El director del Museo de Santa Cruz de Toledo, Antonio Dávila, será nuevo Académico correspondiente por la provincia toledana en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. La Junta General de esta institución, con sede en Madrid, ha tomado esta decisión por unanimidad, según ha trasladado el Museo de Santa Cruz, apuntando que responde a la trayectoria académica y profesional de Dávila, así como por “la calidad de los méritos que concurren en el nuevo académico”.

El nuevo académico

Antonio Dávila, es director del Museo de Santa Cruz y sus filiales desde el 31 de marzo de 2022, hace ahora cuatro años. Es licenciado en Geografía e Historia, especialidad de Prehistoria, por la Universidad Complutense de Madrid, tiene también el Máster en Informática del Centro Superior de Estudios de Informática y de Investigaciones Económicas y Sociales, dependiente de la Universidad Pontificia de Salamanca.

Funcionario de carrera del Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos desde 1997, ha ejercido sus funciones en el Palacio Real de Madrid, Museo Arqueológico y Dirección General de Patrimonio Histórico de la Comunidad de Madrid y Delegación Provincial en Guadalajara, de la Consejería de Educación, Cultura y Deportes de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha.

En este tiempo ha llevado a cabo trabajos relacionados con la gestión de colecciones de museos y con la conservación y protección del Patrimonio Cultural, pudiéndose destacar la elaboración y dirección técnica del proyecto museológico y museográfico de la exposición permanente del Museo Arqueológico de la Comunidad de Madrid, la ordenación y gestión de las colecciones museográficas, documentales y bibliográficas de ese museo, la coordinación de los inventarios de bienes muebles de Patrimonio Nacional, etc.

Tiene decenas de publicaciones de artículos y ha presentado ponencias y comunicaciones sobre temas de Arqueología, en especial sobre la Edad del Bronce y la Edad del Hierro en la Meseta, Museología, así como otras cuestiones relacionadas con el Patrimonio Cultural.

Igualmente, ha impartido docencia en el Máster en restauración arquitectónica de la ETS de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid y en el Máster en Historia y Ciencias de la Antigüedad, de las universidades Autónoma y Complutense de Madrid, habiendo participado en diferentes proyectos de investigación internacionales en España y Francia.

El 28 de mayo de 2024 defendió su tesis doctoral, 'La edad del bronce y del hierro en el bajo Valle del Henares; la tierra, sus gentes, sus hábitats', que tuvo lugar en el Salón de Grados de la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad Complutense de Madrid.

Compartirá con Jesús Carrobles Santos, Ramón Sánchez González y Santiago Serrano Rueda la corresponsalía académica por la provincia de Toledo.

Puede ser una de las últimas veces que uno pueda ver a uno de los grandes actores de este país sobre un escenario. Josep María Pou tiene ya 82 años y aunque no anuncia retirada, puede que no ande lejos. Es una gozada verle en escena. Este actor está lleno de sabiduría en el gesto, en el tiempo de la frase, en cómo asentar cada palabra en el cuerpo. Y además, en esta ocasión lo hace con el teatro que él siempre defendió, un teatro de ideas, inteligente y que busca el cuestionamiento y la reflexión del respetable.

Gigante es un combate dialéctico donde muchas de las cuestiones morales de nuestro tiempo, como la cancelación, la libertad de opinión o el dilema de si artista y arte tienen que ir de la mano, se ponen en juego. Pero también es un retrato psicológico de una de las figuras más complejas de la literatura del siglo XX: el gran Roald Dahl. 

La obra retoma el escándalo que supuso un artículo publicado por Dalh en la Literary Review en 1983. Una reseña sobre un libro de fotografías sobre el bombardeo israelí sobre Beirut publicado un año antes: Dios lloró, del periodista australiano Tony Clifton y la fotoperiodista francesa Catherine Leroy. El artículo, No es un asunto caballeroso, es duro, escrito desde una izquierda militante que exige a los judíos levantarse contra la actuación del Estado israelí en la llamada Primera Guerra del Líbano. 

Pero el artículo también está lleno de dejes racistas e injustificados. Frases como “nunca una raza generó tanta piedad en todo el mundo para tan rápido, en el espacio de la vida de un ser humano, conseguir que esa simpatía se convirtiese en odio y repulsión”, hacen temer a sus editores que las bibliotecas y las asociaciones de libreros pudieran vetar sus libros.

Gigante transcurre en la casa en obras del propio Dahl. El escritor se ha separado de su mujer, la actriz Patricia Neal, y está comenzando vida con quien sería su segunda mujer Felicity Crosland (Victòria Pagès). Llegarán para convencerle de que se retracte de sus palabras su editor inglés Tom Maschler (Pep Planas) y una jefa de ventas de su editorial americana, Jessie Stone (Clàudia Benito).  

En Inglaterra, esta obra escrita por Mark Rosenblatt, se estrenó en el Royal Court en septiembre de 2024, justo un mes antes de la masacre del 7 de octubre que dio comienzo al genocidio israelí en Gaza. La protagonizó uno de los actores más solventes y maravillosos del celuloide anglosajón, John Lithgow. El éxito fue tal que subió al West End, al teatro Harold Pinter, y acabó ganando tres premios Oliver, el de mejor actor entre ellos. 

La obra lo tenía todo, muy buena carpintería teatral, un conflicto, el árabe israelí, que estaba todos los días a 5 columnas en todos los periódicos, una figura tan británica como Roald Dahl; y un tema, el de la cancelación de un gigante, que en Londres era imposible no relacionar con la controversia de la autora de Harry Potter, J.K. Rowling, por sus opiniones sobre las mujeres trans. Con buen olfato, Josep María Pou se hizo con los derechos. 

A cara de perro

Gigante está divida en dos actos con intermedio. La acción transcurre en tiempo real. El primer acto comienza como una obra costumbrista de mesa y camilla en el que vemos al escritor, inteligente y maniático, trajinar en su vida diaria. Incluso uno diría que la cosa no avanza. Pero de pronto, con la llegada de la editora americana, la obra se convierte en un verdadero juego dialéctico de alta tensión que acaba en puro combate a cara de perro. Pocas veces he visto un final del primer acto tan efectivo y abrumador. 

En el segundo acto se ahondará en ese combate de ideas y, al mismo tiempo, irán surgiendo aristas que irán haciendo bailar la opinión que tiene el público sobre cada personaje y sobre los argumentos que cada uno de ellos esgrimen. Pero quizá lo más interesante, más allá de la esgrima intelectual sobre el conflicto árabe israelí, radica en la complejidad con que la obra va dibujando al propio Roald Dahl. 

Ahí vemos a un hombre debatirse entre su razón y sus prejuicios, le veremos defender su independencia intelectual sabiendo que tendrá que pagar por ella un precio; y seremos testigos de cómo con los años, con la vejez, los prejuicios, eso que llevamos grabados en el subcórtex cerebral, ganarán la partida al razonamiento. Ese dibujo complejo de una de las personalidades más cautivadoras de la cultura inglesa del siglo XX es ciertamente apasionante. Y ahí, Pou, juguetón y sabio, da toda una lección. 

La escenografía, con esa casa en fabricación, como si fuera una metáfora de la propia cabeza del escritor, ayuda a esta lectura, la apoya y la acompaña. La verdad, que el montaje, de la productora Focus, reúne a todo un plantel del teatro catalán más veterano y solvente. El elenco responde, incluso la joven Clàudia Benito se sube a la chepa de Pou en algunos momentos. Y la dirección, del veterano Josep María Mestres, da ritmo. Todos, en general, hacen un trabajo de una factura, aunque un tanto viejuna, de calidad. 

Pero volviendo a la pregunta del titular: ¿qué pasa cuando tu escritor favorito de infancia es un antisemita de libro? Porque la obra acaba, otra vez basada en declaraciones verdaderas del propio Dahl, dejando claro que el autor inglés sufría de un antisemitismo recalcitrante. Una de las respuestas podría ser: nada. También habrá quien no vuelva a leer Charlie la fábrica de chocolate de igual modo. Incluso quien decida no dar a sus hijos a leer Las brujas, o esa maravilla llamada James y el melocotón gigante. Aquí las opiniones irán por barrios. 

Pero lo que también la obra deja claro es que cuando un gigante de la cultura puede caer, las instituciones que lo arropan y viven de él intentan salvaguardar su buen nombre, aunque haya que deformarlo. Algo que últimamente al pobre Roald Dahl no deja de pasarle.

No hay más que ver lo que hizo la hija de Dahl, que dirige su fundación, con las últimas ediciones publicadas de este coloso de la literatura infantil. Este periódico contó muy bien cómo cercenaron su antología de cuentos completos para adultos de manera inexplicable. Sus cuentos infantiles también han tenido que pasar por el filtro de la corrección política donde tantas veces se confunde la inclusión con lo pacato. También lo contaba muy bien Raquel Marcos Oliva en este artículo. De lo que se trata es de seguir vendiendo libros. No lo duden. 

Un apunte sobre el tema israelí. En aquella Primera Guerra del Líbano murieron más de 20.000 libaneses, el 84% fueron civiles y se llevaron horrorosas limpiezas étnicas en los campos de refugiados palestinos con más de 3.500 muertos. El problema es que Roald Dahl extendió a todos los judíos los males del gobierno israelí, llegando incluso a justificar a Hitler. Dahl era un referente de la izquierda en su país y la obra levanta la alfombra para mostrar que el racismo y la intolerancia no tiene bando político.

La obra tiene la virtud de incomodar el status de la izquierda que, como sabemos, es proclive a creer detentar ciertos pruritos éticos. Aun así, aquí, en España, en la patria que se erigió sobre el honor de una expulsión y cientos de años de Inquisición gloriosa, la obra provoca ciertos ecos chirriantes. La derecha y los ultras españoles, en el conflicto aún irresuelto en Gaza, han tildado de racistas las críticas al actual gobierno de Sharon. No es difícil de imaginar a algún espectador saliendo de esta obra contento porque ha podido confirmar sus tesis hiladas por los discursos de Ayuso o del propio Feijóo. 

Es curioso que la derecha española que desayunó todos los días de su infancia con aquel contubernio judeo-masónico del ultra catolicismo franquista hoy sean los grandes humanistas que han venido a salvar el nombre del gran pueblo de Judea. “Los adultos son criaturas llenas de caprichos y secretos”, que decía Roald Dahl en Matilda. 

Son 135 obras y ocupan una sala más o menos modesta de la primera planta del Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), la mayoría de ellas, salvo notables excepciones como la de la cabeza de Cristo de Jaume Cascalls de mediados del siglo XIV, de calidad artística más bien modesta. Permanecen colgados de pantallas, junto a las cajas donde llevan guardadas desde 1939.

Se trata de las últimas obras a las que el SDPAN, el Servicio de Defensa del Patrimonio Nacional franquista, colocó el membrete de “Recuperado del enemigo”, sello con el que se quería hacer constar una suerte de gesta de salvación del patrimonio que en realidad no ocurrió.

Tal como explican los comisarios de la exposición que lleva por nombre precisamente Recuperado del enemigo, Gemma Domènech y Eduard Caballé, investigadores del Institut Català de Recerca en Patrimoni Cultural (ICRPC), en casi la totalidad de los casos, lo que se produjo a partir de la caída de Barcelona en manos franquistas en febrero de 1939 fue “un traspaso administrativo desde la Generalitat Republicana al SDPAN.

Una apuesta del MNAC por la memoria y la transparencia

En el MNAC y en otros museos catalanes, el servicio republicano de salvaguarda del patrimonio se ocupó de recoger el patrimonio artístico de valor de iglesias, instituciones y colecciones privadas para protegerlo durante la guerra. Los lotes se guardaron en depósitos hasta la caída de Catalunya en manos franquistas.

A partir de entonces, diversos responsables museísticos se encargan de entregar los lotes y los libros registrales de cada lote a las autoridades del SDPAN –creado en 1938 para gestionar el patrimonio de las zonas conquistadas por los sublevados–, que le colocan su famoso membrete: “Recuperado del enemigo”. “Se trata de un acto propagandístico de cara a su bando, para destacar una supuesta heroicidad, pero lo que recibían estaba perfectamente ordenado y clasificado”, destaca Eduard Vallés, director de colecciones del MNAC.

Vallés enmarca la exposición en dos ámbitos distintos pero a la vez interconectados. Por un lado, “hacer un ejercicio de transparencia, de memoria y de restitución en tanto que la exhibición de las obras puede servir para que los descendientes de algunos propietarios puedan reclamarlas”.

Por el otro lado, el museólogo sitúa esta muestra de piezas del SDPAN “en un ámbito mayor como es el del arte en la guerra civil, que tendrá sus salas en el nuevo museo ampliado y al que ya hemos dedicado diversas exposiciones”. Una de ellas fue el pasado año Museu en perill (museo en peligro), donde se ilustraban las peripecias para poner a buen recaudo las obras durante la guerra, especialmente por los bombardeos, y cómo muchas se trasladaron a Francia para ser exhibidas finalmente en París.

Obras de poca calidad

Tanto los comisarios de la muestra como los directores del MNAC destacan la poca calidad de las obras expuestas, con la citada excepción de la cabeza de Cascalls y alguna talla renacentista. “La mayoría de pinturas proceden de artistas poco conocidos o que iniciaban sus carreras durante la guerra y después desaparecieron, por lo que muchas de las obras no han podido ser atribuidas y figuran con autor anónimo”, explica el comisario Eduard Caballé.

Añade Vallés que “también durante la guerra los servicios republicanos tuvieron a veces poco margen para realizar tareas de investigación y atribución”. También Caballé explica que el SDPAN instituyó un servicio de retorno de obras a partir de 1939 en el que los supuestos dueños debían reclamar las obras atribuyendo diversos padrinos dentro del bando franquista.

“Era poco probable que alguien del bando republicano se atreviera a reclamar”, destaca el investigador, que agrega que entre 1939 y 1945 el SDPAN restituyó la mayoría de las obras 'recuperadas del enemigo' y guardadas en el MNAC, hasta quedar las que a partir de hoy se exhiben.

19 obras devueltas desde 1990

Desde entonces y en el periodo entre 1990 y 2010, se han restituido 19 de las obras a sus legítimos dueños, herederos o familiares del artista, como sucedió con 11 cabezas del escultor Emiliano Barral, fallecido en 1936 y que fueron devueltas a sus familiares.

Pero la pregunta que queda en el aire es si las obras que no han sido reclamadas y tienen interés artístico son las del bando republicano o bien, por el contrario, hubo reclamaciones desde el bando franquista de obras de calidad que en realidad no les pertenecían, pero que les fueron concedidas igualmente.

Según la comisaria e investigadora del ICRPC Gemma Domènech, “no podemos certificar que fuera así, pero suponemos, en buena lógica, que determinadas personas con poder en el nuevo régimen franquista acudieron a reclamar obras de gran valor con certificados de titularidad que no eran debidamente verificados y a veces simplemente mostrando su antigüedad en la Falange”. Así se explicaría el nivel modesto de las obras que quedan.

En todo caso Recuperado del enemigo es una muestra valiosa por la profunda investigación que hay detrás por parte de los comisarios del ICRPC, y en especial de Caballé, que centró su tesis doctoral en la actividad del SDPAN. Caballé ha explicado que su trabajo se ha centrado en la atribución que ha sido posible en algunas de las obras, y no descarta que la muestra ponga en contacto las pinturas y tallas con descendientes de los antiguos propietarios, aunque puntualiza que “nosotros nos limitamos a las cuestiones académicas”.

Los comisarios han aclarado que las pertinentes reclamaciones tendrían que ir dirigidas al Ministerio de Cultura y este requeriría los preceptivos documentos que acreditasen la propiedad, el vínculo de sangre con el artista, etc. Si bien cierran avisando: “no es un proceso sencillo”.

Debido al accidente ferroviario provocado por el choque de dos trenes en Adamuz, el Ministerio de Cultura ha aplazado el acto el acto de entrega de las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2024 que estaba previsto para este martes, día 20 de enero, en el Teatro de Rojas de Toledo, así como la cena en honor de los premiados.

La actriz Carmen Machi o el dúo Camela son dos de las 38 personalidades e instituciones de la cultura que el Ministerio de Cultura premia con la entrega de estos galardones, que de momento queda aplazada sin nueva fecha.

Al acto iban a asistir los Reyes de España, Felipe VI y Letizia, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun; el presidente de la Junta de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page; así como el alcalde de Toledo, Carlos Velázquez. Todos ellos han cancelado sus agendas en señal de duelo por el siniestro ferroviario.

La actriz Carmen Machi o el dúo Camela, serán dos de las 38 personalidades e instituciones de la cultura que el Ministerio de Cultura premiará con la entrega de las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2024 que tendrá lugar en Toledo el próximo 20 de enero.

Esta ceremonia que tendrá lugar en el Teatro de Rojas de la capital toledana, contará con la presencia de los reyes de España, Felipe VI y Letizia, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun; el presidente de la Junta de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page; así como el alcalde de Toledo, Carlos Velázquez.

Premiados con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes

El Consejo de Ministros, a propuesta del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, aprobó en diciembre de 2024 la concesión de las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes a destacadas personalidades como la escritora Elvira Lindo, la actriz Maribel Verdú o el actor Eduard Fernández, el cantante José Mercé o el grupo Camela.

Del ámbito de la música, también fueron reconocidos el cantante y compositor Robe Iniesta, que falleció el pasado diciembre; el grupo musical Los Planetas; el cantante y compositor Kase o el cantante de ópera Carlos Chausson Gracia; y el representante musical José Emilio Navarro Viña 'Berry'.

En cine y teatro, han sido distinguidas las actrices Maribel Verdú, Aitana Sánchez-Gijón y Carmen Machi; el actor Eduard Fernández; el actor y director teatral Josep María Pou; la directora y productora cinematográfica Chelo Loureiro Vilarelle; el director, guionista y productor cinematográfico Pere Portabella; la supervisora de efectos visuales Laura Pedro Albiol; la dramaturga, directora de escena, bailarina, actriz y poeta visual Ana Vallés; y el director, dramaturgo y gestor cultural Luis Guillermo Heras Toledo, a título póstumo.

También han reconocido en el ámbito de las artes escénicas a la bailarina y coreógrafa Mónica Rodríguez Runde; y al Centro de las Artes del Circo Rogelio Rivel.

De igual manera, recibirán la distinción la cómica y presentadora Eva Hache; la diseñadora de moda Juana Martín; la gestora cultural Encarna Lago González; los expertos en derechos culturales Alfons Martinell Sempere y Jesús Prieto de Pedro; el Colectivo Llámalo H; y la Fundación Voces para la Conciencia y el Desarrollo.

La Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes es un reconocimiento que distingue a las personas y entidades que hayan destacado en el campo de la creación artística y cultural o hayan prestado notorios servicios en el fomento, desarrollo o difusión del arte y la cultura o en la conservación del patrimonio artístico.

El Gobierno de Castilla-La Mancha ha declarado oficialmente el 'Damasquinado de Toledo' como Bien de Interés Cultural (BIC), enmarcado dentro de la categoría de Bien Inmaterial, reconociendo de esta forma uno de los oficios artesanos “más emblemáticos y representativos de la identidad histórica y cultural de la ciudad”, tal y como se ha publicado este 14 de enero en el Diario Oficial de Castilla-La Mancha.

Esta declaración ultima un expediente iniciado en enero de 2025 por la Viceconsejería de Cultura y Deportes, que contó con un periodo de información pública, evaluación de alegaciones del sector y de la Fundación Damasquinado de Toledo, además de con el informe favorable de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo. Tras corroborar sus valores históricos, artísticos y sociales, la Consejería de Educación, Cultura y Deportes elevó la propuesta al Consejo de Gobierno, que la aprobó el pasado martes.

El proceso para crear “piezas únicas”

El damasquinado es una técnica decorativa que consiste en la incrustación manual de hilos o láminas de oro y plata sobre hierro o acero, mediante un proceso artesanal de “gran complejidad y precisión”. Comienza con el 'picado', donde el artesano traza, con una punceta, una delicada red de surcos sobre la superficie metálica, generando la textura necesaria para recibir el metal precioso.

A continuación, llega la incrustación, la etapa más minuciosa, en la que el artesano guía con una mano los finos hilos de oro de 24 quilates, mientras la otra los fija con precisión usando un punzón. Una vez asegurado el diseño, la pieza se somete al pavonado, un tratamiento químico que, a altas temperaturas de entre 700 y 800 grados, oxida el acero hasta lograr un negro intenso y uniforme, resaltando el brillo dorado con un contraste impresionante. Finalmente, mediante el sombreado y repasado, se aporta profundidad y movimiento a las figuras, empleando bruñidores y punzones para crear sutiles juegos de luz y sombra que dan vida a cada detalle.

Una “manifestación cultural viva”

Aunque sus orígenes se remontan a civilizaciones antiguas como Egipto, China, y más tarde en la cultura visigoda en la península ibérica, no es hasta el XVI que empieza a popularizarse en España. En Toledo esta técnica alcanzó un desarrollo singular, especialmente a partir del siglo XVIII con la fundación, en 1761, de la Real Fábrica de Armas por el rey Carlos III.

Desde ese momento, el damasquinado quedó ligado a la ciudad, primero a través de la producción de armas y objetos de lujo y, después, por la amplia variedad de piezas decorativas y de uso cotidiano. A lo largo de los siglos XIX y también buena parte del XX, Toledo experimentó una “edad dorada” de este oficio, con la proliferación de talleres artesanos en el Casco Histórico y la consolidación de una tradición que se ha ido transmitiendo de maestros a aprendices a lo largo de generaciones.

Por otro lado, la Fábrica de Armas y la Escuela de Artes y Oficios también desempeñaron un “papel fundamental” en la producción y formación de damasquinadores, donde muchos de ellos alcanzaron reconocimiento a nivel nacional e internacional. A pesar de la aparición de una producción industrial mecanizada en las últimas décadas, el damasquinado artesanal permanece vivo y mantiene sus técnicas tradicionales.

La declaración como BIC implica la aplicación de medidas de protección y salvaguarda destinadas a garantizar la documentación, conservación, difusión y transmisión del oficio. Entre ellas se incluyen acciones de investigación histórica y etnográfica, programas educativos, iniciativas de divulgación cultural, señalización de espacios históricos vinculados a los talleres y el fomento del uso de técnicas tradicionales y certificaciones de origen.

Con este reconocimiento, las instituciones subrayan el valor del damasquinado no solo como una técnica artesanal, sino como una “manifestación cultural viva”, estrechamente ligada a la historia, la imagen y la memoria colectiva de Toledo, y cuyo futuro pasa por conjugar tradición, formación e innovación.

Por otro lado, señalan la “necesidad” de que el damasquinado toledano actual “encuentre sus lazos de relación con el eibarrés, entendiendo que en las dos localidades se mantiene una artesanía tradicional única en su género, cada una de ellas con sus peculiaridades que las diferencian, para, conjuntamente, fomentar su completo desarrollo”.

Dos asociaciones se felicitan por la declaración

La Asociación de Fabricantes de Productos Artesanos de la Provincia de Toledo y la Asociación de Comercio de Artesanía de la Ciudad y la Provincia de Toledo manifiestan su “satisfacción” y agradecen a la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha que el damasquinado de Toledo haya sido declarado Bien de Interés Cultural.

Ambas asociaciones han expresado su agradecimiento a la Consejería de Educación, Cultura y Deportes por haber tenido en cuenta sus alegaciones presentadas y por haber promovido, en base a ellas, “una declaración construida desde el diálogo, el consenso y el respeto a la realidad histórica y actual del damasquinado de Toledo”.

La resolución definitiva recoge, atendiendo a dichas alegaciones, una visión “amplia, rigurosa e integradora” del damasquinado, acorde con su dimensión histórica, social y productiva, así como con su evolución contemporánea, incluida la industrial.

También señalan que la resolución tiene en cuenta la evolución contemporánea del damasquinado, incluyendo el desarrollo de una producción industrial que, en colaboración con la artesanía tradicional, ha contribuido de manera decisiva a su preservación, continuidad y difusión. “Esta evolución ha permitido la adaptación del sector a los cambios sociales y económicos de las últimas décadas y ha reforzado su presencia y proyección en los mercados nacional e internacional”, subrayan.

Ambas asociaciones desean destacar el esfuerzo realizado por la Junta para alcanzar un acuerdo que no ha sido fácil, pero que ha permitido que las dos realidades del damasquinado, la artesanal y la industrial, confluyan en una declaración común.

“Este acuerdo demuestra que tradición e innovación no son realidades enfrentadas, sino complementarias, y que historia y evolución desde una visión integradora, garantizan la continuidad del damasquinado como manifestación cultural viva”, sostienen.

Asimismo, ambas asociaciones reiteran su apoyo al sector artesanal del damasquinado y subrayan la importancia de impulsar la formación de nuevos profesionales como garantía de continuidad del oficio.

Fundación Damasquinado: “No se ha declarado BIC a un sector productivo”

Sin embargo, las apreciaciones de estas asociaciones empresariales son bien distintas a la que expresa la Fundación Damasquinado de Toledo, impulsora en su petición expresa al Gobierno de Castilla-La Mancha para declarar BIC al milenario oficio. Esta entidad rechaza sus “interpretaciones” y en un comunicado traslada “una aclaración estrictamente basada en el contenido literal del Acuerdo del Consejo de Gobierno de 13 de enero de 2026, publicado en el Diario Oficial de Castilla-La Mancha” y que considera “imprescindible”.

Subraya que el Gobierno castellanomanchego “no ha declarado como Bien de Interés Cultural a un sector productivo ni a un conjunto de productores, sino a un bien inmaterial cuyo objeto de protección son los valores culturales, técnicos y de transmisión del oficio tradicional del damasquinador, conforme a lo dispuesto en la Ley 4/2013 de Patrimonio Cultural de Castilla-La Mancha y la Ley 10/2015 para la salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial”.

Añade que las referencias contenidas en el texto publicado en el Diario Oficial de la comunidad y que aluden a la existencia de producciones industriales tienen “un carácter meramente histórico y descriptivo, y no forman parte del objeto protegido, ni aparecen recogidas en la parte dispositiva del acuerdo ni en las medidas de salvaguarda”. En este aspecto sostiene que “se orientan de forma expresa a la documentación del oficio, la transmisión generacional, el patrimonio oral, la educación, la sensibilización social y la defensa de certificaciones de origen, calidad y empleo de técnicas tradicionales”.

Por otro lado, explica que la utilización de la definición académica del término 'damasquinado' “no determina por sí misma el ámbito de protección del Bien de Interés Cultural, que viene delimitado por su categoría de Bien Inmaterial, por su justificación cultural y por las medidas concretas de salvaguarda previstas en el propio Acuerdo”.

Se recuerda que el hecho de haber presentado alegaciones “no equivale jurídicamente a quedar incluido en el ámbito protegido del Bien de Interés Cultural, ni altera la naturaleza ni la finalidad de la declaración”.

La Fundación reitera finalmente “su respeto” hacia todos los agentes vinculados al damasquinado de Toledo, pero reclama “rigor, coherencia y el sentido real de una declaración BIC cuyo objetivo último es evitar la desaparición del damasquinado artesanal como patrimonio cultural vivo de la ciudad”.

El Espacio Belleartes de Cáceres acoge desde hoy día 9, Mecanismos propios, la nueva exposición de Fernando Cancho Rolo (Cáceres, 1981), un regreso cargado de significado para un artista que inició su relación con el arte en su ciudad natal y que hoy desarrolla su carrera desde Madrid. Conocido en redes sociales como Artktovi, Cancho vuelve a exponer en Cáceres tras una trayectoria marcada por la constancia, la investigación visual y una presencia cada vez más sólida en el circuito artístico nacional.

Su interés por las artes plásticas comenzó de forma temprana en la Escuela de Bellas Artes Eulogio Blasco, donde dio sus primeros pasos formativos. Tras varios años residiendo en Madrid, continuó su formación de manera independiente, un proceso que ha definido el carácter autodidacta, personal y coherente de su obra. En la actualidad, Fernando Cancho forma parte del elenco de artistas de Estudio Inverso, en el barrio de Carabanchel, donde tiene su estudio y desde donde articula su producción artística.

Mecanismos propios reúne trabajos que reflejan los rasgos esenciales de su lenguaje visual: una estética geométrica y colorida que se desarrolla a través de distintas técnicas y formatos. Su obra se nutre de influencias como el diseño, la arquitectura y la estética retro, con referencias directas a artistas como Peter Halley. El resultado son piezas que no se limitan a ser contempladas, sino que proponen una interacción directa con el espectador, generando espacios inversivos que buscan activar la percepción y la atención del público.

La trayectoria de Fernando Cancho se apoya en más de veinte exposiciones colectivas y más de quince exposiciones individuales en todo el territorio nacional. Ha mostrado su trabajo en ciudades como Madrid, Barcelona, Almería o Cáceres, con exposiciones individuales como Geometría COLOR_MEN, DUPRADO, #1981 o Geométricamente visibles. En el ámbito colectivo, ha participado en proyectos y galerías como Studio RGF, Est_ArtSpace, Factoría de Arte, CasaSur o Espacio Belleartes, donde ya había estado presente en anteriores ediciones de la Feria de Arte y Acción Arte Aparte.

Entre sus hitos recientes destaca su participación en Hybrid – Feria de Arte Contemporáneo 2024, su presencia en festivales como Cruza Carabanchel o ARTBATTALIONFEST25, así como su selección y posterior premio del público en el XII Certamen Calle25, organizado en el barrio madrileño de Lavapiés. Un reconocimiento que subraya la conexión directa de su obra con quienes la observan y habitan los espacios donde se muestra.

Más allá del formato expositivo tradicional, el trabajo de Artktovi ha tenido una amplia proyección en el espacio urbano. Ha desarrollado murales e intervenciones artísticas para festivales y proyectos como Cultura Inquieta, Contenedores de Arte o UrbanFest, así como colaboraciones con marcas e instituciones. En 2023 fue seleccionado por The Body Shop para crear la imagen de su tienda en la Terminal 4 del aeropuerto Adolfo Suárez Madrid-Barajas, un proyecto que posteriormente fue finalista en los Travel Retail Enjoy AENA Awards, en la categoría de marketing.

Su obra también está atravesada por un marcado compromiso social. A lo largo de los últimos años ha participado en subastas solidarias vinculadas a la pandemia de la COVID-19, la erupción del volcán de La Palma o la DANA en Valencia, además de colaborar con entidades como CESIDA en proyectos de arte positivo y visibilización.

La exposición que ahora presenta en Cáceres supone, así, un punto de encuentro entre el lugar donde nació su vocación artística y el presente creativo que desarrolla desde Madrid. Mecanismos propios no es solo una muestra de obra, sino el reflejo de un proceso continuo de búsqueda, evolución y afirmación de una identidad artística que sigue creciendo sin perder el vínculo con su origen.

Siempre preguntamos demasiado tarde. Cuando ya no hay respuestas posibles. Entonces tratamos desesperadamente de encontrar un hilo, un aliento que recupere lo que nunca quisimos escuchar. “Todo se hunde en la niebla del olvido, pero cuando la niebla se despeja, el olvido está lleno de memoria”, escribió Benedetti. Tratamos de rememorar la palabra escuchada en la infancia, buscamos a quienes aún sobreviven, rastreamos todo rastro posible dentro de ese olvido infinito de un mundo que tiende a conservar solo el recuerdo de los poderosos.

Las paredes de esta aula son de hormigón visto. Aún está vacía, pero en ellas resuenan conversaciones pasadas, ecos, encuentros memorables. Es la mítica Aula 1.11 de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Muchas voces pasaron por este lugar. Hoy aquí se celebrará la décima sesión de Sagita Magma, que reunirá a Nantu Arroyo y Oumaima Manchit Laroussi bajo el título “Cuerpos en duelo: operaciones simbólicas y contramarcos políticos frente a la violencia mediática”.

Conversamos con Oumaima Manchit Laroussi, artista e investigadora de la Universidad de La Laguna, sitúa su trabajo en la tensión entre archivo y oralidad, entre lo que se registra y lo que se transmite de cuerpo a cuerpo. “Estoy muy influenciada por todo este contexto del Sáhara, que como forma de resistencia política hacía justo el gesto contrario: no archivarse, ni en lo burocrático ni en cuanto a memoria. Me centro mucho en esta idea de la recogida de archivo de las comunidades beduinas del contexto saharaui, pero también me abro a toda esta construcción de la memoria del sur global”, explica.

“No tengo que representar a toda una comunidad”

Oumaima Manchit aclara que “mi voz no tiene por qué representar a toda una comunidad. Mi realidad es una, mis privilegios son otros y mi situación de clase y de acceso al conocimiento es otra. Siempre empiezo diciendo que hablo desde mi contexto y desde mi experiencia, y que no vengo a hablar de manera general”, cortando de raíz cualquier carga de representación colectiva que imponemos casi inconscientemente. “Creo que eso genera una violencia, porque lo individual no tiene por qué intervenir en lo colectivo”. Porque la identidad de una persona “no es una yuxtaposición de pertenencias autónomas, no es un mosaico: es un dibujo sobre una piel tirante; basta con tocar una sola de esas pertenencias para que vibre la persona entera”, escribió Amin Maalouf.

En su trabajo, la oralidad se reivindica como una técnica compleja de transmisión de conocimiento y sabiduría, en contextos donde la escritura ha sido impuesta como instrumento de control colonial. “Me veo en ese punto medio entre una sociedad que archiva en exceso y genera contenido de manera constante”, dice, “y, por otro lado, comunidades que se resisten y rechazan por completo esa representación, que además es consecuencia directa de todas las violencias y de cómo se ha contado siempre la historia”.

Me veo en ese punto medio entre una sociedad que archiva en exceso y genera contenido de manera constante y, por otro lado, comunidades que se resisten y rechazan por completo esa representación, que además es consecuencia directa de todas las violencias y de cómo se ha contado siempre la historia

La oralidad, explica, “es la que sigue el ciclo real de lo que es la vida, porque permite que se moldee, que entren otros cuerpos, otros relatos, que se sigan cuestionando cosas que el propio soporte fijo del libro ya no permite”. Y añade que “pensar siempre en cómo adaptar la realidad al formato cerrado del libro acaba impidiendo el acceso a cuerpos que no saben leer ni escribir. La escritura acaba decidiendo quién carga con la sabiduría y quién queda fuera, como si lo oral fuese lo absurdo o lo no sabio. (…) Todo lo que queda fuera no existe, se borra, no se recuerda”.

Para Oumaima Manchit, la ausencia de documentos escritos no es algo neutro, sino que está ligada a la violencia colonial, el exilio y el desplazamiento forzado. Nombres falsos, cuerpos no localizados y datos discrepantes impiden el duelo. “Cuando fallece mi abuela me enfrento a una de las primeras violencias: la propia lápida. Su nombre no es el real, su fecha de nacimiento está redactada con una X y los datos no guardan relación entre sí”, explica. “Entonces me pregunté cómo se llora una despedida y cómo se vive el duelo si todo ese [registro burocrático que agencia al sujeto] no es real.”

“Ahí es cuando empieza la búsqueda”, continúa. “Intento aferrarme a algo sólido y buscar el porqué del nombre incorrecto. Y ahí aparecen las consecuencias del exilio, del desplazamiento forzado, cuando las familias se separaban con la promesa de volver a encontrarse”. “Siempre se hablaba de los cuerpos perdidos. No desaparecidos: perdidos. Con la esperanza de que algún día volviesen a encontrar el camino de vuelta”.

Como recordó Elvira Dyangani Ose, directora del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), el censo, los mapas y los museos se crearon para limitar el territorio y la cultura, tanto material como simbólica, del otro. [Manchit Laroussi sitúa estas ideas en el marco de la teoría decolonial, que aboga por un desenmascaramiento y la subversión de las relaciones de poder que sostienen las nociones de centro y periferia].

Hace algo más de un mes participó en la exposición colectiva Palabreras de la muerte, en la Sala de Arte Contemporáneo SAC de Tenerife. Su intervención se articula a partir del uso del louh, una tabla de madera lavable heredada de las escuelas beduinas, que utiliza como casi como contramodelo del archivo monumental, incluso como lápida funeraria. Sobre este soporte escribe con tinta borrable mientras recita el texto de forma simultánea, de modo que ningún conocimiento queda fijado definitivamente en ella. 

“Para mí era importante rechazar esa idea de la lápida, de la piedra, de algo fijo. Este objeto invita a no cerrar, a escribirlo y reescribirlo tantas veces como haga falta, porque el duelo es interminable”. Su trabajo concibe el duelo como una experiencia heredada, corporal y colectiva: “el duelo no es algo que se supere o que se cierre, es algo que se carga”. No se trata de representar a los muertos ni de hablar por ellos, sino de acompañar su ausencia manteniendo la memoria en contextos donde los cuerpos, los nombres y los datos han sido históricamente desplazados o borrados. “Nosotras solo continuamos el duelo que han heredado generaciones”, explica.

Proyectos comunitarios

Los proyectos comunitarios de Oumaima Manchit Laroussi entienden la práctica artística como ejercicio de devolución y redistribución del conocimiento. “Lo que se hace no es para el mérito académico institucional, sino para devolver el conocimiento que se ha recibido”, afirma. Esta visión se materializa en proyectos donde la oralidad y el cuerpo activan espacios de transmisión colectiva y accesibles que “permiten que venga gente que ni siquiera sabe leer ni escribir”.

Lo comunitario es una forma de hacer en la que el arte opera como soporte de cuidado y memoria. Una idea desarrollada en su participación en el colectivo Al Akhawat, un grupo de artistas de la diáspora que trabaja desde el hermanamiento y el acompañamiento mutuo. El colectivo propone formas de trabajo donde “se desdibujan las jerarquías de quién puede hablar y quién no”, desplazando el foco hacia el proceso compartido. Proyectos como Hadhari, desarrollado en el espacio público de San Cristóbal de La Laguna, o Mujer y medio, centrado en la escritura, el lenguaje y el cuerpo femenino musulmán, comparten esta lógica comunitaria.

“Nacemos en el vientre materno, pero también, o, sobre todo, en la lengua materna…”, escribió Juan Goytisolo. En su trabajo, Manchit Laroussi regresa a la memoria de su abuela: “Para medir el tiempo comenzaba recitando los versos que había heredado. Eso marcaba el inicio del día. (…) Ella no sabía leer el calendario ni el reloj, y cómo transitaba el día era recitando versos. El día que murió, los vecinos dijeron que se dieron cuenta porque había dejado de recitar”. Como escribe la jóven poeta Benda Lehbib Lebsir, “Hoy estás y no estás y no sé dónde estarás. / Solo sé que allá donde estés en mí siempre vivirás.”

La entrevista con Oumaima Manchit Laroussi se realizó poco antes de su intervención en la sesión correspondiente de Sagita Magma. Seminario-Dopamina. Estética Política y Ontología de la Comunicación, celebrada el 25 de noviembre de 2025, en el Aula 1.11 de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (UCLM). La sesión, titulada “Cuerpos en duelo: operaciones simbólicas y contramarcos políticos frente a la violencia mediática”, fue un encuentro en el que participó junto con Nantu Arroyo. Este ciclo está coordinado por Ignacio Escutia, Andrés M. García Romero, Laura Budia Piña y Marina Álvarez, con la colaboración de la Facultad de Bellas Artes, la Facultad de Comunicación y la Facultad de Educación y Humanidades. El seminario se prolongará hasta mediados de diciembre, con trece encuentros que entrelazan filosofía, arte y pensamiento crítico.

Más, más, más. Más dopamina. Si se puede más, que sea más. Sagita Magma, el Seminario-Dopamina de Estética Política y Ontología de la Comunicación, que está abordando la condición contemporánea bajo la presión del exceso, examinando cómo nuestras sociedades gestionan su actualidad social, política y ecológica. Llegamos a la novena sesión, con un enésimo giro de guión que introduce nuevos elementos en cada una de sus sesiones. En esta ocasión, la propia disposición del espacio revisaba el concepto mismo de espacio académico, como si Divine pudiera irrumpir en cualquier momento por la puerta de ojo de buey ante la mirada perpleja de un claustro de profesores togados de hace dos siglos. Una atmósfera a medio camino entre la performance y la provocación intelectual, que rompe los límites entre lo visual y lo conceptual, y posibilita que el pensamiento se mezcle con la acción artística.

El Salón Antonio Saura se cubrió de proyecciones magmáticas en paredes y techo de Marta Feiner, que estuvo presente, convirtiendo esta sala en un espacio híbrido entre ponencia e imagen, creando esa pasarela entre arte y filosofía de la que hablarían Alberto Morán Roa (ESIC University) & Bea k.m-p., protagonistas de la sesión. “La relación siempre es mucho más magmática: se alimentan mucho más, se apoyan mucho más y al final cuesta incluso hacer una línea clara de dónde empieza y dónde acaba una cosa u otra”, explica Alberto Morán. “Suelen ir de la mano; al final son movimientos culturales y, de hecho, son puntos de vista que cuando los unes enriquecen el debate”, refuerza Beatriz k.m-p.

La sesión llevaba por título 'más, Más, MÁS: Afectos, compulsiones y expresiones del deseo en el capitalismo' y la película de Waters Pink Flamingos, de la que posteriormente hablarían en la sesión, es la metáfora perfecta de un mundo que parece potenciar únicamente lo higiénico y lo productivo. Una propuesta que situaba el foco en ese régimen de excitación constante que demanda ampliar siempre los propios límites. Como explicó Morán: “Una cosa es saber que deberías estar cuidándote más por dentro y otra muy distinta poder hacerlo”. Una brecha casi estructural en una sociedad que conduce al borde del agotamiento.

En esa “magmaticidad”, como la llamó Morán, que posibilita el mestizaje disciplinar imprescindible, articulando filosofía y arte como estrategia para pensar nuevas disposiciones afectivas y otros modos de exponerse digitalmente. Morán lo describe con un énfasis revelador: “No es solamente una pata económica, no es solamente un diseño tecnológico; es también mitos, símbolos, imágenes, relatos, narraciones. Al final es todo un entramado muy denso”.

“Hablamos de cosas como lo aspiracional, el individualismo, la libido objetual, la compulsión, el asesinato, la figura de acabar con el otro, la sociedad como política, el castigo, las mecánicas de desactivación política”. Se trata, explica Morán, de un sistema complejo que organiza la vida desde dentro de los sujetos, sus deseos, su sentimiento de culpabilidad o su tendencia a la autoexplotación. Y añade: “La configuración de una forma de estar en el mundo no se puede hacer a partir de dos o tres pinceladas, sino que requiere de una urdimbre, de toda una serie de vectores trabajando de forma muy bien sincronizada”.

Habitamos en un régimen de atención 24/7 que disuelve la frontera entre ocio y trabajo, exigiendo una continuidad laboral forzada. “Trabajo más horas de las que puedo y aun así siento que todo se me escapa”, explica Morán. La exigencia se vuelve una forma de tortura aceptada, una manera de rendirse ante un orden que no se cuestiona, sino que se interioriza. “Mejoraría si supiera decir que no, pero luego digo que sí a todo”, replica Beatriz Morales, una frase que condensa la dimensión afectiva y política del sometimiento cotidiano.

“Estamos en un modelo en el que, si no has conseguido esto, es tu culpa. La responsabilidad se deposita exclusivamente en el individuo, aunque lo que te han entregado está ya diseñado para engancharte”, señala Morán. El diseño afectivo del capitalismo acaba convirtiendo al sujeto en culpable de su propio agotamiento. La culpa funciona como energía inagotable del rendimiento. “Tengo que ver cuál es mi marco de límites y cuánto me permito y cuánto no quiero permitirme”, explica, señalando que la renegociación de los bordes subjetivos se convierte en el único lugar donde aún puede ejercerse un mínimo de libertad.

“No es cuestión de protegerte frente a un mandato externo, sino precisamente… protegernos frente a lo que queremos”, explican. Es una defensa, la necesidad de una “ética del límite” como contrapunto al exceso neoliberal, de la que habla el filósofo coreano Byung-Chul Han, sobre el que Alberto Morán realizó la tesis doctoral titulada 'Las redes de la nada: Cartografía del pensamiento de Byung-Chul Han: trazados y recepción crítica', (UNED, 2022).

La conversación avanza hacia la idea de una “totalización del aquí”, un tiempo devorado por la presencia obligatoria, donde la simultaneidad se convierte en forma de vida. Beatriz lo expresa: “Me siento como si existiera siempre en varios sitios a la vez, pero sin estar del todo en ninguno”. El sujeto queda disperso entre pantallas, notificaciones y demandas que nunca cesan. “Me despierto y tengo cincuenta mensajes. Me duermo y tengo cincuenta más”, replica Morán, añadiendo que “parece que todo el rato estás llegando tarde a algo”. Este miedo a quedarse fuera de algo, FOMO, Beatriz Morales lo resume en la frase “Quiero una vida menos llena”.

Mirar ya no es solo ver, como diría Berger: es exponerse. “Siento que tengo que documentarlo todo para que no se pierda”, explica Alberto, mientras Beatriz completa el diagnóstico: “Al final, subo cosas que no quiero solo porque parece que toca”.

La ausencia de una política capaz de frenar a las grandes tecnológicas, que no solo gestionan información, sino también afectos e imaginarios, desactiva incluso la posibilidad de decir “hasta aquí”. Morales lo expresa con precisión: “A veces cierro todo y dejo de postear durante semanas, pero esa retirada no me protege del mandato invisible que me vigila desde la interfaz”. En medio de todo ese ruido, la creatividad funciona como un pequeño respiro. Morán lo formula con un “Cuando escribo, algo se recoloca”. Y Beatriz le hace eco: “Cuando dibujo, descanso de mí”. Pequeñas defensas contra el desbordamiento permanente.

A veces cierro todo y dejo de postear durante semanas, pero esa retirada no me protege del mandato invisible que me vigila desde la interfaz

Alberto Morán — Filósofo

Durante la sesión llegó el momento de las lentejuelas desbordadas y los cardados imposibles con una lectura conjunta del film de John Waters, Pink Flamingos (1972), que sirvió como base para una lectura del capitalismo como espejo de la inmundicia. “Nos dimos cuenta de que se podría establecer una analogía entre el deseo capitalista y el concepto de inmundicia que se va desarrollando durante toda la película… pequeños detalles de cómo interpretar la suciedad de un Estados Unidos capitalista. Divine se venga de los Marvel y su decisión es ejecutarlos y además humillarlos ante los medios. La suciedad es mi política”. Y añaden: “Esa suciedad como política es algo que vemos en el trato deshumanizado del otro, particularmente del otro migrante”.

Quizá el arte anticipa debates… en el arte se está discutiendo, quizá de manera intuitiva, debates que todavía socialmente no están puestos sobre la mesa

Beatriz k.m.-p, artista interseccional

Waters no se limitaba a burlarse del sueño americano. En Pink Flamingos, lo grotesco expone sin rodeos un mundo que clasifica cuerpos, que decide quién merece respeto y quién debe quedarse fuera. La suciedad, dentro de esa lógica, no es un gag ni una provocación gratuita, sino una forma de señalar las fronteras invisibles del sistema. Como explicó Alberto: “Los Marvel son villanos porque se creen el modelo aspiracional… Quieren destruir a Divine”. Lo que Waters ridiculizaba en los setenta habla directamente del poder y de las jerarquías que siguen estructurando nuestra vida social.

Quizá la única resistencia, un término tan desgastado, pueda pasar por aceptar menos, frente al “más, Más, MÁS” del título de la sesión. Menos velocidad, menos exposición, menos productividad. “Hay días en que siento que todo puede ir mejor”, explica Beatriz, y Alberto replica: “Cuando estoy con gente que me quiere, me calma”. Una pausa en el tiempo-mercancía.

Ese “todavía puede ir mejor” funciona como una ética mínima del cuidado, una apuesta por una subjetividad que consiga sobrevivir a la extracción infinita del presente. Beatriz lo enlazó de inmediato con el arte: “Quizá el arte anticipa debates… en el arte se está discutiendo, quizá de manera intuitiva, debates que todavía socialmente no están puestos sobre la mesa”. Recuperar una temporalidad que no esté devorada por la lógica algorítmica. Como escribió Byung-Chul Han en La esencia del tiempo: “La crisis temporal solo se superará en el momento en que la vita activa, en plena crisis, acoja de nuevo la vita contemplativa en su seno”.

Nota del autor: La conversación con Beatriz k.m-p. y Alberto Morán Roa tuvo lugar poco antes de su participación en la novena sesión de Sagita Magma, Seminario-Dopamina. Estética Política y Ontología de la Comunicación, celebrada el 20 de noviembre de 2025 en el Salón de Actos Antonio Saura de la Facultad de Bellas Artes del campus de Cuenca de la Universidad de Castilla-La Mancha.

La sesión, titulada más, Más, MÁS: afectos, compulsiones y expresiones del deseo en el capitalismo, los reunió en un dispositivo híbrido entre ponencia, ensayo visual y conversación performativa. Este ciclo, coordinado por Ignacio Escutia, Andrés M. García Romero y Laura Budia Piña, con la colaboración de la Facultad de Bellas Artes, la Facultad de Comunicación y la Facultad de Educación y Humanidades, se desarrollará a lo largo de trece encuentros que entrelazan teoría crítica, arte y pensamiento contemporáneo.

En noviembre de 1874, concretamente el día 9 en Córdoba, vino al mundo Julio Romero de Torres, que sería un pintor simbolista y uno de los más populares de su tiempo, según recogen crónicas del momento y compañeros de la cultura, siendo famoso entre los cafés de Madrid con amistades de la talla de Valle-Inclán, Santiago Rusiñol, Ortega y Gasset o Benito Pérez Galdós.

El pasado 2024 el 150 aniversario de su nacimiento fue uno de los más celebrados, y un año después el pintor andaluz sigue en uno de sus mejores momentos en un mes en el que se han recuperado dos obras ‘perdidas’, una de ellas regresando a su Córdoba natal tras ser adquirida en Madrid.

El gran momento de la obra de Julio Romero de Torres

De hecho, no solo por ello, sino que Córdoba vuelve a celebrar a Julio Romero de Torres durante el mes de noviembre al que dedica un ciclo en su museo y diferentes puntos de la localidad con teatro, conferencias o visitas guiadas que pasan por la obra y vida de su “pintor más universal” en palabras de la alcaldesa.

Todo ello llega después de que el pintor que mejor retrató a la mujer andaluza vendiera un cuadro en Londres, ‘La Cordobesa’ en la casa Roseberys en Londres por más de 120.000 euros, 237 veces más del precio inicial de 400 euros por ser considerado ‘falso’ al estar descrito como “pieza de su círculo” y que habría sido pintado fuera de España, porque era desconocido por ámbito especializado, como ha confirmado el diario Cordópolis a través de un experto, pero que sí estaba a través de una fotografía entre el archivo del museo propio.

Esta noticia ha llegado poco después de que una de las obras que se consideraban ‘perdidas’, ‘Pensativa’, fuera adquirida por el cirujano Blas García y haya regresado así a Córdoba. En ella, retrató a Marina Lebret, y se le había perdido la pista en Argentina, y probablemente repatriada durante los años del “corralito”.

Quién fue Julio Romero de Torres, el pintor que mejor retrató a la mujer andaluza

Nacido en Córdoba en 1874 e hijo de un pintor, Rafael Romero Barros, entonces director del museo de Bellas Artes, fue un artista precoz que inició su formación a los 10 años y estaba realizando sus primeras obras a los 16. Así, a los 21 ya debutó en los circuitos madrileños con el cuadro “¡Mira qué bonita era!” en la que daba un homenaje a una antigua novia que había muerto a los 15 años inspirado por una copla dedicada a la Virgen de la Consolación de Utrera.

No lo tuvo fácil, pues si bien su popularidad fue creciendo, siendo conocido en los cafés literarios de Madrid, en las tertulias del Café Levante, donde ganó amistad con personalidades de la cultura como Valle-Inclán, Benito Pérez Galdós y los también pintores Ignacio Zuloaga y Santiago Rusiñol, así como Ortega y Gasset, también sufrió importantes rechazos.

En 1897, de hecho, optó para una beca en la Academia Española de Roma, pero le fue denegada en parte por Francisco Pradilla, que llegaría a ser director del Museo del Prado. Y a su vez, algunas de sus obras despertaron escándalo como sucedió con “Vividoras del amor” en el que retrató a cuatro prostitutas, y que fue rechazado en la Exposición Nacional en 1906 por ‘inmoral’.

Sin embargo, su obra le fue generando popularidad con cuadros como “La musa gitana”, con la que alcanzó ese tinte regionalista junto al retrato de la psicología femenina. Murió temprano a los 55 años y en su funeral acudieron hasta 30.000 personas, una popularidad que no se ha marchado, y que se evidenció también con la imagen de ‘La Fuensanta’ en los billetes de 100 pesetas, en el que también apareció el retrato de Julio Romero de Torres.

La propaganda en el imperio británico del siglo XIX tuvo un papel fundamental, y las imágenes que acompañaron a esto las proporcionó una mujer, que supo captar el realismo de las batallas militares que moldearon el mensaje de heroicidad que se quería transmitir, en el que el aspecto humano que captó también jugó un papel que la convirtió en una de las pintoras más relevantes de la época victoriana.

Hablamos de Elizabeth Butler, más conocida como Lady Butler, que pasó a hacerse un nombre en el arte del siglo XIX cuando produjo obras que captaban los valores masculinos de la sociedad, como fueron el valor, sacrificio o la gloria que dejó ver en las imágenes de las batallas militares que recreó en sus cuadros.

Lady Butler, la mujer que recreó con realismo las batallas del imperio británico

Lady Butler nació como Elizabeth Thompson en 1846 en Lausana, Suiza, en la Villa Claremont, en el seno de una familia en la que recibió una esmerada educación, pasando parte de su infancia en Italia, donde comenzó su formación artística que siguió al ingresar en la Escuela de Arte femenina en South Kensington en Londres a los 20 años.

Poco tiempo después comenzaría a exponer, siendo sus primeras obras con temática religiosa, pero que no le valieron una aceptación y fue rechazada por la Royal Academy of Arts, por lo que se volvería a mudar a Italia, en concreto a Florencia, para continuar su formación artística.

En un viaje a Francia fue donde encontró su inspiración para adoptar el movimiento del realismo al ver las representaciones militares de Ernest Meissonier o Édouard Detaille, y sería lo que daría desarrollo a su primera gran obra, ‘Calling the Roll After An Engagement, Crimea’ también llamado ‘The Roll Call’, que mostraba un momento cotidiano durante la guerra de Crimea, en el que ingleses batallaron junto a franceses contra Rusia entre 1853 y 1856.

El realismo militar que ayudó a idealizar el imperio británico

Desde entonces, Lady Butler, que se llamó así desde que se casó con el oficial del ejército británico William Francis Butler en 1877, accedió a la red de galerías y exposiciones de la Royal Academy of Arts para dar a conocer su obra, que se centró en recrear batallas que sirvió para justificar de forma visual el ideal de la propaganda durante el imperio británico, con cuadros que adquirió la propia Reina Victoria.

En 1879, siendo una célebre pintora, Lady Butler se quedó a tan solo dos votos de ser la primera mujer elegida miembro asociada de la Real Academia, algo que no sucedió hasta 1922 y que fue Annie Swynnerton la protagonista, y que en 1936 sería Laura Knight la primera miembro de pleno derecho.

Tras las derrotas británicas en las Guerras de los Bóeres en Sudáfrica a finales de siglo, las imágenes de Elizabeth Butler perdieron popularidad y pasaría sus últimos años junto a su familia, sobre todo después de enviudar en 1910 y fallecería en el Castillo de Gormanston, en Meath, Irlanda, en 1933 a los 87 años.

Una muestra de media centena de pinturas del alemán Georg Baselitz, el 'Elogio del Hierro III' de Chillida o Ataria (bat), compuesta por obras de arte contemporáneo de artistas vascos son las escogidas para mostrarse en la recién estrenada sede del Museo Bellas Artes de Bilbao, que ha reabierto este lunes su edificio de 1970 tras los trabajos de rehabilitación contenidos dentro del plan de ampliación proyectado por Norman Foster y Luis María Uriarte. Con la renovación, el museo creado en 1945, gana cerca de 6.000 metros cuadrados de espacio expositivo, uniendo el nuevo al edificio antiguo y creando, como el propio director Miguel Zugaza, ha expresado “un museo con varias arquitecturas”.

La rehabilitación del edificio de 1970 ha sido ejecutada al tiempo que se construye la nueva arquitectura 'Agravitas' -ambos edificios compartirán el acceso desde la plaza Chillida y el núcleo vertical de comunicación-, y permite a partir de octubre de este año, desarrollar en el espacio actividades expositivas y educativas en la fase final de las obras. Desde el museo explican que su rehabilitación integral, que ha afectado a casi 6.000 metros cuadrados, “responde fundamentalmente a la necesidad de adaptar la estructura y las instalaciones a las actuales normas de seguridad y protección contra incendios demandadas por las administraciones, y ha requerido de un proceso técnico de gran exigencia y complejidad, por tratarse de un elemento de alto valor arquitectónico”. “La intervención ha resaltado los rasgos más significativos del edificio, pero sin eliminar las transformaciones de las que ha sido objeto a lo largo del tiempo, como el cierre del porche original, acometido en dos fases (1983 y 1993) según el diseño de Rufino Basáñez y Álvaro Líbano. Asimismo, el núcleo de comunicación del edificio reformado servirá al volumen de la ampliación Agravitas, de modo que se evitan duplicaciones y se favorece la eficiencia operativa”, detallan desde la pinacoteca.

Por su parte, 'Agravitas' ha sido concebido como un “edificio puente” que sobrevuela los edificios existentes y genera un gran espacio en el centro del citado eje: la plaza del Monumento a Arriaga, que queda ahora integrada dentro del espacio interior del museo. Con soportes en forma de V gigante, en concreto seis pilares en V, colocados tres a cada lado del edificio actual, de 71 centímetros de diámetro y 11,5 metros de longitud cada uno, el edificio se mantiene sobre el ya existente. Además de la creación de la nueva estructura, que ya está finalizada y sobre la que se asentará el nuevo edificio, también se han renovado los espacios de entrada al museo, que trazará un eje norte-sur, conectando las plazas Euskadi y Chillida con el objetivo de fortalecer la cohesión del museo con el contexto urbano.

Esa última parte es la que se ha mostrado este lunes, primero a los medios de comunicación, después a invitados y, el próximo miércoles, al público general. Zugaza en su intervención antes de realizar la visita guiada a medios de comunicación ha reconocido estar “conmovido” por la reapertura y “por volver a mostrar el arte en este edificio de exposiciones con artistas que cruzan sus biografías con la historia del propio museo y su permanente anhelo de contemporaneidad”.

La selección de obras abiertas al público

A partir del miércoles, el público del Museo Bellas Artes de Bilbao dos grandes exposiciones: por un lado la de Georg Baselitz titulada 'Pinturas 2014-2025. Algo en todo', comisariada por el historiador del arte Norman Rosenthal que reúne 50 obras realizadas por el pintor alemán en la última década, y por otro, 'Ataria (Bat)', una treintena de obras contemporáneas, que ocupa la planta baja del edificio, conocida como atrio.

Baselitz se trata de uno de los pintores más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. En la década de 1960 se dio a conocer con una pintura figurativa de gran formato y marcado carácter expresionista que se identifica con la generación que cuestionó los valores que desencadenaron la Segunda Guerra Mundial. Es por ello que Rosenthal, quien ha elegido qué obras se mostrarán en el Museo Bellas Artes, lo ha descrito como un “radical”. Los imponentes lienzos (algunos miden hasta 480 x 300 cm) abordan las obsesiones temáticas de Baselitz en imágenes extraordinarias impregnadas por la persistencia de la conciencia del propio cuerpo, la autobiografía y la historia del arte. Figuras, manos, medias de seda, piernas, pies y águilas imperiales condensan una nueva expresividad y la genial lucidez de la producción más reciente del artista alemán. La muestra aborda, además, la idea de que la fuerza creativa supera las más severas limitaciones físicas en este estilo final de Baselitz, que reclama así formar parte de una genealogía artística de resiliencia en cuyo parnaso se hallan otros pintores de trayectoria longeva como Tiziano, Rembrandt, Goya o Picasso.

En cuanto a 'Ataria (Bat)',  incluye piezas tan relevantes como el mural articulado Euskadi (1977-1979) de Agustín Ibarrola, recientemente restaurado; la maqueta de La materia del tiempo (1994-2005) de Richard Serra, pensada para el Museo Guggenheim de Bilbao; el cuadro de Juana Cima Sugoi (1985), que estuvo en el café Lamiak del Casco Viejo bilbaíno; y una serie de trabajos producidos por centros de arte de la ciudad, a cargo de Itziar Okariz (BilbaoArte), Gema Intxausti (Sala Rekalde) o Elena Aitzkoa (Azkuna Zentroa). La exposición prestará especial atención a los proyectos creados en nuestro museo, como las intervenciones de José Luis Zumeta, Darío Urzay, Jon Mikel Euba, Maider López y June Crespo.

Por último, el 'Elogio del Hierro III' de Eduardo Chillida, con sus cuatro metros de altura y 18 toneladas de peso, alude a la tradición siderúrgica de Bilbao y remite, a su vez, a la identificación de su autor con este material central en su trayectoria. En 1951 Eduardo Chillida abandonó París, donde se había trasladado para conocer las tendencias artísticas del momento, con el objetivo de reencontrar sus raíces en su tierra natal. Aquí comenzó a trabajar en la forja con el hierro al rojo vivo y a golpe de martillo. Así, con este metal y un nuevo lenguaje escultórico, Chillida se adentró en la abstracción y en su personal indagación del espacio.

La obra fue creada por encargo de BBVA en 1991 y se instaló siete años más tarde en la Gran Vía de Bilbao. Durante más de dos décadas formó parte del paisaje de la ciudad hasta su traslado, en 2018, a Chillida Leku, en Hernani, por motivos de conservación. Ahora, gracias a un acuerdo de comodato con BBVA, ha regresado a la ciudad para la que fue creada y ubica en la plaza Chillida del Museo Bellas Artes.

La Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo (Rabacht) ha terminado de completar su equipo directivo tras la incorporación de José Luis Isabel Sánchez como secretario. El historiador militar sucede así a Antonio Casado Poyales, fallecido inesperadamente el pasado mes de agosto.

Según informa la Rabacht, la sesión extraordinaria celebrada este martes comenzó precisamente con un minuto de silencio en honor a los académicos fallecidos en las últimas semanas, entre ellos Félix del Valle y Díaz, que fue director de la institución entre 1995 y 2005.

A este último y a Antonio Casado Poyales es preciso añadir a los académicos correspondientes Francisco García Martín (Toledo) y Jesús Gómez Jara (Parrillas), y algunos meses atrás a Fernando González Ollé y Miguel Cortés Arrese, también miembros de la institución.

“Sus pérdidas suponen un duro golpe para la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo”, indican desde la institución que el pasado mes de julio inició una nueva etapa bajo la dirección de Eduardo Sánchez Butragueño.

La sesión extraordinaria de este pasado martes, unida a la que se celebró el pasado mes de julio, define el conjunto directivo de la Rabacht para la próxima legislatura, con Eduardo Sánchez Butragueño en la dirección; Miguel Gómez Vozmediano, como vicedirector; José Luis Isabel Sánchez, como secretario; y Santiago Sastre Ariza, como vicesecretario.

Francisco María Fernández Jiménez asume la figura de censor; Miguel Ángel Dionisio Vivas, la de archivero; Rosalina Aguado Gómez, la de anticuaria; y Ventura Leblic García como bibliotecario.

El tesorero será Hilario Rodríguez de Gracia y el vicetesorero, Enrique García Gómez.

La Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM) celebrará del 24 al 26 de septiembre un encuentro internacional sobre la circulación, la conservación y las dinámicas culturales de los manuscritos islámicos en el mundo premoderno. El evento tendrá lugar en la Escuela de Traductores de Toledo y reunirá a especialistas de universidades y centros de investigación de Europa, Oriente Medio y Estados Unidos.

El seminario, titulado 'Circulation, Collection, and Cultural Dynamics of Islamic Manuscripts in the Pre-Modern Islamic World (8th-16th c.)', abordará el recorrido histórico de estos manuscritos dentro del propio mundo islámico antes de su llegada a bibliotecas occidentales, entre los siglos VIII y XVI.

Esta perspectiva, todavía poco explorada, permite comprender mejor cómo se desarrollaron y gestionaron las bibliotecas en contextos islámicos, así como el papel que desempeñaron los libros en ámbitos como la diplomacia o la transmisión del conocimiento científico, informa la institución académica.

En las últimas décadas, los estudios sobre manuscritos se han visto enriquecidos por el llamado “giro material”, un enfoque que analiza los libros no solo por su contenido, sino también como objetos culturales que circulan, se intercambian y transforman.

A partir de esta perspectiva, el taller propone examinar temas como la localización y el estudio de fragmentos conservados en depósitos históricos -como la Cairo Geniza o la Qubba de la Mezquita Omeya de Damasco-, la creación de colecciones o los itinerarios de obras científicas a través de distintos territorios islámicos.

El encuentro contará con la participación de investigadoras e investigadores de instituciones como la University of Oxford, la Freie Universität Berlin, la École Pratique des Hautes Études, la Goethe-Universität Frankfurt, la University of Saint Andrews o el Collège de France. Entre los nombres confirmados figuran especialistas como François Déroche, Konrad Hirschler, Nuria de Castilla, Andrew Peacock e Ignacio Sánchez, este último profesor de la UCLM y miembro del comité organizador junto a Bruno De Nicola, de la Austrian Academy of Sciences.

La Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo (RABACHT) ha comunicado este martes el fallecimiento del académico honorario supernumerario Félix del Valle y Díaz y ha trasladado su pesar por su muerte.

Nació en Belvis de la Jara el 19 de junio de 1931, trasladándose siendo aún muy pequeño con su familia a Toledo, cuando contaba solo con seis años de edad.

Era miembro de la sexta generación de una familia de artesanos del hierro con gran fama en la comarca de la Jara.

Félix del Valle era licenciado y doctor en Bellas Artes, por la Universidad Complutense de Madrid, y graduado en Artes Aplicadas. Simultaneó su trabajo en las artesanías con el estudio de la Bellas Artes, siendo profesor por oposición de la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Toledo.

Su vinculación con la RABACHT nace el 13 de junio de 1976, cuando es elegido académico numerario con la medalla XXIII. Desde entonces, estuvo presente en más de 750 sesiones académicas.

Desempeñó durante 28 años diversos cargos académicos, siendo entre 1978 y 1988 Depositario Contador -hoy Tesorero-, entre 1988 y 1995 Secretario, y Director en 1995 siendo reelegido en 2000, cesando en el cargo en 2005. Durante su etapa como Director se dio a conocer la firme postura de la Academia respecto a los hallazgos arqueológicos de la Vega Baja, que sería mantenida por sus sucesores en el cargo.

En 2009 fue homenajeado por medio de la publicación de un número extraordinario de Toletum, titulado Lo uno y lo múltiple, en agradecimiento a su labor como director.

En 2024, la Academia le rindió un homenaje con motivo de su baja como Académico Numerario y su nombramiento como Académico Honorario Supernumerario, tras ser elegido como tal por unanimidad en la sesión del 6 de junio de ese año. En el acto estuvo rodeado por la totalidad de los académicos numerarios, a los que se sumaron algunos académicos correspondientes. Durante el acto se le impuso la Medalla de Honorario y se le hizo entrega de un libro en el que se recogían artículos de sus compañeros.

Era, además, académico correspondiente de la Academia de Ciencias, Invención, Ingeniería e Investigación de México. Presidente honorario de la Asociación Nacional de Maestros de Escuelas de Artes, miembro del Instituto de Estudios Visigótico-Mozárabes de Toledo, consejero del Instituto de Publicaciones y Estudios Toledanos y miembro de la Cofradía Internacional de Investigadores. Fue Concejal y después Teniente Alcalde del Ayuntamiento de Toledo, donde desempeñó los cargos de Delegado de Arte y Cultura, y de Relaciones Interciudades.

Obtuvo el 'Premio Alcora' 1949, de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo, el Primer Premio de Artesanía en 1951, la Medalla de Plata en la Primera Exposición Internacional de Artesanía (Madrid 1953), la Segunda Medalla Nacional de Artesanía (Primera en Damasquinados) en Granada, 1957.

Obtuvo la Mención de Honor y Premio en el Primer Concurso Nacional del Ajedrez (Madrid 1967), el Primer Premio y Medalla de Oro en el Concurso de Artesanía de la Mancha (Valdepeñas 1967) y fue distinguido con el Título de Artesano Ejemplar en el año 1970.

El 26.º Festival de Teatro de Olite ya ha cruzado su ecuador y se encuentra en su etapa final. Desde el 18 de julio hasta el 3 de agosto, el teatro se toma los distintos escenarios de la localidad Navarra, incluido la tarima de la Cava, en pleno Castillo de Olite. El pasado 26 de julio, la organización del festival reunió en el Enozentrum de Olite a varias compañías navarras en un encuentro retransmitido por EiTB y dirgido por el experto en artes escénicas Galder Perez. Las Nenas, Ion Iraizoz, Mikele Urroz Zabala, Qabalum, Itsaso Iribarren y Germán de la Riva fueron las agrupaciones acudieron al llamado.

Las Nenas, compuesta por Ane Sagüés, Cristina Tomás, Maddi Muñoz y Jon Muñoz, ha presentado “Torcidxs”, una puesta en escena sobre “divas desubicadas y artistas martirizadas que se juntan con autotune, humor, ironía y poesía”, según ha comentado Tomás. Una “metaobra” que trata sobre la estética, haciendo saltos entre realidad y ficción, buscando “incomodar” al espectador y privarlo de cualquier sensación de seguridad. Para Sagüés y Tomás, presentarse en Olite se asemeja a “un espiral que avanza”, pues vuelven a uno de los lugares donde empezaron su carrera artística. Ellas fueron parte de una residencia artística en Olite, un espacio abierto por los festivales de teatro donde se fomenta el desarrollo, formación y producción artística.

Diego Pazó y Lucía Burguete han dirigido 'Todo este ruido', junto a su compañía Qabalum. El nombre del grupo toma el nombre de un poema de Carlos Oroza que habla sobre un viaje sin rumbo por el espacio. Inspirándose en imágenes relacionadas con la física y la mecánica de los objetos, fueron ensamblando una coreografía imposible de plasmar tal cual en un dosier o en una sinopsis. “Muchas cosas a lo mejor no se traducen de una forma literal en la descripción de una obra. Te inspiras de muchas cosas, pero luego tienes que pasarlo al filtro del cuerpo, por lo cual hablar sobre la obra es algo accesorio, hay que verla para entender lo que está ahí”, ha explicado Pazó.

Otro aspecto particular de 'Todo este ruido' recae en la participación de un actor no animado, un dron que interactúa con el reparto toda la obra. Representando el papel de la tecnología en la sociedad actual, y la vigilancia que puede realizarse a través de ella, el dron ha sido uno de los focos del espectáculo. “Tiene mucha personalidad el dron, pero luego lo ves y no deja de ser una máquina”, ha añadido Burguete sobre el papel principal, pero complementario al toque humano que aporta.

Por su parte, Ion Iraizoz presentará el 31 de julio en la Cava la obra “Instrucciones para Alberto González”, una comedia existencialista que gira alrededor del personaje Alberto González, un nombre genérico que podría ser sustituido por cualquiera. “Alberto González busca a otra persona para que le sustituya la vida. Es un juego escénico en donde se coge a otra persona y se le enseña a ser yo durante un tiempo. Además, el nombre es un guiño, todos somos Alberto González”, ha esclarecido Iraizoz. El juego entre la realidad y la ficción hace posible la ideación de un personaje singular y común como Alberto González. “Trabajo con esta idea de ensanchar un poco lo que entendemos como real. Esta es la premisa de la pieza, que lo fantástico pueda ser parte de lo real, una realidad expandida”.

Itsaso Iribarren y Germán de la Riva son un par de investigadores y doctores en bellas artes que llevan trabajando en equipo 20 años. Su propuesta en esta edición del festival se basa en un paseo sonoro en la localidad de Pitillas que tendrá lugar el 2 de agosto. “A esta pieza la hemos titulado 'Resonancias' y viene en el formato de paseo sonoro que busca mezclar diferentes lenguajes para transitar. Es una invitación a resonar con el territorio y con la localidad”, ha descrito De la Riva. “Es un concepto muy coreográfico el tema de moverse juntos. Hay filósofos que plantean que ante la aceleración, se puede resonar al ritmo de la naturaleza y de otras personas”. El paseo se inspira en el concepto de “resonancia” del filósofo Hartmut Rosa que establece la relación entre el cuerpo, el espíritu y el mundo experimentable.

Mikele Urroz presentará el 1 de agosto la pieza 'La Montaña', una obra que nació de una de las residencias artísticas creadas en la edición de 2023 del Festival de Teatro de Olite. En forma de monólogo, trata sobre un alpinista que se embarca en una expedición para afrontar una crisis interna. Un montañero que tuvo que abandonar la montaña y se ve obligado a volver a ella.

Límites en el proceso de creación

Durante el encuentro, uno de los temás que sobre el cual se profundizó fueron los límites en el proceso de creación para los artistas. La indumentaria, el tiempo, la viabilidad de una idea, la dificultad de traducir un pensamiento a la realidad y demás obstáculos fueron mencionados dentro de las limitaciones a tener en cuenta.

“Yo creo que el tema de los límites es algo beneficioso, pues es tener un espacio y unas condiciones de producción. Puede que limiten lo que se pueda hacer, pero siento que es un dialogo constante entre lo que se quiere y lo que se puede hacer”, ha opinado De la Riva. Otros, como Iraizoz, comentaron que ellos son quienes a veces si autoimponen límites. “A mí me preguntaban por ejemplo si iba a utilizar vídeo en directo, y yo pensé que no sabía cómo iba a hacer, pero no iba a usarlo”.

Iraizoz también expandió sobre la importancia de las residencias en todo el proceso de creación. “En las residencias se conecta con el impulso creativo de una pieza, y a veces hace falta tiempo para llegar al resultado. Ese tiempo es fundamental para que las ideas crezcan y evolucionen, y a veces no se tiene que limitar al resultado”.

Pazó introdujo una frase de Giacometti para intentar explicar los límites creativos a su vez. “El pintor decía que las obras de arte no se terminan, se abandonan. Hay un momento en el que se tiene que empezar con algo nuevo y luego a lo otro abandonarlo. Hay que saber el límite del universo creativo de una obra, no se puede seguir dedicando el mismo tiempo a la misma cosa”. Resaltaba asimismo la importancia de dejar de lado los intereses individualistas de querer continuar con un proyecto y empezar a escuchar lo que el producto mismo pide y hasta cuándo puede seguir ofreciendo algo valioso.

Cumplir las expectativas

De igual forma, también se abordó el tema de las expectativas que surgen al terminar un proyecto. “Muchas veces se va a ver una obra de la que se tiene una expectativa enorme porque lo han vendido con anuncios o campañas publicitarias, y luego llegas y piensas que si no hubieras tenido esas expectativas te lo habrías disfrutado más. Sin embargo, como llegaste pensando que iba a ser algo inmenso, no te lo pasas bien”, ha opinado Pazó. Además, también considera que es necesario “domar el caballo” porque el artista se puede encontrar a cualquier público, por lo cual no se sabe cuál va a ser su valoración ni sus prejuicios.

Iribarren por su lado ahondó sobre la presión generada por recibir una subvención o una ayuda en el ámbito artístico. “Es una cuestión de responsabilidad, pues son fondos públicos y se debe hacer un buen uso de ellos. Además, al final el arte es para el artista, pero deja de ser suyo en el momento en el que se presenta y pasa a ser del público”.

Laura Egea, artista plástica y tatuadora en su propio estudio, Musa Tattoo, que se sitúa en Cuenca capital, ha reivindicado el tatuaje como forma de expresión artística y ha destacado la importancia de poner alma a los diseños. Tener una buena base de dibujo, crear tatuajes con esencia y dar un toque único a las piezas, es otra de las propuestas que lanza esta conquense de adopción en el Día Internacional del Tatuaje, que se conmemora este 17 de julio.

El fuerte de esta artista reconocida a nivel internacional son las piezas a color con un estilo a caballo entre el realismo y la fantasía. Desde pequeña pinta al óleo y ha cursado el grado en Bellas Artes en Cuenca y diversas ciudades de Alemania y México. Tatúa desde 2013 y ha pasado por varios estudios antes de abrir el suyo propio. Ha tatuado como invitada en otros estudios nacionales e internacionales y ha obtenido diferentes premios en convenciones de tatuaje.

Con este bagaje a sus espaldas, Laura Egea ha hablado con Europa Press con motivo de la celebración del Día Internacional del Tatuaje. Un mundo en el que hay “muchos frentes abiertos”, pero en el que esta tatuadora ve bien que, por ejemplo, haya certificaciones o que exista “un gremio” que se centre en combatir los estudios de tatuajes ilegales y la competencia desleal. Aunque entiende que “todo el mundo tiene que empezar de alguna manera”, el problema -dice- “es cuando ya esto se deriva a un negocio que realmente se hace en la sombra”. Por ello, ve bien que haya “un poco de orden”.

En cuanto a la homologación de las tintas para tatuajes, no ve bien que haya discrepancias entre España y otros países de la Unión Europea o americanos, porque “al final la industria del tatuaje es algo que está globalizado en cierto modo”.

Para esta artesana del tatuaje es fundamental una buena base de dibujo. “Mucha gente piensa que no hace falta dibujar porque sigues la línea del calco”, pero advierte de que “el calco va a llegar un día que se te borre, porque el cliente suda, porque no lo has pegado bien”, y “tú tienes que saber cómo salir de ahí”. “Cuanto más sepas, más libre eres”, apostilla Laura.

Además, considera que la profesión de tatuador está bastante bien valorada en España. “Yo tengo un montón de clientes que me lo demuestran cada día. Que te escriben, que quieren tatuarse contigo”. Una sociedad que, según esta artista, se abre cada más a comprar arte. Y, en el caso del tatuaje, “ese cuadro lo llevas puesto” en tu piel y forma parte de ti. “Es el mejor regalo que se puede hacer uno a sí mismo”.

Todo esto lleva a esta profesional de los diseños artísticos y exclusivos a asegurar que los tatuajes han dejado de ser un tabú. “Ahora cualquiera lleva un tatuaje. Yo creo que ya lo raro es quién no lleva un tatuaje”. Asimismo, ha reivindicado los tatuajes artísticos y los tatuajes con alma. Unos diseños que te transmiten algo y que te remueven por dentro. De este modo, ha pedido dar a los 'tattoos' ese valor que se merecen y reivindicarlos como forma de expresión artística.

Una trayectoria llena de color, realismo y fantasía

El mundo del tatuaje siempre llamó la atención a Laura, pero empezó a explorarlo tarde por su fobia a las agujas. Animada por amigos por lo bien que dibujaba, esta joven de Talavera de la Reina se lanzó a esta aventura. “Me parecía fascinante el poder realizar piezas sobre la piel de otra persona y que esa persona te lleve a ti para siempre”, asegura Laura Egea, quien ha definido sus tatuajes como “cuadros andantes”.

Esta artista de la tinta reconoce que los diseños de rostros femeninos le “encantan”, pero también los animales o las plantas, ya que la naturaleza es una gran inspiración para ella. “Siempre me ha gustado mucho pensar en esa conexión de naturaleza y el misterio”, admite esta tatuadora a quien le gusta crear escenarios en los que siempre te vayas a plantear el porqué. “Eso es lo que busco, que siempre haya preguntas alrededor del tatuaje”.

Una de las partes más estresante de su trabajo --confiesa Laura-- es el hecho de cometer a algún error. “Esa presión de todos los días de tu vida tener que hacer un trabajo perfecto, es muy bonito, por un lado, porque te hace superarte a ti mismo constantemente, pero, por otra parte, mentalmente es agotador”.

Laura realiza diseños personalizados y nunca los repite porque, según afirma, “cada persona debe llevar el suyo”. “Supongo que a todo el mundo le gustaría llevar una pieza única”, ha dicho esta artista, quien asegura que suele acertar, el 99 por ciento de las veces, con el diseño, aun sin haber visto nunca a la persona. “Tengo mucha intuición”, manifiesta la regente de Musa Tattoo.

“A lo mejor tú me pides un tatuaje y otra persona me pide lo mismo y nunca va a ser igual. Siempre lo voy a diseñar de otra manera, como que trato de captar la esencia de esa persona y también, como comentaba antes, de crear historias a partir del tatuaje, que esa persona vea su tatuaje y diga, ah, pues esto me transmite tal”.

“Lo que pensamos ahora no es lo mismo que de aquí a cinco años. Yo en cinco años voy a cambiar, tú también, todo el mundo. Pues la cuestión es que esa persona, de aquí a cinco años, ese tatuaje le siga transmitiendo cosas y, a lo mejor, le transmite algo diferente, acorde a sus vivencias y acorde a su estado de ese momento”.

Una agenda llena de encargos

Tal es la cantidad de encargos que tiene Laura, que ha tenido que optar por abrir y cerrar agenda cada tres meses para no “agobiarse” porque ha llegado a tener lista de espera hasta de un año. “Lo que hago es que abro un día, recibo solicitudes y de ahí voy filtrando”, aunque la gente que antes se ha tatuado con ella tiene preferencia porque “muchas veces es acabar proyectos o algo que ya hemos hablado previamente”.

Una de las metas de esta artista del tatuaje es conseguir buscar el equilibrio entre trabajo y vida privada ya que no solo son las 8 o 9 horas que está en el estudio, sino que cuando llega a casa tiene que contestar los “100 mensajes o los que sean”, y también tiene que sacar tiempo para diseñar. “Hay diseños que a lo mejor me llevan 8 o 10 horas hacerlos”, ha puntualizado.

La mayoría de su clientela en Cuenca es nacional, pero también viene clientela internacional. “Americanos vienen muchos aquí”, incide esta ilustradora de la piel, que trabaja muy a menudo en Estados Unidos. “Así, pues muchos, en vez de venir hacia acá, pues ya se esperan y se lo hago allí”, algo que le viene bien a Laura porque supone “un cambio de aires” y le permite viajar y aprender idiomas.

Laura no pensaba que le fuera a gustar Nueva York, porque ella -reconoce entre risas- que es “muy de pueblo”, pero sin embargo cuando fue para allá le encantó. “Vi puntos positivos y empecé a ir y venir”. Ha pasado ya por muchas convenciones, y han sido varios los premios que ha recibido, pero para Laura el más importante fue el 'Best of Show' en la Expo Tattoo de Barcelona dentro de BAUM Fest.

“Me dieron el Best of Show que era como el mejor tatuaje de toda la convención”, algo que le hizo “muchísima ilusión”. “No me lo creía”, dice esta tatuadora porque siempre ha tenido el síndrome del impostor. “Siempre he sentido que lo que hacía no era suficientemente bueno o no era válido o me sentía siempre muy pequeñita, a pesar de que la gente te anima, le encanta tu trabajo o iba recibiendo premios”. No obstante, ya empieza a entender que si a la gente le gusta su trabajo “pues será por algo”.

Laura trabaja además con las técnicas del tatuaje estético y la micropigmentación, como por ejemplo la reconstrucción de areolas. Cuando la cliente ve que su pecho vuelve a tener un aspecto “muy real” y visualmente queda “muy bien”, pues es “un plus de autoestima y de sentirte bien contigo mismo”.

Durante tres meses y medio, la provincia de Cuenca se ha convertido en escenario de un viaje de escucha, creación y diálogo. Más de un centenar de estudiantes universitarios han conectado con la realidad de sus pueblos, los saberes locales y las prácticas situadas de la creatividad contemporánea.

El pasado viernes 11 de julio, la localidad de Tragacete acogió la clausura de Trashumancias 2.5, un innovador programa de residencias creativas y pedagógicas que, durante quince semanas, ha tejido relaciones vivas entre arte, territorio y comunidad. En su conjunto, los 16 proyectos presentados forman un archivo afectivo de la Serranía de Cuenca, activado desde la creación contemporánea como herramienta de transformación.

Un cierre convertido en celebración

La jornada de clausura arrancó en la sede de la Fundación Los Maestros, con la inauguración de la exposición colectiva que presentó los resultados de la residencia. La muestra, comisariada por Miki Delgado y Laia Skovsted bajo la dirección artística de José An. Montero, transformó los espacios de la Fundación en un recorrido por la memoria, el paisaje y las historias del territorio.

Desde primera hora de la tarde, vecinas y vecinos fueron llegando al edificio. Más de 300 personas —entre habitantes de Tragacete, estudiantes y visitantes de otras localidades— se reencontraron con los jóvenes creadores con quienes habían compartido conversaciones, caminatas, tareas y afectos durante los meses previos.

Trashumancias 2.5 ha sido impulsado por la Cátedra Diputación de Cuenca-UCLM de Oportunidades para el Reto Demográfico y la Fundación Los Maestros, con la colaboración de entidades como Inland Campo Adentro, AVAN_espais rurals de recerca contemporània, La Circular y, especialmente, los ayuntamientos de Tragacete, Vega del Codorno, Enguidanos, Villalba de la Sierra, Las Majadas y Almonacid del Marquesado.

El presidente de la Fundación, José Miguel Rodríguez, abrió el acto con palabras de gratitud: “Este proyecto es mucho más que arte contemporáneo. Es comunidad, es memoria, es futuro”. La codirectora de la Cátedra, Carmen Vázquez, destacó la hospitalidad de los vecinos: “Han abierto sus casas y sus historias a estos jóvenes, convirtiendo el territorio en un aula viva y devolviendo a la cultura su papel como lugar de encuentro”.

La exposición: arte como espejo de la comunidad

Las salas de la Fundación acogían instalaciones, esculturas, fotografías y piezas audiovisuales que reflejaban la vida y la historia del pueblo. En muchos espacios se vivieron momentos de emoción: vecinas que se reconocían en la textura de un bordado, vecinos que descubrían en objetos rescatados los rastros de su propia memoria familiar. Las historias contadas semanas atrás en la plaza, los bancos o los huertos reaparecían transformadas en arte.

María Herreros, con Cartografías de lo rural, convirtió restos de cerámica en mapas sensibles de lugares hoy deshabitados. David García, en Mudanzas perdidas, reflexionó sobre el caminar como gesto político y ancestral. Laia Skovsted, en Tus pétalos sobre mis manos, tejió una genealogía femenina del paisaje a través del gesto textil y las flores locales.

En Quienes cuidan la hierba, cuidan el cielo, Gloria Nieto exploró la relación entre pastoreo tradicional y biodiversidad mediante cianotipias de aves y plantas locales y esculturas textiles. José Fernando Algaba (Mati) resignificó objetos hallados en casas y campos en Memorias, mientras Nuria Araque, en Fachadas expandidas, imprimió las texturas del pueblo sobre tela con la técnica de frottage.

La propuesta de Ivette Vélez, Las plantas también recuerdan, reveló retratos de mujeres locales en hojas de plantas a través de clorotipia, creando un herbario afectivo donde lo humano y lo vegetal dialogan. Otros proyectos, como Tragacete Resuena de Paz García Blanes o Juego de los Posibles de Javier Soligó y Melisa Vezhdieva, activaron la participación comunitaria mediante una radio local o un tablero para imaginar futuros colectivos.

En el registro audiovisual, Hay un monstruo en Tragacete de Alma Rosell hibridó realidad y ficción, cuestionando las fronteras entre lo humano y lo no humano, mientras Tender al suelo de Melisa Vezhdieva convirtió el suelo en un archivo de memorias locales a partir de conversaciones con las vecinas sobre el cuidado de la tierra.

La Ali, en colaboración con Nuria Araque, presentó Abrazos húmedos, una obra donde caminatas y bordados se traducen en un vídeo instalativo, trazando una cartografía afectiva del territorio.

Una comunidad como motor de la creación

La muestra concentró a casi la totalidad de los vecinos y vecinas de Tragacete, pues muchas de las obras habían germinado precisamente en el tiempo y las vivencias compartidas con ellos. Tomás Torralba, pastor trashumante, inspiró el minidocumental de Jhonson Ogando, quien lo acompañó en su jornada diaria registrando con delicadeza la fragilidad de un oficio en peligro de extinción. Al proyectarse la pieza en los jardines de la Fundación, el silencio del público se rompió en aplausos y en más de una lágrima emocionada.

Como colofón de la jornada y ya adentrada la noche, se estrenó el cortometraje 'Una cinta colorá', dirigido por Toni Villegas, joven cineasta castellanomanchego. Concebido como un ejercicio de docuficción, el proyecto nació de un proceso de investigación y escucha activa con vecinas de Tragacete, especialmente Juli y Guadalupe, que compartieron historias orales locales. La narrativa central reconstruye la fuga amorosa del cura Juan Francisco y su amante Paquita, un episodio que marcó al pueblo más de medio siglo atrás, desafiando las normas sociales de la época. Los cálidos aplausos finales fueron el inicio de muchas conversaciones posteriores sobre los recuerdos que evoca esta historia y sobre las anécdotas de quienes la vivieron en primera persona.

La residencia creativa no habría sido posible sin la generosidad de los vecinos y vecinas de Tragacete, que abrieron sus casas, sus huertos y, sobre todo, sus memorias a los jóvenes artistas. Además de los ya citados, colaboraron también Vicente, Antonio, Chus, Damián, José, Richar, Isidro, Miguel Ángel, Sonia y sus familiares, quienes compartieron saberes y tiempo, convirtiéndose en cómplices y anfitriones de muchas de las propuestas. Así, Marcela, Isabel y Magdalena ayudaron a Gloria en la elaboración de las bolas de lana que dan forma a su instalación, mientras Guadalupe y Sole acompañaron a Melisa y Javier en la creación de su proyecto participativo. Apolonio y Granada, Alfonso, Rocío, Jerónimo, Fernando y Javier, junto con el cura José Antonio, estuvieron presentes a lo largo de todo el proceso, ofreciendo hospitalidad, apoyo y compromiso. Todos ellos, junto a muchos otros vecinos y vecinas, lograron que el territorio se transformara en una auténtica aula viva, donde arte y vida cotidiana se entrelazaron en un diálogo continuo y profundamente humano.

Cada gesto, cada conversación en los bancos de la plaza o en los umbrales de las casas, alimentó un proceso donde arte y vida cotidiana se entrelazaron en un diálogo continuo. La comunidad no solo acogió a los estudiantes; se convirtió en parte activa de su proceso creativo.

Trashumancia como forma de habitar

Trashumancias 2.5 se ha propuesto como una metodología: caminar, escuchar, habitar. Con 25 conferencias, 6 mentorías técnicas y 4 actuaciones culturales, el programa ha convocado a artistas, investigadores, pastores y vecinos para repensar el mundo rural como un laboratorio de innovación social y cultural.

En palabras de Carmen Vázquez, “Trashumancias no busca respuestas únicas, sino abrir procesos donde la juventud imagine su lugar en el territorio”. Un territorio que, durante unas semanas, se convirtió en aula, taller y hogar compartido para quienes participaron.

Eduardo Sánchez Butragueño (Toledo, 1977) será durante los tres próximos años director de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo. Así lo decidió el 8 de julio, en sesión extraordinaria, el pleno constituido por los veinticinco académicos que encabezan esta institución, fundada en el año 1916.

El nuevo director de la RABACHT ingresó como académico correspondiente en marzo de 2017, convirtiéndose en numerario en octubre de ese mismo año, con el discurso Un mirador a la historia de España: la evolución fotográfica de la panorámica de Toledo desde el Valle, que fue contestado por el numerario Luis Alba González. Ha desempeñado el cargo de vicetesorero y es el principal responsable de la Filmoteca Histórica Toledana, recopilación de más de medio centenar de documentos audiovisuales relacionados con el pasado de esta ciudad y de la provincia.

Sánchez Butragueño es ingeniero técnico agrícola (2000) y licenciado en Ciencias Ambientales (2002) por la Universidad de Castilla-La Mancha, así como experto en Desarrollo Sostenible y Agenda 21 Local. Entre 2004 y 2012 fue director de Obras de la Ruta de Don Quijote. En 2012 se incorporó a Soliss Seguros como director de Comunicación y director de su Fundación. Desde 2020 es director general de la Real Fundación de Toledo. En febrero de 2024 se convirtió en presidente de UNICEF en Castilla-La Mancha.

Su principal proyecto de investigación relacionado con Toledo es el blog de divulgación fotográfica Toledo Olvidado , en el que lleva publicadas casi medio millar de entradas y alrededor de 50.000 imágenes. Fruto de su labor es también la serie de seis libros Toledo Olvidado (DBComunicación).

Eduardo Sánchez Butragueño ha obtenido diferentes distinciones, como el Premio de la Real Fundación de Toledo (2012) y el Premio de Historia de la RABACHT (2016). Su creador también ha recibido galardones como los del Ateneo de Toledo (2013), Recaredo Rey (2016), Cadena COPE CLM (2017) y TTV de SER Toledo (2023). Ha sido, además, Ciudadano de Honor de Toledo (2019) y numerario de la Academia de Ciencias Sociales y Humanidades de Castilla-La Mancha.

En su mirada convergen el desafío vanguardista y el humanismo solidario, una atrevida composición plástica y la voluntad de revelar el mundo desde abajo: campesinos, marineros. José Suárez, nacido en Allariz (Ourense) en 1902 y muerto en A Guarda (Pontevedra) en 1974, fotografió Niñodaguia y las Rías Baixas, el Japón de la posguerra y los gauchos de la Pampa, los pueblos originarios de la Sudáfrica del apartheid o los toros en los 60. Exiliado en Latinoamérica tras el golpe fascista de Franco, también hizo cine, vendió libros e incluso trabó amistad con Akira Kurosawa. La Real Academia de Belas Artes celebrará su figura, la del “fotógrafo gallego más internacional”, el próximo 1 de abril, Día das Artes Galegas.

Si la azarosa existencia y el formidable trabajo con la imagen de José Suárez sobrevivieron a las convulsiones del siglo XX fue gracias a su sobrino, el fotógrafo y profesor Xosé Luís Suárez Canal (Allariz, 1946). Fue él quien, en la década de los 70, se sumergió en el “deslavazado” archivo con el que Suñarez había regresado a Galicia tras más de 20 años desterrado. Allí encontró los negativos de su serie quizás más acabada, Mariñeiros, realizada en 1936 en O Morrazo (Pontevedra) al tiempo que buscaba localizaciones para un filme documental del mismo título. Este, rematado ya en el exilio y que algunas reseñas de época relacionaron con Hombres de Aran de Flaherty, desapareció, y se convirtió en piedra de toque de una historia alternativa del cine gallego, la que habría fundado junto a otra película devorada por los acontecimientos y solo parcialmente conservada: Galicia (1936), de Carlos Velo. Los primeros intentos de un cine gallego no pintoresquista, según dejó establecido el pintor e intelectual Luís Seoane, también exiliado.

Suárez seguiría la vía del celuloide. A ella se dedicó profesionalmente entre 1937 y 1942 en la Argentina, hasta que, recuerda su sobrino, “la abandonó harto de las falsedades de los platós cinematográficos”. Se mudó entonces a Punta del Este, en Uruguay, donde abrió una pequeña librería en su casa, El Yelmo de Mambrino, y contactó con algunos de los que serían sus amigos el resto de sus días: el poeta Rafael Alberti, la actriz Carmen Antón que había formado parte de La Barraca de Lorca, o su marido el pintor y escenógrafo Gori Muñoz. La existencia material de los exiliados no era sencilla y en la de Súarez ni siquiera sus descendientes saben con exactitud de qué vivió: sí que hizo fotoperiodismo para La Prensa de Buenos Aires o el uruguayo El Día, vendió libros o incluso alfombras de esparto que importaba de España y estaban de moda en América. Y que viajó: su primera travesía a Japón, en donde permaneció dos años, fue como corresponsal de prensa.

Al Extremo Oriente volvería en 1960. Es cuando conoce al cineasta Akira Kurosawa, con el que trabaría cierta amistad, y que entonces rodaba una de sus numerosas obras maestras, Los canallas duermen en paz, un thriller político empresarial inspirado en Hamlet. Las imágenes recogidas en el Japón, de corte más fotoperiodístico que documental, a decir de Suárez Canal, manejan un singular lirismo y no escapan a cierta fascinación orientalista. Era ya otro José Suárez, distinto al que, en los años 30, asumió los experimentos y técnicas de la Nueva Objetividad o la Nueva Visión y los aplicó a una sociedad agraria y marinera en la periferia de la Europa Occidental.

El ejemplo de Rodchenko, Patzsch o Einsenstein

“Suárez es una figura fundamental dentro de la fotografía no solo gallega, sino en el contexto estatal”, explica otro fotógrafo, Manuel Sendón (A Coruña, 1951), que junto al sobrino contribuyó a redimensionar su legado desde los años 80. “Sus series etnográficas [dedicadas a la malla del cereal, los olleros o la romería de San Vitoiro de A Pobra de Brollón (Lugo)] o Mariñeiros, en los años 30, demuestran que conocía los recursos más vanguardistas y los usaba”, añade. Fragmentación, composición diagonal, contrapicados, la utilización de objetos para describir la vida de los seres humanos, cortes inauditos, son algunos de los procedimientos que emplea, analizan Sendón y Suárez Canal. Este último destaca otra influencia, la del cine soviético clásico, especialmente de Eisenstein: “Tiene una visión cinematográfica de la foto. Sus retratados, por ejemplo, nunca miran a cámara”.

Su contacto con la Nueva Objetividad, que Albert Renger–Patzsch expresó en fotografía con la exploración de encuadres poco habituales, o con la Nueva Visión en la que destacaba el soviético Alexander Rodchenko, se produjo en Salamanca, donde Suárez estudiaba derecho y a donde se había llevado la cámara de fotos regalo de su padre cuando terminó el bachillerato en Ourense. En Salamanca se hace amigo de Miguel de Unamuno y se aproxima a la Revista de Occidente, además de fotografiar ciudad y paisaje alrededor. Apenas unos años después, en plena II República, organiza sus primeras exposiciones, en el Círculo de Bellas Artes en Madrid o en el Office National Espagnol de Tourisme en París.

“Suárez es único incluso en el contexto del Estado”, insiste Sendón, “en sus fotos existe una reflexión sobre lo que hace. Representa el concepto de autor según lo entiende la modernidad”. Este experto lo diferencia de lo que denomina fotografía histórica gallega del Arquivo Pacheco, Virxilio o Manuel Ferrol. “Son gente que resuelve encargos de forma intuitiva. Y a veces, como en el caso de Virxilio, crea auténticas obras maestras. Pero un fotógrafo con conciencia de su obra y conocimiento de las teorías vanguardistas solo es Suárez”, señala. Que en diciembre de 1936, y quizás empujado por su círculo de amistades en el que se encontraban significados republicanos –él mismo había militado en la Federación Universitaria Escolar– como los escritores José Bergamín o Benjamín Jarnés o el médico y científico Pío Del Río Hortega, se exilia a Argentina. Su esposa, María Mary Mirat, no lo acompaña.

Regresó a Galicia en 1959, contra la opinión de algunos de sus compañeros de destierro en Buenos Aires –los galleguistas Nuñez Búa, Seoane, Lois Tobío–, que le advertían de que todavía no era una buena época. Pero su madre estaba enferma y él quería cuidarla. Conservó la nacionalidad argentina, relata su sobrino, “por miedo a que el franquismo tomase represalias. Pero aquella vuelta fue su gran error”. Le dio tiempo a registrar algunas de sus series más celebradas, como la de La Mancha en 1965 –no encontró manera de publicarla– o, por encargo de una editorial inglesa, una dedicada al toreo –“otra de sus pasiones”, afirma Sendón–, o de aportar las imágenes para la Historia de Galiza de Ramón Otero Pedrayo. Pero la consagración no llegaba, sostiene Sendón, y poco a poco fue aparcando la cámara. Se suicidó en A Guarda el 5 de enero de 1974.

Post mortem

José Suárez era apenas otro nombre en la larga lista del exilio intelectual republicano y galleguista, autor de algunas fotos icónicas –el niño con la réplica de juguete de una dorna, los marineros bajo las redes– pero algo olvidado. Hasta que su sobrino, que lo trató brevemente en los 70 –“yo estaba en Francia por estudios y él me decía que no volviese, que me quedase allí”–, se sumergió en el desordenado archivo con el que había retornado del exilio. Una década más tarde, en 1984, Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) lo incluyó en su monumental exposición Idas y Caos. Vanguardias fotográficas en España 1920–1945, organizada en la Biblioteca Nacional de Madrid y que luego fue al Centro Internacional de Fotografía (ICP) de Nueva York. “A partir de entonces”, admite Suárez Canal, “puso un pie en la historia fotográfica del Estado español”.

La última gran muestra de su obra en Galicia, tal vez su retrospectiva más completa, fue en 2015, cuando el propio Suárez Canal y Manuel Sendón comisariaron José Suárez: uns ollos vivos que pensan [José Suárez: unos ojos vivos que piensan]. La exposición itineró a Madrid, Buenos Aires y Montevideo, epicentros de su peripecia vital, y más tarde a la India, Japón o Francia. El grueso catálogo resultante, hoy fuera del mercado, es la recopilación más completa de su fotografía. Sendón espera que, gracias a la conmemoración promovida por la Real Academia Galega de Belas Artes, pueda haber una reedición. Y en Allariz, Suárez Canal trabaja con el ayuntamiento para abrir un pequeño museo, “entrañable”, con objetos, cartas y algunas fotografía, “un recorrido por lo que queda de él”.