Se suele decir que París es una de las ciudades más hermosas del mundo, y no es una exageración si uno se fija en su arquitectura. Desde iconos como la Torre Eiffel hasta espacios culturales como el Museo de Orsay, la ciudad construyó su identidad visual mucho antes de que el modernismo irrumpiera con fuerza en Europa.

Y ahí está precisamente la clave: cuando el Art Nouveau comenzó a expandirse a finales del siglo XIX, París ya era una ciudad prácticamente consolidada, con su trazado urbano definido y sus grandes edificios levantados. A diferencia de otras capitales europeas donde este estilo encontró espacio para desarrollarse a gran escala, en París apenas quedaban huecos para reinventar su arquitectura.

Sin embargo, hubo una excepción tan inesperada como brillante: las bocas del metro.

El metro como lienzo del modernismo

A principios del siglo XX, coincidiendo con la Exposición Universal de 1900, la ciudad emprendió la construcción del Metro de París, una infraestructura completamente nueva que requería también una identidad visual propia.

Para ello, se encargó el diseño de las entradas al arquitecto Hector Guimard, uno de los grandes nombres del Art Nouveau, que encontró en este proyecto una oportunidad única para introducir el estilo modernista en una ciudad donde ya no había espacio para hacerlo en edificios completos.

Lo que Guimard propuso no fueron simples accesos funcionales, sino pequeñas piezas de arquitectura que condensaban toda la esencia del movimiento: estructuras de hierro forjado, líneas curvas y orgánicas, formas inspiradas en la naturaleza y una estética que parecía crecer del suelo como si fuera parte del entorno.

Libélulas, plantas y hierro: el lenguaje del Art Nouveau

Las entradas diseñadas por Guimard se alejaban por completo de la rigidez clásica que dominaba París. En su lugar, apostaban por una estética fluida, casi vegetal, donde cada elemento parecía tener vida propia.

Algunas de estas bocas de metro, conocidas como édicule, incorporaban cubiertas de vidrio que recuerdan a alas de insecto, especialmente a libélulas, uno de los motivos más recurrentes del modernismo. Otras, más sencillas, consistían en estructuras abiertas con postes curvados que se entrelazan como tallos y que culminan en esferas rojas que evocan flores o capullos.

Incluso la tipografía de la palabra “Métropolitain”, con sus formas sinuosas, se convirtió en un icono del estilo, hasta el punto de que hoy sigue siendo una de las imágenes más reconocibles del Art Nouveau en todo el mundo.

Un modernismo en miniatura

Lo curioso de todo esto es que, mientras ciudades como Barcelona o Bruselas desarrollaban el modernismo en fachadas, edificios y grandes conjuntos arquitectónicos, París lo relegó —casi sin querer— a una escala mucho más pequeña.

Las bocas de metro se convirtieron así en una especie de cápsula artística, un reducto donde el modernismo pudo existir sin alterar el equilibrio urbano que ya definía la ciudad. Son, en cierto modo, el único gran testimonio de este estilo en París, pero también uno de los más coherentes con su contexto.

El detalle que explica una ciudad

Hoy, estas entradas no son solo elementos funcionales, sino auténticos símbolos de la Belle Époque parisina, un momento en el que la ciudad, ya consolidada, encontró en los pequeños detalles una forma de seguir evolucionando sin romper con su pasado.

Porque si algo demuestra París es que no siempre hace falta construir algo gigantesco para dejar huella. A veces basta con intervenir en lo cotidiano, en algo tan aparentemente simple como una entrada de metro, para crear un icono que, más de un siglo después, sigue definiendo la identidad de una ciudad entera.

Un domingo cualquiera a primera hora de la mañana en París. Cuatro personas subidas a una moto aparcan frente al Sena, junto a la fachada sur del Louvre. En menos de siete minutos entran y salen del museo y roban hasta cuatro joyas históricas. Salen por la ventana, bajan por el montacargas y salen disparados en sus motos. Nos hacemos algunas preguntas: ¿Cómo ha podido pasar? Pero también… ¿para qué? ¿para quién se arriesga una banda a robar unas joyas de Napoleón? ¿Para qué robar joyas en pleno siglo XXI?

Para responder a estas preguntas hablamos con el periodista y guionista Javier Gómez Santander. También con dos voces expertas en este ámbito: José Luis Guijarro, que es el director del Máster en Mercado del Arte de la Universidad Nebrija y también hablamos con Joaquín Gallego, especialista en mercado del arte y en mercado negro.

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La artista conceptual catalana Fina Miralles ha sido galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas 2025, a propuesta del jurado reunido hoy. El premio, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros. El jurado ha destacado de esta creadora “su rol pionero desde los años 70 en el marco del feminismo”, en el que fue un estandarte junto a otras creadoras como la pintora y escultura pop Mari Chordà.

También ha señalado como motivo para concederle el premio su “posturas ecologistas tempranas, reivindicando la relación del ser humano con la naturaleza”. Además, el jurado ha señalado que “su obra posee una iconicidad muy poderosa que prolonga su vigencia hasta el presente”.

“Lleva cabo a cabo una aguda reflexión crítica del poder en todos sus aspectos. En los últimos años, ha realizado una profunda reflexión textual en que aborda la experiencia humana adoptando una perspectiva holística”, dicen los miembros del jurado en su comunicado.

El premio reconoció en su pasada edición a Pedro G. Romero, uniéndose a una amplia lista de galardonados, entre quienes se encuentran Teresa Lanceta, Rogelio López Cuenca, Dora García, José María Yturralde, Àngels Ribé, Ángel Bados, Ángela de la Cruz o Juan Hidalgo, entre otros.

Crítica con las estructuras del patriarcado

Fina Miralles (Sabadell, 1950) es una artista pionera en prácticas conceptuales con las que comenzó a experimentar en la década de los 70. Formada en Barcelona, pasó largas temporadas en América del Sur, Francia e Italia. Su práctica artística suele vincularse al land art y a las relaciones entre cuerpo y naturaleza. En sus acciones también aborda la crítica política y las estructuras del patriarcado.

Entre sus primeras obras destacan Natura morta (1972), Dona-arbre (1973), o Relació del cos amb elements naturals en accions quotidianes (1975). Durante esta época se vincula a espacios emblemáticos de la vanguardia catalana como Sala Vinçon, Sala Tres o Espai 13 de la Fundació Joan Miró.

A partir de los años ochenta explora lo matérico a través del empleo de la pintura y el dibujo. Proyectos como Doble horitzó (1979-1981) muestra la simbiosis entre lo performativo y la práctica pictórica. Un camino que le llevará a una creación progresivamente más introspectiva. 

Con el cambio de siglo se retira a Cadaqués, donde seguirá trabajando en las conocidas como “fotoacciones”. Entre sus exposiciones e intervenciones más relevantes destacan De les idees a la vida (Museu de Sabadell, 2001), la Nadala de la Fundació Joan Miró de Barcelona (2014) Naturaleses naturals 1973-2016 (Museo Arqueológico Nacional, 2016) o Soc totes les que he sigut (MACBA, 2020).

La obra de Fina Miralles está presente en las colecciones del Museu d'Art de Sabadell, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y el MACBA de Barcelona. En 2018 fue galardonada con el Premi Nacional d'Arts Visuals, que concede el Consell Nacional de la Cultura i de les Arts de la Generalitat de Catalunya.

La ciudad de París es una de las localidades turísticas por excelencia y una de las más influyentes del mundo, con muchas atracciones tanto históricas como culturales que la hacen una de las más visitadas del mundo.

La cantidad de museos que ofrece la capital francesa es uno de sus atractivos y entre uno de los más visitados se encuentra el Centro Pompidou, el tercero con más visitantes tras el museo del Louvre y el museo Orsay, y que cierra sus puertas durante cinco años desde este septiembre 2025.

El Centro Pompidou de París cierra cinco años por reformas

Una reforma que comenzará este otoño de 2025 y finalizará en 2030, lo que tendrá a uno de los museos más visitados en París cerrado, con el objetivo de seguir siendo “un lugar de referencia en el mundo” como cuando se dio su inauguración en 1977.

El Centro Pompidou de París, uno de los lugares emblemáticos y exponentes del arte moderno y contemporáneo de Europa, es también uno de los sitios más icónicos gracias también a su edificio, creado por los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers y con 7.500 metros cuadrados de cristal y hierro en el barrio histórico de Beaubourg.

Las obras del Centro Pompidou viajan por España

El cierre temporal del Centro Pompidou de París, sin embargo, trae una buena noticia para los museos y centros culturales españoles, pues a través del programa Constellation las obras viajarán por diferentes sitios de Francia y a nivel internacional, entre ellos España.

Así, la colección permanente del Pompidou viajará a algunos sitios de España, como el Centro Pompidou de Málaga o Caixa Forum, que acogerá dos exposiciones en Madrid y Barcelona de la obra, por ejemplo, de Henri Matisse, y mucho más planteado.

A su vez, en otoño de 2026 se tiene pensada la apertura del Centro Pompidou Francilien - fabrique de l’art, un espacio dedicado al arte y la cultura con de proyecto híbrido para albergar reservas del Museo Nacional de Arte Moderno y del Museo Nacional Picasso de París, y ser a su vez centro de investigación y referencia científica en el arte y un espacio cultural con programación artística relacionada.

La razón de la reforma del Centro Pompidou de París

Desde su inauguración en 1977, el Centro Pompidou de París ha sido un lugar que marcó un antes y un después sobre lo que es ser un museo por su arquitectura, sus instalaciones o el urbanismo, con una fachada peculiar. Su marcada innovación desde el principio es el hecho que ha propiciado su reforma de cinco años, para seguir a la vanguardia.

Así, la reforma del Centro Pompidou de París incluye paliar la presencia de amianto, mejorar la protección contra incendios o los accesos para personas con movilidad reducida, y que buscará seguir potenciando los atractivos del edificio, así como restaurar y conectar edificios como una biblioteca infantil, una terraza panorámica o el Centro Nueva Generación.

El Museo de Arte Moderno de Santander (MAS) celebra este martes, 23 de septiembre, desde las 19.00 horas, una nueva sesión del ciclo 'Alucinaciones', de la mano de Alejandro Pelayo, compositor y productor de Marlango, que hablará de la música en la pintura partiendo de 'La Cagigona' de Riancho.

Este ciclo, organizado por la asociación amigosMAS, trata de ofrecer un espacio para la ensoñación y la reflexión partiendo de obras de sus propias colecciones.

En Alucinaciones, personas que no son profesionales del mundo de las artes plásticas son invitadas a seleccionar una obra del MAS, preferiblemente expuesta, que les resulte especialmente atractiva y tomándola como referencia, disertan sobre el tema que esa pieza les provoca. La sesión finaliza con un encuentro abierto entre la persona invitada y el público, para dar lugar a un coloquio entre protagonista y asistentes.

Alejandro Pelayo ha elegido la obra 'La Cagigona (a orillas del Luena)' (1901-1909), icónico óleo sobre lienzo de Agustín de Riancho (Entrambasmestas, Cantabria, 1841 - Ontaneda, Cantabria, 1929). Como es habitual, el escritor, editor y crítico Luis Salcines, miembro de la Junta directiva de la asociación de amigos del museo, presentará el acto.

Nacido en Cantabria, Alejandro Pelayo creció al piano y llegó a estudiar en la prestigiosa escuela neoyorkina The Juilliard School. Se ha formado en composición y dirección de orquesta. Ha publicado siete trabajos en colaboración con la actriz y cantante Leonor Watling bajo el nombre de Marlango. También ha trabajado en cine y teatro y ha compuesto música para campañas publicitarias de marcas como Coca-Cola, Volkswagen, Acciona, Freixenet o Metro de Madrid. En 2017 publicó en solitario 'La herida invisible' y, en 2019, 'La memoria de la nieve'.

Este año han pasado por el ciclo 'Alucinaciones' la neurocientífica Mara Dierssen, que disertó sobre la fotografía de Juan Uslé 'Looking North', Suances (2006) y la escritora Berna González Harbour, a partir de los grabados de Goya de la colección del MAS.

Una uña postiza suelta y caída en el suelo no deja de ser para muchos de nosotros un desecho lanzado por alguna persona irresponsable con el medio ambiente, la limpieza urbana o el civismo. Nos produce sorpresa encontrarla, incluso rechazo y asco. Sin embargo, para la italiana Ludovica Carbotta (Milán, 1982) puede resultar un objeto preciado o fascinante, que da rienda suelta a la imaginación, la especulación y el juego.

“Viví desde pequeña fuera de la ciudad, en un entorno más bien rural con casas aisladas, por lo que cada vez que acudía a la ciudad no la concebía como un espacio agobiante sino como un ámbito misterioso y fascinante, lleno de posibilidades”, explica esta artista plásctica.

Ahora vive y trabaja en Barcelona, donde reside desde hace ocho años. Pero el hecho de residir en una ciudad no le ha impedido conservar lo que ella denomina “una mirada de niña”, sobre el entorno de la rodea. Y eso es precisamente una de las cosas que reivindica su exposición Constructoras de mundos muy parecidos al nuestro para el Espai 13 de la Fundacio Joan Miró: una mirada diferente sobre la ciudad y los objetos que la habitan que podrá contemplarse en este museo hasta el 2 de noviembre..

La ciudad con mirada infantil

Carbotta se refiere a una mirada infantil que permita reimaginar el espacio urbano de una manera ficticia y diferente, que es lo que, al fin y al cabo, hacen los niños al pasar los objetos que van encontrando por el prisma de su curiosidad y su portentosa imaginación.

Así, entre numerosas estructuras de madera, encontramos en esta muestra algunos objetos peculiares como uñas postizas, pero también chicles, muelles de suspensión, cristales de botellas rotas, sacos de obra, pajitas para sorber, montañas de palés, un colchón abandonado o ruedas de bicicleta atadas con una cadena, señal esta de que ha sido robado el cuerpo que las poseía, esto es la bicicleta.

Son objetos habituales en el entorno urbano de Barcelona, que nos producen impresiones muy diferentes según la edad o la mirada que les apliquemos. “A una mirada adulta muchos de ellos le producirán rechazo o asco”, aduce la artista. “Pero bajo la óptica infantil son objetos que estimulan la imaginación y el juego, que ofrecen mil posibilidades”, replica.

Para la exposición, que ha sido comisariada por Carolina Jiménez, responsable de programas de investigación de Hangar-Centro de investigación y producción artística y previamente responsable de docencia del Programa de Estudios Independientes del Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Carbotta ha utilizado reproducciones a escala aumentada de los objetos, empleando los materiales más diversos, desde tubos de PVC para las pajitas o resinas y madera.

Reivindicación del espacio ciudadano

El segundo llamamiento de Ludovica Carbotta en Constructoras de mundos muy parecidos al nuestro es la recuperación de la ciudad para quienes la habitan. Carbotta incide así en cómo las grandes ciudades han sido arrebatadas de las manos de sus moradores “por parte de las grandes corporaciones, el turismo, la gentrificación y el poder municipal”.

Ella aboga por la reapropiación de los entornos, las calles, los barrios, a través de los movimientos vecinales como los que ella ha visto crecer en su barrio de Vallcarca, en la parte alta de la ciudad, un barrio situado en la frontera entre la Barcelona patricia de Sant Gervasi y la obrera de Gràcia y Horta, que más arriba se convierte en El Carmel.

Explica que Vallcarca es un barrio en el que la lucha vecinal ha crecido mucho en los últimos meses al calor el desahucio de una serie de edificaciones precarias en las que vivían desde hace más de una década varias familias de etnia gitana con muy pocos recursos, pero que recibían gran apoyo de los vecinos. A este respecto, la movilización vecinal en Vallcarca frenó hace apenas una semana nuevos desalojos de edificios ocupados.

Carbotta, que se siente muy implicada con las entidades vecinales de su barrio, quiere reflejar en la muestra su compromiso, y lo hace especialmente sellando con maderas una de las puertas que presenta el espacio expositivo. Las maderas, el elemento más abundante en Constructoras de mundos muy parecidos al nuestro, tapan el espacio y ofrecen una pared ideal para que la ciudad se exprese a través de carteles reivindicativos o de anuncios de eventos.

“Son las voces de la ciudadanía, que resultan además efímeras aunque estén pegadas, ya que pronto alguien las arrancará o pegará otro cartel encima, pero es como si estas paredes fueran la boca por la que podemos hablar los habitantes para que nos escuchen los demás”, apunta.

Pero cuando se refiere a “habitantes”, Carbotta también incluye a algunos de los moradores no humanos de la ciudad. Por ello, en la esquina de este muro de madera, ha dejado un orificio por el que asoma un personaje que acaso también merece ser reivindicado por los ojos infantiles de Carbotta: una cucaracha gigante realizada con resina.

Madera para encofrar y proteger

Las tablas de madera, similares a las que se utilizan para embalar objetos delicados como obras de arte, aunque también para encofrar estructuras, son abundantes en la exposición y constituyen en sí mismas distintas obras de arte. “Algunas de ellas corresponden a la matriz de encofrar que se habrá usado para crear algunas de las columnas o paredes de la sala, vienen a ser su negativo; un negativo de las superficies y ángulos que presenta la ciudad”, dice la artista.

En otros casos, la disposición de los tablones simula la protección de monumentos: una Venus agachada y una suerte de pedestal sobre el que sitúa una cabeza, también tapada por las tablas, entre las que asoma una gran oreja. “Tiene una doble significación”, explica: “puede ser que protejan las esculturas del entorno, pero también que las oculten, que tapen su significado”.

Alude Carbotta tanto a la preservación de la pureza del símbolo que supone el monumento, como a una cierta ocultación tras este mismo símbolo de verdades complejas que deben esclarecerse, en la línea de lo propuesto por Manuel Borja-Villel en su exposición Fabular paisajes.

Una gran maqueta

Todas las obras de la exposición, tanto las estructuras con tablones de madera como las producciones de los desechos en formato maxi realizadas en resina, se distribuyen por la sala de una forma intencionada a la que alude la artista como “una gran maqueta”.

A este respecto, Carbotta cuenta que “una maqueta es aquello que creamos para proyectar en pequeño la visión que tenemos de algo más grande, a la vez que también proyectamos sobre ella un esfuerzo imaginativo y la recreación de un deseo que queremos materializar”.

Pero una vez más recuerda desde su “perspectiva infantil”, que asegura que no ha perdido con el paso de los años, que “los niños suelen jugar con reproducciones en pequeño de cosas grandes, que al fin y al cabo son maquetas: desde cocinas a casas de muñecas o castillos, etc.” Y cierra la conversación asegurando que “si recuperásemos Barcelona con la mirada de niños que está en nosotros, la ciudad sería un espacio mucho más agradable de habitar”.

Cuando se menciona la arquitectura modernista en España, es común que nuestra mente viaje directamente a Barcelona, la cuna del modernismo catalán y la ciudad donde se encuentran las más grandes obras de Antoni Gaudí. Sin embargo, más allá de la península, hay otra ciudad que guarda un patrimonio modernista sorprendente y, en muchos casos, desconocido: Melilla. Esta ciudad autónoma española, ubicada en el norte de África, es el segundo lugar con mayor concentración de arquitectura modernista en España, solo por detrás de la capital catalana.

¿Te sorprende? Melilla se ha convertido en una referencia del modernismo en el continente africano. A finales del siglo XIX y principios del XX, Melilla vivió un boom económico gracias al comercio con el Protectorado español en Marruecos y la actividad portuaria, que incluía la exportación de minerales procedentes de las minas del Rif.

Este crecimiento trajo consigo el ascenso de una nueva burguesía que demandaba edificaciones modernas, que reflejaran su estatus social y sus aspiraciones. Fue en este contexto de prosperidad económica que el modernismo floreció en la ciudad.

Enrique Nieto y Nieto: el arquitecto que transformó la ciudad

El principal responsable de esta transformación arquitectónica fue el arquitecto Enrique Nieto y Nieto, un catalán nacido en 1880. Nieto, que se formó en la Escuela de Arquitectura de Barcelona y fue discípulo de Lluís Domènech i Montaner, llegó a Melilla en 1909.

A lo largo de más de cuarenta años, hasta su fallecimiento en 1954, Nieto dejó una huella indeleble en la ciudad, firmando más de mil proyectos que iban desde viviendas particulares hasta edificios públicos y religiosos.

Entre sus obras más emblemáticas destaca la Casa de David J. Melul, considerada la obra maestra del modernismo floral melillense.

Situada en la Plaza de España, esta edificación destaca por sus fachadas ornamentadas con motivos florales y geométricos, una clara muestra del estilo de Nieto y su dominio de la estética modernista. La influencia de la naturaleza es palpable en cada rincón, lo que convierte esta casa en uno de los edificios más emblemáticos de la ciudad.

El Palacio de la Asamblea y la Mezquita Central de Melilla

Otro ejemplo destacado del legado de Nieto en Melilla es el Palacio de la Asamblea, también conocido como el Ayuntamiento de Melilla. Este edificio fusiona elementos modernistas con influencias neomudéjares, un estilo arquitectónico que refleja la capacidad de Nieto para adaptarse al contexto multicultural de la ciudad.

Su estructura y decoración combinan lo mejor del modernismo con las tradiciones islámicas, creando una obra única y armoniosa que sigue siendo un referente de la arquitectura melillense.

Nieto también dejó su marca en la arquitectura religiosa de la ciudad. La Mezquita Central de Melilla, construida entre 1945 y 1947, es un claro ejemplo de cómo el modernismo se integró en las construcciones religiosas de la ciudad.

Su fachada presenta arcos de herradura y decoraciones geométricas que remiten a la estética islámica, mientras que la estructura y los detalles ornamentales son típicos del modernismo. Esta mezcla de estilos hace de la Mezquita un lugar único en su género.

Más de 500 edificios modernistas en Melilla

Además de los edificios emblemáticos ya mencionados, Melilla cuenta con una impresionante cantidad de más de 500 edificios modernistas, que salpican toda la ciudad.

Muchos de estos se concentran en el Ensanche Modernista, una zona que ha sido declarada Bien de Interés Cultural debido a su enorme valor arquitectónico. Este conjunto de edificaciones ha convertido a Melilla en la segunda ciudad española con mayor patrimonio modernista, solo superada por Barcelona.

El modernismo de Melilla no solo representa una parte esencial de su historia, sino que también la coloca como la principal representante del modernismo en África. Su legado arquitectónico, que combina influencias europeas con el contexto local, hace de la ciudad una joya arquitectónica única en el continente africano.

Melilla: un destino de turismo cultural

El creciente interés por la arquitectura modernista de Melilla ha convertido a la ciudad en un destino de turismo cultural cada vez más popular. Los visitantes pueden recorrer sus calles y admirar la belleza de los edificios diseñados por Nieto, mientras descubren cómo la ciudad ha logrado fusionar tradición y modernidad en su paisaje urbano.

Además, su cercanía al Mar Mediterráneo y su contexto histórico hacen de Melilla un lugar único para los amantes de la cultura, la historia y la arquitectura.

Toledo acoge la exposición 'El Bop del Greco', una colección de pintura realizada por el artista mexicano Jazzamoart. Se trata de una muestra abierta al público en local toledano El Laberinto del Rey desde el 15 de mayo, y es un homenaje de este artista a España, y más concretamente a Toledo. Esta obra une sus principales pasiones, el amor por España, la figura de El Greco, la tauromaquia o el jazz. El pintor estará presente en la inauguración que tendrá lugar este 15 de mayo a las 19:30 horas.

“Es una suerte que en estos momentos tan convulsos, también en el mundo del arte, un artista pueda está presente en su propia exposición, porque así los asistentes van a poder conocerlo, que nos cuente anécdotas, tanto de su obra como de su peculiar manera de ver el mundo”, ha destacado Elena Catalán, organizadora de la exposición en la entrevista que ha mantenido con elDiario.es Castilla-La Mancha.

La exposición es una muestra compuesta por 24 cuadros en distintos formatos (óleo y acrílico); una cuidada selección de obras y temáticas, que nos llevan a hacer un recorrido por el proceso creativo del artista.

“Su primer contacto con pintores españoles como El Greco o Velázquez es a través de libros de arte o de museos. Él empieza a generar una relectura de estos grandes artistas a su manera, con su estética y con una peculiar manera de hacer arte. Por eso vamos a encontrar en la exhibición una reinterpretación de 'Las Meninas', sumamente propositivas o unos toreros que nos recuerdan al pintor y escultor suizo Giacometti, o personajes de El Greco que se convierten en músicos de jazz”, explica Elena Catalán sobre la exposición a este medio.

El título de la exposición hace referencia al término Bop, que se enmarca dentro de la música, ya que es un estilo de jazz caracterizado por ritmos complejos e improvisación. Por lo tanto, ese Bop se convierte en el eje de la composición, haciendo un homenaje y una reinterpretación de las obras de El Greco, a las que suma su acento estético propio.

La exposición es gratuita y estará disponible durante tres meses

La exposición se podrá visitar desde el jueves 15 de mayo y durante los próximos tres meses, en El Laberinto del Rey, en su horario de apertura habitual: miércoles y jueves de 13:00 a 18:30 horas; viernes, de 13:00 a 1:00 horas y domingos de 12:30 a 18:30 horas. Se trata de una exhibición gratuita.

“Estos momentos en los que puedes tener este contacto tan directo con el arte y con el propio artista son únicos y merecen la pena. Poder disfrutar de ellos en un espacio diferente a un museo hace que conectes con la obra de otra manera”, asegura la organizadora de la exhibición.

Jazzamoart, una obra bajo el hilo conductor de la música

El autor de esta exposición, Jazzamoart, es un artista interdisciplinario, que empezó su carrera en México en los años 70 y que ha encontrado en la pintura su vehículo de expresión. De hecho, este artista con estilo único, tiene una paleta de color muy característica, y pone un especial interés en la relación entre música y pintura.

Destaca por ser un maestro del color, de la pincelada vibrante y del movimiento. Es uno de los grandes representantes del arte contemporáneo mexicano, dueño de un lenguaje propio, que envuelve y sumerge al espectador en diferentes ambientes teniendo como hilo conductor a la música, y conectándonos con mundos paralelos. Además de pintura, su obra incluye también escultura, cerámica, dibujo y diseño gráfico, además de instalaciones artísticas. “Es un artista visual, donde su lenguaje artístico es principalmente a través del óleo, aunque ha usado otros soportes como la madera o el aluminio”, destaca Elena Catalán.

Su interés por la historia del arte, lo ha llevado a generar diversos diálogos estéticos con Maestros de la pintura como Rembrandt, Goya y Velázquez entre otros. Además, ha realizado distintos performances con jazzistas mexicanos como Eugenio Toussaint, Héctor Infanzón y Lila Downs y a nivel internacional con estrellas de jazz como B.B. King, Branford Marsails y Wayne Shorter.

Su trabajo artístico se ha exhibido en tres continentes

Aunque es la primera vez que Jazzamoart visita Toledo, dentro de su trayectoria cuenta con más de 500 exposiciones individuales y colectivas en tres continentes: América Europa y Asia.

Su trabajo artístico ha sido exhibido en distintas ciudades de Estados Unidos, Canadá, España, Portugal, Bélgica, Países Bajos, Finlandia y Japón, y en distintas sedes como el Museo Reina Sofía de Madrid, The Bronx Museum de Nueva York, The Rijksmuseum de Amsterdam, El Hyogo Prefectural Museum de Japón, y el Museo de Arte Latinoamericano de California, entre otros.

Pocas ciudades tienen una seña de identidad tan humilde y a la vez tan reconocible como Barcelona con su 'panot', la baldosa de cemento hidráulico decorada con una flor de cuatro pétalos que pavimenta buena parte de sus aceras.

Puede pasar desapercibido bajo los pies de barceloneses y turistas, pero cuenta una historia de urbanismo, diseño y modernidad que se remonta a principios del siglo XX.

De 'Can Fanga' al símbolo de la ciudad

A principios del siglo pasado, Barcelona arrastraba mala reputación por el estado de sus calles. La prensa satírica de la época la bautizó como Can Fanga (en catalán, ‘casa del barro’), debido a las aceras embarradas que caracterizaban la ciudad.

Fue entonces cuando el Ayuntamiento, en plena expansión del Plan Cerdà, decidió homogeneizar el pavimento.

La solución fue un concurso público de adoquines en 1906, donde se pedía a las empresas locales que diseñaran losetas para toda la ciudad. Participaron varios modelos, entre ellos la hoy icónica flor de cuatro pétalos.

El diseño ganador fue el presentado por Casa Escofet, empresa barcelonesa especializada en pavimentos, y se extendió por todo el Ensanche.

Así nació el 'panot', que además de bello, era práctico: hecho de cemento hidráulico, un material resistente y económico.

Un suelo con muchas flores... y muchas historias

Aunque la flor de Barcelona es la más conocida, el concurso dio lugar a otros diseños que aún pueden verse en ciertas calles: cuatro pastillas, pastillas con círculos, calaveras o círculos concéntricos. Algunas calles, como Aribau, aún conservan varios modelos alineados.

Desde entonces, el pavimento de Barcelona ha seguido evolucionando sin renunciar al diseño. Casa Escofet fue también la encargada de la alfombra de adoquines del Passeig de Gràcia, inspirada en los suelos de la Casa Batlló, y del mosaico ondulado de la Rambla, diseñado por Adolf Florensa en 1968. Incluso en tiempos recientes, en 2015, se incorporó una nueva baldosa con forma de flor de plátano para la Avenida Diagonal.

El panot como souvenir global

Lo que nació como una solución urbana se ha convertido en un icono barcelonés que ya forma parte del imaginario colectivo. Se ha transformado en todo tipo de recuerdos: camisetas, imanes, posavasos, cojines y, sobre todo, llaveros que los turistas se llevan como prueba tangible de su paso por la ciudad.

La 'Flor de Barcelona' es pisada cada año por más de 28 millones de visitantes y 1,6 millones de residentes, testigo silencioso de manifestaciones, celebraciones y tragedias. En un gesto casi poético, algunos locales rastrean zonas de obra en busca de panots originales como quien rescata una parte de la ciudad perdida.

Un legado invisible, pero esencial

En una ciudad tan fotografiada como Barcelona, su suelo es probablemente lo menos fotografiado… y sin embargo, lo más universal. Cada baldosa cuenta una historia, recuerda un tiempo en el que la estética urbana era tan importante como la funcionalidad.

Así, el panot no solo embelleció las calles, sino que también marcó un antes y un después en la forma de concebir el espacio público. Un símbolo humilde y elegante que solo podrás ver en Barcelona. O, con suerte, en el llavero de alguien que ya ha estado allí.

Cuando se piensa en el modernismo en España, el imaginario colectivo nos lleva casi automáticamente a Barcelona. La ciudad condal es, sin duda, la gran capital del modernismo, con obras universales como la Sagrada Familia, la Casa Batlló o el Park Güell, que atraen cada año a millones de visitantes.

Pero lo cierto es que la huella de este movimiento artístico y arquitectónico se extendió por todo el país, dejando joyas menos conocidas pero igualmente sorprendentes.

Desde fachadas florales hasta edificios que desafían la simetría clásica, el modernismo español transformó muchas ciudades a finales del siglo XIX y principios del XX. Estas son cinco de las más destacadas, donde mirar hacia arriba es un ejercicio de asombro constante.

Melilla: la joya modernista del sur que mira a África

Pocos imaginan que Melilla, enclave español en el norte de África, es la segunda ciudad de España con más edificios modernistas, solo por detrás de Barcelona.

Buena parte de estas construcciones son obra de Enrique Nieto, discípulo directo de Gaudí. Sus obras se reparten por el conocido Triángulo de Oro, donde destacan edificios como la Casa de los Cristales, la Casa Tortosa, la Casa Melul o la Cámara de Comercio.

La abundancia de formas onduladas, balcones ornamentales y rejerías florales convierten las calles del centro en un auténtico museo al aire libre. Melilla modernista es una experiencia estética que desmiente muchos tópicos sobre esta ciudad.

Ferrol: balcones acristalados y una burguesía con gusto

La ciudad gallega de Ferrol conserva un conjunto modernista singular concentrado en el barrio de A Magdalena, declarado Conjunto Histórico-Artístico en 1983.

Allí se puede seguir el rastro de Rodolfo Ucha Piñeiro, arquitecto que dio forma a la transformación urbana de la ciudad a principios del siglo XX.

La Casa Antón, la Casa Romero, el Teatro Jofre o el edificio de La Pescadería son solo algunos ejemplos de este estilo decorativo, refinado y burgués que mezcla miradores acristalados, hierro forjado y maderas nobles. Una elegancia nostálgica que aún pervive en sus calles.

Gijón: un paseo costero entre estilos curvos y fantasía burguesa

En Gijón, el modernismo se despliega con naturalidad en calles como Corrida, Cabrales o el Paseo de Begoña. Aquí, el auge del comercio y la revolución industrial trajeron consigo una arquitectura de inspiración catalana que se adaptó a los gustos de la clase alta asturiana.

Obras como el Casino de Asturias, la Villa Rosari, el antiguo Banco de Gijón, la Iglesiona o la Universidad Laboral dan cuenta de la variedad y el eclecticismo del modernismo gijonés.

Entre el Cantábrico y los parques urbanos, esta ciudad ofrece un recorrido con carácter propio y rincones repletos de detalles florales y soluciones arquitectónicas originales.

Teruel: mudéjar por fuera, modernista por dentro

Teruel no solo presume de arquitectura mudéjar. También posee un rico patrimonio modernista, especialmente visible en torno a la Plaza del Torico y la Calle Nueva. El principal artífice fue el arquitecto Pau Monguió Segura, autor de obras como la Casa Ferrán, la Casa del Torico, o el antiguo Asilo.

Su influencia se nota en el uso del hierro, las formas orgánicas y una paleta decorativa que transforma lo cotidiano en espectacular. La ciudad celebra cada año su Semana Modernista, una forma de revivir y poner en valor este patrimonio que combina romanticismo, burguesía y expresividad ornamental.

Linares: una estación que parece un vagón invertido

Linares, en la provincia de Jaén, vivió una transformación urbana gracias a la industrialización y al empuje de Alfonso XII. Fruto de ese crecimiento surgió un modernismo propio, marcado por el uso del ladrillo rojo autóctono y formas eclécticas.

El edificio más emblemático es la Estación de Madrid, en el Paseo de Linarejos, cuya forma recuerda a un vagón al revés.

Junto a ella, destacan construcciones como el Mercado de Abastos, el Pasaje del Comercio o la Casa de Los Córdoba. Un conjunto arquitectónico que da carácter a una ciudad que, aunque menos conocida, también forma parte del mapa del modernismo español.

Una ruta imprescindible para amantes de la arquitectura

Desde los balcones floridos de Ferrol hasta las puertas ornamentadas de Melilla, el modernismo español se revela como una corriente artística diversa y fascinante que transformó el paisaje urbano en toda la península y más allá.

Lejos de quedar reducido a la obra de Gaudí en Barcelona, el estilo modernista encuentra nuevas lecturas en otras ciudades, demostrando que la creatividad arquitectónica no conoce fronteras.

En el centro de Barcelona, escondido entre callejuelas y plazas con historia, existe un rincón donde el amor se transforma en arte.

Se trata del mural El món neix en cada besada (“El mundo nace en cada beso”), una obra creada en 2014 por el fotógrafo Joan Fontcuberta que desde entonces se ha convertido en punto de encuentro para enamorados, turistas y curiosos, especialmente en fechas como el Día Internacional del Beso.

4.000 piezas, miles de historias

El mural está ubicado en el número 25 del carrer de Ripoll, en una antigua pared medieval que da a la plaza d’Isidre Nonell, junto al romántico jardín interior del mismo nombre. A simple vista, muestra una imagen íntima: dos bocas que se funden en un beso.

Pero si uno se acerca, descubre que esa imagen está formada por 4.000 pequeñas fotografías impresas en baldosas de cerámica esmaltada.

Cada una de esas baldosas encierra una historia. Las fotos fueron enviadas de forma voluntaria por ciudadanos anónimos que quisieron participar en el proyecto, respondiendo al lema “momentos de libertad”.

Retratos familiares, paisajes, gestos cotidianos o celebraciones forman el mosaico emocional que da vida al beso monumental.

Más que un beso: memoria, arte y ciudad

El mural fue inaugurado en 2014 como parte de los actos de conmemoración del Tricentenari dels fets de 1714, un hito histórico clave en la memoria de Barcelona. La pieza está acompañada de una cita del escritor Oliver Wendell Holmes:

“El ruido de un beso no es tan ensordecedor como el de un cañón, pero su eco dura mucho más”.

El fotomosaico fue producido por Ceràmica Cumella y plantea una reflexión colectiva sobre la intimidad, la memoria y la libertad. Su presencia en una ciudad marcada por siglos de historia lo convierte en símbolo de resistencia emocional frente al paso del tiempo.

El rincón más romántico del Gòtic

Pese a no estar en los itinerarios turísticos más típicos, este mural se ha ganado un lugar en la geografía sentimental de Barcelona. No son pocas las parejas que se hacen una foto besándose frente a la obra, repitiendo su gesto y convirtiéndose, por unos segundos, en parte de ese relato colectivo.

Ya sea por su carga simbólica, por su estética o por el magnetismo del arte en el espacio público, El món neix en cada besada es mucho más que un mural: es una declaración de amor abierta al mundo, que hoy, en el Día Internacional del Beso, cobra todo su sentido.

Barcelona ha sido cuna de grandes movimientos artísticos, y a finales del siglo XIX, en plena efervescencia del modernismo, un lugar se convirtió en el epicentro de la creatividad y la vanguardia: el 4Gats.

Inspirado en el cabaret parisino “Le Chat Noir”, este emblemático restaurante abrió sus puertas en 1897 en los bajos de la Casa Martí de la calle Montsío.

Su nombre, claramente nacido de la expresión coloquial que significaba “ser cuatro gatos” (en referencia a la escasa asistencia que se auguraba al local), terminó convirtiéndose en sinónimo de un punto de encuentro para los artistas más bohemios de la época.

Un refugio para la bohemia modernista

El 4Gats fue fundado por Pere Romeu, junto a los pintores Santiago Rusiñol, Ramon Casas y Miquel Utrillo. No solo era un restaurante, sino también un espacio de tertulias artísticas y un centro de pensamiento vanguardista.

Pere Romeu no solo se encargaba de la cocina, sino que también participaba activamente en las charlas con los clientes, creando un ambiente que iba más allá de lo gastronómico.

En sus mesas se reunían figuras de la talla de Antoni Gaudí, Joaquim Mir, Isidre Nonell, Enric Granados y Lluís Millet, entre otros.

Entre los habituales del 4Gats también estaba un joven de 17 años que recién llegaba a Barcelona y que dejaría su huella en la historia del arte: Pablo Picasso. En 1899, el artista malagueño realizó aquí su primera exposición individual y, además, diseñó la icónica carta del restaurante.

De este modo, el 4Gats se convirtió en un espacio fundamental en la formación y consolidación del modernismo en la ciudad.

Un legado que trasciende el tiempo

Pero el impacto del 4Gats no se limitó a la pintura. También se editaban revistas como Pelo y Pluma y la propia Quatre Gats, y se organizaban representaciones de teatro chino, una tendencia importada de París que fascinaba a los intelectuales de la época.

A lo largo de los años, el local ha conservado su aura artística y sigue atrayendo a creadores y personalidades del mundo del arte y el cine.

En 2008, el restaurante sirvió de escenario para la película Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen, con actores como Scarlett Johansson, Rebecca Hall y Javier Bardem.

Tradición y vanguardia en la cocina

Hoy en día, el 4Gats mantiene viva su esencia, fusionando historia, arte y gastronomía. Su cocina se basa en recetas tradicionales catalanas elaboradas con productos de proximidad y técnicas modernas que aportan nuevas texturas y combinaciones sorprendentes.

La carta ofrece tres tipos de menús: el de picoteo, el de tostas y el de cocina a la carta, con 36 platos que reflejan la riqueza de la cultura gastronómica catalana.

Visitar el 4Gats no es solo una experiencia culinaria, sino un viaje en el tiempo a la Barcelona modernista, un lugar donde aún se respiran los ecos de las tertulias que cambiaron el rumbo del arte y la literatura.

Para los amantes de la historia y la buena cocina, este restaurante sigue siendo un punto de referencia imprescindible en la ciudad.

El mural del anillo es una “joya artística” que para muchas personas permanece oculta en la cafetería del IES Universidad Laboral de Toledo. Decenas de estudiantes y profesores comparten espacio cada día con este conjunto de más de tres mil azulejos que encierra una historia peculiar y que ha vuelto a salir a la luz casi cincuenta años después de su creación, gracias a la exposición 'Suzanne Grange' que acaba de inaugurarse en el propio centro educativo.

El mural comenzó a componerse en 1976 por el matrimonio de artistas franceses formado por Suzanne Grange y Raymond Edanz, y el trabajo se prolongó durante casi tres años. El germen de esta emblemática obra de azulejería fue un encargo del primer director de la Universidad Laboral de Toledo, y se gestó cuando el matrimonio se mudó a Toledo al quedar cautivados por la ciudad. La inspiración llegó durante un paseo por la zona de circunvalación del Casco Histórico de la ciudad, conocida popularmente como 'el Valle'. La idea de un relato apareció en la mente de Suzanne Grange. Esa historia sería el punto de partida para iniciar la monumental obra.

La historia detrás de esta obra de azulejería

Mathilde Grange, hija de los artistas, ha visitado estos días Toledo. Charla con elDiarioclm junto al 'mural del anillo' obra de sus progenitores hace casi medio siglo. “Todo empezó cuando José Manuel Gutiérrez, primer director de la Universidad Laboral de Toledo conoció a nuestros padres y les pidió que decorasen con una obra una de las paredes de la cafetería”.Lo que iba a ser un pequeño mural en la pared izquierda de la cafetería, termino por decorarla completa, incluyendo la barra.

Los padres de Mathilde, Suzanne Grange y su esposo Raymond Edanz llegaron a Toledo en 1964 donde vivieron durante veinte años. “Él trabajaba como anticuario en Francia y uno de sus socios vivía en Toledo. Venían a menudo a la ciudad, pero un día decidieron mudarse y quedarse aquí, les impactó mucho”, nos cuenta la hija de los artistas.

En cuanto a la técnica, los 3.063 azulejos tienen un tamaño individual cuadrado de 20x20 centímetros. El compañero de la hija de los artistas, Siscu Bonet, apunta a que se trata “de cerámica vidriada”. “Las baldosas debían colocarse hasta en cinco ocasiones en la mufla para que los óxidos, al subir a distintas temperaturas, adquiriesen diferentes colores, llegando a temperaturas cercanas a los mil grados”.

Mi madre trabajaba a mano alzada sobre el propio azulejo, a lo loco, sin un esquema fijo y sin un previo boceto. Es una pieza única

Mathilde Grange

La mufla -del francés moufle-, según explica la RAE es un hornillo que se coloca dentro de un horno para reconcentrar el calor y conseguir la fusión de diversos cuerpos. Mathilde Grange recuerda que en ocasiones su madre “trabajaba a mano alzada sobre el propio azulejo, a lo loco, sin un esquema fijo y sin un previo boceto”, lo que hace que este mural sea “una pieza única”.

El hecho de que el 'mural del anillo' esté en la cafetería de un instituto de educación pública se traduce en “el punto de encuentro de toda la comunidad educativa”. Manuel Sánchez Rosado, coordinador de Patrimonio del I.E.S. Universidad Laboral de Toledo explica que se tomó la determinación de localizarlo en la cafetería “porque además de tener diferentes etapas educativas también tenemos residencia y tenemos muchísimos trabajadores. El lugar donde todo el mundo acude es aquí, a la cafetería”.

Sánchez Rosado señala que la decisión de ampliar el mural desde la pared izquierda hasta el resto de paredes y la barra fue porque “el director quedó enamorado del primer resultado y les dijo a los artistas: el resto de la cafetería es vuestra”. La vista es magnífica por las propias características del local: “Se trata de un lugar que no tiene paredes lisas, todas están ocupadas por el mural o por zona acristalada, no hay otro elemento que interrumpa”. 

El cuento de El Anillo, la semilla del mural

Suzanne Grange, además de ser una de las creadoras del mural también era escritora. La historia que va implícita dentro del mural, explica Mathilde Grange, “surge cuando mis padres van de paseo por 'el Valle'. Sería un día de frío de otoño o invierno, y mi madre vio cómo la niebla surgía sobre el río Tajo. Toledo parecía estar rodeada por un anillo”. A partir de esta idea, Suzanne Grange elabora un relato que sirvió como semilla para la creación de las diferentes escenas del mural.

Aquel relato sobre El Anillo, por cierto, permanece inédito. Le preguntamos a Mathilde si se ha planteado en algún momento sacarlo a la luz, pero ella dice que no lo tiene contemplado.

Aunque el texto de aquel cuento sobre el 'anillo' toledano que inspiró el mural permanezca sin publicar, desde la página web de la Consejería de Educación, Cultura y Deportes de la Junta de Castilla-La Mancha avanzan un poco acerca del argumento, una dicotomía entre lo celestial y lo terrenal. Es un relato fantástico, con personajes todavía más fantásticos como el Hada de los Aires, Elie el Terrestre y su doble 'celeste' Elie el Inspirado o trineos tirados por caballos que surcan los cielos destruyendo la cúpula de una mezquita de la Ciudad de las Ilusiones, un emplazamiento que guarda similitudes con Toledo, además de los elementos vegetales, entre otros.

En el relato, los habitantes del Cielo descubren la división del ser humano entre el alma y el cuerpo. A priori, se trata de un relato complejo que plantea preguntas filosóficas: de dónde venimos o si existe la vida eterna, y encierra una profundidad que después se traduce físicamente en el mural. El propio centro educativo cuenta con un informe técnico para conocer mejor a los personajes que aparecen en los azulejos.

La exposición en torno a la figura de Suzanne Grange

La Universidad Laboral de Toledo inauguró este martes 18 de marzo la exposición dedicada a Suzanne Grange y, por ende, a su marido y colaborador Raymond Edanz, creadores del 'Mural del Anillo'. En esta exhibición que se puede visitar en el Salón de actos del instituto toledano van a poder conocer de cerca los primeros bocetos elaborados por los artistas para crear la obra de azulejería que puede verse igualmente a tan solo unos metros en la cafetería del centro educativo.

Decenas de esos bocetos y otras piezas como jarrones o pequeñas creaciones de azulejería pueden verse en esta exposición. Es un recorrido por la obra de Suzanne Grange y Raymond Edanz. Según detalla su hija Mathilde, y algunos de los dibujos fechados en la época, “ellos vivían en La Peraleda, pero la casa en la que ellos residían y creaban está ahora destruida”.

A la inauguración de la exposición acudieron la hija de los artistas, la traductora Mathilde Grange, el director del I.E.S. Universidad Laboral, Luis Corrales Mariblanca, gran parte del profesorado del centro y algunos alumnos, junto al exdirector y exconsejero de Educación, Cultura y Deportes de la Junta, Ángel Felpeto y el expresidente de la Junta entre diciembre de 1982 y mayo de 1983 Jesús Fuentes Lázaro, que conoce en profundidad el mural.

La importancia de mantener el patrimonio

El 'mural de anillo' fue reconocido hace tan solo ocho años como Bien de Interés Patrimonial (BIP). Esta protección, en palabras del coordinador de patrimonio del centro educativo, Manuel Sánchez Rosado, significa que “la conservación debe ser óptima”. “Tenemos la suerte de que al ser un material como la cerámica vidriada necesita poco tratamiento. Es una técnica muy duradera y no precisa ningún tipo de cuidado especial”.

Los propios alumnos del centro, tal y como detalla, “están empezando a ser conscientes de que en el instituto cuentan con este conjunto artístico, dado que desde el centro estamos trabajando para poner en valor este patrimonio”. Manuel Sánchez Rosado anima “a toda la persona que esté interesada a que nos visite y pueda contemplar esta joya. Es una obra muy compleja, con muchísimos elementos y matices”, ha concretado.

Para la Universidad Laboral de Toledo contar con este mural es “todo un orgullo” y en palabras de Sánchez Rosado “tener esta joya artística le da mucho sentido a que un centro educativo es un centro de cultura. Tener un Bien de Interés Patrimonial en nuestra sede nos determina como centro educativo y condiciona a nuestros alumnos”.

Cuando se habla de modernismo en Cataluña, el nombre de Antoni Gaudí surge de inmediato. Sus inconfundibles formas orgánicas, el juego con la luz y la armonía entre funcionalidad y arte han dejado huella en la arquitectura de Barcelona y más allá.

Sin embargo, no todas las joyas de este movimiento llevan su firma. En la ciudad de Terrassa, a poco más de 20 kilómetros de la capital catalana, se esconde un edificio que podría confundirse fácilmente con una de sus creaciones, pero que en realidad pertenece a otro gran arquitecto de la época: Lluís Muncunill i Parellada.

Hablamos de la Masía Freixa, una construcción que parece salida de un cuento y que sigue cautivando a quienes la descubren.

Una transformación sorprendente

Aunque hoy en día la Masía Freixa es un emblema del modernismo catalán, su origen es muy distinto al que sugiere su aspecto actual. A finales del siglo XIX, este edificio no era más que una nave industrial dedicada al sector textil, una de las actividades económicas más pujantes en Terrassa.

Sin embargo, entre 1907 y 1914, el propietario, Josep Freixa, decidió convertirlo en su residencia y confió en Muncunill para llevar a cabo la reforma. El resultado fue una obra maestra que combina la funcionalidad con una estética cautivadora.

Modernismo con identidad propia

El estilo de la Masía Freixa recuerda inevitablemente a la arquitectura de Gaudí. Sus arcos catenarios, las formas onduladas y la blancura de su fachada evocan construcciones como la Casa Batlló o la Casa Milà.

Sin embargo, Muncunill imprimió su propia esencia en cada detalle. Para la remodelación, recurrió a la tradicional bóveda catalana, creando un juego de volúmenes y curvas que dotan al edificio de un dinamismo único. Además, coronó la estructura con una torre octogonal que se alza sobre el conjunto, aportándole un aire aún más singular.

El tesoro en el corazón de Terrassa

Ubicada dentro del parque de Sant Jordi, la Masía Freixa ha tenido múltiples usos a lo largo de su historia. De ser una vivienda privada pasó a convertirse en conservatorio de música, y en la actualidad alberga la Oficina de Turismo de Terrassa y el Síndic Municipal de Greuges.

Su entorno, además, es un punto de encuentro para la vida cultural de la ciudad, acogiendo eventos y actividades que refuerzan su papel como símbolo del modernismo local.

Un reconocimiento merecido

La singularidad de la Masía Freixa no ha pasado desapercibida. En 2023, fue declarada Bien Cultural de Interés Nacional en la categoría de monumento histórico, consolidando su valor patrimonial.

Para aquellos que desean conocer más sobre su historia y sumergirse en su atmósfera modernista, existen visitas guiadas que permiten explorar sus espacios interiores y entender cómo la creatividad y la arquitectura se fusionan en esta obra maestra de Muncunill.

Si bien Barcelona sigue siendo la meca del modernismo catalán, la Masía Freixa es una prueba de que este movimiento dejó su huella en muchos otros rincones de Cataluña. Un edificio que sorprende, que deslumbra y que, a pesar de no ser de Gaudí, bien podría figurar entre las grandes joyas de su legado.

La Semana del Arte está de vuelta. Una cita anual en la que Madrid se transforma en un escenario de creatividad, que este 2025 tendrá lugar del 5 al 9 de marzo. Durante esta semana, ferias de referencia a nivel nacional e internacional aterrizan en la ciudad para acercar al público madrileño las tendencias artísticas más destacadas de la actualidad, ya sea a través de intervenciones callejeras o de exposiciones en espacios emblemáticos.

El calendario de la Semana del Arte de este año se ha llenado de citas imprescindibles para los amantes del arte. Un total de ocho ferias y una exposición se cuelan en hoteles, palacios y hasta centros comerciales de la capital. Desde las ya habituales como ARCO o JustMad, hasta otras más recientes como Artist 360.

En la ecléctica y vibrante escena artística madrileña hay espacio para todos los estilos y modalidades. Ya sea pintura, escultura, arte moderno o arte urbano, del 5 al 9 de marzo, cada rincón de la ciudad se convierte en un expositor de arte. Recopilamos toda la información sobre las citas imprescindibles en la capital por la Semana del Arte 2025:

Salón de Arte Moderno

Cientos de obras pertenecientes a grandes maestros de las vanguardias y el arte moderno se exponen en la Fundación Carlos de Amberes del 4 al 9 de marzo dentro de la octava edición del SAM (Salón de Arte Moderno). Esta feria especializada está dirigida a amantes del arte y coleccionistas interesados en ver y adquirir obras que ya forman parte de la historia del arte.

En esta nueva edición participan hasta 100 artistas y podrán verse más de 400 obras de alto nivel procedentes de 18 galerías de toda España. Una oportunidad única para disfrutar de una selección única de obras de artistas referentes como Ricardo Macarrón, Manolo Valdés, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Joan Miro, Jaume Plensa, Rafael Canogar, Diego Rivera, Cruz Díez, Antoni Tàpies, Matías Krahn, Eugenio Granell, Igor Mitoraj y Norman Foster, Oswaldo Guayasamín, entre otros.

ARCOmadrid

Un año más, ARCOmadrid, la cita más esperada por los amantes del arte madrileños, regresa a la capital. La famosa feria celebrará su edición número 44 del 5 al 9 de marzo en el recinto ferial de Ifema con el Amazonas como proyecto central.

Un total de 206 galerías de 36 países convertirán a Madrid en capital internacional del arte contemporáneo, sumándose a ellas las secciones comisariadas como el de Denilson Baniwa y María Wills, en colaboración con el Institute for Postnatural Studies, Wametisé: ideas para un amazofuturismo, en el que reflexionará sobre nuevos modos de creación que representan existencias híbridas entre cuerpos humanos, vegetales, físicos y metafísicos.

Además, ARCOmadrid 2025 volverá a presentar contenidos artísticos con las galerías de Programa General, como eje principal de la feria, seleccionadas por el Comité Organizador. En las secciones comisariadas, Opening. Nuevas galerías acogerá una selección de galerías de menos de 7 años, realizada por Cristina Anglada y Anissa Touati y el proyecto Perfiles | Arte Latinoamericano, comisariado por José Esparza Chong Cuy, seguirá reforzando el vínculo histórico entre ARCOmadrid y el arte Latinoamericano.

Art Madrid

La Galería de Cristal del Palacio de Cibeles acoge del 5 al 9 de marzo la edición número 20 de Art Madrid, una feria dedicada al arte contemporáneo. En esta cita tomarán parte alrededor de 40 galerías nacionales e internacionales y un centenar de artistas, galeristas, coleccionistas y amantes del arte de todo el mundo. A lo largo de dos décadas, ha destacado por su compromiso con la diversidad y la calidad de sus propuestas artísticas, atrayendo a más de 100.000 visitantes en sus últimas cinco ediciones.

En esta 20ª edición, Art Madrid refuerza su misión de promover el mercado del arte y el coleccionismo tanto a nivel nacional como internacional, mientras fomenta el diálogo cultural y la accesibilidad. La feria mantiene su espíritu cercano y su compromiso con la cultura, presentándose como una plataforma inclusiva para que todos los públicos exploren las tendencias más recientes del arte contemporáneo.

Hybrid Art Fair

La feria para espacios independientes y artistas emergentes regresa a la ciudad con su novena edición del 6 al 9 de marzo. El evento artístico tendrá lugar en el Hotel Petit Palace Santa Bárbara y conseguirá coronarse un año más como la cita más alternativa y singular de la Semana del Arte de Madrid. Esto, unido al programa artístico transdisciplinar de la feria, crea una experiencia diferente y única para los visitantes en la que destacan el contacto directo con artistas y los proyectos de comisariado inmersivos. La feria es además el lugar perfecto para adquirir piezas únicas de arte contemporáneo a precios asequibles.

La novena edición de HYBRID Art Fair contará con la participación de más de 200 artistas y 43 expositores procedentes de se presenta como la más internacional de las que se han celebrado hasta la fecha contando con un total de 35 espacios artísticos independientes procedentes de más de una decena de países entre los que figuran Grecia, Japón, México, Canadá, Suiza o Austria. En lo que respecta a la participación española, la feria albergará propuestas de nueve comunidades autónomas.

JustMad

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo JustMad celebra su decimosexta edición que del 6 al 9 de marzo en el Palacio de Neptuno de Madrid. Este año, contará con la participación de 40 galerías que dan forma al Programa General, Solo Project y Just Latam, entre las que participarán 11 países diferentes.

JustMad presentará quince galerías por primera vez en la feria, que junto con las veinticinco restantes, reunirán artistas del escenario emergente actual. Después de afianzarse como la feria del descubrimiento y un espacio para el aprendizaje, regresa en esta edición, firme en su compromiso de impulsar nuevos proyectos galerísticos.

En su 16º edición continúa con la misión inicial de ser un lugar de crecimiento, experimentación y proyección para las galerías. Además de localizar nuevos valores y proyectos artísticos la feria trabaja para hacer crecerlos crecer. Un acompañamiento que es sello de identidad de una feria que apuesta por colaborar en la creación de un sólido tejido artístico y su permanencia.

Artist 360

La feria de arte contemporáneo Artist 360 celebra su séptima edición del 6 al 9 de marzo en el Hotel Ilunion Pío XII de Madrid. Un encuentro donde se da protagonismo al artista y busca promover la relación directa y el diálogo entre creadores y público. Una ocasión única para disfrutar de la presencia del artista, conversar, compartir su proyecto y conocer su obra en toda su dimensión.

La nueva edición contará con la participación de 60 expositores abarcando un amplio espectro de lenguajes artísticos y disciplinas. Podrán verse obras figurativas, abstractas, experimentales, expresionismo, arte urbano, o pop art, y en diferentes formatos: esculturas, pinturas, fotografía y arte digital, entre otras.

Además, habrá dos grandes propuestas dentro de la sección Esenciales. Por un lado, la obra del pintor madrileño Miguel Pinto (1936-2021) con una carrera en la que destaca el anonimato y que no se deja influenciar por el “arte comercial” y, por otro, el Proyecto Tosca del artista navarro Carlos Bernar, un proceso artístico que comienza con una escenografía vanguardista para la ópera del mismo nombre y evoluciona con una serie de obras pictóricas, simbolizando las principales escenas de la ópera de Puccini.

Urvanity Art Fair

UVNT Art Fair celebra su novena edición del 7 al 9 de marzo en Matadero Madrid. Después de celebrar durante varios años su feria en el corazón de Chueca, la feria repite por segundo año consecutivo en uno de los epicentros artísticos actuales en la capital. Urvanity es un espacio para explorar los lenguajes más frescos, integrar diferentes códigos estéticos y encontrar nuevas tendencias en el mundo del arte. Una feria donde artistas emergentes, de media carrera y otros grandes nombres de la escena contemporánea nacional e internacional buscan reimaginar el paisaje cultural actual a través del arte contemporáneo.

Más de una treintena de galerías nacionales e internacionales y casi un centenar de artistas estarán presentes en la feria para reflejar, como cada año, las corrientes artísticas actuales y seguir manteniendo la frescura e innovación que han sido parte de su ADN desde sus inicios.

Flecha Madrid

Más de 50 artistas nacionales e internacionales con alrededor de 500 obras de diferentes técnicas tomarán parte en la nueva edición de Flecha, la Feria de Liberación de Espacios Comerciales Hacia el Arte que tiene lugar del 13 de febrero al 16 de marzo en el Centro Comercial Arturo Soria Plaza. Todo un referente en la vida artística y cultural de Madrid que en 2025 celebra su 35ª edición.

Esta nueva edición rinde homenaje a la Movida Madrileña, un movimiento que marcó una generación y revolucionó la cultura en España. En Flecha, esa esencia irreverente y vibrante regresa mediante las obras de artistas icónicos como El Hortelano, Ouka-Leele, Javier Mariscal, Guillermo Pérez Villalta, junto a talentos emergentes que mantienen viva la pasión por el arte.

Numerosas obras podrán verse en los 2.000 metros cuadrados que dispone el Centro Comercial Arturo Soria Plaza. El objetivo principal de FLECHA es acercar el trabajo de los artistas contemporáneos al gran público a través de una exposición accesible, trasladando las obras de las galerías de arte convencionales a un lugar como el Centro Comercial Arturo Soria Plaza.

Factory of Dreams

La galería de arte Factory of Dreams se suma a la celebración de la Semana del Arte con Better Together, una exposición comisariada por el artista cántabro Okuda San Miguel que celebra las amistades, complicidades y trayectorias que han crecido en paralelo a la creación de arte urbano a lo largo de los años. Un homenaje a los artistas y amigos que han compartido ciudades, talleres y muros, tejiendo un relato común que ahora vuelve a desplegarse en este reencuentro único.

En esta exposición, se podrán ver obras de artistas que han redefinido el arte contemporáneo con estilos únicos y vibrantes como 3TTMAN, Daniel Muñoz, Demsky, Felipe Pantone, Nano4814, Nuria Mora, Remed, Sixe Paredes y Spok Brillor. Por supuesto, también participará en la muestra Okuda San Miguel, uniendo su capacidad para transformar superficies con explosiones de color y formas abstractas a las creaciones de sus compañeros. La exposición se puede visitar del 4 al 11 de marzo en Factory of Dreams.

Entrar a La Anguila es como entrar en un útero. El ambiente está oscuro, los cristales tintados y el sonido de unos latidos crean la escena perfecta. La falta de luz empuja, irremediablemente, hacia los focos que iluminan una pared donde cuelgan cuadros de una veintena de fetos. Muchos ya están muertos. El resto no sobrevivirá.

Están deformados, inertes, borrosos. Pequeñas manchas rosáceas en un fondo oscuro que nunca verán la luz. Y frente a ellas está la pintora Paula Bonet. Esos fetos son los primeros cuadros que se ven en esta exposición que aborda las violencias, la muerte perinatal y las consecuencias de todo lo que el patriarcado ha hecho con el cuerpo de las mujeres. Pero también aborda la luz y la sanación.

Esta exposición comparte nombre y buena parte de las obras con la que Bonet ya presentó en 2021 en València. Pero la que se puede ver hasta el 12 de febrero en el museo Can Framis de Barcelona es distinta. Es una revisión de su trabajo anterior. Pero lo importante no son los cuadros nuevos, sino lo que los motiva.

“No hago esta revisión por placer”, asegura Bonet. Explica que tras la primera Anguila se sintió atrapada. “Nunca me había pasado antes, pero no estaba inspirada. Tenía ideas, pero no podía trabajarlas”, recuerda. Ahí se dio cuenta de que no había cerrado una etapa ni había sanado heridas, tal como pensaba.

Y es que esta exposición parte de dos abortos involuntarios de la autora y se adentra en las “violencias invisibilizadas”: las del lenguaje, las de relaciones amorosas o las familiares. Es un grito que da voz a todos “los mensajes que envían las víctimas y que la sociedad no ha sabido ver”. Era algo que Bonet necesitaba explicar, pero su primera exposición no tuvo el efecto catártico que creyó.

“La hice desde el miedo”, asegura hoy. “Me adentré en ese proyecto desde un lugar que no había habitado antes”. Bonet se caracteriza por sus trazos libres, en apariencia anárquicos aunque, en realidad, guardan todo un sentido y conexión. Pero la primera versión de La Anguila se hizo desde “el respeto absoluto por el trabajo y el contenido. Y el respeto se convirtió en miedo”, explica.

“Normalmente, pinto y voy hacia lo desconocido. Y, cuando acabo, intento entenderlo. Pero en la primera exposición, teoricé en exceso. Eso fue un error, porque perseguía la idea romántica de desaparecer en la obra. Y eso me fulminó”, relata. Tan escondida quedó que renunció a uno de sus rasgos característicos: el retrato.

Bonet pinta desde la “libertad y el placer” y donde encuentra más esas sensaciones es en los retratos, especialmente los de gran formato. Y esos han vuelto a aparecer en esta nueva versión de La Anguila, donde se exhiben rostros que recuperan la esencia pictórica de la autora y que han venido a sustituir diversas piezas que han sido descartadas de la primera muestra.

Bonet no reniega de su trabajo anterior, sino que muchas obras -como los fetos- se mantienen. La cuestión es que las nuevas dialogan con las antiguas, abrazando el dolor que las motivó y llevándolo a un lugar más sereno. Y, sobre todo, dándole el peso y poniéndolo en el lugar que le corresponde. Literalmente.

Hay piezas que, ni siquiera, están colgadas en las paredes. Una de las series que se mantiene es la de los penes flácidos, ubicada en el espacio dedicado a las violencias. Una decena de cuadros de miembros viriles sin entidad a los que Bonet les ha quitado del todo el poder dejándolos en el suelo.

“Esta parte originalmente ocupaba dos espacios, pero en esta versión decidí dejarle solo uno. Así que tenía que pensar bien cómo colocaba estos cuadros. Siempre se ponen en el suelo para visualizar cómo quedarán y cómo los ordenarás, pero estos nunca los colgaba… Y, finalmente entendí que tenía que dejarlos así”, cuenta Bonet.

Según la autora, esta disposición fue liberadora para ella, pero provocó cierta incomodidad en el museo. Tanta que tuvieron que añadir un epígrafe en el contrato estableciendo que la sala no tendría ninguna responsabilidad en caso de que alguna obra se rompiera. “Me parecería bien que alguien tocara uno de estos cuadros o le diera alguna patada”, dice, mientras ella misma desmonta uno con su pie.

“Nunca me he sentido demasiado apegada a mis piezas. No me importa lo que les pase y no hay ninguna que quiera conservar”, añade. De hecho, hay algunos de los cuadros de esta exposición -entre ellos, los penes- que van a desaparecer.

Esto se debe a que Bonet escogió una técnica nada ortodoxa que se basa en poner acrílico encima del aceite y no a la inversa, lo que da como resultado que la pieza se irá cuarteando con el paso del tiempo y quedará irreconocible. “No les quedan muchos años”, afirma, mirando esas obras.

El poder de soltar

En esta versión de La Anguila, Bonet deja ir. Deja ir el dolor, el miedo y la culpa. Pero también partes de su pasado como pintora. En la sala de las violencias se pueden escuchar y leer frases de su novela homónima. Para el audio se grabó a sí misma con la voz ligeramente distorsionada. Para las letras, escogió una tipografía que recuerda a la etapa que se hizo más viral, la que dedicó a retratos naifs, de colores vívidos y mensajes feministas con esa misma tipografía.

Es una etapa que Bonet hace tiempo que quiere dejar atrás. “Cuando algo tiene tanta acogida, ¿en qué quedas tú? Te puede devorar”, asegura la pintora. Y precisamente por eso ha cedido un espacio a esa fase antigua, “porque se va a quedar aquí”, sentencia.

Lo que también se va a quedar atrás es el miedo con el que la pintora abordó el proceso en primera instancia, lo que la llevó a dar mucho más peso a la parte oscura de lo que quería contar. Y es que La Anguila es un viaje “desde el infierno al paraíso” y en esta revisión la luz tiene mucha más importancia.

Es en la última de las salas donde se ve verdaderamente el trabajo de la nueva exposición: allí hay una gran “mancha” luminosa e impulsiva que dialoga con lo oscuro del inicio. Además, también están los dos retratos que dan sentido a la nueva muestra. Uno de ellos está en construcción y sólo se aprecia que muestra la cara de alguien cuando te acercas y miras detenidamente. El otro es más nítido pero a la vez ambiguo.

Representan a dos niñas importantes para Paula Bonet. Una es su hijastra y la otra es ‘Júlia’, el único cuadro que tiene título y que es una figuración de cómo podría haber sido su hija no nata. “Es ahora cuando miro a los ojos a la anguila, cuando la presento sin que me tiemble la voz y cuando puedo decir que esta, quizás, habría sido la hija que yo habría tenido, cuando sé que el proceso está cerrado”, asegura la pintora, mirando con orgullo su obra.

Esta exposición es una “reconciliación” con la maternidad y con la pérdida. Bonet explica que, durante la primera versión de La Anguila entendió que, a pesar del luto, no quería ser madre. Pero eso no aligeró su dolor ni le impidió tener una reacción “infantil” y buscar respuestas y culpas donde no las había.

Y no ha sido hasta que revisó su trabajo y se permitió volver al lugar donde empezó todo que ha podido cerrar. “Muchas veces la obra se te avanza y te da respuestas. El problema es que a menudo no te das cuenta y tienes que dejar que el tiempo pase”.

Eso hizo Bonet. Tras dos años durante los que intentó desprenderse de la anguila, ha vuelto a su nido. “Ahora sí me siento libre y en paz. He cerrado una etapa que no era sólo artística, sino que era un rapto personal”, reflexiona.

Ahora, dice, se siente lista de seguir adelante. Todavía le quedan unas semanas de vida a esta versión de La Anguila y Bonet reconoce que se siente “hastiada” de tener que seguir explicando y hablando de esta obra y de temas a los que ya no quiere dedicar “ni tiempo ni energías”. Pero no tendrá que hacerlo durante mucho tiempo, ya que en marzo estará lista para presentar su nuevo proyecto.

No quiere dar detalles sobre lo que se trae entre manos, pero sí deja claro que ha tenido bastante autobiografía por el momento. “Tengo ganas de hablar desde un lugar nuevo y de entregarme otra vez a la pintura. A esa que exige tanto a quien la pinta como a quien la mira”, asegura, prometiendo un trabajo en el que se podrá volver a ver a Paula Bonet en su máxima expresión.

Cildo Meireles (Rio de Janeiro, 1948) és un dels artistes conceptuals més rellevants d'Amèrica Llatina. Des de finals dels anys seixanta, va lluitar amb la seva obra per treure els visitants de les sales d'exposicions posant l'accent en els sentits de l'espectador més enllà del que hi podien veure. La seva connexió ètica amb el món i el seu profund rebuig de les dictadures, sota el govern militar que va governar el Brasil als anys setanta, el van convertir en un artista d'un marcat caràcter polític que avui continua reivindicant. Des dels anys noranta, la seva feina és àmpliament reconeguda pel món internacional de l'art.

L'artista brasiler ha inaugurat recentment una exposició produïda per la iniciativa ALTTRA, on presenta quatre obres a diferents espais de Palma que aprofundeixen en el significat de la insularitat en un món globalitzat, així com les característiques de la condició contemporània. La mostra es pot veure al Col·legi Oficial d'Arquitectes de Balears (COAIB), l'Estudi General Lul·lià i l'Espai Buit fins a l'11 de gener del proper any.

L'exposició reflexiona sobre les condicions de ser una illa, com ara Mallorca, i el món global tal com avui el coneixem. Com es mostra la tensió entre totes dues?

Quan em van convidar a participar en aquest projecte tenia al cap una feina que vaig fer fa uns 15 anys al Brasil. Allí, les aigües dels rius fluvials es dirigeixen a un dels tres grans rius: el Paraná, al sud; el San Francisco, al nord-est; i l'Amazones, al nord. Les aigües dels petits afluents es van sumant fins a confluir i conflueixen en un punt que converteix el Brasil en una mena d'“illa” dins d'un vast arxipèlag de rius.

Aleshores vam decidir començar amb aquest treball com a punt de partida. La ironia és que, en el cas de Mallorca, la insularitat que és, en si mateixa, un aïllament, esdevé alhora un fenomen atractiu per al turisme i en una de les formes més perjudicials d'afectar el medi ambient i la destrucció dels ecosistemes. No conec detalladament la situació de Mallorca, però imagino que ha d'enfrontar grans pressions a causa de la seva popularitat com a destinació turística internacional, especialment a Europa. Hi ha una faceta depredadora en aquesta indústria que pot generar problemes significatius per a les poblacions locals.

La ironia és que, en el cas de Mallorca, la insularitat que és, en si mateixa, un aïllament, es converteix alhora en un fenomen atractiu per al turisme i en una de les formes més perjudicials d'afectar el medi ambient i la destrucció dels ecosistemes

Cildo Meireles — Artista

A la presentació d'aquesta mostra va dir que l'art conceptual és el més democràtic. Per què ho creu així?

Recordo que quan era molt jove quan un visitava una exposició d'art conceptual, es trobava llegint textos i més textos, cosa que avorria força. Perquè, honestament, no hi ha poques coses pitjors que els textos dels artistes plàstics. Vaig sentir que estàvem abdicant una cosa que considero una qualitat essencial: la capacitat de seduir l'espectador. Què passa amb tot aquest discurs verborràgic? La sala d'espera era molt avorrida.

Així que vaig intentar allunyar-me d'aquesta concepció fins que, els anys 2000, un gran amic meu –un compare que havia estat pres durant la dictadura– va venir a visitar el meu taller. Ell va veure una petita peça que tenia al taller, un tros de cel·lofana vermella, similar als que envolten els paquets de cigarrets, i va recordar que, en el seu temps a la presó, quan entrava a la seva cel·la, agafava un fòsfor, el mirava, i es quedava hores reflexionant-hi. Ell pensava que si els seus col·legues conceptualistes poguessin veure allò, potser també ho entendrien. Per ell, aquella petita peça l'havia ajudat a suportar la presó.

Va ser en aquell moment quan vaig emocionar-me, perquè vaig comprendre que l'art conceptual tenia un poder profund: és un moviment democràtic, en el sentit que amb el mínim és possible parlar de coses molt grans i universals. Va ser llavors quan em vaig reconciliar amb el concepte d'art conceptual.

Va ser en aquell moment quan vaig emocionar-me, perquè vaig comprendre que l'art conceptual tenia un poder profund: és un moviment democràtic, en el sentit que amb el mínim és possible parlar de coses molt grans i universals

Cildo Meireles — Artista

El seu treball també atén molt els sentits més enllà de la mirada, el tacte, l'oïda. Avui dia sembla un gest polític reprendre les nostres sensacions corporals.

Sempre he tingut una gran resistència a l'art pamfletari. No m'agradava aquesta aproximació cartesiana, lineal, com una crida a l'acció. Per això, a totes les obres amb un discurs polític, també hi ha una preocupació estructural i formal amb el llenguatge. És a dir, la política és present, però també ho està la reflexió sobre les formes i les expressions, i com es comuniquen.

El que passa amb les expressions polítiques, i amb altres peces, és que hi ha una recerca del que anomeno la “plurisensorialitat”. Crec que aquesta ha estat una característica central de la producció artística brasilera des dels anys 50, amb el moviment del Neoconcretisme. Allà, els artistes ja no volien treballar més amb l'art limitat a les tradicionals formes visuals o a l'oli. Buscaven un alliberament del domini del que és purament visual.

El que passa amb les expressions polítiques, i amb altres peces, és que hi ha una recerca del que anomeno la “plurisensorialitat”. Crec que aquesta ha estat una característica central de la producció artística brasilera des dels anys 50, amb el moviment del Neoconcretisme. Allà, els artistes ja no volien treballar més amb l'art limitat a les tradicionals formes visuals o a l'oli. Buscaven un alliberament del domini del purament visual

Cildo Meireles — Artista

A partir dels anys 50, l'escena artística brasilera es va enfrontar a una renovació profunda, abordant l'art de manera molt seriosa i sofisticada. I aquesta transformació es va convertir en una característica de gran part de la producció brasilera de llavors. Tot i això, molts treballs d'aquesta època no van continuar sent seguits o reconeguts en aquest procés.

Portat a l'actualitat, què vol dir enfrontar-se al domini de la imatge i la pantalla?

Bé, la cultura occidental va canviar molt en relació amb la visualitat, posant-hi un èmfasi molt gran. Al final, el fet de mirar a través dels altres sentits es converteix en un acte polític, perquè implica una recuperació del cos com a totalitat. En aquest sentit, crec que el capitalisme cerca anestesiar el cos, reduint-nos a simples robots de producció. Per això, els altres sentits han estat gradualment abandonats.

La cultura occidental va canviar molt en relació amb la visualitat, posant-hi un èmfasi molt gran. Al final, el fet de mirar a través dels altres sentits es converteix en un acte polític, perquè implica una recuperació del cos com a totalitat. En aquest sentit, crec que el capitalisme cerca anestesiar el cos, reduint-nos a simples robots de producció

Cildo Meireles — Artista

Al llarg de la seva carrera, especialment durant els anys setanta, ha estat molt crític amb les dictadures, el capitalisme i l'imperialisme. Quina valoració fa de les nostres societats des d'aquell moment fins avui?

Crec que ara vivim els primers moments d'una revolució crucial, que és la revolució digital. En aquesta etapa inicial molts autors continuen abordant el tema des d'una perspectiva capitalista tradicional. Tanmateix, crec que, d'alguna manera, aquest també és un camí cap a la llibertat, encara que no en aquest moment. Avui dia, la revolució digital sembla una extensió del capitalisme, en el sentit de la recerca dels diners i el lucre, amb fenòmens com les fake news i altres manipulacions.

Crec que ara vivim els primers moments d'una revolució crucial, que és la revolució digital. D'alguna manera, aquest també és un camí cap a la llibertat, encara que no en aquest moment. Avui dia, la revolució digital sembla ser una extensió del capitalisme, en el sentit de la recerca dels diners i el lucre, amb fenòmens com les 'fake news' i altres manipulacions

Cildo Meireles — Artista

Sempre recordo una entrevista que vaig llegir d'Umberto Eco, crec que va ser una de les últimes que va fer. En un moment, el periodista li va preguntar: “Senyor Eco, què pensa de les xarxes socials?”. I ell va respondre: “Les xarxes socials faran que els idiotes del poble es converteixin en els gurus del planeta”. I, en cert sentit, això està passant ara: els influencers, que no són més que una extensió de l'activitat capitalista, semblen dominar l'espai. El que podria ser un meravellós camp de saber, de comunicació i de llibertat, ha esdevingut una cosa molt superficial.

Però, encara que ara sembla així, estic convençut que això canviarà. La gent arribarà a comprendre que allò que proposa la revolució digital és molt més ampli, i que va molt més enllà del que estem vivint en aquest moment.

Parlant de capitalisme i des del costat d'Amèrica Llatina, volia preguntar-li per la recent victòria de Donald Trump com a president dels Estats Units. Té una obra molt coneguda dels anys setanta, on va estampar un eloqüent ianquis go home en ampolles de Coca-Cola.

Els processos de circulació que hi ha dins de la societat permeten a l'individu actuar a una macroescala, ja sigui industrial, com en el cas d'una ampolla de Coca-Cola, o institucional, com ara els bitllets. El món sempre ha conviscut amb persones com Trump, no? Al Brasil vam tenir Bolsonaro. Aquestes figures sempre hi són, intentant enfosquir el progrés humà. Però crec que no ho aconseguiran.

A la producció de dues de les obres de l'exposició s'ha comptat amb empreses locals: les 50 bales de palla de l'obra Fio provenen de la Cooperativa Agrícola de Porreres i el fil de cotó de 'La Bruixa' , de Teixits Riera. Ambdós materials tornaran al punt d'origen un cop desinstal·leu l'exposició. Com afrontar els reptes de la sostenibilitat?

Si comparem el nostre planeta amb el de fa 30 anys, mai no hauríem pogut imaginar que estaríem vivint en un món com l'actual. Perquè el que vivim ara és una revolució tan, o fins i tot més important, que la revolució industrial. La revolució burgesa va ser monumental, però la majoria de les persones no es van adonar de la seva magnitud en el seu moment. Avui dia, encara que alguns no ho reconeguin, tots parlem de sostenibilitat, sabem que existeix i entenem que aquesta discussió és sobre la taula. I el més important: sabem que la solució és possible.

Si comparem el nostre planeta amb el de fa 30 anys, mai no hauríem pogut imaginar que estaríem vivint en un món com l'actual. Perquè el que vivim ara és una revolució tan, o fins i tot més important, que la revolució industrial

Cildo Meireles — Artista

Crec que serà un moviment global, perquè la gent comença a adonar-se que l'espècie humana és l'única que destrueix el lloc on viu, i això és absurd. Malgrat tot el que diuen els negacionistes com Bolsonaro o Trump, que intenten minimitzar els problemes climàtics, crec que la humanitat finalment està entenent que no es tracta només de diners. L'or no es pot menjar, ni viure'n. Cal tenir cura del planeta d'una manera diferent.

Cildo Meireles (Rio de Janeiro, 1948) es uno de los artistas conceptuales más relevantes de América Latina. Desde finales de los años sesenta, luchó con su obra para sacar a los visitantes de las salas de exposiciones poniendo el acento en los sentidos del espectador más allá de lo que allí podían ver. Su conexión ética con el mundo y su profundo rechazo de las dictaduras, bajo el gobierno militar que gobernó Brasil en los años setenta, lo convirtieron en un artista de un marcado carácter político que a día de hoy sigue reivindicando. Desde los años noventa, su trabajo es ampliamente reconocido para el mundo internacional del arte.

El artista brasileño ha inaugurado recientemente una exposición, producida por la iniciativa ALTTRA, en la que presenta cuatro obras en diferentes espacios de Palma que profundizan en el significado de la insularidad en un mundo globalizado, así como las características de la condición contemporánea. La muestra pueden verse en el Colegio Oficial de Arquitectos de Balears (COAIB), el Estudi General Lul·lià y Espai Buit hasta el 11 de enero del próximo año.

La exposición reflexiona sobre las condiciones de ser una isla, como Mallorca, y el mundo global tal y como hoy lo conocemos. ¿Cómo se muestra la tensión entre ambas?

Cuando me invitaron a participar en este proyecto tenía en mente un trabajo que realicé hace unos 15 años en Brasil. Allí, las aguas de los ríos fluviales se dirigen a uno de los tres grandes ríos: el Paraná, al sur; el San Francisco, en el noreste; y el Amazonas, al norte. Las aguas de los pequeños afluentes se van sumando hasta confluir confluyen en un punto que convierte a Brasil en una especie de “isla” dentro de un vasto archipiélago de ríos.

Entonces decidimos comenzar con este trabajo como punto de partida. La ironía es que, en el caso de Mallorca, la insularidad que es, en sí misma, un aislamiento, se convierte al mismo tiempo en un fenómeno atractivo para el turismo y en una de las formas más dañinas de afectar al medio ambiente y a la destrucción de los ecosistemas. No conozco en detalle la situación de Mallorca, pero imagino que debe enfrentar grandes presiones debido a su popularidad como destino turístico internacional, especialmente en Europa. Hay una faceta depredadora en esta industria que puede generar problemas significativos para las poblaciones locales.

La ironía es que, en el caso de Mallorca, la insularidad que es, en sí misma, un aislamiento, se convierte al mismo tiempo en un fenómeno atractivo para el turismo y en una de las formas más dañinas de afectar al medio ambiente y a la destrucción de los ecosistemas

Cildo Meireles — Artista

En la presentación de esta muestra dijo que el arte conceptual es el más democrático. ¿Por qué lo cree así?

Recuerdo que cuando era muy joven cuando uno visitaba una exposición de arte conceptual, se encontraba leyendo textos y más textos, lo cual aburría bastante. Porque, honestamente, no hay pocas cosas peores que los textos de los artistas plásticos. Sentí que estábamos abdicando de algo que considero una cualidad esencial: la capacidad de seducir al espectador. ¿Qué ocurre con todo este discurso verborrágico? La sala de espera se volvía muy aburrida.

Así que intenté alejarme de esa concepción hasta que, en los años 2000, un gran amigo mío –un compadre que había sido preso durante la dictadura– vino a visitar mi taller. Él vio una pequeña pieza que tenía en el taller, un pedazo de celofán rojo, similar a los que envuelven los paquetes de cigarrillos, y recordó que, en su tiempo en prisión, cuando entraba a su celda, cogía un fósforo, lo miraba, y se quedaba horas reflexionando sobre ello. Él pensaba que si sus colegas conceptualistas pudieran ver aquello, quizás también lo entenderían. Para él, esa pequeña pieza lo había ayudado a sobrellevar la cárcel.

Fue en ese momento cuando me emocioné, porque comprendí que el arte conceptual tenía un poder profundo: es un movimiento democrático, en el sentido de que con lo mínimo es posible hablar de cosas muy grandes y universales. Fue en ese momento cuando me reconcilié con el concepto de arte conceptual.

Fue en ese momento cuando me emocioné, porque comprendí que el arte conceptual tenía un poder profundo: es un movimiento democrático, en el sentido de que con lo mínimo es posible hablar de cosas muy grandes y universales

Cildo Meireles — Artista

Su trabajo también atiende mucho a los sentidos más allá de la mirada, al tacto, al oído. Hoy en día parece un gesto político retomar nuestras sensaciones corporales.

Siempre he tenido una gran resistencia al arte panfletario. No me gustaba esa aproximación cartesiana, lineal, como un llamado a la acción. Por eso, en todas las obras con un discurso político, también existe una preocupación estructural y formal con el lenguaje. Es decir, la política está presente, pero también lo está la reflexión sobre las formas y las expresiones, y cómo se comunican.

Lo que pasa con las expresiones políticas, y con otras piezas, es que hay una búsqueda de lo que llamo la “plurisensorialidad”. Creo que esta ha sido una característica central de la producción artística brasileña desde los años 50, con el movimiento del Neoconcretismo. Allí, los artistas ya no querían más trabajar con el arte limitado a las tradicionales formas visuales o al óleo. Buscaban una liberación del dominio de lo puramente visual.

Lo que pasa con las expresiones políticas, y con otras piezas, es que hay una búsqueda de lo que llamo la "plurisensorialidad". Creo que esta ha sido una característica central de la producción artística brasileña desde los años 50, con el movimiento del Neoconcretismo. Allí, los artistas ya no querían más trabajar con el arte limitado a las tradicionales formas visuales o al óleo. Buscaban una liberación del dominio de lo puramente visual

Cildo Meireles — Artista

A partir de los años 50, la escena artística brasileña se enfrentó a una renovación profunda, abordando el arte de una manera muy seria y sofisticada. Y esta transformación se convirtió en una característica de gran parte de la producción brasileña de ese entonces. Sin embargo, muchos trabajos de esa época no continuaron siendo seguidos o reconocidos en este proceso.

Llevado a la actualidad, ¿qué significa enfrentarse al dominio de la imagen y la pantalla?

Bueno, la cultura occidental cambió mucho en relación con la visualidad, poniendo un énfasis muy grande en ella. Al final, el hecho de mirar a través de los otros sentidos se convierte en un acto político, porque implica una recuperación del cuerpo como totalidad. En este sentido, creo que el capitalismo busca anestesiar el cuerpo, reduciéndonos a simples robots de producción. Por eso, los otros sentidos han sido gradualmente abandonados.

La cultura occidental cambió mucho en relación con la visualidad, poniendo un énfasis muy grande en ella. Al final, el hecho de mirar a través de los otros sentidos se convierte en un acto político, porque implica una recuperación del cuerpo como totalidad. En este sentido, creo que el capitalismo busca anestesiar el cuerpo, reduciéndonos a simples robots de producción

Cildo Meireles — Artista

A lo largo de su carrera, especialmente durante los setenta, ha sido muy crítico con las dictaduras, el capitalismo y el imperialismo. ¿Qué valoración hace de nuestras sociedades desde aquel momento hasta hoy?

Creo que ahora estamos viviendo los primeros momentos de una revolución crucial, que es la revolución digital. En esta etapa inicial, muchos autores siguen abordando el tema desde una perspectiva capitalista tradicional. Sin embargo, creo que, de alguna manera, este es también un camino hacia la libertad, aunque no en este momento. Hoy en día, la revolución digital parece ser una extensión del capitalismo, en el sentido de la búsqueda del dinero y el lucro, con fenómenos como las fake news y otras manipulaciones.

Creo que ahora estamos viviendo los primeros momentos de una revolución crucial, que es la revolución digital. De alguna manera, este es también un camino hacia la libertad, aunque no en este momento. Hoy en día, la revolución digital parece ser una extensión del capitalismo, en el sentido de la búsqueda del dinero y el lucro, con fenómenos como las 'fake news' y otras manipulaciones

Cildo Meireles — Artista

Siempre recuerdo una entrevista que leí de Umberto Eco, creo que fue una de las últimas que dio. En un momento, el periodista le preguntó: “Señor Eco, ¿qué piensa de las redes sociales?”. Y él respondió: “Las redes sociales harán que los idiotas del pueblo se conviertan en los gurús del planeta”. Y, en cierto sentido, esto está ocurriendo ahora: los influencers, que no son más que una extensión de la actividad capitalista, parecen dominar el espacio. Lo que podría ser un maravilloso campo de saber, de comunicación y de libertad, se ha convertido en algo muy superficial.

Pero, aunque ahora parece así, estoy convencido de que eso cambiará. La gente llegará a comprender que lo que propone la revolución digital es mucho más amplio, y que va mucho más allá de lo que estamos viviendo en este momento.

Hablando de capitalismo y desde el lado de América Latina, quería preguntarle por la reciente victoria de Donald Trump como presidente de Estados Unidos. Tiene una obra muy conocida de los años setenta, donde estampó un elocuente yankees go home en botellas de Coca-Cola.

Los procesos de circulación que existen dentro de la sociedad, permiten al individuo actuar a una macroescala, ya sea industrial, como en el caso de una botella de Coca-Cola, o institucional, como los billetes. El mundo siempre ha convivido con personas como Trump, ¿no? En Brasil tuvimos a Bolsonaro. Estas figuras siempre están ahí, tratando de oscurecer el progreso humano. Pero creo que no lo van a lograr.

En la producción de dos de las obras de la exposición se ha contado con empresas locales: las 50 balas de paja de la obra Fio provienen de la Cooperativa Agrícola de Porreres y el hilo de algodón de ‘La Bruja’ de Teixits Riera. Ambos materiales volverán a su punto de origen una vez se desinstale la exposición. ¿Cómo afrontar los retos de la sostenibilidad?

Si comparamos nuestro planeta con el de hace 30 años, jamás hubiéramos podido imaginar que estaríamos viviendo en un mundo como el actual. Porque lo que estamos viviendo ahora es una revolución tan, o incluso más importante, que la revolución industrial. La revolución burguesa fue algo monumental, pero la mayoría de las personas no se dio cuenta de su magnitud en su momento. Hoy en día, aunque algunos no lo reconozcan, todos hablamos de sostenibilidad, sabemos que existe y entendemos que esa discusión está sobre la mesa. Y lo más importante: sabemos que la solución es posible.

Si comparamos nuestro planeta con el de hace 30 años, jamás hubiéramos podido imaginar que estaríamos viviendo en un mundo como el actual. Porque lo que estamos viviendo ahora es una revolución tan, o incluso más importante, que la revolución industrial

Cildo Meireles — Artista

Creo que será un movimiento global, porque la gente está comenzando a darse cuenta de que la especie humana es la única que destruye el lugar donde vive, y eso es algo absurdo. A pesar de todo lo que dicen los negacionistas como Bolsonaro o Trump, que intentan minimizar los problemas climáticos, creo que la humanidad finalmente está entendiendo que no se trata solo de dinero. El oro no se puede comer, ni vivir de él. Es necesario cuidar el planeta de una manera diferente.  

La pintura figurativa se adapta al mundo del arte contemporáneo. Bordea sus límites con la abstracción, se fusiona con otras disciplinas, modifica sus soportes, pero resiste, a pesar de su milenaria tradición, en un ecosistema que exige innovación. No solo sobrevive, sino que domina. Así lo podrá comprobar cualquiera que recorra las 52 galerías miembros de Arte Madrid que hasta el domingo desarrollan actos de inauguración, horarios especiales y encuentros con los creadores, en el marco del en el Apertura Madrid Gallery Weekend. De estas nuevas muestras en 52 lugares, en al menos 21 hay un representante de la nueva figuración, una especialidad que alcanzó su auge hace unos dos años y es “más fácil de vender que otro tipo de piezas”, como cuentan los galeristas.

“El arte figurativo ofrece algo con lo que la gente conecta y la hace más comerciable que piezas conceptuales o de archivo, por ejemplo. Llevo 15 años relacionado con el galerismo y he debido vender dos fotografías en mi vida”, dice Fer Francés de la galería VETA. El espacio, pionero en la proliferación de galerías en Carabanchel, abre la temporada con los óleos de Maciej Kosc, las acuarelas de Abraham Lacalle y una muestra colectiva de artistas mexicanos. Pero no siempre la pintura tuvo cabida en la oferta contemporánea. En los noventa, se vio desplazada por la eclosión de nuevas corrientes como el arte relacional, el videoarte o el surgimiento de experimentalistas como Damien Hirst o Tracey Emin.

“Todo eso son vaivenes del mercado. Hubo un apogeo de la fotografía contemporánea, luego se impuso el videoarte y las instalaciones. Pero la figuración soporta y vuelve a tener momentos muy álgidos. Ahora estamos teniendo exposiciones que rescatan a sus cultivadores, como Isabel Quintanilla”, apunta Íñigo Navarro, representante de la galería Leandro Navarro. El realismo pictórico pervive porque sigue habiendo artistas que la hacen permanecer. A pesar de la cada vez más amplia posibilidad de lenguajes, la pintura suele ser el primer acercamiento de un autor con el arte. Sin importar si después se decanta por otra disciplina, es un instinto natural dibujar, manchar un papel.

“No conoces a un crío de 14 años que te diga quiero ser videoartista. La pintura llega de manera natural; al final el mercado va eligiendo por décadas o por años hacia dónde van las ventas y demás, pero la pintura seguirá apareciendo”, opina Amalio Gaitero, socio de la galería Herrero Tejada. Su apuesta para abrir la temporada ha sido el artista Jan Vallverdú, expresionista en sus trazos y con figuras alargadas y contorsionadas, en las que la improvisación juega un papel crucial. Una galería que ha mantenido firme su propuesta por la pintura figurativa durante 30 años es Utopia Parkway. “La pintura es tan antigua como nuestra existencia. No morirá nunca, pero tampoco nunca será de masas”, comenta la cofundadora Lola Crespo sobre su espacio, que alguna vez incluyó fotografía y escultura antes de decantarse por el realismo pictórico.

Tendencia natural

En Utopia Parkway ahora expone el español de ascendencia griega Adamo Dimitriadis. Los lienzos que exhibe parecen estar ambientados en un futuro apocalíptico, distópico, en el que el hombre busca respuestas en la ciencia. Todo con una pincelada limpia y pulcra. Dimitriadis es otro de los nacionales con los que la galería engrosa su lista de creadores que cosechan el realismo y por los que ya pasaron por sus salas Alberto Pina o Concha Gómez-Acebo. La galería Leandro Navarro tiene la misma vocación de semillero de pintores hispanos realistas y ha dedicado muestras a Isabel Quintanilla y Carmen Laffón. “Incentivamos el realismo porque entendemos que en España se han dado casos excelentes de esa pintura. Todos nuestros artistas se han criado, en cierta medida, en el Museo del Prado”, explica Navarro.

Si la expansión del arte figurativo se explica desde el lado de los creadores por una inclinación natural y una herencia española (véase los Realistas de Madrid o la Escuela de Olot), ¿cómo se entiende su popularidad en el comprador y en el consumidor? “El arte figurativo satisface lo que necesita el público: belleza y optimismo”, responde el director del departamento de Arte de la Universidad Nebrija, Pablo Álvarez de Toledo. El asociar figuras a formas ya conocidas o que aborden al ser humano o su entorno interpela al espectador. “Más allá del mercado y del consumo cultural, la figuración resulta más accesible que otras disciplinas que requieren cierta cultura visual o contexto. Si cojo a mi madre y le pongo una performance de Abramović y un cuadro de Valerdú, me dirá: ”Esto último lo entiendo un poquito mejor“, analiza Gaitero.

“La pintura es algo muy práctico para que un cliente compre. El coleccionista que compra obras para su oficina, casa, lo que sea, siente una atracción por la pintura. Es algo que conecta a todo el mundo. Alguien que no ha ido a una exposición de arte puede encontrar coincidencias y verse reflejado”, aporta por su parte Francés. Para otros galerista, como Navarro o Crespo, también tiene que ver el empuje que ha tenido la figuración en las últimas décadas en Inglaterra (David Hockney), Alemania (Lucian Freud) o Italia (Giorgio Morandi). “Yo vendo muy bien. Hay un coleccionismo fiel, comprometido y conocedor que busca a estos artistas”, asegura Crespo.

Tradición y modernidad

Si bien es cierto que el pincel y el lienzo son las herramientas favoritas de los artistas contemporáneos españoles, también lo es que exploran los límites de lo pictórico y huyen del academicismo que puede ser el retrato o el paisajismo. Una combinación entre tradición y contemporaneidad es en la que se aventura Nacho Martín Silva (galería Max Estrella). El madrileño bebe del naturalismo de Henri Rousseau para incluir el mundo vegetal en sus cuadros, pero fragmentándolo a partir de varias piezas que conforman una sola, como un rompecabezas. “Soy un gran deudor de toda la historia del arte, de todo lo que ha ocurrido antes de mí, pero también del arte conceptual”, dice el artista.

Martín primero se imagina una composición en base a varios lienzos que formen una narrativa. Luego busca una imagen que le interesa —para esta exposición fusiona la taxidermia con el reino de las plantas— y la divide en las proporciones de lienzos que ha diseñado. “Siempre he pintado y dibujado, nunca me he planteado hacer otra cosa. Los otros formatos que utilicé fueron siempre para hablar de la pintura”, asegura el pintor.

Roger Ballen (Cámara Oscura Galería de Arte) dibuja sobre fotografías Polaroid; Diego Benítez (Galería Alberto Cornejo) recrea colores diáfanos para sugerir paisajes en el horizonte; y Pipo Hernández (Nieves Fernández) reviste sus cuadros con otros materiales como cintas o las interviene con agujeros. “La figuración se adapta también a los requerimientos de innovación. No encontrarás pintores de marinas o retratos que se están quedando demasiado parroquiales”, concluye Álvarez de Toledo.

Otro gusto desde las instituciones

Para los galeristas, esta nueva mirada a la pintura es contraria al discurso que se fomenta desde las instituciones. Museos y centros culturales están interesados en promover vanguardias, experimentaciones formales y originalidad, a pesar de no coincidir con las corrientes del mercado. “Las bienales, ferias y otras actividades promovidas por las instituciones dejaron la pintura por mucho tiempo, y ahora mismo en España se nota que no es dominante en las programaciones institucionales”, defiende Francés. “No creo que sea un tipo de arte que se promueva. El retorno lento a la pintura no se muestra tanto en las galerías per se. Ahora está muy de moda lo inmersivo, que se está expandiendo a otros espacios”, dice por su parte Álvarez de Toledo.

Detrás de las tendencias del mercado y de la preferencia de los coleccionistas está el gusto de los galeristas. La gran mayoría dice no haberse subido a la ola de expectativa, sino que su cercanía con la pintura y la figuración tiene que ver con un paladar adquirido a temprana edad. Francés creció en un entorno relacionado con el mundo del arte; Navarro siempre quiso que en sus salas se enseñaran los mejores figurativos; y Garito quería para su espacio un lugar de madera, con paredes altas, al que llegue luz por las ventanas para ensalzar sus pinturas. Como define Crespo: “Este auge no nos ha pillado con el paso cambiado”.

El Museu d'Art Modern de la Diputació de Tarragona (Mamt) acogió a principios de año la primera exposición monográfica, y en buena medida retrospectiva, que se celebraba en una década, y en una institución pública, sobre la artista de raíces pop Mari Chordà (Amposta, 1942).

El título de la misma es Mari Chordà ...i moltes altres coses, que hace referencia al libro de poemas publicado por Chordà con motivo de las Primeras Jornadas Catalanas de la Mujer en el Paraninfo de la Universitat de Barcelona, en 1976. Pero también explica quién es: una artista plástica y muchas otras cosas más, entre ellas poetisa, ilustradora y sobre todo activista feminista de primera hora, allá en la década de los sesenta del siglo pasado.

La anterior cita de Chordà con un recinto público data de 2015, con sus aportaciones a la exposición temática de la Tate Gallery londinense The world goes pop, un recopilación de obras de arte pop más allá del mundo anglosajón en la que pudo verse, entre otras obras, su cuadro La gran vagina, de 1966, actualmente propiedad del Museo Reina Sofia y que también se puede ver en la actual muestra del MACBA.

Más recientemente, en 2022, la Galería Mayoral de Barcelona le rindió un homenaje mostrando una parte de la obra disponible de Chordà. Ahora es el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) quien recoge el testigo del Mamt tarraconense y amplía la exposición inicial, que este último había reducido por falta de espacio.

Teresa Grandas, comisaria de esta exposición conjunta de ambos museos, explica la importancia de la misma por “el gran esfuerzo realizado por todos los profesionales implicados en recopilar el material artístico de Mari para lograr mostrar todas sus facetas, que son muchas, no solo en su evolución artística sino en sus actividades paralelas”.

Un centenar de obras recuperadas y restauradas

La directora del MACBA, Elvia Dyangani, ha explicado en la presentación de la muestra que para la misma se ha realizado “un gran ejercicio de recuperación y restauración de un centenar de obras que se consideraban desaparecidas, pero que en realidad obraban en poder de amigas de la artista y que las han cedido”.

Mari Chordà ...i moltes altres coses también recupera pasquines, libros ilustrados, cómic y libros de poemas de la autora, que a su vez ha subrayado que para ella “las poesías mostradas en la exposición tienen el mismo valor que los cuadros y esculturas”. Se trata de poemas claramente feministas y procedentes de sus seis libros publicados hasta la fecha, especialmente de ...I moltes antes coses (...Y muchas otras cosas), la obra del 76 que Chordà no quiso firmar por considerar que era patrimonio de todas las mujeres.

Uno de los textos de este poemario acaso exprese bien el carácter de la artista:

Primer la formiga va dir: “treu-me de sobre aquesta pota enorme”.

L'elefant dormía i ella va fer un túnel.

Aquí va començar la més increíble cultura subterránea.

(Primero la hormiga dijo: “quítame de encima esta pata enorme”.

El elefante dormía y ella hizo un túnel.

Aquí empezó la más increíble cultura subterránea.)

Según Dyangani, “Mari Chordà es una artista insobornable, muy vital y muy traviesa que a pesar de estar identificada con un género pictórico global como el pop, está a la vez muy enraizada en las ”tierras del Ebro“”. Esto son las comarcas del sur de Tarragona que abrazan el tramo final del río. Amposta, su villa natal bañada por el Ebro, se sitúa en la zona de frontera entre el delta y el área que podríamos llamar “tierra firme”.

Pionera del feminismo en el arte

Allí, en su Amposta natal, una Chordà consciente desde sus primeros tiempos de su condición de mujer y del potencial que de este hecho emanaba, creó a finales del franquismo la asociación Lo Llar para la educación de las mujeres de la zona, un espacio donde cantaron diversas figuras de la nova cançó como Ovidi Montllor. Y posteriormente en Barcelona ayudó a crear el histórico espacio feminista del Raval La Sal. Muchas de las publicaciones que se hicieron en ese momento están presentes en la actual muestra.

Teresa Grandas destaca en ese sentido de Chordà que fue pionera “en hablar de feminismo, maternidad, sexualidad, lesbianismo y también del placer” en los años sesenta, cuando ninguna mujer más lo hacia en el mundo del arte. “La pintura de Mari Chordà protagoniza el cuerpo”, añade, “y el cuerpo que pinta es el suyo propio, pero desde una figuración no realista”.

También la crítica de arte Victoria Combalía, que participó en algunas iniciativas feministas con la artista, destaca de ella que “fue pionera en representar sexos femeninos y toda su obra es un deseo asociado al placer de investigar 'lo íntimo' y a mostrar las condiciones del embarazo y la maternidad”.

Según la comisaria de la exposición, Chordà “cambia las leyes no tanto para identificar elementos como cuerpos, sino para mostrar aquello que es mas interno, más visceral”. Es decir, para mostrar la mujer más allá de los estereotipos del arte machista tradicional. Así se puede apreciar en obras presentes en Mari Chordà ...i moltes altres coses. Por ejemplo en la serie de de 1966 y 1967 Autorretrat embarassada.

O en la citada La gran vagina de 1966, que viajó a Londres, pero también en Vulva de 1968, Secrecions, también del 68, o bien Dissoldre's de 1967. Estas dos últimas obras se refieren a las secreciones emanadas por las mujeres, previsiblemente bajo la excitación sexual.

Pero también hay espacio para la crítica hacia el heteropatriarcado en la obra pictórica de Chordà, como puede verse en la obra, también de 1968, momento de máxima creatividad pop de la autora, Coitus pop, donde se exhibe una forma fálica amarilla rodeada por anillos morados que, según ha expresado Chordà en alguna ocasión “representa un pene que dispersa el semen con arrogancia”.

El placer como herramienta subversiva

En los años 70 el estilo de Chordà evoluciona, sin dejar en cierto sentido el pop, hacia texturas más orgánicas y formas algo más concretas, pero sin perder nunca su carga simbólica. De esos años son Pedres d'aigua (1972), Volcà (1973) o su obra más lograda de este periodo: Colgada de un muro, de 1972. Todas ellas están presentes en la muestra.

Pero de finales de los 60, Grandas también ha querido destacar la vertiente lúdica de la obra de Mari Chordà, ya que, según la comisaria, “el juego y el placer son herramientas que utiliza Mari para ver el mundo, para tratarlo desde una óptica militante y subversiva”. “El juego que entraña el placer le permite escapar de las normas y las jerarquías”, remacha.

Precisamente de 1969 es una obra que dará lugar a una nueva linea de trabajo artístico de Chordà. Se trata de Joguet per l'Àngela, basada en piezas de madera esmaltadas en diversos colores, y de forma ameboide, que están engastadas en una superficie plana y circular, también de madera y esmalte en azul oscuro. Es una estructura que recuerda a un juguete infantil y de hecho es lo que fue en su inicio: un juguete para su hija.

Después vendrán, en la base de la misma idea –piezas de diversas morfologías sobre una superficie plana y circular–, muchas más obras similares cuya creación se extenderá a lo largo de la carrera de la artista. Muestra de ello son Colors (1969), Puzzle (1969), Africa (1970/1994) o Cetàcies d'argent de 1994.

Pero también dan lugar a otras obras de componente lúdica y divertida como la serie Ous de felina, tanto en madera desteñida como en formas de cojín con tela de leopardo, que datan de los años 60 pero cuya creación también se prolonga hasta fechas muy recientes.

Fotos submarinas

En conversación con elDiario.es, Mari Chordà ha querido destacar las obras de sus últimas épocas, en especial las series de fotografías submarinas de cuerpos desnudos, de las cuales se muestran obras realizadas en 2006 (Silenci) y 2011 (Espiroqueta). La autora ha destacado que ya no se siente a su edad, 82 años, con fuerzas de realizar este tipo de acciones, pero que sigue activa como creadora en otros ámbitos.

Así y todo, la presente exposición ha conseguido albergar la instalación, de dimensiones considerables, Úter/Ou, realizada en 2017 y recuperada ahora para la muestra. Se trata de una especie de huevo realizado con una malla de mimbre que aloja en su interior una pantalla con una grabación de una mujer desnuda nadando debajo del agua. Del televisor emana además el sonido del fondo marino, con intención de recrear lo que oiría un feto sumido en el líquido amniótico.

Finalmente Chordà, tomando la palabra tanto durante la presentación como en declaraciones a este medio en particular, ha alabado el alcance de la revolución feminista actual, si bien ha instado tanto a mujeres como a hombres a no bajar la guardia y mantener la rebelión “porque, aunque creo que sería difícil, podría intentarse una involución”, en alusión al auge actual de partidos misóginos de extrema derecha.

También ha realizado un alegato a las mujeres artistas para que no pinten como lo harían los hombres –algo que según ella hasta hace poco ocurría con demasiada frecuencia– y busquen su propia voz como mujeres. “En el pasado solo teníamos la conciencia de ser mujeres y la fuerza que ello nos daba para unirnos y lograr todo lo que hemos logrado”, ha declarado la artista para dar sentido al acto de presentación de Mari Chordà ...i moltes altres coses, exposición de la que ha dicho que “compendia toda mi vida artística”.