El epígrafe de George Orwell lo advierte: “Toda propaganda es mentira, incluso aquella que cuenta la verdad. Creo que eso no importa, siempre y cuando se sepa lo que se está haciendo y por qué”. Le siguen unas citas de William Blake y David Hume en la misma línea: la verdad y la invención, el poder y la sumisión, la creación de la opinión pública. Hay mucho del espíritu del Gran Hermano orwelliano en Amanecer en la cosecha (Molino, 2025; trad. Pilar Ramírez Tello), la última novela de Los Juegos del Hambre cuya adaptación acaba de estrenar su nuevo tráiler y que se desarrolla veinticinco años antes de la primera parte y está protagonizada por un joven Haymitch, a quien conocimos —interpretado en las películas por Woody Harrelson— como el mentor de Katniss y Peeta durante los Juegos.

Suzanne Collins (Hartford, Connecticut, 1962) dejó bien cerrada la trilogía original, Los Juegos del Hambre (2008), En llamas (2009) y Sinsajo (2010), pero unos años después, y sin haber publicado nada en ese tiempo, sintió la urgencia de volver a ese mundo con otra perspectiva, tenía algo nuevo que contar. De ahí surgió Balada de pájaros cantores y serpientes (2020), una precuela que acontece 64 años antes del primero, protagonizada por Coriolanus Snow, el futuro presidente de Panem. Lejos de estirar el chicle, la autora demostró que aquella indagación en las aristas más oscuras de su universo tenía sentido; y lo volvió a demostrar con esta quinta entrega, que llegará a las pantallas el 20 de noviembre.

Más que un producto comercial

Cuando un libro tiene éxito, las sospechas se ciernen sobre él. Si además es juvenil, y se ha adaptado al cine con un gran revuelo, los prejuicios se multiplican. En el caso de Los Juegos del Hambre, un reproche habitual es una supuesta falta de originalidad, por tener puntos en común con Battle Royale (1999), la novela distópica de Koushun Takami. Un reproche sin mucho fundamento, puesto que, en lo esencial, todos los tropos literarios se han explotado hasta la saciedad. La cuestión es que cada autor sepa hacer algo personal a partir de esa base; el cómo, no el qué. Y Suzanne Collins lo logró con solvencia.

Puestos a buscar influencias, más vale fijarse en el mito del Minotauro como inspiración de los Juegos: los ciudadanos pagan un “tributo” (un chico y una chica por distrito, cada año), tras haber perdido la guerra civil contra el Capitolio, que ostenta el poder en esta sociedad futura dictatorial. Esa es una de las muchas referencias a la cultura grecolatina: desde expresiones en latín, como el nombre del país, Panem (panem et circenses, pan y circo) a elementos como la Cornucopia, el Capitolio, la arena o los nombres de muchos personajes (Plutarch por el historiador Plutarco, Seneca Crane por el filósofo Séneca), o los propios Juegos, que emulan los combates de gladiadores del circo romano.

La otra gran influencia es la experiencia del padre de la autora en la guerra, que se nota sobre todo en la última parte, Sinsajo. En esta trilogía la violencia no es gratuita ni se limita a criticar la cultura del reality-show, la presión estética, el uso de menores como objeto de entretenimiento y las desigualdades sociales. Tiene muchas capas, el mundo imaginado por Collins está diseñado con encaje de bolillos, y, aunque la historia tiene un triángulo amoroso, el centro no está puesto en el romance, algo de lo que adolecían muchas sagas juveniles contemporáneas. No, no es Crepúsculo (2005) ni After (2013). Aquí hay acción, intriga, sentimientos y un revestimiento político impactante.

Lejos de la complacencia, Suzanne Collins se diferenció de lo que se estilaba entonces –el romance paranormal de vampiros o lobos adolescentes, con una protagonista gris y un chico “malo” como interés amoroso–, apostó por unos personajes complejos y temas arriesgados en literatura juvenil, con una humanidad sobrecogedora. Hizo algo propio, no copió la fórmula de nadie, sino que supo aprovechar el lenguaje del mito para transmitir una verdad que había conocido de forma estrecha, a través de los recuerdos de su padre o de lo que observaba ella misma en la sociedad capitalista. Después de triunfar se publicaron decenas de distopías apocalípticas; había creado escuela.

El origen de Haymitch Abernathy

A Haymitch Abernathy lo conocimos en Los Juegos del Hambre como un hombre de mediana edad con problemas con la bebida, torpe en las relaciones sociales, irónico e imprevisible; un inadaptado que no superó su victoria en los Quincuagésimos Juegos. La nueva novela narra justo esa gesta, y comienza como la primera parte, con el día de la cosecha, esto es, la jornada en la que se elige por sorteo a los tributos –adolescentes de entre doce y dieciséis años– de los próximos Juegos del Hambre. En esta edición, en honor al Vasallaje de los Veinticinco, que se celebra cada veinticinco años, por partida doble: dos chicos y dos chicas por distrito.

Haymitch, como Katniss y Peeta, pertenece al Distrito 12, el último. Cada distrito se asocia a una actividad económica, y el 12 es el de la minería, el más pobre junto con el 11 (agricultores, los descendientes de los esclavos). Y, a los dieciséis años, que son los que cumple justo el día de la cosecha, el joven Haymitch trabaja en el contrabando de alcohol para ayudar a su madre y a su hermano pequeño, que, tras la muerte del padre en la mina, no tienen a nadie más. Como todos los muchachos del Distrito 12, aprendió a ganarse el pan. Él mismo reconoce que no es ningún lumbreras, pero tampoco le pide demasiado a la vida, tan solo una existencia tranquila junto a su novia, Lenore Dove.

Como Katniss en la trilogía, Haymitch narra su historia en primera persona, lo que nos permite conocerlo mejor, y en tiempo presente, una apuesta poco frecuente que lo dota de emoción. Sabemos que saldrá reclutado en esa cosecha tan feroz como La lotería de Shirley Jackson; también sabemos que ganará los Juegos. Lo que no sabemos es cómo ocurrirá todo eso (de nuevo, el cómo, no el qué). Y hay una pregunta latente: por qué un chico tan sencillo y tenaz como él terminó convertido en un adulto disfuncional. Sí, sobrevivir a la trituradora de los Juegos tuvo algo que ver –los ganadores son como los veteranos de guerra: recibidos como héroes, traumatizados de por vida–, pero hubo más.

Fake news y manipulación informativa

Todo lo que funcionaba en las otras entregas –la estructura en torno al desarrollo de los Juegos, con algo que trasciende al concurso y unos personajes que evolucionan–, vuelve a cumplir con creces (además, hay guiños a las familias de Katniss y Peeta, entre otros iconos de la saga). Ahora bien, si la autora tuvo la necesidad de ponerse a escribir no fue para narrar lo mismo. En estos años, la sociedad occidental ha cambiado; algunos conflictos siguen vigentes, pero otros han surgido o se han acentuado desde entonces. Suzanne Collins tiene la virtud de saber acompasarse con los tiempos: detrás del relato de Haymitch, dispara rotunda al presente.

En Panem no existen las redes sociales ni se utiliza la expresión fake news, pero el libro de algún modo denuncia todo eso: la manipulación de los medios de comunicación y la espectacularización de la intimidad. Haymitch sabe de qué van los Juegos, los ha visto por televisión desde que era niño; sin embargo, vivirlos desde dentro, desde el momento en el que lo eligen, le descubre in situ toda la maquinaria salvaje que hay detrás: los incidentes o chispas de insurrección que jamás se emitirán, el intento de utilizar a las familias de los tributos y sus vidas personales para conmover al espectador, el trato a los jóvenes como animales de ganadería intensiva, la represión sin paliativos.

En este contexto, Haymitch, que se sabe condenado de antemano, solo tiene un deseo: morir con dignidad. Mantenerse íntegro ante la inminencia de la muerte, guardarse para sí lo más valioso que tiene, no vender aquello que no pueden quitarle: sus sentimientos, sus principios, sus metas, todo lo que guarda dentro. Desde el principio se insiste mucho en esa idea: “No dejes que te usen”, le aconseja su familia antes de separarse. “No les dejes pintar sus carteles con tu sangre, siempre que puedas evitarlo”. Solo que no es tan fácil hacerlo cuando tu vida es lo que está en juego. Y hay un reto adicional: si se filtran las imágenes y se manipula a destajo, ¿cómo comunicar al público la verdad?

El punto de partida de Haymitch es un poco distinto al de Katniss en Los Juegos del Hambre, por cuanto él ya tiene una pareja estable y un proyecto de futuro claro. Cuando el equipo del programa se da cuenta de ello, trata de utilizar su historia de amor como cebo para la audiencia, pero ni él ni su chica ceden. Su postura contrasta con los valores actuales, donde prima la sobreexposición de la intimidad en las redes sociales y uno mismo se convierte en un producto sin que nadie se lo pida.

Hay más asuntos subyacentes: el valor de la comunidad, el trabajo en equipo, la unión frente a la adversidad como revulsivo; la subsistencia mediante la economía sumergida; el negocio apostar, que aprovecha la desesperación ajena para obtener beneficio; la obsesión por el físico, por mantenerse joven y sensual; la cultura local, inmaterial, transmitida de generación en generación, como las canciones de Lenore Dove (lo improvisado, efímero y genuino frente a aquello prefabricado, filmado e interesado; el valor de la experiencia real frente a la visualización en la pantalla); la dificultad para saber en quién confiar y tejer alianzas cuando no sabes si los demás están a tu favor o mienten (en particular, los adultos involucrados en los Juegos).

Mantenerse íntegro, mantenerse humano

Es injusto que, a veces, lo único que se valore de esta saga sea su naturaleza “adictiva”. Hay muchas novelas que atrapan y tienen un buen ritmo, pero lo que distingue este ciclo es su discurso filosófico, la dualidad ética y moral que se entrevé a través de situaciones complejas, personajes complejos. Amanecer en la cosecha no es ninguna excepción: no tiene nada que envidiar a la trilogía; es, de hecho, más contundente aún en su denuncia, que siempre reviste un mensaje constructivo: conservar la integridad pase lo que pase. No podemos controlar lo que harán con nuestra imagen (o datos), pero podemos evitar que muestren algo que no queremos si nos negamos a actuar de ese modo.

Pueden manipular, no inventar (al menos en principio). Y la decisión de a qué y a quién mantenerse fiel depende solo de uno mismo. Sin duda, un planteamiento estimulante en una novela que es, también, un viaje iniciático sobre hacerse adulto, sobre dejar atrás el paraíso irrecuperable de la infancia, que a los tributos se les arranca como a los niños de la guerra, de un día para otro, sembrando violencia, muerte y destrucción. La autora vuelve de este modo a conectar con el presente, con las cuestiones que afectan a los adolescentes (y a la población en general). Denuncia ese adormecimiento colectivo que nos mantiene pasivos, inconscientes de nuestro poder, en lugar de rebelarnos ante las injusticias.

Estos libros son alimento de calidad para la resistencia. No deja de ser una ironía cruel que, por su éxito, se hayan convertido en un producto más de la cadena capitalista. Con motivo del lanzamiento de esta quinta parte, en España la editorial organizó una fiesta, llamada la Gran Gala del Capitolio, en una discoteca de Madrid (30€ por entrada, con “regalos” de merchandising incluidos). Además, relanzó toda la saga en ediciones especiales de tapa dura con los cantos tintados, siguiendo la última tendencia en juvenil de las ediciones de coleccionista con brillibrilli, de tiraje limitado y, por supuesto, más caras.

“En ciertos momentos, lo único que puedes controlar es tu actitud”. Es difícil actuar con coherencia cuando la industria, el sistema, no lo ponen fácil. Por suerte, lo interesante de una obra literaria no es el envoltorio ni el ruido que genera, sino el poso que deja tras su lectura. Y, ahí sí, no hay duda: Amanecer en la cosecha es una nueva pieza brillante de una serie magistral, una novela que enriquece, matiza y, sobre todo, dialoga con la actualidad, estimula el análisis, anima a desentumecerse, a reaccionar. No hay escritora más consecuente que Suzanne Collins: nos recuerda la importancia de ser dueños de nuestro destino cuando aún estamos a tiempo; y nos urge a no olvidar que, aunque nos pretendan dividir, estamos en el mismo bando. Juntos somos más fuertes.

Los fans de Juego de Tronos viven con un miedo: no poder leer nunca Vientos de invierno y no saber cómo acaba la historia que George R.R. Martin creó en su cabeza y que empezó a publicarse hace ya 30 años. El último de los cinco libros disponibles de la saga Canción de hielo y fuego llegó a librerías en 2011 y, desde entonces, los lectores siguen esperando novedades del escritor de fantasía.

Al autor, que acaba de cumplir 77 años, se le adelantaron incluso los de la popular serie de HBO, que tuvieron que improvisar el final de la historia sin saber cómo el escritor lo había imaginado. No tenían libros en los que fijarse para tomar de referencia. Este escenario de espera eterna a unas novelas que no llegan ha hecho que muchos especulen sobre el futuro. ¿Qué pasa si R.R. Martin no termina nunca de escribir lo que falta?

Ante esta pregunta, algunos han puesto sobre la mesa la posibilidad de que fuera otro escritor el que terminara la obra inacabada de R.R. Martin. No se trataría de algo tan descabellado. Brandon Sanderson terminó la saga de La Rueda del Tiempo tras la muerte del autor original, Robert Jordan, escribiendo los tres últimos libros de la serie.

En el caso de Juego de Tronos, el nombre de Sanderson también ha sonado durante años . Sin embargo, fue el propio autor el que, hace ya una década, dejó clara su postura sobre esta remota posibilidad. Lo hizo a través de un hilo en Reddit, en el que comentó que “no aceptaría terminar Canción de Hielo y Fuego” si se lo pidieran. ¿La razón? Entre otras, su fe religiosa.

Sanderson es mormón

“Si me lo pidieran, no aceptaría terminar Canción de hielo y fuego. (Y no creo que me lo pidieran.) Lo rechazaría respetuosamente. No sería la persona adecuada para el trabajo por muchas razones. No querría incluir el contenido que tiene la serie, y eso se debe en parte a mi fe religiosa y en parte simplemente a cómo soy. No rehuyo los temas difíciles, pero prefiero no ser explícito”, comenzó explicando Sanderson.

El autor del Cosmere es un miembro activo de La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días, popularmente conocidos como mormones. Siguiendo su fe, Sanderson tiende a evitar ciertas escenas a la hora de escribir, especialmente las escenas de sexo detalladas y la violencia gráfica o excesiva. Algo que, quien haya leído Juego de Tronos, sabe que está muy presente en la saga de Martin.

“Honestamente, cuando leo la obra de George, a menudo me da vergüenza ajena. No creo que encaje en la prosa, creo que es de mal gusto. Pero eso es casi 100% debido a mis inclinaciones religiosas. Me doy cuenta de que otros no leen esas escenas de la misma manera que yo”, continuó explicando el escritor en Reddit. 

A Sanderson está claro que no le interesa, pero parece que a Martin tampoco. El escritor comentó hace años que no veía a nadie “escribiendo dentro de este universo”.

Al repasar la trayectoria profesional de Desirée de Fez se puede llegar a la conclusión de que es una de las personas más atareadas de España. Periodista y escritora, se reúne en Barcelona con elDiario.es tras regresar del Festival de Cine de Málaga, dónde ha presentado Pizza Movies, una cinta dirigida por su marido Carlo Padial y donde ella ha trabajado como guionista junto al realizador y Carlos de Diego.

Además, acaba de publicar su primer libro de ficción, la novela No la dejes sola, con la editorial Blackie Books y ya está previsto que salga en inglés en Reino Unido y Estados Unidos el próximo otoño. La autora es experta en el género del terror y la fantasía y su novela se mueve en estos términos, aunque no se olvida de que lo horrible también reside en la cotidianidad.

La intención de la escritora estaba muy lejos de elaborar una tesis. Ella quería contar una historia cuyo germen se encuentra en la observación de mujeres jóvenes que siempre están acompañadas, generalmente por sus progenitoras. “Vas a la puerta del cole y están con la madre, vas al ambulatorio y están con la madre, vas al mercado y están con la madre”, explica.

Como buena periodista, tiró del hilo y descubrió que existe el miedo a quedarse solos puede ser una patología y se llama ‘autofobia’. Así que decidió llevar esa idea al extremo y utilizarla como recurso narrativo para desarrollar una ficción acerca de cómo los vínculos familiares pueden llegar a ser asfixiantes aunque partan de las mejores intenciones.

Las protagonistas del libro son tres mujeres: Carmen y sus dos hijas, que ya viven en pareja y con su propia descendencia. Pero mientras Alba, la pequeña, se ha quedado en Cornellà (Barcelona), la ciudad donde nacieron y crecieron, Diana se ha ido a vivir a la capital. Esa tríada femenina está en contacto de forma constante, a través de videollamadas, acontecimientos y, en el caso de Carmen y Alba, en persona. Su hija menor es la que no quiere estar sola y ella, aunque de manera no oficial porque tiene su propio piso, casi vive en su casa.

Es imposible no ver reflejada a la autora en Alba por su trabajo, su procedencia y su estructura familiar aunque: “No es un relato autobiográfico, pero sí que se alimenta de los lugares y de la gente con la que yo he convivido. Si planteaba un personaje en el que volcar un poco las ansiedades que tengo, porque es un libro que en realidad va mucho de ansiedad, de vivir incómodo en tu propio cuerpo, me parecía una tontería lo de maquillar a los personajes para que no se parezcan a ti. Pero no es una autobiografía en clave fantástica”.

“Ellas están conectadas de la forma más extrema posible, es una historia de amor entre tres mujeres que tienen un vínculo increíble, que algunas veces las asfixia y que necesitan romperlo aunque sea esporádicamente para respirar”, desarrolla De Fez. “Pero la fuente de todo eso es que se tienen un amor tan incondicional que a ojos de los otros no tiene ningún sentido”, agrega. Las parejas de las hijas (el padre falleció) las acompañan, las quieren, pero no entienden nada.

Carlos, el compañero de Diana, le señala que, aunque se comunican todo el rato, nunca hablan de cosas importantes. De Fez explica que una de sus intenciones en la novela era plantear qué pasa si, aunque se intuye que pasa algo, no se puede actuar. Todo el mundo sabe que Alba tiene esa movida, pero nadie lo dice y es una cosa que tendría que verbalizarse.

Esta encrucijada permite a la autora desarrollar la parte de ‘body horror' del libro. “Tiene que ver con esa relación difícil que tienen con su propio cuerpo por una cuestión de ansiedad, de nervios y de ir agotadas”, apunta la autora: Alba con urticaria en los ojos; Carmen con los pinkis de verano en pleno diciembre como una especie de castigo; Diana con el sufrimiento si engorda un par de kilos: “El terror corporal está siempre ahí hasta que revienta”.

Costumbrismo y espacios liminales

No la dejes sola se divide en dos partes. La primera sirve para conocer a las protagonistas. De Fez hizo un esfuerzo extra para que sonaran naturales y divertidos incluso en algunas de las partes más traumáticas. “Desde el principio vi muy claro que tenía que ser un diálogo muy directo, en el que hubiera mucho sentido del humor, sin demasiadas acotaciones, que explicaran a los personajes”, mantiene la catalana.

En la novela hay un escenario principal que es el centro comercial, al que Carmen y Alba van cada día después de dejar a los niños en el colegio para hacer tiempo antes de volver a por ellos. La hija siempre tiene una misión, en esta ocasión cambiar unos mandos de la Switch para el regalo de Navidad de su hijo mayor. “El centro comercial es como un Second Life [una comunidad virtual] para ellas. Esas mujeres que están al límite, cuando llegan ahí encuentran un espacio en el que no tienen que ocuparse de nada. Todo está ordenado, nadie te pide nada. Es al revés, pides tú algo si lo necesitas”.

Cuando el recinto cierra por las noches se convierte en un espacio liminal, un asunto que interesa mucho a la autora. “Son los lugares que son de uso común, que siempre están hipertransitados, ya sea un centro comercial o un trasbordo del metro, que cuando se vacían de gente se pueden volver lugares misteriosos, terroríficos, inquietantes”. Menciona algunos títulos que tratan esta materia como La casa de las hojas de Mark Z. Danielewski o la película Skinamarink de Kyle Edward Ball, pero puede que sea en Internet donde se encuentren las mejores historias.

“Hay un hilo muy guay en Reddit que se llama The Mall World (el mundo de los centros comerciales), en el que había una chica con un sueño recurrente en el que iba al mismo centro comercial. Era ilustradora, así que hizo un dibujo del sitio y lo compartió en TikTok y muchísima gente empezó a decirle que visitaban ese mismo lugar en sus sueños”, cuenta De Fez.

La autora considera que puede ser un efecto contagio pero se preguntó si allí había algo: “La idea del centro comercial vacío como una proyección del inconsciente colectivo me parecía muy chula”.

Otro escenario clave en la trama es el camping Filipinas, uno de los tantos que había en la autovía de Castelldefels, donde veraneó la familia. Mientras que Diana tiene recuerdos malos (entre otros) de la experiencia, Alba vivió allí algunos de los momentos más felices que guarda en su memoria. “La razón por la que estaban tan llenos de gente es que estaban muy cerca de Barcelona, entonces los padres podían ir y volver de trabajar”, comenta. Cuando los cerraron, muchas de las familias se quedaron sin lugar de veraneo y muchos críos pasaron las vacaciones en el barrio.

La escritora se propuso evitar a toda costa que se hablara del barrio como el gueto o algo exótico. “Aunque Diana haya marcado esa distancia y se haya venido a vivir al centro de Barcelona, no es mejor su vida que la de Alba y Carmen. ”Lo raro es vivir en el centro de Barcelona, lo normal es hacerlo en una ciudad de las afueras tal y como está la vida a día de hoy“, manifiesta.

Además de escribir artículos en prensa, ensayos como Reina del grito. Un viaje por los miedos femeninos (Blackie Books, 2020) –que derivó en un podcast homónimo–, Desirée de Fez también forma parte de la organización del Festival de Sitges, hace guiones y es miembro del podcast Marea nocturna.

Se tuvo que esforzar para que su primera novela no tomase los giros de un guion cinematográfico porque quería que fuese muy literario, a pesar de las apuestas que hizo en detalles como la presencia de los diálogos. Aunque siempre queda alguna influencia cinematográfica. “De alguna forma, para mí el libro es como una conversación entre mi madre y David Cronenberg, que son un poco mis modelos de referencia”, concluye.

Dicen que “un clavo saca a otro clavo” y eso parece que es lo que quiere seguir Timothee Chalamet después de volver a perder el Premio Oscar a mejor actor, que fue a parar a Michael B. Jordan. Y es que el actor neoyorquino de origen francés ha compartido tan solo unas horas después las que son las primeras imágenes de su próximo gran proyecto como es ‘Dune 3’.

Unas imágenes promocionales de la tercera entrega de la saga que el actor mostró en su perfil de Instagram y que han sido la antesala a la publicación del que es el primer tráiler de una de las películas más esperadas del año, que tiene previsto su estreno el próximo 18 de diciembre, junto a ‘Avengers: Doomsday’.

Con ‘Dune 3’, Denis Villeneuve cerrará la saga con la que adapta la novela de Frank Herbert, ‘Dune Messiah’ (El Mesías de Dune), y que seguirá con la colaboración de Hans Zimmer en la composición de la banda sonora, de la que comentó en Variety: “Denis llegó el segundo día de rodaje y, sin decir palabra, puso ‘Dune Messiah’ en mi escritorio. Sé adónde vamos y sé que aún no hemos terminado”, recordó. La saga viene de tener éxito en la que fue ‘Dune: Part Two’, que recaudó más de 714 millones de dólares en la taquilla, pero también recibió el elogio de la crítica y obtuvo dos premios Oscars de cinco nominaciones totales.

El primer tráiler de ‘Dune 3’: lo que desvela de la tercera película

‘Dune 3’ se sitúa 17 años después de la segunda película, algo confirmado por el propio director, y que podemos apreciar en el que es el primer tráiler, en el que se muestra a Paul Atreides, interpretado por Timothee Chalamet, sufriendo las consecuencias de la guerra, pero también eligiendo los posibles nombres de sus hijos con Chani, a la vez que reflexiona sobre un conflicto que comenzó él y del que quiere proteger a su familia.

En este primer tráiler vemos también una sucesión de personajes clave y de los ejércitos de los desiertos de Arrakis, en el que todo finaliza con una declaración por parte del protagonista diciendo contundentemente: “No tengo miedo a la muerte. Pero no debo morir... Todavía”.

Con ello y las primeras imágenes que compartió Chalamet, se puede apreciar el tono más siniestro y dramático que adquiere esta tercera entrega, en el que el rostro de Atreides se ve más desafiante, con sus ojos azules consumidos por la Especia miran con odio, anticipando el gran giro que vivirá el personaje en la película.

Las novedades de ‘Dune 3’: la llegada de Robert Pattinson

Uno de los grandes atractivos de ‘Dune 3’ en su primer tráiler era ver por primera vez a Robert Pattinson en la saga, siendo una de las novedades principales e incorporaciones de esta película, en el papel del villano Scytale. Una entrega, que a su vez, promete ser “algo con identidad propia” según Villeuneuve y con un final “sagrado”, rodado en 65 mm e IMAX.

En esta tercera parte se contará con el regreso de Josh Brolin como Gurney Halleck y Jason Momoa como Duncan Idaho, además de que personajes secundarios tomarán mayor fuerza com es el caso de la princesa Irulan, Lady Margot, interpretada por Léa Seydoux, y Alia, a la que da vida Anya Taylor-Joy, algo que también ha desvelado y confirmado el propio director.

Brandon Sanderson es uno de los autores de fantasía y ciencia ficción más exitosos y prolíficos de todos los tiempos, pero este no solo ha conseguido destacar por su calidad literaria. El escritor estadounidense ha logrado lo que muchos autores sueñan: una base de fans que aprecian su obra y, lo más importante, que están dispuestos a pagar por ella.

Los últimos datos hablan por sí solos. El último proyecto de Sanderson en BackerKit, plataforma que permite a los creadores obtener financiación para sus proyectos a través de crowdfunding, se lanzó el pasado 3 de marzo y, en menos de 24 horas, consiguió recaudar 5,7 millones de dólares. En el momento de escribir este artículo, la campaña ya ha superado los 7 millones. 

“La idea de esta campaña surgió cuando escribí la historia de El perro y el dragón para El Ritmo de la Guerra”, explica Sanderson. “Hemos decidido que la presentación de cada uno de estos libros sea individual para cada historia. Algunos (como Wandersail) son representaciones gráficas pensadas para ser la pieza de colección perfecta para los entusiastas de El archivo de las tormentas. Otros (como El perro y el dragón) se han diseñado para evocar un libro infantil clásico, para leer a los más pequeños”. 

Además de los cuatro libros de cuentos, la campaña también incluye la opción de comprar una edición especial de Los fuegos de diciembre, una novela completamente nueva cuya publicación está prevista para finales de 2026. “Es una fantasía épica que encantará a una amplia gama de fans. Las conexiones con el Cosmere la convierten en un deleite para los veteranos, pero la historia también es una introducción perfecta al universo fantástico de Brandon”, resume la campaña.

Una historia con la financiación colectiva

El autor de sagas como Nacidos de la bruma no es nuevo en esto de conseguir el apoyo de sus seguidores para financiar sus proyectos. Por ejemplo, el juego de rol sobre el Cosmere, el extenso universo de fantasía que ha desarrollado en sus novelas, se lanzó en Kickstarter en agosto de 2024 y generó 15 millones de dólares en el tiempo de un solo mes. 

Una cifra increíble que, aun así, quedó lejos de lo que había conseguido dos años antes. En marzo de 2022, su empresa Dragonsteel Entertainment lanzó la campaña ‘Surprise! Four Secret Novels’ (¡Sorpresa! Cuatro novelas secretas), que recaudó un total de 41,7 millones de dólares. 

Este se convirtió en el proyecto de Kickstarter más financiado de todos los tiempos y los libros, como no podía ser de otra forma, acabaron siendo publicados. Trenza del mar Esmeralda, La guía del mago frugal para sobrevivir en la Inglaterra del medievo, Yumi y el pintor de pesadillas fueron los títulos en español de las novelas, que se lanzaron trimestralmente en 2023.

Existen cientos de mundos distintos, tantos como caminos que puede tomar la Historia. Cuando se produce un gran acontecimiento que puede tener consecuencias diferentes en función de sus resultados, como una guerra o una catástrofe natural, el mundo conocido se escinde para hacer posibles ambas realidades. Así coexisten diversas civilizaciones, por separado, y evolucionan cada uno a su manera, sin tener noticia de las otras. Lo más desconcertante es que cada ser humano tiene una réplica en estas otras dimensiones, con personalidades y vidas diferentes, pero con el mismo aspecto físico y otras similitudes.

Cuando alguien está insatisfecho en su mundo, puede caer en la tentación de intercambiarse por uno de esos dobles…, aun a riesgo de alterar el orden cósmico y de arrancar al otro de su hábitat natural para ponerlo en un aprieto. Porque, dato revelador, en algunos de esos mundos la magia existe, es tan natural como puede serlo, en nuestro presente, el uso de electrodomésticos o de transportes de alta velocidad. Pero, en otros mundos, la magia está prohibida o no existe. No es un mal planteamiento, ¿verdad?

Todo eso y más es posible en Los mundos de Chrestomanci, una de las mejores obras de Diana Wynne Jones (Londres, 1934-Bristol, 2011), la gran escritora de fantasía para niños y jóvenes que renovó el género con un tratamiento imaginativo de la magia. Esta serie de libros, independientes entre sí, pero interconectados por compartir el marco de un universo con múltiples planos, consta de seis novelas y un libro de relatos, publicados entre 1977 y 2006. Cada novela se desarrolla en una dimensión distinta; el nexo entre ellas es Chrestomanci, un mago con muchas vidas que tiene la habilidad de viajar entre mundos para velar por su buen funcionamiento.

Chrestomanci no es el nombre de un personaje, sino algo así como un puesto de trabajo que, a diferencia de los títulos nobiliarios, no se hereda, ya que depende de la capacidad para desempeñarlo, unas cualidades que solo unos pocos elegidos poseen: “Somos todos funcionarios del Estado”, explica. “El trabajo de Chrestomanci es asegurarse de que este mundo no esté gobernado completamente por los brujos. La gente normal también tiene derechos. Y hay que evitar que los brujos salgan a otros mundos y lo líen todo allí”. No hace falta decir que, por supuesto, habrá hechiceros malvados que harán de las suyas…

La editorial Nocturna ha emprendido la recuperación de esta serie, que para muchos es la obra maestra de la autora. Su intención es agruparla en tres volúmenes, ordenados no por fecha de publicación, sino siguiendo el orden cronológico de los acontecimientos (a excepción del primero, que sí fue el que abrió la puerta a este universo). Hasta la fecha se han publicado dos, Los mundos de Chrestomanci, que comprende Una vida mágica (1977) y Las vidas de Christopher Chant (1988), y su continuación, con Los magos de Caprona (1980) y Semana bruja (1982), todos con traducción de Elena Abós. El tercer y último volumen está previsto para los próximos meses.

Niños huérfanos y una escuela de magia

La primera parte, Una vida mágica, sigue las andanzas de Eric Chant, apodado Gato, un niño que, tras perder a sus padres en un accidente, vive con su hermana mayor en casa de una vecina que se ofreció a acogerlos. La hermana, Gwendolen, es una bruja con un gran potencial. Un modesto hechicero local le da clases de magia, hasta que irrumpe en su vida Chrestomanci, un caballero misterioso que se lleva a los hermanos a su castillo, donde Gwendolen tendrá la posibilidad de continuar aprendiendo junto a los mejores.

Eso, al menos, es la teoría. En la práctica, los hermanos llegan a un lugar donde apenas son cuatro alumnos (ellos y los dos hijos de Chrestomanci) y tienen prohibido usar la magia. Tampoco les espera una existencia tan cómoda como esperaban, los otros muchachos les resultan irritantes y las empleadas domésticas, antipáticas. Gato lo lleva mejor, pero Gwendolen no está dispuesta a agachar la cabeza. La joven se rebela, y por el camino arrastra a su hermano. Mientras uno de ellos termina en un mundo paralelo, el otro deberá lidiar con una conspiración de brujos en el suyo.

Los mundos de Chrestomanci, junto con El ciclo de Terramar (1968-2001), de Ursula K. Le Guin, se considera una obra fundacional de las escuelas de magia, que anticipa a Harry Potter. No se trata de una saga planificada de antemano, sino que cada volumen surgió cuando la autora tuvo necesidad de continuar explorando ese universo, desde la mirada de otros personajes, en otros contextos, de época y de sociedad. Si el primer tomo bebe de los cuentos de hadas góticos (el castillo, la chica encerrada en contra de su voluntad, el encantamiento, el viaje iniciático), Los magos de Caprona, por ejemplo, se ambienta en Italia y su trama gira en torno a dos familias enfrentadas por el negocio de la magia, una historia con guiños a Shakespeare.

Cada libro tiene entidad propia; son como pequeñas variaciones de nuestro mundo, que juegan con el grado de magia en cada una de ellas. El hecho de que la autora continuara escribiendo novelas en este universo a lo largo de casi treinta años da una idea de hasta qué punto se sentía dentro de aquella realidad alternativa. Y cada historia tiene su sello, a saber: niños que se comportan como niños (torpes, traviesos, bulliciosos), adultos que no siempre miran por su bien (tacaños, despreocupados, malévolos), aventuras sin moralina, un estilo fresco y ligero, y mucho sentido del humor. Ah, y con una concepción de la magia personal, sorprendente y divertida.

Una gran autora por (re)descubrir

Con más de cuarenta libros a sus espaldas, casi todos para el público infantil y juvenil, Diana Wynne Jones terminó su carrera con numerosos premios y el reconocimiento de haber ejercido un papel fundamental en la transición de la fantasía épica clásica, en la estela de J. R. R. Tolkien, a la fantasía urbana contemporánea, con J. K. Rowling como referente. La autora apostó por explorar nuevos caminos sirviéndose de la imaginación y de las posibilidades infinitas de la magia, e incluso ridiculizó a los imitadores de las historias de espadas y dragones en La guía completa de Fantasilandia (1997; Nocturna, 2009), una “antiguía” de tópicos que todo aspirante a escritor del género debería evitar.

Pero ¿quién es Diana Wynne Jones? A pesar de su indudable influencia en el panorama anglosajón, en España sigue siendo una gran desconocida. Es posible que a muchos les suene por ser la autora de El castillo ambulante (1986), la novela que inspiró la película homónima de Hayao Miyazaki estrenada en 2004, y que de hecho es el comienzo de una trilogía de libros independientes que continúa en El castillo en el aire (1990) y La casa de los mil pasillos (2008), todos ellos recuperados por Nocturna en 2018. Esta editorial también ha publicado Cristal embrujado (2010), la última novela que publicó en vida.

Más allá del título que popularizó Studio Ghibli, en España sus libros se han publicado poco, dispersos en varias editoriales y con poca fortuna en la promoción. Los mundos de Chrestomanci fueron una apuesta de la editorial SM en 2002, pero, sea por una cubierta poco llamativa o por una campaña poco eficiente, no funcionaron. Nocturna ha tenido el acierto de presentarla con cubiertas atractivas, acordes con la tendencia actual con este tipo de libros, y detalles interiores como las ilustraciones de las guardas o el encabezado de cada capítulo, además del cuidado habitual en sus ediciones en la supervisión del texto, la tipografía e interlineado cómodos, buen gramaje y encuadernación resistente.

Todavía queda mucho de ella por traducir, pero este lanzamiento puede ser un principio. Sus libros, como todo clásico que se precie, han envejecido bien y siguen conectando con el público (no solo infantil: admite muchas capas de lectura) porque en lo esencial no caducan –el aprendizaje, los sentimientos de amistad, miedo o ternura, la atmósfera de alegría desenfadada– y porque la personalidad de la autora es genuina; no hay nadie como ella. Escritores de la talla de Terry Pratchett, Philip Pullman, Neil Gaiman, J. K. Rowling, Megan Whalen Turner o Katherine Rundell le deben mucho.

Vocación de cuentacuentos

Diana Wynne Jones tuvo una infancia poco convencional. Hija de educadores, su padre era tacaño a la hora de comprarle libros, por lo que en su infancia no pudo leer tanto ni tan variado como hubiera querido. A falta de libros propios, se empapó de la biblioteca familiar, con sagas nórdicas, historia grecorromana y materia artúrica. También estaba Jane Austen, a la que leyó a escondidas porque se la habían prohibido hasta que fuera mayor. Enseguida se aficionó a inventar sus propias historias, se las contaba a sí misma o a sus hermanas. Su familia no la alentaba a escribir –era una niña desgarbada, torpe, que no destacaba por nada–, pero ella lo tuvo claro desde muy joven.

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, cuando ella apenas tenía cinco años, la familia se vio obligada a llevar una existencia itinerante, hasta que en 1943 se estableció en una localidad rural de Essex. Allí, Diana y sus hermanas crecieron en las antípodas de la crianza actual, con un trato por parte de los padres que hoy hasta se consideraría negligente, con las niñas a su aire, apañándoselas para salir adelante. En sus novelas abundan los protagonistas huérfanos o aquellos que, aun teniendo padres, se sienten poco queridos; la espina de la autora está ahí, aunque siempre resta gravedad al asunto, los personajes son espabilados y aprenden a arreglárselas con sus propios medios.

Esta nueva apuesta salda una deuda importante con la autora y con los entusiastas del género, que por fin pueden disfrutar de esta gran saga de viajes mágicos

Esta nueva apuesta por Los mundos de Chrestomanci salda una deuda importante con la autora y con los entusiastas del género, que por fin pueden disfrutar de esta gran saga de viajes mágicos. Su concepción de la fantasía se aleja de las tendencias actuales: frente al dramatismo, la violencia, la hipersexualización y el dark romance contemporáneos, los mundos de Diana Wynne Jones constituyen un feliz retorno a la matriz, sus historias tienen más magia que épica, más ingenio que emociones fuertes, más comicidad que tensión erótica. Sobre todo, posee una imaginación desbordante que le permite jugar con ese lenguaje simbólico de la maravilla que tan bien comprenden los niños.

En la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, además de un cameo de la reina Isabel II con James Bond, se escuchó a J. K. Rowling, autora de Harry Potter, leyendo un fragmento de Peter Pan, el clásico de J. M. Barrie, mientras un gigantesco Lord Voldemort invadía el estadio en compañía de otros villanos de la literatura infantil y juvenil. Era el homenaje de una sociedad orgullosa de su tradición literaria, y no es para menos, con Lewis Carroll, Roald Dahl o Enid Blyton entre sus filas. En esa nómina está también Diana Wynne Jones, y ahora puede ocupar al fin el lugar que se merece entre los lectores españoles. Perderse en sus páginas es volver a creer en la magia.

Cuando crezcas y te conviertas en escritor y escribas libros, pensarás que te los estás inventando, pero en realidad todos existen, en alguna parte.

Dentro de poco menos de un mes se dará el estreno de la que es la última temporada de una de las series de fantasía históricas más exitosas desde su comienzo hace más de diez años, que se basa en la saga de novelas de Diana Gabaldón, creada por Ronald D. Moore, dirigida por John Dahl y Kate Cheeseman.

Se trata de ‘Outlander’, protagonizada por Caitriona Balfe y Sam Heughan como los protagonistas Claire y Jamie Fraser, junto a Sophie Skelton, Richard Rankin, John Bell o David Berry que completan el reparto, que regresará para la octava temporada, que será el final de la ficción.

Los fans de la serie, conscientes de que se acerca su final, han hecho que esta se haya colocado entre las más vistas del streaming en Estados Unidos a un mes del estreno de la octava temporada. En España, a lo largo de su década de longevidad, se ha situado entre las de mayor audiencia en Movistar plus, que tiene sus derechos, aunque sus capítulos se pueden ver también más tarde en Netflix.

Lo que se sabe de la temporada final de ‘Outlander’

Es el próximo 6 de marzo cuando se estrenará el primer capítulo de la octava temporada de ‘Outlander’, un episodio que lleva el título de “Alma de un rebelde” y que en España se verá al día siguiente, el 7 de marzo, a través de la plataforma Movistar plus.

Una temporada final que tendrá diez episodios en total, que se irán estrenando de forma gradual semanalmente y que tiene como base las tres últimas novelas de la saga escrita por Diana Gabaldón, siendo así su trama parte del final del octavo libro “Escrito con la sangre de mi corazón”, el noveno “Cuenta a las abejas que me fui” y la que todavía está por publicar, lo que hace que el desenlace de la serie seguramente sea distinto al literario.

La sinopsis, que ha trascendido, y de la que hemos podido ya ver un trailer, gira en torno a Jamie y Claire y de cómo descubren que la guerra los ha seguido hasta su feudo, por lo que será vital la pregunta de lo que están dispuestos a sacrificar por su hogar debido a las nuevas llegadas y los cambios mientras estaban en Escocia. A su vez, secretos familiares saldrán a la luz para amenazar su relación.

Los actores no conocen el final todavía: “Lo veremos en edición”

Un final de ‘Outlander’ del que todavía no se conoce nada, de hecho, según uno de sus actores protagonistas, Sam Heughan, ni ellos saben lo que va a suceder: “Realmente no sabemos cómo termina. Más o menos lo sabemos, pero lo veremos en la edición”. Se ha especulado que esto se debería a que el desenlace es impactante y así reducen cualquier posible filtración, incluso a familiares.

Se sabe que, para la octava temporada, la última de ‘Outlander’, se incorporarán nuevos personajes interpretados por Kieran Bew, Carla Woodcock y Frances Tomelty.

El escritor de El camino de los reyes y Elantris tenía claro que sus novelas no podían ser para siempre palabras en un libro. El universo que Brandon Sanderson ha creado a lo largo de los últimos años podía tener futuro en formato de película o serie de televisión y su autor estaba convencido de ello. Sin embargo, la posibilidad de esta adaptación literaria nunca llegaba a cuajar, y parecía que al novelista se le estaba complicando este sueño.

Esta cuestión puede cambiar en un futuro cercano. Según ha adelantado en primicia el medio The Hollywood Reporter, Apple TV habría cerrado un acuerdo sin precedentes para adquirir los derechos de los libros del Cosmere, el exitoso universo literario ficticio creado por el autor de fantasía. En concreto, la llegada de Sanderson a pantalla tendrá dos frentes abiertos.

Por un lado, el medio estadounidense señala que Nacidos de la bruma (trilogía compuesta por El Imperio Final, El Pozo de la Ascensión y El Héroe de las Eras) apunta a convertirse en una saga cinematográfica de tres películas. Por otro lado, el escritor habría aceptado una adaptación de su obra más ambiciosa, El archivo de las tormentas, en este caso en formato serie. 

El acuerdo con la plataforma de streaming llega después de que Sanderson se haya reunido con varios directores de los principales estudios cinematográficos y televisivos. Así, todo apunta a que ambas partes han llegado a un entendimiento después de una condición clave: la implicación directa del escritor en el desarrollo de las producciones audiovisuales basadas en sus obras. 

Sanderson controlará la producción

Según el medio especializado en entretenimiento, el acuerdo alcanzado le otorga a Sanderson un control exclusivo sobre las traducciones cinematográficas. En este sentido, el escritor será el arquitecto de su universo: escribirá, producirá, asesorará y estará encargado de aprobar o desestimar las ideas que propongan el resto de colaboradores que trabajen en las películas y las series.

Hablamos de un nivel de implicación, participación y control que ni siquiera J. K. Rowling o George R. R. Martin tuvieron en las películas de Harry Potter y la serie de Juego de tronos, respectivamente. En parte, esto es posible debido al éxito literario de Sanderson. Hablamos de uno de los autores de fantasía más relevantes de la actualidad, el cual ha vendido más de 50 millones de ejemplares de sus libros en todo el mundo.

No será la última adaptación del Cosmere. El propio autor reveló a finales de 2025 su interés por convertir sus historias en un videojuego. “Estoy intentando hacer las cosas de forma diferente esta vez para retener el control de mis derechos de videojuegos.Si eres alguien con poder de decisión en un estudio AAA o en una gran independiente y siempre has querido hacer un juego de Nacidos de la bruma o de El archivo de las tormentas, ahora es el momento de contactar con mis representantes”, compartió en su blog.

“Avisamos de que van a salir las entradas y a lo mejor en dos minutos se agotan”, explica Jess, una de las organizadoras de Saturno, el club de lectura del género romantasy de la librería Gigamesh, en Barcelona. El grupo suma más de 140 integrantes, pero en la sala donde se reúnen no caben todos, con lo que abren unas plazas que vuelan enseguida. 

En este club solo leen romantasy (fantasía romántica, en inglés), un género literario que durante el último lustro ha conquistado Booktok –los usuarios de Tiktok aficionados a la lectura– y, en consecuencia, a cientos de miles de lectores. Fuera de las redes sociales, los números de ventas avalan el éxito. Una de sus escritoras insignia, Sarah J. Maas, autora de la saga ‘Una Corte de Rosas y Espinas’ (Planeta, 2016) ya ha vendido más de 75 millones de copias de sus libros en 40 idiomas distintos. 

Este fenómeno, que combina la novela romántica con la fantástica, ha sido la principal temática de festivales literarios recientes de Barcelona como el Crush Fest, el pasado marzo, o el Witch Market, hace apenas unos días, en noviembre. En la capital catalana acaba de abrir además la primera librería especializada, A Romance Court, en el barrio de Gràcia. El proyecto empezó como una comunidad de lectoras que se encontraban en cafeterías para hablar de sus libros favoritos, organizaban viajes a bailes temáticos e iban juntas a conciertos de música. 

Micaela, la propietaria, decidió abrir la librería porque quería un lugar donde encontrarse con el grupo de forma más constante. “Somos una comunidad y eso nos interesa más que vender libros”, afirma. Aun así, se vio sorprendida por la cantidad de gente que durante las primeras semanas se acercó a comprar libros. “¡Ya tenemos las estanterías vacías!”, aseguraba a este diario la propietaria.

El romantasy es famoso sobre todo entre mujeres mayores de 18 años y suele contener escenas eróticas, temas maduros o tramas complejas que lo diferencian de la novela juvenil. Este género suele usar tramas típicas del fanfiction –historias que los fans escriben en internet sobre sus personajes ficticios favoritos– como “enemies to lovers” (de enemigos a amantes), “amor prohibido” o “almas gemelas”. 

En numerosas ocasiones, la protagonista es una mujer joven que es expuesta a un mundo fantástico donde conoce un personaje masculino poderoso y atractivo, que puede ser desde un hada o un hombre-murciélago como en los libros de Sarah J Maas, o un jinete de dragones como en la famosa saga Alas de Sangre de Rebecca Yarros.

M.A. Kuzniar, escritora de El bosque de corazones (Urano, 2025), entre otras novelas de romantasy que fueron Best Seller del diario The Sunday Times, describía en su visita a Barcelona este género. “En vez de que el argumento sea el que dirige la historia, es el romance el que está en el corazón de la acción”. 

A pesar de las críticas que recibe el romantasy por la abundancia de escenas eróticas o de sexo —por lo que algunos lo llaman “porno de hadas”—, la autora asegura que “lo más importante es el romance, la tensión entre los personajes, la seducción o el anhelo”. “No siempre tiene que haber escenas explícitas”, puntualiza. Y añade que esas críticas suelen buscar ridiculizar todo aquello que les gusta a las mujeres, especialmente si son jóvenes, el perfil que conforma la mayor parte de lectoras.

Escritoras de Romantasy: de Booktok a las estanterías 

Editoriales alrededor del mundo se han sumado a la tendencia marcada por BookTok y han creado en los últimos años sellos especializados como Inlov, de la editorial Alma, o Puck, de Urano. También han despegado las ediciones especiales que se convierten en objetos de coleccionismo entre las lectoras. 

“Booktok ha cambiado totalmente el panorama de cómo se venden libros y cómo se consumen”, explica Marina Mena, editora ejecutiva de Puck y Sombras del Grupo Urano. El romantasy, explica, llegó a su punto álgido en 2022, tras la pandemia, con escritoras estadounidenses como Maas o Jennifer L. Armentrout, también viralizadas en TikTok. Desde entonces se mantiene en buenas cifras.

Aun así, en la editorial aseguran que premian la calidad por encima de la viralidad. “No nos pegamos solo a las tendencias de Booktok, pero a nivel de venta de derechos internacionales, sobre todo si vienen de Estados Unidos, si un libro ha sido popular en allí te garantizas que en España se esté esperando”, añade Mena. 

La etiqueta Romantasy: oportunidad y segregación

El romantasy ha evolucionado de lo que anteriormente se conocía como novela juvenil o para joven adulto. Autoras consolidadas como Laura Gallego, que marcó generaciones de jóvenes con sus historias de fantasía, ahora se podrían considerar romantasy según algunas fans.

La principal diferencia entre géneros es que en el paraguas más amplio del romantasy se permite a las escritoras dirigirse a públicos adultos y no censurarse o simplificar sus historias para acomodar a lectores adolescentes. En muchos casos estas autoras fueron inicialmente rechazadas por editoriales que les pedían adaptarse a la literatura juvenil para publicar, pero encontraron su camino a través de la autopublicación, que después con el impulso de Booktok les permitió abrirse las puertas a la publicación tradicional.  

“El romantasy da un espacio a todas aquellas autoras que necesitan una vía ya que no las van a encasillar en fantasía porque allí van los señores blancos”, explicaba indignada Meri, de 28 años, lectora de romantasy. “Si está escrito por una mujer, no se va a decir que sea alta fantasía”, afirmaba durante su participación en el Witch Market. 

Fue el caso de M.A.Kuzniar, a quien ha entrevistado elDiario.es. Su pasión siempre fue escribir fantasía para un público adulto, pero debido a la dificultad por vender sus escritos en el mercado literario, decidió empezar su carrera con la literatura infantil. 

“Hay esta gran cosa de llamar a las autoras mujeres que escriben fantasía como escritoras de juvenil o de romance aunque escriban fantasía muy intensa para adultos”, denunciaba Kuzniar. “Se suele trivializar o minimizar”, insiste, y tercia: “A menudo se etiquetan mal los libros porque están escritos por mujeres”. 

“Hay prejuicios en torno a la literatura que escriben las mujeres”, abunda Marina Mena, que es editora de Kuzniar en España. “En el momento en que entra el componente romance, que es una parte de la vida y muy importante, sí que se establece un prejuicio respeto al género fantástico”. Añade además que siempre se ha calificado la literatura escrita por mujeres como la otredad y aunque haya hombres con escenas románticas en sus novelas de fantasía, “a ellos se los cataloga como fantasía única y exclusivamente, y lo que escriben mujeres se cataloga como romantasy incluso cuando no lo es”. 

Una de las lectoras que atendió al Witch Market también lo corroboraba, y argumentaba que “siempre se ha tenido que construir un marco aparte de la literatura de perspectiva de género”. Y a su vez, añadía: “Las editoriales lo utilizan a su favor para vender, lo han marquetinizado”. 

Esta aficionada, que posee un grado en Lengua y Literatura Española, denuncia que faltan voces críticas que se atrevan a llamar la atención cuando se usa la etiqueta de romantasy erróneamente. “Por la cultura consumista y capitalista, las editoriales buscan vender por encima de hacer buenos libros y no se van a molestar en colocar a sus autoras en los lugares donde realmente deberían estar”, afirma. 

Grupos de mujeres más allá de los libros

“Somos un club de lectura y también un club social”, explica Bea, una de las asistentes del Saturno Romantasy Club de la librería Gigamesh de Barcelona. “El romantasy es muy tolerante con los otros géneros y hay gente que lee todo tipo de libros, también terror, thriller o fantasía épica”. 

En Saturno, que ya reúne más de un centenar de personas, leen un libro cada mes, algunas veces incluso a petición de editoriales que piden su opinión. A través de su grupo de telegram también organizan fiestas temáticas, quedan para hacer talleres o van a mercadillos de manualidades juntas. También deciden las lecturas de forma libre, atendiendo a la voluntad de todas las participantes y a sus propuestas. “La lectura es importante, pero creo que ahí se ha creado un espacio muy bonito”, afirma Jess, una de las co-creadoras del club y no es la única que ve en el Romantasy una oportunidad para crear comunidad.

La librería A Romance Court, que se encuentra en el barrio de Gràcia en Barcelona, abrió sus puertas el pasado 14 de noviembre. El proyecto empezó como una comunidad de lectoras que se encontraban en cafeterías para hablar de sus libros favoritos, organizaban viajes a bailes temáticos e iban juntas a conciertos de música. Durante dos años siguió así hasta que Micaela, la propietaria, decidió abrir su librería porque quería un lugar donde encontrarse con el grupo de forma más constante. Asegura que son una librería de romance pero que, por encima de todo “somos una comunidad y eso nos interesa más que vender libros”.

“¿Hermoso? Esta es la piel de un asesino, Bella”. Una frase sacada de contexto, pero que cualquier persona occidental menor de cuarenta años identifica al instante con una sonrisa: la confesión de Edward Cullen, un vampiro centenario que ha decidido seguir viviendo como si tuviera diecisiete y enamorarse de la chica nueva, la chica rara, de su instituto: Bella Swan, quien rápidamente se da cuenta de que el guaperas del lugar no es un adolescente más. Que los chicos normales no frenan y abollan un coche con la mano o te miran de esa forma con esos ojos tan amarillos, demasiado amarillos. Pero le da igual porque ella le ama y él, vampiro vegetariano que se alimenta a base de ciervos, también se vuelve loco por esa chica de aspecto anodino que viste de marrón.

Edward, proveniente de una familia que no envejece y que está condenada a mudarse constantemente para que nadie sospeche nada, se obsesiona de quien es su comida en potencia y pronunciará una frase que volvería locas a las adolescentes de la primera década de los 2000. Una frase que, veinte años después, se convertiría en una de las citas estrella de los vídeos de TikTok que homenajean sin cesar y con ironía una saga que ha conseguido colarse en el imaginario colectivo juvenil de varias generaciones: “y así es cómo el león se enamoró de la oveja”.

La historia de amor, obsesión y control de Cullen y Swan es el eje central de Crepúsculo, una tetralogía publicada por la autora mormona Stephenie Meyer entre 2005 y 2008 y que fue llevada al cine entre 2008 y 2012 tras haberse convertido en un fenómeno literario al conquistar a millones de adolescentes en todo el mundo y vender más de 160 millones de copias. Crepúsculo, Luna Nueva, Eclipse y Amanecer eran los títulos de los libros que también dieron nombre a las películas que, protagonizadas por Robert Pattinson y Kristen Steward, llegaron a recaudar más de 3.300 millones de dólares a nivel global.

“Recuerdo cuando vi Luna Nueva con una amiga que estaba obsesionada, porque Crepúsculo ya era un absoluto hit, y, cuando fuimos a sacar entradas en el cine de Talavera (de La Reina), que nunca se llenaba, solo quedaban en primera fila”, explica Dani, de 29 años, en declaraciones a elDiario.es. “No nos quedó otra que verla pegados a la pantalla”, rememora Dani, quien vivió muy a tope “el drama telenovelesco del triángulo amoroso”. Porque en Crepúsculo hay una tercera figura que entra en acción: Jacob, un nativo americano que también era hombre lobo y que se pasaba media saga sin camiseta.

El público, mayoritariamente femenino, comenzó un fenómeno que se ha visto replicado muchas veces en redes sociales con otras sagas juveniles: había que elegir ser #TeamEdward o #TeamJacob. “Yo, por supuesto, era Team Jacob”, cuenta Dani, quien disfrutó mucho también de la fantasía lincántropa y vampírica en la que se envolvía el romance adolescente. “A mí me marcó muchísimo”, apunta Andrea, de la misma edad. “Coleccionaba posters y me leía todo lo que salía sobre los actores. Fue una saga como muchas otras que salieron en el momento, pero a mí me enganchó, me marcó y le tengo mucho cariño”, confiesa.

Andrea también recuerda buena parte de la polémica del momento: quienes la amaban con pasión y quienes la odiaban también con frenesí. “Creo que la vimos todos los adolescentes de entonces y que se crearon estos dos bandos que ahora han encontrado un punto común: verlo con una distancia irónica”, opina, para recordar que a ella entonces le gustaba de verdad, pero que, ahora, al recordarlo, le entra la risa. “Tiene muchos elementos que ayudan a que se haya convertido en un meme: el bajo presupuesto, las actuaciones exageradas, la historia de novio tóxico cliché, el trío amoroso entre la mema, el idiota mazado y el tóxico paliducho”, explica.

La erótica del monstruo

“Crepúsculo llegó en un momento en el que lo que antes era cultura friki empezó a ser cultura de masas”, explica a este periódico Marta Trivi (1988), periodista y crítica cultural, además de haber sido directora del portal AnaitGames. Trivi, que era adolescente tardía cuando salió la saga, cuenta que se movía en mundo en el que daba vergüenza decir que te gustaban las cosas dirigidas a las chicas. “Me gustaban, claro que me gustaban, pero era algo que llevabas en secreto”, continúa, para insistir en que fue el momento en el que surgió lo que le otorgó a Crepúsculo la relevancia que mantiene aún hoy.

“Cuando salieron los libros y las pelis, se puso en marcha la misma maquinaria que se ponía en funcionamiento siempre para avergonzar y señalar a las cosas de chicas. Pero, en este caso, se hizo fuerza del otro lado”, argumenta Trivi, señalando que se trata de una época que coincidió con la incorporación de mujeres a las secciones de Cultura de los medios de comunicación.

“En aquel momento se empezó a defender que vale, sí, Bella es un inserto, pero ¿no son insertos todas las cosas que salen en las películas 'de tíos'? Un arquetipo en el que te puedas proyectar tú”, explica Trivi, asegurando que, al empezar a a escucharse las voces de las mujeres en internet, ya fuera en blogs o en los propios medios, hizo que la crítica profesional, copada en su mayoría por hombres, no pudiera dominar el discurso.

“Crepúsculo, por sí sola, no creó un imaginario propio, pero sí cogió la ola de una tendencia que había sido un poco underground y la llevó al mainstream aplanando un poco las aristas que tenía ese subgénero, las cosas que podían crear más conflicto con un público extenso”, opina Trivi. Un argumento con el que está de acuerdo Pelayo Sánchez, crítico de cine y programador de la Filmoteca de Madrid, a quien Crepúsculo también le pilló adolescente. “Recuerdo ir a ver Luna Nueva al cine con una chica que me gustaba entonces”, ríe.

Para Sánchez, Crepúsculo es una saga donde el monstruo ya no es el monstruo. Está despojado de todos los códigos relacionados con el gótico y la sobriedad del vampiro. “Es un vampiro humanizado que está en un espacio donde también puede molar, donde puede ser cool. Es una figura que dice que los frikis no son solo gente que está en su casa leyendo libros y jugando a las Magic, sino que también hay espacio para el romance y para la carne”, argumenta.

Todos los monstruos, en su origen, han tenido cierto atractivo sexual para el público. Todos. Desde Drácula hasta Nosferatu, pasando por la reciente adaptación de Frankenstein de Guillermo del Toro. “Siempre ha habido gente sexualmente atraída por la peligrosidad del monstruo, por lo oculto. Gente que quería salir, follar o enamorarse de uno”, continúa Trivi, afirmando que Crepúsculo cogió esos sentimientos que siempre habían existido y los hizo más palatables. “Ahora el monstruo ya no es tan monstruo, es un adolescente (lo que lo hace menos peligroso) y no te va a forzar a hacer nada que no quieras, aunque sí te va a sacar de la sociedad y eso le va a dar cierto sentimiento trágico”, explica Trivi para aducir que el mérito de Meyer está en entender qué era “lo interesante” del mundo freak y exportarlo al público general.

Entre los adolescentes del ayer y los del hoy

Pero Crepúsculo nunca pasó de moda. Dejó de ser una gran y exitosa franquicia adolescente para convertirse en un meme viral en internet del que hasta las generaciones posteriores al fenómeno también disfrutan. En 2023, Bershka lanzó una colección de jerséis con la cara de Edward Cullen estampada, Penguin Random House acaba de editar una edición conmemorativa y, en 2025, las películas han vuelto a algunos cines mientras grupos de amigos, como el de Dani, se organizan para hacer revisionados caseros y reírse a mandíbula batiente.

“En realidad nos estamos riendo de nosotros, de nuestra propia adolescencia”, explica Sánchez. “No hay que olvidar el subtexto conservador de la saga: vendía un amor muy tóxico en el que el valor de la mujer quedaba subyugado ante lo que el hombre piense de ella. Y hace veinte años lo veíamos como algo muy romántico, ahora no”, continúa, indicando que el fenómeno Crepúsculo se adhiere a un renacer de la cultura de principios de los 2000. “Es pura nostalgia de un momento en el que éramos inocentes y del que hemos tomado distancia, y de ahí sale toda esa cultura meme”, agrega.

“Yo creo que es porque somos una generación a la que nos cuesta encontrar nuevos referentes”, apunta Trivi por su parte. “Estamos amarrados a ciertas figuras de nuestra infancia y primera juventud a las que quizá les tengamos más cariño del que se merecen, como puede ser esta o Harry Potter”, opina. Pero, ¿y la Generación Z? A ellos también les gusta Crepúsculo, no hacen más que subir y compartir memes en Instagram y TikTok, y no pueden sentir nostalgia de lo que no vivieron. “Ellos eran niños cuando salieron las películas y no tuvieron que resignificar las películas. No es algo que hayan tenido que vivir con vergüenza, porque para cuando ya tuvieron conciencia de lo que es la cultura pop, Crepúsculo había sido asimilada. Fueron los millennial los que tuvieron, tuvimos, que aprender a reírnos”, zanja Trivi, concluyendo que esta saga, quizá, fue la primera que nos enseñó a divertirnos.

A principios de los 2000, Peter Jackson sorprendió al adaptar al cine la famosa saga fantástica de ‘El señor de los anillos’ de J.R.R Tolkien y que parecía imposible de que tuviera éxito en la pantalla grande el trasladar el mundo de la Tierra Media. Después de una trilogía de gran éxito a nivel de público y crítica, llegaron las películas de ‘El Hobbit’ y la serie de Prime Video, y ahora tendría lugar una nueva entrega que completaría el trío original.

Esta próxima película del mundo de ‘El señor de los anillos’, de la que poco a poco se van conociendo nuevos detalles, se centraría en uno de los personajes más icónicos de la saga y que formaría parte de ‘La comunidad del anillo’, con una trama que giraría en torno a la búsqueda de Gollum, por eso se sabe que el subtítulo sería el de ‘The Hunt for Gollum’.

El regreso del reparto de lujo para ‘El señor de los anillos: The Hunt for Gollum’

Andy Serkis dirige y se pone en la piel de Gollum en una nueva película de 'El señor de los anillos', como hizo en la famosa saga fantástica en el cine, en la que asegura será una nueva película que “va a ser sorprendente, pero aun así va a formar parte de la saga y sentirse como parte de la trilogía”, reconocía en una entrevista en el pasado junio.

Junto a Serkis habrá más caras de actores que participaron en la trilogía original como es el caso de Ian McKellen, que en agosto reconoció que volvería como Gandalf y que también lo haría Elijah Wood como Frodo, aunque no se sabe cuánto aparecerán en pantalla y su implicación en el largometraje.

Más incógnitas al respecto hay sobre si formarán parte del reparto de ‘El señor de los anillos: The Hunt for Gollum’ tanto Viggo Mortensen como Aragorn, y Orlando Bloom como Legolas, que sí admitió que había hablado con el equipo sobre la posibilidad de usar Inteligencia Artificial para rejuvenecerlo para parecer al personaje de la trilogía original.

Posible fecha de estreno de la próxima película de ‘El señor de los anillos’ y sinopsis

Si bien Peter Jackson no será director de esta película, sí que se ha confirmado su participación como productor de esta nueva entrega, cuya fecha de estreno estaría previsto para el 27 de diciembre de 2027 cuando en principio estaba en 2026. Un proyecto que podría incluso dividirse en dos largometrajes distintos según el actor Ian McKellen.

La sinopsis de ‘El señor de los anillos: The Hunt for Gollum’ podría centrarse en cómo Gandalf encarga a Aragorn que vaya en búsqueda de Gollum para que proporcionase información sobre el paradero del anillo de Sauron, un tema sobre el que ya hay una película de aficionados que se estrenó en 2009, y que no ha confirmado, sin embargo, Warner Bros.

Es la novela de la que todos hablan en plena spooky season en la cuenta atrás para Halloween, un ‘dark romance’ que comenzó como una fanfic de Harry Potter y ha terminado siendo uno de los libros más vendidos de fantasía, que además ha roto récords y cuyos derechos ya se han comprado para adaptarla en película por una cifra millonaria.

Son tres millones de euros por los que Legendary ha comprado la adaptación de una novedad como es la novela ‘Alchemised’, que, sin embargo, tiene una trayectoria que va más allá y que arrancó en plena pandemia, escrito por la autora que se esconde bajo el seudónimo de SenLinYu.

De fanfic de Harry Potter a novela viral

Al igual que sucedió con éxitos precedentes de la literatura viral como ‘After’ o ‘Cincuenta sombras de Grey’, ‘Alchemised’ comenzó siendo una fanfic, en este caso dentro del mundo de Harry Potter, que llegó a acumular más de 20 millones de descargas bajo el título de ‘Manacled’ en plena pandemia.

Con el seudónimo de SenLinYu, que todavía usa la escritora, ‘Manacled’ fue una historia de fanfic que protagonizaban Hermione Granger y Draco Malfoy y que se inspiraba a su vez en la novela y serie ‘El cuento de la criada’.

En 2022, la autora comenzó a eliminar referencias de Harry Potter y ‘El cuento de la criada’ para no infringir derechos de autor y fue entonces cuando la contactó una editorial para empezar una publicación que ha llevado a lo que hoy conocemos como ‘Alchemised’ y se ha convertido en todo un fenómeno literario.

De qué trata el libro ‘Alchemised’

La sinopsis de ‘Alchemised’ gira sobre Helena Marino, una prisionera de guerra retenida en la finca deteriorada de Kaine Ferron, un antiguo compañero de estudios que explora su mente en busca de recuerdos perdidos, y cuya historia se centra en explorar la relación de obsesión entre ambos, a la vez que llega a pasar por cuestionar los límites del bien y del mal.

Un fenómeno literario que responde a lo conocido como ‘dark fantasy’ o ‘fantasía oscura’ que lleva consigo hasta 12 alertas de contenido y que incluyen temas como la necrofilia, la tortura o el canibalismo.

La trayectoria de SenLinYu que la llevó a inclinarse por este tipo de fantasía viene condicionada por sus orígenes, que se dieron en una familia conservadora y muy religiosa en el noroeste de Estados Unidos donde solo se permitían libros de autores cristianos de sagas como ‘Las crónicas de Narnia’ o ‘El señor de los anillos’.

Con el otoño llega también la conocida como ‘spooky season’, ese tiempo que va desde que vemos las hojas amarillear y con tonos naranjas y marrones hasta que es el día de Halloween, y que en la cultura pop actual llena de referencias en redes sociales hacia géneros propicios de esta época del año como son el thriller, el terror o el misterio.

Uno de los personajes que se repiten en la ‘spooky season’ son los vampiros, y en este 2025 hay una celebración adicional que volverá a poner la saga ‘Crepúsculo’ en el foco de atención de la cultura pop al cumplirse 20 años de su estreno, primero como fenómeno literario y luego en los cines.

20 años de Crepúsculo: cuando los vampiros revivieron en la cultura pop

Nos remontamos a octubre de 2005. Fue entonces cuando apareció un libro llamado ‘Twilight’, traducido en español como ‘Crepúsculo’, con una sugerente portada toda en negro excepto dos manos que sujetan una manzana roja, escrito por Stephenie Meyer.

Fue entonces cuando el mundo conoció a Bella Swan y Edward Cullen, los protagonistas de una historia de amor imposible entre una humana y un vampiro que conquistó a millones de adolescentes en todo el mundo y logró vender más de 160 millones de libros.

El éxito de este libro lo convirtió en una saga de cuatro libros principales: Crepúsculo, Luna Nueva, Eclipse y Amanecer, que daría también origen a una franquicia cinematográfica en 2008 que sería todo un boom que lanzaría al estrellato a sus dos jóvenes protagonistas Robert Pattinson y Kristen Stewart.

Una saga de películas que llegaría a recaudar más de 3.300 millones de dólares a nivel mundial y que revivió a los vampiros en la cultura popular una década después de que en los 90 vivieran un gran momento con productos como ‘Buffy cazavampiros’, ‘Entrevista con el vampiro’ con Tom Cruise o Brad Pitt, y ‘Drácula de Bram Stoker’ con Keanu Reeves, Winona Ryder y Gary Oldman.

‘Crepúsculo’, más allá de su acogida por la crítica, que cuestionó aspectos como el control o la obsesión, tuvo un impacto en la cultura pop que dura hoy en día con el dominio de las historias de ‘dark romance’ o fantasía juvenil que ha dado lugar a sagas de las escritoras Sarah J. Mass o Rebecca Yarros.

El futuro de la saga ‘Crepúsculo’: ¿está finalizada?

Dos décadas después del estreno de ‘Crepúsculo’ una de las grandes preguntas es si esta saga literaria está concluida o tiene futuro, algo que la propia Stephenie Meyer ha comentado en recientes entrevistas, dejando la puerta más abierta a reinterpretaciones o reescritura de los antiguos que continuar la historia.

“Tengo otras historias esbozadas, y siento el deseo de reeditar mis primeras novelas. Soy una mejor escritora ahora”, admitió a ABC News, para después comentar en una entrevista en Good Morning America que considera que sus personajes “están congelados” después de Amanecer.

El último trabajo de Meyer fue precisamente una reescritura de su primer libro, ‘Sol de medianoche’, que era una versión desde el punto de vista de Edward y no de Bella, que salió en 2020, 12 años después de la publicación de la última novela. Lo que sí se sabe es que en Estados Unidos se reestrenarán en un evento especial las películas de la saga del 29 de octubre al 2 de noviembre, que se podría trasladar a otros países, según The Hollywood Reporter.

El cine producido en la Europa del pacto de Varsovia, en la Unión Soviética y los países controlados por esta, no era una isla cultural completamente ajena a lo que sucedía en el Occidente capitalista. Algunos climas políticos y culturales pudieron ser ferozmente adversos, pero muchos artistas del bloque soviético indagaban en el arte del otro lado del muro de Berlín. Una de las aproximaciones transculturales más llamativas fue el pequeño idilio que el audiovisual checoslovaco mantuvo con el escritor francés Julio Verne. Ese idilio tuvo lugar principalmente, pero no solamente, gracias a la dedicación de uno de los grandes realizadores de cine juvenil de todos los tiempos: Karel Zeman.

Fijarse en Verne no era una opción anómala. Durante décadas, sus obras (o versiones reducidas de estas) habían sido muy empleadas como puerta de iniciación a la literatura para el público juvenil y, a la vez, como fuente de disfrute para los adultos. Sus viajes al centro de la Tierra, o al fondo del mar, o a países lejanos, habían inspirado a realizadores como Georges Méliès, pionero del audiovisual fantástico. Uno de los resultados fue el emblemático cortometraje Viaje a la Luna, recordado por sus imágenes de una Luna visualizada como un rostro en el que impacta un cohete.

Con los años, el goteo de adaptaciones reconocidas de obras del escritor francés llegó a convertirse en una lluvia. Una gran producción de Disney como Veinte mil leguas de viaje submarino (en la versión dirigida por Richard Fleischer y protagonizada por Kirk Douglas y James Mason) dio el pistoletazo de salida a una cierta etapa de esplendor verniano en la gran pantalla a mediados del siglo pasado. Llegaron más ambiciosos espectáculos estadounidenses (La vuelta al mundo en 80 días, Viaje al centro de la Tierra) y otras producciones de alrededor del mundo (España se apuntaría a la moda años después, con aportaciones de Juan Antonio Bardem, Jesús Franco y, especialmente, Juan Piquer Simón). En este contexto de auge, el mencionado Zeman presentó Una invención diabólica en 1958.

El apóstol checoslovaco de la imaginería verniana

En la misma época en que el técnico de efectos especiales Ray Harryhausen comenzaba a impresionar con los efectos especiales que diseñaba para producciones hollywoodienses como El gran gorila o El monstruo de los tiempos remotos, Karel Zeman se consolidaba como un mago de la mezcla de imagen real con dibujos y animación en stop motion. El checoslovaco había despuntado con el largometraje Viaje a la prehistoria, que parecía un homenaje a los intereses y fantasías de las audiencias jóvenes: un grupo de niños se encontraba con dinosaurios y otras maravillas.

Una invención diabólica ya marcó el camino de lo que serían todas las adaptaciones de novelas vernianas por parte de Zeman. Se apostaba por un cine de aventuras de enfoque amable, que contenía gratificaciones (y dardos, y mensajes) para el público adulto interesado en las narrativas fantásticas, pero que privilegiaba a las audiencias jóvenes. Todo está relatado con mimo y con una cierta pausa que puede resultar disruptiva si se compara con la aceleración y la vocación de apabullamiento sensorial que proyecta tanto audiovisual actual orientado a las audiencias infanto-juveniles. Su visionado puede suponer una bonita diversificación de las dietas audiovisuales, si se asume la aparente ausencia de doblajes disponibles en castellano. Actualmente, la plataforma Filmin incluye en su catálogo Una invención diabólica y El dirigible robado, ambas en su versión original acompañada de subtítulos en castellano.

En las obras vernianas de Zeman aparecían adultos entrañables y jóvenes intrépidos que vivían peripecias y tramas de amor castas, pero también acostumbraban a comparecer niños que servían de nexos con los espectadores más jóvenes. Se relataban violencias y criminalidades, sí, pero se representan de manera poco perturbadora. Las imágenes, estéticamente muy cuidadas, eran de naturaleza híbrida: los personajes se movían indistintamente por escenarios reales y por decorados y pinturas que remitían a los grabados que ilustraban los libros de Verne.

Junto con las tecnologías retrofuturistas y el cameo de algún monstruo fantasioso, emergían las pinceladas de crítica. Zeman parecía muy consciente de que Verne no solo era un escritor prolífico que publicaba historias por entregas para un editor conservador. Las aventuras que el francés relataba emanaban de un imaginario colonial, pero a veces incluían algunas intuiciones humanistas sobre la barbarie implícita del colonialismo. Y sus llamadas a la confianza en el progreso científico incluían advertencias sobre sus usos posibles con finalidades destructivas.

Una invención diabólica, por ejemplo, trataba de un científico despistado que trabaja en una nueva fuente de energía, de su joven ayudante y de un cruel aristócrata que quiere aprovechar las investigaciones de ambos para crear un terrible explosivo. Las posteriores El dirigible robado, de 1967, y On the comet, de 1970, también incluyeron pinceladas críticas sobre armas, chovinismos y deseos de poder. La primera de ellas, deliciosa, caricaturiza la carrera armamentística entre naciones siempre deseosas de disponer de la siguiente invención diabólica. El tema parece tristemente actual. En la segunda película se escenificaba como las luchas violentas por el poder político (y por el lucro derivado del tráfico de armas) no se detienen ni siquiera cuando una zona de la Tierra se desgaja del resto del planeta y se adhiere a un cometa a causa de la atracción que este cuerpo celeste ha generado a su paso.

Utopía y distopía en la misma narración

Con Zeman ya en la recta final de su trayectoria, otros dos realizadores de la Checoslovaquia comunista tomaron el testigo con sendas adaptaciones de obras del autor de De la tierra a la Luna: Ludvík Ráža y el interesantísimo Oldřich Lipský. Sus aportaciones quizá resultan un poco menos aptas para el público infantil, pero pueden ser potencialmente muy gratificantes para audiencias juveniles o para adultos.

Ludvik Raza firmó El secreto de La Ciudad de Acero a finales de los años setenta del siglo pasado. Quizá es la más obviamente política de todas estas adaptaciones (admite una lectura metafórica del antagonismo entre el bloque liderado por la Unión Soviética y el bloque liderado por los Estados Unidos), y quizá también es la más oscura. Después de recibir una enorme herencia, dos hermanos deciden fundar una ciudad cada uno: Fortuna, marcada por una especie de humanismo socializante que busca el bien común; y La Ciudad de Acero, que utiliza la explotación y la competición para crecer. No falta el referente juvenil dentro del relato: un chico que busca a su padre y acaba introduciéndose en una trama de espionajes, conspiraciones y peligros.

El misterioso castillo en los Cárpatos, estrenada originalmente en 1981, es una mezcla peculiarísima de elementos de la literatura romántica, del terror gótico y de la narrativa de misterio. Entre pasadizos secretos, tecnologías imaginarias y científicos locos, la película puede remitir a los seriales mudos de Louis Feuillade (autor de Judex o Los vampiros) y otros clásicos del cine más en contacto con la ficción pulp. El empleo de un humor a veces negro y a veces absurdo, siempre excéntrico, la convierte en un plato atípico que no es para todos los gustos.

Esta gozada para amantes del fantástico más peculiar y el friquerío más abierto de miras puede servir, además, como puerta de introducción a la filmografía cachonda y desbordante, y demasiado poco conocida, de su director. Lipský firmó aproximaciones habitualmente paródicas a narrativas diferentes en la órbita de la cultura de masas: la literatura detectivesca, la ficción futurista, el wéstern y de lo que hiciese falta. En esta ocasión, también optó por llevar el texto original a un lugar extraño y a la vez propio y habitual en su filmografía: una especie de esteticismo enrarecidamente cómico. La película está disponible en la plataforma Cultpix.

Cada 4 de mayo, los fans de la guerra de las galaxias celebran el Día Mundial de STAR WARS. ¿El motivo? Un gracioso juego de palabras que -si bien en español pierden todo el significado- en inglés definieron por completo este día como el Día Mundial de STAR WARS. De la mítica frase May the force be with you ('Que la fuerza te acompañe') nace la celebración de este día; pues May the force suena igual que May the forth -May, 4th-, es decir, 4 de mayo.

Explicaciones aparte, vamos a lo que nos gusta: centrar la aventura de STAR WARS en un viaje real. Aunque parezca que toda la acción tuvo lugar en una galaxia muy, muy lejana, lo cierto es que muchos de los escenarios más icónicos de STAR WARS están mucho más cerca de lo que imaginamos: en pleno Mediterráneo. En concreto, en el sur de Túnez, donde George Lucas encontró el decorado natural perfecto para recrear el planeta Tatooine.

La galaxia comienza en el desierto tunecino

La elección de Túnez para crear Tatooine en STAR WARS no fue casual. Sus paisajes áridos, su luz intensa y sus pueblos de arquitectura ancestral convirtieron el sur del país en un lugar ideal para recrear el planeta natal de Luke Skywalker.

Fue en 1977 cuando el equipo de George Lucas llegó por primera vez al país para rodar Episodio IV: Una nueva esperanza. Pero la relación entre la saga de STAR WARS y Túnez no se quedó ahí: también se grabaron escenas de La amenaza fantasma y El ataque de los clones, regresando incluso a algunos escenarios originales.

El pueblo de Matmata, por ejemplo, fue el lugar elegido para ambientar la granja de los Lars, donde vivían Owen y Beru, los tíos de Luke. La casa subterránea, una construcción bereber tradicional, se ha conservado hasta hoy, reconvertida en un pequeño alojamiento rústico que sigue acogiendo a fans de todo el mundo.

De Mos Eisley a Mos Espa: un viaje en el tiempo y en el espacio

Uno de los escenarios más míticos es sin duda la Cantina de Mos Eisley, donde Han Solo dispara primero y se sella una de las alianzas más importantes de la saga.

Aunque la cantina fue recreada en estudio, su exterior se rodó en Ajim, en la isla de Djerba. En esa misma localidad se encuentra también la casa de Obi-Wan Kenobi, tal como aparece en Una nueva esperanza.

Otro de los enclaves clave es el barrio de los esclavos de Mos Espa, construido como un auténtico set en mitad del desierto de Ong Jemel. Allí es donde conocemos a Anakin Skywalker niño y donde se rodó también el Circuito de Mos Espa, escenario de la espectacular carrera de vainas.

Las estructuras siguen en pie, semienterradas por la arena, como un vestigio del cine convertido en ruina arqueológica.

El Mar de Dunas y los Moradores de las Arenas

Los paisajes más inhóspitos del sur de Túnez sirvieron para recrear las regiones desérticas de Tatooine. En el Mar de Dunas, por ejemplo, se ambientaron las escenas en las que los Jawas capturan a R2-D2, así como el primer encuentro entre Luke Skywalker y Obi-Wan Kenobi. También es aquí donde habitan los temidos Moradores de las Arenas.

Quienes viajen hasta estos rincones encontrarán escenarios que siguen resultando familiares, incluso sin necesidad de efectos especiales: desde formaciones rocosas hasta vastas llanuras de arena que se pierden en el horizonte.

Cómo recorrer los escenarios galácticos

Explorar los escenarios de Star Wars en Túnez es una experiencia muy distinta a la de visitar un plató de cine. No hay colas ni tiendas temáticas, pero tampoco hay indicaciones.

Por eso, lo más recomendable es alquilar un coche y recorrer a tu ritmo los puntos clave. No es necesario un vehículo todoterreno, aunque conviene tener precaución al volante: la conducción en Túnez puede ser algo caótica para quienes no están acostumbrados.

También existe la opción de contratar un guía con conductor, aunque el precio puede superar los 100 € por persona y día. En cambio, si se opta por el transporte público, hay que tener en cuenta que las conexiones en el sur del país son limitadas y los horarios poco frecuentes.

Un planeta real con nombre ficticio

Curiosamente, el nombre del planeta Tatooine proviene del pueblo real de Tataouine, en el sur de Túnez. Aunque en la película no se filmó allí, el nombre quedó inmortalizado como uno de los más famosos del universo cinematográfico.

Hoy, con cada aniversario galáctico, crece el número de viajeros que cruzan el Mediterráneo en busca de los lugares donde empezó todo. Porque sí: antes de que existiera el Halcón Milenario, Tatooine ya estaba en el mapa. Solo hacía falta una buena historia para convertirlo en leyenda.

Las redes sociales sentenciaron el pasado noviembre a las históricas Galeries Maldà, en el centro de Barcelona, a una nueva decadencia. Después de resurgir en 2017 como las 'galerías frikis' de la capital catalana por sus tiendas de juegos de mesa, vestimenta fantástica y merchandising de anime y películas, los rumores sobre una posible crisis por el cierre de varios locales del grupo Reino de Juguetes, uno de los principales arrendatarios, crecieron. Pasado un tiempo, los comerciantes aseguran que no ha sido así y ya se habían abierto varios comercios nuevos.

“Que se haya ido un comerciante es más estético que a nivel de descenso de clientes”, explica Mari Carmen Richart, propietaria de la tienda Kutuleras. Para esta trabajadora de las Maldà desde el año 2018, “hubo un poco de confusión al principio, pero la galería sigue abierta”.

“Hay gente que lleva mucho tiempo luchando y trabajando para que esto siga adelante”, agrega Oriol, de 53 años, propietario de La Casa Mágica de U12 Miniatures. Este comerciante, que lleva ya nueve años en las galerías, es optimista. “De aquí a la primavera los locales que quedan vacíos se alquilarán y volverá a estar todo lleno”, pronostica.

Richart asegura que la pérdida de poder adquisitivo ha influido en una bajada de ventas general en toda Barcelona, no solamente en las galerías, y que, con los conflictos internacionales, la subida de la luz y el precio de la vivienda, los barceloneses ya no tienen el mismo margen para permitirse caprichos. Aun así, reafirma que el espacio no es la razón del cierre y rotación de locales, sino una situación comercial difícil en toda la ciudad. “Me molesta bastante que nos llamen galerías fantasma”, añade, “porque hemos luchado mucho para seguir aquí”.

La inicial mala prensa que recibió el espacio el pasado noviembre no frenó la entrada de nuevos comercios que en los siguientes meses abrieron sus puertas. “Se está recuperando bastante bien y a buen ritmo”, confirma Sonia Gutiérrez, una de las administradoras del espacio. “Los mismos comercios que ya hay traen a más gente y me está sorprendiendo positivamente”, añade.

Un espacio históricamente difícil

Gutiérrez, que lleva más de dos décadas al frente de la administración del espacio, pudo ver cómo las galerías cambiaban con el paso del tiempo. “Antes eran todo comercios pequeñitos y había muchos contratos indefinidos”, recuerda la administradora. Las sucesivas crisis llevaron a la rescisión de los primeros contratos. La situación se agravó con el cierre en 2010 de las tres tiendas que tenía Muebles Maldà, que su día fue “el motor” de las galerías, rememora Gutiérrez. “Entonces creció la rotación de negocios”, explica.

El emblemático espacio comercial, abierto en 1942, cuenta con 1200 metros cuadrados. Para muchos comercios supone un reto: los locales son pequeños y sin almacén y, además, al estar escondidos dentro de un recinto, les resulta más difícil atraer clientes. En 2016, hubo un intento de reavivar el espacio y alquilar en conjunto diversos locales al grupo de restauración Tragaluz, pero ese mismo año el Ayuntamiento de Barcelona suspendió todas las nuevas licencias relacionadas con el turismo y el ocio en la zona de Ciutat Vella y se puso fin al proyecto, dejando de nuevo las galerías vacías.

Fue entonces cuando llegó la iniciativa de Reino de Juguetes, que abrieron en octubre de 2017 una tienda temática de Harry Potter. “Funcionó porque el espacio es muy propicio para otro tipo de negocio más relacionado con la fantasía, el misterio y todo este mundo más artesanal”, valora la administradora. Además de ese comercio, la compañía abrió otros negocios tematizados como Thronestore BCN, Funko Barcelona o Kame Hame Shop que se centraban en la venta de merchandising.

El inicio de las 'galerías frikis'

Además de los locales del grupo Reino de Juguetes, ahora ya cerrados, también llegó Costurero Real, una marca de ropa alternativa inspirada en la Edad Media y los cuentos de hadas. Su propietaria, Mariángeles Guisado, más conocida como Alassie, inició su negocio en internet y su tienda en las galerías Maldà fue el primer local físico que inauguró. “Hasta que no conocí las Galeries no me plantee abrir tienda física”, explica esta comerciante, que resalta que en las Maldà “hay precios que no se encuentran en otro sitio en el centro de Barcelona y locales pequeñitos pero económicos, algo que se puede permitir un artesano”.

Alassie, después de su primer año en el recinto comercial, convenció a otros artesanos y artistas para darle una oportunidad al espacio y presentaron a los propietarios de las galerías un proyecto para crear una suerte de Camden de tiendas temáticas. Afirma que por la peculiaridad de los locales que, al estar en el centro de Barcelona, tienen muy pocas horas de carga y descarga, los propietarios se encontraban con dificultades para alquilarlos, pero para los artesanos no suponía ninguna pega. “Encontramos el tándem perfecto”, asegura la comerciante.

Finalmente, en diciembre de 2018 Alassie abrió su segunda tienda, Uchronic Time, juntamente con otras cuatro de diferentes comerciantes: PropCorn, Geek Skin, Cadmium Rose y Kutuleras. Reino de Juguetes también siguió abriendo nuevos locales como Super Friki Market en 2019 y Power Magic Girls y Trolls en 2020, lo que ayudó a consolidar la imagen de 'galerías frikis de Barcelona', un mote que los colectivos y la comunidad habitual de clientes de las Maldà ha hecho suyo.

El fin de este boom del frikismo pareció asomarse durante el año 2024, cuando Reino de Juguetes cerró diversas tiendas tanto en Madrid como en Barcelona por causas propias de la empresa. Actualmente, en el recinto comercial catalán, solo queda un único local del grupo inspirado en el mundo mágico de Harry Potter.

Pese a la pérdida de uno de los operadores con más locales, las Maldà rápidamente han vuelto a acoger nuevos artistas y pequeños comerciantes con tiendas como NekoNook y Mystika de productos artesanales o BukiBoom de juguetes, peluches y coleccionables.

No son los únicos que apuestan por un segundo renacer de las galerías. También lo ha hecho la empresa ReVolution LARP, una empresa dedicada a la organización de eventos de rol en vivo. Este grupo eligió el espacio de la planta superior de las galerías para celebrar en febrero un gran baile ficticio donde los invitados puedan transportarse por un día a la corte del Rey Cisne. Lo hace aprovechando la arquitectura del edificio histórico, el Palau Maldà, que fue construido en el siglo XVII, pero también teniendo en cuenta la simbiosis que los participantes de eventos de rol en vivo tienen con las galerías. “El espacio de las Galeries Maldà es frecuentado y está consolidado en la comunidad”, explicaron Marc y Rachel, los organizadores. Las entradas para la primera jornada se agotaron en pocos días.

El legado creativo del actor, guionista y director Paul Naschy, Jacinto Molina, una de las figuras alrededor de las cuales pivotó la precaria industria del conocido como fantaterror español, sigue recordándose de manera periódica. Sus títulos se reeditan en los mercados videográficos españoles (véase el trabajo realizado por Ediciones del 79 con multitud de títulos, o por Divisa, cuya contribución destaca por difundir una buena digitalización de la olvidada El huerto del francés) e internacionales. Y su figura juega un papel relevante cuando se estudia el cine fantástico nacional, como sucede en el reciente libro Profanando el sueño de los muertos, firmado por Ángel Sala, director de Sitges-Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña.

El estreno de Crotón El Grande el próximo 19 de septiembre en el marco del festival B-Retina, que se celebra en Cornellá del Llobregat (Barcelona), supondrá la oportunidad de recuperar la materialización fílmica, casi inédita, de otro guion escrito por Naschy. Todo comenzó durante el problemático rodaje del último filme de Naschy como director, Empusa. El actor comenzó a hablar con el veterano director de fotografía Luis Colombo sobre la posibilidad de llevar a la pantalla una historia más.

Esta proyección coincide con el anuncio del estreno de Call me Paul (Llámame Paul), en el próximo Festival de Sitges. Dirigida por Víctor Matellano y con guion de este y de Ángel Sala, se trata de un documental sobre la figura de Paul Naschy. Todo esto en el mes en el que Jacinto Molina, habría cumplido 90 años.

La enfermedad que acabaría con la vida del intérprete hizo que la colaboración no fuese la esperada. Colombo recuerda: “Terminamos Empusa, pero se puso mal y ya no hubo manera. Habíamos hablado de cómo íbamos a llevar a la pantalla Crotón El Grande, pero él no llegó a rodar ni un solo plano”. El realizador afirma que había filmado alrededor de un 20% de la obra en el momento de la muerte del intérprete, y que “se cargó sobre los hombros el proyecto, un poco como homenaje a Paul”.

El director de Crotón El Grande describe el rodaje como “a salto de mata, discontinuo y sin presupuesto”. La filmación terminó alrededor de 2015. La posproducción también se alargó, explica, “para decidir sobre algunas escenas o para estudiar si se podía mejorar alguna cosa”. Colombo declara que dio por terminado el proyecto en 2016 o 2017. Hasta la próxima proyección en Cornellá del Llobregat (Barcelona), el resultado solo se había podido ver en una retrospectiva sobre la obra de su director que se celebró en Alicante.

Dos pícaros en una España miserable

Crotón El Grande trata de dos feriantes que vagan por una España marcada por el franquismo y por la colaboración con la Alemania nazi. Crotón ejerce de forzudo, pero emplea trucos para ello porque ya no dispone de la fortaleza de antaño. La falta de ingresos le empuja a asaltar las tumbas de personas aparentemente pudientes en busca de sus joyas. Junto con su compañero Gedeón, recluta a una mujer que permite diversificar su número y a la que ambos codiciarán. También la deseará un turbio empresario del espectáculo interpretado por un rostro clásico del cine de terror estatal: Antonio Mayans.

El relato incorpora una cierta sensibilidad otoñal, de consciencia sobre el envejecimiento, enrarecido por ese talante pulp tan habitual en las obras de Naschy, donde abundaban las mezclas inesperadas. Era el espíritu del mashup de monstruos de la Universal, de La zíngara y los monstruos, donde comparecían a la vez Drácula, Frankenstein y el Hombre Lobo. Naschy lo llevaba más allá: no solo hacía coincidir personajes, sino que también mezclaba géneros.

A Paul se le iba un poco la pinza, en el buen sentido de la expresión, porque meter una escena de wéstern en una película de posguerra sobre una gente que va haciendo circo por los pueblos y asaltando tumbas...

Luis Colombo — Director

Crotón El Grande es, a la vez, un drama picaresco con elementos de terror fantástico y una cinta de nazisploitation con perversos (y lúbricos) generales alemanes. También aparece un pistolero que parece sacado de un tebeo del Oeste locamente espectacular. Colombo considera que “a Paul se le iba un poco la pinza, en el buen sentido de la expresión, porque meter una escena de wéstern en una película de posguerra sobre una gente que va haciendo circo por los pueblos y asaltando tumbas...”.

El director valenciano recuerda que Naschy hablaba de una cierta inspiración en La strada, de Federico Fellini, que rompía con su habitual apego al cine fantástico de los años 30 y 40 del siglo pasado. Acercarse al mundo del circo, tan admirado por el autor de Amarcord, podía tener cierto sentido: el cineasta madrileño también ofrecía espectáculos de orientación popular, más bien artesanales y poco valorados en los círculos intelectuales. Según Colombo, Naschy también tomó en cuenta una leyenda urbana: la chica de la curva.

El elemento fantástico está ahí, pero quizá destaque más la acritud de la narración. Hay hambre, desesperación, necesidades y bajos instintos. Comparecen oligarcas que se sienten impunes por sus contactos con el poder, que amenazan con disparar y dejar en una cuneta a quienes les contraríen. Con todo, Colombo decidió centrarse más en la parte fantasiosa: “La crítica social a Franco también está ahí, pero la veo un poco secundaria”. Para el director, la dictadura sirve de telón de fondo concebido por un Naschy “que no tenía nada de franquista, aunque tampoco era comunista. Intentó sobrevivir, como la mayoría de la gente, porque si eras desafecto al régimen tenías a la brigada político-social encima. No era algo que tomarse a broma”.

El fresco miserabilista de 'Crotón El Grande' y su clima de abyección incluye empresarios que explotan sexualmente a sus actrices, fascistas de gatillo fácil y dos pícaros corroídos por la codicia

El fresco miserabilista de Crotón El Grande puede conectar con los horrores de El huerto del francés y su clima de abyección. Incluye empresarios que explotan sexualmente a sus actrices, fascistas de gatillo fácil y dos pícaros corroídos por la codicia. El giro final indica una posibilidad de redención abortada por los celos. Colombo se muestra totalmente alineado con la cosmovisión escéptica, casi misántropa, que proyecta la película: “El filme trata de la dureza de la supervivencia humana. Bajo unas circunstancias extremas, actuamos de manera extrema. Yo creo poco en la redención. Me da más la sensación que el ser humano nace bueno, pero rápidamente se hace malo”.

Contar una historia como puedes

El acabado técnico de Crotón El Grande está en la linea de la precariedad extrema de Empusa. Su visionado nos traslada a un momento en que las herramientas digitales podían generar una cierta euforia: prometían hacer posible la filmación de historias que anteriormente hubiesen requerido una logística mucho más costosa. El reverso es que la ausencia de estructuras y de equipo técnico y humano continúa condicionando el resultado. En el caso del filme de Colombo, eso se percibe en cada segundo de la película: en el sonido no directo, en el montaje poco armónico, en unas imágenes digitales de baja definición y con un cierto mal aspecto, etcétera.

El filme trata de la dureza de la supervivencia humana. Bajo unas circunstancias extremas, actuamos de manera extrema. Yo creo poco en la redención. Me da más la sensación que el ser humano nace bueno, pero rápidamente se hace malo

Luis Colombo — Director

Colmbo considera que hizo “cine de combate”. “Quieres contar una historia, pero no tienes producción, así que la llevas adelante como buenamente puedes. Es algo tan antiguo como el propio cine. El de Ed Wood, por ejemplo”, afirma. El proyecto tenía dificultades añadidas respecto a Empusa: ambientar la película en la posguerra, incluir grupos de militares armados, tensionaba más todavía las posibilidades logísticas. El realizador no se lamenta “Si quería ser fiel al guion de Paul, tenía que buscarme la vida”.

B-Retina, Festival de cine de serie B, ofrece proyecciones de películas de bajo coste. Abunda el ánimo lúdico y, frecuentemente, la mirada irónica. Una manera de disfrutar el cine fantástico que disgustó a menudo a un Naschy que se tomaba su trabajo con mucha seriedad. Es de prever que un filme tan marcado por una precariedad evidente de medios, por una cierta extrañeza tonal (potenciada por la música), por el voluntarismo general y las interpretaciones amateur, será acogida con risas y jolgorio, como la versión de Star Wars protagonizada por cómicos brasileños (Os trapalhões na guerra dos planetas) o la imitación sudafricana de E. T. (Nukie) con las que comparte programación.

Colombo se muestra despreocupado por la recepción del público. Se declara consciente de que su película “es un divertimento hecho por personas que disfrutan haciendo cine, no es una película de Scorsese o Coppola. Nosotros hacemos cine de serie B, tirando a Z. Lo aceptas o no lo aceptas”. De cara al futuro, el realizador espera que Crotón El Grande pueda encontrar a su audiencia mediante alguna plataforma de vídeo en streaming.

El campo semántico del marketing editorial es el de la hipérbole. Las fajas de los libros se llenan de frases cargadas de adjetivos que se repiten hasta la saciedad: “conmovedora”, “adictiva”, “trepidante”, “brutal”… La carta de presentación de las novedades editoriales son textos promocionales cuya misión es convencer al público de que tiene que comprar esa novela y no la de la competencia, que resulta estar justo al lado, en la mesa de novedades de la librería. Pero sucede que la sinopsis de la novela de la competencia se corona con un párrafo prácticamente idéntico en la forma al de todas las demás, y llega un momento en el que resulta complicado salir de la idea de que, en realidad, nos están vendiendo clones de novelas.

Distinguir un libro de otro es tan difícil como distinguir a simple vista un replicante de un humano. Me he preguntado muchas veces si es posible huir de eso, casi con la misma frecuencia con la que me he preguntado en qué momento hemos renunciado a la capacidad de reinventarnos. Entre tantos fenómenos editoriales ―ignoro cuántos se nos presentan cada año―, docenas de frases que informan de los cientos de miles de ejemplares vendidos, y pilas colocadas estratégicamente en los puntos calientes de las librerías, en contadísimas ocasiones se produce la magia.

Creo en la idea de que el marketing inteligente es el de la precisión. Aquel que diseña una publicidad específica para una obra concreta. Cuando esto marida con un producto exquisito, entonces sí que se abre una pequeñísima posibilidad de que se produzca el milagro. Y el milagro editorial de este 2024 se llama Blackwater. La campaña publicitaria de Blackie Books funcionó como el goteo discreto del agua que se filtra debajo de la tierra. Esa mina que está naciendo ahí abajo sin que ni siquiera seas consciente. Y cuando quisimos darnos cuenta, el goteo resultó ser el caudal de los ríos de Perdido y todo el mundo estaba empapado.

El material promocional inicial de la saga consistió en dos tarjetones negros sin apenas texto. En uno de ellos podías leer: “BLACKWATER. Una novela en seis entregas. Un fenómeno editorial sin precedentes. Gran lanzamiento 7.2.2024”. En el otro, la palabra BLACKWATER impresa en dorado sobre negro en letras gigantes. En el anverso, la siguiente frase: “La épica saga de la Familia Caskey. Una novela en seis entregas, de febrero a abril”. El flyer era una invitación a descubrir el universo Blackwater con una idea afilada como una navaja: “La novela por entregas del maestro de Stephen King”. A continuación, las palabras de King: “Michael McDowell: mi amigo, mi maestro. De lejos, el mejor de todos nosotros: el mejor escritor de literatura popular”. ¡BAM! Ya está hecho.

Y ahora sí, el marketing editorial, se pone un lazo al definir a Michael McDowell (1950 - 1999) como un auténtico monstruo de la literatura y lanza varias ideas en su biografía: guionista, Bettlejuice, Pesadilla antes de Navidad, Alfred Hitchcock presenta, autor de terror gótico, novelas con pseudónimo... Yo ya estoy dentro. Quiero saber cómo escribía este hombre. Pero, sobre todo, quiero leer estas novelas en edición de bolsillo con esas cubiertas tan perfectas de Pedro Oyarbide, volverme anfibia y sumergirme en las aguas de Perdido.

El lanzamiento de las dos primeras novelas de forma simultánea, sabiendo que había otras cuatro en los almacenes de la editorial con fecha de lanzamiento marcada, me hicieron pensar en que esto era un ejercicio de músculo de Blackie Books. ¿Habían impreso la saga completa en edición de bolsillo? ¿Esa decisión estaba vinculada a la propia elección de MacDowell, que había escogido el paperback como medio de difusión de sus obras? De nuevo, la información del flyer lanzándome dardos: “En 1983 publicó la que es sin duda su obra maestra: BLACKWATER. Y exigió que se publicara en seis entregas a razón de una por mes. El éxito fue arrollador”. Pero, ¿arrollador en el sentido de que reventó las listas de ventas de la época, o arrollador en el sentido de que tienes un nervio retorciéndose en tu pecho que te dice: “Vamos, empieza a leer ya”?

Así es cómo Blackie Books plantó la semilla. Cómo desató la pulsión para que tantas personas empezásemos a leer la saga. El resto ―que es en realidad lo crucial para saltar en cadena de un libro a otro― lo hizo McDowell. Y entonces entendí por qué Stephen King lo llamaba maestro, por qué en la editorial se referían a él como monstruo de la literatura, por qué estaba teniendo un éxito tan bestial en Francia e Italia. Y aquí, de nuevo, el olfato de los editores de Blackie y ese permanecer al acecho y no perder de vista cómo se comportan los libros en otros mercados, y dónde se esconde aquello que diferencia una obra literaria de otra. La búsqueda del milagro.

Empecé La riada, el primero de los volúmenes de la saga, con las expectativas en el cielo. Pero mi temperamento pasional me juega muy malas pasadas. Son tantas las ocasiones en las que me he sentido frustrada porque una obra literaria no cumple lo que espero de ella, que podría volverme a pasar y no pestañearía. Cerraría el primer volumen con un decepcionante “meh”, y a otra cosa. Pero sucedió que en La riada me encontré que las aguas de Perdido y de Blackwater, los dos ríos que marcan el carácter de un pueblo de Alabama, se habían desbordado inundándolo todo.

Bray Sugarwhite lleva los remos de una barca que dirige Oscar Caskey. Están buscando algún superviviente. La envergadura del desastre hace pensar en que casi todo el mundo ha perdido todas sus cosas y que tienen que empezar de nuevo. Entonces, encuentran una mujer llamada Elinor sentada sobre una cama del Hotel Osceola. La marca del agua llega casi hasta el techo y esto ha sucedido hace días. ¿Cómo ha podido sobrevivir esa desconocida? ¿De qué se ha alimentado? ¿Por qué no se ha ahogado? A todas las preguntas que le formula Oscar, Elinor contesta con respuestas que hacen que el misterio sobre su presencia en Perdido y sobre su pasado, marquen esa tensión narrativa que se va a instalar en toda la saga como un inquilino que irrumpe para no marcharse nunca.

Porque esto es lo que se plantea en el primer capítulo de La riada. A partir de aquí, la saga no para de crecer. La atmósfera que dibuja MacDowell te obliga a contener el aliento, todo parece siempre a punto de explotar, pero nunca explota. O eso crees, hasta que, de pronto, sucede algo que te hace levantarte de la silla, echarte las manos a la cabeza, y repetirte: “Efectivamente, eres un monstruo”.

Me atrapó el elemento sobrenatural que atraviesa la saga, el matriarcado que plantea MacDowell, el carácter de Elinor, su relación tensísima con Mary-Love, las relaciones entre los habitantes de Perdido. El pueblo como testigo de todas las tramas que se cruzan, se solapan, se suceden. Una familia que se multiplica y donde se establecen roles, se heredan vicios, se contaminan las relaciones porque el ser humano es una fuente inagotable de defectos y traiciones. Y los fantasmas, que se manifiestan al considerar que quizás no se hizo justicia con ellos cuando estaban en el otro lado.

Me abalancé sobre Blackwater repitiéndome en voz baja: “Que esto sea exactamente como parece, por favor”. Y lo fue. ¿Y ahora qué? Ahora la orfandad, porque me despedí de la familia Caskey y de Perdido hace ya meses, pero qué maravilla poder contagiar la pasión por una saga que es un maldito prodigio.

Botargas, hadas o el hombre del saco. Duendes, fantasmas, o incluso, ¡sirenas! Son solo algunos de los seres mitológicos que pueblan el imaginario castellanomanchego, historias contadas de generación en generación que moldean la manera en la que se observa y se vive la realidad.

Pero la mitología que se mantiene viva en cada uno de los pueblos es mucho más que una historia, y así lo defiende el diseñador, comunicador y experto en desarrollo rural, Marcel Félix de San Andrés Sánchez (Villanueva de San Carlos, 1957) en Cocos, fantasmas y otros mitos de Castilla-La Mancha (Océano Atlántico Editores, 2024). El libro es un extenso compendio basado no solo descripción de estos entes que pueblan el imaginario colectivo, sino también en entrevistas y testimonios que confieren a la mitología un lado humano.

Los seres de fantasía 'nacen' por boca de las personas reales muchas generaciones atrás, explica Marcel, que trabaja en el medio rural castellanomanchego desde 1995. Entonces, su labor para recopilar el rico legado de la ensoñación popular comenzó en la comarca del Parque Nacional de Cabañeros, entre Toledo y Ciudad Real. “Fue el primer contacto que tuve con esta parte de la cultura y decidí integrarlo en mi trabajo de desarrollo rural”.

Tras 20 años trabajando como técnico de desarrollo rural, ha descubierto que en todos los rincones de Castilla-La Mancha existe su mito propio. O una tradición. O una leyenda. “Es lo que les diferencia”, asegura el autor, que también explica que es parte de probablemente la última generación “que se ha sentado al lado de su abuela junto a una chimenea a escuchar historias”.

“Al igual que todas las zonas rurales tienen un paraje natural que merece la pena, un río, una cueva, muchos de ellos tienen un mito, una leyenda, una tradición que los diferencia”. Los 'cocos', que pueden adoptar distintas formas, no son figuras pensadas para asustar, sino que tienen detrás “connotaciones educativas” y también sirven para mantener vivas las tradiciones.

Existen ejemplos muy curiosos, como uno que me contó el alcalde de Abenójar. Su madre le hablaba de las procesiones de ángeles, que iban a venir si se acostaba sin cenar. Claro, el hambre luego no te deja dormir

“La labor, el objetivo fundamental que tenían nuestros mayores a la hora de utilizar los cocos no era tanto asustarnos, sino educarnos y prevenir”, explica el autor. Por ejemplo, esos cocos que hacen que nos vayamos temprano a casa, que no nos acerquemos a un río o a una cueva. La riqueza de los mitos y tradiciones mutan, dependiendo de la zona, en una mano negra, en un duende... En pueblos como Buendía (Cuenca) o Piedrabuena (Ciudad Real) el escritor también ha encontrado ejemplos de sirenas, que también realizan las funciones de cocos o comeniños.

“Existen ejemplos muy curiosos, como uno que me contó el alcalde de Abenójar. Su madre le hablaba de las procesiones de ángeles, que iban a venir si se acostaba sin cenar. Claro, el hambre luego no te deja dormir”, explica Marcel.

“La mitología de Castilla-La Mancha es una de las más ricas y potentes de España”, asegura el experto. Pero también es una de las más desconocidas, puntualiza. Este universo imaginario se ha ido enriqueciendo gracias a la influencia de todas las mitologías regionales. Al ser un territorio de paso, Castilla-La Mancha bebe de mitos y tradiciones que llegan de todos los puntos del país. “No podemos olvidar que la trashumancia ha sido un importante motor de intercambio cultural entre las gentes del norte y del centro”.

Pastores leoneses, sorianos, zamoranos, incluso gallegos o asturianos llegaron hasta lo que hoy es Castilla-La Mancha, relata el autor, compartiendo sus propios mitos y seres mágicos, que se han mezclado con las historias que llegan, incluso, desde época prerromana. “Tenemos una historia de asentamientos que han dejado una riqueza mitológica importantísima”, destaca el autor.

Castilla-La Mancha de ultratumba

Las tradiciones castellanomanchegas también llegan hasta el más allá. “Al igual que en Galicia tienen la Santa Compaña, aquí también hay procesiones de muertos, y muchos elementos relacionados con la ultratumba”, explica el autor, como son los majanos de difuntos, piedras utilizadas para proteger los terrenos de la posible influencia de un alma. Con el tiempo, se creaban metros de altura de protección contra espíritus.

Los pueblos también celebraban el día de los 'santos finaos'. “Mientras el resto del mundo celebra Halloween, aquí lo que ha sido realmente importante ha sido el día de los santos difuntos, los santos 'finaos', en el que las casas se iluminaban con velas y palomillas, un cuenco pequeño con aceite y una mecha que duraba encendido exactamente un día”, explica el experto.

La palomilla era una manera de orientar a los antepasados, a los difuntos que iban a la casa para que supieran por dónde tenían que moverse y también para que pudieran irse. “Por mucho que quieras a tus antepasados, no quieres que se queden permanentemente en tu casa”, reflexiona. Y aunque antes se hablaba de las ánimas benditas y los fantasmas, hoy se habla más bien de la chica de la curva o el uso de las ouijas. “Pero todos son personajes igualmente válidos, que pueblan nuestro rico mundo de ultratumba”, asevera Marcel.

“El curanderismo es tan antiguo como la humanidad”

Las brujas y las curanderas son dos personajes que surgen en el imaginario colectivo, relacionados con el uso de las plantas para curarse. “El curanderismo es tan antiguo como la humanidad”, explica el autor. Según la investigación que ha llevado a cabo, en la región se mantienen aún unas personas dedicadas a la curandería en la región. “Hay gente que siente padecer el mal de ojo y prefiere ir a una curandera antes que recurrir a la medicina tradicional”, afirma.

Marcel señala el claro caso de la localidad de Daimiel, que se autoproclama como el pueblo de las brujas y explota este atractivo de diferentes maneras. “Es una estrategia turística muy interesante, porque se han convertido oficial y públicamente en el pueblo de las brujas. Pero realmente es el pueblo de las curanderas”, asegura.

Según sus investigaciones, la localidad manchega era famosa entre los siglos XVI y XVIII por la cantidad de curanderos y curanderas, que servían como un polo de atracción de personas “de toda la región”. “Está incluso documentado que algunos miembros de la Familia Real hicieron uso de algunas de las curanderas o curanderos famosos de Daimiel”, resalta.

Pero con la curandería entra también la Inquisición. “Si alguien denunciaba a una curandera por bruja, la Inquisición la juzgaba y la condenaba. Existen en Daimiel unos 13 expedientes sobre brujería, pero realmente ejercían la curandería”, destaca.

Pero el uso de estos mitos y leyendas como un reclamo turístico es algo que el autor también defiende y reivindica, porque resulta una “buena forma” de conservar y garantizar estos recursos históricos e inmateriales. Sin el apoyo de este tipo de medidas, o de trabajos de investigación o recopilación, como el que presenta en su último libro, advierte, “la sabiduría popular que es herencia de miles y miles de años correría el serio riesgo de desaparecer”.

El señor de los anillos o Harry Potter ya lo hicieron hace años. La novela fantástica no es la primera vez que se sitúa entre los bestsellers de las editoriales de todo el mundo. Ahora, durante el último año y gracias a populares sagas como Blackwater o las escritas por Brandon Sanderson, la fantasía vuelve a ocupar los primeros puestos en las estanterías de toda España. Mitología, magia o aventura, tres de los grandes temas sobre los que se construye la novela fantástica son ahora también los cimientos sobre los que Arden Montag, pseudónimo de los escritores César G. Antón y Paula Gonzalo, se han sumado al boom de lo fantástico para construir su nueva novela, Terradraga (editorial Minotauro).

La fantasía utiliza historias repletas de elementos ficticios que juegan con el imaginario del lector en un mundo sin límites. Un sinfín de posibilidades que podría ser el causante de la conexión que suscita especialmente entre las nuevas generaciones. Este boom de la novela fantástica que vive el mercado editorial en España podría explicarse en palabras de Marta Rossich, directora literaria de Nova, el sello de fantasía de Penguin Random House, como una “tormenta perfecta” que ha hecho eclosionar el género fantástico dentro de la literatura mainstream.

“Hay un auge claro de la fantasía. Tanto en crecimiento de interés, en ventas y en relevancia en los medios y librerías. En general, todo el sector está publicando más literatura de fantasía, apoyada, por ejemplo, por el trasvase de las adaptaciones audiovisuales. Antes la fantasía era un género de nicho, ahora se han conseguido romper barreras”, explica Rossich para este medio.  

Un universo completo y bien desarrollado, con una historia, geografía y características propias. Esta es la base de cualquier novela fantástica que, sumada a la profundidad de unos personajes que enfrenten conflictos y dilemas con el paso de las páginas, consigue una conexión emocional con aquel que sostiene su cubierta. Una conexión especialmente fuerte entre las generaciones jóvenes y adolescentes. “La fantasía tiene éxito entre los jóvenes por su característica esencial basada en la construcción de mundos y la ambientación, que conecta primordialmente con este sector de edad”, apunta Rossich. 

El fenómeno de las sagas

Rocío Rubio, de 22 años, es el ejemplo de una joven que ha llenado su estantería de literatura fantástica: “Recuerdo Los juegos del hambre y Divergente como los primeros libros de fantasía que leí. En mi adolescencia fueron muy populares y supusieron la toma de contacto de muchos adolescentes con la fantasía”. “Actualmente, sagas como Blackwater son las que despiertan mi interés. El hecho de que esté dividido en entregas hace que te leas un libro y quieras más, te deja con la intriga”, explica Rocío. 

El fenómeno de las sagas ha sido uno de los elementos que ha participado en este nuevo resurgir de lo fantástico. Grandes títulos como Nacidos de la bruma o El archivo de las tormentas, ambas del escritor estadounidense Brandon Sanderson, han supuesto un antes y un después en el género. Tal y como expresa esta joven lectora, la publicación por partes de una historia que cuenta con finales abiertos o intrigantes genera un mayor interés en el lector. No obstante, “escribir sagas, como hace Brandon Sanderson, también conlleva un compromiso muy serio con el lector. Hay sagas que mueren cuando el lector piensa que están finalizadas. Existe un riesgo”, afirma Rossich. 

Esta expansión en diferentes novelas de una misma historia tiene dos motivos claros. Según Mariló Álvarez, editora de Minotauro, el primero de ellos es que la creación de un mundo tan extenso y completo de detalles posibilita la extensión de la historia en diferentes tramas. Asimismo, “las sagas tienen influencia del sector audiovisual, los lectores jóvenes están acostumbrados a ver series divididas en capítulos, y esto se transmite a las entregas de sagas literarias”, explica Álvarez. 

En España, el fenómeno de las novelas fantásticas tiene varios antecedentes claros. Laura Gallego y su saga Memorias de Idhún acumulan cientos de miles de ejemplares vendidos desde su publicación a principios de los 2000. Sin embargo, los antecedentes de la literatura a nivel mundial y ya dentro del mainstream literario son evidentes. Tolkien y Rowling se llevan el reconocimiento de haber impulsado el género hasta el éxito que recibe en nuestros días. Según Marta Rossich, “muchos jóvenes han crecido leyendo libros como Harry Potter, esto ha conseguido romper barreras y eliminar prejuicios” que han facilitado el auge de un género antes no tan considerado. 

El acceso a literatura fantástica desde la infancia también ha propiciado que este género no se limite a los jóvenes. Aquellos niños que en su momento tuvieron entre sus manos uno de los libros de El señor de los anillos, ahora, siendo adultos, siguen dejando abiertos sus brazos a cualquier otra obra del género que marcó su infancia y determinó su gusto literario. 

Además, la literatura fantástica, a pesar de tomar recursos tradicionales de la literatura, también ha llevado a cabo un proceso de adaptación a temáticas actuales. “La fantasía también encuentra puntos de conexión con el presente. Hay novelas, como Terradraga, que nos hablan de una fantasía renovada con feminismo y otras nuevas temáticas sociales”, explica Álvarez.

'Terradraga', una “fantasía renovada”

Con una evidente influencia de la novela distópica Fahrenheit 451 y su protagonista Guy Montag, César G. Antón y Paula Gonzalo bajo el pseudónimo de Arden Montag se suman con su nueva novela al boom de lo fantástico. Terradraga pretende presentar con sus páginas a los “dragos”, criaturas legendarias mitad dragones, mitad humanas. “Es un libro para disfrutar que intenta enganchar al lector con la tradición de la fantasía épica. Hay mucha tensión, una aventura muy cuidada, un mundo completamente nuevo y muchos personajes entrelazados”, explican sus autores para elDiario.es.

Con su lema “un drago, un fuego; unidos, un incendio”, Arden Montag relata la épica aventura de dos “dragos” huérfanos que irán encajando las piezas de la historia que les une. Una historia en la que “la magia, el amor y el coraje se convertirán en la llama que alimente el fuego de la libertad”.

Para su elaboración, Arden Montag han construido un mundo propio con todo tipo de detalles. Desde geografía, fauna o flora hasta un léxico completamente nuevo. “Para crear todo un mundo fantástico hemos consultado a expertos en diversas áreas como astrólogos o expertos en botánica”. “Quisimos hacer una novela profunda, personal y lógica, integrando todos estos nuevos elementos en la historia”, cuenta González Antón.

En palabras de César G. Antón, el auge por lo fantástico podría explicarse en que los jóvenes están integrando una cultura de aprender a leer desde lo fantástico. “No diferencian ni rechazan un libro por su género, tienen menos prejuicios a la hora de abrirse a otros géneros”. Además, este auge podría explicarse también por un “intento de desafección del mundo real, por la búsqueda de la evasión, por salir de lo real”, expresa el escritor.

Desigualdad, lucha de clases, racismo, sindicalismo o feminismo. Estos son algunos ejemplos de temáticas contemporáneas que, en este caso, también forman parte de la fantasía de Terradraga. “Quisimos añadir estas temáticas más actuales, aunque siempre al servicio de la aventura”, concluyen sus autores.