Los festivales de cine se parecen a la persona que tienen detrás dirigiéndolos. Se nota en Cannes, donde la verborrea incontenida de Thierry Frémaux marca el tono desde hace años. O en San Sebastián, donde la honestidad de José Luis Rebordinos afecta a cómo se enfrenta de forma frontal cada vez que hay una polémica. Eso se ha notado siempre por cualquier certamen que dirigiera José Luis Cienfuegos, el director de Seminci que fallecía este martes por un aneurisma. Gijón, Sevilla, y ahora Valladolid, habían quedado marcados por el ‘sello Cienfuegos’. 

Un sello que muchos quisieron imitar sin éxito. Era su marca. Un estilo propio que hizo que revolucionara cualquier festival que tocaba con su varita desde hace casi tres décadas. Primero fue Gijón. Cienfuegos convirtió aquel pequeño festival de la ciudad asturiana en un sitio al que había que ir. Donde se descubrían nuevos cineastas. Donde se apostaba por nuevas miradas y que era un lugar de encuentro entre directores, prensa, espectadores y cinéfilos. Fueron 16 años que colocaron al FICX en referencia.

Su marcha a Sevilla fue un chute de energía para la ciudad andaluza, que de repente se encontró con un certamen moderno, divertido, fresco y donde, de nuevo, todos querían ir. Allí estuvo otros 11 años, sacando adelante una programación donde se dejaba la piel y donde no siempre tuvo todo a favor. La huella de Cienfuegos en Sevilla se notó más que nunca cuando en 2022 anunció su marcha. El terremoto provocado todavía se nota en aquel festival.

Ese sello se lo llevó a Seminci, uno de los festivales más importantes de España que desde hacía años vivía en el estancamiento. Costaba que fueran los cineastas, que la prensa pusiera el ojo, y Cienfuegos volvió a demostrar que festival donde ponía su saber hacer, festival que vivía una revolución. Lo hizo, además, en el peor contexto político posible, con la llegada de Vox a la cartera de Cultura, y el polémico cambio por el que Seminci pasó a depender de Turismo para evitar el choque. Aun así, logró esquivar la tormenta política.

Cienfuegos creía en el poder revolucionario del cine, y creía que un festival podía transformar la ciudad. Que no era una cuestión de ir a las salas una semana al año, sino que hubiera una simbiosis constante, que el certamen fuera parte de la identidad de la ciudad. En Seminci se encontró un público que eso siempre ha tenido el festival presente, y simplemente les dio lo que les faltaba: modernizó su imagen, incluso el mítico logo de los labios que con su llegada se convirtieron en unos modernos, de líneas finas.

La clave de su éxito era que entendía el ADN de cada festival, y mantenía su esencia. No los traicionaba, pero traía un aire nuevo. Los festivales se convertían con él en lugares amables, divertidos, donde los semanistas, esos que homenajeó en su última inauguración de Seminci; donde las señoras de la sesión Vermut del Calderón, convivían con un público joven que él lograba atraer a las salas. En sus festivales había películas, pero también había fiesta, música y diversión. La charla cinéfila se alargaba hasta por la noche. Era una fiesta democrática, sin élites. La gente de la ciudad podía acudir a los locales donde sabía que podía encontrarse con los responsables de las películas que acababan de ver. 

Y él siempre presente. Con su sonrisa y su risa contagiosa. Sus ganas de hablar a pesar de las prisas. Los polos de Fred Perry, seña de vestuario tan característica de un director que, por encima de todo, era un cinéfilo empedernido. Porque no era una cuestión simplemente de hacerse el moderno. De nada valía eso si en la base de todo no había una apuesta por el cine. Un cine que ensanchaba los límites, que era político y poético. Artístico, arriesgado, pero contándolo desde la diversión, desde el disfrute, nunca desde una atalaya de superioridad moral. Solo hay que ver las últimas ediciones que programó de Seminci, donde cabía Lav Díaz y el estreno de Hamnet. Donde el cine español más radical dejó de estar condenado a las secciones paralelas para entrar a competir por los premios más importantes. 

Era él quien lograba que todos quisieran acompañarle en cada aventura que emprendía. Su trato cercano, el cómo cuidaba cada título y a cada director hizo que los productores y los exhibidores quisieran ir a los festivales que el dirigía. Daba igual que fuera el Giraldillo de Oro que la Espiga de Oro, la idea era ir al festival de Cienfuegos. Igual que la prensa sabía que allí donde estuviera él la programación iba a estar cuidada con mimo.

La revolución que le metió a Seminci se notó en esta última edición. La 70. Una edición que homenajeaba al pasado mirando al futuro. Que era consciente de sus señas identitarias, pero que no se resignaba a poder ser moderna. Así era cómo él veía los festivales y ese es el legado que ha dejado en Valladolid y en todos los certámenes que le tuvieron detrás. Muchos intentarán imitar el sello de Cienfuegos, y ojalá esa alma que él instauraba se mantenga en forma de legado que honre al hombre que revolucionó el panorama de los festivales de cine en España.

Sevilla se prepara para latir al ritmo del mejor cine europeo. Del 7 al 15 de noviembre, la capital andaluza acogerá la 22 edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla, que reunirá a más de 350 figuras del panorama cinematográfico internacional entre directores, intérpretes, guionistas o productores. Durante nueve días, la ciudad se transformará en un vibrante punto de encuentro para la creación, la industria y el talento, un espacio donde las miradas se cruzan y las historias dialogan. Con una programación que celebra la emoción y el poder transformador del cine a través de 192 títulos y homenajes a grandes maestros, Sevilla volverá a brillar como capital cultural de Europa.

La gala inaugural, que tendrá lugar mañana viernes en el Cartuja Center CITE, abrirá oficialmente el certamen con el estreno en España de ‘The Last Viking’, la nueva y esperada película escrita y dirigida por el danés Anders Thomas Jensen, que vuelve a contar con Mads Mikkelsen como protagonista, como ya lo hizo en 'Jinetes de la justicia’ o ‘Luces parpadeantes’. Esta vez, en el papel delirante de un hombre que sufre un trastorno mental que le ha hecho olvidar todo y pensar que es John Lennon. Con esta proyección, el festival abre su sección oficial reafirmando su apuesta por un cine que combina potencia visual y profundidad emocional.

Durante la ceremonia se hará entrega además del Giraldillo de Honor al cineasta Alberto Rodríguez en reconocimiento a una trayectoria que ha contribuido a consolidar la identidad del nuevo cine español desde obras como ‘La isla mínima’, ‘Grupo 7’ o ‘Modelo 77’ y ha sabido mostrar como nadie las mil caras de Sevilla y entender el poder del cine como ventana a otros mundos. El director sevillano recibirá el galardón en su tierra en una gala que promete emoción y música en directo, y que contará con Alfonso Sánchez y Alberto López (Los Compadres) como maestros de ceremonias, acompañados por la Banda Sinfónica Municipal de Sevilla. La nota musical correrá a cargo de Quentin Gas junto a la Escolanía de Tomares, que abrirán con ‘Ederlezi’, tema de la banda sonora de ‘Les Temps des Gitans’; Robin Torres, que interpretará la mítica música de ‘Cinema Paradiso’; y el carismático artista Falete, que cerrará la noche con una versión del clásico ‘Ne me quitte pas’.

La delegada de Turismo y Cultura, Angie Moreno ha destacado que “el Festival de Cine Europeo de Sevilla es una de las grandes citas culturales de nuestra ciudad y un reflejo de su vocación internacional. Durante estos días, Sevilla se convierte en un auténtico escenario para la creación, el diálogo y el talento, acogiendo a más de 350 figuras del cine europeo y mundial”.

Asimismo, Angie Moreno ha señalado que “desde el Ayuntamiento seguimos apostando por la cultura como motor de desarrollo, cohesión y proyección exterior. Este festival no solo acerca el mejor cine europeo a nuestro público, sino que también impulsa a Sevilla como punto de encuentro entre la industria, los creadores y el público”.

“La edición de este año celebra la emoción y el poder transformador del cine, con 192 títulos que invitan a mirar el mundo desde distintas perspectivas. Es un orgullo que Sevilla vuelva a brillar como capital cultural de Europa y que nombres como Juliette Binoche, Costa-Gavras, Jim Sheridan o Alberto Rodríguez formen parte de esta gran celebración del cine y del talento”, ha concluido la edil de Turismo y Cultura.

“Sevilla y el Festival están preparados para convertirse en el gran punto de encuentro del cine europeo durante los próximos días. Un espacio de diálogo entre el público y los cineastas, pero también entre los propios creadores. Esa unión entre industria, cine y ciudad es la verdadera esencia del Festival de Cine Europeo de Sevilla”, ha señalado su director, Manuel Cristóbal. “El cine le gusta a todo el mundo y nosotros debemos gustarle a todo el mundo: eso significa acoger títulos diversos y hacerlo sin complejos. Además, queremos que el certamen se sienta en toda la ciudad, más allá de las salas y sedes oficiales. Sevilla entera va a respirar cine”, ha subrayado.

Un jurado internacional para una edición de altura

El jurado de la Sección Oficial estará presidido por la prestigiosa productora y académica británica Lynda Myles, quien fuera directora del Festival de Edimburgo y productora de títulos icónicos como ‘The Commitments’, ‘The Snapper’ y ‘The Van’. Junto a ella, integran el jurado la experta en marketing cinematográfico y miembro de la Academia de Hollywood Bonnie Voland, fundadora de B. Voland International y antigua responsable de comunicación en Disney y AGC Studios; el cineasta y storyboard artist John Coven, colaborador habitual de Steven Spielberg, Tim Burton o Jon Favreau, con créditos en ‘The Lion King’, ‘Logan’ o ‘Jurassic World’; el programador y responsable de mk2 España Nacho Martínez-Useros, figura clave en la exhibición del cine de autor contemporáneo en nuestro país; y la directora y productora andaluza Laura Hojman, autora de documentales como ‘A las mujeres de España. María Lejárraga’ o ‘Un hombre libre’, reconocida por su mirada poética para narrar la memoria literaria de España.

Los jurados de las distintas secciones del certamen completan un mosaico de profesionales procedentes de diferentes ámbitos del audiovisual. El jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes estará integrado por el responsable del festival de cine de Clermont-Ferrand, Eric Roux; el director Nick Kremm y la actriz Carmen Canivel. En el de la sección Embrujo estarán  Jordi Xifra Triadú, catedrático de la Universidad Pompeu Fabra, el director y guionista Jorge Naranjo y la actriz Silvia Acosta. En Rampa, Odile Antonio-Baez, productora y analista de guion de la compañía Pecado Films; Pablo García Casado, director de la Filmoteca de Andalucía, y el responsable de la Cantabria Film Commission, Víctor Lamadrid. El Premio Puerta América lo decidirán el gestor audiovisual Nacho Carballo y Javier Fernández Díaz, responsable del área de Cultura del Instituto Cervantes en Tokio. El de Panorama Andaluz, la productora Marta de Santa Ana, el cineasta Xosé Zapata Pérez y el guionista Pedro Álvarez Molina. 

Invitados y presencias internacionales

El festival contará con una importante representación de autores del cine europeo actual. Representantes de películas avaladas por prestigiosos festivales internacionales de cine y reconocidos cineastas se darán cita en la Sección Oficial: Daniel Vidal Toche (‘La anatomía de los caballos’), Georgi M. Unkovski (‘Dj Ahmet’), Cherien Dabis (dirige, escribe y protagoniza ‘All that's left of you’), Mario Martone (‘Fuori’), Robin Campillo (‘Enzo’), Cédric Klapisch (‘Los colores del tiempo’) o Ulises Porra (‘Bajo el mismo sol’), cuyas películas competirán en la Sección Oficial. Además, estarán presentes Santiago Aguado y Reuben Atlas (‘Serás Farruquito’), así como el productor de ‘Islas’, Frank Ariza, cuyos trabajos se presentarán en esta misma sección fuera de competición. Junto a ellos, visitarán el festival algunos de sus protagonistas como es el caso de David Castillo (‘Bajo el mismo sol’), Nadia Melliti (‘La petite Darnière’), Manu Vega (‘Islas’) o el artista flamenco Farruquito.

La sección Embrujo traerá a la capital hispalense algunas de las voces más audaces del cine europeo, como Giovani Columbu (‘Balentes’), Sofía Petersen (‘Olivia’), Lucía Selva (‘Quién vio los templos caer’), Germinal Roaux (‘Cosmos’), Claire Simon (‘Writing Life – Annie Ernaux Through the Eyes of High School Students’), Sebastao Borges (‘Ouro e oasis’), Kopal Joshy (‘We are two abysses’), Jérôme Reybaud (‘Un balcon à Limoges’), Fabrice Aragno (‘Le lac’) y Namir Abdel Messeeh (‘Life after Siham’). Otra de las secciones clave a competición -Rampa- contará con la presencia de varios creadores que están renovando el lenguaje fílmico: Deni Pitsaev (‘Imago’), Alexandra Makarová (‘Perla’), Dania Reymond-Boughenou (‘Silent storms’), Raf Roosens (‘Comeback’), Akinola Davies (‘My father's shadow’), Carolina Cavalli (‘The kidnapping of Arabella’), Marc Ortiz (‘Els mals noms’), Hana Jušić (‘God will not help’), Marie-Elsa Sgualdo (‘Silent rebellion’) u Oscar Hudson (‘Straight circle’). A su vez, autores con nuevas miradas como Cristiano Bortone (‘Il mio posto è qui’) y Amélie Derlon Cordina (‘All the time’) acompañarán sus películas en la presentación dentro de la sección Alumbramiento.

Fuera de competición, Special Screenings reunirá en la capital hispalense a MASBEDO y la productora Beatrice Bordone Bulgari (‘Arsa’), Brais Revaldería (‘Fillos do Vento: A RAPA’), Samantha López Speranza (‘Todos los lados de la cama’), Enrique López Lavigne y Marta Medina (‘El último arrebato’), Carlos Larrazábal (‘Malecón’), Alfonso Sánchez (‘Pendaripen’), Pilar Távora (‘Gran redada gitana: historia de un genocidio’),  Luis Calderón (‘La casa en el árbol’), Remedios Malvarez y Arturo Andújar (‘Fandango’) o Javier Vila (‘Velintonia 3’), entre otros. 

A ellos se sumarán en distintos espacios y secciones cineastas nacionales de reconocido prestigio: Daniel Sánchez Arévalo (‘Rondallas’), Rafa Cobos (‘Golpes’), Santi Amodeo (‘El cielo de los animales’) o Sara Sálamo (‘En silencio’), así como grandes rostros de la pantalla como Bárbara Lennie, Antonio de la Torre, Manolo Solo, Julián Villagrán, Antonio Resines, Estefanía de los Santos, Jan Buxadeiras, Lucía Caraballo, María Esteve, David Castillo, Fernando Fraga, Judith Fernández o Laura Martín.

El Festival de Sevilla se consolida así como un espacio privilegiado de visibilidad para el cine europeo en todas sus vertientes: desde las producciones de grandes autores hasta las apuestas más arriesgadas del cine emergente. 

Homenajes y retrospectivas

Los homenajes de esta edición no solo celebran trayectorias, sino también modos de entender el cine como compromiso social y artístico. El festival dedica un espacio a la obra del realizador Costa-Gavras, cuya filmografía de más seis décadas —de ‘Z’ a ‘Desaparecido’— sigue siendo un referente de un cine valiente, humano y transformador. También a Juliette Binoche, intérprete versátil y luminosa que ha trabajado con algunos de los grandes autores de las últimas décadas, de Kieslowski a Haneke, y que recibirá el Giraldillo de Honor en reconocimiento a su trayectoria, además de presentar en Sevilla su debut como directora (‘In-I-Motion’). El homenaje al irlandés Jim Sheridan, autor de ‘En el nombre del padre’ o ‘Mi pie izquierdo’, ha retratado con una mirada profundamente humana los conflictos sociales de su país natal, Irlanda, con un estilo que combina emoción, rigor y ética.

Estas tres figuras, junto a Alberto Rodríguez, simbolizan la dimensión internacional del Festival de Sevilla, que desde su fundación ha apostado por tender puentes entre distintas cinematografías. Durante nueve días, Sevilla se convertirá en punto de encuentro, diálogo y descubrimiento entre público, cineastas y profesionales de la industria.

Actividades profesionales y paralelas

FRAME Sevilla, que se desarrollará del 10 al 14 de noviembre, reunirá asimismo a profesionales del sector audiovisual europeo en un foro de debate, formación y networking. Productores, programadores, distribuidores y responsables de instituciones culturales abordarán los retos de la industria en torno a la sostenibilidad, la inteligencia artificial y las nuevas formas de exhibición. Este espacio de encuentro reunirá a figuras clave del ámbito cinematográfico nacional e internacional, entre ellas la productora danesa Malene Blenkov (‘La Chica de la Aguja’), o la española Maria Luisa Gutiérrez (‘La infiltrada’); los guionistas Fernando Hernández Barral (‘Matusalén’), Araceli Álvarez de Sotomayor (‘La que se avecina’, ‘Sin gluten’) o Alberto ‘Albatros’ González (‘Cien años de soledad’); los directores Sergio Dow (‘La piel del tambor’), José Luis López Linares ('We the Hispanos. La raíz hispana de Estados Unidos'), Alejandro Martín (‘Te estoy amando locamente’) y Violeta Salama (‘Alegría’); así como Núria Palenzuela, directora de festivales y codirectora de marketing en la agencia de ventas internacional Indie Sales desde junio 2024.

Por su parte, el programa de Actividades Paralelas del festival ofrecerá un amplio abanico de masterclasses, charlas y presentaciones en las que participarán cineastas con obras a competición, además de reconocidos autores que compartirán su experiencia y trayectoria. Destacan la presencia de directores como Marc Ortiz, Reyes Gallegos, Georgi M. Unkovski, Loles López Montenegro (‘Las 3.000 celebran la vida’), Pablo Berger (‘Blancanieves’, ‘Robot Dreams’) o Hana Jušić; la compositora de bandas sonoras Elena Córdoba; los productores Mario López y Odile Antonio-Baez; la actriz, guionista y directora Cherien Dabis; y los escritores Diego Moldes, David James Poissant y Miguel Marías. Junto a ellos, Ron Dyens, productor de cine de animación francés y productor de la ganadora de un Oscar y un Globo de Oro, ‘Flow’, protagonizará la charla “Las siete vidas de una película: el productor como puente creativo”, donde abordará el papel del productor como figura clave que conecta la visión artística con la industria cinematográfica.

Todos ellos compartirán su experiencia con estudiantes, críticos y aficionados, en un ambiente que refuerza la vocación educativa y de diálogo del certamen.

El Festival de Cine Europeo de Sevilla (Seff) ha querido incluir este año en su programación paralela un ciclo que, bajo el rubro Rromavisión, quiere mostrar la diversidad de las miradas gitanas en el cine, cine sobre romaníes y hecho por romaníes de diversa procedencia que hasta el próximo 7 de noviembre desplegará en el auditorio Cicus y en varios centros cívicos municipales una variedad de temas capaz de trascender los estereotipos al uso.

Al frente de la iniciativa se encuentra Sami Mustafa, cineasta y fundador de Romawood, una organización internacional dedicada a la promoción del cine romaní contemporáneo que nació de la reunión de un reducido grupo de cineastas amateur en el Kosovo posterior a la desintegración de Yugoslavia. “Llevamos más de veinte años tendiendo puentes entre comunidades a través del cine y el arte”, afirma. “Lo que comenzó como un taller improvisado en tiempos de miedo se ha convertido en un compromiso a largo plazo con la narración, el diálogo cultural y la convicción de que el cine puede ayudar a que las personas se vean más allá de la política y los prejuicios”, explica el cineasta.

La consigna es clara: permitir que los romaníes cuenten sus propias historias y las muestren al mundo. Pero, ¿qué tienen esas películas que no se haya contado antes? “Las películas hechas por romaníes nos permiten sentir la vida desde dentro. Durante décadas, la mayoría de las películas sobre el pueblo romaní fueron realizadas por personas ajenas”, asegura Sami. “El cine comercial solía convertirnos en clichés: ladrones, místicos, nómadas o románticos marginales. El cine independiente, aunque a veces más empático, se centraba casi siempre en la pobreza o la miseria, transformando nuestras vidas en lecciones sociales. Ambos enfoques nos reducían a símbolos, no a personas”, añade.

Una forma de autodeterminación

Ello no significa que directores no romaníes hayan hecho buenas aproximaciones, “que muestran una profunda empatía y cuidado artístico hacia esta comunidad”. Pero, según el cineasta, cuando los romaníes se pusieron tras la cámara lograron expresarse “a través de los gestos cotidianos, del humor, de las contradicciones, del silencio”. “No son retratos colectivos de 'los gitanos', sino historias personales y humanas que hablan un lenguaje universal. La autorre­presentación sigue siendo esencial. Cuando los cineastas romaníes contamos nuestras propias historias, no solo ejercemos una forma de expresión artística, sino también de autodeterminación”, defiende el fundador de Romawood.

La selección del programa ha sido elaborada entre Sami Mustafa y Miquel Ángel Vargas, buscando crear diálogo entre la experiencia de los gitanos españoles y las narrativas europeas y globales que hoy moldean la vida romaní. “Cada película cuenta una historia diferente, que abarca experiencias de trauma, resistencia, empoderamiento e identidad. En conjunto, ofrecen un espejo a la sociedad española contemporánea y a su relación con los gitanos, al tiempo que dialogan con una crisis más amplia —europea y global— de pertenencia, guerra y desplazamiento. A la luz de lo que vemos hoy en lugares como Ucrania o Gaza, estas películas nos recuerdan cuán frágiles y esenciales son la dignidad humana y la solidaridad”, abunda el cineasta romaní.

En la difícil tarea de quedarse con un solo título, Mustafa elige The Deathless Woman, de Roz Mortimer, una docuficción que muestra a una figura espectral —una mujer romaní fantasmal— que recorre los lugares de genocidio y violencia en Europa del Este. “Lo que más me conmueve es cómo la película convierte el trauma histórico en algo a la vez poético e inquietante: un horror que no trata de monstruos, sino de la memoria misma”, comenta. Y agrega: “Nos obliga a no olvidar que la persecución del pueblo romaní no terminó con la guerra, sino que persiste en el racismo silencioso, las exclusiones y las persecuciones de hoy”.

Violencia antirromaní

También destaca en el programa Chaplin. Gypsy Spirit (2024), de Carmen Chaplin, una exploración íntima y poética de su herencia romaní a través del legado artístico de su abuelo, Charlie Chaplin, “entrelazando autobiografía, historia familiar y recuperación cultural, cuestionando la identidad y la transmisión de la memoria entre generaciones”. Desde el Reino Unido, Rokkerena (2017), de Damian Le Bas, combina literatura, performance y memoria de la opresión en un corto experimental que desafía las narrativas dominantes sobre la identidad romaní. “Su lenguaje visual es poderoso y subversivo, invitándonos a preguntarnos quién cuenta la historia y desde qué posición”, destaca.

De Hungría viene Genezis (2018), de Árpád Bogdán, entrelaza tres relatos de fe, pérdida y supervivencia basados en hechos reales. “Afronta con crudeza la violencia antirromaní, pero ofrece al mismo tiempo una reflexión profundamente humana sobre la resiliencia y la transformación”, apunta. Por su parte, Proud Rome (2022), de Pablo Vega, capta el pulso contemporáneo de la juventud gitana en España: un retrato fresco y afirmativo de la identidad y el orgullo que se aleja de los estereotipos; y Gypsy Queen (2019), de Hüseyin Tabak, narra la historia de Ali, una madre soltera y boxeadora en Hamburgo, cuya lucha se convierte en metáfora de la perseverancia y el renacimiento.

Mustafa comparece con su propia película, Trapped by Law (2015), que sigue a dos hermanos deportados de Alemania a Kosovo, donde deben reconstruir sus vidas en un lugar casi desconocido para, según el autor, abordar “cuestiones de pertenencia e injusticia, mostrando cómo las fronteras pueden desgarrar familias e identidades”.

Empatía y cercanía

Entre las obras más experimentales, destaca Karmenstein (2023), del artista visual sevillano Jero de los Santos, mezcla flamenco, material de archivo y narración personal para reflexionar sobre la memoria y las huellas de la cultura gitana en el imaginario colectivo. El propio De los Santos participa también en el ciclo con una serie de talleres impartidos en cuatro centros de la ciudad (un centro de primaria, un instituto de secundaria y una residencia universitaria) con amplia mayoría de alumnos romaníes, en los que “enseñamos herramientas muy básicas para poder hacer pequeños relatos audiovisuales de cinco minutos, donde ellos se conviertan en narradores”, explica.

“La verdad es que estamos muy contentos de celebrar por primera vez en el Seff un ciclo de este tipo, ya que en años anteriores hubo propuestas pero no llegaron a cuajar”, comenta. “Los directores gitanos estábamos aislados, llevábamos años intentando ver estas películas, pero era imposible acceder a lo que hacían otros compañeros”, lamenta.

“Cada una de estas películas, ya sean de directores romaníes o no, alcanza su fuerza cuando logra la intimidad con su tema”, concluye Sami Mustafa. Obras como Our School de Mona Nicoară, A Lua Platz de Matthias Zuder o Acasă, My Home de Radu Ciorniciuc, defiende, “demuestran cómo la empatía y la cercanía pueden trascender el origen, y permiten que el pueblo romaní recupere el relato y se muestre al mundo como lo que siempre ha sido: un conjunto de vidas complejas, bellas y profundamente humanas”.

Velintonia 3, el documental dirigido por el sevillano Javier Vila que revive el oasis de poesía y amistad que fue la casa del Nobel Vicente Aleixandre, continúa su recorrido por festivales con una cita de excepción: el Festival de Cine Europeo de Sevilla, uno de los certámenes más prestigiosos del cine del Viejo Continente (7–15 noviembre). Antes de su estreno comercial en salas españolas a finales de noviembre, la película vuelve mañana sábado a Málaga para proyectarse en el Centro Cultural Generación del 27 (19:00h, entrada libre hasta completar aforo), con la presencia de su director y el productor malagueño José Antonio Hergueta. 

El filme, escrito y dirigido por Javier Vila, reúne a los Premios Nacionales de Literatura Vicente Molina Foix, Guillermo Carnero o Antonio Colinas, últimos amigos del poeta, y a los actores Antonio de la Torre, Manolo Solo, Ana Fernández y Mona Martínez para reconstruir la memoria colectiva del que fuera punto de encuentro de la Generación del 27 y lugar de peregrinación para la literatura del siglo XX. 

Con su premiere mundial el pasado marzo en el Festival de Málaga, su preestreno en el ciclo La Academia Preestrena de la Academia de Cine y su paso por el Festival de Cine de Madrid-PNR, la película continúa ahora su recorrido con su participación en el Festival de Cine Europeo de Sevilla y en la IV Muestra Internacional de Cine Poético - Maldito Festival de Albacete, antes de su estreno comercial en Madrid, Barcelona, Sevilla y Málaga. 

El filme logra, tras cuarenta años de clausura y abandono, abrir nuevamente las puertas de Velintonia y reunir a los últimos poetas amigos del Nobel, hoy octogenarios —los novísimos Vicente Molina Foix, Guillermo Carnero, Marcos Ricardo Barnatán, Antonio Colinas y Jaime Siles— que, con sus recuerdos, y junto a las lecturas de los actores Antonio de la Torre, Ana Fernández, Mona Martínez y Manolo Solo de escritos y cartas del propio Aleixandre, Lorca, Neruda, Miguel Hernández o Carmen Conde, reconstruyen la historia coral de este lugar de peregrinación, pero también refugio e isla de libertad, para cuatro generaciones de escritores. 

Este ejercicio colectivo de recuperación de una memoria viva, a punto de desaparecer, encuentra en el documental un testimonio único que urgía ser contado. 

Producida por Surnames Narradores Transmedia y MLK Producciones, en coproducción con TVE y con la participación de RTVA, y el apoyo del Ministerio de Cultura a través del ICAA, la Junta de Andalucía, el Ayuntamiento de Sevilla y la Diputación de Málaga, la película tuvo su premier el pasado marzo en el Festival de Málaga y, tras su preestreno especial el pasado 25 de junio en el ciclo La Academia Preestrena de la Academia de Cine en Madrid y su paso por el Festival de Cine de Madrid, refuerza su recorrido por festivales de cine de prestigio antes de su llegada a las salas. 

El estreno en el Festival de Málaga situó a la película como una experiencia artística colectiva. Más que un simple testimonio fílmico, funciona como un dispositivo que convoca la memoria y devuelve a la casa de Vicente Aleixandre —silenciada durante cuarenta años— el espíritu de encuentro literario que la definió. 

Durante más de hora y media, el documental abre de par en par las puertas de Velintonia para reconstruir, con la palabra del poeta y de sus amigos, un oasis de amistad, concordia y creación que marcó la historia de nuestra literatura. Allí se leyeron por primera vez los Sonetos del amor oscuro de Lorca, se escucharon las voces de Miguel Hernández o Pablo Neruda, y germinó la “Academia de Brujas” de Carmen Conde, primera académica de la historia en España. Fue, además, refugio de jóvenes escritores en tiempos de dictadura: un espacio de libertad en medio de la represión. 

Con una sensibilidad alejada de toda nostalgia fácil, Velintonia 3 rescata del olvido la historia coral, íntima y literaria, de un lugar que fue santuario para varias generaciones de poetas. También recupera la vida y obra de un creador único que actuó como conector, amigo y mentor. Es un testimonio irrepetible de la literatura española, construido a partir de las voces de quienes lo habitaron siendo jóvenes y que hoy, en la vejez, lo evocan con lucidez. De ahí la urgencia de este filme, que como una cirugía emocional detiene el tiempo y salva del silencio lo que estaba a punto de desaparecer. 

La historia coral de la casa del Nobel, como metáfora de su propia vida, se recupera a través de los testimonios de Vicente Molina Foix, Guillermo Carnero, Marcos Ricardo Barnatán, Antonio Colinas, Jaime Siles, Javier Lostalé, Rosa Pereda y Dionisio Cañas —muchos de ellos reconocidos con los principales galardones de la poesía y las letras españolas—. A ellos se suman las lecturas dramatizadas de Antonio de la Torre, Ana Fernández, Manolo Solo y Mona Martínez, que devuelven voz y cuerpo a cartas, poemas y textos originales. 

El filme no solo rescata el pasado: también activa el presente. Una nueva generación de poetas —Raquel Lanseros, Juan Gallego Benot, María Alcantarilla, Izara Batres, Marina Casado, Andrés París o Laura Rodríguez— participa en la dimensión performativa del documental, resignificando el lugar desde una mirada contemporánea. La re-poetización del espacio se completa con las intervenciones de Llorenç Barber y Montserrat Palacios, que convierten la casa en un instrumento vivo, mientras el Cedro Libanés del jardín sigue en pie como símbolo de resistencia. 

Con guion y dirección de Javier Vila —responsable de montaje en títulos como Paraíso en llamas (nominado al Goya), La fabulosa Casablanca o Rota n’Roll, de la que también es guionista—, Velintonia 3 se erige en gesto de justicia poética: una película que devuelve a Aleixandre y a su legado el lugar que su país le había negado.

Rodada en Madrid, Málaga y Sevilla, y con música original de Isabel Royán, la película es una producción de Surnames Narradores Transmedia y MLK Producciones, en coproducción con TVE, con la participación de Canal Sur, el apoyo del ICAA (Ministerio de Cultura) y la Junta de Andalucía, y la colaboración del Ayuntamiento de Sevilla y la Diputación de Málaga. 

El XXII Festival de Cine Europeo de Sevilla otorgará su Giraldillo de Honor a la actriz y artista francesa Juliette Binoche, en reconocimiento a “las grandes figuras femeninas del cine a nivel mundial”. Además, esta edición del festival, que se celebrará del 7 al 15 de noviembre, contará con medio centenar en la programación, entre ellos, dos estrenos nacionales y 13 mundiales.

Así lo han anunciado el director del Festival, Manuel Cristóbal, y la delegada de Turismo y Cultura del Ayuntamiento de Sevilla, Angie Moreno, con la presencia de una nutrida representación de los cineastas protagonistas, durante la rueda de prensa de presentación del evento, a la que ha asistido Europa Press.

En declaraciones a esta agencia, Cristóbal ha explicado que Binoche era una “candidata clara” para recibir el galardón. Asimismo, ha destacado que la actriz es actualmente presidenta de la Academia de Cine Europeo, y que la entrega del premio coincidirá con un momento significativo, ya que el 18 de noviembre, se anunciarán las nominaciones de los premios del cine europeo en el Real Alcázar de Sevilla.

“Se han alineado muchos factores, pero sobre todo es una maravillosa oportunidad para rendir homenaje al talento de una de las grandes actrices de la historia”, ha subrayado el director.

El Festival de Cine Europeo de Sevilla es “un homenaje a la creatividad y a la diversidad”, ha destacado la delegada, toda vez que ha resaltado que “en esta edición, esa diversidad se expresa con un sello muy nuestro: el cine andaluz, que se convierte en uno de los grandes protagonistas”.

“Desde la Sección Oficial a Panorama Andaluz, pasando por Embrujo o Special Screenings, el acento andaluz se escucha con fuerza en cada proyección”, ha subrayado. En este contexto, ha hecho hincapié en que la cita “no solo nos abre ventanas al talento; nos conecta con Europa, con una mirada común que es a la vez íntima y universal”.

El cine andaluz atraviesa toda la programación acercando a distintos públicos, desde la ficción o desde el documental, historias andaluzas contadas desde su propia tierra. “Para el Festival de Sevilla es un compromiso y una alegría seguir dando visibilidad al cine andaluz, reflejando la riqueza de un cine que se atreve con todos los registros: desde la memoria y la identidad hasta el humor o la experimentación más radical. Esa pluralidad es su mejor carta de presentación”, ha dicho Cristóbal.

En la Sección Oficial a concurso del Festival, la productora gaditana Playa Chica presenta, en su estreno nacional tras pasar por Karlovy Vary, el largometraje 'La Anatomía de los Caballos', con dirección del peruano Daniel Vidal Toche y guion del propio director escrito junto a Ignacio Vuelta, también productor de esta historia.

Por primera vez, el cortometraje ocupa un lugar central en la programación del Festival al integrarse en la Sección Oficial. Este año competirán dos cortos andaluces en estreno mundial junto a otras producciones europeas: 'Hermanas', de Setefilla González y Javier Barbero, y 'Baile de Feria', de Bernabé Bulnes.

En paralelo, la Sección Embrujo acoge el estreno nacional de la ópera prima de la granadina Lucía Selva, 'Quién vio los templos caer', un documental híbrido coescrito con Joan López que reflexiona sobre las ruinas culturales de Granada, la saturación turística y la pérdida de identidad.

Ocho títulos andaluces integran los pases especiales del Festival, en concreto, siete documentales y un largo de ficción. En el ámbito documental, 'Fandango', de Remedios Malvárez y Arturo Andújar, es una road movie musical sobre el alma jonda de Huelva. 'Pendaripen', dirigido por Alfonso Sánchez con guion de Eva Montoya, también estará presente, así como 'Lorca en La Habana', de José Antonio Torres y Antonio Manuel, que explora el impacto mutuo entre el poeta y Cuba.

'Velintonia 3', de Javier Vila, con guion junto a Leticia Salvago, recupera la memoria de la casa de Vicente Aleixandre, mientras que 'Luis Gordillo. Manual de instrucciones', de Sema D'Acosta y Antonio García Jiménez, repasa la vida y obra del artista sevillano. 'El Gigante Mudo', de Francisco Campos, aborda la herencia española en México, y 'La muralla de los prisioneros', de José Luis Tirado, narra la construcción forzada de la Muralla del Estrecho tras la Guerra Civil.

Cierra la sección 'La casa en el árbol', único largo andaluz de ficción, dirigido y escrito por Luis Calderón, que tendrá su premiere en Sevilla.

Un total de cuatro largometrajes de ficción y diez documentales se presentarán en la sección Panorama Andaluz. Entre ellos figuran 'El cielo de los animales', escrita y dirigida por el sevillano Santi Amodeo; 'Tras el verano', de Yolanda Centeno; Rabioso, escrita y dirigida por Luís María Fernández; y 'La tierra de Amira', dirigida por Roberto Jiménez.

También se proyectarán 'En silencio', documental escrito y dirigido por Sara Sálamo; 'Una película de miedo', de Sergio Oksman; 'Ellas en la ciudad', ópera prima de Reyes Gallegos, con guion coescrito junto a Rafael Cobos; 'La marisma', dirigida y coescrita por Manu Trillo junto a Darío García García; y 'Antonio, el bailarín de España', de Paco Ortiz.

Completan la selección 'Tiempo entre olivos', documental de la jienense Fany de la Chica; 'Plaza Nueva a las diez', escrito y dirigido por Carmen Tortosa; 'No sea tu falta', dirigido por Moisés Salama y coescrito con Miguel Ángel Oeste; 'Los pinceles de la baronesa', de Julio Muñoz Gijón y Mauricio Angulo; y el documental biográfico 'Sueños flamencos', del sevillano Juanma Suárez.

Asimismo, el director de la cita ha anunciado que este año el Festival inaugura las Jornadas sobre Cine y Geopolítica, que se celebrarán entre el lunes 10 de noviembre y el jueves 13, en el Cartuja Center CITE. Estas jornadas son un espacio de análisis y crítica, desde una óptica cinematográfica, de los grandes desafíos que enfrentan el mundo, en general, y Europa, en particular.

La programación incluirá la proyección de cuatro películas, dos en competición y dos de la sección Esenciales: 'Z' de Costa-Gavras (10 de noviembre), a partir de la cual se debatirá sobre los ataques a la democracia y el orden internacional; y '¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú' de Stanley Kubrick (12 de noviembre), que abrirá un diálogo sobre la amenaza nuclear y el nuevo orden mundial.

Las Jornadas, dirigidas por Jorge Quindimil, catedrático de Derecho Internacional Público y Relaciones Internacionales de la Universidad de La Coruña, contará con profesionales y académicos, especialmente de la Universidad Pablo de Olavide, de la Universidad de Sevilla y de la Universidad CEU Fernando III de Sevilla.

The Last Viking', la esperada nueva película del danés Anders Thomas Jensen, protagonizada por Mads Mikkelsen, será la película que abrirá el 22º Festival de Cine Europeo de Sevilla. Alumno aventajado de Lars Von Trier y Thomas Vinterberg, ganador del Oscar en 2010 por el guion de En un mundo mejor y al Mejor Cortometraje en 1999 por Noche de elecciones, Anders Thomas Jensen es el ejemplo perfecto de eclosión de un talento emergente que hoy luce una extraordinaria carrera cinematográfica, según ha informado este jueves la organización.

En este sentido, el Festival de Sevilla busca también ser plataforma de las nuevas voces del cine europeo, programando esta inauguración para dialogar con la esencia del certamen: la apuesta decidida por las óperas primas y los cineastas prometedores que nutren su programación. Esa misma vocación de impulso a nuevas miradas se traslada también a FRAME Sevilla, marco de las actividades de industria y formación, con talleres como ‘Escribiendo en imágenes’ que impartirá Pablo Berger, cineasta español de proyección internacional, o el taller GUASA, un innovador laboratorio dedicado a la comedia y concebido para guionistas andaluces dirigido por el guionista Fernando Hernández Barral y tutorizado por el equipo de 'Sin gluten'. De este modo, el festival se reafirma como un espacio de descubrimiento, aprendizaje y proyección para las voces llamadas a marcar el futuro del cine europeo. 

Organizado por el Ayuntamiento de Sevilla, el 22º Festival de Cine Europeo de Sevilla abrirá este año su programación con el estreno nacional de 'The Last Viking', escrita y dirigida por Anders Thomas Jensen (mejor guion del Festival de Sevilla 2010 por En un mundo mejor de Susanne Bier), emblema del mejor cine de autor danés. Con 'The Last Viking', que llegará a la Sección Oficial del Festival de Sevilla tras las excelentes críticas cosechadas en Venecia y Toronto, y antes de su estreno comercial en España a principios de 2026, Anders Thomas Jensen culmina tres décadas de colaboración con el actor Mads Mikkelsen ('Otra ronda', 'La caza'…), esta vez en el papel delirante de un hombre que sufre un trastorno mental que le ha hecho olvidar todo y pensar que es John Lennon. La dupla Jensen-Mikkelsen vuelve a construir una comedia negra sobre la identidad, llena de giros impredecibles, de humor absurdo y personajes excéntricos, que sigue la trayectoria trazada entre su anterior 'Jinetes de la justicia' (2020) y su debut con la impresionante 'Luces parpadeantes' (2000).

La 22ª edición del Festival de Sevilla se define como una concentración de talentos emergentes. En todas sus secciones, el certamen acumula primeros y segundos largometrajes de autoras y autores cuyas obras son punta de lanza de un cine europeo dispuesto a romper o ampliar sus propios códigos con propuestas estimulantes.

Siguiendo con la Sección Oficial del festival, el certamen hispalense programa 'We Believe You', escrita y dirigida por Charlotte Devillers y Arnaud Dufeys, mejor ópera prima en la pasada Berlinale. Rodada en un solo escenario y con un argumento que se desarrolla casi en tiempo real, esta película de sutiles interpretaciones retrata la lucha de una madre por proteger a sus hijos del padre, en un sistema de justicia que pone el foco en ella. También competirá en la Sección Oficial 'Un anno di scuola', segundo largometraje de Laura Samani, tras la arrebatadora 'Pequeño cuerpo' (Discovery Prix en los Premios del Cine Europeo). Esta vez la cineasta se inspira en una novela de Giani Stuparich y, con guion de Elisa Dondi y la propia Samani, cuenta la historia de una joven sueca que recala en Trieste, Italia, donde entra a cursar formación profesional en una clase solo de chicos, convirtiéndose en el centro de atención. El coprotagonista, Giacomo Covi, se hizo con el premio al mejor actor en Venecia.

En la Sección Embrujo, que acogerá las voces más audaces, cautivadoras e innovadoras del cine europeo, podrá verse 'Dandelion’s Odyssey', coproducción francobelga de animación proyectada en Annecy y en la Semana de la Crítica de Cannes, en la que cuatro semillas de diente de león luchan por la supervivencia en un escenario de catástrofe posnuclear. Tras varios cortos premiados, la cineasta japonesa Momoko Seto debuta con este imaginativo y mesmerizante film sin diálogos que mezcla animación digital y fotografías reales para ofrecer un viaje de exploración, amistad, resiliencia y cine puro. También formará parte de esta sección la enigmática, sugerente y lynchiana 'Olivia', escrita, dirigida y montada por la joven cineasta argentina Sofía Petersen, sobre una joven que busca a su padre, desaparecido en la montaña; una sorprendente cinta rodada en 16 milímetros y con luz natural, en la mítica Tierra del Fuego, con un elenco integrado en su mayoría por actores locales no profesionales.

En la Sección Rampa, que reconoce la visión potente y singular de cineastas que están empezando su trayectoria, se darán cita un par de títulos limítrofes con el cine de género. Manuela Martelli y Ana Marija Veselčić recibieron el premio a la mejor interpretación en Locarno por 'God Will Not Help', un relato tenso y fascinante, con aires de western crepuscular, escrito y dirigido por la croata Hana Jušić. La cinta narra el periplo de una mujer chilena que llega a una localidad de pastores en la región adriática de Dalmacia, de donde era su marido, para darle sepultura, alterando así la vida de esta cerrada comunidad. Por su parte, 'Vitrival', escrita y dirigida por Noëlle Bastin y Baptiste Bogaert, supone una interesante mirada a una pequeña y tranquila población belga donde dos jóvenes policías locales se enfrentan a una ola de vandalismo y suicidios. Nominada al Tiger Award en Rotterdam, esta punzante y entrañable comedia naturalista que se sumerge con afán observacional en la vida rural.

También dentro de la sección Rampa coincidirán varios relatos parcialmente autobiográficos en los que el contexto político resulta crucial. 'My Father's Shadow', dirigida por Akinola Davies Jr. y coescrita por él mismo junto a Wale Davies (responsables también del corto 'Lizard' ganador de Sundance), ha sido la primera película nigeriana de la historia en competir en Cannes. Emocionante thriller social, sigue a un padre, al que da vida Ṣọpẹ́ Dìrísù ('Casa ajena', 'Gangs of London'), distanciado de sus hijos hasta la odisea que vivirán juntos a lo largo de un día en la convulsa Lagos de 1993. En 'Short Summer' la realizadora serbia Nastia Korkia, también coguionista junto a Mikhail Bushkov, explora sus recuerdos de infancia con el telón de fondo de la segunda guerra chechena. León del Futuro como mejor ópera prima en Venecia, la cinta es una obra melancólica, sensible y visualmente apabullante, sobre el tiempo detenido de la infancia y de la muerte. También lo personal es político en la autoficción georgiana Imago, de Déni Oumar Pitsaev, Premio French Touch del Jurado y del Oeil D’or en Cannes. Este fresco social en torno a las raíces, la memoria y el exilio se ambienta en el valle del Cáucaso, territorio para refugiados de guerra chechenos, para trascender el lenguaje documental convencional con su testimonio íntimo y orgánico.

Finalmente, la Sección Alumbramiento, destinada a películas al margen de los radares, acogerá la proyección de 'Renovation', una suerte de comedia romántica escrita y dirigida por la joven cineasta lituana Gabrielė Urbonaitė, en la que una joven se debate entre su novio y un obrero ucraniano con el que conecta de forma mucho más especial. Rodada en super 16 milímetros, la cinta le da la vuelta a los tópicos del género abordando, con ironía y luminosidad, los ecos de la guerra de Ucrania y los traumas de la generación post soviética. Por su parte, 'Sweetheart (Gioia mia)', primer largometraje escrito, dirigido y montado por Margherita Spampinato, llega a Sevilla tras alzarse con dos premios en Locarno. La trama muestra la relación entre un niño inquieto y una anciana gruñona que se ven obligados a pasar un verano juntos en Sicilia, un relato que explora la brecha intergeneracional y la necesidad de escucharnos en una sociedad obsesionada con hablar más alto y más rápido.

El Festival de Sevilla muestra, con estas incorporaciones en su programación, su apuesta transversal por cineastas que dan una vuelta de tuerca a los géneros y el lenguaje cinematográficos con un tono propio. Voces y miradas a descubrir que suponen la mejor encarnación del cine europeo, atrevido y atípico, capaces de generar entusiasmo por este arte con historias y personajes que exceden los márgenes de lo convencional y que, al mismo tiempo, son una síntesis o un inventario, profundamente humanista, de la cultura y los valores del continente.

El 22 Festival de Cine Europeo de Sevilla, que se celebrará del 7 al 15 de noviembre, rendirá homenaje al director franco-griego Costa-Gavras con el Giraldillo de Honor y volverá a acoger en la ciudad la lectura oficial de las nominaciones a los Premios de la Academia de Cine Europeo (EFA) 2025, prevista para el próximo 18 de noviembre en el Real Alcázar.

El festival, organizado por el Ayuntamiento de Sevilla a través del Área de Turismo y Cultura, ha presentado este martes en el Salón Colón del Consistorio la imagen de su 22ª edición, diseñada por el ilustrador sevillano José Luis Ágreda. La obra se inspira en los carteles tradicionales de las fiestas de primavera de Sevilla y en escenas de cine europeo, con la presencia del gato de la película de animación Flow.

Durante nueve días, Sevilla acogerá unas 180 películas, entre ellas algunas producciones de Cannes, Venecia, Toronto o Berlín, así como secciones dedicadas a cine emergente y cortometrajes europeos. La programación incluye además ciclos especiales, talleres, coloquios y proyecciones en recintos emblemáticos como el Cine Cervantes, Teatro Alameda, Cine Avenida, Odeón Plaza de Armas, MK2 Nervión Plaza y el Cartuja Center CITE.

El alcalde de Sevilla, José Luis Sanz, ha destacado que el festival “se ha convertido en uno de los grandes orgullos culturales de la ciudad” y proyecta la imagen de Sevilla “hacia Europa y hacia el mundo”. Por su parte, el director del festival, Manuel Cristóbal, ha señalado que Costa-Gavras será reconocido por su trayectoria de más de seis décadas y por su compromiso con un cine “valiente y transformador”.

Fellini, Wenders, Leone y el gato de Flow en la imagen de la 22ª edición

El artista sevillano José Luis Ágreda ha presentado durante el acto un tríptico de pósteres inspirados en los tradicionales carteles de las fiestas de primavera hispalenses de los años 30 de artistas como Gustavo Bacarisas, Francisco Hohenleiter de Castro o Juan Miguel Sánchez. Utilizando como parámetro estético el ya identificativo mosaico multicolor del Festival de Sevilla del diseñador Pedro Cabañas, Ágreda desarrolla los imaginarios creados por Federico Fellini, Wim Wenders y Sergio Leone.

El primer póster de la serie, y el que conferirá la imagen principal del Festival, evoca La Dolce Vita, con Anita Ekberg en su icónica escena de la romana Fontana de Trevi, llevada aquí al Patio de los Naranjos de la Catedral. En el segundo póster, Ágreda toma el fotograma del ángel subido en la Columna de la Victoria al inicio de la película El Cielo Sobre Berlín (Wim Wenders) y lo traslada a lo más alto de las Setas de la Plaza de la Encarnación. En el tercer cartel, el Clint Eastwood de Por un puñado de dólares –producción hispano italiana de Sergio Leone que lo lanzó a la fama– llega al casco histórico, montando esta vez un engalanado caballo camino de la Feria.

“Quería que la ciudad anfitriona estuviera presente destacando los valores artísticos tanto de la Sevilla que ha conformado nuestra identidad, como de la Sevilla más moderna y de primer nivel que vivimos ahora; por ello, seleccioné aquellas imágenes del cine europeo que además contienen un elemento arquitectónico definido que pudiera trasponer a nuestra ciudad”, ha explicado Ágreda durante su breve exposición sobre el proceso creativo que le ha guiado. 

Por todas las escenas se pasea el gato de Flow, un mundo que cambiar del cineasta letón Gints Zilbalodis, que ha conquistado los principales palmarés internacionales y que fue una de las triunfadoras de la 21ª edición del Festival de Sevilla con el Premio al Mejor Montaje, el Gran Premio del Jurado y el Premio Puerta América. “Un camino similar al que hizo Robot Dreams, que pasó por Sevilla antes de desembarcar en los premios de la Academia, demostrando una vez más el apoyo del Festival a la animación”, ha incidido Ágreda a modo de agradecimiento.

Cannes, Venecia, Toronto o Berlín en el 22º Festival de Sevilla

Esta edición, el Festival de Sevilla reune en su programación unos 180 títulos. Entre ellos, “cintas destacadas en grandes festivales internacionales y nuevas miradas que marcan el pulso del cine europeo contemporáneo”. La de este otoño “será una gran celebración del cine que late o se refleja en Europa”, ha avanzado su director antes de citar algunas de las cintas que se programarán en la Sección Oficial.

En la lista de títulos avanzados, se encuentra ‘DJ Ahmet’, escrita y dirigida por Georgi M. Unkovski (Macedonia). Un coming of age balcánico premiado en Sundance 2025, que combina humor y crítica social para retratar a un joven atrapado entre tradición y modernidad en una pequeña aldea de Macedonia. “Una historia vibrante sobre identidad, libertad y música como refugio”, según avanzan desde el festival.

En esta misma sección a concurso figura ‘Dreams’, escrita y dirigida por Dag Johan Haugerud (Noruega), Oso de Oro en Berlín 2025, y tercera parte de la trilogía del director sobre las relaciones humanas en forma de una delicada reflexión sobre la intimidad, la escritura y la sexualidad adolescente en una historia que entrelaza generaciones en torno al descubrimiento del amor y la ética de la exposición pública.

Competirá también en Sevilla ‘La Petite Dernière’, escrita y dirigida por Hafsia Herzi (Francia y Argelia), Premio de Interpretación Femenina en Cannes para Nadia Melliti. Adaptación de la novela de Fátima Daas, la cinta dibuja de forma vibrante y conmovedora el perfil de una joven musulmana practicante que explora su homosexualidad en los suburbios de París, enfrentándose a la conciliación entre fe, identidad y deseo.

La animación estará representada en la competición del Festival de Sevilla por ‘A Magnificent Life’, escrita y dirigida por el cuatro veces nominado al Óscar Sylvain Chomet (Francia, Bélgica y Luxemburgo). Biopic animado que recorre la vida del célebre dramaturgo, novelista y cineasta francés Marcel Pagnol, desde su infancia hasta su consagración. La película es una obra visualmente deslumbrante que tuvo su premier en Cannes.

Y representando a España en la Sección Oficial del festival encontramos ‘Bajo el mismo sol’ de Ulises Porra, escrita por él mismo junto a Ulla Prida (España y República Dominicana); una historia de ambiciones, pasiones y contradicciones ambientada en el Caribe colonial, que indaga en los deseos de progreso y en los vínculos afectivos en un territorio atravesado por las tensiones históricas y culturales y que tiene su premier en el Festival de Toronto.

Primera vez de los cortometrajes en Sección Oficial

En la Sección Embrujo, que este año toma el relevo de Las Nuevas Olas para acoger las voces más audaces y singulares del cine europeo, encontraremos títulos como ‘Cosmos’ con guion y dirección de Germinal Roaux (Suiza, México y Francia); en la que Ángela Molina protagoniza un drama intimista, rodado en Yucatán. Se trata de una reflexión poética sobre la vejez y la trascendencia, que indaga en el amor y la espiritualidad a través de la conexión inesperada entre una viuda europea y un indígena maya.

En este mismo apartado Sevilla ofrecerá ‘Writing Life’ (Francia) la nueva obra escrita y dirigida por Claire Simon, recientemente estrenada en las Giornate degli Autori de Venecia. La gran voz del documental europeo, en esta ocasión, parte de los textos de la Premio Nobel Annie Ernaux, para ofrecer un fresco coral de la juventud francesa contemporánea. Estudiantes de distintos institutos leen y comentan su obra, en un espejo generacional que aborda temas como clase social, amor, sexualidad o maternidad.

Y dentro de la Sección Rampa, que reconoce el talento emergente de cineastas que están en el inicio de sus carreras, el festival ha seleccionado ‘The Kidnapping of Arabella’ con guion y dirección de Carolina Cavalli (Italia). Presentada en la sección Horizontes de Venecia, es una comedia dramática excéntrica que combina ternura y crítica social a través de la historia de una niña de ocho años y la compleja relación con su padre. Una obra original que reflexiona sobre los vínculos familiares y el desencanto generacional.

En este mismo marco el festival ofrecerá ‘Le città di pianura’, la nueva obra de Francesco Sossai (Italia y Alemania) coguionizada con Adriano Candiago. Seleccionada en Un Certain Regard de Cannes, es una entrañable road movie que combina humor y melancolía de la mano de dos hombres de mediana edad en busca de un último refugio nocturno, en un viaje que es también un canto a la amistad, los excesos y las segundas oportunidades.

Por primera vez en 22 años de historia, la Sección Oficial incorpora además una selección competitiva de cortometrajes de producción europea de imagen real y animación. “Un gran festival no puede no tener una sección competitiva de cortometrajes y por primera vez en 22 ediciones la tenemos. Una apuesta por el talento. Una más, porque el año pasado creamos Rampa para nuevos directores, y una manera de llegar a más públicos. Rompemos inercias y damos pasos para que este festival siga sumando al cine y a Sevilla”, ha manifestado Manuel Cristóbal.

Sevilla se abre al cine: tradición y modernidad en una gran pantalla compartida

En el marco del festival, la ciudad se transformará en una gran pantalla de cine con proyecciones, ciclos especiales, coloquios, talleres o grandes eventos, reforzando su relación con las salas tradicionales de la ciudad y sumando la complicidad de los cines multisalas. La programación podrá disfrutarse en recintos emblemáticos como el Cine Cervantes, el Teatro Alameda o el Cine Avenida a los que se suman los complejos MK2 Nervión Plaza (con cinco salas) y Odeón Plaza de Armas (con cuatro salas).

El Cartuja Center CITE será la localización de los grandes eventos del Festival. Su auditorio, “con los sistemas de sonido más avanzados del momento, una pantalla de 180 metros cuadrados y un escenario de 820 metros cuadrados”, conforma un enclave único para albergar momentos como la presentación de un largometraje con una enorme vinculación emocional con Sevilla: ‘En silencio. La resiliencia de Isco Alarcón’, el primer largo documental de la actriz, guionista, directora y productora Sara Sálamo, que competirá en Panorama Andaluz. Esta película acerca a los amantes del fútbol al cine independiente y a los cinéfilos a la épica oculta del deporte y revela la lucha íntima del centrocampista del Betis Isco Alarcón contra la lesión que lo ha mantenido alejado del campo.

El 21 Festival de Cine Europeo de Sevilla (SeFF), que se desplegará por distintos espacios de la ciudad del 8 al 16 de noviembre, ofrecerá más de 70 títulos inéditos en España. Ese es uno de los mayores reclamos con los que se ha presentado la nueva edición del certamen, que contará con nombres y rostros tan conocidos en el mundo del audiovisual andaluz como los de Paz Vega, el dibujante de cómic Nazario, Natalia de Molina, Pedro G. Romero, Alexis Morante, Alfonso Sánchez, Laura Hojman o José Antonio Hergueta.  

De hecho, las voces y miradas de los creadores y creadoras del sur vertebran parte de la programación junto a las últimas y más interesantes producciones del cine europeo. “No hay mejor altavoz para ellos que este Festival de Cine Europeo”, ha defendido el alcalde de Sevilla, José Luis Sanz, durante el acto de presentación de la cita cinematográfica, en la que se ha dado a conocer un avance de la programación de la mano del director del Festival, Manuel Cristóbal.

Además, el certamen sevillano ha estrenado imagen de marca, contando con el artífice de la identidad visual, el artista Pedro Cabañas, quien ha explicado que “el deseo era desarrollar una imagen del propio festival a partir del cartel del año pasado”. De ahí que se haya consolidado el icono de los píxeles de colores que inundaron la ciudad como símbolos de “la capacidad de acogida y diversidad” del propio SeFF.

“Un evento en Sevilla, pero también de Sevilla, abierto a la ciudad y compatible con una gran relevancia internacional para la industria audiovisual”, ha manifestado el regidor hispalense, antes de enumerar las cifras previstas para esta edición, en la que más de medio centenar de países van a estar representados. “Se va a poder disfrutar de más de 200 proyecciones en un total de 18 salas, vamos a llevar el festival a más de 150 aulas y calculamos que vamos a superar los 75.000 espectadores”, ha señalado Sanz augurando para este 2024 una “grandísima edición”.

Un nuevo galardón

Entre las principales novedades de esta ocasión, destaca la inclusión en su palmarés de un nuevo premio llamado 'Puerta América', al que optan las películas europeas de las distintas secciones del festival que representen a su país en la categoría de Oscar a la Mejor Película Internacional. “Nuestro objetivo es ser el trampolín de las mejores películas europeas en esos premios y proporcionar una visión completa de la cinematografía europea contemporánea”, ha subrayado el regidor hispalense.

Cristóbal ha destacado también la incorporación del galardón 'Puerta América', para convertir al Festival de Sevilla en la “plataforma de lanzamiento” del cine europeo. Entre los títulos que tienen opción al premio Puerta América, se encuentra la película que representará a España para competir por la nominación del Óscar a mejor película internacional, ‘Segundo premio’, de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, y que cuenta con producción sevillana (Áralan Films).

En la misma línea que José Luis Sanz, el director del SeFF ha reivindicado el espacio de la cita sevillana entre los festivales más relevantes de Europa. “Presentamos un festival a la altura de la ciudad que comienza este año una nueva etapa con unas líneas estratégicas claras”, ha señalado Cristóbal, poniendo el acento en promocionar el sector audiovisual andaluz desde la capital con vistas a que “sus responsables sientan que juegan en casa y que los estrenos mundiales o nacionales de sus producciones tienen sentido en Sevilla”.

Otra línea “innegociable”, según el director del SeFF, pivota sobre el acercamiento a la ciudad a través de la incorporación de nuevas salas y cines. Así, ha puesto especial énfasis en la apuesta por el Cartuja Center –“la sala con la mejor acústica de Europa”, según el alcalde de Sevilla– o en la designación de Plaza de Armas como punto neurálgico del festival.

Estrenos en la Sección Oficial

Durante la presentación, el director del Festival ha revelado algunos de los títulos de la esperada Sección Oficial. A las películas ya anunciadas, se suman las candidatas danesa, georgiana y británica al Óscar. Se trata del drama histórico basado en hechos reales The Girl With the Needle, de Magnus von Horn; el drama sobre la deportación de georgianos en Rusia de la realizadora Rusudan Glurjidze, The Antique; y el drama criminal en hindi Secretos de un crimen, de la directora Sandhya Suri.

Además, algunos de los largometrajes de esta edición cuentan con el sello de los festivales internacionales “más relevantes”, según ha aplaudido Manuel Cristóbal. Como muestra, ha destacado que el drama franco-canadiense Who By Fire, de Philippe Lesage, estuvo programada en la sección Generation de la última Berlinale, mientras que la película autobiográfica Ma Vie Ma Gueule, de Sophie Fillières, pudo verse en la Quincena de los Realizadores de Cannes.

Panorama Andaluz y los documentales de personajes ilustres

La sección que aglutina las puestas de largo absolutas es Panorama Andaluz, contando con seis largometrajes y dos cortometrajes inéditos, entre los que destaca el género documental. Entre los documentales de estreno absoluto programados en Panorama Andaluz hay tres en los que se glosa la figura de ilustres referentes de la fotografía, la literatura y la historia, respectivamente.

Así, en Atín Aya. Retratos del silencio, Hugo Cabezas y Alejandro Toro realizan un recorrido vital por la vida y la obra de un fotógrafo documentalista capaz de transmitir el alma de las personas a través de su cámara. Alfonso Sánchez retrata en Francisco de Saavedra, puño y letra de la historia la apasionante vida de este sevillano ilustrado, militar, espía, jurista, ministro, comisionado regio para América y persona de confianza de Carlos III, Carlos IV y Fernando VII. Por último, Manuel Machado o la edad de la poesía es una reivindicación a cargo de Miguel Ángel Hernández del legado literario del escritor en el 150 aniversario de su nacimiento.

Completan la selección Tierra de Atlantes, en la que José Antonio Hergueta muestra cómo recientes descubrimientos arqueológicos han confirmado la existencia de Tartessos, una civilización tradicionalmente imaginada como un Eldorado en el mar Mediterráneo y a menudo confundida con la Atlántida. Y Negro limbo, el segundo largometraje documental de Lorenzo Benítez, que en esta ocasión ahonda en los secretos de Estado y la impunidad de la dictadura franquista en la antigua Guinea española.

Junto a estos tres relatos documentales, la película de ficción que vivirá su puesta de largo mundial en Sevilla es Padres, de José Ángel Bohollo, que se centra en la desaparición de una adolescente de 15 años tras asistir a un festival de música con su mejor amiga.

Premio Juan Antonio Bermúdez

En relación a Panorama Andaluz, el director del SeFF ha recordado que durante la pasada edición se rindió tributo póstumo al “alma mater” de esta sección, con la concesión de un Giraldillo de Oro a Juan Antonio Bermúdez, quien fue vicepresidente de la Asociación de Escritores Cinematográficos de Andalucía (ASECAN) durante ocho años. Este año, “el homenaje se extiende con el cambio de denominación del premio que se otorga en la sección”, como ha anunciado Manuel Cristóbal, destacando que a modo de reconocimiento a su labor, desde esta 21 edición el galardón pasará a llamarse “Premio Juan Antonio Bermúdez al Panorama Andaluz”.

Panorama Andaluz también presta atención al formato corto en su programación. En total, esta edición el público podrá asomarse a 23 pequeños universos “en su extensión temporal, que no en su enjundia”, como promete el equipo del Festival. Entre otros títulos, destacan los estrenos absolutos de El rey Enoc, de José Luis Pineda Olmedo, y Helena, una sombra en la plaza Real, del dibujante de cómic Nazario Luque, que ha tomado como punto de partida las 11 viñetas en color que le inspiraron el poema de Giorgos Seferis 'Helena'. Asimismo, Cristóbal ha destacado Cuarentena, breve narración en la que Celia de Molina dirige a su hermana, doblemente premiada con el Goya, Natalia de Molina. 

En el resto de la programación de esta 21 edición destacan otras ocho películas andaluzas. Dos de ellas son documentales cuya puesta de largo en España se producirá en el Festival. Fuera de concurso, en la Sección Oficial, figura Un hombre libre, de Laura Hojman, quien traza un recorrido por la vida del escritor Agustín Gómez Arcos a través de entrevistas a amigos y colaboradores, imágenes de archivo y grabaciones.

En Nuevas Olas sobresale el documental de creación Os naufragados, de Jorge Peña Martín, que trata sobre la comunidad que habita la playa del mismo nombre al sur de la isla brasileña de Florianópolis. Mientras que en la sección Esenciales –de nueva creación y que recupera “películas icónicas que merece la pena revisitar o ver por primera vez en salas”– se proyectará la restauración de Solas (1999), la obra maestra de Benito Zambrano, coincidiendo con el 25 aniversario de su estreno.

Para acabar, en Special Screenings se presentan dos propuestas de factura local: la serie documental de TVE sobre Jesús Quintero, El loco, y Sin instrucciones, de Marina Seresesky, producida por La Pepa Films.

Abonos ya a la venta

A partir de este martes, 15 de octubre, ya se pueden adquirir los abonos en línea para la XXI edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla. Excepto en las galas y eventos especiales, en las que el precio será de 10 euros, las entradas individuales y generales tienen un coste de 3,50 euros.

El precio de los abonos individuales se ha fijado en 22 euros y darán acceso a ocho películas individuales (se puede emplear una entrada por sesión). Los abonos dúo se venden a 28 euros y constan de cinco entradas dobles o 10 individuales. Pueden ser utilizados sólo por una persona, que dispondrá de 10 entradas para 10 películas, o compartirlo, lo que supone la disposición de hasta cinco entradas dobles. Este tipo de abono permite combinar entradas individuales y dobles.

En cuanto al abono sénior, está destinado a personas mayores de 60 años. Tiene un precio de 20 euros y equivale a cinco entradas dobles o a 10 individuales, que pueden ser utilizadas por una persona o de manera compartida. También se permite la combinación de entradas individuales y dobles.

Por último, los menores de 26 años pueden beneficiarse de un precio especial. El abono joven cuesta 18 euros y da acceso a 10 entradas individuales que pueden usarse una por sesión

El Festival de Cine Europeo de Sevilla (SeFF), en su edición de 2024, añade nuevas secciones y amplía el número de sedes, consolidándose como un referente del cine europeo. Entre el 8 y el 16 de noviembre, Sevilla acogerá la vigésimoprimera edición de este evento internacional, un espacio único que une a cinéfilos y profesionales del sector.

Nuevas secciones competitivas y no competitivas

En esta edición, el SeFF incorpora dos nuevas secciones a concurso: Rampa, enfocada en el talento emergente, y Alumbramiento, que exhibirá películas que aún no tienen distribución en España. Además, las secciones no competitivas también crecen con Puerta Europa, que acoge películas con participación minoritaria europea, y Esenciales, que presentará icónicas obras del cine europeo.

El director del festival, Manuel Cristóbal, resalta que “esta nueva edición se presenta como un espacio imprescindible para redescubrir lo mejor del cine europeo”. A las películas se sumarán proyecciones especiales, homenajes, exposiciones y una amplia variedad de actividades paralelas como mesas redondas y clases magistrales.

Vuelve la colaboración con la Academia de Cine Europeo

El SeFF también recupera su colaboración con la Academia de Cine Europeo, siendo Sevilla la encargada de inaugurar en noviembre las actividades del Mes del Cine Europeo. Además, se crea el Premio Puerta América, destinado a las películas del festival que representen a su país en los Premios Óscar a la Mejor Película Internacional.

El Festival de Sevilla 2024 contará con ocho sedes nuevas, que incluyen las salas del Odeón Plaza de Armas y Avenida 5 Cines, además del Cartuja Center, un auditorio con más de 2.000 butacas y tecnología de proyección de última generación. Entre las ubicaciones que acogerán las actividades paralelas destacan la Fundación Cajasol, el CICUS y la Factoría Cultural, sumando también nuevos espacios como el Sevilla Film Office y el Espacio Platea.

Adelanto de la Sección Oficial

La sección oficial quiere reunir lo mejor de la producción cinematográfica europea. Entre los primeros títulos confirmados destacan:

Estas películas, junto con otras propuestas que abordan temas universales como el amor, la familia y la supervivencia, hacen de la Sección Oficial un reflejo de las diferentes sensibilidades del cine europeo actual.

Las nuevas secciones

La sección Las Nuevas Olas presentará cine innovador, incluyendo estrenos como:

La nueva sección Rampa estará dedicada a los cineastas emergentes. El español José Manuel Carrasco estrenará su primer largometraje ‘Miocardio’, una comedia dramática sobre segundas oportunidades.

Alumbramiento presentará películas inéditas en España, incluyendo el estreno europeo de ‘One Dances, The Other Doesn’t’, una obra híbrida que explora la maternidad y la justicia reproductiva en contextos queer.

Si el año pasado el Festival de Cine Europeo de Sevilla (Seff) desató una tormenta mediática debido a una mala gestión del equipo municipal que a punto estuvo de dar al traste con el certamen, este verano viene también asociado a la polémica. Con menor intensidad que en 2023, con los aficionados algo desnortados sobre lo que ha ocurrido y sus posibles consecuencias, pero con una sonora refriega en la esfera política que amenaza devaluar todavía más una marca que costó muchos años consolidar en el panorama internacional de festivales de cine. 

La nueva polvareda se levantó el pasado martes cuando El Correo de Andalucía informaba del desistimiento, por parte del secretario general del Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla (ICAS), de la licitación del contrato para la organización técnica del Festival de Cine Europeo de Sevilla en las ediciones correspondientes a 2024 y 2025, con un valor de 1,7 millones de euros (impuestos incluidos) y que incluía la contratación del personal necesario –más de un centenar– para las áreas de coordinación, audiencias, la producción o los requisitos técnicos necesarios para hacerlo factible.

El motivo, explicado en la propia resolución publicada en la Plataforma de Contratación del Estado, era la detección de “errores aritméticos en la suma de los importes correspondientes a diferentes conceptos de servicios técnicos” de dichas ediciones, “que afecta al total del importe asignado y acordado”, por lo que “deviene la correcta ejecución” de lo establecido en el contrato. Una medida cuanto menos criticable, habida cuenta de que se produce a solo tres meses de la inauguración del Seff 2024, que tiene previsto celebrarse del 8 al 16 de noviembre.

Tensión política

La reacción de la oposición en el Ayuntamiento no se hizo esperar: la concejala Myriam Díaz denunciaba en su cuenta de X que “por segundo año consecutivo y a tres meses para su celebración, el Festival de Cine Europeo queda en el aire por la incapacidad del gobierno municipal de Sanz para gestionar su organización”, y añadía: “Si ya el año pasado fue un desastre, este año va por el mismo camino. El Seff corre el riesgo de convertirse en un festival de tercera”.

Por su parte, la nueva delegada de Turismo y Cultura, Angie Moreno, respondía que la organización de la XXI edición de esta cita “avanza en tiempo y forma” y aseguraba que “la ciudad vivirá una gran cita cultural llena de novedades y grandes títulos del panorama cinematográfica europeo”.

En relación a la tramitación del pliego para la organización del Seff, la delegada restó importancia a la dilación, subrayando que “continúa adelante tras una breve modificación debido a un error en el pliego ya subsanado” y pidió “no poner en el foco político al festival y al equipo que lleva meses trabajando para dar forma a una edición que volverá a poner a Sevilla en el punto de mira de toda Europa”. Finalmente, la edil pidió al Grupo municipal del PSOE que “deje de hacer daño al sector del cine, igual que lo hizo con la edición anterior del festival que fue todo un éxito”, y aseveró que “el Ayuntamiento dirigido por José Luis Sanz está recuperando el valor perdido de una cita cultural clave de la ciudad”.

“Problemas habituales”

Aunque la referencia a la edición de 2023 por parte de la delegada resulta a todas luces exagerada, pues el festival se celebró en versión abreviada y con plazos extremos, Moreno ha querido también sacar pecho con un Seff 2024 que ya ha anunciado una programación de 150 cortometrajes y largometrajes, así como la creación de un premio Puerta América al que podrán optar las películas europeas de las distintas secciones del festival que representen a su país en la categoría de Óscar a la Mejor Película Internacional y la incorporación del Cartuja Center como escenario principal del certamen.

Por su parte, el director del Festival, Manuel Cristóbal, consultado por SevillaelDiario.es ha restado importancia al error en la licitación, “una situación bastante habitual en este festival, con la estructura que tiene. Ya ocurrió algo similar en 2021”, afirma. “Como podéis comprobar, esta misma mañana [del jueves] se ha publicado el nuevo pliego, con carácter bianual y renovable para otros dos años, con el fin de evitar que vuelva a ocurrir algo parecido”.

Cuando se le pregunta si el error en el pliego podría haberse subsanado sin necesidad de anulación y publicación de nuevo, comenta que “de eso no te puedo decir, solo estoy en condiciones de asegurar que se ha hecho todo lo más rápido y efectivo posible”. Y también garantiza que no va a suponer un retraso sustancial: “Yo llevo trabajando desde enero y la programación está muy avanzada. Estamos muy contentos con lo que llevamos cerrado, con los nuevos espacios y con la marcha general de la cita”.

También recalca el “respaldo absoluto” por parte del equipo municipal que encabezan la delegada y el alcalde, José Luis Sanz. “Siento mucho cariño por parte del festival y del sector. El año pasado veníamos de una situación compleja, con cinco meses en los que no se había hecho nada. Esta vez nos encontramos con problemas administrativos habituales, pero no temo en absoluto por la próxima edición”.

Perplejidad y escepticismo

Cabe recordar que la crisis del año pasado en el Seff comenzó con la marcha de su anterior director, José Luis Cienfuegos, a la Seminci de Valladolid; siguió con la designación como sustituto a un hombre de consenso como Ildefonso Tito Rodríguez, que con el cambio de gobierno tras las elecciones municipales tardó demasiado en ser recibido por la entonces delegada de Cultura, Minerva Salas, hasta el punto de ver comprometidas la viabilidad del festival en las fechas otoñales previstas; y culminó con una catastrófica propuesta del Ayuntamiento de pasar el Seff a la primavera, bajo el pretexto de que coincidía con la celebración en la capital hispalense de los Grammy Latinos, con la lógica indignación general.

El Seff quedó así en una situación más que delicada, para muchos amenazado de desaparición. Después de barajar varios nombres que podrían reemplazar a Tito Rodríguez, acogido a una baja la incorporación de Manuel Cristóbal al equipo logró calmar las aguas y sacar adelante una edición abreviada del certamen.

En las distintas fuentes del sector consultadas por este periódico, los ánimos van de la perplejidad al escepticismo, pero todas optan por la cautela antes de manifestarse. En lo único en lo que muestran una cerrada  unanimidad es en la necesidad de que las instituciones políticas y administrativas demuestren, de una vez por todas, que el Festival de Cine Europeo de Sevilla les importa tanto como a los profesionales del séptimo arte y la ciudadanía en general.

Ya está abierto el plazo de inscripción para los largometrajes y cortometrajes interesados en participar en la edición número 21 del Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF), que se celebra del 8 al 16 de noviembre. Una edición que estrenará cuatro nuevas secciones y que espera reunir en torno a 150 títulos que muestren el mejor cine que se está viendo durante este 2024.

Como ha explicado el director del Festival, Manuel Cristóbal, “el Festival regresa con la intención de convertirse en un actualizado punto de encuentro entre público y profesionales del sector, abierto a la ciudadanía y de gran relevancia internacional para la industria audiovisual”. Una cita cultural “que apuesta por un cine accesible y narrativamente sólido, por el cine en mayúsculas y sin complejos”, según ha recogido en una nota de prensa el Consistorio hispalense.

El eje principal del Festival se compone de ocho secciones competitivas con dos importantes novedades: “Rampa”, dedicada a cineastas noveles emergentes, y “Alumbramiento”, para películas sin distribución en España. El resto de secciones la conforman “Sección Oficial” (películas de producción europea que destacan por su calidad cinematográfica y por estar abiertas a las diferentes sensibilidades estéticas y narrativas), “Las Nuevas Olas” (miradas singulares del cine europeo contemporáneo), “Panorama Andaluz” (audiovisuales en cuya producción participan empresas andaluzas y/o estén dirigidos por cineastas andaluces) y “EFA” (en colaboración con la European Film Academy se integran en esta sección largometrajes y cortometrajes que han sido prenominadas a los Premios del Cine Europeo del mismo año de la correspondiente edición).

Público joven

En las secciones no competitivas se estrenan “Puerta Europa”, obras cuya participación europea es minoritaria pero fundamental, y “Esenciales Europa”, para mostrar aquellos clásicos europeos que merecen la pena verse o volverse a ver en sala de cine. Además, la edición de 2024 incluye proyecciones especiales, homenajes y retrospectivas. Continúan el resto de secciones como “Cinéfilos del Futuro” (largometrajes de producción europea, de especial interés para el público juvenil), “Europa Junior” (largometrajes de producción europea, de especial interés para el público infantil) y “Ventana Cinéfila” (sección online de películas dirigidas a una audiencia joven).

Continúan también los focos, ciclos y proyecciones especiales dedicadas a revisar y poner en valor la obra de creadores concretos, así como de escuelas o tendencias cuya labor creativa sea considerada relevante. Tal y como ha explicado Manuel Cristóbal, en esta nueva etapa del SEFF “recuperamos nuestra estratégica relación con la Academia Europea de Cine y nuestro festival inaugurará en noviembre las actividades del mes del cine europeo”. Además de eso, han creado un nuevo premio denominado “Puerta América” al que pueden optar las películas europeas de las distintas secciones del festival que representen a su país en la categoría de Óscar a la Mejor Película Internacional.

Por último, el director del Festival ha subrayado, “el objetivo es ser el trampolín de las mejores películas europeas en esos premios y proporcionar una visión completa de la cinematografía europea contemporánea”. Las bases para optar a la 21 edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla pueden consultarse en la página del certamen.

La solución que llegó de manera temporal se queda de manera permanente. El productor Manuel Cristóbal ha sido nombrado por el Ayuntamiento de Sevilla como director del Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF), del que ha sido coordinador general en la recién terminada y tormentosa edición por las dificultades que han rodeado al certamen. Así lo ha trasladado este viernes el alcalde de la ciudad, José Luis Sanz (PP), a los responsables del sector audiovisual, con quienes ha mantenido una reunión para hacer balance de esta última edición y adelantar las líneas del SEFF 2024, en el que trabaja ya su nuevo director.

Productor cinematográfico “de dilatada trayectoria internacional”, sus once largometrajes han recibido numerosos premios, entre los que destacan cinco premios Goya y un premio de la Academia Europea. Asimismo, cuenta también con “dilatada experiencia” como gestor cultural especializado en promoción internacional, tal y como ha trasladado el Consistorio hispalense en un comunicado.

En lo que respecta al balance de la edición de este mes de noviembre, se proyectaron cerca de 90 títulos entre largometrajes y cortos en las salas de MK2 CineSur Nervión Plaza y el Teatro Cervantes. “Una edición que ha supuesto un éxito rotundo de público con una ocupación cercana al 85% de sus aforos, lo que equivale a un total de casi 30.000 personas”.

“Un éxito de público refrendado por el éxito de la selección de títulos de la programación en las nominaciones de los Premios Goya 2024. Así, Robot Dreams, dirigida por Pablo Berger, aparte de haber ganado el Premio de la Academia Europea el pasado 8 de diciembre, ha sido nominada en las categorías de mejor película de animación, guión adaptado, mejor música original y montaje”.

Otras nominadas a los Goya

Por su parte, Cerrar los ojos, dirigida por Víctor Erice, ha sido nominada las categorías de mejor actor protagonista (Manolo Solo), actor de reparto (José Coronado), actriz de reparto (Ana Torrent), guión original, montaje, dirección, dirección de producción, dirección de fotografía, sonido y mejor película. También tienen nominación Caleta Palace, dirigida por José Antonio Hergueta; 'Mamacruz', dirigida por Patricia Ortega; y 'Una noche con Adela', dirigida por Hugo Ruiz, en este caso a mejor película documental, mejor montaje y mejor dirección de fotografía, respectivamente.

En lo que se refiere a impacto mediático, han sido más de un millar los impactos recogidos por la prensa sobre SEFF 2023, traduciéndose estos en un retorno económico de 1,9 millones de euros y más de 124 millones de personas. Unas cifras que se traducen en un valor de Comunicación del Festival de Cine Europeo de Sevilla, en esta edición de 2023, ha sido de más de 8.350.000 euros.

Interés mediático

En este sentido, han sido casi 200 los periodistas de medios de toda la geografía nacional y también internacionales, los que se han acreditado para poder vivir y narrar todo lo que ocurre en el día a día del Festival de Sevilla, habiéndose recibido la visita a la ciudad de equipos de programas y medios como Días de Cine, Cineuropa, Screen, Fotogramas, Cinemania, Filmand, Audiovisual 451, Caimán, Kinótico o Radio Marca. Esto demuestra, según el Consistorio, el gran interés generado un año más por el Festival entre la prensa, a lo que se suma que durante su desarrollo fueron más de 200 las entrevistas realizadas por los medios de comunicación.

En cuanto a la comunicación digital del Festival, en este 2023 ha soportado un tráfico que ha supuesto más de 466.000 páginas vistas por un total de 268.177 usuarios únicos que han llegado hasta el portal oficial de SEFF. En redes sociales, han sido 100.000 los impactos por publicaciones orgánicas y la cuenta de Instagram ha crecido en más de 1.250 seguidores. Además de ello, han sido casi 51.000 los emails abiertos por los usuarios que conforman la base de datos de la newsletter de SEFF, en las más de una decena de newsletter cruzadas entre la organización y el público.

Entre el público y el sector audiovisual andaluz hay cierto consenso en torno a la buena noticia: el Festival de Cine Europeo de Sevilla (Seff), que a lo largo de este año se había instalado en la incertidumbre e incluso había visto amenazada su continuidad, ha logrado culminar su vigésima edición. Con un formato reducido de siete días y una programación configurada casi in extremis, la cita ha concluido este miércoles con buenos números de asistencia y un optimismo general de los organizadores, aunque tampoco han faltado las críticas.

“Esta es una edición muy atípica, de la que me quedo, sobre todo, con el compromiso del Ayuntamiento de Sevilla de celebrar el Festival, lo cual se ha cumplido”, afirma Manuel Cristóbal, ex asesor de Industria Audiovisual de la Comunidad de Madrid llegado a Sevilla solo unos meses antes en funciones de bombero, llamado a sofocar el incendio provocado por una cadena de acontecimientos que no dudó en calificar de “tormenta perfecta”: primero la marcha del anterior director, José Luis Cienfuegos, a la Seminci de Valladolid; luego el anuncio del traslado de fechas del Seff a primavera, que encendió la indignación del sector, y la baja del sustituto de Cienfuegos, Tito Rodríguez.

“Hubo meses que se perdieron a primeros de año con los cambios políticos y organizativos, fue una tormenta perfecta. Pero debo estar contento y satisfecho de que al final todo el mundo haya querido remar a favor”, añade Manuel Cristóbal, quien fue contemplado desde su llegada como la última esperanza para que el Festival de Cine Europeo de Sevilla no pasara a engrosar la larga lista de certámenes españoles desaparecidos.

30.000 espectadores

Ello aunque, como él mismo admite, la edición de 2023 tenía sus deficiencias: lo primero que hubo que sacrificar fue la sección competitiva del Festival, así como conformar una programación menos europea y más nacional que en otras ocasiones, con numerosos títulos que ya habían sido vistos en otras citas, lo que ha repercutido en una menor asistencia mediática. Con todo, Manuel Cristóbal no duda en afirmar que “ha sido lo mejor que podíamos hacer en esas circunstancias, y todo gracias a un equipo magnífico”.

La organización incluso presume de números en su nota de balance: la ocupación de butacas, que ha rondado “el 85 por ciento de los aforos”, arroja unas cifras de taquilla para el Cine Cervantes y las salas de MK2 Cinesur Nervión Plaza de cerca de 30.000 personas. “El casi centenar de cintas seleccionadas ha logrado atraer a las salas a una audiencia conformada por público general, críticos y periodistas”, afirma el comunicado oficial, que destaca la presencia en Sevilla de figuras como Catherine Breillat, Pablo Berger, Antonio Saura, Carlota Pereda, Rafa Cobos, Víctor Clavijo, Julia de Castro, Federico Schmukler o Jacqueline van Vugt, a lo que suma “un variado abanico de actividades paralelas que también ha contado con una notable acogida y lleno en muchas de sus citas programadas”.

Donde sí parece haber un aplauso unánime es en el ámbito de las asociaciones e instituciones profesionales, que no han desaprovechado ninguna ocasión a lo largo de la semana para aplaudir la gestión de Manuel Cristóbal. Así, Marta Velasco, en nombre de la Academia Andaluza de Cine, agradecía “al equipo del festival y a Manuel Cristóbal su esfuerzo y dedicación hacia el sector y los espectadores en una edición tan especial como esta”, mientras que la presidenta de ASECAN, Lourdes Palacios, aplaudía esta “edición del SEFF que reclamaba el sector audiovisual, favoreciendo el encuentro del público con las salas, facilitando la proyección del cine andaluz junto al europeo, y sentando bases para un estupendo próximo año”. Por su parte, el presidente de ANCINE, José Alba, destacaba que “la magia del cine y Manuel Cristóbal como coordinador han hecho posible que esta edición haya sido tan excelente como las mejores vividas hasta la fecha”; el presidente de AEDAVA, Rogelio Delgado, hace hincapié en “el apoyo de los sectores profesionales del cine, que se ponen en línea de colaboración para mantener vivo el sueño maravilloso del SEFF”; mientras que la presidenta de AAMMA, Agus Jiménez, destaca su satisfacción por una edición que “nos ha permitido no solo mantener el espacio Women in Focus dentro del Festival de Sevilla, sino ampliar esas actividades tan importantes para dar visibilidad a la mujer en el mundo cinematográfico”.           

Mirando a 2024

Este consenso contrasta con las críticas manifestadas desde los medios de comunicación y la Plataforma en Defensa del Festival de Cine Europeo de Sevilla, creada precisamente durante la crisis estival que a punto estuvo con dar al traste con el certamen. Dicha plataforma, reconociendo el esfuerzo realizado “para salvar esta edición de manera digna”, cuestiona no obstante aspectos como la gala de inauguración, la coincidencia en fechas con el Alhambra Monkey Week, así como el retraso en las acreditaciones o la deficiente señalización de los espacios del Festival.

Por otro lado, la plataforma considera a través de un comunicado que la programación, “aunque escasa ha cumplido con criterios de calidad” si bien “plagada de títulos de inminente estreno, o con gran recorrido en festivales” y “desproporcionada” en sus títulos andaluces respecto a los europeos. “Estamos seguros que con un equipo más amplio, y más cuidados, los resultados habrían sido mucho mejores”, concluyen.

De momento, ya hay fechas para la próxima edición, del 8 al 16 de noviembre de 2024, aunque es una incógnita la continuidad de Manuel Cristóbal, que tiene contrato solo para el presente ejercicio. “Ahora estoy reuniendo las opiniones de todo el mundo sobre hacia dónde debe caminar el Festival, y cuando las tengamos todas llegará el momento de tomar decisiones. Por mi parte, debo decir que he podido trabajar a gusto y me siento contento, pero también hay que escuchar a aquellos a los que les haya gustado menos y atender las críticas constructivas”.

“Esta edición quedará como una anécdota”, concluye Manuel Cristóbal, “pero sobre todo como una demostración de que en Sevilla hay un cariño grande por el festival. Eso es lo que he sentido”.

Aunque el protagonista del documental Riqueni es el guitarrista sevillano Rafael Riqueni, uno de los grandes nombres del flamenco actual, no cabe duda de que es la persona que estuvo tras la cámara, Paco Bech, es algo más que un simple director. El cineasta, que ha presentado su trabajo en el Festival de Cine Europeo de Sevilla (Seff), empezó como fan entusiasta y acabó convirtiéndose en mánager, cuidador y prácticamente en la sombra del músico, al que filmó durante 12 años, probablemente los más difíciles de su vida.

“Empecé a oír a Riqueni en los 90, y me parecía un guitarrista distinto a todos”, recuerda Bech. “Pensaba que en su música había un componente que lo hacía único, y por qué no decirlo, el mejor de todos. Era como un género en sí mismo, y además le avalaba una discografía impresionante. Cuando un amigo me comentó que estaba preparando un nuevo disco, yo, que ya había hecho el documental Silvio, a la diestra del cielo, pensé ingenuamente que se había recuperado de sus males y que podría ser una buena idea filmar aquella experiencia”.

Los problemas a los que se refiere el cineasta no eran otros que un trastorno bipolar, al que se sumaban ciertas adicciones que amenazaban con tirar por tierra la brillante carrera del sevillano y sumir su vida en el caos. Bech se asomó a ese abismo, pero también descubrió que Riqueni quería salir de él. “Había en él una voluntad muy firme de escapar de aquella tragedia, pero además teníamos claro que una obra como aquella no podía quedar en el limbo”.

Boxeo con su pasado

La obra era Parque de María Luisa, pero todavía debería esperar un tiempo antes de poder quedar registrada en disco. “Estuvimos tres años viendo médicos, sin un duro y muy al límite. El psiquiatra que finalmente nos ayudó dijo que era un milagro, y así finalmente pudo actuar de nuevo en la Bienal de Sevilla, en un espectáculo en el que hizo Amarguras. Ahí empezamos a trabajar en el relanzamiento de su carrera”, añade Bech.

Sin embargo, el proceso no sería fácil ni lento. “Había una desconfianza hacia él por su pasado, y además fuera del flamenco no se le conocía mucho”, evoca el director. Para colmo, cuando más sereno y en forma parecía estar, Riqueni fue citado para cumplir condena de prisión por un incidente de años atrás, lo que venía a poner en peligro todo el proceso de recuperación. Pagó estoicamente su deuda con la justicia y volvió a la senda. “Durante mucho tiempo era como si libráramos un combate de boxeo con su pasado. Prácticamente, hasta 2020 no conseguimos la deseada estabilidad personal y profesional”.

A partir de ese momento, el camino fue más rodado. Los medios y sobre todo la crítica se volcaron con el regreso de Riqueni a las tablas, los programadores fueron animándose y el respaldo del público no fue menor. “El documental es, en definitiva, la historia de una superación”, explica Paco Bech. “A los fans de Riqueni les gustará porque habla de su ídolo, pero mi idea era ir un poco más allá, dirigirme a un público más amplio, no necesariamente aficionado al flamenco, y mostrarles cómo la voluntad puede hacer que una persona salga de una situación muy complicada”.

200 teras de filmación

La complicidad entre Bech y Riqueni acabó propiciando que el músico le pidiera a aquél que fuera su mánager. “Yo nunca me lo había planteado, solo quería hacer un documental. Pero lo cierto es que acepté, y después de aquella Bienal pasé a ocuparme de todos sus conciertos. Hoy Rafael es un músico a pleno rendimiento, aunque todavía no al nivel que nos gustaría, pues creemos que está capacitado para tocar en los grandes teatros del mundo. En todo caso, yo estaba súper implicado, me fascinaba su música, así que supongo que no me costó demasiado aceptar. Pero todo lo íbamos haciendo a ciegas, desde la confianza de que él quería recuperarse”.

De hecho, el equipo de grabación del proyecto inicial ya se había retirado, pero Paco Bech siguió grabando a Riqueni cámara en mano. “El contacto era diario, fue un seguimiento total”, asegura. “De hecho, tengo una burrada de material filmado, como 200 teras. Daría para otro documental. Es más, este que presentamos dura dos horas y diez, algo poco habitual, y aún así, me ha costado mucho quitar cosas”.

Sobre los momentos en los que pensó en tirar la toalla, Bech reconoce que los hubo, “pero el deseo de salvar a Riqueni como artista prevaleció sobre todo”, dice. “La amistad que se forjó entre los dos ha sido fundamental, nos hemos soportado muy bien el uno al otro”.

Sin hacer sangre

Por la cinta desfilan además personas que han estado cerca del músico en todos estos años, desde artistas como la bailaora Rocío Molina, el bailaor Antonio Canales o la cantaora Estrella Morente, a periodistas como Manuel Martín Martín, pasando por Christina Heeren, presidenta de la fundación que lleva su nombre dedicada a la docencia del flamenco, o Rafael, el hijo del guitarrista.

Como es natural, el propio Rafael Riqueni vio el resultado de este largo proceso de trabajo antes de su estreno en el In-Edit de Barcelona, y Paco Bech afirma que “él entendió que había cosas que resultaban duras, pero también que todo eso forma parte de su vida. Creo que hemos logrado contar todo de forma elegante, sin hacer sangre, porque no era necesario. No nos recreamos en los momentos peores”.

Y aunque la misión está más que cumplida, Paco Bech parece decidido a seguir al lado de Riqueni. “Ha sido un cambio bestial en mi vida, pero sigo trabajando con él, porque ahora, además, quiere sacar un nuevo disco. Y no, no he pensado en abrir una oficina con otros artistas, creo que me resultaría difícil. Tendría que tratarse de alguien que me gustara tanto como Rafael”.  

María Gisèle Royo y Julia de Castro hablan ahora de su película On the Go con una sonrisa, pero al conocerse los detalles del proceso cabe imaginar que no debió de ser nada fácil. “Cinco años de rodaje sin ver un duro, poniendo dinero de nuestros ahorros, con toda clase de obstáculos… pero la película era más fuerte que todo lo que nos pasaba”, comentan al unísono. El filme, que tras pasar por el market del Festival de Cannes tuvo su estreno internacional en el prestigioso festival de Locarno y de ahí pasó a la Seminci, ha llegado por fin al Festival de Cine Europeo de Sevilla (Seff) avalada por las buenas críticas y algunos importantes galardones: Mención Especial en Valladolid, premio al Mejor Largometraje Español en el Festival de Gijón y premio del Jurado en Cheries-Cheris en París.

“Ser o no ser madre, esa es la cuestión”, empieza la sinopsis. Milagros, de 37 años, estira una juventud sin preocupaciones en sus últimos años de fertilidad mientras que Jonathan, de 24, busca consuelo a un abandono en su adicción a Grindr. Milagros huye de su cita de inseminación monoparental. Jonathan provoca un encuentro con un amor de infancia. La carretera y la amistad alivian la desorientación que provoca la engañosa libertad de principios de siglo XXI.

Una delirante road movie llena de música, donde una misteriosa sirena con una corona mágica guiará el viaje, que “gira en torno a la amistad, el deseo de maternidad y la adicción a las aplicaciones de encuentros”, comentan las directoras, quienes se han inspirado en un filme de 1982 del cineasta Gonzalo García Pelayo, Corridas de alegría. “Esa película es el punto de partida”, explica Royo. “Respetamos el sentido de la libertad que tiene ese trabajo -hay quien dice que Gonzalo es el único representante de la Nouvelle vague en España- y decidimos ser libres nosotras también. A partir de ahí, creamos algo totalmente nuestro”.  

Soltar el control

De hecho, Sobre la marcha (traducción de On the Go) era el título original del filme de García Pelayo, una historia de carretera a través de Andalucía en busca de una dama desaparecida, protagonizada por un preso fugado y un amigo trilero. Royo y de Castro se llevaron la historia a su terreno y se liaron la manta a la cabeza, pero muy pronto los problemas, especialmente presupuestarios, las obligaron a modificar sus planes.

“Lo bueno es que estábamos capacitadas para entender que todo lo que habíamos escrito podía no rodarse”, comenta De Castro. “Es una posición complicada, pero al mismo tiempo, contábamos con un equipo dispuesto a responder a eso, a esa improvisación constante”. Por ejemplo, apunta Royo, “por temas de presupuesto hubo tres escenas que se cayeron, y entonces decidimos generar un espacio con Patricia Caballero, nuestra actriz, mientras el equipo estaba descansando”.

Caballero, a su lado, asiente. “Todo este carácter loco o desastroso, según se mire, le da a la película el encanto que tiene”, asevera. “Es un trabajo que está vivo en cada momento, todo puede pasar. Las directoras hicieron un trabajo increíble para soltar sus ganas de controlar y dejar que la película tomara su camino con aquello que los demás pudiéramos aportar. Y eso ha quedado reflejado en nuestros cuerpos, nuestras miradas”.

Como se ha señalado, la música tiene un protagonismo especial. “Corridas de alegría fue una radiografía de la riqueza musical del momento, y nosotras queríamos mantener la esencia de esa intención”, dice Royo. “Metemos mucha música de esa época y también plasmamos lo que pasa en Andalucía en este momento. Álvaro Romero, Juan Luis Matilla o Paco Soto están presentes en el filme”.

De Jodorowsky a Tarantino

“Yo también soy músico y la música forma parte de mi vida”, apunta De Castro. “Para mí es un personaje más de la película. Y los montadores, Paola y Sergio, han tenido muchísima decisión sobre las canciones, hicieron unas aportaciones alucinantes. La banda sonora de On the go ha sido todo un honor… Y también muy cara”.

En cuanto a las referencias que habían planteado, subrayan que sobre el papel iba a ser un proyecto “muy ecléctico”, como de hecho ha sido. “Hablamos de Jodorowsky, de Pasolini, del Death proof de Tarantino… ¿Cómo concilias todo eso? ¿Qué iba a salir de esa mezcla? Las dos tenemos ese punto ecléctico, no había ningún miedo al respecto, y al final encontramos una coherencia precisamente en la asunción de un estilo muy libre y en la aceptación de una diversidad estética muy amplia”.

Claro que no tardaron en aparecer los inconvenientes: desde una parte del rodaje que acabó velado al llegar al laboratorio –“a ese nivel de riesgo trabajábamos”, indican– al hecho de que un mes antes del rodaje se cayera el director de fotografía o una de las actrices principales. “Muchas de estas cosas las hemos puesto en los créditos”, dicen con una sonrisa.

Entrega total

“Lo único que podíamos hacer es compensar con una entrega total a la causa”, agrega De Castro, “todos los problemas se han compensado con dedicación y más dedicación. Lo que sí teníamos claro era que todo el mundo tenía que cobrar, el proyecto debía ser profesional de principio a fin, aunque no sabíamos adónde iba a llevarnos. En todo caso, cada vez que pensábamos ‘esto no sale’, nos reafirmábamos en que sí, tenía que salir”.

Así fue como On the Go llegó a los programadores, con el principio y el final sin rodar por falta de dinero. “Fueron ellos los que nos dijeron que no teníamos que preocuparnos por ello, e insistían: chicas, aquí hay una película”. En cuanto al inspirador, García Pelayo, vio la cinta y no solo le gustó, sino que se emocionó en algunos momentos. “También dijo que hay cosas que no entendía”, ríen las directoras, “pero estaba contento porque se había respetado su espíritu”.

Ahora, paradójicamente, On the Go cuenta con distribución para varios países, de Alemania a Taiwán, pero todavía no en España. Todo se andará. Lo importante, creen sus artífices, es que ha logrado llegar al público y hasta gustar a algunos jurados. Como dice Royo, “Es una película llena de imperfecciones y de magia”.

¿Hacia dónde va el cine andaluz? ¿Tiene futuro? ¿Hay relevo generacional? ¿Sigue yendo gente al cine en Andalucía? ¿Cuadran las cuentas del sector? Estas fueron algunas de las cuestiones que ha planteado una mesa redonda con representantes del audiovisual sureño, que ha tenido lugar en el Antiquarium de Sevilla, en el marco del Festival de Cine Europeo de Sevilla (Seff).

Entre los participantes ha figurado Filomeno Martínez, presidente de la distribuidora European Dreams Factory especializada en “cine con valores”, quien ha comenzado explicando que “el sector la exhibición para por unos vaivenes similares al recto del audiovisual”, y ha tenido que atravesar en los últimos años vicisitudes como la transformación al cine digital y la crisis de la Covid, “pero los que nos dedicamos a este negocio tenemos un entusiasmo grande por él. El cine engancha a pesar de las dificultades”.    

La productora Marta Velasco, actualmente al frente de la Academia de Cine, ha recordado que “yo no lo tuve fácil por ser mujer, pero me siento orgullosa de que en la generación que viene no se le pregunte a las chicas del sector, como me preguntaban a mí, si son actrices, como si no fuera posible que sean directoras o productoras”.

Pisando fuerte

Precisamente respecto a ese relevo generacional, Velasco ha señalado también que “viene mucha gente detrás, y pisando fuerte”, y aportó un dato como prueba: “El año pasado, en los premios Carmen recibimos 40 o 50 obras con sello andaluz, este año es un centenar”.

A su lado, el también productor José Alba, presidente de la Asociación Andaluza de Productoras de Cine (Ancine), quien alguna vez se mostrara optimista ante la posibilidad de “convertirnos en un referente mundial del audiovisual”, ha confirmado que “hay mucha gente joven en todos los niveles, pero yo mismo siento que estoy empezando, a pesar de los años que llevo en este oficio. Esto se tarda mucho en aprender”.

Por su parte, Rogelio Delgado, presidente de la Asociación de Empresas de Distribución Audiovisual de Andalucía (Aedava), ha aportado algunos datos significativos, como que “el 70 por ciento de los cines andaluces están en centros comerciales”, y ha mostrado la cara más negra del audiovisual: “Estamos en un negocio que el primer año de la pandemia perdió el 80 por ciento de los espectadores, y ahora estamos en la esperanza.

Valor de pantalla

En lo que respecta a las cifras, ha explicado que las empresas distribuidoras han aportado en el último ejercicio más de 355 millones de euros y mantenido más de 3.000 puestos de trabajo, pero sigue siendo todo un reto llenar las salas en estos tiempos de pospandemia y diversificación de la oferta de ocio. “¿Por qué vamos al cine? Es una cuestión difícil de responder en España, porque aquí se han perdido los estudios sobre el uso del tiempo libre. Quizá habría que preguntar por qué no van al cine los que no van. Las mujeres van más que los hombres, se ha perdido público de mediana edad y también de mayores. El cine sigue siendo una buena opción para los espectadores jubilados”, ha señalado, al tiempo que subrayaba que los gustos de los espectadores se reparten entre las “comedias, películas de acción, de ciencia-ficción… Evasión en resumen”.

¿Hacia dónde vamos?, se ha preguntado al fin, para responder a renglón seguido: “A un proceso de reestructuración de las salas, a una búsqueda de películas con valor de pantalla (que hagan que alguien que está en su casa vaya a una sala de cine, paga su entrada y ocupe su butaca), a la aplicación de modelos europeos y al desarrollo de la Ley del Cine”.

Asimismo, el actor José Manuel Seda, representante de Artistas Intérpretes, Entidad de Gestión de Derechos de Propiedad Intelectual (Aisge), ha aportado algunos datos terribles sobre la situación de los profesionales del ramo: “Solo el 2,15 por ciento de los artistas españoles supera los 30.000 euros anuales, y el 58 por ciento de los andaluces no tiene trabajo en su sector. El 53 por ciento recurre a empleos no artísticos. Solo el 55 por ciento ha recibido ayudas en el teatro, y el 47 en el audiovisual, el 18 por ciento de los encuestados trabaja sin contrato…”, ha enumerado.

“En términos laborales, es la situación más dramática del panorama nacional, junto con Valencia”, ha dicho Seda, quien no obstante ha querido abrir una ventana a la esperanza, con matices: “Según los últimos estudios, la empleabilidad ha crecido… Pero las condiciones laborales han empeorado. Definitivamente, el audiovisual es una profesión vocacional para valientes… Y eso sin contar con que ya acecha en el horizonte la famosa Inteligencia Artificial”.

La tercera de España

Finalmente, Rafael Sánchez Jiménez, responsable de la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (Egeda), ha querido resaltar que Andalucía aporta en torno al 12 % de la producción audiovisual nacional, con 29 largometrajes y 21 documentales el año pasado. “Si tiene un 18 % de la población española, las cifras vienen a decir que es la tercera región productora tras Madrid y Cataluña”, ha apuntado.

Sánchez Jiménez ha anunciado además que desde Egeda “hemos abordado por un lado un área educativa, por otro un impulso al crowfunding, que no está muy arraigado en España pero sí funciona muy bien en Inglaterra, por ejemplo, y una tercera iniciativa para intentar facilitar los procesos de contratación de las empresas”, ha enumerado.

“Estamos en un sector clave y estratégico, por su notable capacidad de crecimiento y por el empleo de calidad que va a crear”, ha proseguido Sánchez Jiménez, para quien es necesario convencer a los inversores de que se trata “de los sectores que menos morosidad tienen, es decir, de los más seguros para invertir”.

Si hay una directora que haya explorado el deseo y la sexualidad en el cine contemporáneo sin la menor concesión a la moralina, ésa es Catherine Breillat. Parisina de 1948, la autora de filmes como Romance, Anatomía del infierno o Una vieja amante ha protagonizado una charla en el espacio Antiquarium con la gestora cultural Cristina Consuegra, en el marco del Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF), en el que ha explicado su personal idea del oficio cinematográfico y evocando algunos hitos de su carrera.

Breillat recuerda que “empecé con 17 años escribiendo novelas y soñando con llevarlas luego al cine. Desde ese momento ya se me consideraba escandalosa, alguien a quien quemar como una bruja, sin que para nada fuera mi propósito. Yo solo quería expresarme libremente”, comenta. “Mis películas han suscitado a veces odio, reacciones virulentas, y siempre me preguntaba por qué generaban esa violencia. Luego lo entendí: el arte consiste en contestar preguntas que no se hacen, que no se han hecho nunca”.

Esa estela de provocación la persiguió durante décadas. Su filme Romance, por ejemplo, que contó con el actor porno Rocco Siffredi junto a la actriz Caroline Ducey, “llegó 20 años después de haber escrito sobre el tema en mi debut como novelista, Romance helado, y mucha gente pensaba que era imposible llevarlo a cabo en el cine. Yo sí creía que podía hacerlo, incluso con relaciones sexuales no simuladas, y me dispuse a trasladarlo a la pantalla. Como el título de la película indicaba, no era una historia caliente, quería hablar de la alienación, de las películas X pero también de la X del cromosoma… Es lo que me gusta del cine, la posibilidad de abrir un amplio abanico de sentimientos, mostrar las cosas y sus contrarios”.

Cine para no pensar

La cineasta define este emblemático título como una película “sobre la filosofía a través de la identificación sexual”, subraya. “Es como buscar el Grial, pero ahora pienso que no tuve la suficiente valentía para ir demasiado lejos hacia la pornografía, no fui lo bastante valiente. Para mí era un filme conceptual, con un aspecto plástico muy acentuado, inspirado en Georges de La Tour. Pero al terminarla estaba un poco atormentada, creía que me había quedado una película muy fría, el montaje final me pareció horroroso y la odiaba, pero acabó siendo un éxito mundial. Y se convirtió en una película espejo, hubo mujeres que se divorciaron después de verla. Me decían que sentían que estaba hecha para ellas, de modo que quizá no fuera tan marginal como yo pensaba”.      

Luego llegó Anatomía del infierno, una cinta de carácter autobiográfico y notable sofisticación “que habla de las cosas propias que desconocemos”, dice. “Suelo decir que me gusta lo ultra-íntimo. Me defino como una cineasta de emociones desde un discurso real, verdadero, que hable de mí y de los otros también. Ir lejos en este sentido, para que el espectador no pueda trabajar de esas emociones, que son las suyas en definitiva”.

Pero también tenía muy claro qué no quería: “He huido de las exigencias del cine comercial. Me da igual que no se considere cine de entretenimiento, por supuesto es bueno entretener pero hay que hacer también pensar a la gente, y de hecho hay un cine concebido para que la gente no piense”, asevera. Y hay más: “En mis películas he intentado siempre huir de la moda, que es lo que se pierde más rápidamente. Ni mi vestuario, ni mis peinados, responden a esos cánones, trato de que sean intemporales. Estar al margen de todo eso convierte q tus películas en cierto modo en marginales, pero hace que duren más”.   

Proteger al espectador

Breillat recuerda asimismo que, tras una proyección en Nueva York, la prensa le preguntó para qué público hacía sus películas. La respuesta fue inmediata. “Para mí misma”, repuso. “Van Gogh no se cortó una oreja para obtener beneficios, sino porque vivía atormentado. La integridad del arte es no hacer trampa, ahondar en los sentimientos, y eso es lo que intento hacer, aunque he renunciado a ganar mucho dinero con mis películas. No es eso lo que me interesa hacer”.

A cambio, la directora no está dispuesta a ceder a ningún tipo de censura, mucho menos a las que apelan a “la protección del espectador”, como le ocurrió una vez en España. “Una mujer me dijo que mis películas podían lastimar a la gente, y por eso había que protegerla. Yo respondí que la gente adulta tiene derecho a ver cualquier película que se le ofrezca, no solo las tonterías que se hacen para que no piense. Un filme en sí mismo nunca puede ser peligroso. Lo peligroso es pensar que la gente es tonta. Hablar de películas peligrosas supone de hecho un desprecio para la gente, no me gusta”.

Para Breillat, la dirección no consiste en “dar órdenes y tratar de controlarlo todo”, sino en atender tres aspectos fundamentales: la escritura, es decir, el guion; los actores, que ahondan en los personajes, y el montaje, “que es donde propiamente realizamos la película, y donde sobre todo hay que intentar no cortar lo que llamo los planos mágicos”, subraya la creadora, que se considera más una “ponedora en escena” que una directora en sentido estricto.  

Contenido moral

Y aunque se considera feminista, se muestra en contra de cierto feminismo que, en la vida social y en las redes, “ha querido imponer un orden moral riguroso, feroz. Esas cadenas no me interesan. Soy una mujer libre, no se me puede dictar lo que debo pensar ni lo que mi cine tiene que contar. El odio a los hombres no me interesa, aunque alguna vez me han preguntado si lo sentía. En absoluto. Y lo mismo me preguntaban sobre las banderas. Quiero representar a la gente como es, y en mis películas también aparecen aspectos muy tiernos de los hombres”.

Por último, cuando desde el público se le comenta que hay jóvenes hoy que, desbordados por la oferta del deseo, optan por el celibato, Breillat afirma que no podría hacer un filme sobre eso. “No soy asistente social”, ríe. “No puedo forzarme a hacer algo que no responda a una pregunta que yo me haga. En mis películas no hay un aspecto moral, no intento imponer un orden o un castigo a nadie. Prefiero la época de Jules y Jim a la nuestra, que siempre está pensando en el castigo, en la reprobación. El que esté libre de pecado, que tire la primera piedra”.   

Aquello de que una puerta se cierra y otra se abre sirve también para el cine. Le sirvió al menos a Virgina García del Pino (Barcelona, 1966), a quien la decisión de descartar un proyecto la llevó a otro más interesante. El resultado es La estafa del amor, un filme estrenado en la última edición de la Seminci de Valladolid que ahora llega al Festival de Cine Europeo de Sevilla para abrir el debate en torno a las nuevas y viejas formas de relacionarse sentimentalmente.

Todo empezó, como tantas otras veces, con una noticia en prensa: un delincuente conocido como El estafador del amor seducía a mujeres para obtener beneficios económicos. “A partir de que salió absuelto de bastantes de los delitos de los que le acusaban, empecé a preguntarme qué lugar tenía el amor en nuestra legislación”, recuerda la directora. “Escribí un guion para una película sobre ese estafador, rodé algunas secuencias y en seguida me pareció que resultaba muy aburrido contar todo aquello sabiendo lo que iba a pasar, estaba todo demasiado mecanizado. Pero se me ocurrió que quizás podía hacer otra cosa, y surgió este otro proyecto”.

No obstante, el giro definitivo lo dio una invitación a García del Pino para impartir un taller. “Les propuse aprovecharlo para rodar una película en directo, en la que los participantes harían de público”, señala. La idea era leer el guion del proyecto fallido, mostrar secuencias y permitir que cualquiera pudiera intervenir en cualquier momento. También se decidió invitar al plató a expertos en la materia, “gente que ha investigado sobre el amor romántico, sobre las relaciones en la era digital… Un sociólogo, un antropólogo, una escritora y un filósofo, frente a 21 personas que van dando voz a sus historias personales”.

Mercantilización del amor

La primera conclusión que García del Pino extrae del experimento es que “se ve que las cosas no han cambiado tanto. La impronta del amor romántico tiene mucho peso hoy, y esto tiene consecuencias cada vez más desfavorables. A diferencia de los tiempos pasados en los que una pareja era un pacto de dos familias en el que los contrayentes no tenían nada que decir, cuando surge el amor romántico puedes elegir por fin a tu pareja, pero la cosa va desvariando, y unida al machismo ha traído algunas alegrías, pero también muchas desgracias”.

“La película”, prosigue la cineasta, “habla de por qué seguimos utilizándolo, cuando sabemos que es algo que no funciona por pura estadística. Pero se trata de una cinta esperanzadora, optimista, con mucha comedia. Todo nos lo aplicamos a nosotros mismos, especialmente preguntarnos por qué nos duele tanto cuando nos deja una pareja. Una joven espectadora, al salir de una proyección, me dio las gracias porque hacía tiempo que no salía de una sala de cine sintiéndose tan comprendida”.

García del Pino incide también en el hecho de que ese amor romántico sea objeto de mercantilización constante, “aunque creo que no le queda mucho tiempo, pero da igual: si ahora mercantiliza el amor romántico, en el futuro lo hará con otro. Hay demasiadas películas y canciones que perpetúan ese modelo”, afirma. “No obstante, creo que la gente evoluciona, y que el feminismo es un movimiento que no hay quien lo pare. Aquello que nos impusieron las novelas románticas es hoy rechazado de plano”.

Claro que quizá no baste con rechazar un modelo, como dar con la alternativa adecuada. La directora lo tiene claro: “La alternativa es un amor más tranquilo, no tan sublimado, que consista sobre todo en cuidar al otro y que el otro te cuide, o a la otra, o cuidarse entre tres o cuatro, y que no haga falta estar todo el día atontado con alguien, o pensar que si no estás con esa persona te mueres. Hay muchos amores bonitos y de verdad que no tienen nada que ver con ese modelo. Lo otro está obsoleto y hace sufrir. La cosa puede ser mucho más sana”.

Reflexión y buen humor

Para la creadora barcelonesa, la idea de relación “para toda la vida” es lo primero que habría que empezar a abolir, entre otras cosas porque la señala como una de las causas de la violencia machista que cada año se cobra tantas víctimas. “La idea de compañía vitalicia alimenta muchas fantasías, es como si fuera el hallazgo de un tesoro. Pero yo no he hecho esta película para eso, sino simplemente para ayudar a que la gente no sufra”.

Tampoco pasa desapercibido el enfoque estético de esta producción, rodada “casi como si fuera un programa de televisión, pero dentro de un cine. Lo hice así por añoranza de acudir a las salas, la sensación de formar parte de una comunidad en silencio y a oscuras, y luego comentar lo que has visto al salir”, afirma. Además, la grabación cuenta con música improvisada en directo, a cargo de Maite Arroitajauregi Aranburu (Mursego).

“No hubo segundas tomas”, concluye Virginia García del Pino, quien recuerda que aquellos cuatro días de trabajo acabaron siendo una aventura “trepidante y divertidísima”, cuyo resultado son 75 minutos de reflexión y buen humor que el público sevillano va a disfrutar estos días, y quién sabe si terminar replanteando sus ideas sobre el amor, bajo esta promesa de su directora: “Sales con ganas de más”.     

Robot Dreams encierra una historia sobre el poder de la amistad, protagonizada por un perro y un robot que logra conmover porque “es mucho más que emocionar”. Por eso, cuando Pablo Berger, director de Blancanieves (2012), terminó la novela gráfica del mismo nombre firmada por Sara Varon, vio en su mente “la película acabada” y un final “tan poderoso” que quiso compartir, adaptándolo a la gran pantalla desde su visión cinematográfica. Se aventuró entonces a crear su primer filme de animación, pero para ello necesitaba implicar a “los mejores compañeros de viaje”. De ahí que llamara a José Luis Agreda para proponerle ser el capitán de la dirección de arte.

El ilustrador sevillano aceptó de inmediato, aunque le asaltaran dudas –“¿me interesará la historia?”–. Incógnitas que se esfumaron en el momento en que conoció a Dog y Robot, y se dejó enamorar por una película que tiene “corazón y alma”. A partir de ahí, se embarcaron juntos en el proceso de construir –“mano a mano”– el universo en el que los protagonistas cobrarían vida en el Nueva York de los años ochenta.

Los entresijos de esa aventura que ha durado más de cuatro años se pueden contemplar recogidos en una exposición inaugurada recientemente en el marco de la 20 edición del Festival de Sevilla (SEFF), que se celebra en la ciudad hasta el próximo 29 de noviembre. La muestra, comisariada por el propio José Luis Agreda, se puede visitar hasta el domingo 10 de diciembre en la sala de exposiciones del Ayuntamiento hispalense. Este espacio ofrece un recorrido por el entramado artístico de Robot Dreams, pasando por las distintas fases de la creación de esta joya de la animación que está llamada a ser “la película del año” en este campo, según manifestó en la inauguración Manuel Cristóbal, nuevo coordinador del SEFF, demostrando que se trata de una las propuestas de animación más relevantes del 2023 en toda Europa.

De los primeros pasos hasta el diseño final

Un total de seis paneles informativos integran esta exposición que sirve para dar a conocer de manera “didáctica” el trabajo de un departamento “no demasiado reconocido” como es el de Arte, tal y como explicó José Luis Agreda durante el acto inaugural. El recorrido comienza con una aproximación a los primeros pasos que fueron dando el director artístico y el director y guionista de la película, Pablo Berger, en un ambiente de absoluta “complicidad” y “confianza”. El objetivo de esta fase inicial era definir el estilo gráfico de los fondos, atmósferas y personajes que iban a habitar el universo cinematográfico de Robots Dreams, partiendo de los diseños originales del cómic homónimo de Sara Varon, hasta dotarlo de unos recursos expresivos que consiguen hacer latir el largometraje con personalidad propia.

Una vez decidido el estilo y el tono de los dibujos (plasmados en el storyboard), llega el momento de concretar a los personajes. Algo parecido a la fase de casting en ficción, en la que los ilustradores ofrecen varias opciones al director y este decide cuál es el prototipo que encarna mejor su idea del personaje. La evolución que han experimentado los protagonistas desde los primeros bocetos hasta el diseño final se puede observar en el segundo de los paneles que conforman la muestra.

Al igual que la novela gráfica, la adaptación cinematográfica de Robot Dreams prescinde de los diálogos para asumir el reto de escribir, a partir de imágenes y música, un cuento audiovisual “donde todo es posible”. En lugar de palabras, el departamento de Arte se ha servido del color y la luz de la ciudad para lograr transmitir las sensaciones de los personajes, concediendo al espectador las herramientas con las que recrear en su imaginación las conversaciones, emociones y reflexiones de los protagonistas. De esta forma, las mismas localizaciones reciben un tratamiento diferente, en función de las estaciones, los estados mentales y, en definitiva, de las necesidades dramáticas que marcaba la narrativa.

Un viaje al Nueva York de los años 80

En paralelo, el equipo de Arte ha concedido especial importancia a diseñar los decorados y espacios en los que transcurre la trama. Para Pablo Berger, esta película es su particular “carta de amor a Nueva York”, la ciudad donde vivió durante diez años. De modo que le interesaba que los fondos de este mundo de animación “respirasen verdad”, en palabras de su compañero Agreda, quien se inició en la dirección de arte con Buñuel en el laberinto de las tortugas.

En ese sentido, buena parte de la exposición está dedicada a explicar con detalle el proceso de creación de cada uno de los barrios de la ciudad, concebida como un personaje más. De ahí que los ilustradores crearan desde la premisa de transmitir autenticidad y evocar la identidad que caracteriza a cada distrito, esbozando un retrato fiel de sus habitantes y su arquitectura urbana. Por todo ello, la cuarta película del director de Abracadabra (2017) se presenta como “un viaje” en el espacio y en el tiempo, que lleva al espectador directamente al corazón de Nueva York a mediados de la década de los 80 y lo invita a pasear por Central Park, perderse en China Town o alojarse en un apartamento ubicado en Chelsea, el mismo barrio que acogió a Pablo Berger durante una década.

De hecho, durante un encuentro con estudiantes celebrado este viernes en el Cine Cervantes dentro de las actividades del proyecto SEFF Educación, el propio director y guionista de Robot Dreams ha confesado que el filme esconde numerosas referencias a su propia historia de vida. Desde la canción que vincula a los dos protagonistas (September, “una de mis favoritas”), hasta la casa en la que vive Dog (una réplica de la suya cuando vivió en Nueva York) o la dirección que figura en una de las postales que aparecen en la cinta y que se corresponde con su último alojamiento en la ciudad neoyorquina.

Recomendada para niños y mayores

Esas han sido algunas de las curiosidades que ha compartido Pablo Berger, después de que el alumnado de diferentes institutos sevillanos asistiera en exclusiva a la proyección de la película que se estrenará en el Festival de Sevilla este sábado 25 a las 17:00 y en cines el 6 de diciembre. A continuación, los jóvenes han podido resolver dudas y profundizar en la historia de Dog y Robot conversando con Pablo Berger y José Luis Agreda. Durante el coloquio, algunos estudiantes han tratado de rebatir el final de Robot Dreams con sus creadores, quienes han tratado de tranquilizar al público diciendo que “las películas no acaban aquí, los personajes siguen viviendo” y avanzado “en primicia” que ya piensan en trabajar en una secuela.

Asimismo, el director de arte ha recomendado a los chavales que visiten la exposición ubicada en el Consistorio sevillano para poder profundizar en su proceso creativo y contemplar algunos objetos curiosos relacionados con la película, como fotos de su estreno en el Festival de Cannes, los pósteres de la película para Francia y España o el Premio Contracampo que ganaron en el prestigioso Festival de Annecy, el más importante del mundo en este género. 

Respecto a la muestra, el coordinador del SEFF manifestó en el acto de inauguración que con esta exposición “reivindicamos no solo la película, sino el trabajo artístico de un sevillano”. En esa línea, la delegada de Cultura del ayuntamiento de Sevilla, Minerva Salas, defendió que con la exhibición de este entramado artístico que precede a Robot Dreams se pone de manifiesto que desde la ciudad de la Giralda “se puede hacer, arte, cultura y cine”.

La película es, de hecho, “muy sevillana”, como ha afirmado el propio Berger durante el encuentro de SEFF Educación, en alusión a que dos de los miembros del equipo –al frente de funciones fundamentales como el montaje (a cargo de Fernando Franco) o la dirección de arte (encabezada por José Luis Agreda)– son de Sevilla.

Por todo ello, el comisario de la exposición se ha declarado “orgulloso” de que su ciudad rinda tributo a su trabajo y brinde la oportunidad a los aficionados al cine (y no solo de la animación) a adentrarse en el mundo de Dog y Robot. En ese sentido, ha indicado que si bien la exposición cuenta con un enfoque lúdico y con actividades para los más pequeños, está pensada también para el público adulto, pues la adaptación al cine de Robot Dreams tiene la capacidad de accionar las emociones más íntimas del espectador y de generar una conexión entre las vivencias de Dog y sus propios episodios de soledad, pérdida y superación, haciéndole recordar a ese amigo íntimo, a ese Robot, al que estará unido para siempre, aunque la vida los lleve por otros caminos.

La vigésima edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF) nació marcada por la etiqueta “especial”, tras sortear las turbulencias que estuvieron a punto de frenar su despegue el año en que aspiraba festejar su 20 aniversario. Especial —y atípica— ha sido la ceremonia de inauguración en la que Sevilla ha logrado soplar las velas y brindar por esa “historia de amor” entre el cine europeo y la ciudad de la Giralda, que cristalizó hace dos décadas “en un festival que ya tiene una trayectoria”, como ha recordado Concha Ortiz, la anfitriona de esta particular fiesta de cumpleaños.

Atípica por el escenario escogido para esta ocasión (con el Lope de Vega en plena reforma, el acto inaugural se ha trasladado a la Real Fábrica de Artillería, reconvertida en centro cultural y en “epicentro cultural del barrio de Nervión” tras su reciente rehabilitación), por la propia organización (al haber transcurrido de pie, la maestra de ceremonias ha encontrado dificultades para “interrumpir las interesantes conversaciones” que mantenían los invitados aun habiendo empezado el acto) y por no haber contado con su tradicional proyección de una de las películas punteras de la edición.

Lo que sí ha mantenido esta celebración ha sido la alfombra roja por la que han desfilado algunos de los rostros propios del sector cinematográfico y cultural europeo, que se dejarán ver en las salas de MK2 CineSur Nervión y la del histórico Cine Cervantes hasta el próximo miércoles 29 de noviembre. Pero no solo aparecerán proyectados en la gran pantalla, sino que el público podrá conversar con ellos durante los coloquios, encuentros y debates incluidos en el programa reducido de esta edición, que vuelve a apostar por acercar los espectadores a los creadores del cine de calidad realizado este año en el Viejo Continente por Catherine Breillat, Pablo Berger o Carlota Pereda, entre otros nombres fundamentales.

Además de todos ellos, la inauguración del SEFF 2023 ha contado entre sus asistentes y participantes con el miembro de la Academia de Cine Europeo (EFA), Antonio Saura, quien en su intervención ha hecho mención a los inicios turbulentos de esta edición, para terminar aplaudiendo que se haya logrado salvar, “a pesar de las dificultades”. Asimismo, el productor español ha manifestado públicamente la “relación estrecha” que une a la institución que representa con el Festival de Sevilla y ha brindado por que la ciudad andaluza “siga siendo faro de la cultura y cinematografía mundial”.

Dos Giraldillos para “dos emblemas del cine”

Sin embargo, los protagonistas de la gala han sido dos “emblemas del cine” que han contribuido a hacer el séptimo arte “mucho más grande”, en palabras de la delegada de Cultura del Ayuntamiento hispalense, Minerva Salas. En efecto, el Festival de Sevilla ha querido conmemorar sus 20 años de cine europeo rindiendo tributo a las trayectorias de la directora francesa Catherine Breillat y, de manera póstuma, a Juan Antonio Bermúdez, “uno de los miembros más queridos del SEFF” que fue programador de la sección Panorama Andaluz durante la última década, hasta que hace un año falleció de manera repentina y “demasiado pronto”, justo después de clausurar la edición 19 de ese festival al que se entregó en cuerpo y alma.

El primero de los homenajes de la noche ha sido para una mujer que lleva “medio siglo brillando detrás de las cámaras, hablando de lo que pocos se han atrevido hablar”. De esta forma, se ha concedido el Giraldillo de Honor 2023 a Catherine Breillat por abrir en el mundo del cine “el camino a tantas mujeres que han seguido sus pasos”, como ha señalado la responsable municipal de Cultura.

Por su parte, la directora francesa ha expresado su alegría y agradecimiento por ser la invitada de honor en esta festejo especial del cine europeo. Breillat es también una de las voces esenciales con las que podrá conversar el público en esta edición, que incluye entre sus proyecciones L'été dernier, la última película de esta “cineasta de las emociones” (como se ha descrito a sí misma), programada en la Sección Oficial. Después de recoger el galardón, Breillat se ha referido al poder transformador del cine de autor para impulsar al ser humano a “cambiar, conocerse y reencontrarse”. Y para que exista esa producción cinematográfica, ha puntualizado, “es necesario que existan festivales”.

Homenaje al talento andaluz

Aunque el de Sevilla ha perdido excepcionalmente su carácter competitivo este 2023, la organización ha querido entregar su máximo galardón a José Antonio Bermúdez, reconocido con el Giraldillo de Oro por “una vida entregada al séptimo arte” y por su “inconmensurable labor en el SEFF”. Su madre, Carmen Bermúdez, ha sido la encargada de recogerlo en su nombre con la mirada rebosante de lágrimas y de orgullo, por una “mezcla de emociones”, donde se funde “el dolor de su ausencia” con “la alegría” por recibir semejante reconocimiento en el marco de un festival “que fue su casa” y que Bermúdez defendió “para dignificar y poner en valor el cine hecho en Andalucía”.

“Ni Panorama Andaluz ni el SEFF serían lo mismo sin las ganas y el esfuerzo de quien nos dejó demasiado pronto”, ha declarado en ese sentido Salas, quien ha asegurado además que “su recuerdo y legado nos ha movido y empujado cada día para poder celebrar este aniversario”. Tras leer uno de los versos que José Antonio Bermúdez dedicó a la magia del cine, “la presentadora de todas las ediciones”, Concha Ortiz, ha retomado la gala abogando por poner la mirada “en el futuro”, eso sí, con la voz entrecortada, por recordar al “alma mater de la sección Panorama Andaluz de la que estamos tan orgullosos”.

Tanto es así que, coincidiendo con su vigésimo aniversario, el SEFF ha querido reforzar el papel de la sección que concede una panorámica a la creación andaluza, doblando el número de obras que la componen. Frente a los ocho títulos de la pasada edición, el menú de la sección andaluza contará en esta ocasión con algo más del doble de películas que son ejemplo de coproducciones internacionales y estatales, de cine de autor, de documentales sobre la historia de la tierra andaluza y otras de corte más creativo e innovador.

Arranque de una edición especial

Las notas de emoción que han salpicado la gala han estado punteadas durante toda la velada por las actuaciones de Gloria del Rosario, la violagambista Johanna Rose, la cantaora Alba Carmona y el cuarteto de cuerda Totem Ensemble, que se han encargado de dotar a la celebración de su clásica ambientación sonora, desde que la “familia” de la cultura y la cinematografía sevillana se fue reencontrando en el vestíbulo decorado con los 20 carteles de las ediciones pasadas, hasta que el alcalde de la ciudad, José Luis Sanz, pronunciara las últimas palabras del acto para dar comienzo de manera oficial al SEFF 2023, comprometiéndose a “empezar a trabajar desde ya entre todos” en el futuro del Festival, que aspira a “llevarlo a todos los rincones de Sevilla”, en aras de que siga “siendo un pilar fundamental de la agenda cultural de esta ciudad”.

Por delante, seis días cargados de citas con “lo mejor del cine europeo”, según ha garantizado el coordinador de este evento, Manuel Cristóbal, en referencia a la selección de 90 películas (entre cortometrajes y largometrajes) que se van a proyectar en la ciudad, conformando un tapiz de la actualidad cinematográfica europea en géneros, enfoques y temáticas.

A falta de película en el acto inaugural (como dicta la tradición del festival), el broche final lo ha puesto la banda de cornetas y tambores de Las Cigarreras de Sevilla. Y como marco, la Fábrica de Artillería, “un símbolo de la capacidad de la arquitectura como motor de cambio urbano”, que ha acogido el festejo de la principal cita cinéfila de la ciudad para escenificar que el cine es en sí mismo motor de la sociedad. Y sirve para aquello que Juan Antonio Bermúdez consideraba lo más importante: “que todo el mundo tenga pan y paz”.