El artista Fran Perea llega a Toledo el próximo sábado 25 de abril en un concierto en el que presentará su último trabajo, 'El hombre invisible', en el Círculo del Arte de Toledo a las 21:00 horas.

Su último álbum combina guitarras orgánicas, arreglos corales y programaciones modernas, incorporando sintetizadores y ritmos enérgicos que aportan carácter y proyección en directo.

Fran Perea: la dualidad del artista

Aunque Perea es más reconocido por su personaje en la clásica serie de televisión Los Serrano, es un cantante y actor español con una amplia trayectoria en la música, teatro y televisión. A lo largo de su carrera ha publicado diversos trabajos discográficos y ha protagonizado algunos de los fenómenos culturales más reconocidos del país. Con El hombre invisible, su séptimo álbum, “reafirma su madurez artística” a través de un proyecto que une sus dos facetas creativas y ofrece una mirada introspectiva sobre su identidad y recorrido profesional .

El sencillo que ha acompañado la publicación del álbum es Nos volveremos a ver, una canción en la que toma la palabra Orestes, hermano de Electra, papel que interpretó junto a Ana Belén en el Festival Internacional de Mérida en 2012 dirigido por uno de los grandes directores de nuestro país, José Carlos Plaza. La canción es una carta imaginaria de amor fraternal escrita durante la separación de los hermanos, cargada de emoción y esperanza.

En este nuevo disco Fran da voz a nueve personajes que pueblan su carrera tanto como actor como músico. Perea señala que “esta gira es un abrazo entre la música y la interpretación. Quiero regalar al público todo lo que soy e incluso volverme invisible”. Estará acompañado por la bajista, compositora y vocalista Celia Becks que actuará como telonera.

Las entradas pueden conseguirse a través de este enlace con un precio a partir de 25 euros.

En Hollywood, las despedidas rara vez son definitivas. El último ejemplo lo protagoniza Cameron Diaz, que tras más de una década alejada del cine regresó el año pasado a la gran pantalla con la película De vuelta a la acción (2025) y ahora está rodando su nueva comedia romántica en Nueva York. Con más proyectos en camino, su vuelta no ha sido algo puntual, sino que confirma una segunda etapa en la industria y reaviva una idea que Hollywood conoce bien: retirarse no siempre significa desaparecer definitivamente, sino, en muchos casos, tomarse una pausa antes de volver.

Diaz fue una de las actrices más populares de finales de los noventa y principios de los 2000, con una carrera repleta de éxitos comerciales. Sin embargo, tras varios años en primera línea, decidió apartarse en 2014 alegando motivos personales, ya que quería alejarse del foco mediático y priorizar su vida fuera de la industria.

El regreso como segunda oportunidad

El caso de Cameron Diaz no es único. A lo largo de los años, muchos actores y actrices han decidido retirarse, ya sea por cansancio, falta de proyectos o motivos personales. Sin embargo, Hollywood es una industria que siempre deja la puerta entreabierta. La nostalgia del público, junto con el valor comercial de un regreso, convierte estas vueltas en auténticos acontecimientos.

Uno de los ejemplos más recientes es Brendan Fraser. Tras años alejado del foco, marcados por problemas personales y de salud que le apartaron de los grandes proyectos, regresó con fuerza gracias a La ballena (2022), una interpretación que le valió el Oscar y supuso una reivindicación total de su carrera. Su vuelta no fue solo profesional, sino también emocional: el reconocimiento de la industria y el apoyo del público convirtieron su historia en uno de los regresos más celebrados de los últimos años. Fraser pasó de ser una estrella olvidada a protagonizar uno de los relatos de redención más potentes de Hollywood, encarnando perfectamente esa idea de segundas oportunidades que tanto atrae al público.

Algo similar ocurrió con Ke Huy Quan, quien pasó de ser una estrella infantil a desaparecer prácticamente de la industria. Tras alcanzar la fama en los años 80 con títulos muy populares, su carrera se frenó por la falta de oportunidades para actores asiáticos en Hollywood, lo que le llevó a trabajar durante años detrás de las cámaras como coordinador de especialistas y asistente de dirección. Décadas después, su regreso con Todo a la vez en todas partes (2022) también le valió el Oscar.

En el caso de Renée Zellweger, la retirada fue voluntaria. La actriz decidió tomarse un descanso tras años de éxito, pero regresó con Judy (2019), donde interpretó a Judy Garland y consiguió también el Oscar a la mejor actriz. Su vuelta reforzó la idea de que el tiempo lejos de la pantalla puede fortalecer una carrera en lugar de debilitarla.

Otros casos responden a decisiones más personales. Rick Moranis se retiró tras su éxito en películas como Cariño, he encogido a los niños (1989) o Los Picapiedra (1994), decidió alejarse de Hollywood tras el fallecimiento de su esposa para dedicarse a tiempo completo a la crianza de sus dos hijos como padre soltero, alejándose durante décadas del cine. Su regreso, previsto para el año que viene con la película Spaceballs 2, ha sido recibido con entusiasmo por el público que creció con sus películas.

También destaca el 'resurgir' de Winona Ryder, cuya carrera sufrió un parón tras diversos problemas mediáticos. Su papel en Stranger Things la devolvió al primer plano de la industria y además la ayudó a conectó con nuevas generaciones de espectadores.

Como estos ejemplos hay muchos más en la industria de Hollywood que demuestran que volver no significa repetir el pasado, sino reinterpretarlo. Muchos de estos actores y actrices regresan con proyectos más personales o con personajes que les permiten explorar nuevas facetas, alejándose de los roles que marcaron su etapa anterior, y además con una gran cuota de éxito. Y es que en Hollywood, decir adiós nunca es del todo definitivo: a veces, es solo el comienzo de una nueva etapa.

Hoy cumple 60 años el actor Jeffrey Dean Morgan, que puede presumir de haber construido una carrera sólida en Hollywood… aunque no siguiera el camino habitual. Su historia no es la de una estrella precoz, sino la de alguien que ha alcanzado el reconocimiento del público cuando muchos actores ya han consolidado su lugar en la industria.

Su caso es curioso porque antes de convertirse en uno de los rostros más reconocibles de la televisión, Morgan tenía otro objetivo. Su juventud estuvo unida primero al fútbol americano y luego al baloncesto, deporte en el que aspiraba a desarrollar una carrera profesional. Sin embargo, una lesión de rodilla acabó con esa posibilidad y le obligó a replantearse su vida, abriendo la puerta al mundo de la interpretación.

De actor secundario a cara reconocible

Su entrada en Hollywood fue discreta. Empezó al acompañar a un amigo suyo que se mudó a Los Ángeles y ya se quedó. Durante años fue encadenando pequeños papeles en cine y televisión sin excesivo éxito. El reconocimiento empezó a llegar ya superados los 40 años, cuando comenzó a aparecer en series de gran audiencia como Anatomía de Grey o Supernatural. Estos papeles le dieron visibilidad y le permitieron demostrar su capacidad para aportarle emocionalidad a sus personajes secundarios.

En paralelo, su presencia en el cine también comenzó a crecer. En Posdata: Te quiero (2007) mostró una faceta más romántica, alejada de los papeles duros que más tarde le harían famoso. Poco después, participó en Watchmen (2009), donde interpretó a El Comediante, un personaje complejo y poco moral que anticipaba el papel que marcaría su carrera.

Negan, el papel que lo cambió todo

El gran cambio en su vida llegó con su incorporación a The Walking Dead, donde dio vida a Negan. Su aparición en la serie supuso uno de los momentos más impactantes de la televisión reciente, con una entrada que marcó un punto de inflexión en la trama de la longeva serie. Negan no era un villano convencional como los que se habían visto, era peor. Jeffrey Dean Morgan construyó un antagonista carismático, brutal despiadado y, al mismo tiempo, impredecible. Armado con su icónico bate “Lucille”, el personaje se convirtió en uno de los más icónicos de la serie, capaz de ser odiado y querido a partes iguales.

La interpretación de Morgan aportó una dimensión especial al personaje. Su forma de combinar violencia, humor y presencia escénica convirtió a Negan en mucho más que un simple enemigo. Ese papel no solo le dio fama global, sino que redefinió su carrera. De actor de reparto pasó a ser una figura central en una de las producciones más populares de la televisión, consolidando su estilo y su imagen arrolladora.

Hoy, a sus 60 años, Jeffrey Dean Morgan representa una historia poco común en la industria del entretenimiento. La de alguien que supo reinventarse tras un contratiempo y que encontró el reconocimiento del gran público cuando menos se esperaba. Porque, en su caso, el éxito no llegó pronto, pero sí que llegó a tiempo para dejar huella.

Prácticamente no necesita presentación. Hablamos de unos de los actores más longevos y emblemáticos de la industria de Hollywood. Sin embargo, son pocos los que conocen uno de los episodios más surrealistas de la carrera de Clint Eastwood: hace 40 años, la leyenda del western acaparó los titulares tras convertirse en alcalde de Carmel-by-the-Sea, una pequeña ciudad costera ubicada en California.

Fue el 8 de abril de 1986, hace 40 años, cuando Eastwood consiguió alzarse con la victoria en las elecciones locales. El actor obtuvo 2.166 votos frente a los 799 de la alcaldesa en funciones, Charlotte Townsend, en un momento en que la población Carmel era de poco menos de 3.200 habitantes.

Su mandato, que apenas duró dos años, se volvió viral especialmente por una de las medidas que aprobó y que hoy sigue siendo recordada. “Uno de sus primeros actos tras asumir el cargo en esta ciudad costera fue también uno de los más simbólicos: intentó suavizar una ordenanza municipal que prohibía la venta de conos de helado”, explicó Los Ángeles Times en octubre de 1986. 

En aquella época, Carmel era famosa por su postura contra la modernización. Desde 1929, la localidad estaba regida por la conocida como “ley de zonificación”, que buscaba preservar la estética auténtica del lugar y evitar que el desarrollo comercial invadiera su entorno residencial. Esta ordenanza municipal estableció límites estrictos al crecimiento de ciertos negocios y prohibió elementos urbanos como aceras, farolas y carteles luminosos.

Además, la normativa bloqueó cualquier establecimiento diseñado para servir comida rápida, y estipuló que toda la comida para llevar debía ir siempre tapada con un envase de plástico. La interpretación de la ley llegó al extremo de prohibir la venta de helados en cono, ya que estos no podían ir tapados y las autoridades temían que el goteo ensuciara las aceras y arruinara la estética de Carmel.

Más allá de los helados

Una vez consiguió la alcaldía, Eastwood anuló esta prohibición y los conos de helado encontraron su lugar en esta localidad, pero el actor hizo otras muchas cosas interesantes mientras estuvo en el cargo. “Consiguió logros importantes para su ciudad de adopción, como impulsar la construcción del anexo de la biblioteca y la biblioteca infantil, así como la instalación de baños públicos en la playa”, recuerda la página web de Carmel.

Al terminar los dos años de trabajo, el actor no se presentó para una reelección, pero nunca abandonó del todo esta ciudad de California. Allí conoció a Dina Ruiz, la reportera y presentadora de televisión que llegó a ser su segunda esposa y madre de Morgan Eastwood (1996), la última de sus ocho hijos.

“Y un día te mueres. Y se te queda esa carita de gilipollas porque nunca has hecho lo que tú querías. Estudia, trabaja, échate novia, cásate, cómprate un chalé, un coche, trabaja como un burro para pagarlo todo… y al final te das cuenta de que has vivido para Seat, para Philips, para el Corte Inglés y su puta madre”. Es un monólogo digno de Irvine Welsh, que bien podría haber culminado una historia estilo Trainspotting, pero lo recitó Alfredo Landa en 1979, frente al rostro compasivo de María Casanova. La película era Las verdes praderas. Y Landa ya no estaba para bromas.

Toda la resaca del landismo acaso podía encajar en este guion de José Luis Garci. El personaje que interpretaba Landa en Las verdes praderas había hecho todo lo que le dijeron que hiciera. Con sumo atolondramiento había confiado en los tiempos de cambio de la sociedad española, pasando de ser un españolito desbordado por la modernidad a un solícito creyente en ella… y a cuatro años de la muerte de Franco descubría que no era suficiente. No había servido de nada ser un buen chico. Por eso la comedia dejaría de ser el vehículo ideal para su talento, por eso a partir de ahora trabajaría con los cineastas más reputados y su rostro afable pasaría a reflejar diversas injusticias y tragedias.

La carrera de Alfredo Landa (Pamplona, 1933) refleja todas estas drásticas mutaciones. Es una carrera fascinante y complejísima, con un termómetro social a cada uno de sus ángulos. Por eso a Gracia Querejeta y Miguel Olid les sorprendió que, en los más de 10 años que han transcurrido de su fallecimiento en 2013, nadie le hubiera dedicado todavía un documental. “Es muy curioso que hasta ahora no haya habido más documentales porque pocos actores han tenido el recorrido de Landa. Muy pocos”, afirma Querejeta en conversación con elDiario.es.  

“Es una carrera que empieza girando en torno a los españolitos y las suecas, alrededor de todo eso que llamamos ‘landismo’, y luego cambia para dar pie a algo totalmente diferente”. La idea se le ocurrió a Olid, crítico de cine, al poco de terminar su documental sobre otro icono de la industria española como es el director Manuel Summers (la película, Summers el rebelde, se estrenó en 2024). Fue él quien inicialmente tuvo que comprobar si había algún documental sobre Alfredo Landa que se le hubiera escapado, “y no había ninguno”. 

“En principio yo iba a dirigir el documental y él se limitaría a escribirlo, pero ambos acabamos haciendo ambas cosas”, confiesa Querejeta. Landa acredita a Querejeta como directora y a Olid como realizador, aunque según ella “no es más que un formalismo”. Todo se desarrolló en comandita, fruto del interés común por acercarse a una figura inabarcable.  

Viejos conocidos y ausencias llamativas

Se conoce como landismo a ese grupo de comedias de amplio éxito comercial entre finales de los 60 y mediados de los 70 que, agrupadas alrededor de la figura de Landa, fundamentaban su humor en una picaresca masculina y cierto (y autoasumido) sentimiento de inferioridad. Es fruto inequívoco del desarrollismo franquista y la modernización de la cultura española según su reubicación en el tablero internacional, y alrededor de él se vertebra una constelación de nombres como José Luis López Vázquez, Paco Martínez Soria, el difunto Mariano Ozores, José Sacristán y muchos otros. 

El de Sacristán es uno de los testimonios que recoge Landa, junto al de otro actor tan cercano al protagonista de No desearás al vecino del quinto como es Miguel Rellán, recientemente nominado al Goya. Por la película también desfilan Antonio Resines, los críticos Marta Medina y Oti Rodríguez Marchante, el productor Enrique Cerezo o el director Víctor García León, así como los hijos de Landa. Al hacer acopio de todas estas fuentes, Landa busca trazar una perspectiva lo más amplia posible de su objeto de estudio, sin caer en una celebración carente de matices.

Esto era muy importante para Querejeta. “Teníamos muy claro que no queríamos hacer una hagiografía”, asegura. De ahí que el documental subraye el machismo de estas películas y, sobre todo, ciertas fricciones con el carácter de la persona. Buena parte de la documentación, aparte de las entrevistas y declaraciones públicas de Landa —que, gracias al carisma irredento del intérprete, resultan en los mejores momentos del filme—, se extrajo de las memorias que este publicó en 2008, Alfredo el Grande: Vida de un cómico. Recopiladas por Marcos Ordóñez, Querejeta se vio obligada a comprarlas de segunda mano porque “estaban totalmente descatalogadas”.

A Alfredo Landa le daba lo mismo decir una cosa que otra, quedar bien o quedar mal, poner verde a uno o poner verde a otra

Gracia Querejeta — Cineasta

“Cuando las leí me quedé loca porque era un material muy rico y llegaba de un momento en que él ya no tenía mucho filtro. Es decir, que le daba lo mismo decir una cosa que otra, quedar bien o quedar mal, poner verde a uno o poner verde a otro”, recuerda Querejeta. “Son unas memorias muy interesantes porque son a calzón quitado, sin guardarse nada. Partimos de ellas y pensamos quién podría haber compartido estas vivencias con Landa”. Así que contactaron con Sacristán y Rellán. A quienes, como admiten en el documental, no les había hecho ninguna gracia estas memorias.

Con quien no ha podido contar el documental, sin embargo, es José Luis Garci. “No quiso aparecer”, se lamenta Querejeta. “Me consta que ahora lo quiere ver pero no quiso participar”. Garci, al igual que Juan Antonio Bardem (cuya hija María, script de amplia experiencia en la industria, es otra de las invitadas al documental) fue responsable del viraje que experimentó la carrera de Landa. Luego de que Bardem le pusiera a protagonizar El puente en 1977 —película que destruye el landismo desde dentro, al reimaginar este arquetipo dentro de una España realista y atrasada en plena Transición democrática—, Landa consiguió algunos de sus mejores papeles gracias a Garci.

Como Las verdes praderas o, sobre todo, el díptico de El crack entrados los 80. Vinieron otras películas y sobre todo vino una amistad largamente extendida en el tiempo, pero salteada con algún que otro conflicto en los últimos años de Landa. “La relación de ambos siempre fue compleja. Pero yo echo de menos que Garci haya colaborado en el documental. Es una figura fundamental”.

El legado landista

La ausencia de Garci confluye con otras carencias notables de Landa como documental en función a su necesidad de aligerar metraje —Querejeta también lamenta que no haya habido espacio para comentar Sinatra (1988), uno de los filmes más inclasificables de Landa— y decisiones tan chocantes como poner la voz de Landa sintetizada por Inteligencia Artificial para leer fragmentos de sus memorias. “Nunca hubiéramos osado inventarnos un texto para ponerle la voz de Landa”, defiende Querejeta, asegurando que no hay polémica posible porque “son palabras escritas en primera persona” y, sobre todo, “los hijos de Landa nos dieron su conformidad”.

Los apenas 70 minutos que dura Landa quizá se antojan escasos para la escala del fenómeno, y la tónica general de la película es la de un seguimiento tirando a superficial de la trayectoria del actor, de forma cronológica y sin apenas ahondar en discursos alternativos. Landa pasa como si tal cosa de protagonizar Cateto a babor a ganar un premio en Cannes junto a Paco Rabal por Los santos inocentes, o de La vaquilla a aquel Goya de Honor que en 2008 agradeció con un pequeño colapso mental, a la postre tan icónico como muchas de sus interpretaciones. 

Entre las ideas sugerentes que lanza el documental encontramos su propuesta de un heredero para Landa. Que no sería Leo Harlem ni Santiago Segura —tampoco el recientemente fallecido Fernando Esteso, aunque justo tomara el relevo de Landa a mediados de los 70 con el éxito de Pepito Piscinas—, sino Javier Gutiérrez. “Javier Gutiérrez hizo Águila roja”, recuerda Querejeta queriendo comparar los inicios de ambos actores en la comedia comercial.

“Ellos no tienen en común solo la altura, sino el hecho de ser dos grandes actores que han transitado de la comedia al drama más amargo”, apunta la directora. “Y sin ser ejemplos en absoluto de caballeros o galanes, solo gente de lo más normal que han aparecido en tipos muy distintos de películas”. Películas que, en fin, dejaron atrás las modas industriales para lidiar con grandes cineastas, y descartar una conexión evidente con la sociología nacional de cada época.

En ese sentido Querejeta no duda: “El landismo está muerto, porque esa época murió. Puede que quedaran retazos en el destape de Esteso y Pajares y en cierto sentido puede que se solaparan, pero Landa se alejó de todo eso”. El actor buscó su propio camino y por eso, al margen de cualquier ‘ismo’, lo que hay que recordar de él es un nombre propio. Con eso basta. 

Willem Dafoe tiene uno de esos físicos capaces de transformarse según la película. Es como si su cuerpo mutara para cada papel. Un camaleón capaz de acercarse igual al mito vampírico en La sombra de un vampiro que al rostro de una leyenda de la pintura en el biopic de Van Gogh que dirigió Julian Schnabel. De ofrecer una interpretación tan empática como la de The Florida Project y tan desagradable como la que entrega en El anfitrión, el filme que le ha llevado al BCN Film Fest y donde es una de las grandes estrellas que pisará Barcelona estos días.

El anfitrión es una rara avis en la industria. Tiene un director español, Miguel Ángel Jiménez, un equipo técnico español y a intérpretes de aquí como Carlos Cuevas o Francesc Garrido. Sin embargo, en su centro se encuentra la presencia de un Willem Dafoe que con su carisma se lo come todo. Y tiene sentido, porque interpreta a un magnate griego en el año 75, recluido en una isla, haciendo negocios con la dictadura griega y la española, y manejando todo a su antojo porque se puede permitir comprar todo y a todos. ¿Les suena? Es normal, porque detrás de su personaje, de nombre Markos Timoleon, se encuentra la sombra de Aristóteles Onassis.

De él hay mucho más que los orígenes turcos y la vida en Grecia. Está el drama de un hijo muerto en un accidente de aviación y el poder que amasó gracias a sus negocios. Con ese trampantojo Jiménez crea una mirada dura al poder, a cómo el dinero corrompe y crea la ilusión de poder tenerlo todo. La fiesta de cumpleaños del título en inglés (The birthday party) es la de la hija del ricachón que él ha organizado y que tiene motivos secretos para celebrarse. Casi todos los personajes quieren más poder y más billetes; y los que no (el servicio) lo que quiere es huir de esa isla. 

Dafoe se presentó en Barcelona para presentar el filme, derrochó simpatía y cintura para esquivar las preguntas más incómodas, como ocurrió cuando se le preguntó si creía que hombres como al que interpreta son los que gobiernan el mundo actualmente. “Estoy de acuerdo, sí”, dijo y soltó una sonora carcajada sin profundizar para no dar ningún nombre ni opinar nada más. “Venga, hazme otra pregunta”, dijo de buen humor dejando claro que no iba a entrar donde él no quisiera. 

Ese mundo, el de la riqueza, aseguró que no suele pisarlo mucho. “No suelo tener la oportunidad de conocer a personas muy ricas. No me siento cómodo porque esa no es mi cultura. Pero ha habido ocasiones en las que he conocido a personas muy ricas, muy elegantes, muy cultas y muy interesantes. No puedo hablar de sus negocios, pero eran interesantes. Pero, en general, esos ricos que se hicieron a sí mismos, los llamados nuevos ricos… no me relaciono con ellos”, afirmó.

Matizó que no le gusta generalizar, pero sí que se atrevió a decir que “el dinero es un falso dios”. “No me gusta hablar sobre el significado o los temas de una película, pero algo que resulta bastante claro es que ciertas personas se autodestruyen, matan lo que aman por su propia arrogancia. Y eso es fascinante porque, como animales, uno pensaría que seríamos más sensatos. Se supone que somos más inteligentes que eso, pero no lo somos. Y mi personaje es un ejemplo perfecto de ello. Mata lo que ama”, puntualizó.

Nunca digo: eso no me interesa o eso no lo hago. Estoy abierto a todo tipo de cine, porque creo que eso es lo que te mantiene comprometido con el trabajo cinematográfico

Willem Dafoe — Actor

Tampoco se pronunció sobre cómo ve el momento actual de Hollywood, con una fusión entre dos grandes estudios que muchos consideran una amenaza a la pluralidad. “Todo está en crisis ahora mismo, por si no lo sabías”, dice y vuelve a reírse a carcajadas para luego reflexionar sobre la industria: “Mira, nunca he tenido una visión general muy clara debido a mi trabajo tan ecléctico. Y no vivo en Hollywood. No sé nada del negocio, pero algo bastante seguro y obvio es que la experiencia del cine, que tanto me gusta, está desapareciendo por motivos económicos y por los hábitos sociales de la gente”.

Para Dafoe ha habido muchos cambios, pero cree que hay un “elefante en la habitación” del que nadie habla: las nuevas tecnologías. “Hay toda una generación que se ha criado sin siquiera ver películas. Están más orientados a formatos cortos como TikTok. No quiero sonar como un viejo cascarrabias porque no pertenezco a esa generación, pero es así. Lo realmente importante ahora es que la experiencia colectiva es difícil de encontrar porque todos estamos aislados. Las tecnologías y las nuevas formas de vida aparentemente eficientes que se suponía que nos daban libertad, en realidad nos han atrapado, aislado y alienado”, subrayó.

Confía en que todo ello acabe provocando un cambio, y vuelva “la experiencia colectiva que ocurre en el teatro, las artes escénicas y el cine”. “Una de las peores cosas de que la experiencia en salas esté desapareciendo, es que eso crea vínculos, provoca empatía, ayuda a darnos cuenta de dónde estamos y hacia dónde vamos. Tal vez podamos recuperarlo de alguna manera, y creo que eso es particularmente importante porque empieza a reflejarse en la política y en cómo todos sobrevivimos”, zanjó.

Define su carrera, que alterna papeles en superproducciones como el primer Spider-Man con títulos de Abel Ferrara, como “una dieta equilibrada”. Las decisiones que ha tomado han estado “condicionadas por lo que había disponible y las preferencias en cada momento”, pero sí que asegura tener un lema, y es nunca decir “Eso no me interesa, eso no lo hago”. “Estoy abierto a todo tipo de cine, porque creo que eso es lo que te mantiene comprometido con el trabajo cinematográfico. Tienes que reinventar tu forma de hacer las cosas cada vez cuando haces diferentes tipos de producciones y eso realmente te ayuda a evitar cierta corrupción de hábitos”, opina.

Su ritmo de trabajo sigue siendo altísimo. Tiene proyectos y estrenos constantemente y no baja el ritmo. Pero no lo hace para no aburrirse: “Yo nunca me aburro. De joven sí, pero ahora nunca. Me gusta tener un objetivo. Me gusta la responsabilidad de saber que voy a por algo. Y cuando tengo tiempo libre… tal vez tenga demasiado tiempo libre. Creo que me siento un poco más saludable cuando trabajo”.

El pasado 10 de abril llegó a las salas de cine españolas la película que ha sido todo un fenómeno en Reino Unido, habiendo superado el millón de espectadores y además ha recibido el elogio de la crítica, con premios BAFTA incluidos. Hablamos de “Incontrolable” (I Swear), que cuenta una historia real de superación.

La interpretación de John Davidson, que sufre el síndrome de Tourette y que acabó siendo activista para dar visibilidad a la enfermedad que padece, le valió a Robert Aramayo, actor de origen vasco, el BAFTA a mejor actor, adelantándose a otros favoritos como Michael B. Jordan o Timothee Chalamet.

Aramayo, también conocido por la serie de ‘El señor de los anillos’ de Amazon, se preparó el papel conviviendo con el verdadero John Davidson en su Galashiels natal, en Escocia. “Salíamos a caminar, íbamos a cenar, veíamos fútbol juntos y íbamos al centro comunitario”, afirmaba a BBC.

Kirk Jones, director y guionista de la película, recordó la historia de John Davidson a través de un documental de la BBC que se emitió en 1989, “John’s Not Mad”, en el que se dio a conocer su caso cuando contaba con tan solo 16 años, y cuando la enfermedad se conocía como “locura descontrolada”, debido a los espasmos, palabrotas incontrolables o gritos que él proliferaba provocados por el síndrome de Tourette.

La historia de John Davidson, protagonista real de 'Incontrolable'

John Davidson nació en 1971 en Galashiels, Escocia, y desde pequeño comenzó a sufrir un síndrome de Tourette severo, que le hizo perder su carrera prometedora en el fútbol como portero, pero que también le hizo ser objeto de problemas con la policía, de no poder trabajar, o incluso ser objeto de burlas y violencia callejera. Y es que sufre también lo que se llama Coprolalia, es decir, que no puede evitar pronunciar palabrotas, expresiones sexistas, racistas e inapropiadas, un síntoma que no siempre se desarrolla, pero que va unido con el del síndrome de Tourette.

Tal y como se puede apreciar en la película, Davidson se dio cuenta que la gran parte de sus problemas venían porque la sociedad no entendía la enfermedad que padecía, que faltaba educación al respecto, y se encargó a través del activismo de dar charlas en colegios, universidades o incluso instituciones públicas. Pero al mismo tiempo, también se encargó de ayudar a las familias con hijos con síndrome de Tourette, además de crear convivencias que pudieran ayudar a estos a socializar y que conocieran otras personas con su misma enfermedad.

Su labor más allá de su ciudad natal y Escocia, valieron a que Davidson ganara reconocimiento por su lucha, y en 2019 recibió la Orden del Imperio Británico de parte de la propia reina Isabel II. Un hecho que no estuvo exento de nerviosismo por el protagonista, en una escena que se puede ver también en el largometraje.

“Pero entonces sentí una mano en mi hombro. Era uno de los Arqueros Reales, los guardaespaldas de la Reina cuando está en Holyrood, y una voz dijo: 'No te preocupes, ella sabe todo sobre tu situación'.”, afirmaba en una entrevista en BBC.

La película no solo visibiliza la historia y lucha de Davidson, sino que también aparece una chica que sufre en realidad esta enfermedad como es Andrea Bisset, que sueña con ser actriz y espera poder conseguirlo tras su papel secundario en el largometraje. Ella es conocida por compartir su experiencia en redes sociales.

Robert Pattinson se encuentra actualmente junto a Zendaya en plena promoción de su última película, ‘The Drama’, que ya se ha estrenado en cines de Estados Unidos, pero que a España no llegará hasta finales de mayo, en concreto el 29 de mayo.

A pesar de la espera, Pattinson ha dejado varias noticias relacionadas, como los últimos detalles sobre ‘The Batman: parte 2’ o el hecho de que en una de las entrevistas de promoción ha desvelado cuál es su favorita de todas las películas de la saga ‘Crepúsculo’, todo un fenómeno del que se cumplen ya dos décadas.

“Luna Nueva” es el libro favorito de ‘Crepúsculo’ de Robert Pattinson

La relación con la saga que lo hizo famoso no siempre ha sido sencilla para Robert Pattinson, pero poco a poco parece reconciliarse con su personaje Edward Cullen, que lo lanzó al estrellato. En este sentido, en una reciente entrevista con la revista GQ junto a su compañera de reparto en ‘The Drama’, Zendaya, ha desvelado que la segunda de la saga es su favorita.

Zendaya se aventuró a pronosticar que era la primera película, pero el actor la corrigió y aseguró: “La verdad es que siempre me ha gustado mucho la segunda”, un hecho que se sobreentendía por declaraciones previas que había dado en otros momentos, sobre todo también respecto al libro. Y es que ya había confesado en la Comic Con que “Luna Nueva” era su novela favorita de la saga.

“Me gusta la yuxtaposición de que de repente la gente sea... es un personaje tan sobrevalorado, Edward, y hay tanta gente viéndolo como un héroe romántico. En 'Luna Nueva', al menos como yo lo leí, él es tan humilde. Es un personaje que mira a Bella y piensa que ama algo demasiado, pero no puede estar cerca. Deliberadamente comienza a romper su relación, lo cual creo que es algo con lo que muchos se pueden identificar y que creo que es muy doloroso”, afirmó al respecto.

A esto añadió la importancia de la secuencia final: “Bella termina salvando a Edward como lo hace en todos y cada uno de los libros. Así que es muy gracioso cómo todos ven a Edward como el héroe y él ha sido salvado continuamente por la damisela en apuros”, concluyó.

“Fue uno de los trabajos más relajantes que he hecho”

Así, no solo el segundo es su libro favorito, sino que también es “Luna Nueva” su película preferida de toda la saga ‘Crepúsculo’ como respondió en la entrevista de GQ: “Sabíamos más sobre qué tipo de película estábamos tratando. Tuve un papel mucho más secundario en esta. Empecé tres semanas después de que comenzaran a filmar y grabé muchas de mis primeras escenas haciendo las de aparición. Eso significa que dije una sola palabra”.

El aparecer menos hizo que su experiencia fuera mejor que en otras de la saga, y por ello Pattinson la prefiere al resto: “En realidad, fue uno de los trabajos más relajantes que he hecho. Chris tiene una presencia muy tranquila y me llevé muy bien con él. Tuve un trabajo prácticamente libre de estrés durante tres meses. Fue genial para mí. Toda la presión recaía sobre Taylor”, admitió.

A pesar de que para Robert Pattinson la segunda entrega de la saga ‘Crepúsculo’ es la mejor, para la crítica es la segunda peor, con un 28% tan solo de valoraciones positivas en la web Rotten Tomatoes. Sin embargo, fue todo un éxito en taquilla con una recaudación que superó los 700 millones de dólares, casi el doble de los que tuvo la primera película.

Este 10 de abril vuelve una de las series más icónicas de principios de los 2000, ‘Malcolm in the middle’ con la miniserie ‘Malcolm: de mal en peor’, que contará con cuatro episodios donde la familia Wilkerson se reúne con la excusa del aniversario de los padres.

20 años después vuelve la ‘sitcom’ con su reparto casi al completo, a excepción de Erik Per Sullivan, que ha renunciado a regresar a la interpretación para hacer de Dewey, que será interpretado por un actor diferente, Caleb Ellsworth-Clark. Y mientras algunos como Bryan Cranston han seguido siendo rostros conocidos en la pantalla debido a su papel protagonista en ‘Breaking Bad’, gran parte del resto vivieron más alejados de las cámaras, entre ellos su protagonista, Frankie Muniz.

Interpretar a ‘Malcolm’ en la serie le convirtió en uno de los actores infantiles mejor pagados de Hollywood y en toda una estrella adolescente a principios de los 2000, trabajando con también nombres reconocidos de entonces como Hilary Duff o Amanda Bynes. Sin embargo, Frankie Muniz decidió cambiarlo todo cuando estaba en lo más alto.

De estrella adolescente en Hollywood a piloto de carreras

Frankie Muniz nació como Francisco Muniz IV en Nueva Jersey en el seno de una familia trabajadora. Por parte de padre desciende de emigrantes asturianos, mientras que por su rama materna tiene genes irlandeses e italianos. Comenzó en la interpretación por casualidad, al acompañar a su hermana Cristina a una audición para la obra de teatro ‘Un cuento de Navidad’ y ser seleccionado para un papel principal.

De ahí se mudó a California con su familia y en el año 2000 fue seleccionado para dar vida a Malcolm Wilkerson, con tan solo 14 años. Esto lo lanzó al estrellato, y de ahí compaginó durante seis años su trabajo en la serie con películas como como 'Mi perro Skip', 'Agente Cody Banks' o 'Big Fat Liar', todo ello con menos de 20 años.

Cuando llegó el final de ‘Malcolm’ en 2006, el actor reflexionó sobre su vida, entonces formada por rodajes largos, presión constante y una identidad que iba ligada a un personaje. Pensando en lo que sería su futuro, no dudó en explorar otra de sus pasiones y en 2007 se embarcó en una carrera profesional como piloto, llegando a competir en campeonatos como el Atlantic Championship o la Indy Lights.

Aunque no cerró la puerta a su trayectoria como actor, la fue aparcando en detrimento al motor y también a la música, pues formó un grupo cuando las lesiones y dolencias físicas no le dejaron competir. Se dejó ver menos, aunque participó en televisión en programas como ‘Dancing with the Stars’, y fue noticia cuando debido a varios accidentes sufrió lesiones cerebrovasculares que le llevó incluso a olvidar parte de su tiempo en ‘Malcolm’, aunque ahora asegura que eso fue parte de una exageración.

“Literalmente eres Malcolm”: Frankie Muniz sobre su personaje más famoso

20 años después vuelve a ponerse en la piel de su icónico personaje y lo hace como padre de familia. Frankie Muniz asegura que no quiere que su hijo se dedique a la interpretación: “No es que haya tenido una experiencia negativa, porque, para ser sincero, mi experiencia fue totalmente positiva. Pero conozco a muchísima gente, amigos cercanos, que han tenido experiencias terriblemente negativas. Y creo que el mundo en general es feo. A mí nunca me afectó el rechazo, pero hay muchísimo rechazo en la industria”, afirmó en una entrevista en Australia.

El volverse a poner en la piel de su personaje más icónico le hace estar “muy contento” y sentirse “como en casa”, tanto que compartió una anécdota que sucedió cuando revisitó la serie con su mujer: “Entonces me di cuenta de que mi personaje no era tan buen tipo. Ella me miró y me dijo: ‘No actuabas nada. Literalmente eres Malcolm’. Y yo le dije: 'No sé cómo tomármelo porque Malcolm era un desastre'. ¡Era el peor personaje de esa serie!”, dijo en una entrevista en People.

La vuelta a ser Malcolm no ha apartado a Muniz de su carrera en el motor. En 2024 se reincorporó como piloto de NASCAR en 2024 y tuvo que compaginarlo con su rodaje para ‘Malcolm: de mal en peor’, lo que hizo que se diera un calendario atípico de un programa de domingo a jueves: “Era agotador, pero también sé lo genial que es tener la oportunidad de volver a hacerlo, así que no me iba a quejar en absoluto. Estoy muy agradecido a todo el equipo de producción por adaptarse a mi agenda”.

Brian Cox lleva más de 50 años dedicándose al cine y la televisión. El escocés fue el primer actor en representar al personaje de Hannibal Lecter en cine, antes incluso que Anthony Hopkins. Ha participado en películas como Troya, Braveheart o X-Men, aunque uno de sus papeles más emblemáticos llegó en 2018 cuando se estrenó Succession, serie de HBO en la que interpreta a Logan Roy, magnate de un conglomerado de medios de comunicación.

Al actor de 79 años no le ha hecho falta participar en Piratas del Caribe ni en Juego de Tronos para ser uno de los grandes intérpretes de la industria, aunque podría haberlo hecho. Así lo reveló Cox en Putting the Rabbit in the Hat, el libro de memorias que el intérprete publicó en 2022 y donde compartió algunos de los eventos que marcaron su carrera y que muy pocos conocían.

“A menudo me preguntan si me ofrecieron un papel en Juego de Tronos, porque a todos los demás se lo ofrecieron, y la respuesta es sí, se suponía que iba a ser un rey llamado Robert Baratheon”, confesó Cox en el libro. “Sé muy poco sobre la serie, así que no puedo decirles si era un personaje importante o no, y no voy a buscarlo en Google por si acaso, porque lo rechacé”. 

¿La razón? Para sorpresa de muy pocos, el dinero. “Cuando me lo ofrecieron, el dinero no era tan bueno, digamos. Además, mi personaje iba a morir bastante pronto, así que no habría tenido ninguno de los beneficios a largo plazo de una serie exitosa, donde el sueldo aumenta con cada temporada”. Fue Mark Addy quien acabó dándole vida al rey de la casa Baratheon en la producción de fantasía y dragones de HBO.

En el mismo libro, Cox contó la casi relación que inició con la saga de películas dirigida, entre otros, por Gore Verbinski. “Rechacé el papel del Gobernador en la franquicia de Piratas del Caribe, un rol que finalmente interpretó Jonathan Pryce”. Pero no contento con esto, el actor británico aprovechó el momento para cargar contra Johnny Depp, la cara más visible de esta serie de largometrajes.

“Estoy seguro de que es simpático, pero…”

La crítica de Cox hacia su compañero de profesión en aquellas memorias fue directa. “Piratas del Caribe es que es en gran medida el show de Johnny Depp como Jack Sparrow, y Depp, aunque estoy seguro de que es simpático, está tan exagerado, tan sobrevalorado (...). La gente lo adora. O al menos lo adoraban. Claro que hoy en día ya no tanto”.

El actor no tiene pelos en la lengua y ha criticado a muchos otros compañeros en todos estos años. También a directores como Quentin Tarantino, al que ha tildado de “rimbombante” en una entrevista reciente para The Times. Ha sido a este mismo medio al que confesó que, aunque estas críticas puedan traerle problemas, el silencio no es una opción para él. “Mi esposa no para de decirme: Brian, ten cuidado. Y yo pienso: ¡Al diablo! ¡Ya no quiero tener cuidado! Cumplo 80 este año. Voy a decir lo que me dé la gana”. 

La libertad de un director para adaptar los textos de otros autores debe ser total. Es más, poco sentido tiene el teatro que se quiere arqueológico. Primero, porque es misión imposible. No hay vasijas que recuperar y siempre es ilusorio creerse que uno está viendo aquello que fue. En teatro solo existe el presente. Y segundo, porque la búsqueda de revivir el pasado es simplemente eso, una veleidad romántica o una actividad evasiva. Ernesto Caballero ha llevado a escenaTras el ensayo, y lo ha hecho con esa voluntad de meterle mano, de acercar la creación que realizó Ingmar Bergman en 1984 para la televisión sueca. El resultado es agridulce.

Bergman dejaría el cine —aunque luego dirigiría un buen puñado de películas para televisión— en 1982 con esa bestialidad llamada Fanny y Alexander que incluso doblegó a los americanos y se llevó cuatro premios Oscar. Una película que justo termina con la abuela de Alexander leyendo una nueva pieza de teatro que ha llegado a sus manos, El sueño de August Strindberg. Alexander, trasiego de un joven Bergman de tan solo doce años, escucha adormilado en sus rodillas. Así se despidió del cine después de casi cuarenta años de carrera. Al mismo tiempo, Bergman estaba escribiendo esta película para la televisión (Efter repenitionen, se titula en el original) que estrenaría en el 84 y en el que su alter ego (Erland Josephson) interpreta a un director afamado y ya mayor, Vogler, que está dirigiendo esa misma pieza de Strindberg. 

La trama ocurre tras un ensayo al “calor especial, íntimo, alentado por los rescoldos de recientes intensidades emocionales” del espacio ya vacío. Allí llegará Anna, joven actriz, hija de una antigua amante y también actriz del director, Rachel, que murió presa de un proceso de alcohol y autodestrucción. La película es una declaración de amor del sueco al teatro y a los actores. 

Ernesto Caballero comienza la obra con toda una declaración de intenciones. En vez de comenzar con ese aire bergmaniano de ensueño decide realizar un ejercicio de metateatralidad tan de moda en el teatro actual. Vogler (Emilio Tomé) comienza con una acertada cita del libro de memorias del director sueco, Linterna mágica. Ese momento en el que con doce años descubre la magia del teatro justamente viendo entre cajas un montaje de El sueño. Pero luego, para situar la acción, dice que está pensando en una nueva obra, exactamente la que vamos a ver. 

La idea es buena, pertinente, incluso su ejecución quiere realizarse al modo del Veronese de Un Hombre que se ahoga o como ya hiciera antes Louis Malle en esa enorme película titulada Vania en la Calle 42, donde se pasa de una supuesta realidad a la representación de la pieza de manera orgánica, sin que uno note cuando el actor entra en personaje. No ocurre esa magia en el montaje. Lo representativo está demasiado presente, desde el propio Vogler hasta la entrada en tromba de Rachel (Lucía Quintana), esa actriz ya muerta, que en vez de como espectro entra un tanto desaforada y con una demasiado remarcada botella de licor entre manos.

Las dos actrices, la propia Quintana, y la joven Elisa Hipólito, que interpreta a Anna, son ambas hijas de actores, de Juan Antonio Quintana y de Carlos Hipólito. Llevan en la sangre la misma herencia que sus personajes. Ahí la obra entra en uno de sus centros neurálgicos: los entresijos emocionales de la vida interna del teatro, de sus actores y directores con sus miedos, sus manipulaciones y su entrega. 

Aquí la obra remonta a través de las reflexiones sobre lo teatral, sobre el actor o sobre el papel de dirigir. Qué bonitas son esas palabras de Bergman cuando dice: “Un director debe aprender dos cosas. Primero, a escuchar. Y segundo, a mantener la boca cerrada. Los actores son artistas creativos, pero no siempre saben expresarse con palabras. Hay que escucharlos, tener paciencia y esperar. No puedes destrozar sus ideas solo porque, de entrada, suenen confusas o inciertas”. Qué lejos está esa visión de la del director autoritario que hoy, lamentablemente, sigue existiendo. 

Alguien podría argüir que el reparto es demasiado joven. Que Emilio Tomé no tiene edad para representar el declive de Erland Josephson, ni Lucía Quintana es la gran Ingrid Trulin. Elisa Hipólito, sin embargo, si está en la edad del papel de otra grande, Lena Maria Jonna Olin. Pero todo esto es seguir en la comparación estéril. Los tres actores son bien capaces de asentarse cada uno en su papel. Más enérgico Tomé, pero con la suficiente distancia. Más dramática Quintana, pero con fuerza; y misteriosa y seductora Elisa Hipólito que acomete su primer trabajo puramente teatral con solvencia. 

La obra se estructura en tres actos, primero el encuentro con Anna. Segundo la aparición del espectro de Rachel que se hace carne en los recuerdos del director. Y tercero, la segunda acometida de Anna donde el director cae seducido, incapaz de no caer en brazos de una vida que ve florecer ante sus ojos.

Caballero da una presencia mayor, más autónoma, al papel de ambas mujeres, sobre todo a Rachel para quien añade un epílogo. Pero no todo funciona. Primero hay una escena para la galería que no se sabe bien qué añade y en la que Caballero hace a Lucía Quintana interpretar un pequeño texto de Gritos y Susurros bajo focos bien rojos, aquello de “el dolor no se va nunca”. 

Y, segundo, si bien es imposible la transposición del lenguaje del cine al teatro, Caballero no llega a dominar la mirada, el punto de vista. Y en los diálogos entre el director y las actrices convierte en ciertos momentos el asunto en escenas dramáticas para el lucimiento interpretativo de las actrices que cogerán un mayor peso, sí, pero que terminan dislocando el punto de eje. 

La película de Bergman puede leerse toda ella como un sueño, como el sueño de un director en ese espacio vacío donde se dejó la vida, incluso el sueco tiene la maestría de cuando entra Rachel en escena dejar a Anna presente, sentada y con los ojos cerrados, apoyando así ese momento fantasmal donde recuerdo y realidad se juntan. 

Ernesto Caballero tiene los arrestos de intentar no ser canónico con uno de los más grandes, y si bien no naufraga tampoco consigue enriquecer en demasía esta pieza

Caballero, sin embargo, opta por las entradas y salidas de las actrices, por una versión más dramática y 'teatral'. Y si bien es capaz de trasladar la riqueza de ese mundo interior del teatro que Bergman puso en los diálogos, pierde esa otra dimensión especular. Algo que llega a cierto delirio en el epílogo con música de Abba (¿será porque son suecos?).  

Este director y autor madrileño tiene una de las carreras más largas de la escena. Una carrera sorprendente, capaz de lo mejor y lo peor. Sin remontarse muy lejos valgan los ejemplos de su montaje sobre Ortega, un desatino; y su más reciente La Gramática con María Adánez, una muy reseñable comedia llena de saber teatral. 

Aquí, en este montaje propuesto por el director del Teatro Español, Eduardo Vasco, Caballero tiene los arrestos de intentar no ser canónico con uno de los más grandes, y si bien no naufraga tampoco consigue enriquecer en demasía esta pieza televisiva que en Europa (aquí la montó Emilio Gutiérrez Caba en 2017) se hace con asiduidad en los teatros. En 2012, por ejemplo, recorrió toda Europa un montaje de Ivo van Hove en programa doble junto a una versión teatral de Persona. Qué pena que no pudiéramos verla. 

Cómo hacer a Bergman hoy en día, esa una de las preguntas que plantea este montaje. La propuesta de Caballero da alguna pista, otras las hemos ido encontrando por el camino como aquel diálogo final de Angélica Liddell ante el ataúd del sueco en DÄMON. El funeral de Bergman. Y otras las indica el propio Bergman como en su despedida del cine, en Fanny y Alexander, cuando Elena (Gunn Wållgren) lee aquellas palabras con las que comienza El sueño de Strindberg, aquellas que dicen: “Todo puede ser, todo es posible e inusitado. El tiempo y el espacio no existen, sobre una débil trama de realidades la imaginación teje y modela nuevas formas…”.

En un momento en el que la nostalgia sigue acaparando gran parte de la producción en cine, música o series, se da un nuevo capítulo con el regreso de la mítica ‘Malcom in the middle’, que en España se conoció como ‘Malcolm, el de en medio’ o ‘Malcolm’.

Será con la miniserie ‘Malcolm: de mal en peor’ que contará con cuatro episodios en total, y que se estrena este 10 de abril directamente en la plataforma Disney +, donde ya se encuentra la serie previa al completo, con más de 150 episodios.

En este ‘revival’ estarán de nuevo en sus papeles Bryan Cranston, Frankie Muniz, Jane Kaczmarek, Christopher Kennedy Masterson, Justin Berfield y Emy Coligado, que compartirán reparto con nuevas caras como es el caso de Keeley Karsten, y entre las que no estará la única gran ausencia del ‘cast’ original.

Se trata de Erik Per Sullivan, que daba vida a Dewey, el hermano pequeño de Malcolm, y que no volverá para ‘Malcolm: de mal en peor’, a pesar de que habría obtenido una oferta millonaria para volver al reparto. En su lugar, su papel será interpretado por otro actor, Caleb Ellsworth-Clark.

Los motivos detrás de la ausencia del actor Erik Per Sullivan para esta nueva entrega de ‘Malcolm’ las dio uno de los rostros más conocidos de esta sitcom, Jane Kaczmarek, que hace de su madre en la pantalla. En una entrevista con The Guardian, afirmó que el intérprete ha priorizado su formación universitaria:

“Está estudiando a Dickens y es un estudiante increíble. Le ofrecieron muchísimo dinero para volver, y simplemente dijo: ‘No, gracias’”, comentó. Se había revelado antes que Sullivan se había querido centrar en su doctorado en la Universidad de Harvard, y no le importó rechazar millones para volver a la serie que lo hizo famoso.

De qué va ‘Malcolm: de mal en peor’, el último producto de la nostalgia

De la celebración del 20 aniversario de ‘Hannah Montana’ no dejamos Disney + y llegamos a otro producto de la nostalgia cultural como es ‘Malcolm: de mal en peor’, en el que durante cuatro episodios volveremos a entrar dentro de la caótica vida de los Wilkerson.

En estos cuatro episodios la trama gira en torno al regreso de Malcolm al entorno familiar después de haberse mantenido alejado junto a la familia que había formado, con hija incluida, debido a que sus padres lo invitan a su 40 aniversario.

Linwood Boomer, creador original, es guionista y productor ejecutivo de un regreso que firma como director Ken Kwapis. Keeley Karsten es una de las nuevas caras, como hija de Malcolm, junto a Vaughan Murrae como la hermana menor de Malcom, Kelly, y Kiana Madeira como Tristan, la novia.

La Audiencia Provincial de Valencia ha condenado al actor porno Ignacio Jordà, conocido como Nacho Vidal, a la pena de tres años de prisión por traficar con 'cocaína rosa' en una zona de ocio de la Plaza Xúquer de Valencia.

Así se desprende del acuerdo alcanzando entre la Fiscalía y la defensa del acusado, ejercida por el letrado Emilio Pérez Mora, por el que se ha impuesto a Vidal los tres años de prisión por un delito contra la salud pública y el pago de una multa de 5.800 euros, según ha podido saber Europa Press.

El actor, que ha reconocido los hechos que se le atribuyen, no ingresará prisión al recomendar el fiscal que se les suspendiera la pena por tiempo de cuatro años --con la condición de no volver a delinquir-- y aceptarlo el tribunal. Se le ha aplicado la atenuante de toxicomanía y la obligación de acudir a un curso de rehabilitación.

Se da la circunstancia de que Nacho Vidal fue condenado recientemente, el pasado mes de enero, al pago de una multa de 2.160 euros por romper la barrera del parking del Mercado de Russafa de Valencia cuando iba ebrio y drogado.

Además, tiene otro procedimiento pendiente por el que se le piden cuatro años de prisión --que solicita la Fiscalía-- por la muerte del fotógrafo José Luis Abad durante la celebración del denominado 'rito del sapo bufo'.

En esta ocasión, se le ha condenado por traficar con droga, tal y como ha adelantado Las Provincias. Los hechos se remontan a febrero de 2025, cuando el actor fue detenido por agentes de Policía Nacional cuando llevaba 103,05 gramos de tusi, 'cocaína rosa', en la Plaza Xúquer de València.

Las drogas que portaba encima el día en que fue arrestado iba a ser destinado a la venta y hubieran alcanzado un valor en el mercado de unos 5.700 euros. El actor actuó así por su adicción a las sustancias estupefacientes, según ha quedado probado.

Cuando se publicó el tráiler de Spider-Man: Brand New Day hace unos días, muchos de los comentarios fueron dirigidos hacia el cuerpo de Tom Holland, el actor que lleva varios años encarnando al superhéroe de Marvel en la gran pantalla. “Impresiona”, compartió la cuenta Pop Base en X (antes Twitter) en un mensaje que consiguió 1,3 millones de visualizaciones y más de 50 mil “me gusta”.

El actor británico ha estado meses preparándose físicamente para esta película con el objetivo de ganar suficiente masa muscular como para que el equipo de posproducción apenas necesitara editar su cuerpo. “En estas películas, los trajes suelen estar acolchados. Luego añaden efectos especiales para que el movimiento del acolchado parezca más natural. Yo quiero desarrollar suficiente musculatura para que el acolchado y los efectos especiales no sean necesarios”, confesó en una entrevista para Men’s Health en agosto del año pasado. 

La estrella de Hollywood compartió entonces la rutina de ejercicios que estaba llevando a cabo. “Hago un entrenamiento de CrossFit llamado 'Cindy'. Consiste en 5 dominadas, 10 flexiones y 15 sentadillas, todas las veces que puedas, durante 20 minutos”, detalló. El resultado lo hemos podido ver en el tráiler, donde Holland aparece sin camiseta unos segundos. 

La influencia de Christopher Nolan

La idea de Holland de ponerse en serio con esto del ejercicio surgió después de trabajar con Christopher Nolan en su próxima película, La Odisea. Este director prefiere “hacer las cosas de verdad”: si el personaje de la historia tiene un cuerpo musculado, lo ideal es que sea el propio actor el que consiga este objetivo antes de ponerse frente a la cámara, para depender lo menos posible de los efectos especiales. 

En su entrevista con Men’s Health, el actor que interpretará a Telémaco en la adaptación de Nolan afirmó que el compromiso del cineasta con esta idea le hizo replantearse el entrenamiento que podía seguir de cara a dar vida al superhéroe de Marvel. Pero Holland no es el único que tuvo que ponerse las pilas para conseguir encarnar a su personaje en La Odisea.

Matt Damon, que dará vida a Odiseo en el filme, también tuvo que seguir una estricta rutina de alimentación y ejercicio. “Pesaba entre 84 y 90 kilos, y la película la hice en 74. No había estado tan delgado desde el instituto. Así que tuve que entrenar mucho y seguir una dieta muy estricta”, explicó el actor en el podcast New Heights, presentado por los jugadores de la NFL, Jason y Travis Kelce.

El caso de ‘300’

Pero esto de someterse a rutinas de entrenamiento para hacer una película no es nada nuevo en el cine. Uno de los casos más populares es el de los actores que interpretaron a los guerreros espartanos en 300, largometraje que se estrenó hace casi 20 años. El entrenador Mark Twight diseñó un riguroso plan de ocho semanas para crear “cuerpos de espartanos” sin necesidad de usar CGI que incluía 300 repeticiones totales sin descanso, con ejercicios que iban desde dominadas y peso muerto a flexiones y saltos al cajón, entre otros. 

Según IMDb, la base de datos en línea más grande y completa del mundo sobre cine y televisión, Peter O’Toole participó como actor en un total de 102 producciones. El actor británico, que falleció en 2013 a los 81 años, no dejó de trabajar casi hasta al final de sus días: la última película en la que participó, Cristiada , se estrenó apenas un año antes de que muriera. 

En sus años de trayectoria, O’Toole se ganó el cariño del público, pero también el reconocimiento de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, encargada de entregar los más prestigiosos premios de la industria del cine. El actor consiguió un total de ocho nominaciones a los Oscar, lo que lo convirtió en uno de los intérpretes más nominados en la historia de estos galardones.

En esto, es Meryl Streep quien se lleva el primer puesto. La actriz ha sido nominada hasta en 21 ocasiones. Le siguen Katharine Hepburn y Jack Nicholson, ambos con 12 nominaciones al Oscar. La diferencia de estos intérpretes es que, al contrario que le ocurrió a O’Toole, ellos sí volvieron a casa con alguna estatuilla. 

Streep, por ejemplo, tiene tres victorias, incluyendo el Oscar a Mejor actriz que se llevó por su papel en La dama de hierro (2011). Katharine Hepburn, por su parte, ganó hasta cuatro galardones, siendo el primero el que consiguió en 1934 por su papel en Gloria de un día. Peter O’Toole, sin embargo, no alcanzó el lujo de subir al escenario para recibir la mítica estatuilla dorada por una de sus interpretaciones.

Tuvo que esperar al año 2003, año el que la Academia le otorgó el Premio Honorífico por su trayectoria. “Ahora tengo mi propio Oscar, que me acompañará hasta que la muerte nos separe”, comenzó diciendo en su discurso de agradecimiento. Y concluyó: “Deseo que la Academia sepa que estoy tan encantado como honrado. (...) Al final, me habéis dado esta deliciosa sorpresa. Sois muy buenos”.

Las mejores interpretaciones de Peter O’Toole

Aunque empezó a actuar un poco antes, la interpretación más emblemática de O’Toole llegó en los años 60, con el estreno de Lawrence de Arabia (1962). En la película, interpretó a T.E. Lawrence, un oficial británico que es enviado al desierto para participar en una campaña de apoyo a los árabes contra Turquía. Fue la primera vez que la Academia lo nominó a Mejor Actor.

Luego llegaron otras siete películas con las que también fue nominado al Oscar: Becket (1964), Un león en invierno (1968), Adiós, Mr. Chips (1969), La clase dirigente (1972), Profesión: el especialista (1980), Mi año favorito (1982) y Venus (2006). No le hizo falta ninguna estatuilla dorada para convertirse en uno de los iconos de Hollywood.

Se cumple 20 años del estreno de la serie ‘Hannah Montana’ y esto se ha celebrado con un especial estrenado en Disney + que ha contado con la presencia de su protagonista, Miley Cyrus, y con el que los fans de la mítica ficción juvenil han podido revivir los momentos y canciones que dejó.

Un especial que ha dejado una ligera decepción en los fans por el hecho de que se han producido dos marcadas ausencias, las de Emily Osment y Mitchel Musso, los actores que interpretaban a los mejores amigos de Miley Stewart (Miley Cyrus). La primera explicó que no pudo participar por estar en pleno rodaje de la serie ‘Georgie & Mandie’, spin-off de ‘El joven Sheldon’, mientras el segundo ha tenido una limitada presencia después de ser arrestado para conducir bajo los efectos del alcohol hace años.

A pesar de ello, sí que han estado otros miembros del reparto como es el caso de Cody Linley, Moisés Arias, Shanica Knowles, Anna Perez, así como Billy Ray Cyrus, padre en la serie y en la vida real de Miley Cyrus, y también Jason Earles, quien interpretaba al hermano de la protagonista, Jackson.

Jason Earles mintió para ser el hermano de ‘Hannah Montana’

Precisamente este último ha sido uno de los grandes protagonistas en el especial de ‘Hannah Montana’ en su 20 aniversario por una confesión que hizo antes del estreno en el podcast relacionado con la serie, ‘Best of Both Our Worlds’, donde contó que mintió sobre su edad real para poder obtener el papel de Jackson Stewart.

Jason Earles fingió tener 18 años cuando realizó el casting para la serie porque quería conseguir ese papel, pero en realidad tenía diez más, 28 años, algo que le mantuvo nervioso por temor a ser descubierto: “Tenía muchísimo miedo de que me despidieran y reemplazaran porque tenía un gran secreto”, explicó en el podcast.

Este detalle, sin embargo, fue finalmente descubierto por uno de los ejecutivos de la serie durante la primera temporada, y este lo confrontó directamente. El actor confesó que efectivamente tenía 28 años, pero que a pesar de que finalmente se supo la verdad, mantuvo su papel en la ficción de Disney Channel.

Este no fue el único detalle sobre el que mintió Jason Earles, o que ocultó al menos a los productores, sino que tampoco contó nada de su vida personal, como su estado civil, porque pensaba que esto podía afectar a su trabajo en ‘Hannah Montana’. Tanto es así que cuando acudía una joven al set junto a él aseguraba que era tan solo una amiga, cuando era realmente su mujer, aunque al final también fue descubierto:

“Sí, esa chica con la que me ven besándome. Es mi esposa”, detalló. Tras el descubrimiento de ambos secretos, los ejecutivos bromeaban preguntando si tenía hijos, a lo que Earles respondió que no.

Hablar de Nicolas Cage es recordar sus papeles en películas míticas como Leaving Las Vegas (1995), La Roca (1996) o Cara a cara (1997), pero también sus interpretaciones más recientes en largometrajes como Longlegs (2024) o El elegido del mal (2025). Lo que muchos no saben es que el popular actor de cine estadounidense en realidad tiene otro nombre. 

Nicolas Cage nació como Nicolas Kim Coppola. Sí, el actor tiene este apellido porque pertenece a la familia Coppola: es hijo de August Coppola, hermano de Francis Ford Coppola. De esta manera, el ganador del Oscar es sobrino del director que creó filmes tan legendarios como El Padrino (1972) o Apocalypse Now (1979). De hecho, esta última película tuvo mucho que ver en su decisión para cambiarse el nombre.

Según contó el propio Cage en una entrevista para Wired, la decisión estuvo motivada por las burlas que recibió tras el estreno del largometraje de su tío. “La gente no paraba de decir cosas como 'Me encanta el olor de Nicolas por la mañana' por culpa de Apocalypse Now”, compartió con el medio de comunicación. 

Esta broma se basaba en una de las frases más míticas del largo de Coppola, en la que el personaje del teniente coronel Bill Kilgore (interpretado por Robert Duvall) decía: “Me encanta el olor a napalm por la mañana”. Nicolas, que entonces no era más que un adolescente, pensó que sería buena idea pensar un apellido artístico que lo acompañara en su carrera.

Un apellido que, en cierta manera, le permitiera alejarse del sello “Coppola” y construir su propia trayectoria. Para elegirlo, se inspiró en Luke Cage, superhéroe de cómic de Marvel, y en John Cage, compositor estadounidense y figura clave de la vanguardia del siglo XX. Hoy, muchos desconocen que Cage no es el verdadero apellido de uno de los actores más famosos de Hollywood.

Las películas en las que colaboraron juntos

Cage no adoptó su nuevo nombre hasta principios de los años 80, cuando ya había comenzado su carrera como actor. El actor debutó en 1981 con el episodio piloto de The Best of Times, una serie de televisión que tuvo mucho éxito, y pronto consiguió un papel en la película Fast Times at Ridgemont High (1982). En ambas producciones apareció acreditado como Nicolas Coppola, pero fue la última vez que ocurrió.

Cuando su tío Francis Ford Coppola lo eligió para hacer un papel en La ley de la calle (1983), el actor ya se había cambiado el nombre. En una entrevista para The Hollywood Reporter, Cage confesó que le pidió a su tío participar en El Padrino II. “Simplemente no iba a suceder. Fue una película en la que no me dejaron entrar, pero en la que realmente quería estar”, compartió entonces.

Desde su estreno el pasado 12 de febrero, la primera entrega de American Love Story se ha convertido en la serie del momento, sobre todo en su conversación en redes sociales. La ficción retrata de forma íntima el romance entre Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr, que finalizó trágicamente con el fallecimiento de ambos en un accidente aéreo en 1999.

El desenlace previsto se da en el capítulo final que llega este viernes 27 de marzo en la plataforma Disney +, donde es la serie más vista a nivel global, según datos de FlixPatrol, y que también se evidencia con la tendencia de conversación sobre Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr en TikTok, Instagram o X.

Precisamente, el éxito de la serie no solo ha revivido la fascinación por los personajes reales que retrata, sino también por los actores que dan vida a los protagonistas como es el caso de Paul Anthony Kelly, que se ha convertido en uno de los hombres del momento tras meterse en la piel de JFK Jr, por lo que ha pasado de ser un desconocido a uno de los actores de moda.

Quién es Paul Anthony Kelly, el nuevo actor de moda

Paul Anthony Kelly nació en el pequeño pueblo Port McNicoll, en Ontario, Canadá, en octubre de 1988, “un lugar en medio de la nada” para el actor, que, si bien tuvo claro que su pasión era la actuación, comenzó como modelo. Trabajó con marcas internacionales y viajó por todo el mundo, pero se mantuvo en su idea de dedicarse a la interpretación, por lo que estudió en Stella Adler Studio.

Desde entonces, Kelly compaginó su carrera como modelo junto con la de actor, que arrancó en producciones teatrales. Así, se centró y encontró sus primeros pasos en el teatro independiente, lo que le valió para perfeccionar su técnica y adquirir experiencia para buscar su oportunidad en la televisión o en el cine.

Tuvieron que pasar, sin embargo, diez años para que encontrara el papel que lo ha convertido en estrella. El actor se preparó el personaje a conciencia, estudiando biografías, entrevistas y grabaciones de John F. Kennedy Jr, pero el casting fue un proceso largo por el que tuvo que imponerse a más de cien aspirantes. Su apariencia acabaría siendo clave para hacerse con él.

A los productores les costó encontrar a su JFK Jr: “Ya no hacemos ese tipo de chicos”

Y es que mientras Paul Anthony Kelly buscaba su lugar, los productores de American Love Story comenzaban a estar desesperados por no encontrar a su JFK Jr perfecto, un hecho que ha confirmado recientemente en una entrevista el productor ejecutivo Brad Simpson:

“Estábamos a tres semanas de empezar a rodar y todavía no lo habíamos elegido. Habíamos visto a todos los actores masculinos de entre 25 y 38 años. En parte, se trataba simplemente de esa masculinidad de los 80, de la vieja escuela: un hombre con pelo en el pecho, al estilo de Richard Gere o Tom Selleck, con ese aspecto clásico y musculoso. Por alguna razón, ya no hacemos hombres así, y él realmente necesitaba tener eso”, afirmó al respecto.

Finalmente encontraron a Kelly, que no solo se parecía físicamente a John F. Kennedy Jr, sino que además tenía ese corte clásico que buscaban desde la producción y que en parte se ha convertido en tendencia en redes sociales, con un cierto regreso a la moda de los 90.

La actriz alemana Collien Fernandes ha denunciado a su exmarido Christian Ulmen, también intérprete y presentador de televisión, por haber difundido imágenes pornográficas falsas suyas en Internet. Según reveló en una entrevista en Der Spiegel, estos deepfake mostraban su cuerpo recreado en poses explícitas, con las piernas abiertas o manteniendo relaciones sexuales en medio de grupos de hombres. Uno de ellos, titulado 'Reto de la masturbación', cuenta con más de 270.000 visualizaciones.

El caso ha causado gran revuelo en Alemania, donde el pasado fin de semana, cerca de 7.000 personas se manifestaron en Berlín para apoyar a la actriz y al resto de mujeres víctimas de violencia sexual digital. El debate sobre su protección ha llegado a las altas esferas del país, donde la ministra de Justicia Stefanie Hubig aseguró que quiere endurecer las leyes. “Algunas de estas imágenes pretenden hacer daño, otras buscan difamar a las víctimas o difundir mentiras. No lo vamos a permitir”, declaró la dirigente a Der Spiegel.

Su intención es que este tipo de actos sean “explícitamente” sancionables penalmente gracias a una nueva ley, con la que quiere abarcar no solo las imágenes pornográficas, sino todos los contenidos falsos que “atenten contra los derechos de los individuos”. “No existe ninguna diferencia entre la violencia en la vida real y la violencia digital”, valoró, sobre cómo sus consecuencias pueden ser “igual de devastadoras”. Esta nueva norma tendría la protección de las víctimas como principal motor, en especial a lo que respecta a los dispositivos de rastreo, frecuentes en casos de violencia doméstica, de tal forma que los culpables tendrán que perder el acceso a sus cuentas y las víctimas deberán poder saber quién se esconde detrás de los perfiles falsos.

El portavoz del ministerio, Marc Hosemann, explicó sobre los planes legislativos contra la violencia ejercida a través de estos deepfake que no sería el primer país en el que se tomaran medidas al respecto, poniendo por ejemplo a Reino Unido, donde sí están penalizados. “El derecho penal va por detrás del desarrollo tecnológico. Las víctimas de violencia digital y deepfakes no están indefensas ante la ley actual, pero el derecho penal no está donde debería estar”, expuso.

“Durante años me robaron mi cuerpo”

Collien Fernandes comenzó su carrera como modelo y presentadora de Viva y MTV, para posteriormente aparecer en series de televisión. Uno de sus papeles más conocidos ha sido como médico en la ficción de la cadena ZDF Das Traumschiff (El barco de los sueños). Además, es autora de libros infantiles y dirigió un documental sobre la pandemia del coronavirus. Ulmen también presentó programas en la MTV en los noventa, participó en películas y encarnó a un detective en la serie Tatort. Más adelante trabajó como productor y director, desarrolló la ficción Jerks, en la que se interpretaba a sí mismo, por la que recibió el Premio de la Televisión Alemana en 2019.

La pareja tuvo una hija en 2012 y vivió durante varios años en Mallorca, hasta su divorcio en 2015; y fue a finales este año cuando Fernandes presentó la denuncia contra Ulmen en España alegando “abuso de su estatus legal, insultos públicos, revelación de secretos, agresiones reiteradas en el seno de una familia cercana y amenazas graves”.

En la demanda aseguró haber sido víctima de “robo de identidad a través de redes sociales” durante diez años, en los que su exmarido habría contactado con “cientos de hombres” en su nombre, enviándoles vídeos y fotos eróticos generados con IA. En torno a treinta de ellos respondieron, con los que el actor y presentador habría mantenido relaciones extramaritales y sexo telefónico bajo la identidad de su entonces pareja. La actriz asegura que todos estos hechos ocurrieron sin su consentimiento. “Durante años me robaron mi cuerpo”, lamenta.

En una publicación reciente en su cuenta de Instagram, Fernandes hizo pública su denuncia, reconociendo que el motivo por el que se enteró de lo que estaba sucediendo fue una conversación con un productor, que en una comida hizo referencia a una supuesta conversación que habían mantenido. Pese a que la primera vez que hizo referencia a lo sucedido fue en 2023, no fue hasta 2024 cuando la presentadora acudió a la Policía alemana, y Ulmen confesó lo que estaba sucediendo en un intento de detener la investigación. Según expuso, él justificó su comportamiento diciendo que respondía a “una especie de sentido de la propiedad”.

Una de las series británicas más vistas y queridas de los últimos años está de vuelta, aunque de forma especial. El pasado 20 de marzo se estrenó la película ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’, en un formato diferente con el que se hizo conocida, y que en esta ocasión ha sido producida por Netflix y no por BBC, encargada de las seis temporadas anteriores.

La película de ‘Peaky Blinders’ llega cuatro años después del último episodio de la sexta temporada como ese complemento final para la historia de la familia Shelby protagonizada por Cillian Murphy en el papel de Thomas Shelby, que ha incorporado también otros actores de la talla de Rebecca Ferguson o Barry Keoghan.

Sin embargo, esto también quiere decir que hay ausencias de personajes icónicos de la serie como es el caso de Arthur Shelby, el mayor de los hermanos, que interpretado por el actor Paul Anderson no está en ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’, algo que no pilla del todo por sorpresa tanto por la trama de la ficción como por la situación personal del interprete.

Y es que a finales de 2024 se publicaron fotos preocupantes sobre el estado desmejorado del actor en las calles de Londres después de salir de la cárcel por una condena de consumo y posesión de drogas, una adicción sobre la que estaría actualmente luchando, como ha reconocido en los medios de comunicación donde ha roto el silencio sobre su participación en la película de la serie en la que fue uno de los personajes principales.

Recordemos que Arthur Shelby tiene un final ambiguo en la sexta temporada de ‘Peaky Blinders’, donde envía una carta de despedida a su hermano Tommy al no acudir a la cena, y asegura que prefiere ir a “un lugar que su hermano visitará más temprano que tarde”, lo que llevó a insinuar que se podría haber suicidado, aunque podría no ser así.

“Las cosas son como son. Yo no soy el que toma las decisiones sobre mi personaje”, aseguró en una reciente entrevista Paul Anderson sobre su participación en ‘Peaky Blinders’. A su vez que define la película recién estrenada como “magnífica”, pero que no le acaba de convencer: “Hicimos una gran serie y me parece que no suficientes temporadas. Deberíamos haber rodado al menos un par más, para ser sincero, no entiendo por qué hacen una película”, explicó.

El final de ‘Peaky Blinders’ que pudo ser

En sus declaraciones, el actor va más allá y también ha desvelado el final alternativo de ‘Peaky Blinders’ que tenía en mente su creador, Steven Knight. Este había imaginado un cierre circular con Tommy, Arthur y John Shelby en el que escuchaban las campanas que anunciaban la Segunda Guerra Mundial mientras sus hijos partían hacia el conflicto, lo que aportaba una potente imagen de un relevo generacional ‘maldito’ y que conectaba el trauma con otra nueva tragedia.

Sin embargo, este final se cayó cuando el actor que daba vida a John Shelby, Joe Cole, se marchó del proyecto y con ello se dio muerte a su personaje en la cuarta temporada, lo que alteró también la trama de los Shelby en la ficción. Ahí fue también donde se comenzó a plantear la película como continuación de la historia después de desbaratarse el plan inicial.

Aun así, Netflix y Knight han anunciado que ‘Peaky Blinders’ no acaba en ‘El Hombre inmortal’, sino que habrá dos series de trama consecutiva, cada ella de seis episodios que tratará sobre la reconstrucción de Birmingham durante la posguerra y la búsqueda de los Shelby de hacerse con el control de la ciudad.