Es difícil entender cómo está la cosa en esto de la industria del libro: no acaba de estar claro si superbien o supermal, depende de a quién preguntes. O lo que es peor: depende de cómo se interpreten las estadísticas.

Hace unas semanas comenzó a circular un dato de CEGAL (la asociación que reúne a 1.100 librerías españolas), que se reveló en una presentación de su anual Congreso de Librerías. El dato ponía los pelos de punta: la mitad de los libros que tienen las librerías en sus estantes venden cero unidades. ¡Horror! ¿Todos esos libros que no compra nadie, cuáles son? ¿Cómo se recuperan los autores de la depresión que supone vender nada?

Escuché a un librero intentar imponer calma: no se preocupen, si un libro no se vende en la librería, no quiere decir que no haya vendido algún ejemplar a la familia, en el bar de su pueblo. Francisco Gámiz, redactor de Cultura de la sección (el que os selecciona canciones más abajo) se arremangó para intentar entender bien de dónde salían esas cuentas, y se encontró con que la propia CEGAL le explicaba que el porcentaje estaba malinterpretado.

Yo, que soy bastante lerda en el aspecto matemático de la vida, necesité que me lo explicara dos veces para pillarlo. No fue hasta que me dijo que se trataba de un porcentaje “ciego” que entendí la naturaleza de ese dato. CEGAL había tomado el porcentaje de libros que no se venden en cada una de sus 1.100 librerías y, después, había hecho la media.

Dos conclusiones. Primera: probablemente no hay libros de los que se vendan cero ejemplares, porque quizá una autora de Huelva vende cero en A Coruña, pero en su ciudad natal vende 300. Segunda: no tenemos ni idea de cómo son los libros que venden poco; ¿son de fondo de catálogo?, ¿son novedades?, ¿son traducciones?, ¿son libros técnicos?

Y luego está todo ese mercado oscuro del que sabemos poco o nada: ¿cuántos y cuáles libros se compran y venden en Wallapop?, ¿y en las librerías de segunda mano?, ¿y en la papelería-librería de tu pueblo, que tienen muy buen gusto y siempre les compras a ellos las novedades? Y, por último, la pregunta del millón: en España se compran muchos libros, pero ¿se leen?

Tres libros

Varios de Virginia Woolf. La autora de Orlando está siempre en las librerías (y en nuestros corazones). En enero apareció Viajes por Italia, Grecia y Turquía (Itineraria), escrito durante sus recorridos por el sur de Europa entre 1904 y 1935. En él reflexiona sobre el paisaje y el paso del tiempo. En marzo, Nórdica publicó La marca en la pared, que reúne parte de su narrativa breve, desde sus primeros escritos hasta aquellos que darían lugar a su célebre novela La señora Dalloway. Y apúntate esta: el 7 de mayo llegará a las librerías La vida de Violet, la primera obra de ficción de la autora británica que consta de tres historias que nunca se habían editado de esta manera. Se trata de un obra de humor y fantasía, un anticuento de hadas.

'Lengua madre' de Laura Spinney (trad. Yolanda Fontal, Crítica). ¿Qué sabemos del indoeuropeo, la protolengua que da vida a la mayoría de las lenguas que hablamos en Europa y Asia, como el castellano? ¿Cómo se expandió por el continente? ¿En qué vehículos? Durante mucho tiempo fue un misterio pero en las últimas décadas, gracias a la genética, la lingüística y la arqueología se ha podido reconstruir su historia.

'Principio, medio, fin' de Valeria Luiselli (Feltrinelli). La editorial italiana, que se hizo hace unos años con Anagrama, comienza a publicar en España con su propio sello (combinando novedades y clásicos, como El doctor Zhivago de Borís Pasternak). Este novela de la autora mexicana (Los ingrávidos, La historia de mis dientes, Desierto sonoro) habla de la conexión abuela, madre e hija a través del viaje (a Sicilia) y la memoria, con una estructura fragmentada, emocional, innovadora. El libro se publica el 6 de mayo y, a partir de ese día, Luiselli visita España. El jueves 7 de mayo abrirá el festival En otras palabras en CaixaForum Barcelona, en conversación con Enrique Vila-Matas (padrino de blurp, junto a Samanta Schweblin). El miércoles 13 de mayo participará en el ciclo En pausa: diálogos para pensar el presente en CaixaForum Madrid. El sábado 9 de mayo, visitará la estupenda librería Cálamo de Zaragoza, en un vermut literario con Ana Segura. 

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Qué necesario es que se utilice la música como un arma reivindicativa. La semana pasada lo hicieron Massive Attack y Tom Waits para criticar la “política neofascista” de Trump. Los artistas publicaron su colaboración Boots On The Ground, cuyo videoclip aprovecha para denunciar las “redadas del ICE” y el “autoritarismo” de EEUU en un momento de “emergencia”. Pero esta no es la única canción que deberías disfrutar este fin de semana, y en nuestra playlist tienes todas nuestras recomendaciones.

'Dansos' de Céline Dion. La delicadeza de la música en francés se refleja en la nueva canción de Dion, en la que vuelve a cantar en su idioma natal después de 10 años. La artista presenta un tema escrito en el confinamiento de 2020 sobre la necesidad de superar las adversidades, y lo interpretará sobre los escenarios durante los próximos meses con una residencia en París. Esta supone su vuelta a los conciertos desde que anunciara en 2022 que padece el síndrome de la persona rígida, una enfermedad neurológica que afectó su capacidad para cantar y moverse con normalidad. Escúchala.

'Somewhere Good' de Tara Clerkin Trio. Mezclando el jazz-folk con un rock psicodélico que parece casi casero, el single principal de este grupo de Reino Unido invita a perderse en su melodía durante sus casi seis minutos de duración. “Estás saltando campos, yo soy hojas que caen / Estás en calles bulliciosas, yo soy pies que se mueven”, canta la banda en una preciosísima y elegante canción que combina clarinetes con sintetizadores. Cerrar los ojos y sumergirse en ella es ya una victoria. Escúchala.

'En lo total' de Lori Meyers. Tras publicar su disco Espacios Infinitos en 2021, la banda granadina publicará este 2026 su octavo álbum de estudio. Este trabajo ha llevado al grupo a juguetear con el funk, cuyo primer single aborda una ruptura amorosa. “Siempre es difícil elegir una primera canción, porque tiene que abrir una puerta, marcar un tono y al mismo tiempo dejar espacio para todo lo que viene después”, ha confesado la banda en una nota de prensa sobre la carta de presentación del disco. Escúchala.

Tres películas, por Javier Zurro

'El sonido de la caída'. Una de las películas de las que más se habló el pasado Festival de Cannes. La segunda película de Mascha Schilinski es una complejísima y ambiciosa mirada a las mujeres de varias generaciones en Alemania con la que repasa cómo el trauma personal e histórico se transmite de unas a otras. Una obra exigente que nos presenta a una cineasta a la que hay que estar muy pendiente. 

'Sidosa'. Jordi Évole se une a Eduardo Casanova para que este último cuente su proceso de aceptación y normalización de que tiene VIH, algo que casi nadie conocía hasta hace poco. Un trabajo donde se junta la personalidad de ambos y donde el documental más tradicional se mezcla con el universo de Casanova, que ya mostró en filmes como La piedad o Pieles. Un documental que se reapropia del insulto como forma de activismo.

'La risa y la navaja'. La semana va de pelis exigentes y largas. Pedro Pinho sorprendió a todos en la sección Una cierta mirada de Cannes con esta propuesta de más de tres horas. Un filme personal y único donde aborda temas como el colonialismo desde una óptica diferente. 

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

'La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano' (Madrid). ¿Qué tal escuchar dialogar a nuestro Guernica con otros Guernicas? El Museo Reina Sofía yuxtapone la obra de Picasso con el conocido como Guernica africano de Dumile Feni, (Worcester, Sudáfrica, 1942 – Nueva York, 1991), uno de los artistas clave de la modernidad africana. La exposición, comisariada por Tamar Garb, y que se inscribe en una serie de confrontaciones que propone el museo, estará abierta hasta el 22 de septiembre de 2026.

Festival de Cine y Derechos Humanos de Donostia. La historia de Palestina, las migraciones y la situación de las personas refugiadas en distintas partes del mundo, la salud infantil, el papel de las mujeres en las religiones, las niñas y niños soldado en África, la fuerza de las movilizaciones sociales y la precarización en la industria textil serán algunas de las temáticas que protagonicen las películas y coloquios de este festival que se celebrará hasta el próximo 30 de abril. Los eventos tendrán lugar en distintos puntos de la ciudad que incluyen sesiones matinales para los coles. 

Wonderland (A Coruña). Tienes hasta el próximo 1 de mayo para visitar en el espacio de la Fundación MOP esta exposición de la fotógrafa de moda Annie Leibovitz. Incluye una instalación inmersiva de su trabajo con los Rolling Stones, junto a 100 retratos de artistas como Penélope Cruz, Gloria Steinem, Bruce Springsteen, Patti Smith, Anna Wintour, Angelina Jolie, Tom Ford y Sarah Burton.

Little Grande Festival (Las Matas, Madrid). Durante dos fines de semana vais a poder disfrutar de este festival que combina la música clásica con el pop, el folk, el flamenco, el ambient y la electrónica. Se celebra en la Escuela Musikum, donde van a tocar artistas como Laura Katzte, Rapsodia, Trío Rodin, 413x y Ecos del Pueblo. Apuestan por el formato pequeño (solo venden 30 entradas por concierto) teniendo como prioridad que la calidad sea muy grande.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Cristianos contra satánicos. Un grupo de 20 personas rezando el rosario consiguió que se cancelara una fiesta en una sala de conciertos, que se había presentado como “misa negra” y en la que tocaba la banda Deaf Devils.

'Mi querida señorita'. El debut de la autora de La mala costumbre en el guion cinematográfico es una nueva versión del clásico de Jaime de Armiñán. Hablamos con ella sobre cómo actualizar la historia.

“Señal de carne”. El músico Miguel Poveda encontró, en el reverso de una hoja manuscrita por Lorca, unos versos inéditos. “Federico sigue vivo”, nos cuenta Poveda sobre el hallazgo.

Si usted es una de esas personas que cada vez que rompen el azúcar tostado de una crema catalana, se acuerda de cierta chica que vivía en Montmartre, es posible que le interese este artículo. 

Para aquellos que no estén tan familiarizados con Amélie, la película de 2001 dirigida por Jean-Pierre Jeunet y protagonizada por Audrey Tautou y Mathieu Kassovitz, en el párrafo anterior hacía referencia a uno de los momentos más recordados del filme; cuando el narrador nos revela que una de las cosas que más disfruta en la vida la protagonista, aparte de meter la mano en los sacos de legumbres, es romper el azúcar endurecido de, en su caso, la crème brûlée. 

Sin duda alguna, Amélie marcó a toda una generación, en especial mujeres, que vieron en el personaje una forma distinta de habitar el mundo, más mágica, más imaginativa y aparentemente al margen de las reglas que dictaban cómo debía ser una chica. Un modelo que legitimaba la sensibilidad, la rareza y cierto repliegue hacia lo propio como un espacio desde el que construir la identidad, el deseo y el relato personal.

Pero no solo les pasó a las chicas. Gerard, de 35 años, resume así el impacto que tuvo Amélie en su vida: “Me ha influido un montón, porque hizo que París y Montmartre se convirtieran en mi lugar favorito”, confiesa. “He ido cuatro veces y siempre intento hacer el recorrido de los sitios icónicos de la peli. Pero quizá en lo que más me ha influenciado ha sido en mi amor por el arte y en concreto por el arte impresionista francés. Hoy en día, soy maestro de arte en una escuela de primaria y creo que, en parte, las propuestas que hago a mi alumnado están bañadas por la influencia de la película”.

Amélie marcó a toda una generación, en especial mujeres, que vieron en el personaje una forma distinta de habitar el mundo (...) Un modelo que legitimaba la sensibilidad, la rareza y cierto repliegue hacia lo propio

La educación sentimental de los 2000

Como vemos en este ejemplo, y en otros que aparecerán a continuación, para muchas personas que crecieron a principios de los años 2000, Amélie fue mucho más que una película, casi una educación sentimental.

Elo, de 43 años, también la recuerda con pasión: “Yo la vi en octubre de 2001, que fue cuando se estrenó. Y ese año fue para mí superimportante porque cumplí 18 años y empecé la universidad… Fue la primera vez que lloré después de una película, porque me sentí muy, muy identificada”, recuerda. 

“Luego vino ya pues lo de cortarte el pelo como ella, vestir como ella, tener el póster en la habitación. Eso sí, en japonés. No sé, fue un auténtico shock encontrar a un personaje que sentía tan parecido a mí”, añade. Durante un tiempo abundaron las Amélies. 

Victoria, de 21 años, cree que, “para las niñas que hemos crecido más hacia dentro que hacia fuera, Amélie constituyó un icono en el que reconocernos y sentir que esa soledad medio soñadora y medio evitativa del mundo real, era posible en el cine”. 

El peso del tiempo

Con el paso del tiempo, esa identificación se ha ido mezclando con una nostalgia más compleja. Virginia lo formula de manera bastante melancólica: “La verdad es que Amélie me genera mucha nostalgia y algo de pena”, confiesa. “El mundo en el que transcurre la película ya no existe. Leí una vez que hoy esa historia duraría cinco minutos: Amélie encontraría un álbum, lo publicaría en redes sociales, encontraría a Nino y fin de la historia”.

Las cabinas telefónicas, los fotomatones, incluso el tiempo para perderse por las calles, para bajar a la tienda de abajo, para aburrirse, para espiar a los vecinos e imaginar planes locos, han desaparecido casi completamente. “Son tiempos difíciles para los soñadores”, sentencia Virginia.

Pero si esa nostalgia podría haber jugado a favor de la película, el paso del tiempo y, sobre todo, la magnitud de su éxito terminaron operando en su contra. La sobreexposición convirtió a Amélie en un cliché reconocible al instante, reducido a una estética y a una actitud fácilmente caricaturizables. 

La sobreexposición convirtió a Amélie en un cliché reconocible al instante, reducido a una estética y a una actitud fácilmente caricaturizables

En ese proceso de simplificación, y quizá también de olvido de la propia película, el personaje quedó atrapado en una imagen de dulzura e ingenuidad que, leída desde los códigos actuales, empezó a generar rechazo. En plena expansión de los discursos feministas más críticos con ciertos arquetipos, muchas espectadoras comenzaron a cuestionar esa feminidad aparentemente frágil, silenciosa y volcada en los demás. 

Charas Vega, creadora de contenido y que escribe sobre cine en su cuenta @charcastrolofilm, lo plantea con claridad: “Desde la perspectiva feminista y generacional, Amélie ha sobrevivido un poco regular ya que se la ha asimilado a términos como pick me girl o manic pixie dream girl o a una construcción atravesada por la mirada masculina”.

Lo que en su momento funcionaba como refugio o identificación pasó a interpretarse, para algunas personas, como un modelo limitado o incluso problemático, dejando a Amélie más como un estereotipo superado que como icono generacional.

Volver a verla, volver a pensarla

Tengo que decir que, en mi caso, volver a ver Amélie después de tantos años me produjo un efecto inesperado. La recordaba más ingenua, más encapsulada en una estética de postal. Sin embargo, la sensación fue otra. La película resulta hoy mucho más moderna de lo que yo recordaba, más compleja en su construcción de personajes y menos complaciente de lo que el recuerdo colectivo sugiere.

Desde la perspectiva feminista y generacional, 'Amélie' ha sobrevivido un poco regular ya que se la ha asimilado a términos como 'pick me girl' o 'manic pixie dream girl' o a una construcción atravesada por la mirada masculina

Charas Vega — creadora de contenido sobre cine

El visionado me hizo pensar que quizá hemos simplificado demasiado a Amélie con el tiempo. Quizá la hemos reducido a una estética, a un peinado, a una serie de imágenes, y en ese proceso hemos dejado fuera otras capas más ricas que estaban ahí desde el primer momento.

Mi lectura coincide en lo básico con la opinión de María Castejón, profesora, especialista en representaciones de género en el audiovisual y en historia de mujeres y autora de Rebeldes y peligrosas de cine (Lengua de trapo, 2021). “Creo que lo más importante de Amélie es el propio protagonismo de ella. Su personaje es el que maneja toda la película”, explica. “Quizá chirría un poco el tema del amor romántico. Pero a la vez es una mujer súper, superindependiente. En ningún momento es una Bridget Jones que cree que si no está con un hombre su vida es un fracaso”.

“Es una mujer muy poderosa, una mujer muy libre y ese tipo de personajes nos gustan desde el feminismo”, añade. “Y además que no está todo el rato empoderándose, algo que también resulta bastante cansino”.

Un imaginario que resiste

Resulta interesante cómo el personaje sigue generando debate hoy en día. Para algunas personas, representa una feminidad que ya no encaja. Para otras, sigue siendo reconocible y válida.

María Castejón insiste en esa complejidad: “Es una persona muy sensible, muy soñadora, muy empática. Muy de ayudar a todo el mundo, muy tímida, pero a la vez una mujer muy fuerte. Entonces creo que ese tipo de feminidad está muy presente también en la actualidad, no ha caducado absolutamente nada. Ni el de ella ni el de todas las mujeres que tiene alrededor, que también son muy interesantes, como la dueña del bar, la vecina, la del estanco… En definitiva, creo que es un personaje muy actual”. 

Quizá chirría un poco el tema del amor romántico. Pero a la vez es una mujer súper, superindependiente. En ningún momento es una Bridget Jones que cree que si no está con un hombre su vida es un fracaso

María Castejón — profesora, especialista en género y audiovisual

Vista hoy en día, hay algo en Amélie que sigue funcionando. Aunque puede que no sea exactamente lo mismo que en 2001. En opinión de Elo la película sigue siendo “deliciosa, perfecta”. Y señala algo clave: “Creo que reflejó muy bien el sentir de 2001. Fue un año muy complicado. La estrenaron como un mes después de las Torres Gemelas”. 

Quizá el mensaje final de este artículo debería ser: vuelvan a ver Amélie. Cosa que no es sencilla, por cierto, porque aunque parezca sorprendente, hoy en día no está disponible en la suscripción de ninguna de las plataformas de streaming que operan en nuestro país. 

Es posible que, con motivo de sus 25 años, vuelva a las pantallas, quizá incluso al cine. Aprovechen, vuélvanla a ver y saquen sus propias conclusiones, porque quizá en los últimos años la hemos mirado con demasiada condescendencia. 

Este miércoles llega a los cines españoles y de todo el mundo el biopic de Michael Jackson, “Michael”, que se basa en su vida, sobre todo en su trayectoria musical y que cuenta con su sobrino Jaafar Jackson como protagonista interpretando al rey del pop.

Antes de que se contara la carrera de Michael Jackson en el cine, el propio cantante tuvo pequeñas apariciones en películas y cortos, más allá de los documentales de sus conciertos, giras o videoclips. Es que incluso se podría contar el video de “Thriller”, que con una duración aproximada de 14 minutos y su historia de zombis como si de una peli de terror se tratase.

“El mago” (1978)

El primer trabajo del considerado rey del pop fue un remake de “El mago de Oz” con la mayoría de su reparto afroamericano. Dirigida por Sidney Lumet, coincidió con Diana Ross y con Quincy Jones, una persona que sería clave en su comienzo, pues con él produjo su disco ‘Of the Wall’ en el que se dieron sus primeros éxitos como solista, pero también sus míticos ‘Thriller’ y ‘Bad’. En esta película, Michael interpreta al espantapájaros, que fue su primer papel en el cine. El largometraje, sin embargo, no tuvo mucho éxito en taquilla.

“Capitán EO” (1986)

Pocos saben que Michael Jackson participó en un proyecto Disney, y ese fue un cortometraje en el que estuvo bajo las órdenes de Francis Ford Coppola en 1986, y que supuso la base para crear la atracción del parque temático Disney World en Florida, en el centro EPCOT. Además, tuvo también guion de George Lucas, que contó con Anjelica Huston en el papel de villana.

“Moonwalker” (1988)

Una película que se podría ligar perfectamente con su biopic “Michael” es “Moonwalker”, un proyecto experimental en el cine que mezclaba videos musicales, actuaciones en vivo, junto a una narrativa fantástica, que llegó, además, en el momento más estelar de su carrera, por lo que sí que tuvo buena acogida en la taquilla.

El propio Michael Jackson se dedicó a escribirla y producirla, siendo uno de sus puntos fuertes la lucha contra las drogas y el abuso de menores por parte de los traficantes, que esto funciona de forma perfecta como una previa a los videos de las canciones del mítico disco ‘Bad’.

“Men in Black II” (2002)

Se dice que Michael Jackson fue tan fan de la primera película de “Men in Black” que cuando se preparaba la segunda pidió tener un papel e incluso ser parte de la organización como uno de los de MIB y tener la letra código “M”.

Aunque esto finalmente no fue así, al cantante le dieron un cameo en la segunda peli, interpretándose a sí mismo como parte de otro mundo y un alienígena que quiere ser parte del grupo, tomando así motivación en lo que pasó en la vida real.

“Miss Ida y el fantasma” (2004)

Su siguiente y última aparición en el cine fue también un cameo, en este caso en la comedia ‘Miss Cast Away’ en la que participó por ser amigo del director, como favor personal. En él interpreta al agente “M.J” que es asignado por el Papa para lograr que las concursantes de un concurso de belleza que se quedaron en una isla desierta trabajen de forma encubierta para el Vaticano.

En desarrollo desde 2019, la película biográfica de Michael Jackson, titulada Michael, llegará finalmente a los cines de España el 24 de abril de este año. El largometraje estará protagonizado por Jaafar Jackson, hijo de Jermaine Jackson (hermano de Michael), quien hará su debut en pantalla con este papel después de años preparándose para al Rey del Pop. 

Sobre la preparación que tuvo que hacer para ponerse en la piel de su tío, el joven de 29 años ha ido hablando en las últimas entrevistas que ha dado con motivo del lanzamiento del filme de Universal Pictures dirigido por Antoine Fuqua y escrito por John Logan. Una de las últimas la ha hecho con Rolling Stone India, donde compartió la importancia de ver el contenido audiovisual en el que aparecía el artista para intentar emularlo.

“Michael siempre observaba a los artistas que lo inspiraban, analizaba su trabajo para comprender qué los hacía grandes e incorporaba esas cualidades al suyo. Utilicé el mismo proceso con él. Además de todo el entrenamiento, vi muchísimas entrevistas y vídeos caseros, capturando los matices, los gestos y, sobre todo, la humanidad”, explicó el joven actor.

Años de preparación para moverse y hablar como Michael

Pero ser capaz de emular los gestos, la forma de hablar y los pasos de baile que caracterizaron al compositor de Thriller no ha sido precisamente una tarea fácil. “Empecé a estudiarlo a diario y a practicar frente al espejo durante horas y horas todos los días. Tardé un par de años en sentirme seguro con los pasos de baile”, confesó Jaafar en una charla con Vogue. 

El sobrino se tomó el trabajo muy en serio, y creó lo que él mismo denominó como una especie de “sala de investigación” sobre Michael. Cada pared de esta habitación la llenó con letras de sus canciones, escritos personales del artista, datos sobre algunos de los logros más importantes de su carrera, así como una cronología con los acontecimientos musicales y personales que marcaron su vida. 

Pero para profundizar en el conocimiento sobre su tío, el joven decidió recurrir a lo que los unía directamente: la casa familiar de los Jackson ubicada en Encino, California. La propiedad fue comprada por Joe Jackson en 1971, cuando Michael tenía unos 13 años, y hoy sigue perteneciendo a la familia. 

“Dormí en muchas habitaciones diferentes de la casa solo para sentir la energía. Alojarme allí me permitió sentirla de forma natural, sin forzarla. Tuve la gran suerte de tener ese espacio como mi campo de experimentación. (...). Había una sala de baile donde Michael solía entrenar. Yo también empecé a entrenar allí”, compartió en una entrevista para la revista Interview. 

“Proyecto Salvación” (Project Hail Mary) se ha convertido en uno de los mejores estrenos de cine en lo que llevamos de año, acumulando ya más de 850.000 espectadores en España desde su estreno a finales de marzo, y con más de 500 millones de dólares recaudados a nivel mundial, lo que la convierte en un éxito en todo el mundo.

La película, protagonizada por Ryan Gosling, ha sido también el regreso de Phil Lord y Christopher Miller como directores tras más de una década, por lo que después del éxito que ha superado expectativas, son muchas las miradas para saber los próximos proyectos en los que podrían trabajar la dupla creativa.

Y en este sentido, tanto Lord y Miller ofrecieron una idea en una entrevista en The Hollywood Report, donde hablaron de “una lista de espera de siete u ocho proyectos” que quieren hacer y entre ellos podría estar un proyecto que dejaron atrás y que fue anunciado hace casi diez años, aunque admiten que “sigue en marcha” en el mismo medio.

Este sería la adaptación de otra obra del mismo autor que de “Proyecto Salvación” y “Marte”, sus anteriores éxitos de ciencia ficción, “Artemis”, novela también de Andy Weir, aunque con matices diferentes a sus precedentes. “Tenemos un guion para 'Artemis', y es delicioso”, aseguraba Lord para The Hollywood Report.

Se podría retomar el proyecto de “Artemis”

La novela de Andy Weir es la mejor posicionada para ser el próximo proyecto de Phil Lord y Christopher Miller como directores tras el éxito de “Proyecto Salvación”, sobre todo teniendo en cuenta que su adaptación incluso se anunció antes, en 2017, después de la buena acogida que tuvo “Marte”, película protagonizada por Matt Damon.

A diferencia de las anteriores adaptaciones al cine de Weir, en “Artemis” la trama sucede completamente en la Luna, y era un proyecto que estaba siendo desarrollado por Fox, en un contexto previo a su adquisición por parte de Disney, algo que pasaría dos años después de su primer anuncio.

En 2018, tan solo un año después de confirmarse que se estaba trabajando en su adaptación, se publicó que Geneva Robertson-Dworet sería la encargada de realizar el guion, y desde entonces no se supo nada, hasta la actualidad, cuando tras el éxito de “Proyecto Salvación” ha crecido el interés por saber qué es lo que sucedió con esta película.

La trama y los retos que supone adaptar “Artemis”

En “Artemis” la trama sigue a Jazz, una chica que vive en Artemis, la primera ciudad fundada en la Luna, a finales de la década de 2080. Ella es una joven que todavía está aprendiendo a desenvolverse en la vida adulta, y cuando la conocemos es una contrabandista de poco nivel que está en conflicto con todas las personas de su alrededor, un hecho que se plantea cuando un empresario la recluta para sabotear un negocio de su rival.

El entorno lunar juega un papel fundamental en la historia, y es por ello por lo que esto suponía un reto para su adaptación, pues se debía encontrar una manera de implementar la baja gravedad del satélite de la Tierra, un detalle técnico que ya habría sido resuelto según las últimas noticias de sus directores. E incluso en una reciente entrevista el autor Andy Weir apuntó a Jenna Ortega como su actriz deseada para dar vida a la protagonista Jasmine ‘Jazz’ Bashara, aunque esto es un detalle que nada tiene que ver con el proyecto cinematográfico que se podría estar planteando, siendo solo la opinión del escritor de la novela original.

¿Cuáles son las mejores películas que se han hecho desde el 1 de enero del año 2000 hasta ahora? Es la pregunta a la que el diario The New York Times quería encontrar una respuesta y, para ello, consultó a 500 personas influyentes de Hollywood, incluyendo a directores, actores y otros profesionales de la industria cinematográfica y ámbitos relacionados.

Entre los participantes había cineastas galardonados con el Oscar como Sofia Coppola o Guillermo del Toro, pero también actores aclamados como Chiwetel Ejiofor, Julianne Moore o Pamela Anderson. Todos ellos tuvieron que votar sus diez largometrajes favoritos con una única regla: estos tenían que haberse estrenado en Estados Unidos a partir del 1 de enero de 2000.

“Después de emitir su voto, los votantes podían elegir cuál de dos películas seleccionadas al azar era mejor en una serie de contiendas. Combinamos los datos de estas preguntas con el recuento de votos para crear la lista de las 100 mejores películas”, explicó el diario estadounidense sobre el proceso. El resultado se puede consultar en su página web e incluye una sorpresa para los espectadores españoles.

La única española es de Almodóvar

Del centenar de largometrajes seleccionados por los profesionales, solo uno con sello español consiguió pasar el corte. La seleccionada fue Volver (2006), de Pedro Almodóvar, una de las grandes obras cinematográficas del cineasta junto a Todo sobre mi madre (1999) o Hable con ella (2002), en la que el director volvió a poner La Mancha y las dinámicas familiares femeninas en el centro.

La película sigue la historia de Raimunda (Penélope Cruz), una mujer de clase trabajadora que arrastra una vida marcada por la precariedad y un trauma familiar. Su vida y la de su hermana Sole (Lola Dueñas) dan un giro cuando el fantasma de su madre fallecida Irene (Carmen Maura) las visita por sorpresa. Penélope Cruz obtuvo su primera nominación al Oscar como Mejor Actriz por esta interpretación.

En las palabras que The New York Times le dedicó al filme en su lista, describió Volver como “una obra de empoderamiento, rebosante de belleza y pasión, y salpicada de una pizca de realismo mágico que abre su narrativa a nuevos ámbitos”. El diario también destacó la trama que Almodóvar construyó entonces, resaltando cómo “varias generaciones de mujeres muestran determinación mientras sortean obstáculo tras obstáculo”.

Las que encabezan el ránking

El primer puesto de la lista se lo llevó Parásitos (2019), la espectacular obra de Bong Joon Ho que hizo historia en los Oscar como la primera producción de habla no inglesa en llevarse la estatuilla a Mejor película. Las siguientes en el ránking fueron Mulholland Drive (David Lynch, 2001), Pozos de ambición (Paul Thomas Anderson, 2007), Deseando amar (Wong Kar-Wai, 2001) y Moonlight (Barry Jenkins, 2016). 

Bill McFarland estaba revisando un baúl lleno de rollos de películas antiguas que habían pertenecido a su bisabuelo, un hombre que por el día era agricultor y maestro en una escuela de Pensilvania pero que, por la noche, salía a recorrer pueblos con un proyector para enseñar algunas de las primeras películas de la historia. El otoño pasado, McFarland llevó aquella colección al Centro Nacional de Conservación Audiovisual de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. 

“Era simplemente un baúl lleno de películas que parecían demasiado buenas para tirarlas, pero no tenía ni idea de qué eran ni cómo proyectarlas”, declaró entonces McFarland a la AFP. Lo que no podía imaginar es que entre todos esos rollos viejos y deteriorados se encontraba una auténtica joya de la historia del cine: una copia de Gugusse y el autómata, película muda del cineasta francés George Méliès que llevaba años desaparecida.

“El cortometraje de 45 segundos, realizado alrededor de 1897, fue la primera aparición en película de lo que podría llamarse un robot, lo que lo convirtió en un objeto de culto para generaciones de aficionados a la ciencia ficción, aunque solo lo conocieran de oídas. Nadie lo había visto en probablemente más de un siglo”, explica la Biblioteca del Congreso en un comunicado. 

La pequeña historia de un mago y un autómata

Gugusse y el autómata es un cortometraje de una sola toma y un solo rollo filmado que comienza frente a lo que parece ser un taller donde se fabrican autómatas. En escena vemos a un mago (el propio Méliès) dando cuerda a un autómata vestido como el famoso payaso Pierrot. El payaso comienza a golpear al mago con su bastón, el cual responde con otro golpe al “robot”. Con cada golpe, este se encoge por la mitad, hasta convertirlo en un pequeño muñeco.

El rollo de película que McFarland donó a la biblioteca es una copia con al menos tres desviaciones respecto al material original. Los técnicos dedicaron más de una semana a escanearla y estabilizarla en formato digital, de modo que ahora cualquiera puede volver a ver una de las primeras creaciones cinematográficas de la historia. 

El hallazgo, realizado el pasado mes de septiembre, se ha anunciado ahora públicamente. “Es una pequeña pero importante aportación al legado del cine mundial y de uno de sus fundadores”, apunta la biblioteca, haciendo referencia a Méliès, ilusionista y cineasta francés que cambió para siempre este arte y que dejó a su paso obras tan emblemáticas como Viaje a la Luna (1902).

McFarland no solo encontró las películas de su bisabuelo, sino también sus diarios, donde reflejó sus años como artista ambulante. “Habla de salas llenas, de locales alborotados, de espectáculos cancelados, y llegó hasta la frontera entre Pensilvania y Maryland. Llegaba a ganar hasta 20 dólares por noche, según veo en sus registros, aunque a veces ganaba 1,35 dólares por noche”, compartió.

“Y un día te mueres. Y se te queda esa carita de gilipollas porque nunca has hecho lo que tú querías. Estudia, trabaja, échate novia, cásate, cómprate un chalé, un coche, trabaja como un burro para pagarlo todo… y al final te das cuenta de que has vivido para Seat, para Philips, para el Corte Inglés y su puta madre”. Es un monólogo digno de Irvine Welsh, que bien podría haber culminado una historia estilo Trainspotting, pero lo recitó Alfredo Landa en 1979, frente al rostro compasivo de María Casanova. La película era Las verdes praderas. Y Landa ya no estaba para bromas.

Toda la resaca del landismo acaso podía encajar en este guion de José Luis Garci. El personaje que interpretaba Landa en Las verdes praderas había hecho todo lo que le dijeron que hiciera. Con sumo atolondramiento había confiado en los tiempos de cambio de la sociedad española, pasando de ser un españolito desbordado por la modernidad a un solícito creyente en ella… y a cuatro años de la muerte de Franco descubría que no era suficiente. No había servido de nada ser un buen chico. Por eso la comedia dejaría de ser el vehículo ideal para su talento, por eso a partir de ahora trabajaría con los cineastas más reputados y su rostro afable pasaría a reflejar diversas injusticias y tragedias.

La carrera de Alfredo Landa (Pamplona, 1933) refleja todas estas drásticas mutaciones. Es una carrera fascinante y complejísima, con un termómetro social a cada uno de sus ángulos. Por eso a Gracia Querejeta y Miguel Olid les sorprendió que, en los más de 10 años que han transcurrido de su fallecimiento en 2013, nadie le hubiera dedicado todavía un documental. “Es muy curioso que hasta ahora no haya habido más documentales porque pocos actores han tenido el recorrido de Landa. Muy pocos”, afirma Querejeta en conversación con elDiario.es.  

“Es una carrera que empieza girando en torno a los españolitos y las suecas, alrededor de todo eso que llamamos ‘landismo’, y luego cambia para dar pie a algo totalmente diferente”. La idea se le ocurrió a Olid, crítico de cine, al poco de terminar su documental sobre otro icono de la industria española como es el director Manuel Summers (la película, Summers el rebelde, se estrenó en 2024). Fue él quien inicialmente tuvo que comprobar si había algún documental sobre Alfredo Landa que se le hubiera escapado, “y no había ninguno”. 

“En principio yo iba a dirigir el documental y él se limitaría a escribirlo, pero ambos acabamos haciendo ambas cosas”, confiesa Querejeta. Landa acredita a Querejeta como directora y a Olid como realizador, aunque según ella “no es más que un formalismo”. Todo se desarrolló en comandita, fruto del interés común por acercarse a una figura inabarcable.  

Viejos conocidos y ausencias llamativas

Se conoce como landismo a ese grupo de comedias de amplio éxito comercial entre finales de los 60 y mediados de los 70 que, agrupadas alrededor de la figura de Landa, fundamentaban su humor en una picaresca masculina y cierto (y autoasumido) sentimiento de inferioridad. Es fruto inequívoco del desarrollismo franquista y la modernización de la cultura española según su reubicación en el tablero internacional, y alrededor de él se vertebra una constelación de nombres como José Luis López Vázquez, Paco Martínez Soria, el difunto Mariano Ozores, José Sacristán y muchos otros. 

El de Sacristán es uno de los testimonios que recoge Landa, junto al de otro actor tan cercano al protagonista de No desearás al vecino del quinto como es Miguel Rellán, recientemente nominado al Goya. Por la película también desfilan Antonio Resines, los críticos Marta Medina y Oti Rodríguez Marchante, el productor Enrique Cerezo o el director Víctor García León, así como los hijos de Landa. Al hacer acopio de todas estas fuentes, Landa busca trazar una perspectiva lo más amplia posible de su objeto de estudio, sin caer en una celebración carente de matices.

Esto era muy importante para Querejeta. “Teníamos muy claro que no queríamos hacer una hagiografía”, asegura. De ahí que el documental subraye el machismo de estas películas y, sobre todo, ciertas fricciones con el carácter de la persona. Buena parte de la documentación, aparte de las entrevistas y declaraciones públicas de Landa —que, gracias al carisma irredento del intérprete, resultan en los mejores momentos del filme—, se extrajo de las memorias que este publicó en 2008, Alfredo el Grande: Vida de un cómico. Recopiladas por Marcos Ordóñez, Querejeta se vio obligada a comprarlas de segunda mano porque “estaban totalmente descatalogadas”.

A Alfredo Landa le daba lo mismo decir una cosa que otra, quedar bien o quedar mal, poner verde a uno o poner verde a otra

Gracia Querejeta — Cineasta

“Cuando las leí me quedé loca porque era un material muy rico y llegaba de un momento en que él ya no tenía mucho filtro. Es decir, que le daba lo mismo decir una cosa que otra, quedar bien o quedar mal, poner verde a uno o poner verde a otro”, recuerda Querejeta. “Son unas memorias muy interesantes porque son a calzón quitado, sin guardarse nada. Partimos de ellas y pensamos quién podría haber compartido estas vivencias con Landa”. Así que contactaron con Sacristán y Rellán. A quienes, como admiten en el documental, no les había hecho ninguna gracia estas memorias.

Con quien no ha podido contar el documental, sin embargo, es José Luis Garci. “No quiso aparecer”, se lamenta Querejeta. “Me consta que ahora lo quiere ver pero no quiso participar”. Garci, al igual que Juan Antonio Bardem (cuya hija María, script de amplia experiencia en la industria, es otra de las invitadas al documental) fue responsable del viraje que experimentó la carrera de Landa. Luego de que Bardem le pusiera a protagonizar El puente en 1977 —película que destruye el landismo desde dentro, al reimaginar este arquetipo dentro de una España realista y atrasada en plena Transición democrática—, Landa consiguió algunos de sus mejores papeles gracias a Garci.

Como Las verdes praderas o, sobre todo, el díptico de El crack entrados los 80. Vinieron otras películas y sobre todo vino una amistad largamente extendida en el tiempo, pero salteada con algún que otro conflicto en los últimos años de Landa. “La relación de ambos siempre fue compleja. Pero yo echo de menos que Garci haya colaborado en el documental. Es una figura fundamental”.

El legado landista

La ausencia de Garci confluye con otras carencias notables de Landa como documental en función a su necesidad de aligerar metraje —Querejeta también lamenta que no haya habido espacio para comentar Sinatra (1988), uno de los filmes más inclasificables de Landa— y decisiones tan chocantes como poner la voz de Landa sintetizada por Inteligencia Artificial para leer fragmentos de sus memorias. “Nunca hubiéramos osado inventarnos un texto para ponerle la voz de Landa”, defiende Querejeta, asegurando que no hay polémica posible porque “son palabras escritas en primera persona” y, sobre todo, “los hijos de Landa nos dieron su conformidad”.

Los apenas 70 minutos que dura Landa quizá se antojan escasos para la escala del fenómeno, y la tónica general de la película es la de un seguimiento tirando a superficial de la trayectoria del actor, de forma cronológica y sin apenas ahondar en discursos alternativos. Landa pasa como si tal cosa de protagonizar Cateto a babor a ganar un premio en Cannes junto a Paco Rabal por Los santos inocentes, o de La vaquilla a aquel Goya de Honor que en 2008 agradeció con un pequeño colapso mental, a la postre tan icónico como muchas de sus interpretaciones. 

Entre las ideas sugerentes que lanza el documental encontramos su propuesta de un heredero para Landa. Que no sería Leo Harlem ni Santiago Segura —tampoco el recientemente fallecido Fernando Esteso, aunque justo tomara el relevo de Landa a mediados de los 70 con el éxito de Pepito Piscinas—, sino Javier Gutiérrez. “Javier Gutiérrez hizo Águila roja”, recuerda Querejeta queriendo comparar los inicios de ambos actores en la comedia comercial.

“Ellos no tienen en común solo la altura, sino el hecho de ser dos grandes actores que han transitado de la comedia al drama más amargo”, apunta la directora. “Y sin ser ejemplos en absoluto de caballeros o galanes, solo gente de lo más normal que han aparecido en tipos muy distintos de películas”. Películas que, en fin, dejaron atrás las modas industriales para lidiar con grandes cineastas, y descartar una conexión evidente con la sociología nacional de cada época.

En ese sentido Querejeta no duda: “El landismo está muerto, porque esa época murió. Puede que quedaran retazos en el destape de Esteso y Pajares y en cierto sentido puede que se solaparan, pero Landa se alejó de todo eso”. El actor buscó su propio camino y por eso, al margen de cualquier ‘ismo’, lo que hay que recordar de él es un nombre propio. Con eso basta. 

Live Nation, la empresa que organiza las grandes giras que no nos queremos perder, y su subsidiaria Ticketmaster, la empresa que nos vende las entradas, operan como un monopolio. A ojo, ya nos parecía, pero ahora hay una sentencia que lo acredita. “Una victoria brutal para todo el que ama la música”, lo ha definido la organización estadounidense Future of Music Coalition, fundada en junio de 2000 por músicos, defensores de los artistas, tecnólogos y expertos legales para garantizar que los músicos tengan voz en los asuntos que afectan a su sustento.

Efectivamente, los que amamos y vivimos la música desde hace varias décadas (en mi caso, desde 1993 aprox.), hemos visto cómo se deterioraba la estructura de la música en directo. Hemos visto parcelar el espacio del público en zonas VIP, super VIP y mega VIP. Hemos descubierto con ojos desorbitados que una entrada podía costar equis o el doble de equis en cuestión de minutos. Hemos visto aparecer algo que antes no existía: los “gastos de gestión”, y seguimos sin entender lo que son. Hemos pasado de ir a cuatro conciertos en un mes a un concierto en cuatro meses, porque más no nos podemos permitir. Y luego dicen que la música en directo está en su mejor momento. Depende de para quién.

Según la demanda, Live Nation controla al menos el 80% de la venta de entradas en las principales salas de conciertos de Estados Unidos; gestiona directamente a más de 400 artistas, y solo en EEUU controla más del 60% de las promociones de conciertos y posee o controla más del 60% de los grandes anfiteatros. Abrumador. Una acusación de más de una treintena de fiscalías de diferentes estados argumentaron que, al ejercer monopolio, Live Nation y Ticketmaster eran responsables del alza de las entradas de los conciertos. 

Por poner algunos precios españoles de conciertos de Live Nation (recordemos que los procesos judiciales se han abierto en EEUU): ver a The Strokes en primera grada (un único concierto en España, las entradas se ponen a la venta hoy viernes 17) costará 102 euros, a lo que hay que sumar una tasa de 2 euros para Ticketmaster “por la transacción”. Ver a Shakira en primera grada de uno de sus 11 conciertos en Madrid costará 158,50 euros (más los dos euros mencionados). Por cierto: ¿quién crees que gana más con este fenómeno de las 'residencias'?

Las cifras del volumen de la música en vivo son, lógicamente, despampanantes: 807 millones de euros de taquilla el año pasado según la Asociación de Promotores Musicales. Un estudio de estimación por parte de Sympathy for the Lawyer, presentado ayer 16 de abril, cuantifica un impacto directo de 1.261 millones de euros recogiendo lo que genera el merchan, las barras, las “experiencias VIP”... y suma y sigue. Las magnitudes están fenomenal, pero lo que se necesita es cambiar la lente macro por la del microscopio, y ver si todas estas células nos dan un organismo más o menos sano.

Volviendo a este histórico proceso judicial, los magistrados tendrán que decidir ahora qué multas, compensaciones o cambios de su actividad imponen a la promotora y a la ticketera. ¿La solución para el problema? Future of Music Coalition propone que luchemos por una industria fragmentada, con hueco para todos. ¿Obligará a Live Nation a disolverse o segregarse? La música necesita un tejido diverso donde tengan cabida también las iniciativas independientes, que hay que proteger para cultivar un ecosistema de precios asequibles y remuneraciones justas para los artistas.

Esta semana han pasado otras muchas cosas importantes en el mundo cultural. Que vayan a competir por la Palma de Oro tres películas españolas es una de ellas. Así te hemos contado el buen momento de nuestro cine con Javier Calvo & Javier Ambrossi, Rodrigo Sorogoyen y Pedro Almodóvar: “Somos una industria libre y salvaje”, han dicho. El cine subvencionado que odia la derecha española conquista el resto del mundo, analiza Javier Zurro.

Tres libros

'Dickens y Prince. Un tipo de genio muy particular' de Nick Hornby (trad. Jesús Zulaika. Anagrama Crónicas). Igual no se te había ocurrido nunca comparar a Charles Dickens con Prince, el genio de Mineápolis, pero a Nick Hornby, el autor de la célebre novela pop Alta Fidelidad, no solo se le ocurrió sino que se obsesionó hasta el punto de escribir un ensayo sobre ello. El autor encuentra dos carreras paralelas y nos hace esquiar sobre ellas, acelerados por su pasión habitual por la música.

'Escucha' de Michel Faber (trad. Mariano Peyrou Anagrama Argumentos). Perdona por repetir editorial en las recomendaciones, es algo que procuro no hacer, pero he empezado a leer este ensayo de Michel Faber (autor de la novela Bajo la piel, adaptada por Jonathan Glazer) y no me he resistido a incluirlo hoy aquí. Su subtítulo es: “Nuestra relación con la música y el sonido”. Atrapa la oralidad de su escritura y su tono de contagioso asombro ante la música. ¿Por qué escuchamos música? ¿Por qué escuchamos la música que escuchamos? Escribo este boletín mientras escucho unas canciones de un grupo ruso de postpunk y me hago esa pregunta: ¿por qué me gusta tanto esto? Tenía una idea de por qué, pero al leer a Michel Faber, empiezo a cambiar de idea.

'Cantarranas' de Nicholas F. Callaway (Caniche). Y, por último, uno libro de una de mis editoriales favoritas, la siempre osada Caniche, que suele editar en una línea fluvial entre la arquitectura, el urbanismo, el arte, la creación o la música, siempre con ensayos muy poco formales. Aquí, este artista e investigador nacido en California pero asentado en Madrid, nos habla de la vaguada de Cantarranas, donde se levanta la Ciudad Universitaria, en Madrid. Una excavación de la memoria, como dice la editorial, en la que afloran hallazgos de todo tipo, atravesados por una mirada personal.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Este verano pasarán por el Mad Cool 2026 artistas y grupos como Pulp, Wolf Alice, Lorde o Twenty One Pilots. Pero también lo harán nombres no tan conocidos en nuestro país como el de Holly Humberstone, que debería tener más reconocimiento y acaba de publicar su disco Cruel World. Uno de sus temas más interesantes del álbum puedes escucharlo en nuestra playlist, donde también están nuestras recomendaciones de semanas anteriores.

'Beauty Pageant' de Holly Humberstone. Haciendo un retrato desgarrador de cómo es la feminidad bajo presión, la artista hace de este tema una crítica mordaz a lo que significa ser una mujer en esta industria. “Esta canción refleja mi exasperación ante la carga que conlleva ser mujer en nuestra sociedad”, ha declarado en una nota de prensa, agregando que “trata sobre los estándares inalcanzables” a los que se someten las mujeres y sobre “la fragilidad de tu propia imagen cuando se basa en opiniones ajenas”. Escúchala.

'Jérémie' de Martin. El que fuera finalista en Operación Triunfo 2023 acaba de publicar su primer álbum de estudio. Lo ha hecho con paciencia y tras haber participado en la serie Mariliendre de Javier Ambrossi y Javier Calvo, como nos han contado en una entrevista que le hice y que ya te hemos recomendado más arriba. Una de las canciones más juguetonas del proyecto, titulado La insolación, es este desenfadado relato sobre un amor adolescente en Francia. Es un tema bilingüe que captura el entusiasmo de enamorarse aunque no sea correspondido. Escúchala.

'Pamema' de Julio de la Rosa. El que es uno de los más destacados compositores de bandas sonoras de este país ha publicado disco, demostrando también su habilidad como letrista. Se titula Las malas hierbas y es un viaje sobre esas tensiones que crecen en las relaciones personales: la envidia, el desencanto o las verdades incómodas que a veces nos hacen mirar a otro lado. Esta canción, de ritmo lento, aborda la venganza desde el rencor de quien ha sufrido en una relación. Escúchala.

Tres películas, por Javier Zurro

'El chico de los pantalones rosas'. Andrea Spezzacatena se suicidó cuando tenía 15 años por el bullying que sufría en el colegio. Su madre escribió un libro que ahora se ha convertido en la película italiana más taquillera del año pasado y en un emblema en la lucha contra el acoso escolar. Qué envidia que el filme más taquillero sea una película tan sensible y que demuestra que el cine puede ayudar a empujar ciertos cambios. Ojalá sirva para que se rompa el silencio en torno a un tema que sigue atravesándonos.

'Un poeta'. Qué película tan divertida, personal y, finalmente, triste ha realizado Simón Mesa Soto en esta película. Su Óscar Restrepo, un poeta que parecía destinado a la gloria y malvive en casa de su madre mientras se niega a aceptar su vida parece sacado del universo del Diego San José más sombrío, el de Yakarta. Uno se ríe ante el patetismo del personaje para luego sentir ganas de ir a darle un abrazo y se emociona porque todos somos un poco como él.

'La mujer más rica del mundo'. No es la mejor película de Isabelle Huppert, ni estará entre las 20 primeras, pero qué gusto es verla cuando se pone a jugar en una película que podría haber pasado por una peli más pero cuya presencia eleva a otro sitio. Más allá de eso, esta historia basada en la vida real de la heredera de L'Oreal y su relación con un fotógrafo al que regaló 1.000 millones de euros no deja de ser otra sátira más (con menos mala leche) sobre el mundo de los ricos. 

Cuatro planes para el finde, por Francisco Gámiz

READ Madrid. Festival de Libros e Ideas (Madrid). El Museo Reina Sofía se convierte este viernes y sábado en el epicentro del pensamiento crítico con la primera edición de este festival que busca interrogar el presente a través de los libros. El Auditorio 400 del edificio Nouvel acogerá conversatorios con voces como las de Pastora Filigrana, Dahlia de la Cerda o Mario Obrero, abordando temas que van desde el “folclore plebeyo” hasta la importancia de la ficción para no olvidar el pasado. La entrada es libre hasta completar el aforo, ¡así que aprovecha!

BCN Film Fest (Barcelona). Este finde se inaugura la décima edición de este festival de cine en los Cines Verdi de Gràcia. La gala de apertura cuenta con el estreno mundial de Viaje al país de los blancos, protagonizada por Emma Vilarasau, y la entrega del Premio de Honor al director José Luis Garci. Durante los próximos días se proyectarán títulos muy esperados como Mallorca confidencial, presentada por Lolita Flores, o Palestine 36, dirigida por Annemarie Jacir. 

'Archipiélago' (Málaga). El Museo Carmen Thyssen Málaga ha estrenado esta exposición que propone un viaje por el arte contemporáneo de las décadas de los 60 y 80. La muestra reúne piezas de artistas como Picasso, Miró, Warhol y Braque, articulando un relato visual que invita al espectador a reflexionar sobre cómo miramos la realidad. A través de pinturas, dibujos y grabados, la exhibición funciona como un “archipiélago” de ideas que conecta la vanguardia con las revoluciones artísticas del siglo XX. 

Gijón Sound Festival (Gijón). Del 16 al 19 de abril, la ciudad asturiana se llena de música con un cartel que mezcla rock, psicodelia y pop-punk en espacios como el Teatro Albéniz y la Plaza del Ayuntamiento. El fin de semana destacan las actuaciones de Nat Simons, Los Punsetes y la energía de Aiko El Grupo. Es una oportunidad perfecta para disfrutar de bandas nacionales y descubrir nuevos sonidos en un ambiente pensado para inundar las calles locales.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Vuelven los 70mm. Qué bonito este reportaje de Javier Zurro (con vídeo) sobre la odisea de reinstalar un proyector de 70mm en los cine Paz para ver Kill Bill cuando ya no quedaba ninguno en Madrid.

Insolado. Pero qué bonito el disco de Martin, La insolación, y que gran decisión confiar en Hidrogenesse para la producción, porque ineludiblemente se le ha pegado el aroma austrohúngaro. Gámiz le entrevista.

¿Cuándo se puede mover un cuadro? La polémica sobre la cesión temporal del Guernica nos hace preguntarnos: ¿por qué unos sí y otros no? Entra el juego el símbolo y el riesgo.

Apenas un año después del estreno de la película de Fórmula 1, la categoría reina del automovilismo vuelve a la gran pantalla con The Kaiser, un proyecto cinematográfico centrado en los primeros años de carrera de Michael Schumacher que se estrenará a finales de este 2026. El cortometraje, que ya ha lanzado su primer tráiler oficial en el Reino Unido, se presenta como una aproximación a los inicios del piloto alemán en la categoría reina del automovilismo, con especial atención a su debut en 1991 y a los momentos que marcaron su trayectoria.

Cabe destacar que la producción, impulsada por la empresa británica Grey Universe Ltd. junto con B2Y Productions, NFK y A1, se desarrolla como una prueba de concepto destinada a evaluar la viabilidad de un futuro largometraje. Más allá de su formato actual, el proyecto se plantea como una recreación de los primeros años del piloto a través de hechos documentados y una reconstrucción de los momentos clave de su carrera inicial.

Un relato centrado en los primeros años

Según la información oficial, The Kaiser se centra en la historia del ascenso de Schumacher desde su debut con el equipo Jordan en el Gran Premio de Bélgica de 1991 hasta los episodios que marcaron sus primeros pasos en la Fórmula 1. El tráiler pone el foco en ese primer momento decisivo, cuando el piloto alemán sustituyó a Bertrand Gachot. En aquella carrera logró clasificarse en séptima posición, aunque tuvo que abandonar en la primera vuelta debido a un problema de embrague. Pese a ese desenlace, su actuación despertó el interés de otros equipos y derivó en su fichaje por Benetton, tras no formalizarse legalmente su contrato con Jordan.

El elenco está encabezado por Jivko Sirakov en el papel de Michael Schumacher, acompañado por Kristo Stoichkov como Ayrton Senna, Dimiter D. Marinov como Eddie Jordan, Raymond Steers como Willi Weber y Viktoria Antonova como Corinna Schumacher. A través de estos personajes, la película introduce algunas de las relaciones más relevantes en la trayectoria inicial del piloto, incluyendo su entorno profesional y su interacción con figuras destacadas de la Fórmula 1 de la época.

Una apuesta por la autenticidad y la recreación

El enfoque del film se apoya en una reconstrucción de los hechos reales y en una aproximación cercana a los desafíos y decisiones que marcaron los primeros pasos de Schumacher. La producción destaca el uso de técnicas cinematográficas tradicionales y la ausencia de inteligencia artificial generativa, con el objetivo de preservar la autenticidad en la recreación de los eventos históricos. Desde la productora se subraya que la intención es capturar la presión y la intensidad del entorno competitivo, mostrando la historia desde una perspectiva cercana y centrada en el componente humano del piloto.

De debutante a referente del automovilismo

La historia que plantea The Kaiser conecta esos primeros momentos con el desarrollo posterior de la carrera de Schumacher. El piloto compitió en la Fórmula 1 hasta finales de 2006, regresó en 2010 con Mercedes y se retiró definitivamente en 2012. A lo largo de su trayectoria acumuló siete títulos mundiales, 91 victorias, 155 podios, 68 poles y 77 vueltas rápidas, cifras que lo sitúan entre los nombres más destacados de la historia del automovilismo.

Expectativas ante un posible largometraje

El lanzamiento del tráiler ha generado expectación en torno al proyecto, especialmente por la posibilidad de que evolucione hacia un largometraje que profundice en los primeros años de Schumacher y en los momentos que marcaron su trayectoria. A pesar de que su estreno se ha anunciado para el otoño de este 2026, todavía no se ha concretado la fecha.

El interés de la figura del Kaiser no solo deriva en esta producción. Netflix ya estrenó un documental sobre el heptacampeón el pasado 2021 bajo el títlo de Schumacher. La familia del alemán estaba detrás de este proyecto que contaba con entrevistas de carácter más íntimo para retratar mejor al piloto y la misma plataforma de streaming tiene previsto estrenar Schumacher 94 también este 2026. Será un nuevo documental no ficticio que se centrará en la primera temporada en la que el siete veces campeón del mundo conquistó su primer título, en 1994.

Santiago Segura ha dicho muchas cosas durante la promoción de Torrente presidente, sobre todo en lo relativo a los periodistas. Ha dicho que tienen “este rollo de pedófilo en la puerta de un colegio”, les ha llamado “hijos de puta”, y durante una tensa entrevista ha lanzado asimismo unas ideas muy criticadas sobre el colectivo trans. Y acto seguido se ha disculpado. En otra entrevista aseguró que adora disculparse. “Me encanta pedir disculpas, soy feliz pidiendo perdón, es una liberación”.

Todo esto le da unos matices interesantes a la personalidad mediática de Segura, que salvo excepciones suele manejarse en público con perfecta humildad y palabras suaves que enmarquen un discurso levemente autolesivo. Es alguien, en efecto, que adora pedir perdón y admitir que no deja de equivocarse. Asume que esa es la mejor forma de nutrirse de un sentido común ciudadano al que su cine va dirigido, y que ateniéndonos a las cifras de taquilla sin duda logra abrazar con éxito. La cuestión es que ese sentido común contempla que los cameos de Torrente presidente sean figuras acusadas de violencia sexual y voceros de ultraderecha mientras la película afirma burlarse de su posible articulación política.

¿Cómo podemos leer esto? ¿Hay una contradicción, o simplemente el pobre Segura no deja de cometer errores? Vamos a proponer que Segura es consciente de lo que hace y que esto suscribiría una lógica de balanza: en cuanto dice o hace algo cuestionable, la disculpa sistemática desplaza al peso hacia el otro lado y forja un equilibrio, un (extremo)centro. Un lugar donde se supone que todo el mundo puede estar cómodo. La garantía tranquilizadora de la disculpa alivia la intensidad del apunte rancio y sobre todo —al eximir de una verdadera responsabilidad, pues todo se reduce a la imagen performativa— permite regresar al otro lado una y otra vez. Encogiéndose de hombros, siempre con una nueva y cínica disculpa asomando en los labios.

De eso va el fenómeno Torrente. De decir y hacer cosas espantosas, amparándose en una disculpa conceptual (la sátira, lo esperpéntico del personaje o lo que sea). Desahogar pulsiones con el freno de mano: un mecanismo tan sencillo como para reencontrarse con él en una película muy distinta a priori como es La familia Benetón +2. Aquí lidiamos con un filme destinado al público familiar y envuelto en otra coartada progresista. Mientras Torrente presidente se burla de la ultraderecha (con la complicidad de la ultraderecha), La familia Benetón +2 aboga por la multiculturalidad, alrededor de un padre cuyos hijos proceden de múltiples países a lo largo del mundo.

Así que el clan de Toni Benetón (Leo Harlem) lidia esporádicamente con el racismo de dos vecinos, interpretados por Llum Barrera e Iñaki Miramón. Estos, en la primera secuencia del filme, tachan de “menas” a los niños Benetón y temen que su familia haga un efecto llamada. Son, evidentemente, los malos de la película. La prueba de que La familia Benetón +2 tiene los valores en su sitio.

¿Qué ocurre más tarde, sin embargo? Minutos después de que el guion entienda como gracioso que una mujer negra tenga un pariente trabajando en el musical de El rey león, la trama se desplaza a algún lugar de África y nos ofrece una visión tremendamente estereotipada del continente. Apenas atina a distinguir país o región en él, siquiera, mientras nos planta al personaje de un brujo guiando el recorrido espiritual de Toni Benetón y, en un giro presuntamente cómico, resulta que la cabra que ha atacado al protagonista minutos antes es el dios de la tribu. 

Es una representación evidentemente (ferozmente) racista. De una caricatura obscena, análoga a cuando en la primera entrega de La familia Benetón el romance del hijo marroquí era visualizado como una parodia de Aladdin. ¿Tiene entonces los valores en su sitio? Pues se supone que sí, porque se ha disculpado. En este caso lo ha hecho de forma anticipada, gracias a la presencia de esos vecinos maledicentes como racistas extremos (y mezquinos, en oposición al racismo afable del resto de la película) que ejercen de contrapeso. La lógica de la balanza. Mejor pedir perdón que permiso.

El ocaso del cuñado

Ahora bien. Que estas sean las fuerzas en juego dentro de La familia Benetón no implica necesariamente que exista una maldad. En realidad volvemos a hablar de pulsiones, de inercias, que han perfilado un modelo de producción económicamente muy beneficioso. Es Bowfinger International Pictures (la productora fundada por Santiago Segura y María Luisa Gutiérrez) la que está detrás de este modelo, y este es sumamente dúctil acorde a las necesidades del mercado. Puede alumbrar Torrente, por qué no. También toda una ganadora al Goya a Mejor película, La infiltrada. Y desde luego puede producir cine familiar. A espuertas.

Como de lo que se trata es de nutrirse del sentido común —y este sentido común, con toda su normalización y su ventana de Overton escorada a la derecha, encaja bien con la lógica de la balanza—, podemos hablar de cálculo pero, insistimos, no necesariamente de maldad. Porque si existiera una maldad real las películas expresarían algo de sí mismas, existiría una voluntad (malvada) de intervenir la realidad mediante el cine. No vamos a ser tan paranoicos o tan benevolentes como para concederle eso a estas películas. Porque lo que caracteriza a todas estas películas, antes que cualquier otra cosa, es que están muertas. Todas y cada una.

Están muertas a un nivel tanto narrativo como formal: hablamos de una estética que ya no es la del contrapeso o la de la normalización conservadora sino la del vacío. La estética de Padre no hay más que uno, otro gran buque insignia de Bowfinger, al que La familia Benetón fija como referente indiscutible. Las sagas de Padre no hay más que uno y La familia Benetón (asumiendo prudentemente que habrá más entregas de esta última) están discurriendo del mismo modo. Sus entregas inaugurales nos presentaban a un personaje masculino (el Javier de Segura, el Benetón de Harlem) que debía aprender una lección. Debían pasar de ser un padre irresponsable y un irresponsable con dejes racistas, respectivamente, a ser luminosas figuras paternas.

Hablábamos de un arco que ya quedaba completo en estas películas inaugurales. Así que, ¿cómo seguir a partir de ahí? Pues acudiendo a los brazos de la sitcom familiar. Poniendo en suspenso cualquier desarrollo de personaje en función a las peripecias y las tramas de la semana. Desde aquella primera película —y hasta que Segura echó demasiado de menos a Torrente, porque en el papel de Javier no podía decir cosas tan divertidas—, Padre no hay más que uno huyó hacia adelante. Y es lo que apunta a ser La familia Benetón +2, una vez el personaje de Harlem ya es un padrazo y lo único que le queda por hacer es ayudar a sus hijos con los avatares del día a día.

En La familia Benetón +2 es especialmente acusada la sensación de ver varios episodios de una serie ensamblados sin organicidad alguna. Ni siquiera termina de fluir el componente coral que aclimató Médico de familia como patrón oro al que se arrima Bowfinger, y tan pronto hay que centrar el metraje en los nuevos bebés que debe cuidar Toni como marcharse a toda prisa a esa África exotizada. La película va totalmente a la deriva, sin que ninguna risa enlatada acuda a legitimar esos chistes mientras sufre una rampante crisis de identidad.

De esto último la promoción de La familia Benetón +2 ha sido bastante ilustrativa, pues ha colocado a Harlem en primer plano con dos vídeos (Máster en Cuñadismo 1 y Máster en Cuñadismo 2) donde el actor echa mano del personaje que desarrolló en su etapa de monologuista, y que a partir de El mejor verano de mi vida en 2018 ascendió a criatura cinematográfica. Mediante este personaje —que alegremente acepta la palabra “cuñado” como descripción—, Harlem vende La familia Benetón +2… pero el personaje ya no existe como tal. Toni Benetón ya no es un cuñado. Solo es un buen hombre superado por las circunstancias, tal y como lo es El Langui, su escudero en el filme.

Así que estos Másters en Cuñadismo son publicidad engañosa. Prometen una determinada propuesta cómica y apuntan a vender un filme continuista de Torrente que en realidad no es tal (o que, si lo es, no lo aparenta desde el tono y grosor de sus chistes). Un lío, en fin, que a la larga no le importará a nadie pero puede dar medida de lo gris y despersonalizado que es todo este entorno. Ayuda a recontextualizar la película, además, y a tener algo en lo que pensar por lo menos.

Una de las subtramas de La familia Benetón +2 es capaz de propiciarlo también. Por suerte, por unos instantes. Alude al hijo marroquí, que quiere ser cantante y ficha por una discográfica. Esta discográfica, sin embargo, propone limar todas sus particularidades culturales pues sostiene que lo que más vende es el término medio, la falta de carácter. Así que le obliga a modificar su aspecto y su personalidad en pos de estos condicionantes. Al final el chaval lo rechaza, se obstina en ser él mismo y en celebrar su identidad, y resulta ciertamente desconcertante, pues la película, este modelo de producción nocivo y agotador, trabaja en las mismas coordenadas exactas que la discográfica. ¿Estará otra vez pidiendo perdón?

El pasado 10 de abril llegó a las salas de cine españolas la película que ha sido todo un fenómeno en Reino Unido, habiendo superado el millón de espectadores y además ha recibido el elogio de la crítica, con premios BAFTA incluidos. Hablamos de “Incontrolable” (I Swear), que cuenta una historia real de superación.

La interpretación de John Davidson, que sufre el síndrome de Tourette y que acabó siendo activista para dar visibilidad a la enfermedad que padece, le valió a Robert Aramayo, actor de origen vasco, el BAFTA a mejor actor, adelantándose a otros favoritos como Michael B. Jordan o Timothee Chalamet.

Aramayo, también conocido por la serie de ‘El señor de los anillos’ de Amazon, se preparó el papel conviviendo con el verdadero John Davidson en su Galashiels natal, en Escocia. “Salíamos a caminar, íbamos a cenar, veíamos fútbol juntos y íbamos al centro comunitario”, afirmaba a BBC.

Kirk Jones, director y guionista de la película, recordó la historia de John Davidson a través de un documental de la BBC que se emitió en 1989, “John’s Not Mad”, en el que se dio a conocer su caso cuando contaba con tan solo 16 años, y cuando la enfermedad se conocía como “locura descontrolada”, debido a los espasmos, palabrotas incontrolables o gritos que él proliferaba provocados por el síndrome de Tourette.

La historia de John Davidson, protagonista real de 'Incontrolable'

John Davidson nació en 1971 en Galashiels, Escocia, y desde pequeño comenzó a sufrir un síndrome de Tourette severo, que le hizo perder su carrera prometedora en el fútbol como portero, pero que también le hizo ser objeto de problemas con la policía, de no poder trabajar, o incluso ser objeto de burlas y violencia callejera. Y es que sufre también lo que se llama Coprolalia, es decir, que no puede evitar pronunciar palabrotas, expresiones sexistas, racistas e inapropiadas, un síntoma que no siempre se desarrolla, pero que va unido con el del síndrome de Tourette.

Tal y como se puede apreciar en la película, Davidson se dio cuenta que la gran parte de sus problemas venían porque la sociedad no entendía la enfermedad que padecía, que faltaba educación al respecto, y se encargó a través del activismo de dar charlas en colegios, universidades o incluso instituciones públicas. Pero al mismo tiempo, también se encargó de ayudar a las familias con hijos con síndrome de Tourette, además de crear convivencias que pudieran ayudar a estos a socializar y que conocieran otras personas con su misma enfermedad.

Su labor más allá de su ciudad natal y Escocia, valieron a que Davidson ganara reconocimiento por su lucha, y en 2019 recibió la Orden del Imperio Británico de parte de la propia reina Isabel II. Un hecho que no estuvo exento de nerviosismo por el protagonista, en una escena que se puede ver también en el largometraje.

“Pero entonces sentí una mano en mi hombro. Era uno de los Arqueros Reales, los guardaespaldas de la Reina cuando está en Holyrood, y una voz dijo: 'No te preocupes, ella sabe todo sobre tu situación'.”, afirmaba en una entrevista en BBC.

La película no solo visibiliza la historia y lucha de Davidson, sino que también aparece una chica que sufre en realidad esta enfermedad como es Andrea Bisset, que sueña con ser actriz y espera poder conseguirlo tras su papel secundario en el largometraje. Ella es conocida por compartir su experiencia en redes sociales.

Ocupa el puesto 44 de la lista elaborada por el American Film Institute (AFI) con las 100 mejores frases de películas de la historia. Un puesto más que merecido si tenemos en cuenta que incluso aquellos que nunca han visto el largometraje de terror dirigido por M. Night Shyamalan han escuchado alguna vez en su vida la icónica “En ocasiones, veo muertos”. 

Aquella fue la traducción que se utilizó en el doblaje en español de las palabras que Cole Sear, el niño interpretado por Haley Joel Osment, compartió con el psicólogo Malcolm Crowe (Bruce Willis) en uno de los momentos más recordados de la película. Sin embargo, la frase en inglés no era exactamente así. 

En la versión original, Osment decía “I see dead people” que, de manera literal, podríamos traducir como “Veo gente muerta”. Sin embargo, el doblaje decidió cambiar ligeramente la frase. Todo tenía una explicación. Encajar “Veo gente muerta” en el tiempo que el niño decía la frase original, que era más larga, era bastante difícil, teniendo en cuenta también los movimientos de la boca del protagonista. 

Al equipo no le quedó más remedio que modificar un poco el enunciado. “En ocasiones, veo muertos”, le confiesa el joven al médico. “Andando como personas normales. No se ven unos a otros. Solo ven lo que quieren ver. No saben que están muertos”, añade poco después el protagonista durante el diálogo. 

El increíble giro que llega al final

M. Night Shyamalan dirigió y escribió el guion de esta película, que a finales de los 90 vendió como algo a medio camino entre El exorcista, de William Friedkin, y Gente corriente, de Robert Redford. Pero si El sexto consiguió convertirse en el éxito comercial que acabó siendo fue, en parte, gracias a su impresionante giro final que cambia toda la trama del filme.

Bruce Willis está muerto todo el tiempo, a partir del disparo de la primera escena, hoy ya lo sabemos, por lo que revisionar la película a estas alturas es una experiencia que poco, o nada, tiene que ver con lo que fue hacerlo por primera vez. Y más en un momento como 1999, año en el que la película se estrenó; aunque a España llegó a principios de los 2000.

El giro en la trama cautivó por completo al público de la época, convirtiendo al largometraje en un auténtico éxito de taquilla (recaudó más de 600 millones y costó apenas 40). También recibió grandes elogios de la crítica, algo poco común para una película del género, aunque no tuvo tanta suerte en los premios. Recibió seis nominaciones en los Oscar, dos en los Globos de Oro y cuatro en los BAFTA, pero no ganó ninguno. 

El epígrafe de George Orwell lo advierte: “Toda propaganda es mentira, incluso aquella que cuenta la verdad. Creo que eso no importa, siempre y cuando se sepa lo que se está haciendo y por qué”. Le siguen unas citas de William Blake y David Hume en la misma línea: la verdad y la invención, el poder y la sumisión, la creación de la opinión pública. Hay mucho del espíritu del Gran Hermano orwelliano en Amanecer en la cosecha (Molino, 2025; trad. Pilar Ramírez Tello), la última novela de Los Juegos del Hambre cuya adaptación acaba de estrenar su nuevo tráiler y que se desarrolla veinticinco años antes de la primera parte y está protagonizada por un joven Haymitch, a quien conocimos —interpretado en las películas por Woody Harrelson— como el mentor de Katniss y Peeta durante los Juegos.

Suzanne Collins (Hartford, Connecticut, 1962) dejó bien cerrada la trilogía original, Los Juegos del Hambre (2008), En llamas (2009) y Sinsajo (2010), pero unos años después, y sin haber publicado nada en ese tiempo, sintió la urgencia de volver a ese mundo con otra perspectiva, tenía algo nuevo que contar. De ahí surgió Balada de pájaros cantores y serpientes (2020), una precuela que acontece 64 años antes del primero, protagonizada por Coriolanus Snow, el futuro presidente de Panem. Lejos de estirar el chicle, la autora demostró que aquella indagación en las aristas más oscuras de su universo tenía sentido; y lo volvió a demostrar con esta quinta entrega, que llegará a las pantallas el 20 de noviembre.

Más que un producto comercial

Cuando un libro tiene éxito, las sospechas se ciernen sobre él. Si además es juvenil, y se ha adaptado al cine con un gran revuelo, los prejuicios se multiplican. En el caso de Los Juegos del Hambre, un reproche habitual es una supuesta falta de originalidad, por tener puntos en común con Battle Royale (1999), la novela distópica de Koushun Takami. Un reproche sin mucho fundamento, puesto que, en lo esencial, todos los tropos literarios se han explotado hasta la saciedad. La cuestión es que cada autor sepa hacer algo personal a partir de esa base; el cómo, no el qué. Y Suzanne Collins lo logró con solvencia.

Puestos a buscar influencias, más vale fijarse en el mito del Minotauro como inspiración de los Juegos: los ciudadanos pagan un “tributo” (un chico y una chica por distrito, cada año), tras haber perdido la guerra civil contra el Capitolio, que ostenta el poder en esta sociedad futura dictatorial. Esa es una de las muchas referencias a la cultura grecolatina: desde expresiones en latín, como el nombre del país, Panem (panem et circenses, pan y circo) a elementos como la Cornucopia, el Capitolio, la arena o los nombres de muchos personajes (Plutarch por el historiador Plutarco, Seneca Crane por el filósofo Séneca), o los propios Juegos, que emulan los combates de gladiadores del circo romano.

La otra gran influencia es la experiencia del padre de la autora en la guerra, que se nota sobre todo en la última parte, Sinsajo. En esta trilogía la violencia no es gratuita ni se limita a criticar la cultura del reality-show, la presión estética, el uso de menores como objeto de entretenimiento y las desigualdades sociales. Tiene muchas capas, el mundo imaginado por Collins está diseñado con encaje de bolillos, y, aunque la historia tiene un triángulo amoroso, el centro no está puesto en el romance, algo de lo que adolecían muchas sagas juveniles contemporáneas. No, no es Crepúsculo (2005) ni After (2013). Aquí hay acción, intriga, sentimientos y un revestimiento político impactante.

Lejos de la complacencia, Suzanne Collins se diferenció de lo que se estilaba entonces –el romance paranormal de vampiros o lobos adolescentes, con una protagonista gris y un chico “malo” como interés amoroso–, apostó por unos personajes complejos y temas arriesgados en literatura juvenil, con una humanidad sobrecogedora. Hizo algo propio, no copió la fórmula de nadie, sino que supo aprovechar el lenguaje del mito para transmitir una verdad que había conocido de forma estrecha, a través de los recuerdos de su padre o de lo que observaba ella misma en la sociedad capitalista. Después de triunfar se publicaron decenas de distopías apocalípticas; había creado escuela.

El origen de Haymitch Abernathy

A Haymitch Abernathy lo conocimos en Los Juegos del Hambre como un hombre de mediana edad con problemas con la bebida, torpe en las relaciones sociales, irónico e imprevisible; un inadaptado que no superó su victoria en los Quincuagésimos Juegos. La nueva novela narra justo esa gesta, y comienza como la primera parte, con el día de la cosecha, esto es, la jornada en la que se elige por sorteo a los tributos –adolescentes de entre doce y dieciséis años– de los próximos Juegos del Hambre. En esta edición, en honor al Vasallaje de los Veinticinco, que se celebra cada veinticinco años, por partida doble: dos chicos y dos chicas por distrito.

Haymitch, como Katniss y Peeta, pertenece al Distrito 12, el último. Cada distrito se asocia a una actividad económica, y el 12 es el de la minería, el más pobre junto con el 11 (agricultores, los descendientes de los esclavos). Y, a los dieciséis años, que son los que cumple justo el día de la cosecha, el joven Haymitch trabaja en el contrabando de alcohol para ayudar a su madre y a su hermano pequeño, que, tras la muerte del padre en la mina, no tienen a nadie más. Como todos los muchachos del Distrito 12, aprendió a ganarse el pan. Él mismo reconoce que no es ningún lumbreras, pero tampoco le pide demasiado a la vida, tan solo una existencia tranquila junto a su novia, Lenore Dove.

Como Katniss en la trilogía, Haymitch narra su historia en primera persona, lo que nos permite conocerlo mejor, y en tiempo presente, una apuesta poco frecuente que lo dota de emoción. Sabemos que saldrá reclutado en esa cosecha tan feroz como La lotería de Shirley Jackson; también sabemos que ganará los Juegos. Lo que no sabemos es cómo ocurrirá todo eso (de nuevo, el cómo, no el qué). Y hay una pregunta latente: por qué un chico tan sencillo y tenaz como él terminó convertido en un adulto disfuncional. Sí, sobrevivir a la trituradora de los Juegos tuvo algo que ver –los ganadores son como los veteranos de guerra: recibidos como héroes, traumatizados de por vida–, pero hubo más.

Fake news y manipulación informativa

Todo lo que funcionaba en las otras entregas –la estructura en torno al desarrollo de los Juegos, con algo que trasciende al concurso y unos personajes que evolucionan–, vuelve a cumplir con creces (además, hay guiños a las familias de Katniss y Peeta, entre otros iconos de la saga). Ahora bien, si la autora tuvo la necesidad de ponerse a escribir no fue para narrar lo mismo. En estos años, la sociedad occidental ha cambiado; algunos conflictos siguen vigentes, pero otros han surgido o se han acentuado desde entonces. Suzanne Collins tiene la virtud de saber acompasarse con los tiempos: detrás del relato de Haymitch, dispara rotunda al presente.

En Panem no existen las redes sociales ni se utiliza la expresión fake news, pero el libro de algún modo denuncia todo eso: la manipulación de los medios de comunicación y la espectacularización de la intimidad. Haymitch sabe de qué van los Juegos, los ha visto por televisión desde que era niño; sin embargo, vivirlos desde dentro, desde el momento en el que lo eligen, le descubre in situ toda la maquinaria salvaje que hay detrás: los incidentes o chispas de insurrección que jamás se emitirán, el intento de utilizar a las familias de los tributos y sus vidas personales para conmover al espectador, el trato a los jóvenes como animales de ganadería intensiva, la represión sin paliativos.

En este contexto, Haymitch, que se sabe condenado de antemano, solo tiene un deseo: morir con dignidad. Mantenerse íntegro ante la inminencia de la muerte, guardarse para sí lo más valioso que tiene, no vender aquello que no pueden quitarle: sus sentimientos, sus principios, sus metas, todo lo que guarda dentro. Desde el principio se insiste mucho en esa idea: “No dejes que te usen”, le aconseja su familia antes de separarse. “No les dejes pintar sus carteles con tu sangre, siempre que puedas evitarlo”. Solo que no es tan fácil hacerlo cuando tu vida es lo que está en juego. Y hay un reto adicional: si se filtran las imágenes y se manipula a destajo, ¿cómo comunicar al público la verdad?

El punto de partida de Haymitch es un poco distinto al de Katniss en Los Juegos del Hambre, por cuanto él ya tiene una pareja estable y un proyecto de futuro claro. Cuando el equipo del programa se da cuenta de ello, trata de utilizar su historia de amor como cebo para la audiencia, pero ni él ni su chica ceden. Su postura contrasta con los valores actuales, donde prima la sobreexposición de la intimidad en las redes sociales y uno mismo se convierte en un producto sin que nadie se lo pida.

Hay más asuntos subyacentes: el valor de la comunidad, el trabajo en equipo, la unión frente a la adversidad como revulsivo; la subsistencia mediante la economía sumergida; el negocio apostar, que aprovecha la desesperación ajena para obtener beneficio; la obsesión por el físico, por mantenerse joven y sensual; la cultura local, inmaterial, transmitida de generación en generación, como las canciones de Lenore Dove (lo improvisado, efímero y genuino frente a aquello prefabricado, filmado e interesado; el valor de la experiencia real frente a la visualización en la pantalla); la dificultad para saber en quién confiar y tejer alianzas cuando no sabes si los demás están a tu favor o mienten (en particular, los adultos involucrados en los Juegos).

Mantenerse íntegro, mantenerse humano

Es injusto que, a veces, lo único que se valore de esta saga sea su naturaleza “adictiva”. Hay muchas novelas que atrapan y tienen un buen ritmo, pero lo que distingue este ciclo es su discurso filosófico, la dualidad ética y moral que se entrevé a través de situaciones complejas, personajes complejos. Amanecer en la cosecha no es ninguna excepción: no tiene nada que envidiar a la trilogía; es, de hecho, más contundente aún en su denuncia, que siempre reviste un mensaje constructivo: conservar la integridad pase lo que pase. No podemos controlar lo que harán con nuestra imagen (o datos), pero podemos evitar que muestren algo que no queremos si nos negamos a actuar de ese modo.

Pueden manipular, no inventar (al menos en principio). Y la decisión de a qué y a quién mantenerse fiel depende solo de uno mismo. Sin duda, un planteamiento estimulante en una novela que es, también, un viaje iniciático sobre hacerse adulto, sobre dejar atrás el paraíso irrecuperable de la infancia, que a los tributos se les arranca como a los niños de la guerra, de un día para otro, sembrando violencia, muerte y destrucción. La autora vuelve de este modo a conectar con el presente, con las cuestiones que afectan a los adolescentes (y a la población en general). Denuncia ese adormecimiento colectivo que nos mantiene pasivos, inconscientes de nuestro poder, en lugar de rebelarnos ante las injusticias.

Estos libros son alimento de calidad para la resistencia. No deja de ser una ironía cruel que, por su éxito, se hayan convertido en un producto más de la cadena capitalista. Con motivo del lanzamiento de esta quinta parte, en España la editorial organizó una fiesta, llamada la Gran Gala del Capitolio, en una discoteca de Madrid (30€ por entrada, con “regalos” de merchandising incluidos). Además, relanzó toda la saga en ediciones especiales de tapa dura con los cantos tintados, siguiendo la última tendencia en juvenil de las ediciones de coleccionista con brillibrilli, de tiraje limitado y, por supuesto, más caras.

“En ciertos momentos, lo único que puedes controlar es tu actitud”. Es difícil actuar con coherencia cuando la industria, el sistema, no lo ponen fácil. Por suerte, lo interesante de una obra literaria no es el envoltorio ni el ruido que genera, sino el poso que deja tras su lectura. Y, ahí sí, no hay duda: Amanecer en la cosecha es una nueva pieza brillante de una serie magistral, una novela que enriquece, matiza y, sobre todo, dialoga con la actualidad, estimula el análisis, anima a desentumecerse, a reaccionar. No hay escritora más consecuente que Suzanne Collins: nos recuerda la importancia de ser dueños de nuestro destino cuando aún estamos a tiempo; y nos urge a no olvidar que, aunque nos pretendan dividir, estamos en el mismo bando. Juntos somos más fuertes.

La película debut del director de cine Alejandro Amenábar ha vuelto esta mañana al lugar donde nació. El mismo salón de actos de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid (UCM) que aparece en Tesis, hito del cine español, ha terminado abarrotado hasta los suelos por la proyección de esta cinta cuando se cumplen tres décadas desde su estreno. Unas 360 personas han podido disfrutar de este pase tan especial. La mayoría, veinteañeros entre los que se contaban algunos que nunca habían visto el largometraje. En el coloquio posterior, el director ha anunciado una remasterización de la cinta para poderla apreciar a la misma velocidad a la que actuaron los personajes.

El 12 de abril de 1996 Amenábar acababa de cumplir 24 años. Imbuido en unos estudios de Imagen que nunca llegaría a terminar, culminó su paso por la Facultad con una tesis muy personal. La grabación tuvo lugar durante las vacaciones de verano de 1995 a lo largo de cinco semanas y media en las que se rodó una película de dos horas. El ritmo fue de unos 20 planos rodados cada jornada.

Tal hazaña le mereció al director un reconocimiento casi sin igual en los Premios Goya de aquella temporada después de recaudar más de 2,6 millones de euros en las salas. Ganó siete estatuillas, incluidos el galardón a mejor película, mejor dirección novel y mejor guion original. Tesis, producida por José Luis Cuerda, impulsaba a un joven Amenábar a un estrellato que después ha confirmado con trabajos como Ágora, Mientras dure la guerra, Los otros y El Cautivo. Demostraba, además, que en España se podía hacer cine de género, conquistar la taquilla y arrasar en los premios. Su llegada, junto a la de otros cineastas como Álex de la Iglesia, cambió el paradigma de lo que era el cine español. 

En torno a las 9:00 varias personas ya se apostaban a la entrada del salón de actos. Quedaban dos horas para el inicio de la proyección. El vestíbulo de esta Facultad brutalista con aroma a búnker pronto comenzó a llenarse de una larga cola serpenteante. Como si la gente, esperando y de forma inconsciente, mapeara en la superficie los pasillos sinuosos que se esconden en las plantas subterráneas. Han sido esos mismos pasillos, transitados por centenares de estudiantes cada día y utilizados por Ángela (Ana Torrent), Chema (Fele Martínez) y Bosco (Eduardo Noriega) para sus escaramuzas en la ficción, los que pronto han adquirido la importancia que Tesis les confirió.

Una película más lenta

El visionado no ha sido algo habitual. Los vistazos al móvil del público se conjugaban con algunos grititos de miedo por el devenir de la película, acompañados de la risa nerviosa posterior de los más asustadizos. 

La cinta dura 125 minutos. Eso es lo que han tardado las luces del salón de actos en volverse a encender. También ha sido uno de los grandes temas abordados en el coloquio posterior. “La película nace con un defecto formal, y es que se rodó a 25 imágenes por segundo porque había muchas grabaciones al televisor. Al proyectarse a 24 frames por segundo, la película discurre un 4 o 5% más lenta”, ha explicado Amenábar al público.

Es decir, la Tesis que siempre hemos visto dura unos cinco minutos más que si la visualizáramos a la velocidad a la que actuaron los actores. “Ahora trabajamos para estrenar una remasterización para corregir eso y abrir más el sonido y crear mejor las atmósferas”, ha anunciado el director.

Evitar lo explícito del terror

Como si de una rueda de prensa se tratara, el alumnado de Ciencias de la Información ha aprovechado la oportunidad de dejarse guiar por una de las mayores figuras cinematográficas de España. Las preguntas se han sucedido. La primera pedía un consejo. Así ha respondido Amenábar: “Un rodaje es una carrera contrarreloj y optimizar, no solo los recursos, sino todo en general, es bueno, tanto en el rodaje como en la vida”.

Lo acojonante es que 30 años después salgan los documentos de Epstein y te des cuenta de que la maldad humana es capaz de esto y de mucho más

Alejandro Amenábar — Cineasta

Al alumnado con la mirada más agudizada no se le ha pasado por alto la forma en que Amenábar transmite el terror en esta obra, evitando en gran medida lo explícito y centrándose en la respuesta que provocan. “Sabía que tendría más impacto la reacción de la protagonista, más fuerza en su expresión viendo las imágenes gore, que las imágenes en sí”, ha respondido el también responsable de la mayoría de las bandas sonoras de sus creaciones. 

De todas formas, el desarrollo de Tesis surgió de una duda. Es la primera escena de la película. De camino a la facultad, Amenábar tuvo que apearse del tren. Alguien se había tirado a las vías. “Habías dos tipos de gente. Los que querían ver a ese hombre partido por la mitad y los que nos retirábamos para evitarlo”, recuerda. Y añade: “Si pudiera hacer la película de nuevo, se verían incluso menos imágenes de las que se ven o sugieren en la pantalla”.

José Luis Cuerda, un segundo padre

La humildad con la que habla el ganador del Oscar en 2004 por Mar adentro, que según ha reconocido el aspecto de la iluminación es el que menos maneja, ha quedado patente en las palabras que ha compartido esta mañana. Por ejemplo, ha asegurado que sus películas son resultado de “todo lo que he visto, leído y conocido”. Así, Tesis bebe de otras producciones como Vértigo, de Alfred Hitchcock, Coma, de Michael Crichton, e Instinto básico, de Paul Verhoeven.

A la hora de hablar de referentes, Amenábar ha subrayado la impronta que José Luis Cuerda, director de la mítica Amanece que no es poco y productor de Tesis, ha dejado en él. “Era una persona que reivindicaba el pasado, pero también una persona muy moderna”, ha apuntado. Sin embargo, algo les diferenciaba a la hora de enfrentar un rodaje. “Él vivía la pesadilla del rodaje con arranques de mal humor, se encendía con mucha facilidad, pero tenía la capacidad de apagarse y envainársela muchas veces, y disculparse cuando había sido grosero”, ha añadido el mismo Amenábar, quien ha aceptado que Cuerda fue como un segundo padre para él.

La nueva difusión de imágenes violentas

Muchas cosas han cambiado en Amenábar desde aquellos 23 años en los que se despertaba a las dos horas de cerrar los ojos durante la grabación de Tesis. Ahora ha conocido lo que es la higiene del sueño, y duerme como un bebé, asegura. De todas formas, lo que no ha variado es su ilusión por hacer cine y su esfuerzo porque la música de sus largometrajes enfrente bien el paso del tiempo.

La sociedad también ha evolucionado en estas tres décadas. A pesar de que el elemento tecnológico que vertebra la cinta está más que superado, aquellas cámaras de vídeo Sony capaces de realizar zoom digital y que eran la joya de la corona, no sucede así con uno de sus grandes temas. “Desde el punto de vista de cómo actuar ante la difusión de determinadas imágenes, la película continúa vigente, sobre todo con la aparición de Internet y las redes sociales. Lo acojonante es que 30 años después salgan los documentos de Epstein y te des cuenta de que la maldad humana es capaz de esto y de mucho más”, ha finalizado el aclamado director.

Es una de las películas más esperadas de 2026 y verá la luz este 24 de abril en España y en gran parte de las salas mundiales. “Michael”, el biopic sobre Michael Jackson en el que su sobrino Jaafar Jackson se transforma en el rey del pop, y que ha sufrido diferentes retrasos en su fecha de estreno, de lo que se han sabido más detalles gracias al portal Variety.

Y es que, según la web, en el biopic no se hablará de la denuncia por abuso infantil que recibió el cantante en 1993 mientras se encontraba de tour por Asia y que supuso un punto de inflexión en su carrera, pues afectaría a su imagen pública. Esto obligo a rehacer toda la parte final, y de ahí el retraso de 2025 a 2026 como fecha de estreno.

¿Qué le pasó a Michael Jackson en 1993?

En enero de 1993, Michael Jackson era el rey del pop sin duda alguna y estaba en un punto álgido de su carrera. Ofreció uno de los shows del ‘halftime’ de la SuperBowl más recordados y míticos del espectáculo deportivo, ante lo que fueron más de 100 millones de espectadores en Estados Unidos. En ella cantó un repertorio que incluyó Jam, Billie Jean, Black or White, We Are the World y Heal the World, y que redefiniría lo que sería esta actuación más adelante en la cultura pop.

El año continuó a lo grande, recibiendo el Grammy Legend Award por su trayectoria y que se le otorgó de la mano de su hermana Janet Jackson, un hecho que llegó tras los tres ‘American Music Awards’ a Mejor Álbum Pop/Rock por Dangerous, Mejor Single Soul/R&B por Remember The Time, y el Premio al Mejor Artista y Humanitario Internacional.

Sin embargo, todo cambiaría en otoño de 1993, cuando Michael Jackson fue denunciado por abuso infantil a Jordan Chandler, un niño de 13 años, lo que llevó a que se abriera una investigación y se realizaran registros en su rancho de Neverland y otras propiedades.

Si bien el cantante negó todas las acusaciones, esto afectó a su imagen pública, que no volvería a tener la misma estima, además de que entonces admitió públicamente su dependencia a analgésicos y se sometió a tratamiento de rehabilitación. En enero de 1994, se llegó a un acuerdo extrajudicial en el que firmaron un acuerdo económico por una suma estimada de 23 millones de dólares, sin admitir culpabilidad, aunque esto no estuvo exento de controversia.

Omitir 1993 cambió el biopic de “Michael” y sumó presupuesto

Así, todo esto contado no formará parte del biopic de “Michael” debido a que todo un tercer acto que relataba todo esto fue omitido. Esto se debe, según Variety, al hecho de que descubrieron una demanda original que prohibía que el denunciante fuera representado en una película, algo que pasó cuando la película ya estaba completamente rodada.

Esto supuso 22 días más de rodaje, y obligar a cambiar todo el final, lo que sumó 15 millones de dólares al coste, que fue asumido por la propiedad de Jackson, porque fueron ellos mismos los que impulsaron la revisión. Así, esto retrasó el estreno del 18 de abril de 2025 inicial al 3 de octubre del mismo año para luego llegar finalmente este abril de 2026.

La película cambió así por completo, siendo una historia de su ascenso en la música y de trayectoria de sus éxitos, y ofreciendo solo la complicada relación con su padre como exploración de su vida personal, que iba a ocupar en el tercer acto mayoritariamente el impacto de las acusaciones de abuso infantil. De esta forma, se considera que el final actual se cerrará en la preparación de su icónica gira ‘Bad’ de 1987.

El hecho controversial por el que sí que pasará el biopic son las graves quemaduras que sufrió en su cuero cabelludo cuando grababa una publicidad con Pepsi en 1984, lo que le llevó a ser dependiente de analgésicos, y que derivaría finalmente en su fallecimiento en 2009.

Continúan las buenas noticias para el cine español: la ópera prima de Aina Clotet formará parte de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes. Se trata de una sección paralela cuyo objetivo principal es descubrir nuevos talentos, centrando su programación exclusivamente en la primera o segunda película de directores emergentes de todo el mundo.

Viva, el debut de Clotet, es una comedia dramática que se desarrolla en una Cataluña asfixiada por una sequía extrema. Nora se está recuperando de un cáncer de mama y se plantea replantearse su vida personal y profesional a la luz de este renacimiento y de los nuevos horizontes que se le abren.

La cinta de Aina Clotet, en la que ella misma interpreta el papel protagonista y que está escrita junto a Valentina Viso, presenta a un personaje tremendamente entrañable, en lucha con sus dilemas y sus aspiraciones, mientras la ola de calor le provoca alucinaciones. La directora cuida cada pequeño detalle de este picante retrato de mujer, tal y como ha avanzado Cannes.

La semana pasada conocimos que hasta tres películas de nuestro país competirían en la Sección Oficial de Cannes la próxima edición, gracias a los nuevos proyectos de Pedro Almodóvar, Rodrigo Sorogoyen, Javier Calvo y Javier Ambrossi. Desde la creación de la Palma de Oro en 1955 nunca había habido tantos títulos españoles en competición.

Al certamen regresa un habitual como Almodóvar, que estará con Amarga Navidad, y le seguirá también Rodrigo Sorogoyen, que optará por primera vez al premio por El ser querido, su drama con Javier Bardem y Victoria Luengo. Javier Calvo y Javier Ambrossi, que se han convertido en una de las sorpresas de la Sección Oficial, entran con la que es su segunda película, La bola negra.

Por primera vez en la historia, tres películas españolas competirán por conseguir la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar, El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen y La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, lucharán por el prestigioso galardón cinematográfico en la 79ª edición del festival que se celebrará en esta ciudad francesa.

El año pasado, otros dos largometrajes bajo la marca España optaron al galardón: Sirat, de Oliver Laxe, y Romería, de Carla Simón. Sin embargo, el galardón acabó en manos del iraní Jafar Panahi gracias a Un simple accidente. Si Almodóvar, Sorogoyen o Los Javis consiguen imponerse en Cannes, se sumarán al récord que hasta ahora solo ostenta Luis Buñuel.

El cineasta es el único español que ha ganado la Palma de Oro en toda la historia del festival. Lo hizo con Viridiana, película que se estrenó en Cannes en 1961 pero que, en España, no pudo verse hasta casi dos décadas después. El largometraje llegó a los cines españoles en 1977, cuando la dictadura de Francisco Franco se había acabado tras la muerte del dictador.

Por qué ‘Viridiana’ fue censurada

En 1960, hacía más de veinte años que había terminado la Guerra Civil. Franco llevaba en el poder el mismo tiempo que Buñuel en el exilio. Después de viajar por varios países, el director aragonés había marchado a México al acabar el conflicto armado, donde encontró un entorno más favorable para dirigir sus películas. Sin embargo, en 1960, decidió regresar a España para ponerse al frente de Viridiana.

Sin destripar la trama, la película contaba la historia de Viridiana, una joven novicia que, antes de tomar sus votos, es llamada por su rico tío don Jaime para pasar unos días en su finca. Una vez allí, a ambos les suceden diversas desgracias que acaban con la llegada de Jorge, el primo de Viridiana, a la finca. Entonces la muchacha también decide acoger a un grupo de indigentes siguiendo la idea de caridad cristiana. Solo con ver el tráiler, podemos hacernos una idea de lo que Buñuel puso sobre la mesa con esta historia.

El filme protagonizado por Silvia Pinal, Francisco Rabal y Fernando Rey llegó a Cannes en 1961, donde fue premiado, pero no tuvo mucho tiempo de gloria. L’Osservatore Romano, el diario oficial del Vaticano, enseguida publicó un artículo donde acusaba a la película de blasfema y sacrílega, y pedía la excomunión de sus autores.

Viridiana, toda una crítica a la religión y la caridad del genio del surrealismo, no pudo escapar entonces de las autoridades del régimen español, que condenaron la película a una “muerte administrativa”. La dictadura ordenó destruir todas las copias del filme, pero Silvia Pinal y el productor Gustavo Alatriste lograron salvar una, que sacaron de España burlando la censura franquista. La película no se estrenó en nuestro país hasta abril de 1977, ya muerto Franco.

En la lista de las películas de terror más recordadas de la historia del cine, El exorcista (1973) bien podría ocupar uno de los primeros puestos. El largometraje dirigido por William Friedkin causó verdadera sensación en la época; no solo entre el público, sino también para la crítica. El filme recibió un total de diez nominaciones para los premios Oscar, incluyendo el reconocimiento a Mejor Película.

La película desarrollaba lo que el escritor William Peter Blatty ya había plasmado en su novela, la cual se había publicado apenas un par de años antes. A la edad de 12 años, Regan empieza a mostrar comportamientos extraños y cada vez más perturbadores, pero ningún médico es capaz de saber lo que le pasa. Su madre recurre entonces a dos sacerdotes, que concluyen que la niña sufre una posesión demoníaca e intentan salvarla mediante un exorcismo.

Lo que muchos no saben es que Blatty empezó a desarrollar esta historia basándose en un caso real que conoció mientras estudiaba en la universidad. Hablamos del supuesto exorcismo que ocurrió en 1949 y del que informó en primicia The Washington Post. “En la que quizá sea una de las experiencias más extraordinarias de su tipo en la historia religiosa reciente, un joven de 14 años de Mount Rainier, un suburbio a unos 15 km de Washington DC, fue liberado por un sacerdote católico, luego de ser poseído por el diablo”, reportó el diario.

¿Quién era Roland Doe?

El protagonista de esta historia es Roland Roe, un joven que había nacido en 1935 y que, en el momento de los hechos, apenas tenía 14 años. Su tía le había regalado una ouija y, una vez fallecida esta, el chico intentó comunicarse con ella utilizando este artefacto. Fue entonces cuando todo cambió para Roland.

Según contó su familia entonces, el adolescente empezó a comportarse de manera extraña: hacía ruidos raros y gritaba frases en latín cuando no conocía el idioma. Los muebles de la casa aparentemente se movían sin explicación y sus padres, viendo que ningún médico era capaz de encontrar una explicación a lo que le ocurría, recurrió a la ayuda de William Bowdern, un jesuita que realizó más de 20 rituales de exorcismo a Roland.

En su diario, Bowdern anotó cómo el joven entró en un estado de trance mientras 14 testigos observaban durante uno de sus exorcismos. No fue hasta tiempo después cuando otro sacerdote supuestamente consiguió liberar a Roland de lo que entonces describieron como “posesión demoníaca”. Entonces el caso llegó a los medios.

Lo más sorprendente de todo es que Ronald llevó una vida normal y exitosa después de estos eventos que vivió siendo prácticamente un niño. El chico se cambió de nombre (Ronald Edwin Hunkeler) y llegó a trabajar como ingeniero de la NASA, cuyo trabajo contribuyó a las misiones espaciales Apolo en los años 60. Su verdadera identidad no se reveló hasta 2021, un año después de que este falleciera a los 86. 

Cuenta Alexis que nació en los confines del mundo. Allá donde, según la mitología, Hércules partió con su fuerza infinita una montaña, dejando a un lado el Peñón de Gibraltar y a otro el monte Abyla. Cuenta también que fue un extraterrestre el que lo tomó de la mano en una sala sevillano para enamorarlo del cine. Fue un amor para toda la vida. 

Las lágrimas se enjugaron aquel día por la inexorable muerte de su abuelo y por la criatura que ascendía ya a los cielos. Entre realidad y ficción, emoción sin límite de continuidad.

Ha sido, precisamente, esa búsqueda de la emoción una constante en la filmografía de Alexis Morante, desde que, siendo un adolescente, tomó entre sus manos la cámara doméstica de su amigo Raúl Santos y dirigió y montó su primera película: un mini documental sobre el cumpleaños de su madre, con entrevistas a su familia. Aquello, por lo visto, terminó haciendo llorar a todos los presentes.

Con un Grammy en las vitrinas de su casa, numerosos premios de todos los puntos del planeta y varias nominaciones a los premios nacionales más importantes, incluido al Goya, el director algecireño lleva ya más de tres décadas huyendo de la impostura. Buscando lo genuino. 

Y lo hace sin importarle si se enfrenta a una estrella del rock, a un mito o un actor profesional. Lo importante es la búsqueda de esa emoción genuina. De la verdad.

A través de esos personajes reales, encontró, por primera vez y hasta hoy, la forma de ser reconocido y poder vivir de algo tan complejo como la dirección cinematográfica. Una beca le llevó a Estados Unidos. Y su espíritu tenaz, a trabajar en Los Ángeles con el mismísimo Enrique Bunbury, el mítico exlíder de Héroes del Silencio. 

El tour de Bunbury por los EE.UU. le abrió las puertas a la dirección de vídeos musicales, donde descubrió el éxito y la recompensa de arriesgar artísticamente. Lo hizo junto a una serie de profesionales andaluces a los que ya nunca ha perdido de vista: Diana Sagrista (Goya a Mejor Sonido por Segundo Premio), su amigo el guionista Raúl Santos o el director de fotografía Juanma Carmona, entre otros muchos. 

Guiado por ese deseo de innovación artística, Bunbury le propuso un videoclip de media hora, compuesto por un mosaico de varias canciones. Dieron con la tecla. Fue una obra tan original, que terminaron nominados al Grammy y ahí se dio cuenta de que, tomándose en serio la música, podría hacer cine genuino.

Camarón de la Isla, Alejandro Sanz, David Bisbal… en ellos ha encontrado Morante las luces y las sombras del éxito. Un camino de obstáculos hacia el ascenso profesional en el que se ha buscado (y encontrado) a él mismo: el niño que salió de Algeciras y que, a base de tesón, ha logrado vivir con gran fortuna de su trabajo artístico.

Sin dejar nunca de lado el documental musical, su primera oportunidad con el largometraje de ficción le llegó con El universo de Óliver, inspirándose en la Algeciras de su infancia para contarnos una fábula sobre la pérdida. Ahí recogía la semilla de aquel cine donde lloró al ser sobrenatural que se trascendía a sí mismo. Pero ahora era él el que, por fin, hacía cine en pantalla grande. Apenas un par de años años hizo lo propio en ¿Es el enemigo?, una película sobre aquella guerra civil que transformó al adolescente Miguel en el cómico Gila. Estrenó en nuestra meca nacional del cine: San Sebastián.

ET, Gila y Óliver. En las tres, curiosamente, un teléfono enciende la emoción. En El Universo de Óliver, María León baja las revoluciones para desnudar sus emociones y pedir auxilio a su hermana. En ¿Es el enemigo?, de nuevo, un teléfono, en este caso imaginario, desviste las emociones de la extraña tropa que busca un frente perdido, donde se libra una guerra casi imaginaria.

Así, en esta búsqueda de la emoción genuina, su obra documental y su obra de ficción se entrelazan las manos. Así lo hace en sus dos últimas obras. Por un lado, Acoustic Home T4, la docuserie musical, donde HBO y Sony van desnudando, episodio a episodio, a estrellas de la talla de Amaral, Rigoberta Bandini, Edurne o Arde Bogotá, entre otras. 

En confesiones introspectivas, impulsadas por el cinema verité, nos sumergimos en la intimidad de las artistas, mientras el espectacular patrimonio histórico y natural de Andalucía engrandecen con su majestuosidad la puesta en escena de sus conciertos. En una dualidad constante entre la grandeza y la fragilidad, Antonio Orozco se enfrenta a las tierras escarlatas de Riotinto, Amaral a los ecos milenarios de Baelo Claudia o Arde Bogotá a la infinitud física y temporal del desierto de Tabernas. Es, a día de hoy, una de las propuestas más sugerentes de la oferta de HBO.

Las aguas del Atlántico que bañan los pies de Amaral en Acoustic Home o del protagonista de El Universo de Óliver son las mismas que le han llevado a su tercera obra de ficción: A una isla de ti, una comedia romántica ambientada en la Canaria abierta a la diversidad, el amor y la amistad. Acaba de estrenarse en salas de cine, con idea original de otro andaluz, Fernando Pérez (artífice de los guiones de Aída y vuelta, Arde Madrid o Kiki, todas ellas dirigidas por Paco León) y Toni Acosta al frente del reparto.

Hay autores a los que les resulta imposible esconder en la gran pantalla su innata maldad personal. Se me vienen a la mente dos directores españoles. Uno está canceladísimo y el otro, en vías de ello. 

A Alexis le ocurre justamente lo contrario: le resulta absolutamente imposible esconder su bonhomía, su sincera fe en en el ser humano y su inagotable optimismo. 

Este año se enfrenta a uno de los mayores retos de su vida: retratar a un mito inconmensurable. El de Rocío Jurado, en la docuserie de Movistar+ La más grande.

Fortuna tibi sit propitia, querido Alexis. Así lo ha hecho siempre.