Madonna regresa con nueva música este verano. La leyenda del pop, que llevaba siete años sin publicar material inédito, vuelve a la industria con uno de los proyectos que más tiempo llevan esperando sus fans: la segunda parte del aclamado y exitoso disco Confessions on a Dance Floor (2005). Su lanzamiento está programado para el próximo 3 de julio y en este vuelve a trabajar en la producción con el DJ Stuart Price, quien ya estuvo presente en el décimo álbum de estudio de la cantante con hits como Hung Up, Sorry o Jump.

“Debemos bailar, celebrar y orar con nuestros cuerpos. Son prácticas que hemos llevado a cabo durante miles de años; son, en realidad, prácticas espirituales. Al fin y al cabo, la pista de baile es un espacio ritualístico”, ha declarado Madonna en un comunicado de prensa que recoge el “manifiesto” que ella y Price escribieron durante la creación del disco. “Es un lugar donde conectas con tus heridas, con tu fragilidad. Ir de fiesta es un arte. Se trata de superar tus límites y conectar con una comunidad de personas afines”, ha agregado.

La artista hace alusión al “sonido”, la “luz” y la “vibración”: “Remodelan nuestras percepciones, nos sumergen en un estado de trance. La repetición del bajo no solo la oímos, sino que la sentimos. Altera nuestra conciencia y disuelve el ego y el tiempo”. El anuncio se produce después de que Madonna insinuara que un nuevo álbum de música dance saldría en 2026 tras su regreso al sello discográfico Warner Records casi dos décadas después de haberlo abandonado.

Madonna también ha aprovechado para revelar la portada de este proyecto, en la que aparece sentada sobre unos altavoces morados y con la cara cubierta por un velo rosa. Asimismo, la intérprete ha publicado un adelanto musical de hasta un minuto de duración del primer single, que se titulará I Feel So Free. El disco pretende seguir la misma estética que Confessions on a Dance Floor y promete grandes melodías y ritmos que inviten al oyente a bailar. Todavía falta por conocer, no obstante, cuántas canciones lo compondrán y el título de las mismas.

En el año 1986, Madonna alcanzó los primeros puestos de las listas de éxitos con Papa Don't Preach, una canción que formaba parte de su exitoso tercer álbum True Blue y que se convirtió no solo en uno de los más emblemáticos de la carrera de la artista, sino también en uno de los más controvertidos. Todo empezó con la letra.

En el tema, Madonna canta sobre una adolescente embarazada que decide seguir adelante con su embarazo. “Tengo un serio problema / He estado perdiendo el sueño / Pero he tomado una decisión / Voy a tener a mi bebé”. Toda la canción es una confesión de la adolescente a su padre, al que le suplica que entienda su decisión. “Papá no me regañes / No dejes de amarme papi”.

A finales de los años 80, la letra fue todo un escándalo que dividió a la sociedad alrededor de temas como el embarazo y el aborto, presentes en la canción. Mientras que los sectores más conservadores interpretaron Papa Don't Preach como un mensaje provida, las organizaciones feministas de la época acusaron a Madonna de “glorificar” el embarazo adolescente.

La respuesta del Vaticano

La polémica llegó a su punto más álgido en 1987, un año después del lanzamiento de la canción, durante la gira de conciertos Who’s That Girl World Tour. En varios conciertos que se celebraron en Italia, Madonna dedicó el tema al papa Juan Pablo II, un gesto que la Iglesia católica entendió como una provocación directa, ofensiva e irrespetuosa. 

El Vaticano no tardó en reaccionar en aquel comportamiento y pidió públicamente a los fieles italianos que boicotearan los espectáculos en directo que la cantante tenía programados en el país. La canción, que realmente fue escrita por Brian Elliot, no dejó de interpretarse durante los shows de aquella gira. Pero la polémica ya estaba servida.

En 2009, en una entrevista con la Rolling Stone, la cantante habló de la razón por la que esta se convirtió en de sus canciones en los años 80. “Encajaba perfectamente con mi propio espíritu de la época, con esa idea de plantarme ante las autoridades masculinas, ya fuera el Papa, la Iglesia católica o mi padre y sus formas conservadoras y patriarcales”, compartió. 

A pesar de la polémica, o quizá gracias a ella, Papa Don’t Preach se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales de Madonna. Cuando la artista actuó en el verano de 1990 en el Estadio Vicente Calderón de Madrid, cantó este tema. En sus últimas giras, la intérprete sigue incluyéndola en el setlist junto a algunos de sus grandes hits como Like a Prayer, Hung Up o La Isla Bonita.

El 29 de julio de 1990 Galicia se partió en dos como pocas veces ha sucedido. Aquella noche actuaban, al mismo tiempo, Prince en el recinto de Santa María del Mar, en A Coruña, y Madonna en Vigo, en el Estadio de Balaídos, en uno de los últimos conciertos de su gira Blond Ambition. La cita dejó una imagen que sigue siendo icónica casi cuatro décadas despues: la de la reina del pop vistiendo la camiseta celeste con el número 5 a la espalda, el que portaba el fallecido José Manuel Espinosa. Una camiseta que forma parte de la historia del Celta y que, desde entonces, permanece en “paradero desconocido”. El club vigués ha puesto en marcha una campaña para recuperarla en la quieren involucrar, incluso, a la propia cantante.

Cinco años antes de aquel concierto, en su primer gran momento de fama, Madonna había coprotagonizado Buscando a Susan desesperadamente, y así parece estar siendo también el rastreo de la prenda, que el club llevó a cabo en silencio durante años antes de hacerlo público. Tanto que –tras habilitar un enlace donde recoger cualquier información relacionada con la camiseta– y con el objetivo de “agotar todas las vías de investigación”, la presidenta del Celta ha enviado una carta abierta a la artista que suena casi como una plegaria (Like a prayer, vamos):

“Benquerida Madonna”, comienza una misiva escrita en gallego en la que Marián Mouriño le pide ayuda. “Tu imagen con nuestra camiseta se convirtió en un mito y forma parte de esa historia del Celta que también se escribe fuera del terreno de juego”. Para Mouriño no fue una simple anécdota, sino una estampa que “comenzó a brillar de otra manera con el paso de los años”.

“Entendemos mejor lo que defendías entonces: cuestionar lo establecido y hacer frente a quien pretende decirte lo que puedes o no puedes hacer. En el club que preside nos reconocemos en esa manera de estar en el mundo” y por eso tienen la “ilusión” de encontrar la camiseta. “Esta búsqueda no es un capricho; es un acto de memoria, es patrimonio emocional de nuestro club”.

La presidenta del Celta le adelanta además el “gesto” que le dedicarán desde Balaídos este viernes 6 de marzo, en uno de esos momentos que se están volviendo mágicos en Balaídos: la previa de cada partido, donde uno puede encontrarse la actuación de artistas como Mondra o Fillas de Cassandra o una exaltación del entroido (carnaval) gallego.

Esta vez, no espera un rival cualquiera, sino todo un Real Madrid. Justo antes de ese choque, a Madonna le preguntarán “con cariño” desde el estadio: “Tela ti?” (“¿La tienes tú?”). Antes de despedirse “con admiración”, Mouriño lanza una última petición en su carta abierta: “Si sabes dónde puede estar o quieres ayudarnos, por favor, contacta por mensaje privado”. ¿Habrá respuesta? Sólo quedan dos días para el acontecimiento pero, ya se sabe: Time goes by so slowly...

Estos días, Madonna ha sido noticia por haber apoyado con un mensaje en redes sociales a la patinadora Amber Glenn, que ha utilizado ‘Like a Prayer’ para su competición en los Juegos Olímpicos de invierno de Milano-Cortina 2026, aunque con poca distancia ha tenido también que decir adiós a Billy Steinberg, compositor de la canción y de otros éxitos de la década de los 80.

La figura de la apodada “Reina del pop” trasciende la música, y así sucedía también en la década de los 90, en un momento en el que su vida personal encadenaba mayor atención. Si echamos la vista atrás a hace 30 años, la cantante se preparaba para su papel protagonista en la película ‘Evita’, pero también era número uno en España con una balada que es uno de sus temas más infravalorados: “You’ll see”.

De secuela de ‘Take a Bow’ a número uno en España

Del 17 al 23 de febrero, “You’ll See” estaba en lo más alto de la lista de éxitos en España. Un tema con una historia peculiar, al formar parte de un disco recopilatorio de baladas (Something to Remember), en el que Madonna mostraba más rango vocal, y que fue una especie de secuela de “Take a Bow”, tanto en su letra como en el videoclip.

Lanzada el 30 de octubre de 1995, la canción fue escrita por Madonna y David Foster durante un fin de semana de septiembre, y en ella habla de la independencia, del empoderamiento propio cuando se rompe una relación, mostrando una faceta diferente al de “Take a Bow”, en el que la artista enfatizaba el hacer cualquier cosa para conseguir un amor. Ella misma quiso dar otra versión de sí misma, como reconoció en una entrevista: “Tengo esa faceta completamente masoquista, dispuesta a hacer cualquier cosa por amor. Pero también hay otra faceta: ‘No te metas conmigo, no necesito a nadie. Puedo hacer lo que quiera', y 'You'll See' lo refleja”.

“You’ll See” fue un éxito comercial, sobre todo en Europa, siendo top 5 en Austria, Canadá y Reino Unido, y número seis en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, lo que le hizo ser el 29 sencillo en entrar al top 10 para la cantante. Lo curioso es que incluso gozó de una posición superior al de su predecesora “Take a Bow”, que se quedó en Australia o Reino Unido en el top 15. La crítica también la acogió de forma positiva, sobre todo por la diferencia vocal que ya iba tomando y que sería definitiva en su álbum “Ray of Light”, en un contexto en el que rebajó su nivel de provocación antes de interpretar a Eva Perón en el cine.

Su única canción con versión en español

“You’ll See” fue una secuela completa de “Take a Bow” con un videoclip que seguía la historia de amor de Madonna con el torero español Emilio Múñoz y que volvió a utilizar varias localizaciones en España como la localidad de Ronda, en Málaga. Todo ello vestida de Versace, pero sin evitar la polémica, pues en su día se le acusó de promover la tauromaquia.

Se dice que usó ambos videoclips para demostrar su talento vocal y dramático para lograr convencer que tenía que interpretar a Evita, papel que conseguiría finalmente. El hecho de que, además, “You’ll See” sea la única canción de la que Madonna grabó una versión en español podría confirmarlo.

“Verás” fue una versión adaptada al español por la cantautora argentina Paz Martínez y se incluyó en la versión latinoamericana de “Something to Remember”, el recopilatorio de canciones en el que aparecía su original. Esta canción tuvo un vídeo propio, con imágenes de la reina del pop grabándola.

Esta madrugada a las 4, el canal MTV 00s finalizaba su emisión tras terminar el videoclip de ‘Bye Bye Bye’ de NSYNC, todo un mensaje de la conclusión del heredero de VH1 en Europa, que comenzó en agosto de 2021 con ‘Can’t Fight the Moonlight’ de LeAnn Rimes, banda sonora de la película ‘El Bar Coyote’ (2000).

Y es que MTV anunció el cierre de sus canales europeos de música, que se ha hecho efectivo este 31 de diciembre, con lo que se termina una época para el canal que fue buque insignia de la edad dorada de los videoclips, con la espera de lo que sucederá con los canales hermanos en Estados Unidos, cuya decisión depende de su propietario, Paramount Network. El recorte de presupuesto tras su fusión con Skydance está detrás de la decisión, que también es muestra del cambio de consumo musical y del rumbo del canal, dedicado más al reality show, diferente a lo que fueron sus inicios.

La historia de MTV: del rock a todo un fenómeno de masas

El 21 de agosto de 1981 comenzaba su emisión el canal MTV y el primer videoclip que se emitió fue ‘Video Killed the Radio Star’ del grupo británico The Buggles, toda una declaración de intenciones, en un comienzo de la cadena en búsqueda de revivir la industria musical, en plena crisis.

El desarrollo de la televisión por cable motivó a crear este canal, que tuvo al videoclip como una nueva forma de consumo musical con una fuerte irrupción, a manos de Warner, que tenía como objetivo acercarse a los adolescentes de los 80, residentes en suburbios y blancos, lo que los llevó a orientarse al rock. Ante la falta de material para emitir durante sus 24 horas hizo que se acercaran también a artistas europeos, donde destacaron los británicos Duran Duran, Iron Maiden o Culture Club.

MTV fue cambiando ante la queja de falta de artistas negros, algo que denunciaron públicamente figuras como David Bowie, y ante la amenaza de ser vetados, aceptaron promocionar a un artista que le pedían, Michael Jackson, del que se emitió ‘Billie Jean’ y cuyo éxito demostró que la premisa que tenían en sus comienzos era falsa.

De aquí fue como Michael Jackson se convirtió en uno de los cantantes insignia de la MTV, con ‘Thriller’ como uno de los videoclips icónicos, el segundo más emitido en la cadena televisiva en toda su historia, seguido de ‘Vogue’ de Madonna, otro de los artistas que protagonizaron esta edad dorada del vídeo.

Los comienzos de la MTV fue un revulsivo de la industria musical, disparando el gasto en videoclips y la venta de discos de las canciones que aparecían en la televisión, y en 1984 llegaron los MTV Video Music Awards, creando también programas de géneros especializados y exitosos como ‘Unplugged’ donde se dieron conciertos míticos como los de Nirvana o Eric Clapton.

El inicio del cambio: la llegada de los ‘reality show’

La caída de audiencia en los 90 propició la creación de nuevos programas que se alejaban de la música, como el ‘House of style’ de la modela Cindy Crawford, donde daba consejos de estética, y en este sentido fue cuando nació el que es considerado el primer ‘reality show’ de la historia, ‘The Real World’, que duró en emisión 32 temporadas hasta su final en 2016.

De hecho, la presencia de los videoclips en MTV se redujo un 36,5 % en los años 90 con el éxito de programas como ‘Teen Mom’ o ‘Geordie Shore’, tanto es así que en 2010 renunció a la coletilla ‘Music Television’.

En noviembre de 2025 ha llegado una de las fechas clave de las muchas que tiene Madonna en su carrera, por algo es apodada como la ‘reina del Pop’ y la artista ha sorprendido con un anuncio en redes sociales a sus seguidores en el que ha confirmado cuál es su próximo proyecto: una segunda parte de uno de sus discos más icónicos.

Hablamos de una segunda parte de ‘Confessions on a Dance Floor’ que cumple 20 años este noviembre y al que homenajeará en 2026 en su aniversario como admitió en este mensaje: “¡La era disco continúa! ¡He estado escuchando Confessions on a Dance Floor en bucle!! ¡Es tan bueeeeno! Revisé mi armario y encontré unos zapatos de baile de Gina y una chaqueta disco de Gucci de aquella época. ¡Es hora de salir a bailar! ¡No puedo esperar para compartir Confessions Part 2 con todos el próximo año!!”.

Cuando Madonna tuvo que suplicar a ABBA

Y es que el 10 de noviembre de 2005 llegó a nuestras vidas el mencionado álbum que llegaba tras una acogida de ‘American Life’ en 2003 que no fue la esperada, pero que lo hacía precedido por el éxito de su primer single, ‘Hung up’, que llevaba semanas siendo número uno.

Sin ir más lejos, ‘Hung up’ fue gran parte del éxito de ‘Confessions on a Dance Floor’ al coronarse número 1 en hasta 41 países entrando en el Libro Guinness de los Récords y ha quedado, además, como uno de los singles más recordados de la cantante, sobre todo en el siglo XXI. Un tema que, sin embargo, tuvo gran trabajo para salir adelante.

Y es que Madonna tuvo que “implorar y rogar” a ABBA, en concreto a Benny Andersson y Björn Ulvaeus, los miembros masculinos de la banda sueca, para conseguir versionar ‘Gimmie! Gimmie! Gimmie! (a man after midnight)’ dentro de la canción, algo que finalmente logró, pero que fue una tarea complicada porque el grupo era reticente a este tipo de uso para su música.

Si nos fijamos, pocos han conseguido lo que logró Madonna con ABBA, solo antes de ella habían dado permiso a los Fugees para que utilizaran en su ‘Rumble In the Jungle’ el bajo y sintetizador de ‘The Name of the Game’ en 1997. Finalmente, ‘Hung Up’ tuvo su parte de la canción de ABBA y vendió más de nueve millones de copias, además de dejar un videoclip icónico de la cantante enfundada en un body rosa y homenajeando la música dance de los 70, y el mítico comienzo con “Time goes by so slowly”.

20 años del retorno de ‘la reina del Pop’ con ‘Confessions on a Dance Floor’

Si bien Madonna seguía teniendo éxito, con ‘American Life’ su influencia en la música de entonces estaba siendo relativa, pero la cantante tomó nota y creó ‘Confessions on a Dance Floor’, con el que volvió a marcar tendencia siendo número uno en medio número y colocando de nuevo la música dance con el pop, que luego retomarían Lady Gaga o Kyle Minogue.

Así, ‘Confessions on a Dance Floor’ fue un trabajo con guiños a la nostalgia de la música dance de los 70 y 80 con un sonido actual lo que fue un equilibrio entre nostalgia y modernidad que puso a la crítica a sus pies con calificativos de “obra maestra del pop electrónico” o “el renacimiento más brillante” en palabras de Rolling Stone o The Guardian.

Para el álbum, Madonna trabajó con el DJ y productor británico Stuart Price, que ya había sido músico habitual en sus giras y con el que logró su objetivo de que el disco sonara “como si te metieras en una discoteca y no salieras hasta que saliera el sol”.

Visten de negro. El pelo, abundante, bien peinado. A veces, cubierto de gomina. Otras, de laca. Los ojos maquillados, perfilados en khol oscuro. En muchas ocasiones, un rosario se bambolea sobre el cuello del líder. Su puesta en escena la corona un crucifijo enorme, en el centro del escenario, iluminado con leds de un rojo vibrante. Su estética recuerda a la de unos vampiros salidos de una serie adolescente, pero son una de las bandas de pop más exitosas del momento en España.

Siloé, de nombre y carácter bíblico, reivindican la religión católica de forma directa en sus discos y sobre los escenarios. Y no son la única. Las letras de Inazio, el último disco de Rigoberta Bandini, el renacer de la estética sacra en videoclips o la tarta de Rosalía en su 33 cumpleaños (imitando el aspecto de un cirio del que colgaba un crucifijo dorado) son algunos ejemplos de la proliferación de la semiótica cristiana en la música pop actual.

Rosalía, además, acaba de desvelar la portada de su nuevo álbum LUX donde abraza sin tapujos la ética y estética del cristianismo. En ella aparece vestida de blanco, virginal como una novicia. Su puesta en escena en la madrileña plaza de Callao, con el pelo pintado con una aureola y una aparición mesiánica, para promocionar el álbum no es casualidad. Como tampoco lo es que, en una de sus últimas entrevistas, dijera que no quería saber de hombres, que estaba en un momento vital de 'volcel': celibato voluntario. O sea, como una monja.

No es algo nuevo en la carrera de la cantante, que en una entrevista hace unos días en el podcast Ràdio noia, de Mar Vallverdú, aseguraba que “Dios es el único que puede llenar los espacios si tú tienes la predisposición”. El imaginario católico tampoco es algo nuevo en ella. Ya en El Mal Querer la portada remitía a una figura virginal, y la idea de la fe y de dios ha estado presente en varias de sus canciones.

“Siempre se han usado elementos religiosos en el pop, basta mirar al Like a Virgin de Madonna o el Personal Jesus de Depeche Mode. Entonces era una cuestión estética dentro de la cultura occidental. No se asociaba a una defensa del cristianismo y su erotismo (pues llevaba casi siempre un erotismo implícito) era muy sutil”, explica a elDiario.es Amparo Huertas, profesora de Comunicación Audiovisual y Publicidad en la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB). La experta señala que la diferencia con el presente reside en que aquello no era más que un complemento a la imagen del artista en cuestión. “No había intencionalidad detrás, pero ahora, de un tiempo a esta parte, comienza a ser significativo”, apunta Huertas, que también estudia la representación de lo religioso en los medios.

“Es un tema, el de la música, en el que llevo fijándome tiempo y que suele ser motivo de debate con mis alumnos”, añade indicando que este viraje, esta reivindicación directa desde la imaginería cristiana en la música mainstream, va de la mano de la “derechización de Occidente”. “Ahora mismo vivimos en una tendencia conservadora que hunde sus raíces en lo religioso y estamos viendo cómo impregna varios estratos del discurso mediático”, continúa para poner un ejemplo reciente: la noticia de la canonización de Carlos Acuti, el primer “santo milenial”.

“Lo sacaron en las noticias como si fuera algo más que una frikada e, incluso, entrevistaron a una señora que aseguraba que le había rezado y se había curado del cáncer. En otro momento esto no hubiera sido noticia, pero ahora lo hemos aceptado como tal”, apunta. Además del impulso que le propicia el giro al conservadurismo actual, afirma que en las relaciones interculturales la religión no ha perdido su peso: “Eso hace que la música pueda ser el vehículo perfecto porque refieren a una cultura común, metida en nuestra genealogía, que te suena aunque no la conozcas del todo”.

“Se te nota en la cara / que eres tan culpable / tan amable / tan inestable / tan detestable como yo” son alguno de los versos centrales de Reza por mí de Siloé. “Si te paras a escucharla es evidente que habla de la culpa católica, que la letra tiene una profunda raigambre cristiana, pero también puedes pensar que está hablando de un amante o una ruptura como muchas canciones pop”, interpreta la profesora. “Por eso este tipo de cosas tienen tanto éxito”.

La raíz norteamericana

En 1989 Ron Luce fundó Teen Mania. Una organización evangélica que operaba desde Dallas, Texas, y cuya finalidad era movilizar y entrenar a jóvenes estadounidenses en la fe cristiana evangélica. Todo ello a través de la música. Durante tres décadas, Teen Mania montó de manera recurrente eventos masivos bajo el nombre de 'Acquire Fire', donde miles de adolescentes se reunían para escuchar música cristiana y mensajes de inspiración espiritual. Mientras la MTV, que vivía sus años dorados, utilizaba la retórica religiosa para subvertirla (Madonna, Lady Gaga, etc), Luce la reivindicó y prestigió a artistas de carácter cristiano como Skillet, The Afters o TobyMac, entre otros.

Desde sus inicios hasta su declaración en bancarrota en diciembre de 2015, Teen Mania creció y se convirtió en uno de los mayores movimientos evangelísticos del mundo, ayudando a definir la cultura juvenil cristiana del momento, conectando la fe con la estética del rock, el pop y los grandes espectáculos.

“En Estados Unidos, la conexión entre música, religión y política es muy fuerte”, comenta, por su parte, Joseba García Martín, sociólogo por la Universidad del País Vasco y autor de la tesis Religión, política y estrategias de desprivatización: la movilización de los grupos laicos de inspiración cristiana en el estado español (2020). Para García, aunque en España no estamos aún en ese punto, la comparación con EEUU y el movimiento evangélico es “inevitable”.

“Tienen visibilidad, atraen a miles de jóvenes y han sabido moverse en plataformas como Spotify o TikTok, pero están todavía muy lejos de tener la capacidad de influencia política que sí tienen los evangélicos en Estados Unidos o en América Latina. Aquí, quienes realmente tienen peso político son otras organizaciones católicas más tradicionales y articuladas desde el asociacionismo civil”, explica para matizar con que cada vez hay más conexiones; “los grupos musicales católicos forman parte de un ecosistema más amplio que alimenta una identidad religiosa compartida”.

Adaptarse para seguir llegando al público joven, eso es lo que, a juicio del estudioso, ha hecho la religión. “Lo está haciendo a través de la música, de la cultura pop, de dinámicas comunitarias que conectan mejor con la sensibilidad juvenil” explica para señalar que, en ese sentido, “hay novedades claras en los lenguajes y en los formatos, pero el fondo sigue estando dentro del marco católico”. “No estamos ante una religiosidad completamente al margen, sino ante nuevas estrategias de actualización que buscan traducir el mensaje a códigos contemporáneos. La novedad está en el modo, no tanto en el contenido”, desarrolla García.

“La guerra cultural de la que tanto hablamos ahora empezó con lo de Teen Manía a principios de los 90. Hacer cool, hacer que molen una serie de cosas. Y Luce lo consiguió”, opina Elío, miembro de la banda indie La Jetée.

Un movimiento desapercibido

“Todos sabemos que los símbolos religiosos se han usado siempre en la música, pero cuando empiezas a ver ciertas cosas de forma repetida te dices: ‘Oye, aquí está pasando algo'”, prosigue Elío.“Quizá no sea un apoyo explícito, pero está ahí apoyando una serie de retóricas y narrativas concretas”, apunta para criticar que es algo de lo que no está hablando la crítica cultural. “Tengo la sensación de que es algo que ha pasado por encima y que solo se comentó, ligeramente, con el caso de Íñigo Quintero”, continúa el músico.

Para García hay varias razones por las que no se habla el asunto. La primera es la ambigüedad lírica. La segunda, que aún se trata de un fenómeno que cuenta con cierta percepción de marginalidad. “Durante mucho tiempo estos proyectos se han visto como fenómenos secundarios, disfrutables solo por un sector relativamente pequeño de la población”, cuenta el estudioso al apuntar que eso está empezando a cambiar. “Me da la impresión de que la crítica cultural ha tendido a no tomarlo demasiado en serio, unido a que en España creo que no ha sido un fenómeno tan exitoso debido al propio proceso de secularización como el que ha ocurrido en América en general”.

La tercera es el riesgo de convertirse en 'one hit wonders’. Un ejemplo, ya mencionado, es el español de Íñigo Quintero y su canción Si no estás que lanzada en 2023, cuando tenía 21 años, se convirtió enseguida en el número uno de Spotify, superando a artistas de la talla de Bad Bunny o Taylor Swift. La canción alcanzó, en cuestión de días, los 50 millones de visualizaciones en YouTube y los 286 millones de escuchas en Spotify. En 2025, además, ha sido versionada en directo por Damiano David, el (ex) líder de Måneskin. “Se nos vendió como un fenómeno natural, pero todos sabemos que eso es imposible”, ironiza Elío.

Detrás del éxito, longevo o no, de estos grupos suele haber un aparato económico. Generalmente, el Opus Dei, como ya ocurrió con Hakuna. “El Opus Dei está detrás de buena parte de las iniciativas laicales y seculares que han ido apareciendo en el catolicismo contemporáneo”, explica García. Una aseveración que ya mantuvo el sociólogo Joan Estruch, que definía al Opus como una organización omni-latente. “Aunque conviene no exagerar su alcance, es verdad que existen entornos sociales vinculados al Opus —clases medias-altas, colegios, universidades, círculos culturales— de los que han salido músicos y proyectos con mayor o menor conexión explícita con lo religioso”, insiste García.

El nepotismo y sus consecuencias

“Hoy es muy difícil que salgan a flote bandas de origen obrero, como ocurrió con Estopa en su momento”, apunta Elío al respecto para señalar que “solo basta mirar el árbol genealógico de las bandas emergentes del ahora”.

A continuación, algunos ejemplos de la élite de la cultura española: pablopablo es hijo de Jorge Drexler. Dear Joanne, sobrina de David Summers, acaba de firmar su primer single con Universal. El rapero Teo Lucadamo (que cuenta con un programa en Radio3, Hay días y días que no) es hijo de la actriz Aitana Sánchez-Gijón. El grupo La Milagrosa es el proyecto de Germán GES (quien dijo en una entrevista que un día se le apareció La Virgen y le pidió que montara una banda). Hijo de Luis Gómez-Escolar Roldán y Miluca, ‘Milagrosa’, Sanz Rueda. Dos pesos pesados del panorama cultural nacional.

Es normal que tus padres te ayuden y es genial si tienen los medios para ellos, el problema es que seguimos hablando de meritocracia en un sector donde cada vez es más difícil abrirse un hueco

Elío — Miembro de la banda La Jetée

“Es normal que tus padres te ayuden y es genial si tienen los medios para ellos, el problema es que seguimos hablando de meritocracia en un sector donde cada vez es más difícil abrirse un hueco”, continúa el músico para opinar que los estratos socioeconómicos altos suelen estar vinculados con lo conservador.

Pero, ¿por qué ahora?

A la pregunta de qué factores podrían explicar que símbolos cristianos reaparezcan hoy con tanta fuerza en la cultura pop, tanto Amparo Huertas como Joseba García tienen una respuesta común: que en España la tradición católica ha dejado un archivo enorme de imágenes y lenguajes que todo el mundo reconoce, aunque los significados sean desconocidos o lejanos. Cruces, vírgenes, rezos o procesiones son parte del acervo cultural a pesar de que no estén en la cotidianidad de la mayoría de la juventud. “Forman parte del paisaje cultural, y son signos muy potentes. En este sentido, creo que funcionan muy bien como un código compartido y para empezar a generar una identidad colectiva. No hace falta ser creyente para que esas referencias 'te suenen' y te conecten con algo que está en la memoria colectiva”, apunta él.

Además, ambos opinan que se trata de una estrategia pragmática dentro de la lógica de la secularización en Occidente. “Si la religión ya no ocupa el centro de la vida pública como antes, encuentra otras maneras de hacerse presente en espacios seculares, proponiendo que la fe se viva en lo cotidiano y no solo en los rituales tradicionales. La música, por su capacidad de generar emoción, comunidad y pertenencia, se convierte así en un puente privilegiado”, zanja García.

Como escribió Stuart Hall, teórico cultural y sociólogo jamaicano, y uno de los intelectuales más influyentes del siglo XX en el campo de los Estudios Culturales: “La cultura es el lugar donde se juega y se disputa el poder”.

En febrero de 1987 salía a la luz el single ‘La isla bonita’, canción incluida en el tercer álbum de estudio de Madonna que había salido publicado en 1986. Una canción que se colocó en lo más alto en mayo de 1987 y fue un éxito comercial que ha trascendido décadas y se ha mantenido como uno de los más icónicos de la reina del pop.

Una canción de Madonna con toques latinos y flamencos y algunas palabras en español como el mítico ‘te dijo te amo’ o ‘como puede ser verdad’ como parte del sueño que la artista decía tener con un lugar llamado ‘San Pedro’, y que fue primero ofrecida a Michael Jackson, que la rechazó.

Madonna haría modificaciones en la letra y el ritmo, para que el resultado final fuera lo que saliera a la luz, y desde entonces se ha preguntado a que sitio se refería de verdad la estadounidense, y hay una localización que parece ser la más acertada.

San Pedro en Belice, la posible 'isla bonita' de Madonna

Si bien Madonna nunca lo ha confirmado y siempre ha alegado que la canción es un homenaje a la comunidad latina, “un tributo a su belleza y misterio” que tanto le marcaron en su etapa de juventud en Nueva York, pero una isla de Belice presume de ser el lugar con el que soñó la cantante a finales de la década de los 80.

Concretamente, el barrio San Pedro de la isla Ambergris Caye en Belice es el que asegura que es ‘la isla Bonita’ de Madonna, y así lo promocionan lugares como el resort Victoria House, que menciona este hecho como un reclamo turístico, aunque son muchos los atractivos que tiene este enclave caribeño.

Playas de arena blanca y fina, aguas cristalinas, en una cultura en la que la artesanía de tradición maya y española confluyen con una naturaleza de una rica fauna, sobre todo marina, lo que lo hace perfecto para amantes del submarinismo, que pueden admirar los arrecifes de coral desde el fondo del mar de este enclave de Belice.

Madonna y su homenaje a la comunidad latina

Si bien Belice, como parte de la Commonwealth tiene como idioma oficial el inglés, las influencias de otros lugares del Caribe y su pasado lo vinculan también a la comunidad latina a la que haría referencia directamente Madonna en su canción.

Más allá de esto, sin embargo, Madonna repitió en una entrevista con la revista Rolling Stone tras la publicación de ‘La isla Bonita’ que no sabía dónde estaba San Pedro y que la canción habla de un lugar imaginario, porque además era un momento de su vida en la que no viajaba a de vacaciones a sitios paradisiacos como el mencionado.

De esta forma, lo que queda claro es que ‘La isla bonita’ de Madonna es un homenaje a la comunidad latina que quiso hacer la cantante, pero San Pedro en Belice cumpliría todos los requisitos para haber sido el lugar de aquel sueño que propició uno de los éxitos más recordados y todavía cantados de la artista.

La cantante Madonna ha criticado abiertamente las últimas medidas aprobadas por el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, que afectan al colectivo LGTBI.

“Es muy triste ver a nuestro nuevo gobierno desmantelando lentamente todas las libertades por las que hemos estado luchando y que GANAMOS a lo largo de los años”, escribió Madonna en su cuenta de X este marte.

En el mensaje incluye la bandera del orgullo LGTBI, un corazón roto y el mensaje “¡No dejéis de luchar!”, además de una fotografía de su rostro.

La diva del pop reaccionó así horas después de que el presidente Donald Trump cumpliera con otra de sus promesas de campaña al firmar una orden ejecutiva que prohíbe el tratamiento de transición de género y cirugías a menores de 19 años, lo que considera una “mutilación sexual”.

La orden critica que actualmente muchos médicos “están mutilando y esterilizando a un número cada vez mayor de niños bajo la afirmación radical y falsa de que los adultos pueden cambiar el sexo a través de una serie de intervenciones médicas irreversibles”.

La diva del pop ha sido una fuerte defensora de la comunidad LGTBI, especialmente desde la década de los 90, cuando habló abiertamente sobre la crisis sanitaria provocada por el VIH.

Sí, a sus 65 años todavía reina. Y sí, le sobran motivos para celebraciones (varias). La madre de todas las reinas del pop –es la artista femenina que más discos ha vendido de todos los tiempos y la que ha conseguido recaudar más dinero con sus giras– recaló anoche en el Palau Sant Jordi con Celebration tour, después de haber tenido que cancelar los primeros bolos por una grave afección bacteriana que incluso hizo temer por su vida. La cantante, compositora, actriz, coreógrafa, productora y empresaria Madonna Louise Ciccone anda festejando sus 40 intensos años de carrera, y la actuación de ayer en Barcelona congregó a 18.000 entusiastas fans que aguantaron estoicamente la hora y media de retraso.

La de anoche fue la primera de sus dos únicas citas en España después de ocho años de ausencia. La última vez también actuó en el Sant Jordi con Reber Heart Tour, ofreciendo un concierto más bien poco memorable en el que algunos críticos ya apuntaron que, eso sí, Madonna ya no era la reina del gimnasio (ni falta que le hace). La artista ha dejado de ser la danzarina infatigable para moverse de forma más planificada (aún no ha superado totalmente su lesión en la rodilla), cediendo el protagonismo a su delirante troupe de bailarines. Y ataviada con una aureola –por algo se sabe divina–, arrancó el concierto con la canción Nothing really matters, un sincero guiño a sus seguidores: “Todo ha cambiado, nunca seré la misma...».

Así empezó un viaje de dos horas a través del cual logró trasladar a la audiencia hasta el Nueva York de los años 70, a donde llegó ella siendo una joven de Michigan de 19 años con solo 35 dólares en el bolsillo y dispuesta a convertirse en una “queen” imbatible. “Os quiero. ¡Salud!”, saludó con un botellín de cerveza en la mano.  “Bienvenidos a este show, la historia de mi vida. Hay que aprender a mirar nuestro pasado y a perdonar la persona que fuimos”. 

Rodeada de sus hijos

Como sucede en todas las actuaciones del tour, la reina madre del pop quiso estar acompañada por sus hijos: Mercy James se sentó ante un piano de cola negro para acompañarle en Bad girl; David Granda se colgó la guitarra para interpretar con ella Mother and father; Stelle (de 11 años) se unió fugazmente al cuerpo de baile, y sobre todo brilló su gemela, Estere, mientras Madonna entonaba el megahit Vogue. Sí, la canción que la coronó como reina del colectivo LGTBIQ+ sacando de la clandestinidad el voguing, el baile de la resistencia que surgió de los clubs de Harlem de la mano de los bailarines afroamericanos.

La pequeña provocó el delirio de los presentes ejecutando también estos reconocibles pasos, poses y movimientos (inspirados en las modelos), ante la fascinación de la misma cantante y de su hermana mayor –sí, una hija más–, Lourdes León, que le dieron incluso puntuación, un merecido 10, al mejor estilo de los jurados de la serie Pose. De hecho, el concierto fue una gran celebración de la cultura queer de principio a fin, con la interpretación de Vogue como auténtico clímax, con Madonna besando a una de sus bailarinas (en topless), y exhibiendo una bandera arcoiris demostrando, una vez más, su defensa de los derechos de este colectivo. 

Seguidores intergeneracionales y llegados de distintos rincones vibraron con la espectacular puesta en escena de esta reina mutante: no solo recuperó algunos de sus éxitos, sino también algunos de sus icónicos trajes (reinterpretados para la ocasión). No en vano su vestuario ha llegado a protagonizar exposiciones como Simply Madonna, Materials of the Girl, cuando cumplió 50 años, en Londres, la ciudad en la que ha iniciado este esperado tour vestida de Versace, Vetements, Jean Paul Gaultier… En sus 17 cambios de ropa, lució bodys transparentes, sombreros de cowboy, lencería sexy, provocativo look sado y su famoso sujetador en punta, reivindicando así sus continuas metamorfosis. 

La reina de la reinvención ha querido para esta gira subirse a un escenario inspirado en el mapa de Manhattan que, además, es el más grande que ha tenido nunca: más de 400 metros cuadrados, con varias plataformas giratorias y diversas pasarelas que le permitieron acercarse a los fans. Hacía tres años que Madonna no emprendía un tour. Y el anterior, Madame X, fue solo en teatros. 

Uno de los momentos más memorables (y teatrales) de Celebration tour fue cuando escenificó cómo un portero de discoteca no le dejaba entrar mientras los bailarines accedían sin ningún impedimento. Recordemos que su primera andadura musical fue en un grupo llamado The Breakfast Club en el que le hacían tocar la batería, hasta que se hizo con el micrófono y una guitarra. 

Otra escena poderosa fue cuando al ritmo de Live to tell se elevó hacia las alturas subida en una plataforma con la que voló sobre la audiencia mientras se proyectaban fotografías de todos los amigos cercanos que perdió a causa del Sida, incluidos Keith Haring y Freddie Mercury. Pero sin duda el mayor homenaje fue para Michael Jackson, cuyo mítico Billie Jean recuperó en un remix con Like a Virgin, con imágenes de los dos y una recreación de sombras chinas en la que se les veía a ambos bailando e interactuando hasta fundirse en un abrazo.

En total fueron casi dos horas de actuación con muchas referencias a momentos claves de su carrera, también en los outfits de los bailarines y en las proyecciones de las pantallas del fondo y de los laterales. No faltaron éxitos como la balada Crazy for you o la animada Like a prayer, ni efectos visuales y escenográficos brutales: una bola de discoteca tamaño XXL, hileras de fuego, rayos láser de colores, varios rings de boxeo con sus polifacéticos bailarines peleando con guantes plateados con purpurina y ella con peluca (aún más rubia) y en camisón… Sin banda de acompañamiento, la diva sedujo al personal sobrada de tablas y de recursos efectistas. Y también con necesarios mensajes pacifistas –clamando contra la muerte de mujeres y niños–, pidiendo respeto al que se siente diferente, hospitalidad a los inmigrantes y, en definitiva, “amor al prójimo”. Otra vez con la botella de cerveza en la mano, y hasta dándole un trago, Madonna conversó con el público recalcando la importancia de “amar a tu vecino como a ti mismo”. 

Del Sant Jordi salimos todos amando (aún más) a Madonna.

Madonna arrancó el pasado sábado su gira Celebration World Tour en Londres, con la está celebrando el 40 aniversario de su primer sencillo, Holiday. La cantante, que ya en 2019 se saltó todas las normas para hermanar las banderas de Israel y Palestina durante su actuación en Eurovisión en Tel Aviv, volvió a pronunciarse sobre el conflicto sobre el escenario del Estadio O2 británico, desde el que lanzó un mensaje de paz.

La artista estadounidense, que tuvo que posponer sus shows tras sufrir una infección bacteriana grave en verano, pudo finalmente dar el primero de los 78 conciertos con los que recorrerá el mundo el pasado fin de semana. “Todos estamos sufriendo al ver lo que está pasando en Israel y Palestina. Me rompe el corazón ver a niños sufriendo, a adolescentes sufriendo, a adultos sufriendo. Es descorazonador. Estoy segura de que estáis de acuerdo. Pero aunque nuestros corazones estén rotos, nuestros espíritus no pueden romperse”, proclamó arrancando el aplauso del abarrotado recinto.

“Mucha gente dice: '¿Y yo qué puedo hacer? Soy solo una persona'. Os sentís sin esperanza, indefensos, incapaces, ¿verdad? ¿Qué podemos hacer? Hay muchísimo que podemos hacer. Lo primero de todo, podemos decir: 'Puedo marcar la diferencia porque individualmente puedo traer luz al mundo con mis acciones, palabras, todos y cada uno de los días”, aseguró.

“Lo siento. Esto no va de querer aleccionaros, pero todos juntos somos gente muy poderosa. Podemos unirnos de una forma oscura y malvada, o podemos unirnos para crear un espacio de luz y amor. Y si todos tenemos esta conciencia colectiva, podremos cambiar el mundo y traer paz no solo a Oriente Medio, sino a todo el mundo”, reivindicó la intérprete de Like a Prayer. La cantante ha repetido su proclama en cada una de sus tres actuaciones en Londres –la cuarta tendrá lugar la noche de este miércoles–.

La 'reina del pop' ha reconocido también que hubo un momento en el que pensó que no conseguiría ser capaz de empezar la gira que la traerá a España los próximos 1 y 2 de noviembre, jornadas en las que actuará en el Palau Sant Jordi de Barcelona.

Madonna sufrió una infección bacteriana que la obligó a estar ingresada durante varios días en la unidad de cuidados intensivos el pasado mes de junio. Finalmente acabó recibiendo el alta, pero tuvo que posponer igualmente el inicio de Celebration Wold Tour, que en un principio estaba previsto para el 15 de julio en la ciudad de Vancouver.

Londres ha terminado siendo su primera parada una vez alcanzado el mes de octubre. “He olvidado cinco días de mi vida, o muerte, porque realmente no recuerdo donde estaba”, reveló ante el estadio británico, donde añadió que fue su familia la que le impulsó a salir adelante: “Mis hijos siempre me salvan”.

Eurovisión 2019, el precedente

No es la primera vez que la cantante se pronuncia sobre el conflicto israelí-palestino. La superestrella se saltó las normas de Eurovisión en 2019, metiendo de lleno la política en la edición del festival que se celebró en Tel Aviv. La cantante mostró ambas banderas hermanadas durante su actuación, aprovechando sus minutos de gloria para lanzar un mensaje de “hermanación” y proclamar que “la música que la gente esté unida”. Minutos antes de su intervención, la artista había rehusado de explicar cómo iba a ser su esperado número al presentador del concurso, buscando preservar la sorpresa, que llegó en el último de los casi 11 minutos que duró su paso por el escenario.

Dos de sus bailarines, cada uno con una bandera cosida a la espalda, subieron la escalinata que formó parte de su propuesta escénica cogidos de la mano. La realización de la televisión israelí reaccionó a la inesperada a la acción abriendo el plano lo máximo posible para evitar que se vieran con detalle en pantalla, cambiando rápidamente de toma. Aun así, no consiguieron que pasara inadvertido y tardó poco en convertirse en el elemento más comentado de su intervención.

Su participación en Eurovisión había generado polémica antes incluso de llevarse a cabo, ya que diversos artistas le afearon su decisión de actuar en el concurso. Roger Waters, fundador de Pink Floyd, reclamó a la artista que no actuara en Israel hasta que el Gobierno reconociera el derecho de autodeterminación a los palestinos. A su vez, otras personalidades internacionales habían protestado ante el “blanqueamiento” de la ocupación de territorios palestinos por parte de Israel que suponía la celebración del certamen en Tel Aviv.

Madonna zanjó el debate cerrando un acuerdo in extremis en la misma semana de Eurovisión, justificando: “Nunca dejaré de tocar mi música para complacer la agenda política de otro, así como nunca pararé de hablar contra las violaciones de los derechos humanos sin importar en qué lugar del mundo ocurran”.

Cabe recordar que la estadounidense no fue la única cantante en incluir una bandera de Palestina en su puesta en escena. Los representantes de Islandia, Hatari, aprovecharon los segundos en los que fueron enfocados durante las puntuaciones para mostrar el 'prohibido' estandarte. Su acción fue una de las más provocadoras de la historia del evento, cuya gestación y consecución fue recogida en el documental A song called hate –disponible en Filmin– que dirigió la cineasta Anna Hildur.

Tras pasar cinco días ingresada por una infección bacteriana en la unidad de cuidados intensivos, Madonna ha recibido este jueves el alta. La cantante de 64 años se encuentra mejor y está ya recuperándose en casa, según informa la BBC. La artista estaba a punto de arrancar su gira mundial The Celebrartion Tour, que se ha visto obligada a cancelar.

No está claro qué causó la infección por la que entró en el hospital el pasado 24 de junio, pero los médicos afirmaron que se volvió “extremadamente grave”.

“En estos momentos necesitamos pausar todos los compromisos, que incluyen la gira”, explicó su mánager Guy Oseary en redes sociales. Además, avanzó que una vez sepan más detalles, reprogramarán todos los conciertos y anunciarán sus nuevas fechas.

Estaba previsto que el tour diera comienzo el próximo 15 de julio en Vancouver, para posteriormente recorrer Estados Unidos y Europa, poniendo su broche final el 6 de diciembre en Londres. Entre sus 80 actuaciones estaban contempladas dos paradas en España, los días 1 y 2 de noviembre, en el Palau Sant Jordi.

Celebration pretende ser una fiesta por el 40 aniversario del primer sencillo de Madonna, Holiday, que lanzó en 1983. En él recordará los grandes éxitos de su carrera y aprovechará para rendir homenaje a Nueva York, ciudad en la que inició su trayectoria musical. También reivindicará los derechos de las personas trans, con un concierto en Nashville (Tennessee), estado que el pasado 3 de marzo aprobó una ley que prohíbe los espectáculos drag en espacios públicos o en aquellos lugares donde pueda haber menores.

La cantante anunció la gira el 17 de enero, con un vídeo en el que hacía un guiño al documental En la cama con Madonna que estrenó en 1991. En el spot aparecía presidiendo una mesa con Diplo, Judd Apatow, Jack Black, Lil Wayne, Bob The Drag Queen, Kate Berlant, Larry Owens, Meg Stalter, Eric Andre y Amy Schumer, que era quien le retaba a embarcarse en una gira con sus grandes éxitos.

La cantante internacional Madonna se ha visto obligada a cancelar su gira mundial ‘The Celebration Tour’ por una infección bacteriana grave que la obligó a estar ingresada durante varios días en la unidad de cuidados intensivos. Así lo ha confirmado su ‘talent manager’, Guy Oseary, quien ha informado del estado de la artista.

El pasado 24 de junio la artista contrajo la infección grave. Si bien su estado de salud está mejorando, sigue bajo cuidados médicos. La cantante de 64 años es una de las figuras más importantes de la historia de la música pop.

“En estos momentos necesitamos pausar todos los compromisos, que incluyen el tour”, expresó su manager a través de un comunicado oficial. A su vez, dijo que cuando se sepan más detalles, se hará una reprogramación de los conciertos previstos para el mes de julio.

La gira ‘The Celebration Tour’ comenzaba el 15 de julio de 2023 en Vancouver (Canadá) y seguía por Estados Unidos, Reino Unido y Europa hasta el 6 de diciembre de 2023, con su último concierto en Londres (Reino Unido).

El ícono del pop tenía planeado celebrar el 40 aniversario de su primer sencillo, Holiday, realizando una gira de grandes éxitos de su carrera.

Apodado “Celebration Tour”, este sería el regreso de la cantante a los estadios después de sus shows experimentales de “Madame X” basados en el teatro en 2019 y 2020. Todas estas fechas serán reprogramadas.

La gira mundial de Madonna, The Celebration Tour, recalará en el Palau Sant Jordi de Barcelona el próximo 1 de noviembre, en la que será la única parada en España anunciada hasta ahora, según ha informado este martes Live Nation. Las entradas se ponen a la venta el 20 de enero en Livenation.es y Ticketmaster. Pero habrá una preventa para usuarios registrados el 19 de enero.

Madonna ha dado a conocer hoy su nuevo proyecto con un vídeo viral que hace un guiño a su película Truth or Dare y en el que han participado Diplo, Judd Apatow, Jack Black, Lil Wayne, Bob The Drag Queen, Kate Berlant, Larry Owens, Meg Stalter, Eric Andre y Amy Schumer.

En el vídeo, Madonna anuncia que la gira será una celebración de sus 40 años de carrera, que incluirá temas de todas las épocas y que empezará en Vancouver (Canadá) el sábado 15 de julio.

Tras recorrer Vancouver y, entre otras, las ciudades estadounidenses de Detroit, Chicago, Nueva York, Miami y Los Ángeles, la artista viajará a Europa, donde actuará en once ciudades a lo largo del otoño, entre ellas Londres, Barcelona, París y Estocolmo, entre otras. The Celebration Tour finalizará en Ámsterdam (Países Bajos) el viernes 1 de diciembre, en el espacio Ziggo Dome.

La gira rendirá homenaje a la ciudad de Nueva York, en la que empezó su carrera musical, y contará con la participación especial de Bob the Drag Queen, también conocido como Caldwell Tidicu, que abrirá todos los conciertos de la gira mundial.

Oswald Aulestia tiene 72 años, nació en Barcelona y actualmente expone y vende su obra original. Quizás esos sean los únicos datos por los que uno pondría la mano en el fuego sobre la historia de Aulestia, considerado por muchos, entre ellos él mismo, como el mayor falsificador de la historia del arte. Hasta qué punto era él quien pintaba los cuadros o solo quien ponía la firma nadie lo puede saber, pero también es cierto que Oswald fue investigado durante años por la justicia estadounidense por ser una de las piedras angulares de la llamada Operación Artista, una investigación del FBI, en colaboración con los Mossos d'Esquadra y los Carabinieri, que tenía como objetivo acabar con una de las mayores tramas de falsificación de arte de las últimas décadas.

En este juego de verdad y mentira, de realidad y ficción, de espejos y de historias dentro de historias es donde Kike Maíllo ha decidido construir su documental El falsificador, en el que cuenta la historia de Aulestia. Por un lado, recurre a testimonios verídicos, como policías españoles, miembros de la operación en EEUU e implicados era la Operación Artista. Por otro, le da la palabra al propio Oswald y, a partir de ahí, nunca nadie sabe si lo que sale por su boca es verdad o no. Él mismo lo advierte: “No os creáis nada, que es la verdad”. Un oxímoron que define bien su vida.

Si tenemos que creernos la historia de Oswald contada por el propio Oswald, tendríamos que dar por válido que vivió en un castillo veneciano que valía un millón, que su padre y él tenían siete u ocho coches y que se compraban el mismo en distinto color para no coincidir, o que vendió sus falsificaciones a “Stallone, Madonna o Luis Miguel”. “Y al Ricky Martin ese que me quería follar y me mandaba el Rolls Royce todas las noches a casa. Todos tienen cuadros míos”, dice a cámara sin titubear. En su historia se codea con los más grandes, y hasta les hace bromas: a Al Pacino le colocó “10 o 15 pollas” en el olivo que tenía a la puerta de su mansión. “Le hice feliz”, palabra de Oswald.

Entre medias, desliza reflexiones sobre obra y copia, sobre qué es lo auténtico y sobre un mercado de arte en el que no se valora la obra en sí, sino el prestigio de tenerla. Como pregunta el protagonista en un momento: ¿qué vale más, un Miró original colgado en el baño de un don nadie o un Miró falso que cuelga en la casa del rey de España?, ¿cuál se vendería por más valor? En las grietas de esa industria, él logró colar copias a 40.000 dólares cada una y amasar una fortuna. Todo eso antes de que la operación policial acabara con su cuerpo en la cárcel. Una experiencia que lo cambió por completo. El equipo del documental se encontró con la detención en directo, y la historia de este falsificador adquirió entonces un tono de redención. Para él, aquel silencio entre las cuatro paredes le cambió. Sigue siendo un jeta, pero ahora consciente de todo.

Kike Maíllo comenzó este documental sin saber a dónde le iba a llevar. Podía ser una ficción, una serie… cuando conoció a Oswald tuvo claro que la única opción era un documental. Sus historias puestas en una película serían inverosímiles. Nadie creería en ellas. Era mejor dejar que él se contara a sí mismo y que ellos aportaran el contexto policial. “No entramos ahí”, dice Maíllo sobre si lo que cuenta este falsificador es verdad o no.

El 90% del cine no es arte, es artesanía. Viene de lo que escuché aquí, de lo que leí allá y de lo que vi por otro lado. Y eso ya se lleva al extremo en la publicidad

Kike Maíllo — Director de cine

Lo que sí es verdad es que “trabaja al detalle sus historias y él se lo cree”. “No sé si son reales, pero desde luego él se las cree y casi siempre está la incógnita de cuánto hay de verdad o de mentira”, dice el director que, tras pasar tres años con él, ha desarrollado una especie de síndrome de Estocolmo que le hace “creer la mayoría de las cosas que cuenta y no creer las que no te quieres creer”.

Durante el rodaje, hubo varios momentos en los que parecía que todo se iba al traste. Justo antes de un viaje, Oswald desaparece y cuando lo llaman dice que está enfermo. Por supuesto, se trata de su detención repentina. Sin embargo, Maíllo nunca tuvo miedo, viene de la ficción, y allí saben que “cuantos más problemas mejor, los problemas son bienvenidos”. Tras su estancia en la cárcel, el director entiende que lo que había comenzado como un Ocean’s Eleven cañí ha girado a una historia de redención. “Él vuelve muy renovado, con la idea un poco mística de que el silencio que ha vivido allá y todo este tiempo sin ver a nadie le han permitido reflexionar sobre lo que ha sido, sobre el ego que tiene, su narcisismo, cuánto ha estado atado a la sexualidad, a las drogas. Se pregunta qué ha hecho bien y qué ha hecho mal. Allí coge un boli y unas hojas y se pone a escribir, él que no había escrito en su puñetera vida”.

La película termina también convirtiéndose en una reflexión sobre el propio hecho artístico. ¿Hay posibilidad de hacer algo realmente original o todo es una copia de una copia? Kike Maíllo cuenta que, incluso en alguna versión del guion, se incluía artículos periodísticos que mostraban cómo “cuando una película va bien, alguien te dice que es porque se parece a otra cosa o porque, directamente, es una copia de algo”. “El 90% del cine no es arte, es artesanía. Viene de lo que escuché aquí, de lo que leí allá y de lo que vi por otro lado. Y eso ya se lleva al extremo en la publicidad, donde todo es referencial y no hay tapujos”, añade.

Madonna

Madonna

Madame XInterscopePOP4Madame X

Hubo un tiempo, desgraciadamente muy lejano, en el que Madonna en vez de seguir las tendencias las creaba. O, cuanto menos, era capaz de atraer hacia sí el talento ajeno y adaptarlo a su particular maquinaria de mercadotecnia e iconografía pop para mantenerse en lo más alto del virtual podio del pop masivo. Más o menos lo que ocurre a día de hoy con divas como Beyoncé o Taylor Swift.

A Madonna, sin embargo, se la nota cansada en este Madame X. Parece agotada de correr en pos de los sonidos del momento, o al menos de aquello que ella interpreta como tal. En Madame X hay reggaeton (por supuesto), EDM, trap, kuduro y algunos sonidos tal vez no tal de última hora pero con los que Madonna y su partenaire Mirwais, que repite como productor, se encuentran muchísimo más a gusto: esencialmente el petardeo disco.

El mejunje alcanza momentos surrealistas nada más empezar el disco, con una Madonna muy poco convencida cantándole a Medellín de la mano de Maluma, una canción que, tampoco nos hagamos trampas al solitario- viene a ser al reggaeton lo que La isla bonita fue al flamenco o el son cubano hace ya más de tres décadas. ¿La cosa puede ponerse aún peor? Efectivamente.

A continuación, no queda claro si con Dark Ballet la broma va de homenajear a Wendy Carlos y sus psicotrónicas adaptaciones de temas clásicos tocados con el sintetizador moog: en el caso de Madonna no es Bach, sino Tchaikovsky el elegido. Pero a esas alturas de la historia, y vamos por el segundo tema del disco, el descoloque no puede ser mayor. Es posiblemente el símbolo más evidente de lo perdida que se encuentra a estas alturas de la Historia la que una vez fue apodada como Reina del Pop.

The Raconteurs

The Raconteurs

Help Us StrangerThird Man / [PIAS]ROCK8Help Us Stranger

Afirmar que Jack White ha empuñado la antorcha del rock revivalista durante las dos últimas década no es decir nada nuevo. Sin embargo la publicación el pasado año de Bording House Reach, un álbum tan singular como fallido, abrió aparentemente una nueva puerta para su creatividad. White es también, además de ese enamorado de los sonidos añejos, un tipo con la suficiente personalidad como para jugársela con los discos de su proyecto personal (y principal) al tiempo que ofrece a sus numerosos fans aquello que realmente quieren escuchar en aventuras paralelas y, a priori, secundarias como son The Raconteurs.

Porque el retorno del cuarteto de Detroit después de once años de silencio discográfico es esencialmente eso, un ejercicio de revisitación de los clásicos y de (casi) toda la música que ha influido en White y sus compinches desde siempre.

Con White repartiéndose las labores compositivas e interpretativas con Brendan Benson, ellos dos se las apañan para darse réplica y complementarse a la perfección a la hora de traer de vuelta el rock'n'roll de alto voltaje a lo Led Zepellin, baladas a medio camino de los Beatles y Elton John –Somedays (I Don't Feel Like Trying), Shine the Light on me- , versionar a Donovan –Hey Gyp (Dig the Slowness)- o reivindicar el glam, el garage-punk y en líneas generales cualquier ejercicio guitarrero con sustancia previo a la gran revolución del pop sintético de los ochenta. Y la verdad es que el resultado son 42 minutos la mar de entretenidos.

Bedouine

Bedouine

Bird Songs of a KilljoySpacebomb / Music As UsualFOLK PSICODELICO8Bird Songs of a Killjoy

Con algo de retraso sobre la fecha inicialmente prevista se publica el segundo álbum de esta cantautora armenia, nacida en Siria y criada en los EEUU. El complicado periplo vital de Azniv Korkejian -antes de asentarse en EEUU también pasó breves estancias vitales en Alepo y Arabia Saudí- no resulta en realidad especialmente descriptivo de un planteamiento musical en el que el bagaje multicultural brilla por su ausencia.

En el maravilloso debut homónimo publicado en 2017, Korkejian ya dejaba claro por donde iban los tiros: la reconstrucción preciosista del pop y el folk psicodélico practicado durante los 60 y 70 por mujeres como Jude Sill, Linda Perhacs o Sibylle Baier. A su paso por nuestro país para presentar sus canciones en directo confirmó los buenos presagios: magnetismo personal y una voz tan dulce como virtuosa. Todo eso se confirma en este, su segundo álbum, nuevamente arreglado por Trey Pollard, también habitual de Natalie Prass y su particular Robert Kirby. Impecable

Fruit Bats

Fruit Bats

Gold Past LifeMerge / Popstock!POP8Gold Past Life

Tras casi dos décadas publicando discos -la mayor parte de ellos en el prestigioso sello de Seattle Sub Pop- la banda de Chicago publica ahora su mejor trabajo. El disco parte de una etapa oscura para el compositor de las canciones, Eric D. Johnson, un tiempo de pérdidas en lo personal y tensiones en la esfera sociopolítica que se refleja en las letras de las canciones. Pero el tono camina en la dirección contraria: “A veces estoy más que perdido, ni siquiera puedo recordar para qué estoy aquí. Tan aterrorizado que cuando llegue mi ultimo día no estaré preparado para ello. Pero lo superaré porque fui amado por ti”.

En ese sentido, las canciones de Golp Past Life cuentan con la magia de aquellos primeros discos de Band Of Horses, en los que la americana, el rock alternativo y el genio melódico del mejor indie-rock de los noventa cristalizaba en canciones profundamente emocionantes.

Hot Chip

Hot Chip

A Bath Full of EcstacyDomino / Music As UsualPOP ELECTRÓNICO8A Bath Full of Ecstacy

La trágica muerte de Philippe Zdar, coproductor de este disco junto a Rodaidh McDonald y la formación británica, de alguna forma ensombrece la publicación del séptimo álbum de Hot Chip. Un elemento, la oscuridad, que a priori no estaba contemplado por parte de Alexis Taylor, Joe Goddard y compañía. Hot Chip fueron en busca de Zdar para dotar a su música de un plus bailable, de un french touch que efectivamente está presente en el ritmo funkoide de Spell o el house vacilón de Echo y Hungry Child.

Y de esa forma se refresca el discurso musical de una banda, que la verdad sea dicha, tampoco había dado señales de agotamiento en sus discos precedentes. Desde el arranque con ese single a la altura de sus principales éxitos (Melody of Love) hasta la recta final en que se relajan las pulsaciones y encadenan tres canciones de ambient pop y psicodelia electrónica, el disco muestra las diferentes facetas de una formación en plena madurez de sus recursos técnicos y compositivos.

Minimal Violence

Minimal Violence

InDreamsTechnicolour / [PIAS]ELECTRÓNICA8InDreams

Minimal Violence es un dúo formado por dos mujeres de Vancouver, Ashlee Luk y Lida P. Tras un periodo de cuatro años publicando referencias en sellos de electrónica underground, esencialmente del norte del continente americano, ahora dan el salto a audiencias mayores con su primer álbum, publicado por el subsello de Ninja Tune Technicolour.

Su propuesta parte de la edad de oro de las raves aunque, un poco en sintonía con lo que ya hicieron en su día Atari Teenage Riot, el aspecto eminentemente lúdico y psicodélico de aquel movimiento se transforma aquí en una violencia explícita. Su música de baile habla bastante mas de nihilismo y oscuras distopías que de la esperanza de un futuro mejor al que llegar supuestamente por la vía de la liberación química. La metáfora funciona a la perfección y el disco, simbólicamente titulado InDreams- se convierte en una brillante pesadilla con coartada bailable.

Park Jiha

Park Jiha

PhilosGlitterbeatFOLK / AVANTGARDE8Philos

Menos es más. Para su segundo álbum, la continuación de aquel Communion que despertó curiosidad en diferentes partes del globo, Jiha reduce a la mínima expresión su despliegue instrumental y con apenas la ayuda del piri (una suerte de oboe corano) el saenghwang (un órgano soplado) y el yanggeum (dulcémele de cuerda percutida) plantea un álbum sobre “el amor por el tiempo, el espacio y el sonido).

Es obviamente un trabajo de sonido minimalista en el que, a diferencia de su debut, Jiha renuncia a la colaboraciones con otros músicos y se centra en su propia labor como instrumentista para completar ocho piezas de corte hipnótico y preciosista, tan conectadas con la tradición como con una modernidad ajena a tendencias de ningún tipo. Un fórmula que apenas rompe un tema, Easy, en el que cuenta con la colaboración de la escritora Dima El Sayed recitando uno de sus poemas.

Madonna no es cantante, no es bailarina, no es actriz, no es escritora. Es todo eso a la vez y más: una de las claves de su éxito es la renovación, así que nunca se sabe cuál será su siguiente paso. El libro Bitch She Is Madonna. La reina del pop en la cultura contemporánea (editorial Dos Bigotes, 2018) analiza, desde un plano académico, las múltiples facetas de la “reina del pop”. Su publicación coincide además con el 35 aniversario del lanzamiento de su primer disco y de su 60 cumpleaños. Ahí es nada.

El origen de la obra es un curso que se impartió en el Aula de Pop Rock de la Universidad de Oviedo en el 2015. Eduardo Viñuela fue uno de los profesores y ha sido el encargado de la edición del libro. El volumen se compone de ensayos breves firmados por personas que impartieron clase: “Hay músicos como Igor Paskual o Mar Álvarez y Laura González, docentes como Jimena Suarez o yo y especialistas en sexología o la gestión cultural como Borja Ibaseta”, dice por teléfono.

Cada autor analiza la figura de la artista desde diferentes perspectivas. Igor Paskual escribe sobre la creatividad y las referencias de su música; Lara González sobre sus espectáculos en directo; Viñuela sobre los roles, discursos y narrativas de sus videoclips y Jimena Escudero sobre el trono ético y estético en el que se sienta la monarca del pop.

Por su parte, Cande Sánchez-Olmos analiza su importancia en el mundo de la publicidad; Marta Álvarez y Laura Viñuela reflexionan sobre la relación de las mujeres con la figura de Madonna y Borja Ibaseta trata el compromiso y la importancia de su figura para la comunidad LGTB. El libro se cierra con la mirada desde la sexología de Iván Rotella y Ana Fernández Alonso.

“Yo hice una tesis doctoral en 2008 sobre el videoclip en España y llevo desde hace 15 años dedicado a investigar no solo el formato sino también su adaptación a la cantidad de fenómenos relacionados con él como YouTube y demás”, comenta Viñuela acerca de su capítulo. “Cuando surgió la oportunidad de hacer este libro enseguida me fui a revisar todo lo que había recopilado”, ya que, como reconoce, “en los años 80 hubo una fiebre por el estudio del videoclip en el mundo académico y Madonna, con Like A Virgin o Material Girl, era una figura que siempre aparecía en los análisis”.

Además de la constante renovación mencionada anteriormente, otra de las claves del éxito de la artista es la insurrección a través del escándalo y la incorrección con su trabajo y su propia persona.

Meros ejemplos son sus obras Sex o Erotica, los corsés cónicos de Jean Paul Gaultier, el disco de protesta en contra de la guerra de Irak American Life (2003) o su discurso en la marcha de las mujeres en enero de 2017, después de la victoria electoral de Donald Trump: “Que les jodan (...) Sí, estoy enojada. Sí, estoy indignada. Sí, he pensado muchísimo en hacer volar la Casa Blanca, pero sé que esto no cambiará nada (...)”.

Jimena Escudero cita en su capítulo Trono ético y estético: del misticismo al bondage, pasando por la política y la reconciliación con el establishment popular a la musicóloga Katarina Mitic, quien explica que Madonna siempre ha mantenido una “estrategia (post)modernista de shock”. La sorpresa por bandera. “En el libro describimos cómo está buscando nuevos discursos, nuevos estilos, nuevas formas de crear música continuamente”, explica Viñuelas.

Y añade que, en ese sentido, “ha tenido momentos muy punteros en los que ha sido referencia de la vanguardia musical como a finales de los 90, cuando mezcló el pop con la electrónica. En la actualidad sigue en la línea de renovar: convirtiéndose en su propia marca se vincula mucho a lo que es la dinámica actual del mercado”.

Feminismo y sororidad

Quizá su lucha más encarnizada y exitosa hasta el momento ha sido en contra del heteropatriarcado (encajada dentro del mainstream, claro). Es una idea transversal en el libro y que se desarrolla detenidamente en el apartado firmado por Mar Álvarez y Laura Viñuela, What It Feels Like For a Girl: Madonna y las otras mujeres.

“A la pregunta de si el trabajo de Madonna es feminista, nosotras contestamos rotundamente que sí. Con su juego con los estereotipos femeninos nos muestra su existencia y nos enseña cómo se construyen. También nos da alternativas y nos invita a mezclar estos estereotipos y hacerlos chocar unos contra otros para que veamos qué genera su alquimia. La subversión de Madonna reside en dar vueltas una y otra vez al discurso de género”, afirman en sus páginas.

El activismo feminista de la artista tiene diversas vertientes. La primera es la de la mujer hecha a sí misma que ha alcanzado el éxito en su carrera: “Madonna carece de Pigmalión. Madonna es una empresa, tiene muy claro que está en un negocio y, como tal, funciona. En su factoría es ella quien traza las líneas estratégicas y quien elige a las personas que van a estar en cada parte del producto final: la música y la imagen que luego ella ha de defender frente al público”, escriben también Álvarez y Viñuela.

La segunda es la de la estrella que se resiste y rechaza la costumbre heteropatriarcal de enfrentar a las mujeres en una competición. Eduardo Viñuela arguye que: “Continuamente se le está buscando una sucesora, cosa que no suele pasar cuando hablamos de hombres: ¿Quién es la siguiente reina del pop?”.

Una de las cosas interesantes de Madonna es que no sólo no ha perdido su estatus de reina sino que lo ha conseguido sin rivalizar con otras artistas. Se ve en el videoclip de Bitch! I’m Madonna -que es con la canción con la que jugamos en el título- donde salen artistas más recientes como Miley Cyrus, Beyoncé, o en su aparición en los MTV Awards de 2003 cuando le da el beso a Britney Spears y Christina Aguilera que, en ese momento, se postulaban como posibles sucesoras.

Siempre ha sostenido una relación no sólo cordial sino de sororidad, de establecer un vínculo y romper con esa constante rivalidad entre mujeres que ha instaurado el patriarcado dentro de la lógica del mercado musical“.

Y la tercera: con ese videoclip rodeada de jóvenes (salen incluso sus hijos Rocco y David) o en sus selfies en Instagram en los que no duda en aparecer como le da la gana -pecho fuera incluido- por muchas críticas que le lluevan. Con esa actitud Madonna lanza un mensaje bien claro: “Me retiraré cuando me dé la gana y no cuando el sistema decida que soy 'demasiado vieja para'”.

La predicción de Eduardo Viñuelas es que aún le queda mucha mecha por quemar. “Por lo que cuentan las redes sociales y por lo que se comenta, no va a acabar el año sin sacar un nuevo disco. Revisando biografías, estudios y artículos de prensa de los años 80 y 90 ya muchos se preguntaban si sería flor de un día, a ver cuánto iba a durar… y estamos en 2018 y todavía sigue ahí. Creo que tiene cuerda para rato”. Larga vida a la reina.

“Entonces hizo una pausa en medio del concierto y fui a su camerino.

- Hola, soy George, ¿cómo te llamas?

- Me llamo Madonna.

- ¡Ah!... Y ¿cuál es tu nombre real?

- Madonna“.

Madonna nació en 1958 llamándose Madonna Louise Verónica Ciccone, y George DuBose cuenta así la historia de las fotos que le hizo a esa chica cuando nadie sabía su nombre. Medio centenar de instantáneas de DuBose, Peter Cunningham y Deborah Feingold se exponen hasta el 15 de mayo en La Térmica de Málaga en una muestra titulada “Madonna: el nacimiento de un mito”, comisariada por Contemporánea. “¿Cómo podría no ser diferente teniendo el nombre de Madonna? Al final, hubiera acabado siendo monja o lo que soy ahora”, dijo ella una vez.

La Térmica muestra al icono antes de serlo. Expone fotos de los ochenta, algunas inéditas, proyecta dos vídeos y (guiño a la estrella de pop que hay en cada uno) propone un karaoke. De la exposición se sale convencido de que a Madonna siempre le gustó la cámara, a la que domina con una pompa de chicle. Hay pocos artistas tan conscientes de su poder de seducción. Durante el reportaje de Peter Cunningham, extraviado durante años, juega con los transeúntes, se baja la cremallera ante una Iglesia y se crucifica ante una verja. Era 1982. Liz Rosenberg, a quien Warner había designado para controlar la carrera de la artista, le dijo a Cunningham lo que tenía entre manos: “La nueva Marylin Monroe”.

En la presentación de la muestra, George DuBose contó cómo conoció a Madonna, que entonces tenía 23 años. El fotógrafo era un asiduo de los clubes neoyorquinos y un par de veces a la semana pasaba por Hurrah, una discoteca de Brooklyn que empezó organizando fiestas disco y acabó programando a buena parte de la nueva escena punk y new wave. The Ramones, Gang of Four, Echo and the Bunnymen, XTC, Suicide y New Order, en el primer concierto en Nueva York después de que Ian Curtis se ahorcara en la cocina de su casa, pasaron por allí, y DuBose ganaba un dinero con ellos.

“La mánager de Madonna, Camille Borbone, contactó con el portero del Hurrah y le preguntó si conocía un buen fotógrafo. El portero le dio mi número, así que Borbone me llamó y dijo que me pagaría 250 dólares por ir a Roslyn, en Long Island, para tomar fotos en un pequeño club. Sólo de la cantante. No me dijo el nombre”, recuerda el fotógrafo.

Una docena de personas asistieron en el Uncle Sam's Blues al concierto de aquella chica y The Breakfast Band, el 18 o el 19 de octubre de 1981 (“lo sé porque apunto siempre la fecha del revelado, y marcaba el 20 de octubre”). Aquella noche DuBose ya vio en esa chica lo que tienen las estrellas. “También estaba claro que todavía no tenía un estilo, y lo estaba buscando”, recuerda hoy. Madonna, vestida “como Jane en el Tarzán de Johnny Weismuller”, ni siquiera era rubia.

En una pausa, DuBose fue su camerino para decirle “lo sexy que era” y el buen show que hacía. “Pero pareces nerviosa”, observó. En ese momento la agente de la cantante entró en la habitación y lo sacó de allí a voces. Un par de días después, DuBose reveló las fotos y llamó a la mánager para entregarlas y recibir el pago, pero Borbone nunca se interesó por las fotos y el fotógrafo no vio un dólar de los 250 que aquella mujer le había prometido. En 2014 Matthew Rettenmund escribió la segunda parte de su Enciclopedia Madonnica y llamó a DuBose para pedirle sus fotos no publicadas. “¡No tenía ni idea! Así que, como me dijo que me pagaría, escaneé las 144 fotos. Luego publiqué un libro con ellas: con las buenas y con las malas”.

La historia de DuBose ocurrió antes de Everybody (1982), de Holiday (1983), de Like a Virgin y de Material Girl (1984). Antes también de que una canción que también fue película se preguntara Who's that girl? Años después tituló un single Bitch, I'm Madonna, como si alguien no se hubiese enterado. Está en las fotos que se exponen en La Térmica: Madonna siempre fue Madonna, aunque los demás no lo supieran. Se lo dijo a DuBose. Dos veces.

El miedo a la yihad no ha detenido a la reina del pop que se ha negado a suspender su gira mundial y ha presentado su Rebel Heart Tour en el barcelonés Palau Sant Jordi. Los dos conciertos forman parte del brazo europeo de una gira que dio comienzo en Estados Unidos y Canadá. Según la Wikipedia, el recinto admite hasta 18.000 espectadores y, según El Periódico, la vigilancia ha estado a cargo de 120 mossos y 175 profesionales privados.

Mucha gente.

Los asistentes se quejan de la hora de retraso por los cacheos. Las crónicas describen un espectáculo dantesco, exuberante y carísimo.

Quién era aquella chica

En otoño de 1983 mis amigas vieron la ahora legendaria actuación promocional de Madonna en Camden Palace. Me ahorro repetir sus comentarios, basta decir que no les gustó nada: “Era playback”. Madonna no era todavía la rutilante reina pop que ha batido todos los récords ni la hidra mutante de cien cabezas con peluca de mortíferas culebras, apisonadora humana que destruye a picotazos lo que se pone a su alcance. En 1983 era solo una de las muchas starlettes disco de última hornada que animaban las veladas en alguno de los pisos del Danceteria neoyorquino. Pero bailaba y cantaba como si le fuese la vida en ello.

Madonna había nacido en una familia católica en Bay City en la Bahía de Saginaw en el lago Hurón. Como en los cuentos, muere su madre, su padre se casa con la asistenta y la niña se ocupa de sus cinco hermanos. Le gusta mucho bailar. En la escuela es cheerleader y muy buena estudiante. Consigue una beca para estudiar danza en la universidad, pero allí decide que quiere ser profesional y con 35 dólares en el bolsillo se sube al bus y se va a Nueva York. No come más que palomitas de maíz. Cenicienta con lycras y calentadores. Hace mil trabajillos para sobrevivir y acaba de gogó de Patrick Hernández y de modelo de desnudos. Un fotógrafo le paga 25$ por posar. Siete años después venderá sus fotos a una revista por 100.000. Pero en 1985, Madonna ya es famosa y una hábil mujer de negocios que sabe vender muy bien su leyenda y su imagen provocativa y escandalosa y, más que nada, el escándalo le sirve de promoción.

Like a Virgin se había publicado a finales de 1984 y tuvo mucho éxito. Madonna ha salido del submundo de las discotecas y se convierte en estrella pop. Vestida de novia post punk, arrasa en los Grammys. Su cinturón de Boy Toy causó escándalo. Pizpireta, sexy y descarada, Madonna se parecía más a Charo Baeza y a Raffaela Carra que a Ian Anderson y Leonard Cohen. No tenía el aura arty de Grace Jones, ni el misterio decadente de Amanda Lear. No tenía la voz de Gloria Gaynor, ni la credibilidad de Donna Summer.

Igualmente, despertó grandes recelos entre la autoridad de hecho musical que no quería ver derrotada a su máquina de hacer dinero, masculina, mesiánica y patriarcal. En cambio, las niñas –como había pasado con Elvis, los Beatles y MJ- se volvieron locas. Pronto el disfraz de Madonna compitió con el de la Bruja Avería en las fiestas de fin de curso. Sus imitadoras crecieron y las más entregadas se convirtieron a su vez en profesionales y ahí tenemos a Britney Spears, Christina Aguilera, Jennifer Lopez, Beyoncé, Gaga, Rihanna, etc.

En 1984, Madonna representaba el triunfo del afterpunk: se vestía con trapitos, se maquillaba ella misma y era todavía una jovencita rechoncha cuando le llegó la fama. A su paso saltaban todos los cánones de belleza. Además, contaba con la garantía de nombres de prestigio como Reggie Lucas y Nile Rodgers. El público femenino, acomplejado por la extrema delgadez de los 60 y 70, se regocijó y le aplaudió con fervor. Su frescura y desvergüenza para las alusiones sexuales y la carga erótica de sus interpretaciones eran un alarde de poder femenino. En un periódico madrileño tradujeron “When I was ten, I started liking boys” como “…Empecé a chupar a los chicos” y la fama de Madona como mala pécora se consolidó.

Desgraciadamente lo echa todo a perder en 1986, cuando reaparece para promocionar su tercer LP, True Blue, con un montón de kilos menos, bien maquillada, con pelo de peluquería y trajes muy elaborados. En Vanity Fair hablan de belleza de Boticelli. Para acabar de estropearlo, ahí está La Isla Bonita, que no se ha dejado de escuchar y que no ha dejado de resultar irritante con sus acentos mal encajados. Por culpa de Like a Prayer empiezan sus pleitos con la Iglesia Católica. Las autoridades eclesiásticas clamarán por que sea excomulgada y su oficina de comunicación nos hace creer que tiene mucho mérito.

En la cumbre de su fama, Madonna visita España por primera vez en 1990. Se pone la camiseta del Atlético de Madrid y da una fiesta en un hotel de lujo con invitados famosos. También fue a correr con todo su séquito por la Castellana. Al día siguiente visitará Barcelona. Es el mundo del espectáculo tradicional, como si las dos décadas de contracultura y punk no hubieran tenido lugar: piernas al aire, torsos desnudos, cambios de vestido y equívocos sexuales. El documental de la gira en que se integran los dos conciertos se titula En la Cama con Madonna.

Por entonces, con una foto fumando en la portada, editó Justify my Love, tema erótico que dio mucho de qué hablar, básicamente porque hubo una denuncia por parte de la autora de la canción, Ingrid Chavez, cuyo nombre había desaparecido de los créditos. En 1992, Madonna funda el emporio Maverick y, con este entramado empresarial a sus espaldas, lanza su andanada particular contra la gazmoñería: un álbum y un libro de fotos subidas de tono con los imaginativos títulos de Erotica y Sex respectivamente. Bate todos los récords. Mucha gente bosteza.

90's: Electrónica, Lourdes y Evita

Parece algo perdida en los 90. Sigue todas las modas: new jack swing, drum and bass, trip hop… Experimenta con el hinduismo pero solo edita dos álbumes -Bedtime Stories (1994) y Ray of Light (1998)- que siguen batiendo récords aunque, si preguntas, nadie los ha oído. La paradoja está tomando forma. Madonna es la avanzadilla de la música del siglo XXI: todo el mundo habla, pero nadie escucha. A mitad de la década, toma clases de canto para la versión cinematográfica del musical Evita. Recibe varios premios por su interpretación y tiene a su primera hija, Maria Lourdes, que ha cumplido 19 años y ya se ha hecho famosa.

Mientras ella crecía, parece que a su madre no se le ocurre nada. Por ejemplo, se viste de vaquera, graba versiones de canciones que nadie hubiera querido volver a escuchar y que, de repente, se vuelven ubicuas por su culpa. También hace suya una de las modas más ridículas e incómodas: el pantalón llamado cagón, que hasta entonces solo se lo habíamos visto a raperos y DJs, pero que ahora se convierte literalmente en moda juvenil y tardará más de diez años en extinguirse. Cuando la RIAA, instigada por el batería de Metallica, se lanza judicialmente contra Napster, Madonna es una de las figuras que defienden a la joven plataforma de intercambios. En 1998 nace Rocco, su segundo hijo biológico. Pronto aparecerá en escena con su mami.

Vestida de Che Guevara saca un álbum conceptual contra la cultura americana y todas las tiendas de la main street adoptan la moda militar y el camuflaje. Le sigue un álbum de revival disco que será su mayor éxito en mucho tiempo sobre todo gracias al sampler de Gimme Gimme Gimme de ABBA en el tema titulado Hung Up. Por cierto, utilizar su riff necesitó de largas conversaciones con los autores de la canción. Los negocios son los negocios. Títulos: American Life y Confessions on a Dance Floor. También adopta a dos niños africanos de modo irregular. La productora cinematográfica Maverick lanza La Saga del Crepúsculo en 2008. Madonna está muy bien en su pequeña despedida a MJ en julio del 2009.

En Hard Candy, Madonna vuelve a sacar los cueros sadomaso. Su siguiente álbum alude a las drogas de síntesis: MDNA. A pesar de su extraordinaria forma física y de su bonito cuerpo de bailarina, es muy criticada por seguir exhibiéndose en escena con tan poca ropa: “¡A su edad!”, claman las voces de internet y de las revistas de cotilleos. Para presentar Rebel Heart, encarga en España unos trajes de torero, unas cornamentas y unas capas. En la entrega de los Brit Awards, se enreda en la capa y se cae. Sigue cantando como si nada.

Entre jaulas, cruces y abanicos, Madonna recorre el mundo con su Rebel Heart Tour y recauda veinte millones. Muchos van a sus conciertos, todos leen las crónicas. Madonna ha hecho muchas cosas y ha ganado mucho dinero escandalizando y cambiando de trajes y peinado continuamente. Pero la Madonna de referencia para todo el mundo es la de los 80 y las canciones que se siguen escuchando son Material Girl y La Isla Bonita.

Parecía un presagio cuando, horas antes de la gala, Madonna compartía con sus seguidores que “estaba cagada de los nervios”. Un mensaje que, como es natural, las redes sociales reprodujeron en masa, pero hace falta algo más para alcanzar la viralidad. Y ese algo llegó cuando, al final de los Brit Awards en mitad su canción Living For Love, la reina del pop fue arrastrada por su propia capa, un segundo que la convirtió en trending topic mundial en twitter.

En menos de 45 minutos, la diva se convirtió en tendencia mundial, cosa que no le ocurría desde hacía mucho tiempo. Unos seiscientos mil tweets captaban este momento y surgían memes y bromas que demuestran que el ser humano podrá perder el equilibrio pero jamás el sentido del humor y la creatividad.

La artista declaró después en su muro de Facebook que la culpa había sido de la capa, diseñada por Armani. Tenía que soltársela al principio de la actuación pero estaba demasiado fuerte y no pudo hacerlo. Uno de sus bailarines tenía que tirar de la prenda y, sin quererlo, tiró también a la mismísima Madonna.

Esta es la versión oficial pero, como es natural, sabe a poco. Esta es la lista de las teorías más apoyadas de este epic fail que, aunque no pasará a la historia, nos hará reír durante un tiempo.

Estrellas cruzadas

Hay combinaciones mal estrelladas (con perdón). Si juntas elementos tan dispares como una capa, un puñado de minotauros y un ventilador lo difícil no es caerse sino todo lo contrario. Encima hay unas escaleras de por medio. Y una edad. Los más envidiosos argumentan que eso de ondear una capa a cierta altura en frente a una corriente de aire de cierta potencia fortalece la teoría de que el equilibrio se pierde con los años. Algo así le pasó a Madonna que, aunque tenga capa todavía no vuela y cayó cual fruta madura. Y todo hay que decirlo, rebotó como una profesional.

Showgirls

ShowgirlsLa lección de Gina Gershon: “Siempre hay alguien más joven y hambriento bajando la escalera detrás de ti”. Ay, ay. Qué pasaría entre bambalinas momentos antes de la actuación que se dice, se cuenta, se rumorea, que la bailarina china que está detrás de la diva pudo pisarle la capa “sin querer”. A ver Madonna, ¿nunca te habían dicho que la venganza amarilla es un plato que se sirve frío?

El Minotauro

Es pensar mal pero, ¿en serio no se enteró el bailarín de que algo no iba bien? ¿No tendría que hacerle la cantante algún gesto que le indicara que ya podía tirar de la capa? No sabremos si el hombre estará ya en la cola del paro pero desde aquí le auguramos que El minotauro que derribó a la Reina del Pop huele a best seller.

Lady Gaga

Madonna lleva ya mucho tiempo acaparando el protagonismo de la música pop y esto, claro, trae de cabeza a muchas de sus compañeras más jóvenes. Lady Gaga o Katy Perry son algunas de las aspirantes al trono de Reina. Y se sienten frustradas en su intento por poder coronarse. Puede que las princesitas, en vez de competir entre ellas, hayan unido fuerzas contra el enemigo común. Y es que, por mucho una se cambie la cara, a estas chupasangres no las engaña nadie.

¿Fue un montaje?

Las malas lenguas aseguran que no es muy normal que la cantante se caiga dando lo que casi podría considerarse un triple salto mortal hacia atrás y que sus bailarines, esas personas que la acompañan gira tras gira y actuación tras actuación y que deberían sentir algo de cariño por su musa ni se inmutaran. Igual estaba todo planeado y por eso el cuerpo de baile taurino se transformó en gárgolas de piedra durante estos segundos. Who knows.