Vítor Belho no se lleva a engaño. “Queremos vivir de nuestro trabajo, y vivir lo mejor posible, pero Nordesía no nació para ganar mucha pasta. Pretendíamos ser un activo para la mejora de la comunidad musical, desde la convergencia entre tradición y modernidad”, asegura. Una empresa cultural, fundada hace ahora 30 años por Paco de Pin y el mismo Belho, que entiende que su función va más allá de lo mercantil, añade. “Las grandes cifras económicas ocultan la realidad diversa de la música popular, que a veces tiene dificultades para emerger”, sostiene, “nosotros seguimos creyendo en los artistas que se expresan desde la propia creatividad”. Nordesía, compañía clave en el despegar del folk gallego en los 90 y en la apertura a las músicas globales de raíz, celebra este sábado su cumpleaños con un concierto en la Sala Capitol de Santiago de Compostela.

El discurso de Belho sobre el estado de la cuestión musical en Galicia (y en el Estado) es crítico. Pese a ser uno de los empresarios culturales gallegos de mayor impacto, desconfía de lugares comunes. “Soy una persona observadora y reflexiono. Ahora mismo estoy más en el paradigma de los derechos culturales que en el de la industria cultural”, afirma. Es su respuesta a la pregunta por las decepciones que, al frente de Nordesía, vivió en estos 30 años. “Quizás la mayor frustración es ver que el dilema entre la dimensión económica y la dimensión social de la música, de la cultura, se inclina hacia lo económico como indicador principal”, dice. Los grandes números -cachés, públicos, conciertos- imponen una lógica perversa, uniformizadora. “Y acaban por arrastrarnos a todos, porque también se imponen en la contratación pública. Si no eres relevante en esos términos, no tienes espacio”, aduce.

Belho cita las investigaciones del periodista catalán Nando Cruz, colaborador de elDiario.es, como reveladoras. Sintetizadas en dos libros, Macrofestivales. El agujero negro de la música (Península, 2023) y Microfestivales y otros festivales posibles (Sílex, 2025), abogan por una reformulación del mapa de la música en directo y una valorización de experiencias al margen o más allá de las citas mastodónticas, insostenibles, con carteles intercambiables y sin ninguna coherencia. “El macrofestival es una tiranía, la explotación del usuario”, considera Belho, “determinado por el efecto FOMO [miedo a perderse algo]”. Contrapone los modelos que Nordesía ha promovido -ImaxinaSons, Sons da Diversidade, Festival dos Abrazos, Cantos na Maré- o promueve, como el Maré. “Buscamos insertarlo en el marco de una ciudad [Santiago de Compostela], que haya una programación diversa, implicada con otros agentes sociales”, defiende. Por los escenarios de su última edición pasaron músicos palestinos o brasileños, mexicanos o andaluces, gallegos o suizos.

“Hay una carrera por el crecimiento constante, una apuesta por la cantidad, que no compartimos. Hay que poner perspectiva, porque sino”, se extiende, “acabaremos con los lugares donde nace la música. Que son los templos de la cultura, alimentados por el poder en sentido amplio, sino los barrios, los pueblos. La música es más que un negocio”.

Talento potencial, déficit de contexto

Y en absoluto estas tres décadas de historia se reducen a una mirada pesimista. Nordesía tiene sus orígenes remotos en el Festival Folk Cidade Vella de Santiago de Compostela, que Belho dirigió entre 1987 y 1995. Fue cuando conoció a Paco de Pin, experto en las áreas técnicas del espectáculo. El último año actuaron Salif Keita, La Vieja Trova Santiaguera, Berrogüetto o Sharon Shannon. “Ya tenía cierta envergadura pero acabó abruptamente”, dice sin ahondar en los motivos. “Pero Paco y yo detectábamos un potencial de talento brutal en la música gallega y un déficit de contexto y capacitación”, señala, “queríamos abrir las músicas de raíz y explorar, desde ellas, una mirada al mundo”. Constituyeron Nordesía.

Los objetivos iniciales no estaban claros. Su “manifiesto poético ideológico” citaba la vanguardia histórica del poeta Manuel Antonio y el Laboratorio de Formas, núcleo teórico del Sargadelos de Díaz Pardo y Luís Seoane. Las intersecciones entre industria, cultura y política. El nombre lo recogieron de una exposición de Antón Reixa, otro poeta y, al frente de Os Resentidos, pionero del rock avanzado en gallego. El proyecto fue adquiriendo forma sobre la marcha. Además de “la proyección al mundo del talento gallego”, la profesionalización del sector fue otra de sus batallas.

“Cuando empezamos, se pagaba en sobres, no había altas y bajas en la Seguridad Social, ni seguros de ningún tipo”, recuerda, “nosotros impulsamos el convenio autonómico de servicios y productoras culturales, creamos la Asociación Galega de Empresas Culturales, fuimos consejeros en la creación de la Axencia Galega das Industrias Culturais (Agadic) durante el gobierno bipartito”. La participación en foros, ferias y encuentros “en los cinco continentes” o la organización de tres ediciones del Womex -uno de los principales mercados de las llamadas músicas del mundo- en Galicia son algunos de los hitos que destaca el propio Belho.

Proliferación espontánea de foliadas

El mundo ha cambiado. Y el mundo de la música, de manera singular en estos 30 años. Belho cita la metamorfosis de los soportes musicales -casetes, vinilos, cedés, Internet- y lo que describe como crecimiento exponencial del tejido creativo y empresarial. “Soy reticente a hablar de industria cultural para el caso gallego, prefiero hablar de tejido cultural”, puntúa, “pero hoy en día hay aspectos de la música popular que están normalizados y creo que es un triunfo”. Se refiere, por ejemplo, a la proliferación espontánea de foliadas y seráns, “algo que sucede de forma natural y orgánica, no siempre sobre un escenario”. La música gallega actual en la que más se fijan en Nordesía bebe, precisamente, de esas fuentes.

Belho no es, sin embargo, adanista. Le entusiasma el éxito de audiencia de propuestas como Tanxugueiras -cantareiras seducidas por los llamados ritmos urbanos- o The Rapants -indie dance cantado en gallego- pero recuerda que ya a finales de los 90, artistas como Carlos Núñez, Berroguetto o Luar Na Lubre -estos aún activos- “llenaban A Quintana [emblemática plaza de la zona vieja de Santiago de Compostela] con entrada de pago”. “Aquellos artistas constituían un verdadero movimiento que trabajaba la riqueza musical, tímbrica y sonora del país”, considera. ¿La diferencia? La mayor visibilidad mediática, el fenómeno de las redes sociales y una comunidad que actúa, contesta. Y aunque alerta de las alarmantes estadísticas que indican cierto retroceso de la lengua gallega, concluye: “Hoy en día la sociedad es más permeable a estímulos culturales propios”.

Por el palco de la Sala Capitol de este sábado, 24 de abril, donde Nordesía celebrará sus 30 años, desfilarán raperos -Lumedoloop-, jazzeros y renovadoras de la canción de raíz popular -A Pedreira & Alejandro Vargas, una de las responsables de la redignificación de la pandereta -Felisa Segade, de Leilía-, gaiteiros escorados al pop -Budiño-, una cantante referente de la recuperación del folclore gallego -Uxía- e incluso habrá presencia africana, mozambiqueña más concretamente -Cheny Wa Gune.

El cine suele asociarse a las alfombras rojas de las grandes capitales, pero esta semana el epicentro de la creación audiovisual extremeña, española a iberoamericana se ha desplazado a las Vegas Bajas del Guadiana. Talavera la Real, un municipio pacense situado a apenas 20 kilómetros de Badajoz, se estrena como sede de la III Residencia de Cine de Extremadura. La Casa de Cultura de la localidad y el Centro de Ocio de Juvenil han sido la sede proyecciones y asesorías para residentes que además de trabajar en el proceso creativo de sus películas, se han mimetizado durante días con el folklore y las tradiciones de la localidad.

Los directores de esta iniciativa, el director y productor extremeño Juan Antonio Moreno (Making DOC) y la guionista internacional Yolanda Barrasa, presentaron esta semana un programa de actividades que, durante cuatro días, ha situado a Talavera la Real en el epicentro del desarrollo de las películas españolas que en pocos años llegarán a la gran pantalla. En total, 16 proyectos cinematográficos, que han sido mentorizados para avanzar en el desarrollo de guiones, impacto social y audiencia potencial.

Familias de acogida

Lo que hace singular a esta residencia es su carácter inmersivo. No se trata de un retiro aislado en un hotel, sino de una convivencia real: varios vecinos de la localidad han abierto las puertas de sus domicilios para acoger a los cineastas. Esta integración comenzó el domingo con los residentes participando en la Matanza Tradicional en el recinto ferial, un choque cultural y gastronómico que marca el tono de la estancia.

“El objetivo es incorporar proyectos cinematográficos de zonas periféricas, de lugares donde habitualmente no se hace cine”, explicaron Moreno y Barrasa. Ese espíritu se refleja incluso en los detalles más pequeños: la alfombra roja que lucía la Casa de la Cultura ha sido confeccionada manualmente por las mujeres de Talavera.

Además, los escolares de la localidad se han convertido en parte activa del proceso creativo. Alumnos del colegio San José han interpretado algunas de las escenas de las películas en desarrollo, permitiendo a los directores ver sus historias cobrar vida por primera vez a través de la mirada de los niños del pueblo.

Radiografía de 16 proyectos con pulso social

De los 16 proyectos en desarrollo (que abarcan ficción, documental y animación), cinco son de sello extremeño, seis nacionales (Andalucía, C. Valenciana, Castilla-La Mancha, Canarias, Cataluña y Madrid) y cinco iberoamericanos (procedentes de Costa Rica, Argentina, Puerto Rico, México, Colombia y Bolivia).

En esta fase específica en Talavera, los cineastas no están escribiendo desde cero, sino que se centran en el impacto social y la búsqueda de audiencias potenciales, contando con el asesoramiento de Yolanda Barrasa y otros mentores. Muchos de estos proyectos llegan tras pasar por laboratorios de prestigio como Warmi Lab (enfocado en mujeres productoras) y DocsMéxico, o tras haber sido presentados recientemente en el Festival de Málaga (MAFIZ) ante distribuidores y plataformas como RTVE o Filmin. El objetivo final es pulir las obras para el Extremadura Film Market, que se celebrará en noviembre en Guadalupe, donde buscarán la financiación definitiva para pasar del papel a la pantalla.

El rito de quemar lo viejo: las ‘Iluminarias’

El calendario de actividades combina este rigor técnico con la agenda popular. Mientras los residentes asisten a tutorías, tiene lugar a su vez la Semana de Cine Extremeño e Iberoamericano, también impulsado por la Residencia de Cine de Extremadura. Su programación incluye títulos destacados como el cortometraje documental Ciao Bambina, de la extremeña y madrina de la edición Carolina Yuste (nominada al Goya), o cintas como Herederas, de Silvia Venegas (también nominada al Goya y presente en la residencia), y Vera y el placer de los otros, de Romina Tamburello. Algunas de estas proyecciones se realizaron ante alumnos del IES Bachiller Diego Sánchez de la localidad.

Sin embargo, el momento más simbólico de la convivencia ha llegado hoy miércoles. Coincidiendo con la víspera de San José, patrón del municipio, los cineastas han participado en las ‘Iluminarías’. En estas hogueras ancestrales, siguiendo la tradición de deshacerse de lo antiguo para recibir a la primavera, los directores quemarán fragmentos de sus proyectos, escenas descartadas o guiones desechados, para dar paso a las nuevas versiones de sus obras. La jornada concluyó con el concierto del artista extremeño El Gato con Jotas, referente de la actualización del folclore regional.

En la presentación oficial participaron la consejera de Cultura, Victoria Bazaga; el diputado de Cultura de la Diputación Provincial de de Badajoz, Ricardo Cabezas; la vicepresidenta primera de la Diputación Provincial de Cáceres y la alcaldesa de Talavera la Real, Manuela Sancho, quienes coincidieron en señalar la importancia de descentralizar la cultura. Los guiones de esta edición llevarán consigo el aroma a leña de las hogueras de Talavera y el sabor de las historias compartidas en las cocinas de sus vecinos y vecinas.

La banda folk cántabro Cahórnega celebrará su 25 aniversario este viernes 6 de febrero, a las 20:30, en la sala Escenario Santander, con músicos que han formado parte del grupo en distintas etapas y varios artistas invitados. Las entradas están a la venta por 10 euros a través de la web de la sala.

Cahórnega, formación de referencia del folk cántabro, que ha compartido escenario con Celtas Cortos, Carlos Núñez, Kepa Junkera, Altan, Solas, Felpeyu o Corquieu, combina composiciones propias y piezas de tradición oral reinterpretadas desde una mirada contemporánea, sin perder el vínculo con la raíz y con especial atención a los arreglos vocales y a una instrumentación variada.

El recital en Escenario Santander de este viernes servirá como puesta de largo del disco 25 Aniversario, Teatro Concha Espina, un álbum grabado en directo durante el concierto conmemorativo celebrado en abril de 2025 en el Teatro Municipal Concha Espina de Torrelavega. Aquella cita supuso un repaso a la trayectoria del grupo, acompañado por buena parte de los intérpretes que han pasado por la formación a lo largo de estos 25 años.

Tanto el disco como el documental se presentarán en el marco de este concierto en Santander, concebido como un punto de encuentro entre las distintas etapas del grupo y un recorrido por su evolución musical.

La grabación y producción del trabajo discográfico ha sido realizada por Javeta López, de Estudios Vumeter, quien también se ha encargado de la mezcla y masterización. De manera paralela, el concierto fue registrado en vídeo por el director Aitor Sánchez Smith, responsable de la edición audiovisual y de un documental que recorre la historia de Cahórnega desde sus orígenes hasta la actualidad.

El cantante español Guitarricadelafuente protagonizará el próximo concierto del famoso ciclo de actuaciones Tiny Desk, de la radio pública estadounidense NPR, según informó la emisora este lunes.

El artista Álvaro Lafuente Calvo, de 28 años, interpretará varios de sus éxitos musicales en una actuación en el reconocido escritorio de la emisora que se publicará este martes 20 de enero.

“Su voz tranquilizadora y sus ritmos constantes parecen una nana con un toque festivo”, escribió la radio pública estadounidense NPR en el anuncio.

Su último álbum 'Spanish Leather', en el que fusiona sonidos folk y pop con letras sobre la maduración personal y la forma de crecer y entender el erotismo, fue considerado por varias revistas especializadas como uno de los mejores discos del 2025.

La revista Rolling Stone lo situó en el puesto 46 de su anual lista de los mejores 100 álbumes del año y destacó especialmente las canciones 'Full Time Papi' y 'Babieca!'.

Este disco, publicado el 16 de mayo de 2025, es de segundo de Guitarricadelafuente. En 2022 publicó su álbum debut 'La Cantera'.

El cantante saltó a la fama en 2018 con los sencillos 'Guantanamera', 'Sixtinain' o 'Agua y Mezcal' y en 2023 dio su salto más internacional tras colaborar con el cantante sudafricano Troye Sivan en la canción 'In My Room'.

Con esta actuación, Guitarricadelafuente se une a otros cantantes españoles que también han actuado en el mítico escritorio de la radio estadounidense como C. Tangana, María José Llergo, Silvia Pérez Cruz o Rusowsky.

El primer Tiny Desk se grabó en 2008 con la cantautora Laura Gibson, y a lo largo de los años se ha convertido en uno de los escenarios musicales más prestigiosos del mundo, por donde han pasado artistas como Coldplay, U2, Bad Bunny, Adele, o Karol G.

El cantante iniciará a finales de febrero una gira por las principales ciudades de Estados Unidos que arranca con dos fechas en Nueva York, en las que ha agotado las entradas, y pasará por Washington, Chicago, Los Ángeles y San Francisco.

Algunos dicen que fue la Bob Dylan femenina, incluso que fue la precursora de la canción de autor en Estados Unidos. Sin embargo, su nombre apenas es conocido por el público general a día de hoy. La historia de Connie Converse es uno de esos enigmas de la historia de la música que sigue generando muchas preguntas entre los aficionados de sus canciones, que no se conocieron hasta años después de que ella las grabara.

Elizabeth Eaton Converse nació en 1924 en Laconia, New Hampshire, dentro de una familia profundamente religiosa. Durante su infancia, solo podía escuchar música religiosa y clásica en casa. El baile, el alcohol y los juegos de cartas estaban prohibidos. Converse, que destacó por ser una estudiante brillante, asistió a la universidad de Mount Holyoke College con una beca. Sin embargo, terminó abandonando sus estudios. Fue entonces cuando se mudó a Nueva York.

Allí, sin sello discográfico ni agente, Converse se convirtió en una compositora autodidacta. Grabó sus propias canciones desde su apartamento de Greenwich Village, pero no logró triunfar. “No sonaba como nadie más que hiciera música en su época”, señaló el músico Howard Fishman en una entrevista para la BBC. Sus canciones melódicas con letras introspectivas no eran algo que se llevara especialmente en los Estados Unidos de los años 50.

A Fishman, que publicó la biografía To Anyone Who Ever Asks: The Life, Music, and Mystery of Connie Converse en 2023, le gusta creer que Converse podría haber sido una superestrella. “Me encanta pensar en una realidad alternativa en la que su música recibió el reconocimiento que merecía en su momento y ella fue reconocida por el genio musical que era”, dijo al medio británico. En nuestro mundo, esto no pudo pasar porque, de la noche a la mañana, Connie desapareció.

El misterio de su desaparición

En agosto de 1974, una semana después de cumplir cincuenta años, Converse envió una serie de cartas a sus familiares y amigos. En estas, la mujer se despedía de ellos, contándoles que iba a empezar una nueva vida en algún lugar y que por favor no la buscaran. Salió de Ann Arbor, Míchigan, en coche y nunca más se supo de ella. “Que sepamos, nunca llegó a Nueva York. Que sepamos, nunca llegó a ningún lado”, señaló el autor de su biografía.

50 años después de su desaparición, esta sigue siendo un misterio. No se encontró su cuerpo ni su coche en ningún sitio, por lo que nadie sabe cuánto tiempo vivió ni de qué murió. Lo único que queda son sus canciones, que no se dieron a conocer hasta mucho después de que Connie las grabara. En 2004, fue el periodista David Garland el que difundió por primera vez una grabación inédita de ella en su programa de radio. 

El interés por sus canciones creció entonces y, en 2009, Dan Dzula y David Herman publicaron el álbum How Sad, How Lovely gracias a archivos cedidos por Gene Deitch y Philip Converse. El disco de 17 canciones también fue lanzado en versión vinilo por Squirrel Thing Recordings en 2015. Hoy, la música de Connie Converse se puede escuchar en plataformas como Spotify, permitiendo que las nuevas generaciones conozcan a una de las pioneras del folk americano más interesantes. 

La provincia de Guadalajara, entre finales de diciembre y principios de febrero, espera la llegada de La Botarga, un picaresco personaje de origen incierto –aunque ligado a la mitología celta e íbera– que más tarde se incorporó a festividades religiosas. Esta figura enmascarada, recorre las calles de varias localidades, danzando y persiguiendo a los vecinos y vecinas para arrearles con su cachiporra. Una tradición que también ha sido declarada Bien de Interés Cultural (BIC), en la categoría de Bien Inmaterial.

En Villaseca de Uceda, un pueblo de la campiña del Henares de menos de 60 habitantes –según el Instituto Nacional de Estadística–, celebran la cuarta edición de esta tradición después de casi un siglo en la que nadie había vuelto a ver bajar del monte a este colorido y característico personaje.

Una festividad “desvinculada” de lo religioso

Lucía García Mateo, vicepresidenta de la Asociación Cultural Amigos de Villaseca de Uceda, asegura en la entrevista que ha mantenido con elDiario.es Castilla-La Mancha que 'La Botarga' es “un personaje de la cultura celta y también una tradición bastante arraigada en Guadalajara”. En la provincia guadalajareña existen “más de 45 festividades con este nombre, y es un personaje que como todo lo pagano ha ido cambiando su esencia”. García Mateo nos explica que “cuando la religión empezó a meterse en las fiestas paganas, era necesario darle una vuelta y entonces muchas botargas están relacionadas con actos de tipo religioso”. Sin embargo, la “esencia primitiva está ligada a temas como la fertilidad, las buenas cosechas o el cambio de estación como la primavera o el invierno”.

Lucía nos cuenta que la primera botarga de la provincia “sale alrededor de Nochebuena y la última casi en el mes de febrero, por lo que hay un periodo muy largo, donde cada uno tiene su significado”. Para recuperar esta tradición, la asociación a la que pertenece García Mateo descubrió que originalmente se celebraba entre el 1 y 6 de enero. “Por cuestiones logísticas, de cercanía con el día de Año Nuevo o los Reyes hemos adaptado que sea el segundo sábado del mes de enero, siempre que sea después de la festividad de Reyes Magos, para desvincularla de cualquier tipo de acto religioso. Es una botarga muy rural, porque viene del monte y se va de nuevo a él”.

'La Botarga': personaje y vestimenta

Este personaje es encarnado por una persona del pueblo. Lucía señala que no importa que sea hombre o mujer: “Dejamos libre candidatura para que todo el que quiera se postule. Lo cierto es que nunca hemos tenido que elegir entre diferentes personas, y si así sucediera supongo que lo haríamos por orden”. Sin embargo, sí que hay un requisito y es que la persona que encarna este personaje sea mayor de edad. “Basta con que represente bien el personaje y tenga la agilidad suficiente para poder llevarlo a cabo”, apunta la portavoz de la asociación.

El traje de 'La Botarga' radica en un conjunto de dos piezas, formado por una chaqueta y un pantalón, que se realiza con fieltro y con la técnica de costura denominada como 'patchwork' con formas geométricas. Predominan cinco colores: rojo, azul, verde, amarillo y morado, y uno de los elementos que destacan son los cascabeles que engalanan el bajo de las perneras del pantalón.

Además, también lleva un gorro en forma de pico con tres borlones rojos, y por último una 'taleguilla' o bolso que recuerda a un zurrón, portado cruzado como una bandolera. En los pies, 'La Botarga' lleva unas albarcas típicas de la zona. Como accesorios, una cachiporra de madera de olmo con un mochuelo tallado –que es el símbolo de Villaseca de Uceda–, hecha por un vecino de Villaseca.

Por último, una máscara con “rasgos primitivos, toscos y grotescos, elaborado en escayola y cartón fallero” y también una peluca con “pelo largo y despeinado, en homenaje a Martín González, la única persona de la que parece hay constancia que en los últimos años de la existencia de La Botarga fuera su protagonista”, según señalan desde la asociación.

Un proceso “complicado” de recuperación

Lucía expone que durante la investigación para recuperar la festividad de La Botarga, se basaron en la de un pueblo cercano, Valdenuño Fernández, “que es la que tiene mayor tradición en los pueblos de la zona. Allí nunca ha habido ningún parón en esta celebración”, explica. Asegura que a partir de estas labores de investigación, descubrieron que “existían tres botargas perdidas, la de Viñuelas, Villaseca y El Vado”, este último municipio desapareciendo en la década de 1950 por una inundación. En Villaseca, según testimonios recabados por la asociación, se celebró hasta el año 1932. “Fue un poquito complicado recuperar la tradición porque hacía casi 100 años que La Botarga no se celebraba, por lo que no había personas que viviesen que hubieran visto la festividad. Si acaso alguna persona que su abuelo se lo había contado, pero era difícil construir a partir de ahí. Pero bueno creo que hemos logrado respetar la esencia de lo que hay escrito”, explica.

García Mateo expresa que “cualquier tradición y fiesta es una cosa viva, por lo que va cambiando y mejorando, en este caso nosotros hemos añadido un elemento que es el fuego”. Asegura que han respetado elementos como los colores del traje, la cachiporra –una especie de bastón o báculo que ha elaborado un vecino de pueblo–, pero que ese elemento simboliza “un poco la chispa, el renacer de la tradición a través del fuego, también porque está ligado a la comunidad, al reunirse en las casas al calor de la chimenea, es un elemento muy guay para poder explicar todo eso, lo que un día fue La Botarga y lo que nosotros recuperamos”.

Una tradición que quiere afianzarse

Lucía transmite que el primer año que se recuperó esta festividad, a causa de la “expectación” participaron muchas personas. “Ahora rondaremos los 200 participantes, de los cuales 130 asistieron a la comida solidaria. La verdad que teniendo en cuenta que somos un pueblo de 40 personas, pues está muy bien”, señala.

Este año La Botarga de Villaseca de Uceda se ha celebrado este 10 de enero. Primeramente, desciende danzando por el monte hasta que encauza por la cuesta que lleva su nombre y llega a la localidad. Tras alcanzar el pueblo, este personaje recorre las calles, llamando a las puertas de las casas para recoger “diferentes viandas, que son las que luego nos tomamos con el vemut en el baile”. Un baile que está amenizado por los dulzaineros Mahurotos. Tras esto se da paso a la comida, que tiene un fin solidario.

Durante este 2026 los seis euros de cada aportación van destinados a afectados por la enfermedad de la esclerosis múltiple a través de la Asociación de Esclerosis Múltiple de Guadalajara, elaborada por el catering local Los Balandros y financiada por el Club Deportivo de Caza de Villaseca. En 2025 los 714 euros que recaudaron fueron destinados a la recuperación de las zonas afectadas por la dana en Valencia en octubre de 2024.

Por último, a las cinco de la tarde se produce la actuación del grupo tradicional Hermanos Cubero. “Siempre intentamos que la actuación sea de un grupo más tradicional, relacionado con la música folk o similar”, expone Lucía.

Toda la celebración está organizada por la Asociación Cultural Amigos de Villaseca de Uceda, compuesta por 87 socios de todas las edades. “Generalmente, somos vecinos y vecinas del pueblo, pero está abierta a todo el mundo que quiera unirse. En la asociación tenemos también otros proyectos como rutas de senderismo que engloba a otros 11 pueblos de la zona, pero tenemos socios desde los 5 meses que se inscriben con sus padres hasta mayores de 65 años”, señala la portavoz de la asociación.

Lucía nos avanza que de cara al futuro de la festividad tienen “muchas ideas en el aire”, pero que “cuando uno recupera una tradición desarraigada lo primero que hay que hacer es afianzarla. Luego ya podemos innovar y añadir más cosas, como es nuestro caso con la hoguera el alto en el camino. Es un elemento que no va más allá, pero que tiene mucho significado al menos para nosotros”.

La Junta de Castilla y León reconocerá el valor singular y el legado cultural de la música folk y tradicional a través de unos premios impulsados por la Fundación para la Promoción de los Valores y la Identidad de la Comunidad, y que se entregarán en un acto institucional enmarcado en la celebración del Día de Castilla y León.

El Boletín Oficial de Castilla y León (Bocyl) publica este jueves las bases que regularán estos premios, que buscan ser un estímulo y reconocimiento a las personas, grupos y entidades, tanto públicas como privadas, que contribuyen a mantener vivo el legado cultural y a impulsar su conocimiento y difusión.

Los premios, de carácter anual, distinguirán a personas, agrupaciones y/o entidades públicas o privadas que contribuyan significativamente a la conservación, innovación y divulgación de la música tradicional de la Comunidad y sus diferentes expresiones artísticas.

Cada premio contará con una dotación económica, que se definirá en las convocatorias, y será asumida por el presupuesto de la Fundación para la Promoción de los Valores y la Identidad de Castilla y León, que también se hará cargo de la gestión de la organización y de otros gastos asociados.

Las categorías mínimas a incluir son: Premio individual a la persona destacada en el ámbito de la música folk y tradicional y sus diferentes expresiones; Premio al mejor grupo o agrupación de música o danza tradicional; y Premio a la mejor iniciativa de recuperación, investigación o divulgación del folclore y la música tradicional en cualquiera de sus expresiones.

Se podrán presentar a los premios asociaciones y entidades culturales, grupos folclóricos, instituciones locales y provinciales, instituciones educativas, centros de estudios, asociaciones y/o agrupaciones de castellanos y leoneses en el exterior, personalidades de prestigio relacionadas con el objeto de los Premios.

También otras personalidades, entidades públicas o privadas vinculadas con la música folk y la cultura popular y, en especial, con el folclore y las tradiciones musicales y de la danza de Castilla y León.

Y los miembros del jurado -presidido por el director general de la Fundación y con presencia de personas de prestigio y trayectoria en el folclore, la músicas tradicional y la gestión cultural- también podrán proponer candidaturas durante el periodo de presentación de solicitudes.

Mientras Franco se consumía en la Ciudad Sanitaria de La Paz, el país entero estaba en vilo, pues desconocía si lo que estaba por venir sería peor que aquellos 40 años de represión y ausencia de libertades. En este contexto de grandes incertidumbres, la música se convirtió en uno de los medios favoritos para la ciudadanía para canalizar sus angustias, miedos, quejas y esperanzas, a la par que soñar con un país mejor. 

Es por ello que aquel 1975, a pesar de ser España un país gris y atrasado, estuvo lleno de variadas propuestas musicales que viajaban desde lo más convencional, a gusto del régimen, hasta lo más alternativo y contracultural. Ahora bien, no todas estaban disponibles para la mayoría, pues la censura seguía decidiendo quién era digno de aparecer en los canales oficiales. “Los censores determinaban qué canciones se podían poner en la radio y cuáles no: escribían en las portadas de los discos, que solían ser 'singles', la palabra 'radiable' o 'no radiable', explica el historiador Roberto Torres Blanco.

Según una u otra de nominación, “esa música podía sonar para toda España convirtiéndose en un éxito o caer en el más absoluto olvido”, agrega Torres, que ha escrito diversos trabajos sobre la relación entre la canción protesta y la censura en el franquismo. También la historiadora catalana Maria Salicrú-Maltas, autora de un fascinante libro sobre el perfil sociocultural de los censores franquistas, coincide en el poder de la censura para determinar el “billboard español”.

Salicrú explica que “la censura continuaba a la muerte de Franco con toda su ferocidad, porque veían que las canciones protesta cada vez estaban más presentes entre la gente”. “El régimen se daba cuenta de que en aquellos años de lucha en la calle, la izquierda había encontrado su canal de expresión en ellas”, agrega. Ambos historiadores confirman que los censores siguieron su actividad de forma implacable hasta 1978.

Y de su voracidad tachando y prohibiendo canciones, nació la multiplicidad de bandas sonoras de aquel 1975 en que murió el dictador. Por un lado, estaban las listas oficiales de la música que sonaba en las radios y aparecía en los programas de televisión. Por otro, la música vanguardista que surgía de la movida layetana de Barcelona –más cercana al jazz–, pero también de la experimentación entre rock y flamenco que practicaba Triana en Sevilla. E incluso un incipiente rock urbano, de alma punk y guitarrera, emergía en los barrios obreros de Madrid.

Y también se imponía, con una aceptación más o menos tácita del régimen, una ola de recuperación del folclore popular que se hibridaba tanto con la investigación etnomusical como con la canción protesta. Precisamente esta última seguía gozando de especial buena salud a través de los multitudinarios conciertos de Raimon, Lluís Llach o José Antonio Labordeta ,entre otros muchos.

Machismo, folk y melodía orquestal en las radios españolas

Un estudio detenido del recopilatorio de la discográfica Ramalama Music titulado Los n.º 1 del Pop español 1975, que recoge las canciones que más sonaron aquel año en los canales permitidos por el régimen, arroja un resultado más o menos homogéneo en el que imperan los cantantes melódicos de voz potente y entonación afectada, los llamados crooners, con títulos más o menos machistas como el A ti mujer de Juan Camacho, el Hueles a noche de amor de Paco Revuelta, el Y te vas de José Luis Perales, o Lorenzo Santamaría y su Para que no me olvides. Y adicionalmente, Hoy tengo ganas de ti de Miguel Gallardo o el Niña no te pintes tanto de Danny Daniel, un tema en el que el cantante gijonés se acercaba a las alegres orquestaciones de los franceses Joe Dassin y Sacha Distel.

Junto a ellos coexistían cantantes folk con canciones de mensaje más o menos neutro –al menos si no se quería leer entre líneas–, como Amancio Prada y su Adios rios, adios fontes, Jarcha y su La copla que está en mi boca o Víctor Manuel y sus Cómicos. También el Cristo de Palacagüina de la nicaragüense Elsa Baeza. Adicionalmente, algunas canciones reivindicativas, que tal vez por estar cantadas por mujeres pasaron la censura, aparecen en el recopilatorio. Tal es el caso de Al alba cantada por Rosa León, el Amor de medianoche de Cecilia o el Secretaria de Mocedades.

También la rumba flamenca halla su acomodo. Ejemplos son el Me sabe a humo de Los Chunguitos o el Soy la que sufre por tu amor de Las Grecas. Y junto ellos, la propuesta poética, alternativa y más elaborada de Lole y Manuel con Nuevo día. Finalmente, se pueden encontrar gamberradas como el Saca el güisky cheli de Desmadre 75, el Bye bye Fraeulein de Micky, el Bimbó de Georgie Dann o temas de avanzadilla disco como el Hi Jack de Barrabás.

De 'la cochambre' a Canet, nacen los festivales de rock

El sociólogo e historiador de la UNED Fernán del Val Ripollés, que obtuvo su doctorado con la tesis Rockeros insurgentes, modernos complacientes: juventud, rock y política en España –en la que aborda el periodo de la transición española–, habla de la música que no sonaba, o lo hacía muy raramente, en las radios o en televisión. Destaca que “es una época en que el rock urbano estaba en ebullición; no estaba presente en las listas, pero sí comenzaba a ganar adeptos”.

El año en que muere Franco, en Catalunya la música layetana, que experimenta con rock, jazz, folk y ritmos latinos, se impone en los clubes nocturnos y fiestas privadas. 1975 es el año en que se edita un disco legendario como el Qualsevol nit pot sortir el sol de Jaume Sisa.

También se produce la célebre actuación de Pau Riba en el primer Canet Rock, según Del Val, “el Woodstock español, que puso en relieve la potencia de una música que en ese momento estaba todavía muy alejada de los gustos del español medio”. El festival, organizado a finales de julio en la localidad costera de Canet de Mar, al norte de Barcelona, fue un éxito rotundo.

Dos semanas antes, en la plaza de Toros de Burgos, se había intentado un evento similar, aunque con resultado muy diferente. Se bautizó a ese festival de un día como “Cochambre rock” debido a que el diario La Voz de Castilla abrió una de sus ediciones con el siguiente titular: “La invasión de la cochambre. A Burgos le han cambiado la cara; ahora tiene legañas”.

Aunque presentó a bandas de todo el país, algunas pioneras como Burning o Eva Rock, fue un fracaso organizativo que llevó a críticos, entonces debutantes, como Diego Manrique a proclamar que “el rock español aún no tiene poder de convocatoria”. Pocas semanas después, Canet le quitaría la razón.

De Canet, Del Val destaca que fue “un festival no solo de música, sino que acogió toda esa Barcelona underground que ya se estaba desarrollando; todas esas revistas, desde Ajoblanco a Star y Ozono, y también desde Madrid la gente de Triunfo”. Canet es, de este modo, el pistoletazo de salida no solo para la música, sino también para el periodismo musical en España. “Hay un texto muy interesante de Claudi Montaña, que escribía en Vibraciones, que habla de cuando se produce en el Canet y la cochambre, y dice literalmente que el rock está saliendo las catacumbas en España”, apunta el profesor de la UNED.

Finalmente, Del Val destaca la emergencia en Madrid de bandas de rock duro y letras de clase obrera como Burning, que describen la dura vida en los barrios de aluvión de la capital. También cita a formaciones como Fresa, donde militaba Rosendo Mercado, Coz o Ñu, que con el tiempo darían paso a Leño y tantas otras bandas de lo que se llamó el “heavy”. “Fue el Mariskal Romero [productor, locutor y periodista en aquella época] quien supo ver su potencial”, señala el académico, que hace referencia al disco recopilatorio ¡¡Viva el rollo!!, que recogía todas aquellas bandas, que entonces cantaban en inglés.

Canción protesta: de Llach a Labordeta

Mientras Franco agonizaba en el hospital, la canción protesta crecía como un rumor cada vez más fuerte en las calles y hogares de todo el país. Todos los historiadores entrevistados para este reportaje coinciden en que la ciudadanía encontró en los cantautores la vía perfecta para canalizar y expresar sus ansias, su esperanza y su rabia. Tal como apunta Torres Blanco, “a veces letras que inicialmente no tenían una intencionalidad política son transformadas por la gente en un himno de protesta y resistencia”.

El ejemplo más elocuente aquel 1975 fue la canción Al alba, compuesta por Luis Eduardo Aute y popularizada inicialmente por Rosa León. Aute explicó más tarde que la compuso como una canción de amor, pero su coincidencia con las últimas ejecuciones del régimen –llevadas a cabo siempre al amanecer– hicieron que su letra, algo oscura y lúgubre, fuera interpretada como un canto contra la brutalidad fascista.

También Salicrú-Malta considera que la canción protesta era de facto la voz política del pueblo. “Había mucha esperanza, pero también incertidumbre, porque no se sabía para dónde podía tirar el régimen”, desvela la historiadora, que asegura que, por ello, el franquismo trataba de callar el clamor o bien en los despachos, con la censura, o bien “con amenazas de bomba o sabotajes al tendido eléctrico, como ocurrió aquel año en el concierto de Raimon en el Palau d'Esports de Barcelona”.

Cita Salicrú himnos imprescindibles que no paraban de sonar en los platos de los tocadiscos como el Canto a la libertad de Labordeta, L'estaca de Llach o el Diguem no de Raimon, entre muchas otras composiciones. Posteriormente, aparecería al año siguiente el Libertad sin ira de Jarcha. Según el historiador y profesor de Historia Contemporánea de la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM) Ángel Luis López Villaverde, “la canción protesta empezó en España en los 60 con los Setze Jutjes”.

Se trató de un colectivo de cantautores catalanoparlantes que reivindicaban la canción en catalán con raíces en el folk e inspiración en la chanson francesa. De él salen Joan Manuel Serrat, Lluís Llach, Maria del Mar Bonet, Raimon, Ovidi Montllor, Quico Pi de la Serra y muchos otros. “De ahí, el movimiento cruza el Ebro y se extiende al resto de España, replicándose en Andalucía, Castilla, Galicia, el País Vasco, etc., de modo que en 1975 la canción protesta ya está totalmente consolidada, e incluso muchas canciones de cantautores catalanes se cantaban en este idioma en todo el país”, apostilla López Villaverde.

En Aragón destacan Joaquín Carbonell y José Antonio Labordeta –que en 1975 publica su mítico álbum Tiempo de espera–, mientras que en Madrid el movimiento cristaliza en cantautores como Pablo Guerrero o Luis Pastor, aunque se amplía a toda Castilla, sobre todo hibridado con el folk. En Galicia, ese mismo 1975 se publica uno de los mejores y más emblemáticos discos de la canción protesta, que casa el folk gallego con el anglosajón: Ai ven o maio, de Luis Emilio Batallán. Y en Euskadi, un año antes, Mikel Laboa había editado Bat-hiru.

El folk y la invención de 'la Iberia sumergida'

Para el veterano periodista leonés afincado en Euskadi Félix Maraña, 1975 es uno de los años más importantes para el resurgir del folk tras décadas de silencio y soterramiento franquista, dado que su reivindicación de lo local iba contra los postulados de la 'una, grande y libre'. “Se trata de gente joven que tanto había recibido de sus mayores la música tradicional de su región –ya fuera Aragón, Catalunya, Castilla, Andalucía, Extremadura, Euskadi, etc.– como se había empapado del nuevo folk americano, siempre pasado por el tamiz de la canción francesa”, señala Maraña, que tiene un nombre para denominar ese resurgimiento: “La invención de la Iberia sumergida”.

Cita como representantes destacados a Amancio Prada – que ese año publica 'Rosalía De Castro', su primer disco–, pero también a Jarcha, Nuestro pequeño mundo, Patxi Andión, Ismael Peña y la Banda del mirlitón, Ricardo Cantalapiedra, Luis Pastor, Pablo Guerrero e incluso Mari Trini. Y finalmente destaca a Hilario Camacho, cantautor que supo llevar sus composiciones desde el folk a un entorno más urbano y cotidiano.

Señala Maraña, que sigue teniendo trato con muchos de los músicos supervivientes de aquellos años, la influencia seminal de músicos como Paco Ibáñez que, exiliado la mayor parte de su juventud en París, trabajaba como ebanista cuando George Brassens lo llamó para hacerle de telonero en el teatro Olympia. “Es a partir de entonces, escuchando a Paco, que muchos deciden recuperar el folclore de su tierra y mezclarlo con las letras de los grandes poetas, de Jorge Manrique a Antonio Machado o Miguel Hernández”, apostilla el periodista.

La plaza de España de Valdepeñas acogerá el próximo sábado y domingo, 30 y 31 de agosto, el XXXVII Festival Internacional de Folklore ‘Ciudad del Vino’, que desarrolla conjuntamente la Asociación de Coros y Danzas ‘Fermento’ y el Ayuntamiento de la localidad, en el que estarán presentes grupos de Georgia, Guatemala y Pontevedra.

Se trata de una actividad previa al comienzo de las LXXII Fiestas de la Vendimia y el Vino que ha destacado el teniente de alcalde de Festejos, David Sevilla, quien ha afirmado que “hablar de folklore es hablar de fermento, de nuestras tradiciones y de dónde venimos; no solamente por la riqueza cultural a través de la vestimenta, sino a través de la música y del baile”, apostillando que “quiero agradecer a esta asociación su predisposición, ya que son muchas las actividades que organizan dentro de la programación de las fiestas, como el taller de baile de jotas, las rondas manchegas o la pisa de la uva en el Acto Institucional”.

Apuesta por la diversidad cultural

Dará comienzo el sábado 30 de agosto con la recepción oficial en la Casa Consistorial y le seguirá un pasacalle a las 21:45 horas. A las 22:00 horas se iniciará la exhibición de bailes en la Plaza de España con las actuaciones de la Compañía Nacional de Canto y Danza ‘Gurjaani’ (Georgia) y la Asociación Cultural ‘Barca de Loimil’ De Arbo (Pontevedra).

El domingo 31 será el turno de la Agrupación ‘Raxela’ (Guatemala) y de la Asociación de Coros y Danzas ‘Fermento’, de Valdepeñas, con el mismo horario.

Por su parte, Ana Belén Trujillo, representante de la Asociación de Coros y Danzas ‘Fermento’, ha aseverado que “invitamos a todos los valdepeñeros y valdepeñeras a que vayan a la plaza de España estos dos días para poder ver nuestro festival internacional, en el que hemos puesto mucho esmero y trabajo”, destacando que “el domingo habrá una novedad que nos pide mucha gente a pie de calle, por ello me gustaría que acudan a ver el festival”.

El XXXVII Festival Internacional de Folklore ‘Ciudad del Vino’ está adherido a FestiFolk España, y según el consistorio, “coloca a Valdepeñas en el foco de los festivales folklóricos por su diversidad cultural”.

Después de seis años, Mägo de Oz volvían a la capital de Euskadi, con motivo de las fiestas de La Blanca. Pero, echando la vista atrás, muchas cosas han cambiado en este transcurso de tiempo. En 2019, la banda presentaba aquel ‘Ira Dei’ que en su momento se dijo que era la “verdadera” tercera parte de la trilogía de ‘Gaia’. Supondría el tercer disco de Zeta, regalando a los fans una obra densa, madura y elaborada, volviendo al formato doble álbum. Sin embargo, la era de Zeta duraría otro disco más, que dejaría un digno legado para la gran mayoría de los fans.

Esta vez, los madrileños vuelven a Vitoria con una nueva formación. A lo largo de su dilatada historia, Mägo de Oz ha demostrado con creces la capacidad de superar los obstáculos y esta vez no iba a ser menos. En pleno siglo XXI, la agrupación cuenta con una alineación ‘galáctica’. Entre sus componentes destacan Rafa Blas –ganador de La Voz en 2012– o el guitarrista internacional Jorge Salán. En la calurosa tarde de la capital, ‘la bruja’ –la figura representativa de la banda– hacía presencia en el casco viejo a través de las míticas camisetas que delataban a los seguidores. A pesar del calor, el público que asistiría al concierto, compartía momentos de hermandad con los suyos.

A medianoche, después de un cinematográfico intro donde se leían expresiones tan míticas como “deseos.com”, la tripulación abordaría la capital vasca con la entrada al centro del escenario de un Víctor de Andrés motivado, junto a su guitarra y con una actitud ‘sleaze’, tan característico en él. ‘Alicia en el metaverso’, todo un ‘mix’ heavy de 12 minutos perteneciente a su último lanzamiento, daba la entrada a otra mágica noche de la Virgen Blanca.

Una nueva era

Desde la primera canción, Blas demostró ser todo un ‘frontman’ que cumple con todas las características que un cantante de Mago de Oz debe reunir: amplio registro vocal, comunicación directa con el público y una gran presencia en el escenario, gracias a sus movimientos y actitud. Aunque la banda haya tenido diferentes ‘nueves’, el actual demuestra con creces que es un digno sucesor.

Sin apenas descanso, los platillos de Txus di Fellatio darían pie a la clásica ‘Molinos de viento’, con Don Quijote y Sancho Panza luciendo en la pantalla, rememorando el disco ‘La leyenda de la Mancha’. El público no paraba de bailar, saltar y gritar durante toda la canción. Entre ellos se encontraban desde padres de familia hasta adolescentes que acababan de descubrir a la banda, creándose un ambiente ‘familiar’, repleto de diferentes generaciones.

“Es un placer estar aquí con todos vosotros. Muchísimas gracias por acompañarnos y por habernos traído aquí a vuestra ciudad tan maravillosa”, expresaba Blas totalmente agradecido, antes de dar pie a la melódica ‘Luna de Sangre’, de su última obra, que en la parte intermedia recuerda mucho a la trilogía de ‘Gaia’ con sus toques orquestales y sinfónicos. El violinista Carlos Prieto (Mohamed), hijo del compositor palentino Claudio Prieto, se nota que disfruta mucho con este tipo de cortes. Con ‘La posada de los muertos’, volvían de nuevo al tono festivo que tanto les ha caracterizado a la banda. Siendo sinceros, en parte, su llegada al éxito fue a través de este tipo de canciones pegadizas y divertidas, con su particular mezcla del folk y el heavy.

Con ‘Diabolus in Musica’, de la segunda parte de la trilogía, la banda recordaba esos toques góticos que estuvieron muy presentes en el querido álbum ‘La voz dormida’. Esa época en concreto fue uno de los puntos álgidos del grupo, con unos históricos conciertos en México DF, que quedarían en la memoría de los más acérrimos.

“No somos conscientes de lo importante que es cuidar nuestro planeta, nuestra tierra, nuestra casa, nuestro hogar. Y no somos conscientes de que todo mal que hagamos a Gaia, ella nos la devolverá”, servía como introducción de ‘La venganza de Gaia’, de la primera parte de la trilogía de 2003, que hablaba acerca de cómo el ser humano ha estropeado a la madre tierra durante muchos siglos. De hecho, en aquellos textos que Txus di Fellatio escribió para el álbum conceptual, se hablaba de temas como el colonialismo y la conquista; ecologismo y defensa de la Tierra; o la memoria histórica. A veces cabe recordar que el grupo siempre ha estado cerca de temas sociales.

La magia que nunca se apaga

Después disfrutar de una canción muy progresiva y experimental, llegaba el turno de la cantante del grupo, Xana Lavey, que cantaría el experimental con tintes modernos ‘Te traeré el horizonte’. De nuevo, Rafa Blas volvía al centro del escenario: “Esta canción habla del amor más puro que se puede tener en esta vida. Que es el de una madre y un padre hacía su hijo o hija”. Uno de los presentes respondía al cantante: “Ese amor no falla”.

“Esta canción quiso hacerla Txus para su hija Leia”. Con esas palabras vino ‘Por si un día te pierdes’ en clave acústica y folklórica con un épico solo de guitarra de Jorge Salán. A continuación, vendría la presentación de la banda. Rafa Blas se encargaría de presentar a cada miembro, presentando en último lugar a Víctor de Andrés: “En parte estoy aquí gracias a él”. De Andrés, por su parte, se encargaría de presentar al cantante con: “¡¡Él ganó La Voz!! ¡¡Fue el primer cantante de heavy metal en ganar La Voz!!”. También se ocupó de defender la música: “Gracias a esto que estáis viviendo aquí, muchos niños sabrán que la verdadera música se toca con instrumentos”, dando a pie a un coreado ‘Hasta que el cuerpo aguante’.

El público también pudo disfrutar del momento ‘guitar hero’ de Salán que mezcló ‘Marcha Turca’ de Mozart con un breve homenaje a Ozzy -recientemente fallecido-. Todo un galán de las 6 cuerdas, que una vez más dejó claro que es uno de los mejores guitarristas nacionales con amplia experiencia en el territorio internacional.

Con ‘Gaia’, Blas volvería a erizar los vellos a los presentes con los juegos vocales que exige la canción, terminando por todo lo alto con un grito estremecedor, que a muchos les vino a la mente la época de la La Voz, donde dejaba a los televidentes españoles impresionados con sus gritos heavys.

Después de un amago clásico, los Mägo terminarían la faena con ‘La costa del silencio’ y ‘Fiesta pagana’, dos de sus grandes clásicos, dejando el pabellón bien alto. Después de que terminara el show, un seguidor soltaba: “Algo tiene esta banda que reune a tanta gente de diferentes edades, sexo, pensamiento, creencias… algo tiene y no suele ser muy común”.

La banda sigue demostrando que, a pesar de los cambios, su esencia permanece intacta. Blas, junto al resto de la banda, ha logrado conectar con su audiencia de una forma única, brindando un espectáculo lleno de energía, emociones y momentos épicos que quedarán grabados en la memoria de todos los presentes.

“No podemos afrontar tantos gastos en esta edición. Ahora mismo con las ayudas económicas que tenemos aseguradas es imposible. Con esta incertidumbre, no podemos arriesgarnos a asumir el alquiler del Gran Teatro”, explica Patricia Bravo, directora del festival. La decisión marca un punto de inflexión tras 21 ediciones. El Gran Teatro no sólo acogía algunos de los conciertos más destacados del cartel, sino que servía como refugio cuando la lluvia, tan irlandesa como el propio festival, impedía celebrar los conciertos al aire libre.

“Es una pena enorme. No podemos hacer frente al caché de artistas internacionales, vuelos, alojamientos, dietas y alquiler del teatro con las ayudas que tenemos ahora mismo. Ni siquiera los ingresos por el precio de las entradas cubren esos gastos”, lamenta Bravo que explica además que en estos momentos se desconoce cuándo se hará efectiva la aportación económica de la Junta de Extremadura para la celebración de esta nueva edición del festival.

Progama intenso y nuevas apuestas

Pese al revés presupuestario, el Fleadh 2025, que se celebrará del 19 al 21 de septiembre, mantiene un programa intenso y con nuevas apuestas tanto en el plano formativo como artístico. La jornada inaugural estará dedicada a la formación, con ocho talleres simultáneos impartidos por figuras destacadas del folk europeo. Entre ellos, el multiinstrumentista británico Tim Edey, el flautista Mike McGoldrick, habitual colaborador de Mark Knopfler, el acordeonista Padraig Joseph O’Shea y la violinista Clare Maire Friel, referente del estilo Donegal. También habrá un taller de danza irlandesa impartido por el grupo Irish Treble, una clase de bodhrán a cargo de Robbert Harris, un taller de canto tradicional de las hermanas Sheila y Anna Friel y una sesión de bouzouki con Kathal Curran. Los talleres tendrán lugar el viernes por la mañana en distintos espacios del centro histórico y la inscripción, ya abierta, se realiza a través de la web del festival con un precio de 40 euros por persona.

Además de las propuestas formativas, la programación incluye una serie de conciertos gratuitos que se celebrarán exclusivamente en la Plaza de Santa María. El viernes actuarán Stolen Notes, The Friel Sister y el grupo Armagh Rhymers, que protagonizará uno de los espectáculos más llamativos de la edición con sus cabezas gigantes de animales fabricadas con paja, sauce y lino. “A nivel de imagen va a ser impactante. Nunca se ha visto nada así en Cáceres”, avanza Bravo. Su filosofía también resalta la sostenibilidad y la creatividad, utilizando materiales reciclados y naturales en sus vestuarios y decorados.

El sábado será el turno de la banda astur-extremeña Felpeyu, que subirá al escenario de la plaza de Santa María, a las 21:30 horas. Su actuación, una de las más esperadas del festival, combinará la energía del folk tradicional con el carácter reivindicativo y festivo que ha marcado la trayectoria del grupo. Antes, a las 14:00 horas, la jornada arrancará con Ceili Band & Irish Treble, una propuesta que une música y danza tradicional irlandesa en una sesión pensada para todos los públicos. A las 23:00 horas llegará uno de los grandes momentos de la jornada con la actuación conjunta de Tim Edey y Mike McGoldrick, dos figuras consagradas del panorama celta internacional, conocidos por su virtuosismo y conexión en escena. El cierre, a medianoche, lo firmará Polca4, con una propuesta que mezcla instrumentación tradicional y ritmos contemporáneos, perfecta para una despedida vibrante bajo las estrellas de la ciudad monumental cacereña.

El ya tradicional pasacalles del Cáceres Irish Fleadh se celebrará el sábado, partiendo desde Unicaja hasta la Plaza de Santa María, con una parada especial en el Foro de los Balbos. En este lugar, a partir de las 12:30 h, se ofrecerá una muestra de gaitas gallegas e irlandesas, en la que participarán la Newcastle West Pipe Band, procedente de Limerick, y la Banda de Gaitas de Valladolid. Cada formación interpretará varios temas en el emblemático espacio cacereño, antes de continuar el recorrido hasta la Plaza de Santa María, donde finalizará el pasacalles a las 14:00 horas.

Justo a esa hora comenzará el taller de baile tradicional, dirigido por el grupo Irish Treble y acompañado por la Ceili Band, en una cita abierta al público que invita a sumarse al ritmo irlandés. Esta edición marca un hito: es la primera vez que una banda de gaitas irlandesas participa en el Fleadh cacereño. Entre sus integrantes destaca John Hunt, músico de reconocida trayectoria internacional, cuya presencia añade aún más brillo a una jornada que celebra la música como puente entre culturas.

La clausura, el domingo, incluirá la tradicional session de despedida en la Plaza de Santa María con todos los músicos y bailarinas que habrán sido forman parte de la programación de esta celebración—considerada la más concurrida de música tradicional irlandesa que se celebra en España— y se podrá disfrutar también de una muestra de gaitas en el Foro de los Balbos a mediodía.

Formadas y organizadas

Todos los temas musicales que se interpretarán en la Slow Session el viernes y sábado de seis a ocho de la tarde en el Foro de los Balbos están disponibles en la web del festival, con sus partituras y audios, para que las personas que quieran sumarse puedan prepararlos previamente e integrarse en la interpretación colectiva.

Y como es tradición, durante todo el fin de semana, la música sonará en directo los bares del centro histórico de Cáceres, con sesiones abiertas en espacios como Los Siete Jardines, el Octavo Arte, El Rincón, Las Claras, Alfonso IX o La Traviata. El Fleadh mantiene así su esencia participativa, descentralizada y cercana, que convierte la ciudad monumental en un gran escenario en movimiento.

Este año también acudirán a Cáceres, representantes de la Asociación Amigos de Irlanda de Santa Cruz de La Palma, en el marco de la preparación de la primera edición del Irish Fleadh en Santa Cruz de La Palma, prevista para octubre, coincidiendo con la celebración de Saint Patrick's Day. El salto atlántico confirma la proyección del festival cacereño, cuya presentación oficial se realizó en Dublín ante medios internacionales. Sin embargo, y pese a este alcance, la capitalidad cultural de Cáceres 2031 tampoco ha brindado ningún tipo de apoyo logístico al evento, según palabras de la organizadora.

“La capitalidad aún no nos ha ofrecido nada. Creo que somos el único festival con impacto europeo directo, y no recibimos ni ayuda de ningún tipo ni reconocimiento”, denuncia Bravo, quien considera que los eventos culturales impulsados por asociaciones locales se encuentran desprotegidos por la falta de compromiso institucional. “No es sostenible mantener un festival de este nivel con subvenciones de 8.000 o 10.000 euros. Y mientras tanto, una asociación cultural llenando hoteles, bares y calles del centro de la ciudad”, concluye.

Después de 21 años, el Irish Fleadh sigue demostrando que la cultura de base resiste a pesar de las trabas. Pero su continuidad no puede seguir dependiendo únicamente de la voluntad, el esfuerzo y la pasión de quienes lo hacen posible.

El fleadh más solidario

El Cáceres Irish Fleadh no solo celebra la música tradicional irlandesa: se convierte en altavoz de una causa urgente. Durante el festival, los y las asistentes podrán adquirir vasos reutilizables por 1 euro en las barras oficiales. Cada vaso vendido se traduce en ayuda directa: cuatro vasos equivalen a una ración de comida para una persona en Gaza. Toda la recaudación irá destinada íntegramente a la organización extremeña Sonrisas en Acción, que trabaja sobre el terreno junto al colectivo Food for Gaza para distribuir alimentos en una de las zonas más castigadas del planeta. En un contexto internacional marcado por el horror y la indiferencia, esta iniciativa recuerda que la cultura no puede mirar hacia otro lado. Que los festivales no solo deben sonar, sino también resonar.

Los sones castellanoleoneses del grupo Fetén Fetén, y los italianos de Ars Nova abrirán el 29º Festival Internacional Folk de Plasencia, que se celebrará del 21 al 23 de agosto y que tendrá a las gallegas de Tanxugueiras como cabeza de cartel.

Folk Plasencia, una cita imprescindible del circuito folk nacional que cada mes de agosto convierte a este municipio cacereño en referente de la música de raíz, volverá a llenar de sonidos la Torre de Lucía de la capital del Jerte, donde ofrecerá ocho conciertos gratuitos, además de varios talleres de bailes en el Centro Cultural Las Claras.

Los conciertos, con entrada libre hasta completar aforo, darán comienzo todos los días a partir de las 21:30 horas, convirtiendo un año más el recinto amurallado en escenario de música tradicional y fusiones que navegan entre los clásico y lo contemporáneo en el marco de una de las citas más importantes y conocidas del estío extremeño.

Y es que, el festival placentino ha mantenido desde su estreno en 1995 una gran calidad, a la vez que ha fomentado el interés por la investigación de la música folk.

El secretario general de Cultura de la Junta de Extremadura, Francisco Palomino, y la concejala de Cultura placentina, María Luisa Bermejo, han presentado la programación del festival. “El folk, la música tradicional y de raíz, ha logrado mantener viva nuestras tradiciones, sabiendo adaptarlas y actualizarlas, además de formar parte de la identidad musical y cultural de Plasencia y de Extremadura”, ha destacado Palomino.

La edición de 2025 Folk Plasencia dará comienzo el jueves 21 de agosto con la actuación de los castellanoleoneses Fetén Fetén y los italianos de Ars Nova Napoli. El 22 de agosto será el turno para los portugueses de Crua, las gallegas de Tanxugueiras y el dúo canario-extremeño de Ruiseñora.

La última cita del festival tendrá acento extremeño, castellano e irlandés de la mano de The Jig Chickers, Bewis de la Rosa y Dervish.

Durante muchos minutos en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII solo se oía su voz y las chicharras. Beth Gibbons ha dado este martes en Madrid uno de los conciertos más esperados del ciclo Noches del Botánico, que avanza a buen ritmo y con una única incidencia: el desplante de Morrissey.

La cantante de Portishead ha presentado el primer disco de su carrera que firma únicamente con su nombre, con dos actuaciones calcadas y ambas en entornos muy similares: Les Nits de Barcelona en los Jardines del Palau de Pedralbes y Noches del Botánico, un ciclo que también se celebra en un jardín, rodeado de las facultades y escuelas de Ciudad Universitaria y repleto hasta los topes, a pesar de que Madrid acaba de pasar por tres noches del festival más multitudinario de la capital.

La británica ha repasado con intensa dedicación su nuevo disco, Lives Outgrown (Domino) publicado el pasado mayo con una producción de James Ford, de quien se podría decir que ha decidido cómo debía sonar la música pop británica de los últimos años: de Arctic Monkeys a Florence and the Machine, de Depeche Mode a Pet Shop Boys, Blur y Pulp.

Es curioso que Ford ha tenido un aliado en este disco, que suena natural, folk, áspero, y ese es Lee Harris, quien también firma en la composición. Harris fue batería de la elegantísima banda de pop Talk Talk, así como también lo fue en el segundo disco de los no suficientemente reivindicados Bark Psychosis. Además, también tocó en el disco de Gibbons Out of Season que ella hizo en 2002 junto a Rustin Man, seudónimo de Paul Webb. Y ahí es cuando se cierra el círculo pues Webb fue también fundador y bajista de Talk Talk. Este grupo, que no debe faltar como materia inspiradora en ningún proyecto que desee asentar sus bases en la ampulosa elegancia británica, se completaba con el cantante, Mark Hollis, que desafortunadamente no podría colaborar también con Gibbons pues falleció en 2019.

Vista sobre el escenario, Beth Gibbons no parece haber cambiado un ápice en 35 años. Sus gestos son los mismos. Su manera de agarrarse, o de engancharse, al micro es idéntica. Su voz es perfecta. Sus ademanes patosos, la gesticulación con los brazos, los saltitos al entrar o salir del escenario, como si rehuyera el glamur con especial interés, como si hiciese todo lo posible por no ser una estrella del pop, son los mismos que recordamos. Ha cambiado un miembro de Talk Talk por otro y ahora suena busca sonar menos ruidosa. Y falta, eso sí, el cigarro encendido en una mano y el paquete de tabaco en la otra. Tiene 60 años. Quizás se cuida.

Es evidente que pone de su parte para que la música esté siempre por delante. Acompañada de siete buenos músicos, no hay realización de pantallas, no hay focos a su cara o su figura, le gusta el contraluz y siempre que puede, da unos pasos para atrás, para esconderse aún más. Pero su voz, clara y lacerante como el cuchillo más afilado del mundo, está siempre por encima de todo.

Tras un primer bloque de canciones del nuevo álbum, cuando Beth Gibbons interpretó Mysteries, el público se emocionó. Y ella devolvió la efusividad en español, agradeciendo repetidamente: muchas gracias, muchas gracias, y añadiendo: “Me encanta veros”. Y una reacción similar de la audiencia sucedió cuando interpretó Tom the Model, sus dos concesiones al disco con Rustin Man.

Como ha escrito Estanis Solsona en su blog Picadura de abeja, Beth Gibbons “fue una de las últimas voces que más honestamente cantó sobre las penas del siglo XX”, y por eso quizá tanto la ama su público, además de por provocar estremecimientos cutáneos con su extraordinaria voz. Pero, según nos recuerda Solsona, Gibbons vive este otro siglo preocupada por la sociedad, la humanidad y el planeta. Lo escuchamos en sus canciones y esa naturalidad del nuevo disco quizá tenga que ver con ello.

En el bis, la cantante nos permite una excepcional concesión a Portishead, con Roads y Glory Box que, aunque perfectas en su ejecución, parecía que eran tocadas más para el público que para ella, pues puede que en aquel artificio creado junto a Geoff Barrow se siente hoy algo más incómoda, más impostada de lo que le gusta. Para reafirmar que no quiere pertenecer al pasado, la tercera y última canción del bis volvió a ser del nuevo álbum, Reaching Out. Una mujer alcanzando el origen de su misterio.

Hace 22 años, en su memorable actuación en el Festival de Benicàssim, Beth Gibbons bajó al foso para abrazar y saludar a las personas de las primeras filas, para devolverles el amor. En su concierto en Madrid, cuando los músicos ya se habían ido, ella seguía arrodillada al borde del escenario firmando portadas de sus discos (tamaño vinilo), una entrada y hasta un abanico. Lo que no hizo en esta ocasión fue tirarse sobre esos brazos que la llamaban y dejarse sostener en volandas, navegando un mar de manos y cabezas frente al escenario grande del FIB 2003, con el concierto ya más que terminado. Pocas veces se ha visto algo así. Ya no llega a esos extremos pero su cuerpo lo dice todo: quiere agradecer el cariño, que es desbordante, y no sabe cómo irse. Cuando al fin se desprende de las peticiones, se va saltando hacia el backstage, como en un juego, como si no supiera cómo irse. Señal de que se quedará por aquí para siempre.

Anoche cerraba su edición Informe Semanal con el reportaje 'Folk, el nuevo pop'. Un titular tan efectivo como sintomático. Quizá tristemente acertado. Porque si el folk se ha convertido en “el nuevo pop”, entonces probablemente ha pasado a ser únicamente tendencia, estética vintage o ambientación sonora sin conflicto. Una intención bastante alejada del discurso de muchas de las protagonistas del reportaje de ayer. El nuevo folk es también una revuelta simbólica que no puede terminar disfrazada de anuncio de cerveza artesana.

La vergüenza de ser de pueblo, esa herida tantas veces transmitida en silencio durante generaciones, está escrita en la piel de muchas biografías, como confesó Ana Iris Simón en Feria : “Siempre decía que había nacido en Madrid porque me daba vergüenza que en mi DNI pusiera Campo de Criptana”. No podemos permitir que esa vergüenza mutada se disimule ahora bajo un barniz pop, convirtiendo el nuevo folk en una suerte de 'Gitano de temporá', como cantaba Raimundo Amador: una crítica feroz a quienes se disfrazan de lo que antes despreciaban. Poner una jota entre dos sintetizadores no borra el desprecio histórico. Si el folk que vuelve no sirve para sanar y reivindicar, entonces no estamos volviendo a la raíz, sino repitiendo el decorado.

La música tradicional no necesita únicamente sonar más moderna. Necesita sonar más verdadera, más conectada con la realidad contemporánea. No se trata de buscar una inexistente 'esencia pura', sino de conectar con su sentido germinal, con su historia llena de cruces, préstamos y mestizajes. Como explica Jens Balzer en Ética de la apropiación cultural, lo que hace que una apropiación sea legítima no es la fidelidad a un origen imaginario, sino tener conciencia de que toda cultura es mezcla, cruce y movimiento. O, como diría Derrida, es asumir su 'descentramiento': no tener un centro fijo ni un origen único.

La cultura no puede seguir construyéndose desde los centros de poder. El nuevo folk brota desde los márgenes: desde pueblos que han sido históricamente silenciados, desde territorios que solo existían en los mapas para ser olvidados. Descentralizar la cultura no es repartir folletos culturales en los pueblos, es dinamitar el eje Castellana-Diagonal.

El folk no es atrezzo: es el grito de quienes solo salían en la tele para ser imitados o ridiculizados. Si el nuevo folk no se construye desde esa memoria y esa herida, entonces su modernización no es una evolución: es una máscara vacía. Karmento lo dijo sin rodeos: “El folclore es un poco casa”. Y una casa, si se trata como un decorado, deja de proteger. Las artistas del nuevo folk no hacen fusión para agradar, sino también para reparar. “Con el perreo hasta el suelo y con la jota hasta el cielo”, llevan por bandera Delameseta.

No hablamos solo de música, sino de una construcción simbólica que refleja la historia y la identidad de quienes la habitan, como parafrasea Benito Burgos. De ahí que el intento de recentralizarla y convertirla en pop sea un buen síntoma de los peligros que la acechan. No se trata de crear “parques temáticos de la tradición”, sino de reconocer que esas voces ya estaban ahí. “Hemos sentido una crisis de identidad en torno al territorio”, confiesa Bewis de la Rosa. La solución no está en maquillar esa herida, sino en cantarla como derecho.

Si queremos una cultura verdaderamente transformadora, el folk debe sonar desde donde nace: desde lo colectivo, desde la periferia, desde lo real. No pueden convertirse en canciones en una playlist más

El folk es también una forma de ecología cultural. Sus prácticas están tejidas con el entorno, con el calendario agrícola, con los ciclos naturales. Hablar de música tradicional es hablar también de sostenibilidad, de formas de vida no extractivas, de saberes regenerativos. Si lo rural ha sobrevivido, ha sido gracias a ese equilibrio. El folk puede ser una herramienta para repensar el presente: no como una postal bucólica para urbanitas con ansiedad, sino como forma de vida de quienes, como diría el siempre añorado José Luis Cuerda, quieren seguir siendo de barro en un mundo de plástico.

La música tradicional es un libro cantado, un archivo oral inmemorial, un cúmulo de saberes populares. De generación en generación, con el cuerpo, con la voz, con la vida. Es el recuerdo de las mujeres del campo que sostuvieron la cultura popular sin focos ni micrófonos. Sus cantos, sus oficios, sus maneras de cuidar han sido ignoradas por las narrativas oficiales. En sus manos, el folklore no era folclorismo: era, y es, genealogía, resistencia y futuro.

Si queremos una cultura verdaderamente transformadora, el folk debe sonar desde donde nace: desde lo colectivo, desde la periferia, desde lo real. No pueden convertirse en canciones en una playlist más. Inspirados en un verso de El Naán, podríamos decir que estos sonidos son semillas que sueñan con convertirse en encinas y robles que rompan los mares de asfalto.

Abrazar nuestras raíces no solo supone agarrarse fuertemente a nuestra cultura, también supone reconocer la importancia del arte en un momento determinado y, con la perspectiva del presente, apreciar todo aquello que nos caracteriza. La música de Álvaro Lafuente Calvo (Benicàssim, 1997), conocido artísticamente como Guitarricadelafuente, siempre ha estado vinculada a las guitarras, la tradición y la belleza de lo rural. Su mundo servía como escaparate de quien encuentra en su pueblo el hogar y el refugio, de quien reivindica a través de la memoria el eco de las generaciones anteriores. 

Sin embargo, en un mundo en constante transformación, Guitarricadelafuente da un paso adelante desde su éxito Guantanamera (2018) y, si su disco debut La Cantera (2022) representaba el encanto de los lugares menos poblados, en su continuación Spanish Leather (2025) narra la historia de quien abandona el pueblo para mudarse a la gran ciudad. El segundo proyecto del cantante valenciano explora, a través de pronombres masculinos en canciones románticas, la libertad sexual que a menudo queda reprimida en entornos con una mentalidad más cerrada, así como la forma de sobrevivir en la era de la inmediatez.

¿Cómo un joven cuya música no está hecha para la radio, y que bebe mucho de influencias folclóricas de su pueblo aragonés de origen familiar, se adjudica uno de los lanzamientos más importantes del año?

En este disco, el folclore del que bebí en La Cantera (2022) sigue estando muy presente, pero de otra manera. Todo este imaginario idílico y romántico que había en el pasado se ha dejado atrás. Es una búsqueda del folclore del presente, de buscar toda esta tradición que ya forma parte de todos nosotros e intentar retratar lo que sucede a nuestro alrededor, para que quede marcada cómo fue esta época de nuestras vidas.

¿Cómo nace su pasión por la música?

Empecé antes a tocar que a vivir mi pasión por la música. Tocaba la guitarra como algo familiar, en las reuniones familiares en el pueblo. Siempre, después de comer, nos juntábamos todos en Cuevas de Cañart [Teruel]. Mi bisabuelo era profesor de jota, por lo que en mi familia siempre ha habido un empape de música: había bandurrias por la casa, guitarras antiguas... Existía ese respeto por la herencia del pasado, y en los veranos en mi pueblo, con mis amigos y mis primos, empezó la pasión.

¿Cómo surge este disco?

Surgió cuando estaba acabando la gira de La Cantera, y coincidió con los primeros viajes que hice a Estados Unidos a empezar a componer. Venía de mi primer disco, donde había estado muy arraigado al pasado y al folclore, y donde tenía la necesidad de demostrar cuáles eran mis referencias, mi inspiración y qué me había rodeado desde pequeño. Entonces quise moverme hacia un mundo en el que ese folclore ya estaba impregnado en nosotros. En los últimos años, ha habido una mirada hacia el pasado y hacia la búsqueda de nuestros orígenes en la música, en la comida, en muchos ámbitos. Parecía que no éramos conscientes de lo que teníamos, y con tantos referentes a nuestro alrededor, la tradición y el folclore ha sido nuestro safe place para sentirnos pertenecientes y anclados a algo.

Pero sentía que había una romantización del pasado. Como si ver a unos hombres jugando a las cartas en la calle o a unas señoras tomando la fresca supusiera mostrar un mundo onírico que promociona la decadencia. Así que este disco es un paso hacia adelante, donde el folclore residiese en las letras y no en el mundo visual, contando lo que sucede a mi alrededor sabiendo que la tradición forma parte de nosotros, de nuestra manera de hablar, de nuestro humor, de nuestras expresiones, de cómo nos tomamos las cosas. Cuento historias del presente con la mirada puesta en el hoy, olvidando el miedo a la rapidez de las cosas para sucumbir a lo atractivo de ello.

Sentía que había una romantización del pasado. Como si ver a unos hombres jugando a las cartas en la calle o a unas señoras tomando la fresca supusiera mostrar un mundo onírico que promociona la decadencia.

Guitarricadelafuente — Cantante

En la canción Futuros amantes canta que las “cafeterías de Madrid se ven tan europeas”. ¿A causa de la turistificación?

Es un retrato de lo que sucede ahora mismo, de cómo constantemente intentamos modernizarnos o dejar de ser nosotros mismos para ser más cool. Ese sentimiento de que dejen de existir cafeterías de toda la vida para ir a cafés de especialidad, o que te encuentres por el centro de Madrid cafeterías modernas pensadas para los turistas y para la gente que no es de aquí. Pero no lo veía como algo negativo, sino como algo con lo que tienes que lidiar y abrazar, algo generacional de lo que ocurre ahora mismo.

¿Por qué titular el disco Spanish Leather [Cuero español]?

El nombre vino de una canción de Bob Dylan que se llama Spanish Boots, y surgió cuando estaba terminando La Cantera y empecé a descubrir muchas canciones de americanos que habían venido aquí en la Guerra Civil, como Woody Guthrie y su Jarama Valley, que traían su folk americano y sus guitarras para cantar con sus voces tan propias de allá sobre paisajes de aquí, viéndolos como algo exótico y romántico. Me hacía pensar en la visión que tenían de España desde fuera y la que tienen ahora, o cómo nosotros no teníamos un sello de calidad. El cuero representa nuestra propia piel, como quedarnos en cueros: un material resistente y ligado a la artesanía y a la herencia del pasado, pero que queda descubierto y vulnerable, con perdurabilidad con el paso de los años.

De hecho, en este disco también tiene productores internacionales. ¿Está aumentando el interés por la música española desde fuera?

Cada vez se interesan más por lo que sucede aquí, porque evidentemente hay mucho talento en español. Además, se ha roto la barrera del español como idioma, sobre todo en Estados Unidos, donde cada vez hay más personas que hablan español. Ha aumentado el interés por la cultura, por el idioma y por saber qué es lo que pasa fuera más allá de sus fronteras.

En Full time papi, carta de presentación del disco, se narra una liberación sexual. ¿Considera que el álbum supone una salida del armario?

Han pasado años desde mi último disco y ha habido un proceso de maduración, de aprendizaje, de sentirme cómodo con cómo me expongo y cómo expongo las historias de mi vida real. La sexualidad siempre ha aparecido en mi música, pero quizás de una manera más inocente. En esta ocasión, el foco del disco era el disfrute y el pasárselo bien. Al final, el sexo es un tema con el que la gente disfruta, y había que hablar de él desde la perspectiva en la que me encuentro.

Hablando de estos temas de forma más explícita, ¿teme perder a parte de su público?

No me preocupa nada. Ayer estábamos en la presentación del disco y había mucha gente que me seguía desde el principio, que ha abrazado todas estas nuevas ideas que sigo teniendo. Es algo de lo que me siento superagradecido y orgulloso, de decir, “joder, esta gente que me sigue desde que no me separaba de la guitarra, continúa aquí ahora que me he librado de ella porque estoy cómodo hablando de lo que realmente sucede”.

Otra de las canciones, Puerta del Sol, narra una relación clandestina ambientada en un lugar absolutamente público y lleno de turistas.

Fue la primera canción que escribí del disco y está inspirada en Un año más de Mecano, en esta sensación picaresca de saber que en la Puerta del Sol están sucediendo muchas cosas en una noche de verano. Me inspiraba mucho la energía de la movida madrileña de los 80, que no he vivido de primeras pero que, por la música que escucho, sé que entonces la sociedad se estaba liberando y que todos los prejuicios se estaban desprendiendo. Es un homenaje a esa época.

El tema Pipe dream utiliza una expresión que se emplea para narrar una esperanza poco realista. Recuerda a la actualidad, momento en el que muchos jóvenes tienen problemas para pagar el alquiler o no pueden terminar trabajando de los estudios que realizan.

Somos adictos a los estímulos inmediatos y, al final, la falta de compromiso en las relaciones nace por circunstancias que nos impiden asentarnos, de ahí a que vivamos mucho más el presente y el día a día. ¿Cómo te vas a asentar si no puedes comprarte un piso? No puedes, no puedes permitirte la vida.

Un verso del disco dice así: “No hace falta ser marica para salir en Vogue”. Parece que hace alusión a la sociedad tan estereotipada en la que vivimos.

Tengo muchos coros en canciones que representan la masculinidad frágil que, de alguna manera, siempre ha estado en nuestra contra o ha sido una amenaza. Full time papi se desprende de esos prejuicios, y esta canción es una conversación en la que te enfrentas a eso que te están diciendo. Es que no hace falta ser marica para salir en Vogue.

El disco también presenta una Sonata nº9 de los heavies de Gran Vía.

No es una sonata ni mucho menos. Son 30 segundos de introducción a Tramuntana, canción que representa la metáfora de la rapidez de los tiempos y de esta ola que nos arrolla. Realmente no podemos hacer nada para remediarlo, y los heavies de Gran Vía han sido unos personajes que me han inspirado mucho. He estado bastante obsesionado con ellos, con los videos que veía de entrevistas suyas y con toda la sabiduría que desprenden. Decía, “joder, me encanta cómo se expresan y lo que cuentan de cómo ven la realidad”. Este preludio a Tramuntana, tema sobre dejarse llevar completamente, es un homenaje a ellos y a la sabiduría que desprenden, a las problemáticas del presente y de nuestra generación.

¿Cómo logra encontrar inspiración para escribir sobre los pequeños detalles en este mundo de stories de Instagram?

Lo que más ha inspirado el disco ha sido la inmediatez. En lugar de intentar que sean canciones atemporales, están concebidas para ser algo sobre lo que siento en el momento de ahora y lo que representan para mí en este momento. Como no puedes hacer nada para remediarlo, se basa en disfrutar la inmediatez, pasárselo bien y no tener una mirada negativa sobre el futuro.

Vídeo de la entrevista completa

Alvela no celebra. Contiene alguna luz y sombras densas, un territorio de espinas y de raras certezas. Canta también a lo que está por venir, pero no se hace ilusiones. Folclore de la experiencia y un viaje entre el nacimiento y la oscuridad, el segundo disco de Faia Díaz es además un experimento, el que resulta de situar en un contexto sonoro de vanguardia las nanas tradicionales gallegas. “Estoy ahora empezando a buscar las palabras para explicarlo”, asegura a elDiario.es. Una de ellas es, pase lo que pase, límite: por varias fronteras transita Alvela, un trabajo autoeditado que presenta en directo el próximo 23 de abril en Santiago de Compostela y que explora los rincones menos amables de la maternidad.

“Es difícil ver el límite entre la experiencia personal y lo que se socializa”, aduce. En Alvela nada es evidente y, a la vez, todo es explícito. “Pienso que esa diferencia es sutil en el disco”, añade. Un suceso en parte tan íntimo como ser madre tratado a través de la música tradicional: diez arrolos o cantigas de berce, romances u otras coplas componen la obra. “Atraviesa su sonoridad, la búsqueda de las canciones”, entiende. Las piezas las rescató en los archivos de Dorothé Schubarth y Antón Santamarina, en las grabaciones que el estadounidense Alan Lomax realizó en Galicia en los años 50, en el desván familiar -sus padres formaron parte de Fuxan Os Ventos, legendaria agrupación folk antifranquista- y en el repertorio de Erminda Miramontes. “Vou mollar os pés nas fonte / ver a iuaga salire”, canta en E se queres, en la que un dron de viola construye un ambiente tenso, desasosegante. “El subtexto del disco tiene que ver con mi experiencia. En algunas entrevistas hablé de violencia obstétrica, pero aún estoy buscando la manera de decirlo. Me cuesta”, afirma.

Ese contraste de materiales autobiográficos con la dimensión colectiva de canción popular es, quizás, uno de los núcleos de Alvela. Al fin y al cabo, la tradición tiende a objetivar la experiencia humana y, de alguna manera, subsume la subjetividad. O no. “La trasmisión oral, esas melodías, esas letras, permiten expresar lo personal”, considera Faia Díaz, “siempre lo han permitido. Todas las mujeres que las han cantado a lo largo del tiempo hablaban de sus propias penas”. “Que vén o cocón / durmir o neno / que non dorme non”, di Cocón, sobre una figura a la vez metafísica y terrena que amenaza las noches de los niños que amenazan las noches de las madres. El tratamiento al que la somete Díaz, su voz en tono menor doblándose a sí misma casi hasta evocar un ladrido y una guitarra mínima y repetitiva que se apropia del plano, sirve de resumen de las intenciones sonoras del disco.

“Buscamos las profundidades del ser humano. Las melodías seleccionadas daban pie a ello, con su cierto carácter melancólico”, dice. La primera persona de plural se refiere a ella y a Hevi, inquieto y brillante productor del disco, el hombre detrás del rap electromutante de Malandrómeda. Dos universos en apariencia distantes que colisionaron en el anterior y primer disco de Faia Díaz, Ao cabo Leirín (2018), y obtuvieron una de las más radicales y autónomas piezas de eso que se denomina folk gallego, un registro documental de voz en situación. Alvela comparte algunas de sus constantes, aunque las hace evolucionar. “Sentía que Ao cabo Leirín era un lugar de exploración al que todavía le quedaba camino”, indica, “pensamos mucho en cómo tirar de ese hilo sin que se convirtiese en Ao cabo Leirín 2”. No lo es.

Antropología emocional

Alvela recurre, al igual que su antecesor, a las grabaciones de campo. Esta vez, sin embargo, su uso difiere. “Quisimos manipularlas, las sampleamos, las adecuamos al momento que estábamos viviendo y a lo que queríamos contar”, explica. El cencerro de la vaca Morena, que era el animal de compañía de su vecino sacristán, suena en Mixurrina. Lo detectó, de casualidad, en un video colgado en Youtube en que el paisano aparecía junto a sus abuelos y de fondo se oía el animal. O los pájaros que comparten protagonismo con la voz de Díaz en Escribíache. O la respiración de su propia hija en Maruxiña. Su hermana y su madre cantan en algunos tramos. “Trabajamos con sonidos de archivo y con nuestros propios registros”, dice, “hay una especie de antropología familiar, emocional”. Sonidos encontrados, grabaciones de campo, los seres queridos, instrumentos de cuerda, con esos mimbres teje Faia Díaz el cesto de Alvela.

A la tonalidad oscura del disco, que rompen Toutón al inicio de la segunda cara y al final Canta rola -ecos de José Afonso-, llegó acompañada de Hevi. “Creo que es algo que aquí no se ha hecho mucho, hasta donde conozco, y cuando una trabaja también busca cosas que nunca ha oído. O por lo menos es algo que a mí me interesa”, responde a la pregunta de las razones, “Hevi y yo tendemos a ese lugar”. Quizás la música gallega de raíz no lo ha trabajado de esta forma, pero las conexiones con algunos de los desarrollos más originales de las tradiciones folk europeas existen: los irlandeses Lankum, los eslovenos Sirôm. Y, en otro nivel, una de las referencias con las que Faia Díaz enfrentó el estudio, la Nico de Deserthore (1970) y su interpretación vocal hierática, avantgarde. La repetición, el tono menor, el susurro, la deconstrucción. Música contra la idea patrimonial de la música: una indagación, no un tesoro. Torch songs para recién nacidos. Y eso que no se trata, pese a todo, de un disco depresivo. “Al contrario. No es celebratorio, es más bien una denuncia, pero procurábamos un claroscuro que reflejase la experiencia de la vida, donde no todo es abajo y arriba”, señala, “intenté cantar desde un lugar de calma. Allí me llevaban las melodías y allí me coloqué gracias a mi propia memoria vinculada a la experiencia del parto. Fueron momentos más sensibles, menos luminosos”.

La música y su dimensión colectiva

Además de sus jornadas filosofando, tomando vinos y hablando de la vida con el productor, Hevi, otra persona clave en la conceptualización de Alvela fue la poeta Antía Otero -Barroco (Apiario, 2022) es su último libro. Ella le ayudó a elegir y adaptar los textos, y le proporcionó el acceso a un documento fundamental para la configuración del disco, la conferencia que García Lorca impartió en 1928 sobre las nanas infantiles. “En la melodía, como en el dulce, se refugia la emoción de la historia, su luz permanente sin fechas ni hechos”, escribía el poeta, “la melodía, mucho más que el texto, define los caracteres geográficos y la línea histórica de una región y señala de manera aguda momentos definidos de un perfil que el tiempo ha borrado”. Al disco también han contribuido, ya en la parte musical, la arpista BleuennLe Friec, la violinista Antía Ameixeiras -de Caamaño&Ameixeiras-, la guitarrista Antía Muíño, el Suelen Estar Quartet o De Vacas.

De Vacas es precisamente otro de los proyectos en los que participa Díaz. Lo que produce resulta casi opuesto a sus elepés en solitario, una suerte de folk pop irónico, versiones de grandes éxitos de la radiofórmula traducidos al gallego y arreglados con divertidos juegos vocales. Como tampoco coincide la Faia en solitario con su trío junto al batería LAR Legido y al teclista Nacho IgMig, que se dedica a reconstruir el insondable cancionero del portugués José Afonso. ¿Qué elementos comparte este eclecticismo? “El compromiso político, con el feminismo, con la defensa de la lengua gallega. Para mí el arte, en general, es una cuestión política. Entiendo el canto y la escena desde ese lugar”, responde, “después, cada proyecto da cuenta de las realidades que una tiene dentro de sí misma. Sentimos dolor, tristeza, culpa, lo que sea, y también podemos reír y bailar y ser superficiales. Todo junto convive”.

A las 10.30 horas de este martes ha presentado su nuevo proyecto musical, 'Iragana Betikotzen' y dos horas más tarde, tras realizar la entrevista con este periódico, ha participado en una comisión política. Es la agenda de Garikoitz Mendizabal (Zestoa, 1973), licenciado en Música por la especialidad de txistu –instrumento de música popular vasca que consiste en una flauta de pico vertical de tres agujeros– y antiguo director de las bandas municipales de txistularis de Vitoria, Donostia y Bilbao, además de parlamentario vasco y concejal de Zestoa por el PNV. Para él, una rutina que puede resultar llamativa, pero que lleva con total naturalidad. “Estamos más acostumbrados a ver personalidades políticas de relevancia teniendo un gabinete de abogados, siendo médicos o profesores de Universidad. En mi caso, soy músico, soy txistulari, e intento compaginar ambos trabajos. Por el momento no he tenido ningún problema, sé cuáles son las prioridades aunque entiendo que es atípico un político con mi perfil”, reconoce. Una excompañera suya, Rakel Molina, era monologuista.

Para Mendizabal, el txistu, más que una afición o un trabajo, es su “modo de vida”. “Para mí lo es todo, es una forma de vida, una vocación. Empecé de forma muy precoz y luego me dediqué profesionalmente y he intentado investigar, indagar y profundizar en la interpretación, porque la música es muy amplia. Me encuentro muy a gusto tocando en todo tipo de registros, ya sea música comercial, jazz, tradicional, clásica, contemporánea o lo que me echen”, detalla.

Tal es la relevancia del trabajo de Mendizabal que ha conseguido que el txistu traspase fronteras. El pasado julio viajó a Corea del Sur, concretamente a la ciudad de Seongnam, muy próxima a Seúl, para tocar un concierto junto a la Seongnam Philarmonic Orchestra, dirigida por el prestigioso maestro Nanse Gum. Según afirma, pese a tratarse de un instrumento tradicional vasco, las nuevas generaciones han conseguido integrarlo a la música más moderna y darle una nueva vida, además del respaldo social que tiene en Euskadi, por lo que está viviendo “un buen momento”.

“Tenemos una historia escrita e investigada que nos avala. El txistu está presente en muchos eventos sociales, tanto en homenajes como en dantzas y actos institucionales de todo tipo. En los últimos 20 años van saliendo muchos txistularis del conservatorio y se dedican a crear propuestas nuevas a nivel más comercial. Eso nos beneficia”, sostiene a la vez que reconoce que existen algunos “puristas” del txistu que no ven esas novedades con buenos ojos.

Precisamente, uno de los últimos homenajes en los que ha sonado el txistu de Mendizabal fue el homenaje del lehendakari Iñigo Urkullu, el pasado viernes en Durango. En el acto, que arrancó con una interpretación de una sinfonía de Beethoven, Mendizabal tocó el txistu e invitó al lehendakari a hacerlo juntos en una próxima ocasión.

Este martes Mendizabal ha presentado junto al pianista Josu Okiñena el disco 'Iragana betikotzen' que se conforma con obras para piano y txistu por los compositores capuchinos 'Aita Donostia' e Hilario Olazaran, escritas en la primera mitad del siglo pasado. “Hemos grabado y, con ello, rescatado obras que forman parte de nuestra historia musical, pero que por no considerarse suficientemente serias o por otros motivos jamás han sido grabadas en un disco”, indica el txistulari.

'Iragana Betikotzen' se compone de doce obras distribuidas en 26 cortes y, además de las piezas de los citados compositores capuchinos, los músicos también han incluido un arreglo de Le Basque eta La Biscayenne, de Marín Marais, y el Ave María y Oblivion, de Astor Piazzolla. El objetivo principal de este trabajo, más allá de “recuperar, grabar y difundir” esas melodías escritas en el siglo pasado, es elevar el uso del txistu, un instrumento con raíces en la tradición popular, a música de cámara.

Luar Na Lubre, una de las formaciones de folk más importantes de Europa, presentará el viernes 2 de mayo en el Círculo de Arte de Toledo su último trabajo, Luar Na Lubre XX. Encrucillada.

Este libro-disco, editado en colaboración con Baía Edicións y Warner Music, recoge algunos de los temas más emblemáticos de su trayectoria y cuenta con la participación de diversas voces que han pasado por el grupo a lo largo de los años. Además, incluye una cronología fotográfica y literaria que narra la historia de la banda a través de los testimonios de más de 60 personalidades del ámbito musical, literario y periodístico en Galicia.

La gira de Encrucillada es una de las más significativas en la historia de Luar Na Lubre, no solo por la magnitud del proyecto, sino porque marca la antesala del 40 aniversario del grupo en 2026. Con más de 2.500 conciertos en 50 países y colaboraciones con artistas de la talla de Mike Oldfield, The Waterboys, The Corrs, Bob Geldof, Luz Casal o Ismael Serrano, la banda gallega se ha consolidado como un referente mundial de la música folk.

Un homenaje a su legado musical

Luar Na Lubre XX. Encrucillada es un trabajo con un fuerte carácter recopilatorio y se convertirá en su última producción en formato físico. A través de nuevas versiones de sus temas más icónicos, el álbum simboliza un ‘encuentro de caminos’ en la trayectoria del grupo.

Luar Na Lubre, cuyo nombre significa ‘luz de luna en el bosque sagrado de los celtas’, nació en A Coruña en 1986 con la vocación de interpretar, desarrollar y divulgar la música y la cultura gallega. Su sonido, basado en las músicas de raíz con una perspectiva de modernidad, le ha valido numerosos reconocimientos, entre ellos dos Discos de Oro y nueve Premios de la Música.

La actual formación de Luar Na Lubre está compuesta por Bieito Romero (gaitas, acordeón, zanfoña), Nuria Naya (violín), Patxi Bermúdez (bodhrán, tambor), Pedro Valero (guitarra acústica), Xavier Ferreiro (percusión latina, efectos), Xan Cerqueiro (flautas), Brais Maceiras (acordeón) y Cristina López (voz).

Con Encrucillada, la banda no solo rinde homenaje a su legado, sino que sigue reafirmando su papel como embajadora de la cultura gallega en el mundo.

El grupo musical Espliego Folk presenta el día 15 de marzo, a las 17.30 horas, su disco ‘Tocan a Cantar’ y sus nuevas canciones, en el Monasterio de Santa María de San Salvador de Cañas. Espliego Folk propone la creación musical desde las formas tradicionales, con canciones originales y con arreglos y composiciones de músicas de letras y temas populares, pretendiendo la reinterpretación y reutilización de lo popular y presentando canciones y versiones que no han sido nunca editadas en trabajos discográficos.

Espliego Folk lleva años acercando la música folk al público, ofreciendo nuevas formas de entender e interpretar la música tradicional y el folclore. Dentro de su concepto, que propone “una nueva mirada a la cultura y a la música folk”, en 2014 decidieron hacer un disco para dejar patente su aportación a la música folk actual, publicando su primer trabajo con el título “Tocan a Cantar”.

Este trabajo contiene trece canciones, en su mayoría con letras y melodías originales, junto con otras canciones tradicionales, reinterpretadas y con arreglos propios, contando con la composición, arreglos, dirección y producción musical del multiinstrumentista Javier Moreno Ibáñez. Moreno Ibáñez forma parte como músico de otras formaciones de diferentes estilos, así como compositor de las mismas y de bandas sonoras de obras de teatro, cortometrajes, documentales o videomapping, entre otras.

Actualmente, se mantiene este proyecto musical en el que el grupo continúa en su propio estilo y presenta creaciones y arreglos de la música de nuestros pueblos, entre ellas de la Jota a la Virgen de Allende, de Ezcaray. La mayoría de las letras y música son propias, con el objetivo de que en unos años se conviertan también en canciones tradicionales.

Escenario vivo

Este concierto se inscribe dentro del programa de la octava edición de Escenario Vivo, iniciativa que invita a vivir las cuatro estaciones del año a través de la cultura en más de 20 municipios riojanos en torno a San Millán de la Cogolla, cuna del castellano y del primer poeta reconocido de nuestra lengua. Para ello, se organizan eventos de música, teatro y literatura, con el patrocinio del Gobierno de La Rioja y la Fundación San Millán de la Cogolla.

Muchos quizá no identifiquen el instrumento si les preguntas por él, pero la gran mayoría de las personas que hayan acudido a fiestas populares en el centro peninsular han escuchado el peculiar sonido de la dulzaina. “Es un instrumento festivo, de calle”, señala Antonio Trijueque, profesor de dulzaina en la Escuela Provincial de Folklore de Guadalajara, un centro que acaba de cumplir 40 años de vida.

“Es como una flauta con un sonido más estridente y su espacio natural es acompañar a dianas y pasacalles. Tiene mucho arraigo a tradiciones atávicas de la provincia. Especialmente singular es su acompañamiento en todas las botargas, muchos santos de invierno y numerosas Fiestas de Interés Turístico de la provincia o de origen muy antiguo como la Caballada de Atienza o las Candelas de El Casar”, explica por su parte Ricardo Villar, dulzainero y alumno de la escuela.

Su origen lo enmarcan algunos estudios, señala Villar, en la cultura árabe, si bien el instrumento tal y como lo conocemos hoy se sitúa en el siglo XIX. “Hay datos recogidos de esa fecha en diferentes pueblos de toda la geografía de la provincia: Ruguilla, Carrascosa de Tajo, Piqueras, Bañuelos, Tortuera, Esplegares o Alcocer entre otros”, afirma Trijueque, quien señala que ya entonces “era el instrumento de hacer la fiesta, con unas características sonoras que facilitaba hacer esa función. En la mayor parte de la provincia lo que se utilizaban eran dulzainas rústicas”. 

Las dulzainas más rústicas no tenían llaves en los siete agujeros del instrumento. Eran muy simples y se las confeccionaban los propios intérpretes. La lengüeta se hacía de materiales vegetales, de raíz de carrizo o de caña, incluso de asta de toro. “Ese es el valor de la música tradicional, no es solo tocar, es un valor cultural e histórico. Había muchos músicos que no tenían conocimientos como tales, pero sí la sensibilidad para hacer música”, explica este experto en dulzaina.

El salto más cualitativo para el instrumento se produjo en el comienzo siglo XX cuando un artesano de Valladolid, Ángel Velasco, le introdujo llaves al instrumento para ganar en variedad cromática. “Digamos que evolucionó desde algo más similar a la flauta a algo más parecido al clarinete”, señala Ricardo Villar.

La tradición de la dulzaina está especialmente arraigada en Segovia y Valladolid, pero con presencia en general en las dos Castillas y en Madrid. “En Guadalajara y Cuenca hay varios grupos, también se toca en Albacete, donde se llama ‘pita’ y de forma más residual en Toledo”, apunta Villar, quien insiste que este instrumento también está en otros puntos de España como Valencia, Catalunya, Euskadi, La Rioja o Galicia “pero allí se habla de gaita, no se denomina dulzaina”.

Casi desaparecida en los años 80 en Guadalajara

A principio del siglo XX comienza a darse un fenómeno en la provincia y que pasó por sustituir la dulzaina. “Es un instrumento muy duro de tocar. No por la dificultad en su aprendizaje, sino por el esfuerzo físico en la embocadura, para soplar. Por eso se fue cambiando en las fiestas por los clarinetes requintos. Se hablaba de los llamados gaiteros en funciones: un músico acompañado de tambor hacía toda la música de la fiesta”, explica Antonio Trijueque, quien señala que entonces, a diferencia de lo que ocurre en la actualidad en la que van entre cuatro y cinco dulzaineros tocando a la par, en aquel momento era solo uno el que iba de pueblo en pueblo.

Uno de estos músicos del que se conservan muchas melodías, fue Timoteo Hermosilla, de la población de Tortuera (Guadalajara). Allá por 1920 lo compaginaba tocando además en una banda de más de 25 músicos. 

“La forma de transmisión de la música era oral y llegamos a un punto en el que quedaban canciones, pero muchas veces no tenemos informantes directos, sino indirectos”, comenta Trijueque. Y es que, según apunta, a mediados del siglo XX no había intérpretes vivos de dulzaina en la provincia. Sin embargo, el instrumento se mantuvo presente en las fiestas. Entonces se recurría a contratar a intérpretes de fuera. Desde Noviales (Soria) solían llegar Los Marcotes para tocar en las poblaciones de Albendiego, Cantalojas o Jadraque, entre otros municipios de Guadalajara. 

No fue hasta los años 80 cuando José María Canfrán y Carlos Blasco, de forma autodidacta, se lanzaron a recuperar el sonido de este peculiar instrumento. De hecho, hoy existe en Sigüenza un Certamen de Dulzaina que lleva el nombre de José María Canfrán y que ha cumplido ya 36 ediciones. Es todo un referente a nivel nacional. “En esa época se dedicaron a ir por los pueblos para recopilar melodías”, señala Trijueque. 

A partir de ahí, y muy especialmente en los años 90, con la creación de un aula que luego formaría parte de la Escuela Provincial de Folklore y que incluye la enseñanza de este instrumento, la dulzaina comenzó a tomar impulso y se crearon grupos con este tipo de músicos. “Ahora estamos intentando que haya relevo generacional, atrayendo gente joven y eso se ve en que cada vez hay más grupos de dulzaina tocando en fiestas tradicionales. Ahora mismo en este mundo tan globalizado, el verdadero reto está en mantener esa herencia de tradición e integrarlo en la sociedad actual y que se sepa valorar”.

Actualmente, cerca de medio centenar de alumnos estudian la dulzaina, repartidos principalmente en las tres aulas de la Escuela Provincial de Folklore de la Diputación Provincial en la capital, Molina de Aragón y Sigüenza, junto a los que aprenden el instrumento en la Escuela Municipal de La Cotilla en Guadalajara. Muchos de ellos forman parte de las cerca de ocho formaciones existentes en la provincia. “En Guadalajara hay un arco geográfico muy asociado a la dulzaina, que no significa que en otros puntos no la toquen, pero digamos que es un eje imaginario que iría desde la zona de Cantalojas, Galve de Sorbe, Tamajón, Sigüenza, toda la Sierra del Ducado hasta el Señorío de Molina de Aragón. Al sur de la Alcarria no se ha logrado asentar, aunque se toque, pero no con muchas fiestas vinculadas al instrumento”, apunta Ricardo Villar. 

La presencia en Cuenca y la necesidad de relevo generacional

En el caso de Cuenca, donde hay cuatro grupos de dulzaineros, nunca se cortó ese hilo de intérpretes y tiene una gran presencia en numerosas fiestas de paloteo que se dan en la provincia, tal y como señala a este periódico Javier Vacas, de Dulzaineros de Cuenca.

Sin embargo, a diferencia de Guadalajara, esta provincia no dispone de una escuela para enseñar a tocar la dulzaina. “El grupo Voces y Esparto tuvo hace años escuela y ha luchado mucho para la puesta en marcha de una escuela municipal. Este año ya había 26 alumnos apuntados y tenían también al docente, pero finalmente no salió adelante. La buena noticia es que recientemente el Consistorio ha confirmado que finalmente se pondrá en marcha este año”, explica Vacas, que destaca el interés de los dulzaineros actuales por aprender de forma autodidacta o a través de intérpretes con experiencia.

Volviendo a Guadalajara, Ricardo Villar considera que el instrumento no pasa por un mal momento, pero tampoco vive su periodo más dulce en la provincia en esta provincia. “Eso fue tiempo atrás, cuando yo empecé en 2004. Entonces había más de 20 alumnos estudiando en el aula de la Escuela de Folklore. Ahora hay varios grupos con componentes entre los 35 y 45 años y si atendemos a lo que es el relevo generacional, pues tiene continuidad, pero la realidad es que entre los menores de 35 años no hay ninguno en activo ni en formación”. Y no será por facilidades, lamenta. Y es que en la Escuela Provincial de Folklore prestan hasta el instrumento. Una dulzaina diatónica sin llaves o si se prefiere se puede adquirir una a alguno de los cuatro o cinco luthieres existentes y que se encuentran repartidos por Valladolid, Segovia y Ávila. 

Tanto Antonio Trijueque como Ricardo Villar señalan a un referente y maestro entre todos ellos: Lorenzo Sancho, un luthier de Carbonero el Mayor (Segovia) de cuyas manos han salido el 90% de las dulzainas de la provincia de Guadalajara.

Lo que sí reconoce Trijueque es que quienes se acercan a aprenderlo lo hacen “con convencimiento e interés”, y eso que es un instrumento que requiere mucho ensayo y que eso es complejo debido a su estridente sonido. Este docente y amante incondicional de la dulzaina no pierde la esperanza y además de enseñar a tocarla realiza una labor de documentación y recogida de las melodías en partituras, además de componer alguna que otra nueva. Algo que ha plasmado en varios libros. El último está a punto de ser publicado.