El proyecto musical que Nacho Cano impulsó en Madrid con el apoyo de las instituciones públicas, Malinche, ha acabado en un rotundo fracaso económico, precedido de un importante descenso de espectadores. Así lo acreditan las cifras publicadas sobre el reciente concurso de acreedores de su empresa promotora y la evolución de la asistencia a sus espectáculos, a la que ha tenido acceso este periódico.

La obra se despidió en marzo de 2025 después de casi tres años en Ifema, la entidad público-privada que acogió el espectáculo desde el año 2022. Su despedida fue una sorpresa porque llegaba después de que sus responsables calificaran de “éxito arrollador” sus dos primeras temporadas, pero las cifras desveladas por El Confidencial hace unos días reflejaban una realidad económica bien distinta: tres años consecutivos de pérdidas y una deuda que se elevaba a los 6,2 millones de euros.

Dos organismos con participación pública han resultado afectados por esta quiebra: Ifema, que acogía las funciones y que tuvo que asumir los costes de desmontaje del musical ante el caso omiso que hizo a sus requerimientos la compañía de Nacho Cano. Solo esta partida supuso 249.260 euros, lo que unido a diferentes impagos por la cesión del espacio y otros conceptos eleva la deuda de la promotora de Malinche hasta casi el millón de euros con la institución ferial, participada en un 62% por Comunidad y Ayuntamiento de Madrid. Además, los números publicados indican que la compañía adeuda 238.000 euros a la Tesorería General de la Seguridad Social.

El resto de principales acreedores son las empresas que otorgaron préstamos a Nacho Cano para el montaje, o compañías con las que tenía acuerdos comerciales, con la sociedad Ferrado QT LLD a la cabeza, propiedad de Sandra Ortega, hija de Amancio Ortega. Tampoco ha recuperado su préstamo efectuado mediante Llapan SL el empresario peruano Carlos Añaños. En cuanto a los acuerdos incumplidos, afectan a Hijos de Rivera (cervezas Estrella Galicia) por la gestión de la barra o Prosegur por la vigilancia.

Todos los ejercicios de Malinche acabaron en pérdidas: en 2023 sumó casi dos millones en negativo, en 2024 se quedó en 1,45 millones y en 2025 el resultado fue de 3,9 millones, siempre según los datos publicados por El Confidencial. Las cifras del último ejercicio conllevan mayor lastre porque se cruzó por medio otro proyecto de Ifema: el trazado del circuito de la Fórmula 1 pasaba por la carpa de Malinche y el inicio de sus obras obligaba al desmontaje. “¡Arrollados por la F1!” escribieron los responsables del espectáculo en redes sociales, al anunciar su marcha, que tuvo lugar a principios de marzo de 2025.

El musical de Nacho Cano ya estaba en ese momento de capa caída en cuanto a su número de espectadores. Después de un arranque prometedor y un buen año 2023, el 2024 sufrió una auténtica debacle respecto a sus cifras iniciales, alcanzando menos de la mitad de público que su mejor año de asistencia. Las oficiales de Ifema, a las que ha tenido acceso Somos Madrid, arrojan 70.855 espectadores durante sus primeros tres meses y medio después del estreno (unos 20.000 al mes), otros 261.488 espectadores en el año 2023 (subió la media a 25.000 cada mes, exceptuando la pausa del verano) y el citado bajón de 114.561 en el 2024 (casi 11.000 en los meses de apertura). No se han publicado datos aún de los dos meses de 2025.

Del apoyo de Almeida al patrocinio de Ayuso

Otro de los aspectos que ha revelado el concurso de acreedores es la lista de personas y entidades que entraron como productoras de Malinche, un musical que la presidenta regional, Isabel Díaz Ayuso, había apoyado explícitamente en su concepción. Entre los nombres que aportaron su capital para sacar adelante el montaje está David Hatchwell, empresario cercano a la líder del PP madrileño, también presidente de la Fundación Hispanojudía. Es citado en el informe de la administración concursal publicado por El Confidencial, a través de dos sociedades: Órdenes&Hatchwell (con 54.000 euros de inversión) y Hatchwell Inversiones Musicales SL (55.700 euros). Ángel Más, presidente de la asociación Acción y Comunicación sobre Oriente Medio (ACOM), relacionada también con Hatchwell, figura como productor con 54.000 euros. Nacho Cano puso otros 52.000 euros en este apartado. La lista se completa con los empresarios Gonzalo Armenteros, fundador de los hoteles Soho Boutique (puso 56.000 euros), Alejandro Baigorri Moreno-Luque (55.800 euros) y el peruano Carlos David Añaños (220.000 euros).

Todos estos nombres apoyaron un proyecto -ahora quebrado- que contó primero con el apoyo explícito del Ayuntamiento de Madrid y luego recibió el respaldo de la Comunidad. El Gobierno de Almeida le ofreció primero a Nacho Cano una parcela municipal en Hortaleza donde el ex de Mecano quería levantar una pirámide azteca de 29 metros de altura y un recinto en el que cupieran 13.000 espectadores. Pese a que el acuerdo con el Ayuntamiento estaba cerrado, el ex de Mecano se echó atrás cuando la negociación saltó a los medios, aunque oficialmente lo hizo por los elevados costes de construcción de la infraestructura. Fue entonces cuando miró hacia Ifema.

El recinto ferial controlado por Ayuntamiento y Comunidad de Madrid ofreció al productor más de 4.000 m2 para acoger el espectáculo, en la línea de otros shows que ya alojaba, y el estreno se planteó para el año 2022. A él acudió Díaz Ayuso, amiga íntima del cantante -ha pasado vacaciones en su lujosa mansión de Ibiza- y que le había obsequiado en 2021 con la gran cruz del 2 de Mayo, una de las mayores distinciones de la Comunidad de Madrid. Entre los favores políticos que recibió Malinche también estuvo la cesión de las instalaciones de Metro de Madrid para su promoción gratuita, en el año 2023.

En paralelo a estos favores, Malinche recibía algunos reveses reflejados en el informe concursal, que habla de un “boicot mediático y político con impacto reputacional, cobertura mediática negativa y pena de telediario”. Se refiere sobre todo al caso de los becarios que acudieron a bailar al musical desde México y los diez meses que pasaron desde la detención de Nacho Cano en el año 2024 hasta el archivo del caso con la exoneración de todas las acusaciones. El administrador también cita el cese del patrocinio de Renfe como otro de los problemas registrados por la empresa, que se produjo después de unas polémicas declaraciones del productor.

La situación del espectáculo en España, quebrado y con un patrimonio de 2,5 millones de euros incapaz de asumir los 6,2 millones de deuda generados, contrasta con la de la misma producción en México, estrenada hace más de un año por el propio Nacho Cano y que acaba de confirmar su segunda temporada después de una primera exitosa en el teatro del Frontón de México DF, con 428 funciones y 235.000 espectadores, según cifras ofrecidas por sus promotores. Sus cantantes arroparon a la propia Isabel Díaz Ayuso durante su último viaje a México, en un acto titulado Celebración por la Evangelización y el Mestizaje en México: Malinche y Cortés, con el que la presidenta de la Comunidad de Madrid quiso mostrar de nuevo su apoyo al musical y este se lo agradeció publicando su imagen en redes sociales y hablando de las “grandes figuras” que acudieron al acto.

El Gobierno de Ayuso desea más espectadores y el PSOE pide explicaciones

Preguntado por las últimas informaciones publicadas sobre el musical, el Gobierno regional ha asegurado que Malinche “no tiene ningún tipo de subvención de la Comunidad de Madrid”. El portavoz Miguel Ángel García, en rueda de prensa este miércoles, ha deseado que espera que este espectáculo “lo puedan ver cuantas más personas mejor”, y ha considerado que “su promotor y productor ha demostrado durante muchos años lo mucho y bueno que ha hecho por la cultura en español”.

Por su parte y ante las nuevas cifras sobre el musical, el PSOE de Madrid ha pedido explicaciones a la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, sobre el “sobrecoste que ha supuesto a Ifema”, Para su portavoz en la Asamblea, Mar Espinar, el espectáculo “ha resultado ser una ruina económica”.

En las mismas declaraciones reclama saber “cuánto dinero ha costado a los madrileños” este espectáculo, además de conocer cuánto costó el viaje a México que “también se utilizó para patrocinar este desastre económico”. “La señora Ayuso tiene que dar explicaciones porque los colegas que tiene son un pozo sin fondo para el erario público”, ha añadido después de comunicar que registraban en la Asamblea de Madrid varias preguntas dirigidas al Gobierno regional para que Ayuso valore el “sobrecoste que ha supuesto a Ifema el musical 'Malinche'” o la inversión pública para su desarrollo.

'Bárbara, el musical', de la compañía cántabra Adrián Alonso Producciones, se ha alzado con el galardón a Mejor Caracterización en la gala anual de los Premios Off nacionales, celebrada en los Teatros Luchana de Madrid el 29 de junio. Estos premios reconocen la excelencia, la innovación y el riesgo artístico en el circuito del teatro independiente de todo el país.

La producción ha logrado un doble hito para la distribuidora independiente: clasificarse como finalista al máximo galardón de Mejor Musical Off y, a su vez, convertirse en el segundo musical más votado por el público.

Según la productora, la nominación a Mejor Musical Off ha situado al montaje “entre la elite del teatro independiente nacional, premiando la solidez global del espectáculo, su dramaturgia, dirección e interpretación”.

Por su parte, el premio en la categoría de Mejor Caracterización pone en valor el meticuloso trabajo plástico y de diseño visual que da vida a la atmósfera de la obra. Los creadores MIA MOI y el propio Adrián Alonso han sido los artífices de esta propuesta estética única.

“Regresar a Cantabria no solo con la nominación a Mejor Musical, sino también con este premio nacional y con la maravillosa sorpresa de haber sido el segundo musical más votado por el público es un orgullo inmenso para todo el equipo. Es el reflejo de que desde Cantabria se está haciendo teatro musical competitivo, ambicioso y con un sello de calidad indiscutible”, han señalado este lunes desde la dirección de la compañía.

'Bárbara, el musical' es una adaptación de Adrián Alonso y Ana Conde de la comedia musical 'Bárbara', de Mar Galera, inspirada en la obra teatral 'Las criadas', de Jean Genet.

La trama sigue a Bárbara (interpretada por la actriz y soprano cántabra Begoña Agüero), la poderosa reina de las mañanas televisivas cuyo estatus se tambalea cuando Clara y Sole (que encarnan Rocío Riego y Nuria Gedack, ambas actrices de trayectoria consolidada en la región), sus dos becarias, deciden rebelarse para perseguir su propio sueño de triunfar en la pantalla. El elenco se completa con la participación de la compañía de danza Dantea y ofrece una ácida crítica a los programas sensacionalistas y a los reality shows actuales.

El musical, que forma parte del circuito 'La cultura a Escena' del Gobierno de Cantabria, inició su trayectoria con su estreno en el Teatro Arlequín de la Gran Vía de Madrid, y actualmente se encuentra inmerso en su gira nacional. Podrá verse los días 3 y 4 de octubre en Madrid; el 16 en Reocín; el 17 en Castro Urdiales; el 23 en Solares (Medio Cudeyo), y el 24 en Cabezón de la Sal. En el mes de noviembre llegará a Los Corrales de Buelna, el día 13; Viño de Piélagos, el 14; Camargo, el 26 y Laredo, el 28.

El mes que viene se cumplirán 20 años desde aquel julio de 2006 en el que se estrenó Bilbao Live -el patrocinio de BBK reflejado en el nombre del evento no llegaría hasta un año después- con Ben Harper, Guns N’Roses y Placebo como cabezas de cartel. Dos décadas después, la nueva directora general de Last Tour, promotora que organiza este y otros festivales como el recién finalizado Azkena Rock, Yurdana Burgoa, valora que en la actualidad los festivales viven un buen momento. Eso sí, prefiere alejar el prefijo “macro” a la hora de definir el BBK Live. “Yo no definiría el BBK Live como macrofestival porque cuidamos muchísimo la experiencia. Tenemos una afluencia de 100.000 personas en los tres días, pero el festival tiene un horario muy amplio. La gente sube y baja de Kobetamendi y va disfruntado de la experiencia. No es un macrofestival en el que estamos todos apiñados”, reconoce.

Burgoa, además de su trabajo en Last Tour, cuenta con amplia experiencia en gestión de instituciones públicas y privadas, y durante ocho años y medio fue jefa de gabinete y coordinación del Departamento de Economía y Hacienda, en el Gobierno vasco. También ha sido consejera de la Agencia Vasca de Internacionalización Basque Trade&Investment, en la Asamblea General del Basque Research and Technology Alliance y miembro del Consejo Asesor de Colectividades Vascas en el exterior. Puede que por ello, su modelo gestión, según asegura, no tolera la precarización laboral y respeta los derechos de los trabajadores. “Yo sé que siempre hay voces y críticas también, como en todas las industrias, que siempre van a decir cosas en contra de Last Tour, pero como directora general puedo dar fe de que las contrataciones que hacemos están absolutamente en norma y en forma y controlando horarios y salarios, y cuidamos mucho que nuestros proveedores también lo hagan. Si un proveedor falla en estas cuestiones no vamos a volver a trabajar con él. A la gente hay que pagarle por el trabajo que desarrolla y la gente tiene que trabajar unas horas al día y si trabajamos más horas, yo incluida, esto se tiene que reconocer. Al final las personas trabajadoras son las que hacen funcionar una empresa y esta es mi forma de gestionar”, sentencia Burgoa en una entrevista en la que valora, entre otras cuestiones, las críticas a las subvenciones directas como la del grupo ETS para sus conciertos en Madrid y Barcelona, la oferta del fondo Kohlberg Kravis Roberts (KKR), gestor de una promotora de viviendas en territorios ocupados en Palestina para adquirir el BBK Live o la decisión de hacer residencias en lugar de giras, de artistas como Bad Bunny o Shakira.

¿Cuál es la clave del éxito para lograr las 20 ediciones del BBK LIVE?

Realmente la clave del éxito para que un evento cultural coja la dimensión que tiene el Bilbao BBK Live es atreverse primero a soñarlo. Hay que saber ver que un producto así va a funcionar en un territorio o en una ciudad, y luego ser muy coherente y muy ambicioso en calidad artística y en el cuidado de la experiencia. Este festival al final es el único festival que se desarrolla en una montaña y eso le da un plus muy importante para la gente que viene porque al final la experiencia no es solo la música, sino vivir la música en el entorno que es Kobetamendi. Entonces diría que la clave, por un lado, tiene la parte curatorial, artística y, por otro lado, trabajar y hacer que la experiencia sea única.

En esos 20 años, al igual que en la mayoría de festivales, la participación de grupos o artistas masculinos que han sido cabezas de cartel ha sido predominante. ¿Es el equilibrio de género un reto para los festivales que organizan?

El equilibrio de género es un reto para la sociedad, porque en esta industria pasa exactamente lo mismo que en todas las industrias y que en todos los sectores económicos. Y eso sí que es un mensaje que para mí es importante. Al final yo soy mujer, soy la directora general de Last Tour y para mí el equilibrio de género es un reto en todos los sectores económicos de esta sociedad. Nosotros este año nos hemos integrado en un programa con Más Músicas, una organización que promueve el talento de las mujeres en la música. Lo que hemos hecho ha sido poner a disposición de esa organización nuestros festivales. Entonces vamos a tener artistas femeninas en festival Pirineos Sur, en Azkena Rock y en el Bilbao BBK Live a través de esa asociación. Nosotros siempre intentamos cuidar el equilibrio de género, pero sí que es verdad, que es difícil en esta industria y en todas.

¿Hay algún artista que les hubiera gustado que fuera al BBK Live y que se haya quedado en el tintero?

Hay varios, pero seguimos intentándolo, así que no te puedo decir quiénes son. Pero eso pasa todos los años. Nosotros el booking, digamos la contratación de artistas la empezamos a trabajar año vista. De hecho ya llevamos trabajando varios meses en la contratación artística del festival del año que viene. Entonces, bueno, siempre tienes los nombres a los que aspiras al principio y luego eso tiene que cuadrar con que esos artistas giren ese año, quieran hacer giras de festivales o prefieran solo realizar conciertos. Tienes un mapa de deseos y luego empiezas a llamar y ese mapa va aterrizando hasta que tienes la foto finish de lo que está disponible y cuadra con el estilo musical de cada festival.

A lo largo de estos años, concretamente en el año 2019 y algunos posteriores, ha habido denuncias sobre la precariedad de los trabajadores del BBK Live. ¿Cómo han solventado esa situación?

Me alegra que me hagas esa pregunta porque cada año cuando se acerca el festival empezamos a ver carteles en contra de Last Tour y no tiendo a entrar en esas cuestiones porque todas las contrataciones que hacemos están hechas bajo el Convenio de Hostelería de Bizkaia, que es el mejor convenio que hay en el Estado. Nosotros no tenemos ninguna incidencia propia y es verdad que en 2019 hubo esa incidencia que nosotros como empresa denunciamos porque lo que ocurrió es que una de las empresas proveedoras infringió derechos laborales. Nosotros somos una empresa certificada B Corp. ¿Eso qué quiere decir? Que el compromiso con los derechos laborales en cuanto a horas, en cuanto a salario, en cuanto a pagar en tiempos y en formas, lo llevamos a rajatabla, no puede ser de otra manera. Entonces sí que me gustaría defender nuestro modelo de contratación. Yo sé que siempre hay voces y críticas también, como en todas las industrias, que siempre van a decir cosas en contra de Last Tour, pero como directora general puedo dar fe de que las contrataciones que hacemos están absolutamente en norma y en forma y controlando horarios y salarios, y cuidamos mucho que nuestros proveedores también lo hagan. Si un proveedor falla en estas cuestiones no vamos a volver a trabajar con él. A la gente hay que pagarle por el trabajo que desarrolla y la gente tiene que trabajar unas horas al día y si trabajamos más horas, yo incluida, esto se tiene que reconocer. Al final las personas trabajadoras son las que hacen funcionar una empresa y esta es mi forma de gestionar.

¿Cómo viven las críticas de parte de la sociedad hacia los macroconciertos y grandes festivales?

Siempre que me hacen esta pregunta digo que para gustos están los colores. Siempre hay críticas contra los macrofestivales, pero también hay gente a la que les encantan. Yo no definiría el BBK Live como macrofestival porque cuidamos muchísimo la experiencia. Tenemos una afluencia de 100.000 personas en los tres días, pero el festival tiene un horario muy amplio. La gente sube y baja de Kobetamendi y va disfrutando de la experiencia, no es un macrofestival en el que estamos todos apiñados. Sí que es verdad que los grandes eventos como el BBK Live tienen que tener cuidado y conciencia con el entorno en el que están trabajando y nosotros en eso ponemos mucho mimo, estamos en contacto con los vecinos, les hacemos aportaciones para sus fiestas patronales y para las fiestas del barrio y les ofrecemos trabajo durante el día del festival. Tratamos en la medida de lo posible que el transporte y la logística hacia el festival funcione bien y no se sientan abrumados por tanta afluencia de gente. El tema medioambiental también lo cuidamos mucho, tratamos que la energía sea renovable, cuidamos el reciclaje y también, en cuanto al ámbito social, tenemos el Espacio Balore en todos nuestros festivales donde puede acudir cualquier persona si ocurre algo o necesita información sobre inclusión, violencia de género, agresiones sexistas o cualquier tipo de agresión. Ahí se activa un protocolo para que esa persona o esas personas sean atendidas.

Si vendes puedes perder la esencia. Nosotros somos la mayor promotora musical independiente del Estado español. Eso quiere decir que las decisiones se toman en casa

El año pasado salió a la luz que el fondo Kohlberg Kravis Roberts (KKR), gestor de una promotora de viviendas en territorios ocupados en Palestina, compró la empresa Superstruct Entertainment, que organiza hasta 80 festivales por medio mundo, muchos de ellos en España (Sónar, FIB, Viña Rock...). El por aquel entonces CEO de Last Tour confesó que hubo ofertas para adquirirla por parte del fondo, pero fueron rechazadas. ¿Qué ocurrió?

BBK Live ha tenido muchas novias. A día de hoy nos siguen tentando fondos alemanes, de Reino Unido y otros países. Simplemente es convicción. Alfonso Santiago, que es el fundador y el presidente de Last Tour, decidió echar raices en Bilbao y él tiene muy claro que esta es su empresa y que va a seguir siendo parte del accionariado. Él es el mayor accionista y luego tiene pequeños accionistas que también son del País Vasco y de España y va a ser así por principios. Si vendes puedes perder la esencia. Nosotros somos la mayor promotora musical independiente del Estado español. Eso quiere decir que las decisiones se toman en casa y eso refleja un poco nuestra forma de entender el mundo y la cultura. Respetando unos principios y una forma de hacer somos capaces de tener la flexibilidad, la agilidad y la libertad de decidir lo que nosotros creemos.

Este domingo ha finalizado el Azkena Rock en Vitoria con 24 ediciones a sus espaldas. ¿Qué valoración realiza?

Es nuestro festival más veterano, yo lo definiría como la celebración del rock que reune a unas 50.000 personas cada año. Tiene una comunidad absolutamente fiel que cada año viene y es un encuentro intergeneracional con un ambiente precioso de gente a la que realmente le apasiona el rock. El año que viene cumplimos 25 años y vamos a hacer una edición que vamos a tratar con extremo mimo, al igual que estamos haciendo con la 20 edición del Bilbao BBK Live este año.

Cuando se anuncia una subvención directa a un hecho, evento o empresa concreta es porque una institución considera que esa actividad es única. Y yo creo que llenar Madrid o Barcelona con un concierto en euskera es algo histórico

Expertos comentan que la década dorada de los festivales fue desde el 2010 hasta el 2019, por el equilibrio perfecto entre grandes nombres internacionales, apoyo al talento local, y precios aún accesibles. ¿Considera que es cierto?

Yo diría que a día de hoy los festivales están funcionando y la música en vivo está funcionando. Nosotros notamos que después de la pandemia la gente tiene la necesidad de disfrutar y de pasarlo bien. La era post pandemia ha marcado mucho en los ratios de consumo de música en vivo y es una industria que está creciendo mucho impulsada también por el consumo musical en redes sociales y plataformas. La música latina, por ejemplo, está siendo un gran detonante de esa afición y de esas ganas de escuchar música, disfrutar de los eventos y pasarlo bien.

Cada vez hay más quejas por parte de artistas locales por la financiación pública de macroconciertos. Decenas de artistas han firmado un manifiesto para exigir mayor transparencia y equidad en el reparto de ayudas públicas, a raíz de la aportación a ETS. ¿Cómo ve esta situación?

No he leído el manifiesto, pero considero que la apuesta de las instituciones vascas y también de las instituciones estatales con el ámbito cultural es fuerte. En Euskadi se está apostando por la cultura porque somos un país que tenemos muchísima tradición cultural y ahí existe esa sensibilidad respecto a la aportación a un grupo concreto, que no es el primer grupo que se apoya ni será el último. Yo creo que entran en juego otras vertientes, como la proyección de nuestra lengua a nivel internacional o a nivel estatal, la puesta en valor de nuestra cultura y de nuestra tradición, de una lengua que está, que es única y que es minoritaria y que creo que nos posiciona también como país. Aparte del ámbito cultural han entrado otras variables que el Gobierno vasco habrá decidido que merece la pena apostar por ellas. Y cuando otros artistas piden transparencia yo creo que esa transparencia en las subvenciones tanto del Departamento de Cultura como en otros departamentos siempre ha estado. Sé cómo funcionan esas subvenciones y cómo se anuncia una subvención directa a un hecho, evento o empresa concreta y eso ocurre cuando una institución considera que esa actividad es única. Yo creo que llenar Madrid o Barcelona con un concierto en euskera es algo histórico.

¿Cómo están viviendo los artistas con los que trabaja Last Tour esa fiebre por el 'sold out'? ¿Hay presión?

Al final para ellos hacer un 'sold out', vender todas las entradas, es un éxito, un reconocimiento a su trabajo y también a nuestro esfuerzo como promotora. Yo soy feliz cada vez que un artista consigue eso porque les ves la cara y ves cómo disfrutan. Hay un trabajo tremendo de preparación para estos shows, muchas preocupaciones, , esfuerzos, trasnoches, incluso llegar a dejar un poco de lado a la familia...Como a cualquier persona trabajadora, cuando le sale algo bien es una enorme satisfacción. Para los artistas ocurre lo mismo.

Antes hablaba de la música latina, a raíz de Bad Bunny, Shakira y otros artistas, se está priorizando cada vez más la 'residencia' en lugar de las giras. ¿Los artistas de Last Tour se lo están planteando? ¿La razón de hacerlo es que es más económico para el artista?

En Last Tour no tenemos artistas de ese nivel ni que estén planteándose hacer residencias, pero quienes lo están haciendo lo hacen porque evidentemente es más cómodo para el artista estar varios días en una ciudad y en un único recinto haciendo sus shows. También es más económico porque hacer un único montaje es más barato que hacer cinco en diferentes ciudades. Ellos valoran además que el espectáculo que pueden dar puede ser de más calidad y puedes tener una mayor capacidad de inversión en los shows y en los espectáculos. Ya es cuestión del artista y de si prefiere hacer giras por distintas ciudades y acercarse a la gente o no. Todo hay que respetarlo.

Corría el año 2024 cuando a través de los altavoces resonando entre la multitud se escuchó por primera vez con una voz grave, taciturna, casi diabólica la frase “hau ez da kontzertu bat” (“esto no es un concierto”). Desde entonces, esa frase ha titulado camisetas, fotografías y hasta un documental sobre el grupo navarro Zetak. Es una declaración de intenciones que Pello Reparaz lleva a sus actuaciones de Mitoaroa. Lo hizo en la primera entrega del espectáculo en el Navarra Arena delante de 30.000 personas en dos conciertos, en la segunda parte, en Illumbe ante 40.000 personas (y hasta 45.000, según algunas fuentes) durante sus tres noches de conciertos en la plaza de toros donostiarra. Y también lo ha hecho en el capítulo tres de su obra, en San Mamés, frente a 80.000 personas, las primeras 40.000 este viernes, demostrando así, que lo que el grupo hace, con más de 270 artistas unidos en sus espectáculos de los últimos años, es mucho más que una mera actuación musical.

Porque lo que ha protagonizado el de Arbizu por primera vez en el estadio del Athletic Club no ha sido un concierto, ni un musical, ni tampoco un teatro. Lo ha llamado una “distopía utópica” que mezcla esas tres disciplinas con la danza y la tecnología y convierte el espectáculo en una fiesta difícil de olvidar. Pero puede que también complicada de entender. Al igual que ocurrió en Illumbe con los auriculares para no perderse nada de la parte teatral del espectáculo, gran parte del público -sobre todo quienes estaban en la pista, de pie- se ha sentido algo perdida, ya que este viernes no han sido pocos los que no esperaban ser testigos de una realidad futurista en la que el euskera y la empatía están prohibidas. Un futuro lejano -en el año 2084- que Reparaz ha querido llevar a San Mamés para alertar a la población sobre qué ocurriría si se perdiera “nuestro tesoro más preciado”. “A veces no hace falta entender todo para ser parte de algo. Todos los que estáis aquí estáis haciendo historia. Euskara plazak ari da betetzen, euskara gorputzak ari da betetzen, txosnak eta estadioak ere bai. Jarrai dezala horrela. Gora gu ta gutarrak”, ha manifestado.

Reparaz y las decenas de profesionales que lo acompañan en este show, han ido intercalando las canciones con vídeos y actuaciones en las que se mostraba un futuro distópico en el año 2084 con un sistema oprime al pueblo y a sus ciudadanos, quienes deben llevar un chip en la cabeza para ser controlados. La moneda de cambio de esa realidad orwelliana es el papel, que a raíz de la fuerza del cambio climático y las desforestaciones ha prácticamente desaparecido. Así, la tecnológica realidad se va abriendo paso y la historia narra cómo, en el futuro, todo desaparece: hasta el árbol de Gernika. “Ellos dicen mierda, nosotros amén. Con el avance de la inteligencia artificial y la robótica han convertido a los humanos en máquinas sin empatía”, se escuchaba por los altavoces.

Frente a eso, la revolución. Un estallido de colaboradores han ido apareciendo en San Mamés en defensa de la libertad y del euskera, entre ellos Jon Plazaola, Yune Nogueiras, Aitziber Garmendia, Antton Telleria, Anjel Alkain, Albert Pla, Javier Botet, Kandido Uranga, Erika Olaizola y hasta Samantha Hudson y Grison, quienes han cantado y defendido la lengua vasca, también a ritmo de beat box. Aunque, tras la aparición de todos ellos ha hecho referencia a una pregunta que este periódico le hizo el pasado abril durante la rueda de prensa de presentación de este concierto en la Diputación de Bizkaia acerca de los invitados a los que pensaba llevar a su espectáculo. “Una periodista me preguntó qué colaboraciones iba a tener y aquí están, vienen desde Arbizu. Son mis amigos”, ha destacado antes de cantar con sus amigos de toda la vida.

Y los mensajes reivindicativos no han dejado de aparecer: solidaridad con Palestina y con el pueblo saharaui, por quienes el artista ha criticado la responsabilidad del Estado español o a los futbolistas que cada semana llenan ese mismo estadio, a quienes ha pedido que hablen en euskera porque “un pequeño gesto puede ser gigante para nuestro pueblo” y también ha querido hacer un guiño a “aquellos que no han podido pagarse una entrada” para verle.

El espectáculo también ha tenido momentos emotivos, como cuando Reparaz ha recordado a un niño de 9 años que pensaba acudir al concierto, pero lamentablemente ha fallecido en un accidente. “Suelo ser escéptico y suelo pensar que más allá del Cantábrico no hay nada. Que todo se acaba cuando esto acaba, pero ahora, maitia, te hablo a ti. Alguien podría pensar que ya no estás aquí, pero no sé por qué, de veras que no sé por qué, empiezo a creer que estás aquí. Te quiero, amigo” le ha lanzado al cielo entre aplausos.

También ha emocionado cuando ha contado la historia de sus abuelos mirando a su abuela, que a sus 90 años ha presenciado el concierto. “Ya sabéis que soy navarro, pero lo que no sabe mucha gente es gracias a mi abuelo y abuela también soy hijo de Bizkaia. Mi amama Karmele nació en Deusto en 1936. Su madre, Petra Urrutia Aretxabaleta, murió en 1942 cuando mi abuela tenía seis años. Poco después, su padre se quitó la vida. De ahí viene mi amama”, ha confesado visiblemente emocionado y fundido en aplausos y gritos. “A partir de 1950 estuvo sirviendo en una casa de Neguri. Me contó que cuando daban días libres al servicio, ella no tenía a dónde ir y mientras sus compañeras se ponían contentas, ella pasaba esos días como podía. Por suerte, la vida le unió con Robustiano, un buen chico navarro de Etxarri-Aranatz y juntos salieron adelante repartiendo pienso con un camión. Carretera, barro, cansancio y dignidad. Hoy estamos aquí, casi 100 años después, en Bizkaia. Yo aquí, llenando este estadio y mi amama Karmele ahí, en el palco. Gracias amama, hemos cerrado el ciclo, tú y yo en San Mamés. Otra vez de vuelta en Bizkaia, pero ahora con un hogar. Te quiero”, le ha dedicado señalándola.

Aunque para muchos el momento más álgido de la noche ha sido volver a ver 50 años después la ikurriña en manos de los futbolistas Iribar y Kortabarria en San Mamés. Aquella imagen durante el derbi en Atotxa en 1976 supuso para gran parte de la sociedad un símbolo del fin de la dictadura, con un Franco que acababa de fallecer y la ikurriña aún prohibida, pero celebrando el comienzo de una ansiada época de libertad. Tal y como Reparaz ha querido mostrar en su show que dejaba atrás el futuro distópico y regresaba a la época actual con sus personajes del carnaval como Unanuko mamuxarruak, Iturengo joaldunak, Tuterako zipoteroak, Altsasuko momotxorroak, Zubietako joaldunak, Arbizuko txatarrak y del Carnaval de Lanz, bailando entre el público. “Todos vosotros sois Zetak”, ha manifestado, antes de anunciar un nuevo concierto en enero de 2027 cuyas entradas saldrán a la venta el próximo domingo. Pero antes, tiene otra cita este sábado, que será grabada y podrá verse en la televisión vasca, en la que reunirá a otras 40.000 personas que deberían tener claro antes de llegar que lo que les espera esta noche en San Mamés, no es un concierto. Hau ez da kontzertu bat.

La productora Stage Entertainment España acaba de dar a conocer el título con el que arrancará las actuaciones en el parque Tierno Galván, donde acaba de renovar el edificio que albergó en su día el cine IMAX Será Moulin Rouge! El Musical, un montaje con solo siete años de vida, basado en la popular película dirigida por Baz Luhrmann.

El espectáculo estará basado en la célebre película dirigida por Baz Luhrmann. El musical está dirigido por el ganador del Premio Tony Alex Timbers, y el libreto está escrito por el ganador del Premio Tony John Logan, mientras que la supervisión musical, orquestaciones y arreglos irá de la mano del ganador del Premio Tony Justin Levine; y coreografía de la ganadora del Premio Tony Sonya Tayeh.

“'Moulin Rouge! El Musical' es una celebración teatral de la Verdad, la Belleza, la Libertad y, sobre todo, el Amor. Es un estado de ánimo”, asegura la productora.

El montaje servirá para inaugurar el Stage Gran Teatro Musical, con más de 1.500 butacas, titularidad municpal y que la productora gestionará por concesión durante los próximos 42 años El estreno está previsto para el año 2027, cuando acaben unos trabajos que echaron abajo la antigua cúpula del cine (con algún que otro susto) para levantar nuevos escenarios y graderíos.

Casting abierto para actores y actrices

De cara a esta producción de 'Moulin Rouge! El Musical', Stage Entertainment España busca bailarines para personajes principales, secundarios y de reparto. Todos los interesados pueden registrarse a través de la esta página web en la que se encuentra disponible la descripción de personajes, antes del miércoles 17 de junio.

La fecha y el horario de convocatoria, así como el lugar en el que se realizarán las audiciones, serán comunicados convenientemente a los candidatos que superen la preselección previa. La primera ronda de audiciones tendrá lugar entre el 25 de junio y el 3 de julio de 2026 en Madrid.

El legendario músico estadounidense John Ellison actuará en la décima edición del Maspalomas Costa Canaria Soul Festival, que se celebra del 17 al 19 de julio en Gran Canaria. Este es el segundo artista anunciado para el festival después de Koko-Jean & The Tonics. El veterano compositor y guitarrista ofrecerá un concierto el sábado 18 de julio a las 19.30 horas en el escenario principal de la Playa de San Agustín.

Nacido en Montgomery (Alabama, Estados Unidos), 1941, Ellison es autor de un clásico del soul y el rhythm & blues: Some kind of wonderful, que compuso en 1967 y ha sido versionado por numerosos artistas. Figura fundamental de la música afroamericana, su trayectoria abarca más de seis décadas. A los 18 años ya cantaba soul, y se unió en Nueva York a los Soul Brothers Five, que con él pasaron a llamarse Soul Brothers Six, donde ejerció como guitarrista, cantante y compositor principal. 

La banda se separó en los 70 y Ellison continuó actuando. En 1993 lanzó su primer álbum en solitario, Welcome Back, seguido de Missing You en 2000, Back en 2008, y Up for funk en 2013. En octubre de 2015, Ellison, que actúa habitualmente en Europa, Asia y América del Norte, ingresó en el Salón de la Fama de la Música de Virginia Occidental.

Cinco años después lanzó Wake-up call (black like me), nominada a Canción del año 2021 en los Pop Awards. Y en 2023 versionó su clásico Some kind of wonderful, como tema principal de un álbum con once canciones nuevas escritas por Ellison y producidas por Roger Heijster. El año pasado, su canción Let's get this party started fue nominada como Mejor Funk de 2024 en la encuesta de la plataforma y festival Born & Bred, en Virginia Occidental.

La incorporación de Ellison al cartel refuerza el carácter internacional del Maspalomas Costa Canaria Soul Festival y subraya la apuesta del evento por reunir a artistas de referencia en un entorno único frente al mar. 

Organizado por el Ayuntamiento de San Bartolomé de Tirajana y dirigido y producido por DD&Company Producciones, el festival es la cita gratuita de mayor dimensión de soul en España y una de las imprescindibles del género en Europa.

El músico Diego Vasallo (Donostia, 1966) ofrecerá este jueves un concierto en Bilbao al frente de su nuevo proyecto musical, el grupo Løse, que supone su regreso al formato de banda, con él como un integrante más. El concierto del ex de Duncan Dhu, que rechazó participar en la gira conmemorativa del dúo, tendrá lugar en la sala Lumiére, del Casco Viejo bilbaíno, a partir de las 20:15 horas. La actuación forma parte de la gira de presentación de su debut discográfico, de título homónimo y publicado en febrero.

El álbum contiene siete nuevas composiciones y ha sido producido por el guitarrista solista de la formación, Fer García (ILL, The Young Wait), quien ya produjo el anterior trabajo de Vasallo, el EP “Malo ni bueno”, en octubre de 2023, cuando ambos comenzaron a colaborar. El nuevo proyecto musical del donostiarra, en el que resuenan ecos de post-punk, Mark Lanegan y los más recientes discos en solitario de Vasallo, recala en la capital vizcaína tras haber ofrecido la banda apenas tres conciertos hasta la fecha, el último de ellos, este pasado sábado en su ciudad natal.

En declaraciones a Europa Press, Vasallo ha explicado que “la idea de formar una banda llevaba tiempo rondándome la cabeza”, ya que, ha subrayado, “se trataba de volver a vivir la sensación de formar parte de una banda de rock, dentro de un trabajo colectivo de principio a fin, desde el local de ensayo hasta los escenarios y el estudio de grabación”.

A raíz de colaborar con Fer García en su anterior EP, ha añadido, “y después de unas cuantas conversaciones, nos pusimos manos a la obra y empezamos a buscar a los demás componentes”, para lo cual, hablaron con el batería Oriol Flores y fue él quien contactó con el bajista Xabi Arratibel. “Ya teníamos un cuarteto para empezar a trabajar en las canciones que formarían el primer álbum de Lose” ha proseguido, momento en que el teclista Germán San Martín (Loquillo, Quique González) se incorporó como “el quinto elemento que daría forma al sonido del grupo encargándose de los teclados y aportando unas texturas suntuosas y sugerentes”.

Según ha explicado Vasallo, a la hora de crear las canciones y levantar el disco “buscábamos un sonido eléctrico, denso, rugoso y algo oscuro, como las brumas de los cuadros de Jesús Mansé, que aparecen en la portada y contraportada del disco”. Respecto a Mansé (seudónimo del poeta y letrista Jesús Mari Corman) Vasallo, que también pinta y expone regularmente, ha compartido con él varias exposiciones conjuntas ya que ambos comparten imaginario pictórico inspirado en el Romanticismo pictórico.

En ese sentido, Vasallo ha señalado que ve paisajes sonoros en muchas partes de los temas de Lose, puesto que “conectan con esos ambientes fríos y románticos de Mansé, como corrientes que atraviesan las canciones, mareas de sonido por debajo de la masa de guitarras ácidas y chirriantes”. Las letras de las siete canciones han sido escritas por Vasallo, mientras que Fer García se ha encargado de la parte musical en cinco de ellas, aunque aseguran que han compuesto y coproducido el disco juntos entre los dos.

En cuanto al sonido, el músico, que ha seguido una trayectoria musical en solitario alejada de la estética y el universo sonoro de Duncan Dhu, ha asegurado que “la electricidad de las canciones envuelve unos textos casi abstractos, libres, por los que circulan imágenes robadas a los campos y las costas de Gipuzkoa, desde donde fueron apareciendo las letras que terminaron de dar forma a estas siete piezas, largas y, en muchos pasajes, improvisadas”. En cuanto al significado del término elegido para bautizar al grupo, en los idiomas nórdicos esa palabra significa “soltar”, “desatar” o “resolver” y, tal y como ha corroborado el músico, “estas siete canciones, que dan significado a este primer trabajo buscan precisamente eso: desatar, soltar amarras, zanjar. Eso hemos intentado” ilustra el músico.

La música va a ser la gran protagonista esta semana en el Teatro Bretón con una nueva cita de ‘Mayo Jazzea’ el jueves 21 de mayo, y un espectáculo musical dedicado a Francisco de Goya.

El jueves 21 de mayo, a las 20:30 horas, regresa el jazz al Teatro Bretón con el espectáculo de Baldo Martínez Sexteto, enmarcado en el programa ‘Mayo Jazzea 2026’.

Baldo Martínez es uno de los músicos más representativos del jazz contemporáneo hecho en España, en la línea del Jazz europeo actual, con más de 30 discos en su haber y colaboraciones en medio centenar. En esta ocasión, el artista presenta su nuevo proyecto bajo el título ‘Música Imaginaria’.

Aprovechando su paso por la ciudad, el artista ofrecerá una charla coloquio para jóvenes y público en general en La Gota de Leche el miércoles 20 de mayo a las 20:00 horas. El acceso es gratuito hasta completar aforo.

La música continúa con un espectáculo el sábado 23 de mayo a las 20:00 horas, con ‘Goya, la melodía de una leyenda’. La obra explora la vida y obra del pintor Francisco de Goya, desde sus luchas personales hasta su papel como testigo y protagonista de una de las épocas más convulsas de la historia de España. Un viaje artístico lleno de pasión, drama y reflexión.

Sobre el escenario siete actores musicales y una banda que ofrecen al público 24 cancones originales interpretadas en directo. La obra tiene una duración estimada de 2 horas y media aproximadamente incluyendo descanso. El precio de las butacas varía entre los 12 y los 27 euros.

Las entradas de ambos eventos se pueden adquirir a través de la web del Teatro Bretón, en la propia taquilla de las instalaciones municipales así como llamando por teléfono al 941 207 231.

Un escenario flotante convertirá el pantano González Lacasa en el enclave musical más exclusivo del verano en La Rioja. Y es que la música sonará este verano sobre el agua. El pantano González Lacasa, en El Rasillo de Cameros, acogerá los días 12 y 13 de junio la primera edición de Noches del Pantano, un nuevo ciclo musical impulsado por Cencerro Producciones, empresa fundadora de Sierra Sonora, que nace con la vocación de crear una experiencia exclusiva, íntima y profundamente conectada con el paisaje.

El proyecto propone un formato único en La Rioja: un concierto sobre el agua, en el que los artistas actuarán sobre un escenario flotante instalado en el pantano, frente a uno de los enclaves naturales más singulares de Cameros. La experiencia estará marcada por el atardecer, el aforo limitado y una puesta en escena diseñada para convertir cada noche en un momento irrepetible.

  La programación de esta primera edición arrancará el viernes 12 de junio con la actuación de Andrés Suárez, una de las grandes voces de la canción de autor en España. El sábado 13 será el turno de Rita Payés y Lucía Fumero, dos de las creadoras más sensibles y personales de la escena actual. Dos conciertos que refuerzan la apuesta de Noches del Pantano por una música cercana, emocionante y pensada para ser escuchada en un entorno excepcional.

  Además, el sábado 13 de junio, a las 13 horas, la Plaza de El Rasillo acogerá un concierto gratuito de Cuerdas y Teclas, proyecto formado por el músico riojano Jorge Garrido y la artista vasca Beatriz Peña. La actuación complementará la programación principal de Noches del Pantano y reforzará la apuesta del ciclo por extender la música y la actividad cultural a distintos espacios del municipio. El broche final de la jornada del sábado lo pondrán las DJs riojanas KURLZZZ DJs, que cerrarán la noche con una sesión especial al aire libre en El Rasillo.

 La organización anunciará próximamente nuevas actuaciones repartidas por el pueblo y distintas actividades complementarias que ampliarán la experiencia cultural y convertirán El Rasillo de Cameros en un espacio vivo durante todo el fin de semana.

Así será el escenario

El escenario será una estructura de madera inspirada en una cúpula geodésica, concebida para integrarse visualmente en el paisaje y ofrecer una imagen icónica: música, agua y naturaleza reunidas en un mismo espacio. El ciclo tendrá un aforo aproximado de 400 personas por jornada, lo que subraya su carácter exclusivo y su apuesta por una experiencia cuidada, cómoda y de proximidad. Además, Noches del Pantano contará con una propuesta gastronómica vinculada al Restaurante El Náutico, que ofrecerá una zona preferente con cena para quienes quieran completar la experiencia desde una perspectiva más especial.

“Queríamos imaginar un formato que solo pudiera suceder aquí: un concierto sobre el agua, al atardecer, en El Rasillo y con la sierra como telón de fondo. Noches del Pantano nace para emocionar, para escuchar de otra manera y para demostrar que La Rioja puede acoger experiencias culturales verdaderamente únicas”, señalan Álvaro Sainz y Víctor Grandes, portavoces de Cencerro Producciones.

La iniciativa cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de El Rasillo de Cameros y el Gobierno de La Rioja, y refuerza la línea de trabajo de Cencerro Producciones: crear proyectos culturales con identidad propia, vinculados al territorio y capaces de activar nuevas formas de encuentro entre artistas, público y paisaje. Cencerro Producciones es la empresa fundadora de Sierra Sonora, festival nacido en 2020 en Viniegra de Abajo y convertido en uno de los grandes referentes de la cultura rural en España. En estos años, Sierra Sonora ha desarrollado más de una veintena de ediciones, ha acogido a artistas de primer nivel y ha recibido reconocimientos como el Premio A de Actual y el reconocimiento del Observatorio de la Cultura como Proyecto Cultural del Año en La Rioja.

Las entradas para Noches del Pantano saldrán a la venta estey viernes 15 de mayo a las 12 horas en www.cencerro.es. Habrá entradas de día y abonos para las dos jornadas. Los conciertos comenzarán a las 20:30 horas y el recinto contará con aparcamiento en las inmediaciones.

En el mundo de la perfección más absoluta bajo los focos, Amaia Montero (Irún, 1976) sabe caer y volverse a levantar. Lo ha hecho con la vida, pero también con su primer concierto con La Oreja de Van Gogh tras casi dos décadas alejada del grupo. Real y natural, como la vida misma, se ha abierto en canal y frente a las 15.000 personas que han llenado el Bizkaia Arena de Barakaldo, -mañana serán otras 15.000 en una segunda cita en la capital vizcaína- ha confesado que creía que era el fin de su música, pero también de su vida. “Tenemos tantas canciones que no sabemos ni por dónde empezar. Han pasado muchas vidas dentro de todos estos años, y estar hoy aquí con vosotros es muchísimo más que un concierto, es una vuelta. Una vuelta de verdad. Hubo momentos en los que pensé que nunca volvería a pisar un escenario. Estaba perdida, completamente perdida. A punto de bajar al mismo infierno y no es una forma de hablar. Tuve demasiados días de oscuridad en los que pensé que todo había terminado para mí. La vida, la música, se habían apagado para siempre. Rendirse o luchar. Y con mis cicatrices, después de luchar mucho, aquí estoy”, ha reconocido emocionada mientras abrazaba el micrófono.

Como no podía ser de otra manera, '20 de enero' ha dado el inicio a una de las giras más esperadas de la banda y Bilbao ha sido un poco donostiarra durante lo que ya es todo un himno para los amantes de la Tamborrada de San Sebastián. Después, 'Deseo de cosas imposibles' y Amaia se ha atrevido con 'El último vals', la primera de las canciones de la etapa de Leire Martínez, 17 años de música que la nueva gira de La Oreja de Van Gogh ha reducido a solo dos canciones. Y menos mal. Porque aunque la primera ha podido defenderla, en la segunda, 'La niña que llora en tus fiestas', ha demostrado que no se siente cómoda. Puede ser por las notas altas, porque era la primera vez que la interpretaba en un concierto o porque no es suya, pero en partes de la canción Amaia ha dejado de cantar y se ha ido a un lado del escenario, hasta que su público ha conseguido reanimarla y devolverla a la vida, una vez más, demostrándole que pase lo que pase allí estarán para ella, aunque tengan que esperar más de 20 años.

Algo parecido le ha pasado cuando ha tenido que interpretar por primera vez 'Todos estamos bailando la misma canción' y para ello la plataforma circular sobre la que estaba ha comenzado a subirla por los aires. Ella misma ha sido consciente de que tal vez no haya sido un acierto. “Me dicen que ha salido muy bien, pero yo sé que no. Es la primera vez que canto en las alturas. Pero también es la primera vez que me subo y lo hago fatal, y eso es algo que solo vais a vivir vosotros”, ha bromeado.

Después, ha vuelto a sus orígenes con 'El 28', una canción que, como ha confesado “tiene una historia especial y un lugar especial”. “Fue la primera canción que sonó en La Oreja de Van Gogh”, ha recordado al público. A partir de ahí, ha desplegado sus clásicos como si se tratara de un viaje en el tiempo. 'Rosas', 'Pop', 'Soledad', 'Muñeca de trapo' o 'Puedes contar conmigo' han sido algunos de los himnos que han llevado al público a volver a su adolescencia, a ese primer amor y a esa 'Playa'. “Estoy viendo a chicos y chicas cuando eran así, iban al colegio, después a la universidad, empezaron a trabajar y ahora están aquí. Estamos aquí. Ese viaje de treinta años lo hemos hecho juntos. Reconozco esas caras tan familiares”, ha señalado la artista.

Primero con un mono rosa entallado que brillaba en la oscuridad y después con un vestido rojo brillante al estilo de camiseta de fútbol americano con el número 96, Amaia ha conseguido atraer a los ojos del público más que sus compañeros, que se han mantenido en un segundo plano menos cuando el teclista de la banda, Xabi San Martín, ha interpretado 'Tan guapa' al piano. Canción a la que después se ha sumado la vocalista protagonizando un momento íntimo y cómplice entre los dos. “Todos tenemos canciones que son especiales para nosotros y no tienen que ser las más escuchadas”, ha confesado el músico.

“Con mis cicatrices, he luchado mucho y aquí estoy y con más ganas de cantar que nunca. Estamos aquí porque la vida tiene una manera muy extraña de sorprendernos. Y toda esta historia está ocurriendo aquí, ahora mismo. Mi grupo, mis chicos, mis compañeros. Hoy vamos a cantar”, ha manifestado la cantante, y así lo ha hecho en el comienzo de una gira que recorrerá España para dar una nueva vida a La Oreja de Van Gogh rescatando los clásicos de sus inicios, aquellos que recuerdan que la nostalgia, al igual que ese primer amor, jamás pasará de moda. Y que las segundas partes, aunque duelan, a veces sí son buenas.

“Soy un alcohólico en recuperación. Hace dieciséis meses decidí que necesitaba ayuda y es lo mejor que me ha pasado en la vida”. Son las últimas declaraciones de Andrew Lloyd Webber que han dado la vuelta al mundo. El compositor, creador de algunos de los musicales más emblemáticos de todos los tiempos, ha confesado recientemente a The Times sus problemas con el alcohol.  

El autor de las adaptaciones musicales de El fantasma de la ópera, Cats, Evita y Jesucristo Superstar ha compartido con el periódico del Reino Unido que está en proceso de recuperación, asistiendo a reuniones diarias con Alcohólicos Anónimos en las que, según explicó, ha hecho “amigos que nunca hubiera creído posibles”. 

Este proceso de rehabilitación ha coincidido con uno de los momentos más productivos de toda su carrera. Su nuevo espectáculo, Cats: The Jellicle Ball, un homenaje a la escena drag de los años 80, se estrenó el pasado 7 de abril en Broadway, y ha recibido grandes elogios por parte de la crítica. Además, el británico está escribiendo dos nuevos espectáculos musicales.

Uno de ellos se titulará El Ilusionista y estará basado en la película homónima de 2006, un drama de misterio y romance ambientado en la Viena de principios del siglo XX dirigido por Neil Burger. El otro, cuya idea le llegó estando en rehabilitación, desarrollará la historia real de uno de los grandes robos de la historia: el de la Mona Lisa en el Museo del Louvre de París en 1911. 

“Creo que será diferente a todo lo que he hecho en mucho tiempo, más como Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, 70 u 80 minutos, bastante divertida”, compartió el compositor con The Times. En otra entrevista reciente, Webber explicó que no podía dar muchos más datos sobre la obra “por la sencilla razón de que me voy la semana que viene a escribirla”. 

La desaparición de la Mona Lisa

Todo ocurrió el 21 de agosto de 1911, cuando Vincenzo Peruggia, un antiguo empleado del museo parisino, se llevó el cuadro la Mona Lisa de Leonardo da Vinci. El ladrón guardó la pintura bajo su abrigo y abandonó el edificio como si nada. Nadie se dio cuenta de que Peruggia había salido del Louvre con aquella obra del pintor italiano que, en aquel momento, es cierto que no tenía el reconocimiento que tiene ahora.

De hecho, fue esta desaparición la que convirtió el retrato en el cuadro más famoso del planeta y marcó un antes y un después en la percepción pública del museo. Las autoridades llegaron a interrogar al ladrón porque este había trabajado en el Louvre, pero al principio no despertó ninguna sospecha. Dos años después del robo, Vincenzo fue finalmente detenido en Florencia cuando intentaba vender la obra.

En de marzo de 1881, se creó el llamado “el mejor espectáculo del mundo”. Nacía de una fusión entre P.T Barnum y James A. Bailey, que tenían entonces los circos ambulantes más destacados del momento, y se bautizó como Barnum & Bailey Circus, donde la atracción que más llamaba la atención del público era el elefante africano Jumbo, que habían comprado de un zoo de Londres y que inspiró a la famosa película Disney ‘Dumbo’.

Hace 145 años creaba su gran espectáculo, el último diez años antes del fallecimiento de P.T Barnum, uno de sus impulsores, el hombre al que dio vida Hugh Jackman en el cine en el musical ‘El gran showman’, estrenada en 2017, y que edulcoró la biografía del famoso empresario que fue conocido no solo por sus espectáculos, sino también por usar el arte del engaño y exhibir animales y personas curiosas, los llamados ‘freaks’, no siempre en las mejores condiciones. Y es que del musical de Jackman, Zac Efron y Zendaya a la vida real hay larga distancia, aunque sí tomó varios hechos que pasaron o fueron parecidos.

Phineas Taylor Barnum nació en 1810 como hijo de un sastre y una posadera, y nieto de un vendedor de loterías, de quien aprendería el arte del engaño, que sería clave en su carrera como empresario de espectáculos. Esto le valió tener su primer trabajo en ventas a los doce años, y hasta que encontró su vocación siguió como comerciante.

Sería a los 25 años, en 1835, cuando empezaría en la industria del espectáculo. Exhibía a una esclava ciega y paralizada que presentaba como la que fuera niñera del presidente George Washington y aseguraba que tenía 161 años. Se llamaba Joice Heth y moriría tan solo un año después, pero hasta el último día fue usada por Barnum, que cobró como ‘show’ la autopsia del cadáver ante 1.500 espectadores. Después de esto, trabajó en el teatro ambulante Aaron Turner Traveling Circus.

Su primer gran éxito: el Barnum’s American Museum

En 1841 el empresario compró un edificio en Manhattan y crearía su primer gran éxito, el Barnum’s American Museum, que en sus cinco plantas era museo a la vez que teatro, zoológico y lugar de espectáculo de “fenómenos” o rarezas, donde destacaban un “Napoleón enano”, una gigante o la mujer barbuda Josephine Clofullia, que fue una de las más famosas del siglo.

El lugar atraía a tanto público que tenía una cifra media de 15.000 visitantes diarios, abriendo un total de 15 horas, y en él, P.T Barnum demostró su don en el arte del engaño también, al exhibir la sirena de Fiyi, que era en realidad un mono disecado con cola de pez. Al igual que en ‘El gran showman’, el museo fue víctima de un incendio, aunque luego pasaría por dos más, hasta que no se pudo recuperar y lo cerró.

De la política al circo ambulante

Tras cerrar su famoso museo de variedades, P.T Barnum se dedicó a la política hasta que en 1870 volvió al mundo del espectáculo, pero esta vez con un nuevo formato, el del circo ambulante, que atraía más público en esos días. Con el Barnum's Grand Traveling Museum iría de gira tanto por Estados Unidos como por Europa, al que ya bautizaban como “el mejor espectáculo del mundo”.

En 1881 fundaría el Barnum & Bailey Circus junto con James A. Bailey, que sigue funcionando con un descanso entre 2017 y 2023, aunque desde 1906 pasó a llamarse Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus. Solo disfrutaría diez años de ello, pues moriría en 1891.

En Lyon, ante 15.000 personas y con una orquesta situada en el corazón del pabellón LDLC Arena. Así ha arrancado el Lux Tour de Rosalía, una gira con la que recorrerá más de una docena de países y en la que tiene previstos 42 conciertos. Quizás sea el viaje más esperado por sus seguidores, porque presenta un disco rompedor, donde explora temas de la mística femenina, la transformación y la espiritualidad. 

La expectación era máxima por conocer la puesta en escena de la artista catalana, teniendo en cuenta que, en su cuarto disco de estudio, hay momentos operísticos como los que se escuchan en Berghain. Tampoco pasó inadvertida la promoción que hizo del disco: siempre de blanco o de negro, con cruces de colgante y una imagen para la portada donde se le ve vestida con un hábito. 

El interés estaba en la puesta escena, sabiendo que en Lux participan muchos artistas, pero también en la setlist que Rosalía escogería para sus conciertos. Y con el concierto de Lyon se han despejado algunas dudas: muchas del disco actual, algunas de Motomami y sorpresas de colaboraciones anteriores. 

Setlist de Rosalía en el Lux Tour 

Rosalía abrió su concierto en Lyon convertida en una frágil muñeca bailarina, con tutú y zapatillas de ballet incluidos, cantando dos temas de su último trabajo: Sexo, violencia y llantas y Reliquia. Tampoco faltaron Porcelana o Divinize, una canción en la que combina castellano, catalán e inglés. 

La artista catalana tampoco renunció al tema Mio Cristo Piange Diamanti, la canción en la que más tiempo empleó y un tema nació tras su investigación sobre la amistad entre Santa Clara de Asís y San Francisco de Asís, ambos pertenecientes a la orden franciscana. 

Frente a ese inicio más delicado, el shock llegó con la wagneriana Berghain, el primer single de Lux y el mismo tema que escogió para su comentada actuación en los premios de la industria musical británica. Ahí cambió su atuendo blanco por uno negro con unos cuernos demoníacos y plumas negras. 

Rosalía también rescató para su primer concierto éxitos como Motomami, Saoko, La fama, La Combi Versace o CUUUUuuuuuute. Y sorprendió con temas como Can't take my eyes off you, Bizcochito, Despechá o La noche de anoche, aunque este último sin Bad Banny. 

La artista catalana no se dejó ninguna canción de Lux en el tintero: De madrugá, La perla, Sauvignon Blanc, La Yugular, Dios es un Stalker, Memória, Rumba del Perdón, Novia robot, Fou 'ranni y Magnolias para cerrar el espectáculo con el que recorrerá medio mundo. 

Después de que en enero de 2025 el director de orquesta Juanjo Mena (Vitoria, 1965) anunciara a través de un vídeo que padece Alzheimer, este viernes ha comunicado a través de una carta publicada por El Correo su adiós final debido al estado de la enfermedad. “Como recordaréis, hace un año tuve la necesidad de informaros sobre un asunto que afectaba a mi estado de salud. En efecto, unas pruebas practicadas unos meses antes revelaron que empezaba a manifestar síntomas de la enfermedad del Alzheimer. Ya entonces intuí, empleando un símil musical, que esta partitura iba a ser, probablemente, la más difícil de interpretar de entre todas las obras a las que me había enfrentado hasta ese momento. Así ha sido. El tiempo no ha pasado en balde, la enfermedad ha avanzado y yo, también, he cambiado. Las condiciones de hace un año no son las condiciones de ahora y la actual situación obliga a tomar decisiones importantes”, ha señalado.

Así, ha confesado que los conciertos que dirigirá este año serán sus últimos al frente de la orquesta. “Creo, siento que ha llegado ya la hora de la despedida. La citada partitura tiene un final y sus últimos compases están ya escritos. Los conciertos de este año serán, si no hay contratiempos, los últimos conciertos que dirigiré desde el podium. Esta es la decisión que hoy quería comunicaros. Una decisión, como os podéis imaginar, complicada de adoptar pero, al mismo tiempo, muy meditada”, ha añadido.

En este sentido, ha pedido que los últimos conciertos se conviertan en una despedida a sus 40 años de carrera musical, así como una forma de agradecer. Hay algo más. Me gustaría que estos conciertos de despedida se convirtieran, también, en una ocasión especial para el agradecimiento y, sobre todo en un motivo de celebración. 40 años de carrera musical dan para muchísimas notas de agradecimiento. En primer lugar, a mi familia, por su apoyo permanente y paciencia infinita. Y, en segundo lugar, a todos los aficionados, a todas las orquestas y a cada uno de los músicos y personas con los que he tenido el honor y el placer de trabajar. De todos ellos y de todas ellas me llevo el mejor de los recuerdos: hicimos y disfrutamos mucho haciendo buena música“, ha indicado.

“Por último, antes de terminar, me permito la licencia de pediros un favor. La música, siempre lo he dicho, es intercambio de energía. Una corriente de misterio de ida y de vuelta entre los músicos y los oyentes. Hagamos que los próximos conciertos se conviertan, de verdad, en una cadena de celebraciones en las que la música sea la única protagonista y el argumento principal del encuentro solidario y amistoso entre las personas. Hasta siempre”, ha finalizado la carta.

El director de orquesta vasco (Vitoria-1965) es uno de los directores de orquesta españoles más reconocidos del circuito internacional, que arrancó su carrera como director artístico de la Orquesta Sinfónica de Bilbao en 1999. En 2016 fue galardonado con el Premio Nacional de Música de España.

En la semana de los Premios Oscars, la actriz Liza Minnelli cumple 80 años. Un hecho nada desdeñable si tenemos en cuenta que es una de las leyendas vivientes ligadas a los galardones, pues es de las pocas personas que tiene en su haber premios Tony, Emmy, Globos de Oro, BAFTA y Grammy, además de la estatuilla dorada.

La hija de Vincente Minnelli y Judy Garland, nacida el 12 de marzo de 1946 en Los Ángeles, llegó a lo más alto en 1973 gracias a ‘Cabaret’, que le hizo ganar el premio Oscar a mejor actriz, así como el Globo de Oro y el BAFTA. Sin embargo, tan solo cuatro años después llegaría a tener uno de sus más sonados fracasos y que marcaría en gran parte su longeva carrera, pero que actualmente es considerada una obra de culto.

El fracasado homenaje musical de Scorsese a Nueva York

Estamos a mediados de la década de los 1970, cuando Martin Scorsese estaba decidido a rodar un homenaje musical a la Nueva York en la que había crecido, mientras a su vez quería mostrar su amor por el jazz y sus ambientes de la década de los 40. Así fue como se comenzó a gestar “New York, New York”, que contó con Robert De Niro y Liza Minnelli como pareja protagonista, pero a pesar de todo lo que prometía, fue todo un fracaso de crítica y taquilla. Ellos, sin embargo, no fueron los primeros actores que se tuvieron en mente, pues Ryan O’Neal y Barbra Streisand fueron los primeros que se plantearon, descartados luego. De aquí, Scorsese pensó que Liza Minnelli era perfecta para el personaje femenino principal, mientras para convencer al actor de origen italiano se tuvo que ir hasta Parma, donde estaba rodando “Novecento” de Bernardo Bertolucci.

El unir las agendas de ambos para el rodaje de la comedia musical fue uno de los primeros contratiempos por los que pasó esta película, que se basa en la historia del músico Jimmy Doyle y la cantante Francine Evans, que se conocen y enamoran el mismo día que termina la Segunda Guerra Mundial y forman una pareja artística también, a la que seguimos en su búsqueda del éxito. Si bien Robert De Niro entrenó con el saxofón con clases hasta cuando ya se había comenzado el rodaje, finalmente lo que se escucha en el largometraje es la interpretación de Georgie Auld, que formó parte también del reparto.

El rodaje comenzó sin que el guion estuviera terminado

Uno de los principales problemas que enfrentó “New York, New York” fue que se improvisó continuamente, queriendo seguir el estilo del jazz, en parte porque cuando se comenzó el rodaje el guion todavía no estaba terminado. Lo había comenzado el novelista Earl Mac Rauch, que hizo un trabajo de dos años, lo terminaron Mardik Martin y Julia Cameron, entonces esposa de Scorsese.

El propio Markin contaría lo que eso supuso en el libro Moteros tranquilos, toros salvajes de Peter Biskind: “Seguro que hay muchos que trabajan así, pero yo no podía hacerlo. Fue una pesadilla, estuve escribiendo hasta el momento de filmar el último fotograma”, contó. Todo ello, además, siendo una película de época, lo que obligó a un costoso decorado y elaboradas secuencias musicales que luego se retocaron constantemente por la marcada improvisación del director.

Un proyecto personal para Scorsese

La película se concebía como un homenaje al mundo en el que Martin Scorsese había crecido y exploraba un tema muy característico de su cine: la tensión entre la realidad y la fantasía. Esto fue por lo que lo abordó con un gran impulso creativo, desbordante, a la vez que esto generó un rodaje caótico, que se complicó todavía más por las adicciones y la vida personal del director.

En esos años, el director mantenía un complicado affaire con Liza Minnelli, quien todavía estaba casada con Jack Haley Jr. y, al mismo tiempo, tenía un romance con Mikhail Baryshnikov. Varias historias de ese triángulo amoroso quedaron registradas en los diarios de Andy Warhol, amigo de Minnelli y testigo indirecto de algunas de sus disputas.

El origen del himno de Frank Sinatra

Una vez terminada, el primer montaje alcanzaba cuatro horas y media y si bien el equipo pensó que sería una obra maestra, la reacción de la crítica y del público fue totalmente diferente, siendo un sonado fracaso comercial. Sin embargo, marcó en parte la carrera de Minnelli, que apareció menos en el cine, pero que ganó un himno para siempre.

La canción del mismo nombre que la película había sido compuesta por Leonard Bernstein en 1944, pero la versión de la actriz para la escena final fue una de las más conocidas, hasta que Frank Sinatra la versionó en 1977 para grabar uno de sus grandes éxitos y siendo el último con el que llegó al top 40 en Billboard. Ambos, tanto Minnelli como Sinatra la cantarían en todos sus conciertos.

Nacho Cano ha ratificado este miércoles en un juzgado madrileño que Leslie Guadalupe Ochoa, la bailarina de Malinche que le denunció por vulnerar los derechos de los trabajadores, trató de chantajearle. El exmiembro de Mecano demandó a la becaria en septiembre de 2024, presentando como pruebas los mensajes enviados a través de WhatsApp desde el teléfono de la joven mexicana a la responsable de producción del musical donde pedía un pago de 6.000 euros, una carta de recomendación y la estancia en un hotel para evitar que “procediera legalmente”. La presencia del músico ha sido una sorpresa, ya que en principio se esperaba que su intervención fuera por videoconferencia.

Ni el exmiembro de Mecano ni su abogada han querido atender a los medios a la salida de la judicatura, pero según el letrado de la defensa, Alfredo Arrién, Cano ha reconocido que “ofrecieron dinero previamente” a la joven mexicana. En concreto, 3.000 euros destinados a “rescindir el contrato de beca que tenían con ella”. Aquello derivó en una negociación en la que Leslie “pidió 5.350 euros, una carta de recomendación, un billete a México y que le sufragaran los gastos de estadía hasta el 15 de enero”. “Al no llegar a un entendimiento, Cano alega que la negociación se convirtió en un chantaje”, ha explicado Alfredo Arrién, abogado de la bailarina.

En esta causa habían declarado ya la propia Leslie, que se declaró “inocente” de haber cometido tal chantaje. “No ha habido ninguna coacción, ninguna amenaza, ningún hecho delictivo, todo lo contrario. Ha habido una negociación por despido improcedente”, fue lo que defendió entonces. También tomaron declaración Susana Jove, una de las directivas de Malinche, y a otro testigo de la causa.

La Justicia archivó la causa contra Nacho Cano por los becarios del musical Malinche –que propició le denuncia de Leslie–, dado que la Audiencia Pronvincial entendió que el músico y sus colaboradores “no habían tratado de introducir a los ciudadanos mexicanos de forma clandestina en España”. La bailarina pidió la reapertura del juicio, al considerar que que podía existir un delito de “detención ilegal”. Entonces aportaron como pruebas una serie de grabaciones en vídeo realizadas por la joven mexicana antes de intemponer la denuncia que dio lugar al caso en enero de 2024. Según ha informado Alfredo Arrién, su abogado, esta fue aceptada y la bailarina ha sido llamada para tomar declaración el próximo 3 de abril.

Este 15 de marzo es la gala de los Premios Oscar 2026 y si hay un galardón que tiene una clara favorita es el de mejor actriz protagonista, que apunta a Jessie Buckley por su papel de Agnes en “Hamnet” de Chloe Zhao, al haberse llevado anteriormente el Globo de Oro, el Critics Choice Award, el BAFTA y el SAG Award.

Mientras el de mejor actor se le podría escapar a Timothee Chalamet, en el caso de actuación femenina, la actriz irlandesa parte como gran favorita, y lo que pocos saben es que su carrera comenzó en un concurso de televisión de la cadena BBC en el que quedó segunda. Este fue el inicio de una trayectoria poco usual en Hollywood y que podría escribir un capítulo más de su historia.

De rechazar el camino fácil para llegar al Oscar

Jessie Buckley nació en Killarney, Irlanda, el 28 de diciembre de 1989, y desde muy temprano comenzó en la actuación, durante el colegio y el instituto, donde interpretó también papeles masculinos para obras como ‘West Side Story’. Es por eso que muy temprano tuvo claro su objetivo, aunque fue rechazada por dos escuelas de teatro antes de que se decantara por audicionar para un nuevo concurso televisivo en la BBC.

Buckley fue seleccionada para participar en el reality show “I’d Do Anything”, un concurso en el que se buscaba la protagonista desconocida para el musical Oliver!, que se representaría en el West End de Londres, en 2008. No fue la ganadora, quedó en segunda posición, lo que le hizo ganarse ser la suplente de la obra, pero la actriz rechazó este premio porque tenía otros proyectos en mente como eran estudiar música en la Real Acdemia de Música de Irlanda e interpretación en la Real Academia de Arte Dramático de Londres.

La actriz irlandesa demostró que lo suyo era lo de trabajar en silencio, en la sombra, optando por el camino más difícil tras su participación en televisión, a la que no volvería hasta ocho años después para la serie ‘Guerra y Paz’ de 2016, a lo que se unió formar parte de otras series como ‘Taboo’ o ‘La mujer de blanco’.

El camino 'silencioso' a Hollywood

Su debut en el cine llegaría un año después de su regreso a televisión, en 2017 con ‘Beast’, un thriller psicológico en el que daba vida a un personaje incómodo y oscuro, en el que ya se podía atisbar su talento para papeles de alta intensidad emocional como el que le ha dado el reconocimiento en ‘Hamnet’.

Fue este un punto de inflexión, pues fue cuando la industria del cine puso su atención en Jessie Buckley para interpretar personajes secundarios cargados de peso y emoción como sucedió en ‘Estoy pensando en dejarlo’ y ‘La hija oscura’, de Maggie Gyllenhall, con la que ha vuelto a colaborar en “La novia”, un remake de “La novia de Frankenstein” que protagoniza con Christian Bale y que está siendo un sonado fracaso comercial y de crítica.

Pero Buckley ha demostrado que su camino no es el habitual, y tras su buen hacer en el cine, decidió volver al teatro musical y protagonizó junto a Eddie Redmayne la obra ‘Cabaret’ en el West End de Londres, en el papel de Sally Bowles que interpretó en la gran pantalla Liza Minelli, precisamente que le valió el Oscar a Mejor actriz en 1973.

El BBK Live ha ampliado su cartel para su edición de 2026. Según se ha anunciado este martes, Calvin Harris, Dellafuente, Hemlocke springs, Westside Cowboy, La Paloma y BARRRK, además de Vampirina Club by Metrika & D.Basto y Hotcore Party: Taichu and Friend, ampliarán lo ya conocido, con Robbie Williams al frente. El festival se celebrará los días 9, 10 y 11 de julio de 2026 en Kobetamendi.

Según han informado los organizadores, “esta nueva tanda de incorporaciones vuelve a reflejar el carácter abierto del festival en el año de su vigésimo aniversario, que conecta grandes nombres internacionales como los ya anunciados Robbie Williams, Lily Allen, Charlotte de Witte, David Byrne, IDLES, Alabama Shakes o Interpol” con “fenómenos culturales contemporáneos y algunas de las voces más prometedoras de la nueva escena, reforzando la diversidad musical que define a Bilbao BBK Live”.

Calvin Harris es uno de los productores y pinchadiscos más influyentes de la música electrónica de las últimas dos décadas. Con una trayectoria marcada por éxitos globales y colaboraciones que han definido el sonido del pop contemporáneo, el escocés aterrizará en Kobetamendi “con un repertorio que conecta la energía del club con la escala de los grandes festivales”.

El musical 'Mamma mía!' llega esta semana al Palacio de Festivales de Cantabria con siete pases, desde el jueves al domingo, en la Sala Argenta, donde se podrá disfrutar de los conocidos temas musicales de Abba adaptados a este espectáculo que dirige Juan Carlos Fisher.

Verónica Ronda, Gina Gonfaus, Ela Ruiz, Noemí Gallego, Marc Parejo, Víctor Gónzalez, Joan Olivé, Joan Martinez, Elvira Santa María, Laura Miguel, Julio Takata y Luis Visiedo dan vida a los principales personajes de esta obra, que despierta al público con la vida de Donna, en su pequeño hotel en una isla griega, cuando comienza a organizar la boda de su única hija, que ha criado sola.

Sofia, esa joven, decide aprovechar la llegada de invitados a su boca para reunir a tres hombres, relacionados con su madre, entre los que podría estar su padre, a quien nunca ha conocido.

La productora del espectáculo, ATG Entertainment, llega a Santander con 'Mama mía!' tras tres temporadas de éxito, más de 1.000 funciones en Madrid y habiendo cautivado a más de 800.000 espectadores, según señala en su comunicado de promoción de la obra.

‘Dancing Queen’, ‘Gimme Gimme Gimme’, ‘Chiquitita’ o ‘The Winner Takes It All’ podrán oírse ahora en el Palacio de Festivales de Cantabria con este homenaje a las madres y a sus hijas, al amor y a los viejos amigos.

Con una duración de 140 minutos, con descanso, 'Mama mía!' podrá verse el jueves a 19.30 horas, el viernes a las 17 y 21 horas, el sábado, en el mismo hora, y el domingo a las 16.30 y las 20.30 horas.

No importaba que fuera domingo ni que al día siguiente hubiera que trabajar. Al sonar los primeros acordes de 'El último vals' con decenas de fotografías ordenadas cronológicamente de Leire Martínez, desde sus primeros pasos -en la vida y en la música- hasta hoy, el público a rebosar de la Sala Santana de Bilbao ha empezado a vibrar. Ha sido el primer y único concierto por el momento de la que fuera cantante de La Oreja de Van Gogh en Euskadi, su tierra, y lo ha celebrado con sus nuevos éxitos como 'Mi nombre', 'No se me da bien odiarte', o 'Tonto por ti', y con los himnos de siempre, como 'La niña que llora en tus fiestas', 'El primer día del resto de mi vida', o 'Cometas por el cielo'.

Durante las más de dos horas en las que no ha dejado ni un segundo de cantar, Leire ha sido capaz de emocionar al público, de alegría primero y de tristeza y melancolía después, cuando, acompañada de una banda dirigida por Víctor Elías, quien ha creado arte al piano, ha cantado 'Jueves', la canción dedicada a las víctimas de los atentados del 11 de marzo de 2004, mientras en la pantalla se mostraban los ojos sonrientes de personas distintas, una tras otra, mientras Leire ha lanzado un mensaje en contra de la guerra y a favor de las personas sea cual sea su género, raza u orientación sexual.

La emoción palpitaba en el ambiente y en un público que no paraba de corear el nombre de Leire mientras ella, visiblemente emocionada y extasiada de alegría, abrazaba cada grito. Hasta que dos palabras se le han escapado de la boca, casi sin querer. “Estoy enamorada”, ha confesado ante miles de personas que se han emocionado con ellas. Y después, su pareja, el saxofonista Miguel Sueiras, ha entrado en escena y le ha dedicado un 'solo' para después acompañarla en los compases de 'Mírame', canción que Leire canta con Andrés Suárez. Así, ella le ha dedicado su amor en cada letra. “Quédate con quien te mire como lo hago yo, cuando despierto y, a mi lado, tú haces de todo nuestro mundo casa, aunque no haya playa, tú, cuando dibujas nuestro corazón, solo adivinas el futuro, ven, vamos juntos de la mano, siempre juntos”. Y tras la canción, un beso entre ambos ha avivado a las miles de almas que han latido al unísono de la sala bilbaína.

A pesar del canto al amor, Leire Martínez no ha perdido la ocasión para lanzar un mensaje contundente a su público, en concreto, y a la humanidad, en genera, contra la violencia machista. Lo ha hecho primero en euskera y después en castellano. “No nos podemos permitir como sociedad que la violencia machista siga formando parte de nuestro día a día. No podemos normalizarlo hasta el punto de que ya no nos duela, de que ya no nos importe. Tenemos que seguir hablando de este tema, tenemos que seguir poniéndolo sobre la mesa porque insisto, como sociedad, no nos lo podemos permitir. Parece que nos cuesta hablar sobre feminismo y, sin embargo, frente a la palabra igualdad no parece haber dudas. Quizá haya que cambiarle el nombre, pero empecemos a sentir, a interiorizar esa igualdad de una manera profunda, de verdad”, ha manifestado en un absoluto silencio que se ha roto entre aplausos y gritos de apoyo a sus palabras.

Lejos de la polémica que le lleva persiguiendo desde que saltó la noticia del 'adiós' a la banda donostiarra, la cantante ha hablado en términos generales de “dejar atrás el rencor”, de atreverse a “abandonar la zona de confort” y de no de “señalar al de al lado” para así lograr ser más feliz. “Yo llevo tiempo intentándolo”, ha señalado haciendo un guiño que el público ha entendido sin necesidad de aclaraciones como una alusión a su salida de La Oreja de Van Gogh. Tras esas palabras ha cantado 'El ruido', canción que canta con el icónico dúo de pop argentino Miranda! y 'Cabeza de ratón', en la que lanza un dardo rescatando el refrán de “Más vale ser cabeza de ratón que cola de león”, para sostener que es mejor liderar un proyecto pequeño pero propio que ser una 'marioneta' en uno grande.

No han faltado los clásicos de La Oreja como 'Muñeca de trapo', 'Puedes contar conmigo', 'La playa' o 'Rosas', en la que desde el público han hecho entrega de un ramo de rosas a Leire Martínez. Tras dar por acabada la actuación, pero con varios gritos de “beste bat” (“otra”, en euskera) la de Errenteria y su banda han vuelto para poner la guinda al pastel y cantar 'Inmortal'. Y con las palabras “volveremos pronto, Bilbo. Prometido, hasta siempre”, Leire Martínez, sin necesidad de nadie más, pero muy bien acompañada, se ha declarado inmortal en Bilbao, en Euskadi y en el mundo entero.