Después de varias semanas de expectación alrededor de la conversación entre Gabriel Rufián y Emilio Delgado, el acto que desbordó las expectativas y congregó a centenares de personas fue el que convocaron este sábado los principales partidos de la izquierda alternativa. Una cola inesperada de gente llegaba desde el Círculo de Bellas Artes de Madrid hasta la Puerta del Sol a pesar de que se trataba de un lanzamiento pensado inicialmente más hacia dentro, para reparar las heridas entre las organizaciones políticas y presentar algo nuevo, que hacia el electorado progresista.

El acto de este sábado, 'Un paso al frente', buscaba ser la presentación en público del trabajo discreto que realizan desde hace meses las cuatro formaciones de lo que hoy es Sumar en el Gobierno. Las conversaciones comenzaron a gestarse de manera mucho más profunda a partir de la crisis del Ejecutivo con el caso Santos Cerdán: la necesidad de pactar una estrategia y respuestas coordinadas puso los mimbres para una estructura de diálogo entre esas cuatro organizaciones que sorprendentemente no se había podido dar en los dos primeros años de la legislatura.

La novedad era que ese espacio hablaba, que se generaban conversaciones formales, estructuras de trabajo, grupos de decisión a diferentes niveles y finalmente la voluntad de esas cuatro organizaciones de presentarse en una misma candidatura, algo que tampoco estaba asegurado después de las sutiles llamadas de Podemos a Izquierda Unida y Comuns para reeditar la coalición de la anterior legislatura. “Esto es irreversible”, dijo este sábado Antonio Maíllo, líder de IU, entre los aplausos de sus compañeros de escenario: Lara Hernández, de Movimiento Sumar, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, la líder de Más Madrid y ministra de Sanidad, Mónica García, y su compañera de partido Rita Maestre, que fue la encargada de presentar el acto.

La puesta en escena tiene mucho que ver con el trabajo de estos meses: cuatro intervenciones sin liderazgos que sobresalieran por encima de los otros y que exhibieron coordinación también en lo discursivo a pesar de que según las fuentes consultadas apenas se habían pactado algunas líneas, por ejemplo, que los ministros se centrasen más en la tarea de Gobierno y los dirigentes de los partidos hablasen de las áreas más políticas. Aunque todos los discursos estuvieron finalmente cargados de contenido ideológico en un momento en el que ciertos sectores de la izquierda empiezan a cuestionar los temas y las formas del espacio progresista.

Esa “coralidad” es en sí misma una novedad en la etapa que viene y quedó habilitada por la ausencia de Yolanda Díaz, que ha decidido en este momento dar un paso al lado para dar el protagonismo a los partidos. Solo Mónica García hizo una referencia a la que fue a candidata de Sumar en las pasadas elecciones y ha sido la líder del espacio hasta ahora. La ministra de Trabajo tiene por delante una reflexión personal sobre su futuro político que pasa ineludiblemente por aclarar si quiere volver a aspirar el nuevo frente que hoy empieza a caminar ya de forma pública.

“Se ha visto una cohesión en los discursos. Ha dado la imagen de una cosa sólida, que refleja los meses y meses que de trabajo”, reflexiona un dirigente de ese espacio político sobre esa idea de que lo mostrado este sábado en el escenario es el resultado de un trabajo virtuoso entre organizaciones que hasta no hace tanto funcionaban en una lógica de competición más que de forma orgánica a pesar de compartir grupo parlamentario y Gobierno.

Más allá del discurso político y del impacto que ha tenido en la izquierda el paso dado por Rufián y Delgado, el acto de este sábado estuvo marcado por el compromiso explícito de cuatro partidos diferentes a caminar juntos y a hacerlo de forma coordinada. “El debate podrá ser cómo construimos la unidad, pero la unidad en sí misma ya no es motivo de debate en este espacio, porque la unidad es mandato popular y eso es sagrado”, dijo Maíllo, que agregó: “Ni el más optimista podía pensar este acto de desborde. Parece que hay marcos que invitan a la melancolía. Se ha acabado la melancolía en la izquierda y empieza una etapa de ambición de gobierno, de disputa y guerra cultural”.

Durante todas las intervenciones de los dirigentes políticos de la izquierda se sucedieron las alusiones a esa alianza y a la promesa de que las tensiones y las guerras fratricidas quedaron atrás. Algo que quedó escenificado incluso en los mensajes entrecruzados entre las dos fuerzas ideológicamente más distantes, Izquierda Unida y Más Madrid. Una sintonía que se ha afianzado en estos meses de trabajo para construir la futura alianza, según fuentes al tanto de esas conversaciones. Como muestra, los efusivos aplausos de Eduardo Fernández Rubiño durante el discurso de Antonio Maíllo.

“Queremos más fraternidad, más confianza, más unidad. Esta es la casa común de la izquierda y la estamos construyendo desde los cimientos. Pero las puertas están abiertas”, dijo la ministra de Sanidad y líder de Más Madrid, Mónica García. La coordinadora de Movimiento Sumar, Lara Hernández, apeló al camino recorrido para construir el futuro en los aciertos cosechados pero también en los errores. “Debemos aprender de nuestros errores para nunca más volverlos a repetir. Debemos hacer balance. Un balance que nos vacune de no escucharnos, de no encerrarnos en nosotras mismas, de valorar el consenso frente al disenso y de estrechar lazos de comunidad”, añadió.

El trasfondo principal de todos los discursos fue, precisamente, ese. Que ante el reto que implica volver a ser capaces de frenar el auge de la ultraderecha e impedir su entrada en el Gobierno y la demanda ciudadana de unidad ya hay un proyecto de fuerzas políticas diferentes conjuradas para ir de la mano que apela, además, a los que aún siguen fuera. “Somos trabajo colectivo, somos una alianza para dar la batalla más importante del siglo. Y esperamos que se sume mucha más gente y que aprendamos del pasado. En 2023 hicimos lo que pudimos, una coalición a prisa y corriendo que fue capaz de conservar uno de los pocos gobiernos progresistas de Europa. Y ahora estamos para hacerlo aún mejor”.

“Gracias a Gabriel, gracias a Emilio”

En el acto de este sábado hubo muchas referencias, algunas explícitas, algunas no tanto, al planteamiento esbozado en las últimas semanas por Gabriel Rufián para una alianza de las izquierdas que incorpore de alguna manera a las fuerzas independentistas. El acto que convocó con el dirigente de Más Madrid Emilio Delgado en la sala Galileo desdibujó en un primer momento el lanzamiento de esta coalición, pero con el paso de los días los partidos han tratado de reinterpretar esos movimientos para utilizarlos de forma virtuosa. “Necesitamos cada voz, cada energía, cada átomo progresista en todos los espacios. En las redes sociales y en las tertulias, en los espacios de debate y en los puerta a puerta, en el Gobierno y en el BOE. En todas partes”, dijo Mónica García en su discurso.

Fue un gesto conciliador después de una semana complicada en la que Emilio Delgado, que ha amagado en los últimos meses con aspirar a presentarse a unas primarias para ser el candidato de Más Madrid contra Isabel Díaz Ayuso, ha cobrado mucha relevancia mediática. En su partido sentó muy mal el movimiento de lanzar un acto con Rufián que además se interpretó por algunos sectores como un inicio de una plataforma política más amplia.

No parece que ello vaya a ser así, tal y como evidenció la charla del miércoles entre ambos en la que Rufián se centró en las fórmulas electorales y Delgado más en lo discursivo. Precisamente estos últimos días sus entrevistas e intervenciones en el acto han abierto una conversación sobre si la izquierda está hablando de la manera correcta sobre ciertos temas como la inmigración o lo LGTBI. Y en el acto de este sábado hubo multitud de respuestas.

“Estamos aquí para escuchar, porque hay mucha conversación dentro y mucha conversación fuera. Nadie va a equivocarse tapándose los oídos. Estamos aquí para entender el malestar, para buscar soluciones, dirigir la mirada al lugar correcto que es arriba y no al lado”, dijo Rita Maestre en sus primeras palabras, en la intervención de presentación del resto de dirigentes. Entre el público estaba Delgado, con su equipo más cercano dentro del partido.

“Tenemos que estar en todos los sitios, en los barrios. Bienvenida cualquier aportación cualquier reflexión que nos ayuden a ser mejores. Gracias a Gabriel, gracias a Emilio por el acto del otro día. Y gracias a todos los que habéis trabajado en este acto. Esta es la casa común de la izquierda. Estamos construyendo la casa desde los cimientos. Las puertas están abiertas”, dijo García. En el lanzamiento de esta nueva alianza estuvieron presentes los movimientos sociales y también los sindicatos. Unai Sordo, de CCOO, y Pepe Álvarez, de UGT. Y se dejaron ver algunos rostros importantes de la izquierda en la última década, como Ada Colau, Alberto Garzón o Nacho Álvarez.

Urtasun también reprochó los mensajes sobre el giro discursivo de la izquierda en temas como la inmigración. “No se combate a la extrema derecha con las gafas de mirar la realidad de la extrema derecha, se les gana donde son débiles, se las gana diciendo que son unos vende patrias, que siempre defienden al fuerte frente al débil”, dijo.

Pero también hubo una respuesta a la idea del dirigente republicano para optimizar el sistema electoral con candidaturas amplias de la izquierda independentista y soberanista. “La aritmética es muy necesaria, pero no se ganan las elecciones solo con la sociología electoral, se ganan con un proyecto ganador, que es lo que hemos hecho hasta ahora. Gobernar bien para la mayoría lo que queda de legislatura”, defendió. Urtasun también reivindicó que precisamente lo que propone Rufián es parte del trabajo que hizo Sumar el 23J, una unión muy amplia de las izquierdas que permitió revalidar el gobierno de coalición.

En mitad de un ambiente de derrota por las últimas convocatorias electorales, por las encuestas y por el auge de la ultraderecha, el acto de este sábado se convirtió en buena medida en algo parecido a un chute de autoestima tras el toque de atención que supuso para la izquierda el paso dado por Rufián y Delgado. “Venimos a quitarnos el pesimismo, venimos a recuperar la autoestima, la esperanza y la alegría. Sacudámonos ya el nubarrón y el pesimismo. Basta ya de derrotismo. No somos una taza de Mr. Wonderful, pero no le vamos a hacer el caldo gordo a la extrema derecha”, concluyó Mónica García.

Todos los dirigentes consultados a la salida del acto admiten que la cita de este sábado superó las expectativas de todo el mundo, incluidos los organizadores. A pesar de habilitar una segunda sala anexa para dar cabida a parte del público congregado, cientos de personas se quedaron en la calle por falta de espacio y tras formar desde primera hora de la mañana una larga cola que se perdió por la calle Alcalá hasta alcanzar las inmediaciones de la Puerta del Sol.

Los 72 miembros de la European Alliance of Academies (red de academias de arte e instituciones culturales de Europa) han expresado en un comunicado su apoyo al Círculo de Bellas Artes (CBA) y piden a la Comunidad de Madrid que reconsidere su decisión de rebajar la financiación a la institución cultural.

“Reconsiderar el recorte sería la mejor manera de contrarrestar cualquier sospecha expresada públicamente de que existen motivaciones ideológicas o políticas detrás de este drástico recorte, y de afirmar que la libertad artística en la región de Madrid no está actualmente amenazada”, afirma la Alianza.

En una declaración pública, este grupo de instituciones del que forman parte la mayoría de academias de bellas artes de Europa reclama una financiación adecuada para el Círculo, “uno de los centros culturales más prestigiosos de España y de Europa, que además cuenta con un amplio respaldo por parte del público”.

En el mismo comunicado, el propio CBA subraya la necesidad de restablecer una relación cordial con la Comunidad de Madrid y destaca la importancia de “mantener unas relaciones institucionales abiertas y constructivas que reconozcan el papel del Círculo en Madrid y en el conjunto del panorama cultural español e internacional”.

El Círculo señala que una financiación adecuada por parte de las tres administraciones públicas que integran el consorcio de la institución es esencial para sostener un servicio cultural que fomente una sociedad plural, moderna y críticamente comprometida.

De 250.000 a 12.000 euros

El recorte a los fondos con los que dota la Comunidad de Madrid al Círculo, entidad de la que forma parte de su Patronato, ha sido progresivo en los últimos años hasta alcanzar mínismos históricos. El Gobierno de Isabel Díaz Ayuso pasó de conceder 250.000 euros hace dos años a los 100.000 euros en el ejercicio anterior y apenas 12.000 en la última convocatoria resuelta. Una drástica disminución que la Comunidad de Madrid sustenta mediante un cambio de modelo: las ayudas pasan de ser nominativas a ejecutarse por proyectos. 

Poco después, el presidente del Círculo, Juan Miguel Hernández León, desvelaba que representantes del Gobierno de Ayuso le habían deslizado en una reunión la siguiente frase, para justificar su menor apoyo: “Hacéis cosas que no nos gustan”. Ante este recorte, el Ministerio de Cultura anunció en diciembre que subía en 50.000 euros sus ayudas a la institución madrileña hasta llegar a los 300.000 euros.

El pasado 10 de diciembre, el consejero de Presidencia, Justicia y Administración Local de la Comunidad de Madrid, Miguel Ángel García Martín, cargó contra el “total desconocimiento” del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, que acusó a la CAM de “censurar” al Círculo de Bellas Artes después de conocer que el ejecutivo autonómico ha “rebajado significativamente” su financiación.

“Nosotros lo que hemos hecho es un cambio en el modelo, lo hicimos no solo con el Círculo de Bellas Artes, con otras instituciones y, por tanto, estamos financiando proyectos”, defendió el consejero en una rueda de prensa.

Un Carnaval legendario. Eso es lo que promete el Círculo de Bellas Artes en su próxima fiesta de disfraces, que tendrá lugar el próximo sábado 14 de febrero. La gran cita del Carnaval en Madrid propone en su edición 2026 un viaje por las fiestas populares del presente y el pasado a través de una experiencia inmersiva protagonizada por el arte, la música y la fantasía.

Pocas celebraciones pueden presumir de una historia tan larga y singular como el Carnaval del Círculo. Desde 1926, este baile de máscaras se ha consolidado como una de las citas más especiales y deseadas del Carnaval madrileño, un ritual urbano que combina arte, transgresión y celebración colectiva en un entorno arquitectónico único.

Después de 100 años habitando un edificio que ha vivido momentos estelares y por el que han transitado personajes e intelectuales de todo pelaje y condición, este Carnaval se ha hecho leyenda. ¿Y qué significa un Carnaval legendario? “No es postureo ni nostalgia”, asegura la organización del evento, es memoria compartida.

La edición de 2026 será un homenaje a ese legado festivo, pero también una invitación a reinventarlo. Un Carnaval legendario propone un viaje entre lo mítico y lo contemporáneo, entre la memoria de las grandes noches del pasado y la energía creativa del presente.

Para asistir, es necesario un disfraz a la altura del mito: un vestido blanco vaporoso que vuela a la altura de una peluca rubia platino, un golpe de cadera magistral embutido en el mítico American Eagle jumpsuit, una “motomami” casera, Ginebra y Arturo empuñando a la memorable Excalibur, clásicos televisivos como los electroduendes o Carmen Sevilla con su corderito. Si lo tuyo son las leyendas de arte, un homenaje a Maruja Mallo o un sencillo bigote daliniano servirá.

Los asistentes podrán disfrutar de una velada llena de sorpresas desde las 22.30 hasta las 6.00. Durante toda una noche, el edificio se transformará para acoger una experiencia inmersiva donde el disfraz, la música, la imaginación volverán a ser los grandes protagonistas.

Este año, la fiesta contará de nuevo con la curaduría musical de El Cuerpo del Disco, que han diseñado un programa de actuaciones muy especial en el que se cuelan Gee Contreras y sus ritmos caribeños y africanos, las sesiones festivas a medio camino entre la verbena y el club de Alnank, las influencias afro-latinas de Anthonius, la versátil y envolvente Cherry Pie, Diana Aller y su propuesta entre lo urbano y lo chochi-queer, y Tiraya b2b PatataonStereo, que se unen con el propósito de mantener la pista de baile activa hasta que se enciendan las luces.

Otra de las piezas angulares del Carnaval del Círculo de Bellas Artes es el cartel. Este año ha sido diseñado por el artista Ricardo Cavolo. Su trabajo se ha presentado en galerías de París, Londres, Montreal, Oporto o Milán. Cavolo también ha participado en proyectos creativos para numerosas marcas internacionales y ha publicado diversos libros y novelas gráficas con editoriales como Lunwerg, Nobrow o Límina. Su obra mural forma parte de festivales internacionales como Glastonbury (Reino Unido), Label Valette (Francia), Mural (Canadá) o Cut Out Fest (México).

Desde su primera edición en 1891, el Baile de Máscaras del Círculo ha sido una de las citas más emblemáticas de la vida cultural madrileña. Inspirado en los grandes carnavales europeos y en la tradición de los bailes de máscaras venecianos, este evento ha acogido a generaciones de artistas, intelectuales y amantes de la fiesta en un ambiente donde la creatividad y la libertad de expresión son protagonistas.

A lo largo de los años, el Baile de Máscaras ha evolucionado para convertirse en un referente del carnaval en Madrid, manteniendo siempre su esencia transgresora y sofisticada. Este 2026 regresa con una apuesta por la unión de su pasado y su presente. Puedes acceder a la venta de entradas pinchando en este enlace.

Antonio Palacios fue uno de los arquitectos que mejor definieron el Madrid del primer tercio del siglo XX, pero también un ejemplo incómodo de cómo la clase social podía determinar el final de una carrera brillante incluso cuando el reconocimiento profesional parecía ya asegurado. Sus edificios siguen hoy convertidos en postales de la ciudad, mientras su biografía late como recordatorio de hasta qué punto los afectos y las alianzas que se desviaban de la norma de clase podían quedar discretamente apartados del relato oficial. Pasear por el Palacio de Cibeles, el Círculo de Bellas Artes o el Hospital de Maudes es, en realidad, recorrer la historia de un ascenso meteórico, de un silencioso ostracismo.

El arquitecto nació en O Porriño, Pontevedra, en 1874, y se formó en la Escuela de Arquitectura de Madrid en plena ebullición de estilos, entre el eclecticismo tardío, el modernismo y las primeras vanguardias. Su carrera despegó muy pronto: en los primeros años del siglo XX comenzó a trabajar junto a Joaquín Otamendi, con quien firmaría algunas de las obras más emblemáticas de la capital. En apenas una década pasó de joven arquitecto recién llegado a la capital a autor de edificios que condensaban la ambición urbana de Madrid, mientras empezaba a proyectar también en Galicia un legado que hoy se reparte entre ambos territorios.

Durante décadas, la historiografía apenas contaba con el artículo de González Amezqueta en Arquitectura (1967) como gran referencia, hasta que la exposición del Museo Municipal de Madrid de 1987 sobre la arquitectura madrileña de la primera mitad del siglo XX actualizó y amplió de forma decisiva el conocimiento de su obra. El giro se consolida con investigaciones recientes como las de Álvaro Bonet, que han identificado un centenar de obras inéditas y nueva documentación sobre más de cuarenta proyectos, confirmando que conocíamos bien su obra, pero no tanto su biografía. Las celebraciones del 150 aniversario (2024–2025) reforzaron su lugar en el relato de la ciudad, a la vez que hicieron más evidente lo que ese relato había preferido omitir.

El antiguo Palacio de Comunicaciones, hoy Palacio de Cibeles y sede del Ayuntamiento, es quizás la imagen más reconocible de Palacios. Concebido junto a Otamendi como sede de Correos y Telégrafos, se levantó entre 1907 y 1919 en la confluencia de Alcalá y el Paseo del Prado, ocupando un lugar estratégico en el mapa simbólico de la ciudad. Aquella catedral de las comunicaciones combina piedra blanca, hierro y vidrio con un lenguaje neoplateresco y un programa escultórico elaborado, articulado en torno a grandes patios de luz que hoy siguen abiertos al público como espacio cultural.

Si Cibeles escenifica la modernidad administrativa, el Círculo de Bellas Artes resume la ambición cultural de una ciudad que quería dialogar con las capitales europeas. Encargado en los años veinte, el edificio despliega hacia la calle Alcalá una fachada clasicista monumental coronada por Minerva, mientras por dentro se organiza como una máquina de sociabilidad: salones, salas de exposiciones, cine, teatro y biblioteca que Jacobo Armero ha leído desde la circulación del público, con la escalera como columna vertebral. Hoy, subir a su terraza convertida en mirador urbano es una forma de experimentar físicamente esa arquitectura que ordena lo que se ve, cómo se recorre y desde dónde.

El Hospital de Jornaleros de Maudes introduce una dimensión distinta: la arquitectura al servicio de los trabajadores y de la beneficencia. Impulsado por Dolores Romero, quien financió el proyecto, y abierto en 1916, el complejo se pensó para atender gratuitamente a obreros sin recursos mediante un sistema de pabellones en diagonal abiertos a jardines, con buena ventilación y separación clara de sus usos. La pasarela de hierro y cristal que conecta el cuerpo central con la sala de cirugía anticipa un racionalismo tecnológico insólito en la ciudad de su tiempo, y el posterior abandono del conjunto, rescatado en los años 80, dice mucho de las prioridades patrimoniales que durante años relegaron las arquitecturas ligadas a la cuestión social.

Del encargo al silencio

Mientras su obra ganaba presencia en la ciudad, la trayectoria personal de Palacios se movía dentro de un marco social rígido, donde el origen y las relaciones contaban casi tanto como el talento. Procedente de un entorno ajeno a las élites madrileñas, su carrera puede leerse como la del profesional que asciende en un sistema corporativo fuertemente estratificado, en el que la respetabilidad se consolida no solo con concursos y encargos, sino también con capital social, alianzas y de la obediencia a normas implícitas.

En ese contexto, su matrimonio tardío con una ama de llaves no fue recibido como una anécdota privada. El enlace, en torno a los cincuenta años, coincidió con un progresivo abandono de la práctica y con un clima de desprecio clasista en su entorno profesional, que interpretó la unión como un desclasamiento impropio de un arquitecto consagrado. No hizo falta una sanción formal: bastó con dejar de contar con él en determinados encargos, desplazar su nombre de ciertos circuitos y permitir que su vida se difuminara en los relatos históricos mientras sus edificios seguían protagonizando la postal institucional.

El resultado es el de un talento celebrado pero disciplinado: un arquitecto que contribuye a imaginar la ciudad moderna y que, sin embargo, se ve expulsado de la escena cuando sus decisiones personales no encajan con la norma de clase.

El Círculo de Bellas Artes de Madrid, una institución con 145 años de historia, es un reflejo de la heterogénea vida sociocultural de la ciudad. Su terraza, con vistas privilegiadas del centro, recibe un público selecto que acude con sus mejores galas a disfrutar de un ambiente de lujo. Los habituales del Teatro Bellas Artes son más diversos, aunque en general son una población más envejecida que en su tiempo libre gustan de dejarse llevar por su curiosidad escénica. El Cine Estudio, con cuidadas retrospectivas, cala entre una audiencia muy cinéfila y más desgarbada que poco tiene en común con los aires elevados de la azotea (ambos grupos casi parecen esquivarse). A ello hay que sumar las madres, padres y peques que acuden a planes familiares. O quienes van a una presentación en algunas de sus imponentes salas, donde han lanzado sus libros desde Pedro Sánchez hasta Cayetana Álvarez de Toledo.

Este crisol de pensamientos permitió que el número 42 de la calle Alcalá, desde 1926 sede del Círculo (también conocido por sus siglas CBA), pasase a ser mucho más que un imponente edificio proyectado por el arquitecto Antonio Palacios. De ahí la “gran decepción” de su presidente, Juan Miguel Hernández León, ante el enorme recorte en la subvención anual otorgada por el Gobierno de Isabel Díaz Ayuso. 250.000 euros hace dos años, 100.000 en el ejercicio anterior y apenas 12.000 en la última convocatoria resuelta. Una drástica disminución que la Comunidad de Madrid sustenta mediante un cambio de modelo: las ayudas pasan de ser nominativas a ejecutarse por proyectos. Pero esta modificación ya operaba cuando recibieron los 100.000 euros. Esta vez, en cambio, el Ejecutivo regional rechaza una veintena de propuestas del CBA y solo apoyará la tradicional lectura continuada del El Quijote el Día del Libro.

De fondo, subyace un cuestionamiento del compromiso del Círculo con la cultura y el arte críticos. El espacio acogió un encierro docente de la Marea Palestina que exigía el embargo de armas a Israel, además de exposiciones sobre la realidad de Gaza antes y durante el genocidio cometido por el Gobierno de Benjamin Netanyahu. También acciones que reivindican la Memoria Histórica frente a cualquier blanqueamiento de la dictadura franquista, como la instalación Libre, en la que un artista regaló 25.000 réplicas en miniatura del caballo de la estatua ecuestre de Francisco Franco, pero sin su jinete.

Hernández León, tan cauto como contundente en conversación con Somos Madrid, admite que la propia Comunidad de Madrid les comunicó sus reservas con este tipo de iniciativas: “Hacéis cosas que no nos gustan”, dice que les trasladaron representantes de la Consejería de Cultura en el consorcio. Un importante punto este a tener en cuenta, como bien recalca: el Ejecutivo de Ayuso forma parte del órgano rector del CBA, creado en 1983 con la Comunidad de Madrid en un papel primordial. También participan instituciones privadas, el Ayuntamiento de la capital y el Ministerio de Cultura. “Con ninguno hemos tenido problema alguno y la relación es magnífica. Lo ha sido siempre, salvo por una ministra de Cultura y una alcaldesa que quisieron salirse del consorcio”, cuenta. No da nombres, pero las figuras de Esperanza Aguirre y Ana Botella vienen irremediablemente a la cabeza para trazar un paralelismo con la actual presidenta madrileña.

Más allá de ello, Hernández León solo tiene buenas palabras para ministros, alcaldes o dirigentes autonómicos con los que ha tratado desde que asumió la presidencia en 1995. La buena sintonía es palpable con el actual Consistorio y con el responsable de la cartera de Cultura, Ernest Urtasun, que incluso ha elevado en 50.000 euros (hasta los 300.000) la aportación original del Ministerio con el objetivo de paliar el recorte de Ayuso. “Nos parece una forma de censura y de apagar voces críticas en una institución cultural de primerísimo nivel”, ha opinado Urtasun en declaraciones a la prensa sobre la sensible rebaja en la aportación regional.

Compromiso con la cultura y el arte que “no se complementa bien con el proyecto” del Gobierno de Ayuso

El dirigente del CBA no arremete con la misma dureza contra la Comunidad de Madrid, pero enfrenta al modelo autonómico el compromiso de su institución con manifestaciones culturales que no sean cómodas: “En la última reunión del patronato, un representante de la Comunidad de Madrid vino a decir que no se complementaba bien el proyecto cultural de la Comunidad de Madrid con el del Círculo de Bellas Artes. Y que con ese mensaje podíamos entender lo que teníamos que hacer para que retornaran las ayudas como eran antes. No sé si son tan defensores de la libertad de expresión y de creación como somos nosotros, pero nuestro concepto del arte y de la cultura disiente un poco del que tiene la Comunidad. Entiendo que es un problema de confrontación estética, porque aquí creemos que el primer papel del arte no es el mero entretenimiento”.

“Somos la única institución española que pertenece a la European Alliance of Academies, una alianza con más de 70 entidades culturales europeas donde uno de los principios básicos es la defensa de la libertad de expresión. Nosotros luchamos por ella y creemos que sobre la cultura y sobre el arte no se puede ejercer ningún tipo de censura”, subraya Hernández León para ilustrar el firme compromiso del CBA con valores como la libertad de creación y de crítica. “Creemos en ello y creemos que el papel de la cultura es precisamente crear una ciudadanía consciente, reflexiva y crítica, no respecto a una ideología concreta, sino inclinada a una apertura y una comprensión de qué es la sociedad y qué es estar en el mundo. Eso no se consigue con panfletos ni con entretenimiento, se consigue con una práctica artística crítica y auténtica”.

El papel de la cultura es crear una ciudadanía consciente, reflexiva y crítica, no respecto a una ideología concreta, sino inclinada a una apertura y una comprensión de qué es estar en el mundo. Eso no se consigue con panfletos ni con entretenimiento

Juan Miguel Hernández León — Presidente del Círculo de Bellas Artes

“El arte, si es entretenimiento, es pura decoración. Y, por tanto, esa no es su función. El gran arte, y no me refiero a que sea estrictamente popular o elitista, tiene en su naturaleza provocar inquietud, forzar a la reflexión. Ese es el modelo en el que creemos”, expone Hernández León. “Si la concepción sobre el arte es el puro entretenimiento, eso da lugar a la guía del ocio. Desde mi punto de vista, es una mirada muy simple y muy negativa de cuál es la auténtica función de las prácticas artísticas”, añade. Arquitecto de dilatada trayectoria, cuenta con formación en disciplinas tan dispares como matemáticas o estética. Fue además campeón nacional de kárate. Una figura tan polifacética como la institución que lidera.

La participación de la Comunidad de Madrid en el consorcio, cuestionada

En las reuniones del patronato del CBA participan, además de comapñías privadas, representantes estatales, municipales y autonómicos. En representación de esta último administración comenzó acudiendo el consejero de Cultura, Mariano de Paco, pero pronto lo derivó en sus directores generales. “Yo lo que les expliqué y puse sobre la mesa era el hecho de que el consorcio estaba para apoyar un proyecto global en la institución. Y entonces, lo que me dijeron en aquel momento fue hacéis cosas que no nos gustan”.

“Cuando hablamos de consorcio, supone una asociación de entidades públicas con instituciones privadas. ¿Qué quiere decir esto? Que tiene una lógica interna que está regida por la Ley 40/2015, de 1 de octubre, de Régimen Jurídico del Sector Público. Esta norma regula el carácter, la identidad y el funcionamiento de un consorcio. Establece que es una asociación para apoyar un proyecto colectivo. Un proyecto, no actividades concretas”, expone Hernández León. Esta cuestión, opina, recrudece la actuación discrecional del Gobierno regional respecto a anteriores recortes en ayudas a entidades donde no existía detrás esa figura del consorcio, como el sufrido por el Ateneo de Madrid en 2023 (aunque ahora la Consejería de Cultura presume de haber aumentado a 260.000 euros las ayudas a esta institución, para las obras de su edificio).

“Una primera razón que se dio por parte de la Comunidad era que el nuevo modelo es más operativo y se mejora la eficiencia presupuestaria, pero es todo lo contrario. Un convenio sobre una actividad exige una serie de procedimientos de justificación o de facturación que dificultan mucho más la transferencia económica y el pago de las actividades”. Y recuerda Hernández León que, con el formato de ayudas previas, “más allá del consorcio también se puede apoyar a muchas actividades concretas”.

Una primera razón que se dio por parte de la Comunidad era que el nuevo modelo es más operativo, pero es todo lo contrario. Un convenio sobre una actividad exige una serie de procedimientos de facturación que dificultan el pago de las actividades

Juan Miguel Hernández León — Presidente del Círculo de Bellas Artes

Muestra su pesar ante esta situación, ya que la creación del consorcio del Círculo de Bellas Artes “tenía en su origen allá por 1983, como protagonista, a la Comunidad de Madrid”. “Una de las condiciones por las que se crea, estoy hablando de cuando era ministro de Cultura Javier Solana, era procurar la supervivencia y el funcionamiento económico del Círculo. Que después de tantos años se introduzca una serie de factores distorsionantes sobre lo que es un consorcio y su funcionamiento produce una cierta decepción”. Más si cabe cuando no es solo una cuestión de modelo. Las subvenciones por proyecto en vez de nominativas redujeron un 70% la retribución autonómica en 2024, pero este 2025 ha vuelto a decaer y esta vez hasta un 88%.

Fuentes de la Consejería de Cultura (que valoraron “muy positivamente” la subida en la ayuda del Ministerio) trasladan a este periódico que, aunque este año solo aportan a la lectura de El Quijote, “en convocatorias posteriores aspiraran a recibir ayudas por otros”. Pero Hernández León precisa que les han sido denegadas otra veintena de propuestas. “Algunas tan neutrales, podríamos decir, como la muestra dedicada al 100 aniversario del magnífico edificio que nos sirve de sede. U otra sobre nuestra evolución en las últimas décadas, que ha traído aquí a intelectuales de la talla de Salman Rushdie o Günter Grass. Se llama Eclosión y explicará al gran público lo que esta institución ha supuesto para la ciudad en su última etapa”. Menciona actividades asentadas, como el Festival de las Ideas o el refugio climático con el que ayudan a combatir el calor en verano. Iniciativas que “tienen una encardinación clarísima en la reflexión sobre la gestión cultural y sobre el arte”. Pero ninguna, lamenta, “le ha complacido a la Consejería de Cultura”.

Garantías para la continuidad económica y de la programación: “Somos la casa de la libertad”

Hernández León aclara que la afrenta es más bien simbólica y no compromete la estabilidad del Círculo: “Las aportaciones globales del consorcio, incluyendo las entidades privadas que lo integran, suponen el 15% del presupuesto que gestiona el Círculo de Bellas Artes”. A ello hay que sumar ventas de entradas, patrocinios, alquileres de salas o aportaciones de los socios. El CBA es actualmente, según varias encuestas, “la quinta institución cultural de Madrid, solo por detrás del Prado, el Reina Sofía, el Thyssen y el Teatro Real”. Los primeros de los mortales.

La Comunidad de Madrid aporta una parte importante de la dotación de ese 15%, pero aun así es una cifra “no demasiado importante” e insuficiente para desequilibrar las cuentas. La merma manda más bien un mensaje que cuestiona a una institución por apartarse de la línea de pensamiento o acción del Gobierno autonómico. En este punto, el presidente del CBA se muestra tajante: “En los propios estatutos del consorcio figura muy claramente el hecho de que la responsabilidad y la capacidad para decidir qué se hace en el proyecto cultural es de la asociación Círculo de Bellas Artes, no de ningún elemento ni administración exterior”.

Preguntado acerca de si siente que el Ejecutivo de Ayuso le ha puesto en entredicho, Hernández León relativiza: “Con mis años y mi trayectoria, no me siento cuestionado más que por mí mismo. Hay que tener en cuenta el bagaje de una institución como esta. Nace sin fines de lucro y con una marcada utilidad pública para fomentar las artes. Desde que saltó la noticia, hemos recibido llamadas de apoyo de múltiples instituciones madrileñas y españolas. La Asamblea General de Socios será en enero y hasta ahora han mostrado un respaldo mayoritario a lo que hacemos. Hemos tenido momentos peores, llamadas de presión, manifestaciones en la puerta y casos en los juzgados. Pero creemos en la libertad de creación, tanto en los temas como en la forma de tocarlos. Lo único que no toleramos son fake news o posturas oscurantistas, pero no vamos a ejercer censura sobre ninguna práctica artística. Somos la casa de la libertad”.

Al pulso que el Gobierno de Ayuso mantiene desde hace dos años con el Círculo de Bellas Artes se acabade sumar un nuevo actor. El Ministerio de Cultura ha anunciado este martes que aumentará su aportación económica a la institución para intentar paliar en parte el descenso que la Comunidad de Madrid prevé en sus cuentas para el 2026.

“La asfixia económica es una práctica de censura que estamos viendo en otras Comunidades Autónomas y que desde el Ministerio de Cultura estamos combatiendo”, ha explicado el ministro Ernest Urtasun para justificar que el año que viene la aportación ministerial para el Círculo alcanzará los 300.000 euros, 50.000 más que en este ejercicio.

La Comunidad de Madrid aportaba cada año 250.000 euros al Círculo de Bellas Artes, una entidad privada cultural, sin ánimo de lucro, ubicada en un icónico edificio de la calle Alcalá. Pero en sus presupuestos del año 2025 redujo esta aportación a 100.000 euros y en las cuentas del 2026 tan solo prevé dedicar 12.000 euros a esta institución, explican desde el Ministerio de Cultura.

“Supone un intento injustificado de condicionar la programación del Círculo y ejercer una presión incompatible con la autonomía cultural que debe regir cualquier institución artística”, denuncia Urtasun en una nota, donde también alerta de que el descenso en la financiación del Gobierno regional “pone en peligro la continuidad de su actividad regular”.

El anuncio ha tenido lugar en el marco de la reunión del Patronato del Círculo de Bellas Artes, del que el Ministerio de Cultura es miembro, y que se ha celebrado esta tarde en Madrid. en ella, Urtasun ha resaltado “el compromiso del Ministerio de Cultura con la libertad de creación y con el papel independiente que el Círculo ha desempeñado históricamente en la vida cultural madrileña”.

El Círculo de Bellas Artes es un centro multidisciplinar en el que se desarrollan actividades que abarcan desde las artes plásticas hasta la literatura pasando por la ciencia, la filosofía, el cine o las artes escénicas. Hace unos días albergó la instalación Libre, con la que el escultor Fernando Sánchez Castillo conmemoraba los 50 años de libertad después de la muerte de Franco. En ella se regalaban 25.000 esculturas del dictador a caballo y con el cuerpo cortado a la altura de la cintura, a cambio de un mensaje sobre el valor de la libertad.

Explica el Ministerio de Cultura que “el Círculo se caracteriza por su actitud abierta hacia las más destacadas e innovadoras corrientes artísticas y se ha convertido en uno de los centros culturales privados más importantes de Europa”.

La Comunidad de Madrid asegura que subvencionará por proyectos

Fuentes de la Consejería de Cultura han salido al paso de las declaraciones de Urtasun explicando que se ha cambiado el modelo de ayudas tanto al Círculo como a otras instituciones similares, citando al Ateneo de Madrid. Las entregas presupuestarias ahora se ejecutan por proyectos y, de momento, solo se ha cerrado el acto de la lectura del Quijote, por valor de los 12.000 euros citados.

El consejero Mariano de Paco se ha pronunciado este miércoles sobre la noticia con estas palabras en X: “Cree el censor que todos comparten su condición, el porcentaje de financiación de las administraciones públicas en el Consorcio del CBA es del 4%”. Y ha añadido: “Lo que asfixia a la Cultura es la deslealtad, el engaño y la necedad”.

En la misma línea, el portavoz del Gobierno regional, Miguel Ángel García, recordaba esta mañana en rueda de prensa que “la Comunidad de Madrid ha sido históricamente la administración que más ha aportado al Círculo de Bellas Artes. ”Nosotros lo que hemos hecho es un cambio en el modelo; lo hicimos no solo con el Círculo de Bellas Artes, con otras instituciones, y por tanto estamos financiando proyectos“. A la vez defendió que el Ejecutivo que representa ”está protegiendo a la cultura, está protegiendo a los creadores y está protegiendo y financiando a todas y cada una de las instituciones culturales a través de esa política de financiación de proyectos“.

Madrid vuelve a convertirse en el epicentro del cine independiente con la 15ª edición del Festival Márgenes, que se celebrará del 23 al 30 de noviembre en diversas sedes de la ciudad: Cineteca Madrid, Sala Equis, el Museo Reina Sofía, el Círculo de Bellas Artes y La Casa Encendida. Fiel a su espíritu de descubrimiento, el certamen presenta este año una Sección Oficial de once títulos internacionales, todos ellos estreno en Madrid, que trazan un mapa vibrante del cine contemporáneo en su vertiente más exploratoria. Parte de la programación será de acceso gratuito y la información detallada de horarios y precios está disponible en la página oficial del festival, donde también pueden adquirirse las entradas.

El programa reúne nombres consagrados del cine de autor junto a algunas de las voces más estimulantes del panorama audiovisual actual. La canadiense Sophy Romvari inaugura la sección con Blue Heron, un retrato íntimo de una familia inmigrante en Vancouver marcado por tensiones invisibles y la persistencia de la memoria. Le sigue la argentina Lucrecia Martel, que en Nuestra tierra transita hacia el documental creativo para indagar en la relación entre crimen, identidad y territorio.

El rumano Radu Jude presenta Kontinental ’25, una ácida reflexión sobre vivienda, responsabilidad social y capitalismo contemporáneo, mientras que el cineasta chino Bi Gan regresa con Resurrection, una obra hipnótica que continúa su exploración del sueño, el tiempo y el deseo a través de una puesta en escena sensorial y onírica.

La sección también acoge propuestas que expanden los límites entre realismo y leyenda, como Testa o croce?, de Matteo Zoppis y Alessio Rigo de Righi, así como trabajos centrados en lo material y lo corporal, como Frío Metal, del mexicano Clemente Castor. Desde Portugal, Pedro Pinho aporta O riso e a faca, una indagación lúdica y fragmentaria sobre género, trabajo y representación.

Entre las apuestas más singulares figuran Loynes, del belga Dorian Jespers, que se adentra en una luminosidad inquietante para capturar el desconcierto contemporáneo, y When the Geese Flew, del neozelandés Arthur Gray, que explora una lejanía de resonancias espectrales. Por su parte, Control Anatomy, del cineasta gazatí Mahmoud Alhaj, examina la vulnerabilidad del cuerpo y las dinámicas de violencia desde la experiencia personal del autor, quien asistirá a presentar la película.

Los once filmes configuran una cartografía del cine como espacio de experimentación, donde documental y ficción se entrecruzan para pensar un mundo en permanente conflicto y transformación. Una edición que reafirma a Márgenes como un punto de encuentro imprescindible para el cine de autor desde 2012.

Premios, homenajes y focos especiales

El Festival Márgenes celebra este año a destacadas voces del cine y el audiovisual internacional con reconocimientos y programas especiales. La cineasta alemana Ángela Schanelec, una de las autoras más relevantes del cine europeo contemporáneo, recibirá el Premio Especial Márgenes 2025 en reconocimiento a su trayectoria singular y a su contribución a la renovación del lenguaje cinematográfico.

Actriz de formación y vinculada a la Escuela de Berlín, Schanelec ha desarrollado una filmografía marcada por un estilo austero, poético y profundamente emocional, abordando con delicadeza temas como el duelo, la maternidad y la incomunicación. Su obra, comparada por la crítica con la de Robert Bresson, Michelangelo Antonioni o Chantal Akerman, ha participado en festivales como Cannes, Locarno o Berlín, donde obtuvo el Oso de Plata a la Mejor Dirección por Estaba en casa, pero… (2019) y el Oso de Plata al Mejor Guion por Música (2023). Durante el festival, la cineasta participará en un encuentro con el público y será protagonista de un foco retrospectivo que repasará parte de su obra.

Por su parte, Jaime Puertas Castillo, una de las voces más originales y prometedoras del audiovisual español, recibirá el Premio Márgenes Futura. Su obra fusiona tradición rural, fantasía y ciencia ficción en relatos de gran carga simbólica, creando un territorio cinematográfico propio donde el paisaje rural se transforma en mito, memoria y posibilidad futura. Como parte del homenaje, el festival presenta la instalación performativa El cuarto de los tres escritorios y la proyección de su ópera prima Historias de pastores, acompañada del cortometraje Anunciación a los pastores.

Además, el Festival Márgenes y el Museo Reina Sofía dedicarán un foco al colectivo artístico holandés Metahaven, formado por Vinca Kruk y Daniel van der Velden. Su trabajo, situado en la intersección del arte, el cine y el pensamiento crítico, explora cómo la tecnología, la política y los sistemas mediáticos condicionan la percepción de la realidad, la identidad y la verdad. El programa incluye obras como The Sprawl (Propaganda About Propaganda) (2016), Chaos Theory (2021) y The Feeling Sonnets (Transitional Object) (2024), además de una clase magistral impartida por el dúo.

El festival también continúa apostando por la formación, la innovación tecnológica y la profesionalización a través de actividades paralelas, charlas, programas de alfabetización audiovisual y espectáculos AV. La edición de 2025 está organizada por la Asociación Cultural Cine en Ruta con el apoyo del ICAA, el Ayuntamiento de Madrid, Acción Cultural Española, La Casa Encendida y diversas instituciones culturales y educativas.

Algunas de las sesiones de las gratuitas, el resto oscilan entre los cuatro y los cinco euros. Puedes acceder a la venta de entradas pinchando en este enlace.

Este sábado 15 y el domingo 16 de noviembre el Círculo de Bellas Artes de Madrid expone Libre, una instalación del artista Fernando Sánchez Castillo compuesta por 25.000 réplicas en miniatura del caballo de la estatua ecuestre de Francisco Franco, pero sin su jinete.

La obra forma parte de España en libertad, el programa impulsado por el Gobierno para conmemorar los 50 años del inicio de la Transición coincidiendo con el aniversario de la muerte del dictador, el próximo 20 de noviembre.

Las miniaturas reproducen el peso y la forma del caballo creado por José Capuz, cuya escultura presidió los Nuevos Ministerios hasta su retirada en 2005. En esta ocasión, todas las piezas se presentarán sobre el suelo de la Sala de Columnas del Círculo, donde el público podrá llevarse una de ellas a cambio de dejar un mensaje —palabras, dibujos o reflexiones- sobre la libertad, la democracia o los derechos fundamentales.

Según la organización, la imagen del caballo sin jinete tiene “una poderosa carga simbólica”: pretende representar la caída del poder del pedestal y convertir al animal en un emblema de movimiento y de impulso democrático.

Datos de interés:

“La frase si los pobres no nos ayudamos entre nosotros... fue totalmente suprimida”. La proyección de El inquilino (1957) el pasado domingo 5 de octubre en el Cine Doré fue acompañada de las escenas modificadas o cortadas por la dictadura franquista. En principio la película de José Antonio Nieves Conde, sobre un hombre interpretado por Fernando Fernán Gómez que no encuentra un hogar para su familia mientras enfrenta un inminenete derribo, eludió la censura. Pero cuando el Ministerio de la Vivienda vio el corte estrenado en salas ordenó su retirada, la secuestró durante meses, eliminó secuencias y diálogos, añadió otros en doblaje para matizar que la casa había sido declarada en ruina e impuso un final alternativo y edulcorado.

El ministro que dirigía la cartera era José Luis Arrese, autor de una cita que sintetiza la siniestra transformación ideológica que el franquismo quiso llevar a cabo en el país durante los primeros años del desarrollismo: “No queremos una España de proletarios, sino de propietarios”. Unas declaraciones recogidas el 2 de mayo de 1959 en ABC que ahora Filmoteca Española y el Círculo de Bellas Artes de Madrid (CBA) utilizan como inspiración para nombrar y vertebrar un ciclo inaugurado, precisamente, por la copia restaurada de El inquilino: “Un planeta de inquilinos. El derecho a una vivienda digna”.

“No fue fácil llegar al título”, admite en conversación con Somos Madrid el director de programación de Filmoteca Española, Carlos Reviriego. “Es una derivación y proyección del famoso eslogan de las políticas de vivenda de los cincuenta, que se ha quedado en el ADN del ciudadano español. Luego además se ha mantenido en unos gobiernos democráticos que han seguido estimulando la apreciación de ser propietario. No es hasta la crisis económica de 2008 que todo eso implosiona a la vez que lo hace la burbuja inmobiliaria. Por eso creemos que hay una noción histórica que sirve como reverso a esa idea del propietariado y que es la que nos propusimos explorar”, explica.

Una selección de 21 títulos, después de “muchas renuncias”, que se exhiben entre el Doré (con proyecciones gratuitas) y el Cine Estudio del CBA hasta el próximo 1 de noviembre. Películas eclécticas en sus orígenes, sus géneros, sus épocas o sus perspectivas unidas por un nexo común: la vivienda como epicentro de la vida humana y como espacio repleto de posibilidades cinematográficas. Y por otro elemento que los responsables de confeccionar el programa han tratado de tener muy presente: la mirada humanista y solidaria a los dramas que surgen alrededor del hogar.

“Lo que uno siente viendo estas películas es un sentimiento de solidaridad, de no estar solo ante este problema. No son recetas mágicas, pero sientes que el colectivismo, la acción comunal o la vecindaria son maneras de enfrentar la situación. Algunas tramas encuentran la solución ahí, al menos una solución moral”, destaca Reviriego. “Hay sobre todo una concepción humanista a la que hemos dado prioridad, porque es la visión y la mirada que tenía Nieves Conde”.

“Podemos rastraerla en el Yasujiro Ozu de Historia de un vecindario (1947), en esa solidaridad vecinal para ofrecer una vivenda a un huérfano. Lo mismo con Vittorio De Sica, gran maestro italiano del humanismo, en El techo (1956). O en los kitchen dramas de Mike Leigh y Ken Loach: Meantime (1983) y Cathy Come Home (1966). Por supuesto en la mirada humanista de los Hermanos Dardenne a esa Europa del siglo XXI marcada por la precariedad y la desigualdad en Rosetta (1999). En Pedro Costa, que siempre pone al hombre y la comunidad por encima de todo lo démas. E incluso en Francesco Rosi, aunque lo compagina con una denuncia política y de corrupción muy potente en Las manos sobre la ciudad (1963)”.

“Evidentemente a la hora de plantear el ciclo ha tenido peso la importancia del tema de la vivienda en este momento en España”, comenta Manuel Asín, coordinador del área de cine del Círculo, en declaraciones a este periódico. “A raíz de la restauración de El inquilino, pensamos en hasta qué punto la Ley de Vivienda de Arrese ha sido una cuestión clave en el desarrollo de las políticas de vivienda en aquellos tiempos y hasta hoy. Luego empezamos a pensar en otros países del contexto europeo, como Italia, y poco a poco fuimos trazando una pequeña investigación dentro de los medios que tenemos”.

Relata que el ciclo nació de la “conversación permanentemente abierta” entre Filmoteca y CBA, dos instituciones que “programan mucho cine de patrimonio, recuperado, a través de colaboraciones en distintas iniciativas”. Un objetivo común por “recuperar películas del pasado invisibilizadas, sin buenos materiales o que necesitan actualización permanente en la coyuntura digital”.

“Filmoteca nos habló de que El inquilino era su restauración más importante del año [impulsada por el Centro de Conservación y Restauración de Fondos Fílmicos Carlos Saura]. Octubre es el mes del archivo y el pasado día 6 fue el día del cine español. Detectamos que había una posibilidad de hacer un ciclo de cine de patrimonio (con copias restauradas, recuperadas o de calidad) sobre la vivienda o el acceso a la vivienda, un tema vital en la historia del cine”, expone Asín. Hay que señalar, eso sí, que esta calidad no está presente en todas las proyecciones: la de Mi tío (1958) fue un anodino Blu-Ray, una pena teniendo en cuenta el mimo y la belleza que Tati pone en el color.

Este arduo proceso de indagación y gestión de derechos ha acabado dando forma a un ciclo en el que de lo local se ha llegado a lo global, sin perder la perspectiva humana y empática que domina la mayoría de obras programadas: “En la época de El inquilino se produjeron varias películas españolas en la que la cuestión de la vivienda y las dificultades en su acceso tenían gran peso, como Esa pareja feliz (Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga, 1951) o El pisito (Marco Ferreri, 1958). Pero, más que algo específico, pensamos que la escala debía ser planetaria. Una invitación a seguir el tema con diversos títulos, equilibrando épocas y países, desde los años treinta hasta la contemporaneidad”, subraya. Enriquecen el ciclo el retrato de Sara Gómez sobre los intentos de regenaración urbana en Cuba con De cierta manera (1974) o el documental sobre migrantes africanos en París Nationalité inmigré (1976), del mauritano Sydney Sokhona.

Cine y políticas de vivienda, ¿dos derrotas paralelas?

“Investigando para el ciclo casi se puede construir una historia del cine paralela a partir de este tema de la vivienda, que siempre nos ha preocupado”, cuenta Reviriego. De ahí surge este “carácter planetario” de la muestra: “Viendo películas sobre la Gran Depresión, como Lazos humanos (1945), de Elia Kazan o El precio de una vida (1949), de Edward Dmytryk, nos damos cuenta de lo vigentes que son en sus preocupaciones”.

Apunta Asín que “la historia de las políticas de la vivienda social y la del cine son casi contemporáneas, comienzan a desarrollarse en temporalidades muy parecidas”. Y añade: “La casa, la vivienda, el hogar, y la crisis de la familia que lo habita son asuntos centrales en la historia del cine y del arte moderno. Es algo que todos reconocemos de manera muy fácil, se tenga o no cultura cinéfila, por ejemplo en las series. En ellas el espacio base suele ser la vivienda, y si no lo es suele serlo su falta”.

“Es también la imagen primordial del cine. Lo primero que filman los Hermanos Lumière no fue una casa, fue la fábrica, pero en esa pieza la casa es el umbral al que se dirigen los oberos, el primer fuera de campo. Poco después se llevan la cámara a su casa de verano y hacen una docena de pequeñas películas en las que vemos todo lo que pasa alrededor de ella: el jardinero, la partida de cartas, las escenas familiares... El propio nombre de la cámara remite a una habitación. Incluso películas de gigante ambición en las que se habla de la génesis de un país, como El nacimiento de una nación (D.W. Griffith, 1915), son también y ante todo la historia de dos familias”.

Para Reviriego, la vivienda es además un escenario profundamente cinematográfico. Así lo demuestran cineastas muy dispares presenten en el ciclo, desde la maestría intimista de Ozu hasta el derroche de creatividad lúdica en Jacques Tati (en una película que apuesta por la sátira sin renunciar al humanismo): “Siempre se dice que las películas de boxeo representan la esencia del espacio en el cine y son muy adecuadas para este medio por cómo el ring delimita. Algo similar se puede decir de la vivienda, aunque eso no signifique quen todas las películas estén encerradas”.

No en vano, Manuel Asín desgrana cómo la noción de vivienda del ciclo desborda los límites del hogar: “Hay también una dimensión a gran escala, más vinculada con la ciudad. Una película muy representativa de todas estas tendencias es la de Jean-Luc Godard, Dos o tres cosas que sé de ella (1967), donde está todo. Es una reflexión sobre la vivienda casi filosófica que empieza en lo mínimo, en el cobijo, en mujeres que trabajaban y se prostituían en sus casas para mejorar su nivel de vida y acceder a bienes de consumo. Así acaba llegando a otros niveles de reflexión con un montaje brutal de realidades que muestran problemas en escalas múltiples. Godard entiende y transmite que la vivienda es un derecho humano y como tal hay que ver sus profundas implicaciones humanas”.

Señala Asín que cine y políticas sociales de vivienda son dos novedades que marcaron el paso del siglo XIX al XX y que han enfrentado múltiples dificultades en las últimas décadas, en un mundo que parece avanzar dejándolas atrás: “El ciclo, tal como ha salido (lo cual no quiere decir que sea una tesis ni una receta, es solo una imagen posible), muestra que sobre todo en los cincuenta o sesenta hay una mirada muy honda, humanista y comprometida. Según llegamos a la actualidad, con cineastas tan diversos como Pedro Costa, Wang Bing y Adam McKay, parece que el problema se ha ido volviendo más crítico y agudo. Hay una sensación de emergencia, de negrura y de desarraigo enorme. Es una imagen de urgencia”.

Preguntado acerca de si esta tendencia a lo urgente u oscuro responde a un deterioro en las condiciones de la vivienda, a la evolución de las realidades o historias que se muestran en el cine y cómo se cuentan o a una mezcla de factores, Asín reflexiona que “la historia del cine es la de una marginación progresiva respecto a lo que prometió ser”. “Ahora esa marginación afecta a la esfera audiovisual en su conjunto, que es muchas cosas. Empezó con un papel que, con el paso del tiempo, ha entrado en esa misma crisis. Ha pasado a formar parte de políticas que le dejan en una situación crítica”, apostilla.

Entrando en un terreno más pragmático, define la división entre las películas que se proyectan en el CBA y las de Filmoteca como “orgánica”: “Hemos partido de acoger lo propuesto desde cada sede, no hay grandes diferencias entre un espacio y otro pero hay particularidades, cosas prácticas. Por ejemplo, la de Godard o la de Frank Borzage [Fueros humanos, 1933] se pusieron hace poco tiempo en el Doré”. Sobre esta obra, comenta que es “distinta” a las demás que podrán verse en el Círculo, pero “sirve para ligar la programación a la de Filmoteca y va bien que sea la última aunque haya sido azaroso”. Así, dice, “no acabamos con la desesperanza, es una película que tiene su dureza, pero permite buscar la luz”.

Para Reviriego sí hay quizá una diferencia estilística ente las películas de cada cine, aunque no estén escritas en mármol. “Cuando empezamos a idear el ciclo se planteó apostar por solo una vertiente claramente social o militante, pero no queríamos dejar de lado películas en las que el tema va más en la forma. Quizá estas dos corrientes están un poco divididas por sedes, las de Filmoteca son apuestas formales puede que no tan radicales. Pero luego siempre hay excepciones, en el Doré hemos tenido por ejemplo Juventud en marcha (2006), de Pedro Costa”.

'El inquilino' desmonta el mito de la idílica situación de la vivienda en el franquismo

La película de Nieves Conde, autor que ya hizo tambalear los cimientos de la segunda etapa del franquismo con su crítica al éxodo rural en Surcos (1951), es el motor y eje del ciclo. A través del costumbrismo y la comedia amarga, El inquilino desmonta ese lugar común de que el acceso a la vivienda no era un problema en la Dictadura. Cuando un derribo promovido por la especulación inmobiliaria se cierne sobre la última familia que queda en un edificio, el progenitor redobla esfuerzos por encontrar un sitio al que mudarse. Los altos precios, el afán acumulativo capitalista o las inhumanas condiciones de las promociones más modernas, unidas a una cierta incompetencia y orgullo del hombre, vuelven el objetivo casi imposible. Todo ello pese a que la cuadrilla encargada del derrumbe hace todo lo que está en su mano por postergarlo frente a las presiones de la empresa, apelando a la solidaridad obrera.

El inquilino se exhibió el pasado 5 de octubre y Carlos Reviriego avanza que trabajan para darle un segundo pase “en diciembre o enero”. Las obras de accesibilidad en el Cine Doré, que mantienen fuera de servicio la sala 2 y permiten solo una sesión al día, dificultan esas reprogramaciones. Pero sería una forma de volver a poner en valor una restauración que se ha llevado a cabo siguiendo las indicaciones que dejó el propio Nieves Conde, que en un montaje elaborado en 1993 marcó los aspectos censurados o modificados por la censura franquista (detallados al final de la proyección del pasado domingo). Bien merece una nueva oportunidad para su visionado una película que, como señala Reviriego, es “absolutamente pertinente en estos momentos”.

En un momento en el que el genocidio en Gaza ha movilizado el mundo de la cultura, la sociedad ha tomado conciencia de la labor tan importante de los fotoperiodistas para narrar lo que está sucediendo. Un trabajo que, si bien se está viendo actualmente sometido a la censura, ha demostrado ser fundamental a lo largo del tiempo para registrar la historia. Uno de sus máximos pioneros, Robert Capa, ha dado imagen a cinco conflictos decisivos: la Guerra Civil Española, la guerra chino-japonesa, la Segunda Guerra Mundial, la primera guerra árabe-israelí y la guerra de Indochina. Ahora, la exposición Robert Capa. Icons que acoge el Círculo de Bellas Artes hasta el 25 de enero de 2026 homenajea su trayectoria a través de más de 250 piezas originales.

Comisariada por Michel Lefebvre, escritor y periodista de Le Monde especializado en historia contemporánea, y organizada por Sold Out y el propio Círculo, la muestra presenta archivos de la prestigiosa agencia Magnum Photos que el propio Capa fundó. Reveladas por el propio autor y difundidas en periódicos y revistas de las décadas de 1930, 1940 y 1950, las piezas se exhiben conservando las marcas de su tiempo con el fin de transmitir la esencia del fotoperiodismo, una decisión que ha buscado alejarse de las ampliaciones retocadas de otras exposiciones. Se tratan de “imágenes directas, urgentes y de gran valor testimonial” que sirven de testimonio de grandes eventos del pasado.

Rafael Giménez, socio director de Sold Out, ha destacado en la presentación de la muestra que “el poder de ver las obras originales tal cual las concibió el artista o incluso tal cual las reveló”. Esto, sin embargo, no les ha parecido suficiente, de ahí a que también hayan decidido poner contexto sobre cada uno de los conflictos fotografiados: “No es fácil hablar de la Guerra Civil Española sin incurrir en incorrecciones políticas. Hemos intentado, en cada uno de los eventos históricos que presentamos, tener esa mirada neutral que permita a quienes no se han aproximado tanto a esos momentos históricos entender la gravedad del conflicto, la peligrosidad y el valor del testimonio de Robert Capa”.

El comisario Michel Lefebvre ha explicado que “las fotografías originales de época, incluso con sus imperfecciones, son un testimonio mucho más fiel del trabajo fotoperiodístico: ”Con ellas, podemos comprender cómo miraba y cómo trabajaba Capa“. En la presentación, Valerio Rocco, director del Círculo de Bellas Artes, ha subrayado la necesidad de mostrar la ”brutalidad de la guerra“ y de ”poner en valor el fotoperiodismo“. Lo cierto es que Robert Capa quedó ligado a imágenes que forman parte de la memoria del siglo XX: la muerte de un miliciano, emblema de la Guerra Civil Española; las impactantes escenas del Desembarco de Normandía tomadas bajo fuego enemigo en Omaha Beach, y los retratos cercanos de combatientes, civiles y amigos.

El fotoperiodista logró reconocimiento desde los inicios de la Guerra Civil Española, en 1936, cuando adoptó su seudónimo junto a su amiga y futura compañera Gerta Porohylle; ella pasó a llamarse Gerda Taro y él, el húngaro Endre Friedmann, se convirtió en Robert Capa. La también presente Andrea Holzherr, directora global de exposiciones de Magnum Photos, ha señalado que Capa era un “verdadero narrador de historias”. “Estos fotógrafos crearon la agencia poder tener control sobre su trabajo, sobre su obra y sobre sus derechos de propiedad intelectual, sobre el copyright”, ha indicado, “y esto supuso un gran cambio en la historia de la fotografía del siglo pasado”.

La directora enfatiza la relevancia de que se traten de “copias originales e históricas”, en lugar de “revelados que se hayan hecho más grandes o más perfectos”. “Son copias que el propio Capa pudo tener en sus manos”, afirma. Esta es la primera vez que España acoge una muestra de estas características, donde se pueden observar de primera mano los archivos originales de Magnum Photos, así como publicaciones históricas y objetos personales procedentes de la Golda Darty Collection, por lo que se podrán observar fotografías como la de Robert Capa antes de lanzarse en paracaídas sobre Alemania con las fuerzas estadounidenses, que data del 23 marzo de 1945.

Al conjunto de la exposición se suman objetos personales del fotoperiodista, como una de sus célebres cámaras Leica, su máquina de escribir y su carné de conducir, que tratan de acercar a la vida diaria de un hombre que, además de ser corresponsal de guerra, trataba constantemente estar rodeado de aventuras. De hecho, Capa no fue solo un cronista bélico y fotografió a figuras como Picasso, Hemingway o Ingrid Bergman, realizó reportajes de moda, participó en rodajes cinematográficos y cubrió viajes por Europa. Es precisamente la agencia Magnum Photos la que cambió la forma de trabajar de los fotógrafos al darles control sobre sus derechos.

Asimismo, aunque Capa es más conocido por sus imágenes en blanco y negro, la muestra también pone en valor su faceta pionera en color. Desde finales de los años treinta experimentó con la fotografía en color y, tras la Segunda Guerra Mundial, la usó con frecuencia en reportajes para revistas como Life o Holiday. Sus escenas en color, ya sea de viajes, moda o retratos, ofrecen una perspectiva diferente del fotógrafo, sacando a relucir también cómo vivía en su día a día y la modernidad y vitalidad de la época en la que creció.

De esta forma, la exposición invita a entender no solo qué imágenes realizó Capa, sino también cómo se transportaban esas fotografías desde el frente hasta los periódicos, recorriendo grandes distancias en coche, tren o avión en un momento clave para la consolidación del fotoperiodismo moderno. “Cuando se habla de fotografía de guerra, hay siempre censura”, explica el comisario de la muestra, que la destaca como una excelente oportunidad para acercarse al trabajo de uno de los fotoperiodistas más importantes de los últimos tiempos. La exposición se ha inaugurado este 2 de octubre y las entradas ya están disponibles.

El Círculo de Bellas Artes de Madrid aprovechará su temporada 2025-26 para celebrar el centenario de la sede actual de la institución, un edificio cuya construcción fue firmada por Antonio Palacios y que, desde su inauguración, se ha convertido en un punto de encuentro de referencia para la cultura en Madrid. “Este año es un año de efemérides, y aquí hay un patrimonio cultural”, ha afirmado en la presentación Juan Miguel Hernández León, presidente del Círculo, haciendo alusión a los debates, exposiciones, conciertos, proyecciones y espectáculos que ha acogido durante sus cien años de historia.

Lo hará, además, en un contexto alarmante. “El Círculo de Bellas Artes es la casa de Europa, y también lo es en estos momentos, incluso desde la reclamación a que seamos más Europa y la vergüenza de que se pliegue a condiciones inaceptables por parte de un continente”, ha declarado Juan Miguel Hernández León, destacando la “importancia” de una “comunidad que representa los valores humanísticos que en este momento parece que se están perdiendo y olvidando”. “Son tiempos de crisis, de cambio, pero reivindicamos la creación, la cultura, en el sentido de reclamar y acosar socialmente para reivindicar valores que no son fácilmente olvidables. Que pare la matanza de Gaza”, ha añadido el presidente.

El lema de la temporada es Pasado, presente, cultura, buscando así huir de “toda mirada nostálgica del pasado” para reafirmarse en un compromiso que consiste en “ofrecer un espacio abierto, plural y transgresor, donde la creación y los pensamientos libres puedan encontrar siempre cobijo”, según ha indicado Valerio Rocco Lozano. La programación, que incluye desde producciones teatrales y cinematográficas hasta danza y fiestas, planea recordar la huella de quienes han hecho posible el Círculo en tanto se mira hacia adelante.

La digitalización del Círculo de Bellas Artes

Una de las grandes novedades anunciadas por la institución es su digitalización. Por primera vez, el archivo del Círculo se abre de forma digital gracias a un proyecto que hará accesibles miles de documentos inéditos desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, algo en lo que se lleva años . A través del nuevo Portal del Archivo se podrán consultar cartas, bocetos, fotografías, actas o diseños, con el objetivo de preservar la memoria histórica del Círculo de Bellas Artes.

Esta digitalización también transformará la Radio Círculo, que tras 25 años de historia se volverá una plataforma de pódcasts, abierta y gratuita, que “seguirá situándose como un referente para entender los aspectos más desafiantes del presente, un lugar para descubrir nuevas voces y donde dialogar sobre los restos de la cultura contemporánea”, como ha apuntado Valerio Rocco Lozano. Además, se pone en marcha la iniciativa El Círculo fuera del Círculo, un proyecto que posibilitará que su colección viaje a diferentes museos y teatros de España para que pueda ser vista por toda la ciudadanía más allá de Madrid.

En el ámbito del cine, Juan Miguel Hernández León ha anunciado una propuesta que ya está en curso y en la que “se ofrece a toda una serie de directoras y directores, jóvenes y maduros, la posibilidad de realizar cortos experimentales producidos por el Círculo de Bellas Artes”. El presidente ha señalado que ya una serie de nombres comprometidos que han aceptado meterse en este proyecto, entre los que figura el de Gonzalo Suárez, Azucena Rodríguez o Fernando León de Aranoa. Además, con respecto al teatro, también se pasará a retomar su producción con El borbón rojo como una de las obras previstas, siendo este el tercero de los títulos que componen la tetralogía Todo por la Corona de Ignacio Amestoy.

Exposiciones que recorren su historia

Los estrenos expositivos de la temporada están encabezados por la muestra Martín Chirino. Memoria del Círculo, que se inaugura en octubre. Este artista canario conmemora en 2025 el centenario de su nacimiento y asumió la presidencia del centro en 1983, imprimiendo un “enérgico impulso que situó la institución como un lugar innovador de referencia para la cultura de nuestro país”. Además, en febrero llegará la muestra Los futuros del pasado, que mostrará la renovación que vivió el Círculo con Chirino al frente y que situó a la institución como un “centro multidisciplinar que aunaba teoría y enseñanza práctica”, según se ha afirmado en la presentación.

No obstante, el plato fuerte es La Lechuza de Minerva, una propuesta que convocará a artistas y colectivos para que intervengan lugares recónditos del Círculo. A este se le suma la propuesta Utopías posibles. Miradas al futuro del conocimiento en 2050, que supone una serie de seis diálogos virtuales que se celebrarán en mayo y en los que participarán grandes voces del pensamiento contemporáneo para reflexionar sobre el futuro de disciplinas como la ciencia, el urbanismo o la educación.

La presentación también ha servido para dar relevancia a la Escuela SUR, que desde 2014 ofrece una “enseñanza artística global y transversal en la que integra teoría y práctica a través de un posgrado de dos años y un Curso Fundamental de siete meses de práctica artística”. Juan Miguel Hernández ha querido hacer notar su importancia y ha valorado que esta vertiente formativa es esencial dentro de los esfuerzos del Círculo por continuar fomentando la cultura y ofreciendo una experiencia intelectual en el centro de la ciudad de Madrid.

Festival de las Ideas

Otra de las apuestas de la institución es la nueva edición del Festival de las Ideas, que el Círculo de Bellas Artes prepara junto a La Fábrica. Tendrá lugar del 18 al 21 y supondrá tres días de eventos llenos de filosofía y reflexión que serán participativos y abiertos. Los encuentros estarán dispersos por los espacios públicos de Madrid, tomando las calles del centro y algunos de sus edificios más emblemáticos, y elDiario.es es medio colaborador.

Un año más, el Festival de las Ideas propondrá filosofía, música, teatro, arte y demás performances a través de mesas redondas, conversaciones, speakers’ corners, paseos, conciertos, espectáculos y otro tipo de actividades. Lo hará aumentando el número de invitados de 100 a 130, de entre ellos 70 hombres y 60 mujeres. Los nombres más destacados del cartel son el ensayista indio Pankaj Mishra, el escritor franco-libanés Amin Maalouf, la filósofa italiana Adriana Cavarero, el filósofo español Daniel Innerarity, la filósofa española Victoria Camps, y el poeta y novelista francés Michel Houellebecq.

Vlverá a haber dos escenarios fundamentales. Uno de ellos estará de nuevo en la Plaza de España y el otro tendrá lugar en la sede principal, en el Círculo de Bellas Artes. Para celebrar, participar y disfrutar de la nueva edición del Festival de las Ideas no será necesario inscribirse, pues todas las actividades son gratuitas y abiertas a todo el público. No obstante, habrá paseos filosóficos y talleres que requerirán de un número limitado de asistentes, por lo que para ellas sí que deberá haber inscripción previa. Se podrá hacer a través de la página web del Festival, donde también estará disponible toda la programación.

La capital se rinde puntualmente cada febrero a la fiesta del juego de identidades, este año con una programación gratuita de pasacalles, actuaciones musicales y actividades tradicionales. Del sábado de carnaval al Miércoles de Ceniza, Madrid Río y Matadero se convertirán en el epicentro de la mayoría de celebraciones, acogiendo conciertos y un multitudinario desfile el día grande de la festividad. 

Es el momento de desempolvar los disfraces, las máscaras y las pelucas y lanzarse a las calles de la ciudad para celebrar la fiesta más divertida del año. Como siempre, habrá propuestas para todos los gustos y edades. Desde el gran desfile, que protagonizará la programación carnavalera, hasta los conciertos y talleres gratuitos que acogerá Matadero.

Dentro de las citas tradicionales no faltarán el manteo de peleles, las murgas, las chirigotas, los gigantes y cabezudos o el famoso entierro de la sardina, que cerrará las fiestas con un cortejo fúnebre que recorrerá la ciudad junto a la ribera del Manzanares, una estampa clásica de la ciudad que cumple 252 años este 2025. Las sardinas no solo desfilarán por las calles, también se servirán en restaurantes, bares y tabernas de la capital, donde podrán degustarse multitud de recetas con este pescado como ingrediente principal. En cuanto a fiestas, la del Círculo de Bellas Artes volverá a coronarse como el baile de máscaras más espectacular de la capital. Aún quedan entradas y te contamos como conseguirlas más adelante.

El carnaval regresa a Madrid dispuesto a celebrar la tradición y, al mismo tiempo, abrazar la picaresca que rodea esta festividad. En Hoy Se Sale hemos recopilado las mejores actividades para disfrutar de la fiesta “más descarada y divertida del año” en la capital del 1 al 5 de marzo:

Talleres y actividades familiares en Matadero

El sábado de Carnaval Matadero Madrid se llenará de propuestas gratuitas para todos los públicos. Comisariadas por La Juan Gallery, galería de artes vivas, las actividades de esta jornada incluyen talleres, circo, yincanas, magia, humor y conciertos para niños y adultos. A partir de las 10.30 horas, el espacio cultural acogerá talleres que invitan a los niños a explorar distintas formas de expresión artística y cultural, mientras se sumergen en las tradiciones y la esencia festiva del carnaval. Desde la confección de máscaras y disfraces de sardina hasta la exploración de ritmos, danzas carnavalescas y pintura facial, cada uno de los talleres impartidos por Peseta, Colectivo Máscara y Acción, Bloco do Baliza, Antonio Sánchez y Rubén Vaquero e Irene Copado, respectivamente, convertirá a los niños en auténticos protagonistas del día.

Paralelamente a los talleres y hasta las 12.30 horas, los espacios de Matadero Madrid también acogerán distintas actividades y espectáculos para todos los públicos. La compañía 7 Minutos de Gloria es la encargada de la yincana familiar Desde Madrid se ven estrellas, en torno al sentimiento de pertenencia y el arraigo en la ciudad de Madrid, y el Mago Patxi, Premio Mundial de Magia de Calle 2022, presentará Vacilón. El mismo cuento contado de otra forma, un espectáculo de humor y magia que no entiende de edades.

La compañía madrileña Trocos Lucos se sumará con Tartana, espectáculo desenfadado en el que una furgoneta sirve para desarrollar las principales técnicas circenses: la báscula coreana y los equilibrios sobre manos. Y, por último, el público se sumergirá en la magia de los carnavales con la participación destacada de la Asociación Comparsa de Gigantes y Cabezudos de la Ciudad de Madrid y la charanga Los Sapitos llenará el ambiente de música en vivo, interpretando una selección de canciones populares y tradicionales que invitan a bailar y celebrar.

Estas actividades serán la antesala del pregón, que tendrá lugar en la Explanada Negra de Madrid Río.

Gran desfile sobre el Puente de Toledo

Madrid recupera su gran desfile de carnaval después de un año de ausencia y lo hace por todo lo alto. La celebración llenará el Puente de Toledo de magia, alegría y diversidad, ofreciendo un emocionante viaje a través de variadas expresiones artísticas y culturales. Contará con espectáculos sorprendentes que fusionarán teatro de calle, circo, títeres gigantes y criaturas fantásticas, presentando propuestas innovadoras y vanguardistas que mantendrán vivos los valores tradicionales de esta festividad.

La Escuela del Centro del Títere se unirá al desfile con su creatividad, aportando marionetas gigantes y máscaras en zancos que añadirán un toque de fantasía y color al recorrido. Además, asociaciones folclóricas y vecinales transportarán al público a los carnavales de Bolivia, Ecuador, Chile, Colombia, Uruguay y otros países. Con sus danzas, trajes tradicionales y bandas de música en directo, acercarán la esencia de sus culturas, llenando el desfile de ritmo y alegría. También estará presente la energética batucada Bloco do Baliza.

Conciertos y DJ's en Madrid Río

La tarde del sábado estará amenizada por un concierto y varios DJ set en la Explanada Negra de Madrid Río. La fiesta arrancará a las 18.00 con la actuación del grupo Confeti de Odio el proyecto más personal de Lucas Vidaur, un referente clave del pop contemporáneo en castellano. Además, habrá dos sets de DJ's que mezclarán música actual y clásicos, manteniendo la energía y el ambiente festivo durante toda la tarde.

Brava! tomará el relevo a Confeti de Odio a partir de las 19.00 horas. Adicta al musicón con mucho volumen, sus sets son excursiones espacio-temporales que atraviesan géneros y estilos. Después será el turno de Chico Blanco, que cerrará la fiesta con un DJ set que fusiona la música dance con otros géneros predominantes, creando un estilo propio que combina house de los 90, deep house, UK garage y rap, entre otros. ¡No olvides llevar tu disfraz!

Fiesta “surrealista” en el Círculo de Bellas Artes

La fiesta de disfraces más icónica del carnaval madrileño regresa a la capital este sábado. El Círculo de Bellas Artes acogerá una propuesta que desafía la lógica y enciende la creatividad. Bajo el lema “Un carnaval surrealista”, la cita prometer ser una experiencia multisensorial protagonizada por el arte, la música y la fantasía. Desde las 22.30 hasta las 6.00, los asistentes podrán disfrutar de una velada llena de sorpresas.

El cartel musical de esta edición está encabezado por El Cuerpo del Disco, que se encargará de la selección musical y tomará el control de la pista con su característico sonido disco, funk y house, garantizando una experiencia bailable sin pausa. Junto a ellos, Dembooty traerá su inconfundible mezcla de ritmos globales, desde el reggaetón más underground hasta el dancehall y el bass más vibrante. También estarán presentes Cherry Pie, 2DELIO, ALNANK, Mandanga y Omar DJ, que llevarán la experiencia sensorial a otro nivel, combinando sonidos, visuales y ambientaciones que harán de esta una noche irrepetible.

Y como cada año, sus pregoneros protagonizarán el momento más divertido de la noche. Este año será el turno de PutoMikel y Paco Clavel, dos figuras emblemáticas de la cultura y la provocación artística que inaugurarán la fiesta más famosa del carnaval madrileño.  Las entradas ya se encuentran a la venta y tienen un precio de 45 euros.

Tapas, música y actividades para jóvenes en el Mercado de Prosperidad

El carnaval también se cuela en los mercados de Madrid, concretamente en el de Prosperidad en Chamartín. El espacio gastronómico lleva varios años preparando una ruta por varios de sus puestos con motivo de carnaval. Cada restaurante ha hecho su propia propuesta gastronómica gourmet, entre las que se pueden encontrar desde pasta italiana hasta fideos vietnamitas, toda una fusión de sabores para celebrar la multiculturalidad por la que se caracteriza el carnaval. El precio de cada tapa junto a una bebida es de 6 euros. Los puestos participantes son: Casa Vecchia, Nem Nem, Ceviches & Wok, Paellamar, ¡Qué Antojos!, Barrio Chino, Me vale madre, Origen y La Barra 33.

Además, también habrá actuaciones en directo. Este viernes 28 a las 20.30, un DJ amenizará la estancia de los comensales, el sábado a las 14.15 unos mariachis darán el toque mexicano a la ruta y este mismo día a las 20.30 actuará el grupo Apocalypsis y Lala. Para los más jóvenes, el sábado de 11.00 a 13.00 habrá un taller de pintura de máscaras de carnaval para mayores de 14 años. Está organizado por la asociación Barrio más joven de la Prosperidad. Para participar, es necesario reservar plaza llamando al 637 85 85 42 o por email en prosperidad.bmj@injucam.org.

Humor al ritmo de chirigotas

Las comparsas de la capital no son tan famosas como las de Cádiz, pero también tienen su historia. Un año más, estas agrupaciones carnavalescas darán, en forma de coplas, un repaso a la actualidad social y política, procurando no dejar títere con cabeza. Tomando como instrumento y arma arrojadiza la expresión crítica popular a través de sus cuplés, pasodobles y popurrís, darán rienda suelta a la carcajada.

Prometen una explosión de humor, ingenio y colorido puesto en escena después de un gran trabajo de meses. Este año el encuentro chirigotero contará con la participación de cinco chirigotas (Chirigota del Juandi, Chirigota del Clau, Chirigota de la Gran Vía, Chirigota femenina del Juandi y Chirigota de Javi Yepes), tres comparsas (Comparsa de Antonio Torres, Comparsa de Rafy y Comparsa dando la murga de Móstoles) un romancero (Lin el Romancero) y un cuarteto (Caspuerta).

El tradicional manteo del pelele

El domingo de carnaval se reserva para las actividades más tradicionales. La jornada de festejos dará comienzo con el manteo de peleles, unos muñecos de trapo que serán lanzados al aire al son de coplas y melodías tradicionales de los carnavales madrileños.

Como ya inmortalizó Goya en uno de sus populares cuadros, El manteo del pelele, el domingo de Carnaval se mantea un muñeco que representa a algún personaje que se haya merecido a lo largo del año ser manteado, mientras los asistentes cantan canciones burlonas. Componentes de la asociación folclórica Arrabel, ataviados a la usanza tradicional de Madrid, interpretarán música en vivo sobre el escenario para acompañar el manteo con cantos, toques de dulzaina y otros instrumentos, principalmente de percusión. El espectáculo terminará con un gran baile en rueda en el que podrán participar todos los asistentes.

Ruta de la sardina

Madrid se llena de sabor y tradición con la esperada Ruta de la Sardina 2025, una experiencia gastronómica que nos invita a recorrer mercados, pastelerías, restaurantes y cafeterías en busca de las más originales y deliciosas Sardinas de Carnaval. Este año, además de las clásicas versiones dulces y saladas, los chefs y reposteros de la ciudad sorprenderán con nuevas y creativas propuestas que harán las delicias de todos los paladares.

Desde las irresistibles sardinas dulces elaboradas por las pastelerías artesanas hasta las innovadoras versiones saladas creadas por algunos de los mejores restaurantes de la ciudad, esta ruta es el plan perfecto para los amantes de la gastronomía y la tradición. Además, los mercados de Madrid se suman a la celebración con propuestas únicas que ponen en valor los productos frescos y la cocina de calidad. Este año participan un total de 89 establecimientos de dentro y fuera de la capital. Puedes consultar el listado completo de participantes pinchando en este enlace. ¿Listos para “sardinear” Madrid? 

Entierro de la Sardina

Una de las tradiciones de carnaval más arraigadas a la capital es el Entierro de la Sardina. El 5 de marzo, coincidiendo con el Miércoles de Ceniza, el féretro que porta al pobre pescado desfilará junto a la ribera del Manzanares hasta llegar a la Fuente de los Pajaritos, situada en la Casa de Campo, donde la Alegre Cofradía le dará sepultura. 

El recorrido dará comienzo a las 18.00 desde la ermita de San Antonio de la Florida, continuando por el puente de la Reina Victoria y el paseo del comandante Fortea hasta Casa de Campo. A su llegada, alrededor de las 19.30, se pondrá el broche de oro al carnaval enterrando a la sardina.

Por la mañana de ese mismo día, de 10.00 a 15.00, la Alegre Cofradía del entierro de la Sardina recorrerá el Madrid de los Austrias hasta la plaza Mayor, donde terminará su desfile con la lectura del pregón y una pequeña actuación musical. 

La cuenta atrás para el baile de carnaval más famoso de la capital ha comenzado. La fiesta de disfraces del Círculo de Bellas Artes regresa el próximo sábado 1 de marzo con una propuesta que desafía la lógica y enciende la creatividad. Bajo el lema “Un carnaval surrealista”, la cita prometer ser una experiencia multisensorial protagonizada por el arte, la música y la fantasía. Desde las 22.30 hasta las 6.00, los asistentes podrán disfrutar de una velada llena de sorpresas.

El cartel musical de esta edición está encabezado por El Cuerpo del Disco, que se encargará de la selección musical y tomará el control de la pista con su característico sonido disco, funk y house, garantizando una experiencia bailable sin pausa. Junto a ellos, Dembooty traerá su inconfundible mezcla de ritmos globales, desde el reggaetón más underground hasta el dancehall y el bass más vibrante.

Cherry Pie añadirá un toque de frescura con su selección ecléctica de pop, R&B y sonidos electrónicos contemporáneos, mientras que Espada & JotaPop elevarán la noche con un set explosivo que fusiona electro, indie dance y hits inesperados que mantendrán a todos en movimiento hasta el amanecer. El festival musical se completa con una selección de artistas que incluye además, a 2DELIO, ALNANK, Mandanga y Omar DJ, que llevarán la experiencia sensorial a otro nivel, combinando sonidos, visuales y ambientaciones que harán de esta una noche irrepetible.

En cuanto a las performances, la artista plástica Lúa Gándara interpretará los sueños de los asistentes en una obra pictórica original. Durante cinco minutos, cada participante podrá tumbarse en un diván donde compartirá imágenes y colores nocturnos que serán plasmados en papel, haciéndose así visible lo más íntimo y misterioso de cada uno en una pintura abstracta y divertida. Cada participante podrá llevarse su sueño sobre papel A5 de regalo.

Por otro lado, el colectivo OJOxOJO, especializado en vídeo en directo, integrado por Marta Valverde y Josefina Cuneo, ex-alumnas de la escuela SUR de Arte y Profesiones Artísticas, aportará su visión única al evento. Su propuesta visual, caracterizada por la experimentación y la fusión de archivos propios, medios generativos y modelado 3D, creará un ambiente envolvente que dialogará con la música. Con esta intervención, el arte digital y la imagen en movimiento se suman a la celebración, ampliando las fronteras de la percepción y convirtiendo cada instante en una experiencia sensorial única.

Un pregón fuera de lo común

Para inaugurar la noche, los pregoneros de honor serán PutoMikel y Paco Clavel, dos figuras emblemáticas de la cultura y la provocación artística. PutoMikel, conocido por su labor como divulgador en redes sociales, ha conseguido acercar al gran público la historia y la cultura con un estilo fresco, didáctico y lleno de humor. Por su parte, Paco Clavel es un icono de la música y la contracultura en España, famoso por su capacidad para reinventar la escena musical con un estilo irreverente y desenfadado. Juntos, prometen un pregón que será tan provocador como inolvidable, marcando el inicio de una noche donde todo puede suceder.

Como cada año, el cartel de la fiesta también merece una mención especial. En esta ocasión, la imagen que lo protagoniza es obra de una referente de la ilustración y el diseño en nuestro país, la ilustradora Olga de Dios. Divertidos personajes llenos de color y formas extrañas representan la esencia de esta fiesta surrealista.

Desde su primera edición en 1891, el Baile de Máscaras del Círculo ha sido una de las citas más emblemáticas de la vida cultural madrileña. Inspirado en los grandes carnavales europeos y en la tradición de los bailes de máscaras venecianos, este evento ha acogido a generaciones de artistas, intelectuales y amantes de la fiesta en un ambiente donde la creatividad y la libertad de expresión son protagonistas.

A lo largo de los años, el Baile de Máscaras ha evolucionado para convertirse en un referente del carnaval en Madrid, manteniendo siempre su esencia transgresora y sofisticada. Este 2025, volverá a triunfar con su versión más “surrealista”. Puedes acceder a la venta de entradas pinchando en este enlace.

Irracionalidad, ingenio, humor negro, desdén hacia el trabajo y las normas, propensión al escándalo y al azar: España contaba con el caldo de cultivo perfecto para recibir al surrealismo. Algunos nombres lo abrazaron abiertamente. Salvador Dalí, Luis Buñuel o Remedios Varo se convirtieron en sus referentes fuera de nuestras fronteras. Sin embargo, la mayoría de escritores y artistas no lo reivindicaron, ya fuera por circunstancias políticas, cuestiones estéticas o por desdén a tomar de fuera algo que ya tenían dentro. 

El manifiesto del surrealismo de André Breton acaba de cumplir cien años y es el momento de explorar cómo ha calado en el arte y la idiosincrasia de los españoles. Para ello, la revista Letras Libres ha organizado el congreso Es peligroso asomarse al interior. El surrealismo y España, 1924-2024, que tendrá lugar del 18 de febrero al 6 de marzo en el Círculo de Bellas Artes.

El evento, de acceso gratuito hasta completar aforo, contará con la participación de expertos como Agustín Sánchez Vidal, Ainhoa Rebolledo o Aloma Rodríguez, que reflexionarán en sus ponencias sobre la relación entre España y el surrealismo a través de la obra de figuras como Dalí, Buñuel, Trueba o Remedios Varo. El grupo de rock Lagartija Nick clausurará el congreso con un concierto e interpretará en acústico su disco El perro andaluz, en el que ponen música a la obra escrita de Luis Buñuel. 

Durante las ponencias, los participantes cuestionarán la verdadera influencia del surrealismo en España, algo que ya hicieron algunos autores cuando el manifiesto cumplió 50 años y comenzaba la Transición. Su conclusión fue que hubo un “surrealismo epidémico en España”: nuestros escritores y artistas habían adaptado el movimiento más de lo que habían admitido. 

Ahora que la obra seminal de Bretón cumple cien años nos volvemos a hacer preguntas similares. ¿Era España surrealista antes del surrealismo? ¿Tuvo algún papel en la explosión cultural de la Transición? ¿Qué hay del surrealismo hoy? Este congreso intentará dar respuesta desde el rigor, la exploración y el juego. 

Puedes consultar a continuación el programa completo del congreso y el contenido de cada ponencia:

Martes, 18 febrero  

El surrealismo no pilló por sorpresa a España. Podemos rastrear su pulsión desde El Bosco y lo carnavalesco, pasando por el barroco, Goya, Valle-Inclán, Gómez de la Serna, el ultraísmo, hasta llegar a Picasso y Joan Miró. Sin olvidar la irrupción del cine, especialmente con Un perro andaluz y su impacto en escritores como Lorca y otros autores de la Antología de Gerardo Diego. Agustín Sánchez Vidal repasa los antecedentes culturales que proporcionan al surrealismo español su textura peculiar. 

Hoy lo popular se expresa en internet, no en coplas o rimas, sino en publicaciones en redes sociales. Las propuestas del surrealismo siguen vivas en los millones de comentarios e imágenes que se vierten en la red. Anónimo García da ejemplos actuales y divertidos de escritura automática y degradación de lenguaje propios de los surrealistas pero realizados por el pueblo en su impromptu discursivo. 

Jueves, 20 febrero 

Su influencia es clara, pero muy pocos artistas y escritores españoles reivindicaron el surrealismo en los primeros años del movimiento. Parecía peligroso y poco serio. Solo en 1936 aparece en Cataluña el grupo Logicofobista, que no quiere llamarse surrealista, y durante el franquismo aparecen nuevas corrientes que no pueden llamarse surrealistas: postismo, prosaísmo, pánico. En realidad, buena parte del surrealismo español se realizó en el exilio, especialmente en México, donde se establecieron Luis Cernuda, Remedios Varo o Rafael Alberti. Alicia G. Hierro analiza cómo recibieron las artes y la literatura españolas el surrealismo en sus primeros 50 años de vida. 

Vivir bajo el imperio de la lógica no está dando buenos resultados. Es hora de proponer soluciones que nazcan de fuerzas largamente despreciadas: el azar, el sueño, el inconsciente y lo maravilloso. Ainhoa Rebolledo y Homo Velamine guiarán a los asistentes a encontrar soluciones irracionales a problemas racionales. 

Martes, 25 febrero 

En 1974 el Manifiesto del Surrealismo cumplió 50 años. Por primera vez algunos autores se preguntaron cuál había sido su influencia en España, y por qué nuestros escritores renegaron de él. Ahora que cumple cien años cabe preguntarse: ¿de qué modo el surrealismo influenció la explosión cultural de la Transición?  Lo abordaremos en una sesión doble. En la primera Juan Manuel Bonet explorará los restos del surrealismo (o no) en la apertura moral y artística de España tras la muerte de Franco. En la segunda parte, Daniel Gascón charlará con Fernando Trueba sobre su experiencia personal al inicio de su carrera. 

Jueves, 27 febrero 

Aunque al pensar en el surrealismo español los primeros nombres que nos vienen a la cabeza son los de Luis Buñuel, el primer Salvador Dalí o Joan Miró, existieron también mujeres que se identificaron o mostraron en algún momento de su vida interés por el movimiento. Isabel Castells plantea una panorámica de la trayectoria de tres artistas: Remedios Varo, Maruja Mallo y Delhy Tejero, que ilustran modos diferentes de asumir un movimiento cuyo arraigo -o no- en nuestro país estuvo claramente determinado por la Guerra civil y el exilio. 

Un viaje a través de lo extraordinario: mundos mitológicos, literarios, extraterrestres, folklóricos, trascendentes, universos paralelos, utópicos, ficticios… todo entrelazado con el juego y la creatividad. Usaremos barajas, técnicas surrealistas y vanguardistas y dinámicas participativas para crear colectivamente otras realidades. Karawanzine nos invita a abrir las puertas a lo imaginable y desafiar las fronteras de lo posible, explorar el proceso creativo y el concepto mismo de lo real. 

Jueves, 6 marzo 

El mundo es muy distinto hoy a hace cien años. Sin embargo, las propuestas del surrealismo siguen vigentes: el incesante dudar y buscar, el desdén temerario hacia las costumbres y los imperativos sociales de cada época, la reivindicación del deseo, la rasgadura en el corsé artístico, la crítica a la razón como falso sustento social, el ataque al trabajo y la exaltación de la imaginación. Pero ¿está vivo hoy? ¿Tiene sentido hablar del surrealismo en 2025? ¿Quién hay, qué hace? ¿Se llaman a sí mismos surrealistas? Pep Olona y Aloma Rodríguez conversan sobre la influencia del surrealismo en la era post-15M.

Lagartija Nick interpreta en acústico su disco El perro andaluz, en el que ponen música a la obra escrita de Luis Buñuel. 

Si alguien le pregunta a Jürgen Pech quién fue Max Ernst abrirá mucho los ojos, formará una ‘o’ grande y redonda con la boca y exclamará: “¡Él fue el gran inventor del siglo XX!”. Después se echará a reír. Max Ernst (Brühl, Alemania, 1891 - París, Francia, 1976) fue –quizá– la figura más importante del movimiento surrealista del siglo pasado. Un teórico del arte, un filósofo, un escritor, un actor, un dibujante, un escultor, un artista visual, un director de cine. Un revolucionario. Una de las personalidades vinculadas al Manifiesto Surrealista escrito por André Breton en 1924 y que marcó el inicio formal de una corriente artística que se propuso explorar el mundo del subconsciente y del sueño desafiando las normas sociales del momento.

Max Ernst fue, también, un alemán nacionalizado francés tras pasar gran parte de su vida en el país galo, al que huyó para dejar atrás los estragos de la Gran Guerra. Jürgen Pech, por su parte, es un hombre del hoy, del ahora. Un hombre que se erige como excomisario del museo de Max Ernst en Brühl. Pech, además, es historiador del arte y organiza junto a la también historiadora, escritora, investigadora y comisaria Martina Mazzotta la exposición Max Ernst: surrealismo, arte y cine, una muestra que pretende ofrecer un recorrido inédito a lo largo de la vida y obra del polifacético artista estructurada a través de su relación con el cine.

La colección, que podrá visitarse en el Círculo de Bellas Artes de Madrid desde el 5 de diciembre hasta el 4 de mayo de 2025, cuenta con más de 300 piezas distintas y varias obras inéditas, como la cinta en la que aparece la primero modelo y luego fotoperiodista de guerra Lee Miller, amiga íntima del artista. Una presencia importante en su vida, como lo fue Caresse Crosby, también colega, que se haría millonaria tras inventar y vender el primer sujetador moderno. “Ella fue una de las figuras más destacadas de los círculos literarios y artísticos del siglo XX” explica Mazzotta a eldiario.es en un paseo por las bambalinas de la exposición horas antes de su apertura al público.

Crosby, cuyo nombre real era Mary Phelps Jacob –adoptaría el apellido de su segundo marido, el poeta Harry Crosby–, fue una de las amigas más fieles de Ernst y lo apoyó económicamente durante buena parte de su carrera, incluso cuando el matrimonio de este con Peggy Guggenheim se terminó. “Y eso que ambas también tenían una relación estrecha”, apunta Mazzotta.

“Ella era algo así como una Gertrude Stein de los surrealistas”, ilustra Pech. Black Sun Press, editorial que fundó junto a su pareja, publicó a escritores como Ernest Hemingway, James Joyce y Henry Miller. Pero la principal mecenas, sin duda, fue Peggy Guggenheim. Coleccionista de arte, adicta al arte, inmensamente rica.

Una fama de mujeriego “injusta”

“Max Ernst tiene una extendida fama de mujeriego que es bastante injusta”, opina Mazzotta, quien señala que todo viene de la mano del despecho de Guggenheim cuando se divorciaron. “Tuvieron una relación compleja y turbulenta, marcada por la vida artística e independiente de ambos y él acabó por romper con ella”, explica la comisaria. Guggenheim herida por lo que consideraba una traición personal, –la dejó por Dorothea Tanning, otra gran artista surrealista– no contaba precisamente “delicias” de su exmarido.

“Si ves quienes fueron sus amigas, si te fijas en cómo retrata a la mujer en sus obras, ves claramente que eso no es cierto. Él vivía el amor y la pasión con gran intensidad y tuvo varias compañeras a lo largo de su vida, pero siempre de una en una”, insiste Mazzotta mientras abarca con un gesto la sala de la exposición dedicada a eso; la mirada de él sobre ellas.

El alemán es conocido por dejarse caer en los brazos de Gala Éluard-Dalí, Marie-Berthe Aurenche, Meret Oppenheim, Leonora Carrington, Peggy Guggenheim o Leonor Fini hasta llegar a Dorothea Tanning. Última compañera del artista con quien compartiría treinta años de su vida. Pero para Mazzotta, que muchas se haya puesto el foco en su vida personal hace que se olvide lo más importante: “Era un artista total, muy rico en toda su obra. Un hombre del renacimiento en pleno siglo XX”, continúa para señalar que su figura es prácticamente inabarcable, “se pueden decir tantas cosas de él, hay tantos relatos posibles, tanto por investigar”, continúa para asegurar que se le puede equiparar a Leonardo DaVinci.

Retrato de un hombre inabarcable

Además de muchas otras cosas, Max Ernst fue un hombre que se pintó a sí mismo sentado en el regazo de Dostoivesky en Au rendez-vous des amis, (1922). Un retrato colectivo e imaginario que encapsula su participación en el movimiento surrealista y que reúne a figuras clave de la vanguardia artística y literaria, tanto contemporáneos como históricos.

Esta obra –presente en la exposición– se incluyó más tarde en la lista negra de “arte degenerado” del régimen nazi, junto con otras pinturas de Ernst, como La belle jardinière (1923), presentada en la exposición Entartete Kunst del Reich en 1937, y luego perdida para siempre.

Igualmente, la muestra cuenta con trabajos de prestigio como las pinturas Las tentaciones de San Antonio (Museo Lehmbruck, Duisburgo) o Las hijas de Lot (Colección Pietzsch, Berlín), y esculturas como Homme (Museo Max Ernst, Brühl).

En lo referente al cine como hilo conductor del relato que Mazzotta y Pech hacen del surrealista, la muestra cuenta con fragmentos de películas y proyecciones inmersivas que, a su juicio, establecen un diálogo constante y dinámico con toda su producción artística. Así, se incluyen extractos de películas como Un perro andaluz y La edad de oro de Luis Buñuel, Los sueños que el dinero puede comprar y 8 × 8: Una sonata de ajedrez en 8 movimientos de Hans Richter, Max Ernst – Mi vagabundeo, mi inquietud de Peter Schamoni, y varios cortometrajes como Una semana de bondad de Jean Desvilles, Maximiliana de Peter Schamoni, o dos piezas más de Julien Levy, mostradas ahora al público por primera vez.

Exiliado tras haber servido en el frente en la Primera Guerra Mundial, perseguido artísticamente después por nazismo. Arrestado en Francia, huido a Estados Unidos con la ayuda de Guggenheim, regresado a Europa tras la guerra. Crítico con la violencia y la opresión. Creador sin pausa. Max Ernst fue un hombre que lo hizo –casi– todo.

“Nos expulsan del Círculo de Bellas Artes por ir abrazado a mi pareja gay”. El director Iñaki Peñafiel explicó este domingo en X el incidente que había sufrido mientras visitaba una exposición del museo localizado en Madrid. “Nos alegan que son normas de comportamiento”, fue la explicación que recibieron en ese momento por parte de la persona que vigilaba en ese momento la sala. “Vuelve la España franquista”, lamentó.

“El discurso de odio está calando y no puede ser”, advierten los visitantes afectados a este periódico, reconociendo que, un día después de lo sucedido, están experimentando “una resaca emocional horrible”: “Estamos tristes, con sensación de culpa y vergüenza, cosa que nunca había sentido”.

Minutos después de la publicación en la red social, Valerio Rocco, director del centro, respondió a Iñaki Peñafiel públicamente pidiéndole poder contactar con él para “contrastar lo ocurrido”, con lo que había relatado el “personal de seguridad” del espacio. “Me habían informado de que la trabajadora de UNIUM [empresa externa contratada para la vigilancia] había llamado la atención a dos personas por conductas que había considerado inapropiadas, y que esto había provocado una disputa. Al elevarse el tono de la conversación e intervenir otras personas presentes, se les había invitado a que se dirigieran a la salida”, explica el máximo responsable del CBA a elDiario.es.

Valerio Rocco compartió un nuevo mensaje en X indicando que había hablado tanto con el director de ficción como con su pareja, para “pedirles disculpas” por lo sucedido durante su visita a la muestra de fotografía de Cristina García Rodero, en nombre del Circulo de Bellas Artes. “Tras hablar con mi jefe de seguridad, al que pedí que revisara las cámara y hablara con la persona que estaba en la sala, y después con Iñaki, corroboré que lo que ha ocurrido no puede ser calificado como inapropiado. No tendrían que haberles llamado la atención”, afirma Valerio Rocco.

“Nuestro compromiso con los derechos LGTBIQ+ no podría ser más claro y rotundo. Lamento de veras que se hayan sentido humillados”, fue el mensaje que compartió en X.

Además, desde la cuenta oficial del centro emitieron un comunicado, informando de que habían “abierto una investigación interna para aclarar los hechos ocurridos” en la mañana del domingo, “denunciados por Iñaki Peñafiel en redes sociales”. 

Contra la “homofobia interiorizada”

La pareja puso una reclamación. “Nos sentimos avergonzados”, reconocen Iñaki Peñafiel y su pareja, que pidieron comprobar si había alguna norma escrita que especificara que “no está permitido abrazar a tu compañero”. No la había. “Forma parte de la homofobia interiorizada de la que no se habla. Que nos sintamos culpables por ser gais, ese es el discurso que está penetrando”, advierten con preocupación. “¿Qué institución impide que no pueda abrazar a mi pareja o tener un acto de cariño?”, plantean los visitantes afectados a este periódico, “a las mujeres las pueden agredir y tocar el culo, pero si lo hacemos los maricones, nos estamos saltando las normas de comportamiento”.

Desde el Círculo de Bellas Artes, Valerio Rocco insiste en que están “preocupados por la regresión de derechos LGTBI que se está produciendo en Madrid, España y Europa”. “Así lo hemos mostrado con muchas de nuestras iniciativas y lo vamos a seguir haciendo”, avanza al tiempo que la investigación interna sobre este caso en concreto continúa abierta.

En 1997 se firmó del Tratado de Ottawa para la Prohibición de las Minas Antipersona. Coincidiendo con aquel hecho histórico, fue presentado en noviembre de ese mismo año en el Círculo de Bellas Artes el proyecto Vidas Minadas, del fotógrafo y periodista Gervasio Sánchez.

Ahora, después de más de dos décadas y con un drama todavía latente en la actualidad, regresa con Vidas Minadas, 25 años, una exposición en la que a través de un centenar de fotografías recupera la historia de los protagonistas del proyecto que inició en 1995. El fotógrafo quiere mostrar la evolución de los afectados y los problemas que han tenido que superar.

Los personajes pertenecen a nueve países del mundo, entre ellos los más minados como Afganistán, Angola, Irak y Camboya. Gervasio Sánchez lleva trabajando con víctimas de esta lacra desde septiembre de 1995. En 1997, 2002 y 2007 presentó diferentes versiones de esta muestra que recorre la mayor parte de su vida profesional.Vidas Minadas es un proyecto inacabable, al igual que son infinitas las secuelas que provocan las minas antipersona.

Los estragos que provocan las minas son para toda la vida. Las víctimas de este proyecto fueron elegidas al azar en países africanos como Angola y Mozambique, asiáticos como Camboya, Afganistán e Irak, latinoamericanos como El Salvador, Nicaragua y Colombia o europeos como Bosnia-Herzegovina.

Se cruzó con ellas en hospitales a punto de ser amputados o malheridos con posibilidades de morir cuando eran menores, en centros ortopédicos donde intentaban volver a andar con piernas de plástico, en fundaciones donde eran maltratadas y abusadas o en familias que sobrevivían con muchas dificultades.

Ahora, en esta exposición muestra la forma en la que les ha cambiado la vida y cómo han conseguido salir adelante después de cruzarse con una de estas minas antipersona. Gracias a las nuevas tecnologías, el fotógrafo mantiene el contacto permanente con varias de ellas y se informa en tiempo real de sus problemas más acuciantes, se alegra de sus pequeños triunfos, se entristece con las malas noticias.

La muestra se puede visitar en la Sala Picasso del Círculo de Bellas Artes hasta el próximo 24 de abril. La entrada general tiene un precio de 5,50 euros y del 22 al 24 de febrero incluye hacer la visita guiada a la exposición con el propio autor de la muestra. Puedes acceder a la venta de entradas y reservar plaza a través de este enlace.

Capturar la intimidad no es fácil. Hacerlo con naturalidad y cotidianidad, tampoco. Pero, ¿qué ocurre si quienes lo hacen son dos fotógrafas retratándose a sí mismas desafiando los roles de género e inmortalizando el disfrute que les produjo el proceso? El resultado es Como un torbellino, la exposición dentro del marco de PHotoEspaña que exhibe en el Círculo de Bellas Artes de Madrid las imágenes tomadas por las noruegas Marie Høeg y Bolette Berg entre finales del siglo XIX y principios XX. Una exhibición que es posible gracias al hallazgo de un tesoro por parte del Museo Preus de Oslo que, dentro del legado de las artistas que adquirió en subasta en 1970, rescató dos cajas marcadas como “privadas”.

En su interior había una serie de negativos de vidrio que mostraban a ambas posando ante la cámara, en algunas de las instantáneas acompañadas de sus hermanos y amigos; cuestionando los estereotipados roles de género de la época y los ideales decimonónicos de feminidad. A diferencia del estilo de los retratos que realizaban a diario como parte de su trabajo, estos rebosan alegría ofreciendo estampas inesperadas. En algunas de ellas aparecen vestidas con ropa de hombre, con capas, gorras, sombreros, fumando y hasta luciendo bigote.

Entrar en la sala Minerva del museo, que acogerá la propuesta hasta el próximo 24 de agosto, lleva implícito ser invadido por una sensación de hogar que acoge, recoge y divierte. Las fotografías destilan humor, travestismos, miradas pícaras, habitaciones, recreaciones y mucha libertad. Tras su paso por Madrid, viajarán a Santander.

Las instantáneas no fueron tomadas con la intención de exhibirlas públicamente. De hecho, en su momento se habrían considerado demasiado provocadoras. Esto aporta un preciado valor añadido a la exposición, pues la jovialidad y agudeza de sus protagonistas han trascendido tiempo y espacio hasta llegar ahora al Círculo de Bellas Artes. Lo que hoy en día se percibe al observar las imágenes es inocencia y diversión pero a la vez recuerda que los límites, la posible censura y lo subversivo se ha ido viendo modificado con el paso de los años. No en vano, lo contemplado como 'normal' o parte del canon de una sociedad varía según la mirada y época que lo contemple.

La fotografía como ocupación respetable

A finales del siglo XIX, la fotografía era una de las pocas ocupaciones considerada respetable para las mujeres. Marie y Bolette se conocieron en Finlandia, donde la primera ya ejercía e incluso dirigía dos estudios. La segunda se encontraba aún en periodo de formación, pero pronto comenzaron a trabajar juntas en Horten, al sur de Noruega. La ciudad era una base naval que contaba con un astillero esencial para la marina del país. Allí fundaron su propio estudio, Berg & Herg, en el que realizaban retratos convencionales de personas que buscaban inmortalizar celebraciones o tener estampas que poder enviar a sus familias.

También tomaron numerosas fotos de la zona y sus alrededores y su prolífica producción está expuesta el Museo Preus. Una pinacoteca que, antes de ser comprada por el gobierno noruego en 1995, era un recinto privado que pertenecía a la familia que le da nombre. Ellos fueron los responsables de localizar, entre 440 negativos de vidrio, los calificados como “privados” que componen la muestra que ha traído por primera vez a España el trabajo de estas dos artistas.

En 1904 se trasladaron a Oslo, donde fundaron una editorial, cuya sede protagoniza una de las imágenes de la exposición. En ella aparecen ordenando una amplia mesa situada en el centro de una luminosa estancia, copada por estanterías repletas de cajas. Apenas se vislumbra qué contienen en su interior, pero todo apunta a que manuscritos.

Las dos artistas vieron las posibilidades que ofrecía el floreciente mercado de las postales y decidieron especializarse en producir toda clase de tarjetas de este tipo. Entre sus mayores áreas de interés estuvieron las que mostraban obras de arte moderno de pintores noruegos, principalmente mujeres, pensadas para que el público extranjero pudiera conocer su arte. También publicaron libros. Entre ellos el volumen Norske Kvinder que editaron en 1923 que, a lo largo de tres volúmenes, aborda la historia de las mujeres noruegas.

Fotografía, activismo y una sociedad secreta

La pareja pasó toda su vida compartiendo vida y ocupación, además de estar comprometidas con la lucha por los derechos de la mujer. En particular, el derecho al voto se logró en las elecciones generales de 1913. Marie Høeg alcanzó especial notoriedad, tanto a nivel local como a escala nacional, por su activismo. Participó en grupos como la Rama Horten de la Asociación Nacional para el Derecho de las Mujeres a Votar y el Consejo de Mujeres de la misma ciudad. La exhibición le debe su título a una frase que se pronunciaba recurrentemente sobre ella: “¡Llegó como un torbellino y despertó al aletargado Horten!”.

A finales del siglo XIX y principios del XX, la política era un terreno vedado para las mujeres que, para poder mostrar su compromiso con causas políticas, debían reunirse en secreto. Oponiéndose a esta tesitura y buscando ofrecer una solución para las compañeras, Marie fundó una sociedad secreta, un foro de debate para mujeres. Previamente ya había utilizado el estudio Berg & Herg como punto de encuentro de aquellas que estuvieran interesadas en el feminismo y la defensa del sufragio femenino.

Entonces no era extraño que dos mujeres vivieran juntas sin que existiera entre ellas un vínculo romántico, ya que fusionar hogares era una opción práctica, económica y habitual para las solteras. Pero no fue su caso dado que, además de socias, fueron pareja desde que se conocieron en Finlandia y, gracias a su éxito empresarial, pudieron jubilarse en una gran casa de campo rodeadas de sus animales.

Más allá de las postales, libros y algunos ejemplos de sus tarjetas de visita, no se conservan muchos más archivos ni documentos personales de Marie y Bolette. Lo que sí hay son retazos de su actividad en periódicos de la época, de los que también hay parte expuestos en Como un torbellino, la muestra que abre las puertas a la intimidad, talento y complicidad de dos fotógrafas que rompieron moldes divirtiéndose y dejando constancia de ello en dos cajas que afortunadamente ya no son 'privadas'.

En la música afro, en el jazz, en el samba o en los tablaos, el cajón es uno de los instrumentos más peculiares de la percusión a día de hoy, por mantener una curiosa dispersión mundial y una versatilidad única entre tradición y modernidad, entre autenticidad y expansión intercultural. El lema protagonista de la IV Bienal de Diseño Londres (London Design Biennale 2023) este año es 'The Global Game: Remapping Collaborations', un enfoque que empuja a la colaboración internacional para pensar el diseño desde diferentes nexos entre países y continentes. Bajo esta perspectiva, España y Perú se han unido en la creación de Common Vibrations, una instalación audiovisual que pone el foco en un resistente punto en común: el cajón.

La obra es una instalación audiovisual producida por el Círculo de Bellas Artes de Madrid en colaboración con otras instituciones, que sitúa al famoso instrumento comúnmente asociado al flamenco como un objeto vinculante entre los dos países, y todo bajo la mirada del objeto y el diseño como lazo cultural. Podrá visitarse hasta el 25 de junio en el antiguo palacio Somerset House de Londres, que acoge la edición actual del evento con más de 40 diseñadores de todo el mundo, y con posterioridad a la Bienal se expondrá en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

“Desde el principio los dos países encontramos en el cajón un punto de encuentro común”, dice Covadonga Blasco, comisaria del proyecto y directora académica de SUR —la Escuela de Artes del CBA—, en una conversación telefónica con este periódico. Durante la entrevista se encuentra en la sala de exposición, que lleva apenas unas horas abiertas en su primer día de muestra al público. “El cajón nace en Perú”, explica, “en el momento en el que a los esclavos africanos del siglo XVIII se les prohíbe manifestarse con su música y sus ritmos. Ahí es cuando comienzan a hacer uso de cajas y objetos cotidianos para crear los ritmos africanos y afroperuanos que surgen de ahí, y así se va desarrollando el cajón. Cuando en 1977 Paco de Lucía es invitado a una fiesta en la Embajada de España en Lima junto a Rubem Dantas, encuentra en Caitro Soto y Chabuca Granda un instrumento que le encaja perfectamente con las palmas y el taconeo del flamenco. Es así de genuino. Compra allí un cajón, y lo trae a España”. 

El cajón como instrumento, caja y transporte

Así que la intención, comenta Blasco, era contar “una historia no tan conocida” que explica que el cajón se asume como un instrumento flamenco cuando en realidad se introduce ya a finales de los 70. Lo que hay que imaginarse es una pieza en el centro de la sala compuesta por ocho cajones sobre un tablao de madera. La comisaria, que destaca el profundo lazo entre el diseño y la historia del cajón como objeto histórico y cultural, señala que el principal objetivo “siempre ha sido mantener esa esencia austera de la caja que se convierte en instrumento” al mismo tiempo que “el transporte también pueda ser el vínculo entre los dos países”.

Por eso, lo que parece el tablao, es en realidad la base “de la típica caja de madera” que ha transportado toda la exposición. “Al llegar a la sala y desplegarla, se convierte en el instrumento principal: ocho cajones y una base, que es el tablao en el que se disponen. Cada uno tiene un ritmo diferente, que va sonando a través de un altavoz que lleva dentro y que reproduce dos grabaciones que hemos hecho en Perú y en España —la imagen de una persona tocando el cajón se proyecta en la pared—. Los ritmos se van solapando unos con otros, así que en la sala hay una composición sonora sonando constantemente”, explica la comisaria.

La pieza acoge así todas las posiciones del instrumento e incluye una cartografía “para explicar cómo el cajón ha ido evolucionando también en relación a la etnografía del Perú en función del número de población negra”, detalla Blasco. “Por ejemplo, sobre todo en la zona de costa es donde tiene más tradición, porque es donde más población africana había. Posteriormente, igual que ha ocurrido en el flamenco, se ha manipulado el interior para que resuene más. Ha ido evolucionando entre los dos países”. 

Common Vibrations es el resultado de un trabajo colaborativo en el que participan más de 50 alumnos de tres universidades y escuelas: SUR y el CBA —que produce la muestra—, la Escuela de Arquitectura de Toledo de la Universidad de Castilla La Mancha —que tienen “un taller de carpintería magnífico cuyos alumnos han hecho los cajones, han construido el instrumento”, resalta Blasco— y el departamento de Arquitectura de la Universidad Católica de Santa María de Arequipa en Perú —donde sus alumnos “han hecho los mapas de migración que muestran el movimiento del instrumento por el país para ponerlo en comparación con el de España”—. Para la instalación de la obra, también han contado con el apoyo de la Acción Cultural Española, con las Embajadas de España y Perú en el Reino Unido, con la empresa Figueras Seating y con el Centro Coreográfico María Pagés, señala el CBA en su web. 

Covadonga Blasco incide en la importancia de que el diseño, el arte y la cultura nazca también dentro de la colaboración internacional “porque los aspectos culturales son, más allá de cualquier cosa, lo que nos va a unir siempre”, piensa, “y ese refuerzo casi fraternal asegura que cualquier otro tipo de lazo será posible”. Añade que la forma de trabajar entre España y Perú “ha sido muy parecida, casi como estar en casa”.

La mirada con perspectiva del viaje del cajón a través de Paco de Lucía, lejos de ser una historia de apropiación, señala Blasco, “es una historia de reconocimiento”. Asegura que durante todo el proceso de trabajo en la muestra artística, ni en Perú ni en España han tenido “esa percepción”, porque es un instrumento que ha evolucionado en los dos países a lo largo del tiempo y que se percibe “como un regalo que De Lucía hizo a la música española”. “El ritmo y la percusión nace en el ser humano”, termina diciendo Blasco. “El cajón es un instrumento de la humanidad”.

La segunda edición del festival Estación Podcast aterriza en la ciudad con muchas novedades. Después del éxito obtenido en 2022, el evento ha ampliado sus sedes, su programación y su repertorio de actividades para continuar creciendo en esta nueva entrega.

Entre el martes 9 y el sábado 13 de mayo, Casa América, el Círculo de Bellas Artes, CentroCentro, Serrería Belga, La Casa Encendida y Casa México acogen grabaciones en vivo de podcast, presentaciones, mesas de debate, talleres y mucho más. El evento promete una inmersión total de los nuevos medios sonoros emergentes a partir de las interesantes propuestas de su programación.

En el festival estarán presentes podcast tanto latinoamericanos como españoles, además de contar con México como invitado de honor de la nueva edición. Las grabaciones se podrán escuchar en directo en las sedes, a través de la web de Estación Podcast y en los canales de los participantes.

Entre los podcasters invitados que grabarán en directo se encuentran Juanlu Sánchez de Un tema al día, Carlos Peguer y Mariang de La Pija y la Quinqui, Álvaro de Cózar y Eva Lamarca de Misterio en La Moraleja o Chim, Goldem y Celia Castle de Radio La Pera. Además, el jueves 11 de mayo a las 18.00 horas, el Círculo de Bellas Artes acogerá la presentación en primicia de Verbena, el documental en audio del fenómeno verbenero de Galicia.

Como extra, este martes a las 20.30 horas, se podrá disfrutar en la Sala Galileo Galilei de un especial de Radio con botas, el nuevo proyecto del locutor de radio Manolo Fernández. La grabación contará con invitados de lujo como Javier Lucini, Sacha Hormaechea, Nacho Para y Susan Santos.

El acceso es libre hasta completar aforo excepto en el taller de audio y guión documental Los paisajes sonoros de Las Raras y el live de Radio con Botas. Las sesiones que acoge Casa de México son gratuitas pero es necesario reservar previamente las entradas en su página web.

Consulta aquí el programa completo del festival Estación Podcast 2023: