Del The Eras Tour de Taylor Swift se pueden decir muchas cosas, pero hay una que marcó especialmente a los fans de la compositora de All Too Well: la estrategia de las canciones sorpresas. En los 149 conciertos que se celebraron entre marzo de 2023 y diciembre de 2024 como parte de esta gira, la artista sorprendió cada noche a sus seguidores durante el conocido como “set acústico”, momento en el que cantaba dos temas (uno a piano y otro a guitarra) que no pertenecían al setlist y que cambiaban en cada show. 

Esta estrategia cambió por completo la manera de entender los conciertos de Swift. Las canciones sorpresas consiguieron que cada uno de sus conciertos fuera en cierta manera único, una especie de “experiencia coleccionable”. Cada evento era exclusivo, no se podía replicar, lo que irremediablemente incentivó a los fans a asistir a varias fechas con el objetivo de llevarse experiencias diferentes. 

Para los oyentes más comprometidos, no era lo mismo disfrutar en directo de Our Song (canción sorpresa que interpretó durante su paso por Madrid) que de You're on Your Own, Kid (que le tocó a los que la vieron en Lisboa) o de Getaway Car (que cantó en Edimburgo). Esta estrategia de “concierto único” que Taylor había puesto en tendencia no tardó en ser adoptada por otros artistas.

Una de ellas fue Sabrina Carpenter, que decidió aplicarla a su manera en su Short n' Sweet Tour. Durante la interpretación de Juno, una de las canciones más populares del álbum, la artista hacía lo que se conoció entonces como “juno position”, una especie de postura sexual que la artista adoptaba después de cantar “have you ever tried this one?” [¿has probado esta alguna vez?] y que cambiaba en cada show.

La última que parece que se ha sumado a esta idea ha sido Rosalía. En una época en la que los conciertos se comparten casi en su totalidad en redes sociales, eliminando el efecto sorpresa para quienes aún no han asistido, la artista catalana ha demostrado que todavía es posible sorprender al público en cada show. Y en esto tiene mucho que ver el confesionario improvisado que monta en el escenario cada noche.

Una persona diferente se confiesa cada noche

Ahí está principalmente la sorpresa. Desde el primer concierto del LUX Tour en Lyon (Francia), una persona diferente se ha subido al escenario para “confesarse” a la cantante justo antes de que esta interprete La Perla. En el primer show, fue una persona anónima la que protagonizó el momento pero, desde entonces, todos los que han pasado por el confesionario han sido celebridades de distintos sectores. 

En Madrid, las cuatro protagonistas fueron la creadora de contenido Soy una pringada, la rapera Metrika, la cantante Aitana y la influencer Shannis. Con esto, Rosalía ha conseguido darle a cada show un toque de exclusividad, generando una nueva pregunta entre sus fans cada vez que se acerca un nuevo concierto: “¿A quién subirá al confesionario en el próximo show?” La respuesta solo se puede descubrir en directo, como ocurría con las canciones sorpresa de Swift y las “juno position” de Carpenter.

En junio de 2017, los fans de Taylor Swift no hablaban de otra cosa. Después de tres años, la artista había decidido volver a subir todo su catálogo musical a Spotify así que, por fin, iban a poder escuchar su música desde la plataforma. En aquel momento, había pocos cantantes que no hubieran aceptado que la era del streaming había llegado para quedarse.

Sin embargo, la compositora de Nashville llevaba años enfrentada a estas aplicaciones. Todo el lío se desató en 2014, cuando Swift decidió retirar todos sus álbumes de Spotify, una plataforma que entonces estaba en pleno crecimiento y que, para ella, no era más que “un experimento”. 

“Lo único que puedo decir es que la música está cambiando tan rápido, y el panorama de la industria musical en sí también, que todo lo nuevo, como Spotify, me parece un gran experimento. No estoy dispuesta a dedicar el trabajo de toda mi vida a un experimento que, en mi opinión, no compensa justamente a los compositores, productores, artistas y creadores de esta música. Y simplemente no estoy de acuerdo con perpetuar la idea de que la música no tiene valor y debería ser gratuita”, compartió entonces.

Lo que motivó a Swift a retirar su catálogo fue su idea de que estas plataformas no estaban pagando los royalties que los músicos generaban. En ese momento, Spotify no ofrecía a los artistas la opción de decidir si su música estaría disponible solo para los usuarios de pago o también para los que no pagaban, quienes no generaban ingresos para los artistas. Su retirada fue su forma de proteger el valor de su música.

Algo que debemos tener en cuenta que, en 2014, la cantante acababa de lanzar 1989, uno de los álbumes más importantes de su carrera porque acabó consolidándola como una estrella del pop internacional. El disco nunca llegó a subirse en Spotify aquel año, y todo el que quería escuchar las canciones debía comprar el formato físico. El éxito llegó sin necesidad del streaming.

El cambio de opinión llegó tres años después

En 2017, la compositora de temas como Shake If Off o Love Story cambió de opinión. Lo hizo cuando 1989, el álbum que había sacado tres años antes, alcanzó las diez millones de copias vendidas. “Taylor quiere dar las gracias a sus fans haciendo que todo su catálogo esté de nuevo disponible en todos los servicios de streaming a partir de esta medianoche”, compartió su discográfica.

Entonces todo el mundo especuló que la principal razón que la llevó a volver a Spotify fue confirmar que lo que había llamado “experimento” acabó convirtiéndose en una herramienta de éxito de la que no podía prescindir en su carrera. Para 2017, la plataforma de música había alcanzado los 50 millones de suscriptores de pago. Hoy, Taylor Swift es una de las artistas más escuchadas del mundo en esta aplicación.

La cultura pop está repleta de polémicas que fortalecen y destruyen el imperio de los artistas. Esta semana le ha tocado a Chappell Roan, cuyo equipo de seguridad ha sido acusado por el futbolista Jorginho de hacer llorar a su hijastra, pues supuestamente estaban alojados en el mismo hotel y le pidió que no molestara a la cantante. Tras las críticas, la artista ha optado por explicarse a través de varios vídeos publicados en Instagram, afirmando desde la cama que no era su guardaespaldas y que no siente “odio” por los niños. Se trata de otra controversia que constata que la autenticidad, además de poder ensalzar a las estrellas, es aquello que las sostiene en el pop contemporáneo.

Las redes sociales empujan a los artistas a mostrarse cercanos y espontáneos, evidenciando a través de stories que son mucho más que meros intérpretes de los hits del momento. Sin embargo, esa misma visibilidad alimenta el escrutinio público, por lo que, mientras que la exposición les permite conectar mejor con sus fans y humanizar su imagen, al mismo tiempo genera una contradicción: cuanto más enseñan de sí mismos, más difícil les resulta delimitar su vida privada, volviéndose en su contra cuando intentan reclamar intimidad. Consiste en todo un espectáculo que continúa fuera del escenario y que el músico y sociólogo Hans Laguna recorre en el ensayo Yo siendo yo (Anagrama, 2026).

Analizando cómo la identidad se define y se explota en una industria que exige la reinvención constante, sobre todo a las mujeres, y aportando las claves respecto a por qué se ha convertido en uno de los activos más valiosos para cualquier cantante, Hans Laguna cuenta los secretos detrás de la imagen que proyectan las estrellas del pop. Unos secretos de los que “somos víctimas y cómplices”, puesto que las estrellas y quienes las seguimos formamos parte del mismo juego. “Lo que hacen estas figuras lo hacemos nosotros a pequeña escala. Todos estamos metidos en las redes sociales y todos, de alguna forma, construimos un personaje para el consumo público”, señala el autor a elDiario.es.

Como ocurre con los cantantes que utilizan aplicaciones como TikTok o Instagram para proyectar una imagen determinada a su comunidad de fans, también nosotros nos vemos cada vez más atravesados por esos mismos problemas identitarios: hasta qué punto somos fieles a nosotros mismos en nuestra vida diaria y social, y hasta qué punto el personaje que construimos en redes nos representa realmente. “Las estrellas del pop llevan estas inquietudes a la arena pública de una forma muy evidente, pero lo interesante es que no es algo ajeno a los demás”, apunta Hans Laguna, que agrega que “el sistema nos lleva a construir una marca personal que rentabilizamos a nivel laboral”.

Es por ello que, para alcanzar una mayor empatía y fidelidad por parte de sus seguidores, los artistas moldean una personalidad de atributos entre los cuales destaca la autenticidad. Uno de los casos a los que alude el autor es el de Rosalía, quien ha logrado una gran relevancia cultural y social más allá del panorama musical porque ha conseguido mostrar una “imagen de mujer autónoma e independiente que hace lo que le da la gana”. “Eso le permite colaborar con un montón de marcas y capitalizarlo. Es el ejemplo de que construir una imagen de persona auténtica hoy en día es un negocio”, detalla.

Rosalía no es la única que lo hace, teniendo en cuenta que incluso se ve con buenos ojos. “Antes, hacer publicidad era un anatema, pero ahora la Generación Z lo acepta porque están demostrando su triunfo social y celebran que lo estén petando”, indica Hans Laguna. La anomalía en este aspecto la presenta Taylor Swift, la figura que lo inspiró a escribir Yo siendo yo tras ver el documental Miss Americana (Netflix, 2020). Según Forbes, la creadora de The Life of a Showgirl tiene un patrimonio neto de 2 mil millones de dólares, convirtiéndola en la artista más rica del mundo y la primera en alcanzar dicho estatus gracias únicamente a sus giras y su catálogo, sin necesidad de patrocinios o asociaciones.

Aunque no es negativo que la mayoría de artistas se vinculen con otras empresas, Hans Laguna subraya que si sobrepasan ciertos límites puede ser peligroso. “Debe haber una coherencia entre la marca con la que se asocian y su marca personal”, argumenta. Si no, corren el riesgo de que sus movimientos sean tildados de hipócritas, como le sucedió a Aitana al asegurar que ni ella misma podría comerse el menú que sacó con McDonald's porque es celíaca. La intérprete, además, alegó el verano pasado que no ganaba dinero con sus conciertos en estadios, algo que responde a la paradoja de que, en tanto que las estrellas del pop son más capitalistas que nunca, proyectan el discurso de que son auténticas y no hacen las cosas por beneficiarse económicamente.

“Es un malabarismo al que estamos acostumbrándonos, pero es una anomalía histórica que debería llamarnos la atención”, comenta Hans Laguna, que asevera que es una situación que está cada vez más normalizada. “Están jugando a eso y cada vez es más obvio que son máquinas de hacer dinero y de colaborar con marcas. Quizás precisamente por ello necesitan al mismo tiempo construir una imagen que se mantenga al margen de esto y convencernos de que en realidad tienen una necesidad expresiva”, reflexiona.

El posicionamiento político

Otra de las consecuencias de la exposición de los artistas es el reclamo por parte de sus seguidores de pronunciarse sobre los problemas políticos y sociales. Rosalía se vio obligada a apoyar públicamente a Palestina después de la polémica desatada en redes sociales que señalaba a la cantante por no haberse manifestado al respecto. “El hecho de no haber usado mi plataforma de forma alineada con el estilo o expectativas ajenas no significa en absoluto que no condene lo que está pasando en Palestina”, indicaba la catalana. Hans Laguna afirma que “las estrellas son más conscientes de que no tienen un cheque en blanco, sino que saben que los fans pueden reaccionar”.

El autor critica que estos artistas, que “viven del engagement que han generado con sus públicos, con su audiencia en redes, provocando relaciones parasociales”, se molesten “cuando el público les exige determinadas actitudes o les afea ciertas conductas”: “Es como que solo lo quieren para lo bueno y no para lo malo. Parece que tienen nostalgia de unos tiempos en los que podían hacer cualquier cosa sin tener que rendir cuentas”.

En EEUU, no obstante, sí es más normal que los cantantes tomen partido. Elton John y Katy Perry, por ejemplo, hicieron campaña para Hillary Clinton en 2016, mientras que Taylor Swift y Beyoncé han hecho lo propio en 2024 apoyando a Kamala Harris frente a Donald Trump. “¿Cómo puedo subirme al escenario y decir '¡Feliz mes del Orgullo a todos!' y no hacer nada mientras la gente, literalmente, va a por el cuello [de la comunidad LGBT]?'”, advertía Swift en su documental. “Es interesante que las estrellas perciban que tienen que ir con más cuidado, puesto que ahora los fans ejercen poder de influencia sobre ellos”, apunta Hans Laguna.

Aun así, el escritor advierte que “hay una base de fans muy fieles que les van a defender hagan lo que hagan”. Se ve constantemente con las polémicas a las que se enfrentan en internet, e incluso con informaciones tan delicadas como la denuncia de dos extrabajadoras de Julio Iglesias acusando al cantante de agresiones sexuales. “El caso de Julio Iglesias es muy particular porque es una estrella de la vieja escuela y, justo al final de su vida, ha surgido un escándalo bastante desagradable del que fue una locura la repercusión”, dice Hans Laguna, conocido también por su obra sobre el intérprete Hey! Julio Iglesias y la conquista de América (Contra, 2022).

“Cuando alguien es muy fan, psicológicamente intenta encajar la nueva información en sus creencias previas. El fenómeno fan es muy diverso: hay muy fieles, otros más escépticos, algunos críticos y otros menos. Cuando hablamos de la audiencia, hablamos de una masa muy heterogénea. Las estrellas tienen que ir navegando esa diversidad”, argumenta el autor, que hace alusión a que hay personas que olvidan rápidamente. A través de Instagram, el futbolista Jorginho le recriminó a Chappell Roan el trato a su fandom: “Sin tus fans no serías nada”. Sin embargo, más allá de que los seguidores recuerden o no esta polémica en unos meses, el juego de las estrellas ya no solo depende de lo que hagan con su micrófono encima del escenario, sino su capacidad para gestionar las expectativas de un público cada vez más activo y dividido.

Miley Cyrus ha estado de promoción los últimos días para hablar de Hannah Montana: especial 20 aniversario, el especial que ha llegado este 24 de marzo a Disney+ y que recuerda la serie de televisión que catapultó su fama y que la convirtió en una de las estrellas infantiles con más éxito de Disney Channel. 

En una de las entrevistas, la artista recordó algunas de las canciones más míticas de aquella época y, entre ellas, destacó You’ll Always Find Your Way Back Home, la última canción que sonaba en Hannah Montana: la película (2009). “Queríamos una canción realmente grande para el final. Tenía que sentirse celebratoria”, comenzó explicando Cyrus en su entrevista con el medio.

“Miley acababa de contar el mayor secreto. Necesitábamos algo que diera la sensación de que el globo caía completamente: vuelves a la tierra, te calmas, pero luego tienes que volver a subir del todo. Por eso me encanta esa canción”, añadió. Cyrus recordó entonces que el tema fue una de las decenas de propuestas que llegaron y que el equipo lo eligió precisamente porque encapsulaba bien la idea que querían.

Lo que muchos no saben es que este tema, uno de los más escuchados de la película junto a The Climb o Butterfly Fly Away, no salió de la imaginación de Cyrus. De hecho, la artista no participó en la composición de ninguna de las canciones que interpretaba su personaje. En el caso de You’ll Always Find Your Way Back Home, detrás de la letra y la melodía estaba la mismísima Taylor Swift.  

También apareció en la película

La artista que sigue acumulando éxitos con The Life of a Showgirl no solo compuso esta canción para que Cyrus la interpretara en la pantalla. Swift también tuvo su pequeño momento en la película de Disney Channel, donde hizo un cameo para interpretar otra de las canciones que forman parte de la banda sonora del proyecto: Crazier. 

En un momento de la historia se celebra una fiesta benéfica en un granero, ocasión en la que su personaje coge la guitarra y da un pequeño concierto. El equipo de la película contó que esta canción no se creó directamente para la banda sonora del filme, sino que formaba parte de las demos que la joven Taylor Swift ya tenía entre sus composiciones pero que todavía no había sacado al mercado.

Todos quedaron tan impresionados por el tema que decidieron incluirlo tal cual para este momento del filme. “Cuando recibí un correo de Disney diciendo que querían una canción perfecta para enamorarse y con un estilo de vals country, les envié Crazier. Les encantó”, contó Swift entonces. 

Cada día, millones de personas pasan horas viendo vídeos cortos en el móvil. Algunos de ellos, comparten una música intensa, pesada, diseñada específicamente para subrayar el momento culminante del vídeo. La mayoría de quienes escuchan esa música no sabría decir cómo se llama ese estilo musical, ni siquiera que pertenezca a un género concreto. Sin embargo, esas mismas piezas se repiten miles de veces al día en vídeos de TikTok, YouTube Shorts o Instagram Reels. Son como las montañas lejanas del paisaje sonoro de internet. Y tiene un nombre. Se llama phonk.

El phonk está hoy en día por todas partes y su uso genera millones de dólares a sus creadores, pero, a diferencia de otros géneros musicales como el reguetón o el k-pop, su auge resulta casi invisible. Se dice que la primera superestrella de la historia de la música fue Franz Liszt. En la década de 1840, el austriaco causaba sensación. Sus fans se contaban por miles y sus apariciones públicas generaban casos de histeria. Este fenómeno se llegó a bautizar en la época como la “Lisztomanía”, ilustre predecesora de la célebre “Beatlemanía”.

Casi se podría decir que, desde entonces, la industria musical ha seguido funcionando de la misma manera, alrededor de grandes superestrellas como Elvis, Sinatra o Michael Jackson, cuyos grandes lanzamientos discográficos, entrevistas en televisión y giras mundiales mastodónticas marcaban la actualidad musical y las modas. Sin embargo, la nueva realidad de internet podría estar empezando a alterar ese sistema. Según datos citados por The New York Times, el artista con mayor audiencia en YouTube durante el pasado mes de enero no fue ni Bad Bunny ni Taylor Swift. Fue Slxughter, un productor de phonk originario de Rusia del que estoy casi seguro de que nunca había escuchado hablar.

Los vídeos en la plataforma de Slxughter, a pesar de tener decenas de millones de reproducciones, no llegan a las cifras de los grandes artistas del mainstream. Pero el secreto está en los vídeos verticales. Kevin Meenan, responsable de tendencias musicales en YouTube, explicó al periódico neoyorkino que la audiencia mensual que ellos miden combina las visualizaciones de la plataforma tradicional con el consumo dentro de shorts, los vídeos cortos similares a los reels o las publicaciones de TikTok que tiene la plataforma. Este detalle altera por completo el mapa de popularidad. Sumando así la difusión a través de shorts, la música de Slxughter fue escuchada en enero por 981 millones de usuarios únicos, más del doble que Taylor Swift y más de seis veces la audiencia de Bad Bunny durante ese mismo mes. 

De los casetes de Memphis al algoritmo

En contra de lo que podría parecer, el phonk no es un fenómeno surgido al calor del algoritmo y la viralidad, sino que tiene raíces profundas en la música negra de hace 40 años. En concreto, en la escena del rap de la ciudad Memphis a finales de los años ochenta y noventa, cuando productores como Tommy Wright III o Three 6 Mafia empezaron a desarrollar un sonido oscuro y minimalista basado en bajos pesados, loops hipnóticos y una estética deliberadamente cruda y siniestra. 

En aquel momento se trataba de una música de alcance casi exclusivamente local. Muchas de esas grabaciones ni siquiera se publicaban, sino que circulaban en cintas de casete entre una comunidad muy reducida de personas. Lo que nadie podía imaginar es que décadas más tarde esos sonidos serían redescubiertos por jóvenes productores que trabajaban desde sus ordenadores a miles de kilómetros de distancia. Aquellas oscuras grabaciones (y otras más populares) de rap de Memphis acabaron cayendo en manos de productores rusos y de Europa del Este que, en la década de 2010, comenzaron a integrarlas y mezclarlas con ritmos más actuales. 

Esto dio lugar a una mutación que resultó a la postre decisiva para el phonk. Conocido como drift phonk (de drift, derrape en inglés), este género comenzó a ser la banda sonora de los vídeos de coches derrapando y haciendo acrobacias (muchos creados en la antigua Unión Soviética) que comenzaron a extenderse por las nacientes redes sociales. Con esa transformación, el género se volvió más rápido, más electrónico y poco a poco fue adoptando una estructura pensada para funcionar dentro de clips muy breves.

La típica pieza de drift phonk comienza con una introducción de unos breves segundos que genera tensión antes de que aparezca un marcado golpe de bajo. Un subidón repentino que es fácil hacer coincidir con el momento culminante del vídeo al que acompaña. Con el tiempo, esa estrecha relación entre vídeo y música, ha producido una simbiosis creativa única en la historia de la música. Y no precisamente para bien.

El algoritmo como brújula creativa

Según le contó a The New York Times Tyler Blatchley, fundador del sello Black 17 Media, que representa a algunos de los artistas más importantes del género, su proceso creativo es sencillo. “Son productores que habitualmente trabajan en su habitación”, explica. “Cada día chequean las redes para ver qué tipo de música está promocionando en algoritmo y ajustan el tipo de música que producen basándose en ello”. Posteriormente suben sus temas a las redes esperando que se viralicen. 

Esa dinámica ha creado una especie de circuito cerrado entre la creación musical y el comportamiento de los usuarios y los algoritmos. Si una determinada estructura de melodía funciona bien en vídeos de diez segundos, más y más productores empezarán a reproducir ese patrón. Las canciones se diseñan pensando en el instante exacto en el que un clip revelará su momento clave. El phonk se ha ido perfeccionando para ser una herramienta perfecta para el vídeo corto, pero también un bodrio en términos creativos.

No obstante, el sistema funciona a las mil maravillas. Según Blatchley, muchos creadores de phonk han ganado más de cinco millones de dólares gracias a los royalties que estas canciones generan en las redes sociales. En los últimos años, su empresa ha pagado más de 140 millones de dólares a sus representados, productores provenientes de países como Rusia, Ucrania o Kazajistán. El efecto llamada de estas ganancias ha hecho también que surjan creadores de phonk por todo el mundo, generando nuevas encarnaciones del género como por ejemplo el Brazilian phonk, que fusiona el drift phonk con el funk carioca.

El género musical omnipresente en internet

El phonk ha logrado expandirse con tanta rapidez porque encaja con muchos tipos de contenido, aunque suele estar más presente en el enfocado hacia lo que habitualmente se conoce como la “machosfera”. Aparece casi siempre en vídeos de coches, pero también en montajes de anime, clips de videojuegos, entrenamientos de gimnasio, recopilaciones deportivas o contenido motivacional. El género, por tanto, no ha necesitado de grandes conciertos ni de presencia en festivales para convertirse en un fenómeno global. Su territorio natural es el flujo constante de vídeos cortos que circulan por internet. Eso hace que su presencia en la cultura haya pasado casi desapercibida hasta ahora. 

Pero las enormes cantidades de dinero que se están moviendo a su alrededor, han hecho levantar las orejas a la industria de la música más clásica. Un ejemplo de ello es el del reconocido músico y productor Diplo, siempre alerta de las nuevas tendencias, que acaba de sacar un disco que define como un homenaje al phonk, titulado de forma bastante clara D00mscrvll (de doomscroll, el acto de mirar compulsivamente las redes sociales que acaba generando ansiedad y pesimismo). El mismo Diplo ha contribuido a llevar el phonk al gran público introduciéndolo en alguno de sus trabajos para músicos mainstream, como ha hecho en la canción Like Jennie de la estrella del k-pop Jennie.

Este espectacular éxito del phonk también ha generado críticas dentro de la propia escena. Algunos productores consideran que la versión actual del género, que gira sobre sí misma basándose en criterios puramente económicos, se ha convertido en una fórmula repetitiva diseñada exclusivamente para acumular reproducciones.

Un análisis publicado por Kieran Press-Reynolds en Pitchfork describe con bastante dureza el momento actual del estilo como “un vertedero globalizado, sin rostro e insustancial”. Es probable, además, que el impacto de la inteligencia artificial empeore todavía más la situación al acelerar la creación de nuevas melodías con solo unos clics de ratón.

Aun así, el género sigue creciendo y expandiéndose. Y también dando algunos nuevos ejemplos dignos de destacar. Pitchfork destaca el tema Ultraphunk de Dashie, que cuenta con millones de reproducciones, y que compara con “la banda sonora de un duelo de gladiadores en el año 2275”. Todavía es pronto para saber si el phonk se acabará convirtiendo en un género más o si su importancia se diluirá, quedando como una anomalía en la historia de la música.

El auge del estilo coincide con un cambio profundo en la forma de consumir música y de ganar dinero con ella. Cada vez más, las canciones, sea cual sea su estilo, se conciben pensando en el ecosistema de los vídeos cortos de internet y no tanto en la construcción de álbumes conceptuales. De cualquier modo, ambas lógicas no son necesariamente incompatibles.

Ni para ver una película ni tampoco un documental: el 3 de octubre de 2025, Taylor Swift consiguió movilizar a sus fans para que acudieran a las salas de cine a ver el estreno de su nuevo videoclip, que arrasó hasta convertirse en número 1 en taquilla, también en España. Pero ese mismo día ocurría otra cosa interesante: Swift ofreció una entrevista en el show del británico Graham Norton, donde compartió programa con estrellas de la talla de Cillian Murphy, Greta Lee, Lewis Capaldi, Domhnall Gleeson y Jodie Turner-Smith. Ahora, cinco meses después, y en un momento en el que los vídeos musicales no tienen el impacto de antaño, todos ellos aparecen en el último de la artista estadounidense.

Reclutar a un gran elenco de nombres para que aparezcan en un vídeo musical supone una anomalía en la época actual, sobre todo porque este formato ha perdido repercusión con el paso del tiempo y las discográficas empiezan a verlo como un esfuerzo innecesario. Sin embargo, y justo por ello, los artistas buscan nuevas formas de acaparar la atención del oyente, pero un movimiento inesperado implica dejar a YouTube, que hasta ahora era la principal biblioteca de videoclips del mundo, fuera de esta ecuación. Desde el pasado 17 de enero, las reproducciones y visualizaciones del gigante rojo han dejado de contar para las listas de éxito de Billboard, que mide la popularidad de las canciones en EEUU.

El videoclip que más veces se ha visto en YouTube es Baby Shark Dance de Pinkfong Baby Shark, con más de 15 mil millones de visitas. Le sigue Despacito, de Luis Fonsi y Daddy Yankee, con más de ocho mil millones. Hoy, ninguna de esas visualizaciones contabilizarían para medir el éxito de la canción, como ocurrirá con las visitas que obtengan en el futuro. Esto se debe a que YouTube ha dejado de proporcionar sus datos a Billboard, pues no considera justa la nueva metodología de sus listas, que prioriza el streaming de pago (Spotify Premium, Apple Music) sobre el gratuito con publicidad, argumentando que esta fórmula ignora a los fans que consumen música gratuitamente.

Lo relevante de este asunto radica en el usuario que consume la música. Spotify, pese a incluir una versión gratuita, cuenta con un enorme número de usuarios que pagan una suscripción. Apple Music, de hecho, solo es de pago, pero la mayoría de gente que consume YouTube financia su visionado a través de publicidad. Billboard da mucho más peso a las reproducciones de plataformas de pago, y en la fórmula de 2025/2026 estas reproducciones valen 2,5 veces más que una reproducción gratuita. Su postura se basa en que las escuchas de pago reflejan una intención más genuina de consumo, mientras que las gratuitas pueden ser menos valiosas comercialmente.

La ruptura entre Billboard y YouTube pone de manifiesto que ya no importa la popularidad de la música, sino la economía de quien la consume. El experto musical JotaJota, quien reseña discos en su canal de YouTube y dirige el pódcast Pop Pop Pop!, considera “injusto” el nuevo método de Billboard, puesto que “una reproducción es una reproducción” independientemente de si viene de un usuario gratuito o de alguien que paga una suscripción. Además, afirma que puede acarrear que los artistas no se “curren tanto” los vídeos porque YouTube ha dejado de sumar para aquellos que aspiran a aparecer en las listas de éxitos.

Las consecuencias se empiezan a hacer visibles. Después de que Spotify haya luchado en los últimos meses por implementar los videoclips a la plataforma —Apple Music los incorpora desde 2018—, Taylor Swift ha sido la primera artista en estrenar su nuevo videoclip en ambas aplicaciones, publicándolo en YouTube dos días más tarde. Esto hubiera sido impensable hace años y responde a un “fenómeno de convergencia”, según explica David Selva a elDiario.es, quien es profesor en la Universidad de Cádiz y ha analizado las capacidades de este formato en su obra El videoclip: comunicación comercial en la industria musical.

La caída del videoclip como necesidad

Mientras que hace dos décadas la canción era una cuestión de promoción, ahora también es una cuestión de producto. Es algo que también ha sucedido con los conciertos, pues antes suponían una herramienta de promoción para vender más discos, pero hoy en día es la venta de entradas la que sustenta a los artistas. David Selva apunta que el paradigma ha cambiado: “Todos quieren llegar al mismo punto y todos vienen de un extremo diferente”. YouTube, que tradicionalmente era una plataforma de vídeo, busca posicionarse como una aplicación donde escuchar música —de ahí su apuesta por YouTube Music—, en tanto que Spotify, que ya era un sitio de música, intenta virar hacia una plataforma que también incluye vídeo.

Pese a que las plataformas de streaming hayan dado más relevancia a las canciones como producto individual gracias a las playlists, el propósito de un artista con un single siempre ha sido el de dar a conocer su disco. Pero los videoclips también eran el escaparate hacia sus oyentes. “Ayudan a crear la imagen de un artista como alguien que no solamente canta, sino que tiene una personalidad, visión y valores determinados”, indica Selva. Para Rosalía, por ejemplo, fue clave el mundo visual construido con El Mal Querer y Motomami, pero recientemente ha presentado trabajos más vacíos como el vídeo de La Perla a causa de que no esperaba el éxito del tema. Antes, los cantantes decidían sus singles, pero ahora los escogen en base a la canción que más triunfa en plataformas, por lo que el tiempo es más limitado.

En la actualidad, sin embargo, los artistas pueden construir su identidad visual sin necesidad de focalizarse en este formato. JotaJota destaca que “la pandemia ha marcado muchísimo la diferencia”. Mientras que en 2010 era impensable que la gente pudiera asomarse a los salones de los famosos, el confinamiento de 2020 y el auge de las redes sociales lo hicieron realidad. “Les ha venido muy bien porque, al romperse esa magia y al habernos dado cuenta de manera consciente de que los artistas son personas, tienen menos presión”, alega el streamer. Una presión que sí fue clave en Lady Gaga, quien, a partir de vídeos como Bad Romance, Telephone o Alejandro, y a fuerza de extravagancia y controversia, consiguió romper estándares redefiniendo la estética pop y subvertiendo la mirada masculina.

La popularidad de los vídeos de Lady Gaga a inicios de su carrera fue, precisamente, la que revitalizó la industria del videoclip tras su primera crisis. MTV, la famosa cadena de televisión que cerró a finales de 2025 y retransmitía videoclips las 24 horas, transformó la cultura en los 80 convirtiendo a artistas como Madonna y Michael Jackson en superestrellas mundiales. De hecho, el videoclip de mayor presupuesto de la historia sigue siendo Scream de Michael Jackson y Janet Jackson, estrenado en 1995. No obstante, justo a mediados de los 90, el éxito de MTV empieza a caer en pos de otros contenidos como los reality shows, por lo que no es hasta la llegada de YouTube cuando el videoclip experimenta otro crecimiento.

Aparte de Spotify, TikTok es otra plataforma que juega un papel fundamental en el bajón de consumo de música en YouTube tras más de una década espléndida, cambiando códigos en el plano audiovisual. El más interesante de todos ellos es el del tiempo. El público más joven, que acostumbra a pasar más rato en esta aplicación, lo hace a un ritmo muy rápido, inmerso en vídeos de 10 a 30 segundos. Esto provoca que el videoclip, que llamó la atención por ser dinámico, ágil y ser capaz de transmitir en tres minutos, tenga que afrontar el nacimiento de un formato aún más corto.

Asimismo, el lenguaje que utiliza también muta. “Los videoclips que tenían coreografía eran más secundarios, no estaban pensados para que la gente los replicara, pero ahora mismo es un fenómeno en TikTok y es normal que el videoclip adapte esa cuestión”, explica Selva. Tanto es así que cuando Taylor Swift hizo el vídeo de The Fate of Ophelia, que contiene el gran último baile viral de TikTok, también se grabó en diferentes localizaciones del videoclip haciendo este baile. Son vídeos que la artista grabó al mismo tiempo que hacía el videoclip, por lo que ya estaba en sus planes lograr que se viralizara, como finalmente sucedió.

Se trata de la misma cantante que ostenta el récord del videoclip de Vevo con más visualizaciones en 24 horas, alcanzando con su canción Me! más de 65 millones en su día de lanzamiento. Lo logró gracias al fenómeno popularizado por ella de los easter eggs; es decir, pistas en sus vídeos que hacen referencia al propio universo narrativo que Swift ha construido. El de Me!, entre otras cosas, contenía un letrero gigante que rezaba Lover, que en aquel entonces no se sabía que sería el título del séptimo álbum de la compositora. Ese fue, además, su primer videoclip codirigido. Desde entonces, Taylor Swift ha sido la directora de todos sus videoclips tras aprender de maestros como Joseph Kahn.

“El hecho de que ella dirija muchos de sus videoclips es una forma de presentarse como auténtica”, apunta David Selva. “Es una forma de decir: 'No soy un producto, no soy una especie de anuncio publicitario, solo soy yo expresándome. Soy una artista, una autora y trasmito verdad'”. El videoclip es otra vía que ha empleado Swift para contar historias, algo que ha hecho siempre en sus canciones y que la ha llevado a su éxito. Sin embargo, también es un paso previo antes de debutar como directora de su primer largometraje, cuyo guion se sabe que está escrito desde 2022.

El videoclip como escuela de cineastas no es algo nuevo. Michel Gondry o Spike Jonze vienen de hacerse un nombre en la industria del videoclip, que les permitiría luego dar el salto al largometraje. En el sentido contrario, Ridley Scott dirigió el videoclip Avalon de la banda de rock inglesa Roxy Music en sus comienzos como director, dotando de prestigio el vídeo tras haber ya dirigido películas como Alien. Por otro lado, el videoclip de Bad de Michael Jackson, lanzado en 1987, fue dirigido por el reconocido cineasta Martin Scorsese, e incluso en España, Juan Antonio Bayona inició su carrera dirigiendo vídeos musicales como el de Cuando zarpa el amor de Camela o el de Maldito duende de Raphael.

La industria musical busca mantener con vida un formato que ha sido esencial en la cultural tal y como la conocemos hoy día. La novedosa funcionalidad de Spotify para agregar los videoclips a la plataforma puede ser una manera, pero no debe ser la única. Los artistas y los cineastas deberán seguir buscando nuevas formas de captar la atención del oyente. Bardia Zeinali lo ha hecho en el videoclip de Tears de Sabrina Carpenter, publicado el año pasado con una sorpresa: cada día, el espectador encontraría un final diferente si veía el vídeo en YouTube. Hasta cuatro finales alternativos ha tenido Tears desde su estreno. ¿Cuál será el final del mundo del videoclip?

¿Cómo se graba el videoclip de una canción? Lo más normal es que el artista cante en playback mientras suena el tema, para así poder sincronizar después en edición la imagen con el sonido. Pero ¿y si estamos hablando de una de las artistas más relevantes de la industria musical? ¿Y si el videoclip que se está grabando pertenece a una canción que nadie conoce porque el álbum todavía no se ha publicado?

La respuesta la tiene Taylor Swift y su forma tan peculiar de filmar algunos de sus vídeos musicales. Para evitar que sus canciones se filtren y lleguen a los oídos de todos antes de la fecha oficial de lanzamiento, la intérprete de Blank Space toma serias medidas en el estudio de grabación. Nadie puede escuchar la canción antes de tiempo. Ni siquiera los bailarines, técnicos y equipo de producción que participan en el rodaje.

Así lo confirmó el diario The Sun el verano pasado, cuando contó en exclusiva que la cantante estaba grabando un videoclip secreto en Los Ángeles y compartió la forma en la que este se había rodado. “El vídeo era tan secreto que a los que trabajaban en el set ni siquiera se les permitió escuchar la canción, solo el ritmo”, señaló el medio inglés entonces.

Esto era algo sobre lo que se especulaba desde hacía tiempo. Los rumores surgieron después de que la artista compartiera el detrás de cámaras del videoclip de ME!, canción de su álbum Lover. Las imágenes de aquel rodaje mostraban a la artista y al equipo de bailarines en silencio, utilizando únicamente un metrónomo para poder guiarse en el ritmo real de la canción. 

Es el mecanismo que Swift, que el año pasado lanzó su duodécimo álbum de estudio The Life of a Showgirl, ha encontrado para evitar que cualquier persona que trabaje con ella pueda grabar sus canciones con su teléfono y filtrarlas más tarde tanto a la prensa como a los seguidores de la cantante. 

Su aparición en ‘The Graham Norton Show’

Pero la obsesión de la compositora estadounidense con esto de las filtraciones no solo está patente en los rodajes de sus videoclips, sino también en sus apariciones en programas de televisión. El caso más reciente lo encontramos en The Graham Norton Show, programa que Swift visitó para promocionar The Life of a Showgirl. El problema es que la grabación del show se hizo días antes de que su disco estuviera disponible en plataformas, lo que obligó a los participantes a aparentar que estaban escuchando el nuevo sencillo de Swift cuando realmente lo que había en el plató era silencio.

“Nos dijeron a todos que fingiéramos que lo estábamos escuchando, porque obviamente no podían reproducirlo porque aún no había salido y no querían que se filtrara a ningún lado”, compartió una chica que estuvo como público en su perfil de TikTok.

Taylor Swift sorprendió con el lanzamiento del videoclip oficial “Opalite”, una de las canciones más virales de su último disco, The Life of a Showgirl, que se estrenó primero en las plataformas Spotify Premium y Apple Music, para hacerlo este fin de semana en Youtube.

Más allá de la polémica que ha generado el hecho del estreno más tardío en YouTube, después de la batalla entre Billboard y la plataforma el pasado diciembre, Taylor Swift no ha dejado indiferente por el tema, el tono y los protagonistas que la acompañan en el videoclip.

La curiosa manera en la que Taylor Swift tuvo la idea para el vídeo de “Opalite”

Después del lanzamiento de The Life of a Showgirl a comienzos de octubre de 2025, Taylor Swift no había sacado otro sencillo que no fuera “The Fate of Ophelia”, con la que sigue en lo más alto de la lista de los 40 principales en España, con otros éxitos del momento como “Superestrella” de Aitana o “La perla” de Rosalía.

“Opalite” llega, así como segundo sencillo del disco de estudio de la cantante estadounidense, con un vídeo en el que destaca un estilo noventero que cumple con el ritmo de la canción, teniendo en cuenta que detrás está Max Martin, compositor de algunas de las canciones más conocidas de esta década como “Baby One more time” de Britney Spears o “I want it that way” de Backstreet Boys.

Todo ello con una trama en la que “Opalite” es un spray que promete “transformar mágicamente tus problemas en un paraíso”, y en el aparecen estrellas de la talla de los actores Domhnall Gleeson, Cillian Murphy, Greta Lee, Jodie Turner-Smith, el cantante Lewis Capaldi y el cómico y presentador Graham Norton.

Y todo esto tiene un origen, y no es casualidad que todos ellos hayan sido escogidos para aparecer en el video de Taylor Swift. El hecho es que todos coincidieron en The Graham Norton Show el pasado 3 de octubre, cuando la cantante acudió a promocionar su álbum The Life of a Showgirl. Durante el programa, el actor Domnhall Gleeson bromeó con el deseo de querer aparecer en uno de los videoclips de Swift, y eso encendió una bombilla en la cantante, que asegura que “inmediatamente” se le ocurrió la idea de lo que sería finalmente el video de “Opalite”.

“Y así, una semana después, recibió por correo electrónico un guion que había escrito para el video de 'Opalite', donde él interpretaba el papel principal”, explica que también le parecería una gran idea si los demás invitados a The Graham Norton Show, incluido el propio presentador, también pudieran participar. Así, todos aparecen como personajes, teniendo Gleeson el papel principal junto a la cantante, Murphy aparece como parte de un anuncio, Lee como artista, Turner-Smith como entrenadora o Capaldi como fotógrafo.

Por qué el video de 'Opalite' de Taylor Swift se estrenó tarde en YouTube

Además de sus protagonistas, uno de los hechos que más llamó la atención de “Opalite” fue que el video se estrenó primero en Spotify Premium y Apple Music, el viernes 6 de febrero, mientras para el domingo 8 dejaba el estreno en YouTube.

La razón estaría en que las visualizaciones en YouTube han dejado de contar para la lista Billboard, después de que la plataforma de videos retirara sus datos de estas desde el 16 de enero como consecuencia de que el streaming bajo demanda iba a pesar más con la excusa de “reflejar un mejor aumento en los ingresos y los cambios en el comportamiento de los consumidores”.

Desde YouTube se defendieron asegurando que “esto no refleja la interacción actual de los fans con la música e ignora la enorme participación de quienes no tienen suscripción. Simplemente pedimos que cada reproducción se contabilice de forma justa e igualitaria, ya sea con suscripción o con publicidad, porque cada fan importa y cada reproducción debe contar”, añadió la famosa plataforma que ha tenido en los videoclips de música uno de sus principales y clásicos contenidos.

Taylor Swift da la bienvenida al 2026 con un nuevo récord bajo el brazo. Después de pulverizar las listas de éxitos con The Life of a Showgirl, su duodécimo álbum de estudio lanzado en octubre del año pasado, la cantautora vuelve a ser noticia después de ser admitida en el Salón de la Fama de los Compositores de Estados Unidos. Con solo 36 años, la compositora de Blank Space se convertirá en la artista más joven en ser admitida para entrar en la organización. 

El Salón dio a conocer en un comunicado la lista de compositores que, como Swift, ingresarán en la entidad este año. En concreto, la ceremonia en la que serán reconocidos tendrá lugar en Nueva York el próximo 11 de junio. “La industria musical se basa en el increíble talento de los compositores que crean canciones inolvidables. Estos han impactado profundamente la vida de miles de millones de oyentes en todo el mundo, y es un privilegio para nosotros honrar sus contribuciones”, ha señalado Nile Rodgers, presidente de la organización.

Fundado en 1969, el Salón de la Fama de los Compositores nació con el objetivo de honrar a aquellos creadores cuya obra ha tenido un impacto duradero en la música, teniendo en cuenta la calidad de sus composiciones y no su fama como intérpretes. Entre los artistas que han sido admitidos a lo largo de la historia encontramos a Bob Dylan, Paul McCartney, Stevie Wonder o todos los miembros de Queen, entre otros.

Uno de los requisitos a la hora de que un artista sea reconocido en el Salón de la Fama tiene que ver con el tiempo: deben haber pasado al menos 20 años desde su primer lanzamiento comercial para que la organización tenga en cuenta al compositor. En el caso de Taylor Swift, su primera gran canción fue Tim McGraw, lanzada en 2006 como single de su álbum debut.

El catálogo de temas

Swift recibió el premio Hal David Starlight del Salón de la Fama de los Compositores en 2010, un galardón otorgado a compositores que demuestran ser una gran promesa en el mundo de la música. 16 años después, la intérprete entra por la puerta grande de la organización, siendo la más joven de sus compañeros reconocidos. La artista ha superado a Carole Bayer Sager, que ingresó con 43, y queda solo por detrás de Stevie Wonder, que fue admitido a los 32.

Algunas de las canciones clave del catálogo de la cantante que la organización ha tenido en cuenta para su reconocimiento han sido All Too Well (10 Minutes Version) (Taylor’s Version), Blank Space, Anti-Hero, Love Story y The Last Great American Dynasty, según recoge EFE en la nota de prensa sobre el nombramiento. Medios como Billboard aseguran que el Salón también pudo haber tenido en cuenta The Fate of Ophelia, la canción principal del último álbum de Swift que ha sido todo un éxito desde su lanzamiento.

Este año, la lista de nuevos compositores también incluye a los fundadores de Kiss, Gene Simmons y Paul Stanley; la referente del rock alternativo, Alanis Morissette; y el productor y rapero de R&B Tricky Stewart, autor de canciones famosísimas como Umbrella de Rihanna o Single Ladies de Beyoncé.

Pocas personas quedan en el mundo que no hayan escuchado The Fate of Ophelia. La canción de apertura de The Life of a Showgirl, el último disco de Taylor Swift, se ha convertido en el mayor hit de este final de año. Sin embargo, contra todo pronóstico para un tema en inglés, ha empezado a acumular más reproducciones en un país como Brasil que en Estados Unidos. Se trata de una hazaña que solo se explica, precisamente, debido al factor del idioma: numerosas versiones creadas con inteligencia artificial han versionado la canción en portugués y se han vuelto virales.

“No puedo creer que la IA sencillamente haya creado una de las mejores canciones que he escuchado en los últimos 10 años”. Así de tajante ha sido el usuario @Lucas11274 en los comentarios de una de las versiones de The Fate of Ophelia publicadas en YouTube, cuyo mensaje ha recibido más de mil likes. Este tema, publicado también en Spotify bajo el título de A Sina de Ofélia, y que imita las voces de las superestrellas brasileñas Luísa Sonza y Dilsinho, no acredita de momento a Taylor Swift, pero acumuló el 29 de diciembre hasta 433.000 reproducciones solo en Spotify Brasil.

No obstante, esa no es la única versión que está triunfando en la plataforma, pues otra grabación hecha con IA y titulada Todo Tempo Sozinha Nessa Torre acumuló ayer 393.000 escuchas en Spotify Brasil. Para ponerlo en perspectiva, la canción original sumó 512.000 reproducciones, lo que la llevó a alcanzar un total de 1,3 millones de escuchas solo ayer en Spotify Brasil si sumamos las 826.000 reproducciones de las versiones creadas por inteligencia artificial. Estas versiones se están empleando en aplicaciones como TikTok para acompañar vídeos que alientan al equipo de Brasil en el próximo Mundial de Fútbol.

En España, The Fate of Ophelia se convirtió en la primera canción de esta década íntegramente en inglés que alcanzaba la primera posición en el país, según se puede consultar en la base de datos de Promusicae. En EEUU, además, se ha mantenido en el número 1 durante ocho semanas y todo apunta a que seguirá en la cima. Sin embargo, en Brasil y Portugal ha sucedido algo diferente: en lugar de que la gente haya dejado de escuchar el tema original para escuchar las versiones creadas con IA, son estas versiones las que han ayudado a que aumenten las reproducciones de la original.

Es evidente que la nueva canción de Taylor Swift ya era un éxito antes de que las versiones brasileñas de IA se volvieran virales, pero es gracias a estas versiones que la canción ha resurgido en países de Latinoamérica. El equipo de Taylor Swift no se ha pronunciado sobre estas versiones brasileñas no oficiales, que solo pueden escucharse en Spotify o YouTube. En Apple Music no están disponibles, por lo que es la canción original la que encabeza la lista de éxitos de Apple Music Brasil. Lo mismo sucede en Apple Music Portugal, donde no hay rastro de A Sina de Ofélia mientras que esa versión ocupa la décima posición en la lista de éxitos de Spotify Portugal.

“La mujer simplemente le puso droga a la música; es completamente adictiva en cualquier idioma o género. Le será imposible detener los miles de millones de versiones que surgirán; esta es, por mucho, la mejor hasta la fecha”, ha comentado el usuario @patrickneves6346 bajo el tema A Sina de Ofélia publicado en YouTube. “La música es una mezcla de Carnaval y el final recuerda al Mundial. Dios mío, IA”, ha escrito @alinemarquitimachado.

Taylor Swift, en contra de la IA

La artista ya se posicionó en el pasado en contra de la inteligencia artificial. Lo hizo para apoyar la candidatura de Kamala Harris en las últimas elecciones presidenciales de Estados Unidos. “Recientemente me enteré de que una IA de 'mí' apoyando falsamente la candidatura presidencial de Donald Trump se publicó en su página web”, escribió Swift en Instagram en septiembre de 2024. “Esto ha despertado mis temores en torno a la IA y los peligros de difundir información errónea. Me llevó a la conclusión de que debo ser muy transparente sobre mis planes para estas elecciones como votante”, afirmó Swift, que agregó que “la forma más sencilla de combatir la información errónea es con la verdad”.

Otro caso de un tema creado por inteligencia artificial que se volvió viral es el de NostalgIA, canción publicada por Flow GPT en noviembre de 2023 en la que cantan las voces de Bad Bunny, Daddy Yankee y Justin Bieber simuladas con IA. Quien reaccionó negativamente fue Bad Bunny, que se pronunció en el canal de WhatsApp que tiene con sus seguidores: “Si a ustedes les gusta esa mierda de canción que está viral en TikTok, sálganse de este grupo ahora mismo. Ustedes no merecen ser mis amigos y por eso mismo hice el nuevo disco, para deshacerme de gente así. Así que fuera”.

Las versiones brasileñas de The Fate of Ophelia no son las únicas que están copando las plataformas de streaming. Recientemente, también se volvió viral The Funk of Ophelia, creada por DJ Nellin y lanzada de manera no oficial. El tema, publicado en Spotify, YouTube y Apple Music, ahora solo puede escucharse en Spotify y YouTube, y sí cuenta con Taylor Swift en los créditos, aunque eso no confirma que Swift haya aprobado el lanzamiento de esta versión.

“Están clonando mi música para conseguir reproducciones, ¡y estoy intentando solucionarlo!”, respondió DJ Nellin a un usuario en Instagram que le avisaba de que había varias versiones de su versión publicadas en internet. “Creo que esto solo pasa en Spotify; ¡YouTube Music todavía tiene mi versión original!”, añadió el músico. Entre los comentarios que recibió Nellin, uno afirmaba que “nunca había estado tan feliz por una canción funk”. El tema ya acumula 5 millones de reproducciones solo en Spotify, en tanto que The Fate of Ophelia ya supera los 760 millones de reproducciones en menos de tres meses.

Lo que sí parece evidente es que The Fate of Ophelia va a cerrar el año como uno de los grandes hits de 2025, y apunta a continuar siéndolo a lo largo de 2026. El tema, tal y como hiciera la compositora con su clásico country Love Story, da la vuelta a otra historia shakesperiana, Hamlet, para celebrar un destino diferente al que tuvo Ofelia en la obra. Su videoclip se estrenó en exclusiva en los cines de todo el planeta, logrando ser número 1 en la taquilla de España el viernes 3 de octubre.

La música tiene el poder de interpelarnos a cada uno de nosotros y recordarnos dónde estábamos en un momento determinado. Es por ello que, cada vez que pasa cierto tiempo, es un acto necesario mirar atrás y descubrirnos a través del arte. Lo hemos hecho recientemente con este 2025 que ya termina, repasando algunas de las obras clave que definirán esta época cuando nos acerquemos a ella desde el futuro, pero ahora retrocedemos todavía más y viajamos por los 25 discos imprescindibles del primer cuarto del siglo XXI. Entre sus autores, artistas que siguen revolucionando el ámbito nacional e internacional.

Pese a que el nuevo siglo empezó en el 2001, para esta clasificación se ha optado por incluir también el año 2000, puesto que no hacerlo desvirtuaría lo que la gente entiende por décadas. Es por ello que el disco Kid A de Radiohead se considera una obra de los 2000, mientras que otro como Folklore de Taylor Swift se considera uno de los primeros grandes lanzamientos de la década del 2020. Para la selección de los mejores discos del siglo se ha contado, además, con la participación de 91 expertos del panorama musical nacional, incluyendo desde redactores de medios especializados hasta locutores de cadenas de radio.

Cada uno de los participantes ha seleccionado diez álbumes sin clasificarlos entre sí. El sistema de votación se ha basado principalmente en el consenso, premiando así a los discos que han logrado poner de acuerdo a un mayor número de críticos. En caso de empate de votos, se ha tenido en cuenta el peso global del artista y la suma total de menciones de toda su discografía. No obstante, para favorecer la diversidad, si dos discos han tenido el mismo número de votos, pero uno de los dos artistas ya había aparecido antes en la lista, se ha puesto por encima el disco del otro artista.

25. Sufjan Stevens: ‘Illinois’ (2005)

Illinois es una de las joyas del pop indie. Supuestamente la segunda entrega de un proyecto para hacer un disco sobre cada uno de los 50 estados de Estados Unidos (que nunca acabó dándose), Illinois es uno de los grandes discos del siglo: utiliza coros, orquestas, banjos y electrónica para narrar historias que mezclan hechos históricos reales y figuras locales (como el asesino John Wayne Gacy o el poeta Carl Sandburg). Tras el lanzamiento de Greetings from Michigan (2003), Stevens explora la fe, la identidad nacional y el dolor a través de un álbum de temática geográfica.

24. PJ Harvey: ‘Stories from the City, Stories from the Sea’ (2000)

Si los discos anteriores de PJ Harvey pueden considerarse oscuros y rurales, Stories from the City, Stories from the Sea es brillante y urbano. Inspirado por una estancia de seis meses en Nueva York, la artista captura la energía de la gran ciudad, el amor y el deseo con un sonido de rock directo y pulido. Se trata de su obra más accesible y melódica, destacando el dúo con Thom Yorke en This Mess We're In. Fue el álbum que consolidó a Harvey como una figura imprescindible del rock británico.

23. Adele: ‘21’ (2011)

El disco de ruptura por excelencia de este siglo. Adele logró unir a amantes de diversos géneros como el pop o el soul en un trabajo que cuenta con toques country. Aun así, el verdadero motor de 21, así como la clave del éxito de Adele, reside en su impresionante interpretación vocal. Rolling in the Deep y Someone Like You volvieron a otorgar relevancia a las baladas, afianzándolas como unas de las más importantes de los últimos tiempos.

22. Green Day: ‘American Idiot’ (2004)

Rescatando su carrera del estancamiento, Green Day apostó todo a una ópera punk conceptual inspirada en Jesus Christ Superstar y The Wall. El álbum canalizó la frustración y el miedo de la sociedad estadounidense bajo la administración de Bush y la guerra de Irak. A través del personaje de 'Jesus of Suburbia', Billie Joe Armstrong narra una historia de alienación juvenil, drogas y desilusión política. Musicalmente ambicioso, incluye temas de hasta 9 minutos y baladas acústicas, demostrando que el punk podía evolucionar hacia estructuras más complejas o incluso teatrales sin perder su fuerza reivindicativa y característica.

21. Madonna: ‘Confessions on a Dance Floor’ (2005)

Tras el fracaso crítico del político American Life (2003), Madonna decidió volver a lo que mejor sabía hacer: hacernos bailar. Producido por Stuart Price, Confessions on a Dance Floor está mezclado como una sesión continua de DJ, diseñado para mantener la energía en la pista de principio a fin. Es un tributo elegante a la música disco de los 70 y al electropop de los 80, sostenido, sobre todo, por el masivo éxito de Hung Up, en el que samplea a ABBA. Madonna demostró con su noveno disco que la música de baile también podía ser sofisticada y adulta.

20. Wilco: ‘Yankee Hotel Foxtrot’ (2002)

La discográfica de Wilco rechazó Yankee Hotel Foxtrot por considerarlo no comercial, lo que motivó a la banda a publicarlo de forma gratuita en su web. Tal fue el éxito que consiguió el álbum que obligó a otra discográfica a comprarlo. El disco encapsula una transformación del country-rock. Las letras, escritas antes del 11S, resultaron proféticas (“Los edificios altos tiemblan. Se escapan voces cantando tristes, tristes canciones”), haciendo que el álbum se convirtiera en la banda sonora involuntaria de unos Estados Unidos traumatizados y confundidos.

19. La Oreja de Van Gogh: ‘Lo que te conté mientras te hacías la dormida’ (2003)

Lo que te conté mientras te hacías la dormida representa la cumbre comercial del pop español de principios de milenio. Es la obra definitiva de la etapa de La Oreja de Van Gogh con Amaia Montero, donde la banda donostiarra refuerza sus sonidos de pop-rock para triunfar con canciones como Rosas o Puedes contar conmigo, que trascendieron el estatus de hit y con el paso del tiempo han demostrado su atemporalidad tanto en el país como en Latinoamérica.

18. Taylor Swift: ‘Folklore’ (2020)

Publicado por sorpresa durante el confinamiento por COVID-19, folklore marcó un giro de 180 grados en la carrera de Taylor Swift. Alejada de los estadios y de la purpurina de su anterior trabajo, Lover (2019), la artista colaboró con Aaron Dessner de The National para crear un disco melancólico de indie-folk. Por primera vez, Swift dejó de lado la autobiografía que había caracterizado sus anteriores álbumes para escribir desde la perspectiva de personajes ficticios, creando un triángulo amoroso adolescente a través de las brillantes canciones Cardigan, August y Betty. Fue el disco que le otorgó credibilidad ante la crítica alternativa y demostró su versatilidad como compositora más allá del pop de radio y el country.

17. Lana Del Rey: ‘Norman Fucking Rockwell!’ (2019)

Después de nunca haber sido tomada demasiado en serio por la crítica, Lana Del Rey se ganó el perdón de la crítica con Norman Fucking Rockwell!. El disco, que relata la decadencia americana y pone el foco en el romance, es uno de los mejores trabajos de quien es considerada una de las artistas que más ha inspirado el pop de la última década. Producido principalmente por Jack Antonoff, el álbum se centra en pianos y guitarras suaves para dar lugar a una atmósfera acústica. Sus letras abordan la masculinidad tóxica y la pérdida de la inocencia, ambientando la obra en una California que arde tanto literal como metafóricamente.

16. Frank Ocean: ‘Blonde’ (2016)

El segundo álbum de estudio de Frank Ocean, Blonde, en ejercicio de vanguardia minimalista que redefinió el R&B. Publicado de forma independiente un día después de su álbum visual Endless (para liberarse de su contrato discográfico), se trata de un disco que utiliza guitarras procesadas y teclados ambientales para hablar sobre la dualidad, la memoria, la bisexualidad y la nostalgia de la juventud. Es un álbum que exige paciencia, lleno de cambios de estructura y colaboraciones sutiles como la de Beyoncé, Jonny Greenwood o André 3000.

15. Arcade Fire: ‘Funeral’ (2004)

El debut de Arcade Fire estuvo marcado por la tragedia. Durante la grabación de Funeral, varios miembros de la banda perdieron a familiares cercanos, lo que impregnó el disco de una temática sobre la muerte, el duelo y la necesidad de vínculos emocionales con otras personas. La banda rechazó el cinismo del indie de la época para abrazar instrumentos poco convencionales como acordeones, violines y zanfonas. Entre sus temas destaca Wake Up, que dio inicio al indie más exitoso de los 2000.

14. Rosalía: ‘Lux’ (2025)

Rosalía ha logrado con Lux en el panorama nacional algo que solo Taylor Swift consigue con todos sus discos en el ámbito internacional: convertir el lanzamiento de su nuevo álbum en todo un evento. Desde que presentara su último proyecto en Callao de Madrid hasta que salió al mercado en su totalidad dos semanas después, Rosalía acaparó todas las conversaciones con un trabajo que recorre la mística femenina y la espiritualidad. Distanciándose por completo del instrumental de Motomami (2022), y optando en ocasiones por rememorar El Mal Querer (2018), la intérprete catalana apuesta por un sonido orquestal que, con tan solo varios meses desde su lanzamiento, es considerado de lo mejor del siglo.

13. Kendrick Lamar: ‘To Pimp a Butterfly’ (2015)

To Pimp a Butterfly es una enciclopedia sónica de la música negra americana. Kendrick Lamar se alejó del sonido comercial para rendir homenaje al jazz, el funk o el soul, colaborando con músicos como Thundercat y Kamasi Washington. El álbum supone una reflexión profunda sobre la responsabilidad de la fama, la depresión y el racismo institucional en Estados Unidos. El viaje del artista a Sudáfrica inspiró gran parte de la temática, conectando la lucha afroamericana con sus raíces. El tema Alright se convirtió en una de las canciones de las protestas contra la brutalidad policial, otorgando al disco una relevancia social durante el movimiento Black Lives Matter.

12. Björk: ‘Vespertine’ (2001)

Tras la grandilocuencia de Homogenic (1997), Björk se replegó hacia el interior del hogar para crear una obra maestra de la intimidad. Vespertine es un disco invernal y frágil, construido a base de micro-beats creados con sonidos domésticos (barajas de cartas, pisadas en la nieve) gracias a la colaboración con el dúo Matmos. A esto se suman arreglos de arpa, cajas de música y coros angelicales. Temáticamente, el álbum narra el florecimiento de un nuevo amor y el despertar sexual y espiritual, logrando transmitir una sensación física de calidez y refugio. Es la cumbre de la electrónica emocional.

11. Arctic Monkeys: ‘AM’ (2013)

Con AM, los de Sheffield lograron lo que pocas bandas británicas consiguen: conquistar América sin renunciar a su identidad. Alex Turner combinó los riffs pesados del rock desértico, una influencia directa de su amistad con Josh Homme de Queens of the Stone Age, con la rítmica y el groove del hip-hop y el R&B contemporáneo. El resultado fue un sonido nocturno, sexy y engominado, perfecto para la radio pero con credibilidad dentro de la escena rock. Canciones como Do I Wanna Know? o la adaptación del poema I Wanna Be Yours de John Cooper Clarke mostraron a un Turner en la cima de su capacidad lírica e incluso performática.

10. Taylor Swift: ‘1989’ (2014)

Este clásico encapsula el momento exacto en el que Taylor Swift abandona sus raíces country para reclamar el trono del pop mundial. Titulado con su año de nacimiento, 1989 se inspira en el synth-pop de finales de los 80, buscando una sonoridad brillante, pulida y sintética. De la mano de los productores Max Martin y Shellback, y con las primeras andaduras de Jack Antonoff en la producción, Swift construyó una fortaleza de estribillos matemáticamente perfectos. El álbum destaca también por su inteligencia lírica: en temas como Blank Space, Swift satiriza la imagen misógina de “devoradora de hombres” que la prensa había construido sobre ella, tomando el control de su propia narrativa.

9. The Strokes: ‘Is This It’ (2001)

Publicado poco antes del 11S, lo que obligó a retirar el tema New York City Cops de la edición americana, este disco supuso un reinicio para el rock. En una época dominada por el metal agresivo y el pop, The Strokes ofreció media hora de elegancia, guitarras entrelazadas y voces filtradas que evocaban a The Velvet Underground. La producción de Gordon Raphael capturó la esencia de una banda tocando en un sótano sucio pero vistiendo ropa cara. Is This It no solo salvó el rock de guitarras, sino que definió la estética hipster de la década y abrió la puerta a cientos de bandas posteriores como Arctic Monkeys, The Killers o Franz Ferdinand.

8. Kanye West: ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ (2010)

Encerrado en Hawái, Kanye West organizó un campamento de rap con los mejores productores y artistas del mundo para crear una obra maximalista y barroca sobre los excesos de la fama, el ego y el sueño americano. La producción de My Beautiful Dark Twisted Fantasy es lujosa y está cargada de capas orquestales, coros y samples progresivos. En la lista de canciones figuran títulos como Runaway, que muestran a un artista diseccionando sus propios defectos con una ambición sónica que ha sido difícil volver a ver en el género.

7. David Bowie: ‘Blackstar’ (2016)

Grabado en secreto mientras Bowie luchaba contra un cáncer terminal que ocultó al público, Blackstar es un disco denso, enigmático y conmovedor que aborda la mortalidad y la espiritualidad. Bowie reclutó al cuarteto de jazz vanguardista de Donny McCaslin para crear una atmósfera opresiva y experimental que lo alejara más del rock. El artista falleció apenas dos días después del lanzamiento, lo que muchos hicieron ver el disco como un regalo de despedida. Lazarus, una de las canciones de este trabajo, hicieron de la escucha del disco una experiencia casi religiosa sobre cómo afrontar el final de la vida a través del arte.

6. Beyoncé: ‘Lemonade’ (2016)

Más allá de la música, Lemonade es una obra cultural y política. Beyoncé utilizó la infidelidad de su marido Jay-Z como hilo conductor para explorar el trauma generacional, la resiliencia y la complejidad de la mujer negra en Estados Unidos. El disco recorre las etapas del duelo, desde la intuición, la negación, la ira y la apatía hasta el vacío la esperanza y redención. Además, salta sin complejos entre géneros, apostando por el rock en Don't Hurt Yourself, por el country en Daddy Lessons, o por el R&B y el gospel. El disco captura el momento en el que Beyoncé se centró en la creación de una obra compleja, culminando con Formation un himno sobre la identidad racial y el orgullo sureño.

5. C. Tangana: ‘El Madrileño’ (2021)

Antón Álvarez, la persona que aguarda bajo el nombre artístico C. Tangana, redefinió la identidad del pop español moderno al mirar hacia el pasado y hacia Latinoamérica. El Madrileño es un proyecto que tiende puentes entre la tradición (copla, pasodoble, rumba) y la modernidad urbana. La lista de colaboradores va desde Toquinho, Eliades Ochoa, José Feliciano o Andrés Calamaro hasta figuras actuales como Omar Apollo. El disco huye del trap que hizo famoso a C. Tangana para buscar un sonido más atemporal, logrando que canciones como Tú me dejaste de querer se convirtieran instantáneamente en himnos intergeneracionales que suenan tanto en discotecas como en verbenas de pueblo.

4. Rosalía: ‘Motomami’ (2022)

Si El Mal Querer (2018) se basó en la estructura y la contención, Motomami representó el caos y la libertad absoluta. Rosalía rompió con las expectativas de quienes esperaban que continuara con el sonido flamenco para entregar un trabajo musicalmente agresivo y también minimalista. El disco oscila entre el reguetón experimental, el jazz, la balada al piano y la electrónica industrial. Las letras, por su parte, abordan la fama, el aislamiento (fue grabado en parte durante la pandemia en Estados Unidos) y la transformación personal. Aunque temas como Saoko o Hentai generaron polarización inicial, acabaron consolidando a Rosalía como una artista capaz de reformular cualquier género.

3. Radiohead: ‘Kid A’ (2000)

El mayor suicidio comercial de Radiohead se ha acabado convirtiendo en una de las obras musicales más importantes de la historia reciente. Abandonando el rock alternativo que tanto éxito le había dado y dando un cambio radical hacia los sonidos electrónicos, el grupo liderado por Thom Yorke huyó de estribillos convencionales en Kid A para capturar la ansiedad ante la llegada del nuevo milenio y la tendencia tecnológica cada vez más fuerte. Ninguna canción se envió a la radio, por lo que Radiohead rompió las normas de la industria al centrarse en la promoción en internet, pero temas como Everything in Its Right Place o How to Disappear Completely han llegado a ser clásicos en su discografía.

2. Amy Winehouse: ‘Back to Black’ (2006)

El segundo y último álbum de estudio de Amy Winehouse fue la obra maestra que definió el sonido retro-soul del siglo XXI. La artista británica se alejó del jazz de su debut, Frank (2003), para abrazar el sonido de los grupos femeninos de los años 60 como The Shangri-Las. El álbum destaca por su crudeza autobiográfica: la cantante narra una tormentosa relación y su descenso a los infiernos del alcohol y la depresión. Su legado abrió la puerta a artistas como Adele o Lana Del Rey, y canciones como Rehab se han convertido en himnos que inspiraron a las futuras generaciones.

1. Rosalía: ‘El Mal Querer’ (2018)

Por muchos discos que publique Rosalía, El Mal Querer siempre será el álbum al que regresemos para contar cómo esta artista catalana consiguió alzarse como una de las figuras clave de la música de este siglo. Su segundo trabajo discográfico no solo cambió las reglas del juego en la industria nacional, sino que la hizo reconocida en todo el mundo. El disco es una obra conceptual basada en la novela del siglo XIII Flamenca y, capítulo por capítulo, disecciona una relación tóxica, desde el enamoramiento (Malamente - Augurio) hasta la liberación (A ningún hombre - Poder). Musicalmente, junto al productor El Guincho, la intérprete mezcló la raíz flamenca y la vanguardia electrónica urbana para crear un nuevo lenguaje sonoro sin apenas instrumentos melódicos tradicionales.

Consulta las votaciones, experto a experto

Cuando pase el tiempo y miremos atrás, varios nombres ayudarán a comprender cómo era la escena musical de 2025. Uno de ellos es el de Taylor Swift, que ha logrado algo impensable en un momento en el que el streaming domina la industria y las ventas de discos en formato físico se creían muertas para siempre: su duodécimo disco, The Life of a Showgirl, vendió hasta cuatro millones de copias en su semana de lanzamiento solo en Estados Unidos, una cifra jamás alcanzada desde que en 1991 se empezaran a recopilar las ventas de música. De este desorbitado número, un millón de unidades corresponden a vinilos, el mayor debut de la era moderna.

La hazaña de Swift, la más sorprendente de un año en el que han sucedido muchas cosas, sabemos que es monumental porque la música no son solo discos, es una conversación. Y, a lo largo de este año, hemos conocido cómo el fin de la monocultura y la fragmentación ocasionada por los algoritmos ha dejado a la industria del entretenimiento con menos productos capaces de lograr la omnipresencia. No ha sido lo único: también hemos aprendido por qué comprar la camiseta de tus artistas favoritos puede ser “más rentable” para ellos que comprar su música, cómo hacer sold out ya no es suficiente y hay quien monta fiestas a 16 euros para escuchar en primicia su nuevo disco, o si medio millón por un concierto gratuito de Gloria Estefan es caro o barato.

Parece que 2026 será un año con menos citas en estadios, sobre todo después de las giras de Aitana o Lola Índigo este verano, que las hicieron en estos recintos a pesar de que afirmaban no ganar dinero con ellas. Pero, aunque no sea en estadios, la moda que sí parece haberse instaurado en 2025 es que, para disfrutar de conciertos el próximo año, primero tendrás que ser cliente de un banco para conseguir entradas. O, si lo que quieres es comprar el último disco del cantante del momento, hacerlo a través de una gran superficie porque no se está cuidado lo suficiente el pequeño comercio. Este año, además, muchos festivales han estado ante su edición más polémica por el fondo de inversión con intereses en Israel KKR... y la mayoría sigue sin incluir mujeres.

Los diez discos seleccionados como los mejores del año consiguen, de alguna manera, recoger parte de todas esas conversaciones y transmitir cómo es la música de hoy y hacia dónde apunta a dirigirse. En 2025 hemos descubierto que hay personas que no disfrutan escuchando canciones, pero, si eres de los que sí lo hacen, este es un variado repertorio ordenado alfabéticamente que invita a perderse y dejarse fascinar por algo que va más allá de cada uno de nosotros.

Amaia: ‘Si abro los ojos no es real’

Desde que saltara a la fama en Operación Triunfo 2017, Amaia ha ido construyendo la discografía más interesante de su generación. La artista apostó por un sonido no demasiado comercial en su debut Pero No Pasa Nada (2019), un trabajo de corte pop-rock en el que priorizaba la lírica y el intimismo a los hits de radio. Esas reglas, que no han dejado de estar presentes en su música, brillan como nunca en su tercer álbum de estudio. Todo es un acierto en Si abro los ojos no es real, un disco que viaja desde la niñez hasta la muerte con canciones como Auxiliar, un precioso tema escrito desde la perspectiva de su madre sobre pasar a la etapa adulta, o Despedida, en la que rinde homenaje a su abuela fallecida.

Bad Bunny: ‘Debí tirar más fotos’

Era la noche de Reyes en España cuando Bad Bunny sorprendió con el lanzamiento de Debí tirar más fotos, el primer disco importante del año. El rapero publicó un domingo por la tarde, sin apenas aviso, el que se acabaría convirtiendo en uno de los álbumes más reivindicativos y exitosos de 2025. El último proyecto del artista es una carta de amor a Puerto Rico y una contundente crítica al colonialismo y al clima político actual en Estados Unidos. Lo hace, además, rescatando los sonidos latinos más característicos de su país, que brillan a través de temas como Lo que le pasó a Hawaii, una canción que aborda la lucha por la preservación del entorno natural.

Bon Iver: ‘Sable, Fable’

Pese a que su música está cargada de melancolía, Bon Iver ha regresado a la industria, tras seis años desde su último trabajo, con un disco sobre renovación y sanación. Sable, Fable es un álbum que lleva al cantante a encontrar la luz tras muchas, muchas canciones oscuras, tirando de letras mucho más directas y, en ocasiones, incluso acompañadas por un toque soul que le queda de maravilla. El disco, con himnos del nivel de If Only I Could Wait junto a Danielle Haim, muestra a Bon Iver haciendo las paces con la depresión y yendo más allá del personaje despechado que ha protagonizado gran parte de su discografía. Esta vez, Bon Iver es feliz consigo mismo, y parece que también más feliz con aquello que escribe.

Guitarricadelafuente: ‘Spanish Leather’

Los acordes folclóricos de las canciones de Guitarricadelafuente siempre se han sentido como ir al campo y dejarse cautivar por la naturaleza. Pero, en esta ocasión, el artista se ha abierto a la gran ciudad y todo lo que eso conlleva: la libertad de quien cambia de entorno, el anhelo de las cosas que dejamos atrás, la búsqueda de un futuro soñado... Cualquiera que escuche Spanish Leather reconocerá al mismo intérprete que debutó con el exquisito disco La Cantera (2022), pero ahora todo es mucho más pulido. La producción destaca sin necesidad de querer abarcar demasiado, y las letras, igual de melancólicas, ahondan en el amor homosexual y el deseo carnal.

Haim: ‘I Quit’

Compuesto por 15 temas y alcanzando casi la hora de duración, las hermanas Haim cantan a la ruptura en su cuarto trabajo discográfico. Abrazando la ironía e incluso riéndose de la toxicidad de relaciones pasadas, Haim hace de I Quit un disco de afirmación personal en el que se valora el decir adiós como un acto de fortaleza. Las canciones quedan envueltas por un sonido rock ligero increíblemente pegadizo que no tiene mucho que envidiar a su anterior y también sobresaliente álbum, Women In Music Pt III (2020). Desde la carta de presentación Relationships hasta la ensoñación de Lucky stars o la más dolorosa Cry, todas las etapas del duelo se pasean por un disco que invita a bailar en todo momento.

Hayley Williams: ‘Ego Death At A Bachelorette Party’

Tocando temas como la pérdida de ambición y autoestima, Hayley Williams ha firmado uno de las obras más interesantes dentro de la escena alternativa. La cantante aprovecha su más reciente disco para criticar la hipocresía social y la cultura tóxica, especialmente en la industria musical, confrontando figuras como el cantante country Morgan Wallen y cuestionando normas impuestas como el silenciamiento. El proyecto expone la fragilidad del ego envuelto por una serie de géneros que van desde el rock hasta el pop o el folk. Entre las pistas más emblemáticas de Ego Death At A Bachelorette Party se encuentra Parachute, que resume la frustración de rendirse y enfrentarse a la falta de seguridad en una relación cercana.

Pulp: ‘More’

Pulp, el grupo que alcanzó el estrellato cantando los romances de la clase obrera, ha culminado con su regreso el retorno del britpop. La banda, que se alejó de la escena musical en 2002, ha vuelto con la publicación de su estupendísimo More, el que ha sido su primer álbum de contenido inédito en 24 años. Manteniendo la aguda observación política de la banda, el disco profundiza en la nostalgia, la madurez, el paso del tiempo y el consumismo, con letras que van desde el orgullo por sus raíces en Sheffield hasta la crítica a internet. Uno de los mejores ejemplos es The Hymn of the North, en el que el grupo aborda cómo ahora podemos comunicarnos con más personas que nunca, pero estamos más aislados del mundo real.

Rosalía: ‘Lux’

Rosalía ha logrado con Lux en el panorama nacional algo que solo Taylor Swift consigue con todos sus discos en el ámbito internacional: convertir el lanzamiento de su nuevo álbum en todo un evento. Desde que presentara su último proyecto en Callao de Madrid hasta que salió al mercado en su totalidad dos semanas después, Rosalía acaparó todas las conversaciones con un trabajo que recorre la mística femenina y la espiritualidad. Distanciándose por completo del instrumental de Motomami (2022), y optando en ocasiones por rememorar El Mal Querer (2018), la intérprete catalana apuesta por un sonido orquestal para arropar unos temas cantados en español, alemán o incluso ucraniano.

Sabrina Carpenter: ‘Man's Best Friend’

Tras cuatro discos en el mercado, es probable que Sabrina Carpenter no esperara esta década llegar a ser una de las estrellas del pop más importantes del mundo. Sin embargo, la publicación de Short n' Sweet (2024) no solo le adjudicó algunos de los mayores hits de los últimos años, sino que le ha brindado la confianza de satirizar como nadie las decepciones masculinas. La cantante no ha querido complacer a ningún hombre con Man's Best Friend, y eso la ha hecho lanzar su mejor trabajo hasta la fecha. Pese a que no cuenta con ningún éxito instantáneo del calibre de Espresso o Please, Please, Please, este nuevo álbum es todavía más divertido que su predecesor e irradia mayor autoafirmación de Carpenter como artista.

Taylor Swift: ‘The Life of a Showgirl’

Tras haberse convertido en la artista más importante de este siglo, y con un récord histórico de hasta cuatro victorias al Grammy a álbum del año, Taylor Swift ya no tiene nada que demostrar. Sea para bien o sea para mal, es un cumplido que el disco más comentado de 2025 sea el duodécimo trabajo de la trayectoria de alguien, y Swift es plenamente consciente de ello. Aun así, sus nuevas 12 canciones suponen un atractivo y mordaz viaje (que llegó a pasar hasta por los cines) a través del amor, la fama y la venganza. No es el mejor álbum de su discografía, que a estas alturas cuenta con clásicos muy difíciles de superar, pero The Life of a Showgirl sigue siendo mejor que lo que está haciendo el resto de la escena pop.

Si algo ha marcado la industria musical en los últimos años, eso ha sido The Eras Tour, la enorme gira de conciertos que Taylor Swift inició en marzo de 2023 y con la que recorrió 51 ciudades para ofrecer 149 conciertos. La gira, que tuvo parada en España con un par de conciertos en el Estadio Santiago Bernabéu de Madrid, es ya una de las más exitosas de la historia, pero a los fans les quedaba por conocer el “detrás de cámaras”. ¿Cómo se prepararon los conciertos de más de tres horas que la artista dio durante hora y media?

Las respuestas a esta pregunta empezaron a llegar el pasado viernes 12 de diciembre, cuando Disney+ estrenó los primeros dos episodios de The End of an Era. Este documental de un total de seis capítulos muestra por primera vez el proceso creativo, logístico y emocional detrás de la gira de conciertos que cambió para siempre la vida de Swift. El 19 de diciembre se estrenarán los dos siguientes, y la emisión acabará el 26 de diciembre, con el lanzamiento de los dos últimos episodios. 

La artista, que está en plena promoción del documental, participó la semana pasada en The Late Show With Stephen Colbert, el programa nocturno de entrevistas de la CBS presentado por el actor y comediante estadounidense. El presentador aprovechó la ocasión para preguntarle a Swift por las canciones favoritas de su catálogo. “Se lo ha preguntado también a Dolly Parton, Elton John, Paul Simon, Bruce Springsteen y muchos más”, compartió Colbert.

Su canción favorita dura diez minutos

Durante la entrevista, Taylor explicó que no tiene claro su ranking de favoritas. “¡Qué presión! Creo que necesito un poco de tiempo para apreciar mi trabajo de alguna manera, es algo que está cambiando constantemente y es un poco pronto”, comenzó diciendo. Pero luego fue directa a su número uno: “Creo que la número uno es All Too Well, la versión de diez minutos”.

La artista intentó llegar a alguna conclusión sobre su top 5 temas, sin mucho éxito. “Estoy totalmente obsesionada con The Life of a Showgirl, todo el álbum me parece increíble, pero no puedo elegir las otras. ¡Con una excepción! En algún lugar de la lista estaría Mirrorball, una canción del álbum Folklore. Una amiga me la envió el otro día y estuvo hablándome de ella, la escuché y… la añadiría”.

El éxito de Swift

A comienzos de noviembre, The Life of a Showgirl logró su cuarta semana consecutiva en el número uno del Billboard 200. Una de las canciones más populares del disco, The Fate of Ophelia, también registró cuatro semanas en el Hot 100 el mes pasado, lo que convirtió a Taylor Swift en la única artista que ha debutado en el número uno en ambas listas simultáneamente y mantuvo esas posiciones durante un mes seguido.

Su éxito en escuchas y reproducciones se ha trasladado, como era de esperar, en un aumento de su patrimonio. A finales de 2024, la cantante de Long Live se convirtió en la mujer más rica del mundo de la música tras el éxito de su gira Eras Tour, según informó entonces la revista Forbes. Un año antes, Pollstar informó de que su gira internacional de conciertos se había convertido en la primera en superar los mil millones de dólares de recaudación total.

El análisis ha revelado que un ataque coordinado en línea buscaba alinear a Taylor Swift y su último álbum, The Life of a Showgirl, con imágenes y valores nazis y de extrema derecha, a partir de cuentas que fingían ser críticas de izquierda y estaban diseñadas para generar indignación.

La plataforma de inteligencia conductual basada en IA Gudea elaboró un informe en el que se examinaron más de 24.000 publicaciones y 18.000 cuentas en 14 plataformas de redes sociales entre el 4 de octubre, día del lanzamiento del álbum, y el 18 de octubre. Estas publicaciones acusaban a Swift de incluir referencias encubiertas en sus letras y alegaban que un collar con forma de rayo de su línea de merchandising, una referencia a la canción Opalite del álbum, se parecía a la insignia de las SS.

El informe concluyó que el 3,77% de las cuentas generaron el 28% de las discusiones sobre Swift en ese periodo, principalmente teorías conspirativas que también hacían acusaciones sobre sus supuestos vínculos con el movimiento Maga y críticas que calificaban su compromiso con el jugador de fútbol americano Travis Kelce como “tradicional” o conservador. En un pico que se produjo entre el 6 y el 7 de octubre, el 35% de las publicaciones del conjunto de datos procedían de cuentas similares a bots.

Gudea afirmó que, aunque no descubrieron la identidad de los responsables, encontraron “una coincidencia significativa entre las cuentas que promovían la narrativa 'nazi' de Swift y las que participaban en una campaña artificial separada que atacaba a Blake Lively”, la actriz involucrada en una demanda por acoso sexual contra el actor y director Justin Baldoni, y que en su día fue amiga íntima de Swift.

Los datos, según Gudea, “revelan una red de amplificación entre eventos, que influye de manera desproporcionada en múltiples controversias protagonizadas por famosos e inyecta desinformación en conversaciones que, de otro modo, serían orgánicas”.

Las acusaciones sobre Swift se difundieron inicialmente en espacios online más especializados, como 4chan, y luego migraron a las principales aplicaciones de redes sociales, donde fueron difundidas involuntariamente por el público y los algoritmos.

“La falsa narrativa de que Taylor Swift utilizaba simbolismo nazi no se limitó a espacios conspirativos marginales, sino que logró atraer a usuarios típicos a comparaciones entre Swift y Kanye West”, escribieron los investigadores. “Esto demuestra cómo una falsedad sembrada estratégicamente puede convertirse en un discurso auténtico generalizado, remodelando la percepción pública incluso cuando la mayoría de los usuarios no creen en la afirmación original”.

Incluso conseguir que el público discrepara de las acusaciones supuso un éxito para los responsables del ataque, según declaró el fundador y director ejecutivo de Gudea, Keith Presley, a Rolling Stone. “Eso forma parte del objetivo de este tipo de narrativas, para quienquiera que las impulse. Especialmente con las más incendiarias, que serán recompensadas por el algoritmo. Verás cómo los influencers se lanzan primero, porque les va a reportar clics”.

No obstante, algunos críticos cuestionaron algunos de los valores que aparentemente se muestran en The Life of a Showgirl, señalando que la canción Cancelled! —en la que Swift da la bienvenida a los parias sociales a su mundo, tras haber sufrido ella misma una amplia reacción pública en 2015— podría ser cantada alegremente por cualquier mal actor que haya sufrido las consecuencias de un comportamiento dañino.

Este viernes se estrenan los dos primeros episodios de The End of an Era, una serie documental de seis capítulos de Disney+ que muestra el detrás de cámaras de la exitosa gira Eras de Swift, que se extendió desde la primavera de 2023 hasta diciembre de 2024.

Desde que Taylor Swift publicó el videoclip de The fate of Ophelia, una de las canciones más populares de su último álbum The life of a showgirl, ha pasado algo inaudito. Cientos de jóvenes están acudiendo en masa al Museo de Wiesbaden, en la ciudad del oeste de Alemania, para ver un cuadro del pintor alemán Friedrich Heyser que retrata a Ofelia, el personaje de Hamlet de Shakespeare.

Todo tiene una explicación. Al principio del vídeo musical, Swift aparece en lo que parece ser una recreación de esta pintura, con un vestido blanco flotando en un río entre flores, hasta que la pintura cobra vida y ella comienza a cantar. Los fans no tardaron en volverse locos: tenían que encontrar la obra pictórica en la que la intérprete de Opalite se había inspirado. Y así fue como llegaron hasta este museo alemán con más de 200 años de antigüedad.

“Estamos viviendo un auténtico éxito con las exposiciones sobre Ofelia y estamos bastante sorprendidos y contentos por ello”, compartió Susanne Hirschmann, portavoz del museo. Hirschmann calculó que 500 personas visitaron el museo el fin de semana después del lanzamiento del álbum específicamente para ver la pintura de Heyser, después de haber preguntado al personal del museo dónde podían encontrarla. 

Los encargados del centro están sorprendidos por el movimiento tan grande que ha generado la cantante con una canción. “Nos sorprendió mucho. No teníamos idea de que Taylor Swift elegiría esta pintura ni de lo que eso significaría. Los fans llegan desde Alemania, Francia e Inglaterra. Es un fenómeno grande”, señaló el director del museo, Andreas Henning. 

La respuesta del museo: un evento exclusivo

Tal ha sido el impacto, que el museo preparó un evento especial en torno al óleo sobre lienzo en el que el pintor trabajó alrededor de 1900. “Los swifties y amantes del arte podrán disfrutar de una breve visita guiada dedicada a la obra, que une la canción de Swift con la historia del personaje de Ofelia. Los visitantes que acudan al museo disfrazados como swifties o como la trágica Ofelia tendrán entrada gratuita”, anunció el museo en sus redes sociales.

Unas 200 personas participaron en el evento exclusivo que tuvo lugar el pasado 2 de noviembre en Wiesbaden. Después de que uno de los expertos del museo explicara las claves de la pintura, los fans pudieron bailar The fate of Ophelia frente al cuadro y hacerse algunas selfies.

No es el único museo del mundo que también está ganando visitantes gracias a la canción de la cantante de Pensilvania. La Tate Britain, la galería nacional de arte británico en Londres, también tiene su propia Ophelia. En este caso, el cuadro en el que se retrata al personaje femenino de Shakespeare es una obra realizada por el pintor inglés John Everett Millais en torno a 1852.

Taylor Swift anunció a principios de esta semana el estreno de The Eras Tour: The End of an Era, una docuserie de seis episodios que llegará a Disney+ el próximo 12 de diciembre y que permitirá por primera vez a sus fans ver cómo fue la vida de la artista durante los casi dos años que estuvo de gira alrededor del mundo.

Por las primeras imágenes compartidas en el tráiler oficial, se espera que los capítulos muestren cómo fue la preparación física y mental de la artista para enfrentar cada noche un concierto de 3 horas y media, su relación sentimental con su ahora prometido Travis Kelce, así como la gestión de sus colaboraciones en directo con compañeros de la industria como Gracie Abrams, Sabrina Carpenter, Ed Sheeran y Florence Welch.

Será el primer gran documental de la cantante en los últimos cinco años, ya que la última vez que pudimos conocer un poco más de su vida personal fue en 2020, con el estreno de Miss Americana. Esta producción de Netflix marcó un punto de inflexión entre sus fans, ya que pudieron conocer mucho mejor el lado más personal de una de las artistas más importantes de los últimos tiempos.

Sus confesiones más íntimas

En Miss Americana, Swift muestra su lado más vulnerable. Explica ante la cámara cómo, desde que apenas era una niña, ha intentado complacer y buscar aprobación constante tanto de la prensa como de la industria y el público. La cantante confesó entonces cómo esta necesidad la llevó a perder una parte de su identidad, asociando su valor como artista a la aceptación de los demás. 

El documental también sirvió para que la artista compartiera con su público los problemas de trastornos alimenticios que había sufrido a lo largo de los años. “Sentía que me iba a desmayar al final de cada concierto. Ahora me he dado cuenta de que si comes tienes energía, te haces más fuerte, puedes hacer todos estos conciertos y no te sientes mal”, confesó.

Además, la película abordó cuestiones más personales de la artista, como su relación sentimental con su entonces pareja, el actor británico Joe Alwyn. La intérprete de Shake It Off recuerda que, tras el escándalo público con Kanye West y Kim Kardashian, y el odio masivo en redes, decidió retirarse de la vida pública por un tiempo. Fue en ese momento en el que conoció a Alwyn. “Decidimos juntos que queríamos que nuestra relación fuera privada. Era felicidad sin la opinión de nadie más”, explicó.

Uno de los aspectos que más llamó la atención de Miss Americana fue el hecho de que Swift hablara tan abiertamente sobre su postura política. En la película, la cantante expresó su apoyo a la comunidad LGBTIQ+, así como a candidatos demócratas en Tennessee, a pesar de las advertencias de su equipo. “Debo estar en el lado correcto de la historia”, sentenció la compositora. Habrá que esperar hasta diciembre para saber si Swift vuelve a mojarse en temas políticos.

Cada novedad de Taylor Swift no pasa desapercibida, y tampoco lo ha sido el lanzamiento de su último disco, ‘The Life of a Showgirl’, que incluyó una experiencia en las salas de cine, y que ahora se une al anuncio de una serie documental que se podrá ver en Disney plus sobre su última gira ‘The Eras Tour’ que rompió récords en todo el mundo.

Como se esperaba ‘The Life of a Showgirl’ ha sido objeto de conversación en redes sociales, tanto por la crítica y valoración del mismo, como por los parecidos razonables que son habituales entre canciones pop nuevas y algunas ya publicadas, y con la palabra ‘plagio’ usándose cada vez que nos recuerda a un ritmo ya conocido.

En este sentido, algunas canciones de ‘The Life of a Showgirl’ se han relacionado con éxitos de anteriores décadas que van desde los Jackson Five, hasta los Jonas Brothers o incluso a hacer referencia directamente a uno de los primeros singles de Luis Miguel. Una de las sí conocidas es la que ha firmado en 'Father Figure' como una interpretación del mismo tema de George Michael.

De Luis Miguel a Jonas Brothers: los temas que suenan como canciones de ‘The Life of a Showgirl’ de Taylor Swift

Una de las que más parecidos razonables ha recopilado ha sido el tema ‘Opalite’, tercer track del disco, y que es también la más escuchada en plataformas tras el single ‘The Fate of Ophelia’, recordando en diferentes momentos a ‘Circles’ de Post Malone o de la conocida ‘Be My Baby’ de ‘The Ronettes’, grupo femenino de la década de los 60.

Pero ha sido la canción ‘1+1=2 enamorados’ de Luis Miguel la que ha suscitado más conversación, por su parecido en su base a pesar de la diferencia de años de publicación, siendo esta uno de los primeros éxitos del artista mexicano en 1982 cuando contaba con 12 años de edad.

Más allá del posible ‘plagio’ de Taylor Swift a Luis Miguel, que se queda en tan solo acusación en redes sociales, este no es el único al que se ha hecho referencia en redes sociales dentro de las canciones de ‘The Life of a Showgirl’, siendo el tema homónimo, cantado junto a Sabrina Carpenter, recibiendo el mismo trato por su parecido con ‘Cool’ de Jonas Brothers, este sí más reciente en el tiempo, de 2019.

Una canción, además, que también ha tenido otro tema al que tiene un parecido razonable como es ‘No air’, que fue una colaboración de la artista Jordin Sparks con Chris Brown que fue publicada en 2008, solo un año antes de ‘Where is my mind’ de Pixies, que se ha visto como “inspiración” para el track ‘Actually Romantic’.

El de Luis Miguel no es el único éxito de hace décadas que figura en posibles plagios de Taylor Swift en ‘The Life of a Showgirl’, pues ‘Wood’ se ha referido como muy similar en su melodía a ‘I want you back’, un clásico de los Jackson Five de 1969.

Taylor Swift ha escrito más de 220 canciones a lo largo de su trayectoria musical, según datos publicados por Spotify. Entre los temas encontramos algunos de los más escuchados de su discografía, como Cruel Summer, de su álbum Lover, que acumula 3.098.357.802 streams en la plataforma de música; o Anti-Hero, de su disco Midnights (2022), que cuenta con 1.909.467.614 escuchas.

Pero en esta lista también encontramos canciones en las que Swift ha participado como compositora aunque no sea su cantante principal. Desde que empezó en la industria, una de las cosas que más han valorado los fans de la intérprete de All Too Well ha sido precisamente su capacidad de composición, tanto de melodías como de letras. Así que no sorprende que, en todos estos años trabajando, Swift haya compuesto temas para otros artistas. Hoy recordamos algunos de los más míticos.

‘This Is What You Came For’, de Calvin Harris y Rihanna

En 2016, Rihanna lanzó esta colaboración con Calvin Harris. En aquel momento, Harris y Taylor Swift estaban saliendo y, nada más escuchar la canción, las swifties notaron una voz familiar en los coros de fondo. En los créditos de This Is What You Came For, aparecía el nombre de un compositor desconocido: Nils Sjöberg. Los fans de la artista estaban seguros de que este era un seudónimo de la compositora de Love Story y, con el tiempo, Harris confirmó que Swift había escrito y participado en los vocals de la canción.

Esto de usar seudónimos ha sido habitual en la historia de Swift. Por ejemplo, en folklore y evermore aparece el nombre de William Bowery en los créditos de composición de algunas canciones. Este es el seudónimo que decidió utilizar Joe Alwyn, la entonces pareja de la artista, para no desvelar su identidad.

‘You'll Always Find Your Way Back Home’, de Miley Cyrus

Esta es la última canción que Hannah Montana interpreta en la película que Disney estrenó en 2009 sobre este mítico personaje interpretado por Miley Cyrus. La canción reflexiona sobre la importancia de volver a casa después de conseguir el éxito y la fama en la industria de la música. Lo que muchos no saben es que este éxito country-pop fue escrito por la artista de The Life of a Showgirl. 

No es la única cosa que relaciona a Taylor con esta película: la cantante hizo un breve cameo en el largometraje, donde también pudo interpretar su canción Crazier. Esta participación en la industria de Disney fue clave para que la artista se diera a conocer en sus primeros años. 

‘Better Man’, de Little Big Town

Taylor Swift escribió esta canción originalmente para Red, el álbum que sacó en 2012. Sin embargo, acabó “regalando” esta canción a Little Big Town, una conocida banda de country de Estados Unidos. “Es una de las mejores compositoras de la historia”, compartió entonces Kimberly Schlapman, una de las integrantes del grupo.

La canción se convirtió en un éxito inmediato, encabezando las listas Hot Country Songs y Country Airplay, y llegando a ganar el Grammy a la Mejor interpretación de un grupo country. Casi diez años después, en 2021, Taylor incluyó esta canción en su regrabación de Red (Taylor’s Version). Fue la primera vez que pudimos escuchar su interpretación de Better Man sin la banda de country. 

Otras canciones

Swift también ha escrito otras canciones como Best Days of your Life, de Kellie Plicker; Beautiful Ghosts, que apareció en los créditos de la adaptación cinematográfica del musical Cats; Babe, del dúo estadounidense Sugarland; y Two Is Better Than One, del grupo de rock Boys Like Girls. Todas ellas permiten conocer mejor cómo funciona la composición de la intérprete de august. 

El mes de octubre ha comenzado con el lanzamiento de ‘The Life of a Showgirl’, el duodécimo disco de Taylor Swift, que se ha convertido en uno de los más escuchados al poco de ser estrenado y está llamado a ser uno de los que marquen la escena musical del último trimestre del año.

Los mensajes ocultos en las canciones sobre su vida, como suele acostumbrar Taylor Swift, o las referencias a William Shakespeare en el primer single del álbum, ‘The Fate of Ofelia’, son algunos de los detalles que deja ‘The Life of a Showgirl’.

Taylor Swift vuelve a producir con Max Martin y Shellback

Un disco en el que Taylor Swift ha vuelto a contar con la colaboración de Max Martin y Shellback como productores, algo que ya había hecho en anteriores trabajos como ‘Red’, ‘1989’ o ‘Reputation’, algunos de sus trabajos más pop, y que se esperaba tuviera algo más de este género en su 12º álbum.

Con Max Martin llegaron éxitos como ‘I Knew You Were Trouble’, ‘We Are Never Ever Getting Back Together’ o ‘Blank Space’ y su colaboración comenzaría cuando la cantante visitó con su gira ‘The Eras Tour’ la ciudad de Estocolmo, donde grabaría parte de este proyecto.

Artífice de números 1 de pop desde Britney Spears a The Weeknd

A pesar de que no todos conocen a Max Martin por nombre, es difícil no haber escuchado algunos de sus éxitos como compositor y productor, pues fue uno de los que puso banda sonora al pop adolescente de finales de los 90 y principios de los 2000 en Estados Unidos, así como se unió al pop y rock desde entonces hasta la actualidad.

Así tenemos que fue productor de los mayores éxitos de Backstreet Boys, Britney Spears o Kelly Clarkson con canciones que son iconos pop de la generación milenial como ‘Baby One More Time’ o ‘I want it that way’.

No solo eso, Max Martin también es el productor de éxitos más recientes como ‘We Can’t Be Friends’ de Ariana Grande, ‘My Universe’ de Coldplay con BTS o ‘Blinding Lights’ de The Weeknd, siendo de hecho el segundo compositor con más números uno en Billboard después de Paul McCartney con 27, superando por poco a John Lennon.

La lista completa de nº1 de Max Martin en Billboard

Días después del lanzamiento de The Life of a Showgirl, se sigue hablando del nuevo álbum de Taylor Swift. El disco producido junto a Max Martin y Shellback se convirtió el día de su lanzamiento en el más reproducido en un solo día en Spotify en lo que va de 2025. No es el único logro conseguido por la artista en los últimos días. La película promocional sobre el álbum lideró el pasado fin de semana la taquilla con 46 millones de dólares de recaudación a nivel mundial. 

Como ocurre siempre que lanza nueva música, los swifties (nombre que reciben sus fans) dedican sus primeras escuchas a analizar al detalle las letras de las canciones. Una de las que más está dando que hablar en este sentido es The Fate of Ophelia, la canción que abre el disco y que ha sido elegida como el primer single. También es la primera que tiene videoclip de esta nueva era musical.

El destino de Ofelia

En la canción, Taylor toma como punto de partida la trágica figura de Ofelia, personaje de Hamlet. En esta obra de William Shakespeare, Ofelia está enamorada de Hamlet, pero el amor no es recíproco. En un momento dado, Hamlet acaba con la vida de Polonio, el padre de la joven, lo que acaba desencadenando la locura en ella. Finalmente, Ofelia muere ahogada en un río, en lo que muchos interpretan como un suicidio.

Swift parte de esta historia para hablar de su relación sentimental con Travis Kelce, el jugador de fútbol americano con el que se ha comprometido. La canción incluye versos como “Y si nunca hubieras venido por mí / Tal vez me habría ahogado en la melancolía” o “Una noche oscura me sacaste de la tumba y / Salvaste mi corazón del destino de Ofelia”, referencias directas a este personaje de Shakespeare.

La artista utiliza a Ofelia como una metáfora en esta canción de amor, en la que describe cómo Kelce la salvó en un momento de máxima vulnerabilidad. En su álbum anterior, The Tortured Poets Department, Swift ya explicó lo mal que lo había pasado en sus anteriores relaciones amorosas. 

Cambiar el final trágico de Romeo y Julieta

No es la primera vez que la intérprete de Blank Space hace referencia a la literatura en su música. Tampoco es la primera vez que un personaje de Shakespeare se convierte en protagonista de una de sus canciones. Ya pasó en 2008, con el lanzamiento de Fearless, su segundo álbum de estudio. 

Este disco incluye Love Story, una de las canciones más populares de su discografía en el que Swift reescribe la historia de amor entre Romeo y Julieta. En el tema, los dos personajes de esta obra trágica no terminan como propuso el autor inglés, sino que tienen un final feliz. 

“Tengo fijación con los personajes de Shakespeare: me enamoro de ellos y no soporto verlos encontrarse con un final trágico. No quiero que eso les pase porque me gustan. Espera, ¿estás hablando de Ofelia? ¿Ella murió? ¿Qué quieres decir? Estaba realmente emocionada por ver qué pasaba con ella y Hamlet, parecían geniales. Es como cuando pienso en la canción Love Story, que escribí cuando era adolescente. Solo pensaba: no puedo ver cómo Romeo y Julieta no funcionan. ¿Qué quieres decir con que ambos mueren? En mi versión de las cosas, no mueren. Es como apagar la película antes del final triste”, ha señalado la cantante en una reciente entrevista para Hits Radio.