Cada película de Christopher Nolan se ha convertido en los últimos años en toda una experiencia, acompañada de gran expectación, con proyectos de gran envergadura, y algunos de ellos con dificultad añadida en cuanto a su sinopsis, con películas como ‘Tenet’ que todavía son incomprendidas por muchos espectadores, e incluso por parte de sus actores principales como es el caso de Robert Pattinson.

Pattinson es también uno de los protagonistas del próximo estreno del cineasta, ‘La Odisea’, una adaptación de la obra clásica de Homero que aspira a no dejar indiferente a nadie como han demostrado sus primeras imágenes y el tráiler, y que es uno de los estrenos más esperados de este verano, que se prevé el próximo 17 de julio.

Los detalles que se van conociendo de ‘La Odisea’ de Christopher Nolan dejan ver un proyecto que puede ser la película más ambiciosa y extrema de su trayectoria, además con una cifra de presupuesto que supera los 250 millones de dólares. Los últimos ‘flecos’ los hemos conocido a través de su reparto, con un reciente reportaje de tres de sus protagonistas, Matt Damon, Tom Holland y Robert Pattinson en la revista GQ.

En la entrevista, Matt Damon ha compartido las dificultades que ha vivido en el rodaje de la película, en la que interpreta a Odiseo, y que ha llevado más de tres meses para completarla, con un viaje por seis países diferentes y para el que se han usado más de 600.000 metros de IMAX. Todo una ‘odisea’ para el reparto, como han asegurado los actores.

“Cuando llegaba a todos esos lugares, pensaba: ‘¿A quién coño se le ha ocurrido que aquí se podía rodar una película?'. Cada vez que íbamos a un sitio, decíamos: ‘Bueno, en Islandia será más fácil’. Y luego llovía a cántaros y hacía un frío de cojones. Islandia fue como: ‘¿Fácil? Sujétame el cubata. Y, efectivamente, llegamos [a Los Ángeles] y Chris [Nolan] tenía dos motores a reacción echándonos agua a mares. Así que fue un final bastante apropiado. Incluso el entorno controlado era frío, húmedo y bastante incómodo”, aseguró el actor protagonista.

A su vez, sin embargo, para Matt Damon todo este esfuerzo ha merecido la pena y ha compensado: “Fue una experiencia en la que simplemente estaba inmerso cada día, y me encantaba. Y ocurrió lo más curioso: todas esas cosas que podrían haberme resultado difíciles en una etapa anterior de mi vida ya no lo eran. Lo disfruté mucho. Por ejemplo, no me importaba lo de estar empapado y pasar frío. De hecho, me sentía afortunado de poder experimentarlo. Me parecía algo finito, como un regalo. Así que fue muy extraño. Nunca he experimentado algo así. Por eso sueno un poco como un cristiano renacido. Es un sentimiento que anhelaba y que por fin he vivido”, concluyó.

Tom Holland: “Se parece más a una recreación histórica”

Las declaraciones de Matt Damon en GQ fueron completadas por las de sus compañeros de reparto, con un Tom Holland al que lo que más le asombró fue el set del rodaje de la película en Marruecos: “Recuerdo que caminé por esa playa durante media hora y solo veía soldado griego, soldado griego, barco griego, soldado griego, la guerra de Troya, barco griego, soldado griego. No sé si estoy exagerando, pero me parecieron kilómetros. Y le digo al asistente de producción: ‘¿Dónde está el equipo? No he visto ni rastro de un plató de rodaje. Esto se parece más a una recreación histórica que a un plató de cine”, compartió el actor.

La Fiesta del Cine celebra su primera edición de este año. Desde este lunes 8 al jueves 11 de junio incluido, más de 330 cines de toda España pondrán sus entradas a 3,50 euros. Cuatro días para recuperar a un precio inusual éxitos que se habían quedado en el tintero o disfrutar de los nuevos estrenos. Una medida que se celebra desde hace años, con el objetivo de revitalizar la taquilla en unas fechas donde la llegada del calor suele afectar a la asistencia a las salas.

En esta ocasión, la Fiesta del cine llega en un buen momento, ya que en los primeros cinco meses del año se está viviendo el mejor comienzo desde 2019, con un incremento en la asistencia de más del 36% entre enero y mayo comparado con el año anterior. Los meses de enero, febrero, marzo y abril han registrado el mejor dato de asistencia de los últimos seis años. El mes de mayo que acaba de finalizar ha registrado el segundo mejor dato de asistencia para un mes de mayo de los últimos seis años, solo por detrás del mismo mes de 2023.

Por eso, esta fiesta del cine puede ser una buena oportunidad para seguir consolidando unas cifras prometedoras de asistencia a los cines este 2026. Para no perderse en el mar de estrenos y películas, aquí unas recomendaciones: 

'Backrooms'

Es la película de la que todo el mundo habla. La película de terror de A24 ha sido un fenómeno en todo el mundo. En EEUU estrenó con más de 80 millones de dólares, y en España acaba de colocarse en el número uno de la taquilla con 1,65 millones de euros, un éxito que se refrendará en estos días de Fiesta del Cine. Backrooms es el debut en la dirección de Kane Parsons, que con solo 20 años ha trasladado su fenómeno de YouTube sobre espacios liminales a la gran pantalla y se ha convertido en el chico de moda en Hollywood, que ya le ha fichado para producir sus siguientes obras.

'La luz'

Fernando Franco es uno de los directores españoles más sólidos. Lo ha demostrado desde su debut, La herida, pasando por grandes películas como La consagración de la primavera. Ahora se mete en el fango para abordar desde su estilo adulto y austero un tema tan espinoso como los abusos a menores en la Iglesia católica. Lo hace desde un punto de vista inusual, el de un cura abusador que decide contar la verdad. Consigue retratar el silencio y la impunidad de la Iglesia y cuenta con una interpretación excelente de Alberto San Juan, rodeado de un reparto de secundarios de lujo como María Galiana, Nacho Sánchez o Miguel Rellán. 

'El drama'

Otro éxito de A24, que se ha convertido en el estudio de moda indie en EEUU y está viviendo un 2026 de triunfos en la taquilla. Lo hace con esta comedia incómoda y muy negra que tiene a dos de las mayores estrellas jóvenes al frente de su reparto: Zendaya y Robert Pattinson. Kristoffer Borgli se ha convertido en otro de esos cineastas afincados en EEUU que han logrado trasladar su particular estilo a Hollywood. La historia de una pareja enamoradísima que se enfrenta a una crisis cuando ambos desvelan sus secretos inconfesables consigue, además, levantar una discusión al salir del cine.

'Yo no moriré de amor'

La Fiesta del Cine es el momento perfecto para recuperar una de las mejores películas españolas que se han estrenado este año. El debut de Marta Matute en la dirección ganó la Biznaga de Oro en el pasado Festival de Málaga y todo hace prever que será uno de los títulos reconocidos en la próxima temporada de premios. Una película que cuenta el alzhéimer sin regocijarse en la tristeza y sin miserabilismos y que cuenta con un reparto en estado de gracia donde destaca su joven protagonista, Júlia Mascort y Sonia Almacha. 

'Un poeta'

Todavía se puede ver en unas pocas salas en toda España, y merece la pena recuperar una de las mejores películas que se ha estrenado este 2026. El filme de Simón Mesa Soto es una comedia triste sobre un parado, alcohólico, que en un momento dado fue una joven promesa de la poesía y vive creyendo que podrá triunfar con su arte en una Colombia donde no hay cabida para él. Su encuentro con una niña con talento para escribir le hará recuperar la ilusión. O algo parecido. Divertida, melancólica, hermosa y triste. 

La Fiesta del Cine regresa a Madrid con entradas a bajo coste para premiar a los más cinéfilos. Desde el lunes 8 y hasta el jueves 11 de junio, el público podrá acudir a su sala de cine favorita y disfrutar de una película a un precio reducido de 3,50 euros por entrada. 

A diferencia de ediciones anteriores, no es necesario solicitar la acreditación en la web para participar en la Fiesta del Cine. Solo será necesario sacar las entradas en taquilla o de forma online como de costumbre.

En la edición de junio de la Fiesta del Cine podrán verse algunos de los estrenos más esperados de la temporada, entre ellos He-Man y los Masters del Universo, que recupera al príncipe Adam en su regreso a Eternia para enfrentarse a Skeletor. También destacan la nueva entrega de Scary Movie, el drama romántico Todo lo que nunca fuimos, la propuesta de terror Backrooms y Cada día nace un listo, dirigida por Arantxa Echevarría y protagonizada por un amplio reparto encabezado por Hugo Silva.

La programación se completa con títulos que ya se encuentran en cartelera, como Torrente Presidente, El diablo viste de Prada 2, Michael o Mortal Kombat II, además de otros estrenos recientes como The Mandalorian and Grogu y diversas producciones nacionales e internacionales. A ello se suma el reestreno de Shrek 25 Aniversario, que permitirá volver a disfrutar en la gran pantalla de uno de los clásicos más populares de la animación.

Este es el listado completo de salas participantes en la iniciativa en Madrid capital:

Y en el resto de la región:

Sus orígenes familiares parecían abocar a Emiliano Otegui (Madrid, 1954) al mundo del cine. Sobrino del productor Emiliano Piedra y de la actriz Emma Penella, su tío lo convenció para que abandonara otros estudios y fuera su heredero en la profesión. Con 72 años, tres premios Goya en su haber y una larga y brillante trayectoria, Otegui reconoce que no se equivocó al elegir una profesión que ama, al tiempo que explica que el director de producción deriva en un cineasta-orquesta que debe conocer todas las facetas de una industria tan compleja como el cine.

En sus extensas memorias, 40 años haciendo películas (Ocho y Medio), que acaba de publicar, repasa su filmografía centrada en el trabajo con directores de primera fila como Carlos Saura, José Luis Cuerda y Alejandro Amenábar. Cuando se le pregunta por lo más difícil de su especialidad señala sin dudar que “el trato con los representantes de los actores y de las actrices”.

Un director de producción, según sus palabras, es “ese profesional que se sitúa detrás de los que están detrás de la cámara”. Dicho con otras palabras: se encarga desde la contratación del equipo técnico y artístico hasta la organización del catering, los horarios de rodajes o las localizaciones pasando por lo más importante: la elaboración de un presupuesto ajustado y riguroso que deben aprobar los productores-financiadores de un filme.

Con un aire bonachón y tranquilo, cara de buena persona, Otegui afirma: “Un director de producción tiene que presuponer lo que van a pedir cada uno de los oficios que intervienen en una película, desde el director a la gente de maquillaje y peluquería. Por ello, conviene que conozcas todas las características de sus tareas. En realidad, podríamos decir que un director de producción es un cineasta-orquesta”.

La incorporación de las mujeres

A lo largo de su amplísima experiencia Otegui no ha tenido más remedio que ir adaptándose a los frenéticos cambios tecnológicos del mundo del cine. “Por supuesto”, explica, “la tecnología es lo que más ha cambiado en una película y está claro que ha revertido en una mejor calidad de imágenes, de sonido, de factura técnica de un filme”. “Ahora bien, la revolución técnica también ha traído consigo un retroceso al generar un volumen de información tan enorme que dificulta la concentración. Ahora pasas más tiempo en un rodaje leyendo correos y WhatsApp que dedicado a tu tarea. No he llegado a rodar en digital, pero puedo declarar que hace unos años con equipos de 40-50 personas se filmaban películas dignas y más operativas que en la actualidad con equipos de 80”, opina.

No obstante, Otegui no trasluce ninguna nostalgia por el pasado del cine y señala que, junto a la tecnología, el mayor avance en el sector ha sido una cada vez mayor incorporación de las mujeres. “Cuando yo empecé como director de producción”, comenta en una charla con elDiario.es en la librería Ocho y Medio, la librería-editorial que ha publicado sus memorias, “las mujeres apenas ocupaban puestos de maquilladoras, scripts o sastras”. “Afortunadamente, ahora encontramos mujeres en todos los oficios del cine. Allá por los años ochenta, salvo Sol Carnicero y Esther García, no había directoras de producción”, añade.

Los representantes son una casta que cobra a partir de lo que ganan actores y actrices y siempre elevan el tiro de los honorarios de los intérpretes

Emiliano Otegui — Director de producción

En cualquier caso algo que no varía en la producción cinematográfica, de televisión o series, a juicio de Otegui, apunta a que los directores siempre quieren contar con el último grito en tecnología y con los actores o actrices que están triunfando en cada momento. Y en esa negociación el director de producción tiene que mostrar flexibilidad y firmeza a la vez. 

Los egos de directores y actores

Ese director de producción que se sitúa detrás de los que están detrás de las cámaras ha de lidiar, por descontado, con los egos consustanciales al mundo de la pantalla. Para Otegui, quienes más ego manifiestan no son ni los intérpretes ni los cineastas: “Con los directores con los que más he trabajado, que son Carlos Saura, José Luis Cuerda y Alejandro Amenábar, nunca he sufrido problemas de egos y vanidades caprichosas. Con actores y actrices tampoco he tenido grandes conflictos, aunque lo más difícil para un director de producción es el trato con sus representantes”.

De estos opina que “son una casta que cobra a partir de lo que ganan actores y actrices y siempre elevan el tiro de los honorarios de los intérpretes”. “En ocasiones, además, exigen cosas superfluas o sin verdadera justificación. Frente a esas peticiones, siempre me he guiado por la máxima de que la mayor parte de inversión de una producción debe verse en la pantalla. Por fortuna los representantes no suelen pasarse luego por los rodajes o los montajes”, apunta.

Emiliano Otegui ha trabajado con tres de los mejores realizadores del último medio siglo de cine español: Saura (con quien hizo Carmen o El amor brujo), José Luis Cuerda (con quien trabajó en El bosque animado, La lengua de las mariposas o Los girasoles ciegos) y Alejandro Amenábar (con quien estuvo en Tesis, Abre los ojos, Los otros y Mar adentro). Así los define: “Saura era un tipo excepcional y muy tranquilo que no se molestaba con nadie y solo rodaba o montaba cuando todo estaba listo. Cuerda fue un gran amigo, genial y agradable, pero en ocasiones nervioso e iracundo en los rodajes, quizá por la confianza que teníamos. Por último, Alejandro Amenábar tiene siempre claro lo que quiere y nunca suele fallar, una cabeza privilegiada que dirigió una obra maestra como Tesis con apenas 23 años. Con sus éxitos se volvió más exigente, pero es natural porque ha dado a ganar mucho a sus productores y se ha convertido en una figura internacional”.

Goyas recibidos y galas dirigidas

Este veterano director de producción, que sigue con proyectos en la cartera y no se ha retirado del todo, se muestra muy orgulloso en sus amplias y muy documentadas memorias de Tesis, un filme de 1996 que arrasó en los Goya con siete premios a partir de un presupuesto reducido que diseñó Otegui. Aquellos galardones ofrecieron un empujón fundamental a una película a priori minoritaria que apostaba por el thriller y el terror en un nuevo cine español. “Tan solo comentaré como dato”, recuerda Otegui, “que Tesis recaudó 96 millones de las antiguas pesetas antes de los Goya y fue retirada de la mayoría de salas. Tras los premios, ganó 350 millones de pesetas y se ha convertido en un filme que se proyecta con mucha frecuencia en todo tipo de televisiones”. 

A propósito de los galardones del cine español, Emiliano Otegui, ganador de tres cabezones de Goya por Tesis (1996), Los otros (2001) y Mar adentro (2004), fue también el responsable de varias de las ceremonias de entrega de los premios. Con un gesto paciente, este responsable de producción no vacila al decir que lo más complicado de una gala es “aguantar al personal”. “En esas fiestas”, agrega, “se dan cita todos los egos, todas las tonterías y vanidades, desde la directiva de la Academia de Cine hasta el último académico”. “En fin, todos quieren alfombra roja, photocall y trato de famoso, algo que resulta imposible. Porque no conviene olvidar que la gala de los Goya es un rodaje en directo que ven por televisión millones de personas y donde en realidad solo interesan seis premios y se entregan más de 30”. 

Quizá el mejor elogio a la labor de Emiliano Otegui se lo dedique Amenábar en unas memorias imprescindibles para aquellos que quieran comprender la relevancia de un trabajo oscuro, pero muy necesario como el de un director de producción. Al rememorar su primer encuentro con Otegui, el consagrado Amenábar escribe en el prólogo: “En aquel momento yo era un tarado, pero sobre todo un ignorante, incapaz de percibir la relevancia de un trabajo como el que Emi llevaba tanto tiempo haciendo y, lo que es más grave, incapaz de reconocer a un auténtico animal de cine”.

Hemos pasado a hablar de nuestras casas (de las que no tenemos, de las que no podemos pagar, de las que nos echan) a hablar de la casita de Bad Bunny, que es un decorado y un símbolo en mutación. Todo tiene sentido conceptual en la instalación de una típica casita puertorriqueña en mitad del estadio en el que tenga lugar el concierto: Benito invita a la fiesta familiar que se abre a esa familia ampliada que son los amigos, los vecinos y los que se cuelan pero ya los quieres, los balcones están ahí para eso. El cantante se traslada del escenario principal a la casita a la vez que el show transita hacia las canciones más sexuales y personales.

Decimos que tener vivienda es un privilegio, y entrar en la casita también lo es. Caben unas 30 personas dentro y es el lugar más codiciado para los asistentes. Bad Bunny invita a celebridades y algunas personas que entran en la categoría de, digamos, normales. La fiesta se desparrama.

Todo tiene tanto sentido conceptual que a la casita le salen grietas simbólicas. Ponte en el lugar de quien ha pagado 150 euros y la casita le tapa la visión del escenario, pero puede pasarse la noche viendo a personas bellas e inalcanzable bailando a sus anchas, bebiendo en la barra que se ha instalado dentro o sentadas en el sofacito.

O en el lugar de Ramón Carrasco Delgado, de 84 años, propietario de la casita a la que copia esta, diseñada por la directora de arte Mayna Magruder Ortiz (quien por cierto tiene prohibidas las entrevistas) y a cuya casita real no para de acudir gente a tirarse fotos allí. Carrasco firmó un contrato para el uso de su casa en el documental con el que Bad Bunny acompañó la salida del disco, pero afirma que no se le explicó las verdaderas dimensiones del proyecto, por lo que demanda al cantante por enriquecimiento injusto.

No sabemos los costes de la gira Debí tirar más fotos, pero tienen que ser elevados. Lo que sí podemos es hacer una cuenta de la vieja de lo que más o menos ingresa por venta de entradas a su paso por España: 600.000 entradas vendidas de 12 conciertos, a una media de 150 euros, ponte que alcance los cien millones de euros, eso sin contar el merchandising. Ramón Carrasco Delgado le pide a Bad Bunny cinco millones de euros por menoscabo de sus intereses económicos y un millón más por la mala vida que le están dando las personas que pasan a husmear a ver si les dan por la mañana café o por la tarde ron, a ver si hay fiesta en la casita.

Madrid es un lugar difícil estos días: la visita del Papa ha cortado arterias principales, los hoteles rebosan, hace calor y hay colas hasta para entrar a La Placita. Con este follón, la Feria del Libro, que suele ser el foco cultural los primeros días de junio en la capital, pasa desapercibida. En el medio del caos, dos chavales que no han cumplido los 20 años y sin entrada para ver a Bad Bunny, se inventan un negocio para sacarse unas pelas en este inicio del verano: el guardacolas.

Tres libros

'Infiltrados en Amazon y Starbucks. Cómo montar un sindicato con todo en contra' de Jaime Caro Morente (Lengua de Trapo y Círculo de Bellas Artes)'. Este investigador granadino, experto en la historia del socialismo estadounidense, los discursos de la extrema derecha y el trumpismo, ha escrito un breve ensayo clave para adentrarnos en el sindicalismo USA, casa de grandes corporaciones internacionales de explotación laboral como las que aparecen en el título del libro y que, por tanto, nos afectan en el mundo entero. (Si tienes la sensación de que hay un Starbucks en cada esquina, te gustará saber que la cifra concreta es de 15.000 establecimientos en 50 países, y 210.000 trabajadores solo en EEUU).

Caro nos lleva al momento en el que un grupo de baristas en 2021 funda el primer sindicato en la historia de Starbucks en Estados Unidos. O cómo dos jóvenes comienzan a tejer una red de confianza y solidaridad con los trabajadores de Amazon en Staten Island.

'La puntada subversiva. El bordado y la creación de lo femenino' de Rozsika Parker (trad. Ana Useros Martín y Jesús Espino Nuño, Akal). Es la primera vez que se publica en castellano este revelador ensayo escrito en 1984 capaz de reenfocar la historia del arte con mirada feminista. El hilo y la aguja, dos herramientas unidas siempre a la mujer, tanto en el ámbito familiar como en el profesional, son un símbolo patriarcal pero también pueden serlo de resistencia. Esta de Parker es una de las investigaciones más rigurosas sobre la historia social del bordado y su relación con las mujeres. Si estás en Madrid, te recomiendo una cosa bonita para el 14 de junio en la Feria del Libro: un taller-presentación en el que además de hablar del libro, se bordará.

'La chica de nadie (Nobody's Girl)' de Virginia Roberts Giuffre (Planeta). Una de las víctimas del pederasta Jeffrey Epstein trabajó junto a la periodista de investigación Amy Wallace durante varios años para dar forma a estas memorias. Virginia Roberts fue una de las mujeres que más se expuso para enfrentarse contra el poder de Epstein y su cómplice Ghislaine Maxwell. Además de testificar contra ellos, demandó al príncipe Andrés de Inglaterra. Pero sintió que la Justicia la traicionaba cuando en 2008 esta llegó a un acuerdo de no enjuiciamiento con Epstein (que se ahorcó en su celda en 2019), a espaldas de las víctimas, lo cual le hizo salir a la luz, dar la cara. Este es su legado póstumo, ya que Virginia Roberts se quitó la vida en 2025.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Aunque no seas futbolero, a veces es imposible separar este deporte de la música. Que se lo digan a Madonna, Shakira y BTS, que actuarán en el descanso de la final del Mundial. Sin embargo, hay himnos más discretos que también reúnen la magia que rodea a esta competición. El grupo escocés Belle and Sebastian regresa con una propuesta que no se puede separar demasiado de un balón, y que ya forma parte de nuestra playlist de recomendaciones, donde están también las de semanas anteriores.

'It Only Takes One Lion' de Belle and Sebastian. Concebido como el himno oficial de Escocia para el Mundial de 2026, este temazo de indie disco sigue el viaje de la selección nacional de Escocia durante los últimos 50 años. En la portada aparece un jovencísimo Stuart Murdoch vestido de futbolista. La banda pasará por España en julio con conciertos en el Bilbao BBK Live y las Noches del Botánico de Madrid. 

'Down South' de Paul McCartney. El legendario músico demuestra que sigue siendo importante recordar el pasado. En esta canción de su nuevo disco The Boys of Dungeon Lane, McCartney regala una pieza acústica preciosa que habla con cariño de su amistad adolescente con George Harrison. Con una guitarra acústica muy sencilla, repasa cómo se conocieron en el autobús escolar y cómo hacían autostop de jóvenes, mucho antes de que todo el planeta se pusiera a bailar con Twist and Shout.

'Caravaggio' de Dellafuente. El artista granadino regresa con un adelanto de su próximo disco, Brigado, que se publicará este 19 de junio. Esta canción de flamenco experimental, que homenajea al famoso pintor italiano, la ha acompañado de un videoclip que emula un videojuego interactivo para simular el robo de un museo. El cantante ha sido la sorpresa del cartel del Weekend Beach Festival, que se celebrará el próximo julio. 

Tres películas, por Javier Zurro

'La luz'. Fernando Franco es uno de nuestros cineastas más interesantes y menos obvios, y por eso su acercamiento a los abusos en la Iglesia adopta un punto de vista tan poco obvio como interesante, el de un cura abusador que, en un momento dado, parece arrepentirse de sus actos. Un filme adulto, complejo, lleno de aristas y con una interpretación excelente de Alberto San Juan.

'Los ilusos 13+13'. En 2013 Jonás Trueba estrenó Los ilusos, la película que terminó poniendo nombre a su productora y a una forma de hacer cine que va a la contra del modelo industrial español. Trece años después, el director la reestrena con escenas en el color original en vez de en blanco y negro para establecer un diálogo entre aquel filme y el momento actual. Una oportunidad genial para recuperarla en salas de cine.

'Este cuerpo mío'. Carolina Yuste ya no es solo una actriz estupenda, sino una directora prometedora que vuelve a mostrar su personalidad arrolladora en este documental en el que acompaña a su amigo Rafael en sus primeros años de transición de género. Un testimonio íntimo, hermoso, político y tremendamente actual.

Cinco planes para el finde, por Laura G. Higueras

FIRE! (Barcelona). Bajo el lema Mil y una historias queer, este festival pondrá este año el foco en las miradas del cine árabe y persa, reuniendo historias, creadores y voces que atraviesan fronteras, cuestionan imaginarios y abren nuevas conversaciones. Se celebrará hasta el próximo domingo 14 de junio en el Instituto Francés. Entre las películas que van a proyectarse están ¿Dónde estás? de María Moreno Novoa, ¿Quién mató a la cucaracha? de Juan Escribano Tamayo y 3670 de Park Joon-ho.

Misterio, ingravidez y dos mundos (Sagunto, Valencia). Este viernes se inaugura esta exposición en la Casa Capellà Pallarés, sobre la obra de la artista valenciana Lorena García Mateu. Su proyecto pictórico invita al público a adentrarse en un universo simbólico donde lo natural y lo cósmico dialogan en equilibrio. La muestra reúne una serie de obras en gran formato realizadas en óleo sobre lino, en las que ha plasmado escenarios pictóricos que sugieren la existencia de múltiples planos de realidad.

Los mismos lugares (Madrid). El Museo ICO alberga esta exposición que forma parte de PhotoEspaña, sobre la obra de Jorge Yeregui. La exhibición se articula en torno a cuatro cuerpos de trabajo que, mediante fotografía, vídeo, instalación y otros formatos, proponen una reflexión sobre el impacto de las industrias extractivas en el territorio, los efectos de la crisis del mercado inmobiliario, las distintas formas de crecimiento urbano y los modelos de relación entre el ser humano y la naturaleza.

¿No hay nada como el hogar? (León). El MUSAC propone esta muestra que analiza el concepto de hogar como algo inestable y polifacético, moldeado por las condiciones sociales, las expectativas culturales, las experiencias emocionales y las realidades vitales. Lo hace combinando obras sobre diferentes soportes, instalaciones y material audiovisual, que exploran este tema desde diversos ángulos: el hogar añorado o inalcanzable, el idealizado, el físico y el mental, el frágil, el peligroso o el inestable. Esta constelación de miradas incluye la de quienes carecen de hogar, a quienes lo han dejado atrás y a quienes lo buscan o lo reinventan.

K-Power (Valladolid). El centro comercial Vallsur será la sede este fin de semana del fenómeno K-Pop, con una programación gratuita que combinará música, maquillaje temático y espectáculos en directo, como K-Power, el musical K-Pop. También habrá una clase de coreografía para aprender los pasos más característicos de este estilo, y un espacio inspirado en los artistas del género donde los visitantes podrán experimentar con diferentes looks y maquillajes.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Shego. La banda de punk-pop formada en 2021 utiliza sus letras para poner de manifiesto la incomodidad, llenando sus canciones de desahogo, rabia contenida e incluso violencia. Si no la conoces, te la presentamos.

Teo Lucadamo. El joven rapero denuncia el genocidio en Gaza o retrata el infierno disfrazado de paraíso que supone Silicon Valley en las canciones de un disco que reivindica la importancia de ser político.

Candela Peña. Tercer nombre propio de la semana con una tercera pedazo de entrevista también en nuestra redacción, que además la vas a gozar si la ves en vídeo: “No me apetece estar eternamente buena”.

Norma Jeane Mortenson nació el 1 de junio de 1926, hace 100 años, pero el mundo la conocería como Marilyn Monroe, un mito que Hollywood creó y moldeó mucho más tarde, pero que quedaría como uno de los símbolos sexuales más populares de los años 50 y una de las actrices más cotizadas durante esa década.

De hecho, sus películas habían recaudado más de 200 millones de dólares a su temprana muerte en agosto de 1962 a los 36 años tras una sobredosis de barbitúricos. Su trayectoria cinematográfica le llevó a completar un total de 29 películas en 14 años, pero algunas de ellas son indispensables en su carrera y para conocer a la actriz más allá del mito. Todos estos filmes se encuentran disponibles actualmente en plataformas.

“Con faldas y a lo loco” (1959)

Es considerada para la crítica cinematográfica la mejor comedia de la historia. Obra de Billy Wilder, en ella Marilyn Monroe compartió protagonismo con Jack Lemmon y Tony Curtis, en una película que sigue a dos músicos que son testigos de un asesinato y al ser perseguidos por la mafia, se visten de mujeres para integrarse en un grupo de música femenino, y todo esto dará lugar a una serie de inequívocos que finalmente cerrará con uno de los finales más icónicos del cine.

A pesar de todo esto, en el contexto de la actriz, fue un rodaje muy duro porque estaba embarazada, aunque más tarde sufriría un aborto, además de que llegaba tarde y se bloqueaba en frases sencillas porque se encontraba adicta a los barbitúricos y perseguida por sus inseguridades. Sin embargo, consiguió conseguir que el personaje Sugar Kane fuera adorable y a la vez no ridícula, y en parte porque tomó a Curtis y Lemmon como “dos amigas de verdad” tras seguir el consejo de su mentor de actuación, Lee Strasberg. En ella interpreta el famoso número musical de “I Wanna Be Loved by You”.

“Los caballeros las prefieren rubias” (1953)

Pero si hay una película que consolidó el mito de Marilyn Monroe fue “Los caballeros las prefieren rubias”, que protagonizó junto a Jane Russell y dirigida por Howard Hawks. En ella aparece el destacado número musical con “Diamonds Are a Girl’s Best Friend” e interpreta a Lorelei Lee, el arquetipo de una ‘rubia ingenua’, pero también astuta, un toque que le proporcionó la actriz y que llevó a que fuera una mujer que controlaba la escena. Lo más curioso de este largometraje es que a pesar de ser uno de sus mejores trabajos, se le pagó un salario estándar aun sabiendo que era un imán para la taquilla, mientras su compañera recibió diez veces más porque venía de otro estudio.

“Vidas rebeldes” (1961)

Lamentablemente este título ostenta el hecho de ser la última película que completó la actriz antes de su muerte, un año más tarde, además de ser uno de sus mejores papeles dramáticos. Dirigida por John Huston y escrita por su entonces marido Arthur Miller, esto supuso que fuera uno de sus rodajes más complicados, porque ella consideraba que él usaba los traumas y problemas del matrimonio para el guion y los diálogos de su personaje. A todo esto, fue también la última cinta de Clark Gable, que murió en 1960, antes de que se estrenara, por un infarto. Montgomery Clift fue también compañero de reparto y fallecería apenas cinco años después.

“La tentación vive arriba” (1955)

Si hablamos del mito de Marilyn Monroe no podemos pasar por alto la que es seguramente su escena más famosa y una de las más conocidas de la historia del cine, la de la actriz sobre la rejilla del metro de Nueva York con su vestido blanco. Un momento de la película que tiene su propia leyenda, pues se rodó en la madrugada de la ciudad, rodeada de fans y fotógrafos, un hecho que se dice molestó a su entonces marido Joe DiMaggio, que provocaría una discusión violenta en el hotel más tarde y se asegura que esto marcaría el fin de su matrimonio.

En la película, dirigida por Billy Wilder, Monroe le da una voz al personaje que interpreta, que ni tenía nombre y que era una fantasía puramente sexual en la obra de Broadway, pero ella le pudo dar un toque de espontaneidad y mayor personalidad.

“Niágara” (1953)

Seguramente este sea uno de los títulos más desconocidos de Marilyn Monroe, además de mostrar uno de sus personajes más oscuros, evidenciando la versatilidad de la interprete, brillando en el cine negro y que le dio la confirmación a su estudio, la 20th Century Fox, de que podía tener más que personajes secundarios. En “Niágara”, la actriz da vida a Rose Loomi, una mujer fría y criminal que utiliza su atractivo como un arma narrativa. Una de sus curiosidades es que tiene la caminata más larga grabada de la historia del cine, con ella en un plano de espaldas durante varios metros.

Bonus: “Eva al Desnudo” (1950)

Si bien en esta película dio vida a un personaje secundario, supuso el primer trampolín hacia la fama, todo ello a pesar de ser solo unos minutos en pantalla, pero su impacto fue tal que marcaría su futura carrera como protagonista. De hecho, estaba despedida del estudio, pero finalmente el director Joseph L. Mankiewicz le dio una oportunidad por la insistencia del agente de la actriz Johnny Hyde, y finalmente quedaría fascinado por lo magnética que resultaba.

Después de unos pocos años en la industria de Hollywood, Jennifer Lawrence ganó el Oscar a Mejor Actriz en 2013 por su papel en la película El lado bueno de las cosas, la comedia romántica que protagonizó junto a Bradley Cooper. En cierta manera, fue el momento en el que la actriz consiguió dejar a un lado la etiqueta de “ídolo adolescente” que había alcanzado tras el fenómeno de Los juegos del hambre.

Fueron las películas basadas en la novela homónima de Suzanne Collins, cuya primera entrega se estrenó un año antes de recibir ese premio de la Academia, las que colocaron a Lawrence en el imaginario popular, especialmente el adolescente. Los cuatro largometrajes, que mezclaban acción, romance y distopía, fueron su primer proyecto cinematográfico a gran escala.

Pero la carrera de la mujer que dio vida a Katniss Everdeen en la gran pantalla podría haber sido muy diferente. Lo reveló ella misma hace unos años durante una conversación en el podcast de The Rewatchables, cuando contó que, apenas un año antes de aceptar este papel para Los juegos del hambre, hizo una prueba para otra película, que también se convirtió en un fenómeno juvenil. 

Su prueba para hacer de vampiro

“Hice una audición para Crepúsculo. Me rechazaron de inmediato. Ni siquiera me volvieron a llamar. Pero mi vida habría sido completamente diferente”, compartió en 2023 la intérprete. Más tarde, reveló que el éxito que tuvo la saga de vampiros protagonizada finalmente por Kristen Stewart y Robert Pattinson le hizo replantearse seriamente su futuro profesional. 

“Casi no participé en Los juegos del hambre porque Crepúsculo ya se había estrenado y se había formado todo un fandom. Cuando intentaba hablar con la gente sobre mi decisión después de que me ofrecieran el papel, me costaba explicarles este nivel de fama. Pensaba que sería como la fama de Crepúsculo, y eso nunca fue algo que tuviera en mente. Nunca quise ser la persona más famosa del planeta. Es una vida muy distinta a la que imaginaba para mí”, explicó la actriz. 

Lawrence no pudo escapar de esa fama, y las películas que protagonizó junto a Josh Hutcherson y Liam Hemsworth y que se estrenaron entre 2012 y 2015 sin duda la convirtieron en una de las estrellas más aclamadas de Hollywood. Después de aquello llegaron otras grandes producciones para ella, como ¡Madre! (2017), junto a Javier Bardem, o No mires arriba (2021), junto a Leonardo DiCaprio, por nombrar algunas.

La volveremos a ver como Katniss

Amanecer en la cosecha, la nueva película de la saga de Los juegos del hambre se estrenará el próximo 20 de noviembre de 2026 y contará la historia del personaje de Haymitch Abernathy, el mentor que Katniss y Peeta tuvieron durante su primera participación en los Juegos organizados por el Capitolio. Como confirmó la propia Lawrence en una entrevista hace poco, la actriz ha vuelto a ponerse en la piel de su icónico personaje para este largometraje, aunque lo más probable es que no aparezca más que en un pequeño cameo.

El papa León XIV visitará España del 6 al 12 de junio. Un viaje que tendrá paradas en Madrid, Barcelona, Gran Canaria y Tenerife y que paralizará las ciudades debido al operativo de seguridad desplegado en las ciudades y los opulentos eventos organizados para agasajar la llegada de Francis Prevost, nombre anterior a su llegada al poder eclesiástico como sustituto del papa Francisco. Un acontecimiento que, por si fuera poco, se junta en Madrid con otros eventos como la Feria del Libro y el concierto de Bad Bunny.

La llegada del Papa ha concentrado la atención mediática, y es que la figura del líder de la Iglesia siempre ha levantado bastante fascinación. También en el cine, donde los pontífices han sido protagonistas o secundarios de varias historias. Los directores han indagado en sus relaciones con el poder… e incluso la mafia. Francis Ford Coppola lo hizo en la tercera parte de El padrino (1990), donde crea un Juan Pablo I ficticio que, sin embargo, tiene mucho que ver con las teorías de la conspiración en torno a un papa real. 

El Cardenal Lamberto de El padrino III es un trasunto del Cardenal Luciani. Ambos comparten no solo el nombre como papa, sino una muerte prematura tras poco más de 30 días en el poder. Mientras que en la realidad eso provocó multitud de teorías de la conspiración sobre un posible asesinato, Coppola directamente cuenta que el papa fue envenenado por los banqueros que veían en él una amenaza a sus corruptelas.

La presencia del papa en el cine se podría dividir entre aquellos absolutamente ficticios, y aquellas películas que han abordado la figura real de alguno de los pontífices. En el primer grupo destacan, como es lógico, los cineastas italianos. Es difícil abordar la vida social y política del país sin que entre la religión católica de una forma u otra. Dos de los cineastas recientes que han abordado directamente esta figura son Paolo Sorrentino y Nanni Moretti.

El primero le dedicó una serie que planteaba un papa atípico. Joven (menos de 50), el primer americano en llegar al trono papal (algo que ahora ha logrado León XIV) y muy conservador. Sorrentino provocó con su habitual estilo visual y eligió a Jude Law para interpretar a Lenny Belardo, que elige el nombre de Pío XIII como pontífice en The Young Pope (2016) y su secuela, The New Pope (2020). Una serie que mostraba a un papa cachas y sensual al que el cineasta incluso mostraba desnudo. De hecho, la segunda temporada se promocionó con un tráiler que volvió a conmocionar a los más conservadores: Jude Law con un minibañador blanco andando por la playa mientras todo el mundo se giraba para observar su cuerpo.

Lo de intentar provocar a los más puritanos con el papa lo ha vuelto a hacer Sorrentino en su último filme La Grazia (2026), donde el presidente de la República al que da vida Toni Servillo se reúne con el pontífice para pedirle consejo. Un papa negro, con rastas, pendiente y de corte progresista que sirve como contrapunto del que había retratado en su serie.

Moretti convirtió al papa en su protagonista en Habemus Papam (2011), la mítica frase que un cardenal grita al mundo desde el balcón de San Pedro para confirmar que el cónclave ha concluido con éxito y antes de presentar quién ha sido el elegido. En la fantasía de Moretti, el nuevo Papa —con los rasgos de Michel Piccoli— tiene una crisis de ansiedad que le impide salir al balcón. La ley del Vaticano dice que hasta que no lo haga no concluye la elección y que, por tanto, nadie puede abandonar el lugar.

Los cardenales llaman a un psicólogo para abordar la crisis y lograr que el papa acepte un cargo que no quiere, pero este terminará huyendo y paseando por Roma intentando dilucidar qué hacer mientras los cardenales hacen creer al mundo que el papa sigue en su habitación y ellos se dedican al ocio y a actividades míticas del cine de Moretti como el voleibol. 

También es ficticio otro clásico del cine religioso, Las sandalias del pescador (1968), dirigida por Michael Anderson, basada en la novela de Morris West y con Anthony Quinn como el cardenal Kiril Lakota, un preso político soviético liberado que es nombrado papa por sorpresa y que mediará para solucionar un conflicto geopolítico.

Un cónclave con giro final

Uno de los fenómenos cinematográficos de finales de 2024 y comienzos del año siguiente fue Cónclave. La adaptación de la novela de Robert Harris dirigida por el alemán Edward Berger fue un éxito que se alargó durante meses y que incluso coincidió en salas con la muerte del papa Francisco en abril de 2025. El cónclave para elegir el nuevo pontífice hizo que la gente acudiera a ver este thriller cuya trama se desarrolla durante la elección del nuevo papa, lo que sirve para establecer un tira y afloja de poder en donde las dos facciones de la Iglesia (la más progresista y la más conservadora), que se enfrentan por el puesto más deseado.

La película comienza con el papa muerto y cuenta la organización del cónclave que da título al filme, pero concluye con un giro final que desvela la identidad real del nuevo elegido y que podría desafiar las normas anquilosadas de toda la Iglesia católica. La muerte de un papa y el posterior cónclave también centraban Ángeles y demonios (2009), la adaptación de la novela de Dan Brown y secuela de El código da Vinci con Tom Hanks como protagonista. 

El duelo ideológico entre la parte conservadora de la Iglesia y la que busca renovarla es también el centro de Los dos papas (2019), la película de Fernando Meirelles que fantasea con el encuentro entre dos pontífices reales, Benedicto XVI (con los rasgos de Anthony Hopkins) y el que fuera su sucesor, el papa Francisco, al que interpreta Jonathan Pryce. Ambos fueron nominados al Oscar por este filme de Netflix. 

El carisma del papa Francisco ha hecho que, a pesar de haber sido pontífice hasta hace poco, sea uno de los más retratados por la ficción. Junto a Juan Pablo II es otro de los pocos que tiene un biopic sobre su vida. El cineasta nacido en España, pero criado en Argentina, Beda Docampo Feijóo fue el encargado de contar su vida, para lo que tuvo la ayuda de otro argentino ilustre, Darío Grandinetti, que se puso el hábito para ponerse en la piel de Jorge Bergoglio en Francisco. El padre Jorge (2015).

El cine se ha fijado hasta en papas del siglo XVI, como Julio II. Su encuentro con el artista Miguel Ángel (aquí con la cara de Charlton Heston) y el encargo para pintar la Capilla Sixtina —con sus consecuentes roces y enfrentamientos— es el centro de otro clásico papal, El tormento y el éxtasis (1965), dos palabras que podrían describir a la perfección lo que les espera tanto los ciudadanos ateos como a los católicos en estos días de calor y visita papal.

Los fans del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) están contando el tiempo hasta el que será uno de sus grandes estrenos, con una nueva entrega de la saga de ‘Los Vengadores’, ‘Avengers: Doomsday’ que llegará en diciembre de 2026.

Sin embargo, antes de todo ello, de conocer a ‘Los Vengadores’ y otras sagas y franquicias relacionadas, hubo un tiempo en el que Marvel no tenía clara la forma en la que quería que sus personajes aparecieran en el cine y eso dio vida a unos extraños proyectos, entre ellos la que es la bizarra primera película de un superhéroe en el cine: 'Howard, un nuevo héroe' ('Howard the duck'), estrenada hace 40 años.

El fracaso con el que Marvel debutó en los cines

Dos décadas antes aproximadamente antes de que arrancara el UCM tal y como lo conocemos actualmente, Marvel vivía un momento diferente en sus adaptaciones al cine. Si bien ya se habían realizado algunas películas para televisión o series durante los anteriores años, como la serie ‘Capitán América’, en los cines todavía no se habían visto largometrajes que adaptaran personajes de los famosos cómics.

Sin embargo, son pocos los que se acuerdan o quieren hacerlo de una película que fue la que abrió la veda, pero que también es una de las más incómodas y extrañas de las que adaptaron personajes de Marvel. Hablamos de ‘Howard, un nuevo héroe’ (‘Howard the duck’ en original), que se estrenó en 1986 y que este año cumple 40 años.

Esta se trató del primer largometraje en imagen real para cines, con un enfoque alejado de lo que fueron los cómics de este personaje y cuyo resultado fue una extraña mezcla de géneros que la ha acabado haciendo una película de culto, que actualmente no se puede ver en plataformas, solo disponible en alquiler, compra y formato físico.

De hecho, ‘Howard the duck’ no conto ni con el beneplácito de la crítica especializada ni con el del público, recaudando una cifra similar a lo que costó, aproximadamente 37 millones de dólares, al que cabe sumar también lo que costó su promoción. Es por ello que se paró una secuela que ya estaba planeada. Las malas críticas le valieron hasta siete nominaciones a los Razzie, haciéndose finalmente con cuatro de ellos, entre los que estaba el de Peor Película.

George Lucas fue productor de la película

A pesar de todo ello, ‘Howard, un nuevo héroe’ tiene en su haber ser la primera película de un superhéroe de Marvel en llegar a los cines, y tuvo un elenco de primera con la popular actriz Lea Thompson, Tim Robbins o Jeffrey Jones, además de que entre sus productores estaba George Lucas.

Estuvo dirigida, sin embargo, por Williard Huyck, que también participó en el guion junto a Gloria Katz. Ambos habían formado una dupla creativa en ‘Indiana Jones y el templo maldito’ o ‘American Graffiti’, en esta última también con George Lucas.

La película adaptaba el personaje que había sido creado por Steve Gerber y Val Mayerik en 1973, en la que Howard es un pato que proviene de un lejano planeta y que llega a la Tierra debido a un error en un laboratorio espacial, siendo acogido por Beberly, una joven que toca en un grupo de rock. El problema ocurre cuando el doctor Jenin intenta devolverle a su planeta y acaba convirtiéndole en el ‘Señor de las Tinieblas’ debido al haber sido atrapado por la energía diabólica del experimento de origen, por lo que Howard tendrá que pararlo por la amenaza que supone.

¿Qué es lo que tiene que tener una película para que de miedo? Muchos pueden llegar a pensar que las escenas oscuras, los sustos, la música estridente y las escenas morbosas son un ingrediente clave del género de terror. Sin embargo, directores como Narciso Ibáñez Serrador (Chicho) demostraron que se puede hacer cine de terror a plena luz del día. 

Ibáñez Serrador, uno de los nombres más importantes de la historia de la televisión en España, destacó principalmente por programas como Historias para no dormir, Historia de la frivolidad o Un, dos, tres… Responda otra vez. Sin embargo, Chicho también se convirtió en todo un referente del género cinematográfico de terror, y lo hizo con apenas dos películas dirigidas.

¿Quién puede matar a un niño? fue el segundo y último largometraje del cineasta después de su ópera prima La residencia (1970). Fue esta película la que sin duda ayudó a sentar las bases del cine de miedo, y sirvió de referencia para cineastas que llegaron después como Alejandro Amenábar o Álex de la Iglesia. ¿Qué tuvo de especial esta película de 1976?

La trama, a priori, parecía sencilla. Tom y Evelyn son una pareja de turistas ingleses que viajan a la costa española para pasar unos días de vacaciones. Sin embargo, cuando llegan, quedan un poco decepcionados porque el lugar está demasiado lleno de gente como para pasar las tranquilas vacaciones que habían planeado. 

Entonces deciden alquilar una barca para visitar una pequeña isla en la que Tom ya había estado cuando era más joven. La sorpresa para la pareja protagonista llega cuando descubren que los únicos habitantes de la isla son niños. Unos niños que, animados por una misteriosa fuerza, deciden rebelarse contra los adultos.

La violencia de los niños

La película se basa en la novela El juego de los niños del escritor asturiano Juan José Plans, publicada el mismo año que el guion que Serrador firmó bajo el seudónimo de Luis Peñafiel. Pese a la influenica, el cineasta se tomó varias licencias creativas en su adaptación a la gran pantalla, haciendo la trama mucho más dramática, perturbadora y profundamente simbólica.

El largometraje arranca con una muestra de material de archivo, con imágenes reales muy crudas de campos de concentración y conflictos armados en los que los niños son las principales víctimas inocentes. Las preguntas empiezan a caer sobre la mesa. ¿Hasta qué punto la violencia de los adultos está influenciando a los menores? La historia avanza, mostrando cómo los niños de la isla a la que llega la pareja de turistas han asesinado a las personas mayores y dominan por completo el entorno, y entonces vuelven las cuestiones morales. ¿Puede un adulto matar a un niño para sobrevivir?

Cuando se estrenó El proyecto de la bruja de Blair Kane Parsons, el director del que todo el mundo habla en Hollywood y que tiene solo 20 años, aún no había nacido. Tampoco cuando algo después surgieron en EEUU las claves del llamado analog horror: terror analógico que, en línea con el metraje encontrado (o found footage) de El proyecto de la bruja de Blair, recurría a formatos desfasados en la brecha digital (vídeo doméstico, televisión) para generar extrañeza. En 2002 se cruzaron dos “señales” definitorias: La señal, que partiendo de una franquicia japonesa se centraba en una cinta de vídeo maldita, y Señales, de Shyamalan. Esta iba de extraterrestres, sí, pero su escena más aterradora aludía al vídeo casero de una fiesta asaltada por un visitante inesperado.

Parsons —que acaba de reventar la taquilla de EEUU con su debut en el cine, Backrooms— nacería poco después, así que su experiencia con estos formatos es nula. Como nativo digital que es solo ha tenido acceso a ellos a través de mediaciones posteriores, y de ahí que sorprenda todo el interés por este imaginario que trasluce su trabajo audiovisual. Ya que hablamos de temperamentos creativos desarrollados íntegramente en contacto con Internet, bien podríamos pensar en la estética vaporwave (género musical anclado en la nostalgia por los centros comerciales de los 80, con todo el aparataje mediático correspondiente) y asociarle al joven cineasta lo que John Koenig llamó “anemoia”: nostalgia por tiempos no vividos, nostalgia por tener nostalgia. 

Solo que la fascinación de Parsons por lo analógico y el found footage no parece demasiado nostálgica. Backrooms se ambienta en 1990 teniendo como principal ubicación una tienda de muebles. La actitud de Parsons ante este entorno no es cariñosa ni mucho menos; no pretende invocar los recuerdos de espectadores que sí vivieron aquella época. Hay incluso cierta retranca, un malévolo fetichismo, y a lo que más fácilmente remite es al modo en que la Generación Z disfruta de los videojuegos (y películas) de Five Nights at Freddy’s. 

El restaurante familiar que centra esta franquicia se inspira en un establecimiento real de los años 80, y su jugabilidad se ciñe al uso de, nuevamente, found footage: grabaciones de cámaras de seguridad registrando una penumbra de la que brotan robots monstruosos. Que la Generación Z tenga tal afinidad por imágenes tan alejadas de ellos nos devuelve al caso Parsons, toda vez que advertimos que la clave del misterio generacional se encuentra en YouTube: FNAF triunfó entre la chavalería gracias a vídeos de youtubers probando esos juegos. Y Parsons, antes de dirigir su primera película con apenas 20 años, lleva siendo un youtuber muy conocido desde 2022.

YouTube y sus mitologías

Se trata de una de las mutaciones más interesantes del cine de terror actual: la aparición de youtubers como directores y guionistas, que tras arrasar en visualizaciones con los canales correspondientes se llevan su estilo y preocupaciones a otro lado. Y además haciéndolo con bastante éxito, presumiendo de una frescura y desparpajo a la hora de relacionarse con el género que podemos apreciar en cualquier entrevista con Parsons, cuando admite que no se considera cinéfilo y de mala gana admite que sí, sus Backrooms pueden parecerse un poco a El resplandor. 

Esta ausencia de referentes clásicos en favor de una cultura enciclopédica de los avatares de Internet redunda en visiones inevitablemente novedosas, aun cuando el analog horror y el found footage se mantengan en este contexto como seña habitual. Es el caso de RackaRacka (alias youtuber de los hermanos Danny y Michael Philippou), especialmente de cara a su segunda película, Devuélvemela (2025). También de Kyle Edward Ball en su pieza de terror experimental Skinamarink (2022). O de Chris Stuckmann con La maldición de Shelby Oaks, cuya agitada posproducción, sin embargo, limó buena parte de las extravagancias antes de su estreno este mismo año en cines españoles.

Es igualmente elocuente el caso del youtuber Mark Fishbach (alias Markiplier), que tras empezar echando partidas de Five Nights at Freddy’s acaba de estrenar en EEUU Iron Lung. Por último tenemos a Curry Barker: cineasta que publicó en YouTube su primer largo de terror, Milk & Serial (2024), básicamente como una expansión de su canal that’s a bad idea. Y con el éxito suficiente para que el estudio de terror Blumhouse se interesara por él: así es como tras su estreno en lugares como el Festival de Sitges Obsession, su segundo largometraje, ha tenido que batirse en duelo en la cartelera con la obra de otro youtuber jovencísimo como él.

Kane Parsons, claro. Obsession y Backrooms se estrenaron el pasado mayo en EEUU con dos semanas de diferencia. En España se ha invertido el orden: Backrooms llega el 5 de junio y será más tarde el turno a Obsession el día 26. Ambas han convivido en un fin de semana histórico en la taquilla de EEUU. La película de Parsons se ha convertido en el mejor estreno de la historia de A24 (el estudio independiente de moda) con más de 80 millones en un solo fin de semana y la taquilla va a superar con creces su humilde presupuesto. Por su parte, Obsession ha logrado aumentar su recaudación en su tercer fin de semana —algo que no ocurría con un estreno desde Tiburón—, y apunta a una recaudación final de más de 150 millones de dólares (su presupuesto no llegó ni al millón). Un resultado que deja patente que el terror está otra vez de moda y que Hollywood ha encontrado en los Youtubers una nueva gallina de los huevos de oro.

El triunfo de Backrooms se puede achacar a que el filme ya era viral desde mucho antes de su estreno. Las Backrooms (las trastiendas) componen hoy por hoy el creepypasta más famoso y celebrado de Internet: esto es, un tipo de leyenda urbana que a través de diversas expresiones (audio, imagen, vídeo) y su copia/pega a lo largo de la red ofrece la oportunidad a cualquier persona de contribuir al relato para ir haciéndolo más y más tétrico. Backrooms no sería entonces el primer creepypasta convertido en producción mainstream: en 2018 Slender Man ya tuvo su propia (y muy mediocre) película, y antes de eso la primera temporada de Channel Zero se había basado en otro.

En este sentido YouTube vuelve a ser un lugar central donde desarrollar estos relatos, y así de hecho es como se ha consolidado Backrooms: con una webserie que Parsons empezó a desarrollar en 2022 y llegó a contar con 24 episodios de duración variable durante los tres años siguientes. Antes del filme Parsons ha pulido y agrandado el fenómeno a través de su serie, partiendo de fuentes mínimas a la vez que extremadamente sugerentes: una imagen anónima aparecida a finales de la década pasada, junto a una repentina fiebre de Internet por los espacios liminales.

Terror liminal

En líneas generales entendemos por “espacio liminal” un lugar de tránsito humano que, al aparecer abandonado o vacío, genera una inquietud muy específica. Un centro comercial de madrugada o una escuela infantil en verano serían ejemplos paradigmáticos, que aumentarían la angustia despertada si además registráramos sus imágenes en formatos desfasados: es lo que nos devuelve al analog horror y al enclave noventero de Backrooms. Las Backrooms vendrían a ser un espacio liminal infinito, una dimensión alternativa donde perderse a través de lo que se conoce como no-clipping: término originado de los videojuegos según el cual, por un fallo de diseño, puedes atravesar paredes y obstáculos sólidos. Paredes desde las que ahora, desde nuestra realidad, podemos acceder a otra.

El origen de las Backrooms se localiza entonces en una sencilla imagen publicada en el foro 4chan allá por 2019 junto a un texto amenazador: “Si no vas con cuidado es posible que hagas no-clip y te salgas de la realidad”, empezaba dicho texto. Partiendo de ahí, y de la tenebrosa estancia de color amarillento que acompañaba, Parsons ha realizado la contribución más fructífera posible al creepypasta de las Backrooms, volviendo sobre el found footage analógico para al final recibir el respaldo de A24 y de firmas tan consagradas del cine de terror como Osgood Perkins y James Wan. Ah, y también produce Shawn Levy, que viene de Stranger Things y Deadpool & Lobezno. Backrooms se ha convertido así en un producto industrial.

Es una de las razones de que esté haciendo tanto dinero y de que, en realidad, la película resultante sea bastante menos enigmática o revolucionaria que todo lo que darían a entender las mutaciones descritas. Las Backrooms suponen una creación apabullante, con un potencial infinito para significar: en sus pasillos interminables, en su arbitraria arquitectura, se dan cobijo angustias existenciales que trascienden generaciones. La genialidad inicial de Parsons radicó en explorarlas con el plano subjetivo de una cámara de vídeo que pudiera congregar en su seno buena parte de la esquizofrénica relación de Internet con el pasado. Asustando muchísimo en su empeño. 

La genialidad, en resumen, no pasaba por “explicar” las Backrooms. Aunque su webserie ya lo hiciera más o menos, planteando una posible génesis y la existencia de una organización, Async, dedicada a su estudio. Lo bueno es que la webserie cumplimentaba el lore a través de piezas y materiales desordenados, fragmentos de vídeo que se encomendaban a la creatividad de los espectadores para reconstruirlo todo, con espacio para seguir elucubrando sus propias teorías. Así es como funcionan los creepypastas, a fin de cuentas. Una suerte de código abierto que no encaja con una película comercial, que ha de buscar nuevos públicos y alumbrar posibilidades de franquicia.

Sobre todo, no encaja si se acepta la tutoría de productores famosos y un estudio con una fuerte imagen de marca como es A24. El guion ni siquiera lo ha escrito Parsons (lo firma Will Soodik), y resulta ser lo más débil de la propuesta. En primer lugar, por cómo intenta racionalizar este espacio liminal según el psicologismo y la retórica del trauma, tan habituales en el terror contemporáneo. En segundo lugar, por cómo estos arrebatos explicativos suelen aparecer separados de la exploración de las trastiendas para preservar la genuina capacidad de aterrar de estas, bastante lograda por otra parte.

Esto lleva a la sensación de que Backrooms se integra de episodios de la webserie de Parsons —episodios de fabulosa inventiva, que expanden con fortuna los devaneos psicogeográficos intuidos en las primeras fases del creepypasta—, intercalados con una desagradable argamasa de cháchara y deficiente construcción de personajes. Las interpretaciones de Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve nunca son tan evocadoras como cuando se limitan a deambular por las trastiendas y complementan la sensación de que Backrooms, como película, se está aprovechando de una gramática novedosa para domesticar sus posibilidades expresivas y convertirla en otra cosa. 

Una saga, un Expediente Warren de tantos. Algo que lleva a desear que los youtubers se queden donde están y puedan trabajar su propio lenguaje alejados de Hollywood. Dejando que el misterio se mantenga misterioso, que las Backrooms sigan siendo un angustioso viaje hacia ninguna parte. 

Aspiraba a ser uno de los títulos del año en cines y ha conseguido serlo. Después de haber triunfado con su estreno a principios de abril en gran parte de los cines mundiales, como Estados Unidos, este 29 de mayo ‘The Drama’, con Zendaya y Robert Pattinson, llegaba a la gran pantalla en España, donde ha sido la tercera opción escogida en el fin de semana, solo por detrás de ‘The Mandalorian and Grogu’ y ‘Michael’.

Dirigida por el noruego Kristoffer Borgli, que en su corta trayectoria no ha pasado desapercibido, ha superado una recaudación superior a los 125 millones de dólares, un éxito para un presupuesto de tan solo 28 millones, con una pareja protagonista estrella y con una premisa y tono que ha parecido enganchar entre el público. La mezcla de comedia negra, sátira social y tensión incomoda que propone la conecta con otros títulos que puedes ver antes o después.

‘Sick of Myself’ (2022)

El cine de Kristoffer Borgli no deja indiferente y ‘The Drama’ ha sido el último ejemplo de ello. Muchos lo conocieron con ‘Sick of Myself’, una película en la que ya se puede ver el gusto del noruego por desarrollar historias de parejas tóxicas, con ese tono de comedia negra. En ella, Signe y Thomas tienen una relación complicada y competitiva que cambia después de que uno de ellos se convierte en un artista de renombre, como respuesta, su pareja busca llamar la atención de forma desesperada.

‘Materialistas’ (2025)

Si en ‘The Drama’ se nos muestra la cara más oscura y retorcida de las parejas, la productora A24 presentó en el verano de 2025 la visión capitalista, más elegante, pero también satírica, dirigida por Celine Song. Hablamos de ‘Materialistas’, que, si bien no tuvo tan buena acogida por la crítica, coincide en que nos hace reflexionar sobre el amor en nuestra sociedad actual y el mito de la pareja ‘ideal’, además de contar ambas con Zoe Winters en su elenco y contar con unos protagonistas estrellas que buscan atraer a la audiencia, en este caso con Dakota Johnson, Chris Evans y Pedro Pascal.

‘Rivales’ (Challengers) (2024)

Si rescatamos una película de la filmografía de Zendaya que nos conecte con ‘The Drama’ esa podría ser ‘Rivales’, que también contó con un reparto que atrajo al público que se completó con Josh O’Connor y Mike Faist. En ella, aunque en el ámbito deportivo, se encuentran algunas similitudes como la reflexión sobre el “matrimonio perfecto”, las apariencias y lo complicado que puede ser borrar el pasado. Todo ello bajo la dirección estelar de Luca Guadagnino, que aporta elegancia, dinamismo y con un sonido y música que fue de lo mejor de su año.

‘Die My Love’ (2025)

De Zendaya a Robert Pattinson. Hay una clara recomendación si nos fijamos en su filmografía reciente como es ‘Die My Love’, estrenada el pasado otoño y en la que en esta ocasión compartió pantalla con Jennifer Lawrence. En ella, también se trata el colapso mental de una pareja, aunque en esta ocasión el conflicto no estalla antes de la boda, sino después de tener a su primer hijo. Ambas abordan el amor desde una perspectiva asfixiante, visceral y cargada de delirio, aunque esta desde un punto de vista más dramático.

‘Perdida’ (Gone Girl) (2014)

Si nos adentramos en el thriller psicológico puro en el que se nos muestra a una pareja aparentemente perfecta que se desmorona por esconder secretos y por dinámicas tóxicas, un clásico reciente es ‘Perdida’, protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike, y dirigida por David Fincher. En ella, el matrimonio es también una zona de guerra, aunque también explora tintes más dramáticos.

Bonus track: ‘La proposición’ (2009)

Un punto interesante para un visionado relacionado con ‘The Drama’ puede ser ‘La proposición’, que ofrece un punto de vista totalmente distinto a la previa de una boda que nos conecta más con el tono que ofrecían las comedias románticas de los años 2000, más alegres y superficiales. Si pesa el drama de una, la otra nos llena de risas, en la que también los protagonistas se desvelan secretos antes de casarse, aunque en este caso es obligado debido a que van a realizar un matrimonio de conveniencia. De esta forma, tenemos un contraste interesante de cómo ha envejecido el género, con otra pareja estrella de su momento como Sandra Bullock y Ryan Reynolds.

La habitual tranquilidad de un martes por la mañana en los pasajes comerciales de Logroño se ha visto interrumpida por un rodaje de cine. Una señora que quería salir de la peluquería del pasaje de la calle Miguel Villanueva ha tenido que esperar a escuchar el “¡Corten!” y otra mujer que iba a comprar esta mañana en la Mercería Ami se ha encontrado que su mercería de confianza era uno de los escenarios de la película 'El futuro testamento', que estos días rueda el riojano Velasco Broca en Logroño, con Ariadna Gil, Mireia Oriol y Alex Brendemühl en el reparto.

Muchos han sido los viandantes que se han sorprendido al ver los camiones de vestuario, focos y cámaras que indicaban que algo pasaba en el centro de Logroño y han querido quedarse para intentar ver un rodaje en primera persona mientras preguntaban si había algún actor famoso en la sesión. Alex Brendemühl, que protagoniza la película interpretando a un cantautor retirado, rodaba este martes las tomas en la mercería, regentada por el personaje de Juani Ruiz, una actriz habitual en las producciones de Los Javis.

La película se ha rodado en otras localizaciones de Logroño, como la torre de La Redonda, también en una cercana bodega en Páganos, en La Rioja Alavesa. Precisamente, una de las productoras de la cinta, Piluca Baquero ha indicado que, además de contar con un director logroñés, “el germen del proyecto se ha gestado en Logroño”. Como ha señalado otro de los productores, Cormac Regan, otras localizaciones de rodaje han sido en Madrid, en 'La fábrica de chapas', “que es una localización clásica de allí”, el Palacio de Comillas, en una forja en Muskiz, el castillo de Butrón o en Italia son otros lugares donde se va a desarrollar el rodaje, que ahora “tras las dos semanas y media iniciales, se reanudará durante cinco semanas en septiembre, octubre y cerramos en enero del año que viene”. Está previsto que la película 'El futuro testamento' se estrene en septiembre de 2027.

La película nace de una ausencia muy concreta. Un estribillo parece algo pequeño, pero puede contener una vida entera

Velasco Broca — Director de 'El futuro testamento'

El actor protagonista, Álex Brendemühl, ha avanzado que “interpreta a un cantautor retirado, compositor, que regresa a la discográfica porque le avisan de que han desaparecido los estribillos de las canciones; y a partir de ahí, empieza toda una búsqueda, una investigación casi policíaca en la que va detrás de ese estribillo y eso le lleva a descubrir mundos sorprendentes”. El intérprete 'Creatura' o la serie 'Reina Roja' ha recordado que habló con Broca “hace más de 15 años” sobre esta película sobre este personaje, pero no sabía si iba a rodarse, “pero ha tardado en hacerse realidad y aquí estamos”.

“Para mí el universo de César Velasco Broca es un cine muy sorprendente, muy divertido, muy creativo, muy inspirador y hacía mucho que me apetecía trabajar con él”, ha añadido. Brendemühl cree que el riojano ha podido ver en él para el protagonista que “tiene algo en la mirada reservada como misterioso, con una cierta confusión, con una cierta curiosidad de como mira el mundo; y creo que me vio en otros proyectos y creyó que era el actor ideal para este personaje”. “Es una película profundamente espiritual, también muy artística, muy libre, con una estética muy sorprendente, que se nutre de otras épocas y que es una película que va a llamar la atención, seguro”, ha definido el actor entre toma y toma.

También el director de la película ha ofrecido declaraciones a la prensa en el rodaje de su primer largometraje después de cortos como 'Nuestra amiga la Luna' o 'Alegrías Riojanas'. “Cada corto que íbamos haciendo se iba extendiendo un poco más; empecé con algo de 7 minutos, después se fue a 12, 15, 24, 28 minutos y parecía como un salto natural, una evolución natural, realizar algún largometraje”, ha explicado. Ha confirmado que esta idea la fraguó hace unos 17 años pero ha tenido que esperar hasta ahora por la financiación.

Velasco Broca ha explicado que la película “nace de una ausencia muy concreta. Un estribillo parece algo pequeño, pero puede contener una vida entera: una época, una identidad, un amor, una forma de ser recordado”. Para el cineasta, “lo fantástico no funciona aquí como adorno, sino como una forma de llegar a zonas emocionales que una narración convencional no alcanzaría del mismo modo”. El director también ha contado que la película esta inspirada en un cantautor valenciano, aunque ha preferido no señalarlo por temas de derechos de autor. Igualmente, ha avanzado que la música será una parte fundamental de la película con “una banda sonora original que serán variaciones de canciones italianas de los años 70”.

Velasco Broca ha estado acompañado en el rodaje en el pasaje junto al Espolón del consejero de Cultura, José Luis Pérez Pastor, quien ha desvelado que la película cuenta con un patrocinio de publicidad por parte de La Rioja 360 de 40.000 euros“. Pérez Pastor ha destacado Logroño como escenario de cine: ”Estamos a una calle escasa de donde se rodó calle Mayor, a unos muy pocos metros de donde se rodó una escena de El Sur, de Víctor Erice, hay unas producciones que vinieron antes y esperemos que vengan más. Pérez Pastor ha dicho estar además “ante una película de un realizador muy singular, que no va a dejar a nadie impávido, que viene avalada por una larga trayectoria de premios y reconocimientos en los mejores festivales del mundo”.

Sinopsis de 'El Futuro Testamento'

Apenas dos semanas después del 23-F, el estribillo de una popular canción desaparece misteriosamente del máster original y de todas las copias vendidas del disco. Al poco tiempo, Joan Baptista Ulled-su compositor e intérprete- recibe una invitación en forma de postal instándole a acudir a un castillo, lejano en el tiempo y en el espacio, para recuperarlo.

Allí se encontrará con Propatus, un nigromante y alquimista del siglo XVIII enredado en asuntos turbios con las altas esferas de la jerarquía infernal. Lo que comienza como la búsqueda de una melodía perdida se transforma en un viaje desesperado a través del espacio-tiempo, de la España de los años 80 a un Marte colonial, pasando por una Italia decimonónica de tintes esotéricos.

La propuesta visual de 'El Futuro Testamento' tendrá un papel central en la identidad de la película: rodada en 35mm, con textura analógica, efectos físicos, diseño conceptual e iconografía gótica y retrofuturista, la película propone una construcción artesanal que busca fabricar un mundo físico, táctil, reconocible y misterioso.

La película es una coproducción internacional encabezada por Lanzadera Films -donde se incluye también a la riojana 'Anafilaxis'- en coproducción con Limbus Filmak, Visualsuspects, Espurna Films y EFD Studios (conformando la parte española) Homeless Bob Production (Estonia) y Hive Division (Italia). Además, cuenta con el apoyo de EITB, La Rioja 360, el Gobierno Vasco, el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), el Estonian Film Institute y Filmin será la encargada de su emisión en España.

Su dimensión internacional atraviesa tanto la producción como el imaginario de la película: un proyecto concebido con vocación de circulación internacional y con un recorrido natural en festivales de cine de autor y fantástico.

'El Futuro Testamento' cuenta con Piluca Baquero como productora ejecutiva y con Cormac Regan, Iban del Campo, Aram Garriga, Sergio Adria, Giacomo Talamini, Katrin Kissa y Georgina Terán como productores. El guion está escrito por Bárbara Mingo, Hugo Castignani y Juanjo Ramírez Mascaró.

El equipo técnico está compuesto por Mart Taniel (November) como director de fotografía. El diseño de producción corre a cargo de Jaime Anduiza (Lo imposible), Estupenda Jones (Upiro) firma el vestuario y los efectos son de Barbatos FX. El sonido directo es de Luca Rullo, y el montaje de María Sangalli. La música original está compuesta por Aránzazu Calleja (Maspalomas, Irati) y el casting corre a cargo de Ana Lambarri.

Entrar en plataformas ha hecho que esta película de animación haya pasado del olvido a ser una de las más vistas y de que la descubran nuevas generaciones más de 20 años después de su estreno, que tuvo lugar en 2004 y que pese a ser un éxito de recaudación, se hundiría por malas críticas hasta quedarse en uno de sus títulos de nicho.

Hablamos de ‘El espantatiburones’, que está viviendo una segunda juventud desde su entrada en Netflix y que ya en su día llamó la atención por su reparto de lujo en el doblaje, con un elenco conformado por Will Smith, Robert De Niro, Renée Zellweger, Angelina Jolie, Jack Black o Martin Scorsese, que se hizo viral al recordar lo que le sorprende que le pidan autógrafos por su trabajo en esta cinta. Las voces en español tampoco se quedaron atrás y es otro de los detalles que se recuerdan, aunque en este caso no destacó por las alabanzas.

Éxito de taquilla, nominada al Oscar, pero ‘masacrada’ por la crítica

Si bien ‘El espantatiburones’ (‘Shark Tale’ en original) fue relegada al olvido con el paso del tiempo, no fue un producto que fracasara ante el público, ni mucho menos. Fue, de hecho, una de las películas más taquilleras de 2004 y recaudó más de 400 millones de dólares, además de que tuvo una nominación al Oscar como Mejor película animada.

El filme, dirigido por Bibo Bergeron, Vicky Jenson y Rob Letterman, fue un proyecto del estudio Dreamworks, que había surgido a mediados de los años 90 como respuesta al despido de Jeffrey Katzenberg de Disney. La historia del largometraje sigue a Oscar, un pez pequeño que tiene grandes sueños y que sin quererlo se convierte en un héroe por una mentira, que tendrá que mantener su fama, pasando por diferentes problemas y retos.

A pesar de su éxito en taquilla y de obtener una nominación al Premio Oscar, ‘El espantatiburones’ no triunfó entre la crítica, que la tildó de “superficial”, “no demasiado interesante” o con algunas que vieron en ella solo una película para obtener dinero: “Con el símbolo del dólar en sus ojos y nada en su corazón”, llegó a escribir Scott Tobias en el medio AV Club.

La mala crítica afectaría finalmente a su legado, complicado también dentro de un Dreamworks con pesos pesados como ‘Shrek’, ‘Ice Age’ (La Edad de Hielo) o ‘Madagascar’, esta última estrenada tan solo un año después. Y es que, algunas de las críticas incidieron precisamente en que ofrecía una experiencia más ligera y sin tanto drama, solo con algunos temas que invitaban a reflexión como el peligro de idealizar a los ídolos o el valor de lo que nos rodea.

En España, sin embargo, las malas críticas se cebaron también con el doblaje, que fue realizado en su mayoría por actores de la serie ‘Aquí no hay quien viva’, entonces en uno de sus picos de popularidad. Fernando Tejero, María Adánez o Santiago Ramos dieron sus voces a personajes de la película, un hecho que fue objeto de desaprobación.

¿Fue una copia de ‘Buscando a Nemo’?

Además de la competencia dentro del mundo Dreamworks, un detalle que también podría haber jugado en contra del ‘El espantatiburones’ a largo plazo es que muchos la vieron como una copia de ‘Buscando a Nemo’, que se había estrenado un año antes y que ha tenido una mejor supervivencia a lo largo del tiempo. Las similitudes de estar en un contexto de fondo del mar y de que los tiburones tuvieran un papel importante cuando fueron de lo que más gustó del éxito de Pixar y Disney.

Sin embargo, como ya marcó el estudio con cintas como ‘Shrek’, su tono fue mucho más desenfadado, enfocado a un público más allá del infantil, con guiños a la cultura urbana como con sus referencias al hip hop, no en vano Will Smith fue quien puso la voz al protagonista Oscar.

Han pasado unos cuantos siglos desde que Eolo echó de su isla flotante a Odiseo. Tenía sus motivos, sin duda. Para empezar, y como bien sabemos, que después de agasajarlo durante un mes, regalarle un odre con todos los vientos malos, cerrarlo con un “hilo de plata” para que no escapara “ni el menor soplo” (Homero, Canto X de la Odisea) y poner el Céfiro a su disposición para que lo llevara directo a Itaca, se quedó dormido y permitió que sus hombres abrieran el odre, creyéndolo lleno “de oro y plata”. Desde que a Pandora le dio por abrir una tinaja que no debía —lo de caja es una mala traducción de Erasmo de Róterdam—, los humanos no hemos dejado de abrir cosas y, a veces, con una sorprendente ignorancia política, como el bueno de Odiseo. Ni siquiera se había acordado de que Eolo no era un dios y que, en consecuencia, no podía tener bajo su techo a un individuo que se había ganado la animadversión de sus inmortales jefes con su tremenda irresponsabilidad.

Curiosamente, la figura del guardián de los vientos, que la literatura elevó más tarde a la categoría de divinidad, no generó tantos debates históricos como la simple y pura localización de su domicilio. Hay quien dice que estaba en la siciliana isla de Pantelaria, y hay quien dice que se encontraba en las sicilianas Islas Eolias, que estos días han vuelto a la prensa por un suceso tirando a extravagante. Por lo visto, Mick Jagger, Dakota Johnson, Isabella Rossellini y otros artistas se habían reunido en la biblioteca de Stromboli para celebrar el final del rodaje de una película cuando los carabinieri se presentaron y les pidieron que quitaran la música en aplicación de una norma de la vecina isla de Lípari. Pero, a partir de ahí, lo que contaba la mayoría de los medios era tan absurdo que me sentí en la necesidad de investigarlo: algunos afirmaban que no se podía escuchar música los miércoles, quizá en posaplicación del “ni te cases ni te embarques” de los martes; otros, que el alcalde de Lípari es un sujeto de ideas peregrinas y, por supuesto, también estaban quienes lo llevaron por unos pijos con pasta montando follón, situación desgraciadamente habitual que, en este caso, no obstante, resultó ser falsa. 

La verdad suele ser menos entretenida que la ficción y, en general, algo más sobria. Cualquiera que hubiera investigado la prensa italiana, en lugar de correr a copiar lo que decía la anglosajona, habría descubierto que lo que había detrás era vagamente más complejo: desde ciertas normativas contra ciertos aspectos del turismo —correctas o no, es otra cuestión— hasta nada más y nada menos que una petición de autonomía administrativa de la isla de Stromboli, que no quiere estar ligada a Lípari (Il Fatto Quotidiano, 23 de mayo). De hecho, el 41% de los electores de la primera presentaron hace poco una petición a las autoridades de la región siciliana para no tener que depender de la segunda y, de repente, los famosos de marras se habían convertido en arma arrojadiza de una pelea que no tenía nada ver con la potencia de un altavoz. Como es lógico, la bronca política subyacente era menos interesante que una frase en la que aparece el apellido Jagger y, entre eso y que España e Italia tienen una relación increíblemente escasa a pesar de su larguísima Historia en común, el asunto derivó en tonterías como lo del miércoles, que por supuesto no era un miércoles, sino todos los días de entre semana, es decir, laborables.

Solventado el enigma, lo que me vino a la cabeza fue lo que me habría venido al principio en circunstancias normales: Isabella Rossellini, porque su madre y su padre (nacido en mayo de 1906) se enamoraron precisamente en Stromboli durante el rodaje de la película del mismo nombre, como ella misma ha recordado. En cuanto el grandísimo Roberto se bajó del avión, los medios ya estaban diciendo que tenía “una relación secreta” con Ingrid Bergman, a pesar de que “ni siquiera nos habíamos visto todavía” (Il mio metodo. Scritti e interviste, no publicado en castellano); y entre acusaciones volcánicas, Hollywood se dedicó a boicotearla a ella, a boicotearlo a él y a boicotear la obra, a la que cortó veinte minutos con argumentos como el de que Bergman no era “sensual”. Por dura que fuera —y lo es— la realidad que se encuentra la protagonista cuando llega a la isla, el nivel de “educación y de inteligencia de los directivos” de la Meca del cine, convencidos de que “la edad mental del público es la de un niño de doce años”, era “más brutal e incivilizado”.

En mi opinión, ese convencimiento no está lejos de la razón por la que los medios nos venden humo todos los días, sin profundizar ni en anécdotas tan irrelevantes como la de Jagger y el resto del elenco. Ahora bien, los consumidores de imágenes y supuesta información no somos inocentes. No lo somos en absoluto, aunque estemos atrapados en lo que decía Roberto Rossellini sobre Alemania, año cero, en un mundo “que ha llegado a los límites de la desesperación porque ha perdido la fe”. Desde luego, el director romano lo decía en términos religiosos, como bien anuncia el capítulo donde habla de ello (‘El mensaje de Las florecillas de San Francisco’), pero es cierto que no saldremos del atolladero si no volvemos a creer que debemos ser política y culturalmente de otro modo. Hasta entonces, crucen los dedos y pidan a los vientos que se limiten a devolvernos al hogar de su guardián y nos ahorren las desgracias posteriores; a ser posible, sin que Circe, siempre chistosa, nos convierta en cerdos.

“Nos han pasado tantas cosas que daría para contar un cuento”, asegura una mujer, Beatriz, en los primeros minutos. Ejerce de limpiadora, junto a otras compañeras, dentro de las instalaciones de Matadero Madrid. Lleva décadas trabajando aquí, de modo que sus palabras entonan algo similar a un “érase una vez”. Una forma idónea de dar inicio a Vial Matadero, el nuevo documental de Juan Cavestany (Madrid, 1967). “En esta película no hay protagonistas porque es más bien coral, pero sí hay cinco o seis voces con las que recorremos el espacio y la de Beatriz es la más importante”, afirma.

Cavestany se topó con ella el primer día que acudió a Matadero, “para fotografiarlo y encontrarme con sus habitantes”. “Iba muy abierto a cualquier cosa, y cuando vas con esa actitud las cosas aparecen”, asegura. Venía, aun así, con ciertas instrucciones. “Luis E. Parés (director artístico de Cineteca Matadero) ya me conoce y me había dicho ‘no te vayas a fotografiar a frikis de los bares de alrededor’. Pero claro, el universo alrededor de Matadero es muy interesante. La plaza de Legazpi, la colonia del Pico del Pañuelo, los intercambiadores, los autobuses… es una zona de mucho movimiento y una suerte de frontera para Madrid, al lado del río y la glorieta de Cádiz, y Usera enfrente. Puedes ir abriendo todo tipo de círculos concéntricos alrededor”.

Así que su nuevo documental no se dedica únicamente al espacio que le presta título. Inspecciona los alrededores, con esa fruición por lo extraño que habría motivado la advertencia de Parés, y que tan asidua viene siendo a la filmografía de Cavestany, normalmente transmutada en comedia. “El humor para mí es fundamental”, reconoce el cineasta. “Me resulta imposible hacer nada sin una dosis de humor: es mi forma de expresar que no estoy muy seguro de lo que estoy diciendo. No quiero que parezca que le estoy dando una lección a alguien: es una forma de dar pie al ‘¿tú qué piensas?’ La idea de aparentar que estás sentando cátedra me da mucha vergüenza”.

Vergüenza se titulaba, justamente, uno de tantos proyectos de ficción —junto a Dispongo de barcos, Gente en sitios o El señor— que anteceden esta fase como documentalista en la que Cavestany lleva embarcado los últimos años. “Soy más documentalista de lo que yo pensaba”, reconoce. Y su gran objeto de estudio resulta ser Madrid. Con lo que tiene mucho sentido que Vial Matadero haya sido un encargo personal del citado Parés para la 23.ª edición de DocumentaMadrid.

La llamada de la realidad

DocumentaMadrid realiza sus proyecciones en la Cineteca de Matadero. Aun con secciones paralelas entre la Filmoteca, el Museo Reina Sofía o Casa Encendida, el epicentro del festival viene a ser entonces el Matadero que ha focalizado la atención de Cavestany, donde entre el 26 y el 31 de mayo han ido desfilando diversas obras documentales a competición. Así como “proyecciones especiales” entre las que destacan una retrospectiva del documentalista José Luis de Pablos, una pieza de Pier Paolo Pasolini sobre la huelga de barrenderos de Roma de 1970 reeditada bajo el título Revisitazione dello sciopero, o la propia Vial Matadero, que clausura el festival.

Esta edición de DocumentaMadrid se ha articulado según un lema, “Tomar el pulso”, aludiendo a la capacidad del documental para interpretar la realidad dentro de un presente frenético y confuso. “Es importante averiguar cómo relacionarnos con la realidad en un momento de tal explosión e hiperpresencia de contenido audiovisual”, asegura Cavestany. “El género documental es una forma de relación con lo real, una lectura urgente de la realidad que tiene mucho que ver con lo que yo hago. Lo más importante a la hora de hacer películas, incluso de buscar el sentido de un drama o una ficción, es mirar alrededor. Mirar a la persona que tienes sentada al lado en la terraza, mirar al tendero al que le compras pescado. Hay que mirarlo todo, registrarlo, pensarlo. Todo es un relato”.

“Y esto de acudir a lo urgente de las cosas me gusta, me gusta más la idea de ir a Matadero con esa premisa. Sin una idea preconcebida de lo que es Matadero o lo que quiero contar de él, sino simplemente ir a ver qué me encuentro”. Esta idea de Matadero como espacio dinámico y cambiante encaja bien con el título del documental: “Un vial es una vía, un eje, un conducto. Algo por donde pasa algo, que es lo que es Matadero. Al margen de que haya teatros, cines y tal, ante todo es un sitio de encuentro y de paso, una parte de Madrid. Un barrio de Madrid, incluso”.

“Yo no quería, y desde luego Documenta no me lo había pedido, un publirreportaje de Matadero. La película es divulgativa sobre Matadero y te cuenta lo que te puedes encontrar, pero no trata la programación ni los espacios que hay disponibles, ni es un llamamiento a ‘ven aquí, ya verás qué divertido’”, asegura Cavestany. Ocurre entonces, al margen de esta condición de encargo, que Vial Matadero encaja orgánicamente con lo que el director viene haciendo durante el último lustro. En particular con el díptico que integran Madrid, interior (2020) y Madrid, Ext. (2025). “Vial Matadero vendría a ser una pata, un epílogo u otro capítulo, de Madrid, Ext. Me he dado cuenta de que lo que quiero es rodar la ciudad, la gente y las calles. Y este encargo pues llega en el mejor momento”.

Lo más importante a la hora de hacer películas es mirar alrededor. A la persona que tienes sentada al lado en la terraza, al tendero al que le compras pescado. Todo es un relato

Juan Cavestany — Cineasta

El interior y el exterior de estos títulos previos vienen a entremezclarse en Vial Matadero. “Interior y exterior son conceptos relativos. Matadero es un sitio con el que a veces no sabes si estás fuera o dentro: estás dentro de Matadero y a la vez estás al aire libre. Y si yo voy al cine, por ejemplo, estoy en un interior, pero a la vez fuera de casa. Sales de casa a la aventura, y luego vuelves para reorganizar tu cabeza”, explica. “Cuando estrené Madrid, Ext. hablaba de mis ganas de salir a grabar la ciudad y reencontrarme con la gente y los espacios, pero en realidad secretamente el objetivo último era volver a casa con una especie de botín, un puzle que iba a reorganizar para jugar con él”.

Matadero como espejo de Madrid

No parece casual que estas ganas de Cavestany por explorar Madrid a través del documental surgieran en medio de la crisis del coronavirus. “Puede que tenga que ver con lo pandémico, sí. Salir a la calle tras la pandemia se sintió como un capítulo nuevo”, reconoce. “Yo ya antes había salido a fotografiar la ciudad, pero no de una forma tan sistemática. El covid-19 marca una intensificación”. No sólo en su actitud con respecto al paisaje urbano, sino a algo mucho más amplio que le trasciende como cineasta (y ciudadano madrileño). “Después de la pandemia las corrientes de globalización y turistificación de la ciudad se han exacerbado muchísimo así que tengo más ansia y más prisa por registrar y reflexionar acerca de todo lo que se está viniendo abajo”.

Los esfuerzos de Cavestany se desarrollan al compás de los cambios de Madrid. “Quiero retener esa imagen, esa fachada que se va perdiendo, y que a su vez ya era una capa que se puso en su momento sobre otra. Las capas siempre se superponen, pero este es un momento de gran transformación, y de ahí que haya un interés enorme, muy extendido, por mirar la ciudad y cuestionar lo que se está haciendo con ella”. Cavestany alude por ejemplo a Paco Graco, colectivo dedicado a la recuperación de rótulos y carteles de este Madrid que, en palabras de Cavestany, “se está deshaciendo”. El trabajo de Paco Graco ya había sido central, sin ir más lejos, en la propuesta de Madrid, Ext.

Estos esfuerzos dejarían entrever, por su parte, un acto de resistencia. “El paseo sin rumbo, la actitud flâneur, el habitar la ciudad rebelándose contra sus llamamientos al consumo”, prosigue Cavestany. “Hoy la ciudad parece cada vez más un parque temático del consumo y provoca una reacción de ‘no, yo no tengo por qué estar pagando por cada experiencia, por cada nueva oferta, por cada sitio que se reabre’. Queremos ir a los sitios a verlos, o queremos ir incluso a no-sitios, sitios de paso”.

¿Cómo se ubica entonces Matadero dentro de esta exploración estética? Pues, inevitablemente, como un símbolo suculento. “De forma intuitiva pienso que Matadero es un buen espejo de Madrid”. Como proyecto arquitectónico, Matadero cumplió 100 años el pasado 2024. Empezó ejerciendo de matadero proverbial y mercado de ganado, fue variando sus funciones entre la Guerra Civil y la dictadura franquista, y su cierre a mediados de los 90 precedió en una década la definitiva reconversión como espacio cultural. Esto sucedía, además, en el marco de unas reformas tan esenciales para la actual articulación de Madrid como el soterramiento de la M-30.

“En Matadero convive lo viejo y lo nuevo, la vanguardia y la posibilidad de una modernidad con todo lo que tiene de decrépito y contradictorio el pasado. Lo nuevo y lo viejo, lo noble y lo vulgar, todo eso está en Matadero”, asegura Cavestany con notoria pasión. “Y Matadero es aún en gran medida un espacio por hacer, algo que no está terminado. Se cerró en el 96, se reabrió en el 2006, y ahora supone una entidad potente pero aún sin consolidar. Te fuerza a pensar qué puede ser de él, adónde llegará”. Todo esto, además, definido por el espacio que ocupa.

Paseas por Madrid Río, y de un momento a otro te encuentras caminando por Matadero. “Está muy integrado a la propia ciudad”, apunta Cavestany. “Aunque en parte dé miedo por toda la especulación que trajo, el parque de Madrid Río y el soterramiento de la M-30 componen una de las historias de éxito del Madrid actual. Y Matadero se construyó porque ahí estaba el río, a fin de cuentas. Matadero y el río lo tienen todo que ver, y es una imagen muy bonita”. Una imagen que, en definitiva, enfatiza la fluidez que persigue el trabajo de Cavestany y particularmente Vial Matadero. La indeterminación, el cambio. “Es un espacio que nadie sabe definir. Siempre por descubrir”.

Josefina Molina, directora pionera del cine español, ha fallecido este sábado a los 89 años en Madrid. La noticia ha sido confirmada por la Academia de Cine. Junto a Pilar Miró y Cecilia Bartolomé, fue una de las pocas mujeres de su generación que pudo dedicarse al séptimo arte, siempre desde una mirada feminista y comprometida con los derechos de las mujeres. 'Función de Noche' (1981) y 'Esquilache' (1988) fueron dos de las películas que componen su valioso legado.

La directora de cine y teatro, guionista, realizadora de televisión y novelista nació en Córdoba en 1936, poco tiempo después de que estallase la Guerra Civil. Su padre era tendero y comerciaba con calzado y productos de droguería, mientras que su madre se dedicaba a las labores del hogar. Gracias al buen rendimiento del negocio familiar, pudo acudir a buenos colegios y disfrutar una infancia sin privaciones, pese a estar en periodo de posguerra.

El cine formó parte de su vida desde pequeña, ya que sus padres solían llevarla todos los domingos por la tarde. Pero fue 'El río' de Jean Renoir, cuando ya tenía quince años, la película que le dejó fascinada y germinó su vocación de querer contar historias. No tardó en empezar a forjarse su camino, siendo asidua en videoclubs y coloquios sobre cine, fundó el colectivo dramático Teatro Ensayo Medea. En 1962 empezó a colaborar en el programa radiofónico 'Vida de espectáculos', emitido por Radio Vida, a través de una sección titulada 'La mujer y el cine'.

La primera directora de la Escuela Oficial de Cine

Josefina Molina tuvo pronto claro que quería estudiar cine, pese a que sus padres le rogaron que optara por una carrera 'normal'. Pese a que consiguió convencerles, tuvo que esperar hasta cumplir 21 años para entrar en la Escuela Oficial de Cine, antes denominado Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas.

Terminó presentándose a sus exámenes de ingreso tras cumplir 26 y, de los 103 aspirantes, solo ocho logaron entrar. Todos hombres, salvo ella. Sus primeros trabajos dentro del cine marcaron el tipo de obras que realizaría después, con cortometrajes en los que las protagonistas, siempre mujeres, escapaban de los estereotipos femeninos de las películas de la época.

El cineasta Carlos Saura fue uno de sus profesores, cuyo suspenso provocó que tuviera que repetir curso. Solo dos alumnos pasaron a segundo, y ella estuvo a punto de dejarlo. Finalmente, continuó, y en 1969 se convirtió en la primera mujer en obtener el título de directora/realizadora en la institución. Al año siguiente siguió sus pasos Cecilia Bartolomé, y después, Pilar Miró, en la especialidad de guion.

En aquella época trabajó como ayudante de realización de varios espacios dramáticos para Televisión Española, como 'Estudio 1' y 'Hora 11'. En 1968 le encargaron una adaptación de 'La metamorfosis de Kafka', y a partir de ahí se afianzó como una de las principales realizadoras de La 2. Adaptó y dirigió otros montajes como 'Motín de Brujas' de José María Benet, 'No puede ser el guardar una mujer' de Agustín Moreto y 'La Lozana Andaluza' de Rafael Alberti.

Entre las series de televisión más destacadas está 'Teresa de Jesús' (1984), en la que narró la vida de Santa Teresa, encarnada por Concha Velasco, en también uno de los papeles más destacados de su carrera. En la pequeña pantalla filmó igualmente 'El camino' (1978) y 'Entre naranjos', adaptando la novela de Vicente Blasco Ibáñez. Josefina Molina es también la responsable de la exitosa adaptación de 'Cinco horas con Mario' inmortalizada por Lola Herrera.

'Vera, un cuento cruel', su ópera prima

El salto al cine de Josefina Molina llegó en 1973, con la adaptación de 'Vera, un cuento cruel', protagonizada por Fernando Fernán-Gómez, Julieta Serrano y Alfredo Mayo. El guion lo coescribió junto a Lola Salvador Maldonado. Fue la única película de terror del tardofranquismo escrita y dirigida por mujeres. El filme aportó la visión femenina de un subgénero tradicionalmente masculino, el 'fantaterror' español.

En la cinta, una joven enterrada en la cripta de su mansión empieza a aparecerse a su marido, que tiene la progresiva locura que le hace pensar que aún está viva. Su oscuro mayordomo es, sin embargo, su única compañía. El largometraje fue a su vez el debut cinematográfico de los hermanos Miguel Bosé y Lucía Dominguín.

Su siguiente trabajo en la gran pantalla llegó seis años después, con su participación en 'Cuentos eróticos', donde dirigió uno de los relatos que conforman la película, 'La tilita'. El golpe definitivo encima de la mesa lo dio con 'Esquilache' (1988), por la que obtuvo 12 nominaciones a los Premios Goya, incluyendo Mejor película y Mejor dirección. El drama situaba la acción en la era napoleónica, trazando un lúcido paralelismo con la España de finales de los años ochenta, liderada por Felipe González.

Tres años más tarde, Josefina Molina dirigió su última película, 'La Lola se va a los puertos', adaptación de los hermanos Machado con Paco Rabal y Rocío Jurado.

'Función de noche', su obra maestra

Josefina Molina es la responsable de una de las grandes joyas del cine español, 'Función de noche'. Dirigida en 1981, y a caballo entre la ficción y el documental, desgrana hasta las últimas consecuencias el final de un matrimonio. En ella, Lola Herrera y Joaquín Dicenta se interpretan a sí mismos en una durísima conversación que mantienen en el camerino donde la actriz se prepara para la siguiente función de 'Cinco Horas con Mario'.

El largometraje fue toda una revolución, por cómo mostró a una mujer hablando son tapujos sobre el yugo del patriarcado al que estuvo sometida desde niña y sus condenatorias consecuencias. La dificultad para deshacerse de él y el dolor de darse cuenta de todas las veces que no se puso por delante, que aceptó un trato que no merecía y se sometió por el mero hecho de 'ser mujer'.

El testimonio de Lola Herrera es poderoso porque, a pesar de la profunda tristeza y sacudida a los cimientos –por mucho que no fueran los mejores– implica poder elegirse, en singular, y pensar en qué quiere hacer a partir de entonces con una reveladora información que atañe a su insatisfacción sexual, la normalización de las infidelidades de su pareja y el desentendimiento de este por sus hijos tras su divorcio.

Un legado para todas

Josefina Molina fue una de las fundadoras de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), de la que era presidenta de honor, junto a Inés París, Chus Gutiérrez, Itziar Bollain, Helena Taberna e Isabel Coixet, entre otras muchas profesionales.

En 2012 logró otro hito ganando el Goya de Honor, convirtiéndose en la primera mujer directora de cine en llevárselo. “Sé que estoy aquí representando a otras mujeres de generaciones anteriores que se han dedicado a este oficio del cine, cuando no era nada fácil”, pronunció al recoger el galardón en la voz de Patricia Ferrera. La cineasta compartió su reconocimiento tanto con ellas como con CIMA, por haber sabido “sustituir el aislamiento por la solidaridad” y “cuya labor por la visibilidad de las mujeres cineastas de este país es constante”. En 2019 recibió el Premio Nacional de Cinematografía.

Llegar a Netflix es para algunas películas toda una bendición, pues pasan de estar olvidadas por el gran público a convertirse en virales y encontrar su audiencia, que las descubre en muchos casos por primera vez, o bien aquellos que no la recordaban y que reviven viejos recuerdos. Así, no es de extrañar que ciertos títulos de cine aparezcan entre lo más visto de la plataforma a pesar de que ya tienen varios años o décadas.

En esta ocasión la beneficiada por ello ha sido una comedia romántica que se estrenó hace 21 años, pero que parece haber envejecido mejor de lo que muchos pensaban. Hablamos de ‘En sus zapatos’ (In Her Shoes), que se ha emplazado en el top 10 de Netflix con su entrada en el catálogo.

Reparto de lujo, pero denostada por la crítica española: “Cosas de chicas”

‘En sus zapatos’, película estrenada en 2005, es una comedia dirigida por Curtis Hanson, y que cuenta con un trío protagonista formado por Cameron Díaz, Toni Collette y Shirley MacLaine que encabeza el reparto y que es uno de los puntos fuertes de la cinta. La historia gira alrededor de dos hermanas huérfanas que son muy diferentes entre ellas y se pasan el día discutiendo, pues mientras Maggie triunfa en lo social con una vida laboral inestable, su hermana Rose es una exitosa abogada de Filadelfia que no se preocupa por su aspecto físico. Todo cambiará entre ellas cuando descubren que su abuela materna, aquella que creían muerta, no lo está.

Esa abuela es Shirley MacLaine, uno de los personajes más destacados de la película y que le valió ser nominada a mejor actriz de reparto a los Globos de Oro. Además, fue una gran defensora del largometraje, que, si bien contó con algunas reseñas positivas, especialmente en Estados Unidos, en España, por ejemplo, fue tildada de ser “cosas de chicas”, “solo para chicas (y novios bienintencionados” o “rozar la ñoñería”, como se puede leer en las críticas del momento en El País, ABC o Fotogramas, recogidas por el portal Filmaffinity.

Sin embargo, la veterana actriz, que protagonizó ‘El apartamento’ con Jack Lemmon en 1960, defendió que era algo más que una “película para mujeres, solo por el hecho de estar protagonizada por tres actrices”: “Es la historia de una familia que finalmente supera una tragedia terrible. La hija de mi personaje se suicidó. La madre de estas chicas también se suicidó y mi yerno —el marido de mi hija— no les ha dicho que tienen abuela. Vamos, es algo muy dramático. No es una película romántica. Es algo que afecta a toda la familia, y todas las familias del mundo viven algo parecido. Todas las familias son un ejemplo de una pequeña civilización”, aseguraba en su día durante la promoción del estreno.

Cameron Diaz no fue la primera opción

La película se basó en el libro del mismo título publicado por la escritora Jennifer Weiner, tuvo algunos pequeños cambios con la historia principal, pero uno de los más emotivos es el hecho de que se cambió la raza de la mascota de Maggie para promocionar la adopción de perros. Y es que pasó de ser un pug a raza mixta para inspirar al público.

Sin embargo, una de las curiosidades más desconocidas es que Cameron Diaz, una de sus principales estrellas protagonistas, no fue la primera opción para interpretar a Maggie Feller, sino que lo fue su compañera de reparto Toni Colette. Pero ella finalmente aceptó cambiar e interpretar a Rose después de que Sarah Michelle Gellar (‘Buffy Cazavampiros’) se retirara del proyecto y se necesitara una nueva actriz para el elenco.

‘En sus zapatos’ tiene además el extraño hito de ser una de las primeras películas que se lanzó solo en DVD, sin pasar por VHS, en un momento en el que este formato se encontraba en declive. Esta comedia romántica tiene también un pequeño guiño a su directora, pues en una escena en la que Maggie audiciona para MTV, en el ‘teleprompter’ se puede leer que se va a estrenar un nuevo videoclip de Eminem, y es que él fue quien dirigió ‘8 Mile’ que se basó en la vida del rapero.

¿Te suena el nombre de Ramón Paso? Como dramaturgo y director de escena no es muy conocido. Su carrera se ha desarrollado entre talleres y un teatro popular, apoyándose en gran medida en las ventajas de sus apellidos: es nieto del dramaturgo Alfonso Paso y bisnieto del escritor Enrique Jardiel Poncela. De hecho, una obra escrita por Paso y con Jardiel Poncela como personaje protagonista tuvo que ser cancelada cuando estalló una noticia el 17 de abril del año 2024.

Pepe Viyuela interpretaba al autor de Usted tiene ojos de mujer fatal en la obra Jardiel enamorado que se representaba en el teatro Infanta Isabel de Madrid. En cuanto la noticia saltó a los medios, Viyuela dijo: “Me he quedado de piedra. Estoy nervioso. No pienso en otra cosa. Estoy conmocionado”, y decidió abandonar la obra. Esa noticia, adelantada por El País, fue esta: La Fiscalía denuncia al dramaturgo Ramón Paso por agresión, acoso sexual y coacciones a 14 mujeres.

Dos años después, seguimos esperando el juicio, pero en la mañana del pasado 26 de mayo nos sobresaltamos de nuevo al conocer que Ramón Paso había sido detenido en Madrid por indicios de lo que parecía un abuso a una menor cometidos el pasado sábado en pleno centro de la ciudad, en un banco del Paseo del Prado. Según unos viandantes, un adulto (Ramón Paso) fue visto besando y tocando a una niña, que estaba sentada en su regazo. La edad de la niña es 15 años, por debajo de la edad de consentimiento sexual. La niña, según declaró a la Policía, es alumna de Paso, que tiene una compañía llamada Paso Azorín cuya actividad más reciente es la lectura dramatizada en una librería.

Es decir, una persona investigada por delitos sexuales que podrían haber ocurrido durante los castings que él dirigía, con tantas mujeres implicadas (muy jóvenes: de entre 18 y 25 años en su momento) y un patrón muy similar, ha seguido manteniendo una actividad teatral en la que ejercía como maestro de una menor de edad. Es muy sorprendente.

Hace dos años, pudimos investigar en el pasado de Ramón Paso y nos encontramos con El Alambique de Ideas, un “laboratorio” de proyectos audiovisuales que fundó después de haber escrito varios capítulos para la serie Compañeros. Pudimos hablar con cinco mujeres que habían pasado por ese taller, que lo calificaron de “secta” y de lugar donde Paso ejercía “abuso de poder”. “A él lo que le gustaba era tener a su alrededor un harén de chicas”, nos dijo una de ellas. Según fuentes jurídicas, Ramón Paso todavía no ha declarado en la causa abierta contra él ni tampoco todas las víctimas, pero se espera que esta fase concluya próximamente.

Sobre la lentitud de la justicia y el periodismo como vía para visibilizar la violencia sexual, habría mucho que decir, y lo haremos el viernes 26 de mayo en Rivas-Vaciamadrid, dentro del FIC, nuestro evento festivo del año. A las 16:45 en el Auditorio Pilar Bardem de Rivas-Vaciamadrid, Ana Requena, Natalia Chientaroli y yo charlaremos sobre nuestra investigación sobre Julio Iglesias y cómo el periodismo ha expuesto la violencia sexual y ha encendido el Me Too. Aunque a veces, con casos como el de Ramón Paso es inevitable pensar si ni todo el periodismo del mundo ayuda a detener los abusos. La lentitud de la justicia tampoco ayuda.

En el FIC todo es gratuito y abierto. Habrá nombres del periodismo como Silvia Intxaurrondo, Jordi Évole o Andrea Ropero. Una charla entre Laura García Higueras y Lucía Solla Sobral, autora de Comerás flores. Y actuaciones como las de La Bien Querida, Ariel Rot, Hinds y Señora! (no es que grite, es que llevan una exclamación final). Nuestro maestro de ceremonias es, como siempre, el gran Marc Giró. Nos gusta llevar la cultura a las plazas, así que esperamos verte allí. Consulta aquí los horarios del programa completo.

Tres libros

'Cuidar crisantemos, leer a Li Bai y tocar la cítara de siete cuerdas al anochecer' de Fran Ruiz (Rosita y Amparo). Es la primera vez que te recomiendo un libro de esta nueva editorial, fundada a finales del año pasado y que con este ya suma seis libros en su catálogo. Está en su línea editorial el deseo de rescatar obras perdidas o poco accesibles (por ejemplo, El mundo de la bella Simonetta del fallecido diplomático colombiano Germán Arciniegas) y el de descubrir nuevas voces, tanto en el ensayo como en la ficción. Esta de Ruiz, autor barcelonés licenciado en Filosofía, es la primera novela contemporánea inédita que publican y además es el debut del autor. Es fácil conectar con esta narración si te sientes abrumado por la vida, si te tienta la evasión del paseante en la ciudad, abandonado a la suerte de un paso tras otro y de las ideas que se enlazan con suavidad (aunque no tengan que ver) y no con la precipitación del paso del dedo por la pantalla.

'Constelucinación' de Louise Bentkowski (Demipage, trad. Borja Mozo Martín). ¿Por qué te apellidas así? ¿Lo has pensado alguna vez? La directora escénica y performer francesa, colaboradora de Gisèle Vienne o Angélica Liddell, Louise Bentkowski sí lo hizo. La investigación sobre su genealogía la llevó a explorar sobre memoria, filiación e identidad en esta su primera novela, fragmentada en “cantos” y en la que a veces aparecen versos. La narración transcurre a partir de memorias y otras historias que le cuentan y le hacen reflexionar sobre su vida y su familia. Escritura y costura; coser, tensar y pensar.

'Ola. Vida y recuerdos después del tsunami' de Sonali Deraniyagala (Capitán Swing, trad. Tania Gaviño). La autora de este libro perdió a sus padres, a su marido y a sus dos hijos pequeños en el tsunami que impactó contra la costa de Sri Lanka en diciembre de 2004. ¿Cómo se supera esa tragedia? ¿Qué se hace con ese abismal hueco de ausencia? Lo cuenta en estas memorias difíciles pero que ayudan a pensar sobre lo que no queremos ni imaginar.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

La experiencia Radiohead continúa. Seas o no de los afortunados que asistieron a algunos de los conciertos que la icónica banda ofreció en España el año pasado, el viaje musical sigue ahora gracias a uno de sus integrantes. El guitarrista Ed O'Brien publica su segundo álbum en solitario, y una de sus canciones más fascinantes ya puedes escucharla en nuestra playlist, donde están también nuestras recomendaciones de las semanas anteriores.

'Blue Morpho' de Ed O'Brien. Hay canciones que se escuchan y otras que se sienten. Lo que logra Ed O'Brien en Blue Morpho, concretamente en la canción que da título al disco, es una espectacular experiencia de seis minutos por sonidos reflexivos o incluso salidos de la naturaleza. Apenas hace falta que articule palabra, que sí que lo hace, pues el artista va más allá en esta oda al secretismo interior.

'Cabriolas' de Dianka. Dejándose aupar por sintetizadores, esta artista catalana ha construido un universo atravesado por la fantasía, el autoengaño, la rebeldía y la vulnerabilidad. La cantante se ha inspirado en personajes como Don Quijote, Heidi o Pippi Calzaslargas, y este tema es una preciosísima muestra de las habilidades creativas que se esconden bajo su EP Cabriola (relato breve). Lo presentará en directo el próximo 13 de junio en la Sala VOL de Barcelona y posteriormente en la sala UNi de Madrid a finales de año.

'Silverado' de Barry B. Convertido en uno de los cantantes más interesantes de la escena musical nacional, Barry B regresa con nueva música antes de sus esperados conciertos en el Sant Jordi Club de Barcelona y en el Movistar Arena de Madrid en enero de 2027. El nuevo narrativo del artista está centrado en la idea de la fortuna, “ese acontecimiento azaroso que condiciona el rumbo de nuestras vidas y frente al que solo queda decidir cómo reaccionar”.

Tres películas, por Laura G. Higueras

'Corredora'. Las películas sobre deporte tienen siempre un toque épico y de conectar con la víscera que particularmente genera especial devoción. Las óperas primas, también. Laura García Alonso cuenta aquí la historia de una corredora de élite a la que un brote psicótico le obliga a alejarse de la competición. Alejada de los 'clásicos' mensajes de superación –muchas veces capacitistas y optimistas de más– aborda la resistencia emocional y los límites del cuerpo en el entorno de la alta competición. Ambiente que sirve como metáfora del resto de nuestras vidas.

'Shrek'. Parece mentira pero sí, han pasado 25 años desde que se estrenó la primera película de Shrek. “Un clásico moderno pese a quien le pese”, como describe mi compañero Alberto Corona en este fantástico artículo en el que revela un montón de intrahistoria sobre el filme que desconocía. La propuesta con la que DreamWorks subvirtió los cuentos de hadas (no con pocas pullas a Disney). Todo ello de la mano del viajazo, físico y sentimental, que comparten dos carismáticos ogro y asno.

'El drama'. Después de tanto tiempo con imágenes de Robert Pattinson y Zendaya por todos lados, encarnando a una pareja que está a punto de casarse pero que apunta a que todo va a saltar por los aires; cabría esperar que El drama está llamada a ser para 2026 lo que Materialistas en 2025. Esa anticomedia romántica, que lo mismo hasta acaba bien. Pero no, anticomedia es, pero aquí con una historia muy oscura, un dilema de los que no dejan dormir y bien de mala leche.

Cinco planes para el finde, por Laura G. Higueras

Primavera de luchas (Madrid). La Plaza del Pueblo de Orcasur acoge este sábado la presentación de la Confluencia de Luchas, una iniciativa busca reforzar la articulación entre distintos movimientos sociales y sindicales organizada por CGT, CNT Comarcal Sur, Sindicato de Inquilinas de Madrid y Ecologistas en Acción Madrid. Por la mañana y primera hora de la tarde habrá charlas –programa infantil simultáneo incluido– que culminarán con los conciertos del coro ecofeminista Malvaloca, Tremenda Jauría y Biznaga.

'Marisol: Cuando todo está por comenzar' (Santander). El Centro Botín exhibe la primera retrospectiva dedicada a los dibujos de Marisol, con más de 100 obras que abarcan desde los cincuenta hasta su muerte. Están presentados con una selección de esculturas, materiales de archivo de la artista y varias de las películas de Warhol en las que Marisol es protagonista. La muestra pone de relieve el dibujo, el medio a través del que Marisol entretejió sus preocupaciones globales, incomodidades privadas y ficciones imaginativas en el desarrollo de su práctica.

Festival Festus (Barcelona). Este festival celebra este viernes 29 y sábado 30 de mayo su 29º edición ocupando las calles de Torelló con propuestas de danza, teatro, música y artes visuales que transformarán los espacios en los que vivimos cada día. El foco de este año es la comunidad como forma de relacionarnos a cuidar. Una de las propuestas es la Copa del Generalísimo, de Eugenio Merino en colaboración con el colectivo INDECLINE, una acción en la que la gente está convocada a jugar un partido de fútbol con una reproducción hiperrealista de la cabeza de Franco como pelota.

'La edad de la ilusión' (Granada). Esta exposición, ubicada en la Casa-Museo Federico García Lorca (Huerta de San Vicente), es una muestra bibliográfica sobre las publicaciones infantiles y juveniles en el periodo de finales del siglo XIX hasta la guerra civil española. Indaga en su evolución gracias a importantes editoriales y la aparición de una nueva industria comercial dirigida al consumo literario parte de la infancia, en la que el teatro, la ilustración, las manualidades, el coleccionismo o el mero placer de soñar con las aventuras de los nuevos héroes que surgían, provocó el nacimiento de cabeceras míticas como las aventuras de Pinocho, TBO, Pulgarcito, Gente Menuda y los famosos Cuentos de Calleja.

'Te dormirás y soñarás con la canción de las flores' (Sevilla). La Real Fábrica de Artillería acoge esta exposición en la que la artista Raquel Algaba realiza una revisión contemporánea del mito de los comedores de loto. Una imagen procedente de la tradición clásica que remite a estados de olvido, ensoñación y pérdida de la conciencia. A partir de este imaginario, y fundamentalmente a través de esculturas de cerámica pintada acompañadas de dibujos; construye una reflexión sobre la sociedad actual, caracterizada por una cierta desconexión con el pasado y una tendencia a habitar un presente inmediato y superficial.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Escribir con IA. La que ha montado la Nobel de Literatura Olga Tokarczuk al revelar que tiene una cuenta de pago de un modelo de lenguaje y cómo lo utiliza. Y no solo eso: su pesimista visión sobre los lectores.

Benito en España. Cumplidos los dos conciertos de Bad Bunny en Barcelona, la logistica de la gira pasa por Barcelona antes de llegar a una extensa residencia en Madrid. Nando Cruz escribió la crónica del debut.

Censurada en la Bienal de Venecia. La sudafricana Gabrielle Goliath tenía el encargo del pabellón de su país pero no gustó que apareciera en su obra una escritora palestina asesinada por Israel.

Durante los meses de julio y agosto de 1966, algunas partes de España se convirtieron en escenario de película. El director italiano Sergio Leone y todo su equipo viajó hasta nuestro país para rodar algunas de las escenas más importantes de El bueno, el feo y el malo (1966), un largometraje que se acabó convirtiendo en unos de los grandes iconos del género del spaghetti western. 

La primera parada fue Andalucía. El Desierto de Tabernas, ubicado en la provincia de Almería, sirvió como telón de fondo para numerosas escenas al aire libre. La película protagonizada por Clint Eastwood estaba ambientada en el Oeste americano, así que este paisaje árido les permitió rodar varias travesías por el desierto durante las primeras semanas del verano.  

El equipo de la película también se trasladó hasta el Cortijo del Fraile en Níjar, en la misma provincia andaluza, que sirvió para rodar los exteriores de la Misión de San Antonio, un convento religioso convertido en hospital militar lleno de heridos y donde el personaje de Tuco (Eli Wallach) lleva a curar las heridas a El Rubio (Eastwood) tras cruzar el desierto.

De Andalucía al interior

Después de su viaje por Andalucía, Leone y los suyos viajaron hasta la provincia de Burgos, donde tuvo lugar la segunda parte del rodaje. 

Por ejemplo, en el Valle de Arlanza, ubicado a casi 4 kilómetros de Hortigüela, se rodó la batalla del puente de Langstone, la más cara y espectacular de la película. Contó con más de 2000 extras, mientras que la mítica escena del puente volando por los aires tuvo que grabarse hasta tres veces.

El mítico cementerio donde tiene lugar el duelo final se rodó en el Valle de Mirandilla, uno de los más impresionantes de la provincia, ubicado entre las localidades de Contreras y Santo Domingo de Silos. El set, para el que se fabricaron unas 6.000 tumbas, se construyó en apenas unos días gracias a la ayuda de cientos de soldados del ejército español.

Las escenas de la Misión de San Antonio, cuyos exteriores se rodaron en la provincia de Almería, también tuvieron sello de Burgos. La escena en la que se ve a los personajes de Wallach y Eastwood en el interior del convento se rodó en las ruinas del histórico Monasterio de San Pedro de Arlanza, en la localidad burgalesa de Hortigüela.

Aunque todos los exteriores y decorados a gran escala se construyeron y filmaron en España, el rodaje de El bueno, el feo y el malo también tuvo su momento en Italia. Casi todas las escenas en las que los personajes aparecían en interior se rodaron en los emblemáticos estudios de cine italianos Cinecittà, ubicados en la ciudad de Roma.