Mattel ya tiene su primera Barbie con diabetes, en un intento por diseñar juguetes inclusivos y dar visibilidad a la enfermedad. Se aleja así del estereotipo que siguió durante décadas, con muñecas que siempre respondían al mismo patrón: mujeres altas, esbeltas, rubias con el pelo largo, sutilmente maquilladas, labios definidos, piel clara y ojos azules.

Ahora, la empresa estadounidense de juguetes apuesta por una Barbie con diabetes tipo 1 (DT1). Con esta incorporación, la multinacional pretende que más niñas se vean reflejadas en su icónica muñeca, además de fomentar un mayor sentido de “inclusión y empatía”.

“Barbie contribuye a moldear la percepción temprana del mundo en los niños y, al reflejar afecciones médicas como la diabetes tipo 1, garantizamos que más niños puedan verse reflejados en las historias que imaginan y en las muñecas que adoran”, explica en un comunicado vicepresidenta sénior de Barbie y directora global de Muñecas de Mattel, Krista Berger.

Control de la glucosa y una bomba de insulina

Barbie se alió con Breakthrough T1D, una organización estadounidense de investigación y defensa de la diabetes tipo 1, para reflejar con precisión el equipo médico que pueden utilizar las personas con esta afección y la apariencia de la muñeca, incluyendo el patrón del vestido.

La muñeca lleva en su brazo un Monitor Continuo de Glucosa (MCG) para ayudar a controlar la enfermedad. Esto era “imprescindible”, porque se trata de pequeños dispositivos portátiles que miden continuamente los niveles de azúcar en sangre. Para mantener la cinta médica, Mattel coloca una pegatina con forma de corazón junto con un teléfono donde se van guardando los datos.

Barbie cuenta también con una bomba de insulina, un pequeño dispositivo médico portátil que permite la dosificación automática de insulina según sea necesario, adherido a su cintura.

La ropa y el bolso tampoco se han dejado al azar, explican desde Mattel. La muñeca luce un elegante top de lunares y una falda a juego con volantes. Tanto el color azul como el estampado circular son un guiño a los símbolos globales que representan la concienciación sobre la diabetes. El bolso, del mismo color aunque más claro, deja espacio para todo lo que tiene que llevar durante un viaje.

Barbie sale de la rubia de ojos claros

La muñeca con diabetes tipo 1 (DT1) forma parte de una colección muy especial, en la que se presentan más de 175 looks para diversos tonos de piel, colores de ojos, colores y texturas de cabello, tipos de cuerpo, discapacidades y estilos de moda, incluyendo una Barbie ciega, una Barbie con síndrome de Down y una Barbie con audífonos, entre otros.

Desde la compañía recuerdan que el juego con muñecas cumple una importante función durante etapas clave del desarrollo, fomentando la empatía, el desarrollo de habilidades sociales y la igualdad de condiciones.

El estreno de la película ‘Barbie’, dirigida por Greta Gerwig, en 2024, puso en el foco público de nuevo a la famosa muñeca, con la que varias generaciones han protagonizado sus juegos, y le dio un enfoque feminista a su historia en una divertida sátira, que le rendía homenaje, y que fue uno de los largometrajes más taquilleros del cine a nivel mundial y que cumple 66 años este marzo.

Los inicios de Barbie: así fue la primera muñeca

El 9 de marzo de 1959 fue el día en el que salió a la venta la primera muñeca Barbie, que había sido creada por Ruth Handler tras un viaje a Europa junto a su hijo Kenneth. Fabricada por la empresa Mattel, de la que ella era cofundadora junto a su marido y el empresario Harold “Matt” Matson, y que había cambiado su línea de negocio a los juguetes tras la caída de ventas de muebles de plástico tras la Segunda Guerra Mundial.

La primera muñeca Barbie de 1959 portaba su característico pelo rubio, su figura esbelta y un bañador en rayas blancas y negras, un modelo que apareció en la película como homenaje, y que se puede apreciar sobre la actriz Margot Robbie que dio vida al famoso personaje que respondía al nombre Barbara Milicent Roberts.

Un diseño que respondía, según su propia creadora, a los modelos que solían vestir con elegancia estrellas de la época como Elizabeth Taylor o Marilyn Monroe, y que fue todo un éxito de ventas, alcanzando más de 300.000 muñecas con un precio de salida de 3 dólares, según la empresa Mattel.

El origen de la muñeca Barbie

Ruth Handler creó la famosa muñeca Barbie cuando en el negocio de los juguetes en el que se había embarcado la empresa familiar notó un vacío para las niñas que ya no querían jugar con bebés y buscaban algo que emulara la vida adulta.

Con esa idea en la cabeza, Handler viajó a Europa junto a su hijo Kenneth y allí encontraría un modelo en el que basarse para su creación, una muñeca de nombre Bild Lilli, que era un obsequio de broma para adultos de un personaje de una historieta en Alemania. Con esta influencia, dio vida a la muñeca Barbie, con el nombre de su hija, y más tarde crearía a Ken, que se llamó igual que su primogénito.

Una muñeca que ha traspasado generaciones desde su salida al mercado en 1959 y que desde entonces ha pasado por varios cambios, desde una mirada fija que modificó la de reojo con la que comenzó, a pasar por cientos de profesiones, siendo lo que quería, a pasar por diferentes modelos que abarcan más la diversidad.

La película 'Barbie', uno de los blockbuster que más conversaciones generó el pasado verano, no deja de ocupar debates en las Corts Valencianes. El veto de Vox a esta película y a '20.000 especies de abejas', un film sobre la infancia trans ganadora de tres premios Goya, ha sido el protagonista de la sesión de control al Consell que dirige Carlos Mazón en coalición con la ultraderecha.

El enésimo ejemplo de “censura cultural” por parte de Vox, que bloqueó la compra de estas películas en la biblioteca pública de Borriana (Castellón), y que ha terminado siendo corregido por el alcalde del PP. El concejal de Cultura del municipio castellonense, Jesús Albiol, es también diputado en las Corts Valencianes y defiende su decisión: “No comprarlo todo no es censura”, además de considerar las películas “irrelevantes” o instar a la población a comprar una suscripción “a Netflix o cualquier otra”. Además, anunció acciones contra el funcionario que reveló el veto a ambas películas, cuyos títulos no supo decir correctamente.

En la sesión de control de este jueves, la penúltima antes de las elecciones europeas, PSPV y Compromís han recordado el historial de la ultraderecha: separar libros sobre diversidad sexual en las bibliotecas, apartar al colectivo LGTBi+ de actos públicos o cancelar la suscripción a revistas en valenciano, además de los comentarios xenófobos de una concejala en el Ayuntamiento de Valencia, el aval a la fundación de “hombres maltratados por sus mujeres” y las iniciativas contra los migrantes.

El diputado socialista José Chulvi ha preguntado a Mazón si se siente cómodo con sus socios de Gobierno, a lo que contestó el vicepresidente y conseller de Cultura, Vicente Barrera, insistiendo en que “no todo tiene que ser comprado”. “La Comunitat Valenciana han descubierto que la criptonita de la extrema derecha que la acompaña es Barbie, ¡Qué pobreza!”, ha lamentado el socialista, que ha criticado asimismo que censuren la belleza. “Para ser tan valientes hay que reconocer que es ridículo”, ha señalado.

El portavoz del PSPV, José Muñoz, ha leído un tebeo titulado “ser fascista está mal”, apuntando al president que “del fascismo se sale”. Los populares han tratado de esquivar las críticas citando medidas como la autorización de la exhumación de fosas -un proceso heredado del anterior Ejecutivo- y reiterando que el alcalde de Burriana, del PP, ha corregido al concejal de Vox, visiblemente molesto en su escaño.

El portavoz de Compromís, Joan Baldoví, ha sacado una muñeca Barbie vestida de doctora, con una pancarta por las protestas de los empleados del sistema público de salud. Es la “barbie censurada” ha ironizado, “una agente secreta del feminismo radical”, para después bromear con que “la comunidad científica sigue bsucando a las abejas submarinas”, como llamó el diputado de Vox a la película de Estibaliz Urresola. “¿No le da vergüenza que uno de los suyos censure estas películas”, ha interrogado Baldoví. Mazón ha respondido que él vio el film con su familia: “Me gustó la película, me gustó la música y me gusta el alcalde de Burriana”, cerrando filas.

Mattel anunció este miércoles el lanzamiento de nueve muñecas exclusivas Barbie con las que rendirá homenaje a nueve deportistas de todo el mundo, entre ellas la triatleta española con discapacidad visual Susana Rodríguez, actual campeona paralímpica.

La gallega rompe así una nueva barrera y se convierte en una de las protagonistas que ha elegido Mattel con motivo de la celebración del 65º aniversario de Barbie para diseñar una muñeca exclusiva hecha a su semejanza y con las que se quiere “celebrar las barreras que han roto para las mujeres en sus respectivos campos”. “Al reconocer a las deportistas que han roto barreras para las mujeres en los deportes, Barbie espera ayudar a amplificar las voces de las mujeres deportistas para conmemorar sus logros dentro y fuera del campo”, señaló la compañía.

“Espero que las niñas cuando nos vean juntas a mí y a mi muñeca Barbie vean en ello un ejemplo de alguien que pese a tener ciertas dificultades, mediante el trabajo, el esfuerzo y sobre todo la confianza en ti misma puedes lograr muchas de esas metas que en principio pueden parecer difíciles de conseguir”, afirmó Susana Rodríguez.

Además de la viguesa, que el pasado mes de abril hizo historia en el deporte español al ser la primera persona, hombre o mujer, con discapacidad en recoger el Premio Reina Letizia concedido a la mejor deportista del 2022 durante los Premios Nacionales del Deporte, las otras elegidas son la tenista estadounidense Venus Williams, las futbolistas Christine Sinclair (Canadá) y Mary Fowler (Inglaterra), la boxeadora francesa Estelle Mossely, las gimnastas Alexa Moreno (México) y Rebecca Andrade (Brasil), la nadadora italiana Federica Pellegrini y la atleta polaca Ewa Swoboda.

Según indicó Mattel en nota de prensa, Barbie ha querido estar nueve “historias inspiradoras que servirán para demostrar a las niñas que todo es posible si luchas por ello”. “A través de iniciativas como el Proyecto Barbie Dream Gap, Barbie se compromete a nivelar el campo de juego para las niñas en todo el mundo, en los deportes y más allá, para cerrar la brecha que se interpone entre las niñas y su pleno potencial”, indicó.

“Barbie está encantada de poder continuar la celebración de su 65º aniversario reconociendo el impacto de los deportes para fomentar la autoconfianza, la ambición y el empoderamiento entre la próxima generación”, apunta dijo Krista Berger, Senior Vice President of Barbie and Global Head of Dolls, Mattel.

Para la directiva, después de añadir a la expatinadora estadounidense Kristi Yamaguchi a su línea de 'Mujeres Inspiradoras de Barbie' el mes pasado, ahora están “orgullosos de continuar impulsando el momentum en torno a las mujeres en los deportes” al apostar por estas nueve deportistas como sus “nuevos referentes”.

“Las muñecas hechas a su imagen y semejanza sirven como una demostración de nuestros valores compartidos de pasión, empoderamiento e individualidad. Al destacar a estas atletas inspiradoras y sus historias, esperamos defender la creencia de que cada niña merece la oportunidad de perseguir sus sueños y convertirlos en realidad”, añadió.

Uno de los eternos debates en torno a los premios es su escasa conexión con el sentir popular. No siempre, o mejor, casi nunca, la película que más gusta a los espectadores es la que se lleva los reconocimientos. Se escucha mucho esa frase que dice que “antes la que ganaba el Oscar era la que había arrasado en la taquilla”. Para fortalecer ese argumento se suele citar Casablanca o Lo que el viento se llevó, títulos que no solo triunfaron entre la crítica sino en las salas de cine. Los Oscar llevan años intentando encontrar ese equilibrio. Durante años las obras vencedoras fueron títulos más minoritarios en ceremonias que fueron perdiendo audiencia, lo que muchas personas vincularon en una relación de causa-efecto. 

Al final, los Oscar son también un show televisado que quiere ser visto y tener repercusión. Por eso, en los últimos años se han hecho intentonas como ese fallido premio al filme más popular del año pasado (¿alguien se acuerda quién lo ganó?). Muchos creen que por eso en las últimas ediciones se están nominando (Black Panther), e incluso premiando (Todo a la vez en todas partes) películas más populares. Este 2024 lo tenían muy fácil. En un año complicado, todavía con resaca pandémica y con una huelga de actores que paralizó la industria, Hollywood vio cómo se creaban dos fenómenos como hacía tiempo que no se veían. Uno con nombre muñeca, Barbie; y el otro con nombre de físico, Oppenheimer.

Ambos han sido, sin ninguna duda, los títulos del año. Dos películas que han pasado al imaginario popular en poco tiempo, que son reconocidas y que han reventado la taquilla. Las nominaciones ya dejaron claro que la Academia de Hollywood iba más con Oppenheimer que con Barbie, y con la entrega de los Oscar lo han confirmado. El filme de Christopher Nolan ha arrasado como se esperaba. Siete estatuillas, entre ellas las más importantes, Película —que llegó tras uno de los mayores anticlímax posibles cuando Al Pacino dijo el ganador saltándose el vídeo de nominados previo—, dirección para Christopher Nolan; Actor protagonista (Cillian Murphy), Actor de reparto (Robert Downey Jr.), montaje, fotografía y banda sonora.

El arrase de una parte del Barbenheimer ha dejado a la otra con apenas un premio de consolación, el de Mejor canción original para el What I was made for? de Billie Eilish para el filme de Greta Gerwig. Barbie fue ignorada casi por completo en cuanto a galardones se refiere, ya que perdió en las otras siete categorías, pero la velada dejó claro que es la película más importante del año. El primer vídeo con el que abrió la gala acabó con un plano de Margot Robbie, y el primer sketch de Jimmy Kimmel también fue a costa del filme. Hubo bromas, menciones, y suyo fue el momento de la noche y uno de los mejores en una ceremonia de los Oscar recientes, el increíble I’m just Ken que Ryan Gosling interpretó en el escenario con decenas de bailarines, Slash a la guitarra y con bajada a la platea para que cantaran Greta Gerwig, Margot Robbie y Emma Stone. Hay que ser una estrella para salir al escenario tras perder un premio y lograr desprender esa energía y convertir una actuación en icónica con esa facilidad.

Hollywood se rinde a Nolan

El premio a la Mejor dirección para Christopher Nolan redime a uno de los cineastas más importantes del Hollywood de las dos últimas décadas que, extrañamente, no tenía ningún Oscar. De hecho, esta era su segunda nominación en toda su carrera. La primera fue por Dunkerke, lo que demuestra que a Hollywood le gusta cuando Nolan se pone serio, aunque realmente siempre lo está. Ha tenido que hablar de armas nucleares, de los miedos post Segunda Guerra Mundial, para que le reconozcan como lo que es, uno de los pocos directores cuyo nombre es una marca y que dignifican el blockbuster con inteligencia. Habrá pocos realizadores que hayan conectado de forma tan brutal con la gente gracias a cintas como Origen, Memento, Interestelar o la trilogía de El caballero oscuro, que no fue nominada ―ni como mejor película ni por su dirección―en ninguna de sus entregas a pesar de cambiar para siempre la historia del cine de superhéroes. 

La gala tuvo el sabor amargo de ver cómo en la primera parte las opciones del cine español iban desapareciendo. Pablo Berger perdió frente al maestro Miyazaki, que con El chico y a la garza dio la sorpresa y pilló a contrapié a la todopoderosa Spider-Man, que partía como gran favorita. El maquillaje de La sociedad de la nieve vio cómo Pobres criaturas se llevaba su estatuilla y Bayona vio cómo Jonathan Glazer cumplía con todas las quinielas al hacerse con el de Mejor película internacional por La zona de interés. El filme de Glazer se llevó otro premio, el de Mejor sonido. Merecidísimo para el inmersivo, inteligente y desasosegante trabajo del largometraje.

Glazer fue uno de los pocos que se atrevió con uno de los elefantes en la habitación. La guerra en Gaza fue completamente ignorada por todos y cada uno de los ganadores menos por él. Lo hizo, además, el que tenía la papeleta más complicada. El director de una obra sobre el Holocausto tuvo el valor de hablar del tema, algo que el resto de Hollywood ni se lo planteó. “Nuestra película nos enseña adónde nos lleva la deshumanización, en el pasado y en el presente. Rechazamos la apropiación del judaísmo o del Holocausto por una ocupación que ha llevado a un conflicto a tanta gente inocente. Ya sean las víctimas del 7 de octubre en Israel o las víctimas actuales en Gaza: todas son víctimas de esta deshumanización”, dijo el director.

A pesar de que varios miembros del equipo llevaban chapas con la bandera palestina y que en otros premios habían realizado peticiones de alto al fuego, Justine Triet y Arthur Harari no se atrevieron en los Oscar. Ellos fueron los ganadores al Mejor guion original por Anatomía de una caída, uno de los grandes fenómenos del año y que venció en su categoría a Los que se quedan, el filme de Alexander Payne que se tuvo que conformar con el galardón a la Mejor actriz de reparto para Da'Vine Joy Randolph, uno de los premios más cantados de la noche. Ella fue de las pocas que realizó un discurso que se saliera de los clásicos agradecimientos al equipo y a la familia recordando que en su clase de interpretación era la única niña negra.

La falta de valentía, compromiso y activismo en los agradecimientos fue notable y decepcionante. Solo Cillian Murphy, Oscar al Mejor actor, hizo una mención dedicando su premio a los que buscan la paz; además de Mstyslav Chernov, director del documental ganador, 20 días en Mariúpol, que muy emocionado afirmó que “ojalá nunca hubiera tenido que hacer esta película”. “Ojalá pudiera cambiar este Oscar porque Rusia nunca hubiera ocupado nuestras ciudades ni atacado Ucrania. Ojalá no hubieran matado a decenas de miles de nuestros ciudadanos, pero no lo puedo cambiar, no puedo cambiar la historia ni el pasado. Pero vosotros, algunas de las personas con más talento de la historia, podemos hacer que la verdad prevalezca y que la gente de Mariúpol y los que dieron su vida nunca sean olvidados, porque el cine construye memoria y la memoria hace historia. Gracias a todos. Gracias, Ucrania”, dijo.

Una pena que su interpelación directa a los miembros de Hollywood no calara en nadie. Ni siquiera en una Emma Stone que con solo 35 años ya cuenta con dos Oscar a la Mejor actriz protagonista. Por su excelente y valiente interpretación en Pobres Criaturas se ha llevado su segundo premio tras el logrado por La la land. Era uno de los galardones que llegaba con más emoción en una carrera ajustada entre ella y Lily Gladstone. Pobres Criaturas rascó más de lo esperado, ya que también se hizo con otros tres premios técnicos (vestuario, diseño de producción y maquillaje y peluquería) convirtiéndola en la segunda película más premiada de la noche con cuatro estatuillas.

Como viene siendo habitual, Scorsese fue el gran perdedor de la noche. Su épica y maravillosa Los asesinos de la luna no pudo hacerse con ninguno de sus premios. Lo mismo que le pasó con El irlandés. Es preocupante que un cineasta como él solo haya ganado en su carrera un Oscar a la Mejor película y al mejor director. De vacío también se fueron Maestro y Vidas pasadas, mientras que American Fiction logró el de guion adaptado por encima de Barbie y Oppenheimer.

Un Kimmel ácido y correcto

Ante unos discursos tan sosos y sin intención fue Jimmy Kimmel el único que puso un poco de picante al asunto en sus intervenciones. Es destacable que él fuera el único que se acordara de la huelga de actores y guionistas que paralizó la industria en verano. Una huelga que, además, coincidió con la campaña promocional de Barbie y Oppenheimer. Ninguno de los ganadores se acordó de aquella lucha, pero el presentador sí lo hizo y hasta se atrevió a realizar unos gags con ella. Primero les dijo a los actores que ya no debían temer a que les sustituya la inteligencia artificial, sino a que les “reemplacen por gente más joven y más guapa”. Tras su monólogo sacó a los técnicos al estrado, víctimas colaterales del paro, y la platea les dedicó una ovación, aunque luego nadie se acordara de ellos.

El monólogo inicial tuvo pullas a Madame Web, uno de los fiascos de la taquilla del año, a Barbie, y a aquellos que no votaron por Gerwig. “Previamente a la película, mi mujer le hubiera comprado antes a mi hija un paquete de Marlboro que una Barbie, y ahora es un icono feminista gracias a Greta Gerwig”, dijo y dejó sonar los aplausos de la gente antes de lanzarles el golpe que tenía preparado: “Ahora la aplaudís, pero no la votasteis, que no está nominada como Mejor directora”.

Los otros dos dardos más sonoros fueron para Depardieu y Robert De Niro. “Messi —el perro de Anatomía de una caída— es el fenómeno de la película. No he visto a ningún actor francés comerse mejor su vómito desde Gerard Depardieu”, dijo Kimmel. Para De Niro le tenía reservada una broma sobre la diferencia de edad con su pareja actual, 34 años más joven que él. Este año estaban nominados Robert De Niro y Jodie Foster, y ambos fueron también nominados en el 76 por Taxi Driver, la excusa perfecta para el cómico: “En aquel momento Jodie Foster era lo suficientemente joven como para ser la hija de Robert De Niro. Ahora es 20 años demasiado mayor para ser su novia”, dijo mientras Foster asentía con la cabeza. Algo de ironía y mala leche en una ceremonia que recuperó el formato de colocar a cinco antiguos ganadores de los premios de interpretación en el escenario para hablar de los actores y actrices nominadas. Un recurso emotivo que, además, nos hizo viajar al pasado 15 años, cuando Penélope Cruz logró su premio con esta misma puesta en escena.

Al final, la gala de los Oscar perteneció a las dos mismas películas de las que se habla desde finales de julio. Barbie y Oppenheimer. Oppenheimer y Barbie. Las dos lograron devolver la ilusión a la industria. Una acabó la temporada con siete premios, la otra con uno, pero con la seguridad de que habrá pocos fenómenos culturales tan importantes como aquella película de la que todo el mundo se rio cuando era un proyecto y que terminó haciendo que todos vistieran de rosa para ir a una sala de cine a reírse del patriarcado. Como dijo Juan Antonio Bayona días antes de la gala desde Los Ángeles, “los premios se olvidan, las películas se recuerdan”, y nadie duda de que todos se acordarán de 2023 como el año de Barbie.

Mejor película

Mejor dirección

Mejor actriz protagonista

Mejor actor protagonista

Mejor actriz de reparto

Mejor actor secundario

Mejor película internacional

Mejor película de animación

Mejor documental

Mejor guion original

Mejor guion adaptado

Mejor diseño de producción

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor diseño de vestuario

Mejor efectos especiales

Mejor montaje

Mejor dirección de fotografía

Mejor sonido

Mejor banda sonora

Mejor canción

Mejor cortometraje de animación

Mejor cortometraje documental

Mejor cortometraje de acción real

Mucho tiene que cambiar el guion para que la ceremonia de la 96 edición de los Premios Oscar no se convierta en una de las más previsibles, y por tanto, aburridas de los últimos años. A estas alturas pocos dudan de que Oppenheimer acabará la noche coronada como la Mejor película del año por la Academia de Hollywood, la duda es hasta dónde llegará su onda expansiva (prepárense también para los juegos de palabras sobre bombas).

Pero, ¿qué pasará en las categorías interpretativas?, ¿será también un paseo para el filme de Christopher Nolan? Y la pregunta más importante, ¿quién debería ganar el Oscar este año? 

Mejor película 

Lo que ganará: Oppenheimer

La Academia debería protagonizar uno de los giros más locos de toda su historia para que el filme de Christopher Nolan perdiera. No ha dejado premio libre. Se ha llevado el del sindicato de productores, el BAFTA, el Globo de Oro y el Critics Choice. Por si fuera poco también el de Mejor reparto en el sindicato de actores (el gremio que compone la masa de votantes más numerosa). Es una película de consenso, la consagración de un cineasta fundamental del cine reciente y encima un éxito rotundo de taquilla en un año que necesitaba títulos como este.

Lo que debería ganar: La zona de interés

Que Hollywood se haya acordado de una película tan arriesgada y compleja como La zona de interés es de agradecer. Se merece más que la nominación. La zona de interés es la película que cambia el cine sobre el Holocausto. Que hace que cuestionemos cómo se había mostrado hasta ahora y que nos hace vernos representados en el perpetrador en vez de sufrir con la víctima. Una película que sobrecoge sin mostrar un solo muerto y que está destinada a quedar en el recuerdo. 

Mejor dirección

Lo que ganará: Christopher Nolan, por Oppenheimer

Ha ganado el premio del sindicato de directores y el Critics Choice y la fuerza de Oppenheimer se extiende también a esta candidatura. La Academia de Hollywood siempre había despreciado a Nolan. De hecho, esta es solo su segunda nominación a pesar de tener en su filmografía varias de las películas más taquilleras y populares de las últimas dos décadas. Este es su gran momento, y lo saben. Si perdiera empezaríamos a estar ante un caso como el de Scorsese, que tuvo que esperar demasiado para ser reconocido.

Lo que debería ganar: Jonathan Glazer, por La zona de interés

De nuevo Glazer, pero es que su coherencia ética y estética a la hora de hablar del Holocausto está en otra liga. Una película en donde cada cuadro, cada escena y cada decisión está tomada pensando en su significado y en la representación que hace. Su forma de alejarse de las narrativas y las dramatizaciones de las historias sobre los campos de concentración merecería el Oscar a la mejor dirección.

Mejor actor protagonista

Lo que ganará: Cillian Murphy, por Oppenheimer

Parece difícil que una película que tiene el nombre de su personaje protagonista y que parece dispuesta a arrasar no se lleve el premio al mejor actor protagonista. A Hollywood le gustan los biopics, y este por suerte no se parece a esas películas académicas y aburridas de líderes musicales. Cillian Murphy está estupendo en el filme de Nolan, su rostro anguloso y su mirada perdida son un elemento fundamental y la Academia parece que lo reconocerá. Ganó el Globo, el BAFTA y el premio del sindicato de actores y llega con más fuerza que sus rivales.

Lo que debería ganar: Paul Giamatti, por Los que se quedan

A Giamatti los Oscar le deben, al menos, un par de nominaciones. Si no gana este año le deberán también el Oscar. Su interpretación del profesor cascarrabias de Los que se quedan es un prodigio de humanidad, de emoción y de complejidad que él afronta con una sencillez que hace que parezca fácil. Es el típico trabajo que suele quedar en segundo plano y que este año tiene la oportunidad de ganar. Es la alternativa a Murphy.

Mejor actriz protagonista

Lo que ganará: Emma Stone, por Pobres criaturas

Sí, Emma Stone es lo mejor del filme de Yorgos Lanthimos. Y sí, es una interpretación arriesgada en una industria tan pacata, pero también es la interpretación más efectista. El papel que, en las manos adecuadas, huele a Oscar de lejos y Stone no lo ha dejado de aprovechar. La locura y excentricidad de su Bella, que la actriz domina a su antojo, son un terremoto difícilmente ignorable. 

Lo que debería ganar: Sandra Huller, por Anatomía de una caída

Lo que hace la actriz alemana en el filme de Justine Triet es complicadísimo. Siempre en la línea perfecta para que el espectador no termine de empatizar con ella pero no la demonice. El guion de Triet es un caramelo envenenado, hay que tener muchas tablas para que funcione y no quede acartonado. Cada palabra, cada pausa, cada cambio de idioma es fundamental. Huller tiene parlamentos larguísimos que tienen su propia evolución dramática gracias a cómo es capaz de decirlos. Tampoco nos importaría que ganara Lily Gladstone, auténtico centro emocional de Los asesinos de la luna y que, además, seguramente daría el mejor discurso de la noche.

Mejor actor de reparto

Lo que ganará: Robert Downey Jr., por Oppenheimer.

Llega a los Oscar después de haber ganado todo y con dos factores a su favor. Uno, la importancia de su personaje, muy protagonista y con más metraje que muchos de sus competidores. Dos, la narrativa del hijo pródigo que tanto le gusta a Hollywood. El actor descarriado que se reintegra tras sus problemas de drogas y mal comportamiento. Un clásico que en este caso viene acompañado de una gran interpretación.

Lo que debería ganar: Robert De Niro, por Los asesinos de la luna

Actor de reparto es una categoría un poco pocha en esta edición, donde la Academia ha obviado trabajos mucho más destacables, como el de Dominic Sessa en Los que se quedan, el de Charles Melton en Secretos de un escándalo o el de Paul Mescal, en Desconocidos. De las cinco interpretaciones nominadas la de Robert De Niro destaca, no por mucho, pero es uno de esos actores que imponen con un gesto, y Scorsese lo juega todo a su favor con un personaje que debe dar miedo con una mirada.

Mejor actriz de reparto

Lo que ganará y lo que debe ganar: Da’Vine Joy Randolph, por Los que se quedan

Parece que será el único premio de Los que se quedan, pero este es uno de los más cantados de la noche. Pocos premios ha dejado sin recoger este año la actriz que interpreta a esa madre que ha perdido su hijo en Vietnam y que ve cómo los niños pijos blancos celebran la Navidad con su familia mientras ella se queda trabajando en el colegio de élite donde está empleada como cocinera. El acierto de esta interpretación está en su contención. Podría haber sido un cliché pero Randolph y Payne como dirección apuestan por la mesura hasta en la gran escena de su personaje, donde se rompe con elegancia en vez de con histrionismo. 

“Dejad que me meta en el personaje, porque el mundo puede tener la voz de Ken, pero solo Barbie puede tener sus ojos”. Ryan Gosling pronuncia estas palabras al tiempo que se pone unas gafas de sol, vestido con un elegante traje de color negro. Le rodean varios músicos y bien de decoración navideña. En seguida empieza la ya archiconocida melodía de I'm Just Ken, la canción principal de la película Barbie que le ha valido para lograr su tercera nominación al Oscar, gracias al mejor papel de su carrera. El actor ha sacado el máximo partido al muñeco de Mattel al encarnar la mezcla perfecta de ingenuidad, 'machirulismo', ternura, torpeza y lo mucho que se ha reído de –y con – sí mismo.

La cinta se estrenó arrasando en taquilla el pasado mes de julio, y el vídeo que abre este artículo fue la felicitación navideña con la que el intérprete acompañó el lanzamiento de tres nuevas versiones del pegadizo hit en diciembre. Los temas fueron producidos junto a Mark Ronson, que ha trabajado con artistas como Amy Winehouse, Miley Cyrus, Lady Gaga y Bruno Mars. Con ellas siguió alimentando la fiebre por el título, pero sobre todo la fiebre por Ken.

Para entonces cinta y personaje ya eran todo un fenómeno, Gosling se había ganado la nominación al Globo de Oro –un mes después llegaría la de la Academia de Hollywood–; y su performance permitió a sus fans reencontrarse con el Ken que no solo robó corazones gracias al guion de Greta Gerwig y Noah Baumbach. Su mayor golpe fue en las escenas que copó, consiguiendo que su aturdido y desubicado Ken generara gracias a su carisma desazón, pereza y hasta cariño. Gosling fue el contrapunto perfecto para la Barbie de Margot Robbie, coreografías incluidas. Un robaescenas de manual, con mucha gracia.

La directora hizo la mejor elección de casting posible. Gosling reúne todos los estereotipos que le convierten en el Ken idóneo: su físico normativo –en el largometraje ensalzado por su pelo teñido de rubio platino–, su seductora voz y su planta y gestos de galán. Desde que protagonizara El diario de Noah en 2004 no son pocas ni pocos los que fantasearon con ser ellos de quienes se enamoraran como él de la joven Allie en la piel de Rachel McAdams.

Otros títulos como Lars y una chica de verdad (2007) y Crazy, stupid, love (2011) ampliarían su estela de fascinación, al tiempo que el intérprete engrosaba su filmografía con obras de cine de autor con las dejó claro desde el inicio que, pese a encajar a la perfección en el perfil, no querría limitarse a hacer comedias y dramas románticos.

De hecho, apenas dos años después de la cinta de Nick Cassavetes estrenó Half Nelson. Una descorazonadora película en la que interpretaba a un entrenador de baloncesto y profesor de historia adicto a la cocaína cuyas clases eran muy distintas a lo que marcaba el sistema. Su vínculo con una de sus alumnas/jugadoras, que descubre su 'secreto', vertebraba una trama dura y cruda, que le sirvió para llevarse el premio de público, crítica y Academia de Hollywood, que le concedió su primera nominación al Oscar. Pero la incursión de Gosling en el cine independiente le venía de antes. Y también fue determinante para romper con una imagen previa, la de 'chico Disney'.

Una estrella infantil

Gosling nació en Ontario (Canadá), aunque creció en Cornwall. Su padre trabajaba en una fábrica de papel y su madre era secretaria, ambos mormones. Allí empezó muy pronto a bailar y a cantar y fueron varias las bodas que acogieron sus primeras actuaciones junto a su hermana Mandi, cuatro años mayor que él. Sufrió acoso en el colegio y, buscando 'protegerse', empezó a imitar la voz de Marlon Brando para que sonara más duro. También le diagnosticaron déficit de atención e hiperactividad y no aprendió a leer hasta los 10 años.

“No me sentía muy listo. Me pasaban de curso aunque no aprendiera las cosas que se supone que tenía que aprender. Cuando estás en una clase en la que todo el mundo sabe leer menos tú, es muy frustrante”, comentó en una entrevista en 2007. “Fui un niño solitario y la televisión era mi única amiga”, añadió. Pero su interés por la interpretación se lo debe a su tío, que trabajaba como imitador de Elvis Presley –posteriormente él le rendiría su propio tributo–. Se apuntó a clases de ballet, empezó a participar en concursos de talento locales y 1993 lo cambió todo.

Gosling se presentó al casting de Mickey Mouse Club y, con doce años, se convirtió en un 'chico Disney', se mudó a Orlando y compartió durante dos años elenco con Justin Timberlake, Britney Spears y Christina Aguilera.

Cuando se canceló el show, el actor volvió a Canadá. Pronto apareció en series y películas como Goosebumps, Are You Afraid of the Dark y Breaker High. En 1998 fichó por la ficción Young Hércules, por la que vivió otros dos años en Nueva Zelanda. Cumplidos los 19, optó por cercar sus audiciones a títulos 'serios'. Aquello derivó en que su agente dejara de trabajar con él y comprobó la dificultad de conseguir papeles cuando lo único que llevaba bajo el brazo era una cinta VHS del Mickey Mouse Club.

Aun así, le llegó la oportunidad que buscaba y esperaba, de la mano de Henry Bean, que le concedió el papel de joven judío neonazi en The Believer (2001). Gosling se ha referido al cineasta como su mentor en numerosas ocasiones, por darle la oportunidad de hacer el tipo de películas que buscaba entonces y ha podido mantener en su carrera.

Un año después estaba presentando en Cannes Cálculo mortal (Barbet Schroeder). Antes del bum de El diario de Noah rodó The Slaughter Rule (2003), que contaba el vínculo que se establecía entre un jugador de fútbol de secundaria y su entrenador (David Morse); y The United States of Leland (2003), en la que encarnó a un adolescente encarcelado por el asesinato de un niño con discapacidad.

La era post 'Half Nelson'

Tras cosechar su primera nominación al Oscar, Gosling estrenó películas como la dramedia indie Lars y una chica de verdad (2007), en la que volvió a explotar sus dotes musicales. Al igual que en Blue Valentine (2010), otro de sus papeles más aplaudidos, y que incluye una de las escenas musicales más tiernas, en la que su personaje interpreta You Always Hurt the One You Love de Mills Brothers, ukelele en mano, a Michelle Williams.

Tras la película de bajo presupuesto –y eminentemente improvisada– de Derek Cianfrance, llegó su primer papel más cómico, en Crazy, Stupid, Love, su primera colaboración con Emma Stone. El filme les valió para forjar una amistad que continúan y que, tras afianzarla igualmente en pantalla en Gangster Squad (2013), culminaron derrochando química en La, La Land (2016).

Pero antes siguió su estela de cine independiente con Drive (2011) de Nicolas Winding Refn y Los idus de marzo (2011) de George Clooney –ambas tuvieron su puesta de largo en el Festival de Venecia–; así como Cruce de caminos (2012), en la que repitió con Cianfrance y conoció a su pareja, la actriz Eva Mendes.

Solo Dios perdona (2013) y Dos buenos tipos (2016) fueron los títulos que precedieron al musical de Damien Chazelle. Con él obtuvo su segunda nominación al Oscar gracias a su papel como músico de jazz atormentado enamorado de la Mia de Emma Stone. El director estadounidense le regaló otro personajazo, en la piel del astronauta Neil Amstrong, en la muy reivindicable First Man (El primer hombre) en 2018. A partir de ahí lideró la ambiciosa continuación de la historia de Rick Deckard en Blade Runner 2049 y El agente invisible. Y antes, en 2014, firmó su debut como director, Lost River, con Christina Hendricks y Saoirse Ronan.

El Ken espachurrado

Gosling ha sido entre medias padre de dos hijos, y fue el hallazgo de un juguete abandonado el que le hizo tomar otra decisión crucial en su carrera. En concreto, un Ken aplastado. “Salí al patio trasero y, ¿sabes dónde le encontré? Boca abajo junto a un limón aplastado”, recordó. Le hizo una foto y se la envió a Gerwig diciéndole: “Seré tu Ken, porque esta historia merece ser contada”. Visto el resultado de la película y su posterior campaña, ha dejado claro que se tomó su misión muy en serio.

Marlon Brando, John Barrymore, John Travolta y Gene Wilder, en versión de plástico, fueron los actores en los que basó su actuación con la que logró que su muñeco cobrara vida y alcanzara unas cotas de comicidad con las que ha sumado su tercera nominación al Oscar.

El canadiense no parte como favorito en una categoría en la que todo apunta que será Robert Downey Jr. quien se alce con el galardón por Oppenheimer. Pero Gosling está llamado a ser igualmente uno de los protagonistas de la gala, tras confirmar que interpretará I'm just Ken el próximo 10 de marzo en el teatro Dolby de Hollywood (Los Ángeles).

Su carisma y particular timbre dieron personalidad a un tema que ha conseguido destacar dentro de una banda sonora que reunió a un número suficiente de artistas como Dua Lipa, Karol G, Tame Impala y Billie Eilish –con quien competirá por la estatuilla a Mejor canción original– como para haber pasado desapercibido. Pero era imposible, la escena resume a la perfección el tono tanto de la película como de su personaje, por el humor que Gosling le impregna para reírse hasta de sí mismo. Y eso que ni si quiera estaba pensado para que fuera incluido en la película.

Mark Ronson la escribió medio en broma pero, tras compartir su grabación con la directora sin contemplar realmente la posibilidad de que acabara sonando en la película, a ella le gustó tanto que la convirtió en el número principal del filme –y menos mal–. Gosling ha sabido meterse tanto en el personaje que lo aprovechó para lamentar la ausencia de Barbie en las nominaciones.

Decepcionado por la ausencia de Margot Robbie y Greta Gerwig en las categorías de Mejor actriz y directora, el actor compartió un contundente mensaje, haciendo alusión al guion del propio filme: “Ningún reconocimiento sería posible para nadie de esta película sin su talento y su valor. Contra todo pronóstico, con nada más que un par de muñecos sin alma, con poca ropa y afortunadamente sin entrepierna, nos hicieron reír, nos rompieron el corazón, hicieron avanzar la cultura e hicieron historia”.

Pero no por ello él merece menos reivindicación. Por supuesto que no hay Ken sin Barbie ni película sin Gerwig y Robbie, pero hay otro punto claro: no hay Ken sin Ryan Gosling.

La directora Greta Gerwig y los protagonistas de su película Barbie, Margot Robbie y Ryan Gosling, fueron las grandes estrellas del almuerzo de los Oscar que reúne a todos los nominados un mes previo a la celebración de la entrega de los premios.

Pese a las polémicas que han existido en redes sociales sobre los supuestos desaires que la Academia de Hollywood tuvo al no nominar a Gerwig y a Robbie en las categorías de mejor dirección y actriz respectivamente, ambas fueron bien recibidas por sus colegas en el encuentro en el que se toma la foto generacional de los nominados de cada edición.

Desde su llegada al salón principal del hotel Beverly Hilton de Beverly Hills (California, EE.UU.), Gerwig no pudo dar un paso sin antes ser interceptada por algún miembro de la industria o invitado quienes se acercaban a felicitarla, hacerle un comentario por su trabajo o a pedirle una selfi.

“Estoy muy feliz, esto es muy emocionante y estoy disfrutando todo. Esto es algo que nunca envejece”, dijo la directora de Barbie a EFE. Lo mismo sucedió con Gosling, quien fue el responsable de tener una de las mesas más concurridas del almuerzo al atraer a personalidades como Carey Mulligan o Emily Blunt.

Sin embargo, el momento más emocionante fue su reencuentro con Emma Stone, su excompañera de elenco en la cinta La La Land que les valió a ambos una nominación al Oscar en las categorías de actor y actriz protagonista en 2017.

Por su parte Robbie, la barbie de 'carne y hueso', también fue una de las más cotizadas del evento y una de las mejores vestidas al portar un traje clásico de Chanel color rosa, muy acorde a los atuendos que llevó durante la promoción del filme sobre la muñeca de Mattel.

“Estar aquí es muy emocionante”, comentó a EFE Robbie, quien adelantó que este lunes tendría la primera prueba de vestido para la ceremonia que se llevará a cabo el 10 de marzo.

Un perro estrella

Sin duda, otra gran astro del evento fue Snoop, el border collie de Anatomía de una caída, que se robó el corazón de la actriz America Ferrera, quien no desaprovechó la oportunidad de tomarse una foto o el propio Gosling quien se acercó al canino para conocerlo.

La presidenta de la Academia, Janet Yang, felicitó a los presentes por el “privilegio de orden superior” que es el ser nominados a los galardones y les recordó que tienen que preparar discursos de agradecimiento concretos.

“Por favor mantengan sus discursos cortos, tienen 45 segundos (...) Hablen con el corazón y sean auténticos”, indicó la presidenta.

Yang utilizó como recurso un vídeo del discurso que el español Javier Bardem dio en 2008 cuando ganó el Oscar por su trabajo en No es país para viejos para ejemplificar lo que es un “buen discurso” y para demostrar que los 45 segundos son más que suficientes.

Talento español

Pero la representación española no se limitó a ese video, pues también estuvieron presentes los directores Pablo Berger, nominado en la categoría de mejor película animada por Robot Dreams, y Juan Antonio Bayona, quien compite en el apartado de mejor película internacional por La sociedad de la nieve. Bayona ha publicado en su cuenta de X una foto con el director Steven Spielberg, revelando que este fue el primero en felicitarle por su película.

JA Bayona estuvo acompañado de su protagonista, el actor uruguayo Enzo Vogrincic: “Nunca me imaginé que iba a estar aquí, estoy muy emocionado”, mencionó a EFE el actor de 30 años quien da vida a Numa Turcatti en el filme sobre la tragedia de los Andes.

Los aplausos no faltaron en ningún momento, pero una vez que comenzaron a llamar a los actores a las gradas para la foto generacional, algunas personalidades recibieron más ánimos que otros, como lo fue el caso de Lily Gladstone, el cantante Jon Batiste, el veterano director Steven Spielberg o el actor Paul Giamatti.

Sin embargo el momento quedó petrificado con el apretón de manos que el director Christopher Nolan -el gran favorito de la temporada de premios cuya película Oppenheimer lidera esta edición de los Óscar- le dio a su fuerte contendiente Martin Scorsese.

Los ganadores de la 96 edición de los Óscar se darán a conocer el 10 de marzo en una ceremonia televisada que se llevará a cabo desde el teatro Dolby de Los Ángeles, California.

Las nominaciones a los Oscar llegaron y auparon, como se esperaba, a Oppenheimer. También celebraron la diversidad del cine español (con dos nominaciones para La sociedad de la nieve y con Robot Dreams en la categoría de animación), y confirmaron el fenómeno de Anatomía de una caída. Entre tanta alegría había algo raro: a pesar de que Barbie lograba 8 nominaciones, entre ellas la de Mejor película, no conseguían entrar en el quinteto finalista en sus respectivas categorías sus dos principales artífices. Ni Greta Gerwig, la gran salvadora de la taquilla y autora del fenómeno del año, lograba la nominación como Mejor dirección; ni Margot Robbie, la Barbie del título, conseguía la de Mejor actriz protagonista.

Para hacer más daño, quien sí conseguía ser nominado era Ryan Gosling como Mejor actor de reparto. Es decir, en una película sobre Barbie, dirigida por una mujer, y protagonizada por Barbie, el nominado es… Ken. Irónicamente es de todo eso de lo que habla Barbie. Del patriarcado, de lo complicado que lo tienen las mujeres, de lo que se les exige y de que nunca es suficiente. Que Ken pueda ganar un Oscar sin que Barbie esté nominada parece un chiste escrito por Greta Gerwig (que sí está nominada al premio por su guion del filme).

El ninguneo a Robbie ha sido especialmente comentado, y los fans de la película y las redes sociales han ardido tras conocerse las nominaciones. Hasta Ken ha lamentado la ausencia de Barbie en los Oscar. Ryan Gosling ha emitido un comunicado en donde agradece su candidatura y se muestra feliz, pero donde también su sorpresa y tristeza porque no esté su compañera y su directora. “Decir que estoy decepcionado de que no estén nominadas en sus respectivas categorías sería quedarse corto”, dice Gosling.

No hay Ken sin Barbie, y no hay película de Barbie sin Greta Gerwig y Margot Robbie, las dos personas más responsables de esta película que ha hecho historia

Ryan Gosling — Actor

“Nunca pensé que diría esto, pero me siento increíblemente honrado y orgulloso de que me hayan nominado por interpretar a un muñeco de plástico llamado Ken”, dice al comienzo de su texto para luego reivindicar a sus colegas: “Pero no hay Ken sin Barbie, y no hay película de Barbie sin Greta Gerwig y Margot Robbie, las dos personas más responsables de esta película que ha hecho historia y ha sido mundialmente reconocida”. 

“Ningún reconocimiento sería posible para nadie de esta la película sin su talento y su valor. Contra todo pronóstico, con nada más que un par de muñecos sin alma, con poca ropa y afortunadamente sin entrepierna, nos hicieron reír, nos rompieron el corazón, hicieron avanzar la cultura e hicieron historia. Su trabajo debería ser reconocido junto con el de otros nominados que también lo merecen”, continúa para concluir añadiendo su alegría por la otra nominada del filme, America Ferrera, que dio la sorpresa como mejor Actriz de reparto. 

Gosling coloca el foco de nuevo en la falta de mujeres entre las nominadas en un año que, aunque tiene tres películas a cargo de directoras entre las diez finalistas a Mejor película, solo tiene a una entre las de Mejor dirección (Triet).

La película del año va de una mujer que cree vivir en un mundo donde puede ser cualquier cosa que se proponga. ¿Barbie empresaria? ¡Claro! ¿Barbie presidenta? ¡Por qué no! Pero resulta que Barbie vive en una urna de plástico y no conoce el mundo que llamaríamos real, el que hay más allá de sus amigas. Cuando traspasa su burbuja, Barbie se da de bruces contra el patriarcado. Pues un poco lo mismo ha pasado en las nominaciones a los premios Oscar.

Las Barbies periodistas, las Barbies cineastas, las Barbies espectadoras que habitan en el mundo, desde nuestras casas de colores chillones pensábamos que, quizás, en el año en el que una película ha sabido hacer sonar una cuerda tan crítica como la del género, de manera tan bien afinada en sus justas dosis de humor y mordacidad, merecía que las mujeres que la sustentan obtuvieran nominación propia. Y un ligero detalle sin importancia: ha abarrotado las salas de cine.

Barbie, una película dirigida por una mujer (Greta Gerwig) y protagonizada por otra mujer (Margot Robbie), aunque ha sido reconocida como una de las 10 mejores películas del año ―tres de ellas dirigidas por mujeres, un récord―, no ha conseguido que Gerwig y Robbie recibieran nominaciones por ellas mismas. En cambio, Ken (Ryan Gosling), el muchacho de la historia que vive en un segundo plano hasta que descubre que ahí afuera el patriarcado pone a los hombres al mando, sí. La ironía es tan ácida y el guion está tan bien escrito que parece una parodia en el Saturday Night Live.

Que mujeres como Gerwig y Robbie hayan sacudido el mundo desde una sala de cine pero no estén nominadas con su nombre y apellido, constata que todo sigue en su sitio, a pesar del tambaleo. 

Las mujeres sostienen las estructuras pero no reciben el protagonismo de los focos. Barbie, como obra colectiva que es siempre una película, está nominada a Mejor película y esas dos mujeres tienen su parte de responsabilidad. Pero que Greta Gerwig no esté entre los cinco directores del año ni Margot Robbie, la encarnación de Barbie en la tierra, entre las cinco actrices protagonistas, es tan asombroso como coherente.

Y si una película es una voz colectiva, la lista de nominados a los Oscar también lo es. No responde a una intención personal o racional sobre qué debería premiarse, sino que refleja cómo piensa inconscientemente la industria del cine de Hollywood. Quizás hay algún ejecutivo, alguien al mando, que hubiera preferido no mandar el mensaje de ‘hagáis lo que hagáis, seguiremos premiando a Ken’ pero disimular lo que verdaderamente piensa un colectivo privilegiado, que por otro lado es reflejo de su sociedad, iba a ser imposible.

Barbie tenía razón: las muñecas vivían en una fantasía exagerada que dura lo que tardan en llegar las nominaciones a los Oscar, o sea, cinco meses desde el estreno. Ken podría haber sido muchos tipos de hombre pero resultó ser parte de ese 44% que piensa que el feminismo ha ido demasiado lejos. 

Las mejores historias de ficción son aquellas que nos ayudan de manera más lúcida a entender la realidad. Barbie es así. Pero es incluso más que eso, ya que podríamos decir que las mejores historias de la realidad son aquellas que mejor nos hacen entender la ficción. El resultado de la votación de la Academia del Cine de Hollywood nos confirma que esta Barbie no solo era necesaria sino que ha sido insuficiente. Se necesitan muchas más películas como Barbie, y también más de Gerwig y más de Robbie para cambiar el mundo que hay más allá de Barbieland.

Tuve muchos años una fascinación con las novelas de iniciación, las películas de coming of age, el bildungsroman, todos nombres para lo mismo, historias sobre hacerse adulto, descubrir el mundo, descubrir el sexo, hacer amigos de verdad, conocer el dolor y la injusticia, convertirse a través de todos esos hallazgos en la persona que una va a terminar siendo, poco más poco menos. Mi fascinación coincidió, ninguna sorpresa, con la edad en que yo también estaba, supongo, haciendo mi propia iniciación a este planeta. Tuve también la suerte o la desgracia de tener una vida que se presta mucho a ser contada como un relato de esa clase. Nací en una comunidad religiosa, empecé a abandonarla a comienzos de la adolescencia y todos los ritos iniciáticos de la juventud occidental (el primer beso, la primera escapada de tu casa, la primera borrachera, la primera rotura de corazón, el primer peligro concreto) estuvieron para mí un poco subrayados por ser la primera persona de mi familia que los vivía de esa manera. Pero siento que, además de todo eso, mi fascinación por esta suerte de género coincidió con un entusiasmo cultural en torno de él que lleva ya varias décadas: es la parte más snob de nuestro entusiasmo colectivo con la juventud.

Un grupos de críticos de la revista The New Yorker discutió en un podcast reciente la idea de que 2023 fue “el año de la muñeca”: varias de las películas más comentadas del año (Barbie, por supuesto; Priscilla, de Sofia Coppola, y Poor Things, de Yorgos Lanthimos, estrenada en nuestro país esta semana). Lo escuché, dice un par de cosas interesantes, pero me sorprendió que no aparecieran dos de los tópicos que para mí son las claves de este furor del leitmotiv de la muñeca. El primero, por supuesto: el de la juventud. En las tres películas, hay algún dispositivo relacionado con este status literal o metafórico de muñeca (Barbie es, en efecto, una muñeca que vive en un mundo de juguete; Priscilla se convierte en la muñeca de Elvis, que la tiene guardada en su casa, la viste y la peina como quiere; Bella Baxter, la protagonista de Poor Things, vive encerrada en el castillo de su creador y tiene el cerebro de un bebé) que hace que sean, en algún sentido, aún más jóvenes incluso que los años que tienen: saben aún menos del mundo de lo que debería saber una chica de su edad, las podemos ver más sorprendidas, más inocentes; en Priscilla y en Poor Things, sobre todo, queda claro que estas figuras de ojos bien abiertos son un elemento clave de la fantasía masculina sobre la femineidad, mucho más que un elemento clave de la identidad femenina.

Si todavía no nos cansamos de las muñecas, supongo, quizás habrá alguna película que se anime a jugársela por la fantasía, en contra del mundo real

Qué es una chica: una chica es algo que se guarda con cuidado hasta que se te escapa. Por supuesto, esas no son todas las chicas. Siempre tuve conciencia de eso: cuando yo vivía encerrada, veía perfectamente que las chicas con uniforme de colegio privado que me cruzaba por la calle, aunque no fueran judías ortodoxas, también vivían bastante encerradas. Las únicas chicas que no andaban encerradas eran las chicas humildes, que trabajaban vendiendo cosas en la calle o en casas ajenas, con una autonomía forzada por circunstancias que yo sabía que eran mucho menos favorables que las mía, y así todo las envidiaba igual. Las películas sobre muñecas son sobre chicas, pero son sobre una clase de chicas; son sobre princesas, palabra que cuando somos nenas usamos en el mismo sentido metafórico que muñecas.  

Supongo que en algún momento me cansé de las novelas de iniciación, y cada vez estoy más cansada: la idea de que el amor, el sexo, la vida en general, se disfruta más o incluso solamente cuando todo es nuevo me parece cada vez más haragana (y más masculina, tal vez: la mayoría de las mujeres que conozco disfrutan de sus cuerpos cada vez más, con los años, y no menos, aunque a los hombres les guste menos mirar esos cuerpos). Pero hay otro tópico que el podcast de The New Yorker no tocaba sobre las muñecas, que para mí es de lo más central que ese motivo trae, de lo más actual y de lo más perenne también: la pregunta por la realidad y la fantasía, por el significado de vivir una vida verdadera o auténtica, una vida con sentido.

Siento que, en parte, las muñecas vuelven porque esta pregunta ha vuelto con todo: las vidas en las que la satisfacción está codificada casi únicamente en relación con el consumo empiezan a sentirse tan vacías que el regreso de la pregunta del sentido es inevitable. Y no es solo eso: mi sensación es que a la vez que la vida puede sentirse vacía cuando solo se trata de cosas reales, también vivimos tiempos de realidad sobrecargada, una época sin espacio para la fantasía. Me hubiera gustado que alguna de estas tres películas tuviera una idea más lúcida sobre eso: una vez que sus heroínas abandonan los mundos de fantasía en los que nacieron (un universo de juguete, la casa de un millonario o el castillo casi encantado de un científico loco) la sensación es que dejan también atrás las fantasías y los juegos que les habían permitido sobrevivir sus encierros, en lugar de llevarlos consigo.

Pienso en obras que tienen casi cien años o incluso más, Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams o Casa de muñecas de Henrik Ibsen, que tenían mucho más para decir sobre esto: ambas se tomaban más en serio que estas tres películas la pregunta de qué es vivir una vida real, de cuáles son sus costos, de si de verdad la pena merece, de si siempre tiene final feliz. Entiendo que vivimos tiempos complicados, y que con el regreso de las derechas nadie quiere decir ni media mala palabra sobre la autonomía: si todavía no nos cansamos de las muñecas, supongo, quizás habrá alguna película que se anime a jugársela por la fantasía, en contra del mundo real. Aunque sea para probar; no tiene por qué ser una tesis seria. Es como cuando les quemas el pelo a las Barbies solo para ver qué pasa.

La sociedad de la nieve se enfrentaba este fin de semana a dos retos importantes. Uno, su llegada a Netflix, donde la película de Juan Antonio Bayona desembarcaba tras su paso por las salas. Y dos, su primera cita en la carrera de premios que, presumiblemente -y nominaciones el 23 de enero mediante-, concluirá en los próximos Oscar en marzo. El primer reto lo superó con creces. El filme es el más visto en todo el mundo y promete tener unas cifras de visionados que compensen el desembolso en el ambicioso filme hablado en español. En el segundo no pudo llevarse el Globo de Oro a la Mejor película de habla no inglesa, que ganó la francesa Anatomía de una caída que se confirma una vez más como uno de los títulos del año.

El filme de Justine Triet fue la sorpresa de la noche, ya que también se llevó el galardón al mejor guion por encima de varias de las favoritas de la noche. El libreto de Justine Triet y Arthur Harari, un thriller impecable que bajo la coraza de un thriller judicial radiografía una pareja, sale lanzado hacia los Oscar. Un éxito rotundo para el filme y para Cannes. El Festival afianza su posición como la cita imprescindible para el cine de autor y su influencia en la carrera de premios es ya indudable. Ganar la Palma de Oro es cada vez más importante, como demostró Parásitos y como recordó Triet en su discurso. No es de extrañar que en la mesa de Anatomía de una caída estuviera el director del certamen francés, Thierry Frémaux. 

La victoria de Anatomía de una caída no se podrá repetir en los Oscar, ya que Francia ha optado por elegir a A fuego lento, el drama culinario con Juliette Binoche en vez del filme de Triet. Una decisión polémica que cada día que pasa se confirma como más errónea. Bayona lo tenía en esta ocasión más complicado que nunca, ya que en los Globos de Oro, al contrario que en los Oscar, puede optar cualquier filme que no esté hablado en inglés, por lo que este año había un popurrí de títulos que no podrán estar nominados en los premios de la Academia y que por tanto no serán rivales de la representante española. 

Era el caso de Anatomía de una caída, pero también de Vidas pasadas. Ambas optaban también al premio a la Mejor película dramática del año, y allí no tuvieron nada que hacer ante la mitad del fenómeno del año. El Barbenheimer explosionó también en Los Ángeles, pero solo a medias. Oppenheimer arrasó con todo y terminó la noche con cinco premios. Fue elegido como Mejor filme dramático, mejor dirección, mejor banda sonora, y también dos premios interpretativos. Tanto Cillian Murphy como Robert Downey Jr vencieron como Mejor actor protagonista en una película dramática y Mejor actor de reparto. “Gracias a los Globos de Oro por haber cambiado”, dijo Downey Jr. en su discurso, dejando claro algo que no hacía falta hacer explícito al ver que todas las estrellas habían acudido a la llamada. Atrás quedan los años de castigo y polémica por la falta de diversidad y prácticas irregulares.

La otra parte del fenómeno del año, Barbie, se tuvo que conformar con los premios a la Mejor canción para el What I was made for? De Billie Eilish y la categoría recién sacada de la manga de ‘Éxito comercial’. Un premio que no podía ser para nadie más. La película de Greta Gerwig logró que millones de personas se vistieran de rosa y llenaran las salas en verano, tal como recordó Margot Robbie, su productora y actriz protagonista. Lo hicieron en un momento crítico para la industria, con la huelga paralizando todo e impidiendo que las estrellas promocionaran las películas. “Gracias por crear un premio que conmemora a los fans”, dijo Robbie que vio como Pobres Criaturas le quitaba casi todos los galardones a su filme. El frankenstein feminista de Yorgos Lanthimos empieza a parecer la única alternativa a Oppenheimer para los Oscar al vencer como Mejor comedia y Mejor actriz. 

Ante el arrase de Oppenheimer fueron muchas las que quedaron como las grandes derrotadas de la noche. La zona de interés, Vidas pasadas y Maestro se fueron de vacío, y Los asesinos de la luna se tuvo que conformar con el premio a la Mejor actriz dramática para Lily Gladstone, que recogió su premio hablando en la lengua de su comunidad nativa, reivindicando su idioma y su cultura. Merecidísimo premio para Gladstone pero poco botín para la increíble e importante obra que ha creado Martin Scorsese sobre el genocidio de la comunidad Osage. “Gracias Martin porque estáis ayudando a cambiar las cosas”, dijo la actriz en el mejor discurso de la noche y uno de los pocos momentos de emoción en una gala larga y aburrida.

En los apartados interpretativos se reconoció la excelente labor de Alexander Payne como director de actores en Los que se quedan. Dos de sus intérpretes se llevaron el Globo de Oro. Paul Giamatti el de Mejor actor de comedia o musical por su cascarrabias profesor. El actor, que ya trabajó con Payne en Entre copas, le dedicó el premio a los maestros y dio las gracias al director por seguir teniendo fe en él. Por su parte, Da’Vine Joy Randolph se hizo con el de Mejor actriz de reparto y puede ir dando brillo a su próximo Oscar. No ha dejado escapar ni un premio en esta temporada y es la rival a batir. Como mejor película de animación se premió a un maestro, Hayao Miyazaki, que con El chico y la garza venció a la favorita Spider-Man:cruzando el multiverso.

Todo en una gala que demostró que los Globos de Oro ya han pagado su culpa por los pecados del pasado y vuelven a ser la fiesta a la que todos van. No faltó nadie. Ni Spielberg ni Oprah Winfrey, que dio el último premio de la noche. Fueron, eso sí, para sufrir una gala que nadie quiso presentar y que 10 días antes acabó cayendo sobre los hombros del humorista Jo Koy, que estuvo incómodo, tiró alguna pulla, pero nunca funcionó. Las caras de los nominados eran un poema y en varias ocasiones justificó la falta de tiempo. “Recibí el encargo hace diez días, ¿qué esperabais, una gala perfecta?”, dijo cuando alguno de sus gags no funcionó.

Lejos queda la mala baba de Ricky Gervais, las menciones políticas o a asuntos de actualidad (solo Jim Gaffgan se atrevió a mencionar de pasada a Epstein) y los momentos brillantes. Solo Kristen Wiig y Will Ferrell levantaron el nivel al presentar el premio al mejor actor de comedia o musical. Presentar los Globos de Oro seguirá siendo el año que viene un marrón que alguien tendrá que sufrir, aunque quizás, viendo que nadie se acuerda de las polémicas, tenga más pretendientes.

Permitir que las niñas y mujeres escuchen a la misma Barbie decirles que pueden llegar a ser lo que se propongan –desde médico a astronauta o presidenta del Gobierno– no está entre los planes de algunos líderes de países árabes y de mayoría musulmana que habitualmente tratan de evitar la influencia occidental y, en este caso, de la muñeca más famosa de Occidente.

La reacción frente al éxito de taquilla Barbie ha puesto una vez más en evidencia las contradicciones sociales en Oriente Medio, donde algunos Gobiernos han optado por prohibirla, mientras que otros han permitido su estreno para dar una imagen liberal y abierta de cara al exterior, y contentar a unos ciudadanos que ansían cada vez más libertad.

Este es el caso de Arabia Saudí y otras monarquías del Golfo Pérsico, en las que los gobernantes han tenido que relajar su puño de hierro ante una pujante y joven sociedad que está cada vez más conectada con el mundo y mejor educada, tal y como indican las estadísticas.

Arabia Saudí reabrió sus salas de cine en 2018, después de 30 años cerradas, debido a la estricta interpretación del islam que empezó a aplicarse en el reino en los años 70 y 80. Ahora, sin embargo, el cine y el entretenimiento representan un importante sector económico.

Las consideraciones económicas, muy relevantes en el caso de un éxito mundial como Barbie, han tenido su peso a la hora de permitir su proyección en algunos países, como Emiratos Árabes Unidos, mientras que en otros los valores morales y religiosos predominantes, y las presiones políticas, se han impuesto.

Hizbulá contra 'Barbie'

En el Líbano, considerada la nación más liberal de Oriente Medio y tradicionalmente uno de los centros culturales de la región, el ministro de Cultura, Mohamed Murtada, ha pedido prohibir Barbie por considerar que “promueve la homosexualidad” y que va en contra de los valores familiares de esta nación en la que conviven musulmanes chiíes, suníes y cristianos maronitas, además de otras comunidades minoritarias.

A pesar de que en la película Barbie no se hace ninguna referencia explícita a la homosexualidad, el Ministerio de Interior podría prohibir su proyección alegando motivos de “seguridad nacional”, algo frecuente ante cualquier elemento que pueda generar controversia o poner al país frente a sus contradicciones y fantasmas.

El ministro de Cultura o el Gobierno no pueden prohibir el filme unilateralmente si este obtiene el visto bueno del órgano encargado de la censura, que habría aprobado la proyección de Barbie, según la ONG de estudio y promoción de la ley Agenda Legal, pero con una condición: que la película sea clasificada para mayores de 13 años. La ONG explica en un detallado comunicado que, sólo en el caso de que el comité censor recomiende no proyectarla, el ministro de Interior puede decidir si hacerlo o no; pero, si la película ha pasado la censura, no puede prohibirla.

El ministro, cercano a las posturas de los grupos políticos chiíes, impulsó la semana pasada un proyecto de ley que castiga con penas de cárcel la “promoción” de las relaciones homosexuales, tal y como informó a través de la red social X (Twitter). El texto contempla penas de hasta tres años de cárcel y multas equivalentes a más de 5.000 euros por “cada acto que promueva las relaciones sexuales pervertidas contra la naturaleza, explícita o implícitamente”.

Asimismo, estipula las mismas penas para quienes fomenten “la posibilidad de cambio de sexo o publiquen información dirigida a menores que les haga querer cambiar su género u orientación sexual”.

El Líbano es uno de los pocos países árabes en los que la homosexualidad no es un tabú tan grande. El famoso grupo de música libanés Mashrou Leila fue de los primeros que abogaron por los derechos de la comunidad LGTBI desde los escenarios y su cantante, Hamed Sinno, se declaró homosexual abiertamente, lo que llevó a que las actuaciones de la banda fueran vetadas en Egipto y otros lugares.

A día de hoy, el peso y la influencia política y social que han ganado los chiíes en la otrora 'Suiza de Oriente Medio' se ha dejado notar también en el aspecto cultural, y parece estar detrás del veto de Barbie.

La organización Human Rights Watch (HRW) ha denunciado recientemente que la retórica violenta del líder del grupo libanés Hizbulá, el clérigo chií Hassan Nasrallah, ha provocado una ola de acoso y odio online contra miembros del colectivo LGTBI, que suelen guardar un perfil bajo en el Líbano.

El poderoso líder pidió en un discurso a finales de julio matar a los homosexuales y hacer frente a estas personas “con todos los medios, sin límites”, según HRW.

¿Dónde se puede ver Barbie?

De momento, no hay una decisión definitiva en Líbano y la cadena de salas de cine Vox, en la que se está proyectando Barbie en otros países de la región, todavía tiene en su cartelera el estreno del filme en Beirut el 31 de agosto, pero para mayores de 18 años, a pesar de que el género de la película sea “familiar”.

Lo mismo aparece en la web de Vox en Kuwait, aunque el Gobierno de este país del Golfo aparentemente moderado haya anunciado que Barbie no será visionada porque contiene “ideas y creencias ajenas a la sociedad kuwaití y al orden público”, según la agencia oficial de noticias KUNA.

En el sultanato de Omán también está previsto su estreno el 31 de agosto, mientras que en Qatar, país anfitrión del último Mundial de Fútbol, ni siquiera hay fecha y las autoridades no se han pronunciado al respecto. Argelia permitió su estreno el 21 de julio, pero la semana pasada decidió retirar la película de las salas de cine, donde cerca de 400.000 espectadores ya habían podido verla en las tres semanas que estuvo en la cartelera, según datos de la Agencia EFE. Según medios locales, las autoridades retiraron la película por “atentar contra la moral”.

En Jordania, la autoridad censora ha dado luz verde a su estreno a finales de mes, aunque ya ha habido críticas por su permisividad, mientras que en Emiratos Árabes Unidos, Bahréin, Arabia Saudí y Egipto, entre otros países árabes, Barbie ya se puede ver en los cines multi salas Vox.

Si bien no ha sorprendido que haya llegado y triunfado en Dubái (con un vídeo promocional de una Barbie gigante junto a la torre más alta del mundo, Burj Khalifa, ubicada en el centro turístico de la ciudad), sí ha generado cierto estupor que el filme haya pasado los filtros de la censura en Arabia Saudí, considerado el país más conservador de la región y, en concreto, el que menos respeta los derechos de la mujer.

Dobles estándares en Arabia Saudí

“Hay que tener en cuenta que, en esta fase, Arabia Saudí está tomando cada decisión para atraer a los turistas. El estreno y proyección de Barbie puede dar fácilmente la impresión de que Arabia Saudí es un país abierto. La gente sólo ve eso y no puede ver la realidad sobre el terreno”, afirma a elDiario.es Lina Alhathloul, jefa de monitoreo y promoción de los derechos humanos de la ONG saudí ALQST.

La activista dice que existe “una clara contradicción y dobles estándares” en su país. “Hay una Arabia Saudí para los turistas y los occidentales y otra para los saudíes y musulmanes”. Pone como ejemplo el futbolista Cristiano Ronaldo, fichado en enero por el club saudí Al Nassr y que vive en el reino con su mujer, sin estar casados, mientras que “si una mujer saudí mantiene relaciones extramatrimoniales puede ser durante castigada”.

“Arabia Saudí se ha abierto sólo para los turistas y para las inversiones (extranjeras), pero no para su propia gente”, agrega.

Tienes la película de Barbie en los cines, pero al mismo tiempo las mujeres saudíes son juzgadas como terroristas

En Riad “tienes la película de Barbie en los cines, pero al mismo tiempo las mujeres saudíes son juzgadas como terroristas por no llevar la abaya negra (túnica que cubre todo el cuerpo y que es obligatoria en público)”, denuncia Alhathloul, en referencia al caso de dos hermanas, Foz y Manahel al Oteibi, perseguidas por no llevar esa prenda y por tuitear sobre los derechos de las mujeres. Foz ha logrado huir del país mientras que Manahel está siendo juzgada por un tribunal especial que se encarga de casos de terrorismo y de seguridad nacional.

Aunque las autoridades saudíes hayan permitido que las mujeres conduzcan un vehículo o soliciten su propio pasaporte sin el consentimiento de un tutor (padre, hermano, marido, hijo), “el sistema de tutela masculina sigue afectando negativamente a todos los ámbitos de la vida de las mujeres y restringe considerablemente sus libertades”, según Alhathloul.

Es más, “desobedecer al tutor sigue siendo un crimen, lo cual hace que estas nuevas libertades no tengan efecto legal si el tutor masculino se opone” a que la mujer las ejerza. La activista detalla que una mujer puede ser sometida a una especie de arresto domiciliario si desobedece a su tutor, si se marcha de su casa o si mantiene relaciones extramatrimoniales, entre otros “delitos” tipificados por la ley saudí.

Las pocas libertades que las autoridades han concedido a las mujeres saudíes en los últimos años se enmarcan en las reformas promovidas por el príncipe heredero, Mohamed Bin Salmán, que busca modernizar la imagen del reino y, sobre todo, su economía para que no dependa exclusivamente del petróleo. Pero las mujeres que exigen plenos derechos y, además, ejercen su libertad de expresión, siguen siendo perseguidas y varias se encuentran entre rejas.

Según Alhathloul, en los pasados meses al menos cuatro mujeres han sido juzgadas y condenadas a largas penas de prisión “por su actividad pacífica en las redes sociales”, mientras que otras defensoras de los derechos de las mujeres, como su hermana Loujain, que estuvo en la cárcel casi tres años, Samar Badawi y Nassima al Sadah siguen sufriendo “duras restricciones” tras su excarcelación, en primer lugar, la prohibición de salir del país.

La activista de ALQST dice que las autoridades saudíes aplican un “castigo colectivo” y ayudan a crear un “clima de miedo” en torno a las feministas: “A las familias también les pueden prohibir viajar (...) por lo que estas no hablan de sus familiares encarceladas; los juicios tienen lugar a puerta cerrada y, además, son tribunales (encargados) de terrorismo y no hay información en los registros judiciales”. Por todos estos motivos, “es difícil saber cuántas mujeres están en prisión” en Arabia Saudí.

Aparte de las ONG saudíes, con sede fuera del país, las organizaciones internacionales como Human Rights Watch y Amnistía Internacional vienen denunciando la persecución de las mujeres que abogan por sus derechos así como de hombres saudíes que expresan su opinión por medios pacíficos, a través de las redes sociales o periodistas profesionales.

Barbie es ya el gran fenómeno del año. Tres semanas después de su estreno mundial, con las salas todavía copadas por colas inundadas de color rosa, la película ha superado los 1.000 millones de dólares de recaudación. Cifras que han convertido a su directora, Greta Gerwig, en la cineasta más taquillera de la historia del cine. El récord lo ostentaba hasta ahora Patty Jenkins, que reunió con Wonder Woman 822 millones en 2017.

En lo que respecta a los datos de 2023, sus números son solo superados por Super Mario Bros, que acumula 1.400 millones desde su lanzamiento el pasado 5 de abril. Por lo que, de mantener su rendimiento el filme sobre la famosa muñeca de Mattel –que todo apunta a que así será–, desbancará al título sobre el videojuego como el largometraje más visto del año.

Al echar la vista atrás, los rankings de las cintas con mayores ganancias anuales siempre los han copado propuestas dirigidas por hombres (James Cameron y su Avatar: El sentido del agua en 2022 con 2.300 millones de dólares, Spider-Man: No Way Home de Jon Watts en 2021 con 1.000 millones, The Eight Hundred del director chino Guan Hu en 2020 con 461 millones; y Avengers: Endgame de Anthony y Joe Russo en 2019 con 2.800 millones en 2019, por citar solo cuatro ejemplos).

La maquinaria promocional de Barbie –con guiños cómplices y constantes a la que estaba llamada a ser su gran competidora, Oppenheimer de Christopher Nolan, que lleva 552,9 millones de dólares acumulados– había puesto altas las expectativas. Pero su llegada a los cines el pasado 20 de julio no solo las superó, sino que las ha reventado con creces.

Y es que su primer récord lo batió nada más ver la luz, logrando gracias a sus 162 millones de dólares recaudados en Estados Unidos el mejor primer fin de semana para una película dirigida por una mujer. Esta posición también la ocupaba Jenkins con Wonder Woman, que sumó 103,23 millones de dólares en su debut. Todo ello con un título con un presupuesto de 145 millones que apenas necesitó siete días para ser recuperado.

Y es que, más allá del valor cinematográfico del filme, gracias a su potente mensaje feminista, lo entretenida, inteligente y divertida que es, su particular estética, su banda sonora y lo que brillan sus protagonistas (Margot Robbie y Ryan Gosling), está siendo una proeza por su capacidad para estar aglutinando cada vez a más espectadores repartidos por todo el planeta. Ahora bien, ¿quién es la cineasta responsable de este fenómeno?

Cine 'mumblecore', Nueva York y 'Frances Ha'

Si actualmente buscas su nombre en Google, la pantalla se te llenará de destellos de estrellas de color rosa. Sí, esto también forma parte de la campaña promocional de Barbie, que ha pretendido –y está consiguiendo– llenarlo todo con su imaginario rosa.

Pero Greta Gerwig, que acaba de cumplir 40 años, es mucho más. Antes que directora, y antes que guionista, comenzó su carrera como actriz. En concreto como icono del género conocido como mumblecore, que se caracteriza por los diálogos e interpretaciones naturalistas, con gran espacio para la improvisación, presupuestos bajos y foco en las relaciones personales. Sus personajes suelen oscilar entre los 20 y los 30 años; y de él surgieron nombres como el suyo, los hermanos Duplass, Noah Baumbach y Lena Dunham, entre otros.

La artista nació en Sacramento, hija de madre enfermera y padre financiero, y estudió allí en una escuela católica. Poco más tiempo pasó en California, ya que con 19 años se mudó a Nueva York para estudiar inglés y filosofía en el Bernard College. Pese a que el plan era dedicarse a la dramaturgia, el pequeño papel para el que fue elegida para participar en la película LOL (2006) de Joe Swanberg lo cambió todo. Aquella fue su puerta de entrada a la interpretación y al citado género. Junto a su director terminaría escribiendo por primera vez un libreto en 2017, del filme Hannah Takes de Stairs.

Un año más tarde, coescribió y también coprotagonizó y codirigió Noches y fines de semana, que habla sobre la complejidad de las relaciones a distancia. En 2010 llegaría su primera colaboración con el que desde 2011 lleva siendo su pareja y con quien tiene dos hijos, el director y guionista Noah Baumbach (Una historia de Brookyln, Historia de un matrimonio, Greenberg).

En el largometraje compartió elenco con Ben Stiller, Rhys Ifans y Jennifer Lason Leigh, y a este le siguieron otros títulos más mainstream como Sin compromiso (2011) con Natalie Portman y Ashton Kutcher, Arturo: millonario irresistible (2011) con Helen Mirren y Jennifer Garner y Damiselas en apuros (2012), con Adam Brody y Analeigh Tipton.

Ese mismo año llegó uno de los grandes hitos de su carrera, Frances Ha. La intérprete, que coescribió la comedia con Baumbach –que también dirigió el título–, protagonizó esta fábula sobre la juventud, la ambición, la lealtad y el optimismo. Con ella se ganó la nominación al Globo de Oro a Mejor actriz por su trabajo como Frances, una joven de 27 años que decide apostar por su sueño de ser bailarina en una compañía de danza de Nueva York.

Posteriormente rodó otras cintas como A Roma con amor de Woody Allen en 2012 –años después declaró que se arrepentía de haber trabajado con el director–, La sombra del actor de Barry Levinson en 2014, Eden: Lost in Music de Mia Hansen-Løve en 2014, Mistress America de Baumbach en 2015, El pan de Maggie de Rebecca Miller en 2015, la fantástica Mujeres del siglo XX de Mike Mills en 2016 y Jackie, de Pablo Larraín en 2016; antes de su lúcido y luminoso debut como directora en solitario, Lady Bird.

De 'Lady Bird' a 'Barbie'

Gerwig apostó por contar la historia de Christine 'Lady Bird' McPherson (Saoirse Ronan) en su ópera prima, que no estuvo exenta de tintes autobiográficos. Su estudiante protagonista cursa su último año de instituto en un centro católico de Sacramento. Vive con sus padres, con quienes mantiene una relación tensa –dicho sea de paso que el personaje de la madre, encarnado por Laurie Mtcalf, es uno de los mayores logros del filme–, su hermano adoptado y la novia de este.

Siempre acompañada de su mejor amiga Julie (Beanie Fieldstein, curiosamente coprotagonista de otro grandísimo debut firmado por otra directora, Olivia Wilde, Súper empollonas en 2019), hará frente a los primeros amores y las preocupaciones propias de una edad en la que en cada segundo la intensidad se multiplica por cien. El resultado fue una joya fresca contada con una voz muy personal, empática y bella; que dolía, emocionaba y hacía sonreír, desde dentro, a partes iguales. Un coming-of-age muy orgulloso de serlo.

Con el largometraje se convirtió en la quinta mujer en obtener una nominación al Oscar a Mejor dirección en los premios que otorga la Academia de Hollywood. También lo estuvieron Ronan a Actriz protagonista, Metcalf a Actriz de reparto, la propia Gerwig a Mejor guion original y el título en conjunto, a Mejor película.

No logró ninguna estatuilla –aquel año ganó La forma del agua de Guillermo del Toro–, pero sí dos Globos de Oro: a Mejor película comedia o o musical y a Mejor actriz de comedia o musical para su protagonista. Y sobre todo, le valió para situarla en el radar de unas de las voces más prometedoras del momento. Su presupuesto fue de 10 millones de dólares y, tras su paso por salas, reunió 76,8 millones.

Dos años después llegó su siguiente filme, con el que firmó una nueva y valiosa versión de Mujercitas liderada de nuevo por Ronan, junto a Emma Watson, Florence Pugh, Laura Dern, Eliza Scanlen y Timothée Chalamet. En sus manos, el clásico de Louisa May Alcott cobró una nueva vida en la que las penas de las hermanas March se volvieron universales, limpiándola de prejuicios y ensalzando el coraje y la valía femeninas. El largometraje arranca con Jo, situada aquí en el centro del relato, intentando cumplir su sueño de convertirse en escritora pese al machismo imperante en el panorama literario en una época en la que las mujeres no podían votar. Contó con un presupuesto de 40 millones de dólares y recaudó 216,6 millones en todo el mundo.

También estuvo presente en la temporada de premios, con seis nominaciones a los Premios Oscar, incluyendo Mejor película, Mejor actriz protagonista para Ronan, Mejor actriz de reparto para Pugh y Mejor guion adaptado. Esta vez sí logró una estatuilla –pese a que inexplicablemente no fue nominada a Mejor dirección como ya ocurriera en la última edición con otras compañeras como Charlotte Welles por Aftersun o Maria Schrader por Al descubierto–, a Mejor diseño de vestuario.

Con Barbie, ya en 2023, ha llegado su consagración. Con su madura, inteligente, ácida y divertida película, ha dado un paso más allá en cuanto a discurso, y ha sido un golpe sobre la mesa en cuanto a capacidad de atraer al gran público. Quedan todavía meses para que se conozcan las nominaciones para los próximos Globos de Oro y Premios Oscar –a la espera de que se vean o no afectados por la huelga de guionistas y actores de Hollywood–, pero el filme de Gerwig está ya dentro de todas las apuestas en las que se incluyen otras figuras como Martin Scorsese, Ridley Scott, Christopher Nolan, David Fincher y Bradley Cooper.

Próxima parada: 'Narnia'

Más allá de lo que depare la temporada de galardones, y todo lo que consiga ampliar su recaudación en taquilla, Gerwig ya tiene nuevo proyecto a la vista: adaptar Las crónicas de Narnia. New Yorker, en su reportaje sobre la rentabilidad que Mattel quiere seguir sacando a sus juguetes, apuntó que la directora ha sido elegida por Netflix para dirigir al menos dos películas de la saga fantástica.

Los libros de C.S. Lewis ya fueron llevados al cine en 2005. La primera entrega, Las crónicas de Narnia: El león, la bruja y el armario, fue un éxito por sorpresa en taquilla, con 745 millones de dólares recaudados. Sus secuelas, aunque no pueden ser calificadas de desastre, no lograron acaparar la misma atención. El fichaje de Gerwig por el gigante del streaming buscaría contar con un nuevo relanzamiento de la saga de la mano de sus cañeros y particulares universos y voz.

Esta Barbie escribió un texto con spoilers

Me la pasé llorando durante la función de Barbie, la nueva película de Greta Gerwig. O más bien, cada vez que no me estaba riendo estaba llorando. No es que eso diga nada sobre nada, más que sobre mí (yo lloro con las publicidades, lloro en cualquier momento, aunque siempre, absolutamente siempre, es en serio) pero no lo esperaba, y me quedé pensando en por qué, qué fibra me tocó. No termino de tenerlo claro, pero me aparecen algunas intuiciones, y creo que más allá de, otra vez, lo que digan sobre mí, me conducen al que yo pienso que es el corazón de la película, de su verdad y de sus límites.

Emily Nussbaum, la crítica de cine de The New Yorker, y una de mis autoras favoritas de esta época, tuiteó que le parecía que la decisión más brillante de Barbie era haber dejado el deseo sexual y la reproducción por fuera de su debate sobre el patriarcado y la misoginia. En la realidad, dice Nussbaum, no pueden separarse, pero el ejercicio analítico de quitar esa dimensión le da a la película la posibilidad de explorar el asunto desde un lugar abstracto y fresco. No lo había pensado, y tiene razón, en un sentido. Barbie y Ken, en la película, como en la realidad del plástico, no tienen genitales, y eso hace que las relaciones de poder que mantienen en Barbieland no sean solo una inversión de las relaciones que mantienen varones y mujeres en el heteropatriarcado del mundo real de Barbie. Son radicalmente distintas.

Barbie y Ken, a diferencia de los varones y mujeres de la vida real, no se necesitan para nada, fundamentalmente porque no pueden precisar las gametas del otro para continuar su presencia genética en su mundo, y porque tampoco parecen poder desearse por placer o por amor. Excepto por el hecho de que sí, y no sé si Nussbaum se olvidó de esta parte o sencillamente le pareció poco importante: Barbie no desea a Ken, pero Ken sí desea a Barbie.

La narradora de Helen Mirren lo dice explícitamente: Barbie siempre tiene un gran día. Ken, en cambio, solo tiene un gran día cuando Barbie lo mira. La frase es un comentario bastante explícito sobre eso que la crítica cultural norteamericana llama la male gaze, la mirada masculina, que en cine refiere, para ser breve y rápida, al modo en que aprendemos a mirar a las mujeres como las miran los hombres y sólo como las miran los hombres. Aprendemos a verlas bellas, feas, buenas o malas según los deseos del protagonista cuyos ojos están replicados, a su vez, en la mirada del director.

Pero efectivamente, tal y como ilumina el texto de la película de Gerwig, la cuestión de la male gaze es más que un asunto de narrativa cinematográfica: Ken solo es feliz cuando Barbie lo está mirando. En el mundo desexualizado de Barbieland, esa obsesión tonta solo es una muestra más de la estupidez y la falta de personalidad de Ken. En el mundo real, en cambio, es mucho más difícil distinguir esa disposición a escuchar en silencio a un muchacho haciendo comentarios sobre El padrino mucho más genéricos que los que una misma tiene la sensibilidad y la inteligencia para hacer del deseo real, del amor real, lo que sea que sean esas cosas; me atrevo a afirmar, quizás, que en la primera persona de una chica heterosexual son muy pocos los momentos de la vida en que logramos distinguir entre las ganas de querer y las ganas de que nos miren.

Dicho de otro modo: si entendemos que el comentario sobre qué significa ser una chica está más puesto en la figura de Ken que en la de Barbie, la profundidad de la película queda mucho más evidenciada, y su precisión también. A eso supongo que le debo gran parte de mis lágrimas, las del día de la función y las demás también. Todos los chistes sobre los varones y el modo en que los atendemos para que nos presten atención son graciosísimos, pero son tristísimos también, porque para salir de ahí tendríamos que desenredar lo que no se desenreda. Poder ser como Barbie, y extirparnos el deseo, que -tiene razón la película de Greta- está ligado mucho más a la conciencia de la finitud que a una realidad contingente y en vías de extinción como el patriarcado.

Me pregunto, ya que hablamos de la muerte y el deseo, cómo se relaciona esta trama casi subterránea sobre el deseo de Ken de que Barbie lo mire con una de las tramas principales de la película, en cambio, el deseo de Barbie de convertirse en humana. ¿Sabe Barbie, justamente, que ser humana es que te importe que otros te miren, que el único ser que puede realizar la fantasía neoliberal de la autonomía absoluta es una muñeca sin terminaciones nerviosas? No me queda del todo claro.

Me gusta cuando Ruth Handler, la versión ficcional de la creadora de Barbie, le dice que los seres humanos inventamos cosas como las Barbies y el patriarcado porque sabemos que nos vamos a morir. Cuando dije que la película de Greta sabía que el deseo estaba más cerca de la muerte que de cualquier otra cosa me refería a ese texto. Supongo que le podría haber agregado, Ruth, algo sobre que ese capricho estúpido de Ken de querer tenerte cerca y que le prestes aunque sea una migaja de atención esta más cerca, también, de las ganas de producir arte, de escribir teoría, de hacer revoluciones o países o casas, de construir y de destruir, de lo que a una le gustaría. 

De la marea rosa de contenido que ha inundado las pantallas en la primera semana en cartelera de Barbie podemos extraer algunas conclusiones. Por ejemplo, que hay muchísima gente tratando de aclarar con qué versión de la muñeca se reconoce más ahí fuera: “Barbie con ansiedad”, dice una espectadora. “Me identifico con la Barbie casa propia, pero SOY la Barbie intolerante a la lactosa”, dice otra. “Barbie vive en casa de sus padres a los 30”, responde una usuaria cuyo mensaje acumula casi 300 'me gusta'.

También una sospecha: es posible que en el cine ya se creen escenas sabiendo que estas más tarde se convertirán en meme. Véase la Barbie tirada en el césped que encabeza este artículo, atravesando su primera crisis existencial en 64 años. Que esta imagen protagonizada por Margot Robbie en su papel de muñeca estereotípica se haya propagado por internet de tal forma seguramente responde a un motivo: son muchas las personas que se identifican con esa sensación de quiebra.

Anne Helen Petersen, la periodista estadounidense que acuñó el término generación burnout para los millennials agotados, explica en su newsletter cómo la película de Greta Gerwig ha desafiado la lógica empresarial de las superproducciones de Hollywood creando un producto dirigido principalmente a un público femenino y LGTBIQ+:

“Los adolescentes verán las películas destinadas a ellos, pero rehuirán las dirigidas directamente a los adultos. Los adultos verán películas dirigidas a ellos, pero también a adolescentes (mayores). Los hombres verán películas dirigidas a ellos, pero rehuirán las películas 'para' mujeres. Las mujeres verán películas hechas para ellas y también verán con gusto cosas hechas para hombres. Por tanto, si se quiere conseguir el mayor éxito posible, hay que buscar algo que llegue a los cuatro cuadrantes: una película dirigida directamente a un público de chicos de entre 16 y 18 años”.

La ruptura de esta norma no solo le ha salido bien a Gerwig, ha conseguido batir récords. En su primer fin de semana programada en cines en España se ha convertido en la película más taquillera, enmarcada a su vez dentro del fenómeno Barbenheimer (Barbie y Oppenheimer), con el que se han alcanzado cifras de afluencia a las salas que no se lograban desde noviembre de 2019. Y es ya el estreno más visto dirigido por una mujer de la historia.

Como advierte Petersen desde su texto, la pluralidad de voces, miradas, personajes e historias ha ganado terreno en los últimos años, pero ha sido principalmente desde el streaming. Lo de Barbie tiñendo de rosa las salas y pantallas de cine tradicionalmente consagradas a superhéroes y personajes masculinos es distinto. Un evento sociocultural con colas gigantes y sold out protagonizado por una muñeca y con la participación activa de un público diverso y deseoso de escuchar su mensaje feminista. En el caso español, la coincidencia con el fin de semana electoral hizo que las quedadas grupales entre amigas para ver Barbie y después ir a votar se percibieran también como una declaración de intenciones: con nuestros derechos no se juega.

La Barbie de Gerwig es una treintañera con dudas sobre su imagen y su identidad, desbordada por las expectativas proyectadas sobre sí y que no tiene muy claro qué pinta en el mundo

La Barbie de Gerwig es una treintañera con dudas sobre su imagen y su identidad, desbordada por las expectativas proyectadas sobre sí y que no tiene muy claro qué pinta en el mundo. Una crisis existencial a la que Billie Eillish pone banda sonora con la demoledora What Was I Made For? que suena en los créditos.

Las dificultades de Barbie con la vida adulta recuerdan en cierto modo a las de Frances Ha, a la que la propia directora, también actriz, interpretara consagrándose como rostro del mumblecore. También a Hannah Horvath (Girls) –con más edad–, a la Fleabag de Phoebe Waller Bridge –pero menos catastrófica– o a Julie (La peor persona del mundo) –sin resultar irritante–. Una generación de treintañeras desubicadas retratadas bajo el cliché de la chica alocada que la periodista y escritora Begoña Gómez Urzaiz radiografió en este artículo en S Moda. La misma revista en la que Greta Gerwig hablaba al hilo del estreno sobre la agotadora “cultura de la comparación” que lleva a tantas mujeres a “sentir que nunca eres lo suficientemente buena”.

En un contexto generacional de jóvenes en paulatina recuperación por la doble crisis económica y en el que se lidia con cada vez más problemas de salud mental, no sorprende que uno de los momentos que más reacciones ha provocado entre los asistentes sea el falso anuncio de la Barbie Deprimida que se reproduce en mitad de la película.

Barbie en chándal, comiendo delivery directamente de la bolsa, scrolleando inquisitivamente las fotos de pedida de su ex amiga en Instagram, con un dolor de mandíbulas con el que toda bruxista se habrá revuelto en su asiento y durmiéndose por enésima vez con Orgullo y Prejuicio de fondo –en la versión de la BBC, la de Colin Firth–. Un clip que ha desatado una serie de carcajadas ruidosas y nada propias de una Barbie Esterotípica en las salas y en internet.

“Nunca me he sentido más retratada”, repiten varios tuits. Otros subrayan el satírico “ansiedad, ataques de pánico y TOC se venden por separado” que se pronuncia al final. Y los más compartidos tiran de referencias actuales como Euphoria para protagonizar un fantástico crossover entre Barbie, Orgullo y Prejuicio y la serie de la HBO con un gif que ya es universal: “Un momento, ¿esta obra va sobre nosotras?”.

Inmersas en la cultura de la identificación y del “buah, soy yo literal” que explotan los memes, proliferan los retratos ácidos y diversos sobre cómo luce una Barbie –que es aquí casi siempre un sinónimo de chica joven eminentemente blanca y con un sueldo medio– en 2023. La Barbie sobrecafeinada, la “me he vuelto a cortar el flequillo demasiado otra vez”, Doomscrolling Barbie o la muñeca “inquilina para siempre” son algunas de las que la ilustradora Pepita Sandwich ha retratado para el New Yorker Humor en una pieza titulada Barbies que me gustaría que hubiesen existido cuando era niña.

Según apunta este análisis de tres estudios desarrollado desde la Universidad de Salamanca sobre la importancia de la identificación con los personajes del entretenimiento mediático y el audiovisual, cuando esta se da, los espectadores no solo disfrutan más de la experiencia sino que esta identificación da mayor lugar a la reflexión, comprensión e impacto sobre lo visto.

Uno de los momentos que más reacciones ha provocado ha sido el falso anuncio de la Barbie Deprimida: en chándal, comiendo directamente de una bolsa y viendo en bucle 'Orgullo y Prejuicio' –la versión de la BBC–

No sorprende entonces que marcas y cuentas de toda índole se estén subiendo al carro marketiniano de la narrativa rosa para preguntar a sus usuarios “¿qué Barbies eres?” en función de cuestiones tan variopintas como el signo del zodiaco o el tipo de periodismo que practican. Un juego y una manera de hacer campaña que es una suerte de entierro irónico para el principio de Pitufina, por el que tradicionalmente se representaba en la ficción a la mujer de una manera única que se consideraba que condensaba en sí todas las expresiones asociadas a la feminidad –en este caso, la Barbie Estereotípica interpretada por Margot Robbie–, y que ya se había empezado a romper y a explotar comercialmente con las Spice Girls y sus diferentes personajes.

Más allá de la diversión internetera y sus derivas, el universo Barbie de Gerwig, Robbie, Ferrera y cía apuesta en buena medida por traspasar el canon. Como dice la actriz Laura Galán, ganadora de un Goya por su papel protagonista en Cerdita, en un análisis de Noemí López Trujillo en Newtral sobre el contenido feminista de la película: “No se trata de ser la Barbie Estereotípica, sino de ser la Barbie que tú quieras ser”. El taquillazo de la archiconocida creación de Mattel puede ser considerado feminista y profundo en mayor o menor medida, dirigido a una o varias generaciones, infantil o todo lo contrario –Susan Faludi tiene una de las teorías más atrevidas según la cual el derecho al aborto sería una parte importante del subtexto–. Pero si algo está dejando claro esta nueva era de Barbie, es que la muñeca sigue cumpliendo su función. Después de todo, nos está dando mucho juego.