Desde hace años, Venecia ha sacado pecho de ser el lugar donde daba comienzo la carrera por el Oscar. El certamen había logrado, con el apoyo de los estudios de Hollywood y Netflix —cuyos filmes no pueden competir en Cannes al no asegurar el estreno en salas de cine—, ser el escaparate para que los gurús de la temporada de premios calibraran las opciones de los filmes más esperados. De aquí salieron escopetadas hacia los galardones títulos como Roma, Pobres criaturas o, el año pasado, Frankenstein.

Sin embargo, esa política de flashes y glamour (normalmente esos filmes vienen acompañados de estrellas en su reparto que dan relumbrón a la alfombra roja) se ha demostrado, en varias ocasiones, inestable. La anterior vez fue en la post pandemia, cuando Hollywood no abrió el grifo lo más mínimo para permitir que sus películas vinieran (solo Nomadland, que terminó ganado el León de Oro y después el Oscar).

Pero en estos años todo ha cambiado mucho, y ahora una mala crítica en tiempos de redes sociales puede hundir un filme. O eso creen allí. Tras la debacle de Joker 2, vapuleada en Venecia, miden mucho más lo que presentan en Venecia. Este año, la gran parte de filmes que se espera que estén en los Oscar o no han llegado a tiempo o se han saltado Venecia en beneficio de citas más amables como Telluride o Toronto.

Por eso había mucho interés en ver qué ocurría con una de las pocas propuestas llegadas de un estudio de Hollywood y con una estrella como protagonista absoluto. Primetime venía con A24 como productor y Robert Pattinson dando vida a Chris Hansen, el periodista que saltó a la fama por To catch a predator, un formato en donde con cámara oculta exponía, delante de millones de telespectadores, a pederastas a los que hacían creer que acudían a ver a menores. Allí, en la casa donde les citaban, aparecía Hansen, por encima de la ley, como juez absoluto sin juicio mediante. Sacando, a cara descubierta, a los depredadores sexuales en horario de máxima audiencia.

El formato fue un éxito de espectadores, y también provocó una polémica constante debido a cómo desdibujaba cualquier límite moral. ¿Hasta qué punto un programa tiene la potestad de descubrir a esa gente?, ¿no debería ser la justicia quién lo hiciera? Para contar la historia del programa y de Hansen —y en la resaca de un documental que en España se puede ver en Prime Video sobre el mismo tema y que ha dado a conocer el show en todo el mundo— se ha colocado Lance Oppenheim, bregado en los documentales y que aquí debuta en el largo de ficción con un filme que desaprovecha todo su potencial y que, lo peor de todo, lo trata con una banalidad impropia del asunto.

A Oppenheim y al guion de Ajon Singh solo parece interesarles la historia de Hansen como crítica a los deseos de fama absoluta. Un cuento moral con el clásico 'cuidado con lo que deseas' como moraleja. No les importa en exceso, o al menos deciden no desarrollarlo, el tema que abordaba su programa. No mete los dedos en los límites morales del periodismo, en los peligros de tomarse la justicia por la mano y en cómo eso entronca con un contexto muy concreto, el post 11S donde un país decidió hacerlo.

A cambio prefiere jugar al humor negro en su retrato ácido de la ambición desmedida. Y eso queda claro cuando no solo el personaje de Hansen se obsesiona con ella, sino también los otros dos que le acompañan, su productora (Merrit Weaver) y el actor que ansía por encima de todo su carnet del sindicato de actores de Hollywood y que interpreta al señuelo como falso menor, un sorprendente Skiler Gisondo que es, de lejos, lo mejor de la función. Mejor incluso que un Robert Pattinson que demuestra que es inteligente alejándose de cualquier etiqueta que pueda caer sobre él como actor, y que está espléndido como Hansen. Pero ni su carisma ni su composición pueden salvar una película que se cree mucho más compleja de lo que es, y mucho más profunda que lo que su acercamiento realmente desvela.

Primetime reviste su banalidad con una puesta en escena resultona de estética dosmilera, llena de neones y planos retorcidos para acrecentar esa sensación de incomodidad. Hay ideas y coqueteos con el género para trasladar ese estado mental del protagonista, pero son un envoltorio para un filme que, además, tendrá que enfrentarse con la amenaza del Chris Hansen real, que ha dicho que ha comprado anuncios para proyectar antes de los pases de Primetime.

Según The Hollywood Reporter, Hansen afirma en dicho anuncio: “Ahora hay más plataformas que nunca donde se comete este perturbador delito. Únanse a nuestras investigaciones encubiertas todos los días en mi plataforma de streaming, TruBlu”. En Venecia no se vio ninguno.

Un Moretti tierno, pero menor

La otra gran apuesta vino de la mano de uno de los mejores cineastas italianos de las últimas décadas, Nanni Moretti. El autor de obras maestras como Caro diario o La habitación del hijo no pisaba Venecia desde 1989, cuando presentó Vaselina roja. Desde entonces, todos sus trabajos habían pasado por Cannes. Los tiempos de producción hicieron que su nuevo filme, Sucederá esta noche (que es una coproducción con España de la mano de BTeam e Irusoin y se rodó parte en San Sebastián), no llegara al certamen francés, por lo que el hijo pródigo ha regresado a casa.

Lo ha hecho con un filme menor dentro de una carrera apabullante, pero que contiene varias de sus señas de identidad, el humor, esa ligereza que esconde reflexiones sobre la vida y sus intrincaciones con la política (aunque aquí mucho menos presente) y los números musicales que invaden la trama para convertir todo en un estado casi mental más que en un retrato realista.

Sucederá esta noche es una adaptación de relatos de Eshkol Nevo, como ya hiciera en Tres pisos, y curiosamente ambas se colocan en eso que se podría llamar ‘obras menores’ de su filmografía. Quizás aquí se nota más porque viene de una película tan hermosa, luminosa, brillante y original como El sol del futuro. A pesar de ello Sucederá esta noche hace sonreír y calienta al espectador con su mirada a las relaciones amorosas, por las que apuesta sin fisuras en tiempos de relaciones líquidas y cinismo.

Gracias al magnetismo de Louise Garrell y Jasmine Trinca (que regresa al cine de Moretti tras La habitación del hijo) uno ve con gusto una trama sobre una pareja a la que el destino parece que quiere juntar a pesar de todo. A veces ciertas decisiones narrativas son un poco de señor de otra época —ese personaje del padre ligón—, pero también hay algo melancólico que responde al propio estado vital de Moretti, que tras sufrir un infarto en 2025 parece que acepta un estado crepuscular en su vida que se traslada a sus fotogramas.

En 2018, Disney y Lucasfilm se propusieron profundizar en la historia de uno de los personajes más populares de Star Wars, y el resultado fue Han Solo: una historia de Star Wars. En esta película, que se sitúa aproximadamente una década antes de los acontecimientos de Episodio IV - Una nueva esperanza, vimos cómo Han pasó de ser un fugitivo de Corellia a convertirse en el icónico piloto y contrabandista de la galaxia.

En este camino, Han conoce a personajes míticos como Chewbacca, quien termina convirtiéndose en su inseparable copiloto, pero también a Lando Calrissian, propietario del Halcón Milenario. La responsabilidad de ponerse en la piel del joven Solo recayó en Alden Ehrenreich, que encabezó un reparto formado por nombres de alto nivel como Woody Harrelson, Emilia Clarke o Donald Glover.

Pese a las grandes expectativas que había, la película, que llegó a cines en mayo de ese año, terminó recaudando alrededor de 393 millones de dólares en todo el mundo. Con un presupuesto estimado de entre 275 y más de 300 millones de dólares, la recaudación fue insuficiente para convertirla en un éxito cinematográfico.

Lo que muchos no recuerdan de este largometraje de ciencia ficción es que, parte de las escenas que aparecen en él, se rodaron en Europa. El rodaje comenzó en Pinewood Studios, en Inglaterra, y también utilizó localizaciones en las Dolomitas italianas y la antigua central eléctrica de Fawley, en Hampshire. Pero el tour europeo también hizo parada en España, concretamente en las Islas Canarias.

El rodaje en Fuerteventura

En Han Solo: una historia de Star Wars, la isla de Fuerteventura sirvió para crear el paisaje de Savareen, un planeta árido situado en un rincón remoto de la galaxia, lugar al que Han, Chewbacca, Beckett y el resto de la banda llevan el coaxium para intentar procesarlo en una refinería. La elección de la isla tenía todo el sentido del mundo, pues los productores buscaban “un paisaje desértico que llegase hasta el océano”.

“La búsqueda del lugar idóneo fue, como de costumbre, exhaustiva y de alcance global, con una lista reducida de Sudáfrica, Namibia, Marruecos y las Islas Canarias. Fuerteventura cumplía con todos los requisitos y se impuso como el lugar elegido para construir y rodar la destartalada y ruinosa destilería”, explicaron Neil Lamont, diseñador de producción, y Al Bullock, director artístico supervisor.

La producción eligió los paisajes áridos del sur de la isla, principalmente el valle de Pecenescal y el entorno de Cañada de la Barca. El valle, una zona de barrancos y lomas desnudas, es uno de los grandes atractivos de Fuerteventura, y parte de su territorio pertenece al Parque Natural de Jandía, un espacio protegido.

Empieza con la pérdida paulatina de abdominales y continúa por el repentino interés por el fútbol, el pésimo gusto para vestir y las ganas irrefrenables de emparejarse para tener hijos. Son los síntomas de la heterosis, una extraña enfermedad que convierte a los hombres gays en heterosexuales... y que forma la premisa de Jim Queen, una película de animación para adultos que se proyectó en el Festival de Cannes fuera de concurso y que llega ahora a los cines de España. La cinta narra la historia de Jim Parfait, un musculoso influencer gay que, tras contagiarse y perder su popularidad, se alía con Lucien, un chico tímido que no se atreve a salir del armario, para buscar una cura.

El filme propone una sátira que se ríe de los clichés internos del colectivo y denuncia la homofobia que todavía pervive en la sociedad. Lo hace recurriendo a parodias de canciones de Disney en cuartos repletos de dildos y arneses, gags sobre la obsesión con los orgasmos prostáticos, la temida gaystapo, el postureo de gimnasio y los eternos debates entre activos y pasivos. Sin embargo, abordar una epidemia en tono de comedia dentro de la comunidad LGBT conllevaba el riesgo de rozar la frivolidad, sobre todo por la consideración que merece la memoria histórica de crisis tan dolorosas como la del VIH.

Los guionistas pasaron meses calibrando cada broma para asegurarse de que la película fuera respetuosa sin perder frescura. “Es muy difícil”, admite Simon Balteaux a elDiario.es sobre el proceso de escritura. “Hemos dedicado mucho tiempo a probar los chistes porque la idea principal era que no queríamos ser crueles, queríamos ser considerados y divertidos a la vez. De quien primero me burlé fue de mí mismo, así que intentamos buscar ese tipo de humor que compartes con tus amigos íntimos en una cena. Queríamos pasarlo bien juntos y bromear todos a la vez, sin herir a nadie”, subraya el creador, enfatizando que por ello trataron de tener “mucho cuidado”.

No obstante, la película apunta directamente a la hipocresía política y el avance de los discursos reaccionarios. Aunque el proyecto nació hace ocho años como una comedia desenfadada en un clima de optimismo social, la realidad terminó contagiando el tono de la historia. “Cuando empezamos a escribir estábamos viviendo una época dorada en Francia y parecía que las cosas avanzaban con el matrimonio igualitario”, cuenta Balteaux. “Ahora notamos que el viento está cambiando y que estamos retrocediendo. Vemos leyes terribles en países como Senegal, donde meten a los gays en la cárcel, o cómo se mueven las cosas en Hungría, Rusia o Estados Unidos. La película se volvió política porque el mundo real está cambiando y da miedo”, comenta.

Balteaux denuncia, además, cómo ciertos gobernantes utilizan a las minorías como chivo expiatorio para desviar la atención de sus propias deficiencias de gestión. “No tengo ni idea de por qué este discurso de odio sigue teniendo eco, pero creo que es una técnica política”, critica el guionista frente al avance de la polarización, agregando que “a veces resulta más fácil luchar por normas absurdas, como debatir sobre no compartir el mismo baño, en lugar de centrarse en la economía o en los problemas reales de la gente”. “Se financia algo absurdo para no tener que trabajar en los proyectos verdaderamente importantes; sigo sin entender por qué la sexualidad, el género y los cuerpos tienen que seguir siendo un problema para tantos políticos”, resalta.

La búsqueda de una catarsis colectiva a través de la risa hunde sus raíces en la juventud de los propios cineastas. Balteaux y el director Marco Nguyen concibieron la idea a partir de sus vivencias compartidas durante la infancia. “La pregunta principal era: ¿qué pasaría si ya no pudiéramos ser gays?”, explica el guionista. “Marco y yo nacimos en los 80 y quedamos completamente traumatizados por dos cosas. La primera fue, por supuesto, la pandemia del VIH. Y la segunda es que nacimos y crecimos en pequeños pueblos, por lo que, durante toda nuestra vida, nos han hecho sentir como si fuéramos una especie de monstruos por ser gays”, relata.

Ese sentimiento de aislamiento queda plasmado en el personaje de Lucien, quien todavía no es capaz de contar a nadie su orientación sexual. Aunque las leyes hayan avanzado en Europa a lo largo de las últimas décadas, Balteaux tiene claro que salir del armario continúa tratándose de un proceso lleno de barreras emocionales para muchas personas. “Sigue siendo difícil hoy en día, por desgracia”, lamenta. “Me llevó unos 20 años aceptar cómo era y tuve que mudarme a París para lograrlo. Durante la crisis de la COVID-19 me fui a vivir a un pueblecito durante un tiempo y me di cuenta de que, si no vives en una gran ciudad, sigue siendo igual de difícil”, detalla a este periódico.

En el extremo contrario se encuentra Jim, quien en el largometraje tiene una fijación con levantar pesas, lucir bíceps y mantener una imagen impecable frente al espejo. Balteaux vuelca en el personaje sus propias contradicciones cotidianas en torno al culto al físico. “La crítica que puedo hacerme a mí mismo es que estoy completamente obsesionado con mi cuerpo; voy al gimnasio todos los días y sé que no es saludable”, confiesa. “Hoy en día, especialmente en la cultura gay, existe una obsesión por la perfección, los músculos y el masculinismo. Esta película era una forma de decirle a la comunidad: 'Vale, ¿podemos relajarnos un poco, ser más amables y dejar de ser tan duros con nosotros mismos y con los demás?'”, reflexiona.

“Nos hemos convertido en un producto”, apunta Simon Balteaux cuando piensa en cómo plataformas como Instagram condicionan la autoestima. En la película, en cuanto Jim pierde sus abdominales a causa de la heterosis, sus seguidores se esfuman. No obstante, el guionista destaca que la tiranía de la imagen en internet no se diferencia mucho de las dinámicas que se sufren a diario en las aplicaciones de citas. “Ya no estoy en Grindr porque es demasiado duro; tengo la sensación de ser un yogur y de tener que darme consejos y decir: 'Vale, soy supersaludable, de sabor a fresa y lleno de proteínas”, dice. “Es un gran problema porque, en el fondo, te estás vendiendo a ti mismo como una mercancía”, añade.

Al contraer la heterosis, Jim comienza a interesarse de forma compulsiva por el fútbol y adopta los modales más toscos de la masculinidad tradicional, un recurso que el filme aprovecha para ridiculizar los estereotipos y las presiones por encajar en un molde viril. “Fue muy interesante reírse de ello porque a mí mismo me costó mucho construir mi masculinidad”, indica el guionista. Este reconoce que hace un par de años estaba obsesionado con parecer masculino: “Esta película me ayudó mucho a que por fin me diera igual todo: a veces puedo ser muy masculino y otras veces descarado y eso está bien. Hay muchos tipos diferentes de masculinidad y todos molan, solo sé tú mismo”.

Esa necesidad de catalogar a las personas también se traslada a las discotecas del filme, donde desfilan desde bears —hombres corpuletos con abundante vello corporal y facial— y twinks —hombres delgados con aspecto juvenil y sin demasiado vello corporal— hasta devotos del cuero. Aunque las etiquetas han servido tradicionalmente para crear espacios seguros, los creadores señalan las barreras que a veces provocan. “Hay una escena de fiesta donde aparece una drag queen para recordar con ironía: 'No, no, aunque esto es la comunidad LGBT, aquí solo importa la G de gays'”, explica Balteaux, que argumenta que uno de los objetivos de Jim Queen era inquirir “si podíamos ser un poco más comprensivos los unos con los otros”.

Ante el actual clima de regresión, Simon Balteaux advierte de que ninguna conquista social está garantizada y reivindica la urgencia de arropar a las identidades menos visibles del colectivo queer. “Todavía tenemos que tener mucho cuidado con el hecho de mantener nuestros derechos y la libertad de ser quienes somos”, subraya el guionista. “El mercado y el cine han convertido a los hombres gays en un producto más visible, pero mi idea es usar ese foco para dar luz a las otras letras. En Jim Queen nos centramos en un grupo específico por razones de presupuesto, pero me encantaría hacer una segunda parte o una serie para hablar más de las mujeres lesbianas y de las personas trans”, concluye.

El 28 de agosto de 2009, los asistentes al concierto de Oasis en París fueron avisados por megafonía de que, tras una discusión entre Noel y Liam Gallagher, el evento se cancelaba. Era la enésima bronca entre los hermanos, la gente estaba acostumbrada a sus idas y venidas, pero aquella vez, parecía la definitiva. Desde entonces, nunca se habían juntado de nuevo. No había ningún síntoma de acercamiento entre ellos, pero en 2023 los rumores empezaron a sonar.

Días antes de la final de la Champions League que enfrentaba al Manchester City —el equipo de los Gallagher— contra el Inter de Milán, Liam dejó un tuit en el que decía lo siguiente: “Si el Manchester City gana la Champions League, voy a llamar a mi hermano y reunir a la maldita banda”. El City ganó la Champions, y nadie sabe si fue ese triple lanzado al aire el que hizo que levantara el teléfono o no, pero un año después, y 15 años tras aquella cancelación, Oasis anunció que se juntaba de nuevo para una gira histórica.

Las bambalinas de aquel tour, que ahora se rumorea con que seguirá el año que viene con más citas en Reino Unido y, supuestamente, en Madrid y Barcelona, también se rodaron para un documental que se ha presentado en el festival de Venecia, donde además los Gallagher, aunque no han atendido a la prensa, sí han posado en el photocall y la alfombra roja. Oasis: Don’t look back in anger es el título del filme, que además llega a las salas el próximo 11 de septiembre para contentar a los fans.

La propuesta del creador y productor Steven Knight —responsable de series como Peaky Blinders y guionista del próximo James Bond— responde al título del filme, que no es más que el de una de las canciones más míticas del grupo. Don’t look back in anger, o 'No mires atrás con ira', es el mensaje que traslada el filme. Los hermanos han superado sus diferencias, y al final ese mensaje se eleva como metáfora de la importancia de la empatía en un mundo dividido y cabreado.

Si Liam y Noel han podido reconciliarse todos podemos, parece decir un filme que sigue a los hermanos desde los ensayos del tour, cuando Noel todavía duda de que eso vaya a llegar a buen puerto. 15 años sin hablarse son muchos, y Noel sigue siendo Noel, un terremoto volcánico tan carismático como impredecible. Para esos ensayos se usaron 12 cámaras que se escondieron para ver cómo se desarrollaban esos momentos. Los primeros compases son tensos. No se tocan. No se miran.

Todo cambia cuando llega la gira, cuando ven a la gente rendida a sus canciones y a sus himnos. Ahí empieza esa reconciliación. Es Noel quien lleva la voz cantante del documental, quien muestra su sorpresa cuando en el primer concierto, tras no haberse casi dirigido la palabra, su hermano le agarró de la mano y la levantó delante de todos como si fuera el ganador de un combate de boxeo. Confiesa que durante cuarenta minutos no dio pie con bola, pero que, sin embargo, Liam se comió el escenario. Le vio salir con sus maracas, colocarse su mítica pandereta como si fuera el halo de un santo y cantar como si el tiempo no hubiera pasado. Es cierto. Escuchar la voz de Liam es una máquina del tiempo a los mejores momentos de Oasis.

Ahí radica uno de los elementos más bellos del filme, el reconocimiento de ambos al talento del otro. Sí, las canciones las escribía Noel Gallaguer. Sin él no habría Wonderwall ni Don’t look back in anger, y hasta Liam lo reconoce en el documental. Pero sin la personalidad a contracorriente, revolucionaria y provocadora de Liam no se hubieran convertido en aquella banda que golpeó el panorama musical en los 90, a la que compararon por éxito con los Beatles, y que además pusieron el foco en la clase obrera de la que habían salido.

No se olvidan de esa clase obrera, la mencionan varias veces en el filme. A los que no se pueden permitir pagar una entrada en Mánchester y les escuchan desde una colina les dedican una canción, y dejan claro que no saben lo que son, pero sí lo que no son. “No somos de derechas”, dice Noel Gallagher en la entrevista conjunta con la que el documental entra en su último y conmovedor tercio, en el que cuentan que sus hijos apenas se conocían y que ahora salen de fiesta juntos y son amigos porque ellos también se han reencontrado. “Esta gira ha cambiado la narrativa sobre nosotros”. Una narrativa que se centraba en el caos, y que ahora vuelve a la gloria.

Esa reconciliación se va forjando concierto a concierto, donde los directores Dylan Southern y Will Lovelace colocaron 18 cámaras entre bambalinas y público para captar cada gesto, cada detalle. Para dominarlas, cuatro directores de fotografía diferentes que captaran la luz de lugares como Cardiff, Mánchester, Londres, Buenos Aires o São Paulo.

Una polémica superada

Aunque los Gallagher no estuvieron en la rueda de prensa, Steven Knight y los directores explicaron las decisiones creativas y narrativas en torno al filme, como por ejemplo el porqué no se centra en lo que ocurrió en aquella noche del 28 de agosto de 2009. “No miramos a lo que pasó. Algunos lo saben, otros no… pero esta película es sobre lo que pasa ahora. Y la intención es, en esta época de redes sociales y anonimato, hablar de personas que se reconcilian y se perdonan. Es una película sobre el ahora y el futuro”, dijo Knight que además dejó claro que lo que salió al grabarles “es mejor que cualquier ficción posible”. “Además, nadie puede interpretar a Liam Gallagher… excepto Liam Gallagher”, añadió jocoso Dylan Southern.

Para Dylan Southern y Will Lovelace era fundamental desaparecer durante los ensayos. Por eso escondieron esas 12 cámaras. Ahí vieron los primeros compases y dinámicas de ambos hermanos tras tantos años separados. Y apenas hubo relación. Sin embargo, “al ver cómo reaccionaba la gente a sus canciones en el tour, eso les afectó a ellos”. Al final, captaron “cómo se reconcilian en el escenario delante de todo el mundo”.

Una reconciliación que se materializa en esa entrevista conjunta donde hablan de nostalgia, de cómo han cambiado el relato sobre Oasis, sobre los años 90, las fiestas de entonces y las de ahora, sus ansiedades y miedos, y de que ahora se mandan vídeos por WhatsApp y hablan más de la vida y del mundo que cuando estaban en la cresta de la fama. Todo eso entre las 179 veces que entre ambos dicen la palabra ‘cunt’ [coño, en inglés, aunque vulgarmente se utiliza como “imbécil” o “cabrón”], una cifra dada por los directores entre risas y tras la que dan su opinión sobre si hay reunión de los Gallagher para rato o se enfadarán de nuevo: “No parece que vaya a ocurrir, se llevan muy bien”.

Durante el pasado agosto han coincidido en Navarra la grabación de al menos cuatro producciones audiovisuales de forma simultánea: Odio al Verano 2, Narcopiso, Enredados (Disney) e Iruña 1997. Los vecinos del Casco Viejo de Pamplona pudieron disfrutar durante unos días de finales de agosto de un viaje en el tiempo por la grabación de este último proyecto, aunque también expresan quejas por los gritos de los figurantes de madrugada en la zona de la Casa Consistorial. Entre junio y septiembre de este año “14 producciones han elegido localizaciones de Navarra para sus proyectos”, según trasladan desde NICDO (Navarra Impulsa Cultura, Deporte y Ocio). Sin embargo, hay opiniones dentro de la industria que lo consideran un “overbooking” que deriva en la explotación de espacios habitados. Según una trabajadora navarra del sector audiovisual, “se está forzando la máquina”. “Llegan, arrasan con todo y les da igual”, declara.

En 2024 el Gobierno de Navarra se propuso “una estrategia para apoyar e impulsar la industria audiovisual”, afirman desde el mismo Gabinete Cultura, Deporte y Turismo, que, junto con el Departamento de Economía y Hacienda, aprobaron “un incentivo” para poder ser “más competitivos con respecto a otras comunidades”. “Queremos promover y consolidar a la región como un territorio de referencia y polo de atracción para la industria cinematográfica y audiovisual, tanto a nivel nacional como internacional”, trasladan desde el departamento dirigido por Rebeca Esnaola.

Los planes que impulsaron desde el Ejecutivo foral se amplían más allá de “atraer rodajes”, pretendiendo poner el foco a medio plazo en poder “lograr un tejido en el sector audiovisual que complete toda la cadena de valor de la industria audiovisual, desde la educativa hasta la profesional”, explican desde Cultura. Esta actividad se prevé que genere “empleo y beneficios para la economía”, además de exportar la “Marca Navarra” al mostrar en “la gran pantalla” los “paisajes y patrimonio” de la Comunidad Foral.

Las ayudas fiscales aprobadas en enero de 2025 al sector audiovisual, con mejoras del incentivo fiscal de hasta un 50% (llegando al 85% en determinados proyectos) y que afectaron con carácter retroactivo a los proyectos que se desarrollaron desde el 1 de enero de 2024, ha generado un boom de rodajes en Navarra. Según los datos de Navarra Film Industry en 2024 y 2025 en la comunidad foral se filmaron 374 proyectos.

“Lo que hacen las productoras, muchas veces de fuera de Navarra y que [en general casi] siempre son deficitarias, es venir aquí, rodar, hacer una AIE (una agrupación de interés económico) con inversores o con productoras de Navarra, y con eso generan las deducciones que se las venden a inversores con una rentabilidad del 20%”, cuenta Ana, nombre ficticio (pues prefiere mantener el anonimato), que forma parte de uno de los proyectos que se ha estado llevando a cabo en Pamplona a finales de agosto. Este margen del 20% está expresamente contemplado en la normativa navarra que regula el incentivo.

De esta forma, las ayudas fiscales se materializan de una forma muy sencilla. La productora recibe financiación de una empresa o inversor y, a cambio, este puede beneficiarse de la deducción fiscal generada por la película. Por ejemplo, si aporta 416.000 € y obtiene una deducción de 500.000 €, logra un ahorro fiscal de 84.000 €. De este modo, la productora consigue financiación que no tiene que devolver como un préstamo y el inversor obtiene un beneficio fiscal, incentivando que las empresas destinen recursos a financiar la industria audiovisual. Porque en la práctica en vez de pagar 500.000 en impuestos, paga 416.000 a una productora, ahorrándose la diferencia.

Puesto que la ayuda fiscal en Navarra parte del 45% y puede llegar al 85% (dependiendo en el tipo de obra y determinados requisitos), Ana afirma que “al final las productoras se cocinan mucho el incentivo”, creándose lagunas e ingenierías fiscales que no se controlan en un sector en que cada proyecto tiene un coste medio, solo de producción, de alrededor de 3,1 millones de euros, según el Instituto de Gestión Cultural y Artística en España. En sus palabras, ocurre con los empleados, que figura su actividad como realizada en Navarra, “pero luego se hace fuera” y otros aspectos. “Hay proveedores que te facturan cosas [como si fueran de origen navarro] que luego son de fuera, así muchas otras”. “Nadie te hace una auditoria”, expresa. Aunque en la normativa se plasma un procedimiento bastante exhaustivo de prevalidación, postvalidación e informe de memoria a cargo, según indican desde Cultura, de “una unidad específica en la Dirección de Cultura que se dedica a ello junto con Hacienda”.

Todos estos movimientos se enmarcan en los propios requisitos económico-territoriales establecidos por el Gobierno de Navarra. Para calcular la deducción sobre toda la inversión, al menos el 40% del gasto debe realizarse en Navarra, tal y como se establece en la Guía de Incentivo de 2026 publicada por Gobierno navarro. Si no se alcanza ese porcentaje, la base de deducción se reduce proporcionalmente. Por ejemplo, en una producción de 1 millón de euros, gastar 400.000 € en Navarra permite calcular la deducción sobre el millón completo; si solo se gastan 200.000 €, la base baja a 500.000 € y la deducción general del 45 % sería de 225.000 €.

De esta forma, las productoras y sus inversoras intentan aprovechar los incentivos fiscales al máximo, incluso de otras comunidades (como País Vasco y Canarias, que también gozan de ayudas fiscales a la industria audiovisual). “Hay una serie que se ha estado grabando esta semana” ambientada en Pamplona, pero “han grabado solo los exteriores y ahora se van a Bilbao” porque la deducción fiscal “es todavía más grande”, afirma Ana, que dice saberlo por una amiga que trabaja en esa producción. En Vizcaya, si se cumplen ciertas condiciones, la deducción llega al 70%. Según dice, esa misma empresa se ha traído el servicio de catering de Madrid, por lo que en la ciudad dejan “poco en comida”, a pesar de que dentro de considerado “gasto en territorio navarro” entra el consumo en “hostelería y restauración en establecimientos navarros”.

La entrada de grandes inversiones, según Ana, hace que las productoras locales también tengan dificultades para desarrollarse. “No todos tienen el dinero de Netflix, HBO o Amazon Prime. Hay producciones mucho más pequeñas y artesanales para las que es muy difícil conseguir igualar los sueldos que pagan las grandes plataformas” causados por el aumento de la demanda, explica. “Hay técnicos que llevan trabajando seis meses, seis meses de experiencia laboral, y te dicen: 'Yo por menos de 300 euros al día no me levanto de la cama'”, afirma a partir de su experiencia.

Aparte de la burbuja que se ha creado, que considera que en algún momento “explotará”, también señala la laxitud con la que se trata a las productoras. “No es normal que se den permisos de rodaje nocturnos en la plaza del Ayuntamiento con cientos de figurantes gritando, no se ha respetado el descanso de los vecinos”, cuenta conocedora de la actividad nocturna de los enclaves del Casco Antiguo de la capital navarra. “Los cortes de peatones intermitentes tienen un permiso máximo de tres minutos habitualmente y hacían cortes de 20 minutos, que no podías acceder porque estaba balizando porque estaban tirando piedras. Han usado salas municipales que, en principio, solo son para asociaciones y, aunque han pagado bastante viruta, han entrado para producir. Se les deja todo”, añade.

“Para el cine es bueno, pero no estable”, considera la trabajadora sobre el asentamiento de las productoras en Navarra. “Ahora hay cuatro o cinco producciones a la vez y luego puede no haber trabajo. La industria del cine es inestable de por sí. Tú puedes currar de repente tres meses y levantarte 3.000 euros al mes y luego no hacer nada cinco meses”, por lo que la creación de industria no es del todo real.

Tampoco considera que se haga un fomento real de la comunidad foral a pesar de que también sea obligatorio la aparición de Navarra en los créditos, puesto que en los espacios que se graba “muchas veces falsean con que es otro sitio”. “Así que ya ves”, concluye tras un soplido.

Ridley Scott habría quedado insatisfecho con el trabajo de Paul Mescal en Gladiator 2 y habría considerado que el actor no era “lo bastante masculino” para el papel, según fuentes cercanas a La constelación del perro citadas por Matt Belloni, periodista de Puck. Esas mismas informaciones relacionan la experiencia del director con Mescal durante la secuela con su posterior salida de la nueva película de Scott, aunque no está confirmado que el cineasta utilizara literalmente esas palabras ni que ese fuera el único motivo del relevo.

El entorno de Scott ha rechazado esa explicación. En declaraciones recogidas por MeriStation y atribuidas al representante del director, este asegura que Scott disfrutó de su colaboración con Mescal en Gladiator II y quería volver a trabajar con él en La constelación del perro. Según esta versión, fueron los problemas de calendario los que impidieron la participación del actor, a causa de las cuatro películas sobre The Beatles que prepara Sam Mendes, y el cineasta quedó decepcionado por perderlo. Jacob Elordi terminó ocupando el papel antes de que comenzara el rodaje.

Una secuela que no cumplió las expectativas

El actor irlandés interpretó en Gladiator 2 a Lucio Vero, en una historia situada varios años después de la muerte de Máximo Décimo Meridio, el personaje encarnado por Russell Crowe en la película original. Lucio se convertía en gladiador y también en la voz de una revolución contra el poder de los emperadores Caracalla y Geta, interpretados por Fred Hechinger y Joseph Quinn. El reparto incluía además a Denzel Washington como Macrino y a Pedro Pascal como el general romano Justo Acacio.

La película recaudó 462 millones de dólares en la taquilla mundial, pero su rendimiento quedó por debajo de lo esperado teniendo en cuenta que partía de un presupuesto inicial de entre 250 y 300 millones. La secuela también recibió numerosas críticas por sus licencias históricas, entre ellas las escenas de un Coliseo inundado con tiburones o los enfrentamientos de gladiadores con monos y otras criaturas. Scott defendió en más de una ocasión algunas de esas decisiones, pero no cuestionó públicamente la interpretación de Mescal.

Jacob Elordi ocupó el lugar de Mescal

Mescal estaba previsto inicialmente como protagonista de La constelación del perro, adaptación del best seller de Peter Heller, pero Elordi acabó ocupando su lugar. La película presenta un mundo distópico después de que una catástrofe haya diezmado a la población y sigue a un piloto que intenta sobrevivir acompañado de su perro y de otros supervivientes mientras huye de los carroñeros que pretenden controlar lo que queda del mundo.

El cambio de protagonista tampoco ha venido acompañado de un gran éxito comercial para la nueva película de Scott. Según la información recogida por IGN, La constelación del perro recaudó 19 millones de dólares en todo el mundo durante su estreno frente a un presupuesto de 89 millones, unos resultados que el medio sitúa entre los mayores tropiezos de taquilla de la carrera del director.

Mescal, mientras tanto, tiene por delante otro proyecto de gran envergadura. El actor interpretará a Paul McCartney en las cuatro películas sobre The Beatles dirigidas por Sam Mendes, precisamente el trabajo al que se atribuyeron sus problemas de agenda con La constelación del perro. Esa fue la explicación difundida cuando se conoció su salida de la película de Scott y es también la versión que ahora mantiene el entorno del cineasta frente a las informaciones publicadas por Belloni.

Las dos versiones dejan, por tanto, explicaciones opuestas sobre el relevo. Las fuentes citadas por Belloni sostienen que Scott no quedó satisfecho con Mescal tras Gladiator II, mientras que el representante del director lo niega y asegura que ambos mantuvieron una buena colaboración y que Scott quería volver a contar con el actor. Ni el propio cineasta ni Mescal han confirmado públicamente que existiera un conflicto entre ellos o que la supuesta falta de masculinidad del intérprete motivara su sustitución por Elordi.

John Malkovich es uno de esos actores a los que su rostro, alejado del canon de belleza hollywoodiense, siempre ha colocado en papeles de ‘raro’. Hacía tiempo que le tocaba ese personaje que le volviera a colocar en el centro. Uno que despertara a la gente del letargo y viera que es algo más que un intérprete condenado a secundarios excesivos y excéntricos. La varita mágica la tenía Martin McDonagh, experto en coger a actores como Malkovich y darles el personaje que se merecen.

El director de Tres anuncios en las afueras (que valió el Oscar a Frances McDormand y Sam Rockwell) y Almas en pena de Inisherin (que granjeó sendas nominaciones para Colin Farrell y Brendan Gleeson) es de esos cineastas que escriben caramelos a los actores. A Malkovich le ha dado uno de los mejores personajes de su carrera, el de Wild Horse Nine. Malkovich borda ese agente de la CIA destinado en Chile para preparar el golpe de Estado contra Salvador Allende y que pierde la memoria mientras decide escribir, valga la redundancia, sus memorias contando todas las barbaridades cometidas sirviendo a su país, y ahí entra desde el magnicidio a varios golpes de Estado en países como Guatemala o el Congo.

Tras el pase de prensa en el Festival de Venecia la crítica lo tuvo claro, a John Malkovich le van a llover los premios por el filme, y ya en la rueda de prensa se le preguntó por ello. “Tengo una carrera muy larga y tengo películas espectaculares con directores, guionistas y actores increíbles. Nunca siento que compita con nadie, porque amo lo que hacen, para mí es algo muy bonito que digan esas cosas, pero lo más bonito es que haya atención sobre esta película que tiene varias interpretaciones increíbles y está genial escrita y dirigida. Eso es lo más importante”, dijo.

McDonagh llevaba varios proyectos intentando trabajar con él, pero por culpa de compromisos con otras películas no habían podido hasta ahora, y la elección fue “muy fácil”. “Era un guion hermoso y esta vez no había nada que lo impidiera. Me gusta que los dos protagonistas son dos idiotas que son tan ignorantes que dicen en alto que son de la CIA y van a desestabilizar la democracia de Chile y mandar al país al garete. Aunque, a veces, leyendo la historia, parece que algo así está cerca de lo que ocurrió en realidad”, dijo de su elección del papel.

Poco antes, Malkovich, junto a su compañero de reparto, Sam Rockwell, atendía a elDiario.es en un hotel junto a la Plaza de San Marcos de Venecia. Rockwell contó lo más importante y por lo que repiten todos con Martin McDonagh: “Es un guionista realmente bueno, pero no es un cretino, lo cual ayuda. Es un hombre empático, amable, tiene modales y habilidades sociales, lo cual a veces, sorprendentemente, puede ser raro”.

Para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase a menudo. No importa de donde vengas, hay mucho olvido

John Malkovich — Actor

En Wild Horse Nine se tiende el hilo para que el espectador una que lo ocurrido en aquellas décadas, desde el asesinato de Kennedy en 1963 a los diferentes golpes de estado contra gobiernos latinoamericanos de izquierdas, tiene sus consecuencias en la actualidad. Algo que dejó claro Martin McDonagh en la rueda de prensa, y que hace pensar a Malkovich si lo que tenemos ahora es, realmente, eso que llamamos democracia.

“No estoy del todo convencido de que vivamos en una democracia, pero si es así… buena suerte con ello porque, ¿qué es una democracia?, ¿de quién es?, ¿cómo se decide? Hoy me he preguntado varias veces, ¿en qué país los ciudadanos creen lo que dice su Gobierno? No estoy seguro. Esto se ha repetido una y otra vez en el tiempo, lo que pasó en noviembre de 1963, en Chile del 73… está sucediendo todo el tiempo”, asegura.

McDonagh establece una metáfora entre la memoria que pierde su protagonista y la memoria perdida de forma colectiva que hace que olvidemos sucesos como el golpe de Estado de Chile y nos condene a repetir los mismos errores. Para Malkovich esa idea es “la esencia de la película” y recuerda que el otro día vio en televisión a jóvenes universitarios que, ya no es que supieran lo que ocurrió en Chile en 1973, es que no sabían “lo que pasó en Nueva York el 11 de septiembre de 2001”. “No sabían nada, ni quién lo hizo, ni cómo se respondió… para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase a menudo. No importa de donde vengas, hay mucho olvido”, dice con cierto pesimismo.

Para el actor de Las amistades peligrosas es importante que películas como Wild Horse Nine vengan a festivales internacionales. Lo dice en un año en donde Hollywood ha frenado su presencia en Cannes o Venecia. Para el actor, “el cine es algo mundial, y hay un público en todas partes que quiere ver algo interesante, algo que los conmueva, los divierta, los emocione”, y pone un ejemplo: “Si alguien ve El agente secreto fuera de Brasil, puede que no les guste, y lo entiendo, pero la película les está diciendo algo, y antes había muchas películas estadounidenses, en los 70, que hacían eso, y cada vez hay menos cine estadounidense que lo haga y eso es desgarrador, pero también es un error increíble. Venir a un lugar como Venecia o San Sebastián o El Cairo o Cannes o donde sea te conecta con un público de todo el mundo. Y es un mundo muy grande”.

Llega el primer fin de semana de septiembre y te dejamos una selección de planes para que se te haga más amena la vuelta a la rutina, desde libros y canciones hasta conciertos, exposiciones o películas de estreno.

'Brett' en Madrid. Es difícil que exista un fotógrafo que haya tomado más fotos del cantante de Suede, Brett Anderson, en España que el fotógrafo Óscar L. Tejeda, especializado en fotografía de conciertos y que le ha disparado desde 1997 hasta hoy. Para celebrar este idilio, Tejeda ha inaugurado una exposición en las paredes del bar madrileño Fotomatón, inaugurada ayer 3 de septiembre y que podrá visitarse durante unas cuantas semanas. Brett de rodillas, Brett abrazado por el público, Brett entre sombras, Brett espasmódico, Brett So Young, Brett Lazy, Brett absolutamente entregado. ¿Cuál es tu Brett favorito?

Cómic en Pamplona. Ana Miralles (con la exposición de originales Eva/Ava) y Paco Alcázar son dos de los invitados al Salón del Cómic de Navarra, del 4 al 27 de septiembre.

CometCon en Gijón. Evento de ocio joven y alternativo que reúne a algunos creadores de contenido como El Quinto Emperador (principal creador de contenido de One Piece de habla hispana), el actor de doblaje Jon Samaniego (Monkey D. Luffy en el live action de One Piece, Ekko en Arcane, Colin Bridgerton en Los Bridgerton, Aerion Targaryen en El Caballero de los Siete Reinos, o Coriolanus Snow en Los Juegos del Hambre), y locutor desde hace 15 años.

Extreme Barcelona. Del 4 al 6 de septiembre, el Parc del Fòrum reunirá a destacados nombres de la escena internacional de atletas de BMX como Kenneth Tencio, Arseny Lubishkin, Jude Jones, Gustavo Batista, Kieran Reilly y Natalya Diehm, además del rider de Streetboard Sergi Nicolás.

Humor en Luco de Jiloca (Teruel). Enluquecidos es un festival de llenará de risas la localidad turolense del 4 al 6 de septiembre. Entre los invitados, los actores de doblaje de Los Simpson, Rafa Maza y Clara Ingold.

Cultura japonesa en Reus. Hikari, la feria de cultura japonesa se celebra el sábado 5 de septiembre. Hay demostración de shodō, baile inaugural Bon Odori, taller participativo de Bon Odori y taller de caligrafía sobre farolillo tradicional.

Tenerife Phe Festival. Fat Dog, Getdown Services, VVV [Trippin’ You], Phil Hartnoll (Orbital) o Alexis Taylor (Hot Chip) forman el cartel de este festival de música electrónica que se celebra en Puerto de la Cruz el 4 y el 5 de septiembre.

Homenaje al Lyceum Club Femenino en Soria. Gracias al Instituto de la Mujer, llega a Soria esta exposición titulada Ellas nos hicieron modernas, dedicada a la institución del Lyceum Club, asociación de intelectuales españolas fundada por María de Maeztu en Madrid en 1926. La muestra reconoce, con 24 paneles, la memoria democrática e histórica haciendo genealogía feminista de la generación del 26. La exposición de se complementa con este pódcast de 10 episodios. Después, la muestra seguirá itinerando por España.

Teatro en Madrid. El invencible verano de Liliana es un monólogo basado en el libro de Cristina Rivera Garza que narra la historia de la hermana de la autora, asesinada en 1990 a manos de su expareja, quien a día de hoy no ha sido atrapado. La prestigiosa actriz mexicana Cecilia Suárez lo interpreta, bajo la dirección de Juan Carlos Fisher (Prima facie) se ha estrenado el 3 y aguantará hasta al 13 de septiembre en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque.

Ciencia ciudadana en Sierra Nevada. La Universidad de Granada organiza del 4 al 6 de septiembre las Jornadas Lagunas de Sierra Nevada, que reunirán a investigadores, voluntarios y Agentes de Medio Ambiente para estudiar más de 40 lagunas glaciares. La programación incorpora dos propuestas artísticas: la presentación del nuevo libro de fotografía de Andrés Ureña, Sierra Nevada. Ecos del paisaje, y la Acción Sonora de Ilaria Degradi, Music for Territories–Paisajes sonoros y música electrónica experimental (el 5 de septiembre a las 22h en Hoya de la Mora, entrada gratuita).

Tres libros, por Laura G. Higueras

'La noche en el corazón', de Nathacha Appanah (trad. Elia Maqueda, AdN). Inspirada por el feminicidio de Chahinez Daoud, a la que su marido quemó viva en la calle después de que ella le hubiera denunciado varias veces por múltiples episodios de violencia de género; la obra lleva a la autora a explorar su propio pasado (una prima que fue asesinada en circunstancias similares) y la violencia que ella misma sufrió. Finalista del premio Goncourt, rescata del silencio a las mujeres que la violencia quiso borrar.

'Los años secos', de Raquel Zas (Temas de hoy). Vamos con una novela debut que explora el duelo tras una ruptura, la autoestima y las exigencias que pesan sobre las mujeres que sienten que tienen esa presión por “tenerlo todo”. Lo hace a través de la historia de Clara, una joven que regresa al pueblo de sus padres dejando atrás la vida que había construido con su expareja. Entre trabajos provisionales, rutinas familiares y amistades que sobreviven al paso del tiempo, empezará a revisar su relación con el deseo, desde los primeros contactos al miedo a ser tocada.

'Mi vida en la carretera', de Gloria Steinem (trad. Regina López Muñoz, Alpha Decay). Este jueves recibíamos la triste noticia de la muerte de Gloria Steinem. Qué mejor manera de rendirle homenaje que precisamente leyéndola (o regalándole alguno de sus libros a quien conozcas que aún no lo haya hecho). Mi vida en la carretera es una apuesta segurísima. En ella relata cómo fueron creciendo tanto ella misma como el movimiento revolucionario por la igualdad, desde su primera experiencia de activismo en India a su trabajo como periodista en los sesenta, del torbellino de las campañas electorales a la fundación de la revista Ms.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Este viernes se publica The Fatal Flaw, el nuevo disco de la promesa británica Paris Paloma. Y ojo, porque una de las canciones que te recomiendo, y que ya está en nuestra playlist, es necesario acompañarla de otros de sus temas. Good Girl y Good Boy son dos caras de la misma moneda, poniendo el foco en los hombres que pisotean a las mujeres para alcanzar sus objetivos y que, por lo tanto, perpetúan sistemas que a la larga acaban perjudicándoles también a ellos. Ambas canciones juegan con la idea de los modelos a seguir y las expectativas de ser quien se espera que seamos.

'Good Girl' de Paris Paloma. La cantautora da un golpe sobre la mesa con este alegato feminista contra la tiranía estética impuesta a los cuerpos femeninos. “Y puedes gritarme todo lo que quieras que el mayor romance es conmigo misma”, afirma la artista a lo largo del tema, desafiando las exigencias de sumisión y control sobre el físico que la sociedad patriarcal dicta a las mujeres. Lo hace entre guitarras acústicas de corte folk que van sumando intensidad percusiva y dramática a la canción.

'I Can't Wait' de Phoebe Bridgers. Durante mis vacaciones, Phoebe Bridgers ha publicado uno de los mejores álbumes del año, Lost Weekend. La compositora californiana presenta un proyecto completísimo, con letras finísimas y producciones espléndidas, muy a lo Sufjan Stevens. Hasta más de diez ingenieros de sonido participan en cada una de las canciones. Entre las más potentes, este tema en el que comparte armonías vocales con Cameron Winter. “Cariño, si me dejas, ¿puedes llevarme contigo?”, suplica la artista al inicio de una pista que explora el anhelo obsesivo y la dificultad de sobrellevar vínculos rotos.

'Hipster Runoff' de Lex Walton. “Wall Street fue ocupada, a Kony le hicieron lo de 2012 / ¿Qué hemos conseguido con todo esto? / La policía está matando a madres en sus coches”. Así de tajante se muestra Walton en esta pieza de rock producida por Dan Boeckner. “Te desprecio a ti y a todo lo que representas”, clama con rabia el artista a lo largo del tema, cargando contra la apatía generacional, el activismo de fachada y el conformismo político. La canción toma el nombre del icónico blog de la era indie para enfrentarse al cinismo actual.

Tres películas, por Javier Zurro

'Jim Queen'. Cine de animación para adultos y divertidísimo. Solo la idea de esta película es hilarante, un virus que vuelve heteros a los gays... una excusa para hacer una comedia que cuestiona los clichés del colectivo LGTB, pero sobre todo la homofobia que todavía hay en la sociedad. La muestra de que los dibujos no son para niños, sino para cualquier historia que quiera explorar sus posibilidades expresivas.

'El olor a leche quemada'. Hay una nueva generación de directoras alemanas que está ofreciendo una mirada diferente al cine que, habitualmente llega de allí. El año pasado fue Masha Shilinski con El sonido de la caída. Pero ojito con Justine Bauer, que tiene solo 36 años y ha dirigido esta película tan especial que se aleja de los clichés del coming of age y las películas rurales.

'Cronos'. La apuesta taquillera de la semana llega de la mano del cine español. Fernando González Molina dirige este thriller sobre la investigación policial para detener a los terroristas tras el atentado de las Ramblas en Barcelona. Cine adulto, de buena factura, con un reparto brillante (Enric Auquer está en un momento dulce) y hecho con inteligencia para demostrar el gran momento de la industria.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Más de 80 festivales cancelados. Este es el balance, al menos hasta ahora, de encuentros musicales de todo tamaño y género que se habían anunciado pero no se han celebrado: por causas económicas o ambientales.

Zurro en Venecia. Ha comenzado el gran festival italiano y no te pierdas la extensa cobertura desde allí: empezamos con George Clooney, seguimos con Danny Boyle y con Martin McDonagh. Síguelo aquí.

Nerea. Te damos dos cosas, lo difícil es elegir qué va primero: una maravillosa entrevista con vídeo (y texto) con Nerea Pérez de las Heras o un capítulo entero de su nuevo libro Fantasma, sobre la pérdida de su pierna.

Polifemo, las sirenas, los lestrigones, el Hades, el vórtice de Caribdis, el monstruo marino de Escila o la poderosa hechicera Circe. Esos son algunos de los mitos, personajes, episodios y monstruos escogidos por el director Christopher Nolan para su adaptación cinematográfica de La Odisea, el famosísimo poema griego donde Homero narra el viaje de regreso de Odiseo a Ítaca tras la guerra de Troya.

Una cuidada selección entre 12.000 versos y más de 7.000 palabras que rescata algunos de los episodios que tuvo que afrontar el afamado guerrero antes de volver a casa. La elección no ha estado exenta de polémica, porque el director estadounidense deja en el tintero a muchos dioses, omite al desdichado Elpénor y excluye la ejecución de las esclavas que han sido desleales.

En cambio, para la adaptación cinematográfica de La Odiosa, Nolan no se olvida del mito de Circe, seguramente una de las escenas más impactantes de las que puede disfrutar el espectador durante las 2 horas y 52 minutos que dura la película. La duración del filme tampoco ha pasado inadvertida para muchos.

El mito de Circe

Circe se lleva buena parte del protagonismo en La Odisea. Hablamos de una hechicera y diosa de la mitología griega, hija del dios sol Helios y de la oceánide Perseis, con talento excepcional para preparar pociones mágicas, como queda bien claro en la película.

Según recoge Homero en su poema, donde se la cita como una “diosa de hermosos cabellos”, el hogar de esta mujer estaba en la isla de Eea. Su guarida, una especie de mansión de piedra donde se resguarda en soledad, está mejor custodiada de lo que parece a simple vista.

Ella misma ha transformado a los hombres que han llegado en lobos y leones que custodian su hogar, como entretenimiento o venganza. Este fue el caso de los hombres de Odiseo, que, en la adaptación de Nolan, irrumpen en la isla amenazándola con cuchillo en mano y en búsqueda desesperada de comida después de días sin probar bocado. La hechicera no se la niega, pero sus pretensiones son otras.

Circe sienta en la mesa al grupo de hombres encargados de explorar la isla de Eea y les sirve un preparado que devoran en unos minutos. Los hombres comen alegremente, sin saber que ha vertido una de sus pociones. El mito cuenta que Circe los golpeó con su vara y los convirtió en cerdos, arrinconados en pocilgas. En la película de Nolan, la imagen es otra: la mujer dando forma con sus propias manos a las caras de los visitantes, deformando sus rostros hasta convertirlos en cerdos.

La tardanza de los hombres inquieta a Odiseo, que decide ir en su búsqueda. No los encuentra y, a su llegada, solo ve los restos de los cuencos de comida y a un nutrido grupo de cerdos que ocupa las pocilgas. El guerrero desconfía y no cae en la trampa. En la adaptación de Nolan, la escapada se resuelve con una negociación, en la Circe da su brazo a torcer y restaura a todos los hombres. Abandonan la isla definitivamente, pero el sufrimiento y el tortuoso viaje están lejos de terminar.

Su regulación ya estaba presente entre las reclamaciones de intérpretes y guionistas durante la huelga de 2023, y un par de años después la Academia decidió pasar a exigir que se informara de su utilización a la hora de seleccionar las películas oscarizables. Aun así, es fácil proponer que no ha sido hasta este año, 2026, que la Inteligencia Artificial generativa ha empezado a estar a la orden del día en Hollywood. Coincidiendo con lo que ya hay quien declara el pinchazo de la burbuja, e invadiendo la actualidad mediática a base de grandes anuncios y breves controversias.

Así que, al margen de cierta patente que un tipo tan emprendedor como Ben Affleck ha logrado endilgarle a Netflix —en paralelo a que la plataforma admita haber usado esta tecnología con profusión durante los últimos meses—, y pasando por encima de la decepción que Scorsese ha hecho cundir entre la cinefilia por su empeño en agilizar los storyboards, nos topamos con que la incorporación de la IA al tejido industrial se traduce en dos tipos de actitud. Por un lado, la arrogante o mesiánica, la que se empeña en vendernos su carácter revolucionario. Es la de Darren Aronofsky con cierta miniserie espantosa centrada en la independencia de EEUU, o Doug Liman con una película titulada Bitcoin (¡) que asegura haberse ahorrado millones en localizaciones.

Ambas han hecho un uso prominente de la tecnología y deben presumir de ello, pues en ello les va el dinero y la inversión. Es la actitud contraria a la que nos interesa ahora: la del disimulo. La que se ajusta al meme aquel de “profe no lo hicimos” y que en cuanto es descubierta se granjea críticas en redes tan hostiles como mordaces y despectivas. Porque cómo vamos a respetar que tanto Supergirl como Spider-Man: Brand New Day, con tal cantidad de material gráfico a sus espaldas, recurran a la IA para sus diseños. Cómo nos va a respetar nadie, deben ser conscientes algunos de estos espabilados cineastas, si la gente llega a descubrir lo cutres que somos.

Es un poco más grave cuando hablamos de blockbusters con tantos recursos como dispone el cine superheroico, pero el sentimiento de vergüenza es equivalente y es el que mueve a los realizadores a fingir hasta el final. Hasta que alguien les acorrala, y el director Adam Shankman confiesa que hubo un poco de IA en los efectos visuales de Stop! That! Train! (comedia de acción encabezada por RuPaul aún inédita en España) días antes de que Eli Roth haga lo propio con Dulce sabor a muerte.

El caso de Dulce sabor a muerte, que ha llegado finalmente a nuestro país tras su estreno estadounidense a principios de agosto, resulta sugerente en especial. Porque su argumento permite proclamar risueñamente que a Roth “le han pillado con el carrito del helado”, y sobre todo porque el perfil de este director, la forma en que ha empleado la dichosa tecnología para este film, ilustra a la perfección cuál es la ideología, así como secreta, que encubre tanta fruición por la IA.

El verdadero cerebro de la Inteligencia Artificial

Clement Tyler Obropta, vía Film Inquiry, se ha mostrado duro contra Dulce sabor a muerte al punto de llamar al boicot. “No paguéis por películas o series que usen IA generativa. No las critiquéis. Y, si sois editores, no solicitéis ni publiquéis críticas de estos proyectos”. Es un llamamiento plenamente legítimo y merecedor de nuestro apoyo, pero por ahora, en lo relativo a Dulce sabor a muerte, sería una pena privarse de analizar sus particularidades. Porque el director Eli Roth dijo inicialmente que no habían usado IA en absoluto. Incluso presumió de haber dibujado y animado él mismo la pieza en blanco y negro que enloquece a los críos de la película.

Dulce sabor a muerte cuenta básicamente cómo un siniestro heladero (Ari Millen, visto en Orphan Black) llega a un pueblo de lo más tranquilo donde, una vez los niños comen los productos que trae este visitante, se desata la masacre. Los niños se vuelven contra los adultos para asesinarlos a lo bestia, estilo Chicho Ibáñez Serrador, luego de que la citada pieza de dibujos animados (inspirados en los años 20, entre Disney y Fleischer Studios) termine de activar en sus cabezas la sed de sangre. Roth aseguró, entonces, que él se había encargado de la animación y de buena parte de los diseños, que en el film aparecen tanto en movimiento como adornando el carrito de los helados del villano.

Lo que pasó después es que la gente empezó a ver la película, se fijó en la presencia en los créditos de una conocida empresa de IA (DarkHalf) y la máscara cayó. Roth tuvo que confesar que sí, que habían recurrido a ella —“Me expresé mal. Tuve la oportunidad de unir tecnología y creatividad para llevar a cabo mi visión de la película”, dijo textualmente—, sin dar más detalles. Aunque no es que sea necesario. Los rastros de la IA generativa y sus inercias son bien visibles en Dulce sabor a muerte, en materia de duplicado automático de elementos y un movimiento robótico que nada tiene que ver con el modelo rubber hose (“manguera de goma”, como se la conocía por los brazos bamboleantes de los personajes) que tanto se estilaba en la animación primitiva estadounidense.

También se percibe en los diseños como tal, genéricos por fuerza y apegados rutinariamente a esta escuela. Es la iconografía que acompaña al heladero y Roth podría justificarlo si se le hubiera ocurrido: ¿no encaja esta estética moribunda con un psicópata así, no podría ser esta reinterpretación de motivos adorables algo remitente a los animatrónics de Five Nights at Freddy’s? Pues podría ser, claro. Podría tratarse de un uso intencionado, estilo lo que un director tan intelectual como Radu Jude hizo para reírse de la tecnología (sin demasiada gracia, todo hay que decirlo) en su reciente versión de Drácula. Pero hablamos de Roth. Además de una película baratísima, auspiciada por un sello que él mismo montó el año pasado (The Horror Section) y, por tanto, beneficiada de una opacidad en su desarrollo muy útil para no llamar la atención antes de tiempo.

Unir esta coyuntura al clima general que la IA ha implantado en Hollywood —llamando la atención de cualquier ignorante avaricioso o cuñado prototípico con algo de poder—, bastaría para aclarar el enclave de Dulce sabor a muerte. Y, sin embargo, merece la pena ahondar un poco más en su director. ¿Quién es Eli Roth? Antes de nada, es un sionista entusiasta que desde los atentados del 7 de octubre ha defendido cada decisión del Estado de Israel y deseado que Greta Thunberg sea “devorada por caníbales”. También es uno de los máximos promotores del torture porn en EEUU, ese terror fundamentado en el gore y el sadismo que representaría Hostel en su máximo esplendor.

Roth se hizo un nombre durante el estallido de este movimiento a poca distancia del Nuevo Extremismo Francés, a mediados de los 2000. Ha pasado su tiempo desde entonces y se nota en el escasísimo impacto con el que Dulce sabor a muerte encadena atrocidades y mutilaciones de los niños contra sus padres. El tono, desde luego, apunta a una comedia negra que elude una auténtica empatía, y no obstante también desde este ángulo todo parece trasnochado: por comparar con un fenómeno similar las películas de Terrifier son mucho más ingeniosas y, sobre todo y en lo que sería la clave, traslucen una dignidad artesanal que en Dulce sabor a muerte ni está ni se la espera. Una falta de talento que, por otra parte, es extrapolable a la totalidad de la filmografía de Roth.

Por decirlo sin tapujos, Roth siempre ha sido un realizador de lo más incompetente. En el sentido más riguroso de la expresión, el que impele a una puesta en escena con unas mínimas nociones formales. Lo sufríamos cuando debutaba con Cabin Fever en 2002 y podíamos achacarlo a la inexperiencia o el bajo presupuesto, pero una vez se suceden los años y las películas espantosas… ha de tratarse de una militante ineptitud. Que también estaba cuando la explosión del torture porn, solo que aquí más que la negligencia a la hora de narrar en imágenes molestaba la mezquindad.

Una película sin mensaje

La cinta muestra la capacidad de despojar al gore de todo lo que pueda tener de gracioso, en función a un alarde de misantropía y gruesas notas reaccionarias —sobre todo entre Hostel y Green Inferno, miserable crítica a la supuesta doble moral de los discursos ecologistas sazonada con un rampante racismo—, que con el tiempo se han ido moderando para constituir simplemente entretenimientos pobres e inofensivos. Caso de Black Friday, con su facilona crítica al consumismo, o del que puede ser uno de los peores blockbusters de los últimos años, Borderlands.

Tal es el individuo que firma Dulce sabor a muerte. Tal es su falta de talento, que va desde una chocante incapacidad a la hora de describir el espacio de acción —la lamentable secuencia inicial—, hasta una planificación pesadillesca de los diálogos a costa de una falta de ritmo y escritura que agrava las carencias descritas. Si bien cabe celebrar de Dulce sabor a muerte que por una vez no pretenda subrayar ningún mensaje —decantándose por un desenlace sombrío que podría haber encajado mejor si no culminara semejante chapuza—, volvemos a lidiar con una ortopédica banalidad donde da igual que se quiera jugar malévolamente con los imaginarios infantiles: la ejecución es tan penosa que no hay forma de que el juego prospere. La complicidad tiende a cero.

Y finalmente, una vez nos recuperamos y apartamos los restos de carroña de nuestros ojos, se abre paso una idea feliz. Esta apunta a que, si quienes sacan más provecho de la IA —quienes más necesitan recurrir a esta tecnología contaminante diseñada para estimular la pereza y amodorrar la creatividad— son tipos tan mediocres como Eli Roth, la dignidad y el orgullo siguen de nuestro lado. Lo único que merece este percal es todo nuestro desprecio.

La Academia de Cine ha anunciado las tres cintas finalistas que lucharán por representar a España en los Premios Oscar 2027 en la categoría que honra a la mejor película internacional. La bola negra de los Javis, El ser querido de Rodrigo Sorogoyen y Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa son los tres títulos seleccionados por la institución. Ahora, serán sus miembros quienes decidan la película que finalmente competirá por la nominación a la estatuilla. La elección final será anunciada el 16 de septiembre.

El largometraje resultante tomará el relevo a Sirat de Oliver Laxe, la cinta por la que apostó la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2026, que, al contrario que la anterior Segundo premio de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, sí logró hacerse con la nominación. Laxe incluso optó a dos galardones: mejor película internacional y mejor sonido. En esta ocasión, España llega de hacer un buen papel en el Festival de Cannes, donde tanto La bola negra como El ser querido compitieron en la Sección Oficial, siendo la primera galardonada con el premio a la mejor dirección.

La bola negra, el filme de Javier Calvo y Javier Ambrossi, es una de las grandes apuestas de Netflix para los próximos Oscar. En Cannes tuvo una buenísima acogida por parte de la crítica y, desde entonces, la plataforma de streaming ha preparado una gran campaña para la cinta en la temporada de premios. Tanto es así que tendrá el periodo de tiempo más largo en la cartelera de Estados Unidos antes de su estreno en Netflix. Asimismo, su canción La nieve, compuesta por Guitarricadelafuente y Raül Refree, ha sido presentada para recibir una nominación.

La bola negra narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca. Ha sido escrita por los Javis junto con Alberto Conejero, y está protagonizada por Guitarricadelafuente, en su debut como actor, así como por Penélope Cruz, Glenn Close, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas y Julio Torres. Se estrenará en cines en España el próximo 25 de septiembre.

Javier Ambrossi ha agradecido por la preselección de La bola negra y ha afirmado que se “dejarían la piel” por representar al país en los Oscar. “Más allá de lo que pase, que sería precioso, hay planes de que la película llegue a la mayor cantidad de gente posible”, ha comentado. Asimismo, también se ha acordado de Amarga Navidad, el que era otro de los títulos favoritos: “Quiero felicitar a Almodóvar porque, aunque no está entre las tres pelis, ha hecho un peliculón y se va a quedar con nosotros muchísimo tiempo”.

Por su parte, Javier Calvo ha apuntado que la cinta está trascendiendo fronteras. “Algo que creíamos que era muy español, muy de nuestra cultura, aquí en Estados Unidos emociona de una manera que me sorprende. Les interesa nuestra historia, les interesa Federico, y salen muy tocados de los visionados. Gente a la que admiramos muchísimo se nos está acercando, así que es un momento increíble”, ha destacado. Además, ha confesado que “el premio a mejores directores en Cannes fueron unas palabras de aliento”: “Fue una voz que nos dijo que éramos unos grandes directores. Hemos aprendido haciendo, rodando, y La bola negra ha sido el rodaje más intenso que hemos vivido todos los que hemos participado en él”.

Un “momento muy bonito” para los cineastas

Rodrigo Sorogoyen presenta en El ser querido un reencuentro, mostrando a un director de cine que quiere redimir sus pecados reencontrándose con la hija a la que abandonó. Se trata de un filme sobre la culpa, pero sobre todo sobre cómo se construye la memoria y el relato. Los recuerdos de ese padre, cuyo papel defiende Javier Bardem, y su hija, a la que interpreta Victoria Luengo, son radicalmente diferentes y ninguno pretende dar su brazo a torcer. El largometraje ha tenido un excelente éxito en taquilla, superando el debut de As bestas y salvando el verano de la taquilla española.

Sorogoyen ha reaccionado a la noticia afirmando que está en un “momento muy bonito”: “En el equipo comentamos mucho que está yendo todo muy bien. Las taquillas y las críticas van muy bien. Al público le está llegando mucho la película y sonreímos como tontos”. El cineasta ha declarado que el hecho de que El ser querido sea una de las tres películas que puede representar a España en los Oscar “es la guinda, una alegría más”. “Estamos muy contentos, sobre todo por la taquilla, que está siendo sorpresiva. Normalmente siempre pienso que no vamos a hacer taquilla, así que estoy contento de haberme equivocado”, ha añadido.

En cuanto a enfrentarse a Los domingos y La bola negra, Isabel Peña, guionista de la película, ha comentado que lo encara “con muchísimo orgullo de pertenecer a esta generación de cineastas”. “Estamos en un momento buenísimo y somos gente que, aunque se nos puede considerar jóvenes, todas las personas de todos estos equipos llevamos muchísimo tiempo currando y nos lo hemos ganado. Quiero felicitar también a los Javis y al equipo de Los domingos”, ha alegado.

Asimismo, Alauda Ruiz de Azúa se hizo con una de las películas más aclamadas del año pasado con Los domingos. Arrasando tanto en los Feroz como en los Goya, la película gira en torno a un difícil dilema: ¿qué harías si tu hija se metiera a monja? La decisión de una joven menor, que debería elegir carrera para ir a la universidad y elige un convento de clausura, enfrenta las posiciones de su padre, que deja que haga lo que quiera, y la de su tía, interpretada por Patricia López Arnaiz, que se da contra la pared constantemente en su intento de convencerles de que esa decisión no es libre, sino un proceso de gota china hecho durante años en un colegio religioso.

La directora ha indicado que Los domingos ha sido una película “muy especial”. “Lo hemos vivido con mucha emoción y estamos muy agradecidos a todos los compañeros de la Academia que nos han arropado y abrazado”, ha agregado Ruiz de Azúa. En cuanto a la segunda vida internacional que pueda tener la cinta, se muestra optimista: “Todavía no se ha estrenado en Estados Unidos, pero recuerdo que en el Festival de San Sebastián, donde ganamos la Concha de Oro, hubo mucha gente de todo el mundo e intuimos que atravesaba a la gente de distintas maneras. A veces, lo que hay dentro es mucho más profundo y sigue generando conversación entre personas de muchas culturas distintas”. “El dilema sobre lo religioso y la tolerancia está presente internacionalmente”, ha sentenciado.

Naomi Watts vuelve a ser noticia después de conocer que recibirá un Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián, cuya edición se celebrará del 18 al 26 de septiembre. Un reconocimiento que España brindará a esta actriz, cuyo salto a la fama llegó con la Mulholland Drive (2001) de David Lynch, pero que aquí será para siempre recordada por el papel que hizo en una de las películas más aclamadas del director J.A. Bayona.

Hablamos, como no podía ser de otra forma, de Lo imposible, el largometraje sobre el tsunami de 2004 que causó la muerte de unas 200.000 personas. La interpretación que Watts hizo de María Bennett, personaje inspirado directamente en la médica española María Belón cuya familia sobrevivió a aquel desastre, le valió una nominación al Oscar, aunque finalmente no ganó.

Lo que muchos no saben es que la actriz de Hollywood no tuvo claro desde el principio que quisiera ponerse al frente de este personaje. Fue ella misma quien reveló hace unos años a través de una entrevista para el medio Times Colonist que, en un primer momento, dudó en si aceptar o no la oferta de trabajo.

Una decisión clave

“Fue una tragedia, causó tanto dolor a tanta gente y se cobró tantas vidas que hacer una película que pudiera terminar siendo otra película de desastres... Hacer que pareciera espectacular de cualquier forma sería un gran error”, confesó Watts. A esta reflexión se sumaba otro problema: su gran miedo al agua. Cuando tenía 14 años, Naomi fue arrastrada por la marea junto a su hermano y su madre, una experiencia que la marcó profundamente.

Sin embargo, todo cambió cuando supo que quien estaba al frente del proyecto era Bayona. El último proyecto cinematográfico del director español había sido El orfanato, la película protagonizada por Belén Rueda que llegó tan lejos que incluso Watts admiraba. “Pensé: Bueno, es un cineasta de verdad. Él sabe de drama. Suena interesante”.

La idea de aceptar el papel terminó de formularse cuando leyó las primeras páginas de la historia que adaptaría a la gran pantalla la tragedia que se vivió en Tailandia en 2004. “Leí el guion y, desde las primeras cinco páginas, supe que lo iba a hacer”, compartió la actriz en aquella entrevista.

Su decisión dio sus frutos, pues Watts consiguió reconocimientos de toda la industria por la interpretación que hizo de María. Una mujer con la que, de hecho, coincidió en varias ocasiones durante la preparación del papel. “Cuando me senté a hablar con María por primera vez, simplemente no sabía qué decir. Me pareció extraño, en cierto modo, hacerle una sola pregunta. Yo solo soy una actriz, y ella se enfrentaba a la muerte y a la posibilidad de perder a toda su familia”, reveló tiempo después.

Actualmente se asocia Disney con un gran imperio en la animación, en el cine y en el entretenimiento en general, pero después del fallecimiento de Walt Disney en 1966, la empresa atravesó uno de sus momentos más complicados, que recibió el nombre como el de la ‘época oscura’, que incluyó dos décadas y donde hubo una crisis creativa, pero también sonados fracasos de taquilla que tanto acaban con las películas de dibujos.

Pero esto al final no llegó a suceder, y aunque el resurgimiento superior de la segunda ‘era dorada’ en los años 90 de Disney se atribuye habitualmente a ‘La Sirenita’, hubo una película fundamental que fue el verdadero salvavidas, y esa fue ‘Basil, el ratón superdetective'.

La película que salvó los estrenos de animación en Disney

En el verano de 1986, hace cuatro décadas, llegaba a los cines de los Estados Unidos y gran parte del mundo, un título Disney que no había hecho mucho ruido y que con el paso del tiempo se ha convertido en una de esas llamadas ‘joyas olvidadas’. Hablamos de ‘Basil, el ratón superdetective’ (en inglés ‘The Great Mouse Detective’), que se estrenó un 2 de julio, en España el 5 de diciembre, para Navidad.

Dirigida por Ron Clements, Burny Mattinson, David Michener y John Musker, la película estuvo basada en una serie de novelas escritas por Eve Titus entre 1971 y 1982, aunque tiene también claros guiños a Sherlock Holmes. Un detalle que, sin embargo, penalizaría su desarrollo.

Y es que tan solo un año antes de su estreno, Disney tuvo un fracaso de taquilla como fue ‘El secreto de la pirámide’, que estaba planteada para que fuera el inicio de una franquicia alrededor de un joven Sherlock Holmes. Esto hizo que cambiaran de título, del provisional ‘Basil of Baker Street’ a ‘The Great Mouse Detective’ definitivo, con el que se quiso además reducir el componente británico, pero que enfadó al estudio por considerarlo muy general.

Por si fuera poco, ese mismo 1985 sucedió otro de los sonados fracasos de Disney, ‘Tarón y el caldero mágico’, que se ha convertido en un clásico de culto, pero que apenas recaudó la mitad de su presupuesto, lo que hizo que llegaran rumores de que desde Disney querían abandonar la parte de los estrenos animados en el cine.

Los platos rotos de estos fracasos tan solo un año antes hicieron que el proyecto de ‘Basil, el ratón superdetective’ se tambaleara: su presupuesto se redujo a la mitad, costando de los 24 iniciales a los 14 millones de dólares finalmente, además de que adelantaron su estreno, lo que se puede apreciar en la animación faltada de pulir y en escenas recortadas o eliminadas.

La paciencia tuvo resultado de lujo: ‘La Sirenita’

Como hemos mencionado, la película llegó finalmente a los cines de Estados Unidos un 2 de julio, y aunque solo recaudó 3 millones de dólares en su primer fin de semana, tuvo un buen recorrido a largo plazo y llegó a obtener 25 millones de dólares de recaudación, casi el doble de su presupuesto, además con buenas críticas, lo que resultó en un éxito modesto.

Fue así, pero fue suficiente para que Disney desechara la idea de abandonar el estreno de películas animadas en el cine y que siguiera apostando por él. Esto dio como resultado que se aprobara otro proyecto que Ron Clements y John Musker, dos de los directores de ‘Basil, el ratón superdetective’, tenían entonces entre manos: ‘La Sirenita’, cuyo título sería el inicio de una segunda ‘época dorada’ para la factoría.

La cineasta estadounidense Maggie Gyllenhaal, presidenta este año del jurado del Festival de Venecia, reconoció este miércoles en una rueda de prensa que existe “un problema sistémico” en el mundo del cine que perjudica a las directoras.

“Diría que existe un problema sistémico. Evidentemente, creo que es mucho más difícil para las mujeres conseguir financiación para sus películas”, reflexionó la directora al ser preguntada por este tema en la rueda de prensa de apertura de la Mostra veneciana.

El festival, que arranca hoy su edición 83, ha recibido algunas críticas este año por la poca presencia de mujeres directoras en su competición por el León de Oro. De las 21 películas a concurso, solo dos llevan la firma de mujeres: 'Woman unknown', de la danesa May el-Toukhy, y 'Naza', de la israelí Rachel Szor y su compatriota Yuval Abraham.

Gyllenhall planteó la posibilidad de que “los temas sobre los que las mujeres quieren hacer películas, al haber tenido una experiencia diferente en el mundo, no siempre son vistos como 'alta cultura'”.

“¿Quién decide qué es bueno? ¿Quién decide qué es valioso?”, inquirió, reivindicando a las “muchas” mujeres que sí participarán en distintos jurados y secciones de la Mostra.

La cineasta también sopesó el hecho de que “ha pasado muy poco tiempo desde que las mujeres han tenido la oportunidad de hacer películas” y, por ello, “todavía queda camino por recorrer”.

“Llevará algún tiempo acostumbrarse al hecho de que, creo, muchas mujeres hacen películas de una manera bastante diferente a como las hacen los hombres”, zanjó.

Por otro lado, durante la rueda de prensa también salió a colación la gran cabida que el festival ha dado este año al cine político y a películas sobre guerras, crisis o tensiones sociales.

Su director, Alberto Barbera, aseguró que no existen “temas que se rechacen” a la hora de seleccionar las películas a concurso o los estrenos, ni tampoco vetos a directores o países. “El único requisito es la calidad, la complejidad de una obra”, agregó.

“Ahora tenemos muchas películas que hablan de actualidad, quizá porque la mayoría de directores tiene una sensibilidad especial y no quieren refugiarse en mundos de fantasía, prefiriendo afrontar cuestiones dramáticas en un momento particularmente difíciles”, sostuvo.

Gyllenhaal prometió hablar sobre esta cuestión durante la gala de apertura de esta noche pero lanzó una pregunta retórica a la prensa: “¿cómo es posible que estemos aquí hablando de cine ahora mismo, cuando el mundo se encuentra en estado de emergencia?”.

Para ella, la respuesta “tiene que ver con la empatía” porque, alegó, “el cine ofrece una oportunidad para encontrarla”, al asistir a historias rodadas y contadas por otras personas.

“No creo que haya ningún tema ni ningún cineasta que no deba ser escuchado. Creo que podemos desafiarnos a nosotros mismos para escuchar historias sobre las personas más corruptas, más perversas, porque eso nos brinda la oportunidad de encontrar empatía hacia esas personas e incluso de observar las formas en las que nosotros mismos podemos llevar dentro un pequeño lado malo”, defendió.

Junto a Gyllenhaal, en el jurado de la competición oficial de Venecia están las directoras y guionistas Kaouther Ben Hania (Túnez) y Shahrbanoo Sadat (Afganistán); el compositor británico Daniel Blumberg; los realizadores Xavier Giannoli (Francia) y Johnnie To (Hong Kong) y el profesor italiano de cine Francesco Casetti.

La 83.ª edición del Festival de Venecia arrancó este miércoles y transcurrirá a lo largo de los próximos once días, hasta que el 12 de septiembre anuncie la película ganadora de su León de Oro.

Su carrera comenzó desde bien adolescente, con dramas como ‘Exploradores’ o ‘El club de los poetas muertos’, pero en los 90 se fue consolidando en la industria en el cine independiente, donde ganó notoriedad con películas como ‘Antes del amanecer’ con la que inauguró una de las trilogías románticas más aplaudidas y populares de Hollywood.

Pero en los últimos años, Ethan Hawke se ha arriesgado a probar con otros géneros, como el western o el terror, este último en el que se ha convertido uno de sus referentes con títulos como ‘Regresión’ con Alejandro Amenábar en la dirección o ‘The Black Phone’. Sin embargo, sus inicios estuvieron marcados por un trauma.

El trauma de Ethan Hawke tras su consagración en el terror

Si bien ya había explorado como tal el género de cierta manera junto al thriller psicológico en ‘Vidas Ajenas’ o a la ciencia ficción ‘Daybreakers’, fue en 2012 cuando Hawke definitivamente entró de lleno en el cine de terror con ‘Sinister’ dirigida por Scott Derrickson.

En esta película, se consagró como tal en el género, además de que se considera uno de los títulos más aterradores de la última década. En ella, el actor interpreta a un escritor de crímenes reales que descubre una caja con perturbadoras cintas tras cambiarse de casa.

En este rodaje, según ha compartido en varias entrevistas el actor, tuvo experiencias extrañas que describe como “situaciones peculiares” que marcaron al elenco, pero especialmente al interprete, que habla abiertamente de tener un trauma desde entonces.

Según explicó Ethan Hawke, durante el rodaje del filme se dieron problemas con el sonido que no tenían explicación, interferencias en monitores y dificultades técnicas que aparecían, además, siempre en las mismas escenas, y esto le dejó marcado desde entonces:

“Las cintas tenían imágenes que nadie del equipo grabó. Vi las grabaciones que usamos en la película y no pude dormir esa noche. No era por la actuación, sino porque parecía que alguien más había añadido imágenes. Juro que vi una cara detrás de la cámara en una de las escenas”, aseguró el actor.

Y es que, como bien confirma, el contenido de esas cintas ficticias que fueron la trama principal del largometraje le afectaron de forma profunda, lo que le ha dejado huella en su experiencia en el género de terror, en el que ha seguido, con el estreno en 2025 de la secuela de ‘The Black Phone’.

Estrenada en cines un agosto, pero de 1999, actualmente es considerada una película de culto de dibujos animados, incluso homenajeada y alabada por Steven Spielberg, con referencia en el final de “Ready Player One”. Hablamos de “El gigante de hierro”, que en sus casi tres décadas de historia ha pasado de ser fracaso a un clásico de la animación moderna.

Del mismo director que “Los Increíbles” o “Ratatouille”

En el verano de 1999 cuando llegó a las salas de cine de todo el mundo lo hizo sin hacer apenas ruido. Y es que “El gigante de hierro” venía tras el fracaso de la apuesta de Warner Bros por la animación con “En busca de Camelot”, estrenada tan solo un año antes y sin mucho éxito.

Esto hizo que el estudio no tuviera mucha confianza en ella, pero tampoco su director, Brad Bird, que reconoció más adelante en entrevistas que tampoco dedicaron mucho a su publicidad y que apenas se invirtió en marketing: “Solo teníamos un póster, y era un póster teaser. Nunca tuvimos un póster oficial, porque no hicieron más que el teaser”.

Sin embargo, “El gigante de hierro” fue aclamada por la crítica, que animó a ir al cine a verla, pero esto apenas sirvió para que la recaudación fuera de 5,7 millones de dólares en su primer fin de semana, y solo superando los 30 millones de dólares en total frente a un presupuesto de 50 millones. Fue la primera película dirigida y escrita por Brad Bird, que luego crearía éxitos con Pixar como es el caso de “Los Increíbles” o “Ratatouille”, por las que ganó el Premio Oscar a mejor película de animación, y se encargó también de “Misión Imposible: Protocolo Fantasma”.

Encontró su público en la distribución doméstica

A pesar de su fracaso en cines, “El gigante de hierro” encontró su público al llegar al formato doméstico y su base de fans ha ido creciendo con el paso del tiempo, tanto que es aclamada como una de las mejores películas de animación y un clásico de culto de animación. De hecho, son varias las ocasiones en las que Steven Spielberg la ha alabado y la incluyó como personaje en la batalla final del universo virtual “Ready Player One”, siendo un tributo directo a esta película.

Si la película fue realidad se debe a que fue un proyecto conceptual del integrante de ‘The Who’ Pete Townshend, que participó como productor y que antes ya había grabado un álbum conceptual al respecto en 1989. El músico era fan de la historia, de la novela infantil escrita en 1968 obra del poeta Ted Hughes, y que, si bien guarda similitudes, es hacia la mitad cuando cambia por completo.

De qué trata “El gigante de hierro” y dónde se puede ver

La historia de “El gigante de hierro” se desarrolla a finales de 1957, en plena Guerra Fría, en un pequeño pueblo costero de Maine, Rockwell. Entonces, tras el lanzamiento del Sputnik existe un temor generalizado de injerencia soviética en la vida estadounidense, y un robot metálico de 15 metros de altura se estrella en las proximidades y se esconde en el bosque, cuando es encontrado por un niño solitario y aficionado a la ciencia ficción llamado Hogarth.

El robot, sin embargo, no recuerda su misión debido a un golpe en la cabeza, un hecho que irá descubriendo junto a su nuevo amigo. En la novela, a diferencia, Hoghart lo entierra vivo y este sale un año después para darle una lección, al mismo tiempo que se gana a los vecinos de la localidad. Por tanto, la película y el libro se diferencian a partir de la mitad de la trama.

Actualmente, “El gigante de hierro” ha sido rescatada del olvido y se puede ver en diferentes plataformas, además de poderse adquirir en formato doméstico. La película está disponible en HBO Max, en el paquete de ficción de Movistar plus y en Prime Vídeo con suplemento.

La Odisea, la célebre obra en la que Homero narra el tortuoso viaje de regreso de Odiseo tras la guerra de Troya, se puede leer. También se puede ver en los cines, con filmes como el dirigido por Christopher Nolan, que además se ha convertido en la película para adultos más taquillera de la historia. O se puede observar sobre obras de mármol, como es el caso de la llamada Columna de Ulises de la Catedral de Santiago. Aunque en esta última se haga una reinterpretación cristiana del viaje.

Así lo apunta una nueva investigación liderada por el profesor de la Universidad de Santiago de Compostela (USC) e investigador del Centro Interuniversitario de Investigación de Paisajes Culturales Atlánticos (CISPAC), Francisco Prado-Vilar.

La investigación, publicada en Románico Digital, reconstruye las fuentes literarias e iconográficas utilizadas por el taller de Compostela del siglo XII y permite comprender la columna como una reinterpretación cristiana de La Odisea, creada para relacionar el viaje del héroe griego con la experiencia de los peregrinos cuando llegaban y acababan su camino en Santiago.

Hablamos de una pieza románica de mármol procedente de la antigua Porta Francigena, también conocida como la fachada del Paraíso. Por ahí, entraban antiguamente los peregrinos medievales. Actualmente, no existe, pero la columna se conserva en el Museo de la Catedral.

El episodio de Circe

La Odisea de mármol presenta muchas particularidades, porque se trata de una reinterpretación cristiana de la aventura. La presencia del guerrero es distinta y se apunta a la tradición medieval, en la que el héroe podía interpretarse como omnium peregrinus. “El viajero que atraviesa un mundo de peligros y seducciones sin perder de vista el regreso a su verdadera patria”, explica el profesor de la USC.

Su viaje se convirtió así en una “imagen de la condición espiritual del peregrino y podía relacionarse con el propio viaje atlántico del apóstol a Compostela”, añade Prado-Vilar, en declaraciones difundidas por la universidad.

La banda central representa el paso de Ulises (como también se llamaba a Odiseo) ante las sirenas, pero el escultor abandona la fórmula habitual del héroe atado al mástil. En cambio, la escena concentra su significado en un gesto en el que Ulises rodea la cabeza de uno de sus compañeros y le tapa la oreja para protegerlo del canto mortal. Además, la escena también dialoga con la figura del rey David en la antigua fachada, quien venció a otra sirena con su música.

El estudio identifica por primera vez el episodio de Circe, en la parte superior. En él, un guerrero y su caballo caído aparecen acosados por pájaros, animales y seres híbridos alrededor de una figura femenina. “El escultor transformó la huida de Ulises del dominio de Circe en un combate protagonizado por un caballero medieval, inspirado también en modelos de sarcófagos romanos”, añade el profesor.

Un viaje audiovisual

Para seguir la narración de la columna, no queda otra que rodearla por su disposición helicoidal: desde la nave, hasta las escenas de tentación, metamorfosis y combate. También se puede disfrutar de cada detalle incluso a kilómetros de distancia, porque la investigación ha culminado con La Odisea Atlántica. Un viaje audiovisual a través de la Columna de Ulises de la Catedral de Santiago, un videoensayo creado a partir de un gemelo digital de la pieza.

Empecemos por lo peor: pago más de ocho euros por una entrada y tardo como un tercio de película en poder entrar de verdad en la misma, gracias al espectador que me toca al lado, que decide apoyar sus dos brazos en los reposabrazos, lo cual me hace estar constreñido, incómodo. A los diez minutos, aproximadamente, decide salir de la sala. Bien. Esta es la mía: apoyo mi brazo en el reposabrazos. Cuando regresa, varios minutos después, cargado con un cartón de palomitas (cotufas, roscas), se pasa media película comiéndolas (¿qué tamaño compró?) haciendo un ruido insoportable. Por supuesto vuelve a apoyar el brazo sin importarle el roce con el mío. El tipo estima que no es suficiente con todo eso, que además también tiene que hablar con su pareja, bien alto. En algún momento pude encontrar la postura adecuada y en algún momento sus dedos rozaron el fondo del cartón vacío.

Sigamos con lo malo. Ahora sí, sobre la propia película. Es mejor empezar por lo malo para dejar una buena sensación al final, ¿no creen? Bueno, como no escucho respuesta, sigo. La escena inicial es un encuentro entre Javier Bardem y Victoria Luengo, entre padre e hija. Al parecer esta larga escena se rodó sin guion, con un método de improvisación basado en el trasfondo de los personajes. Parece que Sorogoyen suele practicar este método con los actores, pero aquí el reto era demasiado ambicioso: de resultas, una escena excesivamente larga al estar basada únicamente en ese principio. Y, quizá porque uno ya sabía que se basaba en la improvisación (o no), no termina de funcionar. A Bardem no se le nota cómodo y, aunque Luengo salva mucho mejor los muebles, tampoco se le puede pedir a una actriz que “escriba” un guion de veinte minutos sobre la marcha en directo. Es demasiado. La escena se resiente. Pero como Sorogoyen es un gran director que sabe cómo colocar la cámara y crear la atmósfera ideal y la tensión creada entre los personajes es tan latente, la escena se sigue con interés a pesar de su imperfección.

Otros dos pequeños males, a mi juicio (qué manía con poner estas justificaciones, obviamente es mi juicio): uno, no termino de entender el sentido de las escenas en blanco y negro. Es cierto que crean el clima adecuado. Y que ahondan en un determinado tono de penetración psicológica, pero no terminan de funcionar del todo, simplemente por el hecho de que no parecen responder a un criterio claro, pues no son recuerdos ni son una parcela de realidad independiente, parece más bien un capricho estético. No es un desastre, no es un error imperdonable, pero es una de esas cositas que hacen que una obra no sea redonda. Porque, maldito sea el cine que necesita de un sentido absoluto (o un sinsentido consciente, que sería otra forma de sentido). El último de los males es un poco más grave. Y éste no es un error, es simplemente (otra vez, a mi juicio) la pérdida de una gran oportunidad que habría hecho más grande a una película que ya de por sí es grande. Hablo de los espacios. El ser querido está rodada en Fuerteventura, ¿hace falta decir más? Sí: la película que está rodando el personaje de Bardem, que es un director de cine, se ambienta en el Sáhara. Vale. A esto le añadimos el conflicto central de la película que estamos viendo, el del padre y la hija. Bien, entonces, ¿por qué no aprovechar la inmensidad del paisaje majorero, esa magnífica invitación a la trascendencia que podría haberse integrado en el conflicto paterno-filial? Da la impresión, y aquí me voy a tirar un triple, de que el director – o el montador – advirtieron esta carencia a posteriori y decidieron incluir algunos planos de la isla desde el cielo, unos planos magníficos, sí, pero que están colocados de ese modo utilitario, un poco a lo colchón paisajístico de Telecinco. Con más calidad y mejor música.

Ahora vamos a lo bueno. Y lo bueno es muy muy bueno. Lo bueno es más bueno, que lo malo, malo. La película es una delicia. Sorogoyen es un maestro de las relaciones entre los personajes. Consigue crear en sus obras un clima de una veracidad tal, que conecta de un modo puro con el espectador. Porque es un cineasta que quiere sumergirse en la verdad, en las verdades que nos atormentan, sin querer revelar cuál es esa verdad, tan sólo nos coloca en el lugar del misterio que conduce a ella. Y todo mediante una poesía visual que sólo se consigue con el arte del cine y que, sin embargo, no está en las nubes del Olimpo: genera un clima poético a la par que absolutamente realista. Rueda la vida tal y como es pero desde el lugar exacto para convertir la misma en una experiencia poética. Vemos a personajes en restaurantes que reconocemos, se hablan y se comportan de un modo que reconocemos, es todo profundamente realista sin dejar de ser cinematográfico y conmovedor. Por poner un ejemplo, la que es seguramente la mejor escena de la película: el rodaje de la escena de la comida. Cuando la vean, sabrán de qué estoy hablando. Y para los que no hayan estado en un rodaje, créanme, así son los rodajes (condicionado éste, claro, por el carácter de los personajes). El director ha conseguido rodar un rodaje de un modo sorprendentemente auténtico. Al menos yo no recuerdo una película en la que se haya retratado un rodaje de un modo tan natural. Quizá me estoy dejando llevar por la emoción. Pero por algo será.

Así que hay que agradecerle a Sorogoyen por haber hecho una película preñada de verdad, comprometida con el cine y con la vida; un cine más Sidney Lumet (por el trabajo actoral y la puesta en escena) que Wim Wenders (por aquello del entorno), de acuerdo, pero no se puede ser perfecto. Quizá tampoco hace falta serlo, ¿no? Tampoco hay que obsesionarse con eso. En fin, que creo que es la mejor película del director, junto a su magnífico cortometraje Madre. Me cuesta imaginar cómo va a superar esto en el futuro. Quizá tampoco haga falta. Quizá sobreestimamos la perfección.

En 1999, el género de terror vivió uno de sus grandes momentos en el cine. Fue el año en el que se estrenó El proyecto de la Bruja de Blair, una película de bajo presupuesto que popularizó el conocido found footage o metraje encontrado. El largometraje presentaba al espectador una serie de grabaciones realizadas por tres jóvenes que desaparecen, como si las imágenes hubieran sido encontradas después de la desaparición.

Este recurso, totalmente novedoso a finales de los 90, se convertiría en una de las fórmulas más reconocibles del cine de terror de las décadas posteriores. Quizá una de las que mejor supo explotar esta técnica narrativa fue la película que se estrenó en 2007 y fue escrita y dirigida por el cineasta Oren Peli.

Hablamos, como no podía ser de otra forma, de Paranormal Activity. La premisa de la película era bastante sencilla. Katie y Micah son una pareja joven que comienza a experimentar una serie de fenómenos extraños dentro de su propia casa. Para descubrir qué está ocurriendo, deciden instalar una cámara en el dormitorio y así poder grabar durante toda la noche.

Casi sin quererlo, Peli había encontrado la clave para el éxito, pues su película no necesitó grandes escenarios, criaturas ni elaborados efectos especiales para que el público experimentara el miedo desde su asiento. Una cámara fija, una habitación y la espera a que algo suceda fueron suficientes para mantener al espectador en tensión. Nadie se esperaba que aquel largometraje, aparentemente sencillo, fuera a convertirse en uno de los más rentables de toda la historia de Hollywood.

Un fenómeno global

Oren Peli, que hasta entonces no había dirigido un largometraje, decidió rodar la historia con medios mínimos y convirtió su propia casa en el escenario principal. Este asumió las funciones de director, guionista y productor, mientras que Katie Featherston y Micah Sloat fueron los encargados de interpretar a la pareja protagonista. No hizo falta mucha gente más para poner en pie el proyecto. La película nació así lejos de los grandes estudios de Hollywood, con un presupuesto de apenas 15.000 dólares.

Esta se terminó en 2007 y comenzó entonces su recorrido por festivales antes de despertar el interés de Hollywood. Lo que había empezado como una producción independiente, rodada con recursos muy limitados, acabaría llegando a manos de Paramount Pictures. El estudio vio el potencial y puso en marcha una estrategia de distribución que terminaría convirtiendo aquella pequeña película de terror en un fenómeno internacional.

La cinta incluso llegó a la casa de Steven Spielberg, quien tiempo después contó que esta había conseguido aterrorizarlo, llegando a pensar que el DVD estaba “embrujado”. “El día después de verla se encontró con que la puerta de su habitación estaba cerrada por dentro... estando vacía. El cerrajero tampoco pudo abrirla y tuvo que acabar serrándola”, contó el propio Peli tiempo después.

Paranormal Activity terminó recaudando casi 200 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los mayores fenómenos del cine de terror.

El cine español está de enhorabuena tras regresar a lo más alto de la taquilla con Tadeo Jones y la lámpara maravillosa y El ser querido, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen protagonizada por Javier Bardem y Victoria Luengo.

Ambos títulos han logrado salvar el verano del cine patrio, que hasta ahora no había sabido rentabilizar la gran asistencia que han tenido las salas durante los meses estivales, con fenómenos como La odisea y Spider-Man: Brand New Day.

Aunque el año del cine español presenta mejores datos que los del pasado, se debe principalmente al empuje de Torrente, presidente y, en menor medida, de Aída y Vuelta. Desde el estreno de la ultima pelicula de la saga de Santiago Segura no se había conseguido ningún número 1, y apuestas destinadas a arrasar en salas como El último mono o Haciendo amigos no han tenido la respuesta esperada.

Según los datos avanzados por el analista Pau Brunet, la cuarta entrega de la saga de animación de Enrique Gato, Tadeo Jones y la lámpara mágica, ha acumulado en cinco días 2.872.378 millones de euros, convirtiéndose en el tercer filme español más taquillero de 2026.

También ha sido un buen arranque para lo nuevo de Rodrigo Sorogoyen, que con El ser querido ha debutado ha ocupado el sexto puesto del ranking, acumulando 578.139 euros en su primer fin de semana, y alcanzando los 878.383 en sus primeros cinco días. Su mirada en torno a la masculinidad tóxica se ha alzado como el mejor estreno del propio director de As bestas, El reino y Que Dios nos perdone.

Precisamente su anterior filme, As bestas, ostentaba hasta ahora su mejor debut, que con El ser querido ha superado en un 31%, según los datos facilitados por su productora.