Hay muchos artistas que pasan a la historia, pero no todos lo hacen desde el prisma de ser 'totales'. También los hay totales, pero que no logran convertirse en iconos. Y después están los que lo consiguen todo, por su talento, por su estética, por su timbre de voz, por su discurso, por su carisma, por cómo calan, trascienden, acompañan e incluso cambian. Los que logran que su recuerdo sea de los que despiertan algo dentro, más allá de la sonrisa por volver a escuchar esa canción que te marcó, transportarte a aquel día que la bailaste abrazado a alguien importante, o solo en la soledad de un salón con las luces apagadas convertido en tu discoteca personal. Un refugio al que volver para dejarse llevar, para sentir y sentirse, para disfrutar y disfrutarse. Así era David Bowie, el genio de cuya muerte se cumplen 10 años desde que en 2016 falleciera a causa de un cáncer. Dos días antes había publicado su último disco, Blackstar, coincidiendo con su 69 cumpleaños.

Nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, al sur de Londres. Era hijo de una acomodadora de cine y un trabajador de una ONG, y fue su hermano mayor quien le inyectó el rock en las venas y ya en su adolescencia empezó a formar sus primeras bandas. La primera, The Kon-rads, cuando aún iba al colegio. Entre medias, para evitar que se le confundiera con el líder de The Monkees, Davy Jones, decidió cambiar su apellido por 'Bowie', apropiándose el nombre de unos famosos cuchillos estadounidenses. Su primer gran éxito llegó en 1969, coincidiendo con el lanzamiento del Apolo 11, Space Oddity, que dio título a su segundo disco.

Para entonces ya lucía en su rostro uno de sus rasgos más característicos, tener un ojo de cada color. Bowie asistió junto al que se acabaría convirtiendo en su mejor amigo –y posterior colaborador artístico– al centro George Underwood. Todo cambió –aunque se terminara arreglando– cuando tenían 15 años, tras enamorarse de la misma chica, lo que derivó en una pelea con puñetazo incluido que acabó dañando el músculo del iris izquierdo del cantante. El golpe le provocó anisocoria, una afección visual que se caracteriza por el tamaño desigual de una pupila. En su caso, la izquierda se quedó permanentemente dilatada, que se tornaría en una parte intrínseca y llamativa de su enigmática identidad.

El despegue definitivo le llegaría en los setenta, con su álbum The man who sold the world, caracterizado por un sonido hard rock, al que evolucionó desde el rock acústico y de folk de su trabajo anterior. Su estilo rompedor quedó patente desde su portada, con el cantante luciendo tumbado con un vestido de estética japonesa y pelo largo.

En aquella gira de promoción surgió la idea de lo que posteriormente sería su personaje Ziggy Stardust, una mezcla entre Iggy Pop y la música de Lou Reed, que cultivaría en su disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars de 1972. A su alter ego le dedicó un tema, donde hablaba de una estrella de rock alienígena bisexual y andrógina que actuaba como mensajera de seres extraterrestres. El disco incluyó otra de sus composiciones más emblemáticas, Starman.

En la segunda mitad de los setenta publicó la conocida como trilogía de Berlín y sus álbumes con Brian Eno, como Inmortal (1977). Bowie no solo trabajó en sus propios discos, sino que colaboró en la producción de las obras de otros artistas como Iggy Pop (The Idiot, Lust for Life), Lou Reed (Transformer) y el clásico de Mott The Hoople All the Young Dudes.

Además, cultivó su faceta como actor, en la manera en la que se entregó a los personajes que fue creando para su propia música. No en vano, en sus actuaciones aún como Ziggy en temas como Ziggy Stardust y Aladdin Sane, las copó de provocadoras performances que incluyeron desde desnudos a simular sexo oral con la guitarra de Ronson, pasando por quedarse en calzoncillos de luchador de sumo.

Del soul al pop

Tras abandonar el personaje de Ziggy, Bowie se mudó a Nueva York y posteriormente a Los Ángeles, donde produjo Diamond Dogs (1974), enmarcado entre el funk y el soul. El disco se basó en una mezcla entre un musical basado en una ciudad postapocalíptica y la idea de ponerle obra a 1984 de George Orwell. Alan Yentob filmó el documental Omnibus: Cracked Actor durante la gira del álbum, retratando una época de constante inspiración, pero también de alto consumo de drogas. Tras un descanso, regresó con el disco de soul Young Americans (1975), al que perteneció Fame, canción que compuso junto a John Lennon y que supuso su primer número uno en Estados Unidos.

Bowie organizó ese mismo año una entrevista vía satélite, para anunciar su retirada de la música, cuya emisión estaba prevista para el 20 de noviembre de 1975, en el programa de Russell Harty. La charla comenzó según lo previsto, incluido el anuncio del disco Station to Station, y de la gira mundial con la que recorrería el planeta durante seis meses. Durante la conversación, la estación emisora recibió una llamada desde el Gobierno español, solicitando el uso del satélite para transmitir a nivel internacional la noticia de la muerte de Franco. El artista se negó.

En 1976, al tiempo que su adicción por la cocaína iba en aumento, el músico se mudó a Suiza. Allí desarrolló su talento pictórico, creando lienzos posmodernos. Antes de acabar el año se trasladó a Berlín, atraído por la escena musical alemana, para desintoxicarse y revitalizar su carrera. En la ciudad compartió piso con Iggy Pop y arrancó su colaboración con Brian Eno.

El resultado fue la conocida como Trilogía de Berlín (Low, Heroes y Lodger). Y de ahí, al pop, empezando por Scary Monsters (and Super Creeps), del que formó parte Ashes to Ashes. En 1981 unió manos con Queen para colaborar en el sencillo Under Pressure, todo un éxito entonces que la película Aftersun resucitó hace cuatro años al ser elegida como banda sonora de una de sus escenas más bellas y emblemáticas, con Paul Mescal bailando.

También hizo un cameo y puso banda sonora a la película Christiane F., una historia real sobre la drogadicción adolescente en el Berlín de los años setenta. Con otra de sus incursiones en el cine, la canción Cat People, para el filme homónimo de Paul Schrader —que en España se tradujo como El beso de la mujer pantera— , logró la nominación al Globo de Oro. Otro de sus papeles más populares fue el de Jareth, Rey de los Goblins, que encarnó en Dentro del laberinto, de Jim Henson.

Con Let's dance logró en 1983 otro de sus hitos comerciales en 1983, siendo el sencillo homónimo, Modern Love y China Girl los temas más populares; y con Bowie convertido ya en uno de los realizadores de videoclips más importantes de la época. En 1984 colaboró en Tonight con Tina Turner y en 1987 viró hacia el rock con tintes de industrial y tecno en Never Let Me Down. Como parte de la banda Tin Machine, siguió cultivando el rock; y de nuevo en solitario, en 1993, giró hacia el soul, jazz y hip hop en Black Tie White Noise. Posteriormente, compondría bandas sonoras hasta para videojuegos (Omikron); y en 1999 se despidió de la música electrónica con Hours.

Una leyenda intacta

Si algo caracterizó la carrera de Bowie fue su capacidad para arriesgar, cambiar de imagen y estilo en múltiples ocasiones, sin por ello perder un ápice de personalidad. Algo por lo que en 2006 fue galardonado con el Premio Grammy al logro de toda una vida. En 2013 salió su disco The Next Day, que contuvo temas con videoclips acompañados de polémica como el del tema que da título al álbum, que incluía referencias a la crucifixión de Cristo; y Valentine's Day, que versa sobre un hombre que asesina a disparos a estudiantes en una iglesia.

Poco tiempo después, en 2014, Bowie anunció que no publicaría más música, y así se mantuvo hasta que a principios de octubre de 2015 saltó la noticia de que había grabado un álbum de estudio, Blackstar, que publicaría el día de su cumpleaños, el 8 de enero de 2016. Dos días después de su lanzamiento, falleció de un cáncer de hígado en su apartamento en Nueva York.

Si ya lo había sido en vida, la influencia de este completísimo y único artista se hicieron todavía más palpables tras su muerte, y continúa intacta diez años después. Su capacidad de exploración fue sello de identidad, lo cual le llevó a ser pionero de la estética glam. Su universo es tan amplio, inteligente y complejo que continúa generando lecturas, sobre un legado que, una década después de su adiós, sigue indeleble e incluso permeable a seguir evolucionando, ahora a través de quienes siguen alimentándose de su arte, en todas sus formas, texturas y vertientes.

El episodio final de ‘Stranger Things’ acumuló casi 60 millones de visualizaciones y ha cerrado casi una década de una de las series más exitosas de Netflix en toda su historia, además lo ha hecho con una banda sonora de los 80 que ha congregado a nombres ilustres como Prince, Iron Maiden o David Bowie.

Precisamente ha sido ‘Heroes’ de David Bowie la que ha cerrado el final de ‘Stranger Things’, coronando a la perfección el mensaje que quiere transmitir la ficción creada por los hermanos Matt y Ross Duffer, que han revelado también la razón de esta decisión.

Ross Duffer, en declaraciones a Netflix Tudum, contó que la elección de ‘Heroes’ fue una sugerencia del actor Joe Keery, quien da vida en la serie a Steve Harrington: “En cuanto Joe lo propuso, supimos que era la canción perfecta. Es, en cierto modo, un himno para ‘Stranger Things’. Usar la versión original de Bowie nos pareció lo más adecuado para el cierre”.

La historia de ‘Heroes’ de David Bowie

Un mensaje que se entiende mucho más al conocer la historia detrás de esta canción, que forma parte del tercer tema del álbum homónimo y que es la tercera piedra de la llamada ‘Trilogía de Berlín’ porque conformó el material que compuso y grabó durante el tiempo que vivió en la actual capital de Alemania, de 1976 y 1978, cuando buscaba desintoxicarse del consumo de drogas.

Por difícil que parezca por el ambiente que lo rodeaba, Bowie lo consiguió y logró una de sus etapas más prolíficas y creativas. Así, nos remontamos al verano de 1977, cuando escribió y grabó ‘Heroes’ junto a Brian Eno en los Hansa Studios, a apenas 150 metros del Muro de Berlín.

Situado en la Köthener Strasse 38, cerca de Potsdamer Platz, este estudio fue en el pasado un salón de baile que acogía las fiestas de los nazis durante el Tercer Reich, y en el que más tarde grabaron también música Depeche Mode o U2. Sentado mirando a la ventana, David Bowie pidió que lo dejaran solo y fue cuando, según aseguró él mismo, observó una escena que lo inspiró.

La letra habla de dos amantes, estos son Tony Visconti, el coproductor de la canción y entonces casado, y Antonia Mass, quien grababa con su grupo de jazz también es Hansa Studios en ese momento. Ambos estaban entonces en la calle, se dieron un abrazo y luego se besaron, algo que vio Bowie, que aprovechó para dejarlo escrito en el tema que componía.Uno de los protagonistas, Visconti, la describe como “la historia de unos alcohólicos”, aunque se ha convertido con el tiempo en un relato de amor en plena Guerra Fría, que dio como resultado un tema de más de 6 minutos, que tuvo un éxito discreto en sus comienzos, sin superar el número 24 en la lista del Reino Unido y ni apareciendo en las de Estados Unidos.

Cómo “Heroes” hizo de David Bowie un héroe en Berlín

El paso del tiempo y su trascendencia son las que le dieron su sitio en la historia de la música, que ahora se conecta también con ‘Stranger Things’, una de las series insignia de Netflix. Parte de culpa de su relevancia la tiene el hecho de que Berlín la reconozca como el himno de la ciudad durante los años del Muro y la Guerra Fría.

Esto se debe también al concierto que dio David Bowie en 1987 frente al Reichstag, donde al interpretar ‘Heroes’ ante 70.000 personas dijo: “Enviamos nuestros mejores deseos a nuestros amigos que están al otro lado del Muro”, que se sintió al otro lado debido a unos altavoces que estaban orientados al este, y que propició también la detención de varios jóvenes de la RDA por la Stasi al gritar “abajo el Muro”.

De hecho, esto le valió ser homenajeado como un héroe por el Ministerio de Asuntos Exteriores de Alemania tras su fallecimiento en 2016 debido un cáncer, al reconocer su impacto cultural: “Ahora estás entre los héroes. Gracias por contribuir a derribar el Muro ”.

Para un hombre, la vejez empieza cuando renuncia al placer por temor a que el placer se convierta en vergüenza. No sé si me explico, pero hay hombres que mueren antes de tiempo; muertos en vida que no terminan de acomodar el deseo sexual al tamaño de su próstata.

Son cosas que me vienen a la cabeza tras la lectura de El ritmo infinito, un trabajo firmado por Michael Spitzer donde -entre otras muchas cosas- se cuenta que la vejez en los hombres no resulta tan mala aunque el muelle afloje, pues puede producir resultados análogos a los de un queso en suculenta descomposición. Con un fermento así, el estilo tardío de la expresión artística se convierte en un ejemplo de madurez; la maestría del que se mantiene firme ante el crepúsculo de su propia vida. Michael Spitzer pone como ejemplo el último disco de David Bowie, Blackstar, un trabajo realizado cuando a Bowie le diagnosticaron el cáncer de hígado que acabó con su vida. 

A principios del año 2015, débil aún por el tratamiento de quimioterapia, pero motivado por el eco de una melodía gregoriana, Bowie se dispuso a hacer testamento musical. Llamó a Tony Visconti para que ayudase a dar forma a la música de ultratumba que resonaba en su cabeza. El resultado fue un disco con toques de vanguardia donde el saxo de Donny Mc Caslin se combina con la voz de un Bowie que se sabe mortal y que da su último salto sobre la base del drum'n'bass jazzero, todo ello envuelto en un colchón de teclado al estilo Brian Eno. Sublime. 

Otro ejemplo de estilo tardío es el que trajeron de Cuba los soneros del Buena Vista Social Club, demostrando que la música de la vejez “no es un declive, sino un refinamiento”, tal y como afirma Michael Spitzer en este libro publicado por Ariel. Para el autor del libro, la cercanía de la muerte nos despoja de todas las pretensiones, afinando nuestros pensamientos como la punta de una flecha que se dirige al objetivo con acierto. La música de Buena Vista Social Club, con Compay Segundo en primera, es todo un gesto ante la muerte. Ry Cooder, el ideólogo del invento, no hizo algo nuevo. Para nada. Tan sólo se dedicó a completar el camino que llevaba realizando Santiago Auserón desde hacía tiempo. Los medios jugaron a su favor. También el momento, reuniendo a unos viejos soneros que iban a poner banda sonora al mundo antiguo, poco antes de que las Torres Gemelas fueran atravesadas por donde más duele.  

El fin de siglo fue una época de estilo tardío llevado a la comercialidad. Fernando Trueba dirigió su mejor película, Calle 54, con la luz del crepúsculo proyectándose sobre el pianista Bebo Valdés. Han pasado más de una veintena de años, el final estaba cerca y el sonero Compay Segundo, a sus ochenta tacos, feliz como un niño chico a punto de soplar velas, le dio a Vázquez Montalbán la receta para que el placer de un hombre no quedase reducido a vergüenza: “Se sofríe en manteca un trozo de cuello de carnero hasta que pierde el color de sangre, se le añade ajo,  tomate, agua, se deja cocer, y finalmente se le da el toque con limón y sal; sobre todo, que pierda el color de sangre”. 

Pues eso. 

Un intenso humo negro alertó a los vecinos de que algo se estaba quemando en la casa de Brian Duffy. Incinerar celuloide no es fácil. La reacción química que se produce cuando arden los ácidos que recubren la película genera un olor penetrante y una nube oscura. Cuenta su hijo Chris Duffy que en gran medida debemos agradecer a los vecinos que pararon las molestias que estaba provocando su padre, por salvar una parte de la historia de la cultura popular.

Ese día ardieron negativos de sus trabajos fotográficos durante los años 60 y 70: las noches salvajes y pop del Swinging London que fotografió para sí mismo y para la revista Vogue, los retratos de actores y cantantes que pasaban por su casa y las sesiones con David Bowie. En la exposición Bowie Taken By Duffy hay mucho material salvado de esa quema gracias a que Chris fue al rescate de ese arrebato destructor.

Brian Duffy mantuvo una relación artística con David Bowie que fue mucho más allá de la que habitualmente tiene un fotógrafo con el sujeto retratado, explican los que les conocieron y también los expertos de ese periodo de la música. “David Bowie se relaciona muy bien, sabe colaborar, sabe escuchar. Esta no es una relación de modelo y fotógrafo sino de dos artistas intercambiando energías e ideas”, dice el periodista musical Rafa Cervera en la presentación a la prensa de la exposición, que se podrá ver del 15 de marzo al 25 de junio en la sede del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid.

Brian Duffy disparó la que se considera como más icónica fotografía de David Bowie, la que apareció en la portada de su disco Aladdin Sane. En la presentación, su hijo Chris recordó la anécdota más singular de esa sesión, la que explica de dónde sale el propio título del álbum. En 1972, Bowie acababa de publicar The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, su quinto álbum. En ese momento, era una figura importante pero no una superestrella. Como parte de la estrategia para convertirle en una, su mánager Tony Defries buscó un fotógrafo que le llevara más allá. Le presentó tres y Bowie escogió aquel con el que sintió mayor afinidad. Hizo unas primeras fotografías para esa etapa de los Spiders From Mars pero no se utilizaron. El encargo importante llegaría para el siguiente disco.

Y es aquí donde viene la anécdota. Bowie le dijo a Duffy que su nuevo disco se titularía A lad insane (Un tipo loco) pero el fotógrafo lo entendió mal, o como dijo su hijo en la presentación, lo parafraseó, convirtiéndolo en Aladdin Sane, dos palabras que juntas no tenían sentido pero Bowie se lo daría de inmediato, en gran medida gracias a la fotografía que le hizo Duffy para la portada. El maquillador, Richard Pierre Laroche, dibujó un pequeño rayo en la cara del artista. Pero Brian Duffy de nuevo volvió a meterse en el trabajo ajeno, borrando el rayito y dibujando uno gigante con el pintalabios. Ese es el acierto que conocemos. Un disco brillante que la censura franquista intentó mutilar eliminando dos canciones y una foto interior, por lo que no se publicó en España hasta la llegada de la democracia.

Duffy sabía lo que quería y solo tuvo que tirar dos rollos, ha explicado su hijo. La sesión fue muy rápida, sin atrezo ni vestuario, tan solo el maquillaje y el tinte rojo del pelo de Bowie. “Una foto mística, en cierto modo”, dice Chris Duffy. “Una fotografía que plantea más preguntas que las respuestas que aporta, lo cual convierte a una foto en un icono”, señala.

“No hay un artista como David Bowie porque entendió la importancia de la imagen y lo explotó muy bien”, ha señalado el también escritor Rafa Cervera, cuya novela Lejos de todo precisamente tiene a Bowie como protagonista. “Bowie construye personajes y fantasías que se proyectan sobre el público y eso es lo que lo hace un tipo único, porque nadie lo hacía hasta ese momento, aunque luego llegaron herederas, como Madonna, que sí lo harán”.

El periodo de colaboración Duffy-Bowie se extiende entre 1972 y 1980, en ese año, de alguna manera, ambos cierran etapas. Comienza, como se ha comentado, con una primera aproximación cuando aún estaba vivo Ziggy Stardust. Luego llega la que Chris Duffy llama “la Mona Lisa del pop” y Rafa Cervera un símbolo “que pertenece al imaginario popular como la banana de Andy Warhol o el logo de los Ramones”, que es el flash que le parte la cara a David Bowie en Aladdin Sane (1973). Vuelven a trabajar juntos en la siguiente etapa del cantante, cuando protagoniza la película El hombre que cayó a la Tierra y el extraterrestre que interpreta, Newton, le permite saltar hacia la siguiente encarnación de su carrera, el Thin White Duke (el Delgado Duque Blanco), de cuyas influencias ocultistas, que vinieron de la mano de Aleister Crowley, aparecen recogidas en la exposición. Las vitrinas de la muestra permiten admirar, también, el diseño de vestuario que realizó May Routh para Newton.

Los interesados en las técnicas fotográficas disfrutarán de admirar los positivados de las fotografías de Brian Duffy junto a la cámara que utilizó para cada una de ellas. La siguiente colaboración lleva, en la exposición, a apreciar polaroids originales tomadas para la sesión del disco Lodger (1979), incluyendo la que el propio Bowie eligió para que se usara en la portada y el diseñador incorporó al álbum en forma de tarjeta postal. La extraña imagen para el frontal del disco que realizó Duffy muestra a un Bowie “en pleno aterrizaje forzoso”, como indican los textos del ex crítico musical del New Musical Express Paul Morley, que acompañan el recorrido expositivo.

La cara de Bowie aparece rota, distorsionada, un efecto producido por el hilo de pescar que le aplasta la nariz, y se aprovecha el vendaje de la mano que el cantante ya traía de casa, debido a una quemadura reciente. En la exposición se puede aprender qué técnicas utilizó Duffy —ninguna digital— para crear ese extraño efecto de caída. “Duffy sigue fotografiando a un David Bowie que todavía no era él mismo. Incluso aunque estuviera escenificando una especie de regreso desde quienquiera que hubiera sido y dondequiera que hubiese estado”, escribe Morley.

Continuando de alguna manera el trabajo de su padre, Chris Duffy fue testigo con su propia cámara de la siguiente escena británica inmediatamente posterior al punk y que tanta admiración profesó a Bowie, los nuevos románticos, cuando su padre ya se había retirado. Con Steve Strange (Visage) a la cabeza, liderando un grupo creciente de jóvenes fascinados por la actitud dramática y las ropas extravagantes, abrieron una serie de clubes, siendo el Blitz el más recordado, y al que también se le dedica un espacio en la exposición. La sala con las fotografías que Chris Duffy tomó de Steve Strange acompañan la historia de la noche que Bowie visito el club y allí mismo hizo un cásting de selecta figuración para su video Ashes To Ashes, entre los que aparece el propio Strange. Una historia ampliamente narrada en el documental Blitzed! (2020).

El capítulo final de la colaboración llega con la sesión para Scary Monsters en 1980, que Duffy realizó cuando ya estaba abandonando la fotografía, por lo que utilizó el estudio de su hijo; una circunstancia que ayudó a que se conservaran los negativos. “Scary Monsters es el cierre de los años 70”, explica Cervera. “Una década en la que Bowie cambia el vocabulario de la música pop como los Beatles lo hizo en los 60”, añade. Las fotos de Scary Monsters anticipan la siguiente era de los 80, en la que “se acaban los personajes excéntrico, serán más terrenales a partir de ese momento”, dice el periodista, que señala como ahí también aparece un Bowie de género fluido, referente LGTBI actual, “fuente de inspiración y libertad que ha ido ganando importancia con los años”.

A partir de 1980, Brian Duffy ya no quiso fotografiar más. Ni a Bowie ni a nadie. Se dedicó a pintar, a restaurar muebles y a dar clases de restauración de antigüedades hasta su fallecimiento en el año 2010. El fin de su carrera como fotógrafo intentó que fuera esa pira ardiendo en el jardín de casa en 1979, de la que solo se salvaron unos 160 negativos. Explica la extraña reacción de su padre porque “en aquel momento la fotografía no era considerada un arte como ahora, él lo veía como un trabajo”. “La pérdida tiene, por supuesto, impacto en nuestro archivos y seguimos buscando lo perdido entre cientos de revistas de la época”, explica, y señala que, de entre lo que ya no se recuperará jamás, porque no fue publicado, son cinco de las seis sesiones de fotografía que hizo con su amigo John Lennon. “No he dormido algunas noches pensando en lo que se ha perdido”, admite Chris Duffy a la pregunta de la prensa, sobre semejante pérdida de patrimonio de la cultura popular, en la presentación.

El fotógrafo Brian Duffy retrató a Bowie en los momentos más icónicos de su carrera, de hecho, captó la imagen más famosa del artista británico: la portada del disco Aladdin Sane. En la carátula aparecía el cantante con un rayo azul y rojo pintado en la cara, un maquillaje que se convirtió en un símbolo para sus fans alrededor del mundo y con el que a día de hoy, 50 años después, seguimos relacionándolo. 

Como esta, son muchas las vivencias de David Bowie que Duffy logró fotografiar para la prosperidad. Momentos antes de una sesión de fotos o descansos en el camerino, la parte más íntima del cantante con la que el fotógrafo supo hacer magia. Todas estas imágenes inéditas y otros elementos como cámaras, álbumes o dibujos podrán visitarse a partir del miércoles 15 de marzo en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM). 

La muestra es todo un elogio al arte que tanto el fotógrafo como el cantante supieron transmitir con sus trabajos. Duffy y Bowie vuelven a reencontrarse en Madrid, la ciudad que consiguió sorprender a David en su primera gira por España allá por 1987. Es imposible olvidar el vídeo que queda de aquella ocasión, paseando por las calles de la capital junto con el músico Peter Frampton en busca de un bar para tomar unas cervezas.

Las entradas se encuentran a la venta desde las 12.00 de este martes. Su precio de salida es de 14,90 euros para adultos y de ocho euros para niños menores de 13 años. La muestra estará abierta al público hasta el 25 de junio de martes a domingo en horario de 10.00 a 21.00 con sesiones cada media hora.

La exposición es una oportunidad única para acercarse a la parte más desconocida de uno de los grandes hitos de la historia del pop. Un evento inédito en el que se podrán ver imágenes de Bowie pertenecientes al archivo de Duffy que nunca antes habían sido expuestas. Además, la exposición contará con más de 150 objetos cedidos por la familia del fotógrafo y entrevistas en vídeo nunca vistas de las personas que colaboraron con el cantante en las célebres sesiones fotográficas. 

“El caos y la fragmentación son mi línea argumental”. Con esa frase se definía el propio David Bowie a sí mismo. Una personalidad caleidoscópica, poliédrica e indescriptible. Un artista que no cabía en ningún cliché. Las etiquetas no valían. Según alguien se atrevía a ponerle una, él la cogía, la arrugaba y la tiraba a la basura ofreciendo algo radicalmente diferente. Para acercarse a alguien inabarcable la única posibilidad era abrazar el caos y la fragmentación. Eso es lo que hace el director Brett Morgen en Moonage Daydream, un documental descomunal, apabullante y una experiencia inmersiva y fascinante en el universo de Bowie. Una película que merece pantalla grande y dejarse llevar por la música y el talento del músico fallecido en 2016.

Morgen se salta las normas del documental canónico a la torera. No hay bustos parlantes, no hay amigos diciendo lo bueno y talentoso que era. Ni siquiera hay un orden cronológico, ni se pone el título de las canciones que suenan, las fechas de los acontecimientos o los sitios donde aparece en concierto. Es un collage expansivo que arrolla al espectador desde su inicio. Tras una cita del propio Bowie hablando de Nietzsche, declarando que los dioses murieron a finales del siglo XIX y que, desde entonces, “los humanos se deben convertir en dioses” la pantalla se tiñe de negro y aparece su apellido, Bowie, en letras enormes. Comienza así un montaje en paralelo con el Hallo Spaceboy que deja claro lo que vamos a ver, un espectáculo visual que une imágenes de conciertos, fotos de archivo y los homenajes cinematográficos que ya se encontraban en el videoclip de la canción. 15 minutos arrolladores y que dan ganas de cantar y bailar. El espectáculo de montaje, diseño sonoro y musical de Moonage Daydream es inigualable.

Se nota que su director, Brett Morgen, no solo ama a Bowie, sino que ha dedicado cuerpo y alma a este trabajo. Exactamente cinco años, parte de los cuales se dedicaron a revisar todo el archivo documental, alguno inédito gracias a la autorización de la familia de Bowie, que le dio acceso a cinco millones de documentos, grabaciones, ilustraciones y diarios. En Moonage Daydream es Bowie el que cuenta a Bowie, y es gracias a él como descubrimos la verdad detrás del juego de personajes y espejos que creó durante décadas. Es él mismo quien, en uno de los momentos más íntimos, explica que es artista gracias a que su hermanastro le descubrió En el camino de Jack Kerouac, y la música de John Coltrane. 

En toda su carrera creó “una serie de papeles”, todos por un motivo, “no exponerse al público”, como se le escucha decir en el documental donde se describe como “un coleccionista de personalidades”. Una de ellas fue la de Ziggy Stardust, al que define como “el arquetipo de una estrella de rock mesiánica”.

No es casualidad que el documental se llame Moonage Daydream. Primero, porque es el nombre de una de las canciones de su álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars (1972), en el que presentó a su alter ego, y segundo, porque así se llamó el libro de fotografías de Mick Rock que iban acompañadas de comentarios del propio Bowie en lo que fue descrito como “lo más parecido que tendrás a una auténtica autobiografía de Bowie” por la revista Rolling Stone. Lo más cercano que sus fans estuvieron de ver detrás de la máscara. En el libro se mostraban las inspiraciones del cantante, como el teatro Kabuki, la mímica y la música alternativa de Nueva York. Todo eso está en el documental, que de alguna forma recoge el testigo y pone en movimiento aquellas fotografías y aquellos pensamientos para crear otro trabajo esencial.

Aunque no haya un orden cronológico, sí que se pueden apreciar zonas temáticas en Moonage Daydream, una de las primeras en aparecer es la importancia de Bowie como icono 'queer'. El documental muestra las preguntas llenas de prejuicios sobre su aspecto y su sexualidad que le hacían en los 70 una y otra vez. Cuestionaban su aspecto, su ropa, por qué llevaba zapatos de mujer… Él respondía con una naturalidad que desarmaba a cualquiera. Era una de los primeros artistas que no tenía miedo en decir la palabra bisexual.

“La gente quiere un rol en la sociedad, encontrar su identidad”, dice en un momento del documental para luego escuchar a sus fans a las puertas de uno de sus conciertos asegurar que había “roto una barrera” y que gracias a él “ya a nadie le daba miedo ir así”. “Viene de otro universo”, aseguran otras fans. Su universo se llamaba liberta, y es curioso cómo, décadas después, su figura sigue siendo necesaria y hasta revolucionaria. Otro de los temas que se trata es si durante una época David Bowie se vendió al mainstream. Por pantalla aparecen su anuncio de Pepsi junto a Tina Turner en 1985 y sus momentos más criticados por sus fans en una de las múltiples facetas de un artista que aseguraba que se había usado a sí mismo “como un lienzo”.

Una película maximalista

Brett Morgan tuvo libertad total de los herederos de Bowie. Era su película, no la de ellos, y apostó por un “film maximalista”, como lo describió en The Guardian. “Definitivamente es una obra caleidoscópica que quiere ser una pieza de entretenimiento inmersivo. Mi inspiración para este proyecto probablemente fue más mis experiencias en el planetario del Observatorio Griffith, en Los Ángeles, viendo el espectáculo láser de Pink Floyd y las atracciones de Disneyland más que cualquier película específica”, contaba en dicha entrevista.

Allí también confesó que el origen del proyecto data de 2007, pero no tenía nada que ver con Moonage Daydream. Llegó a conocer a David Bowie, y justo cuando iba a comenzar “su inmersión” en su universo, Morgan sufrió un ataque al corazón. “Estuve sin pulso un breve tiempo y estuve en coma durante una semana. Tras ese momento comencé a revisar todos los archivos que tenía de él y, por lo tanto, sus reflexiones sobre la mortalidad, el envejecimiento, su forma de abordar la vida, y fueron muy enriquecedores, catárticos e inspiradores para mí. Ahí es donde la película realmente comenzó a tomar forma”.

En Screen Daily dio otra de las claves de este trabajo. No habla de David Jones, el nombre real del artista, pero tampoco era una película sobre David Bowie, sino que, de alguna forma se “estaba burlando” de él y abrazando “sus fuentes de inspiración, introduciendo a una nueva generación a Brecht, Metrópolis, Kandinsky, todos los expresionistas alemanes como una forma de transmitir su legado a la siguiente generación”. En Moonage Daydream nunca vemos el retrato completo. Nunca desciframos el misterio de Bowie, porque, como él dijo: “Nunca seré David Bowie al completo, me transformaré en otra cosa”.

Warner Chappell Music (WCM) compró el catálogo completo del británico David Bowie, según anunció este lunes la multinacional, que destacó que ha adquirido canciones publicadas a lo largo de séis décadas de sus 26 álbumes de estudio. La revista Variety asegura que el sello musical ha pagado a los herederos de Bowie más de 250 millones de dólares por el catálogo del músico fallecido en 2016 a los 69 años.

Entre las canciones compradas se encuentran éxitos como Heroes, Space Oddity, Changes, Let's Dance, Ziggy Stardust, Starman, Rebel Rebel, Fame, o su colaboración con Queen de 1981, Under Pressure, por citar las más populares.

“Estas no son sólo canciones extraordinarias, sino hitos que han cambiado el rumbo de la música moderna para siempre”, dijo en un comunicado el consejero delegado de WCM, Guy Moot, que describió el catálogo como “rompedor, influyente e imperecedero”. El acuerdo también incluye el álbum póstumo Toy, que se publicará este próximo viernes, y que incluye nuevas grabaciones llevadas a cabo en Nueva York en el año 2000 de sus canciones publicadas entre 1964 y 1971, junto con un par de canciones nuevas.

El pasado mes de septiembre, el gigante discográfico ya anunció que se había hecho con los derechos de todos los álbumes que Bowie grabó a lo largo de su carrera. La cifra de los 250 millones de dólares es menos de la mitad de los 535 millones de dólares de los que habían hablado algunos medios británicos en noviembre, y se queda lejos de los 500 millones que pagó Sony el pasado mes de diciembre por el catálogo de otro icono de la música, Bruce Springsteen.

El acuerdo alcanzado con el patrimonio de Bowie ha sido anunciado a menos de una semana del que hubiera sido su 75 cumpleaños el 8 de enero, y que se ha celebrado con la apertura de dos tiendas con merchandising del británico en Londres y Nueva York, y con la publicación en noviembre de la colección de discos Brilliant Adventure (1992-2001).

David Bowie odiaba volar. Esto era un problema, especialmente cuando estaba de gira y había que ir rápido de un lugar a otro para dar conciertos. El tiempo para desplazarse no era el único inconveniente. También tenía que ingeniárselas para transportar instrumentos, trajes y algo más de lo que era inseparable: una biblioteca móvil con baúles llenos de libros. Y no eran pocos. Había más de 500. Pero ¿cuáles marcaron su vida?

Es lo que responden en El club de lectura de David Bowie (Blackie Books), un libro que es a su vez la puerta hacia muchos otros. Invita a la lectura a través de 100 obras recomendadas por el propio artista tres años antes de su muerte. La lista se hizo pública en 2013, a raíz de una exposición retrospectiva sobre el compositor realizada por el museo londinense de Victoria y Alberto (V&A). Y no se trata de una recopilación de publicaciones favoritas como tal, sino de aquellas que le cambiaron su vida y ayudaron a entender mejor el mundo.

La obsesión de Bowie por la literatura no fue precisamente temprana. El cantante no rindió demasiado en la escuela: salió de ella en 1963 y solo se había graduado en la asignatura de arte. No porque no tuviera capacidades académicas, sino porque disfrutaba más teniéndose a sí mismo como profesor. De hecho, en 1998 empezó a escribir reseñas de libros para Barnes & Noble, la mayor librería de EEUU.

Los libros eran en el fondo una pieza más de su proceso creativo para crear canciones. Gracias a ello pudo elaborar una mitología que le llevó a ser conocido como el Camaleón del rock, pseudónimo otorgado por las múltiples facetas que demostró a lo largo de su carrera. Ziggy Stardust, comandante Tom o Starman son solo tres caras de su poliédrica personalidad.

La lista representa dos cosas de Bowie: la cultura que ha fraguado su sensibilidad artística y los hechos que marcaron su vida. También hay que tener en cuenta el lugar de procedencia del cantante para entender la selección de títulos. Nació en Brixton, al sur de Londres, el ocho de enero de 1947. Por tanto, muchos de los que considera importantes fueron aquellos que se pusieron de moda en los 60 y 70.

Uno de los episodios más significativos de su vida fue cuando su hermanastro Terry Burns le dio a conocer el clásico beat de Jack Kerouac, En el camino (1957). Aquella obra abordaba temas como la libertad, la creatividad, las drogas o el sexo, aspectos que impresionaron a un Bowie con solo 12 años y alimentaron su frustración por salir de Bromley, su lugar natal, al sentir que estaba estancado culturalmente.

El artista se contaminó de lo plasmado por Kerouac, autor que decidió abandonar sus estudios universitarios para dedicarse a recorrer Norteamérica. “Yo también quiero hacer eso, no ir a la estación de tren de Bromley South y subirme al puto tren que va a la estación de Victoria ni volver a trabajar en una agencia de publicidad de mierda”, explicó Bowie en una entrevista realizada por la revista Q en 1999.

No es gratuito que muchos de los títulos que aparecen en la lista estuvieran vinculados al movimiento mod originado a finales de los años 1950 en Londres. Eran muestras del dadaísmo y del surrealismo que luego fascinarían al cantante.

'La naranja mecánica' y la masculinidad tóxica

Otra de las obras que aparecen es La naranja mecánica (1962) de Anthony Burgess, ambientada en una Gran Bretaña totalitaria. Alex, su protagonista, es fan de Beethoven y líder de una pandilla que se dedica a instaurar el caos violando y robando bajo los efectos de narcóticos.

La influencia fue tal que Bowie, bajo la careta de Ziggy, solía aparecer en los escenarios mientras sonaba la Novena sinfonía de Beethoven en la versión de Wendy Carlos. Era la misma que aparecía en la banda sonora de la película de Kubrick estrenada en 1972, cinco meses antes de que saliera el disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars. De hecho, los trajes de los integrantes de la banda, los Spiders, estaban diseñados inspirándose en los de Alex y sus drugos.

El nadsat, la jerga anglorrusa que habla Alex en la novela, hasta apareció en una canción de Bowie. Concretamente en Girl Loves Me, donde era mezclada con el polari, otra lengua empleada en la subcultura gay británica. Y es aquí donde el cantante refuerza la idea de que el libro de La naranja mecánica era a su vez un estudio de la masculinidad moderna a través de protagonistas que no tenían ningún reparo a la hora de demostrar sus consecuencias.

'La Ilíada' y el poder de la ropa

Bowie no solo hizo referencia a clásicos contemporáneos. En la lista por ejemplo aparece La Ilíada (s. VIII a.C.), la epopeya griega de Homero ambientada en los sucesos desarrollados durante la guerra de Troya. Existen muchas razones para tomar como modelo a uno de los textos más importantes de la historia de la literatura, pero el cantante se fijó específicamente en un aspecto: el vínculo entre Aquiles y su mejor amigo, Patroclo, en ocasiones interpretado como una relación con tintes homosexuales.

En un momento de la aventura Aquiles se niega a combatir y Patroclo toma prestada su armadura, que además le otorgaba superpoderes para combatir de forma más eficaz. Sin embargo, el dios Apolo interviene y le despoja de su casco, provocando así la muerte del héroe. La historia refleja muchas cosas, pero una de ellas es el poder de la ropa y la proyección de esta sobre los demás.

La imagen que se transmite es a veces más importante que lo que uno es, algo que el propio Bowie sabía a la perfección y de lo que se ha beneficiado en múltiples ocasiones. A veces bajo un aspecto de superhéroe (como en Starman) y otras casi rozando lo grotesco. Es lo que ocurre con el disco Diamond Dogs (1974) y su portada, que muestra al compositor como una especie de semiperro y que no pasó desapercibida.

Dicho álbum, además, está claramente inspirado en la novela 1984 de George Orwell y la peculiar invención de un mundo distópico donde relacionarse casi parece un acto de rebeldía. La canción We are The Dead es probablemente la referencia más clara, ya que hasta cita directamente las palabras que Wiston le dice a Julia en un momento del libro: “Nosotros somos los muertos”.

Lo que está claro es que la literatura fue un refugio de Bowie sin el cual no se podría entender su música. “¿Mi idea de felicidad absoluta? Leer”, decía el cantante. Y ahora, somos nosotros quienes lo hacemos siguiendo la estela del hombre-estrella.

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Se podría decir que David Bowie alcanzó la cima musical cuando no era él mismo. Fue su alter ego, Ziggy Stardust, quien logró comenzar a llenar estadios y mantenerse en el top de las listas musicales con canciones como Starman, la cual marcaría un antes y un después en su carrera. Como el propio nombre del single indica, le convirtió en una estrella capaz de traspasar la frontera entre diferentes generaciones. Pero ¿cuáles fueron los primeros pasos del Camaleón del rock?

“No tuve una infancia especialmente feliz. Mis padres eran muy fríos y no nos dábamos muchos abrazos, por eso siempre he tenido necesidad de ese afecto”, dice el propio cantante en el documental David Bowie. Los primeros años, recientemente estrenado en Movistar+. En él, el director Francis Whately recorre la infancia, las influencias y los primeros fracasos con declaraciones de archivo y entrevistas a sus allegados, tanto a familiares como amigos. Propone con ello un vistazo intimista a aquel joven realmente llamado David Robert Jones que se enfrentaba a la impotencia de querer triunfar sin saber cómo hacerlo, algo que le llevo a experimentar con múltiples estilos, grupos e incluso amores.

“Pasé mi adolescencia adoptando diferentes poses. Cambiando papeles y aprendiendo a ser alguien”, explica el compositor sobre una de las cualidades que definiría su carrera: la capacidad de ser polifacético. Quizá fuera la intención de sorprender a su madre, Peggy Jones, lo que provocó esta inagotable búsqueda de la personalidad. Como detalla en el documental Kristina Amadeus, prima de Bowie, este “sufrió mucho por los problemas de matrimonio de sus padres” y eso provocó que entre otras cosas careciera del afecto necesario.

Encontró un refugio en la música, componiendo canciones y versionando a otros artistas, algo que hizo que la banda The Lower Third le contratara en 1965. Tenía solo 18 años e iban tocando por pequeños clubs desplazándose en una vieja ambulancia. Ya entonces Bowie lanzó la idea de utilizar maquillaje para diferenciarse del resto de artistas, una propuesta que el resto de los integrantes no pareció recibir de buen grado.

Lo que destacaba a David Bowie era su capacidad para contar historias. Le gustaba rebuscar en sus propias experiencias para encontrar algo de lo que poder escribir y luego llevarlo a sus obras, pero no encontraba la mejor forma de hacerlo. Esto le llevó a pasar por diferentes grupos como The Buzz o The Riot Squad, donde nacieron canciones tan surrealistas como Toys older. En ella, una niña volvía a casa del colegio, iba a su habitación y luego era azotada por ese mismo juguete.

Experimentar con nuevas formas musicales más allá de las corrientes principales se llegó a convertir en una de sus principales obsesiones, como una especie de acto de rebeldía. No es de extrañar que por entonces tomara como referente a The Velvet Underground, formación que para Bowie representaba “el lado salvaje de los Estados Unidos más existencialista”.

Su álbum debut fue lanzado en 1967, claramente influenciado por las melodías teatrales de Anthony Newley que le apasionaban. Ni siquiera logró entrar en las listas de éxitos oficiales, entre otras cosas porque ese mismo año se lanzó uno de los álbumes más importantes de la historia de la música: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, de los Beatles. Al menos, la canción When I live My dream sirvió a Bowie para cautivar al que se convertiría en su novio, el bailarín y coreógrafo Lindsay Kemp que además le enseñó mímica. “Hay gente que todavía piensa que era bueno como mimo. ¿De verdad? No, era una mierda”, confiesa su expareja en el documental.

“¿Me oye, comandante Tom?”

Bowie tuvo un pequeño periodo de experimentación con el folk en Feathers, el grupo que formó junto a la que de verdad se convirtió en su primer amor, Hermione Fathingale. Pero en 1969 llegó su segundo álbum: Space Oddity, con una canción homónima que fue su primer éxito en llegar al top 5 de las listas en Reino Unido.

“Está relacionada conmigo mucho más que cualquier otra cosa que hubiera escrito hasta ese momento. Habla de los miedos sobre mi propia inseguridad social y emocional. Ese sentimiento de aislamiento que tenía desde que era pequeño empezaba a manifestarse por sí mismo”, explica Bowie sobre un tema que no habría existido de no ser por la presencia de una película: 2001: Una odisea del espacio. “Pensé: 'vaya, ya soy el comandante Tom'. Estoy en mi propio espacio cósmico y nadie puede entender lo que significa estar aquí fuera, unido por un cordón umbilical”, añade.

Los instrumentos empleados en el tema iban en sintonía con su enigmático significado. No es baladí que lo primero que suene sean unos acordes que parecen proceder de la nada, como de la profundidad del espacio. El efecto es potenciado además por dos instrumentos novedosos para la época: el estilófono, un sintetizador en miniatura que se tocaba con un lápiz; y el melotrón, una especie de “piano” electrónico utilizado por The Beatles en temas como Strawberry Fields Forever.

A partir de entonces Bowie empezó a verse a sí mismo como una estrella. Sus fans le saludaban por la calle llamándole “comandante Tom”, algo que disfrutaba a pesar de las malas noticias: si bien el single Space Oddity cosechó una gran fama, el álbum no tuvo demasiado éxito en ventas.

Quizá ese fue el motivo que le llevó a cambiar completamente de tercio con The Man Who Sold the World (1970), que se distanciaba del rock acústico para acercarse al estilo que Led Zeppelin marcaba en esos momentos. Puede que precisamente ese fuera su error: el público solo tenía ojos para los padres de Good Times, Bad Times o, como mucho, para Black Sabbath.

Un año después lo intentaría con el LP Hunky Dory (1971), pero no sería hasta la publicación de El ascenso y la caída de Ziggy Stardust y las arañas de Marte (1972) cuando alcanzó el estatus de celebridad de la mano de este personaje andrógino. “Dios habló conmigo y me dijo: 'hágase Ziggy”, bromea Bowie en una entrevista de archivo que aparece en el documental. Había creado una figura, un vehículo con el que sentirse cómodo para explorar todos los recursos musicales que había obtenido a lo largo de su carrera. Ninguna otra estrella del rock ha hecho lo mismo: abandonar su personalidad para abrazar la interpretación.

Teniendo en cuenta el éxito podría haber continuado con esta careta durante años, pero Bowie no se siente cómodo en un único papel. “Voy a recordar esto durante mucho tiempo. No solo es el último show de la gira, también es el último que yo voy a dar”, anunció el cantante en julio de 1973, justo antes de acabar un concierto en el local londinense Hammersmith Odeon como Ziggy. Ni siquiera sus compañeros de banda conocían este giro de los acontecimientos y creyeron que estaban siendo despedidos en pleno escenario.

Ziggy Stardust fue la culminación de todo lo que Bowie había intentado hacer durante los 70, pero no dejaba de ser solo eso: un personaje. Su desaparición no significaba el fin de su carrera, sino el de una etapa. “A partir de ahora solo seré David Bowie. Y punto. Tengo muchos planes para el futuro”, dijo el artista. Y, a juzgar por los hechos, esos planes no tuvieron desperdicio.

Los revivals son procesos dinámicos. Una vez revisados los años sesenta desde todas las perspectivas, parecía lógico que el foco se pusiera en la década siguiente y que, con ello, ganaran protagonismo estilos y personajes que encarnaron una era y dieron identidad propia a los setenta.

En lo musical, quizás sea el glam el que en estos momentos se lleva la palma: libros, documentales, bandas tributo y biopics que arrasan en la taquilla, como Bohemian Rhapsody sobre Freddy Mercury o Rocketman sobre Elton John, que se estrenará en mayo y ya apunta a éxito. En este contexto era evidente que el turno de David Bowie no tardaría en llegar, y a finales de 2018 se empezó a rumorear que un biopic sobre el artista estaba en marcha.

La muerte de Bowie, un 10 de enero, a los dos días de lanzar su nuevo disco, Blackstar, inauguraba un 2016 negro en cuanto a fallecimientos de grandes estrellas (Prince, Leonard Cohen, George Michael), pero también abría la puerta a la creación de narrativas retrospectivas no exentas de épica, al tiempo que disparaba las cifras de ventas de sus discos y de cualquier producto relacionado con su figura. La muerte vende, dignifica y autentifica; tres aspectos fundamentales para construir un mito y situarlo en el canon de la historia de la música.

Los setenta de Bowie

Con Bowie no es necesario tirar de retórica para justificar su sitio en la historia del rock. Sin duda, los setenta fueron su gran década en cuanto a innovaciones, aunque el éxito masivo no le llegó hasta Let's dance (1983). Pero Bowie supo reinventarse a lo largo de toda su carrera y dejó su huella en numerosos artistas y estilos hasta la actualidad. Lo hizo como todos los grandes: rodeándose de un buen equipo, aglutinando y coordinando talentos para obtener el mejor resultado.

En su constante exploración estética pasó de las bandas de skiffle, folk y los ambientes mod a convertirse en el pionero de la estética glam y crear su alter ego más famoso: Ziggy Stardust (1972). Siempre a contracorriente o adelantándose a los tiempos, cuando el rock psicodélico abría la puerta a las complejidades del progresivo, Bowie apostaba por la sencillez e inmediatez del glam, uno de los primeros revival del rock and roll.

David Bowie, como Ziggy Stardust, en el concierto de 1973 en Londres inmortalizado en la película 'Ziggy Stardust The Motion Picture'

Los años setenta son una etapa muy prolífica para Bowie. Llega a grabar más de un LP al año, compone para otros músicos, produce y mezcla discos para Lou Reed, Iggy Pop… Un ritmo de trabajo frenético en el que los cambios de estilo tanto en música como imagen son continuos. Tres años después de Ziggy Stardust encontramos a Bowie en Young Americans (1975), inmerso en el soul blanco del “sonido Philadelphia”, antecedente de la música disco, que influiría a artistas como Roxy Music, Talking Heads o Spandau Ballet.

En el cambio de década, Bowie marcaría la pauta estética de los neorrománticos con videoclips como Ashes to ashes (1980) y se adelantaría al fenómeno de la 'world music' con temas como African nights (1979), que incluía términos en suajili y percusiones tribales, o videoclips como Let's dance y China girlChina girl, donde desplegó todo el imaginario exótico del orientalismo.

Los “nuevos” Bowie

La generación del rock alternativo de los noventa tomó a Bowie como referente. Nirvana, la banda icónica del grunge, dio una segunda vida a The man who sold the world, mientras Suede, y en especial su cantante Brett Anderson, encontró en Bowie un filón para articular un discurso andrógino en plena explosión del Brit Pop. Por entonces, el duque blanco estaba sumergido en el new jack swing neoyorkino que se respira en su disco Black Tie White Noise (1993), y más tarde se dejaría seducir por el jungle en el álbum Earthling (1997).

Nirvana interpretando 'The Man Who Sold the World' en el concierto en directo para la MTV en 1994

Aunque en todo el siglo XXI Bowie publicó sólo tres discos, su influencia era ya más que evidente en muchas artistas. Quizás sea Madonna la que mejor encarna el discurso, la trayectoria y las formas de trabajo de Bowie, aunque es Lady Gaga quien explicita las referencias a Bowie desde el inicio de su carrera, incluyendo al músico inglés en los agradecimientos de su primer disco.

Extractos del homenaje que realizó Lady Gaga a David Bowie en los Grammys tras el fallecimiento del cantante

La creación del personaje de esta cantante cuenta con un importante componente estético: los vídeos, la moda, el maquillaje y el gesto son fundamentales para construir la identidad ambigua y camaleónica de Lady Gaga. La influencia de Bowie va más allá de las referencias explícitas en el panorama actual. Podemos encontrar su impronta en la androginia de Kesha, en los múltiples personajes que ha encarnado Taylor Swift o en la forma en la que Miley Cyrus fagocitó a Hannah Montana.

Se trata de mucho más que música, es también discurso, metanarrativa y personaje, porque la puesta en escena o las incursiones en el teatro y el cine han sido una constante en la carrera de Bowie y han contribuido a consolidar su carácter camaleónico desplegando infinitas estrategias para reinventarse.

No podemos hablar de un solo Bowie, porque hay tantos como miradas sobre su figura y su trayectoria. Su capacidad para innovar ha quedado grabada no sólo en su obra, sino también en las lecturas que de ella han hecho (y siguen haciendo) varias generaciones de artistas de todos los géneros musicales desde aquel lejano Space Oddity (1969) que este año cumple medio siglo. Sin caer en el tópico, podemos afirmar que Bowie no se fue hace tres años, porque su espíritu y su genio continúan vivos en su legado y ofreciendo mucho a quienes se quieran acercar a él.

Este artículo fue publicado originalmente en 'The Conversation'. Lee el original aquí.aquí

«At the centre of it all, your eyes, your eyes…»

La capacidad camaleónica de David Bowie para cambiar de aspecto y de estilo musical es muy conocida, pero su rasgo más icónico fue una parte de su cuerpo que no cambió en toda su carrera: el inusual aspecto de sus ojos. Desde la carátula de sus primeros álbumes, como David Bowie (1969), hasta el vídeo del primer sencillo de su último disco ★Blackstar —que incluye la enigmática letra de la canción que aparece arriba—, los inconfundibles ojos de distinto color de Bowie, de cuya muerte se cumplirán muy pronto tres años, fueron un elemento clave de su personaje estelar.

Su presencia icónica, concebida como jeroglíficos por el diseñador gráfico Jonathan Barnbrook, apareció incluso en la campaña publicitaria del álbum ★Blackstar. Para mucha gente, es la apariencia mística de Bowie —con sus ojos como elemento principal— la que define su identidad como un artista que adoptó la «otredad» y destacó entre la multitud.

¿Por qué parecía tener ojos de diferente color?

La heterocromía completa es una anomalía poco común (en los seres humanos) en la que cada iris es de un color marcadamente distinto, como por ejemplo un iris azul y otro marrón.

Pero este no es el motivo por el que los ojos de Bowie eran diferentes. La apariencia inusual de los ojos de Bowie se debía a una afección llamada «anisocoria». La anisocoria es una condición que se caracteriza por el tamaño desigual de las pupilas de una persona. En el caso de Bowie, la pupila izquierda estaba permanentemente dilatada.

Esto podía dar la impresión de que tenía los ojos de diferente color, dado que la pupila fija no respondía a los cambios de luz, mientras que la pupila derecha sí. Por tanto, el ojo izquierdo de Bowie a menudo parecía bastante oscuro, debido a la oscuridad de la pupila dilatada, en comparación con el iris azul verdoso de su ojo derecho.

La pupila dilatada del ojo izquierdo también era más propensa a sufrir el efecto de “ojos rojos”. Esto a veces aumentaba la sensación de que el ojo izquierdo era de un color diferente al compararlo con el ojo derecho. El efecto de ojos rojos se produce cuando la luz se refleja en la retina (la parte posterior del ojo) a través de una pupila abierta y plasma una coloración roja al adquirir la tonalidad de la sangre de la coroides, que cubre el globo ocular.

Esto se puede ver con claridad en la fotografía Aladdin Sane – Eyes Open de Brian Duffy (tomada en 1973, pero inédita hasta 2011), que se utilizó como imagen principal en los carteles de la exposición «David Bowie is» (2013) del Museo V&A (Museo de Victoria y Alberto) de Londres.

Entonces, ¿qué pasó?

Como anécdota, la causa de la anisocoria de Bowie se achaca a las consecuencias de una pelea durante la primavera de 1962. Bowie llegó a las manos con un amigo, George Underwood, tras una riña debido a una chica con la que ambos querían salir.

Por aquel entonces, Bowie y Underwood tenían unos quince años y su amistad se conservó intacta. Los dos tocaron juntos en varias bandas antes de que Underwood pasara de la música a la pintura y al diseño gráfico. Sin embargo, el ojo izquierdo de Bowie quedó seriamente dañado.

Un puñetazo impulsivo dañó por accidente el globo ocular de Bowie, lo que le provocó una parálisis de los músculos que contraen el iris. Desde aquel día, la pupila izquierda de Bowie se quedó en una posición abierta fija.

Con el tiempo, por lo visto, Bowie le dio las gracias a su amigo por su famosa lesión ocular y le dijo a Underwood que le había otorgado «algo de mística». Esta mística ayudó a impulsar algunas de las mejores creaciones de Bowie y a realzar imágenes icónicas, como la carátula del álbum Heroes (1977).

Sus ojos parecían misteriosos y dispares, de forma que generaban una mirada cautivadora o hipnótica tanto desde el escenario como a través de una cámara. El extraño aspecto de los ojos de Bowie era perfecto para un artista que abrazaba los conceptos de lo extraño, lo ajeno, lo místico y lo oculto.

En un mundo cada vez más visual y aparentemente preocupado por la perfección, la pupila izquierda dañada de Bowie se convirtió en una parte intrínseca y llamativa de su identidad enigmática.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Lea el original.The Conversationoriginal

Las imágenes de este artículo son propiedad de Flickr CC BY-SAFlickrCC BY-SA

La exposición de David Bowie que ocupa el Museu del Disseny de Barcelona desde finales de mayo se inauguró por primera vez en el Victoria & Albert de Londres, en enero de 2013. Al mismo tiempo, David Bowie anunciaba el primer disco después una década de silencio. En aquel momento, su última actuación era un recuerdo lejano y escaso: tres canciones en el Hammerstein Ballroom de Nueva York, en 2006. Después de los singles, Blackstar salió a la calle el día de su 69º cumpleaños, el 8 de enero de 2016. Dos días después, murió.

En el momento de su muerte, la exposición había viajado a Toronto, Sao Paulo, Berlín, París, Melbourne y Groninger, en Holanda. Antes de salir de Londres, ya se había convertido en la más popular de la historia del venerable museo londinense. Antes de llegar a Berlín, era uno de los eventos de la temporada, con los posters cotizando al alza en eBay.

La muerte de su protagonista la transformó por un momento en una especie de mausoleo flotante, un altar a su figura en el que la gente se sentaba a mirar sus vídeos y a llorar. Ahora en Barcelona, después de haber vivido varias vidas, podemos empezar a pensar en su legado, con el acuerdo más o menos planetario de que trasciende al conjunto de sus canciones, sus trajes y su fotogenia sin igual.

El bello hombre que cayó en la Tierra

Los 300 objetos, trajes, dibujos, fotografías, cuadernos, entrevistas, documentales, películas, videoclips, conciertos, instrumentos y portadas que componen esta enciclopedia del extraordinario hombre que vino de Marte que la verdadera aportación de David Bowie no fueron sus canciones ni sus trajes sino la particular hazaña de haber creado un lugar en el mundo seguro para un colectivo desamparado; un lugar donde el chico sensible, inteligente y potencialmente afeminado -el Smalltown Boy de Bronski Beat - podía ir al instituto con los ojos pintados, chaquetas entalladas o pelo oxigenado sin que le pegaran en el recreo.

El glam tenía chulazos como Marc Bolan o Iggy Pop y malditos a lo Gary Glitter, pero Bowie consiguió ser lo opuesto al macho-man sin ser exactamente su némesis, un plano de existencia antitético al machote de la moto sin ser un marica o un snob.

Su sexualidad ambigua no era amenazante, porque no era un bello y perturbador ladyboy sino Ziggy Stardust, un melancólico inmigrante del espacio exterior. Por no ser, ni siquiera era un inmigrante pijo: en una conversación con William S. Burroughs para Rolling Stone en 1973, el propio Bowie explicó que Ziggy Stardust no es Starman, sino su mensajero en la Tierra. Y su marca característica no eran las plataformas ni el pelo recontrateñido sino su pupila izquierda eternamente dilatada; una condición llamada anisocoria que el artista adquirió de un certero puñetazo en una pelea adolescente, supuestamente por una mujer.

Esto es lo que ocurrió cuando el Ziggy Stardust apareció por televisión. Hombres de todas las edades y sexualidad variada, con inquietudes intelectuales o sensibilidad artística, encontraron una manera de canalizar su naturaleza sin tener que salir del armario. Y las chicas encontraron una alternativa al chico de la moto, alguien que no les partiría el corazón por unas pintas y una prima y con quien compartir sus sueños y su purpurina.

“Es un signo de nuestro tiempo que un hombre con la cara pintada y pintalabios cuidadosamente aplicado inspire adoración entre las chicas de 13 a 20 años”, se lamentaba Bernard Falk en la BBC. 

Cambia con los tiempos y los tiempos cambian con él

El visitante es también una esponja. El papel de Bowie como medium y antena de su propia época ocupa gran parte del concepto expositivo, que demuestra sala por sala los engranajes de su fantástica maquina de procesar, asimilar y redistribuir arte contemporáneo en forma de cultura popular. Sus diferentes “personas” son inseparables del contexto, como el Major Tom de las primeras fotos a color de la Tierra vista desde el espacio (planet Earth is blue / and there is nothing I can do), el Apolo XI y la portada del mítico Whole Earth Catalogue y las series de Folklore planetario de Vasarely.

Alienígena, marciano, Duque blanco, Camaleón, Bowie cambia con los tiempos y los tiempos cambian con él. En Japón asimila el Kabuki, en Berlín el cabaret. Es el astronauta del espacio exterior de JG Ballard; el rayo en su cara es de Pierre Laroche. Además de contextualizar su obra, la muestra es un festín para el mitómano.

Pocas etapas de su vida han sido más mitificadas que su década en Berlín, ya entonces “la ciudad perfecta para encontrarse o perderse a uno mismo”, con fotos del menú del sucio restaurante de Kreuzberg en el que pasaba las noches o las pesadas llaves de su casa en el 155 de la Haupstrasse.

Otro momento emocionante es la pared con sus vídeos, claramente seleccionados para intensificar el impacto de los más recientes y tenebrosos, donde recupera al Major Tom y se despide, aunque no lo supiéramos. Como Madonna en los 90 y Bjork después de ella, Bowie conecta con los videoartistas porque no hay separación entre él y su personaje. Y porque Ashes to Ashes y otros de sus mejores vídeos coinciden con la explosión de la MTV.

Bowie + Eno: a la creatividad por el automatismo

Hay bonitos encuentros con su amigo y colaborador Brian Eno, con cuya exposición coincide felizmente en el tiempo y en la ciudad. Por ejemplo, la baraja de Estrategias oblicuas que Eno le regaló por su cumpleaños en 1977, o el “Verbasizer”, un mezclador de frases desarrollado con Ty Roberts en 1995 que usaba para escribir canciones. “Un kaleidoscopio de significados y nombres y verbos y cosas que chocan unas con otras”, explica en una entrevista.

Como Eno, Bowie nunca aprendió a escribir música como Dios manda. En una nota al margen, su bajista dice que aprendió la suficiente notación musical para hacer el primer álbum con la Filarmónica de Londres pero que las partituras tenían errores garrafales. El proyecto solo prosperó porque “su visión era tan jodidamente inspiradora” que la orquesta se lo perdonó.

Curiosamente, uno de los aspectos más interesantes de la muestra no tiene que ver con Bowie sino con la puesta en escena: el visitante recibe unos auriculares inalámbricos con los que va recibiendo diferentes señales en los distintos espacios, incluyendo canciones, entrevistas, etc. Esta forma de añadir capas a una exposición no es nueva, pero nunca antes se había resuelto con tanta naturalidad y precisión. Por esta y muchas otras razones, los que no hayan visto la exposición al menos una vez deberán darse prisa: acaba el 5 de septiembre. No se arrepentirán.

El mundo se despertó con la inesperada y desoladora noticia del fallecimiento de David Bowie el 10 de enero de 2016. Además de afligir a millones de seguidores, el artista acababa de dar –de manera casual o según algunos cuidadosamente diseñada– su último golpe magistral de marketing. Sólo dos días antes, cuando cumplió 69 años, había publicado “Black Star”, que se convirtió rápidamente en el disco más vendido del Reino Unido y más descargado mundialmente en itunes. En apariencia se estaba despidiendo de nosotros con una última obra magistral, oscura y llena de pistas sobre su muerte.

El genio de Bowie, su capacidad de epatar y de reinventarse a lo largo de las cinco décadas en las que escribió páginas brillantes de la historia de la música popular, siguen siendo objeto de estudio. Su incansable curiosidad no sólo alcanzó la música, el cine o la moda (con resultados desiguales pero siempre interesantes). Estos días la UPF Barcelona School of Management, escuela de postgrado de la Universidad Pompeu Fabra, está celebrando una serie de conferencias en las que también se analiza la relación del cantante con la industria cultural, el marketing o la economía, en paralelo a la exposición sobe el icono pop que alberga el Museu del Disseny de Barcelona.

Los Bowie bonds

Bowie bondsEn el mundo de las finanzas, el que nació con el nombre de David Robert Jones (Londres, 8 de enero de 1947- Nueva York, 10 de enero de 2016) fue un pionero y también ha pasado a la historia, si quiera de manera simbólica, a pesar de que en los años 70 y 80 estuvo varias veces al borde de la bancarrota, en parte por sus problemas con las drogas. Su fortuna al morir se calculó en unos 100 millones de dólares.

Como en otros campos, Bowie reinventó un concepto existente para adaptarlo a sus necesidades, en este caso económicas. Era el año 1997 y Bowie no pasaba por uno de sus mejores momentos de popularidad (ese año dio un concierto en Madrid que se tuvo que trasladar de Las Ventas a la extinta sala Aqualung, con un aforo de 3.000 personas).

Pero entonces, con ayuda del inversor Robert Pullman, sacó al mercado los llamados Bowie bonds, unos bonos a diez años que en lugar de estar garantizados por los activos de una empresa emisora lo estaban por los derechos que él ya poseía sobre su producción discográfica anterior a 1990. Los compró en su totalidad la aseguradora Prudential Insurance Company of America. Con los 55 millones de dólares que obtuvo, Bowie se hizo con la otra parte de los derechos de sus canciones que no estaban en sus manos y que poseía su antiguo manager. Cuando vencieron los bonos, los derechos sobre sus discos que había cedido temporalmente volvieron a revertir en él. Si pudo afrontar toda esta operación fue porque el artista se había preocupado de mantener todo el control que había podido sobre su producción, a pesar de que la norma en los años en los que comenzó su carrera era ceder la inmensa mayoría de los derechos de autor a cambio de promoción y distribución a las discográficas.

“Es la primera vez que alguien emite un bono a título personal sobre una cesión de derechos de autor. Es un producto financiero de lo más normal en el sector financiero, el bono titulizado, pero que fue aplicado por primera vez a una persona física”, explica Xavier Brun, profesor experto en Mercados Financieros de la UPF Barcelona School of Management, y uno de los participantes en la charla sobre “Bowie y la economía”.

Pero aunque la operación fue del todo exitosa para Bowie, y otros artistas como James Brown siguieron su estela, no lo fue tanto para la aseguradora fundada en 1873 en Nueva Jersey: los bonos iban a otorgar una supuesta rentabilidad del 7,9% y obtuvieron una clasificación A (notable) de las agencias de rating cuando se emitieron. Acabaron su singladura con una rentabilidad mucho menor que nunca se hizo pública y con una nota al borde del bono basura.

La revolución de internet

El motivo, como explica otro de los ponentes en la charla, el copresidente de Global Entertainment and Media Industry Group y abogado especializado en la industria musical, Gregor Pryor, fue la total revolución que supuso en la industria musical la llegada de internet, que se popularizó masivamente justo en la década de vida de los Bowie bonds. El beneficio que llegaba a través de la venta de discos -que con la llegada del CD era cada vez mayor- cayó en picado con el streaming y las descargas en sitios como Napster.

“Son una criatura de su tiempo. Bowie pudo sacar estos bonos por la naturaleza de la industria entonces. Hoy por hoy sería casi imposible, y tendría que acudir a otros métodos”, explica Pryor. De hecho, con la llegada de internet, los artistas tuvieron que echarse a la carretera para conseguir recuperar ingresos, y en la actualidad todavía un 40% de lo que ganan proviene de los conciertos.

Pero según Pryor los inversores están volviendo a mirar a la industria musical gracias a las plataformas de escucha de música por internet o “streaming” como Spotyfy. En este tipo de formatos el cliente paga una cantidad de unos diez euros mensuales y tiene “barra libre” para escuchar música cuantas veces quiera. La empresa paga a las discográficas en función de criterios como el número de reproducciones, la duración de las mismas o el país en el que se efectúen. Los sellos, a su vez, hacen llegar a los artistas una cantidad que, según declaran, es exigua.

“Todo el mundo se queja del poco dinero que se hace en comparación con la venta de CDs”, pero los ingresos están creciendo dos dígitos año a año, afirma Pryor, para quien el modelo se encuentra de nuevo en plena transformación, y podría cambiar “dramáticamente” en la próxima década.

Bowie Banc, Bowienet

Quizá animado por el éxito de la experiencia de los bonos, el músico se lanzó en el año 2000 a abrir su propio banco online, el Bowie Banc, en realidad casi una estrategia comercial de otro banco mayor, que ofrecía como principal atractivo una tarjeta de crédito con el rostro del cantante. Poco antes había creado la empresa proveedora de acceso a internet Bowienet. En el barrio de Brixton, del sur de Londres, llegaron a imprimir una moneda en 2015 con la cara del duque blanco que se utilizó en unos 200 establecimientos.

“Antes de que existiera internet, las discográficas y los productores creaban a los artistas. Les adelantaban dinero y les cambiaban la ropa, el pelo, les llevaban a las discotecas adecuadas, les proporcionaban las drogas. A cambio se quedaban con casi todo lo que saliera de la futura venta de sus discos. Bowie fue un poco distinto. Dijo: adelantadme menos dinero, pero quiero más porcentaje sobre las ventas y en último término quiero poseer mi propio trabajo”, relata Pryor. Para recuperar lo que sí había tenido que ceder es para lo que sacó al mercado los bonos que le han dado su lugar en la historia, también, de las finanzas.

Ni hombre ni mujer, nací bebé verde. Así expresa la ilustradora Roberta Marrero (Las Palmas, 1972) en el arranque del libro autobiográfico El bebé verde. Infancia, transexualidad y héroes del Pop (Lunwerg 2016) las presiones de género que recibió desde sus primeros compases de vida. El preludio de la discriminación que supuso ya en la infancia y adolescencia “vivir fuera de lo normal” y que ahora transforma en ilustraciones y collage. Dichas ilustraciones descansan estos días en la Galería Cromo de Barcelona.

La de la galería de la capital catalana es una de las muchas exposiciones y presentaciones capitaneadas por Marrero en los últimos meses. El libro, un intenso trabajo personal de más de dos años cargado de referencias a la cultura popular, no sólo le ha abierto las puertas de las salas de arte de todo el país. También la ha acercado a mucho más público.

“El 2% de personas que me han leído y contactado son trans. Por lo que me ha venido gente de todo tipo: cuando eres pequeño, ya seas gordito, afeminado o negro... ¡Te quitan la libertad! Y en eso, la gente, se reconoce”, destaca Marrero, que para muestra del frenesí que le ha traído su bebé verde, llega corriendo a la universidad Elisava de Barcelona, donde impartirá una conferencia sobre su trayectoria.

Marrero no se considera una artista pop, sino más bien cercana al surrealismo, al dadaísmo o al punk. “Estoy cerca del Warhol de los accidentes de coches”, aclara sobre su trabajo. No es pop, pero sí utiliza héroes de la cultura popular para hacer llegar sus mensajes: mediante la técnica de la apropiación artística descontextualiza iconos para virar sus significados. La ilustradora aplica en sus obras la misma idea de normalidad que se aplica a sí misma: muerte a lo normal. “Odio las normas. Odio la normalización. ¿Me puedes decir tú que es lo normal?”, zanja.

Lo hace sobretodo a base de collage saturados, llenos de mancha y letra. El porqué de hacer uso de iconos como David Bowie o Boy George, está claro: “Cuando eres joven, ¿qué te llega? Lo pop. Lo popular es un rito iniciático para muchos. Que Lady Gaga actúe en la Super Bowl puede ser muy importante para algunas personas”, destaca.

Antes de empezar con el libro, la artista afincada ahora en Madrid se había prodigado en artes tan diferentes como la música (dos discos en su regazo) o el cine (actuó en ¡Descongélate!, dirigida por Félix Sabroso y Dunia Ayuso). Incluso había hecho ilustraciones para camisetas de surf. “Calaveras con olas... Horrible”. Pese a su dilatada carrera, Marrero reconoce que el ejercicio de introspección llevado a cabo en su primera obra publicada resultó un “ejercicio de conciencia sin igual”.

Corría el verano del año 2015 cuando Marrero, casada todavía con un danés, llegó a Madrid en unas vacaciones. Tenía tiempo. Un amigo, el poeta y artista Aitor Saraiba, la invitó a uno de sus talleres autobiográficos. Su primera práctica en dicho taller fue dar forma al bebé verde. A partir de aquí el libro ya no tuvo freno: el trabajo de auto-análisis entró en velocidad crucero.

En dicho ejercicio se exploran miedos y discriminación. Sobretodo discriminación: las burlas y maltrato psicológico fueron en la infancia de Marrero una constante. Su caso no es aislado, el 82% de las personas trans han sufrido algún tipo de agresión en su vida, según el estudio Características Sociodemográficas y Ajuste Psicológico entre transexuales en España (2016), publicado en la revista académica The Archives of Sexual Behavior.

Los azotes tienen un espacio destacado de la obra, que aún así es un grito de empoderamiento. Con una idea, eso sí, sobre lo trans –se apura a definir la autora– como “trans-versal”. “Yo soy muchas cosas: artista, hermana, hija... Y todo ello atravesado por la transexualidad. Este no es un libro sobre la transexualidad, sino sobre la identidad y la otredad”, suma Marrero, que considera este hecho otro de los motivos por los que se ha encontrado puntos de empatía en los lugares más remotos. “Si todas las persona oprimidas por el hombre blanco se levantaran, seríamos más de la mitad del mundo: Donald Trump es un virus para todas”, añade.

Una vez acabada la obra, su lucha también deriva hacia otros campos. Como el de revisar la imagen de la transexualidad en el día a día. “¡Eh aquí la trans que no es ni ignorante ni prostituta!”, ríe. La ilustradora denuncia el prejuicio constante sobre las personas trans, llevado una y otra vez a los referentes culturales. Ante esto: “Hay que reescribir la imagen que se tiene en la cultura de las personas trans, porque esta se escribió desde el heteropatriarcado”.

El último disco de David Bowie, Blackstar, se editó apenas dos días antes de que el artista falleciera, por lo que nunca pudo llevarse al directo. Ahora, una iniciativa liderada por el veterano Remi Carreres (Glamour, Comité Cisne, Jean Montag, Coleccionistas...) se arriesga a interpretar el álbum al completo en un concierto único, que acoge el viernes 3 de febrero a las 22:30h la Sala Russafa.

“La idea surgió a raíz de un homenaje que se hizo al poco de fallecer Bowie. Samuel Reina, Pablo Andreas Pérez y yo interpretamos la canción Lazarus, que acababa de salir como single de su último disco. Y de esa experiencia se nos ocurrió la idea de atrevernos a trabajar todo el álbum”, recuerda Carreres.

El bajista y compositor admite que lo fácil hubiera sido hacer un “concierto-karaoke, con los grandes éxitos que todo el mundo conoce”. Pero adentrarse en estas composiciones, que mostraban una nueva faceta de Bowie, resultó mucho más complicado y apasionante, les hizo crecer como músicos.

“No quisimos copiar lo que habían hecho los intérpretes de avant-jazz que acompañaban a Bowie en el estudio, sino llevar las composiciones a nuestro terreno”, explica el artista. Un costoso proceso de investigación y creación que duró siete meses. Y en el que, a la voz y guitarra de Reina, el saxo de Pérez y el bajo de Carreres, se sumó la percusión y batería de Dani Cardona.

“Hemos ido explorando las canciones hasta descubrir su esencia, desnudarlas y comprenderlas, porque no eran composiciones sencillas. A partir de ahí, las hemos ido vistiendo otra vez, pero con nuestro estilo, con nuestros arreglos”, comenta Carreres. Quitando algunas capas de sonido, adaptando ciertos ritmos, pero manteniendo los matices que transmiten la intención del autor, ha surgido este Proyecto Blackstar que Carreres se aventura a pensar que hubiera gustado a Bowie, “sobre todo porque es fruto de la pasión por la exploración, el juego y el riesgo, algo que él imprimía a todos sus trabajos y que marcó su trayectoria”.

El repertorio se completa con una introducción instrumental rescatada del disco del Duque Blanco, Low y con una canción inédita realizada para la banda sonora del musical Lazarus, que ha aparecido recientemente.

La puesta en escena

Para la puesta en escena de esta peculiar propuesta en la que participa el artista gráfico Epi Neuraska, que ha creado unas proyecciones que se desarrollan, crecen y entretejen al ritmo de las canciones,influidas por la intensidad de la interpretación en directo.

Siguiendo el espíritu de la última portada de Bowie, que fue la única en su discografía que no llevaba una fotografía del artista sino que estaba presidida por una imponente estrella negra, los músicos se diluyen en el escenario para dar protagonismo a un universo vivo, envolvente, que referencia al espíritu del disco.

“Para nosotros, Blackstar es una obra maestra, uno de los 5 mejores trabajos de Bowie, y queríamos que tuviera el protagonismo completo. Pretendemos que sean más importantes las canciones que la gran figura de su autor y, por supuesto, que nuestra humilde reinterpretación”, comenta Carreres, quien no sabe si ésta será la única oportunidad de presentar este proyecto.

“Ha sido necesario mucho trabajo para poner en pie este homenaje, pero sólo tiene sentido si se interpreta en vivo y con unas buenas condiciones de acústica y proyección, un contexto que permita realmente al público meterse realmente en el ambiente del disco y disfrutar de la despedida de Bowie”, concluye el artista.

Biólogos españoles han hallado en aguas de Cuba una babosa marina capaz de cambiar voluntariamente de color, desde la transparencia al gris jaspeado pasando por el blanco, una capacidad camaleónica inusual en moluscos marinos que la ha hecho ser bautizada con el nombre de David Bowie, en honor al cantante fallecido en 2016.

Los autores del descubrimiento son Leopoldo Moro, del Servicio de Biodiversidad del Gobierno de Canarias, y Jesús Ortea, de la Universidad de Oviedo e investigador asociado al Instituto de Oceanología de La Habana. Según ha relatado Moro a EFE, es “sorprendente” la característica del cambio voluntario de coloración.

Esta propiedad en los animales marinos, ya sea cambiar de color como hacen los camaleones por motivos de camuflaje, intimidación a un posible depredador o por formar parte de un elaborado y singular cortejo, no es muy común en el conjunto de la biota marina de invertebrados, añade.

Los moluscos cefalópodos -pulpos, sepias y calamares- destacan por las elaboradas modificaciones cromáticas de su cuerpo, comparables a las de animales tan complejos como el rodaballo, capaz de reproducir los cuadros de un tablero de ajedrez si se coloca sobre él.

En el resto de los moluscos marinos sin concha, y muy especialmente en las babosas marinas (nudibranquios), son frecuentes las diferencias cromáticas entre individuos de una misma especie, pero los cambios de coloración del cuerpo en un mismo individuo no van más allá de ser modificaciones debidas a una alimentación diferenciada, nunca son cambios cromáticos voluntarios.

Sin embargo esta nueva especie de nudibranquio con don camaleónico en aguas de Cuba pasa de la transparencia, cuando reposa inmóvil bajo las piedras del fondo, al gris jaspeado y llega hasta el blanco, lo que motivó su dedicatoria al desaparecido David Bowie, “un músico genial de figura cambiante”.

De hecho, los biólogos marinos comparan el último trabajo de Bowie, Lázaro, con “un canto al blanco imperfecto de este nuevo animal y a la esperanza de su propia resurrección”.

Los investigadores, cuando descubren un nuevo animal o planta, tienen el privilegio de elegir su nombre científico, nombre que puede hacer referencia a un carácter anatómico de la especie como su color, a la localidad donde fue hallado por vez primera, o a una persona como David Bowie, de quien este martes se conmemora el primer aniversario de su fallecimiento.

Pero Bowie no es el único músico al que los investigadores le han dedicado una especie en su afán de unir música y naturaleza, pues el guitarrista Paco de Lucía fue honrado en 2014 con “Facelinopsis pacodelucia”, hallada en Algeciras y Ceuta, y “Elysia entredosaguas”, descubierta en playa del Carmen de Cancún, precisamente donde el maestro del flamenco tenía una residencia.

Otros ejemplos singulares “de musicalización de la naturaleza”, apuntan los biólogos, son Aegires evorae, de Cabo Verde, bautizada en honor de Cesárea Évora, la reina de la morna; Intelcystiscus teresacarrenoae, dedicada a Teresa Carreño, compositora venezolana autora de la música de su himno nacional, e Inbiocystiscus tanialeonae, dedicada a Tania León, destacada compositora y directora de orquesta cubana.

La especie nueva de nudibranquio, Jorunna davidbowiei, fue vista por vez primera en el litoral de La Habana en un fondo de roca inmediato al Acuario Nacional de Cuba, razón por la cual el ejemplar tipo en el que se basa su descripción original ha sido depositado en la tipoteca de su colección “en un país donde la música se lleva en la sangre y marca todo un estilo de vida”.

2016 está siendo inolvidable. En muchas cosas, para mal. Hemos tenido grandes pérdidas, especialmente dentro del mundo de la música y el cine.

Pero lo más impactante ha salido de las urnas. Varios procesos electorales han tenido resultados inesperados y han sorprendido y preocupado a todo el mundo, especialmente por las consecuencias que pueden tener. Además, algunos activistas han sido asesinados en medio de sus luchas contra lo que consideraban injusto y por los derechos de sus comunidades.

En la política y el activismo

Brexit

El 23 de junio, Reino Unido decidió abandonar la Unión Europea. El resultado del referéndum sobre la permanencia en Europa que convocó el entonces primer ministro David Cameron sorprendió al mundo, en un hecho histórico y de efectos imprevisibles no solo para sus socios europeos. Las encuestas apuntaban a un resultado ajustado, pero la mayoría siempre se decantó por el rechazo a la propuesta. Londres aún no se ha desligado de Bruselas, ya que Downing Street aún no ha activado el artículo 50 del tratado de Lisboa, que es el que da inicio al proceso. Pero lo ocurrido le costó el puesto a Cameron y encumbró a la que era su ministra del Interior, Theresa May. Además, desde el Brexit han aumentado las denuncias por agresiones xenófobas en territorio británico.

El 'no' a la paz en Colombia

Parecía que todo el proceso para que Colombia y las FARC alcanzasen un acuerdo estaba hecho. Solo faltaba un referéndum que avalase las negociaciones entre el presidente Juan Manuel Santos y Timochenko. Pero los colombianos votaron 'no' y todo se paralizó. Ocurrió el 2 de octubre, cuando nadie esperaba un resultado distinto al 'sí'. Este rechazo a las conversaciones con las Farc fue liderado por el expresidente Álvaro Uribe, que aseguraba que el pacto daría impunidad a líderes responsables de graves crímenes, premiaría a los criminales al permitirles participar en política y erosionaría la Constitución y las instituciones de Colombia. Por el momento, la tregua para un alto el fuego continuará hasta el 31 de diciembre. A pesar del fracaso momentáneo del proceso, Santos fue galardonado con el Nobel de la Paz en octubre.

La victoria de Donald Trump

Pocos lo vieron venir. Las encuestas se apretaron en los últimos días, pero todas apuntaban a que Hillary Clinton sería la primer mujer en presidir Estados Unidos. Finalmente, la realidad golpeó al mundo y a muchos estadounidenses. La primera potencia mundial tendrá un presidente al que se puede definir por sus palabras y actos como xenófobo, misógino y maleducado. Frases salvajes contra las mujeres, los gays, los periodistas o los discapacitados, acusaciones de abuso sexual de varias mujeres, expresiones machistas y denuncias por evadir impuestos también forman parte del bagaje de Trump.

Tras confirmarse que era presidente electo, moderó su tono y hasta elogió a Clinton, a la que llamó “asquerosa” en un debate televisivo. Su reunión con Obama, al que acusó de no ser estadounidense y de fundar ISIS, también dejó otra sorpresa: definió al que será su predecesor como un “buen hombre” y hasta aseguró que le pediría consejo cuando fuese nombrado el 45º presidente el 20 de enero.

La expulsión de los refugiados acordada por la UE y Turquía

Marzo fue un mal mes para la solidaridad. El que inició el del gran fracaso de Europa, al no responder a la mayor crisis humanitaria desde la II Guerra Mundial. Fue cuando Bruselas decidió dar la espalda a todos los refugiados que llegaron a su territorio hasta el día 20 de ese mes. Según el acuerdo, todas las personas que llegasen a las islas griegas de forma irregular serían devueltas a Turquía de forma individual. Muchos centros abiertos se transformaron en centros de detención. Además, se acordó recolocar a un número determinado de refugiados sirios, pero solo a uno por cada otro migrante expulsado hasta una primera tanda de 72.000. Poco antes, el presidente del Consejo Europeo, Donald Tusk, instó a los migrantes económicos a no venir a Europa. Así, quedaba prácticamente cerrada la ruta de los Balcanes.

Algunos gestos hacia los refugiados llegaron con la muerte de Aylan, que conmocionó al mundo. Pero no se ha dado la misma reacción con los más de 300 niños que también fallecieron entre Grecia y Turquía tras la foto del niño sirio de septiembre de 2015.

El asesinato de Berta Cáceres

El nombre de la líder indígena hondureña era conocido por la importancia de su labor: dedicó su vida a luchar por los derechos de su comunidad y por el Medio Ambiente, junto a su denuncia de las represalias contra otros activistas como ella por poner el foco en lo que consideraban abusos de las empresas transnacionales extractivas, hidroeléctricas o del sector agroindustrial en Honduras.

Fue asesinada el 3 de marzo, una semana después de una rueda de prensa en la que reveló el asesinato de algunos de los que encabezaban su comunidad indígena y que ella misma estaba siendo amenazada. Menos de dos semanas después asesinaron a uno de sus compañeros, Nelson García. Cuatro meses después, el 6 de julio, también fue asesinada su colega Lesbia Yabeth.

Muhammad Ali, la desaparición de un referente

El mejor boxeador de todos los tiempos aparecía cada vez menos en público. El parkinson que padecía se agravó con los años y provocó que tuviese que ir siempre acompañado a sus pocos actos con su esposa Lonnie, con la que pasó los últimos 30 años de su vida. Murió el 3 de junio por causas naturales a los 74 años, recibiendo homenajes en todo el mundo. Pero Ali no fue solo un referente en el boxeo, donde fue campeón de los Pesos pesados y medalla de Oro en los Juegos Olímpicos de Roma en 1960. Su lucha por los derechos de los negros, su conversión al islam o que rechazase ir a la guerra de Vietnam ya que no tenía “nada en contra de los Viet Cong” le llevaron a ser uno de los activistas más mediáticos e importantes del siglo XX. En una entrevista, que se hizo viral tras su muerte, resumía con humor por qué los negros eran discriminados solo por su piel.

Música y cine

La muerte de David Bowie

Fue la gran pérdida cultural de 2016. Y nada más comenzado el año, ya que el músico británico falleció el 10 de enero. Un cáncer de hígado se llevó prematuramente a Bowie, que había cumplido 69 años dos días antes. Su importancia musical está fuera de toda duda, ya que es el autor de canciones que conoce todo el mundo como Space Oddity, Under Pressure, Changes o Starman. El legado de Bowie, que estuvo desaparecido de los escenarios desde 2004, es muy amplio. Tanto que lanzó su último disco, Blackstar, en octubre de 2015, mientras trabajaba en un nuevo trabajo.

Adiós a Alan Rickman

Tenía una de las mejores voces y una dicción casi perfecta, por lo que estaba considerado como uno de los grandes en cualquier faceta interpretativa. El actor de teatro, conocido por ser el Severus Snape de Harry Potter, falleció el 14 de enero a los 69 años. Le quedaba un mes para cumplir 70 cuando un cáncer de páncreas le causó la muerte. Su último papel fue en la película Eye in the Sky, donde compartía protagonismo con Helen Mirren. Otros de sus papeles míticos fueron el de Sheriff de Nottingham en Robin Hood y el de Hans Gruber en Jungla de Cristal.

El inesperado fallecimiento de Prince

El último concierto del autor de Purple Rain fue el 14 de abril después de cancelar dos actuaciones por una supuesta gripe. El 21 de abril, los medios estadounidenses informaron de que Prince Rogers Nelson había sido hallado muerto en su casa. Su edad (57 años) y que hubiese perdido notoriedad musical motivaron que su desaparición sorprendiese incluso más. Semanas después, se reveló que murió a causa de una sobredosis de fentanilo, un analgésico muy potente.

Leonard Cohen, el último en fallecer

Por ahora, es el hecho luctuoso más reciente que ha conmocionado al mundo de la cultura. El cantautor canadiense ha muerto este 11 de noviembre a los 82 años en Los Ángeles, como ha anunciado su familia a través de Facebook. Como en el caso de David Bowie, había sacado disco poco antes de su muerte, cuando lanzó You Want It Darker en octubre. Entre su legado, canciones históricas como Suzanne, Hallelujah o Chelsea Hotel. Además, puso música un himno de la Resistencia Francesa contra Hitler. Uno de sus últimos gestos fue la carta de despedida que escribió a su musa, Marianne, a la que también dedicó otro de sus temas más conocidos.

Estoy preparado, mi señor.... Dejo la mesa, estoy fuera de juego... Buenas noches, buenas noches, mi estrella caída...

Son algunos de los versos que componen las canciones del último disco de Leonard Cohen, You Want it Darker. Publicado hace tan solo unas semanas, el álbum sonaba a adiós, una premonitoria despedida que ya avanzó en su carta a su fallecida musa Marianne: “pienso que te seguiré muy pronto”. Hasta la vista...

Las canciones del álbum están cargadas de metáforas de alguien que demuestra estar preparado para marcharse. Lo quieres más oscuro, nosotros apagamos la llama... Siento tanto ese fantasma que te hice ser... Como él murió para hacer a los hombres sagrados, déjanos morir para hacer las cosas baratas...

Es inevitable hacer un paralelismo entre los versos epitafio de Cohen y el disco epílogo de otro de los grandes de la música, David Bowie. Blackstar, el último álbum del británico antes de fallecer y lanzado tan solo dos días antes de su muerte fue “un regalo de despedida” a su público, según señaló en su día su productor Tony Visconti.

Mira aquí arriba, estoy en el cielo... Así arrancaba Lázarus, uno de los singles del disco cuyo proceso creativo coincidió en el tiempo con la batalla que el Camaleón mantuvo contra el cáncer. En el videoclip de este tema, Bowie aparece desquiciado con los ojos vendados, levitando en la cama de un manicomio, levantándose de entre los muertos. La canción terminaba con un deseo: Oh, seré libre, justo como ese pájaro. Oh, seré libre, no como yo ahora.

El tema que cierra el último álbum de Bowie, I can't give everything away, también incluía referencias a la proximidad de su muerte: Sé que algo está muy mal... con tiburones de ojos oscuros... con diseños de calaveras sobre mis zapatos.

Leonard Cohen, llegó a afirmar abiertamente en una entrevista que estaba preparado para morir. Pero después, en una de sus últimas apariciones en público, tiró de la ironía para mostrarse más optimista. “Dije recientemente que estaba preparado para morir y creo que estaba exagerando (...). Tengo la intención de vivir para siempre”.

Ambos genios vieron venir a la muerte y se abrazaron a ella de la mejor manera que sabían hacer, con sus canciones. Álbumes para decir adiós que se suman a una discografía tan enorme que les hará vivir eternamente.

La lista de colaboraciones de David Bowie con otros artistas es interminable: Lou Reed, John Lennon, Queen, Iggy Pop... Subió con muchos al escenario, pero también hizo cobras que pueden elevarse al estatus de antológicas. Esta semana, la revista musical NME publica una entrevista con el baterista de Coldplay, Will Champion, en la que el músico desvela que Bowie rechazó colaborar con su banda. “No es muy buena canción, ¿no?”, dijo al conocer la propuesta.

Coldplay no ha sido la primera banda, ni tampoco la última, en recibir un 'no' por respuesta. Unos cuantos ejemplos que demuestran que nadie, ni siquiera la mismísima Britney Spears, está libre de pecado.

Amy y la “puta broma” de cantar con Robbie Williams

Amy Winehouse siempre hizo lo que quiso y cuando quiso. La diva más joven del 'soul' de los últimos años se atrevió incluso con el amor propio de Robbie Williams, que probablemente se desinfló (solo un poco) cuando tiró a la basura la idea de colaborar con él en un tema.

Así al menos lo contó el padre de la artista en el programa televisivo 'Mitch Winehouse’s Showbiz Rant'. “Estoy un tanto preocupado por Robbie Williams. Dice que quiere hacer un disco junto a Amy. Es absurdo. De hecho, cuando se lo conté, mi hija contestó que si ”era una puta broma“.

Adele y Beyoncé, el dúo imposible

La guerra de divas no ha hecho más que comenzar. Se han dejado ver juntas en varias fiestas y galas, pero la realidad es que, en el terreno profesional, Adele pasa olímpicamente de Beyoncé. Según han publicado varios medios, la cantante estadounidense se reunió con la británica a finales de 2014 en busca de una colaboración. Pero no fue posible.

Adele, en su defensa, sigue diciendo que solo se trata de un rumor. En una entrevista que recoge Vanity Fair, asegura que nunca recibió una invitación y que, si así fuera, sería un sacrilegio rechazarla.

Britney Spears pudo ser la reina con 'Umbrella'

Puede que a día de hoy, la efímera reina del pop todavía se arrepienta de haber rechazado ser la voz de 'Umbrella', el single que catapultó a la fama a Rihanna con millones de copias vendidas en todo el mundo desde su lanzamiento en 2007. El compositor y cantante Taio Cruz se puso en contacto con los asesores de la cantante, que decidieron declinar la oferta.

“Me la devolvieron diciendo que no funcionaba para ella”, afirmó Cruz en declaraciones al diario 'Daily Telegraph'. Ese mismo año, Spears publicó su quinto álbum, 'Blackout' (2007). Fue el principio de su decadencia.

La noticia de la muerte de David Bowie además de la consternación por el fallecimiento de una estrella de la música, ha traído de vuelta la vertiente más financiera del cantante. Bowie fue un pionero en el mundo del espectáculo, pero también en las finanzas al ser precursor en los bonos de deuda respaldados por activos poco corrientes.

El cantante decidió buscar financiación en los mercados y emitió 55 millones de euros en bonos a diez años a un tipo de interés del 7,9% poniendo como garantía los royalties de sus canciones. Esto ocurrió en 1997 y Bowie abrió la veda para emisiones posteriores respaldadas por Pulp Fiction, Snoopy, torres de telefonía o franquicias de pizzería.

El funcionamiento de este tipo de activos se basa en trocear una deuda y venderla en el mercado a los inversores respaldándola con una previsión de ingresos futura y ofreciendo un tipo de interés anual a los tenedores de estos bonos. En realidad este tipos de activos tienen una estructura similar a los tradicionales (conocidos en el argot anglosajón como ABS, las siglas de asset backed securities que les identifica por tener una garantía como en el caso de una hipoteca que sería la casa) aunque las garantías son más raras y la liquidez de estos bonos es menor, por lo que para atraer a los inversores es necesario ofrecer un tipo de interés más elevado.

En inglés estos productos se engloban bajo la denominación anglosajona de esoteric, que vendría a traducirse como esotéricos, una denominación que algunos expertos aseguran que desincentiva a los inversores.

Bowie consiguió colocar toda la emisión a la aseguradora Prudential que la tuvo hasta su extinción en 2007 con la ayuda del inversor David Pullman, experto en finanzas relacionadas con el mundo de la música. Eso sí, a pesar del éxito del cantante, la evolución de sus bonos vivió fuertes vaivenes durante los años posteriores debido en parte a una alta valoración inicial y a la negativa evolución de la industria discográfica en los años siguientes por el auge de Internet que cambió el modelo discográfico tradicional. De hecho, la agencia de calificación Moody's rebajó la nota de la emisión desde un A3 hasta Baa3, un escalón por encima del bono basura.

Hubo otros artistas que siguieron los pasos de Bowie como James Brown o Rod Stewart. Incluso la banda de heavy Iron Maiden se decantó por esta fórmula que permitía a los cantantes obtener financiación pero sin tener que vender los derechos de su música y sin esperar a que se materializarán los pagos.

De Snoopy a las coladas sucias

Tras un parón en este tipo de emisiones con la llegada de la crisis, los bonos de esta categoría volvieron a repuntar en 2010. El diario The Wall Street Journal apuntaba que los inversores estaban “deseando” dejar de comprar bonos tradicionales por otros con una mayor rentabilidad con garantías inusuales como tarifas de franquicias o patentes de fármacos. Una tendencia que ha ido al alza en un entorno de tipos de interés muy bajos. Las ventas de estos activos se encontraban en agosto del año pasado en los niveles más altos desde 2008, según los analistas de JPMorgan Amy Sze, Kaustub Samant y Christy Wong citados por Bloomberg. Estos expertos estimaban cerrar 2015 con una cifra total de 25.000 millones de dólares, lo que representaría un incremento desde los 22.000 millones del año anterior.

En este contexto, Miramax decidió en 2011 financiar parte de la deuda generada por su separación de Disney mediante una emisión de bonos respaldados con los ingresos previstos por las licencias y la distribución de sus películas. De esta forma, títulos como El paciente inglés, Pulp Fiction o El indomable Will Hunting se convirtieron en garantía para una emisión de 550 millones de dólares colocados por Barclays Capital con un tipo de interés en torno al 6%.

Al año siguiente fue la empresa Iconic Brand Group la que puso a Snoopy como garantía en una emisión de 600 millones de dólares. La firma propietaria de estos dibujos animados protagonizados por Snoopy y Charlie Brown buscaba financiar la compra de la marca deportiva Umbro a Nike por 225 millones de dólares.

Menos peliculeras pero igualmente raras fueron las emisiones respaldadas, por ejemplo, por las coladas de ropa sucia. Bajo esta simplificación se encuentra la operación de la empresa estadounidense Alliance Laundry Systems que emitió 400 millones de dólares en bonos en 2015, que según explican los informes de Standard & Poor's dependía en última instancia de que la gente lavara la ropa dado que estaba respaldada por un pool de préstamos usados para financiar la compra de lavadoras.

A este listado hay que añadir las emisiones de deuda de American Tower Corp. o de Domino's Pizza que garantizaron sus emisiones con torres de telefonía o los pagos futuros de su franquicia respectivamente. En el caso de American Tower la compañía recaudó 1.800 millones de deuda en 2013 respaldados con sus torres. Dentro de esta cifra total 1.300 millones eran en deuda a diez años, algo significativo puesto que el largo plazo genera más incertidumbre a la hora de invertir. Por su parte, la firma de comida rápida, encontró en los mercados financiación poniendo como garantía la previsión de ingresos por las franquicias de la firma.