Han pasado casi seis meses desde que el mural feminista de Calahorra fue vandalizado y todavía puede leerse sobre los rostros de Federica Montseny, Rosa Parks, Clara Campoamor o Frida Kahlo insultos como “cerdas” o “feminazis”. Aunque parece difícil de creer, el Ayuntamiento del PP de Calahorra ha decidido que el mural se quede así. “Es que si borramos las pintadas, se borra también la cara de las mujeres”, alega la responsable de comunicación del consistorio.

El argumento no se sostiene. En primer lugar, porque las pintadas más ofensivas no se encuentran encima de ninguno de los rostros y, en segundo lugar, porque cualquiera sabe que un mural vandalizado puede ser reparado de inmediato a través de diferentes técnicas. Lo explican los propios autores de la obra. “Cuando hicimos el mural, invertimos más de 700 euros en barnices especiales para protegerlo porque, por desgracia, la experiencia nos dice que estas obras pueden ser vandalizadas”, explican desde el colectivo Unlogic Crew, “por eso, lo primero que se debe hacer cuando algo así sucede es intentar limpiar en una esquina para ver si la pintada no es muy agresiva y el barniz ha logrado proteger la obra”. Pero si esto no funciona, hay más técnicas. “Por supuesto que puede arreglarse e incluso, si lo quieren hacer con un artista local, o una artista todavía mejor, nosotros no tenemos ningún problema en contactar con ella y darle los códigos de cada uno de los colores”, añaden.

Pero el Ayuntamiento de Calahorra ha decidido no hacer nada. De hecho, su único movimiento fue enviar un correo electrónico a los autores el 14 de enero de este año, dos días después de los hechos, para comunicar que el mural había sido vandalizado y preguntar su opinión. “Nos gustaría saber antes de realizar ninguna acción, qué preferís desde el colectivo”, decía en este correo el Ayuntamiento, para ofrecer a continuación tres opciones: “Dejarlo como está, borrar u ocultar las pintadas desde el Ayuntamiento o repasar las zonas afectadas desde el colectivo”.

Parecía entonces que había alguna voluntad de hacer algo, aunque resulta especialmente llamativo que la primera opción planteada por el consistorio fuese dejar el mural como estaba, es decir, vandalizado con pintadas e insultos machistas. “Claro, es justo lo que quiere un artista, que su obra sea mejorada con pintadas vandálicas”, ironizan desde Unlogic Crew, “de todas formas, no somos nosotros quienes tenemos que decidir nada, es cosa del Ayuntamiento”. El correo se envió desde el departamento de deportes pero sin firmar.

Reconocen que en ese momento no contestaron porque el correo les pilló realizando otro trabajo, pero, desde entonces, nadie ha vuelto a contactar con ellos. “Normalmente, cuando pasa algo así, el ayuntamiento en cuestión te llama y, aunque no tengan presupuesto, te ofrecen pagarte el desplazamiento para que te acerques y lo repares. O se busca a una artista local y nosotros le damos las indicaciones necesarias”, explican, “esto de que el Ayuntamiento directamente te plantee dejarlo así, no nos había pasado nunca”.

Esta dejadez del Ayuntamiento de Calahorra contrasta frontalmente con lo sucedido esta misma semana con las letras del Festival Holika vandalizadas en la Plaza de la Catedral. El mismo día la propia alcaldesa mostró su indignación a través de sus redes sociales tachando los hechos de “inaceptables” y sacando pecho al asegurar que “el Holika, año tras año, reúne a miles de jóvenes para celebrar juntos con alegría y aquí no caben los radicales. Caben los que quieren vivirlo con libertad”.

Cuando lo que se vandalizó fue el mural feminista, no hubo ni una sola alusión por parte de la alcaldesa de Calahorra. Además, si en un caso han pasado casi seis meses sin que se haga nada, en el otro se ha actuado en apenas un par de días, aunque desde el departamento de comunicación del consistorio no saben responder si ha sido el Ayuntamiento o la empresa quien ha acometido los trabajos de limpieza y pintura para borrar las pintadas. Desde este medio hemos podido acreditar que ha sido la promotora del festival, Burcor Producciones, quien se ha hecho cargo de los trabajos de limpieza y pintura.

Pero todo esto no es nuevo. La historia se repite. El mural feminista de Calahorra se realizó en el año 2021, a encargo del Gobierno de La Rioja, para replicar el mural feminista del distrito madrileño de Ciudad Lineal que primero estuvo en peligro de desalojo y, después, fue humillado y violentado por un ataque nocturno en la víspera del 8M que tapó de negro las caras de las mujeres, como si las hubieran encapuchado. En ese caso, tampoco el Ayuntamiento de Madrid hizo nada para que Unlogic Crew lo restaurara. Sí se repararon murales en Getafe o en Alcalá de Henares.

El mural riojano, de 21 metros de largo, representa a siete mujeres rodeando el lema 'Sin ellas no hay nosotras'. Son la astronauta Valentina Tereshkova, las escritoras Emilia Pardo Bazán y Chimamanda Ngozy Adichie, las políticas Federica Montseny y Clara Campoamor, la pintora Frida Kahlo y la activista Rosa Park. Esta creación se complementa con ilustraciones de mujeres riojanas referentes de la lucha feminista y que simbolizan los avances sociales. En este caso, la autora es la ilustradora riojana Antonia Santolaya, y las representadas son la cantante Carmen Medrano, la escritora Mª Teresa León, la sindicalista cigarrera Luisa Marín Lacalle, las Mujeres de Negro la maestra, escritora y política María de la O Lejárraga, la directora del archivo riojano Micaela Pérez, la científica Carmen Nájera y la deportista de pelota Pilar Gutiérrez Arizcuri “Pilarín”.

Cuando el mural fue vandalizado, el pasado 12 de enero, Rioja2 quiso saber si existían imágenes de los hechos, ya que durante la pasada legislatura se instaló una cámara de seguridad apuntando precisamente al mural, pero nunca obtuvimos respuesta por parte del consistorio. Se limitaron a decir que se estaba investigando, pero, casi medio año después, seguimos sin saber nada más allá de la intención del segundo ayuntamiento de La Rioja de dejar las pintadas e insultos machistas tal como están.

La obra de Okuda San Miguel en Cantabria puede seguirse a través de fachadas, esculturas, faros y murales repartidos por distintos puntos de la comunidad a lo largo de las últimas décadas. Ese conjunto permite dibujar una especie de recorrido que conecta diferentes zonas del territorio cántabro mediante piezas muy distintas entre sí, pero reconocibles por un mismo lenguaje visual: geometrías marcadas, figuras fragmentadas y una paleta de color que se ha convertido en seña de identidad del artista cántabro.

Esa variedad de formatos explica también cómo se enfrenta a cada intervención. Su trabajo va más allá de la pintura mural y se adapta a soportes muy diversos, desde grandes superficies exteriores hasta esculturas o incluso piezas textiles. Cada proyecto plantea sus propias condiciones, ya sea por el espacio, el encargo o el entorno en el que se integra. En Cantabria, esa capacidad de adaptación se percibe en obras ubicadas en contextos urbanos, educativos, costeros o rurales, donde el color y las formas geométricas dialogan con edificios, paisajes y espacios de tránsito.

Recorrer las huellas de Okuda por la comunidad no responde a una ruta cerrada, sino a un mapa disperso que invita a acercarse a distintos lugares desde otra mirada. Algunas piezas aparecen en calles muy transitadas de Santander; otras se sitúan junto al mar, como en el caso de un faro convertido en icono visual; también hay intervenciones en colegios, oficinas de turismo, localidades del interior o pequeños núcleos rurales.

Santander, una ciudad atravesada por murales

Santander concentra varias de las intervenciones urbanas asociadas a Okuda. Una de las más conocidas se encuentra en la calle General Dávila, donde en 2015 realizó un mural de grandes dimensiones, de unos 15 metros de alto por ocho de ancho. La obra forma parte de un conjunto de actuaciones que transformaron varias medianeras de la zona. En este caso, la composición se plantea como una escena vinculada a la idea de esperanza, con una balsa en la que aparecen personajes inspirados en la mitología popular.

Otra pieza destacada está en la calle Río de la Pila, en la fachada de un edificio. Allí, Okuda colaboró con Spok Brillor en un mural integrado en una de las zonas más reconocibles de la ciudad. La intervención ocupa una superficie exterior en plena calle y se inserta en un barrio marcado por el tránsito peatonal, la actividad hostelera y la conexión entre el centro y la parte alta de Santander.

En el barrio de Cueto se conserva otra intervención relevante. En 2019, las fachadas del Colegio Vital Alsar fueron transformadas por Okuda tras una campaña de micromecenazgo. La actuación convirtió el centro en un espacio vinculado a la creatividad y a la participación de la comunidad educativa.

Valdenoja también reúne varias obras. En una de ellas, Okuda trabajó junto a Jank333 en un mural dedicado a Mukis y a la “sonrisa infinita”. En la zona hay además otra intervención situada frente a la residencia Obra San Martín, junto a unas pistas de baloncesto. Estas piezas amplían la presencia del artista más allá del centro urbano y permiten localizar su trabajo en barrios residenciales, espacios deportivos y zonas de paso menos habituales en los recorridos turísticos.

Del Cabo de Ajo a Laredo: color junto al Cantábrico

Fuera de Santander, una de las intervenciones más conocidas se encuentra en el Faro de Ajo, en Bareyo. El edificio, inaugurado en 1930, se sitúa en el Cabo de Ajo, el punto más septentrional de Cantabria. Desde finales de agosto de 2020, la torre presenta una intervención de Okuda realizada con 72 tonalidades. Tiene 16 metros de altura y se alza a 71 metros sobre el nivel del mar, en un entorno expuesto al viento y al salitre.

La actuación incluyó un barnizado específico para ralentizar el desgaste propio de las condiciones marítimas. El resultado transformó la imagen exterior de una construcción tradicionalmente ligada a la navegación, que pasó a convertirse en uno de los puntos más reconocibles del litoral cántabro. Aunque mantiene su función, el faro incorpora ahora una dimensión artística en un enclave de gran presencia paisajística.

Este proyecto tuvo continuidad en el entorno cercano. En 2021, el artista intervino seis silos ganaderos en Ajo con la intención de ampliar el conjunto y consolidar un itinerario de arte urbano en torno al faro. La actuación refuerza la zona como uno de los enclaves más singulares de este tipo de propuestas en el norte peninsular.

En Laredo, otra obra se localiza en la Oficina de Turismo, situada en la Antigua Emisora Municipal. El edificio integra el lenguaje geométrico y cromático del artista en un espacio destinado a la atención de visitantes. La intervención lo convierte en un elemento visual destacado dentro del paseo y suma otro punto al recorrido por la costa oriental.

Somo cuenta también con una intervención destacada en la fachada del taller de cerámica municipal. En este caso, Okuda trabajó junto al artista ucraniano Waone en una pieza conjunta que combina los rasgos de ambos creadores y sitúa el edificio como un punto de interés dentro del entorno urbano.

Reinosa, Valderredible y otros puntos del interior

La presencia de Okuda en Cantabria también se extiende al interior. En Reinosa, el artista inauguró en febrero de 2017 la escultura de un oso, ubicada junto al río Ebro, al final de la calle Sánchez Díaz, cerca de la antigua Casa de Cultura. La pieza pesa alrededor de mil kilos y está compuesta por unas 200 piezas triangulares de distintos colores. A diferencia de los murales, aquí el formato tridimensional permite recorrer la obra y observarla desde diferentes perspectivas. La escultura se complementó meses más tarde con un mural en una de las fachadas de la Casa de Cultura Sánchez Díaz, que actúa como fondo visual.

En Valderredible, concretamente en Ruerrero, se encuentra otra intervención vinculada al entorno local. El mural representa a dos vecinos mayores del pueblo, tomados como referencia dentro de una iniciativa orientada a poner en valor el territorio. A esos retratos se suma una interpretación del paisaje mediante formas orgánicas y estructuras geométricas características del artista. La obra pone el foco en quienes sostienen la vida en el medio rural y traslada esa idea a la fachada de un pequeño núcleo.

La comunidad conserva además otra pieza relacionada con la figura de José María de Pereda. En 2017, Okuda retrató al escritor cántabro en el barrio de La Cochera, a la entrada de la localidad, renovando una obra anterior que había realizado en 2006 en el mismo lugar. Esta intervención conecta la creación urbana contemporánea con una figura literaria vinculada a Cantabria y muestra cómo el trabajo del artista ha ido dejando distintas capas a lo largo del tiempo en varios puntos de Cantabria.

Las intervenciones más recientes de Okuda en Cantabria pueden encontrarse en el Centro Comercial Bahía Real, donde el artista sumó dos nuevos murales. El primero, con una superficie de 140 metros cuadrados, lleva por título “The Rest of the Rainbow Zebra”. En esta obra, el creador cántabro utiliza más de un centenar de tonalidades en una composición que mezcla referencias a personajes del arte clásico con figuras animales. La segunda intervención se ubica en las dos pantallas situadas en la parte superior del complejo comercial.

Quienes visitan la Colegiata de Toro, en Zamora, suelen pararse a contemplar los detalles de sus portadas, un conjunto escultórico excepcional de los siglos XII y XIII, cuando el primer gótico recogía el testigo del último románico. Entre las figuras más llamativas aparecen una serie de personajes —los 24 ancianos que describe el Apocalipsis de la Biblia— tocando instrumentos musicales como violas, flautas o tambores. Al observarlos, lo habitual es pensar que así eran exactamente los objetos que se utilizaban en la Edad Media para hacer música, creer que los canteros los habían copiado, literalmente. Incluso los especialistas de hace décadas podían caer en esa 'trampa'.

Los investigadores actuales, sin embargo, se muestran mucho más cautos y se plantean una duda: ¿Y si los instrumentos que aparecen en las esculturas de las portadas, las pinturas murales de las iglesias o las miniaturas de los libros medievales no fuesen como los que se utilizaban en la época? ¿Y si solo se tratara de obras de arte un tanto ajenas a la realidad?

Estas preguntas explican el origen de la aventura que el luthier griego Christos Kanellos vive estos meses, precisamente, en la ciudad de Toro. Hace veinte años, dejó su país natal para estudiar guitarra clásica en Córdoba. Cuando conoció el trabajo que había detrás de la fabricación del instrumento fetiche del sur español, Christos se dejó impresionar por el proceso. “Me enamoré de las manos del artesano, de su tacto trabajando la madera”, reconoce.

Cautivado por lo que había vivido, hace algo más de una década viró un tanto en su camino —era profesor e intérprete musical— para entregarse por entero a la madera. “Lo que me apasiona es excavar un tronco y hacer que suene”, confiesa. Se trasladó a Granada, alquiló un local y comenzó a experimentar con los encargos que le iban llegando. De Grecia y Turquía se había traído la fascinación por los instrumentos tradicionales casi desde niño, pero en la herencia de la España medieval terminó de encontrar la horma del zapato.

“En Castilla y León existen infinitos diseños de instrumentos medievales”, constata el luthier. La región española con el patrimonio monumental más extenso del país le ofrecía, además, la mayor concentración de iconografía sobre la música inmortalizada en los templos. “Es brutal”, califica, entusiasmado. Un territorio ideal para investigar y tratar de responder a la pregunta que traía en la cabeza: esos instrumentos que observamos en las obras de arte, ¿fueron realmente así?

El desafío, tan ambicioso, no podía resolverse en cinco minutos. Así que Kanellos se planteó desarrollar un doctorado en la Universidad de Salamanca, recorriendo toda la comunidad para conocer, de primera mano, cómo aparecían las herramientas musicales en las paredes y las portadas de los templos. La investigación arrancó el año pasado en Segovia, donde exploró los frescos de una iglesia románica. En Toro le aguardaba el mayor reto: descifrar qué había de real, por ejemplo, en las arpas y salterios que los ancianos del Apocalipsis tañen desde hace ocho siglos en su Colegiata.

Un planteamiento diferente

En Toro se estableció en una casa con vistas al Alcázar de la ciudad, que transformó en un laboratorio para desarrollar su doctorado. “Lo que hago es analizar las fuentes (las imágenes) y catalogarlas para reconstruir todos los modelos de viola medieval que hay en Castilla y León”, explica. Con tal motivo, convirtió un pequeño espacio en la planta baja en un taller en el que talla la madera y da forma a los instrumentos esculpidos en las portadas de la Colegiata. Un desafío sugerente, pero no original.

A finales de los años ochenta, el musicólogo Carlos Villanueva ya emprendió un primer proyecto para copiar estos mismos objetos, como si se tratase de una fotografía en piedra de los auténticos. El objetivo era rescatarlos del siglo XIII y hacerlos sonar en el presente, un método que para el luthier griego está hoy ampliamente superado. “Hoy se analizan estas imágenes desde su condición de objetos de representación simbólica”, expone Christos, aludiendo a una de las principales corrientes actuales de estudio.

En su caso, las dudas llegan antes que las conclusiones. “Lo primero que debemos preguntarnos es por qué el artista medieval talló las imágenes de esa manera”, propone Kanellos, dando pie a una serie de interrogantes: ¿Estaba limitado el artista por el formato y las dimensiones del bloque de piedra? ¿El mensaje espiritual era más importante que la fidelidad a la pieza original? ¿En qué medida podía condicionar las formas del instrumento la necesidad de colocar a los músicos en el arco de una portada? Y desvela: “Antes de llegar a la conclusión de que esas obras de arte son un reflejo de la realidad, analizamos la imagen desde todos los puntos de vista”.

Con ese propósito, Kanellos ha convocado en la ciudad zamorana a artesanos, historiadores, expertos en arte, escultores o musicólogos, dentro de unas jornadas sobre iconografía musical medieval. “Lo interesante es que cada uno nos va a ofrecer una visión diferente y eso es una maravilla”, avanza el investigador. Un historiador, por ejemplo, realiza un estudio comparado de las obras de arte; un luthier se centra únicamente en cómo fabricar lo que ve.

Tampoco el análisis de estas representaciones artísticas es nuevo. “Hasta ahora se había estudiado mucho, pero de forma fragmentada”, precisa Kanellos. De ahí que el luthier y otros colegas investigadores reúnan datos de todas las obras de las que se tiene referencia para dibujar un mapa que permita “saber cómo se relacionaban entre sí”. Determinar, por ejemplo, si esos instrumentos eran locales o copias de otros que se utilizaban en latitudes diferentes, como en Francia.

Porque este tsunami artístico coincide con “un florecimiento económico brutal” en la época (siglos XI al XIII), que llegó a la península a través del Camino de Santiago y “un gran intercambio económico” con el país vecino, desde donde se importó el arte románico, primero, y el gótico, a continuación. Para el investigador, este fenómeno está detrás de la enorme cantidad de instrumentos que quedaron inmortalizados en los templos religiosos.

Una nueva metodología

Con toda esta información reunida y las opiniones de los expertos, ¿adónde se puede llegar? “No tengo ni idea, eso es lo bonito”, bromea el luthier griego, consciente de la envergadura de la investigación. En realidad, los especialistas buscan “una nueva metodología” para estudiar estos instrumentos, más completa y global que la empleada en las últimas décadas. “Lo que pretendemos es ampliar nuestro punto de vista sobre lo que vemos y hacernos más preguntas”, razona.

Así que lo que se pretende es tratar esas imágenes como lo que son, representaciones de hace ocho siglos. De ahí que el estudio trascienda a la propia música y alcance todo lo que se llevó a la piedra. ¿Debemos dudar de lo que aparece en las portadas o en los capiteles de las iglesias medievales? “Por supuesto”, reacciona el luthier con seguridad. “Si el anciano que toca un instrumento tiene una cabeza gigante y un cuerpecillo pequeño, ¿cómo no nos lo vamos a cuestionar?”, argumenta.

En las citadas jornadas que ha preparado en Toro —donde también se incluye una exposición de instrumentos y un concierto de música medieval— cada especialista compartirá su percepción. En su caso, en tanto que luthier, Kanellos confiesa que “veo mucho al artista medieval”. Es decir, cómo el constructor ha pensado y abordado la fabricación del instrumento que aparece ahí, cómo trabaja la madera y de qué forma lo hace sonar finalmente.

Ese trabajo es precisamente el que estas semanas trata de replicar en su taller. En la primera planta de su casa, ya terminados, expone sobre el sofá una veintena de violas pretendidamente medievales para meditar, con más calma, qué historias hay tras ellas, si fueron estas las de nuestros antepasados y, sobre todo, cómo era la música que se escuchaba hace 800 años. Después, la aventura continuará en otro lugar. “Busco nuevos espacios donde analizar, escribir, reconstruir y presentar los resultados de la investigación”, apunta, cada vez más cerca de esa nueva metodología que resuelva el misterio: ¿Realidad o simple representación simbólica?

Alcalá de Henares no se puede entender sin Miguel de Cervantes. El abrazo entre la ciudad madrileña y el escritor es tan perenne como el que se dan Don Quijote y Sancho Panza en la icónica estatua de la calle Mayor de la localidad, escenario de innumerables fotos de los turistas que llegan a Alcalá atraídos por el manco de Lepanto. Al final de esa vía, adornada con soportales y salpicada de historia, había otra parada obligatoria para el visitante cervantino: un mural enorme que decoraba uno de los laterales de la llamada casa Tapón y que mostraba la lucha del ingenioso hidalgo con sus grandes enemigos: los molinos. Una obra que ya nunca más podrá verse, porque el Ayuntamiento de Alcalá de Henares ha decidido destruirla, culminando más de una década de inacción por cuidarla y restaurarla.

Pero antes de seguir, retrocedamos unos años en el tiempo. Nos colocamos en 2008, cuando Omar Duclós, intendente de la ciudad argentina de Azul escribió al alcalde complutense para que impulsara el hermanamiento entre ambas ciudades. ¿El motivo? El vínculo cervantino que había entre ambas. La localidad argentina, cercana a Buenos Aires, posee una de las colecciones privadas de ediciones de Don Quijote de la Mancha más importantes fuera de España, y quería sellar ese hermanamiento con la ciudad que vio nacer al escritor.

Dicho y hecho, tres años después ese vínculo era oficial. Y para conmemorarlo, se encargó a Miguel Rep, un importante dibujante argentino, que realizara dos murales, uno en Azul y otro en Alcalá de Henares. En el caso de esta última, el lugar elegido fue uno de los laterales de la casa Tapón, en la plaza de los Santos Niños, donde se ubica la Catedral. “Era algo que no se había hecho nunca, dos murales a una distancia de miles de kilómetros, conectados por Cervantes”, recuerda José Manuel Lucía Megías, catedrático de Filología Románica de la Universidad Complutense de Madrid y uno de los promotores de la obra.

Todo iba sobre ruedas: el hermanamiento era una realidad, los murales estaban realizados e incluso se había publicado una nueva edición del Quijote ilustrada por Miguel Rep. Pero entonces llegó otra etapa: el mantenimiento. Y ahí el Ayuntamiento de Alcalá de Henares suspendió: “El mural estaba brillando en un lugar especial del centro, pero tenía los problemas que da el estar a la intemperie. Comenzó a sufrir por las humedades, descascarillarse... y ante eso el gobierno municipal no hizo absolutamente nada”, describe Lucía Megías.

La inacción descrita por el profesor es total y no entiende de ideologías. El hermanamiento se firmó con un alcalde del PP, Bartolomé González, ahora responsable de Patrimonio de la Comunidad de Madrid, en las siguientes elecciones, perdió el bastón de mando, que pasó al PSOE. “Como era una gestión de la anterior corporación, se desentendieron”, comenta el profesor. Sin embargo, cuando en los últimos comicios el PP volvió a ganar, la inacción continuó.

Y todo ello sin justificar absolutamente nada. “No nos han dado ninguna explicación. Al principio aludían a la burocracia y a que no tenían los permisos de patrimonio, pero luego se demostró que el propio Ayuntamiento era competente para hacerlo”, continúa Lucía Megías. El tiempo fue pasando hasta que el deterioro ya era palpable. Aun así, la corporación siguió sin hacer nada, y no precisamente por su dificultad de restauración. “Rep realizó el mural con colores planos para que fuera fácil de arreglar los desperfectos, y ni aun así han tomado medidas”, critica el profesor.

Tanto es así que, en vez de restaurarlo, el destino del mural ha sido su destrucción. Ahora, cuando alguien se asome a la plaza de los Santos Niños, en vez de la obra cervantina, se encontrará con una reinterpretación de la vista de Alcalá de Henares del artista Anton van den Wyngaerde en el año 1565, realizada por el artista alcalaíno Manu Cardiel. “Eso demuestra que no era tampoco un problema económico, si hay dinero para hacer uno nuevo, había para restaurarlo”, asegura el profesor.

Desde el Ayuntamiento de la localidad, su concejal de Patrimonio Histórico, Vicente Pérez, afirma que no existe “ningún motivo específico” por el que no se haya renovado la instalación, y recuerda que el actual equipo de Gobierno solo lleva tres años en el cargo. Sin embargo, defiende que este tipo de arte es por definición “efímero” desde su propia concepción y que lo que se ha llevado a cabo es una “actuación de renovación de la plaza” que corresponde a “otro momento histórico” con respecto al que se hizo el de Rep. López reafirma que el cambio se ha hecho con todas las garantías y todos los permisos, aprobado por la comisión de Patrimonio local, que es el órgano competente para estas actuaciones.

Con todo, además de la patrimonial, hay otra cuestión: la de la propiedad intelectual. El Ayuntamiento ha destruido, sin consultar al autor, una obra de arte que ya nunca más se podrá ver. “Es un dolor inmenso y siento la deslealtad de quien nos dio su palabra de que se iba a restaurar. A cambio de eso, yo seguí recibiendo fotos de turistas delante de un deterioro visible”, recuerda Rep. El artista asegura que no solo no le comunicaron nada sobre la sustitución del mural, sino que, además, mientras esta se producía, él estaba en Madrid.

Preguntado sobre si se plantea por todo ello acciones legales por la destrucción de su obra, Rep asegura que “desearía que no, que lleguemos a algún acuerdo”, pero también avisa que están estudiando el caso abogados españoles y que ya ha recibido un caso de un artista contra la FIFA que puede tener similitudes con el suyo. Lucía Megías, además, espera que este caso pueda sentar un precedente e incluso jurisprudencia para que algo así no se vuelva a repetir.

Incluso, el Ayuntamiento, asegura el artista, incumplió su palabra con él. “Tuvimos un almuerzo hace dos años con el delegado cultural y nos fuimos con el compromiso de la restauración”, señala Rep. Preguntado López por esta reunión, dice “desconocer” este encuentro y compromiso y señala que él, siendo el único que tiene las competencias en este tipo de actuaciones, no conoce personalmente a Rep.

Otra de las cuestiones que argumenta el Ayuntamiento es que el mural de Rep sustituyó también a otros dos anteriores. “Nunca hubiera aceptado sustituir una obra artística. Hay registros de que la pared tenía una publicidad, no una obra de arte. Mienten”, crítica el dibujante. También cuestionado por esto, el concejal afirma que es una “valoración subjetiva a la que no va a entrar”, pero deja claro que “no se debe valorar más a unos artistas gráficos que a otros” y que “todos son respetables”.

La cuestión también ha afectado a la relación con Azul, que, asegura el profesor, están muy molestos con la destrucción de una parte fundamental del hermanamiento. De hecho, la diferencia en la gestión de ambos murales es evidente. En el caso de la ciudad argentina, la obra de Rep sigue en perfecto estado, con dos restauraciones realizadas, una en 2018 y otra este mismo año. “Más allá del dolor que siento ante las mentiras y el ultraje, creo que no se ha tenido la más mínima consideración con el hermanamiento cervantino con la ciudad de Azul, donde mi mural hoy dialoga en silencio”, lamenta Rep. Sobre esto, López alega que la relación entre ambas ciudades sigue completamente vigente y que el hermanamiento no recoge que el mural sea el símbolo del mismo, sino que se desarrolló en ese momento concreto, pero que no representa esa sinergia con Azul.

También, para Lucía Megías, es un golpe muy duro para Alcalá de Henares, que con la destrucción del mural pierde una parte fundamental de su vinculación con Cervantes. “Todo esto demuestra que los representantes públicos no tienen ni idea de la identidad de esta ciudad. Siempre hemos querido dotar a Alcalá de una personalidad asociada a Cervantes y ahora sustituyen un mural cervantino por otro que no tiene nada que ver. Está claro que el Ayuntamiento no tiene una política cultural en una ciudad que debería estar llamada a ser la capital cultural de la Comunidad de Madrid”, zanja el profesor.

Muchas de las actividades culturales más originales y pertinentes de Aragón se están desarrollando en los pueblos, fuera de Zaragoza y de las dos otras capitales. El fenómeno no es nuevo y va a más, con ejemplos notables como el de Quinto, que estos días, ya en su cuarta edición consecutiva, avanza en la regeneración de sus calles sirviéndose de intervenciones artísticas en torno al patrimonio gráfico. El proyecto se llama Retrospectiva, se anuncia con el lema 'Permitido pintar carteles' y su principal plasmación es tan sencilla como efectiva: se buscan rincones de la localidad que merecen un lavado de cara para convertirse en lienzos en blanco y, sobre sus paredes, jóvenes artistas reproducen publicidad antigua de conocidas marcas en gran formato, que destacan por apelar a la memoria colectiva y, sobre todo, por su belleza. Detrás, hay un largo trabajo de ideación, de descubrir conexiones documentales y sentimentales, que da sentido a todo.

El arte urbano, con el muralismo como expresión más habitual, está presente en otros pueblos de Aragón y de España. Pero este proyecto mantiene su singularidad por trabajar con anuncios y por relacionarlos con la evocación del pasado. Quinto, que ha visto multiplicarse las visitas en los últimos años desde la apertura de su igualmente exclusivo Museo de las Momias, ya está destacando también por Retrospectiva, una iniciativa del Ayuntamiento que tiene como alcalde a Jesús Morales y de cuya materialización se ocupa la gestora cultural Paula Blesa.

“Es una propuesta cultural que se ha consolidado como una cita singular dentro del panorama artístico aragonés y nacional. Al recuperar ejemplos de publicidad histórica y rotulación ‘vintage’, devolviéndolos al espacio público para mejorar así también la imagen del pueblo, este se hace más acogedor, más creativo. La aceptación por parte de los vecinos crece año a año, la acogida y la hospitalidad son fantásticas. Y cada vez que contactamos con artistas o con las marcas para que nos cedan los derechos de los carteles, ya conocen el proyecto y se suman a la aventura prácticamente sin dudarlo”, dice Paula Blesa. “Todo se hace desde el respeto y la admiración hacia aquellos pioneros gráficos que trabajaron en la publicidad y son reproducciones fidedignas que hacen artistas contemporáneos, ilustradores y muralistas”, añade.

Carteles que conectan con antiguas fotografías

Los trabajos de 2026 concluyen este sábado 23 de mayo con una fiesta en el Rincón de la Charanga, a la hora del vermut, animada por DJ Pables (Pablo Grao) con música de los 60, que invita a rememorar los guateques. 

Antes, a las 12.00, está convocada la visita guiada para descubrir las tres intervenciones del año, que son obra de Diego Apesteguía, Arantxa Recio ‘Harsa’ y Dan Bonssai, quienes han convivido unos días en Quinto. Pero este museo al aire libre de publicidad resignificada es visitable en cualquier momento, paseando por sus calles. Junto a cada pieza, un código QR permite ampliar la experiencia, accediendo a un archivo fotográfico que conecta la temática de los murales con imágenes antiguas de quintanos y quintanas. En las ediciones precedentes han trabajado Hugo Casanova, Isabel Garmón, Contiza Rotulación, Jesana Motilva, Helena Pérez, Edu Bhurton, Miguel Maestro, Diego Vicente, Sara Marcos o Laura Alloza. 

Dan Bonssai, un artista urbano madrileño afincado en Aragón, deja en la calle Tranqueta una reproducción de un calendario de los 80 de Cluzasa (Centrales Lecheras Unidas de Zaragoza), empresa desaparecida en la segunda mitad de esa década que, entre otras granjas y lecherías, se surtía en Quinto. Muchos la recordarán por sus anuncios y envases. Pintando a pleno sol largas horas, aunque siempre atendido por vecinos que le llevaban comida y bebida, Dan Bonssai explicaba cómo ha podido descubrir toda la fuerza de este diseño al replicarlo a gran tamaño en una pared.

Como para él, para la ilustradora zaragozana Arantxa Recio también ha sido la primera vez en duplicar una obra ajena. Subida en una grúa en la calle de la Cruz, y asimismo bien provista por las gentes de Quinto, recreaba en una pared un anuncio de Iberia de los años 50. Este invitaba a visitar España con la imagen de un avión superpuesto sobre figuras femeninas, al estilo de las muñecas recortables, ataviadas con trajes regionales. Todo un reto, lleno de detalles, explicaba Harsa.

La otra intervención de la cuarta edición de Retrospectiva corre a cargo de Diego Apesteguía, un reconocido artesano madrileño de la rotulación, este sí acostumbrado a evocar técnicas y estilos gráficos del pasado. Ha trabajado minuciosamente en la reproducción en la calle del Olivo de un cartel de Conservas Ortiz, muy posiblemente de los años 30. Una espléndida estampa costumbrista, reflejo de su época, que también pasa así a formar parte del patrimonio visual de Quinto.

La inauguración de la escultura 'Adam' de Martina Lasry en el Museo Sefardí, un mural participativo de grandes dimensiones en el Museo del Greco de la ilustradora Alicia Warhola o una jornada de puertas abiertas en el Archivo Histórico de la Nobleza son algunas de las actividades que la ciudad de Toledo acogerán en estos enclaves con motivo del 'Día de los Museos'.

El delegado del Gobierno de España en Castilla-La Mancha, José Pablo Sabrido, junto a los representantes de los espacios museísticos, ha presentado esta iniciativas de carácter estatal con motivo de esta efeméride, que se conmemora el 18 de mayo, y que este año cuenta con el lema 'Museos, uniendo un mundo dividido'.

La directora del Museo Sefardí, Carmen Álvarez Nogales, ha explicado que el próximo lunes 18 de mayo se presentará la escultura 'Adam', de Marina Lasry, una miembro importante de la Comunidad Judía de Madrid, autora de todas las esculturas que el Museo Sefardí expone en su patio.

Por su parte, la directora del Museo del Greco, Carolina Tobella, ha indicado que la ilustración de grandes dimensiones realizada por la ilustradora Alicia Warhola se va a poder ver el lunes 18 de mayo, mostrando “el viaje que realizó el Greco desde Creta hasta Toledo” en una unión de “las dos Europas, oriental y occidental”.

En esta ilustración se podrán ver “todas las obras más importantes que están repartidas por todo el mundo, para ver hasta dónde ha llegado el pintor” y además, los visitantes podrán plasmar en él “de dónde vienen” para trasladar esa idea de unión que fraguan los museos, ha afirmado la directora del Museo del Greco.

Asimismo, el jefe de Difusión del Archivo Histórico de la Nobleza, Alejandro Sierra, ha explicado que el domingo 16 de mayo se celebrará una jornada de puertas abiertas mediante dos pases, a las 20.00 y a las 22.00 horas. En estas jornadas se mostrará el patio del Hospital Tavera, también la sala de investigadores y quizá “los depósitos donde se custodia la documentación histórica y en la que se hará una muestra de algunos de los documentos más importantes del Archivo”. La visita correrá a cargo de un técnico del archivo pero además va a ser amenizada por actores que harán que la visita conjugue la didáctica con la teatralización.

El director del Museo del Ejército, el general de brigada Francisco Germán Martínez, ha señalado que el espacio que dirige se centrará en la exposición temporal 'España en los Estados Unidos. La contribución de los españoles y su Ejército al surgimiento de una nación'. También, el sábado 23 el Museo del Ejército albergará otros actos, como el relevo de la guardia y un arriado de bandera, “más enfocado al Día de las Fuerzas Armadas”.

Asimismo, tal y como ha explicado la directora del Museo Sefardí, se va presentar un “recorrido virtual por el patrimonio de Toledo” denominado 'Palabras Antiguas, Diálogos Presentes, de Toledo medieval hasta hoy', y será un viaje por el patrimonio de los museos, que podría estar listo en este mes de mayo, para “intentar” que se pueda ver por el público “en cada uno de los espacios” en la semana con motivo del Día de los Museos.

También el Gobierno de Castilla-La Mancha celebrará el próximo 18 de mayo el Día Internacional de los Museos bajo el lema, con una programación compuesta por 60 actividades repartidas por las cinco provincias.

Lo ha avanzado la viceconsejera de Cultura y Deportes, Carmen Teresa Olmedo, quien ha señalado que las propuestas, organizadas por los museos dependientes de la Junta, se desarrollan entre los días 9 y 29 de mayo y convertirán a estos espacios culturales en “puntos de encuentro, reflexión y participación ciudadana”.

Actividades el museos de titularidad autonómica

La programación incluye exposiciones temporales, visitas guiadas y teatralizadas, talleres, conferencias, conciertos, recitales, actividades didácticas, espectáculos, presentaciones de libros e itinerarios expositivos vinculados a temáticas como la arqueología, la memoria histórica, la fotografía, la cerámica, la paleontología, la música, la astronomía, la literatura o el patrimonio medieval. Todo ello desde una perspectiva educativa y participativa que busca acercar la cultura a públicos de todas las edades.

En la provincia de Albacete, el Museo de Albacete acogerá actividades como el recital ‘Piezas comentadas’, la inauguración de la exposición ‘Historia de una amistad’ y el recorrido musical por sus salas de arqueología y bellas artes. Además, la Colección Museográfica de la Infancia Juan Peralta ofrecerá visitas familiares y teatralizadas centradas en la historia educativa y social del siglo XX.

En Ciudad Real, el Museo de Ciudad Real-Convento de La Merced desarrollará talleres de caligrafía, visitas sobre el legado romano, espectáculos de magia y distintas exposiciones vinculadas a la fotografía histórica, las bellas artes y la arqueología. También se celebrarán visitas temáticas sobre piezas arqueológicas llegadas de lugares remotos y representaciones teatrales dirigidas al público escolar.

La programación de Cuenca combinará arqueología, música y divulgación científica. El Museo de Cuenca organizará conferencias sobre arte rupestre y antigüedad tardía, conciertos y visitas guiadas a su colección permanente. Por su parte, el Museo de las Ciencias de Castilla-La Mancha celebrará actividades centradas en la observación de eclipses y astronomía, mientras que el Museo Paleontológico de Castilla-La Mancha desarrollará propuestas didácticas dirigidas al público infantil.

En Guadalajara, el Museo de Guadalajara concentrará una intensa programación con visitas guiadas a la exposición ‘Las civilizaciones del bronce en el suroeste de China’, conferencias históricas y numismáticas, talleres de escritura, conciertos y presentaciones de libros. Entre las actividades más destacadas figura la presentación de las monedas de la antigua Ceca de Guadalajara y un concierto de música sefardita en el Patio de los Leones.

Por último, la provincia de Toledo será la que reúna el mayor número de actividades. El Museo Ruiz de Luna desarrollará talleres de cerámica y creatividad, además de inaugurar la exposición De Évora a Ébora. Un viaje cerámico. En la capital regional, el Museo de Santa Cruz, el Museo de los Concilios y el Taller del Moro organizarán exposiciones, visitas teatralizadas, conciertos, itinerarios patrimoniales y aperturas extraordinarias con motivo de la Noche de los Museos. Destacan especialmente la exposición Los mapas y la primera vuelta al mundo y el itinerario expositivo Palabras pasadas, diálogos presentes.

Todas las actividades y dossier pueden consultarse en este enlace.

Entre los años 1978 y 1982, una de las cuevas habituales en los edificios de la Cava Baja se convirtió en un secreto que corría de boca en boca por los ambientes de un Madrid que inauguraba con ahínco el tópico 'ciudad que no duerme'. Eran los años de la hoy tan manoseada Movida. Pero los chavales más jóvenes de la Nueva Ola, con estilismo de SEPU y pelos de color tropical, no eran los únicos que estrenaban país. La Mandrágora, en el número 42 de la calle, fue el local que aglutinaba a una generación un poco más mayor –sus fundadores estaban en la treintena–, acaso de perfil más intelectual.

Aunque la experiencia no duró mucho, su recuerdo fue rebotando en las paredes del tiempo gracias a La Mandrágora, un disco publicado en 1981 con canciones grabadas en el sótano de la Cava Baja por los cantautores Joaquín Sabina, Alberto Pérez y Javier Krahe. En el aire de grabación casual del disco, se cuelan las risas de la noche 'mandragorera' y el tintineo de los vasos. Casi se puede oler el humo de los cigarrillos de Krahe.

Sin embargo, el viaje a través de un puñado de canciones desternillantes oculta el resto de las actividades que, durante años, convirtieron el local en centro neurálgico de la movida cultural. La Mandrágora fue el proyecto de los artistas Manuel Paniagua y Enrique Cavestany, Enrius, que le dedicó un libro llamado Una cueva diluvial en la Cava Baja.

Cavestany rememora cómo conoció a Paniagua y a su pareja, Piluca Pascual –también pionera en la aventura–, en el obituario que los dedicó después de que ambos fallecieran en un desgraciado accidente de tráfico en 2005: “Nos conocimos hace 30 años y Begoña me los presentó como unos padres del Colegio Siglo XXI, de Moratalaz, lo que en aquella época formaba parte de nuestras señas de identidad”.

En su libro, narra también el primer encuentro con Joaquín Sabina, que se produjo al poco tiempo de abrir las puertas del local: “Serían las once y media cuando Manolo me dijo que un tipo quería hablar con el baranda. Salí de la cocina donde estaba terminando de fabricar un gazpacho y junto a la barra me encontré con un individuo carniseco, pero flamenco, con un voluminoso álbum de fotos bajo el brazo. Se presentó como vecino del barrio y confesó de manera desenfadada que su mujer le había informado acerca de la reciente apertura de nuestro pequeño local, al tiempo que le hacía ver la urgente necesidad de procurarse algunos ingresos para afrontar los apremios alimenticios de las próximas horas”.

Empezaron una colaboración que al principio se pagaba a 1.500 pesetas la noche y la mitad de la recaudación por las copas. “A las pocas semanas sus actuaciones en la cueva conocían un éxito muy por encima de nuestras expectativas y atraían a otros vocalistas y acróbatas, así como a un público devoto que celebraba generosamente sus interpretaciones”, explicaba.

Fueron muchos los que fueron llegando al local al socaire de las actuaciones y se quedaron. Entre ellos, Pancho Varona, un joven aspirante a funcionario que, a fuerza de acudir todas las semanas a las actuaciones, se hizo amigo de Sabina y acabó acompañándole en el escenario –y en la composición del repertorio– durante varias décadas.

Se unieron a la fiesta Javier Krahe y el bolerista Alberto Pérez. Las actuaciones de los cantautores se fueron haciendo cada vez más famosas, especialmente cuando el crítico Alberto Caffaratto les dedicó un elogioso artículo en la Guía del Ocio. Los cantantes, haciendo gala de guasa, le entregaron una noche un jamón de jabugo durante el transcurso de una actuación. Luego, vinieron las apariciones en el programa de García Tola, el revuelo nacional cuando Krahe pronunció por primera vez en pantalla la palabra 'gilipollas' durante la interpretación de Marieta… Y el resto es historia.

En La Mandrágora había mucho más que aquellos conciertos de los sábados, a los que a veces se apuntaba también el cantautor maño y discípulo de Labordeta Joaquín Carbonell. Otro de los espectáculos más recordados era el que desempeñaba Juan Tamariz, entonces uno de los jóvenes que estaba renovando la magia española. Allí tuvieron lugar también las proyecciones en Super-8 de Almodovar, que se recuerdan como desternillantes, o las de Jaime Chávarri. Había sitio para el tarot de Flora Pino o las representaciones teatrales de algunos de los grupos de teatro experimental que abundaban en la época.

Entre la clientela, podríamos anotar a los Alberto Corazón, Forges, Luis Eduardo Aute, Maruja Torres, Montxo Almendariz, Chicho Sánchez Ferlosio, Vainica Doble o Manolo Tena, entre otros.

La Mandrágora se enfrentó a problemas administrativos antes de su cierre. En 1980 el Ayuntamiento lo clausuró temporalmente por denuncias de ruido. El 18 de marzo, el diario El País publicaba una carta firmada por Joaquín Sabina, Juan Tamariz y otros abajo firmantes habituales de La Mandrágora:

“Esta vez, la represión económico-cultural la ha perpetrado el Ayuntamiento contra un local, La Mandrágora, en el que los abajo firmantes actuábamos, con regularidad unos, esporádicamente otros. Los muy reglamentarios y no menos confusos motivos por los que se ha decidido privarnos de unos minipuestos de trabajo y diversión, si se aplicaran coherentemente, y nadie pide esa coherencia, llevarían a clausurar centenares de discotecas, puticlubs, salas de fiesta, y, por supuesto, talleres, industrias, ayuntamientos, etcétera. Pero no; cerrarán La Mandrágora porque, en su pequeña dimensión, no es un local adocenado, sino con esquemas singulares, donde las sonrisas, risas y «risotadas» provienen de una actitud crítica no alineada. Ese cierre no es ético. Queremos que se nos abra La Mandrágora y una docena más de lugares similares”.

El sótano queda a la izquierda cuando uno baja al baño en el bar de pinchos que ocupa hoy el número 42 de la Cava Baja. Sin embargo, el espíritu de La Mandrágora sigue muy vivo en el imaginario colectivo y cada cierto tiempo es reivindicado por espacios de marchamo cultural que se quieren herederos de la experiencia de la Cava Baja. Es el caso de distintos espacios culturales con barra que, en las últimas décadas, han tratado de convertirse en refugio habitual de cuadrillas noctámbulas desafectas a las grandes pistas de baile.

Por ejemplo, de La Juntada de La Realidad Club, un Open Mic que comenzó el pasado 19 de febrero y pretende reunir con “el espíritu de La Mandrágora” cada dos jueves a poetas, músicos y artistas. Se anuncia como “espacio de resistencia cultural” porque la oposición en la ciudad de Madrid quizá está hoy en otras coordenadas diferentes a las que atravesaba la postransición, pero sigue habiendo espacio para una cultura contestataria.

Un mural para recordar el espíritu de La Mandrágora

Una medianera en la cercana plaza de Cascorro invoca, con colores desvaídos, al paisanaje de La Mandrágora. Cocktail Grand Luxe es un fresco humano encargado en tiempos de Tierno y pintado por el propio Enrique Cavestany en junio de 1983, con La Mandrágora ya cerrada.

El pintor incluyó en el mural de 17 metros de altura y 5 de ancho el rótulo verde del local y a mucha de la clientela; 35 personajes que desfilan por los puestos del El Rastro entre los que se distingue a Joaquín Sabina, Alberto Corazón, Juan Luis Cebrián o el propio Manolo Paniagua, que también tuvo puesto en el mercadillo y aparece tumbado.

Cavestany lleva más de veinte años intentando que el mural se restaure y a la empresa se unió también la asociación Nuevo Rastro. Durante el gobierno de Ahora Madrid en el Ayuntamiento, se les instó a que incluyeran la propuesta en los presupuestos participativos, pero fue desestimada estar sobre una propiedad privada.

Posteriormente, ya con el Partido Popular en Cibeles, se anunció que la rehabilitación se haría en el segundo trimestre de 2020, pero con la pandemia se instauraron la excepcionalidad y el borrón y cuenta nueva. Aún se volvería a anunciar una vez más, hablándose incluso de un presupuesto de 40.000 euros y la colaboración de una entidad bancaria. Sin embargo, hasta la fecha no se ha producido la ansiada recuperación y los fantasmas de La Mandrágora se desvanecen poco a poco, a la vista de todos.

Un grafitero sionista ha viajado recientemente a Barcelona para tapar murales contra el genocidio de Palestina, entre ellos uno del conocido muralista catalán Roc BlackBlock. El autor de las pintadas, el israelí Dudi Shoval, difundió en las redes sociales su acción en el barrio de El Clot, que consistió en eliminar una obra crítica con Benjamin Netanyahu, para luego dibujar al primer ministro de Israel con una corona y el mensaje de “Viva Israel”. 

El mural original, realizado por Roc BlackBlock a principios de junio, mostraba el rostro de Netanyahu manchado de sangre y con la palabra “criminal” escrita en la frente. Shoval, el grafitero sionista, pintó encima lo que el propio BlackBlock define a elDiario.es como “una versión sionista del mural”: el retrato del primer ministro con una corona monárquica acompañado del lema “Viva Israel”.

Durante la acción de Shoval, llevada a cabo el pasado mes de diciembre, los vecinos le empezaron a gritar y a reclamar que se marchara del barrio, según ha explicado BlackBlock a elDiario.es. Minutos después de que terminara de pintar el muro, otras personas lo cubrieron el nuevo con mensajes como “asesino” o “genocida”. Pero día siguiente, el artista israelí volvió al mismo lugar y realizó otro dibujo, esta vez con un candelabro judío, que también fue tapado por vecinos del barrio pocas horas después.

“La respuesta en contra de la pintada fue algo transversal, no fue solo cosa de activistas”, ha defendido este lunes BlackBlock. “Se marchó de Barcelona sabiendo que, aunque se gasten recursos intentando blanquear crímenes sionistas, no nos los tragaremos ni son bienvenidos”, escribió el artista catalán en una publicación en Instagram este domingo.

Días después de cubrir en dos ocasiones el mural de El Clot, Shoval también intervino otra obra del artista Juan Kantor en la que aparecía una joven palestina. Por ello, BlackBlock asegura que el episodio “va más allá de una pelea entre grafiteros”.

El muralista sionista permaneció en Barcelona apenas tres días y, según explicó él mismo en sus redes sociales, viajó a la capital catalana con el objetivo de cubrir esos grafitis. “Vinimos a Barcelona para luchar cara a cara contra la maldad. Por eso nos dirigimos a los barrios donde hay más musulmanes y odio”, explica en un vídeo publicado en Instagram tras realizar las pintadas.

Después de que su retrato fuera cubierto por los vecinos con consignas como “Palestina libre”, Shoval calificó lo sucedido de “grave” en sus redes sociales. “Quizás, y con la ayuda de Dios, esto haga que las comunidades judías en el extranjero dejen de vivir con miedo”, añadió en el texto de la publicación, donde además denunció haber sido agredido por algunos de ellos junto a sus acompañantes.

BlackBlock repintó su mural entre enero y febrero, aunque no lo hizo público hasta esta semana. La obra permanece intacta desde entonces, al igual que había ocurrido durante meses antes de la intervención del grafitero israelí. “Hace años que existe un gran respeto entre los distintos grafiteros. El dibujo se había mantenido intacto hasta que vino él”, explica el muralista catalán. “Es por ello, que respondemos en los muros de nuestros barrios y también en las redes sociales”, ha añadido en su publicación de Instagram.

Las calles de muchos municipios españoles se han convertido en auténticos museos al aire libre, con murales de gran tamaño que adornan cualquier pared o fachada que de otra manera pasarían desapercibidos. Un ejemplo de arte urbano lo encontramos en el municipio madrileño de Fuenlabrada, que ahora puede presumir de albergar el tercer mejor mural del mundo de 2025, un reconocimiento otorgado por la plataforma Street Art Cities.

Se trata de la emblemática obra Niños Perdidos del artista andaluz Murfin, un colorido trabajo que está ubicado en la fachada lateral del edificio situado en la calle del Tesillo 1 y que acompaña a los vecinos de esa construcción cada vez que se asoman al balcón. 

Niños perdidos se ha situado en el tercer puesto en el ranking de las mejores obras de arte urbano del mundo, solamente por detrás de Kalamata (Grecia) y Deep reflection (Serbia). En cambio, le ha ganado la partida al mural Fireman, ubicado en este caso el municipio madrileño de Alcalá de Henares y firmado por el madrileño Sfhir.

La obra de Murfin nunca ha pasado desapercibida, aunque el primer reconocimiento no ha llegado hasta ahora, en el marco del concurso impulsado por la plataforma Street Art Cities. La obra está protagonizada por una niña que abraza a un cocodrilo de juguete que parece que podría saltar del muro para protegerla. 

La cercanía entre la menor y el animal, la intensa mirada de la niña, el trazado suave y los colores fuertes y marcados destacan en una obra que se extiende por los balcones y más allá de la fachada. Una elección que no sorprende tratándose de Murfin, recuerda el consistorio madrileño, cuyo estilo se caracteriza por una fuerte paleta de colores y un mundo fantástico propio. 

Al final y pese al realismo de sus personajes, el artista español consigue que el vecino y el curioso se sumerjan “en un viaje de color, paisajes, animales y personajes fantásticos” en el que “se evade de la realidad mundana”.

Niños Perdidos y muchos murales más

Niños Perdidos se ha llevado el reconocimiento mundial, pero las calles de Fuenlabrada están llenas de monumentales obras desde la puesta en marcha del Museo de Arte Urbano (MAUF) en 2019. Ahora, se contabilizan cuarenta murales de distintas técnicas y estilos por las calles de esta localidad madrileña. Okuda San Miguel, Suso33, Pantone, Sixe Paredes, Eva Mena y Javier Lobo son algunos de los autores de esas obras, gran parte de ellas ubicadas en el Distrito Centro. 

No solo Niños Perdidos ha celebrado un reconocimiento en los últimos meses. Otras obras pertenecientes al MAUF también han recibido premios, como Energía sostenible de Jesús Mateos Brea, elegido como uno de los cien mejores murales de todo el mundo.

A apenas dos horas desde Oviedo, una de las aldeas más pequeñas de Asturias se ha convertido en un punto de interés gracias a una iniciativa artística que da visibilidad a un entorno seriamente afectado en las últimas décadas por la despoblación. Los 12 habitantes censados de Villaoril, en el concejo de Ibias —muy cerca de las provincias de Lugo y León— son los protagonistas del homenaje “Érase una vez en Villaoril”, que ha llevado a decorar puntos clave del pueblo con escenas cotidianas de su día a día.

Detrás de este trabajo está la artista María del Roxo, que describe los murales como una muestra del “compromiso con sus vecinos de Villaoril y de Ibias, un compromiso con el mundo rural, con lo pequeño, con lo modesto, con mi familia y mi entorno”, según afirma en su página personal. La iniciativa ha contribuido así a convertir Villaoril en un punto de interés dentro del turismo rural cultural, ofreciendo a quienes se acercan la posibilidad de conocer un ejemplo de comunidad pequeña que mantiene su identidad y sus tradiciones a pesar de la reducción poblacional.

Si en el pasado la localidad contaba con una veintena de casas habitadas, actualmente hay meses en los que la aldea queda prácticamente vacía. A pesar de la reducción de población, la localidad se mantiene como un núcleo cuidado: los vecinos se encargan de conservar las viviendas, mantener los caminos y garantizar el acceso a las distintas partes del pueblo, lo que supone un esfuerzo constante por preservar la funcionalidad y el aspecto del lugar.

La vida comunitaria se mantiene activa entre los residentes permanentes y aquellos familiares o visitantes que regresan en determinados períodos del año, asegurando la continuidad de la convivencia en un entorno rural aislado. La ubicación de Villaoril implica un desplazamiento de aproximadamente dos horas desde Oviedo, atravesando carreteras de montaña y espacios rurales poco transitados.

Los murales que documentan la vida de Villaoril

El proyecto “Érase una vez en Villaoril” fue impulsado en 2022 por la artista María del Roxo, aunque sus primeros pasos comenzaron en 2008 con la transformación de la fachada de un garaje en desuso. Aquella primera intervención retrató a sus padres y a algunos vecinos, convirtiendo un espacio deteriorado en un elemento visual que anunciaba la llegada al pueblo. Con el tiempo, esta acción individual se amplió hasta consolidarse como un proyecto comunitario que incluye la participación de vecinos, familiares, residentes ocasionales y artistas externos interesados en colaborar.

Las pinturas reflejan escenas cotidianas de los habitantes del pueblo. Entre ellas se encuentran mujeres realizando tareas domésticas, vecinos asomados a puertas partidas y niñas observando desde ventanas simuladas. Cada obra se realiza de forma pequeña y respetuosa con la arquitectura local, utilizando materiales sostenibles como madera, piedra, fibras vegetales, vidrio y otros elementos reciclados. Esta metodología busca que las intervenciones se integren con el entorno sin alterar la estructura de las casas ni el estilo tradicional del pueblo.

Además de los murales, el proyecto incorpora esculturas distribuidas por distintos puntos de la aldea. Estas piezas complementan las pinturas y generan un efecto de continuidad entre la vida cotidiana de los habitantes y la representación artística. La combinación de murales y esculturas crea un recorrido visual que permite a los visitantes observar diferentes facetas de la vida de Villaoril, registrando gestos, rutinas y presencia de los vecinos en distintos espacios del caserío.

El proyecto también tiene un componente social y cultural. No se limita a decorar el pueblo, sino que pretende reforzar los lazos entre los pocos habitantes y conservar la identidad del lugar en tiempos de despoblación y envejecimiento rural. La iniciativa ha convertido Villaoril en un museo al aire libre donde cada calle y cada vivienda ofrecen un testimonio de la comunidad, manteniendo la aldea viva incluso durante los meses más fríos del año y generando un atractivo turístico vinculado al patrimonio humano y arquitectónico del occidente asturiano.

Las primeras demandas se remontan a 1996. El del Real Monaterio de Santa María de Sijena es un litigio enrevesado e interminable que enfrenta a dos comunidades vecinas como Catalunya y Aragón. Parecía que la historia llegaba a su desenlace después de que en 2025 se conociera la sentencia del Tribunal Supremo que obligaba al Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) a restituir las pinturas murales de la sala capitular del Monasterio de Sijena arrancadas en 1936. Nada más lejos de la realidad.

El que se esperaba que fuera el último capítulo, se inició el pasado mayo cuando el alto tribunal desestimó la totalidad de los recursos presentados por el MNAC contra de la sentencia de devolución de las pinturas murales de la sala capitular del monasterio, que había dictado en julio de 2016 el juzgado de Huesca.

El fallo del Supremo determinaba, y este es un detalle fundamental en esta historia, que el MNAC debía ser el ejecutor y responsable de la devolución. Es decir, que debe encargarse de extraer los murales del museo, llevarlos a Sijena y restituirlos a sus muros bajo su responsabilidad si se produjeran daños.

El MNAC consigue dilatar el proceso

Las pinturas murales son el último bastión de la batalla entre Sijena, el gobierno de Aragón y el MNAC. Atrás quedaban la mayoría de los episodios de devoluciones de bienes del litigio ya resueltos. Devoluciones de forma voluntaria y a veces no tanto, como ocurrió en 2017 cuando, por orden de la Justicia, la Guardia Civil entró en el Museu Diocesà de Lleida y se llevó numerosas piezas.

Para retenerlas, el MNAC había presentado numerosos recursos en atención al modo y el estado en que llegaron las pinturas a Catalunya, sin dejar por ello de reconocer que se encontraban en depósito, siendo así el ayuntamiento oscense su legítimo propietario. Pero se alegaba una alta peligrosidad en el traslado, pues las pinturas se recuperaron en 1936 tras el incendio del monasterio en plena Guerra Civil, de lo que se infiere su extrema fragilidad.

No obstante, y sin entrar en cuestiones técnicas respecto a la conservación, el Supremo rubricó la sentencia del juzgado de Huesca y se volvió a activar el periodo y la responsabilidad de devolución que habían dejado en suspenso los recursos del MNAC. No le quedaba otra, pues, al museo catalán que restituir los bienes murales que atesoraba en su edificio, el Palau Nacional, desde 1940.

Pero a partir de este punto, y acogiéndose a la parte de la sentencia que obliga al MNAC a llevar a cabo todas las tareas de devolución bajo su responsabilidad en caso de daños, la institución catalana ha conseguido dilatar una vía jurídica que parecía que ya no daba más de sí.

Por qué son tan frágiles las pinturas

Conviene ir al origen de la extracción de las pinturas para entender el porqué de su supuesta fragilidad. En 1936, en la versión más comúnmente aceptada, las pinturas murales de Sijena fueron rescatadas por el experto catalán al servicio de la Generalitat Josep Gudiol tras un incendio en la sala capitular, provocado o bien por vecinos del pueblo o por un batallón anarquista.

Sea como fuere, la sala ardió durante tres días y con ella buena parte de los murales de sus paredes y techos, considerados por los historiadores una suerte de Capilla Sixtina del arte románico.

Gudiol y otros técnicos consiguieron arrancar, mediante la agresiva técnica del strapo, buena parte de las pinturas que se habían salvado del fuego y las guardaron en 64 rollos de tela que transportaron a Barcelona, a la casa Ametller del Passeig de Gràcia, donde residieron hasta que en 1940, por orden del gobierno franquista ya en el poder, pasaron al palacio construido para la exposición universal de 1929, que se constituyó como sede del entonces incipiente MNAC.

Allí han permanecido hasta la fecha, tras diversas restauraciones de las partes más afectadas, las pinturas. Y desde allí indican las sucesivas sentencias que deben viajar de nuevo hasta Sijena. En consecuencia, el nudo gordiano del nuevo capítulo abierto dentro del último capítulo del contencioso está pegado al falso techo ovalado de la sala 16 del MNAC: ¿Se dañarán irremediablemente las pinturas al sustraerlas de este sustrato, como sostiene el MNAC, o bien pueden ser arrancadas sin problemas y devueltas a su legítimo dueño?

El MNAC abre un nuevo frente

Tras la sentencia del Supremo, tanto el Ayuntamiento de Sijena como el gobierno aragonés defienden que el traslado se puede hacer sin daños para las pinturas, y para demostrarlo acordaron enviar una comisión de tres expertos dirigidos por la representante aragonesa Natalia Martínez de Pisón. Los expertos acudieron al MNAC en julio, donde fueron recibidos por el director de museo, Pepe Serra, y tras varios días de evaluación informaron de que, en su opinión, el traslado era posible.

Mientras tanto, el director general de Cultura del Gobierno de Aragón, Pedro Olloqui, acusó reiteradamente al museo catalán, a la Generalitat e incluso al ministerio de Ernest Urtasun, de demorar deliberadamente el traslado con ardides técnicos y jurídicos. En las mismas fechas en que los expertos del gobierno de Aragón entraban en el museo, su director manifestaba la intención de pedir una incidencia de ejecución en sede judicial “para informar de la incapacidad técnica del museo de llevar a cabo esta operación en el plazo establecido por la ley de enjuiciamiento civil ni tampoco técnicamente”.

La estrategia desvelada por el MNAC consistía, pues, en dilatar en lo posible la ejecución de la sentencia y a la vez tratar de impedirla por incapacidad técnica o bien ganar más meses para la devolución, como finalmente la jueza ha acabado otorgando en razón a los nuevos meandros del proceso, si bien al principio se reafirmase en los plazos de ejecución iniciales.

Olloqui y Español suben el tono

Ante el enfado mayúsculo tanto de Olloqui como del abogado del ayuntamiento de Sijena, Jorge Español, el MNAC alegaba para declararse “incapaz” de ejecutar el traslado los informes de expertos, tanto nacionales como internacionales, que alertan de la fragilidad de las pinturas. Solo una orden reforzada por la jueza al resolver la incidencia de ejecución podía entonces obligar al museo a ejecutar la sustracción y traslado de las pinturas, pero entonces dicha orden libraría de responsabilidad al MNAC en caso de daños.

O al menos esto es lo que el director del museo reconoció que pretendían: o bien que la jueza declarase la sentencia inejecutable –lo que no libraría al MNAC y sus patronos de importantes indemnizaciones pero evitaría el traslado– o, que en su defecto, eximiese de responsabilidad jurídica y económica a los técnicos que ejecutasen la devolución en caso de daños. Para ello en septiembre el MNAC aportó a la jueza nuevos informes de expertos internacionales en favor de sus tesis.

En el otro bando, Olloqui y Español aseguraban que los expertos de Aragón desplazados a Barcelona fueron presionados por Serra y su equipo, extremo que este negó rotundamente. Los siguientes episodios de lo que se estaba convirtiendo en un nuevo culebrón trajeron a finales de septiembre una manifestación convocada por la plataforma Sijena Sí frente al MNAC y una denuncia por parte del gobierno de Aragón de que los expertos habían detectado que las pinturas se encontraban en mal estado.

Denuncia que el museo rebatió con sus propios argumentos asegurando que los datos de los expertos era “falsos”. Incluso en esta ocasión el ministro Urtasun, que siempre se ha mostrado esquivo, salió en defensa del museo. Hasta entonces Urtasun había evitado pronunciarse, salvo cuando dijo a principios de junio que el objetivo es que se cumpla la sentencia dictada por el Supremo. 

Además, Aragón alegaba que las pinturas habían viajado en los 80 a Estados Unidos e Inglaterra y habían regresado sanas y salvas. Desde la parte catalana reconocían esos viajes efectuados en el pasado, antes de la consolidación del museo en 2005, pero matizaban que fueron puntuales y solo viajaron las porciones que estaban en mejor estado. De todas formas, puntualizaban que ahora, y con el conocimiento que se tiene actualmente del estado de los murales, este tipo de viajes son impensables.

Rosalía irrumpe en Sijena

El penúltimo episodio de esta historia, y tal vez el más esperpéntico, llegó cuando a principios de noviembre el abogado de Sijena trató de impedir una listening party de presentación en el MNAC del nuevo álbum de Rosalía, Lux. Jorge Español esgrimió que los elevados decibelios de la música de la catalana podían dañar las pinturas. La jueza lo rechazó y el acto tuvo lugar sin mayores problemas, pero al día siguiente el abogado acusaba al MNAC de hipocresía.

Posteriormente, en una reunión con la prensa el pasado diciembre, Serra replicó: “Lo que no puede ser es considerar que un concierto de Rosalía puede afectar a la pintura y que partirla en 74 trozos se puede hacer fácilmente sin mayores consecuencias. Quien dice esto debe ir a un médico”.

Tras la poco diplomática declaración de Serra, Español anunció una demanda por vulneración a su honor, le reclamó 90.000 euros y su dimisión por no mantener una “conducta irreprochable” como le obliga el código deontológico del Consejo Internacional de Museos (ICOM).

Un desenlace en manos de la jueza

Para el 2026 que acabamos de estrenar se espera un desenlace que ponga fin a este largo y agotador contencioso que enfrenta las instituciones culturales de Aragón y Catalunya. Aunque todo puede pasar en el universo Sijena, tal como dicta la experiencia, se espera que la jueza resuelva sobre la incapacidad del MNAC de ejecutar el traslado.

Por la parte aragonesa se desea que la magistrada se incline por forzar la ejecución y por la catalana que si así sucede, haya por lo menos constancia jurídica de sus advertencias en caso de daños en las pinturas, que se ven como casi seguros. Mientras, algunos expertos reclaman sensatez y que se deje la política a un lado cuando lo que está en juego no es el orgullo de dos comunidades vecinas, sino algo tan serio como unas pinturas únicas en el mundo y, por tanto, de un valor incalculable.

A este respecto, piden que se exploren soluciones alternativas que eviten producir más daño en los murales como un sistema digital que permitiría proyectar los murales sobre las paredes de Sijena con la máxima fidelidad.

El Gobierno de Castilla-La Mancha va a iniciar la tramitación del expediente para declarar Elemento de Interés Patrimonial el 'Mural de Carpe' en el IES Universidad Laboral de Toledo, tal y como se ha publicado en el Diario Oficial de la región.

El mural de Carpe está realizado por Antonio Hernández Carpe (1923-1977), conocido en los círculos artísticos como 'Carpe, y que fue un destacado muralista, dibujante y virtuoso creador, que cultivó todos los géneros. Su pintura presenta un dibujo de antecedentes e influencias cubistas y una paleta de colores nítidos.

Fue en 1972 cuando Hernández Carpe recibió el encargo de un mural para decorar el muro oeste del vestíbulo y la escalera del Pabellón 1, edificio docente del Centro de Universidades Laborales de Toledo. En él se proyecta “un mural de pintura figurativa que representa las cosas humildes, las más próximas de la vida de cualquiera”, tal y como ha explicado la viceconsejera de Cultura y Deportes, Carmen Teresa Olmedo.

Carmen Teresa Olmedo ha explicado que “constatando los valores patrimoniales de este bien estamos dando procedimiento de declaración como Elemento de Interés Patrimonial, lo que contribuirá a poner en valor este patrimonio y se logrará una mayor conciencia de su importancia artística”.

El mural se encuentra realizado sobre el muro preparado, revocado de textura rugosa, lo que permite una mejor fijación de la pintura. El autor utilizó una técnica en seco y al óleo, empleando una pasta de pintura muy disuelta en aceites y secativos, dispuesta en capas finas, que actúa por transparencia y veladura, dejando que trepe el color del soporte.

La obra se vertebra en un proyecto vertical de grandes dimensiones, de más de ochenta metros cuadrados (alrededor de diez metros de anchura por ocho de altura), siendo el de mayor tamaño de los murales pictóricos realizados por Carpe. Se trata de una obra de enorme envergadura, que comunica y da una sensación de continuidad a las dos plantas del edificio donde está enclavado. Todo el mural está rematado en su anchura por una serie de vanos que lo iluminan de forma natural.

La escena tiene como marco la ciudad de Toledo, apareciendo representados determinados edificios emblemáticos como el Alcázar o la Catedral. La urbe histórica, representada en un plano más lejano, ocupa la mitad superior de la composición, mientras que en la mitad inferior aparecen tres figuras masculinas, simbólicas, con atuendos medievales y un cervatillo.

Durante este sábado, el patio del CEIP Navarrete El Mudo, en Logroño, se ha convertido en un gran lienzo colectivo con la creación de un “Mural por la Igualdad” de 16 metros de longitud, en el que han participado familias, alumnado, profesorado y personal no docente del centro. La ilustradora Raquel Marín, miembro del AMPA, ha plasmado en la pared los bocetos inspirados en las ideas y trabajos que el alumnado ha desarrollado en las aulas durante las últimas semanas.

Temas como los estereotipos de género, la conciliación, la corresponsabilidad o la visibilidad de las mujeres estarán presentes en las escenas que después toda la comunidad educativa coloreará de forma colaborativa.

La Escuela de Arte de Toledo acoge este mes de noviembre la exposición internacional Art is our language, una muestra colectiva que reúne a artistas de diversos países, estilos y generaciones.

Tras pasar por Londres y Zagreb, la muestra, que se ha inaugurado este viernes, ha llegado a la capital regional con artistas provenientes de países europeos como Inglaterra, Croacia, Italia y Eslovenia. También hay españoles, entre los que destacan varios toledanos, como Nacho Welles, Jorge Gallardo o Fátima Díaz Ropero.

A ellos se suman Alberto Montero, Elle Koziupa, Filip Morka Burburan, Ian Moore, Guille de la Llave, Ivo Smack Kosanovic, Kid Crayon, Lours, Lunar, Marioo Triviño, Nacho Welles, Oust, Pablo Ortiz, Pablo Thomas, Travis y Víctor Hungría.

Toledo, ciudad multicultural

“Es una exposición que junta artistas locales con artistas internacionales, en este caso de Inglaterra, Croacia, Italia y Eslovenia”, explica Nacho Welles, organizador de la muestra, a elDiario.es Castilla-La Mancha. “El objetivo era poner en común a gente de diferentes países, diferentes edades, lenguas, todos juntos creando algo en conjunto, con artistas locales de la ciudad, y que se pudieran aportar unos a otros ideas nuevas y poner juntos cada uno su arte”.

Welles explica que la elección de Toledo, aparte de por ser su ciudad de origen (aunque ahora vive en Londres), responde al carácter multicultural que ha tenido la ciudad a lo largo de su historia y destaca el papel de su Escuela de Traductores (a la que la exposición rinde homenaje), que traducía “el conocimiento de unas culturas a otras”.

“El arte es una vía de entendimiento entre culturas y se puede ver aquí con esa variedad de artistas internacionales que hay”, resume Welles.

Conectar distintas culturas a través del arte

A esa idea se suma Jorge Gallardo, profesor en la Escuela de Arte y uno de los artistas que participa en la exposición. “Es una exposición colectiva que surge por la iniciativa de conectar distintas culturas utilizando como medio conductor el arte”, nos explica.

Además, como profesor del centro anfitrión, explica que esta exposición es especial para la Escuela de Arte porque es la muestra que “más gente de fuera” ha traído.

También variados son los estilos artísticos expuestos. El visitante podrá encontrar en Art is our language fotografía, cuadros al óleo, a collage digital, murales...

La exposición estará abierta con acceso libre durante el mes de noviembre en la sala de exposiciones Matías Moreno de la Escuela de Arte de Toledo.

Cada vez hay menos gente que vive de manera habitual en los pueblos y las callejuelas que antes estaban llenas de vida adolecen. Se han vuelto “invisibles” mientras los pocos que quedan se lamentan del escaso relevo generacional. San Pedro Bercianos, en una comarca de León que se conoce como El Páramo, no es una excepción, y a pesar de sus riquezas naturales, tiene entre sus habitantes habituales a pocos jóvenes.

Por esta razón, un grupo de habitantes de la localidad, con el apoyo de instituciones como la junta vecinal del pueblo y otras asociaciones, han decidido luchar contra la “invisibilidad” haciendo un llamamiento a los artistas locales y no locales. Quieren que vayan y utilicen sus espacios públicos para exponer, pintar o modelar sus obras.

Estrategia: alargar la estancia de los visitantes en el pueblo

Todo está milimétricamente estudiado: el proyecto, que nació en 2023 con el nombre de festival de arte SUCO, llega este año a su tercera edición. Se celebrará del 12 al 14 de septiembre, para intentar alargar un poco más la estancia veraniega de los visitantes y conseguir que inviertan en el comercio local y la restauración.

Atraen a los artistas proporcionándoles alojamiento, desplazamiento, dietas y los materiales. El objetivo es que participen con total libertad y aporten su granito de arena en cualquier ámbito artístico en el que se sientan cómodos y, como dice el folleto informativo, hacer del pueblo “un lugar único, lleno de arte, psicodelia y creatividad, una galería abierta para todo el mundo, un museo vivo, un espacio de creación libre, un lugar de promoción y expresión para todo artista que quiera colaborar”.

¿Murales? San Pedro Bercianos proporciona sus paredes. ¿Esculturas? Cualquier rincón es bueno para exhibirlas. ¿Instalaciones? ¿Performances? ¿Contenido audiovisual? Este pueblo leonés quiere ser el lienzo, el banco de pruebas que permita a esos creadores desarrollar sus capacidades y, de paso, hacerse visible. Quiere ser el hogar de los artistas por unos días. Porque después, todo eso queda y llama la atención de quién lo visita. Quizás los medios y el boca oreja obren el milagro.

Este año se han habilitado distintos espacios, ya preparados para albergar las intervenciones artísticas: la parada del bus, la Casa de las Bombas de Agua, la zona de gimnasio en la calle, diversos muros, las papeleras, los bancos, una rampa, la plaza del Agua, la plaza del Fin de la Cuesta, la calle de los sauces llorones, el jardín del depósito de agua, y puertas y fachadas de las viviendas y locales de diferentes vecinos.

El festival se bautizó como SUCO porque esta palabra es una expresión local que significa surco. La intención es eso: dejar una marca, una señal en el terreno, un recuerdo artístico que ensalce la cultura tradicional y contemporánea del Páramo leonés.

Una treintena de alumnos de Arteskola han realizado doce murales inspirados en el arte japonés del ikebana en un muro de la escuela pública Allende Salazar de la localidad vizcaína de Gernika-Lumo, con el objetivo de tender “un puente floral” con Hiroshima y Nagasaki, y transformar este espacio en “un mensaje de paz y memoria compartida”, según ha informado el Ayuntamiento. Gernika fue bombardea en 1937, en la Guerra Civil española, y las dos ciudades japonesas hace ahora 80 años, en agosto de 1945, como final de la II Guerra Mundial.

Desde el Ayuntamiento han valorado que “la pared de hormigón, gris y prolongada que custodia la escuela pública Allende Salazar” dejará de ser “mera frontera” para convertirse en “un lienzo de memoria”. En sus 57 metros de longitud se ha desplegado un conjunto de doce murales inspirados en el ikebana, el arte floral japonés que desde hace siglos propone “un diálogo paciente entre naturaleza y espíritu”, han explicado. Cada mural “evoca motivos florales que, en su origen, adornaban templos budistas y servían como ejercicio de introspección”. Además, un panel en euskera y castellano explica el sentido de la obra.

El mural carga un mensaje histórico, de conmemoración y reparación del pasado. “No se trata de una decoración ornamental. El mural es un puente simbólico hacia Hiroshima y Nagasaki, ciudades hermanadas con Gernika por una biografía común de destrucción aérea y reconstrucción moral”, ha precisado el Ayuntamiento. En palabras del alcalde, José María Gorroño, el objetivo es “estrechar lazos entre ciudades que, pese al sufrimiento vivido, buscan un futuro de paz”. “Este mural, que combina estética, pedagogía y memoria, es también un mensaje humano”, ha subrayado.

Cosas de los tiempos, en el barrio obrero por excelencia de Vitoria, Zaramaga, levantado en el franquismo para acoger a trabajadores de Burgos, Galicia, Extremadura y otros lugares de empleados en las nuevas industrias, los tradicionales ladrillos rojos vistos están dejando paso en algunos bloques a envolventes más eficientes desde el punto de vista energético. Y una de esas obras, la del 28 de la calle de los Reyes de Navarra, ha tapado un gran mural de homenaje a los sucesos que el 3 de marzo de 1976 se produjeron allí mismo, en la iglesia de San Francisco de Asís de la plaza de enfrente. Se instaló no hace tanto, en 2013, pero era ya un punto obligado en la ruta memorialística y, en puertas del quincuagésimo aniversario, que llegará en 2026, la ciudad no quería perderlo. Así las cosas, un par de calles más allá, en el corazón de Zaramaga, un taller acoge las labores de reproducción precisa -e incluso mejorada- de aquella obra de nueve pisos de alto y un par de locales comerciales de ancho. 210 metros cuadrados en total, la mitad de la cancha del Baskonia.

Aquel 3 de marzo de 1976 es una seña de identidad en Vitoria en general, pero en Zaramaga en particular. Apenas tres meses y unos días después de la muerte de Francisco Franco, la Policía Armada todavía perfectamente dictatorial, los 'grises', disolvió a tiros una asamblea de huelguistas que tenía lugar en el templo. Mató a cinco personas, hirió a decenas más y causó protestas en Euskadi, en España e incluso en Italia que dejaron todavía más fallecidos y reprimidos.

“Zaramaga no existe sin el 3 de marzo. Es la historia que sigue sin cerrarse. Es impensable no tener allí el mural”, señala Verónica Werkmeister, pintora nacida en Los Ángeles y responsable del programa de muralismo de Vitoria desde hace años. Ella y su compañero Javier Hernández Landazabal, sin temor a mostrarse ante las cámaras manchados de pintura de arriba abajo, han abierto esta semana las puertas de su 'oficina' a los medios de comunicación y a una representación municipal encabezada por la edil Miren Fernández de Landa para dar conocer los avances del nuevo mural dos meses después del inicio de los trabajos. Como novedad, se está haciendo sobre tela, en varias piezas, de modo que el montaje será más sencillo sobre la nueva fachada de cerámica del edificio reformado. “Como un puzle”, bromean.

La nueva técnica permite un mayor nivel de detalle, explican. “Estamos pintando a 15 centímetros. En un mural en un andamio tampoco puedes deleitarte en los detalles. Tenemos el lujo del tiempo”, cuenta Werckmeister. La posibilidad de hacer una segunda versión permitirá igualmente introducir algunos ligeros cambios respecto al diseño original. Por ejemplo, la visión desde de una ventana del barrio de los 'grises' “preparándose para dar palos” que, mientras se produce la visita, Hernández Landazabal pinta con tiento, como se llama el instrumento renacentista en el que se apoya. O la introducción del monolito que ahora existe como conmemoración permanente. No faltará, claro, esa icónica imagen de las letras de la palabra 'Justicia' escritas en color rojo con sangre, una por baldosa. Los Seat aparcados junto al lugar de los hechos en aquella jornada también están ya recreados con mimo.

El mural está siendo un trabajo colaborativo. Una treintena de personas ha participado. “Es un trabajo codo a codo. Nos hacemos amigos, tomamos un café, charlamos, ponemos música, se nos cae la pintura y nos reímos. Es una experiencia colaborativa de barrio”, señala la artista. Pero muchos “se emocionan” también al hacerlo. Y otros llevan de acompañantes a sus mayores, testigos de los hechos. En estos momentos surgen nuevas historias y recuerdos. Las instituciones trabajan ya en la reforma del templo para que acoja al final el prometido memorial, que aglutinará todas esas teselas del gran mosaico que fue el 3 de marzo de 1976. Eso sí, todavía está pendiente el traslado de la colección de belenes del Obispado, que precisa de una nueva ubicación. La edil Fernández de Landa sostiene que, de cara a ese aniversario redondo, “el nuevo mural lucirá ya en todo su esplendor”. “No hay presente ni futuro sin memoria”, sentencia.

Para esa fecha, a falta de sentencias condenatorias para los autores materiales o de responsabilidades políticas para los cargos de la Transición, la Fiscalía prepara un informe para establecer una suerte de “declaración de hechos” de lo ocurrido en 1976. No será un fallo ni tendrá carácter “punitivo”, pero sí es una posibilidad que ofrece la normativa para este tipo de sucesos. En la Cadena Ser, la fiscal-jefe de Álava, Carmen Cotelo, indicó que acumulan ya “2.000 folios de documentación”. Quedan siete meses para esa fecha.

Final feliz para el mural de Miguel Brayda en Puerta del Ángel. El Ayuntamiento de Madrid va a incluir la pintura del edificio del Montacargas, obra del artista madrileño, en el Catálogo de Bienes y Espacios Protegidos, según ha informado la vicealcaldesa y alcaldesa en funciones, Inma Sanz en la Junta de Gobierno de este jueves. Para ello, el Consistorio ha suspendido la licencia de obra para los actos de uso del suelo, de construcción y edificación y de ejecución de actividades que conlleven alteración de la fachada principal de este inmueble ubicado en el número 19 de la calle de Antillón, en el distrito de Latina.

Esta decisión ha sido adoptda después de que el Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid recibieran la denuncia de la asociación Madrid Ciudadanía y Patrimonio (MCyP) ante la posible desaparición de la obra del escenógrafo tras la colocación de un andamiaje, por parte del propietario del edificio, para reparar los problemas que presentaba la fachada. El inmueble contaba con un acta desfavorable de Inspección Técnica de Edificios del 18 de diciembre de 2023 y con un informe técnico de la Junta de Distrito de Latina del 30 de mayo de 2024 en el que se detectaban deficiencias en los revestimientos. En ambos documentos municipales se instaba a su subsanación sin modificación del estado de la pintura de la fachada.

La Subdirección General de Patrimonio Histórico de la Dirección General de Patrimonio Cultural de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid solicitó a principios de julio la protección de la pintura al Ayuntamiento, ya que expertos determinaron que el mural no cumple los requisitos para ser declarado Bien de Interés Cultural (BIC), ni alcanza la relevancia necesaria para ser reconocido como Bien de Interés Patrimonial (BIP). En un informe remitido al Ayuntamiento de Madrid, el organismo regional señala que, en la actualidad, el edificio no tiene protección patrimonial ni urbanística y que, aunque no cumple con los criterios para ser Bien de Interés Cultural ni Patrimonial, el mural presenta interés artístico y cultural por su autoría, simbolismo y valor comunitario.

El edificio no está catalogado, por lo que requiere que el Gobierno municipal adopte las cautelas previstas legalmente para evitar que, durante la preparación del documento para la aprobación de su protección, se puedan producir actuaciones que pudieran acabar de forma irreversible con el mural. Por ello, se ha procedido a la suspensión de las obras, aunque el propietario sí podrá operar en el resto de la construcción, siempre que no se afecte a la fachada. El pasado 18 de julio, el Área de Urbanismo, Medio Ambiente y Movilidad, que dirige Borja Carabante, dictó una resolución para la formación y tramitación de un expediente de planeamiento que tiene por objeto la protección de la pintura que Brayda plasmó en este teatro de Puerta del Ángel en 1994.

La finca de tres plantas que aloja el local de actividades el Nuevo Montacargas fue desde su construcción, en 1950, una fábrica de caramelos, que se adaptó como sala de teatro independiente El Montacargas en 1993. Fue entonces cuando Brayda, un escenógrafo de reconocido prestigio, pinta el mural con escenas de corte oníricas de decoración vegetal y animal en su fachada. La sala se convirtió en referente cultural del barrio, pero echó el cierre en 2020. En 2023, reabrió convertida en el establecimiento actual.

Miguel Brayda (1961-2016) fue un artista conocido por su creatividad y manejo del dibujo, el color y la experimentación con técnicas y soportes diversos, desde la pintura mural y el grafiti hasta el diseño de vestuario y escenografías para teatro, danza, circo y música. Recibió el Premio Nacional de Escenografía en 1997. Entre sus trabajos más destacados, se encuentran las pinturas murales de un techo de la sede de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE).

El legado artístico y cultural de Miguel Brayda es inmenso. Puede que alguna vez te hayas topado con una de sus obras sin saberlo o que esa fachada de tu calle en la que te fijas desde hace años al pasar sea una de sus creaciones. Posiblemente una de las más reconocibles es el mural del Montacargas, llamativo por sus colores y el contraste con los edificios que lo rodean. Se encuentra en Puerta del Ángel, en el número 19 de la calle Antillón, y para muchos de sus vecinos es todo un símbolo identificativo del barrio.

Laura, hija del artista Miguel Brayda, era un bebé cuando su padre pintó este mural en 1994. No recuerda nada de aquella época por razones obvias, pero tiene grabada a fuego la ilusión que suponía para ella y sus hermanos encontrarse cada vez que paseaban por su barrio con la obra que su padre había pintado. Ahora ya no vive en Puerta del Ángel y no lo ve con tanta frecuencia, pero es uno de esos lugares a los que todavía puede acudir para recordar a su padre, que falleció en 2016 con tan solo 54 años. Su padre fue un artista prolífico, que llevó su arte a lugares tan emblemáticos como el Circo Price o el Palacio de Longoria, donde pintó los frescos del techo.

Admirar la fachada del Montacargas y pasear por Puerta del Ángel es como revivir su infancia, durante la que vivió en La Nave, un edificio del barrio conocido por hospedar a artistas. Sin embargo, puede que ese mural al que Laura acude para recordar a su padre deje de existir. A finales de junio, la familia de Brayda recibió la noticia de que el mural del Montacargas corría peligro: “Nos avisaron de que iban a hacer obras en el edificio y tenían que pintar la fachada”. A Laura se le encogió el corazón al pensar que esa parte de su padre podría desaparecer.

Hace ya unos años, poco después de la pandemia, los nuevos responsables del espacio, Nieves Villar y Diego Quejido, se pusieron en contacto con ella y sus hermanos, también artistas de formación. Les transmitieron su interés por mantener el mural que su padre había pintado hace más de tres décadas, considerándolo un símbolo importante tanto del edificio como del propio barrio.En aquel primer contacto, les propusieron la posibilidad de restaurarlo, ya que la pintura estaba visiblemente deteriorada por el paso del tiempo. Aunque la conversación no avanzó en ese momento, sí sentaron las bases para una futura restauración.

El pasado mes de junio, unas semanas antes de que se hiciera pública la amenaza de repintado, el equipo volvió a escribirles. Les informaron de que la fachada requería algunas reparaciones y que, una vez completadas, podrían valorar restaurar el mural. La idea era tapar algunas grietas o imperfecciones inevitables por las obras y después recuperar el color y la vitalidad originales de la pintura. Laura y sus hermanos aceptaron encantados y quedaron a la espera de nuevas noticias.

Pero la situación cambió de forma repentina: “La fachada iba a ser pintada íntegramente de blanco al día siguiente”. El andamio ya estaba colocado y la propiedad no había avisado con antelación de esta destrucción inminente. Para Laura y sus hermanos fue un golpe inesperado, que además se produce en vísperas del noveno aniversario de la muerte de su padre. Para ella y su familia, “no es solo un mural, es su memoria viva en el barrio”.

Según explica a este periódico Nieves Villar, socia fundadora del Nuevo Montacargas, desconocen “qué intenciones tiene el propietario y qué tiene que arreglar después de recibir el informe técnico del arquitecto que llevó a cabo a la inspección del edificio”. Villar señala que todo apunta a que ese informe resultó desfavorable y “ahora queda ver y esperar que las zonas que necesitan reparación sean solamente puntuales”. Laura reconoce que ver desaparecer las huellas físicas de su padre —como el mural— es sentir cómo su presencia se desvanece poco a poco.

Proteger su obra para preservar su memoria

Sobre el proceso de protección institucional, Laura lamenta que, hasta ahora, ni el Ayuntamiento ni la Comunidad de Madrid se hayan puesto en contacto con ellos. Aunque la Comunidad sí actuó paralizando la obra de repintado, no han recibido ninguna propuesta oficial del Consistorio para proteger el mural o incluirlo en el catálogo de bienes y espacios protegidos. De hecho, fue gracias a la movilización de la Asociación Madrid Ciudadanía y Patrimonio y de personas como Nieves que la familia se enteró de lo que estaba ocurriendo. Ella misma ha sido su principal enlace con lo que está sucediendo. Somos Madrid se ha puesto en contacto con el Ayuntamiento y el área de Urbanismo para conocer sus planes sobre el mural, sin obtener respuesta.

Laura admite que hasta ahora no se les había ocurrido mover nada por iniciativa propia para proteger la obra. Para ellos tiene un valor emocional inmenso, pero no saben si ese valor era compartido por el resto de madrileños. Sin embargo, tras compartir en redes sociales lo que estaba pasando, recibieron una avalancha de mensajes de vecinos que reconocían la obra y expresaban su cariño por ella, muchos sin saber que era obra de su padre.

Cuando falleció Miguel Brayda, Laura y sus hermanos se encontraron de pronto con la difícil tarea de gestionar todo el legado artístico que él había dejado atrás. Pintor incansable, Miguel acumuló una enorme cantidad de obras, muchas de las cuales jamás expuso ni movió de su taller, simplemente porque encontraba más satisfacción en pintar que en promocionar su obra.

Aunque tuvo una etapa activa de exposiciones, sus últimos años estuvieron dedicados sobre todo al diseño escenográfico, especialmente en el Circo Price. Su carrera, muy ligada a la vida cultural de Madrid, fue extensa, pero poco mediática. Después de su muerte, su familia quedó algo colapsada ante la magnitud del trabajo pendiente y la falta de herramientas para proteger y preservar su obra. Laura confiesa que, durante años, sintió una mezcla de culpa y dolor por no saber cómo actuar, por no conocer los recursos disponibles para poner en valor su legado. Cuando estalló la noticia del Montacargas volvió a surgir esa sensación de impotencia. “Por un lado, sentía que no tenía derecho a protestar, pero es imposible no reaccionar ante la idea de que la obra de mi padre desaparezca”, cuenta.

De producirse, la inclusión de la fachada en el catálogo de bienes y espacios protegidos supondría un compromiso por parte del Gobierno municipal con la preservación del inmueble que frenaría la destrucción del mural y, además, evitaría que vuelva a correr peligro. Por su parte, Laura espera que el conflicto pueda solucionarse de la mejor manera posible para poder seguir preservando el legado de su padre, que vive en la mirada de quienes pasan a diario por la calle Antillón y reconocen, en esa fachada, parte de su historia compartida.

Buenas noticias para el mural del teatro El Montacargas. La emblemática pintura que adorna la fachada del número 19 de la calle Antillón podrá salvarse de su inminente desaparición. Después de la denuncia presentada por una asociación en defensa del patrimonio, la Comunidad de Madrid ha paralizado la obra que amenazaba con repintar la fachada en la que se encuentra actualmente el mural.

Según avanzan fuentes de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte a este periódico, el Gobierno regional ha solicitado al Ayuntamiento de la capital que incluya la obra en su Catálogo de Bienes y Espacios Protegidos. Esta petición busca garantizar la conservación del mural creado en 1994 por el pintor y escenógrafo Miguel Brayda, fallecido en 2016 y figura clave del arte madrileño contemporáneo.

La intervención prevista por la propiedad del edificio, que contemplaba el repintado de toda la fachada, sorprendió a los vecinos del barrio, que rápidamente alertaron a entidades dedicadas a la preservación patrimonial. La asociación Madrid Ciudadanía y Patrimonio (MCyP) denunció públicamente el riesgo de destrucción del mural y reclamó la paralización inmediata de las obras. Según el colectivo, el mural no solo posee un innegable valor estético, sino también un profundo arraigo simbólico en el barrio de Puerta del Ángel, donde se ha consolidado como una seña de identidad.

Después de recibir estas denuncias, la Dirección General de Patrimonio Cultural y Oficina del Español de la Comunidad de Madrid llevó a cabo una inspección técnica el pasado 7 de julio. Los expertos determinaron que el mural no cumple los requisitos para ser declarado Bien de Interés Cultural (BIC), ni alcanza la relevancia necesaria para ser reconocido como Bien de Interés Patrimonial (BIP). Sin embargo, en su informe destacan que la obra sí presenta valores “con un cierto interés artístico o cultural”.

En base a esa conclusión, la Comunidad ha dado un paso más, solicitando por escrito al Ayuntamiento de Madrid que intervenga para proteger el mural a nivel municipal. En concreto, pide su inclusión en el catálogo de bienes y espacios protegidos, lo que impediría cualquier actuación sobre la fachada que no respete la integridad de la obra. De aceptarse esta propuesta, el mural quedaría blindado frente a posibles modificaciones o repintados por parte de la propiedad del inmueble.

El mural, pintado por Miguel Brayda hace más de tres décadas es considerado un símbolo del renacimiento cultural de esta zona del distrito de Latina. El edificio, una antigua fábrica de dulces, fue transformado en espacio escénico con el impulso de artistas locales, y la pintura de la fachada selló ese cambio, dando un nuevo símbolo de referencia al barrio de Puerta del Ángel. Desde la asociación denunciante insisten en que, aunque el mural no esté reconocido por ahora como bien patrimonial en el marco autonómico, su valor reside precisamente en su dimensión comunitaria y en el papel que ha desempeñado durante más de 30 años como referencia cultural del barrio.

El caso recuerda al reciente rescate del graffiti del artista Muelle en la Cava Alta, también amenazado por una obra y que fue finalmente protegido tras la actuación del gobierno regional. Sin embargo, desde la Consejería de Cultura aseguran que el mural del Montacargas “no presenta valores para su protección como Bien de Interés Cultural ni posee una especial significación histórica o artística para ser protegida como Bien de Interés Patrimonial”.

La inclusión de la fachada en el catálogo de bienes y espacios protegidos supone un compromiso por parte del Gobierno municipal con la preservación del inmueble que frenaría la destrucción del mural y, además, evitaría que vuelva a correr peligro. Por su parte, el Ayuntamiento de Madrid aún no se ha pronunciado al respecto y no ha confirmado si atenderá la solicitud de la Comunidad.