Cuando hablamos de Meg Ryan, muchos la relacionan como una de las principales protagonistas de la comedia romántica de los 80 y 90, con títulos destacados del género como es el caso de las míticas ‘Cuando Harry encontró a Sally’, ‘Tienes un e-mail’ o ‘Sintonía de amor’, aunque el camino pudo ser diferente para la actriz, que rechazó un papel que, sin embargo, haría que Julia Roberts se convirtiera en la mejor pagada de Hollywood.

‘Magnolias de acero’ o como Meg Ryan dio inicio a la carrera de Julia Roberts

Estamos en los últimos años de la década de 1980 y dos comedias románticas están gestándose casi al mismo tiempo, lo que pocos saben es que esto dará lugar a dos brillantes carreras en el género y en Hollywood en general. En concreto fue una decisión que sería, sin saberlo, definitiva para dos grandes trayectorias.

Y es que antes de ser Sally Albright de ‘Cuando Harry encontró a Sally’, Meg Ryan tuvo la oportunidad de ser una de las protagonistas de la recordada película ‘Magnolias de acero’, en concreto se le ofreció el papel de Shelby, la joven enferma que conmovía la trama del filme dirigido por Herbert Ross.

Ryan, sin embargo, no se veía en este papel, y por eso lo rechazó, a pesar de que el proyecto tenía argumentos para convencer a cualquiera, en especial por su reparto de lujo, encabezado por Sally Field, Shirley MacLaine o incluso la recién fallecida Dolly Parton, en uno de sus papeles más recordados en el cine.

Su rechazo acabó finalmente en el hecho de que fue a parar a Julia Roberts, que todavía era un nombre desconocido en Hollywood entonces, pero que gracias a su papel de Shelby en ‘Magnolias de acero’ logró no solo la fama, sino también la que fue su primera nominación al Premio Oscar. De hecho, de ella partieron luego otros títulos míticos de su trayectoria como ‘La boda de mi mejor amigo’ o ‘Pretty Woman’.

A pesar de que su participación en la película le llevaría a un camino que le haría ser la actriz mejor pagada de Hollywood, el rodaje con Herbert Ross no fue el más agradable, de hecho, ella misma afirmó que sufrió trato abusivo por su parte, aunque no fue la única, sí que fue sometida a constantes humillaciones, un hecho que compartieron también el resto del elenco.

Este hecho se hizo conocido por la industria del cine y la propia Meg Ryan, quien había rechazado formar parte de la película, se refirió a ello en una entrevista en su momento: “No sé si es de buen gusto hablar de esto, pero estoy feliz de que las cosas hayan salido como salieron”, apuntó.

El tiempo le dio la razón y llegó Sally

Meg Ryan rechazó ser parte del reparto de ‘Magnolias de acero’, pero finalmente el tiempo le dio la razón al llegarle el papel de Sally en la comedia romántica ‘Cuando Harry encontró a Sally’, que se estrenaría apenas unos meses antes, en julio de 1989, mientras la otra lo hizo en noviembre de ese mismo año.

En la comedia romántica escrita por Nora Ephron y dirigida por Rob Reiner, la actriz brilló, especialmente por su química con Billy Crystal. La relación de ‘enemies to lovers’, además de un guion inteligente y ritmo de los diálogos redefinió este género y a día de hoy sigue siendo uno de los títulos más destacados de este.

Desde hace años, Venecia ha sacado pecho de ser el lugar donde daba comienzo la carrera por el Oscar. El certamen había logrado, con el apoyo de los estudios de Hollywood y Netflix —cuyos filmes no pueden competir en Cannes al no asegurar el estreno en salas de cine—, ser el escaparate para que los gurús de la temporada de premios calibraran las opciones de los filmes más esperados. De aquí salieron escopetadas hacia los galardones títulos como Roma, Pobres criaturas o, el año pasado, Frankenstein.

Sin embargo, esa política de flashes y glamour (normalmente esos filmes vienen acompañados de estrellas en su reparto que dan relumbrón a la alfombra roja) se ha demostrado, en varias ocasiones, inestable. La anterior vez fue en la post pandemia, cuando Hollywood no abrió el grifo lo más mínimo para permitir que sus películas vinieran (solo Nomadland, que terminó ganado el León de Oro y después el Oscar).

Pero en estos años todo ha cambiado mucho, y ahora una mala crítica en tiempos de redes sociales puede hundir un filme. O eso creen allí. Tras la debacle de Joker 2, vapuleada en Venecia, miden mucho más lo que presentan en Venecia. Este año, la gran parte de filmes que se espera que estén en los Oscar o no han llegado a tiempo o se han saltado Venecia en beneficio de citas más amables como Telluride o Toronto.

Por eso había mucho interés en ver qué ocurría con una de las pocas propuestas llegadas de un estudio de Hollywood y con una estrella como protagonista absoluto. Primetime venía con A24 como productor y Robert Pattinson dando vida a Chris Hansen, el periodista que saltó a la fama por To catch a predator, un formato en donde con cámara oculta exponía, delante de millones de telespectadores, a pederastas a los que hacían creer que acudían a ver a menores. Allí, en la casa donde les citaban, aparecía Hansen, por encima de la ley, como juez absoluto sin juicio mediante. Sacando, a cara descubierta, a los depredadores sexuales en horario de máxima audiencia.

El formato fue un éxito de espectadores, y también provocó una polémica constante debido a cómo desdibujaba cualquier límite moral. ¿Hasta qué punto un programa tiene la potestad de descubrir a esa gente?, ¿no debería ser la justicia quién lo hiciera? Para contar la historia del programa y de Hansen —y en la resaca de un documental que en España se puede ver en Prime Video sobre el mismo tema y que ha dado a conocer el show en todo el mundo— se ha colocado Lance Oppenheim, bregado en los documentales y que aquí debuta en el largo de ficción con un filme que desaprovecha todo su potencial y que, lo peor de todo, lo trata con una banalidad impropia del asunto.

A Oppenheim y al guion de Ajon Singh solo parece interesarles la historia de Hansen como crítica a los deseos de fama absoluta. Un cuento moral con el clásico 'cuidado con lo que deseas' como moraleja. No les importa en exceso, o al menos deciden no desarrollarlo, el tema que abordaba su programa. No mete los dedos en los límites morales del periodismo, en los peligros de tomarse la justicia por la mano y en cómo eso entronca con un contexto muy concreto, el post 11S donde un país decidió hacerlo.

A cambio prefiere jugar al humor negro en su retrato ácido de la ambición desmedida. Y eso queda claro cuando no solo el personaje de Hansen se obsesiona con ella, sino también los otros dos que le acompañan, su productora (Merrit Weaver) y el actor que ansía por encima de todo su carnet del sindicato de actores de Hollywood y que interpreta al señuelo como falso menor, un sorprendente Skiler Gisondo que es, de lejos, lo mejor de la función. Mejor incluso que un Robert Pattinson que demuestra que es inteligente alejándose de cualquier etiqueta que pueda caer sobre él como actor, y que está espléndido como Hansen. Pero ni su carisma ni su composición pueden salvar una película que se cree mucho más compleja de lo que es, y mucho más profunda que lo que su acercamiento realmente desvela.

Primetime reviste su banalidad con una puesta en escena resultona de estética dosmilera, llena de neones y planos retorcidos para acrecentar esa sensación de incomodidad. Hay ideas y coqueteos con el género para trasladar ese estado mental del protagonista, pero son un envoltorio para un filme que, además, tendrá que enfrentarse con la amenaza del Chris Hansen real, que ha dicho que ha comprado anuncios para proyectar antes de los pases de Primetime.

Según The Hollywood Reporter, Hansen afirma en dicho anuncio: “Ahora hay más plataformas que nunca donde se comete este perturbador delito. Únanse a nuestras investigaciones encubiertas todos los días en mi plataforma de streaming, TruBlu”. En Venecia no se vio ninguno.

Un Moretti tierno, pero menor

La otra gran apuesta vino de la mano de uno de los mejores cineastas italianos de las últimas décadas, Nanni Moretti. El autor de obras maestras como Caro diario o La habitación del hijo no pisaba Venecia desde 1989, cuando presentó Vaselina roja. Desde entonces, todos sus trabajos habían pasado por Cannes. Los tiempos de producción hicieron que su nuevo filme, Sucederá esta noche (que es una coproducción con España de la mano de BTeam e Irusoin y se rodó parte en San Sebastián), no llegara al certamen francés, por lo que el hijo pródigo ha regresado a casa.

Lo ha hecho con un filme menor dentro de una carrera apabullante, pero que contiene varias de sus señas de identidad, el humor, esa ligereza que esconde reflexiones sobre la vida y sus intrincaciones con la política (aunque aquí mucho menos presente) y los números musicales que invaden la trama para convertir todo en un estado casi mental más que en un retrato realista.

Sucederá esta noche es una adaptación de relatos de Eshkol Nevo, como ya hiciera en Tres pisos, y curiosamente ambas se colocan en eso que se podría llamar ‘obras menores’ de su filmografía. Quizás aquí se nota más porque viene de una película tan hermosa, luminosa, brillante y original como El sol del futuro. A pesar de ello Sucederá esta noche hace sonreír y calienta al espectador con su mirada a las relaciones amorosas, por las que apuesta sin fisuras en tiempos de relaciones líquidas y cinismo.

Gracias al magnetismo de Louise Garrell y Jasmine Trinca (que regresa al cine de Moretti tras La habitación del hijo) uno ve con gusto una trama sobre una pareja a la que el destino parece que quiere juntar a pesar de todo. A veces ciertas decisiones narrativas son un poco de señor de otra época —ese personaje del padre ligón—, pero también hay algo melancólico que responde al propio estado vital de Moretti, que tras sufrir un infarto en 2025 parece que acepta un estado crepuscular en su vida que se traslada a sus fotogramas.

Cuando el pasado febrero Susan Sarandon atendió a la prensa española con motivo de su Goya internacional dijo en voz alta lo que muchos ya temían. En EEUU se había vetado a las actrices y actores que habían denunciado públicamente el genocidio en Gaza. Ella era uno de los casos. Su agente había roto con ella y a los directores se les presionaba para que no la contrataran. Desde entonces, los filmes en los que iba a participar en Hollywood se habían caído y no tenía ninguna oferta en su país. Por suerte, acababa de rodar un filme en Italia.

Aquella película que fue el salvavidas de la mítica actriz de Thelma y Louise o The Rocky horror Picture show se llamaba The echo Chamber, y se ha presentado en el Festival de Venecia, donde Sarandon ha recibido una calurosa acogida en la rueda de prensa del filme que ha dirigido Andrea Pallaoro basándose en un guion de Bernardo Bertolucci. Una historia de adicciones, desamor, fantasma y recuerdos donde Sarandon interpreta a una versión femenina de Leonard Cohen. Una cantante que actúa de confesora del protagonista, un hipnótico Luca Marinelli.

La actriz fue preguntada por si en estos meses ha habido un cambio y si en Hollywood le han abierto las puertas. La respuesta fue agridulce, porque aunque confiesa que la gente ha abierto los ojos, no lo han hecho los productores de su país. “La narrativa ha cambiado en términos de la relevancia histórica de Palestina. Los lazos que los sionistas tienen con EEUU han sido una revelación para la gente. Nadie entiende todo el dinero que EEUU le da a Israel, y ahora hasta hemos votado para que se unan el ejército de EEUU y el de Israel. La gente se ha dado cuenta de eso, y eso ha cambiado”, reconocía.

Sin embargo, en términos de “poder estructural” no nota el cambio. “Me han quitado de varias películas recientemente porque hay agencias que les dicen que no me contraten. Eso es el poder estructural. Pero con la gente, y sobre todo a nivel internacional, me siento bienvenida. Lo que ha pasado conmigo pasa con otra gente, por eso agradezco a Andrea Pallaoro por no hacer caso a las advertencias. Hay un cambio en como se entiende la situación, en el público general, pero todavía hay posiciones en mi industria lideradas por sionistas que no relajan sus sentimientos contra mí. Pero tengo a mi gente, a mi equipo y estoy bien”, dijo ante el aplauso de la sala.

La actriz habló también de la influencia que había tenido Bertolucci en su vida y en su visión del cine como arte poético y político, especialmente gracias a El conformista. “Nunca había visto nada así, no sabía que el cine podía hacer eso. Cómo miraba, cómo contaba… era completamente diferente a las películas americanas. Entonces no sabía lo que pasaba políticamente”, dijo Sarandon que luego recordó que gracias a Louis Malle, con quien trabajo en La pequeña y Atlantic City le conoció y se hicieron amigos.

Hace poco volvió a vercon su hijo, que es director de cine, y se percató de que “sigue siendo moderna: la fotografía, los planos, la escena del tren, la hermosa forma en que está rodada…”. A El conformista le recuerda esta The echo chamber, que se desarrolla completamente en una casa que se convirtió en su “pequeño mundo” en el que, en contraste con Hollywood, “no hay tráileres” para las estrellas y estaban todos juntos.

Cree que han rodado un filme “con esa sensibilidad tan europea que crea atmósferas y cuenta la historia más con imágenes que con palabras”. “Andrea se toma todo el tiempo para contar esta historia y no explicar todo al público. No pone cartelas de ‘dos meses después’ o ‘un año después’, desdibuja la línea de pasado y el presente; del sueño y el recuerdo. Un director americano no podía haber dirigido esto”, zanjó.

Aquí vuelve a cantar, como en The rocky horror picture show, pero aclaró que ella no canta, aunque eso vino bien a un personaje que está luchando contra sus demonios interiores, algo que ocurre a todos, y ahí bromeó con que ella había pasado por todo lo que su personaje: “Menos meterme heroína”. Pero sí hay algo que cree que une a todos en la película y en la vida real, y es que “buscan una conexión y eso es lo que cada ser humano está buscando ahora, conectar, ser visto, ser oído”.

Naomi Watts vuelve a ser noticia después de conocer que recibirá un Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián, cuya edición se celebrará del 18 al 26 de septiembre. Un reconocimiento que España brindará a esta actriz, cuyo salto a la fama llegó con la Mulholland Drive (2001) de David Lynch, pero que aquí será para siempre recordada por el papel que hizo en una de las películas más aclamadas del director J.A. Bayona.

Hablamos, como no podía ser de otra forma, de Lo imposible, el largometraje sobre el tsunami de 2004 que causó la muerte de unas 200.000 personas. La interpretación que Watts hizo de María Bennett, personaje inspirado directamente en la médica española María Belón cuya familia sobrevivió a aquel desastre, le valió una nominación al Oscar, aunque finalmente no ganó.

Lo que muchos no saben es que la actriz de Hollywood no tuvo claro desde el principio que quisiera ponerse al frente de este personaje. Fue ella misma quien reveló hace unos años a través de una entrevista para el medio Times Colonist que, en un primer momento, dudó en si aceptar o no la oferta de trabajo.

Una decisión clave

“Fue una tragedia, causó tanto dolor a tanta gente y se cobró tantas vidas que hacer una película que pudiera terminar siendo otra película de desastres... Hacer que pareciera espectacular de cualquier forma sería un gran error”, confesó Watts. A esta reflexión se sumaba otro problema: su gran miedo al agua. Cuando tenía 14 años, Naomi fue arrastrada por la marea junto a su hermano y su madre, una experiencia que la marcó profundamente.

Sin embargo, todo cambió cuando supo que quien estaba al frente del proyecto era Bayona. El último proyecto cinematográfico del director español había sido El orfanato, la película protagonizada por Belén Rueda que llegó tan lejos que incluso Watts admiraba. “Pensé: Bueno, es un cineasta de verdad. Él sabe de drama. Suena interesante”.

La idea de aceptar el papel terminó de formularse cuando leyó las primeras páginas de la historia que adaptaría a la gran pantalla la tragedia que se vivió en Tailandia en 2004. “Leí el guion y, desde las primeras cinco páginas, supe que lo iba a hacer”, compartió la actriz en aquella entrevista.

Su decisión dio sus frutos, pues Watts consiguió reconocimientos de toda la industria por la interpretación que hizo de María. Una mujer con la que, de hecho, coincidió en varias ocasiones durante la preparación del papel. “Cuando me senté a hablar con María por primera vez, simplemente no sabía qué decir. Me pareció extraño, en cierto modo, hacerle una sola pregunta. Yo solo soy una actriz, y ella se enfrentaba a la muerte y a la posibilidad de perder a toda su familia”, reveló tiempo después.

Su carrera comenzó desde bien adolescente, con dramas como ‘Exploradores’ o ‘El club de los poetas muertos’, pero en los 90 se fue consolidando en la industria en el cine independiente, donde ganó notoriedad con películas como ‘Antes del amanecer’ con la que inauguró una de las trilogías románticas más aplaudidas y populares de Hollywood.

Pero en los últimos años, Ethan Hawke se ha arriesgado a probar con otros géneros, como el western o el terror, este último en el que se ha convertido uno de sus referentes con títulos como ‘Regresión’ con Alejandro Amenábar en la dirección o ‘The Black Phone’. Sin embargo, sus inicios estuvieron marcados por un trauma.

El trauma de Ethan Hawke tras su consagración en el terror

Si bien ya había explorado como tal el género de cierta manera junto al thriller psicológico en ‘Vidas Ajenas’ o a la ciencia ficción ‘Daybreakers’, fue en 2012 cuando Hawke definitivamente entró de lleno en el cine de terror con ‘Sinister’ dirigida por Scott Derrickson.

En esta película, se consagró como tal en el género, además de que se considera uno de los títulos más aterradores de la última década. En ella, el actor interpreta a un escritor de crímenes reales que descubre una caja con perturbadoras cintas tras cambiarse de casa.

En este rodaje, según ha compartido en varias entrevistas el actor, tuvo experiencias extrañas que describe como “situaciones peculiares” que marcaron al elenco, pero especialmente al interprete, que habla abiertamente de tener un trauma desde entonces.

Según explicó Ethan Hawke, durante el rodaje del filme se dieron problemas con el sonido que no tenían explicación, interferencias en monitores y dificultades técnicas que aparecían, además, siempre en las mismas escenas, y esto le dejó marcado desde entonces:

“Las cintas tenían imágenes que nadie del equipo grabó. Vi las grabaciones que usamos en la película y no pude dormir esa noche. No era por la actuación, sino porque parecía que alguien más había añadido imágenes. Juro que vi una cara detrás de la cámara en una de las escenas”, aseguró el actor.

Y es que, como bien confirma, el contenido de esas cintas ficticias que fueron la trama principal del largometraje le afectaron de forma profunda, lo que le ha dejado huella en su experiencia en el género de terror, en el que ha seguido, con el estreno en 2025 de la secuela de ‘The Black Phone’.

Fue considerado ‘el payaso romántico’ de Hollywood, pero se retiró a los 58 años del cine por su desencanto con la industria. Fallecería décadas después, a los 83 años debido a complicaciones del Alzhéimer que padecía, en agosto de 2016. Hablamos de Gene Wilder, el actor conocido por sus míticos papeles de ‘El Jovencito Frankenstein’ y ser Willy Wonka en la adaptación del libro de Roald Dahl de 1971, que en España se tituló ‘Un mundo de fantasía’.

Gene Wilder: del drama a triunfar con la comedia

Se cumplen diez años de la muerte de una de las figuras más relevantes de la comedia en Hollywood, de Gene Wilder, que pocos conocían nació como Jerome Silberman el 11 de junio de 1933, en el seno de una familia de inmigrantes judíos, su padre de origen ruso y su madre descendente de polacos.

De pequeño tuvo que soportar como su madre estaba continuamente enferma debido a problemas de corazón, y recordó en varias ocasiones como los médicos le dijeron que “no diera disgustos”, por lo que este pudo ser el germen de que siempre intentara hacer feliz y reír, y que no hubiera lugar para dramas.

Su origen hizo que desde un comienzo se sintiera actor dramático, aunque su trayectoria lo llevaría por otro lado. Estudió teatro en Londres y optaría por adoptar un nombre artístico, ‘Gene’ porque era un nombre que le gustaba y le recordaba en cierta manera al de su madre ‘Jeanne’, y ‘Wilder’ por la obra ‘Our Town’ de Thornton Wilder. Así, arrancaría su carrera en los años 60 en Broadway, formando parte del reparto en ‘El amante complaciente’ o ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’. Su debut en el cine llevaría más años, siendo en 1967 con ‘Bonnie and Clyde’, actualmente una película de culto, en la que interpretó a un empleado de una funeraria que es raptado por los famosos ladrones.

Lo que marcaría sus inicios es que trabajó con Anne Bancroft, casada con Mel Brooks, que lo recomendaría a su esposo, que le daría algunos de sus papeles más destacados y que llevaría al actor al reconocimiento internacional con títulos como ‘Sillas de montar calientes’, ‘El hermano más listo de Sherlock Holmes’, ‘El expreso de Chicago’ o ‘El jovencito Frankenstein’, una de sus películas más aplaudidas y recordadas.

Estrenada en 1974, Gene Wilder obtuvo su segunda nominación al Premio Oscar, como coguionista junto a Mel Brooks, que hablaba del actor de esta manera al conocerse su fallecimiento: “Gene Wilder, uno de los más grandes talentos de nuestra era. Bendijo con su magia cada película que hicimos y me bendijo a mí con su amistad”, escribió en su cuenta de redes sociales.

En ‘El Jovencito Frankenstein’, Brooks y Wilder parodiaban el cine de terror de grandes estudios como Universal, por eso se rodó en blanco y negro, y que ha llegado a nuestros días como una de las mejores comedias de todos los tiempos. En ella, el actor daba vida al Dr. Frederick Frankenstein, que, si bien reniega de su origen, viaja hasta Transilvania para reclamar la herencia de su abuelo. En ella formó pareja con Marty Feldman, que fue también su compañero en otro largometraje, y que fue uno de sus mejores amigos en el cine, de él llegó a decir: “Somos muy amigos –me confió- pero no tenemos el mismo tipo de humor. Si nos hemos separado es porque somos diferentes. Por ejemplo, yo admiro a Chaplin en tanto Feldman es más de la escuela de Buster Keaton”.

El triste final de Gene Wilder en Hollywood

A pesar de su éxito en la gran pantalla, Gene Wilder fue una persona que pasó por momentos de tristeza y soledad. En 1989 vivió uno de los peores con el fallecimiento de Gilda Radner, también actriz, con tan solo 42 años y con la que se había casado siete años antes. Esto se considera pudo hacer mella en su temprana retirada del cine.

Y es que dejó la gran pantalla en 1991 por estar desilusionado con la industria, especialmente después de que fracasara la película ‘Uno miente, el otro engaña’. Pero esto no significa que dejara la actuación, pues apareció en televisión hasta 2005 aproximadamente. A pesar de ello, su trayectoria y su prestigio en la comedia, recibió varias ofertas para volver a los cines, por parte de Adam Sandler o incluso de Steven Spielberg, que quería que tuviera un cameo en ‘El buen amigo el gigante’ que se estrenó el mismo año de su muerte.

Se prepara su biopic

El fallecido actor Gene Wilder es otra de las figuras que verá como su vida se cuenta en el cine, pues hay un biopic en desarrollo, dirigido por Dito Montiel tras obtener los derechos pertinentes. En la película se contará su trayectoria completa, haciendo hincapié en su legado en la comedia.

Matthew McConaughey y Woody Harrelson son dos actores con una carrera consolidada en Hollywood por varias décadas de trayectoria, y que han trabajado juntos anteriormente en varios proyectos, uno de los más conocidos el de la primera temporada de la serie ‘True Detective’.

Pero ahora se embarcan en uno de los proyectos más originales, con una serie de comedia, ‘Brothers’ en la que exploran el hecho real de que podrían ser hermanos, y que estrena su primer tráiler un mes antes de su estreno en streaming. Una historia increíble, pero que es cierta.

¿Son Woody Harrelson y Matthew McConaughey hermanos?

Esta pregunta tiene fundamento, no solo por la próxima serie de estreno, sino porque es un hecho sobre el que se ha hablado y han comentado al respecto tanto Woody Harrelson y Matthew McConaughey, que son amigos íntimos y que han trabajado juntos en varias ocasiones: en las películas ‘EDtv’ (1999), de Ron Howard, ‘Surfer Dude’ (2008), de S. R. Bindler, y la primera temporada de la aclamada serie de televisión ‘True Detective’ (2014).

Lo que no es tan conocido es que ambos ciertamente sospechan que podrían ser hermanos por parte de padre, desde que la madre de McConaughey les confesara durante un viaje en Grecia que estuvo de forma breve con el padre de Harrelson, justo en el momento en el que se separó de su marido, justo cuando fue concebido su hijo.

Desde que conocieran esto, los dos actores se pusieron a investigar y ataron cabos de sus posibles lazos familiares. Sin embargo, a pesar de todo lo que descubrieron y que hay cierto parecido físico, no se han hecho una prueba de ADN, y Matthew McConaughey ha explicado que no lo ha realizado porque teme saber de forma oficial que el que ha pensado que siempre ha sido su padre durante tantos años no lo sea.

Quién fue el posible padre de ambos

El padre de Woody Harrelson y posible también de Matthew McConaughey fue Charles Harrelson, un sicario a sueldo que cometió varios asesinatos y que llegó a ser protagonista de prensa sensacionalista, también porque confesó en una ocasión ser el verdadero asesino de Kennedy.

Un hecho no probado, pero que se quedó como leyenda. Harrelson abandonó a su familia cuando su hijo era pequeño, por lo que la familia no supo de él hasta que fue protagonista de un crimen mediático, que le hizo ser condenado a cadena perpetua. Desde entonces tuvo relación con el actor, que llegó a declarar sobre él: “Mi padre es una de las personas más elocuentes, cultas y encantadoras que he conocido. Aun así, ahora estoy evaluando si merece mi lealtad o amistad. Lo veo como alguien que podría ser un amigo más que alguien que era un padre”.

Mientras estaba en la cárcel en Atlanta, Charles Harrelson realizó un intento de fuga en 1995 y por eso fue trasladado a una prisión de máxima seguridad, que se conocía como la ‘Alcatraz de las Montañas Rocosas’, donde finalmente fallecería en 2007 a los 68 años debido a un ataque cardíaco.

De qué trata ‘Brothers’ y dónde verla

Dicho todo esto, la serie ‘Brothers’ juega de forma ficcionada con la posible realidad de que Woody Harrelson y Matthew McConaughey sean hermanos con una trama que gira en torno a lo que sucede después de la boda de la hija de Woody reúna a toda la familia en el rancho de Matthew y sea allí donde la madre de este cuente el secreto que lo cambia todo.

Detrás de la serie ‘Brothers’ está como creador Lee Eisenberg, conocido por ‘Jury Duty’ y el piloto de ‘Colin de Cuentas’, y se podrá ver desde la plataforma Apple TV desde el próximo 23 de septiembre con los propios Woody Harrelson y Matthew McConaughey como protagonistas.

Tim Curry, el mítico Dr. Frank-N-Furter de la película de culto The rocky horror picture show ha muerto a los 80 años en su casa de Los Ángeles según ha informado el portal de noticias de EEUU TMZ y confirmado Variety. Curry había sufrido previamente un infarto en 2012, un accidente que le tuvo en silla de ruedas hasta el día de su fallecimiento. El actor se convirtió en un icono gracias a su papel en el musical que interpretó tanto en las tablas como en la versión cinematográfica, dirigida por Jim Sharman (basada en la obra original de Richard O'Brien) y con Susan Sarandon en el reparto.

The rocky horror picture show, una versión moderna, irreverente y provocadora de Frankenstein se convirtió en un icono queer y en un filme con una legión de millones de seguidores en todo el mundo gracias a himnos como Sweet transvestite o Time Warp. Este año, de hecho, se ha reestrenado una nueva versión donde Luke Evans da vida al Frank-N-Furter que hiciera icónico Tim Curry. No fue el único papel que quedó en el imaginario popular. También fue el primero que dio vida al terrorífico payaso Pennywise en la versión televisiva de IT (1990), la novela de Stephen King que posteriormente tuvo versión cinematográfica.

Curry se curtió en los musicales de Londres y Nueva York, y participó en producciones como Hair en el West End en el año 1968. Fue aquí donde conoció a Richard O'Brien, quien le escribiría el papel del Dr. Frank-N-Furter en The Rocky Horror Picture Show que interpretaría tanto en la versión londinense del musical como en Broadway y Los Ángeles, un papel que le tuvo encima de las tablas más de un año, hasta 1975.

Curry siempre confió en el proyecto, como diría en entrevistas durante toda su vida, pero dudó precisamente porque, si la película funcionaba, “podía ser una imagen difícil de borrar”. Aunque es cierto que Tim Curry siempre estuvo vinculado al del personaje, logró construir una sólida carrera, sobre todo en teatro musical, con también papeles más que relevantes en cine y televisión.

El éxito del musical hizo que trabajara en obras como Travesties, escrita por el prestigioso dramaturgo Tom Stoppard, y que estuvo representándose en Londres y Nueva York de 1975 a 1976. También triunfó dando vida a Mozart en la versión de Amadeus que se pudo ver en Broadway en 1980, y por el que logró la primera de sus tres nominaciones al premio Tony. La segunda llegaría en 1993, cuando Curry interpretó a Alan Swann en la versión musical de Broadway de My Favourite Year. Fue dando vida Rey Arturo en el Spamalot del West End entre 2005 y 2007 cuando sumó su tercera y última nominación de un premio que nunca logró.

En cine su rostro anguloso le hizo perfecto como villano de títulos como Congo, Los tres mosqueteros, donde interpretó al Cardenal Richelieu en el filme de Stephen Herek y con Charlie Sheen, Kiefer Sutherland y Chris O'Donnell como los míticos espadachines, o como el demonio Darkness (El señor de la oscuridad) en Legend, la epopeya de fantasía dirigida por Ridley Scott y donde, como en IT, tuvo que pasar por largos procesos de maquillaje. Otros de sus papeles más emblemáticos incluyen el doctor Yevgeniy Petrov en La caza del octubre rojo (1990) y Long John Silver en Los Teleñecos y la isla del tesoro (1996).

Curry, que nació en Grappenhall (Cheshire) en 1946, acudió a la Lymm High School, pero tras la muerte de su padre a causa de una neumonía en 1958, su familia se trasladó al sur de Londres. Allí acudió a la Kingswood School en Bath, donde se formó en su talento como cantante y destacó por su voz de soprano, aunque siempre tuvo claro que era en la interpretación donde quería centrarse. Finalmente pudo unir sus dos talentos convirtiéndose en uno de esos todoterrenos que son capaces de sostener sobre sus hombros, y su voz, cualquier musical de Broadway.

Es uno de los temas del momento en Reino Unido y uno de los más candentes del sector literario, y es el hecho de que el lanzamiento del nuevo libro de Rachel Cusk se ha definido como una “biografía no autorizada” de la actriz Natalie Portman, al encontrar diversos paralelismos entre la protagonista y la vida de la intérprete de Hollywood.

La que es una de las escritoras más respetadas y premiadas de la literatura inglesa contemporánea publica ‘Life of M’ este 25 de agosto, un libro que ha sido reseñado como “una forma calculada de humillación” por parte del Sunday Times o “un asesinato literario” por parte de The Telegraph.

¿Un retrato despiadado de Natalie Portman?

Si por algo es conocida la escritora Rachel Cusk es porque ya sabe lo que es lidiar con la polémica por usar su vida real para material literario, y esta ocasión sería una vez más en la que vuelve a suceder. En este caso, el libro ‘Life of M’ trata sobre una autora que se reúne con una actriz para realizar una autobiografía en la que ella haría de escritora fantasma para contar su vida.

Esto se ha visto como un retrato despiadado de Natalie Portman por diversos paralelismos que se encuentran en la historia, al describir una actriz de Hollywood que se hizo famosa de niña, que vive en una capital europea, está vinculada con una gran marca, tiene gran interés en los libros y uno de sus papeles más famosos es el de una bailarina de ballet.

Si se tiene en cuenta que Portman se dio a conocer con tan solo 13 años en la película “León” de Luc Besson, que vive en París desde 2014, que es la imagen del perfume Miss Dior, que tiene un club de lectura en Instagram y que su papel más famoso fue el de una bailarina de ballet en “Cisne Negro”, podemos decir que la actriz descrita en el libro de Cusk se asemeja bastante a la intérprete de Hollywood.

Es por ello por lo que estos argumentos se han usado para describir que este libro sería una especie de biografía no autorizada, aunque su nombre no figura en la obra, pero donde aparece en un retrato frío y calculador, en el que se describe una persona devorada por la fama. Cabe tener en cuenta que la escritora y la actriz tenían una relación cordial como habían demostrado en varios actos que coincidieron e incluso Portman se declaró fan, tanto que dos libros han formado parte de su club de lectura. A pesar de toda la polémica generada por el lanzamiento ‘Life of M’, ni la actriz ni la escritora han realizado declaraciones al respecto, ni confirmando ni desmintiendo.

Quién es Rachel Cusk, la escritora en el centro de la polémica

La autora de ‘Life of M’ es una destacada novelista y ensayista nacida en Canadá, pero afincada en Reino Unido. Estudió Filología Inglesa en la Universidad de Oxford y publicó su primera novela en 1993, ‘La salvación de Agnes’, con la que ganó el Premio Whitbread. Desde que saliera su libro ‘Un trabajo para toda la vida’ en 2001, ha convertido la gente de su alrededor en material para su actividad literaria, con lo que está habituada a generar polémica.

En ‘Un trabajo para toda la vida’ relató su propia experiencia como madre primeriza, con un relato tan descarnado que la acusaron de odiar a los niños, pero fue en ‘The Last Supper: A Summer in Italy“ cuando estuvo a punto de ser demandada después de que escribiera sobre un grupo de viajeros ingleses que vieron como su privacidad era vulnerada. En 2012, tres años después, contó el hundimiento de su segundo matrimonio en ‘Despojos’, que fue visto como una ”narcicista sin igual“.

Cada promoción de una película de Ridley Scott es como una montaña rusa constante. Al director le gusta mantener esa pose de persona que dice las cosas sin filtros y nunca se sabe si va a soltar una boutade o no. Hace poco, con motivo del estreno de La Odisea, se recuperó un vídeo donde un periodista le leía a Scott los piropos que le había hecho Nolan durante la promoción de Oppenheimer. “¿Qué siente al ver que un director como él tiene tanta estima por su trabajo?”, le preguntaron, a lo que Scott dijo, con una sonrisa maliciosa, que se le “saltaban las lágrimas”. “¿De verdad?”, le repreguntaron, a lo que directamente contestó entre risas: “No”.

Es sardónico, con esa flema británica que hace que siempre esté buscando un tono entre el juego y lo serio. Y lo volvió a demostrar en la rueda de prensa de La constelación del perro, su nueva película —que llega este miércoles a las salas— con la que adapta la novela de Peter Heller sobre un mundo postapocalíptico donde una enfermedad ha arrasado a casi toda la humanidad y los supervivientes viven aislados defendiéndose de grupos que intentan arramplar con las pocas provisiones que quedan. En ese entorno, Jacob Elordi es el absoluto protagonista junto a su perro Jasper. Ambos buscarán una especie de oasis que actúa como un Oz para ellos, la promesa de un mundo mejor y en compañía.

Elordi, junto a sus compañeros Josh Brolin y Guy Pearce, acompañaron a Scott en la rueda de prensa, pero fue el director el que sacó a pasear su ironía para justificar su decisión de rodar en Italia porque “la comida es mucho mejor”, y recordar cómo la crítica le masacró cuando estrenó Blade Runner y, desde entonces intenta “ocultar” lo que piensa. “Al ser celta tiendo a ser muy oscuro”, volvió a bromear, pero recordó la anécdota: “Me mataron por ser tan oscuro en Blade Runner. Nunca lo he olvidado. Me refiero a vosotros, los críticos, me crucificasteis. Pauline Kael hizo una crítica en el New Yorker de cuatro páginas destruyendo la película. Las tengo enmarcadas en mi oficina. Lo que aprendí de eso es que no debes leer lo que la prensa diga de ti. Sea bueno o sea malo. Porque si es bueno te crees que eres el dueño del mundo y si es malo, ¿te lo crees? Yo no, así que simplemente hago lo que tengo que hacer”, atajó.

Tanto la película como el libro que adapta se leen, claramente, como una metáfora del mundo post Covid, y Scott no lo niega, pero cree que sirve también como reflejo del momento actual, un momento en el que “la gente no ve las noticias”. “Yo soy un adicto a las noticias. Las veo todos los días, dos veces. Y muchas de las que vemos en la película ya están sucediendo. Todos tenemos una visión limitada del cambio climático, pero el caos es aún peor en ciertos territorios del mundo. No voy a mencionar esos países, pero hay un caos similar al de las calamidades que se ven”, sugiere sin mojarse del todo.

Concede que por eso eligió el proyecto, por sus vínculos con el presente, pero que siempre tiene claro que no quiere que sus películas sean “documentales”, sino que la misión siempre es la misma: “entretener”. “Pero el entretenimiento también debe desafiarte. No puedes simplemente sentarte ahí sonriendo ante una película tonta, es genial cuando un filme empieza a decirte algo. La película empieza a hablarte. Y creo que esta película te habla, pero más allá de eso, intento hablar del comportamiento humano, y encontrar la empatía, la simpatía y el humor”, añade.

Ese humor es algo que siempre está en sus películas, y recuerda la polémica cuando los Globos de Oro eligieron Marte para competir en la categoría de comedia. “Dijeron que era una comedia. Y yo dije: 'Vale'. ¿Cómo no iba a serlo? El tipo sobrevive comiendo comida cultivada con su propio estiércol. Eso es gracioso. Si no te parece gracioso, no te avergüences”, lanza medio en broma medio en serio y añade que “a menos que estés haciendo Macbeth, siempre tienes que intentar encontrar un resquicio, un elemento de humor”.

En 2008 nos enfrentamos al abismo financiero por los bancos y su avaricia. Eso es un símbolo básico de todo lo que luego salió mal

Ridley Scott — Cineasta

Para él La constelación del perro es un filme que habla de “supervivencia”, y no es un término que diga al azar, porque cree que desde hace casi dos décadas todos estamos sobreviviendo: “En 2008 todos nos enfrentamos al abismo financiero. Los bancos y su avaricia hicieron que los banqueros cobraran un porcentaje por decirte en qué invertir y otro porcentaje sobre las ganancias. Eso es un símbolo básico de todo lo que luego salió mal, porque no se prestó atención. El banco más antiguo del mundo quebró. Si a eso se le suma una pandemia y la llegada de personas del norte de África, como está sucediendo, tenemos el comienzo de un problema grave. ¿Quieren que siga y me ponga deprimente?”.

Recuerda una película que quiso dirigir con Jodie Foster como protagonista sobre una crisis por un brote del ébola. Se llamaba Crisis in the Hot Zone y estaba basada en el famoso artículo y libro de Richard Preston. Nunca se hizo. “Acaba de ocurrir de nuevo y está fuera de control porque hemos recortado el presupuesto global de los CDC (Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades) mientras EEUU debería ser el gran guardián del mundo, porque eso es lo que siempre ha sido”, opina.

A pesar de la oscuridad de la propuesta de La constelación del perro —aderezada con ese particular sentido del humor—, Ridley Scott apuesta por aportar “belleza”. Para él, “la poesía está en el lenguaje visual”. “La belleza de la fotografía es donde está la poesía de cualquier película, ya sea de terror o de comedia. Siempre debería haberla, el problema es que, con frecuencia, no la hay porque la gente no sabe dónde colocar la cámara”, critica.

Una poesía que estaba en el cine del que aprendió, que no fue el de EEUU. “Mi escuela estuvo en el cine italiano y en el cine francés, incluso más que Hollywood”, confiesa, y lamenta que ambos países no estén apostando por los rodajes internacionales. “Francia no tiene desgravaciones fiscales, no tienen ese tipo de industria, y en Italia se han dado cuenta y están mejorando”, añade y cuenta otra batallita, cuando conoció a Fellini en “un barco gigante y vestido con un impermeable Burberry”. Una máquina de anécdotas que se niega a retirarse con 88 años y que ya tiene su próximo proyecto en marcha, una adaptación de La isla del tesoro.

El Festival de Cine de San Sebastián sigue desgranando su programación y ha dejado para el final unas cuantas sorpresas. Entre ellas la visita de Brad Pitt, que estará en el Zinemaldia para presentar su nuevo filme, Heart of the beast (En el corazón de la bestia), dirigida por David Ayer. El filme se presentará dentro de la sección oficial, pero fuera de concurso. Con este título el certamen ha anunciado que se cierra la lista de películas que se anunciarán.

Un thriller de aventuras donde el actor estadounidense encarna a un oficial retirado de las Fuerzas Especiales del Ejército que, acompañado por su antiguo perro de combate, debe sobrevivir a la naturaleza salvaje de Alaska tras un terrible accidente de aviación. Con esta visita regresará a San Sebastián tras haber estado en 2009, cuando presentó Malditos bastardos junto a su director, Quentin Tarantino, en la sección Perlak.

Escrito por Cameron Alexander, Heart of the Beast (En el corazón de la bestia) es el último largometraje de Ayer, que vuelve a reunirse con Pitt y también cuenta en el reparto con J.K. Simmons y Anna Lambe. Pitt produce la película junto a Olivia Hamilton, Marty Bowen y David Ayer, con Damien Chazelle entre sus productores ejecutivos.

Con esta bala en la recámara, el Festival de San Sebastián cierra una Sección Oficial donde ha logrado encontrar hueco para películas esperadas como The debut, de Jesse Eisenberg y protagonizada por Julianne Moore, así como los nuevos filmes de leyendas como Mike Leigh o de cineastas como Pablo Larraín, que presentará a concurso por la Concha de Oro su adaptación de varios relatos de Mariana Enríquez, un proyecto que posteriormente se verá en forma de serie en Netflix.

Queda por ver si el festival pone la guinda de esta edición con un segundo premio Donostia tras el ya anunciado al cineasta Werner Herzog, que presentará en San Sebastián su nueva película, Fucking Bastard, que antes competirá por el León de Oro en Venecia.

Es mucho lo que une a Insidious con Expediente Warren. Empezando por su creador, James Wan, que tras llevar con Saw, a mediados de los 2000, el cine de terror estadounidenses a sus extremos más sangrientos —confluyendo apropiadamente con el Nuevo Extremismo Francés—, readaptó su rol de visionario del género consolidando el jumpscare. Insidious y la primera Expediente Warren, en 2010 y 2013, estaban planteadas como sofisticados trenes de la bruja, donde el virtuosismo con la cámara de Wan y los subidones del sonido favorecían algo así como una institucionalización del sobresalto. Insidious y Expediente Warren compartían además actor protagonista, Patrick Wilson.

Aunque quizá lo más determinante sean las cifras. Tanto a una marca como a otra les ha pasado algo insólito y es que han alcanzado sus mayores taquillazos de forma tardía. Insidious: La puerta roja, con Wilson debutando como director, sentó el récord de la saga en el verano de 2023 con 189 millones de dólares recaudados, mientras que Expediente Warren: El último rito hizo lo propio en 2025 con 499 millones. En este caso se percibía cierta inquietud por finalizar del todo la andadura del matrimonio Warren, súbitamente suprimida al toparse Warner con una suma de tal calibre. Ahora mismo el estudio está desarrollando una precuela, Expediente Warren: Primera comunión.

Sumar estos triunfos a lo ocurrido en los últimos meses con Destino final: Lazos de sangre y Scream 7 —también convertidas en cimas de sus sagas respectivas— mueve a trazar impresiones paradójicas sobre el estado del cine de terror: todos coinciden en que este vive su mejor momento, pero nadie responsabilizaría a estos films. Scream, Expediente Warren, Insidious y Destino final integran de hecho la cara menos interesante del género, lo más aburrido y que menos da que hablar en comparación a fenómenos como Weapons el año pasado, o Backrooms y Obsession este 2026. Es el terror formulaico, la industria de toda la vida, que no solo se resiste a morir, sino que demuestra un total afianzamiento justo cuando más rutinario (por la acumulación de secuelas) apuntaría a ser.

Lo suyo sería, entonces, atender a si son compartimentos tan estancos. ¿Está tan alejado algo como Insidious de Obsession y Backrooms, cuyo sorprendente recorrido en taquilla se propone emular ahora que estrena una sexta entrega? Lo cierto es que no, porque Backrooms tiene de productor al mismo James Wan y en la comercialización de Obsession ha colaborado Blumhouse, factoría especializada en las expresiones más humildes de este terror de fórmula y franquicia. Blumhouse es, por supuesto, el sello detrás de Insidious. Fue Insidious, junto a Paranormal Activity y Sinister —de la cual se llegó a planear un crossover con Insidious—, la película que lo convirtió en referente industrial a principios de la década pasada, y nunca ha dejado de ser una marca digna de confianza.

Así que ya hay proyectos en marcha tras Insidious: Fuera del más allá, como un spin-off llamado Thread protagonizado por Mandy Moore. La saga no pierde ritmo y cualquiera pensaría que puede seguir fluyendo como si tal cosa, independientemente de las mutaciones que atraviese el género en sus rincones más vanguardistas. Hasta que vemos que Fuera del más allá la dirige un tal Jacob Chase, y podemos aventurarnos a considerarlo un Kane Parsons o un Clive Barker de segunda fila.

Ningún miedo es una isla

En este ámbito vuelve a brillar el parentesco ineludible con Expediente Warren. Así como el Warrenverso fichó a David F. Sandberg para dirigir Annabelle: Creation una vez este realizador sueco se había bregado en YouTube con piezas de terror, Insidious ha hecho lo propio con Jacob Chase tras haber llamado ligeramente la atención en 2017 con su propio cortometraje, Larry. Larry es un corto de lo más interesante. Al igual que Lights Out del citado Sandberg, este jugueteaba con las apariciones y desapariciones del monstruo a través de la incidencia del plano, pero aquí lo hacía según reminiscencias al creepypasta: estas historias de terror desarrolladas colectivamente en Internet, transmutadas en leyendas urbanas tan prolíficas como ilustra el caso Backrooms.

De tal forma que Larry, nos revela esta pieza de YouTube, es un monstruo de cuento cuya máximo afán es encontrar niños con los que jugar, y que puede comunicarse con nuestro mundo a través de la pantalla de una tablet. El folclore infantil y la mediación de la tecnología son básicos en la construcción de todo creepypasta que se precie, así que si Larry no dio más de sí solo se debió a que no inspiró a Internet lo suficiente. Igualmente, dio pie a una película propia, Ven a jugar, con la que Chase debutó en el largometraje sin pena ni gloria hace algo más de un lustro. Insidious ha venido en su rescate, dándole la oportunidad de seguir explorando su visión del género.

¿Significa esto que Insidious: Fuera del más allá incorpora alguna de las especificidades del mundo YouTube, pudiendo encajar a Chase en el mismo grupo que Barker, Parsons, los hermanos Philippou o el Kyle Edward Ball de Skinamarink? Pues no demasiado, ya que Insidious sigue siendo Insidious. Una saga militantemente previsible —casi tanto como Expediente Warren—, que Blumhouse lleva con mano de hierro por mucho que, en esta ocasión y al estilo de la tercera y cuarta entregas, aquí volvamos a alejarnos del matrimonio de Wilson y Rose Byrne para lidiar con nuevos personajes.

Los corsés de la saga impelen a que reaparezca Elise Rainier (Lin Shaye) como la investigadora paranormal que ahora debe ejercer desde el Más Allá —originalmente “Further”, el plano astral poblado por muertos inquietos al que pueden acceder unos pocos elegidos—, así como ciertos retruécanos temporales y conflictos familiares a estas alturas más que sobados. Con Insidious: Fuera del más allá es inevitable acordarse de lo sucedido en La puerta roja, donde el bienintencionado Wilson cargó las tintas dramáticas de forma que todo lo centrara la difícil relación de su personaje con un hijo distanciado (Ty Simpkins). Y el resultado fue mayormente indigesto.

No es lo que pasa en Fuera del más allá, por suerte. El nuevo personaje capaz de deambular por el Más Allá es Gemma (Amelia Eve, vista en La maldición de Bly Manor), y sufre tanto el trauma de su madre desaparecida como las dificultades de ser ella misma una madre soltera. La relación con su bondadoso noviete (Brandon Perea, llegado de Nop) atina a brindarle algo de ligereza al asunto, y el drama que todos sostienen resulta estar mejor construido y matizado que la norma en la saga.

Las razones por las que Insidious: Fuera del más allá podría llegar a destacar residen, no obstante, en la inventiva de Chase. Sin apartarse de la visualización básica del Más Allá que implantara Wan en las dos primeras entregas —todavía hoy las mejores, básicamente porque las dirigía él mismo encaramado a una alocada cinefilia que tan pronto rimaba con un clásico como El carnaval de las almas (1962) como con ficciones contemporáneas estilo El sexto sentido—, el director de Ven a jugar muestra bastante oficio a la hora de hacer escalar la tensión del relato. Chase sabe aprovechar una premisa tan básica como la pugna de un espectro del Más Allá por invadir nuestro mundo (gracias a unos acólitos terrenales de lo más desagradables) y sobre todo tomarse su tiempo para edificar secuencias de suspense largas y estupendamente planificadas.

Podríamos quedarnos en esto con una asquerosa visita al dentista —tristemente destripada casi por completo en los tráilers— y sobre todo con el paso de la protagonista por algo parecido a un laberinto de cojines. Las reglas tan arbitrarias que sustentan el Más Allá siempre han permitido que cada director haga lo que le dé la gana con tal de que fluyan los sustos, pero pocas veces su flexibilidad ha tenido una consecuencia tan grata como esta escena. Una que además, con su geografía imposible y el acecho burlón de figuras silenciosas intensificando la desazón de Gemma, recuerda mucho a lo planteado por Backrooms, y confirma la ligazón de Insidious con un tipo de terror a cuyas ligas, si bien no pertenece, muestra un acercamiento instintivo.

No basta para que Insidious: Fuera del más allá le otorgue algo de dignidad retrospectiva a esta variante del género —guiada al fin y al cabo por productores conservadores y mercachifles—, aunque sí supone un ejemplo valioso de cómo las imágenes más sugerentes pueden reverberar de unas a otras, desde ámbitos a priori distintos, solo con disponer de artesanos entusiastas y darle un poco más de cocción al mismo guion de siempre.

Así que con esta última película Insidious puede observar con total arrogancia a Expediente Warren —una franquicia aún más moribunda que los huéspedes del Más Allá—, y hacer acopio de algo parecido a un sentido común en el terror contemporáneo, que contempla tanto escenarios dislocados como traumas generacionales incapaces de darle algo de sentido. El cine de terror siempre es capaz de explicar el mundo que le rodea. Incluso cuando se halla prisionero de la propiedad intelectual.

El Paseo de la Fama de Hollywood suma un nombre histórico: Angélique Kidjo se ha convertido en la primera música africana y artista africana negra en recibir una estrella en la célebre avenida de Los Ángeles. La cantante y compositora de Benín recibe así uno de los reconocimientos más famosos de la industria del entretenimiento después de más de cuatro décadas llevando los sonidos africanos por todo el mundo. Su placa es la número 2.854 del Hollywood Walk of Fame, dentro de la categoría de grabación musical.

La distinción tiene una dimensión que trasciende la carrera individual de Kidjo. Hasta ahora, una de las escasas grandes figuras nacidas en África reconocidas con una estrella había sido la actriz sudafricana Charlize Theron, que recibió la suya en 2005. Kidjo abre camino y pone a la música africana en el mapa, y ha querido definir el reconocimiento como algo colectivo. “Todavía no me lo creo. No es solo mi estrella, es nuestra estrella. Podré ser la primera cantante africana en tener una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, pero estoy convencida de que no seré la última. Muchos más seguirán y eso me llena el corazón de alegría”, ha dicho en una entrevista.

Nacida en 1960 en Ouidah, en el actual Benín, Kidjo creció en una familia estrechamente relacionada con las artes. Su padre era músico y su madre, coreógrafa y directora de teatro. Ese ambiente hizo que el escenario formara parte de su vida desde muy pequeña, ya que con apenas seis años ya actuaba con la compañía de su madre.

De Benín a los escenarios internacionales

Su formación musical estuvo marcada desde el principio por una extraordinaria variedad de influencias. Kidjo creció escuchando tradiciones de Benín y del mundo yoruba, pero también descubrió a figuras africanas como Miriam Makeba, Hugh Masekela y Fela Kuti, además de estrellas estadounidenses como James Brown, Stevie Wonder o Jimi Hendrix. Esa combinación de influencias ha terminado definiendo una carrera difícil de encasillar en un solo género.

En 1983 se fue de Benín y se trasladó a Francia, en un contexto marcado por la represión del régimen de Mathieu Kérékou. “Desde el momento en que el régimen comunista llegó a Benín, me di cuenta de que la libertad de la que disfrutamos puede arrebatársenos en un segundo”, recordó años después en declaraciones a la BBC. En París trabajó como corista, estudió música y comenzó a abrirse camino hasta construir una carrera internacional.

Canciones como ‘Agolo’ y ‘Wombo Lombo’ contribuyeron a llevar su música a una audiencia global. Desde entonces, Kidjo ha publicado alrededor de una veintena de discos y ha fusionado sonidos de África occidental con jazz, funk, góspel, salsa y pop. Además, durante su camino ha colaborado con nombres como Alicia Keys, Sting, Peter Gabriel, John Legend, Bono, Burna Boy, Pharrell Williams y Yo-Yo Ma. Y en 2019 también le dedicó un álbum a Celia Cruz.

Cinco Grammy y una carrera ligada al activismo

Su trayectoria le ha permitido conseguir cinco premios Grammy, además del Polar Music Prize en 2023, uno de los galardones internacionales más prestigiosos de la música. Pero buena parte de su reconocimiento internacional también viene derivado de una carrera que ha ido mucho más allá de los escenarios. Kidjo es embajadora de buena voluntad de Unicef, ha colaborado con organizaciones como Oxfam y creó la Fundación Batonga, centrada especialmente en apoyar a adolescentes y jóvenes vulnerables en Benín.

Ahora, su nombre quedará grabado también en Hollywood. Una artista que comenzó actuando siendo una niña en Benín y que posteriormente tuvo que abandonar su país ha terminado conquistando uno de los símbolos más reconocibles de la industria cultural estadounidense. La estrella de Angélique Kidjo reconoce más de 40 años de carrera, pero también rompe una barrera para la representación de los artistas africanos en Hollywood.

El pasado 1 de junio, la Academia de Hollywood anunció la creación de una lista de los mejores cines de todo el mundo. “Un nuevo premio mundial que celebra la experiencia cinematográfica y la gran tradición de las salas de cine”, según anunció la institución que entrega los Oscar en un comunicado donde subrayó que esta lista tiene “como objetivo reconocer a los cines más notables del mundo y honrar la excelencia en la exhibición cinematográfica”. “La Academia reconocerá a los cines que brindan experiencias excepcionales al público, preservan la historia del cine y sirven como pilares culturales en sus comunidades”, añadían.

Una iniciativa enmarcada dentro del centenario de la Academia que se celebrará en 2027, y para el que la institución seleccionará 50 cines. 25 de EEUU y 25 internacionales. Para ello anunciaron que se crearía un comité de miembros de la Academia de todas las ramas que serán los encargados de seleccionar dichos cines. Al frente de ese comité, la Academia de Hollywood ha decidido colocar a Sean Baker y su pareja, la productora Samantha Quan. Los ganadores del Oscar por Anora estarán al frente del equipo que “revisa las candidaturas y recomienda cines para su inclusión en la Lista de Cines Destacados de la Academia”. Ambos, además, se encuentran preparando su nueva película, Ti amo, que será un homenaje a la comedia italiana de los 60 y 70.

Para el director ejecutivo de la Academia, Bill Kramer, y la presidenta de la Academia, Lynette Howell Taylor esta iniciativa “celebrará la experiencia cinematográfica y honrará a las salas que unen a las comunidades a través del poder de la narrativa cinematográfica”. Las salas de cine elegibles deben ser cines físicos que operen durante todo el año y pueden estar ubicadas en cualquier parte del mundo. Podrán, también, proyectar estrenos o películas de repertorio.

Los criterios de evaluación señalados por la Academia en su convocatoria incluyen la forma de participación de la comunidad de espectadores, su programación, la diversidad, inclusión y accesibilidad, la preservación histórica, el diseño y las condiciones de la sala así como los servicios de venta de alimentos y bebidas. Las salas de cine seleccionadas aparecerán en las plataformas digitales de la Academia, incluyendo su sitio web y redes sociales, y recibirán un certificado físico para exhibir en sus vestíbulos.

“Desde los inicios de Hollywood, el crimen organizado ha estado presente”. Así lo afirma Tom Patterson, productor y director de la nueva miniserie documental de tres partes, Hollywood Crime Story: The Mob Takes Over the Movies (Prime Video en EEUU). La conexión del crimen organizado con la industria cinematográfica es anterior a Hollywood, ya que estuvo presente desde los inicios del medio, cuando el inventor Thomas Edison envió a sus matones a sueldo contra la competencia en un intento por mantener el control total sobre la tecnología cinematográfica incipiente. Como se muestra en Hollywood Crime Story, esto provocó que dichos competidores —en su mayoría empresarios judíos de la costa este— huyeran hacia el oeste y establecieran la ciudad y el sistema de estudios que se convertirían en sinónimo del cine tal como lo conocemos.

Ese mismo período también dio origen al auge de los sindicatos del crimen organizado en el otro extremo del país —The Outfit en Chicago, la mafia en Nueva York— como resultado de la economía criminal creada por la Ley Seca. No pasó mucho tiempo antes de que ambos mundos chocaran. Combinando imágenes de archivo con entrevistas, Hollywood Crime Story narra la relación interdependiente entre la mafia y el cine desde los inicios del séptimo arte hasta 1990, año en que los estrenos simultáneos de El Padrino III y Uno de los nuestros, según Patterson, “pusieron un broche de oro a esa era de Hollywood”.

El primer episodio abarca desde los albores del cine hasta la década de 1960, periodo que vio el ascenso al poder del capo de Chicago Al Capone, quien envía a uno de sus subordinados, Johnny Roselli, al oeste para explorar nuevas oportunidades de negocio. Roselli encuentra un Hollywood propicio para la explotación, estableciéndose rápidamente entre sus principales estrellas y magnates, incluyendo, y sobre todo, a Harry Cohn, el despiadado cofundador y presidente de Columbia Pictures. Gracias a un préstamo de medio millón de dólares de Roselli, Cohn pudo comprar la participación de sus socios en Columbia, otorgando así a la mafia su primera participación real en uno de los grandes estudios.

Nos enteramos del breve pero animado viaje de Capone a Hollywood y de la recepción inicialmente hostil, pero finalmente positiva, que recibió la película biográfica libre sobre él realizada en 1932, Scarface. Conocemos al elegante pero volátil gánster Benjamin “Bugsy” Siegel, que se muda a la ciudad e inmediatamente empieza a codearse con la élite de la industria; a su subordinado y futuro sucesor como jefe del vicio en Los Ángeles, el brutal Mickey Cohen, que se inició en el crimen a los nueve años cuando asaltó un cine; al matón abusivo de Cohen, Johnny Stompanato, que salió con la estrella de cine Lana Turner y que finalmente fue apuñalado hasta la muerte por su hija adolescente; y a los corruptos dirigentes sindicales que la mafia colocó como líderes de la Alianza Internacional de Empleados de Escenarios Teatrales (IATSE) y de los Teamsters. Nos encontramos con la impactante historia de los jefes que ordenaron el asesinato del presidente del Sindicato de Actores, James Cagney, cuando este se negó a entregarles su sindicato (su vida se salvó gracias a que Paul Muni, protagonista de El precio del poder (Scarface), le pidió personalmente a Capone que interviniera). También nos cuentan una divertida anécdota sobre Cohen robando a la actriz Betty Grable, quien, años después, se lo tomó a broma al reencontrarse con ella.

'El Padrino' fue financiada en parte por Michele Sindona, banquero de la mafia y del Vaticano, y con la aprobación extraoficial del jefe del crimen y activista italiano por los derechos civiles Joe Colombo, quien sería asesinado a tiros durante un discurso público mientras la película estaba en producción

La mayoría de estos personajes violentos tienen finales violentos, pero la naturaleza aborrece el vacío, así que no pasa mucho tiempo antes de que nuevas figuras turbias tomen las riendas. El segundo episodio de Hollywood Crime Story se sitúa entre finales de los 60 y principios de los 80. “En lugar de desaparecer tras la caída del sistema de estudios”, explica Patterson, “el crimen organizado se entrelaza con Hollywood más que nunca, pero de maneras más aceptadas por el público general”.

En uno de los mejores momentos de la serie, Tom Mount, expresidente de Universal Studios, relata su asistencia a una reunión presidida por el director Alfred Hitchcock, el superagente Lew Wasserman (cuya poderosa agencia MCA alcanzó la fama gracias al apoyo directo de Capone), el exmafioso y magnate de Las Vegas Mo Dalitz, y el abogado Sidney Korshak, uno de los hombres más poderosos de Hollywood, si no el más poderoso, gracias en gran parte a su extensa clientela mafiosa. Mount recuerda haber escuchado a estos hombres “apropiarse” de partes de Hollywood para sí mismos.

Wasserman y Korshak son dos de las figuras centrales de este capítulo intermedio, ya que formaban parte de un grupo de gánsteres y empresarios judíos conocido como la Supermafia o, también, “la Kosher Nostra”. La Supermafia controlaba todos los aspectos de Hollywood, desde el casting y la financiación hasta la sindicalización, además de realizar negocios turbios, como negociar la liberación del hijo secuestrado de Frank Sinatra. Pero, como resume el narrador de la serie, Jeff Rechner, “donde antes la mafia usaba la violencia para ejercer el control, estas nuevas figuras utilizan la sala de juntas como arma”.

Su historia conduce directamente a la creación de la película sobre la mafia más icónica de todos los tiempos: El Padrino. Impulsada por Robert Evans, protegido de Korshack y presidente inconformista de Paramount Pictures, financiada en parte por Michele Sindona, banquero de la mafia y del Vaticano, y con la aprobación extraoficial del jefe del crimen y activista italiano por los derechos civiles Joe Colombo (quien sería asesinado a tiros durante un discurso público mientras la película estaba en producción), el enorme éxito de El Padrino transformó la forma en que operaban tanto los cineastas como los criminales.

“Cuando se estrenó El Padrino, los mafiosos intentaban pasar desapercibidos”, afirma Patterson. “Entonces ven esta grandiosa y maravillosa representación de la vieja escuela y piensan: ‘Quiero vivir así’. Empiezas a oír historias de gestos cada vez más grandiosos: besar el anillo del capo, las grandes bodas, las reuniones en voz baja, los nombres en clave”.

Al igual que con la galería de villanos del primer episodio, esta renovada atención y mayor notoriedad desembocan en tragedia para la mayoría de estos individuos. Pero incluso cuando esta segunda generación de poderosos personajes turbios sale a la luz o es eliminada definitivamente, logran redefinir el futuro del entretenimiento. Hollywood Crime Story argumenta: “Al exprimir al máximo el cine de prestigio y transformar la economía de los estudios, Korshack y la Supermafia podrían haber preparado, sin saberlo, el terreno para la era de los blockbusters”.

Esa era llegó en la década siguiente, junto con la industria hermana, de dudosa reputación, del cine comercial: la pornografía. El tercer episodio explora cómo figuras vinculadas a la mafia, como Louis “Butchie” Peraino, invirtieron las ganancias de la producción de películas pornográficas en la compra y distribución de películas legítimas (en su caso, títulos como Carne para Frankenstein de Andy Warhol, Operación Dragón, Estrella oscura y La matanza de Texas), creando así un modelo inicial para el cine independiente que despegaría en los años 90.

Además de la pornografía, la otra gran fuente de ingresos para los mafiosos de Hollywood era la cocaína, que se convirtió en la droga de moda entre la élite de la ciudad. Robert Evans y su caída en desgracia son el tema central de gran parte de este episodio, en particular su participación en la desastrosa producción del drama histórico de crimen de 1984, Cotton Club. Tras reunirse con el director de El Padrino, Francis Ford Coppola, con la esperanza de recrear el éxito de esa película, Evans tomó la desesperada decisión de conseguir financiación asociándose con dos miembros del cártel de la cocaína de Florida. La posterior ruptura entre ambos desembocó en un juicio por asesinato muy mediático que destruiría lo que quedaba de la reputación de Evans (al menos hasta su improbable reinvención en el tercer acto, 20 años después).

Estas historias son solo una muestra de las que se abordan en Hollywood Crime Story, que, según admiten sus propios directores, apenas roza la superficie. Inspirado durante el desarrollo de las respectivas docuseries sobre las conexiones de Marilyn Monroe y Elvis Presley con la mafia, Patterson descubrió que “una vez que empiezas a profundizar, surge una historia tras otra. Lo más difícil fue decidir qué incluir en los tres episodios”.

Para ello, Patterson cuenta con la valiosa ayuda del equipo de expertos que reunió, tanto delante como detrás de las cámaras: historiadores de la mafia, como Claire White, directora sénior de educación del Museo de la Mafia de Las Vegas, y el autor Gus Russo, y expertos en cine como Jonathan Kuntz y Christina Newland. El documental no solo ofrece una mirada amena y a la vez rigurosamente documentada al mundo de Hollywood, sino que también constituye un análisis crítico del género de la mafia en sí mismo, su evolución desde la era del cine mudo hasta la última década del siglo XX. Patterson explica su decisión de terminar en 1990 preguntando: “¿Ha habido alguna película de gánsteres verdaderamente genial desde Uno de los nuestros? Suelen mirar al pasado o son adaptaciones televisivas”.

Independientemente de la opinión que se tenga sobre el cine de gánsteres posterior al año 2000, Patterson señala que “el crimen organizado en Hollywood abarca hoy en día desde mafiosos ucranianos que controlan plataformas de streaming hasta bandas africanas que se dedican a la piratería, etc. Ya no vivimos en un mundo de poder concentrado, ni en un Hollywood físico ni psicogeográfico”.

Por muy difuso que sea el impacto del crimen organizado en la industria en la era digital actual, es seguro que la relación sigue siendo simbiótica: las películas influyen en la forma de pensar y actuar de los gánsteres, y viceversa, hasta el infinito.

Solemos considerar Hollywood como la Meca del cine, pero a veces olvidamos que algunas de sus grandes producciones clásicas se rodaron, en realidad, en unos estudios a las afueras de Roma que se han convertido también en un punto de referencia para los cinéfilos. Son los estudios Cinecittà, nacidos en 1937 como parte de un proyecto impulsado por Mussolini para promocionar el cine como herramienta de propaganda.

Sería después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de los años 50, cuando estos estudios llamarían la atención de las majors de Hollywood, que desembarcó en Italia para filmar algunas de sus películas más míticas. Y gracias a ello, hoy Cinecittà es uno de los lugares más icónicos de la industria cinematográfica. Aquí se han rodado más de 3000 películas, además de series de televisión, videoclips y anuncios.

Hollywood en Roma

Cinecittà se inauguró el 28 de abril de 1937, como un gran complejo de 73 edificios, 21 de los cuáles eran estudios cinematográficos. Durante la Segunda Guerra Mundial y ante la situación política del país, los estudios fueron trasladados a Venecia y ocupados por los nazis. Al final de la guerra, los americanos que entraron en Italia trajeron a Cinecittà equipos técnicos, cámaras, proyectores, equipo de sonido y películas.

Y así fue como, después de la guerra y especialmente entre los años 50 y 60, el cine americano hizo de Cinecittà un lugar de rodaje de referencia, gracias a los incentivos fiscales y mano de obra cualificada y barata y un buen clima para rodar. Tanto fue así, que Cinecittà llegó a ser conocida como el “Hollywood sobre el Tíber”. En esta época, por poner algunos ejemplos, se rodaron en los estudios romanos grandes clásicos como Quo vadis? de Mervyn Leroy, Ben Hur de William Wyler o Cleopatra de Joseph L. Mankiewicz. Fue precisamente aquí donde Elizabeth Taylor y Richard Burton iniciaron su apasionado y famoso romance.

El cine americano revistió Cinecittà de la misma aureola de glamur del que presumía Hollywood. Pero también los grandes directores del cine italiano pasaron por estos estudios para rodar sus obras. Ettore Scola, Sergio Leone, Luchino Visconti, Anna Magnani, Alberto Sordi, Vittorio De Sica, Sophia Loren, Gina Lollobrigida o Claudia Cardinale son solo algunos nombres que también participaron en películas filmadas en Roma. Y, por supuesto, Federico Fellini, que reconstruyó en el Teatro 5 de Cinecittà la famosa avenida Via Veneto, que en los años 50 y 60 se convirtió en punto de encuentro de las estrellas de cine y los inevitables paparazzi.

Cinecittà en la actualidad

Aunque la época dorada de los estudios parece haber pasado, la realidad demuestra que siguen siendo un lugar de referencia para rodajes de todo tipo de películas y series. Actualmente ocupan una superficie de 400.000 metros cuadrados y cuentan con 19 estudios de filmación, entre los que destaca el mítico Teatro 5 que ahora lleva el nombre de Fellini.

En las últimas décadas se han rodado en Cinecittà películas como El padrino III, de Francis Ford Coppola, El paciente inglés, de Anthony Minghella, Life Aquatic, de Wes Anderson, La pasión de Cristo, de Mel Gibson o Gangs of New York, de Martin Scorsese. También se filmó aquí la aclamada serie de televisión “Roma” (2005-2007).

Una visita a los estudios nos permite ver en directo decorados usados para estas filmaciones. Entre otros, se pueden ver la recreación de templos y edificios del imperio romano, las calles de Nueva York o la fachada de la Basílica de San Pedro que se construyó para la serie “The Young Pope” de Paolo Sorrentino. Además, desde 2019 se ubica en estos estudios el Museo Italiano del Audiovisual y del Cine (MIAC).

En un momento en el que los biopics musicales están a la orden del día, con el estreno de ‘Michael’ como una de las películas del año, llega una nueva propuesta basada en una banda real, aunque no es un proyecto al uso como narrativa biográfica.

Este es ‘Nimrods’, una película que es la incursión de la banda Green Day en el cine, y que, aunque se basa en los primeros años del grupo, que llegó a ser fenómeno mundial del punk rock, la trama no es exactamente solo la historia de ellos.

La primera incursión de Green Day en el cine

Producida por Live Nation Studios, la película ‘Nimrods’ es el último proyecto musical en el cine, que llega a las salas de cine de Estados Unidos este 14 de agosto, y que en España se exhibe ya desde el pasado lunes.

Este largometraje, que se basa en los primeros años de Green Day, sigue a tres adolescentes que van en busca de su sueño de triunfar en la música, lo que reflejaría de forma directa como se produjo el ascenso en la vida real de la banda estadounidense de punk rock que alcanzó el éxito masivo con su disco ‘Dookie’ de 1994, en el que sonaron canciones míticas como “Basket Case”, “American Idiot” o “Good Riddance” y que los llevaría a una trayectoria de cuatro premios Grammy.

La película está escrita y dirigida por Lee Kirk y sigue a Tommy, que es interpretado por el actor Mason Thames, que busca ser telonero de Green Day después de haberles entregado una maqueta durante un encuentro de la banda con fans. Después de que los inviten a formar parte del concierto de Nochevieja, Tommy y sus compañeros se embarcan en un viaje por Estados Unidos que irá desde Kansas a Los Ángeles.

Basado en los propios comienzos de la banda

Esta historia de los inicios de un grupo de música como telonero y viajando por todo el país se basa directamente en lo que fue el comienzo de Green Day. “Nuestro primer sueño fue dar un concierto y finalmente tuvimos la oportunidad de hacerlo”, repasó el vocalista Billie Joe Armstrong ante el diario The Independent.

“Nunca sabes, cuando estás viviendo esos momentos de tu vida y estás haciendo cosas geniales, que en ese momento no te das cuenta de que eso se convertirá algún día en una escena memorable de una película”, dijo el baterista Tre Cool en la misma entrevista.

Green Day aseguró que a través de esta película su objetivo es capturar la mentalidad juvenil y la actitud rockera del grupo, a la vez que se inspiraron en películas como ‘Rushmore’ para crear el proyecto. A pesar de que gran parte de la trama gira también sobre la banda real, el grupo no aparece en pantalla y tendrá más protagonismo como mención y también en la banda sonora.

Se estrenó el pasado 26 de junio en Estados Unidos y ha conseguido una recaudación de 23,5 en el país y unos 18 millones a nivel mundial, en los territorios en los que se ha exhibido en cines, pues en España no se espera que llegue hasta octubre. Hablamos de ‘The Invite’, la que para muchos ya es la comedia del año.

Dirigida por Olivia Wilde, que también la protagoniza junto a Penélope Cruz, Edward Norton y Seth Rogen, se basa en una película española, ‘Sentimental’ de Cesc Gay, que es una versión en inglés después de existir largometrajes en alemán o italiano.

De qué va la película ‘The Invite’ de Olivia Wilde

La película, de la productora A24, se basa en la historia que ya estrenó en 2020 Cesc Gay, ‘Sentimental’, que nos presentaba una historia de enredo entre dos parejas formadas por Javier Cámara y Griselda Siciliani por un lado y Belén Cuesta y Alberto San Juan por el otro.

En este caso, en su versión en Hollywood con ‘The Invite’ las parejas las forman Olivia Wilde y Seth Rogen que dan vida a Angela y Joe; y Penélope Cruz y Edward Norton que son Pina y Hawk, a los que invitan a cenar en un encuentro que cambiará la vida de los cuatro. Y es que en ambas películas hay un matrimonio aburrido de la monotonía que de repente se encuentra con una pareja más joven y atrevida, aunque esto da lugar a un intercambio de visiones sobre las relaciones humanas.

Sin embargo, en España no se verá en cines hasta el 16 de octubre de 2026, la fecha de estreno prevista, meses después. Olivia Wilde está en la dirección, mientras el guion es obra de Rashida Jones y Will McCormack, una dupla creativa que se ha centrado en la comedia.

“No hay ningún género que se beneficie más de la experiencia colectiva”

‘The Invite’, sin embargo, no ha tenido un camino sencillo para el estreno en cines, sino que la directora asegura que ha tenido que luchar e incluso “perder dinero” para lograr que se exhiba en salas de cine de todo el mundo y no fuera directamente a plataformas. En parte gracias a su buena acogida en el Festival de Sundance, donde obtuvo buenas críticas:

“Pensé: ‘Esto es mágico. Tenemos que escucharlo… tenemos que luchar por ello’. Si no luchas por ello, escucha, ya sabes esto… te sobornan para que no estrenes en cines. Es un soborno. Te pagan más. No a mí, ni al cineasta. Los inversores ganarán mucho más dinero con el streaming, y puedes aceptar ese soborno y renunciar a eso si esas son tus prioridades”, declaró en una rueda de prensa en el Festival de Cine de Locarno donde participa la película.

En este sentido agradeció a la productora Megan Ellison de Annapurna por su apoyo a su deseo de llevar la película a los cines y por aceptar la oferta de A24 para su distribución en salas, aunque las plataformas ofrecieran más. “Realmente creo que no hay ningún género que se beneficie más de la experiencia colectiva que la comedia… es una parte ancestral de nuestra cultura. Como seres humanos, nos hemos reunido, contado historias y reído juntos durante miles de años de diferentes formas y maneras.”, apuntó al respecto.

La inteligencia artificial se ha convertido en uno de los grandes debates de Hollywood, especialmente por las posibilidades que ofrece para generar imágenes, modificar interpretaciones o incluso recrear digitalmente a actores. En medio de las dudas que despierta esta tecnología, Brad Pitt ha decidido romper una lanza a su favor. El actor considera que, utilizada de manera correcta, puede convertirse en una herramienta que permita sacar adelante películas que actualmente tienen más dificultades para encontrar financiación.

Brad Pitt ha abordado el asunto en una entrevista concedida a Esquire, coincidiendo con el estreno el próximo 25 de septiembre de El corazón de la bestia, película dirigida por David Ayer y protagonizada por el propio actor. Ante el rechazo que genera la inteligencia artificial en parte de la industria cinematográfica, el intérprete cree que también puede ofrecer nuevas oportunidades.

“Hay mucho rechazo contra la IA, pero la IA va a ser precisamente lo que, utilizada como una herramienta, ayudará a que se hagan esas películas de presupuesto medio, películas con presupuestos de entre 40 y 90 millones de dólares”, afirmó Pitt. Su postura, sin embargo, cambia cuando se plantea una de las cuestiones que más inquietud genera entre los profesionales del sector: utilizar esta tecnología para sustituir directamente el trabajo de los actores.

¿Puede la IA sustituir a un actor?

Brad Pitt no descarta que técnicamente pueda conseguirse, aunque considera fundamental a la persona que esté detrás de la herramienta y tome las decisiones creativas. “Bueno, depende de quién lo cree, ¿sabes? De quién esté detrás, de quién cuente la historia”, explicó. Según el actor, una persona podría utilizar el material generado por la inteligencia artificial para buscar una determinada emoción y moldear posteriormente el resultado hasta acercarse a aquello que pretende conseguir.

El problema, a su juicio, estaría precisamente en aquello que se perdería durante ese proceso. Una recreación mediante IA podría parecerse a una actuación suya sin responder realmente a sus decisiones interpretativas. “Podrían hacerlo, pero quizá el producto final no reflejara mis decisiones ni lo que yo encontraría y descubriría en la obra”, señaló. Pitt cree que los próximos años servirán para comprobar hasta dónde puede llegar esta tecnología: “Va a ser un experimento muy interesante”.

Su relación con la digitalización, de hecho, viene de mucho antes del actual auge de la inteligencia artificial. Él asegura que lleva unos 20 años siendo escaneado digitalmente y que durante todo este tiempo ha incluido en sus contratos una condición muy concreta: los escaneos debían pertenecerle y posteriormente ser destruidos. “¡Debería haberlos conservado! Todo este tiempo los he mandado destruir porque soy un chico paranoico de los Ozarks”, bromeó.

Una canción creada por IA

El actor también ha experimentado con otras aplicaciones de esta tecnología. Recientemente escuchó una canción generada mediante inteligencia artificial que le sorprendió por su calidad. “El otro día escuché una canción hecha con IA que era jodidamente buena”, reconoció. Sin embargo, encontró en ella un componente repetitivo y cree que todavía hay una diferencia difícil de salvar en relación a una interpretación humana: “Nunca será igual que escuchar su voz: la voz de una mujer, la voz de una persona”.

Mientras Hollywood continúa explorando las posibilidades y los límites de estas herramientas, Pitt mantiene una agenda cinematográfica especialmente activa. Además de El corazón de la bestia, volverá a interpretar a Cliff Booth, el personaje por el que ganó el Oscar en Érase una vez en Hollywood (2019), en un nuevo proyecto que estará dirigido por David Fincher. Él y el director volverá a trabajar juntos después de películas aclamadas por la crítica como Seven (1995), El club de la lucha (1999) y El curioso caso de Benjamin Button (2008). El proyecto cuenta además con la aprobación de Quentin Tarantino.

Marilyn Monroe fue una de las estrellas más rutilantes de la época dorada de Hollywood. Y a pesar de su prematura muerte a los 36 años, su luz nunca se ha apagado. Buena prueba de ello la vimos el pasado mes de junio, cuando se cumplieron 100 años de su nacimiento. Fans de todo el mundo recordaron a icónica actriz, que dejó para el recuerdo grandes películas como La tentación vive arriba o Con faldas y a lo loco.

Uno de esos fans es Frederic Cabanas, un artista de Sant Cugat (Barcelona) que colecciona objetos, fotos y documentos relacionados con Marilyn Monroe desde hace más de 35 años. Y esa colección ha servido de base para crear el que es el único museo en Europa dedicado a la estrella rubia. El museo se encuentra en el mismo municipio de Sant Cugat, en Cal Gerrer, un edificio con historia que acoge varias exposiciones y salas de interés.

¿Quién es Frederic Cabanas?

Pintor, fotógrafo y coleccionista, la vida y la trayectoria de Frederic Cabanas se ha apoyado en dos grandes puntales. Por un lado, su familia, y por otro, su gran admiración por Marilyn Monroe. Cabanas procede de una familia de Sant Cugat con estrechos vínculos con el mundo del arte y la cultura local. Su abuelo era inventor, uno de sus tíos fue el primer fotógrafo con estudio en el municipio y fundador de los Bastoners; otro tío fue pintor y dramaturgo y su padre era pintor y poeta.

Con estos antecedentes familiares, es normal que heredara ciertas inquietudes artísticas. Además, heredó también la casa familiar, la histórica alfarería Arpi, ubicada cerca del Monasterio de Sant Cugat, y que se conoce popularmente como Cal Gerrer. Cabanas rehabilitó el edificio y lo convirtió en un museo y centro cultural que cuenta, entre sus principales atractivos, con un espacio dedicado a Marilyn Monroe.

La pasión por Marilyn Monroe

Con solo 21 años, Cabanes vio un libro de fotografías de Marilyn Monroe en una librería y decidió comprarlo. Como fotógrafo, quedó fascinado por la fotogenia de la actriz y su magnetismo. Así empezó una relación de amor por la gran estrella rubia, que Cabanas ha desarrollado a lo largo de varias décadas en las que se ha dedicado a comprar libros, fotos, documentos y otros materiales relacionados con ella.

Su colección es única porque no se basa únicamente en buscar merchandising convencional de la actriz. Cabanas se ha centrado en los libros de fotografía donde ella aparece, así como en buscar objetos insólitos. Así, por ejemplo, se ha dedicado a rastrear y conseguir la edición exacta de un libro que Marilyn sostiene en una foto específica.

Un museo singular

En el museo se pueden ver carteles, fotografías, vestidos e incluso muñecas. Pero lo que más destaca son las 4.000 postales con la imagen de la actriz y los más de 2000 volúmenes que Frederic Cabanas ha reunido a lo largo de los años. En la biblioteca hay biografías, libros que analizan el impacto de Marilyn en la cultura y también revistas americanas de los años 40 y 60 en los que apareció la actriz.

Todos estos libros y objetos pueden verse ahora en la segunda planta del museo de Cal Gerrer. El museo se levanta en la que fue la antigua fábrica de cerámica más importante del Vallès. Hoy, cada planta del edificio está dedicado a un ámbito temático. Así, en el subterráneo, donde se pueden ver elementos arquitectónicos relacionados con la actividad ceramista, se exponen piezas de cerámica de la familia Arpí.

Otra de las plantas acoge una exposición de pintura y fotografía de los hermanos Cabanas Alibau, además de objetos familiares. Asimismo, el museo también dispone de un espacio reservado para acoger exposiciones temporales, una sala de actos y un espacio para la proyección de audiovisuales.

Finalmente, vale la pena subir hasta el mirador panorámico, desde donde se pueden ver vistas espectaculares de Sant Cugat y de su monasterio.