Ridley Scott habría quedado insatisfecho con el trabajo de Paul Mescal en Gladiator 2 y habría considerado que el actor no era “lo bastante masculino” para el papel, según fuentes cercanas a La constelación del perro citadas por Matt Belloni, periodista de Puck. Esas mismas informaciones relacionan la experiencia del director con Mescal durante la secuela con su posterior salida de la nueva película de Scott, aunque no está confirmado que el cineasta utilizara literalmente esas palabras ni que ese fuera el único motivo del relevo.

El entorno de Scott ha rechazado esa explicación. En declaraciones recogidas por MeriStation y atribuidas al representante del director, este asegura que Scott disfrutó de su colaboración con Mescal en Gladiator II y quería volver a trabajar con él en La constelación del perro. Según esta versión, fueron los problemas de calendario los que impidieron la participación del actor, a causa de las cuatro películas sobre The Beatles que prepara Sam Mendes, y el cineasta quedó decepcionado por perderlo. Jacob Elordi terminó ocupando el papel antes de que comenzara el rodaje.

Una secuela que no cumplió las expectativas

El actor irlandés interpretó en Gladiator 2 a Lucio Vero, en una historia situada varios años después de la muerte de Máximo Décimo Meridio, el personaje encarnado por Russell Crowe en la película original. Lucio se convertía en gladiador y también en la voz de una revolución contra el poder de los emperadores Caracalla y Geta, interpretados por Fred Hechinger y Joseph Quinn. El reparto incluía además a Denzel Washington como Macrino y a Pedro Pascal como el general romano Justo Acacio.

La película recaudó 462 millones de dólares en la taquilla mundial, pero su rendimiento quedó por debajo de lo esperado teniendo en cuenta que partía de un presupuesto inicial de entre 250 y 300 millones. La secuela también recibió numerosas críticas por sus licencias históricas, entre ellas las escenas de un Coliseo inundado con tiburones o los enfrentamientos de gladiadores con monos y otras criaturas. Scott defendió en más de una ocasión algunas de esas decisiones, pero no cuestionó públicamente la interpretación de Mescal.

Jacob Elordi ocupó el lugar de Mescal

Mescal estaba previsto inicialmente como protagonista de La constelación del perro, adaptación del best seller de Peter Heller, pero Elordi acabó ocupando su lugar. La película presenta un mundo distópico después de que una catástrofe haya diezmado a la población y sigue a un piloto que intenta sobrevivir acompañado de su perro y de otros supervivientes mientras huye de los carroñeros que pretenden controlar lo que queda del mundo.

El cambio de protagonista tampoco ha venido acompañado de un gran éxito comercial para la nueva película de Scott. Según la información recogida por IGN, La constelación del perro recaudó 19 millones de dólares en todo el mundo durante su estreno frente a un presupuesto de 89 millones, unos resultados que el medio sitúa entre los mayores tropiezos de taquilla de la carrera del director.

Mescal, mientras tanto, tiene por delante otro proyecto de gran envergadura. El actor interpretará a Paul McCartney en las cuatro películas sobre The Beatles dirigidas por Sam Mendes, precisamente el trabajo al que se atribuyeron sus problemas de agenda con La constelación del perro. Esa fue la explicación difundida cuando se conoció su salida de la película de Scott y es también la versión que ahora mantiene el entorno del cineasta frente a las informaciones publicadas por Belloni.

Las dos versiones dejan, por tanto, explicaciones opuestas sobre el relevo. Las fuentes citadas por Belloni sostienen que Scott no quedó satisfecho con Mescal tras Gladiator II, mientras que el representante del director lo niega y asegura que ambos mantuvieron una buena colaboración y que Scott quería volver a contar con el actor. Ni el propio cineasta ni Mescal han confirmado públicamente que existiera un conflicto entre ellos o que la supuesta falta de masculinidad del intérprete motivara su sustitución por Elordi.

Stephen Kalyn, uno de los rostros que ha ganado popularidad con la adaptación televisiva de Off Campus, se incorpora al reparto de El secreto de la asistenta, la secuela protagonizada por Sydney Sweeney. El actor canadiense, que interpreta a Dean Di Laurentis en la serie de Prime Video, dará vida en la película a Brock, un abogado adinerado que mantiene una relación sentimental con Millie Calloway, el personaje de Sweeney. El propio intérprete confirmó su fichaje después de que Deadline adelantara la noticia, apareciendo en un vídeo con la novela de Freida McFadden que servirá de base para esta segunda entrega. La película tiene fijado su estreno para el 17 de diciembre de 2027.

El nuevo proyecto llega en pleno ascenso de Kalyn gracias a Off Campus, basada en las novelas románticas de Elle Kennedy. En la primera temporada, su personaje tuvo un papel secundario, pero en la segunda, actualmente en proceso de rodaje y prevista para 2027, Dean pasará a ocupar el centro de la historia junto a Allie, interpretada por Mika Abdalla. Antes de este salto de protagonismo, Kalyn había participado también en series como Gen V, Cruel Intentions y Motorheads.

Un nuevo personaje en la vida de Millie

Brock entrará en escena mientras Millie trata de reconstruir su vida después de los acontecimientos de la primera película. Las informaciones publicadas hasta ahora lo presentan como un abogado que inicia una relación con ella sin conocer su pasado criminal, aunque no se han avanzado más detalles sobre el recorrido que tendrá el personaje en la adaptación. Su incorporación amplía un reparto en el que Sweeney volverá a encabezar la historia y que contará también con Kirsten Dunst, Brittany Snow y Paul Anthony Kelly, además del regreso de Michele Morrone como Enzo.

La secuela trasladará al cine la segunda novela de la trilogía original de McFadden y situará a Millie ante otro trabajo doméstico aparentemente convencional que pronto empieza a despertar sus sospechas. Tras su experiencia con los Winchester, la protagonista acepta un empleo en la casa de otro matrimonio adinerado, interpretado por Dunst y Kelly, pero existe una circunstancia que convierte desde el principio el nuevo hogar en un lugar inquietante: Millie no puede ver a la mujer para la que trabaja. Sus sospechas aumentan mientras intenta averiguar qué se esconde tras una puerta cerrada, un descubrimiento que amenaza con sacar a la luz secretos todavía más oscuros que los vinculados al problemático pasado de la protagonista.

La continuación de un éxito de taquilla

Lionsgate vuelve a confiar el proyecto a Paul Feig, responsable de la primera entrega, mientras Rebecca Sonnenshine retomará el trabajo de adaptación después de haber escrito el guion de la película original. Está previsto que el rodaje comience a finales de 2026 con vistas a cumplir la fecha de estreno de diciembre del año siguiente. Sweeney no se limitará a repetir como protagonista: también participa en la producción a través de su compañía Honey Trap, junto a Todd Lieberman, de Hidden Pictures, y Laura Fischer y Paul Feig, de Pretty Dangerous Pictures. Carly Elter y Alex Young figuran como productores ejecutivos y Kaylee McGregor como coproductora.

La rapidez con la que la segunda película se ha puesto en marcha se explica por el rendimiento comercial de La asistenta. Estrenada durante las fiestas navideñas de 2025, la adaptación del primer libro de McFadden rondó los 400 millones de dólares de recaudación mundial, según las cifras recogidas por los distintos medios, y se convirtió en la película más taquillera de la carrera de Feig. La primera entrega reunió a Sweeney con Amanda Seyfried, Brandon Sklenar y Michele Morrone y presentaba a Millie como una joven con un pasado problemático que conseguía trabajo en casa del acomodado matrimonio formado por Nina y Andrew Winchester, donde terminaba atrapada en una peligrosa red de secretos.

Dos fenómenos editoriales adaptados a la pantalla

El fichaje de Kalyn conecta ahora dos universos nacidos de fenómenos literarios recientes. Off Campus adapta la serie de novelas de Elle Kennedy ambientadas alrededor de jugadores universitarios de hockey y sus relaciones sentimentales, mientras que El secreto de la asistenta procede de la saga de suspense doméstico de Freida McFadden. En ambos casos, el actor ocupará un papel mucho más visible en 2027: como Dean en la segunda temporada de la serie de Prime Video y como Brock en la secuela cinematográfica encabezada por Sweeney.

El secreto de la asistenta continuará así la expansión cinematográfica de una saga que comenzó en las librerías en 2022. La trilogía principal de Freida McFadden está formada por La asistenta, El secreto de la asistenta y La asistenta te vigila, a las que se suma el relato La boda de la asistenta. Por ahora, sin embargo, no existe confirmación de una tercera película, de modo que el recorrido cinematográfico más allá de esta segunda entrega sigue abierto.

John Malkovich es uno de esos actores a los que su rostro, alejado del canon de belleza hollywoodiense, siempre ha colocado en papeles de ‘raro’. Hacía tiempo que le tocaba ese personaje que le volviera a colocar en el centro. Uno que despertara a la gente del letargo y viera que es algo más que un intérprete condenado a secundarios excesivos y excéntricos. La varita mágica la tenía Martin McDonagh, experto en coger a actores como Malkovich y darles el personaje que se merecen.

El director de Tres anuncios en las afueras (que valió el Oscar a Frances McDormand y Sam Rockwell) y Almas en pena de Inisherin (que granjeó sendas nominaciones para Colin Farrell y Brendan Gleeson) es de esos cineastas que escriben caramelos a los actores. A Malkovich le ha dado uno de los mejores personajes de su carrera, el de Wild Horse Nine. Malkovich borda ese agente de la CIA destinado en Chile para preparar el golpe de Estado contra Salvador Allende y que pierde la memoria mientras decide escribir, valga la redundancia, sus memorias contando todas las barbaridades cometidas sirviendo a su país, y ahí entra desde el magnicidio a varios golpes de Estado en países como Guatemala o el Congo.

Tras el pase de prensa en el Festival de Venecia la crítica lo tuvo claro, a John Malkovich le van a llover los premios por el filme, y ya en la rueda de prensa se le preguntó por ello. “Tengo una carrera muy larga y tengo películas espectaculares con directores, guionistas y actores increíbles. Nunca siento que compita con nadie, porque amo lo que hacen, para mí es algo muy bonito que digan esas cosas, pero lo más bonito es que haya atención sobre esta película que tiene varias interpretaciones increíbles y está genial escrita y dirigida. Eso es lo más importante”, dijo.

McDonagh llevaba varios proyectos intentando trabajar con él, pero por culpa de compromisos con otras películas no habían podido hasta ahora, y la elección fue “muy fácil”. “Era un guion hermoso y esta vez no había nada que lo impidiera. Me gusta que los dos protagonistas son dos idiotas que son tan ignorantes que dicen en alto que son de la CIA y van a desestabilizar la democracia de Chile y mandar al país al garete. Aunque, a veces, leyendo la historia, parece que algo así está cerca de lo que ocurrió en realidad”, dijo de su elección del papel.

Poco antes, Malkovich, junto a su compañero de reparto, Sam Rockwell, atendía a elDiario.es en un hotel junto a la Plaza de San Marcos de Venecia. Rockwell contó lo más importante y por lo que repiten todos con Martin McDonagh: “Es un guionista realmente bueno, pero no es un cretino, lo cual ayuda. Es un hombre empático, amable, tiene modales y habilidades sociales, lo cual a veces, sorprendentemente, puede ser raro”.

Para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase a menudo. No importa de donde vengas, hay mucho olvido

John Malkovich — Actor

En Wild Horse Nine se tiende el hilo para que el espectador una que lo ocurrido en aquellas décadas, desde el asesinato de Kennedy en 1963 a los diferentes golpes de estado contra gobiernos latinoamericanos de izquierdas, tiene sus consecuencias en la actualidad. Algo que dejó claro Martin McDonagh en la rueda de prensa, y que hace pensar a Malkovich si lo que tenemos ahora es, realmente, eso que llamamos democracia.

“No estoy del todo convencido de que vivamos en una democracia, pero si es así… buena suerte con ello porque, ¿qué es una democracia?, ¿de quién es?, ¿cómo se decide? Hoy me he preguntado varias veces, ¿en qué país los ciudadanos creen lo que dice su Gobierno? No estoy seguro. Esto se ha repetido una y otra vez en el tiempo, lo que pasó en noviembre de 1963, en Chile del 73… está sucediendo todo el tiempo”, asegura.

McDonagh establece una metáfora entre la memoria que pierde su protagonista y la memoria perdida de forma colectiva que hace que olvidemos sucesos como el golpe de Estado de Chile y nos condene a repetir los mismos errores. Para Malkovich esa idea es “la esencia de la película” y recuerda que el otro día vio en televisión a jóvenes universitarios que, ya no es que supieran lo que ocurrió en Chile en 1973, es que no sabían “lo que pasó en Nueva York el 11 de septiembre de 2001”. “No sabían nada, ni quién lo hizo, ni cómo se respondió… para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase a menudo. No importa de donde vengas, hay mucho olvido”, dice con cierto pesimismo.

Para el actor de Las amistades peligrosas es importante que películas como Wild Horse Nine vengan a festivales internacionales. Lo dice en un año en donde Hollywood ha frenado su presencia en Cannes o Venecia. Para el actor, “el cine es algo mundial, y hay un público en todas partes que quiere ver algo interesante, algo que los conmueva, los divierta, los emocione”, y pone un ejemplo: “Si alguien ve El agente secreto fuera de Brasil, puede que no les guste, y lo entiendo, pero la película les está diciendo algo, y antes había muchas películas estadounidenses, en los 70, que hacían eso, y cada vez hay menos cine estadounidense que lo haga y eso es desgarrador, pero también es un error increíble. Venir a un lugar como Venecia o San Sebastián o El Cairo o Cannes o donde sea te conecta con un público de todo el mundo. Y es un mundo muy grande”.

Si hay una imagen que represente casi a la perfección lo que representa en Festival de Venecia es la de George Clooney llegando al lido en un vaporetto. Una estrella de Hollywood, llena de glamour, llega a través del canal a la isla. Con sus gafas de sol, su carisma inigualable, saludando a la gente… Eso es lo que la Mostra quiere, el equilibrio entre estrellas, Hollywood y cine de autor. Y Clooney ha logrado ejemplificar eso, y por ello siempre ha tenido en el Festival de Venecia el mejor escaparate.

Fue aquí donde presentó Buenas noches y buena suerte, el filme que demostró que no solo era un rostro magnético, sino también un gran director. Ganó el Mejor guion, y desde entonces este ha sido el sitio donde los filmes que ha dirigido se presentan en sociedad. También aquellas películas que protagoniza. Hasta un filme tan formulaico como Wolfs, protagonizado junto a su amigo Brad Pitt, se presentó aquí fuera de concurso, y el año pasado rozó el premio de interpretación por Jay Kelly, homenaje a su figura que le escribió Noah Baumbach.

Ahora es la propia Mostra quien le homenajea con su León de Oro honorífico por toda su carrera. Y tiene sentido. La relación ha sido beneficiosa para ambos, y pocos cineastas de Hollywood en estos momentos no tienen miedo a sentarse en una rueda de prensa llena de periodistas en un momento en el que el mundo se tambalea.

Si el año pasado dejó a todos con la miel en los labios, ya que tuvo que cancelar por un problema de estómago, esta vez no falló y mostró que él es de los que habla. En menos de una hora puso a todos a sus pies derrochando carisma, pero mojándose y hablando de Trump, de política, de la fusión de Paramount-Warner, de Mark Ruffalo.

Hasta de la inteligencia artificial habló, de la que bromeó y dejó una de sus perlas: “No me gustaría estar en un anuncio de tampones 20 años después de muerto. Los deep fakes son un problema. He visto vídeos míos que no son míos, pero donde hablo de películas y digo cosas que nunca dije y eso me hace replantearme qué pasa cuando un gobierno no demasiado listo ve un video falso diciendo que Putin ha lanzado su primer ataque nuclear”.

Por ello defendió la necesidad del buen periodismo, aunque ahora su estado de salud “esté en duda”. “Las personas más ricas del mundo en este momento son propietarias de The Washington Post, y Twitter. Eso es motivo de preocupación, pero todavía hay mucho espacio para un buen periodismo, y yo soy hijo de periodista. Mi esposa es hija de un periodista y no sentimos más que admiración y apoyo por el periodismo. De hecho, nuestra fundación se dedica a sacar de la cárcel a los periodistas que se han opuesto a los regímenes”, explicaba Clooney en la rueda de prensa.

Confesó que sigue siendo “optimista”, aunque no le den motivos para ello. “Es cierto que vivimos una situación poco afortunada, pero superaremos todo esto”, apuntó y se acordó de cómo EEUU vivió una época oscura tras el asesinato de Kennedy. Un tiempo que le recuerda al actual. Por eso definió su país en el momento actual como una “caquistocracia”, o lo que es lo mismo, un sistema donde “los menos capaces son los que gobiernan, hombres que han hecho de la crueldad un divertimento”. Y por si parecía que el dardo era solo para Trump, al que citó con nombres y apellidos fue al secretario de Estado de Guerra, Pete Hegseth. “Pero estoy convencido de que superaremos esto y emergeremos mejor”, zanjó y señaló la importancia de las midterms del año que viene.

Las personas más ricas del mundo en este momento son propietarias de The Washington Post, y Twitter. Eso es motivo de preocupación, pero todavía hay espacio para un buen periodismo

George Clooney — Actor

Otro de los asuntos candentes de la política de EEUU, y que afecta a Hollywood directamente es la fusión de Warner y Paramount, cuyo presidente ha acusado al actor Mark Ruffalo de antisemitismo por sus declaraciones criticando la operación económica y el genocidio en Gaza. Clooney defendió al actor diciendo que apoya su “capacidad de expresarse libremente”, y cuestionó la fusión. “Siempre me preocupa cuando las grandes empresas se fusionan, porque normalmente eso significa que mucha gente pierde sus puestos de trabajo. Esa es la verdad. Pero ya veremos. Estamos atravesando una revolución en nuestra industria”, puntualizó.

A sus 65 años empieza a notar que “todo lo que tiene que ver con la vejez lleva a la melancolía”. “Generalmente, nos fijamos en las cosas malas, pero la vida es bella y tenemos la obligación de festejar las cosas bellas que nos presenta la vida”, añadió volviendo a su optimismo contagioso y tras subrayar la importancia de Venecia en su vida profesional y personal.

Una vida profesional que, desde hace años se limita a la interpretación y ya no a la dirección, algo que también quiso explicar: “Tengo dos hijos, una mujer a la que amo y no me planteo ningún proyecto como director por la sencilla razón de que quiero pasar más tiempo con ellos. Puede tomarme unos meses como actor, pero dirigir ocupa un año entero como mínimo. Mi prioridad ahora mismo es otra”.

Más de 180 figuras de la industria, entre actores, directores y celebridades judías, han firmado una carta en defensa del actor estadounidense Mark Ruffalo, tras las acusaciones de antisemitismo de Paramount, después de que el intérprete criticara la polémica fusión con Warner Bros. Discovery. “Calificar a Mark Ruffalo de antisemita por cuestionar una fusión corporativa masiva no solo es absurdo, sino que es una forma peligrosa de silenciar la crítica legítima”, reza la carta, a la que ha tenido acceso este martes la revista Variety.

En el documento, titulado “¡Ya basta!”, Ruffalo ha obtenido el respaldo de figuras de peso de Hollywood como Joaquin Phoenix, Todd Haynes o la actriz Hannah Einbinder (Hacks), una de las voces más críticas de la industria en posicionarse contra la intervención de Israel sobre el territorio palestino.

“Basta ya de instrumentalizar de forma falsa y peligrosa las acusaciones de antisemitismo contra quienes tienen el valor de señalar lo obvio: que el ataque contra el pueblo palestino y el ataque contra nuestras libertades en casa están profundamente interconectados, y que no hay nada de antisemita en reconocer ese hecho”, agrega el escrito.

El documento también critica la transacción entre Paramount y Warner, que va más allá de “una simple combinación de dos enormes multinacionales”: “Sí, destruirá miles y miles de puestos de trabajo. Sí, consolidará aún más el control oligárquico de nuestros medios de comunicación. Sí, ahogará la competencia y la creatividad en la producción y distribución de cine y televisión”, indicaron los firmantes.

“El camino de la IA hacia WarnerMount (acrónimo de Warner y Paramount) pasa por Gaza, y Ellison (familia propietaria del conglomerado de medios) nos ha dejado claro en repetidas ocasiones el mundo orwelliano que nos tiene reservado mientras consolida el control sobre lo que vemos y cómo lo vemos, sabiendo que mientras miramos, él y su corrupta camarilla siempre nos estarán vigilando”, sentencia la carta.

La controversia entre Ruffalo y el conglomerado de medios comenzó cuando el actor criticó públicamente la macrofusión propuesta entre Paramount y Warner, una operación colosal valorada en unos 111.000 millones de dólares, pero también acusó a la familia Ellison de ser cómplices del “genocidio” contra los palestinos. En respuesta, un portavoz de Paramount acusó a Ruffalo de recurrir a “tópicos antisemitas” con el pretexto de resolver una disputa comercial.

Su carrera comenzó desde bien adolescente, con dramas como ‘Exploradores’ o ‘El club de los poetas muertos’, pero en los 90 se fue consolidando en la industria en el cine independiente, donde ganó notoriedad con películas como ‘Antes del amanecer’ con la que inauguró una de las trilogías románticas más aplaudidas y populares de Hollywood.

Pero en los últimos años, Ethan Hawke se ha arriesgado a probar con otros géneros, como el western o el terror, este último en el que se ha convertido uno de sus referentes con títulos como ‘Regresión’ con Alejandro Amenábar en la dirección o ‘The Black Phone’. Sin embargo, sus inicios estuvieron marcados por un trauma.

El trauma de Ethan Hawke tras su consagración en el terror

Si bien ya había explorado como tal el género de cierta manera junto al thriller psicológico en ‘Vidas Ajenas’ o a la ciencia ficción ‘Daybreakers’, fue en 2012 cuando Hawke definitivamente entró de lleno en el cine de terror con ‘Sinister’ dirigida por Scott Derrickson.

En esta película, se consagró como tal en el género, además de que se considera uno de los títulos más aterradores de la última década. En ella, el actor interpreta a un escritor de crímenes reales que descubre una caja con perturbadoras cintas tras cambiarse de casa.

En este rodaje, según ha compartido en varias entrevistas el actor, tuvo experiencias extrañas que describe como “situaciones peculiares” que marcaron al elenco, pero especialmente al interprete, que habla abiertamente de tener un trauma desde entonces.

Según explicó Ethan Hawke, durante el rodaje del filme se dieron problemas con el sonido que no tenían explicación, interferencias en monitores y dificultades técnicas que aparecían, además, siempre en las mismas escenas, y esto le dejó marcado desde entonces:

“Las cintas tenían imágenes que nadie del equipo grabó. Vi las grabaciones que usamos en la película y no pude dormir esa noche. No era por la actuación, sino porque parecía que alguien más había añadido imágenes. Juro que vi una cara detrás de la cámara en una de las escenas”, aseguró el actor.

Y es que, como bien confirma, el contenido de esas cintas ficticias que fueron la trama principal del largometraje le afectaron de forma profunda, lo que le ha dejado huella en su experiencia en el género de terror, en el que ha seguido, con el estreno en 2025 de la secuela de ‘The Black Phone’.

Rupert Grint volverá a interpretar a Ron Weasley 15 años después de su última aparición como el personaje en el cine. El actor británico, que encarnó al amigo de Harry Potter en las ocho películas de la saga, se incorporará al reparto de Harry Potter y el legado maldito en el Lyric Theatre de Broadway el 2 de febrero de 2027 y permanecerá en la producción hasta el 30 de mayo. Será la primera vez que traslade a los escenarios el papel con el que inició su carrera profesional cuando tenía 11 años.

El regreso llega en un momento en el que Grint encuentra nuevos puntos en común con el personaje. El intérprete, de 38 años, ha explicado que volver a Ron ahora que ambos son padres le resulta al mismo tiempo familiar y diferente, y ha descrito el reencuentro como una forma de cerrar un ciclo. También ha recordado que quedó fascinado la primera vez que vio El legado maldito sobre un escenario y ha celebrado la oportunidad de regresar a Broadway con un personaje que ha ocupado buena parte de su vida.

Grint se reencuenta con Broadway

El Ron que interpretará Grint pertenece a una etapa posterior a la mostrada en las películas. Harry Potter y el legado maldito sitúa la acción años después de los acontecimientos de la saga original y presenta a Harry, Ron y Hermione ya adultos, mientras buena parte de la historia se desplaza hacia la siguiente generación de Hogwarts. Albus Severus Potter y Scorpius Malfoy, hijos de Harry y Draco, establecen una amistad y sus decisiones relacionadas con un viaje al pasado alteran el curso de los acontecimientos.

La producción supondrá además el regreso de Grint al teatro después de It's Only a Play, que protagonizó en Broadway en 2014. Los productores Sonia Friedman y Colin Callender han destacado que su incorporación permite prolongar una trayectoria que comenzó cuando era niño y que desde entonces se ha extendido por el cine, la televisión y los escenarios de Broadway y el West End. A su juicio, esa experiencia encaja con los temas de familia, legado y paso del tiempo que atraviesan la obra.

Sigue los pasos de Tom Felton

Grint no será el primer intérprete de las películas que recupere en Broadway al personaje que encarnó en la gran pantalla. Tom Felton volvió a dar vida a Draco Malfoy en noviembre de 2025 y el éxito de venta de entradas llevó a prolongar su participación hasta enero de 2027. Los dos actores, sin embargo, no coincidirán en las funciones anunciadas: Felton tiene previsto terminar su etapa el 3 de enero, mientras que Grint debutará el 2 de febrero. Este hecho es lo que ha generado muchos comentarios entre la comunidad de fans, que esperaban que ambos actores pudiesen coincidir en el escenario.

La obra lleva una década sobre los escenarios desde su estreno en el West End de Londres en 2016 y desembarcó en Nueva York dos años después, donde se instaló en el Lyric Theatre. La producción neoyorquina ha alcanzado una recaudación de 532 millones de dólares, una cifra que las informaciones aportadas sitúan como récord para una obra teatral no musical. El regreso de actores vinculados a las películas ha añadido además un nuevo foco de interés para el montaje, como ya ocurrió con la incorporación de Felton, que impulsó la demanda de entradas para sus funciones.

Un regreso en plena nueva etapa de Harry Potter

La llegada de Grint a Broadway coincidirá con otra transformación importante de la franquicia. La nueva serie televisiva de Harry Potter tiene previsto estrenarse en HBO el 25 de diciembre de 2026, pocas semanas antes de que el actor vuelva a convertirse en Ron. El proyecto contará con un nuevo reparto para los personajes principales, aunque Warwick Davis regresará como el profesor Filius Flitwick, el mismo papel que interpretó en las películas.

Grint retomará así el personaje que dio comienzo a su trayectoria profesional, pero en una historia situada en una etapa adulta de Ron y dentro de un medio distinto al cinematográfico. Su incorporación prolonga además la conexión entre las películas originales y una obra que, diez años después de su estreno en Londres, continúa desarrollando las vidas de sus protagonistas y de la generación que los sucede.

Fue considerado ‘el payaso romántico’ de Hollywood, pero se retiró a los 58 años del cine por su desencanto con la industria. Fallecería décadas después, a los 83 años debido a complicaciones del Alzhéimer que padecía, en agosto de 2016. Hablamos de Gene Wilder, el actor conocido por sus míticos papeles de ‘El Jovencito Frankenstein’ y ser Willy Wonka en la adaptación del libro de Roald Dahl de 1971, que en España se tituló ‘Un mundo de fantasía’.

Gene Wilder: del drama a triunfar con la comedia

Se cumplen diez años de la muerte de una de las figuras más relevantes de la comedia en Hollywood, de Gene Wilder, que pocos conocían nació como Jerome Silberman el 11 de junio de 1933, en el seno de una familia de inmigrantes judíos, su padre de origen ruso y su madre descendente de polacos.

De pequeño tuvo que soportar como su madre estaba continuamente enferma debido a problemas de corazón, y recordó en varias ocasiones como los médicos le dijeron que “no diera disgustos”, por lo que este pudo ser el germen de que siempre intentara hacer feliz y reír, y que no hubiera lugar para dramas.

Su origen hizo que desde un comienzo se sintiera actor dramático, aunque su trayectoria lo llevaría por otro lado. Estudió teatro en Londres y optaría por adoptar un nombre artístico, ‘Gene’ porque era un nombre que le gustaba y le recordaba en cierta manera al de su madre ‘Jeanne’, y ‘Wilder’ por la obra ‘Our Town’ de Thornton Wilder. Así, arrancaría su carrera en los años 60 en Broadway, formando parte del reparto en ‘El amante complaciente’ o ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’. Su debut en el cine llevaría más años, siendo en 1967 con ‘Bonnie and Clyde’, actualmente una película de culto, en la que interpretó a un empleado de una funeraria que es raptado por los famosos ladrones.

Lo que marcaría sus inicios es que trabajó con Anne Bancroft, casada con Mel Brooks, que lo recomendaría a su esposo, que le daría algunos de sus papeles más destacados y que llevaría al actor al reconocimiento internacional con títulos como ‘Sillas de montar calientes’, ‘El hermano más listo de Sherlock Holmes’, ‘El expreso de Chicago’ o ‘El jovencito Frankenstein’, una de sus películas más aplaudidas y recordadas.

Estrenada en 1974, Gene Wilder obtuvo su segunda nominación al Premio Oscar, como coguionista junto a Mel Brooks, que hablaba del actor de esta manera al conocerse su fallecimiento: “Gene Wilder, uno de los más grandes talentos de nuestra era. Bendijo con su magia cada película que hicimos y me bendijo a mí con su amistad”, escribió en su cuenta de redes sociales.

En ‘El Jovencito Frankenstein’, Brooks y Wilder parodiaban el cine de terror de grandes estudios como Universal, por eso se rodó en blanco y negro, y que ha llegado a nuestros días como una de las mejores comedias de todos los tiempos. En ella, el actor daba vida al Dr. Frederick Frankenstein, que, si bien reniega de su origen, viaja hasta Transilvania para reclamar la herencia de su abuelo. En ella formó pareja con Marty Feldman, que fue también su compañero en otro largometraje, y que fue uno de sus mejores amigos en el cine, de él llegó a decir: “Somos muy amigos –me confió- pero no tenemos el mismo tipo de humor. Si nos hemos separado es porque somos diferentes. Por ejemplo, yo admiro a Chaplin en tanto Feldman es más de la escuela de Buster Keaton”.

El triste final de Gene Wilder en Hollywood

A pesar de su éxito en la gran pantalla, Gene Wilder fue una persona que pasó por momentos de tristeza y soledad. En 1989 vivió uno de los peores con el fallecimiento de Gilda Radner, también actriz, con tan solo 42 años y con la que se había casado siete años antes. Esto se considera pudo hacer mella en su temprana retirada del cine.

Y es que dejó la gran pantalla en 1991 por estar desilusionado con la industria, especialmente después de que fracasara la película ‘Uno miente, el otro engaña’. Pero esto no significa que dejara la actuación, pues apareció en televisión hasta 2005 aproximadamente. A pesar de ello, su trayectoria y su prestigio en la comedia, recibió varias ofertas para volver a los cines, por parte de Adam Sandler o incluso de Steven Spielberg, que quería que tuviera un cameo en ‘El buen amigo el gigante’ que se estrenó el mismo año de su muerte.

Se prepara su biopic

El fallecido actor Gene Wilder es otra de las figuras que verá como su vida se cuenta en el cine, pues hay un biopic en desarrollo, dirigido por Dito Montiel tras obtener los derechos pertinentes. En la película se contará su trayectoria completa, haciendo hincapié en su legado en la comedia.

Matthew McConaughey y Woody Harrelson son dos actores con una carrera consolidada en Hollywood por varias décadas de trayectoria, y que han trabajado juntos anteriormente en varios proyectos, uno de los más conocidos el de la primera temporada de la serie ‘True Detective’.

Pero ahora se embarcan en uno de los proyectos más originales, con una serie de comedia, ‘Brothers’ en la que exploran el hecho real de que podrían ser hermanos, y que estrena su primer tráiler un mes antes de su estreno en streaming. Una historia increíble, pero que es cierta.

¿Son Woody Harrelson y Matthew McConaughey hermanos?

Esta pregunta tiene fundamento, no solo por la próxima serie de estreno, sino porque es un hecho sobre el que se ha hablado y han comentado al respecto tanto Woody Harrelson y Matthew McConaughey, que son amigos íntimos y que han trabajado juntos en varias ocasiones: en las películas ‘EDtv’ (1999), de Ron Howard, ‘Surfer Dude’ (2008), de S. R. Bindler, y la primera temporada de la aclamada serie de televisión ‘True Detective’ (2014).

Lo que no es tan conocido es que ambos ciertamente sospechan que podrían ser hermanos por parte de padre, desde que la madre de McConaughey les confesara durante un viaje en Grecia que estuvo de forma breve con el padre de Harrelson, justo en el momento en el que se separó de su marido, justo cuando fue concebido su hijo.

Desde que conocieran esto, los dos actores se pusieron a investigar y ataron cabos de sus posibles lazos familiares. Sin embargo, a pesar de todo lo que descubrieron y que hay cierto parecido físico, no se han hecho una prueba de ADN, y Matthew McConaughey ha explicado que no lo ha realizado porque teme saber de forma oficial que el que ha pensado que siempre ha sido su padre durante tantos años no lo sea.

Quién fue el posible padre de ambos

El padre de Woody Harrelson y posible también de Matthew McConaughey fue Charles Harrelson, un sicario a sueldo que cometió varios asesinatos y que llegó a ser protagonista de prensa sensacionalista, también porque confesó en una ocasión ser el verdadero asesino de Kennedy.

Un hecho no probado, pero que se quedó como leyenda. Harrelson abandonó a su familia cuando su hijo era pequeño, por lo que la familia no supo de él hasta que fue protagonista de un crimen mediático, que le hizo ser condenado a cadena perpetua. Desde entonces tuvo relación con el actor, que llegó a declarar sobre él: “Mi padre es una de las personas más elocuentes, cultas y encantadoras que he conocido. Aun así, ahora estoy evaluando si merece mi lealtad o amistad. Lo veo como alguien que podría ser un amigo más que alguien que era un padre”.

Mientras estaba en la cárcel en Atlanta, Charles Harrelson realizó un intento de fuga en 1995 y por eso fue trasladado a una prisión de máxima seguridad, que se conocía como la ‘Alcatraz de las Montañas Rocosas’, donde finalmente fallecería en 2007 a los 68 años debido a un ataque cardíaco.

De qué trata ‘Brothers’ y dónde verla

Dicho todo esto, la serie ‘Brothers’ juega de forma ficcionada con la posible realidad de que Woody Harrelson y Matthew McConaughey sean hermanos con una trama que gira en torno a lo que sucede después de la boda de la hija de Woody reúna a toda la familia en el rancho de Matthew y sea allí donde la madre de este cuente el secreto que lo cambia todo.

Detrás de la serie ‘Brothers’ está como creador Lee Eisenberg, conocido por ‘Jury Duty’ y el piloto de ‘Colin de Cuentas’, y se podrá ver desde la plataforma Apple TV desde el próximo 23 de septiembre con los propios Woody Harrelson y Matthew McConaughey como protagonistas.

Tim Curry, el mítico Dr. Frank-N-Furter de la película de culto The rocky horror picture show ha muerto a los 80 años en su casa de Los Ángeles según ha informado el portal de noticias de EEUU TMZ y confirmado Variety. Curry había sufrido previamente un infarto en 2012, un accidente que le tuvo en silla de ruedas hasta el día de su fallecimiento. El actor se convirtió en un icono gracias a su papel en el musical que interpretó tanto en las tablas como en la versión cinematográfica, dirigida por Jim Sharman (basada en la obra original de Richard O'Brien) y con Susan Sarandon en el reparto.

The rocky horror picture show, una versión moderna, irreverente y provocadora de Frankenstein se convirtió en un icono queer y en un filme con una legión de millones de seguidores en todo el mundo gracias a himnos como Sweet transvestite o Time Warp. Este año, de hecho, se ha reestrenado una nueva versión donde Luke Evans da vida al Frank-N-Furter que hiciera icónico Tim Curry. No fue el único papel que quedó en el imaginario popular. También fue el primero que dio vida al terrorífico payaso Pennywise en la versión televisiva de IT (1990), la novela de Stephen King que posteriormente tuvo versión cinematográfica.

Curry se curtió en los musicales de Londres y Nueva York, y participó en producciones como Hair en el West End en el año 1968. Fue aquí donde conoció a Richard O'Brien, quien le escribiría el papel del Dr. Frank-N-Furter en The Rocky Horror Picture Show que interpretaría tanto en la versión londinense del musical como en Broadway y Los Ángeles, un papel que le tuvo encima de las tablas más de un año, hasta 1975.

Curry siempre confió en el proyecto, como diría en entrevistas durante toda su vida, pero dudó precisamente porque, si la película funcionaba, “podía ser una imagen difícil de borrar”. Aunque es cierto que Tim Curry siempre estuvo vinculado al del personaje, logró construir una sólida carrera, sobre todo en teatro musical, con también papeles más que relevantes en cine y televisión.

El éxito del musical hizo que trabajara en obras como Travesties, escrita por el prestigioso dramaturgo Tom Stoppard, y que estuvo representándose en Londres y Nueva York de 1975 a 1976. También triunfó dando vida a Mozart en la versión de Amadeus que se pudo ver en Broadway en 1980, y por el que logró la primera de sus tres nominaciones al premio Tony. La segunda llegaría en 1993, cuando Curry interpretó a Alan Swann en la versión musical de Broadway de My Favourite Year. Fue dando vida Rey Arturo en el Spamalot del West End entre 2005 y 2007 cuando sumó su tercera y última nominación de un premio que nunca logró.

En cine su rostro anguloso le hizo perfecto como villano de títulos como Congo, Los tres mosqueteros, donde interpretó al Cardenal Richelieu en el filme de Stephen Herek y con Charlie Sheen, Kiefer Sutherland y Chris O'Donnell como los míticos espadachines, o como el demonio Darkness (El señor de la oscuridad) en Legend, la epopeya de fantasía dirigida por Ridley Scott y donde, como en IT, tuvo que pasar por largos procesos de maquillaje. Otros de sus papeles más emblemáticos incluyen el doctor Yevgeniy Petrov en La caza del octubre rojo (1990) y Long John Silver en Los Teleñecos y la isla del tesoro (1996).

Curry, que nació en Grappenhall (Cheshire) en 1946, acudió a la Lymm High School, pero tras la muerte de su padre a causa de una neumonía en 1958, su familia se trasladó al sur de Londres. Allí acudió a la Kingswood School en Bath, donde se formó en su talento como cantante y destacó por su voz de soprano, aunque siempre tuvo claro que era en la interpretación donde quería centrarse. Finalmente pudo unir sus dos talentos convirtiéndose en uno de esos todoterrenos que son capaces de sostener sobre sus hombros, y su voz, cualquier musical de Broadway.

El Festival de Cine de San Sebastián sigue desgranando su programación y ha dejado para el final unas cuantas sorpresas. Entre ellas la visita de Brad Pitt, que estará en el Zinemaldia para presentar su nuevo filme, Heart of the beast (En el corazón de la bestia), dirigida por David Ayer. El filme se presentará dentro de la sección oficial, pero fuera de concurso. Con este título el certamen ha anunciado que se cierra la lista de películas que se anunciarán.

Un thriller de aventuras donde el actor estadounidense encarna a un oficial retirado de las Fuerzas Especiales del Ejército que, acompañado por su antiguo perro de combate, debe sobrevivir a la naturaleza salvaje de Alaska tras un terrible accidente de aviación. Con esta visita regresará a San Sebastián tras haber estado en 2009, cuando presentó Malditos bastardos junto a su director, Quentin Tarantino, en la sección Perlak.

Escrito por Cameron Alexander, Heart of the Beast (En el corazón de la bestia) es el último largometraje de Ayer, que vuelve a reunirse con Pitt y también cuenta en el reparto con J.K. Simmons y Anna Lambe. Pitt produce la película junto a Olivia Hamilton, Marty Bowen y David Ayer, con Damien Chazelle entre sus productores ejecutivos.

Con esta bala en la recámara, el Festival de San Sebastián cierra una Sección Oficial donde ha logrado encontrar hueco para películas esperadas como The debut, de Jesse Eisenberg y protagonizada por Julianne Moore, así como los nuevos filmes de leyendas como Mike Leigh o de cineastas como Pablo Larraín, que presentará a concurso por la Concha de Oro su adaptación de varios relatos de Mariana Enríquez, un proyecto que posteriormente se verá en forma de serie en Netflix.

Queda por ver si el festival pone la guinda de esta edición con un segundo premio Donostia tras el ya anunciado al cineasta Werner Herzog, que presentará en San Sebastián su nueva película, Fucking Bastard, que antes competirá por el León de Oro en Venecia.

El historiador murciano Pedro Francisco Sánchez ha localizado en Francia una de las últimas películas de la etapa más internacional de Paco Rabal, La otra mujer (1964), cuyo rastro había desaparecido en España y que ahora se ha recuperado, coincidiendo con el centenario del nacimiento del actor.

El film fue rodado en Madrid, en Carboneras (Almería) y en Águilas (Murcia), lugar de nacimiento de Rabal, pero, según ha explicado Sánchez a EFE, no existían copias en España ni figuraba en registros ni archivos.

La otra mujer fue una coproducción hispanofrancesa rodada en francés, dirigida por François Villiers y basada en la novela Soy la otra mujer, de Luisa María Linares. En su reparto, además de Rabal, figuran Annie Girardot, Richard Johnson, Alida Valli, Hella Petri, Ana Mariscal y Sancho Gracia, entre otros.

Según Sánchez, el rodaje muestra “imágenes de gran valor histórico” de la localidad costera murciana de Calabardina, tal como era antes de su urbanización, cuando todavía se practicaba la pesca con almadraba, un sistema tradicional de redes fijas.

El historiador, también nacido en Águilas y experto en la historia local, conoció la existencia de esta película a raíz de noticias de los diarios locales 'Línea' y 'La Verdad' que había consultado para preparar uno de sus libros, Águilas, un plató de cine (2017), pero no encontraba más referencias sobre el film en España.

“Tenía curiosidad, porque Paco Rabal solo rodó dos películas en Águilas. La otra fue El beso de Judas, de 1953”, pero La otra mujer no aparecía en el catálogo de la Filmoteca Regional de Murcia, ni tampoco en los registros de la asociación 'Milana Bonita' de Águilas“, dedicada a la memoria del actor. Tampoco los familiares de Rabal tenían pistas sobre la película, que se había convertido en un misterio. Benito Rabal, hijo del actor, ”me dijo que no la tenía y que se había rodado en otro municipio“, no en Águilas, detalla.

La información era prácticamente inexistente, pero Sánchez siguió con su labor y finalmente la localizó en el catálogo de la productora y distribuidora francesa Gaumont, a la que solicitó varias copias que finalmente recibió en formato DVD a mediados del pasado mes de julio. Una de ellas la ha cedido a la biblioteca de Águilas y tiene previsto entregar otra a la Filmoteca Regional de Murcia.

Sánchez destaca la coincidencia del hallazgo con el centenario del nacimiento de Rabal (1926-2001), cuando se están celebrando numerosos actos culturales y homenajes a su figura en la Región de Murcia y en otros lugares de España.

Subraya la relevancia de La otra mujer en la trayectoria profesional del actor murciano porque se rodó cuando “estaba en el momento cumbre de su etapa de cine internacional”, cuando había aparecido en Nazarín (1958), Viridiana (1961) y El eclipse (1962). Esa etapa de éxito internacional, con películas en Italia, México o Argentina, se vio interrumpida por un accidente de tráfico que dejó al actor cicatrices en el rostro, según indica el investigador.

El accidente hizo temer que había llegado el fin de su carrera cinematográfica, pero las cicatrices le dieron, sin embargo “una imagen de mayor dureza” y posibilitaron el inicio de “una nueva etapa de madurez interpretativa que consagraría su figura”, explica.

Paul Mescal llegó rompiendo el corazón de todos. Su papel en la serie Normal People, la adaptación de la novela de Sally Rooney, descubría a un actor que escondía, en un físico que recordaba a Marlon Brando —con ese rostro anguloso y una fotogenia hipnótica—, una sensibilidad extraña, atípica en una industria donde seguían entonces dominando los ejemplos de masculinidad ruda y sin fisuras. Mescal, taciturno y silencioso, se especializó en papeles de hombres apocados, que expresan más con su mirada que con sus palabras. La cima de aquella apuesta llegó con la excelente Aftersun, el debut en la dirección de Charlotte Welles que le valió la que es, de momento, su única nominación al Oscar.

Tras aquel filme, volvió a mostrar su sensibilidad en la hermosa historia queer de fantasmas Desconocidos, de Andrew Haigh, y dio su tono al héroe de Gladiator 2, que protagonizó a las órdenes de Ridley Scott y con la que dio el salto a las grandes producciones de Hollywood. La crítica ha destacado siempre su ausencia de prejuicios o miedo a que lo encasillen en historias LGTB, algo que le une con otro de los actores más prometedores de su misma generación, Josh O’Connor.

Quizás por ello había tanto interés en The History Of Sound —que acaba de llegar directamente a Sky Showtime en España—, el proyecto que les juntaba a ambos como dos amantes que, en 1920, recorren las islas de Maine buscando canciones populares para poder preservarlas para las próximas generaciones. Un filme que, por tono y trama fue comparado con Brokeback Mountain tras su paso en el Festival de Cannes, donde Paul Mescal, junto al director Oliver Hermanus, atendió a un reducido grupo de periodistas.

Entró en la sala visiblemente cansado. A la ristra de proyectos que tenía encima —entre ellos el biopic de Los Beatles donde da vida a Paul McCartney— se sumaba la promoción del filme y la rueda de prensa del propio festival, donde él mismo atajó las comparaciones del filme con Brokeback Mountain, calificándolas de “frustrantes y perezosas”. “Personalmente, no veo ningún paralelismo, salvo que pasamos un rato en una tienda de campaña. Brokeback Mountain es una película hermosa, pero aborda la idea de la represión, mientras que The History Of Sound es una celebración del amor entre estos hombres y no trata de la represión de su sexualidad”, dijo.

Con los periodistas mostró ese hipnotismo taciturno. Llegó antes de hora al encuentro y mientras esperaba a Hermanus contó lo cansado que estaba y que había probado en Cannes la mejor tarta de queso de su vida. Luego habló poco, dejó que fuera su director quien contestara para no monopolizar, como había ocurrido en la rueda de prensa, y confesó que The History Of Sound era el proyecto en el que más tiempo ha estado trabajando un personaje. Se embarcó hace cinco años y desde entonces hubo muchas idas y venidas, hasta que se encontró el puzle de financiación y las agendas cuadraron. “Si pudiera haría todas las películas de esta manera, con este tiempo, pero creo que es prácticamente imposible. Siento que la película se beneficia de eso porque me hizo sentir muy seguro de las decisiones creativas que la conforman”, comenzó diciendo.

Creo que me interesa más el silencio. Puede que sea una cuestión de gustos, pero a mí me gusta ver a los actores pensando en lugar de hablando

Paul Mescal — Actor

Era la primera vez que pisaba la Sección Oficial de Cannes, y confesaba que si hace seis o siete años, cuando todavía estaba en la escuela de teatro, le hubieran dicho que estaría ascendiendo por la alfombra roja, no se lo hubiera creído: “Si me hubieran dicho entonces que estaría en esas escaleras, subiendo por una película que encima he hecho con amigos a los que he sido leal, no lo creería. Estoy muy orgulloso de todo ello”.

Aunque también añadía que esos momentos de flashes y glamour son lo que peor lleva, menos cuando hay un proyecto como The History Of Sound. “Es curioso, porque ese tipo de momentos en la alfombra roja me llenan de ansiedad generalmente, pero recuerdo que en esta ocasión me volví hacia Oliver (el director) y le dije, 'estoy extrañamente calmado'. En momentos como este reconoces que es una celebración del cine, estar allí con estas personas a las que realmente les gusta construir una familia, y defender lo que todos amamos. Todos estamos aquí por la misma razón, porque amamos el cine. A todos nos encanta el boato, pero el cine es el centro de todo, cuando te sientas, la habitación se oscurece y el espectáculo comienza”, reflexiona.

Su personaje vuelve a ser silencioso, de esos que dicen más con la mirada que con las palabras, y Mescal asiente y reconoce que le gustan esos papeles. “Creo que me interesa más el silencio. Puede que sea una cuestión de gustos, pero a mí me gusta ver a los actores pensando en lugar de hablando. A veces es difícil, porque los personajes tienen que hablar, y no se trata de ser una persona introvertida o extrovertida. Muchos grandes personajes del cine moderno son introspectivos”, afirma.

Sabe que esta industria es “una locura, y Cannes es un muy buen ejemplo de ello”, y para tener los pies en la tierra elige trabajar con “personas que resultan familiares por sus cualidades humanas”, y cita a Charlotte Wells, Oliver Hermanus, Jessie Buckley y Josh O’Connor. “Personas que siento que son reales, del mundo real. Si uno se relaciona con ese tipo de personas es más fácil sobrellevar toda esta locura. Mi amigo el actor Fred Hechinger dijo, cuando estábamos terminando la gira de prensa de Gladiator: ‘Es hora de salir del casino. Es hora de volver a la vida real’. Porque es muy fácil dejarse llevar hablando todo el rato de uno mismo y del trabajo”, señala.

La música une The history of sound y el ambicioso proyecto de las cuatro películas de los Beatles que rueda Sam Mendes —una por cada miembro de la banda— y que le tiene escuchando música del grupo de Liverpool. “Preparaos para 2028”, dice con su sonrisa tímida y avanza que había visto escenas de Harris Dickinson y le había dejado “impresionado”. “Estamos todos muy emocionados con este proyecto”, apuntaba sin desvelar más pistas.

Sin embargo, si tuviera que quedarse con una canción, sería con September Grass, de James Taylor, porque le recuerda a su madre. “De adolescente estaba harto de escucharla. Pero hace poco la escuché fuera de ese contexto e inmediatamente tuve una relación totalmente diferente con ella porque estaba arraigada en un recuerdo. Era un recuerdo sensorial”. Seguramente dentro de poco más de un año cambie la canción y elija Strawberry Fields Forever o Let It Be, pero todavía le queda algo de tiempo hasta que el terremoto de la beatlemanía le vuelva a introducir en ese ‘casino’ al que se refería al hablar de filmes como Gladiator.

Los dos juzgados que investigan al dramaturgo Ramón Paso en sendos procedimientos por violencia sexual han acordado imponerle medidas cautelares, según informan a elDiario.es fuentes jurídicas. Desde el pasado julio, el director de teatro tiene prohibido realizar actividades docentes de cualquier tipo, públicas o privadas, con menores de edad. Además, los instructores de ambas causas le han impuesto la obligación de comparecer en los juzgados cada 15 días, le han prohibido salir de España y han acordado retirarle el pasaporte.

Paso tiene una causa abierta desde 2024 por presuntas agresiones sexuales a 14 mujeres de entre 18 y 25 años tras una denuncia de la Fiscalía y desde mayo está inmerso en otro procedimiento por supuesta violencia sexual contra una menor de 15 años a la que daba clases de interpretación. El Código Penal fija en los 16 años la edad de consentimiento sexual.

La abogada Luisa Estévez, que ejerce la acusación particular en ambos casos en representación tanto de la menor como de las 14 mujeres, ha declinado hacer declaraciones a elDiario.es. La defensa de Paso tampoco ha querido hacer comentarios sobre las medidas cautelares acordadas.

La imposición de estas medidas se produjo después de que el dramaturgo, de 50 años, fuera detenido el pasado 23 de mayo tras realizar tocamientos a esta menor en plena calle en Madrid. Una pareja que paseaba por el céntrico Paseo del Prado se percató de la situación y alertó a una patrulla de la Policía Municipal, que procedió a su detención en las inmediaciones de Cibeles. Paso se identificó como su profesor de teatro y amigo de la familia. En un primer momento, el caso fue asumido por un juzgado de violencia sobre la infancia y la adolescencia, que impuso a Paso una orden de alejamiento sobre la menor, pero le dejó en libertad sin medidas cautelares.

Posteriormente, la investigación pasó a un juzgado de violencia sobre la mujer de Alcorcón, que convocó a las partes a una vista de medidas cautelares a petición de la abogada de la menor, que llegó a reclamar su entrada en prisión provisional sin fianza. Durante la comparecencia, el dramaturgo negó haber agredido sexualmente a la menor y aseguró que entre ellos había una relación de mentor-discípula, de acuerdo a las fuentes consultadas.

Tras esa vista, el magistrado acordó la suspensión de actividades docentes de cualquier tipo públicas o privadas con menores de edad, le impuso la obligación de comparecer ante ese juzgado los días 1 y 15 de cada mes y acordó la prohibición de salir del territorio nacional con retirada del pasaporte. También extendió la orden de alejamiento a los padres de la menor y le prohibió comunicarse con cualquier persona relacionada con ella.

El juez se basó en la exploración de la menor y en el testimonio de los testigos que presenciaron los tocamientos en la calle para acordar esas medidas con el amparo de la Fiscalía. En este procedimiento, el Ministerio Público no se adhirió a la petición de prisión provisional sin fianza realizada por la acusación particular, pero sí al resto de medidas solicitadas.

Cuando fue detenido en plena calle, la Policía se incautó del teléfono móvil del dramaturgo. El análisis de este terminal, así como el de la menor, será clave para el avance de la investigación, de acuerdo a las fuentes consultadas.

Causa abierta en 2024

Tras la apertura del nuevo procedimiento y la imposición de las citadas medidas, la letrada de las 14 mujeres reclamó que se establecieran también medidas cautelares contra el investigado en el primer procedimiento abierto, que avanza de forma lenta desde hace dos años. Finalmente, la titular del Juzgado de Instrucción número 29 de Madrid se basó en el hecho de que Paso presuntamente había vuelto a delinquir —lo que se conoce como reiteración delictiva— para acordar su libertad provisional con la obligación de comparecer en sede judicial los días 9 y 23 de cada mes, así como la prohibición de salir del territorio nacional y la retirada del pasaporte.

También le prohibió realizar actividades docentes y artísticas con menores de edad en procesos de selección y formación teatral. La jueza rechazó la medida de alejamiento y prohibición de comunicación solicitada por la abogada que ejerce la acusación particular en representación de las 14 jóvenes.

En ese procedimiento ya han declarado todas las víctimas y está pendiente que lo haga el dramaturgo, una diligencia que tendrá lugar “próximamente”. Los delitos denunciados habrían tenido lugar durante formaciones de teatro y, en algunos casos, se prolongan hasta el año pasado. Las víctimas son jóvenes de entre 18 y 25 años a las que Paso daba clases de interpretación.

En la denuncia que dio origen al caso, adelantada por El País, la Fiscalía sostenía que el director de teatro usaba violencia e intimidación para convertir a mujeres jóvenes en “objetos de su placer sexual”. La denuncia recogió las prácticas violentas que presuntamente llevó a cabo con al menos 14 mujeres jóvenes, la mayoría en situación precaria, pertenecientes a familias desestructuradas o que estaban solas en Madrid.

“Les exigía que fueran sin ropa interior y llevaran las bragas en la mano para entregárselas”, podía leerse en el texto presentado por el Ministerio Público, que incluía presuntos delitos de agresión sexual, acoso sexual y hostigamiento, así como contra la integridad moral y coacciones.

Tras trascender la denuncia de la Fiscalía, el equipo de programación del Teatro Infanta Isabel de Madrid decidió suspender definitivamente la exhibición de la obra Jardiel Enamorado, que dirigía Paso. La decisión del equipo, la productora Lola Teatro y los actores llegó después de que el actor Pepe Viyuela, que participaba con un papel protagonista, abandonara la obra. “No quiero llamarle. No quiero seguir con la función. Me voy”, dijo el intérprete.

También el Teatro Reina Victoria retiró de su cartelera la obra Sueño de una noche de verano, dirigida por Paso. Jesús Cimarro, fundador del grupo Pentación —propietario del Teatro Reina Victoria entre 2020 y 2025— aseguró que no volvería a programar “ningún espectáculo” de Paso hasta que hubiera una sentencia de este caso.

Además, asociaciones y profesionales de la dirección, producción y actuación mostraron su apoyo a las víctimas. Sin embargo, Paso no dejó de ejercer de profesor de teatro, ya que continuó con su actividad a través de la compañía Pasoazorín Teatro, que dirige junto a la actriz Ana Azorín. Ella fue una de las cinco compañeras del grupo de teatro que defendieron públicamente al dramaturgo cuando salieron a la luz las primeras denuncias.

La inteligencia artificial se ha convertido en uno de los grandes debates de Hollywood, especialmente por las posibilidades que ofrece para generar imágenes, modificar interpretaciones o incluso recrear digitalmente a actores. En medio de las dudas que despierta esta tecnología, Brad Pitt ha decidido romper una lanza a su favor. El actor considera que, utilizada de manera correcta, puede convertirse en una herramienta que permita sacar adelante películas que actualmente tienen más dificultades para encontrar financiación.

Brad Pitt ha abordado el asunto en una entrevista concedida a Esquire, coincidiendo con el estreno el próximo 25 de septiembre de El corazón de la bestia, película dirigida por David Ayer y protagonizada por el propio actor. Ante el rechazo que genera la inteligencia artificial en parte de la industria cinematográfica, el intérprete cree que también puede ofrecer nuevas oportunidades.

“Hay mucho rechazo contra la IA, pero la IA va a ser precisamente lo que, utilizada como una herramienta, ayudará a que se hagan esas películas de presupuesto medio, películas con presupuestos de entre 40 y 90 millones de dólares”, afirmó Pitt. Su postura, sin embargo, cambia cuando se plantea una de las cuestiones que más inquietud genera entre los profesionales del sector: utilizar esta tecnología para sustituir directamente el trabajo de los actores.

¿Puede la IA sustituir a un actor?

Brad Pitt no descarta que técnicamente pueda conseguirse, aunque considera fundamental a la persona que esté detrás de la herramienta y tome las decisiones creativas. “Bueno, depende de quién lo cree, ¿sabes? De quién esté detrás, de quién cuente la historia”, explicó. Según el actor, una persona podría utilizar el material generado por la inteligencia artificial para buscar una determinada emoción y moldear posteriormente el resultado hasta acercarse a aquello que pretende conseguir.

El problema, a su juicio, estaría precisamente en aquello que se perdería durante ese proceso. Una recreación mediante IA podría parecerse a una actuación suya sin responder realmente a sus decisiones interpretativas. “Podrían hacerlo, pero quizá el producto final no reflejara mis decisiones ni lo que yo encontraría y descubriría en la obra”, señaló. Pitt cree que los próximos años servirán para comprobar hasta dónde puede llegar esta tecnología: “Va a ser un experimento muy interesante”.

Su relación con la digitalización, de hecho, viene de mucho antes del actual auge de la inteligencia artificial. Él asegura que lleva unos 20 años siendo escaneado digitalmente y que durante todo este tiempo ha incluido en sus contratos una condición muy concreta: los escaneos debían pertenecerle y posteriormente ser destruidos. “¡Debería haberlos conservado! Todo este tiempo los he mandado destruir porque soy un chico paranoico de los Ozarks”, bromeó.

Una canción creada por IA

El actor también ha experimentado con otras aplicaciones de esta tecnología. Recientemente escuchó una canción generada mediante inteligencia artificial que le sorprendió por su calidad. “El otro día escuché una canción hecha con IA que era jodidamente buena”, reconoció. Sin embargo, encontró en ella un componente repetitivo y cree que todavía hay una diferencia difícil de salvar en relación a una interpretación humana: “Nunca será igual que escuchar su voz: la voz de una mujer, la voz de una persona”.

Mientras Hollywood continúa explorando las posibilidades y los límites de estas herramientas, Pitt mantiene una agenda cinematográfica especialmente activa. Además de El corazón de la bestia, volverá a interpretar a Cliff Booth, el personaje por el que ganó el Oscar en Érase una vez en Hollywood (2019), en un nuevo proyecto que estará dirigido por David Fincher. Él y el director volverá a trabajar juntos después de películas aclamadas por la crítica como Seven (1995), El club de la lucha (1999) y El curioso caso de Benjamin Button (2008). El proyecto cuenta además con la aprobación de Quentin Tarantino.

El alcalde de la ciudad, Manuel Serrano, ha anunciado que el actor, guionista y humorista albaceteño Raúl Cimas, a propuesta del Grupo Municipal del Partido Popular, será el pregonero de la Feria de Albacete 2026, convencido de que será un magnífico pregonero de “la mejor feria del mundo”, declarada de Interés Turístico Internacional.

Manuel Serrano ha puesto en valor la trayectoria profesional de Raúl Cimas, al tiempo que le ha agradecido la gran labor de “embajador” de Albacete, su ciudad natal, que realiza allá por dónde va, orgulloso siempre de sus raíces, de su condición de albaceteño y, de manera especial, de la Feria que cada mes de septiembre celebramos en honor a la Patrona, la Virgen de Los Llanos.

El alcalde ha explicado que Raúl Cimas pregonará la Feria de Albacete 2026 el próximo 6 de septiembre, a las 21:00 horas, desde el balcón del Museo Municipal, convencido que será un acto multitudinario que no dejará indiferente a nadie.

En cuanto a la faceta profesional de Raúl Cimas, cabe destacar que ha participado en programas de televisión como La hora chanante, (Paramount Comedy), Muchachada nui, (TVE), La gran evasión y Algo pasa con Lopez (ETB), Buenafuente (Antena 3), Óxido nitroso (Canal+), Loco mundo (Movistar Plus), Cero en historia (Movistar plus), El club de la comedia (La Sexta), Late Motiv (Movistar plus), Futuro Imperfecto (La 1) e Ilustres Ignorantes (Movistar plus).

Asimismo, ha formado parte de series de televisión como Museo coconut (Neox), La isla de los nominados (La Cuatro), La reina del pueblo (Prime Vídeo), En fin (Prime Vídeo) y Poquita Fe (Movistar plus), ganadora de los Premios Ondas y Premios Feroz, entre otros, a la mejor serie de comedia, y ha hecho colaboraciones esporádicas en otras como El ministerio del tiempo o Atasco.

Raúl Cimas ha participado también en películas como Extraterrestre (Nacho Vigalondo), Tiempo después (José Luis Cuerda), Los del túnel (Pepón Montero), Mari(dos) (Lucia Alemany), Políticamente incorrectos (Arantxa Etxebarría), Matusalén (David Galán Galindo) y Un lío de millones (Susan Béjar).

A lo largo de su carrera profesional, ha recibido varios premios como San Pancracio, en el festival de Caceres a mejor actor revelación por la película Extraterrestre; el título de Hijo Predilecto de Castilla-La Mancha; Premio Fotogramas al mejor actor protagonista por Poquita fe; premio al mejor actor protagonista en comedia en el Festival de Almería; y Premio Denominación de Origen la Mancha, junto a nominaciones a mejor actor protagonista en los Premios Feroz por Poquita Fe.

Raúl Cimas también destaca como dibujante, habiendo publicado cuatro libros de cómics, todo ellos con la editorial Blackie Books: Demasiada pasión por lo suyo, Orgullo brutal, Prodigios y Mamotreto.

La mayor esperanza de Elliot Tuttle cuando dirige una película es que genere conversación. En ese sentido, puede darse por satisfecho con su última película. Desde su estreno en diversos países a lo largo del año, Blue Film se ha convertido en una de las cintas de temática gay más polémicas de la temporada. No tanto por las escenas de sexo que contiene como por la forma en que retrata la pedofilia y la economía del deseo en internet, enciende el debate al contar la historia ficticia de un joven que trabaja como modelo de webcam y que se reencuentra con un antiguo profesor de instituto, despedido por agredir sexualmente a un alumno, que asegura estar enamorado de él.

Se trata de un filme que busca incomodar al espectador, apelando a una reflexión sobre la pederastia y el trabajo sexual sin juzgar a los personajes; no obstante, y pese a la previsible controversia de retratar a un pedófilo como un ser humano y no solo como un monstruo, Tuttle no esperaba que los festivales le dieran la espalda. El cineasta ha sufrido diez rechazos consecutivos, incluyendo la rotunda negativa de festivales independientes como Sundance y South by Southwest (SXSW), según informó Variety. “Da la sensación de que la industria se encuentra en una situación tan delicada y en un estado tan frágil que hace que todo el mundo sea reacio al riesgo”, cuenta Tuttle a elDiario.es.

“Estos festivales cuentan con grandes patrocinadores corporativos y por eso tienen dinero para organizarlos, así que hay intereses económicos que controlan, en cierto modo, el funcionamiento del festival, algo que nunca puede ser bueno para el arte”, argumenta el director. Pese a que no conoce todo lo que sucede tras bambalinas, asegura que “es raro encontrar un festival verdaderamente independiente que esté al margen de las grandes inversiones”. “¿Son en realidad independientes?”, inquiere Tuttle, haciendo alusión al “momento difícil para el arte” que vive EEUU. Aun así, prefiere no culpar demasiado a los festivales: “Me alegro de que existan y de que el dinero los esté respaldando”.

El Festival Internacional de Cine de Edimburgo fue el primer evento que se atrevió a proyectar la película, donde logró recibir críticas sumamente positivas en el verano del año pasado. Desde entonces ha ido llegando a otros países, pues Elliot Tuttle siempre había creído en la calidad del filme. Ahora, su debut en el largometraje se estrena en Filmin en el marco del Atlàntida Mallorca Film Fest, donde ha recibido el premio a la mejor película en la sección Trends. Sin embargo, la película sigue impactando allá donde se exhibe por no haber un posicionamiento claro con respecto al joven Aaron, interpretado por Kieron Moore, y el profesor Hunk, cuyo papel hace Reed Birney.

Tuttle reconoce que le sorprende cuando le preguntan si la película aprueba las acciones de Hank. “Es como: 'No, espero que todos estemos de acuerdo en que la pedofilia está mal y, a partir de ahí, podamos involucrarnos en lo que sucede'”, declara el director, que buscó no hacer ninguna condena a propósito. “Sería complicado escribir una película honesta al tiempo que se juzga moralmente al personaje”, indica. “Mi intención era intentar comprenderlo, investigar todo lo que pudiera y tratar de escribir sus diálogos y sus movimientos de tal forma que lo haría él. Eso es lo más cerca que se puede estar de la honestidad: intentar comprender a un personaje con la máxima sinceridad posible sin juzgarlo”, añade.

Asimismo, la cinta pone en evidencia la dinámica en la que jóvenes buscan la aprobación de hombres mucho mayores, creyendo que encontrarán en ellos reconocimiento o salvación. “Cuando era más joven me habría resultado muy fácil caer en ese tipo de manipulación porque, cuando eres más joven, la sexualidad o la forma en que interactúas con la gente está menos empañada por la moral. Tienes esos deseos o impulsos que apenas están empezando a surgir, pero que aún no se han filtrado a través de una sensibilidad madura, así que te quedas con esas fantasías más carnales”, detalla Tuttle, enfatizando que es una “situación muy vulnerable”.

¿Hay pureza en la perversión?

“Me pregunto si hay pureza en la perversión”, reflexiona uno de los personajes en Blue Film. Cuando Elliot Tuttle piensa sobre ello, tiene clara su respuesta: “Sí, y la perversión puede ser diferente para cada persona”. “No me refiero específicamente a la pedofilia, porque eso es un delito, pero hay muchos otros tipos de perversión que no son delictivos. Esas cosas que consideras tabú sobre ti mismo te proporcionan una relación muy especial contigo mismo, es como si tuvieras un secreto”, señala el director. “Te aporta intimidad contigo mismo porque, por la razón que sea, tienes algo que consideras una perversión y que no quieres compartir con otras personas. Es una experiencia muy pura”, agrega.

La perversión es el eje sobre el que gira el filme, pero el cineasta intentó abordar temas tabúes sin caer en el sensacionalismo. “Podría haber incluido desnudos frontales completos, podría haber sido increíblemente explícita... pero la dirección que elegí seguir es un poco más de buen gusto, a falta de una palabra mejor”, señala. “Pero incluso cuando recibes una respuesta algo polarizada por parte del público, que se siente perturbado, molesto o escandalizado por la película, no es porque sea demasiado explícita, sino por las ideas que transmite”, dice Tuttle, que comenta que la reacción “no se debe a que los actores estén desnudos todo el tiempo, sino porque las ideas representan algo más peligroso que lo que resulta perturbador”.

El sexo y el amor se practican hoy en día de la misma forma en que alguien podría dedicarse a una afición

Elliot Tuttle — Cineasta

“Hacer esta película fue como crear una cámara de eco de la perversión, en la que vemos a dos personajes a los que el sexo les ha aislado en sus vidas y que ahora lidian con ello”, cuenta Elliot Tuttle a este periódico. De hecho, el día a día de ambos está moldeado por la lujuria y el deseo de intimidad, aunque de maneras distintas. “El sexo es muy importante porque dice mucho de cómo vivimos nuestras vidas y guía gran parte de lo que hacemos. Si vas a salir por la noche con tus amigos, te preguntas si quizá conocerás a alguien. Es como si el sexo no fuera solo un acto, sino que tiene mucho que ver con la forma en que satisfacemos nuestras necesidades como seres humanos”, resalta.

Inspirado por los filmes de Catherine Breillat, que tratan específicamente sobre la sexualidad adolescente, Tuttle recordó sus primeros flechazos y se dio cuenta de que hay una diferencia entre el modo en que su generación percibe el sexo, el amor y las citas en comparación con las anteriores. “Casi parece un pasatiempo, es una experiencia solitaria”, apunta el director. “En el caso de los hombres gais, y aunque no quiero menospreciar las relaciones sexuales esporádicas porque han sido partes importantes de mi vida, tengo la sensación de que, ahora mismo y en los lugares donde lo he vivido, el sexo y el amor se practican de la misma forma en que uno podría dedicarse a una afición”, comenta.

Asimismo, el cineasta explica que, con la llegada de internet, las aplicaciones de citas como Tinder y Grindr también han supuesto un cambio importante para quien quiere mantener relaciones sexuales con otra persona: “Hemos perdido esa idea del 'tercer espacio', donde podías conocer a gente de forma espontánea; es decir, en el supermercado ya no hablamos con nadie, simplemente porque ya no estamos acostumbrados a hacerlo. Las aplicaciones son las que han ocupado ese 'tercer espacio'. Tienen sus pros y sus contras, pero es la realidad de nuestro mundo ahora mismo, lo que las ha hecho muy prácticas y, al mismo tiempo, que [lo que ofrecen] no sea algo tan significativo”.

Actualmente, el cine está poniendo el foco en la importancia de cuidar la relación de los jóvenes con las pantallas, como ha sucedido con el estreno de Toy Story 5. Para Tuttle, es positivo que las nuevas generaciones puedan crecer con sus móviles porque es así como pudo ver cine de autor por primera vez, conectando con personas que compartían las mismas pasiones que él. No obstante, también hay amenazas a las que hacer frente. “Conozco a varias personas que buscaban en Craigslist a hombres mayores con los que acostarse. Así que, sí, es peligroso, pero hay mucha gente que está muy contenta de haber encontrado formas de expresar su sexualidad o de comprenderla. Al menos en Estados Unidos, en los colegios no te enseñan nada más allá del sexo heterosexual”, subraya.

Elliot Tuttle celebra que internet sea un refugio para aquellos que no tienen referentes o que no han visto determinadas historias a través de vías más convencionales como la televisión o el cine. “Para muchas personas queer, es una forma de conocernos a nosotros mismos cuando nadie más te enseña realmente si eso es algo bueno o malo”, destaca. De hecho, es lo que hace Blue Film al poner en el foco un tema sobre el que se prefiere apartar la vista. “Espero que la película conmueva al público, pero si no es así, me alegro de que al menos le haga tener una opinión. Tener una opinión sobre las cosas y hablar con otros acerca del arte es una de las grandes alegrías de mi vida, por eso me alegro de que esté generando debate y conversación”, concluye.

El actor británico Henry Cavill estaría inmerso en la adaptación en formato de serie animada de una franquicia de ciencia ficción, en la que también participa en su versión real, junto a Amazon MGM Studios para la plataforma Prime Video, según informa Variety.

En este sentido, se trata de una serie de animación de ‘Warhammer 40k’, en la que Henry Cavill sería una de las personas en cabeza, y que formaría parte de la antología animada ‘Secret Level’, siendo una especie de ‘spin-off’ del episodio que ya apareció en ella.

No son muchos detalles los que se conocen en este momento al respecto de este proyecto, aunque una de las cosas que ha trascendido es su trama, que se trataría de una historia expandida enfocada en Vigías de la Muerte, conocidos como ‘Deathwatch’ y que son el cuerpo de Marines Espaciales más letal.

Henry Cavill también protagonizará la película relacionada

Este proyecto tiene lugar en paralelo a otro en el que también está involucrado Henry Cavill, pues será el protagonista de la película de ‘live-action’ que se prepara sobre este universo, siendo también productor ejecutivo. Este lleva más tiempo en desarrollo y no se conoce mucho sobre él.

En el caso de la serie animada sí se sabe, por ejemplo, algunas de las personas detrás, como es el caso de Tim Miller, fundador de Blur Studio y responsable de la antología ‘Secret Level’, y que será productor junto a Cavill. Dave Wilson será el creador y director junto al guionista John Orloff, que participó en la escritura de la aclamada ‘Band of Brothers’ de HBO.

Cabe tener en cuenta que Dave Wilson ya dirigió el episodio de ‘Secret Level’ que se hizo sobre ‘Warhammer 40k’, por lo que ya conoce la franquicia y cómo es llevarla a la pantalla. Y es que participó ya en la mencionada antología, lanzada a finales de 2024 en la plataforma Prime Video.

Fue concretamente en el quinto capítulo, que fue a su vez uno de los mejor recibidos por el público, y que ya tuvo animación a cargo del mismo estudio, Blur Studio, que va a participar en la serie. Un proyecto en el que tampoco extraña la participación de Henry Cavill, que ha mencionado en varias ocasiones ser fan del juego y que ya tuvo interés de llevarlo al cine y a la pequeña pantalla.

Los orígenes de ‘Warhammer 40k’

La franquicia de ciencia ficción ‘Warhammer’ nació como un juego de mesa de guerra a finales de la década de 1980, con figuras en miniatura que los jugadores se encargaban de armar y pintar, siendo un formato que todavía sigue vigente y que tiene todavía una amplia base de fans. Pero a su vez, luego dio el salto a la industria de los videojuegos, con varias adaptaciones, entre ellas la saga dentro del universo, ‘Space Marine’

Natalia Huarte es de Pamplona. Se fue muy pronto a Madrid a estudiar teatro. De eso hace 16 años. Ahora, con 36, está en plenitud. Bajo las murallas del castillo de Olite (Navarra) demostró el momento de libertad y sabiduría escénica que ha conquistado. Lo hizo con su nueva obra, Leonora, un monólogo escrito y dirigido por Alberto Conejero sobre la pintora inglesa Leonora Carrington. Una hora de despliegue actoral, de dominio escénico, de cuerpo y palabra que el público del festival agradeció a quien ya es su actriz preferida.

Huarte está contenta, se le nota en los ojos, en la mirada. La actriz que lo hizo todo en teatro lleva dos años más quieta, comenzando carrera en cine, afianzando su presencia en las series (Legado, Innato, Querer) y apostando por este proyecto que ha levantado junto a Conejero. La actriz joven que era todo talento y técnica, perfecta en el decir, recta en el estar, ha ido asalvajándose, chupando de cada director y cada proyecto, dejándose, permitiéndose.

Leonora Carrington fue una inglesa de buena familia, de padre autoritario, rebelde desde pequeña, que conoció la Francia intelectual de los años treinta, que mantuvo un romance con Max Ernst, que huyó a España y fue víctima de una violación grupal por unos oficiales requetés, que escapó de este país y se afincó en un México fructífero donde su arte, alucinado, surreal y enigmático, floreció como nunca. Esta obra sobre ella abrirá en septiembre la temporada de Teatro de la Abadía de Madrid. Después le seguirá una larga gira por España. De aquí a mayo del año que viene ya tiene cerradas veinte plazas, Londres entre ellas. Antes, este mismo primero de agosto, la obra aterriza en Palma de Mallorca, con una versión site-specific para el museo Cran Prunera.

¿Cómo nació Leonora?

Alberto Conejero me llamó para una lectura dramatizada del texto. No nos conocíamos, y en esos cuatro días de ensayo pasó algo, nos enamoramos un poco. Y luego, cuando Alberto decidió dirigirlo, me llamó. Es un proyecto que ahora va muy bien, hay funciones, la gente la aprecia, pero al principio era todo un poco kamikaze.

¿Y ese flechazo con Conejero?

Son cosas que pasan en la vida, te encuentras con alguien en un determinado momento y conectas. Funcionó porque nos empezamos a reír mucho. De Alberto tenía una imagen de hombre serio que sabe mucho. Yo iba un poco cagada, pero ya el primer día vi que tenía el mismo humor que yo. Nos pusimos a proponer, cada uno desde su bagaje. Lo que ha sido precioso es la mirada horizontal que ha tenido todo el rato como director. Hay un momento en tu vida que te apetece eso: encontrarte con alguien que va a sacar de ti muchas cosas, pero que te va a dejar hacer.

Leonora Carrington es un personajazo con una fuerza sobrehumana, ¿cómo ha sido la relación con ella?

Al principio del proyecto le pregunté a Alberto si debía investigar sobre ella. Decidimos que no, incluso su libro Memorias de abajo lo he leído a posteriori, un libro terrible, con mucho dolor. Sin embargo, yo me centré en el texto de Alberto, que no está tan ahí, que es más luminoso. Trabajé lo que me pasaba a mí con el texto, más que con la figura de Leonora. Decidí llevar mi ropa en escena, Conejero decidió quitar toda escenografía, no hacer proyecciones de sus cuadros. Las imágenes ya están en el texto. No quisimos imitarla o llevar su imagen a escena, sino, como dice el texto, pintar un lienzo cada noche con la palabra y el cuerpo. Esa idea, quiero creer, le gustaría a Leonora.

Trabajé lo que me pasaba a mí con el texto, más que con la figura de Leonora Carrington. Decidí llevar mi ropa en escena. Conejero decidió quitar toda escenografía y no hacer proyecciones de sus cuadros

Han pasado muchas cosas desde que, recién salida de la escuela, ingresó en la compañía joven de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) en 2013. Después de una larga estancia en la compañía, trabajó con Alfredo Sanzol y, tras la pandemia, la locura. Directores muy diferentes no dejaron de llamarla. Le planteo un juego: hablemos de su evolución a través de los montajes que ha realizado. De la época en la CNTC, ¿con qué obra, por las razones que sea, se queda?

Con El perro del hortelano dirigido por Helena Pimenta, sin duda. Ahí noté que algo cambiaba en mi forma de hacer. Interpretaba a Marcela, un personaje más grande que además hacía con la compañía principal de la CNTC, con un reparto de gente mayor que yo, con mucha más experiencia. Los protagonistas eran Marta Poveda y Raúl Castejón. Me acuerdo que dije: “Aquí tienes que ser valiente o, si no, desapareces”. Yo siempre había sido muy obediente. Yo me atreví y Pimenta me lo permitió. Había días que me decía “¿pero qué haces?”, y yo le respondía, “cosas” [ríe]. Luego volví a ser obediente, dio un paso para atrás…

¿Qué pasó?

Llevaba muchos años en la compañía. Tenía ganas de salir, de probar otras cosas, enfrentarme a llamar a puertas, a hacer pruebas, a crecer… Y justo en Olite me apunté a un taller con Alfredo Sanzol y Andrés Lima. Conocí a Sanzol, trabajé mucho las improvisaciones, hablé en escena incluso con acento navarro, fue superintenso. Y justo después me llamó para montar La valentía. Me cagué, me asusté. Le decía a Sanzol que yo no podía, que no sabía hacerlo. Veía el reparto con Natalia Huarte, con Inma Cuevas, con Francesco Carril… Y me volví obediente de nuevo. Francesco me imponía mucho, por ejemplo, me daba miedo tenerle al lado. No me creía capaz de ser graciosa. Sí, me cagué. Tengo que reconocerlo. Fue un montaje que sentí que me hacía pequeña. Pero Alfredo, que es maravilloso, me decía que no y luego me llamó para El bar que se tragó a todos los españoles.

¿El bar que se tragó a todos los españoles es el montaje que destacaría de su siguiente etapa, tras la CNTC y antes de la pandemia?

Sin duda. Fue un montaje muy especial, la hacíamos todavía con restricciones. No había cervezas ni conversaciones con el público. No sabíamos nada de lo que pasaba. Íbamos al teatro, la hacíamos y nos teníamos que volver a casa corriendo. Fue más tarde que fuimos viendo lo que había supuesto en el público. La gente estaba con ganas de ir al teatro y la obra creo que daba ganas de vivir… Creo que le vino muy bien, paradójicamente, ese comienzo de casa-función-casa. Los actores hicimos un grupo muy fuerte, concentrado todo en el trabajo. Fue hermoso.

Tras este montaje comienzan tres años de frenesí absoluto, de un montaje tras otro con directores tan buenos como distintos: Iñaki Rekarte, Josep María Flotats, Marta Pazos, Lucia Carballal, Laila Ripoll y Luz Arcas con quien le dieron el Premio Max a la mejor interpretación femenina por Psicosis 4:48. Me imagino que imposible elegir uno, pero ¿qué momento personal elige?

Es verdad que es difícil, fue una época que pude llevar a cabo porque estaba muy centrada, era un montaje tras otro, me llamaban y me querían, no sabía bien por qué, no sé qué veían, pero me monté en la ola. Tengo una conversación muy guardada con Lucía Carballal en la segunda semana de ensayos de Los pálidos. Lucía me sentó en una cafetería y me dijo: “Me encanta todo. Te he llamado porque quiero trabajar contigo, pero sé que hay un lugar más, hay algo más”. No fue muy específica, pero a la vez sí. Ella sabía que la iba a entender y se atrevió, porque podría no haber tenido esa conversación conmigo. Y me dijo: “Atrévete a ese sitio. Vamos a hacerlo juntas. No se trata del resultado, no sé a dónde va y no empieza hoy ni acaba mañana”.

¿Cómo es ese lugar?

Un lugar donde sabes menos, más incómodo de habitar. Y dije, “qué cabrona, ese viaje lo voy a hacer contigo”. Lucía abrió una puerta muy importante para mí, no siempre lo hago, a veces vuelvo a lo que ya sé, a sitios más conocidos, pero cuando me atrevo a recordar aquella conversación me aventuro a ir a ese sitio donde sé que se me puede ir la función a la mierda o puede brillar. Y a veces se va un poco a la mierda y otras veces brilla. Pero Lucía fue la que me llevó ahí. Y para mí ese momento es vital, cambió mucho mi forma de trabajar.

Esa lucha entre la obediencia y el rebelarse, entre el control y el dejarse ir está muy presente en su evolución, ¿no?

Hay gente que empieza desde un sitio más caótico e intuitivo, y luego con los años va apareciendo la parte más técnica y eso ayuda a ordenar. Mi camino creo que es justo lo contrario: sentir que tengo que llegar a la perfección, que tengo que hacerlo bien. Desde pequeña, con mi uniforme en el colegio de monjas de Pamplona, con mi pelito y buenas notas. El asunto es que no sé para quién tenía que hacerlo todo bien, quién me estaba mirando todo el rato juzgándome. Esa es la pregunta que tengo ahora, pero “¿para quién querías hacerlo bien?”. Ahora estoy en un momento de mandarlo a tomar por culo y poder equivocarse, de no tener palabras para todo, de perderse.

Tras esos tres años de frenesí paró un poco, ¿fue voluntario?

Sí, lo fue. La acumulación produce cansancio, no podía seguir con ese ritmo. Hablé con mi manager y decidimos parar. También me apetecía hacer más audiovisual, ya hacía series (Amar es para siempre, Innato o Por cien millones), pero quería hacer más cine.

No sé para quién tenía que hacerlo todo bien, quién me estaba mirando todo el rato juzgándome. Ahora estoy en un momento de mandarlo a tomar por culo y poder equivocarse, de no tener palabras para todo, de perderse

Ahora va a estrenar Pájaro que agoniza de Diego Llorente e inicia el rodaje de Perseidas con Ignacio Lasierra. En teatro, de repente, o poco a poco, se fue revelando la gran luz y fuerza, la mezcla de técnica y fragilidad, que tiene como actriz. ¿Está por llegar que eso pase en el celuloide?

Ojalá. Pero estoy comenzando, aprendiendo lo que es un rodaje. En el cine no tienes el mismo control de lo que haces que en teatro. En cine haces una escena que no sabes cómo se registra, con qué plano, cómo se montará luego. Haces una escena y te olvidas, nunca más la volverás a hacer. Y al día siguiente llega otra. Es muy distinto. Estoy aprendiendo. Ahora me apetece comenzar a desobedecer frente a la cámara, atreverme a aparecer… Pero para eso hay que trabajar y aprender. Cuando veo a Vicky Luengo o a Susana Abaitua, flipo con cómo se atreven, aprendo mucho. Tengo referentes de mi generación y eso es muy grande. Creo que estamos ante un gran momento de actrices.

El tema de la obediencia que comenta, ¿tiene que ver un poco con el síndrome del impostor? ¿Cree que es algo más habitual para las mujeres que para los hombres?

Sí, creo que nos ha ocurrido más. Pero egoístamente no me lo quiero contar así. Yo soy una persona que a veces me hablo mal. Y no quiero hacerlo más. Si los hombres llevan años sin ningún problema yo también lo voy a aprender y no estar siempre afirmando que no soy impostora, que no le estoy quitando un lugar a nadie. Esa sensación de ser obediente porque alguien me va a decir que lo hago mal, que no vales, es una mirada dura y bastante masculina. Estamos en un momento, y por eso hablo de referentes de mi generación, donde sí podemos conquistar el espacio que nos toca.

¿A qué se refiere?

Ya no solo hablo de los trabajos de Luengo, Abaitua, Stéphanie Magnin o Loreto Mauleón, que me encantan, sino del paso que han dado al frente. Me encanta verlas en entrevistas, me flipa cómo van a los sitios, desde dónde hablan, desde dónde reflexionan sobre la amistad entre nosotras, de dónde nos colocamos cada vez que vemos a una colega subir un escalón más que tú. Nos estamos atreviendo a hablar desde nuestro propio lenguaje y eso es honesto y valiente. Para mí, ese lenguaje es nuevo y lo estamos haciendo entre todas. Creo que se nos va a quitar el síndrome de impostoras ya.

Y ahora, después de Leonora, ¿tiene ya un nuevo proyecto en teatro?

Hasta el verano que viene estaré centrada en esta obra y entre medias haré los rodajes. Quería comprometerme con este proyecto independiente, hacer posible que tenga gira y no dejarme llevar por este tiempo de tanta incertidumbre, tanta prisa y tanto miedo.

“Ha creado historias en el campo que yo nunca podría haber escrito, y espero crear películas inspiradoras con él: es un superhéroe de la vida real”. Estas palabras del director británico Matthew Vaughn, responsable de la franquicia Kingsman y de películas como X-Men: Primera generación, se refieren a Cristiano Ronaldo. Y lo que han construido juntos acaba de dar su primer fruto: Day 1s, una serie dramática ambientada en el mundo del fútbol profesional en la que el delantero portugués hará su debut como actor de ficción.

Day 1s nace de una idea original del agente deportivo Darren Dein y no transcurre en el terreno de juego. La trama sigue a Stanley Dalton, un prestigioso agente de fútbol afincado en Reino Unido que debe moverse entre negociaciones millonarias, luchas de poder y relaciones de alto riesgo dentro de una agencia de élite ficticia. La producción ha sido comparada con Ballers, la serie de HBO protagonizada por Dwayne Johnson, aunque con un enfoque más centrado en los entresijos empresariales que en el glamour. El rodaje ya ha empezado en Londres y la producción va a cargo íntegramente de UR Marv Studios.

Thierry Henry y Damian Lewis también forman parte del proyecto

UR Marv Studios es la productora conjunta que CR7 y Matthew Vaughn crearon en abril de 2025, una rama de Marv Studios, la productora del director, que fusiona su nombre con el “UR” que Cristiano Ronaldo utiliza en todas sus plataformas digitales, incluido su canal de YouTube UR Cristiano. Antes de Day 1s, la compañía ya había completado dos películas de temática deportiva y tiene una tercera en desarrollo, pero esta será la primera vez que hagan una serie para televisión.

El papel principal de Stanley Dalton lo interpreta Damian Lewis, conocido por series como Homeland, Billions y Band of Brothers. Junto a él, Ronaldo aparecerá en un papel que todavía no se ha hecho público. El reparto incluye también al exdelantero francés Thierry Henry y al rapero británico Dave. La mezcla de figuras de fútbol real con actores profesionales busca darle más realismo a una trama que se adentra en la cara menos visible del deporte rey.

El primer papel de ficción de un futbolista que ha sabido diversificar

No es la primera vez que el futbolista portugués aparece en pantalla. En 2015 protagonizó el documental Ronaldo, que repasó su carrera hasta ese momento. Además, ha aparecido varias veces en Soy Georgina, el docureality de Netflix protagonizado por su pareja Georgina Rodríguez. Pero en ninguna de esas experiencias ha tenido que interpretar un personaje de ficción con guion. Day 1s marcará, por tanto, su debut real como actor en el sentido estricto de la palabra.

Con 41 años y actualmente jugando en el Al-Nassr de Arabia Saudí, Ronaldo llega a este proyecto en un momento de transición personal y profesional. CR7 dejó la seleccion portugues tras caer eliminados en octavos de final del Mundial 2026 ante España, pero eso no le ha impedido seguir pensando en el futuro y ver más allá del fútbol. Es el futbolista con más seguidores de Instagram, más de 600 millones de seguidores, y lleva años invirtiendo en hoteles, moda, tecnología, medios de comunicación, clínicas estéticas, etc. Su apuesta ahora por el séptimo arte completa un perfil de empresario mediático que va mucho más allá del fútbol.