En Mérida hay varias visitas obligatorias. Hablamos de una de las ciudades más importantes de la Hispania romana, cuyo nombre original era Emerita Augusta. Fundada en el año 25 a. C. por orden del emperador Octavio Augusto, esta se convirtió rápidamente en la capital de la provincia romana de Lusitania. Todo esto favoreció la construcción de infraestructuras que hoy, dos mil años después, se pueden seguir visitando.

Entre ellas, encontramos el impresionante Teatro Romano de Mérida. A los romanos les gustaban las peleas de gladiadores en el anfiteatro y las carreras de cuadrigas en el circo, pero también el teatro, y una ciudad tan importante como Emerita Augusta no podía dejar de contar con un edificio dedicado a este tipo de representaciones. 

Según consta en una inscripción realizada en el propio teatro, este fue construido bajo el patrocinio del cónsul Marco Agripa, yerno de Augusto, entre los años 16 y 15 a.C. Se trata de un lugar que llegó a tener un aforo de hasta seis mil espectadores, distribuidos de abajo a arriba según su clase social en tres sectores de gradas, caveas summa, media e ima, separadas a su vez por pasillos y barreras.

Pero la edad dorada de este teatro llegó a su fin tras la llegada y consolidación del cristianismo. A partir del siglo IV d. C., este fue ganando influencia y los espectáculos teatrales comenzaron a considerarse inmorales o paganos por parte de las autoridades eclesiásticas. Como resultado, muchos teatros del Imperio, incluido el de Mérida, fueron abandonados.

Recuperación de un edificio de hace miles de años

Con el paso del tiempo, el edificio quedó en desuso, pero lo más impactante es que gran parte de la estructura quedó cubierta por tierra y arena hasta el punto que, durante siglos, solo se veía una parte de las gradas superiores. Los emeritenses tuvieron que esperar hasta el año 1910 para que empezaran las excavaciones arqueológicas en el recinto.

Así, no fue hasta pleno siglo XX cuando el teatro de una de las ciudades más importantes del Imperio Romano fue recuperado y restaurado. Hoy en día, este lugar acoge todo tipo de actividades, siendo una de las más importantes el Festival Internacional de Teatro Clásico, que se inauguró en 1933 y se celebra cada año en los meses de julio y agosto.

Algunos de los espacios que más destacan de este particular teatro son la orchestra, espacio semicircular con suelo de mármol reservado para el coro, y el frons scaenae, espectacular muro frontal que alcanza casi 30 metros de altura, estructurado en dos cuerpos de columnas entre las que podemos ver estatuas de emperadores divinizados y de dioses como Ceres o Plutón.

Desde hace algún tiempo, la conservación y restauración de la Alhambra –el monumento más visitado de España junto con la Sagrada Familia– son un ejercicio cada vez más complicado de llevar a cabo. A la pérdida paulatina de personal porque no se han contratado perfiles suficientes, se suma que, desde la última actualización de la relación de puestos de trabajo (RPT) del monumento, no se exige que los profesionales contratados para esas tareas tengan una formación especializada. Es decir, que cualquier trabajador que esté en la bolsa única de empleo de la Junta de Andalucía puede acceder a la plaza de un especialista en restauración sin saber nada de ello. Un problema que, lejos de mejorar, va a peor dado que la jubilación de los especialistas está cada vez más próxima.

“En 2 o 3 años puede que no haya trabajadores que puedan restaurar y conservar la Alhambra”. Quien lo denuncia es precisamente uno de los que quedan y que, con una edad cercana al retiro profesional, denuncia que ni la Junta ni el Patronato de la Alhambra y el Generalife acaban de ser conscientes del grave problema que eso representa. Este trabajador, que prefiere guardar el anonimato, afirma que ya en la actualidad faltan profesionales dedicados a la restauración porque no se han cubierto todas las plazas, pero que, además, de las cubiertas tan solo tres corresponden a profesionales cualificados en dichas funciones. “La Alhambra no se conserva con obras puntuales, sino que requiere un mantenimiento diario que no se le puede encomendar a alguien que no sepa nada del tema”, lamenta.

No en vano, los problemas de personal en la Alhambra son ya históricos. En las últimas dos décadas se han sucedido las quejas de los trabajadores porque no se ha estabilizado a muchos de ellos y faltaban manos en diversas áreas, llegando incluso a que la Inspección de Trabajo reconociese que esa situación genera problemas de salud en los empleados del monumento. Sin embargo, las últimas actualizaciones de la RPT no han acabado de atajar todas las problemáticas y, en ámbitos como la restauración, están agravando los males. De hecho, los restauradores lamentan que no se les considere profesionales de grupo 1 o 2, sino 3, lo que, por salario, desincentiva que se atraigan nuevos perfiles de especialistas a estas funciones.

Sin formación específica

No se trata solo de una cuestión de falta de personal, sino también de cómo se cubren esas vacantes. La última modificación de la RPT, aprobada por la Junta de Andalucía, eliminó los requisitos específicos de titulación que antes se exigían para determinadas plazas. Según explica el comité de empresa, anteriormente los puestos vinculados a restauración requerían formaciones concretas –como Bellas Artes u otras especialidades–, pero esas “coletillas” desaparecieron en la negociación del nuevo modelo que se impuso en septiembre de 2024 tras varios amagos de huelga por parte de los trabajadores.

Desde entonces, el acceso a estos puestos se realiza a través de la bolsa única de empleo autonómica, un sistema común para toda Andalucía que no distingue entre funciones genéricas y trabajos altamente especializados. En la práctica, esto permite que trabajadores puedan acceder a plazas sin que exista relación entre su formación y las tareas a desempeñar. “Yo soy jardinero y me puedo ir a cantería”, resume gráficamente Pepe Antequeruela, portavoz del comité de empresa.

El problema, según los representantes de la plantilla, es que esa homogeneización administrativa no encaja con la realidad de un espacio como la Alhambra, donde cada intervención requiere conocimientos técnicos muy específicos. “Cuando tú no tengas trabajadores especializados, traerás empresas de la calle”, advierte Antequeruela, que reconoce que esta dinámica de privatización ya se está produciendo en determinados trabajos.

De hecho, los propios trabajadores describen un funcionamiento cada vez más limitado dentro del monumento. “No somos capaces de hacerlo porque quienes entran nuevos no son profesionales”, señala el empleado consultado, que explica que muchas de las plazas actuales “no tienen contenido de trabajo” porque quienes las ocupan no cuentan con la cualificación necesaria. Esto genera, además, una cadena de disfunciones internas: empleados que aceptan puestos por cercanía o estabilidad pero que luego no pueden desempeñar las tareas, mandos intermedios que no pueden asignarles trabajo y una creciente dependencia de contratas externas.

A corto plazo, además, el comité de empresa apunta a que la situación puede consolidarse si no se introducen cambios en la planificación prevista. La nueva RPT contempla la incorporación progresiva de personal –con una previsión inicial de 25 plazas laborales y 21 de funcionarios– dentro de un marco más amplio que supera el centenar de puestos, pero bajo los mismos criterios actuales. Es decir, sin garantizar que esas nuevas incorporaciones respondan a perfiles especializados. “Se van a cubrir plazas, pero no necesariamente con gente que sepa hacer ese trabajo”, señalan desde la representación de los trabajadores, que advierten de que, sin corregir ese enfoque, el problema no solo persistirá, sino que se ampliará con cada nueva incorporación.

Una plantilla insuficiente

La consecuencia más inmediata no es visible a corto plazo, pero sí acumulativa. El mantenimiento de la Alhambra no depende solo de grandes intervenciones, sino de un trabajo constante y minucioso. “Hay que salir todos los días, recorrer el monumento, ver grietas, goteras, fisuras…”, explica el trabajador. No es algo que se pueda solventar contratando externamente tareas puntuales. “Tienen que conocer bien el monumento y eso es imposible sin estar a diario en él”, insiste el profesional. A ello se suma la presión de las visitas: miles de personas al día que, aunque de forma imperceptible, contribuyen al desgaste del conjunto. “El daño es pequeño, pero 8.000 personas al día, 365 días al año son muchos”, explica el trabajador sobre la realidad de un monumento cuya importancia no deja de crecer en visitantes, hasta el punto de que es Patrimonio Mundial por la UNESCO.

En este contexto, la falta de relevo generacional agrava aún más la situación. La mayor parte de los especialistas actuales se encuentra en torno a los 60 años y su jubilación es inminente. “En dos años empieza a jubilarse el 60% de la plantilla”, advierte el trabajador, mientras que desde el comité apuntan a un horizonte de entre seis y siete años para un cambio completo en el personal. Sin embargo, las condiciones actuales no garantizan que quienes ocupen esos puestos en el futuro cuenten con la formación necesaria.

Desde el Patronato de la Alhambra y el Generalife, por su parte, niegan cualquier irregularidad en la contratación y subrayan que todo el proceso se ajusta estrictamente a la normativa vigente. Fuentes del organismo señalan que la cobertura de plazas se realiza a través de la bolsa única de la Junta y que los requisitos vienen determinados por la RPT y el convenio colectivo, no por decisiones discrecionales del propio Patronato. En ese sentido, reconocen que las categorías profesionales “exigen niveles genéricos de titulación” y apuntan a la formación interna como vía para reforzar la capacitación del personal mientras se alcanzan “soluciones estructurales”.

Una explicación que no convence a la plantilla. “Dándole una formación de dos días o una semana no formas a nadie”, replica el trabajador, que insiste en que la restauración del monumento requiere años de especialización. “La Alhambra no es un centro de formación”, añade.

Desde el Ejecutivo regional, la respuesta incide en la misma línea. La Junta, a través de la Consejería de Justicia, defiende que la actualización de la RPT y del sistema de acceso fue acordada con los sindicatos “para garantizar la cobertura de vacantes según los criterios de igualdad, mérito y capacidad”. Sin embargo, no entra a valorar el impacto de ese modelo en espacios de alta especialización como la Alhambra.

Mientras tanto, dentro del monumento, la preocupación sigue creciendo. “Esto es el día a día”, resume el trabajador. “La Alhambra está muy bien hecha y tarda en notarse el mal trabajo, pero si mientras se está formando a la gente las cosas se caen, el patrimonio se pierde”.

Emplazado sobre un alcor en la confluencia de los ríos Tinto y Odiel, encontramos un monasterio único con siglos de historia. Su posición dominante sobre las marismas de Huelva lo convirtieron en un punto desde el que observar el territorio y refugiarse de los ataques que llegaban a través de la costa. Tiempo después, sin embargo, este lugar se convirtió en un escenario decisivo de la historia universal.

Hablamos del Monasterio Santa María de La Rábida, ubicado en Palos de la Frontera, en la provincia de Huelva. Franciscano de estilo gótico-mudéjar, el monasterio fue levantado entre los siglos XIV y XV, pero cobró gran importancia en la historia a partir de la llegada de Cristóbal Colón, quien encontró refugio y atención entre los frailes que allí vivían.

Antes de su histórico viaje

En 1453, la caída de Constantinopla en manos de los otomanos dificultaba el viaje desde Europa hacia Asia. Convencido de la esfericidad de la Tierra, Cristóbal Colón se empeñó entonces en que debía haber una ruta marítima más rápida si se viajaba hacia el oeste. Durante años, el navegante genovés intentó obtener respaldo económico y político para poder emprender este proyecto en diversas cortes europeas. 

Primero en Portugal, entonces potencia líder en exploración atlántica, donde su propuesta fue rechazada. Más tarde, en Castilla, donde su idea también encontró cierta resistencia. Fue en este contexto en el que su paso por el Monasterio de La Rábida se convirtió en un punto de inflexión. 

Su etapa en el monasterio

Durante su etapa en el monasterio, Colón entró en contacto con los frailes franciscanos, que no solo legitimaron intelectualmente su propuesta, sino que le dieron algo mucho más importante: los contactos necesarios para acceder a la Corona. En concreto, fray Juan Pérez y fray Antonio de Marchena fueron los frailes que consiguieron concertarle una cita con Hernando de Talavera, confesor de la reina Isabel La Católica.

Tras el primer gran viaje en 1492, La Rábida empezó a tener papel esencial como punto de salida y retorno de los viajes hacia las Indias. Por ejemplo, Hernán Cortés, Gonzalo de Sandoval y Francisco Pizarro llegaron hasta este lugar tras volver de sus expediciones de conquista. Asimismo, allí se encuentra enterrado Martín Alonso Pinzón, quien falleció a los pocos días del regreso del primer viaje colombino.

Visitas

Hoy en día, el Monasterio de La Rábida está abierto al público y se puede visitar de martes a domingo en un horario de 10:00 a 18:00. La entrada general cuesta 4 euros, aunque existen tarifas especiales reducidas para grupos, jubilados, estudiantes, familias y niños menores de 5 años. Este tiene una superficie de 2.137 metros cuadrados y recorrerlo es realizar un auténtico viaje al pasado.

La madrugada del 3 de julio del 2021, en A Coruña, cuatro jóvenes golpearon a Samuel Luiz hasta matarlo. El suceso, por su trasfondo y su brutalidad, copó los titulares y la conversación de aquellas semanas: perplejidad, indignación e, incluso, algún intento de disimular las motivaciones homófobas de un asesinato cometido al grito de “maricón”.

Como ocurre en tantas otras tragedias, en el sitio donde asesinaron a Samuel se erigió pronto un altar espontáneo, compuesto por las pequeñas ofrendas que fueron dejando amigos y vecinos. También acudieron muchos desconocidos, como el escultor David Bestué, que viajó desde Barcelona movido por el horror que le causaba el crimen. Fruto de aquella pulsión, el artista acabaría realizando una obra: un monumento calculado y efímero que sería retirado por la brigada municipal apenas unas horas después de su colocación.

La historia la recoge en Samuel (Caniche, 2026), un libro a medio camino entre el ensayo visual, el cuaderno de campo y el catálogo, en el que Bestué se pregunta por la pertinencia del monumento en la contemporaneidad y si el arte sigue teniendo la capacidad articular la memoria colectiva en el espacio público. “Quizás”, escribe Bestué en la primera página del libro, “el único monumento posible es aquel que aparece por la necesidad que una persona o una comunidad siente por recordar algo, como acto de memoria y resistencia. […] Paradójicamente, en estos casos, la escultura en sí carece de importancia”.

¿Para qué sirve un monumento?

En un momento en el que el monumento se piensa más como algo que ha de ser derribado que como algo que debe construirse, ¿por qué pensar en uno para Samuel Luiz? “Me afectó que sucediese justo el primer o el segundo día que podíamos salir después de los confinamientos. Habían sucedido cosas muy graves durante la pandemia y quizás me encontraba en un estado vulnerable. Estábamos aislados y justo cuando puedes salir te matan, y con esa violencia. Me conmovió, como podían haberme conmovido casos anteriores y muchos otros posteriores, porque es un goteo que no se detiene”, explica el artista en conversación con elDiario.es.

“¿Qué haces con eso que te interpela? En un momento pensé: bueno, yo como artista tengo que responder con una escultura. Además, la escultura nace así en la antigüedad. Ante una ausencia, ante algo que desaparece hay que poner algo como sustitución”, añade.

A lo largo de Samuel, David Bestué relata este intento por “responder”, con un enfoque que va redefiniéndose y variando a medida que se distancia del momento del asesinato. El primer acercamiento, confiesa, fue hacer un libro sobre la vida del joven. “Incluso me planteé ir al juicio, como Carrère hizo con los atentados en Bataclan. Leía las crónicas y otras cosas que me podían servir de referencia, pero me di cuenta de que ni soy periodista ni escribo especialmente bien, así que si quería hacer algún tipo de homenaje debía ser desde mi propia práctica”, subraya.

En el libro quedan, sin embargo, algunos rastros de este primer propósito. Por ejemplo, varias fotos tomadas por el artista del lugar del asesinato y de las cárceles donde cumplen condena sus asesinos: “Al final, es hablar de cuerpos. Un cuerpo que está en un cementerio y otros cuerpos que están también detenidos en prisión, que no se pueden mover”.

El sentido del arte público

La investigación de Bestué se expande desde el suceso concreto hasta una indagación más amplia, centrada en qué y cómo se recuerda en el espacio público, y qué estrategias plásticas sirven para fijar esa memoria. Lo hace en un momento en el que el arte público está en retirada y en el que las pocas iniciativas que se producen en ese ámbito se orientan hacia estándares decimonónicos, como demuestra la estatua de Alatriste que prepara el Ayuntamiento de Cartagena o la dedicada a los últimos de Filipinas instalado recientemente en el madrileño barrio de Chamberí.

Cuando veo esos bancos pintados de colores pienso: ¿realmente sirven para algo? Pero funcionan como termómetro. Aunque nos parezcan tontos, fíjate cómo los destrozan

Daniel Bestué — Artista

En el intento de hacer una genealogía, en su libro aparecen santuarios y templos antiguos (por ejemplo, el ónfalo de Delfos, que señalaba “el ombligo del mundo”), meteoritos o conmemoraciones de la Guerra Civil. También otros más recientes, como los asociados a los muertos causados por la crisis migratoria, o las placas en recuerdo a Cristina “La Veneno” o a Sonia Rescalvo, mujer transexual asesinada en 1991.

“Son monumentos que no reflejan una identidad. Son lo más banal del mundo: una placa, el arcoíris, el triángulo invertido o el lazo rojo [símbolo de la crisis del sida]”, afirma el escultor. “Cuando veo esos bancos pintados de colores pienso: ¿realmente sirven para algo? Pero realmente funcionan como termómetro. Aunque nos parezcan tontos, fíjate cómo los destrozan. Llega Vox a un ayuntamiento y los manda repintar. Si eso genera problemas, imagínate lo que ocurriría con algo más complejo”, asevera.

“Cada cierto tiempo matan a alguien”, señala. En un libro anterior publicado en la misma editorial y dedicado al monasterio de El Escorial, el artista menciona un suceso contra unos chicos a los que pillaron teniendo relaciones homosexuales: “A uno lo quemaron. En este lugar de perfección en la tierra según Felipe II, sucede algo contra natura: algo que tiene que ser eliminado. Eso se me quedó en la cabeza. Tenemos una proyección ideal de lo que debe ser, y cuando algo se sale de ahí se lo elimina. Eso pasó con Samuel. Es alguien que tendría pluma, lo vieron en la calle y decidieron que eso no podía ser, que tenían que destruirlo”.

Bestué recuerda una triste retahíla de hechos similares: el asesinato de Lorca en los años 30 o el de Rescalvo en los 90. También el de Carlos Palomino, militante antifascista al que apuñalaron en el metro de Madrid en 2007. “Cada tanto tenemos a alguna de estas figuras y para mí es importante trabajar sobre ellas, para que lo que les ha sucedido no sea en vano. Para que de alguna manera sirvan de aviso de que, aunque parezca que todo está muy normalizado, sigue habiendo violencia”, apunta el artista. 

Hacia el final del libro se nos revela el monumento que Bestué erigió a la memoria de Samuel: una escultura que reproduce la estructura de un fémur, una tibia y un peroné, versión sintética de una Pietá, esa representación arquetípica de la madre sosteniendo al hijo muerto. Una anatomía que soporta. La pieza fue instalada en febrero del 2025 en lugar del asesinato, pero, al no contar con permisos, fue retirada por los servicios de limpieza.

Al escultor no le importó ese desenlace y admite que su acción (la de un desconocido, un artista barcelonés interpelado por un homicidio en Galicia) estaba “fuera de lugar”. “Desde hace unos años, el arte se ha vuelto muy educado. Hay cosas que parece que no puedes hacer y, al mismo tiempo, como artistas, nos encanta cuando la gente hace cosas ilegales. ¿Por qué no puedo hacer algo en la calle sin que me lo pidan?”, opina. 

Esta acción contrasta, sin embargo, con una de las ideas centrales del libro: la de la eficacia y el valor de la respuesta colectiva frente a la inoperancia de las decisiones individuales o verticales. Como ejemplo, el texto menciona que los monumentos populares que se erigieron tras los atentados del 11M están preservados en el Archivo Histórico Ferroviario mientras que el levantado en la estación de Atocha ha sido recientemente desmantelado. “Lo mío es algo individual, sin duda, pero si de alguna manera resuena o sirve para que haya cierto debate, pues bienvenido sea. Pero no puedo ir más allá”, dice el escultor.

¿Debería, entonces, el ayuntamiento dedicar un monumento a la memoria de Samuel Luiz? Bestué responde tajante: “Si eso llegara a suceder, la gente comenzaría a olvidar lo que le sucedió. La sociedad se tranquilizaría. ‘Ah, vale, ya está hecho, ya estamos todos de acuerdo’. Me parece más interesante el momento actual, en el que cierta gente pide un homenaje o se reúne cada año para reivindicarlo. Es preferible esa tensión. Que un friki que viene de fuera monte ahí una pieza una noche. Es mejor esa indefinición, que sea algo no resuelto, porque la violencia que causó esa muerte sigue ahí”.

Quienes calculan estructuras parten de algo poco intuitivo, que la forma no decide si una construcción aguanta o cae, porque el reparto del peso y la forma en que ese peso se transmite al terreno es lo que marca el resultado. Los puentes, incluso cuando parecen imposibles, se diseñan para que cada pieza reciba solo la carga que puede asumir, y eso permite levantar trazados ondulados, curvos o aparentemente inestables.

En ese proceso intervienen cálculos sobre tensiones, apoyos y materiales que garantizan que la estructura mantenga el equilibrio aunque su silueta rompa lo esperado. Por eso existen pasarelas que parecen doblarse en el aire sin perder firmeza. Esa misma lógica se traslada a diseños que cuidan la apariencia sin dejar de cumplir bien su función.

El puente Ruyi en Zhejiang recibe miles de visitantes

El puente Ruyi en China con un trazado ondulado y entrelazado ha pasado de parecer un montaje digital a convertirse en un destino real con miles de visitantes, después de que su estructura demostrara que esa apariencia extrema responde a un diseño válido. La construcción se ubica en la provincia de Zhejiang y ha sido recorrida por más de 200.000 personas, lo que confirma su funcionamiento y su atractivo.

El ingeniero He Yunchang, especialista en estructuras metálicas y participante en el equipo del estadio principal de los Juegos Olímpicos de Pekín de 2008, diseñó esta obra con criterios de distribución de carga propios de grandes infraestructuras. Su experiencia en acero y en proyectos de gran escala permitió plantear una estructura que no depende de una forma tradicional para mantenerse estable. Además, su trayectoria incluye la participación en construcciones relevantes dentro de China, lo que sitúa este puente dentro de una línea de trabajo consolidada en ingeniería estructural.

La forma del puente recuerda a un cetro tradicional chino llamado ruyi, un objeto curvado asociado a la buena fortuna. Aunque desde ciertos ángulos evoca una doble hélice, su diseño responde a esa referencia cultural y no a una intención científica.

La estructura se extiende a lo largo de 100 metros y se sitúa a unos 140 metros sobre un barranco, en el valle de Shenxianju. Su orientación forma un ángulo de 26 grados con el Pico Fozu, lo que integra la construcción dentro del relieve montañoso que la rodea.

El puente se compone de tres tramos ondulados que se entrelazan en el aire y se apoyan en los extremos sobre la roca. Estas plataformas están conectadas por cables y por un pequeño tramo central que permite cambiar de lado. El conjunto distribuye el peso a lo largo de toda la estructura, lo que evita concentraciones de carga que podrían provocar fallos.

Además, el nivel inferior incorpora vidrio templado laminado con alta transmisión de luz, mientras que el superior utiliza planchas metálicas perforadas. Este diseño genera una sensación intensa al caminar, ya que permite ver el vacío bajo los pies, aunque la estabilidad está garantizada por pruebas previas de resistencia.

Cuando se difundieron las primeras imágenes, muchas personas pensaron que se trataba de una recreación digital. El astronauta canadiense Chris Hadfield publicó un vídeo grabado con dron que amplificó esa reacción inicial en redes sociales. La verificación posterior por parte de la web Snopes confirmó que el puente existía y que su apariencia respondía a un diseño real.

La afluencia crece desde la apertura en 2020

El entorno donde se sitúa refuerza esa percepción. El Área Escénica de Shenxianju ocupa unos 158 kilómetros cuadrados y reúne picos rocosos, bosques y cursos de agua. En días de lluvia, la humedad genera niebla que envuelve el valle y hace que la estructura parezca suspendida en el aire. Desde el centro del puente se pueden observar varios picos destacados, y en la cabecera se encuentran árboles que forman parte del paisaje simbólico del lugar. Además, el sistema de iluminación nocturna crea un efecto visual que acompaña el recorrido.

La llegada de visitantes ha sido constante desde su apertura en 2020, incluso en un contexto marcado por restricciones sanitarias. Más de 200.000 personas han cruzado la pasarela, lo que confirma su uso continuado. Aunque no alcanza las dimensiones del puente de vidrio más largo del mundo, que en Guangdong mide 526,14 metros y se sitúa a 201 metros de altura, su diseño lo ha convertido en un referente dentro de este tipo de construcciones.

La experiencia de caminar sobre una superficie transparente a gran altura, junto con la forma ondulada del recorrido, explica que siga atrayendo a quienes buscan recorrer una estructura que parece desafiar lo habitual pero funciona con precisión.

El puente de mayo permite mirar al norte de España más allá de sus capitales y de las rutas habituales de costa. Cantabria, Galicia y País Vasco reúnen dentro de la Red de Patrimonio Histórico una serie de castillos, palacios, pazos, torres y antiguos edificios de uso civil o religioso que conservan una relación directa con el lugar en el que se levantan. Aparecen junto a bahías, valles, cascos históricos, zonas de montaña, riberas o villas fronterizas, lo que permite organizar una escapada en la que la visita cultural no queda separada del territorio.

La propuesta no exige recorrer todos los enclaves incluidos en la red. El viaje puede plantearse por tramos, según el punto de partida, los días disponibles y el tipo de visita que se quiera priorizar. La selección reúne monumentos situados tanto en espacios urbanos como en entornos abiertos, con paradas que combinan patrimonio, costa, interior y montaña. Para el puente del 1 de mayo, funciona como una alternativa a los desplazamientos centrados en una única ciudad y como una manera de acercarse a bienes históricos que mantienen un vínculo directo con el paisaje que los rodea.

Cantabria, de Campoo a la bahía de Santander

El Castillo de Argüeso, en Campoo de Suso, permite comenzar el recorrido por el interior de Cantabria. La fortaleza, relacionada históricamente con la Casa de la Vega-Mendoza, fue declarada Bien de Interés Cultural en 1983 y reabrió al público en 1999 tras su restauración. Hoy funciona como espacio de visita y programación cultural. Su posición, en un entorno de montaña próximo al nacimiento del Ebro, hace que la llegada al edificio forme parte de la experiencia, con una lectura del territorio distinta a la de los monumentos integrados en grandes núcleos urbanos.

El segundo punto cántabro se encuentra en Santander. El Palacio de la Magdalena ocupa la península del mismo nombre y fue residencia de verano de Alfonso XIII y Victoria Eugenia entre 1913 y 1930. El edificio mantiene en la actualidad usos académicos y culturales, y su visita se integra en uno de los espacios más reconocibles de la ciudad. En este caso, el interés no pasa por una construcción defensiva, sino por un inmueble civil situado junto al mar, dentro de un entorno abierto que permite combinar paseo, arquitectura y bahía en una misma parada.

Galicia, una selección entre pazos, fortalezas y Camino

Galicia ofrece una parte amplia de la Red de Patrimonio Histórico en el norte, por lo que la ruta gana claridad si se eligen algunos enclaves representativos. El Palacio de Oca, en A Estrada, introduce la tradición de los pazos gallegos. Su origen se vincula a una antigua fortaleza medieval, transformada con el tiempo en residencia palaciega. La visita permite acercarse a un tipo de patrimonio asociado al paisaje rural, a la organización señorial del territorio y a los jardines históricos, sin necesidad de desplazar el viaje hacia la costa.

En Baiona, el Castillo de Monterreal ofrece otra lectura del patrimonio gallego. El actual Parador ocupa la antigua fortaleza situada sobre una península abierta a la bahía. Su emplazamiento explica la importancia estratégica del lugar y permite unir casco histórico, paseo marítimo y arquitectura defensiva. Es una de las paradas donde se entiende con mayor claridad la relación entre monumento y litoral.

Monforte de Lemos concentra varios elementos de interés dentro de un mismo ámbito. La Torre del Homenaje conserva la memoria del antiguo conjunto fortificado y alcanza unos 30 metros de altura. En la parte alta de la ciudad, el actual Parador se vincula al conjunto monumental de San Vicente do Pino y al legado de los Condes de Lemos. Esta etapa permite conectar la ruta con la Ribeira Sacra y con un paisaje interior marcado por valles, monasterios y núcleos históricos.

Santiago de Compostela incorpora una escala diferente. El Hospital Real de los Reyes Católicos, actual Parador, nació como institución vinculada a la acogida de peregrinos. Su ubicación en la plaza del Obradoiro lo sitúa en pleno centro monumental, pero su sentido histórico está ligado al final del Camino y a la función asistencial que desempeñó durante siglos. Para una escapada de pocos días, puede servir como punto de llegada o de partida hacia otros enclaves gallegos de la red.

País Vasco, torres y palacios entre Álava y Gipuzkoa

En País Vasco, la Torre Palacio de los Orgaz, en Fontecha, representa una arquitectura vinculada a la defensa y al poder señorial. El conjunto integra torre, palacio y recinto amurallado, con una construcción principal levantada a finales del siglo XIV. Su ubicación en Álava permite incorporar a la ruta un paisaje interior, alejado del turismo costero más frecuente.

La parada guipuzcoana se sitúa en Hondarribia, donde el Castillo de Carlos V funciona como Parador. El edificio se integra en el casco histórico amurallado de una villa situada junto al Bidasoa, en un punto marcado por la frontera. La visita permite sumar patrimonio, trazado urbano y paisaje litoral sin separar la fortaleza de la localidad que la rodea.

El recorrido puede cerrarse en Argómaniz, donde el Parador ocupa el Palacio Larrea. Desde este enclave se domina la Llanada Alavesa y se abre la vista hacia el entorno de Gorbeia. La propuesta queda así articulada como una ruta flexible por el norte peninsular, pensada para escoger etapas, no para agotar una lista. En el puente de mayo, estos espacios permiten combinar desplazamientos cortos, visitas culturales y contacto con el paisaje, siempre con la comprobación previa de horarios y accesos como paso necesario antes de viajar.

La Viceconsejería de Cultura y Deportes ha publicado una resolución por la que se inicia expediente para declarar Bien de Interés Cultural, con la categoría de Monumento, el Nevero de Cogolludo (Guadalajara).

Según publica este miércoles el Diario Oficial de Castilla-La Mancha (DOCM), el Nevero de Cogolludo se localiza a las afueras del propio casco urbano, aproximadamente a 100 metros al noroeste del castillo de la localidad, en la denominada Cuesta de los Moros.

Se trata de un lugar excepcional para la conservación de la nieve durante todo el año, aprovechando el frescor del subsuelo, los fríos vientos de la sierra norte para refrigerar el interior y la escasa exposición a la luz solar que sobrecalentaría su contenido. El Nevero de Cogolludo se caracteriza por ser un pozo excavado en el sustrato geológico calizo apoyado a su vez en el desnivel del propio terreno.

Su pozo está revestido por una estructura de mampostería a hueso, trabada sin ningún tipo de argamasa, que conforma la pared del nevero. La única parte de esta estructura que presenta algún tipo de argamasa es la cúpula, trabada con yeso y realizada con piedra de pequeño y mediano tamaño.

Tipológicamente se encuadra dentro de los denominados neveros de montaña y resulta de interés que este inmueble conserve todos los elementos característicos que presentan los pozos de nieve: depósito cilíndrico excavado en el sustrato geológico; la gruesa pared del pozo que facilita el aislamiento térmico, con el agravante de estar realizada en mampostería sin argamasa y mediante superposición de hiladas; cubierta realizada mediante falsa cúpula de piedra; el fondo, que conserva el sistema de drenaje para evacuar el agua procedente del deshielo de la carga para favorecer la conservación del resto; y dos puertas de acceso, la de carga y descarga.

Arquitectura popular

Los neveros o pozos de nieve son construcciones de arquitectura popular destinadas al almacenamiento y conservación del hielo para su posterior distribución y venta. Su objetivo primordial era garantizar el aislamiento térmico necesario para la conservación de su carga de hielo durante la mayor parte del año. Igualmente son valiosos documentos histórico-culturales y destacados ejemplos etnográficos.

El estado de conservación que presenta actualmente el nevero de Cogolludo es excelente pues conserva toda su estructura intacta y en pie. Teniendo en cuenta que la mayoría de los neveros en la actualidad permanecen ocultos en el subsuelo y con sus estructuras derruidas, o en el mejor de los casos, perceptibles en el terreno, pero con las bóvedas colapsadas, el nevero de Cogolludo es un bien inmueble con un grado de conservación muy elevado.

Este elemento de arquitectura etnográfica ha sido incluido dentro de un programa de puesta en valor promovida desde el Ayuntamiento de Cogolludo, propiciándose su documentación histórico-cultural y arqueológica, así como su consolidación y la realización de labores de limpieza y acondicionamiento para su recuperación en los años 2019 y 2020.

Con el inicio del expediente se dispone la apertura de un período de información pública, a fin de que todos cuantos tengan interés en el asunto puedan examinarlo y alegar lo que consideren oportuno, durante el plazo de un mes a contar desde este jueves, día 30, en las dependencias de la Viceconsejería de Cultura y Deportes.

La forma en que se distribuían las órdenes dentro de la corte determinaba quién podía decidir, quién debía obedecer y quién quedaba fuera del círculo de influencia. El poder real en Francia se construyó a partir de esa organización minuciosa, donde un rey podía intervenir en detalles cotidianos si lo consideraba necesario. Luis XIV llevó ese control al extremo al fijar reglas sobre quién podía acercarse a él, a qué horas y cómo debían comportarse los nobles cuando estaban delante.

Ese control no era solo algo personal. Hacía que cualquier cosa, por pequeña que fuera, tuviera sentido político. En ese sistema, el Palacio de Versalles fue decisivo porque reunía a la nobleza en un mismo sitio y convertía la vida diaria en una forma más de ejercer el poder del rey.

Un trabajo de restauración recuperó la alcoba real como estaba en 1789

Un proyecto impulsado durante décadas ha permitido recuperar la cámara del rey del Palacio de Versalles tal como estaba el 6 de octubre de 1789, momento en que la familia real abandonó el edificio, según recoge el Palacio de Versalles.

Esa intervención ha devuelto la coherencia a un espacio que formaba parte de la vida diaria del soberano y que había quedado incompleto tras la Revolución. La restauración no se limitó a una mejora estética, ya que reconstruyó elementos esenciales que permitían entender cómo funcionaba ese entorno. La apertura al público en abril de 2026 permite observar ese espacio con su disposición original.

Luis XV decidió en 1738 crear un apartamento interior más recogido después de considerar incómoda la cámara ceremonial heredada de Luis XIV, lo que marcó un cambio en la forma de habitar el palacio. Ese nuevo espacio respondía a que el rey buscaba una estancia más fácil de calentar y alejada del ceremonial constante.

La diferencia con la gran cámara de parada resultaba evidente, porque aquella servía para rituales públicos como el despertar y el acostarse ante la corte, mientras que el nuevo dormitorio permitía una vida más retirada dentro del mismo sistema de control.

La construcción de esa estancia implicó a figuras como Jacques V Gabriel y Ange-Jacques Gabriel, responsables de la arquitectura, junto al escultor Jacques Verberckt, que desarrolló la decoración rocaille. El diseño integró paneles tallados, cartuchos y motivos vegetales que convertían la habitación en un espacio donde cada elemento tenía una función dentro del conjunto. No era solo para que se viera bonito: servía para ordenar la habitación y decidir dónde colocaban cada cosa que el rey usaba a diario.

Los tejidos marcaban la estancia y cambiaban según la estación

Los tejidos dominaban la percepción de la habitación en el siglo XVIII, y el término meuble incluía tanto los muebles como cortinas, tapicerías y colgaduras. Desde 1739, la estancia utilizó un conjunto de verano con brocado de Lyon sobre fondo amarillo y detalles en plata, mientras que el invierno introducía terciopelo carmesí con fondo dorado. Esa alternancia seguía una costumbre de la corte y hacía que la habitación cambiara según la época del año.

Luis XVI introdujo cambios en 1775 al incorporar terciopelo azul celeste con bordados de hojas de roble y guirnaldas, y sustituyó el lecho tradicional por un lit à la duchesse con dosel fijado a la pared. Ese cambio alteró la disposición visual de la habitación y redujo el volumen del conjunto. En la parte frontal apareció un pelícano que se abre el pecho para alimentar a sus crías, un símbolo que vinculaba al rey con la idea de sacrificio hacia su pueblo.

La restauración reconstruyó el lecho con archivos y miles de horas

El proceso de restauración comenzó en los años 80 con la reconstrucción de los textiles mediante técnicas tradicionales, un trabajo que asumió la casa Tassinari & Chatel al recrear las telas a partir de fragmentos conservados. Ese avance dejó pendiente el elemento principal, ya que la cama original había desaparecido durante la Revolución y no existían dibujos que permitieran copiarla.

La reconstrucción del lecho se resolvió a partir de descripciones detalladas conservadas en los archivos, entre ellas un documento firmado por Pierre-Edmé Babel. A partir de ese material, Charles Boulnois y François Gilles desarrollaron un modelo completo que exigió unas 2.500 horas de talla en madera de tilo.

Después, las doradoras aplicaron técnicas tradicionales y la casa Lesage Intérieurs completó el bordado con unas 30.000 horas de trabajo. El resultado devuelve al dormitorio el elemento que organizaba toda la estancia y permite entender por qué ese espacio funcionaba como un lugar donde el rey descansaba, pero también como una extensión de su autoridad dentro del palacio.

En la Punta del Sebo, ese punto exacto en el que confluyen los ríos Odiel y Tinto en el municipio de Huelva, encontramos uno de los monumentos más impresionantes de la provincia andaluza. Con 37 metros de altura, tan solo uno menos que el Cristo Redentor de Brasil, esta imponente escultura se alza como un símbolo de la historia de uno de los viajes más decisivos de la humanidad.

Hablamos del Monumento a Colón, también conocido como Monumento a la Fe Descubridora, una enorme figura orientada hacia el oeste, como si vigilara el Atlántico, que rinde homenaje al viaje que aquel navegante emprendió en las embarcaciones de la Pinta, la Niña y la Santa María desde el Puerto de Palos (Huelva) hace más de 500 años.

“He querido dar a mi monumento un carácter simbólico. El monumento a Colón no representa, pues, a Colón corporalmente. Representa la figura de un navegante, que mira con ojos visionarios hacia Oeste, hacia donde debió mirar también el insigne descubridor, cuando presentía América”, señaló la creadora y escultura estadounidense del monumento en 1929, año en el que este se inauguró.

Sí, la persona que diseñó esta enorme escultura fue una mujer de Estados Unidos. Gertrude Vanderbilt Whitney era su nombre, quien explicó que la cruz que caracteriza la imponente estatua también pretendía rendir homenaje a “los Reyes Católicos, Isabel y Fernando”, quienes según ella “ayudaron a Cristóbal Colón en sus desvelos”.

Piedra caliza y otros detalles

El monumento se encuentra situado en una plataforma ubicada en la playa natural que hay en Punta del Sebo, en la Ría de Huelva, a unos cuatro kilómetros del casco urbano de la localidad. En el pedestal del monumento se encuentran diversos bajorrelieves que representan a los cuatro continentes conocidos en la época: Asia, África, Europa y América.

La escultura consiste básicamente en una figura humana apoyada sobre una cruz en forma de “tau”, un símbolo franciscano, y se construyó con piedras procedentes de la localidad onubense de Niebla. Hablamos de una piedra caliza de color blanco y gran porosidad formada con sedimentos de origen marino que dan un toque único a la estatua.

La inauguración del monumento se llevó a cabo el 21 de abril de 1929, un acto al que asistió Primo de Rivera, el Ministro de la Marina y el embajador de Estados Unidos, entre otras personalidades. En 2016, el Monumento a Colón fue inscrito en el Catálogo General del Patrimonio Histórico Andaluz con el carácter de bien de interés cultural. Hoy en día, sus 37 metros de altura siguen llevándose las miradas de los que pasan por la Punta del Sebo.

Miguel de Cervantes, el literato español más universal, observa desde hace 76 años la vida pasar en su rincón privilegiado del parque de Abelardo Sánchez. Su busto emerge en un entorno natural y vivo como muestra de respeto a la figura literaria que es y al paso del tiempo. Pero esa escultura tiene su particular historia, porque tardó en ser realidad más de 30 años.

Todo comenzó hace 110 años, cuando Albacete se vistió de gala para recibir a una de las más insignes escritoras que ha dado España: Emilia Pardo Bazán. La gallega fue la gran protagonista de los Juegos Florales celebrados en 1916 con motivo del tercer centenario de la muerte de Miguel de Cervantes. Pocas fueron las ciudades españolas que realizaron tan ímprobo esfuerzo para conmemorar esta efeméride en torno al fallecimiento de quien el cine de Alejandro Amenábar ha vuelto a poner en primer plano con El cautivo.

No era excepcional que la capital manchega celebrara unos Juegos Florales. Albacete venía haciéndolo desde finales del siglo XIX y, en esos primeros compases del siglo XX, la tradición se mantenía, siempre bajo el impulso de instituciones como el Ayuntamiento, la Diputación o, incluso, la Asamblea Local de Cruz Roja. Pero lo habitual es que esa fiesta de la literatura tuviera lugar coincidiendo con la Feria de septiembre.

Que la autora de Los pazos de Ulloa fuera llamada a participar en estos Juegos Florales cervantinos para ejercer como mantenedora no fue casualidad. Según ha escrito Cristina Patiño Eirín, profesora de Literatura de la Universidad de Santiago de Compostela e investigadora de su obra, Pardo Bazán era considerada una cervantista de médula desde su niñez, y de ahí que utilizara actos conmemorativos como el celebrado en Albacete no solo para homenajear al autor del Quijote, sino para hacer ver la dimensión humana del texto que describe las andanzas del Caballero de la Triste Figura.

Un acontecimiento en España

De su presencia en la ciudad ya se encargó de informar por todo lo alto la prensa local y más allá. Como ejemplo, Defensor de Albacete, que en su portada del sábado 22 de abril de 1916 anunciaba que solo unas horas después -el domingo 23- comenzarían los actos conmemorativos en torno al Príncipe de los Ingenios. No obstante, el plato fuerte era la presencia de la autora gallega, que llegó en tren el lunes 24 de abril, para lo que, desde la comisión organizadora, se llamó a las “señoras” a recibir por todo lo alto a “tan ilustre dama”.

Albacete quiso volcarse con este acontecimiento, y según la publicación Defensor de Albacete, “la animación para todos los festejos organizados con motivo del centenario es verdaderamente excepcional, y Albacete va a dar con este motivo una prueba ejemplar de su cultura y de la admiración que a todos inspira en esta hidalga tierra el cantor excelso de sus llanuras”.

La fiesta literaria organizada para conmemorar tan destacado aniversario contando con la novelista y periodista gallega era, sin duda, el acontecimiento del año, y las localidades se pusieron a precios aptos para todos los bolsillos, o casi: desde una peseta la entrada general hasta las 20 pesetas en algunos proscenios, a lo que había que sumar el coste del impuesto del timbre, preciso para contribuir al buen desarrollo de esta actividad. No todo iba a correr con cargo a los dineros del Consistorio.

El mismo día de los Juegos Florales, la prensa local daba cuenta en su edición del lunes de los últimos preparativos para una de las celebraciones más destacadas del país en honor a Miguel de Cervantes. El programa de actos, que culminaría en la fiesta literaria del Teatro-Circo, había contado con un ciclo de conferencias sobre temática cervantina a cargo del médico de Socuéllamos, Francisco Martínez González, quien también iba a ser galardonado en el evento. La ciudad recibía esos días a figuras relevantes del ámbito cultural, no solo a la escritora, sino también al poeta y sacerdote vallisoletano Pedro Gobernado, otro de los galardonados.

Pardo Bazán, que ostentaba el título de condesa, vino acompañada de “su distinguida hija soltera”, Carmen, quien conformó, “en unión de la señorita Mariana Medina y señoras de Marín Fillol y Alcázar Roca de Togores”, la corte de la reina de la fiesta, la señora vizcondesa de San Germán. Todo quedaba entre la clase noble.

Una vez acomodada en la ciudad, y como marcaba el protocolo de rigor, en torno a las 13 horas la autora de Clavileño se trasladó al Casino Primitivo para asistir al banquete que se organizó para rendirle honores y también al resto de integrantes de la corte y reina de la fiesta.

Luego, tras la hora de la siesta, llegó el momento culmen del programa. El Teatro-Circo había sido decorado elegantemente para acoger la gala literaria, y según Defensor de Albacete, el coliseo estaba “ocupado por numeroso y selecto público”. Tras levantarse el telón, sobre el escenario se encontraban autoridades, los componentes de la comisión organizadora y premiados. Y después de la proclamación de la reina del certamen y sus damas, dio comienzo el reparto de premios entre los galardonados. Fue cuando Pedro Gobernado, el sacerdote de la Universidad Pontificia de Valladolid, dio lectura a su Oda a Cervantes, con la que se hizo valedor del premio en el tema de honor de la convocatoria.

Las intervenciones se sucedieron, como la protagonizada por la directora de la Escuela Normal, Amparo Irueste, quien recitó las octavas reales que habían hecho merecedor de otro de los premios al periodista local Fernando Franco. También tuvo su momento de gloria el presidente de la comisión organizadora, el escritor y, a la sazón, ingeniero, Manuel Serra, cuyas palabras constituyeron el prólogo de la charla de doña Emilia, que para ese momento contaba 64 años.

El éxito de la conferencia de Pardo Bazán

La polifacética coruñesa pronunció una aplaudida conferencia en la que estableció la relación entre la figura del Quijote y los conceptos de patria, fe y amor, además de dibujar un paralelismo entre el ingenioso hidalgo y la sociedad de ese momento. La crónica de Defensor de Albacete no dejaba lugar a dudas: Pardo Bazán fue interrumpida “muchas veces por los aplausos entusiastas de la concurrencia, que tributó al final una ovación clamorosa”.

Desde ahí, al Casino Primitivo, donde cena y baile dieron brillo a una jornada literaria que iba a recordarse durante décadas en Albacete, y que recibió el reconocimiento en toda España porque fue de las pocas ciudades que tributaron de forma tan notable al escritor de Alcalá de Henares.

La jornada del martes 25 de abril fue tremendamente intensa para la condesa. Uno de los momentos más significativos llegó a las once de la mañana, cuando se colocó la primera piedra del monumento que la ciudad había decidido erigir al Manco de Lepanto en pleno parque de Canalejas, hoy de Abelardo Sánchez, una historia que tardó en terminar de escribirse más que el propio Quijote.

Según la crónica periodística, el cura de San José bendijo el terreno, colocó la primera piedra Pardo Bazán, leyó el acta el abogado y hombre de letras Dionisio Yáñez Sánchez -que sería alcalde de Albacete con el tiempo- y pronunció el discurso de cierre el por entonces presidente del Ateneo, Maximiliano Martínez García.

Pero también tuvo tiempo, en sus paseos por la ciudad, de conocer la Diputación, el Ayuntamiento, la popular fábrica de chocolates La Pajarita y el taller cuchillero de Sánchez Hermanos. Otro banquete en el Hotel Francisquillo junto a un centenar de comensales, representantes de lo más granado de la sociedad local, fue el epílogo de la presencia de la escritora en tierras albaceteñas. Un tren expreso le sirvió para abandonar la ciudad y regresar a Madrid.

Crónica de un viaje

Esa presencia de Pardo Bazán, que murió en 1921 con 69 años, dejó para los anales de la historia local una de las descripciones más benévolas y de mayor altura literaria de cuantas se han escrito de Albacete. Una carta de presentación de una ciudad que comenzaba a girar 180 grados en su forma de concebir el desarrollo económico y social, avanzando hacia la modernidad y la urbanidad. Y es que la publicó un amplio reportaje -la gallega también ejerció de brillante periodista- en su sección La vida contemporánea en la revista La Ilustración Artística, en su número del 8 de mayo de 1916. “Se encuentra a seis horas de tren de Madrid, y tiene fama su cuchillería. Nadie sabe una palabra más”, comenzaba su crónica, apuntando: “Es una capital de provincia, en pleno progreso, donde se trabaja mucho y se vive bien, y que siendo el sitio donde se fabrican los célebres cuchillos, navajas y puñales, no registra en sus fastos ningún crimen cometido con arma blanca. Venden navajas y no las usan. Ya eso merece notarse”.

Otra de las virtudes de Albacete, según la escritora, era que “en ningún punto de España se toma tan buen café. Es el café excelente en todas partes: en los cafés lo mismo que en las fondas, y en las fondas igual que en las casas”.

Destacaba a su vez la atención que se prestaba a las personas humildes, con más de 2.000 comidas diarias que se repartían a quienes no tenían qué echarse a la boca. Y lo ponía en comparación con los 25.000 vecinos y vecinas que tenía la capital para entonces. “Bien digo que la miseria es cosa desconocida en Albacete; hablo de la miseria negra, la que causa las muertes por inanición y frío, que registramos en Madrid”.

En cuanto a los salarios, afirmaba que no existía “descontento” entre la clase obrera, y tampoco paro, “al contrario, se nota escasez de brazos para las faenas agrícolas, y les podríamos enviar algunos de los desempleados de aquí”. Serían las charlas que mantuvo con los políticos de entonces, como el alcalde y empresario Francisco Fontecha Nieto. Pero como carta de presentación de Albacete, impecable.

Al parecer, cuando doña Emilia narraba a su círculo madrileño el balance de su viaje a Albacete, contaba: “Me dicen que hablo bajo la impresión del extraordinario recibimiento que en Albacete se me ha tributado. Habría que probarme que los datos aducidos son inexactos. Si no lo son, no hay por qué ver ningún apasionamiento en lo que digo”.

De la misma manera, no podía ocultar su admiración en torno a cómo se forjaban navajas y cuchillos en Albacete. “Hoy ya no se fabrican puñales como antaño, y aquella típica figura del hombre que saltaba dentro del tren, ofreciendo a los viajeros puñales, navajas, cuchillos, pertenece al pasado. En cambio, Francia ha encargado a Albacete muchos millares de navajas cachicuernas, supongo que no como arma de guerra, sino para partir el zoquete de pan o cortar la rama de árbol”.

Ver la forja de una de esas hojas le dejó sorprendida “por la precisión de los golpes que descarga el obrero sobre la barra candente al rojo. Tienen que ser tantos golpes, dados de tal manera, y sin duda uno más o menos estropearía la labor. Parece cosa sencilla, y no lo es. No hay nada que no requiera habilidad”, descripción bella y exacta de un oficio que ha hecho famosa y peculiar a la ciudad de Albacete.

Y en cuanto a la fábrica de La Pajarita, la sorpresa fue en aumento por la forma en la que se fabricaban los caramelos de los Alpes, con una técnica propia del cristal de Venecia, apuntaba, o el “lindo espectáculo” de cómo se confitaban las peladillas y se elaboraban los populares fideos de esta conocida factoría que dio nombre a un barrio vertical de 500 viviendas, ahora de actualidad tras su remodelación energética completa.

Hablaba de Albacete como una población “en un período de crecimiento y prosperidad”, refiriéndose a la calle Ancha -las actuales Marqués de Molins y Tesifonte Gallego- como Gran Vía, adornada con una “doble fila de bellos edificios, dotados de todos los modernos requerimientos del confort”.

Para ese momento se encontraba muy avanzada la construcción del Gran Hotel, que un año después ya ofrecía algunos servicios, y al que comparaba con el Palace de Madrid, aunque “algo más pequeño, pero igual en su construcción”. También puso el acento en el esfuerzo en la construcción de las sedes de la Diputación, el Ayuntamiento y el Casino Primitivo y algún que otro colegio, “y se ha roturado y poblado y embellecido el vasto parque, demostración positiva de que, si en el suelo de la Mancha no crecen árboles, es sencillamente porque nadie se cuida de plantarlos. El parque será en breve un oasis de verdor, el pulmón fresco y oxigenado de Albacete”.

No se le escapaba detalle a la novelista, informando del empréstito de millón y medio de pesetas que había concertado el Ayuntamiento “para obras convenientes, ya sea un hospital, un cuartel, un campo de aviación”.

Las fábricas de energía eléctrica y la pujanza del sector agrícola eran otras fortalezas albaceteñas subrayadas. “Sus campos están bien cultivados, y el trigo y las cepas de vid empezaban a verdear cuando los crucé. Produce el azafrán, la cosecha más rica de todas. Cuando la rosa es abundante, el bienestar se difunde. Las aspiraciones y proyectos, en los hogares humildes, tienen por base la fertilidad del azafrán. También se coge en la provincia buena cantidad de esparto. En Hellín son ricas e importantes las minas de azufre”.

Y resaltó que Albacete fuera la única ciudad española que, con motivo del Centenario, se decidiera a erigir un monumento a Cervantes. “Al hacerlo, no sólo demuestra cultura literaria, sino españolismo. Cervantes ha venido a ser como un símbolo de la unidad de la patria, fundada en el idioma, y donde Cervantes tiene monumento, no se rompe la tela de nuestro común existir nacional”, concluía.

El agradecimiento a la presencia de Pardo Bazán fue unánime. El Gobierno Civil trasladó a la condesa en mayo de 1916 el acuerdo de la Diputación Provincial dándole las gracias de manera formal por su participación en los actos realizados en la capital un mes antes, elogiando su “privilegiado espíritu” y la brillantez con la que honró los Juegos Florales, dejando un recuerdo “imborrable” entre los hijos de la provincia.

Comienza la odisea

No obstante, la conclusión del monumento cervantino no fue coser y cantar. La primera piedra que colocó la gallega allí se quedó, en pleno parque. Pero durante años no se levantó ni un centímetro ni el pedestal que debía soportar la cabeza de Cervantes. Ni mucho menos el busto en cuestión.

La iniciativa arrancó con fuerza. Unos Juegos Florales de altura para vestir la colocación de la primera piedra y una campaña de recaudación de fondos entre los centros educativos, maestros y “admiradores de Cervantes”, coordinada por el director del Instituto albaceteño, Elías Alonso, fueron las primeras acciones. Se reunieron 147 pesetas con 45 céntimos.

Esta iniciativa le valió el reconocimiento de publicaciones como Vida Manchega, la revista regional que, en el número dedicado a este tercer centenario de la muerte de Cervantes subrayó el esfuerzo albaceteño y el olvido de otros territorios de La Mancha. “Sólo Albacete celebró unos juegos Florales espléndidos, teniendo por mantenedora a la ilustre Pardo Bazán. Ciudad Real, la tierra de Alonso Quijano el Bueno, el país teatro de las aventuras del andante caballero, la tierra preferida por Cervantes para escribir su obra inmortal se cruzó de brazos y dejó que pasara como inadvertida la fecha de! tercer centenario. ¿Por culpa de quién? No es este el momento oportuno para determinarlo. A todos los pueblos, á todos los organismos, oficiales y particulares de la Mancha, les corresponde un tanto de culpa”.

No obstante, el proyecto que debía servir de base para el monumento se guardó en la planta baja del Ayuntamiento, en la antigua sala de sesiones. Y ahí permaneció durante meses la obra del prestigioso escultor José Capuz, hasta que un concejal de apellido Hortelano sugirió en 1917 que se avisara al Ateneo de la permanencia de tal boceto para que se lo llevara por cuestión de espacio. Había que dárselo a la oficina de reclutamiento.

Aportaciones al monumento madrileño

Y mientras el monumento albaceteño debía homenajear al escritor madrileño seguía a la espera, el Consistorio capitalino decidió, en 1925, destinar 300 pesetas a la escultura que se iba a levantar en Madrid a tan destacado representante de las letras españolas. La obra que en la plaza de España de la capital en honor a esta obra universal -aparecen Don Quijote, Sancho Panza y el propio Cervantes- se inauguró en 1929, según el proyecto del arquitecto Rafael Martínez Zapatero y el escultor Lorenzo Coullaut Valera, contando cuando comenzó a levantarse, en 1925, con la colaboración adicional del también arquitecto Pedro Muguruza.

Pero los años pasaban y la escultura del Parque en recuerdo del Manco de Lepanto no llegaba. Aunque de vez en cuando resurgía como el Sabio Frestón. De hecho, el 17 de mayo de 1934, casi 20 años después de la primera piedra, Defensor de Albacete proponía que en el espacio donde hasta ese momento se ubicó el templete de la banda de música, frente al Chalet Buenos Aires -ahora, colegio de San Fernando- se instalara esa escultura. “Queremos recordar cómo en reiteradas ocasiones hemos pedido que se lleve a cabo el proyecto de monumento que había de honrar dignamente la memoria del autor del Quijote. Existe desde hace años este proyecto y aun por alguna entidad se inició una suscripción con tal fin. No constituye ciertamente para Albacete un timbre de gloria el que tan bella iniciativa no pueda llevarse a cabo. El monumento a Cervantes podía muy bien ser expresión y símbolo del resurgimiento espiritual de Albacete, por el que recientemente se ha propugnado”.

Horas después, el otro periódico, Diario de Albacete, en su edición vespertina, no sin sorna, y en la sección Chinitas Políticas, se planteaba: “¿Un monumento a Cervantes en el Parque? Quiá, que ese era un cavernícola. A Galán y García Hernández”. Y de ahí no pasó ni la polémica, ni la iniciativa.

El No-Do recogió la inauguración

Ya, en 1948, llegó por fin el monumento. Y la noticia no pasó desapercibida, puesto que de su difusión se encargó el No-Do, el noticiario franquista. Aunque en 1945 el telediario del dictador ya recogió un acto celebrado durante la Feria -un homenaje al Ejército del Aire-, la primera ocasión en la que los equipos del noticiario español se trasladaron hasta la ciudad con el objetivo de recoger en imágenes el acto social de mayor importancia de Albacete, la Feria, fue en 1948, y para ello desplegaron todo un completo operativo.

Del 299 B, No-Do que recoge en menos de dos minutos algunos de los momentos más intensos de aquella Feria -Ferias, según la ficha que se conserva de este documental en los archivos de Filmoteca Española-, se ha perdido la banda sonora, lo cual no es un impedimento para considerar este documento como de un extremo valor histórico y, por supuesto, sentimental.

Aquella Feria tuvo una clara vocación quijotesca, cervantina, y, de hecho, las cámaras del No-Do grabaron la inauguración, por fin, del busto ubicado en el Parque de Abelardo Sánchez -de los Mártires, en aquellos momentos- dedicado a Miguel de Cervantes, acto que tuvo lugar en la mañana del 16 de septiembre de aquel 1948.

El periódico Albacete definió en portada aquella inauguración como “un acto sencillo al parecer, pero de verdadera grandeza, de exaltación de la figura cumbre del Príncipe de los Ingenios Españoles”.

El alcalde de la ciudad, Juan Silvestre Miñana, en los discursos de rigor, recordó que en su momento ya se pusieron las bases del futuro busto a Cervantes, tras lo que se mostró plenamente satisfecho de haber contribuido a romper “el olvido de aquella primera piedra”. Más vale tarde que nunca. Habían pasado más de 30 años desde la colocación de la primera piedra que, quién sabe dónde quedó.

Pero el monumento no fue descubierto por la primera autoridad municipal, sino por el presidente de la Comisión Cervantina, el abogado Antonio Gotor, como muestra de agradecimiento por el trabajo desarrollado por este colectivo con la organización de diversos actos culturales en torno a la figura de este universal escritor a lo largo de aquel año. Gotor afirmó que los albaceteños, con el descubrimiento de la escultura de Cervantes, completaban o salvaban la laguna que dejó este literato al decir aquello de “en un lugar de la Mancha de cuyo nombre no quiero acordarme”, con la afirmación de “en un lugar de la Mancha, Albacete, del que me acordaré siempre, porque como manchegos y como cervantinos hemos sabido rendirle el homenaje que merece”.

Habló asimismo del crecimiento logrado por la ciudad y del “ambiente propicio a que Don Quijote siga siendo en estas tierras símbolo de las altas virtudes de la raza”. Para concluir el acto: aplausos de los asistentes y el himno nacional, interpretado por la Banda Municipal de Albacete.

Pero, además, aquel noticiario recogió el desfile de las carrozas que tomaron parte en la Batalla de Flores, algunas de ellas dedicadas al bueno de don Quijote y a su creador, una temática fija históricamente en los desfiles y cabalgatas de la Feria albaceteña.

En la Batalla de Flores de aquella Feria de 1948 desfilaron las carrozas promovidas por instituciones y colectivos, y en las que viajaban niños y señoritas, como Abanico del Club Taurino; Trono Barroco del Casino Primitivo; Mercurio y el Cuerno de la abundancia, del Círculo Mercantil e Industrial; Alas dominadoras, del Ejército del Aire; Circo Ecuestre, del Ayuntamiento de Murcia; ¡Oh reina y señora universal del Toboso!, de la Unión Territorial de Cooperativistas del Campo; Dragón, de la Casa de Hijos de J. Legorburo; El Bolso de Blancanieves, de Fontecha y Cano; Torre Elefantina, del Club Cinegético; ¡Que son molinos!, de la Diputación Provincial de Albacete; Marca Famosa, de la Casa Jiménez Hermanos, o Alegoría del Capítulo XLI del Quijote, del Ayuntamiento de Albacete, entre otras, además de coches engalanados con flores y guirnaldas.

Todo un espectáculo que dio mayor colorido a una Feria que ya había tenido una apertura muy lucida con los actos tradicionales, desde el traslado de la Virgen de Los Llanos del Ayuntamiento al Recinto Ferial, escoltada por el Ejército de Tierra y del Aire y por una brigada ciclista de la Policía Local, a una ruidosa traca, y por supuesto, la Cabalgata, de horario nocturno, puesto que comenzó a recorrer las calles de la ciudad en torno a las 23.30 horas.

Eran ferias con un carácter abierto, no limitado a los aspectos exclusivamente festivos, sino que la cultura formaba parte indispensable del programa. Es más, uno de los platos fuertes de la edición de 1948 fueron los Juegos Florales, organizados por el diario Albacete y patrocinados por el Ayuntamiento, y cuya entrega de premios tuvo lugar el 18 de septiembre en el Teatro-Circo. En aquella ocasión, el primer premio -Flor Natural y 4.000 pesetas en metálico- fue a parar a Manuel Martínez Remis, de Madrid. Pero en aquella Feria también hubo tiempo para los toros, para misas, para el mercado de ganados, para exposiciones de pintura o para concursos de bandas de música.

Y así fue como la semilla que se plantó en 1916 terminó por germinar y el monumento a Cervantes fue una realidad más de tres décadas después. Y ahí permanece.

El desgaste no se nota de golpe, pero cada verano más largo, cada lluvia más intensa y cada subida de temperatura dejan marca en piedras que llevan siglos a la intemperie. Grecia reúne una de las mayores concentraciones de restos históricos del mundo, con lugares como la Acrópolis de Atenas, Delfos, Olimpia o Cnosos repartidos por todo el territorio.

Ese conjunto funciona casi como una biblioteca al aire libre donde cada enclave guarda una parte de la historia, pero esa exposición continua también acelera su deterioro. El paso del tiempo siempre ha estado ahí, aunque ahora actúa con más fuerza por el clima, y obliga a intervenir antes de que los daños sean irreversibles.

Los expertos analizan 19 enclaves para medir riesgos actuales

El Ministerio de Cultura ha puesto en marcha una estrategia nacional para proteger ese patrimonio frente a fenómenos climáticos cada vez más frecuentes, según recoge AFP. El plan plantea pasar de reaccionar tras los daños a anticiparse con medidas preventivas y una planificación a largo plazo que se extiende hasta 2050.

Lina Mendoni, ministra de Cultura helena, explicó durante su presentación que “Grecia está entre los pocos países que han desarrollado una estrategia nacional y planes de adaptación especializados para el patrimonio cultural”. El objetivo consiste en evaluar riesgos concretos y actuar antes de que incendios, inundaciones o calor extremo afecten de forma irreparable a los monumentos.

Entre 2022 y 2025, equipos científicos de la Universidad Nacional de Atenas y de la Fundación Nacional de Investigación analizaron 19 enclaves para medir su vulnerabilidad. Ese trabajo revisó daños anteriores y condiciones actuales del entorno, con el fin de prever cómo pueden evolucionar ante episodios extremos.

En el estudio participaron climatólogos, geólogos, ingenieros y expertos en conservación que evaluaron la exposición a incendios, lluvias intensas, olas de calor y subida del nivel del mar. También intervinieron el Observatorio Nacional de Atenas y el centro Demokritos con datos sobre incendios y comportamiento de materiales.

Varios yacimientos presentan peligros concretos según el análisis

El análisis señala puntos concretos de riesgo en varios lugares conocidos. Olimpia aparece amenazada por incendios forestales que afectan a la vegetación que rodea el recinto. Delfos sufre desprendimientos de rocas en las laderas cercanas. El santuario de Dion afronta inundaciones periódicas. Otros espacios como Delos o el Heraion de Samos están expuestos a la erosión costera. En total, el plan incluye enclaves como Micenas, Mesene, Filipos, Rodas o varios palacios minoicos en Creta, entre ellos Cnosos, Malia o Festo.

Mendoni señaló durante una conferencia que “el cambio climático no crea riesgos completamente nuevos, suele intensificar los ya existentes”. La ministra explicó que la alta concentración de monumentos al aire libre en Grecia los expone a variaciones de temperatura, humedad elevada y episodios de lluvia intensa que afectan a su conservación. Esa situación obliga a actuar de forma coordinada porque los daños no dependen solo de un factor aislado, sino de la repetición de fenómenos que se acumulan con el tiempo.

El caso de Olimpia muestra bien ese problema. El recinto ocupa una superficie amplia con zonas de vegetación densa que no siempre se controla. Aristides Panagiotopoulos, alcalde de la ciudad, explicó a AFP que “la vigilancia debe ser continua” para evitar incendios. Recordó además que los fuegos de 2007 destruyeron el entorno natural y causaron más de 40 muertes en la región de Élide.

Panagiotis Lattas, responsable forestal de la zona, añadió que las lluvias recientes han aumentado la vegetación, lo que obliga a limpiar el terreno antes del verano para reducir el riesgo. También indicó que “este año, tras una cantidad muy grande de lluvia, alrededor de un 40% por encima de la media anual, la vegetación será especialmente abundante”.

En Delfos, los problemas aparecen en forma de desprendimientos. Panagiotis Tagalis, alcalde del municipio, explicó a AFP que los deslizamientos de noviembre de 2024 causaron “problemas graves para el acceso al yacimiento arqueológico y al museo”. Para evitar nuevos cortes, se han instalado mallas metálicas en las laderas y se ha habilitado una carretera alternativa para vehículos pequeños en caso de emergencia. Estas medidas buscan mantener la actividad en la zona y asegurar el acceso tanto a visitantes como a residentes.

El turismo masivo complica la gestión de emergencias en zonas rurales

La relevancia económica del turismo añade otra capa de presión. Los monumentos generan ingresos importantes para el país y reciben cientos de miles de visitantes cada año. En 2024, Olimpia superó los 300.000 visitantes, Delfos se acercó a los 290.000 y Cnosos superó el millón. Muchos de estos lugares están en áreas rurales donde una evacuación rápida resulta más complicada, por lo que las autoridades estudian planes específicos para gestionar grandes concentraciones de personas en situaciones de emergencia.

La estrategia prevé ampliar este sistema de protección hasta 40 enclaves antes de 2030, con una inversión que supera los 20 millones de euros procedentes de fondos europeos y nacionales. También incluye sensores de incendios en 21 lugares y planes de protección para más de 60 espacios arqueológicos. En paralelo, se han reducido horarios en la Acrópolis durante las horas de más calor para proteger a los visitantes, una medida que ya se aplica mientras se desarrollan soluciones más amplias.

A Coruña ha desarrollado su relación con el mar como parte de su propia estructura urbana. La ciudad gallega, situada en el noroeste peninsular, se asienta sobre una península que se adentra en el Atlántico, lo que explica que el litoral esté presente en gran parte de su perímetro. Esa proximidad constante al océano no solo define el paisaje, sino también la forma en la que se organizan sus espacios públicos y su crecimiento histórico.

En ese contexto, el frente marítimo se ha convertido en uno de los elementos más reconocibles del municipio. A lo largo de su costa se reparten más de 10 kilómetros de playas integradas en el entorno urbano, con accesos directos desde distintos barrios. Esta continuidad permite que los arenales formen parte de la vida diaria y no queden relegados a espacios aislados o exclusivamente turísticos.

Ese vínculo con el mar se articula, sobre todo, a través de un paseo marítimo que durante años fue considerado el más largo de Europa, hasta que en 2016 otro trazado en Lanzarote pasó a ocupar ese lugar. Aun así, el recorrido coruñés, con una longitud cercana a los 13 kilómetros, sigue siendo uno de los más extensos del continente. Su construcción comenzó en 1990, dentro de un proceso de transformación del litoral orientado a hacerlo accesible y continuo, integrando espacios que antes estaban desconectados.

Un paseo que recorre la ciudad de A Coruña

El trazado bordea prácticamente toda la ciudad, desde el entorno del Castillo de San Antón hasta la zona de O Portiño. En ese recorrido se suceden espacios de características muy distintas, desde áreas portuarias hasta tramos abiertos junto al océano. Buena parte del itinerario cuenta con carril bici y zonas peatonales, lo que facilita su uso tanto para desplazamientos cotidianos como para actividades de ocio al aire libre.

El punto de inicio se sitúa en el Castillo de San Antón, una construcción del siglo XVI levantada como parte del sistema defensivo de la ciudad en una época en la que los ataques por mar eran frecuentes. Con el paso del tiempo tuvo diferentes funciones, entre ellas la de prisión, y hoy acoge el Museo Arqueológico. Su reconocimiento como monumento histórico a mediados del siglo XX refuerza su papel dentro del patrimonio local y su integración en el recorrido litoral.

A partir de ahí, el paseo avanza junto al puerto y se adentra en el frente marítimo. Uno de los elementos que acompañan el recorrido son las farolas de color rojo, con un diseño inspirado en motivos históricos y marinos. Su presencia se repite a lo largo de varios kilómetros y se ha convertido en una de las señas de identidad de este espacio desde su instalación, aportando continuidad visual al conjunto.

El itinerario conecta con distintas playas distribuidas a lo largo de la costa. En el centro urbano, Riazor y Orzán forman un conjunto continuo de arena, con acceso directo desde el paseo. Más adelante aparecen otros arenales como As Lapas o das Amorosas, que completan un frente litoral que supera los 10 kilómetros. Esta disposición permite recorrer la costa sin salir del entorno urbano, enlazando zonas de baño con áreas residenciales.

A lo largo del trayecto también se integran algunos de los principales hitos de la ciudad. Entre ellos destaca la Torre de Hércules, situada en uno de los extremos del recorrido. Este faro de origen romano, que sigue en funcionamiento, fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 2009 y constituye uno de los elementos más representativos del paisaje coruñés y de su historia vinculada al mar.

El paseo incluye además distintos puntos de interés repartidos a lo largo de su trazado. En uno de los tramos se encuentra la llamada fuente de los Surfistas, concebida como homenaje a la práctica de este deporte en las playas de la ciudad. En otro punto aparece una escultura de un pulpo, de grandes dimensiones, realizada en hormigón y recubierta con piezas cerámicas que cambian de tonalidad en función de la luz.

A estos elementos se suman otras intervenciones como el Obelisco Millennium o diversas piezas escultóricas distribuidas en distintos tramos. Este conjunto contribuye a configurar un espacio donde se combinan usos diversos, desde el tránsito diario hasta el ocio y la contemplación del entorno marítimo.

Otro enclave integrado en el recorrido es el cementerio de San Amaro. Su construcción comenzó en 1812, tras la prohibición de los enterramientos dentro de la ciudad, y está considerado uno de los recintos funerarios más antiguos de Europa. Situado junto al mar, forma parte del conjunto de espacios que se suceden a lo largo del paseo y refleja también la evolución urbana de A Coruña.

En el tramo final, ya cerca de O Portiño, se encuentra la escultura conocida como Ventana al Atlántico. Se trata de una estructura de granito que enmarca la vista del océano y que funciona como uno de los últimos puntos de referencia del recorrido. Este elemento, como otros presentes a lo largo del paseo, refuerza la relación visual constante con el mar.

El paseo marítimo de A Coruña, con cerca de 13 kilómetros de longitud, conecta playas, patrimonio histórico y espacios públicos en un mismo eje. A lo largo de su trazado se puede recorrer una parte significativa de la ciudad siguiendo una línea continua junto al océano, donde conviven elementos naturales, culturales y urbanos. Esta infraestructura resume, en buena medida, la forma en la que el municipio ha integrado su litoral en la vida cotidiana.

El gobierno de Donald Trump prepara un proyecto que no ha dejado indiferente, ganándose críticas dentro del país, pero también con demandas por parte de los veteranos que quieren parar la construcción de un arco del triunfo gigante que el presidente de Estados Unidos quiere hacer construir en el Cementerio de Arlington.

El Cementerio de Arlington, en Virginia, cerca de Washington D.C, se considera que es el camposanto militar más icónico y sagrado de Estados Unidos, con más de 400.000 veteranos junto a sus familias, incluyendo también monumentos como la Tumba del Soldado Desconocido o la llama eterna de John F. Kennedy.

Celebración de los 250 años de Estados Unidos

Este viernes 10 de abril, la Adminstración de Trump presentó el diseño de lo que pretende ser un arco del triunfo y símbolo del 250 aniversario de Estados Unidos. Los bocetos han sido elaborados por Harrison Design y difundidos por el Departamento del Interior, y en él se puede ver cómo se pretende la construcción de una estructura de más de 75 metros de altura.

En este monumento, además, se quiere añadir una inscripción en dorado que ponga “Una nación bajo Dios”, a la vez que se corone con una estatua alada de la Dama de la Libertad, flanqueadas por cuatro leones en la base. Una especie de construcción a semejanza de otros arcos del triunfo como el de París.

De esta forma, este arco del triunfo superaría al Monumento de Lincoln, que mide 30 metros de altura, pero también al cementerio, lo que para urbanistas y arquitectos ha generado preocupación, especialmente por su impacto visual, con la distorsión que podría provocar en la zona, una de las emblemáticas del país y de la ciudad de Washington.

Este arco del triunfo de Trump está previsto que se situé en una parcela entre el Monumento a Lincoln y el Cementerio de Arlington, en el área llamada Memorial Circle y que está considerado por urbanistas como un lugar de instalación de monumentos. El coste de este proyecto, sin embargo, no ha sido difundido.

Los planos de este megaproyecto se presentaron ante la Comisión de Bellas Artes, que debe revisar este tipo de planes arquitectónicos en la capital, que cuenta con asesores afines al presidente Donald Trump, y que debe analizar la propuesta en una reunión este jueves 16 de abril. Cabe tener en cuenta que la ley federal establece que requiere autorización legislativa cualquier nuevo monumento que se quiera establecer en el Memorial Circle, que se considera terreno protegido.

Una iniciativa que ha generado controversia

Este mega arco del triunfo de Trump ha traído fuerte polémica, sobre todo porque alteraría los monumentos de la zona. Los veteranos militares, de hecho, han presentado una demanda para detener este proyecto, mientras el grupo Public Citizen, que establece vigilancia al gobierno, exige que no avance hasta que haya autorización, y legisladores demócratas se han sumado también a las críticas.

En gran parte, estas vienen porque consideran que este proyecto nace de la vanidad de Trump, que ya lo ve como “el arco más grande de todos”, queriendo superar los 50 metros del de París. Este se une, además, a otros proyectos que plantea, como el edificar un salón de baile en la Casa Blanca de 400 millones de dólares, y que se paró por un juez federal porque se considera que debe aprobarse por el Congreso, aunque el ala este de la residencia ya se ha demolido.

Hoy parece evidente, pero a finales del siglo XIX levantar una estructura de más de 300 metros no era solo ambicioso. Era casi una locura.

Sin embargo, Gustave Eiffel no solo lo consiguió, sino que convirtió su proyecto en la construcción más alta de Europa y, durante años, en la más alta del mundo.

Y lo hizo en tiempo récord.

Una obra pensada para romper todos los límites

La Torre Eiffel se construyó con motivo de la Exposición Universal de 1889, en plena celebración del centenario de la Revolución Francesa. El objetivo era claro: demostrar el potencial industrial y tecnológico del país.

Pero Eiffel no se limitó a levantar una torre alta. Su propuesta iba mucho más allá.

Apostó por una estructura completamente metálica, ligera pero resistente, que rompía con los modelos arquitectónicos tradicionales basados en piedra. Esa decisión fue clave para alcanzar una altura que hasta entonces parecía inalcanzable.

La ingeniería detrás de la altura

Si nos preguntamos cómo se construyó la Torre Eiffel, la respuesta está en su diseño.

La torre está formada por más de 18.000 piezas de hierro ensambladas con precisión milimétrica. Cada elemento fue fabricado previamente en taller, lo que permitió acelerar el proceso de montaje en el lugar de construcción.

Además, su forma no es casual. La estructura curva de sus pilares responde a cálculos diseñados para soportar el viento, distribuyendo las cargas de manera eficiente y evitando tensiones innecesarias.

Es decir, no solo era alta. Era inteligente.

Velocidad y precisión en plena revolución industrial

Otro de los factores clave fue el tiempo. La torre se levantó en apenas 2 años, 2 meses y 5 días, algo prácticamente impensable para la época.

Esto fue posible gracias a un sistema de trabajo muy avanzado para su tiempo, con piezas prefabricadas, ensamblaje en seco y un control constante de cada fase de la obra.

En un momento en el que la construcción aún dependía en gran medida de procesos manuales y lentos, Eiffel introdujo una lógica industrial que permitió acelerar todo el proyecto sin comprometer la seguridad.

De experimento a estructura imprescindible

Curiosamente, la torre no estaba pensada para durar. Sin embargo, parte de su éxito radica en lo que ocurrió después. Eiffel promovió su uso como plataforma científica, especialmente para experimentos de telecomunicaciones.

Gracias a ello, la torre se convirtió en un punto clave para el desarrollo de la radio y, más adelante, de la televisión. Ese uso práctico fue lo que terminó asegurando su conservación y consolidando su importancia.

Durante años, la más alta del mundo

Con sus 300 metros iniciales —ampliados posteriormente con una antena—, la torre no solo fue la más alta de Europa, sino que mantuvo el récord mundial durante más de cuatro décadas.

En una época en la que los rascacielos aún no dominaban el paisaje urbano, esa altura era una declaración de intenciones. No se trataba solo de construir más alto. Se trataba de demostrar que era posible.

Una torre que cambió la historia de la arquitectura

Entender por qué la Torre Eiffel fue la más alta de Europa implica ver más allá de sus metros. Fue el resultado de una nueva forma de pensar la arquitectura, donde la ingeniería, la industria y la ciencia se unieron para crear algo que hasta entonces no existía.

Y por eso, más de un siglo después, sigue en pie. No solo como un icono. Sino como la prueba de que, a veces, las ideas más arriesgadas son las que acaban definiendo una época.

Hay monumentos que impresionan por su historia. Otros por su simbolismo. Y luego están los que, directamente, abruman por su altura.

En Europa, donde la arquitectura ha sido una forma de poder, fe y progreso, levantar edificios cada vez más altos ha sido una constante a lo largo de los siglos. Desde catedrales góticas que buscaban acercarse a lo divino hasta estructuras metálicas que celebraban la revolución industrial, la altura siempre ha sido una forma de decir algo.

Y en ese ranking, hay una sorpresa. España no solo está presente, sino que ocupa el segundo puesto.

La Torre Eiffel, el monumento más alto de Europa

Encabezando la lista de los monumentos más altos de Europa se encuentra la Torre Eiffel, con una altura total de 330 metros incluyendo su antena.

Construida en 1889 como parte de la Exposición Universal de París, esta estructura metálica no solo rompió todos los esquemas de su época, sino que acabó convirtiéndose en el símbolo indiscutible de la ciudad.

Lo que en su momento fue criticado por su estética terminó siendo una referencia global, tanto por su diseño como por su altura, que durante décadas la mantuvo como una de las construcciones más imponentes del continente.

La Sagrada Familia, el monumento español que se queda con la plata

En segundo lugar aparece la gran joya española, la Sagrada Familia, que alcanzará los 172 metros una vez finalicen sus obras.

Este templo, diseñado por Antoni Gaudí, no solo destaca por su altura, sino por la complejidad de su arquitectura y el simbolismo que encierra. Cada torre, cada detalle y cada elemento responde a una visión profundamente ligada a la naturaleza y a la espiritualidad.

Su presencia en este ranking confirma que España no solo compite en patrimonio histórico, sino también en monumentalidad.

Ulm Minster, la iglesia más alta del mundo

El tercer puesto lo ocupa la Ulm Minster, con 162 metros de altura, lo que la convierte en la iglesia más alta del mundo.

Situada en Alemania, esta impresionante construcción gótica refleja a la perfección la ambición vertical de la arquitectura medieval. Su torre principal domina la ciudad y representa ese impulso de elevarse hacia el cielo que caracterizó a muchas catedrales europeas.

Dos gigantes modernos que completan la lista

Más allá de estos tres grandes nombres, el listado de los monumentos más altos de Europa se completa con construcciones más recientes que responden a otras lógicas, más vinculadas al siglo XX y XXI.

Uno de ellos es la Mole Antonelliana, que alcanza los 167 metros y que, aunque hoy alberga el Museo Nacional del Cine, fue concebida originalmente como una sinagoga. Su silueta, con una aguja que parece interminable, la convierte en uno de los perfiles más reconocibles de Italia.

El otro gran protagonista es la Torre de Collserola, con 288 metros de altura. Aunque se trata de una torre de telecomunicaciones, su impacto visual y su altura la sitúan entre las estructuras más imponentes del continente, dominando el skyline de Barcelona desde la sierra de Collserola.

Altura, símbolo y ambición

Este recorrido por los monumentos más altos de Europa no es solo una cuestión de metros. Es también una forma de entender cómo cada época ha querido dejar su huella.

Desde la fe que impulsó las grandes catedrales hasta la ingeniería que permitió levantar estructuras como la Torre Eiffel, todos estos monumentos comparten algo en común: la necesidad de ir más allá de lo posible en su momento. Y en ese intento, algunos acabaron tocando el cielo.

Cuesta imaginar París sin la Torre Eiffel. Forma parte del paisaje, del imaginario y casi de la identidad de la ciudad. Sin embargo, lo que hoy parece eterno estuvo a punto de desaparecer apenas dos décadas después de su construcción.

Y no por un accidente, ni por falta de mantenimiento. Sino porque ese era el plan desde el principio.

Una torre pensada para ser temporal

Cuando se construyó la Torre Eiffel, no se hizo con la intención de que durara para siempre. Su origen está ligado a la Exposición Universal de 1889, un evento que celebraba el centenario de la Revolución Francesa y que pretendía mostrar el progreso industrial del país.

La torre, diseñada por el ingeniero Gustave Eiffel, debía ser el gran reclamo de la exposición. Una demostración de ingeniería moderna, de altura nunca vista y de dominio del hierro como material estructural.

Pero había una condición. El permiso para construirla incluía una concesión de veinte años. Pasado ese tiempo, la estructura debía desmontarse.

Por qué la Torre Eiffel iba a ser demolida

La razón por la que la torre tenía fecha de caducidad era bastante simple. Para muchos parisinos de la época, aquella enorme estructura metálica no era un icono, sino un problema. De hecho, intelectuales y artistas firmaron manifiestos en su contra, criticando lo que consideraban una aberración estética en el corazón de la ciudad. La torre no encajaba con la arquitectura clásica de París y muchos la veían como un elemento intrusivo, casi ofensivo.

Por eso se aceptó su construcción como algo provisional, ligado exclusivamente a la exposición. Una vez cumplida su función, debía desaparecer.

El giro que evitó su demolición

Lo que cambió el destino de la torre no fue el gusto del público, sino su utilidad. A finales del siglo XIX, comenzaron a desarrollarse las comunicaciones por radio, y la Torre Eiffel, con su altura, se convirtió en un punto estratégico perfecto para instalar antenas.

Ese uso científico y militar fue clave. Gracias a ello, la torre dejó de ser un simple elemento decorativo para convertirse en una infraestructura útil para el Estado. Y cuando algo es útil, deja de ser prescindible.

De estructura polémica a símbolo mundial

Con el paso del tiempo, la percepción cambió por completo. Lo que había sido criticado por su aspecto se convirtió en el emblema de la ciudad.

La Torre Eiffel no solo sobrevivió a su fecha de demolición, sino que acabó definiendo la imagen de París en todo el mundo.

Hoy resulta difícil creer que estuviera pensada como algo temporal, pero su historia recuerda algo bastante revelador.

Que incluso los iconos más sólidos pueden empezar siendo rechazados.

En el interior de Catalunya se encuentra Cardona, un municipio cuya historia está profundamente vinculada a la extracción y comercio de sal. La localidad ha mantenido a lo largo de los siglos su relevancia en la región, primero como centro minero y después como enclave estratégico. Su casco antiguo, declarado Bien de Interés Cultural, conserva la estructura urbana medieval que refleja la importancia económica y social de este asentamiento. La sal, recurso básico para la conservación de alimentos y la economía local, convirtió a Cardona en un punto destacado en el mapa minero español y en una referencia en el comercio de minerales durante la Edad Media.

El valor de Cardona no se limita a su producción minera. La ubicación del municipio, sobre un valle y rodeado de colinas, permitió el desarrollo de una serie de fortificaciones que garantizaron la defensa de sus recursos. Este equilibrio entre geografía, economía y arquitectura contribuyó a que la localidad se consolidara como un centro de poder local y regional. La relación entre el control del territorio y la explotación de sal ha marcado la configuración del casco histórico, los accesos al municipio y la disposición de los edificios más emblemáticos, generando un conjunto patrimonial que combina arquitectura religiosa, militar y civil.

Más allá del casco urbano, Cardona ofrece un recorrido por la historia de Catalunya a través de su fortaleza y sus estructuras religiosas. El territorio ha mantenido un vínculo directo con la economía minera, pero también ha preservado construcciones de relevancia arquitectónica y militar. La combinación de estos factores convierte a Cardona en un destino que permite entender cómo la explotación de recursos naturales se vinculaba con el poder y la organización social en el pasado.

El castillo de Cardona

El castillo de Cardona, situado en la cima más alta del municipio, domina el valle del río Cardener y las cercanas salinas desde el año 886, cuando fue construido por Wifredo el Velloso. Su ubicación estratégica y su extensión de más de 60.000 metros cuadrados lo convirtieron en un núcleo defensivo fundamental durante siglos. Entre los siglos XI y XV, la fortaleza fue residencia de los señores de Cardona, conocidos históricamente como “los reyes sin corona”. Aunque con el tiempo perdió su función residencial, continuó siendo un punto clave para el control militar y económico del territorio.

La estructura combina elementos de estilo románico y gótico y ha sufrido remodelaciones que reflejan la evolución de las técnicas defensivas. El castillo incluye murallas, baluartes, patios y torres, como la torre de la Doncella, así como espacios religiosos y residenciales. La iglesia de San Vicente, construida en el siglo XI y declarada Monumento Nacional, es uno de los ejemplos más destacados del primer románico catalán y se caracteriza por su planta basilical y sus tres naves. Otros espacios como el claustro gótico del siglo XIV, la sala dorada, la sala de los entresuelos y la capilla de San Ramón Nonato completan el conjunto histórico.

La fortaleza también es conocida por su papel en la Guerra de Sucesión. Entre 1711 y 1714, fue la última fortaleza en rendirse ante las tropas de Felipe V. A pesar de su reputación de inexpugnable, la entrega se realizó mediante capitulación tras la caída de Barcelona, consolidando su importancia militar y simbólica. La defensa del castillo estaba directamente relacionada con la protección de la explotación de sal, un recurso de gran valor económico y estratégico.

Patrimonio de Cardona y la Montaña de Sal

Además del castillo, Cardona conserva otros elementos arquitectónicos y urbanísticos de interés. La iglesia de San Miguel, de estilo gótico y consagrada en 1397, y el portal de Graells, única entrada principal de la muralla que se mantiene en pie, son ejemplos de la arquitectura religiosa y defensiva del municipio. La plaza de la Fira actúa como núcleo urbano central, donde se concentra la actividad social y administrativa histórica del pueblo.

El vínculo entre Cardona y la sal se materializa de manera notoria en la Montaña de Sal, un fenómeno geológico que ha crecido durante siglos. Controlar la fortaleza implicaba también controlar la producción y distribución de este mineral, lo que convertía a Cardona en uno de los principales productores de Europa. Actualmente, la Montaña de Sal forma parte de un parque cultural que busca divulgar tanto la historia económica de la sal como la singularidad del yacimiento. La proximidad entre las salinas y el castillo ilustra cómo la planificación urbana y la arquitectura defensiva estaban directamente condicionadas por la explotación de recursos estratégicos.

En conjunto, Cardona ofrece una visión completa de la relación entre economía, poder y territorio. La combinación de fortificación, espacios residenciales y religiosos, y la explotación de sal, permite reconstruir cómo se organizaba la vida económica y militar de la región durante más de mil años. La preservación del casco antiguo, las fortificaciones y las instalaciones relacionadas con la minería convierte al municipio en un referente para el turismo cultural y patrimonial de la Catalunya central.

La provincia de Santa Cruz de Tenerife, en Canarias, cuenta en la Orotava con un municipio cuyo casco histórico está entre los conjuntos urbanos mejores conservados de la comunidad autónoma, llegando a ser declarado Conjunto Histórico Artístico en 1976. Sus calles en pendiente, casas señoriales de distintos colores con balcones de madera y patios interiores conforman un entorno que ha permanecido prácticamente intacto durante siglos. La arquitectura del centro evidencia la actividad económica y social de la villa en los siglos XVI y XVII, así como la adaptación al relieve del valle que acoge a la población. Esta conservación ha convertido al municipio en un referente de patrimonio urbano en el archipiélago canario y en un atractivo para quienes buscan recorrer espacios históricos y culturales.

La población de Orotava, que ronda los 42.500 habitantes, se encuentra distribuida en un valle que desciende desde las laderas del Teide, integrando un paisaje marcado por la geografía volcánica y por espacios naturales que forman parte de la identidad del municipio. La disposición de calles, plazas y edificios refleja la evolución de la villa a lo largo de los siglos y conserva su estructura histórica.

El entorno natural completa la singularidad de La Orotava. Gran parte del Parque Nacional del Teide, declarado Patrimonio de la Humanidad en 2007, se encuentra dentro del término municipal. A su vez, el valle alberga espacios protegidos como el Parque Natural de la Corona Forestal, la Reserva Natural de Pinoleris y el Paisaje Protegido de La Resbala. La combinación de altitud, abundancia de agua y clima templado ha favorecido el desarrollo de jardines y áreas verdes que se integran en el paisaje, contribuyendo a la preservación de la flora autóctona y ofreciendo puntos de interés para quienes visitan el municipio.

Patrimonio y cultura de La Orotava

El centro histórico concentra los principales elementos de interés del municipio. La Casa de los Balcones es uno de los ejemplos más representativos de la arquitectura señorial canaria y también funciona como centro de la artesanía tradicional de La Orotava, donde se pueden observar técnicas locales de madera y bordado que se mantienen activas gracias a talleres y exposiciones. Otro espacio destacado es la iglesia de La Concepción, cuya magnitud y estructura corresponden a los siglos XVI y XVII. En la Plaza de la Constitución se encuentra la iglesia de San Agustín, actualmente utilizada como Casa de la Cultura, y que representa uno de los núcleos de actividad social y cultural del municipio.

La villa cuenta además con otras construcciones históricas relevantes. La iglesia de San Juan Bautista, iniciada en 1728, posee una sola nave con planta de cruz latina y refleja influencias del estilo portugués. La Casa Lercaro, construida en el siglo XVII, es un ejemplo notable de arquitectura canaria, que se ha conservado de manera que permite su uso tanto como atractivo turístico como escenario para rodajes de películas y series. Por su parte, el Liceo de Taoro, erigido en 1928, es un palacete urbano que originalmente fue la residencia de la familia Ascanio y hoy sirve como sede social, integrando la memoria histórica de la burguesía local en el recorrido por el municipio.

Las tradiciones culturales de La Orotava se mantienen vivas a través de manifestaciones que combinan arte, comunidad y patrimonio. La elaboración de las alfombras de flores durante la fiesta del Corpus constituye una de las actividades más conocidas. Estas decoraciones se realizan sobre las calles del centro histórico y reproducen motivos religiosos y ornamentales, siguiendo técnicas heredadas de generaciones anteriores. La participación colectiva en este evento refleja tanto la continuidad de las prácticas culturales como la importancia de conservar un patrimonio inmaterial que complementa los edificios históricos.

El valle en el que se encuentra la villa, el Valle de La Orotava, abarca desde las zonas agrícolas hasta las laderas del Teide, integrando espacios naturales y jardines. Entre ellos, destaca el Jardín Botánico de Puerto de la Cruz, creado a finales del siglo XVIII por orden del rey Carlos III como espacio de adaptación de especies vegetales exóticas. Este jardín reúne más de 4.000 especies de diferentes partes del mundo y conserva una colección de plantas autóctonas, mostrando la relación entre la villa y la conservación de la biodiversidad local.

El municipio combina, de manera integrada, patrimonio urbano, cultural y natural. Las viviendas señoriales con balcones de madera, los templos históricos, las plazas y los jardines conforman un entorno en el que se percibe la historia y la evolución de la villa. La relación con los espacios naturales protegidos y la presencia del Teide como telón de fondo refuerzan la singularidad del territorio, que se mantiene casi intacto desde sus primeros periodos de desarrollo. La planificación urbana y la preservación de tradiciones garantizan que el casco histórico siga siendo un testimonio representativo de la arquitectura, la cultura y el paisaje del norte de Tenerife.

Los edificios verticales con campanas se levantan para que el sonido llegue lejos y para que se vean desde distintas calles. En Venecia existen alrededor de 180 campanarios repartidos por la ciudad y las islas de la laguna, aunque en otros momentos se superaron los 200.

Cada uno cumple funciones claras. Las campanas avisan de actos religiosos y también se usaban para marcar horarios o alertar a la población. La forma de estos edificios responde a esa función, con torres altas, plantas cuadradas y huecos abiertos en la parte superior para que el sonido salga sin obstáculos. Esa misma idea de elevar una estructura para que se vea desde lejos y guíe el recorrido se utilizó fuera de Italia.

Barcelona levantó dos torres que marcaban la entrada a la exposición

Dos torres levantadas en Barcelona entre 1927 y 1928 copiaron ese esquema para señalar el acceso a la Exposición Internacional de 1929, tal como recoge La Vanguardia. El proyecto, firmado por Ramon Reventós, colocó estas construcciones a ambos lados de la avenida Reina María Cristina para que quien avanzara hacia Montjuïc supiera por dónde entrar.

Las torres no tenían campanas, pero repetían la silueta vertical y el remate superior que recuerda al modelo veneciano. Su colocación junto a la plaza de España las convirtió en el primer elemento que se encuentra al avanzar hacia el recinto.

El diseño toma como referencia el campanario de la basílica de San Marcos, conocido como Campanile di San Marco. No es una copia exacta, aun así. Las torres de Barcelona alcanzan 47 metros de altura y tienen una base cuadrada de 7,2 metros por lado, mientras que el modelo veneciano llega a unos 50 metros de altura y 12 metros por lado.

Las proporciones cambian, pero la estructura se reconoce. Se ve un volumen vertical sencillo que sube limpio y acaba en una parte superior que cierra la forma. Ese esquema hace que, aunque las dimensiones no coincidan, el parentesco con el modelo original se identifique al mirarlas.

El interior muestra una escalera que sube rodeando un núcleo

El interior no se ve desde fuera y solo se abre en ocasiones puntuales. Según el reportaje de Xavier Casinos en La Vanguardia, al entrar aparece una sala sencilla y, tras subir un tramo corto, se accede a un volumen vertical de ladrillo rodeado por una escalera que gira mientras asciende.

Esa escalera permite subir casi 50 metros hasta la parte superior. Arriba hay un espacio cubierto con una estructura de cobre apoyada sobre 28 columnas. Desde ahí se puede mirar hacia el exterior a través de huecos en la madera.

Por fuera, las torres son iguales entre sí y mantienen una planta cuadrada. Están construidas con ladrillo visto y una base de piedra artificial. En la parte superior aparece un templete recubierto de cobre. Esa elección de materiales responde a la idea inicial del proyecto, que no buscaba una construcción permanente. Aun así, la altura y la repetición de formas hacen que se vean desde distintos puntos de la zona.

Las torres pasaron de ser temporales a formar parte de la ciudad

Durante la exposición, cada torre tenía una función concreta. En la torre oeste se instaló el control de accesos, donde se revisaba la entrada de visitantes. En la torre este se colocó un altavoz en la parte alta para emitir avisos. De este modo, las estructuras no solo estaban ahí para verse, sino que participaban en la organización del recinto.

El plan inicial contemplaba desmontarlas al terminar el evento. Aun así, se decidió mantenerlas en pie. Esa decisión cambió su papel dentro de la ciudad. Dejaron de ser estructuras temporales y pasaron a formar parte del entorno de la plaza de España y del acceso a Montjuïc. También se sumaron al conjunto de obras de Reventós que siguen en pie, como el Poble Espanyol o el Teatre Grec.

Hoy siguen en el mismo lugar y se utilizan como punto de encuentro. Muchas personas quedan allí antes de subir hacia la montaña o acudir a eventos en la Fira de Barcelona.

Además, están protegidas como bien de interés local dentro del Catálogo de Patrimonio Arquitectónico del Ayuntamiento. Esa protección reconoce su valor dentro del conjunto barcelonés.

El paso del tiempo obliga a cuidar materiales y estructura

El uso de materiales pensados para una vida corta obligó a intervenir con el paso del tiempo. La base de piedra artificial, el ladrillo y los elementos de madera y cobre requieren revisiones periódicas.

Por eso se han realizado varias actuaciones de mantenimiento y algunas rehabilitaciones más amplias. Estas intervenciones permiten que las torres sigan en pie y mantengan su forma original mientras continúanguiando a quienes cruzan la avenida hacia Montjuïc.

A solo 20 kilómetros de Alicante se encuentra Elche, un núcleo urbano con más de 2.500 años de historia y una ocupación continuada que la convierte en uno de los territorios más antiguos del sureste peninsular. Esta ciudad combina un entorno natural cercano con playas, zonas verdes y un patrimonio histórico y cultural que se ha preservado a lo largo de los siglos. Su desarrollo urbano refleja la superposición de civilizaciones, desde los primeros asentamientos íberos hasta la influencia romana y musulmana, que configuraron la estructura de sus calles, huertos y sistemas de riego tradicionales.

Elche es la segunda ciudad más poblada de la provincia de Alicante y la tercera de la Comunidad Valenciana. Además, funciona como capital de la comarca del Baix Vinalopó, un territorio que ha contribuido al mantenimiento de sus tradiciones y a la gestión de su patrimonio. Su crecimiento no ha comprometido la conservación de elementos históricos y naturales, lo que ha permitido que espacios como el Palmeral y el casco histórico mantengan su integridad, y que manifestaciones culturales y educativas continúen desarrollándose en paralelo a la vida urbana.

La ciudad se ha convertido en un referente en la protección y gestión del patrimonio, siendo una de las pocas en el mundo que acumula tres bienes reconocidos por la UNESCO. Estos son el Palmeral, el Misteri d'Elx y el Centro de Cultura Tradicional Museo Escolar de Pusol, cada uno representando un aspecto distinto de la identidad de Elche: la tradición agrícola y natural, la expresión cultural y teatral, y la preservación educativa de la historia local. Esta combinación de elementos la sitúa como un destino singular dentro del Mediterráneo, capaz de atraer tanto a turistas como a investigadores interesados en la historia, la cultura y la sostenibilidad.

Palmeral de Elche

El Palmeral de Elche se extiende a lo largo de más de cinco kilómetros cuadrados y cuenta con más de 200.000 palmeras, incluyendo ejemplares milenarios que forman parte de la identidad de la ciudad. Entre ellas destaca la palmera imperial, que alcanza aproximadamente 25 metros de altura y posee varios brazos laterales, convirtiéndose en un símbolo reconocible del patrimonio local. Su origen se remonta a la época de Al-Ándalus, cuando se desarrollaron técnicas de riego que permitieron la creación de huertos organizados de manera eficiente. Estos sistemas hidráulicos tradicionales, todavía operativos, constituyen un ejemplo de sostenibilidad en el manejo de ecosistemas mediterráneos.

Este espacio no es solo un recurso agrícola, sino un legado cultural vivo. La comunidad local ha mantenido el palmeral a lo largo de los siglos, integrándolo en la vida cotidiana y conservando la importancia simbólica de las palmeras como parte de la identidad colectiva. La UNESCO lo declaró Patrimonio de la Humanidad en el año 2.000, reconociendo su valor histórico, cultural y natural, así como la labor de conservación de las generaciones que han garantizado su supervivencia hasta hoy.

El Palmeral también funciona como recurso educativo y turístico. Los recorridos permiten apreciar la organización de los huertos, los sistemas de riego tradicionales y la diversidad de especies vegetales, mostrando cómo un espacio agrícola puede integrarse de manera sostenible en un entorno urbano sin perder su valor cultural y patrimonial.

Misteri d'Elx

El Misteri d’Elx, conocido también como la Festa d'Elx, es un drama sacro-lírico que se representa cada 14 y 15 de agosto en la basílica barroca de Santa María. La obra narra la dormición, la asunción y la coronación de la Virgen María, combinando música, teatro y liturgia en una representación que se remonta al siglo XV. A lo largo de los siglos, la partitura se ha enriquecido con piezas de distintas épocas, incluyendo sonidos renacentistas y barrocos, manteniendo un vínculo constante con su origen medieval.

Su reconocimiento internacional llegó en 2001, cuando la UNESCO incluyó el Misteri en la categoría de Obra Maestra del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad. Esta designación convirtió a la obra en la primera manifestación festiva española incluida en esta categoría. La preparación de la representación implica ensayos previos, pruebas de voces y verificación de los elementos técnicos necesarios para las escenas aéreas, asegurando que la obra se mantenga fiel a su tradición histórica.

La Festa es un eje cultural de la ciudad, y su representación anual atrae tanto a residentes como a visitantes. Su relevancia no solo radica en la continuidad de la tradición escénica, sino también en la interacción que genera entre patrimonio religioso, urbano y social, consolidando un espacio donde la historia, la música y la devoción se encuentran integradas.

Centro de Cultura Tradicional Museo Escolar de Pusol

El Museo Escolar de Pusol constituye el tercer bien de Elche reconocido por la UNESCO, incorporado en 2009 al Registro de Mejores Prácticas de Salvaguarda. Este reconocimiento internacional valora la labor sostenida de conservación y transmisión de las tradiciones, los oficios y la historia local, especialmente aquellos vinculados al ámbito rural que empezaban a desaparecer con los cambios tecnológicos del siglo XX.

El museo alberga objetos de uso cotidiano, herramientas, vestimenta y materiales que permiten conocer cómo vivían y trabajaban generaciones anteriores. Su enfoque pedagógico busca conectar a los visitantes con la memoria histórica de la región, mostrando el funcionamiento de actividades agrícolas, artesanales y comerciales que eran habituales en épocas pasadas. La exposición de estos elementos facilita la comprensión del patrimonio material e inmaterial, ofreciendo una visión amplia de la vida cotidiana y de las prácticas culturales que forman parte de la identidad local.

La inclusión del Museo Escolar de Pusol en el registro de la UNESCO refuerza la importancia de la conservación educativa y cultural, convirtiéndolo en un espacio clave para la transmisión de conocimiento y la valoración del pasado. Su papel va más allá de la mera exhibición de objetos, integrando la historia de la ciudad y la comarca en un contexto que permite reflexionar sobre la evolución de la sociedad y las tradiciones locales.