El mundo del cine despertó este lunes con la triste noticia del fallecimiento del actor Sam Neill a los 78 años, conocido en gran parte por su papel en la saga ‘Jurassic Park’, por causas repentinas después de haber superado un cáncer, algo que él mismo había anunciado el pasado abril.

El intérprete tuvo una larga carrera en el cine y en la televisión, con varios papeles más allá de su protagonista en ‘Parque Jurásico’, como ‘El Piano’ de Jane Campion, ‘La Caza del Octubre Rojo’ o ‘En la boca del miedo’, pero tuvo tiempo también de arrepentirse de no haber dicho que sí a algunos personajes que le llegaron a proponer.

El personaje con el que se quedó con las ganas: “Es lo único de lo que me arrepiento”

Sam Neill, nacido en Irlanda del Norte, pero con triple nacionalidad irlandesa, británica y neozelandesa, tuvo una longeva carrera en el cine y la televisión, con un papel, el del doctor Alan Grant en ‘Parque Jurásico’ de Steven Spielberg que le dio la fama ante el gran público.

Sin embargo, tuvo momentos para reflexionar y aunque participó en grandes títulos, también se arrepintió de decir que no a algún personaje, concretamente el de protagonista en la película de culto ‘Las aventuras de Priscilla, reina del desierto’, que fue todo un éxito comercial en 1994 y que se llevó el premio Oscar a mejor diseño de vestuario.

“Es lo único de lo que me arrepiento, de haber rechazado el papel de 'Las aventuras Priscilla, reina del desierto'. Probablemente sea indiscreto decirlo, pero lo diré de todos modos: Terence Stamp terminó interpretando el papel”, aseguró en el medio australiano News.

El recientemente fallecido actor, a su vez, aclaró que esto no se debe a que esto no era porque tuviera que interpretar a una mujer transgénero, sino que se debía a que no conectó con el filme de Stephan Elliott: “Simplemente no la entendí. No me pareció gracioso en el guion, pero resultó ser una película maravillosa. Ese es mi único arrepentimiento”.

A lo que también añadió en su momento: “Me equivoqué, porque no se trataba de vestirme de mujer, algo que me encantaría hacer; de todas formas, siempre llevo vestido. Habría sido divertido trabajar con mi amigo Hugo Weaving y Guy Pearce”, concluyó.

Se prepara una secuela

El papel, como bien dijo el propio Sam Neill, fue interpretado por Terence Stamp y fue el de Bernadette Bassinger. Un personaje que retomó el actor, fallecido en agosto de 2025 a los 87 años, pero que llegó a tiempo a rodar sus escenas de la segunda parte que está en estos momentos en fase de desarrollo y postproducción.

De esta forma, ‘Las aventuras de Priscilla, reina del desierto’ tendrá continuación más de tres décadas después de su estreno, aunque no se saben detalles de una historia que en su día seguía el viaje hacia Sidney de los ocupantes de un bus que también se llamaba Priscilla, y en el que sus acompañantes iban vestidos de ‘drag Queens’.

Sam Neill pudo ser James Bond

Además de arrepentirse de su papel en ‘Las aventuras de Priscilla, reina del desierto’, Sam Neill también reveló que su peor momento lo vivió al audicionar para ser James Bond en 1980: “Probablemente fue el peor día de mi vida. Me entró un sudor frío. Acababa de llegar a Inglaterra y tenía un nuevo agente que me dijo: 'Cariño, creo que eres perfecto para James Bond'. Le respondí: 'En realidad no quiero ser James Bond, no me veo como James Bond; odiaría quedarme atrapado en esa [franquicia]'”.

La vida se abre camino. Es una de las grandes enseñanzas que nos dejó Parque Jurásico, la aclamada película que hoy es imposible no asociar al rostro de Sam Neill, el paleontólogo que nos enseñó a mirar con asombro el pasado mientras el futuro se descontrolaba ante nuestros ojos. El actor neozelandés ha fallecido este lunes en Sídney, Australia, dejando al cine un enorme legado de películas por las que perderse y recordarlo. El intérprete tenía 78 años y durante años estuvo con tratamiento por un cáncer del que informó en abril que estaba libre.

Nigel John Dermot 'Sam' Neill nació en Omagh, dentro del condado de Tyrone, en Irlanda del Norte, donde su padre estaba destinado en ese momento, sirviendo en la Guardia Irlandesa. Su nombre artístico, Sam, surgió en el colegio, puesto que en su clase había otro niño que se llamaba Nigel y decidieron que para evitar errores él fuera conocido como Sam. Y tanto que se le acabaría conociendo con ese nombre: tras trabajar en la compañía de cine de Nueva Zelanda ya como actor y director, comenzaría a destacar en la década de los 80. No obstante, fue más adelante, en los 90, cuando llegarían sus mejores trabajos.

'Calma total' (1989)

No es una de las películas más conocidas de Sam Neill, pero sí es una de sus más inquietantes. Basada en una novela de Charles Williams, el terror y el suspense psicológico se entremezclan en esta tensa cinta liderada también por Nicole Kidman y Billy Zane. En ella, un matrimonio trata de recomponer su vida tras perder a su pequeño hijo en un trágico accidente de coche. Como una terapia para superar el dolor, deciden emprender un viaje en su yate por el océano, donde acaban rescatando a un único superviviente de una goleta en ruinas. Una vez que el marido decide ir a investigar el barco abandonado, el joven les explica que es el único superviviente de una intoxicación alimentaria que ha acabado con toda la tripulación. Pero no todo es lo que parece y el largometraje aprovecha el aislamiento del mar para generar pánico.

'La caza del Octubre Rojo' (1990)

Sam Neill, junto a Sean Connery y Alec Baldwin, protagoniza este filme ganador de un premio Oscar a mejores efectos sonoros. La película, basada en la novela de Tom Clancy, presenta a un analista de la CIA, Jack Ryan, al que se le encomienda descifrar las verdaderas intenciones del comandante de un moderno submarino soviético. Se trata de un caso que, aparentemente, y dada la tensa situación de la Guerra Fría, amenazaba con iniciar una III Guerra Mundial, pero que acaba demostrando un deseo desesperado de deserción hacia Occidente. El resultado, con Neill encarnando al leal segundo al mando, es un entretenido drama militar y de intriga que obliga al espectador a contener la respiración bajo el agua.

'Parque Jurásico' (1993)

Es una de las mejores odas a la aventura cinematográfica, una de esas películas que te devuelven la ilusión de la infancia y que hacen homenaje a la gran pantalla. Steven Spielberg dirige en este largometraje a unos inspiradísimos Sam Neill, Laura Dern y Jeff Goldblum, que también cuenta con Richard Attenborough y Samuel L. Jackson. Basado en la exitosa novela de Michael Crichton, escrita en 1990, relata la historia de un grupo de científicos en una remota isla de Costa Rica donde los dinosaurios vuelven a la vida. Una historia que acabó cosechando tres premios Oscar: a mejor sonido, mejores efectos sonoros y mejores efectos visuales.

La trama se convierte en un auténtico reto de supervivencia cuando una pareja de eminentes científicos y un matemático visitan el parque temático para comprobar la viabilidad del proyecto. Sin embargo, los animales prehistóricos escapan de sus jaulas y se desata el caos, poniendo a prueba la codicia del ser humano y la fuerza de la naturaleza. La cinta dio lugar a una de las franquicias más importantes de la historia del cine. Muchas son las entregas de la saga que siguen estrenándose en cartelera, pero hubo dos inmediatas sucesoras: El Mundo Perdido (1997) y Parque Jurásico III (2001).

'El piano' (1993)

Estamos ante una de las películas más aclamadas de los años noventa. Escrita y dirigida por la cineasta Jane Campion, con Holly Hunter y Harvey Keitel como coprotagonistas, la película sigue a ambos personajes y a un frío terrateniente, interpretado por Sam Neill, en su viaje a la Nueva Zelanda colonial de mediados del siglo XIX. Ambos se conocen por un matrimonio concertado, pero pronto el valioso piano que ella trae de Escocia abre una brecha insalvable cuando él decide vender el instrumento a un vecino. Esto propicia un pacto de encuentros íntimos en torno al piano, un debate silencioso pero doloroso que marcará la vida de los tres mientras intentan sobrevivir a sus propias pasiones.

El filme fue reconocido, sobre todo, por el papel de Hunter, que ganó el premio Oscar a la mejor actriz principal tras haberse hecho con el Globo de Oro por el mismo motivo. También hizo lo propio Anna Paquin, que forma parte del reparto, logrando la estatuilla a la mejor actriz de reparto. Campion, por su parte, obtuvo el Oscar al mejor guion original. Su éxito en la temporada de premios comenzó tras su victoria en el Festival de Cannes, donde El Piano triunfó en el palmarés.

'En la boca del miedo' (1994)

El cineasta John Carpenter confió en Neill para protagonizar esta asfixiante película para amantes del miedo psicológico en la que estuvo acompañado por Jürgen Prochnow y Charlton Heston. El largometraje se inspira directamente en el universo literario de H.P. Lovecraft, mostrando cómo un detective especializado en destapar fraudes es contratado por una editorial para localizar al famoso escritor de terror Sutter Cane, desaparecido misteriosamente antes del lanzamiento de su próxima novela en la que se presupone que es, erróneamente, una táctica de promoción.

Pero esta no es la única pesadilla cinematográfica que forma parte del catálogo de Sam Neill. El intérprete también forma parte de películas de terror como Horizonte (1997), aunque esta se encuentra más cercana a la ciencia ficción. La trama comienza con la repentina reaparición de la nave experimental Event Horizon, desaparecida misteriosamente años atrás en Neptuno. Su diseñador, el doctor William Weir, se une a un equipo de rescate militar para recuperar el navío y descubrir qué ocurrió a la tripulación original, dando así vida a un filme oscuro y casi claustrofóbico.

Las enemistades en Hollywood siempre han dado mucho que hablar. Actores que en la pantalla hacen de aliados, incluso de pareja, y que después no pueden ni verse una vez el director grita “corten” hay muchísimos. Quizá uno de los casos más sonados es el de Ryan Gosling y Rachel McAdams, de los que se dice que incluso llegaron a gritarse en el set de El diario de Noa.

Lo que suele pasar es que los implicados no hacen referencia a estos malentendidos, suponemos que en parte por no perjudicar directamente su trabajo. Sin embargo, hay otros que no tienen pelos en la lengua y que, con el tiempo, han compartido lo mal que se llevaban en el momento en que colaboraron juntos en una película. Hoy recordamos el caso de Shirley MacLaine y Anthony Hopkins.

Ambos protagonizaron juntos Solo para adultos, una película que se estrenó en 1980 y en la que se ponían en la piel de un matrimonio en crisis. Hopkins interpreta a un profesor universitario que comienza una relación con una estudiante joven. Cuando su esposa (MacLaine) descubre la aventura, en lugar de simplemente separarse, decide tener también una relación con un hombre más joven.

El largometraje fue un enorme fracaso tanto para la crítica como en la taquilla. Para hacernos una idea, en los premios Razzie de aquel año, unos galardones que reconocen lo peor del cine y que son conocidos como los anti-oscar, la comedia dramática recibió tres nominaciones a Peor Actor (Anthony Hopkins), Peor Canción y Peor Guion.

Lo que dijeron los actores

Según recogen medios como Best Life, tiempo después de que la película se estrenara en cines, Hopkins fue el primero en criticar a su compañera de reparto. “Fue la actriz más insoportable con la que he trabajado”, llegó a decir de MacLaine, aunque no dio más detalle sobre qué era exactamente lo que le molestó de ella durante las semanas que compartieron juntos.

En aquel momento, el ganador de dos premios Oscar por El silencio de los corderos (1991) y El padre (2020) no era el primero que criticaba a Shirley. El director Don Siegel, a cargo de la película Dos mulas y una mujer (1970) que la actriz protagonizó junto a Clint Eastwood, también había cargado contra ella. “Es difícil sentir cariño por ella. Es muy poco femenina y tiene demasiado carácter. Es muy, muy dura”.

En 2014, casi 30 años después de que MacLaine y Hopkins compartieran set de rodaje, la periodista Bárbara Hoffman del diario New York Post le preguntó directamente a la actriz cuál era su opinión sobre aquella declaración que Anthony había hecho tiempo atrás. Shirley, ya consagrada como una estrella de Hollywood, fue directa. “A mí tampoco me caía bien, pero en aquel momento estaba sobrio y lo estaba pasando mal”.

El actor neozelandés Sam Neill, conocido entre otros muchos por su papel en Jurassic Park, ha muerto este lunes en Sídney, Australia, según ha informado su familia en un comunicado. El intérprete tenía 78 años y durante años estuvo con tratamiento por un cáncer del que informó en abril que estaba libre.

“La pérdida fue repentina e inesperada, pero con el consuelo de que Sam se mantuvo libre de cáncer”, asegura el escrito de la familia, que pide respeto y privacidad ante esa “pérdida inconmensurable”.

El actor tuvo una larga trayectoria tanto en cine como en televisión. Además de la saga Jurassic Park, participó en producciones como Peaky Blinders, El Piano de Jane Campion, por la que fue reconocida con la Palma de Oro en el Festival de Cannes; o Merlín, que le sirvió de nominaciones a los Emmy y los Globos de Oro.

Nigel John Dermot 'Sam' Neil nació en Omagh, dentro del condado de Tyrone, en Irlanda del Norte, donde su padre neozelandés estaba destinado en ese momento, sirviendo en la Guardia Irlandesa. Su familia fue propietaria de la mayor distribuidora de licores de Nueva Zelanda, país al que el posterior actor regresó en 1964. Allí estudió literatura inglesa en la Universidad de Canterbury, donde tuvo su primer contacto con la interpretación. Posteriormente se trasladó a Wellington, donde finalizó sus estudios y se graduó como en Artes y Literatura Inglesa.

Su nombre artístico, Sam, surgió desde el colegio ya que, dado que en su clase había otro niño que se llamaba Nigel, decidieron que para evitar errores él fuera conocido como Sam. Tras trabajar en la compañía de cine de Nueva Zelanda ya como actor y director, fue seleccionado para protagonizar Sleeping Dogs. Después trabajó con Judy Davis en My Brilliant Career y Omen III: The Final Conflict en 1981, secuela de La profecía.

Neil contaba con triple nacionalidad, neozeladesa, británica e irlandesa. En Reino Unido comenzó a destacar en década de los ochenta, especialmente gracias a su papel principal en la miniserie Reilly, Ace of Spies. Durante su carrera le llegarían otros grandes títulos como Calma total (1989), La caza del Octubre Rojo (1990), El piano (1993), En la boca del miedo (1994), El hombre Bicentenario (1999) y La luna en directo (2000).

Eso sí, uno de sus personajes más reconocidos fue el del doctor Alan Grant de Jurassic Park, en 1993, a las órdenes de Steven Spielberg, junto a Laura Dern y Jeff Goldblum. Filme que le catapultó definitivamente a la fama internacional.

Por su implicación en la saga terminaría rechazando participar en otra de las más populares de la historia del cine, El Señor de los Anillos. Peter Jackson le ofreció encarnar a Elrond, pero el intérprete rechazó la oferta porque ya había firmado estar en Jurassic Park III (2001). En 2022 regresó al universo de los dinosaurios con su participación en Jurassic World Dominion en 2022. Tres años antes visitó el Festival de Sitges, en el que recibió el Gran Premio Honorífico por su trayectoria.

En 1995 escribió y dirigió junto a Juudy Rymer Cinema of Unease: A personal Journey by Sam Neill, en la que contó sus recuerdos personales sobre la historia del cine neozelandés. Otras de las producciones en las que trabajó fueron ficciones como Happy Town (2010), Alcatraz (2012), Rick y Morty (2019) y las dos primeras temporadas de Peaky Blinders, entre 2013 y 2014. Además, Neill fue nominado tres veces al Globo de Oro, por su trabajo en Merlín–por la que también optó al Emmy–, One Against the Wind y Reilly: Ace of Spies.

Neill fue diagnosticado de cáncer de sangre en marzo de 2022, cuando se encontraba en plena promoción de Jurassic World: Dominion. El intérprete lo hizo público un año después, en una entrevista con The Guardian, donde explicó que la enfermedad estaba bastante avanzada. Sin embargo, en abril de este mismo año, informó de que había remitido. “Me acaban de hacer una tomografía y no hay cáncer en mi cuerpo, es algo extraordinario”, anunció en televisión, “ya es hora de que haya otra película”.

Valle-Inclán ha renacido en escena con el estreno de Farsa y licencia de la Reina Castiza. Un Valle más Valle que nunca y nuevo a la vez. La culpable es Ana Zamora y su compañía Nao d’amores. El texto, nada menos que una de las obras donde el teatro del gallego comienza a mutar hacia el esperpento. Una época de su teatro oscura, por poco y mal representada, que Zamora consigue iluminar.

La obra transcurre a lo largo de un día en que la Isabelona, como buena borbona, sale de juerga a un baile de candil, que era cómo los jóvenes de la época se divertían por la noche. Sería, salvando las distancias, como hoy irse de rave. Era la manera que tenía la reina de poder pescar amantes tersos y de buen ver. La correrías de Isabel II fueron bien conocidas en esta reina que se movía entre el desenfreno y su confesor, el Padre Claret y Sor Patrocinio, aquella monja de las llagas que tan bien inmortalizó Valle.

Valle utiliza esta velada para mostrar la decadencia moral y política de la corte en todos sus estamentos. Convierte la corte en un gran guiñol, tan vivo como abyecto. Cada personaje, desde los criados hasta el rey consorte, está retratado en mueca, son fantoches con alma de títere. Esa visión satírica permite al autor el retrato de una época sin concesiones, un retrato lleno de libertad crítica donde no queda títere con cabeza.

Todo eso recoge Zamora. El teatro nuevo de Valle que todavía tiene retazos modernistas en el léxico y métrica, pero que ya mira desde otro lado y está dos pasos del esperpento. El juego teatral que recoge la tradición del sainete y Valle transforma en otra cosa. La vena popular llena de vida que Zamora sabe recoger en tonadillas de la época como el Tripili, en coplillas de tradición oral castellana o en ese “trágala perro, tú que no quieres la constitución” que los españoles cantaron desde Fernando VII hasta la Guerra Civil.

Qué importante es la música en esta compañía. Y en esta ocasión, con Isabel Zamora al piano, la música vuelve a relanzar el montaje, a elevarlo al conseguir iluminar los hilos que unen la prosa de Valle con el arte popular. Y es que Zamora sabe fusionar como nadie la investigación y la creación. La combinación del rigor con una clara apuesta por la creación (tanto a nivel actoral, de vestuario, de concepción espacial y de dramaturgia) consiguen que la directora alcance hallazgos memorables.

Un pequeño ejemplo: al comenzar la obra, la Isabelona (Paula Iwasaki) reina vertical en el espacio. Y en sus faldas enormes, que se despliegan por todo el escenario, descansa el pueblo, una sarta de muñecos dormidos en su regazo. La falda construye un ruedo emulando así la serie literaria que Valle comenzó a escribir y no pudo acabar, El ruedo ibérico. Sintético comienzo, tan metafórico como pertinente, ahí está toda España habitada con sus seres de cachiporra en vertical injusticia.

El proyecto del ruedo ibérico comenzó precisamente con uno de los libros más impresionantes de este autor, La Corte de los milagros, ejemplar donde el autor acomete la autopsia más despiadada sobre, precisamente, el reinado de Isabel II. Esa ligazón que hace Zamora entre la obra narrativa y el teatro de Valle es inspiradora.

Hay que recalcar que el teatro de Valle no solo no se estrenaba por su dificultad, sino también por razones políticas. Farsa y licencia se publicó por partes en la revista La Pluma en 1920, pero tardaría once años en estrenarse. Tuvo que llegar la II República Española para que la compañía de Irene López Heredia y Mariano Asquerino la estrenasen en el Teatro Muñoz Seca.

La obra recoge una época que dista 60 años del momento en que Valle lo escribió. Pero la intención es clara: hablar del pasado reciente y afrontarlo con furibunda mirada de presente. Valga una anécdota que ilustra esta voluntad. El historiador Melchor Fernández Almagro contó que Valle Inclán hizo llegar a Alfonso XIII la primera copia de la obra con este dedicado: “A S. M. el Rey D. Alfonso XIII. Señor: Tengo el honor de enviaros este libro, estilización del reinado de vuestra abuela Doña Isabel II, y hago votos porque el vuestro no sugiera la misma estilización a los poetas del porvenir”.

Durante la dictadura de Primo de Rivera, y bien que lo intentó con denuedo Cipriano Rivas Cherif, no fue posible. Alguien debería escribir un libro sobre la vida truncada, tanto política como teatral, de este madrileño. Lo tiene todo. Este montaje es en cierto aspecto un acto de justicia hacia él. Rivas Cherif siempre quiso montarla incluyendo las acotaciones líricas, como ahora ha hecho Zamora.

Hay cierta emoción histórica cuando los actores las dicen. Zamora las incorpora todo lo que puede a la acción dramática. Es increíble cómo encajan, cómo podemos oír a Valle describiendo con escalpelo a sus personajes. Un ejemplo es la descripción de Isabel II cuando flirtea: “Ríe la comadre feliz y carnal, y un temblor cachondo le baja del papo al anca fondona de yegua real”. Maravilla que desvela la mirada de Valle a sus personajes, desde la reina hasta el general Narváez (Rafa Ortiz) o el codicioso Soplón (Aisa Pérez).

Pero los hallazgos caen uno detrás de otro. Quizá el mayor esté en la manera de tratar actoralmente lo guiñolesco sin que se llegue a robotizar la mecánica del actor, sin caer nunca en la caricatura, salvando al personaje siempre. Incluso permitiéndose un homenaje como el que se hace con Jorobeta (Alejandro Pau), quien de repente sale de registro para acometer unas hermosísimas palabras —“Mi reino fue una nube de verano…”— con toda la dignidad del pueblo llano.

El secreto de este montaje está en la medida. En tratar todo con equilibrio, con mala leche, pero sin llegar a la caricatura que reste vida y juego. Un gran ejemplo es cómo está tratado el rey consorte, Francisco de Asís y Borbón (Miguel Ángel Amor), de quien cantaba el pueblo lo siguiente: “Paco Natillas es de pasta y flora, y mea de cuclillas como una señora”. Zamora lo dibuja blando y afectado, un tanto histriónico y melifluo, pero sin ensañarse nunca.

Un elenco que brilla

Todo el elenco está magnífico. Un elenco muy joven que significa también una renovación de la compañía. Por último, señalar la escenografía y el vestuario a cargo de Deborah Macias y David Faraco. Son descomunales. Y lo son porque están entregados al juego escénico al mismo tiempo que a la metáfora. El juego con los sombreros, que servirán para que el actor cambie de personaje, no puede ser más efectivo. Pero, además, esos sombreros se construyen con los tabloides de la época que al principio están esparcidos por el espacio.

Los personajes surgen de esas letras impresas, de esa época, la de Isabel II, donde nacieron más de 600 periódicos. Una prensa que se leía en voz alta en cafeterías y ateneos. Combativa, parcial y punzante donde el trampantojo y la caricatura iba vistiendo a este país de carnaval funesto. Y qué decir de esas faldas de la Isabelona, que unas veces son ruedo ibérico, otras campo de lenocinio y otras palacio.

Este montaje debería girar por toda España y que el pueblo pueda mirar a su autor renacido, con fuerza, tan teatral como vanguardista, tan barriobajero como excelso. Cómo suenan hoy esas últimas palabras en este Madrid recalentado hasta la médula: “En el reino de Babia de la Reina Castiza rueda por los tejados la pelota del sol”.

Decía Manuel Machado que esta era la pieza más importante de las tres farsas que Valle publicó bajo el título Tablado de marionetas para educación de príncipes. Y en este último agraciado trienio teatral, en el que hemos visto tres muy buenos valles —Luces de bohemia, Los cuernos de Don Friolera y este montaje—, destaca sobre manera esta farsa, por innovadora, valiente e iluminadora.

El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha entregado este miércoles al actor Luis Zahera, durante el rodaje en Santiago de la serie 'Animal', la Medalla de Oro de las Bellas Artes 2023, que no había podido recibir por motivos de agenda en la gala de entrega. “Aunque coincidir no ha sido sencillo, he tenido el placer de entregarle al fin esa Medalla que desde hace tanto le esperaba. Y como no podía ser de otra manera, hemos tenido que aprovechar un pequeño descanso durante el rodaje de 'Animal', serie en la que ahora está trabajando, para poder dársela personalmente”, ha expuesto el ministro en sus redes sociales.

En este mismo mensaje, Urtasun ha destacado la trayectoria de Zahera con monólogos, series de televisión y películas que le han llevado a convertirse “en uno de los rostros más conocidos del audiovisual español”. Así, ha puesto en valor que el reconocimiento a su “excelente carrera” viene dado por “el cariño de los espectadores”, pero también por los numerosos premios que ha conquistado, entre ellos dos Goya al Mejor Actor de Reparto y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes que se le concedió en 2023. Por último, Ernest Urtasun ha agradecido a Luis Zahera su tiempo, así como el “amor y la pasión” que dedica a su profesión para que, ha añadido, “el resto podamos seguir disfrutando de tu talento”.

En 1991, en plena explosión del grunge, el mismo año en que Nirvana lanzaba ‘Nevermind’, tres jóvenes afincados en Los Angeles con aspiraciones artísticas decidieron encerrarse en un garaje, colgarse los instrumentos y hacer ruido. La historia de Dogstar podría confundirse con la de cientos de bandas nacidas al calor de esa nueva subcultura musical y juvenil que abrazaba las guitarras distorsionadas, una estética descuidada y unas letras cargadas de melancolía y desencanto social. Sin embargo, había algo extramusical que diferenciaba a aquella banda del resto. En sus filas, uno de sus miembros estaba destinado a triunfar lejos de los focos del rock alternativo.

Keanu Reeves, bajista de la banda, ya apuntaba maneras en la gran pantalla. Ese mismo año el actor nacido en Líbano y criado en Canadá protagonizó la película de acción ‘Point Break’ (aquí traducida como ‘Le llaman Bodhi’), dirigida por Kathryn Bigelow, en la que encarna a un agente novato del FBI infiltrado en una banda de surfistas, y un drama sobre dos gays que ejercen la prostitución callejera titulado ‘My Own Private Idaho’, de Gus Van Sant, junto al malogrado River Phoenix.

Según la versión más extendida, Reeves y el futuro batería de su banda se conocieron en un supermercado ese mismo año. Robert Mailhouse también era actor, principalmente de televisión. Ya había dado el salto a la pequeña pantalla con un papel en una de las series más populares del momento, ‘Days of Our Lives’. Su rostro era familiar para millones de estadounidenses, pero no tanto como el de Reeves, un ídolo juvenil para la llamada generación X cuya trayectoria cinematográfica apenas estaba despegando. Estaban por llegar papeles como el de Jonathan Harker en ‘Drácula, de Bram Stoker’; Neo en la taquillera ‘Matrix’ o, más recientemente, John Wick en la entretenida saga de acción y mamporros del mismo nombre.

La banda que completa el cantante y guitarra Brett Domrose permaneció siempre a la sombra del icono cultural en el que se ha convertido Keanu Reeves, protagonista de incontables memes (¿recuerdan ‘Sad Keanu’?) y, sobre todo, una de las estrellas de cine en activo más carismáticas y queridas.

El propio actor ha expresado en algunas entrevistas que nunca se tomaron demasiado en serio la banda, que si no triunfaron en la música fue porque, sencillamente, no son buenos. Sea como sea, estamos hablando de Dogstar porque siguen en activo —se reunieron en 2023, después de un largo parón de más de 20 años— y han salido de gira por el mundo para presentar un muy meritorio cuarto elepé, ‘All In Now’, publicado a través de su propio sello discográfico, Dillon Street Records.

Entradas agotadas

Desconozco cómo está funcionando la gira, pero en Barcelona colgaron el cartel de ‘no hay entradas’ en una sala con capacidad para más de un millar de personas. Una hora antes del concierto, la Paral·lel 62 ya estaba medio llena. Encontrar un hueco a menos de treinta metros del escenario era misión imposible. La expectación por ver al bajista era máxima. ¿Habían ido para ver a su actor favorito interpretando a rockero o realmente admiraban a Dogstar? En el ambiente flotaba una excitación mitómana que estalló en cuanto el trío apareció sobre el escenario y empezó a sonar el punteo bañado en eco de ‘Siren’, uno de los cortes de su último disco.

Que buena parte de los presentes había comprado la entrada por el popular actor quedó claro desde el primer momento. Un mar de móviles en vertical emergió del público para seguir cada movimiento del bajista. Todos querían llevarse un pedazo de Keanu a casa, aunque fuera en forma de vídeo pixelado. Su primera y última visita a la capital catalana había sido en junio de 2024, formando parte del cartel del Primavera Sound. Verlos ahora en una sala como la antigua Barts era otra historia.

El mérito de Domrose

Reeves desprendía carisma en cada golpe de cuerda. Sin alardes y con mucha actitud, sudó la camiseta y saludó varias veces a un público que celebraba cualquier gesto, por pequeño que fuera, del protagonista de ‘Speed’ y ‘Matrix’. Sus compañeros, especialmente Domrose, fueron mucho más que actores secundarios en esta función. El cantante y guitarra, inevitablemente a la sombra del ídolo, sostuvo el peso del concierto con mucha profesionalidad y naturalidad, bordando un repertorio de AOR (Adult Oriented Rock) musculoso y melancólico a partes iguales deudor de bandas como U2, Echo & The Bunnymen y Simple Minds.

Con sobriedad y, sobre todo, solidez estos tres amigos de mediana edad interpretaron en su totalidad ‘All In Now’, un disco notable con canciones certeras como ‘Joy’, ‘Wing’, ‘Shards of Rain’, ‘What Is’ y ‘Exale’. Para el bis reservaron la pegada noventera de ‘Punch the Sky’, con ecos a Pearl Jam; un medio tiempo efectista como ‘Shallow Easy’; y la potente ‘Breach’, perteneciente a su anterior disco, ‘Somewhere Between the Power Lines and Palm Trees’ (2023). Próxima parada: el Mad Cool de Madrid, donde este miércoles compartirán cartel con Foo Fighters, Wolf Alice y The War on Drugs.

Nunca sabremos realmente qué habría sido de Dogstar sin Keanu. En cambio, sí parece evidente que Keanu necesita a Dogstar: girar por todo el mundo con dos viejos amigos y sentir la energía del público desde el escenario. Tocar el bajo en una banda de rock es, probablemente, su papel favorito.

El actor estadounidense George Clooney, de 65 años, será galardonado con el León de Oro en premio a toda su carrera en la 83 edición del Festival de Cine de Venecia, que se celebrará del 2 al 12 de septiembre de 2026, informó este lunes la organización en un comunicado.

Al aceptar el premio, Clooney (1961) afirmó: “He vivido muchísimos momentos extraordinarios en Venecia. El Festival de Cine de Venecia es sin duda mi festival favorito, y recibir el León de Oro es un inmenso honor. Probablemente también signifique que me estoy haciendo mayor, pero no pasa nada”.

Mientras que el director del certamen, Alberto Barbera, declaró que “en su triple rol como actor, director y productor, George Clooney es un artista completo y carismático, apasionado y original, que ha transformado una profunda vocación en una de las parábolas más luminosas del cine contemporáneo”.

“Una carrera que comenzó sin atajos, gracias a pequeños papeles en series de televisión y películas de serie B, hasta el gran éxito alcanzado como protagonista de la serie 'ER' ('Urgencias'), han forjado a un actor capaz de habitar la pantalla con una naturalidad cautivadora, otorgándole el don de hacer que sus personajes parezcan no solo creíbles sino deseables, cercanos y humanos, gracias también a un encanto innegable”, agregó.

Barbera también destacó la “combinación perfecta de glamour de estrella de antaño, gran profesionalismo y sensibilidad moderna” y su “versatilidad”.

“En cada una de estas películas, ha modulado su registro sin traicionarse jamás: irónico y melancólico, fascinante y reflexivo, brillante y capaz de una profundidad inesperada. Al igual que en las nueve películas que realizó después de decidirse a ponerse detrás de la cámara, revelan una concepción del cine exigente y generosa”, añadió.

El Festival de Venecia también subrayó que Clooney “ha sido reconocido tanto por su labor humanitaria a nivel mundial como por sus logros en la industria del entretenimiento”.

En la carrera de Clooney como actor y director destacan sus dos premios Óscar, cuatro Globos de Oro (incluido el premio Cecil B. DeMille), cuatro premios SAG, un premio BAFTA, dos premios Critics' Choice, un Emmy, cuatro premios National Board of Review y el premio a la trayectoria del American Film Institute.

Cuando Clooney recibió su octava nominación al Óscar en 2013, se ganó un lugar especial en la historia de la Academia, al haber sido nominado en más categorías que nadie en la historia de esos galardones.

Más recientemente, Clooney recibió una nominación al premio Tony por su debut en Broadway con 'Good Night, and Good Luck', donde interpretó a Edward R. Murrow en la adaptación teatral de su película de 2005, nominada al Óscar y coescrita con Grant Heslov.

Hizo historia al ser la primera función de Broadway en ser transmitida simultáneamente por televisión: el espectáculo se emitió en CNN para audiencias de todo el mundo.

Almagro andaba inquieto y eléctrico ante uno de los estrenos más esperados desde hace años. La directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Laila Ripoll, dirigía un espectáculo por primera vez desde que fue nombrada hace dos años. Ripoll se la jugaba y lo hacía con todo un reto: El Caballero de Olmedo, una de las obras más conocidas y difíciles de Lope de Vega.

Se abrió la noche en la Plaza de Almagro con un espectáculo producido por el propio festival. La propuesta giró en torno a la baraja de cartas pintada a mano que se encontró en 1950 en una posada de la Plaza de Almagro. Una baraja que dio la pista de que bajo la posada estaba enterrado el que es hoy el centro neurálgico del festival y del teatro áureo, el Corral de Comedias.

Malabares, telas aéreas, acrobacias y contorsiones abrieron esta edición en una invitación al juego que el público supo agradecer y siguió pese a que en esos momentos jugaba España su partido en el Mundial de fútbol. Una 49 edición en que la imagen del festival, creada por Judit Canela, recrea de manera colorida y contemporánea aquella baraja que acabó siendo brújula.

Ya con la noche cerrada todos los ojos se centraron en el Hospital de San Juan, sede al aire libre de la Compañía Nacional en Almagro. Un inmenso telón rojo de tul se dejaba cimbrear por el viento. No quiere ser poética esta frase, sino señalar uno de los vectores principales de esta propuesta, en las que esas inmensas gasas juegan un papel fundamental.

Ripoll presentaba con esa imagen sintética su visión de esta obra escrita en 1620, en la que Lope de Vega se inspiró en una tragedia real que se había convertido en mito popular. Alonso, caballero de Olmedo, visitando la cercana Medina conoce a una mujer, Inés, de la que se enamora. Rodrigo, vecino de Medina y pretendiente de Inés, despechado y humillado por la brillante figura del de Olmedo, acaba matándolo.

Lope une en esta obra la trama amorosa, con cierto grado de enredo y comedia, con la tragedia de este joven agraciado que, aun viéndose correspondido en amores, tiene un final funesto. Una tragicomedia donde se unen muerte y amor, destino y fatalidad, de un modo que se adelanta dos siglos al sentir romántico.

Esa misma ha sido la propuesta de Laila Ripoll: llevar el drama al espíritu romántico del XIX. El espectáculo tiene una estética subyugante. Ese tul rojo será remplazado por otros más vaporosos y negros, que son como la niebla de otro mundo y transportan al espectáculo hacia lo fantástico. El escenario geométrico del artista plástico Arturo Martín Burgos y el vestuario de Almudena R. Huertas acaban de dar ese imaginario que tanto recuerda a la película de Gonzalo Suárez Remando al viento.

La estética del espectáculo, además, se apoya en el trabajo de vídeo de Álvaro Luna, que va enfatizando cómo la obra pasa del juego a la pesadilla, de la vida amorosa al canto fúnebre. Una pintura de un paisaje se proyecta en la escenografía metálica, un horizonte romántico que recuerda a aquel cuadro de Caspar David Friedrich, El caminante sobre el mar de nubes. Ripoll marca mucho la estética para conseguir convertir a ese Cabellero de Olmedo en un Lord Byron castellano.

La obra comienza ligera con su trama amorosa y sus versos limpios a ritmo de juego juvenil y vivo, pero la directora aprovecha cualquier ocasión para anunciar, presagiar, lo que se viene. Ya en el primer encuentro entre Alonso y Fabia (la alcahueta que interpreta una estupenda Arantxa Aranguren), la directora deja caer las primeras gotas góticas acercando todo lo que puede a Fabia hacia la brujería y lo fantástico. Esa Fabia ya no solo bebe de la Celestina de Fernando de Rojas, sino también de los cuentos de terror de E.T.A. Hoffmann.

Del romanticismo al terror

La polimetría de la obra —los narrativos romances, las sentidas décimas y las amorosas redondillas— son acometidos con más que solvencia por todo el elenco. El verso se dice claro, musical y con intención semántica. Se nota la mano de Eva Rufo y el saber de la propia directora. Se nota también la maestría de actores como David Lorente, que se divierte como nadie con los versos de Tello, el criado de Alonso.

Pero Ripoll lleva su apuesta más allá en la segunda parte y quiere pasar del romanticismo al terror, entrar en territorio gótico. La obra lo acepta, y el tercer acto tiene apariciones, fantasmas y es de claro sentir negro. Pero la alquimia teatral es caprichosa y el espectáculo no acaba de eclosionar.

La Compañía Nacional no había producido esta obra desde 1990, cuando Miguel Narros la dirigió. Es curioso que el primer director de la Compañía, Adolfo Marsillach, no decidiera montarla. No es una obra fácil y la dificultad no la dan los versos, que también, sino ese tránsito de la comedia hacia una tragedia de naturaleza moderna. El Caballero de Olmedo es la tragedia de un joven Werther castellano donde el ideal de lo bello se enfrenta a la muerte. Hoy, el recuerdo de los que la vieron el montaje de Narros es dadivoso, dicen que el Alonso que interpretó Carmelo Gómez era magnífico. Leyendo las críticas de la época, uno puede deducir que la memoria es más generosa que el juicio desde el presente.

Se podría argüir que las interpretaciones de los más jóvenes es una de las causas por las que el montaje no acaba de despegar. Pero esa razón es demasiado fácil. Tanto Víctor Saiz como Alonso, Elisabet Altube como Inés y Jorge Varandela como Rodrigo están a la altura. Aunque también es cierto que esta obra gravita sobre Alonso, sobre ese caballero que debe encandilar a los enamoradizos, subyugar a los aprendices de Rilke y hacer suspirar a los mayores.

Es lo que tienen los estrenos, son complicados, engañosos, hay que dejarlos respirar. No está dicho todo en este montaje que tras Almagro llegará a la sede madrileña de la Compañía, el Teatro de la Comedia; y que, si bien en su estreno no voló en emoción trágica, desplegó maneras, sabiduría escénica y potencia estética.

Laila Ripoll es quizá una de las personas del teatro que mejor conoce la obra de Lope de Vega. Su compañía, Micomicón, nació del brazo de este autor. Primero serían Los melindres de Belisa en 1992, luego llegarían El acero de Madrid, Mudarra… Ripoll nació con Lope, siempre anduvo con él y con él posiblemente acabe su carrera. Y este Caballero trastocado, lanzado a esa Inglaterra del XIX de los Shelley y Byron, es una enigmática rareza a paladear.

“¿Dónde está el maná de los cómicos, en qué tierra caerá que sea nuestra, si nosotros no somos de ninguna parte? Somos... del camino”. Esta frase del personaje Carlos Galván, un actor errante interpretado por José Sacristán en ‘El viaje a ninguna parte’, es la esencia de esta mítica película de Fernando Fernán Gómez, también guionista y actor en la cinta, rodada en 1986. El cineasta adaptó ese año para el cine su propia novela: la historia de un grupo de cómicos y actores ambulantes, que viajan en caravanas de pueblo en pueblo durante la posguerra franquista, y buscan el éxito y el amor del público.

Paradójicamente, este último objetivo lo consiguió la película. Amada por el público y la crítica, fue la primera en triunfar en los Premios Goya, que se estrenaron en 1987, cuando se hizo con los principales galardones.

El destino quiso que también cambiara para siempre la historia de Arisgotas, una pedanía de medio centenar de habitantes del municipio toledano de Orgaz. Por entonces, su alcaldesa, Juana Martín-Maestro, acudía a la localidad vecina de Mora a trabajar en una fábrica de guantes, y un día, al pasar por la céntrica plaza de Arisgotas para desplazarse, se encontró con Fernando Fernán Gómez, que buscaba escenarios por lugares de la zona para llevar su novela al cine.

Juana era arrolladora, impulsiva, emprendedora. “Solucionadora” o “disponidora”, que dirían en la Mancha. Se acercó al actor y cineasta y le propuso hacerlo allí mismo, en ese pequeño pueblo, y en los aledaños de la iglesia, una de las principales localizaciones que buscaba Fernán Gómez. Aceptó gracias a las bondades que esta mujer le vendió de su pequeño lugar en el mundo. Todo lo demás, nunca mejor dicho, vino rodado.

Lo cuenta su hija, Virginia García Martín-Maestro, hoy también alcaldesa de Arisgotas, que por entonces no había nacido, pero que se crio y creció con los recuerdos de su madre sobre el rodaje de la película. Los mismos que comparten todos los vecinos y vecinas que todavía rememoran aquellos días, pero que ella sacaba a relucir constantemente en las comidas familiares, en sus conversaciones con los parroquianos. “Le cambió la vida”, comenta.

Juana falleció hace tres años. “Es una pena”, apunta su hija, porque no podrá ver la increíble organización que este pueblo ha llevado a cabo para celebrar, durante este fin de semana, el aniversario de los 40 años del rodaje. De hecho, es la primera vez que Arisgotas realiza un evento de estas características, que lleva meses preparando, con la implicación de todos sus habitantes y la ayuda del Ayuntamiento de Orgaz y de su Oficina de Turismo.  

Fernando Fernán Gómez lo dejó claro desde el principio. Le dijo a Juana que, ante todo, necesitaban una persona que trabajara con ellos, que les ayudara a organizar a los vecinos y vecinas que serían los figurantes, y cualquiera de las necesidades que pudieran surgir. Ella se ofreció: “Yo me encargaré”.

El equipo de actores, decoradores, cámaras y atrezzistas (o “utileros”) desembarcó en el pueblo. A Juana le iban indicando cuánta gente necesitaban cada día y lo que tenían que hacer. Ella tomó las riendas de ese cometido.

Una semana que marcó muchas vidas

El equipo estuvo en el pueblo tan solo una semana. Entonces los rodajes eran más cortos, más sencillos. “Rodaron todo casi todo de seguido”, y después se marcharon a otros emplazamientos. La vida errante de sus personajes así lo requería.  

Pero una semana se convirtió en toda una historia en Arisgotas. La anécdota que más recuerda la hija de Juana, por ser la que más relataba su madre, tiene que ver con el aspecto de los ‘extras’. Todos se tenían que cortar el pelo y la mayoría no quería. La ambientación en posguerra de la historia requería que los rostros se vieran, y el director quería que la gente del pueblo tuviera protagonismo. Pero muchos se negaron en rotundo.

Esto provocó uno de los famosos cabreos derivados del fuerte carácter del actor y director. Pero Juana supo aplacarlo. “Le dijo: mira, vete a comer o a tomar algo al bar y cuando vuelvas, veremos qué pasa”.

Dicho y hecho. La mujer se plantó delante de los vecinos y “les pegó una voz”. “Le dijo que quien quisiera participar en la película y cobrar, se tenía que cortar el pelo y que si no, no salían. De repente, la gente empezó a hacer cola. Se empezaron a cortar el pelo y cuando volvió el director, todo se había solucionado y se pusieron a rodar”.

No pudieron rodar dentro de la iglesia porque decían palabrotas. Pero no hubo problema. Se rodó fuera

Virginia García Martín-Maestro — Alcaldesa de Arisgotas

La cuestión dio bastante de sí. El propio abuelo de Virginia tenía “una barba enorme” y se negó a afeitársela. “No había manera de convencerle”. Pero se empeñaba en salir en la película. “El director gritó ‘¡Esas barbas, fuera!’, pero nada. Mi madre, Juana, al final le convenció para que, cuando el plano enfocara donde salía mi abuelo, este se diera la vuelta. Y así se quedó. Aparece todo el rato de espaldas”, comenta entre risas.

También cuenta que pese a que el director estaba especialmente interesado en rodar dentro de la iglesia, nunca llegó a hacerlo, porque “decían palabrotas en la película”. “No hubo problema, se hizo fuera”.

Fernando Fernán Gómez aprovechó el tirón de contar con tantos figurantes, “casi todo el pueblo”. “Pero nunca se aprovechó de ello, les pagaban muy bien, hasta 5.000 pesetas al día por aparecer solo un rato. Eso era un dineral para esa época. Porque apenas tenían que hacer nada. La película dejó mucho dinero en el pueblo. Fue una maravilla”.

La actual alcaldesa dice que su madre se deshacía en elogios con Fernán Gómez. Desmontaba muchos mitos sobre su carácter. “Contaba que era muy brusco, pero a la vez muy cercano. Rotundo y amable al mismo tiempo. La gente llegó a tenerle cariño, y se notaba que había buen clima en todo el equipo cinematográfico”.

“La cercanía siempre estuvo ahí. Por ejemplo, cuando terminaban los rodajes, comían todos juntos. No había sitio para la gente de la película y otro para los vecinos. No había distinciones. Todos se juntaban con todos. Con el director, con José Sacristán, con Gabino Diego, con Laura del Sol… Allí todos eran lo mismo”.

Esa es la esencia de lo que recuerdan los habitantes de Arisgotas. Al igual que Juana, fue un momento “inolvidable” de sus vidas.

Y de ahí el homenaje que preparan para este fin de semana, principalmente los días 3 y 4 de julio. Arisgotas se convertirá de nuevo en un escenario de cine para recordar un acontecimiento que forma parte de la “memoria colectiva” del municipio y que contribuyó a dar a conocer el patrimonio y el encanto de esta pedanía toledana.

La programación comienza este viernes, 3 de julio, con una gran fiesta del cine de verano. A las 22.30 horas se proyecta, en la Plaza de la Iglesia, la propia película, en el mismo entorno donde hace 40 años se vivió el rodaje. La noche continuará con un gran guateque amenizado por el DJ Pedro Carbonell. Será con tocadiscos y canciones de la época.

El homenaje a Juana, “una sorpresa”

El sábado 4 de julio, desde las 20.00 horas, la celebración ofrecerá actividades para todos los públicos, entre ellas un taller infantil, una exposición colaborativa con objetos de la época que han proporcionado vecinas y vecinos del pueblo, una muestra de piezas originales relacionadas con la película y la recreación de un set de rodaje.

La jornada incluirá además el acto institucional de bienvenida, una presentación conmemorativa y un emotivo homenaje a Juana. “Habrá una sorpresa muy emotiva, que no podemos desvelar”, avanza su hija Virginia.

Después, los vecinos y vecinas serán los protagonistas de un coloquio bajo el título “Rodaje de ‘El viaje a ninguna parte’ en Arisgotas”, que reunirá a invitados especiales vinculados a la película y a su historia.

La celebración concluirá con una verbena popular, un concurso de vestimenta y peinados inspirados en los años 40 y 50, así como un nuevo guateque para poner el broche final a este aniversario.

Con esta iniciativa, el Ayuntamiento de Orgaz pretende poner en valor el legado cinematográfico de Arisgotas, recordar el impacto que supuso el rodaje de una de las grandes obras maestras del cine español y acercar esta historia a nuevas generaciones, convirtiendo el municipio en un punto de encuentro para amantes del cine, vecinos y visitantes.

“Es una forma también de hacer memoria histórica. Todos recuerdan que fueron unos días maravillosos y que vieron la magia del cine, y además con humor, con risas, con buen ambiente”, subraya la actual alcaldesa, que lamenta que apenas se hayan conservado fotografías del rodaje en Arisgotas, ni exista un archivo de imágenes de aquellos días.

De ahí que la celebración de los 40 años del rodaje quiera compensarlo. Para que no caiga en el olvido. Para recordar que hubo un tiempo en que los rodajes se hacían “pegados” a la gente y se contaban historias de personas sin un rumbo fijo. Y para que, como pedía el personaje de Carlos Galván, esta vez, no haya solo caminos, sino también algún sitio al que llegar.   

Pepe Viyuela es payaso. Lo es a mucha honra. El actor lleva décadas reivindicando que payaso no es un insulto. Es mucho más que una profesión, es una forma de estar en el mundo. Una que reivindica la inocencia, la duda y hasta la ternura, pero sin perder las ganas de luchar y de cambiar las cosas. Quizás haya sido ese vínculo con el clown lo que ha hecho que logre una coherencia que apabulla. Pepe Viyuela es uno de esos actores en los que lo que dice y lo que hace van de la mano, y no es tan fácil.

Ha reivindicado lo popular desde el arte. Pero sin que eso signifique trivial o inofensivo, sino algo que pueda atravesar a todos de una forma horizontal, porque si en algo no cambia es en su creencia de que el teatro y el arte pueden cambiar el mundo. Él lo ha intentado siempre, desde aquel mítico número de la escalera, desde que creara hace más de 30 años su compañía El vodevil, hasta ahora, donde se mantiene en activo con las mismas ganas de jugar… y de incomodar.

Por todo ello, y por una carrera sin fisuras, el Festival de Teatro Clásico de Almagro le ha reconocido con su premio Corral de Comedias, un galardón que hace referencia al mítico espacio teatral de la localidad que para Viyuela es “un símbolo” y “un espacio de renacimiento del teatro”. Un corral descubierto casi por azar que se convierte en un “ave fénix” que invoca el espíritu del teatro desde que se creó, un teatro que ofrece la posibilidad de conectar unos con otros para buscar soluciones a problemas que, por desgracia, siguen siendo muy parecidos. Poco antes de acudir a recoger su galardón, Pepe Viyuela visitó la redacción de elDiario.es para hablar de su carrera, del compromiso del actor y de lo que es, para él, el éxito.

¿Tiene muchos recuerdos en ese Corral de Comedias?

Tengo recuerdos de espectador y como actor con algunas funciones. Las noches en el corral son inolvidables porque el lugar, esa caja mágica, yo creo que impresiona a todo el mundo, tanto al que va como espectador como al que va como actor a contar la historia. En ese lugar yo diría que siempre es un éxito, incluso si la función no es muy buena, solo con detenerte a mirar los artesonados, a escuchar cómo suena aquel espacio, e incluso a ensoñar y a sumergirte en el pasado y a pensar que el teatro es un ritual que llevamos a cabo los seres humanos desde tiempos inmemoriales. Es algo hermoso y provoca unas sensaciones muy bonitas. Y luego el festival es una fiesta.

Tanto en Almagro como en Mérida se reivindican los clásicos, pero nos hablan del presente. Tengo la sensación de que el teatro nunca ha perdido de vista los clásicos como forma de contar el momento actual, ¿es importante conocer los clásicos?

Sí, porque de algún modo tranquiliza, aunque también desasosiega, pensar que hemos seguido cometiendo los mismos errores. Tranquiliza saber que tenemos a gente que ha escrito antes sobre la condición humana y que aportaron soluciones que yo creo que siguen siendo válidas: la ética, el compromiso, el respeto a los derechos humanos… Todo eso está presente de una u otra manera. Los de las mujeres es verdad que no aparecen hasta mucho después y probablemente todavía no estén en vigencia ni en uso. Pero sí que tenemos que asomarnos constantemente a los clásicos, porque ellos hablaron de lo mismo que nos pasa y probablemente con mayor conocimiento, mayor sosiego y mayor calma de lo que nosotros nos podemos permitir hoy.

Aitana Sánchez-Gijón contaba que el teatro es el arte que seguro va a resistir a amenazas como la Inteligencia Artificial. 

Las personas que nos dedicamos al teatro reflexionamos mucho sobre esto y creo que estamos intentando hacer un coto, cerrar el acceso a estas tecnologías precisamente por el hecho de que podemos permitírnoslo, porque no es cine ni televisión, y nuestra imagen en el teatro permanece durante el tiempo que permanece y después desaparece. Tiene la fugacidad de la propia existencia y, por lo tanto, hasta ahora hemos conseguido mantenernos al margen de esta espiral digital que nos envuelve, nos atrapa, nos enreda y nos complica la vida. 

En el teatro seguimos teniendo la suerte de poder asistir a una ceremonia. Algo ancestral que se remonta a los primeros tiempos de la humanidad. Eso no ha cambiado durante miles de años y hasta ahora, afortunadamente, lo digital no ha entrado demasiado. Y confiemos en el teatro como reducto privilegiado del contacto directo entre las personas y de la huida absoluta de todo lo que tenga que ver con este mundo digital que nos ha complicado la vida en la medida en que se ha convertido en un mundo de control absoluto, de vigilancia permanente, de odio expuesto abiertamente en las redes sociales, de falsedades, de mentiras… Mientras podamos permanecer al margen de esto, yo creo que nos salvaremos el pellejo.

¿Ha cambiado cómo se enfrenta un actor a su trabajo y a una entrevista por las redes sociales?

Sí, inevitablemente piensas que todo lo que digas puede ser y va a ser, en muchos casos, utilizado en tu contra. Pero yo intento, y hablo por mí, preservar mi derecho y mi deseo de mantenerme firme en que es importante opinar. Hacerlo sabiendo que, evidentemente y probablemente, vas a estar equivocado y que tu opinión puede ser corregida o matizada por las opiniones de otros, pero prefiero no censurarme a mí mismo. No pensar en que hay que tener mucho cuidado con lo que dices, porque a lo mejor prefiero no tener cuidado y que se enfangue todo lo que se tenga que enfangar. Este mundo ya está lo suficientemente enfangado con las redes sociales y la desinformación. Yo mantengo mi deseo y mi voluntad de expresar lo que pienso en cada momento. Me parece que si tengo miedo a contar lo que pienso, ya sí que me han derrotado.

También esos ataques en redes sociales muchas veces son para que no se politicen, no hablen… Eso ya lo ha vivido en otros momentos, y pienso directamente en el 'No a la guerra'. Parece que vuelve un poco ese señalamiento cuando uno se posiciona… o quizás nunca se ha ido.

Yo creo que nunca se ha ido. Y creo que siempre hemos estado aconsejados por instancias muy diversas, por la familia, los amigos, los compañeros, que dicen no te compliques la vida. Complicarse la vida es precisamente no opinar, y por eso yo hace tiempo que no tengo redes sociales, ni las uso ni las quiero y te diría que las detesto. Me parece un lugar del que hay que salir. Creo que es una taberna en la que ya todo el mundo está borracho y en la que se respira mal y de la que es mejor irse a pasear, a conversar tranquilamente con alguien con quien te encuentres, o a estar en soledad. Las redes sociales se han convertido en tabernas infames donde lo menos que te puedes encontrar es un navajazo, insultos. Yo prefiero mantenerme al margen y prefiero seguir mi camino fuera de ellas y con quien me encuentre fuera de ellas. Hablar de lo que sea abiertamente. E insisto, sabiendo que puedo y seguramente estaré equivocado, pero que tengo mi opinión sobre las cosas que se pueden matizar y que se pueden contrastar. 

¿Afecta también al teatro que se hace? El teatro siempre ha estado pegado a la urgencia. 

No. El teatro está de algún modo al margen, en el mejor de los sentidos. Al no ser un espacio especialmente interesante para los mercantilistas, los que buscan exclusivamente el dinero en aquello que hacen, y ser un espacio más para la libertad de creación. Evidentemente, existe un teatro que busca fundamentalmente dinero. Pero hay otro tipo de teatro, que es el que a mí me resulta el más interesante, que es en el que se puede pensar, en el que se puede opinar y que se hace con muy poco dinero, con lo cual te encuentras en un espacio artesanal y de alguna manera también muy revolucionario en el sentido de que no está sometido, o al menos no tanto, a las reglas del mercado. Podemos contar las mismas historias que se cuentan en el cine, pero sin la presión de aquellos inversores que te pueden decir no cuentes esto, porque a lo mejor entonces perdemos espectadores.

En el teatro somos más libres y creo que en esa medida merece más la pena vivir ahí, en ese lugar de espacio de libertad. Hablábamos antes de la ceremonia, pero también tiene mucho que ver con el encuentro directo con el público, con ese encontrarse y respirar juntos el mismo espacio que no se vive en el cine ni muchísimo menos en la televisión. El teatro, sin que esto sirva para colocarlo en un lugar elitista, sino todo lo contrario, es un lugar para la reflexión, un lugar tranquilo y un lugar para aquellos que saben degustarlo y que quieren huir del ruido y encontrarse con la reflexión, la emoción directa en un espacio íntimo.

Siempre que se habla de Pepe Viyuela se menciona la palabra payaso, ese término tan denostado y que usted siempre ha defendido mucho.

Hace unos minutos aplicábamos el término revolucionario al teatro y es aplicable al payaso. El payaso es un personaje que va a la contra de la corriente constante en la que vivimos de desear el éxito a cualquier precio. El éxito que nos empuja a ocultar aquello que es más humanamente nuestro, nuestros defectos, nuestras debilidades. Parece que para ser exitoso hay que ser fuerte, hay que ser resistente. El payaso reivindica que puedes triunfar siendo imbécil, siendo estúpido. El payaso es el ser estúpido por excelencia que se equivoca, pero que, en cambio, a través de sus errores y de sus fracasos, consigue provocar momentos de hilaridad y, por lo tanto, de esperanza en el público asistente. Es una recuperación de lo humano en el mejor de los sentidos.

Ser exitoso en esa terminología tan utilizada por muchas universidades, por muchos discursos políticos y económicos, yo creo que nos acerca al cíborg, a ese ser aparentemente perfecto, pero carente de sentimientos. Cuando dejas entrar la emoción en ti, cuando la dejas brotar, te conviertes en un ser vulnerable, en un ser que se equivoca, en un ser que tropieza, en un ser que pide perdón, en un ser que reconoce sus errores. Yo quiero ser un payaso toda la vida porque es lo más cercano que puedo tener a volver a ser niño. Y creo que es un lugar a recuperar. Por eso no me canso de decir cuando me preguntan, '¿te ponemos como actor, te ponemos como payaso?', ponme como quieras, pero lo de payaso no lo consideraré nunca un insulto. Yo lo considero un halago y me parece que mientras viva seguiré buscando en la esencia del payaso mi lugar en el mundo.

En un momento de figuras mesiánicas y autoritarias ser payaso es casi lo opuesto.

Absolutamente. ¿Hay alguien más ridículo que Donald Trump? Creo que no. Creo que es el ser más ridículo de la Tierra. Y él se reivindica como exitoso. Me parece un patán, me parece un torpe, me parece un estúpido. El problema es que ha llegado a un tal grado de confianza en sí mismo y de acumulación de tanto poder que se ha vuelto peligroso. Pero si no fuera por el peligro que conlleva, todos nos estaríamos riendo de sus gilipolleces, de las tonterías que dice, de sus excesos, de esas fanfarronadas, esas bravuconadas que hablábamos antes de la taberna. Si en el bar escuchas hablar a alguien como Donald Trump ni miras para atrás, piensas ‘Ese tío es idiota’.

El mayor fracaso del planeta en estos momentos es estar consintiendo que alguien como él ocupe el lugar que ocupa. Es un gran fracaso, hay que reconocerlo y hay que intentar enmendarlo y evitarlo. Y no sé cómo lo vamos a hacer, pero no pierdo la esperanza de que este hombre desaparezca y deje de estar donde está y deje de tener tanto poder. Y que en algún día toda esta gente que le idolatra se dé cuenta de lo estúpido que es y además lo peligroso que es.

¿El arte tiene alguna responsabilidad?, ¿puede cambiar algo?

Yo creo que sí y que no es una ingenuidad. Pienso que el teatro es ahora mismo un elemento revolucionario y es un elemento potente de cambio. Si conseguimos sencillamente llevar adelante funciones que hablen en contra de todo lo que nos molesta, estamos consiguiendo grandes victorias. Depende de cómo midamos, del baremo que apliquemos a los logros. Pero yo prefiero ser utópico y pensar que no estoy equivocado. Sí creo que el mundo todavía se puede cambiar. Yo no soy un general a cuyas órdenes obedezcan ejércitos. No tengo millones y millones de euros que me hagan ser considerado como alguien respetable. Pero sin tener todo eso también se puede ejercer influencia, se pueden ejercer movimientos que cambien el pensamiento. Y creo que las grandes obras y las grandes conquistas han empezado por algo pequeño. Yo ahora mismo no considero naíf el hecho de pensar que una función de teatro pueda estar cambiando la forma de pensar y de ver las cosas de un número reducido de personas. Creo que hay que ser infatigable. Creo que hay que luchar, creo que hay que trabajar y no dejarse abrumar por los números.

Ha mencionado varias veces la palabra éxito, ¿qué es para usted el éxito?

Nos han escrito también que ser exitoso es tener mucho dinero, es tener poder, es tener influencia en otros. Yo creo que el éxito, a lo mejor resulta muy ingenuo, es mantenerte firme en aquello que piensas. Actuar conforme a tus principios, no dejarse corromper y tener amigos que te duren y a los que no hayas traicionado y que tampoco te hayan traicionado. Tener un entorno social en el que moverte, que confíe en ti y en quien confiar. Creo que esos son elementos de éxito. El hecho de tener mucho dinero o tener un gran coche o no sé, saber moverse en bolsa, a mí no me parece un éxito. A mí me parece que eso es saber jugar determinadas cartas que yo no sé jugar, pero que dentro de mi fracaso con respecto a estas cosas, yo sí me considero una persona con éxito. Me he equivocado muchas veces, pero ahora mismo estoy tranquilo y eso, la tranquilidad y la calma, creo que es un éxito.

¿En una carrera tan larga es difícil mantener la coherencia?

Yo creo que no, siempre y cuando tengas a lo que agarrarte. Si tú tienes unas convicciones y unos principios… siempre pueden moverte la silla y siempre puedes arrepentirte de no haber hecho esto o aquello, o de no haberte puesto de rodillas en algún momento. Puede ocurrir, pero yo es que tampoco creo que haya sido un referente. Para nada. Creo que simplemente he vivido conforme a lo que en cada momento me parecía que debía hacer, equivocándome y a veces arrepintiéndome. Quizás como nunca he estado en el ojo del huracán, pues a lo mejor ha sido fácil para mí mantenerme en una cierta coherencia. Por eso digo que no ha sido difícil. A lo mejor si ocupas un puesto de poder enorme resulta más difícil ser coherente, porque los vaivenes, los empujones y las tormentas te pueden afectar más.

¿Ha cambiado mucho el Pepe Viyuela del número de la silla o la escalera, el que montó El vodevil hace 30 años o sigue siendo en esencia ese mismo actor que salía a jugar al escenario?

Yo creo que ese es uno de los elementos que más firmemente he mantenido. La idea de que lo que hacía en mi trabajo tenía que divertirme. Y ha habido momentos en los que me he equivocado y no me divertía y he tenido la suerte de poder dejarlo y poder reconducir. Y he encontrado siempre o casi siempre en el teatro esa posibilidad. Me he hecho más viejo y probablemente en muchas cosas no tenga nada que ver con aquel jovencito que fui cuando empecé a hacer los números de la silla y la escalera, pero la silla y la escalera me siguen acompañando. Sigo aprendiendo de ellas, me siguen divirtiendo. La gente se sigue riendo con ello. Entonces hay espacios que no he abandonado nunca y otros en los que entré y decidí marcharme. Creo que estoy donde quería estar aquel estudiante de arte dramático que estaba estudiando para ser actor.

Entrevista completa

El actor estadounidense Danny Glover ha hecho público el alzhéimer que padece y ha compartido algunos detalles sobre la enfermedad y su manera de afrontarla en una entrevista concedida a la revista People en la que lanza un mensaje de optimismo a quienes sufren esta dolencia.

“Todavía tengo a mi hija, tengo amigos. Solo quiero decir que la vida sigue”, aseguró Glover.

El actor, que cumplirá 80 años el próximo 22 de julio, respondió a las preguntas de la revista “alternando a menudo pensamientos inconclusos y digresiones personales poéticas”, según la propia publicación y confirmando lo que su hija Clarisa asegura “creo que a veces está consciente y otras no”.

Glover hizo público este martes que padecía la enfermedad en 'The Today Show', de la cadena NBC, con el objetivo, según explicó, de visibilizar el alzhéimer y también de transmitir que sigue adelante pese al diagnóstico.

Tras saltar a la fama por 'El color púrpura', Glover consolidó su popularidad en 'Arma letal' junto a Mel Gibson.

El propio actor asegura que trabajar con Gibson “fue genial” y también dedicó palabras en la entrevista a Oprah Winfrey y aseguró que con sus películas, había tenido “la oportunidad de hablar sobre cómo veo el mundo y qué papel he desempeñado en él. Empecé a actuar porque era ciudadano. La actuación fue lo que me dio voz”.

El activismo ha formado parte de la trayectoria de Glover, que llegó a recibir el Premio Humanitario Jean Hersholt, y en la entrevista en People relata algunas de sus vivencias.

“Recuerdo cuando Nelson Mandela salió de prisión y estábamos caminando”, explica sobre el presidente sudafricano antiapartheid, a quien apoyó e interpretó en una película para televisión de 1987, «[la esposa de Mandela] Winnie se acercó y Mandela dijo: Winnie, ahí está tu otro marido. Fue gracioso».

Pamela Anderson ha vuelto a la escena principal de Hollywood en los últimos años con proyectos que ha revitalizado con películas como ‘The Last Showgirl’ o ‘Agárralo como puedas’, donde coincidió con Liam Nesson, al que se le unió de forma sentimental.

El estreno de la serie ‘Pam & Tommy’ en 2022 devolvió a lo público uno de los momentos más polémicos de la vida de la actriz, pero que también llegó con su propia versión en el documental ‘Pamela: una historia de amor’ emitido en Netflix.

Con las primeras imágenes y el esperado estreno del reboot de ‘Los vigilantes de la playa’, la serie que la hizo famosa, han vuelto a hacerse virales unas declaraciones que Pamela Anderson realizó sobre uno de los actores de acción más famosos de Hollywood.

“Sylvester Stallone me ofreció un piso y un Porsche”

En el documental ‘Pamela: una historia de amor’, la actriz desveló la curiosa conversación que tuvo con una de las estrellas de Hollywood y cómo le ofreció ser “una de sus chicas”. Hablaba de Sylvester Stallone y lo llamativo fue lo que le ofreció:

“Recuerdo haber hablado con Sylvester Stallone una vez. Me ofreció un piso y un Porsche a cambio de ser su chica número 1. Y me quedé en plan: ‘¿Significa eso que hay una número 2?’ y el me respondió: ‘Es la mejor oferta que vas a recibir, cariño. Ya estás en Hollywood”.

Pero Pamela Anderson tenía claro que no es lo que buscaba en ese entonces y rechazó la propuesta del protagonista de ‘Rocky’: “Quería enamorarme de verdad. No deseaba nada menos que eso”. A pesar de esto, al salir, un representante del actor negó que esta conversación se hubiera producido: “Las declaraciones atribuidas a mi cliente son falsas e inventadas. El señor Stallone confirma que nunca realizó esas declaraciones”.

Sin embargo, Anderson ha mantenido siempre su versión, y llegó a enfatizar en ‘Watch What Happens Live’: “Bueno, ¿cómo me lo podría haber inventado? Ha sido algo muy específico”, aseguraba al haber estado en ese momento ella sola con el actor, sin testigos.

La nueva Pamela Anderson en el remake de ‘Los vigilantes de la playa’

Las palabras de la actriz han vuelto a ser tendencia cuando es noticia de forma indirecta porque se ha conocido quién será la actriz que forme parte del ‘reboot’ de la serie que la hizo famosa ‘Los vigilantes de la playa’, que se espera se estrene en enero de 2027 en la cadena Fox.

Lo que se sabe es que será una serie de 12 capítulos que combinará acción, y tendrá tanto nuevas caras como algunas que regresan de la famosa ficción televisiva que entretuvo a muchos frente a la pequeña pantalla, sobre todo en verano y que llega con el lema “Same beach, new blood” (misma playa, nueva sangre).

En ella, a Jessica Belkin se la conoce ya como la ‘nueva Pamela Anderson’, aunque dará vida a un personaje diferente, a Charlie Vale, hija biológica que no conoce el protagonista Stephen Amell, que a su vez es hijo de Mitch Buchannon, el legendario jefe de socorristas al que interpretó David Hasselhoff. Del elenco original queda David Chokachi, que era el ‘rompecorazones’ Cody Madison, y que ahora hará del veterano propietario del chiringuito oficial. Belkin forma parte también del elenco de otro ‘reboot’, el de la serie ‘Elle’, que es precuela de “Una rubia muy legal”.

Javier Bardem debutará en el teatro a finales de este año. El actor, ganador del Oscar y uno de los mejores intérpretes a nivel internacional, nunca se había subido a las tablas en toda su carrera. Pero, a sus 57 años y en un momento profesional pletórico, con el estreno de El ser querido programado para finales de agosto, el intérprete ha decidido quitarse la espinita del teatro.

Lo hará a las órdenes de un amigo, a la par que su maestro. Se trata de Juan Carlos Corazza, encargado de dirigir a Bardem en ¡Chéjov, Chéjov!, un espectáculo creado a partir de una selección de obras breves, cuentos y escritos de Antón Chéjov y que se representará en el Espacio Zafra Teatro del 5 de noviembre de 2026 al 31 de enero de 2027, con funciones de jueves a domingo.

Al lado de Bardem un elenco que tiene algo en común, y es que todos fueron alumnos de Corazza, uno de los profesores de interpretación más prestigioso del cine y el teatro de nuestro país. Alicia Borrachero, Rafa Castejón, Ben Temple y Manuela Velasco se unirán a Bardem.

“Con sencillez, humor y brevedad, Chéjov mira lo humano sin juicios, con ternura, profundidad y compasión”, señala Juan Carlos Corazza en una nota de prensa en la que subraya que “gracias a Chéjov, al público y a esta compañía, el teatro vuelve a ser un espacio para reunirnos, soñar y comprendernos”.

Corazza firma la adaptación y la dirección del espectáculo y comparte el diseño del espacio escénico con Javier Ruiz de Alegría, responsable también de la iluminación. El vestuario y el atrezzo son de Pier Paolo Álvaro y Roger Portal (AAPEE), mientras que el equipo artístico se completa con Betina Waissman en la preparación corporal, Leticia Santa Fe en la preparación vocal, Anastasia Kostyuchek en la asesoría de ruso (Instituto Ruso Pushkin de Madrid) y Leanne Maksin y Laura López como ayudantes de dirección, con Vadim Yukhnevich en la dirección musical y al acordeón, y Andrea Szamek al violín.

“Fui creciendo en el deseo de que el arte no esté divorciado de la emoción, el pensamiento, el amor y el sexo, de la misma manera que no se puede divorciar el presente del pasado. Este presente nuestro se quedaría colgando llenándose de polillas si el pasado no le alimentara la memoria”. La actriz y profesora Cristina Rota fue nutriendo esta forma de pensar desde que, estando aún en el instituto, marchó de gira por primera vez con una compañía de teatro. En 1978, después de que su pareja desapareciera, emigró junto a sus dos hijos, los actores Juan Diego Botto y María Botto, a España. Estaba embarazada de su tercera hija, la también actriz Nur Levi.

Este es uno de los episodios que relata en Una historia de teatro y resistencia (Grijalbo), la autobiografía que publica a sus 81 años. “Todos tenemos que prepararnos para resistir y no negociar”, defiende tras una vida en la que, más allá de su compromiso social y político, se ha convertido en la gran maestra del cine español, a través de su escuela de interpretación que abrió en 1979 y en la que ha formado a figuras como Penélope Cruz, Antonio de la Torre y Alberto San Juan. “Es inhumano lo que se hace ahora con los exiliados”, critica.

En su libro lleva a cabo un generoso repaso por su vida, con episodios muy luminosos, pero también muy duros, ¿qué le ha aportado revisarlos?

Escribí siempre pensando en las historias de tantos hombres y mujeres que, desde el principio de los tiempos, han sufrido y sufren en la otra punta del mundo. Parece que no nos entra que todos vivimos cercados por un mismo mar y cobijados por un mismo cielo. Siendo tan mayor ya, estoy muy afectada con tanto desamor, tanta impiedad, tanta guerra, tantas ganas de destrozar al otro y hundirnos todos. Desde los romanos es costumbre que, porque no se hunda un sistema, se hunda todo.

Este es un túnel del tiempo que duele mucho, como si te clavaran cuchillos. Si tuviéramos más presente la memoria y no quisieran saquearla ni quemarla, podríamos atajar mejor todos los peligros que siguen acechando y cada vez más nuestro mundo presente. Evitaríamos tanto dolor.

Si tuviéramos más presente la memoria y no quisieran saquearla ni quemarla, podríamos atajar mejor todos los peligros que nos siguen acechando y cada vez más

Cristina Rota — Actriz, profesora y productora

El libro es en sí una clara reivindicación de la memoria, ¿cómo ve la actitud de determinados partidos políticos, en especial de la extrema derecha, que la menosprecian o vapulean?

Cómo no van a querer saquearla. Si destruyen la palabra escrita es precisamente porque es eterna. Solo quieren censurar, pero el sistema siempre se ha pasado intentando quemar la memoria. Y ahora más que nunca porque están muy asustados. Y no tendrían por qué, porque nosotros no estamos haciendo nada. Están saqueando la sanidad y la economía, y no hacemos nada. La memoria nos permite amar, entre otras cosas. Es la gran propulsora del amor.

Identifica a los artistas como agentes de resistencia, ¿es algo que los compañeros dan por hecho o existe miedo a pronunciarse por las posibles consecuencias?

La gente vive el teatro como una resistencia desde el principio de los tiempos. A través del movimiento de la expresión oral y gestual, las artes escénicas pueden movilizar a la sociedad, inducirla a reflexionar. Y los actores, al menos es lo que intenté transmitir desde el principio en la escuela, dignifican la tarea transmitiendo un mundo sensual con líbido, ideología y sexo, que recorra al espectador como una serpiente. Can la palabra y el cuerpo relajado, sensual, emotivo. La vivencia en sí ya es memoria.

La memoria es la gran propulsora del amor

Cristina Rota — Actriz, profesora y productora

¿Cómo ha cambiado el perfil de alumnos que se acercan a la escuela desde que la abrió en 1979?

Les veo indefensos, desconfían de la autoridad. Han nacido en el desencanto y hay que encantarlos, hay que darles motivos para luchar y hay que apasionarlos porque esta pérdida de pasión es la que mata a una sociedad entera.

Defiende la líbido, el sexo, algo que incluso en pleno siglo XXI llama la atención, ¿le sorprende que haya que seguir reivindicándolo?

La historia avanza así: cinco pasos hacia adelante, cinco para atrás. Pero si no sigues luchando, te comen, no has existido. Hay que seguir luchando. Sin sexo, sin líbido, seríamos una sociedad de laxos, de abandonados físicamente; y creo que inducen a ello. Estamos muy tensos. Lo que más se ve en los últimos quince años sobre todo es crispación, mucha tensión corporal. Hay un rechazo a sentir y rechazar sentir es una pésima educación, porque estás renunciando a tu yo y al placer que da transmitir al otro. Cuando estás rígido, no te comunicas con el otro. Y siempre el 50% nos lo da el que tenemos en frente.

Sin sexo ni líbido seríamos una sociedad de abandonados físicamente

Cristina Rota — Actriz, profesora y productora

Vino a España después de que su pareja desapareciera. Existe un relato sobre los desaparecidos, pero ¿se ha puesto suficiente el foco en los supervivientes?

Lo hablaba mucho con mi compañero, porque del mismo modo que él desapareció, podría haber sido yo. Lo más revolucionario es vivir, pero vivir en el profundo sentido de la palabra, que es revolcarse en la vida. Hay que enfangarse hasta el fondo. Mi única obligación era intentar que mis hijos no fueran unos tarados. Que fueran seres pensantes, involucrados y lo más felices posible.

Eso intenté cuando llegué aquí y no es tarea fácil, porque claro que me he preguntado y me sigo preguntando muchas veces ¿por qué yo no? A lo mejor porque no fui una enemiga suficientemente peligrosa. No me involucré, no me comprometí lo suficiente. Siempre ha rondado en mí, junto a la culpa por estar viva.

Cuenta que al llegar a España evitaba decir que era una persona exiliada, un concepto que sigue presente hoy en día por la gente que tiene que huir de sus países, como Ucrania o Palestina, ¿piensa que somos realmente conscientes de lo que significa tener que irte de tu país?

Cuando llegué a España no decía que era exiliada porque aquí no se conocía la historia de Argentina. No se tenía en cuenta la propia historia de tanto exiliado y de tanta gente que sufrió tantísimo. Este país estaba acostumbrado a ser invadido, con lo cual rechazaba al que venía de fuera y, sobre todo, las cantidades terroríficas en que llegamos desde Argentina. Sentía que la palabra me quedaba grande. Me sentía culpable de arrogarme ese casi estatus de exiliado. No lo dije y aun sabiendo que los demás sabían, lo negaba o no lo dije hasta muchísimo tiempo después.

Lo que se hace ahora con los exiliados es inhumano. Y hablo no solo de Palestina o Ucrania, viene gente de Irak, de Irán, mucha gente desesperada, que cruzan el Océano y es un escándalo cómo nos peleamos porque nos van a quitar el trabajo. Me parece una indecencia que digamos eso. No tenemos vergüenza. Es una vergüenza que no se les reciba.

Teniendo en cuenta que parece que el próximo Gobierno en España será de derecha o extrema derecha, ¿es importante que el mundo de la Cultura haya una conciencia férrea de la misión de resistencia?

Yo me preparé siempre, tanto en Argentina como aquí. Dos años antes de que cayera el Gobierno del PSOE [con Felipe González], reuní al elenco de la Sala Mirador y les dije: “Señores, yo me voy a posicionar porque cuando llegue la peor de las derechas más radical, corremos el riesgo de, por miedo, ir negociando por una subvención”. Vas poniendo excusas para negociar. Y eso es la ideología, que no se negocia. Ya estamos bastante atravesados por el sistema. Voy a hacer una obra que sea rotunda, Juan Botto era jovencito, y dijo: “¿Y por qué Esperando al zurdo?”. Fue un éxito rotundo. Eso sí, vino la policía, nos acusaron de etarras porque había consignas de “no pasarán” o de los obreros. Venían los sindicatos. Fue impresionante. Eso es movilizar y eso es posicionarse. Todo el mundo tiene que prepararse para resistir y no negociar.

Es una de las últimas grandes estrellas de Hollywood. Jacob Elordi se convirtió en fenómeno tras su papel en Euphoria, ganó un mayor un reconocimiento por su interpretación en Saltburn (2023), y terminó de consolidarse con su actuación en la última película de Guillermo del Toro, Frankenstein (2025), que le valió una nominación al Oscar como mejor actor de reparto.

Pero la carrera de Elordi, lejos de detenerse, sigue tomando impulso. A principios de este año pudimos verlo en la última adaptación cinematográfica de Cumbres Borrascosas, la novela de Emily Brontë, y, en agosto, podremos disfrutar de su actuación en la próxima película de Ridley Scott, La constelación del perro, también basada en un libro. En esta, volverá a tener un papel protagonista. 

Lo que muchos todavía no saben es que este actor que nació en Brisbane, capital del estado australiano de Queensland, tiene un pasado familiar que lo conecta directamente con Euskadi. En concreto, con dos localidades de Bizkaia en las que su abuelo y su padre pasaron una temporada de sus vidas. 

De Ondarroa a Markina

“Mi abuelo estuvo cortando caña de azúcar, con ocho dólares en el bolsillo, hasta que ganó lo suficiente para traer a toda su familia a Australia. Estoy increíblemente agradecido a ese gran hombre, Joaquín Elordi”, recordó el actor en unas declaraciones para la revista Fotogramas. En ese encuentro, Elordi compartió que este abuelo suyo era originario de Ondarroa, un municipio de apenas 8.000 habitantes ubicado alrededor del río Artibai.

No fue el único de la familia que desarrolló su vida en Euskadi. También el padre del intérprete, John Elordi, creció en esta comunidad, aunque no lo hizo en Ondarroa, sino en Markina. Este municipio, que ahora se conoce como Markina-Xemein, se formó en 1952 tras la fusión de estos dos núcleos urbanos, y se sitúa en el extremo nordeste de la provincia. 

La decisión de Joaquín Elordi de trasladar a toda su familia al otro lado del mundo no fue un capricho. Según explicó el propio actor en la entrevista anteriormente mencionada, su abuelo emigró hasta Australia empujado por el régimen fascista de Franco. El padre de Jacob solo tenía ocho años cuando se instalaron en este nuevo país, donde toda la familia tuvo que aprender inglés.

La estrella de Hollywood y sus hermanos fueron la primera generación de los Elordi que nacieron en Brisbane. Un reportaje de la EITB publicado a raíz de estos orígenes del actor de Hollywood recordó que fueron muchos los vascos y vascas que, como el ondarrutarra Joaquín Elordi, emigraron a Australia para trabajar en los campos de tabaco y caña de azúcar a mediados del siglo pasado.

En 1985, el mundo entero conoció a Michael J. Fox. La primera película de Regreso al futuro había llegado a los cines y el personaje de Marty McFly pronto cautivó al público. El joven que viajaba del pasado al futuro subido a un DeLorean gracias a la ayuda del científico Emmett Brown (Christopher Lloyd) se convirtió en un icono y, el actor, en una de las grandes estrellas del momento.

En un primer momento, el actor elegido para interpretar a McFly fue Eric Stoltz, quien grabó buena parte de la primera parte de la trilogía durante unas 15 semanas de rodaje. Sin embargo, el actor no convenció a los responsables de la película y acabó saliendo del largometraje. Fue en ese momento en el que Fox adquirió el papel. 

En esa primera película dirigida por Robert Zemeckis, McFly viajaba accidentalmente desde 1985, su época, a 1955, el año en que sus padres se conocieron. La historia, bastante novedosa entonces, sorprendió a la audiencia, y sus creadores decidieron estirar el chicle. Después de ella, se estrenaron otras dos películas más en las que los viajes en el tiempo volvieron a ser los grandes protagonistas. 

En Regreso al futuro 3, Marty y Doc viajan hasta el salvaje oeste; fue el último largometraje de la trilogía y este se estrenó en 1990. Los años pasaron, Michael J. Fox trabajó en otras producciones audiovisuales, pero se le seguía recordando por este icónico papel con el que se convirtió en un icono global. Así que, 30 años después de aquella última película, le surgió la oportunidad de rendir homenaje a su pasado. 

Otra película sobre viajes espacio-temporales

En 2019, se estrenó en Netflix See You Yesterday, una película de ciencia ficción dirigida por Stefon Bristol y escrita por Fredrica Bailey. La película cuenta la historia de un par de estudiantes (Eden Duncan-Smith y Dante Crichlow) que viven en Nueva York y que necesitan crear un proyecto para la feria de ciencias de su colegio que les permita obtener una beca para continuar con sus estudios.

Obsesionados con dominar el tiempo, se les ocurre la idea de construir una máquina del tiempo, un propósito que gana peso después de que el hermano de uno de ellos reciba un disparo mortal a manos de la policía. Para evitar el asesinato, los dos jóvenes se embarcan en una aventura viajando entre presente y pasado intentando no modificar nada que afecte demasiado a su línea temporal. 

En el filme, Michael J. Fox tiene un papel pequeño, pero hace un guiño directo a la película que lo llevó a la fama. Interpreta al profesor de ciencias de los estudiantes, quien se muestra bastante incrédulo con su idea de crear una máquina del tiempo. El cameo le permitió volver a recitar una de sus citas más famosas en Regreso al futuro: “Time travel? Great Scott!”.

Hubo un tiempo en el que la dupla formada por Seth Rogen y James Franco fue inseparable en el entorno de la comedia en Hollywood, con éxitos como ‘This Is the End’, la polémica ‘The Interview’ y ‘The Disaster Artist’, la última colaboración exitosa de ambos en 2017.

La acusación de acoso sexual por parte de cinco mujeres contra James Franco en 2018 dejó empañada la relación entre ambos de forma pública, tanto que se ha llegado al punto en el que Rogen ha admitido que no tiene planes de volver a trabajar con el que fue su compañero inseparable.

Seth Rogen no planea trabajar de nuevo con James Franco

Desde que se conocieran en la mítica serie de televisión ‘Freaks and Geeks’ en 1999, Seth Rogen y James Franco no solo arrancaron unas trayectorias de éxito, sino que sería el comienzo de una dupla que dominaría la comedia en Hollywood en los años siguientes y que estalló con ‘Pineapple Express’, traducido en España como ‘Superfumados’ después de que se consolidaran por separado por proyectos como ‘Spider-Man’ o ‘Superbad’.

La época dorada de la pareja de Seth Rogen y James Franco fue entre 2013 y 2014 debido al éxito que tuvieron protagonizando ‘Juerga hasta el fin’ (This is the End), una parodia viral del videoclip ‘Bound 2’ con Kanye West y Kim Kardashian, y la controvertida ‘The Interview’ sobre Corea del Norte y que ambos defendieron. El punto álgido, sin embargo, fue en 2017 con ‘The Disaster Artist’ sobre la peor película de la historia, y que le valió un Globo de Oro a Franco.

Sin embargo, todo cambió con las acusaciones de acoso sexual a James Franco en 2018, con una carrera que decreció para el actor, mientras que el que fue su colaborador, Seth Rogen sigue en su ascenso en Hollywood con proyectos como ‘The Studio’, en la que es escritor, productor, director y protagonista y que hizo historia al llevarse 13 premios Emmy.

En una reciente entrevista con The New York Times, el actor fue preguntado por su relación con el que fuera uno de sus mejores colaboradores y ha sido tajante al respecto: “Nada ha cambiado desde la última vez que hablé de todo esto y hace mucho tiempo que no trabajo con él, ni tengo planes de hacerlo”.

“Está el aspecto público, del que ya he hablado, y mantengo la misma postura pública que siempre he tenido, y creo que los hechos hablan por sí solos: no he trabajado con él en años. Pero el aspecto personal es muy complejo e involucra a personas que no sé si debería incluir en esto”, añadió el cómico.

Y es que al principio cuando se conoció la noticia afirmó que volvería a trabajar con él, unas declaraciones de las que se lamentaba más adelante, como en 2021 para Sunday Times: “Lo que puedo decir es que detesto el abuso y el acoso, y jamás encubriría ni ocultaría las acciones de alguien que las comete, ni pondría a sabiendas a alguien en una situación en la que estuviera cerca de una persona así. También recuerdo aquella entrevista en la que comenté que seguiría trabajando con James, y la verdad es que no lo he hecho ni tengo intención de hacerlo por ahora”.

Las acusaciones hacia James Franco

En 2018 fue cuando salieron a la luz las acusaciones de acoso sexual hacia James Franco por varias de sus alumnas de actuación. Algunas aseguraron que habían sido víctimas de la retirada de los protectores de plástico que cubrían la vagina durante el rodaje de escenas íntimas, y la ira del intérprete cuando las actrices se negaban a aparecer en topless. Dos de las denunciantes presentaron una demanda colectiva en 2019, por discriminación sexual, acoso sexual, prácticas comerciales fraudulentas e intimidación, con las que llegaría a un acuerdo extrajudicial en por 2,2 millones de dólares.

La histórica victoria de los New York Knicks que les ha convertido en campeones de la NBA 53 años después del último título ha dejado para la franquicia histórica imágenes para el recuerdo como la celebración de Jalen Brunson como líder y estrella de unas Finales, en las que 27 años antes su padre se había quedado a las puertas, aunque con un rol más secundario.

Sin embargo, uno de los momentos más virales de la celebración de los Knicks ha sido cuando los jugadores celebraron en la cancha con el actor Timothée Chalamet, que asiduo al Madison Square Garden y aficionado del equipo, estalló de celebración en mitad de la pista.

El actor, sin embargo, no se quedó solo en eso, sino que también celebró con el equipo en el vestuario, en un vídeo que compartieron desde el equipo de la que es su ciudad natal. A la estrella de Hollywood llegaron a preguntarle si quería gafas para protegerse del champán y su respuesta fue clara: “No me las merezco. No soy un atleta. Normalmente, uso un doble de acción para eso”, en declaraciones recogidas por Variety.

Chalamet no fue el único famoso que estuvo en el partido de las Finales NBA entre los Knicks y los Spurs, sino que también se pudo ver a otras celebridades en el Madison Square Garden como fue el caso de Spike Lee, Adam Sandler, Larry David, Ben Stiller, Taylor Swift o Chris Rock, entre otros. Incluso estuvo en un encuentro de la eliminatoria el presidente de los Estados Unidos, Donald Trump, siendo así el primero en ejercicio que presencia en vivo unas finales NBA.

Timothee Chalamet lanza un dardo a Hollywood: “Mucho mejor que los Óscar”

Uno de los detalles que más se ha hecho virales de la celebración de Timothee Chalamet del título NBA de los Knicks fue al compararlo con un premio Óscar: “¡Esto es mucho mejor que los Óscar! ¡Vamos! ¡Los Knicks son campeones!”, aseguró a pie de cancha el sábado por la noche, momentos después de que los Knicks derrotaran a los Spurs y se alzaran con el título tras en una serie de 4-1.

Unas declaraciones que tienen ‘morbo’ si tenemos en cuenta la polémica alrededor de sus últimas nominaciones a Mejor Actor en los Óscars, siendo favorito en las dos ocasiones que ha sido nominado por ‘A complete Unknown’ y ‘Marty Supreme’, pero en ninguna de ellas se alzó con el premio.

Ocho años después de su primera nominación al Óscar en 2018 por ‘Call Me By Your Name’, en la pasada edición partía como el gran favorito, pero la polémica rodeó parte de su campaña para lograr la estatuilla. En primer lugar, por el hecho de que la familia del jugador de tenis de mesa en el que se basó ‘Marty Supreme’ no estuvo conforme con su interpretación, pero luego también pudo afectar la acusación de abuso sexual en un rodaje de Josh Safdie, en ‘Good Time’ en 2017, director de la película.

Aunque si hubo un momento en el que muchos críticos coinciden que perdió el Oscar, que finalmente se llevó Michael B. Jordan por ‘Sinners’, fue por sus declaraciones sobre el ballet al describirlo como algo que “ya no le importa a nadie” en una entrevista realizada por el también actor Matthew McConaughey.

El pasado octubre la cantante Lily Allen volvía a la música con el lanzamiento del álbum ‘West End Girl’, cuyo lanzamiento abrió conversaciones sobre su vida personal debido a que muchos interpretaron varias letras como el relato del posible fin de su matrimonio con David Harbour, actor conocido por su papel en ‘Stranger Things’.

Reproches, dolor y supuestas infidelidades es lo que muchos pudieron leer en las canciones de Lily Allen que se veían como una referencia a su ex. El intérprete de Jim Hopper en la serie de Netflix ha roto su silencio meses después para dar su versión de los hechos.

Sobre ‘West End Girl’ de Lily Allen : “No fue mi experiencia”

El pasado otoño, David Harbour vivió un complicado momento personal al coincidir el final de ‘Stranger Things’ con el lanzamiento del disco de su exmujer, Lily Allen, en el que relata sus supuestas acciones que pusieron fin al matrimonio. Todo esto, además, en medio de una posible denuncia de acoso por parte de su compañera de reparto Millie Bobby Brown.

Un revuelo mediático en el que el actor se mantuvo en silencio hasta que ha decidido hablar de todo ello a través de una entrevista en Variety, donde asegura ante todo que respeta a su exmujer por mostrar su lado personal para hacer arte: “Fue extraño. Sí creo que es un privilegio de todo artista usar su experiencia para crear arte, y por eso la respeto por hacerlo”.

Sin embargo, no quiere dar detalles de nada más, porque asegura que quiere mantener su vida privada al margen: “No puedo decir mucho más porque es mi vida privada. A pesar de que mucha gente no me permite una, yo la valoro. Y también valoro las vidas de las personas con las que interactúo de manera privada. Simplemente no hablaré de eso”, explicó en el mencionado medio.

A pesar de ello, David Harbour sí que quiso dejar claro que se pueden dar diferentes perspectivas en una historia: “Las historias son complejas y por eso digo que respeto su creación de arte para canalizar su experiencia. No fue mi experiencia”. La propia artista también expresó en varias ocasiones que había usado “licencia artística” a la hora de crear varias canciones de su disco.

Admite que tuvo un conflicto con Millie Bobby Brown

En esta entrevista con Variety, el actor de ‘Stranger Things’ ha admitido que sí que pasó por un problema con Millie Bobby Brown: “Es sencillo. Fue simplemente un problema menor que, una vez que apartamos a todos y hablamos entre nosotros, todo está bien”.

Casi al mismo tiempo del lanzamiento del disco del álbum de Lilly Allen, se publicó en varios medios que la actriz lo había denunciado por acoso. Harbour enfatiza en que considera que hay mucha hipocresía a la hora de abordar conflictos en la industria, a la vez que repite que le une una relación familiar con su compañera de reparto, que interpreta a su hija en la ficción:

“Hoy en día, todo el mundo tiene mucho miedo de hablar de las cosas. La gente tiene mucho miedo de ser humana. Es una lástima, porque no sé cómo desenvolverme en este extraño mundo de los medios. Pero fue algo completamente normal, nos adoramos y siempre nos hemos querido”, concluyó.