá el próximo 16 de noviembre a actores y actrices vascas del teatro, las series de ficción y el cine. La ocasión es la celebración de los XXI Besarkada Sariak de Euskal Aktoreen Batasuna (EAB), que han nominado a intérpretes como Itziar Ituño, por 'Argi gorriak'; Patricia López Arnaiz, por 'Los domingos'; y Kepa Errasti, que opta al premio tanto por su trabajo teatral en 'Desobedientes 18/98' como por su interpretación cinematográfica en 'Maspalomas'.

Euskal Aktoreen Batasuna (EAB) es una asociación sindical con más de 400 socios que, desde 1988, trabaja para visibilizar, formar y defender los derechos de los profesionales de la actuación en Euskadi. Los Besarkada Sariak se celebran habitualmente cada dos años, pero esta undécima edición marcará el inicio de su periodicidad anual. Los galardones reconocen las interpretaciones en teatro, series de ficción y cine, con categorías diferenciadas para mujeres y hombres.

En cine, 'Maspalomas' reúne tres nominaciones. José Ramón Soroiz, Kandido Uranga y Kepa Errasti optan al premio por sus interpretaciones en la película. Errasti suma así una doble candidatura, ya que también está nominado en teatro por 'Desobedientes 18/98', de Tanttaka Teatroa. En la categoría masculina, Urko Olazabal completa la lista por su trabajo en 'Soy Nevenka'.

Entre las actrices, Patricia López Arnaiz está nominada por 'Los domingos', película por la que también ganó el Goya a mejor actriz protagonista y el Forqué a mejor interpretación. Miren Gaztañaga opta al galardón por 'Azken erromantikoak', dirigida por David Pérez Sañudo.

Mientras, Olaia Aguayo ha sido nominada por 'Jone, batzuetan', el primer largometraje de Sara Fantova. Aguayo interpreta a una joven que se enfrenta a “las contradicciones de la adolescencia y al paso a la edad adulta”. El jurado destaca “la frescura de su interpretación” en este primer papel protagonista. La categoría se completa con Yune Nogueiras, nominada por 'Gaua', en la que sobresale “el uso del gesto y de la expresión corporal”, casi sin necesidad de “recurrir a las palabras”.

En las series de ficción, 'Argi gorriak', de Vidania Films, cuenta con dos nominaciones: Itziar Ituño y Arnatz Puertas. También suma dos candidaturas 'TAMARA TA MARA', de Begira Produkzioak y EITB Media, con Ainhoa Artetxe y Koldo Olabarri. Por su parte, 'Desagertuta', producida por Pausoka, Zebra Producciones, Desagertuta A.I.E., EITB Media y Netflix, reúne tres nominaciones: Ainhoa Larrañaga, Itziar Atienza y Unai Arana.

'Querer', producción de Kowalski Films, Movistar Plus+ y Feelgoodmedia, también destaca con dos candidaturas femeninas: Loreto Mauleón y Nagore Aranburu. La interpretación de Mauleón sobresale por “la complejidad emocional y la tensión interna de su personaje”, mientras que la de Aranburu se apoya especialmente en “los silencios, los gestos y las miradas”. Su trabajo en la serie le ha valido distintos reconocimientos, entre ellos el Premio Feroz a mejor actriz.

Por 'Yo, adicto', de Disney+ bajo la marca Star, están nominados Itziar Lazkano y Ramón Barea, cuyas interpretaciones contribuyen a construir “los conflictos familiares y las relaciones que rodean al protagonista”. La lista femenina de televisión se completa con Sara Cozar, nominada por 'Zeru ahoak', un thriller rodado en euskera en el que destaca su capacidad para “mantener el clima de misterio, mostrando progresivamente la información de su personaje”.

En teatro, 'Itzulera', de Dejabu Panpin Laborategia, es una de las obras con mayor presencia en las nominaciones. Ainara Gurrutxaga, Miren Alcalá y Urko Redondo optan al premio por sus interpretaciones en esta propuesta, ganadora del XXVI Donostia Antzerki Saria 2026. La obra construye sus personajes a través del trabajo en equipo y de sus relaciones, en una historia que gira en torno a “el regreso, la memoria y la identidad”.

Aitziber Garmendia está nominada por 'Badakizu plastikozko loreak ez direla inoiz bizi izan, ezta?', de Tanttaka Teatroa. Ane Pikaza opta al galardón por 'Adiorik ez', de La Dramática Errante, una propuesta sobre “el final de la vida y los cuidados paliativos”. Por su parte, Erika Olaizola está nominada por 'KAKA', una creación junto a Xanti Agirrezabala que recurre “al absurdo y el humor para hablar de la responsabilidad individual y colectiva”.

Entre los actores nominados, Joseba Apaolaza opta al premio por '52 hercios', de Ados Teatroa, una propuesta sobre “la soledad no deseada”. Kepa Errasti, además de su candidatura cinematográfica por 'Maspalomas', está nominado por 'Desobedientes 18/98', de Tanttaka Teatroa. Oier Zuñiga completa la lista por 'Nor naizen baneki', fruto de la colaboración entre Artedrama y Axut!, en la que destaca “el trabajo con el cuerpo”.

JUEVES 22 DE OCTUBRE

Un matrimonio sin filtros

Teatro Leal - 20.00 horas

Marga y Jaime, interpretados por Marta Hazas y Javier Veiga, son una pareja que decide separarse tras 15 años de convivencia. El conflicto estalla cuando ambos reclaman la propiedad de la casa, llevándolos a un duelo televisado de 21 días con cámaras ocultas que exponen su intimidad.

Nicotine swings - Efecto Laguna

Teatro Leal - 22.00 horas

Nicotine Swing presentará en directo su tercer disco, Borrando huellas. La banda tinerfeña cuenta con más de quince años de trayectoria y ha sido galardonada en los Premios Canarios de la Música. Nacida en torno al gipsy jazz y la tradición de Django Reinhardt, su sonido ha evolucionado hacia una propuesta cada vez más personal, incorporando influencias del bolero, estructuras del pop, la expresividad de la canción italiana y ecos de otras músicas de raíz.

VIERNES 23 DE OCTUBRE

Phantom - Danza en breve

Teatro Leal - 19.00 horas

Esta propuesta escénica de Darío Bardam trata de eliminar la distancia entre la danza y la música. El fracaso de ese intento dará lugar a una presencia, a la que el artista denomina fantasma, compuesta de ritmos y figuras.

Cuando el tiempo suena - Achaman

Teatro Leal - 20.30 horas

Achaman celebra su 50º aniversario sobre las tablas del Teatro Leal. Con el espectáculo Cuando el tiempo suena proponen un viaje por la memoria musical de la formación y su historia y por las distintas generaciones de músicos que la han conformado.

VIERNES 23 DE OCTUBRE - MIÉRCOLES 25 DE NOVIEMBRE

Exposición Retrospectum

Convento de Santo Domingo - de lunes a viernes de 11.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00 horas y sábados de 11.00 a 14.00 horas

Retrospectum repasa dos décadas de la obra de Manolo Yanes. La muestra reúne una selección de cuadros realizados entre 2005 y 2025, que definen su estilo figurativo, con protagonismo del dibujo, el color y la composición, así como la representación del cuerpo humano.

VIERNES 23 DE OCTUBRE - DOMINGO 1 DE NOVIEMBRE

XXIV Festival de Música Antigua de La Laguna

Convento de Santo Domingo - 20.00 horas

El Festival de Música Antigua de San Cristóbal de La Laguna regresa con un nuevo recorrido sonoro dedicado a la música medieval y del Barroco.

SÁBADO 24 DE OCTUBRE

Abraham Cupeiro - Reislas

Teatro Leal - 20.30 horas

En Resonando en el pasado, Abraham Cupeiro propone un viaje por la historia de la humanidad a través de los instrumentos. El artista combinará música y humor para guiar al público en este recorrido en el que empleará su enorme coleccioìn de instrumentos milenarios.

DOMINGO 25 DE OCTUBRE

XVII Festival solidario Yo quiero un mundo contigo

Teatro Leal - 18.00 horas

Esta gala en beneficio del Asilo de Ancianos de La Laguna propone una tarde de música, magia, baile y humor. Para la ocasión, contarán con las actuaciones musicales de Unidos por la música, Virginia Guantanamera, Javi Hernández, Sergio Núñez y Mujeres cantan a México; el espectáculo de magia de Malbert; las propuestas escénicas de los bailarines Aimara Cruz e Iván Morales y el humor de los personajes de En otra clave Chano y Carmen Rosa.

JUEVES 1 DE OCTUBRE - DOMINGO 31 DE OCTUBRE

Festival Internacional de Cine Independiente y de Autoría de Canarias

Sala Cultural El Desleal - 18.00 horas

Hasta finales de octubre, el público podrá disfrutar de las proyecciones de 19 películas con sello canario. El festival también recorrerá puntos del municipio como Punta del Hidalgo, la ULL y el CIFP César Manrique con charlas, debates y encuentros.

LUNES 19 DE OCTUBRE - VIERNES 6 DE NOVIEMBRE

Exposición Luis Rodríguez Figueroa: 150 años de su nacimiento

Centro Ciudadano La Candelaria

Esta edición de Mi barrio es cultura cuenta con una exposición itinerante dedicada a la vida y obra del escritor y político Luis Rodríguez Figueroa.

La compañía de teatro Proyecto 43-2 ha denunciado ante la Fiscalía la cancelación de la obra Federico. No hay olvido, ni sueño: carne viva, cuya representación estaba programada para 24 de octubre dentro del ciclo VI Comunidad a Escena que organiza la Fundación Siglo, dependiente de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Junta de Castilla y León. El pasado 2 de octubre la Fundación Siglo remitió un correo electrónico a la compañía en la que informó de “unas obras de carácter inaplazable” que tendrían lugar en la Sala Experimental del Centro Miguel Delibes y que hacían imposible la representación. Sin embargo, la documentación sobre las obras recabada por Proyecto 43-2 así como su disponibilidad para representar la obra en otras salas del centro cultural sin que la Junta haya accedido, les llevan a pensar que la cancelación es por “motivos ideológicos”.

La función estaba programada el 24 de octubre en la Sala Experimental del Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid y fue anunciada públicamente el pasado mes de marzo, junto al resto de espectáculos. En un correo electrónico remitido a la compañía el pasado 2 de octubre, la Fundación Siglo alegó que unas obras de carácter inaplazable, que tendrían lugar en la Sala Experimental, hacían imposible la representación.

Según ha informado Proyecto 43-2 en un comunicado, “en ese momento, 'Federico' tenía vendido más del 70% del aforo, más que ningún otro espectáculo o evento programado en el ciclo Comunidad a Escena”. Lo que subrayan es que las mismas obras que obligan a cancelar 'Federico', no tienen fecha de inicio, de finalización ni duración determinada y tampoco han provocado la supresión de ningún otro espectáculo en la Sala Experimental. La única obra eliminada de la programación ha sido 'Federico'.

No solo eso, según la compañía, las obras no impiden el uso diario de la sala que realizan la Escuela de Arte Dramático de Castilla y León y el Conservatorio de Danza, “ni se ha cancelado el acto organizado por la SEMINCI que tendrá lugar el próximo viernes 23, un día antes de la fecha en la que estaba programado Federico.

Coproducida por la Junta en el mandato de un consejero de Cultura de Vox y cancelada por su sucesor

Así, recuerdan que El VI ciclo Comunidad a Escena fue presentado públicamente en marzo y hasta el 6 de octubre el espectáculo ha sido publicitado en las redes sociales del Centro Cultural Miguel Delibes y en las comunicaciones a prensa de la Junta de Castilla y León. El dato curioso es que 'Federico' está coproducida por la Junta de Castilla y León gracias a una ayuda de producción de espectáculos a compañías profesionales de Castilla y León que Proyecto 43-2 obtuvo en 2024 en un proceso de concurrencia competitiva. Estas ayudas fueron otorgadas bajo el mandato del anterior consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Gonzalo Santonja. Santonja fue uno de los consejeros de Vox tras las elecciones de febrero de 2022, si bien se quedó como independiente tras la salida de Vox de los gobiernos autonómicos en 2024.

Ahora, bajo el mandato de otro consejero de Cultura de Vox, Alberto Díaz Pico se cancela obra. Las personas que compraron las entradas para 'Federico' recibieron un correo electrónico el pasado 8 de octubre en el que se les informó de la cancelación del espectáculo por “motivos logísticos”. El dinero de las entradas fue devuelto inmediatamente. La compañía Proyecto 43-2 propuso a la Fundación Siglo la posibilidad de adaptar técnicamente el espectáculo para poder hacer la función el día 24 en la Sala de Cámara o a la Sala Sinfónica del Centro Cultural Miguel Delibes, ambos espacios sin actividad programada ese día. También ofreció la posibilidad de trasladar la función a un domingo de noviembre o diciembre, después de la programación del ciclo Comunidad a Escena que tiene lugar los sábados de esos meses. “La Fundación Siglo rechazó todas las posibilidades de reprogramación”, aseguran. El mismo día en que la Junta devolvía el dinero de las entradas, Proyecto 43-2 solicitó por los cauces oficiales el expediente completo de las obras.

Obras que no aparecen en los portales de contratación

En un burofax remitido a la compañía una semana más tarde, la Fundación Siglo aportó documentación en la que “no consta el expediente íntegro, ni las publicaciones oficiales que se debían haber realizado, ni los trámites de comunicación y notificación realizados por y hacia terceros”. La documentación remitida plantea además dudas sobre la cronología. El contrato con Proyecto 43-2 se formalizó el 20 de julio, mientras que uno de los informes técnicos incorporados al expediente para justificar la necesidad de las obras está fechado el 31 de julio. Al mismo tiempo, la Fundación sostiene que las necesidades habían sido detectadas y que se realizaban gestiones desde junio. Entre la documentación remitida no figuran los antecedentes que acrediten dichas gestiones, ni un cronograma de ejecución de las obras, ni documentación objetiva sobre la disponibilidad de espacios alternativos.

Por todo ello, Proyecto 43-2 ha solicitado que se aclare “qué conocía exactamente la Fundación cuando decidió contratar la representación” y recuerda que la Fundación Siglo es una fundación pública autonómica que gestiona un importante volumen de recursos públicos. En 2026, el contrato-programa suscrito con la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte contempla una aportación de 27.785.263 euros para la financiación global de su actividad. Para Proyecto 43-2, “ese volumen de financiación pública exige un especial deber de transparencia, objetividad y rendición de cuentas en las decisiones que afectan a la programación cultural”.

“La falta de información y documentación acerca de las obras a ejecutar en la sala el mismo día en que iba a tener lugar la función, la inexistencia de documentación en los portales públicos de contratación y transparencia de dicho proyecto y la negativa a reprogramar Federico en otra fecha, sumada a las declaraciones el pasado 20 de julio del consejero de Cultura, José Alberto Díaz Pico, lleva a Proyecto 43-2 a considerar que la cancelación del espectáculo responde a causas de motivación ideológica, lo que supondría la vulneración de derechos fundamentales protegidos por la Constitución Española como el derecho a libertad de creación artística y el derecho a la libertad de expresión”, añaden. Por ello, la compañía pondrá los hechos en conocimiento de la Fiscalía con toda la información recabada en estas semanas al considerar que hay indicios suficientes de que se pudiera haber cometido alguna infracción penal en la tramitación de la cancelación, sin perjuicio de otras acciones legales que le pudieran corresponder.

Díaz Pico ya restringe subvenciones si considera que se hace “propaganda” o “adoctrinamiento ideológico”

Díaz Pico, durante su primer discurso ante la comisión de las Cortes de Castilla y León, recalcó que sus políticas irían “a contracorriente de un Gobierno de la Nación que ha convertido el Ministerio de Cultura en un comisariado ideológico”. Frente a ese modelo, defendió “exactamente lo contrario”, además de unas medidas de promoción cultural que “tendrán como criterio ineludible el mantenimiento de la neutralidad política e institucional y para ello modificaremos el Plan estratégico y las bases reguladoras de subvenciones, garantizando que la financiación pública, bien a través de subvenciones o de patrocinios o cualesquiera otros instrumentos jurídicos de gestión, no contribuya a alimentar la batalla cultural de la izquierda de este país”.

Lo anunciado por el consejero se ha plasmado también en la Orden publicada el pasado 9 de octubre en el Boletín de Castilla y León para solicitar subvenciones destinadas a financiar la preproducción, producción y distribución de largometrajes, documentales y de ficción, y pilotos de series de animación y televisión, se explicita que “el beneficiario deberá desarrollar las actividades subvencionadas con pleno respeto a los principios de objetividad, neutralidad institucional, pluralismo y servicio al interés general, por lo que no podrán destinarse los fondos públicos concedidos al amparo de esta convocatoria a actuaciones que impliquen adoctrinamiento ideológico, propaganda partidista o apoyo expreso a opciones políticas concretas”.

Para Proyecto 43-2, esta medida ha abierto un debate sobre quién y con qué criterios determinará cuándo una creación cultural incurre en esos conceptos por lo que “refuerza la necesidad de esclarecer si la cancelación de Federico responde exclusivamente a razones técnicas objetivas y acreditadas o si han podido intervenir valoraciones ideológicas relacionadas con el contenido de la obra”.

Federico. No hay olvido, ni sueño: carne viva, el último espectáculo de la compañía de teatro Proyecto 43-2, que documenta el contexto en el que fue desaparecido y asesinado Federico García Lorca, además de los crímenes de lesa humanidad cometidos a partir del golpe de Estado de julio de 1936 por el franquismo y el trabajo de exhumación de las fosas del Barranco de Víznar (Granada) y otros lugares que realiza el equipo científico de la Universidad de Granada.

Reacciones

El presidente de la Fundación Jesús Pereda de CCOO de Castilla y León, Luis Fernández Bayón, ha manifestado “su firme apoyo y solidaridad con la compañía teatral Proyecto 43-2”, reconociendo la intachable trayectoria de su directora, María San Miguel, y de todo su equipo. Fernández Bayón exige a la Junta de Castilla y León “explicaciones claras y total transparencia sobre las verdaderas razones de esta anulación”. Ninguna administración pública tiene el derecho de decidir qué obras se pueden representar “en función de su contenido político, histórico o social”. La cultura pública debe garantizar de forma irrenunciable “la pluralidad, la diversidad y la libertad de creación”.

El presidente de la entidad reitera su compromiso incuestionable con los artistas de Castilla y León, con el derecho de la ciudadanía a una cultura libre y con la exigencia de “responsabilidades a los poderes públicos frente a cualquier atisbo de censura”.

El Gobierno de Castilla-La Mancha ha dado a conocer las personas, entidades y proyectos que recibirán las Medallas al Mérito Cultural de la región, unos galardones que reconocen trayectorias y aportaciones destacadas en ámbitos como la música, la literatura, el cine, las artes escénicas, la conservación del patrimonio, la investigación y la inclusión cultural.

Así lo ha anunciado la consejera Portavoz del Ejecutivo autonómico, Esther Padilla, quien ha informado de que la ceremonia de entrega se celebrará el próximo martes, 27 de octubre, a las 18.00 horas, en el Teatro Palenque de Talavera de la Reina.

Padilla ha destacado la diversidad de los perfiles reconocidos en esta edición, que incluyen desde jóvenes artistas que comienzan a abrirse camino hasta profesionales y colectivos que llevan décadas dedicados a transmitir conocimientos, conservar la memoria colectiva y despertar vocaciones culturales.

La Mención Especial de esta edición recae en Teresa Ases y Carlos Iglesias, de 'Somos Vértice', en Albacete, por su labor para acercar la creación contemporánea a los municipios y abrir espacios de participación al talento joven. Entre sus iniciativas, destaca 'Alumbra', que combina arte, educación y territorio para favorecer el encuentro entre creadores y ciudadanía, especialmente en el medio rural.

Por otro lado, la Medalla a la Cultura Joven reconoce a Clara Serrano Esteban, de Cuenca, una artista de 26 años que desarrolla su trayectoria en cuatro disciplinas: interpretación, piano, composición y canto. Entre sus trabajos figura su participación en montajes como Constelaciones, dirigido por Sergio Peris-Mencheta, que la sitúan entre las jóvenes promesas de las artes escénicas.

En la categoría de Rehabilitación y Difusión del Patrimonio Material, el Ejecutivo autonómico ha distinguido las pinturas murales de la iglesia de Nuestra Señora de la Asunción de Cardenete (Cuenca), un conjunto artístico que forma parte de la identidad y la historia del municipio.

Padilla ha explicado que la celebración de los 250 años de su creación ha permitido reunir de nuevo a los vecinos alrededor de distintas actividades culturales, especialmente relacionadas con la música y la historia, y poner de relieve el vínculo entre el patrimonio y la vida de los pueblos.

La Medalla al Mérito Cultural en Conservación y Difusión del Patrimonio Inmaterial corresponde al Grupo Folclórico La Abuela Santa Ana, de Albacete, integrado por 50 personas que, desde 1987, trabajan en la recuperación y transmisión de bailes, canciones e indumentarias tradicionales. La consejera ha resaltado el valor de este trabajo para que las manifestaciones culturales heredadas de generaciones anteriores sigan encontrando personas dispuestas a aprenderlas y compartirlas.

Por su parte, la Medalla al Mérito Cultural en Investigación del Patrimonio Cultural distingue al Instituto de Estudios Albacetenses 'Don Juan Manuel', por casi medio siglo de dedicación al estudio y la difusión del patrimonio de la provincia.

La portavoz ha puesto en valor la importancia de esta labor investigadora, que contribuye a ampliar el conocimiento sobre la historia y a conservar la memoria de quienes precedieron a las generaciones actuales.

Del arte urbano a la creación digital

La Medalla al Mérito Cultural en Artes Plásticas recae en Daniel Ferrer y Beatriz Clemente, impulsores de 'Take Art Way' y 'Torrijos Más Allá de la Pared', en Torrijos (Toledo). A través de estos proyectos, ambos creadores han trasladado el arte a las fachadas y espacios públicos del municipio, convirtiendo sus calles en una galería al aire libre y acercando la creación artística a los vecinos en su vida cotidiana.

En la categoría de Arte Digital, el reconocimiento es para Kike Aspano, de Toledo, cuya vocación artística nació en el laboratorio fotográfico de su padre. Su formación en Arquitectura y Urbanismo ha dado lugar a una obra en la que combina la precisión de las formas con una mirada sensible sobre las personas y los espacios que habitan.

El teatro, la danza o el cine, también reconocidos

En las Artes Escénicas, el Gobierno regional ha reconocido dos iniciativas que contribuyen, desde ámbitos diferentes, a la difusión del teatro y la formación artística. La primera es la Muestra Nacional de Teatro Espiga de Oro, de Azuqueca de Henares (Guadalajara), que lleva más de cuatro décadas acercando producciones teatrales de toda España a su público. Durante este tiempo, la muestra se ha consolidado como una cita cultural compartida por distintas generaciones de espectadores y ha contribuido a despertar nuevas vocaciones.

La segunda distinción corresponde a la Escuela de Baile Adae Alma, de Talavera de la Reina (Toledo), fundada por Lucía Quintas en 2014. Su actividad combina la formación en danza con la producción de musicales y espectáculos propios, y ofrece al alumnado un espacio para desarrollar sus capacidades artísticas y adquirir confianza sobre el escenario.

Por su parte, la Medalla al Mérito Cultural en Cine distingue a Hugo de la Riva, de Alcázar de San Juan (Ciudad Real), director, guionista y productor que descubrió desde niño su vocación por contar historias a través de las imágenes. Su trayectoria profesional se desarrolla entre el cine y la publicidad, dos ámbitos en los que ha explorado diferentes posibilidades narrativas del lenguaje audiovisual.

La música, la literatura y el fomento de la lectura

La Medalla al Mérito Cultural en Música reconoce a la Joven Orquesta de Cuenca, una formación creada en 1991 por cuyos atriles han pasado distintas generaciones de intérpretes. Además de su labor formativa, la orquesta ha llevado su talento a escenarios de España y Europa y ha participado en iniciativas singulares, como una colaboración con Alejandro Sanz durante la pandemia.

En la categoría de Creación Literaria y Edición, el galardonado es Antonio Rubio, natural de El Puente del Arzobispo (Toledo), maestro y poeta que ha dedicado cuatro décadas a acercar la literatura a la infancia. Acaba de ser reconocido con el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil 2026.

La Medalla al Mérito Cultural en Fomento de la Lectura distingue a los clubes de lectura de la Biblioteca Pública de Guadalajara, pioneros en promover la lectura como una experiencia compartida.

En la categoría de Cómic y Artes Gráficas, la medalla recae en Irene Márquez, de Valdepeñas (Ciudad Real), creadora reconocida por su humor negro, su irreverencia y su mirada crítica sobre la realidad. Colaboradora de la revista El Jueves, fue distinguida con el Premio El Ojo Crítico en 2025 y con el Premio Nacional del Cómic en 2026.

El mecenazgo en el ámbito cultural

La Medalla al Mérito Cultural en Mecenazgo y Promoción de la Cultura reconoce a Chemo Liconsa, laboratorio farmacéutico de Guadalajara perteneciente al grupo Insud Pharma, por su colaboración en el desarrollo de iniciativas culturales en la provincia.

Por otro lado, la Medalla al Mérito Cultural en Proyectos Culturales Inclusivos (Derechos Culturales) distingue a la Escuela de Atención Educativa Hospitalaria y Domiciliaria de Guadalajara y a su revista digital La Pecera.

Finalmente, la Medalla al Mérito Cultural en Cultura y Memoria reconoce a título póstumo al pintor y grabador José García Ortega, natural de Arroba de los Montes (Ciudad Real), cuya trayectoria artística estuvo marcada por su experiencia en prisión y en el exilio.

Impulsor de Estampa Popular, desarrolló una obra comprometida con la libertad y la denuncia de las injusticias sociales, que constituye un testimonio artístico de los conflictos y las luchas de su tiempo.

El 47 Festival de Teatro continúa su programación esta semana de octubre con dos obras de primer nivel en la que grandes actores se suben a las tablas del Teatro Bretón.

El viernes 23 de octubre a las 20:00 horas llega al teatro municipal la obra ‘Fronteras’. Narra la historia de Sebastian, un joven reportero idealista, que sueña con fotografiar las zonas más desfavorecidas del mundo para concienciar a Occidente y de una joven grafitera que perdió a su padre a manos del régimen de Bashar al Assad que lucha por la libertad de su país a través del arte.

Las vidas de estos dos jóvenes artistas, aunque paralelas, se encuentran separadas por dos abismos, y se irán entrelazando en la distancia y en la historia para terminar encontrándose de manera desgarradora en un lugar improbable: el mar Mediterráneo.

Carolina Yuste y Eneko Sagardoy se suben al escenario, bajo la dirección de Andrés Lima, para dar vida a los personajes y hacen de esta obra un engranaje teatral donde la representación es relato, sueño, recuerdo y acción trepidante.

La obra dura una hora y media aproximadamente y tiene un precio que varía entre 8 y 20 euros.

El sábado 24 de octubre llega al Teatro Bretón el espectáculo R un diálogo entre el amor trágico de Shakespeare y los vínculos diversos del presente. La obra presenta el balcón de Verona como una pantalla de teléfono y el amor romántico como un modelo de conducta en ruinas.

Un punto de partida para hablar del amor en tiempos de fluidez emocional, de redes sociales y de múltiples formas de amar. Es la revisión de la historia de amor más famosa de todos los tiempos desde un enfoque actual, libre, coetáneo y emocionante. Es la búsqueda apasionada de un nuevo paradigma de amor.

‘R&J’ está protagonizada por Ane Pikaza, Aitor Borobia, Nagore González, Egoitz Sánchez y Luix Mitxelena bajo la dirección de María Goiricelay. Su duración es de una hora y media aproximadamente y el precio va desde los 8 hasta los 12 euros.

El Ayuntamiento de Logroño, en el marco de la celebración de 2026 como Año Rafael Azcona, ha presentado este viernes el acto institucional central con el que pretende rendir homenaje al universal guionista. El evento, que llevará por título ‘Bailando con Azcona’ es un repaso a su trayectoria a través de las bandas sonoras de algunas de sus películas más recordadas.

Así lo ha anunciado el alcalde de la ciudad, Conrado Escobar, acompañado por la concejal de Cultura, Rosa Fernández, y el director de la Banda Municipal de Música de Logroño, José Ángel Cabezón, desde el Teatro Bretón de los Herreros. Este espacio municipal será el escenario en el que tendrá lugar el espectáculo el próximo jueves 29 de octubre a las 20:00 horas.

Conrado Escobar, ha remarcado “el cariño y el mimo con el que se está trabajando en este acto, ya que supone rendir tributo a uno de los guionistas más universales de nuestro cine, pero también a un vecino de Logroño apreciado por todos, que llevó por bandera su origen en muchos de los trabajos que impulsó durante su trayectoria”.

“No es la última de las iniciativas que vamos a poner en marcha con motivo de esta efeméride, pero sí que es una muy especial, porque volver a escuchar la banda sonora de algunas de las películas de Azcona nos va a transportar hasta esos años y nos va a permitir rescatar algunas de las sensaciones que tuvimos cuando las vimos por primera vez”, ha destacado.

En opinión del alcalde de Logroño, “es un reconocimiento institucional por parte del Ayuntamiento de Logroño, pero desde el primer momento lo hemos entendido como un reconocimiento popular, del conjunto de la ciudad, que honra a uno de sus vecinos más universales”. 

Así será el acto de homenaje

El espectáculo contará con la participación de la Banda Municipal de Música de Logroño, bajo la batuta de su director José Ángel Cabezón, así como del violinista murciano Antonio García Egea y de la cantaora María Toledo. Interpretarán algunas de las composiciones más recordadas de autores como Alejandro Amenábar, Augusto Algueró, Manuel Asins Arbó o el maestro Tudela, todos ellos responsables de las bandas sonoras que acompañaron el cine de Azcona a lo largo de su trayectoria.

Asimismo, el evento contará con la participación de la Casa de la Danza y la Agrupación de tango El Firulete para ofrecer, a lo largo de la sesión, actuaciones de baile de twist, tango o fox-trot.  La propuesta musical recorrerá algunas de las películas más conocidas escritas por Azcona, como ‘El verdugo’, ‘Belle Epoque’, ‘¡Ay, Carmela!’ o ‘La lengua de las mariposas’, con arreglos y dirección musical de César Guerrero, ganador del Grammy 2003 por ‘La historia del soldado’.

Sorteo de 200 entradas

Con el objetivo de abrir el acto al conjunto de la ciudadanía, el Ayuntamiento va a poner en marcha un proceso participativo a través del cual sortear 200 invitaciones dobles (400 invitaciones en total) para asistir al evento.

Para participar en el proceso las personas interesadas podrán recoger en el Servicio 010 del propio Ayuntamiento unos formularios que deberán cumplimentar e introducir en una urna. También existe la posibilidad de tomar parte en el sorteo remitiendo un correo electrónico a 010@logrono.es indicando en él nombre, apellidos, DNI, teléfono y mail de la persona participante.

Se sortearán 200 invitaciones dobles y cada ciudadano solo podrá depositar un único boletín de participación.

El plazo para entregar las papeletas o remitir el correo electrónico se inicia el lunes, 19 de octubre, y finaliza el viernes 23.

El sorteo será público y se realizará el día 26 de octubre a las 12,00 horas en el salón de usos múltiples del Ayuntamiento de Logroño, siempre y cuando el número de solicitudes sea mayor que el número de invitaciones a entregar. Los ganadores se publicarán en la página web del consistorio.

Los ganadores podrán recoger las invitaciones, en el punto de información del Ayuntamiento de Logroño (010) los días 27, 28 y 29 de octubre. El horario del Servicio 010 es de lunes a viernes de 9:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 19:00 horas.

La compañía teatral La Castañeda, liderada por la creadora escénica María Castañeda, llega a Huelva los próximos 30 y 31 de octubre con Hecatombe, una propuesta que transita entre las artes vivas, la auto ficción y el lenguaje audiovisual. El espectáculo podrá verse en Las Cocheras del Puerto, dentro de Sur Escena, el festival que durante el mes de octubre lleva una programación íntegramente andaluza a las ocho capitales de la comunidad y que inaugura así la temporada escénica onubense.

Según informa la compañía, la obra llega a Huelva tras recibir el Premio Especial del Jurado en la 43.ª Feria de Artes Escénicas de Andalucía, celebrada en Palma del Río (Córdoba). El jurado, integrado por Mónica Yuste, Rosa González, Nieves Rosales y Pepe Iglesias, reconoció la singularidad de la propuesta y destacó su mirada propia, valiente y comprometida. Un reconocimiento que sitúa a Hecatombe entre las creaciones andaluzas que exploran nuevos lenguajes y abordan, desde una perspectiva personal, algunas de las cuestiones más incómodas de nuestro tiempo.

Nacida en Osuna (Sevilla) en 1980, María Castañeda cuenta con más de tres décadas de trayectoria artística. Tras fundar Teatro del Gallinero y cosechar reconocimientos con trabajos como Jazz en la Pecera, distinguido con el Premio Especial del Jurado en la Feria de Palma del Río, la artista emprende ahora una nueva etapa con La Castañeda.

Con Hecatombe, Castañeda convierte su experiencia artística en una creación de fuerte personalidad, en la que la exploración escénica se entrelaza con la necesidad de contar desde un lugar propio. La pieza propone una mirada directa, sin concesiones y cargada de poesía sobre la fragilidad, el dolor y la capacidad de reconstruirse frente a las adversidades.

Una «venganza» poética para recuperar la propia dignidad

Hecatombe es mucho más que un espectáculo: es una exploración íntima de la identidad, el amor roto y el amor propio. La obra se adentra en las relaciones entre la vida, la muerte y la profesión, y plantea la escena como un espacio de «venganza» poética; una forma de reclamar justicia y reivindicar la dignidad humana. Una rebelión ante los roles de género.

A través de una escritura escénica que combina artes vivas, auto ficción y recursos audiovisuales, la propuesta aborda cuestiones como la precariedad, el abuso de poder como estructura de dominación, la no maternidad y la relación con un cuerpo colonizado e invadido que busca reconocerse y rebelarse.

El viaje que plantea la obra transita desde la exposición del dolor hasta la reivindicación de la propia identidad. Un recorrido de regreso a una misma que culmina en la figura de la Diva: una mujer que decide recuperar su fe, su voz y su lugar en el mundo.

El proyecto cuenta con el respaldo del Instituto Andaluz de las Artes Escénicas y la Música y del centro Sa Talaia, en Palma de Mallorca, apoyos que avalan su proceso creativo y su proyección hacia nuevos circuitos de exhibición.

La llegada de Hecatombe a Las Cocheras del Puerto supone una oportunidad para acercar al público onubense una creación que cuestiona los roles establecidos y explora nuevas formas de expresión desde una perspectiva contemporánea y profundamente personal.

Con esta propuesta, Sur Escena refuerza su apuesta por el talento andaluz y por una escena contemporánea diversa, comprometida y abierta a nuevos lenguajes, dando comienzo a la temporada escénica de Huelva con una obra que convierte la experiencia individual en una reflexión universal sobre la identidad, la resistencia y la recuperación de la propia dignidad.

La conmemoración de los 90 años del asesinato de Federico García Lorca ha dejado tras de sí todo un reguero de publicaciones, nuevas lecturas, representaciones teatrales y eventos en memoria del poeta. Sin embargo, ninguna de estas iniciativas ha estado pensada como lo esté Réquiem por Lorca. A lo largo de cuatro días y cuatro actos, las plazas y calles de Granada se convertirán en el escenario de un duelo colectivo, un funeral en el que hasta medio millar de personas, entre cantantes, bailarines y escritores, elevarán la voz para llorar y homenajear al dramaturgo, cuya vida segaron los sublevados el 18 de agosto de 1936, apenas un mes después de iniciada la Guerra Civil. Aquí a nadie se le escapa que, además de por homosexual, aquellas balas dispararon a una voz antifascista que todavía reverbera en miles de gargantas.

Artistas de la talla de Rocío Márquez, Soleá Morente, Eric Jiménez, Guille Galván, Ángeles Toledano, Alberto Cortés, Sara Torres y Antonio Ruz protagonizarán la programación de este particular réquiem. Dirigido por las gestores culturales Maral Kekejian y Pep Olona, y con la colaboración de la Fundación Federico García Lorca, está vertebrado en torno al caligrama “La rosa de la muerte”.

Ambos creadores ya habían trabajado alrededor de esta idea hace dos años, cuando armaron el réquiem de Mozart en Madrid, en el marco de la celebración del festival POETAS. “Una vez nos pusimos a trabajar, tuvimos que ir entendiendo qué implicaciones, qué significaba y desde qué lugares nos queríamos posicionar en torno a Lorca, sobre todo al ser un artista que habla tanto en su trabajo sobre la muerte y la pérdida, pero también al ser una persona asesinada de forma violenta al principio de la Guerra Civil”, relata la propia Kekejian a elDiario.es.

Esas dudas e inquietudes poco a poco fueron tomando forma. Una de las cuestiones que siempre tuvieron claras los directores fue que el tejido local granadino debería tener una elevada presencia. “Hemos invitado a artistas que sabíamos que podían ser afines y otros muchos que son de la misma ciudad”, comenta la que fue directora durante cuatro años de los Veranos de la Villa de Madrid. De las 500 personas que participan aproximadamente en el proyecto, el 90% procede de Granada.

Agua, tierra, fuego y aire

Réquiem por Lorca pivota en torno al caligrama “La rosa de la muerte”. Todo empezó cuando Laura García-Lorca, sobrina del poeta y presidenta de la fundación homónima, ofreció a Kekejian y Olona indagar en la obra del granadino. Por descontado, el Llanto por Ignacio Sánchez Mejías adquiere un papel preponderante en el homenaje, pero no fue hasta encontrar el caligrama ya mencionado que ambos creadores supieron cómo contarían el réquiem: a partir de sus versos.

Agua para tu amor

Tierra para tu alma

Fuego para tu ceniza

Aire para tu boca.

Estos versos ayudaron en gran medida a Olona y Kekejian a invitar de manera específica a los artistas a realizar sus producciones, pues todas son nuevas. “Es un recorrido que va desde la tierra, las raíces, hasta arriba, el aire. Un recorrido desde la lágrima hasta la liberación, como cuando el dolor por la pérdida de alguien, una vez superado, deja paso a un recuerdo cariñoso que aparece desde un sitio mucho más bonito”, expresa la creadora.

El jueves ha estado dedicado al primer acto, Agua para tu amor, donde ha dado comienzo el llanto y el lamento colectivo. El viernes, Tierra para tu alma, tendrá lugar un canto a la pérdida con intervenciones corales, danza y performances espaciales. El sábado llegará con Fuego para tu ceniza, cuando una ceremonia nocturna entrelazará la tradición musical sacra y la lectura dramática en escenarios patrimoniales de la ciudad. Por último, el domingo, Aire para tu boca, el cierre dedicado a la esperanza y la memoria futura que culmina con la intervención poética y sonora en los entornos del Carmen de los Mártires y La Alhambra.

Laura, la sobrina de Lorca, recalca a elDiario.es que el poeta ha recibido innumerables homenajes a lo largo de estas últimas décadas, pero nunca un funeral. “Tal y como está estructurado, es un llanto por Lorca y por todas las víctimas de esa terrible represión”, explica. A ojos de la presidenta de la Fundación, la idea baila entre el llanto y la celebración. “Lo que diferencia este evento de los demás es su carácter colectivo”, incide.

Reconquistar el espacio público

“Queremos que la voz, el silencio, la música y la poesía sean los elementos que entren en diálogo todo el rato”, asegura Kekejian. El espíritu está orientado a que los espectáculos se integren con el público. Por ejemplo, el que está programado para este viernes, 16 de octubre, titulado Yo canto para luego, juntará 150 voces, entre las que se cuenta la de Ángeles Toledano, que seguirán la composición realizada por Guille Galván, guitarrista y letrista de Vetusta Morla. “Buscamos la emoción, que el espacio público ayude a generar esta situación de diálogo y duelo colectivo”, apuntilla la ideóloga.

Este es el motivo principal por el que Réquiem por Lorca visitará enclaves como la Corrala de Santiago, la plaza de la Universidad, la plaza de las Pasiegas, el Corral del Carbón, la Catedral y El Albaicín. “Tenemos una responsabilidad pública de ir a buscar a la gente, volver a las plazas”, defiende Kekejian. Desde su punto de vista, esta es de las mejores maneras que existen para usar el espacio público, habitarlo, y que no solo sea lugar de tránsito. “No solo queremos las calles y plazas para ir a trabajar, quedar con los colegas o ir de compras, sino que sea un espacio de convivencia, diálogo y aprendizaje, un espacio en el que recuperar también nuestra cultura, que hasta hace no mucho era llevar a nuestros muertos a hombros”, desarrolla.

La sobrina del poeta, por su parte, precisa que tomar las calles es uno de los papeles de la cultura y una de las obligaciones de las instituciones. “Debemos trabajar con la gente, con la ciudadanía, que esto sea un camino de ida y vuelta”, añade.

Asesinado por sus ideas

Laura García-Lorca se muestra algo dubitativa al ser preguntada qué pasará cuando, dentro de una década, se cumpla un siglo sin el poeta. “Supongo que habrá una gran celebración, un gran recuerdo, pero esto está pasando ya todos los días, no hay que esperar diez años”, comenta. Es ella quien subraya que no hay que olvidar que a su tío, hermano de su padre Francisco, lo mataron por antifascista. “Más allá de su orientación sexual, lo cual tuvo un peso muy importante, le asesinaron por sus ideas, de las que habló muy claramente”, abunda. Y, algo preocupada, agrega: “El auge de la ultraderecha lo vivimos con mucho temor. Entre todos tenemos que hacer que no avance”.

Lo dejó escrito en 1937 Manuel Altolaguirre, compañero y amigo del poeta de la Generación del 27: “En realidad, Federico García Lorca murió desconocido, le mataron las bestias cuando era todavía un lucero ignorado. Gran parte de su obra estaba por escribir. Siempre que se encontraba a un amigo le descubría un proyecto, inventaba su próxima tragedia. Ahora somos nosotros quienes tenemos que despertar para nuestro pueblo su magnífico teatro, que vivirá para nuestros campesinos, para nuestros compañeros en el trabajo de la Universidad, de las fábricas”.

Las plazas de Granada, la ciudad que guarda el alma de Lorca, están a punto para acoger este duelo colectivo que viene a reparar la deuda histórica de la ciudad con su paisano más universal, pero también en recuerdo a todas las víctimas de la Guerra Civil. En resumidas cuentas, para despertar en el pueblo su magnífica obra, como dijo Altolaguirre. Víctima del odio más espurio y de la sinrazón, el teatro, la poesía y el canto lorquiano siguen presentes en el eco del tiempo.

El municipio de Alcaraz (Albacete) volverá al siglo XVI a través de sus terceras jornadas renacentistas los días 17 y 18 de octubre. Un evento cultural que apuesta por la conservación y difusión el patrimonio histórico de la provincia.

Este año, bajo el lema ‘Isabel de Portugal, V Centenario Señora de Alcaraz’, las jornadas girarán en torno a la toma de posesión del Señorío de Alcaraz por parte de la emperatriz Isabel de Portugal, esposa de Carlos V, cuando se conmemora el 500 aniversario de este relevante episodio de la historia local, acercando a la población el contexto político y social de la época a través de las diferentes actividades programadas. Se espera que participen hasta 160 recreadores y recreadoras de la Asociación Alcaraz Renacentista, así como de otros pueblos de la provincia y de la geografía española como Valencia, Murcia o País Vasco, e incluso desde Portugal.

Programación de Alcaraz Renacentista

La jornada comenzará el viernes 16 de octubre con la recepción de los recreadores y recreadoras en la Plaza Mayor, donde ocurrirán la mayoría de las actividades.

El sábado 17 de octubre a las 11:00 horas tendrá lugar el desfile de apertura, y media hora después la ofrenda de claveles con la toma de posesión del señorío de Alcaraz de la Emperatriz Isabel de Portugal.

A las 12:30 horas se podrá disfrutar de una obra de teatro, 'Coplas de ciego', en la Puerta de la Iglesia de la Trinidad, basadas en un texto histórico conservado en la Biblioteca Nacional sobre un suceso ocurrido en Alcaraz, al igual que de una cata de vino.

Posteriormente a las 14:00 habrá una pausa para la comida de los recreadores.

La historia renacentista regresará a las 16:30 horas con los Alardes, que consiste en una ceremonia militar. A las 18:30 horas está programado el teatro 'Milagro de cortes' en el Salón de Plenos del Ayuntamiento. Posteriormente, el encendido de luminaria, así como bailes y juegos populares.

A las 20:00 horas un concierto en la Iglesia de la Trinidad, para después dar paso a la cena de los recreadores y recreadoras.

El domingo 18 de octubre el día comenzará con juegos populares a las 11:30 horas, seguidos de una cata de aceite. A las 12:30 se representará una obra de teatro en el Patio de la Vicaria y el evento se clausurará una hora después.

Alcaraz presume de su patrimonio: “No necesitamos escenario, tenemos el mismo que hace 500 años”

Por su parte, el alcalde de Alcaraz, Pedro Jesús Valero, ha señalado en declaraciones a los medios la importancia de un evento como este para su localidad, apuntando que es un proyecto que permite “volver a esa maravillosa época, que fue el Renacimiento para Alcaraz” y poner en valor su patrimonio, presumiendo de esa riqueza patrimonial al afirmar que el escenario y el decorado “no será necesario ponerlos, porque están aquí y son los mismos que teníamos hace 500 años”.

La secretaria de la Asociación Alcaraz Renacentista, María Luisa García, ha sido la encargada de explicar los detalles de las jornadas, apuntando que “es una oportunidad única” para acercarse a la toma de posesión de la localidad por parte de Isabel de Portugal, de la mano del trabajo de la asociación y de la implicación de los recreadores y recreadoras, y conocer “cómo se realizó el traspaso de poder entre el antiguo señor y la nueva señora”.

“Todo esto sumado al escenario renacentista de nuestra preciosa Plaza Mayor, al vestuario de los recreadores y recreadoras y a la decoración, se convierte en un espectáculo inmersivo, que parece que te has colado en el Renacimiento”, ha afirmado María Luisa García, asegurando que el objetivo que persiguen desde la asociación es que “las historias que contamos queden como memoria colectiva, para que se cuiden y no se olviden, porque sólo lo que se conoce, se cuida y se valora como se merece”.

JUEVES 15 DE OCTUBRE

Coumbis Sorra - Orígenes World Music & Latidos Fest

Convento de Santo Domingo - 20:00

Originaria de Casamance, en el sur de Senegal, Coumbis Sorra ha desarrollado una identidad musical en la que confluyen la tradición mandinga, los ritmos afro-mandingos, el blues y el jazz.

Su actuación en La Laguna permitirá a la ciudadanía disfrutar de una propuesta musical que sitúa el intercambio cultural en el centro de la creación. La combinación de ritmos tradicionales y lenguajes actuales reflejará la capacidad de la artista de hacer evolucionar a la música de raíz sin perder el vínculo con la tradición.

VIERNES 16 DE OCTUBRE

Tula

Teatro Leal - 20:30

Esta propuesta de Salvador Collado, dirigida por Pilar Valenciano y con texto de José Pascual, rescata una de las obras más reconocidas de Miguel de Unamuno, escrita en 1905 y publicada en 1921 para trasladar al lenguaje teatral los conflictos y dilemas que planteaba el autor sobre la maternidad, la virginidad, los vínculos familiares, el sacrificio, la religión y el papel de la mujer en la sociedad.

SÁBADO 17 DE OCTUBRE

Rescatando nuestras raíces - Menuda Cultura

Centro Ciudadano de Gracia - 18:00

Esta iniciativa enmarcada en el proyecto ‘Mi barrio es cultura’ acerca el patrimonio cultural, el folclore, la música y las tradiciones canarias a niñas, niños y familias.

Todo pa’ última hora - Jorge Ávila

Teatro Unión Tejina - 20:00

Todo pa´ última hora es el segundo show unipersonal de Jorge Ávila, un espectáculo de stand-up comedy donde habla de vivir siempre al límite del reloj, de tomar decisiones improvisadas y de llegar tarde a todo, incluso a la vida adulta. Con su humor directo, Jorge repasa anécdotas personales, contradicciones cotidianas y lo que llama “pequeñas tragedias modernas”.

Trío Corrente - Tensamba

Teatro Leal - 20:30

Trio Corrente es una de las formaciones clave del jazz instrumental brasileño contemporáneo. Fundada en 2001 por Edu Ribeiro (batería), Fábio Torres (piano) y Paulo Paulelli (contrabajo), el trío ha construido un sonido propio que une la elegancia del choro y la música popular brasileña con la libertad creativa del jazz, alternando virtuosismo e intimidad.

Con una sólida trayectoria internacional y un repertorio que combina clásicos y composiciones originales, su proyección global se consolidó con el Grammy y el Latin Grammy al Mejor Álbum de Jazz Latino por Song for Maura junto a Paquito D’Rivera.

Librea de Valle de Guerra

Plaza de la Iglesia de Nuestra Señora del Rosario - 21:00

La tradicional Librea de Valle de Guerra invita a la ciudadanía a disfrutar de una tradición declarada Bien de Interés Cultural. Valle de Guerra viaja en el tiempo para recrear la histórica Batalla de Lepanto (1571) mediante un auto sacramental que combina desfile miliciano, barcos a escala, pirotecnia y más de 200 actores en escena.

DOMINGO 18 DE OCTUBRE

Sun dance family session

Teatro Leal - 11:30

Esta iniciativa organizada por el Laboratorio de Artes Vivas y Ciudadanía de Tenerife y el colectivo para la difusión de la muìsica electroìnica contemporaìnea Neeve-Micromusic, anima a las familias tinerfeñas a disfrutar de una jornada de baile con la que aprenderán a cuidarse y mejorar su salud mediante el movimiento.

Camané - Festival de Fado de Canarias

Teatro Leal - 19:00

El Festival de Fado de Canarias trae en concierto a Camané, considerado “la voz” masculina del fado. Dotado de una gran sensibilidad musical, el cantante se ha consolidado como una de las figuras más importantes y representativas de la historia de este género y de la música portuguesa, llegando a obtener galardones internacionales como el prestigioso Premio Tenco (Sanremo, 2017).

Un sinfín de sinsentidos - Teatroscopia

Teatro Unión Tejina - 19:30

Teatroscopia presenta un proyecto original de Óscar Díaz, joven miembro de la asociación que ha participado en múltiples obras de teatro. El proyecto entremezcla el arte de crear con las desventuras de los creadores y plantea diez escenas independientes repletas de humor absurdo.

LUNES 19 DE OCTUBRE

V Concurso de composición Big Band de Canarias

Teatro Leal - 20:00

Este certamen musical dedicado al jazz y a la creación de obras originales para formato de big band, organizado por la Big Band de Canarias, regresa a La Laguna para impulsar el talento compositivo de las islas.

LUNES 19 DE OCTUBRE - VIERNES 6 DE NOVIEMBRE

Exposición Luis Rodríguez Figueroa: 150 años de su nacimiento

Centro Ciudadano La Candelaria

Esta edición de Mi barrio es cultura cuenta con una exposición itinerante dedicada a la vida y obra del escritor y político Luis Rodríguez Figueroa.

LUNES 19 DE OCTUBRE - MARTES 20 DE OCTUBRE

III Jornadas de Cine y Cultura. De la página a la pantalla: adaptaciones cinematográficas de obras literarias

Aula Magna del Campus de Guajara y Sala de Audiovisuales del Edificio de Filología - 16:00

Esta edición de Mi barrio es cultura cuenta con una exposición itinerante dedicada a la vida y obra del escritor y político Luis Rodríguez Figueroa.

MARTES 20 DE OCTUBRE

Asesinato en el Leal

Teatro Leal - 18:00 y 20:00

Asesinato en el Leal ofrece una doble sesión de su juego de pistas. Creado por el historiador Néstor Verona, la actividad da a conocer la historia y los entresijos del Teatro Leal, así como detalles de la vida de su primer director, José González Rivero. La dinámica de juego permitirá a los propios participantes elegir el desarrollo del encuentro.

MIÉRCOLES 21 DE OCTUBRE - JUEVES 22 DE OCTUBRE

Un matrimonio sin filtros

Teatro Leal - 20:00

Marga y Jaime, interpretados por Marta Hazas y Javier Veiga, son una pareja que decide separarse tras 15 años de convivencia. El conflicto estalla cuando ambos reclaman la propiedad de la casa, llevándolos a un duelo televisado de 21 días con cámaras ocultas que exponen su intimidad.

JUEVES 22 DE OCTUBRE

Nicotine Swing - Efecto Laguna

Teatro Leal - 22:00

Nicotine Swing presentará en directo su tercer disco, Borrando huellas. La banda tinerfeña cuenta con más de quince años de trayectoria y ha sido galardonada en los Premios Canarios de la Música. Nacida en torno al gipsy jazz y la tradición de Django Reinhardt, su sonido ha evolucionado hacia una propuesta cada vez más personal, incorporando influencias del bolero, estructuras del pop, la expresividad de la canción italiana y ecos de otras músicas de raíz.

JUEVES 1 DE OCTUBRE - DOMINGO 31 DE OCTUBRE

Festival Internacional de Cine Independiente y de Autoría de Canarias

Sala Cultural El Desleal - 18:00

Hasta finales de octubre, el público podrá disfrutar de las proyecciones de 19 películas con sello canario. El festival también recorrerá puntos del municipio como Punta del Hidalgo, la ULL y el CIFP César Manrique con charlas, debates y encuentros.

El Circuito Territorio, promovido por la Consejería de Cultura, continúa esta semana su recorrido por los municipios de Cantabria con una programación cultural que reunirá propuestas de teatro, narración oral, títeres, magia y espectáculos familiares para todos los públicos.

La agenda arrancará este jueves 15 con dos citas teatrales. A las 19.30 horas, el Mercado de Sarón, en Santa María de Cayón, acogerá la representación de 'La noche más bella', de Arte en Escena, y a las 20.00 horas, el Centro Ramiro Mora de Penagos recibirá a La Machina Teatro con la obra 'Mamá'.

El viernes 16 será la jornada con mayor número de actividades. La programación comenzará a las 18.00 horas en la Biblioteca Municipal de Ampuero, con Kaskabel y Cía y su espectáculo 'La pirata trotavientos'. A la misma hora, la Biblioteca de Bezana, en Santa Cruz de Bezana, acogerá la sesión de narración oral 'Cuentos de la Braña', a cargo de Alberto Sebastián, mientras que el Centro Cultural de Villacarriedo ofrecerá 'Aurora y el cuento secreto', de Amalgama Teatral.

A las 19.00 horas, el Salón de Actos de Gama, en Bárcena de Cicero, será escenario de 'Incompatibles', de Rebanal Teatro. Media hora después, la Casa de Cultura de Villaescusa recibirá a César Bueno con 'Debajo de mi sombrero'. La jornada concluirá a las 20.00 horas en el Centro Cultural de Meruelo, donde Mago Xuso presentará 'Magix Men'.

La actividad continuará el sábado 17 con cinco nuevas propuestas. A las 18.00 horas, el Centro Cultural de Cartes ofrecerá 'El principito', de Makondo Teatro; el Centro Cultural de Soto de la Marina, en Santa Cruz de Bezana, 'El hadelfo', de Épalu Títeres; y el Teatro Casino Liceo de Santoña recibirá al Mago Xuso con 'MagIA'.

A las 19.00 horas, el Centro Juvenil Vive Miengo será escenario de '¿Qué pasaría si...?', espectáculo de Julianini. La programación del sábado finalizará a las 20.00 horas en el Auditorio Bajo Deva de Val de San Vicente, con la representación de 'Yo, Sancho (Panza)', de Hilo Producciones.

El domingo 18, la Biblioteca de Bezana volverá a convertirse en punto de encuentro para el público familiar con una nueva representación de '¿Qué pasaría si...?', de Julianini, a partir de las 18.00 horas.

Con esta programación, el Circuito Territorio continúa acercando la actividad cultural a todos los rincones de la comunidad autónoma, fomentando el acceso a las artes escénicas y la participación ciudadana a través de una oferta diversa, descentralizada y dirigida a públicos de todas las edades.

Diversos colectivos en defensa del pueblo palestino llaman a una concentración este jueves 15 de octubre a las 19.00 frente a la sede de los Teatros del Canal, en el número 1 de la calle Cea Bermúdez, contra la llegada de una compañía de danza auspiciada por Israel.

BDS Madrid, grupo local de la campaña internacional Boicot, Desinversiones y Sanciones contra el Estado de Israel, impulsa una protesta que también secundan la Red Solidaria Contra la Ocupación en Palestina, la iniciativa Desarma Madrid o las agrupaciones Danza por Gaza y Artistas con Palestina.

La compañía Batsheva Dance presenta ese mismo día la coreografía Sadeh21, que será interpretada durante tres jornadas consecutivos. La entidad se creó en Israel en 1966 por Martha Graham, una de las figuras fundamentales de la danza del siglo XX. A partir de los noventa, el coreógrafo Ohad Naharin la impulsó como embajadora por el mundo de su país, que financia un tercio del presupuesto de sus producciones, así como los costes de desplazamiento para las giras internacionales.

El estreno lleva semanas convulsionando la escena madrileña. A finales de septiembre, Nacho Duato compartió varios vídeos en redes sociales pidiendo la cancelación de las actuaciones: “La Comunidad de Madrid invita a una compañía subvencionada por el Estado Genocida de Israel. En Francia lo han conseguido, Batsheva no va a bailar en París. ¿Qué pasa en Madrid, vamos a dejar que esto suceda?”.

El que fuera durante 20 años director artístico de la Compañía Nacional de Danza y actualmente director del ballet del Teatro Mijáilovski en San Petesburgo reforzó así una contestación social que este jueves se manifestará en Chamberí, pero que por el momento no ha replanteado la posición del equipo de Isabel Díaz Ayuso (su Ejecutivo gestiona este espacio escénico a través de la Consejería de Cultura).

El director de los Teatros del Canal apela a “lo artístico”

Las manifestaciones contra Batsheva son anteriores a la etapa más cruenta del genocidio promovido por el Gobierno de Benjamin Netanyahu en Gaza. En 2012, su gira por Reino Unido estuvo repleta de incidentes: protestas en todas las ciudades, interrupciones de su espectáculo, cacheos al público para poder entrar a la sala y una tensión que nunca ha abandonado desde entonces a esta compañía. Asociaciones civiles alrededor del mundo han protestado por la presencia de esta compañía en México, Estados Unidos, Canadá, Francia, Italia o Nueva Zelanda.

Ruperto Merino, director de los Teatros del Canal, exponía en declaraciones a elDiario.es que “las razones de la programación tan solo son artísticas”. “Tenía muy claro que esta temporada quería tener a las grandes compañías del mundo, Batsheva está en la programación por la misma razón que la Sydney Dance Company. La mayoría de los elencos de compañías internacionales tienen pasaportes de distintas nacionalidades. No puedes estar censurando compañías en función del país de origen. El arte tiene que estar por encima de todo eso”, afirmaba.

“Mi programación está basada en criterios estrictamente artísticos. Para mí, sus trabajos están por encima de cualquier otra consideración”, añadía Merino, al tiempo que optaba por “no entrar” a valorar si hay que mantener o no los criterios artísticos en relación a un Estado que comete un genocidio. “Aquí se tiene en cuenta lo artístico. Punto”, sostenía.

No es la primera controversia en este sentido en los Teatros del Canal, aunque sí la que más ha escalado. Miembros de BDS se quejaron en abril de 2025 con motivo de las representaciones de House, obra dirigida por el cineasta y dramaturgo Amos Gitai. “Financiada por Israel, formaba parte de una clara estrategia de lavado cultural en pleno genocidio y con órdenes de arresto de la Corte Penal Internacional contra Netanyahu y otros altos cargos israelíes”, explicaba la actriz Elisa Gelabert, portavoz de este movimiento.

Galabert afirma que pidió sin éxito una reunión con Ruperto Merino y que solo obtuvo una respuesta “telegráfica”: “Ignoró todo el contexto de la petición y se escudó en el prestigio del teatro que producía la obra, el Théâtre National de la Colline”. La intérprete cree que es un “grave error” que los Teatros del Canal y la Comunidad de Madrid no escuchen a los artistas que muestran su “rechazo al blanqueamiento cultural mediante cartas, comunicados y acciones”. “Actúan como si el genocidio no existiese. Programar a Batsheva es una forma de legitimación indirecta de un Estado que está siendo investigado por genocidio y crímenes contra la humanidad”, concluía Gelabert. 

El jueves 15 de octubre a las 20:00 horas, el gigante asiático aterriza en el Teatro Bretón con TAO Dance Theater, la primera compañía china de danza contemporánea invitada a presentarse en escenarios y festivales de referencia internacional, que trae los espectáculos ‘13 y 14’ de Numerical Series.

Esta compañía China ha actuado en los principales escenarios del mundo, desde el Lincoln Center Art Festival de Nueva York, al Sadler’s Wells de Londres o la Ópera de Sídney. La compañía destaca por su visión innovadora del movimiento, una técnica corporal llamada Sistema de Movimiento Circular.

Según el coreógrafo Tao Ye, en chino, la pronunciación de “13 y 14” suena fonéticamente como un modismo que expresa el deseo de que algo dure toda la vida. En la primera vemos el proceso, la lucha y el viaje de exploración del Sistema de Movimiento Circular. Y en la colorida segunda pieza, la culminación de todo lo aprendido, una celebración de la danza en estado puro y un grado de dominio sobre el lenguaje del cuerpo para conducir la sintaxis de la danza más allá de los límites conocidos.

El precio de las entradas varía entre los 10 y los 25 euros y la duración del espectáculo se estima en una hora y 20 minutos aproximadamente.

El sábado 17 de octubre, a las 20:00 horas, María Jáimez llega a las tablas del Bretón con la obra ‘Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos’, la historia de una mujer y un alienígena. Un canto al amor en el que queda claro que todos necesitamos amar y ser amados.

Se trata de un monólogo polifónico que homenajea el “rock espacial” de David Bowie donde se Incluye música en directo: versiones de Bambino y Massiel, una coreografía que va de la danza contemporánea al inventario pop y audiovisuales basados en hologramas y animaciones digitales. Todo ello con una plástica y una iluminación que han cautivado a público y crítica especializada.

La representación tiene una duración de unos 90 minutos y el precio de las entradas varía entre los 8 y los 18€.

El Teatro Bretón se sumerge de lleno en el Festival de Teatro en un fin de semana con tres sesiones de dos obras teatrales de máximo nivel. ‘Gigante’, el viernes 9 y el sábado 10 de octubre, y el domingo 11, víspera de festivo, ‘Todo terminará para Navidad’.

El Bretón arranca el fin de semana teatral el viernes 9 de octubre a las 20:00 horas, con ‘Gigante’, un espectáculo que acerca la literatura a las tablas con la historia del famoso escritor inglés Roald Dahl, que revisa las pruebas de su último libro mientras el escándalo provocado por un artículo antisemita que ha publicado recientemente no parece apaciguarse. Durante una sola tarde, y ante una interlocutora beligerante, el escritor de Matilda, entre otras grandes obras de la literatura, debe elegir entre disculparse o poner en riesgo su fama y reputación.

Bajo la dirección de Josep Maria Mestres, la obra está protagonizada por José María Pou y cuenta también con Victòria Pagès, Pep Planas, Clàudia Benito, Aida Llop y Jep Barceló en el reparto. La representación cuenta con 3 premios Olivier 2025, entre ellos el de Mejor Espectáculo.

Además del viernes 9 de octubre, la obra repetirá sesión el sábado 10 también a las 20:00 horas. Las entradas tienen un coste de entre 9 y 23 euros y la duración del espectáculo es de 2 horas y 45 minutos con entreacto.

El domingo 11 de octubre, víspera de festivo nacional, a las 19:30 horas, llega a las tablas ‘Todo terminará para Navidad’, un espectáculo intenso y evocador que combina teatro físico e imágenes sugerentes para explorar los misterios de la existencia.

La prestigiosa compañía argentina El Rayo Misterioso, narra una vertiginosa sucesión de acciones, símbolos y pulsiones dramáticas comunicantes que presentan el estado actual de una sociedad signada por el absurdo, la locura, el pensamiento errático y la indiferencia.

La obra tiene una duración de una hora y quince minutos y el precio de las butacas varía entre los 8 y los 14 euros.

Hay libros que vuelven a generar interés años después de su publicación gracias al empuje que los lectores les dan en redes sociales. Piranesi, la novela de la escritora británica Susanna Clarke, es uno de ellos. Publicada por primera vez en 2020, la historia de un hombre atrapado en una misteriosa casa ha encontrado una nueva generación de lectores en plataformas como TikTok e Instagram.

Pero el éxito de Piranesi traspasó en su día estas plataformas. El libro ganó en 2021 el Women’s Prize for Fiction, uno de los principales galardones literarios del Reino Unido, y fue finalista de otros premios como el Hugo, el Nebula y el World Fantasy Award. También obtuvo el Kitschies Red Tentacle y el Italia Award a mejor novela internacional.

Ahora, seis años después de su publicación, la novela da el salto al teatro. La Royal Shakespeare Company de Reino Unido está preparando una adaptación para el Swan Theatre de Stratford-upon-Avon (el lugar de nacimiento del autor de Romeo y Julieta), donde se representará entre el 3 de julio y el 21 de agosto de 2027. 

La adaptación correrá a cargo del dramaturgo Sami Ibrahim y estará dirigida por Ned Bennett, que tendrá que enfrentarse a un texto un tanto complejo. Piranesi transcurre en una gigantesca construcción llamada La Casa, un lugar lleno de salas, pasillos y vestíbulos cubiertos de miles de estatuas que, además, sufre el impacto del agua durante las mareas. 

Su protagonista, que se llama igual que la novela, explora ese mundo desconocido y registra sus descubrimientos y reflexiones a través de sus diarios. Poco a poco, al tiempo que avanzan los capítulos del libro, aparecen indicios de que ese lugar esconde un secreto del que Piranesi no tenía constancia. 

Otra adaptación

No será el único libro que la Royal Shakespeare Company llevará a escena en su próxima temporada. La compañía británica también ha anunciado una adaptación de La señor Dalloway, la novela que Virginia Woolf publicó en 1925. La adaptación de Zoe Cooper, dirigida por Tamara Harvey, llegará al mismo teatro el 16 de abril y podrá verse hasta el 12 de junio del año que viene.

Aunque sus historias no podrían ser más distintas, Piranesi y La señora Dalloway comparten un nexo común: ambas novelas están basadas en el diálogo interior de sus protagonistas. En este sentido, según la compañía británica, las dos obras permitirán explorar cómo representar los conflictos íntimos de los personajes encima del escenario, una de las grandes preocupaciones dentro del mundo del teatro.

Este hombre de teatro no escribe ensayos políticos, no sale en la televisión ni participa de la contienda política, pero pocos intelectuales tienen su peso en la Argentina actual. El público espera las obras de Mauricio Kartun, de 79 años, como agua de mayo. Desaparecidos los grandes del teatro latinoamericano, como Augusto Boal o Enrique Buenaventura, él ha tomado el testigo de ser faro y referente del teatro latinoamericano.

Cada tres años, como un reloj, Mauricio Kartun estrena en su ciudad, Buenos Aires. El público espera paciente sus obras en las que sabe que tras esas historias siempre situadas en un pasado difuso, y siempre con un lenguaje dialectal y extraño, Kartun les habla de lo que están viviendo, de su identidad hecha de mil tradiciones distintas, de su presente político, de aquello que no quieren ver y de aquello que quizá ya habían olvidado.

Su teatro ha llegado a cuenta gotas a España, pues siempre antepuso estar en cartel en su país. No se internacionalizó como sus compatriotas Daniel Veronese o Javier Daulte. Hace diez años llegó por primera vez a España con una obra maravillosa, Terrenal, con la que consiguió estar en cartel en Buenos Aires más de diez años, y ahora vuelve a España (Teatros del Canal de Madrid y Festival Iberoamericano de Cádiz) con su última obra, Baco polaco, un trabajo nacido del presente convulso de la Argentina.

Con Baco polaco, Kartun ha realizado un pastiche de la obra de Aristófanes Las bacantes. En esta tragedia griega se nos cuenta la venganza de Dionisio contra los poderosos de Tebas que no lo quieren reconocer y lo encarcelan. El autor y director traslada la acción al latifundio argentino de los años 30 donde una bella feriante desata, con sus discos de jazz, la bacanal allí por donde pasa. En la obra, esa bacanal popular se enfrenta al poder, la fiesta se erige como resistencia y lucha contra la violencia sistémica.

Cuenta que para esta obra fue fundamental la lectura del El manjar de los dioses de Jan Kott, el estudio sobre la tragedia griega que hiciera uno de los grandes críticos del teatro del siglo XX.

Kott es capaz de leer un texto teatral y encontrar las resonancias, los armónicos, es inspirador. En el libro, que está estructurado a través de Las bacantes, me atrapó cómo el concepto de bacanal que se enfrenta al odio, la dialéctica entre fiesta y poder. El lugar de la fiesta como el lugar de empoderamiento de lo popular donde el disfrute es también un lugar de justicia y creación de disidencia. Penteo, el poderoso rey de Tebas que aquí es dueño de la hacienda y señor del pueblo, en la obra de Aristófanes era destrozado por su madre. En esta, además de destrozado, es parte de un asado criollo.

Escribió la obra ya hace años, la postergó ante otros proyectos. No parece fortuito que tras años en el cajón, ahora, en la situación que vive Argentina, haya decidido estrenarla.

Sin duda. En momentos de convivencia pacífica, el odio es un defecto que se oculta o que, por el contrario, se lo señala como defecto. Hay algunos momentos en las civilizaciones, cualquiera que mire la historia los encontrará, en los que el odio pasa adelante. Es decir, deja de ser lo que hay que tapar y se vuelve una presencia legitimada. Cada vez que esto ha pasado fue prólogo de una guerra. Y en este momento está pasando eso. No solo en Argentina, hay muchos lugares del mundo que enaltecen el odio, lo ensalzan, lo promueven, lo practican y hasta le dan alguna especie de connotación simpática. Para mí, lector de Historia, esto es un lugar temido. Sentí que le había llegado el momento a esta obra porque hablaba exactamente de eso, de alguien que hace del odio su bandera.

¿Cómo está Argentina?

En un momento de una siniestra singularidad. El odio está encaramado en las acciones del poder público. El Gobierno se manifiesta a través del odio y no del amor. Todo gobernante tiene cierta responsabilidad de tener una relación amorosa con el gobernado, de buscar su bienestar, su felicidad. Un ejemplo bien popular que hasta mereció una ópera rock fue, precisamente, el de Evita Perón. Sin embargo, en este momento, la singularidad de Argentina es un Gobierno que ha hecho del odio su fuerza mayor. Insisto, para alguien de mi edad y estudioso de la Historia, no hace más que prenderme luces de alarma.

¿Qué cree que es lo más grave que está pasando en su país?

Hay un malentendido en la Argentina por el que nos han hecho creer que un sistema financiero puede dar equilibrio a un país. Pero no es verdad. En realidad la economía es muchísimo más que su aspecto financiero. Ellos no son economistas como dicen ser, son especialistas en el accionar financiero, ven el mercado como un espacio de juego donde ganar mucho dinero. Esto significa lo que nosotros llamamos timba y escolazo [término lunfardo que significa apuesta]. Y esa concepción es imposible aplicarla al día a día de los habitantes. Si los alquileres son imposibles de conseguir, si la comida está altísima, si no hay acceso a ningún medio cultural porque el Estado no lo provee, si no se puede llegar a cierto nivel de formación porque no hay educación pública, entonces la economía está herida. La economía no es solo el dinero que entra, el enriquecimiento, sino lo que esta genera, lo que de ella sale.

El Gobierno de Milei se manifiesta a través del odio y no del amor

Aun así la nave va…

Pero es un Gobierno que ha fracasado. No han podido bajar la inflación que era su gran batalla. A pesar de que han hecho un desguace violento de todos los gastos del Estado, con el icono de la motosierra como bandera, la inflación continua. Milei volvió al Estado inactivo, recortó todos los presupuestos, trato al país como un enfermo con fiebre, le quitó toda la comida pensando que si no había calorías para quemar se acabaría la fiebre. Pues no, el país tiene fiebre. Fracasaron. Como contador de historias para mí todo tiene un planteamiento, un nudo y un desenlace. Lo que pasa es que todavía seguimos en el nudo.

Argentina siempre fue un país movilizado, capaz de luchar desde las calles la injusticia y los desmanes de los gobiernos. Eso, ¿ha cambiado?

Hay una desmovilización motivada por una decadencia en los modelos progresistas. Pero la desmovilización no es completa. Todos los miércoles hay manifestaciones de los jubilados que han visto recortadas las ayudas. Los estudiantes y los movimientos obreros siguen batallando. Lo que no ha pasado es que esas manifestaciones hayan conseguido alguna transformación. Además, el Gobierno de Milei, argumentando que cualquier reunión puede colisionar con los derechos de circulación del ciudadano, ha reprimido brutalmente cualquier protesta. Pero las movilizaciones que producen los cambios no las producen las ideologías, debe pasar algo que provoque el desenlace. Llegará y creo que en nuestro caso será un desenlace feliz.

¿No teme que pueda ser violento, que acabe en sangre?

El odio tiene un desenlace violento. No tiene otra. Siempre desemboca en el ataque al prójimo. Claro que estoy preocupado, me preocupa esa alternativa, pero espero que haya un momento en que el relato de este Gobierno entre en crisis y se pueda sentir el hartazgo, un momento donde los argentinos podamos ver que debemos salir todos juntos a enfrentar ciertas decisiones, a frenarlas. Soy optimista.

¿Cómo han afectado las políticas de Milei al tejido teatral de Buenos Aires?

Argentina tuvo un salto extraordinario en lo teatral hace 25 años con la creación de la Ley Nacional de Teatro. Fue una cosa muy luchada, sobre todo por el campo del teatro independiente. A través del Instituto se otorgaban ayudas a pequeños grupos, a pequeñas salas que hasta entonces eran lugares de formación y a las que se ayudó a establecerse como espacios dotados técnicamente. Eso produjo una proliferación de salas espectacular y al mismo tiempo se generó más producción y creció el público. Además, el plan era nacional, se promovían las giras a provincias, los viajes de profesionales que iban allí donde había una carencia en alguna especialidad… Y esto armó un círculo virtuoso extraordinario que le cambió la cara al teatro argentino. Hoy, el Instituto Nacional de Teatro está prácticamente desfinanciado. Los subsidios son magros, por llamarlo de alguna manera, en algunos casos inexistentes. Y ha desaparecido la proyección de cursos, encuentros, formación, festivales. No se han atrevido a hacerlo desaparecer por las protestas que eso generaría, pero su presencia es hoy tan solo formal.

¿Y eso cómo está afectando a la realidad teatral, se están cerrando espacios?

Claro, espacios que funcionaban como teatros vuelven a funcionar como talleres que se alquilan para clases. Y sobre todo lo que empieza a pasar es que al no tener el aliento producido por ese subsidio también empieza a haber una merma en la producción. Produce aquel que tiene ciertas garantías. Para los creadores jóvenes se ha puesto extremadamente difícil.

El teatro empodera al individuo contra la corporación

Hace tres años en Madrid pudimos ver una gran obra, Las cautivas, de Mariano Tenconi. Una obra en que se notaba que su teatro está bien presente en las nuevas generaciones, ¿que siente cuando ve que su teatro plantó semillas que hoy comienzan a ver sus frutos?

El teatro es un eterno devenir estético donde siempre tomamos algo del anterior, ponemos algo nuestro y lo que creamos es una originalidad que tomará el que sigue. Tenconi es amigo, compartimos mucho, me gusta su teatro. Creo mucho en ese fenómeno de herencias. Así como el ADN se alimenta del abuelo y del bisabuelo, en teatro hay una herencia. Soy un gran optimista sobre el futuro del teatro, sobre todo porque empodera al cuerpo, y empodera al individuo contra la corporación. En teatro si un grupo se junta, persevera y trabaja puede crear y ganarse la vida. Y en realidad lo único que han invertido es tiempo y cuerpo. No necesita de las redes, no necesita de la corporación.

Su madre es asturiana. Pero su teatro no llegó a España hasta el 2016. Extraña paradoja, ¿cuál es su relación con este país?

Vine cuando tenía cinco años a conocer a mi abuela a una aldea de Asturias, La Isla. Pero mi relación va más allá. Los domingos de mi infancia los pasaba en el centro asturiano comiendo fabada y escuchando gaita. España siempre estuvo. Mi madre, cuando era pequeño y tenía problemas escolares me puso una maestra particular, y ella también daba clases para mejorar su caligrafía, porque su caligrafía era lo que llegaba a España en las cartas. Quería escribir cartas más bellas. España siempre fue eso: el lugar de los amores. Incluso está presente en esta obra. La imagen generadora de Baco polaco proviene de mi relación con los carnavales. Soy gran coleccionista de fotos de carnaval, una afición que comenzó porque guardaba tres fotos de mi infancia en las que sucesivamente mi madre me había disfrazado de gaitero, baturro y torero. Mi madre los cosía a mano.

La nueva edición de 'Otoño de Teatro' de Camargo ofrecerá nueve espectáculos en el Centro Cultural La Vidriera, entre el 15 de octubre y el 17 de diciembre, bajo el lema 'La fusión de las artes',

El ciclo acogerá propuestas de comedia, teatro contemporáneo, teatro musical o humor gestual, entre otras, ha explicado el alcalde, Diego Movellán, que ha dado a conocer este lunes la programación, junto a la concejala de Dinamización Cultural, Laura Ara, y el coordinador del área, Juan Ramírez.

El regidor ha destacado que la cultura es una “parte fundamental” en la vida de Camargo y los vecinos se “implican” en las iniciativas que se celebran a lo largo del año. Por ello, ha avanzado que se seguirá ampliando la actividad y las oportunidades de acceso a la cultura. Asimismo, Movellán ha puesto a La Vidriera como “ejemplo” de “todo lo que puede ofrecer Camargo en el ámbito cultural”.

Programa

Las representaciones se celebrarán los jueves, a las 19.30 horas, con entrada libre hasta completar el aforo. El ciclo comenzará el 15 de octubre con 'Hermanas pese a todo', de Teresa Soria Ruano Producciones. Interpretada por Celia Medrano y Teresa Soria, con texto de Javier Rubio, esta comedia, recomendada a partir de 14 años, aborda la relación de dos hermanas.

El 22 de octubre será el turno de 'Ebook 2.0. La fascinante historia del libro', de Spasmo Teatro. Este espectáculo de humor gestual para toda la familia, recomendado a partir de cinco años, recorre la historia del libro y sus protagonistas, desde los primeros soportes de la escritura hasta la aparición del libro electrónico.

La programación continuará el 29 de octubre con el thriller psicológico de 'Cucarachas', de Edy Asenjo&Co. Interpretada por Óscar Saiz-Sánchez, Juan José Paredes y Edy Asenjo, la obra sitúa la acción en un lupanar de Argel a finales del siglo XIX. Escrita por el dramaturgo Juan Manuel Brun, está recomendada a partir de 16 años.

El 5 de noviembre, Katua&Galea Teatro presentará 'La bruja Rechinadientes', basado en un texto original de Tina Meroto. Se trata de una propuesta dirigida al público infantil e inspirada en los cuentos de brujas y en el folclore, que combina música y narración para contar las aventuras de tres protagonistas que deberán enfrentarse a sus miedos.

El 12 de noviembre llegará 'Ana de Pombo, de París, de España, del mundo', de Arte en Escena. Interpretada por Marta López, esta propuesta de teatro documental recupera la trayectoria de Ana de Pombo, nacida en La Cavada en 1896 y reconocida modista vinculada a Coco Chanel durante los años treinta. La obra, recomendada a partir de los 14 años, está basada en personas reales.

El 19 de noviembre se representará 'Obsolescencia', de Rita Cofiño Producciones Escénicas. Lucía Alvear y Rita Cofiño interpretan a dos personajes que custodian con mimo La Centenaria, una bombilla que sirve como punto de partida para reflexionar sobre el tiempo, lo que se percibe y cómo se usa. La función está recomendada a partir de los 16 años.

Adrián Alonso Producciones pondrá en escena 'Bárbara, el musical', un texto original de Mar Galera, el 26 de noviembre. Esta tragicomedia, recomendada a partir de 12 años, cuenta la historia de Clara y Sole, dos mujeres que aspiran a dejar atrás las tareas secundarias que realizan en televisión para convertirse en protagonistas de la pequeña pantalla.

La programación de diciembre comenzará el día 10 con 'Entre tú y el barro', de Ulapé Teatro. Interpretada por Javier Mediavilla y Eva Paula Ramos, esta obra pone en escena a una pareja que vive en una casa rural, alejada de las prisas y los ruidos de la ciudad. Está recomendada a partir de los 14 años.

'Otoño de Teatro' concluirá el 17 de diciembre con 'Julieta, pero no mucho', de Moral Producciones. Pilar Morales y Enrique Spínola protagonizan esta comedia, recomendada a partir de ocho años, en la que un dramaturgo empeñado en escribir obras clásicas recibe un encargo inesperado: crear una historia pensada para el público del siglo XXI.

El Auditorio Municipal acogerá, del 15 al 25 de octubre, la 42.ª edición de la Muestra de Teatro de Aficionados, organizada por la Asociación de Vecinos ‘El Carmen’, que este año ofrecerá un total de siete obras. Todas las funciones serán de acceso gratuito, hasta completar aforo, y comenzarán a las 20:00 horas.

Esta es la programación

15 de octubre. ‘Socaire’. Ateneo Teatro de Logroño

Juan Bautista García de Alvear y Garnica nació en Nájera en 1.657. Fue alcalde de la ciudad y se trasladó a Córdoba como Administrador de las Rentas Reales. Partiendo de estos hechos históricos se presenta una comedia totalmente imaginaria. 300 años después Aurora Albar, descendiente del aquel najerense ilustre, viaja en busca de sus raíces. En La Rioja la recibe con los brazos abiertos, Fabiola, una prima lejana que cultiva viñas con delicadeza y respeto en la modesta cooperativa Socaire. Son dos formas de entender la cultura del vino y, en definitiva, de la existencia.

16 de octubre. ‘La increíble historia de La Rioja’. Cómicos Inestables del Norte

Cómicos Inestables han realizado un arduo trabajo de investigación remontándose al principio de los tiempos para descubrir cómo los riojanos han influido definitivamente en la historia de la humanidad. Lástima que todo ese trabajo les haya servido de tan poco… pero qué le van a hacer, no lo pueden evitar, son cómicos, y el rigor de la historia en sus manos se convierte en un “riguroso” disparate de carcajada continua.

17 de octubre. ‘La venganza de Don Mendo’. Teatro Pobre IES La Laboral 

Es una famosa “caricatura de tragedia” que parodia los dramas históricos en verso. Narra cómo Don Mendo, traicionado por su amada Magdalena al casarse ella con otro por interés, jura vengarse tras ser encarcelado, utilizando disfraces y engaños para llevar a cabo una venganza desmesurada y cómica.

18 octubre. ‘Las Asambleístas’. TECU

En una Atenas cansada de los mismos de siempre, algo inesperado está a punto de suceder… Un grupo de mujeres decide cambiar las reglas del juego. Disfraz, ingenio y un plan audaz las llevarán al corazón del poder. Pero, cuando todo se pone patas arriba, surge la gran pregunta: ¿es posible construir un mundo verdaderamente justo? Humor, sátira y giros sorprendentes en esta comedia de Aristófanes que sigue resonando hoy.

23 de octubre. ‘Furiosas’. Asociación Escenario Vacío

Con humor ácido, ironía y situaciones absurdas e inesperadas, la obra retrata ese volcán interno que todas llevamos dentro y que, tarde o temprano, puede entrar en erupción. A través de sus escenas, Furiosas ofrece una mirada divertida y, a ratos, incómodamente cercana a nuestras pequeñas frustraciones, nuestras contradicciones y esa necesidad tan humana de explotar cuando sentimos que ya no podemos más.

24 de octubre. ‘Arsénico por compasión’. K-ndilejas Logroño

Dos venerables ancianas invitan a su casa a personas que atraviesan momentos de extrema dificultad. Con su proverbial hospitalidad y su espíritu caritativo, les obsequian con recetas caseras convenientemente aderezadas con su ingrediente secreto que facilita el tránsito a una vida ¿mejor?.

25 de octubre. ‘La muerte y la doncella’. La Garnacha Teatro

Una noche Gerardo tiene una avería en el coche y un hombre se ofrece a llevarlo a casa. ‘La muerte y la doncella’ es un relato profundamente intrigante, que va creciendo en intensidad con los tres protagonistas atrapados por un tenebroso pasado que les oprime. El mal, la locura, el miedo, la humillación, el olvido, el perdón, la angustia, la soledad. Todas esas sensaciones se hayan unidas por el horror, la justicia y la venganza. 

La muestra ha sido presentada este lunes por la concejala de Cultura, Rosa Fernández, acompañada por Margarita Martínez y Antonio Pujades en representación de la Asociación de Vecinos ‘El Carmen’, entidad organizadora. Durante su intervención, la concejala de Cultura ha comenzado agradeciendo, un año más, a la asociación “su trabajo, dedicación y compromiso para continuar haciendo posible que esta muestra vea la luz”, un reconocimiento que ha hecho extensivo “a todas las actividades lúdicas y culturales que organizan cada año para dinamizar su barrio y Logroño entero”.

Asimismo, Fernández ha destacado el valor de esta iniciativa, que “se consolida como una excelente ventana para que los muchos aficionados y aficionadas a la escena con los que contamos en la ciudad puedan mostrarnos su gran talento”. En este sentido, ha añadido que la muestra constituye también “una oportunidad para que los espectadores accedan a una programación variada, de calidad y gratuita, con propuestas escénicas muy diferentes”, y ha mostrado su confianza en que “volverá a tener una respuesta muy positiva del público, llenando el Auditorio Municipal”.

De un tiempo a esta parte se está reivindicando la figura de esos artistas e intelectuales que brillaron durante el periodo de entreguerras, unos brotes verdes que fueron segados por el franquismo, cuando no condenados al exilio. Tanto se perdió en los cuarenta años de dictadura que hoy casi cuesta creer que antes de la guerra existieron mujeres con un discurso tan progresista, tan radical para los tiempos, como el de la escritora y activista canaria Mercedes Pinto (San Cristóbal de la Laguna, Tenerife, 1883 - México, 1976).

La autora, que procedía de una familia conocida en el círculo cultural tinerfeño, se casó en su juventud con un capitán de la marina mercante, con quien tuvo tres hijos. Durante los diez años que duró el matrimonio, sufrió malos tratos físicos y psicológicos, y solo después de mucho batallar logró que ingresaran a su marido en un centro psiquiátrico. El internamiento no se prolongó lo suficiente, sin embargo, y Mercedes Pinto tomó la decisión de marcharse a Madrid con sus tres hijos, en una suerte de “primer exilio”.

Por aquel entonces ya había hecho sus pinitos colaborando con diferentes periódicos, pero el cambio de entorno, en plena efervescencia bohemia, le abrió muchas puertas. Fue en 1923 cuando protagonizó un momento clave para la historia política española, algo que la marcó para siempre y que sentó un precedente en el debate contemporáneo sobre los derechos de las mujeres: la conferencia que pronunció el 25 de noviembre de aquel año en la Universidad Central de Madrid, en plena dictadura de Primo de Rivera (1923-1930) y ante la presencia del príncipe Luis Fernando de Baviera, entre otros.

En principio, la encargada de la ponencia era su amiga Carmen de Burgos, conocida como Colombine, pero por problemas de salud delegó en Pinto. Esta leyó el discurso que hoy se recoge en El divorcio como medida higiénica (Torremozas, 2026), junto con otros textos suyos, en una edición a cargo de Fran Garcerá, especialista en la autora, de quien ha editado también un libro de poesía (Cantos de muchos puertos, Torremozas, 2017), muy influida por la experiencia del exilio, y una obra de teatro (Un señor… cualquiera, Torremozas, 2022), que este otoño ha vuelto a escena.

Del derecho de las mujeres al divorcio… y al segundo matrimonio

En su conferencia, Pinto tiene la valentía de reclamar el derecho al divorcio para las mujeres, que entonces estaban a expensas de las decisiones del marido. Comienza su disertación exponiendo una realidad a la que casi nadie se atreve a mirar de frente: la mala vida que muchos hombres dan a sus esposas de puertas adentro. No dice “malos tratos”, pero el lector contemporáneo puede leer entre líneas que lo que justifica como problemas de salud mental hoy a buen seguro recibiría otro calificativo.

La autora se apoya en el hecho de que un hombre podía alegar que su esposa padecía de “locura” o “paranoia” para pedir el divorcio, y lo extrapola a las mujeres, porque, dice, ellos también pueden padecer esos trastornos, también pueden ser motivo de malestar doméstico. Por lo tanto, es justo que las mujeres puedan decidir sobre su unión, tanto por ellas mismas como por la educación de sus hijos, si los hubiera, que, argumenta, bajo la influencia de un padre en ese estado no sería la más deseable.

Tanto empeño pone Pinto en justificar su propuesta ‒no en vano hablamos de una época en la que la ciencia se iba imponiendo como principio regulador de todo‒, que antes de preparar su lectura buscó la opinión de los médicos, voces (¡masculinas!) de autoridad que expusieron ideas que confirman su análisis. Esta necesidad de sustentar su punto de vista en la autoridad masculina puede parecer hoy otra rendición de género; ahora bien, dadas las circunstancias de la época, lo que revelan es el tesón y la inteligencia de Pinto para lograr que su tesis fuera tenida en cuenta, para que se la tomaran en serio.

Y así ocurrió: el discurso fue muy aplaudido, y su éxito llegó a oídos de las autoridades. Luis Fernando de Baviera la convocó en palacio, donde se entrevistó con su esposa, la infanta Paz, tía de Alfonso XII. Esta le ofreció un cargo como oradora de la Fundación Acción Católica, de la que era presidenta. La escritora lo rechazó, y ahí comenzó a ser consciente de que su presencia incomodaba; comenzaba a gestarse su exilio definitivo.

Pocos días después, la recibió nada menos que el dictador, Primo de Rivera (“el que era dueño de los destinos, ¡y de la voz de España…!”, en palabras de la propia Pinto), que había sido informado de su conferencia. Él le espetó: “¿Y no sabe usted que España tiene un concordato con el Vaticano? […] ¡España es católica!”. De nuevo, ella no se achantó. No se desdijo de nada, aunque, ahora sí, emprendió el viaje al otro lado del charco, donde la recibieron con los brazos abiertos y se consolidó, desde la distancia, como escritora y defensora de los derechos de las mujeres españolas.

Cabe añadir que, además del divorcio, su ponencia planteaba otra idea revolucionaria para la época: la posibilidad de que la mujer encontrara un nuevo compañero de vida. Ella sabía de lo que hablaba: en Madrid conoció a otro hombre, que la acompañó en el exilio y con quien tuvo más hijos. Entonces sí pudo vivir un buen matrimonio, y quiso que cualquier mujer que hubiera tenido mala suerte en su primer intento tuviera también una nueva oportunidad. Los individuos, las familias y la sociedad entera se benefician de un entorno doméstico sano, estable y protector.

Un siglo después, se abre el telón

Pinto pasó la primera etapa de su exilio en Uruguay, un país que fue clave para su desarrollo: trabó amistad con literatos como Juana de Ibarbourou o Alfonsina Storni, que la apoyaron en todo momento, y escribió numerosos artículos en la prensa, en los que denuncia sin pelos en la lengua la situación de sus compatriotas. Fue allí donde asimismo se estrenó como dramaturga, con una obra estrenada en 1930 que tuvo una acogida excelente: Un señor… cualquiera, que este otoño ha vuelto a los escenarios españoles de la mano de la compañía LaJoven, que ha representado su particular versión hasta el 4 de octubre en el Teatro Fernán Gómez de Madrid.

En el texto original, Pinto relata un enredo que tiene resonancias con lo que defendió en su célebre discurso: una mujer casada, y madre de un niño, tiene un romance con otro hombre. Su marido, sin embargo, no está dispuesto a aceptar que ella se marche con el amante y hace lo impensable por evitarlo. Años más tarde, será su hijo, ya adulto, quien se vea envuelto en una situación semejante…, solo que con el rol del amante. Y ni su padre ni las mujeres de su entorno reaccionarán como lo hicieron antes.

Pinto hace algo más que actualizar a las Bovary decimonónicas: no solo pone de relieve la insatisfacción de la mujer casada y la posición dominante que ostenta el hombre, sino que revela a un nuevo modelo de mujer, una mujer libre e independiente que no vuelca sus aspiraciones en la unión con un hombre, que toma las riendas de su vida y no repite los errores del pasado, que no teme hacer las cosas de forma diferente y se atreve a ser quien toma la iniciativa en lugar de esperar la respuesta de los demás (los hombres, pero también las mujeres de mayor edad que la custodian).

No es fácil ser esa mujer; implica hacer renuncias, implica asumir que la gente no verá con buenos ojos su comportamiento. Aun así, da el paso adelante, porque sabe que será mejor que permanecer maniatada por las convenciones, esos particulares carceleros. La propia autora sabía bien cuál era el precio de liberarse, de alzar la voz. No tuvo, quizá, una existencia idílica; pero desde luego fue coherente consigo misma, en el matrimonio y en su compromiso social, y esto es más de lo que mucha gente puede decir.

El compromiso inquebrantable

Con su mirada siempre lúcida, en sus artículos señala la hipocresía de ensalzar la figura de la madre, pero una madre de carácter puramente “procreador y lactante”, sin pensar en su educación, en sus inquietudes; Pinto, por el contrario, defiende que no hay mejor educación que la que puede dar una madre formada, realizada, pensadora. Identifica, en otra pieza, las tiranías que someten a las mujeres: “El clero y la aristocracia”, y de nuevo advierte el engaño de elogiar a las mujeres a la manera endulzada de los poetas mientras en la práctica se les niegan derechos y se les impide prosperar.

En su poesía, destaca sobre todo su memoria del exilio, en versos como los que abren el libro Cantos de muchos puertos: “No quiero hablar de muertes, / de éxodos ni dolores; / no quiero hablar de penas; / no quiero hablar, / porque las llevo dentro de mí como una carga, / como una carga horrible y como un sello / que horadase inclemente mi alma”. Todo en ella es político; vida y literatura son inseparables, y su vida fue una vida en movimiento, una vida que ella puso en movimiento, en la que ella llevó el timón.

“Tengo un orgullo enorme de todas mis acciones / y venero los pasos que he dado en el camino. / Los admiro uno a uno, / me exalto al recordar, / y todos los daría de volver a empezar”, escribe en el poema “Cumbre”. Hoy, su obra y su trayectoria siguen siendo una inspiración, una llamada para no olvidar lo recorrido, para perder el miedo a alzar la voz. Y para tejer una comunidad, también, entre las mujeres, pero asimismo entre los y las que, como ella, requirieron la mano tendida de un país amigo.

“¡Ayudarnos unas a otras es lo que debemos hacer! Toda mujer que trate [...] de sacudir las cadenas de la rutina de la incultura, y de la esclavitud moral en que la mayor parte de las mujeres viven, debe ser objeto de aliento, de ánimo y de alabanza”. Y toda creadora que lo hizo en contextos difíciles, como ella, debe ser objeto de redescubrimiento y de atención, se podría añadir. Porque su ejemplo, por suerte o por desgracia, sigue siendo una bocanada de aire en estos tiempos de viejos y nuevos hedores.

La inteligencia artificial está cambiando el mundo, y en lo que respecta a lo audiovisual cada vez es más difícil distinguir qué imágenes son auténticas y cuáles han sido generadas o manipuladas. Por eso, Antonio Banderas reivindica un espacio que, a su juicio, conserva una característica imposible de alterar: el teatro en directo. El actor malagueño considera que los escenarios pueden convertirse en un lugar especialmente valioso en un futuro dominado por las nuevas tecnologías.

Banderas ha defendido su idea durante el acto Málaga, 60 años de vida compartida, donde ha sido distinguido en la categoría de Proyección Internacional. El intérprete ha reflexionado sobre los cambios tecnológicos que atraviesan el cine y la televisión y ha explicado por qué considera que el teatro ofrece una experiencia diferente.

“Hoy en día, acosados por la inteligencia artificial, por ya no saber cuando vamos al cine o cuando vamos a la televisión si lo que estamos viendo es real, el teatro sí ofrecía algo real, es un refugio para la verdad”, ha señalado. Una reflexión con la que Banderas pone el foco en la relación directa que existe entre los intérpretes y quienes se encuentran sentados frente al escenario.

Una realidad que la tecnología no puede cambiar

El actor reconoce que sobre las tablas pueden representarse historias muy distintas y existir diferentes interpretaciones de la realidad. Sin embargo, considera que hay un elemento clave que es inalterable: las personas que actúan y el público comparten físicamente el mismo espacio y el mismo momento.

“Hay muchas verdades según quien haya escrito las obras, quien las dirija, quien las interprete, pero hay una realidad objetiva y esa realidad objetiva es un grupo de personas frente a otro grupo de personas y eso nunca cambiará pase lo que pase con las nuevas tecnologías y con el futuro”, ha afirmado Banderas.

Su defensa de las artes escénicas está estrechamente relacionada con el giro que experimentó su propia vida después de desarrollar durante décadas buena parte de su trayectoria profesional fuera de España. Banderas ha recordado que vivió casi tres décadas alejado de su tierra antes de regresar a Málaga, una decisión que ahora sitúa entre las más importantes de su vida.

Banderas ha hehco un símil con La Odisea para describir ese recorrido personal. Después de salir de su ciudad natal, viajar por diferentes lugares del mundo y finalmente regresar, asegura que “Málaga se convierte en mi Ítaca personal”. Su objetivo, según ha explicado, fue trasladar a su ciudad parte de los conocimientos y experiencias adquiridos durante su carrera internacional.

El infarto que cambió sus prioridades

En ese regreso tuvo una importancia especial el ataque al corazón que sufrió Banderas, un episodio que el actor considera que ha sido determinante para cambiar su manera de afrontar la vida. “La gente lo puede interpretar como malo, pero en mi caso fue muy significativo, muy bueno”, ha explicado.

Aquello, sostiene, le abrió los ojos: “Fue como si alguien me pusiera unas gafas para ver una realidad”. Esa nueva perspectiva estaba vinculada tanto a Málaga como al teatro y terminó cristalizando en uno de sus proyectos más personales, el Teatro del Soho, con el que Banderas decidió reforzar su apuesta por las artes escénicas desde su ciudad natal. Además, el actor también ha destacado que desarrollar esta iniciativa requería rodearse de otras personas y compañías. A su proyecto teatral se han sumado posteriormente otras iniciativas vinculadas a Málaga, desde la restauración hasta su apuesta por nuevos espacios de producción y formación cultural.