A principios de los años 90, era el actor mejor pagado del mundo y en parte esto fue así porque cuando nadie confiaba en una película, él invirtió en ella y se acabó convirtiendo en el western más taquillero de la historia durante varias décadas. Hablamos de Kevin Costner, que más de 40 años después, vuelve a estar en una situación similar.

Si bien el resultado no tiene por qué ser el mismo, lo cierto es que nadie quiere estrenar su última película, con la que completaría una saga que arrancó en 2024, motivado por el éxito de la serie ‘Yellowstone’ con la que resurgió con fuerza en Hollywood. Sin embargo, dejarla parece haberle costado caro.

La película ‘maldita’ de Kevin Costner: un ambicioso western que nadie quiere estrenar

En el verano de 2024, Kevin Costner estrenaba la ambiciosa saga western ‘Horizon’ con el subtítulo ‘An American Saga – Capítulo 1’, con lo que ya avisaba quería continuar, en principio, con hasta tres películas más, un hecho que, sin embargo, parece a estas alturas complicado de conseguir.

Y es que la tibia acogida tanto de la crítica como del público de la primera entrega de ‘Horizon’ ha hecho que la segunda entrega esté ahora mismo sin distribución en cines y con un estreno que cada vez que pasa parece más complicado. 'Horizon: An American Saga - Capítulo 1' recaudó solo 38 millones de dólares en su paso por cines, justo la misma cifra que costeó el actor desde su bolsillo para dos entregas.

De la segunda entrega de ‘Horizon’ que Kevin Costner está intentando sacar adelante sabemos poco, solo que podría contar con un reparto similar al de la primera, en la que participaron interpretes como el propio Costner junto a Sienna Miller, Ella Hunt, Jamie Campbell Bower y Sam Worthington. Dos años después no hay nuevas noticias y solo se sabe que pasó por el Festival de Venecia 2024 y el de Santa Bárbara en 2025, pero desde entonces se le ha perdido el rastro.

Pasó por algo similar hace 35 años: el caso ‘Bailando con lobos’

Cualquiera en la situación de Kevin Costner se daría por vencido, pero en el caso del veterano actor no es así porque él mismo saboreó las mieles de lo que es que nadie quiera estrenar una película, luchar por ella y que luego sea todo un éxito. Eso pasó hace 35 años con ‘Bailando con lobos’, uno de los westerns más taquilleros de la historia del cine.

Nos situamos a finales de los años 80, y el actor se encontraba rodando ‘Bailando con lobos’, una película que llevó a la bancarrota a United Artists y que parecía maldita, tanto que se le apodó ‘Kevin’s Gate’ en referencia a ‘La puerta del cielo’. Sin embargo, Costner creyó en ella y puso tres millones de dólares de su bolsillo para acabarla y ponerse tras las cámaras, en lo que supuso su primera incursión en la dirección.

Así llegamos a noviembre de 1990, cuando ‘Bailando con lobos’ se estrenó de forma limitada en Estados Unidos, pero debido a que fue un éxito instantáneo pronto aumentó el número de salas y estrenos, llegando a acumular más de 400 millones de dólares de recaudación y siendo durante 22 años la película del oeste más taquillera. No se quedó ahí la cosa, gracias a su acuerdo, el actor se hizo con parte de las ganancias y logró Oscar a Mejor película y mejor director junto a cinco estatuillas más.

Steven Spielberg siempre ha creído que no estábamos solos en el universo. Es una obviedad viendo su cine. La primera película que hizo tras reventar la taquilla y cambiar las normas del cine industrial de Hollywood con Tiburón fue Encuentros en la tercera fase (1977), una obra maestra donde mostraba cómo sería el primer encuentro entre los humanos y los alienígenas. Había en esta primera aproximación una tónica que se repetiría cinco años después con E.T. El extraterrestre (1982): el alienígena no es una amenaza. 

En Encuentros en la tercera fase la mirada hacia el cielo era casi mesiánica, como si los extraterrestres fueran una deidad que vinieran a explicarnos a nosotros mismos. En E.T. usaba la figura del alienígena para trazar una historia de amistad imposible entre un niño y un alien, alejando la narrativa de la amenaza exterior que llegaba al mundo y lo sometía que había estado habitualmente en películas como Ultimátum a la tierra o La invasión de los ladrones de cuerpos. 

Para Spielberg, cuyo cine está siempre atravesado por la emoción, no había que temer lo desconocido. Por eso sorprendió que en 2005 decidiera hacer una versión de La guerra de los mundos, donde por primera vez en su carrera los alienígenas eran el enemigo, el aniquilador. Muchos vieron en esa época en la filmografía del director las consecuencias de los atentados del 11S en su carrera y en acometer proyectos mucho más oscuros. 

Por ello no parece casualidad que el mismo año rodara Múnich, la que es su película más política, la más adulta, la más compleja y en la que por primera vez fue incluso señalado de antisemitismo por la comunidad judía a la que pertenece al, según ellos, equiparar los atentados de los JJOO de Múnich contra los atletas israelís con los asesinatos en venganza realizados por los agentes secretos de Israel. Parecía que Spielberg había perdido la fe. La fe en Dios. La fe en los alienígenas. La fe en el ser humano. 

Han pasado muchos años. Casi 50 desde Encuentros en la tercera fase, pero también más de 20 desde La guerra de los mundos. El mundo ha cambiado, Spielberg también, y por ello es tan significativo el lugar que escoge para contar su nueva aproximación al universo de los alienígenas en El día de la revelación, su nueva, esperada y maravillosa película. En un mundo al borde de la Tercera Guerra Mundial —en la película por la tensión bélica entre Corea y EEUU— Spielberg pide recuperar la fe. La fe en los alienígenas como aliados y no como enemigos, y la fe en el cine como forma de abrir los ojos.

Lo hace convirtiendo su película en una metáfora clara sobre la empatía, sobre acoger al diferente, al extranjero, al refugiado. Si la filmografía de Spielberg suele dividirse entre sus proyectos serios y políticos (La lista de Schindler, Múnich o Lincoln) y los divertimentos que hacen que nos maravillemos como niños ante la pantalla de cine (Parque Jurásico o Indiana Jones), El día de la revelación se sitúa en un punto intermedio, siendo quizás su filme comercial más político hasta la fecha.

Spielberg parte de una historia original suya para contar el intento de unos disidentes de desvelar el secreto que una empresa privada y el Ministerio de Justicia, desde tiempos de Nixon, guardan: no solo la existencia de alienígenas, sino que el ser humano los ha torturado, utilizado y hasta expoliado usando su tecnología y conocimientos. La excusa es que el ser humano no está preparado para aceptar que hay un ser por encima de ellos. Entre otras cosas porque el propio concepto de dios y todas las religiones serían, en ese punto, inservibles. 

El acercamiento de Spielberg a este planteamiento se hace aceptando que el ser humano ha cambiado (las nuevas tecnologías, el cinismo, las redes sociales, las fake news) y que todo ello forma parte del caldo de cultivo donde esta revelación debe llegar. La pregunta es clara, ¿compensa arriesgarse a contar la verdad o es mejor agarrarse a lo conocido para no atreverse a un cambio? En el fondo Spielberg no hace más que plantear un viejo debate entre el progreso y lo conservador, que pretende agarrarse a los valores del pasado para no remover las cosas. 

Lo sorprendente en El día de la revelación es cómo Spielberg se atreve a mezclar el cine de persecuciones con el drama íntimo, los cuentos infantiles (con explícita mención a Hansel y Gretel), el thriller político y hasta el cine de posesiones demoniacas para terminar logrando una película tremendamente humana y emocionante hasta la lágrima gracias a un clímax final perfecto, donde un (falso) material de archivo desvela la capacidad del cine de que empaticemos con el otro. Porque esa es lo que busca el cineasta en un filme que concluye pidiendo al espectador un acto que, en estos momentos de gritos, suena hasta revolucionario: escuchar.

Pero ya antes ha mostrado su talento como narrador. Spielberg desvela sus cartas pronto. Comienza El día de la revelación descolocando, poniendo a su personaje principal, un perfecto Josh O’Connor, en lo que en otra película sería su tercer acto: un encuentro para intercambiar el material que ha sustraído a cambio de recuperar a su novia. No hay explicaciones previas. Pone al espectador, y a su protagonista, en el disparadero y de ahí para arriba. 

Su historia se intercala con la de una presentadora del tiempo en televisión que un día comienza a hablar de forma fluida ruso y coreano y da un discurso en un idioma desconocido de sonidos guturales en directo delante de miles de espectadores y a la que interpreta una Emily Blunt que ofrece la que es, probablemente, su mejor interpretación hasta la fecha. Tan divertida como magnética.

La unión de sus dos historias llevará a Spielberg a construir set pieces espectaculares (el coche enganchado al tren, el coche que atraviesa paredes o la escena de la invisibilidad), pero también a ir desvelando los temas que subyacen bajo su cáscara de blockbuster: una reflexión sobre la fe, sobre Dios, sobre la ciencia y la empatía, la verdad y, al final, sobre la fe del cineasta en el ser humano en estos momentos. 

También en una defensa del cine de toda la vida, el que él mismo ayudó a construir y Hollywood ha manoseado hasta pervertirlo. Steven Spielberg nos devuelve la capacidad de maravillarnos en una pantalla grande igual que lo hizo con las películas por las que le colocaron el apodo del rey midas de Hollywood. Cree en un cine grande, espectacular, lleno de imágenes inolvidables pero, sobre todo, con corazón. Ese corazón es el que eleva su filme y lo lleva a un sitio que dignifica el cine popular. En una industria llena de IPs y franquicias, él sigue resistiendo. Spielberg es la paradoja andante: el director que dio las herramientas a Hollywood para destrozar el arte, y el mismo que se resiste a que eso ocurra con sus filmes.

Por ello es hasta coherente que, para lograrlo, recurra a sus colaboradores habituales. Por supuesto a John Williams al frente de una banda sonora que sorprende por su ausencia en las escenas de acción y como gatillo en las íntimas, pero también a Janusz Kaminski a cargo de la fotografía y David Koepp desarrollando una historia del mismo Spielberg. 

Es cierto que el filme se atasca en su parte central en una sucesión de persecuciones que parecen una concesión a la espectacularidad que vende su tráiler (y que se resuelven con algún deus ex machina algo patatero), pero también es cierto que uno no puede más que quitarse el sombrero ante un cineasta que con casi 80 años sigue encontrando decisiones visuales sorprendentes, como ese primer plano de la película de un pie pisoteando la propia cámara, la transición entre la previsión meteorológica y unos cereales cayendo o un plano para el recuerdo en el que la cara de un ciervo da paso, sin cortes, a la de uno de los extraterrestres.

Spielberg ha vuelto a los alienígenas para, irónicamente, hacernos creer en nosotros mismos y en el poder de contar historias. Y lo ha hecho con una película frenética, divertida, emotiva y que esconde en su interior una reflexión sobre el mundo actual mucho más adulta que lo que parece a simple vista.

En pleno momento del ‘efecto nostalgia’ y del fenómeno ‘Backrooms’ que evidencia el buen momento que vive el terror en el cine, regresa una de las sagas más icónicas de este género, “Scary Movie”, cuya clave de su éxito fue mezclarlo con la comedia y que vuelve trece años después de su última película con una sexta entrega que aspira a batir récords tras su primer fin de semana en las salas.

Y es que ‘Scary Movie 6’ va camino de ser el mejor estreno de toda la franquicia, con una recaudación que superaría los 56 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, según datos de Deadline. Un regreso que hace contando con su reparto original, encabezado por la actriz Anna Faris en su papel principal, más de 25 años de su debut en la saga.

La actriz se convirtió gracias a su aparición en “Scary Movie” en una de las reinas de la llamada ‘comedia gamberra’, y le abrió carrera cuando menos lo esperó: “Nunca me sentí lo suficientemente atractiva para triunfar. Sabía que el rechazo sería parte del camino. La clave era ser valiente”, confesó en el podcast ‘Happy Sad Confused’, donde también admitió que volver fue como ponerse “un viejo par de pantalones vaqueros”.

Unos comienzos que no fueron nada sencillos para Faris, que no acababa de verse mentalmente preparada y sin creerse que fuera la seleccionada por los hermanos Wayans para la película: “Estaba en el avión camino de mi primer rodaje en Hollywood, pensando: No estoy preparada para esto, me van a despedir. Se han equivocado. No tenía representante. Era una desconocida en un lugar desconocido. Y de repente leo el guion y me quedo atónita: ¿de verdad tengo que quedarme pegada al techo por el semen de mi novio? ¿Me salen murciélagos de la entrepierna? No puedo hacer esto”, declaró para la revista Fotogramas.

Le cerró puertas y la encasilló: “Fue duro que me vieran fuera de la comedia”

Si bien la saga “Scary Movie” le dio fama, al mismo tiempo también hizo que se le encasillara dentro de la comedia: “Fue algo que definió mi carrera, porque yo nunca había hecho comedia. Cuando terminamos el rodaje, incluso antes de que se estrenara la película, alquilé un pequeño apartamento en Los Ángeles, cogí mi viejo Honda y empecé a hacer audiciones. Pero la gente en Hollywood tiene una imaginación muy limitada, y todos pensaban que yo solo servía para hacer comedia, así que no conseguía oportunidades en papeles dramáticos”, añadió en Fotogramas.

Todo ello a pesar de que Faris se veía mucho más cómoda en papeles dramáticos: “El drama era lo único con lo que me sentía cómoda. No entendía la comedia. Pero bueno, aquí estoy, aunque creo que todavía no la entiendo del todo. Siento que acabé convirtiéndome por accidente en una actriz de comedia física”, contó en la mencionada revista.

Anna Faris también lamentó en el podcast ‘Happy Sad Confused’ que no la vieran fuera de comedia y relató un ejemplo de ello cuando audicionó para la serie “Six Feet Under”: “Interpreté a una joven bajo los efectos del crack que recibe la noticia de la muerte de su padre. Alan empezó a reír en mitad de mi interpretación. Cuando terminé, solo me dijo: ‘Eres muy divertida’. Ahí comprendí lo difícil que era que me vieran fuera de la comedia”.

De hecho, la actriz también recuerda como esto le afectó en su paso por la película de “Lost in Translation”: “No sabía cómo modular mi personaje, estaba acostumbrada a un volumen alto y pensaba que estaba arruinando la escena. Al final aprendí a confiar en la esencia, aunque pareciera que no encajaba”, contó en el podcast.

Todo esto, sumado a su experiencia a lo largo de su trayectoria le ha llevado a reflexionar sobre la industria cinematográfica y el impacto en la autoestima de los intérpretes: “La industria es muy volátil y siempre me sentí un poco fuera de lugar. Conocí colegas que daban por hecho que el éxito estaba asegurado solo por el ambiente donde crecieron. Yo nunca tuve esa confianza innata”, reflexionó.

Cada película de Christopher Nolan se ha convertido en los últimos años en toda una experiencia, acompañada de gran expectación, con proyectos de gran envergadura, y algunos de ellos con dificultad añadida en cuanto a su sinopsis, con películas como ‘Tenet’ que todavía son incomprendidas por muchos espectadores, e incluso por parte de sus actores principales como es el caso de Robert Pattinson.

Pattinson es también uno de los protagonistas del próximo estreno del cineasta, ‘La Odisea’, una adaptación de la obra clásica de Homero que aspira a no dejar indiferente a nadie como han demostrado sus primeras imágenes y el tráiler, y que es uno de los estrenos más esperados de este verano, que se prevé el próximo 17 de julio.

Los detalles que se van conociendo de ‘La Odisea’ de Christopher Nolan dejan ver un proyecto que puede ser la película más ambiciosa y extrema de su trayectoria, además con una cifra de presupuesto que supera los 250 millones de dólares. Los últimos ‘flecos’ los hemos conocido a través de su reparto, con un reciente reportaje de tres de sus protagonistas, Matt Damon, Tom Holland y Robert Pattinson en la revista GQ.

En la entrevista, Matt Damon ha compartido las dificultades que ha vivido en el rodaje de la película, en la que interpreta a Odiseo, y que ha llevado más de tres meses para completarla, con un viaje por seis países diferentes y para el que se han usado más de 600.000 metros de IMAX. Todo una ‘odisea’ para el reparto, como han asegurado los actores.

“Cuando llegaba a todos esos lugares, pensaba: ‘¿A quién coño se le ha ocurrido que aquí se podía rodar una película?'. Cada vez que íbamos a un sitio, decíamos: ‘Bueno, en Islandia será más fácil’. Y luego llovía a cántaros y hacía un frío de cojones. Islandia fue como: ‘¿Fácil? Sujétame el cubata. Y, efectivamente, llegamos [a Los Ángeles] y Chris [Nolan] tenía dos motores a reacción echándonos agua a mares. Así que fue un final bastante apropiado. Incluso el entorno controlado era frío, húmedo y bastante incómodo”, aseguró el actor protagonista.

A su vez, sin embargo, para Matt Damon todo este esfuerzo ha merecido la pena y ha compensado: “Fue una experiencia en la que simplemente estaba inmerso cada día, y me encantaba. Y ocurrió lo más curioso: todas esas cosas que podrían haberme resultado difíciles en una etapa anterior de mi vida ya no lo eran. Lo disfruté mucho. Por ejemplo, no me importaba lo de estar empapado y pasar frío. De hecho, me sentía afortunado de poder experimentarlo. Me parecía algo finito, como un regalo. Así que fue muy extraño. Nunca he experimentado algo así. Por eso sueno un poco como un cristiano renacido. Es un sentimiento que anhelaba y que por fin he vivido”, concluyó.

Tom Holland: “Se parece más a una recreación histórica”

Las declaraciones de Matt Damon en GQ fueron completadas por las de sus compañeros de reparto, con un Tom Holland al que lo que más le asombró fue el set del rodaje de la película en Marruecos: “Recuerdo que caminé por esa playa durante media hora y solo veía soldado griego, soldado griego, barco griego, soldado griego, la guerra de Troya, barco griego, soldado griego. No sé si estoy exagerando, pero me parecieron kilómetros. Y le digo al asistente de producción: ‘¿Dónde está el equipo? No he visto ni rastro de un plató de rodaje. Esto se parece más a una recreación histórica que a un plató de cine”, compartió el actor.

La Fiesta del Cine celebra su primera edición de este año. Desde este lunes 8 al jueves 11 de junio incluido, más de 330 cines de toda España pondrán sus entradas a 3,50 euros. Cuatro días para recuperar a un precio inusual éxitos que se habían quedado en el tintero o disfrutar de los nuevos estrenos. Una medida que se celebra desde hace años, con el objetivo de revitalizar la taquilla en unas fechas donde la llegada del calor suele afectar a la asistencia a las salas.

En esta ocasión, la Fiesta del cine llega en un buen momento, ya que en los primeros cinco meses del año se está viviendo el mejor comienzo desde 2019, con un incremento en la asistencia de más del 36% entre enero y mayo comparado con el año anterior. Los meses de enero, febrero, marzo y abril han registrado el mejor dato de asistencia de los últimos seis años. El mes de mayo que acaba de finalizar ha registrado el segundo mejor dato de asistencia para un mes de mayo de los últimos seis años, solo por detrás del mismo mes de 2023.

Por eso, esta fiesta del cine puede ser una buena oportunidad para seguir consolidando unas cifras prometedoras de asistencia a los cines este 2026. Para no perderse en el mar de estrenos y películas, aquí unas recomendaciones: 

'Backrooms'

Es la película de la que todo el mundo habla. La película de terror de A24 ha sido un fenómeno en todo el mundo. En EEUU estrenó con más de 80 millones de dólares, y en España acaba de colocarse en el número uno de la taquilla con 1,65 millones de euros, un éxito que se refrendará en estos días de Fiesta del Cine. Backrooms es el debut en la dirección de Kane Parsons, que con solo 20 años ha trasladado su fenómeno de YouTube sobre espacios liminales a la gran pantalla y se ha convertido en el chico de moda en Hollywood, que ya le ha fichado para producir sus siguientes obras.

'La luz'

Fernando Franco es uno de los directores españoles más sólidos. Lo ha demostrado desde su debut, La herida, pasando por grandes películas como La consagración de la primavera. Ahora se mete en el fango para abordar desde su estilo adulto y austero un tema tan espinoso como los abusos a menores en la Iglesia católica. Lo hace desde un punto de vista inusual, el de un cura abusador que decide contar la verdad. Consigue retratar el silencio y la impunidad de la Iglesia y cuenta con una interpretación excelente de Alberto San Juan, rodeado de un reparto de secundarios de lujo como María Galiana, Nacho Sánchez o Miguel Rellán. 

'El drama'

Otro éxito de A24, que se ha convertido en el estudio de moda indie en EEUU y está viviendo un 2026 de triunfos en la taquilla. Lo hace con esta comedia incómoda y muy negra que tiene a dos de las mayores estrellas jóvenes al frente de su reparto: Zendaya y Robert Pattinson. Kristoffer Borgli se ha convertido en otro de esos cineastas afincados en EEUU que han logrado trasladar su particular estilo a Hollywood. La historia de una pareja enamoradísima que se enfrenta a una crisis cuando ambos desvelan sus secretos inconfesables consigue, además, levantar una discusión al salir del cine.

'Yo no moriré de amor'

La Fiesta del Cine es el momento perfecto para recuperar una de las mejores películas españolas que se han estrenado este año. El debut de Marta Matute en la dirección ganó la Biznaga de Oro en el pasado Festival de Málaga y todo hace prever que será uno de los títulos reconocidos en la próxima temporada de premios. Una película que cuenta el alzhéimer sin regocijarse en la tristeza y sin miserabilismos y que cuenta con un reparto en estado de gracia donde destaca su joven protagonista, Júlia Mascort y Sonia Almacha. 

'Un poeta'

Todavía se puede ver en unas pocas salas en toda España, y merece la pena recuperar una de las mejores películas que se ha estrenado este 2026. El filme de Simón Mesa Soto es una comedia triste sobre un parado, alcohólico, que en un momento dado fue una joven promesa de la poesía y vive creyendo que podrá triunfar con su arte en una Colombia donde no hay cabida para él. Su encuentro con una niña con talento para escribir le hará recuperar la ilusión. O algo parecido. Divertida, melancólica, hermosa y triste. 

El veterano actor James Handy, conocido por sus pequeños papeles en películas como Jumanji o Top Gun: Maverick, así como por sus apariciones en numerosas series de televisión, fue asesinado a puñaladas en Los Ángeles a los 81 años. Un suceso que confirmó el representante del actor. “Con gran tristeza confirmo que el caballero que fue atacado y asesinado el miércoles era el actor James Handy”, dijo a los medios de EEUU. También por la policía de Los Ángeles, que informó, tal como recogen los medios norteamericanos, que el culpable ha sido el hijo de su pareja.

El suceso ocurrió el miércoles sobre las 9:30 am. Unos agentes de policía respondieron a una llamada de radio sobre un incidente ocurrido en el barrio de Tarzana. La persona que llamó aseguró que acababa de matar a un hombre: “Soy su hijo, acabo de matar al hombre del pecado”. Al llegar, los agentes encontraron a James Handy, de 81 años, en el jardín delantero de la residencia, inconsciente y con una puñalada en el pecho.

La víctima fue trasladada a un hospital local de Los Ángeles, donde fue declarado muerto. Fue el propio sospechoso, Michael Gledhill, de 44 años, quien hizo señas a los agentes cuando llegaron para confesar que era a él a quien buscaban. Gledhill residía allí con su madre, quien es la novia de la víctima, explicaba sobre el suceso el comunicado policial. El sospechoso fue inmediatamente arrestado e ingresado en la cárcel, acusado de un cargo de asesinato y con una fianza impuesta de 2 millones de dólares. “Los detectives creen que se trata de un incidente aislado y, por el momento, no parece haber peligro para el público”, indicaba también el comunicado policial que recoge Variety.

Además de en las citadas películas también apareció, siempre en papeles secundarios, en taquillazos como Logan, Aracnofobia o K-9. En televisión interpretó a Arthur Devlin en ocho episodios de la serie Alias y tuvo papeles recurrentes en Melrose Place y NYPD Blue.

Norma Jeane Mortenson nació el 1 de junio de 1926, hace 100 años, pero el mundo la conocería como Marilyn Monroe, un mito que Hollywood creó y moldeó mucho más tarde, pero que quedaría como uno de los símbolos sexuales más populares de los años 50 y una de las actrices más cotizadas durante esa década.

De hecho, sus películas habían recaudado más de 200 millones de dólares a su temprana muerte en agosto de 1962 a los 36 años tras una sobredosis de barbitúricos. Su trayectoria cinematográfica le llevó a completar un total de 29 películas en 14 años, pero algunas de ellas son indispensables en su carrera y para conocer a la actriz más allá del mito. Todos estos filmes se encuentran disponibles actualmente en plataformas.

“Con faldas y a lo loco” (1959)

Es considerada para la crítica cinematográfica la mejor comedia de la historia. Obra de Billy Wilder, en ella Marilyn Monroe compartió protagonismo con Jack Lemmon y Tony Curtis, en una película que sigue a dos músicos que son testigos de un asesinato y al ser perseguidos por la mafia, se visten de mujeres para integrarse en un grupo de música femenino, y todo esto dará lugar a una serie de inequívocos que finalmente cerrará con uno de los finales más icónicos del cine.

A pesar de todo esto, en el contexto de la actriz, fue un rodaje muy duro porque estaba embarazada, aunque más tarde sufriría un aborto, además de que llegaba tarde y se bloqueaba en frases sencillas porque se encontraba adicta a los barbitúricos y perseguida por sus inseguridades. Sin embargo, consiguió conseguir que el personaje Sugar Kane fuera adorable y a la vez no ridícula, y en parte porque tomó a Curtis y Lemmon como “dos amigas de verdad” tras seguir el consejo de su mentor de actuación, Lee Strasberg. En ella interpreta el famoso número musical de “I Wanna Be Loved by You”.

“Los caballeros las prefieren rubias” (1953)

Pero si hay una película que consolidó el mito de Marilyn Monroe fue “Los caballeros las prefieren rubias”, que protagonizó junto a Jane Russell y dirigida por Howard Hawks. En ella aparece el destacado número musical con “Diamonds Are a Girl’s Best Friend” e interpreta a Lorelei Lee, el arquetipo de una ‘rubia ingenua’, pero también astuta, un toque que le proporcionó la actriz y que llevó a que fuera una mujer que controlaba la escena. Lo más curioso de este largometraje es que a pesar de ser uno de sus mejores trabajos, se le pagó un salario estándar aun sabiendo que era un imán para la taquilla, mientras su compañera recibió diez veces más porque venía de otro estudio.

“Vidas rebeldes” (1961)

Lamentablemente este título ostenta el hecho de ser la última película que completó la actriz antes de su muerte, un año más tarde, además de ser uno de sus mejores papeles dramáticos. Dirigida por John Huston y escrita por su entonces marido Arthur Miller, esto supuso que fuera uno de sus rodajes más complicados, porque ella consideraba que él usaba los traumas y problemas del matrimonio para el guion y los diálogos de su personaje. A todo esto, fue también la última cinta de Clark Gable, que murió en 1960, antes de que se estrenara, por un infarto. Montgomery Clift fue también compañero de reparto y fallecería apenas cinco años después.

“La tentación vive arriba” (1955)

Si hablamos del mito de Marilyn Monroe no podemos pasar por alto la que es seguramente su escena más famosa y una de las más conocidas de la historia del cine, la de la actriz sobre la rejilla del metro de Nueva York con su vestido blanco. Un momento de la película que tiene su propia leyenda, pues se rodó en la madrugada de la ciudad, rodeada de fans y fotógrafos, un hecho que se dice molestó a su entonces marido Joe DiMaggio, que provocaría una discusión violenta en el hotel más tarde y se asegura que esto marcaría el fin de su matrimonio.

En la película, dirigida por Billy Wilder, Monroe le da una voz al personaje que interpreta, que ni tenía nombre y que era una fantasía puramente sexual en la obra de Broadway, pero ella le pudo dar un toque de espontaneidad y mayor personalidad.

“Niágara” (1953)

Seguramente este sea uno de los títulos más desconocidos de Marilyn Monroe, además de mostrar uno de sus personajes más oscuros, evidenciando la versatilidad de la interprete, brillando en el cine negro y que le dio la confirmación a su estudio, la 20th Century Fox, de que podía tener más que personajes secundarios. En “Niágara”, la actriz da vida a Rose Loomi, una mujer fría y criminal que utiliza su atractivo como un arma narrativa. Una de sus curiosidades es que tiene la caminata más larga grabada de la historia del cine, con ella en un plano de espaldas durante varios metros.

Bonus: “Eva al Desnudo” (1950)

Si bien en esta película dio vida a un personaje secundario, supuso el primer trampolín hacia la fama, todo ello a pesar de ser solo unos minutos en pantalla, pero su impacto fue tal que marcaría su futura carrera como protagonista. De hecho, estaba despedida del estudio, pero finalmente el director Joseph L. Mankiewicz le dio una oportunidad por la insistencia del agente de la actriz Johnny Hyde, y finalmente quedaría fascinado por lo magnética que resultaba.

Estela Rasal (Barcelona, 1975) dirige desde hace cuatro años el Festival Internacional de Cine de Huesca, aunque hace quince pertenece al equipo de producción. El cine le ha formado como persona mientras veía películas clásicas en blanco y negro y ahora ella forma parte de la escena cinematográfica oscense. 

Bette Davis, Katharine Hepburn, los Hermanos Marx o Louis de Funès. Gracias a ese ambiente con el que se crio, actualmente Rasal toca muchas ramas del árbol que erige la cultura: dirige su propia productora, ha realizado trabajos de regiduría, actriz, producción, así como de coproducción en diferentes proyectos cinematográficos.

El cortometraje le cautivó desde hace mucho tiempo por su “libertad creativa”, su singularidad y porque “es una forma diferente de narrar”. “Es un lenguaje distinto y es más accesible. Aun así, los hay de mucho presupuesto y directores consagrados han vuelto al corto, porque hay historias que requieren más de un corto que de un largometraje”, asegura la directora y justifica que en este tipo de producciones “hay cosas muy vivas” por el rápido desarrollo de personajes en poco tiempo.

Los cortometrajes son la razón de ser del Festival de Cine de Huesca, el tercero más antiguo del mundo dedicada en exclusiva a este tipo de producciones, que este año se celebrará del 5 al 13 de junio y alcanzará su quincuagésimo cuarta edición. Esta cita es una de las seis de España avaladas por la Academia de Hollywood como preselección para los Premios Oscar.

El Teatro Olimpia de Huesca volverá a ser el foco de atención de todo el mundo donde podrán verse las 77 obras seleccionadas, 38 de ellas óperas primas y 37 dirigidas por mujeres procedentes de 26 países, de entre 2.342 enviadas para participar en el concurso en sus tres secciones: internacional, iberoamericano y documental.

Uno de los proyectos más ambiciosos del certamen es su área de industria, donde el festival “va evolucionando hacia lugares más actuales” para su consolidación como mercado de referencia. “Hay que dotar de un contexto a los cortometrajistas y cineastas para que pueda haber un intercambio real y surjan así más proyectos. El festival debe ser una lanzadera de talentos. No nos podemos quedar solo con exhibir los trabajos y dar premios”, explica la directora.

Para Rasal, uno de los momentos más emotivos del certamen es la primera sesión de cortometrajes. “Es el motivo del Festival Internacional de Cine de Huesca”, señala la directora, y recuerda que una de las cosas que hacen especial al evento es el lugar donde se organiza. “Huesca es una ciudad muy acogedora. Todos los invitados que vienen se van enamorados del festival y de la ciudad. Somos unos embajadores maravillosos de nuestra tierra. Huesca se conoce en todo Latinoamérica por el festival de cine”, explica.

Considera Rasal que es esencial “sembrar esa semilla” en nuevos espectadores para que vuelvan a consumir cortometrajes. “Es importante que se vea cine, donde sea. Nos ayuda a tener una mente más crítica y a construir un mundo mejor entre todos”, sostiene la directora.

Ese germen brotó en la directora del festival desde bien pequeña. “ET fue la primera película que me fascinó”, recuerda mientras cuenta una anécdota en el Teatro Olimpia de Huesca, cuando fue con su madre para ver Miguel Strogoff. “Resulta que eran tres carretes en lugar de dos, Y el proyeccionista se equivocó y puso el último en el lugar del segundo. Veíamos a Miguel Strogoff hecho polvo y no entendíamos nada. Me acordaré toda la vida porque fue mi gracioso”, recuerda.

Desde esa doble mirada de espectadora y gestora cultural, Rasal sigue impactándose con películas que le remueven por dentro. Por un lado, sigue disfrutando de lo que pueden hacer sentir películas como Sirat. “Me encantó, pero no sé si podré volver a verla. Está muy bien escrita, muy bien dirigida. La historia es muy fuerte, empaticé mucho con los personajes”, explica.

Y, por otro lado, Rasal observa la realidad de las salas de la ciudad de Huesca donde el Teatro Olimpia es el centro neurálgico. Gracias al impulso del festival la sala tiene un DCP (Digital Cinema Package) “para ver cine en las mejores condiciones posibles”. “En Huesca podemos ver cine de mucha calidad. Se organizan ciclos como Oscacine, el cinefórum o colaboraciones con la Cruz Blanca o la AECC”, añade y apela a la tradición cinéfila de la ciudad, promovida en parte por el festival, y unos espectadores acostumbrados al formato del cortometraje.

Cuando se estrenó El proyecto de la bruja de Blair Kane Parsons, el director del que todo el mundo habla en Hollywood y que tiene solo 20 años, aún no había nacido. Tampoco cuando algo después surgieron en EEUU las claves del llamado analog horror: terror analógico que, en línea con el metraje encontrado (o found footage) de El proyecto de la bruja de Blair, recurría a formatos desfasados en la brecha digital (vídeo doméstico, televisión) para generar extrañeza. En 2002 se cruzaron dos “señales” definitorias: La señal, que partiendo de una franquicia japonesa se centraba en una cinta de vídeo maldita, y Señales, de Shyamalan. Esta iba de extraterrestres, sí, pero su escena más aterradora aludía al vídeo casero de una fiesta asaltada por un visitante inesperado.

Parsons —que acaba de reventar la taquilla de EEUU con su debut en el cine, Backrooms— nacería poco después, así que su experiencia con estos formatos es nula. Como nativo digital que es solo ha tenido acceso a ellos a través de mediaciones posteriores, y de ahí que sorprenda todo el interés por este imaginario que trasluce su trabajo audiovisual. Ya que hablamos de temperamentos creativos desarrollados íntegramente en contacto con Internet, bien podríamos pensar en la estética vaporwave (género musical anclado en la nostalgia por los centros comerciales de los 80, con todo el aparataje mediático correspondiente) y asociarle al joven cineasta lo que John Koenig llamó “anemoia”: nostalgia por tiempos no vividos, nostalgia por tener nostalgia. 

Solo que la fascinación de Parsons por lo analógico y el found footage no parece demasiado nostálgica. Backrooms se ambienta en 1990 teniendo como principal ubicación una tienda de muebles. La actitud de Parsons ante este entorno no es cariñosa ni mucho menos; no pretende invocar los recuerdos de espectadores que sí vivieron aquella época. Hay incluso cierta retranca, un malévolo fetichismo, y a lo que más fácilmente remite es al modo en que la Generación Z disfruta de los videojuegos (y películas) de Five Nights at Freddy’s. 

El restaurante familiar que centra esta franquicia se inspira en un establecimiento real de los años 80, y su jugabilidad se ciñe al uso de, nuevamente, found footage: grabaciones de cámaras de seguridad registrando una penumbra de la que brotan robots monstruosos. Que la Generación Z tenga tal afinidad por imágenes tan alejadas de ellos nos devuelve al caso Parsons, toda vez que advertimos que la clave del misterio generacional se encuentra en YouTube: FNAF triunfó entre la chavalería gracias a vídeos de youtubers probando esos juegos. Y Parsons, antes de dirigir su primera película con apenas 20 años, lleva siendo un youtuber muy conocido desde 2022.

YouTube y sus mitologías

Se trata de una de las mutaciones más interesantes del cine de terror actual: la aparición de youtubers como directores y guionistas, que tras arrasar en visualizaciones con los canales correspondientes se llevan su estilo y preocupaciones a otro lado. Y además haciéndolo con bastante éxito, presumiendo de una frescura y desparpajo a la hora de relacionarse con el género que podemos apreciar en cualquier entrevista con Parsons, cuando admite que no se considera cinéfilo y de mala gana admite que sí, sus Backrooms pueden parecerse un poco a El resplandor. 

Esta ausencia de referentes clásicos en favor de una cultura enciclopédica de los avatares de Internet redunda en visiones inevitablemente novedosas, aun cuando el analog horror y el found footage se mantengan en este contexto como seña habitual. Es el caso de RackaRacka (alias youtuber de los hermanos Danny y Michael Philippou), especialmente de cara a su segunda película, Devuélvemela (2025). También de Kyle Edward Ball en su pieza de terror experimental Skinamarink (2022). O de Chris Stuckmann con La maldición de Shelby Oaks, cuya agitada posproducción, sin embargo, limó buena parte de las extravagancias antes de su estreno este mismo año en cines españoles.

Es igualmente elocuente el caso del youtuber Mark Fishbach (alias Markiplier), que tras empezar echando partidas de Five Nights at Freddy’s acaba de estrenar en EEUU Iron Lung. Por último tenemos a Curry Barker: cineasta que publicó en YouTube su primer largo de terror, Milk & Serial (2024), básicamente como una expansión de su canal that’s a bad idea. Y con el éxito suficiente para que el estudio de terror Blumhouse se interesara por él: así es como tras su estreno en lugares como el Festival de Sitges Obsession, su segundo largometraje, ha tenido que batirse en duelo en la cartelera con la obra de otro youtuber jovencísimo como él.

Kane Parsons, claro. Obsession y Backrooms se estrenaron el pasado mayo en EEUU con dos semanas de diferencia. En España se ha invertido el orden: Backrooms llega el 5 de junio y será más tarde el turno a Obsession el día 26. Ambas han convivido en un fin de semana histórico en la taquilla de EEUU. La película de Parsons se ha convertido en el mejor estreno de la historia de A24 (el estudio independiente de moda) con más de 80 millones en un solo fin de semana y la taquilla va a superar con creces su humilde presupuesto. Por su parte, Obsession ha logrado aumentar su recaudación en su tercer fin de semana —algo que no ocurría con un estreno desde Tiburón—, y apunta a una recaudación final de más de 150 millones de dólares (su presupuesto no llegó ni al millón). Un resultado que deja patente que el terror está otra vez de moda y que Hollywood ha encontrado en los Youtubers una nueva gallina de los huevos de oro.

El triunfo de Backrooms se puede achacar a que el filme ya era viral desde mucho antes de su estreno. Las Backrooms (las trastiendas) componen hoy por hoy el creepypasta más famoso y celebrado de Internet: esto es, un tipo de leyenda urbana que a través de diversas expresiones (audio, imagen, vídeo) y su copia/pega a lo largo de la red ofrece la oportunidad a cualquier persona de contribuir al relato para ir haciéndolo más y más tétrico. Backrooms no sería entonces el primer creepypasta convertido en producción mainstream: en 2018 Slender Man ya tuvo su propia (y muy mediocre) película, y antes de eso la primera temporada de Channel Zero se había basado en otro.

En este sentido YouTube vuelve a ser un lugar central donde desarrollar estos relatos, y así de hecho es como se ha consolidado Backrooms: con una webserie que Parsons empezó a desarrollar en 2022 y llegó a contar con 24 episodios de duración variable durante los tres años siguientes. Antes del filme Parsons ha pulido y agrandado el fenómeno a través de su serie, partiendo de fuentes mínimas a la vez que extremadamente sugerentes: una imagen anónima aparecida a finales de la década pasada, junto a una repentina fiebre de Internet por los espacios liminales.

Terror liminal

En líneas generales entendemos por “espacio liminal” un lugar de tránsito humano que, al aparecer abandonado o vacío, genera una inquietud muy específica. Un centro comercial de madrugada o una escuela infantil en verano serían ejemplos paradigmáticos, que aumentarían la angustia despertada si además registráramos sus imágenes en formatos desfasados: es lo que nos devuelve al analog horror y al enclave noventero de Backrooms. Las Backrooms vendrían a ser un espacio liminal infinito, una dimensión alternativa donde perderse a través de lo que se conoce como no-clipping: término originado de los videojuegos según el cual, por un fallo de diseño, puedes atravesar paredes y obstáculos sólidos. Paredes desde las que ahora, desde nuestra realidad, podemos acceder a otra.

El origen de las Backrooms se localiza entonces en una sencilla imagen publicada en el foro 4chan allá por 2019 junto a un texto amenazador: “Si no vas con cuidado es posible que hagas no-clip y te salgas de la realidad”, empezaba dicho texto. Partiendo de ahí, y de la tenebrosa estancia de color amarillento que acompañaba, Parsons ha realizado la contribución más fructífera posible al creepypasta de las Backrooms, volviendo sobre el found footage analógico para al final recibir el respaldo de A24 y de firmas tan consagradas del cine de terror como Osgood Perkins y James Wan. Ah, y también produce Shawn Levy, que viene de Stranger Things y Deadpool & Lobezno. Backrooms se ha convertido así en un producto industrial.

Es una de las razones de que esté haciendo tanto dinero y de que, en realidad, la película resultante sea bastante menos enigmática o revolucionaria que todo lo que darían a entender las mutaciones descritas. Las Backrooms suponen una creación apabullante, con un potencial infinito para significar: en sus pasillos interminables, en su arbitraria arquitectura, se dan cobijo angustias existenciales que trascienden generaciones. La genialidad inicial de Parsons radicó en explorarlas con el plano subjetivo de una cámara de vídeo que pudiera congregar en su seno buena parte de la esquizofrénica relación de Internet con el pasado. Asustando muchísimo en su empeño. 

La genialidad, en resumen, no pasaba por “explicar” las Backrooms. Aunque su webserie ya lo hiciera más o menos, planteando una posible génesis y la existencia de una organización, Async, dedicada a su estudio. Lo bueno es que la webserie cumplimentaba el lore a través de piezas y materiales desordenados, fragmentos de vídeo que se encomendaban a la creatividad de los espectadores para reconstruirlo todo, con espacio para seguir elucubrando sus propias teorías. Así es como funcionan los creepypastas, a fin de cuentas. Una suerte de código abierto que no encaja con una película comercial, que ha de buscar nuevos públicos y alumbrar posibilidades de franquicia.

Sobre todo, no encaja si se acepta la tutoría de productores famosos y un estudio con una fuerte imagen de marca como es A24. El guion ni siquiera lo ha escrito Parsons (lo firma Will Soodik), y resulta ser lo más débil de la propuesta. En primer lugar, por cómo intenta racionalizar este espacio liminal según el psicologismo y la retórica del trauma, tan habituales en el terror contemporáneo. En segundo lugar, por cómo estos arrebatos explicativos suelen aparecer separados de la exploración de las trastiendas para preservar la genuina capacidad de aterrar de estas, bastante lograda por otra parte.

Esto lleva a la sensación de que Backrooms se integra de episodios de la webserie de Parsons —episodios de fabulosa inventiva, que expanden con fortuna los devaneos psicogeográficos intuidos en las primeras fases del creepypasta—, intercalados con una desagradable argamasa de cháchara y deficiente construcción de personajes. Las interpretaciones de Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve nunca son tan evocadoras como cuando se limitan a deambular por las trastiendas y complementan la sensación de que Backrooms, como película, se está aprovechando de una gramática novedosa para domesticar sus posibilidades expresivas y convertirla en otra cosa. 

Una saga, un Expediente Warren de tantos. Algo que lleva a desear que los youtubers se queden donde están y puedan trabajar su propio lenguaje alejados de Hollywood. Dejando que el misterio se mantenga misterioso, que las Backrooms sigan siendo un angustioso viaje hacia ninguna parte. 

Nicolas Cage está de promoción. El actor de Hollywood, que se cambió el apellido bajo inspiración de un personaje de Marvel, ha cumplido su sueño de ser un superhéroe. Lo hace en Spider-Noir, la nueva serie disponible en España desde el 27 de mayo en Prime Video en la que interpreta a Ben Reilly, un investigador privado que es en realidad un clon genético de Peter Parker, el hombre detrás de Spider-Man.  

Durante la promoción de la producción, el actor ganador del Oscar ha participado en una entrevista con el diario New York Times en la que tuvo tiempo de repasar algunos de los momentos más importantes de su extensa trayectoria en la industria del cine. Fue en este encuentro en el que reveló el conflicto con algunos directores que lo persigue desde hace varios años.

“David O. Russell me ofreció una película hace muchísimo tiempo. Era una buena película, me la ofreció y dije que no, y es el único director al que le he dicho que no que luego me ha ofrecido otra película”, empezó a explicar Cage. El actor puso sobre la mesa el resentimiento que sienten algunos cineastas hacia aquellos intérpretes que alguna vez han rechazado uno de sus proyectos. 

“La mayoría se ofende y no te vuelve a llamar”, añadió. Y dio nombres. “Me ha pasado un millón de veces. Me ha pasado con Christopher Nolan, con Woody Allen, con Paul Thomas Anderson. No me vuelven a llamar”. Cage continuó explicando que la película que Nolan le había propuesto era Insomnio (2002), que acabó con un elenco liderado por Al Pacino, Robin Williams y Hilary Swank.

En la piel de John Madden

En el caso de Russel, la segunda oportunidad para Cage llegó con Madden, el biopic del entrenador de fútbol americano y comentarista John Madden que ya ha rodado y que llegará a cines en noviembre de este año. “Fue un gesto muy amable por su parte devolverme la llamada e invitarme de nuevo, y no quería decirle que no otra vez porque le tengo un gran respeto a su talento”, confesó el actor en la misma entrevista.

Sin embargo, ponerse en la piel del entrenador no fue nada fácil para él, que decidió seguir el consejo de unos de los grandes artistas de nuestra historia. “Fue un gran reto. No me imagino a mí mismo cuando pienso en John Madden. Así que pensé: ‘Vale, ¿cómo puedo salir de mi zona de confort?’. Eso es lo que me dijo David Bowie. Le pregunté: ‘¿Cómo te las arreglaste para reinventarte constantemente?’. Me respondió: ‘Nunca me sentí cómodo con nada de lo que hacía’”.

El hijo del carpintero (2025) y Pistoleros (2025), las dos últimas películas de Nicolas Cage que se estrenaron en cines el año pasado, no recibieron buenas críticas. Habrá que esperar para ver cómo se recibe su interpretación en Spider-Noir y Madden, sus dos grandes proyectos de este 2026.

Pedro Pascal necesita tan solo diez minutos para erigirse como uno de los principales salvavidas del Hollywood más taquillero. Esos diez minutos son, de hecho, una estimación del tiempo que se le ve el rostro al actor chileno en The Mandalorian and Grogu, la nueva apuesta de Star Wars para los cines después del éxito de la serie en Disney+. Cubierto por una armadura y un casco metálicos durante prácticamente toda la película, Pascal es la nueva baza de la franquicia galáctica en su regreso a la gran pantalla tras el estreno de Episodio IX - El ascenso de Skywalker en 2019, que no tuvo la acogida esperada.

El actor, que alcanzó la fama tras su participación en Juego de Tronos, y que desde entonces ha protagonizado títulos de enorme tirón como Gladiator II o The Last of Us, se ha convertido en una figura clave dentro del universo de Star Wars. De su primera inmersión en la saga hace ya casi siete años, cuando empezó a interpretar a Din Djarin, el Mandaloriano, en la serie The Mandalorian. A aquello le sucedieron hasta tres temporadas y la continuación que llega ahora a la cartelera en formato de película. Pero Pascal no está solo: Sigourney Weaver, que viene de retomar su personaje en Avatar el año pasado, también forma parte de la cinta.

Este es el debut de Weaver en la franquicia. La actriz, un referente en la ciencia ficción por su papel en la saga Alien, considera que al público le siguen atrayendo historias ambientadas en el espacio porque “tienen lugar en el futuro” y “aún no hemos llegado a ese punto”. “Seguimos teniendo la esperanza de que habrá un futuro en el que nos adentraremos en el espacio”, dice la actriz. “Espero de verdad que lleguemos a ese punto. Tenemos que lidiar con algunos imperios malvados aquí en la Tierra antes de que podamos trabajar todos juntos y enviar naves tripuladas por hombres y mujeres al espacio, para averiguar así si hay otros seres ahí fuera. Y estoy bastante segura de que los hay”, reconoce.

Sigourney Weaver muestra satisfacción ante el hecho de que “en Star Wars en particular, todo el mundo, sin importar cuántas cabezas o colas tengan, es capaz de llevarse bien”, señalando que es una “visión muy esperanzadora y optimista del futuro”. Pedro Pascal, por su parte, afirma que se alegra de que la primera película de la saga se titulara Una nueva esperanza. Este, además, alude a su fenómeno fan: “Lo que más me llama la atención es cuando la gente se disfraza con esos trajes increíbles, recordándote lo que es Star Wars y todas sus diferentes culturas. Eso es lo más importante, porque ves a los buenos, a los malos y todo lo que hay entre medias”.

“Hay un amor por la narración que se materializa ante ti gracias a la gente que disfruta de estas historias. Me encantó que, cada vez que iba a por un café o preguntaba dónde estaba el baño, siempre me respondían: 'Este es el camino'”. El actor se refiere al lema más icónico de la cultura mandaloriana, popularizado precisamente por la serie The Mandalorian. Se trata del nuevo “Que la fuerza te acompañe”, una de las frases más populares de Hollywood en las últimas décadas, y es una de las grandes incorporaciones del Mandaloriano al imaginario de los seguidores de La guerra de las galaxias.

Una película para aquellos que no son fans

La película, dirigida por Jon Favreau, sigue al Mandaloriano y a Grogu —una criatura pequeña y vulnerable de la que asume la protección— en un momento en el que el antiguo Imperio galáctico ha caído y la frágil Nueva República aún no controla los márgenes del universo. Al personaje de Pedro Pascal, un contratista independiente para este nuevo gobierno, se le encomienda la tarea de localizar y neutralizar a los altos mandos imperiales que aún operan en la sombra y amenazan la paz. Este argumento, que puede despistar a quien no está al tanto de las complejas intrigas políticas de la saga, apenas es esencial en una cinta pensada para que cualquiera pueda disfrutarla.

Pedro Pascal destaca que el protagonista “siempre está en modo de supervivencia total”: “Siempre está en algún tipo de misión que se convierte en una aventura increíble y emocionante, a veces totalmente peligrosa. En este caso, sí, está en un buen lío con algunos de los villanos más icónicos del mundo de Star Wars. Y es una auténtica delicia poder trabajar en todo esto”. El actor detalla que se sintió “totalmente arropado” por la “habilidad de todo un equipo de personas que son las mejores en el sector”. “Simplemente, te sumerges de lleno, literalmente”, dice Pascal, que hace referencia a una de las escenas de la película.

El intérprete, además, asegura que esta es la “relación creativa más duradera” que ha tenido. “Es el tiempo más largo que he interpretado a un personaje y en el que he colaborado con gente increíble. Que sea Star Wars es muy apropiado porque crecí viendo Star Wars. Mis primeros recuerdos de ir al cine son de ver Star Wars”, apunta Pascal, agregando que es una “avalancha de regalos poder estar asociado a algo tan especial como esto”, así como “compartirlo y disfrutarlo con tanta gente”. Asimismo, celebra haber tenido la oportunidad de sentarse al lado de una de sus ídolos, Sigourney Weaver. “Favreau sigue contratando a gente increíble para incorporarla al proyecto”, comenta.

Weaver, por su lado, asevera que el rodaje “fue muy emocionante”, sobre todo durante la escena en la que pilota la mítica nave X-Wing de la saga. “He estado en diferentes naves espaciales, pero ninguna que se moviera tan rápido ni ninguna que fuera tan ágil. Fue realmente como un sueño hecho realidad”, declara la actriz. “Jon Favreau, al haber sido un actor maravilloso, tiene mucha experiencia y es muy bueno seleccionando el reparto. Si te da indicaciones, es solo una ayuda técnica. Por lo demás, lo que te transmite es confianza y fe en que vas a salir adelante”, concluye.

“Avatar: fuego y ceniza”, la tercera entrega de la saga recaudó a finales de 2025 y principios de 2026 más de 1.490 millones de dólares a nivel mundial en taquilla, consolidando a la franquicia como una de las más exitosas del cine, aunque se quedó lejos de sus anteriores.

La franquicia de “Avatar” forma ya parte de la historia del cine como “Titanic” y “Terminator”, los otros dos grandes títulos del director James Cameron, que tuvo unos comienzos poco habituales en el cine como bien reveló en su día en una entrevista en la radio con una frase impactante: “Nunca en la vida se me ocurrió asistir a una escuela de cine”.

James Cameron aprendió de forma autodidacta de cine

Actualmente, Cameron tiene varios récords y logros en la industria del cine, como el haber dirigido dos de las cinco películas que han superado los 2.000 millones de dólares de recaudación o que con “Titanic” alcanzara 14 nominaciones en los premios Óscar, superando a “Eva al Desnudo” (1950) entonces.

Es una de las figuras multimillonarias del cine, junto con Steven Spielberg uno de los directores más taquilleros, pero sus inicios se salen de lo que es habitual. Comenzó estudiando por su cuenta, cuando trabajaba como camionero y nunca lo escondió: “En ese momento tenía unos 24 o 25 años, estaba casado, vivía en una casa pequeña con una cerca. Era una persona normal”.

Pero tenía una gran afición, el cine, desde que a los 15 años vio ‘2001: Una odisea del espacio’ de Stanley Kubrick y se quedó fascinado por los efectos especiales. Por eso aprendió como pudo, sin ir a una escuela de cine, de forma autodidacta con material que encontraba en la universidad:

“Lo que solía hacer cuando trabajaba como conductor de camiones era ir los fines de semana a la Universidad del Sur de California. Entraba allí, y por el precio que valían las fotocopias, fotocopiaba todas estas disertaciones doctorales sobre impresiones ópticas y emociones en el cine”, reveló en una entrevista en ‘The Howard Stern Show’ en la radio, declaraciones recogidas por Fotogramas.

Con lo que fotocopiaba se creó una colección de carpetas “por el módico precio de 120 dólares” y se convirtió en su pasatiempo: “Ya empezaba a tomármelo en serio, solo que no había podido rodar una película”, algo que conseguiría en 1984 después de crear una red de contactos que finalmente derivaría que dirigiera y escribiera ‘Terminator“.

“Pasé de conducir un camión a ser director de cine, eso fue lo que ocurrió. Todo lo que tienes que hacer es pararte por un segundo y decir: ‘Soy el director’”, admitió entonces.

El pasado 16 de enero, Matt Damon y Ben Affleck estrenaron la película ‘El Botín’ en Netflix, el que significaba su vuelta como pareja creativa desde su último trabajo en ‘Air’ y ‘El último duelo’ a principios de la década actual, y siendo otro ejemplo más de una amistad solida en la industria de Hollywood que dura más de tres décadas.

Esta película, que ha sido una de las más exitosas de Netflix en este 2026, ya fue noticia porque Matt Damon había asegurado que utilizaron una técnica para captar la atención de los espectadores que fue que “la trama se repite 3 o 4 veces en el diálogo porque la gente mira el móvil” y por la que sus protagonistas y productores han acabado denunciados.

La policía de Miami en contra de la película por vía legal

Ya en el momento de su promoción, ‘El Botín’ enfatizó que era una historia que se había basado en un caso real que tuvo lugar en Miami, en concreto una operación policial de 2016 en la que incautaron una cifra superior a los 24 millones de dólares.

Pero a la policía no le ha gustado el retrato que se hace de ellos en la cinta, dirigida por Joe Carnaham y con Affleck y Damon como protagonistas ejerciendo de policías, y por eso han decido denunciar a estos dos últimos como productores por difamación.

En concreto, Jonathan Santana y Jason Smith, los agentes acreditados por resolver el caso en el que se basaron para crear la película de Netflix, son los que han optado por tomar medidas legales hacia los dos actores de Hollywood, alegando además que en diciembre enviaron una carta para que el filme no se estrenara, y piden compensación económica por los daños causados.

El abogado de los agentes justifica que han presentado a sus clientes “como corruptos y ahora su reputación está dañada”. “Mis clientes ahora sufrirán daños de por vida, todo el mundo los percibe como corruptos”, insiste en su comunicación tras presentar la denuncia ante el tribunal federal de Florida.

“Cuando uno hace eso, está robando algo. Nosotros nunca robamos un dólar”, declaran los policías de Miami implicados, que han pasado de ser vistos como héroes tras el fin del caso a recibir burlas en su lugar de trabajo desde el estreno de ‘El Botín’.

Tras conocerse la noticia, ni Affleck ni Damon han reaccionado, pero se espera que sea complicado el proceso porque en la película, desde el comienzo ya se asegura que la historia real está cambiada por “fines dramáticos” y que también se afirmó esto durante su promoción.

La ciudad de Hialeah también denuncia a la película

Pero la denuncia legal de los policías no es la única que ha recibido ‘El Botín’, que se ha topado también con las quejas de la ciudad donde se rodó, Hialeah, en Florida, como bien aseguró su alcalde, Bryan Calvo, que afirma que la promoción que se hace de ella es negativa:

“Esta película es una bofetada para nuestro cuerpo policial. Si nunca has estado en Hialeah, si vives en cualquier otro lugar del país y ves esta película, no te entrarían ganas de venir aquí, y eso es un problema”, declaró.

No podía ser de otra forma. Los acordes de la banda sonora que Howard Shore compuso para El señor de los anillos recibieron en forma de vídeo, acompañados de una ovación enorme, la llegada de Peter Jackson al Teatro Debussy de Cannes. Allí, tras recibir el día anterior la Palma de Oro honorífico de manos de Elijah Wood —que también acudió a la charla—, el director de la saga que logró el milagro de adaptar a Tolkien, ofreció una clase magistral en la que revisó su carrera y habló de los retos del cine en la actualidad.

Jackson, cuya carrera post Hobbit solo ha tenido un par de documentales, es uno de esos directores que logró un nombre desde lo underground, con esas primeras películas gore y fantásticas como Braindead (con el excéntrico y mítico título español de Tu madre se ha comido a mi perro) o Mal Gusto, pero que alcanzó la cima llevando a cabo su sueño de adaptar la trilogía de El señor de los anillos. Sin embargo, entre medias ya dejó muestras de ese universo que mezcla lo íntimo y lo fantástico en películas como Criaturas celestiales. 

El director bromeó con que ha logrado lo impensable, “ganar una Palma de Oro sin hacer una película” y dijo que era algo que nunca podría haber pensado que podía lograr. “Nunca pensé que ganaría una Palma de Oro igual que nunca pensé que podría ser bailarín de ballet o saltador de altura. Hay ciertas cosas que simplemente sabes que no van a suceder y por tanto nunca sueñas con ello”, dijo el director.

Recordó la primera vez que pisó Cannes, y contó una anécdota que muestra bien las normas de la Croisette: “La primera vez que entré en el Palais, en Cannes, fui a registrarme y tenía ganas de ver muchas películas, esa acreditación es como el billete dorado de Willy Wonka, porque puedes ir a ver todo lo que quieras. Pero cuando fui a recogerla, llegué a mitad del camino al mostrador y un guardia de seguridad me echó por llevar pantalones cortos. Me echaron a patadas la primera vez que puse un pie aquí. Anoche estuve muy tentado de ponerme un esmoquin con pantalones cortos solo para dejar las cosas claras. Pero eso requiere valentía, y yo no soy lo suficientemente valiente para hacer eso”.

King Kong fue la película que le hizo amar el cine. Primero se enamoró de los Thunderbirds, la serie de televisión de Gerry Anderson, pero cree que realmente solo estaba “enamorado, sin entenderlo, de todo el tema del escapismo”. “Amaba la televisión y el cine donde podías escapar del mundo real y embarcarte en alguna aventura que era ciencia ficción o terror, algo que nunca ibas a experimentar. Cuando tenía unos 8 o 9 años, en Nueva Zelanda, un viernes por la noche, en la televisión, pusieron la película original de King Kong, y yo no sabía nada de Kong. Me cambió la vida. Fue viendo King Kong cuando pensé que quería hacer películas”, dijo el director, que finalmente pudo rodar su propia versión de la historia del simio gigante.

Comenzar haciendo cine de terror no fue una casualidad, ya que cree “el terror siempre es una forma natural para que un joven cineasta haga su primera película”. “Cuando haces tu primera película, no tienes dinero. Es difícil llegar a actores de mayor renombre, a veces ni siquiera se puede conseguir un guion profesional. Pero es posible hacer una película de terror sin guion y sin estrellas. Simplemente tienes que usar tu imaginación para ser lo más sangriento posible. Porque cuanto más sangrienta sea, mayor impacto tendrá la película. Aunque le falten otras cosas, es una muy buena manera de causar impacto. Incluso si no te quedas en el género y pasas a hacer otras cosas, es una buena manera de empezar”, aseveró.

En su caso, esas películas fueron el resultado de las películas que le gusta ver, “que son películas tan exageradas, con tanta sangre que la única reacción que puedes tener es reírte”. “Llegas al punto en que simplemente tienes que reírte porque es tan exagerado… yo solía usar el término splatstick —un juego de palabras con el género del slapstick—, porque es como una especie de película de Buster Keaton con sangre y gore, pero con ese humor visual de las películas de comedia física”, opinó Jackson.

La primera vez que estuve en Cannes un guardia de seguridad me echó por llevar pantalones cortos. Me echaron a patadas la primera vez que puse un pie aquí

Peter Jackson — Cineasta

Todo para llegar al proyecto de su vida, la adaptación de la trilogía de El señor de los anillos que le llevó a la cima del cine mundial y a ganar 11 Oscar con El retorno del rey. Dejó claro que no le importa que digan que es el trabajo más importante de su carrera. “Nunca voy a hacer una película tan exitosa comercialmente como estas, así que cómo me va a importar que digan eso. Mucha gente hace películas a lo largo de su carrera y no tiene ese grado de éxito, así que estoy muy orgulloso de que haya sucedido y estoy muy orgulloso de esas cifras que logró, porque no las hemos visto en unos 20 años”, apuntó con franqueza.

Fueron 266 días de rodaje, pero lo que pocos saben es que los inicios del proyecto fueron, cuando menos, sorprendentes. Tal como explicó Peter Jackson, la idea de hacer la adaptación nació, básicamente, como una forma de salvar el estudio de efectos visuales que había creado para Atrápame esos fantasmas: “Estábamos pensando: ¿qué película podemos hacer ahora para mantener a nuestro equipo de efectos visuales y no despedirlos? Sé que no suena como la razón principal para hacer películas, pero era una presión que nos habíamos impuesto. Teníamos una empresa de efectos visuales y teníamos que mantenerla en funcionamiento”.

El otro elemento sorpresa que entró en juego fue Harvey Weinstein, el productor acusado de abusos sexuales que fue clave para que lograran los derechos para hacerla. Los tenía Saul Zaentz, productor de la adaptación animada y que todavía los conservaba. “Nos dijeron que Saul era bastante difícil de tratar y que no quería hacer nada más porque la película animada no tuvo mucho éxito, quedó un poco decepcionado y no tenía prisa por hacer nada más con la novela, y aquí es donde aparece el famoso Harvey Weinstein”, lanzó Jackson captando la atención de todo el Teatro Debussy.

“Le preguntamos a Harvey si le gustaría hacer El Señor de los Anillos. Harvey Weinstein había producido El paciente inglés, que iba a ser una película de 20th Century Fox y en el último minuto se retiraron, como unas semanas antes de que comenzara el rodaje. Harvey les ofreció el dinero para hacer El paciente inglés, para salvarla. Y entonces me dijo: ‘conozco a Saul Zaentz porque le salvé el pellejo con El paciente inglés y me debe un gran favor’. Ese fue el favor que Harvey le sacó a Saul Zaentz, y esa fue la razón por la que pudo hacerse con los derechos. Hacer cine es una serie de extraños accidentes, de extrañas coincidencias que suceden a lo largo de todo el camino”, zanjó.

El futuro le tendrá todavía vinculado como productor a El señor de los anillos, ya que se prepara una nueva película centrada en Gollum dirigida por el actor que le dio vida, Andy Serkis, pero lo que sí pudo confirmar Jackson antes de terminar su clase magistral es que continuará, por fin, el proyecto de Tintín que comenzó Steven Spielberg y que siempre se pensó como dos películas, una dirigida por cada uno: “Estamos escribiendo la próxima ahora. Steven hizo su película, y han pasado 15 años y yo no he escrito la mía. Me siento muy incómodo con eso. Steven es lo suficientemente amable como para no presionarme, pero sé que quiero hacerlo bien. Así que he estado trabajando con Fran (su pareja y coguionista) en otro guion. Hace un par de días estaba escribiendo en una habitación de hotel, así que es algo activo y real”.

“Un día, en un banco, se me presentó la oportunidad”, empezó a explicar Charlize Theron. “Estaba intentando cobrar mi último cheque de un trabajo de modelo que hice en Nueva York, pero como era un cheque de otro estado, el banco no lo aceptaba, y yo necesitaba el dinero. Así que empecé a suplicarle al trabajador de ventanilla que me ayudara”. 

Era 2005, la actriz estaba siendo entrevistada por Oprah Winfrey, y siguió contando aquella historia que le había ocurrido cuando apenas tenía 20 años. “Si no hubiera cobrado ese cheque, no habría tenido dónde dormir esa noche. Le dije al de ventanilla: ‘No lo entiendes, ¡por favor!’. Estaba suplicando y entonces se acercó un señor que intentó ayudarme. Tuve que rellenar un montón de papeleo y abrir una cuenta, pero cobré el cheque”. 

El drama de Theron con el pago por su trabajo como modelo terminó ahí, pero no esta historia. De hecho, aquel día fue el principio de otra trama: la de su trayectoria como actriz de cine. Porque el hombre que la ayudó no era una persona cualquiera, sino John Crosby, quien entonces representaba a actores de la talla de John Hurt (Harry Potter y la piedra filosofal) o Rene Russo (Arma Letal 3), entre otros.

“Lo que no sabía es que estaba haciendo una prueba para un tipo que acabaría siendo mi representante. Al salir, el hombre que me había ayudado me dio su tarjeta. Me dijo: ‘Si te interesa, te representaré’. Estaría muy equivocada si dijera que no existe eso de estar en el lugar adecuado, en el momento adecuado... La suerte”, compartió la actriz con Oprah hace ya dos décadas.

Theron explicó entonces que, sin John, no sabría que podría haber hecho después. La joven había llegado a Los Ángeles con una maleta, un poco de dinero y un sueño: conseguir trabajo en Hollywood. El problema es que no sabía cómo acceder a la industria del cine, ya que no tenía ningún contacto. “Si no hubiera estado en el banco ese día, sinceramente, no creo que estuviera aquí ahora mismo. Hay tantos actores con talento que nunca tienen la oportunidad”, confesó.

De Sudáfrica a triunfar en Hollywood

Charlize Theron (1975) nació y creció en Sudáfrica, pero se mudó a Los Ángeles en 1994. Después de conocer a Crosby, entró en una escuela de actuación, donde se formó como intérprete. En 1995, obtuvo su primer papel cinematográfico en la película de terror Children of the Corn III: Urban Harvest, en el que interpretó a un personaje sin diálogos. Su primer papel hablado llegó un año después, con 2 días en el valle (1996).

Desde entonces, Theron ha participado en películas como Pactar con el diablo (1997), que la catapultó a la fama mundial junto a Al Pacino y Keanu Reeves, o Mad Max: Fury Road (2015), donde dio vida al icónico personaje de Imperator Furiosa. Hoy en día, hablamos de una de las actrices mejor pagadas del mundo, la cual ha recibido varios reconocimientos, incluido un Oscar y un Globo de Oro a Mejor Actriz por su papel en Monster (2003).

Tras lo ocurrido en el pasado Festival de Berlín, donde se desató la polémica sobre si el cine debe ser político y sobre si el jurado de un certamen de cine debe posicionarse o no respecto a lo que ocurre en el mundo, estaba claro que en Cannes la cuestión se iba a volver a poner sobre la mesa. Se le preguntó al director del festival en su encuentro con los medios, y se le ha preguntado al jurado de esta edición, presidido por el cineasta coreano Park Chan Wook y que tendrá que elegir la Palma de Oro entre las 22 obras candidatas.

Entre los miembros del jurado se encuentra Paul Laverty, guionista de las películas de Ken Loach, y uno de los artistas más combativos contra el genocidio en Gaza y por la justicia social. De hecho, Laverty fue detenido el año pasado por llevar una camiseta pro Palestina por la que se enfrenta a una acusación de delito de terrorismo al considerar las autoridades que apoyaba a la organización Palestine Action, que el gobierno británico considera terrorista. 

Por ello, Paul Laverty volvió a mostrar su coherencia cuando fue preguntado sobre si el cine debe ser político y si los directores deben hablar alto. “Sí, Especialmente en estos tiempos realmente oscuros”, comenzó diciendo.  Mencionó a Shakespeare cuando en Rey Lear habla de que “los locos guían a los ciegos”, un momento donde opina que “se ve la violencia sistémica que se ve en el genocidio en Gaza y en todas las terribles disputas que pasan”. “La idea de venir a un festival, que es una celebración de la diversidad, la imaginación y la ternura, mientras hay tanta violencia vulgar, cruel y sistemática, me dejó sin palabras, para ser honesto. Y no puedo esperar para comenzar la aventura con estos maravillosos personajes aquí”, añadió.

También tiró de las orejas a Hollywood, que castiga a los intérpretes que se posicionan contra el genocidio en Gaza, como dijo Susan Sarandon cuando recogió su Goya Internacional. A ella la mencionó y señaló el póster de esta edición, que honra a Thelma y Louise. “Javier Bardem y Mark Ruffalo han sido metidos en listas negras por sus opiniones en contra del asesinato de mujeres y niños en Gaza. ¡Es una vergüenza que Hollywood que haga eso! Les expreso mi respeto y total solidaridad. Son lo mejor de nosotros y les deseo lo mejor”, aseveró.

El propio Park Chan Wook también se mostró claro: “No creo que la política y las artes deban separarse. Me parece extraño pensar que estén en conflicto. El hecho de que una obra de arte tenga un mensaje político no significa que sea enemiga del arte. Y del mismo modo, el hecho de que una película no tenga un mensaje político no significa que deba ignorarse”, subrayó para aclarar que su jurado no valorará un título con mensaje político por encima de uno que no lo tenga.

Demi Moore se unió a sus compañeros para decir que “el arte consiste en la libertad de expresión”. “Si empezamos a autocensurarnos, creo que apagamos la esencia misma de nuestra creatividad, que es donde creo que podemos descubrir la verdad y las respuestas”, dijo la actriz de La sustancia, filme que comenzó su carrera en Cannes hace dos años. 

La 79ª edición del Festival de Cannes, que comienza este martes con la proyección de La Venus eléctrica, viene marcada por el cine español. Los periodistas internacionales se acercan para comentarlo. Es algo que se barrunta en las colas y en las calles. Este año, y obviamente después del cine francés, el español es quien tiene más películas en el certamen. A saber: tres en competición oficial por la Palma de Oro (La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi; El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen; y Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar), un debut de una cineasta española, María Martínez Bayona, en Cannes Premiere; otra ópera prima, Viva, de Aina Clotet, en la Semana de la Crítica, además de varias coproducciones con otros países. Si uno se descuida parece que se encuentra en Donosti y no en el certamen más importante y prestigioso del mundo.

Lo que ha plasmado Cannes es un estado del cine español que se empezaba a palpar hace unas cuantas ediciones, que explotó el año pasado con la presencia de Carla Simón y Oliver Laxe, y que este año ha alcanzado su cima histórica. Por ello, en el tradicional encuentro entre la prensa y el director del Festival, Thierry Frémaux, era inevitable que el tema del cine español saliera a relucir. Frémaux no se atrevía a hacer un diagnóstico claro, y cree que “se necesitan cinco años para juzgar una tendencia real”.

Pero también afirmaba que era “una pregunta importante porque, efectivamente, España tiene una fuerte presencia este año”. “Ahora, ¿es una tendencia pasajera? ¿Es una tendencia duradera? Ya veremos. Lo que es seguro es que España siempre ha sido un gran país para el cine. De hecho, en el cine de playa, rendiremos homenaje a Carlos Saura proyectando Cría cuervos. España ha mostrado una nueva vitalidad en los últimos años”, apuntó.

Cree que esto “no es una coincidencia” y subrayó “la fuerza de los exhibidores, el público, los periodistas y los festivales de cine como San Sebastián o Sevilla”. “La creación también utiliza todos los recursos artísticos e intelectuales. Además, volviendo a las tres películas en Sección Oficial, lo que resulta bastante notable es que tenemos representadas casi tres generaciones. Tenemos a los recién llegados, los Javis, a los que yo, como no veo series, no conocía. Luego está Rodrigo Sorogoyen, que ya estuvo aquí con As bestas y cuyo nombre ya figura en el mapa del cine mundial, y luego, por supuesto, Pedro Almodóvar. Es muy bonito ver que el cine español está representado de esta manera”, zanjó.

Fremaux también abordó otra de las cuestiones que, seguro, saldrán a colación estos días tras lo vivido en Berlín, que se vio salpicado por las declaraciones de su presidente del jurado, Wim Wenders. “Tenemos que mantenernos al margen de la política”, dijo Wenders entonces y Fremaux le defendió: “La cuestión que se planteó en Berlín es una que se plantea con frecuencia en los festivales y que, durante mucho tiempo, estuvo reservada para el Festival de Cannes. El Festival de Cannes siempre se ha considerado un festival muy político. Los tiempos no son los mismos, y no podemos compararlos. Quisiera rendir homenaje a Wim Wenders porque, al fin y al cabo, fue objeto de comentarios. Me parece un poco injusto. Entiendo lo que quería decir, pero tengo la impresión de que la gente no quiso entender lo que quería decir”, comenzó diciendo.

Y explicó su opinión sobre el asunto: “Lo que quería decir era que, para él, como presidente del jurado, la política estaba en la pantalla. Nosotros, eso es lo que decimos en Cannes. Debo mi renombre personal a mi opinión de no usar mi posición para promover mis opiniones personales. Si quieres, podría hablarte más tarde sobre Bruce Springsteen o el Olympique de Lyonn, pero son opiniones personales. El Festival de Cannes considera que las cuestiones políticas son principalmente las de las voces de los artistas y de aquellos cuyas obras presentamos”.

“Por lo tanto, ni los miembros del jurado, especialmente el presidente, ni los organizadores deberían opinar al margen de las películas, es decir, al margen de nuestra profesión. Además, hay cineastas que no se dedican al cine político, que hablan de amor, que hablan de otras cosas. Y creo que también debemos respetar eso. La calidad de una selección reside también en adentrarse en el arte cinematográfico. Algunos de estos artistas pueden estar más comprometidos políticamente que otros”, aseveró.

También quiso dejar claro que Cannes no se olvida del momento actual, “un mundo parcialmente en guerra, un mundo en un estado de gran fragilidad en términos de diálogo entre naciones”. “Por ello no queremos aumentar la confusión en el análisis que podemos hacer de esto. Y también suelo decir, y lo creo profundamente, que el arte y el cine no matan. Son instrumentos de paz, incluso cuando son instrumentos que llaman, tal vez incluso incitan, a la revuelta, por la libertad en ciertos países que carecen de ella”, añadió y citó varios de los ejemplos de cine político que han pasado por el festival en su historia. 

También se abordó otra de las novedades, las nuevas normas de la Academia de Hollywood que dicen que la película que gane en grandes festivales como Cannes podrá optar al Oscar a Mejor película internacional, lo que permitiría que varias películas del mismo país opten al premio. Fremaux volvió a referirse al cine español para explicarlo: “Nosotros, si hay tres buenas películas españolas no elegimos solo una, elegimos las tres. Pero esa idea que tiene la Academia de que un país solo puede mandar una película es un poco injusta. Para mí, que soy judoka, esto es como en los Juegos Olímpicos, que solo se envía un luchador por categoría, y a veces los tres mejores son del mismo país. Es una lástima”.

No era ni un héroe ni un fugitivo la primera vez que el mundo conoció a Jack Bauer. Eran las doce en punto de una noche cualquiera en EEUU y Jack ejercía como padre jugando con su hija adolescente, Kim, a una partida de ajedrez. No había explosiones, tiroteos o persecuciones, tan solo el tenso silencio de un salón de luz tenue y el tictac de un reloj digital que se convertiría en el latido de toda una generación. Pero ese hombre, que apenas unos minutos después recibiría la llamada que cambiaría su vida, es el mismo que reaparece este miércoles en Madrid cuando el reloj por fin está en pausa.

En La Sala del Movistar Arena, un espacio íntimo en el que hay concentradas unas 200 personas, el tiempo ya no se mide en segundos. Al menos, no durante el concierto con el que Kiefer Sutherland logra hacer reaparecer al mítico protagonista de la serie 24. Desde hace 12 años no se sabe del paradero de este personaje, cuando se emitió el último episodio de la novena temporada, pero es imposible echar un vistazo al Sutherland que se pasea sobre el escenario y no ver al famoso agente federal de la Unidad Antiterrorista de Los Ángeles. El público lo vitorea, él responde sonriendo y la música country que lo impulsa va adueñándose del recinto.

Jack Bauer está de vuelta, pero no para salvar a la población de una conspiración global, sino para contar qué queda de un hombre como Kiefer Sutherland cuando se apagan los focos de Hollywood y solo permanece la guitarra. “Nunca dejes que me vaya”, reclama el ahora también cantante al son del estribillo de Down Below, el tema de apertura, que sirve como una declaración de intenciones para quien todavía no se hubiera puesto sus botas y sombreros de cowboy. Bajo el sonido americano más tradicional, Sutherland da la bienvenida a una actuación que se nutre, sobre todo, de la nostalgia.

Es fácil comprender por qué un actor galardonado con el Emmy y el Globo de Oro decide, tras varias décadas de éxito en la pantalla, someterse al escrutinio de los escenarios musicales: aquí nadie lo está juzgando. A diferencia de los espectáculos pop, en los que el show prevalece sobre todo lo demás, aquellos que vienen a ver a Kiefer Sutherland lo hacen con la felicidad de quien va a reencontrarse con un viejo amigo. Es una felicidad tan intensa, pero tan difícil de describir, que pareciera que el actor se atreviera a explicarla interpretando la mágica Only Happy When It Rains, la icónica canción de Garbage que él versiona para agitar la fiesta.

“He pasado 35 años viviendo en California y fuera de ella, viviendo en Los Ángeles y fuera de ella. Esta canción es una despedida muy emotiva de un lugar que hizo realidad los sueños de un joven”, afirma Sutherland antes de cantar Goodbye, California. Es un tema en el que no solo se reivindica a sí mismo y al lugar que lo vio crecer, sino en el que también enseña a saber mirar atrás sin dolor. Verlo interactuar con su banda mientras disfruta de su nuevo presente lo hace todavía más significativo. “Estáis todos bailando por aquí. Me habéis alegrado la noche”, declara cuando percibe que su canción Something You Love termina de despertar a quienes aún estaban procesando el inicio.

Sutherland se detiene a menudo entre los temas para contar anécdotas... o incluso para confesarse sobre su trabajo musical: “Los compositores suelen hablar de sus canciones como si fueran sus hijos. Y, como padre, sé perfectamente que se supone que no debes tener favoritos, pero, oye, a veces sí que los tienes. Esta es una de mis favoritas”, dice provocando la risa entre el público al presentar Come Back Down. Esta, que rebaja la intensidad en la producción, pertenece al nuevo disco que publicará el artista el 28 de mayo, Grey. Poco después, la energía vuelve a estallar con su versión de See You on the Other Side de Ozzy Osbourne, pasando del country a una faceta más rockera.

La banda sonora de una estrella de Hollywood

El amor del actor por la música comenzó a los siete años con un violín y a los diez con su primera guitarra acústica. Fue a los quince cuando empezó a escribir sus propias letras, aunque estas composiciones no veían la luz y eran consideradas por Sutherland como un diario íntimo mientras su carrera en Hollywood explotaba. En 2002 fundó el sello independiente Ironworks para apoyar a músicos locales. Fue su socio y amigo Jude Cole quien, tras escuchar sus maquetas, le convenció de apostar por una faceta que cuenta ya con cuatro álbumes de estudio: Down in a Hole (2016), Reckless & Me (2019), Bloor Street (2022) y el inminente Grey.

Un repaso por estos discos desemboca en el clímax del concierto, que protagonizan los temas Two Stepping in Time y la explosiva This Is How It's Done, inspirada en una pelea que presenció en un bar de Louisville hace años. En ese momento, La Sala se convirte en una verbena de Nashville transporada al centro de Madrid. Incluso se celebra que sea viernes, aunque el calendario diga otra cosa, con el himno Friday Night. No importa que la gente no se sepa las letras, algo que queda patente en la mayoría de los asistentes, pero las palmadas con las que acompañan las canciones o los bailes que se suceden en la pista indican que ese es el menor de los problemas.

La noche termina con un encore que busca la emoción. Tanto es así que la banda homenajea a Phil Collins con la preciosa In the Air Tonight, a la que es patente que consiguen hacerle justicia por el sobrecogimiento con la que la recibe el público. Para despedirse, Kiefer Sutherland interpreta Starlight, en la que alude a los héroes que se preparan para caer. Unos héroes entre los que bien podría estar él, abogando a la importancia de refugiarse en la música para sobrevivir al día más largo de tu vida. Con pistolas en la mano se lo volverá a ver en su recién estrenado thriller, Brothers Under Fire, que ya ha llegado a los cines de EEUU; sin embargo, en España, por lo pronto habrá que conformarse con la magia de verlo sosteniendo la guitarra. Y no suena nada mal.

Los estrenos de ‘Michael’ y de ‘El diablo viste de Prada 2’ han provocado el mejor mes de abril en los cines españoles desde 2019, con más de siete millones de espectadores, pero es que también ambas cintas son las culpables de que el primer fin de semana de mayo haya sido el mejor de lo que llevamos de 2026, con 1,4 millones de espectadores.

En España, ‘El diablo viste de Prada 2’ ha recaudado más de 3 millones de euros y se mantuvo en segunda posición, pero a nivel mundial ha arrasado con una recaudación de 233,6 millones de dólares, ya siendo la séptima película más taquillera del año. Esto ha supuesto el mejor estreno en Estados Unidos de Meryl Streep, por delante incluso de ‘Mamma Mia’ (2008).

Una Meryl Streep que ha vuelto a ponerse en la piel de Miranda Priestly, la protagonista de ‘El diablo viste de Prada’, en su secuela, un personaje inspirado en la que fuera directora de la revista Vogue, Anna Wintour, y que es, además, una persona que muestra dos caras muy diferentes durante la película.

Es por eso por lo que a la oscarizada actriz le han preguntado sobre los personajes villanos y en su respuesta en el programa ‘Hits Radio Breakfast Show’ ha atizado a Marvel y su influencia en el cine porque considera que ha acabado con los personajes con matices en las películas que se hacen ahora:

“Creo que tendemos a 'marvelizar' las películas actuales. Tenemos a los villanos y tenemos a los buenos, y eso es tan aburrido”, confesó en una entrevista en la que participó junto a sus compañeras de reparto, Anne Hathaway y Emily Blunt.

Y es que para Meryl Streep uno de los detalles más apreciables de su personaje es la imperfección y todo lo que aporta: “Lo más interesante de la vida es que algunos héroes tienen defectos y algunos villanos son humanos e interesantes. Eso es lo que me gusta de esta película. Es más complicada”, declaró a Vogue durante la promoción de la secuela.

Sigue la estela de Scorsese y Coppola

Meryl Streep con sus declaraciones en contra de Marvel y de lo que ha aportado al cine se une a otras figuras de Hollywood, como lo fue el director Martin Scorsese en 2019: “Las cintas de superhéroes son como parques temáticos. Están bien hechas, pero no son cine”.

Francis Ford Coppola, sin embargo, sigue siendo uno de los que ha sido más críticos con las películas de superhéroes de Marvel al tildarlas de “despreciables”: “El cine debe iluminar la vida y no repetirse en una fórmula de consumo masivo que no enseña nada al espectador. No creo que nadie saque provecho de ver la misma película una y otra vez. Martin fue amable al decir que no es cine. No dijo que fuera despreciable, cosa que yo sí afirmo”, dijo en su día.

Nos cuesta imaginar a estrellas de Hollywood que siendo ya conocidas desde muy temprana edad hayan acudido a la universidad, pero eso mismo es lo que hizo Natalie Portman mientras rodaba las películas de Star Wars en las que participó, exactamente de 1999 a 2003 estudió en la Universidad de Harvard.

Allí, la reconocida actriz se graduó con honores en Psicología y llegó a publicar artículos científicos sobre neurociencia con su nombre real, Natalie Hershlag. Este hecho ha servido de inspiración a Gabriella Pizzolo, conocida por ‘Stranger Things’, como ella misma ha admitido en una entrevista con People.

Gabriella Pizzolo, que se hizo famosa por dar vida a Suzie en ‘Stranger Things’ e interpretar a Matilda en el musical de Broadway, ha comentado en la entrevista que se ha graduado de dos títulos universitarios y fue gracias a seguir el ejemplo de Portman.

“Recuerdo que estaba buscando qué estudiar y vi que Natalie Portman estudió psicología, y no necesariamente nada relacionado con el mundo del teatro. Y pensé: ‘Eso es realmente inteligente’. Es una alternativa al teatro y al drama, pero aun así se aprende mucho sobre las personas y cómo interactúan a través de ello”, explicó a People, donde fue entrevistada para presentar su nuevo proyecto, ‘Beaches’ en Broadway.

La actriz de ‘Stranger Things’, de origen italiano, sin embargo, matizó que, a pesar de sus estudios en psicología y música, ella quiere continuar en centrarse en la actuación: “Siento que mi lugar está en el teatro y el cine, pero creo que la psicología ayuda mucho a los actores”, declaró al respecto.

Pizzolo también aseguró en la entrevista que compaginar su vida como actriz junto a pasar tiempo en el campus universitario le dio una experiencia que la ayudó a crecer como persona al convivir con gente fuera de la industria del entretenimiento.

Le conecta con su personaje de ‘Stranger Things’

Si gran parte del público conoce a Gabriella Pizzolo es por dar vida a Suzie Bingham en la serie ‘Stranger Things’, que finalizó hace apenas unos meses, y en parte el haber estudiado en la universidad le ayudó a conectar con ella: “Siento que es muy propio de ella de estudiar y estar allí mientras los demás salvan el mundo”.

Al referirse a su paso por la serie, la actriz aseguró que mantiene contacto con varios actores, en especial con Gaten Matarazzo, su interés amoroso en la ficción, con el que afirma que “habla todo el tiempo”.