El guionista y director francocanadiense Denis Villeneuve, reconocido por filmes como Dune o Arrival, dirigirá la próxima película de James Bond, informó este miércoles Amazon MGM Studios. La película contará con la producción ejecutiva de Tanya Lapointe, quien trabajó junto a Villeneuve en las películas de la saga Dune, mientras que Amy Pascal y David Heyman serán productores.

El director, cuatro veces nominado al Óscar, expresó -en un comunicado- su emoción por formar parte de esta nueva etapa que comienza la franquicia sobre el agente ficticio del Servicio Secreto Británico al asegurar que para él es “territorio sagrado”.

“Soy un fanático incondicional de Bond. Para mí, es territorio sagrado. Pretendo honrar la tradición y abrir camino a muchas nuevas misiones futuras. Es una enorme responsabilidad, pero también increíblemente emocionante para mí y un gran honor”, se lee en el escrito divulgado por el estudio.

En 2022, Amazon adquirió MGM, que incluye un vasto catálogo de más de 4.000 películas entre las que se encontraban las películas del espía pero, de acuerdo con el medio especializado Variety, solo poseía el 50 % de la franquicia. En marzo de 2025, Amazon MGM Studios concretó una nueva empresa conjunta con Barbara Broccoli y Michael G. Wilson, cuyos términos estipulan que Amazon MGM Studios obtendrá el control creativo de los derechos de propiedad intelectual de James Bond.

Hasta el momento, sigue sin conocerse quién será el próximo actor en dar vida al icónico personaje creado por el británico Ian Fleming en la década los años cincuenta del siglo XX. El más reciente en interpretarlo fue Daniel Craig, cuya despedida llegó con la película No Time to Die (2021). Antes que él, figuras como Pierce Brosnan, Sean Connery y Roger Moore también encarnaron al legendario espía.

El estreno a la vez de Barbie y Oppenheimer dio lugar a un fenómeno en los cines de todo el mundo en julio de 2023 a un hecho que se denominó ‘Barbenheimer’ juntando los dos títulos. Todo un éxito de taquilla con una campaña de marketing que pasó de las redes sociales a ser oficial, y que quieren emular otras cintas esperadas.

En este caso, se podría volver a dar el 18 de diciembre de 2026 que es el día en el que van a coincidir dos de los estrenos más esperados por dos sagas muy diferentes entre sí, pero que podrían atraer miles de aficionados a las salas de cines justo en un período en el que comienza la taquilla de Navidad.

‘Dune 3’ y ‘Avengers: Doomsday’: el próximo Barbenheimer en diciembre de 2026

Hablamos de Dune 3 y de Avengers: Doomsday, ambas películas actualmente con una fecha de estreno que coincide el 18 de diciembre de 2023 después de que la esperada próxima cinta de los Vengadores fuera aplazada del 1 de mayo de 2026 hasta el mencionado día de finales del año, junto también el atraso de la siguiente del universo ‘Avengers’, Secret Wars, que pasaría del 7 de mayo de 2027 al 17 de diciembre de ese mismo período.

El anuncio de Marvel hizo que en redes sociales se comenzara a especular con el próximo fenómeno al estilo ‘Barbenheimer’ para el próximo 18 de diciembre de 2026, algo que ya se intentó replicar el pasado noviembre de 2024 con el estreno simultaneo de Wicked y Gladiator II.

El último anuncio de Marvel: los próximos proyectos

Junto a la confirmación de la nueva fecha de estreno de la próxima película de Los Vengadores, Marvel también reveló el reparto que formará parte de ella, con el regreso de actores emblemáticos de la franquicia como es el caso de Chris Hemsworth, Anthony Mackie, Sebastian Stan, Paul Rudd o Tom Hiddleston.

En ella también participarán los elencos de las películas destacadas de Marvel de este 2025 como son Thunderbolts* y Cuatro Fantásticos, que incluye nombres como Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn o Florence Pugh. Aunque el protagonismo lo robó la aparición de los clásicos X-Men de Fox: Patrick Stewart, Ian McKellen, James Marsden o Channing Tatum, entre otros.

Lo que se sabe de Dune 3: Mesías

Una de las sagas más exitosas del cine de ciencia ficción y fantasía ha sido la adaptación de Dune de Denis Villeuneuve, que se ha llevado varias nominaciones a los premios Oscar y que cuenta con grandes papeletas a acumular galardones en su tercera entrega, como sucedió en su día con El señor de los anillos, que recibió el reconocimiento con el final de la trilogía.

De momento, lo que se sabe de Dune 3 es que se espera que adapte la novela ‘El mesías de Dune’, la segunda de la saga literaria de Frank Herbert, que su estreno se espera para el mencionado 18 de diciembre de 2026 y que contará en su reparto con las estrellas de las anteriores películas como es el caso de Timothée Chalamet, Zendaya, Florence Pugh, Anya Taylor-Joy o Javier Bardem, aunque se esperan nuevos personajes, sobre los que no hay confirmaciones oficiales todavía.

Dune cada vez está más cerca de convertirse en una trilogía. La segunda entrega de la adaptación de las novelas de Frank Herbert ya dejaba bastante claro que su director, Denis Villeneuve, pensaba en seguir abordando el universo de Paul Atreides y compañía. La secuela deja muchas tramas por cerrar, o incluso recién abiertas, e incluso presenta a personajes fundamentales para el futuro de la saga, como el de Anya Taylor-Joy, a la que apenas se la ve en una visión del protagonista.

A esas intenciones se ha unido el éxito comercial de la película. Desde su estreno el pasado 15 de marzo la película lleva recaudados. más de 630 millones de dólares (250 millones en EEUU y el resto fuera), con opciones de superar los 700 millones en todo el mundo. Es, de momento, la película más taquillera a nivel internacional de 2024 y recupera con creces su abultado presupuesto de 190 millones. Un resultado que, además, deja claro que el interés por la saga ha ido en aumento, ya que mejora los datos de la primera parte, que en un escenario muy diferente (con la Covid todavía causando estragos) superó por poco los 400 millones.

Era cuestión de tiempo que se diera alguna pista sobre una tercera parte que Villeneuve ya había dicho que querría rodar. De momento ha sido una de las productoras implicadas, Legendary, la que ha anunciado que el cineasta se encuentro con ellos comenzando a trabajar en el desarrollo de esta continuación que, a priori, debería adaptar el libro Messiah, conocido en España como El mesías de Dune, y cuya acción tiene lugar doce años después de la victoria de Paul Atreides en la Batalla de Arrakeen y tras tomar el control del Imperio del millón de Mundos.

Legendary ha informado también que ha adquirido los derechos del libro Nuclear War: A Scenario, de Annie Jacobson y finalista al premio Pulitzer con la idea de que sea también Villeneuve quien dirija su adaptación. Un proyecto que se suma a una lista que cada vez tiene más títulos, ya que Villeneuve también pretende realizar su perseguida versión de Cleopatra y su versión de la novela de Arthur C. Clarke, Rendezvous with Rama. Habrá que ver cómo encaja todo en su agenda y a qué proyecto da prioridad para dirigir tras Dune 2, aunque el éxito del filme seguro que hace que Warner Bros quiera que trabaje cuanto antes en su tercera parte.

Hay que estar muy seguro de uno mismo para comenzar una película con una voz en off antes incluso del logotipo de la productora. Seguro de uno mismo y seguro de la frase en sí, que quedará como anticipo de lo que está por venir. A Denis Villeneuve le sobra seguridad. Se la ha ganado. Lleva décadas en esa línea en la que lo autoral y lo comercial se unen. Juega en la liga de Christopher Nolan, la de los blockbusters inteligentes. Lo que pasa es que esa línea es más fina de lo que parece, y caerse de ella es fácil. 

Que Dune: parte dos comience con una voz en off antes del logo de Warner es una declaración de intenciones. Lo que dicen esas intenciones es que estamos ante una película importante y que es (demasiado) consciente de esa importancia. La voz anuncia la sentencia más evidente del universo Dune: “Aquel que domina la especia, domina el mundo”. Una frase que funciona como presagio de lo que está por venir: Dune: parte dos es una película que se sabe buena, y que se cree que es más importante de lo que realmente es.

Hay en esta secuela mucha voz engolada, mucha autoconsciencia, demasiada ambición desbocada y mucha filosofía del tres al cuarto. Hay tanta que la duración de la película se alarga hasta las casi tres horas cuando realmente la trama en sí podría haberse reducido a una hora. Villeneuve retoma la historia donde dejó la primera parte, y cuenta en esta segunda parte el ascenso de Paul Atreides como el elegido y el dilema entre sus sentimientos hacia Chani y sus deberes como líder, pero realmente la ‘chicha’ ocurre entre medias de muchísimas escenas pretendidamente espectaculares donde uno ve el estilo visual del filme, el gran derroche de producción y lo bueno que es Villeneuve.

Entre tanta pretensión de epatar uno se cansa, y llega agotado al supuesto clímax final. La sensación es que todo se podía haber contado más rápido y mejor. La película sufre de constantes elipsis forzadas que uno no sabe si están buscadas para aparentar cierta complejidad narrativa o simplemente está mal contado. El problema es que los personajes saltan de un lugar a otro y pasan de actuar de una forma a la contraria. Eso sí, con mucha explosión, mucho desierto, mucho Hans Zimmer, mucho Timothée Chalamet con cara de mustio y mucha Zendaya con cara de enfadada.

En Dune: parte dos todo aparenta ser profundo, pero para demostrarlo se tiene que enunciar. Se dice en alto. Hay un momento en el que Paul Atreides mira al anillo que le dejó su padre. Un gesto suficiente para que entendamos lo que piensa en ese momento, pero Villeneuve, al guion junto a Jon Spaihts, cree que es mejor que el personaje lo diga, porque todo el mundo sabe que cuando uno está solo en un desierto perdido en los confines del universo le da por hablar en alto con el fantasma de su padre. 

Hay una escena en la que queda en evidencia esa autoconsciencia de la película y es en la presentación del personaje de Austin Butler, que recurre a un blanco y negro justificado de forma torticera, porque el blanco y negro es más autoral que los ocres del desierto. Butler, por cierto, es el que mejor parado sale del reparto principal junto a Rebecca Ferguson y un Javier Bardem que es el único que parece divertirse de todo el reparto. A Dune le falta humor, le falta ligereza. Precisamente lo que aporta Bardem. 

Los cacareados fichajes, menos el de Butler, se quedan en casi cameos, incluido el de una Florence Pugh a la que se usa para colar una voz en off que aparece y desaparece según el antojo de los guionistas, y el de Lea Seydoux, reducido a una escena a pesar de tener tres horas de metraje para darle algo más de desarrollo. También está la aparición sorpresa (ya no tanto porque se desveló en la primera alfombra roja y se ha contado en todos los medios) de Anya Taylor-Joy en un personaje que aquí aparece como otra voz en off, en esta ocasión la de un feto (sí, un feto que el espectador ve y que habla como si fuera una influencer de Instagram haciendo de poeta) y en persona un flash forward que anuncia una inminente tercera parte.

Sería injusto decir que Dune: parte dos es un descalabro. Ya quisieran para sí la mayoría de blockbusters la mitad de ideas que propone Villeneuve (aunque no todas le salgan), e incluso hay dramáticamente una propuesta interesante, la de la creación del líder y el uso de la fe y los fundamentalismos para convencer a la masa. El problema es que todo ello queda embarrado en una narración deslavazada que acaba haciéndose bola al espectador. Muchas veces lo profundo se confunde con lo oscuro y dramático, y no tiene que ver. La ligereza a veces ayuda, y aquí nadie parece saberlo.

Para terminar habría que recurrir, de nuevo, a Céline Sciamma. Hace unos meses la directora reflexionaba sobre la duración de las películas y aseguraba que aquellos que hacen películas de tres horas están haciendo activismo para si mismos, “no para el cine”. Solo un dato, la película de Villenueve dura 166 minutos. La reciente ganadora del Oso de Oro, la brillante Dahomey, 67 minutos. Hay más intención en la escasa hora del filme de Mati Diop que en este mamotreto espectacular pero sobredimensionado y agotador.

Todo indica que a finales de año se estrenará una de las películas de ciencia ficción más esperadas de todos los tiempos: 'Dune'. Se trata de una odisea galáctica basada en la novela de Frank Herbert y que ya tuvo otra adaptación al cine, desafortunada por cierto, a cargo de David Lynch.

Con todo, podemos arriesgarnos a escribir que la nueva adaptación por parte del director Denis Villeneuve no superará a esa otra que jamás llegó a rodarse: me refiero a la adaptación de Alejandro Jodorowsky, en la que el psicomago estuvo trabajando durante un lustro, desde que entró en contacto con el productor francés Michel Seydoux en 1974.

Hace unos años se rodó un documental sobre el tema donde el psicomago cuenta la peripecia de tan ambicioso proyecto. Para esbozar la adaptación cinematográfica de la novela, Jodorowsky echó mano de Moebius, el dibujante de cómic, y juntos prepararon un guión gráfico que se visualiza como si se tratase de la mejor película de ciencia ficción jamás rodada.

Para llevarla a cabo, Jodorowsky contó con Orson Welles, con Salvador Dalí y con Mick Jagger como actores. Pero lo que hoy nos trae aquí es su banda sonora, la música que nunca llegó a sonar y cuyo impulso acústico es posible imaginarse. Cuenta Jodorowsky que le seducía la idea de tener al grupo Pink Floyd para hacer el tema central de la película. Sus atmósferas musicales, así como la expansión armónica que rayaba en lo psicodélico, hacían de Pink Floyd el grupo ideal para llevar a cabo el reto. Por entonces, Pink Floyd andaban por los míticos estudios londinenses de Abbey Road dando los últimos retoques a lo que iba a ser el álbum: “The Dark Side of the Moon”, un disco conceptual inspirado en su lunático miembro, Syd Barret, que estaba ya fuera del grupo debido a su deterioro cognitivo.

En uno de los descansos de la grabación, los Pink Floyd salieron a cenar a una hamburguesería y fue allí, en mitad de la cena, donde Jodorowsky los agasajó con sus palabras. En un principio se miraron los unos a los otros con la bola de comida en la boca; Roger Waters aguantaba la risa mientras David Gilmour y Nick Mason intentaban pasar la hamburguesa por la garganta con unos tragos de Coca-Cola. El teclista Rick Wright parecía ser el único que atendía a aquel intruso que les presentaba con energía su proyecto cinematográfico. Poco a poco, los demás miembros del grupo fueron contagiados por el entusiasmo de Jodorowsky y, al final, terminaron por hacerle un sitio en la mesa y aceptando su loca propuesta.

Pero aquí no acabó el asunto, la banda sonora no se limitó a Pink Floyd, también había otra banda en la mente de Jodorowsky, no tan conocida como la banda británica, pero no por ello menos original. Se trataba del grupo Magma, una banda de rock progresivo creadora de un estilo propio que se denominó “zeuhl” y donde se combinaba el gospel con Stravinsky y las improvisaciones del free jazz. Para entendernos, una música cercana a la que por aquellos días hacía Frank Zappa pero con tintes góticos. En realidad “zeuhl” significa “celestial” en lenguaje “kobaïano”, un idioma creado por Christian Vander, fundador del grupo; un tipo excéntrico al que Chet Baker, amigo de su madre, le regaló su primera batería.

Como curiosidad hay que apuntar que en los principios de este grupo militó el violinista Didier Lockwood, heredero de Grapelli y de Jean-Luc Ponty. Por decir no quede que Lockwood ha grabado con artistas de la talla de Phillip Catherine o Christian Escoudé, guitarristas de la escuela gitana de Django Reindhart. Pero para quien no conozca a Lockwood, lo mejor es que escuche el disco que grabó junto a Carles Benavent y Joan Albert Amargos titulado Colors, donde pone a llorar su violín antes de que el quejío de Parrita rompa el espacio sonoro.

Colors es uno de los mejores discos de fusión de todos los tiempos, una música tocada con elegancia y con un resultado contundente. En este disco podemos encontrar otro tema con tinte flamenco que se titula 'Medias sevillanas' y que son –tal y como su título indica– medias sevillanas. Si las escuchamos con atención, nos podemos imaginar cómo hubiesen sonado dichas sevillanas de haber estado completas, de la misma manera que es posible imaginar cómo hubiese sido la novela Dune llevada a la gran pantalla por Jodorowsky. Sin duda alguna, hubiese sido la mejor película de ciencia ficción de todos los tiempos.

“Todos esos momentos se perderán en el tiempo... como lágrimas en la lluvia”, decía el replicante Roy Batty en uno de los soliloquios más recordados de la historia del cine. Sin embargo, al contrario de lo que se podría pensar, aquel epílogo no estuvo calculado al milímetro. Todo lo contrario. Su actor decidió que era buen momento para improvisar unas líneas de poesía y culminar la escena con una paloma blanca a la que la lluvia casi ni dejó volar. No importan los años que pasen: las curiosidades y el misterio tras Blade Runner continúa más presente que nunca.

Precisamente por ello, Movistar ha decidido crear el documental Blade Runner: Mundos Replicantes que se emite este lunes a las 11 de la noche y en el que diferentes expertos en la materia como Nacho Vigalondo, cineasta y especialista en Philip K. Dick; Ramón López de Mántaras, director del CSIC (Consejo Superior de Investigaciones Científicas); Sara Pérez Barreiro, arquitecta y profesora; e Irene Lozano, filósofa, entre otros, reflexionan sobre las dos películas de este universo distópico.

“Ridley Scott es un director muy intenso, y esta película fue la vía perfecta para expandir sus emociones a través de la gran pantalla”, afirma Ángel Sala, director del Festival de Cine de Sitges, durante el preestreno de un documental en el que también interviene. Comienza señalando cómo la obra que hoy consideramos de culto en realidad nació en una época equivocada. 1982 era el año del optimismo, de la era Ronald Reagan y grandes éxitos como E.T. Por ello, tampoco triunfaron otras películas hoy convertidas en clásicos, como Halloween de Carpenter.

Además de los comentarios de Ángel Sala, el público presente en la premiere también pudo escuchar a Charles de Lauzirika, productor de la versión de Blade Runner Final Cut y autor de Días Peligrosos, un making of sobre el primer largometraje. “Tuvo una producción desastrosa”, apunta el experto antes de dar más detalles de la misma. Gran parte de estos problemas fueron derivados de la forma de dirigir de Scott, el cual estaba tan centrado en crear el mundo distópico, en la iluminación y en la atmósfera, que desconectó de la dirección de los actores para centrarse en otros parámetros fundamentales para la historia.

Las otras dificultades estuvieron relacionadas con la incapacidad de Ridley Scott para adaptarse al modo de trabajo norteamericano. Era su primera película en dicha industria, y el inglés no dudó a la hora de criticar en los medios las “faltas de respeto” de su equipo (que no le llamaba “sí, gobernador”) y que se resistían a largas jornadas laborales. Como consecuencia, los técnicos imprimieron camisetas con el eslogan “Sí, gobernador, mis cojones”. Scott tampoco se quedó atrás y también creó su propio atuendo personalizado para acudir a los rodajes: “La xenofobia apesta”, se podía leer en la suya.

Como menciona el director de Sitges, reflejo de la tortuosa producción es el perfeccionismo de Ridley Scott para elegir elementos tan simples como el atrezo de cada escena. De hecho, en la primera de todas, aparece Deckard haciendo el test Voight-Kampff a un replicante y, al fondo, se aprecia un termo de café. Lo que era un objeto secundario, se convirtió en una pesadilla para el equipo de escenografía. “Al final optaron por comprar 100 sillas, 100 termos o 100 pantalones para que Scott decidiera según su criterio”, explica el cineasta.

Ningún elemento del largometraje resulta gratuito, sin importar que este salga en primer plano o en un fondo borroso. “Al final se creó un clima donde todo el mundo empezó a intentar dar lo mejor de sí mismo por una sencilla razón: pensaban que el director estaba completamente loco”, destaca Sala.

Esto es algo también se puede apreciar en los decorados de esa gran ciudad retrofuturista, los cuales estaban cargados de detalles y referencias al expresionismo alemán de obras como Metrópolis (1927). Pero no es la única. “El edificio de la empresa donde trabaja Deckard está inspirado en las pirámides mayas, como si fuera una especie de creencia en el más allá”, observa Sara Pérez Barreiro en una entrevista del documental.

¿Una secuela a la altura?

La segunda parte de Blade Runner tampoco queda exenta de críticas. No obstante, Ángel Sala cree que Denis Villeneuve es el director perfecto para esta secuela: “Está a medio camino entre las referencias al cine clásico y la innovación necesaria para no repetir lo mismo”. El foco de atención también se sitúa sobre Ryan Gosling como sustituto de Harrison Ford, como un nuevo agente que al final persigue lo mismo: comprender una identidad que no tiene clara. “Su papel en Drive, con esa cara petrificada, fue una de las principales razones para su elección”, considera el director de Sitges.

Respecto a la banda sonora, Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch fueron los encargados de reemplazar a Vangelis de la cinta original. Mantuvieron cosas, como los sintetizadores y algún que otro acorde al final de la película, pero por lo general es una música mucho más cruda, propia de un mundo más avanzado que ha ido a peor. “Como si fueran las trompetas del apocalipsis”, opina Sala.

Asimismo, aunque existen los efectos digitales, Villeneuve decidió no abusar de las pantallas verdes. Al igual que la película original, optó por dar importancia a los decorados y a trucos mecánicos. Como apunta Charles de Lauzirika, este es fan de imagen real, y así lo demuestran los fragmentos de Blade Runner 2049 en los que se ven imágenes de favelas procedentes de su anterior filme, Sicario.

El alma tras la máquina

“Los replicantes se crean como pollos, y los científicos tienen capacidad para hacerlo, solo la ética lo impide”, afirma Harrison Ford en una parte de Blade Runner: Mundos Replicantes. No obstante, la experta en robótica Concepción A. Monje aparece poco después para hablar desde un punto de vista más científico y menos sentimental: “Para avanzar tampoco hay que destruir todo esto, porque significaría que no hay avance”. A pesar de la que la ciencia ficción tiene como constante mostrar situaciones donde los robots se rebelan contra sus creadores, al igual que ya ocurría con Frankenstein, la realidad todavía está lejos de esta distopía.

Por su parte, Ramón López de Mántaras señala que el debate tras la ética robótica pertenece más al campo de la filosofía que al de la ciencia. ¿Qué nos hace humanos? Como explica Irene Lozano, ser consciente de la muerte es un paso fundamental para empezar a compartir las mismas pasiones y temores que los seres orgánicos. Precisamente, esa es la razón por la que Roy Batty mata a su creador: buscaba prolongar su vida más allá de los cuatro años para los que estaba programado. Aún queda camino por recorrer hasta que aparezca un Hal 9000, pero mientras llega tenemos otra incógnita por resolver: ¿es Deckard un replicante?

Elige un recuerdo, pasea por él. Bucea dentro de sus  límites e intenta encontrar la verdad que se ha ido difuminando con el paso de los años, a lo mejor confundiéndose con otros momentos. Quizás enredándose con alguna anécdota ajena o un disparate imaginado para llenar lagunas mentales. Puede que nuestra memoria construya nuestra historia y pronuncie nuestra identidad. Así lo creía, al menos, la replicante Rachel (Sean Young), la mujer idealizada, la ‘femme fatale’ de 'Blade Runner' (Ridley Scott), quien descubrió que sus recuerdos no le pertenecían. Se los habían implantado para darle humanidad, y aquello la sumió en una tristeza de la que le resultaba difícil  escapar.

La memoria, una vez más, sus confusas fronteras y los recuerdos que configuran una especie de destino vital vuelven a ser la piedra filosofal sobre la que gira 'Blade Runner 2049'.  “Lo que me enamoró del proyecto, mi aportación, se refiere a la idea de memoria ¿Son nuestros recuerdos los que nos hacen humanos?”, se pregunta el cineasta canadiense Denis Villeneuve. Y desde esa esfera existencial parte su visión del filme para  tomar un rumbo extraordinariamente audaz, libre, sin perder el horizonte del mito que supo arraigar en el imaginario de los espectadores de la primera parte.

'Blade Runner 2049' vuelve a hablar del Hombre, de aquello que le define y de su desconcierto vital, una desazón  que se propaga como un virus de manera democrática en la piel sintética de un replicante (un espejo) o en cualquier tipo de carne y hueso.

En esta ocasión, Villeneuve, de la mano de sus guionistas, Hampton Fancher y Michael Green cifran además el misterio de la película en un par de buenas búsquedas (continúa el homenaje al cine negro). Por un lado, la que realiza el blade runner K (Ryan Gosling) siguiéndole la pista al héroe de antaño, Rick Deckard (fantástico Harrison Ford) con el fin de aclarar un secreto que podría destruir la civilización imperante; pero también la oscura y obsesiva que emprende el magnate y villano Neander Wallace (Jared Leto), empeñado en encontrar la perfección suprema en una ‘raza de replicantes’ que él mismo fabrica. Replicantes insuperables que encarnarán el próximo salto evolutivo después del hombre. Un paso transgresor hacia la inmortalidad.

Una experiencia sensorial fascinante

'Blade Runner 2019' vuelve a ser una experiencia sensorial fascinante, apasionadamente barroca. Construida sobre imágenes doradas (la fotografía de Roger Deakins es asombrosa) y con una banda sonora sobrecogedora (firmada por Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch), el futuro imaginado por Villeneuve es un universo de dimensiones insondables. La pirámide de oro y agua, el plano aéreo de los cultivos concéntricos o la tormenta roja de arena, que deja entrever las monumentales y derrotadas figuras humanas en Las Vegas son auténticas joyas visuales.

Sin embargo, 2049 no es exactamente la Tierra Prometida que muchos espectadores esperaban. Algo chirría ante el majestuoso espectáculo y en la cautivadora historia de  la secuela. Puede que sean los sentimientos. Las emociones que explican el comportamiento de los personajes son difusas. No hay momentos de especial intensidad en las relaciones  que surgen entre personajes, como esa historia de amor – cómplice que podrían haber vivido K y su bello juguete virtual, Joi (Ana de Armas). O aquellos instantes dramáticos donde asistimos a una revelación vital que se zanja con una interpretación, seamos sinceros, un tanto pobre. Ryan Gosling es un actor lleno de talento, pero que no termina de encontrarle el pulso a su atormentado replicante.

Y luego está la melancolía que recorre cada instante del metraje y que es el ADN de 'Blade Runner'. No se respira del mismo modo en 2049. Podemos racionalizarla, comprenderla, compartirla, incluso admirarla… pero no llega a calar con la emoción brutal de aquellas ‘lágrimas en la lluvia’ de Rutger Hauer. No se pueden comparar dos obras maestras y ponerlas a competir. Estamos de acuerdo. Pero somos humanos y no podemos sobreponernos a ciertos recuerdos.

La influencia de Blade Runner en la ciencia ficción moderna es ineludible: su sombra se proyecta a través de la mirada futurista no solo en lo estético, también en lo narrativo de formas tan variopintas que cuesta imaginar. Desde su primer y célebre plano, el ojo que observa al espectador mostrándole qué significa ser testigo de un mundo atroz, el cine no ha vuelto a ser lo mismo.

Tampoco el espectador, que de 1982 hasta hoy, ha visto arder muchas naves más allá de Orión. Blade Runner es relevante por razones distintas en cada cinéfilo, ya fuere por su planteamiento existencialista, embate en torno a la creación y los falsos dioses. O por su discurso sobre la esclavitud moderna, sino de la discusión entre inteligencia artificial y humano. O por su influencia, cuyas huellas se pueden rastrear a largo de décadas en films como Desafío Total -la de Verhoeven, no la de Wiseman-, Minority Report e Inteligencia Artificial de Spielberg, Akira de Otomo, Ghost in the Shell de Oshii... La lista es interminable.

Así las cosas, era de esperar que hiciese lo que hiciese Denis Villeneuve con Blade Runner 2049, una parte de los espectadores de la original se sentiría decepcionada. Lo cierto es que esta secuela no proyectará la sombra que hizo la original, pues su eco es menor en muchos sentidos. No es la obra maestra que muchos esperaban, otra oportunidad perdida contra la nostalgia cinematográfica, que busca en el pasado su visión de futuro. Pero es, en cambio, una de las mejores películas de ciencia ficción que ha tenido a bien proyectarse en nuestros cines al menos, en los últimos diez años. ¿Por qué?

Por un futuro posthumano

La ciudad de Los Ángeles del año 2049 aún se está recuperando de una revolución, el ‘apagón’ que nos narra el cortometraje animado de Shinichiro Watanabe, que significó el alzamiento de los replicantes Nexus 8, herederos de los que conocimos en Blade Runner. Esta rebelión espartaquista también supuso, no obstante, el derrumbe de la magna Tyrell Corporation, la compañía que los fabricaba.

De las cenizas de aquello nació un nuevo conglomerado industrial capitaneado por Niander Wallace, interpretado por Jared Leto, que ahora controla no solo la fabricación de nuevos replicantes, también la alimentación de las grandes urbes en sentido literal, controla la agricultura, y figurado, es su mayor proveedor de entretenimiento gracias a la realidad virtual.

En este contexto, un policía llamado K, Ryan Gosling, descubre un secreto que podría significar la definitiva expansión del dominio de Wallace, y a su vez la condena definitiva de la supremacía humana sobre la máquina.

Blade Runner 2049 amplía el universo, como buena secuela, en torno a los nuevos retos que el paso del tiempo ha impuesto al mundo imaginado por Philip K. Dick. En él, una raza replicante vive oprimida y perseguida por los mismos motivos que llevaban a Harrison Ford a “retirar chatarra”. solo que en esta ocasión, lo apuntado antes es ya una realidad: los replicantes son indistinguibles de los humanos en lo físico -todos sangran igual-, pero también en lo emocional.

De hecho, esta vez no hay dudas sobre si nuestro protagonista es un replicante o no: K es uno de ellos y vive enamorado de Joi, una inteligencia artificial sin cuerpo a la que solo puede ver mediante realidad virtual. En este sentido, Blade Runner 2049 es aún más ciberpunk que la original pues investiga, a través de la mirada de su protagonista, los sentimientos de un replicante que tiene miedo a perder lo que ama. Sin medias tintas y posicionando al espectador en unos de los dos bandos de la contienda natural-artificial.

Decía Bruce Sterling, uno de los padres del ciberpunk literario, que “todo lo que se le puede hacer a una rata, se le puede hacer a un hombre. Y podemos hacer casi cualquier cosa a las ratas. Es duro pensar esto, pero es la verdad. Y no cambiará con taparnos los ojos. Esto es ciberpunk”.

Ryan Gosling es una rata en el film de Denis Villeneuve, replicante que debe tomar el testigo de Roy Batty, eterno Rutger Hauer, para demostrar que es más humano que los humanos. En una sociedad en la que los de su especie siguen siendo la mano de obra esclava y despreciada -el propio K sufre bullying en su vecindario y trabajo-, tendrá la responsabilidad de evolucionar, averiguando qué le hace sentirse vivo. Debe despertar su conciencia de clase, un debate apasionante que Villeneuve plantea en términos exquisitamente expuestos.

Adiós neo-noir, hola espectáculo

En el camino de este despertar, desgraciadamente, se hacen sacrificios. “No se puede hacer una tortilla sin romper algunos nuevos”, que diría en Chuck Palahniuk. Denis Villeneuve plantea un Blade Runner 2049 más cerca de su cine, que de los referentes que hicieron grande a la película de Ridley Scott.

En aquella, la presencia neo-noir envolvía el reflejo decadente de la Metrópolis de Fritz Lang mezclada con el Alphaville de Godard, para dar como resultado algo distinto. El policía duro, la muchacha frágil, el malvado asesino, el jefe gordo, tabaco, whisky y bajeza moral venía aderezado con robots, naves espaciales y ciberpunk. El ambiente criminal era esencial en su historia. Sin embargo, Denis Villeneuve plantea su última película como un alejamiento consciente a este tipo de mecánicas... han pasado a mejor vida.

Pero la tortilla resultante, cabe decir, es seguramente el film de ciencia ficción más bello de la década. Su puesta en escena resulta absolutamente abrumadora y la cantidad de ideas visuales que arroja cada minuto, son difícilmente asimilables en el contexto en el que juega.

Blade Runner 2049 ofrece un desfile de poemas visuales que se queda grabado en la retina. “La imagen en movimiento puede fundirse (y confundirse) con una idea, ser una idea en sí misma o tener vida más allá de las intenciones del cineasta”, apuntaba con absoluta precisión la crítica cinematográfica Desireé de Fez. Todo, da como resultado un acabado formal al que se le puede achacar no tener un andamiaje narrativo a la altura.

Preguntas, respuestas y el futuro de la ciencia ficción

Denis Villeneuve, decíamos, se siente más cómodo en el thriller procedimental. Ahora seguimos a un personaje que no caza replicantes, sino que busca respuestas en base pistas que le llevarán a resolver un caso que -sorpresa-, desvela algo sobre sí mismo.

Blade Runner 2049 está más cerca de Prisioneros que de la película original. Y, por desgracia, también más cerca de los agujeros de guion de Sicario que del discurso evocador y críptico de la película de Scott.

Extasiado por ofrecer imágenes significantes, villeneuve se olvida de su significado. Y por el camino comete un error que su antecesor estuvo lejos de consumar: obviar la inteligencia del espectador y repetirle lo que debería saber. Migas de pan para llegar a una casa de la bruja con flashbacks innecesarios y subrayados de guión -malditas voces en off-, que poco aportan al conjunto.

Todo ello, contribuye a leer una metamorfosis clara de la ciencia ficción contemporánea. Blade Runner planteaba preguntas, hacía reflexionar sobre cuestiones más propias del existencialismo que del cine espectáculo. Blade Runner 2049 plantea respuestas, discurso claro y concluyente que no va dirigido a hacer imaginar al espectador, sino narrarle una bella fábula.

Por fin sabemos que un replicante puede ser humano. Que los dioses solo quieren un mundo entero que lleve su firma. Que el pasado es solo una construcción imaginaria. Hemos cambiado las preguntas por respuestas. Parece ser que le toca a nuestra generación, decidir qué tipo de ciencia ficción queremos.

Es el punto álgido de Blade Runner, la escena más icónica y posiblemente uno de los diálogos más bonitos que se han escrito nunca en el género de la ciencia ficción. La música de Vangelis en una azotea iluminada por neones, entre la niebla y la más que probable lluvia tóxica: Rick Deckard escucha atónito el soliloquio del replicante con el que peleaba a muerte y acaba de salvarle la vida. El agonizante Roy Batty pronuncia aquello de “yo he visto cosas que vosotros no creeríais”. El robot, el perfecto Nexus 6, asume su mortalidad después de su búsqueda desesperada por contestar a las grandes incógnitas de la naturaleza humana. Batty mata a su mismísimo creador para darse de bruces con la realidad. La máquina “más humana que los humanos” como prometía el lema de la Tyrell Corporation. Tras entender quién es y de dónde viene, acepta que después de la muerte “todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia”. Una figura mucho más poética para expresar el concepto de ‘vacío' que se le ocurrió al propio Rutger Hauer. El actor no se limitó a firmar una actuación perfecta como replicante en pleno descubrimiento de las emociones humanas, también dejó unas cuantas cuestiones existenciales.

Ya que no todos tenemos tan a mano a nuestro creador como Batty -para pedirle cuentas sobre nuestro lugar en el mundo-, mejor ceñirse a lo estrictamente cinematográfico. Sobre el futuro de la historia saldremos pronto de dudas -hoy mismo- con el estreno de Blade Runner 2049. Solo ha habido que esperar treinta y cinco años extradiegéticos y treinta dentro de la trama para saber qué fue de Deckard y de su amor replicante. Correremos un tupido velo sobre el final feliz de la película estrenada en 1982, compuesto con planos sobrantes que le prestó Kubrick a Ridley Scott, y sobre las siete versiones que han llegado a ver la luz desde entonces. Lo lógico parece tomar como punto de partida el montaje final de 2007 donde Scott dejó la gran pregunta más en el aire que nunca con la escena onírica de Deckard y el unicornio. Replicante o no, esas respuestas ahora están en manos de Denis Villeneuve. El canadiense ya ha demostrado tener pulso de sobra para la ciencia ficción con La llegada.

Las raíces de una película mítica

Las raíces de una película míticaPara indagar sobre los orígenes de Blade Runner solo hay que pensar en el presente del propio Villeneuve, el último director en atreverse a poner sus manos sobre Dune, la novela escrita por Frank Herbert en 1966 que obsesionó a personalidades tan variopintas como Alejandro Jodorowsky, David Lynch y, como no, a Ridley Scott. Un proyecto maldito que solo Lynch ha conseguido finalizar pero que aún así ha sido el germen de gran parte del cine de ciencia ficción de las últimas décadas. El recomendable documental Jodorowsky's Dune descubre todos los entresijos de la superproducción de ciencia ficción que en 1975 preparaba el director chileno para la que pretendía contar con las colaboraciones de Salvador Dalí, Pink Floyd y Orson Wells, entre otros.

Jodorowsky se estrelló con su propia ambición y su mejor herencia fueron todas las ilustraciones y storyboards del dibujante francés Moebius, los efectos especiales de Dan O’Bannon y los diseños de H.R. Giger. Este mismo equipo artístico comenzó a trabajar con Ridley Scott; juntos crearon el mito de Alien en 1979 gracias al espeluznante diseño del monstruo de H. R. Giger y poco después se atrevieron sin éxito a retomar el proyecto de Dune.Dune Ridley Scott salió escaldado pero se había forjado un nombre gracias a la ciencia ficción y acabó en sus manos el guión de la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, adaptada finalmente como Blade Runner.

Como el director británico ha reconocido abiertamente, ante las dudas creativas a la hora de plasmar el ambiente futurista y decadente de esta versión distópica de Los Ángeles, recurrió a referentes como Metrópolis de Fritz Lang, Alphaville de Godard, los dibujos de Enki Bilal y especialmente al cómic The Long Tomorrow, dibujado por Moebius y con guión de O’Bannon, que se había publicado años antes en la revista francesa Métal Hurlant y que posteriormente Scott descubrió en la versión norteamericana Heavy Metal. La cuadratura del círculo del cine de ciencia ficción. Una carambola que unió el talento de artistas de diferentes ámbitos para dar una base estética y temática a las películas de este género que estaban por llegar a la gran pantalla.

Las herederas del mito

Con todo esto y a pesar del dinero invertido, Blade Runner fue un fracaso en taquilla y pasó con discreción ante la crítica. El tiempo la ha tratado bien y esta cinta, con más espíritu de cine negro y policíaco que de ciencia ficción, se ha convertido en un film de culto. Las referencias son constantes. En Brazil, Terry Gilliam pinta con mucho más humor una sociedad igual de tecnologizada y asfixiante que la de Blade Runner y también tiranizada, al estilo Orwell en 1984. La visión tremendista de un futuro ciberpunk e irrespirableciberpunk, con la saga de Mad Max como máximo exponente, o un mundo donde las máquinas aplastan a su creador como en Terminator, Matrix, Ex Machina o, anteriormente, HAL en 2001, Odisea en el espacio.

El imaginario de contaminadas megalópolis, rascacielos, coches voladores y otros grandes avances científicos está en todos lados: El quinto elemento; Regreso al Futuro; Desafío total; Screamers; Minority Report; Yo, robot; Prometheus… Temas tan actuales como el ecologismo, la incomunicación o la tecnología que invade nuestro día a día aparecen incluso en la romanticona Her de Spike Jonze y en las series que han tomado el relevo, con Blackmirror profundizando en el conflicto entre el ser humano y la tecnología, o Westworld intentando responder a las grandes dudas sobre la robótica que ya inquietaban a Isaac Asimov: ¿Qué nos hace humanos? ¿Qué emociones nos diferencian de una copia perfecta? Preguntas quizás sin respuesta, como descifrar si acaso Deckard es más humano que Batty. Es el mismo androide quien se lo escupe a la cara a Harrison Ford tras descubrir a su novia asesinada a manos del blade runner: “¿No se supone que tú deberías ser el bueno?”. Qué demonios, ya que lo anda buscando, que se lo pregunte Ryan Gosling.

Blade Runner 2049, la segunda entrega de la popular distopía basada en el libro de Philip K. Dick, llegará a los cines el próximo 6 de octubre. La secuela se ambienta, como su propio nombre indica, en el año 2049. Es decir, 30 años después de la historia contada en el largometraje original dirigido por Ridley Scott. Por ello, sus productores han sacado el primero de tres cortos que intentan aclarar qué ha ocurrido durante todo ese tiempo.

Aunque la siguiente película de la saga estará dirigida por Denis Villeneuve, también responsable de La llegada o Prisioneros, este fragmento explicativo recae en las manos de Luke Scott. No es la primera vez que el hijo de Ridley Scott se encarga de preparar el terreno para la continuación de una de las obras anteriormente dirigidas por su padre. De hecho, Alien: Covenant también contó con un prólogo que se preocupaba de conectar con los acontecimientos de Prometheus.

El cortometraje llamado Nexus Dawn se ambienta en el año 2036, a medio camino entre la primera y la segunda película. En él vemos a Jared Leto bajo la piel de Niander Wallace, quien revela la existencia de unos replicantes todavía más perfeccionados que los antiguos Nexus 6. De esta manera, debido a la casi completa similitud entre humano y máquina, será incluso más complicado diferenciar entre ambos. La prueba Voight-Kampff, anteriormente empleada por Deckard para medir la empatía y detectar a los androides, quizá no sea suficiente.

En esta ocasión, Blade Runner 2049 relata la historia de un nuevo oficial del departamento de policía de Los Ángeles interpretado por Ryan Gosling. Tras descubrir un secreto que podría llevar la sociedad posapocalíptica al caos definitivo, deciden salir en la búsqueda del desaparecido Deckard, de nuevo encarnado por Harrison Ford.

Las aventuras del detective Deckard todavía generan muchas incógnitas que podrían ser reveladas en la próxima película. La principal de todas, y que todavía no encuentra una clara respuesta, es si el protagonista de la historia es un humano o un androide. Aunque Ridley Scott declaró que efectivamente se trataba de lo segundo, Villeneuve sigue sin posicionarse ante el que se ha convertido en uno de los mayores secretos del cine de ciencia ficción. Habrá que esperar hasta octubre para comprobar si, de una vez por todas, se resuelve el rompecabezas.

Suele ser lugar común recurrir a Dangerous Days, el magno documental de Charles de Lauzirika sobre el rodaje de Blade Runner, para explicar la trascendencia ineludible de la película de Ridley Scott. No es baladí, pues se trata de un film de más de tres horas y media que narra minuciosamente cómo Blade Runner surge del conflicto para revelarse como un milagro.

El rodaje de la película original fue un auténtico calvario en el que hubo desde boicots contra el director hasta supuestas maldiciones por un product placement retrofuturista, pasando por un guion reescrito diez veces, y por un director absolutamente obsesionado con acariciar el particular universo de Philip K. Dick, padre del relato en el que se basaba. El resultado, defendido en más de una ocasión por el propio autor de ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, es una de las obras más impactantes y perturbadoras de la historia del género, ahí ahí con el 2001: Odisea en el espacio de Kubrick o la Metrópolis de Fritz Lang. Una obra capital para entender el cine moderno de la que ya se han vertido ríos de tinta, que no son la cuestión fundamental de este texto.

La llegada del primer tráiler internacional de Blade Runner 2049, secuela de la película estrenada hace 35 años y que aterrizará en las pantallas en octubre, viene a confirmar que el proceso de producción de este largometraje ha sido radicalmente distinto al de su precursor. Para empezar, nace en plena revalorización artística de las dos décadas anteriores al nuevo milenio. Y además, viene envuelta en un halo de prestigio y calidad del que aquella estaba lejos de gozar. Sin conflicto, ni el ambiente turbio que rodeó a la original, y enfrentándose a una audiencia de unos estándares visuales y narrativos absolutamente distintos a los de la película de Ridley Scott.¿Podemos esperar que nazca el mismo milagro? Hay indicios de que, al menos, podemos tener fe.

Replicantes de ayer y hoy

Todos, o casi todos, los actores implicados en Blade Runner obtuvieron el estatus de 'icono' a medida que el filme creaba escuela en sentido estético, formal e implícito. La eterna Rachael interpretada por Sean Young fue, y sigue siendo, un repentino resurgir atemporal de un modelo estético marcado por la femme fatale del cine negro. Cuando esa figura ya se encontraba en franca decadencia en la cultura pop, ella sola encarnó un personaje que captaba toda la esencia del estereotipo y profundizaba en él hasta cotas aún hoy estudiadas.

Le dio la contra una muñeca rota llamada Pris, modelo de replicante interpretado por una espeluznante y brillante Daryl Hannah. Y qué decir de Rutger Hauer, cuya encarnación de Roy Batty sigue siendo hoy motivo de discusión. A todos ellos, les seguían la pista Harrison Ford y Edward James Olmos, un actor de una presencia incontestable.

De todo el plantel, estos dos últimos son los únicos que repiten en la secuela. Del segundo sabemos poco, pero del primero no sorprende su deriva. Desde que retomase en 2008 su papel de Indiana Jones en la denostada El reino de la calavera de cristal, Harrison Ford parece ser la melancolía de la industria hecha actor. Tras su Han Solo viejo y cansado de El despertar de la fuerza, el Rick Deckard de Blade Runner 2049 apunta en la misma dirección: un arquetipo crepuscular que ejerce de mentor de alguien que heredará su testigo.

El reparto de Blade Runner 2049 nos hace pensar en un director de casting fanático del proceso de selección de la original, pues muchos de sus roles parecen repetidos, y la mayoría de los perfiles de sus profesionales tienen su reflejo en la actualidad.

El heredero de lo que era Ford en la original -la gran estrella del plantel- se llama Ryan Gosling, e interpreta al Agente K, un Blade Runner que busca respuestas en lo que parece ser una reintepretación incómoda y hierática de su papel en Solo Dios perdona. Le acompañan la siempre impecable Robin Wright, Dave Bautista, Ana de Armas y Jared Leto. Todos parecen encarnar nuevas piezas de un viejo tablero: la jefe de policía, el replicante de inusitado poder, la replicante de carga sexual y el Creador. Este último, además, ciego. Como si el dramático final de su arquetipo en la película de 1982 aún tuviese ecos en la que nos ocupa.

Un creador detrás de todo

El creador de esta maquinaria de expectativas- puede que hype sería un término demasiado joven para lo que despierta el tráiler-, no está tan ciego como Leto, por suerte para todos. Denis Villeneuve será el principal responsable de que Blade Runner 2049 salga más o menos airosa del peso que recae sobre sus hombros. ¿Por qué? Porque hoy es uno de los directores mejor valorados del panorama internacional, merecidamente.

El realizador canadiense no llega a esta superproducción con las manos vacías. Hace escasos meses pasaba por nuestras pantallas otra película de ciencia ficción con su firma: La llegada. Un film excelente que se cuenta, no solo entre lo mejor del año, sino también entre lo más destacable del género en los últimos años. Una reflexión sobre el poder del lenguaje, -el verbal pero también el cinematográfico-, tocado por una íntima y poderosa idea de la herencia.

Amén de que este film ya se presentaba como el colofón momentáneo de una carrera más o menos ascendente. Incendies era un melodrama sólido pero eficaz, Enemy un hábil trampantojo, Sicario una potente máquina sensorial y Prisioneros una obra maestra, simple y llanamente.

Además, cuenta con la ayuda de quien escribiese el guion de la original, Hampton Fancher, la música del talentoso Jóhann Jóhannsson y el director de fotografía de películas como Cadena Perpetua, No es país para viejos o Fargo; Roger Deakins.

Philip K. Dick, decía que la verdadera medida de un hombre es “lo rápido que puede responder a las necesidades de los demás”. Denis Villeneuve tiene todas las miradas puestas en él y parece que va a tener que atender a más necesidades de las que el escritor californiano habría imaginado jamás. Si dará la talla, es un misterio cuya respuesta podríamos confiar en que nos la diese el talento cinematográfico que destilan todos sus trabajos anteriores. Aunque de cielos más altos han caído meteoritos.

La filosofía del cazador y la presa

Blade Runner nunca fue solo una película de un hombre disparando contra personas que parecían humanas. En cierto sentido, lo que hace grandes a las grandes películas de ciencia ficción es su utilización de la especulación como poder de reflexión sobre realidades que tienen más que ver con el aquí y el ahora que con cualquier futuro. El abordaje de las grandes dudas epistemológicas se agazapa en cada clásico.

Lo cierto es que la literatura de Philip K. Dick ya lo hacía. Él “dejó claro que la literatura de ciencia-ficción no es solo anticipación de lo material sino la corroboracion de que la esencia humana va a ser igual hoy, aquí, en una dimensión alternativa o en el fin literal de los tiempos”, decía John Tones en un artículo sobre su literatura.

La supervivencia de la esclavitud disfrazada, el peligro de tener un creador y no un padre o la búsqueda de lo que nos hace realmente humanos son solo algunos de los temas de su armazón simbólico.

Por lo que sabemos, parece que Blade Runner 2049 no se quedará en el ejercicio estético de quitarle el polvo a viejos mitos, como hizo la séptima entrega de la saga Star Wars. Sus adelantos apuntan a un producto con distintas miras. Imágenes que recuerdan a la Guerra Fría, desolados paisajes de un pasado que podría ser el nuestro, ojos que batallan con recuerdos, lucha de clases, explotados, explotadores y matones a sueldo… “El mundo gira en torno a un muro que separa clases. Di que no existe ese muro, y la querra está garantizada”, nos dice la voz a una de Robin Wright. La suerte está echada.

Este mes ya llegan algunos de los títulos más importantes de la temporada. El Silencio de Martin Scorsese o la flamante La La Land de Damien Chazelle darán que hablar en las próximas semanas y serán, entre otros, los encargados de dar por inaugurado el calendario cinematográfico del año.

A ellas les seguirá un año movido por lo significativo de algunos regresos y la importancia de ciertos blockbusters. Vuelven Christopher Nolan y Denis Villeneuve pero también Michael Haneke. Wonder Woman se la juega con el peso de una responsabilidad casi histórica dentro del género superheroico, y los reboots de La Momia y Spider-Man pretenden renovar algo que el espectador tiene más que reciente.

Repasamos los títulos más esperados de un año que parece apuntar moderadamente alto en sus objetivos: nos enfrentaremos a un 2017 con apuestas de cierto riesgo para las majors, de continuismo de sagas que ya se sabe que van a funcionar y de títulos pequeños que vienen a dar el contrapunto de un arte en conflicto permanente entre autoría e industria. Allá vamos: estas son algunas de las películas a las que hay que seguir la pista en el año que acabamos de empezar a andar.

Dunkerque

Dunkerque¿Quién? Christopher Nolan vuelve del espacio tras la monumental Interstellar y lo acompañan algunos sospechosos habituales de su cine como Tom Hardy o Cillian Murphy.

¿Por qué? Porque Nolan lleva años ofreciendo la que se podría definir como una buena combinación de autoría y voz propia con grandes presupuestos hollywoodienses y ver lo que puede hacer con la Segunda Guerra Mundial es harto interesante.

¿Cuándo? 21 de julio en cines españoles.

Blade Runner 2049

Blade Runner 2049¿Quién? Denis Villeneuve, realizador canadiense de probado talento, toma el relevo de Ridley Scott 35 años después del estreno de Blade Runner. Protagonizan Ryan Gosling y Harrison Ford. Escriben el guión el responsable de la adaptación original (Hampton Fancher) a cuatro manos con Michael Green curtido en series como Smallville y Héroes.

¿Por qué? La original es un hito de la historia del cine, así que su secuela se enfrenta a los fans de aquella y a la nueva sensibilidad de un mundo mucho menos impresionable que el de principios de los ochenta.

¿Cuándo? 6 de octubre en cines españoles.

Alien: Covenant

Alien: Covenant¿Quién? Ridley Scott vuelve al universo de Alien después de la compleja y polémica Prometheus. Desde entonces el realizador nos ha dado una de cal y una de arena con El consejero, Marte y Exodus: Dioses y reyes.

¿Por qué? El tráiler anticipa un retorno al terror cósmico de interiores que era el gen de la producción del 79. Podríamos estar delante de la película que resucite la calidad de la saga, obviando las divagaciones filosóficas.

¿Cuándo? 11 de agosto en los cines españoles.

Guardianes de la galaxia Vol. 2

Guardianes de la galaxia Vol. 2¿Quién? Repiten la jugada James Gunn detrás de las cámaras y el reparto original, delante.

¿Por qué? Después de haber conseguido en la primera parte de esta aventura galáctica una mezcla de acción, simpatía y ritmo encomiables, Guardianes de la galaxia pretende volver al escapismo cool que la hizo grande. Y también está el tema de Baby Groot, claro.

¿Cuándo? 28 de abril en cines españoles.

Lion

Lion¿Quién?

Con la serie británica Top of the Lake, Garth Davis se puso en el punto de mira de la industria de la gran pantalla. Ahora da el salto con Dev Patel, Nicole Kidman, Rooney Mara.

¿Por qué? Arrastra tirón en los premios norteamericanos tras ser nominada en los Globos de Oro y en los Critics Choice Awards y triunfar en el Festival de Toronto. Puede ser una de las sorpresas indies de la temporada.

¿Cuándo? 27 de enero en cines españoles.

Manchester frente al mar

Manchester frente al mar¿Quién? Con dos películas poco sonoras en su haber, parece que Kenneth Lonergan ha dado en el clavo con este drama familiar. Protagonizan Casey Affleck, Michelle Williams y la joven promesa Lucas Hedges.

¿Por qué? Igual que Lion, lleva unos meses sonando en premios y círculos especializados. Pisa fuerte para los Globos de Oro y puede ser uno de los dramas más conseguidos que veremos en tiempo.

¿Cuándo? 3 de febrero en cines españoles.

Moonlight

Moonlight¿Quién? Tras años de ganarse el pan en el mundo del cortometraje, Barry Jenkins vuelve al largo con una película llena de actores desconocidos exceptuando a Mahershala Ali.

¿Por qué? El cóctel de drama criminal y homosexualidad propuesto no para de ganar adeptos. El agregador de ratings Cinesift dice que sumando las notas del tomatómetro, IMDB y Letterboxd, Moonlight es la mejor película del año pasado.

¿Cuándo? 10 de febrero en cines españoles.

Jackie

Jackie¿Quién? Pablo Larraín ha encadenado proyectos de calidad como No, El Club o Neruda. Protagoniza Natalie Portman que suena a Oscar.

¿Por qué? Al margen de lo que nos pueda interesar un biopic sobre la exprimera dama estadounidense Jacqueline Kennedy, quienes la han visto coinciden en que Portman ofrece una actuación de altura. Además de que Larraín es uno de los realizadores con más personalidad del momento.

¿Cuándo? 17 de febrero en cines españoles.

Trainspotting 2

Trainspotting 2¿Quién? El director, el guionista y todo el reparto de Trainspotting vuelven tres décadas después de convertir su trabajo en un objeto de culto generacional.

¿Por qué? Porno, la novela de Irvine Welsh que adapta esta película, actualizará su discurso sobre la inmadurez en pleno auge comercial de la nostalgia e inmersos en una sociedad digital. Habrá que comprobar si su ácida mirada sigue funcionando.

¿Cuándo? 3 de marzo en cines españoles.

El guardián invisible

El guardián invisible¿Quién? El fenómeno editorial español más relevante de los últimos años llegará a los cines adaptado por Fernando González Molina y protagonizado por Marta Etura.

¿Por qué? Cierto es que su director es también el responsable de Tengo ganas de ti, pero la novela de Dolores Redondo de la que parte el filme tiene suficiente fuerza como para hacer de esta adaptación uno de los grandes estrenos españoles del año. No lo tiene fácil.

¿Cuándo? 3 de marzo en cines españoles.

Ghost in the Shell

Ghost in the Shell¿Quién? Rupert Sanders tiene por delante el trabajo de adaptar tanto el manga Masamune Shirow como la película de Mamoru Oshii.

¿Por qué? Si la jugada saliese bien, que no lo parece, podríamos estar ante una prueba de que Hollywood es capaz acercar la sensibilidad nipona al público mayoritario de costumbre occidental.

¿Cuando? 31 de marzo en cines españoles.

Wonder Woman

Wonder Woman¿Quién? Patty Jenkins, responsable de la rotunda Monster, se enfrenta a la responsabilidad de adaptar a la primera superheroína de la edad de oro de los superhéroes en la gran pantalla. Gal Gadot interpreta a la princesa de las Amazonas, y la acompañan Chris Pine y Robin Wright.

¿Por qué? “Escribir sobre por qué es importante hoy por hoy Wonder Woman requiere pensar, sobre todo, en el potencial del arquetipo que el personaje ha contribuido a establecer a lo largo de sus 75 años de historia”, decía Elisa McCausland en Canino. Estamos ante una oportunidad de oro para la representación mainstream del feminismo en la industria del entretenimiento.

¿Cuándo? 23 de junio en cines españoles.

La torre oscura

La torre oscura¿Quién? De J. J. Abrams a Ron Howard, muchos son los nombres que han sonado para adaptar esta serie de novelas de Stephen King. El elegido: Nikolaj Arcel, realizador danés que viene de escribir los guiones de las excelentes entregas de Los casos del departamento Q y de conseguir un nombre en el cine de su país.

¿Por qué? La torre oscura cuenta con un fandom reunido durante más de tres décadas. Muchos son los que tienen ganas de ver cómo se consigue adaptar una serie de novelas casi maldita por el cine, y cuyo argumento mezcla el terror, fantasía, ciencia ficción y western.

¿Cuándo? 4 de agosto en cines españoles.

Happy End

Happy End¿Quién? Dos astros del cine europeo contemporáneo: Michael Haneke en la dirección e Isabelle Huppert como protagonista son ingredientes más que suficientes.

¿Por qué? Casi cinco años han pasado ya desde que Haneke dirigiese aquella obra maestra llamada Amor. Su retorno y su capacidad para retratar el drama de los refugiados, argumento base del filme, parecen indicar que podemos estar ante una de las películas francesas del año.

¿Cuándo? Sin fecha de estreno.

Coco

Coco¿Quién? Lee Unkrich vuelve a la dirección en Pixar tras el éxito de Toy Story 3. Le acompaña el debutante Adrian Molina como realizador.

¿Por qué? Porque Pixar sigue siendo Pixar y porque Unkrich es casi un valor seguro después de películas como Monstruos S.A. o Buscando a Nemo.

¿Cuándo? 1 de diciembre en España.

Somos suyos desde el principio. El cineasta canadiense Denis Villeneuve nos tiende una emboscada y nos hace prisioneros desde los primeros minutos de metraje. Unos instantes donde el público sufre una fuerte sacudida emocional, mientras asiste a la presentación del personaje protagonista: una mujer que ama intensamente y vive una tragedia. El prólogo cinematográfico nos hace comprender que estamos en otra parte; no vamos a ser meros espectadores de una película Sci-Fi convencional.  En 'La llegada', efectivamente, existe una civilización extraterrestre que aparece en nuestro planeta, pero para conducirnos a un universo desconocido que habita dentro de nuestra realidad.

La trama nos sitúa en el momento en el que doce naves extraterrestres quedan suspendidas sobre el cielo de doce lugares diferentes de la Tierra. El ejército estadounidense pide ayuda a Louise Banks (Amy Adams), una prestigiosa lingüista, para comunicarse con los alienígenas y averiguar cuáles son sus intenciones en nuestro planeta. Banks  intentará cumplir su compleja misión con la mente abierta y acompañada del científico Ian Donnelly (Jeremy Renner).

'La llegada' se basa en el relato de Ted Chiang, conocido como 'La historia de tu vida'. Villeneuve toma su argumento y se acerca a la ciencia-ficción, un género por el que siente devoción desde niño, para seguir haciendo de las suyas y hablarnos, en clave de metáforas, de un buen número de temas sugerentes. Cuestiones como el desgarro resignado de una madre o el lenguaje visto como un asidero que nos permite comprender nuestra existencia de una forma determinada. Asuntos como el aislamiento de un planeta intolerante, empeñado en seguir construyendo su Torre de Babel, o el paso del tiempo como invención humana de la que son esclavas, principalmente, nuestras emociones.

El cineasta canadiense tiene una capacidad prodigiosa para conmovernos y dejarnos en un estado de curioso desasosiego durante toda la aventura cinematográfica en la que nos embarca. Y siempre utilizando los fotogramas precisos. Se inmiscuye en la ciencia ficción como lo han hecho algunos de los más grandes creadores, con Kubrick a la cabeza, tomándolo como una experiencia siempre insondable. Como si fuera una puerta abierta a un sinfín de territorios posibles, de horizontes inquietos que nunca terminan de ser explorados.

Un lugar donde la imaginación puede adoptar cualquier arriesgada forma, como la fisonomía ‘gótica’, con aire de pesadilla infantil, que presentan los alienígenas de la película que abordamos. O puede ser una coartada perfecta para atrevernos a soñar con una humanidad que alcanza algunas de sus conquistas más esquivas. La ciencia-ficción es un género lleno de posibilidades si cae en manos de un cineasta brillante y lúcido, tan creativo como para romper con el concepto tradicional de ‘flashback’ y además, jugar con los saltos en el tiempo sin desconcertarnos, como si formara parte de nuestro itinerario habitual como espectadores.

La película, eso sí, puede decepcionar a más de uno por la manera utópica, incluso ‘naif’, que tiene de resolver su trama. Aunque más allá de su literalidad, hay algo en su final que conmueve por su fuerza emocional. Quizás tenga algo que ver con el hecho de que la historia se cierra jugando a los espejos enfrentados para dejar reflejada, en la memoria de los espectadores, un hermoso ‘palíndromo’ (esa palabra o frase que puede leerse igual de izquierda a derecha o de derecha a izquierda). Una imagen y una situación libre de nostalgias y recuerdos, en un estado de rebeldía fascinante con todo aquello que construye y define nuestra realidad.

- La llegada (2016)

- Dirección: Denis Villeneuve

- Guión: Eric Heisserer (basado en el relato de Ted Chiang)

- Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O’Brien.

La ciencia ficción es un género que, contra muchos pronósticos, nos ha ofrecido alguna grata sorpresa durante los últimos años. Títulos como Interstellar, Ex Machina o alguna entrega de la saga Star Trek han conseguido mantener la llama de la creatividad en un sector enfermo por tanta franquicia superheroica y por el continuo reciclado de proyectos en forma de remake. Nos enfrentamos a un campo tan fructífero como arriesgado, por lo que los grandes e innovadores proyectos siempre han debido tener prácticamente asegurada su capacidad de éxito de cara a la inversión de las productoras: en ocasiones, con una historia visionaria; en otras, con un reparto que sirve de reclamo… O en casos como el que nos ocupa, bajo la forma de mezcla entre género de culto y visión del director.

El director de Prisioneros, Enemy y Sicario (todas ellas muy recomendables), Denis Villeneuve, se echa a la espalda este proyecto cósmico que cuenta cuál sería el proceso de reacción política, militar y social a la llegada de una especie alienígena inteligente a la Tierra y a su deseo de intercomunicación con los humanos. Para ello se vale del personaje protagonista de Amy Adams (experta en lenguaje) y de sus escoltas secundarios, Jeremy Renner y Forest Whitaker.

Las interpretaciones, como suele ser algo tópico en este tipo de películas, se dejan de atender bastante para centrarse en la profundidad de una historia que comentaremos posteriormente. Jenner y Whitaker no convencen para nada, y la actuación de Adams -culpa suya y del personaje- llega a ser literalmente desesperante.

Es posible que la película quiera situar el enfoque de la curiosidad del espectador en esos otros personajes que vienen de fuera, lo cual sería en parte comprensible, ya que es cierto que suscitan bastante interés -los heptápodos son seres extraños con un lenguaje extraordinariamente estético y con un propósito muy claro-. Sin embargo, remitiéndonos a la posibilidad de ciertos títulos del género previamente comentados, un aspecto no tiene por qué invalidar por naturaleza al otro.

La llegada no deja de ser una mezcla de historias que ya hemos visto previamente, teniendo frecuentes reminiscencias de películas como Contact o Distrito 9, por citar algunas. Es difícil de creer, en cuanto hablamos de una narrativa apresurada que juega con saltos temporales con la intención de crear un giro de guión y que además cuenta demasiado muy rápidamente. O mejor dicho, cuesta aceptar el procedimiento de ciertos hechos. No es nada nuevo en el género, en definitiva. Y, pese a ello, sigue siendo una buena excusa para ir al cine. ¿Por qué?

Por su dirección... Villeneuve es uno de los mejores directores de la última década. Su filmografía lo avala y su batuta ya se reconoce. La llegada está bañada de su estética y perspectiva hasta el punto de no llegar a entender muy bien la razón de muchos planos del metraje. Si vamos con la mente puesta en que veremos una historia de contactos extraterrestres desde un prisma frío, personal y artístico, disfrutaremos bastante. Esa es la intención final de Villeneuve: contar unos hechos alucinantes desde sus propios ojos e imaginación. Por eso termina valiendo la pena, porque es una película de su director.

Si a ello le añadimos una iconografía que ya va cultivándose, La llegada se vuelve un objeto de estudio más de la filmografía de Denis Villeneuve, un nombre que ya debería ser conocido en la cultura general cinematográfica y que seguirá dando muchísimo de que hablar, obviamente en parte por su trabajo en la nueva versión de Bladerunner, que se estrenará en unos meses.

Entrevistamos a

Amy Adams

, la protagonista de

La llegada

, a su paso por la pasada Mostra de Venecia, donde se presentó la película de Villeneuve

Charlamos con

Fernando Trueba

, el director de

La reina de España

, sobre la segunda parte de

La niña de tus ojos

y su visión sobre el cine

Con motivo del estreno de La llegada, la nueva película del canadiense Denis Villeneuve, escuchamos la entrevista que le hicimos a Amy Adams en la pasada Mostra de Venecia. También charlamos con Fernando Trueba, que estrena La reina de España, la segunda parte de La niña de tus ojos.

Contenidos del podcast

01:25.- Estreno de La llegada y entrevista con Amy Adams

06:50.- Burbuja de opinión sobre La llegada, por Dani M. Mantilla

08:00.- La actualidad de las series, con María José Arias

14:05.- Lo que tienes que saber, con Bernardo Pajares

17:47.- Entrevista con Fernando Trueba por La reina de España

38:35.- Los estrenos de cine, con La doctora de Brest o Animales fantásticos y dónde encontrarlos

45:40.- Observatorio en Bremen, con Janina Pérez Arias, sobre Emma Watson

Amy Adams es la protagonista de

La llegada (Arrival)

, la nueva película del canadiense

Denis Villeneuve

, que llega esta semana a la cartelera española

Como si no hubiese respondido a 37 entrevistas antes de enfrentarse a la nuestra, Amy Adams recibe a eldiario.es en el Hotel Excelsior de Venecia con una sonrisa arrolladora. La simpatía apabullante de esta italiana -estadounidense de adopción- de 42 años contrasta con la gravedad de su personaje en La llegada, la película que presenta. En la nueva cinta del canadiense Denis Villeneuve interpreta a una lingüista que debe enfrentarse a una tarea titánica: desencriptar el lenguaje de unas criaturas extraterrestres. La película recibió grandes críticas en la pasada Mostra de Venecia, en cuyo contexto transcurre la entrevista.

Por favor, defina su trabajo con Denis Villeneuve...

Es ese tipo de director que te meterías en el bolsillo y que te llevarías a todos los set de rodaje. Porque es completamente colaborador y es lo mejor que le puede pasar a tu autoestima. Le encanta todo. Te da las gracias después de las tomas, te dice que “gracias por tu trabajo”, te dice cuánto te aprecia... Así que desde el punto de vista del actor, que necesita cosas, ¡es maravilloso! Pero es que además tiene un punto de vista muy potente sobre la forma de contar historias, siente una conexión muy fuerte con el núcleo emocional que recorre todas sus películas.

¿Es usted una actriz que necesita que le digan todo eso? ¿Que “necesita cosas”?

No. Bueno, al menos no sabía que era así hasta que me encontré con este director, que ha estado alimentando mi ego todo el tiempo. ¡Y me ha parecido algo muy agradable! No, no... No es que necesite que estén hablando conmigo todo el tiempo. Con el paso de los años he aprendido a no necesitar la aprobación de nadie. A confiar en mi propio instinto. Cuando era joven intentaba siempre gustar al director, era una especie de 'padre' que te encontrabas al llegar al plató. Se generaba una familia en el set, y como actriz necesitaba la aprobación de ese padre. Pero en cierto modo he perdido eso. Al final he aprendido que mi trabajo es ejecutar la visión del director

¿Cómo de importante es el nombre del director a la hora de seleccionar un proyecto?

En este momento de mi vida confluyen muchas cosas. En La llegada todo empezó con el guión, porque era 'el mejor guión'. Creo que he leído en mi vida dos guiones con los que he tenido esta reacción. Uno de ellos no lo hice. Y con este... tuve una reacción tan intensa... ¡era uno de los mejores guiones que había leído! Enseguida quise hablar con Denis, porque es un guión muy difícil, es una película muy difícil de hacer. Él tenía muchísima confianza en sí mismo... y confió en su idea de la película. Así que para esta película las razones fueron el guión y mi encuentro con Denis. Pero para las otras cosas, que se ruedan en cualquier parte del mundo, y teniendo en cuenta que tengo una hija... si se rueda cerca de Los Ángeles es mucho más probable que lo acabe haciendo. Esta es mi decisión final ahora mismo, porque creo que me he perdido muchas cosas.

Está produciendo un par de películas y una serie de televisión. ¿Por qué ha decidido producir y no dirigir?

Aún no estoy preparada para dirigir. Me encanta contar historias, y me encantaría trabajar con actores para alcanzar un punto de vista único, pero... dirigir es una inversión gigantesca de tiempo. Y no estoy preparada. No es que no vaya a hacerlo. Simplemente no quiero hacerlo ahora. Pero producir sí me permite estar implicada en los procesos de tomas de decisiones, y ser testigo de los procesos de producción me ayuda a ser una actriz más paciente. Entiendo el papel que tiene todo el mundo

¿Cree que realmente estamos viviendo una nueva Edad de Oro de las series? ¿Que existe un trasvase de talento entre el cine y la televisión?

¡Es increíble! Bueno, creo que nuestra manera de ver los contenidos está cambiando. Y estoy muy agradecida de que ese trasvase sea así, porque puedo trabajar en diferentes medios. Creo que los guiones y las interpretaciones maravillosas pueden existir en ambos mundos. No quiero perder el cine, no quiero que se vaya de mi vida. Todavía creo en el proceso de la creación de las películas. Pero también creo que la gente está consumiendo los contenidos cada vez de forma más inmediata. Conozco gente que ni siquiera tiene televisión y lo ve todo en un ordenador... ¡pero te pierdes buena parte de una fotografía maravillosa cuando ves cosas en el ordenador! Queda aún mucho arte en el cine. Todavía hay mucho que ver.

Vivimos en la era del “hype”. Para los profanos de los movimientos de masas contemporáneos, una definición podría ser “la espera ansiosa de un fenómeno (en este caso cultural) a los que otros han tenido acceso (unos pocos)”. Imaginemos lo que ocurre con una película de ciencia-ficción -y mucho más- como Arrival [La llegada], la nueva cinta de Denis Villeneuve, que esta mañana se ha presentado en la Mostra de Venecia. Tiene a dos actores solventes, Amy Adams y Jeremy Renner, tiene una estética tipo Malick y tiene extraterrestres: el “hype” está servido. Y la película lo aguanta. Y lo desafía. Y entrelaza una historia de amor familiar con la ardua tarea de los protagonistas -una lingüista y un matemático-, que tratan de desentrañar qué mensaje quieren transmitirnos mediante unos pictogramas unos alienígenas que posan sus cápsulas sobre la faz de la Tierra.

Renner, conocido en el mundo mainstream por su 'Ojo de Halcón' ha dado una buena razón para escoger el papel que le ofreció Villeneuve: “Está muy alejado de lo que yo suelo hacer... ¡Un matemático!”, bromeaba durante la rueda de prensa. En una entrevista con Kinótico, Amy Adams se refería al director canadiense, que aún no ha llegado al Lido porque está inmerso en el rodaje de la secuela de Blade Runner. “Es el tipo de director que te meterías en el bolsillo y llevarías a todos los sets de rodaje. Es lo mejor que le puede pasar a tu autoestima. Le encanta todo. Te da las gracias después de las tomas, te dice lo mucho que te quiere...”.

La larguísima conversación de Wenders

La larguísima conversación de WendersLos bellos días de Aranjuez, la película que alemán Wim Wenders ha elaborado a partir del texto de Peter Handke, nos muestra la conversación entre un hombre y una mujer en un jardín de París. Durante una hora y media. El jardín, el verano y los dos protagonistas. Después de un accidentado comienzo del pase de prensa (los subtítulos en inglés no aparecían por ninguna parte), los bostezos han inundado la sala porque, quizá, como dice el Hollywood Reporter, la película “es tan soporífera y relajante como un día de verano”. En rueda de prensa, el director de 'El cielo sobre Berlín', aseguraba que “el diálogo entre lo que es un hombre y una mujer está de alguna manera reducido, y cuando Peter me dio el texto hace algunos años me gustó, porque era sobre ese tema. Cómo se ven los hombres y las mujeres entre sí”.

La tercera película en competición este jueves es The light between oceans (La luz entre océanos). Es una historia de amor y familia arrebatada ambientada a comienzos del siglo XX, e inspirada en un libro del mismo nombre de M. L. Stedman. Cuenta cómo un hombre, Michael Fassbender, se hace cargo de un faro perdido en una isla de Australia junto a su mujer, Alicia Vikander. Pero un día aparece un bebé en una barca y... todo se complica. La cinta está dirigida por Derek Cianfrance, que ya firmó Blue Valentine o Cruce de caminos.

'Sicario' es un escalofrío que recorre el estado de ánimoSicario del espectador como una descarga emocional de alto voltaje. Hay algo de mal presagio en todas y cada una de sus secuencias. Algo de liturgia que te prepara para presenciar un instante de epifanía desoladora donde todo lo que hay que saber sobre la oscuridad de la condición humana queda dicho y comprendido.

La agente del FBI, Kate Macer (Emily Blunt), comienza a sospechar la verdad desde los primeros minutos de la extraña misión en la que acaba de enrolarse. Ha decidido formar parte de un operativo de agentes especiales de la CIA que, al margen de los conductos oficiales, luchará contra el narcotráfico mexicano. Kate ya ha vivido lo suyo, ha conocido la barbarie y parece que nada es capaz de impresionarla. Sin embargo, todavía conserva ciertas convicciones que chocarán de plano con la manera sucia con la que sus colegas tratan de vencer la violencia despiadada del cártel al que se enfrentan. Entre ellos, se encuentran el jefe de su misión, un flemático y cínico Josh BrolinJosh Brolin y un incómodo ‘lobo’ solitario llamado Alejandro. Un sicario colombiano  protagonizado  por un  Benicio del Toro magistral, brillante, en auténtico estado de gracia.

El guión de 'Sicario' es una hábil maquinaria de narración cinematográfica llena de acción, tensión y humanidad. Durante dos horas, la película tiene la capacidad de envolver al espectador en una atmósfera de paranoia y de desconfianza, en una encerrona emocional donde casi acaba faltando el aire. La angustia cobra intensidad en tres grandes secuencias prodigiosas. Aquella con la que arranca la película, donde la protagonista irrumpe en una casa para realizar detenciones y acaba tropezándose con un cementerio demasiado frecuentado. En segundo lugar, el recorrido por un túnel sin final, ‘escarbado’ en el desierto, donde el operativo de agentes pretende darle el golpe de gracia al cártel de la droga. Y por último, especialmente fascinante resulta el  atasco de tráfico que viven los protagonistas a la salida de Ciudad Juárez. Una huida del infierno que queda en suspenso, con la inercia de un mal sueño. Quedan retenidos en medio de un peligro inminente que no termina de desencadenarse. Como explicó el propio cineasta, Denis Villeneuve, su intención era mostrar a “una araña inmóvil; asusta mucho más que una en movimiento. Intenté aplicar esa misma idea a la escena”, en sus palabras. Desde luego, el nivel de tensión que llega a alcanzarse es impresionante; hacía tiempo que no se dejaba ver en la pantalla un suspense tan definitivo.

La película no sólo produce angustia por todo aquello que rodea a los  personajes; la inquietud también parte de su atormentado interior. Como la inesperada y singular relación que se establece entre Kate y Alejandro. Un reflejo de la torpeza en la que pueden verse envueltas dos personas que, de alguna manera, se sienten cercanas porque se reconocen en su propia soledad, pero sus circunstancias vitales, su hastío existencial, les alejan, les impiden llegar a entenderse y a comunicarse.

El cineasta canadiense, Denis Villeneuve ya lo hizo anteriormente. A través de sus últimas producciones (especialmente 'Incendies') ha sido capaz de asombrar al mundo con su manera brillante de crear secuencias icónicas, que permanecen en la retina durante mucho tiempo. Es un cineasta incómodo, capaz de poner en un aprieto nuestra conciencia y de descubrirnos el lado más tenebroso del hombre sin ningún tipo de complejo, con la sinceridad impía del amigo que se queda descansado al confesar una verdad amarga.

Desde luego, no se puede negar que 'Sicario' es una película valiente. Habla sin tapujos de un buen puñado de dilemas morales y lo hace desde una perspectiva pesimista, donde la defensa de valores como la integridad o el respeto a la legalidad vigente resultan de una ingenuidad bochornosa. En la película, el límite entre el bien y el mal desaparece. Es un territorio incapaz de arrimarse a una norma para la convivencia. Más bien parece un duelo salvaje, fronterizo, que enfrenta a tipos duros y donde la violencia solo puede ser respondida con la brutalidad del que tiene que ajustar cuentas. Por supuesto, con ‘papá Estado’ mirando, orgulloso, a otro lado.

La ficción dedicada a los capos de la droga nos gusta por la pura fotogenia del crimen. Denis Villeneuve lo sabe, por eso en Sicario cede algo de ese terreno que ocupan sus profundas inquietudes -el alma humana, los monstruos interiores y la perversión de la justicia- para dotar a su película de una perturbadora espectacularidad y generar tensión a través de tres secuencias de acción que agotarán a cualquiera que se asome a este thriller casi perfecto.

El estudio de los horrores de la civilización está presente en la historia de esta joven agente del FBI interpretada por Emily Blunt que es reclutada por una fuerza de élite para luchar contra el narcotráfico. El responsable de su equipo es Josh Brolin, un personaje detestable que comparte algo de su carisma con un asesor interpretado por un Benicio del Toro que se mueve en un registro sorprendentemente ambiguo.  Ambos empujarán a la inocente Blunt por la madriguera del conejo.

Pero aparte de la espectacularidad de la acción y del romanticismo del crimen hay algo más que nos cautiva de esta guerra entre gobiernos y traficantes. Algunas cosas que Villeneuve ha obviado para darle una vuelta (otra más) a este género.

El glamour en la vida del narco

La fascinante vida de los narcos o de los grupos especiales que van detrás de ellos se rige por unas normas tan distintas a las nuestras que es imposible no ceder a un inexorable ataque de voyerismo. En nuestra vida de ciudadanos ejemplares basta con pagar la renta y no saltarse los semáforos, para los malos de las películas sobre tráfico de drogas no existe el concepto de lo civilizado. Si nosotros nos saltamos un STOP, tenemos que pagar una multa, si los narcotraficantes ignoran alguno de los códigos que rigen su mundo, la cosa cambia.

“Sacaron a Rafi de su cuarto de invitado, fundieron delante de él la charola de plata que les había obsequiado como regalo de bodas, le metieron un embudo en la boca y vertieron la plata fundida”. Este es un fragmento de El poder del perro, de Don Winslow, la última gran novela sobre el narcotráfico que según su autor está terroríficamente bien documentada. Esta desatada violencia nos cautiva pero también nos produce alivio porque evita que deseemos tener la lujosa vida del narco. Demasiado riesgo.

El misticismo de figuras como Pablo Escobar

La figura del narcotraficante colombiano está de moda, el año pasado Benicio del Toro lo interpretó en la apabullante y también llena de tópicos Escobar: Paraíso perdido y ahora hay pocos seriéfilos que no se hayan enganchado al drama Narcos, sobre la lucha durante los 80 contra Escobar y el cartel de Medellín.

“Pablo Escobar, que va camino de ser un Napoléon del siglo XX si la historia del mundo se midiera al peso de las películas dedicadas a su personaje”, escribió David Trueba en su columna hace meses.

El público se deja alucinar por Escobar por los mismos motivos que lo hacíamos con Vito Corleone. Nos identificamos con la parte buena del personaje. Este narco salvaje y cruel es también un padre amoroso cuyos lazos de amistad son inquebrantables. Además Escobar consiguió ser un auténtico héroe popular mientras vivía, lo que facilita las cosas para que el lenguaje cinematográfico lleve aún más lejos este encantamiento. Cuando personajes como el de Escobar se enfrentan a situaciones tan extremas, nosotros nos agarramos a esa parte buena, lo que nos permite una autoexculpación de nuestras propias miserias.

Nosotros también estamos en el ajo

Y en este punto es donde Villeneuve estruja su thriller, que va más allá de Traffic en su reflexión sobre la forma en la que el mundo de las drogas impregna a toda nuestra sociedad. Roberto Saviano lleva años hablando de la extensión de las drogas, de lo difícil que es encontrar un grupo de amigos donde nadie consuma cocaína. La guerra contra el narcotráfico es absolutamente demencial desde el momento en el que pensar en acabar con el consumo de droga resulta ridículo. Así que se trata de alimentar con cuidado los sistemas que dependen de la droga.

El director canadiense retoma su inquietud fundamental, la que también tenía ese poderoso drama titulado Prisioneros: el miedo del individuo a verse convertido en un monstruo cuando se enfrenta a la corrupción y podredumbre de la propia civilización. Nuestros ojos son los del personaje de Emily Blunt y junto a ella escarbamos en una guerra cruenta donde no hay tanta diferencia entre los que defienden la ley y los que la violan.

La cuestión es qué partido debemos tomar nosotros en una batalla que no sirve para nada. Y para cuestionarse algo tan fundamental Villeneuve además nos abruma con poderosas escenas de acción, una atmósfera que agota, y una protagonista femenina que camina entre la Jessica Chastain de Zero Dark Thirty y el Ethan Hawke de Training Day.  

Decía Terence Davies que él no entendía el mundo moderno, que prefería una versión romántica que para su desgracia no volverá a existir jamás. Su última película, claro, es un drama de corte clásico muy al estilo de El hombre tranquilo. Sunset Song no arriesga demasiado pero es bellísima. Aunque era obvio, hablamos de Terence Davis. Por el contrario esa sociedad moderna que no entiende Davies es el que Denis Villeneuve explora en cada en cada una de sus películas. Desde el individuo y sus miedos, envidias y frustraciones que nos restregaba con ese complejo laberinto titulado Enemy, hasta Prisioneros o esta última, Sicario, dos thrillers intensos donde el director se divierte jugueteando con la doble moral americana.

Otra de las películas más esperadas del Festival tiene el cáncer, otra de las guerras -de momento perdidas- de la sociedad actual, como detonante de su argumento. Es la divertida y devastadora Yo, él y Raquel de Alfonso Gomez-Rejon, último ganador de Sundance.

El cine bonito

A pesar de ese rechazo a lo contemporáneo es curioso que Terence Davies haya adaptado precisamente la novela clásica de Lewis Grassic Gibbon, una historia que precisamente protagoniza una joven muy adelantada a su tiempo en lo sentimental. La chica de principios de siglo XX que interpreta la modelo Agyness Deyn tiene una concepción moderna del amor y también de la guerra. Es individualista y feminista. La historia que Davies filma con calma, estilo y a través de unos paisajes que ahogan por su belleza es la de una familia de agricultores escoceses cuyas vidas se ven truncadas por el inicio de la Gran Guerra. La vida pasa entre tragedias y dichas y la forma en la que Davies lo cuenta es hipnótica. Un escena, como ejemplo: Primero los gritos desgarradores de una mujer madura que está pariendo, después alguien que se lava los brazos ensangrentados, luego unas manos que rompen un huevo cocido y después una boca que lo degusta con apetito… “Han sido gemelos”, dice el médico mientras mastica el huevo.

Y así, entre campos de trigo y latigazos en la espalda, tormentas y besos apasionados, bailes y guerras, uno podría ver Sunset Song en bucle durante horas y no pasaría nada. La película de Davis tiene además la presencia de Peter Mullan, que es un animal. El actor interpreta a un padre autoritario, violento y salvaje y lo hace con su cuerpo, con su voz, con su avasalladora presencia y con su estómago. No ganará la concha pero es cine gourmet.

‘Narco-ficción’ de ritmo endiablado

En Prisioneros Villeneuve hacía un relato oscuro, frío y violento sobre un enfrentamiento: el del individuo que se toma la libertad de resolver un conflicto contra ese sistema asumido como infalible del que presume EE.UU. Y lo hizo con un thriller de secuestros y acosos que resultó ser la película más importante de su género en años, aunque fuera terriblemente ignorada. Ahora ha vuelto a repetir porque quizá no se quedó a gusto. Sicario se basa en la misma idea, en la lucha entre dos identidades de un país, los que creen en la ilegalidad de sus propios métodos para templar el problema del narcotráfico y los que piensan que la única vía es la guerra jurídica y legal y claro, muy lenta.

Sicario es una película de ritmo endiablado donde Emily Blunt interpreta a una agente del FBI reclutada por una fuerza de élite que lucha contra el narcotráfico y que dirige Josh Brolin. Los asesora el personaje interpretado por Benicio del Toro, que desarrolla un personaje magnético y lleno de misterio. Sicario no es tan profunda como Prisioneros, ni tan impactante como Incendies y tampoco es tan desafiante como Enemy, pero Villeneuve vuelve a demostrar que tiene pulso y que es un director excepcional. Se exhibe con escenas de acción trepidantes, como una salida y entrada a Juárez donde la tensión es casi inaguantable, donde el espectador sudará tanto como Blunt. Puede que sea una película menor de Villeneuve, pero ya es mejor que la mayoría de los títulos con los que comparte temática.

Una trágica historia de iniciación

Yo, Earl y la chica que se está muriendo, así sería la traducción del título original del último premio Sundance que aquí nos llegará como Yo, él y Raquel. En los títulos de crédito ya está ese humor que desprende todo el rato este divertido (y muy negro) filme de Alfonso Gomez-Rejón, director asiduo de American Horror Story. Greg es el protagonista, un chico acomplejado que pretende pasar desapercibido en el instituto hasta que su madre le obliga a hacerse amigo de su compañera de clase con leucemia. Cine independiente rodado muy bien, con encuadres originales y un montaje con mucho ritmo donde abunda la información fuera de cámara. El guión está repleto de diálogos inteligentes que se basan en lo terrible para hacer chistes lo que convierte a Yo, él y Raquel en una comedia muy negra pero también muy amable. Una manera muy divertida e inteligente de acercarse a la tragedia del cáncer.