La vuelta de La La Land a los cines por su décimo aniversario está generando conversación, y no únicamente por su reestreno. Después de haber asegurado durante años que el póster de la película lo atormentaba, los deseos de Ryan Gosling se han cumplido y la productora ha realizado un “pequeño ajuste” en la imagen promocional. Ese detalle reside en la mano del actor, cuya dirección ha cambiado en un cambio que habrán notado los fans más acérrimos del filme.

El póster original de la película estrenada en 2016 muestra a Emma Stone y Gosling bailando con el horizonte de Los Ángeles de fondo, un fotograma de una de las partes más importantes de la historia. En la imagen, ambos actores tienen un brazo levantado, pero mientras que la mano de Stone está extendida hacia arriba, la de Gosling está plana, una decisión de la que se ha pasado mucho tiempo confesando que se arrepentía. Afortunadamente, en el nuevo póster, su mano también está extendida hacia arriba.

En 2024, Gosling le contó a la revista The Wall Street Journal sobre ese “momento” que seguía persiguiéndolo casi una década después: “Estábamos bailando, Emma y yo, y no sabía que eso se convertiría en el póster de la película. Se suponía que debíamos tener las manos en alto, y pensé que sería genial poner la mía [más plana], aunque todos me decían que no molaba. Yo estaba seguro de que era mejor así”. “Ahora que lo veo, y tengo que verlo todo el tiempo, ¿sabes qué habría sido lo mejor que eso? Esto”, añadió Gosling al imitar una mano recta, alegando que de la forma en que lo hizo “le quitaba toda la magia”.

El intérprete se ha referido a esa secuencia desde entonces como “La La Mano”, haciendo un juego de palabras con land, la última palabra del título de la cinta, y el término hand, que en inglés significa mano. Sin embargo, aunque él ahora esté más feliz con el resultado del nuevo póster, hay fans que siguen prefiriendo el original. Un usuario de X ha mostrado su descontento justificando que “las manos estando en posturas diferentes era una metáfora de su relación”, mientras que otro ha comentado que era “un feliz accidente que funcionó para la historia”.

Para celebrar su décimo aniversario, La La Land regresará a la cartelera de los cines estadounidenses a partir del domingo 16 de agosto. Se trata de un movimiento limitado hasta ahora a este país, por lo que todavía se desconoce si la cinta se proyectará también en España. Tras su estreno en 2016, la película acabó recaudando 447 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 30 millones. El filme no llegaría a España hasta enero de 2017, cuando se convirtió en un éxito con un debut cercano a los 2 millones de euros.

Gosling ganó un Globo de Oro por su papel de Seb, un aspirante a pianista que se enamora de Mia (Stone), una actriz que no logra triunfar. Stone, por su parte, ganó el premio a la mejor actriz en los Oscar. En total, la cinta dirigida por Damien Chazelle cosechó seis estatuillas de la Academia de Hollywood. Antes obtuvo 14 nominaciones, igualando un récord histórico que rompió Los pecadores en la última edición con 16 candidaturas. Actualmente se está preparando un musical para Broadway.

No lleva ni una semana en cartelera, pero La Odisea de Christopher Nolan ya apunta a convertirse en una de las películas más importantes del año. Lo avalan los datos de la taquilla, donde el filme logró un debut a nivel global de 264,1 millones de dólares, el mayor de la carrera del cineasta, superando a El caballero oscuro: La leyenda renace (2012) y Oppenheimer (2024).

Al enorme presupuesto de la película (250 millones) se sumaron otros ingredientes que han generado una enorme expectación alrededor del largometraje, como el reparto, que incluye caras tan conocidas como la de Matt Damon (Odiseo), Anne Hathaway (Penélope) o Tom Holland (Telémaco), los lugares en los que este se ha rodado o los efectos utilizados por Nolan para dar vida a algunas de las criaturas mitológicas protagonistas.

No son pocos los monstruos que acompañan a Odiseo a lo largo de su viaje de regreso a Ítaca y que el director de Interstellar ha decidido llevar a la gran pantalla. Hablamos de sirenas, cíclopes y otras criaturas que se alimentan de humanos y que ponen en peligro al personaje interpretado por Damon y sus hombres en distintos momentos de esta historia épica.

Qué criaturas aparecen en la película

Uno de los primeros monstruos a los que se enfrenta Odiseo en la película es Polifemo, un cíclope de un solo ojo, hijo de Poseidón, dios del mar. Tras desembarcar en su isla, Odiseo y varios de sus hombres quedan atrapados en la cueva del gigante, que bloquea la salida con una enorme roca y comienza a devorar a algunos de los marineros. Aunque algunos consiguen salir con vida, Poseidón maldice su viaje de regreso a casa.

Tras escapar de Polifemo, Odiseo y su tripulación llegan a la tierra de los lestrigones, una raza de gigantes caníbales que protagonizan una de las escenas más intensas de la película. Estos gigantes atacan sin piedad a los hombres del rey de Ítaca, que solo trataban de encontrar provisiones en la isla y que finalmente tienen que salir corriendo. Los lestrigones incluso llegan a destruir uno de los barcos del ejército itacense, poniendo el jaque la travesía.

En la Odisea de Homero, las sirenas son criaturas monstruosas con cuerpo de ave y rostro de mujer que atraen a los marineros hacia la muerte a través de su canto. En la película, estas adoptan una forma humana más convencional y apenas aparecen en pantalla, reforzando el misterio sobre el poder que tiene su canto, pero también protagonizan una escena clave de la historia.

En alta mar, Odiseo y sus hombres también tienen que enfrentarse a Escila, un monstruo de varias cabezas que acecha desde una gruta en un estrecho y que se encuentra justo enfrente de Caribdis, un gigantesco remolino en mitad del océano capaz de engullir barcos enteros. Escila es el último monstruo mitológico que aparece físicamente en la adaptación cinematográfica de Nolan.

Transformar un poema de 12.000 versos cuya lectura requiere un día entero en una película de tres horas exigía, inevitablemente, un buen tijeretazo. Es lo que ha pasado en La Odisea de Christopher Nolan, que prescinde de varias escenas y personajes de la epopeya de la Grecia antigua de Homero. El director también ha cambiado el enfoque de algunos de los episodios más célebres del relato y ha aportado adiciones de su propia cosecha. Repasamos, a continuación, las modificaciones más significativas.

Lo que Nolan elimina

Los dioses

La Odisea de Homero arranca con un debate entre Zeus y Atenea en el Olimpo. Con el beneplácito de Zeus, Atenea adopta un rol activo guiando a Odiseo/Ulises de vuelta a casa, ayudándole a vencer a los pretendientes y dando ánimos a su hijo, Telémaco. Todo ello lo hace recurriendo a múltiples disfraces. Mientras tanto, Poseidón obstaculiza el avance de Odiseo y Hermes es enviado a realizar un par de misiones clave.

La única diosa que retrata Nolan es Atenea (Zendaya), quien aparece únicamente como una visión ante Odiseo (Matt Damon) y parece encarnar su propia conciencia más que ser una entidad divina con existencia real.

Nausícaa y los feacios

Una de las escenas más aclamadas de la Odisea es el encuentro entre Odiseo y la joven princesa Nausícaa. El héroe llega desnudo a la playa de una isla desconocida tras un naufragio, justo donde ella y sus sirvientas están jugando a la pelota. Tras gestionar esta incómoda situación con delicadeza, Odiseo acompaña a Nausícaa hasta la ciudad de los feacios, donde relata sus periplos con el Cíclope, Circe, Escila y Caribdis antes de que le faciliten un viaje seguro de regreso a Ítaca.

Nolan elimina por completo a los feacios y hace que Odiseo le cuente todas esas historias a Calipso (Charlize Theron) a modo de recuerdos recobrados.

Sombras que se echan en falta

La película muestra a Odiseo reencontrándose con su antiguo comandante Agamenón (Benny Safdie) en el Hades (Nolan acierta al no retratarlo como un inframundo). Sin embargo, no vemos a Aquiles, el más grande de los guerreros griegos, ni a Áyax, quien en el poema rechaza en silencio el intento de reconciliación de Odiseo. Tampoco nos encontramos con la madre de Odiseo, a quien este intenta abrazar tres veces sin éxito.

Otro personaje omitido es el desdichado Elpénor, quien cae al vacío tras beber en exceso y luego suplica una sepultura digna. Resulta comprensible que Nolan buscara economizar en estos encuentros espirituales, a pesar de su gran fuerza y resonancia en la obra original.

La ejecución de las mujeres desleales

No sorprende que Nolan evite incluir la escena más escabrosa de la Odisea, en la que 12 esclavas que han sido desleales a la casa y se han acostado con los pretendientes son ahorcadas por Telémaco. Sin embargo, el director inventa un detalle en esa misma línea al mostrar a una de esas mujeres traidoras, Melanto (Mia Goth), prácticamente condenada a muerte por la esposa de Odiseo, Penélope (Anne Hathaway), quien la empuja al baño de sangre mientras los pretendientes son masacrados.

Nos ahorra, eso sí, el dantesco espectáculo de lo que le ocurre en el poema al odioso cabrero Melantio, a quien le cercenan la nariz, las orejas, las manos, los pies y los genitales.

La prueba del lecho de Penélope

La Penélope de Homero no se deja engañar fácilmente tras el regreso de Odiseo. Para cerciorarse de que el mendigo que acaba de masacrar a los pretendientes es realmente su marido, le pone una trampa pidiéndole que describa su lecho matrimonial, pues solo ellos dos saben que Odiseo lo había tallado a partir de un olivo. Nolan omite este detalle, que demuestra cómo Penélope rivalizaba en astucia con su esposo; en su lugar, Odiseo le muestra una figurilla de Atenea para probar su identidad.

Lo que Nolan añade

El caballo de madera

Homero no cuenta la historia completa del caballo de madera, aunque lo menciona en tres ocasiones en la Odisea (y ninguna en la Ilíada). Dado que usar el caballo para penetrar en Troya fue idea de Odiseo y resultó crucial para la gesta troyana, parece muy oportuno haberlo incluido en la película.

Sinón

El personaje de Sinón (Elliot Page), que en el filme engaña involuntariamente a los troyanos para que acepten el caballo de madera, no aparece en ningún pasaje de Homero. Nolan recurre aquí al relato de Virgilio sobre la caída de Troya en el segundo libro de La Eneida. También inventa un trasfondo según el cual Sinón es obligado a sustituir a Antínoo (Robert Pattinson) en el ejército griego.

Los pueblos del mar

En el largometraje se habla largo y tendido sobre cómo el mundo de los héroes griegos se ve amenazado por “los pueblos del mar”. Esto no supone ninguna preocupación en la Odisea homérica. Tampoco ningún personaje de Homero afirma, como sostiene el Odiseo de Nolan, que la guerra de Troya fuera en realidad una cuestión de “rutas comerciales”. Sin embargo, estos guiños a las inquietudes de los historiadores demuestran que Nolan ha hecho los deberes.

Lo que Nolan cambia

Calipso

La Calipso de Nolan seda a Odiseo con flores de loto para hacerle perder la memoria, pero acaba sintiendo compasión por él y le permite marchar. La Calipso del poema no recurre a ninguna sustancia y tiene una marcada inclinación por el sexo (algo que no vemos en la película), forzando a Odiseo a compartir su lecho noche tras noche aunque él suspira desesperadamente por volver a su hogar. Solo lo libera después de que Hermes se presente para comunicarle que Zeus ha dictaminado su liberación. Al ser una simple ninfa, sabe que debe acatar la autoridad del Olimpo. Una vez aclarado que puede irse, Odiseo aún se permite disfrutar de un último encuentro amoroso antes de echarse a la mar en su balsa.

El Cíclope

El Cíclope de Nolan apenas habla, mientras que en el poema mantiene un diálogo macabro e irónico con Odiseo. La ausencia de diálogos en la película incrementa el horror que transmite el gigante de un solo ojo, pero implica perder un par de detalles sustanciales del poema: la treta mediante la cual Odiseo se identifica como 'Nadie' para que los otros cíclopes no acudan en auxilio del monstruo cegado, y el momento en que Odiseo revela imprudentemente su nombre real, que el Cíclope utiliza para pedir a su padre, Poseidón, que maldiga el viaje de regreso de su enemigo. Estos cambios encajan con la decisión de Nolan de restar peso a las dotes de embaucador de Odiseo para ensalzar su resistencia forjada en la batalla y sus traumas provocados por la guerra.

Circe

Nunca se explica por qué la Circe de Homero transforma a algunos de los compañeros de Odiseo en cerdos. Vuelve a convertirlos en hombres cuando comprueba que Odiseo es inmune a su poción (gracias a una hierba otorgada por Hermes) y acepta acostarse con ella. Acaba convirtiéndose en una aliada muy útil y el héroe permanece con ella durante un año entero. La Circe de Nolan (Samantha Morton) parece moverse por la indignación ante el comportamiento animal de los hombres, pero luego accede dócilmente a devolver a los compañeros de Odiseo a su forma humana tras intuir este que no debe probar ese estofado y hacer que se compadezca de unos tipos que solo desean volver a casa.

La emboscada y el reencuentro

En la película, una banda de matones contratada por Antínoo intenta asesinar a Telémaco (Tom Holland) en un templo, pero Odiseo, recién llegado y disfrazado, lo impide. Poco después, Telémaco comprende que su salvador es su propio padre. En el poema, la emboscada está dirigida por Antínoo en alta mar y Telémaco la esquiva con facilidad (y sin demasiado dramatismo), para luego reencontrarse con su padre en Ítaca en una escena orquestada minuciosamente por Atenea.

El final

La Odisea de Homero concluye de una forma notoriamente insatisfactoria. Nolan prescinde con buen criterio de todas las escenas finales del poema: la llegada de los pretendientes al reino de los muertos, el encuentro de Odiseo con su padre, Laertes —al que disgusta innecesariamente adoptando otra identidad falsa— y la descafeinada batalla entre Odiseo y los familiares de los pretendientes masacrados. En la película, Telémaco asume el trono de Ítaca, lo que permite a Odiseo y Penélope zarpar hacia el horizonte en una misión para honrar a sus camaradas caídos.

*Chris Tryhorn es autor de La Odisea de Homero, una nueva versión de la historia original ya disponible en libro electrónico.

Mientras el cine de animación se encaminaba hacia una era digital y de modelado en 3D a principios de los 2000, el Studio Ghibili se mantuvo fiel a la animación tradicional, con el dibujo a mano de fotograma a fotograma, con sus reconocibles fondos a acuarela, su paleta de colores vivos y la fluidez de movimiento de la naturaleza, el viento y el agua. De entre las más ricas a nivel visual y creativo, además de ser una de las más populares, encontramos ‘El viaje de Chihiro’, que cumple 25 años este 2026 y que supuso ese golpe sobre la mesa de apostar por la animación tradicional cuando triunfaban largometrajes como ‘Shrek’ o ‘Monstruos S.A’ de Pixar.

Y les salió bien, recaudó aproximadamente 396 millones de dólares a nivel mundial, siendo la más taquillera de la historia entonces en Japón, además de que fue la primera de anime y de habla no inglesa en ganar el Premio Óscar a Mejor Película de Animación en 2003, y también el Oso de Oro en el Festival de Berlín.

El curioso origen de ‘El viaje de Chihiro’

Después del éxito con ‘La princesa Mononoke’, Hayao Miyazaki pensó en retirarse del cine y así lo había declarado de forma pública, pero todo cambió cuando pasó unas vacaciones con unos amigos y con la hija de estos de 10 años. El comportamiento apático de la niña en el refugio vacacional de montaña le inspiró para crear el personaje de Chihiro y le llevó a tener la idea de querer hacer una película con una protagonista en la que ella se pudiera reconocer.

Para crear ‘El viaje de Chihiro’ se inspiró en el cuento infantil ‘The Wonderful Land Beyondt the Fog’ de Kashiwaba Sachiko, y para crear las estrechas calles de la ciudad de los fantasmas tomó como referencia los callejones de las afueras de Juifen, en Taiwán. Además, una de sus grandes curiosidades es que no tiene guion, es que fue desarrollando la historia a medida que dibujaba los guiones gráficos, todo ello que no se nota con sus personajes bien construidos y una historia muy rica.

El simbolismo y trama de ‘El viaje de Chihiro’

La que es la octava película de Hayao Miyazaki, es su primer trabajo remasterizado y distribuido de forma digital, tiene el hecho de ser una de las más creativas del maestro de la animación, es por ello por lo que está cargada de simbolismos en una trama que se centra en las aventuras de Chihiro, una niña de diez años, al acabar en una ciudad encantada habitada por espíritus tradicionales japoneses, que coincide cuando va de camino al que será su nuevo hogar, al mudarse con sus padres.

Conociendo su argumento, la historia recorre el crecimiento y madurez de Chihiro, en un entorno visual onírico que nos recuerda a un realismo mágico mezclado con cotidianidad. De la protagonista lo que más destaca es su amabilidad, que muestra constantemente y que lo podemos observar en que no tiene prejuicios sobre ninguno de los personajes que se encuentra a lo largo del camino. El espíritu sin cara, uno de los más icónicos que aparecen, demuestra con su evolución la incomprensión de estos gestos que la niña realiza. Este viaje de madurez se ve también en Bo, el personaje niño que Yuyaba cuida de forma obsesiva y que representa la inmadurez de la que Chihiro se quiere liberar.

Por su parte, otro de los temas principales en el cine de Miyazaki es la identidad y las tradiciones japonesas, que en esta película se reflejan en que si se olvida de su nombre real, no podrá abandonar el mundo espiritual, con lo que debe mantenerse fiel a sí misma a pesar de todo, pero también en que los más pequeños deben conocer la riqueza de las tradiciones, informarles para que no pierdan sus raíces al estar rodeados de tecnología, por lo que ‘El viaje de Chihiro’ está llena de referencias a leyendas japonesas.

Otro de los temas relevantes es la crítica al capitalismo, que se observa en los padres de Chihiro, cuando se convierten en cerdos después de comer la comida de la ciudad encantada, una transformación que hace referencia directa a la ‘codicia’ que arrastró a Japón en la recesión de la década de 1980.

Nada puede contra Christopher Nolan. El director se ha convertido en una de las marcas que más público atraen a las salas, y con La Odisea, su última película, lo ha vuelto a demostrar. Había mucha curiosidad por ver cómo funcionaba en la taquilla su adaptación de la obra clásica, sobre todo porque se había encontrado con unas cuantas piedras en el camino. La primera, un boicot alentado por la extrema derecha con Elon Musk a la cabeza. Excusándose en la fidelidad histórica, criticaron la decisión de elegir a una actriz negra (Lupita Nyong’o) como Helena de Troya y a un actor trans (Elliot Page) como Sinon. Desde hace meses han perseguido con sus ataques al director e intentando vender que nadie iría a ver la película por ser una versión ‘woke’ de La Odisea.

El segundo problema era el mundial de fútbol. El estreno del filme, puesto desde hace más de un año, coincidía con los dos últimos partidos de la Copa del Mundo: el del tercer y cuarto puesto que enfrentaba a Inglaterra y Francia, y la final que terminó con España como campeona tras vencer a Argentina por un gol a cero. Y aunque este hecho sí que pudo haber afectado un poco al resultado final, que podía haber sido incluso mayor, La Odisea ha arrasado en taquilla.

Nada ha asustado a Christopher Nolan, que ha logrado un debut a nivel global de 264,1 millones de dólares, el mayor de su carrera. Supera los 249 de El caballero oscuro: La leyenda renace en 2012, los 198 de El caballero oscuro —ambas películas sin ajustar su recaudación a la inflación— y los 198 millones de su anterior filme, Oppenheimer, en 2024.

En su primer fin de semana ha recuperado el dinero que costó hacerla. El presupuesto del filme se estima en 250 millones de dólares. Si a eso se suma unos 100 millones de gastos en promoción y publicidad, el filme debería recaudar unos 700 millones de dólares para ser rentable en su primera ventana de explotación (aunque el resto de ventanas, actualmente, aportan gran parte de los beneficios). Nadie duda de que los superará con creces, siendo todo un éxito para Nolan y para Universal Pictures, que fichó al cineasta tras el desencuentro de este con Warner por no apostar por las salas con Tenet tras salir de la pandemia.

A esas cifras hay que sumar que la recepción entre los espectadores ha sido espectacular, lo que augura que el filme tendrá mucho recorrido y podrá sumar mucho dinero. En CinemaScore, la calificación de EEUU que mide cuánto ha gustado una película al público obtiene una A, lo que equivale a un sobresaliente. Nadie duda que cruzará la casi imposible barrera de los 1.000 millones de dólares en todo el mundo y de que estará nominada a casi todo en los próximos Oscar.

En EEUU La Odisea ha superado todas las expectativas. Las primeras previsiones, siempre más conservadoras, colocaban el filme en una positiva horquilla de entre 80 y 100 millones. Finalmente, han sido 124,5 millones desde 3.919 cines. Sin Mundial, celebrado allí, creen que podrían haber sido más de 130 millones. Este dato es el tercero más alto de todo 2026, solo superado por dos películas de animación Toy Story 5, que debutó con 159 millones y Super Mario Galaxy, que logró 131.

Un mérito para una película calificada R por su acción y violencia. Esta calificación indica que los menores de 17 años deben ir acompañados de un adulto. Es, tras Deadpool & Lobezno, la película con esta calificación más taquillera en su primer fin de semana. Dentro de la carrera de Nolan supone el mejor estreno desde El caballero oscuro: La leyenda renace, que logró 160 millones en sus primeros compases en la taquilla de EEUU.

En España el resultado también ha sido espectacular: estamos ante la mejor apertura de Nolan en nuestro país. A pesar de un domingo marcado por el mundial, La Odisea ha logrado en solo tres días 4,47 millones de euros según las primeras cifras ofrecidas por Rentrak, la consultora que mide los datos en España. El viernes logró 1,8 millones de euros, el sábado 2,1, y el domingo bajó por la final del evento deportivo y solo recaudó en torno a los 600.000 euros. Mejora, con creces, el resultado de Oppenheimer, que debutó frente a Barbie con 2,7 millones. Los grandes comentarios hacia el filme la convierten en la película del verano y con mucha carrera por delante. De hecho, hasta el 29 de julio cuando se estrene Spider-Man, también protagonizada por Tom Holland, tiene diez días sin rival para seguir amasando dinero en cines.

Este 17 de julio ha llegado a las salas de cine de España y de gran parte del mundo la que podría ser una de las películas del año, la adaptación de ‘La Odisea’ de Christopher Nolan, que llega después de una larga expectación desde que hace más de un año aparecieran las primeras imágenes y tráiler.

Con Matt Damon en el papel de Odiseo y un reparto de lujo que incluye nombres como Zendaya, Robert Pattinson, Anne Hathaway o Tom Holland, aspira a ser un largometraje que no pasará desapercibido, para lo bueno o para lo malo, y que en cierta manera conecta con otras películas del director británico o de la historia del cine.

‘Interestellar’ (2014)

Podemos decir que la historia de ‘La Odisea’ no es la primera vez que aparece en la filmografía de Christopher Nolan, sino que hizo su propia “odisea espacial” en la que es considerada una de sus obras maestras. Cooper, al igual que Odiseo, se ve atrapado en un mundo y su única misión es cumplir la promesa de regresar a casa con su hija, como el personaje de Homero con Telémaco. Así, el revisitarla puede llevarnos a conectar con la historia, con los paralelismos de ambas películas en el argumento y en la carrera del director.

‘Dunkerque’ (2017)

El primer momento en el que Christopher Nolan conectó con el cine histórico y bélico como tal, de adaptar hechos reales y convertirlos en una gran película. En ambas películas se trata el lado humano de la guerra, de sus consecuencias, como la supervivencia, el caos que conlleva la retirada o el trauma psicológico de los que solo buscan volver a casa.

‘El truco final’ (2006)

Si bien ‘La Odisea’ podría entrar dentro de la categoría de cine histórico, no deja de ser una película que toma el poema épico de Homero, que toma personajes que existieron en la realidad para convertirlo en una gran epopeya de ficción. Esto también es un hecho que ha pasado anteriormente en la filmografía de Christopher Nolan, en concreto en ‘El truco final’.

En ella, se cuenta una historia ambientada en Londres a finales del siglo XIX centrada en dos ilusionistas, Robert Angier y Alfred Borden. Pero lo que resulta interesante es la aparición de un personaje real, Nikola Tesla, interpretado por David Bowie, y que aparece como el que construye la máquina de teletransportación de los dos magos.

'El hombre del norte' (2022)

‘La Odisea’ forma parte de un contexto de reinvención del cine épico y mitológico en el formato IMAX, una escala grande de rodaje. En este sentido, una película relacionada puede ser ‘El hombre del Norte’ (The Northman) de Robert Eggers, que también usa este gran formato y la mitología, en este caso nórdica, como base. Si bien tiene un contexto más bruto, sucio y oscuro, es una epopeya de venganza en la que aparece también el folclore y el misticismo de los dioses y sus profecías.

'Troya' (2004)

En esta pequeña selección de películas que se pueden ver antes o después de ‘La Odisea’ no podía faltar la que es otra conocida adaptación de Homero, en este caso de la ‘Ilíada’. Para recordar de donde viene Odiseo, de combatir en la guerra de Troya, es una película que aborda los hechos sucedidos anteriormente, desde que Helena de Esparta se marcha con Paris a la ciudad y esto desencadena toda una batalla. Así, este filme con Brad Pitt, Diane Kruger, Eric Bana y Orlando Bloom, aunque no escapó de las críticas por sus errores, aporta el contexto histórico y mitológico antes del viaje de Odiseo.

La Residencia de Cine de Extremadura abre la convocatoria de su cuarta edición, reafirmándose como una iniciativa clave para el desarrollo de proyectos cinematográficos y el impulso del talento emergente en el ámbito audiovisual. La inscripción estará disponible del 1 de julio al 1 de septiembre de 2026, dirigida a proyectos de largometraje en fase de desarrollo —de ficción, documental o animación— procedentes de Extremadura, España e Iberoamérica.

Del total de propuestas recibidas, más de un centenar en la edición anterior, se seleccionarán 15 proyectos: cinco de Extremadura, cinco del resto de España y cinco de Iberoamérica, incluyendo Portugal. Las inscripciones se realizarán a través de la web oficial: www.residenciacineextremadura.com.

La Residencia está dirigida por el cineasta Juan Antonio Moreno Amador, ganador de dos premios Goya, y por la asesora de guion Yolanda Barrasa, referente en el acompañamiento de proyectos cinematográficos. Ambos destacan la importancia de esta edición, marcada por la incorporación de nuevos socios nacionales e iberoamericanos y por el compromiso de la industria con el Extremadura Film Market, así como el apoyo de los municipios de Guadalupe y Talavera la Real.

La cuarta edición mantendrá su formato híbrido, combinando encuentros presenciales y asesorías virtuales para ofrecer un acompañamiento integral a directores, guionistas y productores. Las actividades se desarrollarán en las sedes de Guadalupe (Cáceres) y Talavera la Real (Badajoz).

Guadalupe y Talavera la Real

El primer encuentro presencial tendrá lugar en noviembre en Guadalupe, donde los cineastas trabajarán con profesionales de reconocido prestigio. El segundo encuentro se celebrará en primavera de 2027 en Talavera la Real, reforzando la vinculación de la Residencia con el territorio extremeño.

Los proyectos seleccionados participarán en el Extremadura Film Market, un espacio profesional que impulsa la financiación, producción y coproducción de nuevas obras. Además, esta edición incorpora la participación en el área de industria MAFIZ del Festival de Málaga 2027, donde los equipos podrán presentar sus trabajos ante productores, distribuidores y plataformas.

La programación se completa con la Semana de Cine Extremeño e Iberoamericano en Guadalupe, que reunirá al público con las películas y sus creadoras y creadores, fortaleciendo los lazos culturales entre ambos territorios.

La Residencia de Cine de Extremadura está organizada por la Asociación Residencia de Cine de Extremadura y la productora Making DOC & FILM, con el apoyo de instituciones regionales, nacionales e iberoamericanas, entre ellas la Junta de Extremadura, EGEDA, IBERMEDIA, las diputaciones de Cáceres y Badajoz, y los ayuntamientos de Guadalupe y Talavera la Real.

Tres películas españolas competirán por ganar la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián. El director del festival, José Luis Rebordinos, que afronta su última edición al frente, anunció los títulos que lograrán el galardón más importante de entre los festivales españoles. Lo hizo, además, junto a la que será su sucesora, Maialen Beloki. Las elegidas por el comité de selección han sido Cinco minutos más, de Javier Ruiz Caldera; Sants, de Mikel Gurrea, y El mal padre, de Roberto bueso. Las tres intentarán repetir el éxito de las dos últimas ediciones, cuando Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa y Tardes de Soledad, de Albert Serra, se llevaron la Concha de Oro.

De los nombres el único que se esperaba casi con seguridad era el de Gurrea. Con su debut en la dirección, Suro, ya compitió por la Concha de Oro, por lo que se esperaba que con su segundo filme, Sants, que tiene a Victoria Luengo, Ariadna Gil y Eulalia Ramón como protagonistas, también estuviera en el Zinemaldia, como así ha sido finalmente.

Las otras dos películas han sorprendido por motivos diferentes. La inclusión de Javier Ruiz Caldera por reconocer al cine de género (una comedia con bucle temporal con Berto Romero, Javier Cámara y Belén Cuesta) en el lugar de las películas dramáticas que suelen ir competición, y también reconocer la labor de un cineasta que ha dirigido varias de las mejores comedias del cine español reciente. De hecho, en la presentación del filme hace algo más de un año entre las producciones originales de Movistar +, el propio Ruiz Caldera bromeaba ante sus compañeros Sorogoyen o Laxe que por qué él no podía también optar a un festival internacional. Ahí lo tiene.

La otra, El mal padre, pocos contaban con ella. Se anunció su rodaje este mismo año, y Roberto Bueso había saltado al cine más comercial con Llenos de gracia tras su emotivo debut, La banda. Con su nuevo filme regresa al cine del circuito de festivales con este drama producido por Fernando Bovaira y protagonizado por Eduard Fernández. Una historia de reconciliación entre un hombre y su padre enfermo. Una edición que no tendrá, este año, ninguna directora española en competición.

Como todos los años, la presencia del cine español se extendió fuera de la Sección Oficial en competencia por la Concha de Oro. Fuera de concurso se podrá ver Ruega por nosotras, el regreso de Daniel Monzón a la dirección. El responsable de Celda 211 presentará Ruega por nosotras, un filme sobre el patronato de la mujer, institución que durante el franquismo sirvió para adoctrinar a las mujeres en la moral franquista. La serie documental sobre los protagonistas reales de La sociedad de la nieve; El Último adiós, de Kodo Almandoz; Bajañí, de Fernando Trueba, y Sacamantecas, de David Pérez Sañudo.

En Nuevos Directores se verán tres esperados debuts del cine español. Esta soledad, la primera película de Javier Giner tras el éxito de la serie Yo, adicto y con Oriol Pla y Marina Salas como protagonistas, El mal hijo, ópera prima del actor Jaime Lorente que ha partido de la novela homónima de Salvador S. Molina y la directora ucraniana Tatjana Moutchnik con su ópera prima Seven Days .

También habrá sitio para las series, pero de nuevo, fuera de concurso: El castillo, la producción de Caballo Films (productora de Sorogoyen) que adapta libremente El proxeneta, de Mabel Lozano, y que han dirigido Sandra Romero y Elena Martín Gimeno y protagonizado Raúl Arévalo, Valentina Vidal, Omar Ayuso y Laia Marull.

En el recinto más grande y popular, el velódromo, se podrá ver Karateka, de Aritz Moreno, y el documental sobre la última gira del músico Fermín Muguruza mientras que tras publicar su primer tráiler y el premio en Cannes, Javier Calvo y Javier Ambrossi presentarán La bola negra justo antes de su estreno. Esta emotiva carta de amor a Lorca que apunta a los Oscar competirá por el premio del público en el apartado Perlas, que reúne lo mejor de otros festivales.

Zabaltegi tendrá varios títulos con producción española. Red Rocks, dirigida por Bruno Dumont y producida por Albert Serra; Jaleos, el largometraje de no ficción de Isaki Lacuesta sobre el flamenco, Lejos de los árboles, de Meritxell Colell, que tras competir en Locarno se verá en la sección más libre del Zinemaldia. También Oskar Alegría presentará su nuevo trabajo documental sobre la obra del artista Jorge Oteyza.

Un anuncio que llegó tras una ovación en pie a Rebordinos por parte de todo el salón de actos de la Academia de Cine para agradecer su trabajo todos estos años en la que será una edición de transición hacia el futuro con Beloki como encargada de rejuvenecer el certamen sin romper con lo ya logrado.

El 17 de julio llega a los cines La Odisea, la nueva película de Christopher Nolan, y con ella una pregunta que rara vez se formula cuando se habla del formato IMAX: ¿cómo actúas delante de una cámara que ocupa el espacio donde debería estar la cara de tu compañero de escena? Matt Damon, que interpreta a Odiseo en el que es el primer largometraje de ficción rodado íntegramente en IMAX de la historia, ha explicado en una entrevista reciente el ingenioso sistema que Nolan desarrolló para resolver ese problema sin sacrificar ni la intimidad ni la naturalidad de los actores.

El reto es técnico pero tiene consecuencias directas sobre la interpretación. En una escena rodada con una cámara convencional, el compañero de reparto puede colocarse justo al lado de la lente, lo suficientemente cerca como para que los ojos del actor que actúa miren hacia la cámara de forma natural mientras conectan emocionalmente con la otra persona. Con las cámaras IMAX de 70mm, eso no es posible: el Blimp, el armazón de fibra de carbono multicapa diseñado para insonorizar el equipo y poder grabar diálogos con sonido directo, ocupa demasiado espacio y aleja físicamente la lente de donde debería estar la cara del otro actor.

El sistema de espejos de Nolan

La solución que describe Damon es tan sencilla en su concepto como eficaz en la práctica. “Normalmente, si se usa el Blimp, por lo general es un momento íntimo, así que usamos un sistema de espejos para acercar la línea de visión a la cámara y así puedes mirar directamente a la caja porque estás viendo a tu compañero de escena”, explicó el actor. “Y si es una escena más grande, la caja desaparece y suele manejar la cámara Hoyte van Hoytema (director de fotografía). Y así tienes la misma libertad que con una cámara normal.”

Cuando el entrevistador, el español Albert Laro, le preguntó por cómo funcionaba exactamente el sistema, Damon lo describió de manera sencilla: “Imagina que si te filmara un primer plano normal, la lente está aquí delante; como compañero de escena pongo mi cara aquí al lado de la cámara para que tus ojos estén mirando cerca. Ahora imagina que la lente está aquí y que esta gran caja ocupa más espacio y no puedo estar cerca de la lente. Como no sería una buena línea de visión, Nolan ponía un espejo, junto a la gran caja, que refleja lo del lado. Entonces ves mi cara, me sientes y me ves, pero mirando al espejo.”

Lo más revelador de la explicación de Damon no es el mecanismo en sí, sino lo que describe de su experiencia como actor dentro de él. “Es un truco increíble porque funciona. Recuerdo las escenas con Anne Hathaway porque en mi memoria no estaba mirando a un espejo; miraba directamente a Anne, la sentía”. Es muy significativo y habla bien de el sistema que un actor con décadas de carrera no distinga en su memoria el recuerdo de una conversación real con el de una conversación a través de un espejo.

Una película diseñada para pantallas concretas

La Odisea es también la primera producción de ficción en la que Cristopher Nolan y su equipo desarrollaron cámaras de nueva generación capaces de grabar diálogos con sonido sincronizado en formato nativo, algo impensable hace unos años. El resultado, 640 kilómetros de rollo de película utilizados durante los meses de rodaje en Marruecos, Grecia, Italia, Escocia e Islandia.

El problema para el espectador español es que la película fue concebida para un tipo de sala que prácticamente no existe en este país. El formato IMAX 70mm nativo, con su relación de aspecto de 1.43:1 y una nitidez equivalente a 18K, solo puede proyectarse en 41 salas de todo el mundo, ninguna de ellas en España. La alternativa más cercana está en Montpellier, Francia. En territorio español, las opciones que más se acercan a la intención original son las salas con IMAX láser (Cines Palafox en Zaragoza, Kinépolis Valencia en Paterna, Kinépolis Ciudad de la Imagen en Madrid y Cinesa Diagonal Mar en Barcelona) y las salas con proyección en 70mm fotoquímico (Cine Paz en Madrid, Phenomena Experience en Barcelona, Cines Aragonia en Zaragoza, Cines Palafox en Zaragoza y Cines ABC Park en Valencia).

Me parece increíble la que se ha formado porque Christopher Nolan ha decidido darle el personaje de Helena de Troya a una actriz negra en su adaptación de La Odisea. Una Lupita Nyong’o que, además, está increíble en su papel. Bueno, habría que decir mejor ‘la que han formado’, porque el ruido viene de un sitio muy concreto, una derecha principalmente constituida por hombres blancos que sacan a pasear su racismo cada vez que tienen la oportunidad.

Con Elon Musk a la cabeza, la caterva de haters han inundado con su violencia digital y verbal las redes sociales. Primero fueron a por el tráiler de YouTube, intentando crear la sensación de que no había interés por la película, y luego a por cada crítico que ha alabado el filme de Nolan. Pasen por las redes sociales de elDiario.es para ver los insultos que nos dedican (especialmente al que esto escribe) por decir que es una excelente película y que respeta la narrativa de la obra original.

Todo por una actriz negra. Porque por mucho que lo quieran vestir con el término ‘fidelidad histórica’, lo que realmente muestran es un racismo terrorífico. Es inexplicable que en 2026 haya gente que no soporte que en una adaptación de una novela se haga lo que uno quiera. Los propios traductores e historiadores de La Odisea ya han dicho que eso de la fidelidad en una obra que no es histórica, sino pura ficción, es una tontería. Helena de Troya nace, según el mito, de un huevo que salió cuando Zeus se convirtió en cisne para engañar a Leda. Busquen la fidelidad histórica.

Esa fidelidad no les ha importado a la hora de que la película sea en inglés y con actores ingleses y de orígenes que no tienen nada que ver con Homero. Pero misteriosamente sí les ha molestado con Helena de Troya. Qué curioso. Tan curioso como que esto sea lo mismo que ocurrió previamente con la versión de acción real de La sirenita, donde el sector conservador hirvió porque contrataron una actriz negra. Según ellos, imagino que esperaban que hubieran contratado a una mujer con cola de pez en vez de piernas para ser lo más fieles al relato original.

Los mismos que no quieren una Helena de Troya negra son los mismos que no disfrutan con Lamine Yamal en la selección española o los que creen que en la selección francesa no hay realmente franceses porque muchos de los jugadores son negros. El racismo es racismo, lo disfracen como lo disfracen. Así que gracias a Nolan y su Odisea, y gracias a Lamine Yamal, porque se han convertido en detectores automáticos de racistas. El resto seguiremos disfrutando de ellos.

Tres películas

Ciclo de Maurice Pialat. El año pasado tuvimos la suerte de que la distribuidora Atalante nos descubriera a un cineasta descomunal llamado Maurice Pialat. Ahora es Filmin quien incluye en su catálogo la obra del director francés, y lo hace —de la mano de Atalante— con un regalo increíble, su serie inédita La casa del bosque que es una delicia. No os perdáis toda su filmografía.

'La Odisea'. La hemos dedicado ya una crítica muy positiva y hemos hablado de ella en la introducción de este boletín, pero es que la adaptación del clásico de Homero que ha hecho Christopher Nolan merece mucho la pena y va a dar mucho que hablar. Una maravilla que respeta las aventuras del relato clásico y las dota del estilo Nolaniano y una reflexión sobre nuestro presente.

'Omaha'. Y terminamos con una joyita indie que ha dirigido Cole Webley y que va a hacer llorar a todo el que la vea. Una mirada íntima a la crisis y sus consecuencias en forma de road movie. Dura y conmovedora, y con un John Magaro que demuestra otra vez que es un actor estupendo que merece muchas más oportunidades.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

A inicios de año, cuando recopilamos en elDiario.es la música más esperada de este 2026, cuatro nombres copaban todas las expectativas: BTS, Olivia Rodrigo, Harry Styles y Beyoncé. Hoy, cuando alcanzamos la mitad del año, podemos decir que todos han cumplido publicando discos o canciones. Solo faltaba Beyoncé, pero la artista ha frenado su sequía con un tema que ya puedes escuchar en nuestra playlist, donde están también las recomendaciones de las semanas anteriores.

'Morning Dew (Donk)' de Beyoncé. La primera canción de la artista desde su aclamado Cowboy Carter, que ganó el Grammy a Álbum del Año, es un sensual tema de R&B que celebrará los veinte años de su mítico disco B'Day. La pista formará parte de una reedición conmemorativa del álbum y recupera el sonido de esta etapa de la cantante, por lo que hay mucha, mucha nostalgia. Aun así, todavía habrá que esperar para su ansiado proyecto “Act III”.

'Tragedia' de Marta Sango. En el panorama español, la artista andaluza prepara el lanzamiento de su álbum debut con este segundo adelanto. Arropándose en sintetizadores y guitarras, el tema envuelve la frustración y la decepción de una relación llena de promesas sin cumplir y excusas bajo una melodía principalmente electrónica.

'In The Stars' de The Rolling Stones. La legendaria banda está de vuelta con un temazo de pop-rock que nos lleva al sonido clásico del grupo a principios de los 80. Menos de tres años después de que los Rolling Stones publicaran Hackney Diamonds, Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood se han vuelto a reunir con el productor Andrew Watt para hacer 14 nuevas canciones que componen Foreign Tongues, su nuevo álbum. Esta canción es la carta de presentación y lo mejor es su adictivo estribillo.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'Huellas en los fiordos (Hildur 1)' de Satu Rämö (Salamandra Black). Esta novela se une al fenómeno del nordic blue, una variante del thriller nórdico mucho más atmosférica y humana. Ambientada en Islandia, la historia sigue a la inspectora Hildur Rúnarsdóttir, quien debe resolver una serie de crímenes mientras lidia con un doloroso trauma familiar que combate surfeando en aguas gélidas. Ya disponible en librerías.

'Inducción por shock' de Chuck Palahniuk (Random House). El autor de El club de la lucha regresa con una sátira distópica que pone el foco en el elitismo y la mercantilización del talento joven. En un reputado instituto, las mentes más brillantes desaparecen una tras otra en extraños suicidios que ocultan algo mucho peor: la subasta de sus vidas al mejor postor corporativo. Con su habitual humor negro, Palahniuk hace una crítica al privilegio. El libro ya está en las librerías.

'Odisea' de Milo Manara (Lumen). Esta semana hemos podido conocer las impresiones de mi compañero Javier Zurro sobre La Odisea, la adaptación de Christopher Nolan sobre este célebre clásico. Si queremos ir calentando motores antes de su estreno, Manara publica esta novela gráfica sobre la mítica epopeya de Ulises que, en lugar de relatarla desde la perspectiva del propio héroe, la relata a través de la mirada expectante de su hijo Telémaco. Ya en librerías.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Festival de Teatro Clásico de Peñíscola (Castellón). Esta semana podéis disfrutar todavía de este festival, en el que se representarán La trova de Buena Saña, Doña Rosita la soltera, La dama boba y Don Juan en los infiernos. El Patio de Armas y los Jardines del Castillo acogerán los espectáculos que recorren el legado de Lope de Vega, Federico García Lorca y Molière, además de reivindicar la tradición del teatro popular. El evento incluye también un Taller de Periodismo Cultural impartido por Pepe Monleón.

Tüpitanga Fest (Deleitosa, Cáceres). ¡Ojo a este festival gratuito! Música, tradición, cultura y risas se unen este finde en este evento que incluirá bailes populares, tapeo, productos artesanos durante el día; y bien de rock, punk, versiones, bandas tributos, grupos emergentes extremeños y nuevos talentos por en cuanto empieza a bajar el sol. Tienen hasta un concurso de bandas. Kamikazes, Periferia, Kalerizo, Deklibe, Awakate, Divina Papaya y Pedrá son algunas de los protagonistas de su cartel.

Torrezno Music Festival (Ágreda, Soria). Vamos con otro festival, también muy metido dentro de la naturaleza, en el que el alimento para recargar energías y bailar hasta el amanecer no es otro que el auténtico torrezno soriano. Su cartel propone desde rock a electrónica, con nombres como Guaraná, Lorca, DJ Mech-On, Linaje y tributos a Héroes del Silencio (Héroes, el culto) y Extremoduro (AMA).

Juana Cima. Una mirada disidente (Vitoria). El Artium Museoa, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, acoge hasta finales de agosto esta exposición que recorre la obra de esta artista cubana. Una intersección entre su memoria del Caribe, su formación en el contexto vasco y su espiritualidad exploratoria que, desde finales de los años setenta, anticipa debates sobre identidad, ecología y género.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

ERE en Ubisoft. 51 personas han sido despedidas de la sede de Barcelona de una de las empresas de videojuegos más importantes del mundo. Sus trabajadores han iniciado una huelga para protestar.

'Te hice dios'. Apuntad el nombre de este libro y el de su autor, Marcos Augusto, porque va a ser uno de los que van a dar mucho que hablar con esta provocadora novela sobre sida, relaciones y los límites de la pasión.

Campamentos musicales. Los catálogos de los artistas dan mucho dinero, y todo el mundo quiere firmar canciones. La última moda es realizar campamentos para encontrar grandes éxitos.

Dos veranos después, Christopher Nolan ofrece de nuevo uno de los estrenos del año, su adaptación de ‘La Odisea’ con un reparto de lujo y con una tecnología IMAX que prevé una gran experiencia en cines, aunque no todas las salas podrán proyectarlo como espera el director.

Siendo una de las películas de este 2026, ‘La Odisea’ de Nolan no ha escapado de las críticas desde las primeras imágenes y tráiler que se compartieron, con debates sobre la exactitud histórica, pero también por su fiel retrato del poema épico de Homero, este último estudiado a través de diferentes traducciones al inglés como las de Robert Fagles o EV Rieu, pero siendo la de Emily Wilson que todavía ha avivado más el ‘rechazo’ a este proyecto por parte de ciertos espectadores.

La primera traducción de ‘La Odisea’ al inglés hecha por una mujer

La vestimenta, los decorados o el elenco han sido algunas de las principales críticas de la última película de Christopher Nolan, pero que todavía han ido a más por haber citado a la traducción de Emily Wilson al hablar del protagonista, de Odiseo, al que da vida Matt Damon en el largometraje.

La traducción de Emily Wilson no es la única que se ha usado, sino que Nolan aclaró que es una de las que han formado parte del proceso de estudio e investigación, pero este dato no ha pasado desapercibido, ya sea de forma positiva o negativa. La autora hizo historia en 2017 al ser la primera mujer en traducir el poema griego al inglés, a la vez que también fue elogiada por varios académicos al usar un lenguaje moderno y accesible, y que representó de forma matizada a los personajes femeninos.

Su forma de adaptar ‘La Odisea’ causó sensación al hacer accesible al público el poema épico de Homero que contiene un total de 12.109 versos y 24 libros, que podríamos decir son una especie de capítulos. Pero, al mismo tiempo, esta traducción también creó un gran debate al acusarla de aportar una perspectiva feminista contemporánea que “altera el tono” de la obra original.

La controversia por ‘La Odisea’ de Wilson

Y es que las mayores críticas que se han dado a esta traducción, que es una en las que se ha basado Nolan para su película, es que hace énfasis en las mujeres que aparecen como pueden ser Penélope, Circe o Calipso, e incluso también han criticado a la ilustración que acompaña a la portada de la edición por usar el fresco ‘Damas de Azul’ de la Creta minoica, que no tiene relación con el poema de Homero.

En cualquier caso, la traducción de Wilson también tiene muchos defensores que han asegurado que es una de las interpretaciones modernas más fieles a Homero por parte del punto de vista lingüístico, al restituir aspectos del griego original que se suavizaban o pasaban por alto.

De hecho, uno de los aspectos más aplaudidos fue que mantiene el ritmo cantado original, pues este era un poema recitado para que fuera fácil de seguir, y la de Emily Wilson mantiene esa idea de forma fiel, pues fluye también al leerse en voz alta y con escenas descritas de forma más directa. Además, también se ha matizado que todas las traducciones son parte de su época, y nuestra comprensión previene en parte de decisiones tomadas en un contexto concreto, siempre condicionadas por cultura e ideología propios de un tiempo y lugar.

Este viernes 17 de julio llega a los cines La Odisea, la nueva y esperada película de Christopher Nolan, y con ella una pregunta que cualquier espectador debería hacerse antes de comprar la entrada: ¿en qué sala la veo? En este caso no es un detalle menor ya que La Odisea es la primera pelicula de ficción rodada íntegramente en IMAX 70mm nativo, un formato que ofrece hasta un 40% más de imagen que las 'normales' y una nitidez equivalente a 18K de resolución. El problema es que ese formato, tal y como Nolan lo filmó, no existe en ninguna sala de España.

Las únicas 41 salas del mundo capaces de proyectar IMAX 70mm nativo en su relación de aspecto original (1.43:1, el más cercano a la visión humana) están distribuidas principalmente por Estados Unidos. La sala más cercana para los espectadores españoles se encuentra en Montpellier, Francia. Pero, para los que no estén dispuestos a cruzar la frontera, existen en España dos alternativas que, sin ser exactamente la experiencia original, permiten acercarse a la escala que el director quería conseguir.

Las dos mejores opciones en España

La primera es el IMAX láser. Estas salas ofrecen pantallas de gran formato con una relación de aspecto de 1.90:1, resolución 4K y un sistema de sonido de 12 canales que envuelve literalmente al espectador. No es el formato en el que se rodó la película, pero es la opción que prioriza la escala física de la pantalla y la inmersión sonora.

La segunda opción para ver La Odisea de Nolan es el 70mm fotoquímico. La proyección en celuloide analógico alcanza una resolución aproximada de 13K, con una relación de aspecto de 2.20:1, más ancho y clásico, y sonido DTS. La textura del celuloide aporta una calidez y un granulado que el digital no replica, y es la opción que más se acerca a la naturaleza analógica del rodaje original.

Las mejores salas en España para disfrutar de la película:

Hay que tener en cuenta que en España hay otras tres salas IMAX, que son Cinesa Parquesur en Leganés, Cinesa Heron City Las Rozas, y Cinesa Festival Park, en Mallorca. No obstante, estas salas utilizan el sistema IMAX Digital tradicional mediante el uso de dos proyectores de lámparas de Xenón y no de láser, y por lo tanto, la potencia de iluminación y la gama de colores es menor.

La Odisea fue pensada fotograma a fotograma para un tipo concreto de pantalla y de proyección. Nolan tardó años en conseguir cumplir su sueño y rodar una pelicula con estas caracteristicas tan concretas, llegando a utilizar 640 kilómetros de rollo de película y cámaras de nueva generación desarrolladas específicamente para esta producción. De hecho, estas cámaras solo podían grabar tres minutos seguidos antes de tener que cambiar el rollo de película. Por lo tanto, verla en una pantalla convencional es una opción, por supuesto, pero es una experiencia diferente.

El mundo del cine despertó este lunes con la triste noticia del fallecimiento del actor Sam Neill a los 78 años, conocido en gran parte por su papel en la saga ‘Jurassic Park’, por causas repentinas después de haber superado un cáncer, algo que él mismo había anunciado el pasado abril.

El intérprete tuvo una larga carrera en el cine y en la televisión, con varios papeles más allá de su protagonista en ‘Parque Jurásico’, como ‘El Piano’ de Jane Campion, ‘La Caza del Octubre Rojo’ o ‘En la boca del miedo’, pero tuvo tiempo también de arrepentirse de no haber dicho que sí a algunos personajes que le llegaron a proponer.

El personaje con el que se quedó con las ganas: “Es lo único de lo que me arrepiento”

Sam Neill, nacido en Irlanda del Norte, pero con triple nacionalidad irlandesa, británica y neozelandesa, tuvo una longeva carrera en el cine y la televisión, con un papel, el del doctor Alan Grant en ‘Parque Jurásico’ de Steven Spielberg que le dio la fama ante el gran público.

Sin embargo, tuvo momentos para reflexionar y aunque participó en grandes títulos, también se arrepintió de decir que no a algún personaje, concretamente el de protagonista en la película de culto ‘Las aventuras de Priscilla, reina del desierto’, que fue todo un éxito comercial en 1994 y que se llevó el premio Oscar a mejor diseño de vestuario.

“Es lo único de lo que me arrepiento, de haber rechazado el papel de 'Las aventuras Priscilla, reina del desierto'. Probablemente sea indiscreto decirlo, pero lo diré de todos modos: Terence Stamp terminó interpretando el papel”, aseguró en el medio australiano News.

El recientemente fallecido actor, a su vez, aclaró que esto no se debe a que esto no era porque tuviera que interpretar a una mujer transgénero, sino que se debía a que no conectó con el filme de Stephan Elliott: “Simplemente no la entendí. No me pareció gracioso en el guion, pero resultó ser una película maravillosa. Ese es mi único arrepentimiento”.

A lo que también añadió en su momento: “Me equivoqué, porque no se trataba de vestirme de mujer, algo que me encantaría hacer; de todas formas, siempre llevo vestido. Habría sido divertido trabajar con mi amigo Hugo Weaving y Guy Pearce”, concluyó.

Se prepara una secuela

El papel, como bien dijo el propio Sam Neill, fue interpretado por Terence Stamp y fue el de Bernadette Bassinger. Un personaje que retomó el actor, fallecido en agosto de 2025 a los 87 años, pero que llegó a tiempo a rodar sus escenas de la segunda parte que está en estos momentos en fase de desarrollo y postproducción.

De esta forma, ‘Las aventuras de Priscilla, reina del desierto’ tendrá continuación más de tres décadas después de su estreno, aunque no se saben detalles de una historia que en su día seguía el viaje hacia Sidney de los ocupantes de un bus que también se llamaba Priscilla, y en el que sus acompañantes iban vestidos de ‘drag Queens’.

Sam Neill pudo ser James Bond

Además de arrepentirse de su papel en ‘Las aventuras de Priscilla, reina del desierto’, Sam Neill también reveló que su peor momento lo vivió al audicionar para ser James Bond en 1980: “Probablemente fue el peor día de mi vida. Me entró un sudor frío. Acababa de llegar a Inglaterra y tenía un nuevo agente que me dijo: 'Cariño, creo que eres perfecto para James Bond'. Le respondí: 'En realidad no quiero ser James Bond, no me veo como James Bond; odiaría quedarme atrapado en esa [franquicia]'”.

La vida se abre camino. Es una de las grandes enseñanzas que nos dejó Parque Jurásico, la aclamada película que hoy es imposible no asociar al rostro de Sam Neill, el paleontólogo que nos enseñó a mirar con asombro el pasado mientras el futuro se descontrolaba ante nuestros ojos. El actor neozelandés ha fallecido este lunes en Sídney, Australia, dejando al cine un enorme legado de películas por las que perderse y recordarlo. El intérprete tenía 78 años y durante años estuvo con tratamiento por un cáncer del que informó en abril que estaba libre.

Nigel John Dermot 'Sam' Neill nació en Omagh, dentro del condado de Tyrone, en Irlanda del Norte, donde su padre estaba destinado en ese momento, sirviendo en la Guardia Irlandesa. Su nombre artístico, Sam, surgió en el colegio, puesto que en su clase había otro niño que se llamaba Nigel y decidieron que para evitar errores él fuera conocido como Sam. Y tanto que se le acabaría conociendo con ese nombre: tras trabajar en la compañía de cine de Nueva Zelanda ya como actor y director, comenzaría a destacar en la década de los 80. No obstante, fue más adelante, en los 90, cuando llegarían sus mejores trabajos.

'Calma total' (1989)

No es una de las películas más conocidas de Sam Neill, pero sí es una de sus más inquietantes. Basada en una novela de Charles Williams, el terror y el suspense psicológico se entremezclan en esta tensa cinta liderada también por Nicole Kidman y Billy Zane. En ella, un matrimonio trata de recomponer su vida tras perder a su pequeño hijo en un trágico accidente de coche. Como una terapia para superar el dolor, deciden emprender un viaje en su yate por el océano, donde acaban rescatando a un único superviviente de una goleta en ruinas. Una vez que el marido decide ir a investigar el barco abandonado, el joven les explica que es el único superviviente de una intoxicación alimentaria que ha acabado con toda la tripulación. Pero no todo es lo que parece y el largometraje aprovecha el aislamiento del mar para generar pánico.

'La caza del Octubre Rojo' (1990)

Sam Neill, junto a Sean Connery y Alec Baldwin, protagoniza este filme ganador de un premio Oscar a mejores efectos sonoros. La película, basada en la novela de Tom Clancy, presenta a un analista de la CIA, Jack Ryan, al que se le encomienda descifrar las verdaderas intenciones del comandante de un moderno submarino soviético. Se trata de un caso que, aparentemente, y dada la tensa situación de la Guerra Fría, amenazaba con iniciar una III Guerra Mundial, pero que acaba demostrando un deseo desesperado de deserción hacia Occidente. El resultado, con Neill encarnando al leal segundo al mando, es un entretenido drama militar y de intriga que obliga al espectador a contener la respiración bajo el agua.

'Parque Jurásico' (1993)

Es una de las mejores odas a la aventura cinematográfica, una de esas películas que te devuelven la ilusión de la infancia y que hacen homenaje a la gran pantalla. Steven Spielberg dirige en este largometraje a unos inspiradísimos Sam Neill, Laura Dern y Jeff Goldblum, que también cuenta con Richard Attenborough y Samuel L. Jackson. Basado en la exitosa novela de Michael Crichton, escrita en 1990, relata la historia de un grupo de científicos en una remota isla de Costa Rica donde los dinosaurios vuelven a la vida. Una historia que acabó cosechando tres premios Oscar: a mejor sonido, mejores efectos sonoros y mejores efectos visuales.

La trama se convierte en un auténtico reto de supervivencia cuando una pareja de eminentes científicos y un matemático visitan el parque temático para comprobar la viabilidad del proyecto. Sin embargo, los animales prehistóricos escapan de sus jaulas y se desata el caos, poniendo a prueba la codicia del ser humano y la fuerza de la naturaleza. La cinta dio lugar a una de las franquicias más importantes de la historia del cine. Muchas son las entregas de la saga que siguen estrenándose en cartelera, pero hubo dos inmediatas sucesoras: El Mundo Perdido (1997) y Parque Jurásico III (2001).

'El piano' (1993)

Estamos ante una de las películas más aclamadas de los años noventa. Escrita y dirigida por la cineasta Jane Campion, con Holly Hunter y Harvey Keitel como coprotagonistas, la película sigue a ambos personajes y a un frío terrateniente, interpretado por Sam Neill, en su viaje a la Nueva Zelanda colonial de mediados del siglo XIX. Ambos se conocen por un matrimonio concertado, pero pronto el valioso piano que ella trae de Escocia abre una brecha insalvable cuando él decide vender el instrumento a un vecino. Esto propicia un pacto de encuentros íntimos en torno al piano, un debate silencioso pero doloroso que marcará la vida de los tres mientras intentan sobrevivir a sus propias pasiones.

El filme fue reconocido, sobre todo, por el papel de Hunter, que ganó el premio Oscar a la mejor actriz principal tras haberse hecho con el Globo de Oro por el mismo motivo. También hizo lo propio Anna Paquin, que forma parte del reparto, logrando la estatuilla a la mejor actriz de reparto. Campion, por su parte, obtuvo el Oscar al mejor guion original. Su éxito en la temporada de premios comenzó tras su victoria en el Festival de Cannes, donde El Piano triunfó en el palmarés.

'En la boca del miedo' (1994)

El cineasta John Carpenter confió en Neill para protagonizar esta asfixiante película para amantes del miedo psicológico en la que estuvo acompañado por Jürgen Prochnow y Charlton Heston. El largometraje se inspira directamente en el universo literario de H.P. Lovecraft, mostrando cómo un detective especializado en destapar fraudes es contratado por una editorial para localizar al famoso escritor de terror Sutter Cane, desaparecido misteriosamente antes del lanzamiento de su próxima novela en la que se presupone que es, erróneamente, una táctica de promoción.

Pero esta no es la única pesadilla cinematográfica que forma parte del catálogo de Sam Neill. El intérprete también forma parte de películas de terror como Horizonte (1997), aunque esta se encuentra más cercana a la ciencia ficción. La trama comienza con la repentina reaparición de la nave experimental Event Horizon, desaparecida misteriosamente años atrás en Neptuno. Su diseñador, el doctor William Weir, se une a un equipo de rescate militar para recuperar el navío y descubrir qué ocurrió a la tripulación original, dando así vida a un filme oscuro y casi claustrofóbico.

El actor neozelandés Sam Neill, conocido entre otros muchos por su papel en Jurassic Park, ha muerto este lunes en Sídney, Australia, según ha informado su familia en un comunicado. El intérprete tenía 78 años y durante años estuvo con tratamiento por un cáncer del que informó en abril que estaba libre.

“La pérdida fue repentina e inesperada, pero con el consuelo de que Sam se mantuvo libre de cáncer”, asegura el escrito de la familia, que pide respeto y privacidad ante esa “pérdida inconmensurable”.

El actor tuvo una larga trayectoria tanto en cine como en televisión. Además de la saga Jurassic Park, participó en producciones como Peaky Blinders, El Piano de Jane Campion, por la que fue reconocida con la Palma de Oro en el Festival de Cannes; o Merlín, que le sirvió de nominaciones a los Emmy y los Globos de Oro.

Nigel John Dermot 'Sam' Neil nació en Omagh, dentro del condado de Tyrone, en Irlanda del Norte, donde su padre neozelandés estaba destinado en ese momento, sirviendo en la Guardia Irlandesa. Su familia fue propietaria de la mayor distribuidora de licores de Nueva Zelanda, país al que el posterior actor regresó en 1964. Allí estudió literatura inglesa en la Universidad de Canterbury, donde tuvo su primer contacto con la interpretación. Posteriormente se trasladó a Wellington, donde finalizó sus estudios y se graduó como en Artes y Literatura Inglesa.

Su nombre artístico, Sam, surgió desde el colegio ya que, dado que en su clase había otro niño que se llamaba Nigel, decidieron que para evitar errores él fuera conocido como Sam. Tras trabajar en la compañía de cine de Nueva Zelanda ya como actor y director, fue seleccionado para protagonizar Sleeping Dogs. Después trabajó con Judy Davis en My Brilliant Career y Omen III: The Final Conflict en 1981, secuela de La profecía.

Neil contaba con triple nacionalidad, neozeladesa, británica e irlandesa. En Reino Unido comenzó a destacar en década de los ochenta, especialmente gracias a su papel principal en la miniserie Reilly, Ace of Spies. Durante su carrera le llegarían otros grandes títulos como Calma total (1989), La caza del Octubre Rojo (1990), El piano (1993), En la boca del miedo (1994), El hombre Bicentenario (1999) y La luna en directo (2000).

Eso sí, uno de sus personajes más reconocidos fue el del doctor Alan Grant de Jurassic Park, en 1993, a las órdenes de Steven Spielberg, junto a Laura Dern y Jeff Goldblum. Filme que le catapultó definitivamente a la fama internacional.

Por su implicación en la saga terminaría rechazando participar en otra de las más populares de la historia del cine, El Señor de los Anillos. Peter Jackson le ofreció encarnar a Elrond, pero el intérprete rechazó la oferta porque ya había firmado estar en Jurassic Park III (2001). En 2022 regresó al universo de los dinosaurios con su participación en Jurassic World Dominion en 2022. Tres años antes visitó el Festival de Sitges, en el que recibió el Gran Premio Honorífico por su trayectoria.

En 1995 escribió y dirigió junto a Juudy Rymer Cinema of Unease: A personal Journey by Sam Neill, en la que contó sus recuerdos personales sobre la historia del cine neozelandés. Otras de las producciones en las que trabajó fueron ficciones como Happy Town (2010), Alcatraz (2012), Rick y Morty (2019) y las dos primeras temporadas de Peaky Blinders, entre 2013 y 2014. Además, Neill fue nominado tres veces al Globo de Oro, por su trabajo en Merlín–por la que también optó al Emmy–, One Against the Wind y Reilly: Ace of Spies.

Neill fue diagnosticado de cáncer de sangre en marzo de 2022, cuando se encontraba en plena promoción de Jurassic World: Dominion. El intérprete lo hizo público un año después, en una entrevista con The Guardian, donde explicó que la enfermedad estaba bastante avanzada. Sin embargo, en abril de este mismo año, informó de que había remitido. “Me acaban de hacer una tomografía y no hay cáncer en mi cuerpo, es algo extraordinario”, anunció en televisión, “ya es hora de que haya otra película”.

Un colegio, un hotel de lujo, una plaza de toros, una explanada en la que varios niños juegan a la pelota, una parcela en la que, aún hoy, quienes la pasean encuentran casquillos de balas. Son las huellas de una historia que no ha sido lo suficientemente contada, la de los campos de concentración franquistas que poblaron el país desde la sublevación militar de 1936. Una dimensión de la represión que rescata del olvido Todo es cárcel, la nueva película de Eloy Enciso, que acaba de ganar el Gran Premio de la Competición Internacional del festival FID Marseille, celebrado este fin de semana en la ciudad francesa.

Los golpistas no necesitaron ni siquiera 24 horas desde que se rebelaran por las armas contra la República para abrir su primer campo de concentración a pocos kilómetros al sur de Tetuán. Repartidos por toda la geografía española, este tipo de espacios, de los que el periodista Carlos Hernández llegó a documentar 300, fueron usados por los franquistas para encerrar a los prisioneros a medida que conquistaban territorio. Funcionaron hasta finales de los años 40 y llegaron a albergar a más de 750.000 republicanos.

Su existencia, sin embargo, ha sido y es todavía ignorada más allá de la historiografía oficial y apenas hay señales en los lugares que ocuparon. Un olvido colectivo sobre el que Todo es cárcel propone una reflexión ineludible para las sociedades democráticas: qué ocurre cuando una violencia sistemática desaparece del relato compartido de un país, pero continúa dejando huellas en la vida cotidiana incluso sin darnos cuenta.

Porque el filme, aunque utiliza como elemento vertebrador el sistema concentracionario de la dictadura, apunta a un marco más amplio, el de la represión franquista en toda su amplitud. “Al menos para mi generación es algo bastante desconocido, pero que tiene un carácter muy rizomático. Cuando empiezas a tirar del hilo vas llegando a otras derivadas. La historia política de un país siempre se cuenta en términos macro y yo quería acercarme a lo micro, a cómo esa violencia tan sistemática puede estar aún presente hoy en día, cómo la hemos heredado o ha quedado reflejada en las familias”, explica el director Eloy Enciso, que en 2019 ya ahondó en las heridas abiertas de la Guerra Civil en Longa noite.

Su nueva película, una ficción con tintes documentales producida por Umbracle Cine y Filmika Galaika, sigue los pasos de Elsa, una fotógrafa que recorre el país con su proyecto sobre campos de concentración franquistas. En medio del proceso, la mujer tendrá que enfrentarse a su propio pasado y a su historia familiar, a partir de la muerte de uno de sus tíos, que vivió la dictadura de Franco. El suceso la llevará a la casa de Galicia en la que ella y sus primos tendrán que abordar qué hacer con el legado material mientras emergen las voces de quienes quieren enterrarlo para siempre.

Una “pugna” por la herencia de los objetos que representa a toda una sociedad. “La intención última no es que tenga un sentido literal, sino simbólico. Aún hay dos Españas, la que desde hace mucho tiempo pelea porque de verdad se afronte esta asignatura pendiente y la que no. Este es un problema de fondo y a gran escala que sigue bloqueando el acceso a la memoria”, cree Enciso.

Los objetos cotidianos vinculados al pasado adquieren un papel clave en el filme porque también lo tienen en la vida real. Las fotografías de los represaliados y las cosas que tuvieron en su vida o las que portaban en el momento de su fusilamiento son custodiadas por algunas familias para recordar a sus desaparecidos, mientras otras se ven abocadas al silencio.

El antropólogo Jorge Moreno, que tiene un papel en la película y lleva años investigando el poder simbólico de los objetos, lo explica con un caso real, el de los nietos de un represaliado que apenas saben quién fue o lo que ocurrió frente a otros familiares, la mayoría mujeres, que sí han resguardado la memoria. Para Enciso, esta y otras escenas muestran cómo “el sistema fue muy efectivo borrando las cicatrices de la historia que quedó en los árboles familiares” y que, de alguna u otra manera, nos atraviesa a todos y todas.

Las cartas de Carmen y Ángel

La narración va entrelazándose con otras capas, como la que traslada al espectador al final de la Guerra Civil y los primeros años de dictadura a través de Carmen y Ángel, una pareja de represaliados enamorados a los que separa el triunfo de los franquistas. Su historia está tejida por las cartas que se escriben mientras relatan la crueldad de las detenciones, los intentos de huida, los campos de concentración y las cárceles en las que son encerrados.

El intercambio epistolar es ficcional, pero tiene una base documental: son fragmentos de memorias, escritos y cartas reales. Sus palabras son retazos de las que algún día dijeron personas reales que fueron perseguidas por su forma de pensar. “Todo lo que se dice, alguien lo relató”, explica el director, que ha llevado a cabo una dilatada investigación al respecto.

“No soy capaz de contar todo lo que me hicieron, ojalá algún día lo consiga”, le dice Carmen a Ángel en uno de los extractos en los que cuenta su detención. Es 28 de junio de 1939 cuando él responde desde un campo de concentración en el que está prisionero: “Entre el 11 y el 27 de junio hemos comido cuatro veces. Se nos escurren las mejillas y se nos hunden los ojos, nos adelgazan los brazos, las piernas y el pecho. Cuesta trabajo permanecer de pie”.

Al tiempo que Elsa, que habitualmente vive en Berlín, recorre la geografía española para retratar qué lugares albergaron los campos franquistas, las cartas de Carmen y Ángel ponen cuerpo y vida a los escenarios. La frase que resume su periplo es una idea central en la película: “Pasamos por ellos cada día sin darnos cuenta”, dice Enciso sobre los campos, de los que apenas un puñado están señalizados o conservan alguna marca que permita reconocer lo que fueron. Los paisajes sin rastro de memoria se contraponen así con el horror que albergaron.

En estos espacios, la dictadura instaló los llamados batallones de trabajadores, uno de los sistemas de trabajo forzado de la España de Franco contra los considerados enemigos del Nuevo Estado. En general, una vez los prisioneros republicanos llegaban a los campos, se discernía quienes pasarían a trabajo forzado a partir de su clasificación en afectos, desafectos y afectos dudosos al Glorioso Movimiento Nacional. Una parte de la infraestructura del país fue levantada por ellos en condiciones de semiesclavitud: desde numerosas vías de tren a presas y embalses o incluso el Valle de Cuelgamuros, donde miles de víctimas fusiladas permanecieron décadas enterradas junto a su verdugo.

A lo largo de la película es una voz en off la que la mayoría de las veces lee las misivas de Ángel y Carmen. Mientras eso ocurre, la cámara recorre calles, negocios, pueblos tierras y edificaciones como si nada pasara, como si el paisaje de nuestro país estuviera “disociado de su propia historia”. El tiempo se dilata frente a ellos y el silencio se expande. Un silencio que es colectivo. “Nos interesaba usar el cine para retratar el denominado 'franquismo sociológico' a través de los paisajes mudos y la intimidad, mostrando que el fascismo convive con nosotros a una escala tan colectiva como individual”, concluye Enciso.

El próximo 17 de julio llega a los cines La Odisea, la nueva película de Christopher Nolan, y más allá del reparto estelar con Matt Damon como Odiseo, Tom Holland como Telémaco o Anne Hathaway como Penélope, y de la épica mitológica griega de Homero que adapta, la película ya ha hecho historia antes de su estreno por un motivo puramente técnico: es la primera película de ficción rodada íntegramente con cámaras IMAX nativas de 70 milímetros. Un sueño de adolescencia que el propio Nolan llevaba años queriendo cumplir.

“Cuando nos fuimos de luna de miel, hablaba de rodar en IMAX. Y con el tiempo, pasó de rodar una sola escena en El truco final para probarlo, a secuencias enteras en El caballero oscuro”, explica entre risas Emma Thomas (productora y esposa de Nolan) en una entrevista para TIME“. Nolan lleva años popularizando el uso de estas cámaras de gran formato, pero siempre se veía obligado a alternar entre el formato IMAX y cámaras convencionales según la escena. Con La Odisea ha logrado por fin lo que ningún director había conseguido antes: mantener el mismo formato gigante durante los 150 minutos de metraje completos.

La razón de esa obsesión tiene una justificación técnica concreta. El formato IMAX de 70 mm expande la imagen un 40% más en comparación con los formatos estándar, ofreciendo una inmersión visual sin equivalente en la historia del cine comercial. Para Nolan, que siempre ha defendido la sala oscura como experiencia irrepetible, grabar una obra como La Odisea de cualquier otra manera habría sido como traicionar sus ideas.

Los retos técnicos que supone grabar toda la pelicula en IMAX

Conseguirlo no ha sido fácil. Las cámaras IMAX tradicionales de cinta física son muy grandes, pesadas y, sobre todo, extremadamente ruidosas, lo que hacía imposible grabar el sonido directo de los actores en diálogo. Para solucionar este problema, los ingenieros de IMAX desarrollaron específicamente para esta producción el Blimp: un armazón especial de fibra de carbono multicapa diseñado para insonorizar el equipo y permitir, por primera vez, rodar escenas de diálogo en formato IMAX nativo con el sonido directo sincronizado.

Eso sí, el coste de toda esta tecnología es proporcional a la magnitude del director. Durante el rodaje, que duró de febrero a agosto de 2025 en localizaciones como Marruecos, Grecia, Italia, Escocia, Islandia y el Sáhara Occidental, se consumieron más de 640 kilómetros de rollo de película, una distancia superior a la que separa Barcelona de Madrid. De hecho, con un presupuesto total estimado de 250 millones de dólares, La Odisea es la película más cara de la carrera de Nolan.

Fiel a su filosofía de huir de los efectos digitales, Nolan ha aprovechado el formato para capturar con realismo físico absoluto algunas de las secuencias más intensas de la epopeya. Los monstruos de Homero como el cíclope Polifemo o las sirenas, cobran vida en pantalla mediante marionetas mecánicas gigantes y animatrónicos, no mediante CGI.

Hay, además, otro daro muy llamativo del rodaje que ilustra mejor que cualquier dato técnico lo complicado que es grabar en este formato. Las cámaras IMAX de 70 mm solo permiten grabar un máximo de tres minutos continuos antes de agotar el rollo de película y tener que cambiarlos. De hecho, Tom Holland explicó que al inicio del rodaje creía que esos cortes eran porque a Nolan no le estaba gustando su actuación.

Es esa mezcla de limitaciones técnicas y ambición la que define todo el proyecto y le da un sitio privilegiado a La Odisea dentro de la filmografía de Nolan. Para el prestigioso director no solo es la adaptación de un poema épico de hace tres mil años, sino la culminación de un proyecto personal que empezó en la adolescencia de un chico británico al que le fascinaba el cine.

Desde hace tres semanas es casi imposible escapar en Netflix de alguna promoción de Te encontraré. Su algoritmo la recomienda a todos los usuarios que entran en la aplicación de la plataforma, y desde su estreno se ha consolidado como el último fenómeno de la compañía. La miniserie de ocho episodios lleva en el primer lugar de las series más vistas desde su estreno con grandes datos de audiencia (que publica Netflix cada martes). No es de extrañar cuando uno ve que detrás del argumento se encuentra una novela de Harlan Coben.

Seguramente casi nadie haya oído hablar de Harlan Coben, y con la misma seguridad pocos habrán leído una de sus creaciones, aunque es un escritor con decenas de novelas publicadas y está considerado como uno de los mayores creadores de best sellers de la actualidad, de esas novelas de aeropuerto de consumo rápido. Sin embargo, lo que es prácticamente imposible es que alguien no haya visto al menos un episodio de una serie basada en sus libros.

Te encontraré, que cuenta la historia de un padre encarcelado injustamente por el asesinato de su hijo que logra escapar de prisión tras descubrir una fotografía que sugiere que el niño sigue vivo, es el último ejemplo. Y todas siguen los mismos patrones. Thrillers de tramas rocambolescas, imposibles, sin lógica aparente y que se lo juegan todo a giros aún más locos que dejan sorprendido al espectador. Lo ha demostrado en otros fenómenos del streaming como Safe, No hables con extraños y El inocente.

Lo curioso del fenómeno de Harlan Coben es cómo su estatus de prestigio o éxito se ha construido gracias a las adaptaciones de sus libros más que gracias a los propios libros. Y cómo todos los países donde se ha publicado han coqueteado con sus creaciones intentando aprovecharse de esas historias que de puro delirio acaban conquistando a los espectadores. Aunque ahora haya sido Netflix quien esté explotando la gallina de los huevos de oro —la plataforma tiene un acuerdo de exclusividad para adaptar sus libros desde 2018 y hasta tiene una categoría propia donde agrupa sus series y películas— fueron los franceses los primeros que se fijaron en Coben.

Fue en 2006, mucho antes de que Netflix lo descubriera y de que se convirtiera en un éxito. El cineasta francés Guillaume Canet adaptó una de sus novelas en el thriller No se lo digas a nadie. Tuvieron que pasar nueve años para que se produjera otra adaptación. Fue de nuevo en Francia, donde François Velle adaptó Última oportunidad en formato miniserie. Un año después llegaría el debut de Coben como creador de series. La británica The five contaba con él como guionista, pero no adaptaba ninguna de sus novelas, algo que sí hizo la francesa Solo una mirada en 2017 y, sobre todo la inglesa Safe, que en 2018 se convirtió en la primera vez que Netflix apostó por una de sus novelas. Su éxito fue lo que cambió todo.

¿De dónde sale Harlan Coben?

Según la biografía oficial de su editorial en España y la que circula por diferentes medios, Harlan Coben nació en Nueva Jersey en 1962 en el seno de una familia judía. Estudió ciencias políticas, y fue en el último año de universidad cuando decidió probar suerte como escritor. A los 26 años aceptaron su primer manuscrito, una novela donde ya apostaba por el suspense de título Sin un adiós, que salió a la venta en 1990. Sin embargo, fue su saga dedicada al personaje de Myron Bolitar, un exbaloncestista convertido en agente de deportistas de élite que acaba enredado en crímenes y asesinatos la que le hizo famoso y exitoso.

La primera entrega, Motivo de ruptura, llegó en 1995, y desde entonces su producción de nuevos episodios de la franquicia ha sido constante. Solo un año después publicó dos nuevos libros sobre Bolitar, personaje al que ha seguido explotando comercialmente hasta en 12 ocasiones. La última en 2024.

Según RBA ha vendido más de 50 millones de ejemplares en todo el mundo y sus libros se han colocado en la primera posición de los best sellers del New York Times, además de traducirse a más de 46 idiomas. Le describen como el único escritor ganador de los cuatro premios de misterio y novela criminal más importantes: el Edgar Award, el Shamus Award, el Anthony Award y el Premio RBA de Novela Policiaca. Como curiosidad, en una entrevista en Vanity Fair contó que trabajó de joven como guía turístico en Marbella.

Un éxito en muchas lenguas

Una de las peculiaridades del éxito de Harlan Coben, especialmente desde su llegada a Netflix, es que sus adaptaciones no se limitan al mercado anglosajón, sino que se han producido en muchos idiomas y países. Bosque Adentro y Ni una palabra se han hecho en Polonia, mientras que El inocente fue una de las series españolas más vistas. Oriol Paulo se trajo a Barcelona y a su universo la creación de Coben en una miniserie con Mario Casas, José Coronado y Aura Garrido. También Argentina ha caído a sus encantos, donde Miguel Cohan y Hernán Goldfrid se encargaron, en 2025, de Atrapados.

Todas forman parte del acuerdo de colaboración global con Netflix que firmó en 2018 para adaptar, al menos, 14 de sus novelas como series o películas. En todas ellas él entra como productor ejecutivo y supervisa los proyectos. La primera producción de ese acuerdo se estrenó en 2020, y desde entonces se ha convertido en uno de los focos de producción más importante para la empresa de la N roja.

Un acuerdo que se ha extendido de nuevo, pero que no es exclusivo. Harlan Coben también prevé de giros y thrillers a otras plataformas. De hecho, en Prime Video se pueden ver Refugio y Lazarus. Ambos títulos vienen acompañados de la frase ‘De Harlan Coben’, dejando claro que el autor ya es una marca reconocible para aquellos espectadores que quieran ver una serie de suspense con final sorprendente.

Eso sí, será Netflix quien estrene una de sus adaptaciones más esperadas, la que tiene que ver con su personaje más popular en las novelas, ese Myron Bolitar que ya tiene showrunners (David E. Kelley y Kyle Long) y reparto para sus papeles más importantes. Colin Woodell interpretará a Myron Bolitar, KJ Apa a Win Lookwood, y Diane Guerrero dará vida a Esperanza en una serie que será, sin duda, uno de los platos fuertes de Netflix en 2027.

El estudio Pixar ha regalado a lo largo de su trayectoria con historias que han quedado en la memoria de varias generaciones, que han crecido con sus películas, desde que en 1995 debutaran con ‘Toy Story’ y cambiaran la forma de hacer animación, tanto que han influenciado a Disney, su actual propietaria, desde dentro.

Una de esas historias que ha perdurado en el imaginario colectivo es ‘Cars’, que cumple 20 años desde que se estrenara la primera de sus películas y se arrancara así con una de las sagas más exitosas, no solo por sus más de 462 millones de dólares, sino porque es una de las que más ha conseguido vender en merchandising, generando una facturación de más de 10.000 millones de dólares.

Un homenaje e inspiración de la Ruta 66

‘Cars’ llegaba a los cines españoles un 7 de julio de 2006 para ser uno de los mejores estrenos del verano de hace dos décadas, y abrir la franquicia ambientada en el ficticio pueblo de Radiador Springs, que, si bien no existe del todo en la vida real, tiene una clara inspiración que sí que es realidad. Y es que la película se planteó como un homenaje e inspiración en la Ruta 66, que precisamente, fue la primera idea de título, pero el hecho de que ya existiera una serie de televisión con el mismo nombre hizo que se cambiara y llegara a conocerse con el de ‘Cars’. El objetivo del equipo de Pixar fue reflejar la realidad de los pueblos fantasmas que surgieron en Estados Unidos cuando se construyó la autopista interestatal y que dejó de lado a la mítica ruta.

Debido a la importancia de la zona, diseñadores, animadores y productores estuvieron viajando durante nueve días por la Ruta 66 con el objetivo de documentar imágenes que luego iban a usar para crear lo que serían los escenarios de la película animada. Así, se pueden ver claras referencias reales como Cadillac Ranch, una instalación de arte al aire libre que se ubica en Amarillo, Texas, o el pequeño pueblo de Galena, en Kansas, donde se pueden ver ya figuras de personajes de la saga.

La película animada que respira NASCAR y Fórmula 1

Siendo un largometraje protagonizado por coches, el automovilismo tiene un papel relevante y son muchos los guiños que aparecen a dos de las principales competiciones deportivas como son la NASCAR y la Fórmula 1. Además, los propios personajes están inspirados en modelos reales de coches, como el BMW E9 Coupé, Chevrolet Camaro, Porsche 911, Hudson Hornet o un Fiat 500, algunos de ellos modelos de coleccionista.

Así, además de leyendas del cine como Paul Newman, que dio voz a Doc Hudson en la primera entrega, participaron también grandes nombres del automovilismo como Richard Petty, apoyado ‘el rey’ de la NASCAR y en el que está basado el personaje del mismo nombre y al que dio voz. Otra figura fue el tres veces campeón de la competición, Darrel Walltrip, que se interpreta así mismo con un Chevrolet Monte Carlo de 1977. Pero la NASCAR está también detrás de la inspiración de Mate, el ‘torpe’ compañero de Rayo McQueen, que se basa en un fan de la competición llamado Douglas Mater Keever y al que conoció el director John Lasseter en un viaje mientras investigaba para el filme, de hecho, hace incluso un cameo como voz de una caravana.

Además de la NASCAR, la Fórmula 1 tuvo su papel también dentro de ‘Cars’, siendo uno de los guiños más destacados el que la matrícula de Luigi es 4458, que son a la vez las coordenadas de la fábrica de Ferrari en Maranello, Italia. Así, varios pilotos y expilotos dieron voz a personajes como Nikki Lauda, Michael Schumacher y Sebastian Vettel participaron en la versión alemana, así como Lewis Hamilton en la original. En España coincidió con el momento de mayor popularidad de este deporte, con Fernando Alonso como bicampeón, y que puso voz a Mario Andretti, además de que el locutor Antonio Laboto hizo también de narrador en la cinta, pero participaron también Nani Roma, Marc Gené, Pedro de la Rosa, Emilio de Villota, Dani Sordo o Antonio Albacete, entre otros grandes nombres.

Guiños a Toy Story

No solo dentro de ‘Cars’ encontramos referencias a la Ruta 66 y al automovilismo, sino también al universo Pixar, con guiños como suele ser habitual en las películas tanto de Disney como de la factoría, y es que cabe recordar que detrás de las primeras entregas de la saga esta John Lasseter, que dirigió también las primeras de Toy Story, y es por eso por lo que esta franquicia es la que más guiños esconde.

Podemos ver, por ejemplo, como el número 95 de Rayo McQueen hace referencia directa al año de estreno de ‘Toy Story’, primera película de Pixar, así como la marca de neumáticos es ‘Lightyear’ como el apellido del famoso astronauta juguete Buzz, o también podemos ver la camioneta de Pizza Planet en varias ocasiones.

Este miércoles comenzó una nueva edición del Mad Cool. Por allí pasaron Foo Fighters, Moby —que fue el único que usó su altavoz para decir algo y atacar a Trump— y la sorpresa inocentona de unos Arde Bogotá disfrazados de la banda inventada Bigger Splash. Pero caminando por Villaverde de camino hacia su novena edición, siguiendo las hordas de gente que van desde el metro al macro recinto creado para estos eventos, y a 40 grados, me dio por pensar en la forma en la que consumimos cultura y sus consecuencias. Unas consecuencias que no solo afectan a la industria de la música, sino, como ejemplifica ese sitio, a las propias geografías y urbanismos de las ciudades.

Especialmente la música se ha convertido en los últimos años en una burbuja enorme. Una burbuja que ha ido creciendo y que ha tenido en los macrofestivales su cara más visible. No había ciudad, especialmente ciudad de vacaciones, que no tuviera su macrofestival. Y lo tenían no porque se amara a la música, sino porque se amaba el dinero. Veían en ese boom una forma de ganar cantidades ingentes de pasta.

No hay nada nuevo en ese sentido, pero el problema es que lo están haciendo a costa de la gente y de la connivencia de otros tantos. Cuando uno va al Mad Cool no piensa en los vecinos de Villaverde ni de Colonia Marconi. En cómo ese recinto ha alterado sus vidas. En cómo el ruido hace sus noches insoportables y cómo han construido un recinto que altera su día a día.

Los ayuntamientos construyen cada vez más estadios y superficies para poder dar conciertos. Y hasta anuncian normativas a su antojo para que no haya un solo estadio que se quede sin hacerlo. Sin salir de Madrid, lo que está pasando con el estadio Bernabéu es el mejor ejemplo. El enfrentamiento vecinos vs Florentino Pérez sigue su curso, pero el presidente del Real Madrid tiene claro que harán una norma para darle la razón.

Esa insensibilidad creo que viene porque realmente la gente que va a estos sitios, en muchas ocasiones, no ama realmente la cultura, sino que quiere contar que ha estado en un sitio. Un paseo por el Mad Cool lo deja claro. Muchas de las miles de personas que abarrotan el recinto no van porque amen la música de Foo Fighters, sino porque el Mad Cool es ‘el sitio en el que hay que estar’. Allí ves a gente que se cree que está en Coachella haciendo fotos con la noria en vez de ir a descubrir algún grupo. O jóvenes que, evidentemente, lo que están es de botellón con música de fondo.

Por supuesto que no todo el mundo es así, pero esa tendencia está cada vez más extendida. Y no solo en la música. Ahora se ha puesto de moda hacer una foto a la pantalla de cine para poder contar en redes sociales qué película estás viendo. ¿Por qué tienes que fotografíar la pantalla mientras está la película? Primero, es ilegal. Segundo, ¿no te vale con decir si te ha gustado o no? La gente no quiere consumir cultura, quiere acudir al evento cultural para ser guay y contarlo. Y eso está haciendo que nuestra responsabilidad como consumidores sea cada vez menor.

Parece que la burbuja de festivales se pincha. Este año han cancelado muchos alegando que no han vendido suficientes entradas, pero ¿y las heridas que dejan a su paso? Las heridas culturales, industriales, urbanísticas y económicas… A nadie le importa mientras puedan hacerse una foto con un look increíble en el sitio de moda. Menos mal que todavía hay excepciones. Nuestro compañero Nando Cruz nos habló el otro día del (a)phònica de Banyoles, y uno vuelve, de repente, a confiar en que las cosas se pueden siempre hacer de otra manera mejor.

Tres películas

'Las corrientes'. Qué película tan especial, misteriosa, diferente y sugerente ha dirigido la cineasta argentina Milagros Mumenthaler. El estudio del personaje que interpreta magníficamente Isabel Aimé Gonzalez Sola nunca sigue los derroteros del cine actual, y se convierte en una historia hipnótica en la que es mejor perderse sin buscar explicación.

'Winnipeg, el barco de la esperanza'. El Winnipeg fue el barco fletado por Neruda para que los republicanos españoles huyeran cuando Franco gana la guerra. Al cine español le cuesta poner sus ojos en historias como esta. Ha sido, además, la animación quien lo ha hecho en una rara avis de nuestra industria que hay que reivindicar.

'MegaDoc'. Filmin ha estrenado el documental que muestra las bambalinas del batacazo que se pegó Francis Ford Coppola con Megalópolis, su proyecto soñado que dio muestras de caos desde su rodaje. El director Mike Figgis (responsable de Leaving Las Vegas) tuvo acceso a todo (o casi) el rodaje y lo cuenta en una película que muestra la intrahistoria de un fracaso fascinante.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'Lobos' de Robert Brodsky (Random House). Adentrarse en las páginas de esta novela supone enfrentarse a la brecha insalvable que se abre entre un padre y su hija adolescente. Durante un largo e inquietante viaje en coche rumbo a un campamento ecológico en Ohio, ambos protagonistas deben lidiar con sus propios duelos, la enfermedad y los fantasmas políticos del pasado. Se trata de un retrato del desconcierto de toda una generación frente al derrumbe del mundo adulto. Ya en librerías.

'Polis y cacos' de Paloma Bravo (Contraluz). La autora madrileña publica una obra sobre la infancia elitista y las etiquetas sociales. Todo arranca cuando la antigua alumna más atractiva y cruel de la promoción propone un absurdo reencuentro de exalumnos de colegio privado para jugar de nuevo al clásico juego infantil. A través de un chat grupal, la convocatoria reactiva viejos rencores e incluso recuerdos de acoso escolar. Ya disponible en librerías.

'La reina que surgió del frío' de S. J. Bennett (Salamandra). La reina Isabel II se enfunda los guantes de detective en una obra de intriga con el telón de fondo de la Guerra Fría. Durante un trayecto a bordo del tren real en 1961, una dama de compañía asegura haber presenciado un asesinato desde la ventanilla, destapando una compleja red de espionaje internacional vinculada al entorno de la princesa. Ya se puede encontrar en librerías.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Siete años. Más de la mitad de una década. Ese es el tiempo que ha estado Madonna sin publicar nueva música. Sin embargo, la artista está de vuelta con la segunda parte de su clásico Confessions. Hemos analizado en elDiario.es lo que supone este lanzamiento en la trayectoria de la que es sin duda una leyenda, pero ahora toca hablar de una de las canciones, que ya forma parte de nuestra playlist de recomendaciones, donde puedes encontrar también las de las semanas anteriores.

'Danceteria' de Madonna. Esta canción toma el título del nombre de una discoteca neoyorquina de principios de los años 80. Fue allí donde comenzó la carrera de Madonna. El tema recrea con dinamismo la vida de la estrella en el Nueva York de aquel entonces, nombrando a amigos y figuras clave como Keith Haring, Basquiat y Debi Mazar. La canción utiliza una interpolación de Lou Reed, trayendo de vuelta su cláisco Walk on the Wild Side.

'Die on This Hill' de Sienna Spiro. La joven compositora británica, una de las voces revelación de este año, firma una de las baladas más conmovedoras de su álbum debut, Visitor. La pieza comenzó a gestarse mientras Spiro intentaba tocar Bohemian Rhapsody al piano, derivando en un desgarrador himno de corte soul sobre la lealtad extrema y la tozudez en el amor.

'Gospel Oak' de Wolf Alice. Esta semana se está celebrando el Mad Cool en Madrid y entre sus invitados se encuentra Wolf Alice, que subió al escenario el pasado miércoles. Sin embargo, el aclamado cuarteto de Londres también tiene novedades musicales. En este caso, la banda regala una joya de folk íntimo y acústico que rescata las mejores esencias de su sonido. Se trata de un descarte de su último álbum, compuesto por la vocalista Ellie Rowsell, que toma su nombre del distrito donde creció la banda.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Festival Pirineos Sur (Huesca). Que no cunda el pánico si no podéis ir a este festi este fin de semana, porque durará hasta el próximo 26 de julio. Se celebra en el Auditorio Natural de Lanuza, un lugar espectacular al aire libre en mitad de la naturaleza. Este viernes actúan Suede y Nacho Vegas, el sábado Los Planetas y Christina Rosenvinge, el domingo Bomba Estéreo y Alex Serra & Totidub. Más adelante les tomarán el relevo artistas como La M.O.D.A, Judeline, Samuraï, Monrieur Periné, Valeria Castro y Jorge Drexler.

Esther Boix - Un mundo en lucha (Barcelona). Este fin de semana es vuestra última oportunidad para visitar esta exposición del Espais Volart sobre Esther Boix i Pons, que fue todo un ejemplo de lucha y superación. Comprometida con la transformación social, entendió la pintura como un instrumento de reivindicación de los derechos y las libertades individuales y colectivas. Paralelamente desarrolló una intensa labor pedagógica como una de las fundadoras de la Escola d'Expressió L'ARC, donde formó a generaciones de jóvenes poniendo el arte al servicio de las personas. La exhibición es la primera gran muestra retrospectiva dedicada a la artista.

Yo fui a EGB (Madrid). El Centro de Cultura Contemporánea CondeDuque acoge esta nostálgica exposición que reúne elementos como el cuaderno 'Rubio', los materiales escolares, la primera colonia 'chispas', los sábados por la mañana en la tele, la banda sonora de tantas infancias y las cocinas de las abuelas. Los visitantes se embarcarán en un viaje al pasado en el que se reencontrarán con una serie de personajes como la profe de tercero, el dependiente del videoclub del barrio o, incluso, Espinete.

Bilbao BBK Live (Bilbao). No podía faltar un festival de música en nuestras recomendaciones de planes. Calvin Harris, David Byrne, Robbie Williams, Belle and Sebastian, Dellafuente, Lily Alen, Zaz, Ralphie Choo y Paris Paloma son algunos de los más de 80 artistas que actuarán este fin de semana en este evento musical que celebra su 20º aniversario. ¡Enhorabuena!

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Eclipse total en nuestros corazones. Ha muerto Bonnie Tyler, la voz rota que nos emocionó y que animó las noches de muchos karaokes. Una cantante con una de esas voces únicas y reconocibles.

Demoler, demoler y demoler. Es una pena lo que está pasando en Aragón, donde se están descatalogando palacios del siglo XVII para echarlos abajo. Nos lo cuenta nuestro compañero Jose María Sadia.

Algo pasa en la Feria del Libro. Tras cinco años, la Feria del Libro ha destituido a su directora, Eva Orúe. No se han dado motivos exactos, y las librerías y editoriales han salido en su defensa y piden explicaciones.