El actor Tom Skerritt, estrella de películas como M*A*S*H, Alien y Top Gun, falleció el pasado miércoles a los 93 años, segun ha confirmado su familia en un comunicado publicado en The Hollywood Reporter.

“Su pérdida nos ha dejado consternados. Si bien el mundo conoció a Tom por su extraordinaria carrera como actor, nosotros lo conocíamos por su humor, curiosidad, sabiduría, generosidad y el amor que trajo a nuestras vidas. Le importaban profundamente la imaginación, la creatividad, la narración de historias, el servicio a la comunidad, los veteranos, la naturaleza y ayudar a los demás a encontrar y compartir sus propias voces”, escribió su familia en el comunicado.

Nacido el 25 de agosto de 1933 en la ciudad de Detroit, en el estado de Michigan (EE.UU), Skerritt se unió a la Fuerza Aérea de Estados Unidos en 1951 antes de dedicarse a la actuación. Poco después, se mudó a Los Ángeles para estudiar literatura inglesa mientras se formaba por su cuenta como actor en pequeñas obras de teatro.

Debutó en la gran pantalla en 1962 con el drama bélico War Hunt (El que mató por placer) junto a Robert Redford y Sydney Pollack y su experiencia en proyectos de temática militar lo llevaron a aparecer en series como Combat! y The Virginian.

Aunque la película que más marcó su carrera fue M*A*S*H, la comedia negra satírica de 1970 del director Robert Altman. En esta cinta, su interpretación como Duke Forrest, un cirujano del ejército destinado en la guerra de Corea, lo catapultó a la fama.

Durante los años siguientes tuvo papeles que lo impulsaron en Hollywood, como del capitán Dallas en la terrorífica Alien en 1979 o el que logró en la popular Top Gun, protagonizada por Tom Cruise y donde Skerritt interpretó al comandante Mike 'Viper' Metcalf.

En 1993, el intérprete ganó un premio Emmy a mejor actor principal en una serie de drama por su papel como el sheriff Jimmy Brock en Picket Fences, una de los proyectos más aclamados por la crítica en la década de 1990.

A Skerritt le sobreviven su tercera esposa, Julie Tokashiki, y sus cinco hijos: Andy, Erin, Matt, Colin y Emiko.

El frío está haciéndose notar poco a poco y el cambio de armario empieza a ser necesario, pero ojo porque para amenizarlo te traemos libros, películas y canciones en las que adentrarse este fin de semana.

Cinco planes para el fin de semana, por Elena Cabrera

Cine ecuatoriano (Cines Embajadores y otras sedes, Madrid). El Festival de Cine Ecuatoriano trae una cinematografía que no es fácil ver en las pantallas comerciales. Este primer fin de semana arrancan las proyecciones con las propuestas Los ahogados, Nunkui y Hiedra.

Noches de fado y melancolía (Teatro Lope de Vega, Sevilla). El Festival de Fado de Sevilla trae la emoción de la música portuguesa a orillas del Guadalquivir. Destacan las voces de Sara Correia y Beatriz Felício.

Fantasía en Vilagarcía (Vilagarcía de Arousa, Pontevedra). El Curtas Festival do Imaxinario celebra una nueva edición del 23 de octubre al 1 de noviembre reuniendo una muestra de largos y cortos de fantasía, terror y ciencia ficción. ¡También hay un concurso de balcones!

El universo Dalí (Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid). Una fascinante exposición que explora el impacto de las teorías de Sigmund Freud en la obra de Salvador Dalí. La muestra reúne célebres piezas del pintor catalán junto a obras de Picasso, Ernst y Tanguy para descifrar el arte a través del psicoanálisis. Puedes ir a verla ya, pero la tienes disponible hasta el 24 de enero.

Barcelona inédita en los cincuenta (Galería Villa Alegre, Barcelona). Una mirada única a la capital catalana a través del objetivo del fotógrafo francés Jacques Léonard. La exposición rescata imágenes e impresiones inéditas que capturan la esencia del día a día y de la comunidad gitana de los años 50.

Tres libros, por Laura G. Higueras

'Lar', de Bibiana Candia (Alfaguara). Tras contar en 'Azucre' la historia de los gallegos que emigraron a Cuba para buscar un trabajo y un futuro mejor, y se toparon con la esclavitud, la escritora cuenta en su nueva novela qué pasó con los que se quedaron: las mujeres que, solas porque siempre lo estuvieron, porque sus maridos las han abandonado o han muerto, o están en Cuba, luchan para ser ellas quienes saquen a sus hijos adelante, para sostener el mundo. Para ello, ficciona un hecho histórico real: el primer levantamiento obrero protagonizado en 1857 exclusivamente por mujeres, las trabajadoras de la Fábrica de Tabacos de A Coruña.

'El hotel de los sueños', de Laila Lalami (trad. Esther Cruz Santaella, Sexto Piso). La escritora estadounidense de origen marroquí imagina un futuro cercano, en el que un algoritmo, alimentado con los datos de los sueños, calcula la probabilidad de que una persona cometa un crimen. No hacen falta pruebas, basta una puntuación de riesgo demasiado alta, la que obtiene Sara, que en su regreso tras dar una conferencia en el extranjero, es detenida en el aeropuerto porque representa un riesgo inminente para la persona que más quiere, su marido. Con esta historia reflexiona sobre el amor, la libertad y la propia intimidad.

'La era de la revancha', de Andrea Rizzi (Anagrama). Una brújula para orientarse en este momento de gran cambio. El autor conecta en este ensayo una serie de puntos neurálgicos que inician en diciembre de 2001 y continúan hasta la última victoria de Trump en Estados Unidos. En el texto entrelaza las anotaciones geopolíticas, socioeconómicas y humanistas con referencias literarias, como la 'Divina Comedia', 'Memorias de Adriano' y 'Las uvas de la ira', que ayudan a comprender y contextualizar el análisis de esta nueva era.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

En un momento en el que parece que prima la felicidad falsa, esa sonrisa que alguien fuerza en una story de Instagram, la cantante Anni B Sweet reivindica la alegría honesta. Esa alegría que nace después de una necesaria pausa para reconciliarte con la tristeza. Es así cómo ha creado su quinto álbum de estudio, del que recomendamos una canción en nuestra playlist.

'Adiós con alegría'. Anni B Sweet encontró una sensación de alivio leyendo la literatura de André Breton, como ha contado a este periódico. Los libros del escritor francés, caracterizados por su surrealismo, la hizo estar más pendiente de los detalles y encontrar tranquilidad en las grietas que se abren. Esta canción, con la que abre su recién publicado álbum Alegría, es uno de los momentos más apoteósicos de su trabajo.

'I Want Blood' de Twin Temple. “La libertad de expresión, de religión y la proclamación del yo encarnan lo que es el satanismo”, ha explicado a elDiario.es Alexandra James, mitad de Twin Temple, dúo que ha bautizado su estilo como doo-wop satánico. Acusados de usar sangre de bebés en sus conciertos e invitados por Jack White a abrir uno de los suyos, en esta canción ironizan con que quieren más sangre. Su sensualidad la hace exquisita.

'A Slow Goodbye' de Dee Holt. “El fantasma en el que te has convertido es mío”. Con esa afirmación recuerda esta artista canadiense a su abuelo, a quien dedica este tema tras un fallecimiento lento. La cantante recuerda los momentos que han pasado juntos y reflexiona sobre el significado de sentir a una persona cuando cada vez está más cerca. El piano aúpa una balada que forma parte de su próximo EP, programado para el 12 de diciembre.

Tres películas, por Laura G. Higueras

'Un amor posible'. El director de 'Burning', Lee Chang-dong estrena este drama romántico en el que un obrero recientemente despedido y desesperado y su mujer aceptan ser los protagonistas de un documental que está grabando una cineasta sobre las luchas sindicales. Esto le lleva a meterse cada más en sus vidas junto a su pareja, un rico empresario por el que la pareja del primero comienza a sentirse atraída. El resultado: una mirada incisiva a la lucha de clases, en el que se mezclan el trauma, la envidia y la pérdida de la dignidad.

'Wildwood'. Vamos con la dosis de animación de la semana, gracias a esta película del estudio Laika, artífice de joyas como Los mundos de Coraline. Dirigida por Travis Knight, está basada en el libro infantil ilustrado 'Las crónicas de Wildwod' de Colin Meloy. La trasma de este filme en stop-motion sigue a Prue McKeel y Curtis Mehlberg mientras intentan salvar al hermano pequeño del primero, Mac, de unos cuervos liderados por Alexandra. Todo ello al tiempo que son atraídos por un bosque mágico oculto. Aventura servida. 

'Moscas'. El mexicano Fernando Eimbcke firma esta película liderada por Olga, una mujer que, cuando se ve obligada por necesidad económica a alquilar una habitación, un hombre se muda a su casa metiendo a escondidas a su hijo de nueve años en el piso. Para su sorpresa, empieza a forjar un inesperado vínculo con el niño. Así, su mundo, controlado hasta entonces con una rutina regulada, sin amistades ni relaciones; comienza a cambiar y sus vidas a entrelazarse.

La novela Sentido y sensibilidad, publicada por Jane Austen en 1811, vuelve a la gran pantalla con una nueva adaptación dirigida por Georgia Oakley y protagonizada por Daisy Edgar-Jones y Esmé Creed-Miles. La película llegará a los cines de España el próximo 23 de octubre, pero no es la primera vez que este drama del siglo XIX se lleva al cine.

La versión de 1995, dirigida por Ang Lee y protagonizada por Emma Thompson y Kate Winslet, se convirtió en una de las adaptaciones más conocidas del libro de Austen. Años más tarde, en 2008, la BBC también estrenó otra adaptación, esta vez en formato de miniserie con tres episodios.

De la misma manera que no es la primera vez que veremos a las las hermanas Dashwood en el cine, tampoco es la primera vez que Oakley se pone al frente de un drama. Hace cuatro años, antes de adentrarse en el universo literario de Austen, la cineasta británica debutó con una película ambientada en la Inglaterra de 1988 que le valió un enorme reconocimiento. 

El debut

Hablamos de Blue Jean (2022), el drama que Oakley no solo dirigió, sino que también escribió. El filme se ambienta en los últimos años del gobierno conservador de Margaret Thatcher, justo cuando se promulga la famosa Sección 28. Esta enmienda legal aprobada en el Reino Unido prohibía a las autoridades y a las escuelas públicas “promover intencionadamente la homosexualidad”. 

En este contexto de homofobia, la película cuenta la historia de Jean, una profesora de educación física que oculta su homosexualidad y que ve cómo la llegada de una nueva alumna amenaza con sacar a la luz su vida privada. Esta situación la obliga a enfrentarse a la presión por intentar mantener separadas sus dos identidades.

Blue Jean fue la gran carta de presentación de Oakley, quien ya había dirigido varios cortometrajes antes. La película se estrenó en el Festival de Cine de Venecia, donde se llevó el Premio del público, y tuvo un gran reconocimiento por parte de la crítica. También obtuvo una nominación a los premios BAFTA en la categoría de mejor debut y ganó cuatro Premios de Cine Independiente Británico.

Cuatro años después de aquello, Sentido y sensibilidad supone el segundo largometraje de Oakley como directora y su regreso al cine. Aunque las historias de ambos proyectos están separadas por varios siglos y se desarrollan en contextos muy diferentes, las dos películas giran alrededor de las normas sociales y las expectativas que, durante generaciones, han condicionado la libertad y las decisiones de las mujeres.

El próximo 28 de octubre saldrá a la luz el libro 'Karateka', la obra autobiográfica escrita por la campeona olímpica Sandra Sánchez, natural de Talavera de la Reina, que narra su apasionante trayectoria desde sus inicios en el mundo de las artes marciales hasta alcanzar la cima mundial con la Medalla de Oro en Kata en los Juegos Olímpicos de Tokio.

La obra relata los obstáculos, las dificultades personales y los momentos de incertidumbre que tuvo que superar antes de coronarse como campeona olímpica en Tokio 2020. Asimismo, destaca la influencia decisiva de su entrenador y pareja, Jesús del Moral, en su desarrollo tanto deportivo como humano.

Además de su éxito literario publicado por Lunwerg Editores, esta inspiradora historia de resiliencia y superación personal ha sido adaptada a la gran pantalla en una película dirigida por Aritz Moreno, también llamada 'Karateca'. Llegará a las salas de cine solo dos días después de la publicación del libro, el 30 de octubre de 2026

La vida de Sandra Sánchez se refleja en su libro autobiográfico y en su película a través de enfoques complementarios que abordan tanto su dimensión personal como deportiva. Al estar narrado directamente por la deportista. permite profundizar en sus pensamientos, emociones, miedos y vivencias más personales.

Cuenta su historia desde que se inició en el karate a los cuatro años en Talavera de la Reina (motivada por su hermano y la serie Dragon Ball) , abordando sus problemas de asma, las dificultades económicas familiares, la enfermedad de su madre y el impacto emocional de haber sufrido una agresión en su juventud.

También relata sus viajes internacionales (Canadá, México, Australia, entre otros), la aparición de Jesús del Moral en su vida, su paso por Dubái y la gestión del aplazamiento olímpico por la pandemia. Culmina con la medalla de oro en Tokio 2021, la Triple Corona y su transición tras el retiro hacia la enseñanza y el servicio a los demás.

En cuanto a la película, en lugar de trasladar de forma literal cada pasaje del libro, la película selecciona y adapta los acontecimientos principales para construir una narrativa audiovisual. Así, representa en pantalla los sacrificios, el esfuerzo y la superación personal, poniendo un foco especial en la pasión por el karate y en la relación con Jesús del Moral. Ambos están interpretados, respectivamente, por Andrea Ros y Patrick Criado.

Ambas obras coinciden en que la vida de Sandra no se reduce a sus éxitos deportivos o títulos. Tanto el texto como el film transmiten que el verdadero sentido de su trayectoria reside en la “perseverancia, la disciplina, el amor al deporte y la capacidad de levantarse ante las adversidades”.

El Oro de Tokio

Uno de los pasajes más emocionantes del libro es la referida a su participación en los Juegos Olímpicos de Tokio (celebrados en 2021), ya que representó la culminación de años de preparación para un hito histórico. Era la primera vez que la kata formaba parte del programa olímpico. Debido a la pandemia de 2020, los Juegos se retrasaron un año, lo que obligó a Sandra Sánchez a gestionar la incertidumbre.

Cuenta que en la final frente a la japonesa Kiyou Shimizu en el escenario del Budokan, Sandra no deseaba que su rival fallase; buscaba que ambas mostrasen su mejor nivel. Su meta iba más allá de la precisión técnica: quería emocionar al público y encontrar esa “magia” que conectara con quienes la veían.

Tras conquistar la medalla de oro olímpica, sumó en el mismo año los títulos del Campeonato de Europa y el Campeonato del Mundo, consiguiendo una histórica 'Triple Corona' antes de retirarse de la alta competición. Jesús del Moral, define esa final como un capítulo “grabado a fuego” en el que Sandra dio una lección sobre lo que significa creer, tener fe y emocionar haciendo lo que ama.

El despliegue festivo en el estreno mundial de Digger en Londres, hace cuatro semanas, fue literal. Cuando el príncipe y la princesa de Gales subieron al escenario, su llegada fue anunciada por el grupo de fanfarrias de la banda de la Guardia Irlandesa: cornetas relucientes, charreteras brillantes y gorros de piel de oso que se agitaban bajo las luces.

Dada la ocasión, los músicos no iban vestidos de forma exagerada. Acompañando a Guillermo (con esmoquin de terciopelo) y a Kate (con un vestido de gasa y los pendientes que pertenecieron a la difunta Diana) para presentar la película, se encontraba el monarca más longevo del cine, Tom Cruise (vestido de Armani), junto a un séquito que incluía al director Alejandro González Iñárritu y a los coprotagonistas Sandra Hüller, Riz Ahmed, John Goodman, Jesse Plemons y Michael Stuhlbarg. En las primeras filas se acomodaron los “leales cortesanos”: Salma Hayek, Hannah Waddingham y nada menos que tres miembros de la familia Beckham (David, Cruz y Romeo).

La proyección comenzó con dos horas de retraso, debido a la característica minuciosidad de Cruise a la hora de hacerse selfis y firmar autógrafos en la alfombra roja. Pero a nadie le importó demasiado. Si alguien se ha ganado el derecho a hacer esperar a 800 personas —mientras aumentan los gastos de la niñera y los asistentes empiezan a perder la sensibilidad en las piernas—, ese es, sin duda, indiscutiblemente la última gran estrella de cine: ese enigma irresistible y siempre sonriente, el hombre que “le salvó el trasero a Hollywood” cuando Top Gun: Maverick logró que el público regresara a las salas de cine tras dos años de pandemia.

A las 11 de la noche, cuando se encendieron las luces, el ambiente era otro. Se percibía inquietud. Había aplausos, claro, pero también murmullos y gente apresurándose hacia la salida, aunque con cierta dificultad debido al hormigueo en las piernas. ¿Será que esta función, para la que era casi imposible conseguir entrada, resultó ser un fiasco absoluto?

El estreno mundial resultó ser el punto álgido de la trayectoria de Digger en los cines. Cuando la película se estrenó a nivel global una semana después, tras recibir críticas casi unánimemente negativas, la recaudación en taquilla fue desastrosa, y a partir de ahí, la situación no hizo más que empeorar. Digger logró ocho millones de dólares (7,15 millones de euros) durante su primer fin de semana en Estados Unidos, para luego sufrir una caída del 60% en el segundo. Su estreno internacional fue aún peor: 12 millones de dólares (10,7 millones de euros) repartidos en 74 territorios, lo que supone una media de 162.000 dólares (145.000 euros) por país. Hasta la fecha, Digger ha recaudado 37,7 millones de dólares (33,6 millones de euros), y las estimaciones apuntan a una recaudación final de 50 millones (44,6 millones de euros).

Sus costes fueron… superiores. Aunque el presupuesto inicial era de 125 millones de dólares (112 millones de euros), el rodaje —que se prolongó durante seis meses— acabó costando cerca de 175 millones (156 millones de euros). A esto hay que sumar otros 100 millones (89 millones de euros) destinados al marketing. Dado que los cines se quedan aproximadamente con la mitad de los ingresos por venta de entradas, la película necesitaría recaudar 350 millones de dólares (312 millones de euros) para cubrir gastos (aunque Warner Bros. sitúa esta cifra más cerca de los 300 millones, que son 267 millones de euros al cambio). Estos cálculos se complican aún más debido al acuerdo de Cruise de cobrar desde el “primer dólar”, lo que significa que los ingresos iniciales van directamente a sus bolsillos en lugar de al estudio.

La pérdida prevista de 245 millones de dólares (218 millones de euros) sitúa a Digger entre los fracasos más costosos de la historia, junto a la película de aventuras Cutthroat Island (1995, con una pérdida de 222 millones de dólares ajustada a la inflación), el filme steampunk Mortal Engines (2018, con una pérdida ajustada de 224 millones) y el desafortunado spin-off de Capitán América, The Marvels (cuyas pérdidas estimadas, ajustadas a la inflación, oscilan entre los 205 y los 250 millones de dólares). En cierto sentido, Digger ya ha tenido un desempeño peor que los tres títulos mencionados. Antes de sus respectivos estrenos, nadie tenía grandes expectativas para ninguno de ellos; sin embargo, todos lograron recaudar, al menos, el doble de lo que se espera que ingrese Digger. Nadie imaginaba que Cutthroat Island cambiaría nuestra percepción de lo que podría ser una sátira de gran presupuesto, ni que la interpretación de Hugo Weaving en Mortal Engines lo convertiría en un candidato fijo para los Oscar. Pero Digger es algo único: un desatino sin precedentes, fruto de un juicio erróneo, una elección de momento inoportuna y una soberbia espectacular.

Para desentrañar el defecto fatal de Digger, resulta útil remontarse a sus orígenes. La idea de su personaje central —un multimillonario magnate del petróleo, zafio y tosco, cuyas perforaciones en el Ártico desencadenan una catástrofe ecológica— surgió en 2015 en la mente de Iñárritu, el cineasta mexicano que saltó a la fama con Amores perros. Por aquel entonces, trabajaba en El renacido, otra superproducción épica (con un presupuesto de 165 millones de dólares, 147 millones de euros) que giraba en torno a una interpretación visceral y exigente —en este caso, la de Leonardo DiCaprio, quien, en la piel de un hombre de la frontera en plena huida, atravesaba ríos helados, comía hígado de bisonte crudo y se refugiaba en el interior del cadáver de un caballo—, la cual le valió un Oscar. En esa misma ceremonia, Iñárritu se alzó con el premio al mejor director, convirtiéndose en la tercera persona en la historia en lograrlo dos años consecutivos, tras su triunfo en 2014 con el despliegue teatral de Birdman.

Iñárritu ha comentado que, al principio, no siguió adelante con Digger porque, a pesar de haber desarrollado una obsesión por el personaje, “no estaba buscando una historia” (palabras que, vistas en retrospectiva, resultan un mal presagio). Sin embargo, tras el éxito de El renacido, comenzó a desarrollar el concepto junto a Netflix como un proyecto a medida para DiCaprio, bajo el título provisional de Blah, Blah, Blah (segunda señal de alarma). Entonces, alguien en la plataforma se percató de que ya tenían entre manos otra costosa comedia dramática de temática ecológica protagonizada por Leonardo DiCaprio: No mires arriba (Don’t Look Up), de Adam McKay —cuyo fracaso completa una rápida tríada de malos augurios—, por lo que Digger fue descartado. Así pues, Iñárritu se volcó en Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades: un proyecto personal, existencial y casi autobiográfico de casi tres horas de duración; el tipo de obra que solo un director recién encumbrado por la crítica y la industria podría permitirse realizar. Poca gente la vio, y a menos aún les gustó.

Mientras tanto, Cruise —en pleno apogeo tras su reciente consagración como el “salvador del cine”— buscaba proyectos que le permitieran ampliar su repertorio más allá de las franquicias de acción como Top Gun y Misión: Imposible. Quizás recordando el horror fascinado que provocó su aparición —bajo un traje que lo hacía parecer obeso— en Tropic Thunder, donde interpretó al repulsivo ejecutivo de estudio Les Grossman, se puso en contacto con Iñárritu, y ambos comenzaron a trabajar en 2022. El rodaje arrancó a finales de 2024; se filmó en película de 35 mm y en formato VistaVision, lo cual —por si quedaba alguna duda— resulta extraordinariamente costoso.

Por estas mismas fechas, el año pasado, la película se encontraba en fase de posproducción y Cruise estaba en Los Ángeles recibiendo un Oscar honorífico: su primer galardón de la Academia. En su emotivo discurso, repasó toda una vida dedicada a su oficio. “Hacer cine no es lo que hago; es lo que soy”, declaró ante los presentes. ¿Y quién le entregó la estatuilla? Iñárritu. Los presagios eran claros: si alguna vez una película iba a hacerle ganar a Cruise su primer Oscar “de verdad”, Iñárritu sería, sin duda, la persona encargada de entregárselo.

¿Alguien notó durante la producción que Digger era horrible? ¿O que era probable que un número suficiente de personas detestara que la película fuera un fiasco? De ser así, se sintieron intimidados o alentados por la confianza de los dos hombres al mando. Además, dice Steven Gaydos, ex editor ejecutivo de Variety, durante la última década aproximadamente, este tipo de esfuerzo imprudente ha sido una práctica estándar de la industria: “Digger es simplemente la última película artística de Hollywood sobre un superpetrolero que se ha derrumbado”.

Él rastrea los orígenes de esa tendencia hasta el entusiasmo prepandémico de los streamers por emitir cheques en blanco para directores que pudieran conferirles credibilidad. Los autores se apresuraron a inscribirse, pero la falta de supervisión o barreras de seguridad (exactamente los términos que endulzaron el trato) significó que sus películas a menudo solo les agradaban a ellos mismos.

A veces la estrategia (desde que fue descartada en Netflix) funcionó. Ni Roma de Alfonso Cuarón ni Historia de un matrimonio de Noah Baumbach, El poder del perro de Jane Campion o Mank de David Fincher aseguraron a Netflix el codiciado Oscar a la mejor película, pero estuvieron bastante cerca. A menudo, el fracaso fue más evidente. Gaydos destaca los 175 millones de dólares (156 millones de euros) que Netflix invirtió en El irlandés de Martin Scorsese en 2019, y luego los 200 millones de dólares (178 millones de euros) que Apple le entregó en 2022 por Los asesinos de la luna. “Otra vez”, dice Gaydos, “muchas nominaciones al Oscar, ninguna victoria”.

Mientras tanto, los estudios tradicionales, intimidados por el dominio de las plataformas de streaming, siguieron la misma estrategia, con resultados igualmente desastrosos. Tras alcanzar la gloria en los premios con Whiplash y La La Land, Damien Chazelle le endosó a Paramount Babylon, un fracaso de crítica que, según Gaydos, “se quedó a 135 millones de dólares (120 millones de euros) de recuperar su inversión”. Por su parte, Bong Joon-ho —quien arrasó en los Oscar con Parásitos— repitió la jugada en Warner Bros, con Mickey 17, provocando una pérdida de 200 millones de dólares (178 millones de euros).

El historial de este estudio con las superproducciones de corte “artístico” no es del todo negativo: el año pasado perdieron 150 millones (134 millones de euros) en otro proyecto mastodóntico, aunque, al menos, Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson, les reportó numerosos premios Oscar, incluido el de mejor película. En aquel momento, Warner Bros pudo absorber el golpe, gracias a unas arcas rebosantes gracias a éxitos como Sinners, The Minecraft Movie y F1.

Esta vez, sin embargo, no hubo una red de seguridad en forma de superéxito comercial; por ello, señala Gaydos, “este ”transatlántico“ podría haber hundido a los directivos del estudio, Michael De Luca y Pam Abdy”. El último estreno del estudio antes de su adquisición por parte de Skydance (que tomó el control de Paramount) resultó ser un desastre tan absoluto que la primera medida del nuevo propietario, David Ellison, fue destituir a ambos.

Antes de la fusión, muchos habían expresado su preocupación por el tipo de proyectos a los que el nuevo “superestudio” daría luz verde. Ahora ya lo saben: el interés de Ellison por las ideas nuevas y la propiedad intelectual original se ha visto aún más mermado. “Gastar en exceso en cine de autor nunca ha sido una estrategia ganadora en Hollywood”, afirma Gaydos. “Pero nadie había visto antes una serie de desastres de esta magnitud, ni los océanos de números rojos que han dejado a su paso estas superproducciones de corte artístico”.

De todos los afectados por el desastre de Digger —salvo, quizás, De Luca y Abdy—, Cruise es quien ha salido peor parado. Ya ha tenido fracasos anteriormente: La momia (2017) perdió 95 millones de dólares (84 millones de euros), aunque aun así recaudó más de 400 millones (357 millones de euros). Las conclusiones que cabe extraer resultarán aleccionadoras para un hombre que probablemente daba por hecho que se le valoraba tanto por su faceta artística como por su condición de veterano de aspecto sobrenaturalmente juvenil, famoso por su entrega absoluta a escenas de riesgo casi mortales y por su costumbre de aparecer sin camiseta.

Sin embargo, parece evidente que el público no acude a una película de Tom Cruise para verle actuar; va a ver a una estrella de cine. Es cierto que en Tropic Thunder utilizó prótesis, pero aun así se podía reconocer al hombre bajo la máscara; además, su aparición fue breve. En Digger, las capas de látex son tan gruesas que, bajo ellas, podría estar cualquiera.

Más allá de verle saltar por un precipicio en moto, los seguidores de Cruise no desean que asuma riesgos, ni que se entregue a ese nivel de locura agresiva que tanto él como su personaje exhiben aquí —un comportamiento que recuerda, de forma incómoda, a sus años de saltar sobre el sofá en el programa de Oprah—. Tampoco quieren verle como otra cosa que no sea el “bueno” de la historia. En Top Gun y, sobre todo, en Misión: Imposible, encarna a una especie de mesías: el único hombre capaz de salvar el mundo. En Digger, interpreta al único hombre capaz de destruirlo. Eso es exactamente lo contrario de lo que busca su base de admiradores.

No obstante, más allá de sus seguidores habituales, hay mucha gente a la que, probablemente, le habría interesado ver Digger si hubiera sabido de qué trataba realmente: una ambiciosa sátira liberal y metatextual que aborda la responsabilidad colectiva en el colapso ecológico. Por desgracia, toda la campaña promocional de la película ha intentado ocultar este aspecto; en parte, porque explicarlo obligaría a revelar un detalle clave de la trama.

En su lugar, la promoción se centró en la transformación de su protagonista, ofreciendo adelantos y revelaciones sobre la enorme barriga de su personaje en Digger y su actitud insoportablemente sermoneadora. Los creadores de Digger estaban tan seguros del atractivo de su película —dando por hecho que el público ya estaba ganado de antemano— que olvidaron promocionarla realmente.

Cuando aparecieron las primeras críticas, el equipo de marketing tuvo que reaccionar a toda prisa. Se lanzó una nueva campaña que incluía tanto reseñas negativas como positivas, invitando al público a ignorar a los críticos y a juzgar por sí mismos. Presentar, a posteriori, la naturaleza divisiva de una película como algo intencionado no es, en sí, una mala estrategia. Sin embargo, este enfoque recordaba inevitablemente al que empleó Megalópolis —el desastre de 125 millones de dólares (111 millones de euros) de Francis Ford Coppola estrenado en 2024—, la cual terminó autosaboteándose aún más al atribuir citas inventadas a críticos reales. Fue una asociación desafortunada; a los pocos días, la publicidad de Digger dio un nuevo giro: de repente, instaban al público a prestar atención a los críticos, argumentando que, si bien en Estados Unidos la acogida había sido tibia, en Francia la película había gustado mucho.

Para entonces, el desbarajuste ya no importaba. Solo los más morbosos podrían sentirse tentados a ir al cine. El boca a boca también hizo lo suyo: la calificación de CinemaScore de Digger (que registra la reacción del público al salir de la sala durante la noche del estreno en EEUU) fue de C+. Es una nota considerablemente más baja que la de la nueva película de La patrulla canina (A) e incluso peor que la del drama sobre Mark Zuckerberg, The Social Reckoning (B+); el flojo desempeño de esta última en taquilla sugiere, además, que el público no siente un deseo automático de pasar sus fines de semana viendo a multimillonarios a gran escala cometiendo atrocidades.

Es posible que Cruise siga haciendo campaña, de forma discreta, para lograr una nominación al Oscar; el coste de hacerlo sería una minucia en comparación con las pérdidas ya sufridas. En un año marcado por interpretaciones sobresalientes, como las de Andrew Scott (Elsinore) y John Malkovich (Wild Horse Nine), la victoria resulta prácticamente imposible. Aun así, Cruise y su equipo podrían considerar que un reconocimiento de este tipo, proveniente de sus colegas, ayudaría a amortiguar el golpe y a justificar las decisiones tomadas por todos los implicados.

De hecho, ya hay indicios de que la magnitud del desastre de Digger podría jugar a su favor. Al fin y al cabo, no se trata de un fracaso insulso —al estilo de Bardo—, destinado a quedar como una simple nota a pie de página en un libro que nadie lee. Estamos ante una película cuyo título es ya sinónimo de una locura pasmosa. Un movimiento, aparentemente surgido desde la base, está construyendo un argumento sólido para convertir a Digger en un futuro clásico de culto. Algunas celebridades han dado un paso al frente para defenderla; y no solo aquellos cercanos a Cruise (como Anne Hathaway, quien protagonizará junto a él la próxima secuela de Days of Thunder y le dio un 10/10 en Letterboxd, o Glen Powell, a quien Cruise asesoró en Top Gun: Maverick y que la calificó como “pura alegría cinematográfica”).

Jane Fonda elogió la película extensamente en Instagram, describiendo a Cruise como “muy bueno y muy valiente”. Por su parte, Guillermo del Toro comentó que es una obra “audaz, valiente y cinematográficamente compleja”. Neil Young, por su parte, la calificó como “la mejor película” que haya “visto jamás”. Mientras tanto, los programas conmemorativos de aquel estreno mundial —que tuvo lugar hace menos de un mes— ya alcanzan sumas considerables en eBay; en uno de los anuncios, se describe con orgullo este “objeto de colección muy codiciado” como “completamente nuevo y sin leer”. Al parecer, es poco probable que Digger permanezca enterrado para siempre.

Cuando ‘10 razones para odiarte’ llegó a los cines en 1999, pocos imaginaban entonces que se convertiría en una de las principales comedias románticas de adolescentes de la historia, siendo a más de dos décadas desde su estreno un título al que recurren distintas generaciones, siendo clave todavía su frescura a pesar de los años pasados, que tuvo a Julia Stiles y Heath Ledger como su pareja protagonista.  

Para ambos supuso un trampolín para catapultar sus carreras, pero para Ledger lo fue especialmente al ser su primer papel en Hollywood después de emigrar desde Australia, pasando de ser un desconocido a convertirse en un ‘crush’ de toda una generación, en especial por su escena musical en la que interpretó la mítica canción “Can’t Take My Eyes Off You’. 

Es precisamente esta escena la que va a recordar la que fue su compañera de reparto, Julia Stiles, para homenajearlo durante su participación en el concurso ‘Dancing With the Stars’ más de 18 años después de su fallecimiento en 2008 y 27 años desde que ambos protagonizaran la mencionada película. 

 Un hecho que tiene lugar durante la llamada ‘Noche de Dedicación’ del concurso donde baila la canción de Frankie Valli junto a su compañero en el programa Ezra Sosa, y que ya ha sido especialmente emocionante durante los ensayos: “Sé que va a ser algo realmente especial. Lloré durante los ensayos. Es una locura”, aseguró durante una entrevista previa. 

“Pensé que ya había superado esa etapa. Pensaba: ‘¡Ay, fue hace tantos años!’. Ver fragmentos de esa película, imágenes, escuchar mi voz y la suya me trae muchos recuerdos. Es muy emotivo. Para mí era importante que, tanto en la música como en la danza, le rindiéramos un solemne homenaje porque, obviamente, ha fallecido y ya no está con nosotros, pero también porque esa escena transmite mucha alegría a la gente”, declaraba al explicar su homenaje a Heath Ledger. 

Precisamente, para la actriz lo más importante era captar lo que él transmitía a la gente: “Quería plasmar su energía, tanto musicalmente como en la coreografía. Queremos recrear la alegría de cuando él estaba con nosotros. Era increíble. Era una persona radiante. Simplemente entraba en la habitación y la iluminaba”, afirmó sobre su fallecido compañero.  

Debido a su homenaje, Julia Stiles también ha recordado como fue trabajar con Heath Ledger en ‘10 razones para odiarte’: “Fue muy amable y generoso conmigo, cuando eres actriz y estás en tu primer papel protagonista en una película de un gran estudio, necesitas sentirte cómoda con la otra persona. Y él fue muy generoso en ese sentido”, explicó. 

La larga vida de ‘10 razones para odiarte’ 

‘10 razones para odiarte’ sigue siendo una de las principales comedias románticas para adolescentes dos décadas después, en ella Julia Stiles interpretó a Kat Stratford y Heath Ledger a Patrick Verona, los protagonistas de una moderna reinterpretación de ‘La fierecilla domada’ de William Shakespeare, donde también aparecieron Joseph Gordon-Levitt, Gabrielle Union, Andrew Keegan y Larisa Oleynik en el reparto. Recaudó en su día 53,5 millones de dólares a nivel mundial, recuperando tres veces su presupuesto, pero siendo su éxito más allá de su momento de estreno. 

En 2002, la Academia de Hollywood entregó por primera vez en su historia el Oscar a Mejor Película de Animación. Hasta ese momento, los premios más prestigiosos del cine no tenían una categoría dedicada únicamente a los largometrajes de dibujos animados. Así, la noche del 24 de marzo de aquel año, Shrek, producida por DreamWorks, se alzó con la primera estatuilla.

Sin embargo, la animación ya había logrado colarse entre las grandes producciones de Hollywood mucho antes de que existiera ese premio. Diez años antes, un largometraje de Disney había conseguido algo que parecía reservado al cine de actores reales: competir por el Oscar a Mejor Película. 

Hablamos de La bella y la bestia, uno de los clásicos de la franquicia que se estrenó en cines en 1991 y que hizo historia al convertirse en la primera película de animación en aspirar al galardón principal de la Academia. En la gala de 1992, el filme se enfrentó a otras cuatro grandes producciones cinematográficas.

Bugsy, el drama biográfico sobre el mafioso Benjamin Siegel; JFK, el thriller político de Oliver Stone sobre el asesinato del presidente estadounidense John F. Kennedy; El príncipe de las mareas, un drama familiar dirigido y protagonizado por Barbra Streisand; y El silencio de los corderos, el inquietante thriller de Jonathan Demme. Fue esta última la que finalmente consiguió la estatuilla.

Aunque La bella y la bestia se quedó sin el galardón más importante de la noche, su nominación ya había marcado un antes y un después en la industria de la animación. El éxito y reconocimiento de esta película, sin embargo, empezó meses antes, cuando su estreno en los cines conquistó tanto al público como a la crítica.

Un clásico de Walt Disney

Con un presupuesto estimado de 25 millones de dólares, la película dirigida por Gary Trousdale y Kirk Wise recaudó alrededor de 451 millones en todo el mundo a lo largo de sus diferentes estrenos y reestrenos. La historia sobre la princesa Bella y su relación con el príncipe convertido en “bestia” conquistó al público, pero también a la crítica.

El filme, que no finalmente consiguió el Oscar a Mejor película, no se fue a casa con las manos. La bella y la bestia ganó el premio de la Academia a Mejor banda sonora (Alan Menken) y Mejor canción original por Beauty and the Beast. En los Globos de Oro, además de estos reconocimientos, también consiguió el galardón a Mejor película de comedia o musical.

Hasta ahora, solo tres películas animadas han sido nominadas a la categoría principal de los Oscar. Up (2009) y Toy Story 3 (2010), también de Disney, son las otras dos.

Raül Refree (Barcelona, 1976) va a la panadería y escucha lo siguiente: “¡A ver si nos traes el Oscar!”. Es algo que el músico nunca había podido llegar a imaginar y que, sin embargo, se ha convertido en una enorme posibilidad tras el estreno de La bola negra. La película con la que Javier Ambrossi y Javier Calvo conquistaron el Festival de Cannes se ha convertido en una de las grandes favoritas de Hollywood en la próxima temporada de premios. Tanto, que todos los que participaron en el filme también empiezan a acaparar los focos.

El productor es el responsable de la banda sonora de La bola negra, un trabajo en el que ha tenido que encontrar el equilibrio para acompañar una historia marcada por la represión y el miedo a ser homosexual sin subrayar demasiado las emociones. No era una tarea sencilla. “Siempre sentía que caminaba por la cuerda floja”, explica sobre el proceso de composición. Después de trabajar con los Javis en La Mesías, Refree vuelve a colaborar con ellos en una cinta en la que cantantes como Judeline o Guitarricadelafuente embellecen lo que se ve gracias a lo que suena.

Siendo reconocido por su trabajo en Los Ángeles de Rosalía, disco debut de la artista a la que le acaban de otorgar el Premio Nacional de las Músicas Actuales, y tras colaborar con Rodrigo Cuevas, C. Tangana o Niño de Elche, Raül Refree recuerda la fuerza de cantar en comunidad y la importancia de escuchar de verdad. Lo hace en su libro Cuando todo encaja, pero es algo que lleva constantemente al estudio. En una industria que parece exigir resultados inmediatos, el productor prefiere perseguir otra cosa: hacer música que pueda sobrevivir al momento en el que fue creada.

¿Se ve ya en los Oscar?

Intento no pensar mucho en los Oscar. Quieras o no, vas recibiendo inputs no solo de lo que está pasando aquí, sino también del interés en EEUU, y trato de vivirlo con toda la alegría, como algo nuevo que llega a mi vida. Aparte de que la gente le dé mucha importancia a los premios, lo que más satisfacción me da es ver cómo la película y la música han llegado a un público tan variado, desde gente muy joven hasta personas mayores. Estoy recibiendo un montón de mensajes y esa es la mejor sensación que puedes tener.

¿Lo esperaba?

Confiaba y creía que la película llegaría a mucha gente. Si tanta o no, es difícil de decir, pero la primera vez que leí el guion tuve la sensación de que era una película necesaria.

En su libro Cuando todo encaja dice que su primer recuerdo de la música es el de escuchar a su abuela tocando a Mozart. ¿Qué hay en esa escena que le sigue emocionando?

Me costó mucho encontrar la forma de explicar cómo entiendo la música, y fue entonces cuando recurrí al recuerdo de la infancia de ver a mi abuela tocar el piano. Ella ya era muy mayor, le fallaban las manos y hasta la memoria, pero me resultaba profundamente emocionante verla tocar, todo lo contrario a lo que sentía con mi profesora de piano, que tocaba con la posición y la técnica perfectas, pero no me despertaba ninguna emoción. A través de esa historia me vi capaz de explicar que para mí el objetivo fundamental de la música es la emoción; la técnica y todo lo demás no dejan de ser herramientas que, si no logran emocionar, no sirven para nada.

¿Esa profesora le hizo querer abandonar la música?

Que viviera una mala experiencia con la educación más clásica y con la forma rígida de enseñar a un niño a tocar el piano no significó que mi amor por la música disminuyera. Entiendo que en la educación clásica deben establecerse métodos generalizados, pero mi forma de acercarme a la música era muy libre y puramente emocional. Me resultaba mucho más fácil inventarme una pequeña melodía, aunque fuera una tontería, que reproducir algo exactamente como ellos querían. Eso me alejaba del método y me hacía sentir incómodo, hasta el punto de que me provocaron cierto trauma con el piano. Tardé muchos años en volver a tocarlo, pero mi amor por la música seguía intacto. Hoy me sigo considerando más melómano que músico; lo que más me gusta es escuchar, y así es como más he aprendido a componer.

Hace hincapié en la emoción. ¿Cómo puede una banda sonora transmitir el miedo a ser gay y a la represión?

La música tiene una potencia emocional enorme. Es el arte más abstracto de todos: no se ve, no se toca; la percibimos por pura abstracción y quizás por eso puede llegar a lo más profundo de nosotros. Pero eso también entraña un peligro: en una película con una carga emocional tan fuerte, la música puede pasarse de frenada y subrayar demasiado la emoción. En La Mesías encontré el equilibrio musical con cierta facilidad, pero en esta película siempre sentía que caminaba por la cuerda floja: si me inclinaba un poco a la derecha o a la izquierda, me caía. Tenía que encontrar el punto exacto, porque la historia no te permitía irte hacia los extremos para no subrayar de más ni resultar demasiado frío.

Judeline interpretó Soldadito español en La Revuelta y recibió muchas críticas, acusándola de embellecer un tema ligado a la guerra colonial.

No he visto mucho sobre el tema. Sí vi que ella la cantó muy bien. Al final, lo hace porque es parte de la historia de la película, tiene un significado concreto dentro del relato y simplemente está interpretando lo que ocurre en La bola negra. Con Soldadito español, los directores me pidieron una versión para ver qué se me ocurría; les mandé una demo con mi propia voz de fondo que era muy parecida a lo que terminó siendo. Recuerdo que me dijeron que era increíble porque les ayudó a visualizar el inicio de la película a partir de la música, y esa es la idea que ha sobrevivido hasta la pantalla.

Estamos tan sobreestimulados que la escucha real se ha vuelto un acto revolucionario

Raül Refree — Productor y cantante

Ha sido elogiado por La Nieve, que canta Guitarricadelafuente.

Los Javis tenían claro que, a pesar de que Álvaro [Guitarricadelafuente] actúa en la cinta, querían que cantara la canción original, pero sin que pareciera un paréntesis; querían que formara parte del diálogo narrativo y musical de toda la película. Álvaro me enseñó un primer esbozo de melodía antes de irse de gira, y yo pude trabajar con total libertad para que funcionara tanto como canción como banda sonora. Acompaña uno de los momentos más emocionantes de la película: cuando el personaje sube la montaña y van cayendo los esquiadores. Es preciosa y, aunque la he visto miles de veces, me sigo emocionando.

Usted suele trabajar en equipo. ¿Hemos perdido la capacidad de disfrutar la música en comunidad?

El espacio público es cada vez menor. Me sorprende ver plazas nuevas, de esas duras, donde los bancos no están enfrentados para mirarse los unos a los otros, como si pretendieran que toda la comunicación fuera digital y la presencial se redujera al mínimo. A lo largo de la historia, la música ha sido un gran factor cohesionador. El sentimiento de pertenecer a una comunidad nos hace fuertes, y cantar junto a alguien por el simple disfrute de hacerlo no solo es placentero, sino un nexo de unión poderosísimo que estamos perdiendo.

¿Este individualismo deriva de las pantallas?

Lo veo exactamente así. Estamos sobreestimulados, y eso complica la reflexión, la observación, la escucha y el silencio. Muchas veces hablo con mis amigos sobre cómo la “escucha real” —y no me refiero a oír algo de fondo, sino a estar escuchando a la persona frente a ti, como espero que estemos haciendo nosotros ahora— se ha vuelto un acto superrevolucionario. Hoy en día se escucha y se observa poco, dándole prioridad a ese estímulo constante y a ese crecimiento absurdo de querer estar haciendo cosas todo el rato.

Rosalía ha ganado el Premio Nacional de las Músicas Actuales.

Lo recibí con muchísima alegría. Rosalía me parece una superartista; aparte de nuestra historia común y de que me llevo bien con ella, le tengo una admiración inmensa. Ojalá se lo dieran siempre a artistas de su envergadura.

¿Siente que el premio también es, en parte, suyo?

No, para nada.

¿Usted podría haber estado en los créditos de Lux?

Me considero un músico muy versátil y con muchas ganas de probar cosas nuevas. Ahora, con perspectiva, creo que he sido muy valiente al meterme en según qué proyectos, y me veo capaz de adaptarme a muchos sitios distintos. Al final tomo mis decisiones de forma muy poco racional y muy intuitiva; si siento algo especial por un artista o proyecto, me tiro de cabeza, sin importarme si es exactamente el estilo que domino.

Como músico, no me creo mejor que la persona que tiene una tienda de costura o que hace zapatos al lado de mi casa

Raül Refree — Productor y cantante

¿Hacemos bien en ver a los músicos como genios?

Desde el Romanticismo se ha exagerado la figura del artista, subiéndolo a un pedestal casi como si tuviera una conexión superior con Dios. Yo creo cien por cien en la figura del artesano, y me siento como tal. Me gusta aprender, le dedico muchísimas horas a mi trabajo, pero no me creo mejor que la persona que tiene una tienda de costura o que hace zapatos al lado de mi casa. Al final, son trabajos útiles; el mío emociona, pero un buen mueble o el trabajo de cualquier otro profesional también te puede emocionar. Lo fundamental es que el trabajo de los demás nos llegue y nos toque.

¿La industria musical se ha vuelto elitista?

Me ha ocurrido infinidad de veces que alguien se me acerca tras un concierto y me dice: “Me ha encantado, pero bueno, yo es que no sé de música”. ¡Como si no pudieras dar tu opinión sin haber estudiado un montón! La música y el arte tienen que traspasarnos y convertirse en emoción. Si te llega, no hace falta haber estudiado nada para expresar lo que sientes.

En esta era de TikTok, donde la música se consume y se desecha, ¿cómo alcanza la atemporalidad?

La gran obsesión de mi vida siempre ha sido que la música que hiciera me pudiera sobrevivir. Me ha importado mucho menos lo efímero de la moda actual y siempre he trabajado para conseguir cierta inmortalidad a través del arte. Últimamente, me he dado cuenta de que, en el fondo, hay una parte de ego importante en ese deseo de trascender, algo que antes no quería admitir. No existe una receta mágica para la atemporalidad. Intento estar conectado con el día a día y me encanta trabajar con gente mucho más joven, pero en el momento de tomar una decisión creativa final, nunca pienso en si va a ser un éxito inmediato o si se va a poner de moda; siempre tomo la decisión buscando lo que considero mejor para la música en sí misma.

La Fiesta del Cine llega a su edición número 28, y lo hace en un momento espléndido para las salas españolas. En 2026 ya se han superado las cifras del año pasado, y quedan dos meses para culminar un curso que vuelva a ofrecer datos parecidos a los que se llegaba antes de la pandemia. También está siendo un curso excelente para el cine español, que por fin ha vuelto a superar los 100 millones de euros en la taquilla y se encamina a un cierre de año que puede ser histórico.

Por eso, la Fiesta del Cine se presenta como una excusa perfecta para seguir llenando las salas. Cuatro días (del lunes 19 al jueves 22) con entradas a 3,50 y la posibilidad de ver —en más de 330 cines— las películas más importantes de este otoño. Entre ellas, cómo no, La bola negra. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi es el título del que todo el mundo habla y la película que hay que ver. Este tríptico de historias con Lorca como hilo conductor ha emocionado ya a más de cuatro millones de espectadores y será, seguro, el filme más exitoso de la Fiesta del Cine.

La bola negra ya ha superado a Torrente, presidente como el filme español más taquillero del año y está en el cuarto lugar de las películas españolas que más han recaudado en nuestro país. Eso con mucha carrera por delante y un camino que se prevé histórico: el que más que posiblemente la lleve a un buen puñado de nominaciones a los Oscar. De momento, en EEUU se ha estrenado en cuatro salas con un promedio por copia de casi 70.000 dólares, lo que es el segundo mejor dato histórico solo por detrás de Parásitos. Pero más allá de La bola negra hay otros muchos títulos para ver esta Fiesta del Cine. Aquí unas recomendaciones.

'Naza'

Uno de los documentales más impresionantes del cine de los últimos años. Los directores israelís Yuval Abraham y Rachel Szor (ganadores del Oscar por No other land) han sido amenazados por Netanyahu y la extrema derecha sionista por este trabajo en donde logran que 24 miembros de la inteligencia y el ejército israelí cuenten a cámara (con su voz y rostro distorsionados) la maquinaria de aniquilación de la población palestina. Un retrato de la banalidad del mal que podría ser la versión documental de La zona de interés. 80 minutos de terror real.

'La voz quebrada'

Y también en formato documental, y para los que quieran continuar con la locura por Lorca que ha provocado La bola negra está este trabajo tan hermoso dirigido por Manuel Menchón donde muestra imágenes inéditas y cuenta la relación del escritor con Juan Ramírez de Lucas, con quien planeó salir de España antes de ser asesinado. Diarios íntimos de su enamorado, cartas entre ambos y material desconocido para contar una historia de amor que nunca pudo ser y que ayuda a comprender mejor a uno de nuestros artistas fundamentales.

'El precio de la red'

Una secuela espiritual de La red social que funciona mejor como thriller periodístico que cuenta la investigación en la que The Wall Street Journal demostró que Facebook había permitido y se había lucrado fomentando discursos de odio, lo que el guionista y director Aaron Sorkin vincula directamente con el asalto al congreso de EEUU tras la derrota de Donald Trump en 2021. 

'La invitación'

¿Cómo es posible que el enésimo remake de la misma película destaque por encima del resto? Una pregunta que se responde viendo La invitación, que adapta la película española Sentimental, de Cesc Gay, y que ya adaptaba su propia obra de teatro, y que en su versión hollywoodiense se ha convertido en un éxito internacional que suena en todas las quinielas de los Oscar. Las rencillas sexuales y sentimentales de dos parejas de vecinos estallan en una cena donde Penélope Cruz y Olivia Wilde (que también dirige el filme) se salen.

'Los demonios'

Ken Russell dirigió una de las películas más polémicas de la historia del cine, cuya versión sin censura y restaurada estaba pendiente de verse en salas. Ahora se puede ver en unos cuantos cines de España, y los que tengan la oportunidad no deberían saltarse un filme que sigue siendo tan actual como provocador, con una puesta en escena brillante, unos decorados de Derek Jarman que dejan con la boca abierta y una Vanessa Redgrave como monja desatada que es inolvidable. 

'El ser querido'

Otro de los grandes éxitos del cine español que todavía se puede ver. La nueva película de Rodrigo Sorogoyen cuenta el intento de reconciliación de un padre, director de cine, y una hija, actriz, en medio de un rodaje. Javier Bardem y Victoria Luengo están sobresalientes en un filme que retrata un rodaje como nunca se había visto antes en el cine, con una tensión espectacular y varias escenas (esa comida que pasa de la risa a la lágrima) para el recuerdo.

'Ceniza en la boca'

Diego Luna no es solo un actor maravilloso, sino también un director más que solvente que lo demuestra con esta adaptación de la novela de Brenda Navarro sobre las mujeres migrantes mexicanas que vienen a España a cuidar de los hijos y los padres de la clase alta mientras dejan a los suyos en su país. Rodada con mucha sensibilidad, es un filme tan actual como interesante.

¿Cuál es la película de terror que más miedo provoca? Es la pregunta que el proyecto Science of Scare lleva años tratando de responder. Para hacerlo, sus responsables van más allá de las opiniones de los aficionados al género y, desde 2026, están midiendo las reacciones del cuerpo de un grupo de espectadores mientras ven algunos de los largometrajes de terror más populares.

El proyecto utiliza monitores de frecuencia cardíaca para registrar las respuestas fisiológicas del público. A partir de estos datos, elabora una clasificación que busca identificar qué películas generan una mayor sensación de miedo, tanto a través de los sustos repentinos como de la tensión que se mantiene a lo largo del metraje.

La puntuación, denominada “Science of Scare Score”, combina tres indicadores: la frecuencia cardíaca media, la variabilidad de la frecuencia cardíaca y el pico máximo de pulsaciones alcanzado durante el visionado. La combinación de estas medidas permite comparar las respuestas registradas y establecer una clasificación entre las películas analizadas.

El estudio, sin embargo, tiene sus limitaciones. “Nuestro equipo elabora una lista de las películas de terror en inglés más aterradoras y las proyecta ante un panel de 250 personas”, explican desde el proyecto. Los autores señalan además que “para evitar que el público se canse, las proyecciones se realizan a lo largo de varias semanas, antes de publicar los resultados en octubre, justo a tiempo para la temporada de Halloween”.

La lista de películas

Por cuarto año consecutivo, Sinister, la película de terror sobrenatural de Scott Derrickson lanzada en 2012, es la película más aterradora jamás realizada, con una puntuación de miedo de 96 sobre 100, según este proyecto. “Ver Sinister elevó la frecuencia cardíaca promedio de nuestro panel un 34%, de 64 latidos por minuto a 86 latidos por minuto, alcanzando un pico de 131 latidos por minuto durante su escena más aterradora”, explican los autores del estudio.  

Host, de Rob Savage, se mantiene en el segundo puesto con una puntuación de 96, seguida de Skinamarink, con 91 “puntos de miedo”. El top 10 lo completan Insidious (90), The Conjuring (88), Hereditary (81), Smile 2 (79), Smile (78), El exorcismo de Emily Rose (76), y Háblame y Hell House LLC, que comparten el décimo lugar con una puntuación idéntica de 75.

Uno de los datos más curiosos del ranking de 2026 es que, de las 15 películas de terror que salieron este año y que han tenido en cuenta los autores del estudio, ninguna logró entrar en el top 25, por lo que la cima de la lista permanece sin cambios. 

En el top 50, sin embargo, cinco de estos largometrajes sí que han conseguido entrar. Estos son Obsession, el gran éxito de Curry Barker; Insidious: Fuera del más allá, la última entrega de la franquicia; Hokum, dirigida por Damian McCarthy; y Backrooms, el éxito basado en creepypastas que se convirtió en una de las más taquilleras del año.

Paul McCartney está en medio de la promoción de su vigésimo álbum de estudio, The Boys of Dungeon Lane, y su participación en distintos programas está dando mucho que hablar. Su última intervención ha sido en Good Hang, el podcast de Amy Poehler, donde el líder de los Beatles tuvo tiempo de hablar de las nuevas películas que el cineasta Sam Mendes está preparando sobre la banda. 

The Beatles - A Four-Film Cinematic Event será una serie de cuatro películas biográficas basadas en la vida de McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr, y en las que podremos ver, entre otros, a Paul Mescal interpretando al compositor de 84 años. Aunque el Beatle ha dedicado varios halagos a la interpretación del actor irlandés, en esta ocasión también compartió un detalle que no le gustó nada la primera vez que lo vio en el set de rodaje.

“¡Todos teníamos la misma estatura! Si miras las fotos, todos teníamos la misma estatura”, empezó a decir McCartney en el programa dirigido por Poehler. “¿Y sabes qué? [Paul Mescal] es más bajo que el tipo que interpreta a John [Lennon]”, añadió, provocando que la presentadora y el resto del equipo empezaran a reírse.

El cantante y guitarrista incluso se atrevió a llamar a Mendes, quien ha dirigido largometrajes de la talla de American Beauty (1999), Revolutionary Road (2008), Skyfall (2012) o 1917 (2019). “Le dije: Sam, solo tengo una cosa que necesito decirte. Paul [Mescal] es un poco más bajo”. 

McCartney recibió una foto de parte del director donde salían los cuatro actores que interpretarán a la banda cruzando el mítico paso de peatones de Abbey Road, y se podía ver perfectamente la diferencia de estatura entre ellos. “Le envié un mensaje: ¡Sam! ¿Más bajo? ¡No hagas esto! Dijiste que no lo harías”, contó entre risas. “Su única explicación fue: ‘Esto es una película, no un documental’”.

Un “cinemaratón” de los Beatles

Además de a Mescal, en la serie de cuatro películas biográficas dirigidas por Mendes y producidas por Sony Pictures Entertainment, Neal Street Productions y Apple Corps, tendremos la oportunidad de ver a Barry Keoghan como Ringo Starr, Harris Dickinson como John Lennon y Joseph Quinn como George Harrison. 

Cada largometraje narrará la historia de la banda de Inglaterra desde la perspectiva de cada uno de sus integrantes, y los cuatro filmes llegarán a los cines del mundo de una manera muy especial. Se estrenarán de forma simultánea, todavía no se sabe si el mismo día o a lo largo de la misma semana, algo que está previsto que ocurra durante el mes de abril de 2028.

La Filmoteca Histórica Toledana, el canal audiovisual de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo, acaba de incorporar a su nuevo soporte en Vimeo una grabación de 1965, resultado del acuerdo con la Cinémathèque de Bretagne.

Fue realizada por Pierre Anger y permite recordar detalles del Casco Histórico, hoy desaparecidos, como el puente de San Martín abierto al tráfico y la cercana Puerta de Arbitrios, aún en pie pero a punto de ser demolida.

Se observan también interesantes panorámicas desde el Valle, con el Alcázar afrontando la fase final de su reconstrucción tras la guerra civil, así como del castillo de San Servando o de la Academia de Infantería.

Aparecen interesantes escenas urbanas de calles como Nuncio Viejo, Reyes Católicos -con los heraldos de cerámica vidriada de la Escuela de Artes aún en los coronamientos del edificio-, Puerta del Cambrón, Santo Tomé o la propia plaza de Zocodover.

Del mismo modo, algunas escenas fueron grabadas en el Museo del Greco, donde puede verse en sus inmediaciones un burro cargado de cerámica con su vendedor ambulante.

La Filmoteca Histórica Toledana recoge materiales audiovisuales de carácter histórico o documental relacionados con la ciudad de Toledo y el resto de la provincia.

La inteligencia artificial está cambiando nuestras vidas y transformando numerosos sectores, incluido el cinematográfico, y su utilización en las películas de animación amenaza el futuro del trabajo artístico. En este contexto, Disney ha aclarado qué papel puede desempeñar esta tecnología en sus producciones. Roy Conli, uno de los productores de Hechizo: Bienvenidos a Hexe, la nueva película del estudio que llegará a los cines el 27 de noviembre, ha defendido que, aunque algunas herramientas de edición pueden incorporar inteligencia artificial, las imágenes que aparecen en pantalla son obra de artistas humanos.

“Cada uno de los fotogramas lo realiza un artista, y creo que eso es importante”, ha asegurado Conli durante un encuentro con medios de comunicación celebrado en Madrid. El productor, con 33 años de trayectoria en Disney, ha querido diferenciar el uso de nuevas herramientas tecnológicas del proceso de creación artística que caracteriza a las películas del estudio.

“Es posible que utilicemos algo de IA en algunas de las herramientas de edición con las que contamos, pero en lo que respecta al arte que se ve en pantalla, es obra de personas”, ha explicado. Sus declaraciones dejan abierta la posibilidad de emplear inteligencia artificial en determinadas fases técnicas, aunque no ha detallado qué herramientas concretas se utilizan ni qué tareas realizan.

Del dibujo a mano a la inteligencia artificial

Conli conoce de primera mano la evolución tecnológica de Disney. A lo largo de su carrera ha participado en producciones como El jorobado de Notre Dame, Hércules, Tarzán y El planeta del tesoro, además de trabajar en películas de animación tridimensional como Enredados y Big Hero 6.

“La animación de Disney tiene un ADN que se remonta al dibujo a mano”, ha señalado el productor, que considera que las nuevas tecnologías han transformado progresivamente la manera de contar historias. Según explica, cada época cinematográfica presenta características propias que permiten reconocer cómo ha evolucionado el lenguaje audiovisual.

Para ilustrarlo, recuerda sus primeros años en la industria, cuando el montaje se realizaba cortando físicamente los rollos de película. “Cuando empecé, el montaje se hacía cortando el rollo de película con cuchillas”, explica.

La posterior llegada de la edición digital supuso una transformación importante. “Muy pronto empezamos a pasar al montaje digital, lo que cambió la forma de contar una historia, y creo que siempre hay que utilizar las herramientas que hay disponibles”, sostiene. Para Conli, esta evolución demuestra que la incorporación de tecnología no tiene por qué eliminar la participación humana.

Más de 700 profesionales detrás de la nueva película

La defensa del trabajo artístico también se refleja en las dimensiones de Hechizo: Bienvenidos a Hexe. Más de 700 personas han participado en su producción, una cifra que, según Conli, demuestra el “carácter colectivo” de las películas animadas.

“Creo de verdad que la animación es magia. De la nada, surge algo. Aunque puede que tardes cuatro años”, ha comentado el productor, que destaca cómo cada profesional introduce detalles y aportaciones que enriquecen el resultado.

La película cuenta la historia de Billie, una adolescente que descubre que posee poderes mágicos y acaba viajando hasta Hexe, un reino habitado por brujas. Allí deberá colaborar con su madre, Alice, para descubrir secretos familiares que podrían transformar ese mundo.

Conli explica que la historia gira alrededor del potencial de cada persona y de la importancia de desarrollarlo. Su intención es que la película consiga “aportar un poco de alegría a este mundo tan loco en el que vivimos”.

Le gustaba gustar y lo quería todo. Ese podría ser el resumen, uno de tantos, de quien fue Jean-Claude Van Damme cuando todo el mundo conocía su nombre. Ese es el resumen con el que Lorenzo Ayuso (1987, Leganés) define, en una sola línea, a quien fuera uno de los actores de artes marciales más importantes de las décadas de los ochenta y noventa. Alguien que, cuenta el autor, fue muy importante en su infancia y adolescencia pues le introdujo en un mundo que le ha acompañado toda su vida.

Un actor que, como a muchos, le sedujo por sus asombrosas capacidades físicas, en especial el spagat: sello de identificación del belga, que se introdujo al mundo haciendo gala de unas capacidades físicas que lo convirtieron en una atracción inmediata, trascendiendo los parámetros del cine Kung-fu. Alguien que, convertido en un personaje excéntrico y fagocitado por su idea del éxito, ha seguido fascinando a Lorenzo Ayuso a lo largo de su vida adulta.

Por eso, el periodista cultural y también cineasta, ha dedicado cinco años de su vida para estudiar las luces y sombras del actor en un profundo ensayo titulado Van Damme: el héroe de Vitruvio (Unión Editorial). Un estudio del hombre que se convirtió en icono desde sus primeras narrativas de gimnasio hasta sus últimas autoficciones de corte confesional. El suyo, además, es un ensayo que sale a la luz en 2026. Un año en el que, precisamente, los gimnasios hace tiempo que han brotado como parte del paisaje en todas las ciudades y el culto al cuerpo y el “autocuidado” atraviesa nuestra sociedad acercando, cada vez más, las presiones estéticas entre ambos géneros.

“Además de mi obsesión de crío con la generación de actores de cine de acción a la que pertenece Van Damme, llevaba tiempo pensando en esos géneros que, desde la academia, no son muy ortodoxos y se miran de soslayo”, explica Ayuso en conversación con elDiario.es para señalar que él, durante un tiempo, también se apartó del género, pensando que figuras como la del belga, junto a otros coetáneos como Schwarzenegger o Stallone, eran ya cosa del pasado. Sin embargo, durante el encierro de la pandemia volvió a pensar en quien fuera uno de sus primeros amores de la gran pantalla.

“Me tuvo mucho tiempo, como a todos, encerrado y volví a verme la filmografía de Van Damme”, continúa Ayuso para señalar algo que le llamó especialmente la atención y a lo que, antes, no le había prestado demasiada atención: su capacidad de regenerarse. “Es un hombre con capacidad de reírse de sí mismo. Lo vemos en la película JCVD (2008) en la que se interpreta a sí mismo y sus crisis personales y de pareja. Hace metacine y, de pronto, vemos cómo es un actor que tiene un registro muy amplio al que no estábamos acostumbrados ni siquiera sus fans habituales”, explica.

Un recurso, el de hacer de sí mismo, que usarán actores de generaciones posteriores, como Jason Statham, quien en 2027 estrenará una comedia llamada Jason Statham me robó la bicicleta en la que, obvio, Statham hará de Statham. Pero Van Damme fue el primero.

“También siento que tenía una asignatura emocional pendiente”, confiesa el escritor, que en plena pandemia y durante algo más de media década buceó en toda la carrera del belga, cuya última serie (que cuenta con Ridley Scott como productor ejecutivo), Jean-Claude Van Johnson (2016), también habla de sí mismo.

Ayuso quería ver qué ocurría cuando una estrella deja de interpretar solamente personajes y acaba haciendo de sí mismo, su propio personaje. Algo, que además, hoy parece estar de moda dentro de actores de su misma generación. Además del caso de Statham, Silvester Stallone está produciendo una cinta, cuyo estreno también se ha anunciado para 2027, sobre cómo escribió y se convirtió en Rocky Balboa.

“Creo que ha llegado un momento, sobre todo con el cambio generacional también del cine popular y del de acción en particular, en el que se han perdido, en gran medida, lo que son los grandes iconos. Las grandes estrellas de cine en un sentido convencional”, continúa Ayuso para señalar que ahora las grandes estrellas tiene aparejadas una o dos franquicias y se las va a ver por ser quién son. Para muestra, el universo Marvel o DC. “Tú no ibas a ver una peli de Bruce Willis o Stallone porque fueran Bruce Willis o Stallone. Ahora sí hacemos eso”, opina.

De icono bisexual a acusado de agresiones

Ambiguo. Esa es otra de las palabras que Ayuso utiliza para definir a su héroe de infancia. “Él poseía una gran belleza, diferente a la de sus contemporáneos, y lo sabía y lo explotaba. Era una suerte de Narciso, anatómicamente perfecto”, prosigue para insistir en las diferencias del belga frente a sus compañeros de generación.

“Él apareció en un momento en el que el héroe de acción era un deportista duro, recio y llega el como un Adonis flexible, aquello fue toda una revolución”, continúa para señalar una escena de la película LionHeart en la que a Van Damme, que nunca se ha pronunciado en público sobre su sexualidad, más allá de lo que ha trascendido de su tumultuosa vida privada, uno de sus rivales en las luchas clandestinas le suelta la siguiente frase: “No sé si pegarte o follarte”. El público, ríe Ayuso, tampoco lo tenía muy claro. Van Damme, como diferente y atractivo héroe de acción, triunfaba entre dos comunidades: la gay y la femenina.

Lo peor, para el escritor, fue el mazazo de 2025. Lo sabía todo sobre su sujeto de estudio. Todo menos una cosa: su perfil de abusador. En abril de 2025, Jean-Claude Van Damme fue denunciado en abril de 2025 en Rumanía ante la Dirección de Investigación del Crimen Organizado y Terrorismo (DIICOT) por supuestamente haberse beneficiado de servicios sexuales con cinco mujeres vulnerables de víctimas de trata. Los hechos, según ha recogido la prensa, sucedieron durante el Festival de cine de Cannes una década antes. Hasta el momento, Jean-Claude Van Damme no ha emitido declaraciones públicas al respecto.

Tenía acabado el libro cuando salió la noticia del abuso sexual

Lorenzo Ayuso — Periodista y cineasta

“Imagínate, ya había escrito el libro, lo tenía todo preparado para imprimir y ocurre esto”, cuenta el escritor, que sintió cómo se le caía el mito, a pesar de haberlo estudiado a fondo. “Es algo horrible, claro, y miras a la persona con otros ojos”, prosigue Ayuso para señalar que ha seguido el caso con activo interés pero que, de momento, no se sabe mucho más allá de la noticia que salió la primavera del año pasado.

Caída en el olvido

¿Por qué él no permaneció tan vivo en el imaginario colectivo como Stallone o Schwarzenegger, a quienes las generaciones más jóvenes todavía identifican? Esa es una de las grandes preguntas que trata de responder este ensayo monumental. Y, para su autor, se debe a varios factores. El primero, claro, su carácter pendenciero dentro de la industria. El segundo, que ya ha varios remakes de sus películas y están saliendo nuevos rostros mientras que Stallone o Schwarzenegger siguen vivos, vigentes.

De momento, nadie ha intentado ponerse sus zapatos. Todavía siguen ocupados, mientras que los del belga ya se los ha probado más de uno. El mejor, para Ayuso, quizá sea Scott Adkins, que ha participado en varias películas junto a él. “No diría, incluso, que fuera un sucesor, sino una versión mejorada”, aventura el escritor. “Adkins ha sabido leer mejor los tiempos, lo que tiene que hacer para mantener el equilibrio, Van Damme lo quería todo. Y ya sabemos que pasa con los que intentan abarcarlo todo”, concluye. Narciso, en el mito, todo el mundo lo sabe, al final se ahogó.

La localidad riojana de San Román de Cameros vive este fin de semana una transformación poco habitual. Sus calles, casas y alrededores se han convertido en el escenario del rodaje de 'Las distancias', el nuevo cortometraje escrito y dirigido por Carlos Laín.

Durante las jornadas de este sábado y mañana domingo 18 de octubre, la producción reúne en La Rioja a un reparto de reconocido prestigio para contar una historia íntima sobre la memoria, los vínculos familiares y el cuidado de las personas con Alzheimer de inicio temprano.

'Las distancias' es un drama rural protagonizado por Luisa Gavasa, ganadora de un premio Goya, Ana Turpin, Mariona Terés y Secun de la Rosa. La historia comienza con el regreso de Ana a su pueblo natal después de 30 años de ausencia.

Allí se reencuentra con Teresa, su madre, una mujer marcada por la soledad y el sacrificio, y con Pedro, su hermano, afectado por una enfermedad neurodegenerativa que alterna momentos de lucidez y olvido.

La convivencia obligará a los tres a enfrentarse a las heridas del pasado y a reconstruir unos vínculos familiares desgastados por el tiempo y la distancia.

Luisa Gavasa interpreta a Teresa, mientras que Ana Turpin da vida a Ana y Secun de la Rosa encarna a Pedro. A través de sus personajes, el cortometraje aborda el cansancio, la culpa, la ternura y el amor cotidiano que acompañan a las familias cuidadoras.

Según indica el director, “el proyecto no pretende explicar el Alzheimer desde una perspectiva médica, sino acercarse a quienes conviven con la enfermedad y mostrar su impacto emocional”.

San Román de Cameros tiene un papel central en la narración. El entorno rural no funciona únicamente como paisaje, sino como un espacio ligado a la identidad, la memoria y el sentimiento de pertenencia.

Con este rodaje, la producción busca también poner en valor el patrimonio y la capacidad de los municipios de la sierra riojana para acoger proyectos audiovisuales.

'Las distancias' cuenta con el apoyo del Gobierno de La Rioja -a través de la Consejería de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud-; las empresas Aresol, EMKA, Calzados Pitillos, Grafometal y MASA; y el Festival Octubre Corto.

Estas colaboraciones hacen posible el desarrollo del rodaje en La Rioja y respaldan un proyecto que combina creación cinematográfica, territorio y sensibilización social.

El cortometraje está escrito y dirigido por Carlos Laín, guionista y director natural de Zaragoza y afincado en La Rioja. Su trayectoria está vinculada a proyectos de carácter autoral y sensibilidad social, centrados en la observación de la vida cotidiana y de las relaciones humanas desde una mirada contenida, cercana y respetuosa.

Sus anteriores cortometrajes, 'La maleza' (2022) y 'El ruido' (2023), han sido seleccionados en festivales nacionales e internacionales. Laín es también director creativo de Bloom, productora audiovisual con sede en La Rioja que combina trabajos para empresas e instituciones con la producción de piezas propias y apuesta por relatos humanos arraigados en el territorio y la memoria.

El origen de 'Las distancias' se encuentra en la experiencia personal del director y en su observación cercana de los cuidados dentro del ámbito familiar.

El proyecto supone un paso adelante en su filmografía por su ambición narrativa y artística, así como por su voluntad de situar una historia universal sobre el amor, la memoria y la pérdida en el contexto concreto del Alzheimer de inicio temprano en el medio rural.

Exactamente un mes después de que Resident Evil se haya convertido en uno de los títulos de terror con mejores críticas de 2026 —un año, por otro lado, consistentemente brillante para el género—, tenemos a su protagonista de vuelta estrenando Whalefall. Se trata del joven Austin Abrams, a quien antes habíamos visto en series como Euphoria, y resulta haberse ganado la confianza tanto de quien dirige Whalefall, Brian Duffield, como del que se está consolidando como un nombre clave del terror contemporáneo, Zach Cregger. Abrams está muy satisfecho de encadenar proyectos de ambos, sobre todo tras haber contado con un papel secundario en la mencionada Weapons. 

“Zach Cregger y Brian Duffield siempre están intentando ir a lugares a los que nadie ha ido antes”, asegura Abrams en conversación con elDiario.es. “Manejan conceptos muy locos y salvajes, y me encanta cuando un director trata de hacer algo que no está seguro de poder hacer. Cómo estaba narrada Weapons, a través de distintos capítulos y perspectivas, no es algo muy común”, recuerda Abrams, que un año después de uno de los grandes lanzamientos de terror de 2025 interpretó a un repartidor en la peor noche de su vida de cara a Resident Evil.

Y luego tocó Whalefall, donde curiosamente se reencontró con un actor de Weapons: Josh Brolin, tan convencido como Abrams de que Cregger y Duffield son dos cineastas con una visión única. “Da pena decirlo, pero es muy difícil encontrar hoy día directores originales”, dice Brolin por su parte, afrontando un año tan rutilante como Abrams ante la cercanía de Dune: Parte III, donde vuelve a ponerse a las órdenes de Denis Villeneuve. “Yo he tenido la suerte de trabajar con varios. Y ambos nos sentimos muy afortunados de estos proyectos, sobre todo porque tanto Weapons como Whalefall hablan de la absurdez de la condición humana. De lo ridículos que podemos llegar a ser”.

Ocurre, en efecto, que tanto Weapons como Whalefall tienen un amplio sentido del humor. En ambas obras, sobre todo y al igual que en Resident Evil, gracias a Abrams. El actor se ha especializado en encarnar a chavales superados por las circunstancias, aliviando con sus reacciones la tensión de cada planteamiento. Esto es lo que Duffield valora más de él. “El humor es importante porque el personaje de Austin reconoce lo chiflada que es su situación. Mucho del humor sale de su actuación, del reconocimiento de lo ridícula que es su situación y de que es la única persona que ha pasado antes por algo así. Pero sin que eso implique que deje de dar miedo. Austin es un maestro en eso”.

“En Weapons y Resident Evil ya hacía lo mismo. Está a punto de morir y nunca deja de ser gracioso… aunque quizá Whalefall sea la película menos graciosa de las que ha hecho”, advierte Duffield. “El humor se convierte en un aliado para que la situación no sea tan opresiva, dándole la oportunidad de desahogarse. Y el público responde muy bien a cuando Austin hace estas cosas, pero es una historia dura”. Esta historia, básicamente, cuenta cómo Jay, el personaje de Abrams, es tragado por una ballena mientras busca los restos de su padre muerto (Brolin) en medio del mar. Whalefall narra sus frenéticos intentos de escapar de esta chocante situación.

En el océano nadie puede oír tus gritos

Brian Duffield no lleva tanto tiempo dirigiendo como escribiendo guiones. Antes de animarse a firmar la puesta en escena nos habíamos topado con sus libretos en La serie Divergente, The Babysitter o De amor y monstruos. No obstante quizá sea Underwater, protagonizada por Kristen Stewart, su carta de presentación más apropiada. En este guion ya dejaba claro su interés por historias minimalistas y tensas, desarrollándose en un espacio cerrado (aquí una instalación submarina) que resultaba tan desafiante para los personajes como para él desde el lugar del narrador. 

Duffield llamó la atención del público definitivamente con Nadie te salvará, estrenada en 2023. En ella la casa de Kaitlyn Dever (Súper empollonas) era asaltada por unos terroríficos alienígenas, si bien lo más curioso de la propuesta es que todo se desarrollaba sin apenas líneas de diálogo, en casi completo silencio. A este director estadounidense le interesa, sin duda, aislar a sus protagonistas, y que la ficción exija de él todo tipo de soluciones creativas. “Visualizar el estómago de la ballena fue la mayor dificultad”, reconoce Duffield sobre Whalefall. “No había muchas películas en las que fijarnos para construir un escenario así. Ha sido mérito sobre todo de Ramsey Avery, diseñador de producción, y de Aaron Morton como director de fotografía”.

“Ninguno de nosotros había trabajado antes en una situación parecida y estábamos muy emocionados con el desafío”. La ballena de Whalefall, la ballena que se traga a Abrams, es concretamente un cachalote, y todos se preocuparon de que, dentro de lo que cabe, la representación de sus entrañas fuera realista. Es por eso que Duffield niega cualquier influencia de la película animada Pinocho, más allá de que ambas sean producciones de Disney (es 20th Century Studios, propiedad de la Casa del Ratón desde hace más de un lustro, la que está detrás de Whalefall). “La ballena de Pinocho no era muy anatómicamente correcta”, ironiza Duffield sobre el animal que, al tragarse al protagonista, también estaba culminando un drama paternofilial.

Gepetto y Pinocho, y ahora Mitt y Jay. Y, envolviéndolos, un film que juega a placer con los nervios y la claustrofobia del público. “Quizá solo se trata de mi propio miedo a los lugares pequeños”, explica Duffield en cuanto a qué fue lo que le atrajo del proyecto. “O a lo mejor soy solo un miembro del público que tenía hambre de algo nuevo y distinto, y que ahora que ha tenido la suerte de ser cineasta puede alimentarse”. Duffield ha adaptado para ello la novela homónima de Daniel Kraus, y Brolin ya ha sido testigo de una llamativa reacción por parte de quienes han podido ver la película. “Por cómo he visto reaccionar a la gente, parece algo importante”. “Aunque es difícil describirlo. ‘Sí, el prota está atrapado dentro de una ballena con cuatro estómagos diferentes’. Y la gente se queda ‘¿cómo?’”, prosigue Brolin entre risas. “Pero la clave está en la relación padre-hijo. Eso es lo que realmente emociona a la gente”.

Paternidad y masculinidad

Cuando Abrams se lanza al mar para tener un desagradable encuentro con el cachalote, es el trauma de la relación con su padre lo que le empuja. Así que el metraje de Whalefall está repleto de flashbacks de escenas familiares previas al fallecimiento del personaje de Brolin, mostrando unos conflictos que quedaron sin resolver, pero que, quién sabe, podrían hallar algo de consuelo o iluminación en el interior de este animal. “Mi personaje representa una masculinidad de la vieja escuela que el hijo no tiene”, sintetiza Brolin. “Cuando te asomas a la masculinidad representada en las películas antiguas, y la comparas con ahora… sin duda hay muchas cosas que han cambiado”.

“Y esto es justo lo que separa a estos dos personajes, que pertenecen a épocas distintas”. La agresividad de Mitt marcó los recuerdos de Jay, algo que Whalefall representa al detalle con un interés destacado por reflejar la evolución de la masculinidad. “Aun así lo que el padre quiso darle era importante, era su forma de vivir y era algo que tenía que enseñarle… pero simplemente el modo en que quería hacerlo no funcionaba. Y rechazaba hacerlo de un modo distinto, aunque algo se quedó con el hijo, y lo veremos manifestarse en una situación de vida o muerte”.

En efecto, y por muy desagradable que fuera su educación, las enseñanzas de Mitt serán claves para que Jay sobreviva. “Todo parte de esta tensión”, complementa Abrams. “Jay habría querido a alguien diferente que se comunicara con él de forma diferente, pero ni siquiera sabía cómo decirlo. No podía dejar de ser él mismo, pero intentó adaptarse a lo que su padre quería, funcionara o no. Y todo llevaba a una relación complicadísima que casi nadie podía entender”. Pero que el público de Whalefall, seguramente, sí pueda reconocer. “Todos tenemos alguien en la familia con el que no podemos discutir, a quien le queremos decir algo y no podemos. Creo que es bastante universal”.

Por su parte Duffield es consciente de que es esta relación, antes que lo bien planificado que esté el metraje dentro del cachalote, la que finalmente determina el impacto de Whalefall. “Creo que todo el mundo pone en pie, en su vida pública y su vida familiar, algún tipo de performance. Mientras que en principio el personaje de Josh Brolin sabe exactamente quién es, el personaje de Austin es mucho más joven y todavía trata de averiguarlo. Ambos hombres son mucho más distintos de lo que pensaban que serían”. Como pasa a menudo entre los padres y los hijos.

Esta situación tipo Pinocho contribuirá a que Jay descubra unas cuantas cosas. “Cuando Austin está en la ballena, no hay nada más. Está solo, no tiene que impresionar a nadie, no le preocupa que nadie piense que es un tipo duro. Está tan solo como nadie ha estado en el mundo y puede mostrarse tan vulnerable y asustado como pueda”. Esa actitud facilita que Abrams nos entregue otra de esas interpretaciones encantadoras a las que ya nos viene acostumbrando, a la vez que los flashbacks con Brolin ilustran otra faceta del personaje. “Fue muy divertido trabajar estos cambios de actitud”.

“Cuando estaba con su padre tenía este escudo, estos muros. Pero cuando está en la ballena no tiene por qué fingir nada”. Abriendo paso, entonces, a la catarsis y a algo parecido al perdón. “El objetivo es que podamos ser con nuestra familia, con todos, tan sinceros y abiertos como sea posible. Y esto es lo que la ballena le va a dar”, concluye Duffield. Ojalá fuera más fácil hablar con nuestro padre desde tierra firme en lugar de tener que pasar por el estómago de un cachalote para comprenderlo, pero cada persona enfoca su terapia como buenamente puede. 

Dakota Johnson ha vuelto al foco mediático durante este otoño con el estreno de la adaptación de ‘Verity’ de Colleen Hoover junto a Anne Hathaway y Josh Hartnett, pero también por su debut como directora tras dar el salto con el estreno de su primer largometraje ‘A Tree is Blue’ en el que se sigue la historia de una joven en el espectro autista, con un guion escrito por Vanessa Burghardt. 

Todo ello un año después aproximadamente de ‘Materialistas’, película que fue uno de los estrenos destacados del pasado 2025 y en la que compartió cartel junto a Chris Evans y Pedro Pascal, aunque la actriz, hija de Melanie Griffith y Don Johnson, sigue siendo especialmente recordada por su primer papel protagonista, el de Anastasia Steele en ‘Cincuenta Sombras de Grey’. 

Y esto se ha vuelto a demostrar después de que debido al estreno de ‘Verity’ se han vuelto virales en redes sociales unas declaraciones que hizo en su día en una entrevista en el podcast de la también actriz Amy Poehler, ‘Good Hang’, en las que habló de su experiencia en la famosa trilogía que fue primero un fenómeno literario. 

En esta entrevista, Dakota Johnson desveló que cuando ella firmó para protagonizar la primera película de la saga, esta iba a ser totalmente diferente a lo que acabó siendo, tanto que no solo cambió el guion, sino también quien iba a ser su compañero principal de reparto:  

“Me comprometí con un guion que era diferente a lo que terminamos rodando, escrito por una persona distinta. Y luego estás atada. Firmaste un contrato, así que estás dentro. Me comprometí a hacerlo con un actor diferente. Era como una cosa distinta y luego todo cambió y yo solo estaba metida en ello”, aseguró. 

Se filmó sin coordinador de intimidad 

Un hecho que, además, no fue el único que dio a conocer, sino que Johnson también reveló como fue el grabar las escenas de sexo en un momento en el que no existían coordinadores de intimidad: “Esa fue otra versión de comprometerse con algo que era una cosa y resultó ser otra. No había coordinadores de intimidad en ese entonces ni nada por el estilo”, afirmó. 

Al mismo tiempo, Dakota Johnson también se sinceró sobre sus escenas más íntimas en la película, desde un punto de vista más práctico: “Cuando dos actores fingen que están teniendo sexo, hacen todo menos tenerlo. Hacen ruidos como si estuvieran teniendo sexo, pero no lo están. Todavía no”. 

Pero si algo llegó a la conclusión en esa entrevista es que, a pesar de todas las dificultades, salió victoriosa a pesar de su corta edad y se queda con ese buen recuerdo: “Era tan joven. Creo que cumplí 24 mientras rodábamos. Solo me siento orgullosa de mí misma por haber sido valiente”, concluyó. 

Sylvester Stallone ha compartido las consecuencias físicas que arrastra su cuerpo tras décadas protagonizando películas de acción y realizando escenas de riesgo. El actor estadounidense, conocido por sus papeles en sagas como Rocky y Rambo, ha reconocido que se arrepiente de algunas decisiones relacionadas con las acrobacias que realizó durante su carrera.

En una entrevista con Fox News Digital, ha detallado las intervenciones quirúrgicas a las que se ha sometido y ha admitido que no ha vuelto a ser el mismo después de las operaciones.

“Millones, millones de arrepentimientos”, ha afirmado Stallone al recordar los problemas físicos que ha sufrido a lo largo de los años. El intérprete ha explicado que podría dedicar horas a hablar de sus lesiones, que se han acumulado con el tiempo. Sin embargo, el rodaje de Los mercenarios, la película de acción que protagonizó y dirigió en 2010 marcó un punto de inflexión.

Nueve operaciones de espalda y tres fusiones cervicales

“Después de Los mercenarios, terminé con nueve operaciones de espalda, tres fusiones de cuello. Ambos hombros destrozados”, ha explicado durante la entrevista. El actor también ha mencionado otras intervenciones quirúrgicas resumiéndolas como “brutal”.

Una de las lesiones más graves se produjo durante el rodaje de la primera entrega de Los mercenarios, cuando realizó una acrobacia que le provocó una dislocación de hombros y una fractura de cuello. El equipo médico tuvo que colocarle una placa metálica en el cuello y realizarle fusiones espinales.

Estrenada en 2010, Los mercenarios reunió a varias figuras reconocidas del cine de acción, entre ellas Jason Statham, Dolph Lundgren, Terry Crews y Mickey Rourke. La película dio origen a una saga de cuatro entregas en la que Stallone participó como actor en todas ellas. Además de dirigir la primera película, el intérprete también escribió el guion de Los mercenarios 3, estrenada en 2014.

“Dejad que lo haga el profesional”

Tras lo vivido, el actor ha querido concienciar a quienes se plantean realizar acrobacias durante el rodaje sin recurrir a especialistas. Su recomendación es dejar esas tareas en manos de profesionales y evitar asumir riesgos innecesarios.

“No lo hagáis. No lo hagáis. Dejad que lo haga el profesional”, ha advertido. El neoyorquino ha insistido en que los impactos físicos tienen consecuencias y que no es posible evitar los efectos de una caída. “No se puede vencer a la gravedad, cuando chocas contra el suelo, pierdes, y te va a pasar factura”, ha señalado.

El actor también ha rechazado que las lesiones sufridas durante su carrera sean motivo de orgullo. Al ser preguntado por si se sentía orgulloso de ellas, ha respondido que no y ha reconocido que considera un error haber asumido esos riesgos. “Creo que soy un idiota por haber hecho eso”, ha afirmado, antes de recalcar que no se siente orgulloso de haberse provocado daños físicos.

Sin embargo, alejarse de la gran pantalla nunca ha sido una opción para el actor y productor estadounidense. Stallone continúa vinculado al mundo de la interpretación. Estos días llega a Paramount+, Tulsa King, la serie en la que el intérprete encarna a Dwight Manfredi, un mafioso que debe desenvolverse en un entorno marcado por las disputas criminales y las luchas de poder. La cuarta temporada se estrena el viernes el 16 de octubre de 2026.

En los nuevos episodios, Manfredi tendrá que hacer frente a nuevos adversarios procedentes de Nueva York y a tensiones dentro de su propio equipo en una historia a la que aún le falta objetivos por cumplir, según reconoce el actor.

Algo tiene que estar pasando con What’s Up?, memorable single de la banda de rock alternativo 4 Non Blondes, para que en lo que llevamos de década ya haya aparecido en cuatro películas distintas. Seguramente podamos culpar a la nostalgia: este tema fue publicado en 1993 y la MTV emitió su videoclip una y otra vez, ganando el peso suficiente (e irritando lo suyo a una parte del público) como para que con el paso de los años se convirtiera en un estandarte noventero. En el imaginario popular, los 90 suenan como What’s Up? Así que, si se quiere mover la nostalgia hacia esa década —algo que el audiovisual hace mucho hoy día, de la saga Jurassic World a Prácticamente magia—, nada mejor que poner a sonar a todo volumen los lamentos de la vocalista Linda Perry.

What’s Up? marcó en 2021 la promoción de Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City —entrega anterior, y mucho peor recibida, a la que llegó hace poco a cines—, y luego volvió a sonar en la película animada de las Tortugas Ninja de 2023, para finalmente reaparecer con apenas meses de diferencia tanto en He-Man y los Masters del Universo como el film que nos ocupa, Street Fighter. Ahora bien, en todos estos casos la canción no se ha limitado a sonar para que saboreemos sin matices su pegadizo estribillo. Siempre que ha irrumpido lo ha hecho con un poso considerable de ironía, que por fuerza ha de ser exógeno a la composición de las 4 Non Blondes. 

Este tema, más allá de que nunca usara las palabras “what’s up” —en su lugar cantan “what’s going on”, pero titularlo así habría movido a confusiones con el clásico homónimo de Marvin Gaye—, no tenía nada de divertido. Hablaba de la angustia existencial, de tristeza y vacío. Pero en Bienvenidos a Raccoon City servía de contrapunto frívolo al horripilante ataque de los infectados, mientras que en otros casos ha subrayado de forma cómica las acciones de los personajes. Y de esto tiene la culpa un alocado remix posterior, en conjunto a un vídeo extremadamente viral de 2010 que por algún motivo ponía al He-Man de la serie de dibujos animados de los 80 a interpretar el tema. 

¿Tenía sentido? No mucho, pero esta es la versión que sonaba en Ninja Turtles: Caos mutante. Y luego el tema volvía a hacerse hueco en el soundtrack de la última película de Masters del Universo en acción real. Aquí sirviendo para, tal y como habíamos visto en aquel vídeo infame, burlarse aún más del He-Man que ahora interpretaba Nicholas Galitzine: suspender la severidad masculina que imponía su musculatura, reconocer lo ridículo de su historia. Que es justo lo que viene a hacer en Street Fighter, enredando aún más la madeja cuando caemos en la cuenta de que, antes de ser sustituido por Galitzine, el gran candidato para ser He-Man había sido Noah Centineo. A quien, en los primeros minutos de Street Fighter, le vemos cantar borracho What’s Up? en un karaoke.

Bienvenidos al circo de los 90

Quedémonos, de entre todo este embrollo musical, con la idea de que gracias a Internet la canción What’s Up? sirve hoy tanto para referenciar los años 90 como para poner en solfa la virilidad hipermusculada de personajes estilo He-Man. Es decir, que What’s Up? concilia tanto nostalgia como ironía, y en contra de lo que pueda parecer no supone una mezcla contradictoria. La nostalgia busca un alivio emocional y sincero, desde luego —por eso hay tantos fans dispuestos a gritar que Hollywood les ha destrozado la infancia si, por ejemplo, Hollywood pone a mujeres a protagonizar un reinicio de Cazafantasmas—, ¿pero qué pasa si esa nostalgia emana de una época marcada por el hastío generacional y la ironía como respuesta totalizante? ¿Una época como los 90?

La nostalgia de los 90 es mucho más difícil de administrar que la de los 80 —de la que ojalá el final de Stranger Things nos haya dejado saciados— por esto mismo, porque apela a unos signos de lo más confusos. Una ambivalencia entre el sarcasmo venenoso y el escapismo romántico —¿qué otra década podría haber empezado con Reservoir Dogs para acabar con Titanic?— que sigue resultando muy provechosa para la industria contemporánea, tan desesperada por regurgitar iconos ante la falta de creatividad. Y por eso se sigue invirtiendo en ella, por eso What’s Up? vuelve una y otra vez y nos permite hacerle los coros sabiendo, interiormente, que todo esto da bastante pena.

Ocurre entonces que Noah Centineo, en Street Fighter, interpreta a un luchador llamado Ken, tan musculoso y arrogante como He-Man. Su fijación por Wha’s Up? expone la vulnerabilidad que sus bíceps descomunales quieren ocultar, así como refleja su conflictiva amistad con Ryu (Andrew Koji). Ambos protagonizan otra tentativa del cine por adaptar esta saga de videojuegos de Capcom sin que, por supuesto, ninguno de los artífices del proyecto se preocupe por hacerlo mínimamente en serio. Porque, al hablar de Street Fighter y de los referentes específicos que maneja el film más allá de los memes, es importante enfatizar que a día de hoy estos juegos no le importan a nadie. 

Es decir. En las consolas la saga ha llegado hasta Street Fighter 6 —título que en 2023 obtuvo excelentes críticas—, pero lo ha hecho sin disimular nunca que los amagos de argumento solo sirven para darle rasgos y movimientos molones a cada personaje. Son juegos de lucha, a fin de cuentas, que resulta imposible (e indeseable) llevar al cine desde una preocupación argumental legítima. Una tesitura que en 2026 ya ha afrontado Mortal Kombat II —película que, gracias a que el origen de su fuente coincidía temporalmente con la saga que nos ocupa, también rebosaba nostalgia irónica por los 90—, pero que este film gestiona mejor gracias a acotar a qué quiere jugar exactamente.

La voluntad de juego está presente desde el fichaje de Kito Sakurai como director. Antes de Street Fighter Sakurai había acostumbrado a colaborar con el humorista Eric André —aquí reservándose el papel del presentador del torneo de lucha que estructura Street Fighter—, de modo que es en el terreno de la comedia donde se siente más cómodo, y es ni más ni menos lo que Street Fighter quiere ser. Una comedia estupidísima, repleta de personajes estrafalarios y colorinchis, que a la hora de intentar replicar las mecánicas del videojuego no le importan tanto las máquinas de arcade como… los anteriores acercamientos cinematográficos a Street Fighter. Los de los 90, por supuesto.

De He-Man a Van Damme

La historia de esta Street Fighter se ambienta en 1993 justificando sus elecciones musicales al tiempo que asegura anclaje iconográfico. Dos años antes Street Fighter II, en 1991, había sido un hito de las recreativas, tanto como para en los albores de las adaptaciones de videojuegos —entonces llegaba a cines el film en acción real de Super Mario—, Capcom orquestara dos proyectos distintos a partir de dicho juego: uno japonés, anime, y otro estadounidense con Jean-Claude Van Damme. Ambos títulos tienen un peso determinante en la nueva Street Fighter.

El primero, Street Fighter II: La película, se halla detrás de las escenas de animación que sobrevuelan el metraje como pequeños flashbacks: escenas de animación muy resultonas y sangrientas, que retienen toda la seriedad que le falta al resto de la película. El segundo, Street Fighter: La última batalla, inspira buena parte del apartado visual organizado por Sakurai, en tanto a un circense diseño de producción y al rocambolesco vestuario de los personajes. También hay retazos de su humor desnortado e incluso alguna línea de guion que hace un guiño directo, en lo que no deja de suponer una interesante reconciliación de Capcom con este film de 1994.

Porque Street Fighter: La última batalla, donde un Van Damme en la cúspide de su estrellato encarnaba a Gile —personaje que aquí tiene los rasgos del luchador profesional Cody Rhodes, aunque perdiendo bastante relevancia— había sido considerada en su día como “mala”. Una afrenta a los jugadores, un fracaso de taquilla, un desastre embarazoso. Hoy no es así como se la recuerda, sin embargo, puesto que dentro de este saqueo de las equívocas energías noventeras Sakurai y su equipo han sabido ver lo valioso que era en realidad este film. La atolondrada sabiduría con la que afrontaba un desafío tan absurdo como darle forma de película a unos juegos de lucha y muñequitos.

Es lo que pretende Street Fighter: una adaptación tan respetuosa como burlona, tan cariñosa como distante, aferrada al potencial más lúdico que pueda seguir recabando la ironía para, más de 30 años después, lograr seguir cayendo simpática. En buena medida lo consigue. Street Fighter es casi irresistible desde su generosa cantidad de peleas —todas ellas resueltas con una eficaz gramática que resalta las particularidades de cada luchador— y la sorna con la que se disfraza de entretenimiento para adolescentes onanistas: una escena clave nos presenta el cuerpo de Chun-Li (Callina Liang) a punto de entrar en una sauna para que, al esparcirse el vapor y por obra y gracia del montaje, lo que parecía ser su pecho desnudo pase a ser el de un robusto luchador de sumo. 

Así se las gasta. Street Fighter nunca deja de reírse de sí misma, pero, a diferencia de la cercana Masters del Universo —subproducto de plantilla Marvel cuyo humor solo obedecía a disimular la incompetencia de todos sus departamentos—, lo hace articulando una estética propia y coherente. Una que deja entrever problemas graves, desde luego. El humor es muy errático, la película es demasiado larga, y además tiene a Jason Momoa con otro insoportable personaje secundario de abominable CGI, recordando a cuando el actor ya dejó herida de muerte Supergirl hace unos meses.

Nada lo bastante nocivo, por suerte, para arruinar el consistente entretenimiento que proporciona Street Fighter, corriendo a unirse a otras sólidas adaptaciones de videojuegos que reclaman su papel de nuevo patrón oro de la industria acechando a los superhéroes. Esta corre, por lo demás, con una interiorización tan concienzuda de los significantes flotantes de la posmodernidad —con una digestión tan mordaz de una década reducida a simulacro—, como para que tanta sobredosis irónica pueda llegar a ser descorazonadora. El camino que va de la ironía a la melancolía, y de la melancolía a la angustia por el vacío vital, suele ser breve. Bien lo sabían las 4 Non Blondes.

Exposiciones, mesas redondas, o teatro entre los planes culturales que hemos seleccionado para este fin de semana en toda España.

Ocho planes para el finde, por Elena Cabrera

Reflexión colectiva para repensar el presente (en Barcelona). Organizada bajo el lema “Desencadenar el presente”, la Bienal de Pensamiento reúne en el CCCB a grandes figuras de la literatura y el pensamiento, como Mariana Enríquez, Patrick Radden Keefe, José Luis Guerin, Chantal Maillard o Juan Mayorga. Del 13 al 18 de octubre.

Una cita clásica de la historieta (en Getxo). El Salón del Cómic de Getxo regresa del 16 al 18 de octubre rindiendo homenaje a Miguelanxo Prado y Laureano Domínguez, editor de Astiberri. El evento contará con una amplia programación e invitados de la talla de Antonio Altarriba, Koldo Azpitarte y Elizabeth Casillas, autora de La palabra que empieza por A.

Teatro de ambos lados del Atlántico (en Cádiz). El Festival Iberoamericano de Teatro (FIT), una de las citas teatreras más asentadas y al alcance de todos, despliega del 14 al 24 de octubre, 44 actividades en 11 espacios de la ciudad. La edición reúne a 20 compañías de Latinoamérica y de España, con una notable representación del talento andaluz.

Periodismo en vivo, único e irrepetible (Madrid). El Teatro Fernando de Rojas acoge una edición especial de Diario Vivo, una compañía que lleva el periodismo a la escena teatral, en esta ocasión junto a Acción contra el Hambre, el 16 de octubre. Ocho personas vinculadas a la organización subirán al escenario para compartir vivencias del terreno que transformaron su forma de ver el mundo.

Las mejores fotos del periodismo de este año (Valencia). A partir del 17 de octubre y hasta el 8 de noviembre se puede ver la exposición World Press Photo 26 en el Palau Joan de Valeriola de la Fundación Chirivella Soriano de València. El mejor fotoperiodismo del mundo, que por supuesto incluye imágenes del genocidio palestino, los efectos del cambio climático o las migraciones. La entrada cuesta seis euros.

Divulgación e historia en el Barrio de la Ciencia (Madrid). La ciudad impulsa esta iniciativa cultural para acercar el conocimiento científico y poner en valor el patrimonio investigador del entorno urbano. A través de sus actividades programadas durante el mes de octubre, el público podrá descubrir hitos científicos e itinerarios de forma didáctica.

Las fascinantes fotos de Martin Parr (Palma). En el espacio galerístico del Terreno Barrio Hotel de Palma de Mallorca, se organiza la exposición A Matter of Taste, dedicada a una de las figuras más influyentes de la fotografía documental contemporánea, que falleció en 2025.

Charla gratuita con el escritor Theodor Kallifatides (Madrid). El escritor sueco-griego charla con el periodista cultural de La Vanguardia Xavi Ayén en el Museo del Prado sobre desarraigo, lengua e identidad, el viernes 16 de septiembre a las 18:30.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Una canción sobre el miedo del regreso del fascismo, otra sobre el genocidio palestino, una sobre la desintegración de la izquierda y otras dos sobre la ansiedad climática y la cotidiana. La Jvnta no se deja nada en el tintero en su nuevo disco, Por ahí van los tiros, donde la banda torna política para mirar con atención lo que sucede a su alrededor. Una de las canciones del álbum ya puedes escucharla en nuestra playlist de recomendaciones.

'La falda' de Judeline. Haciendo un sample de J'y suis jamais allé de Yann Tiersen, la cantante gaditana firma un hit con tintes flamencos y reguetoneros en la que es su primera canción desde Bby Wow con Karol G y Rusowsky. La artista ha visitado la redacción de elDiario.es para reflexionar sobre su ascenso al estrellato y pronunciarse políticamente sobre la crisis de vivienda.

'Goodbye to All That' de Jess Williamson. Tomando prestado el título del célebre ensayo de Joan Didion sobre el final de la juventud y la despedida de las ciudades, la cantautora texana entrega una de las joyas de su nuevo trabajo, A Mile South of Heaven. Producida por Shooter Jennings, la canción capta con precisión el instante en el que una comprende que un vínculo con otra persona ha concluido.

'El meneíto de ella' de La Jvnta. Tras renovar su formación y afincarse en Sevilla, el grupo consolida en su nuevo una etiqueta tan sugerente como divertida: su autodenominado “pospunk neomudéjar”. En esta canción, la banda entrelaza lo íntimo y lo social al abordar las inseguridades sexuales y el temor ante el avance de la ultraderecha.

Tres libros, por Laura G. Higueras

'Todo fue bonito y nada dolió', de Ben Reeves (trad. Laura Vidal, AdN). Empezamos con una novela que aborda el sufrimiento que generan las pérdidas y la angustia que provoca el paso del tiempo. Lo hace siguiendo a Travis Smith, la Muerte en el mundo moderno. Se dedica a brindar consuelo a las personas en sus últimos días y horas de vida. Cada muerte en la que está presente significa algo para él: escucha, nunca juzga y, sobre todo, jamás intenta cambiar el destino de nadie. Sabe que toda vida debe terminar en algún momento para mantener el equilibrio del universo y respeta el ciclo. Hasta que una vecina y su hija irrumpen en su día a día para trastocar por completo su estructura vital.

'Sexo o lo insoportable', de Lauren Berlant y Lee Edelman (Irrecuperables). Este libro se articula en torno a la conversación entre ambos autores, para los que el sexo es un lugar desde el que explorar la escena de la relacionalidad, centrándose en la negatividad que puede hacerla perturbadora. En su charla muestran algunas de las complejidades de la relacionalidad: es violenta, placentera, productiva, un escenario de fantasía y desconocimiento, y mucho más. En la edición incluyen el ensayo Deseo/Amor, que gira en torno a lo que los teóricos han escrito sobre el deseo y el amor.

'¿Qué soy, un ciervo?', de Polly Parton (trad. Rita da Costa, Anagrama). La autora de los ensayos Porno. Una historia oral y Fifty Sounds, debuta en la ficción con esta novela que desmantela los clichés del amor romántico y puede leerse como un tratado sobre la heterosexualidad y el ciclo siempre idéntico de su deseo. En ella se combinan Céline Dion, Whitney Houston, The Cure, los videojuegos, el karaoke y la soledad de la vida contemporánea, atravesadas por la autenticidad y en anhelo de pertenencia.

Tres películas, por Javier Zurro

‘La invitación’. Es curioso ver cómo una película hecha mil veces (es el noveno remake de Sentimental, la peli de Cesc Gay basada en su obra de teatro) puede funcionar como si fuera nueva gracias a un guion que moderniza y feminiza su trama, una directora que tiene una idea clara de lo que quiere y cuatro actores en estado de gracia. Los dardos de estas dos parejas de vecinos saben más ácidos y frescos gracias a Olivia Wilde y a una Penélope Cruz que apunta al Oscar.

‘Los demonios’. Por favor, si no habéis visto esta maravilla provocadora, iconoclasta y sorprendente de Ken Russell aprovechad ahora que algunos cines van a proyectar la versión sin censura y restaurada. Una joya sobre la opresión de la iglesia y el fundamentalismo, llena de imágenes imborrables. Una de las películas que fue censurada durante más tiempo y que ahora por fin muchos van a poder descubrir.

‘El mal hijo’. El debut de Jaime Lorente en la dirección sorprende por sus decisiones de puesta en escena. Rodada en 35 milímetros, con una fotografía hermosa y elegancia en la dirección, el actor que saltó a la fama con Élite' y 'La casa de papel' cuenta una historia de adicciones y paternidades que, a veces, puede sonar a ya vista, pero que emociona y muestra unas formas interesantes que habrá que seguir de cerca.