A pesar de todas las novedades, el cartel de la próxima edición del Sónar se antoja de una cierta orientación a la música de baile de áreas como Países Bajos, que bien podría indicar una búsqueda mayor cuota de público internacional y algo más joven, así como, quizás, defina las preferencias de François Jozic, nuevo consejero delegado de la empresa organizadora del evento, tras la salida del grupo fundador. En total son 60 artistas los la organización del festival acaba de confirmar.

Se trata de todos modos de un cartel estimulante, capitaneado por la legendaria banda británica The Prodigy, que por primera vez actuará en el festival, si bien con nuevo cantante tras la muerte del icónico Keith Flint en 2019. Lo hará en concreto el sábado 20 de junio. La otra gran atracción será el espectáculo en 360º que llevará a cabo el productor holandés Speedy J en el escenario SónarCar los tres días del festival, en el que improvisará junto a otros cuatro artistas diferentes cada día en el formato conocido como Stoor, que comprende sesiones de hasta seis horas con numerosos efectos multimedia.

También es reseñable el nuevo show en directo del neerlandés Reinier Zonneveld, que hará un Back-to-Back con un holograma en IA entrenado con su propia música; así como la particular visión del gospel con una dimensión cósmica funk de los también neerlandeses Arp Frique & The Perpetual Singers, que se traen para la ocasión a la cantante estadounidense Rocq-E Harrell, autora del hit del northern soul ochentero My heart keep beating faster.

El retorno de Cabaret Voltaire

Otra leyenda que se estrenará en Sonar será Kelis, la diva neoyorquina del R&B, que actuará en el festival por primera vez en sus más de 20 años de carrera. Y en el apartado del clubbing cabe mencionar los shows audiovisuales de los estadounidenses Dom Dolla y Sara Landry, o bien las propuestas del colectivo de Bogotá BULTO, y la legendaria fiesta de house y disco Glitterbox, ambas referentes internacionales de la escena queer.

Otra presencia estimulante del nuevo Sónar será la de Cabaret Voltaire, la pionera banda de culto formada en Sheffield en 1973 y que durante su carrera desarrolló una propuesta musical que iba desde el synth-pop al industrial hasta el el techno y el acid house. Dos de sus miembros fundadores, Stephen Mallinder y Chris Watson, volverán a unirse sobre el escenario más de cuatro décadas después para celebrar el 50º aniversario de su primer show.

En cuanto a las propuestas de rap destaca el británico Skepta, el nombre más relevante actual del género conocido como grime. En Sónar, presentará su nuevo álbum Fork & Knife. Y el techno tendrá como embajadoras de dos grandes divas: por un lado la DJ y productora belga Charlotte de Witte, que presentará su reciente álbum homónimo con nuevo espectáculo. Por el otro, su compatriota Amelie Lens aterrizará en Sónar con AURA, un nuevo concepto centrado en las sombras, la luz, el movimiento y la energía.

También estará el DJ y productor neerlandés Chris Stussy, la nueva estrella internacional del house. Además, repetirá en Sonar el dúo alemán Modeselektor, creadores del sello berlinés Monkeytown Records y uno de los nombres más destacables de la vanguardia electrónica en las últimas décadas.

El talento japonés también estará representado en Sónar: GOTH-TRAD hará gala de su compleja y cargada selección musical, centrada en el dubstep y el bass, mientras que Takuya Nakamura aterrizará en el festival con uno de sus DJ sets híbridos, en los que su pad y su trompeta ayudan a generar un sonido house y jungle suave, melódico y bucólico. Es precisamente esa versión más purista y psicodélica del género la que se podrá disfrutar gracias al infalible directo del nipón Wata Igarashi, que se une a su compatriota y ascendente mezcladora DJ MARIA.

En cuando a los artistas españoles, destaca la rapera castellonense Metrika, que debutará en el festival con su sonido trap, reggaetón y punk y sus rimas directas y cargadas de sexualidad, empoderamiento y salud mental. También el dúo Ani in the Hall presentará Intel·ligència Romàntica, un directo de folk cantado en catalán en el que los elementos folclóricos y la percusión orgánica se encuentran con el dubstep más ruidoso y la electrónica de vanguardia.

Triple estreno: espacio, formato y gerencia

Este año el Festival Sónar de electrónica y músicas avanzadas lo estrena casi todo: equipo directivo, formato y emplazamiento, al menos redistribución de los espacios dentro del clásico espacio del antiguo Sónar Noche, que hoy, junto con el Sónar día, ha sido reconvertido en una única sesión continua de cinco de la tarde a siete de la mañana el viernes 19 de junio y el sábado 20 de junio, y de cinco de la tarde a tres de la madrugada el jueves 18 de junio, día inaugural del festival.

Con este nuevo formato de tardeo y empalme hasta el amanecer, estrena su gerencia François Jozic, el nuevo CEO del festival tras la retirada del equipo fundador que durante más de 30 años capitaneó el evento. De este modo Superstruct Entertainment, actual y polémico propietario del festival, se hace con el control total de Sónar a través de uno de sus hombres de confianza. De todas formas Jozic no es en absoluto ajeno a la gestión, ya que llevaba más de una década organizando el festival paralelo OFFSónar, así como el Brunch Electronik Festival o Hivernacle Pop Up Club, entre otros eventos de música electrónica de la ciudad condal.

Y finalmente Sónar 2026, si bien no estrena instalaciones, sí redistribuye la organización existente en los enormes hangares de la Fira en l'Hospitalet de Llobregat para incluir en el nuevo formato las propuestas que antes correspondían al Sónar Día. Así, en el mismo espacio convivirán SónarVillage, SónarClub, SónarHall, SónarCar, SónarParck y SonarLab.

Fermin Muguruza, Residente, Judeline, Reincidentes o La Élite son algunos de los artistas que cancelaron sus actuaciones en festivales vinculados al fondo inversor KKR tras conocerse, el pasado mes de mayo, su vinculación con iniciativas que promueven la ocupación israelí en Palestina. Un gesto que, en calidad de boicot, sirvió para visibilizar “el poder simbólico de la música como herramienta de resistencia”, tal y como señala el músico y politólogo Pepo Márquez en su reciente ensayo Antineutral. Música y economía moral en la era del turbocapitalismo (Liburuak, 2025).

Estos festivales –entre los que se cuentan el Sónar, el Viña Rock, el FIB de Benicàssim o el Arenal Sound– siguen adelante tras la zozobra y anuncian ahora sus primeras confirmaciones. The Prodigy, The Kooks, Cabaret Voltaire, Dimitri Vegas o Lori Meyers son algunos de los nombres que participarán en las próximas ediciones de unos macroeventos que, aparentemente, no dan muestra de debilitamiento. “No creo que les vaya a pasar factura, tampoco lo vamos a saber a no ser que vayamos in situ a medirlo”, explica Márquez, quien apunta como causa principal de este respaldo la desactivación de una amplia mayoría del público: “No es suficiente motivo para no pegarse la buena fiesta el que los dueños que tú no conoces de un festival estén haciendo no sé qué en Palestina”. 

“Y es un problema estructural, porque a alguien que se ha metido 12 horas al día currando durante todo un puto año, que gana una mierda, que no puede independizarse, y cuyo horizonte de expectativas es difuso en el mejor de los casos, no se le puede pedir, desde el privilegio, que sea impoluto en sus decisiones económicas ni de gasto de bolsillo”, continúa Márquez.

La causa palestina

“Lo de KKR fue quizá la gota que colmó el vaso”, dice Pepo Márquez sobre la gestación de este ensayo que, si bien fue fraguándose durante dos años, se ha escrito en los últimos meses. La causa palestina abre y cierra Antineutral. Una representación territorial de Palestina acompañada del lema “Desde el río hasta el mar, Palestina será libre” introduce al lector en la obra. En la última página, tras los agradecimientos, la frase “Befreit Palästina von der deutschen Schuld! / ¡Liberen Palestina de la culpa alemana!” sirve de conclusión. 

“En Alemania me hubieran detenido por esto”, revela Márquez, quien vive en Hamburgo desde 2022. “Milito en el partido político MeRA25 y hemos tenido policía secreta vigilándonos. Era muy importante para mí que el principio y el final del libro fuesen un claro posicionamiento en favor de Palestina. Que, además, es algo simbólico. No se trata solo de Palestina: es estar a favor del altermundialismo y de las víctimas del colonialismo”.

Antineutral, cuyo título funciona ya como consigna, insta a posicionarse y desplegar resistencias en un momento en que la industria musical, arrastrada por el engranaje turbocapitalista, está adquiriendo un cariz marcadamente siniestro: “Se está llegando a un punto en el que es inasumible decir que se forma parte de esto sin sonrojarse y sin que te provoque sufrimiento”, confiesa Márquez. Con vocación de manifiesto revolucionario, este ensayo es exhaustivo e inspirador, equilibrado en el planteamiento tanto del marco teórico del hecho cultural como de su casuística y con un afán esclarecedor que nutre con profusas notas al pie. El autor dibuja aquí una panorámica actual desoladora, con especial atención a la financiación de la música en directo y, a continuación, ofrece fórmulas y herramientas para subvertirla. 

Porque no siempre fue así. Márquez, quien al final de Antineutral entona un simbólico mea culpa como ferviente testigo del germen festivalero, se afana en marcar distancias entre aquel fenómeno surgido en la era preinternet, allá por los 90, y el modelo de negocio actual: “A lo sumo, antes le estábamos dando de ganar a la gente más indeseable de la ciudad, pero no estábamos vinculados con un genocidio en curso. No es que antes fuera mejor. Es que este y todos los negocios han evolucionado de una manera en la que ya no podemos escapar. Yo al final asumo lo que me dicen mis amigas y amigos que trabajan en la industria textil: 'La única moda sostenible es no comprar'”, declara en relación con las superestructuras que controlan ahora los macrofestivales. “Es todo una gran mentira, una gran mentira que pertenece a una gran mentira mayor”. 

Artistas y público

Esta radiografía-manual-de-resistencia de más de 200 páginas se detiene también a analizar otros vértices del entramado de la música como son público y artistas. Se presenta, por ejemplo, el negocio de las plataformas de streaming como configurador de una nueva generación de usuarios a los que Márquez denomina “oyentes pasivos” porque “no forman parte de nada, les une que consumen, nada más, pero sin intención crítica”. E insiste en que este acceso total a la música acaba por horizontalizarla: “A la gente le da igual escuchar una canción de, y no quiero hacer un name dropping aquí injusto, pero le da igual que sea de Amaral que de Fugazi. Les hablan el mismo idioma que es ‘me está entreteniendo’ o ‘está rellenando un silencio’”, apunta. 

A la gente le da igual que sea de Amaral que de Fugazi. Les hablan el mismo idioma que es ‘me está entreteniendo’ o ‘está rellenando un silencio'

Pepo Márquez — Músico y escritor

En cuanto a los artistas, Antineutral celebra su resistencia moral, ya sean Massive Attack rechazando participar en el Festival de Coachella o Deerhoof eliminando su catálogo de Spotify. Pero también enfatiza que este ejercicio es, dada la precariedad de la que adolecen, un privilegio no exigible a todo su conjunto: “Hay mucha gente muy válida que, lamentablemente, no es suficientemente grande como Residente para decir ‘yo a este no voy a ir’, porque sus ingresos de todo el año y el de sus equipos dependen de esos festivales”, sostiene Márquez. Una vulnerabilidad que se multiplicaría en caso de cancelar: Rescindir sus contratos expone a los artistas, no solo a la pérdida de estos ingresos, sino también a multas inasumibles derivadas de las cláusulas por incumplimiento de los mismos.

“Es la tormenta perfecta: tienes a un público, en el mejor de los casos, neutral, a unos artistas pilladísimos y a una estructura que se está alimentando de todas esas necesidades para hacer mucho más grandes sus beneficios y, además, invertirlos en lo último que tú desearías”, se lamenta Márquez, quien apela a la autoorganización para apartar a estos actores tóxicos que, según advierte, harán “todo lo posible por, primero, desmovilizarnos y, segundo, intentar ganar lo que ellos llaman cuota de mercado o lo que nosotros llamamos guerra cultural”.

El soft power, así como el branding cultural que Naomi Klein acuñó en No Logo: El poder de las marcas (1999), son algunos ejemplos de cómo estos actores alineados con el conglomerado del capital intentan apropiarse del poder simbólico de la cultura para imponer su relato. Márquez lo denuncia y aboga por revertir urgentemente este escenario: “La batalla cultural es la gran batalla. Es la batalla que engloba todas las batallas, porque es donde está el relato. La batalla política es un producto de cualquier batalla cultural, no al revés. La batalla fundamental está en tu portal, en tu escalera, en tu familia, en tu cena de empresa… Ahí es donde se ganan o se pierden las batallas. Y nosotros la estamos perdiendo claramente, porque en favor de tener un poco de paz y de bienestar estamos dejando que maceren unas narrativas que sabemos que no son verdad y que las ha puesto en funcionamiento no ya el poder político, que es simplemente el escaparate, sino todos los poderes que hay detrás”.

Frente a esto, Márquez propone instalarse en el concepto de economía moral que, según explica, “permite pensar la cultura como un espacio donde las decisiones económicas deben ser juzgadas también desde criterios éticos, simbólicos y comunitarios”. “Repensar la cultura desde la economía moral, no es solo un gesto nostálgico, es una posibilidad de resistencia y una reimaginación del futuro”, proclama en Antineutral, ensayo que parte de la posibilidad real del colapso civilizatorio para trazar un esperanzado porvenir. El foco es la música, pero el ánimo con que se escribe abre por completo el diafragma hasta vislumbrar una sociedad alternativa, más justa y sostenible.

La utopía como combustible.

“Creo que este libro es muy optimista. Lo creo de verdad”, reitera el autor. No en vano dedica una parte importante del volumen a aportar soluciones o “formas de resistencia”, muchas de ellas articuladas desde el tejido asociativo con ejemplos como el del Ateneu Popular 9 Barris de Barcelona, que programa música y artes con participación vecinal, o el de la campaña Own Your Venues mediante la cual comunidades, artistas y simpatizantes adquieren colectivamente la propiedad de salas de música independientes para protegerlas de la especulación. 

En cuanto a las plataformas de streaming, Márquez señala como alternativas Bandcamp o la cooperativa Resonate, que ensaya un modelo de propiedad compartida entre artistas y oyentes, con reparto transparente y decisiones colegiadas. Respecto a la situación de los músicos, el autor apuesta por un sindicalismo fuerte y del siglo XXI, al que considera “la única herramienta capaz de enfrentar simultáneamente la precariedad económica, la opacidad tecnológica, la inseguridad laboral y la discriminación estructural, ofreciendo un marco donde la dignidad profesional deje de ser una excepción para convertirse en la norma”. 

En Antineutral, que funciona como revulsivo, Pepo Márquez desmantela narrativas desmoralizantes e impulsa la resistencia transformadora: “No podemos aceptar que nos llamen ingenuos porque lleva mucho esfuerzo alimentar la utopía, o sea, la ingenuidad. Tenemos que naturalizar la utopía como el combustible de la izquierda. Que igual no vamos a cambiar nada, pero vamos a intentarlo. Este es nuestro superpoder frente a pensamientos más conservadores o directamente derechistas o ultraderechistas que no creen en la utopía, sino en la destrucción del diferente”, concluye.

Que Sonar se mudaba por completo a L'Hospitalet era una noticia anunciada ya en junio pasado, precisamente por Enric Palau, uno de los fundadores del célebre festival de música electrónica junto con Ricard Robles, Sergi Caballero y, posteriormente, Ventura Barba. Ahora, una vez el cuarteto directivo original ha abandonado la dirección, la mudanza de Sonar Día se confirma.

Por primera vez, los días 18, 19 y 20 de junio de 2026, el programa musical se concentrará en un único recinto, ubicado en Fira Barcelona (sede Gran Via, en L’Hospitalet). El formato será de “tres jornadas y música ininterrumpida durante la tarde y la noche, ofreciendo la experiencia más cómoda a hasta la fecha”, según aseguran desde la organización del evento.

No obstante, Sónar+D se mantendrá en la ciudad de Barcelona, aunque a decir de los organizadores “ampliará su presencia en Fira Gran Via, con instalaciones inmersivas, arte digital y propuestas interactivas que enriquecerán la experiencia del público”. 

El 14º Encuentro Internacional de Innovación, Creatividad y Tecnología mantendrá su programación discursiva y de networking en la ciudad de Barcelona durante las mañanas del jueves 18 y el viernes 19 de junio, en localizaciones que se anunciarán próximamente. Como novedad, en 2026, habrá tickets a la venta que darán acceso únicamente a Sónar+D, haciendo así más asequible esta dimensión del festival.

Programación ecléctica

Por otro lado, la contratación de artistas avanzada por fuentes de Sonar comprende nombres como Kelis, la leyenda neoyorquina del R&B, que actuará en el festival por primera vez en sus más de 20 años de carrera. Kelis se consolidó firmando otros superhits de los 2000 como “Trick Me”, “Acapella”, “Caught Out There” o “Millionaire” y ha colaborado con artistas tan diversos como Pharrell Williams, Calvin Harris, Disclosure o Björk.

También estará Skepta, el nombre más relevante del rap británico y uno de los letristas más brillantes del género conocido como grime. En Sónar, presentará su nuevo álbum Fork & Knife, previsto para principios de 2026. Y el techno tendrá como embajadoras de dos grandes divas: por un lado la DJ y productora belga Charlotte de Witte, que presentará su reciente álbum homónimo con nuevo espectáculo.

Por el otro, su compatriota Amelie Lens aterrizará en Sónar con AURA, un nuevo concepto centrado en las sombras, la luz, el movimiento y la energía. También estará el DJ y productor neerlandés Chris Stussy, la nueva estrella internacional del house. Ademas repetirá en Sonar el dúo alemán Modeselektor, creadores del sello berlinés Monkeytown Records y uno de los nombres más destacables de la vanguardia electrónica en las últimas décadas.

Estreno de Cabaret Voltaire

Asimismo, se estrenará en el festival Cabaret Voltaire, la pionera banda de culto formada en Sheffield en 1973 que consiguió instaurarse en el panorama electrónico experimental británico y europeo por ser unos avanzados a su tiempo, con una propuesta musical que va del post-punk y el synth-pop al industrial, el techno y el acid house. Dos de sus miembros fundadores, Stephen Mallinder y Chris Watson, volverán a unirse sobre el escenario más de cuatro décadas después para celebrar el 50º aniversario de su legendario primer show.

Finalmente, la música de club se deconstruye y se reconstruye con DJs que no dejan de reinventarse, como el aleman Boys Noize, proyectos que exploran límites, como el de los franceses Ascendant Vierge, y talentos que deslumbran desde el primer día, como la madrileña Alba Franch, la argentina La Sofy, los brasileños Clementaum b2b LAZA –capaces de mezclar a un ritmo vertiginoso baile funk y house tribal con Jersey club, guaracha e incluso raptor house– y nuevas superestrellas del clubbing como KETTAMA –que llega con nuevo álbum y colaboración con Fred Again bajo el brazo–, DJ Gigola –una nueva clásica del festival– y el colombiano Funk Tribu.

El fondo pro-israelí KKR, dueño del Sónar, fue el elefante en la habitación del festival en 2025. Apenas nadie quiso hablar de ello durante los tres días de la edición, si bien es cierto que la organización animó a quién lo quisiera a pronunciarse contra el genocidio palestino en la zona. Incluso organizó y puso a disposición del público el debate abierto El papel de la cultura en el contexto global cultural, un foro en el SonarÀgora con siete ponentes que trató de reflexionar sobre las consecuencias de que un fondo que financia proyectos inmorales en todo el mundo compre un festival de música electrónica.

Pero lo cierto es que al debate solo acudieron medio centenar de personas –no pocos de ellas periodistas– de las inscritas en la sección Sonar+D, que fueron varios miles. De hecho, las cifras de asistencia no permiten detectar ningún tipo de boicot por parte del público: 161.000 asistentes, siendo el Sonar Noche el que ha vuelto a liderar con 66.500 asistentes. Por su parte, Sónar Día ha sumado 52.500 personas y el OFFSónar, junto al resto de las actividades de Sónar Week en los diferentes espacios de la ciudad, ha ascendido hasta 42.000. Un reparto muy similar al que se anunció el año pasado, con una ligera subida en torno a los 7.000 asistentes.

Tampoco entre los artistas los posicionamientos fueron mayoritarios, a pesar de que no eran pocos los artistas de origen árabe en el programa. Aunque hubo casos significativos, como el de la escocesa de origen marroquí Sarra Wild. La de Glasgow proyectó en la pantalla detrás del escenario una especie de power point en el que explicó por qué ha participado en Sónar: para ella, boicotear un festival es boicotear a sus trabajadores, a la clase obrera, por mucho que KKR sea un fondo que financia directa o indirectamente genocidios como el de Gaza, Congo o Sudán.

Otros comprometidos artistas con Palestina en la primera jornada fueron el productor catalán Alizzz y la DJ portuguesa NOIA, con proclamas, camisetas y proyecciones. En la segunda, fue destacable el compromiso de Maria Arnal, exhibiendo banderas por la libertad de Palestina, y también el de los brasileños Teto Preto, ataviados con camisetas con el mismo mensaje. También entre el público se vieron más banderas y camisetas.

En la última jornada, apenas la española Mushkaa se solidarizó con Palestina, tal como lo mostró en una proyección en el escenario, pero dejó claro que el problema no está en Sónar sino en que fondos como KKR se apropien a fuerza de dinero de las culturas locales. Con ella, que empezó su actuación a las cuatro de la tarde, abriendo el Sónar Día, terminaron las demostraciones de apoyo a la causa de Gaza para el resto del festival.

De menos a más y con Chano Dóminguez y Alizzz

En lo musical, esta edición del Sónar ha ido de menos a más, con un inicio titubeante y monótono el jueves 12, plagado de techno y pocas propuestas distintas y refrescantes. Destacar, por supuesto, el concierto de Chano Domínguez y el productor Bronquio, acompañados por el guitarrista David Leiva, Irene Ribas al cante, Pol García a la trompeta y Joaquín de la Cruz a la batería y la percusión, todos ellos músicos del Taller de Músics de Barcelona.

Chano, armado con un keytar y dejando el Yamaha aparte, revisitó sobre samples algunos de los grandes temas de Paco de Lucía en el proyecto llamado Calle Barcelona. Fue un pase corto en exceso que apenas dio para repasar piezas clásicas de Paco como Monasterio de Sal, Río Ancho o Yo solo quiero caminar. El ensamble entre electrónica, jazz y flamenco fue notable y el público lo agradeció con aplausos, igual que hubiera agradecido 20 minutos más de concierto.

Otra actuación triunfadora fue la de Alizzz, productor de entre otros C-Tangana, Rosalía, Amaia o Maria Arnal. Al Sónar vino a cantar con una formación de pop-rock con guitarra, batería, bajo y teclados. Tras hacer bailar al público con una música llena de actitud y ritmo, se posicionó en catalán por Palestina y contra el fondo KKR. También fueron una grata sorpresa las sesiones de Sarra Wild y NOIA, jugueteando con el techno, el jungle y el hardcore pero evitando las andanadas de beats machacones que se prolongaron en las tardes del jueves y el viernes más allá de lo necesario.

La magia de Maria Arnal

La segunda jornada fue la del ir a más, con más propuestas alejadas de los ritmos duros y repetitivos de la pista central del SónarVillage. Destacó el matrimonio temporal formado por el cantaor El Niño de Elche y el productor Raül Refree estrenando su espectaculo Cru+es, llevando el flamenco al extremo opuesto del Calle Barcelona de Chano y Bronquio. En este caso, la exuberancia es sustituida por un minimalismo sonoro y visual que resultaba sobrecogedor.

Jugando con una niebla púrpura que escondía a los dos músicos, solo podía oírse la voz áspera y soberbia de El Niño, casi recitando con su peculiar sentimiento sobre las bases de Refree, que ya produjo en su día el aclamado Los ángeles, disco flamenco de debut de Rosalía. Aromas del Omega de Morente en la propuesta electrónica, pero también del post-rock experimental alemán de bandas como Neu! o Einstürzende Neubauten. Al final, una cierta sensación de que faltó algo de contexto y rodaje a la propuesta, que sin duda es prometedora.

Otra propuestaa enriquecedora, para quien acudiera a Sónar a algo más que bailar, fue la de Alva Noto & Fennesz, dos músicos del ámbito germánico que presentaron Continuum, su particular y fascinante homenaje al fallecido e icónico Ryuchi Sakamoto. Se trató de una hora de experimentación sonora continua, mientras la pantalla del fondo de escenario emitía imágenes hipnóticas, que arrancó las ovaciones del público que abarrotaba la sala SonarHAll.

En la misma sala una hora más tarde, se produjo el milagro de la noche con la presentación de Ama, el nuevo espectáculo de Maria Arnal. La de Badalona utilizó la experimentación sonora y coreográfica que ya mostró en la banda sonora de la multipremiada cinta Polvo serán para mostrar una fascinante propuesta que enamoro a la totalidad de los espectadores.

Fue una fusión memorable entre electrónica, danza, efectos visuales, folclore y experimentación vocal, la actuación más destacada de la jornada y seguramente de toda la edición presente de Sónar. Se marcó incluso un tema en valenciano, xiqueta meua, con la cantaora Tania García y el guitarrista flamenco Yerai Cortés. “¡Sois el primer público que ve este espectáculo!”, exclamó Arnal agradecida antes de despedir el concierto mostrando una pancarta con el mensaje “Palestina libre”.

El cierre rítmico del Sónar Día se encargó a la productora estadounidense Honey Dijon, que se olvidó pronto de las carnosidades del house para entregarse al techno más cerril durante las dos horas que duró su show. Le sucedió una mucho más sugerente, rica en estilos y provocadora sesión-actuación del británico Josh Caffé, que derivó los platos a su colega Quinn Whalley –que al día siguiente dio su propia sesión de techno industrial bien ejecutado– y se dedicó a cantar y recitar con altas botas doradas y peluca rubia, en lo que quiso ser un homenaje a dos iconos como Prince y Grace Jones.

Diosa Nathy Peluso

La tercera jornada comenzó con la propuesta de Mushkaa, fresca, juvenil y espontánea, rodeada de los suyos ante el calor de primera hora. La de Vilassar supo defender sus nuevos temas, incluidos en el trabajo Nova bossa, con ritmos calientes y latinos, acompañada de una nutrida banda y con diversas colaboraciones, aunque el sonido fue bastante deficiente. Fue tal vez la excepción catalana del festival y ella lo hizo notar al ensalzar el Sónar como espacio para la cultura local.

El otro contrapunto a una jornada marcada, como el resto, por los beats, fue la actuación de Yerai Cortés, que llevó por fin su espectáculo Guitarra coral al Sónar, tras la cancelación del pasado año. El talento de Cortés se amplifica en este show gracias a una serie de micrófonos que dan una especial sonoridad a su toque. Acompañado de seis palmeras que hacían también los coros, arrebató al numeroso público asistente y ganó algunas de las ovaciones más grandes del festival.

Otra de las novedades destacadas de la última jornada de Sónar Día en Montjuic fue el duo de DJ Overmono, que llenó de ritmos diferentes la tarde a base de jungle, drum'n'bass y UK Garage, para regalar un baile más orgánico y complejo que el que otorgaron en jornadas precedentes el brasileño Mochakk, el jueves, o la estadounidense Honey Dijon, entregados a la tiranía del techno más contundente y unidimensional.

Y finalmente coronó el sábado, ya en el Sónar Noche, la fuerza sobrenatural de Nathy Peluso. Demostró en la defensa de su nuevo trabajo, Grasa, que tiene potencial para llenar no uno sino dos Metropolitanos de una sola tacada. Con una voz atronadora y maravillosa, un despliegue físico descomunal y una propuesta llena de ritmos latinos, con mucha salsa y bachata, se comió ella sola al escenario e hizo que el numeroso público cayera rendido a sus pies.

Incluso cerró con una versión de Vivir así es morir de amor que provocó una gran ovación y dejó claro que esta mujer, su presencia y su voz, pueden con cualquier estilo. Una auténtica diosa. Seguramente la Peluso, junto a la actuación de Maria Arnal, harán que se recuerde este Sónar con un regusto dulce, tapando así la amargor que provoca la presencia de KKR entre sus propietarios.

La Project Area del Sónar es la zona del festival tradicionalmente destinada a los proyectos empresariales, artísticos y de investigación relacionados con la fusión de música, imagen e industria digital. Es por ello que la mayoría de las propuestas abordan en los últimos años desde las empresas que fabrican sintetizadores o cajas de ritmos, ya sean táctiles, modulares o completamente digitales, hasta los desarrollos basados en la Inteligencia Artificial (IA) para la creación de arte, ilustración, películas y sobre todo música.

De hecho, el pasado año el festival puso su foco principal en la IA, un núcleo temático que ha continuado en la presente edición. En este sentido, las propuestas de IA del Sónar 2025 en lo que refiere a la música están especialmente centradas generar nuevas herramientas de software que ayuden a los profesionales a mejorar la calidad o complejidad de sus trabajos, aunque algunas también ponen la música generativa al alcance de los neófitos.

Pero precisamente a raíz de estas herramientas surge el debate sobre los límites del uso de la IA en la creación musical: ¿Puede considerarse una canción creada por un robot una obra de arte? ¿Debe figurar en las plataformas de streaming este tipo de creaciones sin especificar que no hay personas tras ellas? No en vano, en el pasado Spotify ha borrado numerosas creaciones subidas a la plataforma en las que no se podía reconocer una autoría humana detrás. Y por último: ¿Puede una canción de IA ser mejor que la humana?

Franco Caspe: “La creatividad humana nunca será una cualidad de un robot”

Franco Caspe, músico e investigador argentino, ha desarrollado durante su doctorado en la Queen Mary University Center for Digital Music Research de Londres la aplicación Brave. La misma, mediante el uso de una IA, expande el timbre las notas de los instrumentos musicales, de modo que el sonido generado por un músico al tocar una guitarra, por ejemplo, puede escucharse en formato de cualquier otro instrumento.

Caspe matiza que su herramienta está pensada para músicos y, de hecho, solo genera nueva música a partir de un instrumento tocado por un humano. Su idea es dotar de versatilidad a los instrumentistas, pero no ofrecer a cualquiera la posibilidad de crear música de la nada. A este respecto, sentencia: “La creatividad humana nunca será una cualidad de un robot”.

Ahora bien, preguntado por la necesidad de advertir en plataformas de que una pieza es íntegramente creada por IA, se muestra más dubitativo y alega que “es complicado establecer este tipo de controles, ya que al fin y al cabo la música siempre ha necesitado de la tecnología para existir, ya fuera un tambor, una guitarra, etc.”. Aunque sí avisa del peligro de concentración creativa que supondría “que las plataformas se dedicasen a generar masivamente música por IA y ofrecerla a los oyentes”.

Nao Tokui: “El reto es entrenar la IA para que consiga la calidez de la creación humana”

En cambio, la aplicación que presenta Nao Tokui, el fundador de Neutone, una compañía japonesa de software basada en IA, sí permitiría en principio que alguien generase música sin apenas conocimientos. Se trata de Cocoon, una herramienta que permite generar no solo samples, sino también piezas instrumentales, para todo tipo de instrumentos, a partir de una melodía cantada por una voz humana. Posteriormente, otra aplicación permite perfeccionar la pieza a partir de órdenes de texto para añadir percusión, ritmos, etc.

Tokui advierte que hoy ya hay muchos creadores generando música a partir de herramientas como esta, pero matiza que tenga que ser por norma una música de calidad. “Tienes que tener un mínimo criterio musical”, opina y añade: “por otro lado, suele ser bastante evidente cuando una canción está hecha por IA, porque carece de calidez”.

En este sentido, asegura que el nuevo reto de la IA será “conseguir voces y creaciones instrumentales que adquieran la verosimilitud y calor de las creaciones humanas”. Sobre si debería especificarse cuando una creación no es humana, este ingeniero japonés duda de que sea efectivo porque cree que uno de los puntos fuertes de la música es la ejecución en directo, “un aspecto en el que un robot nunca podrá ponerle el punto de improvisación creativa de una persona”.

Servando Barreiro: “la innovación creativa es una virtud exclusiva de los humanos”

A pocos metros se encuentra el stand de Sonic Charge, una empresa sueca de música y tecnología que cuenta con el desarrollador y músico gallego Servando Barreiro como relaciones públicas en el festival. Barreiro explica las dos principales apuestas de la compañía, basadas ambas en IA. La primera es BeatSpace, una caja de ritmos digital, creada a base de una recolección de ritmos mejor valorados por parte de una IA, que funciona con cuatro palancas que desplazan cursores por una pantalla con un mapa de colores.

Según donde se desplaza cada una de las palancas, se crean combinaciones de efectos sonoros rítmicos, como los que se obtendrían con las cajas mesas modulares que manejan los DJ en sus sesiones. Pero aquí no es necesario ir girando ni desplazando botones, sino que al mover las palancas, tal como se puede apreciar en la pantalla del ordenador anexo, se combinan estos movimientos automáticamente.

“Esto simplifica sumamente la ejecución de una sesión de música techno, por ejemplo”, explica Barreiro, que asegura que en Suecia son diversos los productores que emplean herramientas de la empresa y han probado BeatSpace. La otra aplicación de Sonic Charge es Synplant, un generador y modulador de samples a partir de sonidos o voces que se pueden grabar en la misma máquina, también basado en la IA.

Barreiro admite que con herramientas de este tipo “se democratiza el acceso a la creación musical”, pero piensa que “sigue siendo importante tener criterio y sensibilidad a la hora de crear”. Respecto a la música totalmente generada por IA reconoce que es un hecho aunque, como el resto de las personas entrevistadas, matiza la frialdad de las producciones existentes.

Y añade: “Hay un factor límite que es el de la innovación creativa: un robot puede recolectar muchos sonidos y generar muchas melodías, pero todas ellas serán en parte derivadas de otras anteriores, no hay una ruptura porque eso solo puede lograrlo la innovación creativa, el genio, y esa es una virtud exclusivamente humana”.

Google DeepMind: “Ponerle un aviso a una música generada por AI es ponerle control a la creatividad”

También está presente en la Project Area Google con su IA Google DeepMind. Varios de los miembros de la compañía presentan en su stand una serie de aplicaciones para la generación de samples y otros elementos de música de baile. Adam, uno de los integrantes del grupo, explica que se trata de “herramientas para profesionales, puestas a libre disposición desde nuestra página, por cuyo uso no cobramos, pero que por sí solas no permiten que un robot haga un tema musical”.

Preguntado sobre si la una canción creada íntegramente mediante IA debería llevar un aviso al respecto, dice que “es una cuestión muy debatible y abierta, porque al fin y al cabo habrá alguien que entrene a la IA para que haga la canción, y ese alguien deberá tener criterio creativo”. “Ponerle un sello a eso es en cierto modo discriminar una creación, ponerle un control al proceso artístico”, concluye. Pero también matiza que “otra cosa es que quieras hacer pasar por creación humana algo que ha hecho un robot, en ese sentido podría llegar a entenderse tal vez como un fraude...” Y para recalca que es un tema que sin duda tiene un debate.

Finalmente, Paola Palumbo, en el stand de IRCAM Forum, una comunidad de artistas radicada en París desde los años 70 y centrada en las sinergias entre música y ciencia, explica que sus propuestas están pensadas para el diseño sonoro y la música generativa, de modo que ayuden a expandir los límites de la creación musical. También piensa que el debate sobre la IA y la creación musical no está todavía cerrado, si bien explica que una de las aplicaciones que presentan está pensada para identificar las partes creadas con IA en un tema musical o una canción.

A pocos días de su comienzo, Sónar 2025 está sufriendo las consecuencias del descubrimiento de su pertenencia a fondo proisraelí KKR, algo desconocido hasta hace un mes y que supuso un terremoto en el panorama musical español, ya que otros festivales, como Viña Rock o Resurrection Fest, también pertenecen al mismo fondo.

El motivo es que KKR compró a finales del pasado año la empresa dueña de numerosos eventos musicales, Superstruct Entertainment, de modo que todos ellos pasaron a estar, sin capacidad de maniobra, dentro del paraguas del fondo proisraelí. La noticia provocó un comunicado inicial del festival algo tibio en el que, aunque rechazaban las agresiones israelíes a Gaza, tildaban la situación de “catástrofe humanitaria”.

Aquella tibieza dio lugar a numerosas protestas y la cancelación de sus actuaciones por parte de 28 artistas y distintas actuaciones. No obstante, la respuesta de Sónar se endureció a continuación a demanda de los artistas y en un nuevo comunicado pararon a culpar al gobierno israelí de “genocidio del pueblo palestino”.

Comunicado de Cora Novoa

Es en este contexto en el que Cora Novoa, una de las productoras y DJ más vinculadas al festival, dueña del sello discográfico independiente Seeking The Velvet, ha emitido un comunicado en Instagram exponiendo sus razones para no cancelar finalmente su presencia en la cita.

“Hoy quiero compartir con vosotras un tema que no es fácil, pero siento que es necesario hablarlo desde el corazón y desde la honestidad”, comienza la gallega. “Antes de nada, quiero condenar con todas mis fuerzas el genocidio que está cometiendo el gobierno de Israel con Palestina”, matiza y añade: “Es una auténtica atrocidad y no tengo palabras para describir lo que está sucediendo”.

También da las gracias “a los colectivos, voces que han alzado la voz y artistas que se han retirado del cartel para alertar de la irrupción del Fondo KKR en la industria de la música”. Pero explica que “en estos días he podido conversar con Paquay, BDS y también Sónar Festival”. Estas charlas, asegura, fueron muy enriquecedoras y le hicieron entender “todas las perspectivas y lo que estaba pasando”.

A continuación, Novia exponer las razones de su permanencia en el cartel de Sónar 2025: “Valoro muchísimo todas las medidas que ha tomado Sónar Festival: la distancia pública de KKR, la condena expresa del genocidio, que Coca-Cola y McFlurry se hayan caído como patrocinadores, la presencia de símbolos de apoyo al pueblo palestino a lo largo del festival, la creación de un espacio de diálogo en el propio festival para debatir lo que está sucediendo y otras posibles medidas para futuras ediciones”.

Asegura ser “consciente de que por parte del festival no se han gestionado bien algunas cosas”, pero cree que “han pedido disculpas y han hecho autocrítica, haciendo un esfuerzo titánico en rediseñar y cuestionar el modelo de festival que querían ser en tan solo unas pocas semanas”. Novoa explica que durante estas semanas lo ha pasado “muy mal”. “Y lo sigo pasando muy mal porque soy consciente de que elija el camino que elija, es imperfecto”, apostilla.

Finalmente expone su decisión: “Seguir adelante y permanecer en el cartel de Sónar 2025, pero con un propósito muy claro: disputar el espacio desde dentro y usarlo como altavoz”. “Este conflicto revela un problema mucho más complejo: la colonización de la cultura, como ya sucede con la vivienda o con la alimentación”, añade para cerrar el comunicado asegurando: “Mi estrategia difiere de la cancelación, pero tiene un mismo fin una Palestina libre”.

Después de que más de una veintena de actuaciones hayan sido canceladas tras la pertenencia de Sónar al fondo proisraelí KKR, el festival ha activado un procedimiento para centralizar todas las solicitudes de quienes quieren el reembolso de las entradas. Se podrá hacer escribiendo al email help@sonar.es antes de esta misma medianoche. Además, ha anunciado que, con lo recaudado, hará “una donación a ONGs que trabajan para ayudar a la población de Gaza”, aunque aún está estudiando “con qué ONGs colaborar”.

Con motivo de que la polémica haya hecho saltar por los aires la edición de este año del festival, Sónar ha condenado el genocidio sobre el pueblo palestino y ha tratado de defenderse alegando que Superstruct Entertainment, el fondo a cargo del festival, y su conexión con KKR, el fondo proisraelí, se trata de “una operación puramente financiera” en la que Sónar no tuvo “ni intervención, ni voz, ni voto”. “Del mismo modo, no ejercemos injerencia ni control sobre sus decisiones de inversión o su funcionamiento interno”, ha añadido.

Asimismo, ha afirmado que “todos los beneficios se reinvierten íntegramente de cara a las futuras ediciones de Sónar”, por lo que no han enviado “ni un solo euro a KKR”. El festival también ha citado el comunicado de ayer de Superstruct Entertainment, cuya postura describen como “clara y púbilica”, en el que aseguraba que los beneficios generados por sus festivales no se transfieren a KKR.

Sónar también ha afirmado que los asistentes podrán acudir con símbolos de apoyo al pueblo palestino “siempre y cuando estén dentro del marco legal vigente”, y que “el público podrá disfrutar del festival en las mismas condiciones de comodidad y libertad de siempre”, reivindicando “la libertad de expresión total y absoluta”. Además, ha añadido un espacio en el festival para debatir sobre “esta realidad”, inaugurando la actividad del jueves “un espacio de reflexión, escucha y acción sobre el papel de la cultura en el contexto global actual”.

El festival declara que “las cancelaciones no afectarán a la experiencia del evento”, que ya están “trabajando en los reemplazos” y que pronto publicará el lineup final con sus respectivos horarios. ARCA; EYRA; oma totem; DJ Paca; Rone x (LA)HORDE with Ballet National de Marseille; Saoirse; DJ SOSA RD; Tiyumii; y Sega Bodega (por motivos de salud) han cancelado sus actuaciones en Sónar de Noche.

Por otro lado, los artistas que han cancelado sus actuaciones en Sónar de Día son 15 15; ABADIR; Akyute & Alice Sparkly Kat; ANCIENT PLEASURE; Animistic Beliefs & Jeisson Drenth; ASIA; Dania + Mau Morgó; DjSport; Emma dj; Forensis & Bill Kouligas; dj g2g; Heith, James K, Günseli Yalcinkaya & Andrea Belosi; Juliana Huxtable; KEBRA; Le Motel; NEW YORK; Nexus (B4mba & Mooki6); Paquita Gordon; patten; Sara Persico & Mika Oki; Shannen SP; Shapednoise & Sevi Iko Dømochevsky; Shaun J. Wright; Sofia; Vica Pacheco; Ville Haimala; y YESSi PERSE + laSADCUM.

“Hemos decidido no volver a participar en el festival Viñarock ni en el resto de festivales adquiridos por KKR hasta que este no cambie de manos”, sentencia el comunicado de la banda Sons of Aguirre publicado este miércoles. El grupo se hace eco de un artículo de El Salto que cuenta cómo el fondo proisraelí KKR se ha hecho con los grandes festivales españoles de música, incluido el Viña Rock, pero también el Sónar, el Arenal Sound, Resurrection Fest, Monegros Desert Festival, Brunch-In the Park, Morriña Fest, Granada Sound, las fiestas Love The 90's y Love the Twenties o el FIB de Benicàssim, entre otros. 

Como contamos en elDiario.es el pasado enero, todos estos festivales son propiedad de Superstruct, convertido en el segundo promotor más importante del mundo. Fue en junio de 2024 cuando el fondo de capital riesgo KKR adquirió Superstruct por 1.300 millones de euros. ¿Y qué sabemos de KKR? Kohlberg, Kravis, Roberts & Co. es el segundo mayor monstruo financiero del planeta, solo por detrás de Blackstone, con operaciones millonarias en sectores como el energético, el químico, el tecnológico, el educativo y el de los medios de información. Pero hay más: KKR participa en la promoción inmobiliaria en los territorios ocupados ilegalmente por Israel en Palestina a través del grupo alemán Axel Springer, del que KKR es principal inversor desde 2019, tal y como explica El Salto.

“Huelga decir lo que opinamos al respecto de colaborar con genocidas, cómplices de una limpieza étnica que ha costado la vida a más de 60.000 palestinos”, escribe Sons of Aguirre en un comunicado que ha abierto la puerta a que más de una decena de bandas y artistas, españoles e internacionales, rechacen públicamente actuar en festivales adquiridos por el polémico KKR.  

Entre ellos están Los de Marras:

Sínkope, cuyos integrantes dicen sentirse “profundamente indignados” al conocer los vínculos de Viña Rock con KKR y la ocupación israelí en Palestina:

Porretas:

“No queremos ser cómplices en modo alguno del exterminio de un pueblo entero, de la limpieza étnica y la masacre de hombres, mujeres y niños”, escribe No Konforme en un comunicado que acaba con el lema: “Desde el río hasta el mar, Palestina vencerá”.

Reincidentes:

Dakidarría:

Kaos Urbano:

Non Servium:

Free City y Kamikazes:

Fermin Muguruza, que a través de una historia en Instagram ha dicho “agur” al Viña Rock:

Los neerlandeses Animistic Beliefs, que firman un comunicado conjunto con Jeisson Drenth, Mаgdalena Petrova y Ratri Notosudirdjo, anuncian que se cae del Sónar. “Hay que poner límites”, dicen los artistas en un comunicado en el que animan a “romper el círculo” y parar el “art-washing” (o blanqueamiento a través del arte). 

La DJ Marissa Malik, más conocida como Manuka Honey, también se ha negado a participar en el Sónar:

La estadounidense Juliana Huxtable ha publicado un comunicado que firman varias decenas de artistas más, rechazando participar en el Sónar:

La edición 32 del Sónar, el festival internacional de música, creatividad y tecnología, se despide de la magia de la colina de Montjuïc, pues será la última que tendrá su vertiente Sónar Día en el recinto de la Fira de Barcelona. A partir del año que viene, la cita diurna se ensamblará con la nocturna en los espaciosos módulos de la Fira Gran Via en l'Hospitalet, espacio donde se celebran congresos anuales de gran afluciencia, como el Mobile World Congress.

El primer hogar del Sónar Día, en los albores del siglo XXI, fueron los patios del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, CCCB, en el barrio del Raval, en pleno centro, mientras que el Sónar Noche tenía lugar en el parc del Fòrum, zona que ahora ocupa el Primavera Sound. Posteriormente, el certámen dio el salto a las instalaciones de la Fira: el de día en las más antiguas de Montjuïc y el de noche en los enormes hangares de Fira Gran Via en l'Hospitalet, a 3,6 kilómetros de distancia.

Pero más allá de la despedida, la presente edición, que se iniciará el jueves 12 de junio y finalizará el sábado 13, presenta un cartel que combina nombres nacionales con otros internacionales, además de numerosas colaboraciones con diferentes instituciones tanto en el campo audiovisual, cuyos montajes viajarán este año a las dos sesiones del Sónar noche para dotar al hangar del Sónar Lab del mejor ambiente de los clubes británicos, con en los montajes musicales.

Se trata más de 200 propuestas procedentes de diferentes países en el que participan numerosos centros culturales, desde el Barbican Center de Londres a la Fundación Foto Colectania, la Universitat Pompeu Fabra, la Escuela Superior de Diseño y Bellas Artes de Barcelona, La Fundació Joan Miró, Ars Korea Lab o la Fundación Mies van der Rohe.

Destaca en este sentido la colaboración con TIMES (The Independent Movement for Electronic Scenes), un proyecto auspiciado popr la Unión Europea de cooperación entre los 10 principales festivales europeos de música electrónica que tiene como objetivo la producción de espectáculos originales de nueva creación que combinan música y artes visuales. Así, el festival Insomnia (Tromsø) trae al DJ noruego Niilas; el italiano Terraforma (Milán) propone a la violinista catalana Asia, explorando los límites de la música clásica; el Semibreve (Braga): presenta la propuesta de Grand River y Abul Mogard, con su sonido ambient-drone, así como a Shapednoise & Sevi Iko Dømochevsky, con su show audiovisual experimental. 

Nathy Peluso y una conexión flamenca

La noche del sábado será para que reine la argentina Nathy Peluso y su poderoso directo. Con una relación con Barcelona, la artista presentará por primera vez en España su último álbum GRASA, en el que mezcla influencias del hip-hop, la salsa y las rancheras con ritmos tropicales, grandes baladas y música electrónica. Peluso actuará por partida doble y presentará un Dj set bajo el nombre de Club Grasa, donde mostrará su vertiente más lúdica y electrónica.

Otra actuación de nivel correrá a cargo del set formado por el productor Raül Refree y el cantaor El Niño de Elche, que presentarán el viernes 11 en el Sónar Día su nuevo espectáculo colaborativo Cru+es, con el que abren un nuevo mundo de posibilidades en el que la música tradicional española abraza la dicotomía entre la alegría y el dolor, entre la vida y la muerte. 

También es destacable la colaboración entre el pianista de flamenco jazz Chano Domínguez y el productor Bronquio, una unión a la que se suma el guitarrista David Leiva para alumbrar el espectáculo Calle Barcelona, que era la calle donde vivías Paco de Lucía de niño en Algeciras. Calle Barcelona tendrá lugar el jueves 12 en el Sónar Día y es un viaje sonoro que transforma y reinventa raíces del flamenco y explora nuevas texturas y ritmos a través de la electrónica. Se trata de una producción conjunta del Taller de Músics y la SGAE.

Finalmente, rematando esta conexión flamenca, el galardonado con un Goya Yerai Cortés presentará por fin en Sónar, tras no haber podido estar el año pasado por culpa de un accidente, su espectáculo Guitarra Coral, que lleva el flamenco más allá de la guitarra con acompañamiento de un coro de seis palmeras que añadirán sus voces y palmas a la guitarra del alicantino. Será el sábado en el Sónar Día. Además, Cortés cerrará el festival el domingo 15 en la Fundació Joan Miró, en un formato íntimo en el marco de la celebración de su 50º aniversario.

Últimos atardeceres en Montjuïc

Otros artistas de interés que participarán en el Sónar Día son la catalana Mushka, el el productor de culto Matthew Herbert junto a la percusionista y vocalista Momoko Hill o el productor Alizzz, que presentará su segundo álbum de estudio, Conducción Temeraria. También la reina del hardcore y el bacalao patrio Santantha Hudson o la catalana Maria Arnal presentará su espectáculo Ama.

Por otro lado, los atardeceres del Sónar Día correrán a cargo del brasileño Mochakk (jueves 12), la experimentada DJ y productora estadounidense de house Honey Dijon (viernes 13) y el dúo reivindicador del rave británico Overmono (sábado 14). Será la última oportunidad para celebrar la puesta de sol a los pies de Montjuïc.

En el apartado de microescenas, un formato que ya se estrenó el pasado año y que busca traer tendencias de nicho muy ligadas a ambientes de pequeño formato, muchas veces étnicos, destacan en esta edición artistas de Latinoamérica, como los peruanos Dengue Dengue Dengue, la argentina Six Sex con su bandera “perreo ravetón”,, los brasileños Anderson do Paraíso y KEBRA, la DJ colombiana María Latina o los venezolanos Safety Trance, WOST y Tiyumii.

Amos de la noche con audivisuales

El Sónar de Noche presentará dos escenarios de nueva configuración y diseño, resultado de una colaboración del festival con la plataforma de música en vivo Boiler Room y la empresa gestora del club Printworks London. El formato de Boiler Room permitirá que el público pueda subir a la cabina para bailar junto a los DJs. Por su lado, la propuesta de Printworks es una enorme pantalla vertical en el escenario Sónar Lab, un soporte audiovisual que ya tuvo una gran acogida en 2024.

Los audiovisuales nocturnos acompañarán así los espectáculos de productores como Eric Prydz, que el sábado 14 aportará su house progresivo, o la estrella surcoreana Peggy Gu, el viernes 13. También contará con ellos los norirlandeses BICEP, que prestarán el mismo viernes su nuevo concepto de audiovisual CHROMA, en el que vuelven a sus orígenes como selectores de música de club, y el artista japonés Daito Manabe, que se presenta en el festival con una propuesta renovada respecto a anteriores ediciones.

Otros amos de la noche serán el house del escocés Barry Can't Swin (viernes), la diva del house de los 90 Ultra Naté (sábado), la productora Hiroko Yamamura con su techno y su house de Chicago, que también actuará el sábado por la noche, previsiblemente entrada la madrugada o el revitalizador del UK garage mancuniano Interplanetary Criminal, entre muchos otros.

Sónar+D, +RAIN Film Festival, Off Sónar y otras propuestas

Paralelamente al festival propiamente dicho, dentro de la llamada Sónar Week, que tiene comienzo unos días antes del inicio del Sónar 2025, como suele ser norma desde casi sus inicios, se desarrollará en el recinto del Poble Espanyol el Off Sónar, con sus propuestas más alternativas.

También tendrá lugar en los días previos el +RAIN Film Festival, en colaboración con la Universitat Pompeu Fabra, el primer festival de cine de películas realizadas con inteligencia artificial, así como la exposición colectiva El arte de navegar. Cómo perderse en un mundo de imágenes de la Fundación Foto Colectania, una reflexión sobre el impacto de la fotografía en el mundo virtual, que además incluirá la pieza del artista Simon Weckert, que se podrá ver en el propio festival.

En cuanto al Sónar+D 2025, tendrá como eje el potencial de la inteligencia artificial para las artes y la creatividad. De la mano de especialistas en la interacción entre humanos y computadoras, este bloque de contenidos propone un acercamiento práctico a nuevas herramientas, así como a enfoques no convencionales y aplicaciones de la IA alternativas a las más comunes y pragmáticas. Y lo hace en el terreno de la música, el audiovisual, la interacción y las artes escénicas.

Así, Sónar+D 2025 contará con una charla entre el cineasta Oliver Laxe (O que arde) y el director del D’A Festival Cinema Barcelona, Carlos R. Ríos, para hablar de su nueva película Sirat, seleccionada en la Sección Oficial a Competición del Festival de Cannes 2025. Otro punto fuerte de esta sección será la exhibición de una réplica del ábside de Sant Climent de Taüll para acoger Lux Mundi, una espectacular experiencia audiovisual que reinterpreta las pinturas al fresco de esta joya del románico realizada por cuatro artistas digitales: Alba G. Corral, Massó, Desilence y Hamill Industries, junto al dúo Tarta Relena, que también tienen su actuación dentro del festival.

Sonar+D, el encuentro tecnológico que cada año acompaña al Sónar, el festival de músicas electrónicas y avanzadas, se enfocará este año en todo el potencial que la inteligencia artificial (IA) presenta para los procesos creativos y artísticos. La IA ya fue el tema recurrente de la anterior edición, la de 2024, pero ahora se presenta como materia estelar.

El programa del Sonar+D 2024 se estructura en tres ejes temáticos: IA + Creatividad, donde se proponen herramientas y enfoques alternativos de la IA en la producción artística. El segundo eje se titula Imaginando el futuro de las industrias creativas, y consistirá en un espacio para reflexionar sobre los cambios y oportunidades del sector. Finalmente, Mundos por venir es una exploración de los escenarios emergentes que definirán las relaciones entre tecnología, cultura y sociedad.

Por otro lado, como cada año, la cita contará con foros interactivos, mesas redondas, clases magistrales, conferencias, workshops y shows multidisciplinares. Además, decenas de proyectos en exposición abrirán la puerta a conocer las principales tendencias del futuro que tarde o temprano terminarán constituyendo el presente de la creación artística. 

Entre las figuras invitadas de este año destacan Libby Heaney (Reino Unido) presentada por SEIDOR, Tega Brain (Austria), Rebecca Fiebrink (Reino Unido), Xin Liu (China), yaboihanoi (Tailandia), Albert.DATA (España), Danielle Braithwaite-Shirley (Reino Unido), Forensis & Bill Kouligas, YESSI PERSE & laSADCUM (España) o el estreno de Ama, el nuevo proyecto de Maria Arnal.

IA+Creatividad

De la mano de especialistas en la interacción entre humanos y computadoras, este bloque de contenidos propone un acercamiento práctico a nuevas herramientas, así como a enfoques no convencionales y aplicaciones de la IA alternativas a las más comunes y pragmáticas. Y lo hace en el terreno de la música, el audiovisual, la interacción y las artes escénicas.

De este modo, Introducing AI & Music’ powered by S+T+ARTS acogerá en el Sonar+D 2025 el mayor encuentro europeo entre expertos en música e IA. Se inaugurará el 12 de junio y en la sesión inaugural contará con representantes de plataformas como Stability AI e investigadores de la Universidad Pompeu Fabra (UPF), la University of the Arts London, el Ministerio de Cultura y la Universitat de Barcelona entre otras.

Por otro lado, este bloque también acoge la tercera edición del +RAIN Film Festival, el festival de cine e IA coproducido por la Universitat Pompeu Fabra y Sónar, que se celebrará durante toda la semana de Sónar en el CCCB, el campus de la UPF y en el propio festival. +RAIN propone los trabajos más innovadores tras una selección entre las más de 250 propuestas recibidas de todo el mundo en su concurso abierto. Adicionalmente, este año la mayoría de los autores presentes explicarán al público cómo han desarrollado todas las fases de su película con IA, desvelando también las herramientas utilizadas en su trabajo con la IA.

También cabe destacar dos actividades de Sónar+D que estarán abiertas al público general durante la celebración del festival. La primera es el SUMMIT, donde la audiencia podrá conocer investigaciones recientes y participar en debates sobre la relación entre la IA y la creatividad. La segunda es SCREENING, una sesión especial de proyección de los films premiados en 2025.

En esta línea, Rebecca Fiebrink , profesora de computación creativa de la University of the Arts London y pionera de la IA en la música, así como impulsora de esta tecnología en su innovadora plataforma Wekinator, presentará la conferencia Design your dream music AI tool, una charla en la que guiará a los asistentes en el diseño de herramientas de IA personalizadas para la creación musical, destacando cómo el aprendizaje automático puede empoderar a artistas sin conocimientos técnicos previos.

También se podrá disfrutar de la fusión entre IA y músicas tradicionales no occidentales de la mano del científico y artista tailandés yaboihanoi, que ha diseñado herramientas relevantes para Google y TikTok. yaboihanoi explicará en su charla Lemongrass & Bass: A Thai Recipe for AI Music su receta para fusionar sonidos ancestrales con herramientas IA, ampliando los límites de la composición musical de patrón occidental.

Finalmente, es necesario destacar el estreno de Ama, el nuevo proyecto de la música e investigadora Maria Arnal, que se centra en IA en la música en directo. Con un largo recorrido incorporando la IA en su práctica musical, Arnal descubrirá el fruto de estos últimos años de trabajo en el directo de su nuevo show. Además, el programa de IA y música se completa con los directos de Patten, Ville Haimala -'Hyporeal'- y R-010 & Venerandi -'Phenomena'-, en los que se integra la inteligencia artificial de manera innovadora. 

'Imaginando el futuro de las industrias creativas'

El bloque Imaginando el futuro de las industrias creativas está diseñado especialmente para profesionales del sector de las industrias creativas. A través de ponencias, debates y casos de estudio, los contenidos de este bloque abordan las necesidades y desafíos de quienes trabajan en la programación, el comisariado, la gestión cultural, así como en la comunicación o la investigación de tendencias y otros ámbitos afines.

El programa incluye foros, presentaciones y shows que exponen diferentes ejemplos de actuación y que reflejan los nuevos modelos de creación, producción y exhibición surgidos en las artes digitales. El foro How to future the creative industries contará con las aportaciones de Salome Asega, del New Museum de Manhattan; la comisaria independiente y fundadora de HERVISIONS, Zaiba Jabbar; así como representantes de la Onassis Foundation, Serpentine Gallery, la NewArt Foundation y Tabakalera, entre otros.

El encuentro Transformación y futuro del comisariado cultural presenta un foro único entre comisarias y directoras artísticas de festivales, espacios de creación y museos. La cita aborda los nuevos retos en el comisariado de eventos culturales y su necesaria conexión con las tendencias que surgen tanto en la calle como en la red. 

Mundos por venir

En el bloque más futurista y especulativo, Mundos por venir, el programa de este año aborda desde la computación cuántica y el futurismo no binario hasta la terraformación y los viajes interestelares. Se trata de un conjunto de actividades en formatos diversos como charlas, shows interactivos, conferencias performativas e incluso rituales, que imaginan nuevos mundos e invitan al público de Sónar a descubrirlos en primicia.

En este sentido, Libby Heaney, doctora en ciencia cuántica y la primera artista en el mundo en utilizar la computación cuántica en el arte, presentará una original conferencia bajo el nombre de Eat my Multiverse, donde a través de su cautivador mundo visual invitará al público a repensar el status quo planetario desde una mirada no binaria.

La artista e ingeniera Xin Liu, que ha pasado por los centros de investigación más prestigiosos del mundo como el MIT Medialab y el SETI, presentará su trabajo en una conferencia audiovisual titulada Cosmic Metabolism que se enfoca en la exploración extraterrestre. De hecho, algunas de sus obras han sido lanzadas al espacio exterior para probar su resistencia.

Finalmente destacar la performance del artista experimental Albert.DATA, doctorado en Ciencias Cognitivas y profesor e investigador de La Salle-URL, que explorará los límites de la tecnología y el cerebro humano con SYNAPTICON, donde mostrará su actividad cerebral mediante interfaces cerebro-ordenador, exponiendo en tiempo real sus pensamientos y emociones ante la audiencia.

Va siendo hora de familiarizarse con este nombre: Superstruct Entertainment Iberia. Superstruct para los amigos y los enemigos. Más de dos millones de personas habrán asistido en 2024 a algún festival español propiedad de esta empresa británica. Sónar, Viña Rock, Resurrection Fest, Monegros Desert Festival, Arenal Sound, O Son do Caminho, Madrid Salvaje, Brunch-In the Park, Morriña Fest, Granada Sound, las fiestas Love The 90's y Love the Twenties o el FIB de Benicàssim son algunos de los más de treinta macroeventos que ha adquirido parcialmente o en su totalidad este gigante de la industria del entretenimiento musical erigido ya en el segundo mayor promotor de festivales del planeta. Además, la semana pasada se expandió hacia otra línea de negocio de la música de baile comprando Boiler Room, la icónica plataforma de retransmisión en streaming, creada en 2010, que estaba en manos de la tiquetera británica DICE.

En los últimos tres años, el crecimiento de Superstruct en España ha sido imparable. En 2022 adquirió The Music Republic y con ello, los diez festivales que organiza la empresa valenciana. Un año después extendía sus tentáculos hacia la promotora gallega Bring The Noise, la madrileña ShareMusic y las catalanas Centris, Ex-Centris y Brunch-In. Estos movimientos le permitieron sumar casi una veintena de macroeventos más de distintos géneros musicales así como uno de los mayores productores de vasos reutilizables del país. En noviembre Superstruct Iberia selló una nueva absorción: la de la productora andaluza de festivales y giras Riff Producciones. Y a la treintena larga de festivales que ya controla en España, hay que añadir media docena más de eventos organizados por promotoras españolas, pero ubicados en el extranjero. Es el caso de las ediciones internacionales del festival Sónar o las fiestas de Elrow y Brunch-In.

España es, con diferencia, el país donde Superstruct ha invertido más dinero y empeño. La empresa aglutina ya más de 80 festivales en todo el planeta, entre los que destacan el húngaro Sziget, el alemán Wacken Open Air y los nórdicos Parookaville y Oya. La inmensa mayoría de sus adquisiciones son europeas, continente donde está disputando la hegemonía festivalera al gigante estadounidense Live Nation, pero en ningún territorio tiene tanta implantación como en el español. Aunque durante años ha operado con discreción, hace seis meses Superstruct Iberia abrió un perfil de LinkedIn desde el que, más que prometer los mejores artistas del momento o el mayor disfrute musical para el público, insiste en su capacidad para desarrollar las campañas de marketing más fructíferas para las marcas. La imagen que proyecta es la de una empresa especializada en transformar los festivales en inmensos escaparates publicitarios. elDiario.es ha contactado con Superstruct, que en 2022 abrió oficinas en el barrio madrileño de Chamberí, pero la empresa ha declinado responder a nuestras preguntas.

Primero, la escena electrónica

Hasta 2018 no empezó a sonar el nombre de Superstruct en España. Fue a principios de julio y tras la adquisición de un porcentaje de Advanced Music, la empresa catalana que organiza el festival Sónar. El comprador era esta entonces desconocida empresa creada bajo el paraguas del fondo inversor estadounidense Providence Equity Partners. Superstruct había iniciado su implantación en el mapa festivalero español un año antes adquiriendo en abril de 2017 parte de Elrow Global, la empresa aragonesa que organiza el Monegros Desert Festival y decenas de fiestas Elrow repartidas por el planeta. La especialidad de Superstruct son los macroeventos de música electrónica y, a partir de ahí, sus tentáculos se han ido ampliando hacia grandes festivales de otros géneros musicales.

No es casualidad. Al frente de Superstruct está el empresario británico James Burton, que se inició en el sector del ocio musical desde el club Cream de Liverpool. De aquella discoteca, fundada junto a otros dos socios en 1992, nacería seis años después el festival Creamfields. La expansión internacional de la marca Creamfields llegaría pronto a España. En 2004 se celebró en Almería la primera de las seis ediciones de Creamfields Andalucía, franquicia inicialmente gestionada por la empresa catalana Sinnamon, que por entonces también impulsaba el festival Summercase. El crecimiento de Creamfields fue tan descomunal que en 2012 Live Nation adquirió todo el negocio y colocó a James Burton al frente de la división de música electrónica de la multinacional del ocio musical.

Barton solo aguantó cinco años en Live Nation. En 2017 saltó de allí para liderar Superstruct, la división dedicada al entretenimiento musical del fondo inversor estadounidense Providence Equity Partners que nacía para convertirse en la principal competidora de Live Nation. Junto a Barton está el holandés Roderick Schlösser, un antiguo asesor financiero de Deutsche Bank. Como todo fondo inversor, Providence tiene intereses en múltiples sectores: desde la liga de fútbol americano hasta la discográfica Warner, pasando por el sector de las telecomunicaciones. En España se conoce a Providence por haber aportado 200 millones de euros al Real Madrid a cambio de participar de los ingresos de sus contratos de patrocinio; un caso destapado en las filtraciones Football leaks sobre prácticas de ingeniería fiscal para evadir impuestos en el mundo del fútbol.

Qué tendrá el mercado español

Superstruct no es, por supuesto, la única empresa extranjera con interés en el mercado musical español. En junio de 2018 Primavera Sound vendía el 29% de su empresa a The Yucaipa Companies, otro fondo inversor estadounidense que, a diferencia de Superstruct, no ha mostrado interés en otros festivales españoles, pero sí ha invertido en agencias de contratación de artistas como X-Ray Touring, Paradigm y Artist Group International. Por su parte, Live Nation mantiene el festival Mad Cool como su buque insignia, al tiempo que ha trasladado el BBF (antaño Barcelona Beach Festival) a Madrid y Galicia. Precisamente en la comunidad gallega, donde Live Nation está programando numerosos macroconciertos, nació en 2023 un nuevo macroevento: el O Gozo Festival.

El mapa festivalero español es cada año menos español, pero la reciente adquisición de Riff Producciones por parte de Superstruct Iberia marca un inquietante cambio. La promotora andaluza no destaca especialmente como organizadora de festivales, sino como productora de giras de grandes estrellas del pop español. El interés del conglomerado británico no puede estar en eventos de escala media como el Festival de Blues de Cazorla, el encuentro Músicos en la Naturaleza ubicado en la sierra de Gredos o en el cordobés I Like Festival, sino en las cifras que mueven los tours de Malú, Melendi y Manuel Carrasco. Es la primera vez que Superstruct incorpora a su catálogo una promotora pensando más en sus conciertos que en sus festivales. Solo el tiempo dirá si es la última.

En los últimos años se han consumado movimientos empresariales más discretos, pero que apuntan una vez más hacia un trasvase de empresas estatales del ocio musical a manos de firmas extranjeras. En octubre de 2018, la ticketera y productora de conciertos alemana CTS Eventim compraba un 63’5% de la promotora catalana Doctor Music, pionera del inimaginable filón festivalero cuando organizó allá por 1996 la primera edición del Doctor Music Festival. Más recientemente, el pasado noviembre, la veterana empresa catalana The Project, promotora de una decena de ciclos, festivales y de cientos de conciertos anuales, fue absorbida por Warner Music, multinacional que en 2008 ya había adquirido la promotora vasca Get In y que desde 2022 posee la promotora y agencia Taste The Floor especializada en músicas urbanas.

El comprador comprado

En este ir y venir de compra-ventas nadie está a salvo y el pasado junio se produjo un movimiento en sentido inverso: el fondo de capital riesgo KKR adquirió Superstruct. Kohlberg, Kravis, Roberts & Co. es el segundo mayor monstruo financiero del planeta, solo por detrás de Blackstone, con operaciones millonarias en sectores como el energético, el químico, el tecnológico, el educativo y el de los medios de información.

KKR ha adquirido Superstruct por 1.300 millones de euros, cifra que deja en calderilla los 120 que Superstruct pagó por The Music Republic. Pero como en estas alturas financieras el viento puede cambiar de dirección de un día para otro, en octubre otro gigante financiero, el inglés CVC (accionista de empresas tan conocidas en España como Naturgy, Tendam (dueña de Cortefiel) o Deoleo, además de ser socio de LaLiga), se ha sumado a la fiesta invirtiendo una cantidad que no ha sido hecha pública para fortalecer Superstruct y así “acelerar su misión de crear las mejores experiencias de directo trabajando estrechamente con emprendedores, visionarios creativos y profesionales con mentalidad empresarial”. Por si acaso, Providence Equity Partners, el fondo inversor donde nació Superstruct, mantiene una opción de recompra por 250 millones de euros.

La dimensión de este tipo de operaciones a tan gran escala ha hecho intervenir a la Unión Europea para validar la operación de compra de Superstruct por parte de KKR una vez comprobó que no vulneraba la normativa antimonopolio. En el tablero global de los festivales Live Nation sigue siendo la empresa con más influencia (con cerca de 120 festivales), seguida cada vez de más cerca por Superstruct (con más de 80 eventos). Superstruct aún no ha comprado festivales en Estados Unidos, donde Live Nation reina con absoluta autoridad seguida de lejos por AEG; de sus 26 festivales, 21 son estadounidenses. Sin embargo, en Europa las fuerzas entre Superstruct y Live Nation están más equilibradas. La partida de Monopoly festivalero global está más reñida que nunca.

En la presente edición del Festival Sónar se ha alcanzado un nuevo récord de asistencia, según los datos de los organizadores. En concreto, se han conseguido en las tres jornadas del evento más de 154.000 espectadores, ello sumando las asistencias al circuito OFFSónar, que tiene lugar en fiestas en diversos locales del Pueblo Español, en Montjuic, y que ha sido integrado recientemente dentro del Festival, si bien nació casi paralelamente al mismo como alternativa menos convencional.

La cifra de asistentes es muy superior a la del pasado año, que logro 122.000 entradas, y también al récord de asistencia hasta la fecha, que fue en 2018 con 126.000 entradas vendidas. Por sectores, las asistencias se han repartido de la siguiente manera: 54.000 personas en Sónar Día, 66.000 en Sónar Noche y 34.000 en OFFSónar, con un 70% de público nacional y un 30% de público internacional.

Los responsables del festival también han explicado que el Sónar Barcelona 2025 se celebrará los días 12, 13 y 14 de junio en Fira Montjuïc y Fira Gran Via. Dicha edición contará, además, con un concierto inaugural el mismo jueves 12 de junio en el Palau de la Música Catalana, en el que se interpretarán obras del pionero del minimalismo Steve Reich y la compositora española Raquel García-Tomás.

Una jornada de fuerte acento tecno

Ayer hubo poco espacio para las escenas alternativas africanas, árabes o latinas, que parecían haber cedido el testigo del Sónar Día a los disc jockey más duros, especializados en hardcore tecno, hard trance, tecno de Detroit o happy hardcore, que es como se suele denominar a lo que por estos lares llamamos “música máquina”, en València, o “mákina”, en Catalunya.

Esto es un tecno acelerado que además presenta la inclusión de voces femeninas subidas de revoluciones, melodías en bobina y percusiones en bombo repetitivo. Precisamente el happy hardcore fue el estilo que protagonizó las primeras horas de la tarde gracias a la artista berlinesa HorsegiirL.

Se trata de una dj que se presentó ataviada con un vestido blanco de gasa, con hombreras exageradas y portando una careta de caballo bajo la que escondía el rostro. Mientras, las proyecciones de las pantallas laterales mostraban caballos libres en las praderas, una declaración de principios de esta productora que se ha declarado en diversas ocasiones mitad humana y mitad caballo.

La sustituyó en el escenario el inclasificable rapero estonio Tommy Cash, ataviado con bigote, dos coletas, falda escocesa, deportivas de plataforma y una camiseta de Metallica. Acompañado de su dj, que llevaba la cara pintada con la bandera catalana, arrancó con estilo grime (mezcla agresiva bases de hip-hop, garage y drum'n'bass) el rapeo de sus temas, aunque de tanto en tanto alternó descargas de guitarra al más puro estilo trash metal escandinavo.

De vez en cuando, siempre provocador, hacía el saludo fascista, con el que mostraba un signo de dólar tatuado en la palma de una de sus manos; en la otra tiene el signo del euro. Con estos mimbres, desarrolló toda una serie de coreografías que navegaron entre el break dance y las contorsiones marca de la casa que han hecho famoso a este rapero de directos contundentes.

A Tommy Cash lo sustituyeron en el escenario el duo protagonizado por la legendaria Dj francesa Kittin (antes miss Kittin) y el productor David Vunk. ambos dispuestos a amenizar hora y media de sesión electroclash con toques de house y sobre todo mucho tecno. Traducido: samples de la música tecno-pop ochentena y noventera mezclados con beats de tecno, algunos toques eurodisco y bastante acid house.

Coreografías extremas y vertiginosas

Este también ha sido el Sónar de las coreografías, por las que por primera vez el festival ha apostado fuerte y con éxito. Se han podido ver espectáculos de una gran belleza estética y artística, así como estilos de bailes de microescenas de todas las partes del mundo. Un ejemplo acaso sea el afrorave que desarrolló la zulú Toya Delazy en la primera jornada.

Por sería un error pensar que las microescenas se desarrollan principalmente fuera de Occidente, nada más lejos de la realidad. Europa ha sido fértil en el desarrollo de estilos de tecno y baile hiperlocales. Ahí están sino las antes citadas “máquina” valenciana y “mákina” catalana, ambas estilos derivados del hardcore, al igual que lo fue el gabber, una variante del tecno que arraigó en los noventa en el área de Rotterdam, en Países Bajos.

El Gabber fue una derivación hiperacelerada del hardcore alemán que bailaban jóvenes de cabeza rapada y que vestían chándal, como nuestros tunneros de los 2000. Por cierto, nada que ver con los nazis: la paraba “gabber” procede del yiddish de Amsterdam y significa “colega”. El baile que desarrollaron estos jóvenes se llamaba hakken y consistía en danzar haciendo una especie de zapateo a toda velocidad siguiendo la música, que fácilmente podía alcanzar los 190 bpm.

El hakken ha sido ahora recuperado por el coreógrafo italiano Alberto Guerrini, que se hace llamar Gabber Eleganza. Con su grupo de danza, desarrolló un potente espectáculo de danza hakken y hardcore tecno que terminó contagiando al público, aunque el respetable apenas pudo emular los movimientos vertiginosos de los bailarines.

Extasis y Jack Daniels con Asian Dope Boys

Lo de Asian Dope Boys en su hangar merece un capítulo aparte. El artista multidisciplinar chino Tianzhuo Chen, que capitanea esta compañía de actores-bailarines, se propuso realizar una performance de ¡seis! horas en la que diversos productores desarrollarán sus sesiones de música. Mientras, él y sus compañeros danzarían hasta el éxtasis y el agotamiento.

Y a ello se pusieron a las cuatro de la tarde, en un escenario elevado pero que penetraba de lleno entre el público, reventando así la cuarta pared y fundiéndose unos con otros, todos rodeados de paneles donde se desarrollaban fascinantes filmaciones de rituales litúrgicos en distintas partes de Asia, así como gráficos con motivos chinos y japoneses, especialmente de samurais.

Como la tarde se alargaba y el cansancio hacia mella en todos, los artistas sacaron botellas de Jack Daniels y otros licores a las que dieron solemnes lingotazos mientras danzaban, agotadas y agotados, y fumaban. Así transcurrió la larga jornada entre un público cada vez más entregado, el cual tenía sobre sus cabezas un enorme oso de agua hinchable, rosado y de garras doradas.

Sobre las nueve de la noche se hizo cargo de la mesa el dj japonés Yosuke Yukimatsu, que ya había tenido una actuación en la primera jornada, el jueves. Yukimatzu, considerado un de los mejores dj del mundo, condujo a la rebelión rítmica tanto a los danzantes como al público, que terminó subiendo al escenario y haciéndose con las botellas de Jack Daniels hasta vaciarlas en un sindiós en el que finalmente hubo que invitar a los eufóricos espectadores a bajar del escenario.

Para dejar claro su tremendo dominio de cualquier variante de música de club, Yukimatsu cerró la sesión entre ovaciones con su particular versión del Purple Rain de Prince, un final apoteósico que el japonés remató haciéndose un selfie con todo el equipo de los Asian Dope Boys ante la petición del respetable de bises. Como la euforia parecía no bajar, tuvo que venir la seguridad del festival para retirar a la gente del hangar.

Todavía quedó tiempo en el Sónar Día, hasta las once de la noch,e para bailar con el tecno de las veteranas Stacey Hotwaxx Hale y DJ Paulete. La primera se gano su reputación en las salas de Detroit en los ochenta, y la segunda procede de Manchester, donde fue una de las dos mujeres residentes de la mítica sala La Hacienda, en la que ayudó a consolidar en los primeros noventa el acid house. Así pues, un digno cierre de las sesiones de día y un buen trampolín rítmico y sonoro desde el que saltar al Sónar Noche para disfrutar de las sesiones de Paul Kalkbrenner, el rapero Vince Staples y muchos otros.

Hay discos que marcan una época y sin duda ese es el caso de Moon Safari, aparecido en 1998 y que significó la irrupción del pop electrónico francés a nivel mundial, lanzando al dúo versallesco Air al estrellato, junto a otras bandas parisinas como Daft Punk o Cassius. Tras 25 años de carrera más o menos discreta, aunque con trabajos selectos, Air ha querido dar en el Sónar 2024 fe de vida con la conmemoración de aquel trabajo sublime.

Moon Safari fue un disco fascinante e hipnótico, emparentado tanto con los desarrollos sonoros del otro lado del canal de La Mancha –léase Nightmares On Wax, Morcheeba o el trip-hop más prístino de grupos como Olive–, como con las texturas francesas de las aventuras musicales del Serge Gainsbourg más experimental, o las reminiscencias psicodélicas de los primeros Pink Floid, aquellos en los que el malogrado Syd Barrett, antes de triturar su cerebro con toda clase de psicotrópicos, marcaba la pauta creativa.

Y precisamente por esta última vertiente parecieron optar los integrantes de Air, acompañados de un percusionista y encajados en un fascinante escenario rectangular que parecía una caja de muñecas, en la que se sucedían las proyecciones de gráficos propios de la space age setentera –estética propia de las películas de Kubrick 2001 Odiesea en el Espacio y La naranja mecánica, para tener una referencia visual–.

Envueltos en una niebla a veces púrpura a veces naranja, tal vez como guiño a sustancias que atentan contra la salud pública, desarrollaron los temas del disco

Envueltos en una niebla a veces púrpura a veces naranja, tal vez como guiño a sustancias que atentan contra la salud pública, desarrollaron los temas del disco evitando las vertientes más pop de su sonido y acentuando, en cambio, las psicodélicas acompañados de un piano Fender Rhodes para dotarse de un sonido más añejo y auténtico. La acústica de la sala, inmensa, se prestaba a reverberaciones, tal vez voluntarias, que reforazaban la impresión de alteración sonora por causa de sustancias psicoactivas.

No aparecieron, por tanto, los aromas de Burt Bacharach en temas como Ce matin-lá –donde en el disco se homenajea indisimuladamente la trompeta de Herb Albert–, ni en otros como New star in the Sky, que fueron abordados con perspectivas que a ratos recordaban a los citados Pink Floid y en otros podían virar hacia los Zombies de Odessey and Oracle o bien hacia un dream pop más propio del nuevo milenio.

El triunfo fue absoluto entre una parroquia que progresivamente fue llenado el hangar de la Fira Gran Vía, un espacio de proporciones soviéticas que confiere una atmósfera un tanto irreal, de relato ciberpunk, al festival de noche. El respetable venía mayoritariamente del Sónar Día, de Montjuic, y por tanto arribaba convenientemente macerado en tecno, alcohol y compuestos indebidos, por lo que el tono relajado pero lisérgico de los Air parecía darle un respiro, una pausa para coger carrerilla y aguantar hasta el amanecer. No obstante, para los recién llegados desde su casa, la actuación parecía demasiado relajada.

Misa (tecno) de tarde en el Sónar Día

Tres horas antes de que empezara Air en el Sónar Noche, había oficiado sus liturgias en el Sónar Día uno de los sumos sacerdotes del tecno continental, Laurent Garnier. Ataviado con una camiseta gris de los Beastie Boys, unos vaqueros y deportivas Adidas, el capo del tecno se dispuso a mantener a las audiencias bailando en el escenario principal a base de beats maquinales, contundentes y acelerados.

El reto no era baladí, tenía que estar tres horas al mando de los platos, pero nada es imposible para alguien que lleva casi 40 años vinculado a la electrónica y que se ha machacado los principales clubes tanto de Berlín o París como de Manchester o Londres. Paralelamente, en un hangar menor, le daba la réplica la berlinesa Dj Girola con un tecno mas grueso y cálido, también contundente y plagado de percusión en el que mezclaba samples de pop y funk que conferían mayor ritmo a su sesión. Se llevó a una pequeña parte de los devotos de Garnier, acaso cansados de los tempos fríos y oscuros del maestro francés.

Por la noche, a las horas intempestivas en las que este periodista esta escribiendo esta crónica, le llegaría el turno a otro monstruo del tecno, Richie Hawtin, por aquello de a ver si el tecno puede resultar más frío y estajanovista todavía. El día se presentaba oscuro y berlinés en cuanto a beats, que no en cuando al cielo, azul y despejado. Pero nadie había avisado de que venían tormentas.

Y en cambio las hubo en uno de los hangares, donde se presentó el colectivo japonés VMO –aka Violent Magic Orchestra–, una tempestad sonora que haría que Sonic Youth parecieran la banda de acompañamiento de las Stella Maris. Death Metal, Trash, Punk, hard techno y todo lo que se quiera echar a la batidora para dar como resultado una sesión incalificable, que se acompañaba de unos gráficos de monstruos, reptiles y calaveras maravillosos mientras la cantante de la banda soltaba aullidos más propios de Phil Anselmo y sus compañeros se lanzaban sobre el público como si fueran Henry Rollings en los tiempos de Black Flag. Fue una experiencia memorable.

Jessie Ware: acid jazz is not dead

Pero conviene dar un salto temporal de nuevo hacia el futuro, esto es el Sónar Noche: Air ha terminado y las masas de festivaleros vagan como zombies hambrientos, buscando una nueva sesión que devorar. El destino es claro, a un centenar de metros de distancia del hangar principal se encuentra un escenario a cielo abierto en el que se presenta otra fiera inclasificable: la británica Jessie Ware, antigua acólita del UK garage, ahora apóstol de la recuperación de antiguos ritmos del siglo pasado.

Esto es: acid jazz, funk y el pop ochentero más bailable. No en vano en el último disco de Ware colaboran divas del nivel de Róisín Murphy o, atención, Kylie Minogue. La inglesa se presentó desde un principio sin concesiones, con un funk que hubiera firmado el Prince más travieso. Pasó después por coqueteos afrobeat, pero se afianzó en un una línea entre el pop y el acid jazz en el que sacó partido de su chorro de voz, rememorando a divas como N'Dea Davenport, Driza Bone o Lisa Stansfiel (pero con más talento).

La suya fue una actuación de extásis –emocional, no químico– y baile desenfrenado a la que la parroquia se entregó a corazón abierto y torso cimbreante, hasta desatarse la locura cuando Ware, toda una diva LGTBI, se soltó con el Belive de Cheer. Lo bordó con energía y determinación, arrasando con su magnífica voz lo que en el caso de la californiana era poco más que un gritito ahogado. Como agradecimiento, y ya con el público de rodillas, Jessie Ware dijo que el Sónar, al que acudía por segunda vez, era un festival alucinante y que su público era el mejor.

Y así, entre cervezas, sudor, nubes que tapaban una luna en cuarto creciente y sustancias inconfesables, transcurrió la noche de la segunda jornada del Sónar hasta su cierre a las siete de la mañana.

Inicio del Sónar 2024 de buena mañana en el recinto de la Feria de Montjuic, en Barcelona, poniendo todo el foco en la inteligencia artificial (IA) y todos los retos que implica para los creadores y artistas. Acreditaciones, café y reunión de periodistas y creadores en torno al debate inaugural, en Sonar Àgora, una sala cercana a la entrada de acreditaciones donde se desarrollarán la mayoría de debates y conferencias, junto a algunas performance.

El festival ha querido entrar de lleno en el tsunami que puede suponer la IA en nuestras vidas, especialmente si vivimos de generar contenidos, en este caso musicales y artísticos. Para ello ha organizado numerosos debates al respecto, pero también ha querido que su sección Project Area, donde reúne en cada edición diferentes iniciativas, tanto de arte como de investigación científica y música digital, cuente con propuestas que contemplen o utilicen directamente esta tecnología.

Ya en el apartado musical, cabe destacar las actuaciones de Olof Dreijer y Diva Cruz, Toya Delazy, Sevdaliza, Aïza Devi y el productor italiano Folamour entre otros, en una primera jornada que no cuenta con Sónar de Noche, que se celebra en el recinto ferial de Gran Vía, a tres kilómetros de distancia.

Generando pánico?

El título del debate inaugural lo decía todo: Generating Panic? Referencias claras al arte y la música generativa, es decir ayudada, o completamente realizada con herramientas de AI. La interrogante final es realmente el eje de la conferencia: ¿es la inteligencia artificial un peligro inminente para los creadores y sus derechos? Para Eduard Alarcon, profesor de Ingeniería Electrónica de la UPC y moderador del debate junto con Antònia Folguera, directora del Sónar+D, “la IA es una herramienta ambivalente, un arma de doble filo que puede ser muy útil pero también peligrosa para el gremio”.

Folguera, por su parte, ha destacado la audacia de muchos artistas en el uso de la IA, pero también ha resaltado que viene a ser “una caja negra que puede escapar a su control”. Una visión distinta ha ofrecido Rebecca Fiebrink, profesora de Informática Creativa en la University of the Arts London, para quien la IA no tiene por qué ser necesariamente peligrosa o dañina. Ha puesto el ejemplo de algunos programas generativos de música por IA que están ayudando a los profesores de música a vincular a los alumnos con la materia de un modo muy positivo.

También Artur García, investigador del Barcelona Supercomputing Center (BSC), quiso relativizar los miedos. “No vamos a poner bombas nucleares en manos de la IA, así que no creo que hablar de pánico sea lo correcto” ironizo respecto al nombre del debate. También opinó que “la gente cree que las tecnologías tienen un crecimiento exponencial, y esto se piensa de la IA, pero realmente los que trabajamos en computación sabemos que los progresos son mucho más lentos”.

Por su parte, la periodista Marta Peirano, que suele escribir advirtiendo de los peligros de la tecnología relacionada con los intereses del capitalismo, quiso dejar claro desde un principio que el peligro no es la tecnología (la IA) en sí sino la industria que hay detrás de ella. “Los modelos de IA existentes no son un producto sino un servicio que te da respuestas a preguntas, y tu crees que lo usas pero en realidad te usa él sacándote información”. A este respecto los ha comparado con las actitudes polémicas de Google y otras grandes corporaciones digitales.

Peirano también se mostró refractaria respecto la extensión de las aplicaciones de IA: “lo que hace la IA es recolectar palabras y asignarles números para luego combinar eso números”, dijo y señaló que en este sentido: “no tienen contacto con la realidad humana, sus respuestas son simplemente del mundo ideal de las matemáticas”.

IA en la Project Area

Además de en los debates y conferencias, la IA manda también entre las empresas e iniciativas que este año se presentan en el área de proyectos del festival. Cris Checa, comisaria de la llamada Project Area, explica que “organizamos un buzón abierto para que la gente de todo el mundo nos mandara sus propuestas, y se llenó en poco tiempo con iniciativas tanto privadas como de escuelas y universidades de países tan diversos como Dinamarca, Corea o EEUU”.

Seleccionaron una parte de las propuestas presentadas y reservaron una parte para las iniciativas que ellos deseaban que estuvieran presentes, procurando que “50% de las iniciativas presentadas fueran locales”. Las hay que juegan con el arte generativo, como el Museo de Arte Generativo, una organización sin ánimo de lucro que alberga obras generadas por distintas tecnologías de programación y las aloja en un edificio virtual que se encuentra en el metaverso.

“Cada tres meses cambiamos de exposición y vendemos algunas de las obras generadas, que se entregan a la persona compradora en tecnología digital NFT”, explica Xavier Hernández, ingeniero de telecomunicaciones y uno de sus fundadores. Aseguran que el dinero conseguido va destinado en su integridad al mantenimiento de las obras. “Se precisa de ordenadores muy potentes y costosos para mantener el museo”, añade Hernández.

También el Barcelona Supercomputing Center (BSC) presenta algunos de sus proyectos realizados junto a artistas en los que emplea inteligencia artificial. Uno de ellos es el del italiano Filippo Nassetti, llamado Breathing Architecture y que utiliza patrones de estructuras pulmonares cedidos por hospitales para estudiar cómo se ensancha este órgano. Nassetti asegura que “la estructura que genera a partir de los datos la IA puede servir en el diseño de productos”.

Otro proyecto del BSC es Electric Atmospheres, en colaboración con Richard Vijgen, en el que se construyen mapas de interferencias electromagnéticas en ámbitos urbanos a través de la IA, para luego estudiar la instalación de antenas de telecomunicaciones. Y finalmente un tercer proyecto es Impossible Larynx, que trabaja con la voz de la cantante Maria Arnal para a partir de IA concebir la estructura de su laringe. La idea es luego ver cómo las modificaciones en el ordenador de esa estructura generan distintas voces artificiales.

Tecno y ritmos africanos

En el plano musical las ofertas han sido en la primera jornada ricas y variadas, destacando las actuaciones que tuvieron lugar en el escenario principal, como la del productor y disc jockey sueco Olof Dreijer, que junto a la percusionista de origen colombiano Diva Cruz organizaron una sesión memorable que a ratos parecía un duelo entre las habilidades el sueco con los sintetizadores y la capacidad rítmica de la colombiana, que trajo los mejores ritmos afro de su país.

Fue una sesión que navegó entre los aromas de los trabajos de Frederic Galliano y las alucinaciones sonoras de Bill Laswell en el disco Imaginary Cuba, pero que supo también mantener el ritmo festivo que todo evento afroadescendiente debe mantener para lograr su éxito. Al éxtasis de de Dreijer y Cruz le sucedió el terremoto de la rapera zulú sudafricana Toya Delazy, que trajo su peculiar estilo, que ella misma ha bautizado como afrorave.

Consiste en una mezcla de drum'n'brass, jungle, dancehall y otros ritmos urderground de la noche londinense que habita Delazy en los últimos años. A base de ritmo, descaro y un sonido que parecía una sala de pachinko de Tokio transportada a Johanesburgo, se ganó al público, que se mantuvo fiel durante los 40 minutos de potente concierto.

Paralelamente a la exhibición de energía de la sudafricana, tuvieron lugar otros conciertos más intimistas y brumosos, como el de la artista iraní Sevdaliza, un icono LGTBI que emplea en sus canciones desde el trip-hop al r&b o el tecno más industrial para sus exuberantes actuaciones, en las que tanto puede recordar al Marc Almond más oscuro como a los himnos de las divas de la música disco.

Y una mención especial merecen dos actuaciones que se situaron más cerca de la performance que de la música propiamente dicha. La primera es la que desarrollaron la artista digital canadiense Myriam Bleau y la coreógrafa también canadiense de origen taiwanés Nien Tzu Weng. Ambas desarrollaron una especie de diálogo hipnótico a oscuras entre ellas y entre distintos soportes con diodos LED que se activaban al contacto de sus dedos.

Por otro lado, la artista, productora y vocalista suiza Aïsha Devi desarrolló una peculiar sinfonía sonora sintetizadores y ordenador en la que jugó con sonidos que iban desde el metal industrial a las nieblas del trip-hop más portuario. Su perfomrance se vio acompañada del montaje del escenógrafo Emmanuel Biard: un alucinante decorado de telas estampadas que resaltaban sus colores con la iluminación ambiental.

Cerró la noche de la primer jornada el disc jockey francés Fulamour, considerado uno de los mejores productores de house de su país y acaso de toda Europa continental. Ofició de demiurgo para la sesión final, con el público ya bien macerado en alcoholes y sustancias varias, presto a bailar los ritmos de soul, funk, cumbia y afrobeat que el galo propuso.

La Casa Batlló del paseo de Gràcia de Barcelona desplegó este miércoles una discreta alfombra roja. El motivo fue el estreno mundial de Music:Response, el primer vídeo inversivo que acoge el festival Sónar en sus 31 ediciones y que corre por cuenta de los artistas audiovisuales Adam Smith y Marcus Lyall, integrantes del equipo Smith & Lyall. Son los encargados de las proyecciones y efectos audiovisuales en los conciertos de un buen número de artistas, entre ellos The Rolling Stones, pero son especialmente conocidos por su estrecha colaboración con The Chemical Brothers, con quienes llevan trabajando desde 2009 en todas su giras.

Music:Response se engloba dentro de la nueva apuesta del festival Sónar por las experiencias inmersivas, tan en boga actualmente, sobre todo relacionadas con la obra de artistas pictóricos. Para ello se destinarán dos espacios; uno es la Casa Batlló, un emblemático edificio de Gaudí del paseo de Gràcia, y el otro el pabellón Mies Van der Rohe, al pie de la colina de Montjuic.

En el caso de Music:Response, las proyecciones tendrán lugar en la Casa Batlló, que ya tiene asentado un modelo de explotación turística con experiencias inmersivas y desde hace tres años ha desarrollado The Cube, una sala con seis paredes forradas de led que permite proyecciones en 360 grados y en tres dimensiones.

Tal como explica Gary Gautier, CEO de la empresa Casa Batlló: “Hasta la fecha nos acompañan 35 premios internacionales por nuestros desarrollos inmersivos y más de cinco millones de personas han visitado este espacio en los últimos tres años, pero el reto que nos asaltaba era ver si también le podíamos dar a nuestras instalaciones un uso artístico”.

Gautier añade que se pusieron en contacto con Sónar para hacerles una propuesta y la organización del festival “se mostró encantada de la idea” y respondió con la idea de Music:Response. “Fue la primera idea que nos dieron y nos convenció totalmente”, dice Gautier, que destaca que “hemos estado trabajando durante ocho meses para el estreno que hoy tiene lugar en este espacio completamente forrado de led”. Finalmente, agrega: “Si cuando estéis dentro del espacio viendo Music:Response, perdéis la noción del tiempo y del espacio, habremos conseguido nuestro objetivo”.

Enric Palau, codirector de Sónar, explica que en cuanto recibió la propuesta de Casa Batlló, el festival pensó inmediatamente en Smith & Lyall para el desarrollo de la idea: “Principalmente porque la relación entre Sónar y The Chemical Brothers y todo su equipo es muy larga y estrecha, y sobre todo porque Smith & Lyall son los creadores de toda la iconografía de la banda que sus fans reconocen”. Palau también destaca las posibilidades del espacio The Cube y anunció que las proyecciones podrían verse más allá de la celebración del Sónar, hasta el 31 de julio.

Primera experiencia con público

Por su parte, Adam Smith, integrante del combo Smith & Lyall, explica que es su primera experiencia con este tipo de trabajos. “Vosotros seréis las primeras personas en todo el mundo en ver el resultado”, anunció ayer a los periodistas durante la presentación, “así que estoy especialmente excitado y a la vez asustado por la valoración que podáis hacer”. Smith destaca también que es un trabajo completamente experimental, “algo totalmente diferente a lo que se haya hecho hasta ahora”.

Marcus Lyall, la otra parte del equipo, muestra su alegría por poder estrenar Music:Response en un edifico de Gaudí: “Crecí en un ambiente de libros, especialmente de arquitectura, por lo que poder desarrollar mi trabajo en un edificio como este es una ilusión cumplida, algo maravilloso”. Lyall destaca que ante el reto de tener que llevar sus producciones a los 360º se han visto obligados a deconstruir la esencia de la imaginería de The Chemical Brothers para adaptarla a las seis paredes (incluyendo techo y suelo) de The Cube.

Lyall también observa que “Gaudí ilustra la libertad de expresión a la que aspiramos; creó mundos de fantasía con sus edificios, con sus propias reglas y su propia lógica, entornos inmersivos en los que se tiene la sensación de estar fuera del mundo que conocemos, una evasión de la realidad hacia lo sublime”. En este sentido, estable un paralelismo con The Chemical Brothers, de quienes destaca que “han creado un universo visual y musical autónomo”.

Music:Response se podrá ver desde el 24 de mayo hasta el 31 de julio en la Casa Batlló, en el paseo de Gràcia 43 de Barcelona, a partir de las 21:00 horas y hasta las 23:45 horas en pases de quince minutos. El precio de la entrada es de 15 euros.

Cómo todos los años, mayo es el mes indicado para la presentación del festival de música y cultura electrónica Sónar. La misma ha tenido lugar en el recinto de la Antigua Fábrica Damm de Barcelona y sus organizadores han detallado un Sónar 2024 complejo y variado, con multitud de derivadas que abarcan desde la feria profesional al Sónar de noche, pasando por las variadas propuestas Sónar de día.

También han subrayado la inclusión de coreógrafos y bailarines sobre el escenario de diferentes artistas sonoros, el festival de cine +Rain –en colaboración con la Universitat Pompeu Fabra y que cuenta con 230 propuestas generadas por inteligencia artificial– o las diferentes creaciones realizadas con Inteligencia Artificial.

Ello sin olvidar las experiencias inmersivas, entre las que destaca el espacio The Cube, una colaboración entre Sónar y Casa Batlló que combina música electrónica y arte digital en un espacio único de 360 grados, situado en el emblemático edificio de Gaudí. La guinda de este nuevo espacio será el estreno mundial de Music:Response, creación de The Chemical Brothers y Smith & Lyall, estos últimos los responsables de la escenografía de los directos de la pareja de Manchester.

Se trata de un vídeo que reúne clásicos remezclados del dúo electrónico británico combinados con los visuales caleidoscópicos de Smith & Lyall y que tienen como resultado una obra de arte tridimensional que, en palabras de Enric Palau, uno de los directores del Festival, “ofrece al público la sensación de estar dentro del vídeo”. El espacio The Cube estará habilitado hasta finales de julio.

Los grandes a escena, entre danza y microescenas

Uno de los platos fuertes del festival para los amantes de la música de baile más ambiental es la presencia de Air, el dúo francés que en 1998 editó su disco más icónico y que les puso en la esfera internacional: Moon Safari. Air reinterpretará el álbum en el SonarClub el viernes por la noche.

Les acompañara esa jornada un habitual del festival como es Richie Hawtin, uno de los popes del techno conceptual que un año más ofrecerá su sesión de ritmos gélidos y atmosféricos. Y por fin Laurent Garnier regresa a Sónar, en esta ocasión de día el viernes en el SónarVillage. En cuanto a la noche de sábado, se antoja potente con la presencia de Paul Kalkbrenner con su techno melódico forjado en los clubes de Berlín.

Otros artistas destacables en un plano de música más reposada son la antigua diva luminosa del UK Garage, y hoy super estrella pop, Jessie Ware y el californiano Vince Staples, que desarrolla sus rimas sobre bases gélidas del trip hop más noventero. Y a ellos se suman otros muchos, como el dúo suizo de techno melódico Adriatique o Ben Böhmer, que desarrollará sus texturas emocionales y orgánicas, que parecen beber tanto de Autechre como de Giorgio Moroder o LTJ Buckem entre otros muchos.

El Sónar 2024 reunirá, por otro lado, a figuras pioneras de la música de baile, que conviven con artistas de microescenas hiperlocales y que presentan estéticas radicales y formatos rupturistas. El festival celebrará la enorme diversificación de géneros y subgéneros en la música electrónica actual: del ambient más contemplativo al drum’n’bass más eufórico; del happy hardcore al post-punk, al black metal e incluso al post-club.

La Dj argentina Tayhana, con su fiesta itinerante latinoamericana Club Latinx; la productora Verushka con los sonidos de la fiesta Me Siento Extraña; el colectivo barcelonés BLEX o el neoyorquino Club Cringe serán algunos de los representantes de las microescenas. En cuanto a las coreografías, de las que Enric Palau ha destacado “la dificultad técnica de su inclusión por la exigencia de espacio y efectos que conllevan”, el plato fuerte llegará el sábado con Physis, la performance multidisciplinar de seis horas de duración a cargo del colectivo chino Asían Dope Boys, en la que participarán hasta 13 artistas.

Otros coreógrafos que actuarán serán el productor de culto Lee Gamble con coreografía de Candela Capitán, la coreógrafa y bailarina Kianí del Valle, que bailará en los shows de Hamill Industries y Tayhana o el italiano Gabber Eleganza, que presentará su The Hakke Show con bailes a más de 180 bpm.

Sonar+D centrado en la IA

El apartado del Sónar más centrado en la innovación y la ciencia estará colonizado por la inteligencia artificial. Tal como ha explicado Ricard Robles, otro de los directores del festival, “se hablará de la IA en todas sus facetas, desde los riesgos y los temores hasta su potencial como herramienta de uso por parte de los artistas”. Para ello participarán desde desarrolladores a expertos legales y creadores de contenido artístico

Antònia Felguera, responsable como curadora principal del Sonar+D, ha relatado las distintas propuestas relacionadas con la IA en el programa SonarWeek, entre las que destaca, además del ya citado The Cube, la instalación Liquid Strata en el Pabellón Mies van der Rohe de Montjuic, creada por el oceanógrafo Joan Llort y los artistas Entangled Others y Daphne X. “Se trata de una recreación de la vida en el estrato mesopelágico del océano, a mil metros de profundidad”, ha precisado Felguera, que ha revelado que la propuesta inicial de la instalación “procedió del propio Llort”.

En cuanto a conferencias, el público del Sónar+D podrá entender las principales dudas y peligros de los usos que se están haciendo de la IA en la música y el arte en la conferencia inaugural Generating Panic?, así como descubrir cómo la IA está alterando la propia naturaleza del arte en las charlas de artistas como Nicole L’Huillier.

Sasha Costanza-Chock reflexionará por su parte sobre cómo lograr una tecnología más inclusiva, y Myriam Bleau & Nien Tzu Weng, junto a Team Rolfes & Lil Mariko, ofrecerán dos performances en las que indagarán en el mundo de las identidades digitales.

Finalmente, el Sónar de día volverá a contar con Project Area, que este año expondrá los proyectos más creativos e innovadores del momento, con más de cien propuestas relacionadas con la IA. En este sentido, el programa AI & Music powered by S+T+ARTS presentará una serie de actuaciones y charlas que tienen a la IA en el centro de la creación musical. Además del show Models de Lee Gamble, por el escenario pasarán Sevdaliza, la artista de pop transversal, y otros como Rob Clouth o Myriam Bleau & Nien Tzu Weng.

Un presupuesto de 10,5 millones de euros

Ventura Barba, consejero delegado de Sónar, ha cerrado la presentación explicando que el coste de organización de la presente edición del festival alcanza los 10,5 millones de euros. “Las aportaciones públicas constituyen el 8,38% de este presupuesto”, ha apuntado el CEO del festival, que acto seguido ha pasado a desglosar los titulares de dichas subvenciones y el monto de las mismas: “290.000 euros han sido aportados por el Ajuntament de Barcelona y 250.000 euros donados por la Generalitat de Catalunya; con distintos programas de la Unión Europea hemos cubierto 180.000 euros y finalmente el Ministerio de Cultura ha aportado 160.000 euros”.

En cuanto al aporte de los distintos patrocinadores privados, Barba lo ha cifrado en “aproximadamente 1.570.000 euros”. “El resto, que vienen a a ser unos 8,5 millones de euros, procede de nuestros recursos propios”, ha precisado.

Para terminar, Ricard Robles ha destacado la larga colaboración con el festival OFFSonar, que se viene celebrado desde 1995 como alternativa al Sónar y que se desarrolla en el recinto del Poble Espanyol, “a poco más de cinco minutos a pie desde el recinto Sónar de día de Montjuic”.

“El CCCB es una institución cultural única en su género: un ágora, un lugar de encuentro, aprendizaje, creatividad, discusión y disfrute para experimentar la ciudadanía. Un lugar de libertad y de debate fructífero. Barcelona debe mucha de su vitalidad cultural contemporánea a esta institución excepcional”. Estas palabras fueron escritas en 2011, cuando al primer director y padre intelectual del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, CCCB, Josep Ramoneda, se le comunicó que, tras 17 años en el cargo, no continuaría. Las firmaron intelectuales de la talla de Tzvetan Todorov, Ismail Kadaré, Zygmunt Bauman, André Gluksmann, Paolo Flores d'Arcais o Timothy Garton Ash en una carta abierta.

En aquel momento de profunda crisis económica, la derecha nacionalista había alcanzado el poder en casi todas las instituciones catalanas, incluyendo la Diputación de Barcelona. Una vez allí y como responsable del presupuesto del centro, su nuevo presidente, convergente, decidió que Ramoneda no debía seguir en el cargo. Su idea de concebir un centro que él mismo define como “un lugar alejado de los patrones convencionales de las instituciones culturales”, había sido apoyada por el anterior presidente socialista. El anuncio de la sustitución provocó una airada protesta de intelectuales de todo el mundo, que se reflejó en la citada carta. 

En sus primeros 17 años de vida, el centro, inaugurado en 1994, había prestigiado la gestión socialista en las décadas anteriores: si los Juegos Olímpicos de 1992 habían sido la carta de presentación de Barcelona al mundo, el CCCB quería definir el pedigrí cultural de la ciudad. A este respecto, Ramoneda cuenta la siguiente anécdota: “Recuerdo una conferencia de prensa en la que el alcalde Maragall dijo que [el CCCB] era nuestro Pompidou y tuve que precisarle lo obvio: la enorme diferencia de volumen, de presupuesto, de colección y de todo lo que se quiera”.

Casal de la Caritat, 1994

El CCCB fue un proyecto propuesto en 1989 a la Diputación de Barcelona por Ramoneda. La idea era, según el filosofo, “abrir, desde la ciudad y la cultura urbana, un camino que convocara a muchos sectores sin esa vocación de gremio que marca muchos equipamientos sectoriales”. El entonces presidente de la Diputación de Barcelona, Manuel Royes, compró la idea y el siguiente paso fue pensar en la ubicación física del futuro CCCB.

Se decidió acondicionar un antiguo edificio del Raval, zona entonces en plena recuperación social y arquitectónica: la Casa de Caritat, un desvencijado hospicio para la acogida de la población más desfavorecida.

A partir de 1957 el edificio cayó en desuso, hasta que en 1989 se inicia su restauración para que acoja un nuevo proyecto innovador que pretende ser un núcleo de diálogo urbano y ciudadano sobre la ciudad y las culturas que se generan en ella: el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, CCCB. Finalmente el CCCB se inauguró el 24 de febrero de 1994 y este sábado ha cumplido 30 años de existencia.

Primeros años: la gestión Ramoneda

La etapa Ramoneda (1994-2011) es fundamental para entender el desarrollo y el prestigio del centro. En la carta publicada en protesta por su destitución se puede leer: “El CCCB, creado en gran medida por Ramoneda, ha tenido éxito porque se ha desarrollado como un laboratorio de innovación cultural”.

Tanto Ramoneda como los otros tres directores hacen mucho énfasis en que el CCCB es un museo sin colección, y que su valor es realizar exposiciones en base a las cuestiones y retos que cada tiempo social y cultural plantee. “Nuestra virtud ha sido desarrollar una gran capacidad de leer el contexto y saber interpretar los cambios que han ido sufriendo tanto la ciudad como el mundo”, asegura Judit Carrera, directora del centro desde 2018.

Esta fue desde un inicio la filosofía de institución cultural que desarrolló Ramoneda, sin precedentes hasta entonces en el Estado. Tal como Vicenç Villatoro, director de la institución entre 2014 y 2018, dice: “Existe una determinada concepción del género expositivo, muy propia de aquí, que nace en el CCCB y que ahora ya está presente más allá del CCCB”.

No sería hasta 2002 en que, de la mano de la extinta Caja Madrid y de la Caixa, nacieran centros de parecido espíritu: La Casa Encendida en Madrid y CaixaForum en Barcelona. Para entonces, el CCCB ya estaba en pleno desarrollo de sus facetas. “Las exposiciones que a menudo exporta, las conferencias, debates y seminarios, sus producciones y programaciones audiovisuales, la variedad de festivales que acoge y promueve, su floreciente archivo público y sus programas educativos, son todos ellos parte de este modelo”, es otro párrafo que puede leerse en la carta antes citada.

Las exposiciones temáticas

Son años en los que tienen lugar exposiciones temáticas diferentes a las vistas hasta entonces. Desde la inicial Europa 1870-1993. La ciutat de l’artista. La ciutat de l’arquitecte, que refleja una preocupación por el urbanismo y la arquitectura, se ha evolucionado hasta la actual IA: Inteligencia Artificial, pasando por el mítico ciclo Las ciudades y los escritores, una serie de exposiciones que relacionaban autores como Joyce, Pessoa, Kafka o Borges con Dublín, Lisboa, Praga y Buenos Aires.

Son cientos las exposiciones desarrolladas en estos años, pero todas tienen el sello de originalidad que se adquirió en la etapa Ramoneda. Jordi Costa, actual director de exposiciones del centro, explica que “los focos de interés temático han ido evolucionando y en los últimos años el CCCB ha desarrollado una línea de programación centrada en el cruce entre ciencia y humanidades”.

Por su parte Jordi Balló, que también fue director de exposiciones entre 1999 y 2011, opina que el secreto del gran éxito de las exposiciones ha sido “incluir la sorpresa como forma de conocimiento en lugar de repetir lo que sabes que ha funcionado”.

Kosmòpolis y Xcèntric: experimentando con ferias y festivales

En estos años el centro, además de exposiciones propias y novedosas, acoge conferencias y debates, y también desarrolla facetas propias referidas al mundo de la literatura como Kosmòpolis, un festival de libros que va mucho más allá de una feria. Según su creador, Juan Insua, “era necesario crear un evento literario que incluyese una apuesta por todos los cambios, mutaciones y disrupciones que tendrían lugar en el siglo XXI: la palabra oral, impresa y electrónica”.

También en aquellos años nace Xcèntric, una muestra de cine que se aleja totalmente de los contenidos comerciales. Ángela Martínez, su responsable hasta 2023, destaca que “más allá de un simple programa de proyecciones, Xcèntric se ha convertido en el primer y único archivo en Europa de cine experimental y de vanguardia abierto a consulta pública con más de mil películas”.

Otros certámenes relacionados con el cine que nacieron en aquella época fueron Manifestos Fílmics Feministes o Docs. En otros formatos, como el videoarte se creó OVNI y en la televisión y nuevos medios se generó Influencers, Miniput, Memefest, +Rain Film Fest o Soy Cámara, este realizado junto con TVE y emitido por La2 durante años.

Pero el CCCB también sirve de matriz para el nacimiento de festivales como L'Alternativa, un hito en lo que refiere al cine alternativo. Una de sus responsables actuales, Cristina Riera, asegura que el centro fue “un colaborador clave para el impulso y continuidad de proyectos e iniciativas” como su festival.

Otro festival que encuentra en el CCCB una casa para nacer y desarrollarse hasta su éxito internacional actual es Sónar. Ricard Robles, uno de sus fundadores, destaca enfáticamente que “nadie [en el mundo] hasta entonces había consentido que la totalidad de un equipamiento y su entorno fuera 'invadido' por una experiencia cultural y musical innovadora que atraía miles de personas a la vez”. Robles asegura que “prácticamente” les dieron “las llaves del CCCB para realizar el Sónar Día”.

Los años complicados de Sintes y Villatoro

La “gestión Ramoneda”, etapa en la que el CCCB se desarrolla en toda su plenitud, termina abruptamente en 2011. “Llevaba 20 años, ya tocaba”, desdramatiza el filósofo, pero en aquel momento el mundo de la cultura zozobró y se mantuvo a la expectativa de quién sería su recambio. “Para que el CCCB mantenga su reputación internacional, es imperativo que el proceso de elección del nuevo director sea rigurosamente impecable y que se centre en las credenciales intelectuales”, señalaban los intelectuales de todo el mundo ya al final de su carta.

Finalmente fue el periodista Marçal Sintes la persona designada para sustituir a Ramoneda. “Yo llego en un momento muy complicado, en especial por la gravísima crisis económica –los recortes afectaron directamente al CCCB un año tras otro– y también porque a la Diputación de Barcelona, institución referente del CCCB, se incorporan nuevos gestores en su mayoría no familiarizados con lo que es y representa el centro”, explica Sintes.

Sintes supo mantener la línea trazada por Ramoneda y los temores se disiparon con el tiempo. Su gestión termina en 2014 y le releva en el cargo el periodista y escritor Vicenç Villatoro. Se trata de un intelectual reconocido, pero también claramente posicionado en el centro derecha nacionalista. El llamado Procés había arrancado en 2012 y en 2014 estaba impregnando como una mancha de aceite todos los ámbitos de la sociedad catalana, por lo que se esperaba el posicionamiento de las instituciones culturales.

Tal como relata el propio Villatoro: “Mi recuerdo personal del paso por la dirección del CCCB es el de haber vivido un período especialmente intenso desde un lugar privilegiado”. La presión es obvia y no obstante, una vez más, el CCCB mantiene la independencia que define su razón de ser. “Confío en que logré mantener los objetivos fundacionales, pero atravesando un período complejo, de fuerte polarización política e ideológica”, reflexiona Villatoro al rememorar su gestión. Respecto a la misma, Ramoneda dice: “Siempre agradeceré a Vicenç Villatoro que en los años en torno a octubre de 2017, que podían haber sido complicados para la casa, protegió y defendió al CCCB”.

Mujer y por concurso público: la etapa Carrera

En 2018 Vicenç Villatoro anuncia que deja el cargo y que el siguiente director de la institución se escogerá por concurso público. Así se hace, y el ganador es mujer y de la casa: Judit Carrera, politóloga largamente vinculada al centro como jefa de Debates y Educación. Su mirada es otra y lo deja claro desde un principio, aunque siempre dentro de la línea trazada desde el inicio. 

Carrera incide en que entre sus líneas prioritarias ha estado, y está, el hacer llegar la cultura contemporánea a la gente más joven. “Hemos impulsado un proyecto que tiene 10 años de existencia y es un programa de pensamiento crítico para jóvenes y adolescentes; un programa en el que pueden interactuar con pensadores y creadores de primer orden; se llama Un matí amb (una mañana con)”, defiende. 

“Por otro lado, hemos generado un proyecto llamado Bivac que quiere dar protagonismo a los jóvenes, de manera que generamos un espacio para que ellos hagan la programación cultural que quieran y así sientan que el CCCB también es un sitio acogedor a pesar de las grandes fracturas generacionales”, añade para hacer balance de estos años.

Ahora, para celebrar sus 30 años de vida, Carrera explica con entusiasmo su más novedoso proyecto: “Un programa de residencias culturales centrado en el periodismo de investigación en el que invitaremos durante dos meses al año a una personalidad relevante para que nos ayude a comisariar diferentes proyectos”. El primer invitado será Patrick Radden Keefe, autor de No digas nada (Reservoir Books, 2020) y El imperio del dolor (Reservoir Books, 2021), que estará durante junio y julio. Posteriormente le sustituirá Eliane Brum, periodista y activista brasileña por el clima, autora de Amazonia. Viaje al centro del mundo (Salamandra 2024).

Kaytranada, Jessie Ware, Ben Böhmer, Charlotte de Witte, Floating Points, Vince Staples y Folamour son algunos de los setenta nombres que se han desvelado este jueves de la programación del Sónar 2024, que se celebrará entre los días 13 y 15 de junio en Barcelona, enfocado en el baile.

Los organizadores han avanzado hoy que tendrán protagonismo “iconos actuales de la música de baile”, junto a “talentos emergentes de todo el mundo”, con una apuesta firme por “estéticas radicales y disruptivas”.

En el encuentro de cultura digital Sónar+D se tratará sobre la “relación entre tecnología y naturaleza”, así como de “los usos prácticos más innovadores de la inteligencia artificial en el sonido, el videojuego y las realidades alternativas, la escenografía, el cine, la música y las artes en general”.

Entre los invitados, está previsto que acudan el artista contemporáneo y arquitecto Tomás Saraceno, Nicole L'Huillier así como el biólogo marino David Gruber.

El Festival de Música, Creatividad y Tecnología de Barcelona, que convierte la ciudad en la capital mundial de la cultura electrónica durante unos días, ofrecerá la presentación de “Overdrive”, de la DJ y productora belga Charlotte de Witte, mientras que la fusión de hip-hop, r&b, funk y soul de Kaytranada acompañará a Jessie Ware, “lista para conquistar Barcelona con el soul, disco y r&b de su sensual quinto álbum”.

El rapero californiano Vince Staples ofrecerá el “rap clásico de los años noventa al siglo XXI, con sus letras cargadas de sentimiento”, mientras que el francés Folamour, nuevo icono de la música disco y house a nivel global, presentará un espectáculo audiovisual.

El alemán Ben Böhmer estará con su “electrónica melódica y preciosista”; Floating Points se espera que sea “impredecible como siempre” y que Reinier Zonneveld presente su techno ácido y acelerado.

Otros iconos del baile como Toya Delazy, Kerri Chandler, The Martinez Brothers, Olof Dreijer, Surgeon & Speedy J y TOMMY CASH también ocuparán las pistas.

Asimismo, se podrán descubrir las propuestas coreográficas y escenográficas de Blackhaine o el estreno nacional del proyecto “Models”, de Lee Gamble, coproducido con el festival polaco Unsound, con coreografía de Candela Capitán y los bailes “hakke” de “The Hakke Show”, de Gabber Eleganza.

Otro espectáculo será “321Rule”, del estudio de performance virtual Team Rolfes, con Lil Mariko en escena, y el show “PHYSIS”, de ASIANDOPEBOYS, un espectáculo disciplinar de seis horas de duración con “sorprendentes efectos visuales, coreografía vanguardista y un elenco rotativo de artistas sobre el escenario”.

Proyectos creativo-tecnológicos, clases magistrales, foros

A la música en directo, se sumarán proyectos creativo-tecnológicos, clases magistrales, foros de debate, encuentros profesionales y conferencias audiovisuales multipantalla a cargo de artistas y científicos.

La actividad de Sónar 2024 empezará, en realidad, los días 11 y 12 de junio, con la segunda edición del +RAIN Film Festival, un festival internacional de cine generado con Inteligencia Artificial, coorganizado junto a la Universidad Pompeu Fabra, que empezó el año pasado con el objetivo de explorar la convivencia de esta tecnología con la narración fílmica.

Por otra parte, entre el jueves 13 y el domingo 16 de junio, el OFFSónar volverá a celebrarse en el Poble Espanyol, aunque todavía no se ha anunciado el programa.

Las entradas para poder acudir al festival ya están a la venta en sonar.es. La organización facilitará el acceso de los más jóvenes gracias al Bono Cultural y la Youth Card europea (Carné Joven en España y Carnet Jove en Cataluña).

Como es habitual, Sónar de Día volverá a celebrarse el jueves, el viernes y el sábado en Fira Montjuïc, mientras que Sónar de Noche transcurrirá en Fira Gran Via el viernes y el sábado.

El recorrido internacional de Sónar 2024 arrancará entre el 22 y el 24 de marzo con la tercera edición de Sónar Lisboa, con nombres como 2manydjs invite Éclair Fifi & Erol Alkan, Sevdaliza, Shygirl presents ‘Club Shy’, Bonobo DJ set, Eliza Rose, TOMMY CASH, Tiga & Hudson Mohawke present ‘Love Minus Zero’, Oneohtrix Point Never y CC:DISCO!.

El Sónar Istanbul, en Estambul, se celebrará entre los días 26 y 28 de abril, pero aún no se han dado a conocer los primeros nombres del cartel.

El hecho de que una tecnología pueda “resucitar” a un artista fallecido suele ser motivo para que muchos medios vayan corriendo a cubrir la noticia con tono celebratorio. Todo lo que parezca que puede acercarnos más al sueño húmedo de un guionista de película de ciencia ficción convierte al periodista en un zombie que sigue la melodía de flauta y termina en un titular del tipo: “La IA crea canciones de Amy Winehouse, Nirvana o Jimmy Hendrix”. Y la verdad es que en algunos casos es complicado no caer en la fascinación.

“Esto es jodidamente espeluznante pero increíble al mismo tiempo”, dice uno de los comentarios en YouTube. Este tema forma parte del proyecto Lost Tapes of the 27 Club, un álbum creado usando inteligencia artificial por parte de la oenegé canadiense Over the Bridge, que se dedica a asistir a músicos que tienen problemas de salud mental. El objetivo del álbum era concienciar sobre la muerte de músicos jóvenes que tuvieron problemas al no saber lidiar emocional o psicológicamente con sus carreras. 

Más allá de esta loable iniciativa que captó en 2021 la atención de muchos medios, precisamente por las posibilidades que parecía destacar la tecnología de la inteligencia artificial, muchas personas en el mundo de la investigación académica observan con calma y herramientas analíticas estos fenómenos y nos ayudan a relativizarlos.

“Quizá puedes recrear la voz de un artista que ya no existe. Pero también la podrías imitar sin la inteligencia artificial”, comenta Frederic Font, coordinador de Freesound e investigador en tecnología y música de la Universidad Pompeu Fabra que presenta esta semana la mesa sobre música e IA que ha programado el festival Sónar en Barcelona. De hecho, en Lost Tapes of the 27 Club la parte llevada a cabo con tecnología son los instrumentos y melodías. La voz pertenece a cantantes especializados en imitar a los músicos fallecidos y el proceso de trabajo está lleno de intervenciones humanas. ¿Por qué nos obsesiona tanto este tema ahora?

“Existe una burbuja. Nos guiamos mucho por titulares o historias que parecen que explican cosas que potencialmente podrían cambiar el mundo. No sé si es porque vivimos en una época de crisis existencial. Y aunque estamos en un momento donde están pasando muchas cosas, tampoco ha habido tantos cambios realmente y al final el impacto real en la sociedad y en los músicos realmente tampoco lo terminamos de saber porque a casi nadie le interesa”, comenta Font. 

Cuando Font profundiza sobre la idea de que no hay tantos cambios para músicos, lo compara con el surgimiento del sampleo: “Esto ya sucedió en el pasado. La introducción de samplers permitía utilizar otra música ya hecha y añadir otras cosas encima. Yo creo que estamos en un proceso parecido y lo que parece impactante es que lo haga una máquina”. De hecho llevamos ya 40 años conviviendo con la idea de 'sampleo' en la música y ni siquiera parece haber caducado la idea que compartía el DJ y productor musical Mark Ronson cuando decía: “Artistas como Beastie Boys o De la Soul crearon álbumes usando décadas de músicas ya grabadas para crear obras maestras sónicas y no sampleaban porque fueran demasiado vagos para escribir su propia música, no lo hacían tampoco para cobrar a partir de la familiaridad de lo conocido. Sampleaban esos discos porque había algo en ellos que les hablaba y querían insertarse en la narrativa de esa música. Y lo pudieron hacer porque tuvieron acceso a la tecnología que lo hacía posible”. 

Font es crítico con la terminología y parte del entusiasmo generado: “Yo creo que lo que llamamos inteligencia artificial, las técnicas que utilizamos hoy en día no son para nada inteligentes. ¿O sea, el nombre está mal, ya empezamos por ahí, no? Lo que hacen es aprender probabilidades”. De hecho, al igual que el cuarto de baño cuya luz está automatizada y es 'inteligente' se apaga si dejas de moverte porque no concibe que no puedas hacer tus necesidades en una postura inerte, lo que llamamos 'inteligencia artificial' en música puede estar sujeto a cambios culturales que rompan la lógica de la máquina. Poniendo como ejemplo freesound.org, proyecto que conoce bien y que es un archivo sonoro: “El hecho de que en tu base de datos el sonido de lluvia está asociado a la tristeza demuestra que no hay ningún razonamiento inteligente ahí. Ahora por ejemplo que llevábamos muchos meses de sequía, ha llovido un poco en los últimos días y realmente la lluvia ha sido algo muy feliz. Podemos ampliar la capacidad de los algoritmos, pero no pueden razonar”.

Otro de los aspectos interesantes es la reacción de la industria. En los últimos tiempos, Spotify parece moverse en varias direcciones que podrían parecer contradictorias, pero quizás no lo sean. Por un lado, anunciaba que habían borrado miles de canciones que habían sido generadas con Inteligencia Artificial en un claro gesto para proteger a los artistas reales. A la vez, el año pasado adquiría Sonantic, una startup londinense cuya tecnología permite simular voz humana a partir de texto de forma muy realista. Para Font, Spotify solo quiere mantener su posición de poder en el mercado y sus datos de uso arrojan una idea bastante gráfica sobre lo que está sucediendo con la mayoría de artistas: “En plataformas como Spotify hay muchísimo contenido y si tú miras la distribución de los que se reproducen más y los que se reproducen menos, verás que hay un porcentaje pequeñísimo del contenido que se reproduce mucho y todo el resto que no se reproduce casi nunca. Al final es como la distribución de la riqueza”. 

De hecho, para Font es claro que las empresas no esconden sus intereses y en eso la tecnología y los debates sobre la inteligencia artificial quizás generan un ruido que no permite centrar la discusión en esa desigualdad que señala Font: “El consumo concreto está muy guiado por las listas de reproducción que generan las propias empresas. A veces con algoritmos automáticos, a veces no. Hay ahí un interés comercial y muchos factores más allá de la tecnología en sí”. Si un artista consagrado y privilegiado como Snoop Dogg se queja de las plataformas de streaming, ¿qué no tendrían que decir los millones de artistas pequeños e independientes para quienes es tan complicado ganar visibilidad, generar remuneración en el sistema actual?

Font piensa que las grandes plataformas no están interesadas en ciertos usos posibles y que generarían un reparto mayor de visibilidad o remuneración: “Lo que sí que debería permitir la tecnología es que tú puedas buscar en esa parte del catálogo que de otra forma nunca llegarías. Hay una serie de posibilidades que se podrían explorar pero que al final no sé cómo de interesantes son para estas plataformas porque tienen tantos usuarios y tienen que mantener una estructura tan grande, que tan solo pueden optimizar para los usuarios estándar y no pueden desarrollar cosas para que quizá tendrían poco uso  porque no es rentable para ellas”. 

¿Cabe entonces algún tipo de optimismo con estas tecnologías? Font enumera varias cosas que le parecen interesantes, desde “la descripción automática de contenidos”, también “que el usuario pueda profundizar mucho más sobre un artista y conocer detalles que ahora permanecen casi escondidos”, la democratización en el acceso a la música “estas herramientas van a permitir que crear música sea fácil y muy divertido realmente, más allá del sector profesional creo que van a ofrecer espacios de entretenimiento”, en educación “porque tú puedes tocar algo y una aplicación te dice si lo has hecho bien o mal, o te puede incluso indicar dónde te has equivocado. Estas herramientas van a mejorar mucho con la  inteligencia artificial”. Font termina con un mensaje humanista: “En educación no creo que ninguna tecnología genere un cambio de paradigma total, haga desaparecer al profesorado y sustituya la interacción humana”. Y piensa lo mismo de la industria musical: “Creo que tenemos que relativizar lo que está pasando, ponerlo en contexto de una evolución tecnológica”. Porque para Font, no hay tecnología que pueda sustituir la parte humana: “Al final yo creo que toda la personalidad del artista, la conexión con el público, el vínculo con la comunidad, el discurso….todo este tipo de cosas siguen siendo necesarias y no van a ser reemplazadas por ese tipo de herramientas”.

Los componentes de Hidrogenesse se autodefinen como compositores de canciones pop populistas, productores de mantras romántico-sexuales, autores de llenapistas situacionistas e intérpretes del género místico-cómico. Son Carlos Ballesteros y Genís Segarra, juntos desde finales de los 90 y con el humor como estandarte, lanzan su manera de ver el mundo en sus canciones y en unos directos que ellos llaman “teatro malo”.

Un dígito binario dudoso fue un disco que el dúo editó hace una década, dedicado al matemático inglés Alan Turing, precursor de la inteligencia artificial y condecorado por descifrar los códigos encriptados de los nazis, contribuyendo a la victoria aliada en la Segunda Guerra Mundial. Turing fue sometido a castración química por su homosexualidad y se cree que acabó con su vida mordiendo una manzana con cianuro, como Blancanieves. En el disco de Hidrogenesse, que empieza con un mordisco a una manzana, todas las canciones hablan de pasajes de la vida del científico.

El álbum fue elegido Mejor disco nacional de 2012 por la revista Rockdelux. Ahora se reedita en cedé y por primera vez se publica en vinilo. El origen está en una exposición que se iba a celebrar en Sevilla en el centenario del nacimiento de Alan Turing, a la que les invitaron a participar. “Pensamos hacer una especie de sintetizador-máquina que fuese generando canciones, una cosa de Inteligencia Artificial”, recuerdan ambos músicos a dúo. “Queríamos hacer unas canciones muy binarias, todo el rato el cero y el uno. Cuando teníamos pensado el proyecto, la exposición se canceló. Nos quedamos con las ideas en la cabeza y con una melodía ya avanzada y dijimos: esto es chulísimo. Habíamos leído mucho y estábamos muy metidos, yasí que decidimos hacer un disco. Como nos parecía un tema desconocido y difícil, se nos ocurrió ir explicando las canciones a medida que íbamos haciéndolas. Íbamos publicando unos pequeños post en nuestra web, como un diario del proceso de creación”.

Esos informes, que llamaron Turing bits, permanecen en su sitio web y cuentan, por ejemplo, que a Alan Turing se le murió su mejor amigo del colegio y eso le hizo pensar, siendo niño, si con las matemáticas habría una manera de reproducir a su compañero artificialmente para poder hablar con él. “Turing escribió estas ideas en cartas que le mandó a la madre de su amigo, quería poder conversar con él una última vez, ya que le conocía tan bien. Sin querer, estaba imaginando cosas que no existían y puede que ahora existan. Nosotros juntábamos esto con cosas pop, como un subgénero muy bizarro de canciones que había en los 50 y los 60, en el que una persona habla con un muerto y el muerto se comunica con el vivo. Hay una que se hizo superfamosa en Inglaterra en la que hace una ouija para hablar con su novia muerta y en mitad de la canción la novia le contesta. John Waters es muy fan de esas canciones”, explican Carlos y Genís. Ahora, con la reedición del disco, han decidido imprimir la web en un facsímil en papel para que se conserve cuando desaparezca internet.

Hidrogenesse, como el gel

Carlos y Genís recuerdan como el nombre del grupo es fruto de una confusión que llevaron hasta el final: a Carlos una amiga le habló de un tipo muy guay que hacía grupos con todo el mundo y se llamaba Genís. Carlos tenía un gel de baño en casa llamado Hidrogenesse y pensó que el nombre del chico se escribiría así: Genesse. Cuando se aclaró el malentendido, el nombre artístico se quedó. “Yo no sabía si era un apodo o un nombre catalán poco común. Decíamos que nosotros dos juntos éramos Hidrogenesse y desde entonces arrastramos el nombre”, explica Carlos.

Hidrogenesse tiene el humor como brújula. Ambos desconfían de la gente que no se ríe. Aunque no se consideran humoristas ni les interesa ese lenguaje, utilizan la ironía y el surrealismo en sus letras y en sus puestas en escena; a veces, desternillantes, otras, tragicómicas, “como la vida”. “Nosotros nos enfrentamos en el día a día a cosas muy divertidas y a cosas muy patéticas, y eso en las canciones sale. No entendemos que haya cantantes que solo estén como desesperados, que solo hablen del desamor o solo hablen desde la gravedad, porque eso es mentira, lo natural es combinarlo todo, todos nos reímos y todos tenemos sentido del humor. Cuando veo una persona que siempre que se presenta en público está serio, que no deja nunca salir su sentido del humor, que toda su producción es triste o dramática o reivindicativa, me hace sospechar. Es raro, todos nos reímos de todo, hasta de lo triste, hasta de nosotros mismos, nos podemos reír de nuestros ídolos también, no pasa nada. A nosotros nos encantan los artistas, los escritores o los cineastas que usan el humor de la manera que sea, para aligerar, para hacerte reír o para criticar”, explica Genís.

Nos enfrentamos en el día a día a cosas muy divertidas y a cosas muy patéticas, y eso en las canciones sale

Genís Segarra — Músico

Los directos de Hidrogenesse se acercan a la performance, con un cuidado de la estética, la ropa y la coreografía. Carlos y Genís a menudo se visten y se peinan igual y juegan al equívoco de quién es quién. “Somos un grupo electrónico, no nos dedicamos a dominar un instrumento y con eso dar un recital. Lo que hacemos nosotros es representar las canciones más que interpretarlas y, a veces, exagerar los gestos. Somos una compañía de teatro malo, también muy precaria. Es teatro malo porque no ensayamos, no controlamos nuestro cuerpo al nivel de un actor o un bailarín. Lo nuestro es el teatro malo, que es disfrutable también y que nos sale bien”, cuentan a dúo los dos músicos. Y añaden que quieren hacer feliz a la gente con su trabajo: “El mal ya está, eso se lo leía a Álvaro Pombo hace poco. Y hay que ser originales, porque el mal está demasiado presente, es lo que más se hace” , coinciden ambos.

La reacción al Sónar

La carrera de Hidrogenesse comenzó en los 90, cuando en Barcelona la escena musical estaba copada por la electrónica de dj´s y el Sónar era un evento tan brillante que amenazaba con eclipsar todo lo demás. Genís y Carlos empezaron a hacer música como reacción a ello, desconfiando sistemáticamente de lo moderno.

“Era el momento del auge de la electrónica instrumental, con el Sónar, que era algo supermoderno, superinteresante, único a nivel europeo... y se comió Barcelona. Parecía que todo el mundo quería imitar al Sónar, las fiestas tenían que parecerse al Sónar, todos los grupos querían parecerse a los grupos que tocaban en el Sónar. Nosotros decíamos: todo no puede ser así, esto es muy aburrido. ¿Dónde están los grupos que cantan? ¿Dónde están las canciones que tienen letras? Solo había una persona detrás de una mesa, todo oscuro y un ordenador. Y siempre eran hombres”, recuerdan los dos músicos.

Frente a esa incipiente y pujante escena, montaron el Sonajero en 1997, un pequeño festival alternativo al Sónar en el que se juntó mucha gente que quería hacer canciones electrónicas. Ahí estaba Hidrogenesse, Les Biscuits Salés, Nautilus o Astrud (dúo en el que también tocaba Genís Segarra). Eran fiestas en las que el público podía traer sus propios discos para que fueran pinchados y en lugar de discjockeys habría grupos tocando. Pero como no conocían a grupos así, los formaron. “Era el rollo del do it yourself . Esa es la revolución de la electrónica, que cada uno pueda montárselo todo en su casa, un grupo de tecno, de reggae, de pop sesentero o de baladas italianas, lo que a ti te guste, los samplers te permitían crear lo que tenías en la imaginación. Nos inventábamos grupos para tocar en esas fiestas, no teníamos ni discos ni nada pero hacíamos canciones. Sonajero era eso”, rememoran Genís y Carlos.

En la edición de Sonajero de 1998, sonó No hay nada más triste que lo tuyo, el primer tema parecido a un hit de Hidrogenesse, en el que hablaban de las tiendas de animales, de los caballitos ponys o de la dureza de una cadena de montaje, recogiendo la experiencia de Carlos trabajando en una fábrica. “Cada año en Sonajero había repertorio nuevo. No hay nada más triste nació para cantarla en ese Sonajero, aunque no la grabamos hasta cuatro o cinco años después. Las cosas son muy lentas”, explican entre risas.