La Oreja de Van Gogh contará con su propio musical, siguiendo la estela de ABBA y Mamma Mía, y Mecano y Hoy no me puedo levantar. La banda ya está desarrollando Puedes contar conmigo, una película musical en la que el repertorio del grupo donostiarra será el hilo conductor.

Fernando González Molina (Cronos, Tres metros sobre el cielo, El guardián invisible), dirigirá el largometraje, y coescribe el guion con Miguel López Martínez. Beltrán Gortázar, Domingo Corral y Gonzalo Salazar-Simpson serán los productores. Los integrantes de La Oreja de Van Gogh, también participarán en la producción ejecutiva.

La noticia llega al tiempo que la banda continúa de gira por España, tras la vuelta de Amaia Montero como vocalista del grupo y la salida de Leire Martínez.

“Ver que nuestras canciones van a cobrar una nueva vida en el cine es un sueño para nosotros. Siempre hemos contado historias a través de nuestra música, y saber que ahora esas historias inspirarán un universo visual y narrativo tan grande nos llena de ilusión”, ha declarado la banda en una nota de prensa compartida con los medios.

Fernando González Molina, por su parte, avanza que quiere crear “un evento cinematográfico que emocione al público como lo han hecho durante décadas las canciones de La Oreja de Van Gogh.

Coque Malla afirma que este proyecto le llegó en el momento justo. Muchos años con una rutina que dice le encanta, pero que quería romper. El joven que con 17 años sacó el primer disco de Los Ronaldos, hoy, con 56 bien peinados, protagoniza su primera obra de teatro.

Lo hace con una obra emblemática, La ópera de los tres centavos. Estrenada en 1928, cinco años antes de la subida de Adolf Hitler al poder, es una de las cotas más altas del musical, pero también una crítica feroz y marxista al capitalismo y a la Alemania de entreguerras.

Mackie Navaja, menudo personajazo…

Sí que lo es, es uno de esos villanos que está lleno de carisma, que es macarra, pero también tiene infinitas capas. Creo que si le dices a Al Pacino, Brando y Robert de Niro que elijan cinco personajes de toda la historia del teatro que quisieran interpretar, uno de ellos seguro que sería Mack the Knife.

Primera vez que protagoniza una obra de teatro, ¿qué ha sido lo más difícil?

Paradójicamente, la música. Los temas de Weill en la obra se las traen, no son nada fáciles y no estaba acostumbrado a esos registros, he tenido que trabajarlos mucho.

¿Podría explicar por qué?

Hay cambios armónicos. Las canciones en el rock normalmente son tonales, es decir, están escritas, compuestas y tocadas en un tono. En cambio, en la obra, en muchísimas de las canciones, a mitad, el tono cambia. No en Mack the Knife que justo es muy sencilla armónicamente, pero en muchas otras sí y además con melodías muy complejas. Eso sí, cuando haces clic y la interiorizas y entiendes, va perfecto.

Además, los temas hay que interpretarlos actoralmente, ¿esa faceta no ha sido tan difícil?

No tanto. Estás dentro del personaje, estás en el clima: en esa cuadra maloliente, en ese prostíbulo donde Mack tiene su vida, en la cárcel… Y no te lo planteas, cantas desde el personaje, sale de una manera natural. Pero hay una dificultad y es que todas las imperfecciones, todas las roturas de voz, las afonías y las pequeñas desafinaciones que el rock y el pop no solo permiten, sino que agradecen, aquí no funcionan tanto, hay que mantener las notas con un cierto rigor lírico.

¿Impone el registro operístico que tiene la obra?

No lo he afrontado desde ahí. Escuchando otros montajes, sobre todo los que se dieron en los años 50 en Broadway, en esa época dorada, pude ver que a Mackie Navaja siempre lo abordaban más desde el musical, desde el vodevil, sin técnica operística. Eso me permitió relajarme. Yo conecto más con ese mundo, es lo que mamé, de pequeño era acérrimo de Gene Kelly, de Fred Astaire, del Sinatra en Hollywood, de Bing Crosby… A mi hermano Miguel [director musical del montaje] le gustan más las versiones alemanas, en eso es más talibán que yo.

El equipo es de primera. Dirige Mario Vega, las luces están a cargo de Juan Gómez-Cornejo y la banda, con ocho músicos, la dirige su hermano Miguel Malla, un músico de larga trayectoria con proyectos tan potentes como Racalmuto. Y en escena lo acompañan actores como Paula Iwasaki, Andrea Guasch, Miquel Mars, Diego Molero o Camen Barrantes… ¿Qué es lo que más le gusta del montaje?

Todo el equipo es magnífico… De elegir diría que me flipa la banda. La banda que ha montado Miguel es increíble. Cuando Mario Vega me propuso el proyecto, uno de los puntos a favor fue cuando me dijo que quería que Miguel dirigiera la música. Miguel es muy buen músico, pero además es un ferviente admirador de esta ópera, la ha estudiado de arriba abajo. Y ha formado una banda que pertenece al lenguaje de la música de Weill, el jazz. Por ejemplo, Gaby (Gabriel Maruján), que es mi batería y lo conozco muy bien, es de esos baterías que parece que son malos y son los mejores, tipo Charlie Watts [Rolling Stones], músicos que vienen del jazz y no son de pegada, sino que le sacan las tripas al instrumento. Eso, mezclado con la potencia de los vientos, hace que la banda suene a lo que tiene que sonar… Creo que es lo que más me gusta del montaje.

Sus padres, Gerardo Malla y Amparo Valle, fueron dos grandes actores de teatro. Pero, aparte de El hombrecito, que dirigió su padre en 2002, esta es su primera incursión en teatro. Es un actor experimentado en cine, pero en teatro, sin embargo… Extraño teniéndolo tan cerca.

Más que cerca. Miguel y yo hemos estado dentro. Ha sido nuestra vida. Nos hemos criado en teatro, nos hemos criado de gira con dos actores con los que comíamos, cenábamos, nos acostaban, nos contaban cuentos, nos hablaban de Marlon Brando, de Bette Davis, del montaje de Hamlet… Eso es comértelo con patatas desde que te levantas hasta que te acuestas. Es decir, lo tenemos en el ADN. No tengo la sensación de “¡Uy, hostia!, estoy haciendo teatro”. Simplemente, la vida me llevó al rock’n’roll.

¿Nunca tuvo tentaciones?

Nunca ocurrió.

¿Algún consejo paterno, sin embargo, le habrá ayudado a afrontar este reto?

Nuestros padres nunca nos sentaban y nos decían: “Os vamos a dar un consejo”. Era una cosa que se respiraba. Los consejos aparecían continuamente en situaciones que veíamos. No hacía falta decir nada. Evidentemente que hay enseñanzas, pero son difícilmente aislables... Los olores, el acabar una película e ir caminando hacia casa hablando sobre ella, el verles en escena. Ha sido nuestra vida, es nuestro lenguaje. Algo que yo después también he volcado en mis espectáculos de rock.

La ópera se estrenó en 1928, cinco años antes de que Hitler subiera al poder. Hacer hoy La ópera de los tres centavos, ¿tiene una significación política especial?

Evidentemente sí, creo que hay una lectura que habla de todo lo que está pasando, del capitalismo en su aspecto más salvaje. Pero creo que la ópera va más allá, es más profunda, más compleja. En las grandes obras, a los grandes artistas, y Bertolt Brecht lo era, la política y los problemas sociales se les quedan pequeños. Los grandes artistas tienen una necesidad de hablar sobre el universo, del alma humana en toda su complejidad y profundidad. La ópera de los tres centavos habla de política, habla del explotado y del explotador, pero es un retrato cruel y salvaje del ser humano, del alma humana. No hay buenos y malos, no es Ken Loach. Es mucho más cruel. La izquierda no se puede sentar a ver esta obra y decir “qué bien, Bertolt Brecht nos defiende”. Aquí no se salva nadie, todos son unos hijos de puta. El humilde también es un hijo de puta que traiciona a su compañero por dos pesetas. Y para mí eso la hace más interesante y más universal. Por eso es un clásico.

¿Prepara nuevo disco?

Nada, hasta otoño del 27, nada. Grabaré en febrero y la gira será en otoño. Lo cual se me hace demasiado largo. He calculado mal. No fui consciente de lo que me iba a faltar tocar con la banda. En mayo, por eso del mono, aprovechando que el bajista de la banda estaba dando un concierto en Zaragoza, hicimos un bolo medio clandestino de versiones en el Rock and Blues, un garito maravilloso. Hablamos con ellos, lo anunciamos el día antes, se agotaron las entradas en una hora y nos dimos el gustazo de hacer dos horas de versiones y alguna canción mía y de Los Ronaldos. Esa ha sido la única vez… Demasiado tiempo sin tocar. Aunque ya tenemos la primera fecha de gira del año que viene que será el 22 de octubre, el día de mi cumpleaños.

Y sobre el libro de memorias que ha escrito su mujer, Macarena Cabo, Un sitio donde ser salvaje y se publica este octubre…

No puedo hablar.

¿No puede decir al menos si está contento?

Estoy contento, muy contento, pero no puedo hablar. No hemos calculado que el lanzamiento del libro iba a coincidir con el estreno de la obra en Madrid… Me han pedido, por favor, que no diga nada.

En las elecciones de 2018, Vox utilizó su tema No puedo vivir sin ti en la campaña. Con mucha ironía hizo unas declaraciones sobre cómo mucha gente relacionaba la canción con el consumo de cocaína y que quizá aquello fuera una metedura de pata…

[Sonríe]. Dije que mucha gente piensa que es sobre la cocaína, no lo confirmé.

En estos años esa versión más farmacodependiente ha ganado adeptos, pero nada que ver, ¿no?

Evidentemente, no es sobre la cocaína. La cocaína no se merece una canción. Es un coñazo.

Con un reparto de lujo encabezado por Meryl Streep, música de ABBA y una historia romántica de varias generaciones con el paisaje de espectaculares islas griegas de fondo, esta película estrenada en 2008 es la adaptación de uno de los musicales más exitosos de Broadway y a nivel internacional que fue el primero en ser basado en la trayectoria musical de un grupo.

Hablamos de ‘Mamma Mia!’, un filme musical estrenada en 2008 que cuenta también con un elenco que completan Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgärd, Christine Baranski, Amanda Seyfried o Julie Walters, que tuvo una secuela diez años después y que aspira a convertirse en una trilogía en un proyecto que estaría ya en marcha según una de sus protagonistas. Una película que nos hace viajar desde el sofá de nuestra casa a Grecia y que está disponible actualmente en plataformas como Netflix y Disney plus desde España.

¿De qué trata la película ‘Mamma Mia!’?

La película ‘Mamma Mia!’, que adapta el musical homónimo con la música de ABBA, nos traslada a la isla ficticia de Kalokairi, en Grecia, donde Donna Sheridan, interpretada por Meryl Streep, regenta un pequeño hotel y donde vive con su hija Sophie, a la que da vida Amanda Seyfried, que educó como madre soltera y que está a punto de casarse con Sky.

Con motivo de su enlace, Sophie decide dar un paso importante: el de descubrir quién es su padre biológico, al que no conoce, para que le acompañe al altar. Para ello decide investigar y leer el diario de su madre, donde no queda claro de quién se trata y por eso invita a los tres posibles: Sam, Harry y Bill, a los que interpretan Pierce Brosnan, Colin Firth y Stellan Skarsgård, y que encarnan los diferentes estilos de paternidad.

El musical de ‘Mamma Mia!': el origen de la película

La película y sus secuelas no serían posibles sin el musical del mismo nombre, que cuenta su historia junto a los grandes éxitos de ABBA y que fue estrenado en el Prince Edward Theatre de Londres en 1999, que coincidía con el 25 aniversario de la victoria del grupo en Eurovisión con la canción “Waterloo”. Ha superado ya los 65 millones de espectadores y se ha traducido a más de 15 idiomas desde su inauguración. El musical, sin embargo, tiene una larga historia. El proyecto comenzó en la década de 1980, cuando la productora Judy Craymer trabajó junto a los integrantes de ABBA Benny y Björn, y les comentó la idea de crear una historia en el teatro basada en sus canciones, tomando como ejemplo el tema “The Winner Takes It All” que en su día fue compuesta para contar lo que pasó en el divorcio entre Björn Ulvaeus y Agnetha Fältskog, con su narrativa dentro del grupo. Sin embargo, ellos no estaban muy convencidos.

De hecho, Craymer tuvo que esperar más de una década, hasta que obtuvo la propuesta para convencer a ABBA de que le dejaran usar sus canciones para un musical. Ocurrió cuando conoció a la dramaturga Catherine Johnson, que creó el libreto que más tarde daría pie a la película, el de una hija que se casa y quiere conocer a sus tres futuros padres y los reúne en una isla griega donde vive junto a su madre. La historia obtuvo finalmente el visto bueno de los integrantes, especialmente porque cumplía con la que era una de las condiciones, la de que no hablara de la vida del grupo. El propio Björn finalmente formó parte de la producción.

En 2018, diez años después del éxito de la película que adaptó el musical, se estrenó su secuela “Mamma Mia! Una y otra vez”, que seguía en parte la historia y con los mismos personajes. Y se espera que se convierta en trilogía porque según confirmó Amanda Seyfried, pues ya se encuentra en proyecto el tercer filme, que podría ser dirigido por Paul Feig y que tiene rumores de posible participación de Sabrina Carprenter.

Las localizaciones de ‘Mamma Mia!’ a las que podrás viajar desde el sofá

La primera película se rodó en distintos escenarios de Grecia, principalmente las islas Espóradas como Skiathos y Skopelos y la región del Monte Pelion. Una de las escenas más bonitas, la de la boda, sucede en la ermita de Agios Ioannis Prodromos, que se encuentra al noreste de la isla de Skopelos, camino del puerto norte de Glossa. Los interiores, sin embargo, fueron grabadas en estudio.

En Skopelos, que destaca por sus bellos pinos mediterráneos, dos playas son dos de sus principales atractivos como son la Playa de Milia, donde se rodó cuando todos bailan en un chiringuito de playa, la Playa de Glisteri donde Sophie cuenta a sus amigas que ha escrito a sus posibles padres e interpreta “Honey Honey”, o la playa de Kastani, donde Sophie interpreta junto a Sky “Lay All Your Love on Me” y ambos arrancan sus despedidas de solteros.

En la región de Monte Pelion, en el pueblo de Damouchari, en la Grecia continental, se rodaron escenas colectivas, en las que baila todo el pueblo, recorren una pasarela de madera y se tiran al agua. También aquí se usó el puerto de Skiathos, donde se encuentran las tarbernas y barcos de pescadores.

Tim Curry, el mítico Dr. Frank-N-Furter de la película de culto The rocky horror picture show ha muerto a los 80 años en su casa de Los Ángeles según ha informado el portal de noticias de EEUU TMZ y confirmado Variety. Curry había sufrido previamente un infarto en 2012, un accidente que le tuvo en silla de ruedas hasta el día de su fallecimiento. El actor se convirtió en un icono gracias a su papel en el musical que interpretó tanto en las tablas como en la versión cinematográfica, dirigida por Jim Sharman (basada en la obra original de Richard O'Brien) y con Susan Sarandon en el reparto.

The rocky horror picture show, una versión moderna, irreverente y provocadora de Frankenstein se convirtió en un icono queer y en un filme con una legión de millones de seguidores en todo el mundo gracias a himnos como Sweet transvestite o Time Warp. Este año, de hecho, se ha reestrenado una nueva versión donde Luke Evans da vida al Frank-N-Furter que hiciera icónico Tim Curry. No fue el único papel que quedó en el imaginario popular. También fue el primero que dio vida al terrorífico payaso Pennywise en la versión televisiva de IT (1990), la novela de Stephen King que posteriormente tuvo versión cinematográfica.

Curry se curtió en los musicales de Londres y Nueva York, y participó en producciones como Hair en el West End en el año 1968. Fue aquí donde conoció a Richard O'Brien, quien le escribiría el papel del Dr. Frank-N-Furter en The Rocky Horror Picture Show que interpretaría tanto en la versión londinense del musical como en Broadway y Los Ángeles, un papel que le tuvo encima de las tablas más de un año, hasta 1975.

Curry siempre confió en el proyecto, como diría en entrevistas durante toda su vida, pero dudó precisamente porque, si la película funcionaba, “podía ser una imagen difícil de borrar”. Aunque es cierto que Tim Curry siempre estuvo vinculado al del personaje, logró construir una sólida carrera, sobre todo en teatro musical, con también papeles más que relevantes en cine y televisión.

El éxito del musical hizo que trabajara en obras como Travesties, escrita por el prestigioso dramaturgo Tom Stoppard, y que estuvo representándose en Londres y Nueva York de 1975 a 1976. También triunfó dando vida a Mozart en la versión de Amadeus que se pudo ver en Broadway en 1980, y por el que logró la primera de sus tres nominaciones al premio Tony. La segunda llegaría en 1993, cuando Curry interpretó a Alan Swann en la versión musical de Broadway de My Favourite Year. Fue dando vida Rey Arturo en el Spamalot del West End entre 2005 y 2007 cuando sumó su tercera y última nominación de un premio que nunca logró.

En cine su rostro anguloso le hizo perfecto como villano de títulos como Congo, Los tres mosqueteros, donde interpretó al Cardenal Richelieu en el filme de Stephen Herek y con Charlie Sheen, Kiefer Sutherland y Chris O'Donnell como los míticos espadachines, o como el demonio Darkness (El señor de la oscuridad) en Legend, la epopeya de fantasía dirigida por Ridley Scott y donde, como en IT, tuvo que pasar por largos procesos de maquillaje. Otros de sus papeles más emblemáticos incluyen el doctor Yevgeniy Petrov en La caza del octubre rojo (1990) y Long John Silver en Los Teleñecos y la isla del tesoro (1996).

Curry, que nació en Grappenhall (Cheshire) en 1946, acudió a la Lymm High School, pero tras la muerte de su padre a causa de una neumonía en 1958, su familia se trasladó al sur de Londres. Allí acudió a la Kingswood School en Bath, donde se formó en su talento como cantante y destacó por su voz de soprano, aunque siempre tuvo claro que era en la interpretación donde quería centrarse. Finalmente pudo unir sus dos talentos convirtiéndose en uno de esos todoterrenos que son capaces de sostener sobre sus hombros, y su voz, cualquier musical de Broadway.

“Por el respeto y solidaridad con los trabajadores, ETS no dará ningún concierto el 26 de agosto. Se adelanta un día: el 25 de agosto será el concierto”. Así anunciaba Iñigo Etxezarreta, cantante y guitarrista del grupo alavés En Tol Sarmiento (ETS), en un vídeo ya eliminado de sus redes sociales, la decisión de no tocar el próximo miércoles 26 de agosto en Aste Nagusia de Bilbao al coincidir esta fecha con la cuarta jornada de huelga convocada en esta ocasión en Bizkaia por los trabajadores de espectáculos y eventos de Euskadi, que llevan desde el pasado 15 de mayo con paros y movilizaciones ante el “bloqueo” por parte de la patronal a la hora de negociar un nuevo convenio que mejore sus condiciones laborales.

“ETS quiere mostrar su solidaridad y respeto hacia la jornada de huelga convocada para el día 26 por el sector técnico de espectáculos y eventos, así como de contribuir a visibilizar la situación y las reivindicaciones de un colectivo imprescindible para el desarrollo de la actividad cultural y musical”, publicó el grupo en un comunicado que también ha sido borrado en el que confesaban que “en los últimos días, representantes de las organizaciones sindicales convocantes” se pusieron en contacto con ETS para “trasladar al grupo los motivos y el contexto de la huelga”. De esta manera y tras llegar a un acuerdo con el Ayuntamiento de Bilbao, los alaveses decidieron adelantar el evento. “Detrás de cada concierto hay un enorme equipo de profesionales que hace posible que nosotros podamos subirnos a un escenario. Ante esta situación, queremos mostrar nuestro respeto y solidaridad con el sector técnico y facilitar que sus trabajadores y trabajadoras puedan ejercer libremente su derecho a huelga”, anunciaron.

Sin embargo, lejos de aplaudir la decisión adoptada, los trabajadores, así como cientos de personas en redes sociales, la han criticado al considerar que el cambio de fecha “boicotea” la propia huelga. “Otra cancelación más de un evento el día 26. Otro escenario se quedará vacío el día de la huelga, algo que no hace más que demostrar la fuerza que tiene la unión de los trabajadores de espectáculos. Insistimos que el fin no es la huelga en sí, es una herramienta para sentar a Euki [patronal creada en 2024 integrada por empresas del sector audiovisual con domiciliación fiscal Euskadi] a negociar con sensatez”, indicaron en un comunicado desde Teknikariok, el sindicato de técnicos de sonido que lucha por un nuevo convenio junto a ELA, LAB, ESK, CCOO y UGT.

En cuanto al caso concreto de ETS, desde Teknikariok han lamentado que “este sector se sigue precarizando, sea 25 o 26 de agosto”. “De hecho, este cambio de última hora refleja la absoluta disposición que se nos exige en este sector”, han criticado debido a que ETS avisó del cambio de fecha a cinco días del evento y una de las líneas rojas de los trabajadores es poder contar con un mes de preaviso en la asignación de turnos y horarios. Compromiso que las empresas se niegan a asumir reservándose la posibilidad de modificarlos con solo cinco días de antelación respecto al evento. “Frente a las polémicas generadas, no queremos olvidar que nuestro objetivo como sindicato es firmar un convenio con condiciones dignas y que los escenarios el día 26 se queden vacíos para visibilizar la lucha que estamos llevando a cabo”, han sentenciado.

Consultados por este periódico los trabajadores confiesan que entienden que los espectáculos sean reprogramados ante una huelga, pero tienen “sentimientos encontrados” con el hecho de adelantarlo un día. “Desconocemos quién ha decidido adelantarlo ni las cláusulas del contrato que tiene el grupo, pero este cambio demuestra justo lo que estamos reivindicando. Nos avisan cinco días antes de que tenemos que trabajar el martes y no el miércoles. Independientemente de la huelga es algo que ocurre de forma habitual. Muchas veces no sabemos nuestros horarios hasta última hora y tenemos que tener disponibilidad absoluta”, lamentan.

En este sentido exigen una mayor implicación por parte de las instituciones a la hora de contratar a empresas que “precarizan” el trabajo de los técnicos de espectáculos. “Trabajamos 14 horas seguidas día tras día y nos dicen que eso no es precariedad. Entendemos que el cambio hasta dignificar las condiciones laborales puede ser lento, pero pedimos que el convenio recoja nuestras peticiones para que empresas e instituciones empiecen a cambiar las cosas”, confiesan desde el sector.

Desde el Ayuntamiento de Bilbao han informado de que “el cambio de fecha responde a una petición trasladada por ETS, que ha sido analizada por el Consistorio durante los últimos días”. “Tras valorar conjuntamente la solicitud, así como las implicaciones organizativas, técnicas y de seguridad que conlleva una modificación de estas características, ambas partes han trabajado de forma coordinada para estudiar las distintas alternativas posibles y hacer viable el adelanto del concierto”, han señalado en un comunicado en el que han agradecido “la colaboración y disposición mostradas por ETS, así como el esfuerzo realizado por todos los agentes implicados en la organización del concierto para adaptar la programación y facilitar la celebración de esta actuación”.

Este periódico ha tratado de ponerse en contacto con el grupo ETS que ha comunicado que “ha decidido no entrar en polémicas y no hará entrevistas al respecto”.

Más cancelaciones por “solidaridad con la huelga”

Por su parte, el grupo Vulcanizadas, que iba a participar el próximo miércoles 26 en la Muestra Bilbao Metal Pop-rock de Aste Nagusia, en Bilborock, ha anunciado la cancelación del concierto en “solidaridad con la huelga de técnicos” en un mensaje en sus redes sociales con el que han confirmado que la fecha no se modificará para ningún otro día de las fiestas de Bilbao. “Nos vemos en septiembre”, han recalcado.

También han cancelado la programación de las txosnas, programada por Bilboko Konpartsak, así como los pases de las 20.00 horas y de las 23.00 horas de la verbena Laprast Erromeria que se iban a celebrar en la Plaza Circular y la sesión de bertsolaris que tendrán lugar en la Plaza Santiago a las 13.00 horas se llevará a cabo sin técnicos de sonido, con el objetivo de que se vea el trabajo que realizan y lo que supone para el propio espectáculo. En cuanto al Teatro Arriaga, no ofrecerá su función de 'La Cubana: la cuisine de ma cuisine', una obra de teatro disponible hasta el 13 de septiembre que el próximo miércoles queda cancelada por la huelga.

Entre los eventos que por el momento sí que se celebrarán se encuentra el concierto a las 23.30 horas en Abandoibarra de Urtz y la Orquesta Sinfónica de Bilbao, que no han anunciado ningún cambio por la huelga de técnicos de sonido. Tampoco ha modificado su actuación, que será previsiblemente a la misma hora el Muelle de Evaristo Churruca, en la zona de las canchas de baloncesto, Karmento, artista que mezcla el folk manchego con la copla y el flamenco.

La del próximo miércoles será la cuarta jornada de huelga que celebre el sector, después de las realizadas el 15 de mayo en toda Euskadi, el 5 de agosto en Álava y el 14 de agosto en Gipuzkoa, ambas coincidiendo con las fiestas de Vitoria y Donostia. Durante la primera jornada de huelga Nacho Vegas, que debía ofrecer su concierto en el Kafe Antzokia de Bilbao, lo pospuso hasta el 4 de septiembre en apoyo a los trabajadores de espectáculos. “Sin técnicos ni técnicas no podríamos dar ni asistir a conciertos y queremos solidarizarnos especialmente con la gente más precarizada y apoyar esta huelga que defiende sus derechos laborales más básicos”, anunció el artista, que destacó que no se trata de una decisión tomada en contra del Kafe Antzokia en concreto, sino una decisión tomada por “conciencia política”.

En las fiestas de La Blanca de Vitoria, el día 5 de agosto se anularon los conciertos que estaban previstos en las txosnas de Chocolate Remix, Arranbe y Maruxak, además de las sesiones de DJ Izenordainak, DJ Radio Patio y DJ 3katu, y los espectáculos de cada agrupación, en solidaridad con los huelguistas. Además, La Txama canceló su concierto en la plaza del Machete, y la actuación de Mariachi Imperial Guanajuato, en la plaza de la Provincia, y se suspendió la función de teatro 'La pasión infinita', con Pepón Nieto, en apoyo a la huelga.

Mientras que en Aste Nagusia de Donostia, durante la jornada del 14 de agosto se suspendieron todos los conciertos que estaban programados por el colectivo Donostiako Piratak lo que dejó fuera de la programación la actuación en La Flamenka del grupo de ska y reggae Skabidean, así como al programa de actividades de la Plaza de la Trinidad. Además, se canceló por la huelga el espectáculo de danza ‘PICASSa’, que iba a representarse en dos sesiones dentro del ciclo Tabakalera Dantzan de la Quincena Musical.

El Palacio de Festivales de Cantabria arrancará su nuevo programación de septiembre a enero con la famosa ópera de Giuseppe Verdi 'La Traviata' y contará con un total de 68 funciones de 46 espectáculos, tres de ellos estrenos teatrales y uno musical. Reúne a importantes nombres del panorama nacional e internacional junto a artistas y creadores de la región en disciplinas como la danza, el teatro, la música clásica, musicales, el humor, el flamenco, el circo, la magia y espectáculos familiares.

Y es que sobre las tablas de los escenarios de las salas Pereda y Argenta pasarán Carlos Hipólito, Anabel Alonso, Luz Casal, Toni Cantó, Rosario, Dani Martínez, Fito&Fitipaldis, José María Pou, Carolina Yuste, Morgan, Pasión Vega, Sara Baras, Yerai Cortés, Javier Veiga o Marta Hazas.

Así lo han anunciado este martes en rueda de prensa el consejero de Cultura, Luis Martínez Abad; la directora de la Sociedad Regional de Educación, Cultura y Deporte, María Fernández Rosillo, e Isabel Ibarra, responsable de Programación y Producción del Palacio, quienes han presentado la nueva programación.

Según han destacado, en ella “conviven” grandes títulos y nuevas creaciones, diferentes lenguajes escénicos, distintas generaciones de artistas y propuestas dirigidas a públicos muy diversos, en la que adquiere protagonismo la lírica.

Y es que, sin ir más lejos, arrancará el 17 de septiembre con la famosa ópera 'La Traviata' de Verdi, que tendrá una segunda función el día 19. Concluirá a finales de enero con el musical 'Sonrisas y lágrimas'.

En cuanto a los estrenos, serán dos teatrales de compañías nacionales: 'Largo viaje hacia la noche', de Eugene O'Neil y protagonizada por Carlos Hipólito los días 25 y 26 de septiembre; y 'Moderación', de Max Wolf Friedlich, con la interpretación de Toni Cantó, el 9 y 10 de octubre; además de uno cántabro 'Don Juan. Cenizas y sombras', de Ruido Interno, el 31 de ese mismo mes.

Asimismo, el Palacio acogerá el estreno mundial de la pieza 'Caprice á l'espagnole' de Richard Dubugnon en el recital que ofrecerá el 10 de enero la orquesta sinfónica suiza Musikkollegium Winterthur dentro del ciclo de música clásica.

Todos los géneros

Tras el arranque con 'La Traviata', la programación continuará con Quatuor Mosaïques, el día 18 de septiembre, mes que concluirá con el estreno teatral de 'Largo viaje hacia la noche'.

Mientras, octubre se iniciará del 1 al 4 con uno de los títulos más emblemáticos de la historia del teatro musical: 'El fantasma de la ópera', que se representará en la sala Argenta. Continuará el estreno de la obra 'Moderación'; el recital lírico protagonizado por Roberto Scandiuzzi y Tamar Iveri (día 11); el espectáculo coral Psychic Equalizer de la Camerata Coral de la Universidad de Cantabria (15 de octubre); el regreso del humor de Dani Martínez con 'Remember' (sábado 17) y el clásico 'Don Juan' de Ruido Interno.

El mes se completará con la obra teatral 'La mujer rota' de Simone De Beauvoir los días 23 y 24 con Anabel Alonso; la danza de la mano de Lucía Lacarra Ballet (viernes 30) y el tradicional Festival Santander de Boleros (sábado 31), que alcanza su 15 edición con 'Los Sabandeños' como artista invitado.

Noviembre destacará por la presencia del ciclo 'Flamencos en la Bahía', con actuaciones que acercarán al público la esencia del flamenco contemporáneo. También será el mes de conciertos y espectáculos, como el recital de María José Llergo (sábado 7) y la visita de la Orquesta Sinfónica SWR Stuttgart con Isabelle Faust como solista el día 12. En el ciclo lírico, sobresale la presencia del contratenor Franco Faglioli con un programa sobre Farinelli (domingo 22).

En teatro, tendrá lugar el viernes 13 y sábado 14 de noviembre la representación de 'Gigante' con un reparto encabezado por José María Pou. Además, la música más actual tendrá un protagonismo especial con los conciertos de Fito&Fitipaldis (días 20 y 21 con las entradas de venta anticipada agotadas).

Por su parte, la programación familiar seguirá creciendo con 'El viaje de Ludi' (21 de noviembre), mientras que el circo y la magia llegarán al Palacio con el Festival 'En la cuerda floja' (sábado 14) y la Gala Estrellas de la Magia, los días 28 y 29.

Por último, durante diciembre, la actividad cultural será para todos los públicos. En concreto, la Orquesta Sinfónica del Cantábrico (OSCAN) ofrecerá un nuevo concierto sobre música latinoamericana el jueves 3; mientras que el teatro llegará con 'Fronteras', con la presencia por primera vez en Santander de la actriz Carolina Yuste (viernes 4 y sábado 5), y la comedia 'Un matrimonio sin filtros', con Javier Veiga y la santanderina Marta Hazas (días 18 y 19).

La música en vivo tendrá nombres destacados como Morgan (jueves 10 de diciembre), Luz Casal (jueves 17) y Pasión Vega (miércoles 23). El año concluirá con el concierto de la Orquesta Sinfónica Juvenil UIMP-Ataúlfo Argenta, el miércoles 30.

La programación se extenderá hasta enero con una oferta encabezada por el tradicional Concierto de Año Nuevo de la Johann Strauss Ensemble de la Orquesta Sinfónica de Viena, el sábado 2 de enero.

La danza clásica estará representada en esta ocasión por 'Giselle' (domingo 3) y con el regreso de Sara Baras (viernes 15). También pasarán por el Palacio artistas como Yerai Cortés (viernes 8) y Rosario (sábado 9); volverá la OSCAN con 'El Carnaval de los animales' (sábado 16); y la obra 'Esto no es un libro: Cervantes y Saavedra) de Sandro Cordero (viernes 22).

Con ello, el Palacio de Festivales afronta una nueva temporada tras aumentar un 11 por ciento la asistencia en la última de diciembre a junio respecto a las dos anteriores --de 67.000 a 77.500 espectadores--.

Abonos

En relación a los abonos, la renovación de los generales será desde este martes 18 al 21 de agosto, y para nuevos del 22 al 25 de este mes. Aquellos que quieran renovar los de ciclo lo podrán hacer los días del 26 al 29 y los nuevos podrán adquirirse el 1 y 2 de septiembre.

En cuanto a la venta de entradas, para los Amigos del Palacio y personas con movilidad reducida será el 3 de septiembre, y al día siguiente, se abrirá para el público en general.

Por otra parte, para esta temporada, se han aumentado las plazas destinadas a personas con discapacidad, tanto en la sala Argenta, que han pasado a 36, como en la sala Pereda, donde se alcanzan las 16. En total, son 52 plazas más acondicionadas para este público.

El mes de agosto en Madrid es sinónimo de verbenas. Y entre ellas, sobresale la Verbena de la Paloma, una tradicional fiesta que se celebra cada 15 de agosto coincidiendo con la festividad de la Virgen de la Paloma (o la Asunción de la Virgen), considerada la patrona «popular» de los madrileños. Es la última gran fiesta del verano, y toda una oportunidad de salir y encontrarse con los que se han quedado en la ciudad en una época en que la mayoría suele huir hacia la costa o destinos más fresquitos.

Durante esos días, las plazas se llenan de la alegría de la gente, del ritmo del chotis y de los tradicionales mantones de Manila, grandes pañuelos de seda bordada y decorados con flecos, que vestían las mujeres como elegante prenda de vestir a finales del siglo XIX, y que hoy se suelen lucir con orgullo en verbenas y fiestas tradicionales. Todo este ambiente forma ya parte del imaginario popular y cultural de los madrileños. Y es así, en parte, gracias a una zarzuela que se inspira y lleva el nombre de esta fiesta.

¿Qué es una zarzuela?

La zarzuela es un género musical parecido al musical o la opereta, pero surgido en España, en que en el que se alternan escenas habladas y cantadas y que suele retratar estampas costumbristas y populares. Este género experimentó su máximo apogeo en último tercio del siglo XIX y principios del XX. Entre sus títulos más emblemáticos se encuentran obras maestras como Luisa Fernanda, La rosa del azafrán o Agua, azucarillos y aguardiente.

Entre todas ellas, La verbena de la Paloma es, sin duda, una de las más influyentes y representadas de todo el repertorio. Quizás sea porque la obra capta a la perfección el ambiente festivo y los personajes típicos que pueblan la celebración del 15 de agosto. También han contribuido, sin duda, sus famosos números musicales. Pocas son las personas que no han oído alguna vez coplas tan populares como “¿Dónde vas con mantón de Manila?” o “Una morena y una rubia”.

Un retrato del Madrid más castizo

Estrenada con gran éxito en el Teatro de Apolo de Madrid el 17 de febrero de 1894, cuenta con música de Tomás Bretón y libreto de Ricardo de la Vega. Subtitulada originalmente El boticario y las chulapas y celos mal reprimidos, la obra retrata el ambiente castizo del barrio de La Latina y Lavapiés durante las fiestas.

Al parecer, el libretista se basó en un hecho real acaecido en la propia capital. Un joven cajista de imprenta provocó un gran escándalo durante la verbena al descubrir que su novia iba acompañada de un viejo adinerado. Así nace la historia del cajista Julián, el protagonista de la obra, y que está carcomido por los celos al ver que su novia Susana coquetea con el maduro boticario, don Hilarión. Toda la trama se desarrolla durante la tarde y la noche del 14 de agosto, culminando en plena fiesta popular.

Pocas obras pueden presumir de mantenerse plenamente vigentes más de cien años después de su estreno. Con un libreto ágil y divertido y algunas de las páginas musicales más pegadizas y reconocibles de la música española, La verbena de la Paloma continúa siendo una puerta de entrada perfecta para descubrir la zarzuela y aficionarse a este género.

Hoy en día se sigue representando con frecuencia en el Teatro de la Zarzuela, así como en escenarios de toda España e internacionalmente. Además, también ha sido llevada al cine en tres célebres adaptaciones (en los años 1921, 1935 y 1963), lo que la confirma como un icono indiscutible del casticismo madrileño.

Punto final al largo litigio judicial por el nombre del histórico grupo de rock Triana. La Sala de lo Civil del Tribunal Supremo ha ratificado dos sentencias, del Juzgado de lo Mercantil 1 de Sevilla y la Audiencia Provincial, y ha considerado que el único miembro vivo de los fundadores de la banda, Eduardo Rodríguez Rodway, no es el propietario de sus canciones y no tiene derechos sobre el nombre del grupo.

En una providencia adelantada por ABC, y a la que ha tenido acceso EFE, los dos jueces y la jueza que la firman inadmiten el recurso presentado por Rodríguez Rodway, declaran firme la decisión de juzgados anteriores y lo condenan en costas. Contra esta decisión del Supremo, emitida el pasado 22 de julio, no cabe apelación, y pone fin a un litigio de años después de que otro miembro de la banda, Tele Palacios (fallecido en 2002), registrase el nombre del grupo, con lo que su viuda heredó los derechos y permitió a una nueva banda usar el nombre original.

El recurso estaba dirigido contra la decisión de la Sección Quinta de la Audiencia Provincial de Sevilla, firmada igualmente por tres jueces, que señalaron en 2024 que están “perfectamente determinados e individualizados quienes ostentan sus derechos, que no ha acreditado que sea el actor”, en referencia a Rodway, del que dicen que no ha aportado pruebas de lo que reclama. Asimismo, apostilla que “no ostenta derecho sobre la marca, ni sobre las canciones, en su conjunto, sino que serán titulares aquellos que las tienen registradas”.

“Personalidad del autor”

En el recurso presentado entonces, el exguitarrista de Triana sostenía que el grupo era “una creación intelectual con personalidad del autor, y con un objeto identificable con suficiente precisión y objetividad”, además de negar la representatividad que, sobre el rock andaluz, ostentaría la banda. En este sentido, los magistrados recuerdan que hubo grupos paralelos como Medina Azahara o Alameda que también representaban este estilo musical.

Para la sentencia, sobre la marca Triana en sí misma se demuestra “que la registró uno de los integrantes del grupo”, el batería, Juan José Tele Palacios, “sin que hasta la fecha dicha atribución haya sido objeto de impugnación, de modo que goza de esa protección”. En este punto, recuerda que el actual cantante del grupo, Juan Reina, “fue autorizado para utilizar dicha marca” por los herederos del batería, “singularmente por su viuda”.

Por ello, entiende que su comportamiento no solo es legítimo, sino que “lo será mientras se mantenga dicha autorización y no se modifique la inscripción registral”, y se refiere también a las canciones, señalando que Rodway “no ha realizado el menor esfuerzo en orden a demostrar que es autor de las mismas, singularmente de las que utilizó el demandado durante los conciertos que realizó”.

Intentando que no se use la marca Triana

Eduardo Rodríguez Rodway lleva varios años intentando que no se use la marca Triana, con acciones en redes sociales o en juzgados. Ejemplo es la carta que en 2019 dirigió al entonces alcalde de Sevilla, Juan Espadas, tras conocer que el grupo había sido contratado para las actividades de la Velá de Triana. Señalaba que estaba “totalmente indignado por la contratación por parte de su equipo de unos falsos Triana para actuar en El Altozano, distrito Triana. Era ya lo que me faltaba”.

En 2022 el Tribunal Supremo le exoneró de culpa tras publicar en Facebook expresiones contra los actuales miembros de Triana, como “usurpadores”, “estafadores”, “impostores” y “vampiros”, que los jueces entendieron que se realizaron en un contexto que no son infamantes y de libertad de expresión.

El grupo fue fundado en 1974 en Sevilla por Jesús de la Rosa, Eduardo Rodríguez Rodway y Juan José Palacios Tele, con un estilo musical basado principalmente en el rock progresivo. También con una alta influencia del flamenco, y rápidamente se erigieron como una de las bandas más importantes e influyentes del rock español. Su vocalista, Jesús de la Rosa, falleció el 14 de octubre de 1983 en accidente de tráfico. Y Juan José Palacios Orihuela, conocido como Tele, fallecía por causas naturales el 9 de julio de 2002.

El proyecto musical que Nacho Cano impulsó en Madrid con el apoyo de las instituciones públicas, Malinche, ha acabado en un rotundo fracaso económico, precedido de un importante descenso de espectadores. Así lo acreditan las cifras publicadas sobre el reciente concurso de acreedores de su empresa promotora y la evolución de la asistencia a sus espectáculos, a la que ha tenido acceso este periódico.

La obra se despidió en marzo de 2025 después de casi tres años en Ifema, la entidad público-privada que acogió el espectáculo desde el año 2022. Su despedida fue una sorpresa porque llegaba después de que sus responsables calificaran de “éxito arrollador” sus dos primeras temporadas, pero las cifras desveladas por El Confidencial hace unos días reflejaban una realidad económica bien distinta: tres años consecutivos de pérdidas y una deuda que se elevaba a los 6,2 millones de euros.

Dos organismos con participación pública han resultado afectados por esta quiebra: Ifema, que acogía las funciones y que tuvo que asumir los costes de desmontaje del musical ante el caso omiso que hizo a sus requerimientos la compañía de Nacho Cano. Solo esta partida supuso 249.260 euros, lo que unido a diferentes impagos por la cesión del espacio y otros conceptos eleva la deuda de la promotora de Malinche hasta casi el millón de euros con la institución ferial, participada en un 62% por Comunidad y Ayuntamiento de Madrid. Además, los números publicados indican que la compañía adeuda 238.000 euros a la Tesorería General de la Seguridad Social.

El resto de principales acreedores son las empresas que otorgaron préstamos a Nacho Cano para el montaje, o compañías con las que tenía acuerdos comerciales, con la sociedad Ferrado QT LLD a la cabeza, propiedad de Sandra Ortega, hija de Amancio Ortega. Tampoco ha recuperado su préstamo efectuado mediante Llapan SL el empresario peruano Carlos Añaños. En cuanto a los acuerdos incumplidos, afectan a Hijos de Rivera (cervezas Estrella Galicia) por la gestión de la barra o Prosegur por la vigilancia.

Todos los ejercicios de Malinche acabaron en pérdidas: en 2023 sumó casi dos millones en negativo, en 2024 se quedó en 1,45 millones y en 2025 el resultado fue de 3,9 millones, siempre según los datos publicados por El Confidencial. Las cifras del último ejercicio conllevan mayor lastre porque se cruzó por medio otro proyecto de Ifema: el trazado del circuito de la Fórmula 1 pasaba por la carpa de Malinche y el inicio de sus obras obligaba al desmontaje. “¡Arrollados por la F1!” escribieron los responsables del espectáculo en redes sociales, al anunciar su marcha, que tuvo lugar a principios de marzo de 2025.

El musical de Nacho Cano ya estaba en ese momento de capa caída en cuanto a su número de espectadores. Después de un arranque prometedor y un buen año 2023, el 2024 sufrió una auténtica debacle respecto a sus cifras iniciales, alcanzando menos de la mitad de público que su mejor año de asistencia. Las oficiales de Ifema, a las que ha tenido acceso Somos Madrid, arrojan 70.855 espectadores durante sus primeros tres meses y medio después del estreno (unos 20.000 al mes), otros 261.488 espectadores en el año 2023 (subió la media a 25.000 cada mes, exceptuando la pausa del verano) y el citado bajón de 114.561 en el 2024 (casi 11.000 en los meses de apertura). No se han publicado datos aún de los dos meses de 2025.

Del apoyo de Almeida al patrocinio de Ayuso

Otro de los aspectos que ha revelado el concurso de acreedores es la lista de personas y entidades que entraron como productoras de Malinche, un musical que la presidenta regional, Isabel Díaz Ayuso, había apoyado explícitamente en su concepción. Entre los nombres que aportaron su capital para sacar adelante el montaje está David Hatchwell, empresario cercano a la líder del PP madrileño, también presidente de la Fundación Hispanojudía. Es citado en el informe de la administración concursal publicado por El Confidencial, a través de dos sociedades: Órdenes&Hatchwell (con 54.000 euros de inversión) y Hatchwell Inversiones Musicales SL (55.700 euros). Ángel Más, presidente de la asociación Acción y Comunicación sobre Oriente Medio (ACOM), relacionada también con Hatchwell, figura como productor con 54.000 euros. Nacho Cano puso otros 52.000 euros en este apartado. La lista se completa con los empresarios Gonzalo Armenteros, fundador de los hoteles Soho Boutique (puso 56.000 euros), Alejandro Baigorri Moreno-Luque (55.800 euros) y el peruano Carlos David Añaños (220.000 euros).

Todos estos nombres apoyaron un proyecto -ahora quebrado- que contó primero con el apoyo explícito del Ayuntamiento de Madrid y luego recibió el respaldo de la Comunidad. El Gobierno de Almeida le ofreció primero a Nacho Cano una parcela municipal en Hortaleza donde el ex de Mecano quería levantar una pirámide azteca de 29 metros de altura y un recinto en el que cupieran 13.000 espectadores. Pese a que el acuerdo con el Ayuntamiento estaba cerrado, el ex de Mecano se echó atrás cuando la negociación saltó a los medios, aunque oficialmente lo hizo por los elevados costes de construcción de la infraestructura. Fue entonces cuando miró hacia Ifema.

El recinto ferial controlado por Ayuntamiento y Comunidad de Madrid ofreció al productor más de 4.000 m2 para acoger el espectáculo, en la línea de otros shows que ya alojaba, y el estreno se planteó para el año 2022. A él acudió Díaz Ayuso, amiga íntima del cantante -ha pasado vacaciones en su lujosa mansión de Ibiza- y que le había obsequiado en 2021 con la gran cruz del 2 de Mayo, una de las mayores distinciones de la Comunidad de Madrid. Entre los favores políticos que recibió Malinche también estuvo la cesión de las instalaciones de Metro de Madrid para su promoción gratuita, en el año 2023.

En paralelo a estos favores, Malinche recibía algunos reveses reflejados en el informe concursal, que habla de un “boicot mediático y político con impacto reputacional, cobertura mediática negativa y pena de telediario”. Se refiere sobre todo al caso de los becarios que acudieron a bailar al musical desde México y los diez meses que pasaron desde la detención de Nacho Cano en el año 2024 hasta el archivo del caso con la exoneración de todas las acusaciones. El administrador también cita el cese del patrocinio de Renfe como otro de los problemas registrados por la empresa, que se produjo después de unas polémicas declaraciones del productor.

La situación del espectáculo en España, quebrado y con un patrimonio de 2,5 millones de euros incapaz de asumir los 6,2 millones de deuda generados, contrasta con la de la misma producción en México, estrenada hace más de un año por el propio Nacho Cano y que acaba de confirmar su segunda temporada después de una primera exitosa en el teatro del Frontón de México DF, con 428 funciones y 235.000 espectadores, según cifras ofrecidas por sus promotores. Sus cantantes arroparon a la propia Isabel Díaz Ayuso durante su último viaje a México, en un acto titulado Celebración por la Evangelización y el Mestizaje en México: Malinche y Cortés, con el que la presidenta de la Comunidad de Madrid quiso mostrar de nuevo su apoyo al musical y este se lo agradeció publicando su imagen en redes sociales y hablando de las “grandes figuras” que acudieron al acto.

El Gobierno de Ayuso desea más espectadores y el PSOE pide explicaciones

Preguntado por las últimas informaciones publicadas sobre el musical, el Gobierno regional ha asegurado que Malinche “no tiene ningún tipo de subvención de la Comunidad de Madrid”. El portavoz Miguel Ángel García, en rueda de prensa este miércoles, ha deseado que espera que este espectáculo “lo puedan ver cuantas más personas mejor”, y ha considerado que “su promotor y productor ha demostrado durante muchos años lo mucho y bueno que ha hecho por la cultura en español”.

Por su parte y ante las nuevas cifras sobre el musical, el PSOE de Madrid ha pedido explicaciones a la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, sobre el “sobrecoste que ha supuesto a Ifema”, Para su portavoz en la Asamblea, Mar Espinar, el espectáculo “ha resultado ser una ruina económica”.

En las mismas declaraciones reclama saber “cuánto dinero ha costado a los madrileños” este espectáculo, además de conocer cuánto costó el viaje a México que “también se utilizó para patrocinar este desastre económico”. “La señora Ayuso tiene que dar explicaciones porque los colegas que tiene son un pozo sin fondo para el erario público”, ha añadido después de comunicar que registraban en la Asamblea de Madrid varias preguntas dirigidas al Gobierno regional para que Ayuso valore el “sobrecoste que ha supuesto a Ifema el musical 'Malinche'” o la inversión pública para su desarrollo.

'Bárbara, el musical', de la compañía cántabra Adrián Alonso Producciones, se ha alzado con el galardón a Mejor Caracterización en la gala anual de los Premios Off nacionales, celebrada en los Teatros Luchana de Madrid el 29 de junio. Estos premios reconocen la excelencia, la innovación y el riesgo artístico en el circuito del teatro independiente de todo el país.

La producción ha logrado un doble hito para la distribuidora independiente: clasificarse como finalista al máximo galardón de Mejor Musical Off y, a su vez, convertirse en el segundo musical más votado por el público.

Según la productora, la nominación a Mejor Musical Off ha situado al montaje “entre la elite del teatro independiente nacional, premiando la solidez global del espectáculo, su dramaturgia, dirección e interpretación”.

Por su parte, el premio en la categoría de Mejor Caracterización pone en valor el meticuloso trabajo plástico y de diseño visual que da vida a la atmósfera de la obra. Los creadores MIA MOI y el propio Adrián Alonso han sido los artífices de esta propuesta estética única.

“Regresar a Cantabria no solo con la nominación a Mejor Musical, sino también con este premio nacional y con la maravillosa sorpresa de haber sido el segundo musical más votado por el público es un orgullo inmenso para todo el equipo. Es el reflejo de que desde Cantabria se está haciendo teatro musical competitivo, ambicioso y con un sello de calidad indiscutible”, han señalado este lunes desde la dirección de la compañía.

'Bárbara, el musical' es una adaptación de Adrián Alonso y Ana Conde de la comedia musical 'Bárbara', de Mar Galera, inspirada en la obra teatral 'Las criadas', de Jean Genet.

La trama sigue a Bárbara (interpretada por la actriz y soprano cántabra Begoña Agüero), la poderosa reina de las mañanas televisivas cuyo estatus se tambalea cuando Clara y Sole (que encarnan Rocío Riego y Nuria Gedack, ambas actrices de trayectoria consolidada en la región), sus dos becarias, deciden rebelarse para perseguir su propio sueño de triunfar en la pantalla. El elenco se completa con la participación de la compañía de danza Dantea y ofrece una ácida crítica a los programas sensacionalistas y a los reality shows actuales.

El musical, que forma parte del circuito 'La cultura a Escena' del Gobierno de Cantabria, inició su trayectoria con su estreno en el Teatro Arlequín de la Gran Vía de Madrid, y actualmente se encuentra inmerso en su gira nacional. Podrá verse los días 3 y 4 de octubre en Madrid; el 16 en Reocín; el 17 en Castro Urdiales; el 23 en Solares (Medio Cudeyo), y el 24 en Cabezón de la Sal. En el mes de noviembre llegará a Los Corrales de Buelna, el día 13; Viño de Piélagos, el 14; Camargo, el 26 y Laredo, el 28.

El mes que viene se cumplirán 20 años desde aquel julio de 2006 en el que se estrenó Bilbao Live -el patrocinio de BBK reflejado en el nombre del evento no llegaría hasta un año después- con Ben Harper, Guns N’Roses y Placebo como cabezas de cartel. Dos décadas después, la nueva directora general de Last Tour, promotora que organiza este y otros festivales como el recién finalizado Azkena Rock, Yurdana Burgoa, valora que en la actualidad los festivales viven un buen momento. Eso sí, prefiere alejar el prefijo “macro” a la hora de definir el BBK Live. “Yo no definiría el BBK Live como macrofestival porque cuidamos muchísimo la experiencia. Tenemos una afluencia de 100.000 personas en los tres días, pero el festival tiene un horario muy amplio. La gente sube y baja de Kobetamendi y va disfruntado de la experiencia. No es un macrofestival en el que estamos todos apiñados”, reconoce.

Burgoa, además de su trabajo en Last Tour, cuenta con amplia experiencia en gestión de instituciones públicas y privadas, y durante ocho años y medio fue jefa de gabinete y coordinación del Departamento de Economía y Hacienda, en el Gobierno vasco. También ha sido consejera de la Agencia Vasca de Internacionalización Basque Trade&Investment, en la Asamblea General del Basque Research and Technology Alliance y miembro del Consejo Asesor de Colectividades Vascas en el exterior. Puede que por ello, su modelo gestión, según asegura, no tolera la precarización laboral y respeta los derechos de los trabajadores. “Yo sé que siempre hay voces y críticas también, como en todas las industrias, que siempre van a decir cosas en contra de Last Tour, pero como directora general puedo dar fe de que las contrataciones que hacemos están absolutamente en norma y en forma y controlando horarios y salarios, y cuidamos mucho que nuestros proveedores también lo hagan. Si un proveedor falla en estas cuestiones no vamos a volver a trabajar con él. A la gente hay que pagarle por el trabajo que desarrolla y la gente tiene que trabajar unas horas al día y si trabajamos más horas, yo incluida, esto se tiene que reconocer. Al final las personas trabajadoras son las que hacen funcionar una empresa y esta es mi forma de gestionar”, sentencia Burgoa en una entrevista en la que valora, entre otras cuestiones, las críticas a las subvenciones directas como la del grupo ETS para sus conciertos en Madrid y Barcelona, la oferta del fondo Kohlberg Kravis Roberts (KKR), gestor de una promotora de viviendas en territorios ocupados en Palestina para adquirir el BBK Live o la decisión de hacer residencias en lugar de giras, de artistas como Bad Bunny o Shakira.

¿Cuál es la clave del éxito para lograr las 20 ediciones del BBK LIVE?

Realmente la clave del éxito para que un evento cultural coja la dimensión que tiene el Bilbao BBK Live es atreverse primero a soñarlo. Hay que saber ver que un producto así va a funcionar en un territorio o en una ciudad, y luego ser muy coherente y muy ambicioso en calidad artística y en el cuidado de la experiencia. Este festival al final es el único festival que se desarrolla en una montaña y eso le da un plus muy importante para la gente que viene porque al final la experiencia no es solo la música, sino vivir la música en el entorno que es Kobetamendi. Entonces diría que la clave, por un lado, tiene la parte curatorial, artística y, por otro lado, trabajar y hacer que la experiencia sea única.

En esos 20 años, al igual que en la mayoría de festivales, la participación de grupos o artistas masculinos que han sido cabezas de cartel ha sido predominante. ¿Es el equilibrio de género un reto para los festivales que organizan?

El equilibrio de género es un reto para la sociedad, porque en esta industria pasa exactamente lo mismo que en todas las industrias y que en todos los sectores económicos. Y eso sí que es un mensaje que para mí es importante. Al final yo soy mujer, soy la directora general de Last Tour y para mí el equilibrio de género es un reto en todos los sectores económicos de esta sociedad. Nosotros este año nos hemos integrado en un programa con Más Músicas, una organización que promueve el talento de las mujeres en la música. Lo que hemos hecho ha sido poner a disposición de esa organización nuestros festivales. Entonces vamos a tener artistas femeninas en festival Pirineos Sur, en Azkena Rock y en el Bilbao BBK Live a través de esa asociación. Nosotros siempre intentamos cuidar el equilibrio de género, pero sí que es verdad, que es difícil en esta industria y en todas.

¿Hay algún artista que les hubiera gustado que fuera al BBK Live y que se haya quedado en el tintero?

Hay varios, pero seguimos intentándolo, así que no te puedo decir quiénes son. Pero eso pasa todos los años. Nosotros el booking, digamos la contratación de artistas la empezamos a trabajar año vista. De hecho ya llevamos trabajando varios meses en la contratación artística del festival del año que viene. Entonces, bueno, siempre tienes los nombres a los que aspiras al principio y luego eso tiene que cuadrar con que esos artistas giren ese año, quieran hacer giras de festivales o prefieran solo realizar conciertos. Tienes un mapa de deseos y luego empiezas a llamar y ese mapa va aterrizando hasta que tienes la foto finish de lo que está disponible y cuadra con el estilo musical de cada festival.

A lo largo de estos años, concretamente en el año 2019 y algunos posteriores, ha habido denuncias sobre la precariedad de los trabajadores del BBK Live. ¿Cómo han solventado esa situación?

Me alegra que me hagas esa pregunta porque cada año cuando se acerca el festival empezamos a ver carteles en contra de Last Tour y no tiendo a entrar en esas cuestiones porque todas las contrataciones que hacemos están hechas bajo el Convenio de Hostelería de Bizkaia, que es el mejor convenio que hay en el Estado. Nosotros no tenemos ninguna incidencia propia y es verdad que en 2019 hubo esa incidencia que nosotros como empresa denunciamos porque lo que ocurrió es que una de las empresas proveedoras infringió derechos laborales. Nosotros somos una empresa certificada B Corp. ¿Eso qué quiere decir? Que el compromiso con los derechos laborales en cuanto a horas, en cuanto a salario, en cuanto a pagar en tiempos y en formas, lo llevamos a rajatabla, no puede ser de otra manera. Entonces sí que me gustaría defender nuestro modelo de contratación. Yo sé que siempre hay voces y críticas también, como en todas las industrias, que siempre van a decir cosas en contra de Last Tour, pero como directora general puedo dar fe de que las contrataciones que hacemos están absolutamente en norma y en forma y controlando horarios y salarios, y cuidamos mucho que nuestros proveedores también lo hagan. Si un proveedor falla en estas cuestiones no vamos a volver a trabajar con él. A la gente hay que pagarle por el trabajo que desarrolla y la gente tiene que trabajar unas horas al día y si trabajamos más horas, yo incluida, esto se tiene que reconocer. Al final las personas trabajadoras son las que hacen funcionar una empresa y esta es mi forma de gestionar.

¿Cómo viven las críticas de parte de la sociedad hacia los macroconciertos y grandes festivales?

Siempre que me hacen esta pregunta digo que para gustos están los colores. Siempre hay críticas contra los macrofestivales, pero también hay gente a la que les encantan. Yo no definiría el BBK Live como macrofestival porque cuidamos muchísimo la experiencia. Tenemos una afluencia de 100.000 personas en los tres días, pero el festival tiene un horario muy amplio. La gente sube y baja de Kobetamendi y va disfrutando de la experiencia, no es un macrofestival en el que estamos todos apiñados. Sí que es verdad que los grandes eventos como el BBK Live tienen que tener cuidado y conciencia con el entorno en el que están trabajando y nosotros en eso ponemos mucho mimo, estamos en contacto con los vecinos, les hacemos aportaciones para sus fiestas patronales y para las fiestas del barrio y les ofrecemos trabajo durante el día del festival. Tratamos en la medida de lo posible que el transporte y la logística hacia el festival funcione bien y no se sientan abrumados por tanta afluencia de gente. El tema medioambiental también lo cuidamos mucho, tratamos que la energía sea renovable, cuidamos el reciclaje y también, en cuanto al ámbito social, tenemos el Espacio Balore en todos nuestros festivales donde puede acudir cualquier persona si ocurre algo o necesita información sobre inclusión, violencia de género, agresiones sexistas o cualquier tipo de agresión. Ahí se activa un protocolo para que esa persona o esas personas sean atendidas.

Si vendes puedes perder la esencia. Nosotros somos la mayor promotora musical independiente del Estado español. Eso quiere decir que las decisiones se toman en casa

El año pasado salió a la luz que el fondo Kohlberg Kravis Roberts (KKR), gestor de una promotora de viviendas en territorios ocupados en Palestina, compró la empresa Superstruct Entertainment, que organiza hasta 80 festivales por medio mundo, muchos de ellos en España (Sónar, FIB, Viña Rock...). El por aquel entonces CEO de Last Tour confesó que hubo ofertas para adquirirla por parte del fondo, pero fueron rechazadas. ¿Qué ocurrió?

BBK Live ha tenido muchas novias. A día de hoy nos siguen tentando fondos alemanes, de Reino Unido y otros países. Simplemente es convicción. Alfonso Santiago, que es el fundador y el presidente de Last Tour, decidió echar raices en Bilbao y él tiene muy claro que esta es su empresa y que va a seguir siendo parte del accionariado. Él es el mayor accionista y luego tiene pequeños accionistas que también son del País Vasco y de España y va a ser así por principios. Si vendes puedes perder la esencia. Nosotros somos la mayor promotora musical independiente del Estado español. Eso quiere decir que las decisiones se toman en casa y eso refleja un poco nuestra forma de entender el mundo y la cultura. Respetando unos principios y una forma de hacer somos capaces de tener la flexibilidad, la agilidad y la libertad de decidir lo que nosotros creemos.

Este domingo ha finalizado el Azkena Rock en Vitoria con 24 ediciones a sus espaldas. ¿Qué valoración realiza?

Es nuestro festival más veterano, yo lo definiría como la celebración del rock que reune a unas 50.000 personas cada año. Tiene una comunidad absolutamente fiel que cada año viene y es un encuentro intergeneracional con un ambiente precioso de gente a la que realmente le apasiona el rock. El año que viene cumplimos 25 años y vamos a hacer una edición que vamos a tratar con extremo mimo, al igual que estamos haciendo con la 20 edición del Bilbao BBK Live este año.

Cuando se anuncia una subvención directa a un hecho, evento o empresa concreta es porque una institución considera que esa actividad es única. Y yo creo que llenar Madrid o Barcelona con un concierto en euskera es algo histórico

Expertos comentan que la década dorada de los festivales fue desde el 2010 hasta el 2019, por el equilibrio perfecto entre grandes nombres internacionales, apoyo al talento local, y precios aún accesibles. ¿Considera que es cierto?

Yo diría que a día de hoy los festivales están funcionando y la música en vivo está funcionando. Nosotros notamos que después de la pandemia la gente tiene la necesidad de disfrutar y de pasarlo bien. La era post pandemia ha marcado mucho en los ratios de consumo de música en vivo y es una industria que está creciendo mucho impulsada también por el consumo musical en redes sociales y plataformas. La música latina, por ejemplo, está siendo un gran detonante de esa afición y de esas ganas de escuchar música, disfrutar de los eventos y pasarlo bien.

Cada vez hay más quejas por parte de artistas locales por la financiación pública de macroconciertos. Decenas de artistas han firmado un manifiesto para exigir mayor transparencia y equidad en el reparto de ayudas públicas, a raíz de la aportación a ETS. ¿Cómo ve esta situación?

No he leído el manifiesto, pero considero que la apuesta de las instituciones vascas y también de las instituciones estatales con el ámbito cultural es fuerte. En Euskadi se está apostando por la cultura porque somos un país que tenemos muchísima tradición cultural y ahí existe esa sensibilidad respecto a la aportación a un grupo concreto, que no es el primer grupo que se apoya ni será el último. Yo creo que entran en juego otras vertientes, como la proyección de nuestra lengua a nivel internacional o a nivel estatal, la puesta en valor de nuestra cultura y de nuestra tradición, de una lengua que está, que es única y que es minoritaria y que creo que nos posiciona también como país. Aparte del ámbito cultural han entrado otras variables que el Gobierno vasco habrá decidido que merece la pena apostar por ellas. Y cuando otros artistas piden transparencia yo creo que esa transparencia en las subvenciones tanto del Departamento de Cultura como en otros departamentos siempre ha estado. Sé cómo funcionan esas subvenciones y cómo se anuncia una subvención directa a un hecho, evento o empresa concreta y eso ocurre cuando una institución considera que esa actividad es única. Yo creo que llenar Madrid o Barcelona con un concierto en euskera es algo histórico.

¿Cómo están viviendo los artistas con los que trabaja Last Tour esa fiebre por el 'sold out'? ¿Hay presión?

Al final para ellos hacer un 'sold out', vender todas las entradas, es un éxito, un reconocimiento a su trabajo y también a nuestro esfuerzo como promotora. Yo soy feliz cada vez que un artista consigue eso porque les ves la cara y ves cómo disfrutan. Hay un trabajo tremendo de preparación para estos shows, muchas preocupaciones, , esfuerzos, trasnoches, incluso llegar a dejar un poco de lado a la familia...Como a cualquier persona trabajadora, cuando le sale algo bien es una enorme satisfacción. Para los artistas ocurre lo mismo.

Antes hablaba de la música latina, a raíz de Bad Bunny, Shakira y otros artistas, se está priorizando cada vez más la 'residencia' en lugar de las giras. ¿Los artistas de Last Tour se lo están planteando? ¿La razón de hacerlo es que es más económico para el artista?

En Last Tour no tenemos artistas de ese nivel ni que estén planteándose hacer residencias, pero quienes lo están haciendo lo hacen porque evidentemente es más cómodo para el artista estar varios días en una ciudad y en un único recinto haciendo sus shows. También es más económico porque hacer un único montaje es más barato que hacer cinco en diferentes ciudades. Ellos valoran además que el espectáculo que pueden dar puede ser de más calidad y puedes tener una mayor capacidad de inversión en los shows y en los espectáculos. Ya es cuestión del artista y de si prefiere hacer giras por distintas ciudades y acercarse a la gente o no. Todo hay que respetarlo.

Corría el año 2024 cuando a través de los altavoces resonando entre la multitud se escuchó por primera vez con una voz grave, taciturna, casi diabólica la frase “hau ez da kontzertu bat” (“esto no es un concierto”). Desde entonces, esa frase ha titulado camisetas, fotografías y hasta un documental sobre el grupo navarro Zetak. Es una declaración de intenciones que Pello Reparaz lleva a sus actuaciones de Mitoaroa. Lo hizo en la primera entrega del espectáculo en el Navarra Arena delante de 30.000 personas en dos conciertos, en la segunda parte, en Illumbe ante 40.000 personas (y hasta 45.000, según algunas fuentes) durante sus tres noches de conciertos en la plaza de toros donostiarra. Y también lo ha hecho en el capítulo tres de su obra, en San Mamés, frente a 80.000 personas, las primeras 40.000 este viernes, demostrando así, que lo que el grupo hace, con más de 270 artistas unidos en sus espectáculos de los últimos años, es mucho más que una mera actuación musical.

Porque lo que ha protagonizado el de Arbizu por primera vez en el estadio del Athletic Club no ha sido un concierto, ni un musical, ni tampoco un teatro. Lo ha llamado una “distopía utópica” que mezcla esas tres disciplinas con la danza y la tecnología y convierte el espectáculo en una fiesta difícil de olvidar. Pero puede que también complicada de entender. Al igual que ocurrió en Illumbe con los auriculares para no perderse nada de la parte teatral del espectáculo, gran parte del público -sobre todo quienes estaban en la pista, de pie- se ha sentido algo perdida, ya que este viernes no han sido pocos los que no esperaban ser testigos de una realidad futurista en la que el euskera y la empatía están prohibidas. Un futuro lejano -en el año 2084- que Reparaz ha querido llevar a San Mamés para alertar a la población sobre qué ocurriría si se perdiera “nuestro tesoro más preciado”. “A veces no hace falta entender todo para ser parte de algo. Todos los que estáis aquí estáis haciendo historia. Euskara plazak ari da betetzen, euskara gorputzak ari da betetzen, txosnak eta estadioak ere bai. Jarrai dezala horrela. Gora gu ta gutarrak”, ha manifestado.

Reparaz y las decenas de profesionales que lo acompañan en este show, han ido intercalando las canciones con vídeos y actuaciones en las que se mostraba un futuro distópico en el año 2084 con un sistema oprime al pueblo y a sus ciudadanos, quienes deben llevar un chip en la cabeza para ser controlados. La moneda de cambio de esa realidad orwelliana es el papel, que a raíz de la fuerza del cambio climático y las desforestaciones ha prácticamente desaparecido. Así, la tecnológica realidad se va abriendo paso y la historia narra cómo, en el futuro, todo desaparece: hasta el árbol de Gernika. “Ellos dicen mierda, nosotros amén. Con el avance de la inteligencia artificial y la robótica han convertido a los humanos en máquinas sin empatía”, se escuchaba por los altavoces.

Frente a eso, la revolución. Un estallido de colaboradores han ido apareciendo en San Mamés en defensa de la libertad y del euskera, entre ellos Jon Plazaola, Yune Nogueiras, Aitziber Garmendia, Antton Telleria, Anjel Alkain, Albert Pla, Javier Botet, Kandido Uranga, Erika Olaizola y hasta Samantha Hudson y Grison, quienes han cantado y defendido la lengua vasca, también a ritmo de beat box. Aunque, tras la aparición de todos ellos ha hecho referencia a una pregunta que este periódico le hizo el pasado abril durante la rueda de prensa de presentación de este concierto en la Diputación de Bizkaia acerca de los invitados a los que pensaba llevar a su espectáculo. “Una periodista me preguntó qué colaboraciones iba a tener y aquí están, vienen desde Arbizu. Son mis amigos”, ha destacado antes de cantar con sus amigos de toda la vida.

Y los mensajes reivindicativos no han dejado de aparecer: solidaridad con Palestina y con el pueblo saharaui, por quienes el artista ha criticado la responsabilidad del Estado español o a los futbolistas que cada semana llenan ese mismo estadio, a quienes ha pedido que hablen en euskera porque “un pequeño gesto puede ser gigante para nuestro pueblo” y también ha querido hacer un guiño a “aquellos que no han podido pagarse una entrada” para verle.

El espectáculo también ha tenido momentos emotivos, como cuando Reparaz ha recordado a un niño de 9 años que pensaba acudir al concierto, pero lamentablemente ha fallecido en un accidente. “Suelo ser escéptico y suelo pensar que más allá del Cantábrico no hay nada. Que todo se acaba cuando esto acaba, pero ahora, maitia, te hablo a ti. Alguien podría pensar que ya no estás aquí, pero no sé por qué, de veras que no sé por qué, empiezo a creer que estás aquí. Te quiero, amigo” le ha lanzado al cielo entre aplausos.

También ha emocionado cuando ha contado la historia de sus abuelos mirando a su abuela, que a sus 90 años ha presenciado el concierto. “Ya sabéis que soy navarro, pero lo que no sabe mucha gente es gracias a mi abuelo y abuela también soy hijo de Bizkaia. Mi amama Karmele nació en Deusto en 1936. Su madre, Petra Urrutia Aretxabaleta, murió en 1942 cuando mi abuela tenía seis años. Poco después, su padre se quitó la vida. De ahí viene mi amama”, ha confesado visiblemente emocionado y fundido en aplausos y gritos. “A partir de 1950 estuvo sirviendo en una casa de Neguri. Me contó que cuando daban días libres al servicio, ella no tenía a dónde ir y mientras sus compañeras se ponían contentas, ella pasaba esos días como podía. Por suerte, la vida le unió con Robustiano, un buen chico navarro de Etxarri-Aranatz y juntos salieron adelante repartiendo pienso con un camión. Carretera, barro, cansancio y dignidad. Hoy estamos aquí, casi 100 años después, en Bizkaia. Yo aquí, llenando este estadio y mi amama Karmele ahí, en el palco. Gracias amama, hemos cerrado el ciclo, tú y yo en San Mamés. Otra vez de vuelta en Bizkaia, pero ahora con un hogar. Te quiero”, le ha dedicado señalándola.

Aunque para muchos el momento más álgido de la noche ha sido volver a ver 50 años después la ikurriña en manos de los futbolistas Iribar y Kortabarria en San Mamés. Aquella imagen durante el derbi en Atotxa en 1976 supuso para gran parte de la sociedad un símbolo del fin de la dictadura, con un Franco que acababa de fallecer y la ikurriña aún prohibida, pero celebrando el comienzo de una ansiada época de libertad. Tal y como Reparaz ha querido mostrar en su show que dejaba atrás el futuro distópico y regresaba a la época actual con sus personajes del carnaval como Unanuko mamuxarruak, Iturengo joaldunak, Tuterako zipoteroak, Altsasuko momotxorroak, Zubietako joaldunak, Arbizuko txatarrak y del Carnaval de Lanz, bailando entre el público. “Todos vosotros sois Zetak”, ha manifestado, antes de anunciar un nuevo concierto en enero de 2027 cuyas entradas saldrán a la venta el próximo domingo. Pero antes, tiene otra cita este sábado, que será grabada y podrá verse en la televisión vasca, en la que reunirá a otras 40.000 personas que deberían tener claro antes de llegar que lo que les espera esta noche en San Mamés, no es un concierto. Hau ez da kontzertu bat.

La productora Stage Entertainment España acaba de dar a conocer el título con el que arrancará las actuaciones en el parque Tierno Galván, donde acaba de renovar el edificio que albergó en su día el cine IMAX Será Moulin Rouge! El Musical, un montaje con solo siete años de vida, basado en la popular película dirigida por Baz Luhrmann.

El espectáculo estará basado en la célebre película dirigida por Baz Luhrmann. El musical está dirigido por el ganador del Premio Tony Alex Timbers, y el libreto está escrito por el ganador del Premio Tony John Logan, mientras que la supervisión musical, orquestaciones y arreglos irá de la mano del ganador del Premio Tony Justin Levine; y coreografía de la ganadora del Premio Tony Sonya Tayeh.

“'Moulin Rouge! El Musical' es una celebración teatral de la Verdad, la Belleza, la Libertad y, sobre todo, el Amor. Es un estado de ánimo”, asegura la productora.

El montaje servirá para inaugurar el Stage Gran Teatro Musical, con más de 1.500 butacas, titularidad municpal y que la productora gestionará por concesión durante los próximos 42 años El estreno está previsto para el año 2027, cuando acaben unos trabajos que echaron abajo la antigua cúpula del cine (con algún que otro susto) para levantar nuevos escenarios y graderíos.

Casting abierto para actores y actrices

De cara a esta producción de 'Moulin Rouge! El Musical', Stage Entertainment España busca bailarines para personajes principales, secundarios y de reparto. Todos los interesados pueden registrarse a través de la esta página web en la que se encuentra disponible la descripción de personajes, antes del miércoles 17 de junio.

La fecha y el horario de convocatoria, así como el lugar en el que se realizarán las audiciones, serán comunicados convenientemente a los candidatos que superen la preselección previa. La primera ronda de audiciones tendrá lugar entre el 25 de junio y el 3 de julio de 2026 en Madrid.

El legendario músico estadounidense John Ellison actuará en la décima edición del Maspalomas Costa Canaria Soul Festival, que se celebra del 17 al 19 de julio en Gran Canaria. Este es el segundo artista anunciado para el festival después de Koko-Jean & The Tonics. El veterano compositor y guitarrista ofrecerá un concierto el sábado 18 de julio a las 19.30 horas en el escenario principal de la Playa de San Agustín.

Nacido en Montgomery (Alabama, Estados Unidos), 1941, Ellison es autor de un clásico del soul y el rhythm & blues: Some kind of wonderful, que compuso en 1967 y ha sido versionado por numerosos artistas. Figura fundamental de la música afroamericana, su trayectoria abarca más de seis décadas. A los 18 años ya cantaba soul, y se unió en Nueva York a los Soul Brothers Five, que con él pasaron a llamarse Soul Brothers Six, donde ejerció como guitarrista, cantante y compositor principal. 

La banda se separó en los 70 y Ellison continuó actuando. En 1993 lanzó su primer álbum en solitario, Welcome Back, seguido de Missing You en 2000, Back en 2008, y Up for funk en 2013. En octubre de 2015, Ellison, que actúa habitualmente en Europa, Asia y América del Norte, ingresó en el Salón de la Fama de la Música de Virginia Occidental.

Cinco años después lanzó Wake-up call (black like me), nominada a Canción del año 2021 en los Pop Awards. Y en 2023 versionó su clásico Some kind of wonderful, como tema principal de un álbum con once canciones nuevas escritas por Ellison y producidas por Roger Heijster. El año pasado, su canción Let's get this party started fue nominada como Mejor Funk de 2024 en la encuesta de la plataforma y festival Born & Bred, en Virginia Occidental.

La incorporación de Ellison al cartel refuerza el carácter internacional del Maspalomas Costa Canaria Soul Festival y subraya la apuesta del evento por reunir a artistas de referencia en un entorno único frente al mar. 

Organizado por el Ayuntamiento de San Bartolomé de Tirajana y dirigido y producido por DD&Company Producciones, el festival es la cita gratuita de mayor dimensión de soul en España y una de las imprescindibles del género en Europa.

El músico Diego Vasallo (Donostia, 1966) ofrecerá este jueves un concierto en Bilbao al frente de su nuevo proyecto musical, el grupo Løse, que supone su regreso al formato de banda, con él como un integrante más. El concierto del ex de Duncan Dhu, que rechazó participar en la gira conmemorativa del dúo, tendrá lugar en la sala Lumiére, del Casco Viejo bilbaíno, a partir de las 20:15 horas. La actuación forma parte de la gira de presentación de su debut discográfico, de título homónimo y publicado en febrero.

El álbum contiene siete nuevas composiciones y ha sido producido por el guitarrista solista de la formación, Fer García (ILL, The Young Wait), quien ya produjo el anterior trabajo de Vasallo, el EP “Malo ni bueno”, en octubre de 2023, cuando ambos comenzaron a colaborar. El nuevo proyecto musical del donostiarra, en el que resuenan ecos de post-punk, Mark Lanegan y los más recientes discos en solitario de Vasallo, recala en la capital vizcaína tras haber ofrecido la banda apenas tres conciertos hasta la fecha, el último de ellos, este pasado sábado en su ciudad natal.

En declaraciones a Europa Press, Vasallo ha explicado que “la idea de formar una banda llevaba tiempo rondándome la cabeza”, ya que, ha subrayado, “se trataba de volver a vivir la sensación de formar parte de una banda de rock, dentro de un trabajo colectivo de principio a fin, desde el local de ensayo hasta los escenarios y el estudio de grabación”.

A raíz de colaborar con Fer García en su anterior EP, ha añadido, “y después de unas cuantas conversaciones, nos pusimos manos a la obra y empezamos a buscar a los demás componentes”, para lo cual, hablaron con el batería Oriol Flores y fue él quien contactó con el bajista Xabi Arratibel. “Ya teníamos un cuarteto para empezar a trabajar en las canciones que formarían el primer álbum de Lose” ha proseguido, momento en que el teclista Germán San Martín (Loquillo, Quique González) se incorporó como “el quinto elemento que daría forma al sonido del grupo encargándose de los teclados y aportando unas texturas suntuosas y sugerentes”.

Según ha explicado Vasallo, a la hora de crear las canciones y levantar el disco “buscábamos un sonido eléctrico, denso, rugoso y algo oscuro, como las brumas de los cuadros de Jesús Mansé, que aparecen en la portada y contraportada del disco”. Respecto a Mansé (seudónimo del poeta y letrista Jesús Mari Corman) Vasallo, que también pinta y expone regularmente, ha compartido con él varias exposiciones conjuntas ya que ambos comparten imaginario pictórico inspirado en el Romanticismo pictórico.

En ese sentido, Vasallo ha señalado que ve paisajes sonoros en muchas partes de los temas de Lose, puesto que “conectan con esos ambientes fríos y románticos de Mansé, como corrientes que atraviesan las canciones, mareas de sonido por debajo de la masa de guitarras ácidas y chirriantes”. Las letras de las siete canciones han sido escritas por Vasallo, mientras que Fer García se ha encargado de la parte musical en cinco de ellas, aunque aseguran que han compuesto y coproducido el disco juntos entre los dos.

En cuanto al sonido, el músico, que ha seguido una trayectoria musical en solitario alejada de la estética y el universo sonoro de Duncan Dhu, ha asegurado que “la electricidad de las canciones envuelve unos textos casi abstractos, libres, por los que circulan imágenes robadas a los campos y las costas de Gipuzkoa, desde donde fueron apareciendo las letras que terminaron de dar forma a estas siete piezas, largas y, en muchos pasajes, improvisadas”. En cuanto al significado del término elegido para bautizar al grupo, en los idiomas nórdicos esa palabra significa “soltar”, “desatar” o “resolver” y, tal y como ha corroborado el músico, “estas siete canciones, que dan significado a este primer trabajo buscan precisamente eso: desatar, soltar amarras, zanjar. Eso hemos intentado” ilustra el músico.

La música va a ser la gran protagonista esta semana en el Teatro Bretón con una nueva cita de ‘Mayo Jazzea’ el jueves 21 de mayo, y un espectáculo musical dedicado a Francisco de Goya.

El jueves 21 de mayo, a las 20:30 horas, regresa el jazz al Teatro Bretón con el espectáculo de Baldo Martínez Sexteto, enmarcado en el programa ‘Mayo Jazzea 2026’.

Baldo Martínez es uno de los músicos más representativos del jazz contemporáneo hecho en España, en la línea del Jazz europeo actual, con más de 30 discos en su haber y colaboraciones en medio centenar. En esta ocasión, el artista presenta su nuevo proyecto bajo el título ‘Música Imaginaria’.

Aprovechando su paso por la ciudad, el artista ofrecerá una charla coloquio para jóvenes y público en general en La Gota de Leche el miércoles 20 de mayo a las 20:00 horas. El acceso es gratuito hasta completar aforo.

La música continúa con un espectáculo el sábado 23 de mayo a las 20:00 horas, con ‘Goya, la melodía de una leyenda’. La obra explora la vida y obra del pintor Francisco de Goya, desde sus luchas personales hasta su papel como testigo y protagonista de una de las épocas más convulsas de la historia de España. Un viaje artístico lleno de pasión, drama y reflexión.

Sobre el escenario siete actores musicales y una banda que ofrecen al público 24 cancones originales interpretadas en directo. La obra tiene una duración estimada de 2 horas y media aproximadamente incluyendo descanso. El precio de las butacas varía entre los 12 y los 27 euros.

Las entradas de ambos eventos se pueden adquirir a través de la web del Teatro Bretón, en la propia taquilla de las instalaciones municipales así como llamando por teléfono al 941 207 231.

Un escenario flotante convertirá el pantano González Lacasa en el enclave musical más exclusivo del verano en La Rioja. Y es que la música sonará este verano sobre el agua. El pantano González Lacasa, en El Rasillo de Cameros, acogerá los días 12 y 13 de junio la primera edición de Noches del Pantano, un nuevo ciclo musical impulsado por Cencerro Producciones, empresa fundadora de Sierra Sonora, que nace con la vocación de crear una experiencia exclusiva, íntima y profundamente conectada con el paisaje.

El proyecto propone un formato único en La Rioja: un concierto sobre el agua, en el que los artistas actuarán sobre un escenario flotante instalado en el pantano, frente a uno de los enclaves naturales más singulares de Cameros. La experiencia estará marcada por el atardecer, el aforo limitado y una puesta en escena diseñada para convertir cada noche en un momento irrepetible.

  La programación de esta primera edición arrancará el viernes 12 de junio con la actuación de Andrés Suárez, una de las grandes voces de la canción de autor en España. El sábado 13 será el turno de Rita Payés y Lucía Fumero, dos de las creadoras más sensibles y personales de la escena actual. Dos conciertos que refuerzan la apuesta de Noches del Pantano por una música cercana, emocionante y pensada para ser escuchada en un entorno excepcional.

  Además, el sábado 13 de junio, a las 13 horas, la Plaza de El Rasillo acogerá un concierto gratuito de Cuerdas y Teclas, proyecto formado por el músico riojano Jorge Garrido y la artista vasca Beatriz Peña. La actuación complementará la programación principal de Noches del Pantano y reforzará la apuesta del ciclo por extender la música y la actividad cultural a distintos espacios del municipio. El broche final de la jornada del sábado lo pondrán las DJs riojanas KURLZZZ DJs, que cerrarán la noche con una sesión especial al aire libre en El Rasillo.

 La organización anunciará próximamente nuevas actuaciones repartidas por el pueblo y distintas actividades complementarias que ampliarán la experiencia cultural y convertirán El Rasillo de Cameros en un espacio vivo durante todo el fin de semana.

Así será el escenario

El escenario será una estructura de madera inspirada en una cúpula geodésica, concebida para integrarse visualmente en el paisaje y ofrecer una imagen icónica: música, agua y naturaleza reunidas en un mismo espacio. El ciclo tendrá un aforo aproximado de 400 personas por jornada, lo que subraya su carácter exclusivo y su apuesta por una experiencia cuidada, cómoda y de proximidad. Además, Noches del Pantano contará con una propuesta gastronómica vinculada al Restaurante El Náutico, que ofrecerá una zona preferente con cena para quienes quieran completar la experiencia desde una perspectiva más especial.

“Queríamos imaginar un formato que solo pudiera suceder aquí: un concierto sobre el agua, al atardecer, en El Rasillo y con la sierra como telón de fondo. Noches del Pantano nace para emocionar, para escuchar de otra manera y para demostrar que La Rioja puede acoger experiencias culturales verdaderamente únicas”, señalan Álvaro Sainz y Víctor Grandes, portavoces de Cencerro Producciones.

La iniciativa cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de El Rasillo de Cameros y el Gobierno de La Rioja, y refuerza la línea de trabajo de Cencerro Producciones: crear proyectos culturales con identidad propia, vinculados al territorio y capaces de activar nuevas formas de encuentro entre artistas, público y paisaje. Cencerro Producciones es la empresa fundadora de Sierra Sonora, festival nacido en 2020 en Viniegra de Abajo y convertido en uno de los grandes referentes de la cultura rural en España. En estos años, Sierra Sonora ha desarrollado más de una veintena de ediciones, ha acogido a artistas de primer nivel y ha recibido reconocimientos como el Premio A de Actual y el reconocimiento del Observatorio de la Cultura como Proyecto Cultural del Año en La Rioja.

Las entradas para Noches del Pantano saldrán a la venta estey viernes 15 de mayo a las 12 horas en www.cencerro.es. Habrá entradas de día y abonos para las dos jornadas. Los conciertos comenzarán a las 20:30 horas y el recinto contará con aparcamiento en las inmediaciones.

En el mundo de la perfección más absoluta bajo los focos, Amaia Montero (Irún, 1976) sabe caer y volverse a levantar. Lo ha hecho con la vida, pero también con su primer concierto con La Oreja de Van Gogh tras casi dos décadas alejada del grupo. Real y natural, como la vida misma, se ha abierto en canal y frente a las 15.000 personas que han llenado el Bizkaia Arena de Barakaldo, -mañana serán otras 15.000 en una segunda cita en la capital vizcaína- ha confesado que creía que era el fin de su música, pero también de su vida. “Tenemos tantas canciones que no sabemos ni por dónde empezar. Han pasado muchas vidas dentro de todos estos años, y estar hoy aquí con vosotros es muchísimo más que un concierto, es una vuelta. Una vuelta de verdad. Hubo momentos en los que pensé que nunca volvería a pisar un escenario. Estaba perdida, completamente perdida. A punto de bajar al mismo infierno y no es una forma de hablar. Tuve demasiados días de oscuridad en los que pensé que todo había terminado para mí. La vida, la música, se habían apagado para siempre. Rendirse o luchar. Y con mis cicatrices, después de luchar mucho, aquí estoy”, ha reconocido emocionada mientras abrazaba el micrófono.

Como no podía ser de otra manera, '20 de enero' ha dado el inicio a una de las giras más esperadas de la banda y Bilbao ha sido un poco donostiarra durante lo que ya es todo un himno para los amantes de la Tamborrada de San Sebastián. Después, 'Deseo de cosas imposibles' y Amaia se ha atrevido con 'El último vals', la primera de las canciones de la etapa de Leire Martínez, 17 años de música que la nueva gira de La Oreja de Van Gogh ha reducido a solo dos canciones. Y menos mal. Porque aunque la primera ha podido defenderla, en la segunda, 'La niña que llora en tus fiestas', ha demostrado que no se siente cómoda. Puede ser por las notas altas, porque era la primera vez que la interpretaba en un concierto o porque no es suya, pero en partes de la canción Amaia ha dejado de cantar y se ha ido a un lado del escenario, hasta que su público ha conseguido reanimarla y devolverla a la vida, una vez más, demostrándole que pase lo que pase allí estarán para ella, aunque tengan que esperar más de 20 años.

Algo parecido le ha pasado cuando ha tenido que interpretar por primera vez 'Todos estamos bailando la misma canción' y para ello la plataforma circular sobre la que estaba ha comenzado a subirla por los aires. Ella misma ha sido consciente de que tal vez no haya sido un acierto. “Me dicen que ha salido muy bien, pero yo sé que no. Es la primera vez que canto en las alturas. Pero también es la primera vez que me subo y lo hago fatal, y eso es algo que solo vais a vivir vosotros”, ha bromeado.

Después, ha vuelto a sus orígenes con 'El 28', una canción que, como ha confesado “tiene una historia especial y un lugar especial”. “Fue la primera canción que sonó en La Oreja de Van Gogh”, ha recordado al público. A partir de ahí, ha desplegado sus clásicos como si se tratara de un viaje en el tiempo. 'Rosas', 'Pop', 'Soledad', 'Muñeca de trapo' o 'Puedes contar conmigo' han sido algunos de los himnos que han llevado al público a volver a su adolescencia, a ese primer amor y a esa 'Playa'. “Estoy viendo a chicos y chicas cuando eran así, iban al colegio, después a la universidad, empezaron a trabajar y ahora están aquí. Estamos aquí. Ese viaje de treinta años lo hemos hecho juntos. Reconozco esas caras tan familiares”, ha señalado la artista.

Primero con un mono rosa entallado que brillaba en la oscuridad y después con un vestido rojo brillante al estilo de camiseta de fútbol americano con el número 96, Amaia ha conseguido atraer a los ojos del público más que sus compañeros, que se han mantenido en un segundo plano menos cuando el teclista de la banda, Xabi San Martín, ha interpretado 'Tan guapa' al piano. Canción a la que después se ha sumado la vocalista protagonizando un momento íntimo y cómplice entre los dos. “Todos tenemos canciones que son especiales para nosotros y no tienen que ser las más escuchadas”, ha confesado el músico.

“Con mis cicatrices, he luchado mucho y aquí estoy y con más ganas de cantar que nunca. Estamos aquí porque la vida tiene una manera muy extraña de sorprendernos. Y toda esta historia está ocurriendo aquí, ahora mismo. Mi grupo, mis chicos, mis compañeros. Hoy vamos a cantar”, ha manifestado la cantante, y así lo ha hecho en el comienzo de una gira que recorrerá España para dar una nueva vida a La Oreja de Van Gogh rescatando los clásicos de sus inicios, aquellos que recuerdan que la nostalgia, al igual que ese primer amor, jamás pasará de moda. Y que las segundas partes, aunque duelan, a veces sí son buenas.

“Soy un alcohólico en recuperación. Hace dieciséis meses decidí que necesitaba ayuda y es lo mejor que me ha pasado en la vida”. Son las últimas declaraciones de Andrew Lloyd Webber que han dado la vuelta al mundo. El compositor, creador de algunos de los musicales más emblemáticos de todos los tiempos, ha confesado recientemente a The Times sus problemas con el alcohol.  

El autor de las adaptaciones musicales de El fantasma de la ópera, Cats, Evita y Jesucristo Superstar ha compartido con el periódico del Reino Unido que está en proceso de recuperación, asistiendo a reuniones diarias con Alcohólicos Anónimos en las que, según explicó, ha hecho “amigos que nunca hubiera creído posibles”. 

Este proceso de rehabilitación ha coincidido con uno de los momentos más productivos de toda su carrera. Su nuevo espectáculo, Cats: The Jellicle Ball, un homenaje a la escena drag de los años 80, se estrenó el pasado 7 de abril en Broadway, y ha recibido grandes elogios por parte de la crítica. Además, el británico está escribiendo dos nuevos espectáculos musicales.

Uno de ellos se titulará El Ilusionista y estará basado en la película homónima de 2006, un drama de misterio y romance ambientado en la Viena de principios del siglo XX dirigido por Neil Burger. El otro, cuya idea le llegó estando en rehabilitación, desarrollará la historia real de uno de los grandes robos de la historia: el de la Mona Lisa en el Museo del Louvre de París en 1911. 

“Creo que será diferente a todo lo que he hecho en mucho tiempo, más como Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, 70 u 80 minutos, bastante divertida”, compartió el compositor con The Times. En otra entrevista reciente, Webber explicó que no podía dar muchos más datos sobre la obra “por la sencilla razón de que me voy la semana que viene a escribirla”. 

La desaparición de la Mona Lisa

Todo ocurrió el 21 de agosto de 1911, cuando Vincenzo Peruggia, un antiguo empleado del museo parisino, se llevó el cuadro la Mona Lisa de Leonardo da Vinci. El ladrón guardó la pintura bajo su abrigo y abandonó el edificio como si nada. Nadie se dio cuenta de que Peruggia había salido del Louvre con aquella obra del pintor italiano que, en aquel momento, es cierto que no tenía el reconocimiento que tiene ahora.

De hecho, fue esta desaparición la que convirtió el retrato en el cuadro más famoso del planeta y marcó un antes y un después en la percepción pública del museo. Las autoridades llegaron a interrogar al ladrón porque este había trabajado en el Louvre, pero al principio no despertó ninguna sospecha. Dos años después del robo, Vincenzo fue finalmente detenido en Florencia cuando intentaba vender la obra.

En de marzo de 1881, se creó el llamado “el mejor espectáculo del mundo”. Nacía de una fusión entre P.T Barnum y James A. Bailey, que tenían entonces los circos ambulantes más destacados del momento, y se bautizó como Barnum & Bailey Circus, donde la atracción que más llamaba la atención del público era el elefante africano Jumbo, que habían comprado de un zoo de Londres y que inspiró a la famosa película Disney ‘Dumbo’.

Hace 145 años creaba su gran espectáculo, el último diez años antes del fallecimiento de P.T Barnum, uno de sus impulsores, el hombre al que dio vida Hugh Jackman en el cine en el musical ‘El gran showman’, estrenada en 2017, y que edulcoró la biografía del famoso empresario que fue conocido no solo por sus espectáculos, sino también por usar el arte del engaño y exhibir animales y personas curiosas, los llamados ‘freaks’, no siempre en las mejores condiciones. Y es que del musical de Jackman, Zac Efron y Zendaya a la vida real hay larga distancia, aunque sí tomó varios hechos que pasaron o fueron parecidos.

Phineas Taylor Barnum nació en 1810 como hijo de un sastre y una posadera, y nieto de un vendedor de loterías, de quien aprendería el arte del engaño, que sería clave en su carrera como empresario de espectáculos. Esto le valió tener su primer trabajo en ventas a los doce años, y hasta que encontró su vocación siguió como comerciante.

Sería a los 25 años, en 1835, cuando empezaría en la industria del espectáculo. Exhibía a una esclava ciega y paralizada que presentaba como la que fuera niñera del presidente George Washington y aseguraba que tenía 161 años. Se llamaba Joice Heth y moriría tan solo un año después, pero hasta el último día fue usada por Barnum, que cobró como ‘show’ la autopsia del cadáver ante 1.500 espectadores. Después de esto, trabajó en el teatro ambulante Aaron Turner Traveling Circus.

Su primer gran éxito: el Barnum’s American Museum

En 1841 el empresario compró un edificio en Manhattan y crearía su primer gran éxito, el Barnum’s American Museum, que en sus cinco plantas era museo a la vez que teatro, zoológico y lugar de espectáculo de “fenómenos” o rarezas, donde destacaban un “Napoleón enano”, una gigante o la mujer barbuda Josephine Clofullia, que fue una de las más famosas del siglo.

El lugar atraía a tanto público que tenía una cifra media de 15.000 visitantes diarios, abriendo un total de 15 horas, y en él, P.T Barnum demostró su don en el arte del engaño también, al exhibir la sirena de Fiyi, que era en realidad un mono disecado con cola de pez. Al igual que en ‘El gran showman’, el museo fue víctima de un incendio, aunque luego pasaría por dos más, hasta que no se pudo recuperar y lo cerró.

De la política al circo ambulante

Tras cerrar su famoso museo de variedades, P.T Barnum se dedicó a la política hasta que en 1870 volvió al mundo del espectáculo, pero esta vez con un nuevo formato, el del circo ambulante, que atraía más público en esos días. Con el Barnum's Grand Traveling Museum iría de gira tanto por Estados Unidos como por Europa, al que ya bautizaban como “el mejor espectáculo del mundo”.

En 1881 fundaría el Barnum & Bailey Circus junto con James A. Bailey, que sigue funcionando con un descanso entre 2017 y 2023, aunque desde 1906 pasó a llamarse Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus. Solo disfrutaría diez años de ello, pues moriría en 1891.