“Soy un alcohólico en recuperación. Hace dieciséis meses decidí que necesitaba ayuda y es lo mejor que me ha pasado en la vida”. Son las últimas declaraciones de Andrew Lloyd Webber que han dado la vuelta al mundo. El compositor, creador de algunos de los musicales más emblemáticos de todos los tiempos, ha confesado recientemente a The Times sus problemas con el alcohol.  

El autor de las adaptaciones musicales de El fantasma de la ópera, Cats, Evita y Jesucristo Superstar ha compartido con el periódico del Reino Unido que está en proceso de recuperación, asistiendo a reuniones diarias con Alcohólicos Anónimos en las que, según explicó, ha hecho “amigos que nunca hubiera creído posibles”. 

Este proceso de rehabilitación ha coincidido con uno de los momentos más productivos de toda su carrera. Su nuevo espectáculo, Cats: The Jellicle Ball, un homenaje a la escena drag de los años 80, se estrenó el pasado 7 de abril en Broadway, y ha recibido grandes elogios por parte de la crítica. Además, el británico está escribiendo dos nuevos espectáculos musicales.

Uno de ellos se titulará El Ilusionista y estará basado en la película homónima de 2006, un drama de misterio y romance ambientado en la Viena de principios del siglo XX dirigido por Neil Burger. El otro, cuya idea le llegó estando en rehabilitación, desarrollará la historia real de uno de los grandes robos de la historia: el de la Mona Lisa en el Museo del Louvre de París en 1911. 

“Creo que será diferente a todo lo que he hecho en mucho tiempo, más como Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, 70 u 80 minutos, bastante divertida”, compartió el compositor con The Times. En otra entrevista reciente, Webber explicó que no podía dar muchos más datos sobre la obra “por la sencilla razón de que me voy la semana que viene a escribirla”. 

La desaparición de la Mona Lisa

Todo ocurrió el 21 de agosto de 1911, cuando Vincenzo Peruggia, un antiguo empleado del museo parisino, se llevó el cuadro la Mona Lisa de Leonardo da Vinci. El ladrón guardó la pintura bajo su abrigo y abandonó el edificio como si nada. Nadie se dio cuenta de que Peruggia había salido del Louvre con aquella obra del pintor italiano que, en aquel momento, es cierto que no tenía el reconocimiento que tiene ahora.

De hecho, fue esta desaparición la que convirtió el retrato en el cuadro más famoso del planeta y marcó un antes y un después en la percepción pública del museo. Las autoridades llegaron a interrogar al ladrón porque este había trabajado en el Louvre, pero al principio no despertó ninguna sospecha. Dos años después del robo, Vincenzo fue finalmente detenido en Florencia cuando intentaba vender la obra.

En de marzo de 1881, se creó el llamado “el mejor espectáculo del mundo”. Nacía de una fusión entre P.T Barnum y James A. Bailey, que tenían entonces los circos ambulantes más destacados del momento, y se bautizó como Barnum & Bailey Circus, donde la atracción que más llamaba la atención del público era el elefante africano Jumbo, que habían comprado de un zoo de Londres y que inspiró a la famosa película Disney ‘Dumbo’.

Hace 145 años creaba su gran espectáculo, el último diez años antes del fallecimiento de P.T Barnum, uno de sus impulsores, el hombre al que dio vida Hugh Jackman en el cine en el musical ‘El gran showman’, estrenada en 2017, y que edulcoró la biografía del famoso empresario que fue conocido no solo por sus espectáculos, sino también por usar el arte del engaño y exhibir animales y personas curiosas, los llamados ‘freaks’, no siempre en las mejores condiciones. Y es que del musical de Jackman, Zac Efron y Zendaya a la vida real hay larga distancia, aunque sí tomó varios hechos que pasaron o fueron parecidos.

Phineas Taylor Barnum nació en 1810 como hijo de un sastre y una posadera, y nieto de un vendedor de loterías, de quien aprendería el arte del engaño, que sería clave en su carrera como empresario de espectáculos. Esto le valió tener su primer trabajo en ventas a los doce años, y hasta que encontró su vocación siguió como comerciante.

Sería a los 25 años, en 1835, cuando empezaría en la industria del espectáculo. Exhibía a una esclava ciega y paralizada que presentaba como la que fuera niñera del presidente George Washington y aseguraba que tenía 161 años. Se llamaba Joice Heth y moriría tan solo un año después, pero hasta el último día fue usada por Barnum, que cobró como ‘show’ la autopsia del cadáver ante 1.500 espectadores. Después de esto, trabajó en el teatro ambulante Aaron Turner Traveling Circus.

Su primer gran éxito: el Barnum’s American Museum

En 1841 el empresario compró un edificio en Manhattan y crearía su primer gran éxito, el Barnum’s American Museum, que en sus cinco plantas era museo a la vez que teatro, zoológico y lugar de espectáculo de “fenómenos” o rarezas, donde destacaban un “Napoleón enano”, una gigante o la mujer barbuda Josephine Clofullia, que fue una de las más famosas del siglo.

El lugar atraía a tanto público que tenía una cifra media de 15.000 visitantes diarios, abriendo un total de 15 horas, y en él, P.T Barnum demostró su don en el arte del engaño también, al exhibir la sirena de Fiyi, que era en realidad un mono disecado con cola de pez. Al igual que en ‘El gran showman’, el museo fue víctima de un incendio, aunque luego pasaría por dos más, hasta que no se pudo recuperar y lo cerró.

De la política al circo ambulante

Tras cerrar su famoso museo de variedades, P.T Barnum se dedicó a la política hasta que en 1870 volvió al mundo del espectáculo, pero esta vez con un nuevo formato, el del circo ambulante, que atraía más público en esos días. Con el Barnum's Grand Traveling Museum iría de gira tanto por Estados Unidos como por Europa, al que ya bautizaban como “el mejor espectáculo del mundo”.

En 1881 fundaría el Barnum & Bailey Circus junto con James A. Bailey, que sigue funcionando con un descanso entre 2017 y 2023, aunque desde 1906 pasó a llamarse Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus. Solo disfrutaría diez años de ello, pues moriría en 1891.

En Lyon, ante 15.000 personas y con una orquesta situada en el corazón del pabellón LDLC Arena. Así ha arrancado el Lux Tour de Rosalía, una gira con la que recorrerá más de una docena de países y en la que tiene previstos 42 conciertos. Quizás sea el viaje más esperado por sus seguidores, porque presenta un disco rompedor, donde explora temas de la mística femenina, la transformación y la espiritualidad. 

La expectación era máxima por conocer la puesta en escena de la artista catalana, teniendo en cuenta que, en su cuarto disco de estudio, hay momentos operísticos como los que se escuchan en Berghain. Tampoco pasó inadvertida la promoción que hizo del disco: siempre de blanco o de negro, con cruces de colgante y una imagen para la portada donde se le ve vestida con un hábito. 

El interés estaba en la puesta escena, sabiendo que en Lux participan muchos artistas, pero también en la setlist que Rosalía escogería para sus conciertos. Y con el concierto de Lyon se han despejado algunas dudas: muchas del disco actual, algunas de Motomami y sorpresas de colaboraciones anteriores. 

Setlist de Rosalía en el Lux Tour 

Rosalía abrió su concierto en Lyon convertida en una frágil muñeca bailarina, con tutú y zapatillas de ballet incluidos, cantando dos temas de su último trabajo: Sexo, violencia y llantas y Reliquia. Tampoco faltaron Porcelana o Divinize, una canción en la que combina castellano, catalán e inglés. 

La artista catalana tampoco renunció al tema Mio Cristo Piange Diamanti, la canción en la que más tiempo empleó y un tema nació tras su investigación sobre la amistad entre Santa Clara de Asís y San Francisco de Asís, ambos pertenecientes a la orden franciscana. 

Frente a ese inicio más delicado, el shock llegó con la wagneriana Berghain, el primer single de Lux y el mismo tema que escogió para su comentada actuación en los premios de la industria musical británica. Ahí cambió su atuendo blanco por uno negro con unos cuernos demoníacos y plumas negras. 

Rosalía también rescató para su primer concierto éxitos como Motomami, Saoko, La fama, La Combi Versace o CUUUUuuuuuute. Y sorprendió con temas como Can't take my eyes off you, Bizcochito, Despechá o La noche de anoche, aunque este último sin Bad Banny. 

La artista catalana no se dejó ninguna canción de Lux en el tintero: De madrugá, La perla, Sauvignon Blanc, La Yugular, Dios es un Stalker, Memória, Rumba del Perdón, Novia robot, Fou 'ranni y Magnolias para cerrar el espectáculo con el que recorrerá medio mundo. 

Después de que en enero de 2025 el director de orquesta Juanjo Mena (Vitoria, 1965) anunciara a través de un vídeo que padece Alzheimer, este viernes ha comunicado a través de una carta publicada por El Correo su adiós final debido al estado de la enfermedad. “Como recordaréis, hace un año tuve la necesidad de informaros sobre un asunto que afectaba a mi estado de salud. En efecto, unas pruebas practicadas unos meses antes revelaron que empezaba a manifestar síntomas de la enfermedad del Alzheimer. Ya entonces intuí, empleando un símil musical, que esta partitura iba a ser, probablemente, la más difícil de interpretar de entre todas las obras a las que me había enfrentado hasta ese momento. Así ha sido. El tiempo no ha pasado en balde, la enfermedad ha avanzado y yo, también, he cambiado. Las condiciones de hace un año no son las condiciones de ahora y la actual situación obliga a tomar decisiones importantes”, ha señalado.

Así, ha confesado que los conciertos que dirigirá este año serán sus últimos al frente de la orquesta. “Creo, siento que ha llegado ya la hora de la despedida. La citada partitura tiene un final y sus últimos compases están ya escritos. Los conciertos de este año serán, si no hay contratiempos, los últimos conciertos que dirigiré desde el podium. Esta es la decisión que hoy quería comunicaros. Una decisión, como os podéis imaginar, complicada de adoptar pero, al mismo tiempo, muy meditada”, ha añadido.

En este sentido, ha pedido que los últimos conciertos se conviertan en una despedida a sus 40 años de carrera musical, así como una forma de agradecer. Hay algo más. Me gustaría que estos conciertos de despedida se convirtieran, también, en una ocasión especial para el agradecimiento y, sobre todo en un motivo de celebración. 40 años de carrera musical dan para muchísimas notas de agradecimiento. En primer lugar, a mi familia, por su apoyo permanente y paciencia infinita. Y, en segundo lugar, a todos los aficionados, a todas las orquestas y a cada uno de los músicos y personas con los que he tenido el honor y el placer de trabajar. De todos ellos y de todas ellas me llevo el mejor de los recuerdos: hicimos y disfrutamos mucho haciendo buena música“, ha indicado.

“Por último, antes de terminar, me permito la licencia de pediros un favor. La música, siempre lo he dicho, es intercambio de energía. Una corriente de misterio de ida y de vuelta entre los músicos y los oyentes. Hagamos que los próximos conciertos se conviertan, de verdad, en una cadena de celebraciones en las que la música sea la única protagonista y el argumento principal del encuentro solidario y amistoso entre las personas. Hasta siempre”, ha finalizado la carta.

El director de orquesta vasco (Vitoria-1965) es uno de los directores de orquesta españoles más reconocidos del circuito internacional, que arrancó su carrera como director artístico de la Orquesta Sinfónica de Bilbao en 1999. En 2016 fue galardonado con el Premio Nacional de Música de España.

En la semana de los Premios Oscars, la actriz Liza Minnelli cumple 80 años. Un hecho nada desdeñable si tenemos en cuenta que es una de las leyendas vivientes ligadas a los galardones, pues es de las pocas personas que tiene en su haber premios Tony, Emmy, Globos de Oro, BAFTA y Grammy, además de la estatuilla dorada.

La hija de Vincente Minnelli y Judy Garland, nacida el 12 de marzo de 1946 en Los Ángeles, llegó a lo más alto en 1973 gracias a ‘Cabaret’, que le hizo ganar el premio Oscar a mejor actriz, así como el Globo de Oro y el BAFTA. Sin embargo, tan solo cuatro años después llegaría a tener uno de sus más sonados fracasos y que marcaría en gran parte su longeva carrera, pero que actualmente es considerada una obra de culto.

El fracasado homenaje musical de Scorsese a Nueva York

Estamos a mediados de la década de los 1970, cuando Martin Scorsese estaba decidido a rodar un homenaje musical a la Nueva York en la que había crecido, mientras a su vez quería mostrar su amor por el jazz y sus ambientes de la década de los 40. Así fue como se comenzó a gestar “New York, New York”, que contó con Robert De Niro y Liza Minnelli como pareja protagonista, pero a pesar de todo lo que prometía, fue todo un fracaso de crítica y taquilla. Ellos, sin embargo, no fueron los primeros actores que se tuvieron en mente, pues Ryan O’Neal y Barbra Streisand fueron los primeros que se plantearon, descartados luego. De aquí, Scorsese pensó que Liza Minnelli era perfecta para el personaje femenino principal, mientras para convencer al actor de origen italiano se tuvo que ir hasta Parma, donde estaba rodando “Novecento” de Bernardo Bertolucci.

El unir las agendas de ambos para el rodaje de la comedia musical fue uno de los primeros contratiempos por los que pasó esta película, que se basa en la historia del músico Jimmy Doyle y la cantante Francine Evans, que se conocen y enamoran el mismo día que termina la Segunda Guerra Mundial y forman una pareja artística también, a la que seguimos en su búsqueda del éxito. Si bien Robert De Niro entrenó con el saxofón con clases hasta cuando ya se había comenzado el rodaje, finalmente lo que se escucha en el largometraje es la interpretación de Georgie Auld, que formó parte también del reparto.

El rodaje comenzó sin que el guion estuviera terminado

Uno de los principales problemas que enfrentó “New York, New York” fue que se improvisó continuamente, queriendo seguir el estilo del jazz, en parte porque cuando se comenzó el rodaje el guion todavía no estaba terminado. Lo había comenzado el novelista Earl Mac Rauch, que hizo un trabajo de dos años, lo terminaron Mardik Martin y Julia Cameron, entonces esposa de Scorsese.

El propio Markin contaría lo que eso supuso en el libro Moteros tranquilos, toros salvajes de Peter Biskind: “Seguro que hay muchos que trabajan así, pero yo no podía hacerlo. Fue una pesadilla, estuve escribiendo hasta el momento de filmar el último fotograma”, contó. Todo ello, además, siendo una película de época, lo que obligó a un costoso decorado y elaboradas secuencias musicales que luego se retocaron constantemente por la marcada improvisación del director.

Un proyecto personal para Scorsese

La película se concebía como un homenaje al mundo en el que Martin Scorsese había crecido y exploraba un tema muy característico de su cine: la tensión entre la realidad y la fantasía. Esto fue por lo que lo abordó con un gran impulso creativo, desbordante, a la vez que esto generó un rodaje caótico, que se complicó todavía más por las adicciones y la vida personal del director.

En esos años, el director mantenía un complicado affaire con Liza Minnelli, quien todavía estaba casada con Jack Haley Jr. y, al mismo tiempo, tenía un romance con Mikhail Baryshnikov. Varias historias de ese triángulo amoroso quedaron registradas en los diarios de Andy Warhol, amigo de Minnelli y testigo indirecto de algunas de sus disputas.

El origen del himno de Frank Sinatra

Una vez terminada, el primer montaje alcanzaba cuatro horas y media y si bien el equipo pensó que sería una obra maestra, la reacción de la crítica y del público fue totalmente diferente, siendo un sonado fracaso comercial. Sin embargo, marcó en parte la carrera de Minnelli, que apareció menos en el cine, pero que ganó un himno para siempre.

La canción del mismo nombre que la película había sido compuesta por Leonard Bernstein en 1944, pero la versión de la actriz para la escena final fue una de las más conocidas, hasta que Frank Sinatra la versionó en 1977 para grabar uno de sus grandes éxitos y siendo el último con el que llegó al top 40 en Billboard. Ambos, tanto Minnelli como Sinatra la cantarían en todos sus conciertos.

Nacho Cano ha ratificado este miércoles en un juzgado madrileño que Leslie Guadalupe Ochoa, la bailarina de Malinche que le denunció por vulnerar los derechos de los trabajadores, trató de chantajearle. El exmiembro de Mecano demandó a la becaria en septiembre de 2024, presentando como pruebas los mensajes enviados a través de WhatsApp desde el teléfono de la joven mexicana a la responsable de producción del musical donde pedía un pago de 6.000 euros, una carta de recomendación y la estancia en un hotel para evitar que “procediera legalmente”. La presencia del músico ha sido una sorpresa, ya que en principio se esperaba que su intervención fuera por videoconferencia.

Ni el exmiembro de Mecano ni su abogada han querido atender a los medios a la salida de la judicatura, pero según el letrado de la defensa, Alfredo Arrién, Cano ha reconocido que “ofrecieron dinero previamente” a la joven mexicana. En concreto, 3.000 euros destinados a “rescindir el contrato de beca que tenían con ella”. Aquello derivó en una negociación en la que Leslie “pidió 5.350 euros, una carta de recomendación, un billete a México y que le sufragaran los gastos de estadía hasta el 15 de enero”. “Al no llegar a un entendimiento, Cano alega que la negociación se convirtió en un chantaje”, ha explicado Alfredo Arrién, abogado de la bailarina.

En esta causa habían declarado ya la propia Leslie, que se declaró “inocente” de haber cometido tal chantaje. “No ha habido ninguna coacción, ninguna amenaza, ningún hecho delictivo, todo lo contrario. Ha habido una negociación por despido improcedente”, fue lo que defendió entonces. También tomaron declaración Susana Jove, una de las directivas de Malinche, y a otro testigo de la causa.

La Justicia archivó la causa contra Nacho Cano por los becarios del musical Malinche –que propició le denuncia de Leslie–, dado que la Audiencia Pronvincial entendió que el músico y sus colaboradores “no habían tratado de introducir a los ciudadanos mexicanos de forma clandestina en España”. La bailarina pidió la reapertura del juicio, al considerar que que podía existir un delito de “detención ilegal”. Entonces aportaron como pruebas una serie de grabaciones en vídeo realizadas por la joven mexicana antes de intemponer la denuncia que dio lugar al caso en enero de 2024. Según ha informado Alfredo Arrién, su abogado, esta fue aceptada y la bailarina ha sido llamada para tomar declaración el próximo 3 de abril.

Este 15 de marzo es la gala de los Premios Oscar 2026 y si hay un galardón que tiene una clara favorita es el de mejor actriz protagonista, que apunta a Jessie Buckley por su papel de Agnes en “Hamnet” de Chloe Zhao, al haberse llevado anteriormente el Globo de Oro, el Critics Choice Award, el BAFTA y el SAG Award.

Mientras el de mejor actor se le podría escapar a Timothee Chalamet, en el caso de actuación femenina, la actriz irlandesa parte como gran favorita, y lo que pocos saben es que su carrera comenzó en un concurso de televisión de la cadena BBC en el que quedó segunda. Este fue el inicio de una trayectoria poco usual en Hollywood y que podría escribir un capítulo más de su historia.

De rechazar el camino fácil para llegar al Oscar

Jessie Buckley nació en Killarney, Irlanda, el 28 de diciembre de 1989, y desde muy temprano comenzó en la actuación, durante el colegio y el instituto, donde interpretó también papeles masculinos para obras como ‘West Side Story’. Es por eso que muy temprano tuvo claro su objetivo, aunque fue rechazada por dos escuelas de teatro antes de que se decantara por audicionar para un nuevo concurso televisivo en la BBC.

Buckley fue seleccionada para participar en el reality show “I’d Do Anything”, un concurso en el que se buscaba la protagonista desconocida para el musical Oliver!, que se representaría en el West End de Londres, en 2008. No fue la ganadora, quedó en segunda posición, lo que le hizo ganarse ser la suplente de la obra, pero la actriz rechazó este premio porque tenía otros proyectos en mente como eran estudiar música en la Real Acdemia de Música de Irlanda e interpretación en la Real Academia de Arte Dramático de Londres.

La actriz irlandesa demostró que lo suyo era lo de trabajar en silencio, en la sombra, optando por el camino más difícil tras su participación en televisión, a la que no volvería hasta ocho años después para la serie ‘Guerra y Paz’ de 2016, a lo que se unió formar parte de otras series como ‘Taboo’ o ‘La mujer de blanco’.

El camino 'silencioso' a Hollywood

Su debut en el cine llegaría un año después de su regreso a televisión, en 2017 con ‘Beast’, un thriller psicológico en el que daba vida a un personaje incómodo y oscuro, en el que ya se podía atisbar su talento para papeles de alta intensidad emocional como el que le ha dado el reconocimiento en ‘Hamnet’.

Fue este un punto de inflexión, pues fue cuando la industria del cine puso su atención en Jessie Buckley para interpretar personajes secundarios cargados de peso y emoción como sucedió en ‘Estoy pensando en dejarlo’ y ‘La hija oscura’, de Maggie Gyllenhall, con la que ha vuelto a colaborar en “La novia”, un remake de “La novia de Frankenstein” que protagoniza con Christian Bale y que está siendo un sonado fracaso comercial y de crítica.

Pero Buckley ha demostrado que su camino no es el habitual, y tras su buen hacer en el cine, decidió volver al teatro musical y protagonizó junto a Eddie Redmayne la obra ‘Cabaret’ en el West End de Londres, en el papel de Sally Bowles que interpretó en la gran pantalla Liza Minelli, precisamente que le valió el Oscar a Mejor actriz en 1973.

El BBK Live ha ampliado su cartel para su edición de 2026. Según se ha anunciado este martes, Calvin Harris, Dellafuente, Hemlocke springs, Westside Cowboy, La Paloma y BARRRK, además de Vampirina Club by Metrika & D.Basto y Hotcore Party: Taichu and Friend, ampliarán lo ya conocido, con Robbie Williams al frente. El festival se celebrará los días 9, 10 y 11 de julio de 2026 en Kobetamendi.

Según han informado los organizadores, “esta nueva tanda de incorporaciones vuelve a reflejar el carácter abierto del festival en el año de su vigésimo aniversario, que conecta grandes nombres internacionales como los ya anunciados Robbie Williams, Lily Allen, Charlotte de Witte, David Byrne, IDLES, Alabama Shakes o Interpol” con “fenómenos culturales contemporáneos y algunas de las voces más prometedoras de la nueva escena, reforzando la diversidad musical que define a Bilbao BBK Live”.

Calvin Harris es uno de los productores y pinchadiscos más influyentes de la música electrónica de las últimas dos décadas. Con una trayectoria marcada por éxitos globales y colaboraciones que han definido el sonido del pop contemporáneo, el escocés aterrizará en Kobetamendi “con un repertorio que conecta la energía del club con la escala de los grandes festivales”.

El musical 'Mamma mía!' llega esta semana al Palacio de Festivales de Cantabria con siete pases, desde el jueves al domingo, en la Sala Argenta, donde se podrá disfrutar de los conocidos temas musicales de Abba adaptados a este espectáculo que dirige Juan Carlos Fisher.

Verónica Ronda, Gina Gonfaus, Ela Ruiz, Noemí Gallego, Marc Parejo, Víctor Gónzalez, Joan Olivé, Joan Martinez, Elvira Santa María, Laura Miguel, Julio Takata y Luis Visiedo dan vida a los principales personajes de esta obra, que despierta al público con la vida de Donna, en su pequeño hotel en una isla griega, cuando comienza a organizar la boda de su única hija, que ha criado sola.

Sofia, esa joven, decide aprovechar la llegada de invitados a su boca para reunir a tres hombres, relacionados con su madre, entre los que podría estar su padre, a quien nunca ha conocido.

La productora del espectáculo, ATG Entertainment, llega a Santander con 'Mama mía!' tras tres temporadas de éxito, más de 1.000 funciones en Madrid y habiendo cautivado a más de 800.000 espectadores, según señala en su comunicado de promoción de la obra.

‘Dancing Queen’, ‘Gimme Gimme Gimme’, ‘Chiquitita’ o ‘The Winner Takes It All’ podrán oírse ahora en el Palacio de Festivales de Cantabria con este homenaje a las madres y a sus hijas, al amor y a los viejos amigos.

Con una duración de 140 minutos, con descanso, 'Mama mía!' podrá verse el jueves a 19.30 horas, el viernes a las 17 y 21 horas, el sábado, en el mismo hora, y el domingo a las 16.30 y las 20.30 horas.

No importaba que fuera domingo ni que al día siguiente hubiera que trabajar. Al sonar los primeros acordes de 'El último vals' con decenas de fotografías ordenadas cronológicamente de Leire Martínez, desde sus primeros pasos -en la vida y en la música- hasta hoy, el público a rebosar de la Sala Santana de Bilbao ha empezado a vibrar. Ha sido el primer y único concierto por el momento de la que fuera cantante de La Oreja de Van Gogh en Euskadi, su tierra, y lo ha celebrado con sus nuevos éxitos como 'Mi nombre', 'No se me da bien odiarte', o 'Tonto por ti', y con los himnos de siempre, como 'La niña que llora en tus fiestas', 'El primer día del resto de mi vida', o 'Cometas por el cielo'.

Durante las más de dos horas en las que no ha dejado ni un segundo de cantar, Leire ha sido capaz de emocionar al público, de alegría primero y de tristeza y melancolía después, cuando, acompañada de una banda dirigida por Víctor Elías, quien ha creado arte al piano, ha cantado 'Jueves', la canción dedicada a las víctimas de los atentados del 11 de marzo de 2004, mientras en la pantalla se mostraban los ojos sonrientes de personas distintas, una tras otra, mientras Leire ha lanzado un mensaje en contra de la guerra y a favor de las personas sea cual sea su género, raza u orientación sexual.

La emoción palpitaba en el ambiente y en un público que no paraba de corear el nombre de Leire mientras ella, visiblemente emocionada y extasiada de alegría, abrazaba cada grito. Hasta que dos palabras se le han escapado de la boca, casi sin querer. “Estoy enamorada”, ha confesado ante miles de personas que se han emocionado con ellas. Y después, su pareja, el saxofonista Miguel Sueiras, ha entrado en escena y le ha dedicado un 'solo' para después acompañarla en los compases de 'Mírame', canción que Leire canta con Andrés Suárez. Así, ella le ha dedicado su amor en cada letra. “Quédate con quien te mire como lo hago yo, cuando despierto y, a mi lado, tú haces de todo nuestro mundo casa, aunque no haya playa, tú, cuando dibujas nuestro corazón, solo adivinas el futuro, ven, vamos juntos de la mano, siempre juntos”. Y tras la canción, un beso entre ambos ha avivado a las miles de almas que han latido al unísono de la sala bilbaína.

A pesar del canto al amor, Leire Martínez no ha perdido la ocasión para lanzar un mensaje contundente a su público, en concreto, y a la humanidad, en genera, contra la violencia machista. Lo ha hecho primero en euskera y después en castellano. “No nos podemos permitir como sociedad que la violencia machista siga formando parte de nuestro día a día. No podemos normalizarlo hasta el punto de que ya no nos duela, de que ya no nos importe. Tenemos que seguir hablando de este tema, tenemos que seguir poniéndolo sobre la mesa porque insisto, como sociedad, no nos lo podemos permitir. Parece que nos cuesta hablar sobre feminismo y, sin embargo, frente a la palabra igualdad no parece haber dudas. Quizá haya que cambiarle el nombre, pero empecemos a sentir, a interiorizar esa igualdad de una manera profunda, de verdad”, ha manifestado en un absoluto silencio que se ha roto entre aplausos y gritos de apoyo a sus palabras.

Lejos de la polémica que le lleva persiguiendo desde que saltó la noticia del 'adiós' a la banda donostiarra, la cantante ha hablado en términos generales de “dejar atrás el rencor”, de atreverse a “abandonar la zona de confort” y de no de “señalar al de al lado” para así lograr ser más feliz. “Yo llevo tiempo intentándolo”, ha señalado haciendo un guiño que el público ha entendido sin necesidad de aclaraciones como una alusión a su salida de La Oreja de Van Gogh. Tras esas palabras ha cantado 'El ruido', canción que canta con el icónico dúo de pop argentino Miranda! y 'Cabeza de ratón', en la que lanza un dardo rescatando el refrán de “Más vale ser cabeza de ratón que cola de león”, para sostener que es mejor liderar un proyecto pequeño pero propio que ser una 'marioneta' en uno grande.

No han faltado los clásicos de La Oreja como 'Muñeca de trapo', 'Puedes contar conmigo', 'La playa' o 'Rosas', en la que desde el público han hecho entrega de un ramo de rosas a Leire Martínez. Tras dar por acabada la actuación, pero con varios gritos de “beste bat” (“otra”, en euskera) la de Errenteria y su banda han vuelto para poner la guinda al pastel y cantar 'Inmortal'. Y con las palabras “volveremos pronto, Bilbo. Prometido, hasta siempre”, Leire Martínez, sin necesidad de nadie más, pero muy bien acompañada, se ha declarado inmortal en Bilbao, en Euskadi y en el mundo entero.

Nicole Kidman y Ewan McGregor son actualmente dos estrellas consolidadas en el cine y la televisión, con carreras longevas y exitosas en Hollywood. En 2001, ya eran dos caras muy conocidas para la gran pantalla, pero su estrellato todavía fue a más con el estreno de Moulin Rouge, que fue más que un musical, como demuestra su influencia en el cine 25 años después.

La película, dirigida por Baz Luhrmann, fue un éxito en taquilla y se llevó dos premios Oscar a Mejor vestuario y dirección de arte, nominada a un total de once categorías, entre ellas las de mejor película y mejor actriz.

Moulin Rouge terminó de encumbrar a Nicole Kidman como estrella

Y es que, precisamente, protagonizar Moulin Rouge fue para Nicole Kidman un importante espaldarazo en un momento complicado a nivel personal, al confirmarse ese mismo 2001 su divorcio de Tom Cruise. Al mismo tiempo, la actriz también estrenó Los Otros, de Alejandro Amenabar, que rodó al mismo tiempo.

Interpretar a Satine, personaje sobre el que gira el peso y la historia de Moulin Rouge, llevó a Nicole Kidman a ser una estrella confirmada e inauguró una era que le llevaría a ganar el premio Oscar en 2003 por Las horas. Un rodaje que le exigió, al que se entregó y donde enfrentó escenas de baile que ensayó durante semanas. De hecho, en uno de ellos se rompió dos costillas y se lesionó gravemente de la rodilla.

En la película, Nicole Kidman visitó vestuario inspirado en divas de Hollywood como Rita Hayworth o Marilyn Monroe, lo que llevó a ser también un icono elegante de moda, tanto que Karl Lagerfeld la contrató para ser la imagen del icónico perfume Chanel Nº5. Y es que para Moulin Rouge se confeccionaron alrededor de 450 vestidos y trajes, así como un collar valorado en 2,5 millones de dólares que se inspiró en estilo Luis XVI realizado en oro blanco de 18 quilates y más de 1.000 diamantes.

La inspiración para crear la historia de Moulin Rouge

La película Moulin Rouge nos cuenta la historia de Christian, un joven inglés que decide mudarse a París para vivir la revolución bohemia desde dentro en 1899. Allí acaba en el epicentro que forma el club nocturno del mismo nombre que el título del filme, donde tanto ricos como pobres dan rienda suelta a sus pasiones, y ahí conoce a Satine, de la que se enamorará perdidamente.

Baz Luhrmann quiso hacer su propia versión de Moulin Rouge de 1952, de John Ford, con José Ferrer y Zsa Zsa Gabor como protagonistas, y se le ocurrió el proyecto que llevó a cabo en plena India, cuando estaba investigando para Sueño de una noche de verano. Al ir a ver una película de Bollywood al cine acabó en una cinta de más de tres horas que mezclaba comedia, drama, tragedia y música, y pensó en hacerlo, introduciendo además elementos de la ópera.

Así, se basó en la propia historia real del cabaret parisino, retratado por Henri Toulouse-Lautrec y en la historia del pintor, así como incorporó elementos de La dama de las camelias, La Traviata, de la obra de Giacomo Puccini y de Orfeo en los infiernos de Jacques Offenbach.

El Juzgado de lo Mercantil Número 1 de Donostia ha condenado a la editorial Elkar a indemnizar al grupo de música Hertzainak por un total de 14.315,37 euros en concepto de indemnización por daños y perjuicios de carácter patrimonial y a 7.157,68 euros en concepto de indemnización adicional por daño moral por distribuir sus canciones sin su consentimiento en plataformas digitales. Los demandantes defienden que Elkar había puesto “en explotación digital (Spotify, Apple Music, Amazon Music, YouTube etc.) las grabaciones pertenecientes al catálogo de Hertzainak sin autorización expresa de sus titulares”. En su demanda explican que, en 1992, cuando firmaron un contrato con la discográfica Ohiuka, “no existía la explotación digital” y que el contrato no incluía cláusula alguna relativa a futuras modalidades de explotación ni a canales digitales. A pesar de ello, la Justicia considera prescrito gran parte del período en el que lo hizo, por lo que la sentencia del caso sólo estima parcialmente la demanda contra la editorial interpuesta por la banda de rock radical vasco.

Según recoge la sentencia, los demandantes relatan su trayectoria como integrantes de Hertzainak desde 1981 hasta 1933 y defienden que los primeros álbumes del grupo —'Hertzainak' (1984) y 'Hau dena aldatu nahi nuke' (1986)— fueron producidos bajo contratos suscritos con Soñua Producciones Discográficas S.L.. Posteriormente, describen la sucesión empresarial hacia Oihuka Discos SL., creada en 1987 por el gerente de Soñua y cuyo catálogo fue adquirido en 1998 por la editorial Elkar. Los demandantes afirman que esta sucesión no fue notificada ni ratificada, si bien reconocen que Oihuka continuó la explotación económica de sus canciones desde finales de los años 80. Durante los últimos años de la banda, desde el 1991, los miembros del grupo crean la compañía Aketo, una compañía productora y discográfica independiente creada por ellos mismos para gestionar la publicación de sus propios materiales, de forma más autónoma, y con un mayor control sobre sus lanzamientos. A través de dicha compañía, los miembros de Hertzainak grabaron el álbum fonográfico 'Zuzenean' (1991), el maxi single denominado 'Une etengabeak' (1992) y el maxi single 'Mundu berria daramagu bihotzean' (1999).

La sentencia sostiene que el contrato suscrito por los miembros de Hertzainak en 1992 con la discográfica Oihuka constituye “el único título habilitante de explotación de sus interpretaciones fijadas en fonograma”, es decir, de las canciones. “Del propio tenor del contrato —y del contexto tecnológico de la época— se desprende que la cesión se refiere exclusivamente a la fijación en soporte material y a la fabricación y comercialización de discos físicos; no existe referencia alguna a comunicación pública por redes digitales, puesta a disposición interactiva, reproducción digital en servidores ni explotación por internet, lógico, dada su existencia embrionaria en dicha epoca. Por tanto, conforme al art. 107 TRLPI y su remisión al art. 18, la cesión realizada por los intérpretes quedó limitada a las modalidades de explotación expresamente pactadas, esto es, las propias de la industria fonográfica tradicional en soporte tangible”, dicta la sentencia.

“La explotación digital constituye una modalidad jurídicamente autónoma, que requiere título habilitante específico de los intérpretes. En el presente caso, no existe cesión expresa posterior de los derechos de reproducción digital y comunicación pública online por parte de los demandantes y no se ha acreditado ninguna licencia individual o colectiva otorgada por los demandantes con arreglo al art. 109 TRLC para la puesta a disposición de sus interpretaciones en plataformas”, detalla la sentencia notificada a ambas partes a principios de este enero.

El juez explica que en lo que respecta a la acción de indemnización y a la prescripción, en este caso el plazo legal es el de cinco años desde que la acción pudo ejercitarse pero que al tratarse de una infracción continuada, “la prescripción no extingue globalmente la acción de daños, sino que extingue definitivamente el derecho a reclamar los daños anteriores al último quinquenio, pero mantiene viva la acción exclusivamente respecto de los daños generados dentro de los cinco años anteriores” a la fecha de interposición de la demanda, septiembre de 2023. El juzgado declara así prescritos todos los daños generados antes de septiembre de 2018.

Así, la justicia condena a Elkar a cesar de forma inmediata en toda explotación digital no autorizada del repertorio de Hertzainak, “incluida su puesta a disposición en plataformas digitales”. El fallo también indica que Elkar deberá abstenerse a reanudarla en el futuro “sin la preceptiva autorización de los titulares de los derechos”. Esta sentencia no es firme y puede ser recurrida ante la Audiencia Provincial de Gipuzkoa.

Este martes 27 de enero arranca la programación de invierno del Teatro Auditorio 'José Luis Perales' con una variada programación que incluye música de diferentes estilos, teatro o humor, que se desarrollará hasta el mes de marzo. El pianista James Rhodes figura como cabeza de cartel.

“Presentamos esta programación con toda la ilusión por seguir atrayendo el interés de los espectadores, que se han ido incrementando en 2025 en casi 5.000 personas con respecto al año anterior”, ha indicado la concejala de Cultura, María Ángeles Martínez.

Según ha dicho, ese es el objetivo, que el Teatro Auditorio 'José Luis Perales' siga “este ritmo ascendente de interés por parte de los conquenses” y sobre todo que “lo sientan como un espacio propio en el que sentirse a gusto y disfrutar de la cultura y del talento tanto conquense como el que nos ofrece el panorama nacional e internacional de las artes escénicas en todas sus disciplinas”.

La programación contará con la visita de una estrella internacional de la música clásica, el pianista James Rhodes, además de la visita de Las Migas, ganadoras de un Grammy Latino, junto a La Juerga Flamenca de Montoya y Carmona, y de la violinista conquense Judith Mateo.

Musicales y humor

Dos musicales de éxito integran también la temporada, 'Tarzán' y 'La Bella Durmiente', así como una atractiva experiencia sensorial con el espectáculo 'Aurum' para disfrutar de bandas sonoras a la luz de las velas.

El humor vendrá de la mano de Miguel Campos, guionista del programa 'La Revuelta', con su monólogo '¿Dónde está la gracia?' y de Fran Pati con su espectáculo 'Y tú, ¿tienes pueblo?'. Por su parte, la programación teatral llega con 'Gool', una sátira sobre el fútbol con Yllana; los magníficos actores Carlos Hipólito y Kiti Manver con 'Música para Hitler'; y 'Parejas imperfectas', que aborda el ámbito de la discapacidad y sus cuidados.

En cuanto al ciclo 'Nuestros Martes', dedicado a dar visibilidad al talento conquense, cuenta además de con The Teachers Band con Ruth Olmedilla y Aníbal Bañados, Alejandro González y Blanca Ruiz, el coro de cámara Vokalis Fémina y el grupo de rock celta Trovadorum.

El 20 de enero de 2006 se estrenaba en el canal Disney Channel de Estados Unidos una pequeña película que seguía la estela de otras cintas de la sección de televisión de la factoría que tuvieron cierto éxito como fue “Cadete Kelly” con Hilary Duff o “The Cheetah Girls” con Raven, ambas estrellas Disney de la década de los 2000.

Hablamos de “High School Musical”, que no llegaría a España hasta el 30 de septiembre de ese mismo año, una película que trascendió la pantalla y se convirtió en un verdadero fenómeno de masas que propició una trilogía completa y que sus protagonistas Zac Efron, Vanessa Hudgens o Ashley Tisdale fueran las principales estrellas del momento para Disney Channel.

Y es que el estreno de este largometraje original es actualmente el segundo mejor del canal televisivo con un total de 7,7 millones de espectadores, solo superado por su secuela, que estrenada en el verano de 2007 alcanzó los 17 millones de espectadores y que ostenta todavía el récord de lo más visto de Disney Channel.

El fenómeno fue tal que Disney cerró la trilogía con una tercera parte estrenada en cines en 2008, en parte también por el alto coste alcanzado, con un presupuesto que superó el de la primera y segunda juntas, pero que recaudaría 250 millones de dólares a nivel mundial.

El origen de la historia de “High School Musical”

“High School Musical” tiene su origen en una idea de hacer un cierto homenaje a cintas musicales de éxito adolescente como “Grease” a la vez que adaptar la mítica historia de amor prohibido entre dos personas de mundos diferentes, es decir, la de “Romeo y Julieta” de Shakespeare, algo que confirmó a Variety el guionista, Peter Barsocchini. En cierto modo cobra sentido si tenemos en cuenta que Troy Bolton es el líder del equipo de baloncesto del instituto, mientras Gabriella Montez es la chica nueva y toda una “cerebrito” que suele participar en olimpiadas de matemáticas y ciencias.

La idea fue desarrollada por Kenny Ortega como director, que plasmó ideas de su juventud, cuando creció haciendo teatro musical en el instituto y admirando los musicales de la Metro Goldwyn Mayer, completando un primer guion que le “encantó” cuando lo recibió. Uno de los hechos más desconocidos es que “High School Musical” fue un título provisional para la película, esperando encontrar alguno mejor, pero al terminar el rodaje no habían dado con ninguno, por lo que optaron por dejarlo y hacerlo definitivo.

Para el elenco hicieron una audición más típica de Broadway a más de 600 actores, entre los que redujeron una lista de 18 final a los que les hicieron mezclarse e improvisar: “Jugaban con pelotas de baloncesto, cantaban, cantaban en parejas, hacían combinaciones de baile y trabajaban en escena. Entraban y salían, y sus agentes se volvían locos”. Sin embargo, reunieron un grupo que el propio director sintió que “tenían el potencial de causar sensación”.

Dentro de ese reparto de “High School Musical” destacó Zac Efron, que se convirtió en una estrella con el papel de Troy Bolton, que consiguió en parte por sus buenas dotes para el baile y también para el baloncesto, que entrenó durante tres horas diarias para perfeccionar tiro y técnica, aunque no fue el que puso voz a las canciones de su personaje.

Durante años esto fue una leyenda urbana muy conocida, y se confirmó por el propio director, que explicó que las canciones fueron compuestas antes y que el tono del actor era más bajo, por lo que fue Drew Seeley, quien había audicionado también para el papel, quien puso voz a Bolton y formó parte de la gira de conciertos. Zac Efron sí puso voz en la segunda y tercera entrega, además de algunas líneas de “Start of Something New”, la primera de “Breaking Free” en la escena del balcón.

El instituto real donde se grabó “High School Musical”

El rodaje de “High School Musical” tuvo lugar en un instituto real, no es que sea un decorado. Es el East High School de Salt Lake, en Utah, en el que un día llegaron a coincidir los alumnos reales con los actores, aunque esto no hizo fracasar al rodaje. Actualmente, este instituto todavía mantiene huellas del paso de HSM, como el hecho de que mantiene la taquilla de dos puertas decorada de forma diferente al resto por Sharpay.

Acaba el año, y en un país que hace tiempo que rebasó el umbral de los mil festivales por temporada es más que razonable que algunos se cancelen. En 2025 ha ocurrido más de veinte veces. Entre los afectados, las ediciones del Reggaeton Beach Festival en Marbella y Oropesa de Mar, la escala madrileña de Locos Por La Música, el Negrita Fest de Salamanca, la última fecha de Vive Jaén Music Fest y los festivales Brisadela, Wimen, Iberia Festival, Rocanrola, Iceberg, Reus Music Fest, Off BCN, Sunlight Festival, Estéreo Live, Love To Rock, Bridge District Festival, Montgorock…

Las razones más habituales son las condiciones climatológicas o la escasa venta de entradas. Algunos festivales han aducido también “factores externos”. Es el caso del Pirata Murcia, donde el factor externo era la campaña de Vox para que Soziedad Alkohólika no actuase en él. Otros, como el Sunlight de El Puerto de Santa María, se han escudado en “la retirada del apoyo institucional”. El Madritallica de Malagón (Ciudad Real) no llegó a celebrarse debido a “una estafa relacionada con la producción del evento”. El Cueva de Nerja, por una razón de insólito peso: “falta de tiempo para organizarlo”. Aun así, la excusa más rocambolesca la aportó el My Playlist Fest. En su caso fueron “circunstancias fuera de nuestro control relacionadas con la convivencia de varios eventos en el espacio de los exteriores del Estadio de la Cartuja”. Traducción: este evento iba a reunir a Café Quijano, Íñigo Quintero y Despistaos el mismo día que el rapero argentino Duki actuaba en el interior del estadio de La Cartuja.

Devolución automática… o no

En la mayoría de casos, el descalabro se resuelve retornando automáticamente el importe de las entradas, pero no siempre es así. Y el goteo de festivales que dificultan el reembolso del dinero obligando al público a reclamarlo en un plazo de tiempo reducido o que, simplemente, se quedan el dinero no deja de crecer. No es, en absoluto, una práctica habitual, pero tampoco es algo muy puntual. Es una dinámica silenciosa que se concreta, sobre todo, cuando la promotora entra en concurso de acreedores y los espectadores quedan desamparados a la espera de una devolución que nunca llega. Y el caso no salta a la luz a menos que los afectados se organicen en plataformas o presenten reclamaciones a asociaciones de consumidores y departamento de consumo de sus comunidades autónomas.

En 2025, la Organización de Consumidores y Usuarios (OCU) ha recibido una treintena de reclamaciones relacionadas con los festivales catalanes Wimen y Reus Music Fest, los valencianos Rocanrola e Iberia Festival y el madrileño Locos por la Música. En todos estos casos, el motivo fue la no devolución del importe de las entradas una vez cancelados. En Facua han recibido aún más quejas y en mayo ya denunciaron a la promotora del Reggaeton Beach Festival por limitar a solo 15 días el tiempo para reclamar la devolución del dinero de las ediciones de Oropesa y Marbella. Ambas citas se cancelaron en abril aunque estaba previsto que se celebrasen entre finales de junio y principios de julio.

El Reus Music Fest cambió de fechas su segunda edición y finalmente se suspendió por “la incompatibilidad de las fechas propuestas con diversos artistas del cartel inicialmente programados”. El festival aseguró que reembolsaría el importe a las personas que enviasen en el plazo de diez días su nombre completo y código de compra a una dirección de email de la ticketera. El comunicado ofrecía incluso un número de teléfono, pero el dinero no llegó. Varias personas se organizaron desde la cuenta de instagram Afectats.rmf y tramitaron su reclamación a través de la Agència Catalana de Consum. El estamento público recibió 27 reclamaciones, aunque el número de entradas era más elevado “porque en cada una de las 27 reclamaciones se pedía la devolución de varias entradas”, informan desde la ACC. La entidad asumió la mediación con la empresa y logró que los consumidores recuperasen el dinero de las entradas. Desde la plataforma Afectats.rmf confirman los hechos: “Han ido pagando con cuentagotas”.

La ticketera se lava las manos

El 17 y 18 de octubre iban a celebrarse en la Caja Mágica de Madrid los festivales Iceberg y Locos Por La Música. Miguel Minieri compró entradas para el primero, pero a dos semanas de abrir puertas, la promotora lo suspendió “por motivos de viabilidad económica”. Los compradores recibieron un mensaje más claro, pero menos tranquilizador. “Daños económicos ocasionados por la cancelación del evento” impedían “en este momento la devolución de las entradas”. El término “en este momento” se ha revelado tan elástico que a Miguel nadie le ha devuelto nada. “Hablar con el promotor es imposible”, lamenta.

Las gestiones con la ticketera tampoco han dado fruto: “Se lava las manos diciendo que solo es el intermediario y que no tiene capacidad legal ni operativa para devolvernos el dinero”, explica. Miguel usa el plural porque varios amigos compraron entradas y porque le han contactado una decena más de espectadores en la misma situación. Dos meses después, se desvanecen las esperanzas y flaquean las fuerzas. “Tienen nuestro dinero y no parece que nos lo vayan a devolver a corto plazo. Si siguen así, habrá que denunciarles. Pero por 38 euros da un poco de pereza ponerte con burocracia. Creo que juegan un poco con eso”, intuye Miguel.

Tienen nuestro dinero y no parece que nos lo vayan a devolver a corto plazo. Si siguen así, habrá que denunciarles. Pero por 38 euros da un poco de pereza ponerte con burocracia. Juegan un poco con eso

Wind And Tide Music SL, promotora del Iceberg Festival, también organizaba la edición madrileña de Locos Por La Música, un encuentro de bandas de pop-rock español de los años 80 y 90 ideado por la promotora Los Felices Existen y de la que este año también se han celebrado ediciones en Cáceres, Valladolid y Valencia. En OCU recibieron 18 reclamaciones relacionadas con este evento, cifra que estimaron demasiado baja para emprender una demanda colectiva. Aunque cada festival es un mundo distinto, esperan recibir “entre cincuenta y cien” para iniciar una demanda. En este caso, todas las personas contactadas para este reportaje aseguran que al final ha recuperado su dinero. Algunas, de puro rebote. “A través de una de las bandas que formaban parte del cartel, a la que conocía personalmente, conseguí agilizar los trámites”, desvela Emilio.

“No disponemos de fondos”

La primera edición del Wimen no pudo acabar peor. Iba a ser un ciclo de conciertos protagonizado exclusivamente por mujeres y distribuido en distintas salas barcelonesas a lo largo de octubre. Se celebraron los del primer fin de semana, con María José Llergó entre otras, pero cuando hubo que encarar el segundo, el más surtido de programación, la estrategia se mostró fallida. Muchas actuaciones se contraprogramaban entre sí, de modo que la venta de entradas nunca llegó a despegar y finalmente se suspendió todo el ciclo. Tras el comunicado oficial, el promotor aclaró la situación a los poseedores de entradas. La frase definitiva estaba remarcada en negrita: “No disponemos de fondos para efectuar el reembolso de las entradas del concierto que adquiriste”. Palma y su amiga compraron un par para ver a Concha Buika en el Poble Espanyol. Todavía esperan su dinero. “Estoy muy indignada”, suelta, ante lo que considera “una estafa en toda regla”. El promotor, José María Farfán, alias ‘El Mago’, ha desaparecido. 

Aun en el supuesto de que las promotoras reembolsen el dinero de las entradas al público, algunas no devuelven los gastos de gestión. Así lo descubrieron los afectados del festival barcelonés Off BCN cuando la ticketera Resident Advisor no retornó esa parte del importe. Y, los del Madritallica de Malagón (Ciudad Real), a quienes la promotora ya advirtió con antelación que no los devolvería. En Facua recuerdan que no es legal retener esa parte del importe de la entrada y también remarcan que “más allá del importe de las entradas, los usuarios tienen derecho a reclamar los daños y perjuicios sufridos como consecuencia de la cancelación. En este sentido, si hay necesidad de anular noches de hotel o transporte contratados previamente, tendrían derecho a reclamarlo”.

Ninguna irregularidad registrada este año en cuanto a la no devolución del dinero de las entradas de festivales cancelados puede ser considerada excepcional. En 2022 se produjo uno de los casos más sonados de los últimos años: la cancelación del festival Diversity de Valencia en el que iban a actuar Christina Aguilera, Karol G e Iggy Pop. En 2023 Facua ya denunció al festival Salamanca Vive por no devolver el dinero de las entradas al público, pero la multa impuesta por la Junta de Castilla y León fue de 1.800 euros, cifra que la Federación de Asociaciones de Consumidores y de Usuarios de Andalucía calificó de “absolutamente ridícula”. Solo medio año antes, Facua había conseguido mediante otro proceso judicial que el gobierno vasco multase con 60.000 euros a la promotora que había organizado la gira de conciertos Modern Talking y Sandra cancelados en Bilbao, Sevilla y Badalona. Y ni siquiera tan voluminosa sanción ha significado que toda la gente que compró esas entradas haya recuperado su dinero. 

Si en 2024 la ACC recibió 56 reclamaciones relacionadas con cancelación de conciertos, en 2025 la cifra ha ascendido hasta 73. En OCU reciben cada verano “reclamaciones por la devolución del saldo restante de la pulsera, por cambios de cartel sin información previa y sin compensación, por la prohibición de entrar con comida y bebida del exterior, etc.”, pero perciben que en los festivales se reclama menos que en otros ámbitos de consumo. Intuyen dos motivos: “los asistentes suelen ser jóvenes” y “el importe a reclamar es una cuantía escasa”. La denuncia que Facua presentó ante la Generalitat Valenciana y la Junta de Andalucía por el breve plazo de tiempo que ofrecía al público para recuperar el dinero de sus entradas tras la cancelación del Reggaeton Beach Festival tendrá un lento recorrido, pero insisten en que es el único camino para recuperar el dinero y erradicar los abusos por parte de los festivales. Ese, y que las administraciones públicas dicten sentencias menos tibias y más ejemplarizantes.

Cuando Nel Villanueva (Avilés, 1984) camina, lo hace siempre como si la música le marcase el compás. Es algo innato y que quizás no percibe, igual que lo es su media sonrisa, que siempre le acompaña cuando entra a impartir las clases de música tradicional y baile en los diferentes pueblos de Asturias, recuperando la ilusión y las ganas de hombres y mujeres de volver a los sones de antes.

Nel concibe la música, el baile y tocar los instrumentos siempre como una forma de “pasarlo bien, de disfrutar”, y es ahí donde consigue que cada vez sean más sus alumnos y alumnas.

Con el palo de una escoba

Se crio en Avilés y se escondía para cantar Alejandro Sanz en la habitación, con el palo de la escoba de micrófono. “Solo lo sabía mi hermana, yo era muy reservado”, explica, mientras su madre tarareaba a Rocío Jurado en la cocina. Pero en aquella familia tan musical se hizo el silencio de repente, y Nel sentía que aquellos silencios le asfixiaban. Fue una tragedia la que apagó la música: la muerte de una tía. “Con la muerte de su hermana, mi madre dejó de cantar y yo me apunté al coro de la iglesia porque no podía vivir en silencio”, relata.

“Teníamos un pequeño casete y me grababa con las canciones de la época. Yo tenía clarísimo que quería ser cantante; al igual que otros querían ser astronautas o médicos, yo quería cantar”, recuerda Nel, señalando cómo desde niño la música se convirtió en su objetivo y su camino.

Pendiente de aro y aire desenfadado

Cuesta imaginarse a Nel, con su pendiente de aro, su pelo siempre despeinado y su aire desenfadado, cantando en un coro de iglesia, pero lo hizo y guarda muy buenos recuerdos de aquel lugar. “Yo ya me había metido en el coro del instituto también, me pasaba la vida tocando: Estopa, Extremoduro… Cuando íbamos a Trasona a pasar la tarde en el merendero, yo siempre llevaba mi guitarra…” y sonríe, y parece que suene alguna música de fondo, porque a este músico apasionado pocos instrumentos se le resisten.

Nel siguió la tradición familiar y se matriculó en electricidad con la intención de trabajar en la industria avilesina, al igual que lo hicieron su padre y su abuelo. Pero nunca se olvidó de la música ni quiso hacerlo. Junto a unos colegas rompió la idea de que las panderetas eran solo cosa de mujeres: “Nos juntamos con la idea de tocar la pandereta, ¿por qué no? Teníamos muchas inquietudes y lo hicimos”. Así nacieron los primeros Pandereteros d’Anguaño, abriendo el camino para todos los que vinieron detrás.

En esa misma visión también nacen Los Dalton, con los que grabó un disco completo de música asturiana para bailar de forma tradicional. “El baile es lo más prestoso que hay y en este mundo del folclore pasamos de una cosa a otra: del baile a la pandereta, de la pandereta al acordeón, a la gaita…”, explica Nel, convencido de que ahora está en el lugar correcto, siendo maestro de música tradicional y baile, disfrutando al cien por cien de un trabajo que siempre había sido afición.

Además, forma parte del dúo Xarré y de la Bandina Los Llerones, y ha impartido talleres en lugares como el Museo Etnográfico de Grandas de Salime o en festivales de música folk. Ahora su proyecto personal lleva nombre propio: Leirana, en homenaje a las muyeres que marcaron su vida y entre las que se crió en esa tribu preciosa que tienen las familias de los pueblos, como la de él, que fue emigrante a Avilés, a esa ciudad donde había trabajo y la familia siempre se mantuvo unida. Con Leriana, Nel da un paso más “toco todos los palos de la música tradicional asturiana, no solo la del baile”

Villanueva concibe la música tradicional como algo vivo: “Por practicidad también te toca evolucionarlo a los tiempos de hoy, tanto con los instrumentos para que sea más atractivo, como con el ritmo de vida que llevamos, que es mucho más rápido. No podemos aprender a bailar como antes, que bailábamos todo el tiempo y cantabas todo el tiempo y se te pegaba; ahora es todo mucho más rápido y lo adaptas a lo que hacemos ahora y a las cualidades de ahora. Pero sí que estudio, sí que me gusta saber dónde viene y que lo sepan mis alumnas también”.

“Erasmus musical”

Su formación no se limitó a Asturias; Nel amplió su mirada viajando y aprendiendo de otras tradiciones: “Al final es como que fui amueblando mi casa con muebles de muchos lugares. Pasé mucho tiempo yendo a Galicia, donde estuve de ‘Erasmus musical’, y aprendí un montón. Allí el folclore está mucho más vivo, la gente baila en cualquier romería. Aquí también se está recuperando, pero todavía hay un fallo de raíces: no se apoya lo suficiente desde empresas ni instituciones, y falta educación para que la gente valore y entienda la tradición”. Y subraya la importancia de las escuelas de música: “Gracias a escuelas como las de José Antonio ‘El Cantu la Vara’ aprendemos, ellos nos facilitan el aprendizaje. Las escuelas de tonada son fundamentales, son esencia de Asturias”. Ahora él es también escuela.

“Hay que educar a la gente, y la cultura también hay que educarla. Es patrimonio nuestro. Si no nos sentimos orgullosos de nuestra cultura, ¿quién lo va a hacer? Y si no la conoces, no la vas a querer”. Reflexiona Villanueva sobre la visibilidad de los artistas: “No puede ser que un tío como Rodrigo Cuevas no toque en los mayores ayuntamientos de Asturias”, reclama el músico, que ahora vive en la casa familiar, en Pumarín (Grau), el sitio donde ha encontrado la inspiración perenne, y donde siempre siente el abrazo de su abuela. Nel ha vuelto a los orígenes.

Vivir de esto

Y recuerda los obstáculos que tuvo para dedicarse a la música: “Tuve que estar explicándome con un vecino que me quería echar una mano para buscarme una empresa en la que trabajar. Tuve que estar justificándome que estaba ganando un sueldo. No creen que puedas vivir de esto. Imagínate cómo pueden validar tu proyecto personal”. Sobre las tonadas, Nel dice: “La primera vez que cantas tonada te cuesta, es un canto difícil. Pero vas aprendiendo y vas amándolo cuando te enteras lo complejo que es, de dónde viene y lo diferente que es. Cuando lo vas estudiando acabas comprendiéndolo”.

La vida y su empeño personal le han hecho concentrar todos sus esfuerzos en ser músico y maestro de música tradicional y baile, una virtud que se hace fuerte en cada clase, cuando decenas de panderos y panderetas tocan al ritmo que él marca. Su filosofía es clara: disfrutar, compartir y crear red. Así también enseña en los chigres en sus clases de “cantares de chigre”, desempolvando canciones de la memoria de los pueblos.

Hoy, Nel Villanueva, con su particular ‘Erasmus musical’, ha conseguido recuperar las escuelas de música tradicional y sacar a bailar a decenas de personas que estaban a punto de olvidar sus orígenes. Y cuando se despide, suenan panderetas... el “Erasmus” viaja con Nel.

Cada diciembre, la música navideña recupera su espacio en radios, tiendas y plataformas digitales. Los villancicos tradicionales conviven con los temas pop que marcan el inicio de la temporada, y la voz de Mariah Carey se ha convertido en un sonido característico de esas semanas. La cantante estadounidense ha sabido mantenerse en las listas de éxitos de final de año gracias a una canción que, desde hace décadas, simboliza el comienzo del periodo festivo

Ese fenómeno se renueva año tras año, y muestra cómo las costumbres musicales se adaptan sin perder su capacidad de evocación. Con ello conviene recordar que el éxito musical en Navidad no depende solo de las modas, sino también de la permanencia de ciertos temas que han acompañado a varias generaciones. La necesidad de comparar métricas abre la puerta a revisar qué canción ocupa realmente el primer lugar y por qué.

Bing Crosby convirtió una canción en sinónimo de Navidad durante décadas

White Christmas, interpretada por Bing Crosby y compuesta por Irving Berlin, se convirtió en la canción navideña más famosa de la historia por su éxito comercial y su identificación duradera con la festividad. Crosby la presentó por primera vez en su programa de radio el 25 de diciembre de 1941 y la grabó meses después para la película Holiday Inn, estrenada en 1942 junto a Fred Astaire. A finales de ese año ya se habían vendido un millón de copias.

En 1943 ganó el Óscar a la mejor canción original, y su popularidad no dejó de crecer durante las siguientes décadas, hasta alcanzar los 50 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo según Guinness World Records. El propio Crosby escribió en sus memorias que no podía escapar de aquella melodía: “Es una gran canción con una melodía simple, y allá donde vaya tengo que cantarla”.

El reconocimiento de White Christmas se extendió a nuevas grabaciones, reediciones y adaptaciones. En 1945 se incluyó en el álbum Merry Christmas, y en 1954 inspiró una película homónima protagonizada por el mismo Crosby junto a Danny Kaye, Rosemary Clooney y Vera-Ellen. Su asociación con la imagen del cantante fue tan fuerte que, incluso en su último especial televisivo, grabado poco antes de morir en 1977, volvió a mencionarla antes de interpretar junto a David Bowie el dúo Peace on Earth/Little Drummer Boy. Aquel programa consolidó su vínculo artístico con la Navidad, una relación que mantuvo hasta el final de su carrera.

George Michael mantiene viva una canción que tardó décadas en liderar listas

Más de tres décadas después, el británico George Michael siguió una trayectoria paralela en cuanto a persistencia. Con su grupo Wham! publicó Last Christmas en 1984, una canción que, en lugar de celebrar la alegría de las fiestas, narraba un desengaño amoroso. Alcanzó el número dos en la lista británica, superada por el sencillo benéfico Do They Know It’s Christmas? del proyecto Band Aid, en el que el propio Michael participó.

Pese a aquel segundo puesto, el tema de Wham! reapareció cada diciembre hasta que, en enero de 2021, logró por fin el número uno en el Reino Unido, 36 años después de su estreno. En la actualidad supera los 2.000 millones de reproducciones en Spotify y es uno de los grandes clásicos de la Navidad.

El repertorio histórico de villancicos también conserva un lugar destacado en la tradición. Silent Night, compuesta en Austria con letra de Joseph Mohr y música de Franz Gruber, es la canción navideña más versionada de todos los tiempos. Según un análisis publicado por Time en 2014, solo en Estados Unidos se han registrado más de 700 grabaciones desde 1978, frente a las cerca de 400 de Joy to the World. Entre quienes la han interpretado figuran Frank Sinatra, Mahalia Jackson, Julie Andrews y Justin Bieber, lo que demuestra su adaptabilidad a estilos y épocas muy distintas.

El consumo digital coloca a Mariah Carey como referencia actual de la Navidad

En la era digital, el protagonismo de las listas ya no depende de las ventas físicas, sino de las reproducciones en streaming. En ese terreno, Mariah Carey ha desplazado a Crosby como referente absoluto de la Navidad con All I Want for Christmas Is You. La canción, publicada en 1994 dentro del álbum Merry Christmas, acumula más de 2.300 millones de escuchas en Spotify.

Aunque no fue lanzada como sencillo en su origen, desde 2000 ha regresado cada diciembre a las listas hasta alcanzar el número uno en 2019. Sus continuas reapariciones navideñas, con la clara intención de superarse cada año menos en este discreto 2025, ha convertido a Carey en la voz más asociada a las celebraciones contemporáneas y en la heredera más clara del legado que inició White Christmas.

El musical 'Mamma mia!' recalará en el Palacio de Festivales del 12 al 15 de marzo de 2026 con siete funciones, cuyas entradas saldrán a la venta este martes, 16 de diciembre, a las 11.00 horas, en taquilla y en la página web.

En concreto, las sesiones tendrán lugar una el 12 de marzo, a las 19.30 horas; dos el día 13 y otras dos el día 14, con representaciones a las 17 y a las 21 horas; y otras dos el día 15, a las 16.30 y a las 20.30 horas.

Esta comedia musical, dirigida a todos los públicos, llega a Santander tras tres años de éxito en la Gran Vía de Madrid, con más de 800.000 espectadores, ha informado la productora en un comunicado.

Se trata de una adaptación realizada por David Serrano y una producción de ATG Entertainment --responsable de éxitos como 'Matilda', 'Billy elliot', 'Grease', 'Priscilla', 'West side story' o 'Cabaret'-- que llega a Cantabria bajo la dirección de Juan Carlos Fisher y la dirección de musical de Joan Miquel Pérez.

La nueva versión de 'Mamma mia!' cuenta con una escenografía, un vestuario y coreografías originales, que se suman a letras y arreglos musicales renovados.

Sobre el escenario, Donna, Tania, Rossie, Sophie, Sky, los “tres posibles padres” y los 27 integrantes del elenco cuentan la historia de un musical basado en los 23 grandes éxitos de Abba, como 'Dancing Queen', 'Gimme, gimme, gimme', 'Chiquitita' o 'The winner takes it all', entre otros.

Veinticinco años después de su estreno en Londres, 'Mamma mia!' ha sido traducido a más de 15 idiomas y aplaudido por más de 70 millones de espectadores.

En España, el éxito del musical también fue “rotundo” desde su estreno en 2004, cuya primera producción fue vista por más de 2 millones de espectadores durante las más de 2.000 representaciones que se llevaron a cabo.

Tras 20 años “triunfando” en sus tres distintas producciones, 'Mamma mia!' se ha convertido en “el musical de mayor recorrido en la historia de España”.

Este espectáculo es un avance de la programación que la Consejería de Cultura tiene previsto desarrollar en el Palacio de Festivales entre los meses de febrero y junio de 2026 y que dará a conocer a mediados del próximo mes de enero, ha indicado el equipamiento cultural en nota de prensa.

Para el consejero de Cultura, Luis Martínez Abad, se trata de “una magnífica oportunidad para disfrutar, en marzo del año que viene y en el Palacio de Festivales, de un gran espectáculo que no para de cosechar éxitos por todos los escenarios por los que pasa”.

Por su parte, la directora general de la Sociedad Regional de Cultura y Deporte, María Fernández-Rosillo, ha destacado que esta comedia musical, “homenaje a las madres, sus hijas, al amor y a los viejos amigos”, es también “un regalo adelantado que realizar a nuestros seres queridos y más cercanos en estas fechas tan especiales”.

El 17 de diciembre de 2010 se estrenaba en las salas de cine de España una película que tenía dos de las mejores voces del pop internacional como principal reclamo. Hablamos de ‘Burlesque’, que llegaba a los cines españoles unas semanas después de su estreno en Estados Unidos, y que, a pesar de su reparto de lujo, fue un fracaso a nivel de crítica y no cumplió tampoco las expectativas impuestas en ella, a pesar de que con el paso de los años se ha convertido en una especie de largometraje de culto para un nicho de la sociedad, que sigue reivindicando el filme que unió a dos de las voces más destacadas del pop.

‘Burlesque’: la película que juntó a Cher y Christina Aguilera

En un momento de luz y color en el cine, en el que la positividad reinaba, se presentó un musical para seguir la estela que dejaron producciones en pleno ‘boom’ como fueron el caso de ‘Chicago’, ‘Moulin Rouge’ o ‘Mamma Mia’, y así fue como adaptó una estética, una historia y juntó a estrellas de Hollywood. ‘Burlesque’ llegaba así en 2010 con Christina Aguilera, que ya había explorado este estilo en su disco de estudio Back to Basics y Cher como principal reclamo.

A pesar de ello pareció no ser suficiente, y en su día la atención de la crítica y la taquilla no fue la esperada, aunque cuenta con un Globo de Oro a Mejor Canción Original por ‘You Haven’t Seen the Last of Me’, y que recaudó 90 millones de dólares con un presupuesto de 55 millones de dólares y que dio el primer papel musical a Cher en el cine, que luego repetiría con ‘Mamma Mia: Here we Go Again’.

‘Burlesque’ cuenta la historia de Ali, interpretada por Christina Aguilera, una joven que deja su pueblo para seguir su sueño de ser cantante en Los Ángeles, cambiando su destino al entrar en el club ‘The Burlesque Lounge’ que es regentado por Tess, a la que da vida Cher. A ellas dos les complementan actores y actrices como Stanley Tucci, Cam Gigandet o Kristen Bell. Todo un ‘placer culpable’ lo que se ha ido convirtiendo con el tiempo, no solo por su historia o sus dos estrellas del pop como protagonistas, sino por su estética que nos transporta no solo a esa década de los 2000 y 2010, sino también a la burlesca, que nos conecta en cierta manera con ‘Moulin Rouge’ o ‘Chicago’. Esto la ha llevado a tener un 65% por parte del público en el sitio web de críticas Rotten Tomatoes, frente a un 37% de la crítica.

¿Se llevaron mal Christina Aguilera y Cher durante ‘Burlesque’?

Juntar a dos divas de Hollywood o del pop podría no parecer la mejor idea para que una película funcione, de hecho, hay varios ejemplos de cómo esto sale mal, pero, a pesar de los rumores que se difundieron, por lo visto este no fue el caso de Christina Aguilera y Cher, quienes años después han zanjado la tensión o dudas que pudiera haber, y ambas muestran admiración y respeto mutuo.

Sobre todo, fue Christina Aguilera la que demostró su admiración por Cher, y que animó para conseguirla como la otra protagonista después de que ella ya estuviera dentro del proyecto, lo que le permitió trabajar con uno de sus ídolos en ‘Burlesque’ y espetó en ella adjetivos como “fuerza de la naturaleza” o “relevante para las generaciones venideras” en varias entrevistas a medios.

“Fue sin duda mi mejor amiga durante el rodaje. En mi experiencia al conocer y trabajar con algunas de las grandes leyendas, las mejores suelen ser así. Se preocupan por ti de verdad, y fue un honor trabajar junto a ella. Me dio buenos consejos, compartió algunas ideas personales e historias de amor, ¡y también me dio ánimos cuando lo necesitaba! Compartimos algunas escenas en las que aprendí de ella que ser una coprotagonista comprensiva realmente ayuda a crear algo especial, y motivarse mutuamente es lo que garantiza un gran resultado. Es importante tener una buena comunicación y una comprensión especial entre nosotras”, relató la cantante de ‘Genie in a Bottle’ a Entertainment Weekly por el décimo aniversario de la cinta.

De hecho, Cher llegó a admitir que una de sus escenas favoritas de ‘Burlesque’ es cuando ayudaba a Ali con el maquillaje: “Todo fue muy espontáneo. Me recordó a cuando era niña y mi madre y todas sus amigas se maquillaban juntas”, a la vez que reconoció que ese compromiso de trabajo que tuvo su compañera de reparto la vio también en actrices como Meryl Streep.

Y esto en una película que tuvo inspiración en los comienzos del grupo Pussycat Dolls, que comenzaron en el ambiente burlesco antes de dar el salto al pop, y donde Robin Antin tuvo un trabajo relevante para luego crear la historia de ‘Burlesque’, que no tiene mayor conexión. 15 años después, además, el filme no se ha quedado solo en eso, sino que tiene su adaptación teatral, que debutó en junio en Manchester y se presenta actualmente en Londres, donde acudió la propia Christina Aguilera, con canciones propias, pero también nueva música.

El Teatro Municipal Concha Espina de Torrelavega acogerá el próximo 20 de diciembre el estreno en Cantabria del espectáculo 'Bárbara, el musical', del productor regional Adrián Alonso.

Tras su paso por el Teatro Arlequín, en Gran Vía de Madrid, se representará en el TMCE el sábado 20, a las 20.00 horas y con entradas a la venta al precio de 4 euros.

El musical es una adaptación de la obra 'Las Criadas' de Jean Genet que realizó Mar Galera y que ha versionado junto a Ana Conde.

Está protagonizado por Begoña Agüero y en el reparto figuran también las actrices Rocío Riego y Nuria Gedack. Además, participa la compañía de baile 'Dantea' y la música es de Suspicio de Molina&Santiago Rodiño.

La protagonista del musical, su productor y la concejala de Cultura, Esther Vélez, han presentado este viernes en rueda de prensa esta propuesta, “novedosa” y “de gran calidad”, en palabras de la edil.

“Es una comedia contemporánea, llena de humor, con escenas que van a invitar al público a participar, que combina interpretación, música, danza y que aborda la crítica social con temas de vigencia, con temas de actualidad, como es la búsqueda de identidad personal, las complejas relaciones de amor-odio, las dinámicas de poder, el edadismo...”, ha explicado.

Por su parte, Adrián Alonso ha expresado su satisfacción por estrenar en Cantabria este musical, que ha tenido una “acogida increíble” en Madrid, en tanto que la actriz protagonista ha avanzado que “no va a dejar indiferente a nadie”.