La pasada edición de Alimentaria Barcelona, la gran feria de tendencias del sector alimentario que reunió el pasado marzo en la capital catalana a marcas, distribuidores, fabricantes y expertos internacionales, dejó también una de las ideas más sugerentes del encuentro. No tenía que ver con un ingrediente de moda, sino con una pregunta de fondo: ¿qué significa hoy comer bien en una cultura obsesionada con vivir más?

La feria funcionó, en ese sentido, como un buen termómetro de una conversación que ya circula con fuerza en el sector. La salud ha dejado de ser solo una preocupación médica para convertirse en una aspiración cultural, un lenguaje de estatus y un nuevo criterio de consumo. Y en ese desplazamiento, lo que está en juego no es solo qué comemos, sino cómo entendemos el propio acto de comer.

Marius Robles, futurólogo, divulgador y escritor, puso palabras a esa idea durante una de las ponencias del programa. Su planteamiento es sencillo y reconocible. Durante años, el lujo se asoció a la posesión, a los símbolos visibles de riqueza o a las experiencias exclusivas. Hoy, sin embargo, empieza a emerger otro tipo de aspiración. El nuevo lujo, según esta lógica, ya no es tanto tener más como vivir más y, sobre todo, vivir mejor.

El cambio también es generacional. Si para los boomers la meta del bienestar estuvo durante décadas ligada a la estabilidad material, y para la generación X y los millennials a las experiencias memorables, entre las generaciones más jóvenes el foco empieza a desplazarse hacia la optimización de la salud. Dormir bien, medir biomarcadores, entrenar, prevenir o ajustar la dieta a objetivos concretos dejan de ser hábitos de nicho para convertirse en parte de un nuevo lenguaje aspiracional.

La aspiración ya no pasa solo por evitar la enfermedad, sino por exhibir cierto control sobre el propio cuerpo, la energía, la forma física, el descanso o el equilibrio hormonal. En otras palabras, la salud como nuevo estatus. Ese giro cultural también altera la forma en que entendemos la comida. La alimentación deja de percibirse únicamente como placer, hábito o necesidad y empieza a pensarse como una herramienta, una palanca para rendir más, para prevenir, para concentrarse, para recuperarse o para dormir mejor. La comida, por tanto, ya no compite solo con otra comida. También compite con suplementos, aplicaciones, wearables —dispositivos electrónicos inteligentes que se llevan sobre el cuerpo como accesorios o parte de la vestimenta—, pruebas diagnósticas y protocolos de bienestar.

La aspiración ya no pasa solo por evitar la enfermedad, sino por exhibir cierto control sobre el propio cuerpo, la energía, la forma física, el descanso o el equilibrio hormonal. La salud como nuevo estatus

“Estamos pasando de una economía del consumo a una economía del rendimiento”, planteó Robles. En ese marco, el consumidor ya no se pregunta solo si un producto está bueno, si es práctico o si tiene un precio razonable. Ya no basta con que guste o encaje en el presupuesto. Ahora lo importante es qué aporta, qué mejora, qué optimiza.

Esta idea conecta con esa “sociedad del cansancio” popularizada por el filósofo Byung-Chul Han, en la que el agotamiento se ha convertido en una condición estructural del presente. En una cultura atravesada por la hiperexigencia, la productividad permanente y la promesa de una mejor versión de uno mismo, no extraña que el mercado premie cada vez más todo aquello que promete energía, concentración, descanso o claridad mental.

Eso ayuda a explicar por qué en las baldas de los supermercados ganan peso categorías como la proteína —uno de los grandes temas de esta edición de Alimentaria—, los prebióticos, los probióticos, el magnesio, la creatina o los llamados alimentos funcionales. También ayuda a entender el auge de contenido en internet relacionado con la microbiota, la nutrición personalizada y las propuestas vinculadas al control glucémico, la saciedad o el bienestar mental. Pero la sobreabundancia de información no siempre despeja dudas. “Nunca hubo tanta información sobre salud y alimentación y, sin embargo, el consumidor parece más confundido que nunca”, resumió Robles durante su intervención.

Las redes sociales amplifican dietas, rutinas de ejercicio y soluciones rápidas con una velocidad difícil de seguir. A cada estudio parece responderle otro que lo contradice. A cada tendencia le sucede una nueva promesa. El resultado es un mercado saturado de mensajes, donde conviven la ciencia, el marketing, la ansiedad por optimizarse y el espectáculo. En ese contexto, la longevidad avanza a la vez como aspiración legítima y como terreno fértil para la exageración. Toni Massanés, director general de la Fundació Alícia (laboratorio de alimentación responsable), describe este momento como una etapa de “lío importante”, marcada por la aceleración de las modas, la obsesión por leer las etiquetas y una relación cada vez más fragmentada con la comida.

Comemos significados, comemos valores, no solo nutrientes. Comer solo por salud no es sano

Toni Massanés — Fundación Alícia

Uno de los vectores más visibles de esa transformación es la irrupción de los fármacos GLP-1, con Ozempic y otros tratamientos similares como gran emblema cultural del momento. Estos medicamentos se perfilan como una fuerza capaz de alterar de forma profunda el ecosistema alimentario. No tanto por el debate farmacológico en sí, sino por una consecuencia muy concreta: la reducción del apetito. “El mayor enemigo ahora que tenemos encima de la mesa es la ausencia de apetito”, advirtió Robles.

Si el apetito disminuye, se transforman también la frecuencia de consumo, el tamaño de las raciones y la relación emocional con la comida. Lo que hasta hace poco era abundancia, variedad o impulso puede dejar de tener el mismo sentido. En restauración, por ejemplo, eso podría traducirse en menús más breves, menos platos y una mayor exigencia sobre el valor de cada bocado. En gran consumo, podría acelerar la demanda de productos más densos en nutrientes, funcionales y orientados a la saciedad y al rendimiento.

Ese movimiento ya empieza a traducirse en innovación. Leyre Urtasun, responsable de Desarrollo de Producto del CNTA (Centro Nacional de Tecnología y Seguridad Alimentaria), sostiene que el fenómeno GLP-1 no está dando lugar tanto a una nueva categoría cerrada de alimentos como a un cambio más profundo en la lógica de diseño. “El fenómeno GLP-1 acelera un cambio de fondo. La lógica ya no es maximizar consumo, sino valor nutricional por ingesta”, explica.

El cambio está dejando de ser una hipótesis. Según Urtasun, ya hay estudios que “detectan una reducción del gasto alimentario en los hogares con usuarios de agonistas GLP-1 de entre un 5% y un 6%, especialmente en snacks y productos altamente calóricos, y también se observa una menor frecuencia de consumo en restauración”.

El consumo de estos fármacos no afecta solo a la cantidad de comida ingerida, sino también a la experiencia sensorial. Urtasun asegura que cada vez hay más indicios de que algunos usuarios perciben de otra forma sabores y texturas, de modo que factores como la palatabilidad, el tamaño de la porción o la intensidad del sabor pasan a ser variables críticas para la innovación. En particular, las texturas muy grasas y los sabores excesivamente dulces pueden llegar a resultar desagradables para parte de estos usuarios. De ahí que advierta contra las respuestas precipitadas. “El principal riesgo que afronta la industria es intentar responder demasiado rápido a una tendencia compleja sin comprender plenamente qué está cambiando en el consumidor”.

Lo que asoma aquí es un cambio de fondo. Si una parte creciente de los consumidores come menos, pero exige más de cada ingesta, la lógica del volumen de ventas pierde centralidad. Ese desplazamiento obliga a repensar productos, formatos y porciones, pero también abre una pregunta más profunda sobre el significado cultural de comer.

En una época marcada por la aceleración de las modas, la circulación vertiginosa de tendencias y la fragmentación de hábitos, comer sigue siendo también vínculo, cultura y placer

No significa, necesariamente, el fin de la comida como espacio de disfrute, pero sí apunta a una fragmentación del propio concepto de alimentación. Toni Massanés introduce aquí una advertencia importante frente al entusiasmo funcionalista. “Comemos significados, comemos valores, no solo nutrientes”, resume. A su juicio, el problema no es que la salud gane peso en la conversación alimentaria, sino que esa conversación termine reduciendo la comida a una simple función. “Comer solo por salud no es sano”, advierte.

Frente a una cultura que mide la comida por lo que promete hacer por el cuerpo, Massanés recuerda una dimensión a menudo olvidada. “Lo mejor de la comida es la compañía. Incluso lo más sano de la comida es la compañía”. Algo que en la Fundació Alícia han comprobado en proyectos piloto en los que personas con soledad no deseada eran derivadas desde atención primaria a comer varios días por semana en restaurantes de menú, con resultados positivos en su bienestar emocional. La idea, en el fondo, es sencilla. La comida también puede ser una forma de cuidado cuando recupera su dimensión relacional.

Ese matiz es importante porque devuelve al centro una cuestión que el discurso de la optimización suele dejar en segundo plano. En una época marcada por la aceleración de las modas, la circulación vertiginosa de tendencias y la fragmentación de hábitos, comer sigue siendo también vínculo, cultura y placer.

Más allá de los GLP-1, la conversación ya apunta a una frontera todavía incipiente, pero cada vez más visible. Junto a la nutrición deportiva o al clásico brain food, la industria empieza a explorar nuevas promesas de funcionalidad, también en el terreno cognitivo. La hipótesis, todavía prospectiva, conecta con el auge de dispositivos que monitorizan sueño, actividad y otros marcadores fisiológicos. “Si el cuerpo ya se cuantifica, el siguiente paso sería integrar esos datos en recomendaciones nutricionales cada vez más precisas”, aseguró Robles. Una alimentación menos genérica y más ajustada al estado biológico y cognitivo de cada persona. Algo en lo que coinciden también desde el CNTA.

Todo parece apuntar a que, en una cultura marcada por el cansancio, el ruido y la exigencia de rendir, la comida deja de venderse solo como placer y bienestar, empieza a venderse, también, como una forma de seguir funcionando.

En los últimos años, Internet ha consolidado una especie de imaginario compartido: al entrar en la crisis vital de los 30, cada persona parece elegir un starter pack con un nuevo hobby que nunca antes había explorado. Están quienes empiezan a jugar a pádel, quienes se enganchan a correr, quienes descubren el rocódromo, se hacen pajareros o se apuntan a clases de cerámica o crochet.

Pero los hobbies no aparecen solo como respuesta a estas crisis, sino que forman parte de la identidad que construimos a lo largo de la vida. En teoría, son ese espacio reservado al tiempo libre en el que practicamos actividades por gusto y sin una finalidad productiva. Así los define, al menos, la RAE: “Actividad que, como afición o pasatiempo favorito, se practica habitualmente en los ratos de ocio”.

Sin embargo, en una sociedad como la que vivimos, que valora la productividad por encima de todo y mide nuestra valía en relación al trabajo, cabe preguntarse hasta qué punto ese espacio sigue existiendo. ¿Somos realmente capaces de disfrutar de nuestras aficiones sin objetivos ni exigencias o, por el contrario, dejamos que recaiga sobre ellas el peso de la autoexigencia y el perfeccionamiento que caracterizan al trabajo contemporáneo?

Un espacio de disfrute y gozo

A día de hoy, nos encontramos en una paradoja en relación al tiempo de ocio. El filósofo Juan Evaristo Valls Boix, autor de los ensayos El derecho a las cosas bellas (Ariel, 2025) y JOMO, el gusto de perder (próximamente publicado en Anagrama), explica que “en la era del ocio, el ocio se ha vuelto imposible”. Vivimos en una sociedad de consumo en la que “todas nuestras aficiones o hábitos gustosos están mediados o por el trabajo o por el consumo. Y, por tanto, el tiempo libre es un tiempo a invertir o tiempo que aprovechar”. 

El problema es que nuestras aficiones, que originalmente estaban destinadas al disfrute, pasan por el filtro de la optimización e, incluso, de la rentabilidad. Si no somos buenos en algo, aunque disfrutemos con ello, lo abandonamos porque se considera una “pérdida de tiempo”. Esto es lo que le ha ocurrido a Laura, de 36 años, quien asegura haber dejado todos los hobbies que en algún momento inició —la cerámica, la repostería, el boxeo o el diseño de cestas de regalo para madres y bebés— por no ser lo suficientemente buena en ninguno de esos ámbitos: “Las cestas de regalo para bebés y mamás me quedaban preciosas… y luego vi con las que competía en Etsy”. 

Laura, de 36 años, ha dejado varios hobbies por sentir que no es lo suficientemente buena: 'Las cestas de regalo para bebés y mamás me quedaban preciosas… y luego vi con las que competía en Etsy

Esta comparación constante proviene, como explica Joana Tomàs, psicóloga especializada en ansiedad y autoexigencia, de “haber internalizado la lógica de la productividad no solo en los espacios de trabajo, sino también en los espacios de descanso. De esa forma, el ocio deja de ser un fin en sí mismo y pasa a evaluarse con preguntas como: ¿Estoy mejorando? ¿Estoy siendo constante? ¿Esto sirve para algo?”. Si la respuesta es, aparentemente, negativa, es entonces cuando surge la culpa: un sentimiento que termina por ser paralizante.

Esta lógica de la excelencia no es algo individual. En el episodio Muchachas excelentes del podcast Amiga Date Cuenta analizan cómo la exigencia de excelencia está profundamente vinculada a la vergüenza de clase y al género, y, a su vez, cómo eso limita la capacidad de hacer cosas sin la garantía de hacerlas bien. Kamila, de 31 años, lo expresa con claridad al reconocer que de pequeña fue la “niña superdotada” y ahora de adulta, si no es buena en algo al instante, lo deja. Un sentimiento que comparte con Marta, de 41 años, quien asegura que se autopresiona por conseguir resultados en cualquier cosa que haga: “Tengo superidentificado que esto es consecuencia del discurso que recibí tanto en el colegio como en casa cuando era niña”.

En ese sentido, Valls Boix explica la diferencia de cómo actúa la culpa en relación al género, y en un marco de heterosexualidad obligatoria. Mientras que las mujeres “sienten más vergüenza de hacer o participar por verse desautorizadas. En el caso de los hombres, el discurso hegemónico de la masculinidad cishetero pasa por la impenetrabilidad, es decir, por no mostrar tu vulnerabilidad, por estar siempre en dominio de la situación”. De una forma u otra, la necesidad de optimización acaba coartando la posibilidad de disfrute y gozo.

Para luchar contra esto, prosigue el filósofo y escritor, lo interesante “son las aficiones y los hobbies que no tienen ningún fin, sino que sencillamente son una forma de estar en el mundo”. En ese sentido, recuerda las palabras del también filósofo Roland Barthes en relación a la pereza, quien planteaba que le interesaba practicar algunas actividades que le gustaban mucho, pero en las que no era bueno, porque esas actividades, por un lado, le ayudaban a descomponer su narcisismo, y a que disfrutar no coincida con dominar. “Yo me sumo a la idea de Barthes de que estas actividades son una forma muy radical de libertad”. 

Lo interesante son las aficiones y los hobbies que no tienen ningún fin, sino que sencillamente son una forma de estar en el mundo

Juan Evaristo Valls Boix — filósofo y escritor

Esto lo atestigua Leonor, de 25 años, que asegura que lo que más le gusta de sus clases de salsa es que tiene “superclaro que jamás voy a poder ser bailarina profesional —no se me da tan bien— y que sólo voy a pasármelo bien y a escuchar una música que me encanta y aprender sobre ella”. Así como Clara, de 39, quien encuentra en los hobbies —especialmente el crochet— “algo en lo que me puedo permitir ser mediocre sin culpabilidad, ya que, además, me dedico a una profesión en la que, lamentablemente, la perfección se valora muchísimo”. O Sofía, de 31 años, que ha encontrado en la cerámica una forma de reconciliarse con una idea que lleva escuchando desde pequeña: “Siempre me han dicho que soy supertorpe y no tengo maña para nada. [...] En este tiempo siento que he aprendido mucho, pero disfruto del gusto de hacerlo sin presión. A veces no me sale bien, practico el desapego y me reconcilio con mi impaciencia y ‘torpeza”. 

Pero, ¿qué ocurre cuando estos hobbies dejan de vivirse solo en privado y se les añade la dimensión pública de las redes sociales?

Vivir sin espacios libres de exigencia dificulta la desconexión, aumenta la fatiga mental y hace que las actividades que antes eran placenteras se conviertan en tareas a completar

Joana Tomàs — psicóloga

La exposición pública del hobby

Las redes sociales se han convertido en una potencial fuente de inspiración en nuestras aficiones. La etiqueta #runningtips, con consejos para corredores, acumula más de 270.000 publicaciones en TikTok, #crochettutorial más de 500.000, mientras que #ceramics —donde se reúnen consejos, ideas, materiales, etc— supera el millón. Sin embargo, las redes sociales también han favorecido estas dinámicas de comparación, de autoexigencia y de rentabilidad. 

Al subir una foto de nuestros hobbies a redes sociales “convertimos nuestro tiempo libre y nuestro espacio y tiempo de esparcimiento en una mercancía. Y esa circulación genera reacciones, genera un tráfico y un afecto ligado a ese tráfico”, explica Valls Boix. Y ese afecto no siempre nos beneficia. Tomàs —psicóloga— asegura que “vivir sin espacios libres de exigencia dificulta la desconexión, aumenta la fatiga mental y hace que las actividades que antes eran placenteras se conviertan en tareas a completar”.

Es por ello que Cristina, de 42 años, quien, además de su trabajo, tiene una cuenta de lifestyle en Instagram donde, entre otras cosas, publica lo que cocina, reconoce que ha llegado a sentir ansiedad. “Cada vez que algo se te da bien, la mayoría de gente te insta a monetizar: ‘monta un restaurante’, ‘para cuándo el libro de recetas’, ‘grábalas en vídeo’. No puedo simplemente disfrutar de cocinar. A veces ni lo comparto porque, la mayoría de veces, la respuesta va ahí”. Diana, de 25, se ha sentido animada a mercantilizar sus hobbies en más de una ocasión, pero, finalmente, se “ha prohibido subir a redes el proceso o resultado de aquellos hobbies que hago por placer porque inevitablemente mientras lo hago me pondría a pensar si queda bien o si gustará y no tanto en si estoy disfrutando hacerlo”. 

Cada vez que algo se te da bien, la mayoría de gente te insta a monetizar: ‘monta un restaurante’, ‘para cuándo el libro de recetas’, ‘grábalas en vídeo’. No puedo simplemente disfrutar de cocinar

Cristina — 42 años

Ese rechazo a monetizar un hobby también lo lleva por bandera Alba, de 34 años, ya que, para ella, “la vida buena es totalmente incompatible con la rentabilidad”. Por ello, la psicóloga Joana Tomàs reivindica que “hacer cosas sin objetivo no solo es útil, sino que es muy necesario. A nivel psicológico, estos momentos permiten regularnos, que recuperemos la energía, que tengamos la capacidad de descubrir y de disfrutar y, sobre todo, que podamos favorecer una creatividad más espontánea”.  

Esta creatividad no solo se encuentra en la práctica de los hobbies más tradicionales, sino que Valls Boix también defiende que “nuestro tiempo libre se puede invertir en la militancia, en el activismo, y puede ser algo absolutamente gustoso, divertido y celebrativo”. El objetivo final, por tanto, es concebir los hobbies, en cualquiera de sus formas, como un espacio de horizontalidad que rompa con las dinámicas capitalistas y que nos permita entender que no todo lo valioso tiene que ser rentable. Y que hay formas de vivir —más lentas y más torpes— que, precisamente por no servir para nada, merecen la pena.

Durante años parecían condenados a desaparecer. La decisión de Apple de eliminar el conector de auriculares en el iPhone 7 en 2016 marcó un punto de inflexión que empujó a millones de usuarios hacia el Bluetooth. Sin embargo, casi una década después, los auriculares con cable están protagonizando un inesperado regreso, impulsado por una mezcla de razones técnicas, culturales y hasta emocionales.

Los datos respaldan este giro. Según la firma de análisis Circana, las ventas de auriculares con cable repuntaron tras cinco años de caída, con un aumento del 20% en ingresos durante las primeras semanas de 2026. Este crecimiento sugiere algo más que una moda pasajera: apunta a un cambio en la percepción del consumidor.

Uno de los argumentos más repetidos es la calidad de sonido. A diferencia de los modelos inalámbricos, que dependen de compresión de audio y códecs Bluetooth, los auriculares con cable ofrecen una transmisión directa y sin pérdidas. Estudios sobre audio digital señalan que las conexiones físicas siguen ofreciendo mayor fidelidad sonora que las inalámbricas, al evitar procesos de compresión y pérdida de señal propios del Bluetooth.

Más que sonido: una reacción cultural

Pero no todo es una cuestión técnica. El regreso del cable también se inserta en una tendencia cultural más amplia: una cierta fatiga tecnológica. En un contexto dominado por la inteligencia artificial, dispositivos inteligentes y ecosistemas cerrados, muchos usuarios buscan experiencias más sencillas, tangibles y previsibles. Conectar y escuchar, sin emparejamientos, sin batería y sin interrupciones.

A esta lógica práctica se suma un factor inesperado: la estética. Celebridades como Zoë Kravitz han contribuido a revalorizar los auriculares con cable como accesorio visible, casi como una declaración de estilo. En redes sociales, cuentas dedicadas a esta tendencia muestran cómo el cable, antes considerado un estorbo, se ha convertido en un símbolo de autenticidad frente a la invisibilidad del inalámbrico.

También hay razones de uso cotidiano. Los auriculares Bluetooth, pese a sus avances, siguen enfrentándose a problemas comunes: baterías que se agotan, fallos de conexión o pérdida de los dispositivos. Frente a esto, el cable ofrece una fiabilidad casi absoluta. No requiere carga, no depende de software y funciona de manera inmediata en cualquier contexto compatible.

Paradójicamente, incluso las grandes tecnológicas que impulsaron su desaparición no han renunciado del todo a ellos. Tim Cook llegó a reconocer que la compañía sigue vendiendo auriculares con cable porque “la gente todavía los compra”. Hoy, estos conviven con adaptadores, conexiones USB-C o Lightning, adaptándose a un ecosistema que, en teoría, ya los había dejado atrás.

El fenómeno encaja, además, en una ola más amplia de recuperación de lo “retro”: desde vinilos hasta cámaras analógicas. En un mundo cada vez más digital e intangible, el cable representa algo casi físico, una conexión directa no solo con el dispositivo, sino con una forma de consumir tecnología más consciente y menos mediada.

Lejos de suponer el fin del Bluetooth, el resurgir de los auriculares con cable refleja una convivencia de modelos. La comodidad inalámbrica sigue siendo clave, pero ya no es la única opción dominante. En ese equilibrio entre innovación y simplicidad, el viejo cable ha encontrado un nuevo espacio.

Las imágenes son familiares: hombres blancos de mandíbula cuadrada, rostros severos, que transmiten fuerza y autoridad. Durante la última semana, mientras Estados Unidos intensificaba su campaña militar en Oriente Medio, el rostro del secretario de Defensa Pete Hegseth ha aparecido en una pantalla tras otra pronunciando la retórica del patriarca guerrero. Es un rostro ya conocido por otras actuaciones: posando en el gimnasio junto a Robert F. Kennedy Jr. para el canal de YouTube del Departamento de Guerra; dando una charla a los militares sobre los «generales gordos»; presentando un programa de fin de semana en Fox News.

Pero aquí, aprovechando la gloria de las tropas, Hegseth presentó la máscara del general —la mandíbula prominente, la mirada inquebrantable— aunque, según sugieren algunos críticos, sin la experiencia militar ni el juicio estratégico que suele acompañar a esa imagen. Donald Trump también ha ofrecido su propia versión del rostro del hombre fuerte: la presencia imponente, blanca e inflexible, aunque últimamente la gente se ha fijado más en su nueva erupción del cuello.

Trump y su gabinete están ejerciendo el poder militarista en el momento preciso en que el rostro masculino blanco se ha convertido en su propio escenario de autoridad. Otros iconos del movimiento Maga (Make America Great Again), como Elon Musk, también han tenido «cambios radicales» públicos. Incluso JD Vance se reinventó políticamente con una barba durante su candidatura al Senado en 2022 para enfatizar su rudeza de clase obrera. Ahora se le conoce en el TikTok chino como el «hombre del eyeliner».

Los rostros de los hombres están más escrutados que nunca, tanto en posiciones de poder cultural como político: en las alfombras rojas, en los primeros planos de la prensa sensacionalista, en las redes sociales y en las películas, series de televisión y anuncios. Sus rasgos son objeto de especulaciones, analizados y diseccionados. ¿Bradley Cooper se ha puesto relleno? ¿Brad Pitt tiene una nueva mandíbula? ¿Ese es Jim Carrey?

El escrutinio del rostro no es nada nuevo, pero históricamente han sido los rostros de las mujeres los que han acaparado la atención de los medios, que suelen cuestionar si se han sometido a cirugía estética y quién parece más mayor, más joven, más gorda o más delgada. En el caso de las mujeres, la homogeneización de los estándares de belleza está bien documentada: antes de tener la «cara Mar-a-Lago» —que sirve para mostrar el trabajo, la riqueza y la blancura que conlleva estar tan pulida, tonificada y conservada—, teníamos la cara de Instagram, con un repertorio de rasgos estereotipados que dificultaban distinguir un rostro de otro.

Pero también se ha producido un cambio paralelo en los rostros de los hombres, hacia algo más esculpido, cuidado y consciente de sí mismo. En los últimos años hemos asistido a una explosión de productos de cuidado personal, «gymfluencers», “body hacks”, carillas dentales («dientes turcos» en Reino Unido, «dientes mexicanos» en Estados Unidos). La cirugía estética también ha entrado en la esfera pública para los hombres, sobre todo en 2021 con el lifting facial del diseñador Marc Jacobs. «No hay que avergonzarse de ser vanidoso», anunció Jacobs, subiendo selfies en los que se veían tubos de drenaje llenos de sangre a ambos lados de su cabeza vendada.

Pero, ¿esto es vanidad? La búsqueda de mandíbulas marcadas y «ojos de cazador» explica en parte el aumento de la proporción de intervenciones de cirugía estética masculina, que han contribuido a un incremento global del 40% desde 2020. Los hombres se preocupan más que nunca por su rostro. Pero, ¿qué es lo que les preocupa?

Esa pregunta le hice a Dan Saleh, destacado cirujano plástico y estético y fundador de The Face Institute en el Beverley Hospital and Clinic de Gateshead. Tras la pandemia, la clínica de Saleh experimentó un notable aumento de las consultas masculinas en comparación con las femeninas: una de cada cinco, en lugar de una de cada diez antes de la pandemia. A sus clientes les preocupan las bolsas en los ojos, la flacidez de la piel y la «papada de Zoom», que se convirtió en un problema con el auge de las videollamadas. Los estiramientos faciales también tienen más demanda, a menudo relacionados con medicamentos GLP-1 como Ozempic, que provocan flacidez en el rostro. Saleh no cree que los hombres se estén volviendo más vanidosos, sino que la cirugía estética forma parte ahora más firmemente del ámbito del «bienestar» y una opción de consumo.

Sin embargo, en este mercado, no todos los rostros son iguales. El contorno de la mandíbula, los ojos de cazador y los rasgos angulosos que impulsan el debate sobre la belleza masculina representan una estética occidental europea que se está universalizando a través de los algoritmos de las redes sociales y la cirugía estética. Si interpretamos el nuevo interés por los rostros masculinos como vanidad, como un producto inevitable de las redes sociales o incluso como una especie de schadenfreude basado en el género —con los hombres experimentando lo que las mujeres han soportado durante siglos—, estamos pasando por alto lo importante. Y es que, aunque el rostro se ha convertido en un objeto de consumo tanto para hombres como para mujeres, los motivos y las consecuencias son diferentes.

Los rostros de las mujeres siempre se han valorado en términos de belleza. Los rostros de los hombres pueden ser admirados por su atractivo visual, pero también son figuras representativas, tanto literal como simbólicamente, y centros de poder político. Incluso más que la cara Mar-a-Lago, los rostros masculinos nos muestran el impacto del neoliberalismo en nuestra política, en nuestras pantallas y en las consultas de nuestros cirujanos.

No podemos entender ni explicar esto sin recurrir a la historia olvidada del rostro humano. Durante siglos, como muestro en mi libro The Face: A Cultural History [El rostro: una historia cultural], los rostros se han utilizado para evaluar el valor humano. Antes de la «raza», la blancura y la simetría se celebraban en la Biblia y en el mundo clásico; Isaías 1:18 proclama «aunque vuestros pecados sean como la grana, quedarán blancos como la nieve», mientras que Aristóteles afirmaba que la piel negra era sinónimo de cobardía. La fisonomía también encontró «pruebas» de que la moralidad, la inteligencia y la virtud de una persona se reflejaban en la forma de su nariz y la curva de su frente.

Estas reglas se introdujeron en el arte y la cultura, así como en la acuñación de monedas. Aristóteles decía que los hombres con ojos pequeños carecían de visión y que los que tenían barbillas débiles eran malos líderes; en consecuencia, la acuñación de monedas de su discípulo, Alejandro Magno, mostraba de perfil la mirada abierta y la mandíbula decidida del líder.

Las figuras decorativas no pretendían capturar el realismo, la personalidad o la belleza convencional. Las arrugas, las cejas fruncidas y la piel flácida eran signos de autoridad, reflejando la convención artística del verismo —la representación hiperrealista de cada línea, arruga e imperfección— que en el retrato romano hacía de la edad y la experiencia signos visibles de autoridad y aptitud para gobernar. No era así en el caso de las mujeres, que ocasionalmente eran esculpidas, pero en gran medida como adornos para los hombres, con rostros estilizados a imagen de las diosas.

Aparte de los gobernantes, muy pocas personas veían representados visualmente sus rostros en la antigüedad. Tampoco estaban familiarizadas con sus propios rostros: antes del siglo XVI, la mayoría de las personas nunca se habían visto en un espejo (no sería hasta el siglo XIX cuando la producción en masa lo popularizó).

A partir del Renacimiento se prestó más atención a los rostros, ya que el humanismo los consideraba reflejos de la verdad interior. El retrato pasó a centrarse en el parecido psicológico; la fisonomía era importante, pero también lo era el realismo. Un mentón fuerte, una mirada firme y la simetría seguían siendo signos de juicio, racionalidad y liderazgo. Lo mismo ocurría con la blancura: a medida que la expansión colonial revelaba rostros humanos más diversos, la blancura se codificó como un signo de «civilización».

Esta codificación se intensificó en el siglo XVIII, cuando el retrato presentaba la blancura como biológica y moralmente superior. Los mercados masivos del consumismo y la cultura urbana reforzaron el «cuidado personal» como prueba de la civilidad masculina: una barba y unas cejas bien cuidadas eran, junto con la piel blanca, signos de riqueza, ocio y respetabilidad.

A medida que surgían nuevas tecnologías relacionadas con el rostro, estas se extendían por todas las jerarquías existentes, al igual que lo harían las redes sociales. Las jerarquías raciales y de belleza tradicionales se vieron reforzadas por la fotografía, lo que permitió a los antropólogos crear mediciones cada vez más elaboradas para respaldar las nociones de supremacía blanca. Francis Galton, fundador de la eugenesia, utilizó la fotografía compuesta para crear «tipos criminales» y «tipos raciales», clasificando el valor humano según los rasgos faciales. Los rostros negros se interpretaban como prueba de «salvajismo», mientras que los rostros blancos significaban «civilización», códigos que se han incorporado a los algoritmos sesgados del reconocimiento facial moderno.

El nacimiento de Hollywood y de la publicidad amplificó la celebración del rostro perfecto. El primer plano lo cambió todo. Pionero en los inicios del cine, aportó una intimidad sin precedentes a los rostros, revelando poros, asimetrías y los más mínimos destellos de emoción: un labio tembloroso, un ligero temblor. Esto se vendió como autenticidad, pero también magnificó cada defecto y estableció nuevos estándares imposibles. El primer plano prometía verdad al tiempo que exigía perfección, y la industria respondió con nuevas tecnologías de control: maquillaje, iluminación, lentes de enfoque suave y, en la década de 1950, cirugía estética.

Hoy en día podemos observar los mismos factores en la valoración de la belleza masculina. Instagram promueve ideales fisiognómicos pseudocientíficos, como las mandíbulas cuadradas en los hombres, como «naturales» y deseables, alegando que utiliza el antiguo principio de la «proporción áurea» para definir lo que se considera atractivo, centrándose en la forma y la posición de la nariz, la mandíbula y los ojos para determinar el rostro ideal y simétrico.

Esta información también se ha incorporado a los sistemas de IA, dando forma a sus algoritmos, y ha sido adoptada por muchos cirujanos plásticos como la verdad absoluta. Pero debe ser desmentido: la simetría no es lo único que hace que un rostro sea atractivo, y la proporción áurea es un concepto estético occidental europeo obsoleto.

La fisonomía también ha vuelto injustificadamente: cada día juzgamos quién es digno de confianza y quién no, basándonos en marcadores aceptados que a menudo son fundamentalmente racistas. También está presente en forma digital, en los algoritmos de IA desarrollados para «leer» los rostros e inferir emociones, rasgos de carácter, orientación sexual y criminalidad. Cesare Lombroso, el criminólogo italiano del siglo XIX que creía que los «criminales natos» eran identificables por su estructura facial, estaría orgulloso.

Junto con los cirujanos plásticos y los influencers de las redes sociales, los psicólogos evolutivos han reforzado y reciclado los valores faciales tradicionales, afirmando que las mujeres se sienten «naturalmente» atraídas por los ojos de cazador, los mentones marcados y los niveles elevados de testosterona. Se presentan ideales históricos específicos como algo natural e inmutable. Pero la suposición de que los rasgos «depredadores» equivalen a aptitud genética dice más de nuestro momento cultural que de la naturaleza humana.

Seamos realistas, si la atracción estuviera programada genéticamente, todos seguiríamos enamorándonos de las pantorrillas bien torneadas y cubiertas de seda de un comerciante del siglo XVIII y encontraríamos que las pelucas empolvadas son lo más sexy. Las barrigas gordas eran deseables en épocas de escasez, y las patillas eran deseables en los caballeros victorianos mucho antes de que las recuperaran los hipsters de Hoxton.

La tendencia actual hacia un ideal juvenil y abiertamente masculino es un signo de nuestros tiempos. La lógica del neoliberalismo es que nos tratemos a nosotros mismos como proyectos que requieren una inversión y una mejora constantes. No es de extrañar que haya transformado el rostro masculino en capital: es un activo comprensible (pero depreciable), como las criptomonedas, en un mundo en el que el poder se percibe como algo abstracto y fuera de nuestro alcance.

La lógica del neoliberalismo es que nos tratemos a nosotros mismos como proyectos que requieren una inversión y una mejora constantes. No es de extrañar que haya transformado el rostro masculino en capital: es un activo comprensible (pero depreciable),

Por eso no es solo el rostro masculino, sino un tipo concreto de rostro masculino, el que acapara toda la atención. La «experiencia» que se refleja en las arrugas no es necesaria en la era de las startups; el estatus ya no está garantizado por la experiencia, la propiedad de tierras o los cargos institucionales.

Esta lógica es especialmente poderosa en la «manosfera», donde existe un nexo entre el «looksmaxxing» [maximización de la apariencia] y el nacionalismo blanco. Pero incluso fuera de la «manosfera», la blancura sigue siendo influyente. Puede que todos los rostros sean mercancías, pero no todos tienen el mismo valor a la hora de vender un producto, una película o una ideología.

Los rostros blancos, por haber sido siempre la norma con la que se juzga a los demás, se consideran neutros y más fáciles de dotar de significados diversos. Quizás por eso la nueva generación de galanes de Hollywood —Jacob Elordi, Timothée Chalamet, Austin Butler— encarna una estética masculina similar: blanca, simétrica y angulosa. Además, todos ellos han sido elegidos para interpretar a protagonistas románticos melancólicos, en Saltburn, Bones and All y The Bikeriders, respectivamente, que proyectan una fantasía de depredación: deseables, pero peligrosos. Estos rostros no son del todo nuevos. Se hacen eco de un arquetipo más antiguo —la autoridad impasible y cincelada de un Clint Eastwood antes de que el tema del género se complicara—, filtrado a través de los algoritmos de Instagram y optimizado para una época que exige que el poder masculino sea inflexible y se pueda comprar.

No todos los rostros se ajustan al tipo. Por cada Jacob Elordi habrá un andrógino David Bowie, un Steve Buscemi «feo-sexy» y un musculoso Dwayne «The Rock» Johnson. Pero el rostro blanco, anguloso y de Europa occidental que representa el neoliberalismo moderno se considera lo suficientemente neutro como para ocupar el espacio central. También es lo suficientemente fluido como para convivir con las contradicciones.

Lo cual nos lleva de nuevo a JD Vance. Esa barba tan cuidadosamente recortada podría transmitir una masculinidad ruda a una base política que idealiza los roles de género «tradicionales» y se burla de la idea del género como algo que se representa. Pero el propio rostro de Vance —y sus ojos, aparentemente marcados por las arrugas— es pura representación. En un registro diferente se sitúa el de Hegseth: un cuerpo esculpido en el gimnasio, una mirada fija, listo para las cámaras. El propio rostro de Trump cuenta una historia diferente —el bronceado de los años 80, el pelo a punto de caer, la base de maquillaje que se detiene en la línea de la mandíbula—menos guerrero de mandíbula cuadrada que soberano pintado. El rostro masculino de la autoridad nunca es solo naturaleza, sino también teatro, mercado, significado y espectáculo.

La doctora Fay Bound-Alberti es profesora de Historia Moderna en el King’s College de Londres y su libro The Face: A Cultural History ha sido publicado por Allen Lane en Reino Unido.

Durante la extraña primavera de 2020, se detectó una tendencia inesperada en redes sociales: cuentas dedicadas al yoga, la meditación o la alimentación detox empezaron a compartir contenido antivacunas. 

En cuestión de semanas, comunidades que hasta entonces estaban centradas en la salud holística y los batidos verdes comenzaron a hablar sin parar sobre supuestas terapias naturales que acababan con la COVID-19, implantes secretos de microchips y élites secretas, o a postear enlaces a Fox News y 4chan. La desesperación de la gente ante la nueva amenaza vírica hizo el resto: las visualizaciones se contaban por millones.

No parecía que todo aquello fuera una casualidad. ¿Se habían puesto de acuerdo? ¿Qué mecanismos habían activado este viraje tan desconcertante? Y, sobre todo, ¿cómo casaba la búsqueda de la calma interior con la propaganda del miedo colectivo?

Este llamativo hecho es el punto de partida de Conspiritualidad. Cómo las teorías conspirativas de la new age se convirtieron en una amenaza para la salud pública (Capitán Swing, 2026), un ensayo escrito a seis manos por Derek Beres, Matthew Remski y Julian Walker que analiza la convergencia entre espiritualidad alternativa, negocio digital y cultura de la conspiración. Un cortocircuito cultural donde la búsqueda del sentido de la vida y la desconfianza hacia la autoridad competente terminaron reforzándose mutuamente hasta generar un nuevo ecosistema de influencia que todavía dura.

El libro, editado en inglés en 2023, no es un ensayo escrito desde la distancia académica, sino desde dentro del propio ecosistema que analiza. Sus tres autores comparten una larga trayectoria en el mundo del yoga y el wellness, primero como practicantes y profesores, y después como observadores críticos de sus derivas reaccionarias. Remski, por ejemplo, es periodista y novelista, pero pasó seis años atrapado en sectas antes de iniciar un proceso de recuperación que lo llevó a especializarse en las dinámicas coercitivas.

Derek Beres, por su parte, había trabajado como reportero en temas de salud, ciencia y cultura, además de impartir clases de fitness durante años. Y Julian Walker lleva años escribiendo sobre las falacias cognitivas de la vida espiritual y religiosa, y sobre las tensiones entre psicología, neurociencia y prácticas contemplativas. 

Conspiritualidad nace de esa convergencia. Primero fue un podcast, impulsado por el cambio que detectaron al inicio de la pandemia. En él los autores comenzaron a cartografiar en tiempo real lo que veían emerger: la fusión entre influencers del bienestar, discursos antivacunas y retóricas de extrema derecha.

Esa doble condición (haber formado parte del sector y haberlo cuestionado desde dentro) atraviesa todo el ensayo. Remski, Beres y Walker conocen el atractivo que puede llegar a tener la industria espiritual y sus promesas de transformación, pero también sus zonas oscuras. Y desde esa experiencia sostienen que la espiritualidad no es el problema en sí, sino la apropiación que han hecho de ella las lógicas de mercado, los algoritmos y las dinámicas sectarias, que pueden convertir la búsqueda de sentido en una herramienta de desinformación y riesgo para la salud pública.

Es un movimiento social, sobre todo online, en el que las teorías de la conspiración y la espiritualidad (especialmente la de tipo new age) se mezclan en un cóctel explosivo de sectas, pseudociencia y extremismo de derechas

Paranoia y “despertar”

“La conspiritualidad es un movimiento social, sobre todo online, en el que las teorías de la conspiración y la espiritualidad (especialmente la de tipo new age) se mezclan en un cóctel explosivo de sectas, pseudociencia y extremismo de derechas”, explica Remski vía correo electrónico. 

El autor califica a la conspiritualidad como un fenómeno lleno de paradojas: “Por un lado, en la vertiente conspirativa, prevalece una desconfianza radical hacia el mundo. A la vez, en la espiritual, existe una pronoia, la convicción de que todo conspira para bien y nos conduce hacia el paraíso”, señala. Esa tensión, explica, se traduce en una doble creencia: “Están ocurriendo cosas terribles, perpetradas por élites malvadas, y tomar conciencia de esa corrupción forma parte de un despertar espiritual que acabará sanando al mundo”.

Una vez asumida esa lógica, el activismo tradicional pierde peso. “Quienes creen en la conspiritualidad sienten que pueden acelerar el proceso revolucionario no a través del activismo político tradicional, sino mediante la meditación, el consumo de suplementos alimenticios, el rechazo a las vacunas o escuchando a médiums espirituales”, afirma.

Todo este movimiento, añade, tiende a escorarse hacia posiciones reaccionarias porque parte de la premisa de que “todas las instituciones humanas: gobiernos, educación, medicina, periodismo, no están ‘iluminadas’ y bloquean el verdadero crecimiento espiritual”. En ese proceso, concluye, “la espiritualidad se ha convertido en una puerta de entrada para la extrema derecha”.

En lugar de los valores tradicionales, ellos se aferran a otros como “la intuición por encima de la investigación científica, la comida orgánica como causa y garante de toda la salud y la pureza corporal o la idea de que la enfermedad es signo de debilidad moral”. 

Es inevitable ver la relación de estas ideas con movimientos como QAnon, la teoría conspirativa nacida en foros de Internet que sostiene que el mundo está controlado por una élite secreta y malvada formada por políticos, empresarios y celebridades y que un grupo oculto dentro del poder lucha para derrotar. “Esta relación no es casual: QAnon es una forma concentrada de los impulsos más oscuros de la conspiritualidad”, sostiene Remski.

Además, el autor señala que, desde la publicación original del libro, ha detectado que este tipo de movimientos suponen una distracción política que le viene muy bien al capitalismo. “Y eso tiene un potencial enorme para drenar la energía cognitiva y la capacidad de esperanza que tanta falta hacen entre los movimientos de izquierdas que deberían estar pensando en cómo frenar el fascismo”, apunta.

Sienten que pueden acelerar el proceso revolucionario no a través del activismo político tradicional, sino mediante la meditación, el consumo de suplementos alimenticios, el rechazo a las vacunas o escuchando a médiums espirituales

Un movimiento que no surge de la nada

A pesar de que, como hemos dicho, la pandemia actuó como catalizador del fenómeno de la conspiritualidad en nuestra época, no es precisamente algo nuevo. Los autores dedican una buena parte de su libro a rastrear sus orígenes históricos.

“A los nazis les encantaban el yoga y el wellness por razones muy parecidas a las de los conspiritualistas actuales: desconfiaban de la medicina moderna y del periodismo convencional, convencidos de que ambos estaban corrompidos por fuerzas seculares (en su caso los judíos)”, asegura Remski. “Odiaban a los intelectuales y a los académicos, y se inquietaban mucho ante cualquier expresión artística que pudiera considerarse ‘degenerada’. Eran extremadamente heteronormativos y anhelaban una antigua edad de oro en la que la salud era perfecta, lejos de todo lo que consideran impuro o contaminado del mundo moderno”. Todas estas ideas, encajan perfectamente con las de los conspiritualistas de hoy en día. 

Esta vez, el proceso de ascenso de la conspiritualidad en nuestros días siguió, según Remski, el esquema siguiente: “Cuando la COVID obligó a cerrar negocios en la primavera de 2020, también cerraron estudios de yoga, consultas de masajes, clínicas quiroprácticas, etcétera”, recuerda.

El vuelco hacia lo digital fue inmediato. “Miles de profesionales de la salud alternativa se vieron forzados a volcarse de lleno en lo digital y a competir por la atención del público en redes”, explica. En ese contexto, el virus se convirtió también en una oportunidad de negocio: clases online, coaching individual, venta de productos con supuestas capacidades curativas… 

Así se sembró la duda: ¿y si el problema no era tanto la COVID-19 sino nuestro sistema inmunitario o nuestra actitud ante la vida? Tranquilos, ellos te vendían prácticas, hierbas, aceites, suplementos o lecturas astrológicas que nos mantendrían a salvo. “Para mucha gente del mundo del bienestar alternativo, la urgencia de una crisis de salud pública fue el momento perfecto para poner realmente a prueba sus pócimas”, apunta Remski.

Pero claro, la competencia por la atención se volvió feroz, con lo que fue necesario subir la apuesta. “Hacía falta escalar el delirio todavía: el virus no era real, las vacunas eran veneno, George Soros quería matarnos para robarnos la sangre, las personas trans venían a por nuestros hijos…”.

Una “religión digital” sin comunidad real

Esta nueva “religión digital” tenía solo dos dogmas fundamentales: el mundo está gobernado por fuerzas malignas y solo unas pocas personas saben la verdad. Pero, ¿por qué esos dos lemas resultan tan atractivos a tantas personas? “Ofrecen claridad y certeza”, defiende el autor, “pero, a la vez, muy pocas vías reales de acción. De modo que la tensión se queda siempre en el plano del discurso”, apunta Remski.

A su juicio, el movimiento funciona como una versión desactivada de análisis políticos más estructurados: “Tiene toda la capacidad de diagnóstico de un análisis marxista de la historia, pero no su capacidad terapéutica”. Si el diagnóstico es que el mundo está dominado por fuerzas malignas, habría que organizarse. Sin embargo, la conspiritualidad opta por canalizar la energía hacia el consumo de contenidos en Internet y la autoafirmación.

Remski recurre a una metáfora para ilustrarlo: es como la diferencia entre construir un barco real y fabricar uno dentro de una botella. En Internet, explica, parece fácil reunirse y compartir la indignación. Pero si el proyecto político no sale de la red, “lo que el grupo acaba teniendo es un barco dentro de una botella”. Y la botella tiene dueño: la plataforma. “Si el barco es un proyecto político, se quedará ahí, dentro de una botella, sobre la mesa de Elon Musk o Mark Zuckerberg, como un entretenimiento. Incluso cualquiera de ellos puede desenchufarlo, estrangularlo en el algoritmo y hacerlo desaparecer”.

Ejércitos de personas fueron entrenadas para creer que el “activismo de clic” era participación cívica. “Pero no lo es, y no solo deprime la participación en la vida real, sino que probablemente con el tiempo erosiona nuestras habilidades para ella”, afirma Remski.

No es casual, señala, que QAnon y la conspiritualidad hayan prosperado tanto en Estados Unidos y no en países con una sanidad pública robusta o redes de seguridad social más amplias

¿Hay salida para la espiritualidad?

La pregunta final es inevitable: ¿puede existir una cultura del bienestar que no derive hacia la manipulación o hacia el delirio? Remski reconoce que entre los tres autores hay diferencias de opinión. “Julian tiene una teoría sólida sobre cómo el pensamiento crítico y un profundo respeto por la ciencia pueden permitir una espiritualidad no tóxica, y yo estoy de acuerdo con eso”, afirma.

Pero introduce una cautela materialista: “Como marxista, también creo que toda religión es un producto de las condiciones materiales, y que una espiritualidad que ha evolucionado para expresar y gestionar la paranoia fascista solo puede desvanecerse cuando deja de cumplir una función social y económica”. No es casual, añade, que QAnon y la conspiritualidad hayan prosperado tanto en los Estados Unidos y no en países con una sanidad pública robusta o redes de seguridad social más amplias.

A su juicio, las religiones que surgen como respuesta a amenazas percibidas “son frágiles”. Frente a ellas, propone mirar hacia tradiciones como la Teología de la Liberación o el budismo Navayana, y hacia comunidades religiosas que hoy “están poniendo el cuerpo para defender a sus vecinos en Estados Unidos frente a los desmanes del ICE”. Es decir, espiritualidades ancladas en lo real, no en el algoritmo.

Tras hablar con Remski, da la impresión de que el problema no es tanto la existencia de bulos o gurús oportunistas como el vacío que estos han venido a ocupar. Ante los complejísimos desafíos del presente (y los que se intuyen en el futuro), la conspiritualidad ofrece respuestas simples y la sensación de pertenecer a un pequeño grupo que ya ha despertado. En este contexto, parece urgente que, desde sectores de la izquierda, se impulsen propuestas, medidas y acuerdos para devolver la esperanza en el futuro y el sentido a la mayoría. Y, en especial, a los más jóvenes.

Famosos de aquí y de allá pregonan a los cuatro vientos las bondades de la luz roja. Reducción de la fatiga visual, disminución de los dolores de cabeza y migrañas y una mejora del sueño y de la claridad de la imagen son los beneficios que cada vez más empresas cacarean intentando vender sus productos. Cristina Pedroche lo defendió así en El Hormiguero: “Al principio solo era el móvil, ahora de repente tengo la lámpara y ya quiero todo el rato en rojo”. Le siguió Marcos Llorente: “Y por la noche, si salgo o estoy expuesto a luces artificiales, uso gafas con cristales rojos. ¿Por qué? Porque protejo mi biología”, comentó en una entrevista en COPE. Y en Marca, en un vídeo en el que narraba sus rutinas bajo luz infrarroja, aseguró: “En casa no pongo la luz”. Lo mismo hizo la influencer y exconcursante de Gran Hermano VIP, Estela Grande, así como el ganador de Supervivientes 2020, Jorge Pérez, quienes compartieron con sus seguidores vídeos en los que se ve los salones de sus casas iluminados en rojo. El último en subirse al carro ha sido el exfutbolista Fernando Amorebieta, que está detrás de la marca Nice Mood, desde donde comercializa bombillas y lámparas de luz roja.

Sin embargo, los expertos aseguran que no existe evidencia científica que sustente que el uso de la luz roja tiene tales efectos en la población general. “Los estudios que hay son pocos y con una muestra de personas muy reducida”, adelanta Carlos Egea, presidente de la Federación Española de Sociedades de Medicina del Sueño (FESMES). Este especialista es claro al respecto: “No existe robustez científica para afirmar categóricamente que la luz roja beneficia”. Le sigue el oftalmólogo Gonzaga Garay, que explica que la luz que percibimos no solo nos permite ver imágenes, sino que también activa sistemas biológicos en el ojo que envían señales al cerebro. Es así como el sistema regula su reloj biológico y la producción de melatonina, hormona que a su vez regula el ciclo de sueño-vigilia. “La onda corta de luz azul puede interferir en estos marcadores, mientras que la luz roja lo hace en menor medida”, explica.

El efecto que se persigue con la luz roja también se puede lograr con otros colores, incluso con luces blancas cálidas, apunta Garay, oftalmólogo de Osakidetza en la zona de asistencia sanitaria de Bilbao-Basurto. Este especialista recalca la importancia de diferenciar entre la plausibilidad biológica y el beneficio clínico demostrado. Mientras lo primero remite a un mecanismo que por ciertas razones puede hacer pensar que producirá los resultados deseados, lo segundo significa su demostración. Es decir, no hay evidencia científica que muestre un beneficio absoluto de la luz roja para la población en general, lo que no implica que ciertas personas experimenten una mejoría. En este caso, sobre todo personas con insomnio o turnicidad en el trabajo.

Los estudios que hay son pocos y con una muestra de personas muy reducida. No existe robustez científica para afirmar categóricamente que la luz roja beneficia

Carlos Egea — presidente de la Federación Española de Sociedades de Medicina del Sueño (FESMES)

Pocos estudios y muestras pequeñas

Egea, presidente de la FESMES, recalca que los estudios al respecto no son homogéneos y están realizados con un número reducido de personas. Los resultados indican que el uso de la luz roja frente a la blanca fomenta la secreción de melatonina. “Hay investigaciones realizadas con muy pocos pacientes que han concluido que así es más fácil iniciar el sueño”, apunta. De todas formas, nada es mejor que la propia oscuridad. “Como es difícil estar sin nada de luz dos horas antes de ir a dormir, la luz roja puede amortiguar el impacto”, comenta el experto, aunque también lo haría otra luz cálida.

El especialista añade que otro artículo demuestra cómo la luz roja tiene efectos negativos sobre las personas que sufren ansiedad e insomnio, a quien les empeora su situación. “Parece lógico que esta luz sea mejor que la blanca, pero eso no quita que algunos grupos de personas puedan experimentar algo diferente”, abunda.

Por otro lado, el estudio Efectos de la luz roja sobre la inercia del sueño analizó si despertarse con luz roja granjeaba algún beneficio a las personas. Examinaron los resultados en 34 pacientes y concluyeron que la luz roja reduce la inercia del sueño. Es decir, levantarse con esta luz aminoraría el estado grogui en el que solemos abrir los ojos tras descansar varias horas.

“No se pueden vender milagros. La luz de nuestras casas y ciudades no está pensada para dormir, sino para vivir, y eso es un problema”, afirma el mismo Egea. En este sentido, afirma que para los trabajadores a turnos, sobre todo en sectores como enfermería o logística que trabajan de noche, sí sería recomendable que desarrollaran sus funciones con luz roja. “Eso haría que el nivel de melatonina no estuviera a cero y que cuando llegaran a su casa pudieran conciliar mejor el sueño”, prosigue.

Muchos otros factores para tener un buen sueño

Garay comenta desde Bilbao que otra cuestión importante es la intensidad de la luz a la que nos exponemos antes de dormir. “Hay muchos factores que influyen en la generación de estos supuestos beneficios de la luz roja”, asegura. Sin ir más lejos, disfrutar de una buena rutina e higiene del sueño tiene mucha mayor incidencia y beneficio que cualquier filtro en las gafas. Incidir solo en uno de estos factores significa no abordar la realidad en su conjunto. Aspectos como la alimentación y el estrés también son cruciales a la hora de analizar la calidad del sueño de una persona. “Hay que tratarlo de manera global. No por ponerte un filtro dormirás mejor”, apuntilla.

María Ángeles Bonmatí, integrante del grupo de cronobiología de la Sociedad Española del Sueño (SES), sostiene que la luz roja es una moda más en la que hay algo de evidencia científica, pero no la suficiente para aseverar como cierta la publicidad de las empresas que comercializan estos productos, normalmente bombillas y lámparas. En el mercado se pueden encontrar estas bombillas de luz roja desde unos 21 euros, aunque algunas marcas, como Nice Mood, elevan el precio hasta los 32 euros. La compañía del exfutbolista Amorebieta también vende lámparas de lectura desde los 27 euros.

Hay muchos factores que influyen en la generación de estos supuestos beneficios de la luz roja (...) Hay que tratarlo de manera global. No por ponerte un filtro dormirás mejor

Gonzaga Garay — oftalmólogo

“Usar una luz menos fría que la recibida durante el día cuando se acerca el momento de dormir, que permita buena discriminación cromática y seguir viendo los colores que nos rodean y funcionar con comodidad, también es suficiente”, dilucida la también profesora de Anatomía Humana y Psicobiología en la Universidad de Murcia.

La moda, también como casi siempre, está llegando demasiado lejos. “He escuchado a gente que dice dormir con una bombilla roja encendida, que simplemente por estar encendida ya es mejor para el organismo”, relata algo sorprendida Bonmatí antes de negar que eso sea así, ya que lo mejor es disfrutar del sueño con total oscuridad, tal y como han apuntado los expertos.

En referencia al estudio sobre la inercia del sueño anteriormente citado por Egea, la especialista en cronobiología opina que “si realmente se ha demostrado que la luz roja ayuda en la inercia del sueño, esos resultados van en contra de la evidencia recabada hasta el momento”. Y añade: “Una luz azul es la que en principio pone más en marcha los mecanismos al despertar y la que potenciaría la secreción de cortisol”.

María Ángeles Bonmatí, integrante del grupo de cronobiología de la Sociedad Española del Sueño, sostiene que la luz roja es una moda más en la que hay algo de evidencia científica, pero no la suficiente para aseverar como cierta la publicidad de las empresas que comercializan estos productos

El peligro de los famosos y las modas

El hecho de que personajes de relevancia pública hayan suscrito las bondades de la luz roja, no contrastadas con la evidencia científica, ha hecho que proliferen algunas ideas sin fundamento que las empresas del sector se encargan de explotar para aumentar su rédito económico. “Esta gente puede destacar en cualquier ámbito y por eso ser muy conocidos, pero no son personas formadas en ciencia ni con experiencia en este campo”, subraya Bonmatí.

Es ella quien señala que, en algunos casos, al escarbar un poco en qué se esconde detrás de este tipo de modas —la enésima ya—, aparecen conflictos de intereses. “En algunos casos por interés, en otros por desconocimiento, hay gente que se atreve a recomendar una serie de productos destinados a mejorar la salud sin saber la evidencia que demuestra su eficacia”, añade la integrante de la SES.

Este peligro tan solo se puede contrarrestar con la divulgación científica “para que la gente entienda que el hecho de que un conocido diga que un producto funciona no debe ser suficiente para creerle”, en términos de Bonmatí. Asimismo, Garay precisa que las recomendaciones sanitarias oftalmológicas deben basarse en estudios clínicos sólidos y no únicamente en la plausibilidad biológica de la que hablaba antes, y “ni mucho menos en mensajes comerciales”, remata antes de concluir: “Hoy por hoy, no hay evidencia científica suficiente para afirmar que el uso de la luz roja beneficie a la población en general”.

Las perchas de muchas tiendas pequeñas se han llenado de prendas sacadas de otra época: cazadoras vaqueras desgastadas, camisas estampadas de los noventa o jerséis con etiquetas que ya no existen. Lo que durante décadas fue territorio de un nicho alternativo, se ha convertido en una escena habitual en barrios de Madrid o Barcelona, entre otras grandes ciudades, donde cada vez más jóvenes entran en tiendas de segunda mano en busca de algo que no encontrarán en un centro comercial.

El crecimiento del consumo de ropa vintage entre la Generación Z no es solo una cuestión estética. Detrás conviven factores económicos, inquietudes ambientales y una cierta fatiga frente al modelo de consumo acelerado de la moda rápida. En paralelo, pequeñas tiendas y proyectos locales encuentran en este cambio una oportunidad —y también nuevos desafíos— en un mercado cada vez más competitivo que, tal y como señala el informe de Oxford Economics, en 2023 generó más de 9.200 empleos.

Un público joven que compra menos… y busca más

Pablo, empleado de una tienda de chaquetas de segunda mano en la calle Corredera Baja de San Pablo, en el barrio madrileño de Malasaña, observa un cambio en el consumidor. “Quienes entran en estos comercios son cada vez más jóvenes y lo hacen con una actitud distinta. No buscan hacer la compra del mes, sino explorar: miran, rebuscan, prueban y vuelven a mirar”, afirma.

Buscan precios accesibles, pero también la autenticidad de prendas que consideran únicas y a las que atribuyen una segunda vida. Parte del auge lo interpretan como reacción al encarecimiento percibido en cadenas del grupo Inditex —propietario de enseñas como Zara— y al modelo de producción intensiva popularizado por compañías como Shein. Al mismo tiempo, advierten de que el vintage ya no es necesariamente barato: la demanda creciente ha dado lugar a un mercado con lógica propia.

Desde la cadena de moda sostenible Humana observan el mismo fenómeno. Su director de Proyectos y Relaciones Externas, Rafael Mas, explica que si antes de 2020 los menores de 25 años representaban alrededor del 10% de su clientela, hoy alcanzan el 20%. A su juicio, la segunda mano se percibe cada vez más como “una alternativa sostenible y asequible”, pero también como una forma de expresar identidad, ya que vestir prendas reutilizadas puede transmitir “cierta rebeldía e individualidad”.

Vestir como forma de identidad

La expansión de la ropa vintage refleja una manera de entender la moda menos centrada en la novedad constante y más en la durabilidad, la singularidad o la coherencia personal. Desde la Organización de Consumidores y Usuarios (OCU) subrayan que el atractivo de este mercado combina ahorro económico y menor impacto ambiental, mientras que en Humana constatan que cada vez más clientes —especialmente jóvenes— buscan prendas singulares y se acercan a la moda desde una dimensión emocional, en parte como reacción a la uniformidad de la moda rápida.

Marta Biech, estudiante de Comunicación de las Organizaciones en la Universidad Autónoma de Barcelona, explica que empezó a comprar ropa de segunda mano porque sentía que “la ropa de antes tenía mucha más personalidad”, algo que —dice— le ha ayudado a encontrar un estilo propio.

Para Iakes Pérez de Lazarraga, estudiante de Administración y Dirección de Empresas en Mondragon Unibertsitatea, el cambio ha sido progresivo: reducir compras en grandes cadenas y construir una relación más consciente con la ropa. Hoy, asegura, el 90% de su armario procede de plataformas o tiendas de segunda mano. “Prefiero comprarme cuatro camisetas de segunda mano por el precio que me compraría una nueva”, resume.

El valor de lo local y la experiencia de compra

Más allá del producto, quienes frecuentan estas tiendas destacan el trato directo, la conversación con quienes gestionan el negocio y la sensación de apoyar proyectos independientes. “El trato es más personal y siento que apoyo a un negocio local”, dice Marta. “Pagas un poco por la experiencia y están mucho más comprometidos con el proyecto”, añade Iakes.

El auge del vintage también puede leerse como una búsqueda de comunidad frente a un consumo cada vez más digitalizado. Algunos consumidores describen estos espacios como lugares donde comprar se desacelera. “Es casi un arte encontrar algo”, comenta una clienta habitual. “Hay días que encuentras una joya y otros no, esa es precisamente la gracia” aclara.

En Humana reconocen que las redes sociales actúan como amplificador. TikTok, Instagram o Pinterest funcionan como escaparates donde descubrir tiendas y combinaciones que luego se trasladan a la búsqueda física. Marta reconoce que encuentra inspiración online, mientras que Iakes explica que sigue perfiles especializados y adapta las ideas a su presupuesto.

La segunda mano se consolida en los datos

Las percepciones del sector coinciden con las cifras. Una encuesta reciente de la OCU indica que el 75% de los españoles entre 18 y 64 años compró al menos un producto de segunda mano en el último año, con un gasto medio de 167 euros. La ropa y el calzado lideran las búsquedas, muchas de ellas a través de plataformas digitales como Vinted o Wallapop.

Según explica Mas, las motivaciones suelen combinar factores económicos y valores ambientales: en un contexto de inflación, el acceso a prendas de calidad a menor precio convive con el deseo de reducir el impacto ambiental y alejarse del consumo acelerado. Además, recuerda que en organizaciones como la suya existe un componente social, ya que los ingresos financian proyectos de cooperación y acción social.

Desde el análisis de mercado, Jaime Diez, de Worldpanel by Numerator, para los consumidores importan las variables “precio, sostenibilidad y tendencias”. Según explica, los datos muestran que casi la mitad de los consumidores lo percibe como una forma de ahorrar y más de seis de cada diez como una manera de cuidar el medio ambiente, especialmente entre los jóvenes.

Además, matiza que aunque la preocupación climática está presente en el discurso juvenil, “cuando se pregunta si están dispuestos a pagar más por prendas sostenibles no son el grupo que más destaca”. Iakes reconoce esa ambivalencia: “A veces me siento un poco culpable cuando compro en ese tipo de tiendas, aunque intento compensarlo comprando menos y eligiendo mejor”.

Entre tendencia y cambio cultural

El debate sobre si el fenómeno es pasajero o estructural sigue abierto. “Creo que empezó como una moda, pero poco a poco se está convirtiendo en un cambio real”, reflexiona Marta. El crecimiento también trae tensiones: subida de precios, profesionalización de la reventa o riesgo de perder el carácter alternativo. “Ahora hay muchas más tiendas, pero esto siempre ha existido y siempre existirá”, apunta Iakes.

De cara al futuro, el analista de Worldpanel considera que más que competencia directa, se debería hablar de convivencia. “Los consumidores alternamos entre comprar segunda mano y otros segmentos” añade. También explica que la tendencia parece consolidarse a medida que más consumidores incorporan la segunda mano como una opción habitual —no solo por precio, sino como parte de una manera distinta de relacionarse con la ropa— en un escenario donde comprar menos, elegir mejor y alargar la vida útil de las prendas empieza a formar parte de la conversación cotidiana.

El pasado 20 de febrero llegó a los cines españoles El agente secreto, la que viene siendo la película favorita al Premio Oscar a mejor largometraje en habla no inglesa, por delante de la española Sirat, después de haberse hecho con el Globo de Oro o el de los Critics Choice Awards.

En ella, más allá de su actor protagonista, Wagner Moura, quien viene acumulando también premios por su interpretación, hay un personaje al que solo le han bastado minutos para ganarse a las redes sociales y convertirse en toda una estrella en Brasil y de forma internacional.

Quién es Tânia Maria: estrella del cine brasileño a los 79 años

Ella es Tânia Maria, de 79 años, que se convirtió en actriz por casualidad, cuando acudió a un casting para ser extra en una película, y que, con un vestido de flores, un cigarro en la boca y gafas de sol es toda una sensación, seguramente el personaje más icónico de El agente secreto.

El fenómeno es tal que la propia Tânia Maria cuenta en The New York Times: “Donde sea que vaya, la gente me reconoce. Es maravilloso. Pero no se me ha subido a la cabeza”, asegura la costurera brasileña que ha conseguido una fama inesperada a los 79 años.

Sebastiana Maria de Medeiros Filha, a la que se conoce como Tânia Maria como nombre artístico, nació en 1947 en la ciudad de Santo Antônio da Cobra, al norte de Brasil y durante casi toda su vida trabajó como costurera de alfombras, siendo ajena al mundo de las películas y del cine.

No fue hasta los 72 años cuando descubrió que en su ciudad buscaban extras y acudió al casting. Así fue como conoció a Kleber Mendonça Filho, director de El agente secreto, que pronto le procuró más líneas y no fue una extra más en la película Bacurau.

Mientras escribía El agente secreto, Mendonça Filho se acordó de Tânia Maria y le ofreció el papel de Doña Sebastiana, porque sabía que sería perfecta para interpretar a este personaje, que es clave a pesar de su corta aparición al ser quién ofrece refugio al personaje de Wagner Moura y le ayuda a mantenerse a salvo de sus perseguidores en medio de la dictadura. “Es alguien muy carismática. Directa, dura y, al mismo tiempo, de buen humor. Me recuerda a todas las señoras mayores que he conocido”, reconoce el director.

De qué va ‘El agente secreto’, la favorita al Oscar a mejor película de habla no inglesa

El agente secreto es un thriller político ambientado en la dictadura militar que tuvo lugar en Brasil entre 1967 y 1985. Se sitúa en 1977, cuando un disidente político perseguido llamado Marcelo, a quien interpreta Wagner Moura, regresa a Recife para reencontrarse con su hijo y se ve obligado entonces a trabajar como espía para sobrevivir. Actualmente acumula cuatro nominaciones a los Premios Oscar, entre ellos el de mejor película internacional y mejor actor principal.

Si en las dos últimas semanas no has oído hablar de los therians, -adolescentes que sienten un vínculo especial con algún animal y se disfrazan y actúan como tal-, es que estás oficialmente a salvo de tendencias virales y de televisión de relleno. Porque no sabíamos nada de ellos, y desde hace unos días están por todas partes como si fuese un fenómeno masivo. Este fin de semana en varias ciudades españolas se habían convocado quedadas de therians pero lo que vimos fueron escenas incómodas de acoso y escarnio. 

Tras décadas viendo por nuestras calles a tribus urbanas de todo tipo, muchas salidas de los márgenes de internet, ¿por qué esta llama tanto la atención si hay apenas un puñado de personas con esta práctica en España? ¿Hay alguna intención política detrás? Hablamos de todo esto con Paloma Martínez Varela, periodista colaboradora de elDiario.es, y con Andrea Mezquida, psicóloga especializada en identidades queer.

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Ni es la nueva moda entre los jóvenes españoles, ni es cada vez más común encontrarse a personas a cuatro patas por la calle, ni se trata de “un problema generacional”, al menos de momento. El fenómeno viral de los therian, o personas que se identifican espiritualmente con un animal, surgido en los últimos días en redes sociales, su posterior amplificación mediática, así como las quedadas presenciales, podrían estudiarse en las facultades de periodismo como ejemplo de espejismo mediático, que oscila entre lo esperpéntico y lo peligroso. 

Para quien haya estado desconectado en los últimos días: todo comenzó con la viralización en TikTok de vídeos de jóvenes que dicen sentir una conexión espiritual con un animal y les gusta jugar o performar para crear contenido, siempre conscientes de su humanidad. Aunque todo es posible y no podemos hablar por cada uno de los casos, los therian no quieren convertirse en el animal con el que se identifican, ni van al veterinario, ni muerden.

Desconocemos si fueron las interacciones y la movilización del odio las que provocaron que estos vídeos se viralizaran, o si estas llegaron después de que ‘la magia del algoritmo’ priorizara este tipo de contenido. Pero en poco tiempo, los therians pasaron de protagonizar la conversación en redes sociales a copar titulares e incluso tertulias televisivas. Sin datos reales para cuantificar su existencia, pero con multitud de imágenes generadas con Inteligencia Artificial o incluso utilizando como reales imágenes de usuarios disfrazados haciendo humor o burlándose. 

“Desde la sociología, como ciencia social crítica, resulta necesario negar la existencia del fenómeno y lanzar la reflexión sobre cómo se construyen hitos o problemas sociales ficticios, mientras que hechos sociales reales que afectan a la población quedan invisibilizados”, expone Daniel Valdivia, profesor de Sociología y Ciencias Políticas en la Universidad Pablo de Olavide de Sevilla, que pone como ejemplos “los accidentes laborales en lo que va de año o en la acumulación de riqueza de los señores tecnofeudales nunca vista en la historia”.

Resulta necesario negar la existencia del fenómeno y lanzar la reflexión sobre cómo se construyen hitos o problemas sociales ficticios, mientras que hechos sociales reales que afectan a la población quedan invisibilizados

Daniel Valdivia — Sociología y Ciencias Políticas (UPO)

La probabilidad de cruzarse con un therian por la calle es mínima, pero lo que es casi imposible estos días es consumir redes sociales o medios de comunicación y no encontrar a gente hablando del tema. Este alarmismo se ha convertido en el escenario perfecto para que la derecha y la ultraderecha alimenten una crisis moral artificial. 

“Por el momento lo que se observa con claridad es que se trata, en el mejor de los casos, de una manera de generar clics y, en el peor, de una distracción ante problemas de gravedad y una búsqueda de dañar a colectivos reales como el de las personas trans”, apunta Valdivia.

Porque sí, la cuestión de fondo, aunque ningún therian lo ha planteado en estos términos, es que si aceptamos que haya personas que se cambien de sexo, pronto tendremos que enfrentarnos a identidades más extremas, como quienes se sienten lobos. Un discurso que tampoco es nuevo.

“Comparar a las personas trans y la autodeterminación de género con el fenómeno therian no es un acto inocente ni basado en un desconocimiento genuino. Creo que en la mayoría de los casos se está utilizando como una estrategia política, mediática y social para desacreditar a las personas trans, que siempre molestan mucho a los poderes conservadores, ultras y algunos que se autodefinen de izquierdas”, valora Andrea Mezquida, psicóloga especializada en identidades queer. “La idea es confundir a la población comparando ambos términos y desacreditar así a las personas trans, borrando de un plumazo todas las décadas de lucha y activismo”, analiza.

Mezquida también alerta sobre cómo esta distracción beneficia “a poderes de extrema derecha”: “Mientras estemos entretenides hablando de los therians, menos pendientes estaremos de que el problema de la vivienda está empeorando o de cómo la derecha está desmantelando la sanidad pública”. 

En la práctica, las citas programadas el pasado fin de semana en las principales plazas del país demostraron que el fenómeno es viral, pero no social. 

En Barcelona, a pesar de que unas 3.000 personas se congregaron el pasado sábado a las 18.30 horas en el Arc de Triomf, pero quienes llevaban cola o careta lo hacían a modo de burla, todos, móvil en mano, esperaban ver un espectáculo inexistente. La jornada terminó con enfrentamientos, vandalismo y cinco detenidos por daños al mobiliario urbano, evidenciando el entorno hostil y de violencia creado en torno a los therian. 

En Bilbao, cientos de personas acudieron a la convocatoria el viernes a las 18.30 horas en Abando, a pesar de haber sido anulada por razones de seguridad. Allí dos jóvenes se identificaron como therians ante la prensa, pero no iban caracterizadas, y tuvieron que terminar pidiendo refugio en unos grandes almacenes tras ser perseguidas y acosadas por la muchedumbre en una situación de desprotección total.

Escenas similares se vivieron en Málaga, donde un solo joven con una máscara de caballo se vio rodeado por una multitud antes de huir, en un evento que acabó con la detención de otra persona; o en la Puerta del Sol de Madrid, con cientos de personas rodeando a un par de supuestos therians, con aspecto de ser menores de edad para grabarlos con escarnio.

En A Coruña, el encuentro concentró a unos 300 jóvenes en los Jardines de Méndez Núñez, pero tampoco acudió ningún therian. Eso sí, el evento finalizó con referencias a la madre de Pedro Sánchez.

Aunque en muchos medios se ha tratado el tema como una novedad, la realidad es que la comunidad therian existe en Internet desde los años 90. No hay datos oficiales, pero la web Worldanvil para escritores de fantasía estima que su población representa alrededor del 0,05% de la población mundial. 

El fenómeno therian está siguiendo paso por paso el guion que ya se aplicó a los furries, una comunidad formada por personas interesadas en el antropomorfismo y que se visten de animales con características humanas. En Estados Unidos, la derecha ha utilizado durante años el mito de que los colegios instalan cajas de arena para alumnos que se identifican como gatos, una narrativa que ha sido desmentida repetidamente por verificadores internacionales al no existir evidencia alguna de ello. Este bulo ha llegado al extremo de convertirse en propuesta legislativa con la ‘Ley de Furries’ en Texas, que busca prohibir el uso de estas cajas en las escuelas, atacando un problema inexistente para alimentar la política.

“Es paradigmático de lo que se nos viene en los próximos años. Publicaciones en redes sociales generadas con inteligencia artificial, globalización de los falsos relatos... Hace unos días no teníamos ni idea de que era un therian y ahora todo el mundo sabe del tema, debido a la necesidad de estar al día de la última tendencia aparecida en la red”, destaca Valdivia, que opina que es “una irresponsabilidad” equiparar a este tipo de personas “con otras identidades que sí son reales y con relevancia poblacional importante”. 

Comparar a las personas trans y la autodeterminación de género con el fenómeno therian no es una acto inocente ni basado en un desconocimiento genuino

Andrea Mezquida — psicóloga especializada en identidades queer

“Podemos entender este fenómeno como una manera de desarrollar el sentimiento de pertenencia a una comunidad”, señala Andrea Mezquida, especialmente entre los más jóvenes o adolescentes que, debido a la situación política y el impacto de las redes, “se sienten aislados y perdidos y necesitan una manera de conectar con sus iguales”. “Pero la autodeterminación de género no es comparable, ya que se trata de un movimiento con décadas de historia y de lucha, para conseguir derechos básicos, además de estar respaldada por organismos internacionales como la OMS y estar relacionada con el acceso a derechos fundamentales para las personas trans como el derecho a la asistencia sanitaria o reconocimiento jurídico”, zanja Mezquida.

Un bebé mono en Japón ha conquistado los corazones de todo el mundo después de que la semana pasada se hicieran virales unos vídeos en los que se le veía siendo acosado por otros monos y rechazado por su madre.

Punch es un macaco japonés que nació el pasado mes de julio en el zoológico de Ichikawa. Y que ha atraído la atención internacional después de que los cuidadores del zoológico le dieran un peluche de orangután tras ser abandonado por su madre.

Sin la guía materna que le ayudara a integrarse, Punch ha recurrido al peluche para consolarse. Ha sido filmado en múltiples ocasiones siendo arrinconado y perseguido por los macacos japoneses más viejos dentro del recinto. Los primeros vídeos lo mostraban vagando solo con el peluche después de ser rechazado por otros monos, y agarrándolo con fuerza mientras era acosado. Los espectadores se sintieron brevemente aliviados cuando aparecieron vídeos posteriores en los que otro mono lo acicalaba y lo consolaba.

Sin embargo, solo unos días después, nuevas imágenes mostraban a Punch siendo atacado una vez más, esta vez arrastrado agresivamente en círculos por un mono mucho más grande antes de correr a esconderse detrás de una roca, abrazando su peluche.

Los vídeos han suscitado preguntas sobre por qué los monos abandonan a sus crías. Alison Behie, experta en primatología de la Universidad Nacional de Australia, afirmó que este tipo de abandono es inusual, pero que puede ocurrir en determinadas condiciones, citando “la edad, la salud y la inexperiencia” como posibles factores.

“En el caso de Punch, su madre era madre primeriza, lo que indica inexperiencia”, explica Behie.

Los cuidadores del zoológico también sugieren que Punch nació durante una ola de calor, lo que supondría un entorno muy estresante. En entornos en los que la supervivencia se ve amenazada por el estrés externo, las madres pueden dar prioridad a su propia salud y a su futura reproducción en lugar de seguir cuidando a un bebé cuya salud puede verse comprometida por esas condiciones ambientales“.

Tras el abandono de Punch, los cuidadores del zoológico introdujeron el orangután de peluche después de probar alternativas como toallas enrolladas de diferentes grosores para que se agarrara a ellas.

“Los crías de macaco japonés se aferran inmediatamente al cuerpo de su madre después de nacer para desarrollar su fuerza muscular. También obtienen una sensación de seguridad al agarrarse a algo. Sin embargo, como había sido abandonado, Punch no tenía nada a lo que agarrarse”, explicó Kosuke Shikano, cuidador del zoológico.

“Pensamos que [el peluche], al parecerse a un mono, podría ayudar a Punch a integrarse de nuevo en la manada más adelante”, añadió.

“El juguete que tiene Punch puede estar sirviéndole como figura de apego, sobre todo teniendo en cuenta que tienen seis meses y es probable que aún necesiten cuidados”, dijo Behie refiriéndose al orangután de peluche.

La primatóloga añadió que el comportamiento de los demás monos hacia Punch “no es acoso ni ningún comportamiento anormal, sino una interacción social normal”.

Según apunta Behie, los macacos japoneses tienen jerarquías matrilineales estrictas, en las que las familias de rango superior afirman su dominio sobre las de rango inferior. Incluso con su madre, Punch probablemente seguiría enfrentándose a esta agresividad, afirmó.

Sin embargo, la experta en primatología señaló que sin su madre “Punch podría no desarrollar las respuestas subordinadas adecuadas para mostrar que se somete al dominio, lo que podría tener implicaciones continuas en la forma en que se integra en el grupo como adulto”.

En los últimos días, el zoológico ha experimentado un aumento de visitantes que esperan poder ver a Punch. En respuesta a ello, las autoridades han reforzado las barreras alrededor del recinto y han instado a los visitantes a permanecer en silencio, evitar el uso de escaleras o trípodes para tomar fotografías y limitar el tiempo de observación.

Carla Litchfield, psicóloga conservacionista de la Universidad de Adelaida, ha destacado la inteligencia de los macacos japoneses y, como resultado, su popularidad para los experimentos biomédicos y neurocientíficos en Japón. También ha señalado que los macacos son sacrificados en Japón debido a su costumbre de saquear los cultivos.

“Esta historia sobre Punch pone de relieve las repercusiones de la pérdida de hábitat, el cambio climático, el bienestar de los animales en los zoológicos y el poder de las redes sociales para conectar a las personas con los animales”, afirmó Litchfield. “Sin embargo, esperamos que los millones de ”me gusta“ y la atención en las redes sociales no agraven el problema del comercio ilegal de crías de mono para el comercio de mascotas exóticas, ya que todo el mundo piensa que los monos bebés son adorables y serían una mascota estupenda”.

“Los monos crecen rápidamente —Punch será adulto en cuatro años— y la gente deja de encontrarlos adorables y manejables. Los monos deben estar con otros monos. Son seres sociales y necesitan estar con su propia especie para desarrollarse mental y físicamente”.

Punch no es el primer animal de zoológico que despierta el interés mundial: Moo Deng, la joven hipopótamo pigmeo de Tailandia, conquistó los corazones en 2024 con su actitud obstinada y su carisma.

Había acaparado todas las miradas y todos esperaban su segunda medalla de oro tras haber rescatado un salto mortal que llevaba sin hacerse 50 años. Sin embargo, Ilia Malinin demostró ser humano y dio la gran sorpresa, aunque negativa, de lo que llevamos de Juegos Olímpicos de Invierno de Milano-Cortina 2026.

Dos caídas en su ejercicio individual hicieron que terminara octavo en la final cuando el estadounidense llegaba como el gran favorito al oro en los JJ.OO de invierno en el programa libre tras ganar el oro en la modalidad por equipos.

Fue un ‘batacazo’, su cara dejó en shock a gran parte de la grada, y en la prensa estadounidense han llegado a afirmar que es “la mayor sorpresa vista y el peor colapso de un favorito en la historia”, sobre todo si tenemos en cuenta que el patinador llegaba con dos títulos mundiales y llevaba invicto dos años.

Días después de su decepción, Malinin ha usado sus redes sociales para alzar la voz por la salud mental: “Los más fuertes pueden estar librando batallas invisibles”, con lo que hizo referencia a su complicado momento el pasado viernes. A su vez, pone también el foco en su próximo objetivo, el 21 de febrero, cuando tiene una exhibición para el público en el Milano Ice Skating Arena.

El inesperado fenómeno Malinin

Antes de su actuación en el programa libre, Ilia Malinin llegaba como una verdadera sensación en los primeros días de los Juegos Olímpicos de Invierno de Milano-Cortina 2026, por su posibilidad de ejecutar movimientos muy difíciles, como un salto mortal hacia atrás que llevaba prohibido y que lo ha hecho viral.

A sus tan solo 21 años, ejecutó este salto que llevaba prohibido cinco décadas e hizo levantarse del asiento a estrellas del deporte como Novak Djokovic, presente en el público, además de que sus seguidores en redes sociales pasaron de 100.000 a rozar el millón en Instagram en tan solo unos días.  

Esto, junto al conseguir la medalla de oro con el equipo de Estados Unidos en patinaje hizo que las expectativas estuvieran más altas que nunca en el programa libre individual, lo que ha podido jugarle en contra.

Cambió el fútbol por el patinaje

Ilia Malinin lleva el patinaje en la sangre, por eso no extraña que lo comenzara a practicar a los seis años. Sus padres son sus entrenadores, y ellos saben lo que es disputar unos Juegos Olímpicos, así como su abuelo, aunque lo hicieran por Uzbekistán y la Unión Soviética, respectivamente.

Compaginó el patinaje con el fútbol en su primer año, pero pronto se decantó por el hielo, lo que parece haber sido todo un acierto, siendo capaz de firmar un cuádruple Axel, siendo el primero capaz de hacerlo.

La Ekstraklasa, la primera división del fútbol en Polonia, se ha convertido en viral en redes sociales en la conversación de cuentas especializadas en deporte al ser uno de los campeonatos más emocionantes del continente europeo en esta temporada 2025/2026. Su extrema competitividad y los resultados inesperados han llamado la atención de los aficionados, ya que solo unos pocos puntos separan a los equipos punteros de los que luchan por evitar el descenso.

Y es que, actualmente, el primer y último equipo de la tabla están separados por apenas once puntos, un reflejo claro de la igualdad que domina la liga. Además de esto, de los equipos que están en lo alto de la tabla, el actual líder, el Wisla Plock, lo ha conseguido con empates en sus últimos cinco encuentros, pero las curiosidades no acaban aquí, pues de la primera a la decimotercera posición hay un empate con el mismo número de victorias.

La sorprendente de la Ekstraklasa es también lo que sucede con otras estadísticas, como los goles, pues hasta trece equipos han marcado más tantos que el líder, y el que ocupa el puesto 13 es el que presenta el mejor ataque de toda la liga. Por si fuera poco, llama la atención también la situación del histórico Legia Warszawa, considerado el club más grande de Polonia, que ocupa el último lugar a la vez que son la cuarta mejor defensa del campeonato.

La liga polaca de fútbol con marcado acento español

Una liga polaca que ha ido ganando influencia española con actualmente 33 futbolistas que juegan en la Ekstraklasa, siendo el equipo con más presencia el Arka Gdynia, con hasta cinco jugadores en sus filas como son Kike Hermoso, Luis Perea, Marc Navarro, Edu Espiau y Diego Percan. Le siguen el Piast y el Jagiellonia, con cuatro españoles cada uno, evidenciando la apuesta de la liga por talento nacional.

De hecho, de los 18 clubes que conforman el campeonato, solo tres equipos no cuentan con futbolistas españoles en sus plantillas: Cracovia, Lechia y Zaglebie. Esta tendencia refleja la apertura de la Ekstraklasa hacia jugadores extranjeros y la influencia creciente de España en el fútbol polaco, tanto a nivel táctico como cultural.

“El fútbol polaco no tiene nada que envidiar al español. En clubes como el Lech, tienen a tres o cuatro personas dedicadas a los extranjeros y promueven que vengan futbolistas de fuera”, declaró explicó Pablo Rodríguez al diario AS al describir su momento y situación en la liga que se ha convertido en viral por su feroz competitividad.

Adrián Dalmau, también para el diario AS, explicó las razones que le llevaron a acabar jugando en Polonia a fútbol: “Elegí la liga polaca porque es muy atractiva y competitiva. Está creciendo mucho y, dentro de poco, estará nivel top-10 europeo. El fútbol polaco ha evolucionado, pero mantiene su esencia de ser físico. Los jugadores cada vez tienen más calidad y los equipos están mejor preparados. Además, existe un gran ambiente en los estadios. La hinchada es pasional y ruidosa”, confesó.

Encontrar ropa que siente bien se convierte a veces en una misión imposible, en una aventura de profunda búsqueda entre tallas que varían de una marca a otra, prendas que no se ajustan a los pliegues del cuerpo y los maniquíes que solo existen en las fotos de las páginas web de moda. Vestirnos se ha convertido en un acto de fe y de paciencia. En redes, el debate sobre el mid size (sea lo que sea ese término) y sobre lo curvy ha destapado un malestar compartido: la sensación de que la moda se diseña para unos pocos cuerpos proporcionados y deja fuera a la mayoría.

En ese terreno se mueve Cristina Real, diseñadora y doctoranda en BAU Centro Universitario de Artes y Diseño, ubicado en Barcelona y adscrito a la Universitat de Vic–Universitat Central de Catalunya. Su investigación se centra, precisamente, en el papel de la talla M como dispositivo que normaliza los cuerpos y que marca la forma del resto de tallas: la XS será una M pequeña y la XL será una M grande. Desde su tesis, analiza cómo esa medida aparentemente neutra define quién entra y quién queda fuera del sistema de la moda. Su trabajo propone repensar el patronaje, las tallas y la forma misma de producir ropa, para que vestirnos deje de ser una batalla contra el espejo y vuelva a ser, simplemente, una forma de expresión. 

Empezó a interesarse por el patronaje a los 10 años cuando al ponerse un pantalón se dio cuenta de que la zona de la entrepierna no se amoldaba a su cuerpo, y desmontó la prenda para entender su configuración. ¿De qué se percató?

El conocimiento que yo tenía en ese momento era el de los cuerpos de las muñecas, que tienen una parte plana que se corresponde con toda la zona genital. En mi cabeza, esa zona tenía que funcionar en una prenda, como lo hacen unas bragas, siendo plana y acompañando toda la zona. Cuando abrí el pantalón y vi que la entrepierna no se parecía en nada a esa zona plana que yo tenía en mi cabeza, no entendí qué estaba pasando y, no sólo desmonté unos pantalones, sino que destrocé otros intentando convertirlos en faldas, y siempre había un pico que sobraba. Desde entonces, me di cuenta de que lo que yo pensaba que era y lo que era en realidad no casaban.

Lo mismo me pasó con las mangas, con los cuellos, con las zonas más complejas que tienen que ver con la construcción de la ropa. Hasta que no fui bastante más mayor, no entendí realmente cómo funcionaban los pantalones y empecé a interesarme por el porqué de ese tipo de construcciones.

La pregunta es amplia, pero necesaria: ¿por qué decidió interesarse específicamente en la talla M?

Me interesa el patronaje porque es muy afín al dibujo técnico, a la definición formal de objetos, a la volumetría, a la definición geométrica de las cosas. Y la talla M, porque es una cosa que aprendemos todas desde bastante jóvenes. Cuando empezamos a sentir curiosidad por la ropa, vamos a las tiendas, empezamos a comprar prendas y nos meten en la cabeza que nuestra talla está en la S y la M. Rondamos y habitamos ese lugar de la talla M, pero, cuando se empiezan a ver los cuerpos desde otra perspectiva, se trabaja con otras tallas, con otras formas, una se da cuenta de que lo que significa realmente esa definición de la talla M y quién encaja en ella y quién no, así como de todo lo que la envuelve, vemos que no estamos hablando únicamente de ropa cuando hablamos de la talla M, sino de disciplina corporal, vigilancia del cuerpo, dietas, un montón de industrias que se despliegan a partir de ahí; alimentación, bienestar, salud, medicina, cirugía. 

No hablamos únicamente de ropa cuando hablamos de la talla M, sino de disciplina corporal, vigilancia del cuerpo, dietas, un montón de industrias que se despliegan a partir de ahí; alimentación, bienestar, salud, medicina, cirugía

Todo esto deriva de esta semilla que se siembra en nosotros con la talla M y de todo lo que hay que hacer para encontrar ropa para nuestro cuerpo. La talla M tiene poder e influencia no sólo en la ropa que compramos, sino en cómo nos vemos a nosotros mismos y a las personas que nos rodean. Ese elemento que parece formar parte de algo industrial y productivo, de alguna manera, articula nuestras vidas.

La norma se establece a partir de la muestra de la ciudadanía, no del total. ¿Cómo está sesgado este proceso y por qué genera una relación ideal de medidas que excluye a gran parte de la población?

Cada empresa o cada marca elabora sus tallas y lo hace de la manera que cree conveniente en función de sus necesidades productivas o del público al que se dirige. Hay muchas empresas que elaboran las tablas industriales estandarizadas en función de su experiencia, de su clientela particular, y hay otras que trabajan directamente con estudios antropométricos. Lo que produce eso en el mercado es una desconexión muy grande entre diferentes tamaños. Hay muchas prendas que se llaman M que no son iguales: no son las mismas medidas, no son las mismas proporciones, pero todas se llaman M.

A la hora de generar las tallas, se hacen estudios de población, que están sesgados directamente por la muestra. En esos estudios hay “cuerpos residuo” que se excluyen y discriminan directamente porque, en teoría, sus cualidades formales, su silueta, sus medidas, no encajan con el patrón general. Por lo tanto, los estudios de población se dirigen a lo común y todo lo que queda fuera no tiene representación ni en las tallas, ni en las tablas de medida, ni en la ropa ni en ninguna parte. Las tallas responden a cuerpos homogéneos, a lo común, y quienes pueden vestir esas prendas son cuerpos homogéneos y comunes. Todo lo demás, todo lo que es particular o específico, es un problema, se excluye y queda penalizado. La talla que más se vende en España es la 46. Y cualquiera diría: “¿La 46? ¿En serio?”. Sí, porque nuestro país está envejecido, pero hay una distorsión de la realidad de los cuerpos, de las tallas y de las medidas que lleva a pensar que sería otra talla.

¿Considera que existe una 'tasa curvy' para la ropa de tallas grandes que perpetúa una discriminación económica y estética a quienes se salen de la norma corporal establecida?

Evidentemente. Yo he trabajado mucho tiempo con tallas grandes, así que entiendo lo que se sale de la norma, pero yo creo que lo que mejor puede ejemplificar lo que pasa con las tallas, ya no solo las curvy, sino las curvy en adelante, es lo que pasó con Violeta, la marca de tallas grandes de Mango. Violeta estaba fabricando la misma ropa que Mango hacía para cuerpos normativos para cuerpos no normativos, pero la vendía en un espacio físico diferente. Las clientas de Mango de toda la vida no querían sentir que la ropa que ellas vestían la llevaban también mujeres gordas. ¿Qué pasó? Que a esas mujeres gordas se les buscó un espacio propio, en el que podían encontrar cosas para ellas, diseños específicos para ellas, pero también muchos diseños clásicos de la colección normativa de Mango. Y ellas reflexionaban: “¿Por qué estoy siendo discriminada en un espacio físico? ¿Por qué tengo que ir a otro sitio a comprar el mismo producto?”. Empezaron a darse cuenta de que estaban siendo discriminadas, se quejaron y Violeta desapareció.

Si alguien quiere comprar una talla más grande que una XL, no la va a encontrar en la tienda, sólo online. Y ahí radica la otra parte del problema: los cuerpos de talla grande necesitan poder probarse la ropa, porque sus cuerpos no son normativos. Vivimos en una sociedad totalmente gordofóbica. La talla 46 es la más vendida, pero ¿dónde encuentra una mujer ropa de la talla 46? ¿Dónde compran nuestras madres y nuestras abuelas la ropa?

Vivimos en una sociedad totalmente gordofóbica. La talla 46 es la más vendida, pero ¿dónde encuentra una mujer ropa de la talla 46?

Toda la industria de la moda está enfocada de una manera totalmente excluyente: una mujer joven con una talla 46, la va a comprar en ASOS Curvy o Shein Curvy, porque hay muchísima oferta y se puede sentir como esa adolescente que va a una tienda y tiene todo, no tendrá que ir a El Corte Inglés a probarse ropa de mami. Hay un problema, ya no solo económico, sino de discriminación corporal, de acceso a cierto tipo de prendas.

Partiendo de la idea de que el patronaje no es una herramienta pasiva, ¿de qué manera configura y normaliza los cuerpos a nivel industrial?

El inicio de cualquier prenda es una tabla de medidas. Imaginemos que la talla M corresponde a un 90-60-90, por poner un ejemplo. A partir de ahí, se escalan las prendas con base a matemáticas estadísticas y cifras abstractas y proporcionales a esa talla M.

Hablamos de proporciones hacia arriba y proporciones hacia abajo. Los cuerpos de una talla XL son una talla M más grande y los de una XS son una talla M más pequeña, pero esto en la vida real no funciona así, porque el cuerpo crece de manera distinta.

Todas las técnicas que se han desarrollado a lo largo de la historia para evolucionar el patronaje han tendido a ese cuerpo común, homogéneo y a esa normatividad como ejemplo

Sin embargo, el patronaje industrial funciona de esta manera, guarda siempre la misma proporción y está creando de esta manera normatividad. Todas las técnicas que se han desarrollado a lo largo de la historia para evolucionar el patronaje han tendido a ese cuerpo común, homogéneo y a esa normatividad como ejemplo.

El concepto de mid size se ha popularizado en redes, pero en ocasiones, los cuerpos que se abanderan como tal son mucho más normativos y delgados o proporcionados. Cuando una persona que no encaja en esa categoría mid size se apropia de ella, ¿cree que lo hace desde la inconsciencia o existe un discurso más peligroso detrás que busca diluir la lucha por la diversidad corporal?

Sí. El tema de la diversidad corporal es algo que hace unos 10 años tuvo mucha fuerza y mucha repercusión. Hubo en redes sociales un movimiento muy fuerte, ya no sólo de los cuerpos curvy, sino del “quererse a una misma”, pero ha ido desapareciendo y no ha sido porque las marcas hayan asumido la diversidad corporal. El cuerpo delgado sigue siendo el imperante, el cuerpo gordo sigue siendo el discriminado y las marcas tampoco han hecho nada más por ampliar o por mejorar su tallaje, más allá de soluciones que pasan por avatares digitales que tampoco tienen una repercusión real en el mercado. 

Cuando alguien está en el círculo de la moda, la diversidad corporal se acaba cuestionando un poco porque, de alguna manera, todos los gordos quieren ser delgados, porque la vida es mucho más fácil siendo delgado. Se verá mejor siendo delgado, es más fácil comprar ropa y sienta mejor, porque la ropa está diseñada para cuerpos delgados. El diseñador Alejandro Palomo, la estilista Alba Melendo y la periodista Raquel Fernández Sobrín en un episodio del pódcast Fashion Sucks empiezan hablando de diversidad y terminan mencionando dietas y balones gástricos, porque, de alguna manera, siempre se acaba volviendo a ese punto en el que estar delgado es mejor.

Las marcas tampoco han hecho nada más por ampliar o por mejorar su tallaje, más allá de soluciones que pasan por avatares digitales que tampoco tienen una repercusión real en el mercado

¿Qué consecuencias directas, a nivel social y de salud, trae consigo ver esta normalización de cuerpos por parte de la industria de la moda?

Realmente, no se ve, ya está en nosotros. Si una chica se pone unas bragas de la talla M y le aprietan va a pensar automáticamente que tiene que perder un kilito. Es automático, como el “mete barriga para la foto”, “tienes que hacer un poco más de ejercicio” o el reproche de “hoy no te has movido”. Todo el mundo ha sentido de alguna manera esa vigilancia corporal, pero es que nos están induciendo a estar delgado, y nos castigamos constantemente con el hecho de que tenemos que caber en la talla M para que nuestra vida sea más fácil. Y, desde el enfoque productivo, producir menos tallas es más barato. 

¿Cómo se pueden mejorar los sistemas de tallaje, hacen falta más tallas o tallas diferentes? 

Con eso pasaría lo mismo que con las tallas de sujetadores. ¿Qué mujer de este mundo las entiende? Ninguna. Además, la talla 110 con una copa B no existe, porque se entiende que eso no es posible. En la realidad, evidentemente, sí que lo es. La mejora en los sistemas de tallas pasa por la honestidad y la transparencia con qué cuerpos quedan fuera y cuáles no. Una tabla de medidas de pecho, cintura y cadera es incompleta. Las investigaciones indican que una mejoría en las tallas pasa por un mejor estudio de la población, por más antropometría, pero ese estudio no pasa por estudiar mejor el cuerpo, sino por estudiar más cuerpos. 

¿Qué implica que las marcas se apropien de la estética queer y de la cultura body positive si no hay un cambio de fondo en la industria para adaptarse a cuerpos y estéticas diferentes?

La moda se apropia de todo cuando y como quiere, y lo diluye. Pero ¿cuál ha sido la repercusión de que las marcas se apropien del body positive? Ninguna. La primera parte de mi tesis se titula '¿Por qué todos los pantalones me sientan mal?'. Yo toda mi vida he llevado vestidos porque es que no me sientan bien los pantalones. Cuando lo empiezo a analizar, me doy cuenta de que mi pelvis está rotada hacia delante una cantidad de grados que no son los normales y, en la zona de la cremallera, me sale una cosa horrible imposible de llevar. Y a cualquier persona le pasa algo con los pantalones: o tiene muslos de atleta, o cuando le entra de cadera no le entra de pierna, o le aprieta la cintura. 

¿Están las empresas de moda haciendo deliberadamente mal la ropa?

Sí, porque el modelo de ajuste no es válido para todos y está mal hecha para la gran mayoría de la población. Hay empresas de moda que están haciendo lo que les da la gana para tener beneficios, pero hay otras personas que lo están haciendo bien. 

Salir a pasar el rato con amigos solía implicar hacer planes sencillos como tomar algo en un bar, dar un paseo, reunirse en casa o charlar sin grandes pretensiones. Era una socialización más espontánea, más libre de compromisos y menos dependiente de que todo estuviera organizado.

En cambio, muchas de las experiencias sociales han evolucionado hacia planes más elaborados, que incluyen un ambiente diferente y, a menudo, un precio concreto. “Antes quedábamos en casa de alguna amiga o salíamos simplemente a pasear, ahora casi todos los planes incluyen gastar dinero: cenas, escape rooms, conciertos o experiencias temáticas”, cuenta Carolina, estudiante de 23 años. “A veces solo quiero hacer algo sencillo, pero da la sensación de que si no hay un plan especial, no es suficiente”.

Así, lo que antes eran simples reuniones, ahora parece haber derivado en eventos sociales que pueden ir desde el espectáculo de jazz con cientos de velas artificiales, talleres para hacer cerámica y velas con una copa de vino o escape rooms, hasta restaurantes ambientados en el Cluedo.

Beatriz Martín Padura, directora general de Fundación Fad Juventud, explica que las experiencias inmersivas permiten compartir intereses, generar pertenencia y fortalecer vínculos. Tras la pandemia, muchas personas han buscado reconectar con amigos “pero de una forma que fuera más allá de lo cotidiano”. Este tipo de planes ha impulsado la popularidad de actividades más organizadas y experienciales, que siempre combinan emoción, creatividad y participación activa.

A veces solo quiero hacer algo sencillo, pero da la sensación de que si no hay un plan especial, no es suficiente

Carolina, 23 años — estudiante

La llamada “economía de la experiencia” ha hecho que el ocio sea un producto más dentro del mercado, incentivado por las redes sociales, la viralidad y la búsqueda de conexión genuina. Sin embargo, este nuevo modelo también plantea dilemas como el aumento del consumismo o la pérdida de espontaneidad, e insta a la necesidad de lograr el equilibrio entre lo digital y lo presencial, entre lo simple y lo espectacular.

¿Por qué este cambio?

Según los resultados del Gensler Research Institute, los consumidores de experiencias buscan principalmente “interactividad, singularidad y entornos diseñados específicamente”. Es decir, la principal atracción no es solo el contenido, sino la posibilidad de participar activamente, de sentir que se forma parte de algo único. Santiago Santamaría, vicepresidente global de Comunicación, Relaciones Públicas e Institucionales de la plataforma de reservas Fever, confirma una tendencia en la que “cada vez más personas buscan actividades que combinen cultura, diversión y emoción. Ya no se trata solo de pasar el rato, sino de crear recuerdos”. Y apunta que son sobre todo las generaciones más jóvenes, como la Z, las que se mueven por esta lógica: “No buscan tanto consumir, sino vivir”. 

Santamaría destaca entre los beneficios de estas formas de ocio “la construcción de identidad y comunidad”. Asegura, además, que lo que se entiende por este concepto es “aquello que transforma al público en protagonista activo, lo integra en la narrativa o entorno mediante tecnología, diseño sensorial y creatividad”. En esta se incluyen exposiciones interactivas, espectáculos audiovisuales, teatro inmersivo o realidad virtual. Además, las nuevas tecnologías, afirma, (realidad virtual, aumentada, diseños inmersivos) permiten crear experiencias más sofisticadas, interactivas, que “hagan sentir dentro” del entorno. Por ejemplo, un artículo científico reciente habla de cómo el teatro inmersivo y las tecnologías XR (todas las tecnologías inmersivas que fusionan el mundo real con el digital) permiten un tipo de experiencia más individualizada y participativa.

El interés por las mismas parece crecer año a año, según el informe de Global Growth Insights. En Japón, por ejemplo, una encuesta de Dentsu Inc. reveló que el 65.3% de los jóvenes de 10 a 19 años habían usado algún “servicio de medios inmersivos” y que algunos lo usan como herramienta de socialización. Entre ellas, se incluyen algunas como teatro inmersivo, exposiciones de arte inmersivas y experienciales, realidad aumentada/virtual basada en localización, audio inmersivo, rol en vivo, atracciones temáticas y escape rooms. En el caso de las últimas, según los datos de diciembre de 2024 sobre la industria de escape rooms en EEUU puede verse cómo tras una década de rápido crecimiento, el sector se ha estabilizado alrededor de 2.000 instalaciones en todo el país.

Padura explica que, además de esto, existe también una dinámica de compartir experiencias, “vivencias para contar”, que va más allá del simple hecho de quedar, y las redes sociales son las principales impulsoras de esto: “Si una actividad es más instagrameable, compartible, etc., puede tener más atractivo”. Este “descubrimiento cultural es también fácilmente accesible gracias a las redes sociales” y en concreto, plataformas como TikTok o Instagram “son clave para que estas audiencias se enteren de experiencias inmersivas”.

El 'temor' a perderse los planes del momento

Padura advierte de que también existen riesgos asociados a esta tendencia social. Uno de ellos es la “pérdida de autenticidad: cuando el objetivo se centra en mostrar en lugar de vivir, la experiencia pierde su sentido original”. A esto se le añade, continúa, la “presión estética” que tiene como consecuencia una necesidad de proyectar una vida “interesante”, lo que lleva también a un estado de ansiedad y comparación constante. De la viralización de este tipo de “planes completos”, de alguna manera “se acaba elevando el estándar de ocio, excluyendo económicamente a quienes no pueden permitírselo”.

Además, “la abundancia de oferta liderada por el algoritmo de las plataformas sociales, genera un fenómeno psicológico conocido como FOMO (Fear Of Missing Out): el miedo a quedarse fuera”. “Esta sensación de que hay que aprovecharlo todo puede contribuir de una forma sutil a otra presión, la social, para consumir ocio, incluso si no se desea realmente”. Joel, estudiante de 22 años, lo percibe así: “A veces siento que hago planes muy simples y me da como pena, porque veo a gente en Instagram haciendo cosas increíbles”.

Se acaba elevando el estándar de ocio, excluyendo económicamente a quienes no pueden permitírselo

Beatriz Martín Padura — directora general de Fundación Fad Juventud

Cómo todo esto lleva al consumo

El auge de las nuevas ofertas de planes de ocio no solo ha transformado la forma en que los jóvenes se divierten, sino también la manera en que entienden el consumo. Estas experiencias suelen tener un coste mayor que los planes tradicionales. Una sesión de escape room, por ejemplo, ronda un precio de 30 euros en España. Y las actividades que mezclan manualidades con consumo de bebidas o comida, pueden rondar los 20 euros por persona. De la mano de su popularidad y viralidad, estos planes conllevan que la exigencia de los consumidores se vuelva mayor. Sin embargo, hay jóvenes que parecen dispuestos a asumir dichos precios, siempre que la calidad lo justifique.

Juan, estudiante de 22 años, confiesa: “A mí me encantan y yo me puedo gastar dinero fácilmente cada semana en un tipo de actividad de estas”. Carolina, por su parte, afirma que le “gusta porque hay más opciones, pero también creo que vivimos en una sociedad bastante consumista”.

Lo que esperan no es solo una buena experiencia de uso, sino una inversión que tenga sentido para la generación Z, en términos prácticos, estéticos o emocionales. En ese equilibrio, la relación calidad-precio se impone como el criterio más citado: 59,2%, según el Observatorio GEN Z de la Universidad Europea, lo que confirma que evalúan si lo que reciben compensa lo que pagan.

Y es que esta propensión hacia lo experiencial ya no sólo transforma la manera de socializar, sino también el modelo de consumo. Datos de una encuesta de EY indican que, incluso en tiempos de incertidumbre económica, los consumidores mantienen su gasto en entretenimiento local y en vivo. La razón parece clara: estas experiencias se perciben como inversiones emocionales, no como gastos superfluos. Además, según el Gensler Research Institute, el valor percibido (“value for money”) se ha convertido en una prioridad, ya que los usuarios esperan que el coste refleje una experiencia de calidad.

A veces siento que hago planes muy simples y me da como pena, porque veo a gente en Instagram haciendo cosas increíbles

Joel — 22 años

Padura explica que el “efecto algorítmico” de estos planes empuja al consumo por cuatro vías que se entrelazan y se refuerzan entre sí. La primera es “la facilidad para descubrir nuevos planes, ya que las plataformas digitales muestran de manera constante actividades atractivas, eventos exclusivos o productos de moda que invitan a probar cosas nuevas”. La segunda tiene que ver con la comparación constante con el grupo digital donde cada persona mide su nivel de diversión o éxito en función de lo que ve en las redes. La tercera es la viralización de experiencias caras que elevan el estándar de ocio mostrando un estilo de vida difícil de mantener y, finalmente, el miedo a la exclusión social, que lleva a muchos jóvenes a participar en estas dinámicas de consumo para no quedarse fuera de su entorno social o digital

Joel confiesa que “estaría dispuesto a gastar más dinero de lo habitual en una experiencia inmersiva, aunque no lo haría con frecuencia. Normalmente, son actividades que realmente merecen la pena, así que entiendo que su precio sea un poco más elevado. Si sé que el coste extra se refleja en una experiencia de calidad, en la que voy a disfrutar y pasarlo bien, entonces sí me compensa pagar más”.

La alternancia y universalidad como clave

“Es importante que la relación entre amigos no dependa exclusivamente de 'hacer cosas especiales', porque el vínculo puede quedar condicionado a que haya 'planazo”, explica Padura, quien además cree que es “absolutamente posible” seguir quedando sin plan y es más saludable hacerlo. “De hecho, encontrar un equilibrio probablemente sea lo más sostenible socialmente y emocionalmente”, aclara. Una alternancia, en este contexto, “puede ser la clave”. Algunos días planes más 'simples' e improvisados, otros días, experiencias más estructuradas. “El ocio sostenible es aquel que no exige un planazo constante para sentirse bien”, apunta.

Ante esto, “la espontaneidad sigue teniendo un valor profundo: permite relajarse, liberar presión y conectar desde lo cotidiano”. Así, una charla, un café o un paseo pueden seguir siendo espacios de intimidad y bienestar. Juan confiesa que a él y a su grupo de amigos les “gustan cosas sencillas como jugar un partido, pasar tiempo juntos en casa”. “Y aunque probemos de vez en cuando algo diferente, en general seguimos disfrutando de planes simples y divertidos, casi como niños”.

Esto, tal y como explica Padura, es una vía a lo que se denomina como “ocio sostenible”, basado en la democratización del disfrute a través de la accesibilidad económica, la no dependencia únicamente del espectáculo y el gasto, el equilibrio entre lo digital y lo presencial, y lo experiencial con lo simple. Sin embargo, existe una paradoja, ya que “las experiencias inmersivas pueden tanto unir como aislar”. Cuando se viven colectivamente (en grupos, eventos o espacios físicos) fomentan el encuentro real pero al trasladarlas al terreno puramente digital, pueden reforzar el aislamiento. El riesgo aparece cuando la tecnología sustituye al contacto humano en lugar de complementarlo. Pasar horas en entornos virtuales puede ofrecer una sensación de pertenencia, pero también encerrar al individuo en una 'burbuja sensorial'. El verdadero desafío, según Santamaría “no está en renunciar a la innovación, sino en mantener la dimensión humana de la experiencia. La inmersión debe ser un medio, no un fin”.

Seguro que incluso sin buscarlo has escuchado lo de “Una noche de copas, una noche loca” o el “Yo quiero que me des, un besito nada más”, y es que ambas son las canciones virales del momento en España en redes sociales y no se han escapado para influencers, creadores de contenido o personajes conocidos que no han dudado en sumarse a la tendencia.

De hecho, su grupo ‘Nueva línea’ acaba de anunciar un concierto en Madrid el próximo 1 de febrero en Las Ventas a las 19:00 horas y el video de alguna de sus interpretaciones seguro que te ha surgido si eres de los que hacen ‘scroll’ en redes sociales en tiempos y horas muertas.

Quiénes son ‘Nueva Línea’, el fenómeno musical viral del momento

Este éxito viral ha venido en forma de sorpresa para ‘Nueva Línea’, una orquesta que procede de la localidad de Arafo, en Tenerife, y que está compuesta actualmente por cuatro voces femeninas jóvenes, que han ido conquistando al público en redes sociales tras comenzar con un buen alcance en Instagram o TikTok.

Pero fue en esta última red social donde dieron el ‘pelotazo’ primero con “Noche de copas” y luego con “Un beso”, lo que ha hecho que hayan pasado de actuar en fiestas populares en Canarias principalmente a acumular millones de visualizaciones en redes sociales, conseguir actuar en Las Ventas de Madrid el próximo febrero e incluso firmar un contrato de distribución con Universal Music España.

‘Nueva línea’ se formó hace 23 años por parte de José Marrero, manager y director, quien optó por apostar por voces femeninas para diferenciarse del resto de orquestas canarias, ya que un 90% eran entonces masculinas en la zona, como cuenta en el diario La Provincia.

La primera versión en ser viral fue “Noche de copas”, que se convirtió en un fenómeno en plenas Navidades y es ahora “Un beso” la que está siguiendo sus pasos en este comienzo de año, superando ya más 22 millones de visualizaciones en Tiktok mientras suben en seguidores.

El fenómeno viral ha llegado a ‘Nueva Línea’ tras renovarse y estar actualmente formado por cuatro voces jóvenes como son Sofía Marrero, la más joven de todas y voz principal en los éxitos que se escuchan en redes sociales de la banda; Raquel González, solista femenina de la orquesta; Mayte Cabrera, la más mayor de todas; y Alicia Padilla. A ellas los acompaña una banda de nueve músicos.

Quiénes son los intérpretes reales de ‘Noche de copas’ y ‘Un beso’

A pesar de que ‘Nueva Línea’ son quienes han hecho virales las canciones de ‘Noche de copas’ y ‘Un beso’, estas son versiones de dos temas originales de otros artistas. La primera es interpretada por María Conchita Alonso, cantante cubanovenezolana, y publicada en 1984, y está compuesta por Juan Carlos Calderón, escritor de éxitos como “Eres tú” de Mocedades, “El gato que está triste y azul” de Roberto Carlos, “La Incondicional” o “Culpable o no” de Luis Miguel, “Te Amaré” de Miguel Bosé o “La fiesta terminó” de Paloma San Basilio.

Por su parte, “Un beso” es una canción original de Grupo Manía, una banda de merengue oriunda de Puerto Rico, tema publicado en 2002.

La han abrazado desde la generación Z, con la que conecta en estética en pleno auge de la nostalgia y que se ha trasladado en una relación entre moda y futbol que rescata las camisetas más icónicas de los 80 y los 90. A ella ayuda que se ha hecho viral al haberla abrazado tanto deportistas como Alexia Putellas o celebrities como Rosalía, Kendall Jenner o Dua Lipa.

Qué es el ‘blokecore’ y por qué es tendencia de moda

La tendencia de moda urbana que combina trajes o pantalones vaqueros con camisetas de fútbol o zapatillas deportivas, sobre todo si son ‘vintage’, es lo que recibe el nombre de ‘blokecore’, que aporta la esencia de la pasión futbolista y la estética de hace décadas, que ha vuelto con fuerza también en otros aspectos.

La estética ‘blokecore’ tiene dos elementos principales dentro de la tendencia que son clave: las camisetas y las zapatillas que se combinan con piezas como pantalones vaqueros, faldas o trajes sastre, lo que ha creado además una microtendencia llamada ‘blokettecore’ que mezclan accesorios de fútbol con prendas tradicionalmente femeninas como zapatos de tacón o faldas plisadas.

La tendencia, en un contexto de predominio de la nostalgia en diferentes industrias, es una página más de los libros de historia en la que moda y fútbol se han retroalimentado, con estilistas tomando influencia del mundo del deporte, algo que también ha hecho que algunas camisetas de futbol se hayan convertido en piezas codiciadas y ha creado un mercado de segunda mano en auge.

De hecho, el precio de algunas camisetas ‘vintage’ icónicas han alcanzado hasta las cuatro cifras, como recoge un reportaje de EFE, donde el responsable de la tienda CamiClásica, Gonzalo Pérez, afirma que se puede comprar “una del Real Madrid de la temporada 1989/90 por 725 euros”.

A la vez, la tendencia ‘blokecore’ también ha propiciado colaboraciones entre marcas de deporte o equipos de fútbol con marcas de moda y de lujo como es el caso de Balenciaga o Gucci, algo que todavía puede ir a más teniendo en cuenta que este 2026 es año de Mundial.

El origen del ‘blokecore’: de las gradas inglesas a Oasis

Para escarbar en el origen de esta tendencia de moda tenemos que ir hacia las gradas de los estadios de fútbol inglés durante la década de los 80 y los 90, cuando nació un estilo asociado a la pasión por el fútbol y con la idea de generar unión entre los aficionados, sentirse parte de un grupo.

Fue ya a mediados de los 90 cuando ya ganó popularidad por el estilo de los grupos de britpop, Oasis o ‘The Stone Roses’, que hizo que fuera imitado por sus aficionados, aunque sería con la generación Z cuando ha vuelto a revivir, junto a la nostalgia.

Así, la palabra ‘blokecore’ fue acuñado por Brandor Huntley, tiktoker americano, en 2021, procedente de la jerga callejera de Inglaterra, donde ‘bloke’ significa “compañero” al mismo estilo que se usan ‘bro’ o ‘dude’. A su vez, en el verano de 2022, a raíz de vestirlo personalidades como Bella Hadid o el futbolista Héctor Bellerín alcanzó uno de sus mejores momentos, que volvió durante las celebraciones del Mundial que ganó Argentina en Qatar.

Si la palabra del 2025 ha sido ‘arancel’, según la RAE, junto a finalistas como apagón, papa o macroincendio, el resultado que sale de una breve encuesta improvisada a diferentes personas sobre qué palabra define su año dista mucho, con resultados como “ansiedad”, “amigas”, “trabajo”, “mudanza”, “burocracia”, “oposición” o “supervivencia”. 

Aunque, como defiende Juanlu Sánchez, todo es política, la conversación no siempre gira en torno a partidos y resultados electorales, la mayoría de las veces hablamos de lo que afecta directamente a nuestra vida. Desde la forma en la que trabajamos, a cómo nos relacionamos, educamos a nuestros hijos, consumimos o gestionamos el estrés... Muchos de estos temas han marcado la conversación este año. Recordamos los once abordados en ERA que mejor reflejan las preguntas que nos hemos hecho como sociedad.

Sobrepasadas por el trabajo

Este iba a ser el año de la jornada laboral de 37,5 horas semanales, pero mientras esas dos horas y media de descanso se atragantaron a ciertos sectores políticos y empresariales, pensadores y expertos insisten en repensar cómo trabajamos. “La historia moderna del trabajo está totalmente separada de la realidad y constituye un fracaso de la imaginación que nos ha empujado a una rutina diaria agotadora, estamos hartos”, analiza la periodista estadounidense Brigid Schulte, autora de Over Work, libro con el que quería demostrar que no es necesario elegir entre tener éxito laboral y tener vida. ¿Y si nuestro próximo acto de resistencia fuera descansar? El filósofo Juan Evaristo propone en El derecho a las cosas bellas parar como acto revolucionario, una apuesta por el descanso de las personas y su bienestar.

¿Qué tiempo libre?

Con las redes sociales saturadas con propuestas de planes espectaculares, a cada cual más original, el ocio se ha convertido en una forma más de rendimiento social, en una lista de experiencias que tachar, generando presión y frustración en lugar de tranquilidad y disfrute real. “¿Cómo no vas a aprovechar cada minuto?”. Esta manera de consumir el tiempo libre, que te hace sentir mal por quedarte en casa, es la causante del FOMO (Fear Of Missing Out) o miedo a estar perdiéndose algo. Incluso cuando por fin llegan las vacaciones, la urgencia por “descansar bien” puede convertirse en una fuente de ansiedad: planificamos, comparamos y anticipamos tanto la desconexión que no logramos deshacernos del estrés cotidiano. Especialmente en verano, pero también en Navidad o en otras festividades, la comparación y la autoexigencia derivada de las redes nos deja más preocupados por hacer algo memorable que por descansar o disfrutar honestamente.

Agendar la amistad

Como consecuencia de todo lo anterior, el espacio reservado para los amigos ha sido uno de los temas que más han dado que hablar este 2025. Escribimos la amistad con mayúsculas, pero el peso simbólico que le damos a esta red no siempre tiene cabida en unas agendas tan apretadas: cada vez más adultos perciben que sus amigos han pasado de ser parte de la vida cotidiana a un compromiso calendarizado. Incluso las personas con una vida social muy activa pueden sentirse solas si no disfrutan del tiempo de calidad o la intimidad que necesitan. Entre otras cosas, esto también se debe a esa hiperconectividad que nos permite estar en contacto constante: “Si te lo puedo contar por audio, ya no hace falta que quedemos”.

IA íntima

Si en los últimos años la inteligencia artificial empezaba a mostrar sus capacidades técnicas, en 2025 se ha convertido en una presencia cotidiana. Como ayudante de trabajo que organiza calendarios o redacta emails, como guía en viajes, pero también como asesor sanitario que interpreta síntomas o incluso como compañía capaz de establecer una relación de amistad o amorosa, todo un sueño cumplido de la ciencia ficción. Esta cercanía ha abierto debates sobre soledad, delegación de responsabilidades e intimidad, ¿dónde está el límite? 

Repensar la pareja

Las relaciones de parejas de carne y hueso también han dado de qué hablar este año. Las nuevas generaciones se acercan al amor y a las relaciones desde otra perspectiva y, especialmente para las mujeres, tener pareja ya no es un fin en sí mismo, ni hay que conformarse o aceptar patrones antes normalizados. La conversación sobre el mankeeping, la presión por cumplir roles tradicionales de cuidado emocional, el heteropesimismo y la fatiga que genera sostener relaciones desequilibradas han impulsado un replanteamiento de prioridades que lleva a muchas a preferir parejas más jóvenes, a practicar el celibato voluntario o, directamente, a replantearse la idea de tener pareja. De hecho, uno de los artículos más virales al respecto, Is Having a Boyfriend Embarrassing Now? (¿Es vergonzoso tener novio hoy en día?), de la edición británica de Vogue, defiende que “estar obsesionada con tener novio te hace parecer, culturalmente, un poco perdedora”. Aunque, paradójicamente, también hemos hablado mucho de lo contrario: bodas.

No quiero 

Las bodas siguen siendo el evento favorito de Instagram y el más rentable para los influencers, pero el boom de estas celebraciones, que se han convertido en maratones sociales de varios días con costes y exigencias altísimas, tanto para los invitados como para los propios novios, nos ha llevado a reflexionar si se están yendo de las manos. ¿El resultado? Por favor, no me invites a tu boda.

Vivienda imposible

La reina de las preocupaciones, la vivienda, por supuesto, tampoco ha faltado en la conversación y seguro que seguirá dando de qué hablar en 2026, porque el lugar en el que vivimos influye mucho en nuestro bienestar: desde lo más emocional hasta lo puramente funcional, sin olvidar el aspecto económico. Poder colgar un cuadro o personalizar tu hogar no es un capricho estético, sino una reafirmación de identidad y bienestar psicológico, a menudo frustrado por relaciones de alquiler restrictivas. La gran demanda de vivienda y los precios desorbitados también han enfrentado la necesidad de confort con la realidad de los minipisos, y nos ha obligado a repensar cómo vivimos y organizamos espacios cada vez más pequeños, pensados para obtener la máxima rentabilidad con la mínima sensibilidad.

El lenguaje de las emociones

Hace tiempo que hablar de salud mental dejó de ser tabú, pero este año hemos visto cómo el discurso terapéutico se ha colado en las conversaciones cotidianas. “Estar disociada”, “el duelo de romper con una amistad”, “gestionar emociones” o “trabajar un trauma”, son expresiones que encontramos fácilmente en redes sociales y conversaciones informales y que visibilizan experiencias antes silenciadas. Pero cuando el dolor y el trauma se venden como categorías omnipresentes, también existe el riesgo de trivializar experiencias complejas y convertir el sufrimiento en un producto cultural. 

Genocidio en directo

Nunca pensamos presenciar un genocidio así: a través del móvil, en tiempo real y con imágenes de violencia extrema en Gaza conviviendo con la cotidianidad digital de los memes y fotos de vacaciones. Muchos usuarios han lidiado con la culpa del superviviente y una tensión constante entre querer seguir adelante con el día a día y sentir que la rutina es una forma de traicionar a quienes sufren. A su vez, el auge de banderas palestinas en los perfiles, se mezcla con las peticiones de firmas, los hashtags y las publicaciones de apoyo generando una forma de ‘activismo de Instagram’ que, aunque bienintencionado, plantea preguntas sobre la eficacia de estos gestos frente a un genocidio real. También ha habido cabida para el compromiso, bandera en mano, más allá de las redes, a través de la protesta o la huelga de consumo.

Odio mi móvil

Esa relación de amor-odio que mantenemos con nuestro teléfono permanece intacta. A pesar del deseo de desconexión y de estar más presentes, las notificaciones y el scroll infinito no lo ponen fácil y la ansiedad por no perdernos nada nos hace más dependientes. Frente a ese pulso entre querer dejarlo y no poder, empiezan a surgir estrategias para usar menos el móvil de forma consciente, pero el problema va más allá de una simple costumbre: es una dependencia cultural y emocional que nos enfrenta a nuestra propia necesidad de atención, pertenencia y evasión.

La cara de la era selfie

El skin care ha dejado de ser una simple rutina cosmética para convertirse en una auténtica filosofía de vida que, en muchos casos, desemboca sin pudor en la jeringuilla como un paso lógico. En la era del autocuidado, la misma que ha sustituido noches de fiesta por rutinas de sérums, velas y descanso, la piel ya no solo se cuida: se optimiza. El rostro se ha convertido en una moneda de cambio social y tener una face card, una cara que no necesita filtros, se percibe como un capital simbólico que abre puertas, suma prestigio y funciona como el cumplido definitivo en redes. 

El reinado del autocuidado y del culto al cuerpo convive con viejas tensiones que creíamos superadas: ¿dónde ha quedado lo de celebrar la diversidad de cuerpos? En tiempos de Ozempic, el cuerpo normativo reaparece disfrazado de salud o disciplina personal de la mano de pseudogurús e influencers. Hablamos más que nunca de querernos, pero seguimos midiéndonos, comparándonos y valorándonos, sobre todo, por nuestro físico.

En marzo de 2023, el Dr. Gabor Maté, médico de familia jubilado y uno de los expertos en traumas más respetados del mundo, diagnosticó audazmente al príncipe Harry con trastorno por déficit de atención (TDA) durante una entrevista en directo.

Tras leer las memorias del duque de Sussex, escritas por un escritor fantasma (En la sombra, Penguin Random House), Maté afirmó que había llegado a “varios diagnósticos” que también incluían depresión, ansiedad y trastorno por estrés postraumático. Maté continuó explicando que no se trataba de pruebas de enfermedad en sí mismas. Más bien, dijo: “Lo veo como una respuesta normal a un estrés anormal”.

Lo que hizo Maté no se acerca en absoluto al procedimiento clínico habitual: un diagnóstico requiere una evaluación estructurada y un tiempo adecuado con el paciente. Además, hacer público un diagnóstico plantea evidentes problemas de privacidad.

Sin embargo, el gesto estaba muy en consonancia con la avalancha de afirmaciones diagnósticas y autodenominaciones que han inundado Internet y las publicaciones de gran tirada, creando un espacio en el que el fervor confesional y la pseudociencia memificada —a veces con la complicidad de terapeutas que deberían ser más conscientes de ello— se han convertido en algo casi habitual.

Hoy en día, ha surgido toda una industria en torno a la idea de que todo es trauma. Lo que antes se entendía como la confrontación de la psique con una catástrofe genuina, ahora se trata como una posesión personal: algo que el individuo posee, narra y cura.

Esta deriva marca el punto de entrada a un cambio cultural más amplio: la mercantilización del dolor.

Esto es evidente en #TraumaTok, donde en más de 650.000 publicaciones los creadores despotrican, lloran y reformulan rasgos como síntomas: “¿Perfeccionista? ¡Es tu trauma!”, con gran recompensa algorítmica.

La misma sensibilidad abarrota las estanterías de las librerías. La cadena de librerías estadounidense Barnes & Noble tiene más de 3.300 títulos en la categoría “trastornos relacionados con la ansiedad, el estrés y el trauma”, desde memorias de recuerdos resurgidos hasta manuales de sanación y análisis neuropop. (Un autor califica el trauma como “una epidemia fuera de control”, transmisible entre familiares y amigos).

Cuando todo es trauma, nada lo es

Arash Javanbakht — psiquiatra

La mayoría de estas obras prometen ánimo, si no el comienzo de una nueva vida. También aseguran a los lectores que no están solos en sentirse abrumados por retos grandes y pequeños –véase, por ejemplo: Tiny Traumas: When You Don't Know What's Wrong, But Nothing Feels Quite Right (Pequeños traumas: cuando no sabes qué te pasa, pero sientes que algo no va bien del todo)–. En formato audio, el podcast Gifts of Trauma (Los regalos del trauma) aborda temas tan diversos como la menopausia, la ansiedad matemática y el liderazgo corporativo inauténtico, mientras que Start Thriving (Empieza a prosperar) examina las formas en que un sistema nervioso destrozado dicta la elección de pareja.

Y cualquier fin de semana, los más acomodados pueden elegir entre una oferta de costosos seminarios y talleres dedicados a neutralizar los recuerdos traumáticos y conectar con el yo interior. Para aquellos que estén dispuestos a gastar 6.200 dólares, hay un crucero de siete días por el Adriático, Sailing into Alignment, en el que Maté da una conferencia en persona sobre el profundo impacto del trauma en nuestro bienestar.

El trauma, que antes evocaba un incidente devastador, ahora se encuentra en las inevitables abrasiones de la vida cotidiana. Está implicado en la procrastinación, el malestar laboral y los apegos apáticos. Es la razón por la que somos “malos en las relaciones”, por la que dormimos demasiado, es el antecedente de nuestro consumo compulsivo de Friends.

Como resultado, el trauma ha perdido su significado. O, como me dijo el psiquiatra Arash Javanbakht: “Cuando todo es trauma, nada lo es”.

Cuando el trauma se expandió más allá de la catástrofe

Al escribir sobre el tema en Harper's, el escritor británico Will Self afirmó: “Un concepto es una herramienta útil para abrirse camino en el caos”. El trauma ha demostrado ser una herramienta muy útil para todo el trabajo explicativo que ahora le imponemos.

Nacido de las pesadillas y los flashbacks de los veteranos de guerra, el trastorno de estrés postraumático (TEPT) se inauguró como diagnóstico en la tercera edición del Manual diagnóstico y estadístico de los trastornos mentales de la Asociación Americana de Psiquiatría en 1980. Inicialmente concebido como una respuesta debilitante a factores estresantes que se producen fuera del ámbito de la experiencia humana normal, pronto fue ampliado por los médicos, que sostenían que los recuerdos traumáticos se diferenciaban de los recuerdos ordinarios en la forma en que se codifican, almacenan y experimentan. Si no se resuelven, pueden perdurar.

En 1994, el psiquiatra Bessel van der Kolk publicó un artículo sobre la memoria y la psicobiología del estrés postraumático, que se convertiría en la base de su best seller de 2014, El cuerpo lleva la cuenta. El libro argumentaba que los recuerdos traumáticos a menudo no son explícitos. En cambio, pueden permanecer fuera de la memoria consciente y alojarse en los sistemas sensoriales del cuerpo, en nuestras extremidades y vísceras.

Imaginemos a alguien a quien le gritaban cuando era niño. Años más tarde, aunque racionalmente sabe que está a salvo, su cuerpo reacciona automáticamente ante una voz elevada: sus músculos se tensan, su ritmo cardíaco se acelera y siente un nudo en el estómago. La experiencia traumática temprana se manifiesta más tarde como una respuesta fisiológica refleja, que se desencadena mucho después de que el peligro inicial haya pasado.

Su trabajo coincidió con el de la psiquiatra de Harvard Judith Herman, cuya obra de 1992 Trauma and Recovery (Trauma y recuperación) entrelaza hilos de investigación sobre el trauma que antes estaban aislados. Ella demostró que, ya fuera el trauma resultado de un combate, de violencia sexual o doméstica, o de terror político, su impacto en el individuo seguía un patrón reconocible. Estas heridas se agravaban, según ella, no solo por la violación, sino también por lo que venía después, y por la forma en que la sociedad tiende a negar, distorsionar y suprimir la realidad del trauma.

Pensemos, por ejemplo, en una mujer agredida por alguien en una posición de autoridad. Si denuncia los hechos, es posible que se encuentre con incredulidad, culpas o incluso intimidaciones, porque su experiencia se enfrenta a las dinámicas que permiten que se produzcan esos abusos.

El trabajo de Herman sobre el trauma interpersonal crónico, como la violencia doméstica —a diferencia del trauma por un incidente único— ayudó a sentar algunas de las bases teóricas para van der Kolk, quien ha investigado las formas en que el trauma desregula el sistema nervioso, distorsiona la memoria y fractura las conexiones sociales.

La plantilla común para prácticamente todas las afecciones —enfermedades mentales, enfermedades físicas— es, de hecho, el trauma

Gabor Maté — médico de familia jubilado y especialista en trauma

Aunque las teorías de van der Kolk se consideran ahora una verdad incuestionable, especialmente entre los lectores no especializados, inicialmente fueron recibidas con escepticismo por sus colegas (y desde entonces han sido objeto de críticas constantes). Van der Kolk pasó a defender un diagnóstico ampliado del trastorno por trauma del desarrollo, sugiriendo que los daños tempranos no solo representaban una lesión psicológica, sino que se convertían en parte de la arquitectura del yo. Sin embargo, sus esfuerzos por incluir esto en el DSM no tuvieron éxito.

Cuando hablamos, van der Kolk describió el rechazo con el que se recibió su trabajo inicial. “Cuando mueras, nadie va a hablar del trauma”, recuerda que le dijeron. Pero, en su opinión, incluso esa resistencia era una prueba del alcance implicante del trauma. No reconocer la enormidad del trauma, me dijo, “es realmente una renuencia a aceptar el propio dolor interior”.

Hoy en día, el péndulo se ha inclinado violentamente en la otra dirección. Según PsychNet, la base de datos de literatura académica de la Asociación Americana de Psiquiatría, el término “trauma” apareció menos de 3.000 veces entre 1980 y 1990, en comparación con más de 66.000 veces entre 2015 y 2025. A la mentalidad actual se suman los daños del trauma vicario, el trauma secundario, el trauma intergeneracional, el trauma epigenético, el trauma ecológico, el trauma de apego y, por supuesto, todo lo relacionado con el trauma.

Incluso van der Kolk reconoce la paradoja que crea esta profusión: el trauma, dice, es a la vez “un acontecimiento extraordinario” y “extremadamente común, por lo que no es nada extraordinario”.

Parte de este creciente interés tiene sentido, dado nuestro pasado reciente. Hemos tenido que lidiar con el movimiento #MeToo y la dinámica aterradora que condujo a Black Lives Matter. Hemos estado tratando de comprender los contornos de nuestra soledad, amplificada durante el apogeo de la COVID, y nos hemos quedado sin aliento ante las muchas formas en que la sociedad nos falla a todos, hombres, mujeres y niños: nadie se libra.

No obstante, las consecuencias se plantean como duraderas y generalizadas. Se teoriza que el trauma acecha ahora como el germen oculto de las enfermedades cardíacas, el cáncer, los trastornos autoinmunes, el abuso de sustancias y la ansiedad descontrolada.

“La plantilla común para prácticamente todas las afecciones, tanto mentales como físicas, es, de hecho, el trauma”, declaró Maté en 2021. En sus exitosos libros sobre temas tan diversos como el TDAH, la adicción y cómo los valores sociales tóxicos han convertido la idea misma de “normalidad” en un estado patológico, Maté amplía esta visión: los males generalizados no solo son señal de un malestar individual creciente, sino también del fracaso de los sistemas que nos han despojado de la capacidad de conectar y afrontar los problemas.

El dolor forma parte de la vida, pero también lo hace la resiliencia

La mayoría de los estadounidenses han experimentado un acontecimiento que entra dentro de los parámetros psiquiátricos del trauma, según Javanbakht, director de la Clínica de Investigación sobre Estrés, Trauma y Ansiedad de la Facultad de Medicina de la Universidad Estatal de Wayne. “Estamos hablando de agresiones, robos, violaciones, tiroteos, exposiciones a la guerra, accidentes graves de tráfico, enfermedades que ponen en peligro la vida”.

Y, sin embargo, esta exposición generalizada no se traduce necesariamente en una debilidad duradera. La prevalencia del TEPT a lo largo de la vida entre los adultos estadounidenses se sitúa justo por debajo del 7%. En su libro Afraid, Javanbakht describe su trabajo con refugiados, supervivientes de torturas y personal de primeros auxilios, y señala que en estas poblaciones las tasas son mucho más elevadas. “Pero, por término medio”, dijo, “en una población que no ha estado terriblemente expuesta a la guerra, incluso cuando se produce un trauma, eso no significa que estés destrozado”.

Tras el 11-S, los profesionales anticiparon una amplia repercusión psicológica en Nueva York y los recursos y proveedores inundaron la ciudad. La FEMA proporcionó más de 150 millones de dólares en subvenciones para asesoramiento en situaciones de crisis y programas destinados a aliviar la angustia. Pero la ola de necesidad nunca llegó, según el psicólogo clínico George Bonanno, que dirige el Laboratorio de Pérdida, Trauma y Emoción del Teachers College de la Universidad de Columbia. “Casi nadie lo quería”, afirmó. Para Bonanno, este caso ofrece un ejemplo claro de cómo tendemos a sobreestimar enormemente el TEPT a costa de apreciar nuestra capacidad innata para recuperarnos.

“El TEPT es lo que ocurre cuando el estrés traumático no desaparece, cuando se agrava y se expande y, finalmente, se estabiliza en un estado de angustia más duradero”, escribe Bonanno en su libro The End of Trauma. Pero los acontecimientos en sí mismos son malos predictores de sus consecuencias emocionales. Tanto el trauma como el TEPT son “estados dinámicos con límites difusos que se desarrollan y cambian con el tiempo”.

Bonanno ha dedicado décadas a investigar la otra cara del trauma: el hecho de que la mayoría de las personas, incluso después de sufrir violencia o desastres, se recuperan por sí solas con el tiempo. Aunque la resiliencia es igualmente difícil de predecir, por lo general tendemos a ser expertos en nuestra propia curación. Si todos fuéramos portadores de traumas enterrados, adquiridos a lo largo de nuestras vidas o transmitidos de generación en generación, “ni siquiera estaríamos aquí”, afirma Bonanno. “Seríamos simplemente la raza de seres más indefensa de la Tierra”.

La pregunta más interesante, según van der Kolk, es qué impulsa la supervivencia. Para la persona que ha sido maltratada o sometida a horrores, lo más intrigante es la capacidad de superar y continuar.

“Eso es realmente lo que me mantiene en este campo”, dijo, “cuando conozco lo que les ha pasado a las personas... Pienso: 'Dios mío, todavía estás aquí. No te has suicidado. Estás intentando ser una buena persona”.

“Si me sigues, te salvarás”

Para van der Kolk, el trauma se convierte en un problema “cuando se convierte en tu identidad o tu coartada”. Pero en la cultura popular actual, a menudo se enmarca precisamente así: como la herida que nos define y el mapa que nos promete el camino de vuelta.

El trauma, que antes se ocultaba con vergüenza, ha pasado de “estigmatizar a idealizar”, afirma Javanbakht. Es el viaje del héroe moderno, facilitado por un mercado en auge y algoritmos que premian la recitación de nuestra miseria.

En nuestra era secular, la excavación de nuestro dolor para el consumo público ha sustituido al descenso al inframundo y a los viajes de peligro y valentía. El héroe no es Odiseo ni Orfeo, sino el superviviente que encuentra el valor para contar su historia, y lo que antes era una tragedia se ha convertido en un producto.

“Venden estas tragedias”, dijo la psicoterapeuta Antonieta Contreras sobre las proliferantes opciones que se aprovechan de nuestro dolor. “Lo venden todo como trauma. 'Estás destrozado y, si me sigues, te salvarás'”.

La promesa es siempre la misma: podemos curarnos, podemos triunfar, podemos trascender.

Tendemos a elevar a las personas que han sufrido a manos de otros

Nicholas Haslam — psicólogo

El trauma se ha convertido en un tipo de moneda cultural que corre el riesgo de patologizar la experiencia cotidiana y confiere una identidad “virtuosa pero impotente”, escribe el psicólogo Nicholas Haslam, de la Universidad de Melbourne. El trauma es, por definición, algo externo, una ruptura que desgarra lo que imaginamos que es una vida continua. Por eso, me dijo Haslam, puede cumplir una función psicológica al dar sentido a los sentimientos de angustia, estancamiento y confusión que todos sentimos en la vida.

Además, dijo, sugiere una insignia de honor: “Tendemos a elevar a las personas que han sufrido a manos de otros”.

Cuando le pregunté a Bonanno por qué cree que las personas se aferran a las etiquetas autoimpuestas de trauma, admitió tener una visión cínica. “Creo que es una excusa”, me dijo. “Nos quita nuestra capacidad de acción personal y también elimina la responsabilidad. No soy yo. Estaba traumatizado. Por eso me comporto así”.

Contreras ve en esta tendencia un cierto nivel de derecho, en el que el individuo, al confesar públicamente su historia, se inmuniza de cualquier crítica. Ofrece un sello de validación, al tiempo que proporciona “una salida fácil a lo difícil que se ha vuelto la vida”.

La visión del trauma expresada por Maté y otros es profundamente atractiva. Al hacer alarde de la etiqueta, uno se vuelve inocente. Actúo de forma brutal, imprudente y egoísta no por algún defecto de carácter, sino por los dolores subterráneos que dictan mis acciones. Esta visión es lo que Javanbakht describe como una “ganancia secundaria” de la autoetiquetación del trauma.

Somos criaturas que buscamos el significado, dice, y recurrimos por defecto a explicaciones narrativas para dar orden a nuestras vidas. El trauma ofrece una forma de racionalizar “las cosas que nos molestan y, a veces, nos da una excusa para no funcionar”.

Hay una paradoja que los influencers y sus seguidores rara vez prevén: cuanto más se aferra uno a la herida, más estrecha se vuelve la vida. De hecho, las investigaciones sugieren que etiquetar el malestar como un problema de salud mental da lugar a un aumento real de los síntomas. La etiqueta en sí misma se vuelve destructiva.

Aunque hablar más abiertamente de nuestras heridas privadas ha aumentado la conciencia sobre el bienestar mental, no nos ha hecho más saludables. En cambio, como me dijo Contreras, profundiza nuestra sensación de derrota. Eso no quiere decir que el dolor sea injustificado, dijo, especialmente para las generaciones más jóvenes que se enfrentan al desplazamiento digital, el deterioro medioambiental, las tensas relaciones sociales y el colapso de las estructuras que antes sugerían algún tipo de camino ascendente.

“La gente piensa que es un trauma”, dijo, “pero no, es dolor, y el dolor es la forma en que está diseñado el mundo”.

El trauma se ha convertido en el idioma privilegiado a través del cual se expresa el sufrimiento individual y colectivo

Didier Fassin y Richard Rechtman — en 'El Imperio del Trauma'

Otra consecuencia no deseada: a medida que el trauma satura nuestra cultura, los más perjudicados quedan eclipsados por los más prolíficos. Las manifestaciones de angustia en línea, argumenta Javanbakht, corren el riesgo de trivializar el sufrimiento de las personas que han soportado daños verdaderamente debilitantes.

Señaló: “¿A cuántos supervivientes de tortura, cuántos refugiados, cuántos veteranos, cuántos bomberos, cuántas personas procedentes de la pobreza extrema has visto en TikTok o en las redes sociales hablando de su trauma?”.

Más bien, observó, escuchamos a aquellos que tienen “el tiempo y los recursos y la sensación de que soy lo suficientemente importante como para compartir mi glorioso trauma con los demás”. Los privilegiados obtienen una plataforma y acceso a recursos terapéuticos, mientras que el sufrimiento sistémico queda relegado aún más a los márgenes.

Los comentarios de Javanbakht coinciden con las observaciones de las ciencias sociales. En su aguda crítica, The Empire of Trauma (El Imperio del Trauma), el antropólogo Didier Fassin y el psiquiatra Richard Rechtman sostienen que el trauma ha traspasado el ámbito del diagnóstico médico o psicológico para convertirse en una categoría moral y política.

“El trauma”, escriben, “se ha convertido en el idioma privilegiado a través del cual se expresa, se reconoce y se gobierna el sufrimiento individual y colectivo”. Como categoría moral, determina quién merece tanto los recursos como la compasión. Ser reconocido como traumatizado es reclamar un billete hacia la legitimidad.

Si la etiqueta del trauma es, en última instancia, más perjudicial que paliativa, Javanbakht sugiere que dejemos de esgrimirla.

“Tu libertad” —para elegir, procesar, dar sentido, resistir— “es lo más importante que tienes”, afirma. “Les digo a mis pacientes: solo se vive una vez. Y cada minuto que pasa se va y no vuelve”.

No falla. Es llegar el último mes del año y cuando aparece el Wrapped de Spotify, las redes sociales se llenan de los resúmenes musicales en la plataforma de streaming, que cada año se renueva con diferentes elementos, aunque siempre se incluyen las canciones, cantantes y discos más escuchados, así como los minutos totales.

Desde su primera aparición en 2016, Spotify Wrapped ha resultado ser todo un éxito, una campaña de marketing que sale barata a la marca porque son los usuarios los que se convierten en el activo, porque como argumenta la revista Forbes: “Construye lo que en psicología se llamaría ego digital: las personas disfrutan ver una versión ‘curada’ de sí mismas, que refleja sus gustos, construye identidad pública y proporciona estatus social”.

Una estrategia de marca que genera competencia y produce lo que se llama el efecto FOMO, o lo que es lo mismo, miedo a perderse algo de la tradición “Fear Of Missing Out” porque si no se comparte “se está fuera de la conversación”, y que ayuda a Spotify a seguir posicionada en un momento de fuerte controversia por las bajas tarifas a los artistas y la inversión de su CEO, Daniel Ek, en armamento. Y es por eso por lo que otras marcas y empresas se han sumado a esta tendencia.

Lo obvio: los competidores musicales también tienen su Wrapped

Para los miles de usuarios que han dejado Spotify como protesta por los problemas que genera su imagen y modelo de negocio, anteriormente mencionados, el que otros servicios de streaming musical también hayan lanzado su propio Wrapped ha sido una gran noticia para los que sufren el llamado FOMO.

Así, este 2025 también han tenido su particular resumen plataformas como Apple Music con “Replay”, Youtube Music con su “Recap”, así como Deezer, Last.fm o Stats.fm, con lo que es posible compartir las estadísticas musicales del año sea cual sea la plataforma que se use.

El que esto se desarrollara entre sus competidores en la industria musical era algo predecible, pero es que el Wrapped ha llegado a otros sectores culturales como el videojuego, con Sony o Nintendo ofreciendo algo similar, o aplicaciones como Letterboxd para los cinéfilos, así como el ‘Reading Challenge’ de Goodreads para lecturas.

El Wrapped de los supermercados: la última tendencia en redes

Pero lo que más ha llamado la atención ha sido la tendencia de crear un Wrapped por parte de otras marcas, como sucedió ya en años anteriores con LinkedIn o Infojobs en el mundo laboral, Heinz en el alimentario, o Civitatis y Ryanair en viajes, y siendo los supermercados una de las que más ha triunfado entre usuarios.

Entre ellos, el Wrapped de Lidl parece haber calado de forma exitosa entre sus usuarios, ofreciendo datos de productos comprados, importe gastado u otros servicios de su app, incluso una puntuación por el uso de cupones, ofertas, rascas o cheque.  

Una tendencia a la que se han sumado otros supermercados como Carrefour, aunque esta solo muestra un resumen de lo que ha sido el año para la marca, siendo una estrategia pura de marketing para atraer la atención, pero sin ofrecer una personalización del cliente.