Vale, el domingo pasado nos tomamos un pequeño descanso. Qué pasa, ¿acaso no tenemos derecho teniendo en cuenta que llevamos desde abril publicando una entrevista a la semana? Somos humanos, y por ello también podemos deprimirnos, tener un descuido, irnos de fiesta tres días o derrochar nuestros ahorros en merchandising de Pokémon o cualquier otra idiotez.

Pero no por ello dejamos de trabajar durante toda la semana tratando de apoyar el desarrollo de videojuegos patrio. Por poner algún ejemplo, asistimos al Zerouno de noviembre y publicamos una completita crónica con nuestras impresiones, además de escribir un artículo sobre el peculiar The amazing odyssey of growing up contando con declaraciones de sus responsables o cubrir el retorno de Song of Horror a Kickstarter y el lanzamiento de The Purring Quest, un videojuego que hará las delicias de los amantes de los gatos.

Además de todo esto, para dar forma a una nueva entrega de Hablan los indies nos pusimos en contacto con los chicos y chicas de WasFan Studios, quienes preparan un título de aventuras y plataformas en 2D realmente prometedor, Dusk Memories, el cual pudimos probar el pasado mes de octubre durante la Madrid Games Week.

Toca decir que nos enamoró su apartado visual, y que por ello teníamos bastantes ganas de charlar con sus responsables. Y por fin, aquí está el resultado.

Empecemos por una presentación formal. ¿Quién hay detrás de WasFan Studios? Ilustradnos con un poco de historia.

Wasfan es un proyecto que empezamos en torno al 2014. Inicialmente le dedicamos tiempo de forma esporádica para ir conociendo la industria e hicimos un par de proyectos para ir dominando las herramientas y fuimos evolucionando. Fue entonces, cuando a mediados de 2014 decidimos intentar un proyecto distinto. Le empezamos a dedicar más tiempo, ese proyecto fue Project Cell y era un juego de disparos en tercera persona al estilo Gaunlet que transcurría en el cuerpo humano. Posteriormente decidimos a finales de 2014 que queríamos dedicarnos a tiempo completo y fue entonces cuando empezamos a trabajar en Dusk Memories. Actualmente el equipo esta forma por cinco personas de las cuales tenemos a dos responsables del apartado gráfico, Verónica y Paz, por otro lado hay responsable del diseño, Gabriel, y dos programadores, Javier y José Luis.

Actualmente tenemos previsto algunos planes interesantes que nos encantaría comentaros el día 24 de noviembre y creemos que os gustaran.

Nosotros particularmente os conocimos en la Madrid Games Week. ¿Sois muy dados a acudir a eventos de este tipo? ¿Creéis que realmente sirven para potenciar la visibilidad de un estudio y sus proyectos?

Son eventos útiles, no solo es la visibilidad la razón para acudir a estos eventos. Te sirve para algo que creemos muy valioso, el trato con los jugadores, sus opiniones, sus intereses y sobretodo que opinan del juego.

En concreto es la cuarta vez que hemos acudido a una feria (con Project Cell ya acudimos a dos de ellas) y la verdad que de todas hemos salido bastante satisfechos.

En esta última en concreto nos galardonaron con el premio a la mejor dirección artística por parte de Made In Spain, lo que nos sirvió como indicador de que al menos en el apartado gráfico estamos por el buen camino.

¿Qué feedback os llevasteis de la feria? ¿Tenéis alguna anécdota curiosa que podáis compartir?

La verdad que el feedback fue valioso. Nos indicaron varios errores que una vez expuestos dejaban claro que lo eran, como por ejemplo que al usar la habilidad de la gema (en su momento la habilidad principal) te quitaba vida y al final te acababa matando y casi nadie entendió por qué les mataban. Nos dimos cuenta de que estábamos fallando en el feedback al jugador. Por otro lado, nos dimos cuenta que un escenario 2D en zigzag no siempre es una buena idea, pues el jugador corre el riesgo de volver al inicio de nivel y perderse y así otras muchas cosas.

Respecto a anécdota pues la verdad que ya nos ha pasado varias veces que se acerca un jugador, de perfil de FPS, y nos dice que nuestro juego en 3D primera persona y con tiros mejoraría mucho…. Y claro…. No sabes que decir (risas).

Por norma dentro de los estudios independientes se oye mucho que ‘lo importante es hacer lo que uno quiere’, en ocasiones casi menospreciando la idea de hacer negocio y la realidad de que esto, a fin de cuentas, es una industria. Sin embargo vuestra web destila cierto aire corporativo y ya de entrada compartís ideas que suenan a negocio, como por ejemplo ‘analizamos dónde podemos desarrollar videojuegos para encontrar las mejores oportunidades’ o ‘entendemos que no siempre se puede hacer lo que uno quiere’. ¿Tenéis claro entonces que vuestro objetivo es crear, mantener y hacer prosperar una empresa?

Este punto es delicado la verdad. Hemos visto muchas veces gente que se empeñaba en hacer el ‘lo que uno quiere’ y a veces tiene un final feliz y otras en cambio no acaban tan bien. Creemos que es un negocio, es decir, para poder hacer juegos mucho tiempo, tienes que poder vivir de ello. Para poder vivir de ello tienes que enfocarlo (nos guste o no) a medio/largo plazo, es decir teniendo en cuenta que por ejemplo si sois cinco personas tienen que poder tener unos ingresos que les permitan vivir dignamente.

Por otro lado, para hacer proyectos más interesantes, con mayor alcance, aparte del dinero se necesitan unos objetivos y una organización que lo sustente. Incluso aunque consiguieras el dinero si no tienes cuidado puedes acabar mal. Un ejemplo fue el triste caso de Kingdoms of Amalur, un buen juego que incluso vendiendo si no me equivoco por encima de 2 millones de unidades obligo al estudio a cerrar, porque necesitaban el doble o más para que fuera viable.

Así que sí, creemos que se puede hacer lo que quieras, pero teniendo en cuenta muchos peros como: plazos rentabilidad, escalabilidad, alcance… que suenan fatal y muchos desarrolladores les/nos dan un poco de urticaria.

Teniendo en cuenta lo anterior, ¿alguna vez habéis aceptado o buscado trabajar para otros? ¿Dejaríais lo que estáis haciendo para desarrollar un videojuego a petición de otra empresa?

Por el momento nos gustaría centrarnos en el desarrollo de nuestros propios proyectos, pero si fuera necesario o una buena oportunidad estaríamos encantados de planteárnoslo. Eso sí lo enfocaríamos como una herramienta más que como un fin en sí mismo, pues tenemos claro queremos hacer juegos, contar historias y que la gente se entretenga y disfrute jugándolos.

Para lograr vuestros objetivos os habéis impuesto tres líneas guía: entretener, retar e inspirar. Contadnos más de esto.

Bueno más que impuesto es una búsqueda incesante por conseguirlo, pero sí creemos que son clave para hacer de un gran juego. Por partes:

Entretener: Se trata desde nuestro punto de vista el elemento clave de casi la totalidad de los juegos, es lo que te permite pasar tiempo haciendo aquello que te gusta, que quieres hacer, y si no fuera entretenido simplemente harías otras cosas. Además tiene otra gran ventaja y es que entreteniendo se llega mucho mejor a los jugadores y estos además son mucho mas tolerantes. Si me permites dos ejemplos que creo que son clave puesto que son antagónicos.

El primer ejemplo es el de un gran juego que simplemente no es suficientemente divertido pese a que en lo demás es casi perfecto. Se trata del Crysis 3, todos los que lo hayáis jugado sabréis de lo que hablo: un acabado gráfico impecable, unas buenas mecánicas, una historia aceptable… pero es que siendo muy suaves, es bastante aburrido y al final lo único que quieres es terminarlo y olvidarte o incluso peor, ni siquiera terminarlo. Por enlazar con el ejemplo siguiente otro caso de libro es el de Far Cry 2, buen juego pero no era especialmente divertido y casi se carga la saga.

El segundo ejemplo es la saga Fallout, nadie dirá que su acabado gráfico es impecable, que sus conversaciones son las mejores, pero lo que también es cierto es que muy divertido y la gente lo disfruta y compra con ganas. Tanto es así que en PC ha superado (vapuleado) el record en Steam de jugadores concurrente, que hasta entonces tenía el GTA V con 80.000 usuarios concurrentes más ¡y esto es en PC! Y todas las papeletas apuntan a un gran éxito en ventas.

Retar: Esta parte hace referencia a que una parte para hacer un juego entretenido suele ser importante que haya algún tipo de reto ya sea intelectual, de coordinación o de reflejos que permita al jugador tener un cierto margen de mejora para evolucionar y crecer con el juego, lo que le permite ser más parte de ello y contribuir.

Inspirar: Esta es la más de la casa la verdad. Creemos que toda experiencia te cambia en alguna manera. Nosotros como desarrolladores de videojuegos tenemos una responsabilidad y es que esa experiencia de una u otra manera te haga crecer y evolucionar.

Frente al ‘toque corporativo’ de vuestra web choca cierto ‘toque RPG’: ¡tenéis una gráfica hasta para definir los talentos y habilidades del equipo de forma individual y colectiva!

Sí, (risas), en el fondo somos jugones. Aunque entendamos la necesidad de un enfoque empresarial, también comprendemos que la mejor forma de transmitir las cosas no es siempre simplemente escribiéndola. A veces una historia o elemento extra como son las habilidades permite entenderlo mucho mejor y rápido. Además si alguien desea información más detallada estaremos encantados de proporcionársela en un forma más estándar en el formulario de contacto.

Hablemos de la industria del videojuego patria. ¿Cómo la veis de salud? ¿Estamos en plena ‘burbuja indie’ como se comenta por ahí?

No sé, una burbuja, si no me equivoco suele llevar mucho dinero detrás, una inmensa inversión, apuestas súper arriesgadas… creemos que no es el caso.

Lo vemos más bien como una respuesta natural a una necesidad que cada vez crece más y es la necesidad de entretenerse, de desconectar de huir por unas horas del estrés, el ruido, los estudios, el trabajo, la política… vamos de casi todo (risas).

Aunque si hay un enorme boom de empresas y a mi pesar la mayoría no conseguirán su objetivos, pero es que esto no pasa con ningún sector, de hecho la tasa de éxito a medio plazo ronda solo el 10% (o menos).

Por otro lado somos mucha gente y con muchos gustos, no creo que falte mercado, aunque sí que hará que nos tengamos que esforzar más para salir adelante, lo que para la industria creemos que será bueno, pero también duro.

Hora de alabar a los colegas. Recomendadnos algún que otro estudio indie al que haya que seguir de cerca por sus trabajos anteriores o porque tienen entre manos uno de esos juegos que lo van a petar.

Pues en general cualquiera que se presentó en el stand de Made In Spain son muy interesantes. Así a destacar nos gustó mucho Kromaia, Calendula o Missing Translation. En cuanto a estudio, pues una mención especial a AlPixel, en concreto a Ludipe, que es un crack.

Por otro lado nos gustaría mencionar las otras iniciativas de indies de la MGW como fueron Games From Spain o los Premios Playstation donde se presentaron proyectos muy interesantes, en concreto uno de unos compañeros que apreciamos, que es un juego de coches llamado Motor Strike: Immortal Legends.

Y ahora sí, hablemos largo y tendido de los proyectos de WasFan Studio. Vuestro gran as bajo la manga es Dusk Memories. ¿Qué nos podéis contar?

Dusk Memories es un plataformas en 2D en el cual encarnamos el papel de una pequeña niña a la que le ha pasado un extraño suceso que le ha llevado a un mundo misterioso y tenemos que ir ayudándola a lo largo de una serie de niveles donde te encontrarás con retos en forma de plataformas y puzles, así como conversaciones que podrás resolver de múltiples maneras generando distintos resultados.

Durante la historia vas descubriendo que es realmente Dusk Memories y porqué te encuentras en un mundo tan extraño y con poco sentido.

Todo ello presentado con una estética muy refinada realizada a mano como una combinación de la técnica de aguafuerte (adaptada a lápiz) y las ilustraciones clásicas del siglo XIX ¿Serás capaz de desentrañar el secreto que se esconde tras Dusk Memories o Serás un recuerdo más?

Es cierto que Dusk Memories cuenta con un soberbio trabajo artístico por parte de Verónica, pero también es verdad que no pocos títulos independientes/alternativos están jugando la baza de sorprender al público con un apartado visual preciosista hecho a mano. ¿Qué puede ofrecer vuestro juego para sobresalir en este campo?

Bueno en primer lugar incluir en este punto a Paz que se incorporó un mes antes de la MGW y que está colaborando de la mano de Verónica con muchas ganas, esfuerzo y buenos resultados.

Creemos que el enfoque artístico tiene una estética especial, está basada en un largo proceso que comenzó con un análisis de opciones de múltiples estéticas clásicas de videojuegos, a pintores clásicos o romanticistas, así como otras muchas opciones. Al final nos decantamos por Goya y analizamos sus obras, y aunque nos encantan las pinturas negras, también es cierto que tiene un enorme recorrido en la técnica del aguafuerte, así que la analizamos y nos quedamos con ella. Luego al adaptarla no nos acaba de convencer (no somos Goya) así que seguimos analizando y evolucionamos hacia una estética de ilustraciones de cuentos de época victoriana, lo que al final nos permitió llegar hasta el punto actual.

Por otro lado nos ayudamos de una limitación autoimpuesta que fue el uso casi en exclusiva del blanco y negro (como se puede apreciar en las imágenes) permite trasladarnos mejor a esa época. Es cierto que al final decidimos usar el color en el fondo con tonos muy apagados como transgresión deliberada, para destacar la parte jugable y separar elementos de escenario y elementos jugables.

Con estos elementos como tu comentabas establecemos las bases, ahora bien con estas bases buscamos diferenciarnos no solo con el estilo especial si no con el enfoque de cuento clásico que creemos que ayuda al propio juego a ser más inmersivo y diferenciarlo de otras alternativas.

¿Qué podemos esperar entonces en cuanto a mecánicas jugables y narrativa? ¿Podemos esperar un viaje del héroe ‘tradicional’ de esos que siempre enamoran o estáis pensando implementar algo un tanto más arriesgado?

Me gustaría decirte con total seguridad que aunque tendrá elementos tradicionales es nuestra intención y estamos trabajando en crear un sistema que no sea el viaje del héroe al uso, si no aprovechando la diferencia principal entre literatura/cine y videojuegos, que es la interactividad (hasta aquí te puedo decir), pero ya te digo es algo que no hemos cerrado y si no conseguimos cerrarlo de forma que nos guste es probable que acabemos aceptando una aproximación al uso.

¿Qué videojuegos os han servido de inspiración para crear Dusk Memories?

Buff, aquí entran muchísimos, no es solo uno la verdad, bueno paso a enumerar algunos de ellos: Limbo, Child of light, Las aventuras de P.B Winterbottom, Braid, Rayman, Super Mario…

Algunos por las mecánicas, otros por la distribución de los elementos en escena, otros por el componente plataforma. En general te diríamos que son todos los juegos que hemos jugado alguna vez por que inevitablemente dejan una marca, aunque creemos que los de arriba son una buena aproximación.

Nos han chivado que podría llegar a Steam por febrero de 2016. Según van pasando las semanas, ¿dicha fecha se va volviendo más o menos factible?

Pues, si nos vuelves a preguntar más adelante, te lo podremos decir con seguridad. Ahora mismo vamos a embarcarnos en una pequeña aventura que anunciaremos el día 24 de noviembre y a la que estáis todos invitados claro. ¡Publicaremos detalles por nuestra cuenta de Twitter!

¿Tenéis planteado lanzarlo en otras plataformas o todo dependerá de lo bien que funcione en PC?

Lo tenemos claro: ¡si funciona en PC es muy probable que se lance allí donde nos dejen!

Por último vamos a por el clásico minijuego. Dejamos caer un par de opciones y vosotros os quedáis con una.

C) Nos pareció el paso lógico y además parecía fácil…. *Se oye de fondo* It’s a trap!!

C) Hay mucha seguridad y padres… la opción A claro, le tratamos con respeto… bueno… ¿hay alguien mirando?…

C) ¡¡Los años 70!! ¡¡Ya nadie se acuerda del Pong!! *voz de abuelete*

Por desgracia ya toca decir adiós. ¿Un último mensaje a los lectores?

Como despedida nos gustaría dar un consejo y es que a todos aquellos que os queráis dedicar al desarrollo de videojuegos perseverar, es algo apasionante y magnifico. Pero será difícil y querréis retiraros, aguantar y luchar por ello. ¡Lo que merece la pena hay que lucharlo!

Como cita, un poco de autobombo que siempre viene bien.

‘No dudéis en jugar nuestros juegos que van a molar mucho, estamos en Twitter’.

Siempre lo he dicho; por mucho que lleve meses entrevistando a estudios independientes españoles, mi principal objetivo es aprender de cada una de las entrevistas que realizo. El motivo es simple, aún en estos tiempos existe un abismo entre lo que consideramos videojuegos comerciales, aquellos que niños y no tan niños piden a los Reyes Magos, y los videojuegos independientes/alternativos, títulos que suelen escaparse de lo convencional para alegría de aquellos que ya estamos hasta las gónadas de shooters genéricos y simuladores futbolísticos. Desgraciadamente en este campo yo soy un mero iniciado; como quien dice acabo de sacarme la ‘L’ y trato de acelerar en mitad de la autopista guiado por la inocencia, por ese sentimiento de que nada malo puede pasarme sólo por llevar puesto el cinturón.

Por eso he creído más que conveniente charlar no ya con un nuevo estudio, que hoy en día los hay a patadas, como para mantener viva esta sección semanal por los siglos de los siglos, si no con un verdadero experto en la materia, alguien que lleva ya bastante tiempo siguiendo la pista a nuestros desarrolladores. Hablo de Juan Manuel Moreno, co-fundador de Nivel Oculto e Indiefan.

Si acabáis de salir de una cueva o si bien os estáis iniciando en esto de los videojuegos indies, toca decir que Nivel Oculto es una página web que se ha convertido en referente para los amantes de lo indie de habla hispana, mientras que Indiefan es una nueva plataforma que permite al desarrollador medir la aceptación de su propuesta entre los futuros usuarios y conseguir una mayor difusión, dos temas cruciales para todo aquel que se propone crear un videojuego sin ser, qué deciros, Peter Molyneux o cualquier otro genio medio loco e híper mediático de esos que arrojan a una cazuela una pizca de brillantez y otra de egolatría para crear algo que amas y aborreces a partes iguales.

Pero sobre todo de lo que quiero hablar con Juanma es de Indiefan, porque es un proyecto que personalmente conocí en el ZeroUno de noviembre –sí, ya he dicho que voy con bastante retraso– y la verdad es que me pareció bastante interesante. Desde luego no sé si llegará a convertirse en el vademécum de los indies, pero creo que al menos trata de impulsar una idea que merece ser explorada y compartida. Vamos a ello.

Empecemos siendo tan originales como siempre: qué es Indiefan y cuál es su objetivo.

Indiefan es una plataforma que permite a los desarrolladores adquirir feedback de sus proyectos mientras consiguen difusión. Simplificándolo mucho podríamos decir que es algo así como Kickstarter, pero los usuarios en lugar de apoyar con dinero apoyan a través de sus redes sociales. Para ello los desarrolladores crean una campaña en la que enseñan su proyecto a los usuarios y les piden a éstos una cantidad de votos para ‘validar’ su propuesta. Los usuarios pueden comentar la campaña directamente con el desarrollador, y si les gusta lo que ven, pueden apoyarla votándola a través de su red social. Si la campaña alcanza un número de votos previamente determinado por el desarrollador, se lanza un mensaje a través de las redes sociales de los usuarios que la hayan votado para darle una mayor promoción. Ahora que lo leo quizás no sea tan simple.

El objetivo final es proporcionar al desarrollador una herramienta sencilla con la que medir la aceptación de su proyecto en una fase temprana de desarrollo. Crear un juego no es sencillo. Por el camino siempre están surgiendo dudas, que van desde el apartado artístico hasta la implementación de mecánicas, por lo que consideramos que es interesante otorgar un espacio en el que esas dudas se enfrenten al veredicto de un posible jugador final.

Vale, y cómo surgió esta idea. Háblanos de los cerebros que hay detrás.

Llevamos dentro del mundillo (¿se dice todavía mundillo?, ¿lo dicen los youtubers?) desde que en 2010 empezamos con Nivel Oculto, una web que comenzó sin un objetivo claro y que ella solita ha ido desviándose hacia el sector independiente de una manera tan natural que ahora prácticamente no hablamos de otra cosa. Nos hemos afianzado como una web de referencia en castellano sobre el sector indie, así que como podrás imaginar no hacemos otra cosa que ampliar la plantilla de mayordomos que nos acompañan en nuestros yates. Pero esta vida de lujo y desenfreno no nos ha alejado de la gente normal, de nuestra gente, esos pequeños desarrolladores que sobreviven a base de snacks y bebidas energéticas mientras pierden la vista delante de un monitor y tratan de retener a sus parejas explicándoles que algún día serán muchimillonarios. En su momento nos dimos cuenta de que en Nivel Oculto no dábamos abasto para otorgar el hueco que se merecía el desarrollo independiente de habla hispana, y pensamos que necesitábamos una plataforma diferente, pero complementaria, que hiciese justicia a todos esos Quijotes digitales.

Centrémonos en el tema de la difusión. Efectivamente en Indiefan consideráis que esta es una de las mayores trabas a las que tiene que hacer frente el desarrollador indie. En dicho sentido, qué crees que han estado haciendo bien y mal hasta ahora. ¿Algún ejemplo?

El mayor problema al que se enfrenta lo indie es que su propia concepción obliga a los implicados a ser algo así como hombres del renacimiento. Hablamos de grupos habitualmente pequeños que han de desarrollar el juego, buscar financiación, manejar redes sociales, contactar con prensa y de vez en cuando comer. Todo esto es imposible si no eres un pro-hombre o Pérez Reverte, por lo que alguna parte del proceso suele flaquear, y este suele ser en muchas ocasiones la relación con la prensa. Yo no soy quién para dar consejos, pero puedo poner ejemplos, y ese sin dudarlo sería Luis Oliván de Fictiorama, creadores de Dead Synchronicity. Su labor con la prensa me parece el paradigma de lo que cualquier estudio o desarrollador independiente debería intentar hacer.

¿Qué requisitos pedís a un desarrollador para que pueda meter su juego en Indiefan? ¿Qué es lo que aconsejáis a la hora de realizar una campaña para que pueda tener éxito?

Nuestros requisitos son mínimos, se limitan a aquello que consideramos imprescindible para mantener la esencia de la plataforma. La campaña ha de estar bien presentada, es decir, debe contener información escrita sobre el título, así como cualquier elemento en forma de imagen, vídeo o sonido que permita al usuario hacerse una mejor idea del acabado final del mismo. Pensamos que si un usuario va a prestar su propia red social para promocionar un juego, al menos que pueda enorgullecerse de ello.

En cuanto a los consejos para que una campaña tenga éxito, lo principal es tener una perspectiva conservadora del nivel de aceptación de la propuesta. Siempre es mucho mejor quedarse algo corto a la hora de pedir votos y alcanzar el objetivo, que venirse arriba y no completar la campaña, porque entonces no se publicarán los votos a través de las redes sociales de los usuarios. Luego evidentemente está el hecho de saber explicar correctamente el proyecto. Está claro que un juego entra primeramente por los ojos, pero si el contenido artístico no es el mayor fuerte de tu juego, has de saber enfocar la campaña hacia aquellos puntos que quieres destacar.

Te voy a pedir números como si fueras un señor Ministro ante el Congreso. Cuántos juegos se han presentado a Indiefan y cuántos de ellos han logrado su objetivo. ¿Puedes ilustrarme con algún que otro caso concreto?

Si fuese un ministro esquivaría la pregunta hábilmente pero hemos venido a jugar, así que ahí va. Hemos recibido algo más de 100 proyectos, de los cuales hemos aprobado 23. De estos, únicamente 2 han salido adelante en el momento de contestar tus preguntas, aunque ahora mismo tenemos dos que seguramente también lo conseguirán. El tema de la consecución del objetivo va en parte ligado a lo que comentaba anteriormente. Aquellos que han conseguido el objetivo han realizado fuertes esfuerzos a través de sus propias redes sociales para dar a conocer la campaña, lo cual ha terminado dando resultado. De todos modos ha habido títulos que se han visto perjudicados por ofrecernos su apoyo al comienzo de nuestra andadura, como LaraaN, Missing Translation o FreezeME, poseedores todos ellos de una calidad envidiable que no supimos ‘vender’ correctamente en su momento. Por último está el hecho de que la propia plataforma va encuadrando los niveles de éxito, es decir, ha tenido que pasar un tiempo para que todos podamos empezar a calcular qué tipo de objetivos son realistas y cuáles se antojan imposibles en este momento.

Ahora que Indiefan ya lleva un tiempo rodando, ¿cómo valoras su evolución y, sobre todo, su aceptación entre los desarrolladores?

Creo que la aceptación entre los desarrolladores es buena, puesto que les permite un lugar donde dar a conocer su juego sin más esfuerzo que media hora delante de la pantalla creando la campaña. En cuanto a la evolución de la plataforma nos hemos dado hasta el Q1 el próximo año para ir anotando cada una de sus debilidades y preparar una versión hipervitaminada que nos permita mejorar a todos los niveles. Digamos que el objetivo inicial era enseñar la plataforma e ir aprendiendo de ella para reforzar sus aspectos positivos y minimizar los negativos.

Al final esto va de captar la atención de los futuros jugadores. ¿Salen las cuentas? ¿Estáis consiguiendo que la comunidad gamer se involucre aún más con el sector indie?

La respuesta corta es no. La respuesta larga es que sabíamos que sería complicado atraer a la gente para que preste su red social como apoyo a un desarrollador independiente a cambio de nada. En este momento todos los esfuerzos de nuestros monos amaestrados se centran en mejorar este aspecto.

Campaña para conseguir financiación en Kickstarter, campaña para conseguir luz verde en Steam Greenlight, ahora también campaña para lograr difusión… al final los desarrolladores van a pasar más tiempo en campaña que los políticos, y ya sabes que eso conlleva estrés, alopecia, pérdida de la inocencia y otros muchos problemas que no cubre la Seguridad Social. ¿No crees que se nos van a descentrar con tanta historia?

Yo antes de empezar con esto tenía una melena rojiza como el fuego del infierno, pero ahora el sol se refleja en mi cabeza deslumbrando a las palomas. Efectivamente, todo esto es demasiado para cualquiera, pero por el momento forma parte de distintos procesos del desarrollo. No puedo comparar Indiefan con Kickstarter o Greenlight porque sería ridículo, pero en cualquier caso cada una de ellas se centra en un objetivo diferente que valida una parte diferente del desarrollo complementándose entre sí. Otra cosa es que un estudio independiente medio sea capaz de asumir el camino de espinas a nivel promoción que tiene por delante cualquier desarrollo.

Responde ahora como co-fundador de Nivel Oculto: ¿cómo ves la actual relación entre la prensa del videojuego y los desarrolladores indies nacionales? ¿Crees que por norma no obtienen la visibilidad que merecen frente a los proyectos de fuera y las superproducciones?

En España ocurre una cosa muy rara, y es que existe un déficit de atención que se mezcla con un exceso de optimismo. Lo primero se va solucionando poco a poco por parte de los medios grandes, quienes ven en el desarrollo español una manera de rellenar sus exigencias de contenido. Quizás no sea la mejor manera de abordarlo, pero desde luego mejor esto que nada. Lo curioso es que desde esas mismas fuentes se nos vende el boom de desarrollo patrio como una especie de milagro económico cuando aquí casi nadie gana un euro. Digamos que la relación entre prensa y desarrollo es muy español y mucho españoles.

Hasta el punto de que no son pocos los que nos acusan de ser demasiado benevolentes cuando un juego nos llega firmado por un estudio español…

Nosotros al menos lo somos, pero únicamente en el tema de la cobertura. Mira, Javier Alemán (el otro administrador de Nivel Oculto) y yo llegamos a un acuerdo con respecto al contenido de la web hace tiempo. La cosa consiste en que no hablaríamos de nada que no nos interesara. Esto descarta muchos juegos, pero con el desarrollo español hacemos una discriminación positiva porque creemos que es necesaria. ¿Significa esto que vamos a hablar bien de un juego porque se haya desarrollado en Murcia? No, significa que le vamos a prestar una especial atención porque se ha desarrollado en Murcia. Luego la crítica será como nosotros la entendemos, que es un diálogo entre la obra y el autor de la crítica, y en este sentido puede (o no) que el hecho de ser un título español tenga (o no) importancia, pero esto también lo hacemos con otro tipo de juegos vengan de donde vengan. No entiendo esa manía de algunos por impedir la contextualización de la obra. No digo que sea imprescindible, pero en algunos casos me parece interesante. Te pongo un ejemplo. Hace unos meses sacamos la crítica de un título independiente llamado Neverending Nightmares creado por Matt Gilgenbach, un tipo que padece un trastorno obsesivo-compulsivo, el cual se ve reflejado de manera evidente en el juego. Yo no entiendo esa crítica sin conocer estos detalles sobre el autor porque los considero imprescindibles para comprender el título. Yo no sé si el hecho de que un videojuego sea español tiene importancia hasta que lo juego, pero si la tiene lo voy a decir. Dead Synchronicity por ejemplo me parece un reflejo estupendo de la crisis de los últimos años en este santo país. Otra cosa es que empecemos con ‘es que en España sólo se hacen juegos de la Guerra Civil’. Entonces únicamente queda irse a una esquina a llorar mientras te agarras muy fuerte las rodillas.

Cómo ves el presente y futuro de la industria patria.

Vivimos el mejor momento de desarrollo patrio desde la mal llamada “Edad de Oro” del videojuego español. Hay literalmente cientos de personas llenas de talento trabajando en diferentes proyectos con intereses muy diversos. Tú has entrevistado a un buen puñado y puedes dar cuenta de ello. En cuanto al futuro no soy demasiado optimista. Me temo que estamos cometiendo los mismos errores que se cometieron en los 80, con la única ventaja de que aparentemente no vamos a sufrir un colapso similar al de la llegada de los 16 bits. Se está trabajando únicamente en una dirección, que es en la del desarrollo, y nos falta trabajar de arriba hacia abajo con la creación de publishers centrados en el contenido independiente. No se trata de inventar nada, es algo que se lleva haciendo durante décadas en sectores como la música o el cine, en la que los sellos independientes se especializan en propuestas concretas que ayudan a los desarrolladores a focalizar su producto. Tengo la sensación de que hay mucha gente haciendo cosas buenas pero no hay nadie al otro lado escuchando. De momento sólo tenemos cifras, que no es poco, pero no es suficiente a medio plazo.

¿Dirías lo mismo si fueras Sandro Rey?

Si fuera Sandro Rey me pasaría el día entero investigando cómo fusionarme con Mario Vaquerizo para crear al Hombre de Vitruvio Televisivo. También me lo imagino viendo los mejores momentos de Hugo en el Telecupón en un loop infinito, pero esa es otra historia.

Aprovechando que lo tuyo es dar difusión, vamos allá con una pregunta típica: ¿A qué estudios españoles hay que tener bien localizados en el radar?

Magnífica pregunta con la que buscarme enemigos, te lo agradezco. Centrándome en lo que está por venir y en mis gustos personales, que nada tienen que ver con la calidad de un proyecto, te puedo decir que dos de los juegos que más espero para el próximo año son Rise & Shine y Crossing Souls, de Super Awesome Mega Team y Fourattic respectivamente. Luego hay gente que tiene proyectos entre manos muy interesantes, como Blooming Buds Studio (Calendula), Team Gotham (The Guest), Alike (Love You to Bits), Baroque Decay (Catequesis), Protocol Games (Song of Horror), Trim Tangle (Therefore), AlPixel Games (A Place for the Unwilling) o Asthree Works (Paradise Lost: First Contact).

Ya para ir acabando, vamos a darle al clásico minijuego. Dejo caer alguna que otra cuestión para que contestes de forma rápida, certera y… sin demasiado criterio.

Entiende el concepto indie como algo más allá de la miseria económica.

Acaricio mi gato. Sonrío. Tomo un último trago de brandi… e intento encasquetárselo a cualquiera de nuestros sufridos colaboradores.

Inaugurarían el post-indie. Unos genios.

Tristemente toca decir adiós. ¿Un último mensaje para los lectores?

Por supuesto. Si se encuentran con un desarrollador independiente alguna vez, no lo duden y corran a abrazarlo. Seguro que lo necesita. Ah, y no olviden entrar diariamente en Nivel Oculto e Indiefan, sus páginas amigas.

Un año más llega a su fin. Podríamos ponernos en plan ‘nostálgico-trágicos’, gritando a los cuatro vientos que nos hacemos mayores, que necesitamos más tiempo, que aún hay muchas cosas que queremos hacer en esta vida y que maldecimos todos esos días desperdiciados, esos días que se nos escapan entre las manos sin que hayamos hecho nada de provecho, como yo qué sé, salvar a los bonobos de la extinción o acabar con el cambio climático mediante el discurso más elocuente y conmovedor jamás pronunciado en la historia del universo conocido.

Pero no, lo cierto es que muchos sentimos que todo sigue más o menos igual que a finales de 2014. Unos han iniciado una nueva aventura, otros se han dado un castañazo contra el suelo, y al final poco importa que sea abril, junio o enero. Las cosas fluyen, sin más, si bien es cierto que por estas fechas viene siendo costumbre publicar un reportaje que recopile los ‘mejores juegos’ vistos durante los últimos doce meses.

Vale, en dicho sentido no somos el alfa y el omega de la innovación. Todas las webs del mundo publican su ranking con el correspondiente GOTY en cabeza, elegido ya sea a dedo (lo conocido como la ‘técnica Rajoy’) o bien mediante una encuesta entre sus lectores (¡malditos progres!). Nosotros hemos pasado un poco de todo eso, por aquello de que elegir al ‘Mejor Juego del Año’ es una cuestión más subjetiva que lo del famoso vestido azul o dorado de Twitter. Vamos, que es un gilimemez de proporciones épicas.

Por eso hemos querido hacer algo totalmente subjetivo, contando con la colaboración no sólo de los propios integrantes de esa maravillosa web que es Juegoreviews, si no de gente ajena, de esos colegas cuya opinión, ya sea por su currículo o por su costumbre de invitarnos a cañas, respetamos profunda y soberanamente.

Hablamos de Guillermo G.M. y Alberto Venegas, de DeusEx Machina y Presura respectivamente, dos medios dedicados a los videojuegos que destilan amor a raudales y que se alejan de lo que viene siendo la prensa especializada tradicional. Por otro lado tenemos a toda una selección de diseñadores indies, más que nada porque su mente suele ir por otros derroteros, con picos de actividad paranormal que se salen de toda gráfica.

Es decir, que rankings con los ‘Mejores videojuegos de 2015’ encontraréis a patadas, pero puede que ninguno tan especial, íntimo, extraño y fardón como este. Vamos a ello.

Rocket League

Una agradable sorpresa para todos aquellos que busquen algo diferente. Con una propuesta basada en un concepto tan simplón y absurdo como un partido de futbol con coches, se esconde una auténtica joya para los amantes del juego competitivo online.

Rocket League es uno de esos juegos fáciles de controlar, difíciles de dominar, que se ha ganado por mérito propio un lugar privilegiado en los e-Sports.

Starcraft II Legacy of the Void

Ningún amante de la estrategia en tiempo real puede ignorar el cierre de trilogía de una saga que muchos consideran el referente en los RTS.

Starcraft II Legacy of the Void regresa con una propuesta que amplía y modifica el juego hasta el punto de convertirlo en el cierre que muchos esperaban de la trilogía a pesar de las enormes expectativas. Nuevas unidades, nuevos modos de juego, y sobre todo, un nuevo abanico de opciones con las que competir online.

Magicka 2

Un juego diferente, pero que esconde un sistema de control que haría sonrojar a muchas superproducciones. El regreso de esta obra de culto nos ofrece juego cooperativo, un renovado repertorio de hechizos y uno de los retos más desafiantes y divertidos que se pueden encontrar hoy en día.

Originalidad, sentido del humor a raudales, y la posibilidad de dedicar horas sólo para descubrir el potencial de nuestros pequeños hechiceros a la hora de combinar elementos para llenar nuestras pantallas de hechizos a cada cual más espectacular.

Ori and the Blind Forest

Plataformas, un mundo fantástico, y un apartado artístico capaz de quitar el hipo. Ori and the Blind Forest ha sido uno de los juegos más bonitos que se han creado en los últimos tiempos.

Se trata de un juego que se desmarca de muchos de los estándares habituales para convertirse en toda una experiencia sensorial cargada de desafío capaz de sorprender y cautivar hasta al jugador más fiel a las superproducciones de siempre.

Anno 2205

El regreso de una de las sagas de gestión más populares regresa con una propuesta similar, pero aportando un nuevo nivel de belleza visual y cambios necesarios, sin renegar de sus raíces.

Pocos juegos resultan tan satisfactorios a la hora de contentar a nuestra población, mientras mantenemos el suministro de bienes y productos a nuestros exigentes ciudadanos, ya sean ejecutivos en la tierra o colonos en la luna.

2015 nos ha traído juegazos. Es la verdad, y probablemente ahora es el momento en el que debería decir ‘Es imposible elegir, no puedo escoger sólo uno, todos son geniales’... Pero no. Todos sabemos cómo va esto, así que, ¿para qué perder el tiempo diciendo que hay cientos de juegos maravillosos en el mercado si ya lo sabemos? Aquí venimos a hablar de gustos, y yo tengo muy claro qué juegos me han causado mejor impresión este año.

En primer lugar, y por encima del resto, me toca decir The Witcher 3: Wild Hunt. Vale, muchos me tachareis de poco original, pero es que la última aventura de Geralt de Rivia me ha fascinado desde que salió a la venta. Como buen amante de los RPG, el mundo abierto y todo lo que tenga tufillo a fantasía épica, estaba muy hypeado por este juego, y lo cierto es que no me ha decepcionado en absoluto. Es gigantesco, es bonito, la trama engancha y tienes una libertad total. Además, CD Projekt RED se lo ha currado con las actualizaciones y los contenidos extras.

Pero por supuesto no es el único. Life is Strange ha sido otro de los juegos qué más me ha gustado. Se aleja mucho de ser un juego perfecto, pero su historia, personajes y giros son estupendos. Además, su estética es muy chula y se aleja de lo que estamos acostumbrados.

En cuanto a títulos de acción pura y desenfrenada, elijo Evolve. La fórmula de monstruos contra cazadores en un multijugador me gusta, y además hay contenido de sobra para los más viciados. Puede que los cobros sean un poco desproporcionados, pero esa es otra historia.

No quiero terminar sin señalar también Ori and the Blind Forest, que si bien es normalito en términos jugables, ha sido una de las mejores experiencias visuales de 2015, sin ninguna duda.

Elegir al mejor videojuego del año es un ejercicio de introspección nada sencillo y que suele acabar con conclusiones injustas. Los que nos dedicamos a la prensa especializada siempre nos dejamos por el camino aquel juego que tenemos menos fresco por haber salido a la venta a primeros de año o aquel otro que no pudimos disfrutar en condiciones porque el bombardeo de títulos a analizar era digno de la Lutfwaffe.

Un servidor ha catado personalmente casi todos los títulos que el grueso de jugadores y medios incluirán en el ‘Top Ten’ de lo mejor del año: Metal Gear Solid V: The Phantom Pain, Fallout 4, Bloodborne, Batman: Arkham Knight, Hotline Miami 2 y muchas otras joyas más pequeñitas pero con un encanto superior. Quedarse con uno sólo es como tener que elegir entre la pierna izquierda y la derecha; la derecha es con la que pegas patadas al balón, pero de por sí sola ¿de qué carajo te sirve?

Por eso haré lo que hago siempre. ¿Cuál es el mejor criterio para detectar un buen juego? Que sea divertido, que te enganche. Lo demás –sus posibles errores, sus tontunas, sus ‘peros’ a nivel técnico, etcétera– acaban pasando a un segundo plano cuando te ves sumergido durante horas y horas en sus adentros. Por eso señoras y señores me quedo con Fallout 4. Sí, definitivamente para un servidor ese es el JUEGO DEL AÑO gracias a su capacidad para sumergirnos en un mundo bastante chungo, por supuesto, pero en el que es imposible quedarse de brazos cruzados.

De todos los juegos que han aparecido en 2015 destacaría tres. El primero de ellos Pillars of Eternity. Una trama compleja, dura y gris, unos personajes profundos, perfilados y atractivos, un sistema de juego añejo pero actualizado y ser el heredero espiritual de Baldur´s Gate lo convierten en el mejor del año. El segundo título a destacar en la cosecha de 2015 es Darkest Dungeon, juego indie financiado a través de Kickstarter ambientado en un mundo de fantasía oscura donde tu principal preocupación será manejar el estrés de tus personajes durante su descenso a los abismos. Uno de esos juegos que tras haber apagado el ordenador, sigues pensando en ellos. Por último, Fallout 4. Un juego que sabe sumergirte como ningún otro en un mundo ficticio, agarrarte, absorberte y no devolverte a la realidad tras haber pasado una buena decenas de horas y haber sobrevivido a un yermo desamparado, cruel y despiadado.

Presura.

Nuclear Throne. Nuclear Throne. Nuclear Throne. Recién salido del early access sería necedad no hablar del tour de force de Vlambeer por el camino de la renovación del arcade: una comunidad maravillosa que aporta feedback a un título al que ya se puede jugar y que está haciendo historia. No le den importancia a las fallidas innovaciones mecánicas de Hotline Miami 2: Wrong Number; los suecos de Dennaton Games detonan tramas en paralelo que componen un cuadro lisérgico mareante. Undertale sintetiza el RPG y alecciona sobre narrativa desde el diálogo. Qué año para el indie británico teñido de steampunk (The Swindle, 80 Days) y su esfuerzo narrativo: Sunless Sea libera un cuarto de millón de palabras sobre un lecho marino de monstruos abisales. En España Dead Synchronicity ilusiona: una aventura gráfica que aborda la ucronía desde la madurez; Missing Translation es la promesa de un videojuego indie español fuerte, diverso y alternativo.

DeusEx Machina.

Durante el año posé la vista en varios videojuegos muy diferentes: uno de ellos es Kentucky Route Zero y el otro es Metal Gear Solid V: The Phantom Pain. Cada uno me impresionó a su manera. Uno me encandiló desde el principio mientras que el otro me hizo conectar con una saga que siempre había ignorado. Diferentes descubrimientos y diferentes sensaciones. Más allá de estos títulos, he tenido grandes experiencias con otros desarrollos publicados este año pero su conjunto no ha marcado un hito dentro de mi memoria.

Hablan los indies: Entrevista a Ac Ojeda.

En Blooming Buds Studio nos ha costado ponernos de acuerdo, y nos hemos dado cuenta del poco tiempo que sacamos para jugar a las últimas novedades (aún tenemos juegos pendientes de otros años). Por un lado The Beginners Guide ha generado opiniones encontradas. Algunos enamorados y otros defraudados (aún así, recomendamos probarlo). Her Story nos ha parecido una de las apuestas más innovadoras. Undertale, otra de nuestras recomendaciones, nos ha cautivado recientemente. La estética de Ori and the Blind Forest nos ha dejado con los ojos como platos. Por cierto, los artistas dijeron que iban a jugar al Monster Hunter 4 y volvían, pero no fue así. Si alguien les ve, por favor, que les diga que les esperamos.

Hablan los indies: Entrevista a Blooming Buds Studio.

Yo tenía clarísimo que mi juego del año 2015 iba a ser Metal Gear Solid V: The Phantom Pain, pero de la forma más dolorosa, porque de lo único que soy fan en esta vida es de Hideo Kojima y de su obra, la quinta entrega de mi saga favorita me ha decepcionado… a pesar de ser muy divertido, MGS V hace aguas a nivel narrativo por todas partes, para mi gusto. Así que creo que voy a recomendar Undertale, por su ritmo brillante y su desfile de sorpresas que te mantienen inquietantemente enganchado a su trama; Hotline Miami 2: Wrong Number, por su carisma, jugabilidad y diversión a cascoporro; y finalmente Downwell, porque es una carta de amor al game design, un juego divertidísimo con muy poquitas reglas y elementos que Ojiro Fumoto, su autor, ha conseguido que interactúen entre sí de forma elegante y magistral.

Hablan los indies: Entrevista a Jordi de Paco.

El mejor juego sin duda es Ori and the Blind Forest, es la cosa más bonica jamás creada y el juego más cuidado en cuanto al desarrollo de la historia y de mecánicas. También destaco Life is Strange, otra maravilla diferente a la corriente actual que te eriza los pelillos y te hace sentir responsable de lo que le sucede a la protagonista y a su entorno.

No voy a recomendaros los juegos más famosos del año, ni tampoco los que más he disfrutado. Prefiero hablar de otros títulos que son obras fantásticas, incluso con sus pequeñas taras, y que no deberíais perderos. No hay videojuegos perfectos y eso no es ningún problema.

Os recomiendo Titan Souls porque, aunque la parte de Shadow of the colossus se perdió por el camino, lo que heredó de Dark Souls lo hace muy intenso y divertido.

Os recomiendo Volume porque, aunque cuesta muchísimo llegar a meterse en el juego, es un título de puzles muy bueno con una gran comunidad detrás que siempre anda haciendo cosas interesantes con el editor.

Y finalmente, os recomiendo Ori and the blind forest porque, aunque las mecánicas y el diseño de niveles me dejaron un tanto frio, sigue siendo una experiencia entretenida y tanto el arte como la banda sonora son una auténtica pasada.

Hablan los indies: Entrevista a AlPixel Games.

Probablemente durante las últimas semanas los fans del universo de Star Wars, creado por George Lucas allá por los lejanos años 70, hayáis estado sintiendo un hormigueo en el estómago o en el pecho. Lamentamos deciros que no, no es la Fuerza que intenta manifestarse en vosotros, sino el hype y las ganas de ver Star Wars: El Despertar la Fuerza, el séptimo episodio de la saga de películas, la séptima película, la primera película que sale en el orden que debería. ¡Sí, El Despertar de la Fuerza es eso y mucho más! ¿Y cuándo se estrena? Pues menudo pregunta... ¡Hoy!

Pero no nos descentremos. Juegoreviews es un medio especializado en videojuegos, y por mucho que nos gustaría hablar de las maravillosas películas (algunas más que otras) ambientadas en esta galaxia multicultural y bélica, no podemos hacerlo. ¿O tal vez sí?

Star Wars se ha convertido con el paso de los años en una macro-licencia, donde las películas se quedan cortas en comparación con las series de televisión, el merchandising, los cómics y los videojuegos ambientados en su universo. Especialmente los videojuegos. Desde 1983 hemos visto como LucasArts y muchos otros estudios desarrolladores nos traían propuestas de acción, estrategia o rol en las que encarnar a Jedis, Sith, pilotar X-Wing, pegar tiros con nuestros blasters o mandobles con nuestros sables láser, decidir el futuro de la galaxia…

¿Qué mejor momento que ahora, que el “venazo friki” de Star Wars vuelve a ser políticamente correcto, para hacer un repaso de algunos de los juegos que más han destacado en estos años, para bien o para mal? No nos enrollamos más. Te invitamos a seguir leyendo, y quién sabe, lo mismo descubres un título que no conocías y que se convierte en tu nueva fuente de adicción. ¡Adelante!

Star Wars Arcade

Star Wars ArcadeEn 1983, Star Wars todavía era virgen en el mundillo de los videojuegos, aunque bueno, ¿qué no lo era? En plena Edad de Oro de los juegos Arcade, Atari presentó una propuesta para recreativas basada en la primera película de la icónica saga que vio la luz. ¿El título de este juego? Star Wars Arcade, un simulador espacial en primera persona en el que controlábamos a Luke Skywalker mientras pilotaba un X-Wing en varias batallas aéreas.

Además de ser un primer homenaje al universo creado por George Lucas, este juego también supuso una pequeña revolución. A diferencia de otros, en los que el jugador tenía que destruir a todos los enemigos para subir de nivel, aquí tenía que sobrevivir, esquivando enemigos o disparando. El objetivo final era la Estrella de la Muerte. ¿Imagináis cómo terminaba?

El juego fue un éxito rotundo, y en los años siguientes llegó a varias consolas de 8-bits, como las distintas Atari, la Commodore 64, Amiga, y un largo etcétera. Incluso estuvo presente en los primeros ordenadores Apple que salieron al mercado.

Super Star Wars

Super Star WarsDamos un salto de varios años, hasta 1992, época de apogeo de la SNES. En este tiempo vieron la luz muchos otros títulos de Star Wars para arcades y las consolas de 8-bits, juegos decentes (demasiado adictivos para algunos), pero no fue hasta estos primeros años de la década de los 90 que llegó nuestro segundo juego destacado. Hablamos de Super Star Wars, el primer juego de la franquicia para SNES, creado por el equipo de LucasArts.

En este juego, los jugadores podíamos controlar a Luke, Han Solo o el peludo Chewbacca, a través de varios niveles en 2D en los que debíamos avanzar hacia la derecha, acabando con enemigos de todo tipo (eso incluye un minijefe final en cada nivel). La gracia del juego es que además había niveles en los que manejábamos X-Wing, un Ladspeeder, y había varias armas distintas a nuestro alcance.

El título fue otro exitazo, tanto que Nintendo no tardó en dar luz verde a dos secuelas, Super Star Wars: The Empire Strikes Back, y Super Star Wars: Return of the Jedi.

Star Wars: X-Wing

Star Wars: X-WingUn añito después, en 1993, llegó otro de los juegos destacados de nuestra lista. Aunque ya se habían visto varios simuladores de combate espacial, éste era especial, por dos motivos. El primero, que se trataba del primer juego de PC de la franquicia desarrollado por LucasArts. El segundo, por ser uno de los primeros juegos en usar polígonos en 3D.

Además, Star Wars: X-Wing nos ofrecía una historia intensa donde las haya, simultánea a la de ‘Star Wars Episodio 4: Una nueva esperanza’. Controlábamos a un piloto rebelde en su lucha contra el Imperio, a través de 14 operaciones que concluían con la espectacular Batalla de Yavin. Las misiones podían jugarse en el orden que deseáramos, y para superarlas debíamos alcanzar los objetivos primarios de cada una. Más adelante, el juego recibió dos packs de expansión, Imperial Pursuit y B-Wing, que ampliaban la trama hasta el establecimiento de la base rebelde.

El juego contaba con cinemáticas, doblajes, imágenes trazadas a mano… Una joyita de la época, vaya. No es de extrañar que la saga recibiera más entregas, como X-Wings vs. TIE Fighter o X-Wing Alliance.

Star Wars: Jedi Knight – Dark Forces II

Star Wars: Jedi Knight – Dark Forces IIEn 1995, LucasArts lanzó Star Wars: Dark Forces, un shooter en primera persona, para PC y DOS. Un año después también llegaría a esa primera PlayStation, tan mítica, pero no es de este juego del que vamos a hablaros, sino de su secuela. Star Wars Jedi Knight: Dark Forces II llegó en 1997, superando con creces a su precuela y recibiendo infinidad de críticas positivas. Tanto es así que lo comparaban, de forma positiva, con el icónico Doom.

El juego nos volvía a meter en la piel de Kyle Katarn, el protagonista del primer juego, mientras intentábamos vengar la muerte de su padre a manos de un Jedi oscuro. Para ello debíamos emprender un viaje al Valle de los Jedi, a través de 21 niveles donde nuestras únicas armas eran el sable láser y la Fuerza. Bueno, visto así, parecen armas suficientes, ¿no os parece?

Esta secuela introdujo varias mejoras espectaculares, como un motor gráfico que permitía aceleración en 3D, la posibilidad de alternar las vistas en primera o tercera persona… Eso por no hablar de su modo multijugador, que permitía competir con otros jugadores a través de Internet o una Red de Área Local. Algo que tan común parece hoy día era una característica rompedora en su momento, así que este juego no podía faltar en nuestra selección.

Star Wars: Galactic Battlegrounds

Star Wars: Galactic BattlegroundsSeguimos con Star Wars: Galactic Battlegrounds, un juego que, si bien no alcanzó las cotas de popularidad que otros de los que hemos mencionado, merece estar en nuestra selección. ¿Por qué? Pues porque fue el primer juego de Star Wars en cambiar de género, dejando a un lado la acción y sustituyéndola por estrategia y gestión pura.

¿Y quién podía ser mejor que Ensemble Studios, los creadores de la mítica saga Age of Empires, para hacerlo? El estudio publicó el juego en 2001, para PC, y ofrecía todas las mecánicas y posibilidades que habían hecho un éxito a Age of Empires II. De hecho, nada cambiaba, excepto, obviamente, el estilo de las unidades, la música y el tipo de decorados. Por lo demás, todo era lo mismo. Incluso las reliquias seguían ahí, sólo que convertidas en holocrones.

Galactic Battlegrounds se ambientaba durante ‘La Amenaza Fantasma’, y más tarde se actualizó con nuevo contenido basado en ‘El Ataque de los Clones’. Había varias “civilizaciones” a controlar, desde los Rebeldes a la República, pasando por el Imperio, los Wookies, y alguno más. Además permitía partidas de hasta ocho jugadores, y ofrecía distintas campañas.

Aunque el juego no era perfecto, y presentaba algún que otro fallo al manejar unidades aéreas, teníamos que destacarlo. ¡Un Age of Empires de Star Wars! Sólo pensarlo dispara el hype.

Star Wars: Caballeros de la Antigua República

Star Wars: Caballeros de la Antigua RepúblicaLlegamos al 2003, y al juego que probablemente muchos estéis esperando. ¿Bioware y Star Wars? Efectivamente, hablamos de Star Wars: Caballeros de la Antigua República, uno de los primeros RPGs ambientados en este universo de ciencia ficción y el que inició la franquicia, una de las más queridas por los fans.

Uno de los principales atractivos de ‘Caballeros de la Antigua República’ es que nos mostraba una época totalmente distinta a la que estábamos acostumbrados a ver en un juego de Star Wars. Nos trasladábamos al tiempo donde la Orden Jedi estaba en su máximo apogeo, 4.000 años antes de la primera película, y allí asumíamos el papel de un caballero Jedi intentando poner fin a los malvados planes de Darth Malak… U ocupar su lugar.

El juego encantó por su sistema de toma de decisiones, que nos permitía elegir el camino a tomar, el del Lado Luminoso o el del Lado Oscuro, teniendo consecuencias en la trama. Más adelante, Obsidian Entertainment se encargó de desarrollar la secuela, The Sith Lords, una entrega que recibió tan buenas críticas como el original (puede que incluso más) y que dejó a los fans con ganas de seguir explorando el universo.

De momento no hay noticias del esperadísimo Star Wars: Caballeros de la Antigua República III, pero la esperanza es lo último que se pierde. Obsidian ha manifestado su interés en desarrollar esta continuación. Además, los últimos rumores apuntan a remasterizaciones de los dos juegos en 2016… ¿Será posible?

Star Wars Galaxies

Star Wars GalaxiesEl RPG de Bioware dio el pistoletazo de salida a varios juegos de ese género de Star Wars, sin embargo vamos a destacar sólo Star Wars Galaxies. Se trataba de un videojuego de rol multijugador masivo online, en el que podíamos visitar diez planetas característicos del universo creado por George Lucas (Tatooine, Naboo, Corellia, Talus, Rori, Dantooine, Lok, Yavin IV, la luna bosque de Endor y Dathomir), además de muchas zonas inventadas por los creadores del juego.

En el juego, como es normal en el género, podíamos elegir la raza intergaláctica de nuestro personaje, su sexo, apariencia, una profesión (Jedi, contrabandista, y muchas otras), subirle de nivel y elegir sus habilidades…

Star Wars Galaxies fue todo un éxito, tanto que sus servidores duraron abiertos hasta diciembre de 2011. Incluso hoy día puede seguir jugándose a través de swgemu, una versión emulada sin actualizaciones.

Star Wars: Battlefront

Star Wars: BattlefrontEn 2004 vio la luz por primera vez un juego que supondría el inicio de una franquicia de la que hemos hablado mucho en los últimos meses. Exactamente, el primer Star Wars: Battlefront, desarrollado por Pandemic Studios. Con un gran peso del componente online, este Battlefront nos permitía escoger entre cuatro facciones (Droides, Clones, Rebeldes o Imperiales) y distintos modos, basados en todos los Episodios de las películas (excepto el tercero, que aún no se había estrenado).

Poco después (un año, para ser exactos) Pandemic lanzó Star Ward: Battlefront II, una versión mejorada, con escenarios y situaciones de toda la saga de películas, nuevas mecánicas, una inteligencia artificial mejor… Esto termino de asentar la saga, que nos traería dos entregas más, esta vez desarrolladas por Rebellion y N-Space.

Este año, la responsabilidad de traer un nuevo Star Wars: Battlefront ha recaído en DICE, y lo cierto es que han conseguido un resultado espectacular, al menos en lo referente a estética y potencia gráfica. En cuanto a modos de juego y profundidad, puede que se hayan quedado un poco justos. Pero oye, este no es lugar para debatirlo. Si queréis saber qué nos ha parecido el juego, tenéis un súper análisis con súper vídeo análisis pululando por aquí.

Star Wars: El Poder de la Fuerza

Star Wars: El Poder de la FuerzaOtro de los títulos destacados de nuestra lista es Star Wars: El Poder de la Fuerza. El juego, de acción en tercera persona, se hizo esperar hasta 2008, y llegó tras generar infinidad de hype en los jugadores. ¿Por qué? Pues por varias razones. La primera de todas, que la historia había sido creada bajo la dirección de George Lucas. La segunda, que se ambientaba en esos oscuros y misteriosos años entre los Episodios 3 y 4. Y tercera, que tenía como protagonista… ¡Al aprendiz secreto de Darth Vader! ¿Quién da más?

El juego nos metía en la piel del Aprendiz Sith Galen Marek, más tarde conocido como Star Killer, en su tormentosa lucha contra los Jedi, luego los Rebeldes, luego sus maestros, y todos mezclados un poco. El gran atractivo de la aventura era que podíamos decidir cómo jugábamos la historia, si siguiendo el camino de la luz o el de la oscuridad, y que podíamos usar los espectaculares Poderes de la Fuerza.

Por desgracia, el juego no fue el éxito que muchos esperaban. Más adelante contó con una secuela, pero por desgracia eso no sirvió más que para terminar de enterrar la saga. Os preguntaréis entonces, ¿por qué destacamos el juego? Pues porque, para bien o para mal, este juego marcó historia entre los fans. Merece su huequecito en la lista.

Star Wars 1313

Star Wars 1313Y pasamos de una pequeña decepción, a otra aún más grande. Una decepción en forma de cancelación. Star Wars 1313 iba a ser un juego de aventura en tercera persona desarrollado exclusivamente por LucasArts, y en él íbamos a seguir los pasos de un Boba Fett joven, en un universo mucho más oscuro al que otro contenido de Star Wars nos tiene acostumbrados. El juego fue presentado oficialmente en el E3 2012, y su desarrollo iba viento en popa. Entonces comenzaron los problemas.

¿Qué pasó? La compra de LucasArts. Disney se hizo con el control de la compañía en 2013, y poco después desmanteló el equipo de trabajo del estudio, dejando menos de 10 empleados que pudieran servir como licenciantes. Eso significó que todos los proyectos del estudio fueran cancelados, una auténtica pena.

Puede que Star Wars 1313 no viera nunca la luz, pero merece estar en nuestra lista de destacados, por ser el gran juego que los fans esperaban y que nunca pudo ser. ¿Nunca? No se sabe, pero este mismo año, la cineasta Kathleen Kennedy comentó que el concepto del juego era “oro”, y no merecía perderse. ¿Sobrevivirá algo de Star Wars 1313 en el futuro?

Por si aún no os han bombardeado lo suficiente desde Mediaset lo repetiremos una vez más desde aquí: ayer fue la premier de Ocho Apellidos Catalanes.

(Tiempo para los vítores, los desmayos y los sujetadores volando por los aires).

Vale, ya podemos continuar. Como decimos ayer fue la premier de la que sin lugar a dudas será una de las películas más vistas en los cines de nuestro país durante los próximos meses, y es por ello que la madrileña Plaza del Callao estaba atestada de gente y repleta de carteles promocionales y luces de feria; un espectáculo que el diseñador de videojuegos AC Ojeda definió con una sola frase bastante acertada: “no somos nadie”.

¿A qué venía una declaración tan sombría por parte de un señor que ni busca ni quiere verse rodeado por un revuelo mediático de semejantes proporciones? Pues a que a apenas 350 metros en línea recta por la Gran Vía estaba a punto de comenzar la edición de noviembre del Zerouno, un evento ideado para servir de patio de colegio para desarrolladores, prensa y fans de los videojuegos, quienes pueden conocerse e intercambiar ideas entre conversaciones animadas y cervezas tras asistir a las charlas correspondientes.

Evidentemente a las puertas del Edificio Telefónica donde tuvo lugar este evento no había una sola groupie chillando ni cámaras de televisión ni periodistas del corazón, algo que desde luego no eché en falta, pero que sirve como ejemplo para remarcar ese abismo sociocultural que aún a día de hoy separa el mundo del cine y la televisión con el de los videojuegos en nuestro país.

Como soy un bala perdida me presenté en el Zerouno sin haber reservado entrada. Ello implica una penalización de +1 euro quedando el coste total en 5 euros, un precio no sólo asumible, si no hasta perfectamente rentable teniendo en cuenta que, además de la grata experiencia, te llevas a casa una bebida energética de medio litro de esas que huelen a jarabe y que pueden provocar infarto de miocardio. Además los refrescos post-charlas y los botellines también están incluidos. ¡Hurra y bravo!

Ya con mi entrada, mi refresco y un maravilloso disquete de 3.5 de Indiefan (sobre el cual volveré luego), me dispuse a saludar a otros tantos asistentes como Ludipe, Rubén Calles y Celer Gutiérrez de AlPixel Games, los chicos de Blooming Buds Studio y Eduardo Cueto de Gammera Nest. No tardó mucho en empezar el evento en sí, como siempre capitaneado por Bernardo Hernández, uno de esos héroes que se meten en todos los fregados posibles tratando de impulsar la industria del videojuego española.

Para los que no lo sepáis, el Zerouno suele contar con un esquema cerrado de charlas de siete minutos con un tiempo breve para preguntas y el ‘Game Glory’ como colofón final. Juan de la Torre, de Team Gotham, fue el encargado de dar la primera charla permitiéndonos conocer un poquito más sobre The Guest ese juego tan prometedor que lanzarán en colaboración con 505 Games en una fecha aún por determinar dentro de la primera mitad de 2016. Sinceramente, estamos ante un título que nos dejó unas muy buenas sensaciones durante la Madrid Games Week, y que sirve para poner de manifiesto el gran potencial de nuestros jóvenes desarrolladores.

El siguiente turno fue para Juan Manuel Moreno, co-fundador de Nivel Oculto e Indiefan, quien subió al estrado para presentar dicha plataforma. ¿Y qué es Indiefan? Pues bien, se trata de una iniciativa pensada para apoyar a los desarrolladores independientes de habla hispana en la laboriosa tarea de conseguir visibilidad. El esquema es sencillo, siguiendo la base de Kickstarter y similares cada desarrollador debe crear una campaña marcándose un objetivo concreto: lograr el apoyo de un número determinado de personas. De conseguir dicho objetivo su proyecto se difundirá automáticamente a través de las redes sociales de aquellos que lo han apoyado, generando un efecto viral que potencia la visibilidad del proyecto y que puede servir para medir el impacto final del juego una vez esté publicado.

La última charla de siete minutos cayó en manos de Eduardo López Asenjo, business manager de Pyro Mobile, empresa en la que se ha convertido la mítica Pyro Studios de la cual surgieron esos juegazos que aún a día de hoy son considerados en determinados círculos como la crème de la crème del desarrollo patrio: la saga Commandos y el sensacional Praetorians. Eduardo puso por así decirlo el toque institucional, técnico y comercial a la noche, ofreciendo un poco de historia de Pyro y centrándose en los últimos éxitos del estudio dentro del terreno de los juegos para móviles.

Por supuesto dejó caer un caramelo sobre la mesa, el desarrollo de un juego de Commandos para móviles y tabletas con el cual buscan “recuperar el alma del estudio” habiendo recibido una subvención por parte del Estado de 94.887 euros y un préstamo de 853.984 euros para su desarrollo. Eso sí, Eduardo remarcó que por ahora no puede decir nada de nada sobre nada de esto, puesto que lógicamente tiene que ceñirse a un estricto plan de comunicaciones.

Acabadas las charlas dio comienzo el Game Glory, una competición entre dos o más juegos. La fórmula también es bastante sencilla, los estudios participantes tienen un minuto y medio para presentar su juego tratando de ganar el mayor apoyo posible por parte del público asistente. En esta edición se enfrentaron Two Dimensions, un original y adictivo runner para móviles presentado por Diego Vargas; y The amazing odyssey of growing up, el videojuego alternativo desarrollado por Ludipe, Rubén Calles, AC Ojeda y Alex Zarzalejo en una #AltJam de 48 horas que retransmitieron en directo vía streaming. Salió vencedor Two Dimensions, por lo que sus responsables se han ganado el derecho a subir a la palestra en la edición de diciembre dando una de las charlas de siete minutos.

Pero el Zerouno no acabó aquí. Como bien he comentado anteriormente tras las charlas y la Game Glory vino lo que podría calificarse como la mismísima alma máter de este evento; la posibilidad de tomar algo rodeado de desarrolladores, fans de los videojuegos y algún que otro miembro de la prensa especializada, teniendo así la oportunidad de saludar a aquellos que no pude saludar antes, como a los chicos de Team Gotham, a la artista Verónica Rufo de WasFan Studios y al siempre carismático Luis Oliván de Fictiorama.

Tras compartir alguna que otra idea bastante absurda y pasar un buen rato en general, recogí mí lata de bebida energética provoca infartos y mi disquete de 3.5 de Indiefan y me fui a casa. Dejé la lata en la nevera y el disquete sobre la mesa de mi estudio (menos mal que no fue al revés) y di por cerrado el día.

Esta mañana nada más despertarme me he metido en Twitter a ver qué se cuece antes de empezar la jornada laboral y, cosas de la vida, he visto que corre por ahí el rumor de que el famoso disquete de Indiefan guarda un secreto oculto en su interior. Además según cuentan no es un virus, aunque seguramente tampoco sea el secreto de la alquimia para fabricar oro. Sea lo que sea me temo que me quedaré con el misterio, puesto que no he encontrado forma alguna de acceder a su interior.

Al menos tengo un nuevo posavasos bastante molón, y la seguridad de que volveré al Zerouno en cuanto se den las circunstancias apropiadas para ello.

Videojuego hardcore, videojuego retro, videojuego indie, videojuego alternativo. En una época en la que se le tiene que poner etiquetas a todo, no somos pocos los que nos sentimos un tanto perdidos, más aún teniendo en cuenta la cantidad de nuevas formas que están surgiendo durante los últimos años frente a los típicos juegos comerciales. Términos como ‘desarrollador indie’ o ‘game jam’ van colándose en nuestro vocabulario, sin embargo, ¿sabemos de qué hablamos cuando los usamos?

Muchos no tienen ni idea de qué es lo que hace un desarrollador indie. Los ven como si fueran seres de otro planeta que, de vez en cuando, salen del garaje de sus padres en el cual crean videojuegos extraños para dejarse ver en ferias y eventos. Otros no saben diferenciar un videojuego indie de una propuesta de ‘bajo presupuesto’ por parte de una gran editora, y muchos otros ni se plantean siquiera la diferencia que puede haber entre cualquier juego del montón y un juego alternativo. Parte de la culpa de que todo esto sea así es por supuesto nuestra, de los medios, pero no vamos a entrar ahora en este tema.

El caso es que todo esto es un caos incluso para los que seguimos la actualidad del videojuego de cerca. Por eso nos gustó tanto la iniciativa de los diseñadores Ludipe y AC Ojeda con el artista Rubén Calles y el músico Alex Zarzalejo, quienes con la colaboración de Made in Spain pasaron todo el fin de semana del 7 y 8 de noviembre encerrados en las oficinas de AlPixel Games con el objetivo de dar forma a un videojuego alternativo.

Podríais decir que qué diferencia hay con cualquier otra jam. Bien, la particularidad de esta #AltJam radica en que durante todo el tiempo que estuvieron trabajando en el juego, desde la toma de decisiones respecto al diseño hasta que estuvo perfectamente terminado y publicado, había una cámara presente retransmitiendo imagen y sonido en directo vía Internet. Es decir, cualquiera podía meterse en Twitch para ver como daban vida a lo que acabó siendo The amazing odyssey of growing up.

¿Y cómo surgió esta idea a priori tan disparatada? Ludipe asegura que “se juntó que nos apetecía hacer una jam juntos con aprovechar la oportunidad de hablar de juegos alternativos y desarrollo abierto. Siempre estamos dispuestos a hacer cualquiera de estas cosas”. oportunidad de hablar de juegos alternativos y desarrollo abiertoVamos, que estos chicos se apuntan a un bombardeo; “hacer una jam puede ser duro y dejarte agotado, pero nos lo pasamos genial. En un principio intentas comportarte con total dignidad, hasta que el agotamiento extremo, la cafeína y las cervezas hacen de las suyas”.

Como decimos The amazing odyssey of growing up ya está publicado, esperando a que cualquiera lo descargue de forma gratuita pudiendo aportar, si así lo desea, el correspondiente donativo a sus responsables. Pero, ¿qué podemos esperar de este juego alternativo? El diseñador AC Ojeda lo define como “el reflejo de una historia simple: el hecho de crecer”. En la primera parte del juego el objetivo es “aprender por ti mismo, enfrentarte a los miedos sólo para avanzar” mientras que “en la segunda parte encarnas el papel de la experiencia” controlando a una mano que parece caer del cielo.

Ojo, porque no es la mano de Dios, “es la mano de un padre que ayuda a su hijo. Ayudas a avanzar, por eso al final se funde todo en uno y aparece más grande. Al unir la experiencia personal y el proceso de ayuda a otros, se evoluciona”Al unir la experiencia personal y el proceso de ayuda a otros, se evoluciona. Con estas palabras ha explicado el trasfondo del juego AC Ojeda, quien además ha calificado la experiencia de desarrollar un juego en directo como “una locura, una suerte de Gran Hermano sin edredoning y con mucha moral para intentar llegar al final”. Todo un reto con un claro objetivo en mente “dar rienda suelta a la verdadera creación frente al mero producto material”.

Dejando a un lado temas como la idea que hay detrás del juego, lo primero que entra por los ojos es un apartado visual realizado a base de cortes de cutter sobre cartones y cartulinas, utilizando otros tantos elementos de uso cotidiano como pinzas de tender la ropa y clips de oficina para crear los diferentes elementos que conforman el mundo de The amazing odyssey of growing up. El principal responsable de todo esto, quien además tuvo que aplicar a fondo sus conocimientos sobre stop motion, es Rubén Calles, artista en AlPixel Games.

Rubén asegura que la idea de utilizar estos elementos tan peculiares y una técnica tan aparentemente anacrónica como el stop motion dentro de un videojuego llevaba desde hacía ya mucho rondándole la cabeza: “al parecer Ludipe también llevaba mucho tiempo queriendo trabajar en algo pequeñito con este estilo, y en una de esas locas conversaciones en la ofi ambos coincidimos en que era oportuno llevarlo a cabo en una jam autoimpuesta, más aún si lo que buscábamos era algo como un juego alternativo”.

En cuanto a las dificultades de llevar a cabo esta tarea tan laboriosa con una cámara grabando todo lo que hacían, Rubén asegura que “el mayor reto fue buscar qué acabado darle a esta técnica, si una bidimensionalidad o una tridimiensionalidad, si los elementos estarían en una sola línea o bien en diferentes planos de profundidad”. La gran mayoría de estos quebraderos de cabeza quedaron atrás en cuanto se asentaron las bases del diseño del juego pero, ¿qué hay de esa cámara retransmitiendo todos sus movimientos? “La cámara no supuso un problema más allá de los primeros minutos, al final no tenías más que verme en el streaming recortando, pegando y montando marionetas tirado en el suelo. Creo que me metí demasiado en el mundo del juego”.

En conclusión, parece que el resultado de este experimento ha sido más que positivo. De esas 48 horas de encierro han surgido no pocas ideas interesantes, un videojuego totalmente diferente a casi cualquier otro que nos podamos encontrar y el sentimiento por parte de sus responsables de que el esfuerzo ha merecido la pena. Además aquellos que se animaron a seguirlo vía streaming pudieron aprender de primera mano cómo se desarrolla un videojuego alternativo; mientras que quienes ese fin de semana estaban a otra cosa siempre pueden sentarse ahora frente al PC, descargar The amazing odyssey of growing up y disfrutar de esta pequeña obra de arte.

Durante la Madrid Games Week pudimos probar no pocos juegos de esos que prometen ofrecernos horas y horas de diversión. Desde grandes superproducciones apoyadas en campañas de marketing bestiales hasta pequeñas y medianas joyas desarrolladas por estudios patrios con un presupuesto sacado de debajo de las piedras, muchísimas ganas y, sobre todo, un talento que sería difícil de medir con las escalas existentes.

Y entre toda esa marabunta indie nos encontramos con que la propia Playstation España tenía un stand reservado para pequeñas producciones de este tipo. Pero vamos a ver, ¿puede un juego ser indie si tiene a Playstation detrás? ¿No se supone que los indies deben buscarse su propio camino aunque ello conlleve vivir debajo de un puente y vender droga a la salida de los colegios? No amigos, desde luego que no vamos a entrar a definir aquí lo que es o no es indie, más que nada porque a buen seguro rodarían cabezas –la de un servidor–.

Lo que sí puedo decir es que los juegos que había en el citado stand de Playstation sí que eran indies 100% bellota, puesto que detrás de ellos nos encontramos con pequeños estudios formados por jóvenes talentos nacionales que quieren hacerse un hueco en el sector, y qué mejor forma de hacerlo que participando en los Premios Playstation, una iniciativa que busca dar difusión a la industria patria y facilitar la vida quien desde Sony consideren que es el estudio con un mayor potencial. Es decir, al estudio que cuente con un juego en una fase prematura de desarrollo que pueda llegar a convertirse en un videojuego completo con todas las letras.

Pero a lo que vamos, el caso es que me tocó pasarme por ahí a catar los juegos de los candidatos, algo por supuesto que hice encantado. Y entre todos ellos hubo uno en particular que llamó mi atención: Super Red-Hot Hero. Ya sólo el nombre mola, ¿verdad? Pues los individuos que hay detrás molan tanto o más que el propio juego, y como me dedico a hacer entrevistas por amiguismo y sobornos pues les propuse a los chicos de StrangeLight Games, que protagonizaran una de las entregas de ‘Hablan los indies’.

Y aquí está el resultado, una amena conversación con Bernardo Marcos, cofundador del estudio. Espero que lo disfrutéis.

Empecemos por donde siempre, quiénes sois en StrangeLight Games. Cómo y cuándo surgió el estudio.

¡Buenas Daniel! Pues mira es una historia bastante curiosa. Resulta que hace un par de años le dije a Marion, mi pareja, que quería ponerme a hacer videojuegos. Yo era ilustrador, pero no sabía programar ni la lavadora. Ella me comentó que tenía un ex novio que era programador y que siempre había querido hacer juegos. Decidí llamarlo y nos conocimos. Pere trabajaba ya haciendo webs con Alberto y nos juntamos. El pacto fue nunca explicar de qué nos conocíamos… ¡Ouch!

¡Tarde! Toca desatar nuestra pasión por los cotilleos y la prensa amarilla. Bueno, venga, va… lo dejaremos pasar. ¿Qué tal os iba antes de lanzaros a esta aventura? Como tantos otros desarrolladores, ¿habéis dejado atrás un trabajo estable para lanzaros a cumplir un sueño?

Pues no, aún seguimos en ello. Quizá es porque el sueño aún no está cumplido y hay que comer (risas). Lo compaginamos como podemos. Como somos autónomos, nuestro despacho es multifunción. Tampoco sabemos si llegaremos a dejar del todo otros proyectos, dependerá de cómo vayan las cosas. A mi personalmente me gusta hacer otros encargos de vez en cuando y nos da una seguridad económica que nos permite hacer los juegos que queramos.

El término ‘seguridad económica’ no es muy indie, ¡que lo sepas! Sigamos, ¿cómo reaccionaron amigos y familiares cuando les comentasteis que queríais fundar un estudio de videojuegos? ¿Entienden que se puede sobrevivir e incluso llegar a hacer negocio con algo así?

Al principio les pareció genial, porque: ‘el videojuego es una industria en alza’. Un tiempo después era más como: ‘¿Pero no vais a salir en móvil? ¡Si es donde hay pasta!’. Hoy en día es más tipo: ‘¿Aún no cobráis? ¿Por qué no aceptasteis lo que os ofrecieron aquella vez que…?’. De todos modos en general confían bastante en nosotros. Creo que es porque nos ven trabajar mucho y salir poco. A saber dónde estaríamos si no…

Lo de ‘salir poco’ también es poco indie, no me rompáis estereotipos ahora. Pero lo dicho, sigamos, ¿ha sido necesario un profundo reciclaje profesional para comenzar a desarrollar un videojuego o lo habéis tenido relativamente fácil gracias a las herramientas actuales?

Bueno, aunque Pere es ingeniero informático y yo soy de Bellas Artes (no digo artista, porque me parece un poco de ‘repelentín’), no sabíamos nada de hacer videojuegos. Por suerte somos autodidactas por naturaleza y hemos ido aprendiendo sobre la marcha. Es un campo en el que no creo que se pare nunca de aprender de todos modos. Las herramientas actuales nos han permitido funcionar siendo un estudio muy pequeño, eso está claro…

¿Cómo fueron los comienzos? ¿Tenéis la sensación como tantos otros estudios independientes de estar tirando vuestro dinero a un pozo insondable del que no escapa ni la luz? Eso sí, siendo igualmente felices y estando orgullosos de lo que hacéis, claro.

¡Estamos tirando dinero todo el rato! ¡A todas partes! Lo bueno es que tampoco tenemos mucho tiempo para gastar en otras cosas (risas). Siempre hemos tenido claro que queríamos hacer un buen juego, aunque fuera un camino largo. Con el tiempo hemos visto que quizá no es la mejor estrategia para empezar, pero creemos que vamos bien y que recuperaremos la inversión. Sobre la felicidad y el orgullo, hay ratos para todo, pero nos encanta lo que hacemos, y creo que cuando acabemos y veamos el juego acabado fliparemos.

Corrección: Pere dice que diga que es todo pasión y felicidad, que vende más. Pues eso, que estamos en la cresta de la ola y que es un no parar de reír. El desarrollo no remunerado es como una guerra de cojines infinita.

Nos conocimos durante la Madrid Games Week, feria a la que acudisteis dentro de la iniciativa ‘Premios Playstation’. Contadnos cómo está siendo para vosotros esta experiencia.

Pues está siendo muy constructivo. Era la primera vez que enseñábamos Super Red-Hot Hero en público y, tener la oportunidad de hacerlo en el stand de Playstation en una feria como la MGW es una gran experiencia, sin duda. Además aprendes a vender tu juego a grito pelao, intentando hacerte oír por encima del comentarista del FIFA.

Fuera bromas, estamos muy agradecidos. Es genial.

Cuando os presentasteis con vuestro juego, Super Red-Hot Hero, en qué fase de desarrollo se encontraba y cómo marcha ahora.

Estaba casi como en la MWG, acabando la versión Alpha. Ahora mismo estamos modificando algunas cosas antes de cerrarla, teniendo en cuenta el feedback que recibimos allí.

Efectivamente durante la feria no pocas personas, un servidor incluido, se pasaron a probar vuestro juego. De entre todo el feedback que comentas, ¿qué es lo que os caló más hondo? ¿Hubo alguna crítica feroz que os hirió la patatita o todo fueron halagos?

Por primera vez mostramos Super Red-Hot Hero y recibimos un feedback absolutamente positivo. Nos quedamos muy tranquilos, porque este proyecto es una evolución de uno anterior que no acababa de cuajar. Lo rediseñamos entero y parece ser que hemos acertado.

También recibimos críticas súper constructivas en lo referente a las sensaciones del control y cámara, gracias a las cuales el juego que tenemos hoy es mucho más agradable que el que se vio en Madrid. Especial mención a Jordi de Paco que nos dedicó un ratazo y nos dio un feedback muy útil. Por otro lado hubo dos chicos que odiaron el juego. Luego fui al baño y estaban allí criticándonos muy fuerte a la mayoría de estudios. No me reconocieron. Les saludé y lo pasaron muy mal, se pusieron rojos y tal. ¡Si hay 20 estudios con entre 3 y 14 miembros cada uno, es muy probable que te encuentres a alguno en el baño!

Ya ves, desde aquí animo a esos dos colegas a ponerse a picar un juego, a ver qué sacan… aunque quién sabe, quizás sean unos genios incomprendidos. ¿Qué destacaríais de participar en los Premios Playstation? ¿La visibilidad? ¿La posibilidad de que os financien el proyecto?

La visibilidad es sin duda lo más destacable para nosotros. También el ‘feedback’. La financiación del proyecto no es uno de los premios del concurso, aunque si ofrecen una suma en metálico. Ellos invierten principalmente en marketing.

En diciembre es la gran final. Quizás sea una pregunta un tanto estúpida pero, ¿creéis que tenéis posibilidades? A ver si os mojáis un poco, ¿cuáles de los proyectos finalistas veis como posibles vencedores?

A ver, quedamos 12 proyectos… Pere me comenta que así a bote pronto tenemos un 8,333 de posibilidades. De todos modos, mi madre dice que lo importante es participar y no seré yo quien la contradiga.

En el caso de ganar… ¿habrá champán para todos y fiesta con confeti? ¿Cuál es vuestra hoja de ruta si no lo conseguís?

En el caso de ganar podríamos encargar más temas a Carles a Fran, compositor musical y sound designer del juego, respectivamente. En caso contrario estamos aprendiendo a tocar la flauta, pero no es lo mismo. No sé si contesto a tu pregunta… El juego se publicará de un modo u otro.

Eso es lo que quería oír. Hemos ido al tema con los Premios Playstation sin presentar primero vuestros juegos, ¡qué maleducados somos! Hasta lo que sé tenéis cuatro títulos: ‘Magma Tsunami’, ‘Strangelight’, ‘What Happened Here?’ y ‘Super Red-Hot Hero’. ¿Podéis presentarnos los tres primeros? De Super Red-Hot ya hablaremos más tarde…

Vamos allá:

A mi particularmente me ha llamado la atención ‘What Happened Here?’. Me ha gustado el hecho de despertar en una habitación destartalada y que, dependiendo de lo paranoicos que nos pongamos el final sea uno u otro. ¿Su idea central surge de alguna experiencia personal? ¿Alguna vez habéis despertado en una habitación de hotel pensando que os habían extirpado un riñón, que un extraterrestre ha experimentado con vosotros o que una prostituta asiática os ha robado la cartera?

A veces soñamos con el día en que nos despertemos a menudo en suites de hoteles de lujo sin recordar nada. Supongo que ‘WHH?’ es una proyección de esos deseos. A parte, un amigo de un amigo mío, que una vez después de una juerga no se acordaba de casi nada, me ayudó con el guión.

¿Os plantaríais expandir su concepto con un proyecto más ambicioso o estamos ante un mero experimento que acaba ahí?

Me alegra mucho que te guste y que me preguntes esto. ‘What Happened Here?’ es un proyecto bastante fetiche para mí. Siempre me ha atraído continuarlo, de hecho he seguido trabajando sobre él en la facultad de Bellas Artes.

El juego gustó y se movió mucho por diferentes páginas de minijuegos (evidentemente sin pedirnos permiso y sin pagarnos). Si alguien lo quiere jugar que lo juegue en nuestra web, gratis, y sin anuncios. Además pusimos un secreto en el juego para comprobar que opinaba a la gente y recibimos mucho feedback al respecto… Hasta aquí puedo leer.

Volviendo a la pregunta, es más que probable que algún día retomemos el concepto, pero si lo hacemos, no lo ampliaremos a saco, sino que lo replantearemos desde cero, sobretodo porque durante la entrevista has hecho spoilers del concepto principal del juego. Sin rencores.

Hablemos ya de Super Red-Hot Hero. Es el turno de su presentación en sociedad.

Super Red-Hot Hero es un juego de plataformas en 2.5D inspirado en los grandes juegos de nuestra infancia, combinado con los plataformas independientes más frenéticos de hoy en día. El jugador controla a Red-Hot Hero, un androide cuyo corazón fue substituido por un núcleo de Red-Hot Energy, una poderosa energía térmica que sirve de sustento a todo un ejército de adorables robots. Con semejante poder, Red-Hot Hero puede viajar a la velocidad de la luz entre las concentraciones de Red-Hot Energy que dejan las explosiones de sus enemigos al ser pisados, golpeados o disparados por nuestro héroe. El problema es que su núcleo está averiado, por lo que pierde energía constantemente, así que debe moverse rápido para absorber toda la que pueda encontrar, aunque para ello tenga que destruir a todo el ejército de la Kazan Army.

Estamos buscando un título frenético y exigente, que ponga a prueba los reflejos de los jugadores con más nervio.

Personalmente he de decir que me pareció uno de los títulos más potentes de entre los que aspiran a ganar los Premios Playstation. Pero estoy aquí para criticar, ¿no? Creo que, pese a que cuenta con unas mecánicas ricas y un ritmo feroz, al principio cuesta un poco pillarle el punto. ¿Ofreceréis un pequeño tutorial para los más torpes? ¿Cómo va el proceso para conseguir una curva de dificultad equilibrada?

Pues no lo tenemos claro, seguramente simplificaremos un poco el principio, pero casi todo el mundo lo pilla tras pocos intentos y se sienten muy satisfechos. Nos gustaría seguir el magnífico ejemplo de Super Mario Bros e intentar explicar lo máximo posible con el diseño de niveles, evitando los tutoriales. En Madrid teníamos que enseñar muchas cosas en poco tiempo y tampoco queríamos que pareciese un juego muy fácil si nos quedábamos cortos. Lo que la gente jugó como tercera pantalla, quizá será la quinta o la octava. También teníamos algún que otro problemilla con la cámara que dificultaba mucho el aprendizaje. Ahora mismo estamos trabajando en eso, con buenos resultados. Cuando estemos cerca de publicar haremos sesiones de testeo a lo bestia e intentaremos que sea lo más intuitivo posible, manteniendo el ritmo y la dificultad. Es algo muy importante para nosotros, así que trabajaremos en ello lo que haga falta.

Es indudable que Super Red-Hot Hero bebe de uno de vuestros anteriores trabajos, Magma Tsunami, que viene a ser un runner más tradicional. Pero vuestra nueva propuesta destaca en concreto por dos mecánicas: el uso de portales preestablecidos o que podemos crear en tiempo real y el tener que recoger forzosamente baterías para nuestro protagonista si no queremos que muera. ¿Cómo se os ocurrió todo esto?

Después de Magma Tsunami íbamos a hacer Super Magma Tsunami, que iba a ser más plataformas, menos runner y más inspirado en los clásicos. Llegamos a tener una demo jugable bastante avanzada, pero no acababa de cuajar entre la gente, por ser un género poco original. Aunque iba a ser prácticamente una versión ‘pasada a limpio’ de Magma Tsunami, perdimos mucho tiempo intentando mejorarlo, ampliarlo, etc… Finalmente nos dimos cuenta de que lo habíamos convertido en un proyecto largo y que no estaba bien enfocado. Decidimos rediseñar el juego desde el principio buscando unas mecánicas más atractivas y testeando desde el principio. Fue una locura, pero bueno, supongo que en eso consiste madurar como desarrolladores (risas). Estamos contentos porque aunque tiramos cantidad de horas de trabajo, ahora está gustando mucho. A nosotros también nos gusta mucho más.

Efectivamente si lo resumimos podríamos decir que Super Red-Hot Hero es una mixtura de plataformas, acción y runner. ¿Tenéis pensada alguna otra sorpresa? ¿Cómo vas a evitar el desarrollo repetitivo que suele acechar a los juegos de este tipo? ¿Habrá por ejemplo jefes finales que machacar?

Solemos rechazar un poco el término runner, porque la gente tiende a asociarlo a juegos sencillos de móvil. Super Red-Hot Hero tiene muchas mecánicas y es complejo de dominar, además de que el jugador controla totalmente a Red-Hot Hero y tiene libertad para explorar las pantallas como quiera. No ‘corre solo’ como en los runners. Aunque si nos interesa el frenetismo que estos suelen tener y si que es probable que haya pantallas con dinámicas que beban de ese género.

Los poderes se irán adquiriendo de manera progresiva, introduciendo poco a poco distintas posibilidades de combeo entre el teletransporte, el puñetazo y el disparo, además de muchas plataformas y enemigos que no hemos mostrado aún. Hay cientos de combinaciones y de ideas para ir explotando a lo largo de las pantallas. Habrá algún jefe final, pero no sabemos aún si uno o varios. No creemos que vaya a hacerse repetitivo, más bien lo contrario.

Entendemos que si sale elegido Mejor Juego en los Premios Playstation será un exclusivo de PS4. En caso de no ser así, ¿lo llevaréis a otras plataformas como PC y Xbox One? ¿No lo veis como un título con mucho potencial en consolas portátiles, smartphones y tablets?

Cómo comentábamos antes, para salir en smartphones y tablets habría que rediseñarlo desde cero y no está en nuestros planes. Aunque nunca digas nunca… Sobre el resto de las plataformas, es un poco pronto para decir nada seguro. Dependerá de cómo vayan los próximos meses.

Y la pregunta del millón. ¿Cuándo estará listo?

Pues te tengo que decir lo mismo que en la pregunta anterior (risas). Depende de varios factores, pero será durante 2016.

Para ir terminando siempre pedimos que nos recomendéis algún estudio indie nacional al que haya que tener en el radar. ¡Vuestro turno!

Pues me llama mucho la atención Calendula de Blooming Buds. Por lo que tengo entendido el juego va de conseguir jugar a un juego que no se deja jugar. Tenía muchas ganas de probarlo en Madrid y al final entre una cosa y otra no pude, pero tiene pintaza.

Por último un minijuego. Toca ronda de preguntas rápidas:

Lamentablemente toca despedirse. ¿Un último mensaje para los lectores?

Pues nada ha sido un placer responderte esta entrevista Daniel. Muchas gracias por la implicación y el cariño en la divulgación de los estudios independientes en prensa no especializada.

A los lectores, nada, que esperamos lograr que Super Red-Hot Hero os haga morir una y otra vez, que os ponga de los nervios, os haga apretar el mando hasta hacerlo crujir… ¡Y que aún así lo disfrutéis un montón! Ah y que buscamos siempre gente que quiera probar el juego y darnos ‘feedback’. Estamos cerca de Barcelona, si eres de por aquí, estaremos encantados de que nos escribas y vengas. No pagamos pero solemos sacar unos aperitivos de calidad media. ¡Un abrazo!

Llevo ya unas cuantas entrevistas a desarrolladores, sin embargo pese haber visitado algún que otro estudio, aún no había tenido ocasión de pasar toda una tarde con ellos viendo cómo establecen las líneas básicas de un juego entre ideas a ratos brillantes a ratos disparatadas, y cómo le dan vida a sus escenarios y personajes protagonistas con un mimo digno de la artesanía más elaborada.

Por ello, aprovechando que durante la Madrid Games Week el bueno de Ludipe me invitó a visitarles, no desaproveché la ocasión de pasarme por las oficinas de AlPixel Games en plena calle Fuencarral, a la altura del mercado. Sí, se trata de una ‘zona hipster’ en la que se dan cita no pocos turistas, gente de barrio, modernos que aspiran a dominar el mundo, captadores de socios para ONG y músicos callejeros entre tiendas de moda, cafeterías con precios abusivos, bares de copas, kebabs y ‘chinos’. Y eso mola mucho, qué queréis que os diga.

La verdad es que no tenía una idea clara en la cabeza para esa tarde, porque además de visitarles para aprender cómo trabajan, se supone que tenía que sacar algo de material para publicar. En dicho sentido, bajar desde Bilbao hecho una maldita bola después de quedar para comer con mi señora en una especie de buffet asiático no ayudaba, y mi único apoyo era un cuaderno con escuetas notas, la cámara réflex y un trípode que jamás había usado antes. Ni siquiera sabía si estaría cojo o si sería compatible con la réflex, con eso os digo todo. Pero oye, algo tenía que hacer, y tras llevar meses picando entrevistas en mi teclado, intuía que venía siendo necesario un pequeño cambio dentro de ‘Hablan los indies’, una pequeña gota en forma audiovisual. Es decir, ¡una entrevista en vídeo!

Pero, ¿cómo hacerla? Vamos a ver, mi relación con la cámara –que por cierto no es mía, es de mi señora– se resume a controlar el zoom y darle al botón de disparo para tomar tres o cuatro fotos. Sé que términos como encuadre, enfoque, distancia focal y exposición tienen algo que ver con todo esto, pero no me preguntéis el qué. Y de esta guisa entré por la puerta de esa coqueta pero maravillosa oficina que AlPixel Games comparte con los chicos y chicas de BytecoreGames gracias a la generosidad de Made in Spain, y les expuse mi situación.

Quería hacer una entrevista divida en dos partes, siendo la primera de ellas una serie de preguntas cortas dirigidas a Ludipe para que nos hable de su anterior juego, esa joyita llamada Missing Translation que nadie debería perderse y que, una vez más, está gratis en Steam y pesa 50 mb; además de hablarnos de como era antes su situación y cómo es ahora. Esta parte de la entrevista iría con cortes, uno por pregunta, con solo Luis en plano. Por el contrario para la segunda parte quería contar con los tres actuales integrantes de AlPIxel; Ludipe, el artista Rubén Calles y el compositor y sound designer Celer Gutiérrez, para que nos cuenten sobre su próximo trabajo, ese proyecto recién salido de sus cerebros que ni siquiera tiene nombre aún.

Les pareció bien, y nos pusimos manos a la obra. Pero a mi ineptitud con la cámara y nulas dotes de director se le unió que no encontrábamos un sitio adecuado para grabar. Aquí hay contraluz, aquí el encuadre es feo, aquí hay demasiado ruido de fondo y ni siquiera traigo un micro. Finalmente parecía que ya lo teníamos, que podíamos poner a Ludipe a parlotear frente a la cámara. Y así fue como grabamos unas cuantas tomas que no nos terminaban de convencer. Había muy buen rollo en el ambiente, y con un formato de graba, corta, vuelve a grabar todo ese buen rollo se iba por el retrete.

Entonces saltó Ludipe: ‘¿y por qué no nos ponemos los tres en el sofá, empezamos a hablar y listo?’. Pues mira, creo que si algo caracteriza a los game desing es que suelen tener buenas ideas, y esta me pareció realmente fantástica. Teniendo en cuenta que publicamos en un medio como eldiario, que siempre busca la creatividad y la autenticidad, ¿por qué no plantar la cámara frente a estos chicos y dejar que ellos hagan lo que les venga en gana? Eso fue lo que finalmente hicimos.

Claro, para que esto no se convirtiera en un despropósito mayor del que ha acabado siendo, marcamos un par de normas, un breve guion: hablar de lo que fue y es AlPixel Games, hablar de Missing Translation y, sobretodo, contar algo sobre ese nuevo y enigmático proyecto que tienen entre manos.

He aquí el resultado:

“¡El futuro está aquí! ¡Preparaos para el universo de innovación e ilusión que la tecnología va a traernos! ¡Preparaos! ¡La realidad virtual cambiará el mundo!”.

Lo siento, no me lo trago. Hemos oído tantas veces palabras de este estilo, palabras que intentan vendernos el impresionante salto tecnológico que va a suponer la realidad virtual, que muchos jugadores y usuarios ya lo consideran fanfarronerías. Y no es para menos. Esta tecnología “tan novedosa” lleva pululando 20 años desde sus primeros prototipos, y aún no ha encontrado el momento propicio para dar el salto al mercado.

Sin embargo, parece que las cosas van cambiando. La realidad virtual empezará a hacer acto de presencia durante los próximos meses. Ahora es una tecnología real, desarrollada por las compañías más prestigiosas de la industria del videojuego teniendo en cuenta la comodidad y el diseño. Son cascos y dispositivos de todo tipo, que ya ocupan un primer lugar en la lista para los Reyes Magos de muchos.

Aún así, las dudas continúan. ¿En qué fase está realmente la realidad virtual? ¿Tendremos juegos inmersivos y espectaculares desde el primer día que salga a la venta? ¿Y qué pasa con el tema de la exclusividad? ¿Por qué hay tantos modelos pululando por ahí? ¿Por qué son tan caros? Durante las últimas semanas hemos estado tanteando a desarrolladores de experiencias para realidad virtual, hemos probado los distintos dispositivos y hemos jugado a demos. ¿Quieres saber la respuesta a todas esas preguntas? Pues en Juegoreviews intentaremos contestároslas de la forma más clara posible.

PlayStation VR, Oculus Rift, HoloLens, Gear VR... ¿Por qué tantos? ¿Cuál es mejor?

PlayStation VR, Oculus Rift, HoloLens, Gear VR... ¿Por qué tantos? ¿Cuál es mejor?Hoy día, parece que si no tienes un proyecto de realidad virtual (o de realidad aumentada) entre manos no eres nadie. Sony sigue adelante con su casco PlayStation VR, que permitirá vivir experiencias de realidad virtual en PS4; Oculus Rift es uno de los dispositivos para PC que más han dado de qué hablar; HTC Vive surge de la asociación de HTC y la exitosa plataforma de Valve; HoloLens es la respuesta en forma de tecnología de hologramas de Microsoft; Gear VR es el dispositivo de Samsung, exclusiva de sus smartphones más avanzados.

Hasta ahora, de las grandes compañías tecnológicas del sector, sólo Apple no ha presentado un sistema de realidad virtual. Algo que puede cambiar muy pronto, ya que las últimas informaciones apuntan a que el grupo está buscando expertos en la materia para ponerse a trabajar en su propio dispositivo. ¿Algo tipo iVR? Quién sabe.

El caso es que con tantos productos siendo promocionados, tanto nombre con las siglas VR, los usuarios empezamos a hacernos un lío. ¿Qué diferencia a uno de otro? ¿Cuál es “mejor”? Bueno, pues esa es una pregunta difícil de contestar, empezamos duro.

En primer lugar, toca aclarar que ningún dispositivo es perfecto. El primer problema que presentan todos y cada uno de ellos es su exclusividad. Si nos hacemos con PlayStation VR, sólo podremos utilizarlo con nuestra PS4. Si optamos por el popular Oculus Rift, tendremos que contentarnos con jugar sólo en nuestro ordenador (Oculus sigue intentando llegar a un acuerdo con Sony y Microsoft para hacer su dispositivo compatible con sus consolas de nueva generación, pero quién sabe cuándo ocurrirá eso, o si llega a ocurrir). Si elegimos Gear VR, necesitaremos uno de esos súper móviles Samsung que cuestan más que una consola.

Ahora mismo la realidad virtual es una carrera, y todas las compañías tecnológicas quieren ganarla. Por ello el lanzamiento de un dispositivo que sea compatible tanto con consolas como con PC parece algo de ciencia ficción. Puede que en algún momento llegue a ocurrir, pero aún tendremos que esperar años para verlo con estos ojitos nuestros.

Pero no nos desviemos de la pregunta. Igual que todos los dispositivos tienen sus fallos, también tienen sus aciertos, así que si estás pensando en hacerte con uno lo primero que debes hacer es sopesar las posibilidades.

Como ocurre con los videojuegos actuales, los títulos de PC salen ganando en cuanto a calidad gráfica. En este caso, las experiencias que ofrecerán dispositivos como Oculus Rift o HTC Vive serán mejores visualmente, más nítidas y espectaculares. Pero claro, eso tendrá un coste extra.

En primer lugar necesitaremos un ordenador muy potente, que pueda correr los juegos más avanzados compatibles con la realidad virtual. Os garantizamos que el resultado será sorprendente, pero claro, muchos no estarán dispuestos a gastarse su sueldo en un PC que cumpla los requisitos mínimos y, además, un casco que puede rondar los 300 dólares, según las últimas informaciones. Eso por no hablar de lo rápido que los PCs se quedan obsoletos, así que habría que renovar nuestra máquina cada cierto tiempo para seguir disfrutando de esas experiencias visuales magistrales.

Eso nos lo ahorramos (más o menos) con dispositivos como PlayStation VR. Tan sólo necesitamos nuestra consola PS4 y nuestro casco, nada más. Esto supone una gran ventaja respecto a otros competidores, ya que mientras tengamos actualizada nuestra consola podremos jugar a todas las experiencias de realidad virtual que sean compatibles con ella. Ahora bien, esa comodidad que gana la pierde por otro lado, el visual. Gráficamente PlayStation VR es muy decente, pero no podrá alcanzar esas dosis de perfección que, antes o después, los dispositivos para PC alcanzarán.

¿Y qué pasa con el resto? Más de lo mismo. Gear VR sólo es compatible con los últimos modelos de móviles Samsung, y aunque en comodidad es el que lidera (sólo tenemos que meter nuestro móvil en el dispositivo y disfrutar), lo cierto es que visualmente es el más débil. Al fin y al cabo estamos hablando de un smartphone, no de una consola o PC.

¿Y HoloLens? Pues en cuanto a compatibilidad es uno de los más populares, ya que podremos utilizarlo con nuestro PC o con nuestra Xbox One. ¿La pega? Que no es realidad virtual, es realidad aumentada. Y sí, los hologramas molan mucho y en algunos ámbitos (por ejemplo, el diseño) van a arrasar, pero en lo referente a videojuegos... Meh. Porque Minecraft no lo es todo.

Por todo esto, nuestro consejo es el siguiente. Si te sueles viciar a PS4, hazte con PlayStation VR. Si eres jugador de PC, ve a por Oculus o HTC Vive. Si no eres muy consolero y lo que te interesa es la realidad virtual en otros ámbitos, HoloLens y Gear VR son lo que estás buscando.

Tranquilos, porque no os dejamos sólo con esas palabras. Para los más técnicos, aquellos a los que les gusta estudiar al detalle cada prestación de esta clase de productos, os dejamos una tabla comparativa de los tres dispositivos de realidad virtual más “importantes”. Hemos dejado fuera HoloLens por ser realidad aumentada y Gear VR por estar ya en el mercado.

¿En qué fase están los videojuegos de realidad virtual?

¿En qué fase están los videojuegos de realidad virtual?Hollywood ha hecho mucho daño, especialmente con sus películas de ciencia ficción. Por su culpa, cada vez que pensamos en realidad virtual instintivamente nos vienen a la mente experiencias inmersivas espectaculares que confunden lo que es real de lo que no, en las que podemos interactuar con entornos a cada cual más descabellado. Puede que eso ocurra, pero si crees que será pronto te llevarás una decepción.

Los desarrolladores de hardware y videojuegos de realidad virtual están trabajando duro para conseguir que sus proyectos se parezcan lo máximo posible a esas imágenes cliché que rondan nuestra cabeza. Porque, aunque no lo parezca, no sólo importan las imágenes que nos rodean y los sonidos que escuchamos. También es fundamental la forma en que nos movemos, que interactuamos con los objetos no reales que nos rodean.

Hace un par de semanas acudimos a Demoday, un pequeño evento en el que pudimos probar varias experiencias “indies” de realidad virtual, desde un paseo por el Camino de Santiago hasta una visita a un balneario, donde podíamos mojarnos las manos y jugar con las manzanas con flotaban en las fuentes. ¿Cuál era la gracia? Que para hacerlo no necesitábamos mandos. En la experiencia del Camino de Santiago simplemente teníamos que mover los pies sobre una superficie con sensores para “movernos”. En el balneario los movimientos de nuestras manos eran detectados por el dispositivo, escaneando nuestro gestos e importándolos dentro de la experiencia.

Tendremos que esperar mucho para poder hacer estas cosas en nuestra casa. ¿Por qué? Pues porque, aunque las compañías nos hagan fantasear constantemente, los videojuegos que están siendo desarrollados son los primeros de una tecnología rompedora. En realidad virtual todo es nuevo, y va a haber que trastear mucho hasta conseguir la fórmula correcta.

De momento tendremos que conformarnos con videojuegos más bien “sencillos”, en los que tendremos que movernos por el escenario utilizando nuestros mandos y, en ocasiones, interactuar con algún elemento resaltado. En este sentido, las experiencias de terror tipo Outlast son las que van a salir ganando en un primer momento, mientras que los juegos de acción lo tienen más complicado.

Otro aspecto a tener en cuenta es la calidad gráfica que tendrán estos juegos. Si acudisteis a la Madrid Games Week 2015 y pudisteis probar alguna de las experiencias que ofrecía PlayStation, probablemente sabréis a qué nos referimos. Las demos mostradas eran espectaculares en muchos aspectos, pero si las analizamos fríamente lo cierto es que su resolución o su nivel de detalle es muy inferior al de los juegos actuales. “¡Oh, no me digas!” ironizaréis muchos, pero la verdad es que hay usuarios que esperan que la realidad virtual sea igual o superior a los juegos AAA que nos encontramos hoy día en el mercado. Nada más lejos de la realidad.

Podríamos ponernos a hablar de los infinitos requisitos técnicos de una experiencia de realidad virtual (tasa de frames por segundo, resolución, profundidad de campo, etc.), pero para ser claros y concisos, sólo haremos una pequeña comparación. Puede que no sea muy correcta, pero es la mejor forma de que aquellos que no han probado la realidad virtual se hagan una idea de lo que les espera. A día de hoy (bueno, en 2016, cuando la tecnología salga a la venta) los juegos más potentes de realidad virtual (compatibles con Oculus, HTC Vive y PlayStation VR) serán comparables a los primeros títulos que salieron para PS3 y Xbox 360.

Cuestión de precio

Cuestión de precio¿Os acordáis de lo que pasó hace años, cuando llegaron las primeras pantallas planas y televisores de plasma? En un principio parecía un lujo inalcanzable, y míralas ahora. Casi todos los hogares medios tienen una adornando su salón. Pues bien, con la realidad virtual pasará lo mismo.

Cuando los dispositivos salgan a la venta durante los primeros meses de 2016, a más de uno nos dará un escalofrío al ver la etiqueta del precio en las tiendas. Oculus Rift, más de 300 dólares; PlayStation VR, en torno a 400 euros; HoloLens, más de lo mismo. Los ceros inundan los precios. Pero no os preocupéis porque esto pasará. Al igual que otras tecnologías, los precios se asentarán a medida que se normalice. Eso sí, no esperéis bajadas monumentales, especialmente en los dispositivos exclusivos de consolas.

Ahora bien, ¿es vital tener que pagar esas cantidades escalofriantes para probar la realidad virtual? Pues la verdad es que no. Tal y como comentaban algunos desarrolladores que presentaron sus proyectos en Demoday, la mayoría del público desconoce todas las opciones de realidad virtual que hay en el mercado. No sólo Valve, Oculus, Sony y Microsoft están preparando el lanzamiento de este tipo de tecnología.

Si buscamos un poco podemos encontrar gafas 3D especiales para smartphones que dan el pego como cascos de realidad virtual. Sólo tenemos que introducir el móvil en el dispositivo y disfrutar de experiencias como vídeos en 360º, o utilizar los mandos remotos para probar aplicaciones y juegos. Sin restricciones de marca y con precios mucho más competitivos.

Si lo que queremos es un casco para PC o consolas, eso puede costarnos más, pero si esperamos un poco probablemente algunas compañías “secundarias” empiecen a lanzar dispositivos mucho más asequibles.

En definitiva, lo que queremos decir con esto es que nos os dejéis llevar por las corrientes. La realidad virtual no es algo limitado a los cuatro grandes grupos del sector. Hay muchos profesionales trabajando en ella, e indagando un poco podemos encontrar cascos y dispositivos que cumplan las mismas funciones.

¡El futuro! ¿El futuro?

¡El futuro! ¿El futuro?Hemos tenido que esperar muchos años, pero la realidad virtual ya es una realidad. Está a nuestras puertas, y como toda nueva tecnología es tan deseada como temida. En este reportaje hemos intentado daros algunos datos para que os hagáis una idea de qué vamos a recibir realmente. Hemos puesto las cartas sobre la mesa, os hemos dado los datos técnicos y alguna que otra pista sobre los pros y contras de cada dispositivo. Ahora sólo es cuestión de esperar (algo duro, lo sabemos) a que los primeros cascos y los primeros juegos vean la luz. Estamos deseando que arranque esta nueva etapa de la industria del videojuego.

Los videojuegos se han convertido por méritos propios en uno de los mayores nichos de mercado de la industria cultural y de ocio, llegando a mover cada año mucho más dinero que el cine, la música y la literatura. Nos encontramos pues ante una industria emergente que busca cimentar sus bases en España desde la mismísima formación de los profesionales del mañana, y por eso mismo no son pocas las universidades tanto públicas como privadas que, durante los últimos años, están ofreciendo una carrera muy atractiva para los jóvenes: Grado en Creación de Desarrollo de Videojuegos.

Entre todas ellas encontramos la Universidad Europea. Sin embargo, ¿qué ocurre si cuando empezaste a estudiar aún no existían estas carreras tan ‘modernas’ y tu sueño siempre ha sido desarrollar un videojuego? La respuesta es simple: reciclaje profesional. Es el caso de Ares Pérez Ávila y Juan Antonio Raya Rubio, dos jóvenes recién titulados en Ingeniería Informática por dicha universidad que, pese a haber llegado tarde al famoso Grado de Videojuegos, no han cedido a la hora de dedicarse en cuerpo y alma a aquello que siempre han deseado: dar a luz a su propio videojuego.

Así nace OWYS, título que en un comienzo surgió como un Proyecto de Fin de Grado y que ahora mismo es un videojuego hecho y derecho que cualquiera puede adquirir para PC, Mac y Linux a través de Steam, la mayor tienda digital del mundo. Además pronto llegará a PS4 y Xbox One, algo que sus responsables entienden como un gran paso adelante para seguir creando nuevas experiencias.

Contadnos, ¿quién está detrás de Gameware Studios? ¿Cuándo y cómo surge vuestro estudio?

Detrás de Gameware Studios están dos ingenieros recién titulados, Ares Pérez Ávila y Juan Antonio Raya Rubio. Sí, somos solo dos pero tenemos más ganas de crear videojuegos que algunas empresas modernas.

Siempre hemos querido conocer el mundo de los videojuegos en su parte profesional y es ahí cuando surge nuestra idea de estudio. Nos dimos cuenta de que nuestro Proyecto de Fin de Grado estaba comenzando a crear expectación y vimos que esa era nuestra oportunidad de entrar en este mundo.

Concretamente qué fue lo que os motivó a lanzaros al peliagudo campo del desarrollo de videojuegos. ¿Se trata, como viene siendo habitual en estos casos, de un sueño de la infancia que va camino de hacerse realidad?

Desde pequeños hemos querido desarrollar videojuegos pero siempre lo hemos visto como una ilusión y un mercado en el que no se podía entrar. Sin embargo una vez que adquieres conocimientos más avanzados te das cuenta de que ese mundo no está tan distante y que estás capacitado para comenzar en él, aun sin saber mucho que hacer.

Como bien comentáis se trata de un mercado difícil, y ya sabéis que los sueños por sí solos no llevan comida a la mesa. ¿Barajasteis otras opciones? ¿Medisteis bien riesgos y oportunidades?

Ciertamente sí que barajamos la posibilidad de fracasar y no conseguir llegar a nuestros objetivos pero creemos que sería mucho mayor el fracaso de no intentar cumplir nuestro sueño ahora que tenemos la oportunidad. Es cierto que es un mercado muy competitivo a nivel global, pero todos los grandes desarrolladores empezaron con títulos muy pequeños y mucha ambición.

Teniendo en cuenta que el mundillo de los videojuegos sigue siendo visto por ciertos sectores de la sociedad como un pasatiempo para adolescentes en vez de como lo que realmente es, un negocio con futuro y un ingrediente de peso de la cultura contemporánea, ¿os habéis encontrado con algún tipo de oposición al querer dedicaros a esto?

En el entorno familiar no hemos encontrado ninguna oposición a que intentemos desarrollar videojuegos, por el contrario familiares y amigos nos han intentado apoyar ilusionados por conocer también ese mundo. Es cierto que en muchas ocasiones hay gente que piensa que no es realmente un trabajo, sino solo un hobby, y no imaginan la complejidad del mismo y la cantidad de dinero que mueve este sector.

Si no me equivoco habéis estudiado Ingeniería Informática en la Universidad Europea. A sabiendas de que dicha universidad ofrece Grado en Creación y Desarrollo de Videojuegos, ¿por qué no escogisteis esta carrera en concreto? ¿No existía cuando empezasteis la carrera? Si pudierais elegir ahora, ¿estudiaríais la Ingeniería Informática o tiraríais por el Grado de Videojuegos?

Cuando empezamos no existía el Grado de Videojuegos por lo que no tuvimos esa opción. Es cierto que es realmente interesante y a día de hoy no sabríamos que escoger, tanto uno como otro tiene ciertas ventajas y desventajas. Por una parte en el Grado de Videojuegos se trabaja mucho el 3D y otra serie de aspectos muy interesantes que suelen ser difíciles de adquirir de forma autónoma. Por otra parte en Informática se aprende mucho sobre programación y conceptos técnicos sin los que algunos aspectos de nuestro videojuego no serían posibles.

En concreto, ¿cuáles de los conocimientos aprendidos en la Ingeniería Informática podéis aplicar al desarrollo de un videojuego? ¿Habéis completado vuestra formación por alguna otra vía alternativa como por ejemplo cursos externos o de forma autodidacta?

En nuestro videojuego hemos tenido que utilizar la mayoría de conocimientos que adquirimos como son la programación en diversos lenguajes, bases de datos, ingeniería del software, redes, etc. La complejidad consiste en reunir todos esos conceptos aprendidos y unificarlos en un solo ‘producto’.

Además hemos tenido que aprender por nuestra cuenta, a base de prueba y error, búsquedas en foros, vídeos de YouTube y todos los mecanismos a nuestra disposición, ya que las bases necesarias para elaborar un videojuego son aún más diversas.

En la Universidad Europea existe un ‘Club de Videojuegos’, que es desde donde, hasta lo que sabemos, empezasteis a trabajar en vuestros primeros proyectos. ¿No fue así? ¿Qué impacto ha tenido este club para vuestro trabajo?

Efectivamente, el año pasado creamos el club ‘UEGameStudio’ con el objetivo de empezar a aprender sobre este mundo y formar un equipo multidisciplinar con la idea de crear un videojuego en cada curso. El club comenzó con mucha expectación, pero es difícil unificar las ideas de todos los integrantes en un único proyecto en común cuando los estudiantes comienzan a tener trabajos que entregar y diversos exámenes.

Aun así fue una buena experiencia y proporcionamos una gran base, con la que estamos seguros del que el club seguirá creciendo y creando nuevos proyectos.

Aunque nuestro proyecto sea ajeno al club, hemos aprendido las diferentes partes que debe tener un estudio de desarrollo y como unificarlas todas para crear un videojuego a partir de una simple idea.

¿Cómo ven vuestros compañeros de universidad que os dediquéis a algo tan chulo como desarrollar un videojuego? ¿Podéis andar orgullosos por los pasillos levantando envidias a cada paso o a la mínima que os dais la vuelta os plantan el cartel de ‘freak’ en la espalda? ¿Se liga más o tan sólo es una leyenda urbana?

La verdad es que no nos podemos quejar, los compañeros nos ven con grandes posibilidades de triunfar y nos han apoyado siempre. Claro que eso depende de por dónde pasemos, si nos alejamos un poco del edificio de ingeniería, arquitectura, etc., empiezas a ser desconocido y observado. Si llegas al edificio más lejano, simplemente eres ‘el friki’.

Como bien comentas llegar a desarrollar un videojuego es una meta muy compleja que suele requerir de una polifacética plantilla de profesionales. Es decir, pueden llegar a necesitarse diseñadores, programadores, artistas, técnicos de sonido… ¿Cuál es vuestro caso? A la hora de trabajar, ¿hacéis todos un poco de todo o cada cual tiene un papel específico?

Al tener un equipo tan pequeño nos hemos visto obligados a intentar hacer de todo un poco, investigando sobre los diversos campos de los que desconocíamos más y profundizando en nuestras especialidades. Es cierto que teníamos carencia en la parte artística, ya que solo somos dos informáticos. Estamos trabajando en ello e intentando ampliar nuestro equipo para mejorar esta parte en futuros proyectos. No queremos pintar cuadrados eternamente.

Hablemos ya de OWYS, vuestra gran baza para haceros un nombre. ¡Presentádnoslo!

OWYS es un juego de plataformas en el que intentamos rescatar esa jugabilidad clásica donde lo importante era la diversión y hacer que el jugador superase una serie de retos. Para ello hemos planteado una serie de mecánicas que se reparten a lo largo de diferentes mundos y que hacen que el juego no se haga repetitivo. Definitivamente el juego se ha creado para poner a los jugadores a prueba.

Además también queríamos fomentar la creatividad de los usuarios y su ‘mala leche’ creando niveles mediante nuestro editor que permite plasmar sus ideas en tiempo real.

Es incuestionable que géneros aparentemente dormidos durante la generación de PS3 y 360 están volviendo ahora a la vida con el boom independiente. Las plataformas por supuesto son uno de ellos. Sin embargo OWYS no es un Super Mario cualquiera, ¿verdad? ¿Qué lo diferencia respecto a otros títulos?

Sobre todo tenemos que destacar las nuevas mecánicas que no se habían visto antes en ningún plataformas, unificando una velocidad bastante elevada y un ritmo frenético conseguimos crear el ‘hardcore’ de los plataformas. De hecho creemos que puede ser bastante elevada, por lo que hemos actualizado con un modo un poco más ‘fácil’ equiparable a la versión difícil de otros plataformas.

Su estética también resulta realmente llamativa con sus colores nítidos, vibrantes, y el uso de la iluminación. Todo ello con un toque un tanto minimalista y un protagonista en forma de… ¿Nube? ¿Muela? ¡Cómo surgió todo esto!

Ya que no somos expertos artistas, como ya sabéis, tuvimos que centrarnos en funcionalidades como la iluminación para dar un toque carismático y de calidad visual al juego. La verdad que OWYS no es una nube, y mucho menos una muela es simplemente un ser con patitas muy gracioso que nos ayudó en nuestra necesidad de no pintar mucho.

Además queríamos un monigote simpático que acompañase a nuestra música simpática para darle un toque de ironía a la cantidad de veces que queríamos matarlo.

OWYS tiene modo para un solo jugador y multijugador tanto competitivo como cooperativo local y online, pero además ofrece toda una golosina; la posibilidad de crear nuestros propios niveles en tiempo real para después poder compartirlos con la comunidad. ¿Le están dando buen uso los jugadores a dichas posibilidades? ¿Os habéis encontrado con alguna creación fuera de lo común?

Debemos tener cuidado con el editor de niveles. Si bien es cierto que nuestro objetivo es fomentar la creatividad de los usuarios y que estos puedan divertirse diseñando niveles sin la complejidad técnica que suele suponer, nos encontramos con que puede aparecer contenido que no es apropiado para la muchos jugadores. Hemos intentado ponérselo difícil a los ‘trolls’, asegurándonos de que cada nivel subido cumple unos requisitos mínimos de jugabilidad, y que cada nivel puede omitirse si el usuario lo desea.

También hemos implementado un sistema de votos para destacar los niveles que le gustan más a la comunidad. Queremos potenciar la herramienta y darle un mayor protagonismo en con las próximas actualizaciones del juego.

Esta primavera OWYS consiguió la luz verde en Steam Greenlight y ya está disponible en PC Windows, Linux y Mac. Sin embargo sabemos que también tenéis pensado lanzarlo en otras plataformas. ¿Cuándo y dónde podremos jugarlo?

Sin duda cuando conseguimos el Greenlight para nosotros supuso todo un logro, ese día fue especialmente feliz porque no habíamos presentado ni siquiera el proyecto aún y ya íbamos con un juego que se publicaría más adelante en una Store internacional. Pero sin duda ahora estamos centrados en dos grandes lanzamientos: PS4 y Xbox One.

Hace relativamente poco hemos sido aceptados como desarrolladores y el concepto de OWYS ha sido aprobado tanto por PlayStation como por Microsoft por lo que dentro de unos meses podremos verlo en estas plataformas, lo que será un gran hito para nosotros y un sueño hecho realidad por supuesto.

¿Viene dicho movimiento apoyado por un partner que os ayude con la publicación, el marketing y la tramitación de todo el ‘papeleo’ para desarrollar en PS4 y Xbox One?

Por el momento estamos solos en esta aventura.

¿Existe una gran diferencia entre desarrollar para PC y para consolas de nueva generación? ¿Qué tal lleváis el tema de los kits de desarrollo?

Sin duda es un abismo la diferencia que supone. En PC todo es mucho más libre y menos estricto, por lo que es más fácil encontrar información en cualquier rincón de internet. El mundo de las videoconsolas es totalmente otro tema, perdemos más tiempo en puros trámites burocráticos y en encontrar información (la cual solo está disponible en los propios foros privados) que en el propio desarrollo en sí. No obstante poder juguetear con material confidencial es el sueño de todo friki y aunque sea bastante complejo, ¡nos encanta!

Parece que todo el mundo está deseando, como vosotros, desarrollar en PS4 y Xbox One. ¿Se debe a una mera cuestión de prestigio o realmente existe la posibilidad de llegar a un público mucho mayor? Lo digo porque donde realmente encontramos un mercado boyante de ‘jugadores indies’ es en PC.

Es cierto que el mayor mercado de jugadores indie se encuentra en PC pero los jugadores de PS4 y Xbox de este género también está creciendo en gran medida, ya que cada vez hay mayor número de jugadores también en consolas.

Por supuesto da prestigio tener un juego en las plataformas principales como son PS4 y Xbox One. Además es bastante más complicado entrar en este mercado, lo cual hace que cada título que aparece sea más visto y por ende podamos darnos a conocer más fácilmente. Además, ¿quién no ha querido jugar a su propio videojuego en su ‘Play’?

En cuanto a vuestro futuro ‘tras OWYS’, ¿qué tenéis en mente? ¿Aprovecharéis vuestra capacidad para desarrollar títulos multiplataforma?

Por supuesto, ya estamos pensando en nuestro siguiente título… aún es pronto para decir nada claro, porque estamos con el desarrollo en consolas de OWYS, pero será algo espectacular, eso seguro.

Para acabar un minijuego. Dejamos caer una o varias opciones y vosotros tenéis que elegir rápidamente.

La frase ‘te ganarás el pan con el sudor de tu frente’ lo dice todo: estudiar y trabajar no es divertido. Sin embargo, creemos que esta cita bíblica, al igual que otras muchas citas del refranero popular, necesita de una pequeña actualización para adaptarse a los tiempos que corren. Después de todo, ¿acaso no es divertido y sumamente estimulante estudiar un Grado de Videojuegos, más aún cuando puedes acabar en una feria de la talla de la Madrid Games Week enseñando tu Proyecto de Fin de Grado al mundo?

Vale que se requiere de mucho esfuerzo para llegar a este punto. Hay que hincar el codo, hay que picar código y, por encima de todo, es necesario desarrollar el talento y la creatividad. Pero creemos que todo aquel que consigue superar estas trabas puede alcanzar lo que pocos de nuestros padres han conseguido nunca: el poder dedicarse a algo que les apasiona, a algo que, además de servir para llevar comida a la mesa, sirva para que uno mismo pueda sentirse realizado, o al menos en la vía adecuada para llegar a estarlo algún día.

Hablamos de un caso concreto, el de los alumnos de ESNE, la primera escuela en ofrecer Grado en Diseño y Desarrollo de Videojuegos en España. Porque con motivo de la celebración el pasado fin de semana de la Madrid Games Week en el pabellón diez del IFEMA no fueron precisamente pocos los estudiantes de dicha escuela que pudieron exponer sus Proyectos de Fin de Grado tanto dentro del espacio de ESNE como en el stand que una marca tan reconocida como Playstation España reservó para su iniciativa Playstation Talents destinada a fomentar el desarrollo local.

Dentro de Playstation Talents encontramos los Premios Playstation. Este año se celebra su segunda edición y durante la feria pudimos catar algunos de los juegos en fase de desarrollo que se están disputando un galardón bastante jugoso: además del reconocimiento, el estudio que se lace victorioso recibirá dinero en metálico para ayudar a terminar el proyecto, un espacio de trabajo físico en el Matadero de Madrid y toda una campaña de promoción y marketing.

Pues bien, entre los juegos finalistas encontramos cuatro proyectos surgidos de entre la cantera de ESNE. Se trata de Valhalla Rise Chicken of Doom de Sleipnir Games, Polarity de Incuva, Stellar de Virtual Bandits y Nobody de Crossbow Team. Ahí va una presentación formal:

Valhalla Rise Chicken of Doom es un juego multijugador donde el poco tiempo que tienes para plantear cada movimiento limita tu capacidad estratégica. Es decir, es puro frenetismo, aunque ojo, hay que tener en cuenta que se trata de combates tanto competitivos como cooperativos al enfrentar a dos equipos de dos a cuatro jugadores. ¿Lo más curioso? Pues que podría definirse como un captura la bandera en el que la bandera es un pollo y el escenario está repletito de trampas, por lo que no resulta nada fácil ganar y más de la mitad de las veces es el propio escenario el que juega en tu contra.

Polarity es un shoot’em up que puede ser disfrutado tanto de forma individual como en cooperativo, con dos naves avanzando mientras destrozan enemigos con el rayo que las une. Para alcanzar el éxito es necesaria una sincronización entre ambas naves; después de todo la galaxia es un lugar peligroso y el menor error puede ser fatal. Todo esto sin perder de vista una narrativa construida en forma de ópera espacial, con dos finales alternativos y la posibilidad de alterar el presente y futuro de la galaxia.

Stellar también va de naves espaciales, pero cuenta con una curiosa particularidad, un peculiar sistema de control que, pese a sentirse un tanto extraño al principio, pronto acaba resultando natural e incluso inteligente. Su estética poligonera y la mezcla de acción con toques de exploración completan una oferta que puede dar mucho de qué hablar.

Nobody quiere sorprendernos al ofrecer una narración interactiva en primera persona con mucho suspense. En el título desarrollado por Crossbow Team la historia es la protagonista absoluta, habiendo sido planteada como un “viaje emocional y profundo que nos invita a reflexionar” mientras gozamos de ciertos momentos de “tensión y terror que no olvidarás”.

Pero como decimos la presencia de los estudiantes de ESNE y sus proyectos se extendió más allá del stand de Playstation. En la propia zona habilitada por ESNE pudimos probar Demonized, un RPG de acción que, pese a necesitar aún de bastante trabajo de pulido, busca convertirse en una propuesta realmente ambiciosa al apoyarse sobre el Unreal Engine 4 para construir un título multijugador cooperativo desafiante, con combates dinámicos, variedad de enemigos, uso de armas y hechizos, y sendos sistemas de progresión y personalización.

Chida Vida del estudio Red Tail también hizo acto de presencia. Estamos ante un título de puzles y estrategia por turnos en el que el jugador encarna a Cucuy, un simpático personaje que deberá deambular por un inframundo inspirado en el folclore mexicano. Tampoco se perdió la cita Hit Me Hard (H.M.H.) de Inner Dream, un título de lucha que nos transporta a un futuro lejano en el que la lucha callejera en los bajos fondos de las ciudades se ha puesto tan de moda que ha llegado a convertirse en deporte legal, con un campeonato anual, la HMH Liga que levanta pasiones. Dado que en este tipo de lucha todo vale, las grandes corporaciones han aprovechado la ocasión para dotar a los luchadores de nuevas tecnologías que los hacen mucho más letales.

Por último nos encontramos con Tako, un simpático videojuego gracias al cual podemos llegar a aprender japonés. Sí, decimos videojuego con todas las letras puesto que se aleja radicalmente de aplicaciones móviles como Duolingo para ofrecer una experiencia tan educativa como lúdica, de forma que aprender un idioma tan complejo a nuestros ojos como el japonés resulte ameno y atractivo. A través de lecciones guiadas podremos llegar a escribir en hiragana, katakana y hasta cien kanjis, además de conocer su pronunciación gracias a locuciones grabadas por profesores nativos. Todo ello, como decimos, aliñado con divertidos y originales minijuegos que servirán para reforzar lo aprendido.

Además, entre los estudios independientes que no se han perdido la tercera edición de la feria encontramos a Team Gotham y Bytecore Games, ambos formados en su mayoría por estudiantes o antiguos estudiantes de ESNE. Los chicos de Team Gotham preparan The Guest, título que se postula como uno de los grandes bombazos dentro del panorama nacional, hasta el punto de que se ha ganado el apoyo de un partner tan potente como 505 Games; mientras que desde Bytecore preparan Helion, un shooter espacial con capacidad para sorprender gracias a sus prometedoras mecánicas jugables.

En definitiva, ESNE y sus estudiantes lo han dado todo para aprovechar ese magnífico escaparte que es la Madrid Games Week, de forma que cualquier visitante ha podido conocer todos sus proyectos de primera mano y charlar abiertamente con sus responsables sobre lo que funciona y no funciona; algo que creemos vital para la correcta formación de los profesionales del mañana.

Madrid Games Week llegó, pasó y se marchó. Han sido cuatro días cargados de emociones para los fanáticos de los videojuegos, los profesionales del sector, los desarrolladores independientes, los periodistas especializados y, en definitiva, todos aquellos que decidieron pasarse por IFEMA para echar un vistazo a lo que la feria del sector del videojuego más importante de nuestro país tenía que ofrecer.

El domingo los stands echaron el cierre hasta el año que viene, los invitados de élite regresaron a sus hogares y la gigantesca nave sede del evento quedó vacía, en espera de otra exposición que llenase sus rincones. Y la experiencia parece haber sido un auténtico éxito de asistencia, con 92.524 asistentes (un 68% más que la anterior edición). Una cifra celebrada por los organizadores de Madrid Games Week a través de su perfil de Twitter.

Ahora que las emociones han terminado, toca pensar fríamente y hacer un repaso de todo lo que la feria nos ha ofrecido durante estos cuatro días. ¿Preparados?

Grandes presencias y desagradables ausencias

Cualquiera que haya pasado durante estos días por el pabellón número 10 de IFEMA se habrá quedado con varias imágenes grabadas en su mente. El descomunal stand de PlayStation, dedicado a Street Fighter, Uncharted: The Nathan Drake Collection, FIFA 16 y el terrorífico Until Dawn. El rincón de Ubisoft, con las enormes colas de visitantes que deseaban realizar su Salto de Fe en el stand de Assassin's Creed Syndicate, y los amantes de la acción intentando sobrevivir frente a las pantallas de Rainbow Six Siege. El colorido espacio de Nintendo, donde Super Mario Maker era el gran protagonista, o el humilde rincón indie del que nuestro compañero, Daniel Moreno, os habló ayer en su especial de 'Hablan los indies'. Y mucho más: tirolinas para los aventureros, escenarios donde soltarse la melena y hacer karaoke al ritmo de Los 40 Principales, puestos de todo tipo pensados para los coleccionistas, donde consolas y máquinas recreativas clásicas nos tentaban, haciéndonos recordar tiempos más sencillos, pero no menos apasionantes, de la industria del videojuego.

Las grandes compañías del sector estuvieron presentes, desde Sony hasta Nintendo, pasando por Electronic Arts, Activision, Bandai Namco, Ubisoft, Take-Two Interactive y Warner Bros Interactive. Por ello la ausencia de un gigante como Microsoft fue uno de los aspectos más destacados de la feria. Los responsables de Xbox y Windows no hicieron acto de presencia, haciendo que muchas cabezas giraran nerviosas por el recinto buscando un stand que no iba a aparecer.

Suponemos que Microsoft habrá tenido motivos para saltarse este evento en Madrid. Tal vez el motivo es que no quieren desgastarse, porque acudieron a la Gamescom de agosto y en breve harán acto de presencia en la Paris Game Week, pero esto no impide que cientos de fans quedaran decepcionados al ver que las únicas Xbox disponibles se encontraban dentro del stand de Twitch.

Sea como sea, los de Redmond han perdido una gran oportunidad para que los jugadores españoles probaran dos de sus grandes lanzamientos: Rise of the Tomb Raider y Quantum Break, cuya ausencia nos dolió especialmente. ¡Lo que hubiéramos dado por ponerles la mano encima!

Una primera jornada gobernada por Sony

Por supuesto, Sony, considerada la gran rival de Microsoft (no sin falta de razón), aprovechó esta oportunidad para dar el pistoletazo de salida en la feria y convertir su stand en una de las grandes atracciones del evento. A lo largo del primer día de feria, el 1 de octubre, Sony Computer Entertainment España celebró distintas conferencias, donde pudieron presumir de proyectos y de cifras. Hablamos con Jorge Huguet, de PlayStation Iberia, sobre la situación actual de la compañía, y esto es lo que nos contó.

Además presentó sus dos nuevos programas, como PlayStation Talents, del que ya os hemos hablado, y del que tuvimos ocasión de hablar con Roberto Yeste, responsable de desarrollo local de PlayStation España. El otro es PlayStation Plus Rewards, exclusivo para los miembros de PS Plus en España y Portugal, que ofrecerá a los suscriptores ventajas y ofertas en viajes, juegos, ocio, entretenimiento, non-gaming y deportes, así como cadenas como Game, el servicio de comida a domicilio Just Eat o la agencia de viajes eDreams.

Otros anuncios que Sony se guardó para este evento fueron su colaboración con Vodafone, donde las nuevas tarifas de 120Mbs y 300MBs de Vodafone One incluirán un año de PS Plus gratuito, y el lanzamiento de dos nuevas aplicaciones para PlayStation 4: Netflix, el servicio de suscripción de contenido audiovisual (series y cine), y Teledeporte, canal deportivo de RTVE.

Durante esta jornada el gran stand también se revolucionó con la presentación de PlayStation VR a manos de Dave Ranyard, de London Studio, donde mostró varias demos de realidad virtual y ofreció algunas declaraciones interesantes. Por la tarde, Arne Meyer, Community Strategist de Naughty Dog, y Nolan North, el Nathan Drake de carne y hueso, alegraron a decenas de fans al hablar de Uncharted: The Nathan Drake Collection y del esperadísimo Uncharted 4: A Thief's End. Una cita donde no faltaron las bromas, convirtiendo la conferencia en una de las más divertidas. En Juegoreviews tuvimos la suerte de hablar con Meyer sobre esta exitosa saga, una de las más importantes de Sony. Si quieres saber de qué, os aconsejamos que os paséis por nuestra entrevista.

PlayStation VR, el gran protagonista

2016 va a ser un año de cambios en la industria del videojuego, y la principal responsable va a ser la realidad virtual. Durante los próximos meses los primeros dispositivos que acercan esta tecnología a los jugadores saldrán a la venta, y por lo tanto era de esperar que la realidad virtual tuviera un espacio importantísimo durante la Madrid Games Week.

Sony es una de las compañías que planea el lanzamiento de su producto para el año que viene, y decidieron que la MGW era el evento idóneo para presentarlo por primera vez en España. Una gran parte de su stand, situado en la zona central cercana a la entrada, estaba dedicado a PlayStation VR, poniendo a disposición de los usuarios cinco demos exclusivas, cada una con una temática y opciones de inmersión distintas.

Una de las demos más atractivas era The London Heist, presentada por PlayStation durante el último E3. En ella nos metemos en la piel de un criminal que es interrogado por su compañero, de forma bastante brutal, acerca de un golpe que ha salido mal. Acción y adrenalina en una experiencia inmersiva que sorprendía por su realismo.

The Deep fue otra de las favoritas, una experiencia que nos sumergía en el océano encarnando a un buzo. Los problemas comenzaban cuando un tiburón atacaba la jaula donde nos encontrábamos, mostrándonos un momento de acción absoluta donde era difícil recordar que ese animal salvaje que nos acechaba no era real.

Pero sin duda, una de las experiencias que más expectación causó fue la demostración de Kitchen, desarrollada por Capcom, que nos introducía en un ambiente terrorífico y sangriento. Para que os hagáis una idea de la experiencia, sólo podemos decir que no podíamos dejar de brincar en la silla y que más de uno no pudo contener un grito.

Los amantes de la velocidad pudieron disfrutar de Street Luge, otra demo en la que nos “tumbábamos” sobre un monopatín e iniciábamos una carrera cuesta abajo, a gran velocidad, por una carretera llena de coches que debíamos esquivar. La ciencia ficción también estuvo presente con Valkyrie, en la que teníamos que pilotar una nave espacial.

En general, la experiencia con PlayStation VR fue muy positiva. El casco era cómodo y ajustable, siendo totalmente compatible con gafas graduadas, y todos aquellos que lo probaron pudieron hacerse una idea de cómo la realidad virtual puede cambiar la forma en que concebimos los videojuegos.

Nuestros devaneos con la realidad virtual terminaron con una entrevista a Cristina Infante, hardware marketing manager de PlayStation y responsable directa de PlayStation VR en España, con la que hablamos sobre el impacto que puede tener esta tecnología y si en un futuro podría sustituir a los juegos de corte tradicional.

Juegos para todos los gustos

Uno de los aspectos más llamativos para los visitantes “casuales” que acuden a la Madrid Games Week son los puestos de juegos, que les dan la oportunidad de probar algunos de esos títulos tan esperados que verán la luz durante los próximos meses. Hay multitud de opciones, para todos los gustos, pero como siempre algunos juegos se convirtieron en los favoritos de los fans.

El ejemplo más claro es Star Wars: Battlefront, el multijugador de DICE y Electronic Arts, que podíamos probar en un espacio habilitado con 40 pantallas, preparados para sumergirnos en batallas online entre los asistentes. Desde la primera hora del primer día, el más “flojo” en lo relativo a asistencia debido a que sólo se permite el paso a profesionales e invitados especiales, las colas superaban los treinta minutos de espera. Fueras donde fueras, si veías una cola gigantesca y te ponías tras ella, acababas frente a las pantallas de Battlefront.

Otro espacio concurrido era el dispuesto por Ubisoft. Entre los animadores vestidos de Asesinos, el espacio para tatuarse, los fans con sombreros de copa y los atrevidos que se lanzaban a una colchoneta desde varios metros de altura, había hueco para 28 puestos de juego donde podían probarse dos demos del inminente Assassin's Creed Syndicate. La primera, más sencilla, estaba protagonizada por Jacob Frye, mientras que la segunda se centraba en su hermana Evie. Aunque ambas demos ya habían sido mostradas anteriormente, eso no impidió que cientos de fans hicieran cola para cazar a un buen puñado de Templarios.

Rainbow Six Siege fue otro espectáculo. Además de ofrecer dos zonas para que los asistentes pudieran probar este título de acción táctica con tranquilidad, Ubisoft invitó a jugadores profesionales para que los visitantes les vieran jugar. Los más afortunados, incluso, pudieron unirse a sus partidas, en contiendas de 5 contra 5 que no tardaron en convertirse en las más desafiantes del evento.

Activision fue otra de las compañías que se marcó un tanto en la feria, con un stand dedicado a Call of Duty: Black Ops III en torno al que se formaron colas interminables. El esperadísimo multijugador atrajo masas de fans, coinvirtiéndose probablemente en el juego más probado, por detrás de Star Wars Battlefront.

Nintendo y su Super Mario Maker también atrajeron espectadores curiosos, dispuestos a construir sus propios niveles para las aventuras del icónico fontanero. Además, para celebrar el 30 aniversario del personaje, la compañía japonesa también puso a disposición de los fans juegos como Yoshi’s Woolly World, Super Smash Bros. en sus versiones de Wii U y 3DS, Super Mario 3D Land y New Super Mario Bros. 2, entre otros.

Por último, también merece mención especial Dark Souls 3, la esperadísima (y complicadísima) entrega de la popular saga, que se convirtió en el juego más codiciado de los ofrecidos por Bandai Namco.

Y aunque podríamos seguir así, haciendo un repaso de todos los juegos disponibles durante el evento, será mejor pasar a otros asuntos. ¿Cuáles? Pues los eSports, otro de los grandes protagonista de Madrid Games Week 2015.

Un fin de semana movidito para los eSports españoles

Madrid Games Week ya anunció, semanas antes de su arranque, que daría una gran importancia a los deportes electrónicos. Y si importancia se traduce en metros cuadrados, cumplieron su palabra. Mientras que el pabellón 10 de IFEMA estaba acondicionado para las compañías, estudios, puestos de juego y de compra, el pabellón 8, con el que estaba conectado, era el reino de los eSports. Un reino algo vacío en comparación a su compañero, pero reino al fin y al cabo.

Durante el fin de semana numerosos jugadores profesionales se han enfrentado en distintas ligas organizadas por SocialNAT, torneos en abierto que contaron con multitud de espectadores apasionados por los deportes electrónicos. ¿Y quién ganó?

En la competición de Hearthstone, el primer premio de la Liga Challenger de SocialNAT se lo llevó XinXiGG, superando al hasta ahora campeón EvilTxurman y batiéndose en la final con S4mule. En cuanto a CS: GO, el equipo Epsilon se alzó como claro ganador tras disputar un tenso partido con Overgaming. La final cerró con un 16:2 y 16:5, donde Soker y MusambaN1 fueron vitales para conseguir la victoria.

En cuanto a FIFA 16, las competiciones celebradas en la Madrid Games Week dieron un ganador que representará a España en la ESWC de París. Klose se ha convertido en campeón con mucho mérito, ya que, recordemos, FIFA 16 salió a la venta hace apenas una semana, dando a los jugadores poco tiempo para prepararse. Klose derrotó a Erpacote, que logró redimirse al vencer en la Liga SN Challenger de SocialNAT.

Por último, SummaGG fue derrotado en la final de Call of Duty, haciendo que Spirit se proclamara como vencer de la Liga Master de CoD. De la misma forma, Virtual se coronó campeón en la liga Challenger de Call of Duty, tras derrotar en la final a Infinity.

Dejando a un lado los torneos, los asistentes se encontraron con un área de eCombat basada en los shooter en primera persona, una experiencia de simulación de combate que les permitía internarse en un escenario militar realista. De esta forma, Madrid Games Week se ha convertido en el primer evento de Europa que alberga una zona de este estilo.

Como decíamos al principio de este artículo, Madrid Games Week llegó, pasó y se marchó, y aunque en general nos ha dejado muy buen sabor de boca, especialmente por su zona dedicada a los desarrolladores indies y la industria española, no podemos marcharnos sin criticar algunas decisiones que, sin ser responsabilidad de los organizadores, han afectado al resultado final.

La primera, y la más vital, es la ausencia de Microsoft. Los de Redmond decidieron no acudir a Madrid para fecha tan señalada, y eso provocó que el evento tendiera de forma increíblemente descompensada hacia Sony. Los responsables de PlayStation hicieron un gran trabajo trayéndonos PS VR, grandes juegos y conferencias apasionantes, pero eso hizo palidecer al resto de la feria, haciendo que pareciera más un evento dedicado a Sony que a la industria del videojuego en su totalidad.

La segunda es la decisión de habilitar el pabellón 8 para los eSports. Aunque esta idea parecía prometedora y tenía lógica, debido a la importancia de los deportes electrónicos y las distintas Ligas, resultó ser un fiasco. Durante los primeros días este espacio estuvo prácticamente vacío, sirviendo más como vestíbulo de la “auténtica feria” que como atracción principal. Aunque durante el fin de semana atrajo a muchos visitantes, no han podido competir con el gran afluente de fans que recorrieron el pabellón 10 durante estos cuatro días.

Como punto positivo, esta edición ha integrado perfectamente otros espacios, como la Manga Experience, que ha permitido a los fans de los cómics participar en concursos de cosplay, conciertos, talleres y masterclass con grandes artistas como Salvador Larroca, dibujante que ha trabajado para Marvel, o Niko, creador de Cálico Electrónico.

Además, los espacios y actividades organizados por Gamelab Academy y AEVI Fórum, de lo que os hablábamos ayer mismo, han tenido una gran acogida, recibiendo críticas muy positivas por parte del público. La “sección educativa”, formada por varios universidades y centros de estudios, abrieron los ojos a decenas de asistentes que desean hacer de los videojuegos su carrera profesional.

En definitiva, y aunque aún hay cabos sueltos, la Madrid Games Week se ha superado a sí misma ofreciéndonos cuatro días de diversión y pasión por los videojuegos. Aún le falta para convertirse en el referente a nivel mundial que aspira a ser, una feria que compita con el E3 de Los Ángeles o la Gamescom de Colonia, pero si sigue a este ritmo, con trabajo duro y dedicación... ¿Quién sabe lo que puede deparar el futuro?

Ya sabéis de qué va 'Hablan los indies'. Cada domingo publicamos una nueva entrevista a un estudio independiente español con la intención de hacer llegar su trabajo a un público amplio y plural, algo que podemos hacer gracias a que no sólo vivimos de 'niños rata', de viciados del rol, de fans de los eSports y de consoleros nostálgicos. Llegamos a una variopinta gama de lectores, y por ello creemos que sería un desperdicio no aprovechar nuestro ecosistema para difundir la labor que realizan los estudios nacionales, más aún cuando durante los últimos años están demostrando ser capaces de hacer grandes cosas.

Y no, definitivamente lo que estáis leyendo no es la introducción a otra entrevista y tampoco es domingo. Pero hay una justificación a todo esto, del 1 al 4 de octubre se ha celebrado en el IFEMA la tercera edición de la Madrid Games Week, feria de videojuegos que cada vez cuenta con una mayor presencia de estudios indie gracias en gran parte a la fantástica labor de firmas como Made in Spain y BadLand Indie. Por ello, más que centrarnos en un sólo estudio, queríamos hablaros del ambiente que se respira en estos stands, separados por una gruesa línea imaginaria del mundanal ruido que emana de los puestos de las grandes editoras.

Porque hay vida más allá del expositor de Star Wars: Battlefront y su cola interminable. También más allá de las refriegas tácticas de Rainbow Six: Siege o del salto de fe con colchoneta de Assassin’s Creed Syndicate. Aquellos que se atrevan a cruzar el stand de Game llegarán a las mismísimas entrañas de la feria. Es allí, donde unos sólo ven oscuridad, donde cualquiera pensaría que ya sólo están los baños, donde realmente late el corazón de la Madrid Games Week, su lado más humano y tangible. Porque al final el resto -salvo la zona retro y ciertos eventos- es sólo eso, un escaparate lúdico ideado para que la campaña de Navidad vuelva a ser tan rentable o más que la del año anterior.

Sólo en la zona indie puedes acercarte a un juego, preguntar a sus responsables si te dejan o no catarlo, y disfrutar de una breve presentación de aquello en lo que te vas a sumergir. ¿Os imagináis algo similar con un título de Sony o Nintendo? ¿Con Miyamoto a la espera, entre ilusionado y nervioso, a que te decidas a tomar asiento frente a su juego para ser él mismo quien te desvele sus pormenores, quien te enseñe los controles y te ayude si te quedas atascado? No, esto en los stands de las grandes compañías no es posible, aunque al menos puedes llevarte a casa la sonrisa de alguna azafata/o.

Insisto. ¿Os imagináis por un segundo a John Carmack y su equipo observando atentamente cómo juegas, recogiendo feedback y charlando entre sí sobre lo que falta y sobra en el juego? Así sin más, sin secretismos, sin esperar que a que el departamento de marketing de la compañía de turno filtre cada una de sus palabras para que de su boca sólo salga humo, una niebla insondable de 'puede', de 'ya veremos', de 'quizás' y de 'no podemos decir nada por el momento'.

Vale, diréis que es una comparación un tanto exagerada, que WhootGames no ha creado el Tetris y que Jordi de Paco no es Hideo Kojima. Desde luego, pero la magia está ahí, es la misma aunque varíe la proporción, al igual que ahí está el amor de los desarrolladores hacia su vástago; algo que cuesta mucho ver entre los títulos comerciales. Quizás por eso un servidor ha disfrutado y ha aprendido mucho más aquí, en la zona indie de la Madrid Games Week deambulando entre juego y juego, compartiendo anécdotas, promesas y esperanza entre nuestros estudios, que en todas las grandes presentaciones de grades juegos a las que he acudido hasta la fecha. Y no son pocas.

Con todo esto no quiero hacer una mera carta de amor, aunque no me faltan ganas. Sinceramente, he ido a la Madrid Games Week con miedo, bastante nervioso. La noche anterior me probé dos camisas casi iguales unas quince veces, no me da vergüenza admitirlo, ante el dilema de con cuál de ellas estaría más guapo. Después de todo llevo meses entrevistando estudios, pero casi siempre ha sido desde la distancia. No he podido probar algunos de sus juegos, ni poner cara siquiera a sus responsables. Por ello me sentía como si tuviera una cita a ciegas con la amiga de un colega. ¿Me reconocerán? ¿Se acordarán de que hace dos, cuatro o seis semanas les entrevisté vía email o skype? ¿Recordarán los diez, doce correos que intercambiamos?

Tal que así me sumergí en la zona indie, midiendo cada paso, buscando un apoyo con el que sentirme cómodo y a salvo. Y vaya, ahí estaba Luís Díaz de Alpixel Games, una de esas personas a la que es imposible no coger un afecto certero, instantáneo y verdadero. Puede que ayudara el hecho de plantarme ante su stand con una cerveza que llevaba su nombre, pero el caso es que no tardó en tratarme como a un colega más. E hizo exactamente lo que hay que hacer: no me habló de Missing Translation o de futuros proyectos hasta tiempo después; directamente me cogió del brazo y me propuso un tour por la zona de Made in Spain. Me enseñó el divertidísimo Unfair Jousting Fair de Rodaja –al cual siempre pierde– y, en definitiva, hizo de niñera hasta que conseguí deambular de stand en stand por mis propios medios. Por cierto, no dejéis de probar Missing Translation. Maldita sea, es una joya, ¡y es gratis!

Tal y como yo esperaba ‘Ludipe’ no tardó en plantarme frente a Edu Verz, un tipo que, de haberlo conocido en una situación diferente, seguramente hubiera cometido el error de juzgar antes de tiempo por su aspecto de chaval de barrio que lo mismo te grafitea la puerta del negocio que te atropella con el skate -dios, qué viejo me siento. Cuando le propuse la entrevista hace ya tiempo, Edu me dijo de hacerla entre cañas, a lo que yo, como un idiota, le contesté que andaba demasiado liado para eso. Me arrepiento de no haber sacado el tiempo de donde fuera, porque creo que es una de las personas más interesantes y creativas que he conocido, hasta el punto de que hablando con él me siento un tanto lerdo, incapaz de seguirle el ritmo. Y con la nueva propuesta que plantea en colaboración con el programador Jorge Augusto ha vuelto a demostrar de lo que es capaz.

¿Otros estudios a los que he entrevistado y he podido poner cara durante la Madrid Games Week? Ahí estaban los chicos de Risin' Goat con su A Rite from the Stars. Lo que más me ilusiona de un caso como este es comprobar lo bien que funciona el conjunto del juego. Cuando les entrevisté tan sólo había visto imágenes sueltas y algún que otro vídeo, y me toca decir que las buenas vibraciones que percibí en su día se han disparado hasta la estratosfera. A Rite from the Stars cuenta con capacidad para innovar dentro de las mecánicas point and click ofreciendo diversos retos de habilidad y ciertos puzles imaginativos. Ha sido un placer trastear con el juego con Carlos y compañía detrás, temiendo por si se lo rompía con mi clickear espasmódico.

Por otro lado me alegra decir que Dog Child, de Animatoon, ha evolucionado bien, y que Darío Ávalos, director del estudio, se mostraba tan entusiasmado como aliviado por tener a su criatura casi lista y todo un futuro por delante para seguir trabajando en la licencia. También estaba por ahí WhootGames con su Castles, un título que triunfa allá por donde pasa y que resulta sumamente adictivo.

The Guest me ha flipado. No, en serio, me parece que los chicos de Team Gotham, antiguos alumnos de ESNE, tienen entre manos todo un pepino de juego, por lo que no me extraña que les haya fichado una marca tan potente como 505 Games. En la demo la atmósfera es tan claustrofóbica como prometieron, y la dificultad parece estar perfectamente medida para que todo resulte orgánico, con sentido. Hurra por ellos.

También he podido echarle el guante a Megamagic, de Beautifun Games. Los de Sabadell preparan un título con un potencial enorme, jugoso, adictivo y profundo. Sinceramente, no terminé la demo porque soy un manta en esto de los RPG de acción en perspectiva isométrica, pero me sobró tiempo para poder afirmar que Megamagic va a darnos para horas y horas de diversión cuando esté terminado, aunque para llegar a su máxima expresión necesita superar con éxito un Kickstarter.

Evidentemente no sólo me dediqué a charlar con estudios que ya han pasado por 'Hablan los indies'. Una de mis misiones principales para la feria era encontrar a nuevos candidatos para futuras entrevistas, catando sus juegos de antemano para así tener cierta ventaja a la hora de plantear cada pregunta. En dicho sentido, uno de los títulos que más me ha llamado la atención es Dusk Memories, de Was Fan, una auténtica joya a nivel visual gracias a la artista Verónica Rufo, quien está realizando todos los elementos del juego a mano.

También me ha llamado la atención Iris, de GoMo Studios, por su arte y por su jugabilidad adictiva, igual que Two Dimensions, un título capaz de innovar dentro de un género aparentemente tan limitado como el runner, consiguiendo además, gracias a un control muy cuidado y a un buen diseño de niveles, que te enganches y pierdas una y otra vez sin caer en la frustración. Si algo falla en una partida es sólo culpa tuya, y eso tiene su mérito.

Qué demonios, he descubierto muchas joyas. Fatal Error, de Team Error, es una gratificante experiencia ya disponible para ser disfrutada. Ofrece un reto más que atractivo para un sólo jugador, pero creo que es en su vertiente multijugador donde más destaca, sobre todo si juegas con un colega al lado. El pique está garantizado.

Si queremos hablar de futuras promesas, nos toca hablar de Vault Bandits, de Dynamite Project, y de Stellar de Virtual Bandits, un estudio surgido de la cantera de ESNE. Ambos juegos tratan de tomar elementos clásicos y llevarlos a un nuevo nivel, ya sea experimentando con el sistema de control o tratando de ofrecer diversidad a nivel jugable. También me ha gustado, por su estética y sentido del humor, Who Killed Woody Bill?, un título de los primerizos TieSoft que se inspira en maravillas como Grim Fandango. Pero aún más gratificante ha sido mi experiencia con Super Red-Hot Hero, un título de StrangeLight Games que mezcla plataformas con runner sobre un muy llamativo apartado visual. Y lo mejor de todo es que ya goza de un acabado más que decente, por lo que no me extrañaría que más pronto que tarde comience a dar guerra de la buena.

Los indies no sólo experimentan con juegos. También quieren revolucionar la tecnología ideando dispositivos que sirvan de alternativa a los ofrecidos por las grandes compañías. Un clarísimo ejemplo lo encontramos en la realidad virtual ‘low cost’, una serie de gafas que te permiten disfrutar de experiencias VR por diez, veinte euros. Fabricadas en plástico o incluso cartón, tan sólo requieren de ese smartphone que todos llevamos en el bolsillo para funcionar. Probé alguna demo y la verdad es que, teniendo en cuenta la diferencia de precio tan abismal entre estos dispositivos y unas Oculus Rift o Playstation VR, creo que hay mucho que decir en este campo; aunque también hay mucho que refinar.

Pero si tengo que hablar de tecnología aplicada a los videojuegos, lo que más me llamó la atención fue la realidad aumentada de Flynn’s Arcade, el estudio de Juan Peralta y Cisco Raya. Con un mero smartphone o tablet podemos ver como mundos virtuales complejos emergen de una simple mesa, lo cual puede aplicarse tanto a los videojuegos como a una mixtura de estos con los juegos de mesa o de rol tradicionales. De esta forma podemos por ejemplo comandar a nuestros soldados, estilo XCOM, contra unas fuerzas invasoras dirigidas por un amigo, con la particularidad de que la información no siempre se comparte gracias a que cada cual juega a través de su teléfono móvil.

Pero qué os puedo decir. Son muchos y muy llamativos los títulos a los que he tenido el placer de echar el guante durante la feria. Mi cabeza no da para retenerlos todos. Lo que tengo claro es que he disfrutado como un crío charlando con sus responsables, hasta llegar a un punto en el que el dolor de pies, el hambre y el olor a sudor ha dejado de importarme. A una feria de videojuegos se viene a eso, ¿no? A descubrir, a trastear, a sufrir. Después de todo, sabiendo que nuestros estudios casi ni comen ni duermen durante estos días, sabiendo que siguen en pie sólo por vernos jugar a sus juegos y que son los responsables de darnos grandes alegrías cada año, ¿quién puede decir que no se merecen toda nuestra atención?

Quiero terminar con un pequeño consejo a aquellos desarrolladores y estudios que aún no he tenido el placer de conocer. Si nos vemos en futuras ediciones de la Madrid Games Week o donde sea, no caigáis en el error de tratarme como si fuera un consumidor. Esa es labor de otros, no vuestra. No tratéis de impresionarme con cifras, porque los miembros de la prensa también somos personas, también nos cuesta llegar a fin de mes, comemos pasta y arroz más veces por semana de lo saludable y no nos alimentamos de vuestros votos en Greenlight, de los dólares recaudados en Kickstarter o de las descargas en la App Store.

Habladme primero de series de televisión, de cervezas de importación, de lo que creéis que es o no es indie. Habladme de los juegos de otros, de aquello que os ha flipado. Y ya para el final, habladme de vuestro juego. Es decir, coquetead conmigo sin posar, sin sacar músculo, porque no soy una choni de Gandía Shore.

En definitiva, desde la prensa queremos vuestro talento, vuestras ideas. Y eso es intangible, no se mide con las estadísticas propias del community manager de una gran empresa. Un videojuego gusta por lo que es, por cómo es. Si queréis que hablemos de vuestro juego, recordad que todos somos, ante todo, personas. Jugadores.

No cometamos el error de deshumanizar este mundo que tanto nos apasiona.

¿Son los videojuegos una nueva forma de arte? ¿Pueden acaso llegar a serlo algún día recibiendo la misma consideración que el cine, la música o la fotografía? Estas preguntas pueden dar para muchas líneas, y de hecho existe un debate abierto dentro de la propia industria del videojuego en el que podemos encontrar dos o más versiones: ‘sí, son una forma de arte con todas las letras’ o ‘no, por ahora son un compendio de otras artes, pero pueden llegar a serlo’. Sea cual sea la respuesta correcta, lo que nosotros creemos, como consumidores de videojuegos de toda la vida que somos, es que propuestas como Candle elevaban los videojuegos a una categoría superior a la de mera ‘manifestación cultural’, para ser, si no un arte en sí mismo, al menos una maravillosa exposición artística tanto en el plano sonoro, como visual y de artesanía.

¿Creéis que estamos bailando el agua a Teku Studios porque nos caen bien o algo de eso? Pues seguid leyendo, y así descubriréis vosotros mismos lo que están haciendo con Candle, un videojuego construido sobre acuarelas, con técnicas de animación fotograma a fotograma, una muy cuidada banda sonora y la poderosa voz del actor de doblaje Pepe Mediavilla para narrar su historia. Si a todo esto le añadimos una jugabilidad rica en puzles y minijuegos, ¿qué más podemos pedir?

Pues podemos pedir por ejemplo que sean (por lo que sabemos) el único estudio de videojuegos afincado en Teruel, demostrando que para trabajar en esta industria, para crear grandes títulos capaces de acaparar todas las miradas tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, poco importa desde donde trabajes… siempre y cuando tengas conexión a internet. ¡Empezamos!

Hagamos las presentaciones. Cómo y cuándo surgió Teku Studios.

Teku Studios surgió ya hace años. Inicialmente éramos dos personas, Jose y Miguel, nos conocimos en la Universidad y allí surgió la idea de hacer un videojuego. En 2011 comenzamos a trabajar en las primeras ideas de Candle, pero no fue hasta 2012 que, tras presentar el proyecto a varios premios emprendedores y ganarlos, fundamos la empresa, ¡y aquí seguimos!

¿Y quiénes sois actualmente?

Actualmente somos un buen grupo de personas. En arte trabajan en esta recta final siete personas, en audio tres y en programación otras dos. No todos residimos en Teruel. En el estudio trabajamos cinco personas, dos programadores y tres artistas. En Madrid se encuentran los diseñadores de sonido, el compositor es de Huesca, el artista FX de Barcelona, y el resto de ilustradores de Canarias. No todos estamos a tiempo completo pero ¡En pocos años hemos crecido un montón!

Sabemos que mañana es el aniversario de Teku Studios. ¿Cuántos cumple? ¿Creéis que está ganando con los años como Brad Pitt?

¡Teku cumple 3 añitos! Y no os quepa duda, esto es como el buen vino: cuanto más años pasan mejor es el contenido. ¡Y eso que se nos han pasado en un parpadeo!

Efectivamente Teku Studios surge en 2011, pero no se convierte en una empresa registrada hasta septiembre de 2012. ¿Tanto se tarda en hacer los trámites? Si total, sólo se necesita una copia original del libro de familia, un maletín lleno de diamantes africanos, un par de muestras de ADN y un autógrafo de Michael Jackson de cuando aún era negro, ¿no? ¿A qué viene entonces tal demora?

Bueno, lo fuimos dejando, lo fuimos dejando...

No, en realidad ocurrió que comenzamos a trabajar cuando aún estábamos en la Universidad, y compaginamos los primeros prototipos del juego con nuestros estudios. Una vez dejamos todo eso atrás ya pudimos ponernos en serio a fundar la empresa (además, necesitábamos algo de financiación antes de poder lanzarnos a la creación de una empresa). Nos presentamos a varios premios emprendedores precisamente con Candle y, casualmente, los ganamos, así que con el dinero que conseguimos de ahí dimos ya el salto de constituir la empresa. Aunque no creáis que los trámites fueron cosa sencilla...

También decir que en un principio la idea era sólo desarrollar un juego, lo de la empresa vino después, gracias a estos premios. Vimos una gran oportunidad para dedicarnos a lo que nos gusta, y aunque al principio tuvimos que compaginar estudios con trabajo, nos lanzamos a ello.

Estáis afincados en Teruel. Perdonad nuestra ignorancia pero ni siquiera sabemos si sois o no el único estudio de videojuegos de tales lares. ¿La tierra tira demasiado como para mudaros a ciudades en las que los estudios salen hasta de debajo de las piedras como Madrid, Barcelona o Valencia?

En Teruel sí somos el único estudio, aunque en Aragón hay otras buenas gentes como Kraken Empire o No Wand Studios, ¡poco a poco vamos siendo un buen grupito!

La idea de crear la empresa en Teruel fue sencilla. Ambos vivíamos aquí, ambos salíamos del mismo campus de la ciudad y ninguno teníamos dinero para plantear una mudanza y el montar una empresa lejos de casa. Y a día de hoy realmente la localización no es tan esencial como pudiera parecer. A fin de cuentas, con una simple conexión a Internet ya llegas a cualquier parte.

Rebuscando por ahí hemos encontrado ‘Ultimate Blow’ (Hostia Suprema), un juego de lucha estilo Street Fighter protagonizando por personajes políticos españoles que tienen que zurrarse para conseguir arrebatar a ‘Luis el Cabrón’ (el final Boss) el galardón de la Hostia Suprema. ¿Era una mera coña o realmente fue un proyecto serio? ¿Cuál era vuestro objetivo teniendo en cuenta que no tiene nada que ver con Candle?

Bueno, eso... fue un intento de broma del Día de los Inocentes que montamos junto a las gentes de Otogami.com, pero que no terminó de cuajar. ¡Casi nadie se lo tragó! Pero oye, que si vemos que tiene futuro, puede que hasta nos lo pensemos y todo (NO).

De todas maneras... ¡algunos lo creyeron! Y todavía hay gente que nos pregunta que como va el desarrollo del juego. Cuando les hablamos (inocentemente) de Candle, nos dicen ‘¡No, no! ¡El hostia suprema!’ Increíble pero cierto.

Hablemos de la escena del videojuego patria. ¿Creéis que títulos ya asentados como Dead Synchronicity y Gods Will be Watching, además de otros tantos que están por venir como Megamagic, Rime, Castle y Crossing Souls, están consiguiendo dar una visibilidad a nuestros creativos impensable hace apenas unos años? ¿Es el momento de mirar con optimismo tanto el presente como el futuro de nuestra industria?

Por supuesto que sí. Poco a poco iremos viendo cómo muchos estudios españoles se hacen un hueco en el panorama internacional. Hace unos años parecía imposible, pero a día de hoy crear videojuegos es más fácil que nunca, y eso ha propiciado una explosión de nuevos estudios que, sin duda, darán mucho que hablar. En el panorama videojueguil, España será la nueva Polonia, ya lo veréis. Capacidad hay de sobra.

¿Creéis que la aparente atención que están prestando actualmente tanto el Gobierno como los inversores y determinadas universidades públicas y privadas hacia este sector es acorde a su potencial?

Ni de lejos. Todavía queda muchísimo camino por andar, sobre todo en lo tocante a los pequeños estudios independientes. Es muy importante que se den ciertos pasos y que se esté comenzando a tomar en serio por fin esta industria, pero el apoyo institucional está todavía en pañales y muy mal orientado.

¿Qué cosas creéis que faltan para que nuestros pequeños y medianos estudios puedan hacerse un hueco sin tener que dejarse la piel en el camino?

La piel te la vas a tener que dejar sí o sí, eso cualquiera que pretenda montarse un estudio debe saberlo. No hay camino fácil para esto. Ahora, está claro que falta mucho apoyo estatal para el medio, más y mejores ayudas específicas, ciertas facilidades para las empresas del videojuego que sí se tienen en otros países como Francia o Canadá, un mejor apoyo de los medios que a veces tienden a pasar de puntillas por la escena indie nacional... creemos que se están empezando a mostrar los primeros síntomas de cambio, pero hay mucho camino por recorrer.

Os toca. De todos los videojuegos Made in Spain que hay ahora mismo por ahí pululando, ¿cuál es el que más os llama la atención?

¡Uy, qué pregunta tan difícil y comprometedora! No sabríamos decir, estamos tan enfrascados en el desarrollo de Candle que no hemos tenido tiempo ni de probar los que ya se han lanzado, aunque en el estudio le tenemos muchas ganas a Dead Synchronicity, Gods Will Be Watching y Paradise Lost. Y hemos leído que Blues & Bullets tiene un guión espectacular.

¿Y si tuvierais que quedaros con un estudio español en concreto de ayer o de hoy?

Pyro y Pendulo. Son los dos grandes estudios patrios que marcaron nuestras adolescencias.

Vayamos ya con Candle. ¿Qué es lo que ofrece?

Candle es un juego de aventuras 2D con puzzles, cercano al planteamiento de las aventuras cinemáticas más clásicas. Podéis pensar en una fusión de Another World y Heart of Darkness con un poco de Oddworld. Se hacen muy poquitos juegos así y nos apetecía desarrollar nuestra propia versión de ese enfoque jugable. A lo largo de Candle, el jugador se ha de enfrentar a un sinfín de puzzles y minijuegos que deberás superar prestando especial atención a los entornos y sus pistas. Además, todo el apartado visual del juego está hecho a mano, todo pintado de cero con acuarelas y animado fotograma a fotograma, al más puro estilo de las películas de animación tradicionales.

La principal diferencia con los ejemplos nombrados radica en el peso que le damos a los puzzles. Falshback se apoyaba más en la acción y las plataformas por ejemplo, y nosotros esa importancia la hemos volcado en la resolución de puzzles. También hemos incluido un inventario, cosa de la que carecían la mayor parte de este tipo de aventuras, lo que le da a Candle un sabor a aventura gráfica que nos gusta mucho. De todas maneras creemos que Candle tiene un sabor genuino y propio, de ahí que lo hayamos denominado ‘aventura gráfica dinámica’. Los pilares son los de una aventura gráfica tradicional, pero tomamos el sistema de control de las aventuras cinemáticas, eliminando el control del ratón y explotando las posibilidades de exploración que nos ofrecen las plataformas, el buceo, etc. También es muy importante el uso de la vela de Teku (el protagonista). A veces tendremos que averiguar cómo encenderla, o como mantenerla a salvo para que la llama no se extinga. En otras ocasiones el jugador tendrá que decidir si la apaga voluntariamente, para evitar ser detectado por ejemplo. Por supuesto hay muchas sorpresas en torno a la vela, pero es mejor que el jugador las descubra por sí mismo.

De la historia no queremos hablar mucho, ya que es un aspecto muy importante del juego y estamos tratando de guardarlo todo hasta que la gente lo juegue. Pero sí podemos decir que cuenta con un doblaje de lujo tanto en español (Pepe Mediavilla, voz de Morgan Freeman o Ian McKellen) como en inglés (Terry Wilton, el narrador de la saga Trine).

En julio de 2013 lo presentasteis en Kickstarter. Contadnos qué tal fue la experiencia, cuál era vuestro objetivo y cuánto recaudasteis finalmente.

Una campaña de crowdfunding es siempre muy dura. Te expone mucho, requiere mucho trabajo y nunca tienes garantías de que vaya a salir adelante. Lo bueno es que te da a conocer y consigues a muchos seguidores que se interesan por tu trabajo, y eso no tiene precio. Inicialmente teníamos un objetivo de 40.000 $, pero logramos recaudar 52.360 $, que no está mal.

Contadnos cómo era Candle en sus orígenes y cómo ha ido evolucionando desde entonces.

No ha variado tanto como cabría esperar realmente. Las bases que nos planteamos siguen siendo las mismas. Candle surgió como un juego de aventuras 2D hecho a mano y eso ha continuado siendo así. Sí que es cierto que inicialmente planteamos un juego bastante oscuro... gore incluso que luego se fue convirtiendo en lo que Candle es a día de hoy. Fuimos también introduciendo el humor en los puzzles, conservando el tono serio en la historia pero dotando al gameplay de momentos divertidos. Jugablemente se han añadido algunas cosas a lo largo del desarrollo, como el ‘destello’ que puede realizar Teku con la vela, que nos abrió un abanico de posibilidades muy interesante.

El nombre original de Candle era ‘Project Light’. ¿Queríais haceros los interesantes? Todos sabemos que cualquier cosa que se llame ‘Project nosequé’ suena siempre irresistiblemente interesante…

Queríamos tenerlo todo atado antes de dar a conocer Candle en su totalidad, y por eso optamos por ese nombre. Como por aquél entonces pululaba por la red ese 'Project Dark' que más tarde se revelaría como Dark Souls, nosotros optamos por presentar Candle como 'Project Light', la antítesis del otro.

Aquí no cabe duda, si por algo destaca Candle es por su sensacional apartado artístico construido a base de técnicas artesanales como la acuarela. Así se consigue la sensación de estar jugando con un cuadro interactivo. Contadnos más sobre este punto.

El proceso creativo en Candle ha sido sin duda el pilar fundamental del desarrollo, y algo que nos llevó bastante tiempo plantear. La idea de realizar un videojuego mediante arte tradicional en papel era una locura, y no teníamos ningún referente al que aferrarnos. El único ejemplo que podíamos seguir era el de la animación clásica, pero aún así con una gran diferencia: nosotros íbamos a usar acuarelas. Esto significa que el papel que usas, al contrario del utilizado en animación, no es transparente, por lo que digitalizarlo todo, teniendo que limpiar todo el papel para que las animaciones quedaran ‘libres’ iba a llevar mucho tiempo.

Otra de las claves es la técnica de la acuarela en sí. Es una técnica húmeda y transparente, justo lo contrario del acrílico, que es lo más común a la hora de animar. Esto quiere decir que una vez das una pincelada no puedes corregir pintando encima, por lo que la planificación de cada pintura tiene que ser muy minuciosa. El proceso normalmente ha consistido en plantear primero el puzzle, y luego diseñar la sala (o las salas) acordes con él. Una vez tenemos los bocetos, los escaneamos y ampliamos para trasladar el dibujo al papel de acuarela (una vez más calcándolo a mano, puesto que no puedes imprimir sobre el papel de acuarela ya que se correría la tinta al pintar). Una vez tenemos eso ya podemos pintarlo (tras arduos debates sobre los colores a utilizar). El último paso tras pintarlo es el entintado, para el cual hemos usado rottrings de los de toda la vida. Las salas además están planteadas por piezas, para poder montarlas sobre un plano 3d y aprovechar el efecto de profundidad.

Con las animaciones el sistema es básicamente el mismo, solo que además los fotogramas están hechos en papel sobre una mesa de luz, al estilo clásico. Todo ello da con un resultado final que nos encanta, con una vibración en los gráficos del juego que realmente te hacen sentir que las ilustraciones cobran vida.

Trasladar todo esto a Unity también nos trajo muchos quebraderos de cabeza. Todas las acuarelas están escaneadas y tratadas en alta resolución y no hubiera tenido sentido comprimirlo todo mucho perdiendo la calidad que obtenemos de un proceso así. Al principio el motor reventaba por todos lados ya que no soportaba Atlas de sprites tan enormes, y realmente tardamos un tiempo en saltarnos ese obstáculo. Al final pudimos gracias a una combinación de un método de compresión que fuimos diseñando (conseguimos reducir el peso de las imágenes a un 30% sin perder calidad aparente) y a una estrecha colaboración con Dinesh Kumar, el diseñador del plugin ‘2D toolkit’ que es el que usamos para construir las librerías gráficas de Candle y gestionar las animaciones.

Obra de Pascual Gállego, la música del juego también es un puntazo. ¿Qué es lo que queríais transmitir con ella? Por cierto, hablando de música, soy incapaz de sacarme de la cabeza el hilo musical de vuestra página web…

¡Pues el hilo musical de la web es el único que no es cosa nuestra! No es más que un tema libre de derechos que encontramos por ahí y nos gustó.

La música en Candle lleva mucho tiempo componiéndose y siempre hemos querido que fuese un buen acompañamiento para el juego. Cada escenita de Candle se plantea como un lugar independiente a nivel de efectos sonoros, así que fuimos planteando músicas específicas para cada situación. Quisimos en todo momento darle un aire muy tribal, así que hay mucha presencia de percusión y de instrumentos como flautas. También hemos incluido mucha guitarra española en las composiciones, ya que nos apetecía mucho incluir ese elemento tan propiamente español en el ambiente sonoro del juego.

Como bien habéis comentado, Terry Wilton y Pepe Mediavilla son los encargados de la narración en la versión en inglés y en castellano respectivamente. ¿Cómo habéis conseguido ficharles? ¿Qué les pareció vuestra propuesta y qué tal es trabajar con ellos?

No fue muy difícil. Unos jamoncitos por aquí, unos cheques por allá... y les convencimos en seguida.

La verdad es que es un lujazo contar con voces de la talla de esos dos actores, son además profesionales muy abiertos y comprometidos y en seguida se sintieron atraídos por Candle y se tomaron el trabajo muy en serio. En el juego final se podrá ver el resultado de su esfuerzo, y creemos que el trabajo de voz es insuperable.

No podemos ocultarlo, poder contar con Pepe ha sido un sueño cumplido. Somos grandes admiradores y ha significado mucho para nosotros que accediera a trabajar en Candle. Además se ha volcado totalmente.

Perdón por esta pregunta ya tan típica, pero en vuestro caso es inevitable: ¿creéis que los videojuegos son una nueva forma de arte o que por el contrario son una ‘mezcla’ de otras artes (música, pintura, cine, literatura, etcétera) que aún debe perfilar su propia idiosincrasia?

Es una pregunta que da para un debate mucho más amplio que esta entrevista. El videojuego es un medio único con su propia identidad y sus propios tics, y creemos que lo más importante es que todos los creadores sepan aprovecharse de las particularidades que ofrece este medio a la hora de llevar a cabo sus creaciones. Primero hemos de definir correctamente los videojuegos como forma de expresión antes de pararnos a valorar si se les considera un arte o no, aunque de todos modos esa valoración es difícil de hacer a la ligera.

Al final siempre dejo caer una serie de preguntas rápidas para poder conoceros un poquito mejor. Vamos allá.

Un plataformas de Super Nintendo o un Triple A next gen:

Miguel: Pues yo me quedo con un plataformas de SNES, sinceramente.

Jose: Lo mismo digo. ¡Nada como el rey León o el Aladdin de SNES!

Dibujar el mundo de Candle o practicar body paint con un grupo de supermodelos.

Miguel: ¿Y hacer body paint de Candle con supermodelos?

Jose: Pintar supermodelos en el mundo de Candle. Ya está bien de tanta roca y tanto árbol (en serio, socorro).

¿Un creativo al que acosaríais por las calles?

Miguel : ¡A varios! Pero yo personalmente acoso mucho a Terry Cavanagh.

Jose: Una simple orden de alejamiento no me hace olvidar a mi querido Kojima.

¡Toca despedirse!

Deseamos sinceramente que disfrutéis de Candle. Ha sido la prueba más dura de nuestra vida, y nos ha costado muchos sacrificios que vea la luz. Todo nuestro cariño está volcado en él. Esperamos poder sorprenderos con su mundo y sus puzzles (y que narices, ¡Teku es una pocholada!).

Pixels, pixels y pixels. Por mucho que Adam Sandler y sus secuaces defiendan ahora que esa palabra es suya, igual que los hermanos Warner defendieron en su día que ‘Casablanca’ era de su propiedad por haber rodado una película con Humphrey Bogart e Ingrid Bergman (brillante Groucho Marx al mandarles elegantemente al carajo), lo cierto es que los desarrolladores indies se han convertido en los máximos responsables de que hoy en día veamos pixeles como panes por todas partes, provocando (o no) acidez de estómago al creador del antialiasing y esas otras técnicas que tanto se esfuerzan en ocultarlos.

Porque el pixelart está de moda y parece que ha venido para quedarse por mucho tiempo. Pero no sólo hablamos de algo visual, si no de una cultura del videojuego que resurge frente a las propuestas actuales rescatando el sabor de los grandes clásicos, de aquellos juegos gracias a los cuales muchos de nosotros comenzamos a sentir un profundo amor por este ocio cuando aún éramos demasiado micos para entender siquiera la maravilla que teníamos entre manos.

Como decimos todo esto no es tan sólo un mero síntoma de una nostalgia difícil de cubrir con los juegos comerciales. Es la necesidad de acceder a propuestas más directas, más rápidas y, sobre todo, más naturales. Títulos como Mega Man y Castlevania no requerían de extensos tutoriales, pero sin embargo son joyas realmente profundas y complejas, capaces de ofrecer muchas horas de diversión al usuario.

Tomando todo esto como base surge ‘A Hole New World’, el proyecto de Mad Gear Games, un estudio indie cuyo núcleo duro está formado por Daniel Pellicer, Miguel Murat y Juan Jesús Ligero. Hemos tenido el gusto de poder charlar con ellos y esto es lo que nos han contado sobre su trayectoria, sobre sus inquietudes, sobre su proceso creativo. Seguid leyendo.

Primera pregunta obligada, ¿cuándo y cómo surgió Mad Gear Games?

Pues se podría decir que hay dos etapas en la historia de Mad Gear Games: pre ‘A Hole New World’ y post ‘A Hole New World’. Las llamaremos a partir de ahora Pre y Post. En la etapa Pre, JJ se puso a buscar un grupo de colegas para hacer videojuegos, ahí nació el nombre de Mad Gear Games (el nick completo de JJ es JJHaggar, así que os dejaremos adivinar de qué sindicato del crimen reformado a base de cascanueces surgió el nombre), y poco después empezamos a hacer el Ninja Trials, juego tipo ‘Combat School’ pero en HD y con Ninjas que de momento tenemos aparcado. El 23 de agosto de 2014 fue la fecha que cambió el destino de Mad Gear, y es que ese día fue la ludum dare 30, y el inicio de la etapa Post. Como nos los pasamos tan bien haciendo el juego y además consiguió una buena posición, decidimos desarrollar un juego hecho y derecho con lo que habíamos completado ese fin de semana. A partir de ahí, y pensando en Greenlight y Kickstarter, formamos legalmente la empresa en Cádiz este pasado mayo.

¿Actualmente cuántos formáis la plantilla? ¿Ha habido muchos cambios desde la creación del estudio?

Ahora mismo el ‘núcleo duro’ somos tres: Daniel Pellicer, Miguel Murat (Migue) y Juan Jesús Ligero (JJ). De la plantilla original sólo está JJ.

Desde el principio del estudio mucha gente ha ido pasando por él, Alfonso, Alejandro, Álvaro, Sergio, Bruno, Víctor, Alicia, Sergio (es otro Sergio)... Algunos han tenido que ir dejándolo por asuntos personales (Alf es ahora papá de una pequeña llamada Alejandrita) o porque les han ido surgiendo otros proyectos (Álvaro está haciendo juegos de mesa), algunos siguen colaborando más o menos tiempo y otros no, pero todos dejan una huella propia que ha ayudado (y sigue ayudando) a enriquecer el estudio.

¿Cómo trabajáis? Me gustaría saber si cada cual tiene un espacio definido, si las decisiones se toman en común, si las ideas se disparan y rebotan de un lado a otro, si tenéis sede física o si cada cual trabaja desde casa… todas esas cosas y lo que queráis contarme.

Cada uno tiene asignados unos trabajos, por ejemplo Dani programa y compone, Migue diseña el juego y las fases, y JJ hace los gráficos y los papeleos, pero si hace falta todos arrimamos el hombro para ayudar a lo que sea. Las decisiones intentamos tomarlas siempre entre todos, y siempre intentando que todos estemos lo más contentos posible. Cada uno trabaja desde casa: Daniel en Austria, Miguel en Japón, Londres, Madrid, etc. y JJ en Cádiz, pero estamos todo el día conectados vía Hangout y similares, así que nos sentimos un poco como si viviésemos uno al lado del otro.

¿Y vuestra experiencia previa? Quiero decir, ¿de dónde viene cada uno de los miembros de Mad Gear Games? ¿Habéis estudiado con el objetivo de desarrollar un videojuego o habéis acabado haciendo esto como quien dice ‘de rebote’ y aprendiendo a base de experimentar?

Dani: Supongo que sonará a tópico pero yo, como tantos otros, siempre quise hacer juegos, es solo que a la hora de escoger una carrera, fui convencido de que había que hacer algo que tuviese salida profesional. Así que hice ingeniero técnico industrial y luego teleco. Poco antes de acabar la carrera, me dio por hacer música para juegos, pero como todavía no tenía mucha experiencia, me hice mis propios juegos para poder hacerle la música. Mi sorpresa fue muy grande cuando me di cuenta de que programar los juegos era súper divertido, no como todas esas voces a mi alrededor me habían dicho cuando tenía 18 años. Luego juan me llamó para hacer música para Ninja Trials y en un momento determinado y de forma muy inocente le ofrecí ayuda para programar también en caso de que hiciera falta. Él lo entendió de otra manera y me unió a todos los repositorios y me dio un montón de cosas que hacer. Ya no tenía escapatoria.

Migue: Antes de hacer la carrera ya hacía juegos con un motor para MS-DOS que se vendía en los kioscos (DIV) y quedaba con gente que hacía lo mismo. Estudié informática pensando en programar juegos pero finalmente acabé trabajando primero en QA en EA, luego en producción en Enigma (porque en Zed pagaban poco de programador), más tarde diseñando juegos para iPhone cuando salió el App Store y finalmente de project manager en Unkasoft. Y ahora vuelta al diseño de juegos :)

JJ: De pequeño, antes de saber que existían, ya quería hacer videojuegos. Con 5 años solía fabricar y jugar con una especie de ‘teatro de papel’, que era básicamente un escenario de lo que podría ser un juego de plataformas y un monigote que se movía por el escenario con un palito a modo de mando como si saltase precipicios y esquivase trampas para llegar a un tesoro, al estilo Indiana Jones. Luego conocí por fin los videojuegos con la Atari, me encantaron, y he seguido jugando desde entonces. A la hora de elegir carrera dudé entre psicología e informática, pero curiosamente ganó la primera. En mi defensa diré que siempre he estado un poco loco y pensé que así podría ayudar a los demás y a mí mismo. Un día, varios años tras acabar la carrera, de repente tuve una especie de ‘iluminación’, me di cuenta de dos cosas: primero que tenía tantas ganas de hacer videojuegos como el primer día, y segundo que no tenía por qué echar currículums para hacerlo por cuenta ajena, así que tomé una decisión, iba a hacer videojuegos a toda costa. Como no tenía dinero para pagarme la carrera de informática, estudié el CFGS desarrollo de aplicaciones informáticas, y cuando lo estaba acabando, casi sin darme cuenta, ya estaba en contacto con un grupo de amigos que querían hacer lo mismo. Así que sí, se podría decir que he acabado en esto un poco de rebote, pero yo prefiero pensar que ahora por fin he hallado mi camino.

Lo pregunto porque, si bien es cierto que cada vez hay más escuelas universitarias que ofrecen grados oficiales en diseño de videojuegos, también es verdad que existe un altísimo número de desarrolladores que vienen de crear páginas web o que compaginan esto con trabajos como poner ventanas, vender hamburguesas o sacarse otra carrera completamente diferente…

La gente que tiene interés en hacer juegos los hace. No hace falta nada más que ganas (¡y una conexión a Internet a poder ser!).

Migue: Mi panadero me preguntaba el otro día por grados y estudios en videojuegos. Yo le dije… ‘¡haz un juego!’ Y él me dijo ‘pero necesitaré un equipo potente…’. ‘¡Excusas!’.

Como estudio de videojuegos, ¿qué es lo que más os ha costado aprender y lo que creéis que es fundamental para sacar adelante un proyecto que sepa cumplir con unas metas previamente establecidas?

¿Metas previamente establecidas? ¿Eso qué es?

Bromas aparte, en realidad trabajamos con una metodología de trabajo para software llamada Scrum que se centra siempre en bloques de dos semanas. ¡Sabemos lo que vamos a hacer en el futuro pero nos centramos más en el presente!

¿Y aquello que os ha dado más de un quebradero de cabeza? ¿Qué consejo le daríais a todo aquel que esté pensando en desarrollar un videojuego?

Por ahora lo que más quebraderos de cabeza nos ha dado es elegir un motor para nuestros juegos. Empezamos usando AndEngine con la idea de hacer un juego de ninjas para Ouya, luego nos pasamos a libGDX por conseguir portabilidad multiplataforma instantánea usando open source, y ahora estamos trabajando en pasar nuestro juego a Unity para mayor portabilidad y dar una mayor comodidad a nuestros usuarios (con libGDX el ‘ejecutable’ que podemos darles para que jueguen a nuestro juego es un archivo ‘.jar’).

Como consejos se nos ocurren varios, pero si hay que elegir uno creo que diremos ‘No empieces con un proyecto demasiado grande’. Casi todos los proyectos son más grandes de lo que uno se piensa al principio, nosotros sin ir más lejos hemos tenido que dejar aparcado el juego de ninjas que os comentamos porque acabó siendo mucho más complejo de lo que pensábamos en un principio.

Sabemos que sois un estudio activo en cuanto a que si hay ocasión de tener presencia en un evento o feria, no os lo pensáis dos veces. ¿Cómo es la experiencia de llegar a una feria, plantar tu stand, y dejar que todo un grupo de desconocidos trastee con tu juego? ¿Tenéis alguna anécdota curiosa?

Es muy cansado, pero increíblemente interesante. Uno no se imagina las cosas que va a querer hacer la gente (dirigidos en cierta manera por la forma en que lo has diseñado) hasta que no lo ves. En ocasiones crees que has puesto indicaciones claras de cómo ir a un determinado sitio y nadie se da cuenta y en ocasiones crees que has hecho un lugar del juego todo un reto y el jugador descubre una forma de hacerlo fácil que no se nos había ocurrido a nosotros. A parte de eso, y en particular para este juego, siempre es muy divertido ver las caras que pone la gente la primera vez que caen por un agujero. Si no conocen el juego no se lo esperan para nada.

Pues una cosa que nos suele hacer reír y sentir como dinosaurios es cuando vienen niños pequeños a probar el juego y cogen el mando (imitación del de NES) del revés. Pero la anécdota más graciosa probablemente fue en el GamerCon que se celebró en el Salón Manga de Jerez de este año. Viene un niño con sus padres, y se pone a jugar, le gustó mucho pero como era chiquitillo le costaba trabajo avanzar, así que convenció al padre de que le ayudase, ¿que cómo? pues...

También sabemos que sois muy de hacer peña con otros estudios como AlPixel Games, S0ns of B1t, Risin’ Goat, Gazpacho Games, Kinoko Studios… ¿Qué pasa aquí, que todos los indies os lleváis bien entre vosotros? No estaréis tramando algún plan maligno en esas quedadas pre y post ferias, ¿verdad?

Nos sentimos como si… como si pudiésemos… ¡conquistar el mundo!

Quizá los estudios de por aquí no sean empresas súper grandes, con presupuestos millonarios, que salgan en todos los medios por decir obviedades como que están desarrollando un nuevo [Introduzca nombre de juego que sale todos los años], pero creo que podemos estar muy orgullosos del BUEN ROLLO que hay en nuestra industria. No hemos conocido a nadie que no esté dispuesto a echar un cable cuando hace falta.

Hablando de los colegas, tenéis que recomendarnos algún que otro estudio que haya que tener bien presente. Con sus respectivos juegos, claro.

Creo que no habéis entrevistado a la gente de Milkstone que llevan ya un tiempo sacando juegazos. También Super Awesome Mega Team (creo que es más largo), 2Awesome Studio, Dolores Entertainment, Planet Apolion… ¡No hay gente ni nada! ¡El panorama indie está súper interesante!

Toca presentar ‘A Hole New World’. Os dejo los honores.

A Hole New World es el juego que surge al combinar nuestros juegos favoritos de antaño (Mega man, Castlevania, Ghouls ‘n Ghosts…) y darle una vuelta de tuerca que básicamente es entrar en otro mundo al caer en agujeros en la parte más baja de la pantalla que, en videojuegos de antaño, habría supuesto tu muerte.

Un juego sin tutoriales rollo, sin complicaciones en los controles (salto y disparo), sin tiempos de carga eternos, sin DLCs… para jugar y pasarlo bien al momento.

Sabemos que la idea original surgió en la Ludum Dare 30, en la cual por cierto consiguió un magnífico resultado. Contadnos en qué consiste este evento y cómo fue la experiencia.

Ludum Dare es una competición de hacer videojuegos en un fin de semana sobre un tema que te dan justo antes de empezar. Hay dos modalidades, una que estás sólo y hay una serie de restricciones (compo), y otra un poco más ‘sencilla’ en la que pueden trabajar varias personas (jam). Nosotros hicimos esa última.

Nos reunimos todos vía Hangout un par de horas antes de empezar la competición, y desde que empezó hasta que faltaban unos pocos minutos estuvimos literalmente sin parar salvo para dormir un poco (muy poco). Lo más complicado en un evento de este tipo es completar un juego en el tiempo establecido, ¡pero lo conseguimos! Así que acabamos muy contentos. Más aún porque la gente votó a nuestro juego de forma muy positiva, y por eso decidimos hacerlo más grande y mejor.

Efectivamente ‘A Hole New World’ es un título con mucho sabor retro. ¿Por qué creéis que estas experiencias clásicas están volviendo con tanta fuerza hoy en día?

Probablemente porque había un público que estaba esperando este tipo de juegos y, hasta que alguien no pensó en echar la mirada hacia atrás y hacer un título como los de antes, la industria no se dio cuenta.

Sin duda os estáis currando un apartado audiovisual digno de NES. ¿Una muestra más de que le disteis duro al Ghosts’n Goblins, Castlevania y derivados?

Hay quien piensa que los gráficos retro son fáciles. ¡Es al contrario! Tener una limitación de colores como la de la NES hace bastante difícil el crear gráficos bonitos. Sin embargo es un reto súper interesante y los resultados son preciosos. Las imágenes en pixelart son obras de arte de un trabajo incomparable, no hay más que ver los gráficos de los grandes clásicos, o algunos trabajos actuales como los de Paul Robertson. Nosotros no llegamos a tanto, pero nos esforzamos todo lo que podemos en que quede un juego bien resultón.

Teniendo en cuenta que vuestro juego funciona a 240p me interesa saber vuestra opinión sobre la actual guerra por la resolución. Ya sabéis, que si Xbox One es peor por no alcanzar los 1080p, que si los juegos a 4K en PC pueden provocar orgasmos múltiples…

Parte del equipo tenemos unos ojos que ni con gafas vemos tres en un burro. Probablemente no se note mucho la diferencia. Sin embargo, sí es cierto que la carrera tecnológica que a priori parece absurda (¿4K en móviles?) luego acaba derivando en nuevas tecnologías (Google Cardboard / Oculus) que no habrían sido posibles de otra forma.

Con ‘A Hole New World’ habéis conseguido superar con éxito un Kickstarter y el filtro de Steam Greenlight, actualmente las dos ‘barreras de fuego’ para todo aquel que quiere financiar y publicar su juego. ¿Perdisteis mucho pelo por el estrés o supisteis controlar los nervios?

Pues la campaña de Greenlight la lanzamos un mes antes del Kickstarter, con la idea de que hubiera cierta sinergia entre ellas, pero aunque sí que hubieron nervios y excitación cuando la empezamos y cuando vimos que nos habían dado luz verde nos la tomamos con bastante más calma que la de Kickstarter. Kickstarter fue una locura. Estábamos continuamente intentando pulir toda clase de detalles, haciendo turnos para estar las 24 horas atentos al público, todo el rato mirando la web pendientes de ver si lo íbamos a conseguir o no, si íbamos a conseguir uno u otro stretchgoal… Poco dormimos ese mes (risas).

¿Aún mantenéis el contacto con vuestros mecenas? ¿Siguen colaborando activamente para pulir ‘A Hole New World’ y aportar feedback?

¡Claro, de hecho acabamos de abrir el foro y de distribuirles la primera beta privada, y ya estamos recibiendo feedback muy interesante! Aparte, varios de ellos van a tener un personaje que saldrá en el juego, así que a todos ellos les tendremos que ir preguntando detalles e irles enseñando el resultado para ver qué les parece.

Y la gran pregunta de siempre, ¿cuándo estará listo? ¿Cabe la posibilidad de verlo más allá del PC?

Pues si todo va bien queremos tenerlo listo para PC en diciembre de este año (2015). Respondiendo a lo otro, nosotros queremos que el juego salga en todas las plataformas posibles, por lo que si bien en Kickstarter no conseguimos la financiación que necesitábamos para sacarlo en consolas, estamos estudiando las diferentes opciones que tenemos. A lo mejor no conseguimos que llegue a todos los mercados que nos gustaría, pero no nos daremos por vencidos tan pronto.

Por último vamos a hacer una ronda de preguntas rápidas:

Un contrato ya mismo con una gran editora o seguir de ‘indis’ por la vida:

-Dani: Yo siempre he querido probar a vivir debajo de un puente.

-Migue: El ramen instantáneo está sorprendentemente bueno.

-JJ: ‘Indy’ me gusta más que ‘Henry Jr’.

El juego clásico por el que seríais capaces de luchar contra dragones, cruzar océanos de fuego y lanzar rayos láser por los ojos:

-Dani: Megaman 2. Magníficoooooooo. Por eso estamos haciendo A Hole New World.

-Migue: Creo que antes de pasarse a las 3D decidieron hacer EL súmmun clásico. Alguien metió en una batidora todos los juegos buenos de los 8 y los 16 bits... y salió Castlevania Symphony of the Night claro.

-JJ: Pues hay muchos por los que si es necesario masticaría dragones de fuego con los ojos. Pero como sólo me dejáis decir uno, os diré el Demon’s Crest.

Vuestro primer amor virtual:

-Dani: pues aunque parezca raro creo que del primer juego que me acuerdo es del Konami Wai Wai World 2 de la Family Computer.

-Migue: ¡Ranma tía! Ah no espera… ¿Hablamos de juegos? Em… ¡Ranma tía! (de importación).

-JJ: Dependiendo de lo que hayas querido decir te respondería ‘Double Dragon’ o ‘Tyris Flare’.

Un último mensaje.

-Dani: Chicos y chicas de hoy en día: ¡Jugad juegos retros e indie! ¡Molan mucho!

-Migue: ¡Nunca pagues más de 20 pavos por un videojuego!

-JJ: Ia! Ia! Cthulhu Fthagn!

¡Querido lector! Si por lo que sea se te pasó colaborar con 'A Hole New World' y tras leer esta entrevista te ha picado el gusanillo, que sepas que aún puedes hacerlo siguiendo este enlace. este enlace

El domingo es el día del Señor, el día de las cervecitas en una terracita con los colegas y de peli por la tarde tirados en el sofá. El domingo es eso, un día de relax ideal para sacar la tablet, smartphone o lo que sea para echarle un vistazo a esa sección de entrevistas a desarrolladores con la que semana a semana tratamos de acercaros un poco más su trabajo por aquello de que existen, trabajan como perros, y son capaces de ofrecernos algunas de las mejores joyas con las que disfrutar jugando a día de hoy.

Esta semana hemos entrevistado a Luis Díaz, uno de los cuatro integrantes de AlPixel Games, estudio creador de Missing Translation, un peculiar título de puzles con un llamativo apartado visual pixelado en blanco y negro que ha arrasado en no pocos certámenes y eventos. Para colmo además de ser un gran juego es gratuito en su versión para PC, por lo que no existen excusas para no hincarle el diente.

Pero los días del equipo que hay detrás Missing Translation están contados y Luis prepara una nueva aventura profesional formando un nuevo estudio de desarrollo. ¿Queréis saber cómo ha sido su camino hasta llegar a esta situación? ¡Pues seguid leyendo!

Cuéntanos cómo y cuándo surgió AlPixel Games.

Llevábamos ya un par de meses trabajando en ‘Missing Translation’ y nos tocó prepararlo para Madrid Games Week. Claro, ahí ya no puedes seguir diciendo los nombres de las cuatro personas que hay detrás del proyecto cada vez que alguien pregunta, era necesario crear algo que nos representara a todos. De ahí surgió la idea de crear ‘la marca’ AlPixel Games, que en adelante usaríamos en todos los eventos.

Fue una cuestión de necesidad que surgió por casualidad y que se convirtió en nuestro estandarte casi sin darnos cuenta.

Os hemos oído decir que AlPixel no es una empresa, que es un estudio de videojuegos…

Nunca hemos tenido muy claro cómo definirnos, somos cuatro personas que no se conocían previamente, que no son del mismo país (ni siquiera del mismo continente) y que nunca se han visto cara a cara. Trabajando en un proyecto pequeñito y sin cobrar, pero con mucho cariño por lo que estábamos haciendo.

Cuando dices la palabra ‘empresa’ la gente asume que tienes oficinas, hay personas que te piden trabajo, te ofrecen participar en programas sólo aptos para empresas y demás cosas similares. Nosotros, en un intento fallido de evitar todos estos follones, decimos que somos un estudio de videojuegos, lo único que podemos afirmar con seguridad es que somos un grupo de gente que ha hecho un juego en conjunto.

¿Pero es que acaso sigue estando tan negro fundar una empresa en España? Pero si ya no hay crisis, las calles están bañadas de oro y criamos a nuestros hijos con caviar y langosta alimentada con carne de kobe. De verdad, ¿dónde está el problema para dar el salto con todas las de la ley?

¿El caviar a los hijos? ¡Nosotros eso se lo damos al gato!

Ahora en serio, fundar una empresa en España sigue siendo complicado, además de todo el papeleo están las tasas, que hacen que parezca que tu cartera tiene un agujero. Si lo que haces es empezar un proyecto con los amigos y nadie cobra puedes esquivar todos estos trámites un tiempo, pero al final todo llega. Creo que somos muchos los que soñamos con tener un modelo como el de Inglaterra, rellenar todo el papeleo en cinco minutos por internet y pagar tasas sólo cuando se facture por encima de una determinada cantidad, pero cada vez parece más utópico que eso llegue a España. Cosa que me resulta muy curiosa, siempre hablamos de que estamos impulsando que los jóvenes monten sus empresas y desarrollen sus ideas pero luego da la impresión de que hay más trabas que ayudas.

Entendemos que además, cuando hay que estar pendiente de cada céntimo para invertirlo en software, en asistir a eventos o lo que sea, pueda resultar agotador. ¿Qué os empuja a seguir dando el callo?

Probablemente que a todos nos faltan unos cuantos tornillos. Hay mucha presión a la hora de desarrollar algo, administrar el equipo, intentar que guste, llevar las relaciones públicas, luchar por darle visibilidad... y luego vas y lo vuelves a hacer una y otra vez. Creo que la única explicación es que todos sentimos un amor incondicional por hacer juegos y compartirlos con los demás. Es algo que se mete en tu ADN y ya no te lo puedes sacar, se convierte en algo natural y que no puedes dejar de hacer.

Es un trabajo pero al mismo tiempo es una pasión, da quebraderos de cabeza y exige mucho pero también te llena y te deja con la mar de recuerdos felices.

¿Crees que hay futuro para AlPixel? No ya como estudio de videojuegos, si no como empresa, si podrá convertirse algún día en un negocio con el que pagar la universidad de vuestros retoños.

La marca de AlPixel Games no puede tener un futuro más incierto. El equipo que trabajó en ‘Missing Translation’ se va a separar, principalmente por la distancia, hemos aguantado algo más de un año pero la verdad es que todos sentimos la necesidad de trabajar cara a cara, cosa que ahora mismo no es posible. Todos vamos a seguir haciendo juegos y la mayoría ya tenemos un nuevo proyecto principal entre manos. Seguro que nos volvemos a juntar en el futuro aunque sólo sea para una game jam. ¿Quién sabe? Igual algún día podemos conocernos en persona y todo.

Puede que mi próximo proyecto salga bajo el nombre AlPixel o puede que dejemos ese nombre en stand by por el momento, eso no lo sabremos hasta dentro de un par de meses. Pase lo que pase no hay motivo para estar triste, usamos ese estandarte con un propósito muy concreto, en el momento que deje de cumplir una función tocará buscar otro.

Debe ser difícil obtener beneficios si distribuís gratuitamente vuestros juegos como en el caso de Missing Translation. ¿Qué os llevó a hacer algo así? ¿Cómo ha reaccionado la comunidad de jugadores?

‘Missing Translation’ empezó porque yo había publicado ya unos diez juegos cortos y quería intentar hacer algo más serio para ver si podía comprometerme y terminarlo. Formé un equipo nuevo donde nadie conocía a nadie y donde todos éramos muy novatos. Decidimos trabajar en un proyecto gratuito para asegurarnos de que todos estábamos ahí por las razones adecuadas y para centrarnos en ganar experiencia e intentar hacer lo que queríamos. No es algo que lamentemos, de hecho, nos han propuesto varias veces cobrar por él en PC y lo hemos rechazado. Queríamos hacer algo que pudiésemos compartir con todo el mundo sin reparos, de ahí también que el juego no tenga texto.

Al final nos surgió la posibilidad de firmar con GamesBoosters, un publisher que aceptó que regalásemos el juego en PC. Ellos se encargan de la distribución móvil (donde el juego no es gratuito), cosa que nos ayuda mucho, es un mercado muy distinto donde cuesta mucho que te vean. No estamos ante un modelo nuevo, Vlambeer ya lo hizo en su día con ‘Super Crate Box’, que es gratis en ordenador y premium en móvil.

Todavía no tengo clara la reacción de la comunidad ante esta idea, de momento nos hemos centrado en el lanzamiento móvil hasta que nos den el visto bueno definitivo en Steam, que debería llegar antes de un mes. A mí me da un poco de miedo que al no pagar por él lo menosprecien y se piensen que ha sido algo a lo que no le hemos dedicado esfuerzo. Por ahora el feedback en páginas como GameJolt ha sido bueno, falta ver cómo evoluciona la cosa.

¿Y vuestros colegas de profesión? Evidentemente nadie puede deciros qué hacer con vuestro juego (más allá de los perjuicios que comentas ¡quién puede negarse a un juego gratis!) ‘ero en un mercado en el que cuesta tanto esfuerzo sacar las cuatro perras necesarias para vivir o para encarar el desarrollo de un nuevo proyecto, ¿os han aplaudido o más bien se han echado las manos a la cabeza?

Muchas veces se echan las manos a la cabeza y nos animan a cambiarlo, pero cuando les contamos el porqué de la decisión lo entienden. Nosotros nos hemos podido permitir el lujo de hacer esto una vez y después de un año ya estamos acostumbrados a que nos miren un poquito raro, igual nos lo hemos ganado (risas).

Tampoco estamos reinventando la rueda con esto, hay muchos juegos geniales que se publican gratis en internet. El referente en España es Locomalito, que publica TODOS sus proyectos gratis para que cualquiera pueda disfrutarlos.

Sobre la versión para móviles, sabemos que la APK pirata del juego circuló por ahí permitiendo que ciertos individuos se lucraran a costa de vuestra creación. ¿Qué nos puedes contar de esta experiencia? ¿Tenéis cifras para medir el daño que hizo la distribución pirata de Missing Translation?

La piratería es algo que todos conocemos y que no va a ir a ningún lado. No hace gracia que cuelguen la APK de tu juego en todos lados, más aún cuando en ordenador regalamos el juego. Lo que yo nunca había visto antes era alguien que cogiese tu APK, la subiese a un mercado como Amazon e intentase cobrar; eso es otro nivel ya. No sólo distribuyen ilegalmente algo que no les pertenece sino que además pretenden sacar provecho de nuestro trabajo.

Nosotros tuvimos suerte y conseguimos quitarlo en unas 12 horas, sin que nadie llegase a comprarlo, pero otros desarrolladores no tienen tanta suerte y pasan semanas poniendo denuncias hasta que consiguen que se bloquee el contenido. El problema es que la única penalización es borrar la cuenta del que lo ha subido, pero así no se soluciona mucho, ya que al día siguiente puede ponerse a intentar sacar provecho de otros juegos.

Hay muchas copias ilegales de ‘Missing Translation’ circulando por la red, eso es inevitable, es muy fácil sacar el instalador de cualquier juego que esté en Google Play o Steam. Al menos no tenemos constancia de que haya más gente intentando venderlo.

Sabemos que Missing Translation ha arrasado literalmente en no pocos certámenes. Realmente creéis que este hecho ha tenido un impacto directo en su éxito. Es decir, ahora que los certámenes de videojuegos surgen como setas, ¿realmente potencian la visibilidad de los pequeños y medianos estudios así como de aquellos juegos que se salen del mainstream?

No creo que la mayor parte de premios nos hayan ayudado demasiado. ¡OJO! No estoy diciendo que no aporten su granito de arena, pero no es algo que te vaya a cambiar la vida o que garantice el éxito de la publicación. Aunque es cierto que hay algunos que sí que pueden suponer un empujón y ayudarte a aparecer en medios fuertes. Muchas veces estos certámenes son un sitio más al que ir y el simple hecho de estar presente y enseñar el juego ayuda casi más que ganar un premio.

En nuestro caso, donde la financiación era nula, nos han ayudado muchísimo algunos premios económicos que nos han dado, sin ellos no hubiera sido posible asistir a otros eventos o pagar algunas inscripciones. Además de que siempre hace mucha ilusión que se reconozca el trabajo y que los críticos lo disfruten.

Optimistas o pesimistas, ¿cómo os sentís respecto al actual estado de la industria del videojuego española?

Según el día (risas), pero principalmente creo que optimistas. Cada vez se ven más proyectos de más calidad que están siendo desarrollados en nuestro país y es ahora cuando está floreciendo, hay mucho potencial y es el momento de afianzarnos y demostrar que podemos crear un ecosistema de desarrollo sano y de mucho nivel.

En vuestra opinión, ¿cuáles son sus principales bazas y cuáles sus grandes lacras? ¿Qué haría falta para que pegara el estirón?

Falta sobre todo tiempo, están saliendo más estudios, eventos, certámenes, asociaciones y demás. Ahora falta que la industria se siga desarrollando, tanto en su variante comercial como en la artística.

Está claro que un poco más de ayuda con los trámites legales y las tasas supondría un gran empujón, pero creo que lo principal sigue siendo madurar un poco y que el progreso de unos vaya empujando a los demás a ir más lejos.

Estudios como Gazpacho Games, Fictiorama y WhootGames sólo tienen palabras bonitas para vosotros. De hecho os han recomendado en esta misma sección. Ahora os toca a vosotros devolver la papeleta, ¿qué estudios indies españoles nos recomendáis?

¡Pero qué gente tan maja! :D

Hay bastantes estudios y desarrolladores para recomendar, además de los que mencionáis vosotros yo me quedo con Deconstructeam (los que no necesitan presentación), Oddly Shaped Pixels (que no deja de sacar cosas molonas), Red Little House (que tienen un juego maravilloso entre manos), Rodaja (los maestros del ‘multijugador de sofá’), Edu Verz (con sus ideas innovadoras y su pixel art brutal) y Nachobeard (con su maravilla llamada ‘Cerulean Moon’).

Creo que todos han demostrado de sobra que pueden hacer cosas geniales y no me cabe duda alguna de que van a seguir haciéndolo con sus próximos proyectos, ¡un abrazo enorme para todos!

Volvamos a Missing Translation. ¿Podéis hacernos una presentación oficial para aquellos que aún no lo conozcan?

‘Missing Translation’ es un juego de puzles y aventuras en blanco y negro donde no encontraremos ni ayudas, ni tutoriales, ni siquiera texto. No es un juego difícil, más bien lo contrario, pero se premia la experimentación y la curiosidad. Hay unos retos adicionales para los más atrevidos relacionados con un extraño idioma que dibujaremos en pantalla.

En Missing Translation los puzles son los reyes de la fiesta, aunque no por ello descuidáis el contar con un hilo conductor, con una historia. ¿Es una forma más de complicaros la vida o más bien una artimaña para sumergir aún más al jugador dentro de la acción?

Creo que ambas (risas). Está claro que para nosotros supone una complicación bastante grande, pero creo que tener un mundo que englobe esos puzles aporta mucho, no es lo mismo que enfrentarse a un menú que nos va presentando los diferentes niveles como si nada, proporciona un cierto contexto y sentido aun cuando nuestra historia es bastante minimalista.

Todo en el juego gira entorno a estar perdido y la exploración de lo desconocido, esa exploración se lleva a cabo de forma abstracta en los conceptos de los puzles y de una forma más palpable en los escenarios que el jugador recorre. Es algo que lleva mucho trabajo pero que para mí es un añadido fundamental. Ni una obra maestra como ‘Braid’ sería lo mismo sin su ‘hub’ que conecta los mundos y su extraña narrativa entre pantallas.

Nuestro protagonista aterriza de repente en un mundo desconocido en el que no consigue comunicarse con sus habitantes. ¿Cómo se os ocurrió esta idea?

Como hemos dicho antes el centro del juego es la exploración de lo desconocido, el salir de la zona de confort y estar perdido. Claro, eso es un concepto muy abstracto que decidimos representar de una forma bastante tangible. De ahí la idea de arrancar al protagonista de su casa y plantarlo en un extraño pueblo lleno de criaturas que no hablan su idioma, ¿es posible sentirse más perdido?

En cuanto a su apartado visual, destaca su toque ‘pixelart’. Habladnos de cómo fue el proceso creativo hasta llegar a su look final.

Gustavo Santos es el máximo responsable del ‘look’ del juego. Cuando tuve una idea de lo que quería nos pusimos a trabajar juntos, yo le pasaba ‘sketches’ de los escenarios (cutres y propios de un niño de 5 años) y él lo convertía en arte conceptual casi de manera instantánea. Yo le propuse usar una estética en blanco y negro usando colores en objetos importantes con los que se pudiese interaccionar, a él le pareció bien y nos pusimos manos a la obra.

Empezamos a hacer los escenarios y cuando intentamos añadir color a algunos objetos no había forma de hacer que eso funcionara, igual era porque ya llevábamos un mes viendo el mundo de ‘Missing Translation’ en blanco y negro, pero nos dimos cuenta de que se iba a quedar así. Fue uno de esos momentos en los que el juego cobra vida propia y se define a sí mismo.

Sorprende el alto número de idiomas al que está traducido según su ficha en Steam Greenlight. ¿Cómo os las habéis apañado?

Fácil, no teniendo textos en el juego (risas). Fue un reto de diseño que nos propusimos al comienzo. Es verdad que nos ahorramos la localización, mucha gente piensa que lo hicimos por eso, pero en realidad sólo lo hicimos porque queríamos que cualquier persona del mundo que descargase el juego pudiera disfrutarlo, sin tener la barrera del idioma presente.

Viendo que ha cuajado bastante bien entre los jugadores, ¿por dónde irán tus pasos de ahora en adelante? ¿Te gustaría continuar con su propuesta o estás pensando en lanzarte a por algo completamente nuevo?

No esperéis un ‘Missing Translation 2’, es posible que esté dentro del género de puzles y aventuras y es posible que sea un side-scroller con un mundo medianamente abierto, pero lo más seguro es que ahí acabarán las similitudes. En septiembre empiezo a trabajar con el nuevo equipo, esta vez en un espacio común. Pasaremos el mes haciendo prototipos y en octubre es posible que ya enseñemos algunos bocetos del próximo proyecto.

¡Después de soltar algo así no esperarás que no te preguntemos por ese nuevo equipo! ¿Qué nos puedes decir? ¿Se trata de un intento por crear un estudio de videojuegos al uso, con sus papeleos, su sede física y su mesa de pin-pon en la sala de descanso?

Es algo que está por definir, toca experimentar y ver qué pasa, lo que sí que puedo decir es que seremos un equipo muy reducido y tendremos sede física; ya hemos trabajado antes juntos en alguna jam y tenemos muchas ganas de ponernos manos a la obra. Se podría decir que será algo más tradicional, tendré que decir adiós a eso de trabajar en los mismos 6 metros cuadrados donde duermo y tiendo la ropa.

Estamos luchando por la mesa de pin-pon, pero igual nos toca resignarnos y jugar al Rocket League en los descansos, que oye, no está nada mal. En septiembre queremos establecer algunas dinámicas de trabajo y hacer varios prototipos, para en octubre empezar con un proyecto principal. En unas cuantas semanas nos veréis dando la nota por las redes sociales, probablemente con muchas fotos chorras de la oficina.

Ya para terminar, dejamos caer un par de opciones y tú te quedas con la que más te guste.

Abducción extraterrestre o viaje en el tiempo: La tercera opción, es todo un sueño.

El cubo de rubik o un buen sudoku: un buen sudoku, el cubo de rubik tiene demasiados colores.

Cine en blanco y negro o technicolor: la duda ofende.

¿Unas últimas palabras para los lectores?

Ha sido todo un placer participar en esta entrevista. Nuestro juego está ya rondando por algunos lugares de la red y en breve lo veréis también por Steam. Es gratis, se puede bajar y no muerde; puede resultar un tanto introvertido a ratos, pero en el fondo no es mala gente y se deja querer, tiene hasta su propio Twitter. Para estar al tanto de nuestros futuros proyectos o contactar con nosotros podéis encontrarnos aquí.

Sí, nuestra sección ‘Hablan los indies’ no cierra en agosto, así que podéis seguir leyéndonos allá desde donde estéis disfrutando de vuestras merecidas vacaciones, ya sea desde la playa, la montaña o desde el rico mundo virtual de World of Warcraft. Sea como sea, lo único que os pedimos es que por favor no nos restreguéis por la cara el estar disfrutando de una caña fresquita en una terraza o el poder mojar los pies en agua salada.

Porque durante todo lo que queda de mes seguiremos publicando nuevas entrevistas a desarrolladores indies nacionales, eso seres casi épicos que son capaces de sacar tiempo, recursos y mucho talento de dios sabe dónde para crear juegos increíbles. Y en dicho sentido la entrega de hoy es bastante especial, puesto que hemos entrevistado a Alex Notario, fundador y principal responsable de Studio Paint, un equipo formado por amateurs que ha sido capaz de sorprender a la comunidad de jugadores con Niko: Through the Dream, una peculiar viaje interactivo con toques de puzles, aventuras y exploración bajo un preciosista apartado audiovisual.

Hablamos de un proyecto 100% indie y 100% amateur, desarrollado durante el tiempo libre de sus responsables y en estrecha colaboración con la comunidad. Alex afirma haber sacado sus mejores ideas mientras curraba subido a un andamio, siempre con el objetivo en mente de cumplir un sueño. ¿Y acaso esto no es digno de admiración? Desde luego que sí.

Cuéntanos cuáles son los orígenes de Studio Paint, quién formó el estudio y cuánto tiempo lleváis dando guerra.

Hará unos cuatro años hice como hobby una pequeña demo con el motor Unreal, eso me sirvió tanto para aprender a usar las herramientas básicas para construir un videojuego como para conocer mis propias limitaciones. Durante un tiempo pensé conceptos básicos de como me gustaría que fuera lo que es hoy Niko, como su estética y su jugabilidad. Una vez lo tuve claro lo comenté en unos foros de videojuegos donde suelo escribir... Al poco tiempo ya éramos diez amigos intentando cumplir su sueño, ¡crear nuestro primer videojuego!

A día de hoy, ¿habéis ampliado o seguís siendo los mismos? ¿Cómo ha sido la evolución desde el germen de Studio Pain hasta el presente?

Niko ha sido un proyecto personal gestado en horas libres, es decir, fuera de horas de estudios o trabajo, por lo que se ha ido avanzando en su desarrollo en horas libres, festivos o altas horas de la noche. Es un proyecto 100% indie y amateur. Algunos están en este proyecto para coger experiencia y tener un curriculum de cara a buscar algo mas serio, otros por puro hobby. Como pasa en estos proyectos, varios amigos tubieron que dejarlo por falta de tiempo o por encontrar un trabajo estable y remunerado (y yo que me alegro).

¿Alguno de vosotros ha estudiado un grado universitario especializado como los que ofrecen ESNE, CICE, U-Tad, etcétera, o venís de otros campos? ¿En qué grado favorecen las herramientas actuales el poder sacar adelante un juego sin la supuesta formación necesaria?

Yo tengo una pequeña carpintería de aluminio, no se si eso cuenta como experiencia técnica (risas). En el equipo hay de todo, por eso digo que es un desarrollo bastante atípico. Lo bueno de los motores actuales es que te permiten centrarte en la creación del propio juego mas que en la parte técnica de la programación, al menos para hacer algo sencillo. En mi caso ha sido todo muy autodidacta a base de leer libros y tutoriales por internet.

Y la pregunta tonta de siempre, ¿qué es lo que te ha impulsado a desarrollar videojuegos?

Quería quitarme una espinita que tenia clavada... Crear mi propio videojuego. Soy un ‘jugón’ desde que tengo uso de razón, pero por cosas de la vida nunca he cursado estudios que fueran encauzados en esa dirección.

¿Cómo trabajáis? ¿Contáis con algún lugar físico en el que reuniros o cada uno hace su parte a distancia? De ser así, ¿dicha distancia no supone un inconveniente a la hora de llevar vuestra hoja de ruta al día?

Cada uno ha colaborado desde su casa y cuando ha podido. Trabajar online tiene sus cosas buenas pero en general siempre será mejor hacerlo en un sitio físico ya que el contacto es mas directo y rápido. Por suerte hoy día tenemos muchas herramientas para comunicarnos o compartir contenídos. ¡No quiero imaginar como lo harían los indios a base de señales de humo!

En cuanto a la organización, ¿cada uno de vosotros tiene un área bien delimitada o por el contrario todas las decisiones se toman en común?

Excepto por la banda sonora que ha sido creada por dos personas, el resto esta bastante delimitado por su función. Uno dibuja, otro traduce, otro programa, otro modela, etc. Eso no significa que no podamos opinar del trabajo del otro para poder mejorar, las críticas constructivas siempre son positivas.

Los estudios que entrevistamos siempre nos hablan de la gran cantidad de ideas que surgen mientras se reúnen para comer, para tomar el aire o en definitiva para hacer cualquier cosa que puede no tener nada que ver con el trabajo puro y duro. ¿Es cierto que las mejores ideas surgen en estos momentos? ¿Pecáis entonces los estudios indie de una falta total de desconexión hacia vuestro trabajo?

No sé cómo es en el resto de desarrollos, pero al estar nueve horas subido a un andamio la mayoría de ideas se me ocurrían allí arriba (risas). Siempre iba con una libreta en el bolsillo. Por eso cuando estaba con el juego avanzaba rápidamente, iba con las cosas pensadas de antemano.

Sabemos que el término indie anda un tanto desdibujado durante los últimos años. ¿Crees que se está perdiendo esa experimentación brutal de los primeros proyectos a favor de propuestas algo más comerciales o al menos más fáciles de asimilar por un público amplio?

Creo que no, juegos experimentales y arriesgados seguirán existiendo porque va muy ligado a esa limitación de recursos y por querer destacar en un apartado que no sea puramente técnico. Lo que ocurre es que ahora con las plataformas de distribución digital se abre un mercado muy lucrativo para juegos de este tipo y muchos estudios profesionales con muchos mas recursos aprovechan esta oportunidad. Era el paso lógico.

¿Puedes decirnos en qué grado crees que está la proporción éxito/fracaso dentro de los indies? ¿Son demasiados los estudios que desaparecen al poco de publicar su primer juego? ¿Se peca de exceso de optimismo y de falta de constancia?

La sensacion que tengo es que sí, que se peca de optimismo. Pero es normal, solo nos hablan de esos pocos juegos que han conseguido el éxito y que han vendido millones y que Steam es una plataforma con millones de potenciales compradores... Así que piensas que cualquier cosa que saques venderá bien. Pero lo cierto es muchísimos estudios indies con una calidad fuera de toda duda acaban cerrando con su primer juego. Cada día en Steam salen decenas de juegos, supongo que esa gran oferta hace que no sea suficiente tener un buen juego, también tienes que darlo a conocer.

Venga, recomiéndanos algún estudio español que te llame la atención. Por supuesto vale mencionar amigos, no vaya a ser que se enfaden…

Me encantan las aventuras gráficas así que diría Pendulo Studio, pero hay mucho potencial creativo aquí en España.

Hablemos ya de Niko: Through the Dream, vuestro primer juego. ¿Cuál es su origen? ¿De dónde surge el concepto base?

Me gustan los juegos de puzles y en un inicio iba a ser solo un juego sencillo para tablets de ir resolviendo puzles uno detrás de otro. Como el equipo creció también creció la ambición por hacer un juego más profundo y complejo dentro de nuestras posibilidades, así que lo dotamos de una historia íntima y ciertos toques de aventura. Los elementos de plataforma u otras mecánicas jugables no dejan de ser algo secundario para darle variedad a ese viaje que queríamos contar.

Se trata de un título cuanto menos peculiar, con un llamativo aparatado audiovisual minimalista que favorece el disfrutar de una la ‘experiencia sensorial’. ¿De dónde vino la inspiración?

Sinceramente por limitaciones. No era viable hacer un juego lleno de texturas y objetos con el poco tiempo que disponíamos, así que usamos esa limitación para que jugara en nuestro favor. Buscamos un mundo donde lo importante fuera lo estético y lo simbólico. El mundo de los sueños era un buen punto de partida.

Niko además de ser una especie de viaje para el jugador, también ofrece un toque de aventura, plataformas, exploración y no pocos puzles. ¿Es tan sencillo como parece integrar todos estos elementos para crear una fórmula redonda? ¿Cómo se consigue el equilibrio entre diferentes géneros?

Es muy complicado mezclar la estética, jugabilidad e historia y que todo encaje perfectamente. Por suerte estar en un mundo onírico tienes mas manga ancha, no tienes que regirte por conceptos del mundo real. Aun así tuvimos que cambiar o incluso eliminar partes del juego para adaptarlo mejor. Los comentarios de la comunidad nos sirvieron de mucho.

Sabemos que Niko tuvo que superar el filtro que supone Steam Greenlight. Cuéntanos qué tal fue la experiencia y qué es lo que crees que os sirvió para destacar entre las decenas de juegos que semana a semana llegan a esta plataforma.

Sinceramente no me gustan los ‘concursos de popularidad’. En nuestro caso no tuvimos problemas para conseguir el apoyo necesario, pero sé de amigos con buenos juegos que han sufrido para conseguirlo o no lo han logrado. Creo que se tendría que mejorar... No sé, tener por ejemplo a un jurado profesional detrás para que aunque tu juego no sea popular se valore si es bueno o no y consiga igualmente pasar ese filtro inicial.

Mañana lunes Niko cumplirá un mes a la venta. ¿Cómo lo ves ahora que se ha independizado y ya va por ahí él solo sin vuestra ayuda? ¿Cómo valoras el feedback de los usuarios y de la prensa especializada?

Es una sensacion rara el ver a tu pequeña creación andando por ahí sola, se ha hecho grande y ya no nos necesita snif, snif. La comunidad ha sido genial, tanto para mejorar el juego como para ayudarnos a darnos a conocer. No podiamos estar mas agradecidos a lo Youtubers, que dedican su tiempo a dar a conocer pequeños juegos como este sin importar que no sean grandes producciones.

Con la prensa especializada como es lógico es más complicado, pero poco a poco medios más generalistas nos están dando voz en un mercado tan competitivo como este, así que estamos muy contentos.

¿Qué tiene que pasar para que veamos a Niko: Through the Dream dando el salto a otras plataformas como PS4 y Xbox One?

Portear el juego a consolas se requiere de una fuerte inversión, desde comprar los kits de programación como pagar nuevas licencias. Nos encantaría sacar el juego en todas las plataformas posibles pero dependerá de las ventas.

¿Y qué podemos esperar de Studio Paint a partir de ahora? ¿Habrá secuela de Niko? ¿Os lanzaréis por otros derroteros?

Es un juego fruto de la colaboración puntual, puede que repitamos la experiencia o que sigamos cada uno por nuestro camino, es algo que hablaremos más adelante. Lo que sí os puedo asegurar es que no sería una secuela. Con Niko hemo contado todo lo que queríamos contar.

Para ir cerrando sin perder la ocasión de conocer mejor al entrevistado, siempre dejamos caer un par de opciones y os tenéis que quedar con una:

Journey versus The Unifished Swan: Si Unfished es la mitad de bueno que Jouney ya estoy tardando en probarlo.

Un buen PC o la comodidad de una consola: Usaría hasta una cafetera si en ella saliera un juego que me interesa.

Seguir por la filosofía indie o unirse al mainstream (si surgiera la ocasión): Seguiríamos con la filosofía de hacer el juego que más nos apetece en ese momento... Pero siempre con la intención de dominar el planeta y sucumbir a los humanos en una nueva era de oscuridad y miedo...

¿Algo más que decir a los lectores?

Que nunca os quiten la ilusión de crear.

Aquel que siga más o menos de cerca la actualidad del videojuego sabrá que el culebrón de la temporada lo está protagonizando, tristemente, nuestra querida Konami. La que es sin lugar a dudas una de las compañías de videojuegos más famosas y laureadas de la historia lleva más o menos desde la primavera generando ciertos titulares de esos que provocan mandíbulas desencajadas de asombro y la perturbadora sensación de que estamos siendo testigos de una especie de suicidio, motivado únicamente por una cabezonería impropia de la firma de la que hablamos, de una firma que ha sido capaz de crear algunas de las licencias más queridas por los jugadores manteniendo su vigencia en el tiempo desde los años ochenta hasta hoy.

Hagamos un ‘retrospecter’. Allá por el mes de marzo de este mismo año saltaba la noticia: Konami había decidido eliminar de cualquier producto publicitario de Metal Gear Solid V: The Phantom Pain el logo de Kojima Productions y la famosa coletilla ‘A Hideo Kojima Game’. Este hecho provocó que todos nos echáramos las manos a la cabeza temiendo la salida inminente del creativo japonés, padre de la franquicia y sin lugar a dudas el cerebro más reconocido hoy por hoy de Konami.

A este hecho le siguió un silencio extraño por parte del propio Kojima, quien nos tiene acostumbrados a hablar prácticamente por los codos en redes como Twitter (aunque el 80% de sus tuits sean fotos de sushi). Al poco tiempo Konami confirmó que habían decidido realizar una profunda reestructuración interna, por lo que Kojima Productions desaparecía como tal aunque el equipo, Kojima incluido, seguiría trabajando activamente para terminar de dar forma a MGSV: TPP.

¿Entonces qué? ¿Se trataba tan solo de una reestructuración interna o había algo más? Pues sí, sí que había. Acabó confirmándose lo que muchos temíamos, la salida de Hideo Kojima de la firma nipona, aunque al menos el creativo se comprometió a no dejar su puesto hasta que su obra magna pise las tiendas el próximo 1 de septiembre. El motivo de su salida vendría dado, según todos los rumores, por sendas diferencias creativas con la editora. Básicamente Kojima, aunque ama la serie Metal Gear, quiere hacer cosas nuevas, pero en Konami le tienen marcado como ese chico que sólo sabe hacer una cosa, y nada más lejos de la realidad.

Hideo Kojima ha escrito y dirigido títulos como Snatcher y Policenauts, además de participar en el desarrollo del peculiar Pinguin Adventure. Y sí, aunque desde el año 1987 sólo se le relacione con la serie Metal Gear, lo cierto es que también supo brindaros otra gran saga que poco o nada tenía que ver con las aventuras de Snake y compañía. Hablamos cómo no de Zone of the Enders y su secuela, una serie de acción que tenía como protagonistas a unos impresionantes mechas de combate, contando con un apartado audiovisual de inspiración anime bastante molón.

Pero a lo que vamos, Konami no se ha contentado con echar a Kojima (o con no hacer lo necesario para que se quede), si no que se ha empeñado en borrarle del mapa eliminando cualquier referencia a él, hasta el punto de exigir a la prensa durante el pasado E3 2015 que no realizaran pregunta alguna sobre el creativo. Pero lo peor vino en abril como resultado de una predecible reacción en cadena: Silent Hills, ese alentador proyecto en el que trabajaban mano a mano Hideo Kojima y el cineasta Guillermo del Toro, también fue cancelado para la decepción y enfado de todos aquellos jugadores que veían en él la última baza para su franquicia de terror más querida, la cual lleva años en caída libre por la aparente dejadez de Konami.

¿Qué llevó a la editora a apoyar y anunciar un proyecto tan ambicioso, tan esperanzador como este, para después dejarlo tirado en la cuneta? ¡Ay amigos! Podríamos decir que la editora ha sido secuestrada por una serie de ninjas de la economía que sólo quieren beneficios rápidos y facilones, o bien que se han vuelto todos locos y creen que por hacer las cosas del revés van a hacerlas bien.

Lo cierto es que la explicación más plausible la encontramos en lo económico. Sí, así de entrada ya suena feo, ¿verdad? Que las decisiones de una editora dependan meramente de ‘la pela’ nos parece anodino e incluso egoísta. Sin embargo no hay que olvidar que son empresas, y que su objetivo final es hacer dinero con cada videojuego que lanzan al mercado. Ahora bien, la fórmula elegida por Konami para lograr dicho objetivo es perfectamente discutible.

Ayer mismo supimos que, según Nikkei, a la editora ya no le interesan las grandes superproducciones como Metal Gear Solid V: The Phantom Pain, título que habría costado la friolera de 80 millones de dólares, cifra por otro lado comprensible si tenemos en cuenta todo lo que quiere ofrecer: espectacularidad visual potenciada por un cuidado enfoque cinematográfico, un guion elaboradísimo, personajes carismáticos, una enfermiza atención por el detalle y una libertad de acción sin precedentes gracias a su apuesta por el mundo abierto. Y sí, todo esto que tanto nos gusta cuesta dinero, mucho dinero.

Pero anda, frente a todo esto ahí están los juegos para móviles, que en comparación cuestan cuatro perras y, en ocasiones, logran unos beneficios estratosféricos. Es esta realidad a medias la que parece haber obnubilado a Konami si hacemos caso a su intención por centrarse en mayor medida en este mercado. ¿Y por qué decimos ‘realidad a medias’? Pues porque como en toda buena fórmula ideada para convertir el barro en oro, casi siempre hay algo que falla.

Basta con echar un vistazo a todas esas compañías que durante los últimos años han querido apostar en mayor medida por el mercado móvil. Firmas como Sega, Capcom y Square Enix han llegado a emponzoñarse los pies, y no han dudado en recular en cierta medida para salvar los muebles. Después de todo el mercado móvil es volátil y está sobresaturado, por lo que plantar una bandera de conquista y nombrarte rey del mambo no es tan sencillo como parece. ¡Sí hasta Microsoft ha salido escaldada tanto en hardware como en software (y aún y así sigue erre que erre)!

¿Y qué ocurre con todo aquel empleado que no está de acuerdo con las decisiones de la editora? Pues también según Nikkei, quien trata todo esto como meros rumores, son castigados por la editora mediante una serie de prácticas que tan sólo buscan su renuncia voluntaria, ahorrándose así cualquier tipo de indemnización por despedido. Según explica el rotativo japonés, entre dichas prácticas encontraríamos el trasladar a los ‘empleados problemáticos’ a ‘habitaciones de exilio’ en las que pasan la jornada sin hacer absolutamente nada de provecho o bien tareas ridículas impropias de su cargo y talento. Y dichas prácticas no sólo se estarían aplicando con empleados novatos con el objetivo de adelgazar la plantilla, sino que también con veteranos, incluidos productores y directores.

Es decir, parece como si el mercado móvil fuera una golosina demasiado difícil de ignorar, un caramelo que hay que saborear a cualquier precio. Está ahí mismo, a dos sencillos pasos que no parecen requerir de juegos malabares o de seguro de vida. Es casi como bajar al buzón y recoger un sobre a rebosar de dinero. Es fácil, bonito, rápido y placentero. Pero amigos, ya lo decimos, el precio por prácticas como esta puede ser una mancha imborrable en tu reputación. Y además, puede que los móviles coman cada vez más terreno a las consolas, pero aún están muy lejos de acabar con ellas tal y como demuestran por ejemplo las espectaculares cifras de ventas de PS4.

Por otro lado y no menos importante, el mercado móvil es muy tentador, pero conlleva un precio: la muerte de tus licencias. Sí, puedes transformarlas, adaptarlas o disfrazarlas, pero ya no volverán a ser lo que eran porque los juegos para móviles siguen siendo muy distintos a los videojuegos de consola o PC. Hablamos por norma de inmediatez frente a profundidad, de simpleza frente a complejidad, de limitaciones técnicas frente a las virtudes de un hardware mucho más potente. Y hablamos sobre todo de un público volátil frente la fidelidad del público gamer.

El futuro de Metal Gear Solid es incierto sin Kojima, pero se vuelve realmente inviable si Konami decide pasar de las superproducciones. Lo mismo ocurre con Castlevania, franquicia histórica donde las haya cuyas últimas grandes entregas llevan la firma de los españoles MercurySteam, ahora centrados en otros derroteros. ¿Y Silent Hill? Si esta franquicia de terror lleva años sin levantar cabeza debido al aparente pasotismo de la editora, no queremos ni imaginar lo que será de ella ahora que dicho pasotismo se ha convertido en evidente. Nos queda la serie deportiva PES, la cual debido a su idiosincrasia nos preocupa menos, puesto que genera grandes beneficios sin la necesidad de introducir cambios profundos e inversiones astronómicas de un año a otro.

Por todo ello hemos creído conveniente titular este artículo con un escueto ‘Konami, ¿qué vas a hacer?’ que a muchos os sonará a la señora de APM y Top Trending Tele. Porque nos sentimos tan estupefactos ante esta situación como ella, tan temerosos por lo que le pueda ocurrir a algunas de nuestras sagas de videojuegos más queridas que no podemos hacer más que robarle la frase a la pobre señora. Porque sentimos como si el bueno de Solid Snake y todos los Bellmont estuvieran en las manos de Konami, y ésta tuviera el brazo extendido sobre el vacío.

¿Qué vas a hacer Konami? ¿Abrirás el puño para dejarlas caer?

A sabiendas de que la sección de entrevistas ‘Hablan los indies’ nació con el objetivo de acercar el desarrollo de videojuegos patrio a un público amplio, la verdad es que ya estábamos tardando en contar con la participación de un estudio en particular, WildBit, cuyos fundadores son auténticos veteranos de nuestra industria.

De hecho su CEO, Fernando Rada, es el cofundador de la mítica Zigurat Software y co-autor de Fred, el primer videojuego español en ser distribuido fuera de nuestras fronteras. Su CTO, Ángel Alda, es un experto en programación que también formó parte de Zigurat, siendo el cerebro principal tras tecnologías propias de WildBit como RTSE de la cual hablaremos largo y tendido en esta entrevista. José Cuesta por su parte es un veterano del arte y la animación muy implicado con la formación de los nuevos profesionales del sector, colaborando activamente con entidades como ESNE y la UCM.

Puede que la historia particular de WildBit sea mucho más corta que la de sus fundadores, pero no por ello es menos intensa. Nació con el objetivo de transportar la jugabilidad propia de los títulos de recreativa a los nuevos dispositivos como smartphones y tablets; y debido a su empeño por no dejar de innovar, ahora quieren dar el salto a Playstation 4 con un título, DrawFighters, que nos permitirá crear nuestros propios personajes gracias a la mencionada tecnología RTSE que convierte dibujos y fotografías 2D en objetos animados en 3D, potenciando la imaginación y la creatividad de los jugadores.

Es decir, estamos ante un auténtico filón dorado que tiene todo lo que hay que tener para dar la campanada en una fecha aún por determinar de 2016. Pero la ambición de WildBit Studios no se queda en los videojuegos, puesto que siempre han demostrado querer ir más allá realizando labores de gamificación, aplicaciones adaptadas a personas con movilidad reducida y la creación de una tecnología aplicable a las impresoras 3D buscando su potenciación en las aulas.

¿Quieres saber más, verdad? ¡Pues sigue leyendo!

¿Cómo y cuándo nació WildBit Studios?

Jose Cuesta: WildBit nace en 2011 cuando decidimos unirnos Angel, Fernando y yo para volver a hacer juegos después de un par de años de parón. La oportunidad que ofrecían en aquel momento las diferentes plataformas móviles que estaban surgiendo nos puso en marcha de nuevo.

Efectivamente vuestro equipo directivo está formado por auténticos veteranos. Ya os lo habrán preguntado muchas veces pero, ¿cómo veis la evolución de la industria del videojuego española desde finales de los 80 hasta hoy? ¿Actualmente estamos viviendo una época dorada o ha habido tiempos mejores?

Jose Cuesta: En cuanto a la evolución de la industria está claro que hemos pasado de un planteamiento de pequeños estudios en los que había auténticos hombre-orquesta que se ocupaban de todo (arte, programación, diseño...) a una industria más especializada en la que cada uno tiene un papel bien definido que hace que se muevan los engranajes. En aquellos tiempos conocidos como la ‘época dorada’ es verdad que muchos títulos españoles alcanzaron un gran éxito dentro y fuera del mercado nacional, pero desde aquel entonces también ha habido muchos otros títulos exitosos que confirman el gran talento que tenemos dentro del país. En cuanto al número de estudios haciendo cosas actualmente, es muy superior al de los 80 y esto es algo que nos beneficia a todos en cuanto a creatividad y nuevas ideas.

Como bien comentas, entre el 83 y el 92 nos encontramos con un periodo conocido como la ‘Edad de Oro del software español’, cuando tuvo lugar un boom de desarrollo patrio para consolas de 8 bits. ¿Realmente corría el champan por las oficinas de los estudios o con el tiempo se ha exagerado un poco todo esto?

Jose Cuesta: ¡Por lo que conozco a Fer y Angel son más de cervecita fresca!

Fernando Rada en concreto es el co-creador de ‘Fred’, el primero videojuego español en ser distribuido fuera de nuestras fronteras. Fernando, ¿qué nos puedes decir de él? Hemos oído que incluso a día de hoy hay quien solicita su adaptación a nuevos dispositivos.

F. Rada: Efectivamente la gente de ZX Spectrum Vega, nos pidió poder utilizar la licencia en su proyecto de Indiegogo. Nos contaron de que iba y nos pareció una buena oportunidad de disfrutar de nuevo del juego.

Para cerrar con ‘lo retro’, parece que efectivamente está de moda recuperar juegos clásicos, ya sea en su forma original o bien tratando de adaptar su concepto a los tiempos que corren. ¿A qué creéis que se debe? ¿Acaso es un movimiento orquestado por jugadores veteranos que quieren revivir viejas experiencias?

Jose Cuesta: Es verdad que los que jugamos mucho en esa época recordaremos siempre esos juegos con mucho cariño, pero creo que la razón de que estos juegos vuelvan a salir de manera recurrente es porque supieron suplir sus carencias gráficas con una mecánicas muy potentes a las que gusta jugar en cualquier época.

En vuestra web indicáis que tenéis por objetivo el llevar dichas normas de jugabilidad básicas de los arcades de recreativa a los dispositivos modernos, ya sea smartphones, tabletas, consolas o PC. Explicadnos en qué consiste esto y cómo lo conseguís.

Jose Cuesta: La experiencia de jugar en una máquina de coin op no es muy diferente a la experiencia de jugar en un móvil. Las partidas deben ser cortas y enganchar desde el primer minuto, esto en un universo como el de los juegos móviles en los que el número salvaje de títulos con el que compites te hace tener muy poca visibilidad es clave.

Sabemos que contáis con un nutrido equipo de profesionales. Algunos de ellos provienen de escuelas como ESNE que imparten Grado en Diseño y Desarrollo de Videojuegos, otros de Bellas Artes. ¿Cómo de importante creéis que es la reorientación de carreras clásicas como Bellas Artes hacia lo digital y el surgimiento de grados centrados en las nuevas tecnologías?

Jose Cuesta: Creemos que es algo fundamental. De hecho este año he tenido el privilegio de participar como experto en una comisión del Ministerio de Industria y la Agencia Nacional de Calidad para adaptar las competencias universitarias de las carreras de diseño al ámbito de la economía digital. Por lo que me consta que hay mucho interés en potenciar áreas como los videojuegos o la animación. En nuestro equipo contamos con personas de unas cuatro universidades y estamos muy contentos de todo lo que están aportando al equipo.

¿Se está notando esta ‘remodelación’ académica? Es más, ¿se están cubriendo las necesidades de los estudios y de la industria del videojuego en general en cuanto a la formación de los profesionales? ¿Qué creéis que falta por hacer en dicho sentido?

Jose Cuesta: La última encuesta realizada por DEV muestra diversidad de opiniones a este respecto, aunque personalmente nosotros estamos muy contentos como antes comentaba.

Centrándonos en WildBit Studios, sabemos que sois mucho más que un estudio de videojuegos. También lleváis a cabo procesos de ‘gamificación’, desarrolláis vuestra propia tecnología, vuestros propios motores gráficos, apostáis por los videojuegos dentro de las aulas e incluso los adaptáis a ciertas minusvalías… Habladnos de todo esto.

Jose Cuesta: En WildBit siempre nos hemos esforzado por crear tecnologías que nos permitan crear juegos diferentes. Con el paso de los años, la experiencia acumulada nos ha permitido compartir algo de esta visión con otros sectores. Esto ha hecho posible que algunas tecnologías nuestras se apliquen en procesos fuera del ámbito del videojuego, como la impresión 3D o la gamificación de algunos procesos.

Junto a la fundación Vodafone hemos participado en la creación de uno de los primeros títulos adaptados a personas con movilidad reducida gracias a un sistema de pulsadores adaptados. El título llamado Speed Star fue presentado en el pasado Mobile World Congress y se encuentra disponible para Android, fue una pasada poder echar una mano a que los juegos lleguen a todo el mundo. Actualmente nos encontramos desarrollando otro título para la Fundación Vodafone con el mismo espíritu, del que todavía no os podemos enseñar mucho.

Desde el origen del estudio hemos desarrollado nuestro propio motor FlameBit, que permite utilizar toda la potencia de nuestra tecnología RTSE. FlameBit nació en un momento en el que los motores comerciales que exportaban para plataformas móviles no estaban lo suficientemente maduros y no nos permitían hacer los juegos que queríamos. Hoy ya disponemos de un motor maduro capaz de integrarse con muchas plataformas y sobre todo que da soporte a todas nuestras tecnologías.

- En WildBit también hacen diferentes trabajos de animación como este corto:

La tecnología sobre la que se sustentan vuestros últimos juegos, DrawPets y el venidero DrawFighters, se denomina RTSE. Explicadnos en qué consiste.

Jose Cuesta: RTSE son las siglas de Real Time Skeleton Extraction, una tecnología capaz de generar un personaje 3D animado a partir de un dibujo 2D. La idea surgió en 2012 de un proyecto conjunto con Samsung en el que les planteamos la idea de poder dar vida a los dibujos creados en unos de sus terminales. Por supuesto no nos creyeron demasiado y unos meses después les presentamos lo que sería la primera versión de la librería. A finales de año lanzamos con ellos ‘DrawPets, tus dibujos cobran vida’ con una versión de la tecnología que era capaz de generar formas animadas a partir de dibujos, luego estas formas convivían en un juego de granjas. El juego consiguió el premio al mejor juego Android de 2012 en el AppDate de esas navidades.

En 2013 trabajamos en mejorar la tecnología para que los dibujos se convirtiesen en formas 3D. A partir de la forma dibujada aplicamos un conjunto de algoritmos capaces de conseguir un esqueleto autónomo al que le aplicamos animaciones. Con esta nueva versión presentamos la idea de un nuevo juego ‘DrawPrets: Doctor Blue's Laboratory’ al programa AppCamps de Microsoft y conseguimos ser premiados entre miles de juegos de todo el mundo. El juego salió al mercado estas navidades para la plataforma Windows Phone.

Efectivamente el hecho de que nuestros dibujos y fotografías puedan cobrar vida (virtualmente) es un puntazo. ¿Veis futuro a esta tecnología más allá de lo que entendemos estrictamente por videojuegos?

Efectivamente el hecho de que nuestros dibujos y fotografías puedan cobrar vida (virtualmente) es un puntazo. ¿Veis futuro a esta tecnología más allá de lo que entendemos estrictamente por videojuegos? Jose Cuesta: Si claro, apostamos muchísimo por el desarrollo de RTSE en muchos sectores, ya hemos implementado la tecnología con algunos fabricantes de impresoras 3D para que el proceso de crear algo con una impresora en 3D se simplifique a hacer un dibujo. El siguiente paso es llevar esta tecnología a las aulas ya que la impresión 3D es una realidad en ellas.

Sabemos que no sin esfuerzo habéis conseguido adaptar RTSE a los motores gráficos más populares, como Unreal y Unity. Una vez dado este paso, ¿puede que algún día veamos producciones de otras compañías que usen RTSE?

Jose Cuesta: Es una posibilidad, ya hemos tenido algunos acercamientos para licenciar la tecnología, aunque nos gustaría sacar primero DrawFighters en PS4

Hablemos ya de DrawFighters, título que estáis desarrollando para Playstation 4. ¿Qué nos podéis decir de él?

Jose Cuesta: DrawFighters, es la apuesta más ambiciosa del estudio hasta el momento, un juego de combate por turnos donde los DrawFighters se enfrentan en torneos a multitud de familias de luchadores inspirados en una divertida y sorprendente estética entre el dibujo cartoon, la épica medieval y la lucha libre mexicana. Los Drawfighters lucharán hasta alcanzar la gloria en el Gran Torneo de los Tres Volcanes.

Los jugadores pueden elegir jugar con una serie de DrawFighters incluidos en el juego o bien dibujar sus propios luchadores, personalizarlos y hacerlos combatir contra la máquina en el modo historia o contra otros jugadores en modo online.

Los usuarios podrán dibujar y animar sus criaturas en una aplicación móvil que se comunica con la PS4, donde tienen lugar los torneos de lucha.

Viendo que estáis especializados en el desarrollo para plataformas móviles, ¿qué os empujó a dar el salto a Playstation 4?

Jose Cuesta: En realidad hemos pasado por todas las plataformas, desde los 80 hasta hoy hemos tenido oportunidad de hacer juegos de 8 bit, consola, PC, coin op... En 2011 el estudio comenzó a lanzar sus primeros juegos enfocados a plataforma móviles pero una deriva natural nos ha empujado hacia las consolas de nuevo. PS4 nos gusta especialmente por las capacidades, mercado y competidores. Creemos que es la plataforma que el juego se merece, y desde Sony hemos encontrado siempre un apoyo incondicional al proyecto.

Es evidente cuál es vuestro target con DrawFighters, los niños y niñas. Se trata de un público algo volátil pero con la capacidad de hacer mucho, mucho ruido. Además siempre parecen sentirse atraídos por ‘novedades tecnológicas’ que no suelen calar entre los jugadores hardcore, como por ejemplo la realidad aumentada de Skylanders y Wonderbook. ¿Creéis que DrawFighters tiene lo que hay que tener para dar un pelotazo similar?

Jose Cuesta: Ojalá, creemos mucho en las posibilidades del juego y en el estudio se respira un clima de emoción desde que decidimos arrancar el proyecto. Sobre todo creemos en la fuerza emocional de poder formar parte del juego con tus propias creaciones. De hecho la experiencia de juego está enfocada a identificar al jugador dentro de la historia, puesto que serán sus decisiones y creaciones las que harán que la historia evolucione más rápido.

Skylanders y Wonderbook tienen en común con DraFighters el hecho de contar con una serie de accesorios con las que participar de distintas formas en el juego. En nuestro caso el ecosistema lo componen una serie de cuadernos denominados ‘Fighting books’ desde los que se podrá dibujar criaturas especiales. Estos dibujos se podrán capturar con la aplicación móvil y estarán dotados de poderes especiales.

Hoy en día todos los niños y jóvenes juegan a videojuegos, y por ello muchos padres quieren que no sólo se entretengan con esta actividad, si no que además desarrollen su intelecto, su creatividad, que ejerciten la memoria, la capacidad de concentración, etcétera. Qué aporta DrawFighters en dicho sentido.

Jose Cuesta: ¡Esperamos que mucho! En ese sentido DrawFighters permite desatar toda la imaginación y creatividad de los jugadores sea cual sea su edad, pero en especial los padres pueden encontrar un apoyo educativo en los Fighting Books, ya que a la vez que los niños dibujan pueden leer los textos que el cuaderno contiene y que alimentan la imaginación del jugador proponiendo nuevas formas de crear luchadores.

En un juego en el que cada cual puede dar vida a sus dibujos y fotografías y en el que además existen los torneos online entre jugadores, ¿cómo se pueden controlar las creaciones de dichos usuarios para que no resulten obscenas e inapropiadas?

Jose Cuesta: Como suele ser habitual, la comunidad es la mejor moderadora con la que se puede contar. Este es un tema que estamos teniendo en cuenta desde el mismo diseño del juego para implementar un sistema desde el que la comunidad sea dueña de un gran nivel de moderación.

Entonces en DrawFighters podremos jugar tanto con los personajes que nosotros dibujemos en la tablet o sobre un cuaderno especial como con los personajes propios del juego. Además podremos ‘tunear’ a dichos personajes para mejorar sus estadísticas. Mi duda es, ¿podremos compartir nuestras creaciones con la comunidad?

Jose Cuesta: Además del modo online, están previstas unas galerías en las que se muestren los Drawfighters más populares y por supuesto el juego explota el enorme potencial social de PlayStation.

La pregunta del millón: ¿para cuándo estará listo DrawFighters? Y si funciona tan bien como todos esperamos, ¿podría dar el salto más allá de PS4?

Jose Cuesta: El juego tiene previsto su lanzamiento para mediados de 2016, aunque aún quedan algunos cabos por cerrar para poder asegurar la fecha de su lanzamiento. Respecto a otras plataformas en la que nos gustaría estar en un futuro próximo creemos que PC y PS Vita son dos plataformas en las que el juego encajaría muy bien.

Para ir terminando, siempre os pedimos que nos recomendéis a esos estudios nacionales que creéis que no hay que perder de vista.

Jose Cuesta: Puff, tengo miedo de dejarme algún amigo y que no me lo perdone, hay muchos... pero por destacar uno de los proyectos que más me han gustado últimamente y a los que le tengo mucho cariño por ser antiguos alumnos míos destacaría al juego ‘The Guess’ del estudio Team Gothan, un proyectazo en Oculus que saldrá muy pronto en Steam y que está arrasando con un montón de premios – Entrevista a Team Gotham –.

Y la última prueba. Dejamos caer un par de opciones y vosotros os tenéis que quedar con una:

Luchadores mexicanos versus caballeros medievales:

¡¡Luchadores mexicanos con armas medievales!!

La técnica de Velázquez o la imaginación de un niño de ocho años:

La imaginación siempre.

Los ochenta o el 2015. Y no, no hablamos de moda:

¡Los ochenta tuvieron a Vanilla Ice, go ninja go ninja!

Unas últimas palabras para los lectores...

Jose Cuesta: Muchas gracias por darnos voz en este espacio, ha sido un placer charlar un rato con vosotros

Esperamos que os guste mucho el juego y estamos abiertos a cualquier aportación de la gente.

Venga sí, estamos a finales de julio y hace un calor de justicia, tanto que hasta da pereza encender el ordenador para echarnos un vicio. Ya sólo despegarnos de las sábanas sudadas cada mañana es un desafío, y por ello tiene aún más mérito que la sección ‘Hablan los indies’ siga de puertas abiertas gracias a la inestimable colaboración de los pequeños y medianos estudios nacionales que tantas alegrías nos están dando durante los últimos años.

Este domingo lo dedicamos a un juego que te atrapará sin remedio durante mucho, mucho tiempo. Se trata de Empire TV Tycoon, un prometedor juego de gestión que nos permitirá crear y gestionar nuestro propio canal de televisión, contando con tal cantidad de detalles como para que más de uno pierda el sentido.

Tendrás que programar la parrilla, comprar series y películas, rodar las tuyas propias, contratar actores, lidiar con la ley antipiratería, contentar a las audiencias… Todo ello con un gran sentido del humor y con no pocas referencias a los programas, series y películas más famosas de ayer y de hoy.

¿Te llama su propuesta? Pues a nosotros también, ¡mucho! Por eso hemos charlado con los chicos de Dreamsite Games, estudio madrileño encargado de desarrollar esta joya. ¡Sigue leyendo para saber más!

Como siempre, empecemos por los comienzos. ¿Cuándo y cómo surgió Dreamsite Games?

Dreamsite Games es una división de la agencia de comunicación en la que trabajamos llamada Dreamsite. Aunque la actividad principal de Dreamsite no es la creación de videojuegos, debido a la naturaleza de los proyectos que desarrollamos sí que hemos podido desarrollar videojuegos para marcas comerciales, online, offline e incluso algunos juegos para móvil, tanto iPhone como Android.

Este tipo de trabajos cada vez son más habituales en la empresa y cuando empezamos a gestar Empire TV vimos que era el momento de darle un poco más de importancia, potenciar más los recursos y comenzar a separar la parte de videojuegos del tipo de actividad que realiza la empresa en el día a día. De momento los recursos son muy limitados en este aspecto por lo que es un indie en toda regla (risas).

Ya veo. Habladnos con más detalle de cómo fue esa transición hasta llegar a la creación de un videojuego con todas las letras.

Cuando nació Dreamsite, los proyectos en los que trabajábamos poco nada tenían que ver explícitamente con videojuegos pero, como comentábamos, en los últimos 6 o 7 años se están empezando a equilibrar las fuerzas, (risas).

El primer juego que programamos fue allá por el 2002 y estaba realizado en Adobe Flash. Era un side scroller de coches para una empresa de automoción en el que tenías que ir avanzando por una carretera esquivando coches, charcos de aceite y demás obstáculos mientras ibas subiendo tu puntuación. Vamos, completamente innovador, (risas). Desde entonces ha llovido mucho y hemos podido hacer cosas más avanzadas, pero en ningún caso sin llegar al nivel de complejidad que tenemos entre manos con Empire TV.

Últimamente nos encontramos con muchas empresas y profesionales particulares que, como vosotros, deciden dar el salto desde el diseño web, el marketing online, aplicaciones móviles y otras tantas áreas relacionadas de alguna forma con la informática y las nuevas tecnologías al desarrollo de videojuegos. ¿A qué creéis que se debe algo así?

Hablando en primera persona, para nosotros ha sido un salto más o menos ‘lógico’.

Por un lado nos encontramos con que la barrera que separa el marketing online de los videojuegos cada vez es más estrecha. El término gamificación ha pasado de ser un completo desconocido a un invitado habitual en casi todas las reuniones que tenemos a la hora de empezar proyectos nuevos. Muchas empresas han perdido el miedo a introducir conceptos o mecánicas propias de videojuegos lo cual hace unos años, con determinado tipo de empresas, esto era impensable, así que prácticamente todas las empresas que trabajan en marketing de una forma o de otra acaban realizando labores relacionadas directamente con los videojuegos.

Y por otro lado la evolución de los sistemas tanto de creación (con herramientas como Unity) como de distribución (con el propio Steam, GOG, etc.) han hecho que el proceso de transformar una idea en una realidad palpable, o en este caso jugable, sea accesible para mucha gente, incluso sin los conocimientos adecuados. Si tenemos en cuenta que entre el tipo de empresas que mencionabas hay muchos perfiles que por su actividad diaria sí tienen estos conocimientos, y como buenos jugones les sobran buenas ideas, la transición está clara.

¿Creéis que todo este movimiento puede derivar en una nueva burbuja que acabe por explotar algún día?

Bueno, esperemos que no, (risas). Sí es cierto que debido a la facilidad de la que hablábamos antes estamos presenciando un boom en toda regla, sobre todo a nivel indie, y gracias a este boom gente como nosotros deciden dar el salto y embarcarse en el desarrollo de videojuegos. Sobre si acabará convirtiéndose en burbuja y explotará, ya te digo, yo espero que por el bien de los jugones como nosotros, no explote nunca.

En Steam puede leerse que tenéis experiencia en la ‘gamificación’, término que habéis usando antes. Explicadnos mejor qué es esto. ¿Acaso vais por ahí convirtiendo a gente decente en jugones adictos?

(Risas) ¡Pues yo a unos cuantos te aseguro que los he convertido, al menos en la oficina! Más allá del término en sí, la gamificación consiste en transformar a través de mecánica propias de videojuegos determinadas tareas o funcionalidades que de por sí son, digamos, poco apetecibles, en otro tipo de actividades mucho más atractivas. Esto hace que se potencie la motivación de aquellos que tienen que realizar dichas tareas y finalmente aumente la productividad, la interacción del usuario con tu marca, la fidelización… vamos todos estos términos que a las empresas les son tan atractivos (risas).

Al final es un concepto que está tan metido en nuestro día a día que apenas nos damos cuenta de que existe. Por ejemplo algo que nos toca muy ‘de cerca’, simplemente con el uso de la plataforma web de un banco participando diariamente en los retos que se te proponen vas obteniendo logros y acumulando puntos que, por un lado te sitúan dentro de un ranking fomentando así la competitividad y que, por otro lado, puedes canjear por regalos, sorteos, etc.

Volviendo a donde estábamos, sin lugar a dudas plataformas como Steam han permitido que cada vez más gente se anime a crear y lanzar sus propios videojuegos, potenciando el boom indie. Vosotros pasasteis por Steam Greenlight. Contadnos cómo fue la experiencia.

Directamente, ¡como una montaña rusa! La verdad es que el término Greenlight ya de por sí nos daba muchísimo respeto, en nuestro caso era la primera vez que enseñábamos el juego en el que llevábamos trabajando 10 meses y como te puedes imaginar no sabíamos muy bien qué nos íbamos a encontrar, ¿gustará? ¿no gustará? Al final tienes un tiempo muy limitado, 2-3 minutos a lo sumo, de enseñarle a alguien que acaba de aterrizar por ahí lo que tienes entre manos. Tú tienes las ideas muy claras pero ¿y si no has sabido transmitirlas?

En fin, nuestra idea era entrar un poco más adelante pero para evitar coincidir con las summer sales de Steam, pero adelantamos la entrada y nos lanzamos. Te puedo decir que durante la semana que duró el Greenlight no podíamos parar de mirar las estadísticas de votación, (risas), ahora sube, ahora baja, y al final subía mucho más de lo que bajaba, total que en sólo siete días conseguimos que Steam nos diera luz verde.

Sí qué es difícil destacar entre toda esa marabunta de juegos que día a día aterrizan en Greenlight. ¿Cómo de importante es la visibilidad y cuáles son las claves para potenciarla?

Cuando entras en Greenlight tu visibilidad es buena, estás en la primera página y la gente accede sin mucho problema, pero claro cada día entran entre 10 y 20 juegos nuevos a la plataforma con lo cual tienes tres o cuatro días para intentar conseguir que tu proyecto arranque. Hay un dicho que viene a decir que Greenlight, más que una plataforma para presentar tus habilidades como desarrollador, es una plataforma en la que mostrar tus habilidades de marketing, y parte de razón tiene.

En cuanto a la parte técnica sí me gustaría aconsejar una cosa que en nuestro caso creo que ayudó bastante, crear un buen trailer que muestre tu juego en movimiento tal y como es, sin tener que añadir muchos efectos de montaje o manipulando más de lo necesario al contenido del trailer.

Y sobre todo contar con la difusión que las páginas del sector dais y, en nuestro caso, nos habéis dado, es importantísimo a la hora de atravesar el arduo camino que es Greenlight. Si desde aquí me está leyendo alguien que esté planteándoselo, perder el miedo, contactar con los medios y explicarles vuestra idea, la colaboración que nosotros hemos tenido es impagable.

¿Cuáles son las ventajas e inconvenientes de ese contacto tan directo con los futuros usuarios que ofrece Steam Greenlight? ¿Creéis que en ocasiones pueden generarse ciertas expectativas difíciles de cumplir?

Ventajas todas, sobre todo me gustaría resaltar el poder obtener feedback de primera mano. Al final la gente no te conoce de nada y tampoco tiene ningún compromiso, las opciones que te da Steam son muy claras (si lo compraría, no lo compraría) y es fácil medir la aceptación de tu proyecto. Ahora, lo que dices tú, el gran problema pueden ser las expectativas y las ideas que alguien puede hacerse de tu proyecto, nosotros para evitarlo hemos tratado de ser lo más honestos posibles y hacer un tráiler en el que mostráramos todo el juego de la forma más real posible, desde el punto de vista del jugador, todo el contenido está ahí.

Hablemos ya concretamente de vuestro primer gran juego, Empire TV Tycoon. ¡Presentádnoslo!

Empire TV Tycoon es un juego de gestión en el que tienes que administrar un canal de televisión con el objetivo de ser el más exitoso de toda la parrilla. Para ello estarás a cargo de la administración de los contenidos que se muestran en tu canal: películas, series, anuncios, deberás contratar trabajadores que te ayuden a realizar las labores del día a día, podrás crear tus propias producciones partiendo de un guion, contratando actores y gestionando la distribución de recursos teniendo en cuenta el género de la producción (por ejemplo, si vas a hacer una película de ciencia ficción estaría mejor potenciar los efectos especiales mientras que si vas a hacer una serie musical de 10 episodios tal vez deberías hacer hincapié en la banda sonora). Y todo ello teniendo en cuenta el tipo de audiencia, y por ende sus gustos, que está viendo tu canal en cada momento, niños, ancianos, rockeros…

Esto es digamos la base del juego, a partir de aquí hay un montón de opciones que harán que tu partida sea diferente cada vez que la juegues.

Existen eventos aleatorios relacionados con el cine que te harán tomar decisiones importantes, por ejemplo, se han visto fantasmas en el cementerio de la ciudad o los ovnis han hecho acto de presencia, estaría bien enviar un reportero a cubrir la noticia y poner el reportaje en prime time o, por el contrario, dado que tu analista de audiencia te está diciendo que esta noche los ancianos van a ocupar la parrilla del prime time, tal vez decidas programar un buen documental de la Segunda Guerra Mundial.

Queremos un juego que te haga pasar muchas horas entretenido, que te divierta, que lo puedas rejugar y que te haga sentir realmente a los mandos de un canal de televisión.

Se trata por lo tanto de un simulador en toda regla. ¿En qué grado será accesible para los jugadores menos hábiles y profundo y exigente para los más apañados?

Los videojuegos de simuladores llevan consigo una gran carga de números y fórmulas que de por sí los hacen un pelín complicados. Lo que nosotros queremos conseguir es un juego en el que sea fácil introducirte pero al mismo tiempo sea difícil llegar a exprimir todas las posibilidades del mismo. Para que os hagáis una idea, ahora mismo estamos dándole vueltas a toda la parte de tutorial/introducción/ayuda a fin de que la entrada de alguien que juega por primera vez sea lo más gratificante posible.

Podremos elegir literalmente lo que ‘echan por la tele’. Creo que este el sueño de más de uno. Habladnos del tipo programas que podremos ofrecer. ¿Dices que podremos crear nuestros propios shows?

Tal cual (risas). A la hora de programar el contenido de tu canal de televisión tienes dos opciones, por un lado puedes comprar películas y series ya establecidas, que es la forma en la que empiezas a hacer despegar tu canal, y a medida que vas evolucionando ya empiezas a ser tú el que crea los contenidos desde cero.

Esta parte es una de las que más ilusión y trabajo nos ha llevado, queríamos hacer un sistema en el que el jugador no se limitará sólo a pulsar un par de botones sino que por el contrario pudiera decidir qué camino tomar en cada producción.

Para crear una película o una serie necesitas tres cosas: un guion, un par de actores y un buen estudio de producción. Dependiendo del nivel de tu trabajador serás capaz de crear guiones muy buenos y si escoges un par de actores que entre sus cualidades se encuentre el género que quieres hacer irás por muy buen camino. Finalmente tendrás que distribuir tus recursos y ya puedes empezar la producción, pero esto no acaba aquí. Durante la producción pueden pasar cosas que te harán tomar decisiones que influyen directamente en la calidad de la misma, por ejemplo, las estrellas con mucho ego no se llevan muy bien y pueden surgir disputas (o romances), un anunciante que intenta meter publicidad subliminal de sus productos en tu producción, el desenlace de la serie filtrado a la prensa antes de tiempo, la extorsión de la mafia…

¿Y en qué medida afectará al éxito de los programas la acogida entre la audiencia? ¿Se tienen en cuenta temas como el público objetivo, la franja horaria, la programación de la competencia, etcétera?

¡La audiencia lo es todo! Ellos son los que van a dictar el éxito o fracaso de tu canal. Es decir, en cada franja horaria estarán presentes entre uno y tres grandes tipos de audiencia y esto tiene mucha importancia porque el contenido que programes en esa franja deberá ser de su gusto. De ser así, más gente verá tu canal, podrás poner mejores anuncios y, en definitiva, tu fama aumentará. Por poner un ejemplo, si pones una película de terror en una franja horaria en la que los niños están presentes, no solo probablemente serás el que menos audiencia tiene de toda la parrilla sino que además el ‘amor’ que sienten los niños hacia tu canal se verá resentido. Todos los grupos de audiencia tienen su canal favorito, igual que yo cuando enciendo la tele siempre hago una pasada por mis canales favoritos ellos también tienen sus preferencias.

En cada momento estás compitiendo contra los otros canales por lo que la contraprogramación es algo importante, al final el canal con el mejor contenido y más adecuado a la audiencia de cada momento es el que se lleva el gato al agua.

Todos sabemos de la controversia que rodea a los grandes medios como Mediaset y Atresmedia. ¿Veremos un poco de toda esa supuesta ‘mafia’ que controla la información? ¿Podremos elegir de qué temas se hablan y de cuáles no en los noticieros?

Concretamente en los noticieros no porque es algo que hemos querido dejar un poco al margen (al menos por el momento) pero sí estamos desarrollando una parte compleja en el sistema de eventos que te permite crear bloques de información entre diferentes propuestas. Todavía tenemos que ver como evoluciona.

Si la pasta escasea… ¿podremos publicar material ilegal en nuestro canal? En plan sin pagar los derechos de autor…

Concretamente hay un personaje dentro del juego que todos los días te vende contenido pirata, a un precio de colega, que puedes poner en tu parrilla. Es el lado oscuro en toda regla, más rápido, más fácil, más seductor (risas) pero obviamente tiene sus consecuencias. Al hacerlo existe la posibilidad de que la policía de Empire City se dé cuenta y las consecuencias, bueno, digamos que mejor que no te pillen. En cualquier caso es un camino válido dentro del juego, aquí los empleados tienen un papel importante, por ejemplo el hacker (que te ayuda a pasar tu contenido ilegal más desapercibido).

¿Podremos contratar y despedir a nuestros empleados, desde el bedel hasta la estrella de turno? En plan… ¡Rodarán cabezas!

A medida que vas creciendo podrás contratar hasta un total de 4 trabajadores pero claro, cada trabajador está especializado por lo que en función del camino que quieras seguir en cada momento es muy probable que tengas que despedir a uno de ellos para poder contratar un trabajador diferente, bien porque encuentras uno con más nivel o por ejemplo, porque necesitas un trabajador especializado en otro tipo de tareas.

Algunos te ayudan a mejorar tus anuncios, otros se enfocan en las producciones, otro tipo mejora tu comunicación con las estrellas y su actitud a la hora de actuar, en fin es algo que el jugador tendrá que ir variando durante la partida para poder ganar, con lo cual, mejor que no te tiemble el pulso con el botón de despido (risas).

¿Veremos cosas disparatadas como en grandes clásicos del género como Theme Hospital? ¿Hasta qué punto es importante el humor en Empire TV Tycoon?

El humor está presente en cada rincón del juego, además de los guiños a películas que, bueno, todos nosotros recordamos con cierta nostalgia y queríamos rendirles una especie de homenaje. Hay varios detalles que están enfocados directamente al humor.

Por ponerte un ejemplo, cuando creas un guion para una película no sólo obtienes el item dentro del juego que te permite empezar tu producción sino que además se crea una historia real que el jugador puede leer, con su presentación, su nudo y su desenlace. Como te puedes imaginar aquí es donde hemos dado rienda suelta a nuestras maquiavélicas mentes y las combinaciones, en muchos casos, producen resultados completamente bizarros.

Desde el clan vegano que busca esclavizar la tierra y que toda la población acabe comiendo tofu al cazarecompensas que descubre los planes del imperio galáctico de introducir tentáculos viciosos en todos los baños de la galaxia y obviamente acaba uniéndose a ellos (risas).

Sabemos que existen referencias a grandes series y programas de todos los tiempos. Decidnos algunas.

Por ejemplo el personaje que te vende las mejoras de tu canal está inspirado en Doc, de Regreso al Futuro. De hecho uno de los eventos que tenemos planteado es poder obtener un bote de uranio y dárselo, con lo cual activará el ‘condensador de fluzo’, te enviará al futuro y, entre otras cosas, obtendrás la información de toda la audiencia que va a ver la televisión entre hoy y mañana.

Cosas de este tipo tenemos unas cuantas, tenemos que hacer que todas las piezas del puzzle encajen. Los prestamistas del edificio son Vincent y Jules de Pulp Fiction (a las órdenes de Marcellus, por supuesto), el personaje que te ofrece los anuncios es Don Draper de Mad Men (como no podría ser de otra manera), en el escenario puedes ver los edificios del Nakatomi Plaza de la Jungla de Cristal o el de los Cazafantasmas, ¡y así un montón de cosas más!

Si no me equivoco lo estáis desarrollando con Unity 3D. ¿Por qué optasteis por este motor en vez de por cualquier otro? ¿Tenéis experiencia con Unreal, Source, etc.?

Básicamente por dos razones, la primera es porque yo personalmente ya había trabajado en proyectos anteriores con C# con lo cual cuando empecé a buscar una herramienta en la que poder desarrollar el juego, Unity era la herramienta perfecta para ello.

La segunda razón es la facilidad que tienes de adaptar tu videojuego a diferentes dispositivos desde la misma herramienta. Aquí somos muy linuxeros y la posibilidad de poder adaptar el juego a Linux, a Mac, o a los dispositivos móviles en un futuro era algo que finalmente decantó la balanza en favor de Unity.

Sinceramente no, no hemos hecho nada con Unreal (del que he oído maravillas por otro lado) o Source.

¿Y por qué os animasteis con el PC en vez de optar por plataformas móviles con un juego para iOS y Android? ¿No es preferible poder acceder a un público mucho más amplio aunque sea a costa de sacrificar en cierta medida la profundidad del juego?

Concretamente pensamos que el jugador de PC está mucho más acostumbrado al género de tycoon, a pesar de que la gestión de un canal de televisión es un argumento que puede atraer a cualquier tipo de jugador, la simulación siempre ha sido más del ámbito de los videojuegos para PC.

Juegos como Game Dev Tycoon, o los comentados Theme Hospital o Roller Coaster han ayudado mucho. La idea es que una vez que el juego esté establecido y todo bien depurado, lanzar la versión para iOS y Android. Yo personalmente tengo muchas ganas de jugar a Empire TV en mi iPad.

Y si la cosa funciona, ¿os planteáis el salto a otras plataformas como PS4 y Xbox One? No tiene que ser fácil sacar un simulador así del tándem teclado + ratón, ¿no?

Efectivamente, si la cosa funciona en dispositivos móviles y conseguimos trasladar el funcionamiento de teclado y ratón (que no es fácil) a este otro tipo de plataformas, sí nos plantearíamos ampliar a otros dispositivos en base a las funcionalidades que nos da Unity, pero bueno, ¡todavía nos queda muy lejos!

Una prueba. Vamos a dejar caer unas cuantas series/shows y vosotros os quedáis con la que más os guste para retransmitir en vuestro propio canal de televisión idílico:

Los Simpson o Padre de Familia: Difícil, pero Homer es Homer.

V o Star Trek: Piedra, papel, tijera, lagarto, Spock… ¡Star Trek por supuesto! (además, ¡en el juego verás detalles de Star Trek por muchos sitios!)

Seinfeld o Friends: Jennifer Aniston gana el duelo por sí sola.

Noche de Fiesta o El Gran Prix: Por favor, ¡que repongan El Gran Prix ya! Los veranos no han vuelto a ser lo mismo.

Y la gran pregunta de siempre, ¿cuándo podremos disfrutar de Empire TV Tycoon?

La pregunta del millón (risas). Bueno, ya te puedo decir en primicia que esperamos ver la luz en Early Access a través de Steam en Septiembre.

Para terminar, siempre os pedimos que nos recomendéis algún que otro estudio indie nacional al que haya que tener muy en cuenta. ¡Os toca!

Milkstone Studios en general y su Ziggurat en particular me parecen de lo mejorcito. Desde aquí os insto a todos a probarlo, qué pasada. Eso sí, tengo que hacer una mención especial a Fran y su Unepic que, entre otras muchas cosas, no sólo me parece un referente sino que además a nivel personal leyendo cómo evolucionó el juego, me metió el gusanillo del indie.

¿Un último mensaje a los lectores?

Pues nada, como dije antes muchísimas gracias no sólo por esta entrevista sino por toda la ayuda y difusión que nos habéis dado, sin toda la ayuda de los medios nacionales habría sido muchísimo más difícil. Esperamos estar a la altura y poder conseguir un juego que proporcione muchas horas de diversión… ¡Septiembre está a la vuelta de la esquina!