En Hollywood, las despedidas rara vez son definitivas. El último ejemplo lo protagoniza Cameron Diaz, que tras más de una década alejada del cine regresó el año pasado a la gran pantalla con la película De vuelta a la acción (2025) y ahora está rodando su nueva comedia romántica en Nueva York. Con más proyectos en camino, su vuelta no ha sido algo puntual, sino que confirma una segunda etapa en la industria y reaviva una idea que Hollywood conoce bien: retirarse no siempre significa desaparecer definitivamente, sino, en muchos casos, tomarse una pausa antes de volver.

Diaz fue una de las actrices más populares de finales de los noventa y principios de los 2000, con una carrera repleta de éxitos comerciales. Sin embargo, tras varios años en primera línea, decidió apartarse en 2014 alegando motivos personales, ya que quería alejarse del foco mediático y priorizar su vida fuera de la industria.

El regreso como segunda oportunidad

El caso de Cameron Diaz no es único. A lo largo de los años, muchos actores y actrices han decidido retirarse, ya sea por cansancio, falta de proyectos o motivos personales. Sin embargo, Hollywood es una industria que siempre deja la puerta entreabierta. La nostalgia del público, junto con el valor comercial de un regreso, convierte estas vueltas en auténticos acontecimientos.

Uno de los ejemplos más recientes es Brendan Fraser. Tras años alejado del foco, marcados por problemas personales y de salud que le apartaron de los grandes proyectos, regresó con fuerza gracias a La ballena (2022), una interpretación que le valió el Oscar y supuso una reivindicación total de su carrera. Su vuelta no fue solo profesional, sino también emocional: el reconocimiento de la industria y el apoyo del público convirtieron su historia en uno de los regresos más celebrados de los últimos años. Fraser pasó de ser una estrella olvidada a protagonizar uno de los relatos de redención más potentes de Hollywood, encarnando perfectamente esa idea de segundas oportunidades que tanto atrae al público.

Algo similar ocurrió con Ke Huy Quan, quien pasó de ser una estrella infantil a desaparecer prácticamente de la industria. Tras alcanzar la fama en los años 80 con títulos muy populares, su carrera se frenó por la falta de oportunidades para actores asiáticos en Hollywood, lo que le llevó a trabajar durante años detrás de las cámaras como coordinador de especialistas y asistente de dirección. Décadas después, su regreso con Todo a la vez en todas partes (2022) también le valió el Oscar.

En el caso de Renée Zellweger, la retirada fue voluntaria. La actriz decidió tomarse un descanso tras años de éxito, pero regresó con Judy (2019), donde interpretó a Judy Garland y consiguió también el Oscar a la mejor actriz. Su vuelta reforzó la idea de que el tiempo lejos de la pantalla puede fortalecer una carrera en lugar de debilitarla.

Otros casos responden a decisiones más personales. Rick Moranis se retiró tras su éxito en películas como Cariño, he encogido a los niños (1989) o Los Picapiedra (1994), decidió alejarse de Hollywood tras el fallecimiento de su esposa para dedicarse a tiempo completo a la crianza de sus dos hijos como padre soltero, alejándose durante décadas del cine. Su regreso, previsto para el año que viene con la película Spaceballs 2, ha sido recibido con entusiasmo por el público que creció con sus películas.

También destaca el 'resurgir' de Winona Ryder, cuya carrera sufrió un parón tras diversos problemas mediáticos. Su papel en Stranger Things la devolvió al primer plano de la industria y además la ayudó a conectó con nuevas generaciones de espectadores.

Como estos ejemplos hay muchos más en la industria de Hollywood que demuestran que volver no significa repetir el pasado, sino reinterpretarlo. Muchos de estos actores y actrices regresan con proyectos más personales o con personajes que les permiten explorar nuevas facetas, alejándose de los roles que marcaron su etapa anterior, y además con una gran cuota de éxito. Y es que en Hollywood, decir adiós nunca es del todo definitivo: a veces, es solo el comienzo de una nueva etapa.

Hoy cumple 60 años el actor Jeffrey Dean Morgan, que puede presumir de haber construido una carrera sólida en Hollywood… aunque no siguiera el camino habitual. Su historia no es la de una estrella precoz, sino la de alguien que ha alcanzado el reconocimiento del público cuando muchos actores ya han consolidado su lugar en la industria.

Su caso es curioso porque antes de convertirse en uno de los rostros más reconocibles de la televisión, Morgan tenía otro objetivo. Su juventud estuvo unida primero al fútbol americano y luego al baloncesto, deporte en el que aspiraba a desarrollar una carrera profesional. Sin embargo, una lesión de rodilla acabó con esa posibilidad y le obligó a replantearse su vida, abriendo la puerta al mundo de la interpretación.

De actor secundario a cara reconocible

Su entrada en Hollywood fue discreta. Empezó al acompañar a un amigo suyo que se mudó a Los Ángeles y ya se quedó. Durante años fue encadenando pequeños papeles en cine y televisión sin excesivo éxito. El reconocimiento empezó a llegar ya superados los 40 años, cuando comenzó a aparecer en series de gran audiencia como Anatomía de Grey o Supernatural. Estos papeles le dieron visibilidad y le permitieron demostrar su capacidad para aportarle emocionalidad a sus personajes secundarios.

En paralelo, su presencia en el cine también comenzó a crecer. En Posdata: Te quiero (2007) mostró una faceta más romántica, alejada de los papeles duros que más tarde le harían famoso. Poco después, participó en Watchmen (2009), donde interpretó a El Comediante, un personaje complejo y poco moral que anticipaba el papel que marcaría su carrera.

Negan, el papel que lo cambió todo

El gran cambio en su vida llegó con su incorporación a The Walking Dead, donde dio vida a Negan. Su aparición en la serie supuso uno de los momentos más impactantes de la televisión reciente, con una entrada que marcó un punto de inflexión en la trama de la longeva serie. Negan no era un villano convencional como los que se habían visto, era peor. Jeffrey Dean Morgan construyó un antagonista carismático, brutal despiadado y, al mismo tiempo, impredecible. Armado con su icónico bate “Lucille”, el personaje se convirtió en uno de los más icónicos de la serie, capaz de ser odiado y querido a partes iguales.

La interpretación de Morgan aportó una dimensión especial al personaje. Su forma de combinar violencia, humor y presencia escénica convirtió a Negan en mucho más que un simple enemigo. Ese papel no solo le dio fama global, sino que redefinió su carrera. De actor de reparto pasó a ser una figura central en una de las producciones más populares de la televisión, consolidando su estilo y su imagen arrolladora.

Hoy, a sus 60 años, Jeffrey Dean Morgan representa una historia poco común en la industria del entretenimiento. La de alguien que supo reinventarse tras un contratiempo y que encontró el reconocimiento del gran público cuando menos se esperaba. Porque, en su caso, el éxito no llegó pronto, pero sí que llegó a tiempo para dejar huella.

A finales de 2026 llegará a los cines una nueva adaptación de Las crónicas de Narnia, y lo hará bajo la dirección de Greta Gerwig. El estreno no solo despierta expectación por el regreso de una de las sagas más populares del cine fantástico, sino también por el nombre que hay detrás del proyecto. Gerwig se ha consolidado en pocos años como una de las cineastas más influyentes de Hollywood, capaz de moverse con soltura entre el cine de autor y las grandes producciones de la industria.

Su trayectoria no empezó en el terreno de las superproducciones. Su gran punto de inflexión llegó con Lady Bird (2017), una película íntima que exploraba la adolescencia y las relaciones familiares con una mirada muy personal. El filme fue aclamado por la crítica y marcó el inicio de una carrera como directora con identidad propia.

Dos años más tarde, Gerwig dio un paso más con Mujercitas (2019), una adaptación de la clásica novela que confirmó su capacidad para reinterpretar historias conocidas desde una perspectiva contemporánea. Con esta obra, no solo consolidó su estilo narrativo, sino que también demostró que podía conectar con un público amplio sin renunciar a su toque personal.

El fenómeno Barbie y el salto definitivo

No obstante, el verdadero salto a la primera línea de la industria de Hollywood llegó con Barbie (2023). Lo que en un principio parecía un proyecto puramente comercial se convirtió en un fenómeno cultural global. La película no solo arrasó en taquilla, recaudando un total de 1.446 millones de dólares y siendo la más vista del año, sino que también generó debate y análisis en torno a sus temas, desde la identidad hasta el papel de la mujer en la sociedad.

El éxito de Barbie supuso un cambio considerable en la carrera de Gerwig. A partir de ese momento, su nombre pasó a asociarse no solo con el cine independiente de calidad, sino también con grandes producciones capaces de atraer a audiencias masivas. Y en este equilibrio entre cine de autor y superproducción está una de las claves de su éxito.

El encargo de dirigir Las crónicas de Narnia confirma esta tendencia. No se trata solo de una nueva película, sino de una franquicia de gran presupuesto y alcance internacional que ya obtuvo grandes resultados en el pasado. Que una directora con un perfil como Gerwig asuma este reto deja claro un cambio en la industria, cada vez más abierta a voces diferentes en proyectos de gran escala.

Una nueva etapa para las mujeres en Hollywood

El ascenso de Greta Gerwig también debe entenderse en el contexto de una industria históricamente dominada por hombres. Durante décadas, las grandes producciones estuvieron reservadas a directores masculinos, mientras que las mujeres apenas tenían posibilidades de dirigir proyectos de gran presupuesto.

En los últimos años, esta tendencia ha comenzado a cambiar, aunque de forma gradual. Directoras como Chloé Zhao, Kathryn Bigelow o Patty Jenkins han abierto camino, pero casos como el de Gerwig destacan por su capacidad para combinar éxito comercial y reconocimiento crítico. Su presencia al frente de proyectos como Barbie o Narnia no solo tiene un valor cinematográfico, sino también simbólico, representa la posibilidad de que mujeres puedan aportar su punto de vista y experiencia en la manera en que se cuentan las historias.

Greta Gerwig se ha convertido en una de las figuras más relevantes del cine contemporáneo y su evolución, desde relatos personales hasta grandes franquicias, refleja no solo su talento, sino también un cambio de paradigma en Hollywood. Con Las crónicas de Narnia en el horizonte, su trayectoria apunta a seguir abriendo camino para las mujeres en la industria, en los próximos años.

Prácticamente no necesita presentación. Hablamos de unos de los actores más longevos y emblemáticos de la industria de Hollywood. Sin embargo, son pocos los que conocen uno de los episodios más surrealistas de la carrera de Clint Eastwood: hace 40 años, la leyenda del western acaparó los titulares tras convertirse en alcalde de Carmel-by-the-Sea, una pequeña ciudad costera ubicada en California.

Fue el 8 de abril de 1986, hace 40 años, cuando Eastwood consiguió alzarse con la victoria en las elecciones locales. El actor obtuvo 2.166 votos frente a los 799 de la alcaldesa en funciones, Charlotte Townsend, en un momento en que la población Carmel era de poco menos de 3.200 habitantes.

Su mandato, que apenas duró dos años, se volvió viral especialmente por una de las medidas que aprobó y que hoy sigue siendo recordada. “Uno de sus primeros actos tras asumir el cargo en esta ciudad costera fue también uno de los más simbólicos: intentó suavizar una ordenanza municipal que prohibía la venta de conos de helado”, explicó Los Ángeles Times en octubre de 1986. 

En aquella época, Carmel era famosa por su postura contra la modernización. Desde 1929, la localidad estaba regida por la conocida como “ley de zonificación”, que buscaba preservar la estética auténtica del lugar y evitar que el desarrollo comercial invadiera su entorno residencial. Esta ordenanza municipal estableció límites estrictos al crecimiento de ciertos negocios y prohibió elementos urbanos como aceras, farolas y carteles luminosos.

Además, la normativa bloqueó cualquier establecimiento diseñado para servir comida rápida, y estipuló que toda la comida para llevar debía ir siempre tapada con un envase de plástico. La interpretación de la ley llegó al extremo de prohibir la venta de helados en cono, ya que estos no podían ir tapados y las autoridades temían que el goteo ensuciara las aceras y arruinara la estética de Carmel.

Más allá de los helados

Una vez consiguió la alcaldía, Eastwood anuló esta prohibición y los conos de helado encontraron su lugar en esta localidad, pero el actor hizo otras muchas cosas interesantes mientras estuvo en el cargo. “Consiguió logros importantes para su ciudad de adopción, como impulsar la construcción del anexo de la biblioteca y la biblioteca infantil, así como la instalación de baños públicos en la playa”, recuerda la página web de Carmel.

Al terminar los dos años de trabajo, el actor no se presentó para una reelección, pero nunca abandonó del todo esta ciudad de California. Allí conoció a Dina Ruiz, la reportera y presentadora de televisión que llegó a ser su segunda esposa y madre de Morgan Eastwood (1996), la última de sus ocho hijos.

¿Cuáles son las mejores películas que se han hecho desde el 1 de enero del año 2000 hasta ahora? Es la pregunta a la que el diario The New York Times quería encontrar una respuesta y, para ello, consultó a 500 personas influyentes de Hollywood, incluyendo a directores, actores y otros profesionales de la industria cinematográfica y ámbitos relacionados.

Entre los participantes había cineastas galardonados con el Oscar como Sofia Coppola o Guillermo del Toro, pero también actores aclamados como Chiwetel Ejiofor, Julianne Moore o Pamela Anderson. Todos ellos tuvieron que votar sus diez largometrajes favoritos con una única regla: estos tenían que haberse estrenado en Estados Unidos a partir del 1 de enero de 2000.

“Después de emitir su voto, los votantes podían elegir cuál de dos películas seleccionadas al azar era mejor en una serie de contiendas. Combinamos los datos de estas preguntas con el recuento de votos para crear la lista de las 100 mejores películas”, explicó el diario estadounidense sobre el proceso. El resultado se puede consultar en su página web e incluye una sorpresa para los espectadores españoles.

La única española es de Almodóvar

Del centenar de largometrajes seleccionados por los profesionales, solo uno con sello español consiguió pasar el corte. La seleccionada fue Volver (2006), de Pedro Almodóvar, una de las grandes obras cinematográficas del cineasta junto a Todo sobre mi madre (1999) o Hable con ella (2002), en la que el director volvió a poner La Mancha y las dinámicas familiares femeninas en el centro.

La película sigue la historia de Raimunda (Penélope Cruz), una mujer de clase trabajadora que arrastra una vida marcada por la precariedad y un trauma familiar. Su vida y la de su hermana Sole (Lola Dueñas) dan un giro cuando el fantasma de su madre fallecida Irene (Carmen Maura) las visita por sorpresa. Penélope Cruz obtuvo su primera nominación al Oscar como Mejor Actriz por esta interpretación.

En las palabras que The New York Times le dedicó al filme en su lista, describió Volver como “una obra de empoderamiento, rebosante de belleza y pasión, y salpicada de una pizca de realismo mágico que abre su narrativa a nuevos ámbitos”. El diario también destacó la trama que Almodóvar construyó entonces, resaltando cómo “varias generaciones de mujeres muestran determinación mientras sortean obstáculo tras obstáculo”.

Las que encabezan el ránking

El primer puesto de la lista se lo llevó Parásitos (2019), la espectacular obra de Bong Joon Ho que hizo historia en los Oscar como la primera producción de habla no inglesa en llevarse la estatuilla a Mejor película. Las siguientes en el ránking fueron Mulholland Drive (David Lynch, 2001), Pozos de ambición (Paul Thomas Anderson, 2007), Deseando amar (Wong Kar-Wai, 2001) y Moonlight (Barry Jenkins, 2016). 

En Hollywood, asumir el control total de una película no es una tarea sencilla. Dirigir y protagonizar un proyecto es doble responsabilidad que pocos actores se atreven a asumir. Sin embargo, cuando esta fórmula funciona, suele traducirse en reconocimiento crítico y, en algunos casos, en éxito en los premios más importantes de la industria: los Oscar.

El último en volver a sumarse a este reto es Bradley Cooper, que será el encargado de dirigir y protagonizar, junto a Margot Robbie, la precuela de Ocean's Eleven. No es la primera vez que el actor estadounidense se coloca detrás y delante de la cámara. Ya lo hizo con Ha nacido una estrella (2018) y más recientemente con Maestro (2023), consolidando una trayectoria en la que busca un mayor control creativo sobre sus proyectos.

Suele dar buenos resultados

Para dirigir una película se necesita una visión global del proyecto; para interpretar, concentración en el desarrollo del personaje. Combinar ambas funciones supone un gran desafío, ya que obliga a dividir la atención entre lo técnico y lo interpretativo. Aun así, algunos nombres ilustres han demostrado que esta doble faceta puede convertirse en una ventaja.

Uno de los ejemplos más representativos es Clint Eastwood, que tiene una de las carreras más sólidas de Hollywood como actor y director. Con Sin perdón (1992) y Million Dollar Baby (2004), Eastwood logró el Oscar al mejor director y a la mejor película, protagonizando además ambos filmes. Con su éxito en dos películas tan diferentes, se ha erigido como un modelo a seguir para quienes quieren dominar ambas disciplinas.

También destaca el caso de Mel Gibson, que consiguió el reconocimiento internacional con Braveheart (1995). La película no solo fue un éxito de taquilla, sino que le valió para ganar los premios Oscar al mejor director y a la mejor película. En esta misma línea se sitúa Kevin Costner con Bailando con lobos (1990). Su debut como director fue también uno de los más exitosos de la historia reciente, al conseguir dos de los premios más importantes de la Academia. Costner protagonizó la película y demostró que asumir ambos roles podía cosechar resultados extraordinarios. En este selecto club se encuentra también el reconocido Woody Allen, que ganó los premios a la mejor película y al mejor director por Annie Hall (1977). Ese año protagonizó el filme y fue nominado al Oscar al mejor actor, aunque no se llevó ese galardón.

Warren Beatty, por su parte, dirigió y protagonizó Reds (1981), con la que ganó el Oscar al mejor director. Curiosamente, estuvo nominado como actor pero no obtuvo la estatuilla de interpretación. Más reciente es el caso de Ben Affleck, quien con Argo (2012) consiguió el Oscar a la mejor película. Aunque no fue nominado como mejor director, su trabajo al frente del proyecto le valió para ganarse el respeto de Hollywood.

En esta lista aparece Roberto Benigni con La vida es bella (1997). El italiano logró combinar ambas facetas con éxito y ganó el Oscar al mejor actor por su interpretación, aunque no obtuvo reconocimiento en las categorías de dirección o mejor película. Y también encontramos a Laurence Olivier, el único en la historia que ha ganado el Oscar a la mejor película y al mejor actor por la misma cinta, Hamlet (1948).

Actualmente, cada vez más actores buscan ampliar su papel en la industria, ya sea como productores o en el rol de actor-director. La posibilidad de controlar la historia desde su concepción e interpretarla al mismo tiempo permite desarrollar proyectos más personales y coherentes. Un riesgo alto, pero que si se ejecuta bien, es sinónimo de buenos resultados.

El próximo paso de Bradley Cooper volverá a poner a prueba esta fórmula. Dirigiendo y protagonizando la precuela de Ocean's Eleven, tendrá una nueva oportunidad para demostrar si esta es una apuesta ganadora en Hollywood. Porque, aunque no todo el mundo es capaz de lograrlo, cuando se consigue, el resultado suele dejar huella.

Una de las series más exitosas entre la generación Z de los últimos años, “Euphoria”, ha regresado después de tres años con una tercera temporada no exenta de polémica, por un cambio de tono, que no le ha llevado a conectar igual con su audiencia y se intuye que podría ser el final de la ficción con Zendaya, Jacob Elordi y Sydney Sweeney.

En esta tercera temporada de la serie creada por Sam Levinson se ha dado un salto temporal que ha traído también a nuevos personajes, entre los que está Angel, interpretada por una actriz que hemos visto crecer en la televisión española. Hablamos de Priscilla Delgado, que fue una de las protagonistas de ‘Los Protegidos’ a principios de los 2010, y que comparte pantalla con otra española como Rosalía.

Se dio a conocer con apenas 7 años en ‘Los Protegidos’

Nacida el 31 de marzo de 2002 en San Juan, Puerto Rico, la actriz creció en la televisión española siendo una de las caras más visibles de una de las series más famosas de la ficción televisiva a principios de la década de los 2010. Antes, sin embargo, había aparecido en series como “Los Hombres de Paco” o “La Chica de Ayer”.

Y es que con tan solo 7 años Priscilla Delgado se dio a conocer con “Los Protegidos”, donde daba vida a Lucía, una niña con poderes telepáticos, en una serie que fue todo un fenómeno y en la que también crecieron otros actores como Ana Fernández, Luis Fernández ‘Perla’ o Mari Marzo.

A pesar de que la actriz dio vida a uno de los personajes más queridos de la serie, no participó en el regreso en formato secuela, siendo una de las que no formó parte del reparto original. En su lugar, Maggie García dio vida a Lucía en “Los Protegidos: El regreso”, que se estrenó en 2021.

De Almodóvar a probar suerte en Estados Unidos

Después de su éxito en “Los Protegidos”, Delgado fue generando una trayectoria sólida tanto en cine como en televisión, apareciendo en “Julieta” de Pedro Almodóvar o “Las Brujas de Zugarramurdi” de Álex de la Iglesia. En 2019, optó por trasladarse a Estados Unidos y buscar continuar su carrera en Los Ángeles.

Desde entonces, ha ido participando en audiciones, destacando que casi llega a formar parte de proyectos como “West Side Story” de Steven Spielberg o “Stranger Things”, pues estuvo en las fases finales de estas producciones, en la última para hacer de Max, que finalmente dio vida Sadie Sink.

“Ellas dan el golpe” en 2022 fue su primer papel internacional, aunque fue una serie que se canceló tras su primera temporada. Ahora ha recibido su gran oportunidad participando en “Euphoria”, en esta tercera temporada, dando vida a Angel, un personaje del entorno nocturno cuya vida se cruza con la de Rue Bennett (Zendaya).

Más de mil guionistas, actores y directores de Hollywood, entre los que están David Fincher, Emma Thompson, Lin-Manuel MIranda o Kristen Stewart, han firmado una carta en contra de la compra de Warner Bros. Discovery (WBD) por parte de Paramount Skydance, al considerar que la operación perjudicará a una industria del entretenimiento ya en dificultades.

El texto, publicado este lunes, está suscrito por rostros conocidos de la industria como Joaquin Phoenix, JJ Abrams, Yorgos Lanthimos, Noah Wyle, Sally Field, Rose Byrne, Ben Stiller, Kristin Scott Thomas, Mark Ruffalo, Bryan Cranston o la brasileña Petra Costa.

Advierten de que la fusión de dos de esos grandes estudios provocará “menos oportunidades para los creadores, menos empleo en el ecosistema de producción, mayores costes y menos opciones para el público” tanto en Estados Unidos como a nivel global.

Los firmantes alertan también de que han observado “un fuerte descenso en el número de películas producidas y estrenadas”, y “una reducción en la diversidad de historias que reciben financiación y distribución”.

“Cada vez más, un número reducido de grandes compañías determina qué proyectos salen adelante y en qué condiciones, lo que deja a los creadores y a las empresas independientes con menos opciones viables para sostener su actividad”, agregan.

La carta fue impulsada por varias organizaciones, entre ellas el Committee for the First Amendment, liderado por la actriz Jane Fonda, el Democracy Defenders Fund, cofundado por el exdiplomático Norm Eisen, y la Future Film Coalition, que agrupa a profesionales del cine independiente.

El texto subraya que “la competencia es esencial tanto para la economía como para la democracia” y que “la creciente concentración mediática ya ha debilitado uno de los sectores culturales más influyentes de Estados Unidos”.

WBD votará el próximo 23 de abril sobre la propuesta de Paramount Skydance para adquirir la compañía por 111.000 millones de dólares (algo más de 94.000 millones de euros al cambio de hoy), una operación cuya finalización está prevista para el primer trimestre de 2026, sujeta a la aprobación de los accionistas y a las autorizaciones regulatorias, incluida la del Departamento de Justicia de EEUU.

El consejo de administración de WBD recomendó por unanimidad a los accionistas votar a favor de la fusión con Paramount (empresa matriz de CBS, CBS News, Paramount Pictures, Paramount+, BET y Nickelodeon, entre otras), por lo que se espera que la operación salga adelante.

Estas marcas se unirían a las que ya posee WBD, entre las que están HBO y HBO Max, los estudios de cine y televisión de Warner Bros., y canales como CNN, TBS, TNT, HGTV y Discovery+.

El pasado 24 de febrero, Paramount elevó su oferta de compra de 30 a 31 dólares por acción en un intento de superar a Netflix, que también aspiraba a hacerse con la compañía y cuya propuesta había sido inicialmente valorada por WBD.

El fiscal general de California, Rob Bonta, ha asegurado que la operación no está cerrada y cuestionado que el proceso vaya a someterse a un escrutinio federal riguroso, en medio de preocupaciones sobre los efectos de la concentración mediática en la industria.

Las redes sociales se prendaron del estilo noventero y de la trágica historia de amor entre John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette, retratada en la serie ‘American Love Story’ y que se ha convertido en lo más visto en la plataforma Hulu y Disney +, así como lo más viral en redes como TikTok.

Si bien fueron dos iconos de los 90, una nueva generación ha descubierto a estos personajes que fallecieron en un accidente aéreo en 1999 como se pudo ver en su capítulo final, estrenado a finales de marzo. Este éxito, además, ha convertido en estrellas a los actores protagonistas, Paul Anthony Kelly y Sarah Pidgeon.

Debido a la buena acogida de la primera entrega de ‘American Love Story’, son muchos los que se preguntan si habrá continuación y formara una antología como es el caso de otras como ‘American Horror Story’, ‘American Crime Story’ o ‘American Sports Story’, todas ellas de la mente de Ryan Murphy.

Elizabeth Taylor y Richard Burton podrían protagonizar la segunda temporada

Poco antes del final de la primera temporada de ‘American Love Story’ con la historia de John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette, fue cuando comenzó la especulación sobre la posible nueva pareja que ocupe la trama de una continuación, y hay una sobre la época dorada de Hollywood que ganó muchas papeletas debido a unas declaraciones.

El director Connor Hines inició los rumores sobre una serie que abarcara la historia de amor entre los actores Elizabeth Taylor y Richard Burton al reconocer a Vanity Fair que “tienen la intensidad adecuada”, aunque de momento no se ha dado confirmación oficial y se ha llegado a afirmar que los ejecutivos no lo han visto con buenos ojos.

En cualquier caso, tampoco se ha desmentido la idea, con lo que se mantiene el hecho de que la pareja que protagonizó dos matrimonios y un amor intenso en el momento dorado de Hollywood. Los actores se conocieron en el rodaje de Cleopatra en Roma, cuando ambos estaban casados, lo que desató la polémica en medio de una de las producciones más caras de la historia del cine.

Elizabeth Taylor llegó a casarse hasta en ocho ocasiones, pero declaró que Burton fue el gran amor de su vida. “Cuando lo vi en el set de Cleopatra, me enamoré y lo he amado desde entonces”, admitía sobre sus años con el también actor, con el que también protagonizó numerosas películas, pero con el que vivió un romance marcado por los excesos, la adicción y peleas.

La broma con Stevie Nicks y Lindsey Buckingham

Aunque no ha habido confirmación oficial, hubo un conato de ello el 1 de abril, un día en el que se suelen hacer bromas, como en España el Día de los Inocentes. La cuenta oficial de Instagram de ‘American Horror Story’ publicó una publicación en la que aseguraba que se confirmaba una segunda temporada de la antología que iría sobre los cantantes Stevie Nicks y Lindsey Buckingham.

Ambos protagonizaron una relación turbulenta en medio del liderazgo de la banda Fleetwood Mac durante cinco décadas hasta que Buckingham dejó el grupo en 2018, pero que parece que ha llevado a intentos de acercamiento desde entonces.

Robert Pattinson se encuentra actualmente junto a Zendaya en plena promoción de su última película, ‘The Drama’, que ya se ha estrenado en cines de Estados Unidos, pero que a España no llegará hasta finales de mayo, en concreto el 29 de mayo.

A pesar de la espera, Pattinson ha dejado varias noticias relacionadas, como los últimos detalles sobre ‘The Batman: parte 2’ o el hecho de que en una de las entrevistas de promoción ha desvelado cuál es su favorita de todas las películas de la saga ‘Crepúsculo’, todo un fenómeno del que se cumplen ya dos décadas.

“Luna Nueva” es el libro favorito de ‘Crepúsculo’ de Robert Pattinson

La relación con la saga que lo hizo famoso no siempre ha sido sencilla para Robert Pattinson, pero poco a poco parece reconciliarse con su personaje Edward Cullen, que lo lanzó al estrellato. En este sentido, en una reciente entrevista con la revista GQ junto a su compañera de reparto en ‘The Drama’, Zendaya, ha desvelado que la segunda de la saga es su favorita.

Zendaya se aventuró a pronosticar que era la primera película, pero el actor la corrigió y aseguró: “La verdad es que siempre me ha gustado mucho la segunda”, un hecho que se sobreentendía por declaraciones previas que había dado en otros momentos, sobre todo también respecto al libro. Y es que ya había confesado en la Comic Con que “Luna Nueva” era su novela favorita de la saga.

“Me gusta la yuxtaposición de que de repente la gente sea... es un personaje tan sobrevalorado, Edward, y hay tanta gente viéndolo como un héroe romántico. En 'Luna Nueva', al menos como yo lo leí, él es tan humilde. Es un personaje que mira a Bella y piensa que ama algo demasiado, pero no puede estar cerca. Deliberadamente comienza a romper su relación, lo cual creo que es algo con lo que muchos se pueden identificar y que creo que es muy doloroso”, afirmó al respecto.

A esto añadió la importancia de la secuencia final: “Bella termina salvando a Edward como lo hace en todos y cada uno de los libros. Así que es muy gracioso cómo todos ven a Edward como el héroe y él ha sido salvado continuamente por la damisela en apuros”, concluyó.

“Fue uno de los trabajos más relajantes que he hecho”

Así, no solo el segundo es su libro favorito, sino que también es “Luna Nueva” su película preferida de toda la saga ‘Crepúsculo’ como respondió en la entrevista de GQ: “Sabíamos más sobre qué tipo de película estábamos tratando. Tuve un papel mucho más secundario en esta. Empecé tres semanas después de que comenzaran a filmar y grabé muchas de mis primeras escenas haciendo las de aparición. Eso significa que dije una sola palabra”.

El aparecer menos hizo que su experiencia fuera mejor que en otras de la saga, y por ello Pattinson la prefiere al resto: “En realidad, fue uno de los trabajos más relajantes que he hecho. Chris tiene una presencia muy tranquila y me llevé muy bien con él. Tuve un trabajo prácticamente libre de estrés durante tres meses. Fue genial para mí. Toda la presión recaía sobre Taylor”, admitió.

A pesar de que para Robert Pattinson la segunda entrega de la saga ‘Crepúsculo’ es la mejor, para la crítica es la segunda peor, con un 28% tan solo de valoraciones positivas en la web Rotten Tomatoes. Sin embargo, fue todo un éxito en taquilla con una recaudación que superó los 700 millones de dólares, casi el doble de los que tuvo la primera película.

Este 10 de abril vuelve una de las series más icónicas de principios de los 2000, ‘Malcolm in the middle’ con la miniserie ‘Malcolm: de mal en peor’, que contará con cuatro episodios donde la familia Wilkerson se reúne con la excusa del aniversario de los padres.

20 años después vuelve la ‘sitcom’ con su reparto casi al completo, a excepción de Erik Per Sullivan, que ha renunciado a regresar a la interpretación para hacer de Dewey, que será interpretado por un actor diferente, Caleb Ellsworth-Clark. Y mientras algunos como Bryan Cranston han seguido siendo rostros conocidos en la pantalla debido a su papel protagonista en ‘Breaking Bad’, gran parte del resto vivieron más alejados de las cámaras, entre ellos su protagonista, Frankie Muniz.

Interpretar a ‘Malcolm’ en la serie le convirtió en uno de los actores infantiles mejor pagados de Hollywood y en toda una estrella adolescente a principios de los 2000, trabajando con también nombres reconocidos de entonces como Hilary Duff o Amanda Bynes. Sin embargo, Frankie Muniz decidió cambiarlo todo cuando estaba en lo más alto.

De estrella adolescente en Hollywood a piloto de carreras

Frankie Muniz nació como Francisco Muniz IV en Nueva Jersey en el seno de una familia trabajadora. Por parte de padre desciende de emigrantes asturianos, mientras que por su rama materna tiene genes irlandeses e italianos. Comenzó en la interpretación por casualidad, al acompañar a su hermana Cristina a una audición para la obra de teatro ‘Un cuento de Navidad’ y ser seleccionado para un papel principal.

De ahí se mudó a California con su familia y en el año 2000 fue seleccionado para dar vida a Malcolm Wilkerson, con tan solo 14 años. Esto lo lanzó al estrellato, y de ahí compaginó durante seis años su trabajo en la serie con películas como como 'Mi perro Skip', 'Agente Cody Banks' o 'Big Fat Liar', todo ello con menos de 20 años.

Cuando llegó el final de ‘Malcolm’ en 2006, el actor reflexionó sobre su vida, entonces formada por rodajes largos, presión constante y una identidad que iba ligada a un personaje. Pensando en lo que sería su futuro, no dudó en explorar otra de sus pasiones y en 2007 se embarcó en una carrera profesional como piloto, llegando a competir en campeonatos como el Atlantic Championship o la Indy Lights.

Aunque no cerró la puerta a su trayectoria como actor, la fue aparcando en detrimento al motor y también a la música, pues formó un grupo cuando las lesiones y dolencias físicas no le dejaron competir. Se dejó ver menos, aunque participó en televisión en programas como ‘Dancing with the Stars’, y fue noticia cuando debido a varios accidentes sufrió lesiones cerebrovasculares que le llevó incluso a olvidar parte de su tiempo en ‘Malcolm’, aunque ahora asegura que eso fue parte de una exageración.

“Literalmente eres Malcolm”: Frankie Muniz sobre su personaje más famoso

20 años después vuelve a ponerse en la piel de su icónico personaje y lo hace como padre de familia. Frankie Muniz asegura que no quiere que su hijo se dedique a la interpretación: “No es que haya tenido una experiencia negativa, porque, para ser sincero, mi experiencia fue totalmente positiva. Pero conozco a muchísima gente, amigos cercanos, que han tenido experiencias terriblemente negativas. Y creo que el mundo en general es feo. A mí nunca me afectó el rechazo, pero hay muchísimo rechazo en la industria”, afirmó en una entrevista en Australia.

El volverse a poner en la piel de su personaje más icónico le hace estar “muy contento” y sentirse “como en casa”, tanto que compartió una anécdota que sucedió cuando revisitó la serie con su mujer: “Entonces me di cuenta de que mi personaje no era tan buen tipo. Ella me miró y me dijo: ‘No actuabas nada. Literalmente eres Malcolm’. Y yo le dije: 'No sé cómo tomármelo porque Malcolm era un desastre'. ¡Era el peor personaje de esa serie!”, dijo en una entrevista en People.

La vuelta a ser Malcolm no ha apartado a Muniz de su carrera en el motor. En 2024 se reincorporó como piloto de NASCAR en 2024 y tuvo que compaginarlo con su rodaje para ‘Malcolm: de mal en peor’, lo que hizo que se diera un calendario atípico de un programa de domingo a jueves: “Era agotador, pero también sé lo genial que es tener la oportunidad de volver a hacerlo, así que no me iba a quejar en absoluto. Estoy muy agradecido a todo el equipo de producción por adaptarse a mi agenda”.

Llega la Semana Santa y tal y como sucede en Navidad, es uno de esos momentos del año en los que la programación televisiva se llena de películas relacionadas por su temática, sobre todo de esas que se han convertido en clásicos que revisitamos anualmente, y que han dejado también un poso en las plataformas, donde se pueden ver algunas de ellas.

‘La túnica sagrada’ (The Robe) es una de las olvidadas cuando se menciona el cine clásico de Semana Santa, viniendo primero a la mente otras como ‘Ben-Hur’, ‘Los diez mandamientos’ o incluso algunas más recientes como la animada ‘El príncipe de Egipto’ o ‘La pasión de Cristo’ de Mel Gibson.

Protagonizada por Richard Burton, ‘La túnica sagrada’ es un clásico que va más allá de la Semana Santa, pues tiene el hecho de haber introducido un avance tecnológico que en su día fue especialmente relevante, además de que recaudó unos 36 millones de dólares en taquilla, con algunos reestrenos incluidos, una cifra reseñable en la década de 1950 en Hollywood.

La primera película estrenada en CinemaScope

Antes de las epopeyas en formato panorámico de ‘Los Diez Mandamientos’ o ‘Espartaco’, ‘La túnica sagrada’ abrió camino a ese tipo de grandes proyectos, al introducir una nueva tecnología, el CinemaScope, en 1953, siendo la primera estrenada en salas de cines en este formato, en un contexto en el que las películas estaban perdiendo importancia ante la televisión y tenían que ofrecer algo diferente para competir con la comodidad del salón de casa.

Entonces, se apostó por el CinemaScope, un formato panorámico que, si bien no duró más de una década, influyó en el cine posterior. Un avance que se vendía como “la maravilla fotográfica tridimensional sin gafas”, y que llegaba tras el Cinerama, que era más complejo al necesitar un sistema de tres proyectores, mientras la nueva prueba no necesitaba tantas modificaciones, tan solo una lenta que transformara su fotografía anamórfica en panorámico, y ofrecía imágenes envolventes en su vista.

Debido a su novedad, los medios dedicaron atención a su estreno, y la propia película no defraudó, sobre todo a los espectadores, al aprovechar el formato en cada plano, a pesar de que su director Henry Koster no esperaba rodarla en este hasta bien entrada la producción. Así se aprecian escenas con grandes multitudes de extras, y se apreciaba de buena manera el formato al colocar la cámara justo delante de los caballos galopando a toda velocidad.  Este era un director experimentado que venía trabajando desde el cine mudo y ya había tenido éxitos como ‘Harvey’ o ‘La esposa del obispo’, y era uno de los judíos que huyó de la Alemania nazi a principios de la década de 1930 hacia Hollywood.

A pesar de que fue el primer estreno, se esperaba que este lo fuera una película con Marilyn Monroe, ‘Cómo casarse con un millonario’, que al final fue la segunda en hacerlo en este formato, que también acogió otros proyectos como ’20.000 leguas de viaje submarino’ de Disney en 1954, ‘Rebelde sin causa’ en 1955 con James Dean o ‘Los Comancheros’ de 1961 con John Wayne. Sin embargo, el hecho de que fuera una tecnología cara y complicada acabó con este sistema, también porque obligaba a una iluminación intensa y que se perdía el enfoque con facilidad, así como deformaba de forma horizontal a personas y objetos en primer plano hizo lo llamado ‘efecto paperas’.

De que trata ‘La Túnica Sagrada’ y su relación con la Semana Santa

‘La túnica sagrada’ fue vendida en su día como “la historia más inspiradora de amor y devoción, fe y espectáculo, que jamás haya cobrado vida en la pantalla” en los tráileres de la época. La película adaptaba la novela de Lloyd Douglas, un pastor convertido en novelista, publicada en 1942. En ella, el protagonista es Marcelo Gallio, un tribuno romano que se enemista con Calígula, príncipe regente entonces, y es entonces resignado a Jerusalén, en el momento de la llegada de una incipiente nueva religión.

Marcelo Gallio fue interpretado por Richard Burton en una película que quiso evitar desde el principio los clichés del género religioso, es por eso que, en ella vemos como Jesús nunca habla, como es visto desde la distancia, centrándose más en la vida cotidiana de los primeros cristianos y su persecución, y no tanto en los milagros. Tuvo una secuela que se llamó ‘Demetrio y los Gladiadores’ y donde volvieron a aparecer sus personajes principales.

Lisa Kudrow es un rostro querido por millones de personas debido a su papel de Phoebe Buffay en la icónica serie ‘Friends’, lo que la ha hecho mundialmente conocida por diferentes generaciones. Recientemente se hizo viral por las reflexiones que hizo respecto a su carrera en Hollywood, en la que también admitió que hubo errores.

En el Club Random Podcast, conducido por Bill Maher, la actriz de ‘Friends’ relató la que considera su peor audición y el error más torpe que cometió cuando comenzaba en el mundo de la interpretación, los que ve como dos momentos que influyeron en su carrera profesional.

Los dos momentos más humillantes en la carrera de Lisa Kudrow

Así, Lisa Kudrow contó los dos momentos que para ella resultaron más determinantes a nivel negativo en su trayectoria, aunque también le valieron para su desarrollo. Uno de ellos fue el de la que considera su audición más incómoda, que tuvo lugar cuando postuló al elenco de la serie ‘The Larry Sanders Show’.

En el mencionado podcast, la actriz de Friends contó cómo le ofrecieron una prueba para interpretar el personaje que finalmente interpretaría Janeane Garofalo: “Me emocioné mucho cuando Gary Shandling, creador de la serie, me propuso leer juntos la escena, y yo solo atiné a decir: ‘Ah, ok. No lo leo sola, perfecto.’”

Después de esto, Kudrow contó como el ambiente resultó desconcertante y no logró generar complicidad, algo de lo que salió convencida: “Recuerdo a Gary asomándose por la puerta, con cara de susto, solo para decir: ‘Llamaremos. En serio, llamaremos.’ En ese momento entendí que de verdad no había logrado conectar”, confesó.

A la actriz de ‘Friends’ le impactó también el error que cometió cuando comenzaba en Hollywood, al emitir un juicio que no tocaba sobre un guion sin saber que estaba escrito por los que tenía delante de ella. “Cuando empecé, no sabía que los productores también eran los guionistas, así que en una lectura de guion dije ‘¿Quién escribió esto?’, sin considerar que quienes me escuchaban eran justamente los autores”, contó entre risas en el podcast.

Lisa Kudrow enfatizo que esto suele suceder “cuando eres joven y no entiendes los roles en la industria”, pero que su error la llevó a asumir la dificultad de identificar responsabilidades en una producción y la necesidad de tiempo para saber quién verdaderamente toma las decisiones en una sala. “A veces siento que puedes casi arruinar tu futuro por una frase fuera de lugar”, concluyó.

No le importa que la recuerden por Phoebe

Recientemente, la actriz también se hico viral debido a que en una entrevista en la CBS admitió no tener ningún problema en que la recuerden por el personaje de Phoebe Buffay en ‘Friends’, porque nunca sintió la necesidad de distanciarse de la serie.

“Friends me lo dio todo”, admitía. “Si todo lo que conoces de mí es eso, está bien”, a la vez que también reconoció estar sorprendida por como la serie conecta con nuevas generaciones, pero que entiende que puede funcionar como “una especie de refugio, una conexión emocional que ayuda a combatir la soledad”.

Hace 45 años era la canción más famosa y la que sonaba sin parar. En 1981 se publicó “Bette Davis Eyes” y permaneció un total de nueve semanas en el número 1 de la lista Billboard, siendo una de las más vendidas de ese año y también de la década, llevándose además dos premios Grammy a Canción del Año y Grabación del Año.

La canción se hizo famosa como single de Kim Carnes, de su álbum “Mistaken Identity”, que también fue número uno y vendió más de ocho millones de copias. El tema estaría así hasta 20 semanas en el top 40, conociendo un éxito que se le resistió en sus comienzos y que tendría el beneplácito de la leyenda de Hollywood que la protagoniza.

En 1981 fue cuando se hizo famosa, pero el tema tenía casi diez años ya, pues había sido compuesta en 1974 y grabada por primera vez en 1975, por la propia compositora Jackie DeShannon, dentro de su disco ‘New Arrangement’. Pero esta apareció cuando Kim Carnes buscaba nuevo material, llevada por otra de sus compositoras, Donna Weiss, y aunque no le gustó en un comienzo, uno de los miembros de su banda la arregló y dándole un toque más contemporáneo funcionó. “En cuanto se le ocurrió eso, todo encajó a la perfección”, aseguraba la artista, que venía de tener experiencia en Hollywood.

La versión que superó a la original

Si bien Kim Carnes la hizo famosa, la canción fue escrita a mediados de 1970 por Jackie DeShannon y Donna Weiss, basado en una mujer intrigante y coqueta a la que se compara con Bette Davis. Jackie se habría inspirado a escribir “Bette Davis Eyes” cuando vio la película “La extraña pasajera” (Now Voyager) de 1942.

Protagonizada por Bette Davis y considerada una de sus mejores interpretaciones, hay una escena que cautivó a DeShannon para escribir el famoso tema. Se trata concretamente de cuando el personaje del actor Paul Henreid se desvive por encenderle un cigarrillo a la actriz al estar prendado de ella.

Contó con la bendición de Bette Davis

Mencionar a una leyenda de Hollywood y alcanzar el éxito en su segunda versión fue ya un paso adelante para la canción, pero si encima contó con la aceptación de la protagonista todavía es mayor el logro. Ella la descubrió a través de sus nietos, pues no consumía ni radio ni MTV, y escribió una carta a las compositoras agradeciendo que esto la hiciera “parte de los tiempos modernos”.

Un hecho que no solo fue contado por DeShannon y Weiss, sino que se relata y confirma también en la I'd Love to Kiss You…Conversations with Bette Davis, biografia de la actriz escrita por Whitney Stine.

Pocos años después, ocho en concreto, moría Bette Davis a los 81 años en 1989. Su última aparición pública fue un mes antes en el Festival de Cine de San Sebastián, donde recibió el prestigioso Premio Donostia, y ya se pudo apreciar su deterioro físico, aunque sin perder ápice de su carisma.

Davis fue una de las actrices más destacadas del Hollywood clásico, siendo un referente en la interpretación y que llegó a trabajar en más de cien películas. En su haber tiene dos premios Óscars, donde fue nominada cinco ediciones consecutivas, de 1938 a 1942. Entre sus títulos destacados figuran “Jezebel”, “Eva al Desnudo” (All About Eve) o “¿Qué fue de Baby Jane?”.

Hablar de Nicolas Cage es recordar sus papeles en películas míticas como Leaving Las Vegas (1995), La Roca (1996) o Cara a cara (1997), pero también sus interpretaciones más recientes en largometrajes como Longlegs (2024) o El elegido del mal (2025). Lo que muchos no saben es que el popular actor de cine estadounidense en realidad tiene otro nombre. 

Nicolas Cage nació como Nicolas Kim Coppola. Sí, el actor tiene este apellido porque pertenece a la familia Coppola: es hijo de August Coppola, hermano de Francis Ford Coppola. De esta manera, el ganador del Oscar es sobrino del director que creó filmes tan legendarios como El Padrino (1972) o Apocalypse Now (1979). De hecho, esta última película tuvo mucho que ver en su decisión para cambiarse el nombre.

Según contó el propio Cage en una entrevista para Wired, la decisión estuvo motivada por las burlas que recibió tras el estreno del largometraje de su tío. “La gente no paraba de decir cosas como 'Me encanta el olor de Nicolas por la mañana' por culpa de Apocalypse Now”, compartió con el medio de comunicación. 

Esta broma se basaba en una de las frases más míticas del largo de Coppola, en la que el personaje del teniente coronel Bill Kilgore (interpretado por Robert Duvall) decía: “Me encanta el olor a napalm por la mañana”. Nicolas, que entonces no era más que un adolescente, pensó que sería buena idea pensar un apellido artístico que lo acompañara en su carrera.

Un apellido que, en cierta manera, le permitiera alejarse del sello “Coppola” y construir su propia trayectoria. Para elegirlo, se inspiró en Luke Cage, superhéroe de cómic de Marvel, y en John Cage, compositor estadounidense y figura clave de la vanguardia del siglo XX. Hoy, muchos desconocen que Cage no es el verdadero apellido de uno de los actores más famosos de Hollywood.

Las películas en las que colaboraron juntos

Cage no adoptó su nuevo nombre hasta principios de los años 80, cuando ya había comenzado su carrera como actor. El actor debutó en 1981 con el episodio piloto de The Best of Times, una serie de televisión que tuvo mucho éxito, y pronto consiguió un papel en la película Fast Times at Ridgemont High (1982). En ambas producciones apareció acreditado como Nicolas Coppola, pero fue la última vez que ocurrió.

Cuando su tío Francis Ford Coppola lo eligió para hacer un papel en La ley de la calle (1983), el actor ya se había cambiado el nombre. En una entrevista para The Hollywood Reporter, Cage confesó que le pidió a su tío participar en El Padrino II. “Simplemente no iba a suceder. Fue una película en la que no me dejaron entrar, pero en la que realmente quería estar”, compartió entonces.

Desde su estreno el pasado 12 de febrero, la primera entrega de American Love Story se ha convertido en la serie del momento, sobre todo en su conversación en redes sociales. La ficción retrata de forma íntima el romance entre Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr, que finalizó trágicamente con el fallecimiento de ambos en un accidente aéreo en 1999.

El desenlace previsto se da en el capítulo final que llega este viernes 27 de marzo en la plataforma Disney +, donde es la serie más vista a nivel global, según datos de FlixPatrol, y que también se evidencia con la tendencia de conversación sobre Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr en TikTok, Instagram o X.

Precisamente, el éxito de la serie no solo ha revivido la fascinación por los personajes reales que retrata, sino también por los actores que dan vida a los protagonistas como es el caso de Paul Anthony Kelly, que se ha convertido en uno de los hombres del momento tras meterse en la piel de JFK Jr, por lo que ha pasado de ser un desconocido a uno de los actores de moda.

Quién es Paul Anthony Kelly, el nuevo actor de moda

Paul Anthony Kelly nació en el pequeño pueblo Port McNicoll, en Ontario, Canadá, en octubre de 1988, “un lugar en medio de la nada” para el actor, que, si bien tuvo claro que su pasión era la actuación, comenzó como modelo. Trabajó con marcas internacionales y viajó por todo el mundo, pero se mantuvo en su idea de dedicarse a la interpretación, por lo que estudió en Stella Adler Studio.

Desde entonces, Kelly compaginó su carrera como modelo junto con la de actor, que arrancó en producciones teatrales. Así, se centró y encontró sus primeros pasos en el teatro independiente, lo que le valió para perfeccionar su técnica y adquirir experiencia para buscar su oportunidad en la televisión o en el cine.

Tuvieron que pasar, sin embargo, diez años para que encontrara el papel que lo ha convertido en estrella. El actor se preparó el personaje a conciencia, estudiando biografías, entrevistas y grabaciones de John F. Kennedy Jr, pero el casting fue un proceso largo por el que tuvo que imponerse a más de cien aspirantes. Su apariencia acabaría siendo clave para hacerse con él.

A los productores les costó encontrar a su JFK Jr: “Ya no hacemos ese tipo de chicos”

Y es que mientras Paul Anthony Kelly buscaba su lugar, los productores de American Love Story comenzaban a estar desesperados por no encontrar a su JFK Jr perfecto, un hecho que ha confirmado recientemente en una entrevista el productor ejecutivo Brad Simpson:

“Estábamos a tres semanas de empezar a rodar y todavía no lo habíamos elegido. Habíamos visto a todos los actores masculinos de entre 25 y 38 años. En parte, se trataba simplemente de esa masculinidad de los 80, de la vieja escuela: un hombre con pelo en el pecho, al estilo de Richard Gere o Tom Selleck, con ese aspecto clásico y musculoso. Por alguna razón, ya no hacemos hombres así, y él realmente necesitaba tener eso”, afirmó al respecto.

Finalmente encontraron a Kelly, que no solo se parecía físicamente a John F. Kennedy Jr, sino que además tenía ese corte clásico que buscaban desde la producción y que en parte se ha convertido en tendencia en redes sociales, con un cierto regreso a la moda de los 90.

El mundo del espectáculo y, en concreto, el mundo de la interpretación, son gremios sobre los que más y menos se conoce al mismo tiempo. Todos tienen algo que decir acerca de la industria del cine, todos creen tener la certeza de saber qué ocurre tras bambalinas. De hecho, sería difícil pensar lo contrario, teniendo en cuenta la infinidad de galas de premios que existen y el foco mediático que acaparan sus alfombras rojas. Pero la realidad es que, al contrario de lo que a veces aparentan, los actores y la gente de teatro son seres insoportables. Al menos, esa es la conclusión a la que se puede llegar tras leer Yo, Eduard, una adictiva y divertida sátira al sector cinematográfico.

Sirviendo como crítica del glamur y la purpurina que caracteriza esta disciplina, el escritor y actor Elías González desvela los entresijos detrás de la industria de la interpretación en una novela que destruye sus mitos. La obra, cuya idea nació del rencor de las negativas que el autor se ha llevado en los cientos de castings que ha hecho a lo largo de su trayectoria, aborda este tema a través de la ironía. González se dedica al arte dramático desde hace ya 20 años y, aunque reconoce a elDiario.es que se le da mejor actuar que escribir, necesitaba plasmar sobre el papel la hipocresía de toda la parafernalia que hay alrededor de los brillos de Hollywood.

La intención del autor era la de “mostrar la cara oculta del cine”: “El teatro es más artesanal y hay más compañerismo, pero sí que quería mostrar la cara oculta de las redes sociales, de los castings, que son cosas superficiales. Y quise hacerlo desde el humor y con la ciudad de Madrid como gran paradigma de los actores. Todos vienen a Madrid a triunfar y a tener éxito, pero siempre me acuerdo de Vila-Matas, que referenciaba a Séneca al decir que el éxito es una horterada”. Elías González repasa las causas y consecuencias de lo negativo de dedicarse al arte, desde el uso de las redes sociales hasta la pérdida de autenticidad.

El libro está protagonizado por Lorenzo, un personaje gañán que vive muy tranquilo alejado de la actuación. Sin embargo, solo cuando deja de ser él mismo y comienza a imitar al actor Eduard Fernández atisba el éxito. O más bien otro tipo de éxito, puesto que hay quien consideraría más que un triunfo lograr vivir tranquilo en la sociedad actual. Elías González lo explica bajo el término de “miseria confortable”, que consiste en ganar el dinero suficiente para hacer las cosas que te gustan. Este concepto, que el intérprete lo toma como filosofía de vida, es complicado de aplicar en un momento en el que las redes sociales te empujan a ansiar más y más, a no conformarse con lo que se tiene.

“Es una cuestión de ego”, argumenta González. “Yo también quiero tener éxito con las novelas o actuando, pero hay otras personas que lo tienen como su marca, como su objetivo. Eso, en cuestiones artísticas, me parece lo más errado, porque el arte se rige por otras cosas”, explica el intérprete. “No voy a ser hipócrita, el éxito tiene algo que nos llama, pero es cuestión de controlar el ego, que los actores lo tenemos muy disparado”, agrega. Este orgullo, a menudo arrogante, es una de las consecuencias del “veneno del teatro”, algo que Elías González asegura que han experimentado todos los que son actores.

El intérprete no olvida la primera vez que se subió a un escenario ni tampoco cómo la experiencia lo impulsó a querer hacerlo de nuevo. “Recuerdo la emoción, recuerdo la energía con el público, recuerdo pasármelo que te cagas y decir 'necesito más'. Es como una droga”, confiesa el escritor. “Pero en esta profesión solo trabaja el 8%. Por eso, en los momentos de parón, tenemos que tener la cabeza muy bien amueblada, porque necesitamos actuar delante de una cámara y eso es muy jodido”, cuenta. Es una disciplina para la que Elías González señala la importancia de la salud mental, pues puede acarrear peligrosas carencias de seguridad emocional.

Tanto es así que el actor afirma que “tienes que estar muy preparado para todas las negativas que te vas a encontrar, para sentirte juzgado”. “Cuando entras a un casting, tienes que saber que te van a mirar para juzgarte. Pero, al igual que tienes que estar preparado para eso, también para cuando te den regalos y te adulen, porque puede volverte un poquito majara”, indica, poniendo al descubierto en el libro un proceso de casting arbitrario y absurdo que lleva a muchos actores a cuidarse yendo a terapia. Asimismo, considera imprescindible reforzar el silencio: “Cada vez se escucha peor y cada vez se habla más deprisa. Hay que pensar muy rápido y eso una putada para quienes pensamos lento. Es paradójico porque los actores se dedican a eso, a reaccionar a lo que te dice el otro, pero se escuchan poco y hablan muy alto”.

A pesar de ello, Elías González insiste en que también hay mucha frivolidad entre la gente que no trabaja en esto. “No sé por qué está instaurada toda esta idea de los subvencionados del cine español, cuando lo cierto es que se curra mucho en el cine español”, apunta el autor de Yo, Eduard. “Un país sin una cultura de calidad es un país muerto. Están desapareciendo los libros clásicos de los institutos, el griego, el latín... El gusto por la palabra, por la lectura, por la etimología o habituar a los chavales a ir al teatro haría un pueblo más libre, más preparado, más inteligente y más culto”, añade González, que lamenta que en el arte haya que tener “mucha suerte y paciencia” debido a la precariedad.

La cultura, que es un pilar básico y fundamental de las sociedades, ayuda a ejercitar el pensamiento crítico para reflexionar sobre temas que nos atañen a todos como la política. Este es, de hecho, uno de los asuntos que se tocan en Los árboles no votan, una obra que protagoniza Elías González junto a Susana Hernández, Ana Janer y Pedro Cerezo en el Teatro del Barrio de Madrid. Dirigida por José Ignacio Tofé y con una última función programada para este miércoles 18 de marzo, se trata de una comedia política que busca ser incómoda al poner el foco en el greenwashing, la manipulación de los partidos y las mentiras que se cuentan en nombre del bien común.

Hemos llegado a un punto en el que cualquiera puede opinar de todo. Es una época de cuñadismo propiciada por las redes sociales

Elías González — Actor y escritor

El argumento de la obra gira en torno a una planta de descarbonización que no funciona, generando un dilema en los políticos sobre admitir el error o vender la mentira, para denunciar la estrategia de mercado empleada por algunas empresas que consiste en aparentar ser más respetuosas con el medio ambiente de lo que en realidad son. De hecho, hay un debate entre una científica con datos y un empresario que, con toda su tergiversación dialéctica, convence al público más que la científica. “Utiliza términos como 'libertad', como aquí hace Ayuso, o como 'esperanza'. Son generalidades que entran muy bien al oído, pero en realidad son barbaridades”, expresa González.

No obstante, “estas son las personas que hoy en día ganan los debates”, comenta el intérprete. “Lo vemos en televisión, en todas las tertulias. Es una obra cojonuda para que el público reaccione y tener votantes preparados para que, cuando llegue la hora de votar, sepa quién le está tomando el pelo y quién no. Pero no es para que voten lo que alguien quiera según sus ideales, esa es una labor que tiene que hacer el votante”, dice, haciendo énfasis en que “el ciudadano no tiene que hacer dejación de funciones”, pues “tiene que estar preparado y ser una persona culta para que al escuchar un debate sepa diferenciar los discursos vacíos”.

Aun así, y aunque reconoce que es un “buen pesimista”, Elías González afirma que “de esta cosa se sale colectivamente”. “Hemos llegado a un punto en el que cualquiera puede opinar de todo. Es una época de cuñadismo propiciada por las redes sociales, ya que todo el mundo opina de todo y todo el mundo sabe de todo, lo que te hace llegar a un nivel de encrespamiento y de polarización en el que vale cualquier cosa con tal de tener la razón”, reflexiona el actor. Tanto con su libro, indagando en la industria del cine para destapar su hipocresía, como con su obra de teatro, repasando la incoherencia política, González apuesta por un futuro en el que lo importante sea “abrazar lo colectivo, el compañerismo, el cariño y la empatía”.

Hay historias de Hollywood que escapan de las películas, y la que protagonizaron los actores George Clooney y Russell Crowe fue una de las más curiosas que se dieron a principios de los 2000, sobre todo si tenemos en cuenta que nunca han coincidido en el reparto de un proyecto.

Ambos tuvieron una peculiar guerra de declaraciones que se dieron después de que Crowe ganara el Oscar por ‘Gladiator’ y que tuvo también una extraña forma de finalizar, y de la forma más inesperada, cuando fueron los dos nominados a los Globos de Oro 2006.

La inesperada ‘guerra’ entre Russell Crowe y George Clooney

Para conocer lo que sucedió nos tenemos que remontar a los 2000. Después de ganar el premio Óscar a Mejor actor por su papel de Máximo Décimo Meridio en ‘Gladiator’, Russell Crowe pasaba por uno de sus mejores momentos y así fue como aparecía en medios de comunicación como una figura de gran interés en Hollywood. En eso, el actor concedió una entrevista a la revista GQ donde realizó unas sorprendentes declaraciones en las que denunció el “comercialismo” con el que se habían vendido algunos de sus compañeros, citando expresamente a George Clooney junto a Harrison Ford y Robert De Niro.

Les acusó de prestar su imagen para anuncios publicitarios en el extranjero. “Yo no uso mi fama para vender trajes en España. Para mí es un sacrilegio; es una contradicción total con el contrato que tienes con tu audiencia”, sentenció al decir que podían poner en riesgo su integridad física solo por un dinero extra.

Esto pilló por sorpresa a Clooney, que optó por responder con sarcasmo en otra entrevista: “Russell nos llamó ‘vendidos’ y lo curioso es que lo hizo mientras promocionaba una película por la que le pagaron 20 millones de dólares”, habló.

Sin embargo, lo que dolió a su compañero fue cuando se burló de la banda de música que tiene, ’30 Odd Foot of Grunts’, al afirmar que él y los otros a los que mencionó como ‘vendidos’ iban a formar también su propio grupo y lo llamarían ‘Grunting for 30 Feet’. Esto no sentó nada bien al protagonista de ‘Gladiator’, que declaró: “¿Quién carajos se cree este tipo?”.

La curiosa reconciliación en los Globos de Oro 2006

Tras este ‘encontronazo’ entre ambos, que había sido a base de declaraciones en medios, la reconciliación se produjo hace 20 años, poco antes de la Gala de los Globos de Oro 2006. Fue el que inició todo el jaleo, Russell Crowe quien dio el primer paso al enviarle un paquete como regalo a su compañero.

Y es que ambos se iban a ver las caras en la gala de premios, al estar ambos nominados, en el caso de Clooney por mejor actor de reparto por ‘Syriana’ y en el de Crowe por mejor actor de drama por ‘Cinderella Man’, y para llegar a entenderse al cruzarse, este último le había enviado un libro y un disco.

Era en concreto un libro de poemas escritos a mano por él mismo, y un disco de su banda, esa de la que se había burlado de forma irónica George Clooney, todo ello con una nota: “Escuché que tuvimos una pelea, pero yo nunca dije eso de ti, George. Realmente te respeto”. Un detalle que contó el propio destinatario años después, junto a las declaraciones: “Él decía que lo habían citado mal, y yo pensaba: ‘Claro, citaron mal a Russell, me citaron mal a mí, citaron mal a todos los periodistas del mundo al mismo tiempo’”.

Ha tenido que hacer diez películas para que los Oscar, por fin, le reconozcan. Paul Thomas Anderson es uno de los cineastas fundamentales del cine independiente de EEUU desde hace tres décadas. Por el camino ha traído obras maestras como Boogie Nights, Magnolia, The master, Pozos de ambición o El hilo invisible. Por todas ellas logró nominaciones a los premios de la Academia de Hollywood. No ganó por ninguna.

La Academia le debía una. Y se la ha devuelto a lo grande. No podía ser de otra forma, su Una batalla tras otra era la película del año, y ha salido de los Oscar encumbrada como tal y con seis galardones, entre ellos todos los importantes: Mejor película, dirección, guion adaptado (todos para él), además de los de mejor montaje, actor de reparto para Sean Penn y el de mejor casting, que se entregaba por primera vez en esta edición. S

PTA, como se le conoce entre la cinefilia, suele ser alérgico a los discursos políticos. De hecho, en los BAFTA fue preguntado por ello. Sobre su decisión de no decir nada cuando su película habla de revolución, de la importancia de que los que vengan o hagan mejor y logren los cambios que no lograron los anteriores. En su primer discurso de la noche, el de guion adaptado (el filme se basa libremente en el Vineland de Thomas Pynchon), ya dejó pistas, pero fue en la sala de prensa del Dolby Theatre donde al ser preguntado habló algo más.

Cuando, en las tres únicas preguntas que se le hicieron, se le cuestionó por el mensaje que dejaba su filme en el mundo actual, dejó claro que su película “Obviamente guarda cierto paralelismo con lo que sucede a diario en las noticias”. “Evidentemente refleja lo que está ocurriendo en el mundo en cuanto a la dirección que este está tomando. No lo sé con certeza, pero sí sé que, al final de nuestra película, vemos a nuestro héroe marcharse para continuar luchando contra las fuerzas del mal. Y ojalá el sentido común y la decencia vuelvan a estar de moda”, añadió.

También abordó una de las críticas que se ha hecho a la película, el del tratamiento de su personaje femenino, Perfidia Beverly Hills. Anderson se refirió a las palabras de su protagonista, Teyana Taylor, que no pudo lograr el Oscar horas antes. “Retratamos muchos personajes diferentes. Su personaje está lleno de imperfecciones y, lamentablemente, toma decisiones que resultan perjudiciales para la revolución por la que ella intenta luchar. Es algo complejo. Siempre supimos que estábamos intentando crear algo complejo”, defendió de su guion. 

A medida que uno se hace mayor y continúa en la profesión, la única razón por la que sigue haciéndolo es para estar con otras personas

Paul Thomas Anderson — Cineasta

Por eso quiso “no hacer algo que fuera puramente heroico”. “Debemos asumir esa complejidad. Debemos reconocer el hecho de que esta mujer no solo padecía depresión posparto, sino que también arrastraba problemas personales propios con los que aún no se había reconciliado realmente. Es algo muy peligroso cuando uno empieza con el propósito de cambiar el mundo, pero poco a poco comienza a volverse algo egoísta y termina leyendo sus propias reseñas. Esa era nuestra heroína, Perfidia, alguien que termina convirtiéndose en una antiheroína”, argumentó. 

Finalmente subrayó de nuevo el mensaje del filme, que mira al futuro y las nuevas generaciones para arreglar este caos: “El objetivo de todo esto era sentar las bases para la historia de Willa, la siguiente generación. ¿Qué sucede cuando tus padres, que son personas dañadas, te han legado una historia bastante difícil? ¿Cómo lidias con eso? Esa es nuestra historia. Y nuestra historia se centra en Chase y en su evolución; o, para expresarlo en términos del aspecto generacional: en su intento por hacerlo mejor”, zanjó.

En el poco tiempo ante la prensa, Paul Thomas Anderson defendió también la labor del cineasta como algo comunal: “La única razón por la que sigo haciendo esto es por las personas con las que colaboro. Quizás no esté muy de moda decir que uno no hace esto por los premios ni por ninguna otra cosa, pero, lo juro por Dios, lo que realmente me entusiasma de hacer cine es colaborar con otras personas. Ahora mismo, ese es el punto número uno de mi lista. Quizás, cuando uno empieza, solo piensa en lo que sea que persiga en ese momento; simplemente quiere formar parte del mundo del cine. Pero a medida que uno se hace mayor y continúa en la profesión, la única razón por la que sigue haciéndolo es para estar con esa gente”.

Parecía una broma de mal gusto que hasta ahora Paul Thomas Anderson no tuviera un Oscar. Ninguno. Ni a mejor guion, ni como director… nada. El genio detrás de varias de las mejores películas de las últimas tres décadas como Magnolia, Pozos de ambición o El hilo invisible ha tenido que esperar a su décima película para lograr que la Academia de Hollywood se rinda ante él. Eso sí, lo ha hecho a lo grande, coronando Una batalla tras otra con seis premios Oscar, entre ellos los más importantes: Mejor película, Mejor dirección, Mejor guion adaptado (por ser una libérrima adaptación del Vineland de Thomas Pynchon), además de Actor de reparto para Sean Penn (que se llevó su tercer Oscar pero no acudió a recogerlo), montaje y casting, premio que se entregaba por primera vez este año.

No podía ser de otra forma, Una batalla tras otra es la mejor película del año. O, al menos, la mejor hecha en Hollywood. El Oscar para el filme es, además, una declaración de intenciones en el momento actual de la industria de cine en EEUU y del país en general. Primero, por ser un filme arriesgado, caro, que no depende de una franquicia conocida y que ha producido un estudio de los de toda la vida (Warner) dando la libertad creativa y financiera a un director tan personal pero, a priori, poco taquillero como Paul Thomas Anderson. Encima, en un momento en el que Warner será comprada dentro de poco por Paramount y el futuro de filmes como este queda pendiendo de un hilo.

Segundo, porque en la América de Trump, Una batalla tras otra era una de las películas que se atrevía a mostrar sus heridas y las formas de confrontarlas. La película de PTA habla de las revoluciones fallidas y de cómo el amor y el cariño es la forma de transmitir el activismo como legado de padres a hijos. A pesar de ser alérgico a los discursos políticos, en esta ocasión asomó algo de colmillo cuando contó que escribió este filme para sus hijos, “para pedirles perdón por el desastre que hemos dejado en este mundo que les estamos entregando, pero también con la esperanza de que ellos sean la generación que, ojalá, nos devuelva el sentido común y la decencia”.

Los pecadores puso emoción hasta el final, ya que fue sumando estatuillas como guion original, Mejor banda sonora para Ludwig Goransson —el tercero tras los logrados por Black Panther y Oppenheimer–, fotografía (premio histórico al ser Autumn Durald Arkapaw la primera mujer en lograrlo en 98 años) y, sobre todo, hizo pensar en que podía dar la sorpresa cuando Michael B. Jordan ganaba al favorito Timothee Chalamet como Mejor actor, un premio que fue recibido en la sala de prensa del Dolby Theatre con un estruendoso aplauso. Un estupendo botín para una de las películas más queridas en EEUU este año. Si sorprendente fue el de Mejor actor, cero sorpresas hubo en el de Mejor actriz, que fue para la desgarradora interpretación de Jessie Buckley en Hamnet, la adaptación del libro de Maggie O'Farrell. La película de Chalamet, Marty Supreme, fue de lejos la gran derrotada de la noche. El filme de Josh Safdie no pudo convertir en premio ninguna de sus nueve candidaturas.

Para España no hubo buenas noticias. Sirat no pudo materializar ninguna de sus dos nominaciones. La de Mejor película internacional estaba casi imposible, y finalmente fue para la noruega Valor sentimental, un premio entregado por un Javier Bardem que volvió a demostrar su compromiso político diciendo desde el escenario: “No a la guerra, Palestina libre”. Con el de Sonido había una esperanza de que el equipo Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas hiciera historia y se convirtiera en el primero enteramente femenino en llevarse la estatuilla. Tampoco pudo ser, y el premio fue para la favorita F1. 

Oscar para los fenómenos populares

El primer premio de la noche no fue para ninguna de las dos favoritas. Amy Madigan ganó el premio a la Mejor actriz de reparto por el personaje más icónico de la temporada, la Tía Gladys de Weapons, otro éxito de Warner este año. Era una de las categorías más abiertas de la noche, pero tras ver el brillante comienzo de Conan O’Brien parece hasta lógico. El presentador se coló en las películas nominadas caracterizado como Gladys y, poco después, Madigan fue coronada con el Oscar por ese personaje. Madigan, que protagonizó hace décadas un momento emblemático de la historia de los Oscar cuando no aplaudió ni se levantó a aplaudir a Elia Kazan —que delató a sus compañeros comunistas durante el Macartismo—, tiene ahora otro para el recuerdo.

Sin duda, los Oscar este año se rindieron a los fenómenos populares, y así lo acreditan también los dos previsibles Oscar a Las guerreras K-Pop, la película más vista de la historia de Netflix, que ganó el de Mejor película de animación y el de Mejor canción para la hiper cantada y tarareada Golden. Netflix, por cierto, se llevó uno de los mejores dardos de Conan O’Brien, que le dijo que Ted Sarandos, el mandamás de la plataforma allí presente, era la primera vez que pisaba un cine en su vida. Incluso se podría entender así los tres premios técnicos que se llevó el Frankenstein de Guillermo del Toro (vestuario, maquillaje y peluquería y diseño de producción) y todo un éxito en Netflix.

Y, como si fueran los Goya del año pasado, hubo un 'ex aequo', aunque no fue en Mejor película, sino en la de Mejor corto de ficción, pero provocó un momento de sorpresa muy bien resuelto por el presentador, Kumail Nanjiani, que aclaró que no era una broma y que leería primero un nombre, y tras agradecer el premio, el segundo. Así, The Singers y Two People Exchanging Saliva recogieron su Oscar en un momento que no se daba desde 2012, tal como aclararon rápidamente los documentalistas de la Academia de Hollywood en la sala de prensa.

Conan O'Brien triunfa en una gala brillante

Aunque no estuviera nominado a nada, quien salió triunfante de su difícil papel fue Conan O'Brien, que repitió como maestro de ceremonias y lo clavó desde el primer momento, con ese gag vestido de Tía Gladys, hasta su última aparición. Entre medias un primer monólogo cargado de dardos a Netflix y hasta al príncipe Andrés. “No hay británicos nominados en la categoría de mejor actor o mejor actriz. El portavoz de los británicos ha dicho, 'bueno, por lo menos hemos arrasado en el sector de la pedofilia'”, dijo el presentador ante la risa y el asombro del público del Dolby.

Hubo gags muy divertidos sobre ver cine en el móvil, clásicos reactualizados, y una aparición de Jimmy Kimmel, que subió al escenario tras un año en el que su programa fue cancelado por sus críticas a Trump y finalmente recuperado por las críticas del sector y el público. Kimmel no se domesticó en su discurso: “Como saben, hay países cuyos líderes no aceptan la libertad de expresion, pero no nos permiten decir cuáles. Llamémosles Corea del Norte y CBS”. Minutos después, cuando presentó el premio al mejor documental dijo, refiriéndose al presidente de EEUU, que se iba a enfadar cuando viera que el documental de su esposa no estaba ni siquiera nominado.

No todo fue tan brillante. Se esperaba más de la reunión de las protagonistas de La boda de mi mejor amiga, y la actuación de Golden dejó mucho que desear. No así la actuación de la canción nominada de Los pecadores, puro riesgo en el escenario. Pero, sobre todo, emocionó la forma en la que afrontaron el 'in memoriam' en un año donde las muertes han sacudido Hollywood. Los homenajes a Rob Reiner (por parte de Billy Crystal y junto a actrices como Meg Ryan y otras de sus películas), Diane Keaton y, sobre todo, el que hizo Barbra Streisand a Robert Redford cantando The way we were sacaron las lágrimas a más de uno. Eso sí, las alusiones políticas volvieron a ser escasas. Más allá de Bardem, los ganadores del Oscar al Mejor documental por Mr. Nobody against Putin y algún dardo de los presentadores, Hollywood volvió a demostrar que el miedo sigue reinando a la hora de dar discursos.