Puestos a defender el cine de superhéroes, o contextualizarlo de forma que no parezca tan irremisiblemente nocivo para la industria del entretenimiento, sería útil aseverar que es un género como otro cualquiera. Un registro narrativo de tantos, con sus normas internas y sus puntos de esplendor y decadencia, que simplemente se ha aferrado al Hollywood contemporáneo como durante los años 40 y 50 se aferró el wéstern. Hubo, es cierto, una auténtica fiebre por el cine del Oeste entonces y era legítimo que una fracción de público se cansara, pero existe una diferencia fundamental. Y es que el sheriff Wyatt Earp no tiene derechos de autor, mientras que Spider-Man sí.

¿Qué implica esto? Que cualquier cineasta o cualquier estudio era capaz de realizar un wéstern recurriendo a la memoria mítica de EEUU. Se podría proponer que Superman sea tan consustancial a la identidad fundacional estadounidense a través de los cómics como lo ha sido cualquier cowboy desde los anales del cine. Y aún así, al final del día y dejando de lado voluntariosos hackeos al margen de personajes preexistentes —llámese Chronicle, llámese Brightburn—, lo cierto es que si no tienes la propiedad intelectual no vas a ningún lado. El binomio Marvel/DC lo ha acaparado todo durante lo que llevamos de siglo XXI, forzando a que el asunto solo pueda gestionarse en función a esas megacorporaciones que poseen los derechos, o ansían retenerlos como sea.

El caso de Sony Pictures es ilustrativo. Sony tiene los derechos de Spider-Man pero a mediados de la década pasada fue incapaz de montar una nueva continuidad sólida con Andrew Garfield al frente. Tuvo que resignarse a ver, de hecho, cómo cediéndoselo a la Marvel Studios de Disney el personaje alcanzaba el mayor éxito de su trayectoria —la reciente Spider-Man: Brand New Day es actualmente la tercera película más taquillera de todos los tiempos—, y la decisión que tomó para resarcirse ilustró la cutrez extrema que podía alcanzar este género o como queramos llamarlo (nosotros preferimos aberración industrial). Empezó a montar un Universo de Personajes Secundarios de Spider-Man, el UPSS. Con Venom, Madame Webb y un tal Morbius.

Puede que Morbius, protagonizada por Jared Leto, sea la película que más haya trascendido de aquella saga, concluida en 2024 con Kraven the Hunter. No porque fuera mínimamente buena o hiciera números satisfactorios en taquilla —con excepción de los Venoms de Tom Hardy, todos estos films se estrellaron—, sino porque esta dio para hacer memes, It’s Morbin’ time! El estupor popular que empezaba a despertar una maquinaria tan deshumanizada y absurda fue canalizado a través del humor internetero, por encima del empeño con el que Morbius quería distanciarse del resto de propuestas superheroicas. Porque coqueteaba con el terror, y su protagonista era un enemigo declarado de Spider-Man. Son las mismas coartadas con las que quiere defenderse Clayface.

Enhorabuena, DC, acabas de tener un Morbius

Seguramente a ninguno de los implicados en Clayface le agrade esta comparación. James Gunn es un director que ha sufrido en sus carnes las despóticas arbitrariedades de ponerse al servicio de Marvel y DC, así que cuando por azares del destino quedó al mando de esta última, a finales de 2022, aseguró que las cosas iban a cambiar. Que la nueva DC no confirmaría proyectos porque sí, que no se aprobaría ninguna película cuyo guion no le hubiera dejado satisfecho, y sobre todo que habría libertad creativa. En un movimiento histórico para la industria, un autor quedaba al mando de una maquinaria gigantesca. Gestionando a su antojo todo un supuesto género, y toda una IP.

Así que, de cara a Clayface, conviene presumir de que dirige un nombre muy reputado del cine de terror (James Watkins, que empezó muy bien su carrera con Eden Lake para dar bandazos a partir de ahí, como aquel desafortunado remake de Speak No Evil—, y que escribe asimismo un guionista consagrado como es Mike Flanagan, admirador confeso de Stephen King y responsable de una obra maestra como es La maldición de Hill House. Flanagan, sin embargo, se ha distanciado significativamente del proyecto en los últimos años —la Clayface final está reescrita por Hossein Amini, en cuyo currículum brilla con luz propia… la miniserie de Obi-Wan Kenobi—, pero no hay nada que no se arregle volviendo a presumir de libertad e independencia. Erigiendo a Clayface como terror puro y duro, que no ha de rendirle cuentas a otros rincones del actual universo DC.

Terror puro y duro de presupuesto sensato y referencias algo más selectas de lo habitual. En efecto, antes que con Morbius quizá Gunn prefiera comparar a Clayface con lo que fue Joker (y sus laureadas citas a Scorsese y el Nuevo Hollywood). Y es comprensible. Clayface es el nombre de un villano recurrente de Batman —que no obstante nunca ha llegado a enfrentarse a él en todas las películas que llevamos… como Morbius con Spider-Man—, cuyos orígenes rastrea el filme de Watkins. Matt Hagen (interpretado por el desconocido Tom Rhys Harries) es un actor de Gotham que cae en desgracia cuando le desfiguran el rostro, así que deseoso de recuperar su vida y fama se somete a un experimento para regenerar los tejidos de la piel. Un experimento que, naturalmente, sale muy mal, convirtiéndose poco a poco en un monstruo con poderes metamórficos.

Los referentes que Clayface reclama como suyos son entonces La mosca de David Cronenberg —la relación de Hagen con la científica responsable del experimento (Naomi Ackie) es similar a la de Jeff Goldblum con Geena Davis— y La sustancia, aunque a esta última le dé pudor arrimarse en demasía y descarte emitir una reflexión frontal sobre la forma en que el protagonista lidia con su sufrimiento. La génesis de Clayface podría llevar a preguntarse por las imposiciones estéticas de la sociedad y, más tarde, articular algún tipo de reverberación psicológica sobre lo que supone para un actor poder de repente adquirir el aspecto de cualquier persona que se le antoje.

Clayface no hace nada de eso. En su lugar se limita a ser una historia de venganza simplísima, como hemos visto cientos de veces antes, con el protagonista dándole su merecido a quienes le traicionaron y mutilaron. Una historia de venganza que, tal y como muestran los minutos iniciales con respecto a cierta mujer que traiciona a Hagen, resulta de lo más trasnochada, y añade un poso de misoginia recalcitrante al resto de vicios que ya estamos acostumbrados a sufrir en el cine de superhéroes tardío. Por mucho body horror que permitan las deformidades de Matt, por mucha sangre y violencia que busquen darle distinción, Clayface viene siendo un subproducto de tantos.

Qué hemos hecho para merecer esto

El liderazgo de DC que Gunn comparte con Peter Safran (llegado de producir Expediente Warren y repositorio indudablemente de parte de la culpa) está perdiendo credibilidad a pasos agigantados. Desde luego el Superman que inauguró la nueva continuidad de DC era fantástico y no hay motivos para desconfiar de la secuela que Gunn volvería a dirigir el año que viene, pero las dos películas que ha producido a continuación comparten todos y cada uno de los defectos e inercias del superheroico más adocenado. Supergirl era una película sin personalidad alguna que para colmo parece haber salido así por las injerencias del propio Gunn, convertido en aquello que juró destruir.

En cuanto a Clayface, pues es una película tan parecida a los grandes desastres de la DC de Zack Snyder —una realización superada por las circunstancias, un montaje a machetazos donde los reshoots posteriores parecen haber requerido más tiempo que el rodaje como tal, un guion afablemente ajeno a las tremendas estupideces que dicen los personajes—, como a los dislates más memorables del UPSS. El desconcierto sobre sí misma que parece pender durante toda la película es subrayado por el pésimo nivel de los intérpretes (tremendo lo de Max Minghella como rival del protagonista en su triángulo amoroso) y de todos los departamentos técnicos, que posiblemente haya quien quiera defender según el talante de serie B que reclamaría Clayface.

No deberíamos caer en esa trampa. Los efectos digitales son simple y llanamente malos, y no por falta de recursos sino por la incompetencia o, lo que es peor, la tentación de perseguir la complicidad de quienes festejaban el asco por el asco de La sustancia y La mosca —en lugar de reparar en el colosal mérito artístico de ambas películas—, desaconsejando cualquier esfuerzo por ofrecer nada mínimamente digno. Otro elemento común del cine de superhéroes —que definitivamente nunca ha sido un género, y por eso podemos hablar en su marco de la venganza de un supervillano como si nada— es que la IP lo ampara todo. La maquinaria se articula a partir de ella, fomentando la creación de escenarios donde se podría hacer cualquier cosa pero luego, como todo depende de productores y licencias, se acaba haciendo siempre lo mismo. Amparado en excusitas y simulacros.

Clayface sería, por tanto, el simulacro de una descarada película de terror de bajo presupuesto, presta a alquilarse en cualquier mugriento videoclub —lo que lleva a lamentarse en sintonía de que no haya ido directamente al streaming saltándose los cines—, pero solo respetando estas líneas identitarias desde la superficie. Pues debajo de ella no hay ninguna alegría, ningún entusiasmo genuino por las imágenes asquerosas puestas en pie. El entusiasmo, la alegría, la artesanía, son nociones que simplemente no puede plantearse un algoritmo circuitado. Y esto es básicamente lo que lleva siendo el cine de superhéroes desde hace ya más de un lustro.

Así que la conclusión se mantiene, Clayface es la Morbius de DC. DC ha logrado equipararse a la miseria del UPSS, y hacer el enésimo y más virulento ridículo. Con la diferencia de que, a estas alturas, no habrá ánimos ni para hacer memes.

El despliegue festivo en el estreno mundial de Digger en Londres, hace cuatro semanas, fue literal. Cuando el príncipe y la princesa de Gales subieron al escenario, su llegada fue anunciada por el grupo de fanfarrias de la banda de la Guardia Irlandesa: cornetas relucientes, charreteras brillantes y gorros de piel de oso que se agitaban bajo las luces.

Dada la ocasión, los músicos no iban vestidos de forma exagerada. Acompañando a Guillermo (con esmoquin de terciopelo) y a Kate (con un vestido de gasa y los pendientes que pertenecieron a la difunta Diana) para presentar la película, se encontraba el monarca más longevo del cine, Tom Cruise (vestido de Armani), junto a un séquito que incluía al director Alejandro González Iñárritu y a los coprotagonistas Sandra Hüller, Riz Ahmed, John Goodman, Jesse Plemons y Michael Stuhlbarg. En las primeras filas se acomodaron los “leales cortesanos”: Salma Hayek, Hannah Waddingham y nada menos que tres miembros de la familia Beckham (David, Cruz y Romeo).

La proyección comenzó con dos horas de retraso, debido a la característica minuciosidad de Cruise a la hora de hacerse selfis y firmar autógrafos en la alfombra roja. Pero a nadie le importó demasiado. Si alguien se ha ganado el derecho a hacer esperar a 800 personas —mientras aumentan los gastos de la niñera y los asistentes empiezan a perder la sensibilidad en las piernas—, ese es, sin duda, indiscutiblemente la última gran estrella de cine: ese enigma irresistible y siempre sonriente, el hombre que “le salvó el trasero a Hollywood” cuando Top Gun: Maverick logró que el público regresara a las salas de cine tras dos años de pandemia.

A las 11 de la noche, cuando se encendieron las luces, el ambiente era otro. Se percibía inquietud. Había aplausos, claro, pero también murmullos y gente apresurándose hacia la salida, aunque con cierta dificultad debido al hormigueo en las piernas. ¿Será que esta función, para la que era casi imposible conseguir entrada, resultó ser un fiasco absoluto?

El estreno mundial resultó ser el punto álgido de la trayectoria de Digger en los cines. Cuando la película se estrenó a nivel global una semana después, tras recibir críticas casi unánimemente negativas, la recaudación en taquilla fue desastrosa, y a partir de ahí, la situación no hizo más que empeorar. Digger logró ocho millones de dólares (7,15 millones de euros) durante su primer fin de semana en Estados Unidos, para luego sufrir una caída del 60% en el segundo. Su estreno internacional fue aún peor: 12 millones de dólares (10,7 millones de euros) repartidos en 74 territorios, lo que supone una media de 162.000 dólares (145.000 euros) por país. Hasta la fecha, Digger ha recaudado 37,7 millones de dólares (33,6 millones de euros), y las estimaciones apuntan a una recaudación final de 50 millones (44,6 millones de euros).

Sus costes fueron… superiores. Aunque el presupuesto inicial era de 125 millones de dólares (112 millones de euros), el rodaje —que se prolongó durante seis meses— acabó costando cerca de 175 millones (156 millones de euros). A esto hay que sumar otros 100 millones (89 millones de euros) destinados al marketing. Dado que los cines se quedan aproximadamente con la mitad de los ingresos por venta de entradas, la película necesitaría recaudar 350 millones de dólares (312 millones de euros) para cubrir gastos (aunque Warner Bros. sitúa esta cifra más cerca de los 300 millones, que son 267 millones de euros al cambio). Estos cálculos se complican aún más debido al acuerdo de Cruise de cobrar desde el “primer dólar”, lo que significa que los ingresos iniciales van directamente a sus bolsillos en lugar de al estudio.

La pérdida prevista de 245 millones de dólares (218 millones de euros) sitúa a Digger entre los fracasos más costosos de la historia, junto a la película de aventuras Cutthroat Island (1995, con una pérdida de 222 millones de dólares ajustada a la inflación), el filme steampunk Mortal Engines (2018, con una pérdida ajustada de 224 millones) y el desafortunado spin-off de Capitán América, The Marvels (cuyas pérdidas estimadas, ajustadas a la inflación, oscilan entre los 205 y los 250 millones de dólares). En cierto sentido, Digger ya ha tenido un desempeño peor que los tres títulos mencionados. Antes de sus respectivos estrenos, nadie tenía grandes expectativas para ninguno de ellos; sin embargo, todos lograron recaudar, al menos, el doble de lo que se espera que ingrese Digger. Nadie imaginaba que Cutthroat Island cambiaría nuestra percepción de lo que podría ser una sátira de gran presupuesto, ni que la interpretación de Hugo Weaving en Mortal Engines lo convertiría en un candidato fijo para los Oscar. Pero Digger es algo único: un desatino sin precedentes, fruto de un juicio erróneo, una elección de momento inoportuna y una soberbia espectacular.

Para desentrañar el defecto fatal de Digger, resulta útil remontarse a sus orígenes. La idea de su personaje central —un multimillonario magnate del petróleo, zafio y tosco, cuyas perforaciones en el Ártico desencadenan una catástrofe ecológica— surgió en 2015 en la mente de Iñárritu, el cineasta mexicano que saltó a la fama con Amores perros. Por aquel entonces, trabajaba en El renacido, otra superproducción épica (con un presupuesto de 165 millones de dólares, 147 millones de euros) que giraba en torno a una interpretación visceral y exigente —en este caso, la de Leonardo DiCaprio, quien, en la piel de un hombre de la frontera en plena huida, atravesaba ríos helados, comía hígado de bisonte crudo y se refugiaba en el interior del cadáver de un caballo—, la cual le valió un Oscar. En esa misma ceremonia, Iñárritu se alzó con el premio al mejor director, convirtiéndose en la tercera persona en la historia en lograrlo dos años consecutivos, tras su triunfo en 2014 con el despliegue teatral de Birdman.

Iñárritu ha comentado que, al principio, no siguió adelante con Digger porque, a pesar de haber desarrollado una obsesión por el personaje, “no estaba buscando una historia” (palabras que, vistas en retrospectiva, resultan un mal presagio). Sin embargo, tras el éxito de El renacido, comenzó a desarrollar el concepto junto a Netflix como un proyecto a medida para DiCaprio, bajo el título provisional de Blah, Blah, Blah (segunda señal de alarma). Entonces, alguien en la plataforma se percató de que ya tenían entre manos otra costosa comedia dramática de temática ecológica protagonizada por Leonardo DiCaprio: No mires arriba (Don’t Look Up), de Adam McKay —cuyo fracaso completa una rápida tríada de malos augurios—, por lo que Digger fue descartado. Así pues, Iñárritu se volcó en Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades: un proyecto personal, existencial y casi autobiográfico de casi tres horas de duración; el tipo de obra que solo un director recién encumbrado por la crítica y la industria podría permitirse realizar. Poca gente la vio, y a menos aún les gustó.

Mientras tanto, Cruise —en pleno apogeo tras su reciente consagración como el “salvador del cine”— buscaba proyectos que le permitieran ampliar su repertorio más allá de las franquicias de acción como Top Gun y Misión: Imposible. Quizás recordando el horror fascinado que provocó su aparición —bajo un traje que lo hacía parecer obeso— en Tropic Thunder, donde interpretó al repulsivo ejecutivo de estudio Les Grossman, se puso en contacto con Iñárritu, y ambos comenzaron a trabajar en 2022. El rodaje arrancó a finales de 2024; se filmó en película de 35 mm y en formato VistaVision, lo cual —por si quedaba alguna duda— resulta extraordinariamente costoso.

Por estas mismas fechas, el año pasado, la película se encontraba en fase de posproducción y Cruise estaba en Los Ángeles recibiendo un Oscar honorífico: su primer galardón de la Academia. En su emotivo discurso, repasó toda una vida dedicada a su oficio. “Hacer cine no es lo que hago; es lo que soy”, declaró ante los presentes. ¿Y quién le entregó la estatuilla? Iñárritu. Los presagios eran claros: si alguna vez una película iba a hacerle ganar a Cruise su primer Oscar “de verdad”, Iñárritu sería, sin duda, la persona encargada de entregárselo.

¿Alguien notó durante la producción que Digger era horrible? ¿O que era probable que un número suficiente de personas detestara que la película fuera un fiasco? De ser así, se sintieron intimidados o alentados por la confianza de los dos hombres al mando. Además, dice Steven Gaydos, ex editor ejecutivo de Variety, durante la última década aproximadamente, este tipo de esfuerzo imprudente ha sido una práctica estándar de la industria: “Digger es simplemente la última película artística de Hollywood sobre un superpetrolero que se ha derrumbado”.

Él rastrea los orígenes de esa tendencia hasta el entusiasmo prepandémico de los streamers por emitir cheques en blanco para directores que pudieran conferirles credibilidad. Los autores se apresuraron a inscribirse, pero la falta de supervisión o barreras de seguridad (exactamente los términos que endulzaron el trato) significó que sus películas a menudo solo les agradaban a ellos mismos.

A veces la estrategia (desde que fue descartada en Netflix) funcionó. Ni Roma de Alfonso Cuarón ni Historia de un matrimonio de Noah Baumbach, El poder del perro de Jane Campion o Mank de David Fincher aseguraron a Netflix el codiciado Oscar a la mejor película, pero estuvieron bastante cerca. A menudo, el fracaso fue más evidente. Gaydos destaca los 175 millones de dólares (156 millones de euros) que Netflix invirtió en El irlandés de Martin Scorsese en 2019, y luego los 200 millones de dólares (178 millones de euros) que Apple le entregó en 2022 por Los asesinos de la luna. “Otra vez”, dice Gaydos, “muchas nominaciones al Oscar, ninguna victoria”.

Mientras tanto, los estudios tradicionales, intimidados por el dominio de las plataformas de streaming, siguieron la misma estrategia, con resultados igualmente desastrosos. Tras alcanzar la gloria en los premios con Whiplash y La La Land, Damien Chazelle le endosó a Paramount Babylon, un fracaso de crítica que, según Gaydos, “se quedó a 135 millones de dólares (120 millones de euros) de recuperar su inversión”. Por su parte, Bong Joon-ho —quien arrasó en los Oscar con Parásitos— repitió la jugada en Warner Bros, con Mickey 17, provocando una pérdida de 200 millones de dólares (178 millones de euros).

El historial de este estudio con las superproducciones de corte “artístico” no es del todo negativo: el año pasado perdieron 150 millones (134 millones de euros) en otro proyecto mastodóntico, aunque, al menos, Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson, les reportó numerosos premios Oscar, incluido el de mejor película. En aquel momento, Warner Bros pudo absorber el golpe, gracias a unas arcas rebosantes gracias a éxitos como Sinners, The Minecraft Movie y F1.

Esta vez, sin embargo, no hubo una red de seguridad en forma de superéxito comercial; por ello, señala Gaydos, “este ”transatlántico“ podría haber hundido a los directivos del estudio, Michael De Luca y Pam Abdy”. El último estreno del estudio antes de su adquisición por parte de Skydance (que tomó el control de Paramount) resultó ser un desastre tan absoluto que la primera medida del nuevo propietario, David Ellison, fue destituir a ambos.

Antes de la fusión, muchos habían expresado su preocupación por el tipo de proyectos a los que el nuevo “superestudio” daría luz verde. Ahora ya lo saben: el interés de Ellison por las ideas nuevas y la propiedad intelectual original se ha visto aún más mermado. “Gastar en exceso en cine de autor nunca ha sido una estrategia ganadora en Hollywood”, afirma Gaydos. “Pero nadie había visto antes una serie de desastres de esta magnitud, ni los océanos de números rojos que han dejado a su paso estas superproducciones de corte artístico”.

De todos los afectados por el desastre de Digger —salvo, quizás, De Luca y Abdy—, Cruise es quien ha salido peor parado. Ya ha tenido fracasos anteriormente: La momia (2017) perdió 95 millones de dólares (84 millones de euros), aunque aun así recaudó más de 400 millones (357 millones de euros). Las conclusiones que cabe extraer resultarán aleccionadoras para un hombre que probablemente daba por hecho que se le valoraba tanto por su faceta artística como por su condición de veterano de aspecto sobrenaturalmente juvenil, famoso por su entrega absoluta a escenas de riesgo casi mortales y por su costumbre de aparecer sin camiseta.

Sin embargo, parece evidente que el público no acude a una película de Tom Cruise para verle actuar; va a ver a una estrella de cine. Es cierto que en Tropic Thunder utilizó prótesis, pero aun así se podía reconocer al hombre bajo la máscara; además, su aparición fue breve. En Digger, las capas de látex son tan gruesas que, bajo ellas, podría estar cualquiera.

Más allá de verle saltar por un precipicio en moto, los seguidores de Cruise no desean que asuma riesgos, ni que se entregue a ese nivel de locura agresiva que tanto él como su personaje exhiben aquí —un comportamiento que recuerda, de forma incómoda, a sus años de saltar sobre el sofá en el programa de Oprah—. Tampoco quieren verle como otra cosa que no sea el “bueno” de la historia. En Top Gun y, sobre todo, en Misión: Imposible, encarna a una especie de mesías: el único hombre capaz de salvar el mundo. En Digger, interpreta al único hombre capaz de destruirlo. Eso es exactamente lo contrario de lo que busca su base de admiradores.

No obstante, más allá de sus seguidores habituales, hay mucha gente a la que, probablemente, le habría interesado ver Digger si hubiera sabido de qué trataba realmente: una ambiciosa sátira liberal y metatextual que aborda la responsabilidad colectiva en el colapso ecológico. Por desgracia, toda la campaña promocional de la película ha intentado ocultar este aspecto; en parte, porque explicarlo obligaría a revelar un detalle clave de la trama.

En su lugar, la promoción se centró en la transformación de su protagonista, ofreciendo adelantos y revelaciones sobre la enorme barriga de su personaje en Digger y su actitud insoportablemente sermoneadora. Los creadores de Digger estaban tan seguros del atractivo de su película —dando por hecho que el público ya estaba ganado de antemano— que olvidaron promocionarla realmente.

Cuando aparecieron las primeras críticas, el equipo de marketing tuvo que reaccionar a toda prisa. Se lanzó una nueva campaña que incluía tanto reseñas negativas como positivas, invitando al público a ignorar a los críticos y a juzgar por sí mismos. Presentar, a posteriori, la naturaleza divisiva de una película como algo intencionado no es, en sí, una mala estrategia. Sin embargo, este enfoque recordaba inevitablemente al que empleó Megalópolis —el desastre de 125 millones de dólares (111 millones de euros) de Francis Ford Coppola estrenado en 2024—, la cual terminó autosaboteándose aún más al atribuir citas inventadas a críticos reales. Fue una asociación desafortunada; a los pocos días, la publicidad de Digger dio un nuevo giro: de repente, instaban al público a prestar atención a los críticos, argumentando que, si bien en Estados Unidos la acogida había sido tibia, en Francia la película había gustado mucho.

Para entonces, el desbarajuste ya no importaba. Solo los más morbosos podrían sentirse tentados a ir al cine. El boca a boca también hizo lo suyo: la calificación de CinemaScore de Digger (que registra la reacción del público al salir de la sala durante la noche del estreno en EEUU) fue de C+. Es una nota considerablemente más baja que la de la nueva película de La patrulla canina (A) e incluso peor que la del drama sobre Mark Zuckerberg, The Social Reckoning (B+); el flojo desempeño de esta última en taquilla sugiere, además, que el público no siente un deseo automático de pasar sus fines de semana viendo a multimillonarios a gran escala cometiendo atrocidades.

Es posible que Cruise siga haciendo campaña, de forma discreta, para lograr una nominación al Oscar; el coste de hacerlo sería una minucia en comparación con las pérdidas ya sufridas. En un año marcado por interpretaciones sobresalientes, como las de Andrew Scott (Elsinore) y John Malkovich (Wild Horse Nine), la victoria resulta prácticamente imposible. Aun así, Cruise y su equipo podrían considerar que un reconocimiento de este tipo, proveniente de sus colegas, ayudaría a amortiguar el golpe y a justificar las decisiones tomadas por todos los implicados.

De hecho, ya hay indicios de que la magnitud del desastre de Digger podría jugar a su favor. Al fin y al cabo, no se trata de un fracaso insulso —al estilo de Bardo—, destinado a quedar como una simple nota a pie de página en un libro que nadie lee. Estamos ante una película cuyo título es ya sinónimo de una locura pasmosa. Un movimiento, aparentemente surgido desde la base, está construyendo un argumento sólido para convertir a Digger en un futuro clásico de culto. Algunas celebridades han dado un paso al frente para defenderla; y no solo aquellos cercanos a Cruise (como Anne Hathaway, quien protagonizará junto a él la próxima secuela de Days of Thunder y le dio un 10/10 en Letterboxd, o Glen Powell, a quien Cruise asesoró en Top Gun: Maverick y que la calificó como “pura alegría cinematográfica”).

Jane Fonda elogió la película extensamente en Instagram, describiendo a Cruise como “muy bueno y muy valiente”. Por su parte, Guillermo del Toro comentó que es una obra “audaz, valiente y cinematográficamente compleja”. Neil Young, por su parte, la calificó como “la mejor película” que haya “visto jamás”. Mientras tanto, los programas conmemorativos de aquel estreno mundial —que tuvo lugar hace menos de un mes— ya alcanzan sumas considerables en eBay; en uno de los anuncios, se describe con orgullo este “objeto de colección muy codiciado” como “completamente nuevo y sin leer”. Al parecer, es poco probable que Digger permanezca enterrado para siempre.

El estreno este 23 de octubre en algunos cines españoles de la película ‘Sentido y sensibilidad’, con Daisy Edgar-Jones, Esmé Creed-Miles y George MacKay, la que supone la enésima adaptación de Jane Austen, ha vuelto a colocar a la escritora inglesa en la actualidad. 

La película, dirigida por Georgia Oakley y escrita por Diana Reid, se basa en la novela homónima de Jane Austen que se publicó en 1811, y que tiene, así, el honor de haber sido su primer libro publicado. Una publicación que tuvo su intrahistoria y relató el sobrino de la autora, James Edward Austen-Leigh, quien publicó ‘A memoir of Jane Austen’ en 1870, más de cincuenta años después del fallecimiento de su tía. 

En esta biografía póstuma, su sobrino hablaba sobre la vida y obra de su tía, aunque se la considera por los estudiosos como una publicación “muy edulcorada” que se construyó principalmente con los recuerdos afectuosos de su familia, que a su vez también estaban condicionados por los ideales sociales de la Inglaterra victoriana, aunque aporta un contexto sobre la trayectoria literaria de la autora, entre ellos ‘Sentido y sensibilidad’. 

‘Sentido y sensibilidad’ se basó en las viviencias de las hermanas Austen 

La novela ‘Sentido y sensibilidad’ fue la primera que Jane Austen publicó, adelantándose así a ‘Orgullo y prejuicio’ que, sin embargo, había sido la primera que había escrito. En la biografía publicada por su sobrino, se desveló que la comenzó a planificar en noviembre de 1797, a partir de una historia que había desarrollado y desechado posteriormente: 

“Anteriormente había escrito algo similar en argumento y personajes bajo el título de Elinor y Marianne; y, si, como parece probable, se conservó una parte importante de aquel trabajo anterior, este debe de constituir el ejemplo más temprano de su escritura que ha llegado a publicarse”, escribió su sobrino sobre la mencionada novela. 

Una historia, la de ‘Sentido y sensibilidad’, que por su publicación recibió 150 libras, lo que serían unos 18.000 euros al cambio y la inflación, un hecho que, según su sobrino, era una muestra de su no preocupación por ganar dinero: “El dinero, aunque bien recibido, no era necesario para cubrir los modestos gastos de su tranquilo hogar. Sobre todo, había sido bendecida con un carácter alegre y satisfecho y con una naturaleza humilde; valoraba tan poco sus propios méritos que, cuando recibió 150 libras lo consideró una recompensa extraordinaria por algo que no le había costado nada”. 

Pero si hay un detalle que se destaca de la novela es que para muchos supuso una historia basada en su propia historia personal con sus dos hermanas mayores, un hecho sobre el que también se habló en su biografía póstuma: “Cuando se publicó algunas personas que conocían ligeramente a la familia supusieron que la autora había concebido a las dos hermanas mayores Dashwood pensando en su hermana y en ella misma; pero no podía ser así. El carácter de Cassandra quizá pudiera representar el ‘sentido’ de Elinor, pero Jane tenía muy poco en común con la ‘sensibilidad’ de Marianne. Una joven que, antes de cumplir los 20 años, era capaz de percibir con tanta claridad los defectos de Marianne Dashwood difícilmente podía padecerlos ella misma”. 

Cassandra, hermana de Jane Austen, habría sido una clara inspiración. Tres años mayor que ella, era alguien a quien adoraba y con algunos rasgos que hacen recordar a Elinor, personaje de la mencionada novela. “El carácter de Cassandra era más frío y sereno; siempre era prudente y tenía buen criterio, aunque mostraba menos abiertamente sus sentimientos y poseía un temperamento menos alegre que Jane”, relató James Edward Austen-Leigh, quien a su vez insistía en que Jane y Cassandra no eran equivalentes exactos de las hermanas Dashwood, protagonistas de la historia ficticia. 

Cuando ‘10 razones para odiarte’ llegó a los cines en 1999, pocos imaginaban entonces que se convertiría en una de las principales comedias románticas de adolescentes de la historia, siendo a más de dos décadas desde su estreno un título al que recurren distintas generaciones, siendo clave todavía su frescura a pesar de los años pasados, que tuvo a Julia Stiles y Heath Ledger como su pareja protagonista.  

Para ambos supuso un trampolín para catapultar sus carreras, pero para Ledger lo fue especialmente al ser su primer papel en Hollywood después de emigrar desde Australia, pasando de ser un desconocido a convertirse en un ‘crush’ de toda una generación, en especial por su escena musical en la que interpretó la mítica canción “Can’t Take My Eyes Off You’. 

Es precisamente esta escena la que va a recordar la que fue su compañera de reparto, Julia Stiles, para homenajearlo durante su participación en el concurso ‘Dancing With the Stars’ más de 18 años después de su fallecimiento en 2008 y 27 años desde que ambos protagonizaran la mencionada película. 

 Un hecho que tiene lugar durante la llamada ‘Noche de Dedicación’ del concurso donde baila la canción de Frankie Valli junto a su compañero en el programa Ezra Sosa, y que ya ha sido especialmente emocionante durante los ensayos: “Sé que va a ser algo realmente especial. Lloré durante los ensayos. Es una locura”, aseguró durante una entrevista previa. 

“Pensé que ya había superado esa etapa. Pensaba: ‘¡Ay, fue hace tantos años!’. Ver fragmentos de esa película, imágenes, escuchar mi voz y la suya me trae muchos recuerdos. Es muy emotivo. Para mí era importante que, tanto en la música como en la danza, le rindiéramos un solemne homenaje porque, obviamente, ha fallecido y ya no está con nosotros, pero también porque esa escena transmite mucha alegría a la gente”, declaraba al explicar su homenaje a Heath Ledger. 

Precisamente, para la actriz lo más importante era captar lo que él transmitía a la gente: “Quería plasmar su energía, tanto musicalmente como en la coreografía. Queremos recrear la alegría de cuando él estaba con nosotros. Era increíble. Era una persona radiante. Simplemente entraba en la habitación y la iluminaba”, afirmó sobre su fallecido compañero.  

Debido a su homenaje, Julia Stiles también ha recordado como fue trabajar con Heath Ledger en ‘10 razones para odiarte’: “Fue muy amable y generoso conmigo, cuando eres actriz y estás en tu primer papel protagonista en una película de un gran estudio, necesitas sentirte cómoda con la otra persona. Y él fue muy generoso en ese sentido”, explicó. 

La larga vida de ‘10 razones para odiarte’ 

‘10 razones para odiarte’ sigue siendo una de las principales comedias románticas para adolescentes dos décadas después, en ella Julia Stiles interpretó a Kat Stratford y Heath Ledger a Patrick Verona, los protagonistas de una moderna reinterpretación de ‘La fierecilla domada’ de William Shakespeare, donde también aparecieron Joseph Gordon-Levitt, Gabrielle Union, Andrew Keegan y Larisa Oleynik en el reparto. Recaudó en su día 53,5 millones de dólares a nivel mundial, recuperando tres veces su presupuesto, pero siendo su éxito más allá de su momento de estreno. 

Dakota Johnson ha vuelto al foco mediático durante este otoño con el estreno de la adaptación de ‘Verity’ de Colleen Hoover junto a Anne Hathaway y Josh Hartnett, pero también por su debut como directora tras dar el salto con el estreno de su primer largometraje ‘A Tree is Blue’ en el que se sigue la historia de una joven en el espectro autista, con un guion escrito por Vanessa Burghardt. 

Todo ello un año después aproximadamente de ‘Materialistas’, película que fue uno de los estrenos destacados del pasado 2025 y en la que compartió cartel junto a Chris Evans y Pedro Pascal, aunque la actriz, hija de Melanie Griffith y Don Johnson, sigue siendo especialmente recordada por su primer papel protagonista, el de Anastasia Steele en ‘Cincuenta Sombras de Grey’. 

Y esto se ha vuelto a demostrar después de que debido al estreno de ‘Verity’ se han vuelto virales en redes sociales unas declaraciones que hizo en su día en una entrevista en el podcast de la también actriz Amy Poehler, ‘Good Hang’, en las que habló de su experiencia en la famosa trilogía que fue primero un fenómeno literario. 

En esta entrevista, Dakota Johnson desveló que cuando ella firmó para protagonizar la primera película de la saga, esta iba a ser totalmente diferente a lo que acabó siendo, tanto que no solo cambió el guion, sino también quien iba a ser su compañero principal de reparto:  

“Me comprometí con un guion que era diferente a lo que terminamos rodando, escrito por una persona distinta. Y luego estás atada. Firmaste un contrato, así que estás dentro. Me comprometí a hacerlo con un actor diferente. Era como una cosa distinta y luego todo cambió y yo solo estaba metida en ello”, aseguró. 

Se filmó sin coordinador de intimidad 

Un hecho que, además, no fue el único que dio a conocer, sino que Johnson también reveló como fue el grabar las escenas de sexo en un momento en el que no existían coordinadores de intimidad: “Esa fue otra versión de comprometerse con algo que era una cosa y resultó ser otra. No había coordinadores de intimidad en ese entonces ni nada por el estilo”, afirmó. 

Al mismo tiempo, Dakota Johnson también se sinceró sobre sus escenas más íntimas en la película, desde un punto de vista más práctico: “Cuando dos actores fingen que están teniendo sexo, hacen todo menos tenerlo. Hacen ruidos como si estuvieran teniendo sexo, pero no lo están. Todavía no”. 

Pero si algo llegó a la conclusión en esa entrevista es que, a pesar de todas las dificultades, salió victoriosa a pesar de su corta edad y se queda con ese buen recuerdo: “Era tan joven. Creo que cumplí 24 mientras rodábamos. Solo me siento orgullosa de mí misma por haber sido valiente”, concluyó. 

Después de contarnos historias de brujas y de vampiros, el director Robert Eggers, que se convirtió en una de las figuras claves del terror gracias a La bruja, ha decidido adentrarse en otro de los mitos clásicos del terror, el hombre lobo. Lo hace con Licántropo (en inglés Werwulf), donde vuelve a enfocarse en el pasado en vez de repetir los patrones que acechan el cine actual, donde modernizar y actualizar el mito es la práctica habitual.

Eggers, cómo no, lo ambienta en la Inglaterra medieval. Poco más se sabe de la película, que Universal estrenará en enero de 2027 y que, por sus primeros avances (y las imágenes que se han enseñado en el Festival de Sitges, donde Eggers ha recogido el premio Màquina del Temps por su trayectoria), mostrará a un protagonista atormentado por el dolor y la bestia que lleva dentro, y que busca una salida a su condena a través del amor, en un mundo donde las creencias religiosas y el miedo contribuyen a su horror. 

Entre los protagonistas hay varios conocidos de sus anteriores películas. Esta vez es Aaron Taylor-Johnson quien encarnará al protagonista y Lily-Rose Depp a su esposa, mientras que Willem Dafoe capitaneará al grupo de cazadores que perseguirá a la criatura.

Una vez más el cineasta estadounidense se ciñe a la combinación de folclore, religión y terror que hasta ahora ha caracterizado su filmografía. Eggers debutó en el largometraje con La bruja (2015), la historia de una familia puritana de Nueva Inglaterra en el siglo XVII, que le valió el premio a mejor dirección en Sundance. Después llegaron El faro (2019), con Robert Pattinson y Willem Dafoe como dos fareros aislados a finales del siglo XIX, El hombre del norte (2022), una historia de venganza vikinga, y Nosferatu (2024), su revisión del clásico del cine mudo de 1922.

Raíces folclóricas y relatos históricos

Para escribir Licántropo ha vuelto a colaborar con el novelista islandés Sjón, coguionista de El hombre del norte, y con quien ha pretendido recuperar relatos y creencias sobre la licantropía anteriores a las convenciones que ha popularizado el cine de terror. Desde Sitges, Eggers opina que cualquier película sobre el hombre lobo va, en realidad, sobre nosotros. “Incluso la versión de Lon Chaney de 1941 habla más de los seres humanos que del monstruo”, sostiene. “Es la historia de un hombre maldito. Cuando Jarin Blaschke, mi director de fotografía, leyó el guion, me preguntó si la película transcurría en el infierno. Le dije: ‘No, ocurre en la Edad Media, pero tiene que ser un infierno para el personaje de Aaron Taylor-Johnson en todo momento’”, zanja.

A pesar de que ha esperado a su quinta película para tratar el tema, la relación de Eggers con el hombre lobo viene de lejos y mezcla cine, lecturas y recuerdos infantiles. “De niño me gustaban más las brujas y los vampiros, pero recuerdo especialmente el hombre lobo en el que se convierte Gary Oldman en el Drácula de Francis Ford Coppola y su encuentro con Sadie Frost. Quizá era demasiado joven para verla”, confiesa. En su casa, el hombre lobo estaba bastante presente. “Mi hermano pequeño Max, que escribió El faro conmigo, estaba convencido de que era un hombre lobo cuando era muy pequeño. Yo también creía que había hombres lobo en el bosque junto a mi casa, lo cual no era verdad”, bromea.

Hay una razón por la que la mejor película de hombres lobo de todos los tiempos es una comedia. Es difícil creer que tu vecino o tu mejor amigo del equipo de baloncesto se estén convirtiendo en uno

Robert Eggers — Cineasta

Ya adolescente, el director leyó la recopilación de relatos sobre hombres lobo históricos escrita por el sacerdote Montague Summers, publicada en los años 30 del siglo pasado: “Influyó mucho en lo que esta película ha terminado siendo”. Al ampliar la investigación sobre los hombres lobo de cara al arranque de esta película, Eggers se dio cuenta de que “había mucho menos trabajo académico sobre los hombres lobo que sobre los vampiros”. “Incluso estudiosos como Willem de Blécourt se quejan en sus trabajos precisamente por eso”, añade. 

“Hay una razón por la que la mejor película de hombres lobo de todos los tiempos es una comedia”, dice, seguramente refiriéndose a Un hombre lobo americano en Londres de John Landis, pero sin confirmarlo. “Es difícil creer que tu vecino, tu padre o tu mejor amigo del equipo de baloncesto se estén convirtiendo en un hombre lobo”. 

No es fácil hacer una película sobre el hombre lobo y que resulte creíble. Algunas versiones sí que le interesan. Por ejemplo, El hombre lobo de 2010, protagonizada por Benicio del Toro, le atrajo en un principio porque parecía que se acercaba más al folclore. “Me podía creer que existiera un hombre lobo en el contexto de esa película, pero creo sinceramente que este tipo de monstruos funcionan mucho mejor si los sitúas en épocas en las que la gente realmente creía en estas cosas”, opina.

Siempre antes del siglo XX

“La idea de tener que filmar un coche me pone enfermo. Y la idea de filmar un teléfono móvil es la muerte”, declaró Eggers a la web Gamesradar tras el estreno de Nosferatu. Fiel a estas declaraciones, Licántropo se sitúa en torno al año 1300 en la Inglaterra medieval. 

“Me parece más interesante explorar dónde estamos y hacia dónde vamos a partir de dónde venimos”, asegura. “De hecho, me interesa más el pasado que el terror”. Y respecto a si se plantea hacerlo alguna vez, es categórico: “Cuanto más sé del pasado, más me alegro de vivir en la actualidad, pero no tengo ningún interés en rodar una película que transcurra en el presente”.

Esa consistencia en el pasado también le permite, de alguna forma, “corregir” defectos de su obra anterior. “Hay aspectos estéticos de La bruja que no me satisfacen, principalmente porque no teníamos el presupuesto necesario y porque era mi primera película”, reconoce. “De esa película me encantan las interpretaciones y estoy muy orgulloso del guion, pero sé que significa mucho más para la comunidad del cine de terror que para mí, aunque me cambió la vida”. 

Cuatro de los actores principales de Licántropo ya han participado en varios de los proyectos de Eggers, que reconoce que hacerlo así le permite avanzar sobre una confianza ya construida. Con Dafoe, la explicación es sencilla: “Es uno de los mejores actores que han existido”, afirma. Con los demás, cuenta también el aprendizaje mutuo: “La primera vez que colaboras con alguien pasas mucho tiempo aprendiendo a hablar el mismo idioma. El actor se adapta al director, pero el director también debe ajustar su manera de trabajar. Cuando todo eso ya está establecido, puedes llegar e ir más lejos”.

“Una de las cosas más bonitas que pasó en este proyecto fue que, durante los ensayos, estábamos tomando un café y escuché a Taylor-Johnson hablar con Depp”, recuerda. “Le decía que su interpretación física, su valentía y su entrega en Nosferatu le habían inspirado y le habían dado el valor para hacer Licántropo. Me parece muy bonito”, confiesa. 

La invitación a Sitges le devuelve al festival donde presentó su debut. “Es un gran honor estar aquí. Además, es un festival muy divertido”, explica. “Los fans del cine de género son muy abiertos y aceptan cosas diferentes. Encuentran la belleza en lo elevado y en lo popular. Agradezco mucho poder cerrar este círculo, aunque me hace preguntarme si la gente espera que me muera pronto o algo así”.

Las actrices Sydney Sweeney y Marilyn Monroe son primas novenas, con una generación de diferencia, según una investigación genealógica de MyHeritage recogida por The Hollywood Reporter. El estudio ha permitido identificar un antepasado común entre ambas intérpretes, cuya semejanza física y elecciones de vestuario habían suscitado comparaciones públicas antes de que se conociera su parentesco.

El vínculo familiar se remonta a Ezra Perry, uno de los primeros colonos ingleses establecidos en Sandwich, una localidad de Massachusetts, Estados Unidos. Los investigadores de MyHeritage localizaron una rama genealógica compartida que conecta a las dos actrices a través de este antepasado, situado varios siglos atrás en sus respectivas historias familiares.

La investigación surgió precisamente de los paralelismos establecidos entre ambas figuras de Hollywood. Roi Mandel, director de investigación de MyHeritage, explicó en un comunicado que las comparaciones entre Sweeney, conocida por su participación en Euphoria y La asistenta, y Monroe llevaron al equipo a examinar sus archivos genealógicos. La búsqueda permitió documentar una conexión familiar que hasta entonces no había trascendido públicamente.

Las apariciones de Sydney Sweeney que recordaron a Marilyn Monroe

Una de las comparaciones más recientes tuvo lugar durante el estreno de La asistenta, en diciembre de 2025. Sweeney acudió al evento con un vestido blanco que evocaba el conjunto que Monroe hizo célebre en la película La tentación vive arriba. La elección de vestuario volvió a despertar las asociaciones entre la imagen de la actriz contemporánea y la estrella del cine clásico.

Los paralelismos también aparecieron durante el Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara de 2026, cuando Sweeney lució un diseño similar al que Monroe había llevado en la portada de la revista Life de abril de 1952. Ambas apariciones forman parte de las referencias estéticas que precedieron al descubrimiento genealógico y que despertaron el interés de los investigadores.

Dakota Johnson también comparte ascendencia con Monroe

El análisis de MyHeritage ha identificado otro parentesco entre intérpretes de distintas generaciones. Dakota Johnson también es prima novena de Marilyn Monroe, aunque en su caso existe una diferencia de tres generaciones. La investigación amplía así las conexiones familiares conocidas de la protagonista de Con faldas y a lo loco con figuras del cine actual.

A diferencia de Sweeney, que no ha interpretado a Monroe, Johnson sí ha encarnado a la actriz en Flesh Impact, un cortometraje dirigido por Maggie Gyllenhaal. Esta coincidencia profesional añade un elemento particular al hallazgo, al relacionar genealógicamente a una intérprete con la figura histórica a la que ha dado vida en la pantalla.

Naama Lanski, investigadora de MyHeritage, explicó que el interés por explorar los antecedentes familiares de Johnson surgió en el contexto de una nueva producción cinematográfica que volvía a poner el foco en Monroe. La investigación permitió establecer su parentesco lejano, distinto del identificado en el caso de Sweeney. De este modo, el estudio documenta dos conexiones genealógicas con la actriz estadounidense a través de dos intérpretes contemporáneas.

El 19 de marzo de 2015, el Teatro Romea subió el telón para que el público barcelonés viera, por primera vez, Els veïns de dalt, la primera obra escrita y dirigida por Cesc Gay, cineasta responsable de títulos como Truman o En la ciudad. Aquella comedia de enredo que se basaba, de alguna forma y muy libremente, en el ruido generado por sus propios vecinos de arriba, fue un éxito que estuvo un año llenando el patio de butacas. Pere Arquillué, Àgata Roca, Nora Navas y Jordi Rico daban vida a estas dos parejas que en una cena acaban sacando los dardos para mostrar las grietas, dudas y aspiraciones de dos parejas modernas en un mundo que corría más rápido que ellos.

El éxito hizo que, apenas un año después, la obra llegará al teatro de la Latina de Madrid, con un reparto completamente nuevo (Pilar Castro, Xavi Mira, Andrew Tarbet y Candela Peña) y su título en castellano: Los vecinos de arriba. El resultado, el mismo, un éxito atronador con el cartel de ‘No hay entradas’ colgado día tras día, al igual que en la gira por toda España que se realizó justo después.

Era cuestión de tiempo que aquella obra se convirtiera en una película. Una producción, a priori, sencilla: cuatro actores, un único escenario y la prueba de fuego ya pasada, la de un guion que hacía reír a carcajadas allá por donde pasara. El encargado fue el propio Cesc Gay, que estrenó en noviembre de 2020 su versión. De nuevo, cambio de reparto. Ahora eran Javier Cámara, Alberto San Juan, Belén Cuesta y Griselda Siciliani. Esta vez sí, cambió de título. De Los vecinos de arriba se pasó a Sentimental. A pesar de estrenarse con las persianas a medio subir en la época post covid, el filme logró 733.364 euros en taquilla.

Y aquí llega lo novedoso. Aquella comedia de dos parejas que parecía un fenómeno puramente español, empezó a ser comprado para remakes. El primero llegó de Italia en 2022. Paolo Costella sustituía a Cesc Gay en Vicini di casa, una comedia que se iba más a la exageración y el humor más corporal, pero que mantenía línea a línea el guion. Fue solo el comienzo. Desde entonces han llegado remakes en Suiza (Die Nachbarn von oben, 2023) —que logró dos nominaciones a los premios del cine suizo para sus dos actrices—, Francia (Et plus si affinités, 2024), Rusia (Neprilichnye gosti, 2024), República Checa (V dobrém i zlém, 2024), Corea del Sur (Witjip saramdeul, 2025), Países Bajos (De bovenburen, 2026) y Portugal (O Pecado Mora em Cima, 2026).

Ha sido, cómo no, la versión de EEUU la que ha terminado de colocar la película original en el foco. El remake que ha hecho Hollywood llevaba años rondando los estudios. Exactamente, desde marzo de 2021, cuando se compraron los derechos para una versión en inglés. Un año después se anunció a Jonathan Dayton y Valerie Faris (directores de Pequeña Miss Sunshine) para dirigirla y en 2023 se dijeron los primeros nombres del reparto: Amy Adams, Paul Rudd y Tessa Thompson. Sin embargo, la producción nunca comenzó y acabó en un cajón hasta que en 2025 recayó en las manos de Olivia Wilde, aunque manteniendo el guion que habían escrito Rashida Jones y Will McCormack con el nombre de The invite. Wilde, además, se ponía al frente del reparto y elegía a Seth Rogen, Edward Norton y Penélope Cruz para protagonizarla.

A priori pocos apostaban porque el noveno remake de la misma historia pudiera hacer mucho ruido, pero el paso del filme en el pasado Festival de Sundance —a donde llegó sin distribución— se convirtió en la película más deseada del certamen. Los estudios pujaron por ella con ofertas millonarias. Finalmente, fue A24 quien se hizo con los derechos por 10 millones de euros tras rechazar Olivia Wilde una oferta del doble de dinero de Netflix por su compromiso con las salas de cine. 

En EEUU se estrenó el pasado junio, y las críticas fueron arrolladoras. Tanto, que se encargaron de colocarla como una de las primeras favoritas a los Oscar. Cuatro meses después sigue en los lugares más altos de las apuestas. Y lo hace, además, con 60 millones de dólares recaudados en todo el mundo y con muchos lugares por estrenar. Entre ellos, España. Aquí, lugar de nacimiento del original de Cesc Gay llegará este viernes, y ya con el runrún de los Oscar y la más que posible nominación de Penélope Cruz, que podría hacer historia en los premios de la Academia si consigue ser la primera persona en obtener dos nominaciones en la misma categoría el mismo año (algo posible tras el cambio de normas de la Academia y que podría ocurrir gracias a su otro trabajo en La bola negra).

Una mirada afilada y feminista

Tras ver La invitación uno puede entender por qué una película vista tantas veces antes ha conseguido destacar de esa manera. El primer lugar al que hay que mirar es al guion. La adaptación hecha por Rashida Jones y Will McCormack lima aspectos que la hacen mucho más moderna y afilada. Más propia del 2026. Complejiza los personajes femeninos, les da más aristas, y trae el conflicto de estas parejas al presente. Se toma la comedia en serio. Se quiere hacer reír, pero en una película que habla de una herida que afecta a muchas parejas del presente, con temas como la clase o la vivienda latiendo de fondo.

A eso hay que añadir la inteligencia de Olivia Wilde en la dirección. Casi todas las adaptaciones se han visto muy limitadas por el origen del texto. Cuatro personajes y un piso. Eso es todo lo que había en la obra de teatro, y ahí había que apañárselas para convertirlo en un artefacto cinematográfico. La mayor parte de las películas se han visto afectadas por ello. Han apostado todo a la efectividad del texto en vez de pensar en formas expresivas de explotar el territorio doméstico.

Wilde lo ha hecho. Lo demuestra con la elección de esa banda sonora, casi de música de thriller, que tensa cada conversación, también con un montaje mucho más rápido, y, sobre todo, con la composición de cada plano. Dónde se coloca cada personaje es importante. Cómo construye todos los elementos de su plano, y cómo juega con la propia arquitectura de la casa demuestra inteligencia, hasta llegar a un plano final que es capaz de mostrar el estado emocional al que han llegado los protagonistas solo por cómo les sitúa en el encuadre.

Como demostraba la obra y la primera versión, Sentimental, lo que es fundamental es tener a cuatro intérpretes que entiendan el tempo de una comedia basada en unos guiones ácidos, pero también en el ritmo y en cómo se paladean las pullas que se lanzan. Wilde ha elegido cuatro todoterrenos, pero son sobre todo ella misma y Penélope Cruz las que destacan. Wilde asumiendo la parte más exagerada, a veces rozando la comedia física. Siempre aportando algo, una reacción en segundo plano, un gesto divertido. Cruz disfrutando en un personaje que ella ayuda a elevar respecto a otras versiones. Mezcla el español y el inglés con naturalidad, y convierte su Piña en un torrente de energía. El público entiende que todo se revolucione con su llegada. 

Penélope Cruz reconocía en el Festival de Venecia que ella es la primera sorprendida por lo que le está ocurriendo este año. “Cuando estrenas tres películas en un año, si una sale bien y conecta con el público ya es una especie de milagro, pero que pase con las tres es raro. Y es sano que me siga sorprendiendo”, contaba tras la presentación de la tercera de esas películas, Búnker.

De los Oscar no quiere ni hablar. Cuando le mandaron las previsiones que la colocan nominada tanto por La invitación como por La bola negra se puso tan nerviosa que borró el mensaje que había escrito a quien se lo había enviado. Al final lo resumió con una palabra “ilusión”. “Eso quiere decir que las cosas van bien en tu trabajo y eso se traduce en que te sigan ofreciendo personajes interesantes, en poder seguir viviendo de tu trabajo, haciendo lo que te gusta y con material de calidad y con material que te permita enfrentarte cada vez a algo, algo nuevo, a algo que te dé miedo, y esa es la sensación que crea adicción dentro de nuestra profesión”. 

Han pasado más de seis décadas desde su fallecimiento, pero Marilyn Monroe sigue siendo uno de los rostros más populares y reconocibles del mundo del cine, trascendiendo a icono de la cultura popular, que celebra este 2026 el centenario de su nacimiento, que se produjo el 1 de junio de 1926 en Los Ángeles. 

En el certificado, Norma Jean Mortenson aparecía como hija de Gladys Pearl Baker y de su marido, Martin Edward Mortensen, pero esa no era la realidad cuya madre contaba, pues era fruto de una relación extramatrimonial que había tenido con un compañero de trabajo. 

La joven Norma Jean solo tenía una fotografía enmarcada del hombre que se suponía era su padre, que su madre había conocido mientras trabajó en una empresa de revelado y montaje de películas en Hollywood, pero el vínculo sentimental terminó antes de que la futura estrella del cine viniera al mundo y su padre biológico nunca se hizo cargo de ella ni estableció relación alguna. 

Todo ello a pesar de que Charles Stanley Gifford, que es como se llamaba el padre biológico de Marilyn Monroe, llegara a vivir durante un tiempo en el mismo edificio que su madre y ella, pero no asumió ningún vínculo familiar con la futura actriz, que más tarde, ya adulta, intentaría localizarlo y que la reconociera, sin éxito. En parte, Monroe lo hizo por buscar respuestas de su parte, teniendo en cuenta que pasó gran parte de su infancia entre familias de acogida y un orfanato por los problemas de salud mental que experimentó su madre. 

Charles Stanley Gifford nació en Newport, en Rhode Island en 1898, pero pasó gran parte de su vida en California debido a que desarrolló gran parte de su carrera profesional en la industria cinematográfica de Hollywood, siendo uno de sus principales cargos el de supervisor en los estudios RKO. En 1919 se había casado y tenía dos hijos, aunque el matrimonio terminó años después. Con el paso del tiempo, dejó el trabajo en el cine y se dedicó a la actividad lechera. Moriría en 1965, tres años después que la hija a la que nunca reconoció. 

Los intentos fallidos de Marilyn Monroe de reconocimiento 

Marilyn Monroe intentó desde joven tener contacto con su padre y encontrar respuestas. Ya siendo famosa continuó con su búsqueda, de hecho, su primer marido, James Dougherty reconoció en un documental que ella lo llamó y se identificó y que Gifford se limitó a responder que no la conocía y que hablara con su abogado. 

A pesar de la negativa que encontraba, la actriz no cesó y en la década de 1950 volvió a buscarlo, encontrándose la misma situación, que estaba casado, que tenía hijos y que no quería más problemas, un hecho que le afectaría profundamente a la estrella del cine, según varios testimonios de amigos. 

El único pequeño contacto que estableció Charles Stanley Gifford fue una tarjeta de pronta recuperación que envió a Marilyn Monroe, sin fecha y con el nombre de la actriz escrito a mano y equivocado, al poner “Marylyn”, y donde firmó con la dirección de la granja donde vivía en Hemet, lo que demostró que sabía cómo localizarla, pero no la reconoció nunca públicamente ni tuvieron nunca reconocimiento. 

Los dos fallecieron en la década de los 60 sin que nada cambiara, pero en 2022, un documental francés ‘Marilyn, su último secreto’ difundió que Gifford fue efectivamente el padre biológico de la actriz después de que se obtuviera una prueba de ADN positiva a través de un mechón de pelo de ella y material genético de una descendiente de él. 

Eva Marie Saint, la rubia que desafió el arquetipo de la protagonista de las películas de Alfred Hitchcock y se convirtió en una de las grandes actrices de la época dorada de Hollywood, falleció este martes a los 102 años. Saint falleció por causas naturales en su domicilio de Los Ángeles, según informó el medio Los Ángeles Times.

Nacida el 4 de julio de 1924 en Nueva Jersey, Saint se crió en Nueva York y se formó como actriz en la Universidad Estatal Bowling Green, en Ohio. Sus inicios profesionales comenzaron en televisión con series como 'Campus Hoopla' (1946), 'The Philco Television Playhouse' (1953) o 'Martin Kane, Private Eye' (1952).

Su debut en la gran pantalla llegó en 1954 en 'La ley del silencio', la mítica película dirigida por Elia Kazan y protagonizada por Marlon Brando que le valió el Óscar a mejor actriz de reparto, y que hasta hoy era la ganadora de este premio de mayor edad aún viva.

Saint recibió su estatuilla, de la mano de Frank Sinatra, dos días antes de dar a luz al primero de sus dos hijos. “¡Puede que tenga al bebé aquí mismo!”, dijo durante su discurso de agradecimiento. Más tarde, Saint rompió el molde de las rubias inocentes en la filmografía de Hitchcock cuando interpretó a Eve Kendall, una seductora agente secreta, en la cinta 'Con la muerte en los talones'. Su trabajo en dicha cinta la consagró como una de las más memorables “rubias hitchcockianas” de la historia del cine.

La actriz también trabajó junto a galanes de la época y leyendas de Hollywood como Paul Newman en 'Exodus' (1960) o Gregory Peck en 'The Stalking Moon' (1969). Exploró la comedia, con 'The Russians Are Coming', y los dramas históricos, en 'Raintree County'. Saint se casó en 1951 con el productor y director de televisión Jeffrey Hayden, con quien tuvo dos hijos y estuvo casada con él hasta su muerte en 2016.

La intérprete se alejó de los reflectores para criar a su familia, pero mantuvo una carrera intermitente en el cine y la televisión. Declaró que no estaba interesada en vivir la vida de una superestrella, por lo que rechazó proyectos que pudieron mantener su carrera en la cima. Su participación en televisión se mantuvo más firme con actuaciones en series como 'Moonlighting' (1985), en donde tuvo un papel recurrente como la madre de Cybill Shepherd, y también ganó un premio Emmy de televisión por 'People Like Us' (1990).

Entre sus últimas apariciones en cine destacan 'Superman Returns', de 2006, donde dio vida a la madre adoptiva de Clark Kent o 'Mariette in Ecstasy', de 2019. También prestó su voz para la serie animada 'The Legend of Korra' (2012) y participó en los pódcast 'Radio Play Revival' (2022) y 'The Pack Podcast' (2020).

Cuando estaba en la cima de su carrera, Mira Sorvino desapareció del mapa. Había ganado un Oscar y un Globo de Oro por una interpretación deslumbrante en Poderosa Afrodita (Woody Allen, 1995), y luego había saltado a la comedia más o menos gamberra (Romy y Michelle, 1997) y el cine de acción más comercial (Mimic -1997- y Asesinos de reemplazo -1998-), algo más o menos lógico para una estrella. Se codeaba con la farándula de la mano de parejas icónicas como Quentin Tarantino o Olivier Martínez. Hasta que se esfumó.

O la esfumaron. Años después, Mira Sorvino (Nueva York, 1967) contó que su nombre fue vetado de grandes producciones por Harvey Weinstein, entonces considerado un rey Midas de Hollywood, en realidad un abusador de mujeres que atormentó a decenas de actrices. Peter Jackson confirmó que Miramax (la productora de Weinstein) le pidió no contar con Sorvino para El Señor de los Anillos.

Casi tres décadas después de aquello, está de paso por España para la segunda edición de la San Diego Comic Con Málaga. Consciente de su papel de abanderada del movimiento MeToo, no rehúye su pasado ni tiene problema en explicarlo: “Durante veinte años estuve vetada en la industria. Entre 1998 y 2018 prácticamente no participé en grandes producciones de estudio. La influencia de Harvey Weinstein fue enorme y devastadora”, cuenta a elDiario.es.

Una escena “terapéutica”

Sorvino, que fue acosada por Weinstein antes de que este la metiera en una lista negra, lo pasó mal, pero subraya que nunca sabes por qué derroteros te va a llevar la vida: aquel paréntesis forzoso le sirvió para volcarse con una familia a la que adora. “Tengo cuatro hijos extraordinarios y probablemente no habría sido la madre que soy si hubiera mantenido ese éxito profesional”, explica: “Así que la vida es extraña: sí, me enfada profundamente que alguien me arrebatara algo que merecía, pero también siento gratitud porque la vida me dio otras cosas hermosas”.

Años después, la serie Hollywood (Ryan Murphy, 2020) le pondría ante una escena catártica, en la que interpreta a una actriz de los años 40 atrapada en una relación desigual con un productor, de la que solo sale gracias a la empatía de la mujer de este. “Fue una escena preciosa y bastante triste”, rememora la actriz, que lloró realmente en el rodaje: “Era muy consciente de que estaba inspirada en mi propia historia, pero también tenía un punto terapéutico: me permitió enfrentarme a ese dolor y liberarme un poco de él”.

Después de una década, ¿cree que Hollywood ha cambiado? “Sí, sin duda. ¿Siguen existiendo depredadores que creen que nunca serán descubiertos? Claro, porque es la naturaleza humana. Siempre ha habido depredadores y ladrones y asesinos. No podemos erradicar el crimen, pero sí podemos dejar claro que un plató, una sala de casting o cualquier lugar de trabajo no son espacios para eso”, advierte: “Ya no se salen con la suya. Durante décadas, ese comportamiento estuvo muy integrado en la industria de Hollywood desde su comienzo. Y creo que el movimiento ha tenido un impacto real. Hoy las mujeres están más protegidas. Los hombres también. Y los niños que trabajan en producciones audiovisuales están más seguros que antes. ¿Es perfecto? No. Pero sí creo que es mejor de lo que era”.

Recuerdos de Marbella

Sorvino rodó una de sus primeras películas en España (Barcelona, 1994) y otra, más desconocida, en la Semana Santa de Sevilla, donde pasó una larga temporada. No eran sus primeras veces en España. Tendría unos cuatro años cuando su padre, Paul Sorvino, rodó una película en la Costa del Sol junto a George Segal y Glenda Jackson. “Algunos de mis primeros recuerdos visuales son de Marbella”.

La actriz acaba de rodar con Lisa Kudrow la secuela de Romy y Michele (1997), una comedia que exploraba en tono ligero el camino del empoderamiento femenino y la sororidad. Treinta años después, la perspectiva de una nueva boda de una amiga vuelve a situarlas en un punto similar: “¿Nos hemos olvidado de casarnos? ¿Nos hemos olvidado de encontrar el amor?”. La respuesta es que han hecho con su vida lo que han querido.

Justo antes de rodar Romy y Michele 2 terminó That’s amore, un musical con John Travolta en la que tuvo que cantar O sole mío en napolitano. Una canción eterna que, cuenta, está inspirada en la hermana de su abuelo. “Al menos, según cuenta mi familia. Mi padre lo confirmó con la familia del autor de la letra. ¡Podría ser un mito, ¡pero quizá sea verdad!”, exclama.

Alta, imponente y con una vistosa cruz que le cuelga del cuello y acredita sus convicciones cristianas, la actriz creció en el seno de una familia de raíces italianas muy tradicional en la que su padre la trataba como “el hijo que nunca tuvo”: “Compartía conmigo sus referentes: Muhammad Ali, Martin Luther King, Desmond Tutu… Veíamos juntos combates de boxeo, partidos de tenis de Björn Borg y, sobre todo, Star Trek. Yo estaba fascinada con el capitán Kirk. Puede que tuviera un pequeño enamoramiento infantil, pero también quería ser como él: valiente, decidido, aventurero”.

Este fin de semana, Sorvino se ha dado un baño de masas que, además, ha acompañado de un premio honorífico del Festival de Cine de Málaga. “Cuando hablas cara a cara con una persona y te cuenta lo que una película o una serie representó para ella, sientes que tu trabajo ha tenido un impacto real”, agradece la actriz: “En el cine normalmente no tienes ese contacto directo. No es como actuar en teatro, donde escuchas las risas, los aplausos o saludas a la gente a la salida. Aquí las películas se estrenan y luego quedan ahí, mientras tú te quedas bastante alejada del público. Por eso estos eventos son tan especiales”. Mira Sorvino está de vuelta y agradecida a la vida, a pesar de que una vez la tiraran de la cima.

Ethan Hawke es actualmente uno de los actores de Hollywood más asentados de la industria, sabiendo transitar entre el cine más comercial y el independiente, y con éxito en ambos. Para finales de este 2026 llegará a los cines españoles con una película de las llamadas de supervivencia, un drama histórico ambientado en el que comparte cartel con Russell Crowe.

‘The Weight’, traducida como ‘El peso de la libertad’, no llegará a España en estreno hasta el 11 de diciembre, pero en Estados Unidos y algunos países ya ha sido estrenada, siendo un nuevo trabajo en el que el actor ha vuelto a compartir proyecto con su mujer, un papel que ha resultado fundamental según ha desvelado en una reciente entrevista.

Un rodaje más duro que ‘Colmillo Blanco’

Dirigida por Padraic McKinley, Ethan Hawke regresa a un drama de supervivencia junto a Russell Crowe, Julia Jones o Austin Amelio, con una película ambientada en Oregón en 1933, cuando un padre viudo acepta realizar un intercambio de contrabando para poder conseguir su libertad con el objetivo de volver a ver a su hija. Una historia que para el actor americano ha resultado ser uno de los rodajes “más difíciles de su carrera”, llegando a comparar con el de ‘Colmillo Blanco’ en Alaska, cuando contaba solo con 19 años.

En esta ocasión, ‘El peso de la libertad’ se ha rodado en pleno bosque de Baviera en Alemania, donde se ha recreado la naturaleza salvaje del estado de Oregón en 1930: “Por suerte, a mi edad actual, sabía en lo que me metía. Pero con el paso de los años desde Colmillo Blanco, extrañé la aventura”, afirmó el actor en una entrevista con The Hollywood Reporter. A pesar de la dureza del rodaje, sin embargo, Hawke alabó la ‘camaradería’ que se formó al rodar en localizaciones reales: “Se crea una camaradería cuando realmente te embarcas en una aventura con un grupo de personas, y eso se ve reflejado en la película. No es divertido en el momento, pero sí lo es cuando termina”, sostuvo en la mencionada entrevista.

En ella, también aseguró que para su personaje tomó vivencias reales de su abuelo, que fue veterano de la Segunda Guerra Mundial: “La ética estadounidense tradicional de toda esa generación, la fe inquebrantable en la igualdad de la humanidad y la solidaridad, era el espíritu que mi abuelo se llevó consigo”, indicó.

Un hecho que no es lo único que conecta a Ethan Hawke con su vida personal en este último proyecto, sino que es uno más en el que ha trabajado codo con codo con su mujer Ryan, que es productora junto a Simon Fields. Para el intérprete, su participación fue fundamental para que saliera adelante: “No habría sucedido. Llevo 15 años trabajando con mi esposa, y tener a alguien a quien respeto profundamente, que me entiende y que se esfuerza por sacar adelante proyectos que de otro modo no se habrían concretado, ha sido la mejor etapa de mi carrera”, afirmó.

Abierto a una tercera película de ‘The Black Phone’

Acercándose la etapa de Halloween, Ethan Hawke ha sido también preguntado por la posibilidad de una tercera película de la saga de terror ‘The Black Phone’, en la que da vida a ‘The Grabber’, y él no cierra la puerta: “Eso dependería totalmente de Scott Derrickson. Jason Blum y yo confiamos en él. Si tiene una idea que le entusiasma, estoy seguro de que todos la apoyarían. No lo hará por dinero. Lo hará si encuentra una forma de expresarse”, detalló al respecto.

A Jesse Eisenberg interpretar a Mark Zuckerberg en La red social le cambió la vida. Hasta entonces era solo el típico secundario tímido y torpe, que casi pide permiso para hablar. Tras clavar su composición del magnate de Facebook a las órdenes de David Fincher no solo le cayó una nominación al Oscar, sino que Hollywood vio que había mucho más. De aquello han pasado más de 15 años, y Jesse Eisenberg ha demostrado de sobra que como actor es mucho más que aquel papel, pero lo que más ha sorprendido en estos años es que también había un excelente guionista y director.

Lo demostró en A Real Pain, por la que logró una nominación al Oscar al Mejor guion original y que le dio a Kieran Culkin un Oscar al Mejor actor de reparto. Lo confirma en The Debut, su graduación como cineasta. Una especie de Cisne negro ambientado en el teatro amateur donde una ama de casa —una Julianne Moore que ganará el Oscar con casi toda seguridad— obtiene un papel en un musical a las órdenes de un director de escena —siempre brillante Paul Giamatti— que consigue sacar la verdad en ella. Quizás demasiada, porque la actriz novata se va convirtiendo en una de método que buscará que todo sea puro, verdad. Eisenberg se ríe con gracia de los actores intensos, pero también escribe (canciones incluidas) un homenaje al teatro musical como lugar donde los descastados encuentran su sitio. 

A pesar de que no ha querido estar en la secuela del filme que se estrenará en octubre y donde Jeremy Strong recogerá su testigo, Eisenberg tiene claro que hacer de Mark Zuckerberg le cambió la vida. Y lo hizo para bien. “Para mí fue lo mejor del mundo, antes de esa película solo conseguía papeles de chicos tímidos, dulces, de virgen inocente. Y después de ese papel empecé a interpretar a villanos, a magos arrogantes; de pronto me ofrecieron todos esos otros papeles y fue algo fantástico. Me liberó de esa imagen tan dulce, virginal y típica de las comedias románticas. Tengo amigos que han estado en comedias de televisión durante diez años y cuando entras en la casa de la gente durante diez años es más difícil romper con esa imagen. En mi caso fue solo una película y fue genial. Y ahora están haciendo otra sin mí, así que resulta aún más liberador”, explicó.

Fue el de Mark Zuckerberg, además, el papel con el que estuvo más cerca de sentirse como su protagonista, Julianne Moore, esa actriz poseída por su personaje. “En La red social desarrollé insomnio. Me pasaba la noche en vela porque mi personaje era obsesivo. Y yo mismo empecé a obsesionarme y me quedaba despierto toda la noche, con la mente revolucionada. Hacíamos que vinieran médicos al set para darme pastillas para dormir. Les pasa a muchos actores. De alguna manera te conviertes en el sentimiento, en el espíritu de la película y te lo tomas demasiado en serio y cometes el error de pensar que eso hará que actúes mejor. Y no creo que sea así. Creo que simplemente te deja agotado”, opina.

Para él, The Debut habla “del nacimiento de una artista”. “Ella empieza siendo muy tímida y luego se convierte en una actriz bastante buena. Pero después se vuelve loca porque se toma a sí misma demasiado en serio. Cree que lo único importante en el mundo es interpretar correctamente a su personaje. Aunque eso signifique irse de casa, intentar cambiar la obra y faltar al respeto a sus compañeros de reparto. Así que... sí, es un poco una sátira sobre cómo los actores pueden tomarse su trabajo tan en serio que terminan arruinando la obra”, concede.

Todos los buenos actores practican alguna versión del método. Pero he visto actores que llevan esto demasiado lejos y exigen que todos los demás se sumen a su proceso. Y eso me parece egocéntrico

Jesse Eisenberg — Actor y cineasta

Con esto no quiere cargarse eso tan citado que llaman el método, aunque a aquellos que el método les posee no les ve con tan buenos ojos: “Creo que todos los buenos actores practican alguna versión del método. Pero he visto actores que llevan esto demasiado lejos y exigen que todos los demás se sumen a su proceso. Y eso me parece egocéntrico. Se pasan de la raya”.

Hay algo que une su anterior película, A Real Pain, con The Debut, y es que ambas exploran la identidad. Una identidad que en The Debut ayuda a conformarse en el teatro, irónicamente donde siempre se está actuando. El tema de la identidad confiesa que le apasiona porque su padre es profesor de psicología social y un experto en Erving Goffman “que habló sobre la presentación de la propia imagen en la vida cotidiana”. A eso hay que sumar que su madre trabajaba como “payaso en fiestas de cumpleaños”. “Mi vida acabó siendo una especie de... bueno, una combinación exacta de los intereses de ambos: reflexionar sobre la psicología de las personas en entornos sociales, pero también considerar el aspecto lúdico y disparatado de la interpretación. En cierto modo, esta película es como una obra conjunta de mis padres. Una producción de mis padres”, contesta con ironía.

En un momento de su película, el director de escena que interpreta Paul Giamatti reconoce que su sueño era ser actor, pero que al no conseguirlo acabó como director. El caso de Eisenberg es diferente, porque ha podido elegir dónde quiere estar, aunque sí que afirma que cree que “todos los que trabajan en una película desean en secreto poder interpretar las escenas; aunque odien estar delante del público”. “Hay algo realmente emocionante y especial en ser el centro de atención, que es lo que dice el personaje de Jerry. Y sí, tuve esa sensación mientras hacía esta película. Trabajaba con mis dos actores favoritos, Julianne Moore y Paul Giamatti, y sin embargo, yo estaba allí sentado, observando con los auriculares puestos en una sala oscura, pensando: ‘Dios, ojalá estuviera haciendo esa escena yo’. No porque fuera a hacerlo mejor, sino simplemente porque parecía mucho más divertido que estar sentado a oscuras con los auriculares puestos”, asevera.

Tras su paso por Telluride, y ahora por San Sebastián, la crítica ya habla del filme como uno de los que tienen mimbres de premios, especialmente sus dos protagonistas. Eisenberg acepta las críticas, especialmente a sus actores, con gusto, porque sabe que “hay grandes interpretaciones en películas que pasan desapercibidas”. “Los adoro, son mis actores favoritos. Llevan siéndolo veinte años, desde que era joven y empecé a entender de actuación. Para mí son los mejores. Me alegra mucho que se les reconozca, porque creo que hacen las cosas bien. No son vanidosos ni están obsesionados con su propia fama. Son simplemente los mejores. Son actores neoyorquinos humildes y magníficos. Así que estoy muy feliz”, zanja.

La expectación por ver a Brad Pitt se notaba por las calles de San Sebastián. Las señoras donostiarras hablaban de él en las terrazas y desde el lunes, cuando llegó, la gente se agolpaba a las afueras del Hotel María Cristina, sede del certamen y donde se alojan las estrellas, para ver si robaba alguna foto de la estrella de más tamaño que iba a pisar el Zinemaldia. Ya con su llegada, Pitt eclipsó a todos, y tras dos días en la ciudad (donde la gente especulaba dónde estaba porque fue como una sombra para los curiosos y sus móviles) el actor se presentó en la rueda de prensa más multitudinaria de esta edición para presentar En el corazón de la bestia, un filme de supervivencia donde él es la absoluta estrella de la función… junto a un perro.

Pitt recibió la ovación de la sala de prensa del Kursaal y habló del momento de la industria, donde “ha habido cambios enormes a lo largo de la historia y una consolidación de los estudios”. “El streaming nos ha brindado muchas más oportunidades. Y por un lado están las grandes superproducciones que permiten recuperar la inversión y, por otro, las películas independientes de bajo presupuesto; pero la franja intermedia, digamos, de 30, 40 o 60 millones, lo tenían muy difícil para salir adelante. Incluso películas como la nuestra sufrían, porque a los distribuidores les cuesta mucho recuperar la inversión en ese tipo de presupuesto medio. Sin embargo, ahora estamos viendo cambios; en cuanto a los costos de postproducción, existen nuevas herramientas que ayudarán a reducirlos. Así que tengo la esperanza de que esas películas... bueno, todavía queda mucho camino por recorrer”, dijo.

En el corazón de la bestia está producida por él con su compañía Plan B, una empresa con la que ayuda a financiar filmes independientes y grandes producciones, y por eso insistía en que cree que “la situación actual ha favorecido realmente al cine independiente; porque estos proyectos están llegando a más público”. Para él, “se percibe una fuerza comparable a la de los años 90”. 

A pesar de ser preguntado por el mundo actual, por un mundo en guerra y por cómo afrontar esos momentos, Pitt se zafó de las cuestionas menos centradas en los temas de la película aunque abordándolos de una forma genérica. Subrayó que, precisamente por lo comentado, le encanta esta película, porque “en el fondo es una historia de amor, además de una historia de supervivencia”.

“Personalmente, creo que podríamos dedicar más tiempo a aquello en lo que somos iguales, que es la mayor parte de las cosas. Pensar qué es lo que nos une, lo que nos conecta. Y creo que también podríamos escuchar mejor a algunos de estos grupos y prestar atención a las líneas que nos dividen. Quizás debamos empezar por ocuparnos de las personas que nos rodean y asegurarnos de que estén bien. Si todos hiciéramos eso... bueno, diría que es un buen punto de partida”, apuntó.

También habló de los soldados y el estrés postraumático, uno de los temas del filme, y habló de estas personas que “no solo sufren daños físicos, sino también perjuicios morales y psicológicos, una transición que les descoloca por completo”. Con esta historia quisieron “ilustrar la situación de un hombre que ha sufrido la pérdida y ha vivido cosas terribles, pero que luego intenta encontrar la paz y cómo se desenvuelve en ese mundo”.

Tom Cruise es una de las estrellas más conocidas y también más controvertidas de Hollywood, pero si algo es alabado de él es su gran devoción por el cine, que le hace tener rigurosos estándares en rodaje, además de rodar también sus propias escenas de riesgo.

Es por eso por lo que una de las grandes preguntas que se le suele hacer es por qué a pesar de su gran pasión por el cine y su involucramiento nunca ha dirigido una película ni plantea dedicarse a la dirección. Un hecho que ahora ha respondido para el podcast de los hermanos Kelce.

Tom Cruise no se ve como director de cine

A los 64 años, Tom Cruise todavía no se ha animado a dirigir una película y parece que no lo veremos en esa faceta según su propia opinión, pues así lo ha dejado claro durante la promoción de su nueva película, ‘Digger’ de Alejandro G. Iñárritu.

En concreto, ha sido en el podcast 'New Heights' de Travis y Jason Kelce, donde una de las principales preguntas fue porque nunca ha dirigido una película: “¿Sabes qué? Desde que era niño, mis amigos me decían: ‘Deberías dirigir’”, respondió inmediatamente como algo que se ha repetido durante toda su carrera.

El actor, sin embargo, asegura que prefiere hacer más películas y aprender de la dirección: “He estudiado las películas antiguas, y estos son capaces de hacer cuatro películas al año. Quiero hacer muchas películas, y siempre he querido hacer muchas. Y me encanta trabajar con diferentes directores. Me encanta aprender de ellos, conocer sus historias, prepararles el terreno. Darles oportunidades”, explicó en el mencionado podcast.

Para ahondar más en el tema, Cruise hizo un símil con los jugadores de la NFL: “Es como, mirad, vosotros no fuisteis seleccionados en la primera ronda, ¿saben?, pero igualmente vieron esa luz y esa habilidad, que vosotros aportáis. Y me gusta... La gente que estoy eligiendo o con la que trabajo, tal vez no todos lo sepan necesariamente, algunos sí, otros no”, añadió.

Su gran implicación en rodaje

Además de la razón de querer hacer diferentes tipos de películas, Tom Cruise también dejó caer que una razón por la que no quiere dirigir es porque prefiere ver todo desde otra perspectiva, a pesar de que tenga máxima implicación: “Pero no me refiero solo a los directores; es todo. La gracia de eso —tener esa oportunidad— si yo dirijo, no puedo hacerlo. No tengo esa experiencia. Así es como pienso... Eso es lo que siento por los directores. Quiero ayudarlos. A los directores de fotografía, a los actores, y quiero aprender... Me gusta ver su punto de vista y me gusta mezclarlo todo.”

De hecho, profundizó en este aspecto y explicó cómo suele participar en casi todas las facetas del rodaje como actor: “No me interesa ir a mi caravana. Me gusta estar con el equipo. Me gusta estar con todos. Me gusta estar en el set. Así que tienen un palco para mí y siempre estoy ahí”, aseguró.

A pesar de todo lo mencionado, Tom Cruise tuvo una breve experiencia en la dirección, aunque no en cine, sino en televisión. Fue en la serie ‘Fallen Angels’ de 1993 en un episodio titulado “The Frightening Frammis”.

Pocos rostros encarnan con tanta fuerza la mitología del cine estadounidense en Hollywood como el de John Wayne, un hombre cuya sola presencia física y voz pausada redefinieron la figura del héroe en la pantalla grande.

Conocido afectuosamente como The Duke, Wayne no solo lideró el género del western a lo largo de cinco décadas, sino que también construyó un arquetipo de rudeza, patriotismo y código moral que dejó una huella imborrable en la cultura popular del siglo XX y lo convirtió en uno de los rostros más conocidos del Hollywood clásico.

En su trayectoria tuvo un papel relevante John Ford, siendo así una de las alianzas director-actor más influyentes de la historia del cine, al sumar juntos más de 14 películas en tres décadas. Una relación que comenzó cuando Wayne trabajaba como atrecista y extra para sus sets, y precisamente fue el director quien le dio la oportunidad.

El acento sueco que se le complicó a John Wayne

De hecho, Ford le dio a John Wayne el papel protagonista que lo lanzaría al estrellato definitivo en ‘La diligencia’, al rescatarlo de una decena de trabajos de serie B del género western. Sin embargo, tan solo un año después, ambos trabajaron en una película que fue una de las más odiadas por el actor.

Hablamos de ‘Hombres intrépidos’, estrenada en 1940, donde John Wayne interpretó a un marinero sueco que forma parte de la tripulación de un carguero, SS Glencairn, siendo un papel que le sacó de su zona de confort, de hecho, debía hablar con acento y adoptar un estilo diferente de interpretación.

El actor llegó a ver algunas de las situaciones de su personaje y su interpretación en realidad embarazosas, momentos realmente malos en los que no funcionaba. “No tenía ninguna posibilidad”.

El punto más complicado fue el acento sueco, que para él sonaba ridículo a pesar de haber contado con ayuda, y que, además, no podía usar como recurso cómico, aunque su personaje a veces ejercía esa función en la historia. Un hecho que se ha visto así con el paso del tiempo, donde su actuación ha quedado como lo más cuestionado de la película.

‘Hombres intrépidos’ de John Ford, sin embargo, recibió seis nominaciones en los premios Oscar, especialmente destacada la fotografía en blanco y negro que fue obra de Gregg Toland, aunque en su estreno no fue un éxito de taquilla.

Aspira a ser uno de los estrenos más destacados del próximo año 2027 y ya calienta motores de su promoción mostrando las primeras imágenes del que será el nuevo universo de una de las principales sagas fantásticas de la literatura y del cine, que además tiene a Greta Gerwig como directora, en su siguiente proyecto de envergadura tras dirigir Barbie.

Hablamos de la nueva adaptación de ‘Las crónicas de Narnia’, que comenzará desde el primer libro de la saga ‘El sobrino del mago’ y que se espera llegue a los cines el próximo febrero como la primera entrega de una nueva franquicia de fantasía, con Netflix y Sony detrás de la producción.

Meryl Streep será Aslan: el cambio histórico de Narnia

Uno de los detalles que más han llamado de la producción desde que se iniciaron los rumores es que detrás del mítico personaje de Aslan, el gran protagonista de la saga y del mundo Narnia, estaría una mujer, y en concreto Meryl Streep, un detalle que se ha confirmado en exclusiva a través del medio Empire.

De esta forma se confirma un cambio histórico, además de que se han compartido las primeras imágenes de cómo se ve el protagonista de la obra creada por C.S Lewis. Un hecho del que, además, Greta Gerwig ha dado detalles en el mencionado medio, del porqué de la elección de la mítica actriz:

“Quería a alguien profundo, pero no pretencioso, que tuviera gravitas, pero no una seriedad lúgubre y egocéntrica. Alguien que pudiera comunicar profundidad y patetismo, así como alegría y deleite”, argumentó la directora que vio en la actriz a la persona perfecta para encarnar las cosas que quería en Aslan.

Además, añadió más detalles para entender todavía más que la oscarizada actriz se meta en la voz del mítico león de la saga fantástica: “Quería a alguien mayor de 70 años, para que hubiera una sabiduría de la experiencia, pero que también tuviera la capacidad de un asombro fresco, como un niño. Y también para que fuera uno de los mayores actores de todos los tiempos. Esa lista no es larga”.

La nueva Bruja Blanca y el gran reto de la nueva Narnia

La imagen de Aslan no es la única novedad que se ha mostrado de la película de ‘Las crónicas de Narnia: El sobrino del Mago’, sino que también se ha dado la primera aparición de la Bruja Blanca, que es interpretada por Emma Mackey, actriz conocida por ‘Sex Education’, que ha hablado así sobre su personaje en Empire: “En el guion se la describe como 'un cóctel de caos y planes nefastos'”, aseguró.

En este caso, el reto de ‘Las crónicas de Narnia: El sobrino del Mago’ es mayúsculo, teniendo en cuenta que hasta la fecha la saga ha acumulado 1500 millones de dólares en distintos proyectos, y en este caso se centra en los orígenes de la historia creada por Lewis, desde el comienzo, en el que vemos como se da la creación de Narnia a través de Aslan. En el reparto aparecen nombres como a Daniel Craig, Denise Gough, Carey Mulligan, David McKenna, Susan Wokoma y Ciarán Hinds, que acompañan a Streep y Mackey.

Marvel Studios sigue trabajando en el reinicio cinematográfico de X-Men, y la última noticia al respecto ha llegado hace solo unos días. Según han confirmado medios como THR, Variety y Deadline, ya tenemos el nombre del actor que encarnará a un nuevo mutante de este universo. Se llama Asa Germann y no es la primera vez que podremos verlo en la gran pantalla.

Germann, actor estadounidense de 28 años, es principalmente reconocido por su papel en Gen V, la serie spin-off de The Boys, así que ya conoce bien el mundo de los superhéroes. Además, este año formó parte del elenco de Scream 7 (2026). Ahora se une al reparto de X-Men, que será liderado por Sadie Sink como Jean Grey, a quien ya vimos en Spider-Man: Brand New Day.  

El actor se encargará de encarnar a Warren Worthington III, el mutante alado creado por Stan Lee y Jack Kirby cuya historia ha fascinado a los fans desde su debut en 1963, cuando el personaje apareció por primera vez en el primer número de Uncanny X-Men. Conocido como Ángel, Warren fue uno de los integrantes originales del equipo de mutantes y, por tanto, una de sus figuras más reconocibles.

A lo largo de su historia en los cómics, el personaje ha experimentado una de las transformaciones más importantes de toda la saga de superhéroes. Apocalipsis, uno de los grandes villanos de los X-Men, le mutila las alas y las reemplaza con alas metálicas, transformando a Ángel en Arcángel, que adopta una apariencia mucho más oscura y unas habilidades diferentes. 

Actores confirmados que se unen al MCU

El regreso de los X-Men es uno de los proyectos cinematográficos más ambiciosos de Marvel Studios desde que Disney adquirió la 21st Century Fox en 2019, una operación que le permitió hacerse con los derechos cinematográficos de personajes tan populares como Lobezno, Magneto, Tormenta, Cíclope, Jean Grey o Mística, entre muchos otros.

La nueva película de los X-Men, dirigida por Jake Schreier, será la primera muestra de este reinicio y llegará a los cines el 5 de mayo de 2028. Aunque los detalles de la historia todavía se mantienen en secreto, Marvel ya ha revelado buena parte de su reparto. Así, las últimas incorporaciones se anunciaron durante la última exposición D23 celebrada en agosto.

Por ahora, sabemos que Sadie Sink interpretará a Jean Grey, Kit Connor será Cíclope, Maya Boyd dará vida a Tormenta, Inde Navarrette será Rogue/Pícara y Samara Weaving interpretará a Emma Frost. A ellos se sumará Christopher Abbott como Charles Xavier (Profesor X), mientras que Adam Driver encarnará a Nathaniel Milbury, personaje relacionado con el villano Mr. Siniestro.

Pocas horas antes de que Alejandro Amenábar anunciara que La bola negra era la elegida por la Academia de Cine para representar a España en la lucha por el Oscar a la Mejor película internacional, el equipo de la película, con Javier Calvo y Javier Ambrossi al frente, recibían una de las ovaciones más grandes que se han oído en el Festival de Toronto. El pase de La bola negra en el certamen confirmaba las buenas sensaciones que se tenían. Se repetía lo ocurrido en Cannes, y demostraba que el público y la crítica ama la película.

La decisión de la Academia este año parecía obvia. El ruido del filme de los Javis desde que se presentara en el certamen francés el pasado mayo no ha hecho más que crecer. Ya allí se dieron los primeros pasos hacia una carrera al Oscar que, con el apoyo de España como su representante, se solidifica y amplifica.

España se encuentra con una oportunidad única de hacer historia. Hacía mucho tiempo que no se estaba tan cerca de conseguir ese quinto Oscar a la Mejor película internacional (tras los logrados por Garci, Trueba, Almodóvar y Amenábar) y parece que todo está a favor para romper nuestro propio techo y lograr, por primera vez, una nominación al Oscar a la Mejor película y quién sabe si incluso superar a Emilia Pérez como el filme internacional más nominado. Estas son las claves por las que La bola negra tiene mucho a favor para hacer historia para España. 

Netflix

Tras la locura provocada por la película en Cannes se desató una guerra de ofertas para hacerse con los derechos de distribución del filme en EEUU. Esta figura es clave para el éxito de una película no solo comercialmente, sino también en los Oscar. Finalmente, fue Netflix, quien ya ha dejado claro que La bola negra es su gran apuesta para los premios de la Academia de Hollywood. La campaña ha comenzado. Han hecho coloquios, el filme ha estado en Telluride, en Toronto… 

La efectividad de las campañas de Netflix está más que comprobada. No van solo a por la nominación de Mejor película internacional, sino que van a por todas. Solo hay que ver lo ocurrido en años anteriores con otras de sus apuestas. Netflix compró Emilia Pérez en Cannes. El resultado fueron 13 nominaciones de las que se llevó dos. Sin novedad en el frente logró nueve candidaturas y cuatro Oscar, y Roma ganó tres de 10.

La apuesta por la película está superando la realizada con títulos anteriores en un aspecto clave: la permanencia en salas. La bola negra ha logrado una presencia histórica en cines: 47 días. Más que películas de estudios tradicionales. El récord anterior pertenecía a Historia de un matrimonio de Noah Baumbach, que estuvo en cines 30 días antes de incorporarse a Netflix en 2019. El gesto es importante. La gran crítica a Netflix, y el motivo por el que muchos creen que todavía no tiene el Oscar a la Mejor película, es que no protege las salas. Ahora lo hará. Esto ha hecho que muchos gurús de EEUU den a La bola negra como una segura candidata no solo en Mejor película internacional, sino en todo, pudiendo incluso superar las diez nominaciones. 

El premio en Cannes

Cannes se ha convertido en el gran festival para que el cine no hablado en inglés entre en los Oscar. El año pasado, Valor sentimental logró el Oscar a la Mejor película internacional y nominaciones en las categorías más importantes después de enamorar en el festival francés. En la categoría de Mejor película también entró El agente secreto, otro filme presentado allí.

Pasó lo mismo con Emilia Pérez o Drive My Car. El recibimiento que se tiene en Cannes es clave. En muy pocas ocasiones una película gana el Oscar a Mejor película internacional y se cuela en más categorías sin haber pasado con éxito (y premio) por un festival de clase A. Especialmente Cannes.

La presencia de La bola negra en Cannes fue única. Los Javis entraron como unos desconocidos en el pase de gala y salieron como dos cineastas con futuro, con una película que enamoraba y una ovación histórica. Los 20 minutos de aplausos que recibió reflejaban que la gente había caído rendida a sus pies. En los corrillos del festival no se habló de otra cosa en los dos días siguientes hasta el palmarés.

Las críticas de EEUU

De ese recibimiento bestial en Cannes hubo uno que destacó. El de la crítica de EEUU. Era normal que la película calara entre la prensa española, al abordar su historia y un mito como Lorca. Sin embargo, los medios claves en la carrera para los Oscar como New York Times, Variety o el periodista Matt Neglia, para la web especialista en los premios Next Best Picture, tuvieron claro que acababan de ver un filme importante y que debería tener un hueco en la carrera por los premios. 

No hay que desdeñar la importancia de los gurús de los Oscar en la carrera. Aunque sean los académicos quienes votan, ellos colocan títulos en el imaginario de la gente. Colocan el foco en películas que podrían pasar desapercibidas y reflejan el momento álgido de algunas de ellas. Con La bola negra lo tuvieron claro desde el primer momento y lo han defendido desde entonces. Ahora mismo, Next Best Picture la coloca incluso por encima de La odisea en sus predicciones.

Lorca

La figura de Lorca es el hilo vertebrador de La bola negra. Sus tres historias están atravesadas por la ausencia del escritor y las heridas que eso deja en una España que tiene “historias de amor enterradas”, como se oye en un momento del filme. Lorca aparece en un momento mágico del filme —interpretado por el poeta y performer Alberto Cortés—, pero sus versos y su obra resuena en todo el metraje.

La obra del escritor es mundialmente conocida, y la película llega en el momento del 90 aniversario del asesinato del escritor. Una efeméride perfecta para reivindicar a Lorca, y para hacer brillar aún más a La bola negra.

Los Javis (y Penélope)

Hollywood ha descubierto a Javier Calvo y a Javier Ambrossi. Su carisma, naturalidad y personalidad son otra arma perfecta para utilizar en esta campaña. Se van a dejar la piel. Son jóvenes, frescos y representan el futuro. Un futuro que pasa por la visibilidad de las historias queer, y que no pide permiso para entrar en espacios hasta ahora reservados para los hombres heteros. 

En EEUU les encanta la gente que disfruta de cada momento de esta carrera de obstáculos que son los Oscar, y ellos están dispuestos a hacerlo. Ojalá Los Ángeles diciendo frases de Paquita Salas o de Veneno, o descubriendo La Mesías. Nadie duda de que en Hollywood van a caer rendidos a la personalidad y la gracia de los directores, y que ellos son, además de Penélope Cruz, la cara más visible de La bola negra. 

El estreno de ‘Joker’ hace siete años, cambió en cierta manera el papel de las adaptaciones de superhéroes en el cine, presentando una película que se alejaba de lo convencional en este género, siendo un film oscuro y con importante matiz psicológico.

El personaje principal interpretado por Joaquin Phoenix se llevó alabanzas de la crítica y el público y el valió el premio Oscar. Sin embargo, en el rodaje vivió importante tensión con uno de sus compañeros de reparto y gran figura de Hollywood, Robert DeNiro.

Las dos formas distintas de ambos actores de ver la interpretación generaron una fuerte tensión que se mantuvo durante gran parte del rodaje, siendo ya de por sí ‘Joker’ una película complicada.

Un Robert DeNiro que inspiró a Todd Phillips, concretamente en su papel en ‘Taxi Driver’, tomando la referencia de un hombre solitario y maltratado a su vez por la sociedad que parece no merecer el tener voz. No es la única, también bebe de ‘El Rey de la comedia’, también protagonizada por De Niro, con lo que la influencia del actor de Hollywood era alargada para el director. En ‘Joker’ interpretó a un popular presentador de televisión llamado Murray Franklin, en un momento que se presenta fundamental para la caída del protagonista, siendo uno de los motores de la acción.

El ‘rifirrafe’ entre Phoenix y De Niro

‘Joker’ de Todd Phillips significó la primera y única vez que dos actores de la talla de Joaquin Phoenix y Robert De Niro coincidían en pantalla, y siendo dos actores con métodos de trabajo tan distintos los llevó a generar una relación de tensión durante el rodaje.

Mientras De Niro tenía preferencia por lecturas completas de guion y ensayar antes de rodar, Phoenix prefería ser más natural antes de comenzar. Esto generó una situación muy incómoda que desvelaría el director en Vanity Fair: “Bob me llamó y me dijo: Dile que es actor y que tiene que estar ahí, me gusta escuchar la película completa, y vamos a meternos todos en una sala y leerla. Y yo estaba entre la espada y la pared porque Joaquín decía: De ninguna manera voy a hacer una lectura, y Bob decía: Yo hago lecturas antes de rodar, es lo que hacemos”.

Finalmente Phoenix aceptó, aunque resultó ser un momento incómodo al murmurar durante gran parte de la lectura y apartándose para fumar continuamente. Sin embargo, Robert De Niro lo quiso solucionar en privado, aunque tuvo que esperar alto más, hasta que fue convencido por el director. Todo acabó solucionándose, pero ambos tuvieron claro que no fue la mejor experiencia:

“No me gustaba hablar con él en set. El primer día nos saludamos, y después de eso, no creo que volviéramos a hablar mucho”, aseguró Joaquin Phoneix. Por su parte, De Niro consideraba que no necesitaban relacionarse fuera. “Su personaje y el mío no necesitábamos hablar de nada. Simplemente decíamos: Hagan su trabajo. Relaciónense como los personajes. Así es más sencillo, y no hablamos. No hay razón para hacerlo”.