Entre los años 1978 y 1982, una de las cuevas habituales en los edificios de la Cava Baja se convirtió en un secreto que corría de boca en boca por los ambientes de un Madrid que inauguraba con ahínco el tópico 'ciudad que no duerme'. Eran los años de la hoy tan manoseada Movida. Pero los chavales más jóvenes de la Nueva Ola, con estilismo de SEPU y pelos de color tropical, no eran los únicos que estrenaban país. La Mandrágora, en el número 42 de la calle, fue el local que aglutinaba a una generación un poco más mayor –sus fundadores estaban en la treintena–, acaso de perfil más intelectual.

Aunque la experiencia no duró mucho, su recuerdo fue rebotando en las paredes del tiempo gracias a La Mandrágora, un disco publicado en 1981 con canciones grabadas en el sótano de la Cava Baja por los cantautores Joaquín Sabina, Alberto Pérez y Javier Krahe. En el aire de grabación casual del disco, se cuelan las risas de la noche 'mandragorera' y el tintineo de los vasos. Casi se puede oler el humo de los cigarrillos de Krahe.

Sin embargo, el viaje a través de un puñado de canciones desternillantes oculta el resto de las actividades que, durante años, convirtieron el local en centro neurálgico de la movida cultural. La Mandrágora fue el proyecto de los artistas Manuel Paniagua y Enrique Cavestany, Enrius, que le dedicó un libro llamado Una cueva diluvial en la Cava Baja.

Cavestany rememora cómo conoció a Paniagua y a su pareja, Piluca Pascual –también pionera en la aventura–, en el obituario que los dedicó después de que ambos fallecieran en un desgraciado accidente de tráfico en 2005: “Nos conocimos hace 30 años y Begoña me los presentó como unos padres del Colegio Siglo XXI, de Moratalaz, lo que en aquella época formaba parte de nuestras señas de identidad”.

En su libro, narra también el primer encuentro con Joaquín Sabina, que se produjo al poco tiempo de abrir las puertas del local: “Serían las once y media cuando Manolo me dijo que un tipo quería hablar con el baranda. Salí de la cocina donde estaba terminando de fabricar un gazpacho y junto a la barra me encontré con un individuo carniseco, pero flamenco, con un voluminoso álbum de fotos bajo el brazo. Se presentó como vecino del barrio y confesó de manera desenfadada que su mujer le había informado acerca de la reciente apertura de nuestro pequeño local, al tiempo que le hacía ver la urgente necesidad de procurarse algunos ingresos para afrontar los apremios alimenticios de las próximas horas”.

Empezaron una colaboración que al principio se pagaba a 1.500 pesetas la noche y la mitad de la recaudación por las copas. “A las pocas semanas sus actuaciones en la cueva conocían un éxito muy por encima de nuestras expectativas y atraían a otros vocalistas y acróbatas, así como a un público devoto que celebraba generosamente sus interpretaciones”, explicaba.

Fueron muchos los que fueron llegando al local al socaire de las actuaciones y se quedaron. Entre ellos, Pancho Varona, un joven aspirante a funcionario que, a fuerza de acudir todas las semanas a las actuaciones, se hizo amigo de Sabina y acabó acompañándole en el escenario –y en la composición del repertorio– durante varias décadas.

Se unieron a la fiesta Javier Krahe y el bolerista Alberto Pérez. Las actuaciones de los cantautores se fueron haciendo cada vez más famosas, especialmente cuando el crítico Alberto Caffaratto les dedicó un elogioso artículo en la Guía del Ocio. Los cantantes, haciendo gala de guasa, le entregaron una noche un jamón de jabugo durante el transcurso de una actuación. Luego, vinieron las apariciones en el programa de García Tola, el revuelo nacional cuando Krahe pronunció por primera vez en pantalla la palabra 'gilipollas' durante la interpretación de Marieta… Y el resto es historia.

En La Mandrágora había mucho más que aquellos conciertos de los sábados, a los que a veces se apuntaba también el cantautor maño y discípulo de Labordeta Joaquín Carbonell. Otro de los espectáculos más recordados era el que desempeñaba Juan Tamariz, entonces uno de los jóvenes que estaba renovando la magia española. Allí tuvieron lugar también las proyecciones en Super-8 de Almodovar, que se recuerdan como desternillantes, o las de Jaime Chávarri. Había sitio para el tarot de Flora Pino o las representaciones teatrales de algunos de los grupos de teatro experimental que abundaban en la época.

Entre la clientela, podríamos anotar a los Alberto Corazón, Forges, Luis Eduardo Aute, Maruja Torres, Montxo Almendariz, Chicho Sánchez Ferlosio, Vainica Doble o Manolo Tena, entre otros.

La Mandrágora se enfrentó a problemas administrativos antes de su cierre. En 1980 el Ayuntamiento lo clausuró temporalmente por denuncias de ruido. El 18 de marzo, el diario El País publicaba una carta firmada por Joaquín Sabina, Juan Tamariz y otros abajo firmantes habituales de La Mandrágora:

“Esta vez, la represión económico-cultural la ha perpetrado el Ayuntamiento contra un local, La Mandrágora, en el que los abajo firmantes actuábamos, con regularidad unos, esporádicamente otros. Los muy reglamentarios y no menos confusos motivos por los que se ha decidido privarnos de unos minipuestos de trabajo y diversión, si se aplicaran coherentemente, y nadie pide esa coherencia, llevarían a clausurar centenares de discotecas, puticlubs, salas de fiesta, y, por supuesto, talleres, industrias, ayuntamientos, etcétera. Pero no; cerrarán La Mandrágora porque, en su pequeña dimensión, no es un local adocenado, sino con esquemas singulares, donde las sonrisas, risas y «risotadas» provienen de una actitud crítica no alineada. Ese cierre no es ético. Queremos que se nos abra La Mandrágora y una docena más de lugares similares”.

El sótano queda a la izquierda cuando uno baja al baño en el bar de pinchos que ocupa hoy el número 42 de la Cava Baja. Sin embargo, el espíritu de La Mandrágora sigue muy vivo en el imaginario colectivo y cada cierto tiempo es reivindicado por espacios de marchamo cultural que se quieren herederos de la experiencia de la Cava Baja. Es el caso de distintos espacios culturales con barra que, en las últimas décadas, han tratado de convertirse en refugio habitual de cuadrillas noctámbulas desafectas a las grandes pistas de baile.

Por ejemplo, de La Juntada de La Realidad Club, un Open Mic que comenzó el pasado 19 de febrero y pretende reunir con “el espíritu de La Mandrágora” cada dos jueves a poetas, músicos y artistas. Se anuncia como “espacio de resistencia cultural” porque la oposición en la ciudad de Madrid quizá está hoy en otras coordenadas diferentes a las que atravesaba la postransición, pero sigue habiendo espacio para una cultura contestataria.

Un mural para recordar el espíritu de La Mandrágora

Una medianera en la cercana plaza de Cascorro invoca, con colores desvaídos, al paisanaje de La Mandrágora. Cocktail Grand Luxe es un fresco humano encargado en tiempos de Tierno y pintado por el propio Enrique Cavestany en junio de 1983, con La Mandrágora ya cerrada.

El pintor incluyó en el mural de 17 metros de altura y 5 de ancho el rótulo verde del local y a mucha de la clientela; 35 personajes que desfilan por los puestos del El Rastro entre los que se distingue a Joaquín Sabina, Alberto Corazón, Juan Luis Cebrián o el propio Manolo Paniagua, que también tuvo puesto en el mercadillo y aparece tumbado.

Cavestany lleva más de veinte años intentando que el mural se restaure y a la empresa se unió también la asociación Nuevo Rastro. Durante el gobierno de Ahora Madrid en el Ayuntamiento, se les instó a que incluyeran la propuesta en los presupuestos participativos, pero fue desestimada estar sobre una propiedad privada.

Posteriormente, ya con el Partido Popular en Cibeles, se anunció que la rehabilitación se haría en el segundo trimestre de 2020, pero con la pandemia se instauraron la excepcionalidad y el borrón y cuenta nueva. Aún se volvería a anunciar una vez más, hablándose incluso de un presupuesto de 40.000 euros y la colaboración de una entidad bancaria. Sin embargo, hasta la fecha no se ha producido la ansiada recuperación y los fantasmas de La Mandrágora se desvanecen poco a poco, a la vista de todos.

Un grafitero sionista ha viajado recientemente a Barcelona para tapar murales contra el genocidio de Palestina, entre ellos uno del conocido muralista catalán Roc BlackBlock. El autor de las pintadas, el israelí Dudi Shoval, difundió en las redes sociales su acción en el barrio de El Clot, que consistió en eliminar una obra crítica con Benjamin Netanyahu, para luego dibujar al primer ministro de Israel con una corona y el mensaje de “Viva Israel”. 

El mural original, realizado por Roc BlackBlock a principios de junio, mostraba el rostro de Netanyahu manchado de sangre y con la palabra “criminal” escrita en la frente. Shoval, el grafitero sionista, pintó encima lo que el propio BlackBlock define a elDiario.es como “una versión sionista del mural”: el retrato del primer ministro con una corona monárquica acompañado del lema “Viva Israel”.

Durante la acción de Shoval, llevada a cabo el pasado mes de diciembre, los vecinos le empezaron a gritar y a reclamar que se marchara del barrio, según ha explicado BlackBlock a elDiario.es. Minutos después de que terminara de pintar el muro, otras personas lo cubrieron el nuevo con mensajes como “asesino” o “genocida”. Pero día siguiente, el artista israelí volvió al mismo lugar y realizó otro dibujo, esta vez con un candelabro judío, que también fue tapado por vecinos del barrio pocas horas después.

“La respuesta en contra de la pintada fue algo transversal, no fue solo cosa de activistas”, ha defendido este lunes BlackBlock. “Se marchó de Barcelona sabiendo que, aunque se gasten recursos intentando blanquear crímenes sionistas, no nos los tragaremos ni son bienvenidos”, escribió el artista catalán en una publicación en Instagram este domingo.

Días después de cubrir en dos ocasiones el mural de El Clot, Shoval también intervino otra obra del artista Juan Kantor en la que aparecía una joven palestina. Por ello, BlackBlock asegura que el episodio “va más allá de una pelea entre grafiteros”.

El muralista sionista permaneció en Barcelona apenas tres días y, según explicó él mismo en sus redes sociales, viajó a la capital catalana con el objetivo de cubrir esos grafitis. “Vinimos a Barcelona para luchar cara a cara contra la maldad. Por eso nos dirigimos a los barrios donde hay más musulmanes y odio”, explica en un vídeo publicado en Instagram tras realizar las pintadas.

Después de que su retrato fuera cubierto por los vecinos con consignas como “Palestina libre”, Shoval calificó lo sucedido de “grave” en sus redes sociales. “Quizás, y con la ayuda de Dios, esto haga que las comunidades judías en el extranjero dejen de vivir con miedo”, añadió en el texto de la publicación, donde además denunció haber sido agredido por algunos de ellos junto a sus acompañantes.

BlackBlock repintó su mural entre enero y febrero, aunque no lo hizo público hasta esta semana. La obra permanece intacta desde entonces, al igual que había ocurrido durante meses antes de la intervención del grafitero israelí. “Hace años que existe un gran respeto entre los distintos grafiteros. El dibujo se había mantenido intacto hasta que vino él”, explica el muralista catalán. “Es por ello, que respondemos en los muros de nuestros barrios y también en las redes sociales”, ha añadido en su publicación de Instagram.

Las calles de muchos municipios españoles se han convertido en auténticos museos al aire libre, con murales de gran tamaño que adornan cualquier pared o fachada que de otra manera pasarían desapercibidos. Un ejemplo de arte urbano lo encontramos en el municipio madrileño de Fuenlabrada, que ahora puede presumir de albergar el tercer mejor mural del mundo de 2025, un reconocimiento otorgado por la plataforma Street Art Cities.

Se trata de la emblemática obra Niños Perdidos del artista andaluz Murfin, un colorido trabajo que está ubicado en la fachada lateral del edificio situado en la calle del Tesillo 1 y que acompaña a los vecinos de esa construcción cada vez que se asoman al balcón. 

Niños perdidos se ha situado en el tercer puesto en el ranking de las mejores obras de arte urbano del mundo, solamente por detrás de Kalamata (Grecia) y Deep reflection (Serbia). En cambio, le ha ganado la partida al mural Fireman, ubicado en este caso el municipio madrileño de Alcalá de Henares y firmado por el madrileño Sfhir.

La obra de Murfin nunca ha pasado desapercibida, aunque el primer reconocimiento no ha llegado hasta ahora, en el marco del concurso impulsado por la plataforma Street Art Cities. La obra está protagonizada por una niña que abraza a un cocodrilo de juguete que parece que podría saltar del muro para protegerla. 

La cercanía entre la menor y el animal, la intensa mirada de la niña, el trazado suave y los colores fuertes y marcados destacan en una obra que se extiende por los balcones y más allá de la fachada. Una elección que no sorprende tratándose de Murfin, recuerda el consistorio madrileño, cuyo estilo se caracteriza por una fuerte paleta de colores y un mundo fantástico propio. 

Al final y pese al realismo de sus personajes, el artista español consigue que el vecino y el curioso se sumerjan “en un viaje de color, paisajes, animales y personajes fantásticos” en el que “se evade de la realidad mundana”.

Niños Perdidos y muchos murales más

Niños Perdidos se ha llevado el reconocimiento mundial, pero las calles de Fuenlabrada están llenas de monumentales obras desde la puesta en marcha del Museo de Arte Urbano (MAUF) en 2019. Ahora, se contabilizan cuarenta murales de distintas técnicas y estilos por las calles de esta localidad madrileña. Okuda San Miguel, Suso33, Pantone, Sixe Paredes, Eva Mena y Javier Lobo son algunos de los autores de esas obras, gran parte de ellas ubicadas en el Distrito Centro. 

No solo Niños Perdidos ha celebrado un reconocimiento en los últimos meses. Otras obras pertenecientes al MAUF también han recibido premios, como Energía sostenible de Jesús Mateos Brea, elegido como uno de los cien mejores murales de todo el mundo.

A apenas dos horas desde Oviedo, una de las aldeas más pequeñas de Asturias se ha convertido en un punto de interés gracias a una iniciativa artística que da visibilidad a un entorno seriamente afectado en las últimas décadas por la despoblación. Los 12 habitantes censados de Villaoril, en el concejo de Ibias —muy cerca de las provincias de Lugo y León— son los protagonistas del homenaje “Érase una vez en Villaoril”, que ha llevado a decorar puntos clave del pueblo con escenas cotidianas de su día a día.

Detrás de este trabajo está la artista María del Roxo, que describe los murales como una muestra del “compromiso con sus vecinos de Villaoril y de Ibias, un compromiso con el mundo rural, con lo pequeño, con lo modesto, con mi familia y mi entorno”, según afirma en su página personal. La iniciativa ha contribuido así a convertir Villaoril en un punto de interés dentro del turismo rural cultural, ofreciendo a quienes se acercan la posibilidad de conocer un ejemplo de comunidad pequeña que mantiene su identidad y sus tradiciones a pesar de la reducción poblacional.

Si en el pasado la localidad contaba con una veintena de casas habitadas, actualmente hay meses en los que la aldea queda prácticamente vacía. A pesar de la reducción de población, la localidad se mantiene como un núcleo cuidado: los vecinos se encargan de conservar las viviendas, mantener los caminos y garantizar el acceso a las distintas partes del pueblo, lo que supone un esfuerzo constante por preservar la funcionalidad y el aspecto del lugar.

La vida comunitaria se mantiene activa entre los residentes permanentes y aquellos familiares o visitantes que regresan en determinados períodos del año, asegurando la continuidad de la convivencia en un entorno rural aislado. La ubicación de Villaoril implica un desplazamiento de aproximadamente dos horas desde Oviedo, atravesando carreteras de montaña y espacios rurales poco transitados.

Los murales que documentan la vida de Villaoril

El proyecto “Érase una vez en Villaoril” fue impulsado en 2022 por la artista María del Roxo, aunque sus primeros pasos comenzaron en 2008 con la transformación de la fachada de un garaje en desuso. Aquella primera intervención retrató a sus padres y a algunos vecinos, convirtiendo un espacio deteriorado en un elemento visual que anunciaba la llegada al pueblo. Con el tiempo, esta acción individual se amplió hasta consolidarse como un proyecto comunitario que incluye la participación de vecinos, familiares, residentes ocasionales y artistas externos interesados en colaborar.

Las pinturas reflejan escenas cotidianas de los habitantes del pueblo. Entre ellas se encuentran mujeres realizando tareas domésticas, vecinos asomados a puertas partidas y niñas observando desde ventanas simuladas. Cada obra se realiza de forma pequeña y respetuosa con la arquitectura local, utilizando materiales sostenibles como madera, piedra, fibras vegetales, vidrio y otros elementos reciclados. Esta metodología busca que las intervenciones se integren con el entorno sin alterar la estructura de las casas ni el estilo tradicional del pueblo.

Además de los murales, el proyecto incorpora esculturas distribuidas por distintos puntos de la aldea. Estas piezas complementan las pinturas y generan un efecto de continuidad entre la vida cotidiana de los habitantes y la representación artística. La combinación de murales y esculturas crea un recorrido visual que permite a los visitantes observar diferentes facetas de la vida de Villaoril, registrando gestos, rutinas y presencia de los vecinos en distintos espacios del caserío.

El proyecto también tiene un componente social y cultural. No se limita a decorar el pueblo, sino que pretende reforzar los lazos entre los pocos habitantes y conservar la identidad del lugar en tiempos de despoblación y envejecimiento rural. La iniciativa ha convertido Villaoril en un museo al aire libre donde cada calle y cada vivienda ofrecen un testimonio de la comunidad, manteniendo la aldea viva incluso durante los meses más fríos del año y generando un atractivo turístico vinculado al patrimonio humano y arquitectónico del occidente asturiano.

Las primeras demandas se remontan a 1996. El del Real Monaterio de Santa María de Sijena es un litigio enrevesado e interminable que enfrenta a dos comunidades vecinas como Catalunya y Aragón. Parecía que la historia llegaba a su desenlace después de que en 2025 se conociera la sentencia del Tribunal Supremo que obligaba al Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) a restituir las pinturas murales de la sala capitular del Monasterio de Sijena arrancadas en 1936. Nada más lejos de la realidad.

El que se esperaba que fuera el último capítulo, se inició el pasado mayo cuando el alto tribunal desestimó la totalidad de los recursos presentados por el MNAC contra de la sentencia de devolución de las pinturas murales de la sala capitular del monasterio, que había dictado en julio de 2016 el juzgado de Huesca.

El fallo del Supremo determinaba, y este es un detalle fundamental en esta historia, que el MNAC debía ser el ejecutor y responsable de la devolución. Es decir, que debe encargarse de extraer los murales del museo, llevarlos a Sijena y restituirlos a sus muros bajo su responsabilidad si se produjeran daños.

El MNAC consigue dilatar el proceso

Las pinturas murales son el último bastión de la batalla entre Sijena, el gobierno de Aragón y el MNAC. Atrás quedaban la mayoría de los episodios de devoluciones de bienes del litigio ya resueltos. Devoluciones de forma voluntaria y a veces no tanto, como ocurrió en 2017 cuando, por orden de la Justicia, la Guardia Civil entró en el Museu Diocesà de Lleida y se llevó numerosas piezas.

Para retenerlas, el MNAC había presentado numerosos recursos en atención al modo y el estado en que llegaron las pinturas a Catalunya, sin dejar por ello de reconocer que se encontraban en depósito, siendo así el ayuntamiento oscense su legítimo propietario. Pero se alegaba una alta peligrosidad en el traslado, pues las pinturas se recuperaron en 1936 tras el incendio del monasterio en plena Guerra Civil, de lo que se infiere su extrema fragilidad.

No obstante, y sin entrar en cuestiones técnicas respecto a la conservación, el Supremo rubricó la sentencia del juzgado de Huesca y se volvió a activar el periodo y la responsabilidad de devolución que habían dejado en suspenso los recursos del MNAC. No le quedaba otra, pues, al museo catalán que restituir los bienes murales que atesoraba en su edificio, el Palau Nacional, desde 1940.

Pero a partir de este punto, y acogiéndose a la parte de la sentencia que obliga al MNAC a llevar a cabo todas las tareas de devolución bajo su responsabilidad en caso de daños, la institución catalana ha conseguido dilatar una vía jurídica que parecía que ya no daba más de sí.

Por qué son tan frágiles las pinturas

Conviene ir al origen de la extracción de las pinturas para entender el porqué de su supuesta fragilidad. En 1936, en la versión más comúnmente aceptada, las pinturas murales de Sijena fueron rescatadas por el experto catalán al servicio de la Generalitat Josep Gudiol tras un incendio en la sala capitular, provocado o bien por vecinos del pueblo o por un batallón anarquista.

Sea como fuere, la sala ardió durante tres días y con ella buena parte de los murales de sus paredes y techos, considerados por los historiadores una suerte de Capilla Sixtina del arte románico.

Gudiol y otros técnicos consiguieron arrancar, mediante la agresiva técnica del strapo, buena parte de las pinturas que se habían salvado del fuego y las guardaron en 64 rollos de tela que transportaron a Barcelona, a la casa Ametller del Passeig de Gràcia, donde residieron hasta que en 1940, por orden del gobierno franquista ya en el poder, pasaron al palacio construido para la exposición universal de 1929, que se constituyó como sede del entonces incipiente MNAC.

Allí han permanecido hasta la fecha, tras diversas restauraciones de las partes más afectadas, las pinturas. Y desde allí indican las sucesivas sentencias que deben viajar de nuevo hasta Sijena. En consecuencia, el nudo gordiano del nuevo capítulo abierto dentro del último capítulo del contencioso está pegado al falso techo ovalado de la sala 16 del MNAC: ¿Se dañarán irremediablemente las pinturas al sustraerlas de este sustrato, como sostiene el MNAC, o bien pueden ser arrancadas sin problemas y devueltas a su legítimo dueño?

El MNAC abre un nuevo frente

Tras la sentencia del Supremo, tanto el Ayuntamiento de Sijena como el gobierno aragonés defienden que el traslado se puede hacer sin daños para las pinturas, y para demostrarlo acordaron enviar una comisión de tres expertos dirigidos por la representante aragonesa Natalia Martínez de Pisón. Los expertos acudieron al MNAC en julio, donde fueron recibidos por el director de museo, Pepe Serra, y tras varios días de evaluación informaron de que, en su opinión, el traslado era posible.

Mientras tanto, el director general de Cultura del Gobierno de Aragón, Pedro Olloqui, acusó reiteradamente al museo catalán, a la Generalitat e incluso al ministerio de Ernest Urtasun, de demorar deliberadamente el traslado con ardides técnicos y jurídicos. En las mismas fechas en que los expertos del gobierno de Aragón entraban en el museo, su director manifestaba la intención de pedir una incidencia de ejecución en sede judicial “para informar de la incapacidad técnica del museo de llevar a cabo esta operación en el plazo establecido por la ley de enjuiciamiento civil ni tampoco técnicamente”.

La estrategia desvelada por el MNAC consistía, pues, en dilatar en lo posible la ejecución de la sentencia y a la vez tratar de impedirla por incapacidad técnica o bien ganar más meses para la devolución, como finalmente la jueza ha acabado otorgando en razón a los nuevos meandros del proceso, si bien al principio se reafirmase en los plazos de ejecución iniciales.

Olloqui y Español suben el tono

Ante el enfado mayúsculo tanto de Olloqui como del abogado del ayuntamiento de Sijena, Jorge Español, el MNAC alegaba para declararse “incapaz” de ejecutar el traslado los informes de expertos, tanto nacionales como internacionales, que alertan de la fragilidad de las pinturas. Solo una orden reforzada por la jueza al resolver la incidencia de ejecución podía entonces obligar al museo a ejecutar la sustracción y traslado de las pinturas, pero entonces dicha orden libraría de responsabilidad al MNAC en caso de daños.

O al menos esto es lo que el director del museo reconoció que pretendían: o bien que la jueza declarase la sentencia inejecutable –lo que no libraría al MNAC y sus patronos de importantes indemnizaciones pero evitaría el traslado– o, que en su defecto, eximiese de responsabilidad jurídica y económica a los técnicos que ejecutasen la devolución en caso de daños. Para ello en septiembre el MNAC aportó a la jueza nuevos informes de expertos internacionales en favor de sus tesis.

En el otro bando, Olloqui y Español aseguraban que los expertos de Aragón desplazados a Barcelona fueron presionados por Serra y su equipo, extremo que este negó rotundamente. Los siguientes episodios de lo que se estaba convirtiendo en un nuevo culebrón trajeron a finales de septiembre una manifestación convocada por la plataforma Sijena Sí frente al MNAC y una denuncia por parte del gobierno de Aragón de que los expertos habían detectado que las pinturas se encontraban en mal estado.

Denuncia que el museo rebatió con sus propios argumentos asegurando que los datos de los expertos era “falsos”. Incluso en esta ocasión el ministro Urtasun, que siempre se ha mostrado esquivo, salió en defensa del museo. Hasta entonces Urtasun había evitado pronunciarse, salvo cuando dijo a principios de junio que el objetivo es que se cumpla la sentencia dictada por el Supremo. 

Además, Aragón alegaba que las pinturas habían viajado en los 80 a Estados Unidos e Inglaterra y habían regresado sanas y salvas. Desde la parte catalana reconocían esos viajes efectuados en el pasado, antes de la consolidación del museo en 2005, pero matizaban que fueron puntuales y solo viajaron las porciones que estaban en mejor estado. De todas formas, puntualizaban que ahora, y con el conocimiento que se tiene actualmente del estado de los murales, este tipo de viajes son impensables.

Rosalía irrumpe en Sijena

El penúltimo episodio de esta historia, y tal vez el más esperpéntico, llegó cuando a principios de noviembre el abogado de Sijena trató de impedir una listening party de presentación en el MNAC del nuevo álbum de Rosalía, Lux. Jorge Español esgrimió que los elevados decibelios de la música de la catalana podían dañar las pinturas. La jueza lo rechazó y el acto tuvo lugar sin mayores problemas, pero al día siguiente el abogado acusaba al MNAC de hipocresía.

Posteriormente, en una reunión con la prensa el pasado diciembre, Serra replicó: “Lo que no puede ser es considerar que un concierto de Rosalía puede afectar a la pintura y que partirla en 74 trozos se puede hacer fácilmente sin mayores consecuencias. Quien dice esto debe ir a un médico”.

Tras la poco diplomática declaración de Serra, Español anunció una demanda por vulneración a su honor, le reclamó 90.000 euros y su dimisión por no mantener una “conducta irreprochable” como le obliga el código deontológico del Consejo Internacional de Museos (ICOM).

Un desenlace en manos de la jueza

Para el 2026 que acabamos de estrenar se espera un desenlace que ponga fin a este largo y agotador contencioso que enfrenta las instituciones culturales de Aragón y Catalunya. Aunque todo puede pasar en el universo Sijena, tal como dicta la experiencia, se espera que la jueza resuelva sobre la incapacidad del MNAC de ejecutar el traslado.

Por la parte aragonesa se desea que la magistrada se incline por forzar la ejecución y por la catalana que si así sucede, haya por lo menos constancia jurídica de sus advertencias en caso de daños en las pinturas, que se ven como casi seguros. Mientras, algunos expertos reclaman sensatez y que se deje la política a un lado cuando lo que está en juego no es el orgullo de dos comunidades vecinas, sino algo tan serio como unas pinturas únicas en el mundo y, por tanto, de un valor incalculable.

A este respecto, piden que se exploren soluciones alternativas que eviten producir más daño en los murales como un sistema digital que permitiría proyectar los murales sobre las paredes de Sijena con la máxima fidelidad.

El Gobierno de Castilla-La Mancha va a iniciar la tramitación del expediente para declarar Elemento de Interés Patrimonial el 'Mural de Carpe' en el IES Universidad Laboral de Toledo, tal y como se ha publicado en el Diario Oficial de la región.

El mural de Carpe está realizado por Antonio Hernández Carpe (1923-1977), conocido en los círculos artísticos como 'Carpe, y que fue un destacado muralista, dibujante y virtuoso creador, que cultivó todos los géneros. Su pintura presenta un dibujo de antecedentes e influencias cubistas y una paleta de colores nítidos.

Fue en 1972 cuando Hernández Carpe recibió el encargo de un mural para decorar el muro oeste del vestíbulo y la escalera del Pabellón 1, edificio docente del Centro de Universidades Laborales de Toledo. En él se proyecta “un mural de pintura figurativa que representa las cosas humildes, las más próximas de la vida de cualquiera”, tal y como ha explicado la viceconsejera de Cultura y Deportes, Carmen Teresa Olmedo.

Carmen Teresa Olmedo ha explicado que “constatando los valores patrimoniales de este bien estamos dando procedimiento de declaración como Elemento de Interés Patrimonial, lo que contribuirá a poner en valor este patrimonio y se logrará una mayor conciencia de su importancia artística”.

El mural se encuentra realizado sobre el muro preparado, revocado de textura rugosa, lo que permite una mejor fijación de la pintura. El autor utilizó una técnica en seco y al óleo, empleando una pasta de pintura muy disuelta en aceites y secativos, dispuesta en capas finas, que actúa por transparencia y veladura, dejando que trepe el color del soporte.

La obra se vertebra en un proyecto vertical de grandes dimensiones, de más de ochenta metros cuadrados (alrededor de diez metros de anchura por ocho de altura), siendo el de mayor tamaño de los murales pictóricos realizados por Carpe. Se trata de una obra de enorme envergadura, que comunica y da una sensación de continuidad a las dos plantas del edificio donde está enclavado. Todo el mural está rematado en su anchura por una serie de vanos que lo iluminan de forma natural.

La escena tiene como marco la ciudad de Toledo, apareciendo representados determinados edificios emblemáticos como el Alcázar o la Catedral. La urbe histórica, representada en un plano más lejano, ocupa la mitad superior de la composición, mientras que en la mitad inferior aparecen tres figuras masculinas, simbólicas, con atuendos medievales y un cervatillo.

Durante este sábado, el patio del CEIP Navarrete El Mudo, en Logroño, se ha convertido en un gran lienzo colectivo con la creación de un “Mural por la Igualdad” de 16 metros de longitud, en el que han participado familias, alumnado, profesorado y personal no docente del centro. La ilustradora Raquel Marín, miembro del AMPA, ha plasmado en la pared los bocetos inspirados en las ideas y trabajos que el alumnado ha desarrollado en las aulas durante las últimas semanas.

Temas como los estereotipos de género, la conciliación, la corresponsabilidad o la visibilidad de las mujeres estarán presentes en las escenas que después toda la comunidad educativa coloreará de forma colaborativa.

La Escuela de Arte de Toledo acoge este mes de noviembre la exposición internacional Art is our language, una muestra colectiva que reúne a artistas de diversos países, estilos y generaciones.

Tras pasar por Londres y Zagreb, la muestra, que se ha inaugurado este viernes, ha llegado a la capital regional con artistas provenientes de países europeos como Inglaterra, Croacia, Italia y Eslovenia. También hay españoles, entre los que destacan varios toledanos, como Nacho Welles, Jorge Gallardo o Fátima Díaz Ropero.

A ellos se suman Alberto Montero, Elle Koziupa, Filip Morka Burburan, Ian Moore, Guille de la Llave, Ivo Smack Kosanovic, Kid Crayon, Lours, Lunar, Marioo Triviño, Nacho Welles, Oust, Pablo Ortiz, Pablo Thomas, Travis y Víctor Hungría.

Toledo, ciudad multicultural

“Es una exposición que junta artistas locales con artistas internacionales, en este caso de Inglaterra, Croacia, Italia y Eslovenia”, explica Nacho Welles, organizador de la muestra, a elDiario.es Castilla-La Mancha. “El objetivo era poner en común a gente de diferentes países, diferentes edades, lenguas, todos juntos creando algo en conjunto, con artistas locales de la ciudad, y que se pudieran aportar unos a otros ideas nuevas y poner juntos cada uno su arte”.

Welles explica que la elección de Toledo, aparte de por ser su ciudad de origen (aunque ahora vive en Londres), responde al carácter multicultural que ha tenido la ciudad a lo largo de su historia y destaca el papel de su Escuela de Traductores (a la que la exposición rinde homenaje), que traducía “el conocimiento de unas culturas a otras”.

“El arte es una vía de entendimiento entre culturas y se puede ver aquí con esa variedad de artistas internacionales que hay”, resume Welles.

Conectar distintas culturas a través del arte

A esa idea se suma Jorge Gallardo, profesor en la Escuela de Arte y uno de los artistas que participa en la exposición. “Es una exposición colectiva que surge por la iniciativa de conectar distintas culturas utilizando como medio conductor el arte”, nos explica.

Además, como profesor del centro anfitrión, explica que esta exposición es especial para la Escuela de Arte porque es la muestra que “más gente de fuera” ha traído.

También variados son los estilos artísticos expuestos. El visitante podrá encontrar en Art is our language fotografía, cuadros al óleo, a collage digital, murales...

La exposición estará abierta con acceso libre durante el mes de noviembre en la sala de exposiciones Matías Moreno de la Escuela de Arte de Toledo.

Cada vez hay menos gente que vive de manera habitual en los pueblos y las callejuelas que antes estaban llenas de vida adolecen. Se han vuelto “invisibles” mientras los pocos que quedan se lamentan del escaso relevo generacional. San Pedro Bercianos, en una comarca de León que se conoce como El Páramo, no es una excepción, y a pesar de sus riquezas naturales, tiene entre sus habitantes habituales a pocos jóvenes.

Por esta razón, un grupo de habitantes de la localidad, con el apoyo de instituciones como la junta vecinal del pueblo y otras asociaciones, han decidido luchar contra la “invisibilidad” haciendo un llamamiento a los artistas locales y no locales. Quieren que vayan y utilicen sus espacios públicos para exponer, pintar o modelar sus obras.

Estrategia: alargar la estancia de los visitantes en el pueblo

Todo está milimétricamente estudiado: el proyecto, que nació en 2023 con el nombre de festival de arte SUCO, llega este año a su tercera edición. Se celebrará del 12 al 14 de septiembre, para intentar alargar un poco más la estancia veraniega de los visitantes y conseguir que inviertan en el comercio local y la restauración.

Atraen a los artistas proporcionándoles alojamiento, desplazamiento, dietas y los materiales. El objetivo es que participen con total libertad y aporten su granito de arena en cualquier ámbito artístico en el que se sientan cómodos y, como dice el folleto informativo, hacer del pueblo “un lugar único, lleno de arte, psicodelia y creatividad, una galería abierta para todo el mundo, un museo vivo, un espacio de creación libre, un lugar de promoción y expresión para todo artista que quiera colaborar”.

¿Murales? San Pedro Bercianos proporciona sus paredes. ¿Esculturas? Cualquier rincón es bueno para exhibirlas. ¿Instalaciones? ¿Performances? ¿Contenido audiovisual? Este pueblo leonés quiere ser el lienzo, el banco de pruebas que permita a esos creadores desarrollar sus capacidades y, de paso, hacerse visible. Quiere ser el hogar de los artistas por unos días. Porque después, todo eso queda y llama la atención de quién lo visita. Quizás los medios y el boca oreja obren el milagro.

Este año se han habilitado distintos espacios, ya preparados para albergar las intervenciones artísticas: la parada del bus, la Casa de las Bombas de Agua, la zona de gimnasio en la calle, diversos muros, las papeleras, los bancos, una rampa, la plaza del Agua, la plaza del Fin de la Cuesta, la calle de los sauces llorones, el jardín del depósito de agua, y puertas y fachadas de las viviendas y locales de diferentes vecinos.

El festival se bautizó como SUCO porque esta palabra es una expresión local que significa surco. La intención es eso: dejar una marca, una señal en el terreno, un recuerdo artístico que ensalce la cultura tradicional y contemporánea del Páramo leonés.

Una treintena de alumnos de Arteskola han realizado doce murales inspirados en el arte japonés del ikebana en un muro de la escuela pública Allende Salazar de la localidad vizcaína de Gernika-Lumo, con el objetivo de tender “un puente floral” con Hiroshima y Nagasaki, y transformar este espacio en “un mensaje de paz y memoria compartida”, según ha informado el Ayuntamiento. Gernika fue bombardea en 1937, en la Guerra Civil española, y las dos ciudades japonesas hace ahora 80 años, en agosto de 1945, como final de la II Guerra Mundial.

Desde el Ayuntamiento han valorado que “la pared de hormigón, gris y prolongada que custodia la escuela pública Allende Salazar” dejará de ser “mera frontera” para convertirse en “un lienzo de memoria”. En sus 57 metros de longitud se ha desplegado un conjunto de doce murales inspirados en el ikebana, el arte floral japonés que desde hace siglos propone “un diálogo paciente entre naturaleza y espíritu”, han explicado. Cada mural “evoca motivos florales que, en su origen, adornaban templos budistas y servían como ejercicio de introspección”. Además, un panel en euskera y castellano explica el sentido de la obra.

El mural carga un mensaje histórico, de conmemoración y reparación del pasado. “No se trata de una decoración ornamental. El mural es un puente simbólico hacia Hiroshima y Nagasaki, ciudades hermanadas con Gernika por una biografía común de destrucción aérea y reconstrucción moral”, ha precisado el Ayuntamiento. En palabras del alcalde, José María Gorroño, el objetivo es “estrechar lazos entre ciudades que, pese al sufrimiento vivido, buscan un futuro de paz”. “Este mural, que combina estética, pedagogía y memoria, es también un mensaje humano”, ha subrayado.

Cosas de los tiempos, en el barrio obrero por excelencia de Vitoria, Zaramaga, levantado en el franquismo para acoger a trabajadores de Burgos, Galicia, Extremadura y otros lugares de empleados en las nuevas industrias, los tradicionales ladrillos rojos vistos están dejando paso en algunos bloques a envolventes más eficientes desde el punto de vista energético. Y una de esas obras, la del 28 de la calle de los Reyes de Navarra, ha tapado un gran mural de homenaje a los sucesos que el 3 de marzo de 1976 se produjeron allí mismo, en la iglesia de San Francisco de Asís de la plaza de enfrente. Se instaló no hace tanto, en 2013, pero era ya un punto obligado en la ruta memorialística y, en puertas del quincuagésimo aniversario, que llegará en 2026, la ciudad no quería perderlo. Así las cosas, un par de calles más allá, en el corazón de Zaramaga, un taller acoge las labores de reproducción precisa -e incluso mejorada- de aquella obra de nueve pisos de alto y un par de locales comerciales de ancho. 210 metros cuadrados en total, la mitad de la cancha del Baskonia.

Aquel 3 de marzo de 1976 es una seña de identidad en Vitoria en general, pero en Zaramaga en particular. Apenas tres meses y unos días después de la muerte de Francisco Franco, la Policía Armada todavía perfectamente dictatorial, los 'grises', disolvió a tiros una asamblea de huelguistas que tenía lugar en el templo. Mató a cinco personas, hirió a decenas más y causó protestas en Euskadi, en España e incluso en Italia que dejaron todavía más fallecidos y reprimidos.

“Zaramaga no existe sin el 3 de marzo. Es la historia que sigue sin cerrarse. Es impensable no tener allí el mural”, señala Verónica Werkmeister, pintora nacida en Los Ángeles y responsable del programa de muralismo de Vitoria desde hace años. Ella y su compañero Javier Hernández Landazabal, sin temor a mostrarse ante las cámaras manchados de pintura de arriba abajo, han abierto esta semana las puertas de su 'oficina' a los medios de comunicación y a una representación municipal encabezada por la edil Miren Fernández de Landa para dar conocer los avances del nuevo mural dos meses después del inicio de los trabajos. Como novedad, se está haciendo sobre tela, en varias piezas, de modo que el montaje será más sencillo sobre la nueva fachada de cerámica del edificio reformado. “Como un puzle”, bromean.

La nueva técnica permite un mayor nivel de detalle, explican. “Estamos pintando a 15 centímetros. En un mural en un andamio tampoco puedes deleitarte en los detalles. Tenemos el lujo del tiempo”, cuenta Werckmeister. La posibilidad de hacer una segunda versión permitirá igualmente introducir algunos ligeros cambios respecto al diseño original. Por ejemplo, la visión desde de una ventana del barrio de los 'grises' “preparándose para dar palos” que, mientras se produce la visita, Hernández Landazabal pinta con tiento, como se llama el instrumento renacentista en el que se apoya. O la introducción del monolito que ahora existe como conmemoración permanente. No faltará, claro, esa icónica imagen de las letras de la palabra 'Justicia' escritas en color rojo con sangre, una por baldosa. Los Seat aparcados junto al lugar de los hechos en aquella jornada también están ya recreados con mimo.

El mural está siendo un trabajo colaborativo. Una treintena de personas ha participado. “Es un trabajo codo a codo. Nos hacemos amigos, tomamos un café, charlamos, ponemos música, se nos cae la pintura y nos reímos. Es una experiencia colaborativa de barrio”, señala la artista. Pero muchos “se emocionan” también al hacerlo. Y otros llevan de acompañantes a sus mayores, testigos de los hechos. En estos momentos surgen nuevas historias y recuerdos. Las instituciones trabajan ya en la reforma del templo para que acoja al final el prometido memorial, que aglutinará todas esas teselas del gran mosaico que fue el 3 de marzo de 1976. Eso sí, todavía está pendiente el traslado de la colección de belenes del Obispado, que precisa de una nueva ubicación. La edil Fernández de Landa sostiene que, de cara a ese aniversario redondo, “el nuevo mural lucirá ya en todo su esplendor”. “No hay presente ni futuro sin memoria”, sentencia.

Para esa fecha, a falta de sentencias condenatorias para los autores materiales o de responsabilidades políticas para los cargos de la Transición, la Fiscalía prepara un informe para establecer una suerte de “declaración de hechos” de lo ocurrido en 1976. No será un fallo ni tendrá carácter “punitivo”, pero sí es una posibilidad que ofrece la normativa para este tipo de sucesos. En la Cadena Ser, la fiscal-jefe de Álava, Carmen Cotelo, indicó que acumulan ya “2.000 folios de documentación”. Quedan siete meses para esa fecha.

Final feliz para el mural de Miguel Brayda en Puerta del Ángel. El Ayuntamiento de Madrid va a incluir la pintura del edificio del Montacargas, obra del artista madrileño, en el Catálogo de Bienes y Espacios Protegidos, según ha informado la vicealcaldesa y alcaldesa en funciones, Inma Sanz en la Junta de Gobierno de este jueves. Para ello, el Consistorio ha suspendido la licencia de obra para los actos de uso del suelo, de construcción y edificación y de ejecución de actividades que conlleven alteración de la fachada principal de este inmueble ubicado en el número 19 de la calle de Antillón, en el distrito de Latina.

Esta decisión ha sido adoptda después de que el Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid recibieran la denuncia de la asociación Madrid Ciudadanía y Patrimonio (MCyP) ante la posible desaparición de la obra del escenógrafo tras la colocación de un andamiaje, por parte del propietario del edificio, para reparar los problemas que presentaba la fachada. El inmueble contaba con un acta desfavorable de Inspección Técnica de Edificios del 18 de diciembre de 2023 y con un informe técnico de la Junta de Distrito de Latina del 30 de mayo de 2024 en el que se detectaban deficiencias en los revestimientos. En ambos documentos municipales se instaba a su subsanación sin modificación del estado de la pintura de la fachada.

La Subdirección General de Patrimonio Histórico de la Dirección General de Patrimonio Cultural de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid solicitó a principios de julio la protección de la pintura al Ayuntamiento, ya que expertos determinaron que el mural no cumple los requisitos para ser declarado Bien de Interés Cultural (BIC), ni alcanza la relevancia necesaria para ser reconocido como Bien de Interés Patrimonial (BIP). En un informe remitido al Ayuntamiento de Madrid, el organismo regional señala que, en la actualidad, el edificio no tiene protección patrimonial ni urbanística y que, aunque no cumple con los criterios para ser Bien de Interés Cultural ni Patrimonial, el mural presenta interés artístico y cultural por su autoría, simbolismo y valor comunitario.

El edificio no está catalogado, por lo que requiere que el Gobierno municipal adopte las cautelas previstas legalmente para evitar que, durante la preparación del documento para la aprobación de su protección, se puedan producir actuaciones que pudieran acabar de forma irreversible con el mural. Por ello, se ha procedido a la suspensión de las obras, aunque el propietario sí podrá operar en el resto de la construcción, siempre que no se afecte a la fachada. El pasado 18 de julio, el Área de Urbanismo, Medio Ambiente y Movilidad, que dirige Borja Carabante, dictó una resolución para la formación y tramitación de un expediente de planeamiento que tiene por objeto la protección de la pintura que Brayda plasmó en este teatro de Puerta del Ángel en 1994.

La finca de tres plantas que aloja el local de actividades el Nuevo Montacargas fue desde su construcción, en 1950, una fábrica de caramelos, que se adaptó como sala de teatro independiente El Montacargas en 1993. Fue entonces cuando Brayda, un escenógrafo de reconocido prestigio, pinta el mural con escenas de corte oníricas de decoración vegetal y animal en su fachada. La sala se convirtió en referente cultural del barrio, pero echó el cierre en 2020. En 2023, reabrió convertida en el establecimiento actual.

Miguel Brayda (1961-2016) fue un artista conocido por su creatividad y manejo del dibujo, el color y la experimentación con técnicas y soportes diversos, desde la pintura mural y el grafiti hasta el diseño de vestuario y escenografías para teatro, danza, circo y música. Recibió el Premio Nacional de Escenografía en 1997. Entre sus trabajos más destacados, se encuentran las pinturas murales de un techo de la sede de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE).

El legado artístico y cultural de Miguel Brayda es inmenso. Puede que alguna vez te hayas topado con una de sus obras sin saberlo o que esa fachada de tu calle en la que te fijas desde hace años al pasar sea una de sus creaciones. Posiblemente una de las más reconocibles es el mural del Montacargas, llamativo por sus colores y el contraste con los edificios que lo rodean. Se encuentra en Puerta del Ángel, en el número 19 de la calle Antillón, y para muchos de sus vecinos es todo un símbolo identificativo del barrio.

Laura, hija del artista Miguel Brayda, era un bebé cuando su padre pintó este mural en 1994. No recuerda nada de aquella época por razones obvias, pero tiene grabada a fuego la ilusión que suponía para ella y sus hermanos encontrarse cada vez que paseaban por su barrio con la obra que su padre había pintado. Ahora ya no vive en Puerta del Ángel y no lo ve con tanta frecuencia, pero es uno de esos lugares a los que todavía puede acudir para recordar a su padre, que falleció en 2016 con tan solo 54 años. Su padre fue un artista prolífico, que llevó su arte a lugares tan emblemáticos como el Circo Price o el Palacio de Longoria, donde pintó los frescos del techo.

Admirar la fachada del Montacargas y pasear por Puerta del Ángel es como revivir su infancia, durante la que vivió en La Nave, un edificio del barrio conocido por hospedar a artistas. Sin embargo, puede que ese mural al que Laura acude para recordar a su padre deje de existir. A finales de junio, la familia de Brayda recibió la noticia de que el mural del Montacargas corría peligro: “Nos avisaron de que iban a hacer obras en el edificio y tenían que pintar la fachada”. A Laura se le encogió el corazón al pensar que esa parte de su padre podría desaparecer.

Hace ya unos años, poco después de la pandemia, los nuevos responsables del espacio, Nieves Villar y Diego Quejido, se pusieron en contacto con ella y sus hermanos, también artistas de formación. Les transmitieron su interés por mantener el mural que su padre había pintado hace más de tres décadas, considerándolo un símbolo importante tanto del edificio como del propio barrio.En aquel primer contacto, les propusieron la posibilidad de restaurarlo, ya que la pintura estaba visiblemente deteriorada por el paso del tiempo. Aunque la conversación no avanzó en ese momento, sí sentaron las bases para una futura restauración.

El pasado mes de junio, unas semanas antes de que se hiciera pública la amenaza de repintado, el equipo volvió a escribirles. Les informaron de que la fachada requería algunas reparaciones y que, una vez completadas, podrían valorar restaurar el mural. La idea era tapar algunas grietas o imperfecciones inevitables por las obras y después recuperar el color y la vitalidad originales de la pintura. Laura y sus hermanos aceptaron encantados y quedaron a la espera de nuevas noticias.

Pero la situación cambió de forma repentina: “La fachada iba a ser pintada íntegramente de blanco al día siguiente”. El andamio ya estaba colocado y la propiedad no había avisado con antelación de esta destrucción inminente. Para Laura y sus hermanos fue un golpe inesperado, que además se produce en vísperas del noveno aniversario de la muerte de su padre. Para ella y su familia, “no es solo un mural, es su memoria viva en el barrio”.

Según explica a este periódico Nieves Villar, socia fundadora del Nuevo Montacargas, desconocen “qué intenciones tiene el propietario y qué tiene que arreglar después de recibir el informe técnico del arquitecto que llevó a cabo a la inspección del edificio”. Villar señala que todo apunta a que ese informe resultó desfavorable y “ahora queda ver y esperar que las zonas que necesitan reparación sean solamente puntuales”. Laura reconoce que ver desaparecer las huellas físicas de su padre —como el mural— es sentir cómo su presencia se desvanece poco a poco.

Proteger su obra para preservar su memoria

Sobre el proceso de protección institucional, Laura lamenta que, hasta ahora, ni el Ayuntamiento ni la Comunidad de Madrid se hayan puesto en contacto con ellos. Aunque la Comunidad sí actuó paralizando la obra de repintado, no han recibido ninguna propuesta oficial del Consistorio para proteger el mural o incluirlo en el catálogo de bienes y espacios protegidos. De hecho, fue gracias a la movilización de la Asociación Madrid Ciudadanía y Patrimonio y de personas como Nieves que la familia se enteró de lo que estaba ocurriendo. Ella misma ha sido su principal enlace con lo que está sucediendo. Somos Madrid se ha puesto en contacto con el Ayuntamiento y el área de Urbanismo para conocer sus planes sobre el mural, sin obtener respuesta.

Laura admite que hasta ahora no se les había ocurrido mover nada por iniciativa propia para proteger la obra. Para ellos tiene un valor emocional inmenso, pero no saben si ese valor era compartido por el resto de madrileños. Sin embargo, tras compartir en redes sociales lo que estaba pasando, recibieron una avalancha de mensajes de vecinos que reconocían la obra y expresaban su cariño por ella, muchos sin saber que era obra de su padre.

Cuando falleció Miguel Brayda, Laura y sus hermanos se encontraron de pronto con la difícil tarea de gestionar todo el legado artístico que él había dejado atrás. Pintor incansable, Miguel acumuló una enorme cantidad de obras, muchas de las cuales jamás expuso ni movió de su taller, simplemente porque encontraba más satisfacción en pintar que en promocionar su obra.

Aunque tuvo una etapa activa de exposiciones, sus últimos años estuvieron dedicados sobre todo al diseño escenográfico, especialmente en el Circo Price. Su carrera, muy ligada a la vida cultural de Madrid, fue extensa, pero poco mediática. Después de su muerte, su familia quedó algo colapsada ante la magnitud del trabajo pendiente y la falta de herramientas para proteger y preservar su obra. Laura confiesa que, durante años, sintió una mezcla de culpa y dolor por no saber cómo actuar, por no conocer los recursos disponibles para poner en valor su legado. Cuando estalló la noticia del Montacargas volvió a surgir esa sensación de impotencia. “Por un lado, sentía que no tenía derecho a protestar, pero es imposible no reaccionar ante la idea de que la obra de mi padre desaparezca”, cuenta.

De producirse, la inclusión de la fachada en el catálogo de bienes y espacios protegidos supondría un compromiso por parte del Gobierno municipal con la preservación del inmueble que frenaría la destrucción del mural y, además, evitaría que vuelva a correr peligro. Por su parte, Laura espera que el conflicto pueda solucionarse de la mejor manera posible para poder seguir preservando el legado de su padre, que vive en la mirada de quienes pasan a diario por la calle Antillón y reconocen, en esa fachada, parte de su historia compartida.

Buenas noticias para el mural del teatro El Montacargas. La emblemática pintura que adorna la fachada del número 19 de la calle Antillón podrá salvarse de su inminente desaparición. Después de la denuncia presentada por una asociación en defensa del patrimonio, la Comunidad de Madrid ha paralizado la obra que amenazaba con repintar la fachada en la que se encuentra actualmente el mural.

Según avanzan fuentes de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte a este periódico, el Gobierno regional ha solicitado al Ayuntamiento de la capital que incluya la obra en su Catálogo de Bienes y Espacios Protegidos. Esta petición busca garantizar la conservación del mural creado en 1994 por el pintor y escenógrafo Miguel Brayda, fallecido en 2016 y figura clave del arte madrileño contemporáneo.

La intervención prevista por la propiedad del edificio, que contemplaba el repintado de toda la fachada, sorprendió a los vecinos del barrio, que rápidamente alertaron a entidades dedicadas a la preservación patrimonial. La asociación Madrid Ciudadanía y Patrimonio (MCyP) denunció públicamente el riesgo de destrucción del mural y reclamó la paralización inmediata de las obras. Según el colectivo, el mural no solo posee un innegable valor estético, sino también un profundo arraigo simbólico en el barrio de Puerta del Ángel, donde se ha consolidado como una seña de identidad.

Después de recibir estas denuncias, la Dirección General de Patrimonio Cultural y Oficina del Español de la Comunidad de Madrid llevó a cabo una inspección técnica el pasado 7 de julio. Los expertos determinaron que el mural no cumple los requisitos para ser declarado Bien de Interés Cultural (BIC), ni alcanza la relevancia necesaria para ser reconocido como Bien de Interés Patrimonial (BIP). Sin embargo, en su informe destacan que la obra sí presenta valores “con un cierto interés artístico o cultural”.

En base a esa conclusión, la Comunidad ha dado un paso más, solicitando por escrito al Ayuntamiento de Madrid que intervenga para proteger el mural a nivel municipal. En concreto, pide su inclusión en el catálogo de bienes y espacios protegidos, lo que impediría cualquier actuación sobre la fachada que no respete la integridad de la obra. De aceptarse esta propuesta, el mural quedaría blindado frente a posibles modificaciones o repintados por parte de la propiedad del inmueble.

El mural, pintado por Miguel Brayda hace más de tres décadas es considerado un símbolo del renacimiento cultural de esta zona del distrito de Latina. El edificio, una antigua fábrica de dulces, fue transformado en espacio escénico con el impulso de artistas locales, y la pintura de la fachada selló ese cambio, dando un nuevo símbolo de referencia al barrio de Puerta del Ángel. Desde la asociación denunciante insisten en que, aunque el mural no esté reconocido por ahora como bien patrimonial en el marco autonómico, su valor reside precisamente en su dimensión comunitaria y en el papel que ha desempeñado durante más de 30 años como referencia cultural del barrio.

El caso recuerda al reciente rescate del graffiti del artista Muelle en la Cava Alta, también amenazado por una obra y que fue finalmente protegido tras la actuación del gobierno regional. Sin embargo, desde la Consejería de Cultura aseguran que el mural del Montacargas “no presenta valores para su protección como Bien de Interés Cultural ni posee una especial significación histórica o artística para ser protegida como Bien de Interés Patrimonial”.

La inclusión de la fachada en el catálogo de bienes y espacios protegidos supone un compromiso por parte del Gobierno municipal con la preservación del inmueble que frenaría la destrucción del mural y, además, evitaría que vuelva a correr peligro. Por su parte, el Ayuntamiento de Madrid aún no se ha pronunciado al respecto y no ha confirmado si atenderá la solicitud de la Comunidad.

El emblemático mural del teatro El Montacargas, ubicado en la fachada del número 19 de la calle Antillón, corre peligro. Una intervención de repintado amenaza con cubrir para siempre esta obra artística del madrileño barrio de Puerta del Ángel, creada en 1994 por el pintor y escenógrafo Miguel Brayda, fallecido en 2016 y figura clave en el arte madrileño.

La Asociación Madrid Ciudadanía y Patrimonio ha lanzado una solicitud urgente para detener las obras de repintado previstas para el pasado jueves 4 de julio, que implicarían la destrucción de esta obra artística con más de 30 años de historia. Desde la asociación se dirigen tanto a la Dirección General de Patrimonio Cultural de la Comunidad de Madrid como a la Comisión para la Protección del Patrimonio Histórico-Artístico y Natural del Ayuntamiento de la capital para que intervengan y paralicen los planes del dueño del inmueble que pretende tapar este símbolo del barrio. Además, piden la protección patrimonial del mural de Brayda con el fin de evitar su destrucción en un futuro.

Pintado en 1994, el mural de El Montacargas no es simplemente una pintura decorativa más, sino que se trata de una pieza clave del paisaje cultural del barrio. Fue creado para marcar el nacimiento de este teatro independiente en una antigua fábrica de dulces, transformando un espacio industrial en un punto de referencia artístico y comunitario. Su autor, Miguel Brayda, fue una figura destacada en la escena artística madrileña, conocido por su creatividad interdisciplinar y su capacidad de integrar arte y arquitectura urbana. Sus creaciones se caracterizan por una expresiva fusión de simbolismo, poesía visual y un fuerte vínculo con el entorno arquitectónico en el que se insertan.

La obra ha sido reconocida como un símbolo del barrio, con fuerte arraigo social y valor artístico. Así lo reconoce la página oficial de turismo del Ayuntamiento de Madrid, donde se describe el mural como una parte esencial del carácter del teatro y del propio edificio, cuya fachada ha pasado a formar parte del imaginario colectivo de Puerta del Ángel.

La intervención prevista por la propiedad del inmueble, según denuncia la asociación, no solo eliminaría una pieza artística de valor, sino que supondría una pérdida irreparable del patrimonio urbano de la ciudad. El colectivo exige la incoación inmediata del expediente para su declaración como Bien de Interés Patrimonial (BIP), al amparo de la Ley 3/2013 de Patrimonio Histórico de la Comunidad de Madrid.

Dicha legislación permite, desde la apertura del expediente, la adopción de medidas cautelares para impedir cualquier actuación que ponga en peligro el bien afectado. Asimismo, el Ayuntamiento de Madrid tiene la potestad de ordenar la paralización de obras en base a la Norma Zonal 1 del Plan General de Ordenación Urbana, cuando éstas puedan afectar a elementos de valor cultural.

Más allá de su relevancia estética, el mural de El Montacargas es una seña de identidad para el barrio y un ejemplo de cómo el arte puede contribuir a la regeneración urbana. La petición para la paralización de los trabajos supone para la asociación una llamada al respeto por la memoria colectiva y la preservación del arte urbano, que Mariano de Paco, consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, se comprometió a salvaguardar a principios de 2025. El rescate in extremis de un graffiti de Muelle que se encontraba oculto en un edificio Cava Alta y peligraba por unas obras supuso la apertura del gobierno regional a la protección del arte urbano madrileño y es un ejemplo de la importancia de actuar rápido en este tipo de casos.

Después de la denuncia presentada por la asociación, la Comunidad de Madrid ha paralizado la obra que amenazaba con repintar la fachada en la que se encuentra actualmente el mural. Además, según avanzan fuentes de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte a este periódico, el Gobierno regional ha solicitado al Ayuntamiento de la capital que incluya la obra en su Catálogo de Bienes y Espacios Protegidos, ya que la obra presenta valores “con un cierto interés artístico o cultural”.

Ubicado en la provincia de Cuenca, el municipio de Alarcón se presenta como uno de los núcleos más destacados de la comarca de La Manchuela. Su emplazamiento en lo alto de un meandro del río Júcar, dentro de un entorno geográfico accidentado, le otorga un carácter estratégico que explica la estructura fortificada que aún conserva.

La localidad cuenta con un patrimonio arquitectónico de origen medieval y renacentista que permanece bien preservado, con elementos como su castillo, sus murallas y varias iglesias que han superado el paso del tiempo. Pese a su reducido número de habitantes —en torno a 150 personas—, el municipio ha adquirido relevancia cultural a partir de la reconversión de uno de sus edificios religiosos.

La iglesia de San Juan Bautista, que había quedado sin uso tras su desacralización, se transformó en la sede de un proyecto pictórico contemporáneo desarrollado entre los años noventa y principios del nuevo siglo. La intervención, de grandes dimensiones, fue ejecutada por el artista Jesús Mateo y actualmente se encuentra protegida por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO).

El reconocimiento internacional de este conjunto mural ha contribuido a incrementar el interés por esta población castellanomanchega, que ha pasado de ser un destino local a recibir visitantes procedentes de distintos puntos del país. La iniciativa artística, sumada a los recursos históricos y paisajísticos ya existentes, ha generado una oferta patrimonial que se articula en torno al arte, la arquitectura defensiva y el entorno natural.

Pinturas murales protegidas por la UNESCO

La iglesia de San Juan Bautista, situada en la parte alta del casco histórico, fue el lugar escogido por Jesús Mateo para desarrollar un conjunto pictórico de más de 1.500 metros cuadrados. La intervención se llevó a cabo entre los años 1994 y 2002, primero de forma autónoma y más adelante con el respaldo institucional de la UNESCO. El organismo internacional declaró el proyecto de interés artístico mundial en 1997, lo que permitió su conservación y difusión a través de redes culturales.

El mural se distribuye por la totalidad del espacio interior del templo: muros, bóvedas, pilares y ábsides. La propuesta no responde a escenas figurativas tradicionales, sino que se estructura en torno a símbolos y formas abstractas que representan conceptos relacionados con la vida, el origen y la relación entre el ser humano y el medio natural. Los elementos pictóricos fueron pensados para integrarse en la arquitectura preexistente sin modificarla ni alterar su estructura.

Jesús Mateo trabajó en solitario durante varios años, apoyado por financiación de carácter local y pequeñas ayudas públicas. Posteriormente, tras la declaración de la UNESCO, el proyecto adquirió una dimensión institucional que aseguró su mantenimiento. La obra no está integrada en el circuito museístico tradicional, sino que se presenta como una instalación estable dentro de un edificio histórico. Las visitas se realizan con cita previa o en grupos organizados, lo que permite un acceso regulado al espacio y al contenido artístico.

La elección del lugar no fue casual. La iglesia, desacralizada y cerrada al culto, presentaba signos de deterioro estructural que amenazaban con su pérdida definitiva. La intervención pictórica contribuyó a su restauración parcial y evitó su abandono. Actualmente, el edificio funciona como centro cultural y sede permanente del mural. A través de visitas guiadas y material interpretativo, los visitantes pueden recorrer los diferentes segmentos de la obra, que sigue un orden temático vinculado a los elementos de la naturaleza: tierra, agua, fuego y aire.

La iniciativa no solo cumplió una función artística, sino también de conservación patrimonial. El uso no litúrgico del templo permitió mantener su uso comunitario, al tiempo que se consolidaba como atractivo turístico. El reconocimiento de la UNESCO no conllevó una declaración de Patrimonio Mundial, pero sí el respaldo como bien de interés artístico singular, lo que facilitó su promoción a nivel nacional e internacional.

La singular combinación entre legado histórico, paisaje protegido y una intervención artística de escala monumental ha permitido que Alarcón trascienda su tamaño y ubicación para situarse como referente cultural en el interior peninsular. En un contexto en el que muchos municipios rurales luchan por mantener su vitalidad, este enclave conquense ha logrado articular una propuesta coherente que pone en valor su pasado sin renunciar a expresiones contemporáneas.

Un grupo de exconselleres y exconsellers de Cultura de la Generalitat de Catalunya han lanzado esta mañana un manifiesto en el que muestran su oposición al traslado de las pinturas murales que se encuentran en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) al monasterio oscense de Santa Maria de Sijena, de donde fueron extraídas en 1936 tras el incendio de la sala capitular del citado monasterio.

Los firmantes, entre los que se encuentran Laura Borràs, Lluis Puig, Santi Vila o Ferran Mascarell, inician su comunicado, “fruto de la experiencia al frente del Departamento de Cultura y atendiendo a criterios técnicos y de conservación del patrimonio”, reclamando que estas pinturas continúen en el MNAC. Para ello se amparan en diversas alegaciones. La primera es que “las pinturas murales de Sijena son un testimonio único del románico europeo a la vez que son obras extremadamente frágiles, como ha reconocido la comunidad científica y técnica especializada”

Según los exconsellers, “no pueden ser trasladadas sin sufrir daños irreparables”. Apuestan por ello para que permanezcan en el MNAC, al que tildan de “uno de los pilares fundamentales del patrimonio museístico, cultural y artístico del país”. “Sus colecciones”, prosiguen, “permiten conocer y comprender la evolución del arte catalán y sus conexiones desde la edad media hasta el siglo XX, destacando especialmente su colección de arte románico, considerada una de las más completas del mundo”. Aseguran los firmantes del manifiesto que las pinturas murales de Sijena están expuestas en el MNAC “en un contexto perfectamente adecuado, junto a otros tesoros originales del románico pirenaico”.

Una sentencia “sin criterios históricos, técnicos ni científicos”

“La sentencia del Tribunal Supremo que avala el regreso de las pinturas murales de Sijena al monasterio aragonés no tiene en cuenta criterios históricos, técnicos ni científicos”, sostienen los exconsellers, que añaden que “no ha atendido a los argumentos de legitimidad de la parte catalana”. “El MNAC ha tenido un papel decisivo en su rescate y ha garantizado su conservación durante décadas: han sido preservadas con las máximas garantías y se han hecho accesibles a toda la ciudadanía”, reivindican.

Los ex responsables de Cultura recalcan que “cuesta encontrar ejemplos de intervención responsable y transparente en la preservación del patrimonio artístico que fueran equiparables”. Y advierten: “Los riesgos de su traslado hacen extremadamente peligroso cualquier intento de moverlas de su emplazamiento actual”. Los firmantes finalizan su comunicado dando “todo nuestro apoyo al Museu Nacional d'Art de Catalunya como institución cultural de referencia internacional frente a una situación que pone en riesgo no sólo la integridad de sus colecciones, sino también la propia labor de conservación”.

“Defendemos que el principio fundamental es la preservación de la obra por encima del de una titularidad o propiedad que han sido cambiantes”, remachan no sin antes contextualizar la presencia de obras aragonesas en el MNAC: “Como en el caso de las piezas del Museo de Lleida, la incorporación al conjunto patrimonial bajo custodia catalana de piezas procedentes del territorio de administración aragonesa es muy anterior a la segregación política de una parte del obispado de Lleida, dentro del cual estaban originalmente las obras”.

“También como en el caso de las obras del Museo de Lleida, adquiridas mayoritariamente por el obispo Messeguer de forma inequívocamente legítima, el rescate y los acuerdos con el orden religioso que era titular fueron totalmente legítimos y orientados a la preservación de las obras”, termina este manifiesto firmado por Àngels Ponsa Roca, Mariàngela Vilallonga Vives, Laura Borràs Castanyer, Lluís Puig Gordi, Santi Vila Vicente, Joan Manuel Tresserras Gaju, Ferran Mascarell Canalda, Caterina Mieras Barceló i Joan Guitart Agell.

El Museo de Bellas de Artes de Murcia (MUBAM) vuelve a conectarse el sábado con el olor a pintura y el arte urbano en vivo. Dante Arcade realizará en directo un mural preparado para la ocasión, que podrá ser contemplado por todo aquel que se acerque por el museo que acoge la exposición 'De vándalos a leyendas'.

El artista murciano ubicado en Barcelona, comenzó su andadura en los años 90 motivado por la cultura hip–hop y el skate. Desde entonces, el universo retro y la sociedad cibernética han estado muy presentes en su obra. A lo largo de su arte “se examina la cultura pop mezclada con lo vintage, creando imágenes fragmentadas por líneas aerodinámicas e íconos”.

Dante, como todos los artistas que ya han realizado sus intervenciones en directo, demostrará al público la variedad de estilos, formatos y útiles de trabajo que pueden dar forma al arte urbano.

Obra inédita de coleccionistas privados

Darío Vigueras es el comisario de la exposición 'De vándalos a leyendas', además de marchante de arte. Se declara “consciente” del interés que han despertado todas estas muestras, ya que, realmente, se trata de una verdadera delicatessen para los amantes del arte urbano. Más de un centenar de obras procedentes de más de 20 países con referentes como Bansky, Blek Le Rat, Blade o el pionero Taki 183. Como él mismo comenta: “Hemos recopilado mucha obra inédita procedente de coleccionistas privados. Se trata de una muestra que será muy difícil de repetir en cualquier otra parte de mundo”.

El writing y el grafiti

Isaac Garrido, conocido como Isaak (Murcia, 1979) además de escritor de grafiti y muralista, es graduado en Historia del Arte y diplomado en Turismo (UMU). Al hilo de esta exposición considera que “la muestra sobresale, entre otras cosas, por el buen criterio que se ha tenido a la hora de comprar muchas de las obras. Creo que Dario Vergara se ha asesorado muy bien. Me ha encantado poder ver obras de gente que se ha criado en su barrio y han llegado lejos”.

“De pequeño me gustaba mucho dibujar y cuando vi los primeros grafitis por la ciudad dije: joder ¡esto qué es! ¡yo quiero hacer eso! Conforme lo vas entendiendo, te va gustando más y más e intentas participar, hasta formar parte de algo que es más grande que tú”, afirma el muralista. “El título está muy bien tirado. Es cierto que hay gente que no ha sido vándala en su vida, pero la mayor parte de gente que está en la expo, sí”, añade.

Grafiti deriva del italiano graffiti, cuyo origen puede estar en el latín scariphare. Este verbo hace referencia a la forma en la que se hacían grabados sobre tablilla, por medio de un punzón. También se refiere al propio estilo que nace derivado de la práctica de la escritura. Seguramente, por todas las connotaciones que lleva implícitas desarrollar un determinado estilo y porque no hay dos formas de escribir que sean iguales.

Isaak señala que la obra del neoyorquino Blade no está colocada de manera muy visible en la exposición. Este artista urbano desarrolló un estilo muy particular dentro del writing. Si bien hoy día se denomina grafiti a los murales callejeros con letras y puede que también con dibujos, el término grafiti fue acuñado después de que apareciera el fenómeno de las firmas –tags–. Aquellos que comenzaron firmando y sentando las bases de toda esta cultura, se llamaban a sí mismos writers (escritores en inglés). 

Además de la cuestión identitaria y territorialista, Isaak añade que “la vida es inesperada. Por mucho control que pretendamos tener, no es real, vivimos en un caos aparentemente ordenado. Una firma te recuerda que en un momento dado, se te puede caer una maceta en la cabeza mientras pasas por debajo de un edificio. También siempre se ha dicho que es una forma de publicitarse ¿Acaso toda la publicidad que consumimos la hemos pedido? Pues las firmas hacen lo mismo: no piden permiso, aparecen. Y tampoco piden perdón”.

“El writing – continúa– consiste en reivindicar como un arte la caligrafía y, con ella, el estilo de escribir tu nombre. La pintura, tal y como se enseñaba hace unos años, no contemplaba el fenómeno de la escritura en sí como algo que podía ser bello. La tradición del grafiti, rompe con esa dinámica: muestra que, al pintar letras, también puede haber belleza”.

“'De vándalos a leyendas' promueve que se le dé más crédito a quienes han destacado en el writing como modelo de grafiti. Ellos son quienes realmente impulsaron una nueva era en las artes plásticas”, abunda el muralista.

“Desaprobación y prejuicio”

Son más de 30 años los que lleva Isaak pintando. En Murcia, como en el resto del país, la cultura del grafiti viene de la mano del hip-hop que aterriza en la década de los 80. La labor de su asentamiento en cada ciudad fue trabajo de mucha gente que lo construyó prácticamente desde cero.

“En los grafitis hay un estilo de pintura totalmente fantástico, nuevo, donde puedes usar mucho la imaginación. En mi caso, he ido formando parte de distintos colectivos de gente y según la sintonía que había con unos u otros, nos agrupábamos para ser cada vez mejores en la pintura. Si veías que alguien destacaba, querías estar cerca para que te enseñara. Pero era fundamental trabajar tu propio estilo. Estaba mal visto parecerte o imitar el estilo de otro”.

“Nuestra generación, así como los que fueron por delante de mí, hicimos el trabajo sucio de enfrentarnos a la desaprobación y a los prejuicios que despertábamos. En los años 90, los que estuvimos ahí, nos enfrentamos a un rechazo social muy grande”. El grafitero considera que han podido allanar el camino para que la gente que ahora estudia en las escuelas de artes y oficios, se planteen el muralismo como una posibilidad de futuro. “Antes ni lo pensabas”.

“Para aprender a pintar, hacen falta sprays. Así es que, en mis tiempos, intentábamos ahorrar lo poco que nos daban nuestros padres los fines de semana y cuando tenías para comprarte unos botes de spray, pues a darle caña. No queríamos ser delincuentes, al contrario. Queríamos demostrar que éramos buena gente y que podíamos hacer cosas guapas que, hasta entonces, apenas se habían visto”.

El muralista también valora de aquella primera época la labor de apertura mental que tuvieron muchas personas con él. “Cuando le pedía permiso a un vecino para pintar en una pared o iba a una nave abandonada, había gente que, al verme, se me acercaba y me decía: oye ¿por qué no me pintas un dibujo en la persiana que la tengo estropeada? En mi desarrollo, tengo mucho que agradecer a esa parte de la ciudadanía que se fijaba en lo que hacía. Gracias a esas personas, pude empezar a profesionalizar mi trabajo”.

El arte urbano, en los museos

No es la primera vez que Murcia acoge una exposición de arte urbano. La primera fue en 2017 en el MUBAM y a ella acudieron más de 30 mil personas. La historia se repitió en 2019 en el Museo de Arte Moderno (MURAM) de Cartagena. Ambas exposiciones tuvieron en común, además de la temática, el hecho de haber sido posibles gracias al empuje de la plataforma Murcia Street Art Project y a la receptividad de diferentes instituciones públicas.

Pero la Región no solo cuenta con museos que acogen este tipo de arte. En los últimos años, diferentes ayuntamientos, empresas o particulares, han puesto a disposición de los artistas, fachadas de edificios y paredes para ser renovadas con diversas técnicas de muralismo o grafiti. Un caso destacable es el de la ciudad de Alcantarilla donde su Ayuntamiento, acaba de presentar una nueva ruta del grafiti compuesta por 60 obras. Este museo al aire libre ha ubicado al municipio, en la lista de los lugares que cuentan con un mayor número de obras de los mejores artistas urbanos del mundo.

La exposición 'De vándalos a leyendas' se podrá visitar hasta el 27 de julio en el MUBAM.

En el centro de Barcelona, escondido entre callejuelas y plazas con historia, existe un rincón donde el amor se transforma en arte.

Se trata del mural El món neix en cada besada (“El mundo nace en cada beso”), una obra creada en 2014 por el fotógrafo Joan Fontcuberta que desde entonces se ha convertido en punto de encuentro para enamorados, turistas y curiosos, especialmente en fechas como el Día Internacional del Beso.

4.000 piezas, miles de historias

El mural está ubicado en el número 25 del carrer de Ripoll, en una antigua pared medieval que da a la plaza d’Isidre Nonell, junto al romántico jardín interior del mismo nombre. A simple vista, muestra una imagen íntima: dos bocas que se funden en un beso.

Pero si uno se acerca, descubre que esa imagen está formada por 4.000 pequeñas fotografías impresas en baldosas de cerámica esmaltada.

Cada una de esas baldosas encierra una historia. Las fotos fueron enviadas de forma voluntaria por ciudadanos anónimos que quisieron participar en el proyecto, respondiendo al lema “momentos de libertad”.

Retratos familiares, paisajes, gestos cotidianos o celebraciones forman el mosaico emocional que da vida al beso monumental.

Más que un beso: memoria, arte y ciudad

El mural fue inaugurado en 2014 como parte de los actos de conmemoración del Tricentenari dels fets de 1714, un hito histórico clave en la memoria de Barcelona. La pieza está acompañada de una cita del escritor Oliver Wendell Holmes:

“El ruido de un beso no es tan ensordecedor como el de un cañón, pero su eco dura mucho más”.

El fotomosaico fue producido por Ceràmica Cumella y plantea una reflexión colectiva sobre la intimidad, la memoria y la libertad. Su presencia en una ciudad marcada por siglos de historia lo convierte en símbolo de resistencia emocional frente al paso del tiempo.

El rincón más romántico del Gòtic

Pese a no estar en los itinerarios turísticos más típicos, este mural se ha ganado un lugar en la geografía sentimental de Barcelona. No son pocas las parejas que se hacen una foto besándose frente a la obra, repitiendo su gesto y convirtiéndose, por unos segundos, en parte de ese relato colectivo.

Ya sea por su carga simbólica, por su estética o por el magnetismo del arte en el espacio público, El món neix en cada besada es mucho más que un mural: es una declaración de amor abierta al mundo, que hoy, en el Día Internacional del Beso, cobra todo su sentido.

Una mujer de ojos enormes y mirada penetrante vigila a los paseantes en Carabanchel. El Palacio de Vistalegre, un espacio multiusos y de espectáculos en el barrio del mismo nombre, amanece estos días cubierto en su fachada sur por un nuevo mural de grandes dimensiones.

Es el artista Sfhir, conocido muralista, quien lleva la batuta de esta pintura que ahora cubre parte del exterior del edificio, la que da a la calle Matilde Hernández. La zona norte colinda con Utebo, y aunque una vuelta completa al Palacio de Vistalegre puede durar unos minutos, no son pocos los viandantes que este martes por la mañana hacían parada y contemplaban el mural en ciernes.

El rostro de una mujer joven de pelo y labios rojos, que parece girarse a mirar fijamente hacia sus observadores, adorna la parte izquierda de la entrada, precedida por una larga escalinata. Al otro lado continúan dibujándose una mano y otras partes del conjunto, una ambiciosa obra de varios metros de longitud.

Hace poco más de una semana se inauguraba en el mismo distrito otro mural gigante que, en este caso, representaba una de las páginas del famoso 13, Rue del Percebe, con icónicas viñetas imaginadas por Francisco Ibáñez.

Esta nueva iniciativa se mantiene en la línea emprendida desde la Junta Municipal del Distrito, que trata de encumbrar el nombre de Carabanchel como un barrio de artistas gracias a su presencia cada vez mayor en la zona.