En la región de Mosul, actualmente Irak, se encuentra una pieza muy valiosa a nivel histórico, una fuente excepcional, que es el bolso completo más antiguo conocido y de los mejor conservados de todo el mundo, pues data del año 1.300 y revela información relevante como las jerarquías sociales, la moda o la vida de esa zona en la Edad Media.

Decorado con oro y plata, siendo una joya de latón, ofrece también en su cobertura de escenas cortesanas grabadas, así como es un objeto excepcional por el hecho de que hay pocas piezas similares conservadas en todo el mundo.

Conservado gracias al material con el que fue elaborado

Este bolso, que se conoce como Courtauld, es una joya histórica que fue elaborado en la ciudad de Mosul durante el período de domino de la dinastía mongola de los ilkánidas, que conquistó parte de la zona en el siglo XIII, siendo la región un importante centro de producción artística y artesanal.

En este ambiente se elaboró la pieza que resulta más valiosa por el hecho de que se fabricó como recipiente metálico, lo que le ha permitido sobrevivir más de siete siglos, si tenemos en cuenta que los bolsos y carteras de este tiempo solían fabricarse con materiales como cuero o tela, que al ser orgánicos desaparecen con el paso del tiempo.

De esta forma, el que es uno de los bolsos más antiguos conservados es también fuente histórica excepcional, y los especialistas citados por el medio Muy interesante lo consideran un objeto que servía para algo más que transportar objetos, pues su trabajo artesanal complejo muestra que sería también para ser visto, teniendo una función simbólica.

Una de sus singulares sería de hecho esto, que no solo era un objeto de moda, sino que en la Edad Media era también otra forma de mostrar estatus, un hecho que se confirma con el material con el que fue fabricado, sus decoraciones y la calidad, con lo que su propietario ostentaba riqueza y posición social elevada.

Un bolso exclusivo en la historia

El material y la forma de este bolso de latón le ha hecho ser excepcional, si tenemos en cuenta que los ejemplos completos de la Edad Media son muy escasos porque los materiales eran orgánicos, con lo que se tienen solo fragmentos, de los que se puede obtener poca información.

La supervivencia se debe sobre todo a su composición metálica, pues el latón resiste el deterioro mejor que otros materiales, tanto que la estructura ha permanecido casi intacta hasta en la actualidad. El caso más antiguo encontrado data de hace 4.200 años, en Alemania, pero en este caso son solo restos de una cartera, sin poder ofrecer la integridad del bolso de Mosul.

La fiebre de un niño podía cambiar la paz de una aldea cuando nadie encontraba una causa capaz de explicar el deterioro. Esa enfermedad no se veía como un fallo del cuerpo, sino como la señal de que alguna fuerza dañina actuaba cerca y alteraba la vida diaria.

Para muchos aldeanos de hace cientos de años, lo maligno no era solo una figura con nombre propio, sino aquello que estropeaba la cosecha, enfermaba a los animales, rompía la convivencia o convertía una desgracia en sospecha. También dejaba señales materiales que, siglos después, permiten reconstruir cómo se percibían los riesgos y los temores de cada época.

Una gran excavación sacó siglos de historia británica

Según recoge ZME Science, las obras de la línea ferroviaria HS2 han dado lugar al mayor programa arqueológico realizado hasta ahora en Reino Unido. Antes de construir vías, estaciones, puentes y túneles, los equipos de excavación han sacado a la luz restos que abarcan desde la Edad del Hierro hasta la época moderna, lo que ha permitido documentar asentamientos, enterramientos, edificios religiosos y objetos de enorme valor histórico.

Uno de los hallazgos más llamativos apareció en Stoke Mandeville. Los arqueólogos excavaban una iglesia medieval levantada en 1080 y reformada varias veces antes de su abandono definitivo cuando descubrieron que el edificio se encontraba sobre un mausoleo romano.

La excavación reveló esculturas de gran calidad y una jarra romana hexagonal de vidrio que conservaba amplias partes intactas pese a haber permanecido enterrada durante más de un milenio. Rachel Wood, arqueóloga principal del yacimiento, destacó la rareza de las piezas encontradas: “Son hallazgos realmente poco frecuentes en Reino Unido”.

Otro descubrimiento destacado fue una figura humana de madera fechada en los primeros momentos de la presencia romana en Britania. La pieza sobrevivió cerca de 2.000 años gracias a la falta de oxígeno en la capa de arcilla donde permaneció enterrada. Los detalles del cabello y de la túnica siguen siendo evidentes.

Su conservación exigió mantener la madera húmeda, tratarla con polietilenglicol y someterla después a un proceso de secado por congelación a menos 40 grados bajo cero. El arqueólogo de Fusion JV Iain Williamson subrayó la importancia de la pieza porque abre nuevas preguntas sobre la identidad y el significado de la figura representada: “La supervivencia de una figura de madera como esta es extremadamente rara para el periodo romano en Gran Bretaña”.

Un conjunto monetario abrió nuevas dudas sobre su uso

La ruta de HS2 también permitió localizar el llamado Tesoro de Hillingdon, formado por unas 300 monedas de la Edad del Hierro acuñadas hace unos 2.175 años en la actual Francia. Las piezas muestran la cabeza del dios Apolo por una cara y un toro por la otra. Los especialistas aún discuten si se utilizaron como ofrenda, como marcador territorial o como reserva guardada para tiempos difíciles.

Las excavaciones revelaron además una próspera localidad comercial romana conocida como Blackgrounds. El asentamiento apareció apenas medio metro bajo la superficie y conservaba edificios residenciales e industriales, pozos, monedas y una calzada de diez metros de ancho.

La presencia de joyas, cerámica de calidad y objetos de uso cotidiano apunta a una comunidad acomodada. James West, responsable del yacimiento para MOLA, considera que el enclave puede cambiar la visión sobre la presencia romana en la región: “El lugar tiene potencial para transformar nuestra comprensión del paisaje romano de esta zona y de áreas más amplias”.

Unas inscripciones buscaron alejar amenazas invisibles

Los investigadores encontraron igualmente rastros de antiguas creencias relacionadas con la protección frente al mal. En la iglesia medieval aparecieron varios grabados interpretados como posibles marcas destinadas a alejar espíritus malignos, aunque algunos expertos también contemplan que sirvieran como relojes solares.

Estas inscripciones encajan con otros ejemplos conocidos en distintos puntos de Reino Unido y muestran cómo ciertas comunidades intentaban defenderse de amenazas que consideraban reales aunque no pudieran verlas.

A lo largo del recorrido también surgieron cementerios anglosajones y romanos. En uno de ellos, datado entre los siglos V y VI, cerca de tres cuartas partes de las tumbas contenían objetos de gran calidad que sugieren la existencia de una comunidad acomodada.

El material recuperado seguirá ofreciendo nuevos datos

Las investigaciones no se limitan a la Antigüedad. Las fotografías aéreas permitieron identificar los restos de Coleshill Manor y un gran foso octogonal asociado a la propiedad. Las excavaciones sacaron a la luz un jardín de alrededor de 1600 que había permanecido olvidado. El especialista en historia del paisaje Paul Stamper destacó la relevancia del conjunto: “Este es uno de los jardines isabelinos más emocionantes que se han descubierto en este país”.

La fase actual del proyecto se centra en estudiar y difundir todo el material recuperado. Un consorcio denominado Access+ prepara un archivo digital que será gestionado por Archaeology Data Service y que pondrá la información a disposición de investigadores y público.

Además de bases de datos, el programa prevé publicaciones, exposiciones y actividades divulgativas. Duncan Wilson, director ejecutivo de Historic England, señaló que el análisis detallado permitirá comparar y relacionar numerosos yacimientos surgidos a lo largo del recorrido.

De ese modo, los restos encontrados bajo el trazado ferroviario seguirán aportando información durante años sobre las personas que habitaron esos lugares y sobre los temores, creencias y formas de vida que dejaron grabadas en el terreno.

En pleno momento de revivir la nostalgia con el estreno de ‘Toy Story 5’ este 17 de junio en las salas de cine españolas, llega también otra dosis nostálgica con el estreno del tráiler de otra quinta entrega, en este caso de la saga de Shrek.

En el año en el que se cumple el 25 aniversario del estreno de la primera película de la franquicia ‘Shrek’, que ganó el primer premio Óscar a Mejor película de animación en parte por su carácter de parodia de los largometrajes animados de cuentos de hadas. Su éxito propició toda una saga que ahora se completa con el estreno del tráiler de ‘Shrek 5’ que no ha pasado desapercibido y ha generado conversación en redes sociales por diferentes aspectos.

La nueva animación de ‘Shrek’ desata críticas

Tal y como sucedió cuando se compartieron las primeras imágenes de ‘Shrek 5’ hace unos meses, con la llegada del tráiler de la nueva película de la saga mítica del ‘ogro verde’ los comentarios sobre el nuevo estilo de animación no se han hecho esperar en las redes sociales.

El estilo visual ha generado controversia para los que aseguran que se ve peor a lo que pudimos observar en las entregas previa, aunque Shrek, Fiona o Asno mantienen sus rasgos característicos, algunos notaron cambios en sus expresiones faciales que no acaban de agradar.

Sin embargo, sí que hay un detalle que ha gustado especialmente a los aficionados españoles, que han aplaudido que las voces de doblaje en castellano se hayan mantenido y así el dúo cómico ‘Cruz y Raya’, a pesar de no estar activo’ seguirá con Juan Muñoz como ‘Shrek’ y José Mota como ‘asno’.

¿Más más lejano?

Más allá de esto, hay otro aspecto que también ha desatado comentarios en redes sociales y es el hecho de que la ciudad que se menciona es ‘Más más lejano’, lo que aseguran sería un error de traducción de la ‘Muy muy lejano’ que conocimos en ‘Shrek 2’ como lugar de residencia de los padres de Fiona, los reyes, mientras para algunos ven esto como que los traductores “no se han visto las películas”.

Esto tendría una explicación, aunque no hay confirmación oficial por parte de Universal, y es que no sería la misma localidad que se presentó en anteriores entregas. Los fans se han dado cuenta que en inglés no es tampoco ‘Far far away’, sino ‘Further further Away’.

¿De qué trata ‘Shrek 5’?

En el tráiler de ‘Shrek 5’ hemos conocido nuevos detalles de lo que sería el argumento de la película, en el que los protagonistas tienen que salir de su zona de confort para arreglar el accidente de Felicia, hija de Shrek y Fiona, que ha alterado el equilibrio del reino.

Esta entrega, sin embargo, aspira a no ser la última de un universo que se ha ampliado también con las aventuras de ‘El gato con botas’ y que irá a más después de que el actor Eddie Murphy, voz de asno en versión original, confirmara que se está trabajando en un spin-off centrado en este personaje.

Una trayectoria calculada al segundo marca la diferencia entre regresar a casa o perderse en una inmensidad donde apenas existe margen para corregir errores. Cuando una nave viaja cerca de la Luna, el desafío no termina al llegar a su destino, porque el regreso exige prever velocidades, consumos de combustible, posiciones futuras y condiciones de entrada en la atmósfera terrestre.

Detrás de cada misión trabaja un amplio grupo de especialistas que revisa datos de forma continua para que cada maniobra encaje con precisión. Esa planificación acompaña todo el viaje y condiciona cada decisión tomada durante la misión.

Artemis II despertó expectativas por varias marcas históricas

Los récords espaciales suelen asociarse a velocidades extremas, pero también dependen de la distancia alcanzada y de la capacidad de regresar con seguridad. Según la NASA, los vuelos más ambiciosos de las últimas décadas han servido para ampliar los límites conocidos tanto para las naves automáticas como para las tripuladas.

En el terreno de las sondas sin tripulación, ninguna ha ido tan deprisa como Parker Solar Probe. Tras varias asistencias gravitatorias de Venus, la nave estableció en 2023 una marca de 635.266 kilómetros por hora. Aquella cifra ya parecía difícil de superar, pero en 2024 volvió a rebajar su propio techo al alcanzar cerca de 690.000 kilómetros por hora. A esa velocidad, según informa IFL Science, una travesía de costa a costa por Estados Unidos apenas duraría algo más de 23 segundos.

Mientras tanto, Artemis II llegó rodeada de expectativas por los récords que podía conseguir durante su recorrido alrededor de la Luna. Antes del vuelo, las previsiones apuntaban a varias marcas históricas para una misión que recuperaba un trayecto lunar que no se realizaba desde hacía más de medio siglo. Además de los registros generales, la expedición dejó hitos personales para varios de sus integrantes.

La distancia fue el terreno donde la misión consiguió su logro más destacado. La NASA informó de que los cuatro astronautas de Artemis II superaron el récord de alejamiento de la Tierra que permanecía en manos de Apollo 13 desde 1970. La agencia situó ese momento histórico en una travesía que llevó a la tripulación a 248.655 millas de la Tierra. Sobre ese avance, NASA destacó: “Cuatro astronautas a bordo del vuelo de prueba Artemis II alrededor de la Luna hicieron historia al superar el récord de la mayor distancia alcanzada por un vuelo espacial humano”.

Apollo 10 conservó el registro de velocidad humana

La misión todavía fue más lejos antes de iniciar el regreso. En el punto más distante de la trayectoria, los ocupantes de la nave Orion recorrieron aproximadamente 252.756 millas desde la Tierra. Ese giro alrededor de la Luna marcó el inicio del retorno hacia el planeta y consolidó una nueva referencia para la exploración tripulada de larga distancia.

Sin embargo, uno de los récords que parecían al alcance de Artemis II terminó fuera de su alcance. Los planes iniciales contemplaban una reentrada atmosférica cercana a los 40.000 kilómetros por hora, suficiente para aspirar a la mejor marca de velocidad lograda por seres humanos. Los problemas detectados anteriormente en los escudos térmicos de Artemis I llevaron a NASA a elegir una entrada más gradual en la atmósfera. Esa decisión reducía las exigencias sobre la nave durante la fase final del viaje.

La consecuencia fue una velocidad de reentrada de 39.472 kilómetros por hora. Aunque la cifra continúa siendo extraordinaria, quedó por debajo del registro que conserva Apollo 10. La histórica misión regresó a la atmósfera terrestre a 39.937 kilómetros por hora, una diferencia suficiente para mantener intacta una marca que sigue vigente décadas después.

La comparación entre ambos registros ayuda a entender la enorme distancia que separa a los vuelos tripulados de las sondas automáticas. Parker Solar Probe se acerca al Sol sin pasajeros y alcanza velocidades que ningún ser humano podría soportar durante una misión de ese tipo. Los astronautas, en cambio, viajan dentro de sistemas que deben garantizar su supervivencia, comunicaciones, navegación y retorno.

Por eso, detrás de cada récord espacial hay mucho más que un dato de velocidad: hay una cadena de cálculos diseñada para que la aventura termine exactamente donde empezó, de nuevo en la Tierra.

Las carreras detrás de una presa forman parte de una rutina que define gran parte de la vida de los lobos, unos animales que dependen del grupo para alimentarse, proteger a las crías y defender su territorio. Su día a día suele alternar desplazamientos, vigilancia del entorno, descanso y momentos de interacción con otros miembros de la manada.

Cada individuo ocupa una función dentro del grupo y adapta su comportamiento a las necesidades colectivas de la caza o la supervivencia. Esa forma de percibir el mundo, guiada por los sentidos y por una fuerte relación con el entorno, ha despertado desde hace tiempo la curiosidad de muchas personas.

Una investigación examinó cambios corporales durante el sueño lúido

Una investigación dirigida por la investigadora Elena Drøm, de la empresa REMspace, exploró hasta qué punto una persona puede alterar la percepción de su propio cuerpo durante un sueño lúcido. Según informa ZME Science, el trabajo, publicado en la revista International Journal of Dream Research, pidió a decenas de voluntarios que adoptaran identidades distintas mientras dormían, com las de lobos, con el objetivo de averiguar cómo construye el cerebro la sensación de habitar un cuerpo determinado.

Una de las pruebas consistía en asumir la apariencia y las sensaciones físicas del sexo opuesto. De los 99 participantes que realizaron esa tarea, 79 afirmaron haber experimentado algún grado de cambio físico, emocional o ambos. Por un lado, 37 aseguraron haber percibido una transformación genital. Los testimonios describían alteraciones en la forma de caminar, en la distribución del peso corporal o en la percepción de la propia anatomía.

Las experiencias no resultaron igual de fáciles para todos. Algunos participantes calificaron el ejercicio como incómodo o difícil, mientras que otros quedaron a medio camino entre una identidad y otra. Los autores plantean que las normas sociales relacionadas con el género podrían influir en esa resistencia mental, aunque el estudio no estaba diseñado para demostrarlo. U

Una participante relató que la transformación afectó tanto a su cuerpo como a su estado emocional: “Casi de inmediato, mi espalda se volvió más ancha, mi forma de caminar se hizo más masculina y me sentí más segura por dentro, como si ya no tuviera miedo de nada”.

Los relatos describieron alteraciones físicas y conductas agresivas

La otra parte del experimento se centró en una transformación todavía más radical. Los investigadores pidieron a los voluntarios que, una vez conscientes de que estaban soñando, adoptaran la forma de un lobo. Debían correr a cuatro patas, imaginar la aparición de pelaje y concentrarse en rasgos como las patas, las orejas, la boca o el olfato. Un total de 98 personas intentaron la prueba y 32 afirmaron haber logrado una transformación satisfactoria.

Los relatos describían cambios corporales intensos. Cerca del 85% de quienes participaron señalaron algún tipo de modificación física parcial, aunque solo una persona aseguró haber completado todas las características previstas. Algunos participantes afirmaron sentir impulsos agresivos o comportamientos que asociaban con un animal salvaje. Uno de ellos explicó: “Sentí agresividad y durante un tiempo tuve un estado de ánimo animal, algo salvaje y desagradable”. Otro aseguró haber experimentado “un deseo interno incontrolable de lanzarme sobre alguien y despedazarlo”.

Las sensaciones no se limitaron al comportamiento, ya que varios voluntarios describieron una audición más aguda, alteraciones visuales e incluso experiencias relacionadas con el olfato, un sentido que aparece con poca frecuencia en los sueños. Para los investigadores, estos testimonios sugieren que la mente puede recrear percepciones corporales complejas con una intensidad notable. El estudio recuerda que algo parecido ocurre con los llamados miembros fantasma, una experiencia que algunas personas amputadas pueden sentir tanto despiertas como dormidas.

Los autores relacionaron los resultados con el esquema corporal

Los autores relacionan estos resultados con el llamado esquema corporal, el mapa mental que cada persona mantiene sobre su propio cuerpo. Durante un sueño lúcido, ese mapa parece adquirir una flexibilidad mucho mayor de la habitual. El trabajo también menciona ideas propuestas por Carl Jung sobre representaciones profundas de la identidad y señala que ciertas experiencias podrían ayudar a explorar aspectos poco conocidos de la conciencia.

Aun así, los investigadores subrayan una limitación importante. Todos los datos proceden de relatos de los propios participantes y actualmente no existe ninguna tecnología capaz de verificar de manera objetiva el contenido exacto de un sueño. Además, los voluntarios eran personas interesadas en los sueños lúcidos, una circunstancia que puede influir en los resultados.

Pese a esas reservas, Elena Drøm y su equipo consideran que futuras investigaciones podrían examinar si estas experiencias sirven para afrontar miedos, trabajar bloqueos psicológicos o comprender mejor cómo el cerebro construye la sensación de identidad.

Los juegos de mesa formaban parte de la vida cotidiana en las sociedades islámicas medievales, pero las pruebas arqueológicas que permiten reconstruir cómo, dónde y cuándo se practicaban siguen siendo escasas. Un estudio publicado en la revista Libyan Studies aporta ahora una pieza clave para llenar ese vacío: un tablero de juego tallado hace más de mil años en un baño público de la ciudad de Walila, la antigua Volubilis romana, en Marruecos. Los investigadores consideran que podría tratarse de la evidencia más antigua conocida en el norte de África de un juego denominado hoy tab o sig, una práctica que aún sobrevive en algunas regiones del Magreb.

Un hallazgo con una cronología excepcional

La importancia del descubrimiento no radica únicamente en el objeto en sí, sino en el contexto arqueológico en el que apareció. Uno de los principales problemas para estudiar los juegos medievales es que la mayoría de tableros grabados en piedra carecen de una datación precisa. En este caso, sin embargo, el tablero fue localizado en un hammam construido entre finales del siglo VIII y el siglo IX, durante el periodo idrisí, y que dejó de utilizarse entre los siglos X y XI. Esa cronología proporciona una referencia excepcionalmente sólida para situar el uso del tablero en los primeros siglos del mundo islámico occidental.

El hallazgo se produjo en Walila, una ciudad que desempeñó un papel destacado en los inicios del islam en el Magreb. Tras la llegada de Idrís I a finales del siglo VIII, la localidad se convirtió en uno de los centros políticos de uno de los primeros estados islámicos del norte de África. Durante esa etapa experimentó un importante crecimiento urbano y se levantaron nuevos complejos residenciales e infraestructuras, entre ellas el hammam donde apareció el tablero. Los investigadores consideran que el contexto del descubrimiento ofrece una oportunidad poco habitual para estudiar aspectos cotidianos de la vida social que rara vez dejan huella en el registro arqueológico.

Un tablero grabado en los escalones del baño

El tablero fue grabado sobre uno de los escalones que daban acceso a una pequeña piscina de agua fría. Está formado por tres filas paralelas de al menos trece cavidades cada una, distribuidas en una superficie de unos 34 centímetros de largo. Los agujeros probablemente fueron tallados con herramientas manuales y ocupan una posición muy visible dentro del edificio, lo que lleva a los autores a pensar que no se trató de una intervención improvisada. Por el contrario, consideran que fue una incorporación deliberada realizada durante el periodo de uso del hammam y probablemente con la autorización de quienes controlaban el espacio.

La ubicación del tablero resulta especialmente reveladora. Los arqueólogos señalan que el diseño permitía que dos personas se sentaran frente a frente mientras jugaban, sin impedir el acceso de otros usuarios a la piscina. Esa disposición sugiere que el juego formaba parte de la actividad social desarrollada en el baño público. Más allá de su función higiénica, los hammams actuaban como espacios de encuentro y convivencia, y el hallazgo aporta una nueva perspectiva sobre las actividades que podían desarrollarse en este tipo de espacios comunitarios.

¿Qué juego se practicaba en Volubilis?

Uno de los aspectos centrales del estudio consiste en identificar qué juego se practicaba sobre ese tablero. Los investigadores analizaron varias posibilidades, entre ellas los juegos de tipo mancala, muy extendidos en África y Oriente Próximo. Sin embargo, las características físicas del tablero no encajan bien con esa familia de juegos, cuyos tableros suelen presentar cavidades más profundas y configuraciones diferentes. Por ello, la interpretación que consideran más plausible es que estuviera destinado al tab o sig, un juego de estrategia y movimiento que enfrenta a dos jugadores y que todavía se conserva en distintas variantes regionales.

La conclusión tiene implicaciones que van mucho más allá de Marruecos. Hasta ahora, los tableros más antiguos relacionados con este tipo de juego se habían documentado principalmente en Oriente Próximo y Arabia, además de algunos ejemplos en Portugal. La pieza de Walila amplía significativamente el mapa de distribución conocido y apunta a que estas prácticas lúdicas ya habían llegado al extremo occidental del mundo islámico durante la Alta Edad Media. Según los autores, el hallazgo sugiere que la historia de este juego en el norte de África podría ser mucho más antigua de lo que se creía.

El ocio como objeto de estudio arqueológico

El estudio también contribuye a replantear la forma en que se entiende el ocio en las sociedades islámicas medievales. Las fuentes escritas de la época mencionan con frecuencia juegos de mesa, apuestas y actividades recreativas, pero las evidencias materiales son mucho más difíciles de localizar y datar. El tablero de Walila aporta una prueba excepcionalmente bien contextualizada para analizar la presencia de estas prácticas en espacios comunitarios del Magreb medieval.

Más de un milenio después de que alguien tallara aquellas pequeñas cavidades en la piedra de un hammam marroquí, el descubrimiento permite asomarse a una dimensión poco conocida de la vida cotidiana medieval. Frente a las grandes narraciones centradas en gobernantes, conquistas o transformaciones religiosas, el tablero ofrece una rara evidencia material de actividades vinculadas al tiempo libre y a la sociabilidad en uno de los primeros estados islámicos del norte de África, además de abrir nuevas vías para estudiar la difusión de los juegos de mesa en el mundo medieval.

El castillo de Himeji, apodado ‘de la Garza Blanca’ por su elegante silueta que recuerda a un ave blanca emprendiendo el vuelo, es una joya de la arquitectura de madera japonesa. Esta fortaleza monumental, situada en la prefectura de Hyogo, fue el primer sitio del país en ser reconocido como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1993. Su diseño actual se completó a principios del siglo XVII, representando el apogeo de la ingeniería defensiva y la estética feudal del periodo Edo. A lo largo de sus más de 400 años de historia, Himeji ha cautivado a propios y extraños con sus muros relucientes y su escala imponente.

De hecho, es considerado uno de los tres castillos más famosos de Japón, destacando por su autenticidad y su estado de conservación casi perfecto hasta nuestros días. La estructura principal se alza sobre una colina, dominando el paisaje urbano con una gracia que oculta su verdadera naturaleza de fortaleza inexpugnable. Pero quizás lo que otorga a Himeji un aura de leyenda es su resistencia casi sobrenatural ante las catástrofes que han asolado al país durante siglos. A diferencia de otras fortificaciones que sucumbieron a las llamas o a los temblores, este castillo ha sobrevivido milagrosamente a incendios, terremotos y guerras. Incluso durante la Segunda Guerra Mundial, el azar protegió sus muros cuando varias bombas cayeron sobre la torre principal sin llegar a explotar jamás. 

Gracias a esta fortuna histórica, hoy se mantiene como uno de los doce castillos originales que conservan su estructura de madera auténtica en Japón. Sus pilares y vigas de madera original han soportado el paso del tiempo sin las reconstrucciones modernas de hormigón habituales en otros monumentos. Esta invulnerabilidad lo ha convertido en un símbolo de esperanza y permanencia para la nación japonesa, que ve en él todo un tesoro nacional.

La historia de este bastión comenzó en 1333, cuando se construyó un primer fuerte en el monte Himeyama para defender estratégicamente la región. Con el paso de los siglos, figuras históricas de la talla de Toyotomi Hideyoshi e Ikeda Terumasa ampliaron y perfeccionaron el complejo defensivo. Terumasa, en particular, fue el responsable de construir la majestuosa torre de cinco pisos que hoy admiramos, utilizando materiales de estructuras previas. El castillo evolucionó de ser un simple punto de defensa militar a convertirse en la sede del gobierno feudal durante todo el periodo Edo. Durante la era Meiji, el edificio estuvo a punto de ser demolido, pero la decisión de preservarlo en 1873 salvó esta maravilla para la posteridad. 

Su apertura al público en 1912 marcó el inicio de una nueva era donde el castillo pasó de ser un secreto militar a un icono turístico. Detrás de sus paredes de un blanco inmaculado se esconde un laberinto defensivo diseñado con una complejidad que buscaba confundir y aniquilar a los invasores. El complejo consta de más de ochenta edificios conectados por pasadizos serpenteantes y puertas ocultas que ralentizaban el avance de las tropas enemigas. Un elemento distintivo son los casi mil agujeros en las murallas, desde los cuales los defensores podían disparar flechas o armas de fuego. Estas aberturas tienen formas rectangulares, circulares y triangulares según su propósito táctico, permitiendo atacar desde posiciones de pie o arrodilladas. 

Incluso el camino hacia la torre principal es una trampa visual que hoy en día sigue desorientando a los turistas menos atentos durante su visita. Cada rincón del castillo fue concebido para que la belleza y la letalidad coexistieran en una armonía perfecta que repeliera cualquier asalto. El característico color blanco de sus muros exteriores no es simplemente una elección estética, sino una medida técnica de protección contra el fuego. Se trata de un yeso especial ignífugo que recubre la madera para evitar que las flechas incendiarias o los rayos pudieran consumir la estructura. 

La torre principal, que alcanza los 46 metros de altura, parece tener cinco plantas desde el exterior, aunque en realidad posee seis niveles. En su interior, los visitantes deben descalzarse para recorrer los suelos de madera originales y subir por escaleras extremadamente empinadas. En el nivel más alto se encuentra un pequeño santuario dedicado a la deidad guardiana Osakabe-myōjin, ofreciendo vistas panorámicas de la ciudad. Los tejados están coronados por amuletos, criaturas mitológicas con cabeza de tigre y cuerpo de carpa que se creía atraían la lluvia.

Restauración técnica

Entre los años 2009 y 2015, el castillo se sometió a una profunda restauración técnica conocida como la gran reparación de la era Heisei. Durante este periodo, la torre principal fue cubierta totalmente por andamios para limpiar el yeso y asegurar las tejas, recuperando su brillo original. Aunque el interior se vació de muchas exposiciones históricas para mejorar el flujo de visitantes, la arquitectura despojada permite apreciar mejor la carpintería. Esta intervención fue necesaria para corregir las inclinaciones que el peso de la estructura había provocado en los cimientos originales de piedra. 

Hoy, el castillo luce más resplandeciente que nunca, con sus juntas de yeso blanco recién renovadas que destacan contra el cielo de Hyogo. La reapertura oficial devolvió a Japón su monumento más querido, listo para afrontar varios siglos más de historia. El entorno que rodea al castillo, además, complementa su belleza arquitectónica con un paisaje que cambia drásticamente según las estaciones del año. En definitiva, se trata de mucho más que una estructura militar: un centro de cultura, artesanía y gastronomía que sigue latiendo en el corazón de Japón. Una fortaleza inexpugnable que se sumerge en la historia de un pueblo que supo proteger su herencia.

Steven Spielberg lo ha vuelto a hacer. Aunque la crítica ha tenido opiniones divinidades sobre su nueva película, El día de la revelación ha arrasado en taquilla. Solo en su primer fin de semana en cartelera, el largometraje de ciencia ficción ha recaudado 44 millones de dólares en Estados Unidos y entre 56 y 57 millones en el mercado internacional. 

El éxito que ha tenido el filme en cines no solo es una buena noticia para el cineasta, que llevaba sin estrenar nada en la gran pantalla desde Los Fabelman (2022), sino también para Hollywood. Es una especie de mensaje que deja entrever que todavía se puede apostar por el cine de ideas originales, sin recurrir a superhéroes, franquicias y secuelas.

Para Spielberg, es casi una obligación que los creadores de esta industria deberían imponerse a sí mismos. “Si solo creamos propiedades intelectuales conocidas y de marcas reconocidas, nos quedaremos sin ideas”, dijo el cineasta durante la presentación de su nueva película en en CinemaCon. 

Una propuesta única

El director y guionista estadounidense insistió en la necesidad de que los estudios de cine como Universal inviertan en ideas nuevas en lugar de los spin-offs que están copando las carteleras. “No hay nada más importante que ofrecer al público historias visuales, y estas pueden presentarse en cualquier formato, pero necesitamos contar historias más originales”. 

Algunas de las películas más taquilleras en lo que va de año incluyen Super Mario Galaxy: la película (basada en el popular videojuego), Michael (basada en la vida del cantante) o El diablo viste de prada 2 (la segunda parte de la icónica comedia romántica), tres títulos que confirman esa tendencia hacia la creación de productos derivados de otras obras anteriores.

Lejos de esto ha nacido El día de la salvación, que ahora se suma a otros dos fenómenos recientes, el de Obsession y Backrooms, dos películas de terror con tramas también originales que, en las últimas semanas, también han permitido a la audiencia reencontrarse en la butacas del cine con propuestas más arriesgadas, más únicas. 

Otro consejo

Además de la apuesta por las ideas originales, Spielberg también lanzó otro consejo a la industria que lo vio nacer. En este caso, la petición tenía que ver con la necesidad de que las películas permanezcan más tiempo en cartelera antes de su lanzamiento en plataformas. “El público encontrará lo que quiere ver, sean películas grandes o pequeñas, pero los estudios deben ayudarnos ampliando considerablemente los períodos de exclusividad”, señaló el cineasta.

El distrito de Gràcia, en la ciudad de Barcelona, ha decidido rendir un homenaje histórico al legado cultural de uno de sus hijos más ilustres mediante la aprobación de un nuevo espacio público. ‘Bautizado’ como plaza del Capitán Trueno, se trata de un espacio situado frente al casal de Can Carol, en el corazón del barrio de Vallcarca. Esta iniciativa busca reconocer a una de las figuras más influyentes del cómic español y a su creador, el guionista barcelonés Víctor Mora Pujadas. El personaje, que marcó a múltiples generaciones durante la posguerra, tendrá finalmente un rincón físico en la ciudad que lo vio nacer. 

El acuerdo municipal destaca que la obra no solo fue un éxito comercial sin precedentes, sino también un vehículo de valores fundamentales. En plena dictadura, Trueno representó un soplo de libertad y dignidad humana que trascendió el formato del tebeo. Ahora, el nombre del caballero andante medieval quedará grabado en el nomenclátor de Barcelona para siempre. La elección del barrio de Vallcarca para este reconocimiento no es fruto del azar, sino que responde a un vínculo histórico profundo con la industria editorial. Muy cerca de la nueva plaza se encontraba la antigua sede de la mítica Editorial Bruguera, el motor que impulsó el tebeo en España. El edificio que hoy alberga el Centro Cívico El Coll-La Bruguera fue durante décadas el lugar donde se gestaron estas historias. Por ello, la ubicación frente a Can Carol adquiere un significado especial.

Víctor Mora, nacido en la capital catalana el 6 de junio de 1931, tuvo una infancia marcada por la turbulencia política y el drama del exilio. Tras la Guerra Civil, su familia se trasladó a Francia, donde su padre estuvo internado en campos de concentración antes de fallecer prematuramente. Estas experiencias forjaron en el joven Víctor un carácter resiliente y un compromiso inquebrantable con la justicia social y la libertad. En el país vecino tomó contacto con la literatura europea y las viñetas de “El Príncipe Valiente”, que serían una inspiración clave. Regresó a Barcelona a los once años, en 1941, tras la invasión alemana de Francia, y se vio obligado a trabajar precozmente. 

Autodidacta por necesidad, Mora devoró las obras de autores como Salgari, Verne y Scott, mientras dibujaba sus propias historietas. Su formación no se dio en las aulas, sino en las bibliotecas y en las duras calles de la Barcelona de posguerra. Este bagaje vital se convertiría más tarde en la base emocional de sus guiones más célebres y profundos. En el año 1951, con apenas veinte años, Mora ingresó en la Editorial Bruguera como redactor y traductor, demostrando pronto un talento narrativo desbordante. Aunque inicialmente intentó ser dibujante, sus jefes advirtieron que su verdadera fuerza residía en la capacidad para crear mundos y diálogos. Fue en 1956 cuando recibió el encargo de idear una serie de aventuras que pudiera competir con los éxitos editoriales de la época.

Bajo el seudónimo de Víctor Alcázar, para evitar problemas con la censura y la empresa, dio vida al “Capitán Trueno”. Para poner rostro al héroe, contó con el trazo magistral de Miguel Ambrosio Zaragoza, conocido artísticamente como Ambrós. La combinación entre el guion épico de Mora y el dibujo dinámico de Ambrós resultó ser una fórmula mágica que revolucionó el mercado. El éxito fue inmediato y masivo, logrando que el primer cuaderno de la serie se convirtiera en un hito histórico. La oficina de Bruguera en Barcelona se convirtió en el epicentro de un fenómeno que nadie pudo prever.

El “Capitán Trueno” no era un caballero medieval convencional, sino un héroe con un código moral universal que luchaba contra todo tipo de tiranía. Acompañado por sus inseparables amigos, el gigante Goliath y el joven Crispín, recorría el mundo liberando a los pueblos oprimidos por déspotas locales. Mora utilizó sus guiones para introducir astutamente valores de solidaridad y democracia en un contexto nacional marcado por la estricta censura franquista. Las historias del capitán vendían semanalmente la asombrosa cifra de 350.000 ejemplares, un récord absoluto que reflejaba la sed de aventuras del público. Los censores, a menudo incapaces de ver más allá de la superficie, permitieron que Trueno burlara barreras ideológicas significativas. 

Uno de los aspectos más revolucionarios de la obra de Mora fue el tratamiento de los personajes secundarios y la figura femenina. La reina Sigrid de Thule era una mujer fuerte, independiente y compañera de armas. Su relación con el Capitán Trueno rompía los moldes de la época, aunque la censura impedía que se mostraran afectos físicos explícitos. Sigrid gobernaba su propio reino con sabiduría y empuñaba la espada cuando era necesario, siendo un referente de empoderamiento femenino precoz. Por otro lado, la amistad entre Trueno, Goliath y Crispín mostraba un vínculo de lealtad inquebrantable que cautivó a los lectores. Goliath, con su parche en el ojo y su gran corazón, aportaba la fuerza bruta, mientras que Crispín representaba la juventud.

Militancia política

La vida de Víctor Mora estuvo intrínsecamente ligada a su militancia política en el Partit Socialista Unificat de Catalunya, el PSUC. En 1957, mientras el “Capitán Trueno” triunfaba en los quioscos, su creador fue encarcelado en la prisión Modelo por sus ideales libertarios. Fue detenido por la Brigada Político-Social junto a su inseparable esposa, la también escritora y guionista Armonía Rodríguez. Tras ser liberado, el acoso policial lo empujó a un segundo exilio en Francia, donde residió entre los años 1963 y 1968. Desde París, continuó enviando guiones a Bruguera y comenzó a colaborar con las publicaciones más prestigiosas del cómic franco-belga. Trabajó para revistas icónicas como Pilote, donde fue acogido por René Goscinny, el célebre creador de Astérix el Galo. 

Tras décadas de éxito y numerosos reconocimientos internacionales, como la Creu de Sant Jordi o la Orden de las Artes de Francia, Mora falleció en 2016. El creador del “Jabato” y el “Corsario de Hierro” dejó un vacío inmenso en el mundo de las letras, pero su obra permanece viva. La futura inauguración de la plaza en Vallcarca servirá para recordar a las nuevas generaciones que el cómic puede ser una forma de arte elevada. Tributo final a un barcelonés que, desde su estudio, imaginó un mundo mejor para todos sus lectores.

Ptolomeo no heredó solo una provincia del imperio de Alejandro Magno: heredó la oportunidad de construir un reino propio. Miembro del círculo más cercano del conquistador macedonio, amigo, compañero y posteriormente general de confianza, supo aprovechar el vacío de poder abierto tras la muerte de Alejandro en el año 323 a.C. para transformar una satrapía en una de las monarquías más duraderas del mundo helenístico. Su legado no se limitó a gobernar Egipto durante las turbulentas décadas posteriores a la desaparición del conquistador. También sentó las bases de una dinastía que sobreviviría casi tres siglos y que terminaría con Cleopatra VII y la conquista romana.

Del general de Alejandro al gobernador de Egipto

Cuando Alejandro murió en Babilonia sin dejar un sucesor capaz de asumir el control de un imperio que se extendía desde Grecia hasta Asia Central, sus generales comenzaron a repartirse los territorios conquistados. Entre ellos estaba Ptolomeo, que recibió Egipto como satrapía. Había destacado durante las campañas militares por su capacidad de mando y por la estrecha relación que mantenía con Alejandro. Sin embargo, en ese momento todavía no era rey. Como otros diádocos, gobernaba formalmente en nombre de los herederos del conquistador, mientras trataba de consolidar su posición en un escenario político cada vez más inestable.

La situación cambió rápidamente. La fragmentación del imperio alejandrino desencadenó décadas de rivalidades entre los sucesores de Alejandro, cada uno decidido a ampliar o proteger sus dominios. En ese contexto, Egipto ofrecía condiciones especialmente favorables para afianzar una base de poder propia. Su posición geográfica permitió a Ptolomeo aprovechar las características del territorio para reforzar progresivamente su autoridad y desarrollar un proyecto político diferenciado dentro del mundo surgido tras las conquistas de Alejandro.

Lejos de embarcarse en una expansión constante, el futuro monarca desarrolló una estrategia marcada por la prudencia y la consolidación. Aprovechó su posición para reforzar la administración interna, asegurar territorios considerados estratégicos y establecer alianzas que fortalecieran la estabilidad de su reino. Su capacidad política resultó tan importante como su experiencia militar. Mientras otros sucesores de Alejandro veían cómo sus dominios cambiaban de manos tras cada guerra, Ptolomeo fue construyendo una estructura de poder cada vez más sólida y autónoma.

El nacimiento del reino ptolemaico

El paso decisivo llegó a comienzos del siglo III a.C. Tras años gobernando como sátrapa, adoptó oficialmente el título de rey alrededor de 305 a.C., siguiendo un proceso similar al de otros diádocos que ya habían abandonado la ficción de la unidad imperial. Con ese gesto, Egipto dejaba de ser una provincia heredada del imperio alejandrino para convertirse en un reino independiente. La monarquía ya no se justificaba por la autoridad de Alejandro o de sus descendientes nominales, sino por la legitimidad propia que Ptolomeo fue construyendo como gobernante.

La cuestión de la legitimidad se convirtió, de hecho, en uno de los grandes desafíos de su reinado. Ptolomeo era un macedonio que gobernaba un territorio con una tradición política milenaria. Para afianzar su autoridad necesitaba presentarse no solo como heredero del mundo griego surgido de las conquistas de Alejandro, sino también como continuador de la tradición faraónica. Esa búsqueda de legitimidad marcaría buena parte de las decisiones políticas y simbólicas adoptadas durante su gobierno, permitiéndole establecer vínculos duraderos entre el nuevo poder helenístico y la población egipcia.

Una dinastía para casi tres siglos

El éxito de esa estrategia quedó reflejado en la continuidad dinástica. A diferencia de otros reinos surgidos tras la muerte de Alejandro, el de Ptolomeo logró consolidar una sucesión estable. Sus descendientes conservaron el poder durante casi tres siglos, desde Ptolomeo I hasta Cleopatra VII. A lo largo de ese periodo, la dinastía desarrolló una identidad propia dentro del mundo helenístico, combinando elementos políticos, culturales y religiosos procedentes tanto de la tradición griega como de la egipcia. La continuidad de la casa ptolemaica convirtió a Egipto en uno de los estados más duraderos nacidos de la fragmentación del imperio alejandrino.

Alejandría, símbolo del nuevo poder

La mejor expresión de ese proyecto político fue Alejandría. Fundada por Alejandro Magno, la ciudad se transformó bajo los Ptolomeos en la capital del reino y en el principal símbolo de la nueva monarquía. Desde allí se gobernó Egipto y se impulsó un modelo que integraba herencias diversas. La ciudad concentró algunas de las principales iniciativas culturales y políticas asociadas a la dinastía, reflejando la voluntad de construir algo más que una simple prolongación del imperio de Alejandro. Alejandría representaba un proyecto propio, adaptado a las necesidades de un reino que buscaba estabilidad y continuidad.

La trayectoria de Ptolomeo muestra hasta qué punto la historia de los sucesores de Alejandro no fue únicamente una historia de guerras y conquistas. Mientras otros generales persiguieron la reunificación imposible del imperio, él entendió que el verdadero desafío consistía en crear instituciones capaces de sobrevivir a una generación. Su principal logro no fue conquistar Egipto, sino transformarlo en el núcleo de una estructura política duradera. Más que un conquistador, Ptolomeo fue un fundador: el hombre que convirtió una herencia incierta en una dinastía destinada a marcar la historia del Mediterráneo durante casi trescientos años.

Hasta la fecha, decenas de artistas han sido premiados con un Pulitzer de forma póstuma. En 2019, un año después de su muerte, la organización reconoció a Aretha Franklin por su “contribución indeleble a la música”. Casi 40 años antes, en 1981, el primero en recibir este reconocimiento fue John Kennedy Toole, que ganó el premio de ficción gracias a su novela, publicada también póstumamente, Una conjura de necios. 

Apenas un año después, en 1982, Sylvia Plath fue la primera mujer escritora en recibir este prestigioso galardón de forma póstuma. La poeta estadounidense se había suicidado casi 20 años antes, pero su obra estaba en plena expansión, y los Pulitzer decidieron reconocer su poesía recogida en Poemas completos (1981). 

Juventud y muerte

Nacida en Boston, Plath mostró una gran capacidad para las letras al publicar su primer poema con tan solo ocho años. Pasó toda su adolescencia y juventud escribiendo diarios, textos poéticos y también prosa, demostrando un enorme talento que la llevó a convertirse en una de las voces más singulares de la literatura estadounidense del siglo XX. 

Después de terminar el colegio, Sylvia empezó sus estudios universitarios en el Smith College. De aquella época son algunas de sus cartas más populares, recogidas en Cartas a mi madre, en las que la joven revelaba a su madre sus primeras experiencias tanto amorosas como en el plano de la amistad con otras chicas. 

Gracias a las notas que consiguió en Smith, Plath obtuvo una beca Fulbright que le permitió ir a estudiar a la Universidad de Cambridge. Allí conoció al poeta inglés Ted Hughes, con quien se casó en 1956. En 1962, tras tener a su segundo hijo, Sylvia decidió separarse del escritor y se instaló en Londres con los niños. Tras publicar La campana de cristal un año después, la joven decidió quitarse la vida. Tenía 30 años.

Las publicaciones póstumas

Tras fallecer Sylvia, Hughes adquirió los derechos de explotación de toda su obra y se convirtió en el editor de lo que la que fue su esposa había escrito en vida. Ted supervisó y editó sus manuscritos y, en 1965, publicó el poemario Ariel, probablemente la obra poética más importante de Plath. 

Son muchos los críticos que a lo largo de la historia han acusado a Hughes de manipular la obra de Sylvia. Entre los textos que editó se encontraban sus diarios, uno de los volúmenes literarios más relevantes de la obra de la escritora. El que fue su marido destruyó algunos de sus últimos escritos personales una vez ella se suicidó, y la primera edición de sus diarios, que se lanzó al poco de recibir el Pulitzer, llegó a librerías con muchas partes censuradas. Hoy, los Diarios completos de Sylvia Plath (en castellano editado por la Alba Editorial) tienen dos tercios más de material de los anteriormente publicados en Estados Unidos en 1982.

Una pequeña figurilla de cerámica descubierta en el yacimiento de La Blanca, en la costa pacífica de Guatemala, podría aportar nuevas pistas sobre los orígenes de la escritura y de los sistemas numéricos en Mesoamérica. Un estudio publicado en la revista Latin American Antiquity plantea que una serie de once puntos realizados sobre la pieza antes de su cocción podría constituir uno de los ejemplos más antiguos conocidos de numeración en la región, varios siglos anterior a muchas de las inscripciones que hasta ahora se consideraban entre las primeras evidencias de este tipo de notación.

La pieza procede de una tradición de figurillas asociada al periodo Preclásico Medio y los autores consideran que probablemente fue fabricada entre aproximadamente 750 y 650 a.C., aunque apareció en un contexto arqueológico posterior. Los investigadores subrayan que el hallazgo resulta especialmente relevante porque los primeros testimonios de escritura y numeración en Mesoamérica son escasos, fragmentarios y a menudo objeto de debate entre especialistas. Por ello, cualquier nueva evidencia puede contribuir a comprender cómo surgieron los sistemas de registro gráfico que posteriormente se expandieron por gran parte de la región.

Los once puntos que han llamado la atención de los investigadores

La figurilla pertenece a un tipo conocido por los arqueólogos como tab figurine, caracterizado por la ausencia de un rostro convencional. En lugar de una cabeza modelada de forma naturalista, estas piezas presentan una prolongación vertical que funciona como sustituto simbólico del rostro. Precisamente en esa zona aparecen los once puntos que han llamado la atención de los investigadores. Las marcas fueron realizadas antes de la cocción de la cerámica, lo que indica que formaban parte del diseño original y no fueron añadidas posteriormente.

Los puntos están distribuidos en tres columnas verticales: una formada por tres marcas y otras dos compuestas por cuatro puntos cada una. Según los autores, esta organización sugiere una disposición deliberada más que un simple motivo decorativo. Aunque reconocen que no existe una prueba definitiva que permita afirmar que se trata de una cifra, consideran que la estructura ordenada de las marcas y su ubicación en una parte especialmente significativa de la figurilla apuntan hacia una posible función numérica.

El trabajo sitúa este hallazgo dentro de un panorama más amplio de evidencias tempranas de numeración mesoamericana. Entre ellas figuran pinturas rupestres, sellos cerámicos, monumentos esculpidos e inscripciones asociadas a los primeros desarrollos de los calendarios regionales. Sin embargo, muchos de esos ejemplos presentan problemas de interpretación, ya que las series de puntos también podían desempeñar funciones ornamentales o simbólicas. Precisamente por ello, los investigadores insisten en la necesidad de abordar la figurilla de La Blanca con cautela.

Podría tener raíces mucho más antiguas

Más allá de la cuestión estrictamente matemática, el estudio propone que la pieza ofrece una ventana a la relación entre los números, el cuerpo humano y la identidad en las sociedades mesoamericanas tempranas. Diversas tradiciones posteriores de la región asociaron los sistemas de numeración con el cuerpo, especialmente con los dedos de manos y pies que sustentaban el sistema vigesimal. Los autores sugieren que esa conexión entre persona, numeración y calendario podría tener raíces mucho más antiguas de lo que se pensaba.

La ubicación de los puntos resulta especialmente significativa en este contexto. En muchas tradiciones mesoamericanas, la cabeza y los tocados funcionaban como espacios privilegiados para expresar identidad, estatus o atributos personales. Por ello, la presencia de una posible notación numérica en esa zona concreta de la figurilla podría indicar que las cifras no servían únicamente para contar objetos o registrar fechas, sino también para comunicar información relacionada con individuos concretos o con conceptos más amplios vinculados al destino y la pertenencia social.

Los investigadores reconocen que, con la evidencia disponible actualmente, no puede demostrarse de forma concluyente si los once puntos representan realmente un número. Sin embargo, sostienen que la pieza constituye una evidencia excepcional de las formas tempranas de representación gráfica desarrolladas en Mesoamérica. En un periodo del que apenas se conservan testimonios escritos, la figurilla de La Blanca aporta un indicio sugerente sobre cómo las sociedades preclásicas comenzaron a experimentar con sistemas visuales capaces de transmitir información, organizar el conocimiento y expresar aspectos fundamentales de su visión del mundo.

“Un tramo de 300 metros cuadrados de gente alegre y vitoreando se transformó en un horror negro e histérico”. Así describió la revista Time en su número de junio de 1955 el terrible accidente que tuvo lugar en las 24 Horas de Le Mans después de que los restos en llamas del Mercedes conducido por el francés Pierre Levegh llegaran hasta la grada en la que estaba el público.

El mayor accidente de la historia del automovilismo terminó con la muerte del piloto y de 83 espectadores. “El borde de la carretera se convirtió en un caos, con los heridos tratando de escapar y los ilesos avanzando para ver más. Pasó media hora antes de que todas las ambulancias de la ciudad comenzaran a evacuar a los afectados”, describió la revista estadounidense entonces. 

En los años 50, los pilotos practicaban este deporte con unas normas de seguridad muy deficientes. Los coches ni siquiera llevaban cinturón porque los conductores decían que era peligroso estar atado en caso de incendio. Los accidentes eran, como podemos suponer, frecuentes y, sobre todo, graves. Apenas unos días antes de esto, el doble campeón del mundo Alberto Ascari había muerto en Monza.

El día del accidente

El 11 de junio de 1955, más de 250.000 personas se habían reunido en el circuito de la Sarthe para disfrutar de un nuevo duelo entre Mercedes, los que dominaban la competición en ese momento, y Jaguar, sus rivales ingleses. Entre los pilotos protagonistas del torneo estaban Juan Manuel Fangio (Mercedes) y Mike Hawthorn (Jaguar). 

Al final de las dos primeras horas, el británico Hawthorn lideraba la carrera con claridad tras haber completado un total de 28 vueltas. Este estaba a punto de entrar a boxes para repostar cuando recibió una señal de su equipo de mecánicos. El piloto frenó su Jaguar y giró a la derecha hacia boxes, pero el daño ya estaba hecho.

Detrás de él, el británico Lance Macklin, en un Austin-Healey, se vio sorprendido, pero frenó bruscamente y consiguió girar a la izquierda. Detrás de él estaba el Mercedes de Pierre Levegh, que avanzaba a 240 kilómetros por hora. Levegh levantó el brazo para avisar a su compañero Juan Fangio, que se encontraba unos metros por detrás, para que redujera la velocidad. Fue su último gesto. 

El coche de Levegh chocó contra la parte trasera del Austin-Healey de Macklin y empezó a girar hasta estrellarse contra uno de los muros de contención del circuito. El piloto salió despedido de su coche y murió tras el impacto, arrollando a varias de las personas que había en la grada. Por increíble que parezca, la organización no suspendió la carrera, aunque Mercedes retiró a sus pilotos como muestra de respeto.

La película ‘Backrooms’ se ha convertido en el fenómeno cinematográfico del año, que con su terror surrealista ha conquistado al gran público y con una recaudación de 200 millones de dólares y que va a más ha logrado ser el título más taquillero del estudio A24.

Todo ello, además, logrado por un director de tan solo 20 años, Kane Parsons, que comenzó este fenómeno cuando subió a YouTube hace cuatro años el cortometraje ‘The Backrooms’, que revolucionó internet y el concepto se ha viralizado también en cines para conquistar Hollywood. Si has sucumbido a él, aquí van cinco títulos relacionados del género de terror surrealista.

‘Eraserhead’ (1977)

Si hablamos de cineasta surrealista uno de los primeros nombres que nos viene a la mente es el de David Lynch, y si hay que escoger un título que pueda conectar con los aficionados de ‘Backrooms’ esa es su ópera prima, una de las mejores de todos los tiempos. ‘Eraserhead’, traducida también por ‘Cabeza borradora’ y con una destacada interpretación de Jack Nance con imágenes en blanco y negro. En ella, Henry Spencer es un joven depresivo y asustadizo que sufre desde pequeño unas pesadillas extrañas de las que intenta liberarse. Del mismo director se podría también añadir ‘Lost Highway’ de 1997.

'El faro' (2019)

Otro de los mejores directores de terror que hay actualmente en Hollywood es Robert Eggers, que confirmó su estatus con ‘El faro’ (The Lighthouse), también del estudio independiente A24 y que rodada también en blanco y negro incluye elementos de terror, humor negro y homoerotismo que la ha hecho una de las películas más destacadas de los últimos diez años. En ella se reinterpreta un relato inacabado de Edgar Allan Poe que protagonizan Willem Dafoe y Robert Pattinson.

‘El ángel exterminador’ (1962)

Un grupo de aristócratas e intelectuales de clase alta asisten a una lujosa cena en una mansión después de pasar una noche en la ópera, pero cuando acaban se dan cuenta que no se pueden ir porque no pueden cruzar la puerta del salón. Esa es la sinopsis del ‘El ángel exterminador’ del español Luis Buñuel, el director por excelencia del surrealismo y que conecta con ‘Backrooms’ al usar el espacio como elemento del terror.

'La escalera de Jacob' (1990)

Si nos vamos al club de las películas de culto, ahí entra un clásico de la década de los 90 que para muchos es uno de los títulos más destacados de Hollywood en esa década. Aborda temas como el trauma, la espiritualidad, el duelo, así como es un drama antibelicista, todo ello ofreciendo una atmósfera tan surrealista como escalofriante. Protagonizada por Tim Robbins y dirigida por Adrian Lyne, narra las secuelas de un soldado después de participar en la Guerra de Vietnam.

‘El resplandor’ (1980)

Pero en lo terrorífico y sobrenatural cuando hablamos de un solo espacio, ‘El resplandor’ es un clásico en las listas y además conecta con ‘Backrooms’ por el hecho de ser el hotel Overlook un espacio liminal, de los más famosos del cine. Dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Jack Nicholson, en ella se alteró la geometría de los decorados para que el edificio no tuviera sentido de forma arquitectónica real.

En muchas calles de la Alemania nazi, una bandera colgada de una fachada bastaba para recordar qué poder dominaba la vida pública. La simbología más habitual de aquel régimen incluía la esvástica, los saludos con el brazo en alto, las águilas imperiales adaptadas por el partido y distintos emblemas presentes en edificios, actos oficiales y uniformes.

Estos elementos servían para identificar la ideología del régimen y para reforzar su presencia en el día a día de las personas de aquella época. Su difusión alcanzó tal nivel que algunos de esos símbolos siguen siendo actualmente, más de 80 años después, las imágenes más reconocibles del nazismo.

Un detalle conservado situó la escena antes de 1945

Un estudio publicado en la revista científica npj Heritage Science reveló que una pintura atribuida al artista muniqués Erich Mercker ocultaba bajo su superficie varios símbolos nazis que habían sido cubiertos después de la Segunda Guerra Mundial. La investigación surgió cuando el productor y cineasta Thomas Schuhbauer encontró la obra en la casa de sus padres, que la habían recibido como regalo de boda en 1966, y observó detalles que no encajaban con la historia del cuadro.

A primera vista, la pintura mostraba una escena tranquila de Múnich. La Feldherrnhalle aparecía junto a la plaza Odeonsplatz, acompañada por una bandera bávara azul y blanca y por pequeños transeúntes. Sin embargo, la presencia parcial de un monumento relacionado con el nazismo despertó sospechas. Ese memorial había sido destruido poco después de la rendición alemana en 1945, por lo que su aparición en la imagen sugería que la obra tenía un origen anterior. Además, alrededor de la bandera podían apreciarse discretos restos de color rojizo.

La investigación recurrió a la fluorescencia de rayos X, una técnica capaz de identificar elementos químicos sin dañar una obra de arte. Los análisis mostraron que la bandera bávara ocultaba una bandera nazi roja. También aparecieron bajo la capa superficial varias coronas conmemorativas, soldados de guardia y figuras con el brazo levantado en saludo nazi.

Por lo tanto, tras mirarlo detenidamente con las herramientas adecuadas, lo que parecía una simple pared escondía una composición mucho más vinculada a la propaganda del Tercer Reich. Los investigadores detectaron además pigmentos compatibles con rojo de cadmio en las zonas cubiertas, mientras que las capas posteriores contenían blanco de titanio.

Erich Mercker desarrolló su carrera junto al régimen

El hallazgo encaja con la trayectoria de Erich Mercker, un pintor que desarrolló una carrera de éxito durante el periodo nazi y que continuó trabajando tras la guerra. Participó en las ocho Grandes Exposiciones de Arte Alemán impulsadas por el régimen y vendió numerosas obras al Estado alemán de la época.

Entre sus motivos recurrentes figuraba Die Stätte des 9. November, una referencia al intento de golpe de Estado protagonizado por Adolf Hitler en 1923. Con el paso de los años, Mercker produjo también versiones de la misma vista urbana sin referencias nazis y con títulos alternativos como Feldherrnhalle o München am Odeonsplatz.

Los autores del estudio consideran que existen varios indicios que apuntan a un repintado realizado por el propio artista o bajo su supervisión. El blanco de titanio utilizado para ocultar los símbolos no aparece en otras partes de la obra, aunque entre los materiales conservados de Mercker se encontró un tubo identificado como Titanium White 10103 Schmincke.

También apareció una inscripción parcialmente borrada en la parte trasera del cuadro y una numeración compatible con el sistema empleado por el pintor entre aproximadamente 1930 y 1945. Los investigadores plantean que la obra pudo ejecutarse en 1934 y modificarse después del final de la guerra.

La pintura forma hoy parte de la colección del Munich Documentation Centre for the History of National Socialism. Más allá de identificar símbolos ocultos, el estudio muestra cómo algunos artistas que habían trabajado para el régimen nazi adaptaron determinadas obras al nuevo contexto político de la posguerra. En este caso, los restos del antiguo diseño y las capas descubiertas bajo la superficie permiten seguir el rastro de una transformación que nunca consiguió borrar por completo su origen.

Hubo un tiempo en el que la dupla formada por Seth Rogen y James Franco fue inseparable en el entorno de la comedia en Hollywood, con éxitos como ‘This Is the End’, la polémica ‘The Interview’ y ‘The Disaster Artist’, la última colaboración exitosa de ambos en 2017.

La acusación de acoso sexual por parte de cinco mujeres contra James Franco en 2018 dejó empañada la relación entre ambos de forma pública, tanto que se ha llegado al punto en el que Rogen ha admitido que no tiene planes de volver a trabajar con el que fue su compañero inseparable.

Seth Rogen no planea trabajar de nuevo con James Franco

Desde que se conocieran en la mítica serie de televisión ‘Freaks and Geeks’ en 1999, Seth Rogen y James Franco no solo arrancaron unas trayectorias de éxito, sino que sería el comienzo de una dupla que dominaría la comedia en Hollywood en los años siguientes y que estalló con ‘Pineapple Express’, traducido en España como ‘Superfumados’ después de que se consolidaran por separado por proyectos como ‘Spider-Man’ o ‘Superbad’.

La época dorada de la pareja de Seth Rogen y James Franco fue entre 2013 y 2014 debido al éxito que tuvieron protagonizando ‘Juerga hasta el fin’ (This is the End), una parodia viral del videoclip ‘Bound 2’ con Kanye West y Kim Kardashian, y la controvertida ‘The Interview’ sobre Corea del Norte y que ambos defendieron. El punto álgido, sin embargo, fue en 2017 con ‘The Disaster Artist’ sobre la peor película de la historia, y que le valió un Globo de Oro a Franco.

Sin embargo, todo cambió con las acusaciones de acoso sexual a James Franco en 2018, con una carrera que decreció para el actor, mientras que el que fue su colaborador, Seth Rogen sigue en su ascenso en Hollywood con proyectos como ‘The Studio’, en la que es escritor, productor, director y protagonista y que hizo historia al llevarse 13 premios Emmy.

En una reciente entrevista con The New York Times, el actor fue preguntado por su relación con el que fuera uno de sus mejores colaboradores y ha sido tajante al respecto: “Nada ha cambiado desde la última vez que hablé de todo esto y hace mucho tiempo que no trabajo con él, ni tengo planes de hacerlo”.

“Está el aspecto público, del que ya he hablado, y mantengo la misma postura pública que siempre he tenido, y creo que los hechos hablan por sí solos: no he trabajado con él en años. Pero el aspecto personal es muy complejo e involucra a personas que no sé si debería incluir en esto”, añadió el cómico.

Y es que al principio cuando se conoció la noticia afirmó que volvería a trabajar con él, unas declaraciones de las que se lamentaba más adelante, como en 2021 para Sunday Times: “Lo que puedo decir es que detesto el abuso y el acoso, y jamás encubriría ni ocultaría las acciones de alguien que las comete, ni pondría a sabiendas a alguien en una situación en la que estuviera cerca de una persona así. También recuerdo aquella entrevista en la que comenté que seguiría trabajando con James, y la verdad es que no lo he hecho ni tengo intención de hacerlo por ahora”.

Las acusaciones hacia James Franco

En 2018 fue cuando salieron a la luz las acusaciones de acoso sexual hacia James Franco por varias de sus alumnas de actuación. Algunas aseguraron que habían sido víctimas de la retirada de los protectores de plástico que cubrían la vagina durante el rodaje de escenas íntimas, y la ira del intérprete cuando las actrices se negaban a aparecer en topless. Dos de las denunciantes presentaron una demanda colectiva en 2019, por discriminación sexual, acoso sexual, prácticas comerciales fraudulentas e intimidación, con las que llegaría a un acuerdo extrajudicial en por 2,2 millones de dólares.

La electricidad que llega a un ascensor, a un hospital o a una estación de tren suele ocultar una maquinaria enorme que rara vez se ve en la vida cotidiana. Un reactor nuclear es una instalación diseñada para obtener energía a partir de reacciones nucleares controladas, que generan calor y permiten producir electricidad.

Para un ciudadano, su utilidad no consiste en el reactor en sí, sino en el suministro eléctrico que ayuda a mantener servicios, industrias y redes de transporte durante largos periodos. Cuando una fuente energética puede funcionar de forma estable durante años, reduce la dependencia de otros combustibles y facilita el funcionamiento continuo de infraestructuras que forman parte de la rutina diaria.

China prueba una unidad energética motorizada

China está probando un sistema que lleva esa idea a una escala mucho más reducida. Un equipo del Institute of Nuclear Energy Safety Technology ha desarrollado un prototipo de reactor nuclear de 10 megavatios pensado para instalarse sobre un vehículo. Según informó Science and Technology Daily, el proyecto está dirigido por Wu Yican, asesor científico jefe del instituto y miembro de la Academia China de Ciencias, que presentó el sistema como una fuente de energía duradera para lugares donde la red eléctrica es insuficiente o tarda demasiado en construirse.

El interés que ha despertado el proyecto fuera de China tiene mucho que ver con la creciente demanda energética de la inteligencia artificial. Diversos centros de datos consumen cantidades cada vez mayores de electricidad y buscan soluciones capaces de funcionar sin depender por completo de la red convencional.

Interesting Engineering señaló que los promotores del reactor consideran que una unidad de 10 megavatios podría abastecer un centro de datos de tamaño medio. Esa posibilidad ha atraído la atención de medios estadounidenses en un momento de fuerte crecimiento de las infraestructuras dedicadas al procesamiento de datos.

El país amplía su parque atómico comercial

La iniciativa también encaja dentro de la expansión nuclear del país. La Agencia Internacional de la Energía Atómica indicó que China contaba con 58 unidades nucleares comerciales en funcionamiento al cierre de 2024. Informaciones posteriores elevan la cifra a 59 reactores comerciales en 2025. Aunque la energía nuclear representa una parte relativamente reducida de la producción eléctrica nacional, el ritmo de construcción sigue siendo elevado y las autoridades exploran formatos cada vez más pequeños y especializados para atender necesidades concretas.

Estados Unidos desarrolla un proyecto con objetivos parecidos, aunque con características diferentes. BWXT construye el microreactor transportable Project Pele, diseñado para desplazarse hasta bases militares o emplazamientos aislados. La potencia prevista es menor, entre uno y cinco megavatios, y su periodo de funcionamiento sin recarga ronda los tres años. El programa dispone de una hoja de ruta pública y contempla pruebas a partir de 2027. La comparación resulta útil porque muestra que la idea de trasladar energía nuclear allí donde hace falta ya no pertenece únicamente al terreno teórico.

La seguridad plantea interrogantes todavía sin respuesta

Los promotores chinos sostienen que el reactor podría utilizarse en islas remotas, instalaciones mineras, comunidades aisladas, bases militares, zonas afectadas por catástrofes, barcos o sistemas espaciales. En muchos de esos lugares la generación eléctrica depende de motores diésel que requieren un suministro constante de combustible. Wu Yican afirmó que la tecnología permitiría liberarse de la llamada ansiedad de batería, una expresión utilizada para describir la preocupación por quedarse sin energía disponible cuando resulta difícil reponerla.

Sin embargo, las dudas técnicas siguen siendo numerosas. Apenas se han publicado detalles sobre el tipo exacto de reactor, el combustible empleado, el sistema de refrigeración, el blindaje, la gestión de residuos radiactivos o los procedimientos ante accidentes. También quedan cuestiones regulatorias importantes. Un reactor móvil tendría que soportar incendios, fenómenos meteorológicos extremos, fallos de mantenimiento, intentos de sabotaje y largos desplazamientos por carretera sin comprometer la seguridad de trabajadores y población.

Parte de la incertidumbre procede de que muchas de las cifras difundidas proceden directamente de los desarrolladores. Nuclear Engineering International recogió especificaciones atribuidas al consorcio FDS según las cuales el sistema podría funcionar entre diez y 30 años con una sola carga de combustible y alcanzar una vida útil de entre 30 y 60 años. Esas afirmaciones todavía no han sido verificadas por organismos independientes. El equipo de investigación también ha trabajado anteriormente en el concepto CLEAR-M10d, un minirreactor refrigerado por plomo que algunos observadores consideran relacionado con el nuevo proyecto, aunque no existe confirmación pública suficiente para asegurarlo.

Por ahora, la gran incógnita no es si un reactor puede colocarse sobre un camión, sino si todas las promesas asociadas a esa idea podrán superar las pruebas de seguridad, regulación y funcionamiento real. Esa fase determinará si esta tecnología queda como un experimento de laboratorio o si termina alimentando infraestructuras situadas lejos de cualquier línea eléctrica convencional.

Muchos de los cuadernos, dibujos y papeles que acompañaban el trabajo cotidiano de un artista del Renacimiento estaban expuestos al deterioro, las herencias mal gestionadas, las ventas privadas y las reorganizaciones posteriores. La fama de Leonardo da Vinci no garantizaba la conservación automática de todo lo que produjo, porque gran parte de ese material permaneció durante siglos en manos de propietarios distintos y atravesó cambios de criterio sobre qué debía guardarse y cómo hacerlo.

A eso se suman pérdidas físicas, fragmentaciones y decisiones tomadas mucho después de su muerte que alteraron el conjunto original. Por esa razón, la imagen actual de Leonardo depende tanto de lo que sobrevivió como de lo que desapareció con el paso del tiempo. Pero ya hay remedio, al menos en parte.

El Museo Galileo presentó una herramienta para reunir manuscritos

El Museo Galileo de Florencia presentó el 8 de junio de 2026 la plataforma gratuita Leonardotheka, una herramienta digital que vuelve a unir alrededor de 3.500 páginas de manuscritos de Leonardo da Vinci que permanecían separadas desde finales del siglo XVI. El proyecto cuenta con la colaboración del Ministerio de Cultura italiano, la Embajada de Italia en Londres, la Royal Collection Trust, la Veneranda Biblioteca Ambrosiana y la Biblioteca Leonardiana de Vinci. La iniciativa permite contemplar materiales que durante más de cuatro siglos fueron estudiados como conjuntos independientes.

La presentación del proyecto también ha abierto una reflexión sobre el futuro del patrimonio digital. Según informó Artnet News, el director ejecutivo del Museo Galileo, Roberto Ferrari, defendió que las instituciones culturales mantengan el control intelectual de este tipo de herramientas en un momento marcado por el rápido desarrollo tecnológico. El debate gira en torno a quién debe custodiar y gestionar grandes archivos digitales relacionados con figuras históricas de alcance mundial.

La herencia de Leonardo acabó fragmentada tras varias manos

La raíz del problema que ahora intenta corregirse se encuentra varios siglos atrás. Tras la muerte de Leonardo en 1519, sus cuadernos pasaron a manos de su discípulo Francesco Melzi. Con el tiempo, aquel inmenso conjunto de estudios anatómicos, dibujos, notas, proyectos de ingeniería y observaciones diversas terminó bajo el control del escultor italiano Pompeo Leoni. Convencido de que debía ordenar aquel material, decidió separar los folios y clasificarlos según criterios artísticos o científicos.

Aquella reorganización alteró relaciones que Leonardo había establecido deliberadamente entre ideas muy distintas. En una misma hoja podían convivir un mecanismo, un boceto artístico y una reflexión escrita. Leoni dividió ese conjunto en dos grandes recopilaciones. Una quedó dedicada a cuestiones técnicas y científicas. La otra reunió dibujos figurativos, estudios anatómicos y paisajes.

Las dos colecciones siguieron después caminos completamente distintos. El volumen científico acabaría convirtiéndose en el conocido Codex Atlanticus, integrado por 1.119 folios que llegaron a la Veneranda Biblioteca Ambrosiana de Milán en 1637. El segundo conjunto viajó a Inglaterra durante el siglo XVII y terminó incorporándose a la Royal Collection de Windsor. Durante más de 400 años, documentos que originalmente formaban parte de una misma secuencia permanecieron separados por fronteras e instituciones diferentes.

Los especialistas reconstruyeron páginas mediante análisis comparativos

La reunificación digital exigió una década de trabajo. Especialistas en Leonardo y expertos en documentación compararon dimensiones de los folios, marcas de agua, características de la tinta y métodos de preparación del papel para determinar qué fragmentos habían pertenecido originalmente a una misma página. Ese esfuerzo permitió reconstruir conexiones perdidas desde la intervención de Leoni.

Entre los resultados más destacados figuran 50 reconstrucciones confirmadas. Una de ellas ha permitido volver a relacionar el dibujo de un caballo conservado en Windsor con unas notas localizadas en el Codex Atlanticus sobre el célebre monumento ecuestre que Leonardo proyectó para Francesco Sforza y que nunca llegó a completar.

Paolo Galluzzi, presidente emérito del Museo Galileo y creador de la plataforma, destacó el alcance de esta nueva etapa para los estudios leonardianos. Al presentar el proyecto afirmó que se trata de “una herramienta que ofrece oportunidades sin precedentes para explorar la vasta e invaluable riqueza de información contenida en los manuscritos de Leonardo da Vinci”. En la misma línea, el embajador italiano en Reino Unido, Fabio Cassese, recordó que la obra de Leonardo representa “la unidad del arte y la ciencia, la imaginación y la observación, la creatividad y la razón”.

La plataforma permite realizar búsquedas cruzadas entre colecciones, consultar transcripciones, examinar comentarios académicos y filtrar documentos según técnicas de dibujo o características físicas. Michele Ciliberto, del Instituto Nacional de Estudios del Renacimiento, considera que estas herramientas favorecen nuevas interpretaciones de una etapa decisiva de la historia europea.

De esta manera, más que reunir imágenes dispersas, Leonardotheka devuelve parte del contexto perdido de unos cuadernos que muestran hasta qué punto Leonardo trabajaba sin separar el arte de la investigación científica.

La tercera temporada de The Last of Us está en pleno desarrollo. Tras la emisión del último capítulo de la segunda temporada hace ya un año, que dejó sorprendidos a todos, la serie protagonizada por Pedro Pascal y Bella Ramsey está inmersa en la producción de su tercera parte. Las noticias sobre ella no dejan de llegar.

Hace unos días supimos que el rodaje, que empezó el pasado mes de marzo, estará interrumpido durante dos meses. ¿La razón? La Copa Mundial de Fútbol de 2026. Canadá es una de los tres anfitriones de la competición y Vancouver, una de las sedes. En esta ciudad se rueda gran parte de la serie de HBO, por lo que la productora ha decidido hacer un parón hasta que termine el torneo de fútbol. 

Tras la pausa por el Mundial, el rodaje continuará hasta finales de año para un estreno que está previsto para 2027. Aunque Neil Druckmann y Craig Mazin, creadores de la serie, no lo han confirmado, todo apunta a que los siguientes serán los últimos capítulos que podremos ver de The Last of Us.

Pero además del rodaje, ahora llega otra noticia, esta vez sobre el reparto. La serie basada en el famoso videojuego de Naughty Dog ha fichado a Peter Sarsgaard, según informó en exclusiva el medio Deadline. El actor, nominado al Emmy por Dopesick de Hulu y Presumed Innocent de Apple TV, interpretará a un personaje llamado Amon, líder de los Serafitas.

Qué esperar de la tercera temporada

Los Serafitas son un grupo de extremistas religiosos que tienen bastante importancia en el juego The Last of Us Part II, donde se presentan como una secta que vive bajo normas muy estrictas y hace un uso letal de la violencia. En el juego, Abby se alía con dos niños serafitas que han sido expulsados de la organización, Lev y Yara, por lo que se espera que esta organización tenga un papel bastante importante en los próximos episodios de la serie.

En este sentido, no está claro cuánto tiempo en pantalla tendrá Sarsgaard. De hecho, el personaje de Amon no existe como tal en el videojuego original, por lo que no hay apenas pistas sobre cómo se desarrollará su historia, ni tampoco sobre qué papel tendrá a lo largo de la trama. El actor es uno de los nuevos fichajes junto a Li Jun Li, Michelle Mao, Kyriana Kratter, Jason Ritter, Clea Duvall, Jorge Lendeborg Jr. y Patrick Wilson. 

Después de haber seguido el de Ellie (Bella Ramsey) para llegar a Seattle y poder matar a Abby (Kaitlyn Dever) como venganza por el asesinato de Joel (Pedro Pascal), esta tercera temporada será el momento de ver cómo fueron estos últimos días desde la perspectiva de la antagonista de esta historia postapocalíptica.

El castillo de Cheverny es toda una joya arquitectónica del majestuoso valle del Loira, de una belleza que cautiva a miles de visitantes cada año por su elegancia clásica. Esta edificación no solo destaca por su belleza, sino por ser la cuna física de una de las residencias más famosas de la literatura ilustrada: el castillo de Moulinsart. Fue aquí donde el dibujante belga Hergé encontró la inspiración necesaria para situar las aventuras del intrépido reportero Tintín y su inseparable compañero, el capitán Haddock. La relación entre la realidad y la ficción ha convertido a este recinto en un lugar de peregrinación de Francia para los amantes del noveno arte. Al contemplar su fachada principal, el visitante se siente transportado inmediatamente a las páginas de los cómics más emblemáticos del siglo pasado.

El proceso creativo de Hergé para dar vida a Moulinsart consistió en un ingenioso juego de simplificación arquitectónica basado en un folleto turístico de la época que llegó a sus manos. El artista decidió utilizar la sección central de Cheverny, eliminando los dos pabellones laterales para otorgarle al edificio ficticio una apariencia ligeramente más modesta y funcional para sus historias. Esta transformación permitió que el hogar del capitán Haddock mantuviera la simetría y el rigor clásico que caracteriza a la técnica de línea clara del dibujante. En los archivos personales del autor se conserva aún ese boceto a lápiz que muestra a los protagonistas caminando hacia la entrada del majestuoso edificio. 

Una de las características más singulares de Cheverny es que ha pertenecido a la misma estirpe, la familia Hurault, durante más de seis siglos de historia ininterrumpida. A diferencia de otros castillos de la región que cambiaron frecuentemente de manos tras la Revolución Francesa, este ha mantenido su linaje hasta los actuales marqueses de Vibraye. Los propietarios residen todavía en el ala derecha de la construcción, precisamente en la zona que Hergé decidió omitir en sus dibujos para crear su versión literaria. Esta presencia humana constante ha permitido que el castillo conserve un estado de mantenimiento excepcional y una atmósfera de hogar vivido que pocos monumentos pueden igualar. 

Arquitectónicamente, el edificio es un prodigio del estilo clásico francés del siglo XVII que se ha mantenido prácticamente idéntico desde su construcción original por Jacques Bougier. Se distingue de otros castillos del Loira por su homogeneidad técnica, al estar construido totalmente con piedra de Bourré, una toba calcárea que se blanquea con el tiempo. El diseño precursor del estilo Luis XIV evita las mezclas de épocas, ofreciendo una simetría perfecta y una decoración de fachadas llena de detalles como bustos antiguos en marcos elípticos. Fue el primer castillo privado en Francia que abrió sus puertas al público general en el año 1922, marcando un hito en el turismo cultural. Su conservación es tan rigurosa que permite al espectador moderno observar la misma silueta que admiraron los contemporáneos del Rey Sol.

Para los entusiastas de las viñetas, la finca alberga la exposición permanente titulada “Los secretos de Moulinsart”, una experiencia interactiva que ocupa unos 700 metros cuadrados. Realizada en estrecha colaboración con la Fundación Hergé, esta muestra permite a los visitantes sumergirse físicamente en los escenarios más icónicos de las aventuras del joven periodista belga. Es posible recorrer reconstrucciones a tamaño real del laboratorio del profesor Tornasol, los sótanos donde Tintín fue encerrado y la famosa cripta que ocultaba el tesoro de Rackham el Rojo. Los efectos de luz y sonido, junto con objetos emblemáticos como el submarino con forma de tiburón, logran una inmersión total en el universo creativo del autor. 

El interior de Cheverny deslumbra por su riqueza decorativa y la opulencia de sus estancias, que superan en lujo a las descritas en las páginas de los cómics. Destacan piezas como los 34 paneles de madera que ilustran las andanzas de Don Quijote en el comedor principal, obra del artista Jean Monier. La habitación del rey, preparada específicamente para las visitas de Enrique IV, muestra un techo artesonado y tapices franceses de un valor artístico incalculable. Otras salas, como la biblioteca con sus miles de volúmenes o la sala de armas con su colección de armaduras, ofrecen una visión detallada de la vida cortesana. 

Más de 100 hectáreas de jardines

Rodeando la estructura principal se extienden más de cien hectáreas de jardines temáticos y parques que invitan a largos paseos bajo la sombra de cedros centenarios. Entre las zonas verdes destaca el laberinto, una atracción que desafía la orientación de los visitantes entre altos setos, y el jardín de tulipanes que florece con miles de ejemplares. El parque de estilo inglés alberga especies arbóreas de gran porte, como secuoyas y tilos plantados a mediados del siglo XIX por los antepasados de los dueños actuales. También es posible explorar la finca mediante paseos en barcos y coches eléctricos que recorren los canales y bosques cercanos con un enfoque respetuoso con el medio ambiente. 

La tradición se mantiene viva en Cheverny a través de su famosa jauría de cien perros de caza tricolores, cuyos ancestros han formado parte de la finca desde mediados del siglo XIX. Los visitantes pueden observar la alimentación diaria de estos animales en las perreras, un evento que subraya el vínculo histórico de la nobleza local con la práctica de la montería. Además de su legado cinegético, la finca cuenta con su propio viñedo y una reconocida casa de vinos donde se puede degustar la producción vinícola de la zona. Esta mezcla de historia familiar, pasión por el cómic, arte clásico y respeto por las tradiciones campestres define la identidad única de Cheverny, un monumento del pasado y un espacio vibrante que sigue escribiendo su historia día tras día.