A principios de los años 90, era el actor mejor pagado del mundo y en parte esto fue así porque cuando nadie confiaba en una película, él invirtió en ella y se acabó convirtiendo en el western más taquillero de la historia durante varias décadas. Hablamos de Kevin Costner, que más de 40 años después, vuelve a estar en una situación similar.

Si bien el resultado no tiene por qué ser el mismo, lo cierto es que nadie quiere estrenar su última película, con la que completaría una saga que arrancó en 2024, motivado por el éxito de la serie ‘Yellowstone’ con la que resurgió con fuerza en Hollywood. Sin embargo, dejarla parece haberle costado caro.

La película ‘maldita’ de Kevin Costner: un ambicioso western que nadie quiere estrenar

En el verano de 2024, Kevin Costner estrenaba la ambiciosa saga western ‘Horizon’ con el subtítulo ‘An American Saga – Capítulo 1’, con lo que ya avisaba quería continuar, en principio, con hasta tres películas más, un hecho que, sin embargo, parece a estas alturas complicado de conseguir.

Y es que la tibia acogida tanto de la crítica como del público de la primera entrega de ‘Horizon’ ha hecho que la segunda entrega esté ahora mismo sin distribución en cines y con un estreno que cada vez que pasa parece más complicado. 'Horizon: An American Saga - Capítulo 1' recaudó solo 38 millones de dólares en su paso por cines, justo la misma cifra que costeó el actor desde su bolsillo para dos entregas.

De la segunda entrega de ‘Horizon’ que Kevin Costner está intentando sacar adelante sabemos poco, solo que podría contar con un reparto similar al de la primera, en la que participaron interpretes como el propio Costner junto a Sienna Miller, Ella Hunt, Jamie Campbell Bower y Sam Worthington. Dos años después no hay nuevas noticias y solo se sabe que pasó por el Festival de Venecia 2024 y el de Santa Bárbara en 2025, pero desde entonces se le ha perdido el rastro.

Pasó por algo similar hace 35 años: el caso ‘Bailando con lobos’

Cualquiera en la situación de Kevin Costner se daría por vencido, pero en el caso del veterano actor no es así porque él mismo saboreó las mieles de lo que es que nadie quiera estrenar una película, luchar por ella y que luego sea todo un éxito. Eso pasó hace 35 años con ‘Bailando con lobos’, uno de los westerns más taquilleros de la historia del cine.

Nos situamos a finales de los años 80, y el actor se encontraba rodando ‘Bailando con lobos’, una película que llevó a la bancarrota a United Artists y que parecía maldita, tanto que se le apodó ‘Kevin’s Gate’ en referencia a ‘La puerta del cielo’. Sin embargo, Costner creyó en ella y puso tres millones de dólares de su bolsillo para acabarla y ponerse tras las cámaras, en lo que supuso su primera incursión en la dirección.

Así llegamos a noviembre de 1990, cuando ‘Bailando con lobos’ se estrenó de forma limitada en Estados Unidos, pero debido a que fue un éxito instantáneo pronto aumentó el número de salas y estrenos, llegando a acumular más de 400 millones de dólares de recaudación y siendo durante 22 años la película del oeste más taquillera. No se quedó ahí la cosa, gracias a su acuerdo, el actor se hizo con parte de las ganancias y logró Oscar a Mejor película y mejor director junto a cinco estatuillas más.

Cada película de Christopher Nolan se ha convertido en los últimos años en toda una experiencia, acompañada de gran expectación, con proyectos de gran envergadura, y algunos de ellos con dificultad añadida en cuanto a su sinopsis, con películas como ‘Tenet’ que todavía son incomprendidas por muchos espectadores, e incluso por parte de sus actores principales como es el caso de Robert Pattinson.

Pattinson es también uno de los protagonistas del próximo estreno del cineasta, ‘La Odisea’, una adaptación de la obra clásica de Homero que aspira a no dejar indiferente a nadie como han demostrado sus primeras imágenes y el tráiler, y que es uno de los estrenos más esperados de este verano, que se prevé el próximo 17 de julio.

Los detalles que se van conociendo de ‘La Odisea’ de Christopher Nolan dejan ver un proyecto que puede ser la película más ambiciosa y extrema de su trayectoria, además con una cifra de presupuesto que supera los 250 millones de dólares. Los últimos ‘flecos’ los hemos conocido a través de su reparto, con un reciente reportaje de tres de sus protagonistas, Matt Damon, Tom Holland y Robert Pattinson en la revista GQ.

En la entrevista, Matt Damon ha compartido las dificultades que ha vivido en el rodaje de la película, en la que interpreta a Odiseo, y que ha llevado más de tres meses para completarla, con un viaje por seis países diferentes y para el que se han usado más de 600.000 metros de IMAX. Todo una ‘odisea’ para el reparto, como han asegurado los actores.

“Cuando llegaba a todos esos lugares, pensaba: ‘¿A quién coño se le ha ocurrido que aquí se podía rodar una película?'. Cada vez que íbamos a un sitio, decíamos: ‘Bueno, en Islandia será más fácil’. Y luego llovía a cántaros y hacía un frío de cojones. Islandia fue como: ‘¿Fácil? Sujétame el cubata. Y, efectivamente, llegamos [a Los Ángeles] y Chris [Nolan] tenía dos motores a reacción echándonos agua a mares. Así que fue un final bastante apropiado. Incluso el entorno controlado era frío, húmedo y bastante incómodo”, aseguró el actor protagonista.

A su vez, sin embargo, para Matt Damon todo este esfuerzo ha merecido la pena y ha compensado: “Fue una experiencia en la que simplemente estaba inmerso cada día, y me encantaba. Y ocurrió lo más curioso: todas esas cosas que podrían haberme resultado difíciles en una etapa anterior de mi vida ya no lo eran. Lo disfruté mucho. Por ejemplo, no me importaba lo de estar empapado y pasar frío. De hecho, me sentía afortunado de poder experimentarlo. Me parecía algo finito, como un regalo. Así que fue muy extraño. Nunca he experimentado algo así. Por eso sueno un poco como un cristiano renacido. Es un sentimiento que anhelaba y que por fin he vivido”, concluyó.

Tom Holland: “Se parece más a una recreación histórica”

Las declaraciones de Matt Damon en GQ fueron completadas por las de sus compañeros de reparto, con un Tom Holland al que lo que más le asombró fue el set del rodaje de la película en Marruecos: “Recuerdo que caminé por esa playa durante media hora y solo veía soldado griego, soldado griego, barco griego, soldado griego, la guerra de Troya, barco griego, soldado griego. No sé si estoy exagerando, pero me parecieron kilómetros. Y le digo al asistente de producción: ‘¿Dónde está el equipo? No he visto ni rastro de un plató de rodaje. Esto se parece más a una recreación histórica que a un plató de cine”, compartió el actor.

Argamasilla de Alba vivió en la noche del pasado sábado una de las ediciones “más emotivas” de la historia de El Quijote en la Calle. La representación, que este año alcanzaba su vigésimo quinto aniversario, reunió a cientos de personas en la Plaza Alonso Quijano para disfrutar de una nueva puesta en escena de la obra cervantina y asistir a un momento que “ya forma parte de la memoria colectiva de la localidad”: la despedida de José Luis Fernández Serrano del personaje de Don Quijote tras veinticinco años encarnando al Caballero de la Triste Figura.

Bajo un manto de estrellas y en una noche cargada de simbolismo, vecinos y visitantes acompañaron a los protagonistas de esta singular representación que, desde hace un cuarto de siglo, convierte las calles y plazas de Argamasilla de Alba en un gran escenario al aire libre donde literatura, teatro, música, danza y participación ciudadana se dan la mano para rendir homenaje a la obra más universal de Miguel de Cervantes.

Una despedida tras cinco lustros siendo Don Quijote

La XXV edición llevó a escena una adaptación de los capítulos finales de la novela, centrándose en los últimos episodios de la vida de Don Quijote. El encuentro con Álvaro de Tarfe, las reflexiones finales del caballero, su testamento y su muerte marcaron el hilo conductor de una representación que adquirió un significado especial al coincidir con la despedida del actor José Luis Fernández Serrano, que ha dado vida al personaje desde los inicios de esta iniciativa.

Visiblemente emocionado, agradeció el apoyo recibido durante todos estos años por parte de compañeros, colaboradores, asociaciones y público, reconociendo el esfuerzo colectivo que ha permitido mantener viva esta tradición durante veinticinco años.

Durante su intervención tuvo también un recuerdo especial para todas aquellas personas que participaron en la representación o la siguieron desde el público y que ya no se encuentran entre nosotros, solicitando un respetuoso minuto de silencio en su memoria.

De manera especialmente sentida, quiso rendir homenaje a Pedro Serrano “Periqui”, a quien recordó como su fiel escudero durante años en el papel de Sancho Panza, destacando su entrega, compañerismo y la pasión con la que hizo suyo el personaje.

La emoción fue creciendo hasta desembocar en una larga ovación del público que llenaba la plaza, poniendo el broche de oro a una “noche histórica” para la cultura local.

El “más universal de los manchegos”

La muerte de Don Quijote sobre el escenario marcó el desenlace de la representación, pero también simbolizó el cierre de una etapa irrepetible para José Luis Fernández Serrano, cuya figura quedará para siempre ligada a la historia de El Quijote en la Calle.

Antes de abandonar definitivamente el personaje, quiso dirigirse una última vez a los asistentes con tres palabras sencillas y cargadas de significado: “Gracias, gracias y gracias”.

Con ellas concluyó una edición que será recordada no solo por celebrar el vigésimo quinto aniversario de una de las grandes citas culturales de Argamasilla de Alba, sino también por despedir a quien, durante veinticinco años, puso voz, cuerpo y alma al más universal de los manchegos.

La dirección de Pilar Serrano de Menchén volvió a ser una de las grandes claves del éxito de la representación. Su trabajo al frente de El Quijote en la Calle ha permitido consolidar un proyecto cultural que “trasciende el ámbito teatral para convertirse en una de las señas de identidad de Argamasilla de Alba”, implicando generación tras generación a decenas de vecinos y vecinas en torno al universo cervantino.

La puesta en escena contó con la participación de Tiquitoc Teatro, la Agrupación Musical “Maestro Martín Díaz”, dirigida por Miguel Carlos Gómez Perona, el Grupo de Coros y Danzas “Mancha Verde”, la Antigua Escuela de Baile “Crisanto y María del Rosario”, así como numerosos colaboradores, asociaciones, técnicos, voluntarios y participantes que hicieron posible una nueva edición de este espectáculo colectivo.

Pocas cosas resultan tan codiciadas en Hollywood como entrar en una saga capaz de recaudar cientos o miles de millones de dólares. Ese tipo de franquicias ofrecen visibilidad mundial, estabilidad profesional y una oportunidad única para que un actor llegue a públicos de todos los continentes.

La dimensión económica de estos universos convierte cada papel en una posición muy disputada. Incluso los personajes secundarios pueden alcanzar una notoriedad difícil de conseguir en producciones aisladas. Por esa razón, formar parte de una franquicia de éxito se ha convertido en una aspiración habitual dentro de la industria.

Éomer abrió la puerta a una etapa decisiva

Karl Urban ha pasado buena parte de su carrera entrando precisamente en ese tipo de producciones. El actor neozelandés aparece vinculado a algunas de las sagas más rentables del cine moderno, una circunstancia poco frecuente incluso entre intérpretes con trayectorias muy extensas. Con el paso de los años se ha convertido en un rostro habitual del cine fantástico, la ciencia ficción y la acción gracias a su presencia en franquicias de enorme alcance internacional.

La puerta de entrada a ese nivel llegó con El Señor de los Anillos. Urban interpretó a Éomer en Las dos torres y El retorno del Rey, dos películas dirigidas por Peter Jackson que marcaron una época dentro del cine fantástico. En una entrevista concedida a Variety, el actor recordó que obtuvo el papel después de que Jackson viera material de una producción anterior en Nueva Zelanda.

Urban explicó que aquella experiencia sigue teniendo un lugar privilegiado en su memoria profesional y recordó que “todo el mundo estaba tan implicado desde cada departamento” para conseguir un resultado que la historia ha acabado avalando. Su participación coincidió además con una de las etapas más exitosas de la trilogía, cuya recaudación acumulada supera actualmente los 2.073 millones de dólares en las dos entregas en las que apareció tras los distintos reestrenos.

Star Trek y Marvel ampliaron su presencia mundial

Después llegaron otras franquicias gigantes. Una de las más destacadas fue Star Trek, donde interpretó al doctor Leonard McCoy en la línea temporal Kelvin iniciada en 2009. Las tres películas de esa etapa sumaron alrededor de 1.247 millones de dólares en la taquilla mundial.

Urban también formó parte del Universo Cinematográfico de Marvel gracias a su papel de Skurge en Thor: Ragnarok. Aunque su personaje tuvo una presencia limitada dentro del conjunto de la saga, la película se convirtió en otro gran éxito comercial al superar los 854 millones de dólares en todo el mundo, aunque lejos de otras producciones de la misma franquicia como Endgame o No Way Home.

Un stormtrooper le permitió cumplir una vieja ilusión

La lista todavía incorporó una parada más con Star Wars. Digital Spy recogió las declaraciones del actor sobre su aparición en El ascenso de Skywalker. Urban explicó que interpretó a uno de los stormtroopers presentes en la nave de Kylo Ren y que incluso pronunció una breve frase: “Caballeros Ren”.

El papel fue anecdótico, ni siquiera se sabía que era él, pero le permitió cumplir una aspiración personal relacionada con la saga galáctica. La película terminó alcanzando una recaudación mundial de 1.077 millones de dólares.

Johnny Cage prolongó una imagen forjada durante décadas

Su recorrido por grandes propiedades audiovisuales continuó recientemente con Mortal Kombat II, donde asumió el papel de Johnny Cage. El personaje encaja perfectamente con el tipo de figuras que han acompañado al actor durante años: hombres duros, carismáticos y acostumbrados a desenvolverse en entornos fantásticos o violentos. También participó en The Bluff como el pirata Capitán Connor, otra muestra de su afinidad con el cine de aventuras y acción.

Ese perfil comenzó a construirse mucho antes de alcanzar fama internacional. Urban apareció en Xena: la princesa guerrera interpretando varios personajes y más adelante trabajó en producciones como Doom, Pathfinder, Priest, Red o Las crónicas de Riddick. Algunas obtuvieron mejores resultados que otras, pero todas ayudaron a consolidar una imagen muy reconocible.

The Boys impulsó el papel más celebrado

La televisión ha terminando ampliando todavía más su popularidad gracias a The Boys. En la serie de Amazon Prime Video interpreta a Carcinero, líder del grupo que combate a los superhéroes corruptos de ese universo liderados por el Patriota. El personaje terminó convirtiéndose en el papel más celebrado de su carrera reciente.

La producción, ya finalizada con un último capítulo que no gustó a todos los fans, se prolongó durante cinco temporadas, recibió excelentes valoraciones y acumuló 12 nominaciones a los premios Emmy. Buena parte del público identifica hoy a Urban con Carnicero, una figura impulsada por la pérdida y la obsesión por la venganza con unas líneas morales muy difusas.

Cuatro sagas sitúan a Urban entre casos excepcionales

La carrera del actor presenta una circunstancia difícil de igualar. Urban ha participado en El Señor de los Anillos, Star Trek, Marvel y Star Wars, cuatro nombres que figuran entre las franquicias más reconocibles y rentables de la cultura popular contemporánea con más de 5.000 millones entre todas ellas.

En algunos casos tuvo papeles más relevantes y en otros apareció durante pocos segundos, pero su presencia quedó registrada en universos que movilizaron miles de millones de dólares y generaciones enteras de seguidores. Esa sucesión de sagas ultrataquilleras ayuda a explicar por qué Karl Urban se ha convertido uno de los rostros más habituales cuando Hollywood necesita intérpretes capaces de encajar en grandes mundos de ficción.

El veterano actor James Handy, conocido por sus pequeños papeles en películas como Jumanji o Top Gun: Maverick, así como por sus apariciones en numerosas series de televisión, fue asesinado a puñaladas en Los Ángeles a los 81 años. Un suceso que confirmó el representante del actor. “Con gran tristeza confirmo que el caballero que fue atacado y asesinado el miércoles era el actor James Handy”, dijo a los medios de EEUU. También por la policía de Los Ángeles, que informó, tal como recogen los medios norteamericanos, que el culpable ha sido el hijo de su pareja.

El suceso ocurrió el miércoles sobre las 9:30 am. Unos agentes de policía respondieron a una llamada de radio sobre un incidente ocurrido en el barrio de Tarzana. La persona que llamó aseguró que acababa de matar a un hombre: “Soy su hijo, acabo de matar al hombre del pecado”. Al llegar, los agentes encontraron a James Handy, de 81 años, en el jardín delantero de la residencia, inconsciente y con una puñalada en el pecho.

La víctima fue trasladada a un hospital local de Los Ángeles, donde fue declarado muerto. Fue el propio sospechoso, Michael Gledhill, de 44 años, quien hizo señas a los agentes cuando llegaron para confesar que era a él a quien buscaban. Gledhill residía allí con su madre, quien es la novia de la víctima, explicaba sobre el suceso el comunicado policial. El sospechoso fue inmediatamente arrestado e ingresado en la cárcel, acusado de un cargo de asesinato y con una fianza impuesta de 2 millones de dólares. “Los detectives creen que se trata de un incidente aislado y, por el momento, no parece haber peligro para el público”, indicaba también el comunicado policial que recoge Variety.

Además de en las citadas películas también apareció, siempre en papeles secundarios, en taquillazos como Logan, Aracnofobia o K-9. En televisión interpretó a Arthur Devlin en ocho episodios de la serie Alias y tuvo papeles recurrentes en Melrose Place y NYPD Blue.

El pueblo toledano de Madridejos será de nuevo testigo de la representación teatral del Siglo de Oro, 'El pleto que puso al diablo el cura de Madridejos', inspirada en hechos históricos en esta localidad a comienzos del siglo XVII.

Se trata de una de las obras “más singulares” del teatro barroco español y se representará el 13 de junio en forma de ruta teatralizada.

Este libreto, escrito entre 1629 y 1632 por Luis Vélez de Guevara, Francisco de Rojas Zorrilla y Antonio Mira de Amescua, está basado en el célebre caso de exorcismo protagonizado en 1604 por el cura Juan García Fernández y Catalina Díaz, conocida como La Rojela, un episodio que alcanzó una enorme repercusión en la época y que forma parte del imaginario popular manchego.

Previamente, el 12 de junio tendrá lugar en el Museo del Azafrán, la presentación de la adaptación contemporánea de la obra realizada por los catedráticos Nieves Algaba y Abraham Madroñal, especialistas en teatro del Siglo de Oro, quienes han acercado este clásico al lector actual manteniendo “intacta su esencia y su riqueza literaria”.

Recuperar el legado histórico de los municipios de Toledo

El diputado de Cultura de la Diputación de Toledo, Tomás Arribas, ha señalado el “compromiso” del Gobierno provincial con los municipios que trabajan por recuperar y divulgar su legado histórico. “Cuando un pueblo conoce y reivindica su historia, fortalece su identidad, genera oportunidades culturales y turísticas, impulsa la participación de sus vecinos y transmite a las nuevas generaciones el orgullo de pertenecer a una tierra con memoria, con raíces y con un patrimonio que merece ser conservado y compartido”, ha afirmado.

La concejala de Educación y Cultura del Ayuntamiento de Madridejos, María Soledad Ávila, ha explicado que “este proyecto nace de la inquietud por acercar a la ciudadanía una de las obras más singulares vinculadas a la historia de Madridejos y hacerla accesible al público actual”.

Ávila ha agradecido especialmente la labor de los catedráticos Abraham Madroñal y Nieves Algaba por la adaptación realizada y ha destacado “la colaboración de todas las personas e instituciones que han hecho posible convertir una investigación histórica en una propuesta cultural abierta a todos los públicos”.

La concejala ha recordado además que, de forma paralela a la adaptación de la obra, surgió la iniciativa de crear una ruta teatralizada que permitiera acercar a vecinos y visitantes “a distintos episodios documentados de la vida del cura exorcista de Madridejos a través de escenarios reales de la localidad y de una experiencia inmersiva que conecta historia, patrimonio y teatro”.

Por último, la coordinadora de Cuadernos de Historia y Cultura Popular, Lola Cézar, junto a sus compañeras, ha señalado que ambas actividades “comparten como eje central la obra ‘El pleito que puso al diablo el cura de Madridejos’ y la figura de Juan García Fernández, protagonista tanto de los hechos históricos como de la pieza teatral”.

Cézar ha explicado que la ruta recorrerá seis localizaciones del casco urbano relacionadas con los acontecimientos narrados y que contará con la participación de 17 actores y numerosos figurantes caracterizados con vestuario del siglo XVII, con el objetivo de ofrecer “una experiencia cultural rigurosa, atractiva y sorprendente para el público”.

Si hace dos meses el sitio en el que había que estar era el 'confesionario' de Rosalía, ahora la fiebre se ha contagiado del ritmo puertorriqueño de Bad Bunny y todo famoso que se precie quiere estar allí. La 'Casita' que ha construido el 'conejo malo' para los conciertos de su gira europea no deja de ser un escenario secundario, pero se ha convertido en uno de sus símbolos —y en un generador de virales—. 

Si a su paso por Barcelona se sumaron a la lista de celebridades que han pasado por sus conciertos las actrices Úrsula Corberó y Priscila Delgado, el presentador Marc Giró o los futbolistas del FC Barcelona Lewandowski o Lamine Yamal, ahora con su llegada a Madrid y una decena de conciertos por delante, la lista no ha dejado de ampliarse.

Entre los 'elegidos' para bailar en la 'Casita' al ritmo de las canciones de la gira Debí tirar más fotos ya hemos podido a ver a los actores y actrices Ana de Armas, Ester Expósito, María León, Clara Galle y Martiño Rivas. También se han dejado ver futbolistas del Real Madrid y del Rayo Vallecano como Álvaro Carreras, Dani Ceballos, Isi Palazón o Sergio Camello. Y no han faltado miembros de la Jet Set como la tercera mayor fortuna del país, Marta Ortega, hija de Amancio Ortega y presidenta no ejecutiva del grupo Inditex, aunque tratase de esconderse detrás de una columna.

También se pudo ver este pasado fin de semana a la empresaria e influencer italiana Chiara Ferragni entre los famosos o al cantante Mvrk. E incluso al legendario jugador de baloncesto y vencedor de seis anillos de la NBA Michael Jordan. Tal es la expectación por las personalidades que puedan acceder a tan codiciado espacio que se rumorea que incluso el jefe de la oposición y líder del Partido Popular, Alberto Núñez Feijóo, trató de acceder a la 'Casita' del Estadio Metropolitano. Por el momento, no lo ha logrado.

El domingo 31 de mayo fue el turno de los directores de cine Javier Calvo y Javier Ambrossi, a quienes se vio junto a la actriz Hiba Abouk. También estuvo presente la cantante Judeline, totalmente entregada, o el músico Álex de Lucas. De nuevo, no faltaron los futbolistas, en esta ocasión el capitán del Atlético de Madrid Koke Resurrección o el bético Héctor Bellerín. No faltó a la cita el actor y presentador valenciano Arturo Valls, habitual de los grandes conciertos en la capital.

Nicolas Cage está de promoción. El actor de Hollywood, que se cambió el apellido bajo inspiración de un personaje de Marvel, ha cumplido su sueño de ser un superhéroe. Lo hace en Spider-Noir, la nueva serie disponible en España desde el 27 de mayo en Prime Video en la que interpreta a Ben Reilly, un investigador privado que es en realidad un clon genético de Peter Parker, el hombre detrás de Spider-Man.  

Durante la promoción de la producción, el actor ganador del Oscar ha participado en una entrevista con el diario New York Times en la que tuvo tiempo de repasar algunos de los momentos más importantes de su extensa trayectoria en la industria del cine. Fue en este encuentro en el que reveló el conflicto con algunos directores que lo persigue desde hace varios años.

“David O. Russell me ofreció una película hace muchísimo tiempo. Era una buena película, me la ofreció y dije que no, y es el único director al que le he dicho que no que luego me ha ofrecido otra película”, empezó a explicar Cage. El actor puso sobre la mesa el resentimiento que sienten algunos cineastas hacia aquellos intérpretes que alguna vez han rechazado uno de sus proyectos. 

“La mayoría se ofende y no te vuelve a llamar”, añadió. Y dio nombres. “Me ha pasado un millón de veces. Me ha pasado con Christopher Nolan, con Woody Allen, con Paul Thomas Anderson. No me vuelven a llamar”. Cage continuó explicando que la película que Nolan le había propuesto era Insomnio (2002), que acabó con un elenco liderado por Al Pacino, Robin Williams y Hilary Swank.

En la piel de John Madden

En el caso de Russel, la segunda oportunidad para Cage llegó con Madden, el biopic del entrenador de fútbol americano y comentarista John Madden que ya ha rodado y que llegará a cines en noviembre de este año. “Fue un gesto muy amable por su parte devolverme la llamada e invitarme de nuevo, y no quería decirle que no otra vez porque le tengo un gran respeto a su talento”, confesó el actor en la misma entrevista.

Sin embargo, ponerse en la piel del entrenador no fue nada fácil para él, que decidió seguir el consejo de unos de los grandes artistas de nuestra historia. “Fue un gran reto. No me imagino a mí mismo cuando pienso en John Madden. Así que pensé: ‘Vale, ¿cómo puedo salir de mi zona de confort?’. Eso es lo que me dijo David Bowie. Le pregunté: ‘¿Cómo te las arreglaste para reinventarte constantemente?’. Me respondió: ‘Nunca me sentí cómodo con nada de lo que hacía’”.

El hijo del carpintero (2025) y Pistoleros (2025), las dos últimas películas de Nicolas Cage que se estrenaron en cines el año pasado, no recibieron buenas críticas. Habrá que esperar para ver cómo se recibe su interpretación en Spider-Noir y Madden, sus dos grandes proyectos de este 2026.

La mitificación del pasado cultural es una patología común entre las élites intelectuales, y las nuestras no escapan a esa propensión, pero caen de cuatro patas cuando se trata de hablar de la Transición. Ahí se concitan todos los demonios contra el presente porque aquel pasado, ay, aquel pasado sí era de verdad exuberante, dialogante, pacífico, exigente y perdurable. En realidad, los protagonistas de la Transición no lo veían nada claro, o más bien muy oscuro, cuando la vivieron en directo: consideraban que la cultura española posfranquista entraba en una barrena abismal, incapaz de generar nada de valor, ensimismada, noqueada, estéril e impotente. Eso vale cuando menos para la cultura literaria, la novela, la poesía, etc., como si Eduardo Mendoza o Ángel González, Carmen Martín Gaite, Jaime Gil de Biedma, Juan Benet o Juan Marsé, no estuviesen por entonces escribiendo cosas que están vivísimas hoy mismo y que se habían desprendido sin miedo ni pesar de los restos de las sotanas y las casacas militares. Pero la percepción de la élite cultural era esa, desencantada porque la muerte del generalísimo Franco no había sido capaz de cuajar todavía en una producción cultural a la altura del ensueño, la expectativa o la ilusión del antifranquismo. Eran diagnósticos ampliamente compartidos por quienes llegaban a la fábrica de la democracia en la plenitud de su madurez, entre los cuarenta y los cincuenta, y a lo mejor ese es un factor clave para entender su desánimo.

A lo mejor es que la expresión cultural de la democracia se iba a dejar ver mejor en otros formatos, en otras artes por inventar (como la calidad destacadísima de muchas de las series españolas recientes) y quizá incluso segregada o imaginada por quienes no tenían memoria franquista o eran tan jóvenes en los setenta y ochenta que nada los ataba a la mugre castrense y eclesiástica (pero quizá tampoco a la disciplina comunista ni a los arrebatos revolucionarios). Las radios españolas y las calles de capitales y pueblos iban a poblarse en seguida de una banda sonora de grupos con nombres exóticos, letras provocadoras, surfeos con las drogas, acidez variable y mucho humor, no solo blanco o inocuo. Estaban dando su propia batalla sin mirar en ningún caso al pasado y hasta huyendo a toda velocidad de cualquier sombra o alusión a la tenebrosa dictadura: a unos les gustaría gritar cantando con el grupo No me pises que llevo chanclas y a otros con la languidez de Héroes del silencio, o enternecerse con Coque Malla o pringarse con el maquillaje de Alaska o con el rockabilly sentimental de Loquillo. Tampoco callaban voces rotas o casi rotas como la de Joaquín Sabina, o las que venían de algo más atrás, como Joan Manuel Serrat o Jaume Sisa o Miguel Ríos, y algunos han saltado directamente a El Último de la Fila o a los Estopa.

Pero lo que nadie dejó de ver fue el rojo pasión de las películas de Pedro Almodóvar, de colores saturadísimos, aunque el origen de todo estuviese en la pura y fría desolación de Carmen Maura, estampándole benditamente a su marido una pata mondada de jamón en ‘¿Qué he hecho yo para merecer esto?’. En las primeras películas hasta ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’ es imposible no ver el resplandor feliz de una cosa nueva que late, que vibra, que divierte y que casi parece ir por delante de la mayoría de la sociedad española: todo está lleno de mujeres, de homosexuales, de consumidores compulsivos u ocasionales de drogas y hasta de enamorados perdidos como Antonio Banderas (aunque es lógico que lo estuviese de Victoria Abril en ‘Átame’, como su propio nombre indica). Es verdad que hoy sigue existiendo ese culto hipersensible a ‘Arrebato’ (Iván Zulueta), que no fue más que un experimento o síntoma de época, pero no exactamente la mejor película de los últimos 50 años según creen tantos.

Lo innegable es que hasta los más viejos del lugar, pero también los jóvenes, tienen identificado como propio un ‘starsystem’ español de popularidad y autoridad artística, y en ese cuadro estelar están muchos de los nombres mayores y más internacionales de un cine que ha hecho grandes cabriolas felices y caídas ternuristas o toscas, sí, pero que ha contado con la más absoluta actriz de nuestra historia, Penélope Cruz, y su gigante pareja, Javier Bardem. De ambos las retinas sentimentales de la ciudadanía retendrán decenas de instantes icónicos: desde que eran niños en ‘Jamón, jamón’, de Bigas Luna, hasta que están a punto de ser padres de familia y a ellos se acerca apaciblemente Woody Allen para hacer una película menor. Pero la rotundidad de la escena de Bardem en ‘Antes que anochezca’ haciendo de Reinaldo Arenas, en ‘Los lunes al sol’ haciendo de parado o en ‘El buen patrón’ haciendo de tarado, está a la altura, aunque sea tan diferente, de la inaudita plasticidad de Penélope Cruz en manos de Almodóvar con papeles insuperables (siempre).

No se acuerda ya nadie, pero medio siglo da para mucho, y dio también para adaptar al cine y a la televisión magníficamente algunos títulos mayores de la novela española, y esas adaptaciones las vimos todos, quizá más niños y quizá menos, pero las vimos con resultados tan extraordinarios como ‘Los santos inocentes’, de Mario Camus, o las ‘Cañas y barro’ que adaptaba la novela de Blasco Ibáñez con una turbadora presencia liberadora de mujeres protagonistas. Aunque quizá ninguna como ‘La Regenta’, que encarnó Aitana Sánchez-Gijón, y entre ellas estuvo ‘El Quijote’, en una magnífica adaptación de Manuel Gutiérrez Aragón; u otro deslumbrante experimento como el que legó a la posteridad Pilar Miró muy poco antes de morir en 1997: ‘El perro del hortelano’, de Lope de Vega, con dos arrebatadores Emma Suárez y Carmelo Gómez.

Cero caspa, cero gualdrapa, cero sacristía, pese a quedar todo en casa: españoles adaptando cosas de españoles. Pero parecen otros, nacidos de otro tiempo, encauzados con otros raíles, hechos de otra pasta, y esa es seguramente parte de la ruta que explica que la era de las series haya pillado a España en un punto óptimo para que nuevas cabezas, más jóvenes todavía, y más libres de prejuicios y más atrevidas se hayan puesto a fabular a su aire, y muy destacadamente la impagable ‘La Mesías’ de Los Javis (¡o ‘La Veneno’!) como intrusión sin secretos en el mundo de la fe sectaria. Pero hubo muchas más series antes, y no todas nacidas del talento de Álex Pina (‘La casa de papel’): la creatividad y la intencionalidad hasta política de ‘El Ministerio del tiempo’ siguen sin haber sido superadas como serie de la televisión pública, y por supuesto ahí sigue ‘La casa de papel’ como el mayor éxito global de una producción española que supo entremeter en una trama de robos el sujeto colectivo sublevado en las calles del 15-M. Vale, hay más, muchas más y muy buenas, como ‘Arde Madrid’ en manos de Paco León, o ‘El Apagón’, de varios directores, entre ellos, Rodrigo Sorogoyen, el mismo de la corrosiva ‘Antidisturbios’, o como la malvada ‘Vida perfecta’, de Leticia Dolera, o ‘Esto no es Suecia’ (como podría decir Finlandia), de Aina Clotet y Mar Coll, o tan raras como ‘Autodefensa’, de Belén Barenys y Berta Prieto, o la insoportable naturalidad de ‘Querer’ de Alauda Ruiz de Azúa (con Eduard Sola como su impecable coguionista, como lo fue de ‘Casa en flames’ y su impresionante Emma Vilarasau).

Ese ha sido parte del regalo central e irreversible de medio siglo de cultura en España: ellas, muchas, se han puesto a contar y a hacerlo en cualquier formato, con imágenes, con voces como las de Rosalía, Rozalén o Silvia Pérez Cruz, o por escrito, como está haciendo en literatura una escuadra desatada e imprevisible, con nombres muy jóvenes como Cristina Araújo o Sara Barquinero. La personalidad de Isabel Coixet es tan magnética en ‘Mi vida sin mí’ como felizmente desinhibida en la serie ‘Foody Love’, mientras el coraje restalla en la estremecida ‘Tres días con la familia’, de Marc Coll, y Carla Simón da su mejor voz en ‘Estiu 1993’.

Quizá ha sido la opulencia creciente de las películas de Alejandro Amenábar lo que ha ido dejando atrás la veracidad y el imán moral que había en ‘Tesis’ o ‘Mar adentro’, mientras está tan viva como el primer día ‘Belle Époque’, de Fernando Trueba, tan aviesamente inocente, o la docuficción de David Trueba sobre Jorge Sanz. Ya no son nombres desconocidos ni una nueva hornada de actores, aunque algunos lo sean –Luis Tosar, Sergi López, Candela Peña, Luis Zahera, Antonio de la Torre, Patricia López Arnaiz, Marta Etura, Quim Gutiérrez, Úrsula Corberó, etc.–, ni una nueva tanda de directores, no siempre vinculados al afortunado paso de muchos de ellos por la Escac: Alberto Rodríguez y ‘La isla mínima’, Daniel Sánchez Arévalo y ‘Azul oscuro casi negro’ o ‘El bola’ de Achero Mañas; pero pocas películas llevan encima el poder hipnótico de Albert Serra y sus impactantes ‘Tardes de soledad’, o el aire de Cesc Gay y su burla mate de las aprensiones de la clase media.

Una clase intelectual carbonizada

Por fortuna ya no hay clase intelectual mandarina (que viene de mandarín) ni existe nada parecido a eso: lo ha mandado del todo a paseo la horizontalidad compulsiva de las redes sociales y la ultrarrapidez de la opinión y el sartenazo digital. Pero eso existió durante al menos las tres décadas finales del siglo XX, y entre nosotros había jerarquías ejecutivas que pasaban casi siempre por el diario El País. Eso también se acabó, por supuesto, pero, ¿os imagináis que tuviésemos que seguir escuchando, viendo y leyendo a las autoridades intelectuales del último tercio del siglo tipo Julián Marías, Camilo José Cela o Pedro Laín Entralgo, todo el día congestionados con la angustia del ser de España?

Es verdad que a algunos de los nuevos autores de por entonces, joviales, hedonistas y explosivos, se les ha ido poniendo con el tiempo cara de congestión moral al estilo de los otros, pero al menos durante décadas fueron auténticas lluvias torrenciales de ideas, desplantes, desvelamientos y arbitrariedades felices. No tuvieron siempre el amarillismo que los tiñe hoy Fernando Savater o Félix de Azúa, y algunos otros se murieron antes de tener tiempo de amarillear, como uno de los sabios de la tribu, Rafael Sánchez Ferlosio. Pero nadie debería dejar de meterse en el cuerpo (o poniendo el cuerpo, o como haya que decirlo), algunos libros formidables de estos autores hoy tan reaccionarios, pero que fueron de lo mejor que dio de sí durante décadas el pensamiento en España. Y eso fue mucho, y por ahí entran las abreviaturas escépticas y radicales que reservó Ferlosio para su libro ‘Vendrán más años malos y nos harán más ciegos’ (acertó en todo menos en la profecía histórica), o la pionera meditación sobre el cine de Eugenio Trías en ‘Lo bello y lo siniestro’, o la irresistible inteligencia irónica de Savater en ‘La infancia recuperada’, en la valiente ‘La tarea del héroe’, o en las intermitencias de un ‘Diccionario de filosofía’ que no tiene nada de diccionario, pero sí de literatura fecunda y adictiva como las mejores breverías de TikTok.

¿Mujeres? ¿Dónde están las mujeres que piensan? Claro que las había, pero eran pocas y con menos impacto público que hoy: estuvieron ahí Victoria Camps y Adela Cortina, y estuvo también María Zambrano aún para disfrutar de algunos años de democracia, pero no fueron muchas. Ha habido que esperar a escucharlas sueltas, libres, cuajadas y desprejuiciadas a los albores del siglo XXI, y es entonces cuando han ido rumiando en público y en voz alta voces como Remedios Zafra, Marina Garcés, Marta Peirano, Clara Serra o Elisabeth Duval, sin que callase nunca Maruja Torres o explotase por cuenta de su ‘Olvidado rey Gudú’ la gran Ana María Matute.

Era mujer también quien mejor habló de qué nos pasa cuando leemos novelas y por qué nos arrebata que nos cuenten historias: fue Carmen Martín Gaite en un libro escrito durante casi toda la vida, y hecho de la enhebración de su propia biografía de lectora, de escritora y de mujer, ‘El cuento de nunca acabar’, aunque hemos ido descubriendo que el cuento sí se acaba. Y esa mezcla tan rara y tan suya de confidencia, reflexión, apunte y exploración me trae a la memoria la proliferación por primera vez masiva en nuestras letras de obras dispuestas a contar la vida propia con una veracidad a veces abrumadora, como la que usó Juan Goytisolo en los ochenta para su ‘Coto vedado’ y ‘Los reinos de taifas’, o como la a veces azorantes que empleó Carlos Castilla del Pino un poco después en otro tomo como ‘Pretérito imperfecto’: gente que intentó contar su biografía mintiendo lo menos posible, como hizo también un hombre orquesta del espectáculo mediático, Terenci Moix, y también memorialista valioso en ‘El peso de la paja’; o como hizo un actor de lujo y director, Adolfo Marsillach.

Hasta se habilitó, y ahí sigue, la ruta esquiva y difícil del diario/dietario de escritor, con el ejemplo de un extraordinario pionero, Pere Gimferrer, y la reinvención del género que empujó durante muchos años Francisco Umbral con unas cuantas obras maestras (de ‘La noche que llegué al café Gijón’ o ‘Diario de un escritor burgués’ a ‘Un ser de lejanías’), secundaron Miguel Sánchez-Ostiz, ácido, compulsivo, temerario, o Antonio Martínez Sarrión, tan intencionadamente esquinado y exigente, y estabilizó en una suerte de portaviones un miembro actual de la cofradía del sufrimiento español, Andrés Trapiello. Nada de ese sufrir patriótico lacerante de hoy está en los innumerables tomos de una obra gigante –y burlona, y chismosa, y lírica y valiente– como la serie de sus diarios titulada ‘Salón de pasos perdidos’.

La novela se hizo mestiza

La única añoranza que puede ser medio legítima sobre el pasado tiene que ver con la aclimatación española de la excepcional narrativa nacida en América Latina, y esa fue la experiencia literaria más poderosa del tránsito entre la dictadura y la democracia. A nadie se le escurría entre los dedos una novela de García Márquez o unos cuentos de Julio Cortázar, un experimento humorístico de Alfredo Bryce Echenique o una narración queer de Manuel Puig –sin saber que era queer– ni un gigantesco juego de palabras de Guillermo Cabrera Infante ni la infinita piedad que inspiran los diarios de Julio Ramón Ribeyro. Ni por supuesto ninguna de las grandes novelas de Mario Vargas Llosa, a despecho de que muchos de sus lectores identificasen en sus novelas una izquierda que contradecía a rajatabla su articulismo de derechas, y entonces les explotara la cabeza.

Todo eso estaba, estuvo (está) en las librerías y en las tablets a la vez que brotaba un ecosistema editorial y literario (Anagrama, Tusquets, Alfaguara, Seix Barral, y más tarde Asteroide, Periférica, etc.), capaz de inventarse lectores para nuevos autores que apenas sonaban a nadie, pero fueron cuajando hasta hoy como testigos veraces de un tiempo nuevo. La densidad emocional y moral de Antonio Muñoz Molina era distinta de la elevación especulativa de Javier Marías o de la ansiedad analítica de Álvaro Pombo, y apenas nada tenían que ver la metaliteratura autoficticia de Enrique Vila-Matas o las averiguaciones de Ignacio Martínez de Pisón con la frescura primero y la reconstrucción histórica después de Almudena Grandes, o el impulso de denuncia que empuja a Elvira Lindo, Belén Gopegui y Marta Sanz, y que anidó también en Rafael Chirbes (para mí el mejor está en ‘La buena letra’). E igual que habían habitado entre nosotros algunos de los nombres mayores americanos, lo hicieron también sus herederos, en una curiosa repetición en diferido y diferente del fenómeno, y por aquí anduvieron durante años, y regresan a menudo, nombres mayores de las letras en español como el muy tempranamente desaparecido Roberto Bolaño, Cristina Peri Rossi, Héctor Abad Faciolince, Juan Gabriel Vásquez, Jordi Soler, Sergio Ramírez o Gioconda Belli.

Algunos podían vender mucho y salir a hombros de las portadas del Babelia, pero ninguno o casi ninguno pudo hacerlo como la continuidad de la buena literatura comercial, y nadie la ha hecho mejor que otro fallecido prematuro como Carlos Ruiz Zafón o como Arturo Pérez-Reverte, con variación histórica o sin ella, y una larga lista de autoras de megaéxitos comerciales que hablan de lo que lee la inmensa mayoría de la gente, no siempre literatura de calidad incontestable, por decirlo así, como María Dueñas, Julia Navarro, Elisabeth Benavent o la derivación española de ‘Cincuenta sombras de Grey’, Megan Maxwell (aunque la firma parezca extranjera, es española, y vende centenares de miles de ejemplares).

España tuvo por suerte también su versión de la literatura concentracionaria bajo la firma de Jorge Semprún (aunque sus libros los escribiese casi siempre en francés), como tuvo una industria literaria unipersonal detrás del nombre de Manuel Vázquez Montalbán para reinventar la novela de detectives y exportar el modelo de Carvalho, de la misma manera que la democracia ha vivido casi sin darse cuenta la expansión estatal de literatura escrita en catalán, en euskera o en gallego, y por eso resultan familiares novelistas tan obvios como Bernardo Atxaga, como Manuel Rivas o como Carme Riera, Quim Monzó y Sergi Pàmies. Aunque sea amigo hace cuarenta años, nada impide identificar en la publicación en 2001 de ‘Soldados de Salamina’, de Javier Cercas, el origen de una inflexión genuina en la novela contemporánea española e internacional. Se metía a sí mismo en el libro sin ser él mismo, y casi todo el mundo creyó que era él sin ser él del todo, y de ahí salió el empuje para retar a la novela a buscar el mismo efecto de la ficción con libros que no llevaban ficción, y eso hizo en obras maestras como ‘Anatomía de un instante’ o ‘El impostor’.

A la cultura en España la democracia le sentó de miedo. Sin esas sacudidas en todos los ámbitos (y muchos que ni he mencionado, como la estrafalaria genialidad de Miquel Barceló, como la contenida lírica de Joan Margarit y de Luis García Montero, como el aplomo de la escultura de Cristina Iglesias, como la aventura interrumpida del arquitecto Enric Miralles o la atrevida imaginación estética de Manuel Borja-Vilell), el estallido prolongado en el siglo XXI en el que andamos hubiera sido más difícil o simplemente imposible: una segunda Edad de Plata de la cultura española, diría sin demasiados remilgos.

Malena Alterio por 'Los amigos de ellos' y Pepón Nieto por 'La comedia de los errores' han sido premiados como Mejor Interpretación Femenina y Masculina, respectivamente, en la 34ª edición de los Premios Teatro de Rojas, correspondientes al año 2025.

La Gala de Entrega de Premios se celebrará para el inicio de la Temporada de Otoño, a finales de septiembre o principios de octubre, en el Coliseo toledano.

La Mejor Dirección Escénica ha sido para Andrés Lima por 'La comedia de los errores', el Mejor Texto de Autor Española para Fernando León de Aranoa, Ignacio del Moral y Javier Hernández por 'Los lunes al sol', el Mejor Espectáculo de Teatro ha sido para 'La desconquista' de la compañía Ron Lalá y el Mejor Espectáculo de Danza para 'El cascanueces' del Ballet Clásico Internacional.

El Mejor Espectáculo Infantil y Familia ha recaído (ex aequo) en 'Viaje a Oz. El Musical', de la Trencadis Produccions y en 'Beethoven para Elisa', de Manodesanto Producciones y Teatro Español; el Mejor Espectáculo de Compañías de Castilla-La Mancha ha sido para 'Cerca del Tajo, en soledad amena' de la compañía La Máquina Real; el Mejor Espectáculo de Teatro Lírico ha sido 'Nabucco' de LG Artist Management y el Mejor Espectáculo de Circo para 'Todo lo posible' de compañía Nueveuno.

Estos premios, que celebran ya su trigésima cuarta edición, son otorgados por los propios espectadores del Teatro de Rojas -cerca de 2.000-, que reciben en sus casas la programación del teatro y por los espectadores que han optado por hacerlo a través de internet o presencialmente haciendo uso de las papeletas habilitadas en la taquilla del teatro para tal fin y que hacen que estos premios hayan adquirido, a lo largo de los años, una gran relevancia en el mundo del teatro.

Entre los premiados de anteriores ediciones destacan actores, actrices y directores como Amparo Rivelles, Lola Herrera, Mari Carrillo, María Isbert, Nuria Espert, Carlos Hipólito, Juan Echanove, Emilio Gutiérrez Caba, Javier Cámara, Helena Pimenta, Adolfo Marsillach, Pilar Miró o José Luis Gómez, entre otros.

El actor, productor y escritor Christopher Lambert se ha sumado a la nómina de invitados del XV Festival Celsius 232 de Avilés, centrado en literatura de terror, fantasía y ciencia ficción, que contará con otras firmas de relevancia como el escritor estadounidense Joe Hill, entre el más de un centenar de creadores.

Christopher Lambert (Nueva York, 1957) es un popular actor, productor y escritor estadounidense, que, tras crecer y estudiar en Ginebra, se trasladó a París con su familia y dio allí inicio a su carrera como actor.

Tarzán, su papel más conocido

Su primer gran papel fue el de Tarzán en la película ‘Greystoke, la leyenda de Tarzán’, que disparó su popularidad.

En tan solo un par de años actuó con Catherine Deneuve, ganó el César a mejor actor por ‘Subway: En busca de Freddy’, de Luc Besson, e interpretó por primera vez el que probablemente sea su personaje más popular, el de Connor McLeod en la película de ‘Los Inmortales’, en la que compartió pantalla con Sean Connery.

“Es un lujo”

Para la organización del festival es “un lujo” contar con él en el XV Celsius232, coincidiendo, además, con el 40 aniversario de la primera entrega de ‘Los Inmortales’.

La próxima edición del Celsius tendrá lugar entre el 14 y el 18 de julio en su habitual formado caracterizado por mezclar al público con los autores, su total gratuidad y su extensión por diferentes lugares de la ciudad de Avilés al aire libre.

Pedro Pascal necesita tan solo diez minutos para erigirse como uno de los principales salvavidas del Hollywood más taquillero. Esos diez minutos son, de hecho, una estimación del tiempo que se le ve el rostro al actor chileno en The Mandalorian and Grogu, la nueva apuesta de Star Wars para los cines después del éxito de la serie en Disney+. Cubierto por una armadura y un casco metálicos durante prácticamente toda la película, Pascal es la nueva baza de la franquicia galáctica en su regreso a la gran pantalla tras el estreno de Episodio IX - El ascenso de Skywalker en 2019, que no tuvo la acogida esperada.

El actor, que alcanzó la fama tras su participación en Juego de Tronos, y que desde entonces ha protagonizado títulos de enorme tirón como Gladiator II o The Last of Us, se ha convertido en una figura clave dentro del universo de Star Wars. De su primera inmersión en la saga hace ya casi siete años, cuando empezó a interpretar a Din Djarin, el Mandaloriano, en la serie The Mandalorian. A aquello le sucedieron hasta tres temporadas y la continuación que llega ahora a la cartelera en formato de película. Pero Pascal no está solo: Sigourney Weaver, que viene de retomar su personaje en Avatar el año pasado, también forma parte de la cinta.

Este es el debut de Weaver en la franquicia. La actriz, un referente en la ciencia ficción por su papel en la saga Alien, considera que al público le siguen atrayendo historias ambientadas en el espacio porque “tienen lugar en el futuro” y “aún no hemos llegado a ese punto”. “Seguimos teniendo la esperanza de que habrá un futuro en el que nos adentraremos en el espacio”, dice la actriz. “Espero de verdad que lleguemos a ese punto. Tenemos que lidiar con algunos imperios malvados aquí en la Tierra antes de que podamos trabajar todos juntos y enviar naves tripuladas por hombres y mujeres al espacio, para averiguar así si hay otros seres ahí fuera. Y estoy bastante segura de que los hay”, reconoce.

Sigourney Weaver muestra satisfacción ante el hecho de que “en Star Wars en particular, todo el mundo, sin importar cuántas cabezas o colas tengan, es capaz de llevarse bien”, señalando que es una “visión muy esperanzadora y optimista del futuro”. Pedro Pascal, por su parte, afirma que se alegra de que la primera película de la saga se titulara Una nueva esperanza. Este, además, alude a su fenómeno fan: “Lo que más me llama la atención es cuando la gente se disfraza con esos trajes increíbles, recordándote lo que es Star Wars y todas sus diferentes culturas. Eso es lo más importante, porque ves a los buenos, a los malos y todo lo que hay entre medias”.

“Hay un amor por la narración que se materializa ante ti gracias a la gente que disfruta de estas historias. Me encantó que, cada vez que iba a por un café o preguntaba dónde estaba el baño, siempre me respondían: 'Este es el camino'”. El actor se refiere al lema más icónico de la cultura mandaloriana, popularizado precisamente por la serie The Mandalorian. Se trata del nuevo “Que la fuerza te acompañe”, una de las frases más populares de Hollywood en las últimas décadas, y es una de las grandes incorporaciones del Mandaloriano al imaginario de los seguidores de La guerra de las galaxias.

Una película para aquellos que no son fans

La película, dirigida por Jon Favreau, sigue al Mandaloriano y a Grogu —una criatura pequeña y vulnerable de la que asume la protección— en un momento en el que el antiguo Imperio galáctico ha caído y la frágil Nueva República aún no controla los márgenes del universo. Al personaje de Pedro Pascal, un contratista independiente para este nuevo gobierno, se le encomienda la tarea de localizar y neutralizar a los altos mandos imperiales que aún operan en la sombra y amenazan la paz. Este argumento, que puede despistar a quien no está al tanto de las complejas intrigas políticas de la saga, apenas es esencial en una cinta pensada para que cualquiera pueda disfrutarla.

Pedro Pascal destaca que el protagonista “siempre está en modo de supervivencia total”: “Siempre está en algún tipo de misión que se convierte en una aventura increíble y emocionante, a veces totalmente peligrosa. En este caso, sí, está en un buen lío con algunos de los villanos más icónicos del mundo de Star Wars. Y es una auténtica delicia poder trabajar en todo esto”. El actor detalla que se sintió “totalmente arropado” por la “habilidad de todo un equipo de personas que son las mejores en el sector”. “Simplemente, te sumerges de lleno, literalmente”, dice Pascal, que hace referencia a una de las escenas de la película.

El intérprete, además, asegura que esta es la “relación creativa más duradera” que ha tenido. “Es el tiempo más largo que he interpretado a un personaje y en el que he colaborado con gente increíble. Que sea Star Wars es muy apropiado porque crecí viendo Star Wars. Mis primeros recuerdos de ir al cine son de ver Star Wars”, apunta Pascal, agregando que es una “avalancha de regalos poder estar asociado a algo tan especial como esto”, así como “compartirlo y disfrutarlo con tanta gente”. Asimismo, celebra haber tenido la oportunidad de sentarse al lado de una de sus ídolos, Sigourney Weaver. “Favreau sigue contratando a gente increíble para incorporarla al proyecto”, comenta.

Weaver, por su lado, asevera que el rodaje “fue muy emocionante”, sobre todo durante la escena en la que pilota la mítica nave X-Wing de la saga. “He estado en diferentes naves espaciales, pero ninguna que se moviera tan rápido ni ninguna que fuera tan ágil. Fue realmente como un sueño hecho realidad”, declara la actriz. “Jon Favreau, al haber sido un actor maravilloso, tiene mucha experiencia y es muy bueno seleccionando el reparto. Si te da indicaciones, es solo una ayuda técnica. Por lo demás, lo que te transmite es confianza y fe en que vas a salir adelante”, concluye.

El 2 de marzo de 1978 llamaron por teléfono a la casa de Consier-sur-Vevey, en Suiza, donde Charles Chaplin había pasado gran parte de su vida. Hacía ya dos meses y medio que el actor, que había revolucionado la industria cinematográfica de Hollywood, había fallecido. Al otro lado de la línea, una voz con acento extranjero pidió hablar con Oona, la última mujer de Chaplin.

La viuda no dio crédito al escuchar lo que aquella misteriosa voz le estaba reclamando: debía entregar 600.000 marcos suizos si quería recuperar el cadáver de su marido. ¿Cómo que el cadáver? El entierro de Chaplin había tenido lugar hacía ya un tiempo, y sus restos se habían depositado en el pequeño cementerio de Corsier-sur-Vevey. Oona acababa de enterarse de que alguien se había llevado el cuerpo.

Chaplin murió con 88 años

Charles Chaplin murió en la madrugada del día de Navidad de 1977, a sus 88 años, y lo hizo rodeado de su familia: su esposa más duradera (llegó a casarse hasta en cuatro ocasiones) y siete de sus ocho hijos. A su hija Geraldine, su heredera más conocida, no le dio tiempo a viajar hasta Suiza desde Madrid, donde llevaba un tiempo viviendo. 

En esa misma residencia de Consier-sur-Vevey en la que falleció fue el lugar en el que el actor había pasado sus últimos años, desde que los médicos le habían diagnosticado una demencia senil. Tenía dificultades para ver y oír, se expresaba con dificultad y era su mujer, con quien se llevaba 36 años, la que lo paseaba en silla de ruedas los meses previos a su muerte.

Cumpliendo los deseos de Chaplin, Oona organizó una ceremonia íntima para el entierro de sus restos. Tan solo miembros de su familia y algunos amigos cercanos pudieron acercarse al cementerio del pueblo para despedirse del director y actor, protagonista de películas de éxito como El chico (1921), Tiempos modernos (1936) o El gran dictador (1940).

La llamada del rescate

La noche del 1 al 2 de marzo de 1978, el polaco Roman Wardas y el búlgaro Gandscho Ganev se colaron en ese mismo cementerio y encontraron la lápida de Chaplin. Excavaron durante horas hasta dar con el ataúd de roble que pesaba cerca de 150 kilos y al que cargaron en una furgoneta para, esa misma noche, enterrarlo en un campo de maíz muy cerca de allí.

Cuando llamaron a Oona para pedirle el rescate, la mujer se negó en rotundo a aceptar tales condiciones, asegurando que el propio Chaplin “lo habría encontrado muy ridículo”. Con ayuda de la policía, planearon una falsa entrega del dinero y los ladrones cayeron en la trampa. Wardas, autor intelectual del robo, fue condenado a cuatro años y medio de prisión y, Ganev, a 18 meses. Los restos de Chaplin volvieron al cementario del que habían sido arrebatados.

Con 60 años, Alan Cumming ha vuelto a ponerse en la piel de un superhéroe. No se lo esperaba, y así lo contó el verano pasado en una entrevista para la revista People. “No pensaba que estaría haciendo escenas de acción ni interpretando a un superhéroe a mis 60. Así que fue genial. Además, todo el mundo fue muy amable”, dijo refiriéndose a la próxima película de Marvel.

Vengadores: Doomsday llegará a cines en diciembre de este año y volverá a traer a la gran pantalla a Rondador Nocturno (Nightcrawler), personaje que Cumming interpretó por última vez hace más de 20 años, en X-Men 2 (2003). Para él, volver a meterse en la piel del mutante ha sido especialmente emocionante teniendo en cuenta el mal recuerdo que guarda de aquel último rodaje.

“Hubo cosas que sucedieron en el set de X-Men 2 que me dejaron impactado. El ambiente de trabajo era muy malo e inaceptable. Y todos hemos hablado de ello de diversas maneras a lo largo de los años”, dijo recientemente en una entrevista para Deadline. Como él mismo reseñó, no era la primera vez que se había hablado en público de las condiciones de aquella grabación.

El actor ya había mencionado anteriormente que tener que pasar hasta cinco horas en la sala de maquillaje para caracterizarse de mutante y las dificultades que tuvo con el director Bryan Singer fueron las dos principales razones que le hicieron odiar aquella experiencia. De Singer se dijo que cambiaba continuamente de humor, haciendo que el rodaje fuera caótico y bastante difícil de gestionar. 

Grabando la próxima película de Vengadores, Cumming ha tenido una experiencia totalmente diferente. “Fue realmente sanador y muy agradable volver a algo que fue una experiencia terrible la primera vez que lo hice”, compartió hace unos días. “Volver a interpretarlo después de tantos años fue genial porque realmente me gustaba el personaje”, añadió. 

Qué sabemos de ‘Doomsday’

Vengadores: Doomsday llegará a las salas de cine de todo el mundo el 8 de diciembre de 2026, coincidiendo con el estreno de Dune 3. Aunque se desconoce el argumento, por los cómics en los que se inspira se puede intuir que la película seguirá al Doctor Doom (Robert Downey Jr.) tras emerger como la mayor amenaza del multiverso, poniendo en jaque a todas las realidades. 

Los Vengadores, junto a los Cuatro Fantásticos y otros superhéroes, deberán unirse por primera vez a gran escala para superar este conflicto. Gracias a los adelantos, sabemos que el largometraje traerá de vuelta a Chris Evans como Steve Rogers (Capitán América); Chris Hemsworth como Thor; Patrick Stewart, Ian McKellen y James Mardsen como Charles Xavier, Magneto y Cíclope de los X-Men; y Ebon Moss-Bachrach y Tenoch Huerta como La Cosa y Namor de los Cuatro Fantásticos. 

Gerald Fillmore lleva años moviéndose entre idiomas, países e identidades culturales, pero ahora acaba de convertir esa mezcla en el centro de su trabajo. El actor, guionista y director aragonés se ha convertido en el primer artista residente del Instituto Cervantes de Los Ángeles, una figura inédita con la que la institución quiere reforzar la presencia del cine en español dentro de la industria audiovisual estadounidense.

Nacido en Zaragoza y conocido por series como 'Muertos S.L.' o 'Gym Tony', Fillmore defiende desde California a elDiario.es que el español ya forma parte de la cultura de Estados Unidos, pero todavía no ocupa el espacio que le corresponde dentro de su ficción. “Existe un público enorme interesado en ver historias ambientadas en Estados Unidos pero contadas desde experiencias hispanohablantes reales y contemporáneas”, sostiene.

Su nombramiento llega en un momento en el que el contenido en español vive una expansión internacional sin precedentes gracias a las plataformas, pero donde, paradójicamente, la producción audiovisual en español dentro de la propia industria estadounidense sigue siendo minoritaria. “El cine y la televisión en español atraviesan un momento de enorme visibilidad internacional. Plataformas como Netflix han acostumbrado al público a consumir historias en otros idiomas y eso ha cambiado las reglas del juego”, apunta.

Sin embargo, señala que todavía existe una gran contradicción: “Estados Unidos es el segundo país del mundo con más hispanohablantes, por detrás de México, y, sin embargo, el cine producido en español dentro de la propia industria estadounidense sigue siendo mínimo”.

Lejos de entender esta residencia como un reconocimiento individual, Fillmore la interpreta como una oportunidad para construir puentes entre la industria, el ámbito académico y la comunidad cultural hispanohablante. En este sentido, asegura que entiende esta residencia como una “oportunidad” para fomentar que desde Estados Unidos también se puede generar cine en español “con vocación internacional y alejado de ciertos estereotipos o de la mirada anglocéntrica”.

“El objetivo es seguir creando puentes entre industria, universidad y comunidad cultural, y ayudar a que el audiovisual en español tenga una presencia más natural dentro del ecosistema estadounidense”, añade.

Y lo hace además desde la posición de alguien que siempre ha vivido entre culturas. Hijo de padre británico-estadounidense y madre española, asegura que en Los Ángeles terminó entendiendo California “no como el sur de Angloamérica, sino como el norte de Hispanoamérica”. “Aquello que uno considera ‘la mochila’ que trae de su país termina siendo precisamente lo más valioso”, reflexiona.

Un cine en español lejos de clichés

La residencia arrancó de manera casi orgánica tras la proyección de 'Amor en toda la cara' en el Instituto Cervantes de Los Ángeles. Escrita, dirigida y protagonizada por Fillmore, la película llamó la atención de lingüistas, profesores universitarios y especialistas en lengua española por su planteamiento poco habitual. Se trata de una producción rodada simultáneamente en dos idiomas y concebida como dos películas independientes.

Por un lado, está 'Amor en toda la cara' y, por otro, 'Face Love', su versión en inglés. Ambas comparten reparto y estructura, pero cambian completamente en función del idioma. “Uno no escribe igual en un idioma que en otro, y mucho menos en comedia. El idioma transforma la historia y también la manera en la que percibimos a los personajes”, explica.

Al mismo tiempo, agrega que, cuando conoces a alguien por primera vez, según su idioma o su acento, “tu cerebro construye automáticamente una especie de pseudorretrato de esa persona”.

La película transcurre a través de videollamadas entre Zaragoza, Madrid, Los Ángeles, Tijuana y Londres, y reúne acentos y formas de hablar procedentes de México, Puerto Rico, Perú, Argentina, Guinea Ecuatorial, Japón, Inglaterra o España. Una mezcla que, para Fillmore, refleja mejor la realidad contemporánea del español que muchas producciones tradicionales.

“'Amor en toda la cara' refleja cómo el español contemporáneo no pertenece a un único territorio, sino que es una conversación compartida entre muchísimas identidades distintas”, afirma.

Ese enfoque multicultural es precisamente lo que ha llevado la película hasta espacios poco habituales para una comedia romántica. Hace apenas unos días, Fillmore presentó el proyecto en el Observatorio de la Lengua Española y las Culturas Hispánicas del Instituto Cervantes en la Universidad de Harvard, dentro de una programación vinculada a lengua, identidad y cultura hispana en Estados Unidos. 

“Jamás imaginé terminar mostrando mi trabajo en un espacio así”, reconoce. Para él, el interés académico que ha despertado la película tiene que ver con una cuestión generacional y social: “Habla de vivir entre idiomas, culturas y pantallas. Cualquier migrante puede sentirse identificado con eso”.

Además, reivindica el papel que está jugando el Instituto Cervantes en Estados Unidos: “En los tiempos que corren, la difusión del español en Estados Unidos tiene un significado muy especial y el Instituto Cervantes está haciendo una labor admirable al defenderlo desde la diversidad, sin levantar banderas, sino construyendo puentes”.

Humor, identidad y tecnología

La historia de 'Amor en toda la cara' nació además en pleno confinamiento. Fillmore había viajado desde Los Ángeles a España por trabajo cuando estalló la pandemia y terminó atrapado allí con su familia. De aquella situación surgió primero una escena escrita para un casting remoto y después toda una película construida a partir de falsas videollamadas.

Pero detrás del experimento técnico, estaba el interés por reflexionar sobre las relaciones humanas en un mundo hiperconectado. “Queríamos hablar de identidad, maternidad, paternidad, perdón y de cómo la tecnología puede acercarnos muchísimo y aislarnos al mismo tiempo”, indica.

Y todo ello desde la comedia, ya que si hay algo que Fillmore reivindica constantemente es el humor como herramienta cultural y política. “Soy un defensor absoluto de la comedia como herramienta de transformación cultural. El humor acerca realidades distintas y rompe barreras”, subraya.

“Muchas veces entendemos mejor aquello que nos resulta ajeno precisamente cuando somos capaces de reírnos de ello y también de nuestras propias limitaciones”, añade.

En esa defensa del humor también hay una reivindicación del cine en español hecho desde Estados Unidos, pero alejado de ciertos estereotipos sobre lo latino. “La representación hispana dentro del audiovisual estadounidense sigue reducida a clichés, cuando la realidad cultural del país es muchísimo más compleja y rica”, lamenta.

“Todo lo que hago tiene sabor aragonés”

Aunque lleva casi dos décadas fuera de España, Fillmore insiste en que Aragón sigue atravesando todo lo que hace. No solo en lo personal debido a que su mujer también es zaragozana y mantiene vínculos constantes con su tierra, sino también en lo creativo.

“Todavía queda mucho por contar sobre Aragón más allá del tópico o del cliché”, defiende, al tiempo que sostiene que, para levantar una producción bilingüe rodada por duplicado en varios países y con un teléfono móvil, “hay que ser bastante cabezón”.

Actualmente trabaja en nuevos proyectos vinculados a la comunidad aragonesa, entre ellos una película rodada entre California y Aragón junto a la productora zaragozana Cosmos Fan, además de un thriller con tintes de comedia negra desarrollado junto al actor y guionista Nacho Rubio.

Su manera de contarlo mezcla ironía y orgullo: “Para levantar una producción bilingüe rodada por duplicado en varios países y con un teléfono móvil hay que ser bastante cabezón”.

Quizá ahí esté también parte de la explicación de su recorrido. En un momento en el que el español gana presencia global, Gerald Fillmore defiende que el reto ya no es solo ocupar espacios, sino transformar la mirada desde la que se cuentan las historias.

Porque, como resume él mismo, “un idioma lleva consigo memoria e identidad, pero también ideas y emociones. Y esas no tienen fronteras”.

El pasado 16 de enero, Matt Damon y Ben Affleck estrenaron la película ‘El Botín’ en Netflix, el que significaba su vuelta como pareja creativa desde su último trabajo en ‘Air’ y ‘El último duelo’ a principios de la década actual, y siendo otro ejemplo más de una amistad solida en la industria de Hollywood que dura más de tres décadas.

Esta película, que ha sido una de las más exitosas de Netflix en este 2026, ya fue noticia porque Matt Damon había asegurado que utilizaron una técnica para captar la atención de los espectadores que fue que “la trama se repite 3 o 4 veces en el diálogo porque la gente mira el móvil” y por la que sus protagonistas y productores han acabado denunciados.

La policía de Miami en contra de la película por vía legal

Ya en el momento de su promoción, ‘El Botín’ enfatizó que era una historia que se había basado en un caso real que tuvo lugar en Miami, en concreto una operación policial de 2016 en la que incautaron una cifra superior a los 24 millones de dólares.

Pero a la policía no le ha gustado el retrato que se hace de ellos en la cinta, dirigida por Joe Carnaham y con Affleck y Damon como protagonistas ejerciendo de policías, y por eso han decido denunciar a estos dos últimos como productores por difamación.

En concreto, Jonathan Santana y Jason Smith, los agentes acreditados por resolver el caso en el que se basaron para crear la película de Netflix, son los que han optado por tomar medidas legales hacia los dos actores de Hollywood, alegando además que en diciembre enviaron una carta para que el filme no se estrenara, y piden compensación económica por los daños causados.

El abogado de los agentes justifica que han presentado a sus clientes “como corruptos y ahora su reputación está dañada”. “Mis clientes ahora sufrirán daños de por vida, todo el mundo los percibe como corruptos”, insiste en su comunicación tras presentar la denuncia ante el tribunal federal de Florida.

“Cuando uno hace eso, está robando algo. Nosotros nunca robamos un dólar”, declaran los policías de Miami implicados, que han pasado de ser vistos como héroes tras el fin del caso a recibir burlas en su lugar de trabajo desde el estreno de ‘El Botín’.

Tras conocerse la noticia, ni Affleck ni Damon han reaccionado, pero se espera que sea complicado el proceso porque en la película, desde el comienzo ya se asegura que la historia real está cambiada por “fines dramáticos” y que también se afirmó esto durante su promoción.

La ciudad de Hialeah también denuncia a la película

Pero la denuncia legal de los policías no es la única que ha recibido ‘El Botín’, que se ha topado también con las quejas de la ciudad donde se rodó, Hialeah, en Florida, como bien aseguró su alcalde, Bryan Calvo, que afirma que la promoción que se hace de ella es negativa:

“Esta película es una bofetada para nuestro cuerpo policial. Si nunca has estado en Hialeah, si vives en cualquier otro lugar del país y ves esta película, no te entrarían ganas de venir aquí, y eso es un problema”, declaró.

Como cada año, los diferentes premios revisan sus normas y publican las nuevas. Normalmente hay ciertos cambios cosméticos que ajustan y mejoran dudas en ciertas categorías o responden a quejas de los miembros de las diferentes asociaciones. Sin embargo, la Academia de Hollywood ha revolucionado sus próximos premios con la publicación de su nueva normativa, ya que incluye cambios en categorías esenciales como las interpretativas, además de afrontar de forma tajante la inteligencia artificial —una de las grandes preocupaciones del sector— y dar la vuelta a la categoría de Mejor película internacional.

Es un cambio grande, que todavía no han explicado en profundidad, pero que altera el paradigma actual. Hay uno de los cambios que afecta al cine español, ya que tiene que ver con la categoría de Mejor película internacional. La Academia responde a la internacionalización de sus miembros, a la gran presencia de filmes que no son de EEUU y, sobre todo, a una de las polémicas más recientes: los títulos ignorados por sus respectivas Academias para ir a los Oscar.

Hasta ahora, la única forma de optar al Oscar a la Mejor película internacional era ser elegida por la Academia de cada país. Se quedaban fuera cualquier filme disidente en países donde hay censura y regímenes dictatoriales —algo que ya abordaron en parte el año pasado—; y provocaba situaciones que dejaban fuera de la categoría a títulos que, a priori, podían ser favoritos. Por ejemplo, Anatomía de una caída no fue la escogida por el comité francés, que optó por A fuego lento a pesar de que el filme de Triet había ganado la Palma de Oro y fue comprado por Neon, una de las grandes distribuidoras del cine indie de EEUU.

Eso cambia a partir de este año. La Academia de Hollywood mantiene el criterio principal para optar al Oscar internacional, pero añade otro. “Además de la presentación oficial de una película por parte de un país o región a través de los Comités de Selección aprobados por la Academia, una película en un idioma distinto al inglés puede presentarse al ganar un premio que califique en un festival de cine internacional, según lo especificado en la Lista de Festivales que Califican para el Premio a la Mejor película internacional”, anuncian en sus nuevas normas.

Los festivales que calificarán para la 99ª edición de los Oscar serán el Festival Internacional de Cine de Berlín (con la película ganadora del Oso de Oro), el Festival Internacional de Cine de Busan (Premio a la Mejor Película), el Festival de Cannes (Palma de Oro), el Festival de Sundance (Gran Premio del Jurado de Cine Mundial), el Festival Internacional de Cine de Toronto (Premio Plataforma) y el Festival Internacional de Cine de Venecia (León de Oro).

Dejan fuera a San Sebastián a pesar de ser un festival de categoría A. El director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, explicaba este lunes en un acto en la Academia de Cine que “trabajarán” para formar parte de ese grupo, y que cree que el Zinemaldia ofrece algo que el resto no tienen: presencia del cine iberoamericano. “Son unas normas raras, ya veremos cuanto tiempo siguen, pero es verdad que a nosotros nos hubiera gustado estar”, dijo. También valoró el momento de la Academia de Hollywood y de unos Oscar que “pasan por una época un poco compleja donde no acaban de encontrar su identidad”.

Ya hay dos candidatas

Todo esto implica que este año ya hay dos filmes que optarán al Oscar: la turco alemana Yellow Letters, ganadora del Oso de Oro, y Shame and Money, coproducción entre Alemania, Kosovo, Eslovenia, Albania y Macedonia del Norte. A ellos pronto se unirá la película que gane la Palma de Oro en Cannes. Esto provoca que un país pueda jugar con esta casuística de forma estratégica. Pongamos, por ejemplo, que Rodrigo Sorogoyen gana la Palma de Oro este año por El ser querido. La Academia española podría —y debería—optar por otro título como Amarga Navidad o La bola negra para aumentar las posibilidades de que España tenga un filme entre el quinteto finalista a los Oscar. 

Esto hace que, por primera vez, y como ya pasa en los Globos de Oro, un país pueda tener más de un título nominado en la misma categoría. Y aquí viene la principal queja, ya que esto favorece, evidentemente, a las industrias más potentes, con Francia a la cabeza. Los países iberoamericanos y cinematografías africanas o de Oriente Medio es muy complicado que puedan optar con varias películas debido a su escasa producción y dificultades de financiación. De hecho, al ver las selecciones oficiales de certámenes como Cannes o Venecia, donde estas industrias son ignoradas desde hace años, se entiende que habrá países que se vean afectados negativamente por este cambio.

Esto, por ejemplo, podría haber hecho que España eligiera el año de Alcarrás —que ganó el Oso de Oro— a otro título como As bestas, duplicando sus opciones. O que Francia lo hubiera hecho el año de Titane, que ganó la Palma de Oro y fue elegida por su comité dejando fuera a El acontecimiento, que finalmente ganó el León de Oro, por lo que también hubiera optado automáticamente y podrían haber escogido una tercera. Un país podrá tener, en un caso excepcional, hasta siete películas en competencia en caso de que ganen todos los premios de la lista y su Academia elija una séptima. 

No es el único cambio en la categoría de Película Internacional. A partir de ahora será el título de la película el que esté “acreditado como nominado, en lugar del país o la región, y el premio será recibido por el director en nombre del equipo creativo”. “El nombre del director aparecerá en la placa de la estatuilla después del título de la película y, si corresponde, el país o la región”, dicen las nuevas normas. A pesar de ello, la Academia ha aclarado posteriormente al periodista Erik Anderson que “el director de la película ganadora del premio a Mejor película internacional aceptará el galardón, pero no será nominado ni ganador oficial de un Oscar”, algo que pertenece a la película como tal.

La Academia se planta ante la IA

Varios de los principales cambios en la normativa de los Oscar vienen para defenderse del uso de la inteligencia artificial, uno de los caballos de batalla del sector. De hecho, el principal anuncio viene poco después de que varios medios publicaron la noticia de que Val Kilmer había sido ‘resucitado’ con la inteligencia artificial para la película As Deep as the Grave. Variety, medio especialista en cine, publicaba un artículo el 20 de abril justo después preguntándose si el actor podría ganar un Oscar por esta ‘actuación’ y urgía a la Academia a tomar cartas en el asunto.

Dicho y hecho. Menos de dos semanas después la institución anunciaba esos cambios que afectan a la categoría interpretativa. A partir de ahora “solo se considerarán elegibles los papeles acreditados en los créditos legales de la película y que hayan sido interpretados por personas con su consentimiento”.

No es el único cambio en las categorías de interpretación. A partir de ahora un mismo intérprete puede estar nominado dos veces o más en la misma categoría por diferentes papeles. Hasta ahora, si esto ocurría, solo entraba el papel más votado. Siempre se ha hablado de que Nicole Kidman podría haber estado nominada dos veces, por Los otros y Moulin Rouge; Kate Winslet también por El lector y Revolutionary Road y Jessica Chastain también como actriz de reparto por El árbol de la vida y Criadas y señoras. Solo lo estuvieron por una de esas películas.

La defensa contra la IA llega también en las categorías de guion, donde las nuevas reglas “estipulan que los guiones deben ser de autoría humana para ser elegibles”. Además, la Academia aclara que en cuanto a “la Inteligencia Artificial Generativa, se reserva el derecho de solicitar más información sobre la naturaleza del uso y la autoría humana”.

Contra las canciones timo

Una de las categorías donde muchas producciones intentaban rascar una nominación ‘fácil’ ha sido siempre la de Mejor canción. Cualquier producción con posibilidades de estar en la conversación de los premios encargaba una canción a una estrella famosa, la colaba en sus créditos y a correr con una candidatura posible bajo el brazo. La Academia ha querido también poner fin a esas prácticas y ha aclarado lo que, a partir de ahora, se considerará una canción original. Ya no vale con que en los créditos aparezca, sino que tiene que entrar en pantalla al menos 15 segundos antes de que estos aparezcan. No es un cambio sustancial, pero al menos tendrán que sonar antes de que la película concluya. 

Los Yébenes ha vuelto a demostras que la cultura está muy arraigada en el municipio. El Teatro Auditorio Municipal acogió la segunda edición de los Premios YébenesCultura, una gala presentada por Jaime Figueroa, El Ventrílocuo y que reunió a la corporación municipal, familias, artistas y vecinos en una noche de reconocimiento colectivo que se prolongó durante casi dos horas.

El alcalde, Jesús Pérez Martín, abrió su discurso con una pregunta que resonó en la sala: “¿Qué seríamos sin cultura?”. Y él mismo se respondió: “Estaríamos más solos. Seríamos personas sin idioma interior”.

Reivindicó el papel de los pueblos como espacios donde la cultura no es consumo sino convivencia, y defendió que “la cultura es la forma en que le damos sentido al tiempo. Al tiempo que nos alegra y al que nos duele. Al tiempo que compartimos y al que pasamos a solas”.

El alcalde subrayó también que estos premios son, en el fondo, “una forma de decirle al tiempo: esto no se pierde”, y que el hecho de celebrar una segunda edición ya era en sí mismo una declaración de intenciones porque “hay gente en este pueblo, y fuera de él, que cuida la cultura con una dedicación que merece ser nombrada en voz alta, con orgullo y con gratitud”.

Pérez Martín quiso también poner el foco en el contexto en que se celebraban estos premios: “Vivimos en un mundo que olvida deprisa. Muy deprisa. Las pantallas nos inundan de imágenes, de sonidos, de historias que duran lo que se tarda en deslizar el dedo por la pantalla”. Por eso, remarcó, “recordar se convierte en un acto de resistencia cultural”.

Reconocimiento al actor Rafael Alvárez, El Brujo

El primer gran momento de la noche fue la entrega del Premio YébenesCultura a la Creación Escénica Nacional a Rafael Álvarez, El Brujo, uno de los actores y narradores más singulares del teatro español contemporáneo.

El alcalde le hizo entrega del galardón en un acto cargado de afecto, recordando que El Brujo estuvo junto al municipio en los momentos más difíciles de la pandemia y que en marzo de 2025 volvió a este mismo escenario con su Lazarillo de Tormes para regalar una noche inolvidable.

El Brujo, que asumió además el papel de padrino de estos premios, tomó la palabra y agradeció este bonito galardón en una intervención que constituyó por sí sola uno de los momentos más memorables de la velada.

El concejal de Cultura, Jaime Sánchez Elizo, quiso agradecer a todos los premiados su implicación y talento, y mostró su profunda admiración por el “maestro de maestros, referente indiscutible de las artes escénicas en nuestro país”.

Premios al Mérito en las Artes y al trabajo cultural local

A continuación se entregaron los Premios YébenesCultura al Mérito en las Artes y al trabajo cultural local. La Asociación de Baile Flamenco de Los Yébenes, dirigida por Arancha Romero, recibió su galardón de manos de la teniente de alcalde, Alicia Martín Jiménez, en reconocimiento a una trayectoria que acumula primeros premios en el Concurso de Danza Nacional de España, con grupos que el próximo 1 de mayo viajarán a Cartagena para competir en la final nacional.

La Asociación Cultura Colectiva recibió el Premio al Desarrollo, Difusión y Visibilidad del Arte Local, entregado por la concejal de Asociaciones y Juventud, María Gallego, a su presidente, Juan Sánchez Borox. Una asociación que reúne bajo un mismo techo a creadores de disciplinas muy distintas —literatura, bellas artes, audiovisuales, danza, interpretación y música— logrando que todo eso conviva, se retroalimente y acabe convirtiéndose en algo mayor.

El CEIP San José de Calasanz fue reconocido con el Premio YébenesCultura a la Promoción y Difusión de la Música en la Educación, en manos del concejal de Cultura, Jaime Sánchez, quien entregó el premio a su directora, Soledad Fernández Villarreal. Un reconocimiento a la laboral que desde el centro se viene realizando desde hace años, algo fundamental para el desarrollo de los más pequeños del municipio.

La gala cerró con la 35ª edición del Certamen Literario Blas Garoz, uno de los eventos más veteranos y queridos de la cultura local, en el que participan alumnos del CEIP San José de Calasanz y del IES Guadalerzas, además de una categoría abierta para mayores de 18 años.

Esta edición estuvo dedicada a la comunidad autónoma Castilla-La Mancha. Para la entrega de estos premios subieron al escenario el alcalde, los concejales, los profesores presentes en la sala y el propio El Brujo.

Fernando Fernán Gómez publicó en 1990 sus memorias. Se llamaban El tiempo amarillo, y en ellas, el actor total del cine español, contaba una vida que era un recorrido por la historia de España. Nacido en 1921, Fernán Gómez vivió los grandes acontecimientos del siglo XX que marcaron nuestro país. La Segunda República, el golpe de Estado, la guerra, la posguerra, la dictadura… Así hasta llegar a la ansiada democracia. Había algo en esas páginas que a José Sacristán le recordaba a su vida. Aunque había nacido años más tarde, él también fue un niño de la posguerra que encontró en el oficio de cómico algo más que una forma de vida.

Quizás fuera ese uno de los motivos que les convirtió en algo más que compañeros de trabajo, en amigos que se juntaban y se contaban. Que se abrían en canal el uno con el otro. Y quizás por eso, ahora que José Sacristán cogió su relevo como el gran actor vivo de España, ha decidido honrarle llevando a las tablas aquellas memorias. Lo hace en El hijo de la cómica, que dirige e interpreta hasta el 28 de junio en el Teatro Bellas Artes de Madrid. 

Desde allí irrumpe en el escenario a sus 88 años. Antes que él, su voz, anunciando que interpretará un par de escenas para la prensa antes de atender unas cuantas entrevistas en donde el actor, como siempre, dice las cosas que deberían ser de sentido común, pero no lo son. Habla de memoria, de su amigo Fernán Gómez y de la importancia de reírse en tiempos de gente como Donald Trump. Para todos ellos tiene un consejo: memoria y humor.

Adapta El tiempo amarillo, las memorias de Fernando Fernán Gómez. Se llevaban más de diez años de edad pero, en esas memorias, en ese niño de la posguerra, ¿había algo que hablaba también de Pepe Sacristán?

Yo ya había hablado con él de Pepe Sacristán antes de que se publicaran esas memorias. Yo estaba en este mismo teatro haciendo Las guerras de nuestros antepasados cuando se publicó la primera edición, pero yo ya había hablado con él de su abuela, de la mía, de la España de entonces, de ser cómicos y de las puñeterías que contiene este oficio ejercido en este puñetero país.

Me acuerdo de cuando Javier Bardem ganó el Oscar, que se lo dedicó a los cómicos. No dijo a los actores, dijo a los cómicos. ¿Qué tiene esa palabra?, ¿es una dignificación del oficio?

Sí, es un término entrañable y me atrevo a decir, de un cierto carácter de nobleza. Ser buen cómico es como ser un buen ciudadano o ser un buen padre. De hecho, hay una película maravillosa del tío de Javier, de Juan Antonio Bardem, Cómicos, que para mí es de cabecera. Hago pedagogía con ella. De vez en cuando, se la paso. Un día estuvieron en casa Asier Etxeandía, Aitana Sánchez Gijón y otros cuantos cómicos y cómicas, y les puse la película, que es una belleza.

Usted no fue hijo de cómica. 

No.

Pero sus hijos sí que van a poder decir que fueron hijos de cómico. ¿Eso enorgullece?

Sí. Me siento muy orgulloso. Te voy a contar una anécdota que he contado varias veces, pero es que me gusta. Estaba en Tarifa, después de hacer Señora de rojo. Paseo por la ciudad y dos muchachos de 30 años me ven y uno me reconoce, se me acerca felicísimo y me dice: “Claro, usted, es el que 'hacía de reír' en las películas antiguas”. Y le dije: “Ya tengo epitafio”. Sí, ese soy yo. Y me siento orgulloso de ser el que 'hacía de reír' en las películas antiguas. Y a mucha honra. 

Los ciudadanos no somos del todo inocentes y sufrimos las consecuencias de la clase política. No, nos representan. Desgraciadamente nos representan

José Sacristán — Actor

Le he leído decir varias veces que Fernán Gómez le enseñó a escuchar. Eso de escuchar ahora mismo es algo casi revolucionario. 

Sí. Lamentablemente, son más, como decía don Antonio Machado, los ecos que las voces. Es una jaula de grillos ensordecedora. Es lamentable. Y yo insisto en esto, no somos del todo inocentes. No somos los ciudadanos perfectos, maravillosos que sufrimos las consecuencias de una clase política. No, nos representan. Desgraciadamente nos representan. No es posible que haya algo tan obsceno como el comportamiento de un señor como Donald Trump, o del señor Milei. ¿Cómo alguien puede decir ‘yo quiero que ese sea el presidente’? Eres un puto tarado. Y ahí estamos todos. Y ahora además con esta actitud de la extrema derecha, esta cosa insultante que llaman rata de mierda, que quedan para volver a cantar el Cara al sol… y la gente les vota. Pues ya está. Pues qué bien.

En el escenario aparece escrito en el fondo: ‘Hay que recordar, hay que recordar’.

Es una alusión a El viaje a ninguna parte. Yo empezaba diciendo: “Hay que recordar, hay que recordar”. En realidad, yo me he autorizado a contar esta historia porque hice El viaje a ninguna parte y hago una pirueta.

Pero esa frase también nos habla de la memoria, algo que es importante y que era importante en aquellas memorias.

Para mí es fundamental saber de dónde y de quién vengo. Miro para atrás y procuro no darme con las farolas. Miro para atrás constantemente, porque cuando miro, no huelo a mierda. Es más, a mí me ayuda a vivir y a tirar para adelante la memoria que tengo del crío que fui. Sí, sin duda alguna.

¿Y cuando lee que hay un porcentaje de jóvenes que dicen que con Franco se vivía mejor?, ¿qué diría a esos jóvenes?

Que no tienen ni puta idea de lo que es vivir con Franco. Eso lo primero. Habrá algún nazi por ahí y algún fascista que le prefieren, y allá ellos, pero yo confío en que no sean mayoría. Pero en principio les diría que no tienen la más puta idea de lo que es vivir en una dictadura. Ahí está la maldad de estos que les llenan el cerebro con estas gilipolleces. Es lamentable…

¿El arte puede hacer algo en todo eso?

No, no, no. Ojalá pudiéramos hacer algo. Y si pudiéramos hacer algo, tendríamos que estar en la cárcel todos conforme está el panorama. Hacemos lo que podemos. Pero hay quien hace la historia y hay quien la padece. La gente de la cultura hacemos lo que podemos. Si la gente de la cultura realmente pudiese modificar la sociedad, Donald Trump no sería presidente de los EEUU. Joder, eso no te quepa ninguna duda.

Siempre dice que para usted actuar es un juego muy serio. ¿No se cansa de jugar?

No. Si eso pasara me quedo en casa. La base fundamental es lo que tiene de juego esto para mí, sin duda.

¿Y cómo ve a las nuevas generaciones, entienden ese juego serio?

Lo que veo es gente con mucho talento. Me encanta. Me encanta trabajar con jóvenes porque hay una galería y una cosecha de cineastas y de gente de teatro formidable. Ahora Juanito, Juan Diego Botto, está haciendo en el Teatro Español algo que es un auténtico prodigio. 

¿Y si no hubiera sido actor qué hubiera sido, lo ha pensado?

No. Tengo una vocación frustrada que es la de director de orquesta. Pero esa me ha venido después, cuando he visto a Karajan, a Carlos Kleiber y a Celibidache dirigir.

La gente de la cultura hacemos lo que podemos. Si la gente de la cultura realmente pudiese modificar la sociedad, Donald Trump no sería presidente de los EEUU

José Sacristán — Actor

¿Por qué Fernán Gómez sigue siendo el ejemplo, el icono?

Porque es el que mejor lo hacía, el que más se aproximaba a la verdad. Y luego ya conoces su faceta de dramaturgo, de novelista, de columnista, de director de cine, de teatro, de poeta... Joder, ese es el modelo. Lo que pasa es que es inalcanzable llegar a transitar por tanta disciplina de un modo tan brillante como él lo hacía.

¿A usted qué le ha faltado por hacer?

La Brígida del Tenorio. Me voy a morir con las ganas de hacer la Brígida del Tenorio. Es que he hecho zarzuela. He hecho musicales. He cantado copla. Y creo haber asumido desde las primeras de cambio ser una buena correa transmisora de estados de emoción más bien domésticos. Yo no tengo un Hamlet, no tengo un Macbeth ni un Rey Lear. No voy a decir que lo echo de menos. Mi modelo de actor para mí no era Lawrence Olivier, sino James Stewart. Yo hubiera hecho cualquier cosa por hacer El hombre de Laramie, El bazar de las sorpresas, Qué bello es vivir, Anatomía de un asesinato, Vértigo, Horizontes lejanos… Pero para mí el colmo de la sabiduría, la mayor demostración de talento que alguien ha hecho delante de una cámara, es la de Donald O'Connor en Cantando bajo la lluvia. El Hazles reír… Yo hubiera dado cualquier cosa por haber llegado a una altura tan excelsa como la suya ahí.

Me imagino que a usted actores jóvenes se le acercaran como referentes, ¿es un orgullo o una responsabilidad?

Es que yo soy el que 'hacía de reír' en las películas antiguas. No me toque los cojones. No tengo el menor interés de pasar a ser el profeta o el patriarca. Yo soy un currante de esto y tengo la suerte de que la gente me sigue comprando los ajos, hago lo que me da la gana y disfruto. Y creo que no lo hago mal. Y si lo hiciera mal, pues no vendrían a verme, digo yo. Pero no tengo el menor interés de trascender o de significar para los demás otra cosa que no sea el que hacía de reír en las películas antiguas.

Ahora nos viene bien reír…

¿No te ríes con el capullo de Donald Trump?

La verdad es que me preocupa… Ojalá me hiciera reír.

La risa hay que saberla buscar. El sentido del humor yo creo que es lo único que nos distingue del diplodocus o de la rata callejera. El sentido del humor y la risa siempre están ahí. Todos los días. Está en El Roto. La risa es muy importante. Hay un grupo que hizo Luis García Montero, le llamamos los 'optimistas melancólicos'. La melancolía es la sensación de pérdida de algo. De unos ideales a los que has aspirado y sabes que no se van a dar. Pero el optimismo tiene que ver con la risa. No hablo de la felicidad, hablo de la alegría, de la risa, de salir a librar la batalla con un “os vais a joder, no me vais a aburrir, y me voy a reír”.

La secuela de ‘El diablo viste de Prada’ llega este 30 de abril a los cines españoles y de gran parte de todo el mundo, siendo uno de los que promete ser uno de los estrenos de cine del año. La película regresa, además, con su elenco principal al completo, con Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci.

Si bien los principales personajes son los de Miranda Priestly y Andy Sacks, los secundarios también tienen una parte fundamental como son Emily y el de Nigel, al que da vida un Stanley Tucci que podría no haber formado parte del elenco principal del largometraje de 2006, pues se llegó a decir que fue contratado solo 72 horas antes de comenzar el rodaje y todo ello por el rechazo de un actor español que lo tuvo cerca. Hablamos de Javier Cámara.

Javier Cámara pudo formar parte del elenco principal de ‘El diablo viste de Prada’

El actor español Javier Cámara estuvo muy cerca de interpretar a la mano derecha de Meryl Streep de ‘El diablo viste de Prada’, lo que pudo ser su entrada en Hollywood, pero el intérprete prefirió quedarse en el cine español y el papel acabó siendo de Stanley Tucci, algo que ha relatado él mismo.

Nos tenemos que situar en el contexto de entonces. En 2002, Javier Cámara había protagonizado ‘Hablé con ella’, de Pedro Almodóvar, que se hizo con el premio Oscar a mejor guion original. El papel de Benigno en el largometraje le abrió camino y en Hollywood comenzaron a interesarse en él.

De aquí formó parte del reparto de ‘La vida secreta de las palabras’, de Isabel Coixet en 2005, donde vivió su primera experiencia de rodaje en inglés y la experiencia había sido buena. Sin embargo, Javier Cámara atañe eso al hecho de estar “arropado” por la directora de cine española, porque luego explicó en un podcast que en ella se dio cuenta ya las limitaciones con el idioma: “En una de las secuencias, Tim Robbins se puso a improvisar en inglés y casi me da un ataque”, recordó.

Fue precisamente este impedimento con el inglés el que le llevó a rechazar el que pudo ser el papel que cambiaría su carrera, el de Nigel en ‘El diablo viste de Prada’. “Hice el casting y me dijeron que había gustado mucho”, reconoció en el podcast ‘Mi vida en películas’, pero fue sincero sobre sus limitaciones cuando quisieron ir a más en la prueba.

“Era muy difícil y me lo había estado preparando durante mucho tiempo. Fui a un showroom y me grabé cogiendo zapatos y ropa, y la tía que vio el casting debió decir: 'Pero ¿qué es esto? Qué maravilla este muchacho'. Yo di el máximo en esa prueba”, confiesa, antes de dejar claro que lo rechazó por la barrera del inglés:

“Cuando la muchacha dice: 'Vente para acá, pero dilo más rápido', dije: 'No. Más rápido no puedo decirlo'. Fui muy sincero y ella con mucho cariño me dijo: 'Nunca he tenido delante a un actor tan sincero'. Y yo le dije: 'No, es que claro, imagínate que yo me vea de repente con Meryl Streep y me dé un ictus'”. Así de esta manera fue como Javier Cámara se quedó a las puertas de formar parte de ‘El diablo viste de Prada’ y de entrar en la industria de Hollywood.