El actor Tom Skerritt, estrella de películas como M*A*S*H, Alien y Top Gun, falleció el pasado miércoles a los 93 años, segun ha confirmado su familia en un comunicado publicado en The Hollywood Reporter.

“Su pérdida nos ha dejado consternados. Si bien el mundo conoció a Tom por su extraordinaria carrera como actor, nosotros lo conocíamos por su humor, curiosidad, sabiduría, generosidad y el amor que trajo a nuestras vidas. Le importaban profundamente la imaginación, la creatividad, la narración de historias, el servicio a la comunidad, los veteranos, la naturaleza y ayudar a los demás a encontrar y compartir sus propias voces”, escribió su familia en el comunicado.

Nacido el 25 de agosto de 1933 en la ciudad de Detroit, en el estado de Michigan (EE.UU), Skerritt se unió a la Fuerza Aérea de Estados Unidos en 1951 antes de dedicarse a la actuación. Poco después, se mudó a Los Ángeles para estudiar literatura inglesa mientras se formaba por su cuenta como actor en pequeñas obras de teatro.

Debutó en la gran pantalla en 1962 con el drama bélico War Hunt (El que mató por placer) junto a Robert Redford y Sydney Pollack y su experiencia en proyectos de temática militar lo llevaron a aparecer en series como Combat! y The Virginian.

Aunque la película que más marcó su carrera fue M*A*S*H, la comedia negra satírica de 1970 del director Robert Altman. En esta cinta, su interpretación como Duke Forrest, un cirujano del ejército destinado en la guerra de Corea, lo catapultó a la fama.

Durante los años siguientes tuvo papeles que lo impulsaron en Hollywood, como del capitán Dallas en la terrorífica Alien en 1979 o el que logró en la popular Top Gun, protagonizada por Tom Cruise y donde Skerritt interpretó al comandante Mike 'Viper' Metcalf.

En 1993, el intérprete ganó un premio Emmy a mejor actor principal en una serie de drama por su papel como el sheriff Jimmy Brock en Picket Fences, una de los proyectos más aclamados por la crítica en la década de 1990.

A Skerritt le sobreviven su tercera esposa, Julie Tokashiki, y sus cinco hijos: Andy, Erin, Matt, Colin y Emiko.

El teatro Victoria Eugenia de Donostia recibirá el próximo 16 de noviembre a actores y actrices vascas del teatro, las series de ficción y el cine. La ocasión es la celebración de los XXI Besarkada Sariak de Euskal Aktoreen Batasuna (EAB), que han nominado a intérpretes como Itziar Ituño, por 'Argi gorriak'; Patricia López Arnaiz, por 'Los domingos'; y Kepa Errasti, que opta al premio tanto por su trabajo teatral en 'Desobedientes 18/98' como por su interpretación cinematográfica en 'Maspalomas'.

Euskal Aktoreen Batasuna (EAB) es una asociación sindical con más de 400 socios que, desde 1988, trabaja para visibilizar, formar y defender los derechos de los profesionales de la actuación en Euskadi. Los Besarkada Sariak se celebran habitualmente cada dos años, pero esta undécima edición marcará el inicio de su periodicidad anual. Los galardones reconocen las interpretaciones en teatro, series de ficción y cine, con categorías diferenciadas para mujeres y hombres.

En cine, 'Maspalomas' reúne tres nominaciones. José Ramón Soroiz, Kandido Uranga y Kepa Errasti optan al premio por sus interpretaciones en la película. Errasti suma así una doble candidatura, ya que también está nominado en teatro por 'Desobedientes 18/98', de Tanttaka Teatroa. En la categoría masculina, Urko Olazabal completa la lista por su trabajo en 'Soy Nevenka'.

Entre las actrices, Patricia López Arnaiz está nominada por 'Los domingos', película por la que también ganó el Goya a mejor actriz protagonista y el Forqué a mejor interpretación. Miren Gaztañaga opta al galardón por 'Azken erromantikoak', dirigida por David Pérez Sañudo.

Mientras, Olaia Aguayo ha sido nominada por 'Jone, batzuetan', el primer largometraje de Sara Fantova. Aguayo interpreta a una joven que se enfrenta a “las contradicciones de la adolescencia y al paso a la edad adulta”. El jurado destaca “la frescura de su interpretación” en este primer papel protagonista. La categoría se completa con Yune Nogueiras, nominada por 'Gaua', en la que sobresale “el uso del gesto y de la expresión corporal”, casi sin necesidad de “recurrir a las palabras”.

En las series de ficción, 'Argi gorriak', de Vidania Films, cuenta con dos nominaciones: Itziar Ituño y Arnatz Puertas. También suma dos candidaturas 'TAMARA TA MARA', de Begira Produkzioak y EITB Media, con Ainhoa Artetxe y Koldo Olabarri. Por su parte, 'Desagertuta', producida por Pausoka, Zebra Producciones, Desagertuta A.I.E., EITB Media y Netflix, reúne tres nominaciones: Ainhoa Larrañaga, Itziar Atienza y Unai Arana.

'Querer', producción de Kowalski Films, Movistar Plus+ y Feelgoodmedia, también destaca con dos candidaturas femeninas: Loreto Mauleón y Nagore Aranburu. La interpretación de Mauleón sobresale por “la complejidad emocional y la tensión interna de su personaje”, mientras que la de Aranburu se apoya especialmente en “los silencios, los gestos y las miradas”. Su trabajo en la serie le ha valido distintos reconocimientos, entre ellos el Premio Feroz a mejor actriz.

Por 'Yo, adicto', de Disney+ bajo la marca Star, están nominados Itziar Lazkano y Ramón Barea, cuyas interpretaciones contribuyen a construir “los conflictos familiares y las relaciones que rodean al protagonista”. La lista femenina de televisión se completa con Sara Cozar, nominada por 'Zeru ahoak', un thriller rodado en euskera en el que destaca su capacidad para “mantener el clima de misterio, mostrando progresivamente la información de su personaje”.

En teatro, 'Itzulera', de Dejabu Panpin Laborategia, es una de las obras con mayor presencia en las nominaciones. Ainara Gurrutxaga, Miren Alcalá y Urko Redondo optan al premio por sus interpretaciones en esta propuesta, ganadora del XXVI Donostia Antzerki Saria 2026. La obra construye sus personajes a través del trabajo en equipo y de sus relaciones, en una historia que gira en torno a “el regreso, la memoria y la identidad”.

Aitziber Garmendia está nominada por 'Badakizu plastikozko loreak ez direla inoiz bizi izan, ezta?', de Tanttaka Teatroa. Ane Pikaza opta al galardón por 'Adiorik ez', de La Dramática Errante, una propuesta sobre “el final de la vida y los cuidados paliativos”. Por su parte, Erika Olaizola está nominada por 'KAKA', una creación junto a Xanti Agirrezabala que recurre “al absurdo y el humor para hablar de la responsabilidad individual y colectiva”.

Entre los actores nominados, Joseba Apaolaza opta al premio por '52 hercios', de Ados Teatroa, una propuesta sobre “la soledad no deseada”. Kepa Errasti, además de su candidatura cinematográfica por 'Maspalomas', está nominado por 'Desobedientes 18/98', de Tanttaka Teatroa. Oier Zuñiga completa la lista por 'Nor naizen baneki', fruto de la colaboración entre Artedrama y Axut!, en la que destaca “el trabajo con el cuerpo”.

Cuando ‘10 razones para odiarte’ llegó a los cines en 1999, pocos imaginaban entonces que se convertiría en una de las principales comedias románticas de adolescentes de la historia, siendo a más de dos décadas desde su estreno un título al que recurren distintas generaciones, siendo clave todavía su frescura a pesar de los años pasados, que tuvo a Julia Stiles y Heath Ledger como su pareja protagonista.  

Para ambos supuso un trampolín para catapultar sus carreras, pero para Ledger lo fue especialmente al ser su primer papel en Hollywood después de emigrar desde Australia, pasando de ser un desconocido a convertirse en un ‘crush’ de toda una generación, en especial por su escena musical en la que interpretó la mítica canción “Can’t Take My Eyes Off You’. 

Es precisamente esta escena la que va a recordar la que fue su compañera de reparto, Julia Stiles, para homenajearlo durante su participación en el concurso ‘Dancing With the Stars’ más de 18 años después de su fallecimiento en 2008 y 27 años desde que ambos protagonizaran la mencionada película. 

 Un hecho que tiene lugar durante la llamada ‘Noche de Dedicación’ del concurso donde baila la canción de Frankie Valli junto a su compañero en el programa Ezra Sosa, y que ya ha sido especialmente emocionante durante los ensayos: “Sé que va a ser algo realmente especial. Lloré durante los ensayos. Es una locura”, aseguró durante una entrevista previa. 

“Pensé que ya había superado esa etapa. Pensaba: ‘¡Ay, fue hace tantos años!’. Ver fragmentos de esa película, imágenes, escuchar mi voz y la suya me trae muchos recuerdos. Es muy emotivo. Para mí era importante que, tanto en la música como en la danza, le rindiéramos un solemne homenaje porque, obviamente, ha fallecido y ya no está con nosotros, pero también porque esa escena transmite mucha alegría a la gente”, declaraba al explicar su homenaje a Heath Ledger. 

Precisamente, para la actriz lo más importante era captar lo que él transmitía a la gente: “Quería plasmar su energía, tanto musicalmente como en la coreografía. Queremos recrear la alegría de cuando él estaba con nosotros. Era increíble. Era una persona radiante. Simplemente entraba en la habitación y la iluminaba”, afirmó sobre su fallecido compañero.  

Debido a su homenaje, Julia Stiles también ha recordado como fue trabajar con Heath Ledger en ‘10 razones para odiarte’: “Fue muy amable y generoso conmigo, cuando eres actriz y estás en tu primer papel protagonista en una película de un gran estudio, necesitas sentirte cómoda con la otra persona. Y él fue muy generoso en ese sentido”, explicó. 

La larga vida de ‘10 razones para odiarte’ 

‘10 razones para odiarte’ sigue siendo una de las principales comedias románticas para adolescentes dos décadas después, en ella Julia Stiles interpretó a Kat Stratford y Heath Ledger a Patrick Verona, los protagonistas de una moderna reinterpretación de ‘La fierecilla domada’ de William Shakespeare, donde también aparecieron Joseph Gordon-Levitt, Gabrielle Union, Andrew Keegan y Larisa Oleynik en el reparto. Recaudó en su día 53,5 millones de dólares a nivel mundial, recuperando tres veces su presupuesto, pero siendo su éxito más allá de su momento de estreno. 

La ciudad de Logroño acoge durante esta semana el rodaje de “Cisco y Trizas”, un cortometraje escrito y dirigido por Santiago Tabernero que reúne por primera vez en un mismo proyecto cinematográfico a Pepe Viyuela y Patxi Freitez. Dos actores riojanos con una extensa y reconocida trayectoria profesional que, a pesar de compartir sus raíces y décadas de experiencia en la interpretación, nunca habían trabajado juntos.

Cisco y Trizas cuenta la historia de dos amigos inseparables durante la infancia cuyas vidas han tomado caminos muy diferentes. Muchos años después, un encuentro fortuito a las puertas de un restaurante de lujo vuelve a ponerlos frente a frente: Cisco es ahora un empresario acomodado, mientras que Trizas vive en la calle. Lo que comienza como una conversación inesperada se convierte en un viaje a los recuerdos compartidos, donde el humor, la ironía y la emoción se entremezclan para hablar de la amistad, el paso del tiempo, la dignidad y las diferencias sociales.

El rodaje se desarrolla en diferentes enclaves del centro de Logroño, con especial protagonismo de Bodegas Franco-Españolas, que acogerá buena parte de las secuencias de la película. La versatilidad arquitectónica y la singularidad de sus espacios permitirán recrear diferentes ambientes, desde un sofisticado restaurante hasta el improvisado refugio de uno de los protagonistas, convirtiendo a esta emblemática bodega en una localización fundamental para la narración.

La producción aprovechará también otros escenarios reconocibles de la capital riojana, incorporando su paisaje urbano a la identidad visual de la película. Entre ellos, el entorno del Puente de Hierro, uno de los espacios más característicos de Logroño, que tendrá una presencia destacada en algunas de sus secuencias.

Pepe Viyuela y Patxi Freitez cuentan con sólidas carreras profesionales desarrolladas a lo largo de décadas en diferentes disciplinas de la interpretación. A pesar de compartir sus raíces riojanas y una dilatada experiencia en el sector audiovisual y escénico, “Cisco y Trizas” supone su primer trabajo conjunto. Conseguir reunirlos ha sido uno de los principales empeños tanto de la dirección como de la producción del cortometraje, que ha adaptado su calendario para hacer posible este encuentro.

Para Santiago Tabernero, el proyecto plantea también una reflexión sobre los vínculos que sobreviven al paso del tiempo y las circunstancias que terminan separando a las personas. “Me interesaba contar qué sucede cuando dos personas que compartieron todo durante la infancia vuelven a encontrarse después de una vida entera siguiendo caminos opuestos. Hay humor, hay cierta crueldad y también mucha humanidad en ese reencuentro. Y poder contar esta historia con Pepe y Patxi, dos actores extraordinarios que además comparten conmigo sus raíces riojanas, es un auténtico privilegio”.

Junto a ellos, el reparto cuenta también con la participación de la actriz Victoria Santos y de los jóvenes actores Pablo Pérez y Jon Reinares, que darán vida a los protagonistas durante su infancia, en unas secuencias ambientadas en la década de los setenta.

Un equipo profesional para una producción rodada en La Rioja

Escrito y dirigido por Santiago Tabernero, “Cisco y Trizas” cuenta con la producción de Andrea Álvarez y la participación de un equipo de profesionales de diferentes disciplinas audiovisuales.

La dirección de fotografía corre a cargo de Imanol Legross, con Lander Etxedona como gaffer; Borja Echeverría en la ayudantía de dirección; Charly Padilla como responsable de sonido; Lorena Manzanos y Patricia San José en el departamento de arte y vestuario, Alicia Cristóbal en maquillaje y Arrate López en peluquería. Rebeca Ibáñez forma parte del equipo de producción y Ana Belén Fernández se encarga de la fotografía fija. Y Enrique Telefunken ha creado una banda sonora original que enriquece la atmósfera del cortometraje y acompaña con sensibilidad el reencuentro de sus protagonistas. 

El cortometraje cuenta con el apoyo del Gobierno de La Rioja, a través de sus ayudas a la producción artística, y con la colaboración de diferentes entidades y espacios de la ciudad que han facilitado el desarrollo del rodaje. La elección de Logroño como escenario de la película responde tanto a las necesidades narrativas de la historia como al interés de sus responsables por integrar espacios reconocibles de la ciudad en una producción que apuesta por el talento y los recursos audiovisuales de La Rioja.

Con una duración prevista de aproximadamente doce minutos, “Cisco y Trizas” iniciará, una vez concluido el rodaje, su proceso de montaje y posproducción, con el objetivo de comenzar posteriormente su recorrido por festivales y certámenes cinematográficos.

La producción ha previsto destinar un porcentaje significativo del presupuesto a la distribución, con una apuesta decidida por impulsar un recorrido ambicioso del cortometraje en festivales durante 2027. Esta planificación busca dar continuidad al trabajo artístico y técnico del equipo, favorecer su presencia en certámenes de referencia y competir por selecciones y premios que contribuyan a la proyección de la película y de sus profesionales.

Le gustaba gustar y lo quería todo. Ese podría ser el resumen, uno de tantos, de quien fue Jean-Claude Van Damme cuando todo el mundo conocía su nombre. Ese es el resumen con el que Lorenzo Ayuso (1987, Leganés) define, en una sola línea, a quien fuera uno de los actores de artes marciales más importantes de las décadas de los ochenta y noventa. Alguien que, cuenta el autor, fue muy importante en su infancia y adolescencia pues le introdujo en un mundo que le ha acompañado toda su vida.

Un actor que, como a muchos, le sedujo por sus asombrosas capacidades físicas, en especial el spagat: sello de identificación del belga, que se introdujo al mundo haciendo gala de unas capacidades físicas que lo convirtieron en una atracción inmediata, trascendiendo los parámetros del cine Kung-fu. Alguien que, convertido en un personaje excéntrico y fagocitado por su idea del éxito, ha seguido fascinando a Lorenzo Ayuso a lo largo de su vida adulta.

Por eso, el periodista cultural y también cineasta, ha dedicado cinco años de su vida para estudiar las luces y sombras del actor en un profundo ensayo titulado Van Damme: el héroe de Vitruvio (Unión Editorial). Un estudio del hombre que se convirtió en icono desde sus primeras narrativas de gimnasio hasta sus últimas autoficciones de corte confesional. El suyo, además, es un ensayo que sale a la luz en 2026. Un año en el que, precisamente, los gimnasios hace tiempo que han brotado como parte del paisaje en todas las ciudades y el culto al cuerpo y el “autocuidado” atraviesa nuestra sociedad acercando, cada vez más, las presiones estéticas entre ambos géneros.

“Además de mi obsesión de crío con la generación de actores de cine de acción a la que pertenece Van Damme, llevaba tiempo pensando en esos géneros que, desde la academia, no son muy ortodoxos y se miran de soslayo”, explica Ayuso en conversación con elDiario.es para señalar que él, durante un tiempo, también se apartó del género, pensando que figuras como la del belga, junto a otros coetáneos como Schwarzenegger o Stallone, eran ya cosa del pasado. Sin embargo, durante el encierro de la pandemia volvió a pensar en quien fuera uno de sus primeros amores de la gran pantalla.

“Me tuvo mucho tiempo, como a todos, encerrado y volví a verme la filmografía de Van Damme”, continúa Ayuso para señalar algo que le llamó especialmente la atención y a lo que, antes, no le había prestado demasiada atención: su capacidad de regenerarse. “Es un hombre con capacidad de reírse de sí mismo. Lo vemos en la película JCVD (2008) en la que se interpreta a sí mismo y sus crisis personales y de pareja. Hace metacine y, de pronto, vemos cómo es un actor que tiene un registro muy amplio al que no estábamos acostumbrados ni siquiera sus fans habituales”, explica.

Un recurso, el de hacer de sí mismo, que usarán actores de generaciones posteriores, como Jason Statham, quien en 2027 estrenará una comedia llamada Jason Statham me robó la bicicleta en la que, obvio, Statham hará de Statham. Pero Van Damme fue el primero.

“También siento que tenía una asignatura emocional pendiente”, confiesa el escritor, que en plena pandemia y durante algo más de media década buceó en toda la carrera del belga, cuya última serie (que cuenta con Ridley Scott como productor ejecutivo), Jean-Claude Van Johnson (2016), también habla de sí mismo.

Ayuso quería ver qué ocurría cuando una estrella deja de interpretar solamente personajes y acaba haciendo de sí mismo, su propio personaje. Algo, que además, hoy parece estar de moda dentro de actores de su misma generación. Además del caso de Statham, Silvester Stallone está produciendo una cinta, cuyo estreno también se ha anunciado para 2027, sobre cómo escribió y se convirtió en Rocky Balboa.

“Creo que ha llegado un momento, sobre todo con el cambio generacional también del cine popular y del de acción en particular, en el que se han perdido, en gran medida, lo que son los grandes iconos. Las grandes estrellas de cine en un sentido convencional”, continúa Ayuso para señalar que ahora las grandes estrellas tiene aparejadas una o dos franquicias y se las va a ver por ser quién son. Para muestra, el universo Marvel o DC. “Tú no ibas a ver una peli de Bruce Willis o Stallone porque fueran Bruce Willis o Stallone. Ahora sí hacemos eso”, opina.

De icono bisexual a acusado de agresiones

Ambiguo. Esa es otra de las palabras que Ayuso utiliza para definir a su héroe de infancia. “Él poseía una gran belleza, diferente a la de sus contemporáneos, y lo sabía y lo explotaba. Era una suerte de Narciso, anatómicamente perfecto”, prosigue para insistir en las diferencias del belga frente a sus compañeros de generación.

“Él apareció en un momento en el que el héroe de acción era un deportista duro, recio y llega el como un Adonis flexible, aquello fue toda una revolución”, continúa para señalar una escena de la película LionHeart en la que a Van Damme, que nunca se ha pronunciado en público sobre su sexualidad, más allá de lo que ha trascendido de su tumultuosa vida privada, uno de sus rivales en las luchas clandestinas le suelta la siguiente frase: “No sé si pegarte o follarte”. El público, ríe Ayuso, tampoco lo tenía muy claro. Van Damme, como diferente y atractivo héroe de acción, triunfaba entre dos comunidades: la gay y la femenina.

Lo peor, para el escritor, fue el mazazo de 2025. Lo sabía todo sobre su sujeto de estudio. Todo menos una cosa: su perfil de abusador. En abril de 2025, Jean-Claude Van Damme fue denunciado en abril de 2025 en Rumanía ante la Dirección de Investigación del Crimen Organizado y Terrorismo (DIICOT) por supuestamente haberse beneficiado de servicios sexuales con cinco mujeres vulnerables de víctimas de trata. Los hechos, según ha recogido la prensa, sucedieron durante el Festival de cine de Cannes una década antes. Hasta el momento, Jean-Claude Van Damme no ha emitido declaraciones públicas al respecto.

Tenía acabado el libro cuando salió la noticia del abuso sexual

Lorenzo Ayuso — Periodista y cineasta

“Imagínate, ya había escrito el libro, lo tenía todo preparado para imprimir y ocurre esto”, cuenta el escritor, que sintió cómo se le caía el mito, a pesar de haberlo estudiado a fondo. “Es algo horrible, claro, y miras a la persona con otros ojos”, prosigue Ayuso para señalar que ha seguido el caso con activo interés pero que, de momento, no se sabe mucho más allá de la noticia que salió la primavera del año pasado.

Caída en el olvido

¿Por qué él no permaneció tan vivo en el imaginario colectivo como Stallone o Schwarzenegger, a quienes las generaciones más jóvenes todavía identifican? Esa es una de las grandes preguntas que trata de responder este ensayo monumental. Y, para su autor, se debe a varios factores. El primero, claro, su carácter pendenciero dentro de la industria. El segundo, que ya ha varios remakes de sus películas y están saliendo nuevos rostros mientras que Stallone o Schwarzenegger siguen vivos, vigentes.

De momento, nadie ha intentado ponerse sus zapatos. Todavía siguen ocupados, mientras que los del belga ya se los ha probado más de uno. El mejor, para Ayuso, quizá sea Scott Adkins, que ha participado en varias películas junto a él. “No diría, incluso, que fuera un sucesor, sino una versión mejorada”, aventura el escritor. “Adkins ha sabido leer mejor los tiempos, lo que tiene que hacer para mantener el equilibrio, Van Damme lo quería todo. Y ya sabemos que pasa con los que intentan abarcarlo todo”, concluye. Narciso, en el mito, todo el mundo lo sabe, al final se ahogó.

Sylvester Stallone ha compartido las consecuencias físicas que arrastra su cuerpo tras décadas protagonizando películas de acción y realizando escenas de riesgo. El actor estadounidense, conocido por sus papeles en sagas como Rocky y Rambo, ha reconocido que se arrepiente de algunas decisiones relacionadas con las acrobacias que realizó durante su carrera.

En una entrevista con Fox News Digital, ha detallado las intervenciones quirúrgicas a las que se ha sometido y ha admitido que no ha vuelto a ser el mismo después de las operaciones.

“Millones, millones de arrepentimientos”, ha afirmado Stallone al recordar los problemas físicos que ha sufrido a lo largo de los años. El intérprete ha explicado que podría dedicar horas a hablar de sus lesiones, que se han acumulado con el tiempo. Sin embargo, el rodaje de Los mercenarios, la película de acción que protagonizó y dirigió en 2010 marcó un punto de inflexión.

Nueve operaciones de espalda y tres fusiones cervicales

“Después de Los mercenarios, terminé con nueve operaciones de espalda, tres fusiones de cuello. Ambos hombros destrozados”, ha explicado durante la entrevista. El actor también ha mencionado otras intervenciones quirúrgicas resumiéndolas como “brutal”.

Una de las lesiones más graves se produjo durante el rodaje de la primera entrega de Los mercenarios, cuando realizó una acrobacia que le provocó una dislocación de hombros y una fractura de cuello. El equipo médico tuvo que colocarle una placa metálica en el cuello y realizarle fusiones espinales.

Estrenada en 2010, Los mercenarios reunió a varias figuras reconocidas del cine de acción, entre ellas Jason Statham, Dolph Lundgren, Terry Crews y Mickey Rourke. La película dio origen a una saga de cuatro entregas en la que Stallone participó como actor en todas ellas. Además de dirigir la primera película, el intérprete también escribió el guion de Los mercenarios 3, estrenada en 2014.

“Dejad que lo haga el profesional”

Tras lo vivido, el actor ha querido concienciar a quienes se plantean realizar acrobacias durante el rodaje sin recurrir a especialistas. Su recomendación es dejar esas tareas en manos de profesionales y evitar asumir riesgos innecesarios.

“No lo hagáis. No lo hagáis. Dejad que lo haga el profesional”, ha advertido. El neoyorquino ha insistido en que los impactos físicos tienen consecuencias y que no es posible evitar los efectos de una caída. “No se puede vencer a la gravedad, cuando chocas contra el suelo, pierdes, y te va a pasar factura”, ha señalado.

El actor también ha rechazado que las lesiones sufridas durante su carrera sean motivo de orgullo. Al ser preguntado por si se sentía orgulloso de ellas, ha respondido que no y ha reconocido que considera un error haber asumido esos riesgos. “Creo que soy un idiota por haber hecho eso”, ha afirmado, antes de recalcar que no se siente orgulloso de haberse provocado daños físicos.

Sin embargo, alejarse de la gran pantalla nunca ha sido una opción para el actor y productor estadounidense. Stallone continúa vinculado al mundo de la interpretación. Estos días llega a Paramount+, Tulsa King, la serie en la que el intérprete encarna a Dwight Manfredi, un mafioso que debe desenvolverse en un entorno marcado por las disputas criminales y las luchas de poder. La cuarta temporada se estrena el viernes el 16 de octubre de 2026.

En los nuevos episodios, Manfredi tendrá que hacer frente a nuevos adversarios procedentes de Nueva York y a tensiones dentro de su propio equipo en una historia a la que aún le falta objetivos por cumplir, según reconoce el actor.

‘La bola negra’ sigue siendo todo un fenómeno en España, sin duda la película del momento, ya con más de dos millones de espectadores y más de 15 millones de euros de recaudación. Y es que, lejos de bajar en su segunda semana en cines, el filme ha subido incluso el interés, con un 20 % más, superando las expectativas. 

El éxito comercial en España solo confirma el camino que ya llevaba la cinta, con premios en los festivales de Cannes, de Toronto y San Sebastián, y lo que ha hecho que su reparto también haya ganado en elogios, algunos de ellos debutando en el cine como es el caso del cantante Guitarricadelafuente, pero también el del joven Milo Quifes.

Quién es Milo Quifes, el gran descubrimiento de ‘La bola negra’ 

‘La bola negra’ es una película de tres historias que se entrelazan, que se cuentan de forma paralela, y en una de ellas el protagonista es Carlos, en concreto, la línea temporal de 1932 que conecta directamente con la obra que Federico García Lorca no llegó a terminar. 

Milos Quifes es el actor que interpreta a Carlos, el joven de Granada que quiere ser admitido en el Casino y que se enfrenta al rechazo, un joven de 24 años que debuta así por todo lo alto en el cine, con un papel protagonista que ya le está dando alegrías en forma de reconocimiento y de fama, todo ello tras ser antes todo un desconocido para el público. 

Un personaje y una oportunidad que le llegó de casualidad, cuando se presentó al casting tras ver una convocatoria en Instagram cuando necesitaba trabajo y en la que pensaba que solo buscaban figurantes. Poco a poco el joven fue superando pruebas y así llegó a una quinta en la que conoció a los directores, Javier Calvo y Javier Ambrossi, más conocidos como los Javis. Fue entonces cuando se dio cuenta que la oportunidad estaba siendo más seria de lo esperado. 

Y todo ello, además, en medio de una etapa complicada, en la que buscaba continuamente trabajo: “Los Javis me encontraron. Yo venía de una época muy mala. Salía a la calle porque tenía que trabajar; si no, no tenía para comer, pero me costaba mucho salir”, aseguró en una reciente entrevista. 

En ella, el joven también valora como está siendo actualmente el momento tras el estreno de ‘La bola negra’: “Ahora mismo estoy viviendo la vida que nunca imaginé”, reconocía. Milos Quifes había estudiado Biología en Granada y en 2024 publicó su primera novela, donde demostró su interés por la literatura. 

La experiencia de trabajar con los Javis 

Para el joven actor, además, el hecho de haber debutado con los Javis en ‘La bola negra’ le ha dado una experiencia que le ha ayudado a crecer y fueron clave para que encontrara su personaje: “Ellos hacen un poco de psicólogos para que entiendas de dónde te viene el dolor”, explicó. 

De hecho, aseguró que le han hecho descubrir aspectos de sí mismo que desconocía hasta ese momento, llevando el hecho a elevar su interpretación: “Me hace reconocer la herida que tengo y luego la curo. Los Javis son tan inteligentes que se adelantan a lo que estás pensando”, concluyó. 

A veces, un actor queda marcado por un papel. Incluso su primer papel más o menos profesional. ¿Pero quién podría quejarse de manera muy amarga de ello, si el personaje se termina (y te termina) convirtiendo en una especie de icono? Más aún si ese primer papel es una película independiente nacida de un corto que hiciste con tu amigo director de cine. Es el caso de Bruce Campbell. Su interpretación del héroe ridículo y a la vez molón Ash Williams (¿una sierra mecánica sustituyendo una mano amputada?) en la trilogía original de la franquicia Posesión infernal, de Sam Raimi, le supuso un lugar en el panteón friqui.

Con su mandíbula de detective de cómic al estilo de Dick Tracy y su gusto por las poses fanfarronas más o menos autoparódicas, Campbell es una figura que ha continuado asomando por las múltiples ventanas de la cultura pop. Se le ha visto en el cine, en la televisión y se le ha oído en videojuegos. Tanto Raimi como los hermanos Coen le procuraron unas cuantas apariciones y cameos en sus películas, incluida la primera Spider-man de Tobey Maguire. Uno de sus trabajos más sonados en el nuevo siglo fue su reaparición tardía como Williams en las tres temporadas de la serie Ash vs evil dead.

El pasado mes de marzo, el intérprete —y realizador, y escritor de varios libros más o menos cómicamente autobiográficos— compartió públicamente que padecía un cáncer “tratable, pero no curable”. En el pódcast The Adam Carolla Show, ha especulado con que le podrían quedar unos cinco años de vida. Lo hacía mientras presentaba su tercer largometraje de ficción como realizador: Ernie & Emma.

El héroe que podríamos ser, quizá

Para quienes no conozcan su trabajo, Campbell es una especie de estrella de nicho. No es exactamente un one hitwonder, porque ha asomado por creaciones de éxito, especialmente en el ámbito televisivo (Hércules, Xena, Último aviso), y por alguna película con cierto impacto entre la familia disfuncional del cine fantástico (Bubba Ho-tep, por ejemplo). El actor es alguien que no es demasiado famoso, pero que despierta pasiones en cualquier festival de cine fantástico. Alguien que se define como un representante del Hollywood blue-collar, un trabajador bien pagado que no pertenece a la élite de las estrellas (muy) multimillonarias.

Siempre fue así. En los años ochenta del siglo pasado, Campbell era un nombre familiar, pero solo para un cierto friquismo un poco más avanzado. Para aquel que no solo atendía a Regreso al futuro, Juegos de guerra y demás filmes ochenteros que guiñaban el ojo del nerd pero se dirigían a una audiencia muy amplia. Para el friqui que también veía Posesión infernal y, por supuesto, especulaba sobre los diferentes montajes de El ejército de las tinieblas. Para el aficionado que podía leer al popularísimo Stephen King, claro, pero que también leía los relatos de Clive Barker (Hellraiser) y rebuscaba descubrimientos entre quioscos y videoclubes bien nutridos antes de que todo estuviese tan disponible a través de internet.

Para ellos, para nosotros, Bruce Campbell tenía algo de uno de los nuestros. Gracias, sobre todo, a ese Ash que era un tipo joven cualquiera que se enfrentaba a la proliferación de endemoniados que estallaba a su alrededor. Ash era un ligón más bien ridículo que terminaba siendo algo mejor tipo de lo que parece a primera vista. Alguien que acababa convirtiéndose en algo parecido a un héroe, quizá porque Hollywood siempre demanda héroes, pero que recibía muchos golpes por el camino. Y que lo hacía, especialmente con las expansiones más abiertamente cómicas de las secuelas directas de Posesión infernal, desde un terreno donde se hermanaban el terror y el humor físico.

La conexión entre cine fantástico ochentero y slapstick parece adecuada. ¿No fue Buster Keaton el primer gran friqui del cine? Con todo, el personaje de Campbell encajaba los reveses de una manera muy alejada de la imperturbabilidad del protagonista de El maquinista de la general. Si Keaton mantenía una cara de palo, Campbell apostaba por un histrionismo más propio de los dibujos animados de Looney Toones que sintonizaba con la narrativa visual bombástica de Raimi.

El personaje de Ash fue incorporando una parodia más bien inofensiva de una masculinidad clásica y heroica que se creaba desde la distancia irónica, desde el afuera o desde ese lugar lateral del rarito de película de instituto que observa como le van las cosas a los chicos y las chicas populares. Es una sátira amable que no proyecta el resentimiento que sí proyectan otras figuras comunes en el cine de aquella época. Véase esos antagonistas del cine de cuchilladas adolescentes que, después de ser víctimas de bullying o de una cierta exclusión, comienzan a asesinar a los jugadores de fútbol americano y las animadoras, a los sexualmente activos.

Lejos de esas venganzas cinematográficas del excluido que anticipaban la cultura incel, Raimi y compañía se mofaron del héroe clásico magnificando las imperfecciones y extravagancias de su Ash Williams, pero parecían hacerlo sin ira. Y proponiendo una especie de relación más fluida: el héroe podía ser un tipo común, el tipo común podía ser un héroe. O algo así.

El pasado para siempre

Quizá Campbell no ha tenido muchos más papeles memorables como para alejarse de Ash Williams, pero tampoco parece que haya querido hacerlo. Al fin y al cabo, dirigió, guionizó y protagonizó un filme como Posesión demencial, donde hacía de sí mismo en una versión deliberadamente entremezclada con ese personaje. Se autorretrataba como una estrella cinematográfica de poca monta, pero absurdamente presuntuosa, a quien un fan reclutaba para luchar contra un espíritu vengador porque el héroe de Posesión infernal sabría qué hacer.

Esta misma confusión entre personaje, profesional y persona puede magnificar la sensación de cercanía. Campbell ha cultivado una cierta máscara social de autoparodia y arrogancia (más de una vez ha sido faltón, cuanto menos) que resulta familiar a muchos aficionados del cine fantástico porque recuerda a sus personajes más conocidos. Y eso puede magnificar el impacto que causa saber que afronta una enfermedad y que pone fecha de caducidad a su vida. Es una de esas situaciones dolorosas, además de irreversibles, que no suelen reflejarse de manera honda en el parque de atracciones de la cultura pop contemporánea.

En el ensayo breve Porsiemprismo (Caja Negra), el crítico cultural Grafton Tanner reflexionaba sobre la tendencia de una industria cultural adicta a saturar a la audiencia con secuelas, remakes, reboots y demás derivados de obras preexistentes. Los planteamientos de Tanner se relacionan, y actualizan de alguna manera, los planteamientos del desaparecido filósofo Mark Fisher (Realismo capitalista) sobre la sensación de ausencia de futuro.

Fisher desarrollaba algo que ya sabíamos o sentíamos. Muchos individuos viven, vivimos, en el presente permanente de la precariedad, y en la ausencia de futuro que esta también comporta: no solo el cortoplacismo obligado, sino también la dificultad de pensar a largo plazo. Tanner se centra en las dinámicas del audiovisual rentista de propiedades intelectuales establecidas para afirmar que la cultura pop es otro contexto que nos envuelve en esta especie de presente permanente. El flujo de contenidos que no terminan nunca, de secuelas y relanzamientos de las obras del pasado que son retornadas al presente una y otra vez, dificulta que realmente echemos de menos algo. Y, con ello, que reflexionemos sobre lo que hemos ganado y perdido a lo largo de un paso del tiempo que parece existir un poco menos.

La enfermedad de Campbell es uno de esos momentos en que se fisura este bombardeo de presente, este carrusel escapista de ficciones que normalmente buscan complacer por encima de todo. Nos recuerda que la realidad esté ahí, por muchos descansos que nos tomemos a la hora de mirar alrededor nuestro.

En el verano de 1955, James Dean filmó la que sería su última película, Gigante. Ya para aquel momento había conseguido una gran reputación como actor estadounidense gracias a sus interpretaciones en Rebelde sin causa y Al este del Edén. Durante aquel rodaje, sin embargo, Warner Bros. le puso una condición a la estrella.

El miedo de la productora por que le pasara algo a una de las caras más reconocidas de Hollywood hizo que Dean, quien entonces era un apasionado de las carreras de coches, no pudiera participar en estas competiciones durante la grabación del largometraje. Cuando terminó el rodaje, el joven pudo volver a las pistas, y la emoción lo llevó a comprarse un nuevo automóvil.

El 21 de septiembre de 1955, el actor se hizo con un Porsche 550 Spyder, un deportivo ligero diseñado para la competición al que bautizó como “Little Bastard” [Pequeño Bastardo]. Su intención no era otra que prepararlo para participar en una carrera que se celebraba en Salinas, California, durante el primer fin de semana de octubre.

El 30 de septiembre, mientras se dirigía hacia Salinas, James decidió conducir él mismo el Porsche en lugar de transportarlo en un remolque. En aquel viaje, lo acompañaba su mecánico, Rolf Wütherich, que también iba dentro del vehículo de carreras. Poco antes de las cinco de la tarde, en un cruce entre dos carreteras, un Ford que circulaba en sentido contrario giró para incorporarse a su carril y se cruzó en la trayectoria del Porsche.

El impacto fue brutal. Wütherich salió despedido pero, pese al choque, consiguió sobrevivir. Dean no corrió la misma suerte, y quedó atrapado en el vehículo. El actor, que en ese momento apenas tenía 24 años, murió poco después a consecuencia de las heridas que le provocó el accidente. El “Little Bastard” fue declarado siniestro total, pero su historia no acabó ahí.

El mito

Aunque el Porsche quedó prácticamente destrozado, sus restos pasaron a manos del conocido diseñador y preparador de coches George Barris, quien comenzó a alimentar la leyenda en torno al “Little Bastard”. Barris aseguró que algunas de las piezas del coche de Dean se reutilizaron en otros vehículos que también sufrieron accidentes, incluido el del piloto Troy McHenry, que murió en una carrera en 1956. Se supone que su coche llevaba piezas de la transmisión y de la suspensión originales del Porsche del actor.

Barris también afirmó que la mala suerte parecía perseguir al Porsche, al que describió como un “coche maldito”. Según explicó, el coche llegó a incendiarse repentinamente mientras estaba guardado y dos de sus neumáticos reventaron tras venderlos a otro cliente. Todos estos episodios ayudaron a alimentar el mito, aunque la mayoría de ellos nunca pudieron llegar a confirmarse.

Ethan Hawke es actualmente uno de los actores de Hollywood más asentados de la industria, sabiendo transitar entre el cine más comercial y el independiente, y con éxito en ambos. Para finales de este 2026 llegará a los cines españoles con una película de las llamadas de supervivencia, un drama histórico ambientado en el que comparte cartel con Russell Crowe.

‘The Weight’, traducida como ‘El peso de la libertad’, no llegará a España en estreno hasta el 11 de diciembre, pero en Estados Unidos y algunos países ya ha sido estrenada, siendo un nuevo trabajo en el que el actor ha vuelto a compartir proyecto con su mujer, un papel que ha resultado fundamental según ha desvelado en una reciente entrevista.

Un rodaje más duro que ‘Colmillo Blanco’

Dirigida por Padraic McKinley, Ethan Hawke regresa a un drama de supervivencia junto a Russell Crowe, Julia Jones o Austin Amelio, con una película ambientada en Oregón en 1933, cuando un padre viudo acepta realizar un intercambio de contrabando para poder conseguir su libertad con el objetivo de volver a ver a su hija. Una historia que para el actor americano ha resultado ser uno de los rodajes “más difíciles de su carrera”, llegando a comparar con el de ‘Colmillo Blanco’ en Alaska, cuando contaba solo con 19 años.

En esta ocasión, ‘El peso de la libertad’ se ha rodado en pleno bosque de Baviera en Alemania, donde se ha recreado la naturaleza salvaje del estado de Oregón en 1930: “Por suerte, a mi edad actual, sabía en lo que me metía. Pero con el paso de los años desde Colmillo Blanco, extrañé la aventura”, afirmó el actor en una entrevista con The Hollywood Reporter. A pesar de la dureza del rodaje, sin embargo, Hawke alabó la ‘camaradería’ que se formó al rodar en localizaciones reales: “Se crea una camaradería cuando realmente te embarcas en una aventura con un grupo de personas, y eso se ve reflejado en la película. No es divertido en el momento, pero sí lo es cuando termina”, sostuvo en la mencionada entrevista.

En ella, también aseguró que para su personaje tomó vivencias reales de su abuelo, que fue veterano de la Segunda Guerra Mundial: “La ética estadounidense tradicional de toda esa generación, la fe inquebrantable en la igualdad de la humanidad y la solidaridad, era el espíritu que mi abuelo se llevó consigo”, indicó.

Un hecho que no es lo único que conecta a Ethan Hawke con su vida personal en este último proyecto, sino que es uno más en el que ha trabajado codo con codo con su mujer Ryan, que es productora junto a Simon Fields. Para el intérprete, su participación fue fundamental para que saliera adelante: “No habría sucedido. Llevo 15 años trabajando con mi esposa, y tener a alguien a quien respeto profundamente, que me entiende y que se esfuerza por sacar adelante proyectos que de otro modo no se habrían concretado, ha sido la mejor etapa de mi carrera”, afirmó.

Abierto a una tercera película de ‘The Black Phone’

Acercándose la etapa de Halloween, Ethan Hawke ha sido también preguntado por la posibilidad de una tercera película de la saga de terror ‘The Black Phone’, en la que da vida a ‘The Grabber’, y él no cierra la puerta: “Eso dependería totalmente de Scott Derrickson. Jason Blum y yo confiamos en él. Si tiene una idea que le entusiasma, estoy seguro de que todos la apoyarían. No lo hará por dinero. Lo hará si encuentra una forma de expresarse”, detalló al respecto.

La Diputación de Badajoz ha levantado en los últimos años un ecosistema escénico que funciona como una red de sostén para el teatro profesional, el tejido amateur y la formación de públicos en toda la provincia. Lo ha hecho desde una premisa que atraviesa toda su política cultural: la cultura como herramienta de cohesión territorial y como garantía de igualdad entre municipios que, por su tamaño o recursos, nunca podrían sostener una programación estable sin apoyo institucional. Ese principio vertebra el I Plan Estratégico Provincial de Dinamización Cultural 2023‑2027 y explica por qué, solo en 2025, la corporación destinó más de 10,7 millones de euros a cultura dentro de un presupuesto departamental de 20,2 millones, alcanzando una cobertura del 100 % del territorio con más de 2.200 actividades anuales. En los pueblos de menos de 20.000 habitantes —el corazón rural de la provincia— la inversión asciende a 50,51 euros por habitante, casi el doble del promedio provincial, lo que permite sostener una media de 13,3 actividades culturales al año en cada localidad.

Ese esfuerzo se materializa en una arquitectura de programas que combina exhibición profesional, formación de públicos, apoyo a la creación y dinamización comunitaria. En ese entramado, D’Rule: Artistas en el Territorio es el dispositivo central de exhibición teatral profesional. Desde 2016, descentraliza la oferta escénica y garantiza que los pueblos puedan acceder a montajes de compañías extremeñas consolidadas sin asumir el coste real del caché. En 2026, el programa reparte 300.000 euros entre municipios y entidades locales menores, cubriendo hasta 2.500 euros por representación —5.000 en los casos de localidades con dos obras— y asegurando que todas las funciones se desarrollen entre octubre y finales de año. La resolución de este año ha beneficiado a 85 localidades, que programarán espectáculos de compañías como Samarkanda Teatro, Teatro Girigai, Karlik Danza Teatro, Verbo Producciones, Teatro de Papel, Las Cuatro Esquinas Producciones, De la Luna Teatro, Atakama, Maltravieso Teatro o Francis J. Quirós Producciones, todas ellas integradas en la Guía de Artistas y Grupos de la Diputación.

La formación de públicos se aborda desde la infancia con PequEscena, un festival que desde 2022 lleva títeres, clown, teatro de objetos y narración escénica a casas de cultura rurales. Su repertorio combina compañías extremeñas y nacionales —Tropos Teatro de Títeres, Titiriteros de Binéfar, Marmore Producciones, Chameleon Producciones, Bambalía Escénica o El Avispero— y este año volverá a desplegarse entre octubre y diciembre, consolidándose como la puerta de entrada al hecho escénico para miles de niños y niñas del medio rural. A su alrededor orbitan otros circuitos sectoriales —BadeCirco, Badakadabra, Danzaria— que diversifican la oferta de calle y sala en municipios pequeños y completan la estrategia de acceso temprano a la cultura dramática.

La Diputación sostiene además una constelación de festivales que amplían el mapa escénico provincial y regional: el Festival de Teatro de Vegas Bajas, el de Casas de Regina, el Festival de Teatro Musical de Don Benito, el Amateur de Extremadura, el Festival Internacional de Teatro de Badajoz y el Festival de Mérida. Todos ellos cuentan con financiación provincial, ya sea mediante patrocinios directos o a través de las convocatorias para ayuntamientos y asociaciones culturales, lo que permite que la programación profesional y de gran formato llegue a públicos que, de otro modo, quedarían fuera de los circuitos escénicos nacionales.

La estructura de subvenciones completa este modelo con dos líneas diferenciadas: una para administraciones locales y otra para asociaciones y fundaciones. El Plan Provincial de Cooperación para el Programa de Dinamización Cultural, dotado con 785.000 euros, funciona en concurrencia no competitiva y permite a cada municipio programar hasta tres actividades entre enero y octubre, con ayudas de 1.500 euros para compañías profesionales y 1.000 para agrupaciones amateur. En paralelo, las convocatorias para asociaciones sufragan festivales, muestras de teatro aficionado, certámenes y proyectos comunitarios, mientras que las ayudas de capital financian equipamiento técnico y reformas en espacios escénicos locales, un aspecto crucial para que los municipios más pequeños puedan cumplir los requisitos técnicos exigidos por circuitos como D’Rule.

El apoyo a la dramaturgia se articula mediante la cooperación con la Federación de Asociaciones de Teatro de Extremadura, FATEX, y las diputaciones de Badajoz y Cáceres. El Premio Internacional Raúl Moreno FATEX otorga 4.000 euros a la obra ganadora y 2.000 al accésit, y publica ambos textos en un volumen bilingüe castellano‑portugués que favorece el intercambio escénico a través de la Raya. Los grupos federados en FATEX estrenan y giran estas obras en la Red de Teatro Amateur. El Premio de Autor Extremeño, reservado a dramaturgos nacidos o residentes en la región, concede 500 euros y publica la obra en la colección Escena Extremeña, también en edición bilingüe. La Red de Teatro Amateur de FATEX completa la oferta con representaciones en salas municipales durante el otoño.

El impacto socioeconómico de este modelo es doble. Por un lado, la cobertura íntegra del caché en D’Rule y en el Plan de Dinamización estabiliza el mercado laboral escénico extremeño, garantizando ingresos recurrentes para cooperativas y pymes teatrales en un contexto donde la taquilla municipal no puede absorber los costes reales de producción. La Guía de Artistas y Grupos actúa como registro técnico que asegura condiciones salariales acordes al mercado y evita la devaluación del trabajo artístico. Por otro, la inversión concentrada en municipios pequeños neutraliza la brecha de acceso a la cultura dramática y consolida hábitos culturales tempranos gracias a programas como PequEscena. La cooperación transfronteriza de los premios FATEX proyecta la dramaturgia extremeña hacia Portugal y crea un espacio bilingüe singular en el panorama teatral español.

Los retos, sin embargo, persisten. La exigencia técnica de los recintos aptos para montajes profesionales sigue siendo una barrera para las entidades locales menores, lo que obliga a mantener líneas de modernización infraestructural para evitar exclusiones. También es necesario seguir afinando la coordinación entre los distintos agentes institucionales para evitar la concentración de programación en el último cuatrimestre y garantizar un flujo escénico continuo durante todo el año.

Equilibrar el territorio

El resultado es un modelo que no solo programa teatro: lo convierte en infraestructura pública, en una forma de presencia institucional que equilibra el territorio y sostiene la vida cultural de los pueblos. En un contexto donde la oferta escénica depende casi por completo del impulso público, cada función es una afirmación de igualdad y de derecho: la certeza de que la creación dramática no es un privilegio urbano, sino un bien común que pertenece a todas las comunidades. La Diputación de Badajoz ha construido una red que permite que el teatro profesional viva de su trabajo, que la infancia acceda a la cultura desde sus primeros años y que la dramaturgia extremeña circule más allá de sus fronteras. Ese es el verdadero impacto: un territorio donde la cultura no se improvisa y además consigue sostenerse. Donde el teatro no es considerado simplemente como un evento, sino como una forma muy presente de futuro.

Y por eso este modelo importa. Porque convierte la cultura en infraestructura cívica, garantiza que la profesión teatral pueda vivir de su trabajo y mantiene abierto un horizonte creativo que, sin esta red, se estrecharía hasta desaparecer.

A Jesse Eisenberg interpretar a Mark Zuckerberg en La red social le cambió la vida. Hasta entonces era solo el típico secundario tímido y torpe, que casi pide permiso para hablar. Tras clavar su composición del magnate de Facebook a las órdenes de David Fincher no solo le cayó una nominación al Oscar, sino que Hollywood vio que había mucho más. De aquello han pasado más de 15 años, y Jesse Eisenberg ha demostrado de sobra que como actor es mucho más que aquel papel, pero lo que más ha sorprendido en estos años es que también había un excelente guionista y director.

Lo demostró en A Real Pain, por la que logró una nominación al Oscar al Mejor guion original y que le dio a Kieran Culkin un Oscar al Mejor actor de reparto. Lo confirma en The Debut, su graduación como cineasta. Una especie de Cisne negro ambientado en el teatro amateur donde una ama de casa —una Julianne Moore que ganará el Oscar con casi toda seguridad— obtiene un papel en un musical a las órdenes de un director de escena —siempre brillante Paul Giamatti— que consigue sacar la verdad en ella. Quizás demasiada, porque la actriz novata se va convirtiendo en una de método que buscará que todo sea puro, verdad. Eisenberg se ríe con gracia de los actores intensos, pero también escribe (canciones incluidas) un homenaje al teatro musical como lugar donde los descastados encuentran su sitio. 

A pesar de que no ha querido estar en la secuela del filme que se estrenará en octubre y donde Jeremy Strong recogerá su testigo, Eisenberg tiene claro que hacer de Mark Zuckerberg le cambió la vida. Y lo hizo para bien. “Para mí fue lo mejor del mundo, antes de esa película solo conseguía papeles de chicos tímidos, dulces, de virgen inocente. Y después de ese papel empecé a interpretar a villanos, a magos arrogantes; de pronto me ofrecieron todos esos otros papeles y fue algo fantástico. Me liberó de esa imagen tan dulce, virginal y típica de las comedias románticas. Tengo amigos que han estado en comedias de televisión durante diez años y cuando entras en la casa de la gente durante diez años es más difícil romper con esa imagen. En mi caso fue solo una película y fue genial. Y ahora están haciendo otra sin mí, así que resulta aún más liberador”, explicó.

Fue el de Mark Zuckerberg, además, el papel con el que estuvo más cerca de sentirse como su protagonista, Julianne Moore, esa actriz poseída por su personaje. “En La red social desarrollé insomnio. Me pasaba la noche en vela porque mi personaje era obsesivo. Y yo mismo empecé a obsesionarme y me quedaba despierto toda la noche, con la mente revolucionada. Hacíamos que vinieran médicos al set para darme pastillas para dormir. Les pasa a muchos actores. De alguna manera te conviertes en el sentimiento, en el espíritu de la película y te lo tomas demasiado en serio y cometes el error de pensar que eso hará que actúes mejor. Y no creo que sea así. Creo que simplemente te deja agotado”, opina.

Para él, The Debut habla “del nacimiento de una artista”. “Ella empieza siendo muy tímida y luego se convierte en una actriz bastante buena. Pero después se vuelve loca porque se toma a sí misma demasiado en serio. Cree que lo único importante en el mundo es interpretar correctamente a su personaje. Aunque eso signifique irse de casa, intentar cambiar la obra y faltar al respeto a sus compañeros de reparto. Así que... sí, es un poco una sátira sobre cómo los actores pueden tomarse su trabajo tan en serio que terminan arruinando la obra”, concede.

Todos los buenos actores practican alguna versión del método. Pero he visto actores que llevan esto demasiado lejos y exigen que todos los demás se sumen a su proceso. Y eso me parece egocéntrico

Jesse Eisenberg — Actor y cineasta

Con esto no quiere cargarse eso tan citado que llaman el método, aunque a aquellos que el método les posee no les ve con tan buenos ojos: “Creo que todos los buenos actores practican alguna versión del método. Pero he visto actores que llevan esto demasiado lejos y exigen que todos los demás se sumen a su proceso. Y eso me parece egocéntrico. Se pasan de la raya”.

Hay algo que une su anterior película, A Real Pain, con The Debut, y es que ambas exploran la identidad. Una identidad que en The Debut ayuda a conformarse en el teatro, irónicamente donde siempre se está actuando. El tema de la identidad confiesa que le apasiona porque su padre es profesor de psicología social y un experto en Erving Goffman “que habló sobre la presentación de la propia imagen en la vida cotidiana”. A eso hay que sumar que su madre trabajaba como “payaso en fiestas de cumpleaños”. “Mi vida acabó siendo una especie de... bueno, una combinación exacta de los intereses de ambos: reflexionar sobre la psicología de las personas en entornos sociales, pero también considerar el aspecto lúdico y disparatado de la interpretación. En cierto modo, esta película es como una obra conjunta de mis padres. Una producción de mis padres”, contesta con ironía.

En un momento de su película, el director de escena que interpreta Paul Giamatti reconoce que su sueño era ser actor, pero que al no conseguirlo acabó como director. El caso de Eisenberg es diferente, porque ha podido elegir dónde quiere estar, aunque sí que afirma que cree que “todos los que trabajan en una película desean en secreto poder interpretar las escenas; aunque odien estar delante del público”. “Hay algo realmente emocionante y especial en ser el centro de atención, que es lo que dice el personaje de Jerry. Y sí, tuve esa sensación mientras hacía esta película. Trabajaba con mis dos actores favoritos, Julianne Moore y Paul Giamatti, y sin embargo, yo estaba allí sentado, observando con los auriculares puestos en una sala oscura, pensando: ‘Dios, ojalá estuviera haciendo esa escena yo’. No porque fuera a hacerlo mejor, sino simplemente porque parecía mucho más divertido que estar sentado a oscuras con los auriculares puestos”, asevera.

Tras su paso por Telluride, y ahora por San Sebastián, la crítica ya habla del filme como uno de los que tienen mimbres de premios, especialmente sus dos protagonistas. Eisenberg acepta las críticas, especialmente a sus actores, con gusto, porque sabe que “hay grandes interpretaciones en películas que pasan desapercibidas”. “Los adoro, son mis actores favoritos. Llevan siéndolo veinte años, desde que era joven y empecé a entender de actuación. Para mí son los mejores. Me alegra mucho que se les reconozca, porque creo que hacen las cosas bien. No son vanidosos ni están obsesionados con su propia fama. Son simplemente los mejores. Son actores neoyorquinos humildes y magníficos. Así que estoy muy feliz”, zanja.

Tom Cruise es una de las estrellas más conocidas y también más controvertidas de Hollywood, pero si algo es alabado de él es su gran devoción por el cine, que le hace tener rigurosos estándares en rodaje, además de rodar también sus propias escenas de riesgo.

Es por eso por lo que una de las grandes preguntas que se le suele hacer es por qué a pesar de su gran pasión por el cine y su involucramiento nunca ha dirigido una película ni plantea dedicarse a la dirección. Un hecho que ahora ha respondido para el podcast de los hermanos Kelce.

Tom Cruise no se ve como director de cine

A los 64 años, Tom Cruise todavía no se ha animado a dirigir una película y parece que no lo veremos en esa faceta según su propia opinión, pues así lo ha dejado claro durante la promoción de su nueva película, ‘Digger’ de Alejandro G. Iñárritu.

En concreto, ha sido en el podcast 'New Heights' de Travis y Jason Kelce, donde una de las principales preguntas fue porque nunca ha dirigido una película: “¿Sabes qué? Desde que era niño, mis amigos me decían: ‘Deberías dirigir’”, respondió inmediatamente como algo que se ha repetido durante toda su carrera.

El actor, sin embargo, asegura que prefiere hacer más películas y aprender de la dirección: “He estudiado las películas antiguas, y estos son capaces de hacer cuatro películas al año. Quiero hacer muchas películas, y siempre he querido hacer muchas. Y me encanta trabajar con diferentes directores. Me encanta aprender de ellos, conocer sus historias, prepararles el terreno. Darles oportunidades”, explicó en el mencionado podcast.

Para ahondar más en el tema, Cruise hizo un símil con los jugadores de la NFL: “Es como, mirad, vosotros no fuisteis seleccionados en la primera ronda, ¿saben?, pero igualmente vieron esa luz y esa habilidad, que vosotros aportáis. Y me gusta... La gente que estoy eligiendo o con la que trabajo, tal vez no todos lo sepan necesariamente, algunos sí, otros no”, añadió.

Su gran implicación en rodaje

Además de la razón de querer hacer diferentes tipos de películas, Tom Cruise también dejó caer que una razón por la que no quiere dirigir es porque prefiere ver todo desde otra perspectiva, a pesar de que tenga máxima implicación: “Pero no me refiero solo a los directores; es todo. La gracia de eso —tener esa oportunidad— si yo dirijo, no puedo hacerlo. No tengo esa experiencia. Así es como pienso... Eso es lo que siento por los directores. Quiero ayudarlos. A los directores de fotografía, a los actores, y quiero aprender... Me gusta ver su punto de vista y me gusta mezclarlo todo.”

De hecho, profundizó en este aspecto y explicó cómo suele participar en casi todas las facetas del rodaje como actor: “No me interesa ir a mi caravana. Me gusta estar con el equipo. Me gusta estar con todos. Me gusta estar en el set. Así que tienen un palco para mí y siempre estoy ahí”, aseguró.

A pesar de todo lo mencionado, Tom Cruise tuvo una breve experiencia en la dirección, aunque no en cine, sino en televisión. Fue en la serie ‘Fallen Angels’ de 1993 en un episodio titulado “The Frightening Frammis”.

El colegio de Hogwarts tiene nuevas incorporaciones. HBO ha fichado a nuevos actores para la serie que está preparando sobre Harry Potter, la primera vez que veremos en la pantalla el universo que creó J.K. Rowling desde que Warner Bros convirtió en películas sus libros de fantasía hace ya unos años. Uno de los últimos en sumarse al nuevo reparto es Rafe Spall, actor británico de 43 años.

Conocido por su trabajo en series como Pete Versus Life y en las películas Siempre el mismo día, Anonymous, Prometheus o La vida de Pi, Spall seguirá los pasos de su padre, Timothy Spall. Este es famoso por haber interpretado al personaje de Peter Pettigrew, el único mortífago conocido de Hogwarts que no era de la Casa Slytherin, también conocido como Colagusano, en las películas originales de la saga.

En su caso, el hijo de la familia Spall se pondrá en la piel de un Weasley. En la producción de HBO, será Arthur Weasley, un mago al servicio del Ministerio de Magia que es padre de siete hijos, entre ellos Ron, el mejor amigo de Harry. Este personaje aparece por primera vez en el segundo libro, La cámara secreta, por lo que a Rafe no podremos verlo hasta la segunda temporada de la serie.

La serie de HBO dedicará cada temporada a uno de los siete libros publicados entre 1997 y 2007 por lo que, a diferencia de las películas, tendrá más tiempo para desarrollar las tramas y los personajes secundarios. La primera temporada, titulada Harry Potter y la piedra filosofal, tendrá ocho episodios y su estreno está previsto para el 25 de diciembre de 2026.

Otros actores anunciados

Además de a Spall, HBO también ha fichado nuevas caras para su segunda temporada. Entre las nuevas incorporaciones está Molly Hewitt-Richards, que interpretará al personaje de Myrtle la Llorona, y Jasper Ambrose, quien se pondrá en la piel del joven Colin Creevey, estudiante de la casa Gryffindor conocido por ser un fiel admirador de Potter y por ir con su cámara de fotos a todos lados.

Esta segunda temporada se centrará en los acontecimientos que tienen lugar en Harry Potter y la cámara secreta, el segundo libro de la saga literaria que se publicó en 1998. Su rodaje ya está en marcha en los estudios Warner Bros. Leavesden, en el Reino Unido, aunque todavía no hay fecha de lanzamiento prevista.

Por ahora, sabemos que el reparto incluye a Dominic McLaughlin como Harry Potter, Arabella Stanton como Hermione Granger, Alastair Stout como Ron Weasley, John Lithgow como Albus Dumbledore, Janet McTeer como Minerva McGonagall, Paapa Essiedu como Severus Snape, Nick Frost como Rubeus Hagrid, Kit Harington como Gilderoy Lockhart, Bonnie Hill como Ginny Weasley, Lenny Rush como Dobby y Billy Barratt como Tom Riddle.

Desde que La maldición de la Perla Negra llegó a los cines en 2003, la saga de Piratas del Caribe no puede entenderse sin los actores que formaron su reparto y que se convirtieron en las caras visibles de aquella historia. Johnny Depp (Jack Sparrow), Orlando Bloom (Will Turner) y Keira Knightley (Elizabeth Swann) son, quizá, los primeros nombres que se nos vengan a la cabeza.

Pero la saga de películas basada en clásicos mitos y leyendas de los mares dejó otras grandes actuaciones para la posteridad, como la de Geoffrey Rush. El actor australiano interpretó al personaje de Héctor Barbossa, uno de los grandes antagonistas (y posteriormente aliados) de Jack Sparrow en las películas.

En total, Rush interpretó al capitán Barbossa en cinco largometrajes de la saga: La maldición de la Perla Negra (2003), El cofre del hombre muerto (2006), En el fin del mundo (2007), En mareas misteriosas (2011) y La venganza de Salazar (2017). Diez años después de su última aparición, el actor no descarta volver a trabajar en este universo de piratas.

Así lo reveló él mismo durante la celebración del Festival Internacional de Cine de Toronto. “Creo que ya ha habido una pausa suficientemente larga”, compartió en un encuentro con la revista Entertainment Weekly. El actor reflexionó entonces sobre la posibilidad de regresar a la franquicia, pero advirtió que cualquier regreso tendría que estar justificado por la historia.

“Me sacrifiqué por mi hija. No quiero que resulte demasiado cursi ni demasiado fácil, que vuelva y diga: ‘Dame otro sueldo’. Respeto la magnitud de la ópera que se ha creado prácticamente durante estos 20 años”. El personaje de Barbossa murió no una, sino dos veces durante la trama de Piratas del Caribe, pero Rush no cree que ahí haya ningún problema.

“Veo a Shakespeare y en cómo el padre de Hamlet regresa como un fantasma, y pienso que eso podría ser real”. Y añadió: “Requerirá un buen guion, pero solo para volver y molestar a Jack Sparrow una vez más, ¿sabes? Incluso diría que se podría pedir a los fans que escriban lo que les gustaría que sucediera”. 

La vuelta de ‘Piratas del Caribe’

Tras el éxito de aquellos largometrajes, Disney planea ahora un reinicio de esta franquicia, que se convertirá en una realidad a través de Piratas del Caribe 6. Del proyecto cinematográfico se sabe más bien poco, aunque su historia podría girar alrededor del personaje del hijo de Jack Sparrow y de un personaje femenino que se espera que esté interpretado por la actriz Margot Robbie.

Pocos rostros encarnan con tanta fuerza la mitología del cine estadounidense en Hollywood como el de John Wayne, un hombre cuya sola presencia física y voz pausada redefinieron la figura del héroe en la pantalla grande.

Conocido afectuosamente como The Duke, Wayne no solo lideró el género del western a lo largo de cinco décadas, sino que también construyó un arquetipo de rudeza, patriotismo y código moral que dejó una huella imborrable en la cultura popular del siglo XX y lo convirtió en uno de los rostros más conocidos del Hollywood clásico.

En su trayectoria tuvo un papel relevante John Ford, siendo así una de las alianzas director-actor más influyentes de la historia del cine, al sumar juntos más de 14 películas en tres décadas. Una relación que comenzó cuando Wayne trabajaba como atrecista y extra para sus sets, y precisamente fue el director quien le dio la oportunidad.

El acento sueco que se le complicó a John Wayne

De hecho, Ford le dio a John Wayne el papel protagonista que lo lanzaría al estrellato definitivo en ‘La diligencia’, al rescatarlo de una decena de trabajos de serie B del género western. Sin embargo, tan solo un año después, ambos trabajaron en una película que fue una de las más odiadas por el actor.

Hablamos de ‘Hombres intrépidos’, estrenada en 1940, donde John Wayne interpretó a un marinero sueco que forma parte de la tripulación de un carguero, SS Glencairn, siendo un papel que le sacó de su zona de confort, de hecho, debía hablar con acento y adoptar un estilo diferente de interpretación.

El actor llegó a ver algunas de las situaciones de su personaje y su interpretación en realidad embarazosas, momentos realmente malos en los que no funcionaba. “No tenía ninguna posibilidad”.

El punto más complicado fue el acento sueco, que para él sonaba ridículo a pesar de haber contado con ayuda, y que, además, no podía usar como recurso cómico, aunque su personaje a veces ejercía esa función en la historia. Un hecho que se ha visto así con el paso del tiempo, donde su actuación ha quedado como lo más cuestionado de la película.

‘Hombres intrépidos’ de John Ford, sin embargo, recibió seis nominaciones en los premios Oscar, especialmente destacada la fotografía en blanco y negro que fue obra de Gregg Toland, aunque en su estreno no fue un éxito de taquilla.

Carmen Machi ha recibido este sábado el Premio Nacional de Cinematografía en el Festival de Cine de San Sebastián. La intérprete, conocida por películas como Ocho apellidos vascos, y series como 7 vidas, Aída y Celeste; fue elegida por el jurado por “ser una de las actrices de comedia más importantes de la historia del cine español”.

“He interpretado a mujeres que me han completado como persona. Mujeres corrientes con vidas extraordinarias, frágiles, fuertes, inteligentes, analfabetas, y desde hace unos cuantos años, mujeres maduras. Gracias por poner el foco en ellas, contar sus historias y darles visibilidad”, ha afirmado al recoger el galardón, “el universo femenino de la mujer madura también interesa, y mucho. Doy fe”.

Carmen Machi ha recordado cómo el cine le ha acompañado desde que era niña, cuando imitaba en su habitación a los personajes de las películas que veía en televisión: “Me producía una extraña sensación de libertad”. “Nunca pensé que el juego que era el refugio para vencer mi inseguridad y timidez, se convertiría en mi oficio y mi forma de vivir”, ha reconocido. La actriz ha asegurado que la profesión le ha “regalado una vida maravillosa” y que ha sido “bálsamo en los momentos más duros”. Además de compañeros que se han terminado convirtiendo en “amigos del alma”.

La actriz ha aprovechado la ocasión para defender que el cine “te sacude, te abre la mente, te interpela y te transforma”, y que precisamente por ello es tan importante “cuidarlo, protegerlo e impulsarlo”.

También ha agradecido la confianza de todos los productores con los que ha trabajado, así como los equipos que han ido “marcando la construcción” de sus personajes, como maquillaje, peluquería y vestuario; y en especial a los auxiliares de dirección y producción por “lidiar” con su “desastroso sentido de la orientación”.

Carmen Machi, “patrimonio nacional”

Antes de recibir el premio, varios compañeros han compartido unas palabras sobre Carmen Machi. El director Félix Sabroso ha resaltado que su “modo de trabajar tiene mucho que ver” con su “modo de vivir”, además de resaltar que la actriz encarna en sí “una forma de entender un oficio y la vida misma”. El guionista Diego San José, con quien rodó Celeste, que ha reivindicado que la intérprete es “patrimonio nacional”: “Todos, en algún momento de su carrera, hemos sido Carmen Machi”.

El ministro de Cultura Ernest Urtasun, por su parte, ha alabado su “versatilidad prodigiosa”. “Lleva a sus personajes más allá de lo esperado, siempre un poquito más allá”, ha añadido.

“Esta es la chica”. La frase se oía en Mulholland Drive (2001) cuando un personaje veía a través de una pantalla de cristal el casting que hacía Naomi Watts. De alguna forma esa sentencia, ese “Esta es la chica”, nos la dijo David Lynch a todo el mundo. Había descubierto a una actriz a la que, hasta aquel momento, Hollywood había dado la espalda. Lynch confiaba en ella para una obra maestra y ella aprovechó la oportunidad. Desde ese momento muchos otros cineastas, al verla, repitieron la frase: “Esta es la chica”.

Lo dijo Peter Jackson, que le confió la protagonista en su soñada King Kong; Alejandro González Iñárritu, para el que se desgarró en 21 gramos; y hasta nuestro Juan Antonio Bayona, que tuvo claro que ella encarnaba la mezcla de fuerza y fragilidad necesaria para protagonizar Lo imposible, por la que optaría al Oscar por segunda vez.

Ahora, el Festival de Cine de San Sebastián le ha dado a aquella chica que ya tiene 57 años el Premio Donostia a toda su carrera. Un premio por el que atendió a la prensa en una sala llena para escucharla. La actriz calificó este galardón como un “honor” y más en “este punto de su vida” tras décadas trabajando. Prometió seguir buscando papeles que aportaran cosas interesantes y explorara la psique humana para conocernos mejor, y reivindicó el poder del cine, un “medio poderoso”.

Preguntada por los periodistas, Watts confesó que empezó “tarde para los estándares de Hollywood”. Tenía 31 años. “Me dijeron que más vale que me fuera prisa porque todo se acababa a los 40 años. Y aquí estamos hoy; ya estoy rondando los sesenta. Estoy en la recta final de los cincuenta. Basta con mirar los premios Emmy de la semana pasada, donde hubo varias mujeres mayores de 50 años compitiendo en las categorías más importantes. Es alentador verlo. Creo de verdad que las cosas han cambiado. Las mujeres son consumidoras de cine y televisión; sus historias deben verse reflejadas. Todo el mundo necesita ver su propia historia reflejada. Por eso, esa narrativa tiene que cambiar, y agradezco poder contribuir a ese pequeño pero poderoso cambio”, contó sobre el edadismo que se resiste a abandonar Hollywood del todo.

Watts abordó todas las preguntas, también cuando se le preguntó por EEUU, el país donde vive desde hace años, cuando se mudó desde Australia, donde había comenzado su carrera como actriz. “Me mudé a EEUU con esperanzas y sueños, y ya los he superado con creces. Tengo hijos estadounidenses; y realmente amo a Estados Unidos, aunque la situación actual es complicada y, ciertamente, inquietante. Pero tengo fe en que, con el tiempo, las cosas se resolverán”, criticó de forma medida y sin mencionar a Trump en su dardo.

Para la actriz, el “odio está definitivamente en aumento” y “por eso esta película es tan impactante”. Lo es más que cuando leyó el guion, ya hace ocho años. Por eso le gusta pensar que cuando la gente la vea “generará conversación, suscitará debates y hará reflexionar mirando atrás hacia lo que ocurrió”. “No solo los hechos en sí, sino también cómo y por qué se llegó a aquel momento. Fue una época aterradora, y debemos hacer todo lo posible para evitar volver a esa situación”, añadió y subrayó el papel de las mujeres para “formar parte del cambio de esa narrativa”.

Las mujeres son consumidoras de cine y televisión; sus historias deben verse reflejadas. Todo el mundo necesita ver su propia historia reflejada

Naomi Watts — Actriz

Por supuesto se le preguntó por David Lynch, su descubridor. Y recordó la “oportunidad increíble que fue poder trabajar con él”. Llevaba diez años intentando conseguir un papel en el cine y nadie se fijaba en ella. “Yo trabajaba donde podía, una actriz de guerrilla, por así decirlo, pero había sufrido muchos rechazos y escuchado muchos Noes. No transmitía buena energía en las salas donde hacía audiciones. Hizo falta alguien como David Lynch para ver más allá de las corazas que yo había creado. Me dio el papel de mi vida”, recordó emocionada.

Como bien dijo, “hay gente que pasa toda su carrera sin interpretar dos personajes tan diametralmente opuestos”. Ella lo hizo junto en una sola película. “Nunca olvidaré el tiempo que trabajé con él; además, pude repetir la experiencia más tarde en Twin Peaks. Estaré eternamente agradecida a David Lynch. Lo llevo en el corazón, para siempre. Mulholland Drive es una película que ha permanecido en la memoria colectiva de la gente durante décadas. Creo que realmente impulsó mi carrera, porque todos los grandes cineastas vieron la película y gracias a que él me dio ese papel increíble, tuve la suerte de trabajar con algunos de ellos. Sigue apareciendo hoy en día en las listas de las mejores películas, así que me siento muy, muy orgullosa y agradecida por haber vivido esa experiencia”.

Sobrevivir siendo adolescente a un fenómeno masivo debe ser complicado. Hacerlo dos veces, casi imposible. Jaime Lorente vio cómo en un par de años su vida cambiaba radicalmente al protagonizar dos de los éxitos internacionales más gordos del audiovisual español: Élite y La casa de papel. Desde entonces ha ido buscando su lugar como intérprete, pero había algo dentro de él que latía, y era una pulsión por contar las historias desde otro lado, desde detrás de la cámara. No ha sido fácil. Han sido años intentando levantar proyectos hasta que los astros se han alineado en forma de un sorprendente debut, El mal hijo, con el que ha inaugurado la sección nuevos directores del Festival de Cine de San Sebastián.

Lorente ha adaptado la novela de Salvador S. Molina, pero ha continuado lo que cuenta el libro para entroncar con temas que le atraviesan, como la tierra, la violencia, la masculinidad, las adicciones, y la figura de la mujer para romper ese círculo de toxicidad. Rodada en analógico, El mal hijo sirve como carta de presentación de alguien que quiere ser más que lo que muchos vieron en él.

Lo sabe y reconoce que cree que sí, que esta película romperá prejuicios hacia su figura. Los que han visto la película le dicen lo mismo, “no me la esperaba”, y sabe que en ese piropo hay parte de prejuicio. “Y lo entiendo, porque he hecho muchas cosas comerciales y esto es todo lo contrario. Pero no lo he hecho por salirme del tiesto y querer romper esos prejuicios, sino porque mi sensibilidad reside mucho más aquí. Y por eso estoy tan nervioso, porque viendo esta película la gente puede conocerme mucho más que viendo cualquier trabajo que he hecho como actor”, confiesa.

Esos miedos son variados, “a hacer el ridículo, a no saber defender la película, a no estar a la altura”… los dice con naturalidad y, sí, visiblemente nervioso. En la novela había temas que quería que estuvieran en su debut. “Quería para mi ópera prima que la adicción fuese uno de los motores de la historia. No tanto el periplo de una persona adicta, sino lo que sucede alrededor de esa persona”, explica. “Detrás del 90% de los hijos que se recuperan hay una gran mujer. También quería hacerlo por la importancia que supone y ha supuesto la mujer en mi vida, y también en la vida de la sociedad para romper muchos patrones de violencia”, añade.

Para él, la gran historia de su película aborda cómo su protagonista “decide escoger la herencia de su abuela en vez de la de su padre, cómo decide ver la vida desde un lugar de sensibilidad y honestidad absoluta, decide cortar ese ciclo de violencia y decide cambiar las cosas desde otro sitio”.

En eso, en romper el círculo de violencia también se ve reflejado. Y lo cuenta con una transparencia brutal: “Yo he pasado un proceso vital muy complicado, de mucha oscuridad. Muchas cosas que me ahogaron y que no supe gestionar. Me comió el bicho y lo pasé realmente mal. Mi primera forma de sanar fue la violencia. Fue la destrucción. La gente, empezando por mi mujer, que me ha ayudado a salir de donde estaba, me ha ayudado a través de darme la mano en vez de pegarme. Me ha ayudado cuidándome, no machacándome”, subraya. 

Yo he pasado un proceso vital muy complicado, de mucha oscuridad y que no supe gestionar. Me comió el bicho y lo pasé realmente mal. Mi primera forma de sanar fue la violencia

Jaime Lorente — Actor y director

Lo nota como actor y como director. Y se ha dado cuenta de que “por eso normalmente las mujeres son mejores actrices que los hombres, porque han llevado la sensibilidad a cuesta a pesar de haber sufrido lo que han sufrido y siguen sufriendo”. “Nosotros hemos hecho las cosas reguleras. ¿Cómo es posible que yo la única forma que tengo de enfrentarme a una serie de acontecimientos en mi vida sea dándome de cabezazos contra la pared? También porque es lo que nos han enseñado, pero no puede ser que la forma de gestionar mis emociones fuera darme de hostias”, zanja.

Para llegar a este punto, a esa sinceridad con la que aborda esas cuestiones, ha tenido que pasar por los citados fenómenos de masas que le pillaron siendo joven, y eso no hay otra forma de definirlo como “un periplo de cojones”. Uno que ha tenido varias fases. Una donde solo veía lo positivo de aquello, otra en la que solo se centraba en lo negativo, y ahora dónde es capaz de ver ambas a la vez, y usarlas para el presente. Aunque también todo ello le “delimitó un poco en lo artístico”. “Sentí que no se me iba a dar nunca el lugar para hacer cosas más autorales o de un nicho más creativo, más sensible. Por eso también esta película ha sido un poco como mi gran revolución”, opina.

Para El mal hijo ha tomado decisiones no tan obvias para una primera película, como rodar en película. Jaime Lorente se siente “fascinado” por el celuloide. Rodar en película, el escuchar el motor de la cámara y saber que no hay infinitas posibilidades de repetir, sino que hay un material finito hizo que, además de por motivos estéticos, se decantara por el analógico. Esa limitación va con su forma de ver el cine, donde quiere “hacer lo mínimo para contar cada segundo”. No hay grandes movimientos de cámara ni exhibicionismos. Al revés. Y no tenían, “como tenía Nolan 600 kilómetros de película”, pero se ríe diciendo que para ellos la película fue su propia Odisea. 

Ahora se abre un futuro en el que no se va a decantar solo por una de sus dos facetas. Tiene claro que quiere seguir actuando, porque le encanta, pero la ilusión que ha sentido cada hora de rodaje no quiere perderla. 

Marvel Studios sigue trabajando en el reinicio cinematográfico de X-Men, y la última noticia al respecto ha llegado hace solo unos días. Según han confirmado medios como THR, Variety y Deadline, ya tenemos el nombre del actor que encarnará a un nuevo mutante de este universo. Se llama Asa Germann y no es la primera vez que podremos verlo en la gran pantalla.

Germann, actor estadounidense de 28 años, es principalmente reconocido por su papel en Gen V, la serie spin-off de The Boys, así que ya conoce bien el mundo de los superhéroes. Además, este año formó parte del elenco de Scream 7 (2026). Ahora se une al reparto de X-Men, que será liderado por Sadie Sink como Jean Grey, a quien ya vimos en Spider-Man: Brand New Day.  

El actor se encargará de encarnar a Warren Worthington III, el mutante alado creado por Stan Lee y Jack Kirby cuya historia ha fascinado a los fans desde su debut en 1963, cuando el personaje apareció por primera vez en el primer número de Uncanny X-Men. Conocido como Ángel, Warren fue uno de los integrantes originales del equipo de mutantes y, por tanto, una de sus figuras más reconocibles.

A lo largo de su historia en los cómics, el personaje ha experimentado una de las transformaciones más importantes de toda la saga de superhéroes. Apocalipsis, uno de los grandes villanos de los X-Men, le mutila las alas y las reemplaza con alas metálicas, transformando a Ángel en Arcángel, que adopta una apariencia mucho más oscura y unas habilidades diferentes. 

Actores confirmados que se unen al MCU

El regreso de los X-Men es uno de los proyectos cinematográficos más ambiciosos de Marvel Studios desde que Disney adquirió la 21st Century Fox en 2019, una operación que le permitió hacerse con los derechos cinematográficos de personajes tan populares como Lobezno, Magneto, Tormenta, Cíclope, Jean Grey o Mística, entre muchos otros.

La nueva película de los X-Men, dirigida por Jake Schreier, será la primera muestra de este reinicio y llegará a los cines el 5 de mayo de 2028. Aunque los detalles de la historia todavía se mantienen en secreto, Marvel ya ha revelado buena parte de su reparto. Así, las últimas incorporaciones se anunciaron durante la última exposición D23 celebrada en agosto.

Por ahora, sabemos que Sadie Sink interpretará a Jean Grey, Kit Connor será Cíclope, Maya Boyd dará vida a Tormenta, Inde Navarrette será Rogue/Pícara y Samara Weaving interpretará a Emma Frost. A ellos se sumará Christopher Abbott como Charles Xavier (Profesor X), mientras que Adam Driver encarnará a Nathaniel Milbury, personaje relacionado con el villano Mr. Siniestro.