La actriz estadounidense Kaylee Hottle, conocida por su participación en las películas Godzilla vs. Kong (2021) y Godzilla x Kong: The New Empire (2024), ha muerto este martes a los 18 años en un accidente de tráfico en Frederick, Maryland. Su padre, Joshua Hottle, ha confirmado la noticia en un video publicado en redes sociales en lenguaje de signos, en el que explica que se enteró de que Kaylee había sufrido un grave accidente de coche y que había fallecido camino al hospital, según TMZ.

Hottle también destacó en declaraciones a medios locales el compromiso de su hija con la comunidad sorda y su humildad pese al éxito que alcanzó en su carrera cinematográfica. La escuela especializada en personas con sordera, donde la actriz cursaba su último año, lamentó la muerte de Hottle en un mensaje publicado en redes sociales.

“Con profunda tristeza compartimos la noticia del fallecimiento de Kaylee Hottle en un accidente de tráfico en Frederick, Maryland”, señaló la institución, que pidió a la comunidad mantener a sus seres queridos en sus pensamientos. Hottle, que era sorda al igual que varios miembros de su familia por parte paterna, debutó en el cine interpretando a una niña sorda que se comunicaba mediante lenguaje de signos con King Kong.

Su personaje retomó protagonismo en la secuela de 2024 y la actriz también apareció en un episodio de la serie Magnum, P.I., además de convertirse en una figura de representación para la comunidad sorda en Hollywood. La actriz viajaba como pasajera en un vehículo implicado en un accidente de un solo automóvil, en el que el conductor, también adolescente, resultó herido. La oficina del sheriff del condado de Frederick indicó al canal WBAL-TV de Baltimore que el exceso de velocidad podría haber sido un factor en el siniestro.

Transformar un poema de 12.000 versos cuya lectura requiere un día entero en una película de tres horas exigía, inevitablemente, un buen tijeretazo. Es lo que ha pasado en La Odisea de Christopher Nolan, que prescinde de varias escenas y personajes de la epopeya de la Grecia antigua de Homero. El director también ha cambiado el enfoque de algunos de los episodios más célebres del relato y ha aportado adiciones de su propia cosecha. Repasamos, a continuación, las modificaciones más significativas.

Lo que Nolan elimina

Los dioses

La Odisea de Homero arranca con un debate entre Zeus y Atenea en el Olimpo. Con el beneplácito de Zeus, Atenea adopta un rol activo guiando a Odiseo/Ulises de vuelta a casa, ayudándole a vencer a los pretendientes y dando ánimos a su hijo, Telémaco. Todo ello lo hace recurriendo a múltiples disfraces. Mientras tanto, Poseidón obstaculiza el avance de Odiseo y Hermes es enviado a realizar un par de misiones clave.

La única diosa que retrata Nolan es Atenea (Zendaya), quien aparece únicamente como una visión ante Odiseo (Matt Damon) y parece encarnar su propia conciencia más que ser una entidad divina con existencia real.

Nausícaa y los feacios

Una de las escenas más aclamadas de la Odisea es el encuentro entre Odiseo y la joven princesa Nausícaa. El héroe llega desnudo a la playa de una isla desconocida tras un naufragio, justo donde ella y sus sirvientas están jugando a la pelota. Tras gestionar esta incómoda situación con delicadeza, Odiseo acompaña a Nausícaa hasta la ciudad de los feacios, donde relata sus periplos con el Cíclope, Circe, Escila y Caribdis antes de que le faciliten un viaje seguro de regreso a Ítaca.

Nolan elimina por completo a los feacios y hace que Odiseo le cuente todas esas historias a Calipso (Charlize Theron) a modo de recuerdos recobrados.

Sombras que se echan en falta

La película muestra a Odiseo reencontrándose con su antiguo comandante Agamenón (Benny Safdie) en el Hades (Nolan acierta al no retratarlo como un inframundo). Sin embargo, no vemos a Aquiles, el más grande de los guerreros griegos, ni a Áyax, quien en el poema rechaza en silencio el intento de reconciliación de Odiseo. Tampoco nos encontramos con la madre de Odiseo, a quien este intenta abrazar tres veces sin éxito.

Otro personaje omitido es el desdichado Elpénor, quien cae al vacío tras beber en exceso y luego suplica una sepultura digna. Resulta comprensible que Nolan buscara economizar en estos encuentros espirituales, a pesar de su gran fuerza y resonancia en la obra original.

La ejecución de las mujeres desleales

No sorprende que Nolan evite incluir la escena más escabrosa de la Odisea, en la que 12 esclavas que han sido desleales a la casa y se han acostado con los pretendientes son ahorcadas por Telémaco. Sin embargo, el director inventa un detalle en esa misma línea al mostrar a una de esas mujeres traidoras, Melanto (Mia Goth), prácticamente condenada a muerte por la esposa de Odiseo, Penélope (Anne Hathaway), quien la empuja al baño de sangre mientras los pretendientes son masacrados.

Nos ahorra, eso sí, el dantesco espectáculo de lo que le ocurre en el poema al odioso cabrero Melantio, a quien le cercenan la nariz, las orejas, las manos, los pies y los genitales.

La prueba del lecho de Penélope

La Penélope de Homero no se deja engañar fácilmente tras el regreso de Odiseo. Para cerciorarse de que el mendigo que acaba de masacrar a los pretendientes es realmente su marido, le pone una trampa pidiéndole que describa su lecho matrimonial, pues solo ellos dos saben que Odiseo lo había tallado a partir de un olivo. Nolan omite este detalle, que demuestra cómo Penélope rivalizaba en astucia con su esposo; en su lugar, Odiseo le muestra una figurilla de Atenea para probar su identidad.

Lo que Nolan añade

El caballo de madera

Homero no cuenta la historia completa del caballo de madera, aunque lo menciona en tres ocasiones en la Odisea (y ninguna en la Ilíada). Dado que usar el caballo para penetrar en Troya fue idea de Odiseo y resultó crucial para la gesta troyana, parece muy oportuno haberlo incluido en la película.

Sinón

El personaje de Sinón (Elliot Page), que en el filme engaña involuntariamente a los troyanos para que acepten el caballo de madera, no aparece en ningún pasaje de Homero. Nolan recurre aquí al relato de Virgilio sobre la caída de Troya en el segundo libro de La Eneida. También inventa un trasfondo según el cual Sinón es obligado a sustituir a Antínoo (Robert Pattinson) en el ejército griego.

Los pueblos del mar

En el largometraje se habla largo y tendido sobre cómo el mundo de los héroes griegos se ve amenazado por “los pueblos del mar”. Esto no supone ninguna preocupación en la Odisea homérica. Tampoco ningún personaje de Homero afirma, como sostiene el Odiseo de Nolan, que la guerra de Troya fuera en realidad una cuestión de “rutas comerciales”. Sin embargo, estos guiños a las inquietudes de los historiadores demuestran que Nolan ha hecho los deberes.

Lo que Nolan cambia

Calipso

La Calipso de Nolan seda a Odiseo con flores de loto para hacerle perder la memoria, pero acaba sintiendo compasión por él y le permite marchar. La Calipso del poema no recurre a ninguna sustancia y tiene una marcada inclinación por el sexo (algo que no vemos en la película), forzando a Odiseo a compartir su lecho noche tras noche aunque él suspira desesperadamente por volver a su hogar. Solo lo libera después de que Hermes se presente para comunicarle que Zeus ha dictaminado su liberación. Al ser una simple ninfa, sabe que debe acatar la autoridad del Olimpo. Una vez aclarado que puede irse, Odiseo aún se permite disfrutar de un último encuentro amoroso antes de echarse a la mar en su balsa.

El Cíclope

El Cíclope de Nolan apenas habla, mientras que en el poema mantiene un diálogo macabro e irónico con Odiseo. La ausencia de diálogos en la película incrementa el horror que transmite el gigante de un solo ojo, pero implica perder un par de detalles sustanciales del poema: la treta mediante la cual Odiseo se identifica como 'Nadie' para que los otros cíclopes no acudan en auxilio del monstruo cegado, y el momento en que Odiseo revela imprudentemente su nombre real, que el Cíclope utiliza para pedir a su padre, Poseidón, que maldiga el viaje de regreso de su enemigo. Estos cambios encajan con la decisión de Nolan de restar peso a las dotes de embaucador de Odiseo para ensalzar su resistencia forjada en la batalla y sus traumas provocados por la guerra.

Circe

Nunca se explica por qué la Circe de Homero transforma a algunos de los compañeros de Odiseo en cerdos. Vuelve a convertirlos en hombres cuando comprueba que Odiseo es inmune a su poción (gracias a una hierba otorgada por Hermes) y acepta acostarse con ella. Acaba convirtiéndose en una aliada muy útil y el héroe permanece con ella durante un año entero. La Circe de Nolan (Samantha Morton) parece moverse por la indignación ante el comportamiento animal de los hombres, pero luego accede dócilmente a devolver a los compañeros de Odiseo a su forma humana tras intuir este que no debe probar ese estofado y hacer que se compadezca de unos tipos que solo desean volver a casa.

La emboscada y el reencuentro

En la película, una banda de matones contratada por Antínoo intenta asesinar a Telémaco (Tom Holland) en un templo, pero Odiseo, recién llegado y disfrazado, lo impide. Poco después, Telémaco comprende que su salvador es su propio padre. En el poema, la emboscada está dirigida por Antínoo en alta mar y Telémaco la esquiva con facilidad (y sin demasiado dramatismo), para luego reencontrarse con su padre en Ítaca en una escena orquestada minuciosamente por Atenea.

El final

La Odisea de Homero concluye de una forma notoriamente insatisfactoria. Nolan prescinde con buen criterio de todas las escenas finales del poema: la llegada de los pretendientes al reino de los muertos, el encuentro de Odiseo con su padre, Laertes —al que disgusta innecesariamente adoptando otra identidad falsa— y la descafeinada batalla entre Odiseo y los familiares de los pretendientes masacrados. En la película, Telémaco asume el trono de Ítaca, lo que permite a Odiseo y Penélope zarpar hacia el horizonte en una misión para honrar a sus camaradas caídos.

*Chris Tryhorn es autor de La Odisea de Homero, una nueva versión de la historia original ya disponible en libro electrónico.

Nada puede contra Christopher Nolan. El director se ha convertido en una de las marcas que más público atraen a las salas, y con La Odisea, su última película, lo ha vuelto a demostrar. Había mucha curiosidad por ver cómo funcionaba en la taquilla su adaptación de la obra clásica, sobre todo porque se había encontrado con unas cuantas piedras en el camino. La primera, un boicot alentado por la extrema derecha con Elon Musk a la cabeza. Excusándose en la fidelidad histórica, criticaron la decisión de elegir a una actriz negra (Lupita Nyong’o) como Helena de Troya y a un actor trans (Elliot Page) como Sinon. Desde hace meses han perseguido con sus ataques al director e intentando vender que nadie iría a ver la película por ser una versión ‘woke’ de La Odisea.

El segundo problema era el mundial de fútbol. El estreno del filme, puesto desde hace más de un año, coincidía con los dos últimos partidos de la Copa del Mundo: el del tercer y cuarto puesto que enfrentaba a Inglaterra y Francia, y la final que terminó con España como campeona tras vencer a Argentina por un gol a cero. Y aunque este hecho sí que pudo haber afectado un poco al resultado final, que podía haber sido incluso mayor, La Odisea ha arrasado en taquilla.

Nada ha asustado a Christopher Nolan, que ha logrado un debut a nivel global de 264,1 millones de dólares, el mayor de su carrera. Supera los 249 de El caballero oscuro: La leyenda renace en 2012, los 198 de El caballero oscuro —ambas películas sin ajustar su recaudación a la inflación— y los 198 millones de su anterior filme, Oppenheimer, en 2024.

En su primer fin de semana ha recuperado el dinero que costó hacerla. El presupuesto del filme se estima en 250 millones de dólares. Si a eso se suma unos 100 millones de gastos en promoción y publicidad, el filme debería recaudar unos 700 millones de dólares para ser rentable en su primera ventana de explotación (aunque el resto de ventanas, actualmente, aportan gran parte de los beneficios). Nadie duda de que los superará con creces, siendo todo un éxito para Nolan y para Universal Pictures, que fichó al cineasta tras el desencuentro de este con Warner por no apostar por las salas con Tenet tras salir de la pandemia.

A esas cifras hay que sumar que la recepción entre los espectadores ha sido espectacular, lo que augura que el filme tendrá mucho recorrido y podrá sumar mucho dinero. En CinemaScore, la calificación de EEUU que mide cuánto ha gustado una película al público obtiene una A, lo que equivale a un sobresaliente. Nadie duda que cruzará la casi imposible barrera de los 1.000 millones de dólares en todo el mundo y de que estará nominada a casi todo en los próximos Oscar.

En EEUU La Odisea ha superado todas las expectativas. Las primeras previsiones, siempre más conservadoras, colocaban el filme en una positiva horquilla de entre 80 y 100 millones. Finalmente, han sido 124,5 millones desde 3.919 cines. Sin Mundial, celebrado allí, creen que podrían haber sido más de 130 millones. Este dato es el tercero más alto de todo 2026, solo superado por dos películas de animación Toy Story 5, que debutó con 159 millones y Super Mario Galaxy, que logró 131.

Un mérito para una película calificada R por su acción y violencia. Esta calificación indica que los menores de 17 años deben ir acompañados de un adulto. Es, tras Deadpool & Lobezno, la película con esta calificación más taquillera en su primer fin de semana. Dentro de la carrera de Nolan supone el mejor estreno desde El caballero oscuro: La leyenda renace, que logró 160 millones en sus primeros compases en la taquilla de EEUU.

En España el resultado también ha sido espectacular: estamos ante la mejor apertura de Nolan en nuestro país. A pesar de un domingo marcado por el mundial, La Odisea ha logrado en solo tres días 4,47 millones de euros según las primeras cifras ofrecidas por Rentrak, la consultora que mide los datos en España. El viernes logró 1,8 millones de euros, el sábado 2,1, y el domingo bajó por la final del evento deportivo y solo recaudó en torno a los 600.000 euros. Mejora, con creces, el resultado de Oppenheimer, que debutó frente a Barbie con 2,7 millones. Los grandes comentarios hacia el filme la convierten en la película del verano y con mucha carrera por delante. De hecho, hasta el 29 de julio cuando se estrene Spider-Man, también protagonizada por Tom Holland, tiene diez días sin rival para seguir amasando dinero en cines.

Que Posesión infernal sea una de las sagas de terror más sangrientas y comprometidas con los excesos de la violencia no implica, necesariamente, que sea la que dé más miedo. Es decir. Quizá en los inicios del camino a Sam Raimi sí le preocupaba generar una verdadera angustia, pero por entonces tampoco tenía los medios necesarios y la cantidad de aberraciones corporales que podía poner en pantalla estaba condenada a guardar las distancias. Distancias que fueron a más según pasábamos a lo largo de los 80 de la iniciática Posesión infernal a Terroríficamente muertos, y al tiempo que Raimi consolidaba un estilo también lo hacía su desinterés por ponerse serio.

Los daños y abusos se intensificarían al ritmo de un corto de Looney Tunes. A los cuerpos humanos les caerían yunques metafóricos encima, les arrancarían las extremidades, todo se deformaría grotescamente y el espectador no experimentaría más desasosiego que si estuviera viendo al Pato Lucas o al Coyote sufriendo las tretas de Bugs Bunny y el Correcaminos. Una insensibilización lúdica y maravillada que iba a amparar que la tercera entrega de Posesión infernal fuera un viaje en el tiempo a la Inglaterra de la Edad Media con un sentido homenaje a las criaturas de Ray Harryhausen. Consolidando a Posesión infernal como la saga más absurda del cine de terror.

No obstante, la estridente deriva de El ejército de las tinieblas distó de ser una tónica a implantarse. Raimi siguió a lo suyo, puliendo su sensibilidad cartoon en nuevas y rutilantes películas (Arrástrame al infierno) y otras innecesariamente ancladas en su marca de fábrica (la mediocre Send Help, estrenada este mismo año), pero Posesión infernal, como saga, atravesó entretanto nuevas mutaciones. En 2013 recuperó la seriedad. Brutalmente, a lo grande. Se encargó de ello un intrépido artesano llamado Fede Álvarez —años antes de que Hollywood le reclutara para otra saga igual de desorientada, de cara a Alien: Romulus— y los resultados fueron magníficos.

También, en fin, extraños. Posesión infernal pasaba a tener una energía insólita. El dolor bien audible, el peso realista de las mutilaciones, convertían al film en una experiencia sádica y nuevamente distante solo que ahora en un sentido abstracto, cósmico. Encajaba más que nunca que siguiera estando por ahí el Necronomicón, ese Libro de los Muertos sacado de la obra de Lovecraft. Este escritor había sido central en los 80 para alumbrar el splatstick —mezcla de gore y comedia bufa— gracias tanto a Posesión infernal como a Re-Animator, y ahora inspiraba una nueva visión desolada y cruel del ser humano. Mucho más fiel, en realidad, a lo que había descrito originalmente.

Y emparentada, por último, con otras derivas que entonces atravesaban su crepúsculo dentro del cine de terror comercial. Derivas de las que cabe acordarse ahora que con Posesión infernal: En llamas la saga cae en manos de un tal Sébastien Vanicek y su ascendencia francesa mueve a recordar, qué tiempos aquellos, lo que convino en llamarse Nuevo Extremismo Francés.

Poniendo a prueba el estómago

Posesión infernal. En llamas ha tenido en EEUU, por cierto, críticas muy mejorables. Bien puede ser la película de la saga peor recibida hasta la fecha, y los motivos apuntan a lo desagradable que es. Algún medio incluso ha aprovechado para reivindicar la alegría de El ejército de las tinieblas por contraste a la violencia mezquina y gratuita de la obra de Vanicek, que hay quien considera heredera de ese torture porn que hace unos veinte años en EEUU abanderaban Saw o Hostel, más o menos paralelamente al Nuevo Extremismo Francés. Así que ahí surge de nuevo, confirmando vínculo por cuanto Vanicek ya ha revelado lo mucho que le marcó su paisano Alexandre Aja.

En 2003 Aja dirigió Alta tensión, y tres años después cruzaba el Atlántico para dirigir Las colinas tienen ojos. Del mismo modo Vanicek había demostrado su talento en Vermin llegado 2023: una película de terror con arañas asesinas que supuso el espaldarazo necesario para dirigir Posesión infernal: En llamas. Con cambios notables en este trasvase, ya que la preocupación social que enarbolaba Vermin —la plaga arácnida conectaba con el fantasma de la Covid-19, la brutalidad policial y la discriminación racial en los banlieues parisinos— se ha evaporado en Posesión infernal.

De cara a la construcción del guion Vanicek ha recurrido a la violencia machista —la protagonista, Souheila Yacoub, ha de lidiar con la familia de su marido maltratador cuando se cruza con el Necronomicón—, pero a la larga no es más que una excusa para poner en marcha la exhibición de atrocidades: una maniobra que bien puede ser, en efecto, lo peor de Posesión infernal: En llamas. Pues a Vanicek lo que le importa es sumergirse en el delirio sangriento cuanto antes, como demuestra en un salvaje prólogo que sienta las bases anímicas de todo lo que vendrá después. Una persecución del más difícil todavía, una montaña rusa de la degradación y el sufrimiento.

Así que sí, es torture porn, pero también un vaciamiento de cláusulas narrativas e industriales —por suerte para todos, el fanservice queda casi enteramente relegado a escenas postcréditos— que se asemeja a la fascinante confluencia de estéticas terroríficas entre EEUU y Francia de mediados de los 2000. Fue cuando el cine de autor francés más provocador, entre Gaspar Noé y Claire Denis —él con Solo contra todos, ella con Trouble Every Day— fue dando paso a un estallido indiscriminado y nihilista de la violencia, amplificado desde Hollywood por James Wan o Eli Roth.

El Nuevo Extremismo Francés se cifró entonces entre Aja, Pascal Laugier con Martyrs o la dupla Alexandre Bustillo-Julien Maury con Al interior: acaso el film al que más podría parecerse esta Posesión infernal. En Al interior lidiábamos también con una sola localización y una protagonista sometida a un extenuante enfrentamiento: ahí una madre luchando contra una mujer enajenada que quería robarle el feto que tenía en sus entrañas, aquí una joven que ve cómo sus familiares políticos se transforman en no-muertos. El delirio no da tregua ni en un caso ni en otro, abrumando al espectador. La violencia reduce al ser humano a un amasijo de carne temblorosa y palpitante, y la proyecta a un estado sensorial no exento de cierta retranca filosófica.

Esa habría sido, de hecho, una posible coartada del Nuevo Extremismo Francés. En su estupendo artículo sobre el tema, Damián Bender comentaba que “las explosiones del Nuevo Extremismo Francés siempre nos exceden, se nos escurren entre los dedos”. “Somos capaces de establecer aproximaciones, pero jamás de comprender el acto en su totalidad. Es en esa falta de comprensión donde reside el miedo”. No es que, por lo demás, no podamos comprender lo que sucede en Posesión infernal: En llamas. No deja de ser un film comercial, afincado en una franquicia con décadas a sus espaldas, y en la que además el humor negro ha sido siempre básico.

También en la propuesta de Vanicek. El humor de En llamas alivia pero, afortunadamente, no llega a desactivar el volumen de pavor conseguido. No alcanza nunca a recabar la desesperación existencial de la que sí hizo acopio el Nuevo Extremismo Francés en sus películas más sofisticadas, tampoco, porque a fin de cuentas jugamos sobre seguro y esto es más Saw (con su ridícula moralina a la hora de torturar personajes) que Martyrs. No deja de ser en esencia un regreso a la vitriólica capacidad de sorpresa de la Posesión infernal de Álvarez, persiguiendo toda su furia maníaca al no dar respiro a un espectador que, definitivamente, ya no está viendo dibujos animados.

Y el resultado, como pasó hace más de diez años, vuelve a ser positivo. Posesión infernal: En llamas quiere ser absorbente y asquerosa y lo logra en todo momento; no tanto por un guion que es esquelético a más no poder sino por la pericia artesanal de Vanicek. Con mucha cámara en mano, un montaje espídico y una gran inventiva a la hora de dar con nuevos ángulos para amplificar el horror, Posesión infernal: En llamas sacude contundentemente las tragaderas de espectadores tan afines a las salvajadas francesas como a tonterías estilo Terrifier. Emitiendo un disfrute asilvestrado y muy de nicho que, finalmente, puede resultar más interesante en tanto a lo extemporáneo que parece.

No podemos olvidar, entonces, que Posesión infernal viene a medirse en carteleras con obras como Backrooms u Obsession: señales ineludibles de que el terror va cambiando de generación y ansía ocuparse de una desesperanza más sucinta y resignada —más filosófica, en fin— que la que ofrece la violencia sin coartada de Vanicek. También habría que recordar, sin embargo, el estreno de la impactante Primate a principios de año. O el hecho de que Lee Cronin, anterior director en pasar por Posesión infernal —en la mucho más discreta Posesión infernal: El despertar, frente a la que En llamas mantiene autonomía narrativa—, estrenó hace unos meses una versión de La momia con cotas similares de obscenidad, e igualmente el apoyo de grandes estudios.

Están sucediendo cosas muy estimulantes dentro del cine de terror, en resumen. Tras la indigestión de traumas y psicologismos que el género experimentó en los últimos años, ahora hay una pugna entre jóvenes prodigios por hallar una expresividad nueva, y hábiles artesanos sin prejuicios a la hora de hacer explotación pura y dura. Obviamente en esta pugna no hay nada que perder, y sí mucho que ganar.

Desde que Christopher Nolan anunció que iba a adaptar La Odisea, todos los ojos estuvieron puestos en él. Está acostumbrado. Es uno de los directores más importantes del Hollywood actual. Uno de esos cineastas cuyo apellido es el atractivo para que la gente vaya al cine. Los espectadores van a ver ‘la última de Nolan’, y les da igual que la protagonice una estrella o un desconocido. Su particular estilo de narrativas fragmentadas e intensidad ampulosa es ya su seña de identidad, una que ha triunfado entre un público muy amplio, pero especialmente masculino.

Han sido, precisamente, los hombres blancos los que clamaron al cielo cuando se enteraron del casting que Nolan había elegido para su película. Les daba igual que Matt Damon fuera Odiseo/Ulises, o que Tom Holland fuera su hijo Telémaco. Había un nombre que les enfadó muchísimo, el de Lupita Nyong’o como Helena de Troya. No soportaban que una mujer negra interpretara a alguien que, en su imaginación era, cómo no, blanca. Así la habían representado también otras ficciones como la Troya de Wolfgang Petersen.

Desde aquel anuncio la fachosfera empezó a arder con insultos racistas. Desde entonces, a Helena de Troya la llaman Helena de Somalia. Todos esos haters han intentado hundir la imagen pública del filme. Cada comentario en redes sobre la cinta se llenaba de insultos y ataques. Ocurría este miércoles, cuando se levantó el embargo y llegaron las críticas del filme. Todas espectaculares. No podían soportar ver que, encima, los medios apoyaban esa afrenta al supremacismo blanco. De nuevo, insultos a Nolan, a los periodistas y a Lupita Nyong’o.

La fachosfera ha intentado hasta revertir la narrativa de que la gente quiere ver el filme. Lo han hecho yendo a su tráiler en YouTube, donde el avance que subió la distribuidora en diciembre se ha llenado de comentarios negativos y racistas en el último mes. Todos dicen que los comentarios positivos eran pagados. Un argumento que han usado también con las críticas desde que salieron.

Al frente de la fachosfera en la cruzada contra Nolan y Lupita Nyong’o está Elon Musk. Ha sido él quien ha alentado este linchamiento. Musk comenzó su ataque a Nolan nada más saberse el casting. Desde entonces le ha llamado “gusano” o “racista anti-blancos”. La última acusación es, estadísticamente, mentira. De todas las películas de Christopher Nolan, solo una, Tenet, estaba protagonizada por un actor negro. El resto tienen a intérpretes blancos en casi todos sus papeles. Su Batman fue blanco, sus protagonistas de Origen fueron blancos, y entre los soldados de Dunkerque no hubo ningún negro.

Curiosamente, en 2024, antes de saberse la elección de Lupita Nyong’o como Helena de Troya, Elon Musk comentaba a un vídeo del making of de Tenet diciendo que Nolan era “maravilloso”. Es decir, que el director le parecía maravilloso hasta que ha elegido a una actriz negra para hacer este papel. Le ha acusado de woke, algo que nadie hizo en los años 50 ni posteriormente cuando Orson Welles contrató a la actriz Eartha Kitt, afroamericana, para hacer de Helena de Troya en la obra teatral Time runs, que luego formaría parte del show An Evening with Orson Welles.

También ha atacado a Lupita Nyong’o directamente. El pasado 12 de mayo, tras la publicación de un tráiler donde se veía por primera vez a Lupita Nyong’o, Musk compartió un post en X del polémico y conservador Matt Walsh que decía: “Ni una sola persona en el planeta piensa realmente que Lupita Nyong'o sea ‘la mujer más bella del mundo’. Pero Christopher Nolan sabe que lo llamarían racista si le diera el papel de ‘la mujer más bella’ a una mujer blanca. Nolan tiene talento técnico, pero es un cobarde”. Musk contestó: “Verdad”. Más allá de su opinión subjetiva, la revista People eligió en 2014 a Lupita Nyongó con el título de “La mujer más hermosa del mundo”.

Dos argumentos falsos

Durante este tiempo, Elon Musk ha creado un ideario para atacar La Odisea de Nolan que ha basado en dos mentiras para justificar que debajo de todo no hay más que el racismo de un montón de hombres blancos. El primero lo ha lanzado varias veces, y lo repitió el pasado 6 de julio cuando en su red social, X, decía que “Chris Nolan profanó a Homero y se humilló de rodillas solo para cumplir con las normas de la corrección política necesarias para ganar un Oscar”.

Ahí está el primer argumento falso. Musk dice que ha metido una Helena de Troya negra para ganar el Oscar por las nuevas reglas de inclusión y diversidad de la Academia de Hollywood. Solo hay que mirar la anterior película de Nolan, Oppenheimer, para ver que no es cierto. En aquel biopic no hubo ni uno de los intérpretes de color y ganó el Oscar a la Mejor película, a la mejor dirección y otros cinco más.

Las normas de inclusión no han cambiado desde entonces. Aquel fue el primer año que entraron en vigor. Aun así, solo hace falta leerlas para darse cuenta de que casi la totalidad de producciones cumplen con esos estándares, que son realmente laxos. La Academia ha creado cuatro bloques de inclusión, de los que hay que cumplir solo dos. El primer criterio sí hace referencia a los intérpretes. “Al menos uno de los actores principales o de reparto importantes presentados para su consideración al Óscar pertenece a un grupo racial o étnico subrepresentado en un país o territorio específico de producción”, dice la norma. Primero, con Zendaya lo hubiera cumplido La Odisea, por lo que contratar a Lupita Nyong’o no hubiera sido necesario.

Aun así, este criterio no tiene por qué cumplirse si cumples otros dos de los tres, y estos sí que son prácticamente asequibles a todo el mundo. El bloque B hace referencia a los equipos técnicos. Puedes tener dos líderes creativos de todas las categorías técnicas (de casting a producción pasando por maquillaje) que sean de un grupo infrarrepresentado: (Mujeres, racializados, LGTBIQ+ o con alguna discapacidad física o cognitiva). Todas las películas de Nolan tienen a su mujer a Emma Thomas como productora, casi todas a Jennifer Lame como montadora, y a Luisa Abel como jefa de maquillaje. Por lo que es un estándar que cumple desde antes incluso de que se pusieran estas normas. Un punto hecho.

Y después llegan las otras dos categorías que son las que, incluso aquellas producciones que tienen todo hombres blancos en su equipo técnico, artístico y de intérpretes, cumplen de lejos. Básicamente, con tener becarios que pertenezcan a uno de los grupos citados anteriormente cumplirías el estándar C. El último dice que tienes que tener “Representación en desarrollo, marketing, publicidad y distribución”. Por tanto, si Nolan no hubiera querido poner a Lupita Nyong’o hubiera optado igualmente a los Oscar por cualquiera de los otros criterios. De hecho, simplemente viendo las películas nominadas al Oscar desde 2024, uno ve que hay muchísimos títulos sin intérpretes racializados en sus repartos: Anatomía de una caída, La zona de interés, Maestro, Anora, The brutalist, La sustancia, Bugonia, Hamnet o Valor Sentimental.

Los historiadores contra Musk

El otro argumento del ideario de Musk y sus seguidores es el de la fidelidad histórica y literaria. Se agarran a la única frase de La Odisea en donde se puede descifrar que el personaje es blanco, cuando Homero la describe “de blancos brazos”. Muchos expertos creen que Homero quería indicar con eso no la raza de Helena, sino su estatus social. De todas formas, se olvidan de que La Odisea es una ficción —ni Odiseo ni Helena de Troya son personajes históricos—, y esto es una adaptación. De hecho, si quisieran una fidelidad histórica, primero tendrían que haber boicoteado una película americana y rodada en inglés. Además, los actores deberían haber hablado griego.

La idea de ‘civilización occidental’ es una invención histórica del siglo XIX, desarrollada para justificar la esclavitud, el racismo y la colonización y construcción de imperios europeos y americanos

Emily Wilson — Clasicista

Han sido los historiadores y expertos en La Odisea los que han dicho que ese argumento no tiene ninguna lógica. Emily Wilson, clasicista que estudió en Oxford y responsable de las traducciones modernas de La Ilíada y La Odisea, además de jefa del departamento de estudios clásicos de la Universidad de Pensilvania, contaba recientemente al medio Wired que “la idea de ‘civilización occidental’ es una invención histórica del siglo XIX, desarrollada para justificar la esclavitud, el racismo y la colonización y construcción de imperios europeos y americanos. En realidad, no se trata de una continuidad histórica absoluta con la antigua Grecia”.

El historiador Tom Holland definió la adaptación como “la mejor del mito griego” que ha visto. “Honra a Homero y a la vez hace algo nuevo con él”, escribió en X, donde Elon Musk, por supuesto, le atacó. Otro experto en Homero es el profesor Daniel Mendelsohn, que ha traducido al inglés La Odisea y que ha escrito Una odisea: un padre, un hijo, una epopeya (Seix Barral). En una charla reciente en el Hay Festival, Mendelsohn ironizó diciendo que “¿quién iba a imaginar que Elon Musk supiera tanto de las leyendas griegas?”, y subrayó que se confirmaba que como en La Odisea “Helena de Troya seguía causando furor entre los hombres”.

“Lo más gracioso es que Helena tiene un papel minúsculo en La Odisea. Siempre acapara la atención, pero su papel es muy pequeño, así que el debate resulta particularmente absurdo. Nadie dice que Matt Damon, de origen escocés-irlandés, sea una elección absurda para interpretar a este astuto personaje del Mediterráneo oriental, así que es curioso lo que molesta a la gente”, añadió Mendelsohn, que como aficionado a la ópera comentó que nadie cuestiona actualmente que se “elijan actores afroamericanos para el papel de Isabel de Valois, porque es lo normal”.

“De todas las cosas que pueden preocuparnos en una adaptación de La Odisea, no creo que sea esta una de ellas. Creo que es una elección deliberada, una elección provocadora y, se podría argumentar, que concuerda con la preocupación del mito de Troya, que es cómo reflexionar sobre la belleza. Uno de los objetivos del mito es hacernos pensar sobre la belleza y sus efectos. Así que, en ese sentido, creo que la elección de Nolan de esta actriz tan bella, que además es de origen africano, nos sitúa de lleno en el centro de un debate muy antiguo”, afirmó.

También Mary Beard, especializada en estudios clásicos, catedrática en la Universidad de Cambridge y profesora de literatura antigua de la Royal Academy of Arts, ha opinado al respecto. “La Odisea es una historia. No sucedió en la realidad. No deberíamos confundir un personaje mitológico con personas que vivieron realmente. Por otro lado, los griegos sí creían que todo esto era histórico. Y existe un lugar llamado Troya. Y Odiseo regresa a un lugar que sí existe: Ítaca. Pero las brujas, los remolinos y los gigantes tuertos... eso no existe. La gente de ahora, la gente de antes, la gente durante miles de años ha intentado recrear el viaje de Odiseo en el mundo real. Algunas de las mentes más brillantes del mundo han perdido el tiempo intentando hacer esas cosas, pero lo siento, es ficción”, dijo en una charla con el Chicago Tribune.

Por suerte, la campaña no ha surtido efecto. Las primeras previsiones de los expertos colocan al filme de Nolan arrasando en taquilla en su primer fin de semana con unas cifras que pueden superar los 100 millones solo en EEUU, una cantidad superior que la de Oppenheimer, y que sería la mayor de Nolan sin contar la trilogía de El caballero oscuro.

En 2004, cuando Christopher Nolan empezaba a hacerse un nombre gracias al éxito de Memento e Insomnio, Hollywood le ofreció realizar una película sobre Troya. Paralelamente, Wolfgang Petersen, artesano sin excesiva personalidad que había entregado a la industria películas como Air Force One o La tormenta perfecta, preparaba un Batman Vs Superman que uniría a los dos héroes de DC mucho antes de que lo hiciera Zack Snyder. En un giro del destino, a Petersen le cancelaron su película, y Warner le ofreció… Troya. A Nolan, de rebote, le tocó reiniciar la saga de Batman. Mientras que Petersen se estrelló en su adaptación estilizada y casi de pasarela de modelos del relato clásico con Brad Pitt a la cabeza, Nolan reinventó el cine de superhéroes y lo llevó a otro nivel en una trilogía cuyas consecuencias se siguen notando (para bien y para mal) en el cine actual.

Podría decirse que estaba en el destino de Christopher Nolan rodar, en algún momento, una película épica ambientada en la Antigua Grecia. Así, tras el éxito de Oppenheimer —un éxito que llegó tras cambiar a Warner por Universal por el maltrato sufrido con el estreno en salas de Tenet cuando abrieron las puertas después de la pandemia—, un filme de tres horas que superó los 800 millones de dólares en todo el mundo y que ganó siete premios Oscar, Nolan ha recogido aquel sueño frustrado. Lo ha hecho a lo grande. Nolan decidió que era el momento de decirle a la industria que lo que quería era adaptar La Odisea, la madre de todos los relatos. La historia clásica por antonomasia. La que solidificó la narrativa del viaje del héroe. Una narrativa que, posteriormente, Hollywood ha copiado y pervertido hasta la extenuación.

De partida, que alguien que ha amasado una cantidad de dinero ingente, que tiene la oportunidad de hacer lo que quiera, haya decidido realizar una película que, a priori, va a la contra de lo que se está haciendo en Hollywood, es para aplaudirle. En un mundo de franquicias, de efectos visuales patateros y de reboots modernos, Nolan vuelve a la esencia del storytelling. A esa Odisea que se popularizó como relato oral y que en su propia esencia tiene el arte de contar historias como elemento central.

Nolan ha usado su posición de privilegio para adaptar un clásico de una forma fiel, pero trayéndolo al presente y subrayando algo muy importante: los clásicos hablan de nosotros. Leer ahora mismo las obras magnas de la literatura nos atraviesa desde el momento actual. La Odisea no es un relato viejo ni rancio, sino que es una emocionantísima historia de aventuras que cuenta el regreso de un personaje marcado por la pérdida y las heridas de una guerra.

Muchos podrán hacer el chiste fácil y decir que, que Nolan adaptara La Odisea es un designio de los dioses, y sin embargo, eso chocaría frontalmente con la propia película del director, que es tremendamente terrenal. Aunque se mencione constantemente a los dioses, estos nunca aparecen como personajes. No hay conversaciones entre Zeus y Poseidón, ni elementos fantásticos como las transformaciones de Atenea —aunque se hace un guiño constante con Telémaco diciendo una y otra vez “Tienes los ojos de Atenea”–, única deidad que aparece en pantalla y que solo Odiseo puede ver de forma física en una de las decisiones narrativas más arriesgadas y la que incluso se atreve a dar una explicación racional en una coda final magnífica, emocionante, puro Nolan, y que se desvía del relato original para reforzar su mensaje político y actual.

“En un tiempo de aparente magia”, dice el bardo que se escucha en los primeros segundos de La Odisea, y esa aparente magia es la que se cuestiona Odiseo constantemente. ¿Cómo saber que los dioses existen? La respuesta de Atenea le remite, sin embargo, a las cosas que puede ver y palpar en la tierra: el dolor, el amor, una lágrima… Para Nolan lo divino no son rayos que fulminan desde el cielo, sino que lo divino son los actos de los seres humanos, y entre todos ellos, el amor, algo que ya había explorado en Interestelar. Si allí el amor era lo que trascendía el tiempo y el espacio, la constante física que nadie había tenido en cuenta, aquí el amor no es solo el motor del viaje de Odiseo, sino que el amor y la empatía es lo que nos hace humanos y nos diferencia de los monstruos.

Es curioso que en pocos meses se hayan estrenado dos filmes como El día de la revelación y La Odisea, donde dos de los popes de Hollywood hayan creado filmes tan grandes, tan propios de Hollywood, y a la vez tan políticos sobre un mundo que se va a pique y donde solo aceptar las barbaridades cometidas y mirar con empatía al otro nos puede salvar de seguir cometiendo los mismos errores. Nolan no rechaza nunca la épica, la aventura ni la acción de su filme, pero tiene claro cómo unir La Odisea con la actualidad y logra uno de sus filmes con un mensaje político más potente.

La fidelidad Nolaniana

El gran triunfo de Nolan, además de haber podido hacer la película que ha querido, de rodar en IMAX, hacer un filme de tres horas, con efectos prácticos y los intérpretes que le han dado la gana, es haber conseguido una adaptación impecable de una obra cuya traslación a la gran pantalla parecía imposible. Quizás solo había que tener los medios y amar tanto como Nolan el material de partida. Su Odisea es fiel hasta el tuétano a la obra de Homero. Los amantes del texto original no estarán defraudados.

Nolan mantiene todas y cada una de las aventuras del viaje. Desde el encuentro con el cíclope Polifemo (aunque aquí difiere bastante del juego de ingenio del original), al Hades —una de las mejores escenas del filme por cómo resuelve uno de los pasajes más complicados—, pasando por las sirenas —un momento cuya apuesta formal pone los pelos de punta— y el encuentro con Circe, donde una Samantha Morton descomunal humaniza a uno de los personajes que más relecturas feministas ha tenido en un momento donde los efectos prácticos sobresalen y Nolan se sumerge en una especie de body horror espeluznante.

El gran triunfo de Nolan es haber conseguido una adaptación impecable de una obra cuya adaptación parecía imposible y haber podido trasladar su estilo y personalidad

Mantiene, además, algo importante. La Odisea es una historia que se recuerda. La guerra de Troya —otra escena magnífica que recuerda a lo agobiante de Dunkerque— se recuerda cuando Menelao se la cuenta a Telémaco. Igual que todo lo ocurrido con Odiseo —un estupendo Matt Damon— y su tripulación es algo que él va recordando en su estancia con Calipso. De alguna forma, Homero ya creó una estructura que responde muy bien a los intereses narrativos del propio Nolan, que utiliza ambas líneas narrativas y las va trenzando en un juego temporal muy suyo.

Pero si la película no es solo una adaptación de un ratón de biblioteca es porque Nolan consigue ser, sobre todo, él mismo. Su estilo está presente en cada plano. En la excelente banda sonora de Ludwig Göransson. En el montaje fragmentado. En esos fogonazos en forma de recuerdos que trufan la narración. En la importancia del sonido. También en la inclusión de esos elementos que remiten a la narrativa clásica, como el broche de Penélope o el palito del sorteo de Sinón.

Aunque a Nolan le cueste juntar su propia personalidad y la de La Odisea original, y en los primeros compases uno vea demasiado la mano nolaniana intentando destacar, acaba logrando una conjunción casi imposible y perfecta que alcanzan su cima en un clímax final donde Nolan es más Nolan que nunca. Si la película empieza con un amago de contar la historia de Troya a cargo del bardo —un intento que es cortado por Penélope—, ese mismo momento se repite en un final que otorga a su visión una estructura casi circular que tanto gusta al director.

Ahí es donde hace que algo obvio parezca hasta un final en una coda que se desmarca del texto base y donde Odiseo revive, en su reencuentro con Penélope, lo ya contado pero desde el punto de vista de quien lo vivió en primera persona. Así, La Odisea termina siendo una mirada a los horrores de la guerra que vamos a ver en un momento de actual guerra y donde los héroes quizás solo sean verdugos a los que la narrativa ha convertido en héroes. Una escena que es mucho más potente en lo emotivo que el enfrentamiento final con los pretendientes, demasiado alargado y repetitivo.

Otra de las actualizaciones que Nolan acomete con éxito tiene que ver con las mujeres de la historia. La base del texto de Homero le da al cineasta la posibilidad de escribir sus mejores personajes femeninos, algo que sin duda, nunca ha sido su fuerte. Se nota en la fuerza de la Penélope que borda Anne Hathaway, pero también en cómo mira desde el presente y en unas cuantas líneas complejiza y entiende a dos mujeres que fueron víctimas y que siempre se trató como villanas: Helena de Troya (al igual que su hermana Clitemnestra) y Circe a las que dan vida de forma imponente Lupita Nyong'o y Samantha Morton.

O en uno de los personajes que no aparecen en La Odisea y que aquí usa como uno de los corazones de la historia, el Sinón que interpreta Elliot Page. El hombre que engañó a los troyanos para meter el caballo y que sí aparece en La Eneida y La Iliada. Su presencia actúa para enlazar a Odiseo con el villano que da vida de forma desatinada y excéntrica Robert Pattinson —los intérpretes masculinos se lucen menos, aunque John Leguizamo destaque y Tom Holland esté mejor que nunca—, y también para incidir en las heridas de la guerra en Odiseo.

Entre las novedades también hay una última escena, que continúa la obra, y que subraya el interés de Nolan en las consecuencias terrenales de los actos y en el poder del amor para redimirnos. Constantes que vuelven a dejar clara su coherencia como narrador. Un narrador tan ambicioso como necesario en esta industria. Uno cuyos éxitos ensanchan los límites del cine comercial que vuelve a poner a Hollywood a sus pies con un filme apoteósico.

El mundo del cine despertó este lunes con la triste noticia del fallecimiento del actor Sam Neill a los 78 años, conocido en gran parte por su papel en la saga ‘Jurassic Park’, por causas repentinas después de haber superado un cáncer, algo que él mismo había anunciado el pasado abril.

El intérprete tuvo una larga carrera en el cine y en la televisión, con varios papeles más allá de su protagonista en ‘Parque Jurásico’, como ‘El Piano’ de Jane Campion, ‘La Caza del Octubre Rojo’ o ‘En la boca del miedo’, pero tuvo tiempo también de arrepentirse de no haber dicho que sí a algunos personajes que le llegaron a proponer.

El personaje con el que se quedó con las ganas: “Es lo único de lo que me arrepiento”

Sam Neill, nacido en Irlanda del Norte, pero con triple nacionalidad irlandesa, británica y neozelandesa, tuvo una longeva carrera en el cine y la televisión, con un papel, el del doctor Alan Grant en ‘Parque Jurásico’ de Steven Spielberg que le dio la fama ante el gran público.

Sin embargo, tuvo momentos para reflexionar y aunque participó en grandes títulos, también se arrepintió de decir que no a algún personaje, concretamente el de protagonista en la película de culto ‘Las aventuras de Priscilla, reina del desierto’, que fue todo un éxito comercial en 1994 y que se llevó el premio Oscar a mejor diseño de vestuario.

“Es lo único de lo que me arrepiento, de haber rechazado el papel de 'Las aventuras Priscilla, reina del desierto'. Probablemente sea indiscreto decirlo, pero lo diré de todos modos: Terence Stamp terminó interpretando el papel”, aseguró en el medio australiano News.

El recientemente fallecido actor, a su vez, aclaró que esto no se debe a que esto no era porque tuviera que interpretar a una mujer transgénero, sino que se debía a que no conectó con el filme de Stephan Elliott: “Simplemente no la entendí. No me pareció gracioso en el guion, pero resultó ser una película maravillosa. Ese es mi único arrepentimiento”.

A lo que también añadió en su momento: “Me equivoqué, porque no se trataba de vestirme de mujer, algo que me encantaría hacer; de todas formas, siempre llevo vestido. Habría sido divertido trabajar con mi amigo Hugo Weaving y Guy Pearce”, concluyó.

Se prepara una secuela

El papel, como bien dijo el propio Sam Neill, fue interpretado por Terence Stamp y fue el de Bernadette Bassinger. Un personaje que retomó el actor, fallecido en agosto de 2025 a los 87 años, pero que llegó a tiempo a rodar sus escenas de la segunda parte que está en estos momentos en fase de desarrollo y postproducción.

De esta forma, ‘Las aventuras de Priscilla, reina del desierto’ tendrá continuación más de tres décadas después de su estreno, aunque no se saben detalles de una historia que en su día seguía el viaje hacia Sidney de los ocupantes de un bus que también se llamaba Priscilla, y en el que sus acompañantes iban vestidos de ‘drag Queens’.

Sam Neill pudo ser James Bond

Además de arrepentirse de su papel en ‘Las aventuras de Priscilla, reina del desierto’, Sam Neill también reveló que su peor momento lo vivió al audicionar para ser James Bond en 1980: “Probablemente fue el peor día de mi vida. Me entró un sudor frío. Acababa de llegar a Inglaterra y tenía un nuevo agente que me dijo: 'Cariño, creo que eres perfecto para James Bond'. Le respondí: 'En realidad no quiero ser James Bond, no me veo como James Bond; odiaría quedarme atrapado en esa [franquicia]'”.

Las enemistades en Hollywood siempre han dado mucho que hablar. Actores que en la pantalla hacen de aliados, incluso de pareja, y que después no pueden ni verse una vez el director grita “corten” hay muchísimos. Quizá uno de los casos más sonados es el de Ryan Gosling y Rachel McAdams, de los que se dice que incluso llegaron a gritarse en el set de El diario de Noa.

Lo que suele pasar es que los implicados no hacen referencia a estos malentendidos, suponemos que en parte por no perjudicar directamente su trabajo. Sin embargo, hay otros que no tienen pelos en la lengua y que, con el tiempo, han compartido lo mal que se llevaban en el momento en que colaboraron juntos en una película. Hoy recordamos el caso de Shirley MacLaine y Anthony Hopkins.

Ambos protagonizaron juntos Solo para adultos, una película que se estrenó en 1980 y en la que se ponían en la piel de un matrimonio en crisis. Hopkins interpreta a un profesor universitario que comienza una relación con una estudiante joven. Cuando su esposa (MacLaine) descubre la aventura, en lugar de simplemente separarse, decide tener también una relación con un hombre más joven.

El largometraje fue un enorme fracaso tanto para la crítica como en la taquilla. Para hacernos una idea, en los premios Razzie de aquel año, unos galardones que reconocen lo peor del cine y que son conocidos como los anti-oscar, la comedia dramática recibió tres nominaciones a Peor Actor (Anthony Hopkins), Peor Canción y Peor Guion.

Lo que dijeron los actores

Según recogen medios como Best Life, tiempo después de que la película se estrenara en cines, Hopkins fue el primero en criticar a su compañera de reparto. “Fue la actriz más insoportable con la que he trabajado”, llegó a decir de MacLaine, aunque no dio más detalle sobre qué era exactamente lo que le molestó de ella durante las semanas que compartieron juntos.

En aquel momento, el ganador de dos premios Oscar por El silencio de los corderos (1991) y El padre (2020) no era el primero que criticaba a Shirley. El director Don Siegel, a cargo de la película Dos mulas y una mujer (1970) que la actriz protagonizó junto a Clint Eastwood, también había cargado contra ella. “Es difícil sentir cariño por ella. Es muy poco femenina y tiene demasiado carácter. Es muy, muy dura”.

En 2014, casi 30 años después de que MacLaine y Hopkins compartieran set de rodaje, la periodista Bárbara Hoffman del diario New York Post le preguntó directamente a la actriz cuál era su opinión sobre aquella declaración que Anthony había hecho tiempo atrás. Shirley, ya consagrada como una estrella de Hollywood, fue directa. “A mí tampoco me caía bien, pero en aquel momento estaba sobrio y lo estaba pasando mal”.

No hay nada que le guste más a los medios de Hollywood que un buen fracaso. Solo hay que ver la ristra de publicaciones en torno a la taquilla de Supergirl y los líos de producción que ahora salen a la luz al rebufo del fiasco de la nueva aventura de DC. Si el batacazo, además, se lo pega una figura consagrada, el morbo es doble. Por eso, a Francis Ford Coppola se le esperó con los cuchillos afilados cuando presentó su proyecto más ambicioso y soñado, Megalópolis en el Festival de Cannes de 2024. La película había sido su obcecación desde hacía décadas. Se había intentado levantar una y otra vez, hasta que Coppola, pasados los 80 años, tuvo claro que quería materializar su sueño.

Vendió parte de sus cosechas de vinos e invirtió 120 millones de dólares de su propio dinero. Pero la preproducción fue solo el primero de los problemas de Megalópolis. Mal rollo con algunos de los intérpretes, un equipo de efectos especiales abandonando a mitad de rodaje… así hasta que se vio el resultado, una obra tan impredecible, indescriptible y loca que nadie supo bien cómo articular lo que había visto. Megalópolis era un caos, pero uno tan libre que también había que rendirse a un cineasta que, con todo ganado, se atrevía a arriesgarse por algo que le salía de las entrañas y en donde revisaba los clásicos griegos para ofrecer un mensaje político de optimismo utópico en tiempos oscuros.

Megalópolis llegó a su estreno ya con la etiqueta de película maldita, y su batacazo en taquilla lo confirmó. También le colocó una etiqueta, la de filme de culto. Viendo todo lo ocurrido uno soñaría con ver cómo se fraguó todo, qué ocurrió en las bambalinas de aquella producción caótica. Deseo concedido. Coppola, perro viejo en esto, le dio a su amigo Mike Figgis permiso para rodar todo lo que aconteciera y material personal de todas las intentonas para levantar Megalópolis años antes de que por fin lo lograra.

El resultado es MegaDoc, un documental donde se ve que todo apuntaba a problemas desde el principio. Figgis muestra el material inédito de los ensayos de las primeras versiones de muchos años antes, con Uma Thurman, Robert De Niro y Ryan Gosling en papeles que nunca hicieron. Y luego comienza a mostrar y a contar lo que ocurrió. Cómo no pudo introducir una cámara grande porque los actores se quejaban. Cómo Adam Driver y Nathalie Emmanuel se negaron a que les grabaran rodando —todo lo contrario de una Aubrey Plaza que se lo pasa pipa—, y cómo los roces de Shia Labeouf y Coppola, que luego salieron a la luz, se notaron pronto. Es el diario de bitácora de un fracaso anunciado. Un fracaso del que hasta saca las cuentas y que gastó siete millones en vestuario, casi 19 en efectos visuales y 3 en maquillaje y peluquería.

Desde el pasado Festival de Venecia, donde MegaDoc tuvo su estreno en todo el mundo, Mike Figgis contaba cómo creía que, efectivamente, la gente tenía ganas de ver caer a Coppola. “Querían ver una muerte. Querían ver al viejo toro muerto. Eso siempre ha sido parte de nuestra cultura, la prensa popular siempre quiere ver una muerte, una humillación, un escándalo. Ver la caída de un poderoso personaje es fascinante como historia dramática, y en el periodismo barato, es una historia rápida para gente que ni siquiera ama el cine y que solo buscan otro escándalo”, contaba a elDiario.es en una charla desde el Lido.

Figgis confirma que Coppola no le puso ninguna línea roja para acercarse a rodar las bambalinas, pero sí los actores, y que se dio cuenta de que, para hacer un making of como el que él quería, el tamaño era importante. “Hice un buen trabajo porque no fui una molestia. La cámara es el secreto, y una cámara pequeña fue la mejor solución. Ahora vivimos en una cultura donde todo el mundo graba con un iPhone y a nadie le importa, pero cuando Shia Labeouf me vio con una cámara grande me preguntó qué estaba haciendo. La psicología del tamaño de la cámara es algo muy importante en el cine”, argumenta.

La idea de gastar 120 millones a los 84 años no es gran cosa para Coppola. Estoy seguro de que ha hecho cálculos y le queda suficiente para vivir bien. No está en la ruina

Mike Figgis — Cineasta

Tras todo el proceso de rodaje, montaje y ahora estreno por todo el mundo —en España se puede ver en Filmin—, Mike Figgis ha llegado a una posible teoría a la pregunta que se hace todo el mundo, ¿cómo alguien se gastaría 120 millones para rodar una película?: “La relación de Francis con el dinero es casi existencial. Tenía dinero y luego lo perdió todo y parecía no importarle. Fue ahí cuando se dedicó al negocio del vino. Tiene una especie de espíritu emprendedor. Y él ha inventado muchísimas cosas, no era consciente de cómo él y Lucas cobran derechos de autor por muchas cosas, o sea que tienen ingresos. A medida que uno envejece, su relación con el dinero cambia. Cuando eres joven piensas que vas a ser inmortal y que las posesiones son muy importantes, y ahora no tiene un sentido de la propiedad tan grande, aunque lo coleccione todo”.

Figgis explica que Coppola no tiene, en estos momentos, “ningún tipo de sentimentalismo con respecto a una casa o algo así”. “Siempre piensa: Ya me compraré otra. Así que la idea de gastar 120 millones a los 84 años no me parece gran cosa para él. Es casi como si pensara: ¿Cuánto tiempo me queda? Voy a gastarlo. ¡Qué más da!. Y estoy seguro de que ha hecho cálculos y ha visto que todavía le queda suficiente para vivir bien. No está en la ruina”, aclara.

Eso sí, tiene claro que su ejemplo muestra una especie en peligro de extinción, la del director que no le da miedo “chocar contra la pared y sigue sus instintos aunque pueda tener un accidente”. “En un momento del rodaje le pregunté, ¿qué tal ha estado la jornada de hoy? Y él me dijo: Bueno, algunas cosas han funcionado, otras no. Así que haremos más de lo que ha funcionado y no repetiremos lo que no ha funcionado”, contaba con humor Mike Figgis.

El proceso de rodaje también caló en el propio Figgis, al que “ese choque entre lo viejo y lo nuevo” le hizo pensar en sí mismo y en la industria del cine: “Pensé en por qué hacíamos películas, por qué nos atraía la idea del cine, y cómo eso fue, de alguna manera, aplastado por la industria del cine, por el negocio del cine. Yo no podría hacer lo que hace Coppola. Nunca querría tener tanto dinero y tanta presión y tanta gente. Yo lo contrario. Diría que el cine necesita volver a una especie de protestantismo, más reduccionista”, opina.

Para él existen dos mundos dependiendo de cómo se responda a la pregunta de por qué uno se dedica al mundo del cine: “¿Es porque quieres ser rico y famoso, porque quieres tener una novia actriz? Ahí te das cuenta de que hay dos mundos, el del cine comercial, y el del cine puro. Y creo que esto es un debate para el público joven. El cine debe tratar sobre nosotros, decir algo sobre la humanidad. Aunque sea una historia sobre dos personas alguien tiene que decir: 'yo tuve una experiencia similar y he aprendido algo sobre mí mismo’. El cine es una extensión del teatro, y el teatro existe por una razón psicológica que tiene que ver con la sanación colectiva. Pero el cine ahora no tiene nada que ver con eso, es solo entretenimiento. Es una tontería”.

Dentro de años la gente seguirá hablando de Megalópolis. Y Figgis no sabe si será por la propia complejidad de la película, pero sí porque el propio Coppola cree que no ha terminado con ella. “Creo que hasta que él muera estará pensando en ella y habrá diferentes versiones”, zanja.

El actor estadounidense George Clooney, de 65 años, será galardonado con el León de Oro en premio a toda su carrera en la 83 edición del Festival de Cine de Venecia, que se celebrará del 2 al 12 de septiembre de 2026, informó este lunes la organización en un comunicado.

Al aceptar el premio, Clooney (1961) afirmó: “He vivido muchísimos momentos extraordinarios en Venecia. El Festival de Cine de Venecia es sin duda mi festival favorito, y recibir el León de Oro es un inmenso honor. Probablemente también signifique que me estoy haciendo mayor, pero no pasa nada”.

Mientras que el director del certamen, Alberto Barbera, declaró que “en su triple rol como actor, director y productor, George Clooney es un artista completo y carismático, apasionado y original, que ha transformado una profunda vocación en una de las parábolas más luminosas del cine contemporáneo”.

“Una carrera que comenzó sin atajos, gracias a pequeños papeles en series de televisión y películas de serie B, hasta el gran éxito alcanzado como protagonista de la serie 'ER' ('Urgencias'), han forjado a un actor capaz de habitar la pantalla con una naturalidad cautivadora, otorgándole el don de hacer que sus personajes parezcan no solo creíbles sino deseables, cercanos y humanos, gracias también a un encanto innegable”, agregó.

Barbera también destacó la “combinación perfecta de glamour de estrella de antaño, gran profesionalismo y sensibilidad moderna” y su “versatilidad”.

“En cada una de estas películas, ha modulado su registro sin traicionarse jamás: irónico y melancólico, fascinante y reflexivo, brillante y capaz de una profundidad inesperada. Al igual que en las nueve películas que realizó después de decidirse a ponerse detrás de la cámara, revelan una concepción del cine exigente y generosa”, añadió.

El Festival de Venecia también subrayó que Clooney “ha sido reconocido tanto por su labor humanitaria a nivel mundial como por sus logros en la industria del entretenimiento”.

En la carrera de Clooney como actor y director destacan sus dos premios Óscar, cuatro Globos de Oro (incluido el premio Cecil B. DeMille), cuatro premios SAG, un premio BAFTA, dos premios Critics' Choice, un Emmy, cuatro premios National Board of Review y el premio a la trayectoria del American Film Institute.

Cuando Clooney recibió su octava nominación al Óscar en 2013, se ganó un lugar especial en la historia de la Academia, al haber sido nominado en más categorías que nadie en la historia de esos galardones.

Más recientemente, Clooney recibió una nominación al premio Tony por su debut en Broadway con 'Good Night, and Good Luck', donde interpretó a Edward R. Murrow en la adaptación teatral de su película de 2005, nominada al Óscar y coescrita con Grant Heslov.

Hizo historia al ser la primera función de Broadway en ser transmitida simultáneamente por televisión: el espectáculo se emitió en CNN para audiencias de todo el mundo.

Pensar en Robin Hood es pensar en justicia. En aquel ladrón de buen corazón que robaba a los ricos para dárselo a los pobres. Es pensar en el bigotito y el traje verde de Errol Flynn, en el zorro animado de Disney. Las versiones cinematográficas del cuento medieval del bandolero que atacaba a los poderosos en el bosque de Sherwood y que desafiaba el abuso de poder del sheriff de Nottingham crearon un héroe para el recuerdo. En el imaginario de los espectadores no hay ninguna duda, Robin Hood es un héroe. Y ya llegarían después otras estrellas como Kevin Costner o Russell Crowe para demostrarlo.

La versión dirigida por Ridley Scott con Crowe como protagonista ha sido, hasta ahora, la más oscura de las miradas a los relatos originarios. Y aun así, la oscuridad era más en la forma de abordar la violencia o en la estética que en el fondo, donde Robin Hood seguía fiel a su leyenda. Ahora el director Michael Sarnoski, que saltó a la fama gracias a Pig, aquel peculiar filme donde Nicolas Cage se vengaba de todos los que habían robado a su cerda, regresa a Sherwood para ofrecer una mirada realmente violenta, oscura y que revisita el mito desde otro ángulo.

¿Qué pasaría si Robin Hood no hubiera sido tan bueno como lo pintaron las leyendas?, ¿y si detrás de todo había, realmente, un ladrón cruel y violento que perpetró salvajadas para lograr sus objetivos? Sarnoski, que probó suerte con acierto en Hollywood con la precuela de Un lugar tranquilo, ha encontrado en A24 su hueco para abordar una película que se encuentra a medio camino entre el indie de Pig y el blockbuster de la franquicia de terror creada por John Krasinski. 

Con La muerte de Robin Hood —que llega a los cines este viernes— indaga en sus obsesiones (como la soledad y la mirada oscura al héroe) y cuenta la historia nunca vista del mito gracias a un Hugh Jackman como un Robin Hood que ha sido una bestia salvaje y que tras quedar herido de muerte se replantea su existencia desde un retiro al lado de una Jodie Comer como cuidadora. Lo hace con una propuesta realmente oscura y violenta que nace de su fascinación por la leyenda en la que se han basado todas las versiones, que para el cineasta “son interpretaciones del folclore y del personaje”. “En la leyenda todo era más simple, blanco o negro, y quise humanizar estos personajes, pensar en cómo sería realmente un bandido medieval, cómo de violenta habría sido su vida y qué efecto tendría esa violencia en alguien si hubiera envejecido hasta el punto de conocer las leyendas que se contaban sobre él”.

Por eso aclara que “no quería convertir el personaje en un villano”, sino simplemente “humanizarlo y experimentar ese mundo a través de sus ojos”. Le gustaba la idea de pensar en “alguien que había sobrevivido a su leyenda y explorar el folclore de este personaje de forma bastante literal, como si él mismo estuviera viendo lo que está sucediendo con su folclore y como si estuviera lidiando con su identidad y lo que eso significa”. Por eso planteó un Robin Hood mucho mayor al que las ficciones sobre el personaje nos tienen acostumbrados, porque eso le permitía introducir esa conversación sobre “las historias que contamos sobre nosotros mismos y sobre nuestro mundo”.

Así, Sarnoski crea un filme que, más allá de la épica, la violencia y el gancho del personaje conocido habla del relato, de cómo “estamos tan inmersos en estas narrativas que tenemos la necesidad de construir mitos y construir buenos y malos”. “Creo que es importante que demos un paso atrás y hablemos de estas cosas y entendamos que detrás de todo siempre hay seres humanos, para bien o para mal. Y que intentemos no tratar de agrupar todo en categorías fáciles. Creo que ahora es un momento realmente importante para abordar esa creación de mitos, porque creo que nosotros, también a nivel personal, sentimos esta necesidad de mitificarnos y vernos como una especie de héroes de nuestra propia narrativa”. 

La simplicidad de héroes y villanos no es útil. Necesitamos asumir la responsabilidad de las historias que nos contamos a nosotros mismos y que permitimos que nos cuenten

Michael Sarnoski — Cineasta

Esa forma de construir ídolos cree que “puede ser realmente peligroso y separarnos de otras personas”. “Necesitamos entender que todos somos parte de una historia mucho más grande. Eso era algo que quería explorar y creo que es algo que todos necesitamos abordar de una manera muy empática y humana de ahora en adelante porque nos hemos vuelto bastante malos en eso”, zanja.

Define la narrativa, el relato, como “el agua en el que nadamos a través de las redes sociales y las noticias”. Un agua “casi tan absorbente que nos hemos vuelto peores en evaluarla y analizarla y comprender cómo nos está afectando y cómo permitimos que nos afecte y cómo la estamos usando para afectar a otras personas”. “Es como si estuviéramos casi más rodeados del relato que nunca, pero somos peores que nunca en comprender realmente su fuerza y nuestra responsabilidad. Por eso quería hablar de que la simplicidad de héroes y villanos no es útil en muchos sentidos. Necesitamos asumir la responsabilidad de las historias que nos contamos a nosotros mismos y que permitimos que nos cuenten”, añade sobre el corazón de su nueva película.

Al analizar sus obras él mismo se ha percatado de que hay algo que le fascina en los personajes “que se han alejado del mundo y se sienten espiritualmente muertos, como si hubiera vivido su vida y de alguna manera hubiera terminado”. Personajes que luego “desde ese lugar de soledad encuentran una nueva forma de explorar la empatía y les hace comprender el mundo, su pasado y a sí mismos”. Lo hacen “abrazando la oscuridad e integrándola en su presente”. “Hay momentos en que todos nos sentimos un poco aislados y pensamos, ‘esto es todo’. Pero si miras más de cerca a ti mismo y a las personas que te rodean, siempre hay más por descubrir. Y hay maneras de abrazar la oscuridad y las cosas tristes de nuestras vidas, pero aun así seguir adelante y aún tener luz y esperanza. Por eso me gusta hacer películas que no le teman a la oscuridad”, zanja.

Aunque sonara bonito decir que escribió el personaje pensando en Hugh Jackman, Sarnoski dice con sinceridad que él nunca ha trabajado así y espera “no hacerlo nunca”. “Me gusta escribir personajes que me parezcan completos y vivos, y luego encontrar a alguien que entienda ese guion y pueda aportar aún más. Y eso fue definitivamente lo que pasó con Hugh Jackman. Leyó el guion en dos días, nos reunimos menos de una semana después y entendió el personaje a un nivel tan profundo… estaba comprometido con la ambigüedad y los grises de este personaje. Creo que es una elección audaz para una estrella como él interpretar un personaje que no es fácil, es un personaje muy ambiguo. Y creo que el hecho de que estuviera tan entusiasmado con ese aspecto, con la idea de explorar la brutalidad y reconocer la violencia, pero también de encontrar esa sensibilidad y esa quietud del personaje, me emocionó”, subraya entusiasmado con una elección sorprendente que se añade a la lista de Robin Hoods de la historia del cine.

Pamela Anderson ha vuelto a la escena principal de Hollywood en los últimos años con proyectos que ha revitalizado con películas como ‘The Last Showgirl’ o ‘Agárralo como puedas’, donde coincidió con Liam Nesson, al que se le unió de forma sentimental.

El estreno de la serie ‘Pam & Tommy’ en 2022 devolvió a lo público uno de los momentos más polémicos de la vida de la actriz, pero que también llegó con su propia versión en el documental ‘Pamela: una historia de amor’ emitido en Netflix.

Con las primeras imágenes y el esperado estreno del reboot de ‘Los vigilantes de la playa’, la serie que la hizo famosa, han vuelto a hacerse virales unas declaraciones que Pamela Anderson realizó sobre uno de los actores de acción más famosos de Hollywood.

“Sylvester Stallone me ofreció un piso y un Porsche”

En el documental ‘Pamela: una historia de amor’, la actriz desveló la curiosa conversación que tuvo con una de las estrellas de Hollywood y cómo le ofreció ser “una de sus chicas”. Hablaba de Sylvester Stallone y lo llamativo fue lo que le ofreció:

“Recuerdo haber hablado con Sylvester Stallone una vez. Me ofreció un piso y un Porsche a cambio de ser su chica número 1. Y me quedé en plan: ‘¿Significa eso que hay una número 2?’ y el me respondió: ‘Es la mejor oferta que vas a recibir, cariño. Ya estás en Hollywood”.

Pero Pamela Anderson tenía claro que no es lo que buscaba en ese entonces y rechazó la propuesta del protagonista de ‘Rocky’: “Quería enamorarme de verdad. No deseaba nada menos que eso”. A pesar de esto, al salir, un representante del actor negó que esta conversación se hubiera producido: “Las declaraciones atribuidas a mi cliente son falsas e inventadas. El señor Stallone confirma que nunca realizó esas declaraciones”.

Sin embargo, Anderson ha mantenido siempre su versión, y llegó a enfatizar en ‘Watch What Happens Live’: “Bueno, ¿cómo me lo podría haber inventado? Ha sido algo muy específico”, aseguraba al haber estado en ese momento ella sola con el actor, sin testigos.

La nueva Pamela Anderson en el remake de ‘Los vigilantes de la playa’

Las palabras de la actriz han vuelto a ser tendencia cuando es noticia de forma indirecta porque se ha conocido quién será la actriz que forme parte del ‘reboot’ de la serie que la hizo famosa ‘Los vigilantes de la playa’, que se espera se estrene en enero de 2027 en la cadena Fox.

Lo que se sabe es que será una serie de 12 capítulos que combinará acción, y tendrá tanto nuevas caras como algunas que regresan de la famosa ficción televisiva que entretuvo a muchos frente a la pequeña pantalla, sobre todo en verano y que llega con el lema “Same beach, new blood” (misma playa, nueva sangre).

En ella, a Jessica Belkin se la conoce ya como la ‘nueva Pamela Anderson’, aunque dará vida a un personaje diferente, a Charlie Vale, hija biológica que no conoce el protagonista Stephen Amell, que a su vez es hijo de Mitch Buchannon, el legendario jefe de socorristas al que interpretó David Hasselhoff. Del elenco original queda David Chokachi, que era el ‘rompecorazones’ Cody Madison, y que ahora hará del veterano propietario del chiringuito oficial. Belkin forma parte también del elenco de otro ‘reboot’, el de la serie ‘Elle’, que es precuela de “Una rubia muy legal”.

Hacía más de diez años que una película ocupaba el primer puesto en el ranking de producciones más costosas de la historia de Hollywood. Hablamos de Star Wars: El Despertar de la Fuerza (2015), largometraje que marcó el regreso de la franquicia a la pantalla grande tras la compra de Lucasfilm por Disney y que costó 638,9 millones de dólares.

Sin embargo, otra película ha conseguido arrebatarle la primera posición. Según un análisis de los estados financieros presentados recientemente por subsidiarias de NBCUniversal en Reino Unido, y publicado por la revista Fortune, la película Jurassic World: Dominion se ha convertido en la producción cinematográfica más costosa de la historia.

El largometraje, estrenado en cines en 2022 por Universal Pictures, registró un gasto total de 658,8 millones de dólares y supera, por tanto, al Episodio VII de la Guerra de las Galaxias. La producción reunió a las estrellas de la nueva saga, Bryce Dallas Howard y Chris Pratt, con los protagonistas de la trilogía original, Laura Dern, Jeff Goldblum y Sam Neill. 

Una de las principales razones que explica el enorme gasto de producción es que esta película se rodó en mitad de la pandemia del coronavirus, por lo que fueron necesarios estrictos protocolos sanitarios. Las cuarentenas, el personal, médico, la seguridad… A esto se sumó que, durante los meses que el rodaje quedó paralizado por la situación médica, los estudios siguieron pagando escenarios, equipos y personal. 

Por ejemplo, el elenco principal tuvo que permanecer en Reino Unido durante largos periodos de cuarentena mientras continuaba la producción en los Pinewood Studios, unas medidas que incrementaron significativamente el presupuesto final. Los documentos muestran que solo en gastos laborales se gastaron 36,2 millones de dólares en este país, donde llegaron a trabajar hasta 454 empleados.

Cómo saber cuánto cuesta una película

Según explica la revista Fortune, el coste exacto de producir películas en Estados Unidos suele ser un secreto que no se comparte con facilidad. Aunque a veces los presupuestos se filtran, los cortes detallados de cada departamento no suelen llegar al público. 

Sin embargo, la situación es diferente en Reino Unido, país en el que se rodaron Dominion y El Despertar de la Fuerza. Reino Unido ofrece incentivos fiscales a las producciones audiovisuales extranjeras, lo que obliga a los estudios a presentar toda una documentación financiera detallada si quieren acceder a este dinero. 

Según los informes de Universal, Dominion fue la más cara de las tres últimas películas de Jurassic World, seguida de El reino caído (2018) con 606,3 millones de dólares, y El renacer, estrenada en verano del año pasado, con 254,2 millones de dólares.

La actriz Daveigh Chase ha muerto a los 35 años en un hospital de Los Ángeles tras ser ingresada por una meningitis y sufrir una sepsis que produjo su fallecimiento. La noticia la confirmó su representante, John Ryan Jr a los medios de EEUU. Ryan explicó a la BBC que Chase fue ingresada en el hospital por desnutrición antes de su muerte.

“Era genial. Le encantaban los gatos. Colaboraba con nosotros en el rescate de gatos. Era muy reservada”, contó al medio el que fuera su amigo y representante durante 15 años, que añadió que Chase había preferido rechazar películas de grandes estudios para trabajar en proyectos independientes.

Chase saltó a la fama en 2002 por interpretar a la hermana de Donnie Darko en el título de culto, y retomó el personaje en 2009, en una secuela que pocos vieron. Sin embargo, su papel más emblemático y recordado es el de Samara, la niña que salía del televisor en el remake que Hollywood hizo de The ring (2002) y que dirigió Gore Verbinski. Aquel espíritu que amenazaba a los protagonistas fue su papel con más repercusión.

Chase también triunfó como actriz de doblaje. Ella fue quien puso voz a Lilo en el filme animado de Lilo & Stich en 2002, así como en sus secuelas directas para televisión y los productos surgidos a posteriori, como videojuegos y series. También fue Chihiro en la versión inglesa de la película de Hayao Miyazaki El viaje de Chihiro.

En televisión se la pudo ver en éxitos como la serie Big Love, ya que participó en 32 episodios. Antes había hecho apariciones esporádicas en shows populares como CSI, Sin rastro o Caso abierto. Tras abandonar Big Love, sus papeles se redujeron y limitaron a pequeñas interpretaciones. De hecho, desde 2016 no aparecía en ninguna serie o película.

Steven Spielberg lo ha vuelto a hacer. Aunque la crítica ha tenido opiniones divinidades sobre su nueva película, El día de la revelación ha arrasado en taquilla. Solo en su primer fin de semana en cartelera, el largometraje de ciencia ficción ha recaudado 44 millones de dólares en Estados Unidos y entre 56 y 57 millones en el mercado internacional. 

El éxito que ha tenido el filme en cines no solo es una buena noticia para el cineasta, que llevaba sin estrenar nada en la gran pantalla desde Los Fabelman (2022), sino también para Hollywood. Es una especie de mensaje que deja entrever que todavía se puede apostar por el cine de ideas originales, sin recurrir a superhéroes, franquicias y secuelas.

Para Spielberg, es casi una obligación que los creadores de esta industria deberían imponerse a sí mismos. “Si solo creamos propiedades intelectuales conocidas y de marcas reconocidas, nos quedaremos sin ideas”, dijo el cineasta durante la presentación de su nueva película en en CinemaCon. 

Una propuesta única

El director y guionista estadounidense insistió en la necesidad de que los estudios de cine como Universal inviertan en ideas nuevas en lugar de los spin-offs que están copando las carteleras. “No hay nada más importante que ofrecer al público historias visuales, y estas pueden presentarse en cualquier formato, pero necesitamos contar historias más originales”. 

Algunas de las películas más taquilleras en lo que va de año incluyen Super Mario Galaxy: la película (basada en el popular videojuego), Michael (basada en la vida del cantante) o El diablo viste de prada 2 (la segunda parte de la icónica comedia romántica), tres títulos que confirman esa tendencia hacia la creación de productos derivados de otras obras anteriores.

Lejos de esto ha nacido El día de la salvación, que ahora se suma a otros dos fenómenos recientes, el de Obsession y Backrooms, dos películas de terror con tramas también originales que, en las últimas semanas, también han permitido a la audiencia reencontrarse en la butacas del cine con propuestas más arriesgadas, más únicas. 

Otro consejo

Además de la apuesta por las ideas originales, Spielberg también lanzó otro consejo a la industria que lo vio nacer. En este caso, la petición tenía que ver con la necesidad de que las películas permanezcan más tiempo en cartelera antes de su lanzamiento en plataformas. “El público encontrará lo que quiere ver, sean películas grandes o pequeñas, pero los estudios deben ayudarnos ampliando considerablemente los períodos de exclusividad”, señaló el cineasta.

Hubo un tiempo en el que la dupla formada por Seth Rogen y James Franco fue inseparable en el entorno de la comedia en Hollywood, con éxitos como ‘This Is the End’, la polémica ‘The Interview’ y ‘The Disaster Artist’, la última colaboración exitosa de ambos en 2017.

La acusación de acoso sexual por parte de cinco mujeres contra James Franco en 2018 dejó empañada la relación entre ambos de forma pública, tanto que se ha llegado al punto en el que Rogen ha admitido que no tiene planes de volver a trabajar con el que fue su compañero inseparable.

Seth Rogen no planea trabajar de nuevo con James Franco

Desde que se conocieran en la mítica serie de televisión ‘Freaks and Geeks’ en 1999, Seth Rogen y James Franco no solo arrancaron unas trayectorias de éxito, sino que sería el comienzo de una dupla que dominaría la comedia en Hollywood en los años siguientes y que estalló con ‘Pineapple Express’, traducido en España como ‘Superfumados’ después de que se consolidaran por separado por proyectos como ‘Spider-Man’ o ‘Superbad’.

La época dorada de la pareja de Seth Rogen y James Franco fue entre 2013 y 2014 debido al éxito que tuvieron protagonizando ‘Juerga hasta el fin’ (This is the End), una parodia viral del videoclip ‘Bound 2’ con Kanye West y Kim Kardashian, y la controvertida ‘The Interview’ sobre Corea del Norte y que ambos defendieron. El punto álgido, sin embargo, fue en 2017 con ‘The Disaster Artist’ sobre la peor película de la historia, y que le valió un Globo de Oro a Franco.

Sin embargo, todo cambió con las acusaciones de acoso sexual a James Franco en 2018, con una carrera que decreció para el actor, mientras que el que fue su colaborador, Seth Rogen sigue en su ascenso en Hollywood con proyectos como ‘The Studio’, en la que es escritor, productor, director y protagonista y que hizo historia al llevarse 13 premios Emmy.

En una reciente entrevista con The New York Times, el actor fue preguntado por su relación con el que fuera uno de sus mejores colaboradores y ha sido tajante al respecto: “Nada ha cambiado desde la última vez que hablé de todo esto y hace mucho tiempo que no trabajo con él, ni tengo planes de hacerlo”.

“Está el aspecto público, del que ya he hablado, y mantengo la misma postura pública que siempre he tenido, y creo que los hechos hablan por sí solos: no he trabajado con él en años. Pero el aspecto personal es muy complejo e involucra a personas que no sé si debería incluir en esto”, añadió el cómico.

Y es que al principio cuando se conoció la noticia afirmó que volvería a trabajar con él, unas declaraciones de las que se lamentaba más adelante, como en 2021 para Sunday Times: “Lo que puedo decir es que detesto el abuso y el acoso, y jamás encubriría ni ocultaría las acciones de alguien que las comete, ni pondría a sabiendas a alguien en una situación en la que estuviera cerca de una persona así. También recuerdo aquella entrevista en la que comenté que seguiría trabajando con James, y la verdad es que no lo he hecho ni tengo intención de hacerlo por ahora”.

Las acusaciones hacia James Franco

En 2018 fue cuando salieron a la luz las acusaciones de acoso sexual hacia James Franco por varias de sus alumnas de actuación. Algunas aseguraron que habían sido víctimas de la retirada de los protectores de plástico que cubrían la vagina durante el rodaje de escenas íntimas, y la ira del intérprete cuando las actrices se negaban a aparecer en topless. Dos de las denunciantes presentaron una demanda colectiva en 2019, por discriminación sexual, acoso sexual, prácticas comerciales fraudulentas e intimidación, con las que llegaría a un acuerdo extrajudicial en por 2,2 millones de dólares.

La histórica victoria de los New York Knicks que les ha convertido en campeones de la NBA 53 años después del último título ha dejado para la franquicia histórica imágenes para el recuerdo como la celebración de Jalen Brunson como líder y estrella de unas Finales, en las que 27 años antes su padre se había quedado a las puertas, aunque con un rol más secundario.

Sin embargo, uno de los momentos más virales de la celebración de los Knicks ha sido cuando los jugadores celebraron en la cancha con el actor Timothée Chalamet, que asiduo al Madison Square Garden y aficionado del equipo, estalló de celebración en mitad de la pista.

El actor, sin embargo, no se quedó solo en eso, sino que también celebró con el equipo en el vestuario, en un vídeo que compartieron desde el equipo de la que es su ciudad natal. A la estrella de Hollywood llegaron a preguntarle si quería gafas para protegerse del champán y su respuesta fue clara: “No me las merezco. No soy un atleta. Normalmente, uso un doble de acción para eso”, en declaraciones recogidas por Variety.

Chalamet no fue el único famoso que estuvo en el partido de las Finales NBA entre los Knicks y los Spurs, sino que también se pudo ver a otras celebridades en el Madison Square Garden como fue el caso de Spike Lee, Adam Sandler, Larry David, Ben Stiller, Taylor Swift o Chris Rock, entre otros. Incluso estuvo en un encuentro de la eliminatoria el presidente de los Estados Unidos, Donald Trump, siendo así el primero en ejercicio que presencia en vivo unas finales NBA.

Timothee Chalamet lanza un dardo a Hollywood: “Mucho mejor que los Óscar”

Uno de los detalles que más se ha hecho virales de la celebración de Timothee Chalamet del título NBA de los Knicks fue al compararlo con un premio Óscar: “¡Esto es mucho mejor que los Óscar! ¡Vamos! ¡Los Knicks son campeones!”, aseguró a pie de cancha el sábado por la noche, momentos después de que los Knicks derrotaran a los Spurs y se alzaran con el título tras en una serie de 4-1.

Unas declaraciones que tienen ‘morbo’ si tenemos en cuenta la polémica alrededor de sus últimas nominaciones a Mejor Actor en los Óscars, siendo favorito en las dos ocasiones que ha sido nominado por ‘A complete Unknown’ y ‘Marty Supreme’, pero en ninguna de ellas se alzó con el premio.

Ocho años después de su primera nominación al Óscar en 2018 por ‘Call Me By Your Name’, en la pasada edición partía como el gran favorito, pero la polémica rodeó parte de su campaña para lograr la estatuilla. En primer lugar, por el hecho de que la familia del jugador de tenis de mesa en el que se basó ‘Marty Supreme’ no estuvo conforme con su interpretación, pero luego también pudo afectar la acusación de abuso sexual en un rodaje de Josh Safdie, en ‘Good Time’ en 2017, director de la película.

Aunque si hubo un momento en el que muchos críticos coinciden que perdió el Oscar, que finalmente se llevó Michael B. Jordan por ‘Sinners’, fue por sus declaraciones sobre el ballet al describirlo como algo que “ya no le importa a nadie” en una entrevista realizada por el también actor Matthew McConaughey.

Cuando la IA generativa se popularizó allá por 2022, la comunidad de Hollywood se movilizó en su contra. De forma mayoritaria, se entendió que esta tecnología podría ser una amenaza no solo para la creatividad del sector, sino para los propios trabajadores. Guionistas, actores, directores… Todos podrían llegar a ser sustituidos por una máquina, y el miedo se extendió.

Pero, en los últimos años, esta postura ha dejado de ser tan contundente. “La IA ya está aquí. Luchar contra ella es luchar contra algo que es una batalla que perderemos. Así que encontrar maneras de trabajar con ella, creo, es un camino más valioso”, declaró Demi Moore, durante su participación como jurado en el reciente Festival de Cine de Cannes.

Hace unos días, el festival neoyorquino de Tribeca estrenó Dreams of Violets, una película hecha íntegramente con inteligencia artificial y que gira en torno a la resistencia civil iraní. Y a toda esta lista de mensajes recientes, se suma el de Martin Scorsese, quien reveló hace poco que estaba colaborado con Black Forest Labs, una startup especializada en generación de imágenes hechas con esta tecnología. 

“Durante 70 años, he creado mis propios guiones gráficos”, declaró Scorsese en el comunicado que compartió al dar a conocer la noticia. “Siempre ha existido el problema de cómo comunicar lo que uno ve en su cabeza al elenco y al equipo. Ahora, con esta herramienta, puedo compartir lo que estoy visualizando de forma más clara y eficiente. Hace poco lo probé en una escena, y la posibilidad de visualizar y compartir el guion gráfico de inmediato fue muy liberadora creativamente. Durante la preproducción, el tiempo es dinero, y esto nos permitió avanzar más rápido sin sacrificar la calidad ni la técnica”. 

Llegaron las críticas

Las críticas, como todos podíamos esperar, no tardaron en llegar. Algunos fans del cineasta galardonado con el Oscar no daban crédito a su colaboración con la compañía. “Martin Scorsese promocionando una IA generativa no es algo que estuviera en mi bingo de 2026”, comentó un usuario en X. “Me quema los ojos. Scorsese es mi director favorito, una patada en el pecho dolía menos”, comentó otra.

Pero las críticas más duras no han venido de sus seguidores, sino del Gremio de Directores de Arte, IATSE Local 800, quien cargó duramente contra el director por haber hecho una “traición a la naturaleza colaborativa del cine”. “Señor Scorsese, la industria cinematográfica no está en crisis”, comienza el comunicado compartido en sus redes sociales. “Le está dando la espalda a los artistas humanos que a lo largo de su carrera lo han ayudado a crear sus obras más memorables”.

Según el sindicato, la promoción que hizo el cineasta sobre este producto de IA “ignora la contribución de los directores de arte, artistas gráficos, ilustradores y otros profesionales talentosos”. El comunicado también recordó que, para funcionar, esta tecnología generativa utiliza “grandes cantidades de obras protegidas por derechos de autor, probablemente extraídas de Internet sin consentimiento, reconocimiento, compensación ni transparencia”. Scorsese, de momento, no ha contestado al mensaje.

La actriz estadounidense Glenn Close, el director británico Ridley Scott y el animador Floyd Norman recibirán un Óscar honorífico en la gala de los Governors Awards (premios de los Gobernadores), informó este miércoles la Academia de Hollywood.

La gala se celebrará el 15 de noviembre en el Ray Dolby Ballroom del Ovation Hollywood y también otorgará el premio Memorial Irving G. Thalberg a las productoras Christine Vachon y Pamela Koffler.

Estos premios celebran a “cinco personas extraordinarias cuyo trabajo innovador ha marcado para siempre el arte de hacer cine”, dijo la presidenta de la Academia, Lynette Howell Taylor, en el comunicado.

Este será el primer Óscar que reciba Close, de 79 años, quien ha sido nominada a los premios de la Academia en ocho ocasiones por filmes como 'El mundo según Garp', 'Las amistades peligrosas' o 'La buena esposa'.

A lo largo de cinco décadas, la actriz ha trabajado en más de cien proyectos cinematográficos y se ha consolidado como una de las más versátiles de la industria.

Por su parte Scott, de 88 años, también recibirá su primera estatuilla dorada tras haber sido nominado como director por películas como 'Thelma & Louise', 'Gladiator (El gladiador)' o 'Black Hawk Down'.

El director también es conocido por dirigir algunas de las películas de ciencia ficción más memorables de la historia del cine como 'Alien' o 'Blade Runner'.

Por su parte, Norman, de 90 años, ha sido uno de los responsables de cimentar el universo de Walt Disney Animation Studios como el primer animador negro del estudio contribuyendo a filmes emblemáticos de la franquicia como 'La Bella Durmiente', 'El Libro de la Selva' y 'Robin Hood', entre otros.

Los Óscar honoríficos se conceden para honrar la trayectoria profesional y las contribuciones de ciertas personas al estado de las artes y las ciencias cinematográficas en cualquier disciplina.

Estos reconocimientos suelen otorgarse a personalidades que, pese a sus trayectorias, nunca han ganado un Óscar.

Asimismo, Vachon y Koffler, fundadoras de la productora independiente Killer Films en 1995, son responsables de películas como 'Safe', 'Velvet Goldmine', 'Happiness' o 'Boys Don't Cry'.

El premio Memorial Irving G. Thalberg se otorga “a un productor creativo cuyo conjunto de obras refleja una calidad consistentemente alta en la producción cinematográfica”.

A principios de los años 90, era el actor mejor pagado del mundo y en parte esto fue así porque cuando nadie confiaba en una película, él invirtió en ella y se acabó convirtiendo en el western más taquillero de la historia durante varias décadas. Hablamos de Kevin Costner, que más de 40 años después, vuelve a estar en una situación similar.

Si bien el resultado no tiene por qué ser el mismo, lo cierto es que nadie quiere estrenar su última película, con la que completaría una saga que arrancó en 2024, motivado por el éxito de la serie ‘Yellowstone’ con la que resurgió con fuerza en Hollywood. Sin embargo, dejarla parece haberle costado caro.

La película ‘maldita’ de Kevin Costner: un ambicioso western que nadie quiere estrenar

En el verano de 2024, Kevin Costner estrenaba la ambiciosa saga western ‘Horizon’ con el subtítulo ‘An American Saga – Capítulo 1’, con lo que ya avisaba quería continuar, en principio, con hasta tres películas más, un hecho que, sin embargo, parece a estas alturas complicado de conseguir.

Y es que la tibia acogida tanto de la crítica como del público de la primera entrega de ‘Horizon’ ha hecho que la segunda entrega esté ahora mismo sin distribución en cines y con un estreno que cada vez que pasa parece más complicado. 'Horizon: An American Saga - Capítulo 1' recaudó solo 38 millones de dólares en su paso por cines, justo la misma cifra que costeó el actor desde su bolsillo para dos entregas.

De la segunda entrega de ‘Horizon’ que Kevin Costner está intentando sacar adelante sabemos poco, solo que podría contar con un reparto similar al de la primera, en la que participaron interpretes como el propio Costner junto a Sienna Miller, Ella Hunt, Jamie Campbell Bower y Sam Worthington. Dos años después no hay nuevas noticias y solo se sabe que pasó por el Festival de Venecia 2024 y el de Santa Bárbara en 2025, pero desde entonces se le ha perdido el rastro.

Pasó por algo similar hace 35 años: el caso ‘Bailando con lobos’

Cualquiera en la situación de Kevin Costner se daría por vencido, pero en el caso del veterano actor no es así porque él mismo saboreó las mieles de lo que es que nadie quiera estrenar una película, luchar por ella y que luego sea todo un éxito. Eso pasó hace 35 años con ‘Bailando con lobos’, uno de los westerns más taquilleros de la historia del cine.

Nos situamos a finales de los años 80, y el actor se encontraba rodando ‘Bailando con lobos’, una película que llevó a la bancarrota a United Artists y que parecía maldita, tanto que se le apodó ‘Kevin’s Gate’ en referencia a ‘La puerta del cielo’. Sin embargo, Costner creyó en ella y puso tres millones de dólares de su bolsillo para acabarla y ponerse tras las cámaras, en lo que supuso su primera incursión en la dirección.

Así llegamos a noviembre de 1990, cuando ‘Bailando con lobos’ se estrenó de forma limitada en Estados Unidos, pero debido a que fue un éxito instantáneo pronto aumentó el número de salas y estrenos, llegando a acumular más de 400 millones de dólares de recaudación y siendo durante 22 años la película del oeste más taquillera. No se quedó ahí la cosa, gracias a su acuerdo, el actor se hizo con parte de las ganancias y logró Oscar a Mejor película y mejor director junto a cinco estatuillas más.